La ciudad de Berlín ofrece varias atracciones culturales, más allá de su legado histórico, y uno de sus puntos fuertes son los de casi 200 museos y galerías de arte que hay en la capital alemana, entre los que destaca la Isla de los Museos, un conjunto declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Pero más allá de los que se sitúan en el ‘Museumsinsel’, la riqueza cultural de Berlín tiene también algunos diferentes como el Museo de la RDA, la Topografía del Terror o el Museo de Historia Natural, en el que se muestra la evolución del mundo, desde la formación del universo, a los dinosauros a los seres vivos que ocupan actualmente la Tierra.

Con una amplia colección de animales prehistóricos, ejemplares de aves o una selección grande de taxidermia, se puede descubrir la historia natural en un museo que está situado cerca del centro de Berlín, al que se puede acceder fácilmente desde la Hauptbahnhof o la Nordbahnhof en tranvía, metro o bus.

Pero si algo hace famoso al ‘Museum für Naturkunde’ de Berlín es que posee el mayor esqueleto de dinosaurio del mundo, de más de 13 metros de altura, el llamado ‘Brachiosaurus Brancai’, que recibe a los visitantes ya tras su recepción.

El esqueleto más grande del mundo está en Berlín

Según el Libro Guiness de los Records, el mayor esqueleto de dinosaurio es el que se encuentra en el Museo de Historia Natural de Berlín, el ‘Brachiosaurus Brancai’ de dimensiones de 13 metros de alto y 15 de largo.

Este pertenece a la especie actualmente conocida como ‘Giraffatitan brancai’, que vivió a finales del período Jurásico, aproximadamente entre 150 a 145 millones de años, en un lugar que habitualmente se sitúa en el continente africano, y que fueron nombrados y descritos por primera vez por el paleontólogo alemán, Werner Janensch, en 1914.

Esta especie se caracterizaba por sus patas delanteras largas y un cuello alto, que se adaptaba para poder alimentarse de la copa de los árboles. Este esqueleto que está en Berlín está descubierto en las expediciones de Tendaguru, entre 1909 y 1913, pero no fue montado por completo en el museo hasta 1937, y se hizo, además en una posición incorrecta.

Es por eso por lo que cuando pasó de ser ‘Brachiosaurus Brancai’ a oficialmente un ‘Giraffatitan’, en 2005, se desmontó el esqueleto para darle su posición correcta tras las investigaciones científicas realizadas en ese momento. Este proceso duró dos años, y desde 2007 permanece en el Museo ya correctamente.

Las otras atracciones de este museo

Además del mayor esqueleto de dinosaurio del mundo, el Museo de Historia Natural de Berlín también ofrece otras atracciones interesantes como el fosil de un ave primitiva como es el Archaeopteryx, su pared de la biodiversidad con más de 3.000 especies de animales, así como una amplia colección húmeda de objetos de todos los grupos de animales detrás del cristal, lo que supone una de las colecciones de investigación más modernas del mundo.

En este museo también se puede apreciar la taxidermia, como se lleva a cabo, como se llevaba a cabo anteriormente, con muchos animales diferentes. Hay algunas de ellas realizadas a finales del siglo XIX y principios del siglo XX que tienen huellas de la afectación de la Segunda Guerra Mundial y del paso del tiempo, así como también hay réplicas de las que fueron estrellas del Zoo de Berlín como ‘Bobby’ el Gorila o ‘Knut’ el oso polar.

“Soy un alcohólico en recuperación. Hace dieciséis meses decidí que necesitaba ayuda y es lo mejor que me ha pasado en la vida”. Son las últimas declaraciones de Andrew Lloyd Webber que han dado la vuelta al mundo. El compositor, creador de algunos de los musicales más emblemáticos de todos los tiempos, ha confesado recientemente a The Times sus problemas con el alcohol.  

El autor de las adaptaciones musicales de El fantasma de la ópera, Cats, Evita y Jesucristo Superstar ha compartido con el periódico del Reino Unido que está en proceso de recuperación, asistiendo a reuniones diarias con Alcohólicos Anónimos en las que, según explicó, ha hecho “amigos que nunca hubiera creído posibles”. 

Este proceso de rehabilitación ha coincidido con uno de los momentos más productivos de toda su carrera. Su nuevo espectáculo, Cats: The Jellicle Ball, un homenaje a la escena drag de los años 80, se estrenó el pasado 7 de abril en Broadway, y ha recibido grandes elogios por parte de la crítica. Además, el británico está escribiendo dos nuevos espectáculos musicales.

Uno de ellos se titulará El Ilusionista y estará basado en la película homónima de 2006, un drama de misterio y romance ambientado en la Viena de principios del siglo XX dirigido por Neil Burger. El otro, cuya idea le llegó estando en rehabilitación, desarrollará la historia real de uno de los grandes robos de la historia: el de la Mona Lisa en el Museo del Louvre de París en 1911. 

“Creo que será diferente a todo lo que he hecho en mucho tiempo, más como Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat, 70 u 80 minutos, bastante divertida”, compartió el compositor con The Times. En otra entrevista reciente, Webber explicó que no podía dar muchos más datos sobre la obra “por la sencilla razón de que me voy la semana que viene a escribirla”. 

La desaparición de la Mona Lisa

Todo ocurrió el 21 de agosto de 1911, cuando Vincenzo Peruggia, un antiguo empleado del museo parisino, se llevó el cuadro la Mona Lisa de Leonardo da Vinci. El ladrón guardó la pintura bajo su abrigo y abandonó el edificio como si nada. Nadie se dio cuenta de que Peruggia había salido del Louvre con aquella obra del pintor italiano que, en aquel momento, es cierto que no tenía el reconocimiento que tiene ahora.

De hecho, fue esta desaparición la que convirtió el retrato en el cuadro más famoso del planeta y marcó un antes y un después en la percepción pública del museo. Las autoridades llegaron a interrogar al ladrón porque este había trabajado en el Louvre, pero al principio no despertó ninguna sospecha. Dos años después del robo, Vincenzo fue finalmente detenido en Florencia cuando intentaba vender la obra.

Dessau celebra el primer centenario del asentamiento de la escuela de arquitectura y diseño Bauhaus en la ciudad, y lo hace con una formidable exposición histórica, Glas / Beton / Metall, y otra, Algae Debris CO2, que investiga nuevas formas de construir sostenibles, con base biológica y reciclado de materiales, y una carga tan revolucionaria como la que logró la Bauhaus original. Bajo el lema An die Substanz (A la esencia/sustancia), la Fundación Bauhaus Dessau ha organizado un programa que no solo celebra el pasado, sino que investiga en los materiales del futuro.

Bauhaus fue una escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania), que revolucionó la práctica de la construcción arquitectónica, simplificando las formas, logrando la transparencia y la iluminación natural de sus edificios gracias a la independencia entre la fachada y el sistema estructural, formado por un entramado de pilares y vigas de hormigón armado en el que apoyan las bandejas de los forjados.

Las ideas avanzadas y progresistas de los profesores de la Bauhaus, algunos tan notables como Johannes Itten, Marcel Breuer, Paul Klee o Wassily Kandinsky, molestaban al partido nazi, que los expulsó de la ciudad de Weimar. En 1925, la Bauhaus se trasladó a Dessau, donde la escuela alcanzó su madurez y Walter Gropius construyó su icónico edificio, que es un manifiesto de las ideas nuevas del Movimiento Moderno. En 1929, los nazis cerraron la escuela de Dessau, dirigida por Ludwig Mies van der Rohe, que la trasladó a Berlín hasta su cierre definitivo en 1933 por el acoso nazi.

El hermoso edificio diseñado por Gropius celebra su centenario con una exposición, Glas / Beton / Metall, que estudia tres materiales industriales, vidrio, hormigón y metal, que permitieron la transparencia y la solución estructural de la mayoría de los edificios modernos. El programa se aleja de la nostalgia y se centra en la materialidad, dedicando tres áreas diferentes a comunicar los logros de Bauhaus en la incorporación del vidrio a los edificios, con la creación de los muros-cortina de cristal, el desarrollo práctico de las técnicas de construcción con hormigón armado que seguimos utilizando, y el refinamiento en el uso del metal que permitió crear una nueva generación de mobiliario con tubo metálico que sigue fascinando por su gracia, ligereza y funcionalidad.

Aún mayor interés merece la exposición creada para celebrar el centenario de la Bauhaus en Dessau titulada Algae Debris CO2 (Algas Escombros CO2) dedicada a presentar nuevas técnicas de construcción revolucionarias, basadas en algas, micelios y materiales reciclados, innovadoras y sostenibles, que enlazan con el espíritu experimental y pragmático de la Bauhaus de hace un siglo.

Cambiar el futuro

La muestra Algae Debris CO2 reúne las técnicas experimentales que pueden cambiar por completo la construcción en el futuro. Para ubicarla se ha escogido el Kaufhaus Zeeck, unos pioneros grandes almacenes construidos en 1908, con cinco plantas, escaparates en planta baja y un ascensor. Se amplió en 1923 e instaló en 1925 un innovador jardín en la terraza que fue un acontecimiento. En tiempo de la República Democrática Alemana pasó a llamarse Magnet y cerró sus puertas hace veinte años.

El viejo bloque se ha rehabilitado con criterios de diseño sostenible, empleando fondos del programa ZIZ del Gobierno de Alemania Federal para promover el mantenimiento sostenible del centro de las ciudades. Primero se recuperó la fachada original de los años 20. Se restauraron las ventanas de la segunda planta y se instaló un ascensor público. El propio edificio y el espacio de la exposición son un modelo de restauración sostenible para generar la menor cantidad de posible de CO2, respetando tanto el estado original como el medio ambiente.

El inmueble se muestra en su esencial desnudez de estructura, cerramientos y suelos. La restauración ha sido mínima. Se han mantenido los pilares, vigas y forjados originales, se han rellenado los agujeros, se ha retirado el yeso desconchado, se han reparado las ventanas y, del pavimento de los años 80, se ha conservado lo utilizable. Todo lo reparable ha sido reparado, y todo lo aprovechable ha sido aprovechado. Las adiciones, como las iluminaciones del techo, se hicieron con el propósito de ser reutilizables. Las partes que apenas han sido tocadas, escalera, suelos, pilares y techos, son ventanas abiertas a las diferentes etapas materiales del edificio.

La naturaleza entramada con la arquitectura

El contenido de la muestra parece proceder de una fantasía utópica en que la naturaleza colabora con la arquitectura y el diseño, pero, en realidad, cada idea nueva está acompañada de un proceso técnico y académico en marcha, de una investigación profunda que está siendo llevada a la realidad y experimentada.

La Bauhaus trabajaba con ideas, pero también las realizaba y las construía. De la misma manera se han afrontado ahora los nuevos desafíos de una construcción alternativa y responsable con el planeta, dispuesta a implementarse en la industria cambiando los paradigmas de derroche y daño al medio ambiente.

El nombre tripartito de la muestra habla de tres campos de innovación. Las algas, los residuos y el CO2, buscando fabricar materiales alternativos a los clásicos de la arquitectura moderna, utilizando barro, micelio y algas, por un lado, y arcilla, basalto y hormigón geopolimérico, procedente de residuos, por otro.

Alrededor del 9% de las emisiones globales de CO2 en el planeta proceden únicamente de la producción de materiales de construcción y residuos. Solo en la Unión Europea se generaron 1.400 millones de toneladas de residuos minerales en 2024. La reutilización de estos materiales residuales y subproductos industriales representa un paso fundamental para establecer una economía circular en el sector de la construcción.

Material a partir de la escoria

Entre los nuevos materiales destacan los geopolímeros, que se producen a partir de materias primas de aluminosilicato, que reaccionan con activadores alcalinos, para formar un aglutinante sólido comparable a los que funcionan a base de cemento. Los geopolímeros se generan a partir del reciclado de escoria, ceniza o lana mineral, materiales de demolición, aceites usados, residuos de biomasa y fibras orgánicas, que reducen la utilización de materias primas, de consumo de energía y de emisiones de CO2.

Los geopolímeros constituyen una alternativa a los materiales de construcción convencionales ligados con cemento. Tienen excelentes propiedades mecánicas y químicas, y pueden utilizarse en aplicaciones exigentes, que los hace ideales para su uso en construcción o renovación en entornos agresivos, en alcantarillado, plantas de tratamiento de residuos biológicos o cimentaciones especializadas. Suponen una baza ideal paran cumplir con la estrategia general de la Comisión Europea para una economía climáticamente neutra para 2050.

Otra revolución que apunta al futuro es la de NEWood, un material innovador, puramente orgánico y cien por cien compostable, que no se fabrica, se cultiva, a partir de hongos y de residuos de las industrias maderera y agrícola. Sus propiedades son comparables a las de los materiales aislantes y al aglomerado convencional, pero sin usar el formaldehído, dañino para el medio ambiente y para la salud humana. En lugar de utilizar adhesivos químicos, el micelio de los hongos une el sustrato que contiene celulosa.

