Hablar de un renacer de los discos de vinilo en 2021, con el streaming como rey absoluto en el consumo de música, resulta excesivamente optimista. Pero lo cierto es que los hábitos pandémicos de compra de productos musicales han acelerado el resurgimiento del LP clásico en todo el mundo. Por primera vez desde 1987 las ventas de discos de vinilo en países como Reino Unido o Estados Unidos han sido superiores a las ventas del otrora todopoderoso CD.   

El formato, que se inventó en los años 50, está viviendo un innegable resurgir. En Reino Unido las discográficas han experimentado un aumento del 30% en sus ingresos por la venta de vinilos durante 2020, con un total de 86,5 millones de libras recaudadas. En España estamos aún lejos del sorpasso al CD, pero la tendencia es clara. El vinilo sigue ganando partidarios entre los aficionados que apuestan por las compras físicas y representa ya el 40% de las ventas de música en formato físico. Incluso el pasado año, con el desplome general del sector por el cierre de las tiendas de discos durante la pandemia, las ventas de álbumes en vinilo se contrajeron en un modesto 8%, mientras que las del CD cayeron cerca de un 57%.  

“Con el streaming el CD ha perdido valor”, asegura Iñigo Guardamino, del departamento de ventas físicas de Altafonte. “En España sigue habiendo gente que se compra el CD de María Dolores Pradera para ponerlo en casa por Navidad, pero sobre todo se están vendiendo ediciones especiales, que incluyen un DVD o un libro. Casi todos los CDs que nosotros sacamos son artículos de lujo, con un montón de fotos y otros elementos. Sin embargo, el vinilo es una edición especial en sí mismo. La persona que compra vinilo está haciendo una declaración de intenciones. Tiene algo cool, de status”.

Daniel Forés, de la tienda de discos madrileña Marilians, lo tiene claro: “Llevamos dos años con el proyecto y desde el principio tuvimos claro que íbamos a trabajar sólo con vinilo. El CD es un formato que está un poco en desuso porque las plataformas digitales te dan el mismo sonido. También por las posibilidades que te da el formato, a nivel de diseños, colores… Al fan de la música le gusta el coleccionismo. La gente que compra físico está yendo al vinilo”. 

Coleccionismo de nuevo cuño

Las compañías discográficas, tanto major como indies, están apostando más por el vinilo. Promusicae ha comenzado este año a publicar una lista semanal de ventas de vinilos en nuestro país y, salvo algunas curiosidades excepcionales, los primeros puestos los ocupan artistas actuales como C. Tangana, Dua Lipa o Harry Styles. Muchas de las novedades salen directamente en este formato y hay mucha recuperación o rescate de catálogo. 

“Los vinilos son caros de fabricar”, explica Guardamino y añade: “Pero el margen que se lleva la distribuidora y el artista es más grande. Además las ediciones especiales se revalorizan más”. No hay más que echar un vistazo a la web Discogs (el mayor portal de venta de discos de segunda mano del mundo) para comprobar como cada mes se venden ediciones descatalogadas por cifras que llegan a alcanzar los cuatro dígitos. 

Incluso se percibe un mayor interés por parte de los jóvenes que ven cómo sus artistas favoritos prefieren lanzar en vinilo: “Nuestro público es muy joven”, cuenta Forés, y aclara que “parece que el vinilo lo compra la gente más mayor, que compra segunda mano… pero nuestro público está entre los 25 y los 35 años. Vienen de forma asidua y compran discos nuevos, lanzamientos de artistas emergentes, 7 pulgadas…  No sólo se venden vinilos de los Beatles y los Stones. Se venden discos de Sen Senra, Carolina Durante, El Buen Hijo… El disco de Zahara, por ejemplo, se agotó en menos de un mes y era una tirada grande. Así que hay que comprar rápido porque se agotan y se tarda mucho en volver a fabricar. Estamos hablando de plazos de 4 o 5 meses para sacar una nueva tirada. En ese sentido yo sí creo que el vinilo está en auge”. 

