“Un estilo de vida de un sector de jóvenes que busca su identidad construyéndose un mundo a su medida: a toda pastilla”. Con este esforzado juego de palabras y enfundado en un traje demasiado grande para su porte que, visto en perspectiva, le daba más un aspecto de vendedor de enciclopedias a domicilio que de reportero intrépido de investigación, Carles Francino cerraba la presentación que daba paso al reportaje de Canal+ Hasta que el cuerpo aguante.

El tristemente célebre documental mostraría la paellada juvenil de excesos festivos de fin de semana que se cocían a ritmo makinero a lo largo y ancho de la Ruta del Bakalao sin descanso de viernes a domingo. Corría el año 1993 y aquello olía ya a pescado podrido.

Siendo benévolos, se podría decir que sí, que esa emisión lograría representar de qué iba eso de la Ruta del Bakalao, lástima que su contenido apenas mostrara un resumen fragmentado de 72 horas por la Ruta grabadas, como decíamos, en el año 1993.

Resulta que, como explican con pelos, señales y vinilos las voces que Luis Costa ha reunido en el libro ¡Bacalao!, el reportaje de Canal + y los otros cientos contenidos que los medios movieron en los meses venideros, tienen dos peros tan gigantescos como el parking de la discoteca Spook.

Dj, melómano declarado y responsable de prensa de Razzmatazz Clubs, Costa avanza en el prólogo del libro dos claves para desprendernos de esos dañinos peros que dan tumbos en el imaginario de los que no vivimos el fenómeno. Luis Costa lo vio claro: ¡Bacalao! tiene que leerse dando 0,0 en prejuicios. 

Primer prejuicio: haber mordido del todo el anzuelo con forma de k que llenaba el bacalao de conservantes artificiales, convirtiéndolo en bakalao, sabor low cost y producido en cantidades industriales.

El bacalao pedía ser consumido preferentemente antes de llegar a los noventa. Metiéndole la k sin miramientos, la fecha de caducidad se alargó hasta el 1995.

Segundo prejuicio: la receta original del bacalao valenciano, en vez de cocinarse dentro de una lavadora con jabón de cocaína, suavizante de ácido y dando trompazos a 150 bpm, se preparaba mejor en un cálido horno modelo mescal, acompañado con aromas guitarreros y los sintetizadores más punteros de la época. La receta local valenciana partía de lo que se estaba preparando en la cocina underground belga y británica, a saber, de las escuelas new wave, post-punk y la electrónica emergente. 

En resumen: el tramo para pescar eso del bacalao en su mayor esplendor comprendió aproximadamente la década de los ochenta. Lo que se documentó en los medios de manera generalizada representa su declive, apenas los últimos tres o cuatro años, y deja de lado toda una década bien diferente. Por ello, no se debe olvidar que la pesca de arrastre es una misteriosa especialidad de los buques del periodismo amarillista.

El bacalao vanguardista de las guitarras 

Aunque hay varias hipótesis sobre las coordenadas geográficas y el momento exacto en el que alguien pronunció por primera vez el término bacalao en clave musical, el significado está bien claro: bacalao hacía referencia a un temazo, es decir, a una de esas canciones que, incluso antes de terminar de escucharla del todo por primera vez, sabías que levantaría la pista dejando al público más flipado que los constructores del misteriosamente desaparecido Marina d’Or Golf.

Puede que la historia más verosímil de las que reúne ¡Bacalao! acerca del origen de la palabra sea la que cuenta Juan Santamaría, uno de los djs pioneros de la escena valenciana que dejó las cabinas en el año 1983 para abrir la tienda de discos de importación Zic Zac en Valencia. La tienda se erigiría como el cofre de los bacalaos dorados y ejercería de punto de encuentro para todos aquellos djs y clubbers que querían escuchar, conocer y pinchar lo más top del momento:

Así que con el bacalao, de mákina, nada. El bacalao que se servía en los menús discotequeros era puro eclecticismo, incluyendo los nuevos grupos estrella nacionales del momento, como Radio Futura o Glamour, e infinidad de grupos internacionales, principalmente ingleses y belgas, situados en la vanguardia de la época por acercarse a sonidos y tentativas electrónico-guitarreras emergentes y sin apenas precedentes: New Order, Depeche Mode, Front 242, Parálisis Permanente, Megabeat, Sisters of Mercy, Death in June, Nitzer EBB, Golpes Bajos, I-Level, Joy Division, Clan of Xymox, Soft Cell, The Cameleons, David Bowie, A Popular History Of Signs, New Modern Army o Killing Joke son algunos ejemplos.

La lista se extiende hasta donde llegan los recuerdos de las voces entrevistadas en el libro de Costa, especialmente con los relatos de los djs del momento, como por ejemplo: Juanito “Torpedo”, Juan Santamaría, Fran Leaners, Carlos Simó, Toni “El Gitano” o Jorge Albi.

Pescadores melómanos con arpón vinilero

vinileroToni “El Gitano” debe su apodo al mérito de vender como nadie el mejor bacalao vinilero directamente a las discotecas. Comenzó su colección a los 12 años con discos de Led Zeppelin o Jefferson Airplane y gracias a la ausencia de sistemas antirrobo de El Corte Inglés en aquellos años. De este modo nos cuenta su sistema de captura internacional de bacalaos:

Miguel Jiménez (cofundador de la tienda de discos Zic Zac) recuerda cómo partían de revistas inglesas y estadounidenses. “Repasábamos las listas y organizábamos los pedidos, que controlábamos al principio viajando mucho a Londres y más adelante a través de Juanito ”Torpedo“ que se fue para allá”.

Recordar el buen rollo de la Ruta

Se podría decir que la Movida madrileña ha quedado bastante mejor parada en el imaginario colectivo, especialmente comparada con la Ruta Valenciana. Por eso, las historias que ¡Bacalao! saca a la superficie son uno de los puntos fuertes del libro. Porque antes de las peleas en los aparcamientos de las discotecas, el descontrol agresivo, la presión policial y la hostilidad del público que se apropió de la Ruta en los noventa, aquello fue como una gran familia de colegas cuya única misión era pasarlo bien amparados en la banda sonora del buen rollo.

Quizás una de las historias más hilarantes contadas en ¡Bacalao! sea la que ocurrió cuando, tras llover todo el día, el terreno con la carpa de circo exterior que la discoteca Espiral había alquilado expresamente para el concierto de La Mode (grupo que estaba causando furor en la movida madrileña) se llenó con la porquería de un desagüe reventado. Ni los bomberos lograban arreglarlo y ya era imposible evitar la llegada de varios miles de asistentes eufóricos. Todo el mundo temía el caos total. Inesperadamente, el concierto fue genial y terminó con varios bises, tantos que en el último de ellos se fue la luz. ¿Qué hacen 5.000 personas al quedarse sin música de golpe, ahí tiradas? Como recuerda Quique Serrano, dj residente de Espiral, “la gente entró pacíficamente y se fue acomodando entre el pub, la discoteca y la terraza, que estaba cubierta y no se mojaban”. En ningún momento paró de llover a cántaros.

También hay lugar para las historias de misterio, como la aparición de la mescalina, droga que, al parecer, generaba un buen rollo sin parangón y sus efectos no tenían consecuencias tan negativas como las drogas que llegaron después. Todo apunta a que las producía un químico catalán que nadie conocía y que desapareció de un día para el otro como por arte de magia, con la fórmula bajo el brazo. 

El bacalao, cadukado

Entre la presión mediática, el cambio generacional, el crecimiento exponencial de los controles policiales y el aterrizaje de empresarios-buitre que fueron directamente a potenciar sin contemplaciones el bakalao, el río dejaba definitivamente de fluir y entraba en un lago contaminado que acabaría evaporándose.

Muerto todo, por entre las grietas de la tierra yerma todavía pueden encontrarse fosilizadas aletas de miles de bacalaos. Un grupo de chavales con una libertad inédita, poco que perder y ganas locas de bailar las usaron como agujas para su tocadiscos.

El invento, milagrosamente, funcionó. Pero los milagros son imposibles. Aquello no podía ser.

Para las autoridades locales que deben lidiar con su existencia, los after hours son como una pesadilla interminable. La problemática que plantean está en gran parte ligada a sus horarios. Con los afters, la supuesta paz que se respira en las calles a lo largo de las mañanas del fin de semana supera con frecuencia el límite de paciencia vecinal. No hay descanso: cuando cierran las discotecas de noche, abren los afters y se desatan los problemas de convivencia con las consecuentes denuncias.

Hasta aquí, nada nuevo en esta historia: el problema de los afters es tan viejo como su propia existencia y su resolución es tan compleja como ambiguo es el nombre que se utiliza en la jurisdicción para intentar definir de algún modo en qué consiste su actividad: “establecimientos de régimen especial”.

Este tipo de “establecimientos” son aquellos que tienen licencia para realizar “actividades musicales” en horarios comprendidos entre las 7 y las 14 horas (con ligeras variaciones horarias según el municipio o la comunidad). Sin embargo, con el paso los años, parece que las autoridades no encuentran ni la ley definitiva par cerrarlos, ni tampoco una manera que permita armonizar su funcionamiento dentro de los núcleos urbanos.

Por ejemplo, en Madrid, las autoridades han reconocido la dificultad de aplicar la legislación. En Bilbao, hará menos de un año, el tema del “desfase horario” y “la posible alteración de la convivencia de los afters” seguía estando encima de la mesa en el Pleno Municipal.

En Catalunya, el reglamento desplegado por la Generalitat en 2010, puso a los afters entre la espada y la pared y logró complicar hasta el extremo su licencia y sus horarios imponiendo nuevos requisitos.

La normativa, que entró en vigor en septiembre de ese mismo año, no dejaba lugar a dudas: cualquier establecimiento de régimen especial que programase actividades musicales no podía tener residentes en un radio de 500 metros su alrededor. Un solo inmueble o casa ubicado dentro del perímetro era suficiente para revocar la licencia del after.

Los propietarios, o bien desafiaban la ley y abrían de forma ilegal, o bien se trasladaban a lugares autorizados y trataban de asumir la consiguiente pérdida de clientela que iba a su establecimiento precisamente por estar en la ciudad. En Catalunya, ni un after tan sonado como Souvenir en Viladecans logró superar la criba. El caso de El Row, por su lado, ha seguido complejos derroteros y el club todavía abre ocasionalmente a pesar de los intentos del Ayuntamiento de Viladecans de acabar con sus maratonianas sesiones de una vez por todas.

Del after clandestino al espectáculo público

afterPara los amantes de la música electrónica que sencillamente prefieren no salir de noche o cuyas ganas de seguir bailando pasado el amanecer son tantas que quedarse en casa no es una opción, ¿sería posible encontrar eventos diurnos para disfrutar de la música sin entrar en la ilegalidad? En paralelo al ocaso de los afters, alguien pensó en colocar los altavoces apuntando hacia otra dirección.

Las propuestas de los últimos años han dado la vuelta al vinilo logrando cambiar por completo la tensión, opacidad y crispación que el asunto de los afters acarreaba desde el inicio.

Las fiestas que tienen lugar alrededor del Sónar (durante los mismos días del festival y como propuesta musical alternativa) tomaron relevancia en 2012: comenzaban a celebrarse eventos al aire libre con capacidad para miles de personas con una propuesta de fiesta electrónica en pleno día regida por una ley totalmente diferente a la de los afters: ya no hablamos de establecimientos fijos ni de horarios de régimen especial; las fiestas que iban apareciendo una tras otra se apoyaban en la ley de espectáculos públicos y actividades recreativas.

Se celebraban en espacios que directamente tenían licencia para llevarlos a cabo. El Castillo de Montjuïc, la zona del Fòrum o el Poble Espanyol comenzaban a ser alquilados por promotoras de eventos y festivales que trabajaban con potentes sellos discográficos y reconocidos artistas y djs del panorama nacional e internacional.

Ya no hablamos de afters con decenas de personas, sonido deficiente y en situación alegal (o ilegal), ni de naves industriales convertidas en discotecas al uso con programaciones irregulares y anunciadas con discreción. De golpe miles de personas venidas de todo el mundo se apuntaban a esta horda de eventos con horarios antes impensables o que nadie se había planteado proponer: de 16:00 a 6:00, de 12:00 a 22:00...

Además, durante las primeras horas, los niños podían disfrutar de parte de las instalaciones y de djs que pinchaban para la ocasión. Toboganes, disfraces, talleres de pintura... Este viraje family friendly es crucial: mientras que cualquier evento de ocio que implique miles de asistentes y djs puede ser visto con suspicacia y recelo por las autoridades, si el proyecto se plantea como familiar suavizará los prejuicios o las reticencias con mayor efectividad.

De las fiestas ocasionales a cada domingo del mes

Llevaban años de exitosa trayectoria en Montreal y su llegada a Barcelona fue discreta, original y no tardó en establecerse como una actividad dominguera y electrónica a tener en cuenta durante el verano: en 2012, en els Jardins de Joan Brossa ubicados en Montjuich, arrancaba el Piknic Électronik con 6 eventos de domingo electrónico repartidos entre julio y septiembre.

En 2014, sus organizadores decidieron plantear una previa veraniega lanzando el Brunch Électronik, superando así la iniciativa de Montréal, limitada al verano. El Brunch cambiaba de ubicación: en vez de los jardines, ese año ocuparía el centro de la ciudad, en la plaza del MACBA donde solía celebrarse la edición diurna del Sónar. En 2015, el Brunch se celebraría en primavera y algún domingo de otoño.

Este 2016, los organizadores en Barcelona se atrevieron a dar el salto: en vez de seguir con el nombre y la licencia canadiense, lanzaban su proyecto al que llamarían Brunch In— Barcelona.

De las fiestas de verano a las de otoño manteniendo el concepto y con ganas de más. Al final del verano de este 2016, Brunch In —The Park arrancaba en Madrid con un horario diurno.

La tendencia crece: nuevas ciudades y más eventos

Paralelamente al proyecto del Brunch In, otros eventos han ido apareciendo recientemente en Barcelona, con horarios y lugares que encajan en la ley. Recientemente, el dj y productor Carl Craig lanzaba su fiesta Detroit Love Barcelona en el Teatre Nacional de Catalunya, un sábado en horario de tarde y hasta la 1 de la madrugada. También en Barcelona, los eventos SoundEat han despuntado proponiendo una combinación de comida y electrónica en localizaciones originales.

Además de Barcelona y Madrid, otras ciudades y promotores están avanzando en la misma línea. En Valencia, los mismos impulsores de theBasement celebraron en octubre Día de Parque.

Hasta este mismo año, el talón de Aquiles de este tipo de eventos solía ser la llegada del invierno, por tratarse de espacios abiertos. La llegada de Hivernacle, que este domingo celebrará su jornada de día con un lineup curado por Dj Tennis, resuelve dos problemas en uno: por un lado, renueva el concepto del Brunch In y por el otro aprovecha el guiño a los espacios naturales para cubrir el recinto del Poble Espanyol con algo más original que una carpa: se convertirá en un invernadero.

Hace seis años, una compañía de circo actuaba los domingos en la Plaza del Poble Espanyol. Pocos podían pensar que años después, en ese mismo lugar, los equilibrios y acrobacias las llevaría a cabo con sus discos un dj rodeado de plantas y que los saltos los darían miles de personas con pocas ganas de terminar el fin de semana.

El maniqueísmo es odioso. Las comparaciones son odiosas. Y el polémico cierre de Fabric London, uno de los clubes nocturnos dedicados a la música electrónica con mayor relevancia cultural de Europa, ha cumplido todas las condiciones para verse revestido por ambas cosas. Antes de seguir, debemos preguntarnos el por qué.

Por un lado, como se afirma en un sensible artículo escrito por el periodista Joe Muggs y publicado en Resident Advisor (con sede en Londres), la no renovación de la licencia de Fabric por parte del Islington Borough Council  ha sido orquestada por un cuerpo de funcionarios que ni entienden ni comprenden los efectos positivos de la cultura de club. De poco les vale saber que Fabric, en funcionamiento desde 1999, haya sido la plataforma y el altavoz para miles de djs ingleses e internacionales, ya sea a través de sus actuaciones en el club como publicando sus trabajos en su sello discográfico.

Tampoco les hace reflexionar a favor de Fabric que este diese trabajo, hasta hace apenas un par de semanas, a 250 personas. El hecho de que Fabric haya colaborado de manera firme y constante (“ejemplar”, según declaró paradójicamente un informe policial el pasado diciembre) con las autoridades londinenses y estatales para impedir y perseguir el consumo de drogas, tampoco resulta un motivo de peso a la hora de evitar el cese de su actividad.

¿Por qué?, deberíamos preguntarnos. La respuesta es sencilla y escapa, según Joe Muggs, a cualquier teoría conspiratoria que señale a un grupo oculto de políticos corruptos que quiere lucrarse con recalificaciones de terrenos y procesos masivos de gentrificación cerrando locales nocturnos por doquier: para alguien que no distingue entre un estilo de música electrónica de otro y que siente indiferencia cuando escucha hablar de los nuevos djs que causan sensación en Berlín, la cultura de club se le antoja hostil, ajena y un peligro para sus hijos.

Contemplar, desde fuera, la euforia de cientos o miles de clubbers jóvenes encerrados en una sala oscura durante horas, pegando brincos, bailando y chillando con un sonido atronador y repetitivo, le sugiere vicio, alienación y un foco donde camellos y maleantes pueden llevar a cabo sus operaciones y negocios con impunidad. Joe Muggs lo tiene claro: aquellos que han ordenado el cierre de Fabric creen que están haciendo lo correcto, y puede estar en lo cierto.

Desarticulado el verosímil pero facilón discurso maniqueísta que aboga por la conspiración anticlubber, abordaremos ahora el complicado horizonte de las comparaciones. Junto al cierre de Fabric, prácticamente todas las revistas especializadas y medios generalistas se han hecho eco del reciente fallo de un tribunal alemán que declara Berghain, el legendario club berlinés, como un templo de “alta cultura” equiparable al lugar donde actúa una filarmónica.

Ante tamaña afirmación, las autoridades británicas se estarán llevando las manos a la cabeza, porque en los clubes alemanes también ha muerto gente en los últimos años. Recordemos que el cierre de Fabric viene precisamente por haber sido declarado, obviando el patrimonio cultural y la notable fuente de ingresos que supone para la ciudad, un espacio peligroso para la juventud por ser un foco en el que circulan las drogas y el alcohol sin mesura.

Contextualicemos siguiendo la comunicado que uno de los fundadores de Fabric y actual director, Cameron Leslie, dio a raíz del cierre: desde su apertura, hace 17 años, han muerto seis personas dentro de Fabric y han pasado por el club nada más ni nada menos que 6 millones de personas.En 17 años, ha muerto en Fabric un 0,0001% del total de asistentes a sus miles de noches de pleno funcionamiento. Consta decir que, de las últimas tres muertes dentro del recinto, solo se ha comprobado que solo una de ellas fuese consecuencia del consumo de drogas dentro del local.

Posiblemente, si Fabric no hubiese seguido a rajatabla las indicaciones y los controles que la policía y las autoridades le han exigido en todos estos años, la cifra sería mucho mayor, y son claras las evidencias que muestran cómo Fabric nunca ha opuesto resistencia ante sus dictados, más bien ha sido todo lo contrario (explicadas en la misma declaración de Leslie). Y es que, como él mismo afirma, Fabric ha colaborado en la detención de camellos y vendedores ocasionales de drogas con contundencia y tolerancia cero.

Uno de sus argumentos, difícil de rebatir, es que cerrando un club no cambias la conducta de la gente y, lejos de ello, pierdes una oportunidad de oro para poder controlarla legalmente. Siendo el problema de las drogas algo que alcanza mucho más allá de los clubes de música electrónica puedes, por lo menos, hacer todo lo posible para que estos sean un lugar más seguro que la calle o que los eventos ilegales (que directamente carecen de toda norma de seguridad, no solo en cuanto a impedir el consumo de drogas sino respecto al límite de aforo o al cumplimiento de las normas de evacuación en caso de emergencia).

Dos visiones opuestas de la cultura club

La diferencia entre las autoridades alemanas y las inglesas es clara: la visión que uno tiene de la cultura de club es según el beat con el que se baila: desde la atrofia desconectada de una realidad social que prefiere los salones de té o desde el ritmo del que intenta comprender qué puede haber de bueno ante una expresión social de alcance internacional cuyos beneficios son mayores que sus amenazas.

Las autoridades inglesas deberían, quizás, revisar la propia cultura de la música electrónica del país e intentar aprender de ella: lo que provocó el conocido segundo verano del amor en Inglaterra, es decir, el boom espectacular de las raves ilegales durante el verano de 1989, fue una restricción implacable en los horarios de apertura de los clubes que empujaron a la gente a seguir la fiesta en lugares alejados de las ciudades y ajenos a todo tipo de control. En otras palabras: matando al perro no acabarás con la rabia, ni acallarás a las más de 150.000 personas que se declaran “amantes de los animales”.

Tampoco acallarás la ironía y el ingenio de las redes sociales al hablar del tema, que han dejado estos días mensajes como el de los djs Posthuman, que se preguntaban en Twitter cuándo las autoridades ordenarían el cierre del hotel de lujo Dorchester tras la lamentable muerte por sobredosis de cocaína de uno de sus huéspedes.

Nicole Moudaber trabajó durante años en la industria de la música electrónica pero no se planteó saltar a la cabina con sus discos. Al final, terminó por dar el paso y en pocos años, respaldada por los grandes de la escena, se convirtió en una estrella que mueve multitudes en todo el mundo. 

Dejó Líbano perseguida por la censura impuesta en las fiestas que organizaba y desde entonces centró su vida entre Londres e Ibiza. Aclamada muy especialmente en Estados Unidos, Nicole Moudaber es uno de los nombres clave de Dreambeach Villaricos 2016.

Si bien son muchos los djs que alternan las actuaciones en festivales y clubes a lo largo del año, parece que los promotores de festivales confían especialmente en lo que la artista suma con su talento. Empezó el año en el Stereo de Canadá, y desde entonces ha pinchado en el BPM (México), Awakenings (Holanda), Time Warp (Alemania), Solar Easter (Bulgaria), y más recientemente el Coachella Festival (Estados Unidos). Ahora está en España, en el festival de música electrónica Dreambeach. 

En general, los festivales suelen restringir el tiempo de las sesiones en comparación con los clubes, ¿cómo has desarrollado ambas vertientes?

Depende de la energía del público. Ya sea en un espacio u otro, suele ser muy positiva y en este sentido no hay prácticamente diferencia. Los cambios se encuentran en el set en sí mismo. En los festivales planteas el set de dos horas centrándote en los temas más conocidos y pisteros. En los clubes tienes más libertad para contar toda una historia.

Sin embargo, pinchar durante más de seis o siete horas no está al alcance de cualquier dj.

No es fácil, porque hay djs que apenas varían el tipo de música cuando pinchan. Con un estilo tan limitado dentro de tu selección musical no puedes plantear un set de ocho o nueve horas seguidas. Para lograrlo, necesitas tener un bagaje musical mucho más amplio y el conocimiento suficiente para conectar distintos géneros dándoles un sentido.

Hay djs que directamente ni se plantean esa posibilidad, la de proponer un viaje que dure incluso más que un vuelo transatlántico. ¿Respecto a qué artistas o influencias te abriste a las sesiones que se sabe cuándo empiezan pero no cuándo acaban?

Al trabajar previamente como promotora, contraté a multitud de artistas y salí prácticamente cada noche y pude hacerlo en varios lugares del mundo. Fue en estas noches de club en las que aprendí de primera mano a valorar este tipo de sesiones. Lo aprendí de los mejores: Danny Tenaglia, John Digweed. Eran capaces de construir sets increíbles que sobrepasaban las 12 horas. Lo que retuve de esas actuaciones intento trasladarlo ahora a mis sets.

¿Empezaste a trabajar como promotora en Beirut?

Estuve mis primeros tres años trabajando en Beirut como promotora y luego me mudé a Londres. Durante cinco años y medio, programé una noche al mes en un club de la ciudad, el Turnmills. Contraté a más de quinientos djs durante esos años. En cuanto a djs españoles, recuerdo en particular a Chus & Ceballos y la vez que traje a Paco Osuna en su primera actuación en Londres. Durante todo este tiempo pasaron djs muy diferentes entre sí, mi apuesta fue mantener una programación variada.  

A lo largo de ese tiempo nunca me puse detrás de los platos con la idea de pinchar. Ni siquiera se me ocurrió la idea de hacerlo. Hace solo poco más de cinco años que decidí dedicarme a la música. Fue en ese momento cuando me encerré en el estudio y traté de aprender todo lo posible.

Sin embargo, como destino para desarrollar una carrera dentro de la escena electrónica, el Londres en el que te instalaste no sería una ciudad fácil porque ya existe una escena muy establecida. ¿Llegaste a Londres con cierta idea de con quién hablar o con una idea concreta en mente?

Los contactos previos que tenía eran principalmente de los djs que había traído a pinchar a Líbano. Pero, al mismo tiempo, tenía en marcha un sello discográfico con un socio en Londres y eso nos dio una gran variedad de contactos de djs y productores. Llevábamos ya trabajando cuatro años en el sello y nos estaba yendo muy bien. Es decir, cuando dejé Líbano para mudarme a Londres ya tenía un cierto plan de lo que quería hacer en relación a apostar por el sello. Luego me saldría la oportunidad de trabajar programando en Turnmills. El impulso que tendría después arrancó de esos dos puntos. El club y su propia dinámica de funcionamiento hicieron mis inicios en la ciudad más fáciles. Mi llegada no fue tan complicada como el que cae en un sitio y no sabe qué dirección debe tomar para seguir adelante.

Además, Londres tampoco era una ciudad totalmente nueva para mí. De adolescente, solía viajar con mis padres a la ciudad para pasar el verano. Luego me gradué en una Universidad de Londres. En realidad, cuando me instalé me sentí rápidamente como en casa.

Desde aquellos años hasta la actualidad la noche de Londres y su cultura de club habrán cambiado en muchos aspectos. Quizás el ambiente de los noventa ha evolucionado hacia un planteamiento más controlado y caro. ¿Cómo ves la evolución de su noche?

Sí, ha cambiado mucho. Todos los buenos clubes han cerrado. Ahora se ha convertido en una ciudad “limpia” y ha seguido el mismo proceso de purga que llevó a cabo el alcalde Giuliani en Nueva York. Han querido convertir toda la ciudad en un lugar “para familias” sin dejar espacio a otras cosas. Por suerte, continúa la actitud de los que buscan clubes diferentes y fiestas en naves industriales, principalmente en East London. Obviamente, la ciudad ha evolucionado pero la energía de la gente para salir y disfrutar ha seguido manteniéndose. En su momento cerraron también muchas tiendas de discos pero la remontada del vinilo ha permitido que algunas se sostengan.

En cuanto a mí, me sabe mal que debido a las giras y viajes que hago todas las semanas ya no pueda salir ni mantener la vida que tenía antes. En realidad, mi vida social ahora mismo se encuentra más en Estados Unidos porque paso mucho tiempo allí.

Respecto a la situación actual que mencionas en Londres, en cierto modo resulta esperanzador que siga existiendo una búsqueda que no se someta sistemáticamente a las limitaciones del Ayuntamiento.

Sí, está volviendo esa visión parecida a la que hubo en los inicios de esto: la música es el centro del encuentro y no hacen falta más artificios alrededor de la noche para que merezca la pena y la gente se lo pase bien. De ahí que las fiestas en almacenes y naves estén retomando cierto protagonismo.

Si saltamos a Estados Unidos, cada vez es más frecuente que djs y productores de todo el mundo hablen con optimismo de la reaparición de un circuito de clubes enfocados al techno.

Exacto, ¡y no debemos olvidar que todo empezó ahí! Creo que después del boom reciente que tuvieron con el EDM, los chavales que iban a esos festivales han crecido y han comenzado a ir a los clubes y a descubrir nuevos horizontes. En Estados Unidos no puedes entrar en un club hasta que cumples los 21 años. Por eso, los chicos de 17 que solían ir a los festivales de EDM hace poco que han comenzado a hacer vida de noche y a escuchar techno y house. Como decía, todo empezó ahí y ha llegado el momento de que vuelvan a hacerlo suyo.

En cuanto al EDM como género, yo siempre lo he llamado dance pop y no lo relaciono para nada con el house o el techno.

Creo que ha habido una confusión respecto a cómo se ha entendido el EDM en cuanto a música electrónica. El foco del conflicto parece radicar en querer considerarlo un estilo nuevo representativo de la generación más joven.

En gran medida, esto se debe al desconocimiento de muchos periodistas que escriben acerca de todo ello. Son sobre todo periodistas jóvenes que no tienen una comprensión histórica de la música electrónica y que se dedican a promover el EDM con ideas confusas y cometiendo multitud de errores.

Al hablar del valor de hacer sesiones largas, nos referíamos a la capacidad para desarrollar un viaje. El público tiene que estar concentrado en la música para poder responder a las propuestas del dj. Por contra, en los sets de EDM la intensidad cambia cada pocos segundos y los giros son más arbitrarios y súbitos.

¡Por eso los sets de EDM duran solo una hora! Lo que puedes escuchar tiene un planteamiento realmente simplista que veo muy poco estimulante, incluso a nivel intelectual.

Dentro de tus trabajos es el contenido de tus sesiones que compartes a través de podcasts. Tus introducciones a cada uno de los episodios de In The Mood son especialmente cercanos y sortean la monotonía con la que muchos artistas intentan presentar sus sets. Lo relaciono con los contenidos del fundador del sello donde publicaste tu primer álbum, Adam Beyer y su Drumcode Radio.In The MoodDrumcode Radio

No es un podcast en sí sino que se realiza primero como una emisión por radio en diversas cadenas de todo el mundo. Actualmente se emite en 67 cadenas FM de todo el mundo, con periodicidad semanal y posteriormente compartido en redes. Este mismo año hicimos una emisión en directo desde Miami y tuvimos unas 45 emisoras FM que conectaron con nosotros, ¡durante siete horas seguidas en cada una de sus localidades!

¿Cómo te involucraste en el proyecto y arrancaste la emisión de In The Mood? Me refiero a que es una decisión que una vez la tomas no tiene sentido hacerla a medias o detenerla apenas unos meses después.In The Mood

Tardé bastante tiempo en ganar confianza para hacerlo y en sentir que realmente hacía mío el show. Fue una decisión muy importante y un compromiso ineludible. Tengo que entregarlo semanalmente al departamento de radio. Es el mismo equipo que produce los programas de Carl Cox, Adam Beyer, John Digweed, Armin Van Buuren y demás. Fueron ellos los que me hicieron la propuesta hace unos dos años.

Lo que me permite tener el programa de radio es pinchar todos los géneros y estilos que me gustan pero que no puedo pincharlos todos en un club. Lo entiendo como un “outlet creativo”: un día puedo hacer una sesión chillout y en otra ofrezco un fragmento de una de mis sesiones en directo de techno industrial. En el programa puedes encontrar todos los géneros que me gustan sin ninguna limitación.

Un programa musical dirigido por un dj es una plataforma casi inmejorable para que pueda compartir temas menos conocidos y dar apoyo a artistas emergentes con contenidos de calidad. En este sentido, cuando un artista reconocido empieza un sello propio también tiene esa posibilidad. 