El material se desarrolla en cuestión de días mediante procesos de baja energía, capturando CO2 y siendo completamente biodegradable. Este micelio con cualidades estructurales permite elaborar una nueva clase de materiales de construcción reciclables y eficientes en el uso de recursos, capaces de reemplazar los compuestos de madera, los productos minerales y otros materiales convencionales. NEWwood recibió el premio del Consejo Alemán de Construcción Sostenible en 2022.

Obras biodegradables

En el espacio expositivo de Kaufhaus Zeeck se puede ver un gran cepellón, la pella de tierra que se deja adherida a las raíces de los vegetales para trasplantarlos, de la que sale un tronco que atraviesa la fachada y abre sus ramas en el exterior, protegiendo la fachada de los rayos solares y creando una segunda piel botánica al edificio. Este jardín exterior con raíces interiores propone una arquitectura viva y en plena transformación. A su lado se muestran proyectos mixtos de arquitectura incrustada en estructuras vegetales arbóreas de crecimiento controlado, que permitirían la interacción entre la técnica constructiva y el crecimiento botánico, en obras sostenibles y biodegradables, como el puente de dos pisos de raíces vivas de Nongriart en la India, que tiene más de doscientos años de historia.

Otra sección cargada de futuro es la dedicada a las microalgas, cuyo cultivo produce biomasa y desprende oxígeno, de manera que podrían ser utilizadas para revestimiento de fachadas en arquitectura mejorando el ambiente urbano. El estudio del cultivo de microalgas, cuyo consumo de agua es menor respecto a la agricultura tradicional, puede ser útil para el desarrollo de compuestos antibacterianos y antivirales, con aplicaciones en la industria alimentaria, farmacéutica, cosmética, agrícola y química, además de su uso en tratamiento de aguas residuales y producción de biogás.

La lana es protagonista de otro capítulo de gran interés. Los excedentes de lana generados por el uso de fibras sintéticas en la producción de textiles abren la puerta a su utilización en la construcción, en combinación con arcilla y madera, con funciones de refuerzo, aislamiento, acústica y reparación, con varias intervenciones en el propio edificio. Otras aplicaciones del uso de materiales tradicionales en nuevas aplicaciones a partir de la cestería, la producción artesanal de adobes o diversas combinaciones de técnica y botánica marcan un camino de sostenibilidad insoslayable.

España también hace Bauhaus

Las exposiciones del centenario de Bauhaus en Dessau aumentan el interés de viajar a una ciudad muy bien comunicada con Berlín o con Leipzig, que cuenta con varios patrimonios de la humanidad. Además de los Jardines de Dessau-Wörlitz, que forman el mayor jardín de estilo inglés de toda Europa continental, están los lugares relacionados con la Bauhaus. Entre ellos el edificio Bauhaus de Gropius, pero también el grupo de las Casas de los Maestros en las que vivían notables profesores de la escuela, perfectamente mantenidas, además de alguna colonia de casas modestas como la Törten de Gropius, o la Casa de Acero de 1927.

Para mostrar la enorme trascendencia de la producción de la Bauhaus en Dessau, es imprescindible visitar el formidable Museo Bauhaus Desssau, del equipo español Addenda, ganadores del concurso internacional, que se inauguró en 2019. El contenido transmite la manera en que el talento reunido por la escuela de arte y diseño abarcó todas las artes y los oficios de su tiempo, los transformó y dio forma a una nueva sensibilidad que ha definido el siglo transcurrido desde que la Bauhaus llegó a Dessau para alcanzar su momento de mayor intensidad. Un esplendor que se muestra con especial amplitud en las exposiciones que permanecerán abiertas para celebrar el primer centenario de la Bauhaus en Dessau.

En Madrid los planes nunca se acaban. Por eso, en Hoy Se Sale, tu agenda de ocio y cultura en la ciudad, te traemos como cada siete días las propuestas destacadas que ofrece la capital desde el jueves.

Arrancan las primeras fiestas populares de la temporada. Fuencarral se viste de colores para conmemorar a su patrona, Nuestra Señora de Valverde. Habrá actividades y propuestas para todos los públicos desde este viernes, entre los que no faltarán el tradicional pasacalles de Gigantes y Cabezudos ni las orquestas para ambientar la celebración hasta medianoche. Te contamos más detalles sobre la programación en nuestro listado.

Si prefieres visitar un museo o ir a una exposición también tenemos un plan para ti. Y además, es de una forma muy especial. ¿Te imaginas recorrer algunas de las obras más icónicas del mundo de noche y sin pagar entrada? El Museo Thyssen-Bornemisza ofrece justamente eso: visitas nocturnas y gratuitas que transforman la forma de vivir el arte. Este sábado se puede disfrutar de manera gratuita y en horario nocturno.

También hay otras propuestas artísticas, como la muestra Eduardo Chillida. Soñar el espacio. Se encuentra disponible en la Sala 1 de Exposiciones de Conde Duque y contiene un amplio conjunto de obras fundamentales de uno de los artistas más relevantes del siglo XX. El acceso es gratuito.

En el plano musical, Sesión Vermú regresa por séptima edición para dejar la mejor música independiente en varios municipios de la región. Esta vez con récord, gracias a las 83 actuaciones en 24 localidades, que prometen fines de semana de abril y mayo repletos de ritmo a la hora del aperitivo. Puedes consultar todos los detalles pinchando en nuestro listado. Como de costumbre, compartimos otras sugerencias variadas de ocio y tiempo libre para este fin de semana.

Puedes consultar los planes más sugerentes de Madrid estos días en el siguiente listado, por jornadas, o pinchando en las fotos que se muestran a continuación.

El Museo de la Verdura, único en España dedicado a las verduras, amplía su propuesta expositiva con la incorporación de dos nuevos espacios multisensoriales permanentes sobre el campo calagurritano, enmarcados en la actuación 'Experiencia sensorial y tecnológica en la Ciudad de la Verdura', incluida dentro del Plan de Sostenibilidad Turística 'Calahorra enogastronómica'.

Este proyecto, financiado por la Unión Europea a través de los fondos NextGenerationEU dentro del Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia (PRTR), tiene como objetivo impulsar un modelo de turismo experiencial e innovador, poniendo en valor el patrimonio hortícola calagurritano.

La intervención propone un novedoso enfoque basado en la estimulación de los sentidos (vista, olfato, oído y tacto) para crear una experiencia inmersiva capaz de conectar al visitante con la tradición agrícola, la memoria y la identidad local.

Vivir la huerta con los cinco sentidos

El Museo de la Verdura estrena, hoy coincidiendo con las XXX Jornadas Gastronómicas de la Verdura, dos nuevos espacios: una sala de proyección multisensorial y siete estaciones olfativas sobre los productos que se cultivan en los campos y huertas de Calahorra. Por un lado, la planta baja del museo alberga una sala de proyección multisensorial con una pieza audiovisual de reproducción continua.

Muestra el ciclo completo de productos emblemáticos de la huerta calagurritana, como la coliflor -con Indicación Geográfica Protegida- y la alcachofa. Desde su cultivo y recolección hasta su transformación gastronómica, en conserva o en un plato de cocina. La experiencia se completa con un diseño sensorial que envuelve al espectador, permitiéndole sentirse parte del proceso.

El vídeo crea un ambiente que hace que el espectador se sienta dentro del proceso que se cuenta a través de imágenes. Por otro lado, en la primera planta del museo se han colocado 7 estaciones olfativas interactivas con 3 tubos de aromas cada uno.

Estas estructuras permiten al visitante experimentar distintos aromas vinculados a los productos que se cultivan en los campos y huertas calagurritanas, mediante sistemas de liberación controlada. Cada estación combina información visual, textual y auditiva, facilitando la identificación de los productos y su contexto. En total, el se presentan hasta 21 aromas diferentes de verduras.

Los visitantes pueden interactuar directamente con estos dispositivos, activando la dispensación de olores o seleccionando diferentes opciones. Estos 2 nuevos espacios conectan la tradición agrícola de Calahorra con la emoción y la memoria de las personas que visitan el Museo de la Verdura.

Con esta iniciativa, el Ayuntamiento de Calahorra busca reforzar su posicionamiento como destino de referencia en turismo agroalimentario innovador, apostando por la incorporación de tecnologías avanzadas en la divulgación cultural y turística. Se trata de dos nuevas experiencias en el Museo de la Verdura que completan y mejoran la oferta museográfica existente.

Esta nueva experiencia multisensorial convierte al Museo de la Verdura en un espacio de referencia donde tradición e innovación se dan la mano para ofrecer una forma única de descubrir la riqueza de la huerta calagurritana, así como lo hace más atractivo para el visitante.

El Ayuntamiento de València ha programado una agenda excepcional con motivo del Día Internacional de los Monumentos y Sitios. Durante este fin de semana, del 17 al 19 de abril, la ciudad ofrecerá visitas guiadas a cinco refugios de la Guerra Civil habitualmente cerrados, además de acceso gratuito a sus monumentos más emblemáticos.

La programación centra su interés en el patrimonio subterráneo de la ciudad, una red defensiva que fue vital entre enero de 1937 y el final del conflicto. En este periodo, València sufrió más de 400 bombardeos, principalmente por parte de la aviación y la marina italiana, que causaron 800 muertos y la destrucción de más de 900 edificios. Ante esta situación, la Junta de Defensa Pasiva impulsó la construcción de más de 250 refugios, tanto públicos como privados, para proteger a la población y amortiguar los impactos de los proyectiles.

Refugio de la Calle Serranos

Construido en 1937, el refugio de la calle Serranos fue uno de los primeros en edificarse en la ciudad y contaba con capacidad para acoger a 400 personas. Se trata de un refugio adintelado de planta alargada, compuesto por una sala de tres naves separadas por dos filas de pilares de hormigón que sujetan una cubierta de más de 1,50 metros de espesor.

El espacio destaca por conservar sus elementos originales, como las rejillas de ventilación y los bancos corridos adosados a las paredes y columnas. Uno de sus elementos más icónicos es el rótulo de la entrada que conserva íntegras las letras 'Refugio' en estilo Art Decó.

Tras la guerra, el refugio tuvo usos muy diversos, funcionando como almacén de plátanos y más tarde como casal fallero, etapa en la que sufrió algunas reformas. Tras años de abandono, fue rehabilitado y reinaugurado en 2018 como espacio cultural. Actualmente, está declarado Bien de Relevancia Local y se utiliza para actos e iniciativas culturales.

Refugio del IES Lluís Vives

En el corazón de Ciutat Vella se encuentra el refugio de mayor capacidad de los que se conservan actualmente en València. Este imponente espacio defensivo fue edificado en la fase final de la contienda, con un periodo de construcción que abarcó desde el 6 de mayo de 1938 hasta el 23 de marzo de 1939.

Arquitectónicamente, el edificio se compone de cuatro galerías cercadas que se extienden sobre un rectángulo de 13,78 por 33,50 metros. Sus vueltas, diseñadas para resistir los impactos, presentan un diámetro de 2,67 metros con una separación de un metro entre ellas. Aunque el diseño original contaba con rampas de entrada, el acceso actual se realiza a través de una escalera instalada, posiblemente, durante la remodelación del instituto en la década de los setenta.

A pesar de que el paso del tiempo y su uso posterior como almacén provocaron la desaparición de los bancos corridos de asiento, las paredes han sido recuperadas mediante trabajos de enlucido y pintura. En la actualidad, este espacio de dimensiones excepcionales ha sido rehabilitado para la vida pública de la ciudad, sirviendo de escenario para la celebración de diversos actos culturales.

Refugio de la Falla Ripalda-Sogueros

Ubicado en la calle Alta del popular barrio del Carmen, este fortín subterráneo destaca por ser uno de los más amplios de la zona, con una dimensión de 362 metros cuadrados diseñados para dar cobijo a 600 personas. Su ubicación es fácilmente reconocible gracias a que la fachada exterior aún conserva el emblemático letrero de 'Refugio, cuya tipografía fue diseñada por el artista Josep Renau. Este rótulo, acompañado por dos flechas laterales, permitía a la población identificar rápidamente los accesos durante el estruendo de las sirenas.

Los accesos al refugio se construyeron bajo una lógica militar de supervivencia: las entradas se situaron lo más alejadas posible entre sí para evitar que un mismo proyectil inutilizara ambas. Además, las puertas se diseñaron en forma de “codo”, una solución técnica que impedía que la metralla de una explosión exterior penetrara en el interior del fortín y alcanzara a los refugiados.

