Johanna Jaskowska, parisina de 32 años, tuvo un intenso fin de semana en Sevilla. Invitada al encuentro Offf 2025, la creadora participó en varios coloquios, se reencontró con varios colegas, asistió a la inauguración de una amiga suya, atendió entrevistas y pudo pasear por la capital hispalense con su hija de apenas dos años. “Conozco a mucha gente aquí, pero nunca había venido antes. Es una ciudad encantadora, y mi paso por el Offf ha sido una gran experiencia”, comenta esta artista, experta en moda digital, filtros, RA, IA y diseño especulativo, que ha trabajado con estrellas mundiales y marcas de primera línea.

En su encuentro con los asistentes, Jaskowska explicó sus orígenes y el modo en que los años 90 fueron un campo abierto para la experimentación. Asegura que creció con un ordenador delante y una Dreamcast, y una precoz inclinación por los videojuegos, hasta que se graduó en Bellas Artes en París y comenzó a tantear el Vjing y el video mapping. “Me he criado con el principio de las nuevas tecnologías, de los ordenadores e internet. Fue una época muy creativa, muy rebelde y en internet se podía hacer muchas cosas, porque el principio de todo. Eso ha configurado mi mentalidad y me ha dado perspectiva”.

Eso aunque, reconoce, las dudas también formaron parte de su aprendizaje. “Cuando empiezas, ni si quiera tú entiendes muy bien lo que haces, pruebas cosas y temes no encajar, tienes muchas inseguridades y luego está la presión de ganarte la vida, quieres tener un trabajo normal… Tuve la suerte de encontrarme entonces con un director creativo que me dijo: no, no tengas miedo de no encajar, confía en tu fuerza creativa, y que te dé marca. A lo largo de los años he aprendido a sentirme segura con esa parte de mi mentalidad, con mi manera de crear”.

Puente entre dos mundos

“Cuando he mostrado en Sevilla ejemplos de trabajo que he hecho a lo largo de mi trayectoria, pueden parecer bastante diferentes, pero cuando entiendes todo el recorrido y lo que me ha inspirado en cada etapa de mi vida y de mi carrera, vas entendiendo cómo el hilo conector que conecta un poco todas esas etapas de mi evolución. Siempre he buscando transmitir como sensaciones que no se pueden explicar con las palabras y a la vez hacer trabajos que provocan discusiones o que invitan a la gente a imaginar o pensar como podría ser el futuro”.

En ese largo camino hay un hito fundamental, en el año 2019, cuando Jaskowska patentó Beauty3000, el primer filtro de belleza en Instagram: una máscara futurista que dio la vuelta al mundo. Para entender aquella extraordinaria repercusión, según la artista “hay que ponerse en el tiempo de aquel boom los filtros. Entonces la realidad aumentada y los filtros estaban anclados en un mundo muy tacky, muy de perritos, de caras graciosas o relacionado con el mundo de los videojuegos, pero sin gusto por la moda o la belleza. Nunca nadie había hecho como el puente entre estos dos mundos”.

Era el momento, también, en que “lo estaba petando con los influencers de moda, con los Kardashian, con el mundo fashion, era también el principio de los make up artists... Como plataforma de imagen, Instagram al principio era más para fotógrafos, para gente que hace imagen o para gente que quiere mostrarse, enseñarse. Aquellos filtros de Instagram trajeron un toque muy arte, moda, fashion, belleza, algo completamente nuevo que nunca nadie había pensado o enseñado”, dice. “Por otro lado, la gente que tocaba la realidad aumentada eran los nerds, los desarrolladores de videojuegos o webs, que no suelen tener sensibilidad artística o hacia la moda o la belleza. Yo hice aquello sin saber que tendría tanto sentido o tanto éxito. Lo hice para mí, porque para mí tenía sentido”.

Permiso para quejarse

Lo cierto es que la vida de Jaskowska entró en una nueva fase. Pasó de tener unos miles de seguidores, a tener más de medio millón en redes. Ese mismo año 2019, cocreó la primera prenda de alta costura digital, que se vendió en blockchain por 9500 dólares. Su teléfono empezó a sonar con potenciales clientes con los que antes ni siquiera había soñado. “Yo solo llevaba tres o cuatro años de vida laboral en una agencia, nunca había trabajado a ese nivel con marcas tan altas. Tuve que aprender todo muy rápido, de manera muy intensa, y vi que todo tiene dos caras. Pagué un precio, por supuesto. De repente todo el mundo quiere ser tu amigo, y no te puedes quejar de nada porque la gente te responde, ‘¿Qué dices? Tienes un éxito de puta madre’. Nadie se daba cuenta de que fue una temporada muy dura”.

“A día de hoy estoy más estable, al principio de este año la plataforma Meta ha quitado los filtros de Instagram, de modo que he tenido que reinventarme. Lo bueno es que nunca he hecho solo una cosa en mi vida, así que siempre he tenido recursos. Si tu trabajo está atado a una gran empresa, con el mundo que cambia tanto, pues todo puede hundirse de un día al otro”.

Al cabo de estos años, Jaskowska ha trabajado para Billie Eilish, J Balvin, Lady Gaga, Farfetch, Armani, Givenchy Beauty, Valentino Beauty, Mercedes-Benz o Nike, entre muchos otros. Ha montado un estudio creativo en Carabanchel, Madrid, que ha bautizado como PATIO, “que es chulísimo”, y donde cuatro creativos “trabajamos en la imagen y sobre todo en concepto, narrativa e imágenes, hacemos dirección creativa global y muchísima inteligencia artificial mezclada con fotografía y vídeo”.

Ningún miedo, pues, a las últimas tecnologías. “Cuando algo nuevo que aparece, mi primera reación es meter mis manos ahí y ver lo que se puede hacer con esas herramientas. Porque ideas tenemos miles, pero de vez en cuando, es complicado producirla técnicamente. Cada herramienta te va a ayudar a producir un proyecto de una manera diferente”.

Romper la burbuja

Sobre sus ilustres clientes, subraya que “en realidad, lo que me importa no es tanto el nombre de la marca o del artista con el que voy a trabajar. Obviamente, si me llama Beyoncé me pongo muy contenta, pero lo que me importa es el proyecto tal cual, si tengo oportunidad de hacer algo chulo o no. Hay proyectos que vienen de una marca increíble, pero no es una estética que te cuadre, y entonces lo haces para el dinero. Te pones como una rata a producir. Pero cuando es un proyecto donde puedo expresarme, hacer algo chulísimo y que además estoy bien pagada, pues eso sí que para mí es lo más importante”.

A la hora de pensar en alguien para quien le encantaría trabajar, cita a Isamaya Ffrench, “una make-up artist que me gusta muchísimo”, dice. “Y bueno, ya he hecho un filtro para Lady Gaga, pero me encantaría trabajar en otras cosas con ella”. En cuanto a los retos a corto plazo, lo tiene claro: “Quiero empezar a hacer prints, impresiones de arte. Llevar mi trabajo al mundo físico. Y ahí se está cocinando en mi cabeza la idea. Cuando esté lista, me pondré a producir”.

Tras el éxito de los filtros, Jaskowska se ha volcado mucho en el diseño especulativo, una disciplina que consiste en “diseñar un objeto que podría existir en 5, 10, 20 años, pero que a día de hoy no existe”.

Por último, un consejo para las johannas que empiezan ahora, en 2025. “Les diría que da igual todo. Da igual si no encajas, da igual que la gente te juzgue, da igual si… Adelante. A probar, a jugar. Fin. Muchas veces las barreras nos las ponemos nosotros mismos, nos encerramos en nuestra burbuja, somos muy exigentes y nos bloqueamos solos. No hay que complicarse más en la vida”.

OFFF Sevilla vuelve del 27 al 29 de noviembre de 2025 para convertir la ciudad en capital internacional de la cultura digital. En su octava edición, el festival reúne a leyendas vivas del diseño y la creación audiovisual junto a nuevas generaciones que están marcando el presente y futuro de la creatividad. Durante tres días, la Real Fábrica de Artillería será un espacio de encuentro único: allí convivirán diseñadores que llevan décadas reinventando la comunicación visual con artistas que, desde el arte digital, la ilustración, la animación o la música experimental, exploran territorios aún inexplorados.

En OFFF Sevilla, la edad o la trayectoria no marcan fronteras. Lo que define el programa es la personalidad de cada creador y su capacidad de mantener viva la curiosidad dentro de la cultura digital más innovadora. El festival se convierte así en un espacio intergeneracional donde el aprendizaje fluye en ambas direcciones: desde quienes llevan décadas marcando tendencias hasta quienes experimentan hoy con nuevos lenguajes.

Una mezcla generacional inspiradora

Pocas veces coinciden en un mismo escenario nombres como David Carson, el diseñador que revolucionó el lenguaje editorial en los noventa con trabajos para Nike, Pepsi, Levi’s, Microsoft, CNN, MTV y artistas como David Byrne o Nine Inch Nails y que sigue siendo un icono incontestable; Mitch Monson desde Sibling Rivalry, creador del mítico Love Symbol de Prince y figura esencial en la relación entre música e identidad visual pero su estudio también creó el logo de los Juegos Olímpicos de París 2024 para la NBC y entre sus clientes encontramos a Marvel, HBO Max, Google y Audible; y la gran Erin Sarofsky, eminencia como directora de títulos de crédito de cine y televisión, nominada al Emmy y responsable de títulos inolvidables como 'Captain America: The Winter Soldier', 'Doctor Strange', 'Shameless' o 'Community' entre otros. Hay que hacer mención a Samar Maakaroun, socia de Pentagram y fundadora de Right to Left, como el máximo exponente de enfoques multilingües y transculturales en el diseño y la cultura digital.

Junto a ellos, la fuerza de una nueva generación de creadoras y creadores que entienden la creatividad como un terreno de juego libre y experimental: María Medem, ilustradora sevillana con proyección internacional gracias a sus trabajos para The New Yorker y responsable del cartel de la pasada edición de OFFF Sevilla; Lucía Types y su exploración del empoderamiento desde una mirada feminista e interseccional con clientes como Amazon Prime Video, Lancôme Paris, Walker Books; o Johanna Jaskowska referente en explorar cómo la identidad se reinventa en el ámbito digital a través de filtros de realidad aumentada y proyectos de arte interactivo lo que le ha llevado a colaborar con artistas y marcas como Billie Eilish, J Balvin, Lady Gaga, Farfetch, Armani, Givenchy Beauty, Valentino Beauty, MercedesBenz o Nike.

Vanguardias sin prejuicios que van de lo artesanal a lo inmersivo

El espíritu de OFFF Sevilla es claro: ninguna disciplina es menor, ningún enfoque es descartable. Por eso, en la misma programación conviven propuestas que beben de la tradición artesanal, como las de Lo Siento y su aproximación experimental al branding con trabajos para The Washington Post, José Andrés Group, Adidas, El Bulli entre otros, con proyectos que empujan los límites tecnológicos, como los de Volvox Labs, responsables de entornos inmersivos en festivales como Coachella o museos como el MET de Nueva York.

El festival suma también la potencia de CODA, colectivo que trabaja en la intersección entre la arquitectura efímera y el diseño computacional con proyectos como ‘Mlus’, un oasis urbano construido en la Plaza de España de Madrid durante el South Summit. Además hay que hacer mención a la maestría tipográfica de Arillatype.Studio®, referente internacional con trabajos para clientes destacados como Google, Disney, Coca-Cola, UEFA, FC Barcelona y LaLiga, que demuestra cómo las letras siguen siendo una materia prima inagotable para la innovación visual.

Desde Suecia, Snask traerá su irreverencia creativa que ya han desplegado para gigantes como Spotify, Meta, H&M, Samsung o Microsoft; mientras que la red de estudios creativos con oficinas en Nueva York, Bruselas, Ginebra y Melbourne. Base Design, deleitará con su diversidad interdisciplinar con proyectos para el MoMA o Dior en una mezcla de identidades visuales, contenidos audiovisuales, diseño digital, publicaciones y textos.

Cháchara y Ladies como clásicos que evolucionan

Entre las secciones más queridas del público regresan Cháchara y Ladies,Wine & Design Sevilla, dos formatos que acercan la creatividad a un terreno más íntimo y participativo.

En Cháchara, OFFF Sevilla se alía un año más con Graficatessen y LAB Sevilla para reunir voces que amplían el mapa de lo gráfico y lo narrativo. Este año estarán Zesar Bahamonte, muralista sevillano de proyección internacional, conocido por su estilo figurativo cargado de simbolismo y por intervenciones urbanas que han transformado paisajes en ciudades de Europa, Latinoamérica y Asia; y Ana Penyas, primera mujer en recibir el Premio Nacional de Cómic, autora de obras como Estamos todas bien o Todo bajo el sol, donde combina memoria histórica y compromiso social con un lenguaje gráfico propio que la ha situado como una de las grandes voces de la novela gráfica en España. A ellas se suma la ya mencionada Lucía Types, con su mirada crítica y fresca sobre el empoderamiento y la identidad contemporánea.

Por su parte, Ladies, Wine & Design mantiene su misión de visibilizar y conectar a mujeres creativas, consolidándose como un espacio de diálogo imprescindible dentro del festival. En esta edición, contará con la presencia de Noemí Gimeno, diseñadora multidisciplinar especializada en dirección de arte y motion graphics con una amplia trayectoria internacional trabajando en títulos como 'Asalto al Banco Central', 'La virgen roja', 'Patria' o la tercera temporada de 'The Crown', y Laura Millán, creativa y directora de arte reconocida con más de 15 años en la industria cinematográfica, especializada en el diseño gráfico para decorados que ha participado en producciones cinematográficas como 'La sociedad de la nieve', 'Mientras dure la guerra', 'La reina de España', 'Pieles' o 'The Sisters Brothers', además de series como 'Patria' o 'Asalto al banco central'. Ambas aportarán su experiencia y mirada para enriquecer un encuentro que se ha convertido en uno de los más inspiradores del festival.