En tu caso fue Carl Cox el artista que apostó por ti y reivindicó tu trabajo. En pocos años tú ya eres fundadora de un sello y tienes un programa. ¿Mantienes una actitud parecida con los trabajos de los nuevos artistas que se acercan a ti? Por otro lado, ¿sigues teniendo en cuenta el criterio de los djs afines antes de lanzar o compartir tus producciones?

Escuchar y ayudar a los nuevos artistas es algo que necesitamos. Nuestro trabajo se basa en compartir y en intentar hacer crecer la comunidad entre todos. En expandir los sonidos que hacemos y los de aquellos que se dedican a lo mismo. Del mismo modo que Carl Cox fue un mentor muy importante para mí, yo intento seguir ese legado y apoyar lo máximo que puedo a los artistas que me gustan y a los que se incorporan a mi sello.

A día de hoy, sigo manteniendo una relación muy cercana con Carl Cox. En cuanto salgo del estudio comparto por dropbox lo que he hecho y se lo mando a él, a Pete Tong y a Dubfire, entre otros. Sin duda, Carl es el que siempre lo recibe todo directamente, ¡y él lo pincha en cuanto pisa el siguiente club! Tengo muy buena relación con otros djs y estamos constantemente intercambiando música, mails, haciendo skypes o enviándonos mensajes por whatsapp. Compartir música es lo que nos une y la esencia de nuestro trabajo.

Ibiza continúa siendo clave para que djs, promotores, clubes y clubbers se reúnan en un mismo lugar. Sueles hablar de la importancia que ha tenido a lo largo de tu vida. ¿Qué has encontrado en la isla durante todos estos años que te ha marcado más allá de la música?

Construí mi casa de Ibiza con mis propias manos y, aunque desafortundamente he tenido que venderla hace poco, sigo sintiendo Ibiza como mi lugar. Si no estoy trabajando en un club, no me planteo salir de fiesta. Lo hice ya hace muchos años y ahora prefiero aprovechar el día para ir a Ses Illetes en Formentera o moverme y disfrutar del entorno. No me interesa desfasarme y luego perder un montón de días recuperándome y con la resaca encima. Ya me pasó esa época hace mucho tiempo. Ahora disfruto del lado más espiritual que tiene Ibiza.

¿Qué has experimentado relacionándote con la isla desde este acercamiento más personal y meditativo?

Cuando estoy navegando, por ejemplo, hablo con la isla, con Es Vedrà o con sus cielos. Es una forma de meditación, como una plegaria, y otra manera de sintonizar con lo que te rodea.

Artículos que rondan las cinco mil palabras, periodistas que dedican semanas (incluso meses) a realizar sus piezas o la difusión de contenidos audiovisuales sin apenas presencia comercial. Descrito así, Resident Advisor (RA) parece un medio propio de los gloriosos años del Nuevo Periodismo de los ochenta del siglo pasado y no un proyecto surgido en plena era internet y unos años antes de la aparición de las redes sociales. 

Sus fundadores, Paul Clement y Nick Sabine, estuvieron en Barcelona para seguir de cerca la participación de RA en la curaduría de uno de los escenarios del viernes noche de la 23ª edición del Sónar. 

Los medios online especializados en música electrónica se dejan llevar muchas veces por la rentabilidad de los contenidos patrocinados o se lanzan a generan artículos con la esperanza de captar la atención de las marcas. Esta tendencia puede enmascarar una falta de creatividad a la hora de crear un modelo de negocio sostenible. Resident Advisor lleva más de 15 años en marcha y nunca se ha entregado al periodismo del clickbait ni un cúmulo de patrocinadores han distorsionado su criterio editorial. ¿Cómo habéis enfocado el proyecto desde el inicio hasta la actualidad para manteneros como un medio independiente y rentable al mismo tiempo?clickbait

Nick Sabine: Fuimos afortunados en este sentido ya que no empezamos con Resident Advisor (RA) pensando en hacer dinero y nunca ha pasado a ser una de nuestras motivaciones. Creamos RA para hablar de música electrónica, es el tema que más nos gustaba e importaba por aquel entonces y lo sigue siendo a día de hoy.

Este mantra, o ethos, se ha mantenido con el paso de los años y lo aplicamos a todo lo que llevamos a cabo. Paul y yo compartíamos esa pasión por la electrónica y a los veinte años vimos como natural dar el paso y crear una plataforma en la que hablar de ello con nuestra propia voz. No lanzamos RA pensando que podía haber un nicho de mercado ni nada parecido. 

Por supuesto que hay muchas marcas que nos contactan y nos ofrecen promocionar vídeos o pagarnos por determinado tipo de artículos, pero sencillamente sus propuestas no entran dentro de nuestros esquemas. La música electrónica sigue siendo lo que nos apasiona y si comprometes el proyecto por cuestiones económicas toda la idea cambia radicalmente.

Paul Clement: Si lo haces, comprometes especialmente la integridad periodística desde el punto de vista editorial. Si te ves forzado a trabajar para un target concreto o para alcanzar ciertas cifras, puedes acabar dependiendo de otros agentes del sector y de sus intereses.

Por ejemplo, quizás tienes que sacar un artista en portada porque una agencia te ha pagado esperando que eso repercuta en un aumento de las ventas o en la asistencia a sus actuaciones. Si eliminas esta presión a la hora de trabajar, puedes centrarte en lo que ocurre en el mundo de la música electrónica y en los temas que periodísticamente consideras más interesantes.

En este sentido, muchas veces ocurre que los temas que interesan a los periodistas también le interesan a todo el mundo. En cambio, es obsoleto pensar que hacer otro artículo sobre los grandes nombres o los mismos artistas te hará vender más copias o generar más visitas.

Sin embargo, se produce una paradoja: cuanto más apasionada y menos comercial resulta ser una publicación, más lejos parece estar de alcanzar algún tipo de viabilidad económica. Esa falta de expectativas económicas acaba la mayoría de las veces en una incapacidad a la hora de profesionalizar el equipo y rentabilizar el proyecto y se queda en algo parecido a un hobby.hobby

NS: Es importante no olvidar que RA tiene 16 años.

PC: En los inicios, RA fue también nuestro principal pasatiempo. Pagábamos las facturas de RA con nuestros sueldos y gracias a mantener nuestros respectivos trabajos. 

NS: Durante los primeros cinco años, Paul siguió trabajando en una agencia de diseño y yo mantuve mi trabajo en una agencia de publicidad. Trabajábamos en RA por la mañana, a la hora de comer y por la noche. Finalmente se pudieron generar dos trabajos a jornada completa. Nunca quisimos poner en riesgo nuestros ingresos por RA. De hecho, al mantener ambos un trabajo podíamos seguir con el proyecto tal y como queríamos y no depender de nadie a nivel económico.

El mundo ha cambiado mucho desde entonces. Ahora, todo parece partir de la inmediatez. Tienes que lanzar el proyecto y en seis meses alcanzar el éxito. Si quieres lograr eso, necesitarás una inversión enorme. Los inversores, lógicamente, podrán tomar decisiones relevantes desde el núcleo del proyecto. Al haber crecido orgánicamente durante un período tan largo de tiempo, nunca hemos tenido esas presiones comerciales. La única inversión que hicimos fue de 400 dólares australianos cada uno. Nunca hemos pedido dinero prestado y no hemos necesitado a nadie que viniese y nos dijese “aquí tenéis 100.000 dólares, pero tendréis que hacer esto y lo otro”. Solo hemos contratado a alguien cuando nos lo hemos podido permitir. El proyecto iba avanzando muy poco a poco. Este tipo de crecimiento es diferente al que domina ahora en el mundo de las nuevas tecnologías.

RA encontró su modelo creciendo en base a sus necesidades y no en base a las presiones comerciales que pudiesen comprometer su línea editorial.

A lo largo de los 16 años de trayectoria, ¿cuáles consideráis que han sido los momentos clave y las decisiones más determinantes que habéis tomado?

PC: Fue un gran paso el comenzar a trabajar a tiempo completo. Más adelante, el comienzo de nuestro servicio de venta de entradas. Luego, comenzar con los vídeos. También el rediseño del logo y el lanzamiento de la aplicación para móvil hace tres años. Me ocupo de la parte más técnica de RA y desde esa perspectiva sentí que como empresa y marca habíamos madurado un poco más. El logo anterior nos servía pero respecto al diseño no era relevante. Creo que con el cambio logramos finalmente comunicar lo que éramos a nivel visual. Confiábamos en que saliese bien porque el rediseño de RA de hace tres años lo emprendimos desde cero. 

Respecto a los vídeos de directos (RA Sessions), el primero que hicimos fue con Darkside. Nico (Nicolas Jaar) vino a la oficina un mes antes de sacar su álbum con Darkside. Le conocíamos porque le entrevistamos en 2009 y dos años después hizo un podcast para RA. También le habíamos incorporado en un par de eventos nuestros; intervino en la sala BeCool de Barcelona en la noche Resident Advisor de nuestro décimo aniversario.

NS: Creo que fuimos los primeros en España en contratarle para un directo.

PC: Es un músico con mucho talento y siempre seguirá haciendo cosas interesantes. A lo largo de esos años, le habíamos ido conociendo un poco mejor y creo él sabía que, de un modo u otro, RA le había ayudado en su carrera. Retornando a cómo surgió el primer vídeo con Darkside, ese día, cuando salimos del estudio tras escuchar su álbum, le comentamos la idea que teníamos de hacer grabaciones en directo y le propusimos si quería ser uno de nuestros primeros artistas en salir. Nos dijo que se iba de Londres al día siguiente pero que regresaría en dos semanas. El equipo de vídeo se reunió y decidimos cómo queríamos hacer las grabaciones. A su regreso, lo grabamos en la oficina. Fue un gran momento. De hecho, ese pequeño espacio sigue estando ahí. 

NS: Para mí, uno de los grandes saltos fue cuando pasamos a trabajar a tiempo completo. Ambos teníamos buenos trabajos y buenos salarios, y dimos ese salto teniendo fe en el proyecto, aun sabiendo que nos adentrábamos en un terreno desconocido. Si no lo lográbamos, pensamos que siempre estaríamos a tiempo de regresar a una agencia y conseguir otro trabajo.

PC: Podríamos haber tomado esa decisión antes, pero quizás habría sido precipitado. En cambio, en ese momento, ya teníamos una audiencia relevante, un buen equipo de colaboradores que escribía muy bien y ganábamos lo suficiente para mantenernos.  

¿Cómo fuisteis creando el equipo de gente que trabaja para RA?

PC: En un inicio, nadie cobraba. Los editores fueron de los primeros en tener un salario. Lógicamente, si no tienes un buen editor, difícilmente tendrás una buena publicación. Nos tomó bastantes años de trabajar bien a nivel editorial para que la gente se diese cuenta de que la calidad en este sentido era uno de nuestros puntos fuertes. Pasaron unos cinco años más hasta que logramos destacar como medio y la gente supiese que, si sacábamos una crónica o una entrevista, estas serían en profundidad.

Tenemos editores, en el sentido clásico del término. Además del editor general, hay uno para cada sección: noticias, reseñas, crónicas y entrevistas. Y luego tenemos subeditores, redactores y colaboradores externos.

La estructura empresarial de RA es relativamente plana, pero a nivel editorial mantenemos la estructura de un árbol convencional. De este modo, el equipo puede gestionarse a sí mismo y, además, permite que cada periodista pueda ir ocupando otras posiciones y responsabilidades con el tiempo.

Actualmente tenemos redactores y editores de noticias en Estados Unidos, Londres o Sidney, y redactores en otros países. También tenemos una pequeña redacción en Japón. La última vez que lo revisamos, teníamos cerca de cien colaboradores activos alrededor del mundo. Sus aportaciones varían en cuanto regularidad, en función de los temas o según la disponibilidad de cada uno.

Siempre hemos querido pagar a los periodistas acorde con su trabajo y teniendo en cuenta lo que ellos consideraban que debían cobrar, de manera que no tuviésemos que preocuparnos por si se iban a otro medio. Por eso, creemos que uno de los grandes pasos ha sido el poder llegar a mantener y a conservar el equipo con el paso de los años.

¿Qué otros medios, ya sean revistas o periódicos, os parecen un referente o soléis leer y consultar a menudo?

PC: Desde una perspectiva editorial hemos tenido muy en cuenta la revista New Yorker, en especial sus artículos de larga extensión. Para hacer textos, entrevistas o perfiles con seriedad, creo que es una publicación de referencia y se nota la cantidad de tiempo y energía vertidos en cada pieza.

NS: Para mí, The Guardian. No solo por su excelente trabajo periodístico, sino viéndolo también como medio de comunicación digital. Su buen trabajo se encuentra tanto en cómo presentan la información en portada o en los artículos hasta en la creatividad de las pruebas que realizan para seguir mejorando y buscando nuevas vías de rentabilizar los contenidos. Como medio, creo que están a la cabeza de los que buscan un modelo de periodismo sostenible y eso es un gran reto a día de hoy. Seguimos de cerca los avances de The Guardian. Sin duda, nos planteamos qué novedades o mejoras de las que hacen podríamos incorporar a Resident Advisor.

En este sentido, quizás ciertas colaboraciones pertinentes entre medios, ya sea por motivos temáticos, económicos o porque se complementan en distintos ámbitos, pueden resultar más provechosas que enrocarse en la competitividad o en la mera indiferencia. 

PC: En cada país, zona o incluso en cada ciudad, puede haber muchos especializados en la vida nocturna. Uno de nuestros retos constantes es cómo logramos conectar con nuestro público a un nivel local, a pesar de ser una marca internacional. Por ejemplo, no queremos centralizarlo todo en Londres o en Berlín. Por eso, tener grupos editoriales pequeños y colaboradores en distintos lugares del mundo nos ayuda a cubrir las noticias de cada lugar con mayor detalle. Por supuesto, hay que tener en cuenta que nuestra cobertura se limita a la música electrónica, y eso quiere decir que nos movemos en un mundo bastante más pequeño que el de un medio generalista como The Guardian.

Además de los contenidos dedicados a artistas, noticias o reseñas, el periodismo de investigación también puede llevarse a cabo en el terreno de la música electrónica. De hecho, como fenómeno social masivo y vinculado muchas veces al ocio nocturno, se presta bastante a ello. Sin embargo, este tipo de periodismo requiere más tiempo y recursos. ¿Qué importancia tiene para RA y cómo enfocáis este tipo de contenidos?

PC: En RA, los contenidos de este tipo, en especial las noticias, están enfocados a descubrir o a mostrar una historia que pueda resultar interesante, tenga un aspecto negativo o positivo o sea más o menos agradable. El objetivo de este trabajo es alejarnos de la publicación de las notas de prensa, los anuncios de lanzamientos de álbumes o la confirmación de los cabezas de cartel de los festivales.

Creo que uno de los mejores contenidos del año pasado fue el que hablaba de la escena de Los Ángeles. Entre otras cosas, el documental hacía mención al cierre de fiestas por parte de la policía y a sus intervenciones a la hora de detenerlas. Se generó un debate interesante y diversos promotores participaron a través de los comentarios.

NS: Creo que Paul está en lo cierto. Son la calidad y el interés de la historia lo que dictan la naturaleza del texto y si merece o no la pena que lo cubramos. No nos proponemos ir a buscar temas oscuros ni tampoco los rehuimos en caso de encontrarlos. Hace poco hicimos un artículo hablando de la gentrificación en Nueva York y del impacto que está teniendo en la vida nocturna de la ciudad. Creo que es un tema bastante contundente y crítico. Las fuentes eran sólidas y la investigación fue rigurosa, incluyendo declaraciones polémicas de personas relevantes en el tema. El artículo y su aportación merecían ser publicados y difundidos porque ello contribuía a enmarcar el debate. Los elementos más “oscuros” se incluyeron porque su presencia explicaba parte de la historia. Creo que los temas propios y de investigación que sacamos en RA han mejorado muchísimo en los últimos años, nos hemos esforzado internamente para lograrlo.

Ahora tenemos colaboradores especializados que pueden dedicar tres o cuatro meses a un solo tema. No es algo muy habitual en un medio digital independiente, es más bien un modelo antiguo de periodismo. Algunos de los mejores contenidos de RA han salido porque hemos preferido dedicar más medios para lograrlos hacer solo lo justo. Por ejemplo, para hablar de un sello y del equipo que le rodea, en vez de limitarnos a hacer una entrevista de ida y vuelta a la ciudad, queremos que el periodista viaje con el sello, vaya con ellos a América del Sur o Italia o a cualquier lugar que tenga relevancia y que pase una o varias semanas con ellos. Luego será el momento para escribir acerca de la experiencia. La calidad de la pieza resultante está tan relacionada con ese tiempo de trabajo que su éxito se nos hace evidente.

Actualmente estamos trabajando en una pieza acerca de la escena rave en Tiflisi, Georgia. Enviamos a un periodista durante una semana para que confirmase si el tema se sostenía y había realmente algo que contar. Al regresar nos dijo que creía que sí. Esa semana primera semana que pasó en la ciudad solo fue para determinar si el tema merecía ser investigado. Después de confirmarlo con él, el periodista regresó durante dos semanas a Georgia para trabajar en ello, entender bien la historia y documentarse a fondo. A su vuelta, después de trabajar todo el material el tiempo necesario, viajará de nuevo a Tiflisi una vez más para cerrar los últimos detalles y será entonces cuando tendremos la pieza completa. Es un trabajo que sigue el modelo antiguo, pero confiamos en la alta calidad de los resultados.

Alrededor de esta concepción del periodismo, ¿qué tipo de contenidos y formatos estáis estudiando y desarrollando de cara a un futuro próximo?

PC: Seguiremos trabajando y desarrollando los pilares actuales: las noticias, reseñas, entrevistas, crónicas y los contenidos audiovisuales. Esperamos seguir mejorándolos año tras año. Por otro lado, nos interesa el concepto que entiende el contenido más allá de la plataforma, el llamado homeless content. Los contenidos, planteados de este modo, quizás viven durante un tiempo en las redes sociales o en Youtube y luego reposan en otro espacio. En otro orden de cosas, estamos hablando con diversas empresas de Realidad Virtual para ver cómo se puede contar una historia usando la tecnología. Luego, hay aspectos más pequeños, como el test que el mismo Sónar hizo con Facebook live. Tuvo una buena acogida, con una audiencia de veinte mil personas. En cuanto a la Realidad Virtual, por ejemplo, quizás haya una historia que se desarrolle mejor planteada en un entorno tridimensional explorable, o puede que sea mejor narrada en palabras o mostrada en imágenes. Se trata de encontrar qué formatos son mejores para cada tipo de contenido y para cada una de las historias.

NS: Al mismo tiempo, creemos que también hay posibilidades interesantes a la hora de ampliar el alcance de nuestros contenidos. Por ejemplo, recientemente hemos dado licencia para que nuestros documentales Real Scenes puedan verse en la televisión por satélite de los Estados Unidos. Creo que ahora se puede ver hasta en 12 Estados. Resulta interesante que un editor web que produce piezas digitales alcance un contenido con una calidad suficiente para que las televisiones quieran tener una licencia para emitirlo. Diez años antes, este modelo, que va de los medios digitales en dirección a los convencionales ,hubiese sonado extraño. En cambio, ahora, lo vemos de manera bastante natural. En cuanto a otros contenidos, estamos rodando un trabajo importante con Carl Cox que será emitido en Channel 4, una de las mayores cadenas generalistas de Reino Unido.

Si bien entendemos RA como una plataforma para nuestros contenidos, en realidad están alojados en muchos otros sitios —como SoundCloud o Youtube—. De hecho, posiblemente haya gente que accede a RA usando esas otras plataformas como vehículo. El gran reto de los próximos años será comprender debidamente este escenario y encontrar los lugares adecuados para los contenidos. Respecto a las demás prioridades que tenemos, nos interesa acercarnos más y tratar de entender a las diversas audiencias que siguen nuestros contenidos pero que quizás nunca han entrado en RA. Queremos ir descubriendo cómo podemos dialogar con ellas, con qué frecuencia y qué tipo de información quieren que pueda ofrecerles RA.

Entiendo que el futuro pasa tanto por fortalecer RA como por ir encontrando los espacios en los que expandir y alojar los contenidos. Puede que, en un futuro, la obsesión de los medios por acaparar todas las visitas en su sitio, dejando de lado la relación con los otros lugares que los comparten, puede acabar perjudicando su crecimiento.

PC: Sí, se trata de plantearlo como un balance. Nuestra prioridad será producir los contenidos según creemos que deben ser tratados, y si encontramos otros medios, webs o espacios que valoren lo que hacemos y quieran aumentar su alcance, lo valoraremos como algo con un potencial beneficioso.

Hablando del concepto de RA, más allá de entenderlo como un medio de comunicación, habéis organizado eventos y colaborado con grandes festivales como ADE (Amsterdam Dance Event) o Dekmantel. ¿Cuál es vuestra visión respecto a implicar RA en el desarrollo de eventos de música electrónica?

PC: Como RA queremos mantener una visión global y local al mismo tiempo. Por eso, colaboramos con iniciativas locales pero no tendría sentido, por ejemplo, que nosotros tuviésemos un club propio. Eso nos haría gravitar geográficamente en un lugar concreto y limitaría nuestra imagen a escala internacional.

NS: Este año participaremos en unos sesenta eventos.

PC: Cabría la posibilidad de hacer un festival, pero si consideramos toda la energía y recursos que nos llevaría llevarlo a cabo, hace que sea mucho más lógico establecer colaboraciones.

Respecto a este 2016, destaca vuestra curaduría de uno de los escenarios de Sónar Noche. Habéis aportado a la programación artistas reconocidos dentro de la escena del techno industrial como el berlinés Rødhåd o el norteamericano DVS1 y también leyendas como Kerri Chandler o experimentados e imprevisibles genios como Intergalactic Gary. ¿Cómo ha surgido la colaboración y de qué manera la habéis desarrollado?uno de los escenarios de Sónar Noche

NS: Hemos estado asociados con Sónar siendo el principal medio internacional desde hace unos nueve años. A lo largo de todos este tiempo, hemos mantenido una relación fantástica con el festival y tenemos un respeto enorme por lo que es Sónar y su importancia dentro de la escena global. Cuando nos dieron la oportunidad este año, aceptamos prácticamente al momento, es algo que siempre habíamos querido hacer.

Desde el punto de vista creativo, creamos algo para cada escenario del que nos ocupamos. Tiene que sentirse de algún modo que es un escenario RA, tiene que ofrecer algo más allá que solo un cambio de nombre, algo que no hubiese tenido lugar sin nuestra participación. Eso no quiere decir que el equipo del Sónar no intervenga, sino que el resultado es una combinación de nuestras propuestas y sus opiniones y valoraciones.

PC: Hemos querido traer a artistas que en sus actuaciones son especialmente potentes y, al mismo tiempo, abarcar varios sonidos.

NS: El back to back entre Helena Hauff y Ben Ufo nunca antes había tenido lugar y el encuentro entre Rødhåd y DVS1 también es especial. Entendemos muy de cerca el trabajo de estos artistas y tenemos muy buena relación con ellos. Hemos intentado estimularles para que se lancen a hacer algo nuevo que quizás de otro modo no se plantearían y les invitamos a hacerlo en un marco que hará lucir su actuación.

En cuanto a los artistas que más os han marcado e influenciado a lo largo de vuestra trayectoria, aunque sean muchos, ¿podríais destacar algunos nombres?

PC: Jeff Mills fue una de mis primeras influencias más definitorias.

NS: A finales de los noventa y principios de los dos mil, cuando salíamos semana sí y semana también, el sonido predominante en Sidney y que más nos atraía era el house progresivo. Crecimos con nombres como Sasha, Digweed, Lee Burridge o Danny Howells. Este sonido nos sirvió como puerta de entrada al mundo de la electrónica. Desde entonces, obviamente, cubrimos un abanico mucho más significativo de sonidos y géneros.

Personalmente, escribía también acerca de otros géneros y artistas además del house progresivo, pero en un inicio esta fue la vía de entrada y lo que más me interesó en primer lugar.

Con el tiempo y con vuestra implicación cada vez mayor en RA junto a su crecimiento, lógicamente vuestros gustos han ido evolucionando.

NS: Ahora, gracias a RA, mis gustos son más amplios que nunca. Hace unos días hablaba con alguien acerca de la manera en cómo RA habla de la música y de qué tipo de música cubrimos. Creo que aquí puede haber la diferencia respecto a otros medios. Tratamos la música electrónica como una forma de arte y creemos que debe ser tratada como tal. Con esta concepción en mente surge el tono y el tratamiento que comentábamos antes. A partir de ahí, escribimos lógicamente acerca de aquello que más nos estimula y nos parece interesante. Con el tiempo, aunque hemos ido creciendo tanto en equipo como en temas y contenidos, nos hemos mantenido en un determinado punto de vista. 

Hay mucha gente que solía escuchar música comercial y que se ha ido interesando por el tipo de contenidos que cubre RA. El hecho de habernos mantenido en una forma determinada de ver y tratar la música electrónica es lo que nos ha permitido incorporar esa audiencia y seguir haciéndola crecer. 

Sábado día

bRUNA + Wooky & Alba G. Corral (visuales)

SonarHall — 14:30

Decir que te dedicas a la música electrónica desde que tienes uso de razón puede parecer un poco exagerado, salvo si quien lo dice es bRUNA (Carles Guajardo). Afirma la leyenda que comenzó a trastear con cintas, casetes y derivados a la edad de siete años y que, años y años después, ha seguido saciando su fascinación con los cacharros y sus sonidos entrando en la Red Bull Music Academy de Toronto (2007). De eso hace ya casi diez años, precisamente los que bRUNA ha aprovechado para desplegar la parte más amplia de su arsenal creativo y musical. En 2009 sacaría su primer álbum en spa.RK, sello barcelonés fundado por Vicent Fibla y que, ya desde 2001, cobija a toda una estirpe de músicos e intelectuales frente a los vendavales de esa Barcelona que piensa más en la forma que en los contenidos. De Vicent Fibla nos quedamos con una curiosidad (no por ello menos bailable e importante), que es el éxito repentino que su formación The Congosound (Vicent Fibla + Carles Congost) causó en Colonia (en el sello Kompakt, para ser exactos). ¿Una prueba fehaciente de ello? Nos la sirve el mismo Superpitcher en un remix de su gran hit Say I'm Your Number One. Pero volvamos a bRUNA: en 2013 apuntala sus sonidos con otro largo, Thence (también en spa.RK), pero más allá de eso (como si necesitase, además de producir, agrandar el espacio y la difusión que tiene en Barcelona la música electrónica en sus vertientes más arriesgadas), configuró Lapsus, un concepto con diversas expresiones y formatos: Lapsus Records, Lapsus Radio (en Radio 3) y Lapsus Festival (cita anual en Barcelona que tiene lugar en el CCCB). El nexo entre bRUNA y Wooky se materializa de una forma simbólica cuando, en 2010, el recién creado sello Lapsus confirma The Ark de Wooky como su primera referencia.

Por su lado, la artista visual Alba G. Corral continúa desarrollando su trabajo audiovisual. En la pasada edición de MUTEK Barcelona aportó el lado visual al directo de Ricardo Villalobos, sumando otro nombre legendario a otros como el de Jon Hopkins.

Magic Mountain High

SonarDôme — 20:30h

¿Qué te imaginas que encontrarías en las alturas de una montaña mágica? Seguro que unas vistas increíbles, un aire puro y una sensación de libertad sin precedentes. Bien, ¿y qué encontrarías si decides desprenderte de cualquier artificio electrónico musical prefabricado producido en los últimos y regresas a los cacharros analógicos con los que tienes un contacto directo a la hora de hacer música, sin necesitar una pantalla de ordenador ni un sistema operativo? Un sonido increíble, un baile salvaje y una sensación de libertad sin precedentes (bis). Este es el rasgo que une el trabajo de Move D y los dos miembros de Juju & Jordash. Ya han pasado este año por Panorama Bar y muchos otros clubes que aprecian los sonidos poco adulterados y la autenticidad creativa. Sónar lo ha visto claro y se ha puesto manos a la obra para traérnoslos antes de que estén en boca de todos. Más allá de que en un par de años puedas fardar de que tú los viste “cuando no eran conocidos”, aprovecha la ocasión, alucina con su repertorio atemporal de beats y libérate de todo lo que suena a TOP 100 desde las alturas mágicas y angostas de los que hacen música electrónica sin complejos.

Sábado noche

Coyu

SonarClub — 00:05h

Iván Ramos Salinas, Barcelona, 1985. Con estos tres datos que aparecen en el D.N.I. de Coyu muchos nos quedaríamos sin reaccionar, como diciendo, ¿y quién es este tipo? Sin embargo, por poco que uno siga las novedades electrónicas más relevantes en los grandes portales y medios electrónicos (Resident Advisor o Beatport), levantará las orejas gatunamente prestando atención al escuchar nombrar Suara, uno de los proyectos más estimulantes y conocidos del panorama nacional e internacional y que, de manera muy poco habitual (en cualquier tipo de empresa, y en cuanto a sellos de música es un caso más sui generis si cabe), tiene una dimensión animalista que la incorpora sabiamente (y no por ello menos genuina) a sus herramientas de marketing y a su identidad como proyecto empresarial (y pieza fundamental en sus gráficas, portadas de discos y en la imagen que hemos usado para esta portada). Suara es gatos. Es miau (onomatopeya recurrente en los podcast de Suara). Es una Fundación que protege y cuida a los gatos abandonados o con problemas de salud. Muy bien, todo esto es fenomenal, pero, ¿y qué hay de la música? Agarraos que vienen zarpazos: Monkey Safari, Uner, Affkt, Hit Since 82, Lee Van Dowski, James Holden, Pig & Dan o Alan Fitzpatrick. Suara lleva ya más de 200 referencias, y sus temas suenan tanto como memes de gatos haciendo cosas divertidas (o que sus dueños consideran que lo son) en Tumblr. Es decir, Suara es ya un pilar en la internacionalización y divulgación de la electrónica nacida en nuestra península y, por si fuese poco, en las Facultades de Empresariales y Publicidad tendrán un problema si alguno de sus profesores no está al tanto del making off detrás de Suara y de su realización de lo que a veces casi nos parece una utopía: arte, conciencia, valores y que decenas de personas puedan trabajar y vivir haciendo bailar al mundo (y sí, salvando muchos gatos).

Laurent Garnier

SonarCar — 00:00h

Hay algo muy especial en Laurent Garnier (además de que es de los tres o cuatro artistas del festival que no necesita apenas presentación), y es su enorme poder de concentración de masas por mucho que pasen los años, las modas y los festivales. De hecho, aunque apenas produce en la actualidad, ha sabido conectar y mantenerse con los públicos electrónicos de las nuevas generaciones, sin haberse visto metido en huracanes mediáticos como sí se han prestado a ello figuras como Richie Hawtin o Sven Väth. No hay pista de baile en el mundo que no se venga arriba si es él mismo el que hace sonar Crispy Bacon, como tampoco se entendería la historia de la escena electrónica de París sin sus inicios en el mítico Rex Club ni sus vínculos con el Acid House de la Inglaterra de 1989. Sónar le ha dado a Laurent Garnier todos los cierres y escenarios posibles, pero como artista verdaderamente excepcional y con una fanbase en Barcelona (y España) quizás más potente incluso que en otros países, han decidido matar dos hits de un tiro: reinventar en formato íntimo, elegante y con brutal sonorización el escenario SonarCar y darle al Monsieur de la electrónica nada menos que siete horas para que despliegue como le dé la gana sus más de dos décadas de vivir por y para la electrónica. Todos somos ese hombre con la cara rojiza de tanto soplar tocando el saxo, pero esta vez será sudor por la mayor bacanal de baile jamás vista del tirón en un Sónar Noche.