En la actualidad, el espacio conserva sus bancos laterales y el suelo original, aunque su distribución ha sido levemente modificada. Tras la gran riada que asoló Valencia en 1957, la Falla Ripalda-Sogueros se ofreció a rehabilitar el recinto tras los graves desperfectos sufridos. A cambio, y aunque el refugio sigue siendo de propiedad municipal, la comisión fallera obtuvo el derecho de uso del espacio, convirtiéndolo en su sede actual y garantizando su mantenimiento.

Refugio del Ayuntamiento de València y refugio del Colegio Vedruna-Sagrado Corazón

Ubicado en el patio interior del edificio del Ayuntamiento y visitable desde el año 2017, este refugio de tipo escolar fue construido en 1938 por el arquitecto José Luis Testor. Su función principal era albergar a 700 niños del centro escolar situado en un lateral del propio edificio consistorial, una labor de protección a la infancia que también compartía el refugio del Colegio Vedruna–Sagrado Corazón.

El espacio del refugio del Ayuntamiento de València consta de dos entradas simétricas con escaleras y cinco naves alargadas paralelas. Estas naves están cubiertas con vuelta rebajada de hormigón y comunicadas entre sí mediante arcos de medio punto. Las dos naves de los extremos son más largas: una albergaba la sala de máquinas con el extractor de aire (eléctrico y manual) y la otra contenía los retretes con desagüe a un pozo ciego.

Todas las naves disponían de bancos de obra para los escolares (desaparecidos por reformas posteriores). El sistema eléctrico funcionaba mediante tubos de cobre que contenían el cableado para las bombillas del techo. En 2016 fue rehabilitado para recuperar su aspecto original bajo un proyecto museográfico de baja intensidad.

El corredor de acceso incluye información sobre los diferentes tipos de refugios en València, un mapa con la ubicación de los mismos y los impactos de las bombas lanzadas por la aviación nacional. En la primera sala se proyectan audiovisuales con imágenes de bombardeos de las tropas italianas y testimonios de vecinos de la ciudad. También se detalla el bombardeo que sufrió el propio Ayuntamiento el 28 de mayo de 1937.

Jornada de puertas abiertas en monumentos emblemáticos

Además de la red de refugios, la programación incluye una Jornada de Puertas Abiertas el sábado 18 de abril, permitiendo el acceso libre y gratuito a los monumentos municipales más emblemáticos de la ciudad. Entre ellos destaca la Lonja de la Seda, declarada Monumento Histórico-Artístico en 1931, Bien de Interés Cultural y Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO desde 1996.

También se podrán visitar las Torres de Serranos, construidas entre 1392 y 1398 como una de las principales puertas de acceso a la ciudad, y las Torres de Quart, edificadas entre 1441 y 1460. Ambas construcciones defensivas están protegidas como Bien de Interés Cultural y cuentan con el título de Monumento Histórico-Artístico desde 1931.

El Ministerio de Cultura ha anunciado este viernes que los retratos de Carlos IV y su esposa María Luisa de Parma pintados por Goya en 1789 han sido asignados a la colección permanente del Bellas Artes de Sevilla, museo de titularidad estatal y gestión transferida a la Junta de Andalucía.

Así se lo ha comunicado el Ministerio a la Consejería de Cultura y Deporte de esta comunidad autónoma. La decisión, tomada después de que el Tribunal Supremo reconociera que la propiedad de los retratos del pintor zaragozano siempre ha sido del Estado, permitirá que las pinturas permanezcan definitivamente en Sevilla, ciudad para la que fueron creadas desde su encargo por la Real Fábrica de Tabacos, informa el Ministerio en una nota de prensa.

Actualmente, una de las obras forma parte de la exposición temporal 'El arte de preservar la memoria' en el Archivo General de Indias (Sevilla), institución que custodia ambos lienzos. Una vez la exposición finalice, el 15 de junio, las dos obras serán trasladadas al Museo de Bellas Artes, en coordinación con el museo.

Tras su encargo para la Real Fábrica de Tabacos de Sevilla, los cuadros cambiaron de ubicación, entre Sevilla y Madrid, a lo largo de su historia, de acuerdo con las transformaciones que experimentó la gestión y comercialización del monopolio público del tabaco en España desde el siglo XVIII hasta convertirse en la empresa pública Tabacalera. en el siglo XX. En 2017, Altadis, empresa privada sucesora de aquella, reclamó la propiedad de las dos pinturas de Goya.

A partir de ese momento comenzó un largo litigio contra el Estado que se resolvió finalmente el pasado mes de marzo con la publicación de la sentencia del Tribunal Supremo (TS) que reconoce que los retratos siempre han sido de titularidad pública. Tras la resolución quedaba pendiente el destino definitivo de los bienes que queda ahora definido con la decisión adoptada por Cultura, que asigna los dos retratos al Museo de Bellas Artes de Sevilla.

Una historia unida a Sevilla

Francisco de Goya y Lucientes pintó los retratos del rey Carlos IV y su esposa, la reina María Luisa de Parma, en 1789 por encargo de los trabajadores de la Real Fábrica de Tabacos de Sevilla con motivo de las fiestas que se realizaron en la ciudad para celebrar la jura de los monarcas. Los cuadros fueron concebidos para ser expuestos en un monumento efímero como parte de las galas con las que la ciudad de Sevilla festejaba el comienzo del nuevo reinado.

La estructura resultante, conocida como 'Templo de la Fama', se ubicó en la plaza de la Fama, donde tuvieron lugar algunas de las celebraciones y donde se encontraba el edificio de la Fábrica de Tabacos. Tras los festejos, los cuadros pasaron a adornar las dependencias interiores del edificio.

Ahora, la adscripción de estos dos retratos a las colecciones públicas ofrecerá al Bellas Artes la oportunidad de completar su discurso expositivo y la posibilidad de su disfrute por el público acompañados de otras pinturas que permitan su contextualización histórica y artística.

El museo, con los dos retratos de Goya, podrá completar un episodio destacado de la historia de la ciudad, sumándose a los ocho cuadros de Domingo Martínez que ya posee, que reflejan el desfile de carrozas con los obreros de la Real Fábrica de Tabacos pintados para la celebración de la coronación de Fernando VI y Bárbara de Braganza, y que también fueron utilizados en los festejos de la llegada al trono del Carlos IV.

Los retratos de Carlos IV y María Luisa de Parma fueron pintados por Goya el mismo año de la Revolución Francesa, de ahí la imagen tan medida que proyecta de los monarcas, presentándolos como personas cercanas y tolerantes. Carlos IV es mostrado con una expresión afable, alejada de la pomposidad de los retratos regios pero sin olvidar los símbolos distintivos de la realeza, como la corona y la capa de armiño en color púrpura que aparecen en el lado derecho del cuadro.

El óleo sobre lienzo de 128 x 95.5 cm. representa al monarca vestido de rojo, con el Toisón de Oro y la insignia de la orden de San Jenaro. Por su parte, el 'Retrato de María Luisa de Parma' es un óleo sobre lienzo 126 x 94 cm. en el que la reina aparece retratada a la edad de 37 años con un vestido de seda azul. Está representada con un tocado, brazos desnudos y sosteniendo un abanico con la mano derecha, mientras que en el pecho luce la Orden Imperial de la Cruz Estrellada.

En el mueble de la izquierda aparecen los mismos atributos que se observan en el retrato de Carlos IV, la corona y el manto de armiño. Ambas pinturas tuvieron un coste de 4.000 reales de vellón, tal y como se recoge en el recibo firmado por Goya el 11 de mayo de 1789, y en el que se refleja el acuerdo aceptado por el pintor de realizar las obras sin la participación de sus ayudantes.

La Unión General de Trabajadoras y Trabajadores (UGT) ha alzado la voz en el Gobierno de Cantabria contra lo que considera una “progresiva privatización” de la gestión cultural en la región. El sindicato atribuye esta dinámica a la escasez de personal propio, una situación que se ha producido recientemente en el Museo Etnográfico de Cantabria.

UGT rechaza que este centro –público y de acceso gratuito– tenga que cerrar algunos días e incluso algunas tardes al no haberse contratado “al personal suficiente”. A juicio del sindicato, se trata de “una muestra clara de la nula apuesta por lo público y la cultura” por parte del Ejecutivo cántabro.

La organización sindical sostiene que esta situación refleja la “lamentable dejadez que abarca ámbitos prioritarios como Sanidad y Educación y que atenta también contra derechos propios de una sociedad civilizada y en vanguardia”. En su denuncia, UGT postula que en Cantabria el sector público no cuida “ni siquiera lo que nos puede dar dinero”, y pone sobre la mesa el caso de la Casa del Héroe Velarde, que continúa cerrada tan solo unos días antes de la celebración del 2 de mayo. 

En este escenario, los sindicalistas reclaman al Gobierno, “de una vez por todas”, una política de recursos humanos pública, necesaria y obligada para corresponder a la riqueza cultural de la región: “La responsabilidad del cuidado y la difusión de ese patrimonio recae exclusivamente en la Administración autonómica”.

UGT asegura que desde el inicio de la legislatura presente, ha estado reclamando una planificación del personal necesario para cubrir los recursos culturales de la comunidad. “Hemos tenido dos reuniones en tres años con la máxima representación de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte, donde hubo compromiso de que se potenciaría la contratación y la atención de nuestros centros culturales con empleados públicos”.

Sin embargo, a punto de comenzar el último año de legislatura “nada se ha hecho”, dice el sindicato, y que “la privatización silenciosa sigue su curso”. En esta línea, denuncia que las necesidades laborales con personal propio, que no se realizan procesos de selección desde hace años y que “en la oferta pública de este año tampoco se ha aceptado la propuesta de UGT de incluir plazas de esta categoría profesional”. 

UGT añade que en la Administración General del Gobierno de Cantabria no se convocan oposiciones de la categoría de guía cultural desde hace 15 años. El sindicato concluye que la falta de recursos humanos compromete el potencial turístico y económico del patrimonio cultural cántabro, al considerar que espacios como el futuro Museo de Prehistoria no podrán atraer visitantes si no cuentan con personal suficiente.

El Geoparque Volcanes de Calatrava-Ciudad Real ya cuenta con un centro de interpretación y el museo 'Francisco Pablo Holgado'.

Ambas instalaciones han sido inauguradas este miércoles en las instalaciones de la Escuela de Ingeniería Minera e Industrial de Almadén, donde se ubica el museo, tras la visita previa al centro de interpretación del Geoparque, ubicado en singular plaza de toros hexagonal de la localidad minera.

Al acto han asistido también la delegada de la Junta, Blanca Fernández y el presidente de la Diputación de Ciudad Real, Miguel Ángel Valverde, entre otras autoridades.

Valverde ha centrado su intervención en el potencial del Geoparque como herramienta de desarrollo, subrayando que este proyecto permite transformar el patrimonio geológico, histórico y cultural “en nuevas oportunidades para el territorio”.

Ha destacado que “el Geoparque va tomando forma” con la puesta en marcha de centros de interpretación y recursos museísticos en distintos puntos de la provincia, y ha incidido en la necesidad de generar identidad en torno a este proyecto para garantizar su consolidación y futura renovación por parte de la Unesco.

Por su parte, la delegada de la Junta ha destacado que se trata de dos actuaciones que suman casi 300.000 euros “que vienen a poner en valor lo que ya tiene mucho valor por sí mismo, que es el patrimonio de Almadén en torno a la minería, que se suma a su riqueza patrimonial y, por supuesto, a su riqueza natural, por la cual hay que apostar claramente, porque es un elemento que podemos convertir en empleo y en riqueza”.

La obra 'San Antonio Abad camino al cielo', atribuida al pintor aragonés Martín Bernat (activo entre 1480 y 1495), se exhibe desde el pasado 8 de abril en el Museo del Louvre de París, uno de los centros museísticos más importantes del mundo. El público podrá ver la obra en la capital francesa hasta el próximo 20 de julio de 2026, dentro de la exposición 'Martin Schongauer (Colmar, circa 1445 – Breisach, 1491), The Beautiful Immortal'.

Realizada en óleo sobre tabla, la pintura constituye un destacado ejemplo de la escuela gótica aragonesa. La obra se conserva habitualmente en el Museo Alma Mater y procede de la parroquia de San Miguel Arcángel de Alfajarín (Zaragoza), lo que refuerza su valor patrimonial y su vinculación con el territorio.

La inclusión de esta pieza en una muestra internacional de referencia supone un reconocimiento a la calidad artística del patrimonio aragonés y a la relevancia de sus creadores en el contexto europeo del siglo XV.

Desde las instituciones responsables se ha valorado muy positivamente la presencia de esta obra en el Louvre, subrayando la oportunidad que supone para dar a conocer, ante un público internacional, la riqueza del arte sacro aragonés.

