Lo que sobresalen son las lentejuelas, las plumas, los brillos, las grandes plataformas y las –incluso– mayores pelucas. Lo que no deslumbra a primera vista pero atrapa de igual modo es una de las historias sobre la búsqueda de la identidad, la aceptación, las inseguridades y el amor en todas su ramificaciones más célebres de nuestra cultura. Pocos son los que no han visto la oscarizada película de Stephan Elliott Las aventuras de Priscilla, reina del desierto (1994), pero ahora podrán vivir este viaje en directo en Priscilla, reina del desierto. El musical.

El gran musical de la temporada se estrena el 2 de octubre en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid. Viene avalado por las hechuras de una espectacular puesta en escena de tres millones de euros, que viene íntegra del Palace Theatre de Londres (2009-2011), con una banda sonora de hits de la música disco de los años 70 y 80 donde no faltan Gloria Gaynor, Madonna o Tina Tunner. Y por el público, más de 3 millones de espectadores en sus seis años de recorrido por Londres, Broadway, Nueva Zelanda, Suecia, Italia, Canadá, Argentina y Brasil. Ahora es el turno de España aunque simultáneamente también estará en Seúl, Atenas y Manila.

Todas las cifras son apabullantes. Un elenco de 40 artistas –elegido en un multitudinario casting al que acudieron más de 1.400 personas– que encabezan Mariano Peña (Bernardette), Christian Escudero (Felicia), Jaime Zatarain (Tick) y David Muro (Bob), 500 vestidos, 150 pares de zapatos, 200 pelucas y otras tantas máscaras o antifaces hechos a medida para cada actor porque de otro modo serían inviables los 220 cambios de maquillaje y vestuario que se hacen en cada función en solo 15 segundos. El espectacular vestuario tiene la firma de los premiados Tim Chappel y Lizzy Gardiner, costó 1,3 millones de euros y ha obtenido sendos premios Tony y Oliver (en el filme también se llevó el Oscar).

Todo lujo, pero la auténtica diva verdaderamente apabullante en este musical ese es Priscilla, el autobús en el que estos tres amigos recorren el desierto rojo australiano interpretado su espectáculo drag. Priscilla pesa 10 toneladas, costó 2,3 millones de euros y es un engranaje robotizado que tiene 25 motores gestionados por 50 ordenadores con “tecnología militar” a prueba de hackers. Para meter esta réplica a tamaño real de un autobús -la misma que se utilizó en el West End- en el teatro han tenido que quitar puertas, limar columnas, levantar el patio de butacas y reforzar buena parte del escenario con acero.

La banda sonora, siempre en riguroso directo, corre a cargo de nueve músicos y 24 voces entre las que sobresalen las tres divas: Patricia del Olmo, Rosanna Carraro y Aminata Sow. Y los 25 temazos, que incluyen clásicos de Madonna, Tina Turner, Gloria Gaynor, Village People, Cindy Lauper, Supertramp, Dona Summer, casi todas interpretadas en su versión original en inglés. Esta es una de las cuestiones peliagudas de estas grandes producciones que tienen canciones tan conocidas por el público. “Se han traducido solo algunas estrofas para que el público entienda lo que está ocurriendo en la escena cuando sea necesario dramáticamente”, explicaba en la presentación Marcos Cámara, productor ejecutivo del espectáculo junto a Juan José Rivero.

“Un canto al amor, la amistad y el optimismo”

“En el escenario se ve a tres amigos que se arropan, que se quieren y que se cuidan, y el público se da cuenta de todo eso aunque no sea una historia convencional. La producción anima a la gente a que se atreva a hacer las cosas y a ser valiente para conseguir la vida que anhela”, decía en Madrid Dean Bryant, director artístico de la producción internacional, junto al director Simon Phillips, y que también ha supervisado la puesta en escena española.

Por su parte, Mariano Peña, que pasa de su papel de Mauricio Colmenero en la serie Aída a dar vida a Bernardette, definía el musical como “un canto al amor, la amistad y al optimismo” que también habla de temas imprescindibles como “la discriminación o la homofobia”. El actor explicó que necesitaba un cambio tras nueve años dando vida a Colmenero aunque meterse en el papel de este transexual ha sido igual de complicado que meterse en la piel de ese “homófobo, fascista y sinvergüenza”. Aseguró que “lo complicado realmente es andar encorsetado, con los tacones y tanto relleno y postizo, pero a nivel interpretativo es un trabajo más”, tras lo cual los productores aprovecharon para desvelar que el público se va a sorprender viéndole bailar y, sobre todo, cantar.

Lo que sí dejó claro Peña es que en el musical veremos a una Bernardette con “menos tormentas” ya que, aunque es fiel al guión de la película, “se ha limado la dureza del personaje, que en la película es más ácido y oscuro. Se le ha dado un poco más brillo y humor para hacerlo más fresco”.

Priscila, reina del desierto estará en el Nuevo Teatro Alcalá –con la adaptación de Miguel Antelo, la dirección musical de Manu Guix y artística de Ángel Llàcer– al menos una temporada, con posibilidad de prorrogar si el público sigue demandándolo, para después girar por todo el país.

Si él bebió de grandes como Walker Evans, Ed Ruscha, Andy Warhol o Bach –el uso de las series en toda su obra, explicó ayer en Madrid, “es una cosa instintiva que probablemente tenga que ver con Bach y sus variaciones” y, probablemente, argumentó, uno de los motivos por los que conectó con Warhol–, Stephen Shore ha influido en una cantidad ingente de fotógrafos y artistas contemporáneos. No en vano, este fotógrafo norteamericano, que lleva trabajando sin parar de los años 60 y ha dado la vuelta a los cánones de la fotografía, está considerado uno de los grandes maestros del siglo XX y uno de los fotógrafos contemporáneos más influyentes. Además de uno de los nombres que consiguió llevar la fotografía al estatus de arte (y acabar con lo que hasta entonces se entendía como tal).

La Fundación Mapfre le rinde homenaje con la inauguración este viernes de la primera gran restrospectiva dedicada a Stephen Shore, que se podrá ver en la Sala Bárbara de Braganza hasta el 23 de noviembre. Una muestra organizada de forma cronológica que recoge cerca de 260 obras que van desde sus primeros trabajos inéditos cuando tenía 14 años hasta sus últimas obras, e incluye series nunca vistas como que realizó en las excavaciones arqueológicas de Hazor y Ascalón, en Israel, de 1994. “Siempre da un poco de miedo que te hagan una restrospectiva porque da la sensación de que estás a punto de morir, así que digamos que esta es una retrospectiva a media carrera”, matizó el fotógrafo en la presentación en Madrid. Por su parte, la comisaria Marta Dahó destacó el valor de la exposición ya que consigue “establecer unas conexiones entre proyectos distanciados en el tiempo y conocer con mayor detalle su evolución”.

La búsqueda permanente del reto

Si hay un eje central en la prolífica obra de Shore ese es el custionamiento constante, la búsqueda del desafío y del reto, de la exploración del lenguaje fotográfico y de sus posibilidades como estructura que condiciona la visión del espectador, y la necesidad de revelarse frente al convencionalismo y las corrientes establecidas. De ir constantemente a contracorriente. Eso en la parte más intencional porque en la práctica, este hombre ha revolucionado en cuestión de formatos (cuando todo el mundo usaba cámaras de 35 mm., optó por una de placas de 4x5 y de 8x10), impusó el color cuando se llevaba el blanco y negro y volvió al blanco y negro cuando todos preferían el color, erigió a categoría de arte ese snapshot o instante casi errático con imágenes aparentemente amateurs, y tomó como protagonistas a esos no-lugares –objetos, esquinas, edificios nada monumentales, platos de comida, caminos... que hizó célebres en sus dos series más famosas, American Surfaces y Uncommon Places– que son recurrentes en toda su producción y hoy pueblan cualquier galería on y offline, perfiles Instagram o Tumblr.

“Siempre he sido consciente de la necesiad de explorar problemas estéticos y cuestiones de contenido que tengo en mente. Una vez que respondo a estas preguntas, me gusta hacer cosas diferentes. No quiero seguir creando una obra sin plantearme otro desafío. Y, en segundo lugar, hay una parte de mí que cuestiona las tendencias y los convecionalismos”, argumentó sobre su constante búsqueda de nuevas posibilidades en el lenguaje fotográfico.

Stephen Shore llegó a la fotografía a los 6 años pero no fue a través de una cámara sino de los tanques de revelado de un juego de Kodak que le regalaron. “Cuando yo ya tenía 8 años, después de dos años trabajando en el cuarto oscuro, fue una evolución natural que quisiera hacer fotos. Unos tres meses antes de cumplir 9 años me regalaron una cámara de 35 mm. Una Ricoh Rangefinder”, contaba en una entrevista que le hizo David Campany y que recoge el catálogo editado para la exposición. Así comenzó a capturar imágenes con tanta determinación que con 14 años se plantó delante del director de fotografía del MoMA y le vendió tres fotos. Y con 23 años realizó su primera exposición en el Metropolitan, siendo el segundo artista vivo que exponía en el museo neoyorkino. La exposición que podemos ver en Madrid reúne por primera vez una pequeña muestra de estas fotografías inicales, que tomó entre sus 14 y 18 años, y donde ya está presente su interés por lo cotidiano y una conceptualidad que exploraría a mediados de los 60.

Era esa la época en la que la fotografía considerada artística se movía en entre el preciosismo y la carga estética pero Shore, claramente influido por su periodo en la Factory de Andy Warhol –estuvo entre 1965 y 1967 y en alguna ocasión lo definió como “el lugar donde estuve en vez de ir a la universidad”–, rompe con esos postulados y apuesta por la fotografía con apariencia de neutralidad, impersonal, con un impostado halo amateur y, sobre todo, le da un punto de vista funcional y práctico. Son obras más conceptuales donde investiga, afirma, el efecto de la cámara en la percepción del mundo. Y lo hace explorando las secuencias y reiteraciones desde una posición geográfica o temporal en series como Avenue of The Americas, en la que fotografía cada intersección de calle durante toda la avenida. En esta época también se inclina por esa idea de fotografía popular y utilitaria, influido por Ruscha, y crea Greeting from Amarillo. Tall in Texas (1972), una colección imágenes de monumentos locales de la ciudad de Amarillo que editará como postales.

Entre 1972 y 1973 crea una de sus primeras series célebres: American Surfaces. Una suerte de diario visual de sus viajes por Estados Unidos pero que, en contra de la norma, no incluye grandes momumentos o lugares súper espectaculares sino que inclina su objetivo hacia lo cotidiano y supuestamente desapercibido como carreteras, restaurantes, hoteles, luminosos, manos, aparatos, bloques de viviendas, comida... Lo hace con un estilo presuntamente neutro y anónimo que, de nuevo, busca esa visión no profesional pero que ya, o más bien hoy vemos, se funde con el documentalismo. Busca el snapshot, una imagen con pinta instantánea, o ese error o dejadez del fotógrafo, como él mismo lo describió. Pero además sigue moviéndose contra lo establecido porque mientras lo normal era usar cámaras de 35 mm., Shore opta por una cámara de placa de 4x5 pulgadas. “Quería un formato mayor”, recordó ayer, y la película existente en color no le permitía ampliaciones con la nitidez necesaria.

Pero, prosiguió, también se le hacía insuficiente y saltó al negativo de 8x10, con el que empezó a trabajar (y estuvo 30 años) con más reposo utilizando el trípode y largas exposiciones. Este cambio dará como resultado unas composiciones más complejas sobre el territotio urbano y suburnano, que recoge en la más famosa aún serie Uncommon Places (1972-1981) centrada de nuevo en el paisaje urbano. Un proyecto que alcanzó más éxito si cabe al formar parte de la exposición New Topographics: Photographs of a Man-altered Landscape, de 1975, y en la que participaron los Becher, Robert Adams, Frank Gohlke o John Schott y que dio nombre al estilo topográfico aunque, más bien, dejo constancia de un relevo en los procesos fotográficos del momento. Y una rebeldía más: Las 20 fotos de Shore que se vieron en la muestra eran las únicas de color...

No obstante, como razonaba ayer Shore, necesitaba otras preguntas y respuestas. Por eso, a partir de los 80 volvió a los paisajes naturales buscando nuevas formas de captar la perspectiva y, una década después, añadió la vuelta al blanco y negro. “En 1991 me di cuenta de que llevaba veinte años trabajando solo en color. Buscaba una nueva salida hacia delante y se juntaron un par de cosas. Llevaba dando clases casi una década y eso incluía enseñar impresión en blanco y negro. Al explicárselo a mis alumnos me había convertido en un impresor en blanco y negro mucho mejor de lo que lo había sido en los años 60. Llegué a ser bastante bueno (...) Hacia 1991 nadie trabajaba ya en blanco y negro, así que pensé: '¿Qué pasa aquí? Esto es otra convención. El color se ha convertido en otra convención'. Y decidí que la década siguiente trabajaría en blanco y negro”, cuenta a Campany.

Se pueden ver en la exposición las series de gran formato Essex County (1990), realizada en los montes Adirondack del Estado de Nueva York, y Arqueología, la inédita de los yacimientos de Hazor y Ascalón, tomadas en Israel en 1994. El salto no solo está en esta época en el cambio del color sino que también que su objetivo pasa de esos grandes paisajes a lo mínimo. Shore juega ahora con las texturas que encuentra en las rocas y los troncos de los árboles o la tierra de las excavaciones. También a este periodo de blanco y negro corrensponde la más reciente serie Nueva York (2000-2002), para la que vuelve a la street photography y casi al mismo sitio donde treinta años antes capturara las intersecciones de la Sexta Avenida pero ahora, en otra vuelta de tuerca, con imágenes panorámicas, es decir con una camára mucho más pesada e incómoda.

Asimismo, de la producción más reciente de Shore la exposición de la Fundación Mapfre presenta Ucrania (2012-2013) y Winslow, Arizona (2013), dos proyectos con los que ha vuelto al color. Este último corresponde a una colaboración en el proyecto State to State de Dorg Aitken mientras que Ucrania está centrado en la vida de los supervivientes del Holocausto ucranianos a través de los objetos de su vida diaria. Algo que ha supuesto un nuevo reto, esta vez temático, radicalmente diferente ya que, como señaló, es “la primera vez que me enfrentaba a una temática con tanta carga emocional. El problema era hacer fotografías que comunicaran ese nivel emocional pero que no lo exploten”.

Shore reveló ayer que ahora esta inmerso en un proyecto fotográfico utilizando Instagram, una red social de la que dijo no saber qué significa en su carrera pero “es divertida. Quiero crear algo estéticamente coherente”. Y añadió que su atracción por Instagram no es algo raro, sino “coherente” con su trayectoria porque, “si quitas los 30 años utilizando la 8x10, siempre me han atraído las formas populares de comunicación” con, enumeró, formatos utilitarios como cámaras Leicas o Nikon que utilizó, por ejemplo, para la colección de postales; las que tomó con una Mick-A-Matic, una cámara con forma de Mickey Mouse con el objetivo en la nariz, o más recientemente en la colección de libros, de los que algunos están en la muestra, Print on Demand Books (2003-2010), una serie de 83 libros organizados por temas (se publicaron juntos en 2012 bajo el título The book of books) cuya principal característica es que las fotos las hacía a lo largo de un solo día. Eso sí, dijo, el “peligro” de las cámaras digitales de hoy en día es que como se pueden tirar tantas fotos “la gente pierde el contacto con sus propias intenciones”.

2013 no ha resultado ser un buen año para los tres principales museos españoles, al menos en lo que a números se refiere. Si más o menos conseguieron capear la situación en 2012, el año pasado no ha hecho sino mermar más sus balances económicos. Menos subvenciones públicas, a pesar de los esfuerzos por seguir aumentando los ingresos propios, y menos visitantes que además se gastan menos dinero es la pinza que aprieta los balances de las pinacotecas.

El BOE ha hecho publicas las cuentas del Museo Thyssen, que cerró 2013 con 5,2 millones de euros en pérdidas. En 2012 fueron de 22.462 euros mientras que en 2011 el beneficio superó los 611.000 euros. Los datos del año pasado son los peores del museo en los últimos tiempos, que suma una deuda acumulada de 9,5 millones de euros, pero desde la pinacoteca niegan la alarma. “Las cuentas no solo se tienen que comparar con los datos del año anterior sino también con nuestras previsiones. Para nosotros estas pérdidas tienen un aspecto positivo. En nuestro presupuesto teníamos previstos 7,8 millones de euros de pérdidas. Por tanto, hemos mejorado un 33% el resultado esperado”, asegura el director gerente del Thyssen, Evelio Acebedo, a eldiario.es.

Acebedo destaca que “el déficit estructural del museo siempre está entre los 5,5 y los 6,5 millones de euros. Por tanto, que en un momento dado aflore no significa que estemos peor, y más en una situación en la que los ingresos se reducen, lo que hace que ese déficit que antes no se veía, se vea”. Asimismo, subraya que el museo ha reducido un 5% los gastos que preveían para 2013 pasando de casi 28 millones a 26,5 millones, “perteneciente al capítulo de gastos operativos”. También terminaron el año aumentando algo más de un millón de euros de ingresos sobre sus estimaciones contando con “una crisis de consumo y la caída del turismo en Madrid”. “La realidad de la gestión de 2013 es que hemos hecho un esfuerzo para ajustar el gasto y hemos mejorado los ingresos que preveíamos, teniendo poca capacidad de maniobra”, remacha.

Casi un 25% menos de visitantes

Así, según las cuentas del pasado ejercicio, el número de visitantes que pasó por el Museo Thyssen cayó casi un 25%, pasando de 1,25 millones en 2012 a 944.346 en 2013, cuando se vieron las exposiciones Impresionismo y aire libre. De Corot a Van Gogh, Hiperrealismo y de Pisarro. Y eso que, según explica su director gerente, Evelio Acebedo, a eldiario.es a principio de año, el programa los lunes gratis (iniciado en 2012 para ver la colección permanente) había representado un incremento del 25% del número de visitantes. También hay que tener en cuenta que 2012 fue un año atípico para el museo ya que celebraba su vigésimo aniversario y tuvo exposiciones tan celebradas como la de Hopper, que le dio sus mejores datos históricos.

Pero lo cierto es que este descenso de público ha provocado que la venta de entradas, el principal capítulo por el que llegan los ingresos propios, haya caído de 8 a 5,6 millones de euros. Y es el principal lastre de los resultados económicos del museo.

El resto de ingresos que supone un buen montante para el Thyssen, los llamados de explotación mercantil, están relacionados con la cafetería o las compras en la tienda y también descendieron de los casi cinco millones de 2012 a 3,5 millones de euros. De hecho, aunque el museo estimaba que el gasto por visitante sería en 2013 de 3,59 euros –en 2012 fue de 3,28 euros– la realidad es que fue de 2,83 euros.

De igual modo, la partida de subvenciones y donaciones también cayó de casi cuatro a 2,6 millones de euros así como los ingresos de promociones, patrocinadores y colaboraciones, que pasaron de 1,7 millones a algo más de 650.000 euros. “Hay un mayor volumen de pérdidas en 2013 que en anteriores ejercicios porque tenemos menos ingresos como la subvención de Caja Madrid, que rondaba los dos millones de euros, o la del Ministerio de Cultura, que ha pasado de 3,9 millones en 2012 a 2,5 en 2013”, matiza el director gerente del Thyssen. Por último, Acebedo estima que este año 2014 se cerrará con un balance muy similar al de 2013.

Las cuentas del Thyssen llegan un mes después de conocer que el Museo del Prado, tal y como recogía el BOE, registró en 2013 unas pérdidas de 6,09 millones de euros, y tras las declaraciones de la semana pasada del director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, quien explicaba que su museo “ha tocado fondo”. “Ya no somos capaces de hacer más recortes. Lo siguiente es apagar la luz”, garantizó el gerente Michaux Miranda para explicar que en 2013 tuvieron que usar 1,1 millones de euros de sus disponibilidades de tesorería para cubrir los gastos.

El amor, los celos, el honor, la ambición o la política nunca pasan de moda, sobre todo si han salido de la pluma de Shakespeare, Calderón de la Barca, Cervantes, Aristófanes, Homero o Sófocles. No hay más que ver, además de su vigencia, la larga trayectoria de los festivales de Almagro y Mérida, dos de los certámenes teatrales más señeros y famosos de España que en los últimos años se han convertido más si cabe en las citas ineludibles del verano. Tanto es así que, anteayer en Mérida, ya llevaban 24.000 entradas vendidas (9.000 más que el año pasado) y en Almagro se rozaba el 50% de localidades. Así que, apunten estas dos ciudades, elijan (una o varias) obra y arménse con un abanico porque el teatro clásico se apodera del verano.

Almagro es el centro del teatro del Siglo de Oro gracias a su Festival Internacional de Teatro Clásico, que celebra este año su 37º edición. El certamen se ha convertido en el auténtico referente teatral y transforma hasta el 27 de julio la localidad de los bolillos, la gastronomía quijotesca y las fachadas teñidas de blanco y añil en una suerte de especial maremágnum en el que vecinos, turistas, público y compañías rinden tributo a los clásicos.

Bajo el lema Un clásico, un regalo por el festival pasarán actores como Carmen Machi, José Sacristán, José Luis Gómez, Natalia Millán, Israel Elejalde, Rosa María Sardá, Helio Pedregal o Verónica Forqué. Aunque si hay que citar dos nombres estos son Shakespeare y, especialmente, Lope de Vega, que toman este año las riendas de un festival imprescindible –con 98 representaciones a cargo de 52 compañías– y no solo por poder ver una obra de teatro desde las galerías de su Corral de Comedias –el más antiguo de España en activo–.

“La calidad y la excelencia son nuestras máximas. Parece que en el teatro no hubiera niveles de calidad y los hay igual que en cualquier otro oficio sea artístico o no, pero en este caso hemos subido el baremo de calidad intentado provocar que ciertos creadores miren a los clásicos y al barroco”, explica Natalia Menéndez, directora del festival.

Primera parada, Almagro

El Festival de Almagro arrancó con la entrega del 14º Premio Corral de Comedias a la actriz Julia Gutiérrez Caba, a la que se podrá ver también en la lectura dramatizada Escrito por Teresa de Ávila (4 de julio) dentro de las cinco representaciones de Cómicos de la lengua que la RAE lleva a Almagro, y el estreno absoluto de Donde hay agravios no hay celos (3 a 13 de julio), una obra de Rojas Zorrilla que trae la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) con la dirección de Helena Pimenta. Es una de las grandes esperadas del festival y una de las obras más famosas y representadas del Siglo de Oro.

La CNTC es otra de las grandes protagonistas de Almagro porque acude con cinco obras, tres de ellas de Lope de Vega: El caballero de Olmedo (18 a 27 de julio), que se podrá ver en la exitosa coproducción realizada junto al Teatro Lliure y con dirección de Lluis Pasqual, La cortesía de España (del 9 al 13 de julio), que llega de la mano de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, y Las dos bandoleras (19 y 20 de julio), en coproducción con la FEI Factoría Escénica Internacional y protagonizada por Carmen Ruíz y Macarena Gómez a las órdenes de Carme Portaceli. También la compañía y Ron Lalá firman una divertida y necesaria versión la novela de Cervantes en En un lugar del Quijote (11 y 12 de julio).

Los estrenos absolutos son otros de los atractivos del festival. Entre ellos, destacan dos coproducciones del propio festival como son Bobas & Gallegas (del 4 al 7 de julio), un espectáculo sobre textos de Calderón, Zamora, Lope de Vega y Quiñones de Benavente que bajo la dirección de Quico Cadaval, y Los brillantes empeños (11 y 12 de julio), que da una vuelta de tuerca a los textos del Siglo de Oro “muy excepcional”, asegura Menéndez. También se pondrán por primera vez en un escenario De fuera vendrán (25 y 26 de julio), La luz oscura de la fe, de uno de los ya habituales del festival como es Rafael Álvarez El Brujo (8 y 9 de julio), y la preciosa La hermosa Jarifa (4 y 6 de julio).

En este capítulo hay otra obra que está despertando muchísima curiosidad al ser la primera colaboración internacional del festival realizada junto a 369 Gradi, Teatro di Roma y Romaeuropa Festival. Amleto, sobre el Hamet de Shakespeare (4 y 5 de julio), está dirigida por Andrea Baracco, que ya se alzó con el premio Almagro Off hace dos años por su Julio César.