Este viernes tienes por delante más de quince horas de música repartidas entre el día en la Fira de Barcelona y la noche en la Fira de l'Hospitalet. Apuntamos tres claves esenciales para la jornada diurna y nos metemos de lleno en las propuestas nocturnas con una fijación especial: la curaduría de Resident Advisor de la programación del escenario de SónarLab. Es una clase magistral de cómo programar un escenario con coherencia entre artistas, con intensidad creciente y con un cierre pensado para dejarte sin voz y hacerte sudar la camiseta mientras, casi sin darte cuenta, te encuentras dándolo todo en pleno amanecer.

Viernes Día

Gerd Janson

SonarDôme — 20:30h

Hablando del 50% de Tuff City Kids (te lo recomendábamos ayer) ¡Repite Janson! Hemos mencionado ya las mil y una maravillas de uno de los alemanes más curtidos y polivalentes de la electrónica en Europa, y como nos quedan todavía muchos artistas en esta lista dejaremos que sus sets en Robert Johnson y las joyazas de su sello Running Back vayan subiendo de volumen como previa inmejorable. Eso sí, por mucho warm up que hagamos con su material el set que prepara promete ser tan imprevisible como bailable.

Matias Aguayo

SonarVillage — 21:00h

Dos horas escuchando lo que surja de la magia electrónica y tropical del carismático y polifacético artista chileno en el cotizado open air de Sonar Día, acompasado con el atardecer pre-veraniego marca Barcelona, es un privilegio festivalero de primer rango. ¿Quién no recuerda el mítico directo de Lindstrøm y Todd Terje hace ya tres años en el mismo lugar y la misma hora? Sí, por ahí van los tiros en cuanto a éxtasis emocional y buen rollo a más no poder. A nivel musical, el proceder de Aguayo roza el mito.

Tras su fuerte vinculación con el sello de Colonia Kompakt, con el que sigue manteniendo una excelente relación, Aguayo fundó Cómeme en 2009 y desde el inicio quiso dejar claro que el proyecto era más que un sello discográfico. Concebido como algo mucho más orgánico y participativo a nivel creativo, Cómeme lleva ya 7 largos años siendo una plataforma para que artistas afines, ya sean más o menos conocidos (aunque todos con sobrado talento, véase Christian S., el legendario Rebolledo o Daniel Maloso) se aventuren a la exploración en sus estudios con la complicidad y cercanía de Aguayo, que como productor y editor a la antigua usanza acompaña el proceso hasta el temazo final.

Las compilaciones de Cómeme son luminosas, provocadoras, eclécticas y “extrañas” en el mejor de los sentidos. Cómeme tiene también su radio, tan inclasificable como su última invocación paramusical: El Rudo del House.

Matias Aguayo ha creado un personaje imaginario llamado El Rudo del House: “Una criatura imaginaria que te habla con voz grave y ralentizada y produce ritmos house duros que impulsan directamente todas las partes de tu cuerpo y la ingeniería que intervienen en tu mecánica corporal”.

Cuando entra en acción podrás reconocerlo porque grita ¡Agárrate que vai a salir volando!. El sentido del humor bailable, la capacidad de sorprender en la pista y de sacar los colores y los ritmos más exuberantes al beat, ¡hagan paso que el viernes día lo cierra Matías!

Underground Resistance presents Timeline

presentsSonarDôme — 19:10h

El colectivo de Underground Resistance, encabezado en la actualidad por Mike Banks, uno de sus fundadores, es de los pocos que pueden decir que estaban antes que el mismo Sónar. Y todavía podría decirse más: sin ellos, posiblemente el Sónar no sería el Sónar ni el techno sería lo que hoy seguimos entendiendo por techno. Son la leyenda viva de sus orígenes, por allá 1990, cuando Jeff Mills, Robert Hood y Mike Banks abrieron un camino que UR sigue recorriendo con los mismos principios: beber del jazz genuino, con sus instrumentos de viento y sus teclados como punto central, abiertos a la improvisación y al calor del público, y pasarlos por la revolución de las máquinas, sintetizadores y un chute de bpms sin el que muchos no podríamos vivir.

Pero UR tiene más principios: no a la mercadotecnia, a las letras banales, a las modas gratuitas y a los gossips de los Djs famosos. Es fácil decirlo y muchos pensamos que UR son los únicos que pueden dar verdadera fe de ello. La misma historia de sus sudaderas, o alguna acción que hicieron con ellas años atrás y que encontraréis en la red, sirven como condimento a lo que realmente importa: la avanzadilla de una generación en los márgenes de una ciudad en decadencia y con exclusión racial que plantó cara al presente con un mensaje que se ha extendido alrededor del mundo y que, además de tener valores y una propuesta, se puede bailar. Hasta en Japón.

Viernes Noche

Zero vs. Chelis

SonarPub — 22h

Cuando entrevistamos a Ellen Allien nos habló de una singular tipología de Dj que ella se ha encontrado repetidamente a lo largo de sus más de veinte años de trayectoria: la figura del nerd, entendida (según su descripción) como la de un tipo bastante antisocial y que no ve en la música una vía de comunicación y apertura con los demás sino más bien una herramienta que, una vez dominada, permite destacar y tomar el control de la noche e influenciar a miles de personas. Dicho esto, cuando hablamos de Zero y Chelis (respectivamente), nos viene a la mente justo todo lo contrario: vocación, entrega y una visión de la música como la gran expresión artística que da sentido a la existencia humana. Hecha esta descripción rimbombante y con aires magnánimos, reconozcamos que tampoco acaba de ajustarse a su modo de ver las cosas:

Zero y Chelis no necesitan revestirse con discursos intelectualoides ni competir para ver quien sabe o tiene más. Zero estuvo en los inicios de Nitsa y no hay artista veterano en el panorama que no tenga envidia (más o menos sana, eso ya va en función de cada uno) de su colección de discos. Por poner dos ejemplos dispares y representativos, tanto los de Boiler Room como Óscar Mulero lo saben.

En cuanto a Chelis, los desiertos monegrinos y los clubes aragoneses dejan entrever su rastro, aunque, al igual que con Zero, lo suyo no son los géneros si no la selección de lo más exquisito, divertido o romperdor de todos y cada uno de ellos. (Chelis también montó una tienda de discos en su ciudad y un par de sellos, ahí es nada). Los dos artistas, además, extenderán la actuación del Sónar hasta convertirla en una gira por distintos lugares del país. Por lo pronto, ellos dos y sus millones de discos pasarán por Pamplona, Bilbao, Madrid, Zaragoza y Donosti.

Red Axes

SónarPub — 00:20h

Dori Sadovnik y Niv Arzi no son un par de recién llegados que han logrado dar con una cotizada y exótica fórmula por las buenas. De hecho, su historia tiene los elementos idóneos para sonar igual de bien como documental o biografía. Su fórmula musical aúna beat electrónico, guitarra rockera e influencias melódicas de Oriente Medio, siendo ellos ambos israelitas y afincados en Tel Aviv. Se conocieron a los catorce años y ya siendo adolescentes componían canciones y montaban conciertos (para amigos y familiares), aunque se pondrían en serio con la formación de Red Cotton junto a otros dos miembros.

Con Red Cotton empezaron por los senderos del rock psicodélico y acabaron en la zona del new wave (allá por los años dos mil y poco). Tras lanzar su primer álbum querían mudarse a Londres pero, por cosas de la vida, acabaron en Ámsterdam. Ahí se disolvió la banda, pero, según cuentan, al final de la travesía del desierto creativo (que tampoco fue tal, no exageremos) les esperaba la inspiración y la energía de artistas como Tiga, que les abrieron la veda para instalar su trabajo anterior en zona electrónica y montar un laboratorio cuya pócima tendremos en Sónar y que solo comparten con un expectante y atento público y magos del nivel de Moscoman.

Kölsch (live)

liveSónarPub — 03:55h

Quizás, porque eso nunca lo sabremos a ciencia cierta, la primera vez que un tema de Kölsch sonó (el de ahora, el que arrasó en Kompakt con su primer álbum 1977) en Sónar fue en el cierre de Jaques Lu Cont del año 2012, cuando varios clubbers desesperados sacaron su Shazam en el tiempo de descuento para que la milagrosa app revelase cuál era el temazo explosivo que estaba provocando la euforia de los supervivientes pasadas las seis de la mañana. No hubo duda: Opa (Kompakt, 2012). Apenas un mes después, y cuando Kölsch ya había sacado varios temas en los últimos meses, el danés se marcaría uno de los sets electrónicos más escuchados de SoundCloud. Su directo en Panorama Bar. Kölsch encontraba su faceta definitiva y un público entregado que se extendería a nivel mundial. Cuatro años, un nuevo álbum, varios EPs y cientos de giras después, Kölsch traerá su directo en hora punta en lo que será uno de los highlights del festival: posible material nuevo junto a sus grandes hits, los mismos que reventaron Panorama, dieron la vuelta al mundo y despuntaron ese 2012 en la maleta de Jaques Lu Cont.

Intergalactic Gary

SónarLab — 23:30h

Guardando algunas distancias, no sería exagerado considerar Intergalactic Gary como el Dj Zero holandés, o viceversa. Quizás Intergalactic Gary es algo más escurridizo y oscuro, y su bagaje se pierde más por los explosivos ochenta teniendo como foco la Europa Central. Sin embargo, más allá de eso, las opiniones acerca de sus sesiones son unánimes: un talento soberbio por planear viajes que saltan décadas y redescubren o reivindican géneros o artistas de forma totalmente inesperada. Su pasión por el italodisco ochentero cuaja de forma inexplicable con intensas oleadas de techno oscuro, su breve paso por la producción como I-G (y no es una copia de I-F, precisamente comenzaron a la vez) es un secreto a voces y el hecho de que sus primeras grandes sesiones fuesen en La Haya no dejan lugar a duda: Intergalactic Gary debería estar en el Tribunal de de los Dj Set Asombrosamente Inclasificables.

Hace un tiempo Intergalactic Gary hizo un podcast para Ransom Note y en la breve entrevista que lo acompañaba dejaba caer, como si nada: “Hace algunos años que quería encontrar un buen lugar para estas dos canciones”. En la época del streaming y de la red, da mucho que pensar que alguien como Intergalactic Gary espere dos o tres años para encontrar el momento de darle al play a cierto tema. Piel de gallina.

Ben Ufo B2B Helena Hauff

SónarLab — 03:00h

Paula Temple despuntó en Barcelona en el Mira Festival de 2014 y Helena Hauff hizo lo propio en el Sónar de la pasada edición 2015. A sus respectivos ojeadores debemos agradecer el haber traído finalmente a dos de las mayores artífices del sonido industrial contemporáneo. Y nos vamos a celebrar al mismísimo Golden Pudel de Hamburgo el regreso de Helena Hauff a la Fira Gran Via L'Hospitalet el próximo viernes junto a Ben Ufo, co-fundador del insigne sello Hessle Audio (con EPs de Pearson Sound, James Blake o Blawan) y Dj de pura raza (de los que piensan, al igual que Ángel Molina, que no hay ninguna ley reciente que te obligue a producir tus propios temas para que te consideren buen Dj).

Uno de los mayores puntazos del Sónar Noche de 2014 fue un insólito B2B entre James Holden y Daphni. En esta ocasión las expectativas son del tamaño de unos Funktion 1 recién calibrados: mediante la curaduría de Resident Advisor del escenario SónarLab de este Sónar, Ben Ufo y Helena Hauff harán su primer B2B ever en uno de esos dúos que, con (casi) total seguridad, multiplicará exponencialmente sus efectos musicales gracias a la combinación de su sensibilidad, criterio y experiencia detrás de los platos.

DVS1 & Rødhad

SónarLab — 05:00h

Es curioso que el cierre apoteósico de DVS1 y Rødhad no se anuncie como un B2B ni como un Versus. Si chequeamos el material que lleva el norteamericano Zak Khutoretsky en su maleta y lo desplegamos junto al de Rødhad entenderemos el por qué: una colisión en formato B2B entre ambos podría hacer saltar los plomos de la Fira de L'Hospitalet (y de Hospitalet entero). Por eso, en lo que es sin lugar a dudas la apuesta de Resident Advisor por el techno más contundente de todo esta 23ª Edición, el escenario se comparte y la unión hace la fuerza.

DVS1 debutó como productor en la escena berlinesa cuando Ben Klock apostó por él en 2009 editando la quinta referencia de su sello Klockworks. Pero DVS1, que forjó su leyenda como un raver del Medio Oeste Norteamericano, no ha parado desde entonces. Tiene dos sellos (HOSH y Misstress Recordings), casi una decena de EPs en circulación y una agenda que pasa regularmente por 10 horas de sesión en el Templo del techno berlinés: Berghain. Si hablamos de Berghain, el nombre de Rødhad salta instantáneamente a nuestra memoria, con la misma rapidez con la que el equipo de seguridad del club te tapa con pegatinas las cámaras de tu móvil.

Rødhad es la encarnación en persona de la nueva generación de Djs born and raised in Berlín: fundador del ya consolidadísimo sello Dystopian y experto en elaborar sesiones progresivas que no temen a la pura experimentación ni a lo que el clubber experimentado es capaz de bailar en su liturgia electrónica. Esperemos que desde la organización del Sónar ambienten con poca luz y mucho humo, aunque sabemos que habilitar un cuarto oscuro al estilo Berghain será algo más complicado.

Mind Against

SónarClub — 02:15h

Es todo un reto producir los sonidos que son tendencia en el mismo momento; sabemos que los grandes Djs producen pensando en la atemporalidad y aspiran a que sus tracks superen la prueba del paso del tiempo. Si podemos afirmar que un estilo o género arrasó superada la primera década del nuevo mileno, este es sin duda el deep house. Ahí brillaron (y lo siguen haciendo, aunque el efecto sorpresa ha ido lógicamente menguando) Maya Jane Coles o Tale of Us, Kollektiv Turmstrasse Stimmings y un largo etcétera de rigurosos productores que, sin salirse demasiado de una pauta que ellos mismos habían contribuido a establecer, bordaban temas limpios, pegadizos, eficientes y seductores. Mind Against, formado por los italianos Alessandro Fognini y Federico Fognini, se mantienen de forma austera y sólida en lo alto de esta ola que, sí bien lleva un tiempo repitiéndose a sí misma (es inevitable, hasta cierto punto, que un estilo sobreexplotado se agote antes de lo que a muchos nos gustaría), nuevas producciones y alguna que otra sorpresa siguen abriendo camino y explorando otros derroteros, quizá tirando más hacia el techno pero sin abrazar la oscuridad ni tampoco las referencias acid u oldschool que tan bien están funcionando en otros productores.

Respecto a Mind Against, es crucial añadir la fructífera red de remixers que han tejido a su alrededor, ya sea con los artistas que remezclan sus temas como los remixes que ellos hacen de otros lanzamientos. Por ejemplo, el remix de Somne de su EP Vertere Life and Death Recordings) o el de Locked Groove para su EP de 2015 Elysium/Pulsar (en Hotflush Recordings). Con este set grabado en la edición 2015 del cotizado e influyente festival ADE (Amsterdam Dance Event) nos hacemos una precisa idea del aplomo y clase que se gasta el dúo italiano. Les queda mucha ruta por delante y bien haremos en permanecer alerta.

Four Tet

SónarCar — 00:00h

Bienvenidos sean los cambios arriesgados y que proponen cosas que solo un festival con recursos y buenas ideas es capaz de lograr. La remodelación del escenario SónarCar ya es una buena noticia en sí misma: el espacio llevaba demasiados años estando en un no-lugar y ya se había quedado pequeño en algunas sonadas ocasiones, como con ese mítico set de Uner que obligaba a la gente de paso a dar una vuelta tremenda para no quedar atrapada entre una muchedumbre muy por encima de lo esperado. Un cambio tan considerable como la entera remodelación de la sala, sin duda inspirada en el exitazo que tuvo en su momento el concepto DESPACIO, con los 2manydjs pinchando all day long junto a James Murphy, a oscuras y en vinilo, con el mejor equipo de sonido de club jamás creado y con una cola tremenda en las jornadas de día con muchos asistentes diciendo que era lo más divertido y sorprendente de todas las propuestas del Sónar Día.

Como decíamos, reubicación en modo oldschool del espacio: austero, íntimo, cálido y dos genios en los platos que se verán ante 7 horas seguidas de sesión a su libre y entera disposición. Four Tet, tildado de genio a todo aquel que se le pregunte qué piensa de sus creaciones, incluyendo su primera producción, en 1998, con tan solo veinte años, en la que mezclaba una base hip-hop con sampleados jazz. En efecto, el artista inglés se pasea por la electrónica pero no se entrega del todo a sus encantos, siempre se rodea de géneros tangenciales que él incorpora en una lectura propia del ahora y no recreando los sonidos que predominaban décadas atrás.

Dentro de las grandes amistades de Four Tet, el también inglés Floating Points está entre los top. Como muestra a la perfección este set que hicieron en formato B2B como despedida del emblemático Plastic Club de Londres. Four Tet no tiene nada que temer al reto que supone tener 7 horas delante de ti a un público hambriento y expectante. Más bien deberíamos entenderlo al revés: estos son los retos que mantienen a los grandes Djs en forma y con ganas de no parar. Nunca.

Como colofón, este Boiler Room nos abre el imaginario y nos sitúa en el contexto de partida, antes de comenzar el nuevo viaje que nos propone SonarCar.

Hay toda una mitología que hace referencia al césped artificial del Sónar Día. Dicen que no te acabas de creer que finalmente se ha acabado la espera y que el Sónar se ha hecho realidad un año más hasta que no pisas el reluciente (lo estrenas tú, como quien dice) terciopelo sintético del SonarVillage el jueves a la hora punta del sol, deslumbre y sonrisa de felicidad expectante incluidas.

Te proponemos un melting pot electrónico (de los múltiples combinaciones posibles) para que el jueves y primer día de festival te pasees por un elenco de beats irrepetible: El regreso de Cauto desde Berlín cargado de novedades, la explosión electrónica de The Black Madonna y su necesario manifiesto, el genio venido a más de David August y su exquisita banda y el alucinante dúo de Tuff City Kids y su set concentrado de una hora para que salgas del recinto de la Fira de Barcelona sin saber si flotas o bailas.

Cauto

SonarVillage — 14:15h

En ese idílico momento, en el que notas la adrenalina incomparable de que todo está todavía por hacer, si centras la vista en el escenario, verás y escucharás a Cauto mostrando lo que su larga ausencia le ha permitido crear. Dicen que el productor catalán ha realizado un largo exilio en Berlín y que ha regresado más que fresco y con renovadas ideas que ya ha comenzado a materializar.

Una de las pruebas que lo confirman es, por ejemplo, Bical, el track que compartió hace un par de meses firmado junto a Lost Twin y que está a punto de salir en la primera referencia de Sin Hilo Records, un prometedor sello de nuevo cuño nacido en Barcelona (y no en Berlín). Bical es una variedad de aceitunas andaluza y eso nos dice que Cauto lo sabía todo y que su regreso por la puerta grande sería en el césped del Sónar, a la hora del vermut y bajo las influencias de sus sonidos atmosféricos, sosegados, coloridos y que parece más Electrónica Superdotada que Intelligent Dance Music (IDM).

Qué mejor previa que el set exclusivo que Cauto ha preparado para Sónar y que suaviza la espera escuchándolo cada día un par de veces en loop.

The Black Madonna

SonarVillage — 18:30h

En el budismo existe la figura de los bodhisattva que son, a saber, seres camino de la iluminación que, sin embargo, aspiran a ayudar a otros a alcanzarla. En la tradición del budismo Mahāyāna, el bodhisattva es visto como un héroe, cuya bondad es tal que va incluso más allá de trascender su propio ego. En la tradición del house de Chicago, The Black Madonna sería una figura parecida en versión electrónica.

Instalada desde 2012 como residente del mítico Smart Club de Chicago, en la sala crearon ex profeso la figura de directora creativa (no había existido algo parecido en 30 años de historia del club) para ella con el fin de que su criterio sirviese de guía para mantener una programación al margen de comercialismos y centrada en los talentos del momento que merecía la pena explorar. Lo ha hecho tan bien que también ha sido ella la que ha salido a recorrer el mundo con su maleta de vinilos.

Lejos de sumarse a los lujos del djstar y perder de vista sus ideales musicales y políticos, el mensaje de The Black Madonna se escucha allí donde aterriza con su equipo: “la música de baile necesita mujeres por encima de los cuarenta, necesita historiadores, críticos, riot grrrls, disconfort con tanta euforia, queers, gente que lo ha pasado mal durante toda la semana, camisetas sin collares [...]

Decimos sí a todo, y que la electrónica también una mente genial como la suya, capaz de poner el mejor house del mundo y de la historia a jugar como los niños en el patio de recreo.

David August (live band)

SonarHall — 20:30h

¿Impoluta? ¿Admirable? ¿Espectacular? Es difícil no caer en este tipo de adjetivos a la hora de hablar del David August de 2016 y la trayectoria que le ha llevado hasta ser de los pocos djs capaces de armar un live con banda (por aquí tenemos a Henry Saiz) que genera sold outs y alabanzas por allí donde actúa. Como si fuese el protagonista de un videojuego de plataformas, David Nattkemper ha ido saltando de los tracks pisteros iniciáticos a un sello-altavoz como Dynamic y, en un doble salto, rebotó en Innervisions, la pantalla de los temazos invencibles de Dixon y Âme.

A mitad camino, se mudó de Hamburgo a Berlín para llevarnos a todos la contraria: no se fue a cerrar clubes sino a estudiar el programa Tonmeister, que mezcla formación musical clásica y contemporánea de máximo nivel. Él mismo dice en su más reciente EP que pasa de clubes y que ya está en otra historia, y cuando vemos la que ha logrado armar queda claro que no exagera. Habrá que seguir jugando, como bien hizo él con la voz de Hitchcock en este alucinante directo. Y, quizás más importante todavía: habrá que luchar en el SonarHall por la primera fila.

Tuff City Kids

SonarDome — 21:00h

Hay dúos explosivos (Modeselektor), exquisitos (Talaboman), altamente festivos (Pachanga Boys) o el formado por Phillip Lauer y Gerd Janson. Tuff City Kids son brillantes produciendo (coquetean con el deep, el tech-house o el techno sin dejarse arrastrar por ninguno de ellos y logran tracks tan diferentes entre sí como amplio es su bagaje musical). Según cómo se mire, no podría haber sido de otro modo. Además de seguir sacando tracks que copan los charts de media escena de sibaritas apenas una semana después de su lanzamiento (Birsk/Kilian en Futureboogie Recordings), Gerd Janson es el actual impulsor del sello que co-fundó, Running Back. Lo que ha publicado en los últimos tres años ha funcionado de tal manera que el nombre del sello casi parece irónico:

El sello de Gerd Janson Running Back es una máquina de correr hacia delante ampliando el imaginario musical de cualquier clubber EP tras EP.

En lo que va de 2016, Leon Vynehall, Konstantin Sibold o Paul Woolford han impreso su vinilo en el sello para luego seguir estando en el punto de mira de cualquier booker espabilado. En cuanto a su trabajo en la pista, el mejor adjetivo (sin exagerar) es mágico: o tienes el don o no lo tienes; o has pinchado toda tu vida en templos como Robert Johnson o no has podido liberarlo. Si no te has pasado incontables madrugadas (y mañanas enteras) apurando las horas y los minutos pinchando antes del cierre, en busca de ese tema definitivo y demoledor no tendrás una maleta de discos que saca temazos como un mago conejos blancos de su sombrero de copa.

En resumidas cuentas: Tuff City Kids son de todo menos niños y la comunión de sus excepcionales trayectorias es la razón por la que el jueves 16 de junio a las 21:00 h debes dejar de hacer cola para la cerveza, olvidarte de los colegas que no encuentras y plantarte en SonarDome con la mente abierta, la sonrisa a punto y muchas, muchas ganas de bailar.

Al entrevistar a un artista que se dedica a la música electrónica, quizás sea demasiado recurrente abordar como punto de partida su experiencia en Berlín, el epicentro europeo del techno. Seguramente, Tadeo tendría bastante que contar, pero si su techno sigue viajando a velocidades que permiten llegar mucho más lejos, ¿por qué no empezar hablando, por ejemplo, de su gira en Japón?

Artistas como Thomas Fehlmann hablan maravillas de Japón y cómo son sus seguidores japoneses, ¿cómo fue tu experiencia en el país?Thomas Fehlmann

Valoran mucho la música, incluso más allá del estilo que sea o incluso del artista en sí. En Tokio, puedes dar vueltas por las tiendas de discos y encontrarte cosas que no verás en ningún otro lugar. Y no es que sean cosas exclusivas para Japón, que también las hay, sino que son muy fanáticos e intentan cuidarlo mucho, ya seab las fiestas o las tiendas. Creo que debería ser así en todas partes.

Quizás en Europa estamos muy mal acostumbrados, tenemos una oferta tan amplia de clubes y festivales que lo damos más por sentado, como si fuese lo habitual y no algo de mucho valor.

También son necesidades diferentes. Aquí, en Europa, tenemos casas relativamente grandes y nos encontramos con los amigos al salir del trabajo, mientras que ahí no hay nada de eso. La gente sale de trabajar y se va a su casa, que es una habitación. Consumen mucho, pero no tienen espacio, así que compran y venden continuamente. Al vivir en este tipo de ciclos, cuando salen lo aprovechan al máximo para conseguir evadirse.

Es interesante que lo plantees desde el lado de la necesidad. No es lo mismo salir por salir que salir deseándolo toda la semana o salir para ver a un artista en concreto. Del mismo modo que no es lo mismo producir por las buenas que producir porque tienes un proyecto o porque has probado mucho antes de montarte un estudio. 

Sí, es cierto que la necesidad hace que las cosas sean buenas. Tienes razón en que ahora es mucho más fácil acceder a hacer música, por ejemplo. Una cosa es que puedas hacerla y la otra es que necesites hacerla. Si necesitas a hacerla vas a ser constante, porque si no lo haces, ¿qué vas hacer? ¡Lo necesitas! Posiblemente serás también muy autocrítico con lo que haces. Por eso, al escuchar a nuevos artistas, notas cuando lo está haciendo “de verdad” o lo está haciendo por hacer algo, aunque el resultado pueda ser bueno en ambos casos.

Parece que ahora es muy fácil hacer que un tema electrónico suene bien para parecerte a un estilo en concreto y de moda, ya sea techno o deep house. Pero una cosa es hacer un track resultón y la otra es hacer algo original o que pretenda aportar algo nuevo. En tu caso, como en el de otros artistas que llevan tiempo produciendo y pinchando, creo que es la constancia lo que te ha llevado a ser reconocido de manera singular y por tu propio sonido. A principios de año, sin ir más lejos, sacaste el álbum en Non Series Chronicles Of The Future ¿cómo valoras tu momento actual en cuanto a producción y en cuanto a tu trabajo como dj?Chronicles Of The Future

No me detengo a planteármelo, la verdad. Las cosas suceden según las necesidades del momento. Quizás hace tres años no hubiese hecho un álbum como el de ahora, porque estaba desarrollando un sonido con el que me sentía satisfecho. No sería hasta tiempo después que me vería un poco cansado y con ganas de hacer algo nuevo. Ahí me puse a investigar otras formas de composición y otros sonidos. Estos giros nunca son pretendidos, vienen solos.

De todos modos, no todos los artistas saben o pueden hacer esos giros en su producción o en sus planteamientos cuando quieren o lo necesitan. No siempre es fácil darte cuenta de que te estás estancando ni tampoco encontrar la manera de cambiar para volver a sentirte a gusto con tus producciones.

En mi caso, los cambios que he hecho realmente los necesitaba. Por otro lado, en la ecuación de la producción también entra si al público le gustará o no. Yo suelo obviar ese factor, no pienso en qué se dirá a la hora de ponerme a producir. 

En el campo de la electrónica (como en cualquier otro género musical o disciplina artística), el público y la crítica pueden no entender a un artista y dejarle de lado pero, paradójicamente, reconsiderarlo tiempo después y ver su trabajo como brutal de manera retrospectiva.

Me interesa más aquello que sigue estando ahí con el paso del tiempo. En el lado contrario, tienes lo que es el producto de consumo. Hacer lo que está de moda en cada momento. A nivel musical, es pan para hoy y hambre para mañana. Intento plantear mis trabajos de manera que dentro de unos años sigan teniendo el mismo valor que al principio.

Chronicles Of The Future, por ejemplo, ¿lo concebiste inicialmente como un álbum entero o lo fuiste creando con temas que ibas produciendo sin conexión aparente?

Primero escribí un guión y luego pasé directamente a producir los temas basándome en él. La ventaja de plantearlo de este modo es que puedes trabajar en diversos temas sin perder el enfoque de cada uno. Si estás trabajando en un tema pero te saturas o quieres dejarlo parado y ponerte con otro puede que cuando quieras retomarlo estés “intoxicado” por el nuevo track y pierdas el planteamiento original. Al tener el guión me era fácil mantener el enfoque y seguir produciendo en el punto en el que me había quedado.

En Chronicle Of The Future, fui escribiendo un poco de cada tema y así construí un sonido global. Elegía los sonidos para cada tema y hacía las variaciones entre ellos. Fue como llenar un tablón de notas y de todas ellas saliese la historia que quería contar. Es la primera vez que trabajaba así y voy a seguir haciéndolo, es muy simple.

Quizás te resultó fácil, pero hay productores que no podrían trabajar de ese modo porque para ello necesitas tener una historia que contar. Algunos productores crean pensando más en el uso o la función de las canciones en vez de plantearlas inicialmente desde el lado de lo que transmiten, es decir, piensan cosas tipo “haré tres o cuatro temas fáciles para la pista, dos melódicos y lentos y alguno más oscuro que suene bien en los clubes”. De este modo, hay álbumes que parecen más un conjunto de anécdotas ingeniosas y momentos interesantes y no un relato que transmite algo tanto en sus partes como en la totalidad.

Es muy cinemático. Si alguien tiene que hacer una banda sonora para una película, lo que tiene que hacer es crear en función de la sucesión de las imágenes que le vienen dadas, y en cada ocasión potenciar lo que quieren decir a través de las canciones. Mi trabajo fue algo similar, aunque haya temas de los que llegase a hacer dos o tres versiones. Al ver cómo avanzaba el álbum, si veía que hacía falta relajarlo un poco, cambiaba esa versión del tema por una más tranquila, para mantener un balance. Sí que hay temas para la pista, pero están vinculados a los momentos en los que la historia coge fuerza. No quería hacer un álbum que te saturase al tercer o cuarto tema, ni tampoco que te dejase demasiado aplatanado al terminarlo, me interesaba que estuviese equilibrado de principio a fin. 

