La nueva serie de Netflix, con el sello de Bambú, ya se encuentra en fase de producción. El 8 de mayo de 2015, Isabel Fuentes fue asesinada en la cuarta planta del Complejo Hospitalario Universitario de Ourense cuando se recuperaba de una agresión sufrida en su propia casa. Esta tragedia, derivada de la desprotección a la víctima, que conmocionó a la sociedad inspira a El crimen de Pazos, según avanza La Región.

Su marido, Aniceto Rodríguez, ya había intentado acabar con la vida de Isabel meses antes con un martillo. Pese a las alertas de la Guardia Civil, ni la Justicia ni la Fiscalía adoptaron medidas cautelares que pudiesen proteger a la víctima. Una vez perpetrado el crimen, este sujeto fue condenado a 31 años de prisión. No los cumplió, puesto que falleció en 2018 a consecuencia de un ictus.

La serie de Netflix y Bambú, con Ramón Campos al frente, aborda todo lo ocurrido en este caso de violencia de género. El crimen de los Pazos estará dirigida por el equipo responsable de éxitos como Fariña, Velvet o Las chicas del cable, y el citado medio ha confirmado que Tristán Ulloa será el encargado de interpretar a uno de los investigadores de la Guardia Civil en Ourense.

El rodaje arrancará en Betanzos, utilizando localizaciones como el consistorio, A Eira Vella, el Centro Internacional de Estampa Contemporánea, A Ponte Vella y A Cañota. Posteriormente, se filmarán escenas en Ourense y Verín.

Cabe destacar que se trata del segundo caso gallego que inspira a la productora. Bambú está detrás de trabajos como El caso Asunta, protagonizada por Candela Peña y Tristán Ulloa, o La viuda negra, con la intervención de Ivana Baquero.

Ramón Campos, máximo responsable de Bambú Producciones, se ha pronunciado sobre los continuos cambios de programación que han vivido en el último mes las dos series diarias que su compañía realiza para RTVE: Valle Salvaje y La Promesa. En los intentos de la cadena pública por levantar las audiencias de La familia de la tele tras su fallido estreno en las tardes de La 1, las dos ficciones han visto alteradas sus horas de emisión, lo que ha llegado a perjudicar también a sus registros.

“Yo produzco y ellos programan, y así me ha ido bien en mi vida profesional. Si a mí me dejan producir mis series, yo no les puedo decir cómo programar. Ahora, si me voy a datos objetivos, sí es cierto que las series están sufriendo algo que pasa en todas las cadenas”, arranca diciendo el showrunner en palabras a Bluper antes de desarollar su exposición.

“Cuando llega un programa nuevo, una apuesta tan fuerte como la que estaba haciendo TVE con La familia de la tele, ha habido movimiento de duración y de horario. Hemos cambiado de horario cuatro o cinco veces”, recuerda el productor, que defiende que “las series diarias tienen que acostumbrar al público a una hora y una cadena”.

“Cuando esa costumbre se la rompes al espectador, éste puede acabar yéndose a RTVE Play”, expresa Campos, que cree que el baile de programaciones puede hacer que los seguidores de la ficción acaben optando por verla a través de la plataforma de vídeo bajo demanda de la pública. “RTVE ha hecho lo que tenía que hacer. Una vez haces esa apuesta, tienes que intentar manejarla de la mejor forma posible para intentar salvarla”, reconoce.

Ramón Campos avanza la renovación de Valle Salvaje y La Promesa

Ramón Campos desvela además las reuniones que ha tenido con José Pablo López, presidente de RTVE, y Sergio Calderón, director de TVE, para abordar toda esta situación y determinar cuál es la mejor franja para la emisión de Valle Salvaje y La Promesa. “Hemos llegado a la conclusión de que la mejor hora en cuanto a cuota y media de espectadores es las cinco de la tarde. Incluso un poquito antes. A medida que nos acercamos más adelante, la serie va a peor por la competencia”, valora.

El productor admite que no es plato de buen gusto las alteraciones en la programación de sus series pero lanza una reflexión sobre cómo está en manos de las cadenas colocar sus productos donde mejor creen que van a funcionar: “¿Duele? Claro que duele a nivel personal ver que un producto está funcionando bien y que la cadena lo maneja para intentar competir. Pero si te pones en su lugar, acabas entendiendo que nosotros somos una pieza en ese organigrama”, concluye.

Pese a todo, Ramón Campos se muestra tranquilo, ya que, según ha avanzado, RTVE tiene en mente la renovación de los dos seriales: “Valle Salvaje lo va a hacer por 180 capítulos más, y La Promesa va a continuar con más temporadas”, sentencia.

Cuando dos gigantes en el mundo de las series como Mediaset y Bambú Producciones (La Promesa, Velvet, Las chicas del cable, Gran Reserva, Fariña, Gran Hotel) se encuentran, es normal que crezca la expectación para conocer y ver su proyecto conjunto. Y a esas expectativas es a las que tendrá que hacer frente la serie La Favorita 1922.

Lo raro es que esos dos caminos, los de Telecinco y la productora, no se hubiesen cruzado antes. Lo ha reconocido el productor Ramón Campos: “En Bambú cumplimos el año pasado 15 años, y desde el primero decíamos que teníamos que hacer algo para Telecinco. 15 años después lo hemos conseguido”, ha dicho, bromeando luego: “Estamos encantados con Mediaset, nos decían que eran malísimos, y todo ha sido buenísimo. Ha ido como la seda, todo maravilloso”.

Ghislain Barrois, director de la División de Cine, Ficción, Derechos y Distribución de Mediaset, también se ha referido a esa lejanía que el grupo audiovisual había impuesto a Bambú Producciones, y que tras la salida de Paolo Vasile cambió. Barrois ha indicado: “Hemos tardado años en encontrar un proyecto que podíamos hacer con Bambú, y cuando vemos La Favorita 1922 mereció la pena”. En este sentido, el directivo ha valorado: “La decisión más importante que debe tomar una TV al encargar un proyecto es elegir el productor. Tras una serie hay un proceso industrial tremendo, una temporada de 8 capítulos, además con formato Mediaset de 70 minutos, es como tres o cuatro películas. Por eso es muy importante estar en buenas manos”, ha dicho alabando a Ramón Campos y a su compañía Bambú.

Todavía sin fecha, Barrois sí ha declarado que la intención es que La Favorita 1922 se estrene “a inicios de 2025”, y asegurado que espera que sea el inicio de sus colaboraciones con la productora, no sólo para series: “Nos encantaría encontrar otro proyecto. El deseo de colaborar con Bambú va más allá de las series, estamos buscando proyectos también en el cine”. De momento, Mediaset no ha cerrado acuerdo con ninguna plataforma para que se convierta en segunda ventana de La Favorita 1922: “Todavía no hay planes para llevarla al streaming. La colaboración con las plataformas evoluciona. En los últimos años todas nuestras series han pasado por ellas, pero a día de hoy aún no hay planes”, ha dicho el directivo.

Lo que sí han apuntado, en este caso Ramón Campos, es en su visión continuista: “La idea es continuar, ojalá tenga muchos años”. Por lo que se ha aclarado que La Favorita 1922 no será una serie cerrada.

Así será 'La Favorita 1922': sinopsis oficial

Mediaset define La Favorita 1922 como “una serie de época en cuyo eje narrativo se entrelazan valores y sentimientos como la lucha por los sueños, el amor, la intriga, la resiliencia y la pasión por la cocina”. Está ambientada en Sevilla en 1922, y protagonizada por Verónica Sánchez como la marquesa Elena de Valmonte, una mujer culta y de posición privilegiada que pasa horas en los fogones junto al servicio volcando su energía en su gran pasión, cocinar, mientras se siente atrapada en un matrimonio infeliz con Adolfo, su autoritario marido que la menosprecia a la menor ocasión, y anhela llevar otra vida. Una noche, tras ofrecer una de sus famosas cenas en su palacete, Elena y Cecilia (Raquel Querol), su fiel doncella, se ven envueltas en un desafortunado incidente que cambiará sus vidas para siempre. 

Convertidas en fugitivas, llegan a Madrid y se refugian en el local de un restaurante cerrado hace años. Tras recorrer sus fogones, Elena se plantea reabrirlo y convertirlo en uno de los mejores de la ciudad. En su empeño por lograr su sueño empresarial, contacta con Julio (Luis Fernández), el apuesto propietario del establecimiento, que le alquila el restaurante sin informarla de la letra pequeña. Decididas, Elena y Cecilia emprenden la búsqueda del equipo entre las mejores cocineras y criadas del país, escogiendo a Ana Ferrer (Andrea Duro) como jefa de sala; Lourdes Mendieta (Maribel Salas) como cocinera; y Rosa (Elena Maroto) como repostera. Por su parte, Julio incluye en el equipo como camarero a Roberto (Joel Sánchez). 

Ilusionadas con la nueva oportunidad que les brinda la vida, las cinco mujeres reabren el restaurante con el nombre de 'La Favorita Bistró', donde entre guisos y recetas darán lo mejor de sí mismas, compartirán secretos, conocerán el amor y descubrirán que hace falta mucho más que talento y ganas para mantener el restaurante a flote.

La intención de reunir a toda la familia para verla

Ramón Campos ha explicado: “Al crear esta serie, hablamos con el creador Josep Cister y pensábamos qué haríamos para Mediaset. Y queríamos que fuese algo 'puro Bambú'. Y lo es. Todos los elementos con los que hemos construido en la productora están. Estamos felices con la serie”. El productor ha dado todo el crédito del mundo a Cister, encargado de desarrollar la idea original de Ramón Campos, Gema R. Neira, Paula Fernández y Curro Serrano, y que además del creador también es productor ejecutivo: “Es maravilloso como creador, y es muy generoso porque lo hace todo. Ha llevado Valle Salvaje, La Promesa y La Favorita a la vez”, ha destacado, alabando su capacidad.

Senté a toda mi familia para verla, desde mi hijas a mi madre, y se engancharon

Ramón Campos

Sobre ese 'sello Bambú', y preguntado por qué le hace distinta a otras series de época, Campos ha explicado: “Si te gustó Las chicas del cable y Velvet, te va a flipar La Favorita. No hay tantas series de época, ni tantas que puedan aunar ante la pantalla a todas las generaciones. Y La Favorita lo es. Al acabar Las chicas del cable, sentí que sus espectadores se habían quedado huérfanos porque no había otras similares. Y empezamos a trabajar en La Favorita pensando en eso”. De hecho, el productor ha explicado un 'experimento' personal: “Senté a toda mi familia para verla, desde mis hijas a mi madre, y se engancharon”.

Barrois ha ahondado en esos ingredientes de las series de Bambú refiriéndose a su primera serie para Mediaset: “Comparte mucho de ese ADN, pero al mismo tiempo es diferente. Nosotros hacemos un test de neuromarketing de todas nuestras series, y La Favorita es una de las que mejor ha puntuado. La sorpresa es que el público que mejor reaccionó fueron los jóvenes”.

La unión femenina de su reparto, dentro y fuera

Al hablar de sus actores y actrices, Campos ha empezado asegurando que está “feliz” por contar con todos ellos y por cómo han trabajado, respondiendo él mismo a la habitual “queja” de que Bambú siempre repite intérpretes: “A algunos ya los conocíamos, y otros han llegado. Ya sabéis que somos muy pesados con repetir, pero nos gusta volver a ser felices con los que ya hemos sido felices”.

Por ejemplo a Verónica Sánchez ya la conocían de Tiempos de guerra, y ahora encabezará La Favorita 1922. La actriz ha apelado a ese “volver” en sus palabras: “Me da mucha alegría volver a Mediaset 18 años después. Los Serrano evidentemente me abrió las puertas de esta profesión. También volver a Bambú tras muchos años sin estar juntos”. Sobre la serie, ha explicado que “parte de un drama, y va entrando la luz poco a poco. Es una especie de comedia clásica, con tintes de drama, pero que tiene mucho que ver con las comedias de Hollywood de los 40 y 50”.

Sánchez ha destacado la duración del rodaje, pero también lo que ello había permitido: “Fue un proceso largo, porque 9 meses en una serie es largo, pero hemos hecho una piña, y he disfrutado con el trabajo y con el resultado”. Además, desde su puesto de líder del reparto y su experiencia, ha querido destacar a sus dos compañeras debutantes: “Para Raquel Querol y Elena Maroto es su primer proyecto, pero no lo parece. Han venido para quedarse. Tienen un gran nivel, y vais a adorar a sus personajes”. Personalizando en ambas, también ha querido añadir Ramón Campos: “Ellas dos, cuando llegó Josep con las pruebas, decía: pero de dónde han salido. Flipó”.

Las dos jóvenes han agradecido la oportunidad. Elena Maroto también ha explicado su personaje: “Es la repostera y más joven de La Favorita. Pero también es la más clásica. Acompañando a estas mujeres empieza a descubrir otra manera de vivir, y a valorarse a sí misma”. Raquel Querol, asegurando que ha sido “sin duda de las cosas más bonitas que me han pasado en la vida”, que su personaje Cecilia es “un caramelito porque a la pobre le pasan mil cosas. Es muy valiente, y estoy muy orgullosa de poder ser una mujer así”, y destacando también la unión personal con sus compañeras: “Poderme nutrir de estas mujeres que son increíbles, y de estos hombres que también son maravillosos”.

De las más jóvenes, a cómo ha presentado Maribel Salas a su personaje, tirando de humor: “Yo soy Lourdes, la cocinera más veterana. Represento a esa parte de la vida en la que te llenas de inseguridades porque la juventud llega fuerte, con nuevas ideas. Y ellas son las que me apoyan y me impulsan. Es un personaje muy bonito y querido. Y a nivel personal, es una maravilla llegar a casa y decir que tengo una amiga de 19 años, y hablar de las mismas cosas”. La actriz también ha incidido en esa unión del elenco: “Hemos generado una familia maravillosa”.