“Va a dar mucho que hablar en Almagro y en toda Europa”, dice Menénez para remarcar a continuación la importancia de los certámenes Almagro Off, para nuevos directores, y Barroco Infantil, para el público familiar, como creadores de nuevos espectadores y donde hay mucha investigación con muchos espectáculos “de autores no vistos en España como Ben Jonson, que fue contemporáneo de Shakespeare, El cabellero de Olmedo (el de Lope no, el otro) de Francisco de Monteser o L'Amphitheatre sanglant' de Jean-Pierre Camus, que nos habla de la rabia usando el Barroco”.

Otras producciones que ya han arrasado por todo el país y recalan en Almagro son el magnífico Misántropo, de Molière (27 de julio), creado por Miguel del Arco y Kamikaze Producciones, y que supone una revisión moderna, tremendamente actual y cargada de crítica a una sociedad vacua e hipócrita con un elenco, encabezado por unos sublimes Israel Elejalde y Bárbara Lennie, en estado de gracia, así como Los Mácbez (18 y 19 de julio), la personalísima versión que ha hecho Andrés Lima del clásico shakesperiano con Carmen Machí y Javier Gutiérrez. La Fundación Siglo de Oro (RAKATá) lleva el día 26 El Castigo sin vengaza, de Lope de Vega y dirigido por Ernesto Arias, destaca ¿El Greco, decís? (25 de julio), una obra creada para conmemorar el IV centenario de la muerte del pintor, El burgués gentilhombre, de Molière (25 y 26 de julio), de los cubanos Mephisto Teatro, o las Confesiones de San Agustín (13 de julio), dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente y protagonizada por Ramón Barea, Premio Nacional de Teatro 2013.

La historia se revive en Mérida

La ópera Salomé levantó ayer el imaginario telón del espectacular teatro romano de Mérida. Es el más grande de España, con 3.000 localidades que se llenan casi al completo cada noche, con el raro privilegio de ver una obra en el mismo lugar donde ya se hacían hace más de 2.000 años. “La clave del éxito es que año tras año el público ha ido ocupando las gradas del teatro romano atraídos por su programación”, asegura el director del festival, Jesús Cimarro. Tanto es así, que el año pasado fue de 75.000 espectadores, un aumento de casi el 70% con respecto a 2011, que fue de unos 42.000.

El Festival de Teatro Clásico emeritense celebra este año su 60 aniversario y lo hace con una programación que se extenderá hasta el 28 de agosto, combinando autores clásicos, grandes producciones y actores famosos. También abre otros dos escenarios pacenses; el de Medellín, recientemente recuperado, y el de Regina.

Salomé (hasta el 6 de julio), la ópera de Strauss basada en la decapitación bíblica de Juan Bautista, ha comenzado ya a sonar por primera vez en Mérida en un espectáculo que funde el género lírico con la música en directo de la Orquesta de Extremadura y la danza de los siete velos coreografiada por Victor Ullate e interpretada por Arantxa Sargado.

Su director, Paco Azorín, promete que es de esos espectáculos que “no se ven todos los días y va a costar olvidar”. “Salomé habla de la libertad y del deseo de la mujer y de una mujer que no parece tener límites para conseguir lo que quiere. Por eso la música es el máximo exponente de la sensualidad”, cuenta sobre la grandiosa puesta en escena que lleva a Mérida y en la que ha primado el concepto teatral. “Espero que sea un montaje iniciático para hacer espectadores de ópera”.

Pero esta no será la única ópera que pase por el Festival de Mérida. Dido y Eneas, basada en el cuarto libro de la Eneida de Virgilio y escrita por Henry Purcell, nos transportará el 15 de julio a la historia de amor entre la reina de Cartago y el príncipe de Troya. Otra de las novedades de esta edición es el debut del Ballet Flamenco de Sara Baras con el estreno mundial de Medusa, La guardiana (del 9 al 13 de julio).

En el capítulo teatral, la guerra de Troya se representará por primera vez en España en una adaptación de La Iliada, de Homero, a cargo de Stathis Livathinos (19 y 19 de julio, en griego con subtítulos en castellano) y la comedia y las caras conocidas llegarán a partir de la mitad del certámen con dos obras de Aristófanes: Las ranas (23 a 27 de julio), con Miriam Díaz-Aroca y Pepe Viyuela, y Pluto (30 de julio a 3 de agosto) con Javier Gurruchaga y dirección de Magüi Mira. El Eunuco, de Terencio (del 6 al 10 de agosto), traerá a Pepón Nieto, Alejo Saurasy Anabel Alonso al festival, que cerrará con Coriolano, de William Shakespeare (del 13 al 17 de agosto), y la gran tragedia del rey de Tebas Edipo Rey, de Sófocles, en versión de Miguel Murillo y dirección de Denis Rafter (del 20 al 24 de agosto).

La Leica fue su compañera de viaje durante los 96 años que duró su vida. Con ella recorrió el mundo de arriba a abajo, ayudó a convertir la fotografía en un arte, asentó las bases de lo que es hoy el fotorreporterismo y se convirtió en el maestro de maestros. Pero lo vital de Henri Cartier-Bresson era su mirada. Una mirada que empezó a formarse con la Nueva Visión, bebió de su formación artística, se dejó influir por el surrealismo, se tornó comprometida gracias a su fuerte conciencia política y se convirtió en testigo de la historia. Y todo ello con una mirada artística en la que la composición, la luz y el encuadre eran tan decisivos –y sello de la casa– como ese instante que le ha hecho célebre y le ha elevado a una merecida categoría de mito.

Por eso y mucho más, Cartier-Bresson es llamado el 'ojo del siglo' y, aunque esto no le gustaba mucho, el maestro de la fotografía del siglo XX. “Soy muy visual. Observo, observo, observo. Yo comprendo con los ojos”, decía el fotógrafo francés. Y ahora, cuando el 3 de agosto se cumplan diez años de su muerte, nosotros seguimos comprendiendo el mundo y la historia a través de los ojos de Cartier-Bresson.

La Fundación Mapfre inaugura el sábado la primera gran retrospectiva dedicada al artista desde que falleció en 2004, organizada en colaboración con el Centro Pompidou de París y la Fundación Henri Catier-Bresson, que se podrá ver hasta el 7 de septiembre, fecha tras la cual viajará a Roma y México DF. Más de 300 fotografías junto a un centenar de objetos documentales como películas, publicaciones, lienzos o dibujos nos ayudan a entender en toda su complejidad a un Cartier-Bresson más allá del mito y mucho más rico.

Su gran fuerza, explica el comisario de la muestra Clément Chéroux, reside “en haber sido artista, con gran calidad plástica, y, a la vez, un gran reportero, que documentó la realidad”.

La principal novedad de la exposición, asevera Chéroux, es la nueva mirada que nos aporta sobre el artista galo. Mientras que todas las restropectivas dedicadas a Cartier-Bresson se han centrado en buscar una coherencia en su obra “como si hubiera una unidad en su trayectoria”, esta nos ofrece una visión completa de un artista que durante sus 70 años de carrera “fue evolucionando y cambiando, por lo que la exposición trata de mostrar que no hay un único Cartier-Breson sino varios”.

Para evidenciarlo, la retrospectiva se ha articulado de manera cronológica también por primera vez (hasta ahora el hilo argumental había sido geográfico) y además Cartier-Bresson nunca lo permitió en vida. Las copias que podemos ver son vintage, es decir, originales de la época en la que están tomadas las fotografías (se han dado una horquilla de 15 años para seleccionar las mejores reproducciones) y muchas de ellas realizadas por el propio Cartier-Bresson. Algo, matizó el comisario, que también ayuda a desterrar esa visión unitaria de su obra para destacar esa evolución por medio de la percepción también física. En definitiva una muestra que va más allá de la dualidad del artista-reportero y que pone en contexto artístico, social e histórico a una de las figuras más importantes de la historia fotografía.

La pintura, el surrealismo y los inicios (1926-1935)

Quizás sean pocos los que sepan que Cartier-Bresson comenzó pintando. Su formación artística es muy importante para lo que después sería uno de sus grandes sellos, la calidad de la composición en sus imágenes. Dibuja desde niño –podemos ver una carta a su madre con sus dibujos– y a mediados de los años 20 comienza a pintar de forma regular claramente influido por Paul Cezanne. Esta es una de las curiosidades de la retrospectiva, donde podemos ver cerca de una decena de lienzos del artista.

Es en esta época donde comienza a cultivar una doble producción fotográfica y artística pero como afición. Sus primeras fotos llegarán a finales de los años 20 claramente influido por la Nueva Visión y Eugène Atget en temas como los maniquíes, los rótulos de los comercios o los reflejos en vitrinas y ventanas. Aunque será el viaje que realiza en octubre de 1930 a África lo que le decida para convertise en fotógrafo.

Pero si hay algo fundamental en este primer Cartier-Bresson más artístico es el surrealismo. “Absorbió su estética”, explica el comisario. En casa de Jacques-Émile Blanche conoció a René Clavel en 1926, que fue su introductor en los círculos surrealistas, y a André Breton. Esas amistades y su visión de la vida y el arte comenzaron a estar presentes en sus fotografías. Tanto que se le puede considerar como uno de los fotógrafos más genuinamente surrealistas de su generación.

Así, vemos en la exposición fotografías que cultivan algunos motivos emblemáticos del imaginario surrealista como la deformación del movimiento, el juego erótico, los objetos empaquetados, los cuerpos deformes o cortados que hacía con picados y contrapicados, los personajes soñadores y con los ojos cerrados y ese azar entendido de una forma casi mágica que nos pone delante imágenes imposibles (como la fotografía de arriba). “Hay que ser sensible, tratar de adivinar, ser intuitivo: encomendarse al azar objetivo. Y la cámara fotográfica es un instrumento maravilloso para captar ese azar objetivo”, decía.

El artista comunista y comprometido políticamente (1936-1946)

El segundo eje que vertebra la exposición es el compromiso político de Cartier-Bresson, que se evidencia desde su regreso de Estados Unidos en 1936 hasta su vuelta a Nueva York una década después. Y es quizás el periodo más desconocido de su producción. Al igual que el resto de surrealistas, su postura comunista se radicaliza. “Su compromiso con el comunismo era real y algunos planfletos políticos firmados por él que aquí se presentan así lo atestiguan”, afirmó Chéroux.

Es en esta época en la que viaja a España, a México o a Estados Unidos, y a su regreso a París en 1936 colabora en las actividades de la Asociación de Escritores y Artistas Revolucionarios y trabaja con prensa comunista como Regards o Ce Soir. Cartier-Bresson empieza a concebir la “cámara como un arma al servicio de los intereses de los explotados y contra los explotadores”, diría. Por eso los temas que enfoca cambian y ya no vemos (o al menos con menor presencia) los suenos oníricos surrealistas para centrarse en una fotografía más social que habla de la pobreza, [como en la fotografía superior tomada en Madrid en 1933], o las luchas sociales, como la serie del tiempo libre que hace para Regards cuando el Frente Popular instaura en Francia dos semanas de vacaciones pagadas.

También es cuando el cine se impone en su obra. Diría del séptimo arte que le había “enseñado a ver” y fue tal su importancia que en esta época se impuso a su producción fotográfica. Su primer contacto con el cine llegó en México en 1934 y un año después, en EE UU aprende a utilizar la cámara en una cooperativa de cine influida por las ideas y estéticas soviéticas. Con ellos hará su primer cortometraje.

A su vuelta a Francia, colaboró como asistente en tres películas de Renoir hasta el inicio de la II Guerra Mundial (La vida es nuestra y Una partida en el campo, de 1936, y Las reglas del juego, de 1939) y filmó las suyas propias porque entendía el cine como una forma mucho más directa para hacer llegar el mensaje que la fotografía y capaz de llegar a una audiencia más masiva. De especial relevancia es la película de 49 minutos titulada Victoria de la vida, que rodó en España en 1937 sobre la Central Sanitaria Internacional. “Es uno de los documentales más bonito que rodó”, garantiza el comisario.

La Agencia Magnum y el reportaje gráfico (1947 a 1970)

En los años 40 en Cartier-Bresson comienzan a fundirse su espíritu político y su compromiso por ser testigo de la realidad. Un compromiso que se materializa en otro de los grandes hitos de la fotografía y el fotoperiodismo: la creación de la Agencia Magnum en 1947 junto a Robert Capa, David Seymour, George Rodger y William Vandivert. Podría haber elegido perpetuar su lado artístico (acababa de inaugurar una gran retrospectiva en el MOMA) pero decide hacerse reportero, y esa será la profesión que cultive y le granjee la gloria hasta los años 70 cuando cuelga oficialmente la cámara de fotos.

De este modo, Cartier-Bresson fue testigo de la historia del siglo XX y es uno de los grandes cronógrafos de nuestro tiempo. Aquí están sus imágenes del viaje a China cuando empezaba a avanzar Mao, de la Cuba cuando Fidel Castro acababa de llegar al poder –para Life en marzo de 1963 firmó su primer y único reportaje escrito–, en La India retrató la exequias de Gandhi, con quien por cierto se entrevistó horas antes de su asesinato, o en la URSS tras la muerte de Stalin.

También es en esta época cuando empieza a hacer con mayor regularidad retratos –“hacer un retrato es lo más difícil. Es como poner un signo de interrogación sobre alguien”— siempre buscando esa invisibilidad de la que gustaba hacer gala [Cartier-Bresson en sus últimos tiempos no dejaba que le fotografiaran porque, esgrimía, le conocerían y perdería esa invisibilidad], de personajes como Giacometti, Matisse o Sartre. No se olvida tampoco la retrospectiva de su producción en color: “Un medio de documentación pero no de expresión artística”, aseguraba.

En los años 70 Cartier-Bresson, con más de 60 años, va dejando paulatinamente la fotografía profesional. Se desvincula de Magnum al entender que ha ido perdiendo su esencia y su fama aumenta sin cesar hasta convertirse en una leyenda viva. Centrará su creatividad en este periodo final de su vida será en el dibujo que será abocetado, buscando la inmediatez y, claro está, en blanco y negro.

Pero a pesar de que el dibujo sera su prioridad, su Leica le sigue acompañando por placer. Sus últimas fotografías son imágenes más contemplativas, serenas y muy plásticas, y ya no están sujetas a ese instante decisivo que acuñó en 1956 y le hizo mundialmente famoso. Y eso es precisamente lo que nos enseña esta espectacular antología, todos los instantes decisivos que capturó el ojo de Catier-Bresson. Del Cartier-Bresson más artístico. Del más comprometido y político. Del fotorreportero pero también del cineasta, dibujante o pintor. Porque no hubo un único Cartier-Bresson. Lo que hubo fue una Leica, un ojo y una mirada que hoy sigue siendo imperecedera.

Fue el fundador del pop art pero no se quedó ahí. Richard Hamilton por encima de todo es uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX y puede ser considerado el primer artista postmoderno de la historia. Incombustible hasta su muerte en 2011, el artista británico nos ha legado más de 60 años de trabajos tremendamente actuales y tan heterogéneos y anacrónicos que dejan clara la reticencia de Hamilton a definirse a través de un estilo concreto así como su espíritu independiente.

El Museo Reina Sofía inauguró ayer la primera gran retrospectiva dedicada a Hamilton, que podrá verse hasta el 13 de octubre. La exposición reúne 270 obras que van desde la pintura hasta el dibujo, el grabado, la fotografía, las instalaciones –de las que fue precursor y que fueron los verdaderos antecedentes de los happenings de finales de los 50 y los 60–, o el apropiacionismo.

Lo interesante de esta muestra, además de la completa colección de obras, es que la pinacoteca comenzó a idearla cuando Hamilton estaba vivo y trabajó mano a mano con él. El artista se encontraba escribiendo su autobiografía y colaboró estrechamente hasta su muerte en 2011 en la creación de esta muestra. Como aseguró ayer en Madrid su viuda Rota Donagh, salvo tres préstamos que finalmente no se han conseguido, “sería la exposición que él habría querido”.

La importancia de la observación, la relación que mantuvo con otros artistas y la gran influencia de Duchamp por encima de cualquier otro dan cuenta, aseguró ayer Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, de “la importancia que le daba a la yuxtaposición de imágenes y al lenguaje”. Hamilton, prosiguió, “es el padre del pop europeo pero es mucho más. Era un gran artista capaz de entender el mundo moderno y postmoderno, que entiende la importancia de la vigencia de la pintura al mismo tiempo que entiende una sociedad basada en el consumo y los objetos en serie”.

La ambigüedad baila entre la coherencia y el anacronismo, y está presente en toda su obra para evidenciar, en palabras de Paul Schimmel, comisario de la exposición junto a Vicente Tolodí, el legado de Hamilton como “un magnífico puente entre el amor por el arte moderno y el sentido de que todas las cosas son iguales y que no existe jerarquías entre pintura, grabado, fotografía”. “Me gustaría pensar que el propósito de mi arte es la búsqueda de lo que hay de épico en las actividades y objetos cotidianos”, comentó el propio Hamilton.

El precursor de las instalaciones

Uno de los principales atractivos de esta extensa retrospectiva es la reconstrucción de cinco instalaciones de gran envergadura creadas durante la carrera de Hamilton. En concreto, Growth and form, de 1951, fue la instalación que más le costó a los comisarios que accediera a que se reconstruyera. “Hamilton se había negado siempre a que se reconstruyera. Le dijimos que era fundamental para esta exposición y finalmente accedió”, recordó Tolodí, quien la definió como obra histórica y muy avanzada a su tiempo, en la que se pueden ver el interés del creador por el mundo científico y por el artístico. Junto a mítica instalación, también se han reconstruido siguiendo los archivos del artista Lobby, an Exhibit, This is Tomorrow y Man, Machine and Motion, esta última propiedad del Reina Sofía.

Cuenta Victoria Walsh en el catálogo de la exposición que históricamente Hamilton se había negado a reconstruir Growth and form porque las labores de investigación y producción ya habían sido muy complejas en 1951 pero en 2011, cuando le plantearon la idea de nuevo para esta retrospectiva, “desapareció de pronto y regresó con un montón de cajitas de cartón y sobres manila. Cuando empezó a abrirlos, me di cuenta de que aquello era una importante colección de fotografías inéditas de la instalación original de Growth and form, negativos de vidrio de las imágenes individuales que se habían expuesto y otros documentos de archivo. Dos de ellas eran películas originales que se habían proyectado en la exposición de 1951, y la tercera grabación de un recorrido a pie por Un objeto de exposición, la muestra que había preparado en 1957, en su primera instalación en la Hatton Gallery de Newcastle”.

Esta instalación, inaugurada por Le Corbusier y que nació gracias a su colaboración Nigel Henderson y bebe de corrientes como La Bahaus, de las tesis del desarrollo morfológico de Thompson, la idea de periodicidad de James Joyce y, claro está, Duchamp, pretendía enfatizar a través de la experiencia visual, como escribió Hamilton, que “el pintor y el escultor se pueden beneficiar enormemente de la ampliación de su universo de experiencia si son capaces de apreciar las formas de la naturaleza más allá de su entorno visual más inmediato. Queremos revelar las propiedades visuales de la ampliación del entorno que proporcionan los estudios ciéntificos”.

De este modo, y combinando y yuxtaponiendo el discurso científico, la fotografía, el vídeo, los elementos naturales y las estructuras reticulares propias de la modernidad arquitectónica con formas irregulares y biomórficas o cuadriculares, Hamilton quiso desdibujar la distinción entre la forma artística y la natural, entre apariencia y realidad a la par que sentaba las bases de su modelo paradigmático de exposición.

La influencia de Duchamp

Fra Angelico, Le Corbusier, James Joyce, Kurt Schwitters, Dieter Roth y, sobre todo, Duchamp fueron fundamentales para Hamilton. “Joyce me convirtió en el pintor que soy, y gracias a Marcel conseguí darme cuenta de ello”, aseguraba. El primero le enseñó la necesidad de crear su propio estilo y de Duchamp aprendió que el arte no era dominar unas técnicas determinadas sino que era “totalmente intelectual”.

“Tengo la sospecha de que Hamilton encontró su medio de expresión gracias a Duchamp, y que este descubrimiento le liberó del cautiverio del estilo al que le hubieran abocado sus considerables logros como precursos del arte pop”, explica Schimmel en el catálogo de la exposición. Y añade que es llamativo que en los sesenta, mientras otros artistas pulían su estilo, él lo dejó todo de lado para dedicarse a rehacer y estudiar la obra de Duchamp La novia desnudada por sus solteros, incluso (El gran vidrio) con el objetivo de recrear su obra y comenzar también de algún modo con los homenajes y reinterpretaciones de artistas anteriores que se inició en el último tercio del siglo XX.

El vasto estudio que hizo Hamilton para reconstruir la completa obra de Duchamp para una exposición en la Tate de Londres se puede ver en la muestra del Reina Sofía al igual que obras como Five Tyres o Sieves, donde el imaginario de Duchamp está claramente conectado por Hamilton. Por cierto, Duchamp fue quien conectó a Hamilton con España, en concreto con Cadaqués cuando la familia le invitó en 1963. Ese mismo año también fue por primera vez a Estados Unidos.

Pop e iconos

Si algo conocemos por encima de todo de Richard Hamilton es su 'paternidad' del arte pop. Fue quien lo definió y le puso palabras cuando creó el Independent Group. Y fue quien creó la primera obra que puede considerarse pop introduciendo los objetos de consumo de masas en el collage, presente en la exposición, Just what is it that makes today's homes so differents, so appealing? (¿Qué es lo que hizo que los hogares de ayer fueran tan diferentes y tan atractivos?) (1956). Además, la exposición recoge otras obras míticas del pop art de Hamilton como Hommage à Chrysler Corp (1957), Hers is a lush situation (1958), $he (1958-1961) o Pin-up (1961). Obras en la que se resalta el papel de la sensualidad en el diseño contemporáneo y la publicidad de la sociedad de consumo.

Sin embargo, el enfoque de Hamilton respecto al de sus coetáneos pop tiene marcadas diferencias. Estamos ante obras más sobrias, frente a la eclosión de colores y energía de los artistas americanos, y más objetivas. Son más sofisticadas y carentes de cinismo que las obras que producían entonces Andy Warhol o Roy Lichtenstein.

Mientras sus contemporáneos sustutían las técnicas pictóricas tradicionales por el ready-made, Hamilton se situaba a medio camino entre ambas sin dejar nunca de lado a la tradición encarnada en pintores como Cezanne, Picasso o Velázquez. Esto lo podemos ver en otra obra fundamental de este periodo que Hamilton creó tras su viaje a Estados Unidos en el que conoció a los artistas pop y con la que seguía delimitando sus diferencias: Interiors I (1964). Por cierto, los interiores, sean domésticos o de otra naturaleza, son otra de las constantes de la obra de Hamilton a los que volverá durante toda su carrera. La exposición también muestra otros collages de interiores marcados por la obra de Duchamp mediante la introducción de desnudos como son Descending nude (2006) o The Passage of the bridge (2004).

Otras obras emblemáticas de Hamilton que podemos descubrir en el Reina Sofía son sus primeras experimentaciones en el diálogo y la integración mediante la distorsión de la pintura y la fotografía como White Bay (1965) y Trafalgar Square (1965). Junto a ellas, iconos culturales del momento como la carátula del doble disco White Album de The Beatles (1968), la serie My Marilyn (1965), en la que utiliza los contactos de una fotos que la actriz había tachado para trasladarlos a la pintura. En Swingeing London 67 (1967-69) Hamilton reinterpreta el movimiento Swinging London, como se apodó al estadillo del pop y el punk en la capital británica en la segunda mitad de los 60, llamándolo el Londres severo en vez de libertino. Alteró una fotografía de Mick Jagger, líder de los Rolling Stones, esposado junto a su galerista Robert Fraser tras su detención en una redada antidrogas.

También se merece una mirada con detenimiento el conjunto de polaroids de la exposición. Hamilton se topó con esta cámara de fotos en una visita al estudio de Lichtenstein en EE UU. Le pidió al norteamericano que le hiciera una foto y así comenzó, en 1968, una colección que se ha extendido hasta el año 2000 con la última imagen tomada en noviembre por el diseñador Bruce Mau. Se exhiben 128 instantáneas de Hamilton tomadas por personalidades tan dispares como Francis Bacon, Warhol, Ritcher, Roatella, Paul McCartney, Cartier-Bresson, Man Ray, John Lennon o Ferrán Adrià. Fotos que bailan entre el retrato y el autorretrato y en la que cada fotógrafo improvisado ha dejado su impronta por medio de la luz, el encuadre o el contexto. Y fotos también con las que Hamilton nos habla de la autoría y el apropiacionismo.

