Justo cuando se cumplen dos meses del estreno de Superestar en Netflix, la artista Yurena ha anunciado que prepara el concierto “más importante” de su vida, según informa EFE.

La serie le ha devuelto a la actualidad revisitando su vida, con el sello de Nacho Vigalondo y la producción de Los Javis. Por lo que tanto la cantante como su promotora han decidido aprovechar el foco para celebrar 'YURENA: El concierto que nunca fue' - como han denominado- el próximo 23 de marzo en el Palacio Vistalegre de Madrid.

Será “un show cuidado, grande, lleno de respeto y con toda la épica que merece su carrera”, asegura el comunicado de Locamente, la compañía responsable del espectáculo y de haber reimpulsado las carreras de otras figuras como Melody y el dúo Sonia y Selena.

Y, de alguna manera, será el cierre de Yurena con su idilio televisivo, un “acto de justicia social” para recordar su faceta como cantante que es por la que siempre luchó: “Una cita única que reescribe la historia de una artista a la que la televisión convirtió en fenómeno y el tiempo, en leyenda”.

Cabe recordar que - como también muestra Superestar- Yurena se convirtió en una estrella de la pequeña pantalla a comienzos de los 2000 con el lanzamiento de la canción 'No cambié' y sus apariciones en algunos de los programas más vistos.

Cuando Los Javis se lanzaron a impulsar Superestar, la serie 'antibiopic' de Netflix sobre la cantante Yurena y el fenómeno televisivo del Tamarismo, lo hicieron con dos principales premisas. La primera para su creador, Nacho Vigalondo: que no hiciera un "Veneno 2". La segunda, para el equipo de casting, encargado una vez más por la pareja de productores a sus inseparables Eva Leira y Yolanda Serrano: que no buscasen imitadores de los pintorescos personajes reales en los que se basa la ficción. Una orden que luego se extendería a los actores que acabaron siendo seleccionados para su reparto.

“Una cosa que teníamos muy clara era no buscar a nadie que estuviera imitando a los personajes, sino que lo trabajasen desde la esencia, la emoción o desde otro punto de vista. Para mí el tono de esta serie era muy complicado, porque no es Veneno, no es irte a una cosa dramática emocional, que también es muy difícil de hacer”, empieza diciendo Claudia Costafreda (Cardo), directora de Superestar junto a Vigalondo.

Según la responsable, esta “tenía que ser una fantasía pero sin ser frívolos, y a la vez con momentos muy extremos y con mucho humor”: “Había que ir colocando estas piezas mientras construíamos la historia y acabamos entrando en el código de manera intuitiva con el paso de las semanas”, explica la realizadora a verTele en una entrevista que tuvo lugar durante una visita al rodaje junto a todos los actores de la ficción.

'Superestar' y el reto de sortear la parodia

Esa premisa interpretativa de evitar a toda costa la parodia se convirtió desde el primer momento en un gran reto para todo el elenco, empezando por su principal protagonista Ingrid García-Jonsson, actriz que fue elegida para encarnar a Tamara (aka Ámbar, aka Yurena) tras superar “bastantes pruebas” de casting: “Siento mucha presión porque no la quiero fallar. Quiero que esté orgullosa y quiero que se sienta vista y entendida. Y no quiero que sienta que la estoy imitando de una manera así como burda”, expresa preocupada la joven, en una idea compartida con sus colegas de proyecto.

“Yo en ningún momento he pensado en la caricatura. Siempre he encarado esta serie casi desde la tragedia, aunque luego haya momentos en los que te mueres de risa. Pero es la tragedia de unos personajes en medio de un circo de una España muy extraña, era el año 2000 y parecía como la posguerra. ¿De dónde venimos que necesitamos todavía monos de feria de los que reírnos? Por eso nunca se ha encarado desde el cachondeo, ni la parodia, ni la burla. Creo que por ese miedo de que han tenido tantos imitadores, y se han burlado tanto de ellos, que había que encararlo desde un sitio dramático real”, reflexiona Secun de la Rosa, que da vida a un magistral Leonardo Dantés.

Julián Villagrán, el polémico Arlekín de Superestar, coincide con su compañero, desvelando que para todos los integrantes del reparto este punto ha sido “el más delicado”: “Había que encontrar un término medio entre acercarse al personaje, a la energía que tiene, a la manera de hablar y a las expresiones, sin perder la verdad e incorporándolos también a uno mismo. ”La complicación es esa“, reconoce el gaditano, al que se suma un Carlos Areces que confiesa haberse sentido ”un poco perdido“ en algunos momentos a la hora de encarar su interpretación del recordado Paco Porras, otra de las figuras claves de todo aquel delirante universo que mantuvo a la audiencia pegada a la pantalla a comienzos del milenio.

“Yo a lo mejor vengo con el texto preparado de una manera y de repente Nacho [Vigalondo] me dice: 'No, quiero que esto sea cine mudo. Quiero que te vengas arriba'. Entonces, de repente quiere una gestualidad muy visceral, muy extrema, y ahí ya te estás alejando de la imagen real. Pero al final el que tiene toda la serie en la cabeza es él y cuando luego he visto las imágenes, pues claro, funcionan. Esta serie tiene muchas licencias y para mí eso es parte de la gracia”, defiende el madrileño, consciente de que al cineasta “no le puedes imponer un biopic convencional”. “Le da mucha más importancia a que la imagen y la secuencia quede épica que a ningún tipo de imitación del personaje”, añade Areces.

El trabajo de caracterización, clave en 'Superestar'

Y si bien Superestar no buscaba la imitación pura de esas extrañas estrellas televisivas desde la interpretación actoral, sí que puso toda la carne en el asador para evocarlas desde su imagen física. Es ahí donde entra el brillante trabajo de caracterización de la serie, favorecido de las particularidades que cada uno de estos personajes presentaba ante las cámaras. “La caracterización nos ayuda muchísimo, nos coloca mucho en el proceso”, afirma Pepón Nieto. El actor que hace de Tony Genil en la ficción pone así en valor a un equipo de maquillaje, peluquería y vestuario formado por unas 40 personas.

“La verdad es que se lo han currado muchísimo. Y es sorprendente porque no tuvimos una preparación muy larga hasta donde han conseguido llegar con los personajes a través del maquillaje, del vestuario y todo el curro de arte. Han hecho una inmersión en la época y en los personajes brutal”, valora Ingrid García-Jonsson, desvelando que todo el proceso de caracterización hasta que se creaba la magia y aparecía Tamara -lo mismo para el resto de actores- duraba un total de tres horas en cada jornada de rodaje. “Yo lo sufro mucho pero creo que merece la pena. Hay algo como de tener esa impronta de los personajes ya estando callados y quietos. Eso te coloca y te ayuda mucho también, ayuda mucho a la hora de hacer imaginar al espectador”, expresa la actriz.

Para Natalia de Molina esa transformación física “fue un shock”. La intérprete de Loly Álvarez nunca antes había trabajado con este tipo de 'metamorfosis': “He de decir que al principio me daba mucho miedo la caracterización tan bestia, me preocupaba nortarlo demasiado o sentirme tan rara que me costase estar en personaje. Pero no, no se nota nada y el trabajo que hacen es impresionante. Cuando me la quitan digo: 'Ya está, ya se fue'. Ahora siento que ya forma parte de mí totalmente. Es increíble”, apunta.

Cada actor, cara a cara con su personaje sin prejuicios

Cuenta Claudia Costafreda que el proyecto contó con una investigadora: María Zuil, periodista que guionizó también junto a Marc Pujolar Sigo siendo la misma, el recomendable documental que Netflix ha lanzado en paralelo al estreno de Superestar y que muestra 'la foto real' de los hechos narrados en la serie junto a sus verdaderos protagonistas. Con ellos se reunió Zuil durante horas para entablar “larguísimas conversaciones” sobre todo lo que vivieron en aquel delirio catódico del Tamarismo y de las cuales quedó “un documento con cientos de páginas” que ayudaron a poner en pie la ficción.

Pero la investigadora no fue la única que pudo plantarse cara a cara con los personajes reales del fenómeno. Los responsables de Superestar quisieron que los propios actores se sentasen frente a frente con ellos, con el objetivo de profundizar en su pasado y así tratar de entenderlos. “A mí me vino bien conocerlo”, señala Pepón Nieto sobre Tony Genil. “Fue quitarme una imagen que uno tenía viendo aquellas cosas y del recuerdo de haberlo visto en los programas”, explica el actor, que asegura que, no obstante, nunca tuvo “prejuicios” hacia ellos.

“El prejuicio habría que tenerlo sobre qué tipo de televisión hacía eso. Qué tipo de programas y qué tipo de presentadores, el tema Cárdenas y todo eso, que me parecía terrible, eran capaces de buscar personajes que a lo mejor no estaban demasiado bien y ponerlos ahí y reírse de ellos. Hacerles putadas y esa cosa de 'vamos a reirnos del tonto del pueblo'”, dice muy crítico Nieto. “Va a ser muy interesante para la gente, cuando vea la serie, ver que estos personajes tenían muchísimas cosas detrás que no nos habíamos planteado. Invitará a no quedarse en la superficie sino indagar por qué hacían lo que hacían”, opina Natalia de Molina.

Quien sí que llegó a Superestar con la mirada limpia fue Rocío Ibañez, la desconocida actriz que borda a la inseparable 'madre coraje' de Tamara, Margarita Seisdedos: “Yo no conozco a nadie, no veía esos programas ni nada”, asegura la intérprete, que explica que su proceso actoral pasó por imaginar “de lo que sería capaz mi madre por luchar por mí”. Con ello, y entregándose confiada a las directrices de Vigalondo, logró “hacer el chip y parece que funciona”: “Me pedían mucha energía, sobre todo en la mirada y en el genio. Lo que pasa es que me emociono y me sale sola. A veces de más y me dicen: ¡Joder, sí, frena!”, recuerda con humor la más veterana del reparto.

Junto a Ibañez, Ingrid García-Jonsson ha conseguido plasmar y explicar los motivos de esa especial relación que la cantante ahora conocida como Yurena mantenía con su madre. Eso, y hacer justicia a un personaje, el de Tamara, del que la actriz destaca su “dulzura”, su “vulnerabilidad” y “la mirada tan limpia que tiene”: “Conocerla me dio mucho respeto porque genera mucha presión. Pero en el momento en que la conozco le tomo más cariño todavía. Entra como un factor personal ahí de no querer defraudarla con las escenas”, considera la intérprete, que admite que coincidir con ella en rodaje le dio “más fuerzas para seguir peleando por el personaje que yo creo que tengo que hacer”. Viendo el resultado, Ingrid García-Jonsson puede estar más que tranquila.

Nacho Vigalondo reconoce que la primera vez que pensó en hacer una película sobre el Tamarismo fue durante su etapa universitaria, en pleno apogeo del fenómeno televisivo con la cantante ahora conocida como Yurena, durante una conversación con su ya entonces compañero Borja Cobeaga en la que ambos cineastas imaginaban cómo trasladar a la pantalla todo aquel delirio catódico. La oportunidad le ha llegado más de 20 años después gracias a Superestar, serie estrenada este viernes en Netflix y que llegó a sus manos por encargo de Los Javis, sus productores a través de Suma Content.

“Tengo que decir que ni en mis sueños más endemoniados podía imaginar que hubiera podido desembocar en algo como esto, en algo como lo que hemos hecho”, declara Nacho Vigalondo a verTele en una entrevista celebrada durante una visita al rodaje de la serie. En ella, pone en valor “la libertad” que Javier Calvo y Javier Ambrossi le dieron desde el primer momento para implementar a la ficción su propio sello de autor, con una contundente premisa a cumplir: “Me dijeron: No hagas Veneno 2”, recuerda, destacando “el alivio” que sintió, ya que “se evidenciaría que no soy capaz de hacerlo tan bien como ellos”.

Esto explica la decisión de alejar Superestar de cualquier referente anterior, tal y como desgranamos en nuestra crítica, especialmente del de la mencionada Veneno en la que todo el mundo pensó una vez se anunció el proyecto y se conocieron sus principales ingredientes: que era una serie aparentemente biográfica, basada en unos personajes -sobre todo el de Tamara, Ámbar, Yurena- a los que la televisión utilizó y exprimió hasta sus últimas consecuencias y con el impulso de Los Javis. “Cuando gente con una fuerte identidad autoral producen a otros, casi parece que están haciendo las versiones recalentadas de sus pelis”, reflexiona el director, que comparte labor tras la cámara con Claudia Costafreda (Cardo).

Vigalondo justifica así el uso, entre otros recursos, de la ciencia ficción, elemento muy presente en su labrada filmografía y que esta vez usa para distanciar la historia y, de paso, evitar posibles comparaciones: “Yo creo que tampoco sería justo que equiparáramos personajes solamente porque parezcan la cara B de la cultura reciente”, añade el responsable, cuya serie sí encuentra puntos en común con Veneno en las recreaciones de los delirantes momentos televisivos que protagonizaron Yurena, Paco Porras y el resto de su cuadrilla, y que el creador analiza en el siguiente vídeo al que verTele ha tenido acceso en exclusiva.