Del mismo modo se ha expresado Andrea Duro: “Ha sido fantástico, hemos creado unos vínculos... nosotras ya somos amigas, familia”. La actriz también ha hablado de su personaje, Ana: “Es muy divertido, me he reído muchísimo. Tiene mucha ironía, un humor un poquito ácido, que lo agradezco. Llega derrapando a La Favorita, sin saber qué se va a encontrar, y se encuentra con una familia”.

La idea era hablar de un mundo de mujeres que se unen y en circunstancias complicadas deciden salir juntas adelante

Ramón Campos

A pregunta de verTele sobre si esa unión femenina que repetían es algo buscado no sólo en la trama, Ramón Campos ha explicado: “Desde la creación de la serie, la idea era hablar de un mundo de mujeres que se unen y en circunstancias complicadas deciden salir juntas adelante”. Verónica Sánchez ha confesado cómo se lo han tomado ellas: “Son mujeres que se unen y deciden emprender en una época en la que no lo tenían fácil. Se enfrentan a muchas trabas que van superando, y también hay afortunadamente muchos hombres que se unen a ese proyecto común. A nivel personal, eso nos ha unido”.

Sus palabras han servido para que Ramón Campos le dedique un bonito cumplido, señalando la importancia de Verónica Sánchez a nivel humano con el grupo: “Es muy importante en las series que la protagonista marque el camino. Yo siempre pongo el ejemplo de José Sacristán, si le tienes en rodaje va bien. Cuando tienes a Vero, todo el mundo va detrás y va bien, porque la ven a ella”.

Esa unión de las mujeres no ha significado la exclusión de los hombres. Luis Fernández ha asegurado que ha sido “uno de los mejores rodajes que he vivido. A veces son complicados, y este ha sido bonito”. Y Joel Sánchez ha destacado que ha “disfrutado mucho”, incidiendo en otra parte importante del rodaje: “Es un proyecto que te hace sumergirte en una máquina del tiempo, por sus vestimentas, su decorado... era como ser un niño pequeño”.

El gusto por el detalle, hasta generar la duda

Precisamente esa parte que luego “se ve”, la de los decorados y el equipo de arte, también ha centrado halagos. Barrois ha ejemplificado el nivel de detalle en que “diseñaron las etiquetas de todos los productos que salen en un set con cosas para comprar”. Y el propio Ramón Campos ha reconocido: “He hecho ya 40 series, me hago viejo, y me había pasado pocas veces llegar a un set, y tocar disimuladamente paredes para ver si eran del decorado. Es todo increíble”.

Otro aspecto que han querido destacar es la “libertad” para emplear distintos acentos. Verónica Sánchez lo ha explicado a nivel personal: “Dije que podía llevar mi acento, ya que se ambienta en Sevilla, pero luego va a Madrid y ese acento se suaviza. Si digo la verdad, ya no sé qué acento tengo. Una especie de andaluz suavizado por los años en Madrid. La gente se está acostumbrando a escuchar acentos”. Y Ramón Campos lo ha celebrado a nivel de industria: “Estamos viviendo un momento muy bonito con los acentos en el audiovisual. Por fin se está rompiendo el tópico. Por fin podemos empezar a hablar con los acentos que tenemos, no obligarnos a hablar con un acento neutro que no tenemos”.

Tras arrojar luz sobre el asesinato de Asunta Basterra en un true crime estrenado en 2017 y disponible en Netflix bajo el título Operación Nenúfar, Bambú Producciones y Ramón Campos recuperan El caso Asunta en una serie de ficción que ya ha llegado a la plataforma con el viaje interpretativo descomunal de Candela Peña y Tristán Ulloa.

El creador y guionista habla con verTele sobre este nuevo proyecto acometido por su productora, una serie que “había dicho que no iba a hacer”, pero que ha acabado llevando a cabo con algunas líneas rojas: “Teníamos claro que no queríamos hacer sufrir a nadie ni provocar más dolor, sólo aportar luz”.

“Mi norma es que mis hijas el día de mañana no me puedan preguntar por qué hice algo, y no tenga respuesta. Es una cuestión ética”, reflexiona Ramón Campos, que tiene claro qué decir a aquellos que piensan que es pronto para llevar a la ficción un crimen que impactó tanto: “Si cuando lo tratas intentas minimizar ese dolor, es difícil equivocarse”.

Además, el responsable de Bambú Producciones cuenta cómo fue el casting, cómo le convenció Candela Peña para encarnar a Rosario Porto pese a que tenía prácticamente adjudicado otro papel, y cuáles son las dos únicas localizaciones reales en las que se negaron a rodar: “Una es la casa donde vivía Asunta, que ni lo intentamos, y otra la casa donde la asesinaron. Nos parecía que era una cuestión de respeto no utilizar el lugar donde habían sucedido los hechos”.

Netflix ha estrenado esta semana su nueva serie española, Jaguar. Una historia ambientada en la España de los 60 que gira en torno a un grupo de “cazanazis” que trabajan para que importantes dirigentes del nazismo dejen de vivir cómodamente entre la oligarquía franquista y sean puestos ante la justicia internacional.

En nuestra entrevista con sus protagonistas, Blanca Suárez e Iván Marcos, al igual que en la charla con el resto del grupo que forman Francesc Garrido, Adrián Lastra y Óscar Casas, todos los actores pusieron de relevancia la trabajada base histórica que tiene la trama y cada uno de sus personajes.

Un arduo proceso de documentación que ampliaron sus creadores, Ramón Campos y Gema R. Neira, dejando claro que “nada es casual de lo que aparece en la serie. Casi todo lo que se dice tiene una inspiración real”. Desde verTele propusimos a su creador ahondar en todas esas historias dentro de la propia historia de Jaguar, y con su ayuda podemos ir un poco más allá para conocer muchos de los “secretos” que oculta la serie.

(Aviso: al hablar de detalles y momentos de 'Jaguar', podemos incurrir en spoilers)

Isabel, cargada de simbolismo e historia

Isabel Garrido, la protagonista a la que da vida Blanca Suárez, incluye muchos detalles que a simple vista pueden parecer como de la construcción del propio personaje, pero que en realidad tienen una justificación histórica detrás. Resumimos algunos de ellos:

El grupo de “cazanazis”, puerta abierta a la historia

No sólo el personaje de Isabel sirve para demostrar la labor de documentación. También Lucena, Marsé, Sordo y Castro, los personajes interpretados respectivamente por Iván Marcos, Francesc Garrido, Adrián Lastra y Óscar Casas; guardan otras muchas historias y detalles. Resumimos algunos de ellos:

Los nazis, las localizaciones y el contexto

Al igual que el lado de la justicia que representa el grupo, al otro lado los personajes nazis también contienen mucha historia real. Alguna es más reconocible (como la existencia de Aribert Heim) y otra es más desconocida, por lo que estos apuntes resultan interesantes:

La II Guerra Mundial. Campos de concentración, de tortura y de muerte. Y años después, vidas marcadas por ese sufrimiento que jamás vuelven a ser las mismas, dando gracias por al menos seguir viviendo. Y enfrente, la tranquilidad de los nazis que provocaron ese horror en España. Son importantes, poderosos, marcan el ritmo de las reuniones de la dictadura franquista en la Madrid de los 60. Drama, drama y más drama. Y justo por eso se agradece que una serie apueste por la acción para jugar con ese contexto.

Jaguar es la nueva serie española de Netflix que llega a la plataforma este miércoles 22 de septiembre. Una ficción compuesta por seis capítulos de unos 50 minutos a cargo de Bambú Producciones y creada por Ramón Campos y Gema R. Neira, que hacen valer su experiencia en otros de sus productos como Fariña, La embajada, Tiempos de guerra, Velvet o Las chicas del cable. Una experiencia que por momentos “suena” en su nueva creación.

Blanca Suárez protagoniza la serie como Isabel Garrido, una joven superviviente de Mauthausen que se ha propuesto cazar y matar al nazi responsable de su niñez perdida, Otto Bachmann (encarnado por Stefan Weinert, al que ya vimos como nazi en Dime quién soy de Movistar+). Pero cuando su misión personal está cerca de llegar al punto culmen, acaba integrándose en un extraño grupo de “cazanazis justicieros” encabezado por Iván Marcos como Lucena, que se encarga de dirigir a Francesc Garrido como Marsé, Adrián Lastra como Sordo y Óscar Casas como Castro.

Jaguar parte, por lo tanto, de una premisa indudablemente atractiva: un grupo de “cazanazis” que actúa en la España de los 60, con epicentro inicial en Madrid, no para saciar su sed de venganza sino para lograr que se haga justicia. Para conseguir que los altos dirigentes del nazismo que viven cómodamente entre los oligarcas del franquismo acaben respondiendo por sus delitos.

Su idea puede recordar a Hunters de Al Pacino en Amazon Prime Video, pero sus creadores nos explicaron que en Jaguar no caen “en esa superficialidad del Holocausto” y además no crean una distopía, sino que se ambienta en la realidad de la España de los 60. Y lo cierto es que su mayor acierto es apostar por el entretenimiento y la acción sobre una base histórica real.

Antifascismo y memoria histórica

La misma ingente documentación a la que se puede acceder y consultar sobre la II Guerra Mundial, que sus protagonistas utilizaron para crear sus personajes, actúa en todos los proyectos literarios o audiovisuales sobre este período como un freno. Parece que “ya está todo escrito”, que “ya está todo visto”, que “ya está todo contado”. Por eso Jaguar, en su planteamiento, atina al dejar la historia como base y centrarse en crear su propia historia ficcionada sobre ese grupo de “cazanazis justicieros”, aunque también esos personajes tengan un trabajado e importante fondo documental.

Jaguar es una serie, y como tal busca entretener. Y lo consigue con tintes de thriller, con mucha acción y con intriga. Son sus elementos principales, que se imponen a otros más típicos en dramas sobre la II Guerra Mundial como la emoción, el dolor o el sufrimiento; que también están presentes pero sólo afloran en momentos más íntimos de sus personajes. Momentos en los que la serie aprovecha para apuntar, sin profundizar, a nombres propios de la historia de España que sirven como alegato antifascista y por la memoria histórica.

Pero no es la tónica de su desarrollo. La ficción demuestra que Madrid es un plató perfecto para trasladarnos a los años 60, y combina con buena resolución cambios de ritmo entre las escenas más introspectivas de los personajes, otras en las que la acción empieza a aflorar mediante la planificación o el conflicto verbal, y las últimas en las que la acción se adueña por completo de la escena y exige a sus personajes una preparación que cumplen sin mayor problema.

La impulsividad del personaje de Óscar Casas, la firmeza del de Iván Marcos, la convicción del de Blanca Suárez, y la extrema dificultad de Adrián Lastra para interpretar su papel (se llama 'Sordo' por algo) se compenetran con la oscuridad del de Francesc Garrido, que borda un personaje tranquilo, silencioso, reflexivo y culto que sólo a base de miradas es capaz de helar la sangre o de inspirar más confianza en el grupo que ningún otro.

Si su planteamiento es novedoso y atinado, su desarrollo es efectivo, aunque revisita muchos sitios conocidos y habituales en historias de intriga y espías. Entregarse a la acción es agradable visualmente para el espectador, pero también hace que Jaguar recuerde a otras tantas producciones audiovisuales “similares”, bien sea al ver un espectacular tiroteo en el que un personaje “vuela” sobre sofás para esquivar balas, o una larga y tensa persecución por las calles hasta huir sobre la cabeza del mismo perseguidor. Entretenimiento y espectacularidad, al fin y al cabo, que están bien insertados en la historia, pero que en algún momento no transmite la credibilidad que el trasfondo histórico de la serie sí logra.

En esos cambios de ritmo, el desarrollo de las escenas más introspectivas y de diálogo suponen otro estilo bien diferenciado. Jaguar recurre a muchos planos y momentos para generar un simbolismo intenso (que a veces no es necesario) como una manera de conocer más a sus personajes, y al mismo tiempo para ahondar en la tragedia de los campos de concentración nazis. De nuevo, entretenimiento con base histórica.

Acción made in Netflix, trasfondo typical spanish

Jaguar no es una serie histórica, ni lo pretende. Es un thriller de acción bien resuelto y que encaja con los contenidos que suelen funcionar en Netflix (con recuerdo a Tarantino en sus rótulos incluido), que quién sabe si en un futuro podría incluso adaptarse como procedimental, con el mismo grupo de protagonistas persiguiendo a distintos nazis.

Un thriller de acción que, entre medias, aprovecha para recordar la historia de los españoles que murieron en campos de concentración nazis como los de Mauthausen, Dachau o Auschwitz. Y sobre todo la historia de los que sobrevivieron, marcados para siempre por ese drama, mientras sus verdugos y torturadores disfrutaban de una exitosa y tranquila existencia en la España franquista. Por eso no duda en hablar de España, con homenajes a iconos apátridas a nivel sonoro (como 'El emigrante' de Juanito Valderrama o 'Adiós mi España querida' de Antonio Molina) o visual (a Luis Buñuel). Pequeños guiños que forman parte del homenaje “oculto” de la serie a tantos españoles olvidados.

No es muy habitual que Netflix apueste por estrenar una de sus nuevas series originales fuera del viernes, el día que tradicionalmente acoge la mayoría de sus lanzamientos. Y sin embargo Jaguar, su nueva ficción española a cargo de Bambú Producciones y protagonizada por Blanca Suárez e Iván Marcos, llegará este próximo miércoles 22 de septiembre, como muestra del especial tratamiento que le quiere dar la plataforma.

Jaguar transporta a la España de los años 60, cuando el régimen de Franco se convirtió en refugio y tapadera de importantes dirigentes nazis tras la II Guerra Mundial. Y gira en torno al personaje de Isabel Garrido (Blanca Suárez), una joven española que logra sobrevivir al campo de concentración de Mauthausen, y que quiere dar caza a Otto Bachmann, considerado el hombre más peligroso de Europa. Cuando está dispuesta a culminar su plan, descubre que no está sola en su misión y se une a un grupo de agentes “cazanazis” decididos a hacer justicia encabezado por Iván Marcos como Lucena, Francesc Garrido como Marsé, Adrián Lastra como Sordo y Óscar Casas como Castro.