Música: la experiencia sensorial se expande

La edición 2025 refuerza su programación musical, concebida como una extensión natural de la experimentación visual retomando de nuevo el celebrado ciclo audiovisual Microclima. Dentro de OFFF Sevilla presentará en primicia en España a Chihei Hatakeyama, uno de los grandes referentes de la música ambient internacional, y contará con la presencia del japonés Asuna, capaz de transformar la experiencia sonora con su proyecto monumental de 100 teclados tocando simultáneamente. Una oportunidad única de ver a artistas que trascienden.

El cartel se completa con la vanguardista Fernanda Alemán que mezcla electrónica y folclore latinoamericano creando atmósferas introspectivas con sintetizadores analógicos, modulares, loops y voz. Su investigación sonora explora los límites de la experimentación musical. Con estas propuestas, OFFF Sevilla confirma que la música no es un apéndice del festival, sino una parte esencial de la experiencia inmersiva que ofrece al público.

Un futuro en presente

Con un programa que combina referentes históricos, talento emergente, experimentación radical y experiencias inmersivas, OFFF Sevilla vuelve a demostrar que la creatividad no entiende de edades, géneros ni disciplinas. El festival es descubrimiento, inspiración y comunidad.

Las jornadas se celebrarán en horario de 10:30 a 22:00 horas y las entradas ya están disponibles en la web oficial del festival.

OFFF Sevilla es un proyecto de Agostadero (Surnames, Tertulia y Sala CeroProducciones circulares), actividad subvencionada por el Ministerio de Cultura del Gobierno de España, con el apoyo de Ayuntamiento de Sevilla, TRADE y UNIA, entidades de la Junta de Andalucía, y Fundación Cajasol

Si bien en sus orígenes el Festival de Música Española de Cádiz parecía más orientado a la recuperación del repertorio clásico, en los últimos años ha ido abriéndose cada vez más a los sonidos contemporáneos y de vanguardia. En su nueva edición, que arranca este viernes y se prolongará hasta el 23 de noviembre en distintos escenarios de la ciudad, la modernidad vuelve a convivir con la tradición desde su primer fin de semana con propuestas que van de la canción de autor a la música electrónica, pop o ambient.

La encargada de abrir el programa será la cantautora asturiana Lorena Álvarez, quien presentará en el programa Campus Rock de la Universidad de Cádiz (22.00 horas) su nuevo disco El poder de una misma. Raíces populares, humor escénico y una mirada feminista contemporánea se combinan en un concierto que “en el que retomaremos unas cuantas canciones de nuestro repertorio, de los discos anteriores, porque creo que es la primera vez que tocamos en Cádiz estas canciones… Y presentaremos algunas también del disco nuevo”, comenta la artista. “En la banda me acompañan los músicos que me llevan acompañando en los últimos años: Víctor Herrero a las guitarras, portuguesa, eléctrica y española; Carlos Aquilué al bajo y laúd; un nuevo integrante, Fernando Romero a los teclados; y yo con mi guitarra española y mi voz, como siempre. Con todo eso haremos un compendio de canciones de todo el repertorio que hemos ido construyendo los últimos años”.

Este sábado, en el Teatro del Títere La Tía Norica (18.00 horas) quien fuera líder del grupo Napoleón Solo, Alonso Díaz, dará a conocer su nueva banda, Alonso y Las Adelfas, con el álbum ¿Qué es querer? como tarjeta de presentación. Productor de artistas como Soleá Morente y Los Planetas, el granadino explora en este trabajo influencias de la rumba, el flamenco, la bachata y la balada mediterránea con una estética pop depurada. “Para la gente que me conocía por Napoleón Solo, esto sería un pasito adelante en el que intento desahogar otras inquietudes artísticas. Aquí pruebo otra vertiente más relacionada con el folklore, con las raíces, que ya estaban en Napoleón Solo, pero que se potencian más. Canciones que giran en torno a la idea de qué es el amor, a través de unos diarios de sentimientos de una época determinada de mi vida, a modo de terapia. Es una banda grande, un nuevo enfoque, con el que tocaremos canciones de Napoleón y también otras desconocidas”.

Un referente nacional

Ese mismo día, a las 22.00 horas, el dúo barcelonés Hidrogenesse, referente del electropop nacional, celebrará su gira aniversario con el espectáculo Así se baila el siglo XX, donde reinterpretan sus grandes éxitos junto a piezas recientes inspiradas en su colaboración con el escritor Álvaro Pombo y la banda sonora de Daniela Forever. “Es un concierto para celebrar que ya hace 25 años que publicamos nuestro primer single. Tocaremos canciones de todas estos años, de la primera canción al último single que hemos sacado este año”, comenta Genis, miembro fundador, que resume en estos términos el concepto de Hidrogenesse: “Dos personas. Seis cacharros que hacen música. Colores, gestos y slogans”.

También el sábado, tendrá lugar en el marco del festival la tercera edición del encuentro Microclima, que en palabras de su responsable, David Linde, “consolida Cádiz como la capital del sur de Europa en experimental, drone y ambient music. Seguidores de todo el país confirma su asistencia en el que, tres años más tarde, ya es un referente nacional para los creadores del género que acuden como participantes, así como para el público”.

Junto con artistas consolidados como Esplendor Geométrico o Paloma Peñarrubia, la cita acoge a creadoras y creadores desconocidos en España, cuyos trabajos marcan las tendencias de la experimental este 2025 en Europa. “Destaca el caso de Clara de Asís, natural de Cádiz, quien después de años de reconocimiento internacional actuará por fin en su tierra”, abunda Linde. “Pero también gente como Esplendor Geométrico, fenómeno que aglutinará público de todo el país ya que es muy difícil verlos en vivo, convirtiendo sus conciertos en verdaderos acontecimientos”.

Electrónica y campanas

“Para mí, participar en Microclima es una oportunidad muy especial, porque me permite presentar mi trabajo en mi ciudad”, asegura Clara de Asís. “Llevo muchos años fuera y toda mi trayectoria profesional se ha desarrollado en el extranjero. Me emociona volver a Cádiz y entregarle mi música a mi ciudad. Presentaré un trabajo que he desarrollado específicamente para esta ocasión, con electrónica, campanas y percusiones frotadas. Iniciativas como la de Microclima abren un espacio esencial de experimentación artística en una ciudad que siempre ha sido inventiva, creativa y poética, y en donde espero poder seguir tejiendo experiencias”.

La programación del fin de semana se completa con un concierto de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS) en torno a bandas sonoras del cine español, un recital de la mezzosoprano Alicia Naranjo y el pianista José Alberto Sancho coincidiendo con el 250 aniversario de Manuel García, así como actuaciones de Spanish Brass, la Orquesta Barroca de Cádiz y el conjunto coral Virelay, el Pilar Almalé Quartet o el esperado nuevo espectáculo de la bailaora María Moreno, Magnificat.

Dominique Rodes se dio a conocer en España a través de libros como El aroma de los bosques y El buscador de esencias, en los que ilustraba sobre la historia de los aromas y su significado a través del tiempo.

Esta semana, este experto que se han rifado las mejores empresas perfumeras se encuentra en Córdoba para participar en el festival Flora 2025, donde además de su vasto conocimiento ha podido lucir un perfecto español.

¿Cómo se convierte uno en buscador de esencias?

En mi caso no es fácil de explicar. Digamos que yo no era químico ni perfumista, estudié negocios, y en los primeros años 80 me encontré con una gente del sur de Francia que quería empezar un proyecto de destilación de agujas de pino que habían visto en Canadá. Así me vi entrando en este mundo, de una forma muy distinta a la gente corriente, que suele hacerlo a través de laboratorios o del márketing.

¿Cuál fue su primera misión?

Pues fue aquí mismo, en Andalucía, en concreto en la provincia de Huelva. La idea era montar una destiladora de jara y de goma ládano, pues el nombre científico de la jara que crece allí es cistus ladanifer. Las plantas se protegen del calor con esa goma pegada a las hojas, y hay una tradición de recogerla. Fue una experiencia que llevaré conmigo para siempre. Resultaba increíble ver la increíble fuerza de trabajo de los gitanos del Andévalo, donde trabajan en ello familias enteras.

El amor por las esencias, ¿es tan antiguo como el hombre?

Sí. Los padres de los perfumes de la Humanidad son el incienso y el cedro. La resina del incienso viene de un árbol que nace a ambos lados del golfo de Adén, en Yemen y Orán y también en Somalia, y es tan fuerte que desde antiguo los hombres lo han conectado con lo divino. En Egipto y en Mesopotamia todo el mundo tiene el incienso como un tesoro desde los tiempos del rey salomón y la reina de Saba, 900 años antes de Cristo. El rey quería construir un palacio de cedro, que tiene un aroma increíble. El perfume era parte importante de su proyecto arquitectónico. Entonces llegó la reina del sur, con cientos de camellos cargados de incienso y mirra, y eso nos permite imaginar el encuentro increíble del cedro y del incienso.

Como puede comprobar en Andalucía, el incienso sigue teniendo una significación religiosa…

El hecho de que el cristianismo acepte y dé un estatuto muy importante al incienso nos muestra su valor. Le gusta a los musulmanes y a los cristianos.

Los árboles, ¿le han interesado más que las flores?

No, no, las flores son superimportantes en la Historia. Lo que sucede es que en este caso los perfumes se han desarrollado a través de las tecnologías. Las flores eran una tentación brutal, pero era muy difícil encerrar el perfume de una rosa o del azahar hasta que se inventó la destilación. Eso ocurrió con los persas, que descubrieron cómo obtener el llamado agua de rosas. Ponías flores en agua, tenías un fuego, el agua se evapora y condensas el humo para obtener un líquido muy fragante. Vendieron eso a todo el mundo mediterráneo. Luego, a comienzos del siglo XVII, un rey indio descubrió que si dejas suficiente volumen en esa agua de rosas, en la superficie se crea una película grasa: es la esencia pura. Ahí se pudieron hacer extractos de rosa, de lavanda, de azahar… Y aún habríamos de esperar al siglo XIX para lograr destilar el jazmín.

 ¿Cómo logró Francia ganarse la fama de tener los mejores perfumistas?

 No sé, el éxito de Grasse como ciudad de los perfumes es un misterio para mí. Durante muchos siglos, los perfumes han tenido aplicaciones farmacéuticas. Los perfumeros fueron aprendiendo muchos nuevos ingredientes, en esta fase hubo un desarrollo importante en Montpellier, y de allí pasó a Grasse, donde había una fábrica de guantes de cuero que necesitaba de perfumes para eliminar el mal olor. Y ha quedado ese conocimiento y esa especialidad desde el siglo XVIII hasta los años dorados de Grasse, a comienzos del siglo XX.

¿Cuáles son hoy las potencias perfumeras en el mundo?

Hay cuatro empresas que concentran el 60 por ciento de la creación de perfume: la alemana Symrise, la estadounidense F&F y las suizas Firmenich y Givaudan. Yo trabajé 15 años para Firmenich. Pero la competencia es muy fuerte, como hemos podido ver en la gala de la Academia del Perfume Español. Allí estaba Alberto Morillas, uno de los más reconocidos, que viene de Sevilla.

¿Sigue usted asociado a alguna empresa?  

Ahora he dejado las empresas grandes, sigo por mi cuenta, viajando y trabajando como consultor. Voy a Omán para trabajar con el incienso, voy a Paraguay para ayudar a salvar de la desforestación un árbol extraordinario, el palosanto… La pasión la mantengo.

¿Recuerda algún fracaso en su carrera?

Nunca un fracaso es total, pero claro, muchas veces los éxitos no pueden ser completos. A veces buscas ciertos volúmenes y no los puedes conseguir. Para mí lo más difícil ha sido trabajar en algunos países muy pobres, como Madagascar o Haití. El encuentro con la miseria y las dificultades del campo te hacen preguntarte, ¿qué hago yo aquí, donde la vida es tan extrema?

¿Está el cambio climático afectando al sector de los perfumes?

Se está dando un hecho muy intenso y brutal, que es la falta de agua. Eso es lo principal, cultivos que se hacían contando con las lluvias de las estaciones y que ya no pueden contar con ellas. En Francia cada vez más gente sabe que la lavanda necesita riego, porque el clima ha cambiado. Igual sucede con las rosas en Bulgaria. La gente se adapta, sí, pero la industria del perfume debe tener en cuenta eso y aceptar que tendrá que pagar precios cada vez más altos. Y eso no es sencillo…

A la hora de elegir un perfume para usted, ¿qué prefiere?

Hay muchos aromas que me gustan: las rosas, los olores de madera… Me gustan los perfumes de Amouage, en Omán, que hacen un trabajo increíble. La perfumería de nicho me interesa mucho, compañías pequeñas que ponen en el mercado productos de altísima calidad con mucho contenido de ingredientes naturales.

Y en este momento lleva usted…

Imagination, un perfume creado por Jacques Cavallier, el perfumista de Louis Vuitton. Es un amigo con un talento increíble. Y del perfume me gusta hasta el nombre.

Lo bueno de los perfumes es que la IA no puede copiarlos, ¿no?

¡No creas! Yo sé poco de eso, pero han empezado a usarlo, por ejemplo para analizar miles y miles de fórmulas, algo que la máquina puede hacer a mucha más velocidad que el hombre. Pero el toque final, la creación, es algo a lo que la IA nunca podrá llegar.

En los últimos tiempos, la trayectoria de Camela ha venido marcada por los rumores. Primero, por el presunto deterioro de las relaciones entre sus dos componentes en activo, Dionisio Martín y Mari Ángeles Muñoz, y más tarde por los problemas de salud del primero, que les obligaron a cancelar varias actuaciones y podrían, según algunos, precipitar el fin de una aventura musical sin parangón: la de unos artistas que partieron desde cero para vender millones de discos sin contar con el apoyo inicial de la industria. La última cancelación ha sido la del concierto del Festival del Patio de Sevilla, anunciado para la semana pasada, y que abre un interrogante para las próximas fechas del grupo.

A la cita hispalense iba a acudir un Dioni que aseguraba a elDiario.es sentirse en buena forma, pero que venía de pasarlo –según él mismo afirmaba dos días antes del recital– muy mal. “La verdad es que ha sido duro. Al principio parecía solo una laringitis que no se curaba. Al final, gracias a mi fisioterapeuta, descubrimos que era una inflamación en el músculo del cuello producido por un desgarro, que me impedía que se movieran las cuerdas vocales. Con mucho trabajo estoy ya casi recuperado. Estoy en muy buenas manos, me trata una otorrino increíble y mi fisio de toda la vida”.

