Sierra Sonora ya tiene horarios para su programación del verano. El festival celebrará su 25ª edición del 5 al 9 de agosto en Viniegra de Abajo y afronta el último tramo de venta de entradas con el 90% del aforo ya vendido, según ha informado la organización.

Durante cinco jornadas, la localidad riojana volverá a convertirse en un escenario cultural en el que convivirán música, arte, cine, gastronomía y artes escénicas. Las actividades se repartirán por distintos espacios del municipio, entre ellos jardines, plazas, patios, la iglesia y el entorno natural junto al río.

El cartel musical de esta edición reúne a artistas y bandas como Iseo & Dodosound, Rufus T. Firefly, Repion, Las Migas, Tu Otra Bonita, Ana Lua Caiano, El Nido, Olatz Salvador, De Fem, Honahlei, ezezez, Casapalma y Paco Pecado. A ellos se sumarán las sesiones de Van Bylen, Bárbara Gartland y Kurlzzz DJs.

La programación arrancará el miércoles 5 de agosto con “Vientos de otros valles” y una nueva edición de “Una sierra de cine”. El programa se completará con propuesta para todos los públicos, como talleres de creación, showcooking, actividades relacionadas con el bienestar y la salud mental, un freetour y una visita guiada a la exposición “Volver”.

El apartado escénico tendrá también su espacio con la representación de “A las mujeres de mi familia”, de Esther Sanz, que pondrá el broche a la programación.

Sierra Sonora nació en 2020 con el objetivo de acercar propuestas culturales de calidad al medio rural y, desde entonces, ha consolidado su apuesta por convertir Viniegra de Abajo en un punto de encuentro entre cultura, paisaje y comunidad.

El festival se presenta así como un proyecto colectivo en el que participan vecinos y vecinas, negocios locales, voluntariado, colaboradores, patrocinadores y el propio equipo de organización. Una implicación que permite que la localidad vuelva a acoger, un año más, una programación cultural que busca ir más allá de la música y dinamizar el entorno cultural.

El nuevo centro de arte Faro Santander abrirá sus puertas el próximo 8 de septiembre con la Colección Banco Santander y la Gelman de arte moderno mexicano. Así, a 'El surrealismo sintomático: Leonora Carrington', se unirán dos grandes muestras. La primera de ellas recorre la historia del arte desde el Renacimiento hasta la creación contemporánea, a través de obras de Tiziano, el Greco, Rubens o Velázquez. Y la segunda contará con piezas de artistas de arte moderno mexicano como Frida Kahlo, Diego Rivera, Rufino Tamayo u Orozco.

En un comunicado, Faro Santander ha informado este viernes que dedicará su cuarta planta a la Colección Banco Santander, una muestra que es el resultado de más de 160 años de coleccionismo y que tendrá una presencia permanente y dinámica en la programación del centro.

La primera exposición se presentará bajo el título 'Obras Maestras de la Colección Banco Santander', comisariada por María Dolores Jiménez-Blanco, y reunirá a muchos de los grandes nombres de la historia del arte en un recorrido que despliega un relato que abraza casi cinco siglos, desde la tabla de Lucas Cranach el Viejo, 'La predicación de san Juan Bautista' (1537-1540) a la pintura 'Soñé que revelabas', de Juan Uslé (2018).

Se estructura en cuatro grandes ejes temáticos que comienzan con 'Historias sagradas', donde la espiritualidad y el misterio dialogan a través de obras de Tiziano, el Greco, Velázquez, Zurbarán, Chillida, Tàpies o Torner.

A continuación, 'Lugares y paisajes' invita a descubrir la naturaleza como escenario cultural, memoria e identidad, desde las vistas idealizadas de Canaletto y Beruete hasta las evocaciones abstractas de Chirino, Guerrero, Soledad Sevilla y Cristina Iglesias.

'Las cosas: bodegones y naturalezas muertas' será el tercer eje y mostrará la evolución del género desde el barroco hasta finales del XX con obras de artistas como Juan de Arellano, Luis Meléndez, Luis Gordillo y Miquel Barceló.

Y culminará con 'Retratos, tipos, figuras', que busca representar la evolución de la sociedad y del individuo con obras de Van Dyck, Giuseppe Bonito, Francisco de Goya, Sorolla, Miró, Millares, Equipo Crónica o Niki de Saint Phalle.

Por otra parte, la segunda muestra será 'México Moderno en la Colección Gelman Santander' que, comisariada por Marisol Argüelles, directora del Museo de Arte Moderno de México, incluirá piezas de artistas como Frida Kahlo, Diego Rivera, María Izquierdo, Rufino Tamayo, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Gunther Gerzso y Francisco Toledo, además de un fondo fotográfico.

Esta colección, reunida a lo largo de cinco décadas (1941-1998) por Jacques y Natasha Gelman, llegará a Faro Santander para formar parte del programa inaugural y se podrá visitar hasta el 10 de enero de 2027.

La Colección Gelman constituye uno de los conjuntos más importantes del arte mexicano del siglo XX, y cuenta con los autorretratos de Frida Khalo como protagonistas.

Cine, música, charlas y otras actividades

Además de las exposiciones, Faro Santander está desarrollando un amplio programa de actividades con el objetivo de ahondar en los contenidos, generar conocimiento y estrechar lazos con la comunidad.

'Obras Maestras de la Colección Banco Santander' incluirá un ciclo de diálogos semanales que traen al presente los temas de la muestra, con voces de distintas disciplinas. A ello se sumarán intervenciones performativas de artistas invitados a responder a la Colección, así como visitas comentadas y actividades familiares.

Mientras que la muestra 'México Moderno en la Colección Gelman Santander' vendrá acompañada de cine, música, charlas y visitas que desvelarán las historias que habitan sus obras, con momentos destacados en torno al Día de Muertos, una de las fiestas más queridas del calendario mexicano.

También se explorará el universo de 'El surrealismo sintomático: Leonora Carrington', de la mano de múltiples colaboradores locales, nacionales e internacionales. Entre ellos, un paseo sonoro por el Parque Doctor Morales, antiguo emplazamiento del sanatorio donde estuvo la artista; una pieza teatral sobre su internamiento en Santander; y una jornada inmersiva con voces académicas y artísticas.

La cultura volverá a salir de los escenarios habituales con una nueva edición de “Escenario Insólito”, el programa que, por duodécimo año consecutivo, llevará las artes escénicas a espacios poco convencionales dentro del festival Actual 2027. La concatedral, una carnicería y una tienda de videojuegos se convertirán en escenarios improvisados para cuatro nuevas propuestas de creación riojana.

El director general de Cultura, Roberto Iturriaga, y la presidenta de la Asociación de Compañías Profesionales de Artes Escénicas de La Rioja (AESCENA), Sonia Oliveira, han presentado este jueves las compañías riojanas seleccionadas para participar en esta edición.

El objetivo, según ha explicado Iturriaga, es que Actual vuelve a ofrecer “cultura en lugares no convencionales”, al tiempo que se impulsa la creación artística local y se acerca a nuevos públicos. Las cuatro propuestas seleccionadas son creaciones inéditas diseñadas específicamente para el programa.

Una de ellas será “Game Over”, de Sapo Producciones, que se representará en la tienda de videojuegos Pixel and Games. La obra recurrirá al universo de los videojuegos de los años 80 para abordar cuestiones como el acoso escolar y las adicciones.

También habrá espacio para el dibujo en plena concatedral de Santa María La Redonda. El artista Borja González llevará su propuesta “La Redonda de Arena” directamente hasta el altar, donde instalará una pantalla y sustituirá la imagen habitual del oficiante por la de un artista dibujando en directo.

Por su parte, Chamán Producciones trasladará su propuesta al interior de una carnicería, mientras que la cuarta creación todavía busca ubicación. Su responsable, Saúl Olarte, ha adelantado que podría desarrollarse en un colegio, una oficina o incluso un skate park.

La propuesta girará en torno a una generación que creció durante la transición entre los primeros años de internet y su posterior expansión masiva. La obra reflexionará sobre la necesidad de construir una identidad social a través de las redes y sobre la creciente influencia de un mundo virtual que, cada vez más, se entrelaza con la vida física.

Iturriaga ha destacado que se trata de “cuatro propuestas de nueva creación que se crean exclusivamente para Actual”, mientras que Oliveira ha definido “Escenario Insólito” como “una historia de amor” y, como un incentivo para la creación artística.

El programa busca así generar un encuentro cercano entre los creadores riojanos y el público, apostando por propuestas arriesgadas y alejadas de los circuitos comerciales y por un formato basado en espacios reducidos y singulares.

El monasterio de Santo Estevo de Ribas de Sil, situado en la Ribeira Sacra, es todo un referente cultural de primer orden en Galicia. Su construcción abarca desde el siglo XII hasta el XVIII y, además de mostrar una evolución artística realmente notable, aquellos que lo visitan pueden apreciar su emplazamiento entre bosques que descienden majestuosos hacia el río Sil. Declarado Bien de Interés Cultural en 1985, representa un legado histórico de incalculable valor para la región. Se encuentra concretamente en el municipio de Nogueira de Ramuín, en la provincia de Ourense, y está rodeado de una naturaleza profunda, verde y vibrante, ofreciendo una mezcla de espiritualidad monástica con un entorno paisajístico de una gran belleza.

Es considerado uno de los centros monásticos más importantes y antiguos de toda la comunidad autónoma, cuyos orígenes se remontan a los siglos VI o VII de nuestra era actual. En aquella época, la zona comenzó a florecer gracias a la llegada incipiente de la vida eremítica. Tradiciones antiguas sugieren que el cenobio fue fundado inicialmente por la figura de San Martín Dumiense. Sin embargo, su consolidación definitiva como centro benedictino ocurrió durante el próspero y relevante siglo X. El rey Ordoño II otorgó un privilegio clave al abad Franquila para reconstruir el lugar entonces abandonado. A partir de ese momento, el monasterio inició una etapa de gran influencia política, económica y espiritual.

Su historia documentada permite trazar con detalle el crecimiento de una comunidad que dominó estas tierras. La relevancia del monasterio creció junto a la riqueza cultural y religiosa de toda la Ribeira Sacra. Una de las leyendas más fascinantes vinculadas al recinto es la de los nueve santos obispos gallegos, prelados que renunciaron a sus cargos para buscar retiro y paz entre los muros de Santo Estevo. Sus restos reposaron originalmente en el claustro, convirtiendo el lugar en un centro de gran peregrinación. Cada obispo dejó su anillo episcopal como ofrenda, símbolos que alimentaron mitos durante muchas centurias. Lo que parecía una simple tradición se confirmó en 2020 con el hallazgo de cuatro anillos antiguos. Estos objetos milenarios fueron localizados escondidos en las arcas de los relicarios de la propia iglesia.

La presencia de estos personajes históricos otorgó al monasterio un prestigio único en toda la cristiandad. Incluso el escudo de la institución luce nueve mitras en recuerdo permanente de tan ilustres monjes. La arquitectura del complejo es un catálogo vivo que recorre diversos estilos a través de los siglos. Desde el románico inicial hasta el barroco tardío, cada etapa dejó una huella imborrable en la piedra. La fachada principal del monasterio, de estilo barroco, fue terminada en el año 1736 con gran detalle. En ella se pueden apreciar las imágenes de San Benito y San Vicente flanqueadas por grandes columnas. El conjunto destaca por su armonía a pesar de la mezcla de influencias góticas y también renacentistas. La disposición de los espacios responde a la orografía escalonada del terreno que baja hacia el Sil.

Los tres claustros del monasterio son, sin duda alguna, los elementos más emblemáticos del conjunto. El Claustro de los Obispos destaca por ser el más antiguo y conservar restos de la sala capitular. Su cuerpo inferior es de estilo románico, mientras el superior transita hacia el gótico y renacimiento. Por otro lado, el Claustro de la Portería o de los Caballeros sorprende por sus tres niveles de altura. Esta obra de Diego de Isla presenta una gran amplitud y dimensiones típicas del renacimiento español. El tercer patio, conocido como Claustro del Viveiro o de la Cocina, es algo más reducido en tamaño. En esta área se encontraban dependencias fundamentales como el refectorio y la cocina de los monjes.

La iglesia del monasterio es un edificio mágico que conserva su esencia románica de finales del XII. Su planta basilical es espaciosa y cuenta con tres naves coronadas por sus respectivos ábsides. Un detalle inusual en Galicia es que el ábside central tiene menor altura que los laterales exteriores. En el interior del templo, resalta el magnífico retablo mayor renacentista tallado por Juan de Angés. También se conserva un retablo pétreo del siglo XII o XIII que representa a Cristo en su Majestad. La fachada del templo, de estilo posterior, incluye un óculo que ilumina con calidez el espacio sagrado.