Como aperitivo antes de su estreno, hablamos con sus creadores y productores ejecutivos, Ramón Campos y Gema R. Neira, para adelantar qué van a poder ver los espectadores en esta historia “con tono thriller y de acción”, como ellos mismos definen, que se asienta en una trabajada base histórica pero se plasma en puro entretenimiento: “Antes se unía mucho una serie histórica como algo pesado, denso, dramático. Y nosotros pensamos que para explorar la historia y para enseñar cosas, podemos hacerlo también desde el entretenimiento”.

Los mensajes, los guiños, los detalles... “Nada es casual de lo que aparece en la serie”, reconocen sus creadores, reconociendo que todo en Jaguar contribuirá a “permitir a los espectadores explorar lo que sucedió en España”. Inciden en que “no es una clase de historia, ni queremos sentar cátedra”, pero sí aceptan sin dudarlo que la serie remarca la importancia de la memoria histórica: “Hay una reflexión sobre qué sucedió en España durante la época del franquismo”.

“La historia de los supervivientes españoles del Holocausto nunca se ha tratado, y queríamos hacerlo de una forma muy seria”, resumen para presentar Jaguar, una serie cargada de acción e intriga que llega a Netflix el próximo miércoles.

¿Qué equilibrio hay entre realidad y ficción? Hay referencias a nombres reales, como Cristino García. ¿Cómo lo habéis conjugado?

Gema R. Neira (G.R.N.): Hemos conservado la historia a grandes rasgos, la historia con mayúsculas, y hemos ficcionado la historia con minúsculas. Los personajes están todos basados en historias reales, en traumas reales, pero no están basados en personas concretas. Sí, por ejemplo, el nazi al que buscan es una persona real y además jugamos con un un enigma en la historia porque no se sabe qué sucedió con él. Entonces nosotros jugamos a imaginarnos qué podría haber sucedido. Pero la base sobre la que está creada la historia es absolutamente real.

Ramón Campos (R.C.): Tuvimos un proceso de documentación brutal, tanto audiovisual como de libros, inmenso. Hay una cantidad ingente de documentación y nos hemos leído si no todo, la gran mayoría, para intentar construir a nuestros personajes, construir el contexto, la historia, su pasado. Me gusta tu referencia a Cristino, porque no nos paramos en él para contar quién era. Nos paramos en él para contar la experiencia de Lucena [el protagonista masculino, encarnado por Iván Marcos] con Cristino. A partir de ahí, si alguien quiere documentarse más sobre Cristino, será maravilloso. Pero no queríamos dar una clase de historia. Ahora, por ejemplo, el discurso que dan al principio del capítulo 2 en el salón de la casa, es el discurso que dieron los españoles supervivientes en la puerta de Mauthausen cuando salieron libres. Nada es casual de lo que aparece en la serie. Casi todo lo que se dice tiene una inspiración real.

Dejáis claro que no queréis dar una clase de historia, pero ¿sí queréis remarcar la importancia de la memoria histórica? ¿O no debemos buscar ese mensaje?

R.C.: Sí. Hay una reflexión sobre qué sucedió en España durante la época del franquismo, esa connivencia entre los nazis y el franquismo, y cómo los españoles que estuvieron en los campos de concentración y salieron de allí, los supervivientes, fueron rechazados por el gobierno franquista. A partir de ahí, creo que es una serie que puede permitir a los espectadores explorar lo que sucedió en España. Y no es una clase de historia, porque no queremos sentar cátedra, ni detener la serie, ni detener la acción para explicar determinadas cosas, pero queremos que todo esté apuntado.

G.R.N.: Antes se unía mucho una serie histórica como algo pesado, denso, dramático. Y nosotros pensamos que para explorar la historia y para enseñar cosas, podemos hacerlo también desde el entretenimiento. Creo que esa es la nueva visión sobre sobre la memoria histórica y el audiovisual que estamos explorando los creadores ahora mismo en España. No hay que hacerlo de una sola manera, se puede hacer de muchas maneras y dar pie al espectador a que aprenda. Y sobre todo es eso: al final no hay que dar una clase, lo que hay es que generar un interés, contar una historia que es interesante de por sí, y que el espectador busque y explore por su cuenta a partir de esta llamita.

Nada es casual de lo que aparece en la serie. Casi todo lo que se dice tiene una inspiración real

Ramón Campos

La intro con los créditos, y su música, van a llamar la atención. ¿Por qué esa idea, y qué representa?

R.C.: Cuando cogimos el tema, aún no habíamos empezado a grabar la serie ni los ensayos. Esa canción en concreto, y la introducción que tiene un cierto reflejo con los pósters de aquella época de resistencia, de lo que habla es de “siempre hacia adelante”, de “no nos van a parar”. El tema es un poema de Miguel Hernández adaptado a canción, 'Vientos del pueblo', y habla de eso: por mucho que nos machaquen, por mucho que nos intenten parar, no lo van a conseguir. Hay que pelear.

También la música sirve para hacer homenajes a míticos como Antonio Molina o Juanito Valderrama, y visualmente a Luis Buñuel, por ejemplo. ¿Era una intención valorarles teniendo en cuenta que con Netflix se verá en todo el mundo?

R.C.: Es una serie que habla de España. Por tanto, no podíamos evitar eso. Y hablamos de gente apátrida, de gente que salió de los campos de concentración, supervivientes, que España no les fue a recoger. Fue el único país del mundo que no fue a recoger a sus presos. Se fueron a Francia, en Francia les dieron pasaportes, intentaron volver a España y no lo consiguieron muchos de ellos... Plasmar canciones que hablan de la emigración, canciones que hablan de 'España querida', tiene algo irónico para nuestros personajes. Incluso cuando suena 'Tómbola', “la vida es una tómbola”, para nuestros personajes es muy irónico y por eso sonríen, porque es verdad que la vida es una tómbola, pero depende de donde nazcas o quién gobierne tu país te va a tocar una vida u otra.

G.R.N.: Y la referencia de artistas que fueron condenados por su ideología también es interesante, porque estamos hablando de eso. Por eso acabaron allí los españoles, por su ideología.

¿Hay también guiños “tarantinianos”, por ejemplo en los rótulos?. ¿Ha sido inspiración 'Malditos bastardos', por ejemplo?

R.C.: No, es más, ha sido una huida 'Malditos bastardos' y cualquier estilo. Somos fanáticos de Tarantino, pero sabíamos que íbamos a estar en el punto de mira en ese sentido, porque la historia de los supervivientes españoles del Holocausto nunca se ha tratado y no queríamos hacerlo de una forma superficial. Queríamos hacerlo de una forma muy seria. Entonces, aunque por encima hay un tono thriller y un tono acción, cuando hablamos de ellos y de sus traumas, hablamos de una forma muy seria y no queríamos darle ese punto cómic que quizás tiene más Tarantino. Incluso cuando hablamos del campo de concentración, la mayoría de las veces lo hacemos desde el punto de vista de Isabel, un punto de vista de un personaje que se ha quedado fuera, a las puertas del campo de concentración, y desde allí ve lo que pasa dentro. Muchas veces no hace falta contar al espectador lo que pasa allí dentro, porque ya lo tiene interiorizado. Ya lo sabe, nadie va a hacerlo mejor que Spielberg en 'La Lista de Schindler'.

Decíais que habéis huido de 'Malditos Bastardos'. Pero como somos muy dados a comparar, ¿creéis que puede sonar a 'Hunters'?

R.C.: Cuando salió 'Hunters' nosotros ya estábamos trabajando en el proyecto, y es cierto que tuvimos una alarma: de repente sale una serie sobre cazadores de nazis, cuando nosotros estamos trabajando en una sobre cazadores de nazis. Pero esa alarma desapareció cuando la vimos. En esa superficialidad del Holocausto nos parece que cae 'Hunters', y nosotros intentamos no caer. Y luego en épocas no tiene nada que ver, ellos crean una distopía en la cual los nazis intentan hacerse con un cuarto Reich, y nosotros no jugamos a eso. Nosotros estamos más pegados al suelo.

G.R.N.: Yo creo que, al final, lo que hemos aprendido en estos años es que en cada historia, el punto de vista es lo que determina que sea particular. No tanto el tema. Los temas se repiten continuamente.

Por la forma, ¿'Jaguar' podría incluso transformarse en un procedimental? ¿Qué plan de futuro tiene?

R.C.: Bueno, si funciona, nos gustaría saber si estos personajes van a conseguir cazar a Aribert Heim y llevarle a la justicia internacional. Y a partir de ahí no tenemos claro qué pasará con los personajes de Jaguar, ni con Aribert Heim, ni con Otto Bachmann. Una cosa muy interesante del desarrollo de Jaguar es que no nos hemos ceñido a una estructura súper rígida como otras veces, sino que hemos sido bastante libres. Y ese proceso libre de creación, cuando acabamos la primera temporada, no teníamos claro qué iba a pasar en la segunda. Hemos llegado aquí, veamos ahora qué puede pasar en la segunda temporada.

¿Puede haber entonces más casos, con distintos nazis?

R.C.: Puede haber. Está todo abierto. Pero no te voy a dar crédito por eso si sale eh [ríe].

Bambú Producciones ya fue responsable de la primera serie española de Netflix, con Las chicas del cable, y ahora se encargará de iniciar la producción de ficción en nuestro país de otro gigante del streaming, Apple TV+. La compañía ha anunciado la producción de Now and Then, un thriller creado por Ramón Campos, Teresa Fernández-Valdés y Gema R. Neira, que contará con el israelí Gideon Raff implicado.

El realizador israelí, responsable de Prisoners of War, germen de Homeland, así de otras como Tyrant o la miniserie El espía con Sacha Baron Cohen, será el productor ejecutivo y director de los dos primeros episodios de esta ficción que se rodará en español e inglés, con un reparto íntegramente hispano, y que estará ambientada en Miami.

La multinacional define el proyecto como “un thriller de múltiples capas que explora las diferencias entre las aspiraciones juveniles y la realidad de la edad adulta”. Las vidas de un grupo de amigos de la universidad cambian para siempre cuando uno de ellos muere después de un fin de semana de fiesta. Ahora, 20 años después, los cinco restantes se reúnen a regañadientes por una amenaza que pone en riesgo sus mundos aparentemente perfectos.

Campos y Fernández-Valdés serán los showrunners de una serie escrita por Neira y Campos junto a Paula Fernández Membibre (coordinadora de guion), Javier Chacártegui Horrach y Curro Serrano Giménez.

Bambú, una de las productoras más pujantes en streaming

Con este proyecto, Bambú confirma su pujanza dentro del escenario del streaming. Además de Las chicas del cable, han producido para Netflix otras dos series: Alta mar, con tres temporadas, y Jaguar, otro de los títulos que tiene la plataforma para este 2021, con Blanca Suárez como protagonista. En el campo de la no ficción, también aportan otros productos como El caso Alcàsser y, próximamente, 800 metros, docuserie en desarrollo sobre los atentados de Las Ramblas en 2017.

Mientras tanto, también están inmersos en la producción de Un asunto privado, con Aura Garrido y Jean Reino como pareja estelar, para Amazon Prime Video. Y en Movistar+, de cuya primera producción original fueron también responsables, con Velvet Colección, también han realizado En el corredor de la muerte.

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El productor ejecutivo de Bambú Producciones, Ramón Campos, ha desvelado que su empresa está trabajando mano a mano con AppleTV+ en la realización de una serie. No está claro si será ésta la primera ficción española que se emita a través de de la distribuidora, pero es la única de la que se tiene constancia, al menos de momento.

En una entrevista concedida a todotvnews, Campos ha explicado que Bambú Producciones está embarcada en multitud de proyectos para las principales distribuidoras del país, entre ellas Movistar+, Amazon y Netflix; y también, ha dicho, prepara “una serie para AppleTV+”.

Respecto a este último proyecto, el máximo responsable de Bambú no ha ofrecido más detalles, por lo que cabe suponer que se encuentra en una fase muy incipiente o que prefiere mantener el secretismo.

De hecho, incipiente es la propia existencia de AppleTV+ ya que hasta el 1 de noviembre no estrenará su catálogo de series, en el que ya están incluidas, entre otras, See, The Morning Show, Para toda la humanidad, Dickinson, la adaptación de Los héroes del tiempo, On the rocks, Are you sleeping?, Defending Jacob y Undercover: Coming of Age.

Por otra parte, Campos cree que “la gran explosión de las series españolas va a ser en 2020”. Básicamente, dice, porque “Netflix tiene guardadas 11 series españolas para estrenar en el año, Amazon llega a España y va a lanzar las primeras originales, Apple está viniendo a España también, Movistar+ continúa con su producción, Atresmedia Studios está produciendo series también… Entonces, esto que el mundo ha vivido como una gran explosión de series españolas es nada comparado con lo que se avecina”.

La productora Bambú ha empezado la temporada con fuerza. El pasado 13 de septiembre estrenó en Movistar En el corredor de la muerte, miniserie de 4 capítulos sobre la vida de Pablo Ibar. Un proyecto que apuntaba alto desde su concepción y que ahora, pasado un mes desde su lanzamiento, se puede decir que ha superado todas las expectativas. No solo por el aplaudido trabajo de Miguel Ángel Silvestre en el papel principal, sino también por el que ha realizado todo el equipo de la productora, una de las más prolíficas de nuestro país.

De ella y de sus proyectos más recientes hablamos con Ramón Campos, cofundador y productor ejecutivo de Bambú, quien también valora para Vertele el presente y el futuro de la industria televisiva, haciendo hincapié en las dificultades que atraviesa la televisión en abierto en el panorama actual.

Se cumple un año desde que Nacho Carretero hiciera público que estaba trabajando con Bambú y Movistar para convertir 'En el corredor de la muerte' en una serie de televisión. ¿Cómo ha sido precisamente este último año para vosotros preparando el proyecto?