Finalmente, la organización del evento emitió un comunicado en el que lamentaba que “el artista de la icónica banda presenta una recaída en la afección de garganta que le mantiene apartado de los escenarios desde el mes de agosto, circunstancia que le impide subirse al escenario en las condiciones necesarias para garantizar la calidad del espectáculo y su bienestar físico. Por respeto al público y a su compromiso artístico, el dúo madrileño de tecno-rumba ha decidido finalmente cancelar el concierto programado para este viernes 10 de octubre en Mairena del Aljarafe. Desde la Diputación de Sevilla se desea una pronta recuperación al artista”.

Del casete a las plataformas

Echando la vista atrás, lo cierto es que son 35 años los transcurridos desde ‘Tinieblas’, una maqueta casera que grabaron en 1990 para repartirla entre los parientes y amigos y que no llegó a comercializarse, pero sirvió para echar a rodar el proyecto que el dúo compartía con el teclista Miguel Ángel Cabrera. También comenzaba ahí una andadura con muchos kilómetros de carretera que, inevitablemente, deben pasar factura al cuerpo, aunque Mari Ángeles rechaza esta idea. “Se sienten bien los años cuando uno hace lo que le gusta hacer”, asevera. “Nosotros, obligados, no hemos hecho ni haremos nunca nada”.

La única mujer de esta formación del madrileño barrio de San Cristóbal de los Ángeles asume la voz cantante en la entrevista y quita también importancia al hecho de que, en aquella década de los 90, Camela lograra imponer sus canciones sin pasar por las radiofórmulas, casi conquistando uno a uno a sus seguidores. Cuando se le pregunta si fueron la demostración de que el negocio musical no lo es todo, responde: “Los pioneros de esto no fuimos nosotros, hay muchos más grupos que demostraron en su día que el márketing está sobrevalorado”.

Indiscutibles reyes de las gasolineras y los bares de carretera durante años, Camela son un buen ejemplo de la evolución de la industria discográfica en España: pasaron de vender cientos de miles de cintas de casete a discos compactos, regatearon mejor que muchos el azote de la piratería y asistieron asombrados a la irrupción de internet y las plataformas digitales. “Sentimos nostalgia, pero sobre todo a la hora de reproducir música”, comentan. “Antes era algo mucho más especial. Los tiempos fueron cambiando y todos, desde los artistas hasta los vendedores de las tiendas o los directivos de las discográficas, tuvimos que adaptarnos. Ahora el panorama musical no se parece en nada al que conocimos en nuestros comienzos”.

“Lo único que no ha cambiado son las ganas de hacer música, y con eso continuamos”, asevera Mari Ángeles, quien no sabría decir si, en el caso de empezar hoy desde cero, Camela tendría el mismo recorrido. “¿Quién puede saber eso? Suponemos que sí, porque seguimos viendo a niños pequeños cantar todas nuestras canciones junto a sus padres, y eso es maravilloso. En el fondo, por muy diferentes que sean las cosas, los músicos siempre tenemos la sensación de volver a empezar, una y otra vez”.     

Cantar a Wallapop

Y cantando al amor, el tema más trabajado en las letras del grupo, ¿creen que la forma de entender las relaciones ha cambiado sustancialmente? “El verdadero amor nunca va a cambiar”, sentencia la artista. “Si es amor de verdad, siempre será romántico y habrá gente deseando verlo reflejado en las canciones”.

Eso sí, con la irrupción de las modernas tecnologías y las redes sociales, el motor compositivo de Camela se ha alimentado de nuevos argumentos. Sin ir más lejos, recientemente lanzaron una serie de canciones inspiradas en chats de la plataforma de compraventa Wallapop, “algo que nos propusieron y nos pareció divertido”, apuntan. “Nos lo pasamos muy bien dando forma a esos temas que, en efecto, se salen de la línea habitual de nuestras canciones”.  

Tras la estela de Camela surgieron muchos proyectos similares, algunos con notable éxito, pero muy lejos del que tuvieron ellos. Formaciones como Calaítos, Ríos de Gloria, Chalay, Kayma, Bernardo Vázquez, Piel Morena o Kalentura ahondaron en el auge de aquella tecno-rumba que puso a bailar a jóvenes y mayores en verbenas, ferias y discotecas de toda la geografía nacional. “¿Por qué Camela era especial? Esa pregunta es más bien para el público. Ellos lo sabrán mejor que nadie. Suponemos que cada uno es como es”, añade Mari Ángeles tan lacónicamente como cuando se le pregunta qué música les interesa del panorama actual: “Toda, en su totalidad. Es música”.  

Hay una fotografía para la introspección, para reflejar miradas personalísimas y mundos concretos, y otra para trabajar lo colectivo, el “nosotros”. El Festival Pa-ta-ta, que se celebra esta semana en Granada, pone claramente su foco en esto último. Surgido en 2010 a iniciativa de Cecilio Puertas y María Martín, los impuaulsores de la Escuela Social de Fotografía La Ampliadora, esta cita se celebró durante diez años hasta que la precariedad económica recomendó una pausa. Ahora, tras cuatro años de barbecho, el descanso parece haberle sentado bien, y han desplegado una programación tan atractiva como fiel a sus principios fundacionales.

“Cuando empezamos no existían festivales que dieran espacio a proyectos emergentes, de modo que pensamos en crear nosotros uno”, recuerda Cecilio Puertas. “Otro de nuestros objetivos era acercar la fotografía a la ciudadanía. En la escuela hacemos proyectos de educación para el desarrollo, trabajamos con distintos colectivos para que puedan expresarse a través de la herramienta fotográfica. Pero queríamos ir más allá y dar voz, en este caso imagen, a los distritos y los pueblos de la provincia”.

Esta nueva edición empezó a primeros de año, primero haciendo una preselección de cuatro finalistas para el Premio Internacional de Fotografía con Impacto Social, uno de los puntos fuertes del festival, y luego trabajando en los distritos sobre las técnicas y líneas temáticas de las autoras –pues da la casualidad de que se trata de cuatro mujeres– preseleccionadas. 

Entre lo local y lo global

En concreto, se trata de la pamplonica Silvia Ayerra con su proyecto Dientes de leche, en el que se establece un vínculo entre la fotógrafa y su tío enfermo, de modo que las imágenes no solo materializan la comunicación entre ambos, sino que sirven para crear los mundos que la fantasía del tío generan; Huellas, de la brasileña Luana Fischer, surge por su parte de una residencia en la localidad de Arévalo (Ávila), y a través de un trabajo con colectivos de mujeres mayores logra resignificar los espacios que antaño eran dedicados exclusivamente a los hombres.

Por su patre, la alicantina Lucía Morante se ocupa en el proyecto Las cigarreras de Alicante de la experiencia colectiva de un grupo de mujeres que trabajaba en una fábrica y sentían la necesidad de preservar su memoria y ponerla en valor; por último, Heda, de la fotógrafa polaca Ola Skowrónska, habla de la inmigración a través de mujeres que poseen ese mismo nombre, Heda, además de tener en común el hecho de ser chechenas y migrantes para llegar a la conclusión, según ellas mismas manifiestan, de “no ser de ningún sitio”.

Estos proyectos han sido escogidos entre 76 propuestas procedentes de 15 nacionalidades, y optan a la dotación de 2.000 euros para su desarrollo. La mitad del veredicto depende de un jurado cualificado, mientras que la otra mitad quedará decidida por el voto popular, pues cualquier transeúnte que se tropiece con la muestra instalada al efecto en la Fuente de las Batallas de la capital nazarí puede votar sencillamente a través del código QR que les acompaña. Para Cecilio Puertas, “hemos logrado establecer un vínculo entre lo local y lo global, y entre el vecindario de Granada y los pueblos de la provincia, donde también hemos impulsado una iniciativa para demostrar que una vida en la provincia es posible”.

El otro premio recaerá por el distrito que mayor participación y capacidad de asimilación de los contenidos generados haya demostrado, de los cuatro que se han implicado en esta edición de Pa-ta-ta: el Centro, Norte, Chana y Beiro. “Hemos tenido reacciones muy bonitas”, aseguran los organizadores. “Los vecinos han vivido el aprendizaje del uso de la fotografía, lo han utilizado, han visto ese trabajo materializado en una exposición y finalmente asistirán a una gala en el teatro Isabel La Católica”.    

Rostros familiares

La participación de la gente de a pie no queda ahí. Además de participar en talleres de fotografía experimental o en programas como Cocinando con imágenes, en colaboración con el popular restaurante Ruta del Veleta, muchos han podido verse a sí mismos con la iniciativa Cartografía vecinal. “Gracias a la cesión de mupis o vallas publicitarias, en lugar de promocionar el festival con un cartel clásico pensamos que podía ser una buena idea mostrar el rostro de los vecinos y vecinas de nuestros barrios, que 'tomaran' la ciudad, y el resultado ha sido espectacular”, comenta la jefa de prensa de Pa-ta-ta, Nerea Larrinaga.

Además, los usuarios de distintas líneas de autobús podrán encontrarse con viajeros habituales, esta vez inmortalizados gracias a la fotografía, gracias al programa Líneas conectadas, en colaboración con ALSA. “Si vives por el centro y coges, por ejemplo, la línea 33, puedes encontrarte con tu retrato o el de algún otro viajero frecuente”, apunta Larrinaga, mientras que Puertas añade: “Gracias a los códigos QR que hemos llevado a las calles puedes escuchar audios con conversaciones del vecindario en torno a los temas que venimos tratando”.

Según el coordinador, “estamos viviendo esta edición como si fuera la última, y creo que deberíamos hacerlo así cada año, porque lo disfrutamos más. Vivimos el presente, hemos conseguido todo lo que nos habíamos propuesto y, si sigue habiendo una evolución, seremos felices. Si no, lo dejaremos. Es algo bonito, y lo principal es que la ciudadanía lo tome como algo suyo”.    

Cuando, allá por los primeros años 80, Antonio Fernández-Repeto empezó a concebir un festival de folklore junto a su amigo Manuel Granado, el año 2000 se imaginaba todavía como una utopía cibernética a la manera de las novelas y películas de ciencia-ficción. Estamos en 2025 y el mundo se ha llenado de avances tecnológicos, pero el viejo sueño de reunir en Cádiz músicas y danzas de todo el mundo sigue vivo. La 30ª edición del Festival de Folklore Ciudad de Cádiz se celebrará del 3 al 8 de septiembre… tras 14 años de silencio.

“Tanto Manolo como yo pertenecíamos al grupo de danzas Adolfo de Castro, y participábamos en festivales por toda España y el extranjero”, recuerda Fernández-Repeto. “Nos parecía que Cádiz, donde se vive tanto en la calle, era un sitio muy a propósito para hacer algo así”, añade. Buscaron financiación en la antigua Caja de Ahorros local, la Diputación provincial les proporcionó los alojamientos, el Ayuntamiento la infraestructura del teatro de verano José María Pemán y la logística para las convocatorias de calle… Y así nació un festival que fue una referencia durante casi tres décadas: “Por aquí pasaron compañías de cinco continentes, no solo de toda Europa y América, sino de sitios como las Filipinas, las Islas Cook… Creamos una asociación para organizar el festival, con su voluntariado, fue un verdadero maremágnum”.

Hasta que llegó la crisis. Varias aportaciones fundamentales de instituciones como la Junta de Andalucía o el Ministerio de Cultura se perdieron. La edición de 2012, la número 30, iba a ser sonada, pero acabó cancelándose por falta de músculo económico. “Trabajar para nosotros no era un problema, pero no podíamos embarcarnos en una deuda económica, que era a lo que nos abocaban las circunstancias”, explica Fernández-Repeto. “Fue duro y, de hecho, llevamos 14 años con la espinita clavada, hasta que hemos podido retomarlo este año” gracias a que “han sido los jóvenes que vivieron aquellos años los que lo han reflotado”.

Un lenguaje universal

Uno de esos jóvenes es la hija de Antonio, Elena Fernández-Repeto, que se recuerda de niña llevando las banderas en los desfiles del festival y bailando, y más tarde participando como voluntaria, publicista e incluso como parte del equipo médico. Junto a varios grupos de folklore de la ciudad –la Asociación de Danzas Folklóricas, el grupo Adolfo de Castro, la compañía flamenca de Carmen Guerrero y el grupo de danzas Cultivando el Arte– presentaron una propuesta a la Fundación Municipal de Cultura, que la acogió favorablemente. Gracias a ello, a lo largo de una semana desfilarán por el Baluarte de Candelaria y otros espacios de la capital gaditana grupos procedentes de Polonia, Italia, Argentina, Colombia, Venezuela y Senegal.

“Mantenemos el esquema central, con las tres galas en el Baluarte, así como el desfile inaugural y una cita llamada Ven a bailar con los grupos en la Plaza de España”, comenta Elena. “Antes los espectáculos eran más estáticos, ahora sabemos que hay que involucrar al ciudadano, de manera que lo invitamos a participar en convocatorias como esta, en una jam para que los músicos invitados compartan con los músicos locales, un vermú musical alrededor de las terrazas de la ciudad o una parte de actividades infantiles”, explica.

Para Elena, el valor de lo que el Festival de Folklore significa no ha cambiado nada en este decenio largo de parón forzoso. “Puede que algunas de estas danzas sean minoritarias, algunas solo las recuerdan los abuelos, pero ayudamos a proteger un patrimonio que de otra manera se habría perdido hace mucho”, asevera. “Es un legado cultural que se lleva a escena de manera vistosa, con coreografías cuidadas, pero manteniendo la esencia de su lugar de procedencia, con su ritmo, sus canciones… Y en el festival todo se mezcla, aprendemos unos de otros, porque la música es un lenguaje universal”, sostiene la hija del creador del festival.

La organizadora subraya también que lo que puede irse y verse en el festival está en las antípodas de esos productos de tipismo recalentado para turistas al uso. “Se trata de compañías genuinas, cuidamos mucho eso y pedimos que traigan vestuario tradicional, y música en directo con instrumentos auténticos, que todo sea lo más adecuado posible y fiel a la tradición”, garantiza Elena.