Saqueos y expolios

Las pinturas murales y las capillas laterales completan un programa artístico de gran riqueza simbólica. Hoy en día, la iglesia sigue abierta al culto y es una parada obligatoria para los turistas. El devenir histórico del monasterio, eso sí, estuvo marcado por periodos de crisis y de gran resurgimiento. Tras siglos de esplendor, la desamortización de 1835 provocó el abandono definitivo de la vida monacal. Las dependencias sufrieron saqueos y expolios que dañaron gravemente la integridad del patrimonio gallego. Durante gran parte de los siglos XIX y XX, el edificio permaneció en un estado de ruina y olvido profundo. Sin embargo, a finales de la centuria pasada se iniciaron ambiciosas obras de restauración y mejora.

Este proceso permitió que el antiguo cenobio fuera transformado en un lujoso Parador de Turismo. La inauguración oficial como establecimiento hotelero tuvo lugar en el año 2004 con gran éxito. Actualmente, el Parador combina su uso turístico con la protección estricta del monumento histórico. En cualquier caso, Santo Estevo de Ribas de Sil sigue siendo uno de los destinos más visitados de la provincia de Ourense. El monasterio permite visitas libres y gratuitas en horarios establecidos para los claustros principales. Es un lugar donde la arquitectura, la espiritualidad y la naturaleza se funden de forma armoniosa, que ha provocado que escritores famosos se hayan inspirado en sus muros para crear novelas de misterio.

Después de fotografiar a decenas de miles de personas desnudas en más de un centenar de ciudades de todo el planeta, Spencer Tunick ha encontrado en Gran Canaria, la “mejor isla del mundo”, según relata en esta entrevista, el lugar donde dar forma a una de las intervenciones más significativas de su trayectoria reciente. El próximo 26 de julio, dentro del artista neoyorquino convertirá Las Palmas de Gran Canaria y Maspalomas en el escenario de Gran Spectrum, una gran instalación humana inspirada en los colores de las banderas LGTBIQA+ que aspira a proyectar desde Canarias un mensaje internacional de libertad, igualdad y convivencia.

No se trata únicamente de una nueva fotografía multitudinaria. Para Tunick, la obra nace como respuesta a un momento histórico que considera especialmente delicado para los derechos del colectivo LGTBIQA+. “En Estados Unidos hay mucha desinformación procedente del gobierno sobre las personas LGTBIQA+, y eso está generando miedo y violencia contra la comunidad”, explica el artista. “Siempre que una comunidad vulnerable es tergiversada, malinterpretada o se miente sobre ella, siento que, si de alguna manera puedo crear una obra que llame la atención sobre esa situación, es un honor aceptar la invitación para formar parte de este proyecto.”

Ese compromiso convierte Gran Spectrum, en mucho más que una obra estética. Tunick la define como una acción artística participativa situada entre el arte conceptual y el documental, capaz de generar recuerdos, emociones y una conversación internacional sobre diversidad y derechos humanos. “La obra pretende enviar un mensaje positivo al mundo”, afirma. “Los participantes y yo intentamos proyectar la luz de este gran espectro hacia el exterior.”

Si existe un elemento diferenciador de este proyecto es precisamente el lugar donde se desarrollará. Tras haber trabajado en ciudades como Nueva York, Barcelona, Ámsterdam, Viena, Ciudad de México o Sídney, Tunick considera que Gran Canaria aporta un significado único a la intervención.

“Hacía mucho tiempo que no trabajaba en una isla volcánica”, recuerda. “Cuando trabajé en Hawái experimenté una combinación muy poderosa entre naturaleza, cultura y cuerpo humano. Aquí ocurre algo parecido. Hay una energía especial bajo la tierra, una isla viva donde los elementos naturales forman parte de la experiencia.”

Para el fotógrafo estadounidense, esa condición volcánica convierte a Gran Canaria en un escenario imposible de reproducir en cualquier otro lugar. “Crear una obra humana sobre una isla viva genera una dinámica que solo puede entenderse participando en ella. Espero que todos los que formen parte de la experiencia comprendan que voy a hacer todo lo posible para crear una obra que resuene con nuestro tiempo.”

La elección de Gran Canaria también conecta con el papel que la isla ha desempeñado durante décadas como uno de los grandes referentes europeos del turismo inclusivo y de la defensa de los derechos LGTBIQA+. El proyecto cuenta con el respaldo de Gran Canaria, La Isla de Mi Vida, a través de la Presidencia del Cabildo de Gran Canaria, y de Turismo de Islas Canarias, consolidando la proyección internacional del archipiélago como territorio comprometido con la diversidad y los derechos humanos.

Una obra abierta a todo el mundo

Aunque el mensaje gira en torno a la comunidad LGTBIQA+, Tunick insiste en que la participación está abierta absolutamente a todas las personas. “Invitamos a participar a todo el mundo. Cualquier género, cualquier ideología política es bienvenida. Esta obra quiere confirmar la belleza, los valores y el futuro de la comunidad LGTBIQA+, así como su conexión con el pensamiento libre, el arte y la cultura.”

La intervención utilizará pinturas corporales inspiradas en los colores de las distintas banderas del colectivo para construir una gran composición abstracta formada por cientos de personas.

Para el artista, el verdadero significado de la imagen reside tanto en el resultado final como en el proceso colectivo necesario para construirla. “Las personas tendrán que viajar, madrugar, cubrir completamente sus cuerpos con pintura y trabajar juntas para crear formas abstractas. Ese esfuerzo colectivo ya es en sí mismo un gran mensaje.”

Durante más de treinta años, Spencer Tunick ha convertido el cuerpo humano en el principal protagonista de su trabajo. Para él, el desnudo colectivo elimina las diferencias sociales y permite hablar de identidad desde un plano profundamente humano.

“Es increíble cómo el cuerpo humano está en constante transformación y cómo las personas tienen la capacidad de cambiar libremente en una sociedad donde el gobierno no limita esa evolución.”

El espacio público también ocupa un lugar esencial dentro de su lenguaje artístico.“Trabajar con el cuerpo desnudo en el espacio público crea un auténtico relámpago de energía. Durante un instante aparece una euforia colectiva que únicamente permanece viva gracias a la fotografía.”

Esa imagen congelada termina convirtiéndose, según explica, en mucho más que un documento visual. “Lo que intento hacer durante toda mi carrera es capturar un momento de euforia colectiva de una manera abstracta.”

Una experiencia transformadora

Quienes han participado anteriormente en instalaciones de Tunick suelen describir la experiencia como algo profundamente transformador. El fotógrafo espera que en Gran Canaria vuelva a suceder.

“Lo primero que deseo es que disfruten. Trabajaré lo más rápido posible para que todos se sientan cómodos, pero al mismo tiempo cuidaré cada detalle para conseguir la mejor obra posible.”

Como en anteriores proyectos, cada participante recibirá posteriormente una fotografía de edición limitada realizada durante la intervención.

“Es un regalo a cambio de su participación. Formar parte de algo que genera una energía colectiva tan intensa resulta muy poderoso. La fotografía congela ese instante y permite que la imaginación complete todo lo que ocurrió antes y después.”

Tunick sabe que la fotografía final despertará preguntas. “Siempre ocurre lo mismo. La gente quiere saber quiénes son esas personas, de dónde vienen, dónde dejaron su ropa o por qué estaban allí.”

Y precisamente ahí reside el verdadero objetivo del proyecto. “Los participantes pertenecen a la comunidad LGTBIQA+ y también hay aliados. Hay personas de todos los géneros, de todas las nacionalidades. Todo el espectro está representado en esta obra.”

Después añade una frase que resume el significado de haber elegido Canarias para este proyecto: “Y ese espectro, además, estará reunido en una de las mejores islas del mundo.”

Con Gran Spectrum, Gran Canaria volverá a convertirse en un escaparate internacional donde el arte, el cuerpo humano y la participación ciudadana se unen para construir una imagen llamada a trascender el ámbito artístico y convertirse en un símbolo global de convivencia, diversidad y defensa de los derechos humanos.

Treinta y cuatro años después de presentar en el Centro Cultural Doctor Madrazo su primera exposición individual en España, el artista Norberto Sayegh regresa al mismo espacio con una propuesta profundamente contemporánea que invita a detenerse, mirar más allá de la superficie y cuestionar la forma en que construimos nuestra identidad. 'Retratos ocultos en la era de los selfies', que podrá visitarse entre el 24 de julio y el 11 de septiembre, reúne un conjunto de obras inéditas en las que el collage se convierte en una herramienta de exploración psicológica y poética frente a la cultura de la sobreexposición digital.

En una época marcada por la inmediatez de las redes sociales y la necesidad constante de proyectar una imagen pública, Sayegh propone un recorrido en dirección contraria. Frente al autorretrato instantáneo, el artista reivindica el tiempo de la contemplación; frente al filtro digital, la materia; frente a la exhibición permanente, el silencio. Su exposición plantea una pregunta tan sencilla como incómoda: ¿quiénes somos cuando nadie nos está mirando?

La muestra reúne una serie de collages realizados durante los últimos dos años que convierten el retrato en un territorio de búsqueda interior. Las figuras representadas parecen esconderse tras veladuras, fragmentos de papel, palabras impresas y capas de memoria visual que invitan al espectador a completar el significado de cada obra. No se trata de retratos convencionales, sino de identidades abiertas, incompletas, construidas a partir de múltiples huellas culturales y emocionales.

El empleo del collage adquiere en este proyecto un significado especial. Las obras nacen de páginas de libros desechados, textos intervenidos y materiales impresos reutilizados, transformados en nuevas imágenes mediante un proceso artesanal que reivindica la permanencia de la cultura escrita frente a la volatilidad de la imagen digital. Cada fragmento conserva la memoria de una historia anterior y pasa a formar parte de otra completamente distinta, en un ejercicio de reconstrucción simbólica del individuo.

Para Sayegh, el selfie constituye uno de los grandes símbolos de nuestro tiempo. No tanto por su dimensión tecnológica como por lo que revela acerca de la necesidad contemporánea de construir una versión permanente de nosotros mismos destinada a la mirada ajena. En ese contexto, sus obras invitan a recuperar el espacio de la intimidad, de aquello que permanece invisible incluso cuando todo parece expuesto.

La exposición no plantea una crítica moral a las redes sociales ni a la tecnología. Su interés reside en abrir preguntas sobre la identidad contemporánea y sobre la distancia creciente entre la persona y la imagen que proyecta. El artista entiende el arte como un lugar privilegiado para detener el ritmo acelerado del presente y devolver al espectador el tiempo necesario para reconocerse.

Formalmente, la muestra combina collages de distintos formatos con varias obras sobre tabla y un gran políptico que funciona como eje central del recorrido expositivo. En todas ellas aparece una misma voluntad: convertir el rostro humano en un territorio de reflexión donde conviven memoria, lenguaje, silencio y emoción.

El regreso de Norberto Sayegh al Doctor Madrazo posee además un marcado valor simbólico. Fue precisamente en este espacio donde celebró, en 1992, su primera exposición individual en España. Desde entonces, su trayectoria ha mantenido una estrecha relación con Santander, ciudad en la que ha expuesto en diversas ocasiones y con la que conserva profundos vínculos personales y culturales. Volver ahora, más de tres décadas después, supone cerrar un ciclo y abrir otro nuevo desde una madurez artística plenamente consolidada.

A lo largo de su carrera, Sayegh ha desarrollado un lenguaje plástico fácilmente reconocible por la combinación de rigor compositivo, sensibilidad poética y experimentación técnica. Sus trabajos dialogan con la tradición del collage contemporáneo, pero incorporan una dimensión filosófica que convierte cada pieza en una reflexión sobre la memoria, el tiempo y la condición humana.

Sobre el artista

Norberto Sayegh nació en Argentina y reside en Barcelona desde 1989, alternando actualmente su actividad entre la capital catalana y Santander. Su producción artística se ha desarrollado durante más de cuatro décadas y ha sido presentada en galerías y centros de arte de España, Argentina, Dinamarca y Austria, entre otros países.

Su obra se caracteriza por la investigación constante en torno a la identidad, la memoria y el lenguaje visual, utilizando disciplinas como la pintura, el collage y las técnicas mixtas. La reutilización de materiales impresos, especialmente libros y textos intervenidos, constituye uno de los rasgos más singulares de su lenguaje plástico.

Mantiene una estrecha relación con Santander desde comienzos de los años noventa, donde ha protagonizado diversas exposiciones individuales y colectivas. Su regreso al Centro Cultural Doctor Madrazo con 'Retratos ocultos en la era de los selfies' supone un reencuentro con el espacio donde inició su trayectoria expositiva en España y confirma la plena madurez de un artista que continúa explorando, con rigor y originalidad, las múltiples formas de representar la complejidad del ser humano.

El Gobierno de Cantabria ha publicado el extracto de la convocatoria de becas destinadas al alumnado que haya cursado durante el curso 2025-2026 enseñanzas artísticas superiores en centros debidamente acreditados situados fuera del territorio de la comunidad autónoma.

En un comunicado, el Ejecutivo ha informado de que también pueden beneficiarse alumnos con estudios conducentes al título oficial de máster universitario relacionado con enseñanzas artísticas superiores previamente cursadas en centros de fuera de la región.

