El monasterio de San Clemente de Sevilla albergará el futuro Museo de la Hispanidad, una iniciativa promovida por la Fundación Instituto de Cultura y Sociedad que aspira a convertir a Sevilla en el “gran referente internacional para la interpretación y difusión de la hispanidad” y que sumará componentes tecnológicos de última generación a su oferta expositiva. Para ello, se le cederá este recinto durante 25 años.

Según ha detallado el Ayuntamiento de Sevilla en una nota de prensa, el alcalde, José Luis Sanz, ha formalizado este martes el respaldo municipal a la iniciativa con la tramitación de la concesión demanial del monasterio para este nuevo equipamiento cultural, que tendrá una vocación didáctica.

La propuesta contempla la creación del primer museo dedicado específicamente a la difusión e interpretación de la hispanidad desde una perspectiva innovadora, poniendo en valor el “papel decisivo” que desempeñó Sevilla en la relación entre España y América y reforzando el posicionamiento internacional de la ciudad como “uno de los principales referentes de este legado histórico compartido”.

“Oportunidad extraordinaria”

Además, el proyecto prevé la recuperación y puesta en valor de un espacio patrimonial dentro del monasterio de San Clemente, reforzando el uso cultural de este histórico inmueble y ampliando la oferta museística de Sevilla.

En este sentido, Sanz ha destacado que la ciudad “protagonizó una de las páginas más importantes de la historia universal y ha llegado el momento de contarla como merece”, mediante un museo “de referencia” que combine el rigor histórico con la innovación tecnológica y museográfica.

Asimismo, el alcalde ha subrayado que este proyecto supone una “oportunidad extraordinaria” para seguir enriqueciendo la oferta cultural de Sevilla, atraer un turismo de calidad durante todo el año y reforzar nuestra proyección internacional desde “aquello que mejor nos define, nuestra historia, nuestro patrimonio y nuestra vinculación con América”.

Una experiencia inmersiva

El proyecto se ha concebido como un espacio innovador, apoyado en las últimas tecnologías audiovisuales e interactivas para ofrecer una experiencia “inmersiva” que permita comprender la trascendencia histórica de la relación entre España y América.

Entre sus principales objetivos figura posicionar estratégicamente a Sevilla como el gran centro internacional para la interpretación de la Hispanidad, trascendiendo el concepto de Sevilla, puerto de América para consolidar el de Sevilla, puerta de América, al tiempo que contribuirá a la recuperación patrimonial del monasterio de San Clemente.

Como parte de esta iniciativa, el Consistorio apoyará la solicitud de concesión demanial del espacio municipal por un periodo previsto de 25 años, una actuación que permitirá desarrollar el proyecto garantizando la conservación del inmueble y su uso cultural.

Del mismo modo, el acuerdo contempla que el Ayuntamiento pueda utilizar las instalaciones para la celebración de actos institucionales relacionados con la temática del museo y que los sevillanos disfruten de condiciones preferentes de acceso mediante descuentos específicos para personas empadronadas en la ciudad, estudiantes universitarios y escolares. La iniciativa, impulsada por una fundación sin ánimo de lucro, prevé además reinvertir los ingresos obtenidos en el mantenimiento, desarrollo y sostenibilidad del propio museo.

Los viernes 24 de julio, 21 de agosto y 4 de septiembre, de 21 a 00 horas, el Museo Würth La Rioja cambiará de frecuencia con 'Silent Disco' para ofrecer una propuesta inédita que invita a los visitantes a descubrir el espacio expositivo desde una perspectiva completamente sensorial y contemporánea.

Tres DJs actuarán de manera simultánea con estilos y ritmos diversos. Cada participante contará con unos cascos inalámbricos y podrá seleccionar el canal de la sesión que quiera escuchar y saltar entre una y otra en cualquier momento.

La propuesta permitirá recorrer la exposición de manera personalizada y generar un diálogo único entre las obras de arte y la música elegida por cada visitante.

El recorrido culminará en el Hall principal, donde, por primera vez, la gran cristalera del museo se transformará en el cielo de la pista de baile de una sesión colectiva que aunará distintas atmósferas sonoras en un mismo espacio.

'Silent Disco' propone así una experiencia compartida que, al mismo tiempo, ofrece infinitas maneras individuales de habitar el museo. Un mismo entorno que alberga múltiples narrativas musicales: tantas como personas participan en el evento.

La asistencia al evento es gratuita, pero las plazas y auriculares son limitados. Se requiere reserva previa.

