La noche estrellada de Vincent van Gogh es quizá la representación del cielo nocturno más famosa de la historia del arte. Durante años, los expertos se han hecho una gran pregunta: ¿pintó el genio neerlandés un cielo real o la composición es fruto de su imaginación? La hipótesis tradicional, a partir de las cartas a su hermano Theo, sostiene que se inspiró en el firmamento del 19 de junio de 1889 sobre el asilo de Saint-Rémy y que se tomó algunas licencias. 

Ahora, un equipo liderado por el investigador coreano Elijah Jeong-hyun Kim, ha combinado simulaciones astronómicas, registros meteorológicos históricos y cartas de Van Gogh para proponer una nueva hipótesis que elimina las discrepancias anteriores: según ellos, lo pintó un mes más tarde, el 22 de julio, mientras contemplaba una configuración muy específica del cielo.

Una noche muy disputada

Los detalles se ofrecen en un artículo publicado este jueves en la revista Scientific Reports, en el que mediante métodos estadísticos y revisión del registro histórico los autores defienden que Van Gogh no distribuyó las estrellas al azar ni por mera improvisación. En concreto, concluyen, reflejó el cielo sobre Saint-Rémy antes del amanecer del 22 de julio de 1889, cuando la delgada luna creciente, Venus y el cúmulo de las Híades en Tauro aparecían alineados exactamente en el campo de visión del pintor.

A partir de su análisis detallado, los científicos aseguran que las cinco estrellas centrales del lienzo coinciden con precisión matemática con la estructura en forma de «V» del cúmulo de las Híades, en la constelación de Tauro. De confirmarse esta interpretación, descartaría la hipótesis formulada en 1984 por el historiador Albert Boime, quien planteó que Van Gogh había representado la constelación de Aries al amanecer del 19 de junio de 1889. Los autores creen que Aries es una identificación insostenible —sus estrellas eran demasiado tenues para apreciarse con la luz del alba— y encuentran una coincidencia exacta con la Luna representada, que en la interpretación anterior se atribuyó a una licencia artística por la falta de coincidencia.

El equipo también dice haber desmontado el principal obstáculo histórico para esta fecha —la creencia de que el pintor estaba incapacitado por un grave brote psiquiátrico— ya que sus cartas indican que la crisis inicial duró solo “un día o dos”. Además, los registros meteorológicos de la Provenza sugieren que el cielo nocturno en julio de 1889 habría estado lo suficientemente despejado como para observar dicha disposición astronómica. Las afirmaciones del artista sobre el calor sofocante y el canto constante de las cigarras en las cartas también encajan con los 18 días por encima de los 30°C que se registraron en julio de aquel año, frente a las jornadas más frescas de junio.

Para asegurarse, Jeong-hyun Kim y su equipo identificaron el campo de visión del pintor en un cuadro pintado un año antes, Noche estrellada sobre el Ródano (1888), con fotografías tomadas en el lugar. Esta comprobación sirvió para probar si el método de análisis geométrico funcionaba en un lienzo cuyo emplazamiento real en Arlés está perfectamente documentado. Esto les permite interpretar que Van Gogh representó fielmente el cielo al menos en otra obra y validar, según ellos, la fiabilidad de su método matemático antes de aplicarlo a La noche estrellada. “Espero que este trabajo impulse una mirada renovada y multidisciplinaria sobre la secuencia y los métodos de trabajo de las pinturas de Saint-Rémy”, afirma Kim. “Nuestra conversación con los otros cielos de Van Gogh sigue en marcha”.

Interpretación forzada y sin certezas

A pesar del entusiasmo de los autores, algunos de los especialistas en arte y astronomía consultados por elDiario.es creen que las pruebas presentadas no son suficientes. A juicio del astrofísico y divulgador Javier Armentia, por ejemplo, el estudio no demuestra que Van Gogh observara exactamente ese cielo. “Como en otras reconstrucciones, una cosa es encontrar una configuración que encaje y otra probar que fue la que inspiró al pintor”, asegura. “La ciencia afina la hipótesis, no convierte una interpretación en certeza”.

Una cosa es encontrar una configuración que encaje y otra probar que fue la que inspiró al pintor. La ciencia afina la hipótesis, no convierte una interpretación en certeza

Javier Armentia — Astrofísico y divulgador

Para Monserrat Villar, especialista del CSIC, las obras de arte tienen innumerables capas de significado y admiten múltiples lecturas. “Con cada nueva mirada es como si utilizáramos un par de gafas diferente, capaz de revelar aspectos que de otra manera permanecerían ocultos”, señala. En su opinión, este estudio es un ejemplo muy interesante de cómo la astronomía (también la meteorología) pueden contribuir al estudio de una obra de arte y, en cualquier caso, enriquece el abanico de interpretaciones la obra.

Miguel Querejeta, astrofísico e investigador en el Observatorio Astronómico Nacional, cree que es un artículo muy atractivo, pero le ve algunas debilidades y contradicciones. Por un lado, la obra anterior que toman como referencia (Noche estrellada sobre el Ródano) “lo que demuestra es que Van Gogh no está pintando una fotografía de cómo se ve el cielo, sino que está utilizando un patrón para él conocido, que es la osa mayor”. Por otro lado, cree que los autores eligen un subconjunto de estrellas de forma caprichosa para justificar sus conclusiones. “Porque, además, si uno mira al cielo de forma más amplia, esa parte de la constelación de Tauro no destaca”, advierte. 

Para Querejeta, si el artista se inspiró en un día concretísimo, el 22 de julio de 1889, lo lógico sería que Venus estuviera en la posición correcta respecto al cúmulo de las Híades, y no lo está. “Venus está debajo del cúmulo, mientras que en el cielo real del 22 de julio de 1889, Venus estaba a la izquierda”. En su opinión, sería mucho más razonable interpretar que lo que está haciendo Van Gogh es inspirarse en un cielo real, pero “no estaba necesariamente intentando reflejar con fidelidad el cúmulo de las Híades”.

¿Por qué nos cuesta creer en la posibilidad de que la imaginación jugase un papel clave en la creación de una de las obras más famosas del arte occidental?

Inés Pérez Teresa — Historiadora del arte

No es la primera vez que se intenta calcular la fecha exacta en que se puede haber querido representar un cielo estrellado, apunta la historiadora del arte Inés Pérez Teresa, aunque, la respuesta rara vez nos aporta un conocimiento más profundo de la obra. “¿Por qué nos resulta tan importante poder demostrar de manera matemática la voluntad artística?”, se pregunta. “¿Es necesario comprender a través de fórmulas las ideas del pintor holandés? Quizá sería más interesante plantearnos por qué nos cuesta creer en la posibilidad de que la imaginación jugase un papel clave en la creación de una de las obras más famosas del arte occidental”.

A pesar del análisis detallado, Javier Armentia cree que persiste una pregunta de fondo: ¿hasta qué punto pretendía Van Gogh reproducir fielmente lo que veía desde su ventana? “Entre el cielo observado y el pintado median la memoria, la emoción, la composición y la libertad creadora”, concluye. “Por mucho que la astronomía pueda ayudar a reconstruir el cielo, La noche estrellada es, como el cielo que uno descubre en una noche limpia, una experiencia que va más allá de la astronomía”.

Anna Bella Geiger se ha alzado con el Premio Velázquez de Artes Plásticas, correspondiente al año 2026, un galardón que está dotado con 100.000 euros. El jurado ha destacado su “actitud de experimentación permanente que le ha llevado a trabajar desde múltiples disciplinas y lenguajes, así como un compromiso pedagógico que ha generado un impacto fundamental en distintas generaciones”. Con este premio releva a Patricia Belli, premiada el año pasado.

Por otra parte, el comité ha considerado que “durante sus setenta años de trayectoria ha cuestionado y sigue cuestionando los modos convencionales de validación artística”. De hecho, el jurado también “reconoce su insistencia en abordar la práctica artística como herramienta para pensar la historia y el presente”.

El trabajo de la artista brasileña abarca el grabado, la pintura, la fotografía, el vídeo, la instalación y el libro de artista. Se licenció en Lenguas Anglo-Germánicas por la Facultad Nacional de Filosofía de Río de Janeiro y se formó entre 1949 y 1953 en el taller de Fayga Ostrower. Posteriormente amplió sus estudios de Arte y Sociología con Hannah Levy-Deinhard en la New School for Social Research de Nueva York.

Asimismo, a lo largo de su carrera ha expuesto tanto en Brasil como internacionalmente y ha participado en bienales como las de São Paulo, Venecia y Estambul. Su obra también ha formado parte de importantes exposiciones colectivas, entre ellas ‘Radical Software: Women, Art & Computing’ (1960–1991), en la ‘Kunsthalle Wien’ de Viena, y ‘Latin America’ (1960–2013), en la Fondation Cartier pour l’art contemporain. Entre sus exposiciones individuales destacan ‘Brasil Nativo – Brasil Alienígena’, presentada en el MASP, y ‘Maps under the Sky of Rio de Janeiro’, en la Galería Nacional de Arte Zachęta de Varsovia.

Sus obras forman parte de las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, la Tate Modern y el Victoria and Albert Museum de Londres, y el MoMA de Nueva York. Entre sus publicaciones se encuentran ‘Abstraccionismo Geométrico Informal: La vanguardia brasileña de los años 50’, editada por Funarte en Río de Janeiro, y ‘Rrose Selavy «mesmo»’, publicada por Aural en Madrid.

Fundación Eurocaja Rural y Plena inclusión España lanzan la segunda edición de 'Talento Artístico: Comunidad creativa inclusiva', una convocatoria nacional que reconoce y apoya proyectos artísticos y culturales como motores de inclusión social y laboral de las personas con discapacidad.

El programa tiene como objetivo impulsar y dar visibilidad al talento artístico de las personas con discapacidad intelectual, apoyar el desarrollo de proyectos creativos, fomentar su participación cultural y contribuir a construir una sociedad más inclusiva y diversa. La convocatoria de 2026 seleccionará cuatro proyectos, que recibirán 3.000 euros cada uno y la ayuda servirá para impulsar el desarrollo de cada iniciativa.

'Talento Artístico' busca proyectos vivos, en desarrollo o ya en marcha, que necesiten un impulso para crecer. Podrán presentarse propuestas vinculadas a las artes plásticas (pintura, escultura o cerámica), artes visuales (fotografía, vídeo o ilustración), artes escénicas (teatro, danza o performance), artes musicales (canto, composición o interpretación) y artes literarias (poesía, narrativa o guion).

Con esta iniciativa, ambas entidades persiguen tres objetivos: impulsar la inclusión a través del arte, dar visibilidad a las entidades que transforman realidades desde la cultura y reforzar el papel del arte como motor de cambio, igualdad y cohesión social.

Invitación a las entidades sociales

'Talento Artístico' invita a participar a todas las entidades sin ánimo de lucro y de acción social que trabajan por la inclusión social, la formación, el empleo o la inclusión cultural de personas con discapacidad en toda España. Se admiten tanto proyectos propios de la entidad como propuestas de artistas con discapacidad respaldadas por ella. Cada entidad podrá presentar hasta tres proyectos.