Estas ayudas tienen como finalidad contribuir a sufragar parte de los gastos derivados de la realización de estos estudios fuera de la comunidad autónoma y están dirigidas al alumnado empadronado en Cantabria y con domicilio fiscal en la región durante el año 2025, siempre que reúna los requisitos establecidos en la convocatoria.

Como principal novedad, la convocatoria de este año cuenta con una dotación económica de 30.000 euros, lo que supone duplicar el presupuesto destinado a estas ayudas respecto al ejercicio anterior.

Según recoge la convocatoria, las solicitudes deberán ir acompañadas, entre otra documentación, de la acreditación de la matrícula del curso 2025-2026 en un centro debidamente reconocido en España o en un país europeo, con el detalle de las asignaturas y la carga lectiva; el certificado de calificaciones del curso 2024-2025 o, en su caso, la acreditación de haber superado la prueba de acceso correspondiente.

En el caso de quienes cursen estudios oficiales de máster, será necesario aportar el título que da acceso a estos estudios o la certificación académica correspondiente, junto con el justificante del pago de expedición del título.

Asimismo, cuando proceda, podrá aportarse la documentación acreditativa de la matrícula de hermanos o hermanas que cursen estudios universitarios fuera del domicilio familiar.

Toda la documentación deberá presentarse en castellano o acompañada de la correspondiente traducción jurada, y el plazo para presentar las solicitudes permanecerá abierto hasta el 7 de agosto.

El ayuntamiento de Barcelona ha apostado por transformar una parte de su paisaje comercial convirtiendo las persianas de sus tiendas locales en verdaderos lienzos artísticos. El proyecto denominado “Persianes que fan barri” es una iniciativa que busca dar una mayor visibilidad al comercio de proximidad mediante el arte urbano en un momento clave para la capital catalana. Y es que la ciudad ostenta durante este año 2026 el reconocimiento como Capitalidad Europea del Comercio Local, siendo la primera vez que se otorga esta distinción. Con este marco, Barcelona pretende reforzar el tejido económico de sus barrios combinando la creatividad y el diseño.

La iniciativa supone la intervención en un total de 185 establecimientos repartidos por todos los distritos de la ciudad, utilizando el talento local para dinamizar la economía. Un grupo seleccionado de once artistas ha sido el encargado de ejecutar estas obras bajo la dirección de la Barcelona Creativity & Design Foundation y la dirección artística de Rebobinart. Este equipo de trabajo colabora estrechamente con 15 asociaciones y ejes comerciales que conocen de primera mano las necesidades de cada zona. El objetivo principal es convertir cada persiana en un nuevo reclamo cultural que atraiga tanto a residentes como a visitantes a las calles comerciales. De este modo, el arte urbano deja de ser algo espontáneo para integrarse en la estrategia municipal de promoción económica.

Entre los creadores que participan en esta gran transformación se encuentran nombres destacados como Emily Eldridge, Roc Blackblock, Carola Bagnato, A2Zeta e Irene López. También aportan su visión artistas como Guillem Font, Daniel Thomàs, Axe Colours, Gemma Fontanals, Penao y Jalón de Aquiles. Sus pinceles y aerosoles llegarán a barrios tan emblemáticos como el Raval, Sant Antoni, Gràcia, el Clot o Sant Andreu, abarcando la diversidad de la ciudad condal. En lugares como L’Eixample, Axe Colours trabajará con la Xarxa de Comerç Divers, mientras que Daniel Thomàs lo hará con Som Sant Antoni. Cada mural será una pieza personalizada que refleje el espíritu del negocio y su relación con el entorno inmediato de los vecinos. Esta red de arte se extiende además por Horta, Les Corts y Nou Barris, cubriendo la totalidad de los diez distritos.

El proyecto pone el diseño y la creatividad al servicio directo del pequeño comercio para afrontar los nuevos desafíos del mercado, mejorando notablemente la experiencia estética del cliente. Estas mejoras no solo buscan la estética, sino que actúan como una herramienta estratégica de innovación. Al embellecer el espacio público se genera un mayor sentimiento de pertenencia entre los dueños de los locales y los habitantes de la zona. La comunicación visual se convierte así en un puente necesario entre la tradición de la tienda física y las demandas tecnológicas de la sociedad actual.

El sector del comercio de proximidad es un pilar fundamental para la estabilidad económica de Barcelona, contando actualmente con más de 61 mil establecimientos activos. Estos negocios generan empleo para más de 152 mil personas, lo que supone un impacto directo en el bienestar de miles de familias. Además, esta actividad reporta el 13% del PIB de la capital catalana, subrayando su importancia estratégica. Pese a estos datos positivos, el sector se enfrenta a la competencia de las plataformas digitales y a cambios profundos en las rutinas de compra. Proyectos como la decoración de persianas son vitales para contrarrestar la imagen de calles apagadas que suele aparecer cuando las tiendas cierran. Es una forma de mantener viva la presencia del negocio incluso fuera del horario laboral.

El proyecto de las persianas artísticas pretende capturar y exaltar estos valores mediante imágenes que reflejen la esencia de cada comercio en particular. Así, una farmacia, una peluquería o un bar pueden transmitir su historia y su vocación de servicio a través de un diseño único y sugerente. Esta iniciativa refuerza la identidad colectiva y ayuda a que los ciudadanos se sientan más identificados con los comercios que visitan a diario. El arte sirve como un catalizador para fortalecer los lazos vecinales y revitalizar la vida en la calle.

Limpieza y arte

Esta acción no es un hecho aislado, sino que se integra en el Plan Endreça para el mantenimiento y la mejora integral del espacio público barcelonés. El objetivo es adecentar las calles y asegurar que el entorno urbano sea un lugar agradable y cuidado para la convivencia diaria. El plan ya ha impulsado intervenciones en distritos como Sants-Montjuïc o Nou Barris, demostrando una voluntad de alcance territorial completo. Se busca demostrar que la creatividad puede ser una herramienta potente de mejora urbana y de recuperación económica simultáneamente. Al unificar criterios de limpieza y arte, la ciudad proyecta una imagen de cuidado y modernidad que beneficia directamente al comerciante.

Un ejemplo concreto de este despliegue es el trabajo de Carola Bagnato en el barrio de la Marina, donde ha transformado 17 persianas de diversos tipos de negocios locales. Establecimientos como la Farmacia de La Marina, la Pizzería o el Bar Chirimiri lucen ahora sus nuevos diseños ante el vecindario. También se han sumado locales dedicados a la estética, la salud y los servicios técnicos, creando un recorrido artístico por las calles del distrito. Con estas 185 nuevas obras, Barcelona se convierte en un gran escaparate al aire libre que invita a pasear y descubrir el talento local. El éxito de la propuesta radica en su capacidad para unir la estética contemporánea con la supervivencia de los comercios tradicionales, para que la creatividad invite a entrar y consumir en las tiendas del barrio.

Me parece increíble la que se ha formado porque Christopher Nolan ha decidido darle el personaje de Helena de Troya a una actriz negra en su adaptación de La Odisea. Una Lupita Nyong’o que, además, está increíble en su papel. Bueno, habría que decir mejor ‘la que han formado’, porque el ruido viene de un sitio muy concreto, una derecha principalmente constituida por hombres blancos que sacan a pasear su racismo cada vez que tienen la oportunidad.

Con Elon Musk a la cabeza, la caterva de haters han inundado con su violencia digital y verbal las redes sociales. Primero fueron a por el tráiler de YouTube, intentando crear la sensación de que no había interés por la película, y luego a por cada crítico que ha alabado el filme de Nolan. Pasen por las redes sociales de elDiario.es para ver los insultos que nos dedican (especialmente al que esto escribe) por decir que es una excelente película y que respeta la narrativa de la obra original.

Todo por una actriz negra. Porque por mucho que lo quieran vestir con el término ‘fidelidad histórica’, lo que realmente muestran es un racismo terrorífico. Es inexplicable que en 2026 haya gente que no soporte que en una adaptación de una novela se haga lo que uno quiera. Los propios traductores e historiadores de La Odisea ya han dicho que eso de la fidelidad en una obra que no es histórica, sino pura ficción, es una tontería. Helena de Troya nace, según el mito, de un huevo que salió cuando Zeus se convirtió en cisne para engañar a Leda. Busquen la fidelidad histórica.

Esa fidelidad no les ha importado a la hora de que la película sea en inglés y con actores ingleses y de orígenes que no tienen nada que ver con Homero. Pero misteriosamente sí les ha molestado con Helena de Troya. Qué curioso. Tan curioso como que esto sea lo mismo que ocurrió previamente con la versión de acción real de La sirenita, donde el sector conservador hirvió porque contrataron una actriz negra. Según ellos, imagino que esperaban que hubieran contratado a una mujer con cola de pez en vez de piernas para ser lo más fieles al relato original.

Los mismos que no quieren una Helena de Troya negra son los mismos que no disfrutan con Lamine Yamal en la selección española o los que creen que en la selección francesa no hay realmente franceses porque muchos de los jugadores son negros. El racismo es racismo, lo disfracen como lo disfracen. Así que gracias a Nolan y su Odisea, y gracias a Lamine Yamal, porque se han convertido en detectores automáticos de racistas. El resto seguiremos disfrutando de ellos.

Tres películas

Ciclo de Maurice Pialat. El año pasado tuvimos la suerte de que la distribuidora Atalante nos descubriera a un cineasta descomunal llamado Maurice Pialat. Ahora es Filmin quien incluye en su catálogo la obra del director francés, y lo hace —de la mano de Atalante— con un regalo increíble, su serie inédita La casa del bosque que es una delicia. No os perdáis toda su filmografía.

'La Odisea'. La hemos dedicado ya una crítica muy positiva y hemos hablado de ella en la introducción de este boletín, pero es que la adaptación del clásico de Homero que ha hecho Christopher Nolan merece mucho la pena y va a dar mucho que hablar. Una maravilla que respeta las aventuras del relato clásico y las dota del estilo Nolaniano y una reflexión sobre nuestro presente.

'Omaha'. Y terminamos con una joyita indie que ha dirigido Cole Webley y que va a hacer llorar a todo el que la vea. Una mirada íntima a la crisis y sus consecuencias en forma de road movie. Dura y conmovedora, y con un John Magaro que demuestra otra vez que es un actor estupendo que merece muchas más oportunidades.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

A inicios de año, cuando recopilamos en elDiario.es la música más esperada de este 2026, cuatro nombres copaban todas las expectativas: BTS, Olivia Rodrigo, Harry Styles y Beyoncé. Hoy, cuando alcanzamos la mitad del año, podemos decir que todos han cumplido publicando discos o canciones. Solo faltaba Beyoncé, pero la artista ha frenado su sequía con un tema que ya puedes escuchar en nuestra playlist, donde están también las recomendaciones de las semanas anteriores.

'Morning Dew (Donk)' de Beyoncé. La primera canción de la artista desde su aclamado Cowboy Carter, que ganó el Grammy a Álbum del Año, es un sensual tema de R&B que celebrará los veinte años de su mítico disco B'Day. La pista formará parte de una reedición conmemorativa del álbum y recupera el sonido de esta etapa de la cantante, por lo que hay mucha, mucha nostalgia. Aun así, todavía habrá que esperar para su ansiado proyecto “Act III”.

'Tragedia' de Marta Sango. En el panorama español, la artista andaluza prepara el lanzamiento de su álbum debut con este segundo adelanto. Arropándose en sintetizadores y guitarras, el tema envuelve la frustración y la decepción de una relación llena de promesas sin cumplir y excusas bajo una melodía principalmente electrónica.

'In The Stars' de The Rolling Stones. La legendaria banda está de vuelta con un temazo de pop-rock que nos lleva al sonido clásico del grupo a principios de los 80. Menos de tres años después de que los Rolling Stones publicaran Hackney Diamonds, Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood se han vuelto a reunir con el productor Andrew Watt para hacer 14 nuevas canciones que componen Foreign Tongues, su nuevo álbum. Esta canción es la carta de presentación y lo mejor es su adictivo estribillo.

Tres libros, por Francisco Gámiz

'Huellas en los fiordos (Hildur 1)' de Satu Rämö (Salamandra Black). Esta novela se une al fenómeno del nordic blue, una variante del thriller nórdico mucho más atmosférica y humana. Ambientada en Islandia, la historia sigue a la inspectora Hildur Rúnarsdóttir, quien debe resolver una serie de crímenes mientras lidia con un doloroso trauma familiar que combate surfeando en aguas gélidas. Ya disponible en librerías.

'Inducción por shock' de Chuck Palahniuk (Random House). El autor de El club de la lucha regresa con una sátira distópica que pone el foco en el elitismo y la mercantilización del talento joven. En un reputado instituto, las mentes más brillantes desaparecen una tras otra en extraños suicidios que ocultan algo mucho peor: la subasta de sus vidas al mejor postor corporativo. Con su habitual humor negro, Palahniuk hace una crítica al privilegio. El libro ya está en las librerías.