En esta estela también destacan los retratos y autorretratos que son modificaciones pictóricas hechas sobre fotografía. Destacan Portrait of the artist by Francis Bacon (1970), serie en la que Hamilton se sintió intrigado por la Polaroid que le hizo Francis Bacon y decidió convertirla en un colotipo y recrear sobre ellas las manchas características de la pintura de Bacon, así como sus retratos de Dieter Roth o Derek Jarman.

El diseño industrial, por otro lado, fue otro de los temas que centró las investigaciones artísticas del británico, como podemos ver en la sala dedicada a las variaciones sobre los productos de Braun, ahora con la marca Hamilton, como la serie The Toaster Deluxe (1966), o del logotipo del pastín francés Ricard, convertido en Richard. “Mi intención era introducir una contradicción en el léxico de las fuentes del pop. En esta serie se planteaba la siguiente pregunta: ¿es cierto que los productos de la cultura de masas que podrían ser seleccionados por un comité de ”diseño de calidad“ de un Museo de Arte Moderno han quedado excluidos del arte pop americano?”, explicaba sobre esta línea de su trabajo.

Junto a estas también destaca la serie Shit & Flowers, que inició en 1971 y juega con la dicotomía aprendida de Duchamp contraponiendo las imágenes idílicas publicitarias a una línea escatológica sobre los beneficios laxantes de las aguas de la localidad francesa de Miers; o sus imágenes de protesta que beben de la televisión para denunciar la indiferencia de los medios ante ese instante, como el que nos muestra en la serie Kent State (1970), donde el joven Dean Kahler es gravemente herido por la policía en unas protestas estudiantiles.

Volverá también a estas imágenes políticas con obras sobre las dos guerras de Irak y la ocupación israelí de los territorios palestinos. La última obra de esta temática y casi de su carrera es Shock and Awe (2010), en la que retrata al exprimer ministro británico Tony Blair como un pistolero de western.

El Hamilton más reciente

La exposición, como hemos dicho, recorre el trabajo de Hamilton desde 1949 hasta su muerte en 2011. Es a finales del siglo XX y principios del XXI donde volverá a recuperar sus interiores, sus reinterpretación de los productos o reunirá en una exposición llamada Modern Moral Matters (Cuestiones de moral moderna), celebrada en Londres en 2010, sus obras políticas más importantes.

Cierra la muestra un tríptico sin título en el que trabajó los últimos años de su vida inspirado en el relato de Balzac La obra maestra desconocida. En estas tres obras, Hamilton nos presenta a una mujer tendida desnuda y tras ella Poussin, Courbet y Tiziano se miran y nos miran en una suerte de genealogía de los artistas que mantuvieron un duelo irresuelto con la práctica de la pintura y que él reivindicó en toda su obra. Son obras creadas digitalmente e impresas sobre lienzo según sus directrices y que se crearon para una exposición en la National Gallery de Londres. La última de esta terna está fechada el 9 de septiembre de 2011. Hamilton murió el 13 de septiembre.

Si decimos House of Cards u Orange is the new black, pocos serán los que piensen a priori en lo que son en realidad: webseries. Las dos ficciones estrellas de la plataforma online Netflix han dejado claro que el modelo de consumo tradicional de las series, si quedaba alguna duda, ha cambiado por completo. No solo se han estrenado sus segundas temporadas íntegras para consumirlas a demanda sino que compiten en igualdad de condiciones (calidad, factura, actores...) con las series tradicionales y, además, no las emite un canal de televisión.

La plataforma, llámese canal x o internet, y el soporte, sea el televisor, el portátil o la tableta, no es hoy lo importante para el consumidor de series (acostumbrado a maratones o a ver sus ficciones favoritas al ritmo de emisión, generalmente, estadounidense). Pero, más aún, han ayudado a desterrar ese tópico de que las series de ficción para internet son por lo general amateurs y primeros trabajos.

En España el mundo de las webseries comenzó a finales de los noventa con Javi y Lucy, dirigida por Javier Fesser, y La cuadrilla espacial. Tras varios años de parón, en 2004 llegó Cálico Electrónico, la webserie más longeva nacional que sigue en emisión, y a partir de ahí el sector comenzó a crecer. Tanto que hoy España está considerada la mayor potencia mundial en creación de webseries, lideran los palmarés internacionales y han nacido festivales especializados en ellas.

El primero de carácter nacional y dedicado en exclusiva a las webseries es el Festival Español de Webseries FEW, que celebra a partir de hoy su primera edición en Madrid con 132 webseries nacionales e internacionales inscritas, proyecciones, mesas redondas y una gala de premios. Y en cuanto a la producción, aunque no existe un registro oficial, desde el festival apuntan a que actualmente está entorno a las 500 webseries en nuestro país.

Paula Hernández, una de las mayores expertas en webseries en España y autora del blog enawebseriada, asegura que “España es campeona mundial de las webseries” tal y como ha publicado recientemente el diario francés Libération. En su artículo compara la creatividad española de hoy con la argentina postcorralito y asegura que la crisis ha hecho que “España sea el nuevo Hollywood de las series que se emiten por Internet. Casi o sin exageración alguna, la crisis da unas ganas inmensas de decir cosas y da buenas razones para hacerlo sin esperar nada de nadie”. “Ante la crisis, el sector audiovisual busca formas de lanzarse sin mucho dinero. No sé si somos los campeones del mundo como dicen, pero sí que somos uno de los países que más webseries genera al año al nivel de Estados Unidos”, matiza Hernández.

“España siempre ha sido un país a la vanguardia de la expresión y la creatividad. La crisis ha hecho que mucha gente que se ha quedado sin trabajo o acaba de terminar los estudios se lance a internet porque quiere trabajar. El hambre agudiza el ingenio”, analiza tirando de su propia experiencia Julio Garma, director del FEW y creador de Freaklances Project, una productora-agencia que ha nacido gracias a sus trabajos en el mundo de las series online. Freaklances fue su primera webserie, un trabajo de animación centrado en el mundo de los freelances que surgió en 2009 para intentar captar una campaña de marketing. De ahí nació su empresa y ya van por la tercera serie para internet.

“Es una manera de darse a conocer para la gente que no tiene posibilidades, que está cansada de llamar a puertas y más con los medios tradicionales que siguen despidiendo a gente. Cuelgan sus trabajos en internet y, gracias a eso, a muchos les ha llegado la oportunidad. Es una nueva forma de hacer un currículum para los nuevos creadores”, resume Hernández.

Lo mismo que a Garma le ocurrió a David Velduque, creador de varias webseries y de la agencia Neurads. Desalmados fue su primer proyecto y también nació “como una forma de promocionarnos porque pensamos que internet nos iba a permitir darnos a conocer más facilmente y con contacto directo con el público. Lo hicimos en plan aventura, con un presupuesto de risa y nos llevamos una grata sorpresa”, cuenta.

Para el lanzamiento de la serie, que tiene siete capítulos, grabaron en una semana y contaron con cameos de actores conocidos como Pepe Viyuela, Carolina Bang o Carmen Ruiz. Lanzaron la webserie en Youtube y Antena 3 les eligió para lanzar su primera webserie: Háztelo mirar, una comedia muy interactiva apoyada en el programa Ponte a prueba y producida por el grupo de medios. “Hemos vivido las dos fórmulas y ambas tienen sus cosas buenas y malas, pero está claro que alguien tiene que producir”, garantiza.

También gracias a su primer trabajo nació su empresa, en la que hacen desde videoclips a spots y branded content, y esta semana acaban de estrenar Hipsteria, la nueva webserie que MTV les ha encargado. Se trata de una comedia de cinco episodios que analiza los arquetipos del mundo hipster llevándolos al extremo desde el humor. “Al final la mejor forma de una marca para acercarse a su público es dándole valor, dándole un contenido, y una forma buenísima es hacer una webserie de ficción o documental”, señala.

¿De dónde llega el dinero?

“Al principio nadie te respalda, la financiación es cero. Ahora la cosa está cambiando pero originalmente las webseries han nacido con presupuestos de decenas de euros. En la actualidad, aunque de forma limitada, están saliendo más creadores que se juntaron para lanzar sus ideas viendo que el mercado de los contenidos online tiene mucho potencial. Y algunos de esos proyectos se han convertido en empresas como nos ha pasado a nosotros, Neurads o Malviviendo”, explica Garma. Y añade, en esa línea que hoy es difusa en el mundo de las webseries donde la ficción pura y dura convive de forma natural con los contenidos con un carácter más publicitario y transmedia, que “lo principal es el patrocinio, que las marcas quieran apoyar una producción bien financiándola o con branded content. Poco a poco los canales empiezan a pagar. Primero fue YouTube. Y ahora Yahoo ha anunciado que va a crear un canal de vídeos y se está llevando a golpe de talonario a los creadores de YouTube. Que haya competencia es bueno para conseguir financiación y rentabilizar los proyectos”.

Lo cierto es que la mayoría de los trabajos personales de ficción estrictamente o de los primeros trabajos nacen con presupuestos bajísimos autofinanciados, como ha ocurrido tradicionalmente con los cortometrajes, o tirando del crowfunding, bien poniendo un teaser para poder crear la serie o bien para poder rodar una segunda temporada, nos explica Paula Hernández. Las otras fórmulas “están más ligadas a la publicidad, creando una webserie bien para una marca determinada que te patrocinará o producirá o mediante el branded content”, remacha.

Sin duda, lo más difícil es sacar adelante un proyecto personal. “Es lo más complicado porque tienes que convencer a un grupo de personas para que participe. Es lo más bonito pero lo más difícil. Nosotros empezamos así, con una apuesta personal con la que tuvimos mucha suerte y que nos salió muy bien. Pero lo importante y lo bueno que tiene internet es que se pueden hacer cosas. Hace años no era tan fácil pero hoy tenemos internet y la repercusión de las redes sociales y, por tanto, más posibilidades sin necesidad de una empresa o marca grande detrás. Por eso se está viviendo este cambio. El momento que vivimos es una oportunidad. No nos podemos quejar, hay que arriesgar y hacer cosas nuevas, romper esquemas y no seguir las líneas que han marcado otras generaciones porque somos una generación diferente”, afirma Velduque.

Lavida.es es una de las webseries que están nominadas en el FEW. Narrada en lenguaje 2.0 a través de tweets, mensajes de Whatsapp, pubicaciones en Facebook o rutas de Google Maps, es una comedia divertida y ágil, muy orientada a los nativos digitales, que habla sobre los peligros y el día a día de una vida 'social' en la que vamos dejando nuestro rastro. Surgió cuando sus creadores se quedaron en paro. Trabajaban en una productora audiovisual haciendo programas de televisión y con varios proyectos en el cajón, un día en tren lleno pero en el más absoluto silencio se les ocurrió la idea. “Aparentemente no pasaba nada pero todo el mundo estaba inmerso en sus tablets o smartphones”, explica Pau Secarrant, uno de sus creadores –la serie está producida por su productora y agencia audiovisual Coses Sèries–.

“Era nuestra primera webserie y pensamos que internet era perfecto para lo que queríamos contar. Aun así, teníamos mentalidad tradicional y la presentamos a varias productoras pero no la veían por el formato. A finales de abril del año pasado la lanzamos con seis capítulos quincenales. Y después muchas de las productoras, algunas de ellas con las que ya habíamos hablado, se interesaron por reunirse con nosotros. A raíz de eso llegamos a un acuerdo con un par de productoras y ahora estamos tratando de sacarle algún rendimiento económico vendiéndola para algún canal de televisión o plataforma continuándola o recomenzándola con algún patrocinio”, cuenta.

Lavida.es comenzó “gracias a la buena voluntad de amigos actores y demás personal técnico. Nadie cobró un duro. Lo hicimos por amor al arte y como carta de presentación de nuestra productora”, afirma Secarrant. Hoy, prosigue, “las cadenas empiezan a vislumbrar que exite vida en internet”. Se nota que cada vez apuesta más por este canal “pero es lógico porque el público se les está yendo. El espectador va por delante de las productoras y los canales. Y, además, la publicidad en televisión cae en picado y en internet no para de subir”. Pero a pesar de las oportunidades del momento actual, la otra cara llega con la competencia feroz que posibilita internet.

Las claves del éxito de una webserie

“Sobre el papel es complicado vender nada y más ahora que cualquiera te hace un video con buen nivel técnico y las herramientas profesionales están al alcance de casi todos. Lo que hay que hacer es contenido que destaque por encima de los otros y hacerlo, porque por muchas ideas que tengas si no se las enseñas al mundo o no te van a hacer caso o a alguien se le ocurrirá algo similar a lo que tienes el cajón”, señala Secarrant.

Como en todo no hay fórmulas mágicas para que una webserie tenga éxito, triunfe en internet y llame la atención de productoras, televisiones o marcas que las respalden. Una de las claves de la explosicón de este fenómeno está en su libertad temática y la posibilidad de tocar ciertas cosas que en los canales tradicionales pueden resultar espinosas. Un buen ejemplo de esto sería Libres, una webserie protagonizada por siete jóvenes que ocupan un pueblo deshabitado del Pirineo para dar un giro a sus vidas y romper con el sistema hacia un modelo de autogestión con sus bondades, problemas o cesiones.

“En un momento me planteé presentarlo a televisiones pero, como conocía su funcionamiento y que siguen buscando contenido generalista a muerte y no les interesan las audiencias específicas y además tenía un contenido político, lo descarté y decidí hacerlo por mi cuenta de una forma muy low cost”, asegura su creador Álex Rodrigo, que firma con esta su octava webserie. Lanzó un teaser en Goteo.org para iniciar una campaña de crowfunding –“es muy útil además porque te ayuda a tener una comunidad de seguidores desde el inicio del proyecto”– con la que recaudaron más de 5.400 euros de 86 mecenas. Supuso el 80% de su presupuesto, el resto lo pusieron él y otro de los guionistas. Con ello, estuvieron cinco semanas rodando, dos en Madrid y alrededores donde grabaron los flashbacks con los que arrancan cada uno de sus diez episodios y tres en Yeste, un pequeño pueblo del Prepirineo aragonés con un único habitante.

La serie se estrenó en febrero de 2013 cada quince días y la semana que no había capítulos seguían generando movimiento con making off y contenido extra, además del feedback que iban recabando en Facebook sobre las cuestiones que abordaban en cada capítulo.

Hasta hoy Libres, nominada en el FEW, ha recogido multitud de premios nacionales e internacionales en festivales de Roma, Canadá o Los Ángeles y tiene nominaciones en Melbourne, Tijuana y en el próximo Miami Web Fest, que se celebrará en octubre, donde también optan a los premios otras cuatro webseries españolas (Sin vida propia, El Gran día de los feos –la primera appserie española–, La grieta y Generación Z). A pesar de ello, garantiza, “a día de hoy no nos ha dado ingresos. Estamos negociando con una cadena de televisión autonómica para producir la segunda temporada siempre que haya unos salarios mínimos para todos. En la primera temporada no cobró nadie desde el refuerzo de cámara o hasta Juanjo Artero que participó en la serie. Curramos por amor al arte. Como se hacía con los cortos aunque fueron diez cortos”.

Pero además de las nuevas formas de financiación y la variedad temática, la mejor baza de las webseries es, sobre todo, el propio lenguaje del medio. Hablamos de ficciones cortas (adaptadas al consumo actual en los dispositivos móviles), con mucho ritmo y enfocadas en nichos de público específicos. “En internet hay que buscar un nicho. Ya no existe el para todos los públicos”, garantiza Paula Hernández. Y otra pata fundamental es la promoción, hay que saber mover las webseries y darles visibilidad y, para ello, las redes sociales hoy son el arma.

“El objetivo generalmente no es acabar en internet porque son pocos los que se ganan la vida ahí. Generalmente, igual que se hace un corto para saltar al cine, aquí la aspiración es llamar la atención para ir a los medios tradicionales que es donde se gana dinero o montar una productora y vivir de la red”, dice Hernández. “El salto a la tele aún sigue siendo la referencia pero cada vez para menos gente. La diferencia entre televisión e internet cada vez es más difusa y en los próximos años va a desaparecer del todo, así que tampoco es pasar a la televisión y más con estos formatos que por su duración y lenguaje son perfectos para momentos de espera en el taxi o el metro. La aspiración o el sueño es vivir de esto. No forrarnos pero sí poder comer de ello. El objetivo es saber que habrá una remuneración y no saltar al vacío”, añade Secarrant.

Qué vida más triste fue la primera webserie que saltó a la televisión nacional consiguiendo que las aventuras de Borja y Joseba estuvieran cuatro temporadas en La Sexta. Malviviendo es otro buen ejemplo, de hecho es una de las webseries más exitosas de la red (su primer capítulo tiene más de 2,5 millones de reproducciones en Youtube, por ejemplo). Comenzaron con 40 euros de presupuesto y, tras seis años y tres temporadas que concluirán en julio, han arrasado en su web e internet con las andanzas de los habitantes del sevillano barrio de Banderilleros y también encontraron su oportunidad en Canal Sur el año pasado con Flaman. O Año Sabático que con su webserie viajera obtuvieron una sección en El Intermedio de La Sexta. La niña repelente (creada en 2009 y con más de 6'6 millones de reproducciones de su primer episodio) es otro de los casos en los que sin necesidad de terminar en un canal tradicional una webserie supera todas las expectativas y arrasa online. “Es de las pocas que viven de su marca”, matiza Paula Hernández.

¿Se puede hablar ya de industria?

Aunque el momento está viviendo, podríamos decir, una de sus épocas de gloria, aún quean escollos por salvar con productoras y medios tradicionales para que las webseries se consoliden como un producto más de consumo que sea rentable para los creadores. “Posiblemente en cinco años no hablemos de webseries o series. La gente asocia la webserie a un producto amateur con poco presupuesto pero esto está cambiando muy rápido. Hay marcas que están poniendo dinero, festivales, distruibuidoras y esto le da seriedad al mercado. Todo avanza de forma geométrica y muy rápida y aunque aún queda para que se consolide como un mercado, ya estamos en ese camino”, dice Julio Garma.

En este sentido, Álex Rodrigo matiza que hoy en día en las webseries pasa como con los cortometrajes: “El corto ya no es un género amateur para aprender sino que se hacen cortos totalmente profesionalizados con salarios de cine y creo que las webseries van a ir por ese camino”. Paula Hernández, por su parte, pone el acento en que hoy por hoy las webseries se han convertido “en una cantera de nuevos talentos pero más adelante podría ser una industria con su propio lenguaje. Además de que hay salidas, quizás son más difíciles en la ficción tal cual pero muchos de los pioneros que comenzaron en 2006 haciendo webseries hoy trabajan en sus productoras o están en los departamentos de nuevos medios de canales de televisión”.

Lo que está claro, como expresa Rodrigo, es que la industria está cada vez más interesada en las webseries “porque, aunque es un formato nuevo y aún hay un desfase entre creadores e industria, tienen muchísima repercusión”. Por eso, añade que sería conveniente que las administraciones públicas se plantearan dar subvenciones, que no existen hoy, al igual que se hace con los cortos, el cine o los documentales. Pero lo más importante, opina, es que se les toma en cuenta como el producto de calidad y profesional que son. “Falta que la industria no nos mire como unos niños pequeños, que es lo que hace. Te llegan ofertas de canales o grupos multinacionales diciéndote que te hacen promoción pero que no te pagan o, como mucho, te dan un 25% de los banners, que son 50 euros si llega. Tienen que dejar de pensar en esos niños a los que quieren ayudar a dar visibilidad y pagarnos por nuestro trabajo. Es muy cómodo para ellos rentabilizar nuestros productos gratis y tener contenido gratuito porque creen que al creador de una webserie le hace ilusión salir en una página determinada. Nadie se plantearía algo así con una serie de televisión hecha para televisión pero no les da pudor si es para sus webs”, reivindica. Para ello, abunda en la necesidad de asociarse o encontrar algún mecanismo que les haga fuertes y pueda acabar con esas ofertas “de visibilidad” pero sin dinero de por medio. “Libres es una serie con bastante éxito pero cada vez que tengo que pagar el alquiler sigo teniendo que hacer publicidad porque la serie todavía no se rentabiliza por ningún lado”, concluye.

“El pop art es popular, efímero, prescindible, barato, producido en serie, joven, ingenioso, sexy, divertido, glamouroso y un gran negocio”. Así definía Hamilton, en una carta a sus compañeros del Independent Group en 1957, la corriente con la que estaban revolucionando el panorama artístico de su época. No queremos ser nosotros los que pongamos un pero... aunque hoy tenemos que añadir que el pop art es mucho más.

Para empezar, el pop art va mucho más que los omnipresentes –tanto en museos como en la memoria colectiva– Warhol y Lichtenstein. No es un arte banal ni superficial (ni mató la pintura como muchos le recriminaron a Warhol) sino que, más allá de ese mito, cuenta con más lecturas y poso social y político de lo que puede aparentar. Pero, además de la forma tan novedosa y aparentemente sencilla de hacer del arte algo cercano y atractivo para el público usando su propia realidad, está intrincado con la tradición pictórica. Esas son las lecturas que dibujan la exposición Mitos del pop, que se inaugura mañana en el Museo Thyssen de Madrid y que se podrá ver hasta el 14 de septiembre. Una muestra que trae a la capital, tras más de 20 años sin que esta corriente artística protagonizara una exposición en los grandes museos, una revisión de los inicios de este movimiento artístico haciendo dialogar a los pioneros ingleses con la explosión americana y los representantes alemanes, franceses, italianos o españoles, muchos grandes desconocidos para el público, de la expansión que vivió el pop art en Europa. Y todo ello tirando de esa relación con la historia del arte.

“El pop fue un movimiento revolucionario. Rompió con el espíritu subjetivo y elitista de las vanguardias anteriores. Se fijó en el entorno en un momento en el que estaba cambiando y las ciudades se llenaban de imágenes publicitarias, televisores, cines, eslóganes, eso que se llama mundo de la imagen. La reflexión que hicieron esos pioneros ingleses y americanos fue cómo incorporar esa cultura visual al mundo artístico”, aseguraba la comisaria Paloma Alarcó. Y la respuesta es que, añadía, “nos han enseñado a mirar nuestro entorno. Una de las claves del pop fue saber comprender la mitomanía de la sociedad y convertirla en arte”.

Utilizaban el mundo que les rodeaba. Eso que hoy llamamos cultura pop pero que en la década de los 50 estaba en pleno boom. El cine, las celebrities, la publicidad, las marcas, los cómics, los medios de comunicación... Y se ganaron no pocas críticas de sus antecesores, los expresionistas abstractos, porque consideraban el arte pop de todo menos arte. Quizás porque llegaron comiéndoles un terreno que habían tardado mucho en conquistar en cuanto a público y coleccionistas. Y también porque hacen del arte algo que está al alcance de todos, fácilmente reconocible y comprensible. El resultado fue una reinterpretación de la imagen de la cultura contemporánea que hoy sigue teniendo prácticamente la misma vigencia porque todos, en mayor o menor medida, bebemos de esa cultura pop.

Mitos del pop llega, por tanto, con discurso narrativo novedoso y muy interesante. Es arriesgado, como explicaba Paloma Alarcó, pero efectista en ese descubrir algo más. La exposición, que se centra en los inicios del movimiento (de los 50 a los 70) no se estructura de forma cronológica o por artistas sino que son ocho ejes temáticos los que nos contraponen a los pintores y técnicas a partir de los grandes géneros de la historia del arte. “La relación del pop con el arte contemporáneo es palpable y se ha estudiado mucho pero, sin negar este hecho, queremos mostrar la revolución que lo cambió todo y su relación con los géneros y las obras icónicas de la historia del arte. Medir el pop con tradiciones artísticas da muchas claves”, afirmaba Alarcó.

Así, Detalles de pinturas renacenistas de Warhol, obra que abre la exposición tras traspasar su gran mural Flores, es una versión de El nacimiento de Venus Boticelli. Tampoco es igual, pero guardan una estrecha relación, las versiones de Mickey de Warhol, Lischtenstein o el Equipo Crónica. Y, por supuesto, quien busque aquí la parte más conocida, ya decíamos que la muestra era efectista en su concepción y está llamada a convertirse en una de las exposiciones del año junto a la retrospectiva que el Museo Reina Sofía dedica a Hamilton (27 junio a 13 octubre y con venta entrada combinada para ambas muestras pop), encontrará una amplia variedad de Warhol y Lichtenstein. De hecho, ambos son los pintores con más obras entre las 103 de la exhibición, con 24 y 10 respectivamente. Pero, aunque lo parezca, no todo el pop art son ellos.