Justamente este sábado 17 de julio se celebra (por segunda vez en 2021) el Record Store Day, un evento para celebrar la cultura de las tiendas de discos independientes y el arte. Cada año cientos de artistas y sellos discográficos se suman a la causa publicando ediciones exclusivas para la ocasión. 

Un valor sentimental 

Es posible que la liturgia de escuchar discos de vinilo esté ganando adeptos, pero la realidad es que el streaming sigue siendo de lejos el principal sustento de la industria discográfica, generando el 88% de los ingresos totales obtenidos. “Yo escucho música en Spotify y se oye bien, decente”, confiesa Guardamino y añade: “En Itunes o plataformas de streaming pata negra se oye mejor. Y en vinilo se oye mejor todavía. Pero si tú lo que quieres es escuchar trap con tus amigos en un parque, lo vas a escuchar en el móvil. Lo que está claro es que tener un disco en físico genera un mayor vínculo con el artista. Tiene un valor sentimental. Yo empecé a trabajar con vinilos hace aproximadamente 15 años y entonces ya se decía que a la música en físico le quedaban dos telediarios… y aquí seguimos 15 años más tarde. Siempre va a haber un nicho de gente que quiere 'tocar' la música”. 

Liberación sexual, honestidad emocional y, sobre todo, hits incontestables. Tres elementos con los que Javiera Mena (Santiago de Chile, 1983) se ha convertido por derecho propio en una de las grandes figuras del pop electrónico a ambos lados del Atlántico. Después de 15 años de carrera, una nominación al Grammy Latino y éxitos atemporales como Otra era o Luz de Piedra de Luna, Javiera continúa en estado de gracia creativo, siempre en busca de la canción perfecta.  

Su nuevo trabajo, I. Entusiasmo, se encuentra ya disponible en todas las plataformas digitales. Un EP que incluye tres singles publicados en los últimos meses (Flashback, Corazón Astral y Dos) y dos nuevas canciones (Diva, en colaboración con Chico Blanco, y Pasión A.K.A Ilusión). Cinco temazos como cinco soles que se sitúan ya entre lo más inspirado de su producción discográfica. 

Este EP ha sido creado durante la que ha sido probablemente la época de más desesperanza que recordamos. ¿Qué significa para usted la palabra 'Entusiasmo'?

El entusiasmo es como la energía vital que hace que te levantes, que te hace cocinar, enamorarte, escuchar música, hacer una playlist… es algo bien bonito y bien mágico. También está relacionado con la pasión, con encender el fuego. La idea era precisamente darle una vuelta al momento que estamos viviendo. Ofrecer entusiasmo en estos momentos… de poco entusiasmo. Pero en la música siempre hay entusiasmo. Al final el arte en general ha sido muy curativo en esta pandemia. 

La primera canción del EP, Flashback, se publicó apenas unos días antes de que la OMS declarara el estado de pandemia global…

 Sí, Flashback fue casi premonitoria. Yo tenía planeado el lanzamiento para ese momento... y quedó como anillo al dedo. Por eso me gusta hablar poéticamente de las cosas. Porque el significado puede cambiar dependiendo del contexto. La letra habla sobre la nostalgia y el presente. Cuadraba muy bien para lo que estábamos viviendo. Pero no sólo la letra. El videoclip está inspirado en Akira, un manga que transcurre en un futuro distópico donde el mundo está colapsado. Nos dio un poco de miedo… ¡No seremos un poco brujas en mi equipo! (risas).

El EP incluye cinco canciones, dos inéditas y tres publicadas previamente como singles, ¿cree que el formato álbum está ya cerca de desaparecer?

No lo creo. El álbum es algo que está en nuestro ADN… pero igual la gente ya no escucha álbumes. Yo antes escuchaba siempre álbumes completos, pero cuando empezó todo esto de escuchar música en internet nuestros hábitos cambiaron por completo. Con MySpace hacías play en diferentes canciones y te armabas tus propias playlists. La atención de los seres humanos es limitada y cada vez es más difícil que alguien escuche 12 canciones seguidas de un mismo artista. Pero yo sigo pensando en formato álbum, en 10-12 canciones para ser escuchadas de principio a fin, porque me crié con eso. De hecho, este EP es la primera parte de un álbum que voy a ir completando. Estoy adaptándome al mundo en que vivimos pero sin abandonar mi corazón artístico. 