Además de con Psyk, por ser el dueño del sello en el que ha salido Chronicles of the future, ibas compartiendo el material que sacabas del estudio con otros artistas para recibir opiniones diferentes? 

No, no se lo mandé a nadie. Psyk era la única persona a la que se lo mandaba, al producirlo en su sello me interesaba ver hasta qué punto lo que estaba haciendo se encontraba dentro del enfoque que él tiene de Non Series. Es importante tener en cuenta que no produces para tu propio sello.

Con Psyk tenéis también el proyecto conjunto Versions, un dúo para pinchar en directo que debutó a finales de 2015. Vuestra relación a nivel creativo me parece bastante singular dentro del techno: existen pocos djs y productores que editen constantemente referencias en sellos tanto de aquí como internacionales, con giras regulares que pasan por los templos berlineses y, paralelamente, que pinchen juntos y uno produzca en el sello del otro (ya no un tema o un remix, sino un álbum completo).

A veces intentas hacer un tema o un proyecto con alguien y ves que a nivel de implicación no se cumplen las expectativas, o que no funciona por desidia o porque se diluye con el tiempo. Con Psyk, sencillamente ha funcionado desde el primer momento con naturalidad y por eso hemos seguido trabajando juntos . Por ahora nos va bien a los dos y nos sigue gustando, nos entendemos tanto en el estudio como pinchando. Igual tenía que ser así, y punto. No hicimos ningún plan ni dijimos lo que querríamos hacer más adelante. Los dos coincidimos en que somos muy constantes y en que no paramos hasta no lograr lo que nos proponemos. Ahora estamos haciendo unos temas para un lanzamiento de tres discos que sacaremos este año con el proyecto de Versions. Llevamos ya algunos meses trabajando en varios temas y, si hay algo que no nos termina de gustar, directamente lo paramos y hacemos otro, y luego otro, y seguimos hasta que no estamos satisfechos. Somos muy sinceros el uno con el otro y hablamos sin rodeos de lo que nos parece el trabajo del otro. Somos los dos muy duros y eso también hace que nos entendamos.

¿Qué crees que aporta Psyk al proyecto Versions y lo que aportas tú? 

Psyk está más enfocado a la pista y yo trabajo de una manera más introspectiva. La parte del ritmo y el bajo se la dejo a él y yo hago la parte de los arreglos, sintetizadores o cuerdas, por ejemplo. Nos repartimos las tareas y durante el proceso no nos interferimos entre los dos. Si luego coincidimos y la conexión inicial ha funcionado, tiramos adelante. Si falla algo, o bien lo cambiamos, o bien lo lanzamos a la papelera. A veces hemos probado a cambiarnos los papeles y el resultado no ha sido malo, pero tampoco suficiente para publicarlo. Este cambio de roles es curioso y puede ser un buen paso para entender mejor la parte del otro. Lo que nunca hacemos es dejar nada al azar o ir probando cosas por probar, en plan “a ver qué pasa”. En cuanto a los directos, por ahora estamos pinchando en formato Back To Back y seguiremos así hasta que tengamos el directo preparado, quizás a finales del verano. Pinchamos con un orden básico, cada uno pone dos temas. ¿Qué se conjuga ahí? Psyk dedica más tiempo a las mezclas y es más progresivo en los cambios, por ejemplo. Poco a poco fui viendo que yo dejo entrever los temas porque hago cambios más rápidos y, por eso, cuando le toca poner las canciones él se lo dejo para que lo pille con ganas y pueda desarrollar las pistas. El público responde bien, nosotros estamos a gusto entre nosotros y creo que hemos alcanzado un balance muy bueno. La mayoría de veces ha funcionado bien, solo en un par de ocasiones o tres hemos dicho, “esto que has puesto no funciona!”. Pero no pasa nada, hay que probarlo, nos reímos y seguimos por otro lado.

Habrá habido algunas ocasiones en las que no todo te ha salido tan bien o que no lo has podido resolver con esa naturalidad, ¿quizás te ocurría en alguna otra época?

Te ocurre principalmente en los inicios, por falta de experiencia, cuando no conoces bien el terreno. Pero son justamente esos fallos los que te darán la experiencia, y si no fallas al empezar cometerás los fallos más adelante. Recuerdo que hace unos meses estaba con Psyk haciendo un Versions y él, sin querer, quitó un disco que yo estaba poniendo y la sala se quedó sin música. Le miré y le dije, “¿qué has hecho?”, y luego pensé “da igual”. Mientras la gente silbaba, tranquilamente volví a poner el tema y seguí como si no hubiese pasado nada. Si te pones nervioso y pierdes la concentración ya no sabes cómo seguir.

Ahí se notó la confianza que tenéis entre los dos. La complicidad en vez de la bronca. 

Claro, ¡no pasa nada! Te miras, te ríes y lo arreglas. Hablé con el técnico de sonido y le dije que no había toma de sonido y él me dijo que no había hecho nada, miré la mesa y no había señal y dije “no ha sido el técnico, ha sido Psyk”. Puse el CD de nuevo y no fueron ni treinta segundos entre todo. Esta tranquilidad la aprendes porque te ha ocurrido en los inicios, cuando cometías un fallo así y no sabías dónde meterte.

Hablando de tus inicios, ¿cómo fue tu entrada en el techno?, ¿llegaste a través de otros géneros o sonidos o partiste del techno desde un principio? 

Empecé por el techno, directamente. En los noventa aparecieron aquí por primera vez discos con ese sonido y no sabías ni qué nombre tenían cuando los comprabas en la tienda.

La gente que tenías ese momento a tu alrededor, en Madrid, ¿qué opinaba de esa música?

Me decían que qué era esa música “rara”, que era música para drogados. No lo entendían. Yo tampoco podía calificarla ni explicarla, sencillamente había cosas que me gustaban y las compraba. No sabía qué era el techno ni el house, pero me gustaba. Con el tiempo iría aprendiendo acerca de todo ello, aunque no recuerdo el momento exacto en el que despertó mi interés. Puede que hubiese visto algún videoclip de Kraftwerk o Evangelist en los ochenta y me atrajese su sonido, sin relacionarlo con nada. En mi caso, el interés por la electrónica no lo marcaron un artista o disco en concreto. Los sonidos sintéticos me atraían, pero no sabía ni de dónde salían, quién los hacía ni cómo se producían.

Este desconocimiento me recuerda, salvando las distancias, al que cuentan en Der Klang Der Famille los que impulsaron el techno en Berlín. Der Klang Der Famille

Muchos de los entrevistados en el libro reconocen que, a veces, no eran conscientes de algunas cosas que hacían o de por qué las hacían. Creo que eso rompe la visión idealizada de que el movimiento techno tuvo un sentido y una dirección definidas desde el minuto cero, cuando no fue así.

Aquí, en los ochenta, igual veías un rapero en la tele pinchando con los dos platos y un mezclador (que no sabías ni que se llamaba mezclador), o un reportaje de la Ruta Valenciana en el que salía un tipo pinchando y decías “¡cómo la lía!”, y este era el quid de la cuestión, que te quedabas con esa idea. Luego, si pasabas por una tienda de discos y veías que ahí tenían un tocadiscos, preguntabas cómo funcionaba y, si el de la tienda era un buen tío, te lo explicaba. Poco a poco, las cosas coinciden y las vas uniendo hasta que finalmente tiras por ahí. En los inicios y a mediados de los noventa, no había Internet y apenas encontrabas publicaciones. Puede que tuvieses un club cerca de casa, y al llegar a la edad de poder entrar te pasabas una noche y decías “me gusta el sitio, ¡pero la música no!” Finalmente, te buscas la vida para hacerte con un par de platos y un mezclador.

En ese momento, ¿encontraste alguna conexión con Barcelona? A veces, si nos basamos en los medios, además de Valencia, parece que Madrid tuvo su gran época en los ochenta y Barcelona en los noventa, pero se habla menos del vínculo que existió entre ambas ciudades en cada etapa.

Es cierto que en Madrid hubo resaca después de los ochenta. Pero, igualmente, hubo clubes que programaban techno, como Voltereta o Soma, y se hacían fiestas que se alargaban todo el fin de semana. Lo que ocurre es que todo ello tenía poca repercusión. En cambio, yo sí me enteraba de lo que ocurría en Barcelona. Allí había magazines que apoyaban ese movimiento mientras que, en Madrid, no llegué a conocerlos más adelante. Creo que el circuito de clubes era parecido en ambas ciudades, pero el cansancio de Madrid tras la Movida desplazó el foco hacia Barcelona y ahí necesitaban darlo a conocer porque en la década anterior no habían tenido algo parecido a la Movida. En los años dos mil también llegó el cansancio a Barcelona. Aparte del Sónar, ¿qué había? Y, en Madrid, ¡más de lo mismo!

Fue una travesía del desierto.

Cuando esa generación se cansó, cambió de estilo de vida o no tuvo la necesidad de salir, se desinfló todo lo que habían construído. 

A raíz de los cambios generacionales, me ocurre con frecuencia que, al hablar con gente que pasa la treintena, comentan en tono autosuficiente “yo, es que ya no salgo”. En España ves poca gente de más de cuarenta años saliendo en los clubes en los que suena techno. En cambio, ves una euforia descontrolada de los que tienen veinte y salen como si no hubiese un mañana. Paralelamente, en otros lugares de Europa es frecuente que la media de edad en los clubes sea mucho mayor, y que las diferencias se entiendan de una manera no exclusiva.

Me parece que eso tiene que ver con las horas de sol del país en el que residas. Aquí, durante casi todo el año, se hace de día a las seis y tienes una diversidad de cosas por hacer. Ahora, piensa en Alemania. Nos encontramos con una situación parecida a la que comentábamos al inicio respecto a Japón y a cómo valora cada uno las cosas. Si tienes sol casi todo el día y ya tienes una edad, ¿no preferirás la mayoría de las veces ir a tomar unas cervezas en vez de ir a un club?

De tus inicios en la escena del techno, hace más de diez años, se suele decir que fue tan precoz como fructífero, ¿cómo llegaste a la escena techno del momento?

Ya llevaba algún tiempo produciendo por mi cuenta cuando empecé a estudiar sonido. En aquellos años, en España, se pinchaba un techno más duro, con los bpm altos. Desde los inicios, las mayores influencias en mi música han sido gente como Hood, Plastikman, Dave Clarke, Jeff Mills, Rachmad, Surgeon o Luke Slater. En concreto, el techno de pocos elementos que hacían Richie Hawtin, Robert Hood o Steve Rachmad fue una influencia muy grande para mí. De hecho, el primer disco que saqué fue con él, en una compilación suya.

Que tu primer tema, sin haber sacado antes material en ningún otro lugar, lo publicase precisamente el artista que más te había influenciado desde el principio es algo, por decirlo de algún modo, poco frecuente. En realidad, los artistas que, empezando desde cero, logran cierto reconocimiento entre los grandes, suelen hablar de mucha paciencia y tiempo, además de la constancia y de producir buen material.

Sí, no me lo esperaba, y menos porque era el tercer tema que producía en mi vida. Lo mandé para probar suerte, a una dirección que tenía de Richie; me respondió que lo iba a utilizar para una compilación. A partir de ahí me lo tomé más en serio, aunque nunca pensé que podría llegar a vivir de ello. Creía que quizás podría conseguir algún bolo, porque lo que me gustaba y me sigue gustando más es pinchar.

¿Cuándo sentiste que habías logrado una estabilidad y un sonido que ya te definían como músico?

Fue a partir de 2011, con el lanzamiento del sello. Ese fue el punto de inflexión en mi desarrollo artístico. Desde la primera referencia del sello ya sabía qué sonidos quería producir y editar. He sacado dos referencias mías en el sello bajo el nombre de Maan, pero nunca antes como Psyk. Este mes de abril sale mi primer lanzamiento como Psyk. Para mí, Non Series ha sido como una ventana para promocionar y mover el sonido que me gusta producido por artistas que me parecen interesantes. En cuanto a mi trabajo, he preferido irlo sacando en otros sellos ya que la idea principal del sello era mantenerme al margen de la producción.

¿Cómo surgieron las primeras colaboraciones con los artistas que querías tener en tu sello (Non Series)? Supongo que primero fuiste haciéndote un nombre dentro de la escena y que, a partir de ahí, conociste personalmente a los artistas que ya seguías y que querías editar.

Mi carrera pegó un fuerte giro en 2012, con el primer disco que saqué en Mote-Evolver (Distane). Ha sido el que más se ha vendido de los que he hecho. Luego saqué uno de mis mejores EPs hasta la fecha (Arcade) seguido por el tema Eclipse en CLR. Suelo editar en Mote-Evolver siempre, ahora de vez en cuando en Tresor (legendario club berlinés que también tiene un sello muy importante) y este año en un sello que va a lanzar el clásico club FUSE de Bruselas, en otoño.

Si chequeamos los artistas que has publicado en Non Series, nos encontramos con nombres ya consagrados, que llevan en la escena muchos años, activos desde los noventa. Hablamos de artistas como Mark Broom o Eduardo de la Calle, entre otros. ¿Hasta qué punto fue significativo para ti el haberte formado como dj escuchándoles y de golpe ver que sacabas su música en tu propio sello?Non Series

Nunca me lo planteé, claro. Como tampoco me había planteado antes trabajar codo con codo con Tadeo (Miguel Sar). Son artistas increíbles. Chevel, por ejemplo, es uno de mis artistas favoritos, apenas lancé el sello hablé con él y fue la quinta referencia que se publicó en Non Series. Marcel Dettmann o Steve Rachmad también han editado en el sello; ahora Architectural saca un EP y sale otro de remixes de Silent Servant, Function, Shifted & Pris del reciente álbum de Tadeo en el sello (Chronicles Of The Future). Todos ellos han sido mis influencias desde siempre y tenerles en tu sello es algo muy personal: muestras el trabajo que te gusta de los artistas que admiras. Non Series busca un sonido atemporal, es música minimalista, que suena como la de antes pero tiene un toque contemporáneo. Podrás escucharla dentro de diez años y seguirá en forma.

Dentro de la escena europea, Berlín ha tenido un papel determinante en el estado actual de buena salud del género, ¿cómo valoras su importancia en los últimos años?

En Europa, el techno berlinés llevaba tiempo petándolo. En España, en cambio, ha explotado otra vez hace relativamente poco. Tras la era minimal y el techno-house comercial, sobre 2012 creo que aquí empezó a sonar más techno, hoy en día está por todas partes.

Artistas como Ben Klock, hace apenas cuatro o cinco años, eran poco conocidos en España. Sin embargo, actualmente encabezan festivales y llenan clubes.

Es cierto. Recuerdo cuando empezaron a pinchar en España, por ejemplo en el Klubbers Day de 2010, en Madrid. Marcel Dettmann y Ben Klock pincharon en las carpas pequeñas mientras que en el resto de Europa estaban ya muy arriba. En España siempre hay un delay de tres años, es de manual. En cuanto al techno de Berlín, es cierto que Berghain es el mejor club que hay, no es equiparable a ningún otro. También el concepto detrás del sello Ostgut, ha ayudado mucho a hacer crecer la escena techno en todo Europa, sobre todo años atrás.

Hay un debate en el mundo de la música, que también toca de lleno a la electrónica, que se ha ido eternizando en nuestro país. Por un lado, parece ser que es muy difícil que te hagan caso tanto aquí como fuera, pero lo que cuesta en especial es lograr que te reconozcan también fuera de este país. Comentábamos al principio que tú saliste fuera mi pronto y antes de conseguir trabajar en España. Desde tu experiencia singular y respecto a lo que has ido viendo con los años, ¿cuál es tu opinión respecto a esta encrucijada?

Sinceramente, creo que el hecho de conseguir trabajo en el mundo de la electrónica es complicado para todos. Seguro que hasta Óscar Mulero, que es el número uno en España, tiene problemas para conseguir todas las fechas que le interesan. A veces te ofrecen una fecha para pinchar en un sitio y por una razón u otra no puedes, y en el momento más insospechado te llaman para pinchar en ese sitio. Hay tantos djs y los cambios son tan bruscos que en cuestión de un año puede haber cambiado el panorama por completo. Si consigues tener tu propio sonido puedes evitar estar tan expuesto a todos estos cambios.

Mi caso ha sido el contrario, siempre he trabajado fuera y muy poco aquí. Por decir algo, por allá 2014 igual había pinchado cinco veces en Berghain y en todo España solo seis. Ahora, por suerte, eso ha cambiado, pero es un movimiento que no acabo de entender, quizás sea parte de ese retraso que teníamos aquí o de los cambios del sonido en la escena. Hay muchos factores que intervienen y es difícil entender los ciclos y todas las razones que intervienen.

En cuanto a tu lado clubber, ¿cómo ha sido tu relación con la experiencia de club desde el lado del público? ¿Solías salir en tus inicios, sigues saliendo ahora?clubber

Empecé saliendo bastante pronto, supongo que como todo el mundo. Entre los quince y los dieciséis ya pinchaba, y en esos año empezamos a hacer raves por la zona de Madrid. Luego, a medida que trabajaba más —normalmente fuera—, cada vez iba saliendo menos.

En SoundCloud hay una sesión tuya bastante larga que grabaste en ette, de unas dos o tres horas, con varios registros y géneros. Sorprende porque no es lo que sueles pinchar en otros lugares.

Sí, en realidad esa noche pinché cinco o seis horas. Como acostumbro a pinchar en mitad de la sesión o en el cierre, tengo pocas oportunidades de abrir la noche; es una cosa que me gusta hacer de vez en cuando. Puedes experimentar un poco más y hacer algo diferente, y la sensación de ir viendo como la sala se empieza a llenar y vas construyendo la sesión es muy interesante.

Hay pocos djs que sean capaces de manejar una sesión de tantas horas, desde que el club abre vacío hasta que llega a su máximo y hasta que llega al momento del cierre. Pienso que Ángel Molina es uno de los pocos que pueden hacerlo en España. Porque gente que pinche cinco horas claro que la hay, lo que cuesta es encontrar artistas que tengan algo relevante que decir de forma sostenida durante todo el tiempo. Curiosamente, Ángel Molina es de los pocos djs que no produce, está centrado en su trabajo como dj. ¿Conoces otros artistas con un perfil parecido?

Creo que Kr!z, fundador del sello belga Token, es un claro ejemplo de ello. Su caso es singular y se explica porque es él el que lleva el sello y porque anteriormente ha tenido residencias importantes. Recuerdo también el caso de Sandrien, dj holandesa, que prácticamente no produce pero que es especialmente conocida por sus sesiones largas como residente en el club Trouw.

¿Has sido residente en algún club en algún momento de tu carrera?

Lo más parecido que he tenido es mi sesión trimestral en Cassette, pero residencia como tal no he tenido ninguna. Y me habría gustado empezar así, porque aprendes cosas que no se aprenden al formarte haciendo sesiones de solo dos o tres horas. Ver al mismo público todas las semanas, o todos los meses, te hace plantear la música y las sesiones de otra manera. Aprendes mucha psicología de pista siendo residente.

Hay muchos casos de djs que luego han saltado a la escena internacional, y que no serían lo que son sin esas residencias, desde Ben Klock y sus maratones de 10 horas hasta Helena Hauff, entre muchos otros.

Nunca podría pinchar en una maratón de diez horas seguidas. Primero, porque me destrozaría la espalda —la tengo ya bastante tocada— y, segundo, porque el estilo que se lleva en Berlín es de transiciones muy largas. Por lo general, mi estilo suele ser más dinámico en la mezcla. Esa manera de pinchar que tienen en lugares como Berlín es precisamente por tener sesiones de mínimo cuatro horas; la idea de un set de tanto tiempo tiene que tener otro enfoque diferente al de pinchar dos horas en un club que abre tan solo seis.

Respecto a cómo se percibe un artista por parte del público, en demasiadas ocasiones los criterios extramusicales toman relevancia y distorsionan vuestro trabajo. Te planteo, por ejemplo, el caso de Richie Hawtin, que hace años era idolatrado y que, en parte debido a varias salidas de tono poco afortunadas en los últimos tiempos, hay quien cuestiona íntegramente su figura y lo que significa su trabajo a lo largo de las décadas. Puede que no sea eso, que solo critiquen lo que está haciendo ahora, pero sí da la sensación de que cuando un artista mediático pasa una mala racha, el público que le sigue se olvida muy rápido de su importancia y del trabajo hecho y pasa a estar en el punto de mira.

Intento basarme en el terreno musical y, como comentábamos, Richie siempre será una de las mayores influencias de mi carrera. Lo que está haciendo ahora no me gusta, exceptuando su último álbum, que está bastante bien. El circo que le rodea ahora y el rollo Ibiza no ha dejado rastro de lo que fue, pero no se puede negar lo que ha significado para el techno y para tanta gente. Su disco Decks, EFX & 909 me cambió la vida. Y muchas de sus producciones como Plastikman, también. Por eso, sería hipócrita renegar del pasado que nos ha legado.

Regresando a tu sello, Non Series, Tadeo sacó en febrero el álbum Chronicles Of The Future. Desde el mismo teaser, queda clara la influencia o los guiños explícitos al cine de ciencia ficción. En el techno, son varios los artistas que lo reivindican como influencia o fuente de inspiración. ¿Qué has tomado tú del cine a la hora de producir o enfocar tu sonido?Chronicles Of The Futureteaser

En mi caso, las bandas sonoras me han marcado mucho. En el módulo de sonido aprendimos a sonorizar películas, componíamos temas en post-producción y grabábamos los sonidos que fuesen necesarios. Podíamos producir todos los elementos para un cortometraje. Luego, en una clase de audiovisuales, nos daban las nociones básicas sobre cine. Vengo de una familia en la que la fotografía y el cine son importantes y eso lógicamente también ha influenciado mi carrera.

En cuanto a tus producciones actuales y anteriores, ¿cuáles han sido las herramientas, instrumentos, programas y máquinas que has utilizado?

Los primeros trabajos los hacía con Logic y software después fui aprendiendo e invirtiendo en sonido y hardware.

Por cómo lo planteas, seguirás desarrollando esta combinación entre equipo digital y analógico, aunque con vistas a que las máquinas tengan cada vez más presencia.

Para mezclar, sigo utilizando Logic y, para producir, combino software y hardware. Tiene sentido que en un EP mantenga el mismo sonido, por eso hay veces en las que utilizo solo hardware y en algún otro apenas uso máquinas; depende de lo que quiera conseguir. Para mí, cada EP debe tener cierta coherencia y por eso puede variar más respecto a otros.

Hablábamos de lo importante que había sido lanzar tu sello en su momento, y paradójicamente este mes sacas por primera vez un EP como Psyk. A finales de 2015, sacaste con Tresor un EP de cinco temas, ¿cómo llegaste a decidirte para editar en tu sello finalmente?

Los dos temas que saco en el EP para Non Series (Origin y Wire) tenían que ser para un nuevo EP de Tresor, pero decidí editarlos en mi sello; tenía muy claro que encajaban perfectamente dentro de la línea del sello, con un sonido muy de los noventa y pocos elementos. Hay mucha gente que no sabe que es mi sello, porque tampoco lo relaciono de manera evidente. Para mis propios lanzamientos, me he planteado sacar más adelante un sello en el que edite solo mi propia música, lo contrario de la idea de Non Series.

Montréal (16 ediciones) y México (12 ediciones) llegaron primero; Barcelona empieza esta semana la séptima edición de MUTEK con los deberes hechos para que la fórmula original del Festival Internacional de Creatividad Digital siga ejerciendo el mismo efecto atractivo y magnético de los inicios: música electrónica puntera y efectos visuales de escándalo puestos en diálogo por un elenco de artistas con propuestas que solo en MUTEK [ES] se pueden ver juntas y revueltas.

El nombre nos remite a “mutación” y a una comprensión de diversos espacios urbanos como laboratorios artísticos abiertos a todo el mundo pero resistentes a los festivales masificados; se fusionan la vestimenta de clubber y la de científico loco y se abren diversas puertas en varias localizaciones con promesa de llevarnos a tierras ignotas y fascinantes. Si lo tuyo es evolucionar y no vivir rodeado de clones, ponte la bata blanca y las zapatillas más resistentes. Así serán los conciertos y espacios diurnos de #MUTEK7 del miércoles 2 y el jueves 3. Bienvenido, estás en tu casa (aunque suene y luzca como si estuvieses en otra dimensión).

Antes de lanzarte a la metamorfosis electrónica...

Premisa 1: si quieres que la ciudad se convierta en un verdadero laboratorio creativo, asegúrate de tener entre tus filas a las mentes locales más despiertas del momento. En el festival, uno de cada cuatro artistas (de la treintena de nombres y formaciones confirmadas) son de ámbito local, nacional o residen en la ciudad. Su trato no es flagrantemente inferior a los nombres internacionales. La mayoría de las actuaciones están previstas en horarios punteros (y no en las horas muertas del comienzo) y, como debe ser, los artistas visuales tienen una relevancia equiparable a la de los DJs y productores musicales.

Premisa 2: Si te mueves por la ciudad intentando evitar las manadas de guiris, aplícate la actitud a la hora de elegir los lugares para un festival que quiere medir el pulso de la ciudad y no únicamente la cartera de sus turistas y las vistas de sus hoteles acristalados con chillout enlatado en los altavoces.

MUTEK, el único festival que tiene fases

Primera fase: calentamiento

(A/Visions 1) INSTITUT FRANÇAIS / Miércoles 2 de marzo 2016. 20:00 - 23:00 (acceso gratuito con aforo limitado y registro previo).

El Instituto Francés suele albergar actos culturales de todo tipo, desde la mediática visita de Houellebecq a ciclos de cine, y puede que debido a los vínculos francófonos con Montréal, centro de operaciones de MUTEK, ambas organizaciones hayan encontrado una forma fácil y directa de colaborar.

El evento planteado en el Instituto Francés, bajo el nombre de A/Visions 1, lo encabezan el músico Franck Vigroux y Kurt d'Haeseleer en los visuales; juntos han armado una performance llamada Centaure. Lo que nos espera es tan impactante como aterrador: imagen y sonido proyectados hacia un futuro sin humanos en el que la tecnología ha poseído la vida y una nueva era repleta de mutaciones bio-tecnológicas campa a sus anchas. Tragamos saliva y aguardamos el viaje con expectación y, para qué negarlo, una leve ansiedad premonitoria. Esto sí es un arranque sin remilgos.

Completan el show en el Instituto Francés el artista Edu Comelles con el despliegue sonoro y visual de su último álbum. Edu Comelles trabaja tanto a nivel individual como colectivo y siempre en la frontera entre la música y la experimentación. Su currículum de actuaciones y proyectos tanto personales como colectivos es escandalosa y por suerte parece que seguirá creciendo. Su actuación, que se enmarca dentro de su gira española de presentación de su último álbum Agost (publicado por el sello barcelonés Spa.Rk) contará con un apartado visual del artista xGuix.

Segunda fase: test práctico nivel pro

(Studio) CONVENT DE SANT AGUSTÍ / Jueves 3 y viernes 4 de marzo 2016 de 16:00h a 19:00h (inscripción previa gratuita).

MUTEK [ES] aprovechará la versatilidad del Convent para realizar STUDIO: dos workshops inusuales con carácter profesional (DIGI 1 y DIGI 2). El formato STUDIO es una evolución (cómo no) de la propuesta de la pasada edición y que ya es indisociable de muchos festivales (Sónar+D es otro ejemplo que lleva también años desarrollándose).

Los dos puntos fuertes de STUDIO son las máquinas y el cerebro del director de los talleres.

Si como marca quieres encontrar al público más afín posible, lo lógico será que en cuanto a música electrónica quieran estar en MUTEK [ES] los gigantes del sector y las empresas más reconocidas: Native Instruments y Ableton (hardware y software para DJs), Rane y Roland (equipos de audio, instrumentos y componentes) y las tiendas especializadas Microfusa (venta online y con sedes en Madrid y Barcelona, y también escuela de formación) y Cutoff (venta online). Los asistentes tendrán todo el equipo organizado para que los distintos grupos de público vaya cambiando de equipos y probando sus posibilidades.

Suena tentador, pero alguien tiene que poner orden en la sala del laboratorio principal. El canadiense Scott Monteith, conocido como Deadbeat, es capaz de lanzarse del techno áspero e industrial (como en el EP Adventures in Hyper Reality del sello Rhythm Cult) hasta exploraciones transversales que basculan del dub al IDM, pasando por el deep house más puntero (como Walls and Dimensions, álbum que sacó en su sello BLKRTZ). Tenerle delante y rodeado de un manantial tecnológico listo para hacerlo sonar es una propuesta demasiado tentadora como para quedarse fuera. Esta sesión, huidiza y cálida, es una minúscula credencial de que Deabeat sabe tanto del MUTEK como el MUTEK de él.

Tercera fase: fusión analógica y digital

(A/ VISIONS 2) SALA BARTS (A/A VISIONS 2) 20:30h - 23:30h Jueves 3 de marzo

AFLOAT (Nev.Era, Albert Català)

Un debut como el del dúo Afloat, unión de Nev.Era (Sergio Mesa) con el pianista Albert Català, resulta significativo, se mire por donde se mire. A nivel musical, la trayectoria de Nev.Era, que nace en 2010 tras una reconversión de Pablo Mesa hacia la experimentación y el IDM, entra en otro flujo de sonidos todavía más exquisito con la incorporación de un piano clásico. A nivel simbólico, que un festival de música electrónica internacional valore un debut de un proyecto local que no presenta electrónica de baile (algunos promotores se tirarían de un puente antes de aceptar algo tan poco comercial), contribuye a mantener un circuito creativo que necesita constante atención para que no quede estancado ni se diluya por los embistes de la contratación de club.

El álbum de Afloat ya puede escucharse y el debut en MUTEK [ES] será muy posiblemente su mise-en-scene extendida y trabajada con sumo detalle. Nev.Era -de quien ya te recomendamos su actuación en el Sónar 2014- decía en una entrevista para ScannerFM que lo suyo es “baile moderado y escucha hipnótica”. Con Afloat escucharemos sin moderación y nos dejaremos llevar por hipnóticos movimientos al son de sus máquinas y del piano.

TRIALOGUE (Bugge Wesseltoft, Henrik Schwarz & Dan Berglund)

Ryuichi Sakamoto y Alva Noto o Jeff Mills y la Orquesta Sinfónica de Montpellier son conjunciones artísticas que pueden venirte fácilmente a la cabeza cuando entras en contacto con el proyecto capitaneado por el alemán Henrik Schwarz (capaz de trabajar con un ballet, remezclar a Underworld y con 100 referencias firmadas por él son algunas de sus gestas) compuesto por el pianista Bugge Wesseltoft y el músico Dan Berglund (contrabajo). El trío se aísla del mundo y regresa cuando ha logrado encontrar el punto de partida que luego la improvisación culminará en los directos. Lo suyo, como ellos mismos afirman en este evocador y breve documental, no es tanto una memorización sino una buena conversación entre amigos. No hay mejor arte para conversar que la escucha atenta. Y eso es válido tanto si estás entre el público como encima del escenario.

Llegado hasta aquí, estás listo para saltar a las siguientes fases. El viernes tendremos lista la nueva tabla electrónica de los elementos MUTEK. ¿Seguirás con la bata de científico y las zapatillas de clubber hasta el final?