Aquí comenzó todo

¿Qué es lo que hizo que los hogares de ayer fueran tan diferentes y atractivos? Es 1956. Richard Hamilton había creado hace cuatro años en Gran Bretaña el Independent Group. Aunque se adjudica al crítico Lawrence Alloway la elección del nombre pop, fue Hamilton el que lo etiquetó así en este collage que puede considerarse el punto de partida del pop art. La exposición muestra en su arranque, y dentro de eje llamado Collage, publicidad, cómic, una versión de 1992 donde la palabra pop (un fragmento de la marca de caramelo American Tootsie Roll Pop) aparece en un chupa chups. Pero también aquí ya encontramos también las claves de todas las fuentes de las que bebería esta corriente artística. Está la pin up, el hombre musculado, la televisión, la música, las marcas de coches, los neones del cine, los periódicos, la aspiradora, el cómic... Todos esos objetos que se iban haciendo básicos en la sociedad de consumo que se estaba imponiendo.

Junto a esta obra, no faltan esos momentos iniciales que representan los collages de papel couché Paolozzi o los protagonizados por James Dean, de Johnson, pero si algo nos llama la atención de ese arranque son los bocetos de zapatos de Warhol. Su trabajo como publicista y ilustrador fue clave para su manera de entender el arte. Y en las cuatro obras sobre zapatos que se pueden observar (trabajó para la firma Miller Shoes) vemos esos inicios de Warhol en el pop art bajo el influjo de su profesión. Son un tanto abocetados, antiguos, casi toscos pero ya están cargados de una segunda lectura (el título À la recherche du Shoe Perdu quiere evocar a Proust). “Aquí Warhol está aprendiendo a hacerse a sí mismo”, nos dice Alarcó.

En Estados Unidos el pop art irrumpe con fuerza en la década de los años 60 y si hay un punto de partida lo marca Warhol y Lichtenstein y esta obra. Su Look Mickey convierte en arte algo que nunca se había llevado a un lienzo o una galería como es el cómic. ¿Había algo más transgresor y común al ciudadano de a pie? Pero va más allá y carga obras como esta, Forget It! Forget Me! o Mr. Bellamy de un simbolismo que busca retratar esa nueva América en la que imperan los mass media y el consumo de masas.

Marcas, logos, neones y todo lo que se pueda vender

La publicidad es un filón para los artistas y una forma de comunicación hiperdirecta con el espectador. La marca y el eslogan son ya, no el reclamo para vender productos, arte. La sala llamada Emblemas es una de las que más va a llamar la atención del visitante y no solo por ser tan reconocible y ver la Coca-Cola, la sopa Campbell y la caja de Heinz de Warhol. Estos son nuestros primeros impactos al entrar pero, además de descubrir una de las primeras obras en las que empieza a utilizar algo que se convertirá en su seña de identidad: las repeticiones (S&H sellos verdes pero también lo vemos en Mantra Pool de Tilson, otro de los pioneros del pop británico), Robert Indiana es el que captura nuestra atención. Su EAT con luces de camerino o de esos carteles de cine de antaño funcionan hoy tan bien como reclamo como antes. “Indiana utilizó principalmente palabras y números que se imponen de una menera repetitiva e icónica en sus obras”, cuenta Alarcó.

¿Qué sería del mundo sin celebrities?

Del mundo y del pop art. The Beatles, The Rolling Stones, Marilyn o Liv Taylor fueron el objeto de las obras de Blake, Hamilton, Warhol o Rotella respectivamente. Iconos que reinterpretados y manipulados por los artistas pop se convierten aún más en objetos de veneración. Junto las obras más icónicas, encontramos la versión de Lauren Bacall de Alez Katz o el enorme collage Solo para hombres. Protagonizada por MM y BB de Peter Philips, donde combina folk art británico con recortes de revistas con el rostro de Marilyn y Brigitte Bardot junto al texto She is a doll (Ella es una muñeca) y cuatro strippers en claro símbolo de la atracción sexual. Y sí, hay una protagonista indiscutible en esta sala dedicada a los Mitos. Y no es otra que Marilyn Monroe.

Este soy yo (o no)

El pop art también llega, como decíamos al principio, para reinterpretar los géneros artísticos clásicos y el retrato es uno en el que los artistas dejan con más pasión su huella. La técnica se torna subjetiva, se cuestiona la individualidad y se busca el estereotipo o el anonimato. Lo vemos en los varios que hay de Warhol (Autorretrato con luz negra es el más poderoso de todos y marca el punto de inflexión en el que el retrato se convierte en imagen visual, aunque no faltan los que hizo a finales de los 60 introduciendo temas como la muerte en su concepción personal) pero también en los hechos con fotos y recortes de revistas como el Autorretato con guitarra azul de Hockney, con un componente autobiográfico, una técnica que juega con el espectador sobre los límites de la realidad y la pintura e inspirado en el poema de Wallace Stevens El hombre con la guitarra azul y El guitarrista ciego del periodo azul de Picasso, o el desfigurado y abstracto Hombre reflejado de Jones.

Mis paisajes

Si alguien utilizó como fuente de inspiración los paisajes, los bodegones y las naturalezas muertas ese fue Lichtenstein. De hecho, descubrimos en el recorrido por la exposición su Cielo amarillo, con sus característicos puntos benday, que beben del postimpresionismo y el puntillismo pero aquí se congelan y mecanizan. Esta es una de las salas más interesantes en cuanto a diversidad de estilos y descubrimientos de obras. Nada tienen que ver el Jónico de Ed Ruscha con El camerino de Valerio Adami o las Tres máquinas de Wayne Thiebaud, un californiano que pintaba objetos utilizando una técnica muy potente e icónica y pinceladas elaboradamente gruesas. Nos detenemos ante la reinterpretación de Wesselmann de las naturalezas muertas. Lucky Strike, Coca-Cola, el batido de fresa o las muffins (¿nos creíamos modernos, no?) nos proponen un discurso artificial que choca con la tradición pictórica más realista e idealista.

¿Sexo o sexy?

La publicidad también llegar para crear los mitos de género que perduran (aún) hoy. Muchos artistas pop como Warhol, Wesselmann, Rosenquist o Lindner participaron en 1966 en la exposición Erotic Art 66 de Nueva York bien para poner esta obsesión en el punto de mira o bien, y visto con la distancia de los años, para perpetuarla.

En Erotismo urbano nos topamos con una de las pocas artistas pop de la exposición. Pauline Boty coloca sobre el lienzo en su Es un mundo de hombres II a esa mujer objeto ideal que venden los medios y le agrega el eslogan ad hoc que da título a la obra aludiendo a un mundo dominado por la visión masculina.

Junto a ella, destacan los desnudos americanos de Wesselmann (para los que utiliza los colores de la bandera estadounidense, símbolos nacionales e imágenes de personajes históricos) con claras reminiscencias de Tiziano, Goya, Manet o Matisse, las apariencias desdibujadas de Richter o la crítica a la deshumanización de la sociedad moderna que Lindner hace con su descomunal y travestida amazona/domadora (en la imagen).

Historia y política

Los referentes a la política americana no faltan en la iconografía pop. En esta parte de la exposición predominan referentes como la llegada del hombre a la Luna o el asesinato de Kennedy, representado en su viuda Jackie por obra y gracia de Warhol, y su canonización del americanismo. El patriotismo de la posguerra también aparece en las obras Rauschenberg o en la escultura de Fahiström. El sueco contrapone en su balancín rojo repleto de figuras de plástio lo precario del equilibrio mundial con iconos como el Papa, Nixon, referencias a la guerra de Vietnam, la estatua de la Libertad o King Kong.

Pero si algo merece ser destacado aquí son los múltiples y comprometidos ejemplos de arte pop español. La crítica mordaz contra el franquismo, la amnesia colectiva o el exilio están presentes en obras de Eduardo Arroyo, Equipo Realidad o El abrazo de Genovés, todo un símbolo de la transición que inspiraría el momumento a los Abogados de Atocha y que no ha visto las paredes de una sala (se ha exhibido intermitente y mínimamente) desde hace demasiados años.

El arte sobre el arte

La historia del arte pasa de ser un motivo de inspiración a uno artístico en el pop. Es revisitable, criticable, modificable y, además, sirve para analizar la evolución del arte y cómo lo percibe la sociedad. “Pienso que he tenido una relación permanente con el arte del pasado, con momentos de pasión y de enfriamiento”, aseguraba Hockney para reivindicar que “el arte del pasado todavía está vivo”. Su manera de demostrarlo fue versionando un retrato de un niño de perfil de Piero della Francesca en Cabeza renacentista. Y Warhol, de nuevo, sería el gran impulsor y quien convertería esta reinterpretación de los clásicos al estilo pop en un género en sí mismo.

En esta parte final de la muestra no está presente el icono americano pero encontramos los ejemplos más destacados entre los artistas pop españoles. Las Meninas de Velázquez adaptadas por el Equipo Crónica español en La salita denuncian, metiédolas en una estancia contemporánea, cerrada y asfixiante, el retroceso y la opresión de la dictadura. Luis Gordillo con su Caballero cubista aux larmes también retrocede, tirando de iconografía sacada de los medios, el cómic y la publicidad y con un trabajo entre la abstración y la figuración, al Siglo de Oro y al cubismo para criticar la alineación del hombre en las urbes mientras que el excepcional Vestido bajando la escalera de Eduardo Arroyo denuncia la devoción por los artistas vanguardistas parodiando a Duchamp.

Julio se ha convertido en el mes de la fotografía en Madrid y en España. Tanto es así que PHotoEspaña ha querido este año dedicar su edición número 17 a nuestra fotografía. Una mirada poliédrica a la riqueza y la pluralidad de nombres, obras y técnicas utilizadas por los fotógrafos españoles que se hilvana en forma de un gran mural de más de un centenar de exposiciones que abarcan la historia de nuestra fotografía desde sus orígenes a la actualidad.

En total, desde hoy y hasta el 17 de julio (las fechas oficiales de PHE aunque hay exposiciones que se prolongan hasta el mes de septiembre), podremos ver 108 exposiciones con obras de 440 artistas, de los que más de 310 son españoles, en ciudades como Madrid, Alcalá de Henares, Alcobendas, Getafe, Cuenca y Zaragoza. Sedes a las que se suman este año otras invitadas como Cádiz, Almería, Londres o Arles.

Esa panorámica comienza con exhibiciones como Fotografía en España, 1850-1870, en la Biblioteca Nacional de España, donde nombres como Charles Chlifford, José Martínez Sánchez o Jean Laurent y otras obras anónimas demuestran la relevancia que adquirió la recién llegada fotografía en la España de finales del siglo XIX como difusora de estampas cotidianas, avances industriales o el día a día de la actividad cultural y urbana, o la muestra dedicada a Joan Vilatobà, uno de los referentes del pictoralismo cuya obra podemos ver en el Museo del Romanticismo. El relato prosigue avanzando en nuestra historia con nombres tan desconocidos e imprescinidbles rescatados en este edición de PHE como Antoni Arissa u otros más conocidos e igual de indispensables como Josep Renau o Eugeni Forcano (Real Academia de las Artes de San Fernando). Tampoco faltan en la programación los nuevos fotógrafos de hoy pegados a las nuevas tecnologías ni los grandes nombres de nuestro tiempo como Chema Conesa (Alcalá, 31) o Alberto García-Alix y José Manuel Navia (CBA). Para no perderse, recorremos una docena de exposiciones de PHE trazando un retrato generacional de nuestra historia en imágenes imperdibles.

Arissa. La sombra y el fotógrafo. 1922-1936

Ocho décadas ha pasado a la sombra, desconodida y oculta la obra de uno de los fotógrafos españoles más representativos de la vanguardia fotográfica. Ahora PHE y el Espacio Fundación Telefónica rescatan a Antoni Arissa con la primera muestra antológica dedicada a este tipógrafo catalán tenía en la fotografía su pasión artística. Una muestra que a través de 166 fotografías redescubre “un eslabón que faltaba en la historia de la fotografía española”.

Arissa, que solo vio una exposición suya con 26 obras, cultivó el estilo pictorialista a principios de los años 20 para evolucionar a la modernidad y la llamada Nueva Visión de las vanguardias, de la que es su máximo exponente. Una etapa que quedó interrumpida con la Guerra Civil. “Fue cuando la modernidad quedó olvidada, con fotógrafos como Arissa, Català Pic o Masana, porque no existían páginas ni exposiciones donde mostrar sus obras”, explicaba ayer uno de los comisarios de la exhibición Rafael Levenfeld. “La singularidad de Arissa es la de un artista perdido en un periodo fructífero y fundamental de la historia de la fotografía españoña”, añadía Valetín Vallhonrat.

Por eso, esta exposición recoge toda una evolución estilística de un ojo que captura imágenes primero centrado en las temáticas más costumbristas para llegar a una fotografía en la que la composición, trabajada por medio de la luz, el ángulo y la toma, se torna abstracta y figurativa. Así, esta restrospectiva pasa de esa primer época (1922-1928) centrada en la mitología popular, con imágenes de personajes de la labranza, niños solitarios como sacados de un cuento de los hermanos Grimm y retratos iconoclastas dentro esa etapa pictorialista que representan personajes y escenas del imaginario colectivo, a una mirada y una técnica que evoluciona hacia nuevas soluciones visuales con personajes que ya no forman parte de un relato sino que son un elemento compositivo más de una imagen que se empiezan a desdibujar. Finalmente, cultiva la Nueva Visión (1930-1936), corriente en la que produce su obra más cuidada con composiciones abstractas donde prima la visión del fotógrafo y su construcción de la realidad en un discurso imprescindible para entender el devenir de nuestra fotografía.

José Ortiz Echagüe. Norte de África

Ortiz Echagüe es, probablemente, una de las figuras más importantes de la fotografía del siglo XX en España dentro y fuera de nuestro país. Comenzó a hacer fotos en 1989 y no dejó la cámara hasta que tenía 87 años y porque perdió la vista. Su obra, dicen los entendidos, es inclasificable ya que abarca tantos planos y estilos que va desde rasgos pictorialistas hasta el documentalismo. La exposición Norte de África de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando nos lleva al norte de Marruecos a través de imágenes aéreas, paisajes y retratos que relatan la forma de vida de los habitantes del Rif. Esta serie fue uno de sus primeros trabajos y, además de ser uno de los más desconocidos, sentó las bases de lo que después serían sus obras de madurez más célebres centradas en series costumbristas de la España de los años 30 a los 50.

Josep Renau. The American Way of Life

Sus fotomontajes críticos con la sociedad americana de los años 50 no pueden estar más de actualidad tanto en temática como en estética. El valenciano Josep Renau fue una de las figuras más destacadas del fotomontaje y el cartelismo español. Concibiendo el arte como un arma revolucionaria, su militancia en el Partido Comunista y su posterior exilio a México tras la Guerra Civil determinaron un trabajo con importante una carga documental y un firme objetivo de interferencia social. De tintes muy pop, influenciado por sus inicios en la pintura y adaptando el universo de las revistas que comenzaban a nacer en la época como Life o Paris Match, Renau “subvierte la realidad, creando un universo fantástico pero que muestra verdades que estamos sufriendo”, aseguraba ayer el comisario de la muestra Josep Vicent Monzó.

La Guerra Fría, el capitalismo, la mujer como objeto, el racismo, los derechos humanos, la sociedad vanal o el Ku Kux Klan son los temas sobre los que giran los 69 fotomontajes de The American Way of Life que podemos ver en Círculo de Bellas Artes. Una serie que, aunque marginada y hasta censurada en su momento, fue pionera en el uso del color en el fotomontaje (técnica a la que llegó por casualidad al encontrar un cromo pegado sobre una revista y conocer el trabajo de la revista comunista AIZ y de Heartfield), las imágenes a sangre y en ahondar en una crítica con tantas lecturas como capas tenía cada imagen. Porque Renau no dudaba en manipular o colorear una imagen de Cappa o Malthus, un cartel de cine o un posado de éxito en la prensa de la época para hacer llegar al público su ácida crítica social y política.

La Palangana

Otra exposición imperdible es esta que recurrera también en el Círculo de Bellas Artes la obra de uno de los colectivos de fotógrafos más influyentes de España. La Palangana nació en 1959 huyendo del pictorialismo y el academicismo imperantes para dar un testimonio realista y veraz de la España de su tiempo. Por eso, sus integrantes deciden dejar el idealismo franquista y girar su mirada al mundo rural y la periferia de las ciudades en una época de éxodo del campo a las urbes. En “La Palangana” fueron “testigos de su tiempo”, en unos momentos en los que el país “no contaba con un espejo en el que mirarse, sino más bien con un retrovisor de una España folclórica y poco fiel”, aseguraba ayer José María Parreño, comisario de la exposición.

Ramón Masats, que recibió el lunes el Premio PhotoEspaña de esta edición, Francisco Ontañón, Gerardo Vielba, Fernando Gordillo, Gabriel Cualladó y así hasta diez amigos fueron los integrantes de La Palangana. Y aunque no tuvieron una actividad conjunta ni larga sí aportaron ese enfoque realista a la forografía española del que después bebería el Neorrealismo. “La Palangana fue el síntoma de otra forma de mirar”, recalcaba Parreño. Diez miradas, más bien, independientes y coincidentes en estética y técnica sin las que no se entiende la fotografía de la última mitad del siglo XX.

Tan lejos, tan cerca. Documentalismo fotográfico en los años 70

Icónicas son muchas de las imágenes de Koldo Chamorro, Cristina García Rodero, Fernando Herráez, Cristóbal Hara, Anna Turbau y Ramón Zabalza que perviven en nuestra memoria como recuerdos de un pasado nada lejano. La sociedad rural, la vida en los pueblos, la cultura y las tradiciones más ancestrales, las fiestas populares o el costumbrismo cotidiano no escaparon a la mirada personal y alejada de prejuicios de estos seis fotógrafos que son los más representativos del documentalimo español surgido en la década de 1970. Una obra alejada del neorrealismo y el pintoresquismo imperante en el franquismo que podemos ver en la exposición Tan lejos, tan cerca. Documentalismo fotográfico en los años 70 en el Real Jardín Botánico-CSIC y que se centra en esa mirada que retrata una realidad al borde de la desaparición o la transformación insondable del tiempo.

Además, también en el Real Jardín Botánico-CSIC se podrá ver En el recuerdo, una muestra que recupera la obra de Piedad Isla junto al trabajo de otras cinco fotógrafas, como Roseel Meseguer o Beatriz Rubial, para hablar de la memoria personal y social y la fugacidad del tiempo.

Philip-Lorca diCorcia. El lenguaje del narrador

Paramos ahora ante el trabajo de uno de los fotógrafos estadounidenses en activo más influyentes e innovadores. En El lenguaje del narrador, Philip-Lorca diCorcia ha traído al Centro de Artes de Alcobendas una seleccion de sus obras realizadas entre 1987 y 2007 en la que el autor parte de narraciones inexplicables que quiere que termine construyendo la imaginación del espectador... porque al fin y al cabo, como dijo el fotógrafo, una imagen tiene tantas explicaciones como personas. Conocido por ampliar el campo artístico de la fotografía y con imágenes que funden la documentación y el montaje y los ámbitos público y privado, en esta muestra podremos ver algunas de las fotos más famosas de diCorcia como las que forman parte de la serie Street Work, Heads o Hustlers, en las que retrató a prostitutos de Los Ángeles.

También podremos ver en este centro la obra de Rafael Sanz Lobato, otros de los grandes nombres de la fotografía española, en una muestra que a través de 60 imágenes recorren escenas cotidianas captadas en lo que él llamaba “documentalismo de fin de semana”, es decir en sus viajes por los pueblos de España, y que le hicieron ser uno de los precursores del documentalismo que después heredaron García Rodero o Hara, así como la de la estadounidense Nancy Newberry, que en A medio camino de Midland habla sobre la ciudad y sus mitos como metáfora de un espacio psicológico que contecta a la gente con un lugar.

Elemento latente. Diez fotógrafos de América Latina

Dejamos España para adentrarnos en la fotografia latinoamericana. Casa de América acoge tres exposiciones que pretenden trazar un lienzo sobre las líneas estéticas y compositivas que se están imponiendo entre los fotógrafos de América del Sur. En Elemento latente. Diez fotógrafos de América Latina el trabajo de una decena de artistas pone la mirada sobre esos personajes anónimos e historias que podrían pasar desapercibidos pero sirven para plantear aquí otras realidades. De este modo, Marlos Bakker reflexiona sobre el coche como lugar privado y de exposición; Karina Muenh investiga los feminicidios en Bolivia; Rómulo Peña lo hace sobre el alto índice de suicidios en un poblado de Venezuela o Gustavo Lacerda se centra en los albinos brasileños.

También se puede visitar la exposición Chile en fiesta, que muestra la mirada de Alejandra Undurraga y Catalina Riutort a partir de un libro impulsado por Catalina Darraidou sobre las festividades más extendidas en el país andino, y Gigantos, donde la brasileña Raquel Brust nos presenta sus retratos hiperdimensionados de personas anónimas que se proyectan e integran en el paisaje urbano.

Mapping the bling spots

Polonia y España. Europa del Este y del Oeste. O SPUTNIK y NOPHOTO. Este es el binomio de la exposición Mapping the bling spots, que se puede ver en la Fundación Lázaro Galdiano, y que une la producción de estos dos colectivos fotográficos nacidos a principios del siglo XXI para investigar aspectos históricos, socioculturales y geográficos de sus respectivos entornos inmediatos. La muestra, que reúne más de 100 fotografías e incluye la publicación de un fotolibro con sus archivos, persigue descontextualizar los proyectos de cada colectivo para generar una nueva lectura en el que ambas realidades geográficas se mezclan y confunden en un espacio ficticio común.

Testigos de las revoluciones árabes

Enero de 2011. Una fecha histórica en la que miles de tunecinos salen a la calle para reivindicar derechos sociales y mejoras laborales en un país que vive bajo una dictadura. Fue el inicio de la llamada primavera árabe. A Túnez le siguen otros lugares como Egipto, Bahrein, Libia, Yemen... Allí estuvieron Ricardo García Villanova (liberado en marzo tras más de seis meses secuestrado en Siria y Premio de Periodismo Internacional 2013), Diego Ibarra, Manu Bravo (Premio Pulitzer 2013), Maysun, Guillen Valle y Alfonso del Moral, seis fotoperiodistas españoles que fueron testigos de las manifestaciones, las revueltas, la persecución y la violencia vivida en estos años. Y que ahora nos la muestran tan descarnada como la han capturado con sus cámaras fotográficas la realidad que subyace tras los titulares de prensa en la esta exposición que se puede ver en el Centro de Historias de Zaragoza.

Fotografía 2.0

Decía ayer Joan Fontcuberta, comisario de esta exposición, que hemos pasado de ser Homo Sapiens a Homo Fotográficos. “Vivimos en un mundo con una enorme saturación de imágenes”, explicaba, “desde que nos levantamos estamos viendo y produciendo imágenes. Tantas que no nos da tiempo a verlas todas. Las imagenes se han secularizado, ya no son algo sagrado, y han pasado a ser un acto de comunicación”.

“El mundo digital ha condicionado una manera muy intensa todo el universo icónocio. Las imágenes ya no representan la realidad sino que son parte del mundo”, añadía Fontcuberta. Esa sociedad en la que estamos inmersos hoy es la que recoge Fotografía 2.0, una muestra en la que una veintena de artistas nacidos a partir de 1970 interpretan este mundo hiperconectado de producción masiva de imágenes, producto de la globalización y el poscapitalismo. La muestra se estructura en tres ejes que van desde la idea del voyeurismo y ese Gran Hermano que nos vigila constantemente, como podemos ver en la serie de retratos de los personajes más poderosos de la City de Londres capturados con estética de cámara de videovigilancia de Daniel Mayrit; las nuevas memorias y narrativas familiares que pasan del álbum a los blog o el Facebook creando una nueva identidad social, que vemos en el Data Recovery de Diego Collado, que nos habla sobre la pervivencia de la imagen en formato digital; y los accidentes imprevistos de la propia tecnología que sirven a los fotógrafos para crear un nuevo vocabulario o posfotografía. De este modo, nacen obras como las de Manuel Fernández, que ha servido de imagen para esta edición de PHE o la crítica a la sociedad vanal y narcisista del selfie con el famoso que presenta en CelebriMe Jon Uriarte.

P2P. Prácticas contemporáneas en la fotografía española

Por último, seguimos mirando a la fotografía contemporánea. P2P, en el Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, surge como un proyecto de Charlotte Cotton y Luis Díaz Díaz e Iñaki Domingo de la plataforma 30y3 para reunir las prácticas y teorías más innovadoras de la joven fotografía española de hoy en día. A partir de la obra de 24 artistas como Cristina de Middel, Carla Andrade, Íñigo Aragón, Alberto Feijoo u Olmo González, la muestra pretende crear una conversación visual entre todos ellos para reflejar el dinamismo y la variada cantidad de técnicas, ideas y contextos fotográficos y redes creativas de las que tiran los artistas en la actualidad.