En 2025, 'Talento Artístico' reunió 67 proyectos de 22 provincias, con 1.200 participantes y los cuatro seleccionados fueron la Compañía de Teatro Inclusivo de Asprona (Albacete), el juego de cartas en lectura fácil ¿Quién es más Saputo?, de Plena inclusión Aragón (Zaragoza), el libro de poesía e ilustración A Golpe de Verso, de APSA (Alicante), y el proyecto de artes escénicas Includanza, de la Fundación San Cebrián (Palencia).

Las entidades interesadas pueden presentar sus proyectos hasta el 19 de noviembre de 2026. Las candidaturas se presentan a través del formulario disponible en https://fundacioneurocajarural.es/.

Un hombre con barba, un sombrero con ala ancha y un pañuelo anudado al cuello. Fue la imagen que vio Lesley Stevenson, conservadora de pinturas de la Galería Nacional de Escocia, tras utilizar rayos X sobre la obra Cabeza de una campesina, un óleo pintado por Vincent van Gogh en 1885. 

Todo ocurrió en 2022, mientras los expertos del museo escocés preparaban una exposición y catalogaban la pintura de la campesina para la actividad. Los especialistas decidieron entonces someter la obra a una radiografía sin esperar que acabarían encontrando una obra inédita del pintor neerlandés. Un autorretrato que este habría pintado hacia el final de su vida.

“Es algo que pasa una vez en la vida de un conservador”, comentó Stevenson cuando se dio a conocer el hallazgo hace ya cuatro años. “Las placas de rayos X se procesaron en un cuarto oscuro anticuado, y cuando miré las imágenes, me di cuenta de que estaba mirando el rostro del mismísimo Van Gogh”.

Lo más curioso de este autorretrato es que consiguió permanecer oculto a todo el mundo durante más de un siglo bajo capas de cartón y pegamento adheridas al reverso del lienzo. Los expertos señalaron que estas piezas se colocaron a comienzos del siglo XX, posiblemente para preparar la pintura de la campesina para alguna exposición de arte abierta al público.

La historia del cuadro

Cabeza de una campesina fue pintado en 1885, justo antes de que el reconocido artista se trasladara de su tierra natal a los círculos artísticos de París. Según compartió el museo cuando dio a conocer la noticia, el autorretrato debió pintarse más tarde, cuando el artista ya vivía con los impresionistas franceses. 

En aquella época, su obra empezó a ser cada vez más colorida y expresiva. De Van Gogh (1853-1890) siempre se dijo, además, que reutilizaba las telas en las que trabajaba para ahorrar dinero, sobre todo en los inicios de su carrera artística, donde tuvo dificultades económicas. Simplemente le daba la vuelta al lienzo y pintaba por el otro lado, lo que cuadra a la perfección con esta historia.

Las investigaciones posteriores al hallazgo sugirieron que el autorretrato oculto detrás del cuadro de la campesina formaba parte de una serie de retratos experimentales que Van Gogh pintó en el reverso de lienzos utilizados anteriormente. De hecho, cinco obras similares se conservan en el museo que hay dedicado al artista en Ámsterdam.

El Hotel Gran Vía de Logroño transformará del 2 al 6 de enero seis de sus habitaciones en espacios expositivos en los que el público podrá descubrir diferentes lenguajes artísticos, conocer de cerca los procesos creativos y conversar directamente con sus autores. El director general de Cultura, Roberto Iturriaga, acompañado por el gerente del Hotel Gran Vía de Logroño, Carlos López Melón, ha presentado hoy, 19 de octubre, a los seis artistas seleccionados para esta segunda edición de ‘Hotel Actual’, una de las propuestas de arte contemporáneo integradas en la programación del festival Actual 2027.

La selección está integrada por David Catá y Ana Escalera, procedentes de otras comunidades autónomas; los riojanos José Uríszar, Victoria Martínez Leiva y Héctor Sáenz; y Silvia Casaus, alumna de la Escuela Superior de Diseño de La Rioja (ESDIR). “Apostábamos esta segunda edición por ese hotel céntrico donde el propio recorrido de la ciudadanía invite a entrar y a disfrutar del hotel de una forma diferente”, ha señalado Iturriaga, quien ha explicado así la elección de un espacio cotidiano como escenario para acercar la creación contemporánea al público.

La convocatoria ha recibido 170 candidaturas: 75 procedentes de La Rioja, cerca del 44 % del total; 80 de otras comunidades autónomas y 15 del ámbito internacional. Tras la valoración del jurado, se preseleccionaron 13 proyectos —nueve riojanos y cuatro nacionales—, de los que se han elegido las seis propuestas participantes, además de establecer una lista de espera para cubrir posibles bajas.

La selección reúne proyectos de distintas disciplinas y procedencias, con propuestas de fotografía, dibujo, memoria familiar, moda, gráfica, pintura, arte digital y arte floral. Algunas de las habitaciones incorporarán, además, procesos de creación en directo, de modo que la experiencia no se limitará a contemplar las obras terminadas, sino que permitirá acercarse también a cómo se desarrollan.

Seis propuestas para descubrir diferentes lenguajes artísticos

Los artistas David Catá y Ana Escalera presentarán dos propuestas que exploran formas diferentes de relacionarse con los objetos, la memoria y la identidad. Catá presentará ‘Lo que permanece’, una combinación de fotografía, dibujo, música y archivo familiar para abordar la memoria de los paisajes y los vínculos personales. Escalera convertirá su habitación en ‘Soledad Gómez: Otra vida’, un vestidor concebido como un archivo vivo de prendas recuperadas e intervenidas mediante serigrafía. La instalación incorporará un espejo digital desde el que consultar información sobre las piezas, su elaboración y su precio.

Las propuestas riojanas aportarán otros tres enfoques. José Uríszar transformará su espacio en ‘La habitación del pintor’, un estudio temporal en el que convivirán obras terminadas, bocetos y trabajos en proceso, con la posibilidad de observar al artista mientras pinta. Victoria Martínez Leiva presentará ‘Escala 1:12’, una serie fotográfica de pequeños escenarios construidos con objetos cotidianos y elementos de casas de muñecas. Por su parte, Héctor Sáenz desarrollará una propuesta de arte floral que explorará las posibilidades de este lenguaje como forma de creación artística.

La sexta habitación estará a cargo de Silvia Casaus, estudiante de la ESDIR, que presentará ‘Lobotomy Tomy’s Room’. Su propuesta reunirá prendas y accesorios de diseño, estampación textil, gráfica, objetos, música y elementos audiovisuales en un universo creativo propio.

Creación en directo y contacto con los artistas

‘Hotel Actual’ se celebrará del 2 al 6 de enero, en horario ininterrumpido de 10:30 a 20:30 horas, en el Hotel Gran Vía de Logroño. Durante esos días, los visitantes podrán recorrer las habitaciones, conocer las propuestas y conversar directamente con sus autores. Las obras estarán a la venta, lo que permitirá a quienes se interesen por ellas adquirirlas directamente de los artistas.

Iturriaga ha destacado también la incorporación de procesos creativos en vivo como uno de los aspectos que enriquecen la propuesta. “Va a haber creación en vivo en ese momento, que también es algo a valorar”, ha señalado. Esta posibilidad tendrá especial presencia en la habitación de José Uríszar, donde el público podrá contemplar tanto obras ya terminadas como trabajos en proceso y conversar con el pintor mientras trabaja.

Con esta segunda edición, ‘Hotel Actual’ propone un recorrido por seis espacios singulares en los que exhibición, experimentación y contacto directo con los creadores compartirán protagonismo. La iniciativa se integra en la programación de Actual 2027 con un formato que busca acercar el arte contemporáneo a la ciudadanía en un entorno cotidiano y accesible.

Los antiguos artistas de Egipto utilizaban finísimas tablas de madera para pintar rostros que acabarían acompañando a los difuntos dentro de sus momias. Aquellas pinturas, conocidas como retratos de Fayum, tenían una función funeraria muy distinta de la que cumplen hoy en los museos.

Se colocaban sobre la cara del fallecido, entre los vendajes, y reproducían sus facciones mediante una tradición artística influida por el mundo griego y romano. Algunos de estos retratos han sobrevivido cerca de dos milenios, aunque conservar una pintura sobre un soporte tan delicado plantea dificultades considerables.

Las pinturas funerarias exigían técnicas adaptadas a la madera

El Tondo de los Dos Hermanos, una pintura egipcia del siglo II, acaba de ser presentado en El Cairo después de una restauración realizada conjuntamente por especialistas de Egipto e Italia. Los trabajos se prolongaron durante tres semanas en el Museo Egipcio de Tahrir, donde se conserva habitualmente la pieza. La intervención ha permitido recuperar detalles de uno de los personajes antes de su traslado a Roma para una exposición internacional.

La obra presenta a dos jóvenes situados uno junto al otro sobre una tabla circular de aproximadamente 62 centímetros de diámetro y menos de un centímetro de grosor. Su formato resulta poco habitual entre los retratos de Fayum, que generalmente representaban a una sola persona. También destaca por su técnica de encáustica, un procedimiento pictórico que utiliza pigmentos incorporados a cera fundida para aplicar el color.

El estado de conservación de la tabla planteaba problemas que iban mucho más allá del desgaste superficial de una pintura antigua. Aly Abdel Halim, director general del Museo Egipcio de Tahrir, explicó que una infestación de insectos xilófagos, probablemente termitas, había deteriorado gravemente la madera. Los daños provocaron la separación de algunos fragmentos y debilitaron distintas zonas de la superficie pintada. A ello se añadían errores de intervenciones anteriores, que habían colocado incorrectamente partes de la boca y la barbilla del hermano situado a la derecha.

Los daños antiguos obligaron a reconstruir varias zonas pintadas

Los especialistas de Fabrica Conservazione e Restauro, procedentes de Roma, trabajaron con los conservadores egipcios para estabilizar las zonas afectadas sin alterar los elementos originales. Primero protegieron la pintura debilitada y trataron las galerías abiertas por los insectos bajo determinadas áreas hundidas.

Después utilizaron un material de relleno ligero, de tonalidad semejante a la madera, y pequeños soportes de balsa para devolver los fragmentos desplazados a sus posiciones correspondientes. La limpieza posterior permitió recuperar la continuidad de la imagen y distinguir mejor las facciones del personaje.

Los exámenes realizados con luz ultravioleta también aportaron información sobre los procedimientos empleados por los pintores de la época romana. Los investigadores localizaron en el cabello de ambas figuras indicios de una posible capa antigua de barniz transparente, utilizada para intensificar las tonalidades oscuras. Hisham El-Leithy, secretario general del Consejo Supremo de Antigüedades de Egipto, destacó el interés de estudiar conjuntamente la técnica pictórica, el soporte y el estado de conservación de la obra.

La exposición romana reúne patrimonio de instituciones internacionales

La próxima etapa del Tondo será el Museo del Ara Pacis de Roma, que acogerá hasta el 2 de mayo de 2027 la exposición El poder del retrato. Egipto y Roma, rostros de Fayum. La muestra reunirá más de 110 objetos y supondrá la primera salida internacional de un conjunto de retratos de Fayum procedentes de museos egipcios. Entre las instituciones prestadoras figuran los museos de Tahrir, Kom Aushim y Hurghada.