'Odisea' de Milo Manara (Lumen). Esta semana hemos podido conocer las impresiones de mi compañero Javier Zurro sobre La Odisea, la adaptación de Christopher Nolan sobre este célebre clásico. Si queremos ir calentando motores antes de su estreno, Manara publica esta novela gráfica sobre la mítica epopeya de Ulises que, en lugar de relatarla desde la perspectiva del propio héroe, la relata a través de la mirada expectante de su hijo Telémaco. Ya en librerías.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

Festival de Teatro Clásico de Peñíscola (Castellón). Esta semana podéis disfrutar todavía de este festival, en el que se representarán La trova de Buena Saña, Doña Rosita la soltera, La dama boba y Don Juan en los infiernos. El Patio de Armas y los Jardines del Castillo acogerán los espectáculos que recorren el legado de Lope de Vega, Federico García Lorca y Molière, además de reivindicar la tradición del teatro popular. El evento incluye también un Taller de Periodismo Cultural impartido por Pepe Monleón.

Tüpitanga Fest (Deleitosa, Cáceres). ¡Ojo a este festival gratuito! Música, tradición, cultura y risas se unen este finde en este evento que incluirá bailes populares, tapeo, productos artesanos durante el día; y bien de rock, punk, versiones, bandas tributos, grupos emergentes extremeños y nuevos talentos por en cuanto empieza a bajar el sol. Tienen hasta un concurso de bandas. Kamikazes, Periferia, Kalerizo, Deklibe, Awakate, Divina Papaya y Pedrá son algunas de los protagonistas de su cartel.

Torrezno Music Festival (Ágreda, Soria). Vamos con otro festival, también muy metido dentro de la naturaleza, en el que el alimento para recargar energías y bailar hasta el amanecer no es otro que el auténtico torrezno soriano. Su cartel propone desde rock a electrónica, con nombres como Guaraná, Lorca, DJ Mech-On, Linaje y tributos a Héroes del Silencio (Héroes, el culto) y Extremoduro (AMA).

Juana Cima. Una mirada disidente (Vitoria). El Artium Museoa, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, acoge hasta finales de agosto esta exposición que recorre la obra de esta artista cubana. Una intersección entre su memoria del Caribe, su formación en el contexto vasco y su espiritualidad exploratoria que, desde finales de los años setenta, anticipa debates sobre identidad, ecología y género.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

ERE en Ubisoft. 51 personas han sido despedidas de la sede de Barcelona de una de las empresas de videojuegos más importantes del mundo. Sus trabajadores han iniciado una huelga para protestar.

'Te hice dios'. Apuntad el nombre de este libro y el de su autor, Marcos Augusto, porque va a ser uno de los que van a dar mucho que hablar con esta provocadora novela sobre sida, relaciones y los límites de la pasión.

Campamentos musicales. Los catálogos de los artistas dan mucho dinero, y todo el mundo quiere firmar canciones. La última moda es realizar campamentos para encontrar grandes éxitos.

La escultura ‘Transcurren paisajes y soledades I’, de la madrileña Marta Sánchez, se ha impuesto a las 259 obras que este año se han presentado a la 87 Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas, obteniendo la Medalla de Oro de la exposición y un premio de 15.000 euros, a las que se suman otras obras que han sido seleccionadas por el jurado para el fondo de adquisición.

En esta edición el jurado estuvo compuesto por Jesús Martín Rodríguez-Caro como presidente de Honor, Vanessa irla como presidenta, Alberto Esteban como secretario y actuaron como vocales destacados y expertos en arte el reconocido artista el crítico y galerista Fernando Fernán Gómez, el artista invitado de este año del certamen Xuxo Vázquez, la artista Carmen Lamas y la conservadora de la Colección Banco de España, Yolanda Romero.

Durante la resolución del fallo del jurado, la teniente de alcalde de Cultura, Vanessa Irla, ha destacado la calidad de las obras presentadas, de las que se han seleccionado 72 obras de pintura y escultura para la muestra que abrirá sus puertas el 30 de agosto. “No es un premio que tenga como objetivo que aquellos artistas que ya están consagrados reciban un reconocimiento”, ha afirmado Irla, remarcando que “esta Medalla de Oro busca ser un impulso a esos artistas que, independientemente en el momento en el que estén en su trayectoria, les venga a reconocer su trabajo y talento y les sirva de impulso dentro de su carrera”.

El certamen de estas características más longevo del país

La edil ha recordado que este certamen, el más longevo de estas características en el país, “forma ya parte del ADN de Valdepeñas”, por lo que ha destacado el compromiso con la cultura desde el Consistorio durante todo el año. También ha querido felicitar a los artistas valdepeñeros seleccionados en esta edición como Cristina Megía, María José Barrios, Javier Tercero, Aurora Cid y Jesús Dougnac Pascual.

La medalla, que premia la escultura inspirada en una estación de tren, de Marta Sánchez, ha destacado entre las 259 obras presentadas por más de 200 artistas de 13 nacionalidades, con el voto del jurado por unanimidad. El artista Xuxo Vázquez ha reconocido que la obra ganadora “entra dentro de un lenguaje nuevo dentro de la figuración, con la participación ciudadana, por el ámbito urbano en el que se desarrolla, con dos piezas enfrentadas y que nos pareció acertada para propuesta que se buscaba este año”.

Xuxo Vázquez, escultor español con una gran trayectoria nacional e internacional que destaca por su investigación de las formas geométricas y lo abstracto, participará en el certamen como artista invitado, exponiendo algunas de sus obras. Su firma se encuentra ya en piezas en EEUU, China, Emiratos Árabes, Alemania y España, entre otros países, además de ser ganador de la Medalla de Oro de la Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas en 1993.

La exposición con 72 obras seleccionadas se inaugurará el 30 de agosto

Por tanto, junto a la Medalla de Oro, la 87 Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas contará con obras del reconocido artista, además de las 72 obras seleccionadas, de las cuales 51 son pintura y 22 esculturas, que se podrán contemplar en la muestra que se inaugurará el domingo 30 de agosto en el Centro Cultural ‘La Confianza’.

Por otro lado, el jurado del certamen decidió conceder el Premio Fondo de Adquisición de Obra para el Museo Municipal del Ayuntamiento de Valdepeñas a Richard García por la pintura ‘Una selva para volver a empezar’. Del mismo modo, entrarán a formar parte de la pinacoteca municipal la pintura de Begoña Cid ‘La casa permanece’, y la pintura de Jezabel Rodríguez por la obra ‘Sin título’.

Por su parte, el Premio Fondo de Adquisición de Obra de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, en la modalidad de Pintura, ha sido concedido a Alejandro Botubol por la obra ‘A las claras del día’.

En cuanto a la Diputación Provincial de Ciudad Real, el jurado ha otorgado el Premio Fondo de Adquisición de Obra a Ana María Parra García por la obra ‘Todo es uno’.

Finalmente, el Premio Fondo de Adquisición de Obra de la Diputación Provincial de Ciudad Real, en la modalidad de Escultura, ha sido concedido a Miguel Ángel Martínez García por la obra ‘Cambio Climático V’.

En cuanto a los premios del certamen, la Medalla de Oro de la exposición, instituido por el Ayuntamiento de Valdepeñas, contempla un premio de 15.000 euros, a lo que se suman 53.000 euros como premios en adquisición de obras y que se aportan bajo el mecenazgo del propio consistorio (15.000 euros), la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha (10.000 euros), la Diputación de Ciudad Real (7.000 euros), se incorpora como novedad el Consejo Regulador de la Denominación de Origen del Queso Manchego (5.000 euros), Fundación Globalcaja (5.000 euros), Tecnobit-Grupo Oesía (5.000 euros), Francisco Delgado Abogados (3.000 euros) y Moisés Argudo (3.000).

Las obras adquiridas por el Consistorio van a formarán parte de los fondos de la pinacoteca municipal, donde también se encuentran otras valiosas obras de arte de autores tan reconocidos como Antonio López, Manuel López Villaseñor, Pancho Cossío, Agustín Redondela, Agustín Úbeda, Antonio Guijarro, Juan Barjola, Venancio Blanco, Santiago de Santiago, José Luis Sánchez, David Lechuga o Juan Manuel Castrillón, entre otros.

Los Premios Nacionales Pancho Cossío 2025, promovidos por la Consejería de Juventud del Gobierno de Cantabria para promover la creación artística entre los jóvenes, ya tienen ganadores y los galardones se entregarán el 15 de julio. A esta última edición se han presentado 91 trabajos.

El acto se celebrará en la Escuela Técnica Superior de Náutica de Santander y coincidirá con la inauguración de la exposición integrada por las obras de los ganadores y accésits.

En esta edición, han resultado ganadores en la categoría de artistas de 21 a 35 años Blanca Tejerina, Meritxell García Moreno, Marta Valledor y Azahar Elena.

Los cuatro accésits en esta categoría han recaído en Carmen Gutiérrez, David Quintana, Raquel San Emeterio y Manuela Gutiérrez, ha informado el Gobierno de Cantabria.

En esta categoría de 21 a 35 años se han premiado las modalidades de escultura, pintura, dibujo-ilustración-cómic y videoarte, quedando desiertas fotografía y diseño gráfico.

En la categoría más joven, de 16 a 20 años, han ganado Abril Teja, Elena Herrera e Irene García en las modalidades de dibujo-ilustración-cómic, fotografía y pintura, respectivamente.

En estas modalidades, han sido galardonados con los accésits Abril Teja Díaz, Cayetana Amores Merchán y Miranda Wells.

En esta categoría de 16 a 20 años han quedado desiertas las modalidades de vídeo creación, escultura y diseño gráfico.

El jurado ha resaltado la calidad técnica en la diversidad de temáticas y estéticas de las propuestas presentadas. También ha puesto en valor la variedad geográfica de procedencia de las propuestas y la juventud de los artistas en un 80 por ciento de los trabajos, augurando un “prometedor futuro” a la creación artística nacional tanto por la calidad de los trabajos como por la edad de los participantes.

El jurado ha estado compuesto por artistas de corte internacional como María Villacorta y Gorka Mohamed, además de la gestora cultural Carmen Quijano.

Por su parte, el equipo de comisariado de estos premios nacionales está integrado por Laura Crespo y Miriam Callejo, historiadoras del arte y expertas en patrimonio y en gestión y desarrollo de la producción contemporánea.

La exposición con los trabajos ganadores y accésits podrá visitarse en la sala de la E.T.S. de Náutica hasta su clausura el 1 de septiembre y contará con una visita comentada por las comisarias el 1 de agosto abierta al público.

Un zumbido molesto envuelve el ambiente de la sala de exposiciones. De entrada parece una interferencia en una emisión de radio, o quizás el bramido de un aparato de aire acondicionado mal regulado. Al rato se descubre que se trata de una grabación de un dron de vigilancia de los que constantemente sobrevuelan las cabezas de los palestinos en los territorios ocupados por Israel en Gaza y Cisjordania. Se trata de poner al visitante en situación.

No hay escapatoria del dron, como tampoco la hay de otro símbolo recurrente de la ocupación como son las torres de vigilancia. La fotógrafa Rehab Nazzal (Yenín, 1961) las compara con el panóptico de Jeremy Bentham, aquel ideal de prisión en los albores de la política penitenciaria moderna en el que nada escapaba del ojo del carcelero.

Un centenar de imágenes de estas torres de vigilancia son el foco de la muestra Conduciendo por Palestina, que Nazzal exhibe durante el mes de julio en Casa Árabe —el futuro de la exposición y de la institución a la vuelta del verano pende de un hilo por capricho del Ayuntamiento de Madrid— tras su exitoso paso por Canadá (país de acogida de la autora), EEUU y Europa. Comisariada por Stefan St-Laurent, profesor de Artes Visuales de la Universidad de Otawa, está organizada con el apoyo del Canada Council for the Arts, el SAW Centre de Ottawa y la Embajada de Canadá en Madrid.

Percibo este periodo como un momento fugaz de la historia, que se mueve como yo al hacer las fotos. Las cosas no terminan aquí. Los cruzados estuvieron 200 años en Palestina. Estoy convencida de que será libre

Entre 2010 y 2026, Nazzal emprendió la difícil tarea de recorrer la totalidad de la Cisjordania ocupada. Entre controles militares, carreteras segregadas y colonos virulentos fue fotografiando concienzudamente las torres que encontraba a su paso, sin apearse del vehículo. “Si te bajas, disparan”, explica en una entrevista con elDiario.es, aunque señala que la seguridad no era el único motivo: “No me bajaba de forma intencionada, porque también percibo este periodo como un momento fugaz de la historia, que se mueve como yo al hacer las fotos. Las cosas no terminan aquí. Los cruzados estuvieron 200 años en Palestina y estoy convencida de que será libre desde el río hasta el mar”.