La primera parte del EP invita absolutamente al baile, ¿echa de menos poder actuar ante una multitud danzante?  

¡Muchísimo! La gente está como amordazada, con mucha seguridad alrededor y es raro. Parece un experimento. No siento esa fuerza de la gente dándolo todo tocando en pandemia. Puede ser que para otro tipo de música, más tranquila, funcione mejor. Quizás sea una paranoia mía porque mis amigos me dicen que se lo pasan igual de bien. Disfrutan por dentro. Pero no existe esa conexión que se genera cuando yo estoy dándolo todo y el público también. Es más como ir al teatro. Como si yo fuese una actriz y estuviera interpretando mientras la gente está sentada viéndome tranquilamente.  

El proceso de composición de estas canciones le pilló en pleno estallido social en Chile, ¿cómo le ha influido como artista todo lo que ha pasado en su país desde octubre de 2019?

Bastante. A pesar de que yo no escribo letras que hablen de la contingencia. Me acuerdo de cruzar la Alameda, la avenida principal de Santiago de Chile, y cada día estaba llena de manifestantes. A veces no podía llegar al estudio porque estaba muy dura la cosa. Por las noches íbamos a una fiesta en un local que estaba en pleno centro, como si fuera la sala El Sol aquí, y pasaban los manifestantes por allí, todo lleno de bombas lacrimógenas. De ahí salió la canción 'Diva'. De la oscuridad de esas noches.

Actualmente reside en Madrid y ha establecido conexiones con muchos artistas locales, ¿cree que la ciudad está viviendo un momento interesante a nivel cultural?

Creo que es una época dorada. En Madrid y en España en general. Encima nuestro idioma está en muy buen momento. Me gusta mucho C. Tangana, obviamente. Todo el fenómeno Rosalía lo encuentro muy interesante. El grupo Cariño me encanta. Y todo lo underground. Siento que caí bien parada. Mi angelito de la guarda me mandó acá en un buen momento. Yo me vine sin ninguna expectativa, solamente porque me gusta mucho Madrid, y terminé metida en una escena. Siento que se me considera casi local. También me gusta mucho Rigoberta Bandini, que es de Barcelona, donde también están pasando cosas interesantes. Ahora miro mis playlists y el 90% de lo que escucho es música en español. Y no porque lo busque, sino porque realmente hay cosas muy buenas ahora mismo. 

Según el contexto, la palabra "Diva” puede tener connotaciones muy distintas, ¿se considera a sí misma una "diva del pop”?

Para mi una “diva” es algo así como una reina. Pienso en “diva” y me imagino a Madonna. Yo no me siento tan diva. Puedo parecer una diva cuando subo al escenario a cantar pero cuando me bajo soy una persona muy cercana. A veces la gente se sorprende, pero soy una en el escenario y cuando me bajo soy otra. Soy Javiera. En ese sentido no soy muy diva. Pero claro, eso si entendemos “diva” como esas que se ponen las gafas de sol y se van sin saludar a nadie. La palabra realmente viene de la ópera, donde una diva es una cantante excepcional. A mi me encanta el concepto. Lo encuentro muy bueno... y muy queer también. Muy de la comunidad LGTBQ+. 

Diva o no, se le considera un ícono LGTBIQ+ a ambos lados del atlántico, ¿cómo le hace sentir eso? 

Bien. Creo que mi música es lo suficientemente contundente como para que se hable de mí solo porque soy un icono LGTBIQ+. Yo me desvivo por mis canciones. A veces me han dicho que si no me da miedo caer en un nicho, que me encasillen, y siempre he dicho que no. Mi música habla a todo el mundo, actúo en todos lados y me va bien con la música. Pero si tengo que dar la cara por las lesbianas, la voy a dar. Porque no hay muchas lesbianas famosas y porque la gente me lo ha pedido. Y si me van a poner de titular esto una y otra vez es porque responde a la sociedad en la que estamos. No hay muchos referentes y eso llama mucho la atención. Por algo lo ponen.