Ellen Allien tenía 20 años cuando cayó el Muro de Berlín y la música electrónica parecía el nuevo himno underground de la ciudad. Impulsora de la escena desde entonces, reconocida artista internacional después, su hiperactividad sigue dando EPs como High (BPitch Control, 2015) y su talento, honestidad y carisma la mantienen como referente que ha sabido capear el boom comercial de la electrónica y ponerlo a su favor (y no al revés).

Una de las cosas que más te caracteriza cuando pinchas en directo es que estás en movimiento constante: bailas e interactúas con el público a lo largo de toda la sesión. Esta actitud contrasta mucho con la de los DJs que no muestran atención a la pista y se comportan con la frialdad de un cirujano en medio de una operación. ¿Cómo explicarías estas dos maneras de actuar que vemos en los DJs?

Deberíamos preguntarnos por qué hay DJs que tienen un acercamiento a la música solo desde el lado intelectual. Creo que los nerds que se dedican a la electrónica de baile sí han crecido en un entorno de clubes o en un entorno cercano a ellos, ni que fuese porque sus amigos iban y ellos no querían quedarse fuera. Si no hubiese sido así, se estarían dedicando a otro tipo de arte. Pero, en algún momento de su vida, se plantearon: “Si produzco música, tendré el poder para hacer bailar a la gente, y también ganar dinero con ello”. Esto choca con su actitud más asocial y sus pocas ganas de establecer nuevas vías de comunicación con los otros. Por otro lado, los nerds tienen sus propios ídolos y suelen querer ser mejores que ellos, ese es uno de sus objetivos. Su mundo se resume en querer impresionar a los otros mientras se asombran a sí mismos.

Lo planteas desde una posición muy competitiva y materialista.

A lo largo de mi carrera he conocido a muchos nerds de este tipo y hacen música muy buena, pero tienen este enfoque ególatra y basado en ciertos nombres y referencias. Solo se sienten satisfechos cuando deslumbran a la gente con su música y la gente les adora por ello. Principalmente, según he visto con el tiempo, es algo que ocurre más entre los hombres, es parecido al fútbol. Los hay con distintas actitudes: a algunos les va la fiesta, otros lo viven como una batalla en contra de los mecanismos del sistema capitalista y también los hay, por supuesto, que solo buscan hacer a la gente feliz. En resumen, tienes estas tres cosas: el capitalismo y sus valores, el amor y el ego.

Quizás no se trate solo de la música: ¿será que la tecnología que tanto ha facilitado la producción y los directos también está hecha por nerds? Ahora, sin exagerar, cualquiera puede ponerse a pinchar o a producir algo que suene bien.nerds

La situación supone una enorme diferencia respecto a los inicios en Chicago y las primeras canciones que se hicieron conocidas. Su producción fue rápida y con una simpleza total: dos manos en los teclados, melodías, una voz y un beat o breakbeat. La electrónica nació de la vida callejera, en los guetos. Me gusta la vida callejera y lo que emerge de ella. Para mí, es lo más importante de la música, porque los niños ricos pueden tenerlo todo de otra manera.

De hecho, cuando apenas tenías veinte años, viviste durante un tiempo en una comuna, en una casa ocupada en Berlín.

Coincidió con la caída del Muro de Berlín. Viví en la última casa que cerró la policía, antes ya habían conseguido cerrarlo todo. Entre los 70 y los 80, también en los 90, cerraron muchísimas casas ocupadas. Berlín fue muy política antes de la caída del Muro; la gente luchaba con fuerza por sus derechos. Por ejemplo, teníamos un montón de manifestaciones, como la del 1 de Mayo. En este contexto, el techno llegó a Berlín en uno de sus momentos más politizados. Al gobierno le convenía tolerar el consumo de éxtasis, así los jóvenes se mantenían en una posición más calmada respecto a los acontecimientos políticos en la ciudad. Era una forma de silenciarlos.

En una entrevista a Thomas Fehlmann, de The Orb, hablamos sobre cómo vivió él ese momento tan agitado en la ciudad. Obviamente, fueron tiempos muy determinantes para todo el mundo y el arte también tuvo su forma de plasmarlo.entrevista a Thomas Fehlmann

Thomas es mayor que yo; en ese momento él ya era un productor de electrónica y se movía sobretodo en conciertos, en bares y espacios similares, mientras que yo soy más bien de la segunda generación de DJs de Berlín. Él pertenecía más bien a la Neue Deutsche Welle (Nueva Ola Alemana) y yo vengo de la época de los clubes. Thomas ya empezaba a ser conocido, ya tenía el proyecto de The Orb y en Inglaterra también se escuchaba, aunque todavía no actuaba fuera de Berlín. Se necesitó mucho tiempo para que los DJs de Berlín saliesen a pinchar fuera. Esto no empezaría a ocurrir hasta 2001, cuando la escena de clubes en la ciudad estaba creciendo muchísimo y a su alrededor abrían todo tipo de plataformas, sellos, salas y medios de comunicación.

Con el aumento exponencial del público que escucha electrónica y que suele ir a clubes, ¿crees que con la masificación ha cambiado también el comportamiento de la gente en las salas? Pensamos especialmente en el boom de las salas VIP, los backstage llenos de gente con pulsera o la omnipresencia constante de móviles, cámaras y flashes.boombackstage

En los 90, todo el mundo iba con cámaras y no parábamos de sacar fotos, ¡lo hacíamos siempre!. La gente sacaba fotos en los afters y en los clubes, solo quería conservar el momento. Nosotros crecimos con las fotos, desde pequeña hacíamos pases de diapositivas con mi familia, ya fuese por un cumpleaños o en navidades. Me parece que la gente solo lo hace para conservar un pedazo de ese instante y luego poder viajar en el tiempo; es lo mismo que cuando me piden un autógrafo.

Hace poco, en Japón, hicimos una fiesta con Modeselektor y otros artistas. En una sala pequeña pinchaba un DJ japonés que se acercó al final del evento con un disco de Modeselektor que le habían firmado 10 años atrás. En la firma habían escrito “eres nuestra inspiración y esta es la razón por la que hacemos música”. El chico me dijo: “¡Mira! continúo aquí, sigo haciendo música”. Quizás, cuando no puedes sacar fotos, sientes la fiesta diferente y te puedes dejar llevar más. En lo que a mi respecta, creo que el hecho de que no se puedan tomar fotos solo está justificado en el caso de los clubes gay en los que se puede practicar sexo, de este modo se preserva su intimidad.

Antes te guardabas el flyer o el cartel, ahora tienes todo este material fotográfico. ¿Qué vas a guardar de otro modo, el dinero que te has gastado en copas? Como decía, entiendo que en un club gay como Berghain se prohíban las fotos para que los asistentes tengan toda la privacidad que quieran y puedan disfrutar de los cuartos oscuros, la música o tener experiencias emocionales a través de los sonidos tan característicos del lugar.

La popularidad de Berghain en España se ha disparado en los últimos dos o tres años. Ahora es frecuente hablar del club con gente que acabas de conocer y que te pongas a comentar si lograste entrar o no, como quien habla de sus estudios y de si ha pasado de curso o tiene que repetir.

En 2013 había un club mucho más interesante que Berghain, el Bar 25. Para mí, era mucho más entretenido. Todos dejamos de ir a Berghain/Panorama Bar para ir a ahí. El control en la entrada de Berghain es hostil y frío, aunque está claro que la música, el sonido y la arquitectura son increíbles. Además, los personajes jodidos que te encuentras son muy divertidos. Como decía, el Bar 25 lo considero mucho más importante. Era open air y el volumen no estaba muy alto, podías hablar y sentarte tranquilamente. El club lo construyó la comunidad que vivía ahí, paso a paso. Empezaron con un quiosco de madera y un restaurante. Luego abrieron un primer piso con piscina y una sauna, solo para gente cercana. Vendían pizza y abrían tres días seguidos; en todo momento te sentías muy relajado, te sentías tranquila y el ambiente no era tan melancólico ni oscuro como en los otros clubes.

Clubes como Berghain, que quizás sea el caso paradigmático, también son atractivos porque en ellos puedes vivir experiencias que te permiten explorar un lado oscuro en el que tensionas tus límites, aún corriendo ciertos riesgos. Hay muchos clubbers que acuden allí cada semana y que forman como una familia en esta exploración.clubbers

Creo que es el edificio en sí. Es muy alto y tiene esas escaleras grandes en la entrada. La arquitectura del lugar nos impresiona mucho porque se parece a los edificios donde antiguamente se alojaban las instituciones del poder. Si miras a los clubes históricos, como Studio 54, es algo parecido, el público adoraba el lugar y cada semana se reunía de manera regular. Como grupo, tienes esta sensación de pertenencia y puedes llegar a creer que durante ese tiempo estás “fuera” de la sociedad. En realidad, no es así, sigues dentro. El clubbing también es un acto de consumo.

El repetir la experiencia regularmente tiene algo de ritual.

Sí. Pero, por ejemplo, el Bar 25 propone una experiencia de club totalmente diferente. Tenías árboles, espacios exteriores, podías tomar un té y tenías música más variada. En un club como Watergate tampoco puedes pasar tanto tiempo: pasas unas horas bailando, te tomas unas copas y luego te vas a casa; cuando sales del club no notas el cansancio que puedes sentir en Berghain, donde te quedas hasta que casi no te puedes mover, intentas aguantar al máximo. Todo lo que ocurre te mantiene despierto: la música, la gente o las cosas que ocurren en los cuartos oscuros. Hasta puedes tomar helado, ¡y el baño es un zoo!. El club funciona como Facebook: ¡todo son estímulos nuevos que no paran de cambiar y llamarte la atención!

El club About Blank funciona de otro modo, casi todo ocurre en el exterior. Pinché ahí en la fiesta gay Homopatik y tuve la mejor actuación de los últimos diez años. Especialmente por el público, era increíble. Nada de ropa negra ni actitud oscura, estoy muy cansada de esta estética. Muchas veces la uso para viajar, porque llevo poca ropa en la maleta y es más fácil de combinar, pero no la elijo constantemente para salir. En la fiesta de About Blank había una mezcla de colores y una combinación de gente muy variada y con modos de bailar distintos. ¿Por qué hay que tener una actitud siempre seria en el club? Esta fiesta fue original, muy positiva, y no paré de reír. Me gustan mucho más las fiestas abiertas y libres. Sin embargo, imagino que, en cuanto a los propietarios de los clubes, no debe ser fácil manejarlo. A fin de cuentas, es un negocio y, si se genera un público regular en tu local con una estética y actitudes determinadas, tampoco puedes prescindir de ello porque lo necesitas para seguir adelante.

Por otro lado, la gestión de la seguridad de los clubes también marca mucho cómo se comporta el público. El cómo sea el equipo de seguridad puede contribuir a crear un buen ambiente o a erradicarlo. En Barcelona suele ser bastante duro y te limitan en todo lo que pueden, a veces de manera gratuita y muchas veces de manera excesiva.

En Berlín no creas que es diferente. Hasta hay porteros que han pegado a DJs en grandes clubes dándoles puñetazos en la cara. La seguridad suele venir de una empresa especializada y ellos proceden de otro mundo, no son como nosotros. O haces lo que te dicen o te vas, les da igual. Por eso, aunque es normal que lo hagamos, no debe juzgarse a un club por la seguridad que tiene. Sin embargo, me alegra que en Berlín haya tanta gente diferente haciendo cosas interesantes y que gracias a ello uno pueda tener una experiencia clubber muy completa. Ahora mismo, mis dos clubes favoritos en Berlín son Ipse y About Blank. También tienes, por ejemplo, Sisyphos. Por otro lado, están también los clubes más comerciales, como Watergate o Berghain. Pero lo bueno está en las cosas pequeñas, en clubes y fiestas donde la gente se conoce mejor y no hay una escena poderosa de por medio.

Al haber nacido en Berlín y haber vivido toda su transformación cultural reciente, en especial la creación de la escena electrónica después de la caída del Muro, ¿has sentido en algún momento que entrabas en un espiral más destructivo?

Precisamente, al haber nacido aquí, no me impresiona tanto la escena de clubes, la he tenido desde siempre. Desde sus inicios he ido a clubes y actuado en ellos, como en el E-Werk o Tresor. E-Werk fue como el Berghain de esa época, el primero, la iglesia del techno. No he tenido que hacer nada especial para sobrevivir: soy DJ y una amante de la música y no voy a los clubes para destruirme sino que pongo música para hacer feliz a la gente. Empecé a pinchar en Tresor los domingos hasta las ocho de la mañana, y luego iba a otro after, y a otro. Mi pasión es la música y no las drogas. Voy a clubes desde los catorce años, crecí en un ambiente techno.

Si ahora ves las fotos de E-Werk, todavía impresiona el equipo de sonido que tenía y lo grande que era. Cuando cayó el Muro, Este y Oeste se unieron, se formó la escena gay y toda la ciudad cambió radicalmente. En ese momento existía una fuerte vida callejera y los cambios eran mucho más impactantes que ahora. El proceso transcurrido hasta llegar a los “clubes de diseño” actuales ha sido largo; antes se elegía el lugar porque se encontraba libre y era fácil ocuparlo. Me sigue gustando la cultura de club en Berlín, pero la música es lo que realmente cuenta y me puede gustar el diseño de un club, ¡pero no son mi religión!. Lo bueno de la música es compartirla, más allá del nombre del club, la religión o tus ideas políticas. Lo que cuenta es cómo se relaciona la gente con la música y cómo los DJs la hacemos llegar al público.

Durante el verano vivo en Ibiza y tengo una residencia en el club DC-10. Tienen la política de que cada DJ pinche solo una hora y media, sin excepciones. Es una muy buena idea, porque así pueden pinchar muchos DJs pero ninguno tiene un mejor horario que otro ni se generan diferencias entre los famosos y los que no lo son tanto. Me costó acostumbrarme porque es poco tiempo para mí, pero me habitué rápido y ahora voy mucho más directa en los sets. Me gusta, además, que dejen subir a mis amigos en la cabina. ¡Me dan energía y apoyo! En algunos clubes quieren que el DJ esté solo pinchando, como si fuese el rey, una estatua intocable. Aunque es lógico que no pueda ser así en todos los sitios, el DJ no debería ser la gran figura, hay clubes que funcionan como una gran familia y en los que las fiestas son una verdadera celebración entre todos, ¡no es solo una celebración entre el DJ y el club!

Hablabas de lo pronto que te iniciaste en la cultura de club, ¿cómo viviste el hecho de mantenerte dentro de esa cultura pero desde el papel de DJ?

Recuerdo que escribí la canción Stadtkind (BPitch Control, 2001) cuando regresaba a las 8 de la mañana de un lunes a casa y me cruzaba con la gente que iba al trabajo. Durante muchos años me sentí culpable por vivir fuera del ritmo “normal” de la sociedad. Me sentí así hasta que entendí que mi trabajo dentro de la vida nocturna era igual de respetable que cualquier otro y que merecía el mismo trato. Fue cuando escribí la canción, de ahí su letra: Berlín, tú me das la fuerza, soy parte de ti. En ese momento acepté mi forma de vida y que mi trabajo también era importante para la ciudad, no solo tenían que serlo el del cartero o el del político.

Desde ese momento hasta ahora, Berlín ha cambiado mucho y su escena, lógicamente, también.

En aquellos años, la noche de Berlín la vivían solo los berliners: los nerds, los ravers y la policía. Y siempre salía la misma gente. ¡Era muy aburrido! Ahora es mejor, hay gente de todas partes del mundo. La escena se volvió comercial con la llegada de la Love Parade y el techno empezó a aparecer en los medios, parecía un producto pop más dentro de la oferta y nuestros ideales como comunidad se quebraron. Muchos clubes tuvieron que cerrar, como Tresor o E-Werk. Fue en esos años en los que empecé BPitch Control, concretamente en 1999. Los dos años antes estuve montando fiestas en zonas industriales porque quería contribuir a mantener la escena. Con el aumento del turismo en la década de los dosmil, los clubes reabrieron y la escena se convirtió más en lo que conocemos ahora. Los años antes de que la escena remontase no fueron fáciles, mucha gente se desvinculó porque todo resultaba más complicado.

Sin embargo, tú y otros artistas seguisteis con vuestros proyectos y a día de hoy continuas dedicandote a la música.

Creo que para mucha gente el intentar dedicarse a la música pasa por sumarse a una moda y probar a ver si funciona. Si no tienen el éxito que esperan, se pasan a otra cosa y se preguntan, ¿qué es lo siguiente que puedo hacer? En mi caso, he hecho las cosas siempre con naturalidad y porque amo la música, lo hago por necesidad. Si dejase de pinchar en clubes, seguiría pinchando en casa. Hace algunos años pensé que podría llevar la pasión de la música a otros campos, pero vi que he estado tanto tiempo vinculada a la música que no sería lo mismo. Cuando pincho un tema antiguo, la canción me va trayendo recuerdos de distintos años en los que lo he ido escuchando, los recuerdos se van acumulando como si fuesen capas. Puedo avanzar y retroceder en el tiempo con ellos, ¡es increíble!

Hace algún tiempo, algunos DJs me decían: “Tienes que ser hostil con el público y los promotores, así te querrán más”. He escuchado lo mismo con los clubes: “Si no dejáis entrar a la gente, entonces todos querrán ir más a vuestro club”. Quizás a alguien le funcione, pero esta lógica no va conmigo. No quiero tratar mal a nadie. Creo que, si doy algo bueno, la respuesta será igual de buena. Y la gente que lo aprecie es con la que me gustará estar rodeada. Por contra, el poder y el orgullo son lo que trae grandes los problemas y es lo que genera enfrentamientos entre unos y otros. Establecer límites entre personas o entre cosas es lo que acaba llevando las cosas a situaciones de estrés y perjudica el bienestar de las personas. Suelo decir que, si alcanzas esos límites y logras superarlos, ¡entonces has aprendido algo!

Barcelona aún recuerda aquel momento, en el año 2003, en que la sala Razzmatazz cumplía tres años y unía las cinco salas en una sola entrada: indie, música electrónica, pop, electro. Todo parecía tener cabida, los géneros se diversificaban y la oferta parecía inagotable. Sin embargo, también la estructura del proyecto se hacía más compleja y las exigencias como empresa aumentaban considerablemente. Hoy el Razz cumple 15 años y hablamos con su fundador, Daniel Faidella, sobre las tribus nocturnas que conviven en sus diferentes niveles, el IVA cultural y la evolución de la escena DJ en la ciudad. 

¿Cómo ves con la distancia ese tercer aniversario? ¿Qué puedes contarnos de su evolución?

En aquel momento no existía en la ciudad un lugar que ofreciese una propuesta tan amplia en cuanto a espacios y estilos de música. Pensamos que lograríamos algo especial si con una sola entrada podías llegar a tener cinco clubes diferentes.

Con este crecimiento se daba la posibilidad de mezclar todo tipo de públicos. Quizás en los inicios el público circulaba más entre las salas, pero luego los ambientes se fueron estancando en sus identidades. Los poppies, como se llamaba a los de la sala 1 a falta de que el término hipster hubiese llegado a nuestros oídos, apenas subían al The Loft, la sala techno. Y viceversa.poppies

Lógicamente, se crean las propias “tribus” de cada sala. Creo que eso es bueno. Hay gente que no dice “voy al Razz”, sino directamente “voy al The Loft”, aunque podría ir a cualquiera de las cinco salas. Lo que suele guiar este comportamiento es la programación. Si la programación de la sala Razz no tiene nada que ver con, por ejemplo, una sesión de techno de The Loft, no habrá circulación.

También hemos ido viendo cómo el público extranjero es más propenso a moverse. Algunos es la primera vez que vienen y quieren verlo todo. La gente que viene más por el ambiente suele dar más vueltas que la gente que acude por una programación concreta. También puede ocurrir que descubras a un artista que no ibas a ver gracias a esta posibilidad.

Sin embargo, no todas las salas han funcionado siempre igual de bien ni han mantenido el mismo nombre.

Programar cinco “clubes” cada fin de semana es una cantidad de trabajo brutal. Hay mil estilos de música, especialmente en la electrónica, pero entre las salas The Loft y Lolita ya cubres una gran parte de ellos. Es verdad que todas las salas han tenido una progresión en cuanto a la programación, porque la música afortunadamente va evolucionando. La gente también va pidiendo nuevas cosas. La sala Rex, la pequeña que da al frente del edificio, siempre ha sido como el laboratorio. Hemos probado varias cosas a lo largo del tiempo, ahora estamos con el sello TRILL y está funcionando bien.

¿Cómo está siendo el trabajo con sellos locales?

Desde hace más de un año estamos apostando más por colectivos nacionales. Creo que Razz debe ser un lugar donde se dé esta oportunidad: tanto para colectivos de electrónica como para bandas noveles. Además, se implican mucho y vienen con ganas.

Por otro lado, el tema de los DJs y artistas residentes también es fundamental. Razz tiene mucho que decir al respecto, tanto por residentes históricos que han tenido las salas como por la capacidad que tiene para proyectarlos. John Talabot estaba en el The Loft bajo el alias de D.A.R.Y.L. Amable y Gato son dos clásicos que siguen en el club, Vicknoise fue muy clave, también, y Undo continúa teniendo un papel importante en el The Loft. Latzaro y Baldo, aunque llevan menos años, también se han consolidado.

Los residentes los entiendo como un pilar del club. La gente debería ir a ver al residente y el artista invitado debería ser eso, el invitado. Al final, el residente es el que tiene el beat de la sala y del público. Sabe lo que funciona y lo que no. Aquí hay residentes que están desde los inicios, aunque obviamente ha habido cambios. Quizás algunos de los inicios ya no se dedican a la música.

Además, los residentes también proponen artistas para la programación o hacen recomendaciones.

Sí, de hecho, ellos hacen propuestas de programación y las vamos incorporando a los artistas que nosotros ya hemos planeado. Una vez tenemos esto fijado vemos cómo cuadramos las actuaciones de los residentes con las de los artistas. Algunas veces, ellos mismos prefieren estar con un determinado artista por cuestión de afinidad musical. Hay residentes que llevan muchos años y han girado mucho, como Undo, que conoce muy bien la escena internacional y tiene amistad con muchos artistas. Eso crea binomios muy interesantes.

También he visto en muchas ocasiones al público con ganas de que terminase el artista invitado y volviese el residente. U otras ocasiones en las que el residente crea un buen ambiente y luego el artista invitado se lo carga. Con esto quiero decir que apuesto y apostaré siempre por los residentes, son el alma máter de un club.

De todos modos, valorar al residente también es algo que tiene mucho que ver con la educación de club que tiene el público. En la cultura de club de aquí no se valora tanto al residente como quizás debería ser. De hecho, es paradójico que recibamos aquí como a grandes estrellas a artistas que empezaron en otros lugares siendo residentes. Pienso en Ben Klock o Marcel Dettman, por decir dos entre tantos.

Sí, es cierto que se ha perdido un poco. Si no viene una estrella importante la gente se mueve menos, ya no se mira a los residentes como antes. Habría que volver a educar a la gente para que entienda que el artista internacional está muy bien pero que el residente es quien te hará vivir más el club porque conoce el lugar de verdad.

Volviendo a los orígenes de Razzmatazz, ¿cómo surgió el proyecto y cómo entraste en él?

Estaba vinculado a las fiestas A-SACO desde 1994 y fui promotor cuando la sala se llamaba Zeleste. A partir de ahí desarrollamos varias tareas en ella, además de los clubes programamos conciertos. En determinado momento surgió la oportunidad de adquirir el negocio. Le cambiamos el nombre y le pusimos Razzmatazz por la canción de Pulp y porque es un nombre algo diferente a los típicos de clubes. El próximo 24 de noviembre hará 15 años de su nacimiento.

La estética industrial del club se ha mantenido desde entonces y sigue coincidiendo con el leitmotiv de los grandes clubes europeos. No hay ese interés por el lujo, las moquetas y la ostentación que sí predomina en otras salas. ¿Cuál fue la idea detrás de la imagen del club?leitmotiv

En primer lugar nos basamos en lo que teníamos, y en aquel momento era un local industrial. A mí, a veces, me pueden gustar las moquetas o ciertos detalles, pero en el Razz no tenía sentido. Desde el principio nuestra prioridad fue invertir en programación y sonido y no en algo que ni queremos ni tampoco sabemos hacer. Lo que quiero es que la gente se sienta cómoda a pesar de esta estética industrial, en las salas y en las dos terrazas que tenemos. Como te decía, es lo que teníamos y nuestra intención fue que la gente viniese por la música y que tuviese un buen local, y no que la gente viniese por el local y la música quedase en un segundo plano.

Con el tiempo, Razzmatazz también se ha ido convirtiendo en uno de los clubes que reciben más extranjeros y turismo de la ciudad. ¿Cómo habéis ido incorporando este flujo de clubbers?

Puedo explicarlo de una manera aplastante: al inicio, en el mes de agosto cerrábamos. Ahora, es nuestro mejor mes. En los primeros años cerramos porque no nos hubiese venido nadie: la gente de Barcelona se iba fuera de la ciudad y teníamos muy pocos turistas. En estos 15 años, Razzmatazz se ha posicionado como destino dentro de la ciudad, ya no solo como club, también como sala de conciertos. En estos últimos años complicados para todos este factor nos ha ayudado muchísimo. Hemos tenido puntas de público extranjero del 85%. Dentro del público, hay de todo, pero llega público inglés y alemán que tiene cultura de club y que no viene a liarla.

Pero también ha llegado un turismo menos conocedor y más desfasado.

Si se te presentan 20 que vienen por una despedida de soltero, mal. Pero, en general, la gente se comporta bien y el público de fuera le da un toque positivo.

¿Cómo has visto la integración del público extranjero con el de la ciudad? Como decías, Razz fue un club que la gente de la ciudad sentía muy suyo, y casi todo el público era local. Pero también es cierto que en los primeros años la economía permitía salir mucho más y era una época mucho más boyante, también para la gente joven.

La realidad es la que es. La gente sale mucho menos. Es cierto que ahora notamos una estabilización y hemos dejado de caer e incluso tenemos un crecimiento muy leve. Antes se salía casi todos los días, ahora ya no. El Razz, además de ser un club grande, tiene cinco programaciones, cinco servicios de barra, cinco residentes, cinco técnicos de sonido, cinco “de todo”. Necesitamos tener público para mantener todo esto. Lo hemos pasado mal, como la gente. Ahora estamos un poco más tranquilos y, precisamente, el público extranjero comenzó a venir en el momento en el que más lo necesitábamos. Si hubiese visto que el público extranjero que llegaba era de “pandereta”, lo hubiese cortado más. Sin embargo, como la mayoría de público nacional, los extranjeros vienen por la programación. Esto es algo que dentro cohesiona, y no al revés.

Por otro lado, en el sector os encontrasteis con la tremenda subida del IVA, que no vino a facilitar la situación. ¿Cómo lo habéis gestionado?

Fatal, claro. De golpe nos cayeron 13 puntos más. Además del dinero, es una injusticia que se grave la cultura, es algo que no se puede entender. Nos repercutió muchísimo y nos sigue ahogando. Con cinco programaciones y manteniendo un nivel medio-alto de programación, te puedes comprar una entrada por 13 euros. Y aquí tienes que quitarle el IVA y la copa. ¿Qué es lo que no hemos hecho en ningún caso? Bajar el nivel de programación. Y diré más, lo hemos aumentado.

En este punto, ha sido significativa la unión que se ha producido en toda la industria para protestar conjuntamente.

Absolutamente. Se han llevado a cabo diversas acciones con resultados aplastantes. De todos modos, parece que a los que les tendría que llegar no quieren escucharlo. Recientemente, se dijo que no había ninguna intención de revertir la situación. Veremos qué ocurre el día 20 [de diciembre], a ver si algo cambia porque esto no tiene ningún sentido: en un local en el que no hay música en vivo pagas un IVA reducido y en un local en el que hay música en directo pagas el mayor gravamen.

Y no solo en cuanto a la música, el teatro y el cine se encontraron con el mismo problema.

Claro. Hace poco leía que los días en los que hay precios reducidos en los cines, como en las fiestas del cine, se montan unas colas espectaculares. No es que la gente no quiera ir al cine, es que no puede o no quiere ir por su precio. Si tienes pareja e hijos y las entradas están a 9 euros, el gasto total puede ser inasumible. En nuestro caso también nos ha perjudicado en los conciertos y en las giras. Hay que seguir luchando porque por aquí no vamos bien.

En cuanto a los cachés de los DJs, ¿se han adaptado los precios en España con la llegada de la crisis o el impacto del IVA?

No. El artista no se adapta. Viene de tocar de otros lugares y de países en los que el IVA es del 3% o el 4%. Son lugares en los que quizás la gente gasta más en cultura que nosotros. Quizás puede entender que en España estemos peor, pero si tiene que dar media vuelta e irse, se va. No son especialmente conscientes de cómo estamos.

Respecto a eventos fuera del Razzmatazz, ¿cuál es vuestra situación actual y cómo estáis trabajando?

Lo hacemos todo con nuestra promotora Miles Away. Hacemos todo lo que no ocurre en el Razz. Ahora tendremos a Editors y a Belle & Sebastian en San Sebastián. Teniendo un espacio como Razz, intentamos no hacer eventos dentro de la misma ciudad en otros lugares, no tiene mucho sentido.

El domingo con Daphni B2B Floating Points B2B Four Tet volvisteis a salir de los horarios habituales de clubbing asociados a viernes y sábado noche. Hace algún tiempo hicisteis algo parecido con Modeselektor, también un domingo por la tarde. A veces da la sensación de que todo ocurre el fin de semana y por la noche, ¿qué piensas en este sentido?Daphni B2B Floating Points B2B Four Tetclubbing

Nada te va a funcionar seguro, por mucho que sea de tarde o de noche, entre semana o en fin de semana. A veces haces cosas increíbles y no funcionan como esperabas, y luego después del evento caes en la cuenta de que coincidía con algún festivo que no tenías previsto, por ejemplo. En cierto modo, que los resultados sean tan imprevisibles nos obliga a reinventarnos continuamente. Así han salido las noches Dirty del miércoles, por ejemplo. Si yo pudiese abrir los sietes días de la semana, lo haría. Luego tienes a gente que es de nuestro target y a la que le gusta lo que hacemos, pero que por cuestiones personales no puede salir como salía antes: con niños no todo el mundo puede salir los viernes o sábados por la noche.

En cambio, quizás sí pueden venir a lo de Modeselektor a las seis de la tarde y volver a casa a las dos de la madrugada. Esta franja horaria, que la empezamos con Modeselektor y la continuamos con Luciano, la continuaremos con Tale of Us el día 1 de noviembre. Estos conciertos te permiten tener un público que no tendrías si lo hicieses en otra franja u otro día. Llegas a más gente y no te pisas con lo que has hecho la noche anterior.

A nivel musical, ¿qué reinvenciones habéis hecho? ¿Te gusta todo lo que se programa?

Intento no programar lo que me gusta a mí, sino lo que pide el público. Un par de veces al año mandamos una encuesta a toda nuestra gente para que nos digan cómo han visto la programación y los eventos. A mí me gusta casi todo, aunque quizás ahora no estamos en el mejor momento de las guitarras y se tira más hacia la electrónica, como el EDM.