La historia es de sobra conocida. El lunes 26 de abril de 1937, cuando las fuerzas nacionalistas de Franco empujaban hacia el norte para cortar Bilbao y tomar el control del País Vasco, se tomó la decisión de aplastar la resistencia con una abrumadora muestra de fuerza. A las cuatro de la tarde, y durante las siguientes tres horas, sesenta aviones italianos y alemanes lanzaron bombas incendiarias sobre Guernica, reduciéndola a una bola de fuego. No se había visto nada parecido en Europa, y aquello lo cambió todo.

Unos meses antes, Pablo Picasso —que en ese momento era ya el artista vivo más famoso del mundo— había recibido un encargo del Gobierno Republicano para el pabellón español de la Exposición Universal de París prevista para aquel verano. Impactado por el ataque, el 1 de mayo comenzó a dar forma concreta al cuadro y durante las siguientes semanas, bocetos, dibujos y pinturas se derramaron con una pasión febril. A finales de junio de 1937, Picasso estaba listo para los toques finales de una obra ejecutada a una escala tan monumental que se había visto obligado a colocarla en ángulo en su enorme estudio de la parisina rue des Grands-Augustins. Todo el proceso quedó documentado por la fotógrafa Dora Maar, que era entonces su amante.

El lehendakari Imanol Pradales pidió el cuadro a Pedro Sánchez. Días antes de otro encuentro en La Moncloa, la vicelehendakari, Ibone Bengoetxea, le concretó al ministro Ernest Urtasun que la pintura se trasladase durante nueve meses al Museo Guggenheim de Bilbao a finales de 2026, como parte de los actos de conmemoración del 90 aniversario del Gobierno vasco y del ataque a Gernika. Pradales calificó la iniciativa de gesto de memoria histórica y de “reparación simbólica”, un lenguaje que ha generado polémica. “No estamos ante una cuestión meramente técnica, sino ante una cuestión de memoria, reconocimiento y reparación”, secundó la consejera de Cultura vasca Ibone Bengoetxea en un encuentro posterior en Madrid.

Desde entonces se ha producido un cruce de acusaciones, sobre todo desde el ámbito político, ya que el Guggenheim no ha querido hacer declaraciones por el momento, y el Reina Sofía ha respondido únicamente mostrando los informes de los restauradores sobre el estado del cuadro. El ministro de Cultura rechaza el traslado, “de forma rotunda”.

Un lienzo pintado con urgencia

Y es que el problema técnico existe, y no es menor. El Guernica es un óleo sobre lienzo de 349 x 776 centímetros, pintado con una rapidez casi violenta en apenas seis semanas. Esa urgencia, y las décadas de viajes posteriores, han dejado huella: la capa pictórica presenta grietas y zonas de fragilidad que lo convierten en uno de los casos más citados en conservación y restauración de arte contemporáneo.

Tras su exposición en el Pabellón Español, el Guernica emprendió en 1938 una larga gira organizada por el representante de Picasso, el marchante de arte Paul Rosenberg, para concienciar al mundo sobre la situación del bando republicano: los países nórdicos, América, Londres y de vuelta a Europa (Berlín, Milán). Ese trajín pasó factura a la pintura, que tuvo que ser restaurada en el MoMA de Nueva York en 1957, donde permaneció a petición del propio Picasso durante varios años. Por si fuera poco, el 28 de febrero de 1974 el artista estadounidense Tony Shafrazi pintó en el mural con spray rojo, en un intento de llamar la atención sobre las mentiras de la Guerra de Vietnam, dejando microresiduos en las fisuras del lienzo.

El 10 de septiembre de 1981 el Guernica volvió a España, concretamente al Casón del Buen Retiro en Madrid. José Carlos Roldán, restaurador del CAAC que participó en la comisión de restauración del Reina Sofía hace veinte años, explica cómo fue aquel traslado al museo el 26 de junio de 1992, del que tuvo conocimiento a través de su trabajo posterior en la comisión: “La pieza se extendió en el Casón del Buen Retiro y se le aplicó calor para que la cera que tenía le diera elasticidad”. Los daños eran tan patentes que en esa ocasión se decidió trasladarla enmarcada, en parte por la cercanía entre ambos puntos. “Además —recalca Roldán— es una obra bastante delicada por cómo fue pintada, y sufrió mucho en el traslado de Nueva York a Madrid porque vino enrollada”.

El mural se convirtió enseguida en una pieza fundamental del museo recién inaugurado, hogar definitivo de la obra más icónica del siglo XX, y en uno de los grandes referentes del arte moderno a nivel mundial, atrayendo cada año a millones de visitantes que peregrinan hasta Madrid para contemplar el lienzo.

Como explica el propio Reina Sofía, “el Guernica es un símbolo político, hasta el punto de que aparece como emblema ante cualquier episodio de violencia o de vulnerabilidad de la población civil”.

El historiador del arte e investigador Manu Martín, autor del ensayo Contra el Patrimonio, también coincide en esta visión de la obra como un símbolo reivindicativo: “Creo que hay que volver a poner en relación su temática, que es la denuncia de un bombardeo fascista que todavía forma parte de la memoria muy reciente de España”. “Me parece una decepción tremenda que el Ministerio de Cultura haya cerrado tanto la puerta a algo que creo que le vendría muy bien a la izquierda como es repolitizar el cuadro”, añade. Y es que precisamente esa carga simbólica es la que alimenta, una y otra vez, las peticiones de traslado.

Todas las solicitudes, denegadas

El museo enumera las más recientes: el Guggenheim en 1997 y de nuevo en 2007; el MoMA, que lo había albergado durante décadas, en 2000 —y como aclara el Reina Sofía, “ni siquiera esta vez el Guernica viajó a Nueva York, debido a las razones expuestas, motivos que fueron perfectamente comprendidos y asumidos por el MoMA”—; el Royal Ontario Museum de Canadá en 2006; el Grupo FujiExp de Japón en 2009; y el Gwangju Museum de Corea del Sur en 2012. Todas las solicitudes fueron denegadas.

El propio museo justifica su decisión mediante el informe técnico sobre el estado del mural: “El tamaño de la obra determina las dimensiones de la caja y el espacio en el que ha de transportarse”, y subraya que la obra “NO PUEDE ENROLLARSE por la naturaleza actual de los elementos que la componen, y ha de permanecer todo el tiempo en posición vertical y en unas condiciones de humedad y temperatura estables”.

Con todos estos datos concluyen que se trata de un mural que, “por su formato, naturaleza de los elementos que la componen y estado de conservación, junto con los numerosos daños sufridos a lo largo del tiempo, la hacen especialmente sensible a todo tipo de vibraciones inevitables en el transporte que podrían generar nuevas grietas, levantamientos y pérdidas de la capa pictórica, así como desgarros en el soporte”.

“Cualquier persona que conozca el estado de conservación de El Guernica sabe que no puede viajar”, afirma el historiador del arte y divulgador Miguel Ángel Cajigal Vera, conocido en redes como El Barroquista. “Incluso cambiarlo de pared dentro del Reina Sofía fue en su momento muy delicado. Ni siquiera sería prudente moverlo diez kilómetros, mucho menos enviarlo a más de 400 kilómetros de distancia. El cuadro viajó demasiado durante décadas y está en un estado muy precario: es el ejemplo que siempre se pone en la disciplina de los daños que puede sufrir una obra por exceso de movimiento”.

Roldán además añade otro punto de vista: “Si planteáramos por ejemplo que nos prestaran Las Meninas para una exposición temporal, estoy seguro de que el informe sería negativo. La Mona Lisa tampoco se presta. Es la joya del museo. Ya puedes hacer una caja perfecta, fletar un avión, tomar todas las precauciones del mundo… pero hay obras que, cuando pones en una balanza el riesgo y la ventaja, no admiten discusión”.

Símbolo político, objeto frágil

El Guernica llegó a España por primera vez ocho años después de la muerte de Picasso. El acuerdo con el MoMA recogía sus instrucciones explícitas: el cuadro no debía regresar a España hasta que no se restablecieran las libertades democráticas. Antes de instalarse en su sala actual, ya mostraba signos evidentes del desgaste acumulado, razón suficiente para no moverlo más. Desde entonces, el museo ha extremado las precauciones: la pintura se exhibe en condiciones de temperatura y humedad controladas, y cualquier intervención sobre ella —incluso un simple cambio de posición— se convierte en un operativo de alta precisión.

No todos comparten esa postura con la misma rotundidad. En el simposio celebrado en 1998 en torno al estado y el posible traslado del Guernica, Stephan Michalski, científico jefe del Canadian Conservation Institute, planteó una pregunta que Roldán recuerda con cierta ironía: “Si somos capaces de ir a la Luna, ¿por qué no somos capaces de trasladar este lienzo al Guggenheim?”.

A esta se le unieron las opiniones de los políticos vascos como Iñaki Anasagasti, que ya en el pasado veía la oposición al préstamo como parte de una política reaccionaria: “Con expertos como estos no se hubiera inventado la rueda, ni se hubiera ido a la Luna, ni se hubiera hecho una operación de trasplante de corazón. No entiendo que un problema técnico no pueda tener una solución técnica” afirmó en 1998.

Manu Martín, por su parte, también se muestra partidario del traslado de la obra a otros museos: “Yo creo que lo que está pidiendo el Gobierno vasco es más que lícito. Para cualquier exposición se piden obras. Me parecería bien desmitificarla un poco, y que se pudiera recuperar ver en otros sitios, de manera itinerante, pero tampoco me la llevaría a todas partes, yo lo veo más como una cuestión política más que técnica”.

Para Cajigal Vera, el debate ha entrado en un terreno incómodo: “Una parte pide el mural sabiendo que la petición es imposible de atender con los datos objetivos en la mano. La otra se limitará, todas y cada una de las veces, a recordar que hay información científica y técnica que nunca avalará ese préstamo. La razón de ser de cualquier museo es preservar los bienes que custodia para las generaciones futuras. Aprobar un viaje como este pondría en serio peligro la supervivencia del cuadro, y además la logística para mover una obra de semejante tamaño es absolutamente excepcional y no se justifica desde el punto de vista museográfico”.

El espejo de Sijena y Bayeux

La polémica recuerda a otros conflictos sobre patrimonio, como el reciente caso de la devolución por parte del MNAC de las pinturas murales medievales del Monasterio de Santa María de Sijena, en el que la historiadora Marisancho Menjón se mostró a favor de la restitución. Aunque Cajigal Vera matiza la comparación: “Son casos muy diferentes. En Sijena hay dos partes enfrentadas cuyos técnicos no se ponen de acuerdo, pero además existe una sentencia judicial de restitución. Con el Guernica, en cambio, no encontrarás a un solo técnico independiente que no te diga que moverlo es un riesgo injustificable”.

Una opinión que comparte Roldán: “Sijena es distinto, entre otras cosas porque el contexto también lo es: aquellas piezas fueron trasladadas a un museo en Catalunya por miedo a que fueran vandalizadas”. En aquel caso, una expedición de 1936 del Gobierno de la Generalitat republicana, capitaneada por Josep Gudiol, intentó salvar las pinturas de un incendio provocado. Permanecieron en el MNAC durante décadas con el objetivo de conservarlas y restaurarlas. Más tarde, en los años ochenta, la Generalitat compró a las monjas de Sijena las obras que ya tenía expuestas. La resolución judicial se ha inclinado por la restitución, aunque el debate sobre si la simbología de la devolución compensa la permanencia en el museo de Montjuïc sigue abierto.

Pero Sijena no es el único caso comparable que aflora en este debate. “El que sí me parece equiparable al del Guernica es el del Tapiz de Bayeux”, explica Cajigal Vera. “Macron decidió prestarlo al Museo Británico con todos los informes técnicos en contra, porque la decisión respondía a una lógica política, no técnica. Cuando se produzca el deterioro, y seguramente sucederá, habrá que ver quién asume la responsabilidad de haber hecho política con un tesoro nacional”.

La pregunta, entonces, es inevitable: ¿por qué unas obras pueden trasladarse pese a su fragilidad y otras no? Roldán da la respuesta: “Hay que poner en una balanza qué es lo prioritario y hacia dónde se quiere ir. ¿Es más importante el símbolo político o la integridad del objeto? Esas decisiones cambian con la política cultural. Ambos lados tienen buenas razones, por eso es tan polémico”. Y en esa tensión —entre el valor simbólico de una obra y su supervivencia física— se juega, en el fondo, todo el debate.

El Museo Marítimo del Cantábrico (MMC) acogerá el próximo mes de mayo el II ciclo de conferencias 'Hierro y mar', organizado por el Museo de la Real Fábrica de Artillería de La Cavada con el apoyo de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte.

Bajo el título 'Hierro y Mar', esta actividad se celebrará todos los lunes del mes de mayo y el 1 de junio, a las 19.00 horas, y contará con la participación de reconocidos historiadores.