La prensa sabe qué tipo de titulares llaman la atención. Va a llamar más la atención una chica diciendo “soy lesbiana” que “mi último disco tiene sonidos étnicos”, por ejemplo. Al principio me molestaba. No entendía porque se hablaba más de mi lesbianismo que de mi música. Pero ahora me da igual. Hay que visibilizar. Y ya me convertí en activista. Mi público me ha obligado a ser activista (risas).      

Estos días ha participado en campañas para diferentes empresas (Spotify, TikTok) con motivo del Orgullo 2021. ¿Qué opina de que cada vez más grandes compañías apuesten por campañas de visibilidad LGTBIQ+ en estas fechas? 

Es la Navidad Gay (risas). Yo creo que es bueno. Estamos en un mundo muy capitalista, todas somos un poco esclavas de ese sistema. Estoy en un proceso de análisis con este tema. Todo esto es muy nuevo, y hay que tener ojo con el pinkwashing, pero creo que la visibilidad es buena porque así mi hermano pequeño o cualquier otro niño se puede dar cuenta de que, igual que la Navidad es normal, ser gay también es normal. ¿Pero dónde están las marcas el resto del año? En Chile siguen matando a gente por ser lesbiana o ser gay. Y aquí también sigue habiendo mucha homofobia. Se ve en algunas respuestas a este tipo de campañas.

Corazón Astral habla abiertamente de una relación lésbica, con metáforas sexuales que no dejan lugar a la ambigüedad, ¿cree que sus canciones pueden ayudar a gente joven en su proceso de autodescubrimiento? 

Si, a mi me sirvió mucho cuando era pequeña ver películas en las que dos chicas se amaban. Recuerdo cómo me gustó ver Criaturas celestiales (Peter Jackson, 1994). Si no hubiera tenido esos referentes, en este caso en el cine, quizás no me hubiese descubierto a mí misma. Para una chica escuchar a una mujer hablando de cómo desea a otra mujer es muy positivo, porque si se siente reflejada con esa canción va a ser mucho más fácil para ella ser consciente de su deseo. Dentro del mundo pop hay muy pocos referentes que traten el lesbianismo desde un punto de vista luminoso. Hay temas que hablan sobre las dificultades de ser lesbiana, pero a mí me gusta tratarlo como algo bonito y es algo que me han agradecido. Es bonito poder decirlo abiertamente y no tener que andar escondiéndote.

Este verano volverán a celebrarse festivales de música en todo nuestro territorio. La gran mayoría en formato ciclo, pero algunos de ellos en unas condiciones bastante más parecidas a las de 2019: con miles de asistentes y libertad de movimiento. Otros, sin embargo, prefieren esperar a 2022. 

Si nos lo hubieran contado hace unos meses no hubiéramos salido de nuestro asombro. Imaginar a miles de personas saltando frente a un escenario parece más cercano a la ciencia ficción que nuestra realidad, por otro lado bastante distópica. Pero va a pasar en unas semanas. Algunos festivales han anunciado ya sus carteles para este mismo verano y se celebrarán en unas condiciones cercanas a la normalidad prepandémica.

Este modelo de “burbuja sanitaria” es el que se puso en marcha durante el concierto que celebraron Love Of Lesbian en el Palau Sant Jordi el pasado 27 de marzo. Una prueba piloto en la que participaron 4.592 asistentes, de los que solo 6 dieron positivo por coronavirus en los 14 días posteriores al acto, descartando además su contagio durante el concierto. El evento fue impulsado, precisamente, por los cinco grandes festivales catalanes: Primavera Sound, Sónar, Crüilla, VIDA y Canet Rock. Estos tres últimos volverán a abrir sus puertas este verano siguiendo el mismo protocolo que el concierto, supervisado por científicos de la Fundació Lluita contra la Sida (del Hospital Germans Trias i Pujol).