Nacho Vigalondo, que asegura respetar el Tamarismo por su caracter “irrepetible” y por su componente “desafiante para el establishment”, aclara por qué huyó del biopic tradicional en su objetivo de hacer “justicia poética” sobre este universo: “El esfuerzo de entender a los personajes, desde la subjetividad absoluta, desde la fantasía, desde la magia, o incluso diría que desde la ciencia ficción, ha sido un impulso más poderoso que el de reconstruir una supuesta verdad que compartan todos y que sea objetiva y que sea inamovible. Yo creo que hacer algo así sería algo mucho más aburrido que el fenómeno en el que nos inspiramos. Entonces yo creo que no había otra manera de hacerlo”.

¿Cómo definirías la narrativa de 'Superestar'?

Es un caleidoscopio. La serie está fragmentada a través de varios puntos de vista. No es una serie con la cronología habitual, no es una serie cuya trama empieza en el primer segundo del capítulo uno y acaba en el último del seis, sino que juega con puntos de vista y con diferentes cronologías. O sea, que vamos ahí para atrás y para adelante.

Y cada capítulo está centrado en cada personaje protagonista...

Sí, hasta el punto de que creo que hay capítulos que se contradicen entre sí. Bueno, de igual manera que se contradicen las historias, por supuesto, es así. Digamos que hay un fervor por intentar entender a cada uno de los personajes. Se oye mucho lo de si vamos a hacer justicia a según quién. No puedo prometer que hagamos justicia, pero puedo asegurar que haremos justicia poética. El esfuerzo de entender a los personajes, desde la subjetividad absoluta, desde la fantasía, desde la magia, o incluso diría que desde la ciencia ficción, ha sido un impulso más poderoso que el de reconstruir una supuesta verdad que compartan todos y que sea objetiva y que sea inamovible. Yo creo que hacer algo así sería algo mucho más aburrido que el fenómeno en el que nos inspiramos. Pienso que no había otra manera de hacerlo.

Imaginad que del Tamarismo hacemos un psicodrama urbano, o algo grisáceo, o algo kitsch sin más. Yo creo que el fenómeno fue algo mucho más que lo que tiene de componente kitsch. Para mí el Tamarismo no es solamente kitsch, también es algo completamente desafiante para el establishment en muchos sentidos. Yo diría que es algo perfectamente punk, es lo más parecido al punk británico que hemos tenido aquí en España. Y no estoy ironizando. De hecho, tendría menos respeto al Tamarismo si se hubiera dado otra vez, o si fuera un fenómeno que se repitiera cada equis tiempo. Pero es que no ha vuelto a pasar. Ni había pasado antes ni volverá a pasar, con lo cual, lo miro con cierto respeto.

Es la magia también del fenómeno, que no pueda volver a repetirse...

Pero habría que preguntarse por qué no puede volver a repetirse, por qué no puede darse la vuelta la tortilla y que el underground se convierta en mainstream de alguna manera. Es como si, en una película, los personajes que están condenados a ser alivio cómico de repente se vuelven protagonistas, que es lo que pasó durante un lapso de tiempo en España. Y no podemos pretender entenderlo hasta el punto de poder explicarlo, pero hacemos lo posible.

Es tentador pensar que era todo parte de un plan, pero tengo que decir que, habiendo conocido a los protagonistas, no me queda nada claro.

Nacho Vigalondo — Creador de 'Superestar'

¿Y tienes alguna respuesta a ese por qué?

Bueno, estamos en la época de Internet e Internet ya no es un río, es un océano que estamos atravesando y que quizá no terminemos de atravesar nunca. Y estamos en la época en la que nos resulta muy fácil decir que algo es fake. Y, desde esa suspicacia, nos resulta muy fácil creer que en cuanto sucede algo extraordinario eso es que está pensado y que está meditado. Es como cuando alguien es cancelado en redes y siempre hay alguien que dice: “No, no, eso es publicidad, eso es una técnica para hacerse rico”. Y sí que entiendo que haya gente que pueda pensar que los personajes que pertenecían al Tamarismo o al 'culebrón', como lo llamaban ellos, estaban llevando a cabo una obra de teatro situacionista que tenían preparada en privado. O que estaban estableciendo un plan, como si fuera un golpe de Ocean's Eleven, para copas titulares y repartirse exclusivas. Es tentador pensar que era todo parte de un plan, pero tengo que decir que habiendo conocido a los protagonistas no me queda nada claro. De hecho, creo que en la serie dejamos claro que no nos queda nada claro.

¿Creaste la serie estando en contacto con los personajes reales?

Sí, y gracias a Los Felices 20, que es un programa que tenía en Orange, y lo puedes ver en YouTube, tuve la ocasión de conocer a Tamara y a Leonardo Dantés. Ahí tuve un primer contacto con ellos. De hecho, tengo que decir que también mi trabajo al escribir es heredero directo de la entrevista con ellos. Los dos han sido muy fluyentes en las cercanías.

¿Cuándo empezó tu fascinación por este universo?

El ofrecimiento, el mapa, me lo plantean los Javis. Pero tengo que decir que, en tiempos de la uni, en los tiempos universitarios en los que uno está locurando qué series hacer y qué películas hacer (aunque entonces no se pensaba en series todavía, era todo películas), me atrevería a decir que fue con Borja Cobeaga, que fuimos compañeros, con quien dijimos: ¿Te imaginas hacer una película que contara las vidas de estos personajes, una película de Tony Genil, de Leonardo Dantés, de Tamara, de Arlekín, etcétera, etcétera? Y que fuese como Magnolia, de Paul Thomas Anderson, y que tuviera como ese sentido de la importancia, esa solemnidad y esa ambición formal y esa... posiblemente esa pedantería. O sea, que ahí había ya algo flotando. Pero tengo que decir que ni en mis sueños más endemoniados podía imaginar que hubiera podido desembocar en algo como esto, en algo como lo que hemos hecho.

Más allá de la idea en sí, ¿qué es lo que más te atrajo del proyecto para aceptar formar parte de él?

Pues mira, que con los Javis siento una complicidad creativa total. Con ellos me siento más entendido imposible y lo que me ofrecieron desde un principio fue libertad. Me dijeron: “Vamos a hacer una propuesta y confiamos en ti”. Y una cosa que me dijeron fue: “No hagas Veneno 2”. Y para mí fue un alivio, porque si yo intentara hacer Veneno, es decir, si intentara hacer una serie a la manera de Los Javis, lo único que se evidenciaría es que no soy capaz de hacerlo tan bien como ellos. Me quedaría en un segundo término y sería malo para todos. O sea, malo para mí y malo para ellos porque hubieran cometido el error de producir unos sucedáneos de su obra, ¿no? Que es una cosa que pasa mucho. Cuando autores o directores con una fuerte identidad autoral producen a otros, casi parece que están haciendo las versiones recalentadas de sus pelis. Y claro, ellos fueron tajantes: “Haz algo que sea muy diferente y que no recuerda a otra cosa”. Y tengo que decir que la libertad que hemos sentido al respecto ha sido abrumadora.

Siendo un autor abonado a la ciencia ficción, he dicho: ¿Cómo voy a separarme de 'Veneno'? Pues metiendo ciencia ficción, está clarísimo.

Nacho Vigalondo — Creador de 'Superestar'

¿Y cómo logra uno distanciarse de un referente tan claro como ese?

Claudia [Costafreda] y yo hemos trabajado codo con codo y creo que cada capítulo tiene unas ambiciones distintas. De hecho, cada capítulo puede ser una película aparte. Yo, por ejemplo, siendo un autor abonado a la ciencia ficción, he dicho: ¿Cómo voy a separarme de Veneno? Pues metiendo ciencia ficción, está clarísimo. Eso era lo que le faltaba a Veneno. Era lo único que le faltaba, porque tenía todo lo demás, un componente de ciencia ficción. Y aquí está de lleno. Eso ya es bastante.

Y luego tampoco puedes plantearte que una historia, por el mero hecho de que esté imbricada en la cultura popular reciente española, tenga que merecer el mismo tratamiento o parecerse una cosa a la otra. Yo creo que la historia de Veneno y la historia de estos personajes son historias con una connotación muy distinta, con un significado muy distinto y con una gravedad muy distinta. Yo creo que tampoco sería justo que equiparáramos personajes solamente porque parezcan la cara B de la cultura reciente, y porque parezcan vivir en los márgenes, o porque tengan identidad queer, que se da en los dos casos.

Pero es verdad que ambas tienen en común esa reflexión sobre cómo la televisión se aprovechó de estos personajes para sacar rédito...

Bueno... esa es una de las cosas de las que hablaba Veneno. Yo creo que con estos personajes, en este caso, tanto con Dantés como con Tamara, como con todos los demás, lo que no me hubiera gustado es victimizarles y convertirles en víctimas de los medios y la televisión de la época. Porque en este caso concreto creo que los personajes tienen un grado de complejidad mayor. Y de complicidad también. Son más complejos que pobres desdichados. Porque Veneno tenía muchas desventajas. Ella era joven, era bella, era explotable, era un producto de consumo que se quiso devorar en su momento.

Y aquí estamos hablando de gente que tiene cierta edad y que es un poquito sinvergüenza, pero a los que tampoco queremos llamar sinvergüenzas. Queremos observar sus distintas facetas. Hay un personaje, no os diré quién, que está duplicado en esta serie. Porque tiene mucho que dialogar consigo mismo y, evidentemente, una de las dos mitades es la que ansía ser reconocido desde las cumbres de la cultura y el otro es el rufián que quiere dar el cante en televisión. Es como El club de la lucha o Jekyll y Mr. Hyde. Es lo mismo, aquí tenemos uno igual. Creo que es más interesante deformar la realidad para que los personajes puedan abrirse a sí mismos desde diferentes facetas que no tirar un relato maniqueo en el que todos son víctimas o todos son estafadores.

¿Para ti era importante que los actores huyesen de la imitación medida por el miedo a caer en la parodia?

En un principio, los imitadores tendrían todas las papeletas para interpretar en el cine: son dúctiles, son maleables... Pero imitar tiene un peligro, que es que, una vez que se produce una imitación perfecta, es como una pantalla, no ves más. Una vez que alguien imita a la perfección a alguien es más un esfuerzo atlético o el desarrollo de una habilidad, más allá de las actuaciones puras y duras. A veces, el peligro de imitar muy bien a alguien es que empiezas a admirar la imitación y no eres capaz de percibir que hay un personaje detrás.

Yo creo que a los personajes hay que evocarlos más que reproducirlos. Porque si hacemos como en Hollywood, con esfuerzos titánicos para que el parecido sea absoluto y asombroso, al final es un poco como hacer una catedral con palillos. Es más bonito llegar a otros territorios que son igual de efectivos o más efectivos si quieres. Porque, por ejemplo, hay que preguntarnos: ¿A quién queremos ver: a Paco Porras o al Paco Porras de Carlos Areces? Porque no son lo mismo. Y lo bonito es que tienes a los dos disponibles en diferentes ventanas. ¿Para qué vamos a ansiar tener a Paco Porras cuando sabemos que es imposible? Es completamente imposible, inalcanzable.

Por ejemplo, yo viví esto de que luego la gente lo percibe como una imitación perfeccionada o detallista cuando era un juego de detalles o una evocación. Me pasó con la serie de Berto. A mí se me ha dicho que yo he imitado a Iker Jiménez como si hubiera estudiado el personaje al dedillo y en realidad no, no ha sido así. Era una combinación de tics, de dejes y de aspectos, no era tanto una imitación sino, como he dicho, una evocación. O una invocación incluso.

No sé si los jóvenes tienen la responsabilidad de humanizar a personajes que fueron maltratados por los medios y por el público de la época

Nacho Vigalondo — Creador de 'Superestar'

¿Cómo crees que van a descodificar las nuevas generaciones a estos personajes del Tamarismo? ¿Crees que pueden ser los jóvenes los que reestablezcan un poco ese lado más humano?

Nuestra intención no es humanizar, es entender. Entender por qué lo hicieron y quiénes eran. Y ofrecer una perspectiva de cómo pudo ser esto. Por supuesto, desde las luces y las sombras. No sé si realmente las jóvenes generaciones tienen la responsabilidad de humanizar a personajes que fueron maltratados por los medios y por el público de la época. No lo sé, sinceramente. Pero sí me gusta exponer las nuevas generaciones a un sueño de heterogeneidad, a un sueño de caos y a un sueño de anarquía que creo que, y me pongo en plan abuelo apocalíptico, hoy en día es más lejano. Creo que en el audiovisual se produce cada vez más una cantidad ingente de material en comparación con lo que se producía en los 90, pero la heterogeneidad ha bajado.

Hay unas constantes muy presentes y hay pocas voces que se distinguen. Las ciudades se parecen entre sí cada vez más. Incluso las ciudades pequeñas ya se parecen entre sí de un país a otro. Y cada vez es más difícil acceder a algo que podemos entender como lo underground. Que es una cosa que, a lo tonto, ha pasado por dentro de nuestras narices. Hace poco parecía que Internet iba a ser un sueño de diversidad, un sueño de contrastes, y está homogeneizando las formas de expresión, está homogeneizando las formas de diversión incluso. Entonces, contar que hace poco todo se puso patas arriba y nadie entendía nada me parece una cosa muy saludable. Yo incluso me quedaría conforme.

Lo cierto es que todos estos personajes ya formaron parte de una película, supuestamente de forma involuntaria, en aquella 'FBI: Frikis buscan incordiar' de Javier Cárdenas en las que eran sometidos a una bromas de cámara oculta.