El ciclo se inicia el 4 de mayo con la presentación del capitán de navío Jorge Hernández-Armijo, comandante naval de Santander, quien hablará sobre 'La Armada de Cantabria y Galicia, a través de sus buques y marinos ilustres'; mientras el día 11 intervendrá el capitán de navío Tomás García-Figueras, comandante naval de Bilbao, quien ofrecerá una visión técnica sobre 'Las fragatas F110 de la Armada'.

El lunes 18, coincidiendo con el Día Internacional de los Museos, el historiador Alejandro Ferrer-Dalmau dará a conocer la biografía del almirante Alvaro de Bazán, de quien se celebra el quinto centenario de su nacimiento; y, por último, el 1 de junio, será el turno del presidente de la Asociación de Amigos del Museo y director del mismo, Ángel Cuadrado Carrera, que hablará sobre la Real Fábrica de Artillería y el Museo de La Cavada.

La colección del MMC cuenta con piezas realizadas en la fábrica de artillería de La Cavada, que jugó un papel vital en materia de defensa y construcción naval en nuestro territorio y para el mundo.

Con esta iniciativa, el Museo de la Real Fábrica de Artillería de La Cavada y el Museo Marítimo del Cantábrico reafirman su compromiso con la dinamización cultural y el acceso al conocimiento, acercando propuestas de calidad a todos los públicos, ha indicado el Gobierno regional.

Confirmado. El patronato de Kutxa se ha reunido este jueves y ha hecho oficial la rectificación de su decisión de cerrar el Eureka! este 30 de junio. Es más, si en un inicio se planteaba que mantendría sus puertas abiertas al menos dos años más, mientras se aterriza el proyecto Atenea en Tabakalera, ahora la continuidad no tiene fecha de caducidad. La decisión había motivado críticas de la comunidad científica, 14.000 firmas de protesta y hasta una carta del alcalde, Jon Insausti, del PNV, pidiendo una reconsideración.

Idoia Mujika, miembro de Eureka! Bizirik, la promotora de las firmas, ha expresado una “gran emoción” ante la noticia, especialmente por la intención de actualizar el museo. Señala que el centro ha recibido menos inversión y “ha estado descuidado estos últimos cinco años”, tras la adaptación de las antiguas cajas de ahorros a la normativa del Banco Central Europeo con motivo de la pandemia. Ante este cambio, el movimiento aún no ha decidido si mantendrá la concentración prevista para el domingo 26 de abril. En caso de realizarse, sería “una celebración”, según Mujika.

Durante el curso escolar, el museo suele recibir a colegios, ludotecas y otras asociaciones que trabajan con niños. Idoia Mujika, miembro de Eureka! Bizirik, asegura que, en su mejor momento, el centro llegó a acoger a más de 100.000 escolares en un solo año. En periodos vacacionales, Eureka! continúa registrando una alta afluencia. Este jueves, a las 10:30 de la mañana, el museo recibía a sus primeras visitas del día, que iban en aumento con el paso de las horas.

Unas mujeres, residentes en Bilbao, han comentado a este medio que el museo les “parece un sitio ideal”, “incluso para salir y estar en un espacio abierto”. Aunque algunos niños, según su edad, no comprendan todos los contenidos, el hecho de que “puedan tocar todo” les permite “pasárselo muy bien”, concluye una de ellas. Ambas se muestran satisfechas con el aplazamiento del cierre, especialmente porque no existe una “propuesta clara” sobre lo que Kutxa desea ofrecer en Tabakalera.

Un profesor, también de Bilbao, curioseaba el museo junto a su nieta. Considera que es un espacio adecuado para que “dos generaciones pasen juntos un rato”. Celebra el aplazamiento del cierre porque “no existe una propuesta mejor”, aunque muestra interés por el proyecto Atenea. Esto se debe a que podría brindar mayor accesibilidad gracias a la ubicación. “Para llegar al museo necesitas utilizar un vehículo”, ya sea privado o transporte público, insiste el docente, sobre el emplazamiento de Miramón.

La ludoteca Ludotxo, de Zarautz, se encontraba en las instalaciones con más de diez niños. Una educadora del grupo explicaba que ya visitaron el museo el año pasado, pero han decidido regresar “porque les encanta”. Considera que disfrutan especialmente porque en la escuela “no ven tanto estos experimentos” ni pueden interactuar con ellos. Reconoce que le dio “mucha pena” la noticia del cierre previsto para este verano, ya que guarda recuerdos de infancia vinculados al museo. Ahora, tras el aplazamiento, se muestra contenta porque “es un espacio en el que se aprende mogollón”.

El museo de ciencias, ubicado en el parque tecnológico de Miramón, en Donostia, fue inaugurado en 2001 bajo el lema “prohibido no tocar”. El espacio cuenta con siete exposiciones permanentes, cuatro salas de espectáculos, cuatro salas de reuniones y un planetario. Durante el día, realizan actividades con Lego, visitas guiadas por diferentes exposiciones y espectáculos científicos. Mujika señala que “en toda la franja norte, de A Coruña a Barcelona, no hay otro planetario equivalente”.

“Kutxa Fundazioa ha decidido mantener abierto Eureka, garantizando la continuidad de su funcionamiento. En las últimas semanas, Kutxa Fundazioa ha recibido numerosas muestras de apoyo y afecto hacia Eureka, que reafirman el valor que el museo tiene para la ciudadanía de Gipuzkoa. Fruto de este proceso de escucha, Kutxa Fundazioa ha analizado los distintos posicionamientos trasladados en relación con el futuro del espacio y ha decidido reconsiderar su planteamiento inicial, optando por mantener abierto Eureka”, ha indicado la fundación bancaria en una nota.

Y siguen: “Mientras tanto, y junto al desarrollo de ATENEA —el nuevo proyecto transformador con sede en Tabakalera—, Kutxa Fundazioa redefinirá su modelo de divulgación científica hacia un enfoque integrado que articule de manera coherente y complementaria los distintos espacios, incorporando la evolución y actualización de Eureka dentro de esta nueva visión y reforzando así su impacto conjunto en la sociedad”.

Los museos han sido, históricamente, algo más que continentes de arte. Se han utilizado para demostrar el poder (desde la National Gallery al Louvre, pasando por El Prado), para honrar a los próceres de los estados dominantes (desde el Museo de Jacques Chirac al todavía por inaugurar Centro Presidencial Barack Obama) o para aquilatar narrativas (como el Museo Nacional de Antropología de México o el Museo de América de Madrid). Pero desde hace unos años, también han servido para alimentar la caníbal industria del turismo y la necesidad enfermiza de muchos turistas de tener agenda más allá de caminar el lugar que visitan.

Santander es una ciudad interesante. No históricamente, porque tras el incendio de 1941 se construyó un centro de ciudad frío, homogéneo y aburrido. Pero su situación geográfica, su abrumadora Bahía y la cercanía de destinos rurales y culturales más que atractivos, la hacen un gran punto de interés turístico. No era suficiente. A la oferta gastronómica —cada vez menos cántabra para satisfacer a un turista tan global como temeroso de lo local— había que sumar algo más. No era suficiente el Museo Marítimo del Cantábrico —de dimensiones humanas y poderoso esfuerzo local desde sus orígenes con Casado Soto al frente—, no quedamos satisfechos con recuperar un MAS de cuyo incendio jamás hubo responsables, no nos valía con las diferentes propuestas del Puerto de Santander o con las aún novísimas y cuidadas Naves de Gamazo… Había que hacer un ejercicio de poderío para competir con ciudades como Málaga o con los propios fantasmas provincianos que envidiaban a Bilbao o a la capital del reino.

En los próximos meses años competirán entre sí, en esta pequeña capital de provincias, el Centro Botín —contenedor de algo que no se ha apropiado ni la ciudad ni la comunidad—, el proyecto Faro Santander (otro museo, pero con nombre curioso e inmensas ínfulas), el MUPAC —el único museo que se debía Cantabria a sí misma, pero al que le han pegado una joroba en forma de edificio administrativo ajeno a la preservación y difusión del patrimonio prehistórico— y la sede del Reina Sofía con la colección privada que hemos comprado a buen precio entre todas y todos.

La desproporción entre esa oferta y el tamaño y la realidad cultural de la ciudad es evidente y brutal, pero parecemos felices ante esta exhibición de músculo innecesaria mientras los dineros disponibles para estimular la creación, la formación y la difusión cultural en la ciudad siguen estando en el rango de la mendicidad cultural habitual.

Pasará, probablemente, como en el ámbito musical. Dedicando millones de dinero público durante años al FIS, al Concurso Internacional de Piano o a la construcción de esa herida llamada Palacio de Festivales, pero sin un conservatorio superior de música donde creemos capacidades locales a la medida de esos megacontenedores culturales.

Santander, por tanto, está condenada a ser un zoco para comerciantes del arte —ya lo es— o a ser una ciudad museo en la que sus habitantes más jóvenes en lugar de pintar o de crear instalaciones artísticas estarán condenados a ser camareros, vigilantes o guías de lo que otros crean.

¿Podrían tener sentido estos megaproyectos? Sí, siempre que fueran en paralelo a una inyección de dinero y creatividad equivalente a la hora de estimular la formación, la creación y la difusión de cultura desde esta misma ciudad y desde la comunidad de la que es capital. Mientras tanto este aluvión museístico solo nos impondrá nuevas dinámicas urbanas y comerciales, y concluirá con dos horizontes posibles: el de la Málaga saturada de turistas que los necesita tanto como los odia; o el de La Coruña, que ve como proyectos con ínfulas como el Museo Domus se cae a pedazos porque la ciudad no daba para más megacontenedores culturales o científicos.

¿Podrían tener sentido estos museos y centros de arte? Sí, si hubiera algún tipo de debate sobre su propuesta, sus formas y sus conexiones con la ciudadanía. Pero no la hay. En un mundo en el que las personas expertas en museografía se están replanteando todo, parece que aquí no nos planteamos casi nada.

Me quedo, casi, con lo que escribió Paul Valéry en 1923. Lo admirable o lo espectacular no tiene por qué estimularnos ni hacernos mejores. “No me gustan demasiado los museos. Hay muchos admirables, con nada deleitable. Las ideas de clasificación, conservación y utilidad pública, que son justas y claras, tienen poca relación con los deleites. Al primer paso que doy hacia las cosas bellas, una mano me arranca el bastón, un rótulo me prohíbe fumar. Enfriado ya por el gesto autoritario y el sentimiento de coerción, penetro en alguna sala de escultura donde reina una confusión fría”.

Que la fría y acromegálica propuesta museística de Santander no nos sumerja más aún en esa fría confusión y que la ciudad no quede fosilizada como decorado en Google Maps de unos edificios que jamás habitaremos.

Christine Ruiz-Picasso falleció este pasado lunes, 6 de abril, a las 18.00 horas a los 97 años, en su casa de Provenza, en Francia. Nacida en Francia en 1928, y vinculada al mundo del arte desde joven, era viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo de Pablo Picasso y de Olga Khokhlova, y fue la principal impulsora y artífice del Museo Picasso Málaga (MPM), junto con su hijo Bernard.

El Museo Picasso es el más visitado de Andalucía, con 800.000 visitantes al año. Abrió en octubre de 2003, fruto del empeño personal de Christine, presidenta de Honor junto con quien ostenta la Presidencia de la Junta de Andalucía, y fue punta de lanza en la transformación cultural de Málaga, que hoy cuenta con espacios de referencia como el Pompidou o el Museo Carmen Thyssen.

La idea inicial nació en 1953 de los contactos entre el propio Pablo Picasso y Juan Temboury Álvarez, académico, investigador del arte y por entonces delegado provincial de Bellas Artes de Málaga. El pintor malagueño quería que su obra estuviera presente en su ciudad natal, pero este proyecto quedó frustrado poco después. El contexto político no era el más favorable. 

Cuatro décadas después, Christine Ruiz-Picasso, viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo mayor del artista, acudió a Málaga con motivo de las exposiciones Picasso clásico y Picasso, primera mirada en el Palacio Episcopal de Málaga. Y salió tan satisfecha al contemplar el entusiasmo entre la ciudadanía malagueña por contemplar por vez primera en Andalucía el trabajo de Picasso, que en 1996 reiniciuó el proyecto de su suegro. 

En 1997 la Junta de Andalucía adquirió el Palacio de Buenavista, un palacete del siglo XVI, y poco después, Christine y Bernard Ruiz-Picasso, nuera y nieto del artista, donaron 233 obras a la Fundación Museo Picasso Málaga Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso, fundada ex profeso para la génesis del proyecto y que es la que actualmente rige el museo. Sigue constituyendo el grueso de la colección del museo. Cincuenta años de que el artista malagueño concibiera la idea, el Museo Picasso Málaga se hizo finalmente realidad: fue inaugurado el 27 de octubre de 2003.