El mundo en casa

Esas manifestaciones siguen inmutables, pero la dinámica de los festivales sí han cambiado, y mucho. “Nosotros teníamos que encontrar la forma de ponernos en contacto con gente de Turkmekistán, de Mongolia, de Georgia, sitios que mucha gente no sabía ni que existían”, señala Antonio Fernández-Repeto, antes de añadir: “Recuerdo los problemas de gestión que suponía trabajar con el Telón de Acero, todo era una aventura. Y por supuesto, teníamos que intentar pillar compañías que hicieran gira por España, al menos durante un mes o mes y medio, para que les saliera rentable venir. Hoy es mucho más fácil acceder a los grupos a través de las redes, y a ellos les resulta mucho más fácil viajar”.

Cuando se le pregunta qué pinta un festival de folklore a estas alturas del siglo XXI, no duda en responder: “Ahora con un click puedes verlo todo, pero eso no significa que convivas con ello. El hecho de traerlos a tu casa propicia el intercambio cultural directo. Con las nuevas tecnologías consigues la información, pero la experiencia personal no puedes vivirla en tu teléfono o en la pantalla del ordenador”.

Padre e hija coinciden en despojar la noción de folklore de cualquier hojarasca ideológica: “A veces queremos darle un sentido político a todo, pero el folklore es una forma de cultura como cualquier otra, que todos podemos compartir”. Y “lo moderno se apoya con mucha frecuencia sobre la tradición, porque nadie crea sobre la nada”, dice Elena.

Antonio, por su parte, cree que sobre esto pesa “una leyenda negra, sobre todo en España, donde se considera algo promovido por el franquismo”. “Se olvidan de que en el mundo entero se celebran estos encuentros, y quienes los menosprecian denotan una falta de cultura general. La prueba es que en los 80, el progresismo puso mucha atención hacia la recuperación del folklore” y hoy, apostilla, “es gente joven, que no vivió la dictadura, quien ha recuperado el festival”.

La Monkey Week hace las maletas y abandona su sede sevillana para regresar a su emplazamiento original, la localidad gaditana de El Puerto de Santa María. La mudanza, anunciada este mediodía en rueda de prensa, supone un duro golpe para los aficionados a los sonidos más actuales de la capital hispalense, donde esta cita ha permanecido durante nueve años, a la par que una buena noticia para los portuenses, que en ese tiempo tuvieron que conformarse con una simple extensión, apenas un consuelo tras haber visto nacer el encuentro y acogerlo durante siete años.

Este anuncio ha venido acompañado por un video clip en el que puede verse al conocido músico y productor Paco Loco, afincado en El Puerto, leyendo en batín cuando suena insistentemente el timbre. Sale a abrir la puerta y se emociona al comprobar que es un mono, una suerte de mascota del Monkey, rodeado de maletas y cargando con una mochila por la que asoma el icónico Curro de la Expo 92. El hijo pródigo, viene a decirnos el filme, vuelve a casa.

Así lo han confirmado también los responsables de la Monkey Week ante los medios reunidos en el Teatro Pedro Muñoz Seca de El Puerto, con gran concurrencia de representantes institucionales, desde el alcalde de la ciudad, Germán Beardo, a Javier Rivera, gerente de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Junta de Andalucía; Rubén Gutiérrez del Castillo, director general de Fundación SGAE; Gonzalo Sánchez Gardey, vicerrector de Sostenibilidad y Cultura de la Universidad de Cádiz; Víctor Mantiñán, director de Activación Iberia en Estrella Galicia, patrocinadora del evento; Iván Llanza, director de la Fundación Osborne; el propio Paco Loco y Tali Carreto, co-director del festival.   

Punto de encuentro

La salida de Sevilla ha sido explicada como una apuesta por la conservación de la propia identidad como festival urbano, pero a nadie se le escapa que el desencuentro con la delegación de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla ha ido de mal en peor. Preguntado al respecto por elDiario.es Andalucía, Carreto apunta que “hoy por hoy no se dan en Sevilla unas condiciones favorables para un evento como el Monkey, que es cien por cien urbano”. Y esto tiene que ver, añade, con la paulatina reducción de horarios: “El año pasado solicitamos poder estar en la pista de coches de choque y en la carpa que teníamos junto al Teatro Central hasta las dos de la mañana, con una rebaja sobre los horarios anteriores. En la última reunión que tuvimos con los responsables de Cultura todo fue genial. Pero a tan solo 13 días del festival, nos llegó un correo en el que se nos decía que solo podíamos estar hasta las doce de la noche. Tuvimos que cambiar horarios, artistas, un lío de la hostia. Y el mismo día antes de arrancar el festival, nos dicen que no, que solo podemos estar hasta las once”.

“El Monkey es un evento que tiene que desarrollarse en la ciudad, no tiene sentido irse al Estadio Olímpico o al Charco de la Pava”, explica Carreto. “Pero, además, este año nos comunicaron que tampoco podíamos hacer las jornadas profesionales en Santa Clara, donde reuníamos a bookers, managers, promotores, agentes, etc., porque va a quedar como espacio expositivo. Se nos dio la opción de Artillería, que nos parece un poco cajón de sastre, pero es que además allí teníamos el mismo problema de las horas, con más problemas por haber vecinos, y tampoco estaba claro que pudiéramos usar las salas para celebrar jornadas, conferencias y talleres”.

En dos años no hemos tenido una reunión con el alcalde, y no porque no la hayamos solicitado. Creemos que hay una mala gestión y, por otro lado, es muy probable que una propuesta como la Monkey Week no encaje en su política cultural

Cabe recordar que, a lo largo de su andadura, la Monkey Week ha sido descubridora, a través de la tradicional Convocatoria de Showcases que cada año abre el festival, de talentos como Carolina Durante, Nathy Peluso, Mujeres, Pony Bravo, Fuel Fandango, Ms Nina, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Triángulo de Amor Bizarro, Guadalupe Plata, Hinds, Los Estanques, Bala, Cariño, Neuman, Cupido, Niño de Elche, Belako, Toundra o Baiuca. Solo en su última edición, la convocatoria de showcases recibió más de 1.600 propuestas artísticas procedentes de más de 60 países diferentes, y el festival congregó a más de 1.000 acreditados profesionales, más de 300 músicos y un centenar de showcases y conciertos. La versión del Ayuntamiento de Sevilla sobre el desencuentro con la Monkey Week obtenida por este periódico se resume en estas palabras: “Poco que añadir, salvo que respetamos su decisión y que le deseamos la mejor de las suertes en su vuelta a casa, que seguro que volverá a ser un éxito total”.

Inoperancia del ICAS

La huida de Sevilla del Monkey coincide con otras noticias aciagas para los melómanos de la capital del Guadalquivir, como la despedida sine die del festival Nocturama. Carreto lamenta que “en dos años no hemos tenido una reunión con el alcalde, y no porque no la hayamos solicitado. Creemos que hay una mala gestión y, por otro lado, es muy probable que una propuesta como la Monkey Week no encaje en su política cultural”.

Sin querer entrar en agravios comparativos, Carreto señala que “a Icónica sí le han concedido, increíblemente, horarios hasta las tres de la mañana en la Plaza de España”. También pesa, admite, “el desgaste continuo de los procesos administrativos del ICAS [Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla]”, algo en lo que coinciden todos los eventos de este tipo en Sevilla, “porque aún estamos liados con cosas de 2020, de 2023… La inoperancia del ICAS viene de antaño y no va a cambiar. Pero sobre todo tenemos una cita que, si no nos dejan hacerla en la ciudad, tiene que buscar su sitio”.

Así las cosas, del 13 al 15 de julio se mantendrá la programación prevista del llamado ‘Monkey chico’, con bandas como Amor Líquido, Arianna Casellas & Kauê, Beta Máximo, Boston Babies, Cantes Malditos | Pedro de Dios & Antonio Fernández, Carlangas o Chaqueta de Chándal, mientras que la Monkey propiamente dicha se celebrará entre el 20 y el 22 de noviembre. “Hemos tenido otras propuestas, claro, pero en nuestra cabeza siempre estuvo que, en el caso de dejar Sevilla, volveríamos al lugar donde nos dejan hacer el Monkey que queremos”, concluye. “Un festival donde entre un escenario y otro hay cinco minutos a pie, que se hace en espacios patrimoniales… Y ahora con la experiencia de un festival que ha crecido”.

Un festival que no cuide de su cantera tiene los días contados, y el de Huelva de Cine Iberoamericano lo sabe. Por eso, en aras de garantizar la continuidad de su público, desde hace años promueve una serie de actividades dirigidas a los más jóvenes, que incluye prácticas de nuevos comunicadores, formación de espectadores y un ciclo de proyecciones que quiere transmitir valores a través del séptimo arte. 

La primera de esas líneas de trabajo lleva ya tres años funcionando con chicos y chicas de distintas ramas (Comunicación, Audiovisual, etc) procedentes principalmente de las universidades de Huelva y Sevilla. Carlos Loureda, programador del Festival y coordinador de esta iniciativa conocida como Jóvenes Comunicadores Cinéfilos, asegura que “en las evaluaciones que los chavales hacen cada año, todos aseguran que aprenden en un año en el aula. Para ellos supone enfrentarse a la realidad de un festival con su timing, sus sorpresas… La idea es que cada uno se enriquezca también con los talentos de los demás”. 

En total son ocho los estudiantes seleccionados para hacer una cobertura lo más completa posible del Festival de Huelva. “Se empieza por una reflexión previa, que incluye preguntas como: ¿cómo comunicamos, cómo mediamos con la cultura? ¿Cómo transmitir lo que está pasando?”, comentan. “Ahí nos damos cuenta de que hay una parte en el paradigma actual que es la preminencia de la imagen sobre la palabra. Por eso tendemos a usar redes como TikTok e Instagram por encima de otras herramientas”. 

Más que una carrera

Los participantes establecen una mesa de redacción en la que se reparten las distintas funciones: quién va a preparar las preguntas, quién va a dirigir la grabación, quién va a montar luego las imágenes… “Los resultados son asombrosos, yo soy el primer sorprendido”, apunta Loureda. “Hay un sector de la población que es muy nuevo, que se comunica de otras maneras y posee otros referentes. La realidad es que no hay mucha cantera de mediadores culturales que destaquen, y esta es una forma de fomentarlo”.

Otra de las singularidades del programa es el hecho de que un participante de la edición anterior sirva como ayudante de los estudiantes en calidad de profesional contratado por el Festival. Este año ese cometido recae sobre Manuel Márquez, cordobés de 27 años. “Estudié Cine y Cultura en la universidad de mi ciudad, pero lo que hacemos es algo que no vives en una carrera ni en un grado superior. Poder trabajar de tú a tú, con la cercanía del equipo del festival y con los famosos invitados, supone un enriquecimiento profesional muy grande”.

Ahora la misión de Manuel es compartir la experiencia del año pasado con sus nuevos compañeros, “y ayudar a que todo sea más fluido y orgánico”, agrega. “Lo primero es aprender a llegar a un sitio en el que no conoces a nadie y hacerte un hueco en la dinámica de grupo, saber que detrás de tal televisión vais vosotros… Y luego está saber atraer al público más joven, para lo que nos servimos de las redes. Las herramientas digitales son nuestra forma de llegar al espectador”.  

Nuevas realidades

Junto al programa Jóvenes Comunicadores Cinéfilos, destaca en la programación del Festival de Huelva el ciclo Ventana Cinéfila, que desde hace cinco años trabaja con el cine como herramienta educativa que permite el desarrollo de las capacidades colectivas e individuales en torno a la imagen en movimiento.

Esta propuesta se lleva a cabo con la colaboración de la plataforma digital Filmin y el trabajo en equipo junto a otros festivales impulsores de la alianza ProFestivales21: la Semana Internacional de Cine de Valladolid, el Festival de Málaga, el Festival de Sevilla y el Festival de Sitges, además de Huelva. “Sumando todos los estudiantes de estas provincias, llegamos al 40 por ciento de la población escolar en España”, apunta Loureda.

Para el programador, Ventana Cinéfila ha venido sirviendo, además de para fomentar el séptimo arte entre los más jóvenes, para observar los cambios que la población ha venido experimentando. “Hemos constatado que casi un cuarto de la población escolar no es de origen español, de modo que también debemos mostrar películas que expresen esa realidad. Tenemos que hacer que el espectador entre en contacto con las cosas que pasan, las que hacen eco en su vida. Y es una maravilla ver cómo las abordan con sus propias visiones. Incluso el cine fantástico, como ocurre en Sitges, les habla de los miedos actuales”. 

Contener al fan

Este año, los alumnos verán cintas como El novato, Calamity, Los demonios de barro, La suprema o Beautiful Thing. “También se les transmiten ideas como que los hábitos saludables no son solo comer bien y hacer deporte, sino también, por ejemplo, comunicarse mejor. Son valores que ayudan a vivir mejor en este mundo tan complicado”, añade el coordinador.

Por último, el ciclo Cine y Valores va a exhibir tres largometrajes con temáticas muy actuales: Troleo, Cura sana y Cafuné. A partir de su visionado, según explica Loureda, cada estudiante escoge el que más le gusta y la clase se distribuye en grupos. “‘Sois productores, tenéis que defender vuestra película’, les proponemos como juego. Se plantean sesiones de una hora, que se alargan a menudo hasta las dos horas y media, porque cuando ellos toman la palabra, el debate se vuelve apasionante”.

En medio de todas estas formas de jugar al cine de diversas formas, a veces las estrellas pasan aparentemente a un segundo plano. Pero solo aparentemente, pues es uno de los grandes atractivos de un Festival que presume de cercanía. “Este año nos hemos sorprendido con la naturalidad de Paz Vega y María León”, concluye Manuel Márquez. “Hay que contener un poco el fan que llevamos dentro, pero no demasiado. Creo que para ellos es bonito ver la ilusión que nos hace hablar con ellos, y de algún modo se la transmitimos”.  

Un joven guitarrista, unos padres separados, una herida familiar que escuece a través del tiempo y la necesidad de expresión de las emociones y la reconciliación. Así podría resumirse La guitarra flamenca de Yerai Cortés, el debut como director del cantante Antón Álvarez, más conocido como C. Tangana, que llega esta semana al Festival de Huelva de Cine Iberoamericano como parte de un largo periplo promocional. 