Bueno, de forma involuntaria no. Era una película de cámara oculta pero se notaba de lejos que estaban todos en el ajo. Eso no está en la serie, no hacía falta, no era necesario para completar el relato. Y la película está para quien quiera verla, la película se explica a sí misma. Tengo que decir que a la hora de reproducir espacios comunes de esos personajes en el audiovisual, y a la hora de reproducir los platós que frecuentaban, no hemos ido por lo esperable. Hemos recreado al dedillo platos de televisión, platós de canales de tele local, cosas que nadie sabe que existió. Los hemos reproducido al detalle como si fuera un espacio soñado. O sea que sí que hemos reconstruido partes de la época, pero en concreto la película FBI creo que merece ya su rincón aparte. La odio, la odio.

Dejémoslo claro desde el principio: Superestar no es un biopic sobre Yurena. Si alguien creía que la serie creada por Nacho Vigalondo e impulsada por Los Javis para Netflix iba a ser un retrato fidedigno de todos los entresijos que se escondían tras el irrepetible fenómeno del 'Tamarismo' desatado en los 2000, con el salto a la fama de la cantante entonces llamada Tamara y el peculiar escuadrón de celebridades que la acompañaban por los platós de la televisión, sentimos decir que estaba muy equivocado.

La ficción, que se estrena este viernes 18 de julio en la plataforma, se presenta como una sublimación del delirio freak de todo aquel universo, donde la línea entre la realidad y la fantasía se diluye como lo hacía la de los propios testimonios y aventuras con las que estos 'avengers' del undreground español dejaron pegados a los espectadores a las pantallas durante los primeros años del milenio. La mera elección de Vigalondo como artífice de la serie ya hacía presagiar que no nos encontraríamos ante una biografía convencional, pues su filmografía está plagada de títulos en la que los conflictos humanos cotidianos son contados a través del thriller, el humor negro y, por supuesto, la ciencia ficción.

Todos estos ingredientes están presentes en Superestar, que, protagonizada por una Ingrid García Jonsson calcada físicamente a la original, funciona como una suerte de “caleidoscopio” -así lo define también el mismo director- con un resultado global (y particular en cada uno de los seis episodios que la conforman) que no es fácil de asimilar. Pero esto no es algo realmente negativo, al menos para aquellos que se atrevan a asomarse con la mente abierta a un producto que no es precisamente comercial.

Es más, esta arriesgada fórmula quizá haya sido la manera más inteligente -o la única que propusiera un 'extra' interesante- de traer a nuestros días aquella alucinación catódica todavía hoy difícil de superar. Tal vez no hubiera mejor forma que esta de relatar una historia cargada de contradicciones, acusaciones cruzadas y muchos muchos interrogantes. ¿Cómo llegaron los protagonistas del 'Tamarismo' a colarse en la televisión? ¿Por qué aquellas personas aparentemente procedente de los márgenes generaban tanto magnetismo entre el público? ¿La tele se aprovechó de ellos o fue una simbiosis que contó con la connivencia de estos 'outsiders' interesados en el foco mediático?

“Para contestar a todas las preguntas tendremos que mentir”, asegura Nacho Vigalondo, que interpreta a un alter ego de Xavier Sardá, presentador del Crónicas Marcianas en el que Tamara y su cuadrilla fueron descubiertos, en uno de los totales a cámara con los que el cineasta rompe la cuarta pared para introducir cada capítulo. Una relexión sobre la verdad y la mentira de los relatos en la que el cántabro redunda en cada una de las entregas y que planea en la serie de principio a fin para que cada quien saque sus conclusiones. La más clarividente y con la que el director juega, haciendo gala de su amplio arsenal creativo: que todo depende del punto de vista desde el que se cuenten.

'Superestar', un rompecabezas con referencias cinematográficas

En Superestar, el relato es manoseado por Vigalondo hasta el extremo, diseccionándolo y deformándolo para convertir cada episodio en un puzzle que, unido al del resto de entregas, construye un gran rompecabezas que el espectador debe intentar resolver. Para ello, el cineasta -al que acompaña en la dirección Claudia Costafreda (Cardo)- utiliza todo tipo de recursos, con saltos temporales, desdoblamientos de personajes, metanarraciones, metáforas e hipérboles, pasajes oníricos o incluso puntos de vista múltiples, entre tantos otros, que enriquecen la narración, eso sí, exigiendo al público un esfuerzo añadido durante el visionado.

La serie acierta al centrar prácticamente cada capítulo -menos uno, que es compartido- en cada uno de los siete personajes protagonistas, a los que imbrica en su propio mundo particular dentro del total de la historia que les une. Siete celebridades que encabezaron ese insólito fenómeno dosmilero y a los que dan vida un reparto de altura: Secun de la Rosa (Leonardo Dantés), Carlos Areces (Paco Porras), Natalia de Molina (Loly Álvarez), Pepón Nieto (Tony Genil), Julián Villagrán (Arlekin) y Rocío Ibañez (Margarita Seisdedos), además de la mencionada Ingrid García Jonsson en la piel de Tamara aka Ámbar aka Yurena y un ejército incalculable de cameos pop, sello ya del 'universo cinematográfico' de Los Javis, que harán las delicias de muchos.

Con un gran nivel interpretativo que, en general, huye voluntariamente de la parodia para que cada actor proponga su representación de estos insólitos individuos, Superestar va dando voz a las distintas versiones de todos ellos sobre unos mismos hechos. Y lo hace a través de viajes individuales plagados de referencias cinematográficas y literarias que quedan patentes en el título de los mismos episodios: desde El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr Hyde que duplica a Leonardo Dantés para plantear la coexistencia del biel y el mal dentro de su persona; a la Carretera Perdida de David Lynch en la que Arlekin y Loly Álvarez, tras un juego de identidades, se terminan accidentando; pasando por el neo-western Quiero la cabeza de Alfredo García para plasmar la codicia y el costo de la moral de Paco Porras, y su cinismo y astucia en su lucha por el poder y por defender su controvertido sentido de la justicia.

La serie, cuyos desvaríos hacen funambulismo sobre una delgada línea entre la genalidad y la absurdez, se pierde en algunos momentos en sus delirios, en un exceso de experimentación en los que sus personajes quedan deshumanizados. Sin embargo, ocurre totalmente lo contrario cuando el equilibrio entre lo 'real' y lo fantasioso aparece en su justa medida, especialmente en el arranque y desenlace de la ficción.

Por un lado, en ese entrañable piloto que explica la estrecha relación entre Margarita Seisdedos y su hija, a la que sobreprotege de forma incondicional al verla -literalmente- siempre como una niña. Una primera entrega que usa 'la crisis del ladrillo' para dotar de realismo mágico la mítica leyenda urbana del ladrillo en el bolso con el que la madre de la cantante la defendía de reporteros y enemigos, y para ubicar temporalmente la 'caída' de la figura mediática de Tamara, tras casi un lustro en la primera línea de la farándula, en aquellos años de la burbuja inmobiliaria.

Por otro, en los dos últimos capítulos con los que Vigalondo termina de poner el broche a su propuesta. En el quinto, la gran joya que esconde Superestar, el creador coloca a Tony Genil y sus compañeros como protagonistas de una particular versión de las Luces de Bohemia de Valle Inclán, con el grupo deambulando por los rincones más sórdidos de la noche madrileña. Todo ello, previo paso por un Callejón del Gato en el que, a través de sus famosos espejos, se pone de manifiesto el paralelismo que la serie propone entre su historia y la del emblemático esperpento del dramaturgo, que utilizaba la distorsión de la realidad para intentar mostrar la verdad en su capa más profunda.

En el sexto y último, se alude a La balada de Cable Hogue para colocar a Tamara como vagabunda de su propio desierto vital tras ser traicionada por los que fueran sus compañeros de andanzas televisivas. Superestar, que plantea un desboblamiento de la protagonista que se antoja ciertamente repetitivo tras el visto previamente con Dantés, termina enfrentando a Yurena a un debate consigo misma sobre su destino con el que acaba poniéndola en valor, haciendo justicia con su trayectoria aunque este no fuese el objetivo primero de su artífice.

“No puedo prometer que hagamos justicia, pero puedo asegurar que haremos justicia poética. El esfuerzo de entender a los personajes, incluso desde la subjetividad absoluta, desde la fantasía, desde la magia, incluso diría que desde la ciencia ficción, ha sido un impulso más poderoso que el de reconstruir una supuesta verdad que compartan todos y que sea objetiva y que sea inamovible. Yo creo que hacer algo así sería algo mucho más aburrido que el fenómeno en el que nos inspiramos”, declara a verTele Vigalondo.

Tras su visionado, podemos concluir que lo ha conseguido, pues este antibiopic de Tamara se erige como una de las series españolas más arriesgadas de Netflix que, a buen seguro, dividirá a la audiencia. ¿Quién tendrá la razón? Pues dependerá, como no, del punto de vista.

Netflix ha lanzado este jueves el tráiler de Superestar, su esperada serie basada en el boom televisivo de la cantante Yurena que verá la luz el próximo 18 de julio en la plataforma. “Vuelve el Tamarismo”, promete el avance de la ficción creada y dirigida por Nacho Vigalondo y producida por Javier Ambrossi y Javier Calvo.

El reparto está compuesto por Ingrid Garcia-Jonsson en la piel de Tamara, Secun de la Rosa como Leonardo Dantés, Carlos Areces como Paco Porras, Julián Villagrán como Arlekín, Natalia de Molina como Loly Álvarez, Pepón Nieto como Tony Genil, Rocío Ibáñez como Margarita Seisdedos y Sofía González en el papel de Tamarita.

Esta miniserie contará con 6 episodios dirigidos por Nacho Vigalondo y Claudia Costafreda (Cardo) y ha sido escrita por Nacho Vigalondo, María Bastarós, Paco Bezerra y Claudia Costafreda. La producción corre a cargo de Suma Content y cuenta con Javier Ambrossi y Javier Calvo (Paquita Salas, La Mesías) como productores.

Así es la sinopsis de 'Superestar'

Con el cambio de siglo un cometa atravesó el cielo de España desmontando las leyes de la fama y el éxito, desintegrando la frontera entre lo popular y lo underground. Durante un par de años las portadas y las horas de prime time fueron conquistadas por famosos de otra dimensión. Criaturas que hasta entonces parecían condenadas a la burla y el desprecio y que acapararon nuestra atención sin adaptarse a ninguna normalidad. Un relato mágico donde caben conspiraciones esotéricas, noches eternas, ladrillos cuánticos, supervillanos multicolores y una improbabilidad hecha estrella: Tamara.

Superstar gira en torno a los comienzos artísticos de la cantante Yurena, que se dio a conocer como Tamara, un fenómeno que se convirtió en un auténtico icono popular del inicio de la década de los 2000 tras el lanzamiento de la canción No cambié y de su posterior álbum Superestar. Es la reimaginación del Tamarismo desde el corazón de sus protagonistas y de la propia mente de su creador Nacho Vigalondo.

Después de producir la serie musical de Atresplayer Mariliendre, Los Javis dan pie a rescatar a uno de los personajes más surrealistas de la cultura pop española en la nueva serie que se encargan de producir: la vida de la cantante Yurena, como hará la ficción Superestar. Un proyecto del que hay noticias desde finales de 2023, y cuyo rodaje pudo visitar verTele en octubre de 2024, pero que se ha dilatado en el tiempo hasta tener, por fin, día de lanzamiento.

Netflix ha anunciado este jueves 5 de junio la fecha de estreno de la serie creada y dirigida por Nacho Vigalondo, que llegará a la plataforma el viernes 18 de julio. La ficción, que sigue la vida de la artista que se dio a conocer con el nombre de Tamara, y posteriormente con el de Ámbar, no es un biopic al uso, sino una reinterpretación libre, llena de humor y emoción, que pondrá el foco en una época donde la televisión basura reinaba y crecían figuras como la de Yurena.

Además de ponerle fecha de estreno, Netflix también comparte nuevas fotografías oficiales en las que puede verse a la protagonista Ingrid García-Jonsson metiéndose en la piel de la auténtica Yurena, en un universo rodeado por otros personajes como Tony Genil (Pepón Nieto), Leonardo Dantes (Secun de la Rosa), Margarita Seisdedos (Rocío Ibáñez), Paco Porras (Carlos Areces), Arlequín (Julián Villagrán) y Loly Álvarez (Natalia de Molina).

Sinopsis de 'Superestar'

“Con el cambio de siglo un cometa atravesó el cielo de España desmontando las leyes de la fama y el éxito, desintegrando la frontera entre lo popular y lo underground. Durante un par de años las portadas y las horas de prime time fueron conquistadas por famosos de otra dimensión. Criaturas que hasta entonces parecían condenadas a la burla y el desprecio y que acapararon nuestra atención sin adaptarse a ninguna normalidad. Un relato mágico donde caben conspiraciones esotéricas, noches eternas, ladrillos cuánticos, supervillanos multicolores y una improbabilidad hecha estrella: Tamara”.

Continúa el rodaje de Superestar, la serie de Netflix sobre Yurena y los personajes que la acompañaron en su salto a la fama. Durante los últimos días, el equipo ha estado grabando en Santurtzi, la localidad bilbaína en la que vivió María del Mar Cuena Seisdedos, conocida como Tamara hasta que se convirtió en Yurena.

Mientras tanto, uno de los actores ha compartido la primera imagen de lo que se verá en pantalla cuando esté acabada la serie que dirige Nacho Vigalondo con la producción de Javier Ambrossi y Javier Calvo (La Mesías y Veneno).