Ha sido una carrera contrarreloj. Desde que decidimos hacer el proyecto, lo llevamos a Movistar y empezamos a trabajar en él pasó muy poco tiempo. Ten en cuenta que en octubre se estaba decidiendo el jurado. Mientras se decidía el jurado nosotros empezamos a escribir la serie y Movistar nos dio la aprobación. Hasta enero estuvimos escribiendo, y de enero a junio estuvimos grabando y postproduciendo para poder estrenar en septiembre.

En medio de este proceso ha habido viajes a Panamá, a Miami, mucha labor de documentación, casting… Ha sido un trabajo arduo, pero vista la serie ahora, muy satisfactorio.

Menciona el trabajo de casting. ¿Cuánto tiempo les llevó decidir que Miguel Ángel Silvestre era el adecuado para interpretar a Pablo Ibar?

Teresa [Fernández-Valdés, cofundadora y productora ejecutiva de Bambú] y yo lo tuvimos muy claro desde el principio, pero había que convencer a todo el equipo. Miguel Ángel es un portento como actor y, sobre todo, un trabajador nato. No hay demasiados actores como él porque fue un deportista de élite en su juventud. Él era tenista y lo dejó cuando pensó que no iba a ser suficientemente bueno. Tomó la decisión de dar un paso atrás y se dedicó al mundo de la actuación. Por eso, cuando empieza a preparar un papel es como un deportista de élite: lo va a preparar hora tras hora tras hora tras hora.

Yo me di cuenta de que era la persona adecuada, aparte de por el parecido físico, para conseguir hacer el acento y conseguir mimetizarse con Pablo. Sabía que en el momento en que Carlos Marques Marcet [director de la serie] lo conociese y empezaran a trabajar juntos, también lo iba a tener claro.

¿Qué supondrá este papel para él, tanto para su carrera como para la percepción que de él pueda tener el público a partir de ahora?

Fariña es para Javier Rey lo que En el corredor de la muerte es para Miguel Ángel. Es una serie que le va a dar muchas alegrías y muy merecidas, porque ha hecho un gran trabajo.

En la presentación de la serie comentaba que 'Fariña' había abierto una vía para contar historias que ‘En el corredor de la muerte’ ha continuado. ¿Cuál es el siguiente paso de Bambú para seguir la estela de estas dos series?

Estamos trabajando en un par de proyectos con Nacho [Carretero] que todavía no podemos decir porque no están cerrados, pero sí que tenemos claro que esa vía queremos mantenerla. Tanto la vía de esa ficción responsable, por decirlo así, como de las series documentales, la línea de entretenimiento y la línea de cine. Son las cuatros líneas que en Bambú queremos seguir explorando.

En el caso de las series documentales, este verano Netflix lanzó 'El caso Alcàsser'. ¿Cómo ha sido la acogida pasados ya unos meses desde su estreno?

Muy buena. Hemos recibido muy buenas críticas y un apoyo generalizado salvo voces discordantes muy pequeñas. Y hemos recibido algo que, para mí, era lo más importante de todo: que Rosa Folch [madre de Desirée] y su familia y la familia de Toñi hayan visto la serie y hayan visto que lo hemos tratado con respeto.

Que en el pueblo de Alcàsser hayan visto que no llegamos allí, atracamos a la gente y nos marchamos para hacer un programa rápido, sino que hicimos un trabajo concienzudo que, más allá de alguna gente despistada que quiere seguir viendo lo que no hay, queda claro que lo que sucedió en Alcàsser fue que estas pobres niñas se cruzaron con dos o tres desgraciados, dos seguro, que se las llevaron y les hicieron una sarta de barbaridades y no se las devolvieron a sus padres con vida.

Yo creo que se acabó el caso Alcàsser después de la serie documental. Ya no hay mucho más que hablar sobre eso, y el que quiera ahondar pues ahondará en teorías de la conspiración que no tienen más sentido.

Semanas después de su estreno falleció el criminólogo Juan Ignacio Blanco, con el que hablaste por haber defendido durante 27 años una teoría alternativa a partir de una supuestas cintas reveladoras.

Es que no existen. Las cintas nunca han existido y no van a parecer porque no existen. Juan Ignacio Blanco era un mentiroso compulsivo que en cada entrevista, intervención o programa mentía una vez tras otra y cogía elementos de la realidad que le interesaban para seguir mintiendo. La argumentación de las cintas aparece en el momento en el que se estrena Tesis en España, cuando las cintas ‘snuff’ se ponen de moda y él ve que es miel sobre hojuelas y lo coloca en su historia.

Yo he visto la autopsia de las niñas y es una de las cintas más desagradables de ver que yo me he cruzado en mi vida. Esas imágenes se te quedan durante semanas en la cabeza porque son tres cadáveres que han pasado 75 días en un monte, así que imagínate cómo pueden estar con insectos y con todo. Entonces, ¿un padre que es capaz de ver eso no ve la cinta en la que está el asesino de su hija para denunciarlo? ¿Deja que eso pase durante 26 años? Es absurdo pensar eso. ¿Juan Ignacio Blanco iba a hacer lo mismo? También es absurdo.

¿Cuál era la única forma de mantener la teoría de la conspiración? Que hubiera un negocio detrás. La teoría de la conspiración es dinero en entrevistas, conferencias, vendiendo un libro de forma ilegal... Es dinero, dinero y dinero. Y lo que consiguió la teoría de la conspiración fue que dos personas, durante 26 años, siguiesen ganando dinero con aportaciones de pobres personas que se creyeron su teoría mientras las personas que decían la verdad, que son Rosa [Folch] y Luisa [Rodríguez], seguían con sus vidas asumiendo que éstos no les dejaban tener un luto tranquilo y descansar en paz.

Después de haber hecho 'Alcàsser', ¿cuál va a ser vuestra próxima serie documental?

Aún no lo tenemos claro, pero sabemos que vamos a empezar seguramente en enero con el nuevo caso. Alcásser fueron casi dos años de trabajo, y con las opciones que tenemos sobre la mesa es probable que ahora necesitemos tres. Elías [León Siminiani, director de El caso Alcàsser] y yo solo vamos a hacer una serie documental durante estos tres años, no vamos a estar metidos en nada más en este género.

Supongo que en unos meses se sabrá, pero estamos estudiando dos o tres ideas y explorando qué opciones tenemos de llevarlas a cabo. Porque no es solo querer hacerlas, sino también conseguir las entrevistas, tener acceso a materiales… Hay un profundo trabajo detrás que, en el caso de Alcàsser, nos llevó un año conseguir el juicio. Y sin ese juicio la serie documental sería otra. Entonces, queremos estar muy seguros de que tenemos el material necesario.

¿Van a empezar a trabajar en el proyecto sin cadena o ya hay alguna interesada?

Ya hay cadenas interesadas. Plataformas más que cadenas, porque las cadenas en abierto no están dispuestas a hacer la inversión que requiere una serie documental como Alcàsser y las plataformas sí. Es verdad que las plataformas tienen una exposición internacional que hace que tengan más fácil rentabilizar un producto así.

'En el corredor de la muerte' es vuestra primera serie del curso. ¿Cómo se presenta la nueva temporada para Bambú?

Tenemos En el corredor de la muerte, Las chicas del cable, volveremos con Alta mar y estamos trabajando en dos películas que se verán el año que viene, que son una cinta de terror llamada Malasaña 32 y El verano que vivimos, un gran drama romántico de época en la línea de Palmeras en la nieve.

Y también estamos trabajando en proyectos nuevos para diferentes plataformas que todavía no se pueden hacer públicos, pero que durante los dos próximos meses, al igual que un asunto privado para Amazon, se se darán a conocer estas otras series en las que estamos trabajando.

De la temporada pasada, uno de los casos más significativos fue el de '45 revoluciones', que terminó como la serie de prime time menos vista de la historia de las privadas. ¿Cómo explica los datos de audiencia que tuvo?

Creo que nos fuimos a un público muy joven. Si ves Twitter ahora, la mayoría de comentarios son de gente muy jovencita que en su día no la vio en Antena 3 y ahora le encanta. Vamos paso a paso, pero está teniendo una buena vida y está empezando a gustar mucho en Latinoamérica.

Aun así, creo que hay que hacer un análisis muy profundo de cuál es el futuro de la televisión en abierto. Es muy complicada con los horarios y con la publicidad porque determinado público ya no está ahí. Si mañana pones Élite en Telecinco o Antena 3 será un fracaso porque a ese público ya no le interesa ir ahí.

En el caso de 45 revoluciones, quizá nosotros confiamos en atraer a ese público y no lo conseguimos. Hay que ver, si tenemos otros proyectos de ficción en abierto, hacía quién dirigirlos y cómo dirigirlos.

¿Hay solución a estos problemas que plantea?

Yo creo que no. Y las cadenas en abierto creo que son conscientes de que no. No hay más que ver Atresplayer, que empieza a ofrecer sus series en Premium antes que en abierto. Son conscientes de que hay un público que no va a ir a la tele, sino que va a ir ahí. Mitele se está reactivando y de Movistar ya ni hablar porque es casi más plataforma que canal.

Ir en abierto con un producto que no sea evento o en directo, que no sea algo que solo vas a ver ahí y que no va a tener una continuidad, es muy difícil. Aparecerá alguna serie y se dará, sobre todo para un público muy concreto, pero ya no vamos a ver los datos que veíamos hace años. Y si los vemos será en un estreno con una buena promoción y luego irá cayendo. Todas las series caen de forma escalonada durante su emisión en abierto desde el capítulo 1 hasta el 13. Creo que no debemos ver más series de 13 capítulos. Se han acabado, son una locura.

La gente está para las series de seis y de ocho episodios como mucho. Y de ocho se hacen cuesta arriba porque el espectador necesita ver otra serie. Hablé un día con gente de Movistar y Bambú a la que le gusta mucho las series de cómo nos cuesta a todos empezar a ver la segunda temporada de una serie. A mí me flipó The Marvelous Mrs. Maisel, pero empiezas la segunda temporada y es como “uf, pero si tengo siete series aquí, diez allí, ocho ahí para qué voy a ver Mrs. Maisel si a lo mejor encuentro otra en otro de esos lugares”.

Entonces, es complicado para las cadenas encontrar eso. Y sobre todo, otra situación que se está dando ahora en España, que es la inversión que se está haciendo en series a través de Netflix, Movistar, Amazon, Apple, que está llegando, Sky,, HBO que ya está, pero cuando se una Warner va a ser más grande, Disney con Fox, Alibaba, que vendrá del otro lado del charco… Esto que está sucediendo ahora supone que los presupuestos crecen mucho, el doble que en una televisión en abierto. Y esto supone que los mejores técnicos no están en las cadenas en abierto, sino que van a estar en otras plataformas. Los mejores actores posiblemente acaben aceptando trabajos que les ofrezcan mucho más dinero y con apuestas mucho más arriesgadas de las que puedes hacer en abierto.

Entonces, el campo de trabajo para la televisión en abierto te lo pone más complicado. Así que hay que hacer un análisis, porque si no utilizas actores muy conocidos te las ves luego en la dificultad de 45 revoluciones para encontrar una promoción adecuada. Si no son actores conocidos no puedes ir a determinados programas. Y como no puedes ir a determinados programas no tienes exposición. Y como no tienes exposición la gente no viene. Es una pescadilla que se muerde la cola difícil de manejar.

26 años después de la desaparición de Miriam García, Toñi Gómez y Desirée Hernández, Netflix estrena el documental El caso Alcásser. Sin duda, uno de los sucesos que más interés mediático ha generado en nuestro país.

La desaparición de las niñas, el descubrimiento de sus cuerpos, la investigación, el juicio y las posteriores teorías vertidas en televisión generaron tal alud mediático que para la realización del true crime el equipo ha invertido un año y medio de trabajo en el que se han visionado más de 200 horas de 220 de telediarios y programas de la época de TVE, Telecinco, Antena 3, Canal 9, TV3 y ETB, 392 horas de juicio, 450 páginas de rollos de la sala, repasado 4.000 folios de sumario y 600 páginas de informes.

Todo ello para ordenar en cinco capítulos los hechos acontecidos en aquel 1992 hasta el día de hoy. Sin dramatizaciones. Sin voz en off. Con el único objetivo de que cada uno extraiga sus propias conclusiones.

Pero, ¿era necesario un documental más sobre el crimen 26 años después? Tras ver todas las entregas podemos concluir que sí, que el nuevo material que aporta, el tiempo transcurrido y la distancia con la que asimilamos ahora todo aquello, permite responder a incógnitas que habían quedado en el aire, además de hacer un particular retrato social de lo que fuimos y lo que somos:

Las ausencias de siempre, las nuevas presencias

Cuando un crimen es difícil de resolver siempre se desea que las víctimas se pronuncien de alguna manera para dar luz a lo ocurrido verdaderamente. Por ello, las ausencias más notorias de Alcàsser siempre serán las de Miriam, Toñi y Desirée. Pero también lo es la de Antonio Anglés, el principal acusado con el que nunca dieron las fuerzas de seguridad.

A cambio, el documental da voz hasta a 58 personas relacionadas con el caso: periodistas que lo cubrieron in situ, policías, padres y madres de las niñas, abogados, fiscales, forenses y hasta políticos que nunca habían hablado del tema. También hay otras voces que no aparecen frente a cámara pero sí han hablado con el equipo. Un equipo que se ha querido alejar del “expertismo” y solo se ha acercado a las personas que lo vivieron de primera mano.

Además, escuchamos por primera vez testimonios como el de la hija de Miguel Ricart, el único que ha cumplido condena por los tres asesinatos.

La consecución de todas estas entrevistas construyen una columna vertebral que genera más y más preguntas pero por fin, también respuestas.

Imágenes que ya habíamos visto y otras totalmente inéditas

Volver a ver las fotografías de las tres niñas en blanco y negro. Las posteriores en color. A los padres rotos de dolor junto a una Nieves Herrero que pedía que abrazaran las imágenes de sus hijas. Siguen, casi 30 años después, encogiéndote en el sofá y empatizando con todo aquello. Escenas que marcaron a varias generaciones y que también se muestran en el documental, que a su vez ha preferido evitar las fotos de los cadáveres de las niñas “porque es añadir dolor al dolor”.