La cinta, que tiene como personaje central a Yerai Cortés (Alicante, 1995) e impulsa también el lanzamiento de su primer disco, cuenta con la participación de otros artistas flamencos como La Tana, Farruquito, Remedios Amaya o Israel Fernández, pero también desvela aspectos más o menos íntimos de Miguel y María, los padres del joven músico alicantino, así como de su pareja actual y su expareja. 

No obstante, Cortés, a quien el espectador ve en el largometraje regresando a su barrio, tocando en la plaza en la que solía hacerlo en sus inicios o reencontrándose con sus amigos, recalca que “el protagonista de la película no es el guitarrista, sino la guitarra y lo que cuento con ella”. El proceso ha sido la hostia, todo un aprendizaje muy nutritivo por lo que todos aportan. Yo soy flamenco, pero en la película hemos querido contar una historia“, explica.

Naturalidad ante la cámara

Cuando se le pregunta por los riesgos de la sobreexposición personal, propia o de su gente, responde con sobriedad: “No suelo hacer cosas que estén calculadas, me meto en muchos fregados y solo pienso en sacarlos para adelante. En algún momento me lo he llegado a plantear, ‘hostias, se está contando mucho de mí’. Pero bueno, no es de mí, es una historia que nos toca a todos. Están mi padre, mi madre, cada uno tenemos nuestra vida. No quería que les afectara a ellos y, al mismo tiempo, si iba a contar mi historia, tenía que decir de dónde vengo, y eso es lo más hermoso que hay”.

“El único miedo que tenía”, agrega, “era que las cosas se torcieran”. Y confiesa: “La película nos ha enseñado que cada uno tiene su argumento, todos hemos vivido la misma historia desde una mirada distinta, y es bonito abrazar eso. Para mí es una película de amor y de aceptación a las cosas que uno tiene. Y me ha enseñado que la privacidad está a veces muy sobrevalorada, luego contamos en historias de Instagram lo que hacemos por la mañana, lo que hemos comido, bebido, cuando vamos al gimnasio… A cada persona le nutre más una cosa u otra. A mí me ha hecho conocerme más y conocer a mi familia”.

Lo cierto es que Yerai Cortés exhibe una insólita naturalidad ante la cámara, casi como si hubiera nacido para ello, tanto o más que para arrancar notas a su sonanta. “Cuando estaba haciendo la película, lo único que pensaba era que tenía una cámara en frente, quería decir algo interesante y salir guapo. Había momentos entonces en que me olvidaba de la cámara, todo pasaba a un segundo plano. Y no ha sido un proceso corto, ha durado tres años: las primeras veces estás más incómodo, te cuesta concentrarte, hasta que llega un día en que empiezan a grabar y vas directo al grano. Todo lo contrario que con la música, que cuando se pulsa el rec empiezan a temblarme las manos. Eso no me ha pasado con el cine”, reconoce el guitarrista.

En busca de una identidad

Por su parte, Antón Álvarez, quien se hizo acompañar de Cortés en una de sus giras, evoca que “todo empieza porque voy a una fiesta, conozco a Yerai, me enamoro de él y a partir de ahí empezamos a trabajar. Como artista siempre he usado mi vida. Aquí no se trata de la mía, y la responsabilidad es distinta. Yo estoy harto de mí mismo, y en ese sentido este proyecto ha sido muy liberador, había algo de salvación para mí en él”, cuenta el cantante.

“Siempre estoy en busca de una identidad”, prosigue C Tangana. “Era un tío que no sabía de música y hago música, nunca me había puesto detrás de una cámara y he hecho una película. No sé qué será lo próximo, pero sí estoy seguro de que el flamenco me va a acompañar mucho tiempo”.

En este sentido, subraya que “en el cine hay que picar más piedra que en la música, pero en esta primera aproximación he sentido un abrazo absoluto. Todas las artes tienen algo de snob, parece que se pierde valor si se dice que todo está bien… Pero a mí me han abierto los brazos, me han dado consejos y, a la hora de rodar, todos los profesionales se han dejado llevar por mí. De todo ello me llevo una lección: ahora, cada vez que vea a un actor que se quiera convertir en rapero, prometo decirle: no pasa nada, ¡inténtalo!”, ríe. 

Tanto en el cartel como en las imágenes que sirven de introducción y de colofón al filme, puede verse un cohete proyectándose hacia el firmamento. “Puede tener un doble sentido”, explica Yerai Cortés. “Hay quien lo ve como lanzamiento de mi carrera, pero el cohete es también un objeto que nos comunica directamente con lo celestial. Subes y te conectas con quienes están ahí, y yo prefiero quedarme con esa lectura”, manifiesta.

Sobre sus expectativas con la película, no tiene dudas: “Tío, yo lo que quiero es tocar la guitarra y seguir contando historias, lo que me pasa o lo que me puedo inventar”, asevera. “Lo que pueda hacer para que este sueño se cumpla, voy a hacerlo, porque creo que no he nacido para otra cosa”, sentencia.

Paz Vega (Sevilla, 1976) recuerda que su primera experiencia con la escena fue dirigir una obra de teatro en el colegio. “Y desde que dije que quería ser actriz, sabía también que acabaría dirigiendo”, añade. Claro que antes ha pasado más de dos décadas encarnando todo tipo de personajes, y desde que concibió su primer proyecto hasta que logró estrenarlo en Locarno han pasado siete años. Para ella, ha valido la pena: la recepción de Rita ha dejado la impresión unánime de que se trata del primer peldaño de una prometedora carrera como cineasta. 

El público del Festival de Huelva de Cine Iberoamericano ha disfrutado de este debut que refleja la vida en un barrio sevillano de mediados de los años 80 del siglo pasado desde una perspectiva infantil, con la violencia doméstica como asunto de fondo. “Para mí es una historia apolítica, no hay discurso ni maniqueísmo de ninguna clase”, asevera. “Quería simplemente poner el foco en algo que sigue pasando, pero que no suele verse desde el punto de vista de las víctimas colaterales. He puesto la atención en ellos, en cómo sufren, cómo a menudo no entienden qué pasa a su alrededor, cómo se defienden con sus medios. No quería hacer una película grotesca, ni obvia, ni tremendista. Rita es un cuento, tiene ese halo de niños que medio escuchan, que ven pero no ven, y que a través de su imaginación logran evadirse”.

A diferencia de Alfred Hitchcock, que presumía de no trabajar nunca con niños ni con perros, Paz Vega no solo no ha tenido ningún problema en trabajar con unos y otros, sino que está encantada de haberlo hecho. “Ha sido un viaje precioso poder trabajar con esos tres niños que son tres ángeles. Sofía, la protagonista, tiene algo, un germen muy bonito para ser actriz; conoce este oficio e instintivamente lo ha sabido asimilar con mucha inteligencia. Son tres pequeñines que han confiado en mí, me han dado la mano y se han dejado llevar. Pero hay que elegir bien, trabajar previamente, jugar mucho con ellos, ver cómo funcionan juntos, qué energía se crea con ellos”. 

Jugar con la emoción

Y aunque el tema que se aborda es por desgracia de absoluta vigencia, la elección de aquellos años es más que deliberada. “Me apetecía entrar en esa época, cuando se aprobó la Ley del Divorcio, y ver cómo todavía se cuestiona a muchas mujeres por qué no se van de su casa, por qué aguantan algunas cosas… Reflexioné sobre lo solas que se sienten y las dificultades con las que chocan cuando deciden dar el paso, o los conflictos que afrontan las madres solteras. Y tengo también claro que el machismo es una cuestión transversal, que no entiende de clases sociales, razas ni acentos”.

Su fe en que el cine puede ayudar a crear conciencia al respecto es absoluta. “En las películas contamos con la emoción. Cuando cuentas algo que llega al espectador desde un lugar menos racional y más emocional, la reflexión que genera en ti es más profunda. La insensibilidad ante los titulares de la prensa ha acabado siendo tremenda, los dramas se reducen a una estadística, pero cuando lo conviertes en ficción el impacto es mayor. No es que el cine deba tener una función educacional, para mí es sobre todo entretenimiento, pero si además ayudas a generar un pensamiento y a hacer que quien lo ve sea mejor persona, resulta aún más bonito”.  

El paso de la interpretación a la dirección, aunque nada extraordinario, “podría ser aún más habitual”, defiende. “Los actores tenemos mucho que expresar, pasamos mucho tiempo siendo dirigidos, adaptándonos a las necesidades de unos y otros, hasta que llega un momento que te preguntas, ¿por qué no agarrar la cámara y contar algo desde mi perspectiva?”. No obstante, cuando se da el paso “ves que el trabajo, la implicación y el compromiso son mayores. Entre la idea abstracta y la película terminada hay mucho trabajo”.

Prejuicios y sorpresas

Cuando se le pregunta qué directores, de todos aquellos para los que ha trabajado, han dejado una huella mayor en ella o le han influido más, evita dar nombres. “Si te digo la verdad, no pienso en ninguno en concreto. Todos me han influido, para bien o para mal, en el sentido de mostrarme también qué no quiero hacer. Pero mi manera de dirigir ha sido muy intuitiva, basada en la pasión, en el respeto al equipo y las ganas de que todos nos sintamos remando en el mismo barco y al mismo tiempo. Cuando tienes que levantarte cada día a las 5 de la mañana, si crees que vas a sufrir, es algo terrible. No puedo permitir eso, hay que crear un ambiente alegre y familiar, aunque luego te encuentres mil problemas y todo sea una contrarreloj continua”. 

Por otra parte, la excelente acogida de Rita por parte de los espectadores y la crítica ha venido acompañada de una sensación generalizada de sorpresa, como si pocos esperaran que Paz Vega pudiera hacer un producto de tanta sensibilidad y profundidad como este. “Lo he notado, incluso en algunas entrevistas me han dicho ‘no me esperaba algo así'. ¿Y qué te esperabas? Eso denota que había algunos prejuicios pesando sobre mí. A veces es difícil deshacerte de ellos. La gente creía que me conocía, y esta película ha demostrado que no es así para nada. A mí solo me conoce mi familia y mi círculo de amigos más cercano, y la gente con la que trabajo. El público se crea su fantasía, por eso ha sido bueno y sorprendente mostrar otra faceta de mí”. 

Una faceta, por cierto, que ya no parece tener vuelta atrás, según ella misma reconoce: “Me gustaría que esto no fuera una anécdota, claro. Tengo otro guion terminado y otra idea que se me ha cruzado como un flash y a la que ya estoy dando vueltas. Solo espero que los siguientes proyectos no tengan que esperar tanto tiempo”.

La voz de Manuel H. Martín (Huelva, 1980) trasluce la mezcla de ilusión y sentido de la responsabilidad que le inspira el comienzo, a una semana vista, de la 50ª edición del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva. “Es una edición muy especial y la vivimos con cierta tensión, porque no se cumplen 50 años todos los días”, afirma con una sonrisa. “Otros festivales han tenido parones y se han reanudado, pero el caso de Huelva es de medio siglo ininterrumpido. Hemos vivido épocas distintas, pero ahora, a pesar de todos los cambios que está experimentando la forma de ver el cine, sigue gozando de buena salud”. 

Algo más de buena salud, a juzgar por la programación presentada esta semana, que incluirá 147 títulos, así como “una parrilla de actividades paralelas muy completa, con diversos conciertos, actividades de calle y otras convocatorias dirigidas a un público no tan cinéfilo como el habitual”. A ello hay que unir una nueva sección, Acento, dedicada al cine español de directores destacados; y una Sección Oficial con 13 estrenos nacionales escogidos entre lo mejor que se ha estrenado en las últimas ediciones de Sundance, Venecia, Locarno o Toronto. 

Asimismo, se proyectará bajo el título Ventana cinéfila un ciclo especial de 50 títulos de la historia del Festival en colaboración con la plataforma Filmin, entre otros reclamos. Y entre los homenajeados de este año, José Coronado recibirá el premio Ciudad de Huelva, mientras que los premios Luz recaerán sobre Paz Vega, María León y Rubén Cortada.

Sin recetas mágicas

A la hora de precisar la relevancia de Huelva en el mapa nacional de festivales de cine, Martín no duda en subrayar que “en las ayudas del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) somos el quinto mejor valorado, lo que es muy importante para nosotros”, afirma. “Huelva tiene un punto como festival popular que lo hace muy interesante. Es un festival cercano en todos los sentidos, tanto porque puedes ir a pie a todos los sitios, como por la posibilidad del público de acercarse a los cineastas e intercambiar impresiones con ellos. Aquí los Q&A [las ‘preguntas y respuestas’ a las personalidades invitadas] son en el hall del teatro. La gente comenta directamente a actores y directores si le ha gustado o no lo que han visto”.

¿Es esa cercanía el secreto para mantenerse durante medio siglo en el candelero? ¿Bastaría eso para que cualquier otro festival joven se asegurara una longevidad semejante? Manuel H. Martín tiene sus dudas: “No hay una receta mágica, pero quizá la clave de nuestra cita sea tener un público muy cinéfilo, muy defensor de lo que hacemos, que ha sabido proteger al festival en momentos delicados”, apunta. 

Por otra parte, comenta que “los festivales no son entes independientes. A menudo se puede proyectar la imagen de algo cerrado para el sector, y no es así en absoluto. Hoy un festival es una oportunidad para que mucha gente vea cine en pantalla grande en el centro de la ciudad. Antes había muchas salas, pero ahora en Huelva, por ejemplo, no queda ninguna en el centro. Ha cambiado mucho todo. Por eso nos parece doblemente bonito que un festival sobreviva tantos años y goce de buena salud”.

Dimensión atlántica

Otro detalle significativo es la dimensión atlántica del festival, un factor que ha tenido en España momentos de auge rayano en la euforia, como en los años 90, pero que Huelva ha mantenido como seña de identidad, con tan solo algún ligero cambio de denominación. “La coproducción ha variado mucho con la globalización, hay mucho cine latinoamericano que se ha abierto al mercado y se ha expandido”. 