Antes en The Loft la programación mantenía una línea de electrónica con unos criterios muy reconocibles, y en los últimos años la programación se abrió mucho. Quizás hubo gente a la que no le gustó tanto este cambio.

Sí, pero había gente que pedía a otros artistas, y luego funcionaban muy bien. Si la gente lo pide y el artista viene y funciona es un cambio que tenemos que hacer, siempre manteniendo un nivel.

Por otro lado, algo que también ha ido cambiando es la organización del club y sus medidas de seguridad. Antes las colas en el exterior eran mucho más libres, no había tanta seguridad fuera ni tanta sensación de control dentro. Los horarios también parecían más libres y se cerraba más tarde. Esto no solo ha sido en el Razz, ha cambiado en todos los clubes de la ciudad. En este sentido, supongo que el Ayuntamiento y su legislación también han tenido mucho que ver.

Todo se ha estandarizado mucho más. Lógicamente, intentamos seguir toda la normativa. Es cierto que hemos tenido algún episodio con algún vecino que se ha quejado y hemos procurado solucionarlo y es lo que hacemos siempre. Va como va. Te vas a otras ciudades y alucinas: la gente fuma y se cierra a la hora que les apetece. Aquí tienes que estar cuidando el más mínimo detalle.

Sin embargo, a nivel social, la cultura de la noche y la cultura de club han trascendido lo concreto y se consideran un activo dentro de la cultura. Festivales como el Sónar o el Primavera Sound son portada de periódicos generalistas, por ejemplo, y no quedan relegados a alguna página dentro de la sección de cultura. En Barcelona son ya varias las generaciones que han crecido en el entorno del clubbing y eso se nota a todos los niveles.

Dentro de todos los reclamos turísticos que tiene Barcelona, el tejido cultural de la música a nivel de festivales y clubes es muy importante. No solo está normalizado, es fundamental para la ciudad.

Como comentábamos antes, programar y organizar cinco salas supone un trabajo complejo, más exigente que el de organizar un solo club. ¿Cuáles son vuestros departamentos y cómo funcionan?

Básicamente, tenemos el departamento de booking, que hace la contratación de los artistas. Vamos con tiempo: por ejemplo, desde ahora hasta febrero ya lo tenemos todo medio cerrado o en proceso de negociación. Luego tenemos el departamento de producción, que se encarga de todas las necesidades del artista, como los visuales o las luces. Luego tenemos comunicación y prensa y el departamento de contabilidad. Se hace una propuesta de artistas y, cuando los tenemos cerrados, 30 días antes, nos sentamos y entre todos los departamentos hablamos de lo que está haciendo cada uno y se trabaja para que todo esté cerrado cuando llegue el momento.

Por otro lado, también tenemos un departamento que se ocupa de los eventos externos que se hacen en el mismo Razz. Luego está el departamento que se ocupa de las fiestas especiales, desde la presentación de un coche a la fiesta anual de Google. El Razz es una empresa muy grande y tenemos que maximizar la actividad. Los conciertos externos que se hacen en nuestra sala son un eco que hacen que el nombre de la marca siga rodando.

De cara a los eventos especiales, ¿la adaptación de las salas es muy compleja?

¡A veces hemos tenido que quitar puertas para que entrase un coche! Te podría enseñar fotos de la sala decorada para un evento de Armani que no creerías: mesas redondas, velas, cubertería y hasta las barras decoradas como si fuesen de madera. Recuerdo que Google hizo una fiesta de Android y nos cambió toda la fachada. Pasabas por delante de Razz y no podías reconocer el club.

En los inicios, ahora hace ya 15 años, teníais una estructura más sencilla.

Sí, y mucho antes todavía más. Todos hacíamos de todo. Te ibas a Londres y contratabas al artista y colgabas tú los carteles en la calle Tallers.

Con su último álbum de inspiración lunar, Moonbuilding 2703 AD, The Guardian celebraba su retorno en solitario apodándoles 'héroes del ambient'. Pioneros de la electrónica atmosférica, futurista y psicodélica, a millones de años luz de la moda chillout, Alex Paterson y Thomas Fehlmann llevan más de 25 años desarrollando su música sin haber detenido su carácter explorador.

Desde eldiario.es nos hemos puesto en contacto con Thomas, y hemos charlado acerca de sus inmersiones en su estudio de Berlín, del cómo se mantiene la creatividad tras tantos años de experimentación y, en definitiva, de cómo la música puede ser un modo de vivir que nos lleve de la Tierra a otros universos sin dejar de ser nosotros mismos

Apenas hace un mes del lanzamiento de Moonbuilding 2703 AD y hacía varios años que no sacabais un álbum en solitario. El último, editado en el sello Kompakt, fue en 2005. Al mismo tiempo, el directo que estáis haciendo en vuestra nueva gira para presentar el disco es capaz de aunar tanto vuestro lado más ambient como el más bailable. ¿Cómo os planteasteis el nuevo directo en relación con el álbum y vuestros más de veinte años de trayectoria?Moonbuilding 2703 ADambient

El deseo primordial fue que la gente conectase con la música. Honestamente, si hubiésemos sentido que esa conexión no se creaba, habríamos cambiado algunas cosas. Porque, para nosotros, una noche no termina si no recibimos algo de vuelta por parte del público, necesitamos sentir las buenas vibraciones que nos permiten saber que lo están pasando bien. Obviamente, hemos intentado desarrollar nuestra forma de hacer los directos y ahora, como dices, nos movemos más espontáneamente hacia los extremos. Alex improvisa mucho, tanto que no sé qué es lo que va a tocar a continuación. Y eso hace que cada concierto sea estimulante también para nosotros. Aunque asumes ese riesgo, se crea una tensión positiva antes de cada actuación. Si cada noche respondemos a estos retos y terminamos el show con una sonrisa, eso es que ha valido la pena. Hemos dedicado mucho tiempo a preparar todo el equipo para los directos y estamos encantados de poder mostrarlo. Más que la dificultad para prepararlo, lo que exigió fue tiempo, porque incluso los temas antiguos están todos reescritos, de lo contrario nos aburriríamos.

La gestación de Moonbuilding 2703 AD también ha sido larga, digamos que el álbum no lo resolvisteis en apenas unos meses. Al escucharlo, llama la atención el hecho de que las canciones pueden durar hasta 15 minutos y parecen no tener ni principio ni fin.Moonbuilding 2703 AD

Nos ha tomado bastante tiempo, aunque lo interesante es que cuando empezamos con Moonbuilding no lo planeamos como un nuevo álbum. Queríamos hacer una pieza musical. Moonbuilding quedó en 'stand by', y entremedias hicimos los dos álbumes con Lee Scratch Perry y varias giras, también el tour del 25 aniversario. No nos pusimos presión por terminarlo y se convirtió en un proceso como el del buen vino, necesitaba tiempo para crecer. Escuchábamos las partes e íbamos modificando cosas o trabajando el groove. Antes trabajábamos pensando en canciones más cerradas, y luego quizás venía Alex con nuevas ideas pero que ya no podíamos introducir por falta de espacio. Esta vez partimos de algunas ideas y fuimos añadiendo otras a continuación, de modo que nuestro proceso creativo queda plasmado en el propio transcurrir de las canciones. La vida funciona del mismo modo, siempre tienes alguna nueva idea y no puedes decirle que 'no'.

Nuestra música refleja más nuestro modo de vivir que un concepto musical. Dicho de otro modo: queremos que nuestro concepto musical sea nuestra forma de vivir. Con esta idea de no cerrar las canciones intentábamos ir incorporando las ideas que venían y las fundíamos en otra canción nueva. Así es cómo se ha forjado 'el todo' de Moonbuilding.

Cuando hablas del deseo de reflejar con música vuestro modo de vivir, pienso que el propio proceso de la memoria funciona de forma parecida a vuestro último trabajo. Nunca cuentas la misma historia dos veces ni sabes exactamente cuándo empieza y cuándo termina. Quizás, con el paso del tiempo y mayor perspectiva, encuentras otros elementos que la expresan mejor o que decides incorporar, sea por el motivo que sea. Tampoco es recomendable quedarse viviendo en el pasado ni repetir siempre los momentos de gloria anclado en algo que ya no existe.

Estoy totalmente de acuerdo. Esta fue una decisión que tomamos hace tiempo: queríamos seguir adelante. Nuestra idea no era convertirnos en 'la sensación del momento', preferimos tener a veces un perfil más bajo pero apostar por la continuidad. Puede que la gente tenga expectativas con The Orb, pero creo que lo que esperan es precisamente el cambio y la evolución. Estoy contento por haber alcanzado esta visión abierta de nuestro proyecto, sin tener que estar pendientes de lo que se está haciendo en el mercado ni depender de la 'música de ahora'. Hemos logrado una posición independiente.

He leído a Alex diciendo algo parecido en una entrevista anterior. Que la idea no es que el público os fije en una imagen y un número concreto de canciones y que luego esto se convierta en la manera de reconoceros, como puede ser el caso de Chemical Brothers o Underworld. Y con esto aclaro que no es una crítica hacia ellos, sino que su trayectoria ha sido más mediática y a medida que sacan novedades dejan intactos en sus directos los tracks anteriores o introducen pocas variaciones.

Es importante que remarques que no se trata de minusvalorar a otros grupos, es solo cuestión de opciones. Nosotros nos sentimos más cerca de un grupo como Grateful Dead. No es tanto una conexión musical sino más bien 'espiritual'. Podríamos hacer un concierto de cuatro horas con nuestra música y nunca sonaría igual. Buscas la esencia de un tema pero lo retomas hacia una dirección totalmente diferente.

Además de la música y este tipo de vínculos que mencionas, ¿cuál ha sido tu relación con otras artes? ¿Has tenido influencias desde otros campos?

Cuando llegó el momento de elegir dónde quería formarme fui a una escuela de arte para estudiar artes visuales. En ese momento la tendencia era el arte conceptual, no tanto la pintura u otras disciplinas. Hice fotografía, vídeo y arte experimental. Si pienso en la pintura y en la imposibilidad de intervenir una obra una vez está finalizada, me siento muy afortunado de que yo cada noche pueda hacer una nueva versión de una de las canciones. Lo mismo ocurre con un libro, una vez ha sido escrito ya no puedes modificarlo ni retocar los detalles.

El modo de trabajar entre músicos que hacen electrónica también es particularmente diferente, desde los remixes a los back to back, así como la forma de retomar estilos pasados y regenerarlos de maneras insospechadas. En este sentido, ¿cuáles han sido vuestros vínculos o referencias?

Alex y yo somos tanto músicos como fans de otros artistas y de su música. Recuerdo lo emocionado que estaba cuando conocí a Madlib personalmente, es uno de mis héroes. O cuando me encontré a J Dilla en una tienda de discos en Escocia, ¡inmediatamente compré todos los discos que pude de él para que me los firmase ahí mismo! Esta es la razón por la que la música nos sigue motivando y pensamos que no hay un lugar mejor para nosotros. Funciona en ambas direcciones: las ganas de descubrir nueva música y otros sonidos es tan vital como hacer nuestro trabajo.

¿Cuál ha sido vuestra relación con Kompakt para desarrollar vuestros álbumes y sencillos? Vuestra primera colaboración publicada es de 2002 y la electrónica y la dinámica de los sellos han cambiado mucho desde entonces.

La calidad que tiene Kompakt se debe a que es un sello gestionado por artistas. Eso les da una comprensión muy diferente del proceso creativo respecto a otros proyectos empresariales y también les aporta la apertura de miras y el conocimiento necesario para desarrollarla. Empecé mi contacto con Kompakt como fan y trabajé por primera vez con ellos en 1999, cuando Voigt hizo una serie de 7 pulgadas llamada Kreisel. Durante cada semana hasta la última del año quiso hacer una especie de cuenta atrás con un lanzamiento semanal y colaboré en uno de ellos. Unos años después saqué mi primer 12 pulgadas en el sello. En 2005 sacamos nuestro álbum como The Orb, Okie Dokie It's The Orb On Kompakt, creí que ese era el momento adecuado para reestablecer el contacto. Creo que Alex también ha comprendido la calidad que tiene el sello. Quizás no sea el que tenga la estrategia de marketing más agresiva del mundo, pero realmente eso no importa. Si el disco es bueno, las reacciones y el feedback que recibes también son buenas.

Novedades en música electrónica hay infinitas diariamente, pero se encuentran pocos lanzamientos singulares destacados cada año, de esos que difícilmente se pueden etiquetar en un género o categoría concretas, como ocurre en Beatport. Producir un estilo en concreto no tiene nada de malo, ni mucho menos, pero lo que llamaríamos 'fuera de serie' destaca en cierto público precisamente por su originalidad en todos los sentidos.

Ahora que lo mencionas, he perdido totalmente de vista la actividad que hay en Beatport, y ahí están ocurriendo muchísimas cosas. Como decíamos, no es que sea algo malo, pero no siento un vínculo con su planteamiento. Por ejemplo, tengo una conexión visual con cierta música, sobre cómo una banda elige presentarse ante el público o sobre qué gráfica utilizan para sus álbumes. Creo que eso también sirve para entender la música y me parece que en el nivel de Beatport todo esto se pierde. Me cuesta que capte mi atención: me ofrecen un catálogo en el que todo tiene el mismo aspecto y que, desafortunadamente, demasiadas veces suena igual.

Ya sea en la gráfica o en los títulos de las canciones, en el mismo nombre The Orb o en los sonidos y viajes futuristas, ¿qué significan para vosotros conceptos como 'espacio exterior', 'futuro' o 'viaje interplanetario'?

Alex y yo tenemos visiones diferentes. Él está más metido en esa concepción del espacio como el 'lugar del futuro'. Lee ciencia-ficción y ve muchas películas del género y sigue las investigaciones e historias que se publican acerca de la formación de la Luna o sus cambios. Yo la veo más como una fuente inspiracional: la Luna ha inspirado la poesía o las expresiones y teorías culturales de todos los pueblos desde hace milenios. Con The Orb siempre hemos tenido esta fusión de las dos maneras de ver las cosas, ambas se refieren al objeto 'Luna' pero desde dos ópticas diferentes. Moonbuilding, por ejemplo, es un cohete que va al espacio, pero con algo que hacer, ¡hay que construir y crear! No me refiero a un planteamiento como vía de escape consumista, sino a un reto. Al final, si lo miras con perspectiva, es otro añadido al canon cultural que se ha inspirado con la Luna, es un sueño. Alex tiene un acercamiento más sideral, yo soy el que tiene más los pies en la tierra. Y por eso hacemos un buen Ying-Yang juntos.

¿Cómo habéis funcionado como dúo y por separado a lo largo de todos estos años?

Nunca hemos llegado a estar separados del todo, hemos pasado por diversas intensidades pero siempre estando conectados. Una de las cosas que definen nuestra relación profesional es que Alex está en Londres y yo en Berlín, con lo que no estamos siempre compartiéndolo todo ni nos metemos el uno en el espacio del otro, mantenemos una independencia que evita fricciones respecto al concepto clásico de 'banda' en la que todos los miembros están siempre juntos. Esta forma de trabajar no la planeamos, sencillamente ocurrió así. Y algo que he notado en los últimos 5 o 6 años es que la calidad de trabajo en el estudio ha mejorado y el buen rollo entre nosotros se ha hecho más grande. Ahora nos sentimos más capaces de trasladar las ideas en música que en nuestros inicios.

La rutina de trabajo la tenemos en mi estudio, en Berlín. Alex suele venir unos cuatro o cinco días y nunca tenemos la sensación de que no hemos podido aprovechar el tiempo. Dicho esto, prefiero no hablar mucho más de ello: hay algo mágico en el proceso que no sabemos exactamente qué es. ¡Y pienso que es mejor no descubrirlo porque quizás desaparece!

Me llama la atención que justamente en los últimos años y sin haberlo hecho conscientemente hayáis mejorado vuestro modo de trabajar juntos en el estudio.

Creo que es porque ya no trabajamos con presión. Si analizo cuándo han llegado las buenas ideas nunca ha sido bajo presión, sino cuando estábamos haciendo jugando relajados. Con el tiempo comenzamos a creer en nuestro método de trabajo y eso nos ha hecho las cosas más apacibles. Por supuesto que tenemos que trabajar, la primera idea no siempre es la mejor, pero sabemos que con nuestra compenetración llegaremos tarde o temprano a algo que nos guste. Además, nos gustan las ideas que tiene el otro.

En cuanto al equipo que utilizáis para producir, ¿conserváis máquinas antiguas y trabajáis también con programas y máquinas nuevas?

Sí, es una mezcla. Sintetizadores viejos y mesa de mezclas antigua. Tengo también un sintetizador Korg MS-20 que es de 1979, me ha acompañado siempre y todavía me gusta usarlo. Al mismo tiempo, también nos encantan las nuevas tecnologías y nos facilitan mucho la vida. Cuando producimos juntos lo hacemos siempre con lo que se genera cuando nos encontramos 'en vivo', no nos enviamos archivos a través de la red. Tiene que ser de tú a tú. Ni tan siquiera las mezclas las hacemos por separado, todo el proceso lo hacemos juntos. Cuando Alex viene a Berlín al estudio los dos eliminamos nuestras citas, planes y compromisos. Nos encerramos y trabajamos durante cuatro días a nuestro propio ritmo y tanto como queremos.

Con las facilidades que hay ahora resultaría tentador empezar a trabajar por separado, o por lo menos deslocalizar una parte del proceso, como en la mayoría de los casos que conozco. Tiene algo de simbólico que sigáis siendo tan rigurosos con vuestra forma de crear.

Cuando nos encontramos suceden las cosas con tal efecto que nunca nos hemos planteado cambiar. En estos tiempos que corren... ¡Estamos orgullosos de mantener estos elementos de colaboración oldschool que se sostienen con el paso del tiempo!

Por otro lado, con la capacidad de las máquinas actuales ya no dependemos de un estudio de grabación tan grande que tenga que ser externo, que en los inicios era esencial y tenía un coste elevado. Esto permite que los sellos discográficos se dediquen al feedback creativo en vez de a ejercer de bancos de financiación de las producciones. Y creo que es mucho mejor así.

Has pasado la gran parte de tu vida en Berlín y tenías más de treinta años cuando cayó el muro, por aquel entonces tu mirada artística ya estaba formada e incluso era de una generación anterior a muchos DJs que como adolescentes vivirían también ese momento de profundo cambio al abrirse de nuevo toda la ciudad. ¿Cómo fue esa relación con Berlín y qué ha sido de ella?

Obviamente, el inicio de los noventa fue muy potente. Era una mezcla de cultura y descubrimiento de la otra parte de la ciudad. De golpe había todo un espacio que había que llenar con ideas, que las necesitaba. Sentíamos que podíamos dejar nuestra huella ahí y que podían crecer nuestras fantasías. Esto es incomparable a cualquier otra ciudad, además de que cuando creces en un lugar siempre seguirás vinculado a él. Aunque yo soy de Suiza, llegué a Berlín en 1984 y pude vivir los dos Berlín, siento que este es mi sitio y en el que están mis raíces. Si Berlín se ha convertido en un destino de moda es algo con lo que tampoco me enfrento, ni voy a conciertos cada día. Puedo elegir en qué participo y en lo que no, y habrá lugares con ideas buenas y otros en los que están siendo explotadas. ¡En estos últimos será difícil encontrarme!

Por otro lado, todavía estoy cerca de gente que sigue experimentando mucho. Uno de mis amigos más cercanos es Dimitri, el fundador de Tresor. Nos vemos regularmente y nos movemos en un círculo de cincuenta personas. Lo que creo es que no ha cambiado tanto el cómo se producen las ideas y la creatividad, sino que ahora tenemos un público interesado en qué es lo que va a ocurrir. También las artes visuales eran muy poco relevantes en el Berlín de los ochenta. En cambio, en los últimos 15 años ha ganado notoriedad dentro del tejido cultural. No me quejo de la ciudad, por suerte no me toca ir a todas las fiestas.

Cuando entrevisté a Dave DK, que fue residente de Tresor a finales de los noventa, me contó acerca de la intención de Dimitri de 'devolver' a Detroit parte de lo que trajo a Europa, abriendo un club Tresor en la ciudad. Se haga o no, este tipo de intenciones tienen algo simbólico emocionante y dejan entrever la conciencia que existe dentro de sus promotores acerca de la importancia de mantener la cultura electrónica viva.

Hubo dos elementos que forjaron la Conexión Berlín-Detroit: Tresor y la tienda de discos Hardwax. Mark, el propietario de Hardwax, fue uno de los primeros que viajaron a Detroit y que desarrollaron relaciones por afinidad, no solo pensando en hacer negocios. Moritz Von Oswald y yo congeniamos mucho con Dimitri y Mark. Cuando pienso en las dificultades del Detroit actual, me recuerda a ese Berlín que de golpe dobló su tamaño y tenía espacios que nadie utilizaba. Que Dimitri intente devolver parte de esa inspiración a Detroit es algo que me produce un gran respeto. Porque ya no es tanto el problema de encontrar el lugar, sino de hacer ver a las autoridades que la cultura es algo que debe servir para devolver vida a tu ciudad. ¡Y no otro McDonald's!

De Detroit al Museo del Louvre encontraremos en la trayectoria de Jeff Mills tantos matices como festivales, clubes y estudios han existido y él ha querido pisar. Su contribución a la electrónica es inestimable. De hecho, la música electrónica y el techno son inconcebibles sin escuchar y bailar su sonido en permanente expansión.

Música electrónica en el Museo del Louvre, este ha sido uno de los últimos proyectos que nos muestran tu faceta más abierta y experimental. Junto al pianista clásico Mikhaïl Rudy programasteis una serie de actuaciones que profundizan en el concepto de tiempo basado en el cine de Henri-George Clouzot. Tras más de 30 años de historia de música electrónica, tal y como la seguimos entendiendo ahora, las mecas del arte han ido incorporando y normalizando su aportación al arte contemporáneo. ¿Cómo has vivido este proceso y cuáles han sido tus experiencias desde que empezaste en este campo?

Ha habido sucesivos intentos de acercar los djs a centros de arte y galerías. Viéndolo retrospectivamente, ha sido un proceso largo, no es algo que pase de la noche a la mañana. La música electrónica es un arte y tiene mucho que ofrecer a este tipo de instituciones, su materia es representativa de la cultura que nos rodea. Tras esos más de treinta años de existencia es justo decir que la electrónica ya tiene un discurso suficiente para conectar con espacios enfocados al arte. Se necesita tener una comprensión sensible y un plan preciso para llevar la electrónica a estos lugares, porque la audiencia no suele ser seguidora de esta música, sino que su interés es el arte. No se necesita una gran experiencia, pero sí hay que hacer un esfuerzo para considerar todos los aspectos de lo que puede ocurrir, de los resultados que se pueden obtener. Ese ha sido el enfoque yo he tenido en cuenta a la hora de hacer este tipo de conciertos.

Supongo que una gran parte del trabajo consiste en “reinventar” el espacio en el que se hará el concierto, y también la acústica. El despliegue de un club, desde su sonoridad hasta los visuales, no es válido para un auditorio de un museo. Eso debe abrir muchas oportunidades a la hora de desarrollar nuevas ideas.

No pensé tanto en lo que representa un museo y en lo que la gente espera de él, sino en cómo crear algo nuevo usando elementos de otras disciplinas, como el cine, el teatro y, obviamente, la música electrónica. Estoy muy agradecido por esta oportunidad de integrar la música electrónica en un museo de esas características. Ojalá ocurriese más a menudo, ¡incluso estaría genial que un club me pidiese una “curaduría”!. Por ahora, no se ha dado el caso.

¿Tuviste feedback y valoraciones del “público de museo” que no está nada vinculado a la electrónica?

Sí, de hecho he tenido bastantes. Incluso gente mayor, de setenta u ochenta años, que me dijeron que nunca pensaron que les interesaría tanto la música electrónica: al escucharla en ese otro contexto no lo veían tan diferente del jazz o de la música clásica. Si más artistas que se dedican a la electrónica encontrasen otros motivos aparte del baile para producir, descubriríamos muchísimo más, alcanzaríamos más público y nos uniríamos a otras formas de arte. No hay una línea divisoria en todo ello, eso es solo lo que se supone que tiene ser.

También has trabajado en otros campos tangentes a la electrónica, como la banda sonora para la película clásica ‘Metropolis’, de Fritz Lang.

Es el trabajo más largo que he publicado (3 CD). La gente tiene tanta información y música disponible ahora mismo que, a veces, es mejor “sobrecargar” con estos proyectos, aunque se den cuenta de su valor en un futuro, más adelante. Estas cosas no pasan tan a menudo, y es uno de esos trabajos que quizás tengan un respuesta amplia más adelante, aunque la inicial y más reducida también fue buena.

Relacionado con lo que comentabas del poco interés de muchos artistas de éxito en abrirse más allá de la música de baile, ¿qué crees que les limita realmente?

Hay dos opciones: ¿será que no quieren o sencillamente que no pueden hacerlo? Quiero decir, quizás tienen la capacidad pero no quieren hacerlo, o directamente no la tienen.

En tu caso, lo veo más como una necesidad, en el sentido de que si no hubieses experimentado en más campos estarías aburrido o estancado. Aunque quizás mucha gente te asocia solo con tu faceta de dj, nunca has sido un artista que se haya quedado atrapado en un solo estilo y un tipo de sonido concreto.

Disfruto explorando, la libertad para llevar a cabo la búsqueda hace todavía más interesante mi trabajo. Experimento tanto como puedo, aunque no siempre tiene por qué ser así. Puedes quedarte en un standard y seguir ese camino hasta que te quedes fuera. Afortunadamente, en la música tenemos toda esta libertad y podemos ejercitarnos sin sentirnos marginados. Solo ejercito esa libertad que creamos en su momento en este género de música; podemos hacer lo que realmente queramos y la opinión pública no tiene por qué dirigir nuestra creatividad. Muchos productores calculan y crean en base a cuánta gente les admirará y en sí al público le gustará lo que hacen. Se puede trabajar de otro modo. Mientras pueda y tenga oído (estoy en mis cincuenta años) intentaré producir y seguir haciendo tantas cosas como me sea posible. Seguiré explorando posibilidades porque, además de mí mismo, quizás otras personas puedan aprender cosas con ello.

Tu nuevo concepto del lanzamiento de 'Exhibitionist 2' es inminente, justo para después del verano. Recuerdo que cuando presentaste el primer 'Exhibitionist' pinchaste en un escaparate del Paseo de Gracia de Barcelona, en 2003. En ese momento, ni existían las redes sociales ni internet era lo omnipresente y gigante que es ahora. La exhibición pública y mediática de la vida privada tampoco era igual, ni la vida de estrella que muchos djs llevan a cabo quedaba expuesta de una manera tan constante y excesiva como ahora. Viéndolo retrospectivamente, es como si te hubieses avanzado a lo que estaba por venir, mostrando más bien la parte creativa y técnica de tu trabajo, en vez de dejarte llevar por el aspecto meramente estético. ¿Cómo has planteado esta segunda parte del trabajo, más de diez años después?

En ese momento fui muy consciente de que la cultura del dj estaba cambiando profundamente. Muchos djs usaban ya programas como Final Scratch y era lógico ver que cada vez menos artistas usarían sus manos para pinchar y se pasarían a los ordenadores y al digital dejando los vinilos. Pensé que, antes de que fuésemos demasiado lejos, teníamos tiempo para documentar el lugar del que procedemos. Ahora, con la segunda parte de 'Exhibitionist', he intentado un acercamiento a “cómo piensa” un dj a la hora de qué pasos hace para llevar la música al público. Con 'Exhibitionist', por ejemplo, la gente tendrá más herramientas para discernir dichos procesos. En el Louvre mostramos una pequeña parte de ello, y sigo pensando que hay mucho más para explorar. Quizás la tecnología, en un futuro cercano, podrá meternos todavía más en la mente del dj.

Algo que llama mucho la atención de tus sesiones en directo es que, a veces, pinchas sentado de cuclillas y puedes permanecer así durante horas. Incluso tu forma de vestir es muy diferente a la gran mayoría de djs, oscura y discreta. Por tu nivel técnico y tu rapidez, te siguen llamando The Wizard (El Mago), tu primer alias, tres décadas después, porque cuesta entender que sin trucos alguien pueda tener tanto control sobre la máquina. Hay algo de actitud marcial o monástica en cómo trabajas, que me atrevería a llamar “casi” mística o trascendental. ¿Lo ves de esa manera?

No puedo olvidar que, cuando pincho, la gente me está dedicando su tiempo para que pueda llevarles a otro lugar. En cierto modo, buscan algún tipo de “iluminación”. Me tomo eso muy seriamente, ¡casi hasta el punto de que me critican por ello!. Asumo que la gente está ahí porque busca algo, podría estar en cualquier otro lugar. Mi atención se centra en hacer algo muy especial para ellos. Sé que vienen con expectativas, y hay gente que realmente necesita experimentar algo con los sonidos. Cada segundo cuenta. Cada movimiento cuenta. Cualquier segundo es la posibilidad de que alguien escuche la música de una forma que le cambie la vida. A mí me ocurrió, y también a otra gente que conozco. Trato a esos segundos teniendo en cuenta esa posibilidad. Me dedico a cuidar esta capacidad que tenemos los djs. ¡Esa es la mejor forma en la que puedo explicarlo!

¿Cuándo te llegó ese momento determinante de cambio de percepción en la forma de comprender la música? No me refiero a cuándo te empezaste a interesar por la música, sino a ese momento en el que se convirtió en algo trascendente y profundo.

El puzzle comenzó a tener sentido a mediados de los noventa. Hasta entonces, había pinchado mucho, pero lo veía de forma diferente: me dedicaba al hip-hop y a la música de baile. No había pensado en ello detenidamente. Podía hacer bailar a la gente y me ganaba la vida, incluso si tenía suerte en algunos momentos podía mostrar mi personalidad y carácter. No hubo nada más allá de eso hasta mediados de los noventa, cuando descubrí cosas muy interesantes del género y de las sensaciones que produce en la gente. Empecé a explorar con frecuencias y entré en el minimalismo y el minimal techno. Me di cuenta de que el género era muy diferente del jazz, el rock u otros géneros. La gente puede aceptar sonidos rarísimos que no aceptaría en otros géneros. Quiero decir, puedo hacer un sonido que nadie sea capaz de saber qué es exactamente, pero lo seguirán llamando techno.

Las posibilidades del techno son ilimitadas. Si produzco de una determinada manera sonidos extraños con texturas insólitas seguirá siendo techno. Cuando comprendí esto, me lo tomé muy seriamente, como un arte. Hice cosas que nunca llegué a publicar, pero que necesitaba desarrollar como parte del sonido que me permitiría seguir avanzando. Ahí entendí la magnitud de lo ocurrido con la electrónica y de su potencial. En ese punto mis conversaciones con otros djs decayeron, porque yo hablaba de cosas que no les interesaban. Muchos seguían solo interesados en la música de baile. Pero mis conversaciones decayeron al mismo tiempo que crecía mi interés por la música conceptual, la ciencia-ficción o el espacio. Llegué a proyectos que me mantenían despierto, y a una producción mucho más personal.

Ahí dejaste de ver la música como algo más que una diversión o únicamente como una herramienta para pasarlo bien bailando.