Pero hay más: la producción ha tenido acceso a las filmaciones inéditas del juicio que por primera vez podrán ver los espectadores. Con la voz de Miguel Ricart desafiando a los abogados, derrumbándose frente a las pruebas, con varios forenses enfrentándose entre ellos y los aplausos de los presentes al escuchar las teorías del padre de Miriam.

Todo ese material inédito, sumado a las imágenes que les han cedido tanto TVE, como Antena 3 con el programa De tú a tú y Pepe Navarro (propietario de los vídeos de Esta noche cruzamos el Mississippi), logran reconstruir el caso de una forma que nunca se había hecho anteriormente.

El caso y la causa: “Ayer estaba en la TV y hoy en el juicio”

Enrique Anglés se desdecía ante los jueces de lo que había contado la noche anterior en Esta noche cruzamos el Mississippi: “Ahora estamos en un juicio no en televisión”. Lo que definía a la perfección la línea que separaba el caso Alcàsser y la causa por el triple asesinato de las niñas.

Algo que el documental muestra con maestría, al ir combinando las declaraciones que se hacían en la sala y las intervenciones que hacían los protagonistas por las noches frente a Pepe Navarro. Dos juicios paralelos, por primera vez en nuestro país, que seguían las teorías de Fernando García - el padre de Miriam- y las investigaciones de la policía.

Durante varios capítulos reflejan la doble vida del crimen: la nocturna con unos protagonistas y la diurna con otros. Dividiendo al país entero en estas dos opciones que dejaban a las niñas en un tercer plano.

El famoso vídeo que pone a cada uno en su lugar

El caso Alcásser empieza con un lento primer capítulo que poco hace presagiar que acabará con una quinta entrega trepidante con continuos viajes en el tiempo para desmontar (o no) una de las grandes incógnitas del suceso.

El documental mantiene un elaborado equilibrio entre el periodismo, la investigación y las técnicas cinéfilas (que ya disfrutamos en El Caso Asunta) que muestran en picado a un envejecido e indefenso Fernando García por un lado, y a un casi tenebroso Juan Ignacio Blanco - investigador que le acompañó- con una imagen que podría asimilarse a la del malvado de cualquier película.

Ambos, al final, hablan de aquella famosa cinta que inculpaba a una serie de poderosos que estarían detrás de los asesinatos. Cada uno plasma su versión, dejando que el espectador a su manera acabe de dar su respuesta a una de las mayores incógnitas del caso. En definitiva, dejando que el espectador ponga a cada uno en el lugar que (cree) que merece.

La noche de este jueves 30 de mayo se despide '45 Revoluciones', una serie que desgraciadamente tanto para ella como para Antena 3 ha marcado récords negativos de audiencia, hasta convertirse en la ficción menos vista de la historia de las cadenas privadas.

Esta historia fue creada por Ramón Campos a los mandos de Bambú Producciones, compañía que tras éxitos como Velvet, Bajo sospecha, Las chicas del cable o Fariña enlaza una racha negativa también por las malas críticas recibidas por Instinto y por Alta mar, a las que no es posible evaluar cuantitativamente porque Movistar y Netflix no comparte sus datos.

Nació fruto de la asociación de la productora con Atresmedia, que tan buenos resultados había dado en Hispania, Gran Hotel, las ya mencionadas Velvet, Bajo sospecha y Fariña, y en menor medida La embajada y Tiempos de guerra. Pero la racha se ha cortado radicalmente.

Una pesadilla de audiencias semana a semana

El término “fracaso” es muy duro, pero realmente resulta el adecuado para definir las audiencias de 45 Revoluciones. Es innegable teniendo en cuenta que hablamos de una serie que en sus dos últimos capítulos emitidos el pasado jueves 23 de mayo sólo tuvo un 2.6% y un 2% de cuota de pantalla.

La ficción se estrenó el pasado 18 de marzo, con un dato poco halagüeño del 10.1% y apenas 1,5 millones de espectadores. Tras bajar al 7.1% en su segunda entrega, pasando por poco el listón del millón de seguidores, su creador Ramón Campos reconoció en una entrevista con Vertele que “no era algo que esperásemos” y apuntó a que “quizás hay que empezar a creer en segundas vidas”.

Su trayectoria de emisiones se convirtió en una pesadilla: 5.4% y menos de un millón en el tercer capítulo, 4.8%, 4.1%, 3.4% y 4.2% en los cuatro siguientes; y bajando del medio millón de espectadores con su traslado al jueves, y cuotas de 3.2%, 2.9%, 2.6% y apenas 2% y 187.000 seguidores ya en el late night al ofrecer doble capítulo.

45 Revoluciones se despedirá este jueves 30 de mayo, con mucha pena y ninguna gloria, con otra entrega doble de sus últimos episodios 12 y 13, que pondrán punto final a la serie en el late night de la cadena, a eso de la 1 de la madrugada.

Antena 3 la ha mantenido en el prime time

El innegable análisis negativo de las audiencias de la serie conduce a una pregunta lógica: ¿Por qué entonces Antena 3 ha mantenido 45 Revoluciones en el horario estelar del prime time? Al tiempo que se ha convertido en la serie con la audiencia más baja de una privada, ha aguantado la guadaña clásica que hasta hace poco se ha visto en la existencia de las cadenas.

Antena 3 sabía que emitir cualquier película americana, aunque fuera antigua, le hubiera dado más audiencia. Y pese a que los resultados obviamente han sido malos, la cadena ha decidido mantener la emisión de la serie hasta el final en su prime time. Una determinación que no es por el contrato firmado con Bambú Producciones, puesto que no había ninguna cláusula que obligase a Atresmedia a ofrecer la ficción en esa franja.

45 Revoluciones se ha emitido al completo en el horario estelar como parte de la filosofía de Atresmedia de ofrecer al completo todas sus ficciones. La única medida que adoptan es “retrasar” un poco su comienzo para aprovechar el mayor éxito de El Hormiguero alargando su programa de access hasta casi las 23:00 horas.

Como en el caso de Apaches, que también se mantuvo en el prime time con datos en torno al 7%, el grupo siempre ha explicado que de esta forma respetan tanto al espectador como a la propia ficción, sin dejar que los resultados de audiencia cambien la valoración sobre la calidad del producto. De cara a preservar y potenciar su “marca”, prefieren mantener la serie en prime time con malos datos antes que pasarla al late night o directamente retirarla, como han hecho TVE (que retrasó El Continental) y Mediaset (que pasó Ella es tu padre a FDF).

El distinto análisis cualitativo y cuantitativo

En la valoración se mezcla, por tanto, un análisis cuantitativo y cualitativo de las series. Algo que sólo es posible realizar con cadenas “tradicionales”, hasta el punto de que quizás si 45 Revoluciones se hubiese emitido en Netflix, podría haber sido considerada una “buena serie” sin importar su juicio por los datos, ya que las plataformas no comparten resultados y generan percepción de éxito por su repercusión mediática.

Un ejemplo claro es el de 'La casa de papel'. Durante su emisión en Antena 3 conquistó en términos cualitativos (con premios y reconocimientos), pero no cuantitativos (se despidió con 12.1%, tras promediar en su segunda temporada cifras del 10%). Al verse en Netflix, se convirtió un fenómeno mundial que también sumó a su éxito las cifras cuantitativas, y llegaron aún más premios por su calidad hasta alcanzar el cúlmen del Premio Emmy Internacional a la Mejor serie dramática.

En el caso de 45 Revoluciones, la crítica especializada dijo desde antes de su estreno que era una apuesta muy arriesgada, pero alabó que una cadena en abierto se atreviese a hacerla. Lo cierto es que los resultados de audiencia de la primera serie con el estándar de 50 minutos de Atresmedia han acabado siendo un fracaso. Ahora, veremos si tiene recorrido internacional y esa percepción cuantitativa cambia por una más cualitativa, como ya ocurrió con La casa de papel, o se olvida con más pena que gloria.

Pablo Ibar, el español que lleva casi 25 años peleando contra la justicia estadounidense por ser absuelto de un triple asesinato cometido en 1994, ha conocido esta semana la sentencia de su último juicio. Ha logrado esquivar la pena de muerte y tendrá que cumplir cadena perpetua en Florida, pero su lucha no termina aquí.

Movistar+ y Bambú Producciones se han sumado a su causa llevando a las pantallas En el corredor de la muerte, una miniserie protagonizada por Miguel Ángel Silvestre que recorre su historia con el objetivo de esclarecer el caso y remover conciencias, principalmente al otro lado del charco.

Así lo expresa Ramón Campos, productor y padre del proyecto junto a Nacho Carretero, autor del libro en el que se basa, y Carlos Marqués-Macet, el director elegido para plasmar en imágenes 16 de los últimos 25 años de Ibar, los que ha pasado entre los muros de una pequeña celda. Charlamos con el responsable y fundador de Bambú sobre los pasos de esta producción que verá la luz en otoño.

¿Cuándo y cómo arranca el interés de Bambú Producciones por contar la historia de Pablo Ibar?

Estábamos en una fiesta con Nacho Carretero y me contó que estaba escribiendo una historia nueva. Habíamos tenido muy buena experiencia con Fariña, no solo por el resultado de la serie sino también por la relación de amistad que surgió. Le pedí que me enviase el manuscrito en cuanto lo tuviese terminado y así lo hizo. Conocía la historia de Pablo Ibar muy superficialmente, pero en cuanto leí el libro de Nacho me di cuenta de que era una historia que merecía ser contada en una serie. Llevé el libro a Movistar directamente y nos dieron luz verde.

El caso de Pablo ha sido abordado en innumerables reportajes, entrevistas, el propio libro… ¿Qué esperas que aporte esta miniserie?

Espero que aporte la emoción de una familia luchando durante 26 años por sacar a su hijo, su marido en el caso de Tanya, de prisión. Creo que eso es difícil contarlo a través de un documental o un reportaje. En la ficción puedes contar las conversaciones entre ellos, vamos a entender cómo esta familia sufrió y sigue sufriendo el encarcelamiento de Pablo.

Decías que queréis contar a todo el mundo la verdad para que puedan sacar sus conclusiones, todos en el equipo habréis sacado las vuestras. ¿Creéis que su emisión puede llegar a cambiar las cosas de alguna forma?

Ojalá. No creo que consigamos cambiar el curso de los acontecimientos nosotros, pero sí podemos remover conciencias para que la gente tome partido, apoye, que los medios de comunicación hagan ruido y, sobre todo, para que la historia de Pablo no caiga en el olvido, que es lo más importante. Desgraciadamente estas historias cuando dejan de ser noticia, el juicio se acaba, hay una sentencia y Pablo vuelve a una celda, deja de hablarse de él. A nosotros nos parece importante que se siga hablando, porque ese hombre sigue metido en una celda y hasta dentro de unos cuantos años no va a poder de nuevo recurrir para intentar salir de prisión. Mientras nosotros hagamos una serie, que viaje por el mundo y que cada uno que lo vea se vaya interesando por la historia de Pablo creo que va a ser bueno. A lo mejor le llega algún día a alguien en concreto que sí que pueda hacer algo por él.

'En el corredor de la muerte' se ha rodado en paralelo al juicio. ¿Se va a actualizar o cerrar de alguna manera si hay novedades?

Por desgracia está cerrado porque le han declarado culpable. Con la sentencia se puede recurrir de nuevo, ellos pueden volver a recurrir y a reabrir el caso otra vez. Pero en realidad lo que nos queda es la cartela final de su sentencia [finalmente ha sido condenado a cadena perpetua].

¿Por qué habéis elegido a Miguel Ángel Silvestre como vuestro Pablo?

[Enseña una fotografía de Pablo Ibar hace unos años] En el momento en que lo vimos, dijimos “es Miguel Ángel”. Le hicimos una prueba, se metió en el personaje. Susana Herrera [jefa de producto de Movistar] decía que a los 15 segundos de hacer la prueba no sabia si era Miguel Ángel o no. Él es un actor que se implica de una manera increíble en cada uno de los proyectos que hace. Para este ha estado meses hablando con acento cubano, ya fuera por teléfono o en un restaurante pidiendo la comida, para estar metido en el personaje. Es un actor increíble y creo que esta serie va a demostrarle a todo el mundo lo maravilloso actor que es.

La miniserie se verá en Movistar+. ¿Os planteasteis que emitiéndola en abierto pudiera hacer más ruido?

Es una serie muy especial porque es mitad en inglés y mitad en español, no es ni si quiera castellano sino con acento latinoamericano. Es una serie que para el abierto pensamos que iba a tener muchas complicaciones, y que si queríamos hacerla de verdad real no podía contarse falseando los idiomas. La serie habla del racismo en Estados Unidos con los latinoamericanos, que desgraciadamente ahora mismo está más en boga todavía con el presidente. Nos parecía importante que el juicio fuese en inglés, que no hubiera que falsearlo. Eso solo se podía hacer en Movistar.

¿Cuál ha sido el feeedback con la familia de Pablo? ¿Os habéis encontrado con dificultades?

Hemos estado en contacto con ellos, sobre todo a través de Nacho Carretero, que sí que tiene mucho contacto. Cándido [padre de Pablo] ha estado en Bambú, hemos estado hablando con él y se reunió con el equipo. Con Tanya [su esposa] y con Pablo no hemos estado en contacto porque durante los meses de escritura y producción, han sido los peores meses posiblemente de su vida, muy tensos por el juicio. Lo último que queríamos era perjudicar a nadie o perturbar con preguntas que al final son en realidad tonterías para lo que ellos están viviendo, que se están jugando su vida.

¿Se han implicado en el proyecto?

En el caso de Cándido, la implicación fue más cercana porque colaboró mucho con Nacho. Con Tanya y Pablo no. Si ellos consiguieran demostrar su inocencia Pablo estaría en España ya. La serie habría sido un testigo de lo que habían vivido. Desgraciadamente ahora la serie puede tener un valor más allá de eso, pero nosotros hubiéramos preferido que no fuera así.