“El que se hace al otro lado del océano siempre es un cine de interés para los festivales, suele funcionar bastante bien”, prosigue el director. “España sigue siendo un país importante para la coproducción, pero también se ha ido abriendo camino en Europa. Nosotros tuvimos el foro de coproducción pero disponíamos de poco presupuesto, de modo que no nos parecía lo bastante atractivo mantenerlo, habiendo otros festivales que cuentan con más recursos y cubren ese espectro muy bien. Lo que sí hemos mantenido son las actividades de industria: con República Dominicana, por ejemplo, firmamos un acuerdo que este año se traduce en tres proyectos”.

Cuando se le pregunta qué dos o tres citas cree imprescindibles en la programación de este 50º Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, es evidente que le cuesta elegir: “Sin duda será importante la gala inaugural, conducida por Miguel Ángel Muñoz, y en la que va a actuar Luz Casal y vamos a poder ver el filme Medio siglo de cine de Remedios Malvarez… Pero a partir de ahí, recomiendo disfrutar de todo el festival, porque entre cineastas andaluces, españoles e iberoamericanos, vamos a poder disponer de una buena calidad y variedad”.

Tal vez sea también demasiado pedirle que imagine dónde estará la cita dentro de otros 50 años, pero sí al menos que consulte la bola de cristal en torno al futuro del festival a corto y medio plazo. “Es un proyecto que ha demostrado tener solvencia y estar consolidado, pero el futuro dependerá de que tengamos estabilidad económica, y en estos tiempos sabemos que no es fácil asegurar eso. Huelva no es ajeno a la realidad, ha sufrido las circunstancias de estos años como cualquier ciudadano, pero tenemos buenas expectativas y por nosotros no va a quedar”.

Con el verano, el calendario se llena de citas musicales. En los últimos años, España vive un auténtico boom de festivales, rozando los 900 en todo el territorio nacional a lo largo del año. Muchos son multitudinarios y producen beneficios millonarios –la suma de los mayores, según datos de Statista, supera los 500 millones de euros–, pero también los hay pequeños y resistentes, un modelo alternativo que reclama su espacio y plantea cuestiones ineludibles como la idea de servicio público o la sostenibilidad.

Con 25 años de andadura, La Isla del Blues es un paradigma en ese sentido. Según su responsable, José Peinado, “nació en el 97 con la intención de crear un espacio que durara en el tiempo. Tuvo muy buena aceptación, se convirtió en el único festival de blues de la provincia de Cádiz y en uno de los pocos de Andalucía, aunque no era la época que estamos viviendo. Los tiempos de ahora son bastante malos. Cuando nuestra generación se marche no sé quién va a quedar para continuar nuestra labor”.

El pesimismo se desliza irremediablemente en las palabras de Peinado, para quien la andadura de La Isla del Blues no ha sido un camino de rosas. Empezó en la localidad gaditana de San Fernando, a partir de su trabajo en un club de su propiedad, el Blues Bar. “Gracias a la experiencia acumulada en él, me atreví a embarcarme en esta loca aventura”, recuerda. “Se trataba de defender una música que tiene su historia y un profundo impacto emocional, y que conquista audiencias de todas partes del mundo”.

Comienzos en familia

En San Fernando permaneció hasta la octava edición, “hasta que el Ayuntamiento se quedó con las ayudas de Diputación y Junta de Andalucía que nos correspondían, y decidimos mudarnos a Cádiz”. Entre el Teatro Pemán y el Baluarte de Candelaria de la capital gaditana permaneció el festival tres años, hasta que la crisis y el conflicto entre administraciones de distinto signo político propició su regreso a San Fernando. Una nueva mudanza, a Jerez de la Frontera, precedió la vuelta a Cádiz, donde Peinado espera que se acaben los bandazos.

“Así llevamos más de dos décadas manteniendo nuestra esencia y la pasión por la música en un mundo que está cambiando muy deprisa”, afirma. “La cultura está muy instrumentalizada por intereses comerciales o políticos, y la verdad, me duele ver cómo funcionan los festivales grandes, y cómo todo el esfuerzo de las administraciones se vuelca sobre propuestas que no siempre responden a lo que correspondería, tratándose de dinero público. Nosotros queremos transmitir unos valores y una manera de hacer”.

Similares principios mueven a los responsables del Festival de Jazz de Cádiz, nacido en 2008 a iniciativa de la asociación Qultura. “El colectivo, sobre todo, programa durante el año música de cámara, pero a mí me gustaba el jazz y les propuse un programa”, recuerda Marina Fernández, directora de la cita.

“La primera edición fue muy entre amigos y familia, en el Museo de Cádiz. Luego seguimos cinco años más en la peña La Perla, siempre como un festival pequeño que crecía poco a poco. En 2013 vivió un subidón, y desde entonces no hemos parado de crecer en contenido, profesionalización y consolidación, pasando a formar parte de la Asociación Nacional de Festivales de Jazz”.

Cuando no eran famosos

Entre las muchas figuras que han pasado por el festival en estos años, les gusta recordar que Silvia Pérez Cruz actuó en él cuando aún no era famosa (“ni siquiera se llenó el aforo de 200 personas”), y lo mismo ocurrió con Salvador Sobral justo un año antes de que se diera a conocer en todo el mundo. Pero también se preocupan por contar con el talento local: “Intentamos que estén presentes los que han hecho fuerte la escena de Cádiz, como Pedro Cortejosa, Javier Galiana, Juan Sáinz, Carlos Villoslada o Carmelo Muriel, y ahora ponemos el foco en los más jóvenes, Bruno Calvo, Adriana Calvo o Carlos Villoslada Caba”.  

Para Fernández, la principal diferencia con los grandes festivales es “una calidad de la experiencia diferente. Un mayor número de personas no te permite recibir la música igual. Reconozco que nosotros tuvimos durante ese tiempo la paranoia, ¡hay que llenar más! ¿Para qué? ¿No es mejor crecer en calidad? Actualmente, tenemos un aforo de 700 personas y solemos recibir en torno a 500, con un ambiente magnífico. Es suficiente”.

La coordinadora del festival evoca cómo en la pandemia los pequeños festivales de jazz fueron los primeros en regresar, “porque son los más sostenibles a nivel organizativo. También hay que tener presente el impacto de un macrofestival en el medio, desde la generación de residuos a la emisión de huella de carbono, por toda esa gente que se moviliza solo para un día o un fin de semana. Hay que pensarlo”.

Financiación y objetivos

La financiación es también otra gran diferencia respecto a los grandes festivales. Mientras que La Isla del Blues tiene como principal sostén a la Diputación provincial gaditana, el Festival de Jazz de Cádiz tiene como apoyos el Ayuntamiento gaditano y, desde hace un par de años, el Inaem, así como pequeñas y medianas empresas locales. “Donde no encontramos apoyo es a nivel regional, con la Junta de Andalucía. Las bases de subvenciones a festivales están orientadas solo a festivales muy grandes”, afirma Fernández.  

Tanto Peinado como Fernández creen que los festivales pequeños también marcan la diferencia en cuanto al trato a público y artistas. Para ella, “se establece un vínculo muy cercano, es todo muy de tú a tú, lo que resulta más difícil en una cita más grande”. Peinado, por su parte, lamenta que “cuando me he asomado a un festival grande, lo primero que me llama la atención son las botellas de agua a tres euros, las camas balinesas a 60 euros… ¿esto qué es? Nosotros miramos más por la música que por el negocio”.

Fernández asiente: “Nuestro objetivo no es tanto el beneficio económico, como ofrecer algo que guste y que aporte. Plantear una oferta cultural que tenga sentido, comerte la cabeza para tener un contenido que tenga valor. Tenemos propuestas deliciosas que pueden no funcionar tanto en taquilla, pero creemos que tienen que estar. Todo depende del objetivo que te pongas”.

Lina Soualem (París, 1990) habla un español diáfano, fruto de haberlo estudiado como segunda lengua en la escuela, de varios viajes a España y una estancia de dos años en Buenos Aires. Estos días lo está practicando más de lo habitual con motivo de la presentación, en el marco del Festival de Cine Africano de Tarifa Tánger (FCAT), de su nuevo documental, Bye bye Tibériade, una indagación en la memoria familiar de la mano de su madre, la popular actriz Hiam Abbas, conocida por trabajos como la serie Succession o filmes como Paradise Now, La novia siria, Múnich, de Steven Spielberg, o Blade Runner 2049.

Esa indagación le ha llevado a recibir el Premio al Mejor Largometraje en la gala de este viernes donde se ha dado conocer el palmarés., galardonando a su directora, que atendía horas antes a elDiario.es Andalucía. El lanzamiento de Bye bye Tibériade ha tenido incluso mejor acogida que su debut, Leur Algérie (2020), donde se ocupaba del exilio de su familia paterna en Argelia. Esta vez son las mujeres las que acaparan el protagonismo, en el contexto de una Palestina que parece siempre castigada por las inclemencias de la historia.

En el filme cuenta que, de niña, oía decir a las mujeres de su casa “no hay que hablar de las penas del pasado”. ¿Rompe su película ese tabú?

Bueno, esa frase se decía a menudo, pero a la vez siempre se ha cuestionado el pasado. Mi madre lo decía y también preguntaba por su familia. A pesar del dolor, hay una necesidad de transmitir esa historia. La transmisión ha sido algo central en la familia, una historia marcada por el dolor, pero que hay que seguir contando porque no es solo nuestra: es una historia colectiva que ha sido negada, no reconocida.

Y que parece condenada a repetirse, como vemos actualmente, ¿no?

Hay un miedo enorme a la pérdida, que en efecto vemos que sigue en la actualidad. Es algo que existe desde hace mucho. Lo importante es hablar de la sobrevivencia, de la vida de esas mujeres que, a pesar del exilio, han podido seguir celebrando sus valores, como el amor y la tolerancia, su tradición, su lengua. Me parece importante volver a humanizar a los palestinos, a los que en los medios a menudo se presenta como una masa y nunca como individuos, con sus riquezas, su humanidad, su complejidad y lo mucho que aportan al mundo.

En Palestina parece haber una inclinación a abordar el arte desde las memorias. ¿Queda la ficción relegada de algún modo?

No se puede generalizar, también hay mucha ficción palestina. Es un lugar donde no hay fondos para el cine, pero cada año hay dos o tres ficciones rodando por los festivales. Y al mismo tiempo, hay una necesidad de tratar la memoria, porque la historia, como digo, no está escrita ni reconocida. Las memorias individuales se suman para construir la memoria colectiva. Si no lo contamos a nuestros hijos, hay un riesgo de desaparición. Las películas son una forma de seguir en el imaginario colectivo.

Tengo la suerte de tener imágenes del archivo de mi papá, un material que yo quería transmitir y usar, la mirada sobre el territorio y la cultura de los últimos testigos del 48 y de la Nakba

¿En qué medida Bye bye Tiberias supone una continuidad con Leur Algérie?

Para mí hay un vínculo entre las dos películas, de hecho no habría podido hacer esta segunda sin la primera. Con Leur Algérie aprendí a poner un cuadro, a contar, me dio todas las herramientas, y mientras la hacía empecé a rodar Bye bye Tiberias. Tengo la suerte de tener imágenes del archivo de mi papá, un material que yo quería transmitir y usar, la mirada sobre el territorio y la cultura de los últimos testigos del 48 y de la Nakba.

Su madre, ¿le dio consejos, intervino más allá de estar ante la cámara?

No, ella se quedó fuera del proceso creativo. No quería influir, no se quiso meter, pero por supuesto apoyaba la idea de la película, y si necesitaba algo, estaba presente. Pero yo no estaba en la reflexión cinematográfica que necesita consejos, y por otro lado mi madre estaba mejor como personaje, porque no es directora de documentales. Eso sí, vio mi primera película y tenía confianza absoluta en mí.

Ser propuesta para los Oscar por Palestina, ¿qué le supone?

Para mí ha sido un honor ser nominada por los palestinos, aunque finalmente no haya sido seleccionada. Que elijan una película sobre mujeres, además hecha por una mujer joven, ha sido un privilegio.

Sabemos qué terribles consecuencias está teniendo la guerra en Gaza, pero, ¿qué consecuencias va a tener para una industria del cine ya de por sí muy precaria?

Ahora es muy difícil rodar allá, todo está cancelado y los rodajes se están moviendo a otro país. No hay seguridad, y se ha vuelto muy difícil obtener fondos. Es todo muy, muy complicado.

Hace poco viajé a algunos países árabes en los que las paredes de las instituciones francesas han sido vandalizadas. Hay una rabia hacia Francia por lo que consideran no haber estado a la altura de las circunstancias con Palestina. ¿Usted, como francesa, siente el corazón dividido?

Si no le importa, preferiría no contestar a eso.

Creo que nuestras mujeres son siempre representadas de manera muy binaria, no se les da posibilidad de existir en su realidad, con su propio lenguaje, y no con las percepciones de lo que debería ser una mujer árabe

Por supuesto. Está usted en Tarifa, donde en los últimos años se ha puesto de manifiesto un boom de mujeres cineastas. ¿Cómo cree que está cambiando la percepción de las mujeres mediterráneas y de África a través del celuloide?

El cine es una manera de volver a dar la palabra a las mujeres, y de luchar contra la estigmatización. Creo que nuestras mujeres son siempre representadas de manera muy binaria, no se les da posibilidad de existir en su realidad, con su propio lenguaje, y no con las percepciones de lo que debería ser una mujer árabe.

¿Puede especificar cuáles son esas percepciones?

Siempre se nos representa o como tradicionales o como occidentales, como si la libertad solo fuera el modelo occidental. Pero es un error, porque no hay una mujer árabe que represente al resto.

Cuando habla de tradición, ¿se refiere sobre todo a la cuestión religiosa?

Sí, pero no solo, porque también hay árabes cristianos. Pero hay una tradición conservadora, por ejemplo, del modelo de familia, que no siempre se entiende bien aquí.

¿Puedo preguntarle si la religión ocupaba un lugar destacado en la suya?

No es un tema del que me interese hablar, es la obsesión de Occidente. Para mí, es algo siempre presente y al mismo tiempo privado. Cada cual con la suya.

¿Hay algún lugar para la esperanza en Palestina?