Exacto. No sería justo meter a todo el mundo en el mismo saco, pero tener esa oportunidad de poder dedicarte con devoción al sonido te da una responsabilidad para llevar a la gente a un nuevo lugar. Ese es mi cometido.

Como la práctica totalidad de macrofestivales, el mayor reclamo que ofrece el Sónar es el peso de sus artistas internacionales: ocupan los mejores horarios y los escenarios más grandes, son los responsables de animar la taquilla y aportan al festival el caché que se espera de un evento solvente y de referencia mundial que cuenta con las celebrities que muchos otros no pueden permitirse.

Salvo festivales como el desaparecido Caudorella, que celebró durante cuatro ediciones en Barcelona unas jornadas de música electrónica con artistas del ámbito catalán, los artistas de nuestro país en un festival como Sónar (que no son pocos, nunca lo han sido) merecen un altavoz al mismo volumen que el ruido mediático del plantel internacional. Como apuntamos en la pasada edición de 2014, la puntualidad tiene premio.

JUEVES

SonarHall

14:30 - 15:20 LIVE Jupiter Lion

Hay bandas cuyo sonido parece sentirse más cómodo impregnándose de cierto áurea de solemnidad. Y otras, por contra, encuentran en el desparpajo y la extroversión uno de sus rasgos constituyentes. Desde Valencia, Jupiter Lion (José Guerrero, Gonzo In Vegas y Sais) optan al subir al escenario por esta segunda opción. Un guiño a lo retro con sus sintetizadores imprevisibles, saltos futuristas, melodías pegadizas no exentas de ruidos analógicos y un acuerdo sin ingenuidad con el lado menos oscuro de la electrónica nos esperan a la hora de comer el primer día de festival. Desconociendo a qué hora se suele comer en Júpiter, los terrícolas haremos bien en ajustar nuestro reloj si queremos experiencias que nos lleven de paseo más allá de lo terrenal.

SonarDôme

13:50 - 14:35 LIVE Olde Gods

(Olde Gods también los encontrarás en este artículo)

El dúo Olde Gods ya dio guerra este mismo año en el SOS 4.8 Murcia. Su último EP,Shigatsu Kokonoka, está haciendo las delicias de los que aman bailar con máxima intensidad sin pasarse de BPM. En una línea entre formaciones como Future Bones y con tracks que imaginamos saliendo de los platos en un directo del mismísimo Andrew Weatherall, el joven proyecto de los curtidos Jami Bassols (JMII/Hivern Discs) y Pau Guillamet da justo donde más cuesta y mejor suena: sin encasillarse, sin rendir tributo a los hits del momento, con un punto de nostalgia por los buenos tiempos del acid, con la pista de baile en la mirilla y el eclecticismo pertinente por bandera. ¿Suena demasiado ambiguo? Qué mejor forma para concretar que saborear el mix que ellos mismos han preparado como previa para lo que nos espera dentro de semana y media.

SonarComplex

14:00 - 14:45 LIVE Exoteric Continent

Los que cuenten con los días soleados que anuncian desde la previsión del tiempo para las fechas del festival olvidan que, en el Sónar, el factor atmosférico depende también de lo que suena en los todopoderosos altavoces. El proyecto de Arnau Sala, sin ir más lejos, amenaza con trastabillar los pronósticos más optimistas. ¿Cómo? Exoteric Continent (que actuó, por ejemplo, en la última edición del mencionado Caudorella) es uno de los escasos artistas que, aún mezclando estilos electrónicos dispares y muy diferentes entre sí, evita dejarse dejarse llevar por un discurso fragmentado, irregular y caótico. Ambient desgarrador, techno amargo o dub envolvente, por ejemplo, constituyen la hoja de ruta para la travesía de un continente electrónico tan mítico como la Atlántida.

Además de haber sacado ya varias referencias y estar en el punto de mira de la vanguardia electrónica, Exoteric Continent cuenta con el reconocimiento de artistas como Vatican Shadow (cuyos directos, como el que ofreció en el Sónar de 2013, se asemejan más a un ritual electrosatánico que a lo que solemos ver desde el Vaticano). De su complicidad han salido, justamente, las dos últimas referencias de Arnau Sala. Las tinieblas los crean y ellos exorcizan.

SonarVillage

12:00h - 13:00 LIVE Skygaze

Mal haríamos en dejarnos llevar por la idea de que la electrónica siempre es mejor en su estado más oscuro. Como declaración de principios, desde la organización del Sónar han ubicado a Skygaze en la apertura del festival en el open air principal. Como el mismo Sónar expone, el artista asturiano derrocha una suavidad electrónica que induce al viaje onírico. Pero solo nos remite a aquellos sueños que te permiten descansar y de los que despiertas como si el mundo fuese un jardín de abrazos con flores perfumadas que te alejan de las miserias de tu cotidianidad.

El proyecto de Jaime Tellado cumple ahora dos años y ha dejado un EP recientemente que testifica su versión dulce de los ritmos lentos, el hip-hop, el ambient o el jazz que vive en el porvenir. Lo editó nada más y nada menos que el sello nacional Neonized, referente de la electrónica en nuestro país. Aclaración acerca del tema de la música onírica de Skygaze: no nos referimos a que su música produzca sueño, sino que con su directo sabe confundir el límite del recinto de la Fira de Montjuïc con el jardín de cactus que queda justo al otro lado de la montaña.

SonarVillage

13:00h - 15:00 DJ SET Colectivo +0

Es alentador encontrar grupos de artistas (y también promotores, directores de salas o responsables de tiendas de discos) cuyo gusto y dedicación a la música electrónica evoluciona con el paso de los años hacia la exquisitez. Porque, es importante recordarlo, el avance del tiempo no trae como consecuencia natural el acercamiento a lo sublime. Quedarse anclado en el pasado, repetirse, despistarse, perder el rumbo, todas estas situaciones pueden ocurrir (y ocurren) con más frecuencia de lo que parece.

Creemos que sería justo situar en un plano similar, salvando los matices y actividades de ambos grupos, el loable trabajo de Discos Paradiso en Barcelona con el de Colectivo +0 en Las Palmas. Algunos responsables de la tienda y artistas de su círculo cercano, conforman la Discos Paradiso Crew (los vimos, entre infinidad de sitios, en el Sónar de 2014), formación en la que pinchan y comparten su criterio y gusto musical sin filtros ni rendir cuentas a nadie. El resultado, en efecto, es riquísimo e incorpora una cantidad de estilos, géneros y épocas que solo una suma de mentes despiertas puede organizar. En lo que aquí nos incumbe, tendremos en el Sónar de este año a dos de los once integrantes actuales del Colectivo +0, OswaldoH y Woodhands. Ambos estuvieron en los inicios del colectivo, hará más de diez años y, si sumamos el criterio musical de uno y otro, nos extenderemos del techno al funk con paradas en el sonido de vanguardia o el house menos evidente. Solo el que se toma muy en serio su trabajo y vocación es capaz de captar tantos registros y convertirlos en, por ejemplo, esto:

VIERNES DÍA

SonarComplex

14:00 - 14:40 LIVE LCC

Cada año, cuando se acerca el festival L.E.V de Gijón, en el magnífico enclave de LABoral Centro de Arte, la agenda de las anteriormente llamadas Las CasiCasioTone es un no parar. Ana Quiroga y Uge Pañeda, ahora bajo las siglas LCC, organizan durante esos días una noche a la que llaman CasiMiniFest, con lineup selecto y exigente. Además, como es de suponer, durante el L.E.V ambas pueden ser vistas recorriendo el complejo de la LABoral, de actuación en actuación, como abducidas y entregadas a un festival en el que han actuado por todo lo alto y con el que, especulando sin arriesgarnos demasiado, guardan un fuerte vínculo creativo y personal.

Pero centrémonos en su música, hagamos una inmersión directa en su último trabajo, el álbum debut d/evolution. Hay algo de metafísico y trascendente en sus canciones, ya sea el inicio del tema Quarz, que nos recuerda al “ohm” de un monje budista, como los inhóspitos latigazos de Calx junto a un inquietante y magnético grave subterráneo. Sin ponernos demasiado sentimentales, cuando el piano emerge en la canción Adamás se nos eriza la piel y nos induce a una especie de estado trascendental. Sin exageraciones, la evolución de LCC parece proceder de lo sobrenatural. En el SonarComplex del viernes podremos testificar este nexo entre Gijón, la electrónica y el más allá.

15:30 - 16:00 LIVE EVOL

Durante los años de colegio, casi en cada clase algún alumno destacaba o era conocido porque iba completamente a su bola. En clase de dibujo, en vez de dibujar una casa como todo el mundo, se presentaba al final de la hora con una batalla de superhéroes. En lengua era experto en inventarse palabras y, en educación física, saltaba a cuerda cuando tocaba correr y corría en el momento de hacer estiramientos. En la escena electrónica, EVOL serían como ese alumno incorregible que decide, en vez de poner su atención firme para entender lo que hay que hacer y hacerlo como toca, libera su creatividad porque prefiere aprovechar lo que más le divierte y sorprenderse a sí mismo en vez de esperar a recibir buenas notas a final de curso.

Aunque se les considere balas perdidas, muchas veces estos chavales acaban haciendo de mayores cosas que nadie hubiese podido imaginar. En los comentarios del SoundCloud de su sello, iDeal Recordings, encontramos uno del propio sello corto y certero: “es como el acid house sin el house”. El acid solo (sin la estructura que lo sostiene) se retuerce por dentro de los cacharros que eligen para cada ocasión, las melodías estridentes penetran el oído y estallan sin dejar de mofarse un poco de la estupefacción que nos provoca. La libertad con la que se desprenden de los clichés del género y vapulean el sentido común hacen de EVOL un dúo sui generis y provocador que, al igual que el compañero de clase excéntrico y díscolo, si no existiese habría que inventarlo.

SonarVillage

12:00h - 13:00 LIVE Davic Nod

Davic Nod y la interacción entre música, tecnología avanzada y arte interdisciplinar van de la mano y en plena sintonía. Presentado como amante de los drones y explorador de ruidos y sonidos exigentes que tensan la cuerda de un pozo sin fin, el barcelonés afincado en Berlín no repite fórmula: ha colaborado con la pianista neoclásica Gabriela Parra y con un espectáculo de danza con tecnología mapping, entre muchos otros inesperados experimentos creativos.

Produce respetados discos y es de aquellos elegidos para los que el estratosférico desarrollo tecnológico de nuestra era ha supuesto una completa bendición sin apenas efectos colaterales. Mientras algunos regresan dignamente al vinilo, Davic Nod anda bien ocupado con Thalamus Lab, un sello digital pensado para el trabajo de los músicos en la red. Por fin podemos usar la frase hecha en inglés expect the unexpected refiriéndonos a su directo en el SonarVillage sin parecer exagerados ni pretenciosos. Nos ampara nuestra adicción a dejarnos llevar por las maravillas que descubren los que saben lidiar con lo desconocido.

13:00 - 14:30 LIVE Mans o

Los medios de comunicación adoran términos como joven promesa, diamante en bruto o talento prematuro, como si intentasen, con estas definiciones poco originales, explicar en palabras que venden que el handicap habitualmente atribuido a la falta de experiencia (le quedan unos años todavía, hay que darle tiempo, etcétera) pasa a ser motivo de admiración. El trabajo de Mans o en solitario (aparte de su grupo Wesphere) es objeto de esta oleada de reconocimientos. Y es que, con apenas veinte años, la complejidad y el fuerte carácter de los sonidos de Daniel Roman son una gran tentación para reclamarle el DNI y quedarnos boquiabiertos.

Sin embargo, vale más que guardemos nuestra cara de pasmo para disfrutar de lo que es capaz de hacer con el surtido de teclados y pads que comparte en su Instagram. Sus tempranos inicios en el mundo del hip-hop y el baile cuando tenía apenas diez años dieron paso a un iniciático acercamiento a la electrónica cuando cumplió los catorce. Desde aquel entonces hasta que Mans o pise el Sónar por primera vez este año, varios estilos han ido incorporándose a su estructura creativa. El IDM, por ejemplo, dota a Mans o de una perspectiva menos previsible que la del hip-hop, y su conjugación se acerca más a lo inédito que a lo que nos suena como una mera copia de joven con aspiraciones a parecerse a sus ídolos. Quizás somos nosotros los que hubiésemos querido parecernos a él a los veinte, o a los catorce.

14:30h - 15:30 DJ SET Desert

El año pasado presentaron su potente directo y este año amenizarán la hora del calor con una sesión en la que se esperan todo tipo de espejismos rítmicos y melódicos. El proyecto de Cristina Checa y Eloi Caballé como Djs levanta curiosidad e interés por una simple razón: si lograron azuzar tantas sensibilidades diferentes con su primer directo, lo que ambos deben guardar en su maleta de discos para esta ocasión será como un oasis de buen gusto que, como en las películas de travesías en el desierto, nos mantendrán con vida para continuar hasta la siguiente alucinación electrónica.

16:30 - 17:30 LIVE Headbirds

Si el resurgimiento del sello barcelonés Disboot nos ha traído discos como el último de Mans o, el retorno de Headbirds (Dani Guijarro) presentando nuevas creaciones inéditas hasta el Sónar nos hará emprender el vuelo del fin de semana. Porque lo visto y bailado de Headbirds hasta la fecha es divertido, fresco y luminoso. El que en su momento fue también un pilar de Disboot tiene en su jaula electrónica la cara despierta del IDM, el ritmo que bebe suavemente del house y un mapa para encontrar la zona de inmersión en graves profundos y lugares insólitos. Como buen pájaro, eso sí, mejor tener en cuenta los movimientos y giros inesperados que nos encontraremos al surcar los cielos. Y es que, como solo saben los que tienen alas, más que forzar el vuelo lo mejor es dejarse llevar por la corriente.

SonarDôme

14:50 - 15:35 LIVE Brigitte Laverne

En el site del Sónar se aventuran a llamar retro wave synth pop al proyecto de Alexia Taulé como Brigitte Laverne. Y es que, tan solo tomando su voz, las calificaciones se funden con una melodía pegadiza que no se hará evidente, bailable pero comedida, intensa pero sin la intención de desgarrarnos. La cosa va de embrujos producidos al milímetro y si son retro será más por su atemporalidad que por su nostalgia. Cuidado con los que se dejen llevar demasiado: el Sónar tampoco es un festival para levantar mecheros y balancearse a lo groupie con lágrimas de iluminado. No vaya a ser que el embrujo de Brigitte Laverne desaparezca dejándonos a oscuras con la mandíbula desencajada.

VIERNES NOCHE

SonarLab

22:00 - 23:25 DJ SET Render B2B Veski

(Render B2B Veski también los encontrarás en este artículo)

Como ya ha ocurrido en otras ediciones, la mayor parte del talento nacional en horario de noche queda relegado a las primeras horas, cosa que es un privilegio para los que llegan puntuales pero una mala jugada si nos gusta disfrutar del ambiente de un escenario gigante en su máximo esplendor. Romperán el hielo del SonarLab dos hiperactivos barceloneses que, junto a dos miembros más (Adex Izquierdo y Wub!), conforman el colectivo MK Ultra.

Ya sea en eventos puntuales o en salas como Razzmatazz o la malograda KER, este dúo es de aquellos que, por sincronía y afinidad, funcionan como un solo organismo. Como ellos mismos reconocen, su gusto musical oscila del house al funk, pasa por el disco y culmina con destellos oscuros de tech-house que condecoran un trabajo impecable y creativo. Sus (pocas) sesiones compartidas en las redes son una radiografía de sus registros. Estamos seguros que el singular B2B que preparan para este Sónar dejará el Lab con tan buena onda que durará hasta el cierre de Ralph Lawson.

SonarCar

22 - 23:10 DJ SET Carreno is LB

(Carreno is LB también lo encontrarás en este artículo)

Hablamos de Daniel Carreno en las recomendaciones del pasado MIRA, llamaba la atención la talla de los escoltas que iban con él: Andre Bratten y Jennifer Cardini. Si hablábamos del papel de Ralph Lawson a la hora de implicarse en nuevos artistas cuyas proezas merecen recibir un chute de energía y apoyo, la célebre Jennifer Cardini hace lo propio con su sello Correspondant. Tras sus dos primeros EP con Correspondant, el vuelo del little bird canario ha aterrizado en otros parajes con vistas a la liga de los grandes.

El sello que comparten Magda, Troy Pierce y Marc Houle, todos exestrellas del sello de Richie Hawtin M_nus, al que han llamado Items & Things, decidió darle aCarreno is LB barra libre para sus piruetas. El productor español se juntó con Nyma, veterano productor y dj residente en Berlín, y urdieron maquinaciones conbeats crudos y amenazantes, melodías ansiosas y viajes lunares con intrépidas misiones: Lunar Fringe. El EP levanta cráteres y revuelve las convenciones del techno convencional con palas de inconformismo creativo. Sí, sabemos que pensáis como nosotros: en vez de abrir el escenario tan pronto, Carreno is LB podría cerrar el SonarCar y convertir los autos de choque en una lanzadera espacial.

Carreno is LB también está en este artículo.

SonarPub

22:00 - 22:55 DJ SET VIKTOR FLORES

Una hora con Viktor Flores en cabina empezando la noche en el inmenso SonarPub al aire libre puede ser el pilotaje ideal para el aterrizaje del Sónar Día en clave pistera. Sus veinte años en la profesión son motivo para creer que su set hará idas y venidas en el tiempo y descargará verdaderos himnos que removerán nuestros instintos de clubber. Posiblemente nos obsequiará con virajes minimal, dub, techno o con pronunciadas curvas de su querido Chicago house. Un segundo, que en su SoundCloud lucen también sesiones con italodisco y acid de alto vuelo. Y esto, pensándolo bien, es una razón más de peso para calcular bien en qué lugar del SonarPub suenan mejor los mastodónticos altavoces si tenemos que estar preparados para recibir un repertorio musical de dimensiones colosales.

SÁBADO DÍA

SonarVillage

13:00 - 14:30 DJ SET Pedro Vian

(Pedro Vian también lo encontrarás en este artículo)

Con un álbum a pocas semanas de aparecer en su propio sello Modern Obscure Music y con Pitchfork husmeando para mantener su imagen de ser siempre los primeros en llegar, Pedro Vian (antes con el alias Pettre y mitad de Aster) ha mantenido entre 2014 y 2015 una creciente y sólida producción a base de trackspropios y lustrosos remixes. Pedro Rufi, que tomó “Vian” del célebre escritor Boris Vian, lanzó el año anterior su primer EP en esta nueva singladura, Dancing Hindus, abriéndose suavemente a tempos lentos y texturas rugosas, claroscuros inquietantes, melodías tenues y con dos remezclas de Madteo y Jamal Moss.

Por el camino él ha remezclado a Shelby Grey, entre otros, y ha seguido trabajando en los lanzamientos de su sello, como el EP con los remixes de Desert. Junto a Sau Poler ofrecieron un track libre en XLR8 que sigue arrasando en las redes. Todo indica a que el caldo de cultivo está ya más que listo para bordar esta nueva etapa. Su Sónar no podría llegar en mejor momento.

SÁBADO NOCHE

SonarCar

22 - 23:30 DJ SET Uroz

(Uroz también lo encontrarás en este artículo)

Flamante residente de la sala Moog de Barcelona, Uroz trabaja el techno como un artesano suizo en busca de un reloj con ritmo 4/4 y unas agujas que no se retrasen ni un milisegundo a pesar del paso de los siglos. Si hay lo que podríamos llamar un Dj de raza, un artista born to beat, que sabe leer lo que ocurre en cada una de las esquinas de la sala y no duda en qué giro tomar para mantener al público unido y en el mismo viaje, Uroz estaría entre ellos. Su techno, destilado por la experiencia pero musculado por sus exigentes ritmos diarios como residente, cuaja dentro de un horizonte transversal con todo tipo de música, ya sea indie o electrónica de otro costal. Porque no solo del techno vive el dj, aunque el resto sí vivamos felizmente de los designios que nos depara su maleta.

SonarLab

23:30 - 00:30 LIVE Pional

El directo de Pional en la segunda y última noche del Sónar le deja cancha libre al madrileño para que exprima su house de beat ponderado y manufacturación con filtro ultrasensible que lleva investigando desde 2010. Sus vocales, marca de la casa y que junto a John Talabot fueron uno de los bombazos más sonados de 2012, reverberarán en el SonarLab con versiones de sus propios EP (glorificados en Resident Advisor y en las maletas de discos de los djs de medio mundo y parte del otro) que quiebran cualquier intento de baile acelerado. Especial atención deberán prestar los conocedores y fans de su obra: si algún tema les pilla por sorpresa estarán presenciando en exclusiva un destello del álbum anunciado (y confirmado) y que en otoño debería salir para volver a ponerlo todo del revés.

SonarClub

21:30 - 22:25 DJ SET Ángel Molina

Quizás todos los buenos djs comparten una serie de rasgos que explican en parte las razones de su éxito: autoexigencia, rigor, buen gusto y una hiperdesarrollada sensibilidad para discernir entre la música atemporal y la que suena bien pero será pasajera. Hay una estirpe concreta en eso que denominamos “buenos djs”, y no es otra que aquellos artistas que, con el paso de los años, modas, clubes y festivales han trabajado y lo siguen haciendo con una discreta seriedad y una enorme coherencia. Es fácil de adivinar: Ángel Molina es, sin lugar a dudas, uno de ellos.

Afortunados somos los que hemos podido seguir su estela de sesiones de techno demoledor, inteligente y técnicamente perfectas por las grandes salas de Barcelona y el resto de la península, así como suertudos son también los que pueden verle en sus viajes más allá de las fronteras con una maleta de discos a prueba de cualquier imitación. Otra grandeza de Ángel Molina es su abrumadora melomanía, va mucho más allá del techno y de cualquier época en concreto.

En Sónar conocen perfectamente esta doble dimensión de uno de los djs más respetados de la escena y por ello pinchará en esta ocasión un set de synth pop de los ochenta antes de Duran Duran. Sí, y también fue él el que abrió la noche antes de Pet Shop Boys en el veinte cumpleaños del festival el pasado 2013. Y sí, ese mismo año pinchó en el escenario SonarCar un set con el techno que alabábamos al inicio de este texo. Y, claro, como sabéis, Ángel Molina estuvo en la primera edición del Sónar. A pesar de los vaivenes y los temblores del techno puro que ha habido en nuestro país (sujeto a modas y a veces poco comprendido por el público local), los principios y el convencimiento de Molina nunca han cedido en pos de una mutación en busca de sumarse a alguna ola comercial. Se respira de nuevo en las salas de electrónica: el techno parece estar volviendo en todo su esplendor. ¿Conclusión? Por supuesto: Ángel Molina tenía razón y es de los pocos que, sin ponerse estrellas en la solapa atribuyéndose el mérito de su acierto con el paso de los años, estaban ahí desde el principio. Algo nos dice que su lugar no es ni será negociable: con los maestros no se juega, se aprende. Y dicho todo esto, vamos a bailar.

Algunos llevan toda su vida detrás de los platos y otros hace poco que han empezado a producir, pero todos ellos son capaces de hacer vibrar una sala con sonidos que escapan a lo convencional. No son cabezas de cartel pero podrían serlo. La propuesta musical de estos 20 artistas que te recomendamos conforma la guinda del pastel electrónico de esta 22ª edición del Sónar Barcelona que tendrá lugar los días 18, 19 y 20 de junio. Los beats están listos, hagan sus apuestas.

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JUEVES

SonarDôme

12 - 12:55 LIVE Christian Kroupa

La apertura de este Sónar llegará en el escenario Dôme con tambores 4/4 surgidos en plena Europa Central. Su producción no es prolífica ni su rastro evidente, pero el debut de Kroupa como productor cumple tres años y para los sibaritas queda este primer track envolvente, oscuro y pegajoso propio del que lleva toda una vida en el estudio del sótano. Muchos beats más tarde, tanto su estancia en la Red Bull Music Academy de Tokyo en 2014 como la conexión con el sello húngaro Farwechsel que está a punto de ver la luz en forma de su primer EP.

De hecho, el EP sale a la venta tres días antes de su debut en el Sónar. Esperemos que, aunque sea un horario demasiado tempranero para ponerse rítmico, las ganas de probarlo a lo grande empujen a Kroupa a hacer rodar el disco en una de sus eclécticas, curtidas y selectas sesiones que acechan en sus redes.

13:50 - 14:35 LIVE Olde Gods

El dúo Olde Gods ya dio guerra este mismo año en el SOS 4.8 Murcia. Su último EP, Shigatsu Kokonoka, está haciendo las delicias de los que aman bailar con máxima intensidad sin pasarse de BPM. En una línea entre formaciones como Future Bones y con tracks que imaginamos saliendo de los platos en un directo del mismísimo Andrew Weatherall, el joven proyecto de los curtidos Jami Bassols (JMII/Hivern Discs) y Pau Guillamet da justo donde más cuesta y mejor suena: sin encasillarse, sin rendir tributo a los hits del momento, con un punto de nostalgia por los buenos tiempos del acid, con la pista de baile en la mirilla y el eclecticismo pertinente por bandera. ¿Suena demasiado ambiguo? Qué mejor forma para concretar que saborear el mix que ellos mismos han preparado como previa para lo que nos espera dentro de semana y media.

14:40 - 15:40 LIVE Courtesy

El perfil de Najaaraq Vestbirk es tan variado como magnético, porque la artista danesa es un polo que atrae, además de la música, trabajos como periodista y estudios de cultura contemporánea. Esta confluencia de intereses nos sitúan ante el directo de Courtesy con una lucidez y expectativa bien altas, puesto que de sus platos puede brotar tanto un techno áspero y acelerado como tracks ambient, lentos e hipnóticos. Una cosa es que un dj no se encasille en un género concreto de música, la otra es que el personaje en sí esté en una órbita tan imprevisible y creativa que la única vía para alcanzarle sea a través de las sacudidas de los altavoces. Y eso nos sitúa, efectivamente, en el inicio de un viaje trepidante.

18:50 - 19:35 LIVE Alejandro Paz

El dj y productor chileno es una de esas icónicas figuras que parece que llegan a la electrónica para dar buen rollo y altos chutes de baile, tanto en sus directos como en sus producciones. Muy vinculado al sello de Matias Aguayo, Cómeme, en el que ha publicado sonadas referencias y un hit como El House. La tierra de Ricardo Villalobos sigue dando joyas artísticas como Paz, actualmente de gira casi constante con su house sintético, profundo y juguetón. Sus letras, que canta en directo, son una prueba más de su sentido del humor que une a cierta crítica mordaz de lo cotidiano. Su último EP, Váyanse (Sanfuentes Records, 2015), no deja lugar a dudas: “Váyanse si no van a bailar”. Y eso es lo que estamos deseando hacer, acudir en tropel a darlo todo.

SonarHall

15:30 - 16:20 LIVE Lee Gamble

Del directo de Lee Gamble podemos esperar cualquier cosa. En otras palabras, no tenemos ni idea de por dónde nos va a llevar. Su reciente álbum Koch es el motivo de esta incertidumbre: no hay matices, hay extremos, y pasaremos del techno industrial pasado de vueltas a canciones chill, atmosféricas y oníricas que bien podría firmar Moderat. O quizás nos invitará a que nos perdamos con un track como Nueme, que funciona con una especie de ritmo downtempo y una batería más propia de directo que de ordenador. De ahí, de nuevo a melodías sugerentes, ligeramente inquietantes, y así hasta entrar a fondo en el viaje emocional introspectivo (y sin retorno) que sin duda bien merece máxima puntualidad en el SonarHall.

SonarVillage

SonarVillage17:45 - 19:15 DJ SET Kasper Bjørke

El álbum que el productor danés se sacó de la guantera en 2014, After forever, sumió a la crítica musical en éxtasis y exponenció el crecimiento de sus seguidores. A estas alturas, quizás es uno de los más conocidos de esta lista, y hasta puede que esté al borde del salto al estrellato a lo Todd Terje. Lo suyo va de dark disco con clase, colaboraciones de primer nivel (Nicolas Jaar, Trentemøller, entre decenas) y, cuidado, sesiones muy pisteras en las que sus discos parecen reproducirse y convertirse en armas de baile masivo. Este jueves tiene delante de sí una hora y media en el open air más cotizado de Montjuïc. Y en hora punta, ¿será el despegue definitivo para el épico fin de semana?

20:15 - 21:45 DJ SET Felix Dickinson

Su talento no salió de un estudio ni ha pasado por una academia, la historia de Felix Dickinson cuadra mejor en un relato legendario al estilo 24h Party People. Como afirman en su bio en Resident Advisor, Dickinson es de los pocos que “estuvo ahí”, en la Inglaterra de los noventa que vio nacer y explotar la escena rave y acid. Y Felix Dickinson fue todavía más allá: estuvo tan envuelto en el perseguido movimiento rave que su historial criminal dejó de estar impoluto.

Pero hay más, como sus 10 años como músico al servicio del avanzadísimo Life Force, en Japón, un almacén en Tokyo destinado al arte electrónico. También tiene un sello, Cynic Music. Más importante todavía: tiene swing. Hablando en lenguaje más electrónico: tiene beat y flow. Sus sets son un derroche rítmico, luminoso y que, pese a mirar al pasado, no suenan anacrónicos. Quizás sus producciones no sean lo más destacado de la escena, pero la energía y el repertorio musical que este inglés es capaz de desplegar tras tantos años al pie del cañón (de las raves a festivales como Glastonbury o Burning Man) hacen de su presencia en Sónar un rara avis y un fiestón sonriente en el ocaso del primer día de festival.

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VIERNES

SonarDôme

19:30 - 20:20 LIVE Xosar

Solo alguien perdido en un manto de prejuicios diría que Xosar es una emo que habita en el lado oscuro por comodidad. Sheela Raman produce con ritmo frenético, casi a razón de dos EP por año, y sí es cierto que encarna las tinieblas electrónicas como pocos. Puede entregarse al techno de alto bpm y de producción analógica o puede sumirnos en asfixiantes viajes ruidosos hacia el fondo de nuestra tolerancia emocional. Pero también puede derruir a golpe de beat comedido y firme nuestros muros mentales que solo la música más certera puede perforar. Quizás eso ya es ponerse demasiado líricos, mejor rememorar su paso por el Festival MIRA del año anterior y disfrutar de sus sets en las redes. Ya queda menos para que su seductor y lóbrego sonido nos embauque hasta la médula.

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VIERNES NOCHE

SonarLab

22:00 - 23:25 DJ SET Render B2B Veski

Como ya ha ocurrido en otras ediciones, la mayor parte del talento nacional en horario de noche queda relegado a las primeras horas, cosa que es un privilegio para los que llegan puntuales pero una mala jugada si nos gusta disfrutar del ambiente de un escenario gigante en su máximo esplendor. Romperán el hielo del SonarLab dos hiperactivos barceloneses que, junto a dos miembros más (Adex Izquierdo y Wub!), conforman el colectivo MK Ultra.