El recorrido expositivo incluirá también piezas del Louvre, del Museo Getty y del Metropolitan Museum de Nueva York, junto con máscaras funerarias, sudarios, esculturas y joyas antiguas. Tomaso Radaelli, presidente de la organizadora MondoMostre, destacó la amplitud de una selección destinada a mostrar las relaciones artísticas desarrolladas en Egipto bajo dominio romano.

Entre las obras anunciadas figura asimismo un retrato descubierto recientemente por una misión arqueológica de la Universidad de Salento, cuya presentación pública está prevista en esta exposición.

La colaboración institucional continuará con la participación de responsables culturales egipcios e italianos en las actividades vinculadas a la muestra. Sherif Fathy, ministro egipcio de Turismo y Antigüedades, defendió la conservación del patrimonio mediante proyectos internacionales, mientras que el embajador italiano Agostino Palese manifestó su intención de fortalecer la cooperación bilateral. Tras la presentación de la pintura restaurada, ambos participaron en un reconocimiento a los equipos de conservación, que recibieron certificados por su trabajo.

En el centro de la ciudad de Olot un curioso viajero puede descubrir y disfrutar del histórico edificio del Hospicio, una sobria construcción neoclásica proyectada en el siglo XVIII por el renombrado arquitecto Ventura Rodríguez. Este majestuoso recinto, articulado alrededor de un imponente patio central porticado con galerías de arcos de medio punto, alberga en su tercera planta las instalaciones del Museo de la Garrotxa. La institución cultural constituye un espacio fundamental donde la rica trayectoria artística, industrial y artesana de la comarca se fusiona armoniosamente con el patrimonio natural que la rodea. Visitar sus salas supone adentrarse en un interesante viaje por la memoria colectiva de Catalunya.

A lo largo de sus más de dos siglos de historia, el edificio del Hospicio ha desempeñado funciones sumamente diversas antes de convertirse en la sede del museo comarcal en 1987. La estructura funcionó originariamente como centro educativo, vivienda para maestros y espacio dedicado a la beneficencia pública, sirviendo posteriormente como sede de la Escuela de Bellas Artes y cuartel militar. En la actualidad, además de albergar las valiosas colecciones permanentes y temporales del museo, la edificación acoge una residencia de ancianos y la emblemática casa de los gigantes de la ciudad. Su conservación arquitectónica permite contemplar un escenario único impregnado de memoria viva.

El núcleo principal e identitario de la colección permanente reside en las obras de arte de la célebre Escuela Paisajística de Olot, movimiento fundado en la segunda mitad del siglo XIX. Impulsado fundamentalmente por los hermanos Joaquim y Marian Vayreda junto con el destacado pedagogo Josep Berga i Boix, este colectivo trasladó los postulados de la influyente escuela francesa de Barbizon al arte catalán. Más que un estilo rígido, la escuela olotense instauró una completa libertad interpretativa centrada en la plasmación de la naturaleza local, tomando escenarios icónicos como los humedales de la Moixina como tema recurrente de sus lienzos.

La proyección histórica del centro abarca un continuado itinerario cronológico que comienza con los bellísimos pesebres barrocos esculpidos por Ramon Amadeu y se extiende hasta la producción de la posguerra. La colección exhibe magníficas piezas de reconocidos maestros locales de la pintura y la escultura, destacando nombres esenciales como Miquel Blay, Josep Clarà, Francesc Vayreda, Iu Pasqual y Leonci Quera. Asimismo, el renombre de la escuela atrajo e influenció a prominentes creadores, entre los que figuran Enric Galwey, Joan Llimona, Joan Brull y el genial pintor modernista Ramon Casas, consolidando a la ciudad como faro artístico regional.

Uno de los grandes atractivos visuales que deslumbran al visitante en el recorrido por sus salas es la excepcional colección de carteles pertenecientes al período modernista catalán. Entre este selecto fondo destaca la célebre serie publicitaria confeccionada para la marca Cigarrillos París, un conjunto gráfico de extraordinario valor histórico y refinamiento estético. Estas obras plasman a la perfección la profunda transformación cultural, la elegancia estilística y la revolución en las artes aplicadas que caracterizaron el cambio del siglo XIX al XX. La muestra de cartelería evidencia el alto nivel creativo que alcanzó la ilustración comercial de la época.

El lienzo de Ramon Casas

Sin lugar a dudas, la pieza maestra de mayor envergadura y resonancia histórica que custodia la institución desde 1919 es el monumental lienzo titulado “La Carga”, obra de Ramon Casas. Esta imponente pintura antibelicista de grandes dimensiones, conocida también con el nombre de “Barcelona, 1902”, generó una viva controversia social durante su época de presentación. La composición muestra con estremecedor realismo a un guardia civil a caballo cargando directamente contra una multitud desarmada, convirtiéndose en un testimonio pictórico trascendental sobre las tensiones sociales y los conflictos urbanos de principios del siglo XX.

Hoy en día, el Museo de la Garrotxa reafirma su sólida vocación pedagógica y comunitaria ofreciendo diversas propuestas educativas, recorridos accesibles e innovadoras salas destinadas al arte contemporáneo como el Espacio Zer01. La reciente integración de trece valiosas obras cedidas por el Museo Nacional de Arte de Catalunya ha enriquecido el discurso expositivo con destacadas figuras de la talla de Ramon Martí Alsina y Modest Urgell. Articulando su atractiva oferta con otros centros patrimonio de Olot como la Casa Museo Can Trincheria o el Museo de los Santos, la institución garantiza una vivencia cultural inolvidable donde la deslumbrante belleza del paisaje trasciende en arte.

“¿Por qué yo no puedo soñar? ¿Por qué no puedo tener el mismo derecho que tú?”, son las preguntas de Youssef Ariri, un joven marroquí, futbolista del F.C Darna (Barcelona) que ha participado en el proyecto Goals for Hope, una exposición fotográfica que recoge la mirada de más de una veintena de migrantes en España y que ahora puede verse en la Universidad de Alcalá de Henares.

Ofelia de Pablo y Javier Zurita, documentalistas, periodistas y creadores del proyecto desde su productora Hakawatifilm nos cuentan que la idea surgió mientras realizaban un proyecto durante el Mundial de Fútbol de Sudáfrica (2010). “Estuvimos fotografiando los guetos y ahí nos dimos cuenta de que el balón y el fútbol salva la vida a los chavales”, destaca Zurita.

Tomando conciencia del impacto que ese deporte tiene en las personas jóvenes, desarrollaron otro proyecto similar en Madrid, hasta llegar a Goals for Hope. “En este hemos incluido a ocho comunidades autónomas. Nos dimos cuenta de que nosotros como documentalistas siempre contamos las historias, pero faltaba la propia voz [de las personas migrantes]. Ahí nos narran su historia con su mirada, la cámara cambia de manos”, explica De Pablo.

Este proyecto fotográfico nace “porque hay una mirada estereotipada negativa de la migración y sobre todo porque ellos no tienen la posibilidad”) de autorepresentarse porque no cuentan las herramientas“. Goals for Hope les facilita cámaras para que sean ahora ellos quienes cuenten sus propias historias en primera persona.

La muestra, entre la que se encuentran equipos de fútbol como las Madres Dragonas de Lavapiés (Madrid), F.C. Darna (Barcelona), CEAR C.F. Canarias, o Más que Campeonas de Fútbol Más (Sevilla), recoge el testimonio fotográfico de 23 migrantes y puede visitarse en la Sala de Exposiciones de Caracciolos de la Universidad de Alcalá -en la actual Facultad de Filosofía y Letras en Alcalá de Henares- hasta el próximo 25 de octubre.

Retirar los estereotipos al mirar la migración

Ofelia apunta que “normalmente la migración se cuenta en números, no como personas con un nombre”, sin embargo, es importante conocer las circunstancias y relatos de cada migrante.

En este cambio de manos de la cámara del documentalista al migrante, realizaron ejercicios previos para favorecer la creatividad y ver qué historias querían contar.

En el caso de varios chicos del F.C. Darna, uno de ellos, Hamza, les presentó a Ofelia y Javier una foto de un sillón con un cuadro en la parte superior: “Al verla le dije, venga, hay que trabajar más. Pero de alguna manera me miró regañándome, diciendo que era una fotografía muy importante para él. Hamza me dijo que era muy importante, porque nadie que no ha vivido en la calle sabe lo importante que es tener un sillón, tener su propia casa”, relata Javier Zurita, que destaca que “a veces una fotografía sencilla cuenta mucho”.

Igual le ocurrió con Moha, que “vivía en la calle, en una tienda de campaña, pero nunca la retrató. Decía que no lo hacía porque esa parte no le representaba, la tienda de campaña era algo pasajero y circunstancial. Para mí, aquello fue una lección”, afirma Zurita.

Dejar a un lado esa mirada estereotipada también le sucedió a Ofelia de Pablo, que nos cuenta que Soufiane, un chico originario de Tánger, hizo una fotografía a un vaso de leche con galletas: “Le pedí que buscara algo más… un encuadre. Él me dijo que esas galletas se las había enviado su madre y que como no podía verla era una manera de sentirla cerca”.

Ambos coinciden que no hay que entender únicamente la migración a través de los casos de éxito o de fracaso, sino “a través de la naturalidad y de su día a día”.

El fútbol como herramienta “superpoderosa” de transformación social

Cada migrante que abandona su país –buscando un futuro mejor, huyendo de la guerra o de situaciones inimaginables- tiene una historia concreta. Una historia que solo él o ella conocen.

Encontrar a otras personas en tu misma situación o que aquellas personas locales sepan por lo que has pasado favorece la empatía. El fútbol, según señala Ofelia, es una herramienta de transformación social “superpoderosa”, y un gran ejemplo lo encontraron al conocer de cerca a las integrantes de las Madres Dragonas de Lavapiés, un equipo futbolístico femenino formado por madres migrantes. “El fútbol les ha ayudado a construir una red de apoyo. Ellas dicen que literalmente les ha salvado la vida”, apunta Ofelia de Pablo.

Nos cuenta también una historia concreta, la de Tania, que es madre soltera, víctima de violencia de género y que tiene dos trabajos, donde “el equipo de fútbol la ayudó a construirse como persona, tener una red que la apoya”.

Javier también señala que “el fútbol a veces es su refugio, entre ellas se ayudan, la que ha pasado por una situación similar al final en el día a día ayuda más incluso que un psicólogo. María, otra chica, dice que para ella [el fútbol] es como una terapia”.

El fútbol funciona también como una herramienta de integración: “Ghizlane, de las Madres Dragonas de Lavapiés, dice que antes muchas mujeres con pañuelo las veían jugar en el ‘Campito’, que es su campo de fútbol, y no entraban, pero ahora sí que lo hacen. Eso también las ayuda a salir de entornos más cerrados”, matiza Javier Zurita.