Secun de la Rosa (que interpretará a Leonardo Dantés) ha difundido en las redes sociales un fotograma de la recreación de una de las escenas más recordadas de la cantante. En ella se ve a Yurena con Dantés y Tony Genil en la inauguración de una frutería en Vallecas (Madrid) en septiembre de 2000. Así, rodeados de ajos, manzanas y plátanos los han retratado en esta serie que poco a poco va tomando forma.

La actriz Ingrid García-Jonsson interpretará a la protagonista de la historia, rodeada de otros muchos personajes televisivos que fueron punteros en la televisión de los años 90 y 2000. Pepón Nieto dará vida a Tony Genil, Carlos Areces hará de Paco Porras, Rocío Ibáñez será Margarita Seisdedos, Julián Villagrán interpretará a Arlequín y Natalia de Molina asumirá el papel de Loly Álvarez.

Superestar todavía no tiene fecha de estreno en Netflix.

Netflix ha anunciado su nueva serie española, que promete ser una de las que más de qué hablar de ahora en adelante. Tanto por sus responsables como la historia que va a narrar. Porque Superestar, que así se llama el proyecto, es una serie creada por Nacho Vigalondo y producida por Los Javis que contará los comienzos artísticos de la cantante Yurena, anteriormente conocida como Tamara, una de las personalidades más singulares de la España televisiva y del corazón de principios de siglo. Esa de la que también formaron parte Leonardo Dantés, Toni Genil o Loli Álvarez, entre otros.

“Es la reimaginación del 'tamarismo' desde el corazón de sus protagonistas”, avanza la plataforma sobre esta ficción, que abordará “un fenómeno que se convirtió en un auténtico icono popular del inicio de la década de los 2000 tras el lanzamiento de la canción No cambié y de su posterior álbum Superestar”. Nacho Vigalondo también escribe y dirige la serie junto a Claudia Costafreda (Cardo). María Bastarón y Paco Bezerra completan el equipo de guionistas de la ficción, que estará compuesta de seis episodios. Por ahora se desconoce la fecha de estreno y el reparto.

Sinopsis de Superestar

Con el cambio de siglo un cometa atravesó el cielo de España desmontando las leyes de la fama y el éxito, desintegrando la frontera entre lo popular y lo underground. Durante un par de años las portadas y las horas de prime time fueron conquistadas por famosos de otra dimensión. Criaturas que hasta entonces parecían condenadas a la burla y el desprecio y que acapararon nuestra atención sin adaptarse a ninguna normalidad. Un relato mágico donde caben conspiraciones esotéricas, noches eternas, ladrillos cuánticos, supervillanos multicolores y una improbabilidad hecha estrella: Tamara. 

“Si hay una época salvaje, esa es la del 'tamarismo'”

“No hay nada que nos guste más que el pop y mirar hacia atrás, a la historia de nuestro país. Si hay una época salvaje en la que todo era posible, esa es la época del tamarismo, donde los más insospechados protagonistas acapararon horas y horas de televisión”, afirma Javier Calvo.

“Cuando uno se enfrenta a una serie basada en hechos reales, lo más importante es encontrar el punto de vista. Superestar lo ha encontrado gracias a la mente brillante y loca de su creador, Nacho Vigalondo. La serie tiene detrás un buque de talento como pocas veces había visto antes. Es el homenaje a una época de España que merece ser revisitada. Como productores, estamos emocionados de poder compartir este viaje con Netflix”, añade Javier Ambrossi. 

“Una de las mayores suertes con las que me he topado a lo largo de mi carrera es la complicidad creativa con Javier Ambrossi y Javier Calvo, y esta serie es el remate de esa ecuación, que talentos increíbles como los de Claudia Costafreda, Maria Bastarós y Paco Bezerra han proyectado hasta las estrellas. En Superestar hemos querido comprender, humanizar y respetar a una serie de personajes normalmente maltratados, y por el camino hemos hecho un volquete de fantasía, magia y locura que no se parece a nada que hayamos visto”, comenta Vigalondo sobre este llamativo proyecto.

Movistar Plus+ ha mostrado las primeras imágenes de El otro lado, la nueva serie creada y protagonizada por Berto Romero. El cómico propone una aproximación al género de terror, con producción de El Terrat, en la que cuenta con Andreu Buenafuente como presencia en el reparto. Su estreno tendrá lugar en 2023.

Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro repiten funciones de dirección conjunta tras Malnazidos con este proyecto de seis episodios que cuenta también con Eva Ugarte, compañera de Romero en Mira lo que has hecho.

María Botto (vista el año pasado en Garra junto a Adam Sandler), el realizador Nacho Vigalondo (que ultima su nueva película, Daniela Forever), Albert García (Rebooted), María Pascual (Amor de cans) y Hugo Morenilla (Campamento Newton) completan el reparto.

Así es 'El otro lado'

Nacho Nieto, periodista especializado en lo paranormal, pasa por su peor momento profesional y personal. Tras un intento fallido de suicidio, vuelve a la vida acompañado por el fantasma de su mentor, el doctor Estrada, mítico comunicador del misterio, fallecido hace más de 20 años.

En ese momento se cruza en su vida un virulento caso poltergeist en un piso del extrarradio de Barcelona, en la calle Cardenal Cardona, quizás el caso paranormal más importante de los últimos años. Nacho acude al piso de los fenómenos, donde viven Eva y Rubén, acompañado por el espíritu de su mentor, y ayudado por Juana, su mano derecha en su antiguo programa de radio.

Mientras Nacho desenreda el misterio de esa casa se enfrentará a un oscuro secreto de su pasado. Un secreto que le relaciona directamente con Gorka Romero, quien fue su compañero de investigaciones, y que ahora es el referente del periodismo del misterio en España.

Los felices veinte terminan su andadura en Orange TV. Nacho Vigalondo, presentador del programa junto a Aníbal Gómez y Paula Púa, ha compartido la noticia este viernes en Twitter, con una fotografía en plató. “Acabamos de grabar la última entrega EVER”, ha compartido.

El cineasta ha avanzado que se emitirá el jueves que viene, por lo que será el próximo 24 de febrero cuando se despida para siempre de su audiencia. “Queda una semana de programas especialmente frágiles, extraños y tóxicos”, ha añadido.

Carles Cuevas, guionista del formato, se ha pronunciado también sobre la cancelación en redes sociales. “Después de varios días en shock”, ha comenzado, “puedo hablar”. “Los felices veinte se acaban antes de tiempo, y que quede claro, ha sido una cuestión empresarial, el equipo está deseando volver de alguna forma u otra”, ha añadido. “Ha sido una putada, pero también un milagro”, ha concluido.

El guionista ha compartido lo que ha supuesto para él el mes trabajando en el programa. “De lo que queda en emisión, todo tiene mi mano, como guionista, colaborador, en pinganillo, haciendo voces, corrigiendo a los invitados en su cara, llevando a mi perro al programa, metiendo tuits de Amaia Montero...”, ha reconocido. Del mismo modo, ha agradecido a sus compañeros la “confianza”.

Por último, ha aprovechado para animar al público del espacio que reclame su continuación, aunque sea en otra plataforma. “Si lo pedís muy fuerte y sois impuros de corazón, Los felices veinte puede volver”, ha asegurado, “que nos rescate alguien, que puede ser”.

El late night se estrenó en Orange TV en octubre de 2020, por lo que dice adiós tras año y medio de andadura. Producido en colaboración con Secuoya Estudios, llegó inspirado por programas foráneos como  el estadounidense Dinner for Five o el alemán Das Serienquartett. Por él han pasado invitados como Iciar Bollain, Mala Rodríguez, Rozalén y Bob Pop, entre otros.

“Ahora mismo tengo problemas de identidad y no sé quién soy ni a qué me dedico”, nos cuenta Nacho Vigalondo durante nuestro turno en la ronda de entrevistas de presentación del retorno de las Midnight Madness que celebra en Canal TCM a partir del viernes 4 de diciembre. No lo dice por decir, por más que el cansancio haga mella tras dar vueltas en la rueda promocional por el programa, que recupera la ideas de las charlas cinéfilas en la pequeña pantalla, en un momento en el que “el cine ya no tiene la posibilidad de ser accidental” en televisión.

En contraste con esa situación de la programación fílmica, este curso televisivo ha traído consigo una suerte de reformulación azarosa de su personalidad mediática, pues su retorno como maestro de ceremonias de estas sesiones cinéfilas en la cadena de pago se produce semanas después de haberse estrenado como presentador de late shows con Los felices veinte para Canal Orange. Sumémosle a ello la experiencia de interpretar al malogrado cantautor Juan Antonio Canta en Veneno, a la que se refiere como “una de las cosas más bonitas que había hecho nunca”.

No se queda atrás la mecánica de las Midnight Madness, al que define como su prototipo de formato favorito para ver. Más ahora, en esta segunda temporada en la que el realizador de Los cronocrímenes ya no se encuentra en soledad ante la cámara, sino que, por obra y gracias de la tecnología, cuenta con la presencia telemática de popes de la ficción como el responsable de Perdidos o Watchmen Damon Lindelof, el autor de Kick-Ass o Superman: Hijo rojo Mark Millar, el director -y actor fetiche de Jeremy Saulnier- Macon Blair, la directora española Alice Waddington (con la que colaboró en la escritura de Paradise Hills) o la cineasta mexicana Gigi Saul Guerrero (que hace apenas un mes lanzó el contundente corto Mistress of Bones). Todos ellos sorprenden con sus proposiciones de visionado tanto como con sus visiones de las películas que eligen, entre las que se enumeran Un mundo de fantasía, Bienvenido Mr. Chance, La fiera de mi niña, Terciopelo azul y Señales.

Perspectivas diferentes para estimular el pensamiento sobre el cine de Vigalondo, que tras la excelente Colossal, y hasta la consecución de su siguiente largometraje, también ha podido recrearse dentro del esquema de producción catódico, y hacerlo, asegurar, sin cambiar su identidad particular. Al menos, sin cambiar más de lo que lo ha hecho con el propio devenir vital y profesional.

Lo primero de todo: tienes unos invitados inmejorables para esta nueva tanda. ¿Ha sido fácil organizar estas compañías en esta tesitura?

Se ha hecho de la misma manera que quedas con alguien con Skype, solo que esta vez tienes a un equipo que se encarga de que la calidad de imagen sea aceptable y todo quede perfectamente grabado y reproducible en 4K.

El propio concepto de la charla cinéfila es muy inusual en un medio como el televisivo, donde todo marcha tan rápido. ¿Cuesta creer que sea posible hacer contenidos con este reposo?

Para mí es un lujo tremendo, mayor que el que supuso la primera temporada, en el que era yo recitando un texto a cámara y dando observaciones. Me siento más a gusto y creo que se nota. Si alguien me pidiera describir cómo sería mi programa de televisión favorito sería este. Y no estoy exagerando... Igual, sería una versión de este en el que la conversación pudiese durar una hora, que es lo que casi todas acabaron durando durante los días de grabación, y en vez de hacer tajos se vería todo, como las conversaciones que nos hemos habituado a escuchar en los podcasts.

Precisamente nos lleva a un concepto del cine como evento de programación que se había perdido. Quedan lejos espacios como 'Noche de lobos' o 'Qué grande es el cine'. ¿Falta conciencia a la hora de programar cine en televisión?

Lo que ha pasado es que el cine ya no tiene la posibilidad de ser accidental. Ya no puedes toparte con una película por accidente. Ahora ves la película que quieres ver y cuando la quieres ver. Antes la televisión tenía ese grado de ensayo y error para el espectador: encendías la tele, ponían una película y la veías. Luego esa película podía ser perfectamente acabar siendo un clásico de tu vida. Eso se ha perdido. Ahora mismo todos los espectadores tienen la mirilla de un fusil de precisión y todos saben cuándo quieren ver, cuándo y cómo.

Si este programa al interés de una película le sumas uno aparte, como es el intercambio de pareceres entre dos personas y la presentación con elementos de la película que puedan generar interés, si ves el programa no por la película sino por la experiencia que te pueda aportar, tienes la oportunidad de ver películas que no hubieras visto de otra manera. A lo mejor, películas como El árbol de la vida, Bienvenido Mister Chance o Un mundo de fantasía no hubieran entrado en tu vida de no haberte tú metido en este búnker.

En esta ocasión, los invitados son los que te sorprenden con elecciones llamativos que no son esperables. Si hubiese una paradoja temporal y fueras tu propio invitado en este 'Midnight Madness', ¿qué propondrías para sorprenderte?

Es una pregunta muy loca. Quieres que me desdoble y que me sorprenda a mí mismo con una película que no conozco. ¿Cómo va a ser posible, si no la conozco? Si tal vez yo quisiera sorprender a otro presentador... ¿Pero quién es el otro?

Te respondo muy fácil: tienes una primera temporada para ver la respuesta, si quieres mi intención de sorprender o pillar desprevenido a un posible interlocutor antes o después de ver una película. La primera temporada era eso; en la segunda yo soy el sorprendido y eso me gusta más.

El escenario de un búnker donde se sitúa esta segunda tanda de especiales representa muy bien un sentir generalizado tras estos meses de confinamiento. A nivel creativo, ¿cómo se gestiona convivir con este estrés?

A nivel creativo las cosas son muy complicadas. La cabeza de nadie se beneficia de una situación de estrés como la que hemos vivido. Yo soy de las personas que hizo el chiste de que su vida no cambiaba tanto en condiciones como estas. Qué terrorífico descubrir que cuando llega una pandemia tu estilo de vida no cambia tanto.... Trabajo en casa, con lo cual puedo decir que he tenido suerte o que he hecho uso del privilegio en que nado.