“Durante todos estos años me he detenido, igual que tantos otros frente a mil, dos mil, Dios sabe cuántos, cuadros de Pollock, Newman, de Kooning, Noland, Rothko, Rauschenberg, Judd, Johns, Olitski, Louis, Still, Franz Kline, Frankenthaler, Kelly y Frank Stella, bizqueando unas veces, otras con los ojos abiertos como platos, aproximándome y alejándome, esperando, esperando, siempre esperando ese… algo… ese algo que de repente aparece; en pocas palabras, la visual recompensa a tanto esfuerzo, el premio que debe aguardarnos allí, que todos y cada uno (tout le monde) saben que está… allí esperando, ese algo que irradie directamente desde los lienzos colgados en estas paredes de blanca pureza inmarcesible, en esta habitación, ahora, hasta mi propio nervio óptico. En resumen, durante todos estos años he creído que en arte, más que en cualquier otra cosa, ver es creer. Bien, ¡cuánta miopía! Ahora, por fin, el 28 de abril de 1974, ya podía ver. De golpe he recuperado mi visión. Nada de ”ver para creer“, tonto de mí: ”creer para ver“, porque el Arte Moderno se ha vuelto completamente literario: las pinturas y otras obras solo existen para ilustrar el texto”.

Tom Wolfe en su mordaz La palabra pintada (1975, reeditado por Anagrama) comienza con estas palabras a desgranar la parodia en la que, para muchos, se ha convertido inconscientemente el llamado arte moderno, el conceptual, las vanguardias o el contemporáneo. Un arte que buscaba ser revolucionario pero que ha terminado, defiende, viviendo pendiente de la literalidad del texto que le da sentido, devoto –y dependiente– de los críticos-gurús, o creadores de la palabra pintada como les llama, y de la alta sociedad, o el culturburgo.

Lo que nos preguntábamos es cómo no siendo ajeno el arte al teatro, este no le ha hincado el diente con más ansia en estos tiempos al siempre controvertido arte contemporáneo y su concepción, su simbolismo y, sobre todo, su valor (económico, sí). Pues bien, dentro de esta controversia Mierda de artista llega desde hoy a los Teatros del Canal para sumarse a esas escasas obras que se rinden a este polémico mundo artístico y económico a ritmo de un musical sarcástico, divertido y con mucha retranca.

La producción de Kaktus Music (Pegados), que se estrena en Madrid y en julio se podrá ver en el Romea dentro de la programación del Grec de Barcelona, se centra en la vida y la obra del artista Piero Manzoni. Este italiano harto de que nadie hiciese caso a su obra “de verdad”, optó en 1961 por cagarse literalmente en el sistema artístico-comercial. “Estos imbéciles de burgueses milaneses solo quieren mierda”, cuenta un amigo que exclamó unos meses antes de su creación más célebre: una serie de 90 latas de Mierda de artista que contenían 30 gramos de sus excrementos conservados al natural, según rezaba la etiqueta, vendidas a precio de oro. Aunque en 2007 este mismo amigo de fatigas, Agostino Bonalumi, dijo en Il Corriere della Sera que dentro había yeso. Otros aseguraron que varias latas explotaron o que dentro de ellas encontraron otra de menor tamaño, como afirmó en 1989 el también artista Bernand Baziiel.

Hubiera lo que hubiera, esta creación de Manzoni es una de las más sonadas sátiras artísticas de los últimos tiempos y no sabemos qué diría el artista hoy (murió con 30 años de un infarto, tan solo uno después de esta ocurrencia) si supiera que una de las últimas latas se vendió en 2013 por más de 109.000 euros y hay otras que se exponen en la Tate Gallery de Londres, el MOMA de Nueva York o el Centro Pompidou de París.

Albert Boadella, director artístico de los Teatros del Canal, celebra esta provocación de Manzoni que podemos ver recreada ahora en este musical. “La mierda de Manzoni es motivo más que suficiente para hacer un musical. Siempre me ha extrañado por qué no se hacían más obras sobre el arte, un tema que tiene que ver con esta crisis porque habla del valor real de las cosas”, dijo para agregar que las claves, muy a lo Wolfe, están en que “la cantidad de estupideces que tienen importancia varían según la inteligencia comercial de quien hace el negocio” y en “el experto-comisario que dice por qué una pintura de lunas y soles de mi nieta no vale 800.000 euros como una de pajaritos y estrellas de Miró o una pared desconchada de Tàpies”.

“Pensé que las mujeres de la limpieza acabarían con el arte contemporáneo”, aseguró el director entregado a la causa y tras contar una anécdota real de una exposición de Tàpies en la que una lo hizo porque creía que eran cartones, pero “no porque aumenta y lo vemos cada año en un sitio como Arco, una muestra tan divertida y cómica que es como una apología de la estupidez humana”.

Pero volvamos a la obra. Y viajemos, con un estética muy Fellini, hasta el Milán de los años 60 a ritmo de canciones (todo en directo) que homenajean a los musicales clásicos y a la música italiana de mediados del siglo XX. Mierda de artista nos cuela en el estudio de Manzoni. Es reconocido pero no lograr vender sus obras “buenas”, las de verdad, y para contestar ante esa realidad decide crear sus latas de heces. Una periodista, su novia, un amigo artista y su marchante (algunos de estos personajes han sido tomados del entorno real del artista) hilan las relaciones de poder, consumo, celos, intereses económicos, cinismo y provocación que arman este surrealista vodevil. Eso sí, deja claro Ferran Gónzalez, uno de los autores del libreto junto a Joan Miquel Pérez y que da vida a Manzoni, no hay moraleja. “Son versiones de lo que puede ser el arte pero sin concienciar. Es un tema apasionante pero no queríamos posicionarnos. ¿Quién es peor el que pone el precio o el que lo paga?”, se pregunta dejando a cada cual sus impresiones y referentes.

“La gente tiene pasta y siempre se la gasta comprando obras de arte sin criterio y con total impunidad. No importa lo que cueste mientras que se demuestre que aquello que he comprado es algo nuevo y totalmente original. El arte es pasta”, canta en este sentido Manzoni en el musical momentos antes de su reveladora y olorosa innovación artística.

“La obra de Manzoni es el punto álgido de un modelo artístico que entra en colapso. Es una bomba de relojería”, señala Pérez. “La gente no creía en él como verdadero artista, en su verdadero arte, y por eso hace estas críticas pero tenía éxito con ellas [también hizo huevos duros con su huella dactilar, globos con aliento de artista o pedestales para que te subas y te conviertas en arte] y no lo concebía. Aunque también cobraba las obras, se quejaba pero no iba regalando sino comerciando. Y ganó mucho dinero. Pero no daba crédito. ¿Cuál era la fórmula?”, añade Ferran González para aseverar que hay algo de postureo y salir en la foto detrás. Y también de hacerse el entendido, claro. “¿Qué te parece que es?”, se preguntan los personajes ante un retrato que parece “un culo” señalando directamente al espectador, al visitante del museo o la galería y al comprador pero es que, prosiguen, “no sé qué quiere decir, no sé qué me quiere transmitir, miro el cuadro y quedo igual pero el cuadro es colosal”.

La más celebrada: Arte

ArteYasmina Reza ya nos puso en la tesitura del polémico debate artístico en su celebérrima Arte aunque bien es cierto que los ejemplos en este terreno que se han visto sobre las tablas son exiguos. Arte, la obra más representada del teatro mundial de un autor vivo –se estrenó en París en 1994, en 1996 en Londres, en 1998 llegó a Nueva York y a Madrid, ha girado varias veces por España con Carlos Hipólito, José María Pou y José María Flotats, Ricardo Darín, Luis Merlo o Enrique San Francisco, entre otros, y ganado un Tony–, fue en muchos sentidos pionera e irrumpió en la escena poniendo a tres amigos y a todo un patio de butacas delante de un lienzo en blanco por el que uno de ellos ha pagado una suma astronómica. “Una mierda blanca”, para uno de los protagonistas. “Una obra sublime”, para otro. “Una tela blanca”, lo describen también. En definitiva, una provocación con la que teorizar, dejando de lado los discursos políticamente correctos, sobre el arte contemporáneo y la amistad, porque ese era el verdadero trasfondo de la obra.

¿Es el dinero al que se cotiza una obra su referencia de calidad? ¿El hecho de que alguien de lo pague? ¿La palabra de un crítico? ¿El artista es una especie de divinidad? Estas y otras cuestiones salían a relucir en el texto de Reza y también sirven para discutir en Red (Rojo). Esta obra, escrita por el guionista norteamericano John Logan (Gladiator, El último samurái, Hugo, Skyfall…) y ganadora de seis premios Tony (se estrenó en 2009 en Londres y estas últimas temporadas está girando por Latinoamérica), retrata la vida de Mark Rothko a partir del millonario encargo que recibe para pintar unos murales en el exclusivo Four Seasons de Nueva York. “¿Qué ves?”, le pregunta el pintor a su ayudante en la primera línea de la obra. A partir de aquí, las conversaciones entre artista y discípulo divagan sobre la visión del arte y de su arte, la relación del artista y su obra, el porqué de sus ventas –¿los miran de verdad, les provocan revelaciones o simplemente quieren darse prestigio?–, los límites éticos de su trabajo y la barrera de lo comercial.

“Francamente , hoy en día, sin una teoría que me acompañe, no puedo ver un cuadro”, concluía Wolfe en este libro dando su respuesta a esas preguntas que muchos se hacen desde que Duchamp y su fuente irrumpieron dando la vuelta al mundo del arte a principios del siglo XX. ¿Qué es arte? ¿Quién dice que lo es? ¿Estamos locos o es normal pagar por una lata de mierda de Manzoni, por un lienzo en blanco, por una cama deshecha o por una pila de ladrillos? Si sir Nicholas Serota, director de la Tate Gallery, admite, como recoge Will Gompertz, director de arte de la BBC, en ¿Qué estas mirando? 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos (Taurus), que se sentía “un tanto 'amedrentado' cada vez que entraba en el estudio de un artista y veía por primera vez una obra nueva. 'A veces no sé qué decir. Intimida”, las respuestas a estas preguntas son tan variadas e imposibles como espectadores, teorías y artistas. Algo que también nos enseñan y plantean estas obras de teatro.

Se preveía que la noche iba a ser para Un trozo invisible de este mundo y los Premios Max no decepcionaron. La obra de Juan Diego Botto y Sergio Peris-Mencheta partía como favorita con seis candidaturas y se alzó con cuatro de las manzanas que se repartieron en la 17 edición de los Max que se celebraron anoche: Mejor espectáculo de teatro, mejor autoría revelación y actor para Juan Diego Botto, y mejor diseño de iluminación para Valentín Álvarez. Un triunfo que hace valer ese teatro 'pequeño', reivindicativo y social que se ha colado por derecho propio en esta gala de los premios de las artes escénicas.

“Estoy apabullado. Seis candidaturas nos parecían una barbaridad y llevarse cuatro es una enorme alegría. Estoy muy acostumbrado a que me nominen y poco a ganar, así que me ha hecho mucha ilusión todo. El texto me hace me hace especial ilusión porque es lo que da sentido y corazón a la pieza pero también el de intérprete porque te dejas la piel”, decía Juan Diego Botto a eldiario.es tras la gala.

Los cinco descarnados y emocionantes monólogos sobre la inmigración, el exilio, la soledad y la necesidad de justicia que escribió impulsado por la realidad social al conocer la historia de Samba Martine e inspirado también en la de su padre, torturado y asesinado por la dictadura argentina, como explicó en la presentación de la obra en su vuelta a las Naves del Español de Matadero Madrid (donde estará hasta el 8 de junio), le han valido el reconocimiento de la profesión en su faceta de actor y de dramaturgo aunque, por encima, Botto siempre ha destacado la respuesta del público que ha llevado pareja esta obra como el mejor regalo. Pero también son cuatro premios que hablan “de que teatro está muy conectado con la realidad. Estos Max son un ejemplo claro con obras como En construcción, Barcelona y Un trozo invisible de este mundo con una carga social y política notable que va más allá”, explicaba.

“La realidad supera cada día la ficción. En un momento como este vivimos tiempos de tragedia, la tragedia de la crisis, de que te echen de tu casa, de tener que irte de tu país, de familias que se rompen, de suicidios; pero también de comedia, que es la que representan los políticos que tenemos con sus monólogos irrisorios, y de romance, que es el sentimiento de los que vivimos por y para la cultura. El teatro es un sitio en el que desde el corazón y el amor se puede hablar de estas tragedias y de estos cómicos que esperamos se vayan cuanto antes”, decía el director Sergio Peris-Mencheta con dos pegatinas a favor de la Educación pública para tod@os y el Stop Desahucios. Feliz y encantado con el reconocimiento de los Max (a primera hora de la tarde su quiniela le daba sí o sí la autoría revelación a Botto y entre te quieros se abrazaban en la sala de prensa con sus premios en las manos), también ahondaba en esa idea del teatro más pequeño que cada día prolifera más en nuestro país tanto en producciones como en salas off: “Abogo por el ecoteatro. Es la mejor forma de contar historias, con producciones con menos dinero y que hagan al espectador trabajar y crear en su cabeza. Para los efectos especiales ya tenemos el cine”.

Sobre el escenario del Teatro Circo Price de Madrid, Juan Diego Botto no quiso dejar de homenajear a Samba Martine, la congoleña en la que se inspira esta obra, y a todos lo migrantes del mundo. Lo hizo cuando subió por primera vez a recorger el Max a la autoría revelación por la que es su cuarto texto teatral (asegura que ya hay un quinto terminado aunque sin título, por el momento). “No quiero dejar de dedicar el premio a todos los migrantes y a Samba, una mujer que cruzó media África y que murió en un CIE de Madrid ante la desidia de un estado que debía cuidar de ella”, aseguraba, para seguir homenajeando a todos esos migrantes que viven la dureza del exilio como le ocurrió a su propia familia.

Después, cuando recogía el premio a Mejor actor, sus palabras fueron de reconocimiento a su profesión: “Todos merecemos el pan pero también las rosas. Todos merecemos un trabajo digno, un salario digno, un techo del que no te desahucien pero también las rosas, las de disfrutar del amor, de cantar, de bailar, de ver una obra de teatro o una película. Nosotros, de alguna manera, fabricamos esas rosas”. Por ello, prosiguió, dedicó su premio a todos esos actores en paro, un 73% aseguró, que “se empeñan en dedicarnos esas rosas. Entre todos hacemos de este mundo algo más digno”.

Una gala estridente

La gala de los Premios Max, a la que no acudió por segundo año el ministro de Cultura José Ignacio Wert, estuvo protagonizada y personalizada en Jimmy Barnatán, quien arrancó a ritmo de rock una noche que parecía (o nos prometieron) iba a ser un cabaret gamberro y reivindicativo –“un año más de resistencia de las artes escénicas”, decía en el número de arranque– pero que se hizo larga, rara y restó protagonismo a los premiados (no olvidemos que la gala se retransmitía por La 2) a medida que avanzaba. No fue su noche. Barnatán y Mariano de Paco, el director, querían ser transgresores y se quedaron en chillones y estridentes. Una gala para olvidar.

Las reivindicaciones 'oficiales' del sector llegaron de la mano del presidente de la Fundación Autor SGAE, Antonio Onetti. En su breve discurso hizo alusión a ese teatro que resiste y se reiventa frente a la adversidad. “Vivimos tiempos duros para la vida en general y para la cultura en particular; pero en momentos de crisis el teatro se reinventa y sigue adelante para recordarnos de que podemos hablar, soñar, cantar y reír en cualquier parte, porque, a pesar de los recortes, del IVA cultural más alto de Europa y de la ausencia de un modelo alternativo de financiación aquí seguimos más vivos que nunca”, reclamó Onetti. Y alabó que en un mundo en el que “el dinero mueve el mundo” ocurran “cosas sorprendentes como la creación de la Academia de Artes Escénicas de España”, de la que dijo responde a “una necesidad histórica”.

Parte de ese reiventarse del que habló anoche Onetti ha quedado reflejado en las candidaturas de esta edición de los premios Max debido, en buena medida, a la nueva modalidad de votación. Las piezas fueron preseleccionadas por comisiones geográficas (Madrid, Cataluña y resto del país), algo que ha abierto las candidaturas a muchos más espectáculos que aún no se han estrenado en la capital; las obras han pasado de necesitar 30 a 7 representaciones y ocho más previstas hasta el mes de junio del año siguiente, y las votaciones las han realizado dos jurados independientes.

Por eso, esta edición de los Max ha reflejado ese panorama creativo teatral que estamos viendo en ciudades como Madrid o Barcelona con profusión de salas off, espectáculos de pequeño formato e independientes y nuevas temáticas cada vez más cercanas y críticas a la realidad social actual. Un hecho que ha permitido que obras como En construcción, de Tristán Ulloa; La gente, de Juli Disla y Jaume Pérez o Verano en diciembre, de Carolina África hayan estado entre las nominadas. “La función ha funcionado muy bien con el boca a boca pero a mucha gente le ha sorprendido porque no hemos estado en Madrid. Esperemos que la nominación nos ayude a venir. De momento, no hay nada firmado”, ejemplificaba África minutos antes de la gala. Y Tristán Ulloa, en la misma línea, señalaba que “estar nominado es un regalo y más con una obra pagada de nuestro bolsillo, sin euro público y a pesar de los palos en las ruedas y la situación hostil. El boca a boca es lo que nos ha traído hasta aquí y es algo que te devuelve la fe en que, a pesar de las barreras, hay necesidad de comunicación con el público”.

La otra obra favorita de la noche, Barcelona, del Teatro Nacional de Catalunya y ambientada en los bombardeos sobre Barcelona por parte de la aviación fascista italiana en 1938, partía con cinco candidaturas y se llevó dos premios a mejor actriz para Emma Vilarasay ymejor autor teatral para Pere Riera, que dedicó su galardón a los “miles y miles de ciudadanos que murieron en el bombardeo de Barcelona”. Forest, el viaje teatral y musical de Calixto Bieito basado en las obras Shakespeare y con el bosque como espina dorsal, partía con cuatro candidaturas y se acabó alazando con los premios de mejor composición musical para Maika Makarovski y mejor escenografía para Rebecca Ringst. El lindo don Diego, de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, se llevó también otros dos maxs (optaba a otros cuatro) a mejor dirección de escena para Carles Alfaro y mejor figurinista para María Araujo. Carles Alfaro también obtuvo junto a Rodolf Sirera el premio a mejor adaptación teatral por L'Estranger de Albert Camus.

En el apartado de danza, Israel Galván y su Lo real/Lo reel/ The real ha sido el ganador indiscutible de la noche con una obra sobre el holocausto gitano en los campos de exterminio nazi que le encargó el fallecido director del Teatro Real, Gerard Mortier. Galván, que no pudo asistir a la ceremonia porque está a punto de estrenar su próximo montaje, ganó los tres premios a los que optaba: coreografía, espectáculo de danza e intérprete masculino, mientras que Eva Yerbabuena, con ¡Ay!, hizo lo propio con intérprete femenina. También subió al escenario Lola de Ávila a recoger el Premio Max de Honor otorgado a su madre, la bailarina y maestra de la danza María de Ávila que falleció el pasado 27 de febrero a los 93 años.

El mejor espectáculo revelación ha recaído en The funamviolistas, de 8co80 Gestión Cultural; El bosque de Grimm se ha hecho con el de mejor espectáculo infantil y La flauta mágica, de Compañía Dei Furbi/Baubo, se ha llevado el de mejor espectáculo musical dejando de nuevo a Ron Lala fuera de la lista de premiados.

En las sociedades occidentales una de cada cuatro niñas y uno de cada siete niños son agredidos sexualmente. Sin embargo, más allá de los casos más mediáticos y controvertidos, pocos son los testimonios en primera persona que escuchamos sobre esta lacra. Los abusos a menores son tabú y lo son, afirma la fotógrafa barcelonesa Lorena Ros, porque “es un tema tan duro, tan escabroso, horrible y espeluznante que se silencia y al que se da la espalda, y eso es parte del problema”. Por eso, para dar voz a los silenciados por la sociedad o su entorno, a los que están ocultos, Ros acaba de publicar Unspoken (Blume), un libro que pone rostros, historias y recuerdos en imágenes y palabras para ayudar a visibilizar sus historias y las de todos esos miles de niños que han sufrido abusos.

Ocho años de trabajo en España, México y Estados Unidos –“los patrones son muy parecidos en todos lados”, asegura– ha invertido Ros en recopilar y retratar los relatos del pasado de estos 17 supervivientes. Les define así, explica, porque “las personas que he retratado en su momento fueron víctimas, pero ya lo han superado y dejado atrás, han sobrevivido a ello”.

Para ello, Ros se ha mimetizado en su vida. Los protagonistas de su libro le han contado sus historias y abierto sus recuerdos y su entorno, porque su trabajo, que le ha valido uno de los tres World Press Photo que atesora, no solo recoge los retratos de estos supervivientes sino que estos también se tejen con su presente y esos los lugares relacionados con las agresiones que sufrieron durante la niñez. Algunas de estas localizaciones (piscinas, dormitorios, parques o canchas deportivas) son reales. Otras las ha recreado ella a través de sus historias. “Me han dejado acceder a esos aspectos tan oscuros de su vida gracias a una relación basada en la honestidad y confianza y porque han visto que el objetivo de este reportaje tiene un fin positivo, que no es otro que la necesidad de hablar de los abusos a menores para terminar con ellos”, explica.

Víctimas y supervivientes con nombre propio

Unspoken recoge historias tan duras como la protagonizada por Loli y Mati. Estas dos hermanas de El Prat (Barcelona) hoy tienen 39 y 48 años pero cuando la mayor tenía 16 años comenzó a sufrir los abusos sexuales de su cuñado. Un año después, Loli tenía siete años y se convirtió también en su objetivo. “Mati decidió, a sus 13 años, explicar a su hermana mayor lo que ocurría, pero esta la persuadió para que callara y los abusos continuaron durante cinco años más, hasta que Mati cumplió 18. Por su lado, Loli acudió a su madre en busca de ayuda, pero, del mismo modo, pidió que guardara silencio con respecto al abuso”, relata Ros.

Pasados unos años y cuando los abusos cesaron, ambas hermanas se contaron el horror que habían vivido a manos de la misma persona y hablaron con su madre pero, de nuevo, les pidió que se callaran. Así lo hicieron y lo superaron juntas hasta que llegó la boda de su sobrina, la hija de su agresor, y ellas decidieron no ir. Loli por fin contó a su familia lo que habían vivido de pequeñas. Pero la respuesta de su entorno no fue ni mucho menos la esperada. “La familia no les creyó, apoyó al pederasta y tildó a las hermanas de mentirosas”, lo que provocó que rompieran relaciones.

Pero esta tragedia no acaba aquí. Años más tarde, Mati descubrió que su hijo José también había sido víctima abusos sexuales. En su caso todo ocurrió con 13 años. Han pasado siete años de aquello pero José rememora en el libro cómo el funcionario de la biblioteca de su barrio comenzó a abusar de él, le chantajeaba y hasta se hacía pasar por su padre. En este caso el pederasta acabó en juicio y condenado a siete años de cárcel.

Irene es otra de las jóvenes que pone voz a los abusos sexuales. No sabe cuándo su padre comenzó a abusar de ella pero sí recuerda “que cuando él entraba en su habitación, ella se hacía la dormida”. Con 19 años y ya independizada, se enfrentó a su padre y un par de años después se lo contó a su madre y a la familia. La sorpresa fue conocer que su padre cuando tenía 17 años fue acusado de abusar de sus sobrinos y nadie había dicho ni hecho nada al respecto.

Al igual que Irene, el padre de Raquel (29 años) comenzó a abusar sexualmente de ella desde los 3 y hasta los 17 años. Años después se lo contó a su madre pero ella la culpó de todo, lo que la llevó a la anorexia. La ayuda para salir de este horror, explica esta barcelonesa, la encontró en la danza. Y hasta ha desarrollado una técnica terapéutica propia para ayudar a las personas que han sufrido abusos sexuales y trastornos de la alimentación“.