Crear un nuevo mapa narrativo de la migración

Cuando se habla de personas migrantes, las principales imágenes en los medios de comunicación y en redes sociales están asociadas a su llegada: barcos, operativos de organizaciones de ayuda humanitaria, pero sobre todo números. Una realidad que se ha visto más recientemente durante el episodio de entrada de migrantes en Ceuta a finales de julio, donde se ofrecía constantemente una cifra actualizada de cuántas personas habían cruzado a España. Goals for Hope quiere romper con esa visión estereotipada, trayendo imágenes e historias narradas desde la cotidianidad y que puedan llegar hasta los centros educativos.

“La exposición quiere crear un nuevo mapa narrativo de la migración, donde va más allá de la muestra fotográfica. También es un proyecto educativo que está hecho con materiales creados por los migrantes y de lo que se trata es llegar al aula, y transformar la mentalidad de la siguiente generación. ”Todos somos personas que caminamos bajo el mismo sol, como dice Sissoko, uno de los chicos refugiados de CEAR“, explica Ofelia.

Es por ello que, a través de su propia página web, ofrecen la posibilidad a cada centro educativo que así lo solicite, que puedan visitar la exposición en los diferentes emplazamientos a los que esta exposición itinerante viajará.

Tras casi dos décadas trabajando como documentalista en el marco de lo social, Javier Zurita, señala que todavía le sorprende y le emociona “cómo algo tan sencillo, por ejemplo, una fotografía de una chica a un reloj, porque dice que representa su vida porque no tiene tiempo”. “Son sencillas, pero muy descriptivas, a mí probablemente me habría costado muchísimo llegar a algo así, aunque llevo muchos años trabajando”, recalca.

Ofelia también expone que, al contemplar la exposición, muchas personas se han emocionado porque habla de los sueños que tienen esas personas: “Muchas veces pensamos que la gente viene aquí porque tiene una vida muy mala, penurias económicas, pero existe gente que solo quiere cumplir su sueño de estudiar en la universidad porque en su país no pueden. Cuando empatizas con sus historias, al ver las fotografías, tu mente se abre gracias a su mirada”.

El proyecto Goals for Hope ha sido subvencionado por el Ministerio de Cultura y está patrocinado por Canon España, que es quien ha facilitado los equipos fotográficos. De igual manera, también ha recibido apoyo institucional de la Federación Española de Fútbol.

La catedral primada incorporará a su patrimonio artístico una nueva obra dedicada a san Alonso de Orozco, religioso agustino nacido en Oropesa y estrechamente vinculado al templo toledano durante su infancia como seise.

El cuadro, obra del pintor David Santos, 'Santos de Cuenca', será presentado y bendecido este sábado, coincidiendo con el aniversario del nacimiento del santo, el 17 de octubre de 1500.

La pintura, donada por su autor a la catedral, representa una escena mística de san Alonso de Orozco junto a la Virgen María, y quedará instalada sobre la puerta de la sala conocida como 'la Papelera' junto al 'Cristobalón', la monumental representación de san Cristóbal que se encuentra en este espacio del templo.

Su ubicación posee un especial significado por la propia historia de san Alonso de Orozco. Durante su infancia, el santo fue seise de la Catedral de Toledo, donde recibió formación musical y participó en el canto litúrgico. Precisamente, la denominada 'Papelera' era un espacio estrechamente vinculado a los seises: allí se cambiaban y se custodiaban las partituras utilizadas en la catedral, los 'papeles' que dieron origen a su denominación tradicional.

De este modo, la incorporación de la obra establece un vínculo entre la memoria del santo y el lugar que recuerda una etapa fundamental de sus primeros años, devolviendo simbólicamente su figura al espacio de la Catedral del que formó parte hace más de cinco siglos.

Nacido en Oropesa, san Alonso de Orozco continuó su formación en Salamanca e ingresó en la Orden de San Agustín, en la que desarrolló una intensa vida religiosa, intelectual y pastoral. Sacerdote, escritor místico y predicador, llegó a ser nombrado predicador real por el emperador Carlos V. Falleció en Madrid en 1591 y fue canonizado por san Juan Pablo II en 2002.

Una iniciativa vinculada a Oropesa y a la familia agustiniana

La incorporación del cuadro a la Catedral nace de una iniciativa impulsada por Teófilo Viñas, religioso agustino fallecido en 2025 que trabajó para hacer posible este homenaje a san Alonso de Orozco y reforzar los vínculos entre su localidad natal, la Orden de San Agustín y la catedral de Toledo.

A la donación realizada por el pintor David Santos se suma la colaboración de la Hermandad de San Alonso de Orozco de Oropesa, que ha donado el marco que acompaña a la obra.

Una pintura de Gertrude Abercrombie (1909-1977), adquirida por 30 dólares en 2025, se ha vendido por 1.352.600 dólares en una subasta celebrada en Nueva York. La obra, titulada Alderman Merriam’s Shells, fue pintada por la artista surrealista estadounidense en 1951, pero no se volvió a saber de ella hasta el año pasado.

El cuadro fue adquirido en 2025 durante una venta de bienes en Kalamazoo, Michigan. El comprador, un coleccionista de objetos antiguos, encontró el cuadro de casualidad entre los pasillos de la vivienda donde se realizaba la venta y pagó por él una cantidad muy pequeña de dinero. Al llegar a casa, reparó en la firma de “Abercrombie” que aparecía en el lienzo y decidió investigar su procedencia. 

“El comprador visitó la exposición ‘The Whole World Is a Mystery’, en el Museo de Arte de Milwaukee, donde el catálogo reproducía una fotografía del Chicago Tribune de 1952 de la pintura en su marco original junto a las conchas que representa”, explica Freeman's Auctions, la casa que ha realizado la subasta, en el comunicado sobre la noticia.

El comprador decidió entregar el cuadro y la investigación posterior permitió confirmar que se trataba de una pintura realizada por Abercrombie en 1951. Un año después de terminarla, la artista se la entregó al doctor John T. Reynolds como pago por unos servicios médicos. La obra ha estado desde entonces en manos de la familia Reynolds.

Según la casa de subastas, Alderman Merriam’s Shells, que podría traducirse al español como Las conchas del concejal Merriam, llegó a formar parte de hasta “seis exposiciones individuales en 1952 y 1953”. A partir de entonces, la obra permaneció “fuera de la vista del público durante cerca de 75 años”, apunta Freeman's Auctions. Tras la venta, se ha convertido en la primera obra de la artista que supera el millón de dólares en una subasta.

Quién fue Gertrude Abercrombie

La obra protagonista de esta noticia refleja algunos de los rasgos característicos de Abercrombie, considerada una de las figuras más emblemáticas del surrealismo estadounidense. Nacida en 1909, desarrolló gran parte de su carrera en Chicago, donde construyó un lenguaje pictórico propio a partir de objetos cotidianos, escenarios deshabitados y elementos simbólicos.

Su obra no tardó en captar la atención de la crítica, y realizó su primera exposición individual en el Instituto de Arte de Chicago en 1944, a sus 35 años. Solo durante la década de 1950, se dice que pintó cerca de 500 obras. Pese al éxito que alcanzó en aquella época, su reconocimiento internacional fue durante años limitado, algo que ya está cambiando. Distintas exposiciones han contribuido a recuperar el legado de una de las surrealistas más interesantes.

Exposiciones, mesas redondas, o teatro entre los planes culturales que hemos seleccionado para este fin de semana en toda España.

Ocho planes para el finde, por Elena Cabrera

Reflexión colectiva para repensar el presente (en Barcelona). Organizada bajo el lema “Desencadenar el presente”, la Bienal de Pensamiento reúne en el CCCB a grandes figuras de la literatura y el pensamiento, como Mariana Enríquez, Patrick Radden Keefe, José Luis Guerin, Chantal Maillard o Juan Mayorga. Del 13 al 18 de octubre.

Una cita clásica de la historieta (en Getxo). El Salón del Cómic de Getxo regresa del 16 al 18 de octubre rindiendo homenaje a Miguelanxo Prado y Laureano Domínguez, editor de Astiberri. El evento contará con una amplia programación e invitados de la talla de Antonio Altarriba, Koldo Azpitarte y Elizabeth Casillas, autora de La palabra que empieza por A.

Teatro de ambos lados del Atlántico (en Cádiz). El Festival Iberoamericano de Teatro (FIT), una de las citas teatreras más asentadas y al alcance de todos, despliega del 14 al 24 de octubre, 44 actividades en 11 espacios de la ciudad. La edición reúne a 20 compañías de Latinoamérica y de España, con una notable representación del talento andaluz.

Periodismo en vivo, único e irrepetible (Madrid). El Teatro Fernando de Rojas acoge una edición especial de Diario Vivo, una compañía que lleva el periodismo a la escena teatral, en esta ocasión junto a Acción contra el Hambre, el 16 de octubre. Ocho personas vinculadas a la organización subirán al escenario para compartir vivencias del terreno que transformaron su forma de ver el mundo.

Las mejores fotos del periodismo de este año (Valencia). A partir del 17 de octubre y hasta el 8 de noviembre se puede ver la exposición World Press Photo 26 en el Palau Joan de Valeriola de la Fundación Chirivella Soriano de València. El mejor fotoperiodismo del mundo, que por supuesto incluye imágenes del genocidio palestino, los efectos del cambio climático o las migraciones. La entrada cuesta seis euros.

Divulgación e historia en el Barrio de la Ciencia (Madrid). La ciudad impulsa esta iniciativa cultural para acercar el conocimiento científico y poner en valor el patrimonio investigador del entorno urbano. A través de sus actividades programadas durante el mes de octubre, el público podrá descubrir hitos científicos e itinerarios de forma didáctica.

Las fascinantes fotos de Martin Parr (Palma). En el espacio galerístico del Terreno Barrio Hotel de Palma de Mallorca, se organiza la exposición A Matter of Taste, dedicada a una de las figuras más influyentes de la fotografía documental contemporánea, que falleció en 2025.

Charla gratuita con el escritor Theodor Kallifatides (Madrid). El escritor sueco-griego charla con el periodista cultural de La Vanguardia Xavi Ayén en el Museo del Prado sobre desarraigo, lengua e identidad, el viernes 16 de septiembre a las 18:30.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Una canción sobre el miedo del regreso del fascismo, otra sobre el genocidio palestino, una sobre la desintegración de la izquierda y otras dos sobre la ansiedad climática y la cotidiana. La Jvnta no se deja nada en el tintero en su nuevo disco, Por ahí van los tiros, donde la banda torna política para mirar con atención lo que sucede a su alrededor. Una de las canciones del álbum ya puedes escucharla en nuestra playlist de recomendaciones.

'La falda' de Judeline. Haciendo un sample de J'y suis jamais allé de Yann Tiersen, la cantante gaditana firma un hit con tintes flamencos y reguetoneros en la que es su primera canción desde Bby Wow con Karol G y Rusowsky. La artista ha visitado la redacción de elDiario.es para reflexionar sobre su ascenso al estrellato y pronunciarse políticamente sobre la crisis de vivienda.