La Casa-Museo León y Castillo inaugura el próximo 23 de julio la exposición 'Amigos: Fernando de León y Castillo – Benito Pérez Galdós, 1842-1920', una muestra que recorre cerca de seis décadas de amistad entre dos de las figuras más influyentes de la historia contemporánea de Canarias. Comisariada por el profesor de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria Jonathan Allen, la exposición reúne cartas manuscritas, fotografías, libros, publicaciones y otros documentos inéditos que reconstruyen el vínculo personal, intelectual y político entre Fernando de León y Castillo y Benito Pérez Galdós. Podrá visitarse hasta el 18 de octubre en la Casa-Museo León y Castillo.

El itinerario conduce al visitante desde el Colegio de San Agustín, donde ambos se conocieron siendo niños, hasta el Madrid de la Restauración, escenario en el que desarrollaron buena parte de sus trayectorias. La exposición propone una nueva mirada sobre una relación que trascendió el ámbito privado para convertirse en un episodio fundamental de la historia cultural y política de Canarias.

A juicio de Allen la amistad de ambos ilustres “se ha convertido en un privilegio histórico para todos los canarios. Y ese puede ser el mensaje subliminal que intento transmitir, porque hay grandes amistades que han marcado los tiempos. Tiene una dimensión —analizándola con perspectiva— que contiene un tinte épico para nuestra historia, la de Gran Canaria y la de Canarias”.

Documentos inéditos y recuerdos de infancia en la exposición

El comisario señala que la muestra aporta al visitante “episodios íntimos de conexión entre ellos”, entre los que destaca “escritos que, conocidos póstumamente de León, versan sobre su amistad durante su infancia. También por la parte de Benito, rememorando los días en los que paseaban juntos por la calle Triana en fila de dos, uniformados —un poco militarmente— y llegaban a lo que entonces era el muelle de San Telmo, y veían la Bahía de la Luz, la playa… Digamos que son elementos de recuerdos que solo conocemos una vez que han fallecido. Además, encontrarán cuadros, mapas, bastante texto y mucha fotografía. Será todo en uno”, agrega.

Jonathan Allen explica que lo que le impulsó a plantear esta exposición fue mirar a través de un ángulo distinto “los aspectos biográficos de estos dos personajes que no fueron solo espectadores, sino actores políticos del devenir histórico de España en el siglo XIX. Por supuesto, quería indagar en la comunicación entre ellos que, aunque tuvo períodos más y menos intensos, jamás se rompió, incluso en momentos en los que sus posiciones políticas se distanciaban”, comenta.

La exposición es la consecuencia de distintas dinámicas y actividades, según subraya Allen. Recién nombrado el anterior director de la casa-museo Frank González, empezó el comisario un taller histórico-analítico-literario basado en ‘Mis Tiempos ‘(1921), de Fernando León y Castillo. “Una vez terminado, pensé que sería acertado analizar los últimos Episodios Nacionales de Galdós, la quinta serie (1907-1912). Ahora, lo importante para mí es recontar sus vidas a través de su amistad, que los une desde que Benito entra en el Colegio de San Agustín y que continúa a lo largo de toda su historia. Es una amistad que se cimenta, como todas —yo creo— las verdaderas y más duraderas, en el colegio”, concluye.

En este nuevo episodio del podcast Kelugares trazamos la ruta perfecta para que no te pierdas nada de Varsovia. Desde la torre comunista que Stalin le regaló a Polonia -sí, has leído bien- hasta sus famosos bares de leche. ¿Sabías que en Varsovia también puedes pasear sobre el tejado de la biblioteca universitaria más bonita del mundo? ¿O que la ciudad está en el top de los destinos más solicitados entre los estudiantes erasmus españoles? Por algo será. Más allá de su ambiente nocturno y de los más de 700 tipos de vodka que aguardan en el museo que se dedica a este destilado, claro. Pero Varsovia no es sólo esto, la capital de Polonia representa una dura historia de destrucción por los nazis y reconstrucción por sus vecinos. De levantarse tras las heridas que dejó la II Guerra Mundial y reconstruir un casco histórico tal cual era antes de que llegaran las bombas. La UNESCO lo reconoció Patrimonio de la Humanidad en 1980. En Kelugares te contamos todo aderezado con un poco de cultura pop. Porque preparar un viaje no está reñido con el entretenimiento. Suscríbete al podcast aquí: Spotify, Ivoox, Youtube y no tomes nota, te dejamos por escrito los consejos prácticos: 

Qué ver en el casco histórico

La Plaza del Castillo es el mejor lugar para empezar a descubrir el casco histórico de Varsovia. Presidida por el imponente Castillo Real de Varsovia y la famosa Columna de Segismundo, este espacio ha sido durante siglos uno de los grandes símbolos de la ciudad. Siempre animada, con músicos callejeros, terrazas y visitantes llegados de todo el mundo, la plaza ofrece una primera imagen inolvidable de la capital polaca. Es también el punto donde la Ciudad Vieja y la Ruta Real se encuentran, convirtiéndola en una parada imprescindible para comprender la historia de Varsovia.