Vuestro último trabajo con Nacho Carretero fue un éxito. ¿Fariña ha sido un punto de inflexión para Bambú para abordar otro tipo de historias?

Fariña ha sido un punto de inflexión para nosotros y para mucha gente. Contar una historia en una cadena nacional con acento gallego, con actores no tan conocidos. Una historia en la que no hay una trama de amor, no hay comedia. Algo que a priori era la antítesis de una serie comercial, que de repente se convierte en ello y recibe los premios que ha recibido, ha sido como un choque para todos. Creo que sí que debe hacernos reflexionar sobre la ficción. Hay que hacer una ficción muy abierta pero también con conciencia social como Fariña, en este caso El corredor.

¿Cómo valoráis la acogida de 'Instinto', vuestra otra ficción actual con Movistar+?

El recibimiento del público en la presentación en el Festival de Málaga fue maravilloso. Es una serie muy especial, que no puedes comparar con nada que hayas visto en el panorama internacional de series ahora mismo. Creemos que es una serie que cada uno debe consumir individualmente. Cada uno en su televisión, su iPad, su móvil y creemos que va a sorprender mucho a los espectadores, sobre todo a las espectadoras.

Vuestro primer proyecto con la plataforma, 'Velvet Colección', no tendrá 3ª temporada pese a que sí que se llegó a confirmar. ¿Por qué habéis decidido finalmente no acometerla y hacer un cierre de otra forma?

Porque tanto Movistar como nosotros sentimos cuando estábamos empezando a desarrollarla que no era un cierre a la altura del que había tenido en abierto. Parecía que de repente se quedaba descafeinado. Le dimos muchas vueltas y decidimos que iba a ser mucho más potente e impactante poder hacer un cierre de una película romántica, al estilo Love Actually, y que todo el mundo que haya visto Velvet o Velvet Collección pueda venir y se reencuentre con todos los personajes. Que en hora y media o dos horas veaa cómo termina la historia de todos los protagonistas de Velvet.

¿Van a volver personajes de la serie original?

Van a estar personajes de la primera temporada de Velvet y de Velvet Collección. Vamos a intentar hacer una despedida.

La fría acogida de la audiencia a 45 Revoluciones, la nueva y gran apuesta de ficción de Antena 3 y Bambú Producciones para esta temporada, ha sorprendido a todos. Presentada como una serie “única” con “una apuesta estilística muy diferente”, esta producción ambientada en el nacimiento del pop-rock español de los años 60 ha cumplido su promesa sin conseguir el respaldo del público en sus dos primeras emisiones.

El 10.1% de cuota cosechado en su debut le ha colocado la poco honorífica etiqueta de ser el peor estreno de una serie para cadena y productora. Un dato que en su segundo capítulo ha bajado hasta un preocupante 7.1% de share.

Unas horas antes de la emisión de esta segunda entrega, Ramón Campos, creador y productor de 45 Revoluciones, valoró en una entrevista para Vertele la llegada de su proyecto a la parrilla. “Estamos muy sorprendidos y desconcertados por el dato, por la curva, por la repercusión que ha tenido. No era algo que esperásemos”, lamenta el responsable de Bambú Producciones. “Sabíamos que era una apuesta arriesgada, una forma de contar diferente, un ritmo narrativo mucho más rápido y con actores que a priori no son tan conocidos, pero creemos que es un camino que hay que seguir explorando. No cambiaría ni una coma de lo que hemos hecho en 45 Revoluciones”, añade.

Preguntado por sus expectativas de revertir a los datos de audiencia de su serie, Campos asegura que “es difícil revertir una serie. Casi ninguna serie remonta un dato de un primer capítulo, habitualmente o se estanca o baja. Es complicado, no es algo que creamos”.

¿Por qué el público no se ha asomado a '45 Revoluciones'?

Resulta igualmente complicado detectar las razones del tropiezo de una ficción que supone un paso adelante y que ha recibido críticas positivas. No obstante, el propio Campos da la que posiblemente sea una de las claves: el ritmo narrativo.

La “revoluciones” de las que habla el mismo título de la serie se reflejan a la perfección en un capítulo piloto cuyo ritmo resulta excesivamente frenético, especialmente en su primera parte. Los diálogos casi atropellados de los personajes y sus paseos al trote se ven potenciados por unos recursos y movimientos de cámara que llegan a cansar a un espectador que, pasadas las once de la noche, es probable que busque otro tipo de relato.

45 Revoluciones es, efectivamente, una apuesta que no habíamos visto hasta ahora y a la que la audiencia en abierto ni está acostumbrada ni parece dispuesta a acostumbrarse, al menos por el momento. Caso aparte si hablamos de consumo en diferido y de plataformas, donde se da cita un tipo de espectador que busca y exige frescura.

¿Es posible una segunda vida?

Es ahí donde la serie protagonizada por Carlos Cuevas, Guiomar Puerta e Iván Marcos puede encontrar su sitio, como ya han hecho otras series como la premiada La casa de papel: “Si no hay finalmente hueco en el abierto y no remonta los datos, creo que sí va a viajar de una manera muy especial”, apunta Ramón Campos. “Me decía hace poco Álex Pina [creador de la mencionada ficción, ahora en Netflix] que ha empezado a creer en segundas vidas. Quizás hay que empezar a creer en segundas vidas y lo que no tiene hueco en abierto en España sí lo tiene por ahí, en las plataformas”, añade el productor.

Campos confía, y lo hace con motivos. 45 Revoluciones tiene los ingredientes para gustar al espectador que no se conforma con el tipo de relato de siempre. Es una historia atractiva, con el componente musical muy presente y cuidado, con tintes históricos, tono de denuncia y con una duración, 50 minutos, que siempre se agradece.

Además, los rostros poco conocidos de su reparto principal que pueden llegar a ser un hándicap en abierto, no lo son en las plataformas. Carlos Cuevas, que ha adquirido popularidad entre la gente joven debido especialmente al viaje de Merlí en Netflix, se rodea de un elenco que está a la altura y que aporta la frescura y novedad que tanto se pide.

Habrá que esperar para ver cómo evoluciona su trayectoria en abierto, si Antena 3 mantiene su confianza en ella, pero 45 Revoluciones trata de dar un paso en un camino del que no hay que desviarse.

Las series suelen tener una única oportunidad frente a sus espectadores y esa se concentra en su primer capítulo: el “piloto” como lo llaman en Estados Unidos, aunque en nuestro país tenga una concepción algo diferente.

En el país americano, ese episodio 0 muchas veces es el que dictaminará si el resto de la ficción se produce o no. Por el contrario, en España- con el fin de abaratar costes- la producción de este primero se realiza de forma conjunta con los siguientes, por lo que el resultado no regirá el futuro de la serie.

Sin embargo, lo que tienen en común en todos los territorios es que son la carta de presentación de una ficción. Con ellos el público decidirá si se queda o no a ver el resto de la historia. Por lo que cadenas y showrunners se juegan mucho (y a veces todo) en él.

Desde Vertele hemos querido indagar en la mente de los principales creadores de series españolas: Daniel Écija (Estoy vivo, Águila Roja), Ramón Campos (Las chicas del cable, Fariña), Javier Olivares (El Ministerio del Tiempo, Isabel), Alberto Caballero (La que se avecina, Aquí no hay quien viva), Inés París (El Accidente, El Comisario), Josep Cister (Mar de plástico, El tiempo entre costuras), Iván Escobar (Vis a vis, El Barco), Héctor Lozano (Merlí); así como en la de los principales directores de ficción de las cadenas: Fernando López Puig (TVE), Arantxa Écija (Mediaset), Sonia Martínez (Atresmedia), Domingo Corral (Movistar+) para que nos expliquen cuáles son los aspectos imprescindibles de un primer capítulo, el que más les ha costado sacar adelante y cuál tienen en el recuerdo como el perfecto.

Los ingredientes imprescindibles de un primer capítulo

Lo primero que nos preguntamos, al pensar en una serie desde fuera del proceso creativo, es cuáles son los ingredientes imprescindibles que tanto los creadores como las cadenas tienen claro que no pueden faltar en sus capítulos uno:

Olivares asegura que este primer episodio “debe abrir un universo en el que el espectador se quiera quedar, por lo que la complicación puede estar en el exceso de información que suele masacrar una buena narración”. Y para ello, según Cister, es necesario “un buen guión, una buena historia y un buen equipo artístico, técnico y dinero, que es lo mismo que tiempo y viceversa”.

Una vez conseguido esto, en lo que coinciden es que es imprescindible encontrar “el tono”. Algo que Escobar describe de la siguiente manera: “Alguien dice que tiene una idea cojonuda, una idea que va a poner patas arriba la industria televisiva, una idea que se reduce a algo como 'una mujer investiga asesinatos…' Y, efectivamente, puede ser la idea del millón, pero todo depende de ese tono. ¿Está hablando de Fallen? ¿Los misterios de Laura? ¿Se ha escrito un crimen? ¿The Killing? ¿Happy Valley? El tono es lo que aporta personalidad y mirada exclusiva a un proyecto”.

Écija lo define como “el ADN de cada creador. En mi caso, doy mucha importancia al encuentro de una identidad única y reconocible que nos distinga del resto. Un universo propio con conflictos que pivotan en torno a temas que me conmueven especialmente, que para mí son el motor narrativo de la ficción pero también de nuestras propias vidas”.

También están de acuerdo en que otro de los elementos esenciales son los personajes. Que según el mismo Écija deben ser “siempre carismáticos y muy reconocibles, es clave”. Caballero también le pide “encanto” a esa presentación de personajes y conflictos.

Y a partir de ahí enfocarse en las reglas del juego o el “pacto de lectura”, según Campos, para enganchar al espectador. Algo que según Olivares se consigue a través de “dosis de emoción e impacto” con un equilibrio de elementos “novedosos y reconocibles”. En la misma línea, Écija apuesta por “asumir riesgos, con una vocación de modernidad”

Para la traca final del piloto, París añade que “debe ofrecer un giro que abra alguna pregunta fundamental cuya respuesta debería despertar la máxima curiosidad y urgencia en los espectadores: '¿pero esto cómo sigue?, y '¡quiero más!' es lo que buscamos que se queden pensando”.

Desde el universo de las cadenas, lo que busca Sonia Martínez cuando le presentan un primer capítulo es que tenga “una idea diferencial con personajes que aporten algo diferente a lo que ya se ha abordado”. López Puig, sin embargo, pide más equilibrio entre lo novedoso y lo reconocible: “Por una parte debe ser distinto, proponiendo de forma original lo que será la serie y por otra debe enseñar de forma clara el género y formato que pretende el espectador compre”. En Mediaset buscan atracción y claridad: “Debe ser muy atractivo desde la narración, con personajes y universos muy bien definidos”. Mientras que en la plataforma de pago, Corral se enamora de los “universos en los que deseas quedarte, personajes a los que quieres seguir hasta el final y tramas que no quieres soltar”.

¿Qué pilotos han sido los más complejos de sacar adelante?

Todo ese complejo engranaje hace que en ocasiones se reescriban varias veces, incluso sigan adelante con el resto de la ficción para después volver a rediseñar ese piloto. También ocurre que al presentar el resultado a la cadena, a esta no le convenza y tengan que volver a pensar otras formas de narrarlo y grabarlo de nuevo.

Eso ocurrió con el primer capítulo de El Barco, al que Escobar define como “un parto de trillizos sin epidural y con dos vueltas de cordón alrededor del cuello”. El creador señala varias razones que dificultaron su realización “Se trataba de un fantástico en una época donde no se hacían fantásticos; era una serie cara, muy cara; el tono oscilaba, según la semana, entre un libro de Los Cinco y una novela de Stephen King. El piloto se cayó varias veces y media docena de guionistas acabamos en el diván del psiquiatra. Pero aún así, fue un bonito viaje”, recuerda.

Écija confiesa “trabajarlos muchísimo, reescribiendo lo que haga falta como una constante en mi carrera”, y en concreto relata que el primero de su mítica Águila Roja fue regrabado casi en su totalidad: “El objetivo era presentar a los personajes en su mejor versión. El trabajo fue especialmente intenso con el personaje de Javier Gutiérrez (Sátur) pues después de ver las primeras secuencias decidí convertirlo en uno de los principales protagonistas. Económicamente fue una decisión muy arriesgada, porque disparamos el coste del capítulo muy por encima de lo que nos pagaba la cadena, pero sus 9 temporadas y 116 capítulos demuestran que no nos equivocamos al dar ese giro al piloto”.

En la misma línea de perfilar a personajes, Cister se remonta a los “6 o 7 meses que estuvimos dándole vueltas al primer capítulo de La otra mirada Teníamos clara la estructura de la historia pero era difícil encontrar la medida de los diálogos, que Teresa no cayese mal, que no fuera pedante, que las profesoras tuvieran su sitio y las alumnas mostraran formas de ser distintas”.

En cuanto a diferentes visiones con la cadena, Campos narra el remontaje que hicieron a Bajo Sospecha: “Habíamos dado un tono demasiado frío, porque estábamos en aquella época de éxitos nórdicos como Bron/Broen y Forbrydelsen, pero a Antena 3 no le convenció. Así que regrabamos escenas, le dimos mucho más ritmo y algún toque desenfadado a personajes y ¡premio!”.

Desde el mismo Atresmedia, Martínez recuerda “el piloto de Vis a vis Después, la recompensa fue mucho más grande que lo que podíamos imaginar así que fue un acierto haberle dedicado todo ese tiempo”.

Écija asegura que aunque el de “7 vidas porque contaba con público en directo, me dio muchas satisfacciones y tengo muy buen recuerdo”.

Mientras que Corral asegura que cada una de sus series - que llevan estrenando desde septiembre de 2017- “ha tenido sus propias dificultades en sus respectivos pilotos. Lo importante para nosotros siempre es encontrar soluciones particulares a cada propuesta concreta”.