La artista entiende que el objetivo de esta “arquitectura de la vigilancia” constante es crear el efecto psicológico de que el control sobre el territorio y las personas es total, y de que Israel tiene bien tomadas las riendas. “Es un efecto acumulativo, porque estos panópticos están por todas partes. En las ciudades, en los pueblos, en las aldeas, en los campos de refugiados, pero también en los montes, entre los olivos”, describe. “Es una arquitectura que posibilita el apartheid colonial, y ahora el genocidio”, censura. Todo como parte del proyecto colonial israelí, reflejo de otros anteriores como el francés o el británico. “Es imposible diferenciarlos”, dice.

Al fondo de la sala, perpendicular a las torres de vigilancia, una fotografía de gran tamaño a color capta la atención del espectador desde que entra en la estancia. Es un hombre con un bebé en brazos, rodeados por una pirámide grotesca de coches despedazados por las excavadoras. La autora tomó la fotografía en Yenín en 2024. “Me impresionó mucho la magnitud de destrozo de las infraestructuras. La luz, el agua, el alcantarillado”, describe sobre el momento, que coincidió con una cruenta ofensiva israelí.

“La destrucción en el norte de Cisjordania es comparable a la de Gaza”, señala Nazzal. “Pero como las atrocidades en Gaza son tan horripilantes, los medios no prestan tanta atención. Y mientras, las fuerzas de colonización de Israel destruyen tranquilamente, roban tierras y arman a los colonos”, lamenta.

Un afán documentalista tras 25 años de exilio

Una joven Nazzal dejó Yenín en 1980 para ir a estudiar en la Universidad de Damasco. Como a tantos otros palestinos, Israel no le permitió regresar, alegando que no tenía los documentos de viaje que a la vez le negaba. Solo pudo volver en 2005, ya con la nacionalidad canadiense. El retorno hizo nacer en ella un afán archivístico irrefrenable. “Quería documentarlo todo. Cada árbol, cada calle, cada colina. La impresión al ver todo lo que había cambiado fue enorme”, recuerda.

Ese afán documentalista alcanzaba también a las fórmulas represivas israelíes. En 2016 estaba siguiendo los efectos de una nueva herramienta, un spray pestilente que provoca el vómito inmediato en las víctimas, cuando recibió un disparo en la pierna. “Un francotirador que tiró a dar”, recuerda. Hoy es peor. “Los periodistas no se ponen el chaleco porque, cuando los ven, van a por ellos”, señala.

Y con todo, no claudica. “Siempre hay un riesgo, ¿pero y qué? Si todo el mundo estuviese pensando en el peligro, no haríamos nada, no cambiaríamos nada”, razona. Y apuntar con la cámara al vigilante supone, en ese sentido, un “acto de resistencia en movimiento”.

Creo que los israelíes han perdido por completo su humanidad. No uso la palabra moralidad porque no hay nada de moral en colonizar la tierra de otro pueblo, pero han perdido la humanidad. Ahora bien, si este horror es posible es porque los permiten los países occidentales

El punto de control o checkpoint es otro de los elementos habituales del recorrido en coche por Palestina y figura en la versión completa de la exposición, reducida para la muestra madrileña por economía de espacio. Viajar de Belén a Hebrón, a 182 kilómetros, puede llevar hasta ocho horas, dependiendo del humor que tengan los guardas. “A veces simplemente se quedan de pie parados, fumando y riéndose; es una tortura, es para expresar que tienen el control. Y otras veces también disparan”, relata.

La violencia macabra siempre está al acecho, en efecto: en junio afloró un vídeo que muestra a un militar disparar a un coche que ya se había parado en un punto de control en Hebrón. El tiro mató a un bebé de siete meses. Nazzal conocía a la familia.

“Creo que los israelíes han perdido por completo su humanidad. No uso la palabra moralidad porque no hay nada de moral en colonizar la tierra de otro pueblo, pero han perdido la humanidad. Ahora bien, si este horror es posible es porque lo permiten los países occidentales”, censura.

El proyecto estriba, en última instancia, en 'afirmar el derecho a la libertad de movimiento en el propio territorio' y legar al futuro un relato de la locura contemporánea y las heridas colectivas que provoca

Esta deshumanización le hace tener una visión pesimista en el medio plazo sobre el conflicto. La solución de los dos Estados le parece inviable, el Estado único multiétnico y laico, lejano. “Es imposible mientras haya un 80% de israelíes que lo que quieren es erradicar a los palestinos, e incluso Líbano. Es culpa de la ideología sionista y de cómo la implantan en los niños desde la guardería, una locura. Pero en el futuro será la única solución; ¿el Estado palestino qué sería, si no? ¿Un queso suizo con agujeros aquí y allá?”, ironiza.

La obra de Nazzal ha llegado a Madrid tras una gira internacional con obstáculos. En Nueva York consiguieron exponer una versión disminuida. “No llevamos las fotos originales, sino que las imprimimos allí. A ver, es que el mundo del arte es cómplice del genocidio. En la lista Epstein salen muchos artistas, académicos y conservadores. Claro que hay miedo, llevo 30 años viéndolo”, denuncia. En Canadá también tuvo problemas en una exposición en 2014. “La Embajada israelí no descansaba, y me llegaron amenazas de sionistas. Pero quienes resisten las amenazas abren la puerta y animan a otros”, advierte.

El proyecto estriba, en última instancia, en “afirmar el derecho a la libertad de movimiento en el propio territorio”, resume. Eso y legar al futuro un relato de la locura contemporánea y las heridas colectivas que provoca. “No lo quiero llamar trauma, porque es un término con un sesgo occidentalizante que no corresponde a la noción que tenemos nosotros, menos individualista”, explica. “Nosotros sanamos a través de la comunidad. Fíjate, si no, en Gaza. En medio de los escombros, del desastre, la gente celebra bodas y fiestas. Estuve allí en 2021 y 2022 y me di cuenta de que la comunidad y el amor de los niños es lo que los mantiene cuerdos”.

Durante demasiado tiempo confundimos admiración con impunidad. La historia está llena de genios, artistas, deportistas y figuras de poder a quienes se les toleraron comportamientos reprobables porque su talento parecía situarlos por encima del juicio moral. Hoy, por fin, esa coartada empieza a resquebrajarse.

Hubo un tiempo en que bastaba con escribir una obra inmortal, pintar un cuadro revolucionario, marcar un gol histórico o acumular poder institucional para disfrutar de una indulgencia social que rara vez se concedía al ciudadano común. El talento actuaba como salvoconducto y la fama como escudo. Se admiraba la obra hasta el punto de cerrar los ojos ante la conducta.

La reciente polémica surgida en torno a Juan Carlos Aragón (el célebre autor del Carnaval de Cádiz, conocido como el Capitán Veneno), ha reabierto un debate que trasciende el carnaval de Cádiz. Nadie discute su relevancia artística ni la huella que dejó en la cultura popular gaditana. Sin embargo, la difusión pública de una sentencia por malos tratos en el ámbito familiar ha obligado a muchos admiradores a enfrentarse a una pregunta incómoda: ¿qué hacemos cuando el creador admirado no está a la altura de su propia obra?

La cuestión no afecta únicamente al mundo de la cultura. La historia contemporánea está llena de ejemplos que muestran cómo el prestigio y el poder pueden convertirse en mecanismos de protección. Ocurrió en el Reino Unido cuando, tras la muerte de Jimmy Savile, salieron a la luz centenares de denuncias por abusos sexuales que habían permanecido ocultas durante décadas. La muerte, lejos de cerrar el juicio social, abrió una investigación moral que cambió para siempre la percepción de quien había sido considerado una institución nacional.

También sucede con figuras que siguen ocupando un lugar central en la historia cultural. Pablo Picasso continúa siendo uno de los mayores genios de la pintura moderna, pero cada vez son más los historiadores y biógrafos que analizan críticamente la relación que mantuvo con muchas de las mujeres que compartieron su vida. Nadie cuestiona la trascendencia artística del creador del cubismo; lo que se cuestiona es la antigua costumbre de considerar que el genio exime de cualquier examen moral.

Algo parecido ocurre con Camilo José Cela. Su inmenso legado literario es indiscutible y su aportación a la literatura española resulta fundamental para comprender el siglo XX. Sin embargo, junto a la admiración por el escritor han convivido críticas a determinados comportamientos personales, actitudes públicas y episodios de su biografía que hoy serían observados con mucha menos indulgencia que en la España de su tiempo. La grandeza literaria y las sombras humanas pueden coexistir en una misma persona.

También en Castilla-La Mancha hemos conocido episodios que demuestran que el abuso de poder adopta múltiples formas

Lo que une estos casos no es el arte, la literatura o el espectáculo. Es el poder. La convicción de que el reconocimiento social, la fama o la autoridad otorgan un margen de impunidad que no está al alcance de los demás.

Y sería un error pensar que este fenómeno pertenece únicamente al universo de los famosos. También en Castilla-La Mancha hemos conocido episodios que demuestran que el abuso de poder adopta múltiples formas. Lo hemos visto en responsables públicos condenados por el uso indebido de fondos públicos, en alcaldes inhabilitados por prevaricación administrativa o urbanística y en servidores públicos que utilizaron sus cargos vulnerando los principios de legalidad que debían defender. Cambian los nombres, las instituciones y las circunstancias. Lo que permanece es la tentación de creer que una posición de privilegio permite actuar al margen de las normas.

Ante esta realidad surge una pregunta recurrente: ¿debemos borrar la obra cuando descubrimos las miserias de quien la creó? La respuesta no está en destruir el pasado, sino en comprenderlo con honestidad. Las canciones seguirán sonando, los cuadros seguirán colgados en los museos y los libros seguirán ocupando las estanterías. La cultura no desaparece porque conozcamos mejor a sus autores.

Pero una sociedad madura tampoco puede seguir rindiendo homenaje acrítico a quienes utilizaron su posición para humillar, abusar o maltratar a otros. Preservar una obra no obliga a santificar a su creador. Recordar una contribución artística no exige silenciar a las víctimas.

La verdadera grandeza de una comunidad no consiste en fabricar ídolos perfectos, sino en ser capaz de mirar de frente la complejidad humana. Podemos admirar un cuadro sin ignorar el sufrimiento de quienes rodearon al pintor. Podemos emocionarnos con una novela sin convertir a su autor en ejemplo moral. Podemos disfrutar de una obra y, al mismo tiempo, condenar una conducta.

Porque el talento puede emocionar, inspirar e incluso cambiar una época. Lo que nunca debería hacer es absolver la miseria.

Este miércoles comenzó una nueva edición del Mad Cool. Por allí pasaron Foo Fighters, Moby —que fue el único que usó su altavoz para decir algo y atacar a Trump— y la sorpresa inocentona de unos Arde Bogotá disfrazados de la banda inventada Bigger Splash. Pero caminando por Villaverde de camino hacia su novena edición, siguiendo las hordas de gente que van desde el metro al macro recinto creado para estos eventos, y a 40 grados, me dio por pensar en la forma en la que consumimos cultura y sus consecuencias. Unas consecuencias que no solo afectan a la industria de la música, sino, como ejemplifica ese sitio, a las propias geografías y urbanismos de las ciudades.

Especialmente la música se ha convertido en los últimos años en una burbuja enorme. Una burbuja que ha ido creciendo y que ha tenido en los macrofestivales su cara más visible. No había ciudad, especialmente ciudad de vacaciones, que no tuviera su macrofestival. Y lo tenían no porque se amara a la música, sino porque se amaba el dinero. Veían en ese boom una forma de ganar cantidades ingentes de pasta.

No hay nada nuevo en ese sentido, pero el problema es que lo están haciendo a costa de la gente y de la connivencia de otros tantos. Cuando uno va al Mad Cool no piensa en los vecinos de Villaverde ni de Colonia Marconi. En cómo ese recinto ha alterado sus vidas. En cómo el ruido hace sus noches insoportables y cómo han construido un recinto que altera su día a día.

Los ayuntamientos construyen cada vez más estadios y superficies para poder dar conciertos. Y hasta anuncian normativas a su antojo para que no haya un solo estadio que se quede sin hacerlo. Sin salir de Madrid, lo que está pasando con el estadio Bernabéu es el mejor ejemplo. El enfrentamiento vecinos vs Florentino Pérez sigue su curso, pero el presidente del Real Madrid tiene claro que harán una norma para darle la razón.

Esa insensibilidad creo que viene porque realmente la gente que va a estos sitios, en muchas ocasiones, no ama realmente la cultura, sino que quiere contar que ha estado en un sitio. Un paseo por el Mad Cool lo deja claro. Muchas de las miles de personas que abarrotan el recinto no van porque amen la música de Foo Fighters, sino porque el Mad Cool es ‘el sitio en el que hay que estar’. Allí ves a gente que se cree que está en Coachella haciendo fotos con la noria en vez de ir a descubrir algún grupo. O jóvenes que, evidentemente, lo que están es de botellón con música de fondo.