Reconocimientos

Christine recibió en 2003 la Gran Cruz de Alfonso X El Sabio y ese mismo año fue distinguida como Hija Predilecta de Andalucía en 2003, en reconocimiento a su labor cultural y su contribución al patrimonio artístico de la región. Veinte años después, el Auditorio del museo fue rebautizado como Auditorio Christine Ruiz-Picasso para perpetuar su estrecho vínculo con el recinto. Ella no pudo asistir por motivos de salud.

El Museo Picasso Málaga y la Junta de Andalucía han lamentado la pérdida de una mujer “que dedicó su vida a preservar y difundir el legado de Pablo Picasso, uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

“Su legado como mecenas, promotora cultural y defensora del patrimonio picassiano ha contribuido significativamente a la vida cultural de Málaga, de España y al conocimiento del arte moderno”, han señalado desde el MPM.

El alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, ha trasladado el pésame de Málaga a la familia, recordando en un mensaje en X que Christine Ruiz-Picasso “fue artífice del impulso cultural de la ciudad”. “Su generosidad, junto a su hijo Bernard, permitió la creación del Museo Picasso Málaga, uno de los hitos de la Málaga cultural, en 2003”. El regidor que ha recordado que Christine “donó el grueso de la colección permanente del museo, contribuyendo a que seamos un referente internacional, acercando la obra de Picasso a las generaciones presentes y a las futuras”. “Transmito con este mensaje el pésame de Málaga a su familia y la gratitud, enorme gratitud, de la ciudad. Descanse en paz”, ha concluido el hilo de mensajes De la Torre.

Patricia Alonso ha sido nombrada directora del Museo Nacional de Antropología, museo de titularidad estatal dependiente del Ministerio de Cultura, según recoge este lunes el Boletín Oficial del Estado (BOE) en la resolución de la convocatoria para la provisión del puesto de dirección de este museo. Alonso sustituye a Fernando Sáez Lara, que fue nombrado en febrero subdirector general del Instituto del Patrimonio Cultural de España.

El Ministerio de Cultura comenzó el pasado mes de noviembre “decolonización” de los museos Nacional de Antropología y del Museo de América con la presentación de los nuevos programas museográficos que, entre otras novedades, incluyen más arte contemporáneo, nuevas cartelas identificativas de las obras expuestas y un aumento de herramientas audiovisuales.

En el caso del Museo de Antropología, se prevé para el proyecto un importe estimado de 4,4 millones de euros y que este culminado no antes de 2028. Fuentes de Cultura indicaron a Europa Press en su momento que es probable que para este proyecto sea necesario su cierre durante un tiempo pero que se intentaría “minimizar”.

Responsable de las colecciones de América y Oceanía

Alonso (Madrid, 1976) es licenciada en Historia con especialidad en Historia de América y licenciada en Documentación por la Universidad Complutense de Madrid. Ingresó en el Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos en 2008 y ha desarrollado su actividad en instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museo Nacional de Arte Romano.

Desde 2010 es conservadora en el Museo Nacional de Antropología, donde es responsable de las colecciones de América y Oceanía, así como de la gestión documental de la colección y de las cartas de compromiso y posicionamiento ético del museo.

La nueva directora ha coordinado e integrado el Comité de personas expertas que ha asesorado el programa de renovación del proyecto museográfico del museo, presentado en noviembre de 2025. Entre los proyectos recientes que ha coordinado figura la exposición Nosce te Ipsum. Membrum Fantasma. Una exposición de Anaya V. Jackson, organizada conjuntamente por el Museo Nacional de Antropología y PhotoEspaña.

Alonso ha comisariado exposiciones sobre arte y cultura kichwa de la región de Tigua (Ecuador), arte y cultura inuit en Nunavut (Canadá), pueblos originarios de la Patagonia chilena, museos comunitarios en Río de Janeiro, los efectos del conflicto armado en los años ochenta y noventa en la población maya y campesina de Guatemala y cultura Chamoru de las Islas Marianas.

Nuevos enfoques museográficos

Ha desarrollado también proyectos de colaboración con comunidades indígenas, entre ellos el realizado con la Corporación Cultural Lickanantay Ckunza Ckonics Por la Memoria de Nuestros Ancestros (Chile), la foto-evocación con la comunidad iny-karajá de Aruanã (Brasil) y la foto-evocación con comunidades ticuna de la Amazonía brasileña a través del proyecto Tururi, fibres of resistance, del University College London y el British Museum.

Entre sus publicaciones destacan trabajos recogidos en los Anales del Museo Nacional de Antropología, especialmente el titulado Pensando en la nueva exposición permanente del Museo Nacional de Antropología. Repensando el MNA, en el que aborda la descolonización del museo y que se publicó en 2019. Asimismo, ha publicado La alimentación shuar, una de las claves del penker pujustin, el buen vivir y La exposición de restos humanos en museos: el caso de las tsantsas (cabezas reducidas).

El Ministerio de Cultura, que dirige Ernest Urtasun, subrayó en noviembre que la “actualización” de los museos se produce tras un proceso de “investigación, trabajo y experimentación” para adecuar las propuestas a las “necesidades” de la sociedad contemporánea.

“Los nuevos enfoques museográficos permitirán abrir la mirada y contemplar la realidad desde múltiples puntos de vista. Esto significa explicar las culturas como algo vivo, dinámico, contemporáneo, que dialoga con nosotros hoy. Significa reconocer la agenda de los pueblos y comunidades, y no solo mostrar sus objetos”, precisó Urtasun.

Cómo abordar el colonialismo

Entre otras novedades de estos dos nuevos proyectos, se encuentra la inclusión de arte contemporáneo en los discursos como “herramienta crítica” y de “cuestionamiento” a los problemas sociales. Además, Cultura incluirá dispositivos, audiovisuales, testimonios directos, vitrinas rotatorias, instalaciones artísticas, espacios interactivos, espacios lúdicos o materiales 'online'.

El antecesor de Alonso, Fernando Sáez Lara ya detalló en noviembre las tres áreas en las que se iba a organizar la nueva pinacoteca, con la intención de “revitalizar” bajo nuevos paradigmas con reflexiones que ya comparten otros museos del mundo. Para esta metodología se ha contado con expertos con “compromiso científico y técnico”.

Así, señaló que la primera de las tres áreas del MNA abordará cuestiones como el colonialismo. Después, en el segundo espacio se planteará “cómo habitar el mundo” y se divide en historias de los orígenes o el “buen vivir”, con el objetivo de mostrar que “hay muchas formas de habitar el mundo” y que se deben “preservar identidades frente a la globalización”.

La tercera de las áreas se compone de “laboratorios de imaginación social” sobre el futuro, el patrimonio y las reparaciones narrativas con ciclos de hasta 18 meses de duración.

Además, como recordó la directora general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes, Ángeles Albert de León, ya se han llevado a cabo algunos cambios en el MNA, en concreto la reorganización de la sala llamada “los orígenes”, así como el cumplimiento de la 'Carta de compromiso sobre el tratamiento ético de restos humanos', por la que se acordó la retirada de los restos humanos que se alojaban en sus salas.

La Semana Santa en Madrid no se limita únicamente a las tradiciones religiosas y las procesiones que recorren sus calles. Durante estos días, la ciudad despliega una amplia oferta de planes que invitan tanto a madrileños como a visitantes a disfrutar de su cara más vibrante, cultural y gastronómica.

Para quienes se quedan en la capital, es la oportunidad perfecta de redescubrirla sin prisas, aprovechar para hacer actividades especiales y dejarse sorprender por propuestas que solo aparecen en estas fechas. Y para quienes llegan de fuera, Madrid se convierte en un destino lleno de opciones que combinan historia, ocio y experiencias únicas para todos los públicos.

Desde planes al aire libre aprovechando la llegada de la primavera hasta experiencias culturales, rutas temáticas o citas imprescindibles con la gastronomía más castiza, la ciudad ofrece alternativas para todos los gustos y edades. Si no sabes por dónde empezar, en Hoy Se Sale hemos recopilado nueve propuestas para disfrutar esta Semana Santa en Madrid más allá de la agenda religiosa:

El parque hinchable más grande del mundo

¿Quién dijo que los hinchables eran solo para niños pequeños? Funbox, el parque hinchable más grande del mundo, aterriza en Madrid con una propuesta pensada para todas las edades. Un espacio gigante de más de 4.000 metros cuadrados repleto de castillos, toboganes, túneles, obstáculos y juegos inflables que convierten la visita en una auténtica experiencia inmersiva.

El recorrido está formado por distintas zonas de salto interconectadas, con hasta diez áreas de juego diferentes en las que no pararás de moverte, trepar, deslizarte y reír. No es solo un plan para saltar: es una invitación a liberar energía y dejarse llevar por un circuito lleno de diversión para todas las edades.

Hay que tener en cuenta algunas normas antes de ir. Para garantizar la seguridad y la comodidad, es obligatorio el uso de calcetines dentro del recinto (pueden adquirirse allí mismo en caso de no llevarlos). Además, los menores de 12 años deben acceder acompañados por un adulto, que también deberá contar con su propia entrada

Cada pase incluye 80 minutos de actividad, tiempo más que suficiente para disfrutar de esta experiencia única. Funbox está ubicado en el Centro Comercial Gran Plaza 2, con acceso por la calle de los Químicos.

Ruta por la Tierra Media

Aprovechando la llegada del buen tiempo, es el momento perfecto para hacer una ruta. La que recomendamos es algo diferente a las típicas por la sierra madrileña. En ella, el legado de J. R. R. Tolkien y las películas de Peter Jackson está más vivo que nunca. Tanto que, en los lugares más inesperados, su huella se sigue dejando sentir. Es el caso de la Sierra Norte de Madrid, donde un grupo de entusiastas vio un asombroso parecido con la Tierra Media y decidió sacarle partido.

El resultado es El Camino del Anillo, una iniciativa tan sorprendente como estimulante: un recorrido temático de 122 kilómetros a pie inspirado en el universo de Tolkien. La ruta evoca la historia de Frodo y la Comunidad del Anillo, permitiendo al viajero sumergirse en escenarios que recuerdan a lugares míticos como Moria, Bree, Rivendel o la Comarca, mientras descubre una naturaleza fascinante.

A lo largo del camino, municipios como El Berrueco se transforman en la Comarca, Buitrago del Lozoya en Bree, La Hiruela en Rivendel o Torrelaguna en Góndor. Una experiencia que puede llevarse a cabo por libre o con acompañamiento, y que combina aventura, paisaje y fantasía.

La ruta circular da su comienzo desde Hobitton (El Berrueco), en dirección a Bree (Buitrago de Lozoya). Pasa por la Cima de los Vientos (Cerro Piñuecar) y el Bosque de los Elfos, posteriormente llega a Rivendel (La Hiruela). Desde allí, mediante una ruta que lleva por Moria (Puebla de la Sierra), Lorien (El Atazar) y Rohan (Patones), los senderistas marchan hasta Gondor (Torrelaguna) para deshacerse de los males de sus anillos. Por último, se vuelve a Hobitton (El Berrueco).

Cocidito madrileño

Ya es primavera, pero el frío todavía se resiste a desaparecer. Es la excusa perfecta para comer un último cocido madrileño antes de la llegada del calor. Como con todo, hay mejores y peores sitios para comerlo, por eso hemos recopilado algunas recomendaciones que nunca fallan.

Empezamos por el cocido del Malacatín, uno de los más famosos de la capital. Se sirve en tres vuelcos, como manda la tradición, aunque si eres de los que prefiere saborear todo junto puedes pedirlo como plato único. Además, ahora se puede probar sin necesidad de ir hasta el restaurante gracias al servicio de delivery que han puesto en marcha. Para los que no se atreven con los tres vuelcos existe otra opción, una versión “mini” por ocho euros que se puede degustar en barra.

En La Gran Tasca siguen al pie de la letra eso de “más vale que sobre que no falte”. Es considerado el cocido madrileño con más ingredientes de la capital. Utilizan 15 para ser exactos: garbanzos, patata, repollo, pimiento rojo, zanahoria, morcilla, chorizo, tocino, panceta, costillas de cerdo, codillo, morcillo, gallina, huesos y pelota madrileña. Todos se sirven en el segundo vuelco, justo después de la sopa. Se puede repetir cualquiera de los ingredientes, aunque muy pocos llegan a hacerlo.

El cocido se acompaña con guindillas, cebolleta y salsa de tomate natural con cominos para los garbanzos. El buen pan y el buen vino tampoco faltan sobre la mesa. Si todavía te queda algo de hambre después de este festín, sus postres caseros son deliciosos. El flan de huevo o la leche frita son el broche final perfecto para una comida tan contundente.