Los pilotos perfectos que siempre acompañan a los creadores

Si de algo se nutren los creadores y jefes de ficción es de otras series nacionales e internacionales. Apuestas que siempre les inspiran para sus próximas historias y formas de narrar que almacenan para más tarde darle su toque particular. Sobre ellas también les preguntamos para conocer cuántos pilotos atesoraban en su memoria como capítulos perfectos que consiguieron sorprenderles a ellos mismos:

Si hablamos de las clásicas, de las que llevan años rondando sus cabezas como lecciones maestras Caballero y Olivares coinciden en señalar al de A dos metros bajo tierra como uno de los “mejores” que han visto en su vidaA dos metros bajo tierra. “Es una historia que lanza el resto de la serie y, al mismo tiempo, es una obra completa en sí misma”, asegura el creador de El Ministerio del Tiempo que también halaga al de The Good Wife, OZ (HBO) y Occupation (BBC).

Campos señala “de los mejores recuerdo el de Expediente X, el deExpediente X, Dexter House”. HouseMientras que Lozano se decanta por el de Urgencias: “Tiene una gran presentación de personajes, y el ritmo es trepidante, con escenas emotivas y de acción alternadas que mezclan humor y drama. La estructura es circular y le da un sello muy interesante”.

Casi en la misma línea, Escobar señala Anatomía de Grey como “la partitura perfectaAnatomía de Grey porque es una historia que se va desplegando ante los ojos del espectador de manera cadenciosa y fluida. Aparece la tensión sexual no resuelta, los personajes definidos en acción, el recorrido por el plató, el miedo, la vida, la profesión, el entusiasmo, el fracaso. Los grandes temas que nos asolan desde que nacemos”.

Mientras que Corral aún retiene “el primer episodio de 24 porque lo puse a las 12 de la noche para ver de qué iba la serie y me fui a la cama a las 5 de la mañana. Al final se trata de eso, de que el piloto te atrape y no quieras dejar de ver la serie”. Y la directiva de Mediaset lo tiene claro: “El de Frasier. La trama de ese episodio, titulado 'El buen hijo', definía el carácter del protagonista y su manera de ser padre, hijo y hermano, aspectos que constituyeron el universo en el que se movieron todas las temporadas de la serie”.

En cuanto a los más actuales, París se rinde ante el de The Handmaid's tale “por lo sorprendente que resultaba en su planteamiento y estética y porque el personaje protagonista me enganchó absolutamente”. Caballero y Cister coinciden en señalar a Big little lies por lo “arriesgado y diferente de la trama”así como el de Dark “por su estructura temporal bien narrada, nivel de producción altísimo, actores espectaculares, un misterio bien planteado y un guion redondo”.

En el ámbito nacional, Cister y Sonia Martínez elogian el primer capítulo de Fariña: “Es un piloto perfecto porque te situaba en la historia, algo que no era fácil aunque ahora todos conozcamos lo acontecido con los narcos gallegos, y además tenía todos los elementos para atrapar al espectador”, dice la directiva.

López Puig y Olivares destacan a su Ministerio del tiempo porque “su propuesta no dejó indiferente a nadie: propuso un universo sorprendente y marcó la base de lo que sería el formato de tres temporadas brillantes”, dice el directivo mientras que el cocreador recuerdo que fueron “muchos los que lo vieron para mofarse de una serie de viajes por el tiempo en TVE y se encontraron con algo diferente, personajes espectaculares y mucha emoción. Y empezó un boca a boca imparable en las redes sociales”.

Daniel Écija dice que “no considero perfecto ninguno de mis pilotos pero estoy muy satisfecho de los de Águila Roja, El Accidente y Estoy Vivo, además de tener muy buenos recuerdos de Un Paso Adelante”.

Unos capítulos pilotos para los que parece que no existe una receta universal pero sí unos recuerdos y sensaciones que quieren seguir despertando en sus espectadores, y nosotros que nos los sigan arrancando.

Con motivo del Día Internacional de la Mujer, celebrado este pasado 8 de marzo, Ana Fernández publicó varias imágenes y mensajes en los que apoyaba con fervor tan señalada fecha.

En uno de esos mensajes, publicado en su perfil de Instagram, la actriz aprovechó para denunciar que, en su opinión, el mundo de la interpretación “muchas sombras e injusticia para con la mujer”. “Cierto es que me siento afortunada de poder interpretar un personaje fuerte, imperfecto y luchador con una trama propia...ojalá mi remuneración lo reflejara”, añadió a continuación junto a varios hashtags, entre ellos #BastaYaDeViaductoSalarial.

Con estas palabras se refiere a Carlota, su personaje en 'Las chicas del cable', la serie de Netflix producida por Bambú. Uno de sus máximos responsables de la compañía, el productor y guionista Ramón Campos, ha salido al paso en las últimas horas para negar la existencia de esa brecha salarial que denuncia la actriz.

Ramón Campos defiende la igualdad salarial en Bambú

A tenor de la noticia publicada por Fotogramas, la cual recoge los tuits de Ana Fernández, Campos dice suponer que “se la ha olvidado decir que ella también cobra más que algunos hombres en su mismo puesto...Es decir, no tiene nada que ver con el sexo, y menos en Bambú”.

“Por no decir”, continúa, “que los salarios más altos de la serie son de mujeres... y en todas nuestras series las mujeres cobran exactamente lo mismo que los hombres... ahora bien, no hace falta explicar que hay actores y actrices que cobran más que otros, independientemente del sexo”.

Pasadas un par de horas, el productor ha escrito un tuit más dirigido a la actriz: “Ana, querida, de los ocho intérpretes que más cobran en 'Las chicas del cable' siete, 7, son mujeres y uno, 1, es un hombre...No entiendo quién te ha dado esa información falsa pero creo que te estás equivocando”.

Esta semana se ha celebrado el - cada año más aclamado- FesTVal de Vitoria. Seis días de presentaciones de programas y series, charlas con profesionales y alfombras naranjas por las que han pasado actrices, actores, presentadores y... showrunners.

Con este término se designa al productor ejecutivo y guionista principal de una ficción en Estados Unidos. Un cargo muy valorado tanto por la profesión como por los seriéfilos que, cuando se enganchan a una producción también se enamoran de su creador.

Eso pasa desde hace años con los máximos responsables de series norteamericanas como The Wire que creó a la legión de fans de David Simon, Mad Men que marcó el estilo de Matthew Weiner, Anatomía de Grey que impulsó al resto de producciones de su Shonda Rhimes, Perdidos que nos descubrió a J.J. Abrams y, por supuesto, David Benioff y Dan Weiss creadores de la adaptación televisiva de Juego de tronos.

Pero hasta hace poco tiempo no ocurría en España, un país que se había apuntado a la edad dorada de la ficción anunciando cada proyecto con el nombre de los actores protagonistas, pero relegando al ostracismo a la mente que firmaba cada uno de ellos.

Hasta que esta mañana, tras la gala final de este Festival de Vitoria, leía el siguiente tuit:

Alguien aplaudía el haber reunido en un mismo evento a Javier Olivares - creador de El Ministerio del Tiempo- , Manuel Ríos San Martín - responsable de Sin identidad- y Ramón Campos - productor ejecutivo de Velvet-.

Admirando su talento y mencionando cada uno de sus nombres. Y, ahí caí: nuestros showrunners ya tienen nombre. No me malinterpretéis, siempre lo tuvieron, pero ahora los espectadores se preocupan por conocerlos.

Las redes sociales también han puesto su granito de arena: los fans de 'La que se avecina' saben que tienen que seguir a Alberto y Laura Caballero para conocer nuevos fichajes o avances de la temporada.

Cada año que se retrasa la emisión de 'El Ministerio del tiempo', sus seguidores escriben a Olivares para preguntarle por la fecha de regreso. Lo mismo ocurría con Javier Ambrossi y Javier Calvo, conocidos como “los Javis”, tras ser los culpables del fenómeno 'Paquita Salas'.

Pero no solo ha sido gracias a las redes. Teresa Fernández Valdés - responsable de 'Las chicas del cable' y 'Gran hotel', entre otras- aparecía en la revista Forbes como una de las mujeres más influyentes de España. Y las cadenas ya, pocas veces se “olvidan” de sus nombres en los títulos de crédito.

Todo ello ha ayudado a que ya ni recuerde cuándo fue la última vez que organizaron un encuentro bajo el lema: “Las series no se escriben solas”. Y que en las ruedas de prensa ya no solo interese entrevistar a los actores.

Algo que nos beneficia a todos: a los espectadores porque ya podemos seguir al “diseñador” de nuestras historias favoritas, a las cadenas porque su fichaje garantiza calidad y una ficción de autor, y a los propios showrunners que empiezan a ocupar la primera línea que les corresponde. Con el prestigio, el caché y... los dolores de cabeza que también conlleva.

¿De dónde nace la idea de hacer Fariña? ¿Es quizá producto de la popularidad que ha tenido en España una serie como Narcos?

Durante estos años habíamos presentado varias series sobre narcos y nunca las compraron. Es muy difícil empatizar con los personajes que tienen, y creo que ‘Narcos’, ‘Gomorra’ y ‘Roma criminal’ son las tres columnas de este género en el mundo. Nosotros estamos más cerca de ‘Roma criminal’ que de ‘Narcos’, pero creo que el éxito de esta última sí ha tenido algo que ver para que las cadenas digan sí.

¿Está el público español preparado para este tipo de ficción?

Más nos vale [sonríe]. Yo creo que el espectador ya está preparado para todo; ya consumen series de todo tipo no solo en televisión en abierto, sino en plataformas de pago como Netflix, Movistar+, HBO o Amazon y también en canales secundarios de Atresmedia y Mediaset, donde hay series muy diferentes. Por esta razón, el público está preparado para casi cualquier cosa.

De repente se ha dado un ‘boom’ de series que abordan la cuestión del narcotráfico en España como Vivir sin permiso y Perdóname Señor, al igual que Fariña. ¿No existe un miedo a que el espectador se canse del género?

No creo que lleguen a la vez; sería un poco raro. Además, por tiempos de rodaje siempre vamos a llegar escalonados. Creo que el tema narco como tal quien más lo trata es 'Fariña' porque habla de la realidad. Creo que la serie de Aitor trata el tema un poco más por debajo y habla más de una saga familiar, según tengo entendido. Por otra parte, en Estados Unidos o en Latinoamérica las series sobre narcos es un género; la novela narco.

Yo creo que al espectador, si le cuentas una buena historia con unos buenos personajes... es como decir que se va a cansar de las series policíacas: no creo.

¿Qué opina de Vivir sin permiso, la aparente apuesta de Mediaset para contraatacar vuestra Fariña?

No creo que sea una apuesta para contraatacar, yo creo que hay proyectos que nacen a la vez; sí supongo que los dos nacen por una cuestión mundial. Nosotros cuando leímos el libro de 'Fariña' intentamos hacernos con los derechos, ya que sabíamos que había más interesados, y al final nos lo llevamos nosotros.

En cuanto a 'Vivir sin permiso', me hace mucha ilusión verla porque es la primera serie con una nueva productora, y a mí me hace ilusión que nazcan nuevas productoras en España, y tienen que nacer más. Me parece que Aitor es un tipo con muchísimo talento, y ver lo que van a hacer... el público en España necesita ver series nuevas con creadores nuevos.

¿Por qué elegisteis a Javier Rey para el papel protagonista? ¿Lo tuvisteis claro desde el principio o barajabais entre varios actores?

Sí. Lo tuve clarísimo. Cuando empezamos a hablar del tema, recuerdo que vi una foto de Javier vestido de Mateo ('Velvet') y yo, que acababa de leer el libro, vi una foto de Sito Miñanco (protagonista de la novela 'Fariña'), y eran iguales. Peinados de otra forma, evidentemente, con otro look, pero iguales.

Y luego, era muy importante en la serie que los actores fueran gallegos porque en la serie se habla con acento gallego con mezcla de castellano. Y encima Javier es de Noia, somos del mismo pueblo los dos, entonces los dos entendemos muy bien qué es eso. Y en un festival de cortos en nuestro pueblo donde le hacían un homenaje a Javier, le pregunté si no le apetecería dar vida a Miñanco, ya que lo estábamos esperando, y él quería hacerlo.

Por otra parte, llega Velvet Colección. ¿Hay alguna cosa más que nos puedas adelantar del spin-off? ¿Alguna sorpresa por descubrir como podría ser un fichaje de última hora?

Creo que están todos los actores comentados y, aparte de esos, no hay más fichajes. Por lo demás, la serie se encuentra el fase de grabación y creo que va a dar una gran alegría a Movistar+. Ya no solo por el cambio de look de la ficción, que se ambienta en los 70 y es una imagen mucho más colorida, sino porque el trasladar 'Velvet' a los 50 minutos es maravilloso ya que para cuando te quieres dar cuenta se ha terminado el capítulo. Creo que eso va a ser muy divertido de ver.

Me hace mucha ilusión ser pioneros en haber hecho el paso del abierto al cable, y probar que ese paso puede dar muchas alegrías a la cadena. O eso espero.

Las chicas del cable prepara su 2ª temporada. ¿Qué nos puede comentar del rodaje? El final de esta primera entrega concluyó con un cliffhanger

Encarándola ya, estamos a punto de acabarla. Estamos encantados. No me dejan contar mucho porque son muy secretistas [bromea]. Pero la verdad que estamos muy contentos con lo que está saliendo en la segunda temporada.

Es una temporada un poquito más oscura que la primera, tiene un poco más de thriller, pero creo que el espectador se va a llevar una sorpresa, algo diferente. En cuanto al cliffhanger, por supuesto que el cliffhanger se resolverá... pero hay otro gran cliffhanger para la segunda temporada también [risas]. Ese va a ser muy divertido.

En ese sentido, ¿estáis negociando llevar a cabo nuevos proyectos con Netflix? ¿Os gustaría seguir trabajando con ellos?