Por supuesto que no todo el mundo es así, pero esa tendencia está cada vez más extendida. Y no solo en la música. Ahora se ha puesto de moda hacer una foto a la pantalla de cine para poder contar en redes sociales qué película estás viendo. ¿Por qué tienes que fotografíar la pantalla mientras está la película? Primero, es ilegal. Segundo, ¿no te vale con decir si te ha gustado o no? La gente no quiere consumir cultura, quiere acudir al evento cultural para ser guay y contarlo. Y eso está haciendo que nuestra responsabilidad como consumidores sea cada vez menor.

Parece que la burbuja de festivales se pincha. Este año han cancelado muchos alegando que no han vendido suficientes entradas, pero ¿y las heridas que dejan a su paso? Las heridas culturales, industriales, urbanísticas y económicas… A nadie le importa mientras puedan hacerse una foto con un look increíble en el sitio de moda. Menos mal que todavía hay excepciones. Nuestro compañero Nando Cruz nos habló el otro día del (a)phònica de Banyoles, y uno vuelve, de repente, a confiar en que las cosas se pueden siempre hacer de otra manera mejor.

Tres películas

'Las corrientes'. Qué película tan especial, misteriosa, diferente y sugerente ha dirigido la cineasta argentina Milagros Mumenthaler. El estudio del personaje que interpreta magníficamente Isabel Aimé Gonzalez Sola nunca sigue los derroteros del cine actual, y se convierte en una historia hipnótica en la que es mejor perderse sin buscar explicación.

'Winnipeg, el barco de la esperanza'. El Winnipeg fue el barco fletado por Neruda para que los republicanos españoles huyeran cuando Franco gana la guerra. Al cine español le cuesta poner sus ojos en historias como esta. Ha sido, además, la animación quien lo ha hecho en una rara avis de nuestra industria que hay que reivindicar.

'MegaDoc'. Filmin ha estrenado el documental que muestra las bambalinas del batacazo que se pegó Francis Ford Coppola con Megalópolis, su proyecto soñado que dio muestras de caos desde su rodaje. El director Mike Figgis (responsable de Leaving Las Vegas) tuvo acceso a todo (o casi) el rodaje y lo cuenta en una película que muestra la intrahistoria de un fracaso fascinante.

Tres libros, por Francisco Gámiz

'Lobos' de Robert Brodsky (Random House). Adentrarse en las páginas de esta novela supone enfrentarse a la brecha insalvable que se abre entre un padre y su hija adolescente. Durante un largo e inquietante viaje en coche rumbo a un campamento ecológico en Ohio, ambos protagonistas deben lidiar con sus propios duelos, la enfermedad y los fantasmas políticos del pasado. Se trata de un retrato del desconcierto de toda una generación frente al derrumbe del mundo adulto. Ya en librerías.

'Polis y cacos' de Paloma Bravo (Contraluz). La autora madrileña publica una obra sobre la infancia elitista y las etiquetas sociales. Todo arranca cuando la antigua alumna más atractiva y cruel de la promoción propone un absurdo reencuentro de exalumnos de colegio privado para jugar de nuevo al clásico juego infantil. A través de un chat grupal, la convocatoria reactiva viejos rencores e incluso recuerdos de acoso escolar. Ya disponible en librerías.

'La reina que surgió del frío' de S. J. Bennett (Salamandra). La reina Isabel II se enfunda los guantes de detective en una obra de intriga con el telón de fondo de la Guerra Fría. Durante un trayecto a bordo del tren real en 1961, una dama de compañía asegura haber presenciado un asesinato desde la ventanilla, destapando una compleja red de espionaje internacional vinculada al entorno de la princesa. Ya se puede encontrar en librerías.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Siete años. Más de la mitad de una década. Ese es el tiempo que ha estado Madonna sin publicar nueva música. Sin embargo, la artista está de vuelta con la segunda parte de su clásico Confessions. Hemos analizado en elDiario.es lo que supone este lanzamiento en la trayectoria de la que es sin duda una leyenda, pero ahora toca hablar de una de las canciones, que ya forma parte de nuestra playlist de recomendaciones, donde puedes encontrar también las de las semanas anteriores.

'Danceteria' de Madonna. Esta canción toma el título del nombre de una discoteca neoyorquina de principios de los años 80. Fue allí donde comenzó la carrera de Madonna. El tema recrea con dinamismo la vida de la estrella en el Nueva York de aquel entonces, nombrando a amigos y figuras clave como Keith Haring, Basquiat y Debi Mazar. La canción utiliza una interpolación de Lou Reed, trayendo de vuelta su cláisco Walk on the Wild Side.

'Die on This Hill' de Sienna Spiro. La joven compositora británica, una de las voces revelación de este año, firma una de las baladas más conmovedoras de su álbum debut, Visitor. La pieza comenzó a gestarse mientras Spiro intentaba tocar Bohemian Rhapsody al piano, derivando en un desgarrador himno de corte soul sobre la lealtad extrema y la tozudez en el amor.

'Gospel Oak' de Wolf Alice. Esta semana se está celebrando el Mad Cool en Madrid y entre sus invitados se encuentra Wolf Alice, que subió al escenario el pasado miércoles. Sin embargo, el aclamado cuarteto de Londres también tiene novedades musicales. En este caso, la banda regala una joya de folk íntimo y acústico que rescata las mejores esencias de su sonido. Se trata de un descarte de su último álbum, compuesto por la vocalista Ellie Rowsell, que toma su nombre del distrito donde creció la banda.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

Festival Pirineos Sur (Huesca). Que no cunda el pánico si no podéis ir a este festi este fin de semana, porque durará hasta el próximo 26 de julio. Se celebra en el Auditorio Natural de Lanuza, un lugar espectacular al aire libre en mitad de la naturaleza. Este viernes actúan Suede y Nacho Vegas, el sábado Los Planetas y Christina Rosenvinge, el domingo Bomba Estéreo y Alex Serra & Totidub. Más adelante les tomarán el relevo artistas como La M.O.D.A, Judeline, Samuraï, Monrieur Periné, Valeria Castro y Jorge Drexler.

Esther Boix - Un mundo en lucha (Barcelona). Este fin de semana es vuestra última oportunidad para visitar esta exposición del Espais Volart sobre Esther Boix i Pons, que fue todo un ejemplo de lucha y superación. Comprometida con la transformación social, entendió la pintura como un instrumento de reivindicación de los derechos y las libertades individuales y colectivas. Paralelamente desarrolló una intensa labor pedagógica como una de las fundadoras de la Escola d'Expressió L'ARC, donde formó a generaciones de jóvenes poniendo el arte al servicio de las personas. La exhibición es la primera gran muestra retrospectiva dedicada a la artista.

Yo fui a EGB (Madrid). El Centro de Cultura Contemporánea CondeDuque acoge esta nostálgica exposición que reúne elementos como el cuaderno 'Rubio', los materiales escolares, la primera colonia 'chispas', los sábados por la mañana en la tele, la banda sonora de tantas infancias y las cocinas de las abuelas. Los visitantes se embarcarán en un viaje al pasado en el que se reencontrarán con una serie de personajes como la profe de tercero, el dependiente del videoclub del barrio o, incluso, Espinete.

Bilbao BBK Live (Bilbao). No podía faltar un festival de música en nuestras recomendaciones de planes. Calvin Harris, David Byrne, Robbie Williams, Belle and Sebastian, Dellafuente, Lily Alen, Zaz, Ralphie Choo y Paris Paloma son algunos de los más de 80 artistas que actuarán este fin de semana en este evento musical que celebra su 20º aniversario. ¡Enhorabuena!

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Eclipse total en nuestros corazones. Ha muerto Bonnie Tyler, la voz rota que nos emocionó y que animó las noches de muchos karaokes. Una cantante con una de esas voces únicas y reconocibles.

Demoler, demoler y demoler. Es una pena lo que está pasando en Aragón, donde se están descatalogando palacios del siglo XVII para echarlos abajo. Nos lo cuenta nuestro compañero Jose María Sadia.

Algo pasa en la Feria del Libro. Tras cinco años, la Feria del Libro ha destituido a su directora, Eva Orúe. No se han dado motivos exactos, y las librerías y editoriales han salido en su defensa y piden explicaciones.

La estatua de un caballo coronaba hace 70 años una de los construcciones con un significado más infame en Madrid: el Arco de Moncloa, que la dictadura franquista bautizó como Arco de la Victoria. Una exposición actualmente visitable en el complejo El Águila recuerda el momento de su colocación, allá por 1956. Este miércoles, una imagen similar se ha repetido en la capital.

Esta vez no hay ningún régimen totalitario de por medio y la instalación no ha sido tan aparatosa, pero la escultura de un caballo vuelve a generar contestación social y habla del sino de los tiempos. Se trata de El rumor de la discordia, obra de seis metros de altura con un llamativo caballo de bronce que parece flotar en el aire. La obra corona ahora la plaza del Carmen, junto a Gran Vía. Es una iniciativa del hotel de lujo Thompson, cuya empresa propietaria diseñó la reforma de la plaza pese al carácter público del entorno.

Obra del mexicano Gonzalo Lebrija, llega como una cesión temporal por un mínimo de 15 años, en un ejemplo de la “apuesta por la colaboración público-privada” que defiende el Gobierno de José Luis Martínez-Almeida. Así lo describía la concejala delegada de Cultura, Marta Rivera de la Cruz, en un artículo sobre la pieza publicado en El País hace un año.

El reportaje adelantaba más datos sobre la figura que ya pueden contemplar los viandantes en el centro de Madrid: el pedestal de hormigón (todavía no instalado) tiene 4,4 metros de alto, mientras que las medidas del caballo son de 1,90 por 2,50 metros.

“Los caballos en el arte siempre han tenido connotaciones políticas y sociales que tienen que ver con triunfos bélicos, pero este no conmemora una victoria. Actualmente, el mundo no está pasando un momento que permita conmemorar, sino que, al revés, entramos en una etapa de reflexión y cuestionamiento”, exponía Lebrija en El País para alejarse edificaciones como la de Moncloa.

La controversia en la plaza del Carmen es anterior a esta animalada artística. Hace cuatro años, el área de Movilidad aceptó como “donación” el proyecto de reforma del aparcamiento de plaza del Carmen que había redactado el propio hotel de lujo que ahora dona la escultura. Lo hizo incluyendo varias ventajas sobre el espacio público para este negocio privado, entre ellas la de incluir un acceso directo desde el parking al propio garaje del hotel Thompson, de cinco estrellas. Además, colocaba la entrada y salida del parking lo más lejos posible de su edificio, al otro extremo.

Desde Cibeles no concretaron el importe de lo que se había ahorrado con la donación del proyecto, pero sí detallaron en los pliegos de la construcción que horadar el túnel adicional (situado en la planta -1 y con cinco metros de anchura) añadiría 136.000 euros al coste final de la obra. Cuando Somos Madrid adelantó esta noticia, en el año 2022, los propietarios del hotel (la familia Díaz Estrada) prefirieron no hacer declaraciones. Tres años después, sin embargo, el CEO de Exacorp One sí que habló para el artículo de El País sobre la polémica en la plaza.

Una reforma rodeada de controversias y maniobras

“Buscábamos que con esto ganáramos todos: el hotel y los turistas, por supuesto, pero también los vecinos. No todo el mundo consiguió todo lo que quería, incluyendo al hotel, que por supuesto no es el dueño de la plaza. Pero creemos que el resultado es bueno para todos”, defendió, después de asegurar que trabajó el proyecto con la Asociación de Amigos de la Plaza del Carmen.

Esta asociación, sin embargo, está formada por miembros de la propia Exarcorp One, como consta en el registro municipal al que accedió este periódico. El propio Alonso Díaz Etienne aparece como vicepresidente de la entidad y se reunió en su nombre con el Ayuntamiento en octubre de 2019, encuentro presidido por el delegado de Movilidad Borja Carabante en el que también estuvo Carlos Llansó y Graciela Roselló, arquitectos ambos empleados por Exarcorp One y que figuran asimismo como miembros de esta “asociación de amigos”.

Respecto a las ventajas privadas que se derivaron de la adjudicación del proyecto sobre el espacio público, el túnel subterráneo citado no es la única para el hotel en el diseño del proyecto: la escultura de Gonzalo Lebrija se colocará sobre una rotonda innecesaria y que se incluyó para asegurar el acceso en coche hasta la puerta del hotel a todos sus clientes. Y también se ha dejado un espacio libre de parterres y árboles junto al alojamiento de cinco estrellas, donde ahora este negocio despliega una gran terraza.

La familia Díaz Estrada construyó el hotel Thompson uniendo varios inmuebles de la calle Montera, entre los que se encontraba el que alojó los cines Acteón, cerrados por sorpresa en el año 2017 para iniciar la operación que levantó finalmente una instalación con 173 habitaciones en pleno centro de Madrid. El proyecto del edificio fue tramitado durante la alcaldía de Manuela Carmena y el de la plaza del Carmen con Almeida ya como regidor.