En el caso de Crüilla se celebrará del 8 al 10 de julio en el Parc Forum de Barcelona, con artistas como IZAL o Two Door Cinema Club. Tendrá un aforo de 25.000 personas sin ninguna limitación de movimientos, ni distancia física. Eso sí; con test de antígenos a las puertas del recinto y mascarillas FFP2 que facilitará la organización. “Una pequeña gran locura”, en palabras de su director Jordi Herreruela, pero también una experiencia pionera en Europa que han decidido llevar a cabo por tres razones: “La primera es el acompañamiento de la comunidad científica. La segunda es que las autoridades (la Conselleria de Cultura de la Generalitat de Catalunya) nos apoyan y nos autorizan a hacerlo. Y la tercera es muy vital: no bajar los brazos. Casi 4.000 personas trabajan durante los tres días del festival, muchos de ellos autónomos que se dedican a los eventos. No podemos perder otro año”.

Sin embargo, Primavera Sound ha decidido posponer su próxima edición para el año 2022. Ya ha anunciado su espectacular cartel que se extenderá durante dos semanas, con artistas como Dua Lipa, Nick Cave o The Strokes. Su jefe de prensa, Joan Pons, lo explica: “A nosotros concretamente la experiencia del Palau nos sirvió para darnos cuenta de que este año no podíamos hacer el festival. Trabajamos con artistas de diferentes partes del mundo y la logística sencillamente no hubiese sido posible. No hubiese sido el festival que queríamos hacer. Vimos que este año era muy complicado hacer algo con lo que estuviéramos satisfechos. Cancelamos por responsabilidad con nuestro público”.

No obstante, Pons valora de forma muy satisfactoria tanto la prueba del Palau Sant Jordi como la que realizaron meses antes con el grupo Mujeres en la Sala Apolo: “Es una solución no solo para festivales de música, también para ferias, acontecimientos deportivos o incluso discotecas, que para nosotros forman una parte importante del tejido cultural de una ciudad”. Por otra parte, Primavera Sound continúa este verano con la programación del ciclo de conciertos al aire libre Nits del Forum, que ya inauguró el año pasado.  

Por toda la geografía española, gran parte de esas citas musicales multitudinarias se están convirtiendo en ciclos de varios días (o incluso semanas). Eso se está viendo, por ejemplo en Madrid con Tomavistas Extra, un ciclo de once conciertos de artistas como La Bien Querida o Novedades Carminha. “Se está haciendo de diferentes maneras, pero se está haciendo en todas partes. Ya el año pasado hubo conciertos, nosotros organizamos cinco” cuenta Imaru Aledo, directora de marketing del festival, “pero para hacer algo que involucre realizar pruebas masivas hay que tener muchísimo músculo económico y grandes infraestructuras”.

También ocurre lo mismo con Monkey Weekend, en la localidad gaditana de El Puerto de Santa María, que adapta también su formato a las circunstancias. “En el sector somos optimistas, comenta el responsable del festival Tali Carreto, empieza a abrirse la posibilidad de cambios de aforo, en algunos casos se permite incluso la pista de baile, lo cual es ya muy esperanzador. Hay que pensar que para cualquier promotor el público sentado no solo limita la taquilla, sino también supone gastos adicionales de mobiliario. Esperamos que para el Monkey Week de noviembre ya podamos ver conciertos como los de antes. Ojalá”.

Otro de los festivales más populares de la península anunció la semana pasada nuevas fechas. Pese a haber cancelado su edición de 2021 el pasado 18 de marzo, Sonorama Ribera volverá a llenar de conciertos la localidad burgalesa de Aranda del Duero el 12, 13 y 14 de agosto de 2021. “Es nuestro 25 aniversario y no podemos estar otro año sin hacer el festival”, dice Javier Ajenjo, su director. Este festival apuesta por un aforo más reducido, siendo 5.000 personas las que podrán disfrutar del festival este año. “Más allá de los 8 millones con los que el festival repercute a Aranda, aquí hay un factor emocional. Estamos viviendo una situación muy extraña y tenemos que recuperar la fe en la cultura y en la industria musical”.