Sí, estamos trabajando con ellos buscando un nuevo proyecto para llevar a cabo juntos porque Netflix, cuando haces un primer proyecto y si este funciona bien y les gusta trabajar contigo, suelen ser una gente que les gusta, no sé si llamarlo así, ser “proveedores de confianza”.

Ya nos conocemos, hemos trabajado bien y vamos a seguir colaborando al igual que con Antena 3 como estamos ahora. Sin embargo, aunque estamos buscando nuevos proyectos con Netflix, no tenemos nada cerrado aún.

¿Qué proyecto le gustaría hacer a Bambú personalmente y que aún, por los motivos que sean, no haya podido?

Algo social. Hace unos meses he estado de jurado de cortos en Montecarlo y me tocó ver muchas series del mundo, y vi unas series francesas donde una de ellas hablaba de una madre cuya hija acababa de ser captada por una red islamista para llevársela a Siria. Y creo que en España ese es un género que habría que tocar; el de la tv movie social. En Francia lo tocan muy bien, en Alemania y Gran Bretaña. Y entonces pensé en hacer un slot de tv movies con tema social que cuenten cosas que a la gente les interese, les llene.

Me encantaría que este fuese el próximo proyecto de Bambú, lo que pasa es que no sé si alguien me lo compraría.

¿Cómo vivísteis la salida de Paula Echevarría de Código de Familia (por entonces conocida como Indicios)? ¿Contaréis con ella para próximos proyectos?

Bien, hay veces que los proyectos cuajan más fácilmente y otros que menos, y cuando el actor o la actriz, la serie o la cadena no están en la misma línea, lo mejor es parar y replanteárselo todo. No hay drama con Paula, nos llevamos de maravilla y entendemos que cada uno tienen que estar feliz en el momento en el que está haciendo lo que está porque si no no vale la pena hacerlo.

Por otra parte, sí contaremos con Paula para futuros proyectos. A nosotros nos encanta hacer familia con los actores y cuando somos felices trabajando con gente como con Javi, Paula, Tristán, Alicia Borrachero... ya los consideramos actores de nuestra casa. Entonces, como la gente en sus casas no sabe en realidad quién produce -y no debe saberlo-, para mí lo importante es sentirme cómodo. Hay que tener en cuenta que yo tengo dos niñas y, desgraciadamente, paso casi más tiempo con actores, guionistas y directores que con ellas, desgraciadamente. En este caso, o la gente con la que trabajo me hacen muy feliz, o prefiero no trabajar.

Ahora que ha terminado la docu-serie sobre el Caso Asunta, ¿qué balance hace desde la distancia?

Estamos felices. Para nosotros no son tan importantes las audiencias como el haber abierto otro camino; ser los primeros en hacer una serie documental, con lo difícil que es, en prime time.

También habéis realizado Cazadores de Trolls, vuestra primera apuesta de entretenimiento. ¿Seguiréis por esa línea de entretenimiento ahora que ya no sois solo una productora de series?

Sí queremos, estamos buscando un nuevo formato pero es difícil, ya que normalmente son las cadenas quienes quieren encontrarlo. Por otra parte, tenemos claro que queremos un formato que a mí me apetezca hacer: algo fresco, un entretenimiento. Creo que en ficción hemos demostrado ya algunas cosas; creo que en serie documental ya hemos demostrado con Asunta que sabemos hacerlo y estamos preparando otros proyectos.

El entretenimiento es como algo que tengo pendiente; la pata que me falta por tocar en la televisión en España. Y me apetece demostrar que sabemos hacerlo y que nos gusta y que somos consumidores lo que, como tales, creemos que podemos llegar al público al igual que con la ficción. Aunque no sé cuál sería el formato, me apetecería muchísimo un gran formato de prime time.

360

Ha dicho que le “apetecería muchísimo” hacer un “gran formato de prime time”. ¿Este podría ser, por ejemplo, para Telecinco? Una cadena con la que nunca habéis trabajado...

No hemos producido nada para ellos, pero podría ser para Telecinco. Supongo que esto tiene algo que ver como con ser del Madrid o del Barça; si eres de uno, entonces el otro no te llama, pero yo estoy deseando trabajar con Telecinco.

Respeto muchísimo a Arantxa Écija; el trabajo que hicieron, Daniel y ella en Globomedia, me parece que somos lo que somos gracias al legado que nos dio la dicha productora en su día y por ello tenemos que tenerle un respeto reverencial porque han hecho historia de la televisión; yo he crecido con la ficción de los Écija. Entonces, que ella sea directora de ficción de Telecinco, hay que tenerle mucho respeto.

Por otra parte, a mí Paolo Vasile me parece que es uno de los grandes de la televisión mundial. Pero, la verdad, estamos tan ocupados con Atresmedia, Movistar+, Netflix... que tampoco nos planteamos abrir muchas más líneas. Tendría que aparecer el proyecto completo, que nos llamasen un día y nos preguntasen si nos apetece hacer algo por tal línea, más que nosotros ir a presentar algo allí ahora; sentimos que ya no estamos en esa fase de tener que ir a bombardear a la cadena.

Por último, Bambú es la única productora que está trabajando con las grandes plataformas de pago como Netflix y Movistar+. ¿Cuál dirías que es el secreto de vuestro éxito?

Trabajar para ellos. Ese es el único secreto de Bambú. Nosotros hacemos las series para el público y, por tanto, para la cadena para la que trabajamos. Cuando nos piden un melodrama, les hacemos un melodrama; cuando nos piden un thriller, les hacemos un thriller. Lo que no hacemos es engañar a la cadena nunca. Creo que eso es importante.

Si tú eres honesto y trabajas para la cadena, la cadena al final confía en ti. Eso es lo que pasa con Las chicas del cable, con Fariña, con Tiempos de guerra, Velvet... ellos saben que no les vamos a defraudar con el contenido que nos pidan.

Atresmedia ha invitado a varios medios - entre los que ha asistido Vertele- al rodaje de 'Fariña', su nueva serie en colaboración con Bambú.

La ficción, que estará protagonizada por Javier Rey al que le acompañará Tamar Novas, Fran Lareu, Cristina Iglesias, Chechu Salgado y Miquel Fernández, lanzó su primera imagen promocional:

Ramón Campos, Gema R. Neira, Cristóbal Garrido y Cristóbal Sotelo son los responsables del guion en el que también colabora Nacho Carretero. La ficción estará dirigida por Carlos Sedes (director principal), acompañado de Jorge Torregrosa como segundo director de la serie.

“La historia de 'Fariña' supera cualquier ficción”

A la rueda de prensa celebrada en Galicia asistió Sonia Martínez - directora de ficción de Atresmedia-, Ramón Campos, Carlos Sedes y el elenco principal.

Allí explicaron que la serie está pensada para dos temporadas de 10 capítulos cada una. La primera se ambientará a finales de los 70 y hasta el 92, mientras que la segunda llegará a la actualidad 2018.

“Volví a entender la frase de que 'la realidad supera a la ficción' en toda su magnitud cuando leí el libro homónimo de Nacho Carretero”, confesaba Martínez añadiendo que “no hace falta pensar historias de ficción cuando la realidad lo supera”.

“En 'Fariña' encontramos la historia de unos hombres y mujeres que pasaron a ser el centro del narcotráfico en Europa. Y esa historia nos ayuda a entender cómo Galicia se situó en ese epicentro” explicó la directiva.

La búsqueda de la autenticidad: el acento gallego y los 80

Detalló la importancia de los actores: “Hay un elenco de 170 personajes que van a intervenir en la serie. La mayoría son gallegos y (la historia) es algo que han vivido y escuchado”.

En la misma línea de la importancia de grabar en el lugar de los hechos, Martínez destacó que “rodar en Galicia es muy especial también, donde todos son interiores y exteriores naturales”.

Mientras que Ramón Campos recordó que Bambú “es una productora gallega en su mayoría y que mi primera ficción fue una tv movie sobre el narcotrafico gallego”.

Por su parte, Carlos Sedes confesó que “está siendo un auténtico placer volver a mi tierra y trabajar con actores gallegos, ya que nos parece muy importante el tema del acento. Queremos reflejar la época de los 80 y cómo se pasó la barrera desde el contrabando de tabaco hasta el narcotráfico”.

“No hay historias de amor, ni buscamos el preciosismo de otras series”

De hecho, la búsqueda de la autenticidad de la historia les ha llevado a contactar con personajes relevantes de la época. Campos explicaba que “contacté con un narcotraficante que aparece en la serie y nos ayudó a entender un poco cómo nos veían los narcos, y eso de alguna manera nos hizo ver cuál era la visión que teníamos que proyectar desde dentro”.

De igual forma, explicaron que también están muy en contacto con la policía que les da asesoramiento.

“Cuando le planteamos a Antena 3 la oportunidad de hacer 'Fariña' les dijimos que no sabíamos si era para ellos: no hay historias de amor, no buscamos el preciosismo de otras series, sino que queremos contar una historia real”, aseguraba el productor.

Además, como dato interesante, recalcó que “es una de las pocas veces, por no decir la única, en las que trasladamos la producción ejecutiva a otra persona, que es Carlos Sedes. Es quien de verdad lleva el peso de la serie”.

Javier Rey: “Tengo la sensación de que nunca se ha hecho algo así”

Los actores que han empezado a rodar recientemente, explicaban cómo está siendo la experiencia: “Después de esta primera semana estamos muy enchufados con la historia porque no jugamos a hacer, hacemos. Tengo la sensación de que nunca se ha hecho algo así”, aseguraba Javier Rey.

Mientras que Tristán Ulloa se definía como un “gallego de adopción” y recordaba que “esta época que retratamos es mi adolescencia en Vigo”.

El actor añadía que “la realidad supera al porno porque son situaciones casi pornográficas que rozan la obscenidad por cómo esta gente campaba a sus anchas. Es muy difícil hablar de esto sin hablar de otras cosas como la corrupción política”.

Sobre tales temas, Ulloa decía que le “encanta asumir riesgos, nos pone muy cachondos. Creo que esta historia no os va a dejar indiferentes. Era un tema que necesitaba ser contado”.

Marta Larralde, que dará vida a la mujer protagonista de la serie, transmitía su “ilusión por estar aquí. Cuando me enteré que se iba a rodar 'Fariña' pensé que quería estar ahí porque es un tema que me toca de cerca, por todo lo que he vivido y por toda la gente cercana que he perdido, y me emociona profundamente”.

La gran diferencia de 'Fariña con 'Narcos'

La comparación inevitable con el fenómeno de 'Narcos' en Netflix, la asumen y señalan la diferencia entre ambas historias: “En Galicia esta forma de vida estaba normalizada, no era nada extraño”.

“Nuestros narcos no son los narcos de Pablo Escobar; los nuestros juegan al dominó y creo que esa es la gran diferencia”, añadían.

Y Martínez también subrayaba esta disparidad: “Es una historia de personajes, creo que es el diferencial con la serie de 'Narcos'. El viaje que hacen esos personajes de ser pescadores, de jugar al domino a ser grandes traficantes, es muy poderoso”.

'Lo que la verdad esconde' ayer cerró su primera temporada con la última entrega del documental sobre el Caso Asunta.

Al cerrar ese tercer capítulo, Ramón Campos - productor del True Crime- leía una carta escrita por Alfonso Basterra en la que explicaba sus planes al salir de la cárcel:

“Estimado señor Campos,

En cartas anteriores le he transmitido la rabia y la ira que lleva destrozándome y devorándome desde hace tres años. Rabia e ira hacia el juez instructor, hacia el fiscal, los abogados de la acusación particular, los medios de comunicación y, muy particularmente, hacia la persona que acabó con la vida de mi niña.

Pero estos sentimientos me llevarían indefectiblemente hacia la locura y la autodestrucción y eso es algo que no puedo ni debo tolerar, porque abandonaría la esencia de mi yo, del que algo aún queda y acabaría derrotado por fuerzas ajenas a mí.

De modo que tras mucho pensar, he entendido que el perdón es mi camino. La única forma posible de mantenerme en mi camino y sortear este gran reto que el destino me ha puesto.

Puede que no se lo crea, pero después de muchas horas de meditación considero que este nuevo rumbo es, además del acertado, el definitivo. No puedo volver a caer en episodios de cólera como los que he vivido. Es más, he llegado a la convicción de que todos ellos actuaron bajo un signo profesional del que estaban convencidos y con arreglo a la más pura de las éticas. Equivocados totalmente, pero sin saltarse la ley y sin ánimo alguno de condenar por condenar.

Se sorprenderá, pero cuando dentro de seis años, como mínimo, tenga el tercer grado en lugar de asesinar a los citados, como en tantas ocasiones imaginé, lo que realmente deseo es sentarme en una cafetería con ellos y debatir, si lo desean, lo que fue aquel juicio.

Pero lo que nunca haré será exigirles perdón, todo lo contrario, seré yo quién les ofrezca mis disculpas por tan terribles pensamientos surgidos de una locura inimaginable que no deseo a nadie. Y por la misma razón haré lo propio con el asesino o asesina de mi niña, porque ahora sí, estoy convencido de que su acción fue fruto de esa locura, ya que nadie en pleno uso de sus facultades mentales cometería una monstruosidad como esa.

Para terminar le haré una confesión: cuando recupere mi libertad, tengo el firme propósito de desaparecer, nadie volverá a saber de mí, ni tan siquiera Rosario Porto.

Solo tengo una razón para seguir con vida, que no es otra que volver a ser un hombre libre y reunirme con mi niña, nunca antes. De hecho ya tengo pensado el cómo y el dónde, tan solo me falta el cuándo pero todo llega.

Mi verdadera condena no es la prisión, señor Campos, sino no haberla podido socorrer cuando más me necesitó. Eso es algo que nunca me podré perdonar. Así que cuando conozcan mi fallecimiento le ruego que descorche una botella de cava y brinde con los suyos, solo en ese momento comprenderá que he recuperado mi felicidad. Mi niña me necesita y yo a ella.

Atentamente: Alfonso Basterra Camporro“