'Goodbye to All That' de Jess Williamson. Tomando prestado el título del célebre ensayo de Joan Didion sobre el final de la juventud y la despedida de las ciudades, la cantautora texana entrega una de las joyas de su nuevo trabajo, A Mile South of Heaven. Producida por Shooter Jennings, la canción capta con precisión el instante en el que una comprende que un vínculo con otra persona ha concluido.

'El meneíto de ella' de La Jvnta. Tras renovar su formación y afincarse en Sevilla, el grupo consolida en su nuevo una etiqueta tan sugerente como divertida: su autodenominado “pospunk neomudéjar”. En esta canción, la banda entrelaza lo íntimo y lo social al abordar las inseguridades sexuales y el temor ante el avance de la ultraderecha.

Tres libros, por Laura G. Higueras

'Todo fue bonito y nada dolió', de Ben Reeves (trad. Laura Vidal, AdN). Empezamos con una novela que aborda el sufrimiento que generan las pérdidas y la angustia que provoca el paso del tiempo. Lo hace siguiendo a Travis Smith, la Muerte en el mundo moderno. Se dedica a brindar consuelo a las personas en sus últimos días y horas de vida. Cada muerte en la que está presente significa algo para él: escucha, nunca juzga y, sobre todo, jamás intenta cambiar el destino de nadie. Sabe que toda vida debe terminar en algún momento para mantener el equilibrio del universo y respeta el ciclo. Hasta que una vecina y su hija irrumpen en su día a día para trastocar por completo su estructura vital.

'Sexo o lo insoportable', de Lauren Berlant y Lee Edelman (Irrecuperables). Este libro se articula en torno a la conversación entre ambos autores, para los que el sexo es un lugar desde el que explorar la escena de la relacionalidad, centrándose en la negatividad que puede hacerla perturbadora. En su charla muestran algunas de las complejidades de la relacionalidad: es violenta, placentera, productiva, un escenario de fantasía y desconocimiento, y mucho más. En la edición incluyen el ensayo Deseo/Amor, que gira en torno a lo que los teóricos han escrito sobre el deseo y el amor.

'¿Qué soy, un ciervo?', de Polly Parton (trad. Rita da Costa, Anagrama). La autora de los ensayos Porno. Una historia oral y Fifty Sounds, debuta en la ficción con esta novela que desmantela los clichés del amor romántico y puede leerse como un tratado sobre la heterosexualidad y el ciclo siempre idéntico de su deseo. En ella se combinan Céline Dion, Whitney Houston, The Cure, los videojuegos, el karaoke y la soledad de la vida contemporánea, atravesadas por la autenticidad y en anhelo de pertenencia.

Tres películas, por Javier Zurro

‘La invitación’. Es curioso ver cómo una película hecha mil veces (es el noveno remake de Sentimental, la peli de Cesc Gay basada en su obra de teatro) puede funcionar como si fuera nueva gracias a un guion que moderniza y feminiza su trama, una directora que tiene una idea clara de lo que quiere y cuatro actores en estado de gracia. Los dardos de estas dos parejas de vecinos saben más ácidos y frescos gracias a Olivia Wilde y a una Penélope Cruz que apunta al Oscar.

‘Los demonios’. Por favor, si no habéis visto esta maravilla provocadora, iconoclasta y sorprendente de Ken Russell aprovechad ahora que algunos cines van a proyectar la versión sin censura y restaurada. Una joya sobre la opresión de la iglesia y el fundamentalismo, llena de imágenes imborrables. Una de las películas que fue censurada durante más tiempo y que ahora por fin muchos van a poder descubrir.

‘El mal hijo’. El debut de Jaime Lorente en la dirección sorprende por sus decisiones de puesta en escena. Rodada en 35 milímetros, con una fotografía hermosa y elegancia en la dirección, el actor que saltó a la fama con Élite' y 'La casa de papel' cuenta una historia de adicciones y paternidades que, a veces, puede sonar a ya vista, pero que emociona y muestra unas formas interesantes que habrá que seguir de cerca.

Colocar pequeñas esculturas junto a un cráneo de mamut parece una decisión demasiado precisa para pasarla por alto, incluso después de 18.000 años. Eso es lo que sugieren los registros arqueológicos de Mizyn, en el norte de Ucrania, donde tres figurillas aparecieron bajo la cabeza ósea de uno de estos animales o en su interior.

Los investigadores consideran posible que alguien las depositara allí deliberadamente. La escena tiene su intriga, aunque todavía se desconoce qué significado atribuían sus creadores a aquellas figuras humanas talladas en marfil.

Los arqueólogos identifican una tradición artística propia de Europa oriental

Un equipo internacional dirigido por Simon Radchenko, investigador del Museo de Arqueología de la Universidad de Stavanger, ha examinado 18 figurillas de Mizyn y ha descubierto que sus grabados reproducen estructuras naturales del colmillo de mamut.

El estudio, publicado en npj Heritage Science, utilizó microscopía y documentación tridimensional para analizar las superficies. Sus resultados también apuntan a una tradición artística desarrollada en Europa oriental con características propias.

Las piezas proceden de un asentamiento situado junto al río Desna, donde las excavaciones iniciadas en 1908 descubrieron estructuras circulares construidas con huesos y colmillos de mamut. Once figurillas aparecieron en las campañas de 1908 y 1909, cerca de una de esas construcciones. Las otras siete fueron recuperadas cuatro años después junto a otra estructura. Los hallazgos permiten relacionar las esculturas con los espacios habitados por aquella comunidad paleolítica.

Las herramientas de sílex permitieron elaborar incisiones diferentes

El marfil conserva en su interior dos tipos de marcas de crecimiento que ayudan a explicar por qué los grabados de Mizyn presentan tantos diseños geométricos. Las líneas de Owen forman anillos concéntricos, mientras que las de Schreger dibujan una trama de curvas entrecruzadas.

Los investigadores identificaron imitaciones de ambas estructuras en distintas figurillas. En algunos casos, los artesanos pulieron las superficies antes de grabarlas, una preparación que habría permitido apreciar mejor las marcas naturales utilizadas como referencia.

La fabricación de estas esculturas exigía seleccionar cuidadosamente el sector del colmillo, porque la resistencia del marfil variaba según su estructura interna. Los artesanos extrajeron fragmentos, les dieron forma y prepararon las superficies antes de realizar las incisiones definitivas con herramientas de sílex. Las marcas microscópicas indican que algunos diseños se trazaron primero mediante cortes finos. El análisis de 97 líneas grabadas también detectó diferencias compatibles con el empleo de varios instrumentos.

Las formas anatómicas apuntan a representaciones femeninas esquemáticas

Las figuras representan cuerpos humanos mediante volúmenes alargados y rasgos anatómicos reducidos, una apariencia que había provocado interpretaciones arqueológicas diferentes a lo largo del tiempo. Algunas piezas fueron clasificadas anteriormente como aves u objetos fálicos.

La nueva investigación propone entenderlas como variantes de una misma representación esquemática, frecuentemente femenina. Sus caderas ensanchadas y determinadas marcas triangulares explican esa identificación, aunque los autores mantienen abiertas las cuestiones relativas a su función.

La comparación de 650 dataciones por radiocarbono sitúa las figurillas de Mizyn aproximadamente entre hace 18.800 y 17.400 años, después de una interrupción documentada en la aparición de estas representaciones en Europa. Las piezas ucranianas figuran entre los primeros ejemplos conocidos de aquella etapa.

Representaciones humanas esquemáticas similares aparecieron posteriormente en Europa central, entre hace aproximadamente 17.000 y 13.000 años. Esta cronología cuestiona la idea de que el arte de Mizyn derivara de tradiciones artísticas occidentales, ya que las figurillas ucranianas son anteriores a aquellas manifestaciones.

La guerra obliga a documentar digitalmente el patrimonio de Mizyn

La invasión rusa de Ucrania ha limitado el acceso a las colecciones del Museo Nacional de Historia de Ucrania, donde se conservan las figurillas estudiadas. En 2022, la institución autorizó una documentación digital restringida dentro del proyecto Preserving Ukrainian Legacy. Seis piezas fueron reconstruidas mediante fotogrametría, y todas pudieron examinarse al microscopio.

Oleksandr Naumenko, investigador del museo, destacó la importancia de estos registros para preservar el patrimonio amenazado por la guerra. Las reproducciones digitales permiten continuar investigando unas esculturas cuyo significado original permanece abierto.

Tras permanecer guardado en la penumbra familiar durante más de ocho décadas, el misterioso óleo “Villa Pilar”, creado por la célebre artista surrealista Leonora Carrington, sale finalmente a la luz pública para incorporarse a una histórica exhibición de arte. La obra representa un testimonio visual de uno de los episodios más intensos en la biografía de la pintora anglomexicana, quien la realizó durante su internamiento psiquiátrico en Santander en 1940. La integración de esta pieza inédita en la muestra monográfica constituye un hito de trascendencia internacional que reinterpreta el legado de una creadora visionaria profundamente conectada con la mente humana.

El origen de esta singular pintura se remonta al traumático verano de 1940, cuando Carrington huía de la Francia ocupada tras la detención de su pareja, el artista Max Ernst. En su convulso tránsito por España en busca de un salvoconducto, la joven creadora sufrió un severo colapso emocional que desestabilizó por completo su salud psíquica. Por decisión familiar, fue trasladada a Santander e ingresada de urgencia en la clínica dirigida por el doctor Luis Morales. Aquella reclusión forzada se convertiría en un aterrador viaje hacia la locura, marcado por el dolor, el aislamiento y la aplicación de agresivos tratamientos farmacológicos característicos de la época.

A pesar de las severas condiciones de su confinamiento y del profundo sufrimiento psicológico derivado de las terapias, Carrington halló en la creación plástica una vía fundamental de resistencia espiritual. Animada por el personal sanitario para dibujar con el propósito de organizar sus pensamientos y explicarse ante el médico, la artista comenzó a llenar cuadernos de bocetos con complejas composiciones. De forma paralela, transformó la clínica en una dimensión mística y alegórica. Aquel sanatorio se convirtió en la geografía de su descenso al inframundo, una vivencia traumática que ella misma definiría más tarde como una experiencia límite comparable a la muerte.

En medio de aquel proceso creativo en la clínica santanderina, la artista concibió dos únicos óleos sobre lienzo que sintetizan la angustia y la metamorfosis interior vividas durante su reclusión. El primero, titulado “Down Below”, fue regalado al diplomático Renato Leduc en agradecimiento por su ayuda para escapar hacia Nueva York. El segundo lienzo, el mencionado y conocido como “Villa Pilar”, fue obsequiado a su médico tratante, el doctor Luis Morales, al recibir el alta en enero de 1941. Mientras la primera obra circuló en los ambientes artísticos, el cuadro entregado al psiquiatra quedó guardado por su familia, permaneciendo completamente inadvertido para los historiadores del arte.