Además de las talas o la distribución del espacio público, se le unieron las criticas al precio de los abonos para residentes en el aparcamiento. Hacerse con una plaza mensual cuesta como mínimo 160 euros al mes, si se elige la reserva por cinco años, después de que el equipo de Almeida escogiera la oferta más cara para los vecinos de entre todas las presentadas al concurso. Por comparar, el parking municipal de la cercana plaza Luna, cuesta 70 euros al mes para residentes con el mismo régimen de concesión. El de la plaza de las Cortes apenas un euro. En Thompson, por contran, pensarán que si ladran ellos cabalgan.

El centro cívico Tabacalera de Santander acoge hasta el 14 de agosto la exposición de Roberto Orallo 'Mi yo, hoy', una muestra que habla del momento actual del artista, de su evolución personal y creativa, y ofrece “una mirada sincera hacia sí mismo”.

Durante la inauguración de la muestra, la alcaldesa, Gema Igual, que ha estado acompañada por el propio Orallo, al que ha agradecido esta colección “completamente nueva”.

Orallo habla en esta exposición del ser humano como protagonista permanente de su trabajo; de libertad, diálogo, pensamiento, encuentro, dualidad, igualdad, feminismo, inmigración y compromiso. “Son conceptos que atraviesan muchas de las preocupaciones de nuestra sociedad y que aparecen aquí transformados en imágenes que invitan a la reflexión”, ha opinado la regidora.

Igual ha detallado que el autor explica que sus últimas obras giran alrededor del espacio y del tiempo, del ayer y del hoy; una mirada que conecta con la propia función que tiene el arte, ya que las obras permanecen, pero cada persona las interpreta desde su experiencia, desde el momento vital en el que las contempla. Por eso, ha insistido, una misma exposición nunca es exactamente igual para dos visitantes.

Esta muestra coincide con el quinto aniversario de la programación expositiva del centro cívico Tabacalera, un proyecto “que ha demostrado que la cultura puede formar parte de la vida cotidiana de los barrios y convertirse en un verdadero espacio de encuentro entre los artistas y los ciudadanos”, según la alcaldesa. “Cinco años pueden parecer poco tiempo cuando hablamos de la historia de una ciudad, pero son suficientes para comprobar si una apuesta ha funcionado”, ha remarcado Igual, que, en este sentido, ha destacado que más de 150.000 personas han participado en las actividades desarrolladas en este centro y más de 30.000 visitantes han recorrido sus exposiciones. “Tabacalera se ha consolidado como un espacio vivo, abierto y plenamente integrado en la programación cultural de Santander”, ha incidido Igual.

Estoy de vacaciones. Dicen que los docentes tenemos muchas, yo las empleo en revisar el panorama expositivo de Toledo para utilizarlo en mis clases. Estos últimos años hemos ido a ver las obras de la 'fugada' colección de Roberto Polo, para que las obras de acercamiento a la Bauhaus nos sirvieran de punto de partida de una actividad o la pequeña colección de sillas como punto de partida para diseñar otros elementos. Cuando vimos el diseño editorial, la colección de libros donados por Alicia García Medina nos sirvió de referencia. Hemos intentado sacar provecho de la colección y del espacio expositivo. Somos sanguijuelas.

Hoy he vuelto al espacio que hasta hace poco ocupaba la colección del Centro de Arte Contemporáneo (CORPO), en el rótulo del espacio ha desaparecido el nombre de Roberto Polo. He encontrado lo que me temía, el final de una mudanza. Han dejado lo que no era suyo: las piezas de Alberto Sánchez en el espacio minúsculo y marginal que alguien había mal diseñado para la exhibición de las obras de Alberto. En el jardín de esculturas han quedado varadas cinco piezas, dos de Alberto Corazón. Y alguna también ha quedado en el patio. La segunda planta está cerrada, las salas que albergaban las obras de Art Nouveau, el neoplasticismo y la escuela de Bauhaus, cerradas. Siete personas custodiando el espacio. Un espacio fantasma. Para apreciar el espacio arquitectónico y las ausencias.

Se podrían haber aprovechado los días que ha estado cerrado para recolocar lo poco que ha quedado. A no ser que se quisiese mostrar a la ciudadanía la 'herida' dejada por la marcha de las obras de Roberto Polo. No tiene sentido ya hacer leña del árbol caído y que la instalación de la colección no era buena idea, pero no caigamos de nuevo en el mismo error. Y pensemos, sin precipitación, en un nuevo proyecto. No caigamos en los mismos errores y horrores, repito.

Alberto Sánchez, el escultor toledano que fue desterrado al exilio ruso, ahora está exiliado en una pequeña sala de un espacio que no es museo. Siembre en la penumbra del ostracismo. Alberto Sánchez no merece el ninguneo institucional al que está sometido. Alberto Sánchez, desde la humildad y el compromiso artístico jugó en primera división artística. Su obra El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella se erguía como tótem enraizado en los jardines del Trocadero parisino de la exposición universal de 1937. Ese monolito escultórico es un faro coronado con una estrella, una estrella que ilumina y guía. La obra de Alberto tendría que ser la luz de un futuro y real centro de arte contemporáneo de Castilla la Mancha.

Mi propuesta para el espacio de Santa Fe es hacer un centro de arte de Castilla-La Mancha, pero de verdad, no como la anterior “ocurrencia” en la que un día antes de la inauguración tuvieron que buscar a las carreras un cuadro de Rafael Canogar para colocarlo en la escalera, pues se dieron cuenta de que no había nada de ningún castellanomanchego en la colección, que era mayoritariamente belga. Nada contra los belgas, aparte de considerar las patatas fritas un plato nacional.

Yo haría un espacio expositivo dinámico, donde las obras no se perpetúen en las paredes, sino que estuviera girando por otras localidades de la región, un museo con una pequeña muestra permanente dinámica y espacio para exposiciones temporales y un gran departamento pedagógico con talleres y actividades dotadas de presupuesto para dinamizar la didáctica del museo. ¿Qué exponemos? En Ciudad Real ya hay una incipiente colección de la Junta con nombres muy representativos del arte de Castilla-La Mancha, con obras de los López tomelloseros, Antonio y Antonio, con obras del grupo el Paso, castellanomanchegos de adopción.

El arte sirve para plantear preguntas e interpelar a la sociedad en cuestiones sociales y culturales. No se trata de contemplar pasivamente, sino de participar y relacionarse con las propuestas artísticas que no necesariamente han de gustar siempre

Deseo un museo referencial con una exposición de arte contemporáneo, desde finales del XIX para incluir la generación de Beruete, Vicente Cutanda o Arredondo; pasando por las vanguardias históricas con la escuela de Vallecas del tótem indudable de Alberto Sánchez y Benjamín Palencia; transitando por el realismo manchego desde el tío Antonio López Torres, el sobrino Antonio o el de Amalia Avia. Los informalistas del grupo el Paso y el grupo conquense de la abstracción. La generación de los Tolmos toledanos, los disidentes de Tolmo, las generaciones posteriores como Nacho Llamas y coetáneos. Pero con el arte no solo bebe de la pintura y de la escultura también habría que incluir el diseño de José María Cruz Novillo o el arte textil Manuel Piña o de la gran diseñadora actual Ana Locking. Una exposición fija que sea un índice de diferentes manifestaciones artísticas que se han de desarrollar en exposiciones temporales.

Porque la cultura no puede ser un elemento pasivo de contemplación sino un diálogo continuo con la ciudadanía en la que verse reflejado.

El arte sirve para plantear preguntas e interpelar a la sociedad en cuestiones sociales y culturales. No se trata de contemplar pasivamente, sino de participar y relacionarse con las propuestas artísticas que no necesariamente han de gustar siempre, ya que el arte no es autocomplaciente.

Estados Unidos y Bélgica son dos de los equipos que se enfrentan en los octavos de final del Mundial 2026 de fútbol, en un partido que se disputa en el Seattle Stadium en la madrugada de este martes a las 2 horas en horario peninsular español, y de donde saldría el rival de cuartos de final de la selección española en caso de que gane a Portugal en esta ronda.

Los belgas llegan a octavos después de remontar ante Senegal en dieciseisavos, cuando caían 0-2 a cinco minutos del final y que fueron capaces de vencer por 3-2 en el tiempo extra. Un encuentro en el que fue protagonista Romelu Lukaku, pero también la equipación, la segunda camiseta de la selección, que como sucedió en la Eurocopa 2024, también homenajea a un icono cultural del país.

La segunda equipación de Bélgica tiene una explicación: René Magritte

La participación de la selección belga en los dieciseisavos del Mundial 2026 con su segunda equipación no pasó desapercibida. Su llamativo diseño, tanto por sus colores que nada tienen que ver con los habituales ni con otro que normalmente se vincula al país, como por lo diferente a lo visto en el fútbol, pero hay una razón detrás.

Y es que la segunda camiseta de Bélgica para este Mundial 2026 está inspirada en René Magritte, pintor surrealista y que es una de las grandes figuras artísticas del país, y que sigue así los pasos de una dinámica que se ha seguido antes, como cuando en la Eurocopa 2024 decidieron rendir homenaje a Hergé con una equipación que tomaba como referencia al personaje de Tintín.

Este pintor surrealista, nacido en Lessines, en la región de Valonia, el 21 de noviembre de 1898, se convirtió en uno de los mayores artistas de Bélgica durante el siglo XX y la selección de fútbol le ha querido rendir homenaje tomando como referencia para su segunda camiseta uno de sus cuadros más famosos, que se puede admirar en el Museo Reina Sofía de Madrid: ‘Grelots roses, ciels en lambeaux (Cascabeles rosas, cielos en jirones).

Este se trata de un óleo sobre lienzo que se pintó en la década de 1930 y que se encentra en la sala 205.13 del museo español, dividido en dos escenas, en una unas nubes sobre un cielo azul claro a la izquierda y en la de la izquierda unos cascabeles rosas salmón, colores que se pueden apreciar en la mencionada equipación.

Este cuadro, además de ser una de las principales obras de René Magritte, incorpora dos de los elementos simbólicos recurrentes en sus pinturas, como son el cascabel, que evoca a su infancia de forma misteriosa, y las nubes, que se convirtió en uno de sus motivos preferidos y que se puede ver en gran parte de su obra.

En el cuadro de René Magritte la diferencia cromática juega un papel fundamental, para generar desconcierto e inquietud dentro de su visión surrealista, y que, al usar esos mismos colores, el azul cielo claro y el salmón eléctrico, parece haber evocado una situación similar con esta segunda camiseta de Bélgica que acaparó gran parte de la atención las veces que la vistieron en el Mundial 2026.

Una aparente botella de sidra que en vez de corcho tiene una chapa propia de los botellines de cerveza al lado de un vaso lleno hasta arriba de un líquido amarillo (lo que sería el terror sidrero para cualquier asturiano); figuras que simulan a gaiteros pero con instrumentos extraños entre sus manos y tamboriteros sin baquetas; un tren que va a descarrilar porque la vía sobre la que está tiene un fin pronto porque aparece un río; mujeres bailando con trajes que no son los regionales asturianos y… que no está muy claro de dónde son.

Es 2026 y la inteligencia artificia (IA) ha infestado la cultura asturiana. Solo hay que echar un vistazo a las redes sociales para acabar viendo publicaciones muy similares unas a otras. Muchos carteles de fiestas tradicionales, ferias y eventos varios que se celebran o que están por hacerlo han sido creados por algún software de inteligencia artificial generativa dejando de lado a los artistas que otros años se encargaban de su confección. Lo que viene siendo que muchísimos perfiles se representan con “El mismo póster,” como se ha denominado una de las tantas cuentas que denuncian este fenómeno que tiene detrás mucho más que un cúmulo de imágenes igualitas.

Recientemente, Yeasturias y APIAST Ilustración compartieron una crítica en su perfil de Instagram: “muchas instituciones y entidades asturianas se llenan la boca hablando de hacer medrar Asturies, de revitalizar lo rural, de dar oportunidades a les muyeres, de cuidar el ecosistema o ser sostenibles. Sin embargo, a la hora de hacer carteles para publicitar sus actividades, tiran de inteligencia artificial generativa echando por tierra todos estos argumentos”.

Con este panorama, artistas de manera individual y también varios colectivos en Asturies están alertando respecto a los problemas que acarrea suplantar el arte por dibujos realizados por agentes tecnológicos que están en manos de unas pocas empresas extranjeras, casi todas de Estados Unidos, y lideradas por multimillonarios. Qué supone esto para la cultura local, para el arte, para las y los artistas y profesionales de la ilustración y también para el pensamiento crítico, para nuestro futuro como sociedad e incluso para el medio ambiente.

Hay un consenso entre los expertos y expertas del sector y es que existen muchos aspectos negativos en esta tendencia. elDiario.es Asturias ha hablado con Eva Rami e Isabel Muñoz, profesionales de la ilustración representantes de la asociación APIAST (Asociación de Profesionales de la Ilustración de Asturias), con el colectivo Ave MarIA, con Nieves González (conocida en sus redes como Nieve Sita) y con Marta López, coordinadora de The Asturianer.