Pocas imágenes representan mejor Varsovia que la Plaza del Mercado de la Ciudad Vieja. Rodeada de coloridas casas reconstruidas tras la Segunda Guerra Mundial, esta plaza parece sacada de un cuento. En su centro se encuentra la famosa Sirena de Varsovia, protectora legendaria de la ciudad y uno de sus símbolos más queridos. Aunque hoy las antiguas casas albergan restaurantes, cafeterías y pequeñas tiendas, el lugar conserva el encanto de cuando era el corazón comercial de la ciudad. Sentarse aquí unos minutos y contemplar el ambiente es una de las experiencias más agradables del casco histórico.

A pocos pasos de la Ciudad Vieja aparece el Barrio Nuevo, una zona mucho más tranquila que suele pasar desapercibida para muchos viajeros. A pesar de su nombre, sus orígenes se remontan a la Edad Media. Sus calles menos concurridas permiten descubrir una Varsovia más relajada, lejos de las zonas más turísticas. Aquí encontrarás iglesias históricas, plazas apacibles y rincones con mucho encanto que invitan a pasear sin prisas. Es el lugar perfecto para quienes disfrutan explorando los detalles que otros pasan por alto.

La Barbacana es uno de los rincones más fotogénicos de todo el casco histórico. Esta fortificación defensiva de ladrillo rojo formaba parte de las antiguas murallas que protegían Varsovia y conecta la Ciudad Vieja con el Barrio Nuevo. Aunque la estructura original sufrió graves daños durante la guerra, fue reconstruida siguiendo fielmente los planos históricos. Caminar junto a sus murallas permite imaginar cómo era la ciudad medieval y ofrece una perspectiva diferente de uno de los conjuntos históricos más impresionantes de Polonia. 

Si eres un friki de Chopin 

El Museo Fryderyk Chopin es el mejor lugar para descubrir su vida y obra a través de objetos personales, manuscritos y exposiciones interactivas. El Monumento a Chopin del Parque Łazienki es uno de los iconos de Varsovia y escenario de conciertos gratuitos al aire libre. La Iglesia de la Santa Cruz alberga el corazón de Chopin. En el casco histórico y en la Ruta Real encontrarás los Bancos Musicales de Chopin, que reproducen algunas de sus composiciones más famosas. El Palacio Kazimierz fue la residencia de la familia Chopin durante su infancia. La Ruta Real de Varsovia supone un agradable paseo por las calles que recorrió Chopin y donde se encuentran varios lugares vinculados a su vida.

La Ruta Real empieza en la Plaza del Castillo y continúa por Krakowskie Przedmieście, donde destacan el Palacio Presidencial, la Universidad de Varsovia y la Iglesia de Santa Ana. Si sigues hacia Nowy Świat, encontrarás una elegante avenida llena de palacios, cafés con arquitectura clásica. En la zona de Plac Trzech Krzyży y las Avenidas Ujazdowskie se encuentran las embajadas y los edificios más señoriales. Termina en el Parque y Palacio de Łazienki y puede extenderse hasta el Palacio de Wilanów, el Versalles polaco. 

En la calle Freta, en el Barrio Nuevo de Varsovia, se encuentra la casa donde nació en 1867 Marie Skłodowska-Curie, hoy convertida en un pequeño museo dedicado a su vida y legado. El espacio reúne objetos personales, cartas y documentos que acercan a la figura de la doble premio Nobel desde una perspectiva íntima y cotidiana. Su ubicación, junto a la Barbacana y la Plaza del Mercado, la convierte en una parada fácil de incluir en cualquier recorrido por el casco histórico.

Pasarela río Vístula y sus playas 

La pasarela del río Vístula conecta ambas orillas con modernas estructuras peatonales que abren el paseo de los Bulwary Wiślane. A sus pies se extienden playas urbanas de arena, espacios muy populares en verano para relajarse junto al agua y ver la ciudad desde otra perspectiva. Es una zona muy viva, con gente haciendo deporte, ciclistas, terrazas improvisadas y atardeceres que se han convertido en uno de los grandes planes locales.