Su intención es poder tener prácticamente todos los cabezas de cartel que tenían previstos para el 2020. Con respecto al protocolo que seguirán estos conciertos, Ajenjo apuesta también por una burbuja sanitaria: “Vamos a contar con un protocolo de actuación diseñado por el Doctor Santiago Moreno del Hospital Ramón y Cajal. Estamos viendo cómo imputar el coste de los tests, hablando con patrocinadores, farmacéuticas…nosotros generamos anualmente 1.200 puestos de trabajo, no nos podemos permitir estar otro año en esta situación, la industria cultural no se lo puede permitir, así que cualquier oportunidad tenemos que aprovecharla”.  

Volver a la vida. Volver a bailar. Volver a poder relacionarte con gente desconocida sin tener miedo. Eso es lo que propone la vuelta de los grandes festivales en 2021. Pero sobretodo propone la posibilidad de reactivar un sector que incluye a miles de trabajadores (managers, bookers, técnicos, runners…), que llevan mucho tiempo limitados. 

No obstante la recuperación del sector no será una realidad hasta que no se reactive el circuito de salas de conciertos, auténtico motor de la música en vivo. Así lo aprecia Marcos Garcia, de la agencia de management y producción Ayuken: “Mucha gente identifica los conciertos con los grandes eventos, quizás porque no hemos sabido explicar bien a qué nos dedicábamos, cómo nacen las bandas y de dónde vienen antes de llenar grandes recintos. Sin un desarrollo previo nada de eso sería posible. Así que esperemos que la vuelta de los grandes festivales sirva también para flexibilizar medidas que ayuden a espacios pequeños y medianos a continuar con su actividad”. 

Ha muerto Franco Battiato. Un coloso en su Italia natal y una deliciosa anomalía en la historia del pop mundial. Su pérdida es absolutamente irremplazable porque no había nadie como él. Auténtico humanista contemporáneo (coqueteó también con la literatura, el cine y la pintura), sumergirse en su extraordinaria carrera discográfica es embarcase en un viaje a través de géneros (canción ligera, rock progresivo, synth-pop, world music, ópera) que el compositor siciliano re-imaginó con su personalísimo estilo propio. 

Irónico librepensador con cierto gusto por la provocación, Battiato fue además pionero en introducir temáticas filosóficas en el contexto de la música pop, elaborando textos de verdadera complejidad literaria que hablan de esoterismo, religión, política, tendencias sociales y cánones culturales. Por todo esto merece la pena adentrarse en el fantástico universo de este artista sin igual. 

1. La Torre (1967)

Su primer single oficial. Publicada originalmente en 1967, La Torre es un híbrido de canción protesta y música yé-yé con la que Battiato conseguiría su primera actuación televisiva. Fue en el mítico programa Diamoci del tu del Secondo Canale de la RAI, presentado por Caterina Caselli y su amigo Giorgio Gaber. Pese a la cadencia beat del tema hay algo en la imagen y los movimientos del artista que claramente lo alejan de los descafeinados cantantes melódicos de la época.

2. La Convenzione (1972)

En 1970 Battiato entra en contacto con el músico experimental Juri Camisasca y funda la banda Osage Tribe. Comienza así su prolífico affaire con el rock progresivo, abandonando por completo el formato de canción pop. Fetus (1971), su primer LP en solitario, es una obra tan interesante como excesiva, repleta de sintetizadores, interludios surrealistas y referencias a Un mundo feliz de Aldous Huxley. Su continuación, Pollution (1972), resulta algo más certero, pero quizás su mejor composición de este periodo sea el sencillo La Convenzione (1972), un trallazo de space rock a la altura de los mejores Hawkwind.

3. Aria di rivoluzione (1973)

El camino de la experimentación progresiva conduce a Battiato directamente a los brazos de Karlheinz Stockhausen. La influencia del compositor alemán se hace evidente en el magnífico LP Sulle corte de Aires (1973), donde la experimentación minimalista convive con instrumentos acústicos de tradición arábiga. Un contraste que resulta particularmente emotivo en Aria di rivoluzione (Aire de revolución), donde recuerda a su padre camionero en África oriental durante el colonialismo fascista. 