¿Ha habido películas cuyo visionado te haya resultado balsámico en estos tiempos?

Todas, incluso las películas que quizás las tenía más vistas y desgastadas de la selección [de Midnight Madness], como puede ser Señales, que es una película muy específica sobre el fenómeno ufológico, gracias a la conversación con Gigi Guerrero me planteé lo que significaría la película para alguien cuyo furor por la ufología es parejo al furor de quien que se topa con un festín inimaginable, o se topa con algo que ya sabía de antemano, como es la relación entre dios y los aliens. La conversación con Gigi acerca de su madre y de cómo entendió Señales para mí fue una ayuda, fue un punto de visto nuevo que añadir a una película que tenía muy vista y muy pensada.

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La vuelta a la nueva normalidad ha sido, en lo que a trabajo se refiere, bastante provechosa para ti. Además de volver con nuevas 'Midnight Madness', te has estrenado como presentador de late shows y hasta has vuelto a ejercer de actor en 'Veneno'. ¿Colocarte otra vez delante de las cámaras ha sido una reconversión buscada o simplemente fruto del azar?

Sencillamente he dicho que sí a cosas que me han ofrecido. He dicho que sí a cosas sin ser iniciativas mías. Lo cual me convierte en el primer sorprendido. Me costó mucho aceptar la propuesta de Orange porque no me veía capaz de llevar un late a diario. No sabía si era un error por mi parte meterme en un berenjenal haciendo otras cosas.

Yo empecé delante de la cámara mi carrera. Las primeras cosas que hice y las primeras ideas que tuve eran conmigo delante de la cámara. Por aquel entonces, en los primeros dosmil diez me veía más como actor o posible cómico que como director de cine, no me lo creía. Luego di una vuelta de torna y percibí que mi presencia había quedado un poco deslegitimada, que era algo que me había quitado de encima. Todo lo que me han ofrecido este año ha sido delante de las cámaras, no solo estos dos programas sino el papel de Veneno, que es de las cosas más bonitas que había hecho nunca. Comprenderás que ahora mismo tengo problemas de identidad y no sé quién soy ni a qué me dedico.

También es cierto que, desde 'Colossal', tu trabajo como director se ha adaptado a los confines de la ficción televisiva. 'Pooka' para Hulu, 'Justo antes de Cristo', 'El Vecino'... ¿Estos años enfocados a la televisión en sus múltiples formas han servido para cambiarte en la forma de afrontar el oficio o incluso a título estético?

Me ha demostrado a mí mismo que puedo ser capaz de no ser un director metomentodo. Para mí era importante saber que me meto en una rueda de la que no soy el último responsable, como con Justo antes de Cristo, y adaptarme a un plan previo a mí, pero sin dormirme, ni dejar de intentar añadir carisma y significado a lo que estás haciendo. Sí que me puedo mover en esos parámetros. Pero no significa que haya cambiado en algo.

Si ahora hago un largometraje mío dentro de poco no habrá cambiado nada. Tiene que ver más con un recorrido personal y con la variedad de experiencias que quieres tener en tu vida que con una evolución estilística. Aparte se tarda tanto en hacer una peli, y se tarda tanto en levantarla, que cuando la llegas a hacer has cambiado inevitablemente, ya eres otra persona. Voy a ser diferente, pero ¿por haber hecho series? No lo creo.

Nacho Vigalondo se desdobla en televisión. El cineasta cántabro ha presentado el regreso de Vigalondo Midnight Madness en TCM. Después de la primera entrega de este programa que recuperaba algunos títulos que habían pasado desapercibidos para el gran público, ahora, el director de Colossal regresa al canal de pago con un nuevo cargamento de películas. En esta ocasión lo hará acompañado de invitados de la talla de Damon Lindelof (Perdidos, Watchmen) y Mark Millar (guionista del cómic Capitán América).

Se trata del segundo proyecto que tendrá en antena el realizador y guionista, que semanas atrás debutó como presentador de Los felices veinte, un late show para Canal Orange junto a Aníbal Gómez y la influencer Gaikan.

Damon Lindelof y Mark Millar, platos fuertes

En esta nueva temporada el cineasta se encuentra encerrado en un búnker subterráneo, que se convierte en el escenario de sus charlas cinéfilas. Según él, “una clara búsqueda de complicidad con los tiempos que nos está tocando vivir”.

“Las películas de esta temporada no tienen nada que ver con mi elección. Cada invitado ha escogido el título del que ha querido hablar. Todas las propuestas fueron muy sorprendentes viniendo de quien venían. Ni en cien años hubiera imaginado que Millar escogiese Bienvenido, Mr. Chance o que Lindelof optase por Un muno de fantasía”, ha comentado Vigalondo.

En relación a Lindelof, ha resaltado que su relación con él se remonta a la época en la que la popularidad de Perdidos estaba en lo más alto, cuando el guionista hizo un comentario muy positivo en torno a Los Cronocrímenes, opera prima del español. “Para mí fue una situación de auténtico deslumbre y quise conocerle para darle las gracias. Desde entonces mantenemos una relación epistolar”.

Cuando se le pregunta por qué hay que ver la segunda entrega de Vigalondo Midnight Madness, Nacho lo tiene claro: “La tele es un medio que mueve a la inmediatez y al continuo movimiento. Cuando algo es placentero y fácil para el que lo hace hay algo positivo que se transmite. No se me ocurre nada más fácil y placentero que hacer este programa”.

'Vigalondo Midnight Madness 2', cada viernes

Además de estos talentos internacionales, Vigalondo contará también durante esta temporada con la colaboración de las periodistas Isa Calderón y Lucía Lijtmaer, autoras de Deforme semanal, programa en el que analizan periódicamente la actualidad desde una perspectiva feminista.

Emitido cada programa en los viernes de diciembre, los invitados charlarán desenfadadamente con Vigalondo de cine en general y de una película en concreto que los espectadores podrán ver justo a continuación. La conversación con Lindelof, por ejemplo, girará en torno a Un mundo de fantasía, la versión del libro de Roald Dahl, Charlie y la fábrica de chocolate que dirigió Mel Stuart en 1971 y que protagonizó Gene Wilder. Los siguientes programas estará dedicados a títulos como ¿Quién teme a Virginia Woolf?, el film de Mike Nichols interpretado por Richard Burton y Elizabeth Taylor, o Bienvenido, Míster Chance, la película de Hal Ashby, con Peter Sellers encabezando el reparto.

Los felices veinte, la apuesta por el late show de Canal Orange comandada por Nacho Vigalondo, están poco a poco haciéndose hueco en redes sociales tirando de entrevistas a personajes variopintos y humor absurdo. Un humor basado en los juegos de palabras que quienes siguieran al cineasta y ahora presentador conocerían bien: “Lo que dijo la crítica extranjera de Los Santos Inocentes: ”Miguel delivers“”, escribía hace ahora 10 años en Twitter.

En el comienzo de Los felices veinte de este martes 3 de noviembre, hubo otro chiste a similar altura, que llegaba a colación de la situación de crisis causada por el coronavirus, en plena segunda ola, y que aludía al fallecimiento de Sean Connery, el pasado sábado a los 90 años. Las múltiples formas de pronunciar el nombre de pila del eterno James Bond fueron la base del gag, en el que Vigalondo contaba con sus propio doppelgänger listo para reaccionar:

“Para muchos españoles, a estas alturas de la película nos hemos quedado sin economía. Para otros nos hemos quedado sin salud, y para otros sin libertad. Pero lo único cierto es que esta semana nos hemos quedadon Sin (sic) Connery”, decía, haciendo que su doble escupa antes de una abrupta transición.

“Un chiste para coronar este momento de la Historia”, bromearía en Twitter al compartir el momento. Precisamente sobre el humor absurdo estuvieron hablando en Los felices veinte a continuación, con la presencia de un maestro en esas lides, Millán Salcedo.

Canal Orange, el nuevo canal de entretenimiento de Orange TV, estrena esta noche a partir de las 23:30 horas Los felices veinte, un late night de producción propia conducido por Nacho Vigalondo. El cineasta cántabro capitanea este nuevo formato producido en colaboración con Secuoya Contenidos, el cual se inspira en programas foráneos como el estadounidense Dinner for Five o el alemán Das Serienquartett para presentar una puesta en escena diferente que busca alejarse del tradicional plató de televisión para convertir el espacio de grabación en un “refugio” para los invitados, que serán los auténticos protagonistas.

En cada programa, Vigalondo contará con dos colaboradores habituales: el cómico, cantante y actor español Aníbal Gómez, conocido por sus participaciones en programas como Muchachada nui; y la influencer Gakian, autora del libro Un mundo hostil, una autobiografía ficcionada a modo de novela gráfica junto a Núria Just, en la que toca temas como la sexualidad femenina o el acoso con su peculiar humor satírico.

Algunos de los rostros famosos de la cultura y el cine que pasarán por el programa serán Los Javis, Isabel Coixet, Jesús Quintero, Borja Cobeaga, Ángel Sala (director del Festival de Sitges), o las hermanas Hurtado, entre otros.

Los Felices Veinte se emitirá cada semana, de lunes a jueves sobre las 23:30h, a través de Canal Orange y tendrá una duración aproximada de 40 minutos.

Así es Canal Orange

Orange TV ha estrenado en este mes de octubre su nuevo Canal Orange (antes conocido como Orange Series). Este canal, exclusivo de Orange TV, tiene un carácter multigénero dirigido a los amantes del entretenimiento, y en él no solo se podrán encontrar un amplio catálogo de series (incluidos estrenos exclusivos y de producción propia), sino también cine, una numerosa variedad de documentales y espacios de entretenimiento, donde el humor, la crítica y la emoción estarán siempre presentes.

Canal Orange cuenta con más de 1.000 horas de contenido bajo demanda para disfrutar en cualquier momento y lugar, siempre con la mejor calidad de imagen y sonido. Los clientes pueden disfrutar de este canal de forma lineal, en el dial 7 de Orange TV, o acceder a sus contenidos a la carta a través de su smartphone, ordenador o tableta en el momento que prefieran.

Netflix eligió el último día de 2019 como fecha para el aterrizaje en la plataforma de El vecino. Quim Gutiérrez se convierte en el alter ego de este superhéroe creado por Santiago García y Pepo Pérez, cuyo primer volumen se publicaría en 2004, y que ahora pasa por el filtro de Sara Antuña y Carlos de Pando, showrunners de la adaptación televisiva, y la óptica de Nacho Vigalondo.

“Me cuesta leer y no pensar en posibles adaptaciones”, comenta el guionista sobre esta deformación profesional forzosa que le impide, bromea, disfrutar de una manera más emocional sus lecturas. Sin embargo, eso no ocurrió con la cabecera que ahora han trasladado a tres dimensiones, puesto que tanto él como su compañera habían llegado a los tomos mucho tiempo antes de que hubiese planes de llevarlo a las pantallas.

“El proyecto surge tiempo después, a mediados de 2018, cuando sabemos que Zeta Audiovisual tiene los derechos y que a Netflix le interesa”, rememora. El material de partida no podía serles más atractivo para una adaptación: “Me gustaba la manera en la que esta gente había llevado unos códigos a mi realidad o a una realidad más reconocible. Era una gozada pensar que podíamos hacerlo”, reconoce Antuña. “Probablemente nunca pueda adaptar La broma asesina, ni necesite hacerlo, pero sí puedo adaptar El vecino”, establece la que fuera cocreadora de La víctima número 8, otra ficción donde los escenarios más familiares se vuelven indispensables para la construcción de la historia.

“No un universo donde estuviera asimilada la existencia del superhéroe”

Y hablando de construcción, destaca una diferencia clave entre el material de partida y la serie que ahora ve la luz: mientras que en el tebeo, José Ramón conoce a su vecino, Javier, cuando este ya se ha acostumbrado a ser el superhéroe Titán, mientras que la ficción se configura como una historia de orígenes en la que el protagonista acaba de recibir sus poderes. “El viaje del héroe es hiper reconocible y permite que el espectador avance con el héroe descubriendo ese mundo que se le ha venido encima”, comenta de Pando para justificar que el desarrollo de la primera temporada se nutriera de algo que en los volúmenes de El vecino se ve a través de flashbacks.

“No queríamos entrar en un universo donde estuviera asimilada la existencia”, apostilla Antuña, que señala ejemplos de lo contrario que ya habían funcionado suficientemente bien, como en Los vengadores, donde los niños estudian las leyes de la física y apuntan el superhéroe que las rompe.

La universalidad que aporta la experiencia iniciática fue, pues, la forma ideal para dar a conocer este universo, si bien Nacho Vigalondo confiesa sus predilecciones: “Me hubiera gustado empezar en un mundo donde este tío ya estuviera asimilado y metabolizado. Que un día lo invitaran a Pasapalabra, o que un día cometiera una heroicidad total, pero ante las cámaras por error o descuido dijera algo muy de derechas”, bromea el cineasta cántabro, que dice tener una espinita por no haber podido coger aún “la velocidad de crucero”. Algo que puede acabar cambiando de contar la serie con una segunda temporada, una posibilidad que de momento está en el aire.