Junto al del Malacatín, el cocido de La Bola es uno de los más conocidos de Madrid. Se prepara sobre carbón de encina y en puchero de barro, uno de los elementos que distingue a este cocido del resto que se pueden tomar en la capital. Va directo del fuego a la mesa en el mismo recipiente de barro para que el sabor y el calor se mantengan. En cuanto a la receta, respetan la tradicional sin añadidos: tocino, patata, chorizo y garbanzos. No necesita mucho más para triunfar. Te recomendamos reservar con tiempo, suele haber lista de espera.

Y de postre... torrijas

Aunque este listado de planes pretende huir de lo tradicional, siempre hay hueco para la mejor parte de cualquier fiesta: la comida. Un buen festín es lo que une a todo el mundo, sean o no devotos. Hay muchas recetas típicas de Semana Santa, aunque la reina de cualquier postre es la torrija.

Llegado este tiempo, son muchas las pastelerías y establecimientos que preparan los dulces caseros más conocidos de la festividad, las torrijas. Un postre sencillo y exquisito que nació como receta de aprovechamiento del pan duro. Los ingredientes son básicos: pan, leche, huevo, canela y azúcar o miel para endulzar. Así se ha hecho tradicionalmente, pero en la actualidad existen multitud de variedades de este dulce, que demuestran cada año que la creatividad no tiene límites.

La programación especial de Semana Santa ideada por el Ayuntamiento de la capital propone un itinerario muy especial: la ruta Dulces Pasiones, que invita a vivir estos días también desde el paladar, principalmente, de la torrija, con una selección de pastelerías, panaderías y restaurantes que ofrecen desde las versiones más clásicas hasta las más innovadoras de este postre tradicional. Puedes consultar el listado completo de participantes pinchando en este enlace. Entre ellas se encuentran las ganadoras del certamen a la mejor torrija de Madrid, celebrado el 23 de marzo y que premió en la categoría tradicional a la elaboración de La Raspa VK, un restaurante de Puente de Vallecas.

Una exposición de Valle-Inclán

Cualquier listado de planes debe incluir una buena exposición. En este caso, se trata de una que acaba de llegar a Madrid. La sala de exposiciones de la Biblioteca Regional de la Comunidad de Madrid Joaquín Leguina acoge desde el 20 de marzo una muestra dedicada a la figura del ilustre dramaturgo, poeta y novelista de la Generación del 98, Ramón María del Valle-Inclán, en la que se recorren varias etapas de su vida durante su estancia en Madrid y sus actividades no solo como escritor sino también como editor o diseñador. 

La exposición se compone de cartas, manuscritos, primeras ediciones, publicaciones periódicas, dibujos, fotografías y objetos de diversa índole, muchas procedentes del fondo de la Biblioteca Regional de Madrid, así como de otras instituciones, entre ellas, la Biblioteca Nacional de España, la Hemeroteca Municipal de Madrid o el Museo de Valle-Inclán, y de la colección personal de la familia Valle-Inclán. Dentro de su imaginario y su trayectoria, esta muestra, comisariada por el escritor e investigador gallego Joaquín del Valle-Inclán Alsina, también nieto del autor, se centra en las épocas en las que eligió a Madrid como residencia, y que datan de 1891 a 1892, de 1895 a 1912 y, finalmente, de 1925 a 1935, y propone al visitante sumergirse, no solo en la trayectoria literaria del autor, sino en las actividades y relaciones que emprendió en estos períodos de su vida.

Así, a lo largo de la muestra el visitante puede descubrir otras facetas de Valle-Inclán, como es su papel como editor o diseñador, la importancia que para él tuvieron las giras por diversos países americanos que emprendió a lo largo de su vida y las amistades que cultivó en ambas orillas del océano. Sin olvidar, por supuesto, las tertulias literarias que eran tan características, y vitales, en el Madrid de esa época, ciudad, por cierto, que llega a ser un personaje más en la obra de Valle-Inclán.

Al museo de noche

¿Te imaginas recorrer algunas de las obras más icónicas del mundo de noche y sin pagar entrada? El Museo del Prado y el Museo Thyssen-Bornemisza ofrecen justamente eso: visitas nocturnas y gratuitas que transforman la forma de vivir el arte. Desde exposiciones temporales hasta experiencias multimedia y música en directo, estos sábados culturales permiten descubrir ambos museos bajo una luz totalmente diferente.

En el caso del Museo del Prado, esta visitas tienen lugar el primer sábado de cada mes en horario de 20.30 a 23.30 horas. Este sábado 4 de abril se abrirá la primera planta del edificio Villanueva, incluyendo la Galería Central, donde se exhiben obras de la exposición Juan Muñoz. Historias de Arte, junto a piezas de la colección permanente.

Por su parte, el Museo Thyssen-Bornemisza, con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid a través del Área Delegada de Turismo, ha puesto en marcha la iniciativa Noches Thyssen con Uber, que permite disfrutar de manera gratuita de las exposiciones temporales todos los sábados del año, de 21.00 a 23.00 horas. Puedes conocer más detalles sobre cómo entrar gratis a los museos pinchando en este enlace.

Sábado en el Rastro

Si hay un plan que resume el Madrid más castizo, ese es perderse por El Rastro. Y ahora también puede visitarse el primer sábado de cada mes. Los Sábados de El Rastro convierten la Plaza del General Vara del Rey en una gran feria de ocio y cultura que reúne antigüedades, vintage, almoneda, coleccionismo, gastronomía y entretenimiento en pleno corazón de la ciudad.

La propuesta recupera la esencia de la antigua Feria de Desembalajes, un mercado tradicional que nació en las décadas de 1970 y 1980 y que durante años fue punto de encuentro para amantes de las piezas únicas. Hoy vuelve con fuerza con expositores de arte, artesanía, ropa vintage, antigüedades y objetos de coleccionismo, al margen del clásico mercadillo dominical.

Además, se amplía con distintos circuitos pensados para todos los públicos. El circuito gastro invita a descubrir desde la cocina más tradicional hasta opciones más innovadoras, el circuito comercio recorre las tiendas del barrio y el circuito familiar ofrece actividades en la Glorieta de Puerta de Toledo.

A bordo del tren de la fresa

Este histórico ferrocarril funciona desde 1984, con un bello recorrido de Madrid a Aranjuez, un municipio madrileño colindante con la provincia de Toledo famoso por sus exquisitas fresas. Sus jardines y palacio son Patrimonio de la Humanidad, lo que les convierte en una parada obligatoria. La temática del tren recrea el primer trayecto ferroviario de la Comunidad de Madrid, dando comienzo en el Museo del Ferrocarril.

La reina Isabel II inauguró en 1851 este primer trayecto, al que con el paso de los años y los siglos se han sumado cientos más. El tren conectaba Aranjuez, que en aquel momento era mucho más preciado que la capital, con Madrid.

Desde 1984 adquirió el nombre de Tren de la Fresa, ya que durante el trayecto se ofrece una degustación de fresas del municipio a los pasajeros. El elenco que hace de este viaje todo un espectáculo está vestido de época e introducen en su vocabulario expresiones de aquel entonces que consiguen trasladar a los viajeros al pasado.

Paseo por el sakura madrileño

Terminamos este listado con un paseo bajo uno de los espectáculos florales más impresionantes de la ciudad. En primavera no es necesario salir de Madrid para sentirse en Japón. En pleno distrito de Barajas, el Parque Juan Carlos I se transforma estos días en uno de los rincones más sorprendentes de la ciudad gracias a su conocida ruta del sakura: un paseo entre cerezos en flor que tiñe el paisaje de tonos rosas y blancos y convierte el recorrido en una experiencia casi de postal.

El origen de esta estampa se remonta a 2009, cuando la Asociación de la Comunidad Japonesa en Madrid donó alrededor de 200 cerezos al Ayuntamiento de Madrid. Aquellos árboles, repartidos por el parque, han crecido hasta dar forma a un pequeño hanami madrileño, sin necesidad de salir de la ciudad.

Hoy, se calcula que hay cerca de 300 cerezos de distintas variedades, como Somei Yoshino o Shidare Yoshino, que en plena floración crean un efecto de túneles naturales de color rosa. El césped bajo las copas y los caminos del parque se llenan de paseantes, familias y curiosos que aprovechan para detenerse, fotografiar o simplemente disfrutar del momento. Y lo mejor es que no hace falta entrada ni reserva, basta con acercarse al parque, seguir los senderos que bordean el lago y dejarse llevar por este espectáculo efímero que cada primavera convierte Madrid en un pequeño sakura urbano.

Los almendros en flor seguramente sea una de las estampas más populares de la primavera y antes de llenar las imágenes y paisajes de redes sociales, lo hizo también en la pintura, donde fueron retratados en diferentes contextos y por distintos movimientos y pintores, entre ellos Vincent Van Gogh.

El pintor neerlandés hizo protagonista a esta escena primaveral en su cuadro “Almendro en flor”, pintado en febrero de 1890, y que es no solo una de sus obras más icónicas, sino también una de las más personales, en las que se capta también el optimismo que vivía entonces.

Y es que “Almendro en flor” surgió de una de sus mejores noticias, la del nacimiento de su sobrino, hijo de su querido hermano Theo van Gogh y su mujer Johanna. Esto sucedió un 31 de enero de 1980 y fue así como su hermano le comunicó el feliz acontecimiento y que le llamarían Vincent en su honor:

“Le pondremos tu nombre. Deseo que sea tan decidido y valiente como tú”, le escribió. Un hecho que a Van Gogh le llenó de alegría, y esta la dejó plasmada en lo que mejor se le daba hacer, pintar. Así fue como nació “Almendro en flor”, que fue una de sus obras más queridas, también por su familia y que marcaría la propia historia del cuadro hasta llegar a las paredes del Museo Van Gogh en Ámsterdam.

El cuadro que dedicó a su sobrino y en el que demostró su amor a Japón

Van Gogh no eligió el almendro en flor en vano, sino que lo hizo protagonista de la pintura por ser uno de los que florecen en el mes de febrero, cuando pintó el cuadro, como símbolo de la fertilidad y de la nueva vida. Además, el hecho de que usara algunos de sus elementos favoritos.

De hecho, en ella se inspiró en la estética japonesa, de la que estaba fascinado, sobre todo de la xilografía, tanto que llegó a copiar algunas de las estampas que había conocido en París, y así “Almendro en flor” es uno de los máximos exponentes de su pasión por Japón, que vivía esplendor en el arte cuando a mediados del siglo XIX en Europa se volvió la mirada a la cultura oriental.

Además de esto, en este cuadro si técnica es mucho más cuidada, ofreciendo unas pinceladas más finas, y con tonalidades azules que lo dotó de mayor naturalismo.

La obra que pintó poco antes de morir

Vincent Van Gogh pintó esta obra durante su estancia voluntaria en el sanatorio de Saint-Remy, lugar donde llevaba varios meses y donde también surgió una de sus más célebres obras, “La noche estrellada”, en la que se puede ver las vistas desde su habitación. Había ingresado aquí por su frágil salud mental y sus alucinaciones, que lo llevaban a periodos de sequía en las que no podía crear.

La estancia en este sanatorio le permitía conectar con la naturaleza y eso le había devuelto la creación y la inspiración, lo que le hizo tener un punto de vista más optimista que se puede ver también en “Almendro en flor”, no solo por el nacimiento de su sobrino, sino porque estaba esperanzado por su futuro, que veía renacer. Sin embargo, volvió a tener una crisis unos meses después y esto derivó en su muerte a los 37 años, todavía llena de misterio actualmente a pesar de la versión oficial que apuntaba que se disparó en el pecho.

Su hermano murió poco tiempo después y sería su viuda, Johanna Van Gogh-Bonger quien heredaría toda su obra, pero también se encargaría de elevar su figura y convertirla en la que conocemos hoy en día. Muchas de las obras se vendieron por buenas cantidades, pero “Almendro en flor” no fue ninguna de ellas, pues era una pintura que se guardaba con cariño en la familia, que no se desprendió de ella. De hecho, actualmente se encuentra en el Van Gogh Museum de Ámsterdam, que fundó su propio sobrino Vincen Willem, al que le dedicó el famoso cuadro que había conservado el propio protagonista hasta que entró en la pinacoteca.

Tres cuadros de los artistas impresionistas Matisse, Cèzanne y Renoir fueron robados de la colección de la Fundación Magnani Rocca, una de las más importantes de Italia, en la localidad de Mamiano di Traversetolo, en la provincia de Parma (norte).

La banda que realizó el robo, que se produjo durante la noche del 22 al 23 de marzo, pero sólo este domingo fue publicada la noticia, se llevó las obras “Los peces” de Renoir, “Odalisca en una terraza” de Matisse y “Naturaleza muerta y con cerezas” de Cézanne.