4. L’era del cinghiale bianco (1979)

Tras varios (y notables) álbumes dedicados a la experimentación más pura - Clic (1974), Me.lle Le Gladiator (1975), Franco Battiato (1977) o L'Egitto prima delle sabbie (1978), Battiato decide volver definitivamente al formato pop. No obstante, su fascinación por la cultura oriental (muy especialmente de la filosofía sufí) sigue intacta. Bajo esa premisa graba el LP L’era del cinghiale bianco, cuyo tema titular analiza la figura del jabalí, trazando un paralelismo entre la mitología celta y la tradición hindú. La combinación de violín, beat discotequero y referencias a Oriente Medio en el texto (Túnez, Damasco) dan a la canción una atmósfera totalmente única.

5. Centro di gravità permanente (1981)

Aunque la reconciliación de Battiato con las listas de éxitos comenzaría ya con el LP Patriots (1980), su trabajo más celebrado es sin duda La Voce del Padrone (1981). Venerado por la crítica musical, el álbum se convierte en el primer disco italiano en vender más de un millón de copias. En parte por su accesible sonido new wave y en parte por composiciones tan superlativas como Bandiera Blanca, Cuccurucucú y, muy especialmente, Centro di gravità permanente. La canción está basada en las teorías del místico armenio Gurdjieff sobre las dificultades del ser humano para encontrar “su centro interior”, fundamental para controlar los impulsos emocionales. 

6. Voglio Vederti Danzare (1982)

La inesperada reconversión de Battiato en estrella del pop continuaría con su siguiente álbum L’arca de Noé (1982), más pesimista y apocalíptico que su predecesor pero igualmente repleto de inspiradas composiciones como Radio Varsovia o Voglio Vederti Danzare. Esta última, un clásico en su repertorio en directo desde entonces, se sostiene en una obsesiva base de synth-pop que desemboca en un vals vienés, evocando las divergencias del mundo musical occidental frente a las danzas esotéricas orientales. 

7. L’Animale (1985)

En 1985 el nivel de popularidad de Franco Battiato, dentro y fuera de las fronteras de Italia, es inmenso. Tanto es así que comienza a grabar versiones en inglés y español de algunos de sus grandes éxitos e incluso llega a participar en el festival de Eurovision junto a Alice cantando a dúo I treni di Tozeur, incluida a posteriori en el disco Mondi lontanissimi (1985). Un LP que es más bien una recopilación de canciones que se habían quedado en el tintero pero que incluye joyas como L’Animale; una bellísima canción que Battiato escribió originalmente para Giuni Russo y que contiene algunas de las frases más devastadoras de la historia del pop: “Ma l'animale che mi porto dentro /Non mi fa vivere felice mai”. 

8. E ti vengo a cercare (1988)

Tras un periodo dedicado en exclusiva a la composición de óperas (Génesis, Gilgamesh), Battiato regresa a la composición de música “popular” con Fisiognómica (1988). Un disco introspectivo y cercano a la world music con fragmentos cantados en siciliano y árabe. Destaca especialmente E Ti Vengo A Cercare; una suerte de himno religioso no confesional dirigido a una suerte de figura paterna (¿un maestro?, ¿un dios?) que ha sido inmortalizado en infinidad de películas y parodias. 

9. La Cura (1996)

Nacida de su colaboración con el filósofo Manlio Sgalambro, La cura se ha convertido a posteriori en una de las canciones más reconocidas (y reconocibles) de Franco Battiato. Incluida en el álbum L’imboscata (1996), que recupera el uso de sintetizadores y guitarras eléctricas, parece casi una respuesta a E ti vengo a cercare. La cura es el discurso apacible de alguien (un padre, un cónyuge o el mismo Dios) que se compromete a ayudar y proteger ese “ser especial” que está a su cuidado. Todo ello acompañado por una melodía sinuosa imposible de olvidar.

10. Niente è come sembra (2007)

Músico inquieto hasta el final, en las últimas décadas Battiato ha seguido entregando álbumes notables como Il Vuoto (2007), en el que se incluye está delicada pieza que combina baterías electrónicas con un bello coro orquestal. La canción además da título a su tercera película como director Niente ‘e come sembra (2007) que retrata la crisis existencial de un profesor de antropología.