El cuadro “Villa Pilar” despliega un fascinante paisaje verdoso y volcánico habitado por cuatro criaturas de fuerte carga simbólica que encarnan arquetipos esenciales de su universo. En la composición destaca la figura del caballo libre, perpetuo alter ego de la pintora que representa el anhelo irrenunciable de emancipación. A su lado se distinguen una hiena rebelde, un pavo real que simboliza la inmortalidad y la resurrección, y un perro blanco guardián dotado de pechos femeninos y un rostro picassiano. Estas figuras antropomórficas condensan la complejidad del trance psíquico vivido por la pintora, configurando una alegoría visual donde lo siniestro y lo sagrado conviven en perfecto equilibrio.

Hasta enero de 2027

La presentación pública de esta obra oculta se produce en el marco de la muestra titulada “Leonora Carrington: el surrealismo sintomático”, organizada por Faro Santander junto al Freud Museum de Londres. Por primera vez en la historia, la exposición reúne en la propia ciudad de Santander los dos óleos pintados en la clínica junto a una valiosa selección de dibujos de sus cuadernos de bocetos hasta hoy dispersos. La exhibición complementa estas creaciones con antigüedades egipcias pertenecientes a Sigmund Freud, estableciendo un diálogo entre los mitos del inframundo, las teorías del psicoanálisis y las búsquedas alegóricas que caracterizan la iconografía de la visionaria artista surrealista.

La muestra estará abierta al público en el histórico Edificio Pereda de la capital de Catabria hasta enero de 2027, ofreciendo una oportunidad única para restituir la memoria cultural de una figura clave. El rescate de “Villa Pilar” no solo representa la recuperación de una joya pictórica inédita, sino que constituye un acto de justicia histórica con el dolor y la capacidad de redención de Leonora Carrington. Aquella experiencia de sufrimiento en el sanatorio cántabro se transformó en la semilla de un lenguaje estético inmortal que revolucionó el arte del siglo XX y que hoy regresa a la misma ciudad que presenció su descenso y posterior renacimiento.

El fotógrafo Nacho González Oramas muestra desde este jueves en la Fundación Mapfre Canarias una colección de obras de gran formato en blanco y negro sobre aluminio texturizado fruto de su búsqueda del “mar interior” de Gran Canaria, isla que inspira gran parte de su trabajo.

En esta exposición, denominada Mar de Isla, que se inaugura a las 19.00 horas, el fotógrafo retrata paisajes del interior de Gran Canaria que representan, a través de una imagen o de un pensamiento onírico, “el mar dentro de la isla”, según ha contado este miércoles a los periodistas al presentar la muestra.

“Se trata de espacios naturales del interior de la isla en el que el mar es el protagonista. Está de una forma visual o lírica. La idea surgió en el pasado, buscando en los invernaderos antiguos” formas que recordaban a las olas, ha explicado.

Al querer rescatar esta idea, González Oramas se dio cuenta de que los invernaderos que quedaban estaban muy destrozados o eran muy modernos, no daban la sensación de marea que pretendía transmitir.

Por eso, para retratar una sensación de olas dentro del paisaje, buscando representar la dicotomía del mar, “que nos oprime alguna vez a la vez que nos invita a soñar y a expandir la imaginación”, y también la belleza dentro de la isla, el fotógrafo se marcó el reto de abandonar el color y usar el blanco y negro en piezas de gran formato, dada su mayor “carga testimonial y dramática”.

De esta forma, González Oramas ha querido homenajear a los grandes paisajistas americanos del siglo pasado, que hacían un paisaje lleno de matices dentro del blanco y negro.

La otra novedad de esta exposición es el material en el que están impresas las fotografías, un aluminio texturizado que es también parte de la obra, ha explicado.

“Están hechas adrede para que se miren desde una cierta distancia y paseando delante de las imágenes, el aluminio nos produce unos reflejos que nos van iluminando y descubriendo partes de la fotografía”, ha referido.

El autor admite que una de las complicaciones del montaje de esta exposición ha sido la iluminación de la sala, ya que las obras funcionan mejor con poca luz para que pueda apreciarse el efecto que emana de las propias fotografías: desde un foco que recuerda al sol, hasta un amanecer.

González Oramas recuerda que en los últimos 10 o 15 años ha hecho mucho paisaje, ha buscado el paisaje dentro de Gran Canaria, donde se ha interesado por las alineaciones de iconos reconocibles, un trabajo que precisa de mucha planificación.

En esta ocasión “hay otra búsqueda”, la de “un paisaje interior de la isla en el que no están esos elementos tan reconocibles, aunque participan de alguna forma”, asegura.

Hasta tres informes llegaron a recomendar que el Museo de Villena (MUVI) tuviera vigilantes las 24 horas del día los siete días de la semana antes de que se produjera el robo del Tesoro el pasado mes de agosto.

Esta es una de las principales conclusiones de la segunda sesión de la comisión municipal que investiga este suceso en el Ayuntamiento de la localidad y que se ha celebrado este miércoles.

Así lo ha trasladado el portavoz municipal del PP, Miguel Ángel Salguero, quien ha sostenido que el primer informe es el del exjefe de seguridad del Museo Arqueológico de Alicante (MARQ), Tomás Jiménez, uno de los comparecientes hoy y que en su momento actuó como asesor de seguridad del MUVI.

Este expediente fue solicitado por el alcalde de Villena en 2019, Francisco Javier Esquembre.

El segundo informe, según el portavoz popular, fue de una auditoría también a petición del Ayuntamiento, mientras que el tercero es el de la Policía Autonómica.

“Esto deja una reflexión”, ha sostenido Salguero, quien ha añadido que “una cosa es lo que obliga a una institución” y otra es “hacer todo lo que esté en su mano para cumplir con los requisitos necesarios”.

El concejal del PP también ha explicado que el director de Museos de la Generalitat, Nicolás Sergio Bugeda, que había sido citado hoy, ha pedido venir la semana que viene, algo que no se le ha permitido porque, según Salguero, el secretario de la comisión ha afirmado que “esta no es una comisión a la carta”.

Desde Vox, Ana María Cerdán ha explicado que todavía les falta documentación que habían pedido al equipo de gobierno, como informes de la directora del MUVI, Laura Hernández, a Conselleria, además de la documentación que acredite que la cámara era acorazada y la vitrina blindada.

Por su parte, el portavoz del equipo de gobierno, Javier Martínez, del PSPV-PSOE, ha confirmado que esas recomendaciones de incorporar una persona de seguridad las 24 horas se hicieron, pero que en el caso del exjefe de seguridad del MARQ ese mismo informe aseguraba que ya se cumplían las medidas de seguridad exigidas.

Sobre si la presencia de un vigilante durante el robo hubiera cambiado algo, Martínez ha sostenido que “si coincide que cuando hacen la intrusión está delante de los monitores, pues sí que podía haber hecho la llamada en el mismo tiempo de respuesta, pero si está haciendo una ronda, pues el protocolo hubiera sido el mismo”, ya que al saltar la alarma en centralita el vigilante tendría que haber ido a encerrarse a su cuarto y dar información al resto de cuerpos de seguridad.

A la sesión de este miércoles han acudido el intendente jefe de la Policía Local de Villena, Bertino Óscar Ponce, el técnico de mantenimiento del MUVI, Francisco Javier Martínez, el técnico municipal responsable de Patrimonio, Jsoé Pérez Amorós, el responsable de la empresa de seguridad del museo y la directora del MUVI, Laura Hernández, mientras que los cargos dependientes de la Generalitat, como Bugeda y el inspector jefe operativo de la Policía Autonómica, José Antonio Fernández, se han ausentado.

“No deja de ser irónico que sean los cargos del Partido Popular quienes se desentiendan y no quieran venir a una comisión que ha pedido el propio Partido Popular”, ha sentenciado el portavoz municipal. 

Unas pinturas rupestres ubicadas en las montañas de Altái, en el noroeste de China, podrían esconder una historia que abarca miles de años. Es la conclusión a la que ha llegado un nuevo estudio, que ha identificado indicios de distintas etapas artísticas en el conjunto arqueológico de Tangbaletasi.

Los investigadores utilizaron distintas técnicas de análisis de imágenes para estudiar los motivos y las formas de las pinturas, y concluyeron que las paredes de las cuevas de este yacimiento no se decoraron en un único periodo histórico. El estudio, publicado en la revista Heritage Science, señala que este lugar pudo utilizarse siglos después de que se pintaran las primeras representaciones.

En la primera cueva, denominada C1, los investigadores documentaron 19 figuras, entre ellas un rostro antropomórfico de tres ojos, una figura en forma de campana y varios motivos geométricos. En la segunda cueva, denominada C2, encontraron 51 composiciones que representan figuras antropomórficas con cuernos, símbolos y animales.

Distintas pinturas de distintas comunidades

Para establecer la antigüedad de algunas de las imágenes, el equipo comparó sus figuras y motivos con los de otras tradiciones artísticas de Asia central. Algunas de las pinturas encontradas, por ejemplo, presentan semejanzas con las de la cultura Chemurchek, asociada a la Edad de Bronce, entre aproximadamente 2500 y 1700 a. C. 

Otras figuras antropomórficas comparten características con imágenes atribuidas a las culturas Karakol, Okunev y Samus, también de la Edad de Bronce, lo que ayudó a proponer una posible cronología para estas pinturas. Sin embargo, los investigadores también encontraron inscripciones y símbolos que podrían corresponder a una etapa posterior. 

El estudio identificó una fase posterior de actividad asociada con el budismo tibetano gracias a una variedad de inscripciones interpretadas como mantras budistas, así como un motivo identificado como un vajra, uno de los símbolos y objetos rituales más importantes del budismo tibetano. 

Estos elementos sugieren que las cuevas pudieron adquirir una función religiosa en otro momento de su historia y, según los investigadores, podrían datar de la dinastía Yuan (1271-1368 d.C.), cuando el budismo tibetano se expandió por Asia Central. 

Tras la investigación, el estudio sugiere que el yacimiento de Tangbaletasi fue utilizado repetidamente por diferentes comunidades, y que las diferentes generaciones que pasaron por allí con el paso de los años añadieron nuevas imágenes junto a las pinturas rupestres ya existentes.

Este domingo ha aparecido en la red de Metro de Madrid el nombre de una nueva parada: Maricarmen. Lo ha hecho en la línea 5, bajo la calle Alcalá, fruto de una intervención artística del colectivo Redretro. “A Maricarmen no la enterramos, la sembramos, y en esa tierra fértil de la digna rabia, brota la esperanza”, reivindican en la publicación de redes sociales donde comparten la acción.

La intervención consistió en la modificación del nombre de la parada El Carmen en Maricarmen, al estilo de otros cambios similares que el colectivo ha hecho en el pasado. El comunicado que explica la acción también cuenta la historia reciente del movimiento por la vivienda y cómo la anciana desahuciada de 87 años se ha convertido en un símbolo de la reivindicación, que acabó con la acampada de Sol.

“El Sindicato de Inquilinas resumió una de sus convocatorias con el lema Ni una Maricarmen más”, dice el comunicado que recuerda su fallecimiento. Al final, el texto reproduce un poema de Rafael Alberti titulado Desahucio, que acaba de esta forma:

Te pregunto:

¿cuándo abandonas la casa,

dime,

qué ángeles malos, crueles,

quieren de nuevo alquilarla?

Dímelo.