“Sabemos que hay un universo en El vecino que se puede explorar muchísimo y con muchas posibilidades, pero ya veremos”. El responsable de Los cronocrímenes plantea escenarios: “¿Sería posible El vecino versus Superlópez? Son diferentes universos pero el paraguas en el que estamos es el mismo”, dice mientras saborea la idea de enfrentar superhéroes tradicionales españoles como el citado Superlópez o Supersonic Man (como podemos ver en el vídeo, hay un debate en torno a la conveniencia de incluir a Anacleto en esta categoría).

“Los lectores de cómic han ido bastante por delante”

Con un tono socarrón, El Vecino se une a otros productos audiovisuales que observan el canon superheroico con un prisma común, desde el que se cuestiona o se satiriza la naturaleza del género. Meses antes de esta serie, películas como Shazam! o series como The Boys ya han mantenido una similar línea de trabajo. El motivo para que ahora estén aflorando nuevas perspectivas desde las que abordar esta clase de producciones es clara tanto para el director como para los showrunners: “La industria del audiovisual siempre avanza diez años más tarde que la del cómic”, proclama Vigalondo. “Si lees comics, estás viendo las series con 10 años de antelación”.

Antuña elabora más esta idea, poniendo como ejemplo la mencionada adaptación de la historieta de Garth Ennis, convertida en serie por Amazon. “Yo la leí en su momento. Ahora llega un colega y te la recomienda porque le parece supercafre, y piensas en que lo es como ya lo era el cómic”. Eso no implica que un lector no pueda disfrutar una adaptación, solo que su satisfacción se mide en otros parámetros. “Los lectores de cómic han ido bastante por delante y poca cosa les sorprende. Les sorprenderán otras cosas, como na puesta en escena espectacular...”. Al final, lo importante es que todos puedan sentir igual devoción por el mismo universo narrativo.

“Estamos en un punto en el que el género es tan estándar, tan mainstream” concluye de Pando, “que ya hemos pasado la parte de descubrir ese universo al espectador medio, y hemos entrado en la parte de experimentar con él”.

Más de cuarenta años antes de Aquí no hay quien viva y La que se avecina, Francisco Ibáñez -eterno creador de Mortadelo y Filemón-, dibujaba en la contraportada de la revista Tío Vivo una de las series más icónicas de la historia del tebeo español: 13 Rúe del Percebe encapsulaba en una página, cinco pisos y doce viñetas, a una comunidad de vecinos mal avenida que era, a su vez, retrato genial del costumbrismo y la picaresca ibérica.

Una comunidad de vecinos bastaba para captar el humor de la España de ayer y hoy. Y en cada piso, una historia: un cubículo que era a su vez viñeta y hogar. El de un verdurero que timaba a sus clientes a la mínima de cambio, una madre de tres niños demasiado traviesos, un ladrón de poca monta, un ingenioso gañán acosado por las deudas y hasta un veterinario que era un peligro sanitario.

Si en 13 Rúe del Percebe hubiese vivido un superhéroe, este sería como El Vecino. La nueva serie española de Netflix retrata la vida de un chapuzas que puede volar y tiene fuerza sobrehumana. Un treintañero desastre para el que un gran poder conlleva una gran irresponsabilidad. Una comedia de tono costumbrista y espíritu plenamente ibañesco que dirige Nacho Vigalondo y protagonizan Quim Gutiérrez y Clara Lago. Adaptación, además, de los tebeos homónimos de Santiago García y Pepo Pérez.

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Un superhéroe inmaduro

Javier -interpretado por Quim Gutiérrez- trabaja en un bar de poca monta y diseña camisetas. Al primer trabajo llega casi siempre tarde y se escaquea a la mínima. Del segundo, él esperaba hacer fortuna y convertir su marca en moda, pero con suerte consigue convencer a algun amigo para que vista sus camisetas con frases graciosas. Su vida carece de rumbo y objetivo.

Un fin de semana planea un viajecito a una casa rural de Cuenca para intentar arreglar su relación con Lola -Clara Lago-, una periodista que intenta hacerse un hueco en un mundo cada vez más competitivo y absurdo. La casualidad quiere que justo ese finde le caiga del cielo un guerrero espacial -interpretado por un Jorge Sanz al más puro estilo Marlon Brando en la Superman del 78-, y le otorgue unos poderes que le convierten en un superhéroe.

Mientras, José Ramón -Adrián Pino- emprende una nueva vida en Madrid. Acaba de conseguir una pequeña habitación en un piso donde pretende llevar una vida tranquila y estudiar oposiciones. Hasta que este superhéroe torpe entre volando y de culo por su ventana.

Sobre este improbable trío protagonista, Nacho Vigalondo construye al mismo tiempo una comedia costumbrista, un ensayo sobre el significado de lo superheroico, y un -en ocasiones subrayado- retrato generacional.

El Vecino sitúa a los personajes de Clara Lago, Quim Gutiérrez y Adrián Pino en un escenario de cambio. La falta de perspectivas vitales, la precariedad y la angustia del 'no saber' qué quieren ser, les han sumido en un agujero del que no saben salir.

Con ese ambiente, Vigalondo arma un discurso cómico que funciona cuanto más cruel resulta. Lola quiere triunfar en redes sociales porque en la redacción de su periódico están haciendo recortes, José Ramón no se decide a estudiar seriamente porque no sabe si las oposiciones tendrán futuro alguno, y Javier esconde tras la máscara de superhéroe a un hombre inmaduro y egoísta.

El Vecino consigue hacer humor del descontento, centrando sus gags en burlarse de la inestabilidad del presente, amén de hacer buen uso de la fuerza de la carcajada propia del 'golpe y porrazo'. Consiguiendo, así, un tono deudor de la escuela de las viñetas de Francisco Ibáñez, sin renunciar al afán de exploración formal del asunto superheroico que siempre tuvo el tebeo homónimo creado por Santiago García y Pepo Pérez.

La comedia de superhéroes está de enhorabuena

Como hizo con Colossal y la tradición de los kaiju, o con Los Cronocrímenes y el subgénero de viajes en el tiempo, Vigalondo se siente cómodo en el terreno de la reinterpretación de determinados códigos genéricos del audiovisual contemporáneo. En esta ocasión aplicando su afán a deconstruir al superhéroe mainstream.

Con El Vecino, la comedia superheroica actual suma un integrante patrio admirable. Aportando un acercamiento humilde a un panorama en el que series como The Boys se significan como la vuelta de tuerca más autoconsciente, y propuestas para todos los públicos como ¡Shazam! reconcilian al humor con el universo creativo de DC Comics. Sin olvidar la herencia que aún se puede rastrear en todas ellas del Super de James Gunn.

Bien es cierto que en su episodio piloto, El Vecino marca las distancias con respecto al cómic original. En el tebeo, que se empezó a publicar en 2004 de la mano de Astiberri, el personaje de Javier lleva tiempo llevando una doble vida como Titán -el superhéroe bajo el traje rojo- cuando José Ramón descubre su identidad secreta. Aquí, en cambio, un respeto por la estructura más o menos clásica de 'historia de origen' toma las riendas del relato para reinterpretar las claves del asunto superheroico.

El trabajo de Vigalondo, así como el guion de Miguel Esteban y Raúl Navarro -conocidos por El fin de la comedia creada con Ignatius Farray-, demuestra un conocimiento profundo del género y su lenguaje. Y en su exploración de los asuntos que conciernen a los hombres y mujeres con capa y mallas, extraen un material cómico que no resulta exagerado sino cotidiano y cálido, que está más cerca de Vergüenza que de Deadpool. Y como muestra, un botón:

“Discúlpame, perdóname, que ha venido un señor cósmico y me ha dicho a mí que sea un superhéroe. ¿Vale? ¡Y te he roto la ventana aprendiendo a volar! ¡Discúlpame!”, le dice un irónico Javier a José Ramón cuando este se queja por los desperfectos que ocasiona su incompetencia. “¿Ahora eres superhéroe? Es que hace un momento solo querías mear encima de las Torres KIO”, se defiende el personaje de Adrián Pino. “Técnicamente, las dos cosas son perfectamente compatibles”, contesta Quim Gutiérrez.

Finalizada su alianza con Marvel, en Netflix tienen claro que los superhéroes deben seguir formando parte de su catálogo. Aunque eso implique buscarlos fuera de la Casa de la Ideas, como ha ocurrido con The Umbrella Academy, o en España, como ha pasado con Titán, el justiciero al que da vida Quim Gutiérrez en El vecino, la nueva serie que prepara la plataforma en nuestro país.

Aprovechando el inicio de sus grabaciones, desde Netflix han compartido la primera imagen del traje que lucirá el actor catalán en la piel de este personaje. Un héroe por accidente al que un extraterrestre le pasará sus superpoderes antes de morir.

La serie, basada a su vez en el cómic homónimo de Santiago García y Pepo Pérez, comenzó el lunes su rodaje en Madrid con Nacho Vigalondo al frente. Clara Lago, Catalina Sopelana y Adríán Pino completan el reparto principal de esta comedia superhéroica escrita por Miguel Esteban y Raúl Navarro (El fin de la comedia) y producida por Zeta Audiovisual. Carlos de Pando, Sara Antuña, Nahikari Ipiña y Eneko Gutiérrez son, a su vez, los productores ejecutivos.

'El vecino' todavía no tiene fecha de estreno en Netflix.

Sinopsis de 'El vecino'

La serie gira en torno a Javier, un tipo con un trabajo precario, un maltrecho negocio de camisetas con frases desmotivadoras y una relación sentimental en cuesta abajo. Su vida se complica aún más cuando un extraterrestre le cae encima y le traspasa sus superpoderes antes de morir. Convertido, a su pesar, en el superhéroe Titán, requerirá la ayuda de su vecino, José Ramón, para enseñarle a utilizar su don y a ocultarlo a todos, incluido a Lola, su novia periodista, que para más inri pretende seguir los pasos del héroe

Movistar ya ha puesto fecha y mostrado el primer tráiler de su próximo estreno de ficción. El viernes 5 de abril verá la luz 'Justo antes de cristo', su comedia protagonizada por Julián López ambientada en la época de los romanos.

Con una fotografía y presentación más que cuidadas, que se alejan por completo de la idea preconcebida que el espectador podría tener al asociar al actor “de romano” y la comedia con una especie de Muchachada Nui, en la presentación de la ficción ya presumieron de tener “a los guionistas más brillantes de este país”.

Montero y Maidagán son los creadores de Justo antes de Cristo. Y su importancia en el proyecto queda clara cuando hablamos con Nacho Vigalondo y Borja Cobeaga, los dos prestigiosos directores que se hacen cargo de sus capítulos.

Con ellos charlamos para saber cómo aceptaron el proyecto, cómo han acoplado su trabajo, su postura respecto a los guiones y la irremediable comparación con una comedia mítica sobre romanos como es La vida de Brian.

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¿Cómo llegásteis a la serie, cómo os llegó el proyecto?

Vigalondo: Recibí los guiones y la propuesta de manos de Pepón, porque soy muy fan de los dos. Me mandaron un mail con los capítulos, y hubo una llamada de teléfono en la que les dije que me gustaba mucho y que estaba dispuesto a hacer la serie. Tengo que reconocer que no los había leído. Estaba metido en otro follón en Los Ángeles, me parecía muy ofensivo decirles “no me los he leído”, y preferí decir que me los había leído y que quería hacer la serie. Es una cosa temeraria, porque si luego lo leo y me parece horripilante, tengo un problema. Pero no fue el caso. Tenía confianza ciega en los creadores, y me sentí muy seducido por el título. Fue como: ¿Quiero hacer una serie llamada 'Justo antes de Cristo? ¡Sí!

Cobeaga: Llegamos al proyecto igual, porque somos amigos de Pepón y de Juan. A mí lo que me pasó es que me ofrecieron dirigir varios capítulos, me leí el primero que transcurría dentro del campamento y todo eso, y que era muy divertido, y dije: adelante. Y luego me llegaron los capítulos que tenía que hacer, y eran en un bosque, en una cueva, en Segovia, en Guadalajara... O sea, no tenían absolutamente nada que ver con lo que había leído en cuanto a ubicación. Imaginaba algo bastante más tranquilo, pero no ha sido nada tranquilo.

Nacho, ¿por qué te atraía y apetecía tanto hacer una serie titulada 'Justo antes de Cristo'?

Vigalondo: ¡Es un título buenísimo! Refleja perfectamente el tono de la serie de una manera muy delicada. Lo rimbombante y también la humildad que requiere una frase así. No se titula 'Un siglo antes de Cristo', sino 'Justo antes de Cristo', y hay una ternura ahí incluida en el título.

En tu caso Borja, ¿no te gusta más rodar en exteriores, por aquello de la veracidad?

Cobeaga: Hombre, si llueve y hace una temperatura por debajo de los cero grados, prefiero estar en un plató. A pesar del polvo que hay en él, que es insalubre. Pero evidentemente una de las gracias de la serie es que tiene algo de telecomedia dentro del campamento, aunque justamente mis episodios son muy de exteriores y eso mola mucho. Lo que pasa es que los pobres actores con una túnica, lloviendo, y con cinco grados bajo cero, pues no hace mucha gracia.

¿Cómo os habéis dividido los episodios?

Cobeaga: Ha sido una cuestión de calendario, ni siquiera de afinidad. La serie es la que tienen en la cabeza Pepón y Juan, nosotros nos hemos adaptado bastante a esa visión, y creo que incluso va a ser difícil, si no ves el crédito final, saber quién ha dirigido cada cosa. Simplemente Pepón dirigía los primeros y los últimos, y los del medio son de Nacho y míos. No va nada más allá de eso.