Representar la cultura local a partir de un software creado en Estados Unidos

Ave MarIA es un colectivo que acaba de crearse precisamente como denuncia ante esto. Y sus integrantes explican para elDiario.es Asturias que “la IA solo copia y homogeniza, si dejamos que sustituya a nuestros artistas, perderemos la mirada única que tenemos como pueblo. Consumir ilustración asturiana es la forma de que nuestra identidad siga viva y no se convierta en un cliché genérico”.

Nieves González, conocida como 'Nieve Sita' en sus redes sociales, explica que donde nota que se ha perdido clientela es un sector muy concreto: las comisiones de fiestas o eventos benéficos de asociaciones. La paradoja es que son organismos que, o bien fomentan la cultura local o realizan labores sociales. Y, también por ese motivo, suelen tener acceso a arte a un precio asequible. La propia González explica que ella tiene descuentos especiales para asociaciones o comisiones de festejos y le consta que no es la única, ya que recuerda que muchos artistas también quieren apostar por apoyar a las fiestas de sus pueblos y a sus comisiones.

Comenta cómo ella tomó la decisión hace tiempo de apostar por asuntos que considera de gran importancia para la cultura local y ahora ve asombrada cómo muchas comisiones tiran de carteles hechos con inteligencia artificial, en vez de contactar con artistas de la zona. Nieves ya ha podido consolidar su carrera y no está notando efectos, pero lamenta cómo esto pueda afectar a nuevos artistas.

Eva Rami e Isabel Muñoz, desde la presidencia de APIAST añaden que es importante recordar que “un cartel no es sólo un resultado más o menos ”bonito“ sino un proceso de creación, de intención, de narrativa, de significado, que con una IAG (inteligencia artificial generativa) no existe”.

Qué pasa con el arte local

“Es lamentable que se guarden partidas presupuestarias para todo tipo de acciones y no se deje una parte para el trabajo artístico. Invirtiendo en ilustradores, diseñadores, artistas plásticos, etc. también inviertes y ayudas al tejido sociocultural de tu región. Haces que los artistas, que son el pensamiento crítico de la sociedad que habitamos, puedan seguir existiendo. Por no hablar de que logras diferenciarte, posicionarte, compartir tus ideales y expresarte para diferenciarte como entidad, marca o colectivo a través de las creaciones de quien contrates”, explican Rami y Múñoz.

Marta López, coordinadora de The Asturianer, explica cómo el panorama actual del sector artístico ya es “bastante precario, especialmente en una comunidad con escaso movimiento económico” y, por ello, la irrupción de la IA “se percibe como una agresión real, especialmente cuando esta se utiliza por parte de instituciones o profesionales que parecen mostrarse indiferentes al daño que producen”.

López ha podido ir viendo cómo hay un creciente número de profesionales que cada año se gradúan en escuelas y universidades de arte y acceden al mercado laboral “sin unas mínimas nociones sobre su funcionamiento” y ahora esa puerta de entrada se dificulta cuando las instituciones ignoran la mano de obra creativa y apuesta por ahorrarse unos euros y dejar su imagen en manos de un software.

“Contratar de forma ética, local y digna”

“Se nos llena la boca hablando de proteger lo nuestro, de apoyar a la juventud y de defender el patrimonio asturiano” para luego ver a esas mismas instituciones que basan su discurso en la fuerza del “pueblo” asturiano usar plataformas de IA o de bancos de imágenes baratos para sus carteles, fiestas o campañas“, explican desde Ave MarIA, cuyas redes sociales se centran en exponer estas prácticas como forma de denuncia y con un toque de humor.

“Es un sinsentido total: proclamas que quieres mantener viva la cultura y la vida en Asturias, pero le quitas el pan de la boca a los profesionales de aquí que la crean. Si de verdad quieres defender el territorio y que la gente pueda quedarse a trabajar y vivir en su tierra, lo primero es predicar con el ejemplo y contratar de forma ética, local y digna”, sentencian desde el colectivo creado por artistas, que surgió al ser conscientes del uso masivo de la IA en los espacios creativos.

De la mente y el arte humanos al capitalismo

Y es que, mientras el arte sale de las personas, el software de inteligencia artificial generativa ampliamente usado están en manos de unas muy pocas empresas de Estados Unidos, que a su vez están lideradas por algunos de los hombres que más millones tienen en este mundo desigual en el que vivimos, como recuerdan las artistas de este reportaje. El colectivo Ave MarIA explica que “el arte no es solo estética; es una postura ante la vida, es política y son valores. Al dejar la creación en manos de cuatro multinacionales, nos meten a todos por el mismo embudo visual que borra nuestra identidad y por el ”crear por crear“, lo que va de la mano con el esclavismo digital”.

Nieves González añade cómo se ha sorprendido de ver incluso a bandas “punk” crear portadas de discos con IA, alegando en sus redes sociales que el motivo es porque no tienen dinero. La artista conocida como “Nieve Sita” recuerda cómo es normal que una banda punk como muchos otros colectivos no tengan mucho dinero para desarrollar sus proyectos, pero lo que sí deben tener como principal base de su labor es una ideología. La inteligencia artificial es “puro capitalismo” y eso choca contra el discurso de muchos colectivos, recuerda: “Hay que tener interés por hacer las cosas bien, no todo es por dinero”.

La artista, además, rebate este argumento recordando cómo, sobre todo los artistas jóvenes que están comenzando, suelen poner precios asequibles, por darse a conocer y también por apoyar iniciativas y entidades culturales. Marta desde The Asturianer comparte cómo hay bandas musicales que se han llegado a quejar por que el diseño de una portada de un disco cueste 150 euros.

Y Nieves González añade que ve que ahora mismo todos los carteles son unos iguales a otros que están llevando a la saturación: “cómo es posible que haya que explicar que es mejor invertir dinero en creatividad local que regalar más información a multimillonarios dueños de los agentes de IAG… ¿de verdad no es mejor ayudar a un vecino que dejar la cultura en manos de un robot?”, reflexiona.

A todo esto, todas las expertas entrevistadas recuerdan quién está detrás de estas pocas IA: “es el capitalismo en su mayor esencia, hombres millonarios cuyo principal interés no es el arte, sino seguir aumentando sus fortunas”.

“Como sociedad urge entender que la tecnología que utilizamos no es neutral. Que además de suponer un fuerte impacto ecológico, las grandes empresas no sólo obtienen un beneficio económico, sino político”, explican Eva Rami e Isabel Muñoz recordando cómo, por ejemplo, los dueños de OpenAI son quienes más dinero han invertido en la campaña de Donald Trump.

Desde APIAST recuerdan que el proyecto lanzado por el Gobierno de España en enero de 2025 llamado HispanIA 2040 relata: “Es difícil anticipar qué ocurrirá en las próximas décadas. Lo que sí parece seguro es que la IA provocará un reparto más desigual de la riqueza y la rentas de capital [...] propiciando un aumento de la concentración del capital en unas pocas manos.”

“Con la venta y el intercambio de datos que consentimos al estar usando estas tecnologías, las empresas consiguen tener un control absoluto sobre las personas, sus perfiles, qué compraremos y cuál es la forma correcta de vendérnoslo. La IAG representa la esencia más pura del capitalismo y el fascismo”, afirman tajantes las representantes de APIAST.

Esperanzas hacia una mayor comprensión del problema

Desde APIAST consideran que aún hay mucho trabajo por delante en cuanto a la toma de conciencia por parte de las distintas administraciones, “tenemos una buena comunicación con la Consejería de Cultura del Principado”.

Este colectivo considera que “en la mayoría de casos esto nace de un total desconocimiento de la problemática que trae y conlleva el uso de la IAG. Estamos seguros de que muchas entidades, colectivos, asociaciones, etc, darían un paso atrás en el uso de estos agentes al descubrir la incoherencia entre sus discursos (principios, entendimiento de vida); y lo que la IAG supone y significa”, dicen esperanzadas.

“Es necesario tomar conciencia activa sobre todo esto y no mirar hacia otro lado. Deberíamos entender que debido al funcionamiento ilícito de los agentes de IAG y a quién benefician los mismos, estamos apoyando discursos que se encuentran en la antítesis de los propios”, concluyen Rami y Muñoz.

Por su parte, Marta López, coordinadora de The Asturianer, recuerda que: “la IA ha puesto al alcance de todo el mundo la posibilidad de dibujar, de escribir, de pensar o mejor dicho de dejar de hacerlo y eso es algo que difícilmente se puede frenar. Mi conclusión es que la irrupción de la IA sea nuestro propio meteorito”.

Italia ha incorporado al patrimonio público uno de los conjuntos más importantes de la pintura etrusca conservados hasta la actualidad. Los célebres frescos de la Tumba François, adquiridos este año por el Ministerio de Cultura italiano por 15 millones de euros, ya pueden contemplarse en el Museo Nacional Etrusco de Villa Giulia, en Roma. La operación culmina más de un siglo de intentos del Estado italiano por incorporar este monumento a las colecciones públicas y supone una de las adquisiciones patrimoniales más relevantes realizadas por el país en 2026.

Descubierta en 1857 por el arqueólogo francés Alessandro François en la necrópolis de Ponte Rotto, en Vulci, la tumba permaneció durante más de un siglo vinculada a la familia Torlonia, una de las grandes sagas nobiliarias italianas. Sus frescos fueron separados del monumento en 1863 y pasaron a integrar la colección privada familiar, mientras que los objetos hallados en su interior quedaron repartidos entre el propio François, otros investigadores e instituciones. Desde comienzos del siglo XX, el Estado italiano trató de reincorporar este excepcional ciclo pictórico al patrimonio público hasta culminar ahora su adquisición definitiva.

Una obra maestra de la pintura etrusca

Datada entre los siglos IV y III a. C., la Tumba François está considerada una de las grandes obras maestras de la pintura etrusca y uno de los testimonios más valiosos para conocer la cultura del antiguo Mediterráneo. Sus treinta y siete paneles pintados combinan episodios de la mitología griega con escenas de la tradición histórica etrusca y permiten identificar a numerosos personajes gracias a las inscripciones conservadas junto a las representaciones. Entre ellas figuran el sacrificio de los prisioneros troyanos durante las exequias de Patroclo, el enfrentamiento entre Eteocles y Polinices o la escena en la que Macstarna —identificado posteriormente con el rey romano Servio Tulio— libera al caudillo Celio Vibenna.

La exposición inaugurada en Roma no reúne únicamente los frescos. Hasta el 31 de diciembre de 2026, la muestra Il Ritorno degli Eroi incorpora joyas, vasos etruscos, objetos funerarios y otros materiales recuperados en la tumba que hoy forman parte de las colecciones de instituciones como el Museo del Louvre, el British Museum, los Museos Vaticanos o los Museos Reales de Arte e Historia de Bruselas, además de otros préstamos internacionales. El objetivo consiste en reconstruir por primera vez el contexto original de uno de los monumentos más importantes de la antigua Etruria.

Una recuperación perseguida durante décadas

La adquisición forma parte de la estrategia impulsada por el Ministerio de Cultura italiano para recuperar bienes considerados esenciales para el patrimonio nacional. La compra de la Tumba François constituye la tercera gran operación de este tipo realizada este año, después de la incorporación del Ecce Homo de Antonello da Messina y de un retrato de Caravaggio que representa al futuro papa Urbano VIII. Según las autoridades culturales italianas, la política actual prioriza la adquisición de un menor número de obras, pero de especial relevancia histórica y artística.

El ministro de Cultura, Alessandro Giuli, calificó la recuperación como un hito histórico y afirmó: “La restitución de la Tumba François al dominio público marca un hito histórico. El Estado italiano había intentado adquirirla desde 1914 y hoy, por fin, la legamos a las generaciones futuras”. En la misma intervención subrayó que el monumento constituye una parte fundamental de la historia de Italia y anunció la voluntad del ministerio de incorporarse a la Fundación Vulci para reforzar la protección y la valorización de este enclave arqueológico.

Del patrimonio privado al patrimonio público

La directora del Museo Nacional Etrusco de Villa Giulia, Luana Toniolo, destacó el significado que tiene esta incorporación para el patrimonio cultural italiano y aseguró: “Este día marca un momento de extraordinaria importancia no solo para el Museo Nacional Etrusco de Villa Giulia, sino para todo el patrimonio cultural de Italia”. La responsable del museo recordó además que la Tumba François constituye una de las mayores obras maestras de la pintura etrusca y explicó que este proyecto devuelve finalmente este extraordinario legado a la ciudadanía mediante un recorrido que permite comprender mejor la riqueza de la civilización etrusca y su estrecha relación con el mundo mediterráneo.

La incorporación definitiva de la Tumba François a las colecciones del Museo Nacional Etrusco de Villa Giulia pone fin a uno de los procesos de recuperación patrimonial más prolongados emprendidos por Italia. La exposición permite contemplar nuevamente este excepcional ciclo pictórico junto a numerosas piezas procedentes de museos internacionales, reconstruyendo por primera vez el contexto arqueológico del sepulcro y acercando al público uno de los conjuntos pictóricos más importantes conservados de la civilización etrusca.