Los Carabineros de Parma están investigando el caso, junto con la Unidad de Protección del Patrimonio Cultural, y por el momento se han obtenido grabaciones de las cámaras de videovigilancia que han podido detectar a varias personas encapuchadas.

Según las primeras reconstrucciones, los ladrones lograron entrar en la villa, que fuera residencia del renombrado coleccionista, burlando los sistemas de vigilancia y robando las pinturas de la habitación donde se encontraban.

Aún se están investigando los detalles del robo, pero la precisión de la acción sugiere un plan meticulosamente elaborado, explican los medios italianos.

El cuadro de Renoir es un óleo sobre lienzo, valorado en varios millones , y es una de las pocas obras del artista que forman parte de una colección permanente en Italia.

La Fundación Magnani-Rocca es una de las instituciones artísticas más importantes de Europa y cuenta con obras de Monet, Renoir, Cézanne, Goya, Tiziano, Durero, De Chirico, Rubens, Van Dyck, Filippo Lippi, Carpaccio, Burri, De Pisis, Tiepolo, Canova, entre otros.

La fundación gestiona la colección de Luigi Magnani (1906-1984) que fue un crítico musical y escritor italiano que entabló amistad con el célebre pintor boloñés Giorgio Morandi, de quien adquirió o recibió como regalo numerosas obras.

Aún hoy, la villa de Mamiano alberga la colección de arte que creó y amplió continuamente hasta su muerte, y para la cual impulsó la creación de la Fundación Magnani-Rocca.

En un momento de tensión máxima entre el Gobierno estadounidense y el español por el “no a la guerra” que enarbola Pedro Sánchez contra Donald Trump, el ejército español ha decidido rescatar, a través de una exposición en Toledo, una gesta histórica que considera “olvidada”: la contribución española a la creación de Estados Unidos. Es más, se trata de una muestra enmarcada en la efeméride principal del Ejército de Tierra para todo este año 2026: ‘El 250 Aniversario del apoyo del Ejército Español a la Independencia de los Estados Unidos’.

Porque el Ejército español quiere hacer memoria con este capítulo de la historia. “Justicia histórica”, incide al respecto el general Amador Enseñat y Berea, Jefe de Estado Mayor del Ejército de Tierra (JEME). Para ello, el Museo del Ejército, perteneciente al Ministerio de Defensa y que alberga el Alcázar de Toledo, ha organizado durante seis meses la exposición España en los Estados Unidos. La contribución de los españoles y su Ejército al surgimiento de una nación. Está abierta al público desde el 26 de marzo al 12 de octubre, y es gratuita.

En total, se exhiben más de 60 piezas procedentes del Museo del Ejército, colecciones privadas, otras unidades de las Fuerzas Armadas e instituciones como la Biblioteca Nacional, el Archivo General de Indias o el Banco de España.

Los argumentos históricos de la exposición

La muestra parte del hecho de que en el siglo XVIII, Gran Bretaña era el principal rival de la monarquía española. Por eso, las tropas españolas de Carlos III no dudaron en embarcarse en una misión, al otro lado del Atlántico, para combatir a los soldados ingleses en favor de la independencia de las trece colonias que el 4 de julio de 1776 se convertirían en la génesis de los Estados Unidos de América. La historia de este imperio ha sido relatada principalmente por los descendientes de esas colonias. Es uno de los motivos por los que el papel de los españoles “ha pasado desapercibido”.

A finales del siglo XIX, algunos escritores como Charles Fletcher Lummis se sorprendieron del alcance de la exploración española de América, calificada, nada más y nada menos, como “la más grande, la más larga y la más maravillosa serie de proezas que registra la historia”. Otros autores estadounidenses también han puesto en valor una “historia compartida”.

El acto de inauguración se realizó esta semana en el Auditorio del Museo con amplia representación militar del Ejército de Tierra encabezado por el JEME; el embajador de EEUU en España y Andorra, Benjamin Leon Jr., y con alumnado y mandos de la Academia de Infantería de Toledo, así como autoridades institucionales, entre ellas el delegado del Gobierno en Castilla-La Mancha, José Pablo Sabrido; el alcalde de la ciudad, Carlos Velázquez; y el viceconsejero de Relaciones Institucionales del Gobierno castellanomanchego, Javier Vicario.

Ninguno de ellos hizo mención a la tensa relación actual entre el Gobierno de Donald Trump y el de Pedro Sánchez a cuenta de la guerra en Irán y a lo significativo de que coincida con esta muestra. Sí lo hizo, preguntado por este medio, el comisario de la exposición, el historiador y teniente coronel Germán Segura.

“La historia es la que es”, dice el comisario de la muestra

“La historia es la que es. Yo, como historiador, no me siento incómodo de hablar ahora de un periodo que ya está en el pasado. Ese es el fondo de la cuestión, pero no quita que los acontecimientos se tienen que tratar igualmente y hay que analizar qué ha pasado en la historia. Dentro de 200 años analizarán este periodo actual y será otro historiador el que cuente lo de ahora”, afirmó al respecto.

Básicamente, la exposición se compone de unas 60 piezas divididas en tres momentos históricos de ese momento. La primera parte. ‘Tiempo de exploraciones: leyendas tras las leyendas’, está dedicada a las expediciones españolas hacia el actual territorio estadounidense.

La búsqueda de tierras ricas en metales preciosos animó a estas últimas a reconocer las regiones americanas que se hallaban a mayor latitud, llegando con el paso del tiempo a adentrarse hacia lugares tan significativos como el río Misisipi, el cañón del Colorado, o ya en el siglo XVIII, la Alta California y Alaska.

Estas expediciones fueron espoleadas por las leyendas de ciudades míticas, el afán de riqueza y sentido del honor de los primeros exploradores, que recorrieron enormes distancias a través de una geografía agreste, habitada por grupos tribales no siempre dispuestos a aceptar la “acción civilizadora hispana”, en palabras de la dirección del Museo.

La segunda parte de la muestra se titula ‘Tiempo de consolidación: la difícil vida en la frontera norte del mundo hispano’. Se centra en la estrategia de ocupación y control de una “frontera salvaje” que los españoles trataron de defender con escasos recursos.

La colonización de los territorios que hoy conforman los Estados Unidos avanzó muy lentamente hasta el siglo XVIII. Fue “la época del presidio y de la misión”, de los “soldados de cuera” y de los frailes caminantes, hombres y mujeres que dieron consistencia a ese legado hispano en Norteamérica.

Pero a pesar de los conflictos y de los “defectos” del modelo civilizador hispano, su legislación referente a los nativos fue “incomparablemente más extensa, más comprensiva, más sistemática y más humanitaria que la de Gran Bretaña, la de las colonias y la de los Estados Unidos, todas juntas”, tal y como relata Lummis.

La última gran parte de la exposición es ‘Tiempo de revoluciones: el nacimiento de un gigante’ y se centra en el papel de los españoles y sus ejércitos durante la ‘Revolución Americana’. Siendo Gran Bretaña el principal rival de la monarquía española, España auxilió a los rebeldes de las trece colonias al levantarse contra su metrópoli.

Sin embargo, esta ayuda se realizó “en secreto”, comenta el comisario de la muestra. Se enviaron equipos militares, vestuario y medicinas para el Ejército Continental de George Washington a través de los gobernadores de la Luisiana.

La declaración formal de guerra en 1779 permitió a Bernardo de Gálvez, una de las grandes figuras que destaca la muestra, llevar a cabo sus “brillantes campañas” en el bajo Misisipi y en la Florida occidental, allanando el camino para el éxito estadounidense.

Terminada la revolución, nacía un “gigante” que, como intuyó el conde de Aranda (noble, militar y estadista ilustrado español), constituía “una amenaza para el futuro de las posesiones españolas en Norteamérica”, aunque la Paz de París selló en ese momento el final de la guerra y consolidó los lazos de amistad entre el primer presidente estadounidense, George Washington, y Carlos III de España.

En la exposición se alude a esa “amenaza”, pero hubo otras consecuencias derivadas del apoyo español a la independencia de las colonias. En ellas se ha detenido ampliamente el Instituto de Historia Americana ‘Gilder Lehrman’, una organización sin ánimo de lucro fundada en 1994 en Nueva York, dedicada a mejorar la enseñanza y el aprendizaje, mediante becas a docentes y estudiantes. Lleva el nombre Richard Gilder y Lewis E. Lehrman, filántropos estadounidenses.

Este centro de enseñanza relata que la ayuda española a la independencia de los Estados Unidos fue un “factor decisivo” para el éxito de la revolución norteamericana, pero que irónicamente propició un escenario que, a largo plazo, contribuyó a la pérdida de las propias colonias españolas en América. 

La gesta sirvió como ejemplo de que era posible independizarse de una potencia europea

Instituto de Historia Americana ‘Gilder Lehrman’

“El éxito de la revolución americana influyó profundamente en los líderes criollos de Hispanoamérica, sirviendo como ejemplo de que era posible independizarse de una potencia europea. A pesar de la censura, las ideas de igualdad y libertad llegaron a las colonias españolas, inspirando las futuras revoluciones”, detalla esta institución de enseñanza.

Además, añade que la participación en la guerra contra Gran Bretaña, aunque exitosa, supuso un enorme gasto financiero para la Corona española. Esto, sumado a conflictos posteriores como las guerras napoleónicas, “debilitó la administración española y la capacidad de mantener el control sobre sus extensos territorios”.

Juan Eslava Galán y la “singular miopía” de España

Es un argumento del que también se hace eco el escritor español Juan Eslava Galán en su 'Historia de España contada para escépticos'. En el capítulo 75, califica de “singular miopía” que España apoyara la independencia de las colonias inglesas “sin advertir el funesto ejemplo que daba a sus propias colonias”. “Estas no tardarían en seguir el camino de las inglesas y sacudirse su yugo colonial”, explica en el libro.

De cualquier forma, estos hechos son posteriores a los relatados en la exposición que ahora alberga el Museo del Ejército, y que, según su director, el general de Brigada Francisco Germán Martínez Lozano, que cumple un año en el cargo, espera contar con unos 180.000 visitantes en los próximos seis meses.

Durante el acto de inauguración, el embajador de Estados Unidos en España elogió la cooperación bilateral entre ambos países. También fue significativa esta intervención justo en un momento en el que el Gobierno español ha reafirmado su postura contra la guerra del Ejecutivo de Donald Trump e Israel contra Irán.

El embajador dedicó múltiples elogios al Ejército de Tierra por dedicar este año a “celebrar” el papel de España en la independencia de Estados Unidos, de la que se cumplen 250 años, y por su “importante compromiso institucional con la preservación de este legado compartido”.

Asimismo, agradeció al “pueblo español” sus “contribuciones fundamentales” que han hecho que se produzcan “profundos vínculos históricos que unen a nuestros dos países y sirven como un poderoso recordatorio de nuestra historia compartida”.

De la diplomacia al “servicio compartido”

“Eso nos recuerda que las amistades se forjan no solo en la diplomacia, sino también en el servicio compartido y en un propósito común”, añadió, recordando que su familia tiene sus raíces en las Islas Canarias, una “herencia de gran orgullo” y un recordatorio “de que los lazos que nos unen no son solo históricos, son conexiones vivas, profundamente humanas”-

Finalmente, confió en que esos 250 años desde la independencia de Estados Unidos se sigan celebrando en los próximos meses y ha apelado al dialogar sobre “cómo continuamos construyendo un futuro común a partir de nuestra historia compartida”.

Por su parte, el Jefe del Estado Mayor del Ejército de Tierra también se refirió, con motivo de la exposición, a esa “historia compartida entre nuestras dos naciones”. “Un episodio cuya relevancia es incuestionable y que se inscribe en una relación mucho más amplia y profunda en el tiempo”, indicó.

“Ponemos en valor una realidad histórica de gran profundidad: la decisiva implicación de España y muy especialmente de su Ejército de Tierra en aquel proceso fundacional”, dijo.

Para Amador Enseñat y Berea toda la exposición es una “expresión de una memoria compartida”, al tiempo que ha defendido la cooperación bilateral entre ambos países. “Nuestros ejércitos trabajan juntos, se adiestran juntos y operan juntos. Nuestros ejércitos de tierra mantienen una relación basada en la confianza mutua, el respeto profesional y una larga tradición de colaboración. Una relación que, como demuestra esta exposición, tiene raíces profundas”, resaltó.

Y al igual que el embajador, dijo confiar en que la muestra ayude “a fortalecer más” las conexiones entre ambas naciones. “Debería servir como un recuerdo de que somos capaces de lograr juntos, un gran proyecto que coopere con el futuro, para su continuada sucesión e impacto duradero”, concluyó.