¿Y cómo habéis hecho para que haya cierta uniformidad?

Vigalondo: En mi caso, confío mucho en los actores. Esto no es como una película, donde tú tienes todas las respuestas. Es diferente porque vienes de seis capítulos que no has visto, porque la serie se está montando cuando yo empecé a realizar. Entonces no tienes la autoridad que crees tener en otros casos. No he venido crecidísimo diciendo a la gente lo que tiene que hacer y lo que no. Los actores saben bien el recorrido de sus personajes. Por ejemplo, en mi caso, Juan está conmigo todo el rato, y cuando ha habido algún tipo de indicación por su parte de lo que él cree que determina cierto tono y cierta secuencia, yo le he hecho caso, claro.

Cobeaga: Precisamente lo que más me apetecía hacer de una serie, porque en televisión había escrito algo y dirigido sketches, era ver cómo era el trabajo en sí. Y yo veo el currazo que se pegan Pepón y Juan, y me da mucho vértigo. Porque llevan muchos años preparando el proyecto, y trabajan tan a tiempo completo que yo quedo con Pepón los sábados para hablar de ciertas cosas de la serie porque no puede otro día. Me da vértigo el currazo que se pegan, porque en una película es intenso pero está mucho más acotado. Una serie abarca muchos más aspectos. Tiene 100 actores, que es una barbaridad, y ellos han visto cástings, han seleccionado, está todo el proceso de localizaciones, de construcción del decorado... cosas que yo como director episódico no me he comido. Me parece menos arriesgado plantearme una aventura al Nepal que todo esto. Me lo pienso mucho diciéndome: es que me gustaría tener vida.

¿Eso dificulta, o incluso evita, que incluyáis vuestro sello?

Vigalondo: Quizás es mala idea por su parte, pero tampoco me han marcado de forma estricta el tipo de lenguaje. Sí que hay directrices globales muy vagas, muy fáciles de pillar, en una charleta que no duró casi nada. Al final las limitaciones reales estilísticas te las da la cantidad de material que tienes que rodar al día. Pero las he tenido yo siempre, vengo de donde vengo y he hecho las películas como las he hecho, no existe un día de rodaje holgado en mi vida. Pero no tengo la sensación de volver a casa habiendo “ilustrado” lo que había en papel, sino que creo que todos los días he podido ser feliz colocando algo mío.

¿Hasta qué punto son importantes en la serie sus creadores?

Cobeaga: Algo fundamental de la llegada de las plataformas es que están dando trabajo a la gente. Y sobre todo a equipos técnicos que lo mismo antes tenían una película de siete semanas y que ahora a lo mejor tienen un rodaje de tres meses. Y los guionistas están teniendo más poder. Una de las cosas que me han pasado en esta serie, y que he pensado qué bien está, es que muchas veces tienes a Juan junto a ti. Y yo le miro y le pregunto: “¿Oye, esta toma es buena?”, que para un director sería impensable hace unos años. En cine desde luego es impensable, que tenga que dar el visto bueno el guionista a una toma. De hecho, que esté en el rodaje ya es impensable. Pero que encima tenga el poder y que marque el tono, es una ventaja buenísima porque ellos dos tienen la serie en la cabeza completamente.

¿Habéis dado algún “consejo” en cuanto a guión?

Vigalondo: No. Soy tan tikismikis como imagináis a la hora de lidiar con un guión que no he escrito yo. Pero en este caso los guiones han requerido por mi parte muy poco toqueteo. Quizás lo que más he aportado ha sido a nivel de dinámicas de cosas en pantalla, o decisiones de cámara, o quizás el tono. Estoy muy contento con los diálogos de esta gente. Soy hipersensible con los diálogos que parecen escritos, quizás por errores que he cometido en el pasado, me gusta que los diálogos tengan una naturalidad muy concreta. Y en esta serie van solos.

Cobeaga: Yo entro en esta serie por amistad y porque me gustan los guiones. Es que están muy bien. Y por ejemplo, si un actor empieza a improvisar y ves que está peor que en el guión, le dices: no no, cíñete al guión que está mucho mejor así. No es una cuestión de respeto a los guionistas, sino de calidad. Tiene muchísimo diálogo, es muy coral, y creo que una ocurrencia de último minuto no va a mejorar los meses de Pepón y Juan escribiéndolos.

Los creadores nos han dicho que tenían este proyecto pensado desde hace 10-15 años. ¿Os habían hablado de él antes?

Cobeaga: Muy salteado. Yo sabía que sí era un proyecto de serie que lo tenían ahí, y aunque no había llegado a leer nada sí sabía que existía. De hecho, las conversaciones para entrar yo y dirigir alguno vienen de hace bastantes años. Es decir, que empezó a tomar forma y posibilidad de hacerse hace bastante. Las primeras conversaciones con Movistar son de hace tres años o algo así, y yo había momentos en los que podía porque no estaba con otra cosa, y otros en los que no. Y finalmente ha cuadrado para que esté, que ha sido estupendo. Si no era esta, sería otra serie escrita por ellos.

¿Hay personajes reivindicativos y guiños a la actualidad?

Vigalondo: No creo que sea necesario, ni es algo que la serie esté pidiendo. No es este tipo de discurso, con un vínculo directo a lo que está pasando ahora. La serie no está buscando paralelismos entre lo que pasa en pantalla y lo que pasa a día de hoy, pero por supuesto eso no quiere decir que la gente no esté autorizada para encontrar esos vínculos, e incluso no quiere decir que la gente no tenga razón. Porque la lectura más importante es la del público, no la de los creadores. Los creadores aquí no pintamos nada.

¿Y cómo se consigue el tono entre la presentación “seria” de drama y la comedia que subyace?

Vigalondo: Hay dos tipos de comedia, y no tienen tanto que ver con el tipo de acontecimiento que se da en cámara como con el tipo de respuesta que tienes de los personajes. Da igual que pase algo tremendamente surreal, porque si los personajes reaccionan de forma naturalista, estamos ante un tipo de comedia muy concreto que no tiene nada que ver con el surrealismo. Por ejemplo los Monty Python tienen películas surrealistas como 'El sentido de la vida', pero en 'La vida de Brian' el protagonista reacciona como reaccionaríamos nosotros ante cada una de las desavenencias que le suceden.

Cobeaga: La serie es realista, más que seria. Todos, Nacho, Pepón, Juan; pensamos que cuanto más de verdad sea más gracia va a hacer. Es decir, que si un campamento romano en vez de ser una tienda de cartón es una tienda de tela ambientada que la creas, va a ser más gracioso. Nos basamos en esa premisa. Más que seriedad, es cuestión de realismo. Luego, evidentemente, en el reparto hay actores que te dicen que un drama del holocausto no va a ser. Quiero decir, que claro que la serie en realidad va a ser una comedia que tiene mucho de aventurillas, de folletín, muy poco de folleteo y muchas muertes. Hay más muerte que sexo, no es 'Juego de Tronos'.

Ya que mencionáis a Monty Python, ¿hay semejanzas con 'La Vida de Brian'?

Vigalondo: En esta serie no hay anacronismos ni salidas de tono fácilmente asociables a los Monty Python, pero sí que el personaje de Julián representa a alguien que podemos imaginar en otra serie como 'Girls' en un momento dado.

¿Cambia mucho a la hora de rodar una serie de época?

Cobeaga: Influye muchísimo. Cuando haces una peli o una serie de casas y bares, ensayas y ruedas. Aquí ensayas, ponte bien la armadura, la sandalia... pueden pasar 15 minutos por los detalles de decoración, de que tengas que encender fogatas y pebeteros, etc. Lo que en una serie convencional contemporánea es encender una lámpara, aquí tiene que venir el de efectos, medir la distancia para que el pelo del actor no se queme, cosa que ha estado a punto de suceder muchas veces... se diferencia mucho.

Vigalondo: Para mí ha sido una crisis tener que crear algo de época. Por la razón que sea, estoy como creativamente anclado en el presente. Me cuesta mucho imaginarme hacer algo en un convento en el siglo XIX. Me resulta muy complicado, tendría que encontrar material literario superpotente para hacer la película. Tengo una constante desconfianza en mí mismo, tiendo a contar cosas muy próximas a mí porque puedo creerme en un momento dado que sé de lo que estoy hablando. Pero si tuviera que crear algo ambientado en otra época, mi crisis de ansiedad y mi síndrome del impostor se dispararía hasta el infinito. Para mí eso sería un problema, pero aquí no soy el creador de la serie, sino que tengo que ilustrar la página. Y en ese sentido, contar que alguien es un neurótico en el siglo XXI no es tan diferente que contarlo en este contexto en el que transcurre la serie.

¿Eso es porque tampoco hemos cambiado tanto en 2.000 años?

Vigalondo: Es que la condición humana es la misma. Una cosa que me gusta mucho decir en voz alta con Pepón y Maidagán es que esta serie es sobre un neurótico, sobre la condición del neurótico y la condición de la persona deprimida. La serie habla abiertamente de las crisis de ansiedad, de la depresión, de la neurosis... Eso antes no estaba documentado así, pero 'La Odisea' de Homero está llena de neuróticos en un momento dado. Eso no ha cambiado.

¿Érais muy frikis del mundo romano?

Cobeaga: No. Para nada. Lo básico. Lo que puedes dar en historia antigua en COU. Lo que me apetecía básicamente es que era una comedia. En realidad me podía sentir cómodo porque era gente hablando, pero con túnicas romanas y trajes de bárbaros, que es lo que más me atraía. Hacer algo diferente en ese sentido, algo de época. Me apetecía un montón.

¿Cuál es la escena que más tomas habéis tenido que hacer?

Cobeaga: Pues era porque un figurante no sabía reírse. Tenía que pasar por delante de cámara y reírse, y cada vez la cara que ponía era más demencial. Y yo le decía: “¿Pero tú te ríes así? ¿Qué haces?”, y él me decía que sí. No, nadie se ríe así, ni siquiera Chuky el muñeco diabólico. Es que además en esta serie la figuración tiene un papel fundamental. Estamos todo el día metidos en el campamento, salen los mismos todo el rato. Hubo otra escena que me hubiera gustado repetirla más, de una carrera por el monte, pero Julián tenía el pie en carne viva y ya hizo un esfuerzo descomunal por seguir. Físicamente es dura la serie.

¿Es más fácil irse atrás para hacer humor y no pisar ningún charco?

Vigalondo: Yo creo que un chiste homófobo de época es exactamente igual que un chiste homófobo contado a día de hoy. Y así todo. Hacer algo de época no te libra de que sea potencialmente ofensivo. No creo que funcione así, no creo que la hipersensibilidad que existe ahora se frene porque estés hablando de otra época. No hay ningún momento en el que alguien se suene los mocos en una bandera española, pero en un capítulo mío alguien se suena los mocos con una bandera, he de decirlo.

¿Y eso ha sido casualidad?

Vigalondo: ¿Tú qué crees? Sería maravilloso que fuera casual. Rodar eso y que alguien diga: “Por cierto, ¿has oído lo que le pasó a Dani Mateo?”.

¿El apogeo de las series es en detrimento del cine?

Cobeaga: Se sigue produciendo mucho cine, se siguen estrenando muchas películas. creo que las dos cosas van a convivir bastante. El hecho de que haya tantas series no es el final del cine.

¿Y gracias a las plataformas se puede arriesgar más?

Cobeaga: Sí, porque en realidad no sabes cómo vas a acertar. Quién iba a decir que una serie de unos atracadores de la Casa de la Moneda iba a ser una de las más importantes del mundo.

*Puede ver nuestras ENTREVISTAS a Julián López, a Xosé Antonio Touriñán, a Priscilla Delgado y a Julián LópezXosé Antonio TouriñánPriscilla DelgadoCésar Sarachu

Ni una, ni dos ni tres, sino cinco series originales españolas han sido anunciadas por Netflix este miércoles. La compañía de streaming refuerza su catálogo patrio con la puesta en marcha de la comedia de superhéroes El vecino, dirigida por Nacho Vigalondo; el drama El desorden que dejas; la miniserie Días de Navidad, a cargo de Pau Freixas; el drama Valeria, adaptación de las novelas de Elísabet Benavent; una adaptación del best-seller Memorias de Idhún en formato anime.

Todas ellas, en distintos grados de desarrollo, llegarán al servicio de entretenimiento a partir de 2020, ha indicado Francisco Ramos, Vicepresidente de Series Originales. Se sumarán a las series que ya ha estrenado o tiene en producción: Las chicas del cable, que prepara la quinta temporada; La casa de papel, que graba la tercera; Élite, en pleno rodaje de la segunda; y Hache, Alta Mar y Criminal (rodada en alemán, francés y español en los estudios de Netflix en Madrid).

“Estamos muy ilusionados con el anuncio de estas cinco nuevas series”, explica el directivo, que apunta a un aumento de la producción en España más allá de lo televisivo: películas, documentales y contenido no guionizado.

Quim Gutiérrez, un torpe superhéroe en “El vecino”

A cargo de Zeta Audiovisual (Élite) está la producción de El Vecino, adaptación por parte de Miguel Esteban y Raúl Navarro (El fin de la comedia) de las novelas gráficas homónimas creadas por Santiago García y Pepo Pérez. Carlos de Pando (El Ministerio del Tiempo) y Sara Antuña (La víctima número 8) serán los productores, mientras que Nacho Vigalondo será el director de los episodios. El cántabro viene enlazando trabajos para la pequeña pantalla en los últimos meses, tras haberse encargado de uno de los episodios de la antología Into the Dark y después de repartirse la dirección de Justo antes de Cristo con Borja Cobeaga.