Redretro (Sistema de Transporte Onírico) es un colectivo con muchos años de intervenciones subterráneas a sus espaldas. Pero en tiempos de la inteligencia artificial han querido mostrar cómo han intervenido el cartel de la línea 5 con vídeos, para aportar más pruebas sobre un tipo de acción que han practicado en las instalaciones de suburbano.

Esta es la segunda intervención reciente de Redretro sobre la crisis de vivienda que vive Madrid. La anterior tuvo lugar en primavera del año pasado, cuando los letreros o rótulos de diversas paradas mutaron en algunas quejas o reivindicaciones asociadas a la gran manifestación que tuvo lugar entonces: Embajadores se convierte en “Embargadores”, Casa de Campo en “Casa del Banco”, Prosperidad en “Precariedad” o Estrecho en “Derecho”.

Hay veces que queremos expresar algo que nos ocurre y no tenemos palabras. No sabemos cómo transmitir nuestras ideas, lo que sentimos, lo que deseamos. El arte, la música, son una vía para ello. Y así, comienza la historia de un joven que hizo de su discapacidad una fortaleza. Porque su nombre ya estaba ampliamente ligado a la música.

Johann Sebastian Salvatori nació en Venezuela hace 30 años. Llegó a España en 2015 y vivió en Ocaña (Toledo) durante un tiempo hasta que se trasladó a Madrid. Actualmente, trabaja como cantante barítono y director coral. También tiene autismo.

Nos cuenta que aprendió a hablar con tres años, ya que antes de eso tenía mutismo selectivo: “Yo sabía hablar, pero no me relacionaba con nadie ni hablaba a nadie”. La música apareció en su vida como una forma para expresarse, donde recuerda que una mujer de su entorno le cantaba nanas y villancicos y fue así como él empezó a hablar. “Una jueza del pueblo donde yo vivía me cantaba esas canciones, yo las aprendía y las cantaba con ella. Me comunicaba a través del canto”.

Johann recuerda que cuando tenía unos tres años fue diagnosticado con un trastorno del desarrollo, hasta que con 11 años recibió un diagnóstico definitivo enmarcado dentro del trastorno del espectro del autismo en nivel 1: “Mi madre es profesora de educación física para personas con discapacidad y ya sabía que yo era distinto”.

Sin embargo, eso no le impidió optar por una carrera musical. En el año 2009 comenzó a estudiar canto en una academia en Venezuela. “Tras varios años ya había tocado techo y lo único que podía hacer era quedarme en la academia y dar conciertos. Pero mi profesor Rocky Discuña le dijo a mi madre que se fuese de Venezuela y que buscase otro camino para mí”, relata.

“En los escenarios es donde puedo ser yo”

Para él la música “nunca fue un hobby”, sino que quería dedicarse a cantar profesionalmente desde muy pequeño: “Lo decidí con seis años. El canto ha sido mi manera de comunicarme, de expresar lo que con palabras no podía. Cuando estudiaba canto, después de tanto tiempo sintiéndome fuera de lugar, sentí que estaba en el lugar que me pertenecía. Por fin era un pez que podía nadar en el mar, por así decirlo”, asegura.

El proceso de aceptar su condición como persona con autismo también fue complicado. “Yo rechazaba todo lo que tuviera que ver con la discapacidad. Pero cantar con coro inclusivo de Venezuela me hizo cambiar la perspectiva. Entendí que no importa ser diferente, hay que hacer lo que te apasione, cueste lo que te cueste, porque es posible que haya otra cosa que se te dé mejor que a los demás”, matiza.

Tener autismo no es una discapacidad, sino un aliado. Si usas la discapacidad a tu favor tienes una capacidad extra

Pase lo que pase, Johann no tiene miedo a salir a los escenarios. “Allí no soy el tímido, soy el que puede expresar absolutamente todo lo que lleva dentro, en el escenario es donde puedo ser yo. Muchas veces por el trastorno del espectro del autismo y por cómo es la sociedad he tenido que tener una máscara, adaptarme”, explica.

En su carrera musical, su madre siempre ha sido un pilar fundamental, ya que cuando “estaba desanimado y pensaba en tirar la toalla” ella le decía “no te rindas, no te des por vencido” y es lo que le ha dado fuerzas para seguir. Para Johann, tener autismo “no es una discapacidad”, sino su “aliado”. Nos cuenta que “si usas la discapacidad a tu favor tienes una capacidad extra” y que eso le ha hecho “ser más profesional, porque ser diferente es normal. Todos lo somos de alguna manera, todos tenemos virtudes, no te enfoques en los defectos”.

Il Divo, Andrea Bocelli o Céline Dion entre sus referentes

A lo largo de su carrera artística ha interpretado multitud de géneros, mostrando siempre un interés desde muy pequeño hacia la música romántica como las baladas, los boleros o los tangos. “Siempre me ha gustado mucho Luis Miguel”, añade. Ha cantado junto a cantantes como David Bustamante, una experiencia que define como “estupenda”.

No obstante, conocer la ópera de cerca hizo que se enamorase “complemente de ella”, aunque sigue cantando canciones “crossover, que es una mezcla entre la canción melódica y la lírica”.

Uno de sus objetivos es en un futuro poder interpretar al personaje secundario Verdier de la zarzuela 'La Tabernera del Puerto', “pero seguir avanzando y mejorando la técnica para interpretar al pirata Juan de Eguía”, que es el protagonista.

Si le preguntásemos por sus gustos musicales, están ampliamente ligados a la música lírica. Grupos como Il Divo, Il Volo, o cantantes como Andrea Bocelli o David Bisbal son sus preferidos. Sin embargo, también lo es Céline Dion, a quien considera “una cantante olímpica” tras superar sus problemas de salud y conseguir volver a los escenarios. “Es un gran ejemplo de superación y de feminismo, tiene una muy buena voz y es de las mejores cantantes vivas que existe”, añade.

Festival SuperArte en Toledo

El próximo 20 de octubre, Johann Sebastian actuará en el Palacio de Congresos El Greco de Toledo en la gala SuperArte, un encuentro con más de 50 músicos y bailarines -con y sin discapacidad- de la que no quiere adelantarnos nada “para que sea sorpresa”. Se trata de un espectáculo que ya ha girado por siete ciudades españolas y que han visto más de 20.000 personas.

Desde la Fundación SIFU, impulsora del programa SuperArte, cumple este año su 20 aniversario, apoyando a personas con discapacidad a desarrollar sus carreras artísticas.

El presidente de la fundación, Cristian Rovira apunta que los asistentes van a encontrar “un espectáculo artístico de primer nivel, el espectáculo inclusivo más importante que se hace en Europa en estos momentos”, donde descubriremos historias de superación que pueden servir de ejemplo. Asegura que sobre el escenario se encontrarán “artistas con unas capacidades muy superiores a las nuestras, capaces de tocar instrumentos que nosotros no sabemos, donde pese a su discapacidad, en el escenario demuestran que son excelentes profesionales y es una lección para todos”.

Roviera expresa que han visto a personas “con unas discapacidades muy elevadas, pero que tienen oído musical perfecto, siendo capaces de tocar hasta seis instriumentos. Vemos en los niños y niñas que pueden tener una progresión, pero que tienen que ser ayudados para ello”.

Asegura que hasta hace solo cinco años “el 30% de las personas con discapacidad no podía tocar un instrumento musical, pero gracias a SIFU cualquier persona, tenga la discapacidad que tenga es capaz de aprender”. Un ejemplo de ello, que podrá verse en la actuación de Toledo, es el Eye Harp, un dispositivo que permite tocar un instrumento a través de la mirada. “Lo que tratamos de hacer es que las nuevas tecnologías sirvan para ayudar a estas personas. Hay instrumentos que también se tocan con los pies, para personas con una capacidad pulmonar baja...”, añade.

Otro de los objetivos de este tipo de actuaciones es que los asistentes dejen de ver la capacidad “con una mirada limitante, porque son capaces de apreciar lo que las personas con discapacidad pueden hacer”.

Por ello, desde Fundación SIFU, conceden diferentes becas de formación para acompañar a las personas con discapacidad para que desarrollen su talento y que a veces “son una oportunidad para poder tocar en los principales escenarios de España”, o también en Londres o en Bélgica. “Nuestro reto es que la música también forme parte del día a día de las personas con discapacidad y no existan barretas en este sentido”, concluye.

Todas las miradas están puestas en Anne Carson, y con razón. La escritora acaba de ganar, por fin, el premio Nobel de Literatura. Te traemos tres obras imprescindibles para sumergirte dentro del corazón de esta autora, pero también te ofrecemos una selección de planes para disfrutar de este finde de octubre con películas, exposiciones o canciones.

Ocho planes para el finde, por Elena Cabrera

Reapertura con ampliación (Bilbao). El Museo de Bellas Artes de Bilbao ha reabierto tras un breve cierre para ultimar las obras de su ambiciosa ampliación a cargo de Normal Foster. El público podrá volver a recorrer sus salas remodeladas y descubrir de cerca la nueva dimensión arquitectónica y expositiva de la pinacoteca vasca.

Retrospectiva de Charlotte Perriand (Barcelona). La Fundació Joan Miró acoge desde el 9 de octubre La libertad de repensar el mundo, una antología dedicada a la diseñadora que colaboró con Le Corbusier. A través de documentos inéditos y piezas de su archivo, la exposición reivindica la fuerza de una figura clave en la arquitectura moderna.

Cierre de gira sáfica de Christina Rosenvinge (Madrid). La cantautora despide Los versos sáficos con dos conciertos únicos en la capital los días 8 y 9 de octubre. Un broche de oro para el recorrido que comenzó en enero de 2024 y que explora la poética lírica de Safo desde un prisma contemporáneo.

Instalación de Steve McQueen (Bilbao). El Museo Guggenheim Bilbao presenta a partir del 9 de octubre la muestra 66–76–26, con una impactante instalación sonora del cineasta británico que confronta las voces de Nina Simone y David Bowie. La propuesta se complementa con un ciclo especial dedicado a su trayectoria fílmica.

Exposición de Melanie Smith (Valencia). El Institut Valencià d'Art Modern (IVAM)Haz clic para abrir el panel lateral y obtener más información inaugura el 7 de octubre la muestra Solo una cosa era extraña, seguir pensando como antes. La exposición reúne las producciones Axolotl y Tixinda, creadas por la artista mexicano-británica en 2025 para cuestionar los límites entre cultura y naturaleza. 

Conciertos de McEnroe (Madrid). La emblemática banda vasca ofrece una residencia especial de tres fechas los días 8, 9 y 10 de octubre en la Sala Villanos para presentar su nuevo trabajo La vida libre. Un directo de atmósfera íntima con el que repasan su elegíaco repertorio e inician la despedida del ciclo de su último LP. 

Encontro Corpo, Vínculos, Coidados (Ourense). O espazo cultural A Galleira (Praza de San Cosmede) acolle o 10 e 11 de outubro as xornadas polo X aniversario de Participacción. Unha fin de semana de entrada libre con obradoiros de movemento, faladoiros sobre neurodiverxencias, mesas de experiencias, xantares comunitarios e debates sobre non monogamias dirixidos por Roma de las Heras e Miguel Vagalume. (O obradoiro será en galego, por iso tamén escribimos este plan en galego).