En el caso de Pam (48 años, de Ladson, Estados Unidos) fue el marido de su madre el que la violó. Tenía ocho años. A los 12 cuando estaba jugando al baloncesto en el colegio, sintió un dolor muy fuerte en el abdomen y tras una revisión médica, le dijeron que estaba embarazada de ocho meses. Algo que ella misma ni entendía. “Nadie le preguntó quién era el responsable”, explica. Tuvo a su hija y su padrastro no dejó de abusar de ella hasta que su madre murió en 1976, cuando ella tenía 15 años y su niña tres. Fue el momento en el que se fue de casa e intentó recomponer su vida, pero todo volvió de nuevo 15 años después. Un investigador de Florida le informó de que su padre había sido detenido por maltrato a un menor. Tres años después fue condenado a tres cadenas perpetuas por abuso sexual, asalto sexual y violación.

El libro no solo recoge el testimonio de personas que ha sido agredidas sexualmente por sus padres, padrastros o familiares cercanos. También pone el foco en el entorno social de los niños. En el caso de Migue Ángel, un joven que tiene 23 años y vive en Mataró, fue el sacerdote responsable del grupo católico juvenil al que acudía. Tenía 16 años cuando empezó a abusar de él. Explica que era una figura paterna para él y que durante mucho tiempo se sintió culpable de lo ocurrido por no haberlo detenido.

O el de Joaquín, mexicano de 28 años, que fue violado por un cura cuando era monaguillo. Aunque sus padres denunciaron al sacedote, no se encontraron pruebas contra él hasta que, años después, descubrieron que también tenía cargos por pederastia en Los Ángeles. En 2007 Joaquín presentó cargos contra el cura por violación. En 2009, el Papa Benedicto XVI y el Vaticano reconocieron su culpabilidad y fue retirado de su diócesis, pero no excomulgado.

Estas son algunas de las espeluznantes historias que pueblan el libro de Lorena Ros y nuestra realidad. Historias con nombre propio, con episodios de silencio, culpabilidad, estigmatización y secuelas psicológicas y físicas. Pero también historias de supervivencia, como recalca con pasión la autora. Para ponernos en la piel de estos protagonistas el libro concluye con una suerte de relato contando en primera persona que bien podría parecer una autobiografía o la intención de colocarnos a nosotros ante la brutal y desgarradora realidad a la que nos acercan sus textos y fotos. Ros mantiene el misterio sobre sus intenciones y lo único que confirma es que “lo dejo en mano de la mente del lector. El final forma parte de la estructura narrativa del libro y son ellos los que tienen que llegar a sus conclusiones. Que sea de una u otra forma no le da más o menos valor al libro”.

El silencio

“Más del 90% de los casos de abusos a menores se dan en el entorno más cercano. Si además es un entorno tan nuclear como el familiar, y el abusador es el padre o el tío, la situación es mucho más complicada porque la tendencia es no romper la familia, hacer callar a la víctima 'por el bien de todos'. Cuando el entorno es ajeno, es más fácil que las víctimas hablen y denuncien”, explica la fotoperiodista.

Por eso, Lorena Ros incide en que es fundamental romper el silencio. Que lo rompan las víctimas pero también todos. “La sociedad no tiene que tener miedo a hablar de los abusos a menores porque es algo real que puede ocurrirle a cualquier niño. Y tiene que aprender a tratarlo porque cuando una persona que lo ha sufrido quiere hablar, normalmente se le da la espalda. La sociedad y los medios de comunicación tienen mucha responsabilidad para visibilizar este problema y tratarlo desde el respeto y no desde el morbo”, señala abogando por la educación y la desestigmatización. Y también por mejorar la legislación. Lo primero que tiene que hacer una víctima es denunciar los abusos pero “el problema es que en España este delito prescibe, no como en Estados Unidos. Parece que la ley favorece a los agresores”, remacha Ros.

El Gobierno pretende pasar de puntillas durante esta campaña europea por un tema que sabe de sobra es espinoso. La reforma de la Ley del Aborto del ministro Gallardón no existe en el discurso electoral del PP. De hecho no está ni siquiera en su programa para las elecciones de este 25-M. Alegan que es un tema “nacional” y que se retomará “dentro de unos meses” porque en estos momentos el Gobierno está inmerso en “el debate europeo que ahora toca”, en palabras de la propia ministra de Sanidad Ana Mato.

Pero lo cierto es que el tema lleva soterrado tras la polvareda y la multitud de críticas, incluso dentro de las filas del PP, que ha cosechando desde que el pasado mes de diciembre aprobara el anteproyecto de ley. Y la estrategia del Partido Popular no ha pasado desapercibida ni para el resto de partidos (el PSOE publicó está semana un vídeo bajo el título “Empieza a recuperar tus derechos #NoAlMachismo”) ni para las asociaciones defensoras del derecho a decidir. Ayer, por ejemplo, Gallardón fue recibido y despedido de un acto en Granada con gritos de “aborto libre y gratuito” y unas 15 mujeres interrumpieron la intervención del ministro.

Siguiendo con sus movilizaciones, la Plataforma Decidir Nos hace Libres va a aprovechar el último día de campaña para pedir a los ciudadanos que no voten a los partidos que están a favor de la reforma de la Ley del Aborto promovida por el Ejecutivo. La plataforma ha publicidado hoy un video en el que alerta sobre el retroceso que supone la que llaman “Retroley del aborto 2014”, un retroceso, matizan, de 70 años con el que “están en guerra contras las mujeres”.

La organización, siguiendo con sus acciones como la entrega en el Congreso de más de 216.000 firmas contra el anteproyecto de ley la pasada semana, explica que pretende llamar la atención de la sociedad española “sobre el grave perjuicio que para los derechos y la salud de las mujeres va a suponer la reforma del aborto que propone y aplaude el Gobierno”.

Por eso, pide a la ciudadanía que ejerza su derecho al voto de forma responsable y que no apueste ni de su apoyo a partidos que están en una posición clara de ataque a los derechos sexuales y reproductivos, “y en una guerra abierta contra el derecho de las mujeres a la libre elección de la maternidad”. “El próximo domingo vota a partidos que vayan a defender los derechos sexuales y reproductivos y la libre elección de la maternidad en Europa”, añade.

Los argumentos en los que fundamenta su petición la plataforma no son otros que el casual informe favorable y “hecho a medida del Gobierno” del Comité de Bioética, conocido en plena campaña electoral y que desoye otros tantos elaborados por expertos y profesionales que se oponen tajantemente a esta ley. Un informe, agregan en este sentido, que supone una “decisión que es claramente contraria a las posiciones previamente fijadas por la inmensa mayoría de las organizaciones médicas, sociales y jurídicas que casi unánimemente han demandado la retirada del anteproyecto de Ley”. Y no solo eso, una evidencia más de la actitud del Gobierno con la que vuelve a dejar clara el poco o nulo margen de negociación y la consideración que tendrá de las voces que le alertan sobre “las nefastas consecuencias que la nueva legislación tendrán sobre la salud y los derechos de las mujeres y de toda la población española”.

La campaña de Decidir nos Hace Libres contra la reforma de Gallardón no acaba en la cita electoral del domingo. Su representante, Marisa Soleto Ávila, ha afirmado en varias ocasiones que continuará hasta que se retire el anteproyecto. “No barajamos otra opción que su retirada”, asegura.

Nuria Espert no necesita introducción porque es historia viva del teatro de este país. Basta verla para comprobar (y sentir) qué es eso del ejercicio del teatro con todo su peso. Eso es lo que vuelve a demostrarnos estos días en el Teatro de la Abadía con La violación de Lucrecia, una obra ambiciosa y compleja que ya se estrenó en 2010.

El La violación, ella sola da vida al poliédrico, íntimo, desgarrador y violento universo creado por Shakespeare bajo las órdenes de otro de los grandes de la escena del momento, Miguel del Arco. Es un tándem que no debe perderse nadie porque es de los que hacen historia. Y por el regalo de ver, de nuevo, en todo su esplendo a la actriz catalana en una de sus cimas interpretativas.

Hablamos con Nuria Espert sobre por qué retomar esta obra y elegir a Miguel del Arco para dirigirla –“en nuestro primer encuentro, después de leer La violación de Lucrecia su comentario fue: ”¡Oh, es genial, trepidante, como un guión de Tarantino!“, y yo pensé ”¡Es mi hombre!“, cuenta–, el panorama teatral actual con sus paradojas creativas y económicas, y la crisis. Siempre esa crisis que hoy oscurece aún más la cultura. Y avanza que tiene nuevo proyecto a la vista. Pero asegura que no puede decir nada más que se verá en noviembre en Barcelona.

¿Por qué decide volver con La violación de Lucrecia, una obra tan emocional que le exige tanto esfuerzo?La violación de Lucrecia

Por puro placer. Antes de aparcarla de un modo definitivo para embarcarme en otros proyectos, pensé que estaba bien cerrar lo que fue una experiencia absolutamente fantástica en Madrid y con una gira que hicimos por toda España y dar estas breves funciones cerrando la obra. Es un texto muy violento y a la vez muy tierno. El secreto del éxito de este acontecimiento es que Shakespeare explica tan bien los personajes, con cuatro estrofas los presenta tan profundamente, que se tiene la impresión de ver una obra con muchos actores. La clave del éxito es de Shakespeare, no mía.

¿Ha sido un reto enfrentarse a un monólogo tan intenso como este?

No por la soledad porque monólogos se hacen continuamente pero el reto, como todas las obras de Shakespeare, es tratar dar todo lo que él ha escrito. Uno sabe antes de empezar que es imposible pero lo intenta una y otra vez. Es el un reto, mucho más que el monólogo en sí mismo. Es su escritura, su profundidad, la belleza de su lenguaje... hacer que llegue todo eso al espectador.

Cuando decide embarcarse en este texto de Shakespeare, ¿por qué, de entre todos los directores que beberían los vientos por trabajar con usted, elige a Miguel del Arco para que la dirija?

Me fijé en Miguel del Arco por lo que sus actores decían de él, porque realmente no había visto nada suyo. Pero sabía lo que los actores comentaban de su trabajo, lo que era importante para él en sus ensayos y pensé que todo lo que decían era lo que andaba buscando. Le llamamos y descubrí que era eso y más. Es un grandísimo director y un ser humano excepcional.

¿Han variado algo respecto al estreno de hace años?

Cuando hemos vuelto a ensayar hemos pulido aquí o allí, a marcar cosas o hacer más ligeras otras. Son cosas que siempre se matizan con unos ensayos de refresco. Cuando llegas fresco de nuevo a un espectáculo, aparte de que lo disfrutas muchísimo, eres capaz de pulir esas pequeñas cosas.

Lleva toda su vida sobre los escenarios, ¿qué piensa de la situación de la cultura en la actualidad?

Creo que participa de un modo muy destacado de toda la negrura que se está viviendo. Todos los grandes escritores han dicho que el teatro es el espejo de una sociedad y cosas similares. Yo creo que es cierto y que el momento es oscuro y el momento de la cultura, más oscuro todavía porque los dirigentes actuales no tienen el menor respeto por ella. Si le tuvieran mucho respeto tampoco serían momentos de gloria y brillantísimos porque no lo son para los ciudadanos, para el público, para la gente para la quien trabajamos así que difícilmente podría estar disociado el momento cultural de las preocupaciones de la sociedad.

Pero no sé si cree es un tópico o una necesidad real. En los momentos de crisis la gente llena los teatros.

La gente busca reencontrarse de nuevo, salir de toda esta sociedad triste y acomplejada en la que vivimos ahora pero se le ha dado un mazazo tremendo al teatro con un IVA que lo compara a los yates de lujo y a los diamantes. La gente va al teatro pero haciendo un esfuerzo sobrehumano y eso lo notamos.

¿Volver al IVA reducido sería la solución o son necesarias más respuestas?

No es la única respuesta. Pero el IVA ha sido la demostración de la consideración que tienen nuestros políticos por la cultura. Han escrito negro sobre blanco lo que piensan de la cultura dándole ese papel de objeto de lujo y diversión. Lo necesario y primordial sería que la sociedad recuperase el tono muscular que ha perdido.

¿Es optimista sobre ello?

Yo siempre he sido la optimista de mi familia (ríe). Es difícil ser optimista, la verdad, si estas al día de cómo vive la gente, es imposible no pensar en toda la gente desdichada que hay en el país en este momento pero claro que saldremos, como hemos salido de cosas peores.

Eso pasa un poco en el panorama escénico. Se multiplican las salas pequeñas, las nuevas propuestas, ese off alternativo. ¿Lo ve como la respuesta creativa del sector a la situación o como la única salida para su supervivencia?off

Creo que es muy gratificante. Es savia nueva. Es un fenómeno que ya ha ocurrido en otros países y aquí ha llegado muy tarde. Es espléndido que, liberándose de los problemas económicos que tiene un gran espectáculo o un gran teatro de 800 localidades, los montajes, las estrellas y los grandes sueldos, puedan llevarse a cabo ensayos, propuestas nuevas y vanguardias pequeñas pero ambiciosas. Me parece refrescante. Lo sigo con muchísima atención y estoy convencida de que es muy bueno para la profesión. De ahí va a salir mucha gente nueva y diferente, y también es una oportunidad para que actores consagrados puedan experimentar sobre ideas y textos. Son como talleres de prueba que me fascinan y parecen muy interesantes.

Si lo trasladamos a los 'grandes', también estamos viviendo este año una temporada con montajes de un altísimo nivel (Misántropo, Los Mácbez o Continuidad de los parques por citar tres ejemplos) y muy buena respuesta del público.MisántropoLos MácbezContinuidad de los parques

Al mal tiempo, buena cara (ríe). Ha sido una temporada espléndida en la que hemos visto muy buenos espectáculos. El teatro se renueva constante y permanentemente. Es un lugar de lucha intelectual, de esfuerzos personales, de generosidades, de bizarría, como dirían nuestros clásicos, pese a todo.

Sònia Sialo nunca había oído hablar de la donación de leche materna. Por eso, cuando hace cinco meses tuvo a su segunda hija, Yaiza, en el sexto mes y medio de gestación no sabía de qué le estaban hablando. La niña tuvo problemas con la placenta y el cordón umbilical y un fallo de crecimiento severo, pesó 750 gramos al nacer y una de las principales preocupaciones de su madre era saber si podría darle el pecho o no.

“Cuando me dijeron que tenía que nacer me empecé a preguntar cómo la iba a alimentar. Era una de mis angustias. Cómo iba a mamar si yo no tenía leche ni ella tenía fuerza. Me quedé alucinada cuando me dijeron que le darían, hasta que me subiera la leche, leche materna donada. Fue un respiro porque en esos momentos todo es una incertidumbre, los nervios, el hospital...”, rememora desde Barcelona.

Como ella, pocas madres son las que conocen la posibilidad de donar leche materna. Es algo altruista, como la donación de sangre, y fundamental para el desarrollo de los bebés prematuros extremos. Ellos son sus principales receptores, niños que pensan al nacer entre 800 gramos y 1,5 kg. o tienen 32 semanas o menos, y siempre bajo prescripción médica.

España cuenta con siete bancos de leche materna, ya sean comunitarios u hospitalarios (el más antiguo es del Baleares, al que se suman los de los hospitales 12 de Octubre de Madrid, la Fe de Valencia, los de Granada, Aragón, Extremadura y Barcelona) mientras que en Europa hay más de 200 (el primero se creó en Viena hace un más de un siglo) y Latinoamérica cuentan con unos 300 (solo en Brasil hay registrados 200).

Al igual que Yaiza, el año pasado 1.154 bebés prematuros (nacen al año alrededor de 30.000 en todo el país) se beneficiaron de la donación de 1.020 madres que cedieron casi 4.000 litros de leche. Y ayer, en el Palau Robert de Barcelona, Yaiza y su madre pudieron conocer a otras madres donantes o receptoras y a sus hijos en el primer Encuentro de Hermanos Leche, impulsado por iniciativa de una madre donante y para conmemorar los tres años de vida del Banco de Leche Materna de Cataluña y el Día Internacional de la Donación de Leche Materna que se celebra hoy.

Momentos fundamentales

“Mi hija nació el miércoles 11 de diciembre y desde el primer momento le empezaron a dar leche materna con una sonda nasogástrica. Yo comencé con masajes y máquinas, el viernes comencé a tener un poco de leche y el sábado ya le dí de la mía. En mi caso fueron dos días pero dos días fundamentales para la vida de mi hija”, explica Sònia.

“Para este tipo de niños lo mejor es la leche humana porque contiene defensas y una inmunoglobulina que refuerza estómago para evitar una enfermedad habitual en prematuros llamada enterocolitis necrosante. Lo mejor es que reciban leche de la propia madre, pero si esta no pudiera bien porque no tiene suficiente leche, por una enfermedad o por el shock de la situación, se la prescribe el neonatólogo hasta que pase el riesgo de esa enfermedad”, explica Gemma Valeta, directora del Banco de Leche Materna de Barcelona, un servicio del Banc de Sang i Teixits. De hecho, añade Sònia, su hija tuvo esa enfermedad “y fue muy leve porque fue alimentada con leche materna desde el principio”.

Cuando Sònia y su hija se fueron a casa tras dos meses y medio en el hospital, cuenta, fue ella la que decidió hacerse donante. Comenzó en febrero y aún sigue. “Tenía mucha cantidad de leche, Yaiza comía muy poco porque le costaba tolerar la alimentación y como me sobraba, empecé a almacenarla en bolsas. Con una vez que me sacara leche ella comía todo el día y el resto me sobraba así que decidí hacerme donante. La primera vez tenía cuatro cajones del congelador llenos de botes”, explica.

Además de su propia experiencia y que la cantidad de leche que producía le daba de sobra para alimentar a su hija, Sònia destaca el aspecto emocional y la facilidad de la donación de leche. “Ves a tu hija en la cunita con el resto de niños, haces amistad con los padres y sabes que todos los que están ahí la necesitan”, agrega.

Cómo donar: Fácil y gratificante

Cualquier madre que esté en proceso de lactancia puede convertise en donante. Para ello, simplemente tiene que acudir a uno de los bancos de leche y, tras una analítica y comprobar que no tiene ninguna enfermedad y sus hábitos alimenticios y saludables son correctos, “le damos un kit de donación con un sacaleches y varios botes con pegatinas. Cada bote se llena durante 24 horas conservando la leche en la nevera y al pasar el día, se congela. Cuando la mamá tenga varios, llama al Banco de Leche y nosotros pasamos a por ella en la casa del donante en cualquier parte de Cataluña”, describe Valeta.

“Una vez en el Banco de Leche nos aseguramos de que es apta para los bebés. Se analizan virus y bacterias así como los componentes nutricionales y se pasteuriza para ir suministrándola a los hospitales según la demanden”, prosigue.

Pilar Mascó, de Guissona (Lleida), siempre ha donado sangre. En marzo del año pasado fue madre de Nahia y como no podía donar sangre y tampoco su situación económica le permitía dar dinero a alguna causa, cuenta, se decidió por la donación de leche materna. “No me lo pensé dos veces. Me habló de ello la matrona y fui a hospital al informarme. Quería hacerlo. Es muy fácil ayudar a esas personitas que lo necesitan. Y ya sabes lo que dicen, que cuando nace un bebé también nace una madre”, dice.

Ha estado alrededor de medio año donando y se acaba de dar de baja porque su hija ya tiene 14 meses. Ese es otro de los hándicaps de la donación, aunque aumenta progresivamente el número de madres que donan leche materna es necesario seguir incrementando su número para satisfacer las necesidades de los bebés.

La primera vez que aparecieron por la casa de Pilar 'los del Banco de Leche' se llevaron 10 botes de 240 mm. y la segunda, 20 de 150 mm. “Había días que llenaba dos botes. Tuve que llevarlos a congelar hasta a casa de mis padres porque también tenía la de mi hija cuando estaba trabajando”, recuerda entre risas. Pero lo que más insiste en destacar son, además del trato, las facilidades y comodidad de la donación.“La gente no sabe que tiene esta oportunidad. Y es magnífica. Es sacrificado, claro. Yo me fui de vacaciones con el sacaleches y los botes pero es más gratificante ayudar a niños que lo necesitan”, asegura.

Y Sònia coincide con ella: “Le diría a las madres que probaran una vez. Casi todas cuando empezamos a trabajar comenzamos también a guardar leche para nuestros hijos. Si en vez de una vez lo puedes hacer dos, una guardas y la otra la donas siempre que tengas las necesidades de tu bebé cubiertas. Implica sacrificio y más si tardan en mamar pero es muy gratificante”.

Ambas abogan por la necesidad de que se conozca más este tipo de donanción tan imprescindible para muchos bebés. “En el pueblo me preguntaban que por qué lo hacía y cuánto cobraba. Pensaban que era algo como la donación de óvulos o así y les costaba entender que diera mi leche altruistamente”, remacha Pilar.

Ese es el reto también para los profesionales, confirma Gemma Valeta. “Nosotros llevamos tres años y cada vez tenemos más presencia y más donantes en Cataluña pero la dificultad está en que las donantes solo lo hacen por un tiempo, entre tres y seis meses por norma general, por lo que constantemente necesitamos llegar a las madres que inician la lactancia materna de su propio niño para que se hagan donantes”, cuenta.

Aquí no se escuchan los murmullos de los visitantes. No hay que aguardar para ver el Retrato de un campesino de Cezanne. No hay prisas, ni colas, ni se toman fotografías para subirlas a las redes sociales. Aunque sí se comparte un mismo objetivo, que el arte sea para todos un disfrute. Frente a las salas repletas de visitantes, la cara que no se ve ni se puede visitar del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid funciona con la precisión de un reloj. O con la del pincel del pintor, usando el simil más artístico (y evidente). Con motivo del Día de los Museos, le pedimos a su director artístico, Guillermo Solana, que nos haga de guía improvisado y nos enseñe el backstage y las entrañas de uno de los museos más visitados de España. El año pasado acudieron casi un millón de personas a ver su colección y exposiciones temporales como las de Pisarro, el Hiperrealismo o Impresionismo y aire libre. Pero, ¿qué se cuece por detrás?

Comenzamos el recorrido por la cara 'oculta' del Thyssen en la sala de Restauración. Quizás sea la zona que más llamaría la atención a ese hipotético visitante que pudiera deambular por la zona de oficinas del museo. Nada más entrar en esta luminosa sala con aspecto de laboratorio y por donde campan a sus anchas las obras de arte, desnudas, sin marco y, por ello, con un esplendor casi más cautivador, nos encontramos con Alejandra Martos, una de la restauradoras del museo. Está trabajando en Burbuja de jabón azul de Joseph Cornell (en la imagen). Una poesía minimalista y surrealista con la que el artista rememoraba su infancia y, sobre todo, una obra muy frágil. Ha llegado hasta las manos de Alejandra porque quieren exponer abierta esta cajita –siempre se ha mostrado cerrada– para poder admirar la representación del mar que hizo Cornell en el pequeño cajón inferior. “Es una obra muy delicada”, confirma mientras tintinean las copas y los cilindros en su interior. Aprovechando la coyuntura, prosigue, están arreglando unos casi imperceptibles arañazos que tiene la madera en la parte superior. “Usamos unos lápices hechos con cera para disimularlos”, dice. “Esto es como un pequeño CSI. Hay una parte más moderna pero también artesana como toda la vida”, prosigue.

Pero la verdadera magia que nota aquel que tiene la fortuna de colarse en esta sala de 'operaciones' del Thyssen llega al levantar la vista. Ahí estamos a escasos centrímetros de un Van Gogh, en una distancia que nos permite mirar casi de tú a tú la agitación de sus trazos. O frente a El arroyo de Brème de Courbet, que esta aquí, explica Martos, porque en el marco había xilófagos (unos pequeños bichitos) y a la Composición nº1 con rojo y azul de Mondrian, que antes de salir de viaje hacia una exposición recala unos días en el taller para hacer un exhaustivo informe sobre su estado. Una suerte de DNI que le acompañará y se contrastará a su vuelta, y que se suma a toda la información que, como si de un pasaporte se tratara, cobija su trasera, donde se acumulan las pegatinas de museos de París, Londres o España donde se ha dejado ver. Tan llamativas son estas traseras de algunas obras que Guillermo Solana las compartió en su Twitter y tuvieron tan buena acogida (miren la pieza que hizo sobre ellas Carlos del Amor en el Telediario) que Paloma Alarcó, la jefa de conservación de pintura moderna del museo, tiene la idea de hacer una exposición en la que podamos admirar las más curiosas. “Algunas son como baules de la Piquer”, nos garantiza Solana.

Pero volvamos a la sala. Como decimos hasta aquí llegan las obras de arte para hacerles un chequeo antes de un viaje, ponerlas a punto o arreglar cualquier tipo de deterioro antes de que este vaya a más. Esta es la teoría porque cuando el cuadro llega a la mesa, es él el que manda. “La obra te va marcando. Hay trabajos muy lucidos como puede ser una limpieza y otros mucho más complicados, que dan más problemas y pueden estar en el reverso y nadie lo aprecia. Y todos son igual de necesarios”, señala.