Quim Gutiérrez y Clara Lago encabezan el elenco de esta comedia de superhéroes que gira en torno a Javier, un tipo con un trabajo precario, un maltrecho negocio de camisetas con frases desmotivadoras y una relación sentimental en cuesta abajo. Su vida se complica aún más cuando un extraterrestre le cae encima y le traspasa sus superpoderes antes de morir. Convertido, a su pesar, en el superhéroe Titán, requerirá la ayuda de su vecino, José Ramón, para enseñarle a utilizar su don y a ocultarlo a todos, incluido a Lola, su novia periodista, que para más inri pretende seguir los pasos del héroe. Catalina Sopelana y Adrián Pino completan el reparto.

“Días de Navidad”, lo nuevo de Pau Freixas

También avanzada está Días de Navidad, el nuevo trabajo televisivo de Pau Freixas, que triunfa en TV3 con Benvinguts a la familia. Coescrita con Clara Esparrach y producida por Filmax, narra la celebración navideña de cuatro hermanas en su casa familiar durante tres épocas diferentes que, a su vez, representan tres etapas clave en sus vidas: la adolescencia, la vida adulta y la tercera edad. A través del paso del tiempo y distintas perspectivas se podrán ver dinámicas familiares, secretos y enfrentamientos personales.

El potente reparto incluye a Verónica Echegui, Anna Moliner, Nerea Barros, Elena Anaya, Victoria Abril, Verónica Forqué, Charo López, Ángela Molina.

Dos adaptaciones literarias en marcha

Los otros dos proyectos de imagen real oficializados por la plataforma parten de referentes literarios. Por un lado, está El desorden que dejas, adaptación de la obra homónima (Premio Primavera de Novela 2016) que adapta su propio autor, Carlos Montero. Esta sigue los pasos de Raquel una joven profesora de literatura que acepta un trabajo en el pueblo donde creció su marido, para tratar de dar una segunda oportunidad a su matrimonio. Pronto descubrirá que otra profesora se suicidó, posiblemente víctima de bullying por parte de sus propios alumnos. Raquel iniciará su propia búsqueda para descubrir la verdad en un lugar en el que todos parecen guardar secretos.

En segundo lugar tenemos a Valeria, que traslada a imágenes las novelas de Elísabet Benavent (Penguin Random House), quien ejercerá como consultora en la producción. María López Castaño (La otra mirada) lidera el equipo de guionistas, totalmente femenino, que ha conformado Plano a Plano para la ocasión: Aurora Gracià (Los protegidos), Almudena Ocaña (Hache, Las chicas del cable) y Fernanda Eguiarte (Ingobernable, Diablo Guardián).

Valeria es una escritora en crisis, tanto por sus novelas como por su marido y la distancia emocional que les separa. Se refugia en sus tres mejores amigas: Carmen, Lola y Nerea, quienes la apoyan durante su viaje. Valeria y sus amigas están inmersas en un torbellino de emociones sobre amor, amistad, celos, infidelidad, dudas, desamores, secretos, trabajo, preocupaciones, alegrías y sueños sobre el futuro.

Más anime a la española con “Memorias de Idhun”

Finalmente, se encuentra el proyecto animado Memorias de Idhun, que se erige a partir del libro homónimo de Laura Gallego. Ella misma, en compañía de Andrés Carrión, escribe los guiones para Zeppelin, con Maite Ruiz de Austri (El extraordinario viaje de Lucius Dumb) como directora.

El día en que se produjo en Idhún la conjunción astral de los tres soles y las tres lunas, Ashran el Nigromante se hizo con el poder y comenzó el reinado de terror de las serpientes aladas. La primera batalla por la libertad de Idhún se libra en la Tierra, donde Jack y Victoria luchan por detener a Kirtash, el asesino enviado por Ashran para acabar con los idhunitas que huyeron de su tiranía. Sin embargo, los protagonistas siguen sin saberlo los designios de una profecía que entrelazará sus destinos en una trama de amor y odio que desencadenará duelos a muerte y forjará insólitas alianzas.

Que la televisión ha pasado a dominar el juego industrial es algo innegable. Mientras se acrecienta la brecha entre grandes producciones bajo patronazgo de los grandes operadores y los títulos de pequeño formato, no son pocos los directores que procuran colocarse al alcance de las ondas hertzianas para resguardarse y acomodarse.

Alberto Rodríguez (La peste), Enrique Urbizu (Gigantes), Miguel Ángel Vivas (Vivir sin permiso, La casa de papel), Óscar Aibar (Cuéntame cómo pasó) y Mar Coll (Matar al padre), por citar solo a algunos, han hallado un terreno fertil para experimentar y seguir contando historias en el actual mercado nacional. Pero hay otros a los que las oportunidades les llevan a establecerse más allá de nuestras fronteras: llamados por la reina del audiovisual occidental, muchos han abierto su nicho en el superpoblado campo de la televisión estadounidense.

Porque del mismo modo que Juan Antonio Bayona se codea a la altura de otrora ídolos como Steven Spielberg, y otros como Gonzalo López Gallego se prueban como artesanos dentro de la serie B con títulos tan estimables como Hollow Point; otros se encaminan directamente a la pequeña pantalla, para liderar y dar lustre a toda clase de ficciones.

De momento, contamos 6 casos, el último de ellos recién estrenado, pero la tónica hace pensar que el desembarco de cineastas patrios en la tele norteamericana puede prolongarse. Porque, de nuevo, mientras las clases medias cinematográficas se disuelven poco a poco, la televisión ofrece múltiples posibilidades gracias al superávit de oferta y pantallas.

Nacho Vigalondo, en la senda del culto

El cántabro ha sido la adición más reciente a esta selecta lista, gracias a su participación en Into the Dark, la antología pergeñada por Blumhouse para Hulu, en la que le toca el capítulo navideño, Pooka!. Un episodio que se podrá ver en HBO a partir del 8 de enero, junto con las dos entregas anteriores de esta producción.

Este encargo llega un año después de firmar Colossal, comedia fantástica protagonizada por Anne Hatthaway y Jason Sudeikis, que supuso su consolidación como autor en Estados Unidos, y mientras el filme Paradise Hills, dirigido por Alice Waddington a partir de un guion suyo y con Eiza González como protagonista, se encuentra en postproducción. También cuenta con otro proyecto internacional en marcha, enfocado al campo de la realidad virtual: Peepshow, un cortometraje presentado en el mercado del festival de Venecia.

Sus proyectos más inmediatos pasan, precisamente, por la televisión autóctona, donde diera sus primeros pasos profesionales como guionista de programas como Gran Hermano y a la que ha visitado de forma puntual durante su carrera (realizando sketches para Muchachada Nui o participando en formatos como el efímero Guasabi o Ilustres ignorantes). Ahora se reparte junto a su colega Borja Cobeaga la dirección de Justo antes de Cristo, la “comedia de romanos” de Movistar creada por Pepón Montero y Juan Maidagán.

Paco Cabezas, el alumno aventajado

El del sevillano es un caso paradigmático, convertido ahora en referente dentro de la industria televisiva estadounidense a fuerza de participar en títulos de mayor calibre de las grandes plataformas.

Su salto a la pequeña pantalla llegó después de haber dirigido sendas películas con capital internacional, Tokarev, un policíaco criminal con Nicolas Cage; y Mr. Right, comedia negra con guion del problemático Max Landis. Apenas un mes después del estreno en salas de esta última cinta, se podía ver su primer episodio en Penny Dreadful para Showtime. El andaluz haría aún otros tres capítulos más para la ficción encabezada por Eva Green, antes de encadenar una larga lista de encargos: Dirk Gently: agencia de investigaciones holísticas (donde se reunió de nuevo con Landis), The Strain, Fear the Walking Dead, El alienista y American Gods. “Estoy muy contento, porque es como si me invitaran a Disneylandia todos los días”, comentaba en 2017 a VERTELE sobre el salto profesional de este cineasta que comenzó a llamar la atención con un corto tan humilde como desvergonzado como Invasión travesti.

Sin embargo, su nicho ideal lo acabó encontrando en Into the Badlands, de la que ha acabado convirtiéndose en productor ejecutivo. Su estatus actual le ha llevado a figurar como productor ejecutivo de Diablero, ficción mexicana de terror para Netflix en la que participa la productora española Morena Films.

J.A. Bayona, rumbo al colosalismo del blockbuster

Hablábamos unas líneas atrás sobre la convocatoria de Cabezas en Penny Dreadful. Sin embargo, no fue el único director español involucrado en la ficción de horror victoriano.

Tras conseguir colocarse en la órbita de los ojeadores hollywoodiense haciendo Lo imposible, Juan Antonio Bayona fue elegido para dar lustre a los dos primeros episodios de esa producción televisiva. No lo hizo solo, puesto que se llevó consigo a colaboradores habituales como a la productora Belén Atienza, el montador Bernat Vilaplana y hasta a Leticia Dolera, con quien trabajó en un videoclip previo para el grupo británico Keane, y a la que otorgó un breve cameo sin acreditar en el segundo de los episodios encargados. El rendimiento obtenido no pudo ser mejor carta de presentación para la serie: Night Work, piloto de la serie, debutó con 1,44 millones en mayo de 2014, datos con los que mejoraría los estrenos de Homeland y Masters of Sex en su día.

Luego, la pequeña pantalla se quedaría chica para las gigantescas aspiraciones profesional el alumno aventajado de la ESCAC: primero, con Un monstruo viene a verme y luego replicando a su ídolo Spielberg en Jurassic World 2: el reino caído. Su demandada nómina incluso le llevaría a descartar dirigir otra secuela de blockbuster, Guerra Mundial Z 2, de producción tan problemática como su antecesora. Por el momento, se desconoce cuál será el siguiente esfuerzo como realizador del catalán.

Jaume Collet-Serra, valor seguro para los estudios

La última década ha servido para que el catalán se reafirme en la industria norteamericana como un perfecto ejecutor de trepidancias, convirtiéndose por el camino en el más afinado sidekick que haya encontrado Liam Neeson tras la cámara (con permiso de Joe CarnahanI) durante esta época de su filmografía.

Si en el caso de Bayona la televisión de prestigio era el paso previo para acceder a los grandes proyectos cinematográficos, Collet Serra invierte el proceso. Su primer encargo como artesano catódico fue el piloto de The River, producción creada por Oren Peli (Paranormal Activity) de Amblin para ABC, a la que llegaría tras encadenar La huérfana y Sin identidad. Este mismo 2018 se le encomendó otro piloto, el del thriller de ciencia ficción Reverie, protagonizado por Sarah Shahi. En ambos casos, cabe decir, estamos ante ficciones que no pasaron de la primera temporada.

Sin embargo, su implicación en la televisión yanqui no se queda aquí. Con Jungle Cruise, su última superproducción junto a The Rock y Emily Blunt, ya en la sala de montaje, el cineasta nacido en Barcelona está implicado como productor ejecutivo de una ambiciosa serie criminal ambientada en Ibiza a cargo de Mediapro y la francesa Federation Entertainment.

Los hermanos Pastor, showrunners de garantías

La carrera de los hermanos David y Àlex Pastor plantea, hasta cierto punto, un patrón similar a la de Collet Serra. Como él, se hicieron un nombre antes en la industria estadounidense, gracias al filme Infectados. Aunque luego regresarían a España para rodar Los últimos días, han seguido ocupados con diversos proyectos al otro lado del charco, a menudo como guionistas: véanse Out of the Dark y Eternal, esta última protagonizada por Ryan Reynolds y dirigida por Tarsem Singh.

Serían luego máximos responsables de Incorporated, distopía de ciencia ficción que emitió Syfy y que planteaba una agresiva crítica al sistema capitalista. Además de ser los creadores y de ejercer de showrunners, dirigieron dos episodios y escribieron otro más (en esta ocasión firmado por Kelly Makin). Tras trece episodios, la ficción sería cancelada.

En la actualidad, para su siguiente proyecto han regresado a España y al formato largo: hablamos de Hogar, con Mario Casas y Javier Gutiérrez como protagonistas y Netflix produciendo y distribuyendo.

Juan Carlos Fresnadillo, en busca del proyecto definitivo

Pese al éxito de 28 semanas después, la carrera de Juan Carlos Fresnadillo parece haberse quedado un tanto ensombrecida en los últimos años, en los que casi no contamos con referencias suyas como cineasta. Desde 2011, cuando estrenó Intruders, no ha vuelto a dirigir ningún largometraje. No habrá sido por falta de intentos: solo hay que recordar su implicación en proyectos como la nueva versión de El cuervo o un remake de Los inmortales, de los que acabó saliendo por diferencias creativas. Más traumática sería la cancelación a escasas semanas de rodaje de Haunted, un filme de terror que iba a dirigir con Rose Leslie de protagonista, con producción de DreamWorks.

Así las cosas, su refugio ha sido la televisión estadounidense, donde ha encarrilado diferentes títulos. Dirigió el capítulo inaugural de Falling Water, un drama de misterio para USA del que figuraría como productor ejecutivo, y el de Salvation, para CBS, así como otros dos, el de Blanco en Cinemax y de Prototype para Syfy que no saldrían adelante.

En la actualidad, se mantiene vinculado a la adaptación cinematográfica de The Sword in the Stone, versión en imagen real de Merlín el encantador para Disney.