Festival IndiFest de Cine Indígena (Barcelona). Tendrá lugar hasta el 16 de octubre este festival de cine indígena de enfoque anticolonial dedicado al “Territorio Onírico” como espacio de resistencia y memoria colectiva. La programación ofrece proyecciones presenciales y online, coloquios con cineastas y defensores de los derechos indígenas, además de actividades culturales orientadas a visibilizar sus luchas e identidades.

Tres libros de la premio Nobel de Literatura Anne Carson, por Laura G. Higueras

'La belleza del marido' (traducido por Andreu Jaume Enseñat, Lumen). Subtitulado “un ensayo narrativo en 29 tangos”, esta obra cuenta la historia de un matrimonio en torno a la idea del poeta inglés John Keats “beauty is truth”, “la belleza es verdad”. Se relata a través de diversas escenas con saltos en el tiempo, que empiezan con el inicio del idilio en la adolescencia, se consagra con una boda temprana y acaba en divorcio debido a las constantes infidelidades del marido. Nunca se citan sus nombres; solo sabemos que ella es una joven ingenua, pero culta y aficionada a escribir. Y de él, que al parecer ha sido muy guapo, locuaz, seductor, aficionado a los juegos de guerra y perdidamente mujeriego.

'Nox' (traducido por Jeannette L. Clariond, Vaso Roto). Este fue el primer libro de poesía que publicó la autora tras la muerte de su hermano mayor, Michael, cinco años atrás. En él detalla el proceso de reconciliación con la pérdida y de aceptaciíon de la misma a través de la traducción del Poema 101 del griego Catulo, Para su hermano que murió en el camino. El volumen recoge textos de la poeta, y también fotografías, fragmentos de cartas, dibujos, collages y documentos.

Autobiografía de Rojo (traducida por Jordi Doce, Pre-Textos). Este libro reimagina la trama del poema Gerioneida, del griego Estesícoro, que cuenta el episodio de la vida de Heracles en el que mata al monstruo rojo y alado conocido como Gerión para robar su ganado. Carson le imagina en su novela como un adolescente gay con alas que vive en la época actual y que se enamora de un muchacho rebelde llamado Heracles, que le rompe el corazón. Entre los temas que aborda están por supuesto el amor perdido, pero también la imagen del artista como un ser monstruoso y el rol de las traducciones.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

La música nos permite mirar de frente al desgaste de la vida moderna, las tensiones laborales o las complejidades del ser humano. Es lo que siempre ha hecho El Último Vecino a través de sus canciones. “A veces pienso que soy una mierda y no entiendo cómo la gente me dice que soy la hostia. Y hay veces en que pienso que soy la hostia y entonces no entiendo por qué el mundo no es capaz de verlo”, reconoció el cantante en una entrevista para elDiario.es en 2024. Dos años después, el cantante se mantiene en que “la vida es un chiste demasiado largo”. Y uno de los mejores temas de su nuevo álbum ya está en nuestra playlist de recomendaciones.

'Jefe' de El Último Vecino. “Me creí profeta, mártir y estrella de rock: menudo bobo”, confiesa Gerard Alegre Dòria, quien está detrás de El Último Vecino, en su canción El mejor año. Pero no es la mejor de La vida es un chiste demasiado largo, su último trabajo, en el que vuelve a ahondar en aquello que tiene sentido... y en lo que no lo tiene tanto. Su tema de electropop Jefe es una sátira a quien sufre la asfixia de la rutina laboral: “Jefe, me sincero: estoy muy harto y lo dejo, aquí tienes mi uniforme”. Así, sin rodeos.

'Cordelia' de Las Novias. La banda zaragozana regresa con su álbum Anatomía de un frío universo, cuya portada es obra de Ainhoa Tilve, en la que regala una canción tremendamente literaria que engancha por su batería. Es imposible escuchar Cordelia sin recordar a la figura shakespeariana de la leal hija del rey Lear —símbolo de la sinceridad absoluta frente a los hipócritas de la corte—. La gira de presentación del disco comenzará este sábado en la sala madrileña El Sol. Como telonero actuará Serch. Antes y después del concierto, se encontrarán con sus fans en el bar La Reina Lagarta, donde habrá una firma de discos de 12:00 a 14:00 horas.

'Born Again' de Star Moles. La cantautora Emily Moales canaliza la impotencia frente a los conflictos personales en su último lanzamiento. “Intentar contar la verdad en una canción diciendo 'esto fue lo que pasó' no me satisface. Born Again es un retrato de la frustración real, y la mejor manera que tengo de expresar ese sentimiento es con una voz fuerte y palabras que mitifiquen”, declara la artista en una nota de prensa. Su nuevo tema vuelve a demostrar su habilidad para cantar sobre la vida cotidiana como si mereciese ser contada (sí, lo merece).

Tres películas, por Javier Zurro

‘Naza’. 80 minutos de puro terror. 80 minutos en los que 24 miembros de la inteligencia y el ejército israelí cuentan su trabajo de localización y eliminación de palestinos. Lo hacen mientras a su lado, en las calles de Tel Aviv, la vida sigue como si un genocidio no se cometiera a 60 kilómetros. Si La zona de interés fuera un documental, sería este que han dirigido los israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor, un filme imprescindible por el que han sido amenazados. Llega este viernes a los cines, pero pronto podrá verse gratis en internet.

‘La vida de una mujer’. Solo por el recital que ofrece Léa Drucker compensa ver esta película de Charline Bourgeois-Tacquet que pone su mirada en la vida cotidiana de una mujer de 55 años a la que retrata como un ser imperfecto, lleno de aristas, que duda y se equivoca, y eso no es tan habitual en el cine. Una médica que se replantea si la vida que tiene (marido, hijos y estabilidad) es lo que deseaba o no.

‘El precio de la red’. Vale, no le hace sombra a La red social, la película que Aaron Sorkin escribió y Fincher dirigió sobre el origen de Facebook, pero quizás es que tampoco quiere ser más que un buen thriller sobre la importancia del periodismo y señalar a las redes sociales como responsables de la situación que vive el mundo actualmente.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

¿Se va a juzgar a Julio Iglesias? El informe del fiscal Vicente González Mota acerca esa posibilidad, ya que afirma que España sí puede hacerlo. Mientras esperamos que la Fiscalía dé el visto bueno al informe, hablamos con Women’s Link.

Qué une a Robert Pattinson con la Acampada Sol. Una camiseta, la del grupo Las Petunias. Hablamos con las componentes de este banda de punk-pop que ha remixeado su canción más popular como Ayuso Criminal. Y explicamos la conexión.

Lo nuevo de Tatiana Țîbuleac. Si leíste El verano en que mi madre tuvo los ojos verdes, te alegrará saber que la autora moldava tiene una nueva novela y que estos días visita España con presentaciones y dando entrevistas como esta.

Las Palmas de Gran Canaria ha dedicado al arquitecto Félix Juan Bordes Caballero el tramo del Paseo Marítimo situado entre el Arsenal y el Muelle de Santa Catalina. El espacio, inaugurado en 2019, recibe desde este miércoles la denominación de ‘Paseo Marítimo Félix Juan Bordes Caballero. Arquitecto’, como reconocimiento a la trayectoria profesional y artística de una de las figuras más destacadas de la arquitectura contemporánea de Canarias.

El acto de homenaje ha coincidido con la fecha de nacimiento de Félix Juan Bordes, nacido en Las Palmas de Gran Canaria el 7 de octubre de 1939, y ha contado con la presencia de sus familiares, así como de representantes de las instituciones municipales, portuarias y militares.

Entre los asistentes se encontraban la alcaldesa de Las Palmas de Gran Canaria, Carolina Darias; el concejal de Cultura, Josué Íñiguez; el concejal de Planificación, Desarrollo Urbano y Vivienda, Mauricio Roque; la presidenta de la Autoridad Portuaria de Las Palmas, Beatriz Calzada; el almirante jefe del Mando Naval de Canarias, José Lago, y el jefe del Arsenal de Las Palmas, Federico Martínez, entre otros representantes políticos e institucionales.

Bordes Caballero murió un 14 de septiembre de 2019 a causa del COVID-19.

Un reconocimiento al legado de Félix Juan Bordes

La denominación del Paseo Marítimo fue acordada en 2021 por la Comisión de Pleno de Organización, Funcionamiento y Régimen General, por delegación del Pleno municipal. La propuesta partió de la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel, que destacó la labor docente de Félix Juan Bordes, su altura intelectual y su contribución al patrimonio arquitectónico contemporáneo de Canarias.

Bordes fue nombrado Hijo Predilecto de Las Palmas de Gran Canaria a título póstumo en junio de 2021, unos meses después de su fallecimiento, ocurrido en septiembre de 2020 a los 81 años.

Nacido en la capital grancanaria, inició en 1957 sus estudios de Arquitectura en Madrid y completó su formación mediante diferentes viajes de estudio por Europa y Asia. Desde 1973 estuvo vinculado a la enseñanza en la Escuela de Arquitectura de Las Palmas de Gran Canaria, donde obtuvo en 1981 la cátedra de Proyectos Arquitectónicos y ejerció también como director.

Las principales obras de Félix Juan Bordes en Canarias

La trayectoria de Félix Juan Bordes como arquitecto está ligada a algunos edificios y proyectos relevantes de Las Palmas de Gran Canaria. Entre sus principales obras figuran la Ciudad de San Juan de Dios, la Escuela de Arquitectura, el Conservatorio Superior de Música de Las Palmas de Gran Canaria, el Palacio de Congresos de Infecar, el edificio de la antigua sede central de La Caja de Ahorros, así como el edificio de Humanidades y la ampliación de la Biblioteca del Campus Universitario de Tafira.

También desarrolló parte de su actividad profesional junto a sus hijos a través del gabinete de arquitectura y urbanismo Gadap.

Félix Juan Bordes, arquitecto y docente

Además de su trayectoria como arquitecto y docente, Félix Juan Bordes Caballero desarrolló una importante carrera artística, principalmente vinculada a la pintura y el grabado. Su obra forma parte de diferentes colecciones públicas y privadas.

En 2010 ingresó como miembro numerario en la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel y, en 2018, recibió la Medalla de Oro al mérito profesional y corporativo del Colegio Oficial de Arquitectos de Gran Canaria.

Su última obra artística fue un mural realizado para la Talasoterapia del Hotel Gloria Palace de San Agustín.

Un paseo marítimo para recordar su legado

Con la nueva denominación del tramo comprendido entre el Arsenal y el Muelle de Santa Catalina, Las Palmas de Gran Canaria mantiene en su espacio público el recuerdo de Félix Juan Bordes Caballero, cuya trayectoria estuvo estrechamente vinculada a la ciudad.

El homenaje reconoce así una carrera desarrollada durante décadas desde diferentes ámbitos: la arquitectura, la enseñanza universitaria, la pintura y el grabado, además de su contribución al patrimonio arquitectónico y cultural de Canarias.