Ya sea en eventos puntuales o en salas como Razzmatazz o la malograda KER, este dúo es de aquellos que, por sincronía y afinidad, funcionan como un solo organismo. Como ellos mismos reconocen, su gusto musical oscila del house al funk, pasa por el disco y culmina con destellos oscuros de tech-house que condecoran un trabajo impecable y creativo. Sus (pocas) sesiones compartidas en las redes son una radiografía de sus registros. Estamos seguros que el singular B2B que preparan para este Sónar dejará el Lab con tan buena onda que durará hasta el cierre de Ralph Lawson.

05:30 - 07:00 Ralph Lawson DJ SET

El término sensei es tentador y puede ser usado por las buenas con demasiada frecuencia para elevar a cotas de prestigio a gente que solo lo hace bien. En el caso de Ralph Lawson, llamarle sensei está más que justificado, es más, podría ser un caso de uso recomendado en el diccionario. El maestro del house inglés ha predicado con el ejemplo, apostando como aguerrido mentor por artistas desconocidos que luego han volado hasta la cumbre.

Pensamos en Maya Jane Coles, Josh Wink o Derrick Carter. Y, cómo no, pensamos en su archi-reconocido sello 20/20Vision, con sus más de 350 lanzamientos desde 1995, y en los que recientemente hemos encontrado a Audiojack, Citizen y Crazy P, entre otros. Su set concentrará la fuerza y el ritmo de estos más de veinte años en la pista que, más allá de su propio talento, ha sabido compartir como el más generoso y hábil de los virtuosos de la electrónica. Larga vida a los visionarios.

SonarCar

22 - 23:10 DJ SET Carreno is LB

Hablamos de Daniel Carreno en las recomendaciones del pasado MIRA, llamaba la atención la talla de los escoltas que iban con él: Andre Bratten y Jennifer Cardini. Si hablábamos del papel de Ralph Lawson a la hora de implicarse en nuevos artistas cuyas proezas merecen recibir un chute de energía y apoyo, la célebre Jennifer Cardini hace lo propio con su sello Correspondant. Tras sus dos primeros EP con Correspondant, el vuelo del little bird canario ha aterrizado en otros parajes con vistas a la liga de los grandes.

El sello que comparten Magda, Troy Pierce y Marc Houle, todos exestrellas del sello de RICHIE Hawtin M_nus, al que han llamado Items & Things, decidió darle a Carreno is LB barra libre para sus piruetas. El productor español se juntó con Nyma, veterano productor y dj residente en Berlín, y urdieron maquinaciones con beats crudos y amenazantes, melodías ansiosas y viajes lunares con intrépidas misiones: Lunar Fringe. El EP levanta cráteres y revuelve las convenciones del techno convencional con palas de inconformismo creativo. Sí, sabemos que pensáis como nosotros: en vez de abrir el escenario tan pronto, Carreno is LB podría cerrar el SonarCar y convertir los autos de choque en una lanzadera espacial.

01:20 - 02:20 DJ SET Randomer

Hagamos la siguiente prueba con extraños resultados. Elegimos un EP de Randomer, Residents, que publicó el año pasado en L.I.E.S (Long Island Electrical Systems) ante la admiración general por haber franqueado las exigencias de su dueño, Ron Morelli. Tomemos el primer track, con el mismo nombre que el EP, y veamos qué ocurre en la pista: los insolentes y magnánimos graves dejan fuera de combate a los más recatados pero, en cambio, han desatado la fiesta salvaje en todos aquellos que sienten su llamada y se han rendido ante los secos azotes de la percusión tribal.

Mismo EP, segunda canción, Jakobs Dream. Más que un sueño, la gente se arrastra por el suelo de la pista como poseída por la peor de las pesadillas del inframundo. Último asalto con Huh. Esta tercera canción produce un baile sincronizado y robótico en gran parte del público, la rebelión de las máquinas era cosa de humanos y de las percusiones electrónicas más simples y efectivas de los ochenta. La pregunta que extraemos de este experimento es clara: ¿Cómo se puede conseguir en un EP con tres canciones tres efectos tan contundentes y dispares al mismo tiempo? ¿Y cómo se puede conseguir sin perder, además, la identidad del que está encerrado monásticamente en el estudio?

No tiene nada de random, tiene mucho de pericia y un savoir faire tan libre como radical. Por eso, en SonarCar sentiremos que estamos jugando a la ruleta rusa con el soundsystem y Randomer: a saber por dónde nos va a disparar esta vez.

02:20 - 03:20 DJ SET Helena Hauff

Hamburgo es, junto a Berlín, Frankfurt y Colonia, el cuarto foco electrónico potente del país. Junto a su pequeña pero activa escena clubber, viven en la ciudad artistas como Dave DK y, en lo que ahora nos atañe, también tenemos a la nueva emperadora de las tinieblas: Helena Hauff. Afortunadamente, aunque el porcentaje no sea equitativo, hay grandes mujeres al frente de la escena electrónica de baile: Ellen Allien, Maya Jane Coles, Nina Kraviz, entre muchas otras. Y luego está Helena Hauff, en un plano completamente atravesado, incómodo, rebelde y maníaco: su techno reta nuestra cordura y su ruido demencial es el súmmum del grito munchiano que deja fuera de juego el lado fotogénico y estético de la cultura de la noche.

Su discografía reciente, que sube como la espuma de una alcantarilla atascada, lo deja bien claro: tanto su lanzamiento en Lux Rec como su A Tape en Handmade Birds son su declaración de amor al caos, y estamos invitados a presenciar en primera fila sus ritos de adoración más asalvajados. En esta era exhibicionista y políticamente correcta, son artistas como Helena Hauff las que dan una buena colleja al establishment y hacen de su mesa de mezclas un acorazado capaz de atravesar cualquier lugar común dominante.

03:25 - 04:25 LIVE Francesco Tristano

“Del conservatorio de Luxemburgo a los almacenes de Detroit” podría ser una buena metáfora para resumir la insólita trayectoria de Francesco Tristano. No son pocos los djs que han tenido una formación en música clásica (el mismo Ben Klock) que luego han aprovechado y reinterpretado en otros ámbitos y con su instrumento predilecto como punta de lanza. El directo que prepara para Sónar implica, según afirman desde el festival, el reto de dejar a Tristano sin piano de cola (pero con teclados) por vez primera, dando todavía un paso más allá desde aquel 2006 en el que versionó Strings of Life de Derrick May.

Este 2015, Tristano ha sido absorbido por el sello Get Physical, en el que ha publicado hace apenas dos meses un EP y, hace nada, la compilación nº16 de los clásicos Body Language. Todas las teclas suenan bien para este genio de conservatorio acompañado por una orquesta de beats.

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SÁBADO

SonarVillage

13:00 - 14:30 DJ SET Pedro Vian

Con un álbum a pocas semanas de aparecer en su propio sello Modern Obscure Music y con Pitchfork husmeando para mantener su imagen de ser siempre los primeros en llegar, Pedro Vian (antes con el alias Pettre y mitad de Aster) ha mantenido entre 2014 y 2015 una creciente y sólida producción a base de tracks propios y lustrosos remixes. Pedro Rufi, que tomó “Vian” del célebre escritor Boris Vian, lanzó el año anterior su primer EP en esta nueva singladura, Dancing Hindus, abriéndose suavemente a tempos lentos y texturas rugosas, claroscuros inquietantes, melodías tenues y con dos remezclas de Madteo y Jamal Moss.

Por el camino él ha remezclado a Shelby Grey, entre otros, y ha seguido trabajando en los lanzamientos de su sello, como el EP con los remixes de Desert. Junto a Sau Poler ofrecieron un track libre en XLR8 que sigue arrasando en las redes. Todo indica a que el caldo de cultivo está ya más que listo para bordar esta nueva etapa. Su Sónar no podría llegar en mejor momento.

SonarVillage

16:30 - 17:30 DJ SET Dj Raff

Podría haberlo hecho, pero su amplitud de miras y sus gustos rehusaron quedarse únicamente en el hip-hop. Dj Raff tiene una mezcladora especial que trocea y prepara un suculento y nutritivo combo: hip-hop y funk con ritmo pistero y poderosos e imprevisibles quiebros que dirige a voluntad y con conocimiento de causa. Podríamos situar a Rafael Pérez como el gran especialista en contra del aburrimiento y la monotonía y en favor de la electrónica ecléctica —sin pasarse— que remueve la sangre, agita las pulsaciones y obliga a bailar. Al cierre de este artículo, aparece de sopetón un tema en su SoundCloud, en el sello Nacional Records, que nos agarra del pescuezo y nos mete de nuevo en el club a base de un hitazo con escraches dub, deep techno y electro. Imposible permitirse una siesta el sábado, la curiosidad para ver cómo nos hará disfrutar Dj Raff provoca nervios e insomnio.

SonarDôme

13:25 - 14:15 Ah! Kosmos LIVE

El equilibrio gravitatorio entre el acercamiento intelectual y emocional a la música parece estar en poder de Basak Günak y representado en perfecta armonía en su proyecto Ah! Kosmos. Tras años de estudios de ingeniería y diseño de sonido, la artista residente en Estambul aspira a analizar las dinámicas identitarias, sociales y culturales que se producen cuando entran en contacto con ciertos sonidos, instalaciones o contenidos. Es decir, como buena científica, provoca situaciones y luego estudia meticulosamente las reacciones. Eso sí, la provocación es pura belleza acústica y de complejísima pero suave estructura. Y eso sí que no lo pueden decir los que trabajan en laboratorios.

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SÁBADO NOCHE

SonarCar

22 - 23:30 DJ SET Uroz

Flamante residente de la sala Moog de Barcelona, Uroz trabaja el techno como un artesano suizo en busca de un reloj con ritmo 4/4 y unas agujas que no se retrasen ni un milisegundo a pesar del paso de los siglos. Si hay lo que podríamos llamar un Dj de raza, un artista born to beat, que sabe leer lo que ocurre en cada una de las esquinas de la sala y no duda en qué giro tomar para mantener al público unido y en el mismo viaje, Uroz estaría entre ellos. Su techno, destilado por la experiencia pero musculado por sus exigentes ritmos diarios como residente, cuaja dentro de un horizonte transversal con todo tipo de música, ya sea indie o electrónica de otro costal. Porque no solo del techno vive el dj, aunque el resto sí vivamos felizmente de los designios que nos depara su maleta.

SonarLab

03:10 - 04:25 DJ SET Black Coffee

Desde la propia organización del Sónar esperan entusiasmados a Black Coffee (Nathi Maphumulo). Según comentan, la espectacular actuación que hizo en el Sónar Sudáfrica hizo impensable no contar con su repertorio house, posiblemente el más jugoso y groovy del país y uno de los más cotizados del continente africano. Si hay un house seductor, luminoso y elegante que bailar en este Sónar, que cambia lo barroco por lo efectivo y lo estridente por lo apetitoso, Black Coffee lo servirá en bandeja y con una sonrisa de oreja a oreja. La misma que la nuestra y la que nos acompañará horas después, regresando exhaustos, abrumados y pletóricos de las profundidades de la Fira de L’Hospitalet.

“Parece que el acid vuelve cada cinco años”, afirmaba DJ Spank Spank a The Guardian, hará cosa de un año. Lo explicaba en una entrevista a propósito del regreso de Phuture, una de las formaciones de Chicago que originó el sonido acid, marcado por el giro de vuelta a la célebre máquina Roland TB-303. Su lugar de origen es, efectivamente, Chicago, a mediados de los ochenta, y se considera, como no podría ser de otro modo, un subgénero del house. La influencia que el acid ejerció en su momento, tanto en otros artistas que pronto incorporaron sus elementos como en el público, absolutamente entregado a las fiestas en las que predominaba ese sonido, fue masiva. Por eso, como apunta Spank Spank, parece resurgir a la primera de cambio.

Y musicalmente, eso no está nada, nada mal. Esos loops imposibles, esa energía inagotable y esas estridentes melodías a caballo entre los graves oscuros y los beats acelerados, todo bañado con una batería demoledora, fueron el carburante que algunos años después despertó a una generación de jóvenes ingleses de la pesadilla cuando el recorte de libertades que Thatcher les puso a bailar. La cultura rave no se entiende sin el acid. Artistas legendarios como Laurent Garnier o Derrick May, tampoco.

Así eran las raves en la Inglaterra del Acid House

‘Acid Tracks’, firmado por Phuture se considera el primer track Acid de todos los tiempos.

Caso uno: John Frusciante

¿Estamos, entonces, en un momento particularmente prolífico para volver a disfrutar de este preciado sonido que tan cabal fue para la expansión de la cultura electrónica? Paradójicamente, una primera parte de la respuesta la encontramos en un guitarrista y en un batería, cuya carrera artística no iba ni venía de esa dirección. Hablamos ni más ni menos que de John Frusciante, conocido principalmente por haber sido el guitarrista de Red Hot Chilli Peppers.

Nada más lejos del Acid que RHCP, pero en su carrera como solista sí encontramos guiños a la electrónica. El notición saltó a prensa hace cuestión de pocos meses, momento en el que anunció que lanzaría un álbum de ‘acid house experimental’ bajo el alias de Trickfinger y editado por Absurd Recordings. Este es el prestigioso sello en el que han publicado sus trabajos artistas como Paul Woolford, Donato Dozzy o Recondite.

El álbum, esperado con máxima expectación y previsto para principios de abril, cuenta con un single que ya ha alcanzado más de 250.000 reproducciones en SoundCloud.

Caso dos: Igor Cavalera

Pero hay otro artista que también ha dado un salto inesperado al Universo acid, el exbatería del grupo de thrash metal Igor Cavalera. Junto a su mujer, Laima Leyton, Cavalera se han lanzado a producir y a hacer giras con enormes directos en los que despliega con su batería un poderoso ritmo que levanta la pista acompañando los sintetizadores de Laima.

En este fragmento de apenas media queda bien clara cuál es su fuente de inspiración. Su lectura del acid, con un ritmo algo más acelerado y con cambios de registro que intentan romper con la monotonía que podría producir un dj set, es una brillante lectura revisionista que reivindica la capacidad y la euforia del acid para poner patas arriba cualquier club con ganas de emociones fuertes.

Caso tres: Ellen Alien

Si tiramos del hilo y navegamos un poco más por entre los tracks y vinilos que han aparecido en los últimos años, la profecía de Dj Spank Spank cobra todavía más sentido. Al encontrarnos con un EP como ‘House Record’ (Hot Creations, 2014), de Steve Lawler, y dejarnos llevar por esa voz entrecortada y un ritmo sincopado que nos arrastra hasta el final del track, reconocemos parte de esa inercia que solo el acid fue capaz de crear.

Leyendas de la electrónica como Ellen Allien, cuya importancia fue vital en la creación de la escena techno berlinesa tras la caída del muro de Berlín, lanzan a día de hoy tracks con el acid por bandera. Hace tan solo unos días aparecía en las redes este remix acid de un inminente EP de Ellen Allien, firmado por Ejeca. Si bien el track es mucho más techno, la retorcida melodía que lo acompaña proviene de las catacumbas ácidas de aquellos tiempos.

La fiesta: I Love Acid

En Londres, con una ferviente actividad electrónica de lunes a domingo, el acid sigue encontrando su lugar. Prueba de ello es, por ejemplo, la existencia de un grupo de promotores que montan I LOVE ACID, una fiesta en la que los artistas retoman sus vinilos antiguos y sus cacharros de la época para hacer regresar por unas horas el sonido que fue, no lo olvidemos, la banda sonora del llamado Segundo Verano del Amor, en la Inglaterra de 1988 y 1989.

Desde Alemania nos llega el furor de Hardfloor, un dúo electrónico (que casualmente pinchará en la próxima fiesta I LOVE ACID, prevista para mayo), cuyo éxito consiste, en esencia, en el tremendo manejo de los sintetizadores Roland TB-303, llegando a usar, según se afirma, hasta seis al mismo tiempo. A diferencia de Mixhell, cuya apuesta es más luminosa y permite el uso de máquinas más actuales (junto al impresionante talento de Cavalera en las percusiones), Hardfloor se sumergen en las entrañas más oscuras del acid propios de una rave de antaño. Esta sesión es una clara muestra de que, para Hardfloor, el tiempo pasa mucho más despacio, si es que avanza.

El criterio de Terry Farley y sus compilaciones acid están consideradas como tótems capaces de incorporar sorprendentes y recónditas piezas de arte musicales de la época. Sus compilaciones Acid Rain y Acid Thunder consiguieron aglutinar tanto a los clásicos hits como a decenas de otras pistas que pasaron más desapercibidas. Desde los mismísimos cuarteles de Spotify Inglaterra, alguien de sus oficinas dedicó una tarde a recopilar los mejores tracks acid disponibles en la aplicación. Por ahora, cinco mil suscriptores disfrutan de Adonis, Frankie Knuckles y compañía desde sus casas, escuchando los himnos que quedaron de aquellos idealizados (que no del todo ideales) años.

El contexto en el que nació la música acid es, obviamente, irreproducible. Las limitaciones de la tecnología obligaron a los productores de los ochenta a explotar al máximo máquinas que aparentemente no estaban destinadas a aquellos fines, ni las leyes no estaban preparadas para censurar y criminalizar las raves que invadieron Chicago, Detroit y, algo después, Inglaterra. El ambiente libertario (y liberador) que se respiraba en los ochenta es ahora otra cosa, y el éxtasis, cuyo uso masivo en las pistas de baile coincidió con el house e hicieron del acid house la banda sonora de los viajes lisérgicos, circula de otras maneras y ya no es un elemento aglutinador como lo fue. Sin embargo, el acid house sigue presente tanto en la mente de los que lo vivieron como de los productores, ya sean los más legendarios o los que han llegado después.

Como hemos visto, si nos ceñimos a la producción intermitente del acid house, a su resurgimiento periódico, excelentemente descrito por el crítico musical y periodista Simon Reynolds en Energy Flash (Contraediciones, 2014), parece que existe de forma paralela a la nostalgia por esa época, y no de forma inseparable. Porque no todos los productores actuales que producen acid reivindican necesariamente esa época, sino únicamente su música. Y no todos los nostálgicos de aquellos años viven encerrados en el acid house. Ya sea por su sonido o por todo lo que lo envolvió, o por ambas cosas a la vez, esa carita emblemática de aquellos años sigue recorriendo pistas de baile, quizás más discretamente, pero sin dejar de sonreír.

Para los clubbers sibaritas e incapaces de esperar al verano para sumarse a la avalancha de festivales electrónicos, el MUTEK se consolida como la mejor propuesta en estas fechas con su sexta edición en Barcelona. Avanzamos el sonido de 19 artistas nacionales e internacionales enfocados a la pista de baile cuyo trabajo reclama tu agenda electrónica y a los que no deberías perderles la pista ni dejarlos pasar sin moverte al son de tu imponente ritmo.

Eduardo de la Calle

El productor y dj madrileño es un artista de largo aliento con una producción anclada en el techno originario y que, más recientemente, ha ido enriqueciendo con la llegada de nuevos sonidos como el deep house o el IDM y que ha publicado recientemente en sellos como Cadenza o Hivern Discs. Fundador del sello de culto Analog Solutions Rec, only vinyl, fiel defensor de la filosofía austera de Underground Resistance, su presencia en el MUTEK garantiza una fiesta con criterio canónico pero totalmente actualizado.

Por si fuese poco, solo para conoisseurs, De la Calle dirigió el documental BEATZ, trabajo de aliento enciclopédico en el que midió el pulso electrónico de los grandes nombres de la historia electrónica mundial.

Loppkio

LoppkioEscuchar un live de Loppkio y cerrar los ojos es tentador, al abrirlos de nuevo uno puede encontrarse rodeado de altavoces Funktion One en mítico club berlinés Berghain o en una rave inagotable en alguna nave industrial abandonada por allá el espacio exterior. Sonido crudo y con graves arrolladores, Loppkio representan la lectura barcelonesa del techno que se estila ahora en el lado oscuro de Europa.

BirdsMakingMachine

BirdsMakingMachineEl nacimiento de esta formación es casi una leyenda y sus nombres son difíciles de rastrear y se reparten entre Berlín, Barcelona y las Baleares. Las máquinas, los pájaros y el mundo del diseño están dentro del imaginario de cuatro artistas que disfrutan liberándose sin filtros en demoledores directos como el que nos espera en MUTEK. Tienen seis referencias en su propio sello —del mismo nombre— que vuelan muy alto y se nutren de un techno pausado, profundo y minimalista que no entiende ni de modas ni de caducidad.

Dokser

DokserJavier Dokser, natural de Buenos Aires, ama tanto la electrónica como cambiar de alias para su trabajo electrónico. También conocido como D.K.S, su maleta cargada con un techno contundente aparece y desaparece en los momentos más inesperados. Los clubbers atentos de Barcelona le han visto en la mayoría de grandes salas, desde el The Loft al Moog. Ha actuado en el Creamfields de Buenos Aires y recientemente ha liberado un podcast para las revitalizadoras noches HEX de Barcelona que, quizás, deja entrever lo que podremos bailar este MUTEK.

Damián Romero

El artista mexicano forma parte del colectivo Mayan Warrior, presente en numerosos eventos multidisciplinares basados en México. Suya es una tremenda sesión en la pasada edición de Burning Man, en Estados Unidos, y algunas apariciones en otros clubes y festivales difíciles de rastrear. Poco conocido por nuestras tierras y con mucho que pinchar, Damián Romero y sus sesiones sinuosas, mentales y eclécticas es otro artista que resume la filosofía MUTEK: menos ruido mediático y más electrónica de calidad.

Equipo

EquipoEl chileno Juan Cristóbal de Saavedra, afincado en Barcelona, firmó un 2014 de máximos: el EP Tacto e indiscreción le situó como reconocida voz en pleno auge del EDM y le abrió nuevas perspectivas y fechas que ha aprovechado en su totalidad. Para este MUTEK presenta nuevo álbum (ahí es nada), Simulaciones, más rítmico y agresivo y preparado para impactar a todos aquellos y aquellas que todavía no le hayan visto en sus esmerados directos.

Franco Cinelli

De las fiestas ENTER, proyecto armado por Minus, el sello de Richie Hawtin, hasta remixes para Cocoon Recordings, el argentino Franco Cinelli es uno de los nombres con los que contar si se trata de invocar a la electrónica sofisticada que está arrasando a día de hoy: pocas concesiones melódicas, beats envolventes y nunca por debajo de los 120bpm.

Kangding Ray

Kangding RaySolo con decir que Kangding Ray está en el sello Raster Noton hace sobrar otras credenciales que podamos aportar. Virtuoso del techno berlinés, idóneo para salas oscuras que se dilatan en horarios imposibles, su poder reside en enganchar a los clubbers por los tobillos y llevarlos al subsuelo para mostrarles que, en efecto, los mecanismos que rigen el funcionan a ritmo 4/4 y sus engranajes son vinilos que muy pocos saben hacer girar.

Pantha du Prince

Pantha du PrinceAclamado cada vez que pisa Barcelona, Pantha Du Prince podría considerarse uno de los cabezas de cartel del MUTEK. Su sensibilidad se nutre de estilos que van del electro al ambient y su enorme prestigio le ha llevado a trabajar con Trentemøller, Animal Collective o Four Tet.

Pedro Vian

Pedro VianSi a alguien le suena Pettre (Hivern Discs) está de enhorabuena, porque Pedro Vian es el nuevo proyecto del mismo hombre. Con su nueva plataforma Modern Obscure Music en marcha, Pedro Vian ya ha firmado remixes para Shelby Grey y lanzado algunos tracks totalmente disponibles y listos para pinchar. Intentar encasillarle en un determinado sonido o predecir a la ligera su prometedor nuevo proyecto es algo que no recomendamos con el mismo entusiasmo.

Shelby Grey

Hablamos de él efusivamente para la pasada edición del Sónar y lo hacemos de nuevo. El reciente lanzamiento de Shelby Grey, Forever (con remix de Pedro Vian), renueva nuestras ganas de ver en directo y para esta ocasión especial al actual residente de NITSA y pilar clave de sus mejores noches.

Talaboman

La parte más fiestera de John Talabot se juntó con el reconocido productor y dj Axel Boman, peso pesado del deep house y delicado productor house pinchado casi de forma omnipresente. Entre festival y festival, el verano pasado no dieron abasto y todo apunta a que, para nuestro bien, este 2015 la agenda se les pondrá aún peor.

Jesper Dahlbäck (The Persuader)

Lo que realmente persigue el sueco Jesper Dahlbäck es la excelencia del deep techno. Sin excesos y con su ligera dosis de oscuridad, su sonido es limpio, cristalino y atemporal: nada de modas ni de guiños a los tracks del momento. La propuesta de The Persuader es la culminación de una trayectoria tan discreta como impecable, tan seria como acertada, tan loable como oportuno ha sido por parte de MUTEK incluirlo en su resplandeciente cartel.

Veronica Vasicka

Veronica VasickaSi estudiamos el cartel de la próxima edición del prestigioso festival holandés Dekmantel comprobaremos que cuentan con Veronica Vasicka y eso, cómo no, dice mucho del acierto de MUTEK en traerla a una de sus noches barcelonesas. Nacida en Nueva York, Vasicka fundó en 2005 el sello Minimal Wave, especializado en la inédita tarea de recuperar y reeditar antiguos cassettes de la Old New Wave.

Ruido, beats sucios, guitarras estridentes, vocales psicóticas y melodías recónditas, tal es la labor de arqueología de Minimal Wave. Vasicka viaja a toda velocidad por entre las décadas y lo que ofrece en sus directos es el sueño de todo melómano con intenciones deliberadamente gamberras.

Tomorrowland, el inmenso y exuberante festival de música electrónica celebrado originariamente en Bélgica, anunció el pasado 26 de enero con expectación mundial su primer nombre del cartel de 2015: La Orquestra Nacional de Bélgica. Con este inesperado fichaje, el festival -que el año pasado congregó a 450.000 personas y cuyas entradas se agotan en cuestión de minutos- ha dado un brillante golpe de efecto.

La evidente intención era evitar caer en lo previsible: confirmar de primeras y por enésima vez la presencia de David Guetta, Swedish House Mafia, Hardwell y compañía. Sus organizadores podrían haber hecho eso y nadie se lo hubiese reprochado: la apuesta por el mainstream del festival es deliberada y, no por ello, ha dejado nunca de dedicar varios de sus incontables escenarios a una electrónica minoritaria y menos comercial. Pero los grandes festivales de electrónica están viviendo una crisis de madurez.

Por otra parte, los macrofestivales internacionales de corte indie como Glastonbury o Coachella, también de dimensiones estratosféricas y con mayor trayectoria, programan electrónica con absoluta normalidad, y bastante más allá de los nombres más evidentes de la escena. El año pasado, Glastonbury se trajo a Eats Everything, Maya Jane Coles, Marcel Dettmann, Tale Of Us, Kölsch y a Richie Hawtin. El Coachella del mismo año trajo, sin despeinarse, a Caribou, Ben Klock, Dubfire, Guy Gerber, John Talabot o Jon Hopkins.

Nunca serán cabezas de cartel en ninguno de los dos festivales, como tampoco lo será Richie Hawtin el próximo en el Primavera Sound. Pero, si estos son los nombres insignia de un festival electrónico, la pregunta es: ¿cuáles son las propuestas que puede hacer un festival de música electrónica para no quedar eclipsado por el lineup de cualquier otro macrofestival?

Epatar hacia el centro

Esta presencia de grandes artistas de la electrónica en festivales no especializados nos lleva a replantear, no el sentido de su pertinencia (el Primavera Sound, desde la primera edición, ha contado con una programación electrónica relevante), sino la misma posición y sentido de los festivales especializados. Y no tanto la de los festivales de música electrónica generalistas, como Tomorrowland, sino de los que suelen reconocerse por marcar tendencia y estar en la vanguardia del sonido. Si la electrónica se extiende y ha alcanzado esta histórica relevancia en casi todo tipo de festivales, ¿qué plan les queda a los puristas que basan toda su identidad en la electrónica?

Sónar: A la felicidad por el arte y la tecnología

El miércoles 28 de enero, Sónar Barcelona anunció gran parte de su cartel para el próximo junio: repiten Skrillex, Maya Jane Coles, The Chemical Brothers, Die Antwoord o Hot Chip o Laurent Garnier, todos ellos habiendo estado en el festival hace tres años o menos. La edición de noche se presenta, a grandes rasgos y a falta de más confirmaciones, en una línea de cierta continuidad respecto a ediciones anteriores. Los cabezas de cartel que han presentado hasta ahora pueden tener cabida ya sea en un Coachella o en Glastonbury.

Parecería que para el Sónar el intento de diferenciación no pasa tanto por la oferta nocturna sino que viaja por otros espacios y momentos. Propuestas recientes como Despacio o actuaciones especiales como la de Richie Hawtin con su proyecto Plastikman en exclusiva, ambas en el Sónar Día, sí han logrado revitalizar y renovar considerablemente el alcance y la asistencia al formato diurno que cumplirá en 2015 su tercer año en el nuevo emplazamiento de la Fira de Montjuïc.

Y, sobre todo, destaca la fuerte apuesta por el formato Sonar+D. Esta ‘versión’ del Sónar transcurre los mismos días en Barcelona y en paralelo con la programación del festival: es el intento de mezclar el formato festival con el de una feria profesional y reunir así a todos los involucrados en la industria musical y tecnológica, a la caza del equilibrio entre el arte y los negocios.

Monegros: más techno y menos confetti

Mientras tanto, en otro núcleo duro de los festivales electrónicos en España, la organización de Monegros Festival han abandonado finalmente los delirios de grandeza para dejar que sean sus seguidores los que rigen la filosofía del festival. El declive de Monegros, tras alcanzar máximos históricos de asistencia en la década pasada, tuvo lugar según muchos con el sorprendente anuncio de David Guetta como cabeza de cartel en 2011. Según gran parte de los fieles seguidores del festival, tanto la música de David Guetta como lo que significa (glamour, letras banales, ostentación, canciones pop-house descafeinadas) rompían la filosofía de la gran rave del desierto, menos ostentosa y con el techno por bandera. La cumbre de esta degeneración se alcanzó el pasado 2014, cuando los discutidos Skrillex y Steve Aoki se combinaron con un esperpéntico escenario ElRow, de inspiración Tomorrowland pero con todavía más pretensiones glam.

Es probable que, en su momento, la organización de Monegros creyó que la sostenibilidad del proyecto pasaba por acercar Monegros a Coachella. Su propio público les dio una lección: más techno y menos confeti. Y les han escuchado. Este año el festival pega un giro de 180º para recuperar el nombre original de ‘Groove Parade’ y reducir el aforo pero alargando el festival por primera vez a dos días.

Monegros quiere dejar en la estacada a la electrónica de MTV y confía en que, doblando el horario, alcanzará un público similar pero mucho más satisfecho que no mezclándolo todo en una confusa maratón electrónica. De este modo, quizá logre retomar la senda perdida que otros festivales como Dekmantel en Holanda han consolidado con firmes convicciones en la programación.

Regresar a los orígenes o abrazar el arte y la tecnología, los festivales electrónicos se encuentran en plena evolución para volver a encontrar su lugar dentro de un panorama mucho más competitivo y un público mucho más familiarizado con lo que antes solo les pertenecía a ellos. Sorprender no es fácil y arriesgar puede salir caro, pero una apuesta ganadora como la de Tomorrowland por la música clásica o el regreso de Monegros a sus inicios nos recuerda que ser conservador y repetir fórmula suele acabar quitando las ganas de bailar.