Bueno, yo soy cineasta, no es mi materia…

Pero usted estudió Ciencias Políticas, ¿puede entrever desde ahí alguna solución?

La verdad es que mi carrera tiene más que ver con la Filosofía. No sé, es difícil preguntar a un palestino si hay esperanza, porque la responsabilidad de lo que ocurre no está en nuestra mano.         

El público que lleva dos décadas acompañando la andadura del Festival de Cine Africano de Tarifa (FCAT) sabe que la mirada femenina nunca ha sido ajena al certamen, empezando por su dirección, a cargo de Mane Cisneros, y siguiendo por todos los títulos memorables en torno a la mujer que han pasado por sus pantallas en este tiempo. Pero el Festival ha sido también testigo del creciente peso de las africanas en el sector audiovisual, y por ello la próxima edición, la vigésimoprimera, tendrá a los afrofeminismos como eje.

Así lo ha dado a conocer la propia Cisneros en la presentación en el Cicus de Sevilla del cartel de este año, en el que puede verse un poético fotograma de la película Daughters of the Dust (1991), de la cineasta Julie Dash, en el que aparecen tres mujeres sentadas en una playa con actitud de sororidad, protagoniza el cartel de este año. Se trata de la primera película dirigida por una mujer afroamericana que gozó de un estreno general en las salas de cine de los Estados Unidos. El filme narra con gran belleza visual diversas historias de mujeres negras y se trata de una obra incluida en el Registro Nacional de Películas de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos “por su significado cultural, histórico y estético”.

Tanto Cisneros como el director de Cultura y Patrimonio de la US, Luis Méndez, reivindican cómo este festival del Estrecho ayuda “a unir a través de la cultura, además de tejer lazos con nuestros vecinos marroquíes” y con el resto del continente. En cuanto al tema central de este año, Cisneros comenta que “en un momento en que el feminismo occidental parece cubrir todas las expectativas o todo el espectro del fenómeno, mucha gente piensa que no existen otros feminismos en el mundo. Nosotros hemos querido preguntarnos qué sucede en África, qué sucede en la diáspora, y qué sucede en el cine. Y cómo los cines africanos están mostrando ese feminismo”.

Festivales a sus pies

Para Cisneros, no cabe duda de que este está siendo uno de los grandes cambios del continente, “con un creciente relieve de mujeres en la dirección, que a su vez dan protagonismo a mujeres”, afirma. Prueba de ello es su presencia en los palmarés de los grandes festivales del mundo, como es el caso del último Oso de Oro en Berlín para la directora francosenegalesa Mati Diop con su filme Dahomey, “o que en Cannes haya habido por primera vez una mujer africana compitiendo por la Palma de Oro, , Ramata-Toulaye Sy, o que en Venecia hayan entrado en la Sección Oficial, Ava DuVernay. Son indicios de que merecía la pena dedicarles una edición del Festival de Tarifa”.

Nombres como la citada Mati Diop, Alice Diop, Kaouther Ben Hania o Asmae El Moudir, muchas de las cuales pasaron previamente por el Festival de Cine Africano, representan esa explosión de talento que también tiene su reflejo en la programación del FCAT: “De 12 títulos de la Sección Oficial, siete están dirigidos por mujeres; de 10 en la de Cortometrajes, seis están dirigidos por mujeres. Y en resumen, más de la mitad de los filmes del festival están dirigidos por mujeres. Los propios números nos han llevado a ello de forma natural”, añade la directora. “Esas mujeres que hacían todo detrás de la cámara, fueron pasando al documental, luego dieron el salto a la ficción, y además se trata de gente muy joven”.  

Por ello, la mirada hacia los afrofeminismos se abordará atendiendo “no sólo a las cuestiones de género, sino también aspectos relacionados con la raza, la clase social, la etnia o la religión que permita apreciar la riqueza y la pluralidad de las vidas de las mujeres africanas, promoviendo su inclusión y empoderamiento”.

Más pantallas

Por su parte, la sección a concurso, En Breve, que premia el Mejor Cortometraje africano, tendrá a un jurado andaluz encargado de seleccionar este galardón. En esta edición formarán parte de este jurado, Pablo García Casado, poeta y responsable de actividades de la Filmoteca de Andalucía; Agus Jiménez, productora de una veintena de largometrajes con directores como Paco Cabezas, Isaki Lacuesta, Eliseo Subiela, Ana Rosa Diego, Chiqui Carabante, Alfonso Sánchez o Paco León, entre otros, además de presidenta de AAMMA(Asociación de Mujeres Andaluzas en los Medios Audiovisuales; y, por último, la marroquí afincada en Andalucía Chaimaa Boukharsa, filóloga y activista decolonial marroquí, especializada en igualdad de género y diversidad cultural, además de cofundadoras del medio Afrocolectiva.

El premio al mejor Cortometraje de la sección En Breve está patrocinado por FAMSI, la Asociación Fondo Andaluz de Municipios para la Solidaridad Internacional, entidad con la que el FCAT organizará un ciclo el próximo otoño en donde se proyectará una selección de los mejores cortometrajes de En Breve 2024.

Finalmente, la presencia del FCAT no suele limitarse a Tarifa y Tánger, sino que posee satélites más cerca y más lejos de su territorio. Este año se suma a extensiones clásicas como las que se celebran en el Parque de Los Toruños (Puerto de Santa María) o Ceuta, la extensión de Sevilla.

El Centro de Iniciativas Culturales (CICUS) y la Fundación Tres Culturas acogerán las actividades del festival durante sus días de celebración. Concretamente, el lunes 27, el martes 28 y miércoles 29 de mayo habrá proyecciones matinales para centros escolares con títulos del Espacio Escuela en el auditorio CICUS; y proyecciones vespertinas en la Fundación Tres Culturas con películas a competición en esta edición. “En su rol difusor de los cines de África, cuentas más pantallas tenga el FCAT, mejor”, celebra Cisneros.

FACUA Granada ha denunciado a Estrella de Granada AIE, la promotora del festival Granada Sound, por prohibir el acceso con comida y bebida, imponer pagos con pulsera cashless, quedarse con parte del dinero que sobre y cobrar 20 euros si no se personaliza la entrada pasado un plazo. Son algunas de las “cláusulas abusivas” que la organización de consumidores denuncia en una nota de prensa. Desde FACUA aseguran que estas medidas las “exhibe en la web del evento que se celebrará los días 15 y 16 de septiembre en las instalaciones de Cortijo del Conde”.

El festival, cofinanciado con Fondos Europeos, cuenta con el apoyo institucional del Ayuntamiento de Granada, la Junta de Andalucía a través de la Consejería de Turismo, Cultura y Deporte, o el Ministerio de Cultura y Deporte del Gobierno de España a través del Instituto Nacional de las Artes escénicas y de la Música (Inaem). Sobre este extremo, FACUA Granada “exige que se garantice el cumplimiento de la normativa vigente”. De hecho, ha pedido al Consistorio que mande inspectores “para determinar posibles infracciones”.

La asociación asegura que es una actuación reincidente y que “ya ha denunciado en años anteriores las mismas situaciones en el Granada Sound Festival”.

Pulsera cashless y cobro por servicios accesorios o no prestados

En primer lugar, FACUA Granada ha constatado que las entradas para el festival son nominativas y la empresa promotora quiere “repercutir un coste de 20 euros a los usuarios si en un plazo de 20 días no la personalizan de forma gratuita. De esta forma, Estrella de Granada AIE trata de imponer al consumidor un sobrecoste en el precio de la entrada si expira el plazo que de manera arbitraria y deliberada han determinado”.

La asociación ha advertido que, “dado el carácter nominativo de las entradas, es indiferente el momento en el que el usuario realice la personalización de su entrada, dado que este hecho no causa perjuicio alguno a la promotora, que debe garantizar que sólo la entrada esté debidamente personalizada al momento de acceder al festival, por lo que el referido coste constituye un cobro por un servicio no prestado”.

La asociación de consumidores ha detectado que “en el festival Granada Sound pretenden imponer como método de pago la adquisición y recarga de una pulsera cashless: ”Todas las barras del festival funcionan con sistemas 100% cashless“, cita en la web. Luego, la promotora restringe a seis días el plazo para obtener la devolución de las cantidades no consumidas, fija un mínimo que deben tener acumulado para aceptar el reembolso del dinero, y tratan también en última instancia de cobrar a los asistentes por recuperar el dinero que no hayan gastado. ”Una vez finalizado el festival podrás solicitar la devolución del saldo restante que queda en la pulsera desde el lunes 18 de septiembre de 2023 a las 09:00h hasta las 23:59h del domingo 24 de septiembre de 2023 siempre y cuando el importe sea superior a 3€ y haya sido recargado durante el festival de manera online o en las taquillas (descontando 3€ de gastos de gestión por la prestación del servicio de devolución)“, cita en las condiciones generales publicadas en la web”.

Acceso con comidas y bebidas del exterior

Como ha sucedido en otros festivales, la promotora del Granada Sound quiere “prohibir el acceso de los asistentes al recinto con comidas y bebidas del exterior, tal y como anuncia en las condiciones generales en su web”.

Al respecto, FACUA Granada ha subrayado que a “los consumidores les asiste el derecho a acceder a las instalaciones con comidas y bebidas adquiridas en el exterior, dado que la actividad principal del evento denunciado no es la hostelería, sino el desarrollo de un espectáculo musical”.

Esta exigencia improcedente atenta contra el Decreto 155/2018, de 31 de julio, por el que se aprueba el Catálogo de Espectáculos Públicos, Actividades Recreativas y Establecimientos Públicos de Andalucía, dado que la promotora Estrella de Granada AIE no puede establecer las condiciones de admisión que autoriza el artículo 7, dado que no se trata de un “establecimiento de hostelería” o “establecimiento de ocio y esparcimiento”, sino que encaja en lo definido en el apartado 3.2.9 como “establecimientos especiales para festivales”.

Por último, FACUA “exige al Ayuntamiento de Granada que actúe anticipándose para garantizar que en el festival no se comentan infracciones ni se atente contra los derechos de los consumidores”.

Su carnet de identidad la nombra como Laura Pergolizzi, pero prefiere que la llamen simplemente Lp. Ese es su nombre artístico, con el que se dio a conocer como cantante y compositora, y con el que ha alcanzado el número 1 en 18 países y los mil millones de streams, sobre todo gracias a su éxito Lost on you. Su voz al teléfono no parece estar al otro lado del océano, sino mucho más cerca. Quizá en el Mediterráneo de sus abuelos paternos, napolitano y siciliana.

“No he estado mucho por allí, salvo para tocar un par de veces, pero es maravilloso, una locura. Creo que estoy orgullosa de mi herencia mediterránea como también de la irlandesa, que es mi rama familiar materna. Eso me ayuda mucho en las resacas, aguanto más que la mayoría de la gente”, bromea. Y cuando se le hace notar que sus orígenes van de isla en isla, exclama, “¡eso es! También me gustan las islas caribeñas y toda esa mierda, de modo que sí, voy de isla en isla”.   

Esta neoyorkina de 42 años convertida en estrella mundial ya se había dado a conocer, no obstante, como compositora para una larguísima lista de gigantes de la música como Cher, Rihanna, Backstreet Boys, Leona Lewis, Mylène Farmer, Christina Aguilera, Noah Cyrus, Céline Dion, Avicii o el antiguo guitarrista de The Eagles, Joe Walsh. Esta labor le proporcionó enormes beneficios, pero ahora asegura que “prefiero interpretar mis propias canciones, seguro. Me da más control sobre el resultado final y es mucho más emocionante. Es emocionante tocar canciones para la gente, no limitarte a crearlas. Me encanta ser capaz de hacerlo yo misma”.

Componer con sentimientos

Por otro lado, Lp asegura que su contacto con estas celebridades ha sido anecdótico, si es que ha llegado a tenerlo. “La mayoría de esas canciones son colocadas, de modo que no conozco a la mayoría de los artistas que las han interpretado. Las toman de mi catálogo y las graban o las hacen en directo, de modo que ya sabes, me gustaría decir que sí los conozco, pero… En última instancia, me gustan y los aprecio”.

Sobre su gran hit, Lost on you, la cantante reflexiona sobre el modo en que una ruptura sentimental es lo mejor para crear música, y si le resultaría posible escribir una canción a partir de una situación feliz. “No estoy segura, estoy tratando de pensarlo… Creo que todos los sentimientos pueden ser una buena materia para componer, pero quizá sean más productivos los altibajos típicos por los que pasamos a veces. En el caso de Lost on you, como sabes me encontraba en una mala situación, tienes eso dando vueltas en tu cabeza y tienes que moverlo de alguna manera, y la música sirve muy bien para ello”.

“Toda la vida es una especie de colección, de sentimientos y de cosas”, prosigue la estadounidense, que nunca ha tenido reparos en hablar de su vida privada, incluyendo su relación con la actriz Tamzin Brown o con la también cantante Lauren Ruth Ward. “Es imposible evitar hablar de ello cuando eres famosa. Hablas de cosas que te importan porque lo más probable es que esas cosas le importen también a la gente, y eso es siempre bueno”.     

Dispuesta a asumir siempre nuevos retos, Lp aspira a grabar “ese disco que todavía no conozco”, pero que espera su momento en algún lugar de su potente motor creativo. Pero antes le espera Europa, y en concreto la cita sevillana del próximo día 15 de julio, su concierto en la Plaza de España de Sevilla, en el marco del Icónica Sevilla Fest.

Sentirse único

“No he estado nunca allí y no tengo ninguna idea formada acerca de la ciudad, de modo que estoy deseando que llegue ese momento. Lo único que conozco de Sevilla es la música de El barbero [la ópera de Rossini], ¡oh, sí!”, ríe.

Cuando se le comenta que actuará en un espacio que ha servido de escenario de rodaje para películas como Lawrence de Arabia o Star Wars, asegura estar “emocionada, pero ya sabes, yo vivo en California, en Los Angeles, y estoy acostumbrada a ese tipo de locuras. Espero pasármelo muy bien allí”.