Junto a un enorme Casas Carbó, en pleno montaje tras solucionar durante un mes y medio los problemas de craquelado que presentaba la pintura en su superficie, nos ejemplifica sus palabras con Pesca (Pescadores) de Goncharova. Esta obra viajará en breve a San Feliu de Guíxols, donde se encuentra el Espai Carmen Thyssen. Había llegado hasta la sala de restauración para que le hicieran una caja climátizada en su marco pero comprobaron que tenía unos listones clavados con profusión en su bordes. Al quitarlos, “vimos que hay pintura en muchos de los bordes. Vamos a intentar recuperarlos”, nos dice señalando el final de un pie o de unas ramas que quedan ocultos en los cantos del que ahora es su soporte.

Si seguimos girando la mirada, impone de cerca mucho más la Mujer en el baño de Lichtenstein. Formará parte de la próxima exposición Mitos del Pop, que se inaugura el 10 de junio, y antes de eso ha llegado para, concluimos con Martos, “pasar la ITV”. Hablando ya en serio, y con la suficiente cercanía como para ver los trazos de lápiz que sobrevivien por debajo del azul y el rojo que utilizó el pintor americano, cuenta que van a hacerle una “semilimpieza”, pero tampoco es una tarea fácil porque debe hacerse en seco, con unos tipos de gomas que absorven la suciedad (nos enseña una mota casi impercetible en un tono como ocre) pero con todo el cuidado para seguir manteniendo esos trazos originales que ahora sí podemos ver bajo las pinceladas azules de la barbilla y el pelo de la joven. “No puede ser peor el remedio que la enfermedad”, añade. Aprovechamos para preguntarle si no impone respeto el hecho de tratar con tales obras de arte. “Sí pero aprendes”, responde rememorando la primera obra 'gorda' que tocó: Fue La ninfa de la fuente, de Lucas Cranach, el Viejo. “Es un cuadrazo”, añade.

Huelga decir que para el voyeur amante del arte es todo un privilegio pasar por este laboratorio pero donde realmente somos conscientes de la magnitud del trabajo es ante Jugadores de billar de Stepanova. Esta obra de las vanguardias rusa ha llegado hasta aquí porque tiene demasiadas deformaciones, aseveran frente al lienzo extendido en una mesa y con saquitos con distintos pesos puestos en las zonas que están consolidando. Esta es la parte artesanal, reitera Martos. “Son saquitos caseros que hemos hecho nosotros con distintos pesos” para rematar un trabajo tan preciso y minucioso que hay lugares del cuadro con tonos de pintura tan débiles y craquelados que correrían el resigo de caerse. Los materiales a los que tenían acceso en Rusia en la época, nos recuerdan, tampoco es que fueran los mejores sino más bien un tanto precarios. “Mejorará. No quedará plano porque estaba muy duro pero mejorará”, dice la restauradora.

Pero no solo se cuece todo en este lado de la sala, al fondo, en el laboratorio, la ciencia, los microscopios, los ordenadores y toda suerte de aparataje se alían con la parte artesanal. Andrés Sánchez, bioquímico del laboratorio, nos enseña una pequeña muestra de un milímetro que han obtenido del cuadro de Stepanova antes de que los restauradores se pusieran a trabajar en él. Es minúscula, tanto que una simple pestaña le doblaría en tamaño, pero al pasar por el microscopio nos muestra que “la pintura se ha removido. El color aparentemente negro también tiene granos azules. Lo que hoy vemos negro era azul en un principio”, enseña. “Nunca las muestras ponen en peligro ni la integridad material ni estética de la obra”, añade para señalar que su función es analizar, como en cualquier laboratorio, una obra, su técnica, materiales, realización, escuelas, maestros... y la manera y efectos de la restauración así como investigar nuevas tratamientos de restauración.

Las exposiciones

Antes de bajar a las salas del museo, hacemos un alto para ver cómo es el día a día del trabajo en las oficinas del Thyssen. Y, lo más importante, la organización de las exposiciones. “Normalmente mi idea es que las exposiciones que coincidan en el tiempo sean lo más diferentes que se pueda”, explica Guillermo Solana.

Este verano arrancan dos: Mitos del Pop (del 10 de junio al 14 de septiembre), que a buen seguro será de las grandes visitadas de la temporada, y Alma-Tadema y la pintura victoriana en la colección Pérez Simón (del 25 de junio al 8 de octubre). En otoño llegarán Impresionismo americano (del 4 de noviembre al 1 de febrero de 2014), procedente del Musée des Impressionnismes de Giverny y organizada por la Terra Foundation of American Art con el objetivo de “hacer dialogar a nuestra colección americana con la suya”, y Valentino (del 22 de octubre al 18 de enero de 2015). Nos detenemos en esta precisamente porque será otra de las grandes de la temporada y porque nos encontramos a Solana hablando de ella con sus colaboradores. Tienen frente a la mesa un proyecto al que se refieren como “espectacular” en varias ocasiones pero que hay que ajustar al espacio expositivo del museo. En ello están, viendo si irá a la zona de las temporales o necesitarán parte de la permanente. Adaptando, negociando y “en el cuerpo a cuerpo”, dice simbólicamente el director artístico del Thyssen.

Esta exposición, cuyo proyecto a día de hoy se prevé que se llame El jardín secreto de Valentino y se centre en jardines divididos por tonos y atmósferas que albergarán entre uno y dos centenares de trajes del genio de la alta costura, se está creando en exclusiva para el Thyssen. “Inicialmente se hizo una exposición en el Museo Ara Pacis de Roma y otra en Somerset House de Londres. La idea que tuvimos cuando vimos el año pasado la de Londres fue traerla pero no se pudo. Así que ya, con más tiempo y abandonando la idea inicial, hemos emprendido un proyecto completamente nuevo que no tiene nada que ver con las anteriores”, explica Solana. “Es complicado –prosigue– porque tiene una escenografía como de ópera pero nuestro espacio es reducido. Cuanto más espectacular es la escenografía menos gente puede verla. Ahora estamos trabajando con los diseñadores, Patrick Kinmonth y Antonio Monfreda, que siempre han trabajado con Valentino y hacen muchos montajes de ópera por Europa, sobre esto”. “Nuestro espacio expositivo es limitado y no no comparable con los museos vecinos, con el Reina Sofía ni con el Prado, ni siquiera con otros museos que han ido apareciendo en España”, agrega.

Y sobre la mesa, junto con el resto de trabajo, los presupuestos para el próximo año. “Aún no sabemos nada pero espero que no haya más recortes. El año pasado hubo algo, el anterior más aún [2,2 millones frente a los 3 millones de euros] y espero que nos dejen como estamos, en torno a dos millones de subvención anual que es el 10% de nuestro presupuesto”, afirma.

Seguridad y mantenimiento

La última parada de nuestra visita deja los lienzos y los despachos de lado y nos lleva de lleno a las entrañas del museo. Una de sus patas fundamentales es la seguridad. Cámaras, muros y cristales blindados, volumétricos, detectores de incendios, personal... Ni un centímetro del edificio escapa de la vigilancia sin que esta resulte agresiva para el visitante. “La seguridad no es una cosa. Son varias. En el Thyssen tenemos seguridad física y pasiva, desde cristales y muros blindados hasta sistemas en el alcantarillado, seguridad activa por sensores, y la humana”, señala Andrés Pérez, el jefe de seguridad del museo. “Es cara, es molesta, a veces incordia pero es imprescindible. En este museo, que es muy abierto, se incordia poco. Todo está muy integrado y aunque parece que no hay nada, todo está muy vigilado”, agrega.

De nuevo, estamos delante de una maquinaria perfecta de la que podemos únicamente apreciar algunas de sus más de 300 cámaras de videovigilancia que están operativas y grabando cualquier movimiento las 24 horas del día. Al contenido ya de por sí sensible del museo, hay que sumar su cercanía con el Congreso de los Diputados, que da más de una interferencia en el día a día, y la cantidad de manifestaciones que se suceden en la carrera de San Jerónimo o en las concentraciones deportivas en la fuente de Neptuno. “Generan mucha presión porque están aquí encima”, confiensa Solana.

Pérez nos lleva, y nos recuerda que no podemos hacer fotos, al corazón del sistema de seguridad: el CRA, un centro de control autorizado por la policía plagado de monitores y ordenadores donde varios trabajadores controlan salas, pasillos, cubierta o sótanos del museo. Allí, por ejemplo, comprueban el aforo (durante nuestro recorrido hay 894 visitantes en el interior del museo), cuentan con un sistema de seguridad avanzado que detecta el no movimiento de los vigilantes en el que caso de ocurrir algo dentro de esa sala al más puro estilo control de realización de una televisión, y preguntamos por cómo se protegen los cuadros. Obviamente no nos van a desvelar todo, nos dicen entre risas, pero sí un par de curiosidades: Esas pequeñas antenas que muchos hemos podido ver en varias esquinas de las salas del museo y una especie de tarjetas hipersensibles que están colocadas en las traseras de los cuadros. Con un pequeño roce e incluso un golpe cercano a la obra, automáticamente salta una estridente alarma en esta sala. “La gente normalmente no tiene la tentación de tocar una obra”, cuenta Pérez aunque nos desvela que en la pasada exposición de Cartier, “una de las más exigentes en cuanto a seguridad”, estas alarmas saltaron muchas veces por los choques de frente y nariz contras las vitrinas.

Por último, junto a José Antonio Martín, encargado de mantenimiento, hablamos de algo fundamental para las obras de arte: el control de la iluminación (natural y artificial), la temperatura (entre 20 y 24ºC) y la humedad (en torno al 52%). Un equipo de diez personas se ocupa del mantenimiento del museo, desde la climatización hasta el aire acondicionado, la electricidad o los requirimientos de los actos y eventos especiales que se llevan a cabo en el museo. El paseo que hacemos con él va desde la cubierta del edificio, con los magníficos lucernarios proyectados por Moneo en la restauración del edificio y tres grandes torres de refrigeración, hasta los sótanos donde trabajan tres inmensos climatizadores (en la foto), las calderas o los aparatos que controlan la humedad de cada zona de forma independiente. Además, todo se ha adaptado en los últimos tiempos al consumo sostenible y la reducción de emisiones, una inversión, matiza Martín, que ha compensado la subida energética y ha supuesto una disminución del consumo. “Se ahorra pero siempre con la premisa de la conservación de las obras. Eso es lo importante”, cuenta. Mirando la panorámica del sótano 3 nos dice: “El público no alcanza a imaginar lo que no se ve en este museo”. Lo hemos comprobado.

No llenan los titulares ni protagonizan minutos de televisión. No tienen colas interminables ni records de visitantes de esos que hacen historia. Viven a la sombra de sus imponentes hermanos mayores pero, nos atrevemos a decir, nada de eso importa. Los otros museos, esos que no son ni el Prado, el Reina Sofía, el Thyssen o el recién reestrenado Arqueológico, son pequeñas joyas desperdigadas por la ciudad que nos permiten sentir el placer de una visita relajada y descubrir otros tesoros históricos.

Hoy que se ponen (más) guapos y abren sus puertas de par en par para celebrar su noche y su día, los recorremos.

Museo del Romanticismo

Nada más y nada menos que 90 años de historia tiene este museo ubicado en Tribunal. Si necesitábamos una excusa para visitarlo, ahí tenemos este redondo aniversario. Se puede decir que el Museo del Romanticismo es el más conocido de los desconocidos, y su buen hacer en las redes sociales tienen mucho que ver junto a la remodelación que llevaron a cabo durante ocho años y con la que adoptó su nuevo nombre, antes era Museo Romántico, en 2009. Creado en 1924 por el marqués de la Vega Inclán y Flaquer, hoy sigue reivindicando y dando a conocer cómo se vivía en el Romanticismo, una época convulsa protagonizada por artistas apasionantes y que abrió la puerta a la modernidad.

Entre sus salas, no son muchos los que saben que podemos admirar cuadros de Goya, Esquivel o Carlos Luis de Ribera, una potensísima colección de estampa (en su mayoría litografías), mobiliario de los periodos fernandino o isabenilo y objetos que pertenecieron a Juan Ramón Jiménez, José de Zorrilla o Mariano José de Larra. De hecho, la sala XVII está dedicada al escritor y alberga desde cartas y manuscritos hasta un mechón de su pelo y dicen que la pistola con la que pudo suicidarse.

Un par de curiosidades más: Ortega y Gasset o el marqués de Lozoya frecuentaban el museo en su época y Rafael Alberti fue su director durante la Guerra Civil. Disfruten también de un desayuno en su coqueto y tranquilo jardín. Es especial.

Museo Lázaro Galdiano

Más de 4.800 piezas pueblan las cuatro plantas del palacio de Parque Florido, cuya reforma corrió a cargo del arquitecto Fernando Chueca Goitia para que abriera sus puertas en 1951. Fueron legadas por el editor José Lázaro Galdiano al Estado para que el disfrute de todos. Sus fondos son tan variados y heterogéneos que alberga una de las mejores colecciones europeas de platería civil y joyas con piezas que abarcan desde el siglo III aC hasta finales del XIX.

Hay otra de miniaturas, esmaltes o relojes pero, sin duda, lo más llamativo es su amplia y magnífica colección de pintura con obras, entre otros muchos, de El Greco, Velázquez, Zurbarán, Murillo, Esquivel, El Bosco, Lely, Constable y varios lienzos de Goya tan conocidos como El aquelarre o Las brujas. Además, hasta el lunes se puede ver la exposición temporal Entre tiempos... Presencias de la colección Jozami, que se exhibe por primera vez en Europa.

Museo Cerralbo

Solo por adentrarse en este palacio prácticamente intacto del siglo XIX situado a escasos metros del templo de Debod ya merece la pena la visita. Impresiona tanto como la magna escalera, llamada de honor, que nos recibe nada más traspasar el zaguán. El Museo Cerralbo se ubica en lo que fuera la residencia de Enrique Aguilera y Gamboa, marqués de Cerralbo, y su familia. Y es un museo de coleccionista ya que alberga, respetando buena parte de su disposición, las colecciones del marqués y de una de sus hijas.

Su interés reside, por un lado, en las fabulosas colecciones de pintura y armas y, por otro, en la oportunidad que nos brinda de ver cómo era la vida cotidiana de las clases acomodadas en el siglo XIX. Por eso, nos llama la atención casi por igual los lienzos de Goya, Zurbarán, Van Dyck, Tintoretto, Alonso Cano o Bronzino como las estancias, los teléfonos, despertadores o souvenirs con más de cien años de historia.

Museo Sorolla

Le preguntamos a Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen, que nos recomiende un museo de los 'pequeños' que no nos tenemos que perder. Su respuesta: el Museo Sorolla. La visita a la que fuera la casa del pintor valenciano desde 1911 es obligada por tres razones. La primera, por admirar sus obras. Desde los retratos costumbristas y familiares, como Moro con naranjas, de sus etapas iniciales a esos paisajes de playa con su característica luz, como los famosos Paseo a orillas del mar o El niño de la barquita. La segunda, por sus jardines. Están basados en el jardín de Troya de los Reales Alcázares de Sevilla y el patio de la Acequia del Generalife de Granada, que el artista utilizó como inspiración para sus obras, o el patio andaluz donde colocó su colección de cerámica.

Por último, porque ofrece la oportunidad de ver el espacio en el que vivió, su mobiliario y adornos, y donde trabajó. El edificio cuenta con tres salas encadenadas que utilizó como su estudio, sala de exposiciones para vender su obra y almacén de sus materiales. En la parte de vivienda propiamente dicha podemos ver un salón con amplios ventanales con lámparas de Tiffany y un comedor con una colección de pilas de agua bendita y una reproducción de la Madonna Pitti de Miguel Ángel.

Museo del Escritor

Este recoleto museo es un templo para los amantes de las curiosidades (con un puntito fetichista) de la literatura hispanoamericana. Se encuentra en el Centro de Arte Moderno, una entidad cultural que también posee una galería, una librería, un sello literario y que guarda el Archivo Onetti, con su biblioteca, cartas y objetos personales. Pues bien, el museo es un compendio de cachivaches, cartas, fotografías, libros dedicados y demás objetos que han pertenecido a escritores como Julio Cortázar, que le firmó una dedicatoria a la poeta Alejandra Pizarnick, firmada 'el club de la serpiente', antes de la publicación de Rayuela.

También podemos ver los pinceles con los que Rafael Alberti pintó hasta el último momento, las cartucheras de caza o las gafas de Miguel Delibes, dos pipas de Ramón Gómez de la Serna, la pluma verde con la que Antonio Muñoz Molina escribió los borradores de Plenilunio y Ardor Guerrero, tres sombreros de Bioy Casares, la corbata con la que se casó Max Aub, un ejemplar de una obra de Chesterton firmada por él y Jorge Luis Borges o una petaca de Luis Rosales.

A su colección de más de 5.000 objetos, aunque no pueden exponerlos todos, se sumaron a finales de abril los muñecos de animales que representaban a los personajes de las obras del escritor guatemalteco Augusto Monterroso, y un mechero y cajetilla de cigarros sin acabar Goytisolo. Quizás para muchos son trastos viejos, pero trastos que aquí cobran vida. Un paraíso para los mitómanos.

Museo Picasso-Colección Eugenio Arias

Nos vamos de viaje en busca de Picasso pero no a Málaga, Barcelona o A Coruña sino a Buitrago de Lozoya. En esta localidad madrileña un museo le rinde homenaje a través de los objetos que le fue regalando a su amigo y barbero Eugenio Arias. Ambos se conocieron en el exilio, en la localidad francesa de Vallauris, y en 1948 Picasso comenzó a acudir a su peluquería. Así surgió esta relación, que se prolongó 26 años a base de conversaciones sobre el exilio, España, los toros e infinidad de momentos en común.

Tan cercanos eran que, dicen, Picasso solo dejaba que fuera Arias quien hiciera críticas a sus obras. Al menos así lo recoge Antonio D. Olano en Picasso íntimo: “Era la única persona que no hacía elogios de la obra picassiana, la única a la que aceptaba el pintor críticas adversas, sin pelos en la lengua: ¡Eso son mamarrachadas!”. Y la que fuera su mujer, Françoise Gilot, también afirmó que confiaba sobremanera en su barbero: “Arias se convirtió en el Otro Yo de Pablo. En presencia de su paisano perdía todo temor”. Fue Arias quien decidió en los 80 que todos los objetos que le había regalado Picasso y su entorno más cercano viajaran a España y se instalaran en un museo en su ciudad natal. Y aquí podemos ver sus dibujos, cerámicas, obra gráfica, carteles, libros dedicados, fotografías y hasta una caja de útiles de peluquería decorada por el pintor.

Centro de Arte 2 de Mayo

La visita termina en Móstoles con el arte más actual. Desde 2008, el Centro de Arte 2 de Mayo (CA2M) alberga la colección de arte contemporáneo de la Comunidad de Madrid. Tan interesante como las 1.500 obras de artistas como Muntadas, Fontcuberta, Chema Madoz o Thomas Ruff es su incesante actividad expositiva, pedagógica, sus proyecciones de video, talleres creativos o las Picnic Sessions. Ahora podemos ver una retrospectiva de la obra de Los Torreznos (acaba este fin de semana), otra dedicada a Teresa Margolles y una más centrada en la perfomance. Además, en 2015 sumará a sus fondos las más de 300 obras de la colección de la Fundación Arco.

Por último, en esta ruta también podríamos incluir, pero les dejamos que ustedes trazen el final del recorrido, otros museos tan apetecibles como el de Artes Decorativas (que cumple 100 años), el del Aire (considerado uno de los mejores de su estilo de Europa), el de los Bomberos (apunten porque no habrá niño que se le resista), el Geominero, los del Real Madrid y el Atlético de Madrid, los de las universidades o el Africano-Mundo Negro. Todo es cuestión de tener un poco de tiempo y ganas de descubrir.

Son esos lugares en los que el tiempo se transforma en espacio, como ha dicho en alguna ocasión el Nobel turco Orhan Pamuk. Esos sitios, según Renoir, donde “se encuentra el gusto por la pintura que la naturaleza por sí sola no puede dar” porque “uno no dice 'Quiero ser pintor' ante un paisaje hermoso, sino ante un cuadro”. Templos de las musas, espacios para la cultura, almacenes de lo bello, de la memoria o de la historia, instituciones vivas que enlazan visitantes, generaciones y culturas.

Unos 35.000 museos de 143 países de todo el mundo celebran este domingo el Día Internacional de los Museos bajo el lema Los vínculos creados por las colecciones de los museos. Pero antes, hoy, Europa da la bienvenida a esta onomástica con la décima edición de la Noche de los Museos. Madrid se suma a ambas celebraciones engalando sus museos, abriendo sus puertas hasta la medianoche, con aperturas gratuitas, visitas especiales y muchas más actividades en la fiesta. Para no perderse nada ni hoy ni mañana (la programación completa por espacios se puede consultar aquí), proponemos cuatro rutas temáticas.

Visitas, recovecos y talleres

Museo del Traje. ¿Cómo es un museo por dentro? ¿Y lo que no se ve? El Museo del Traje celebra hoy la Noche de los Museos abriendo hasta las 23.00 y realizando visitas comentadas (gratis previa inscripción en su web) por su colección permanente que concluyen en los almacenes del centro. Además, también a partir de las 19.00 tiene lugar el taller Teje una bufanda con tus manos y durante la tarde del sábado y la mañana del domingo la actividad Puntos suspendidos nos propone colaborar en la realización colectiva de tres grandes paneles textiles con diferentes técnicas como el punto, el ganchillo o el punto de cruz.

Espacio Fundación Telefónica. Aquí también descubriremos lo que no se ve habitualmente. El domingo (12.00 y 18.00 con inscripción previa en educacion.espacio@fundaciontelefonica.com) la visita por este espacio incorpora el acceso exclusivo al almacén o sala de peines, una zona restringida donde se encuentran obras de Chillida, Delvaux o Luis Fernández.

Centro de Arte Complutense. Los talleres centran sus actividades al hilo de la exposición Fiber Futures, Pioneros del arte textil japonés (que se puede visitar gratis todo el fin de semana). El sábado (17.00) en el taller fibras japonesasFlores de seda (12 euros con inscripción en talleresdescubrejapon@gmail.com) los participantes pueden experimentar con el tengujo, una de las fibras niponas más bellas y tan delicada como el pétalo de una flor. Después será el turno del concierto 17 haikus y una grulla de música zen para flauta japonesa. Y el domingo (10.00 y 11.30) serán los niños de 4 a 12 años con sus familias los que puedan participar en un taller textil con posterior visita a la exposición (7 euros con inscripción en actmupai@ucm.es).

CentroCentro Cibeles. Además de abrir hoy hasta la medianoche, con entrada gratuita desde las 20.30, mañana domingo se puede visitar también gratis (10.00 a 18.00) la exposición Colección Masaveu: Del Románico a la Ilustración. Imagen y Materia, una magnífica colección privada de la que se exhiben 63 obras del siglo XII al XIX tan míticas como Virgen con el niño de Murillo, Santa Catalina de Zurbarán, el Tríptico del descendimiento de Joos van Cleve el viejo, Las tentaciones de San Antonio de El Bosco o El expolio de Cristo y Santa Magdalena de El Greco.

Museo de Artes Decorativas. La entrada es gratuita en este museo hoy de 20.00 a 00.30 y mañana hasta las 15.00. Asimismo, quieren que conozcamos sus colecciones de una forma más especial con El observatorio del tiempo, un juego de pistas, adivinanzas y acertijos que nos convierte en improvisados científicos que tendrán que viajar un siglo atrás, a la fecha en la que abrió este museo, para resolver un curioso misterio temporal.

Museo del Romanticismo. Un viaje al pasado (y sin pagar) es lo que nos proponen para esta noche. Un auténtico flashback dos siglos atrás (20.30 a 00.00) para que nos perdamos por la vida más romántica. Y lo haremos con recreación a La última moda del siglo XIX incluida, ya que las salas de este palacio estarán habitadas por unas horas por damas y caballeros de época.