A la capital hispalense acudirá, además, con una banda renovada, en la que destaca el fichaje del guitarrista Andrew Martin. “Me gusta tener a grandes personas alrededor, que tengan una buena actitud y buena vibra. Tenemos una estupenda química. Trato siempre de que la gente que sube al escenario conmigo sean escritores, amigos, buenas personas, para poder ser feliz y disfrutar de la música. Si lo consigo, lo pasamos muy bien”.   

Esa es su prioridad, pero también para transmitirla a los espectadores. Lp asegura buscar siempre entre el público “a la persona más insospechada”, dedicarle su mejor sonrisa desde el escenario y una mirada que diga “hey, gracias por venir. Eres único, eres especial entre la multitud”.

Dos cosas impresionan, de entrada, en Scorpions. Una, que lleven casi seis décadas de carretera, pues dieron sus primeros pasos en la música allá por 1965, en Hannover, mucho antes de la explosión del rock duro. La otra es que sean capaces de disimular esa edad cuando saltan a escena, desplegando una energía impresionante mientras desgranan sus mayores éxitos. Y eso será precisamente lo que harán el próximo 11 de julio en la Plaza de España de Sevilla, donde tienen previsto actuar en el marco del festival Icónica. Dos días después, el 13 de julio, actúan en A Coruña.

Rudolf Schenker, guitarrista fundador de la banda, no tiene reparos en desvelar el secreto de esta aparente eterna juventud: “Química, eso es lo más importante. Si vas a viajar por el mundo haciendo música, si vas a hacerte famoso, más vale que te rodees de la gente adecuada, porque el ego destruye a las bandas. Y si nosotros seguimos juntos es porque somos un grupo de buenos amigos. Mira también a los Beatles, a los Rolling. Nosotros nos dimos cuenta de esto muy pronto y esa es la razón por la que seguimos aquí, porque la química sigue funcionando”.   

Schenker, hermano del también guitarrista Michael Schenker –también en la primera formación de Scorpions, aunque desertó para hacer su carrera en solitario– despliega asimismo un irresistible buen humor. Gorra negra, perilla bien recortada y pendiente en la oreja, añade que el equilibrio con otro de los fundadores del grupo, Klaus Meine, ha sido otro factor fundamental. “Él escribe letras fantásticas y me ha dado la oportunidad de ser también un buen compositor. Amas la música si amas la gente con la que tocas. Y si se da ese caso, ¿por qué parar? Intentamos hacerlo en 2010, pero nos dimos cuenta de que parar no era para nosotros, teníamos mucho más amor, paz y rock and roll que darle al mundo”.

Bajo el signo de Mercurio

Tampoco siente el músico que haya tenido grandes crisis de creatividad en estos largos años, y se muestra dispuesto a dar su receta: “¿Sabes por qué? Porque hago meditación”, asevera. “Es un camino muy recto para lograr tus metas. Te ayuda a no dar vueltas en círculos o haciendo algo que te aleja de tus objetivos. Recuerdo que los 90, por ejemplo, fueron años muy duros para nosotros, porque el grunge acaparaba todo. ¿Qué hicimos? Fuimos a Asia, a Rusia, y llevamos hasta allí el mismo mensaje, paz y rock and roll. Y seguimos unidos. Si sigues con tus compañeros haciendo tu música, la vida puede ser un regalo”.       

Cuando se le pide que se remonte unas décadas atrás, en los años 60 y 70 en que empezaron a tocar, asegura recordarlos muy bien. “Era un tiempo muy movido, coincidió con el endurecimiento de la música al tiempo que dominaba el flower power. Los músicos tuvimos la oportunidad de recoger toda esa energía y llevarla a las canciones. Nuestros padres habían sufrido una guerra terrible, y nosotros queríamos ser mensajeros, portadores de aquel otro mensaje alrededor del mundo”.

Muy pronto, Scorpions, junto a británicos como Black Sabbath o Iron Maiden, empezaron a desarrollar un sonido más denso y agresivo de lo que se conocía hasta el momento. Pero también alcanzaron fama mundial con sus tiernas baladas, como Still loving you o Holiday: algo así como demostrar que los más duros tenían también su corazoncito. “Claro, de nuevo eso se lo debemos a la combinación entre Klaus y yo, y puedo explicarlo desde mi afición a la astrología: Klaus nació bajo el mismo planeta que yo, Mercurio, pero él nació en el lado soleado y yo en el oscuro. Yo le orientaba hacia cosas oscuras, como Black Sabbath o Led Zeppelin, mientras que a él lo que le gustaban eran los Beatles. Esta combinación está en el germen de Scorpions. Yo me di cuenta en seguida de qué buena era su voz, y pensé como los buenos cocineros: quiero hacer un buen menú, y este ingrediente es excelente, así que no pienso renunciar a él”.     

Otra de aquellas baladas, Winds of change, aportó una insólita dimensión política al grupo. Era el año 1991, el Muro de Berlín había caído y Schenker y los suyos tomaban partido por un cambio en la Europa del Este. “Todo había empezado en 1986, en Hungría, cuando conocimos a un promotor y le propusimos tocar en la Unión Soviética. ‘No hay problema, lo haremos’, nos dijo. Con la gira de Savage Amusement hicimos diez conciertos en Leningrado y fue fantástico, increíble. Y un año más tarde, actuamos en el Moscow Peace Festival, en Moscú, con la MTV. Bon Jovi tocó después de nosotros, y cuando salieron a escena la gente se iba… Fue cuando Bon Jovi dijo: «Nunca vuelvo a tocar después de Scorpions»”, ríe.

El momento del cambio

“Era el momento del cambio, podíamos sentirlo”, prosigue el guitarrista. “Cuando grabamos Crazy world, supimos que había que hacer una canción como Winds of change, algo así como la banda sonora de aquel instante. Todas las cadenas de radio rusas la difundían desde las seis de la mañana, Gorbachov se hizo fan nuestro… Fue, sí, la banda sonora de la revolución más pacífica de la Historia”.           

Antes de que se agote el tiempo de la conversación, elDiario.es pregunta a Schenker por el hecho de que Alemania haya sido siempre una potencia en el rock duro, desde los propios Scorpions a cientos de bandas como Accept, Helloween, Kreator o más recientemente Rammstein, entre otros. “Te diré una cosa: pregunta a Metallica por qué se hicieron seguidores nuestros. Yo creo que los estadounidenses tienen el estilo blues, y nosotros la herencia clásica. Cuando escuchas un disco nuestro como Moment of glory, con una orquesta sinfónica, ves muy bien que la importancia de la música clásica en Alemania nos ha llevado a hacer lo que hacemos”.

Una última curiosidad: Su hermano Michael, ¿llegó a arrepentirse alguna vez de haber dejado Scorpions? “Oh, no creo”, ríe. “Quería ser uno de los mejores guitarristas del mundo, y lo consiguió. Nosotros queríamos ser en los 70 una de las mejores bandas de rock, y lo conseguimos. Todo funcionó”. 

Los afectados por la cancelación del Zahara Indie siguen en pie de guerra. El festival de música independiente que tendría que haberse celebrado a mediados de octubre se ha convertido en una pesadilla para unos 200 aficionados a los festivales que están intentando recuperar el dinero pagado.

Después de buscar asesoramiento legal, algunos están empezando a preparar demandas contra la organización del evento, la empresa Octopus Media Rights, representada por el periodista Diego Castrejón. Castrejón culpó de la cancelación en un primer momento a Agustín Conejo, alcalde de Entidad Local Autónoma de Zahara de los Atunes. “Tenemos documentado todo el proceso de producción del festival, y es evidente que no hay ningún tipo de voluntad dolosa por nuestra parte”, dijo en La Voz del Sur, al tiempo que intentó calmar a los afectados diciendo que “los usuarios tienen sus derechos y esos derechos tienen que ser respetados y nosotros vamos a respetarlos plenamente”.

La realidad es que ha pasado más de un mes y nada ha cambiado. Agustín Conejo responde a la llamada de este periódico y se limita a responder al promotor que la ELA de Zahara “únicamente somos la administración receptora de la documentación y nos veremos en los tribunales”.

Este medio ya publicó en 2013 la información que tenía sobre el promotor. Tuvo acceso a una sentencia judicial emitida por el Juzgado de lo Penal número 2 de Sevilla el 23 de julio de 2013, en la que se condena a Diego Castrejón a un año de prisión por un delito de estafa. El juez consideró probado que el acusado, atribuyéndose falsamente la condición de representante de la entidad Dr. Music Festival, que organizaba el concierto del grupo U2 el 29 de septiembre de 2010 en Sevilla, pactó con el demandante un paquete de entradas preferentes para el evento por un importe de 4.532 euros. Una vez recibido el importe de estas entradas en su cuenta bancaria -prosigue la sentencia- no atendió a su deber de entregarlas.

Las ticketeras

Las miradas de los afectados se centran en las dos empresas que les vendieron las entradas. Wegow, según fuentes de los usuarios, ya ha devuelto el dinero de las entradas de un concierto que no se produjo. La otra ticketera es Woutick, que se ampara en la legalidad. “El organizador es el obligado al cumplimiento en lo que respecta al pago de la devolución de las entradas. Nuestro trabajo como ticketera consiste en poner en contacto a las partes y cuando la entrada se ha podido comprar, nuestro trabajo está realizado”, explica a este periódico.

“El organizador nos ha manifestado por escrito que asume la total responsabilidad respecto de los importes pendientes junto con los gastos de gestión y nos ha requerido, y nosotros remitido a éste, las bases de datos que le permitan identificar correctamente a los afectados que quedan pendientes de transferir sus importes de compra así como los gastos de gestión”, añade.

Los afectados

Teresa es una de las afectadas y lamenta la indefensión que siente. “Cuatro amigas compramos, además de las cuatro entradas del sábado, cuatro vuelos Barcelona-Jerez, alquiler de un apartamento en Zahara y coche de alquiler más un seguro. Ya no es solo el dinero, que de momento tenemos retenido en el banco a la espera de que se resuelva la disputa comercial, es sentir que han jugado con nuestros ahorros y nuestra ilusión y se van a ir de rositas”, lamenta.

Manuel Ángel ya ha presentado una denuncia ante la Guardia Civil explicando todo lo sucedido. En su caso, compró el paquete más caro y se gastó casi 500 euros con su pareja. Cuando se enteró de la cancelación todavía no había viajado hasta Zahara desde Madrid y todo empezó a oler a chamusquina al comprobar que el correo de la cuenta oficial de Instagram de Zahara Indie no estaba operativo porque “no existía”.

“Es un problema para los consumidores este tipo de situaciones. Las ticketeras deberían actuar de otra manera, manteniéndose los fondos hasta que el evento tenga lugar. No puede ser que tengan cero responsabilidad porque se lucran con el negocio”, critica.

Otros perjudicados por la cancelación fueron los músicos que debían participar. Uno de ellos era Sr. Chinarro y Antonio Luque explica su versión de los hechos: “Mi nombre salía en letra muy pequeña en el cartel, me siento por tanto poco importante para hablar del tema. Muchos lo vieron venir y yo no quise verlo, eso me da rabia, me siento tonto cuando lo recuerdo. Sabía que uno de los cabeza del cartel había cobrado ya una parte significativa y me confié por eso. Es mejor que no diga más que esto. Me entristece y prefiero borrarlo de mi cabeza”.

Lo más sorprendente es que en internet ya se ha anunciado una nueva edición del Zahara Indie y marca la fecha de octubre 2023 para su celebración. Y todo ello sin haber devuelto todavía el dinero del Festival cancelado este mismo año...

Mad Cool Sunset (10 de septiembre) y Andalucía Big Festival (del 8 al 10 de septiembre) han perdido su cabeza de cartel, el grupo estadounidense Rage Against The Machine, que ha cancelado su gira europea por “consejo médico”. Ambos festivales están organizados por Mad Cool, que realizó su macrofestival el pasado mes de julio en Madrid y repite ahora con esta doble cita.

Según el comunicado difundido por el grupo, Zack de la Rocha necesita “descanso y rehabilitación”, por lo que realizarán el 11, 12 y 13 de agosto tres conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York y después retomarán la gira en febrero de 2023, pero no viajarán a Europa para las 13 actuaciones previstas entre agosto y septiembre. Ni el grupo ni los festivales han aportado más información sobre las causas médicas que han llevado a la banda a cancelar sus conciertos. El pasado 12 de julio, el vocalista, de 52 años, se hizo daño en una pierna durante una actuación en Chicago, tan solo tres días después del arranque de la gira.

Un nuevo revés para el público del Andalucía Big Festival by Mad Cool, una cita que había anunciado su realización en la playa malagueña de Sacaba sin contar con los permisos necesarios, por lo que ha tenido que ser trasladado al Recinto Ferial de Málaga. Este festival cuenta con una fuerte subvención pública, 4,2 millones de euros, de los cuales el 80% llegan desde los fondos FERER, según anunció la Junta de Andalucía. No osbtante, según reveló este diario, la Junta ha asignado fondos europeos para la “internacionalización de empresas andaluzas” a una promotora madrileña.

Además, tras la realización de la cita madrileña de julio, Mad Cool ha sido denunciado por las organizaciones de consumidores por cobrar a los asistentes la devolución del dinero sobrante de las pulseras para el pago de consumiciones.

Mad Cool Sunset y Andalucía Big Festival comparten algunos grupos del cartel, lo cual abarata los costes de producción. Biffy Clyro, Glass Animals o Sterephonics son otros de los grupos de la cita en Madrid, cuyo único cabeza de cartel era Rage Against the Machine. La cita malagueña, en cambio, cuenta con otros nombres potentes como Muse (que ya tocó en julio en la capital) o Jamiroquai, además de los citados que tocan también en Madrid y bastantes más, ya que se trata de un festival de tres días.

La organización ha anunciado que está trabajando en la contratación de otro grupo y que, cuando la hayan anunciado, se abrirá el proceso de devolución de la entrada para todas aquellas personas que así lo soliciten, en cualquiera de los dos festivales.

El accidentado regreso del grupo de Zack de la Rocha y Tom Morello, tras casi una década alejados de los escenarios, se tuvo que posponer por la pandemia. “Los vuelos, el tiempo de los viajes y los estrictos horarios de una gira en Reino Unido y Europa son demasiado riesgo para una completa recuperación”, ha dicho el grupo.