Durante la Noche de los Museos prácticamente todos abrirán sus puertas gratuitamente hasta las doce o una de la madrugada y durante la mañana del domingo con accesos gratis a sus colecciones. En su mayoría también realizan visitas comentadas como las del Reina Sofía (sábado y domingo cada hora y tematizadas); el Thyssen con la nocturna (gratis de 19.00 a 01.00) a la instalación 8: Nocturnos; el Prado con sus itinerarios didácticos el domingo (cada hora de 11.00 a 13.00 y de 16.00 a 18.00) en torno a la escultura de Leone y Pompeo Leoni, Carlos V y el Furor; el Sorolla por su colección (hoy, cada hora de 17.30 a 20.30), el de Historia de Madrid (sábado a las 20.30) o el Antropología por la exposición temporal Foroba Yelen: Luz colectiva en el Mali rural (hoy a las 22.00 y 23.00) de mano de su autor.

Escénica: ¿Danza, música o teatro?

Museo Arqueológico Nacional. A buen seguro, el reestrenado Arqueológico va a ser uno de los museos que concite más público este fin de semana. El sábado se puede visitar hasta la medianoche gratis en un paseo que acabará en sus jardines y el domingo (13.00, gratis hasta completar aforo) estrenan su nuevo Salón de Actos con su Museo drama, monólogos teatralizados históricos que, en esta ocasión, nos trasladan a la guerra de Numancia a través de Areva, una mujer de Numancia.

Casa Museo Lope de Vega. Shakespare y Lope de Vega comparten confidencias, penas y glorias el Día Internacional de los Museos (domingo a las 11.15, 12.15 y 13.15 con reserva previa en casamuseolopedevega@madrid.org). Lo harán en la mesa de una taberna gracias a la obra de teatro In Verona veritas, centrada en la tragedia medieval de los amantes de Verona que inspiró sus obras Castelivines y Monteses y Romeo y Julieta. En el apartado musical, el precioso jardín de este museo suena esta noche (20.00, gratis) a música renancentista y barroca con el concierto que ofrece el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Biblioteca Nacional de España. Hoy sábado (19.00) los textos del Museo de la BNE se suben a las tablas en Construyendo un... diálogo para tres, una comedia de microtetatro escrita y dirigida por Pedro Martínez y con música en directo que da la palabra a tres esculturas de la colección permanente del museo.

Museo Casa Natal de Cervantes. Hasta Alcalá de Henares nos vamos para ver hoy (21.00, gratis hasta completar aforo) el espectáculo Viaje al Parnaso, con el que se conmemora el cuarto centenario de la publicación de la obra de Cervantes y que es una adaptación a la prosa de Carlos Jiménez.

Museo Reina Sofía. La danza y la música comparten protagonismo en las actividades del Reina Sofía para celebrar la Noche y el Día de los Museos. Privolva Landing (sábado a las 19.00 y domingo a las 12.00, gratis) es una pieza de danza basada en el imaginario de la ciencia ficción en la que tres cuerpos transitan entre lo individual y lo colectivo como forma de sobrevivir o limitarse. Mientras que el jazz y la pintura se unen el domingo (19.00, gratis con recogida de entradas en taquilla) en Imaginando Miró, un concierto-espectáculo audiovisual inspirado en las obras del artista catalán con piezas compuestas por Ignasi Terraza e interpretadas por su Trío. Este espectáculo, que se estrenó el año pasado en la National Gallery de Washington, se presenta por primera vez en España y bebe del encuentro que vivieron Duke Ellington y Miró en Niza en 1966.

Real Academia de San Fernando. La música dialoga con las obras artes de su colección el Día de los Museos. Por eso, el domingo (de 10.00 a 15.00, gratis) se sucederán varios conciertos con piezas de Bach, Schwindl, Joaquín Rodrigo, Haydn y Villa-Lobos rodeados de obras de Goya o los últimos artistas contemporáneos.

Museo del Romanticismo. La danza bolera, un estilo cada vez más en desuso y origen de bailes españoles tan conocidos como el flamenco, se adueña de la Noche de los Museos (sábado a las 21.00, 22.00 y 23.00, gratis) con un espectáculo a cargo de la Compañía de Danza Española Sara Martín. Este tipo de baile, que comenzó a gestarse en el siglo XVII, se convirtió en una de los más representativos del Romanticismo. Por eso, no podía faltar en su museo.

Museo de Antropología. ¡DU M, DU M!... Bailando al ritmo de Mali es el espectáculo de danza que hoy (20.30) podemos ver de la mano de la compañía Mbolo. Música y ritmo para darle más vida al museo.

CA2M. Los Torreznos celebran la Noche de los Museos con la performance La Economía (12.30 previa inscripción en recepcion.ca2m@madrid.org o su web), en la que dialogan con entre ellos y con el público sobre la responsabilidad del individuo.

Museo Sorolla. En Cuentos de antiguamente podemos escuchar hoy (18.00 y 19.00 con reserva en 911 77 44 24) cuentos tradicionales medievales acompañados de música e ilustración en vivo. También hoy hay visitas guiadas por la colección del museo (pases cada hora de 17.30 a 20.30) y el domingo, una jornada de creatividad colectiva (de 11.00 a 14.00) en la que los visitantes pintarán un mural de gran formato sobre tela que girará en torno a los murales que Sorrolla realizó para la Hispanic Society de Nueva York, y los chicos de la Asociación ARGADINI, de integración de personas con discapcidad intelectual y autismo a través del arte y la creatividad, explican sus obras de arte favoritas (de 12.00 a 14.00).

Para toda la familia

Museo Reina Sofía. Mastretta y su banda se suben este domingo (12.30, gratis con recogida de entradas en la taquilla) al escenario del auditorio del Reina Sofía para ofrecer a las familias uno de sus divertidos conciertos en los que fusionan proyecciones, improvisación, juego, humor y un estupendo recorrido por los estilos musicales que van desde el jazz al rock.

Museo del Romanticismo. El concierto El piano enamorado propone a las familias (a partir de 3 años, domingo a las 12.00 previa reserva en 914 48 36 47) adentrarse en la música del Romanticismo a través de la historia de un gran piano que vivía en un museo pero que se sentía un poco solo... hasta que le llegaron unos sonidos que le cautivaron.

Museo del Prado. Mano a mano, cuadro a cuadro en el Prado es el nombre de la obra de teatro familiar (a partir de 4 años) que se puede ver el domingo (11.00 y 17.00, 5 euros) en el museo. Una obra que aborda la comunicación entre una persona oyente y otra sorda que se comunican con la ayuda de las obras de la pinacoteca. Además, todos los niños hasta 14 años que acudan el domingo al museo se llevarán un pase familiar gratis.

Museo Cerralbo. Abuelos y nietos monopolizan la actividad de este fin de semana. En GeneraCción (sábado a las 17.30 y domingo a las 11.30, gratis) partipan juntos en un taller para descubrir sus conexiones al hilo del lema de esta edición del Día de los Museos.

Planetario Madrid. El Planetario también se suma a los actos del Día de los Museos con las proyecciones del domingo gratis (recogiendo entrada en taquilla). Se puede asistir a las infantiles El satélite dormilón (11.30) y En órbita con López (12.45 y 17.30) y a El cielo de una noche de primavera (18.45) y Misión al Universo (20.00).

No te pierdas tampoco...

La Tweed Ride en el Museo del TrajeTweed Ride. El domingo visita el Museo del Traje este particular movimiento que fusiona la bicicleta con la moda de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Los participantes harán su Bic Picnic mensual en los jardines del museo tras visitarlo y para terminar una jornada que partirá a las 11.00 desde el Puente del Rey. También presentarán la IV Edición de la Tweed Ride Madrid 2014, que tendrá lugar el próximo 8 de junio. Se exige complementos vintage por supuesto.

Oportunidad única en el Museo NavalMuseo Naval. Por primera vez abre al público la espectacular escalera del Cuartel General de la Armada (sábado hasta las 00.00 con visitas guiadas a las 11.30 y las 22.00 con motivo de la Noche de los Museos así como durante todo el año fines de semanas y festivos de 11.00 a 13.00 y de 16.00 a 18.00 y dentro de la visita guiada del museo de los domingos a las 11.30), que se ubica el Museo Naval desde 1931 y solo se abría en ocasiones excepcionales. Esta imponente escalera de estilo imperial fue construida en 1928 en mármol de Carrara y está cubierta por una vidriera, realizada por la empresa Maumejean, compuesta por 15 cuadrados blancos con grecas verde esmeralda en la que aparece Neptuno junto a caballitos de mar y una pareja de sirenas, rematado con los escudos de los antiguos reinos de España.

Selfies en el Museo de AntropologíaMuseo de Antropología. No van a ser menos los museos. Los selfies están tan de moda que si ni los políticos y los actores se les resisten en actos 'oficiales'. Así que el Museo de Antropología cambia las normas que hay en muchos centros sobre las fotos y nos invitan el domingo (10.00 a 15.00) a autoretratarnos en nuestros rincones favoritos. Y, claro está, que después se muevan por las redes sociales.

#VinculaMuseo en el Museo Thyssen.Museo Thyssen Utilizando el lema del Día de los Museos, el Thyssen invita a sus seguidores en sus redes sociales a compartir sus propias conexiones entre recuerdos literarios, cinematrográficos o musicales y las obras de arte del museo con el hahstag #VinculaMuseo. Y offline, el domingo además de acceder gratis a la colección permanente, los visitantes pueden participar en el jardín (12.00 y 17.00) en la creación de una obra colectiva en colaboración con el ilustrador Álvaro Núñez.

Egipto en el Museo Arqueológico Regional. El egiptólogo José Manuel Galán, profesor de investigación del CSIC en Madrid, imparte el domingo (19.00) una conferencia en este museo bajo el título Últimos hallazgos del Proyecto Djehuty, en Luxor. Hablará sobre los últimos descubrimientos realizados en las recientes excavaciones en Dra Abu el-Naga, entre ellos un sarcófago de madera nunca abierto que contenía una momia en buen estado de un hombre llamado Neb, fundamentales para seguir descubriendo el imperio en torno al 1.600 aC.

Han sido casi diez meses de espera para conocer una respuesta. Un sí o un no que podía determinar el futuro de Gabriel Pérez Castellanos y de cualquier invidente que se plantee, al acabar la carrera, opositar a la judicatura. Y sí, casi diez meses en los que el caso de Gabi, vallisoletano de 23 años, licenciado en Derecho e invidente total, ha pasado de unas manos a otras, la justicia ha determinado que España puede tener jueces invidentes.

Ayer por la tarde finalmente la Comisión Permanente del Consejo General del Poder Judicial (CGPJ) votó por unanimidad a favor del informe favorable presentado por uno de sus cinco vocales, Juan Manuel Fernández y a su vez presidente del Foro Justicia y Discapacidad, y resolvió que Gabi tiene el mismo derecho que cualquier otro ciudadano a ser juez. De hecho, ha decidido que no es ni siquiera necesario un cambio legislativo. Por tanto, si Gabi aprobara las oposiciones (ese derecho nadie se lo negaba), se podría convertir en el primer juez invidente de España. Eso sí, matiza, siempre en “puestos compatibles o adaptados a sus capacidades”.

Gabi recibió ayer la noticia acabando un trabajo para el Máster en Derecho Laboral que está estudiando en Garrigues con una beca de la Fundación Diversia. “Lo tenemos que entregar mañana y aún estamos en ello”, explicaba a eldiario.es. “Ha llamado el jefe de Comunicación del CGPJ a change.org y se lo ha comunicado. Es una victoria de toda la gente que me ha apoyado y una opción de fururo para mí y para todos los que vengan detrás”, aseguraba.

Respecto a esa coletilla de puestos compatibles, afirma que está contento por la respuesta afirmativa y que “la música suena bien” y añade: “Supongo que se referirá a un apoyo en medios técnicos y humanos, y me parece lógico, pero preguntaré de qué se trata exactamente”. Antes de empezar con el máster, para Gabi la primera opción eran estas oposiciones y, aunque reconoce que a día de hoy las circunstancias han cambiado, lo cierto, añade, es que “me lo puedo plantear porque ahora sí es una opción real. Me atrae mucho y lo valoraré y lo decidiré”.

El documento elaborado por Juan Manuel Fernández, y acogido por la Comisión Permanente del CGPJ, recordaba que el artículo 49 de la Constitución obliga a los poderes públicos a realizar políticas de integración de los discapacitados y a ampararles en el ejercicio de sus derechos, y que el artículo 301.8 de la LOPJ dispone que en las convocatorias para el ingreso en la carrera judicial se reservará un cupo no inferior al 5% de las vacantes para ser cubiertas por personas con discapacidad en grado igual o superior al 33%.

Además, y centrándose en el Principio de Inmediación, el vocal defendía que son excepcionales los medios de prueba “que exijan la utilización del sentido de la vista de modo insustituible” y más con los medios tecnológicos actuales (documentos digitalizados y convertibles a audio o sistema de Braile al instante, por ejemplo) que, explica el CGPJ en nota de prensa, hacen fácilmente accesible cualquier documento a las personas invidentes. Algo que el propio Gabi ya defendía cuando contaba a eldiario.es el mes pasado que “ahora mismo con la tecnología podría perfectamente”.

La comisión también agrega que no puede considerarse que la vista sea un sentido imprescindible en las audiencias a testigos y partes, considerando el oído un sentido más importante, como reconocen las leyes procesales, a la hora de valorar evasiones en las respuestas, titubeos o vacilaciones. Aunque sí admite que algunas fuentes de prueba solo son apreciables a través de la vista, y citan como ejemplo el reconocimiento de un terreno a efecto de deslinde, pero “no es suficiente para denegar de forma tajante a los invidentes el acceso a la carrera judicial”.

“114.000 firmas lo han conseguido”

El caso de Gabi comenzó en junio del año pasado. Acaba de finalizar sus estudios de Derecho y se planteó como mejor opción presentarse a las oposiciones para juez. Pero antes de ponerse a estudiar, acudió a la Audiencia Provincial de Valladolid para preguntar si siendo invidente total podía ejercer como juez. De este modo, Gabi escribió al CGPJ con una simple pregunta: ¿Puede una persona ciega como yo ejercer las funciones de magistrado?. Pero la respuesta comenzó a demorarse. Debía llegar en un mes y en agosto le llaman, nos explicaba, y le dicen que su caso saltaba al Ministerio de Justicia. El plazo se ampliaba de nuevo a septiembre.

Entre tanto, crea una petición en change.org, que hoy cuenta con el apoyo de más 114.000 personas, y los medios de comunicación nos hacemos eco de su historia. Y el caso se reactiva. Vuelve al CGPJ, se retira un informe anterior que era desfavorable y no se llegó a debatir y, con la llegada de los nuevos miembros del órgano de gobierno de los jueces, su nuevo presidente, Carlos Lesmes, encarga a Fernández redactar un nuevo informe, esta vez favorable, que se votó ayer haciendo historia, porque la duda planteada por Gabi no es la primera vez que se tenía que estudiar en España. Hace 25 años, recoge la agencia Efe, un joven llamado Mariano Ruiz se presentó a las oposiciones a fiscal pero en el reconocimiento médico fue sacado del proceso de selección por sus limitaciones en la vista. Ahora trabaja como técnico superior en la ONCE y, explicaba, olvidó ese revés gracias a sus éxitos deportivos en los Juegos Paralímpicos donde consiguió cinco medallas de oro en atletismo. “Obviamente la petición y el ruido mediático han sido determinantes. Mi sensación era que todo el mundo se pasaba la pelota y todo se reactiva con la petición en change.org El CGPJ lo ha entendido y 114.000 firmas lo han conseguido”, añade agradecido.

Con esta resolución, España se suma a la lista de otros países del mundo donde los invidentes pueden ser jueces como Brasil, Perú, Reino Unido, Países Bajos o Austria, que ahora está también resolviendo la cuestión, y cuyo derecho a ejercer está contemplado en la Convención Internacional sobre los Derechos de las Personas con Discapacidad de la ONU del año 2006 y ratificada por España.

Nadie mejor que ellos para descubrir al lector una obra maestra, una joya imprescindible o ese título en el que pocos han reparado. Los libreros siempre han sido la fuente a la que acudimos los lectores en busca de recomendaciones y tesoros más allá de los bestsellers y aquellas obras que cuentan con la fortuna de tener grandes campañas de comunicación. Nosotros también hemos querido acudir a ellos en una fecha tan simbólica para las letras como la de hoy y, aprovechando el Día del Libro, le hemos pedimos a ocho libreros que nos descubran un libro y nos digan el título de otro imprescindible de esos que todos deberíamos leer alguna vez en nuestra vida. Estas son sus sugerencias.

Tipos Infames

En la pizarra de la puerta de esta librería de Malasaña, que marida letras y vino, siempre hay una recomendación para que cualquier viandante se la lleve de regalo. Tipos Infames se ha convertido en sus escasos cuatro años de vida en todo un referente del nuevo concepto de librerías que ponen especial atención en un catálogo variado, de calidad e independiente envuelto en un ambiente de diseño que invita a dejarse llevar. Para ello Alfonso Tordesillas, uno de sus tres fundadores, nos recomienda dos obras: una imprescindible y otra que hay que descubrir.

El maestro y Margarita, de Bulgákov. “Lo acaba de reeditar Nevsky, por fin han sacado una buena edición, y como fondo de armario es un novelón maravilloso”.

Los extraños, de Vicente Valero (Periférica). “Tenía publicados poemas pero en esta obra ha compuesto una biografia sentimental de cuatro personajes de su familia, que bautiza como extraños, con los que ha tenido contacto de forma muy fugaz, pero que siempre están presentes en las conversaciones y han tenido un peso indirecto en el devenir de la familia”, explica destacando la forma de Valero de componer a los personajes, sus anécdotas y cómo va enredando las historias. “Son cuatro retratos muy bien encajados y muy bien escritos”, concluye.

Librería Antonio Machado

Alex Portero nos atiende en esta librería que es todo un templo de las letras madrileñas. Se fundó en 1971 en un histórico local de la calle Fernando VII como un lugar de encuentro donde se hacían conciertos, exposiciones y presentaciones de libros. En 2011 sumaron un segundo local en los bajos del Círculo de Bellas Artes y ambos siguen haciendo del trato personalizado su seña de identidad.

“Un libro que me parece fundamental para todo al que le guste leer son los Cuentos completos de Truman Capote, de Anagrama. Son maravillosos. Todo el mundo conoce a Capote por sus novelas pero los cuentos son un libro infinito que le puede gustar a todo el mundo”.

Nada es verdad, todo está permitido, de Servando Rocha (Alpha Decay). “Es un libro muy interesante. A partir de un hecho concreto como es el encuentro entre Kurt Cobain y William Burroughs, esta novela recorre la historia del arte del siglo XX con referentes que todos conocemos”.

Arrebato Libros

“Hay cosas que son difíciles de definir en esencia. Sobre todo si Arrebato no es del todo una librería, como no es exactamente una editorial, como no es con exactitud un núcleo de gestión cultural, sino que es todo a la vez”, dicen sus creadores en su página web. Ubicada en la calle de La Palma, es otra de las librerías que reivindican su propio lugar combinando libros de viejo, raros y descatalogados con las últimas vanguardias, su sello y actividades en torno a las letras. Pepe Olona, el alma de Arrebato, nos lleva desde una novedad hasta uno de los libros que más le ha gustado últimamente.

Baby Bum, de Accidents Polipoètics (Ed. Arrebato) “Es un libro de aforismos. Accidents Polipoètics son los maestros de la polipoesía y trabajan mucho con humor. Hoy presentamos este libro que es una recopilación de pensamientos y frases que han ido haciendo en Twitter”, explica. En el Espacio Fundación Telefónica será la presentación a las 19.00 con una performance de polipoesía interactiva.

Llámalo sueño, de Henry Roth (Alfaguara), es uno de esos títulos imprescindibles para Olona. “Es un libro muy bonito. Es la historia de Nueva York desde el punto de vista de un niño que judío que llega a Estados Unidos en los años 30”, cuenta.

Librería Rafael Alberti

Todo un clásico de las letras que lleva más de 40 años haciendo grande al oficio de librero. En esta institución de la literatura de la capital, Lola Larumbe nos propone dos grandes obras.

El primer hombre, de Camus (Tusquets). “De bolsillo, por nueve euros y muy recomendable. Es el libro que todo el mundo debería leer en algún momento de su vida porque aporta una idea de lo que era la forma de vida en los años 30, una visión de la pobreza y de cómo se construye la personalidad gracias a la libertad del mar, del sol y, sobre todo, de un gran maestro”, afirma con pasión.

“Un buen descubrimiento literatio es llegar a alguien que toda su vida se ha dedicado a hacer y editar libros como Mario Muchnik. El año pasado publicó un pequeño tomo de memorias llamado Ajuste de Cuentos (El Aleph). Este libro es el descubrimiento de un muy buen escritor y de un gran memorialista”, agrega.

Librería Méndez

Antonio Méndez es otra de esas instituciones que hay entre las estanterías y los mostradores de una librería. La profesión le viene de familia y eso se nota porque acudir a la librería Méndez es sinónimo de salir con algo que seguro no decepcionará, además de sabiendo mucho más de literatura. Vargas Llosa, Pérez-Reverte, Javier Marías o Luis Mateo Díez son algunos de sus clientes. O más bien amigos, como explicaba a Jot Down. Sus dos propuestas son las siguientes:

Todo lo que hay, de James Salter (Salamandra). “Acaba de salir la última novela de este autor norteamericano que llevaba 30 años sin escribir. Es magnífica. Salter habla de su experiencia en la Guerra de Corea y como escritor, y reflexiona sobre la pérdida que ha habido en estos años en el mundo de la edición”, explica.

Canadá, de Richard Ford (Anagrama). “Es una obra maestra total y absoluta. Está llena de aforismos para hablar de la vida, la muerte, el amor, el sexo... de todo lo que nos interesa a todos pero desde una madurez increíble”.

Librería Yorick

Pero no solo de novela vive el hombre, aunque es el género que mayoritariamente copa nuestra atención. Para enmendarnos, buscamos las sugerencias de Encarnación Sancho, librera de Yorick, una de las especializadas en artes escénicas de Madrid.

El arte del actor en el siglo XX, de Borja Ruiz (Artezblai). “Es un libro fundamental para comprender el teatro del siglo XX. Recopila todas las nuevas tencencia de las artes escéncias y las relaciona y explica muy claro para que comprendamos el teatro actual. Es perfecta para gente que quiere saber. Con esta obra aprendes, comprendes y te apetece ir al teatro”, asegura.

Contra el progreso/Contra el amor/Contra la democracia, de Esteve Soler (Artezblai). “Esta nominada a los premios Max. Son tres obras, cada una dividida en siete mini piezas, que son una crítica brutal al sistema en el que vivimos. Es políticamente bastante incorrecta, con un punto absurdo donde puedes ver un poco a Beckett pero al mismo tiempo son poéticas. De las nuevas tendencias del teatro, es una de las obras que más fuerte está pegando. Aquí no la conoce casi nadie pero este texto se ha estrenado por todo el mundo. El último sitio, hace nada en Nueva York”.

Visor Libros

Y si hablamos de poesía, esta librería es otra de las paradas obligadas junto con Hiperión. Con el mismo espíritu que en el caso anterior, Salvador Nombela nos descubre dos obras.

Los desengaños, de Antonio Lucas (Visor de Poesía). “Se trata de un poeta joven, que no llega a los 40 años, y aunque ya tiene publicada algo de obra, con esta última ha crecido muchísimo como poeta”.

“Fundamental es leer la poesía completa de Leopoldo María Panero [publicada en dos volúmenes en Visor de Poesía]. En mi opinión no se lee lo que se merece. No se le está haciendo justicia a su poesía, que es muy importante en la última parte del siglo XX”.

Graphic Books

La ilustración, la fotografía y el diseño gráfico cada vez ocupan más lugar en las estanterías de los lectores. En esta librería son sus especialidades. Por eso, le pedimos a José Guijarro que escudriñe entre todo su catálogo para proponernos obras que nos puedan cautivar sin ser especialmente duchos en la materia.

Lo primero que nos dice es que cada vez están teinendo más éxito los libros caligráficos y de lettering. En este sentido, nos recomienda Typography 34 (Art Directors Club), el único anuario dedicado exclusivamente a la tipografía.

Y para descubrir la obra de grandes ilustradores y diseñadores, se queda con dos títulos de obligado descubrimiento: Abierto todo el día. Los cuadernos de Isidro Ferrer & Pep Carrió (Unit Edición Experimental e Interactiva), que fusiona el libro impreso y la app digital para conjugar y sacar más allá de las páginas la obra creada por Ferrer y Carrió en sus cuadernos, y Saul Bass: A life in film & design, deJennifer Bass (Laurence King), un recorrido por la obra de uno de los diseñadores gráficos estadounidenses más importantes del siglo XX que ha colaborado en películas dirigidas por Billy Wilder, Alfred Hitchcock y Martin Scorsese y con empresas como United Airlines, AT&T o Minolta.