Un rincón donde Varsovia cambia el ritmo histórico por una cara más moderna, natural y veraniega junto al río.

El barrio de Praga es la cara más alternativa y auténtica de la ciudad, al otro lado del río Vístula. Antiguamente industrial y obrero, hoy mezcla edificios históricos, arte urbano, galerías independientes y una energía creativa en plena expansión. Sus calles conservan una atmósfera más cruda y menos reconstruida que el centro, lo que le da un encanto muy especial. Es el lugar perfecto para descubrir una Varsovia diferente, más local y bohemia.

El centro urbano

En el centro moderno de Varsovia se alza el imponente Palacio de la Cultura y de la Ciencia, un regalo de Stalin que simbolizaba la influencia soviética en una torre de estilo estalinista con mirador panorámico.A sus pies, el Museo de Arte Moderno de Varsovia representa la Varsovia contemporánea, con una arquitectura minimalista y exposiciones que reflejan el pulso creativo y cambiante de la ciudad tras décadas de reconstrucción. Muy cerca se eleva la Varso Tower el rascacielos que redefine el perfil urbano con su altura récord y su mirador que abre la ciudad hacia el horizonte. Juntos forman un contraste muy potente: el pasado soviético, la modernidad cultural y la ambición arquitectónica de una Varsovia que no deja de reinventarse.

Dónde comer

U Fukiera: restaurante histórico en el casco antiguo con cocina polaca clásica (pierogi, carnes, guisos), ambiente elegante y famoso por ser de los más antiguos de la ciudad. Su dueña es toda una institución en polonia, se llama Magda Gessler, y es la ahijada del mítico periodista y escritor polaco Richard Kapuscinski, además de toda una reina de la televisión. Eliksir: restaurante que cuenta con su museo del vodka. No pierdas la opotunidad de hacer una cena maridada con vodka. Soul Kitchen, ambiente íntimo y acogedor, conocido por elevar platos tradicionales a versión gourmet. The Norblin Food Hall gran espacio foodie en una antigua fábrica, ambiente industrial moderno con múltiples puestos internacionales, famoso por variedad y vibra urbana. El Prasowy: el más representativo de ese ambiente retro. El Bambino, uno de los más auténticos que hay en el centro. Y el Rusałka, ubicado fuera de los derroteros turísticos.

Dónde dormir 

Hotel Puro Stare Miasto, de estilo minimalista y urbano, pero sobre todo, asequible y muy bien ubicado. Ofrece bicis gratis para recorrer la ciudad. También puedes alquilarlas aquí. Eso sí, todo el transporte público, taxis y VTC funcionan perfectamente en la capital. 

Tienes más información oficial en su oficina de turismo. 

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Jesús Ugalde creyó que su vocación era el dibujo y eso fue lo que empezó a estudiar cuando se matriculó en Artes y Oficios. Luego tuvo lugar una de esas carambolas del destino que lo trastocó todo: “Un amigo de mi hermano, que a su vez había sido modelo, llevaba años trabajando como asistente para otros fotógrafos. Un día decidió que quería empezar a trabajar por su cuenta y me preguntó si me iría con él. Y yo le dije que sí y me fui con él de cabeza”.

Hablamos del Madrid de mediados de los 80 y el fotógrafo en cuestión no era otro que Paco Navarro, uno de los grandes profesionales que ha dado este campo artístico en España. “En aquella época había unos pocos fotógrafos en Madrid y entre ellos lo hacían todo. Paco era uno de ellos. Yo era el que medía la luz, colocaba los focos. Era muy divertido y además se trabajaba mucho. Hacíamos moda, corazón, cultura... Creo que fotografiamos a todo el mundo”.

Uno de los clientes de Navarro era la productora El Deseo. Navarro se encargó de las fotos promocionales de Mujeres al borde de un ataque de nervios, y suya es también la imagen que preside el cartel de la película. Ugalde y él estuvieron presentes durante algunos momentos del rodaje, y fue ahí cuando Jesús sintió el impulso de sacar su propia cámara.

“La había llevado para tener un recuerdo. Debía tener unos 24 años y era muy fan de Almodóvar. En los rodajes solamente puede fotografiar el encargado de la foto fija, pero en un momento dado, aprovechando que estaba detrás de una columna, colocado entre unos esticos, pensando que no podía molestar a nadie, saqué la cámara”, explica. Estaban a punto de rodar la escena en la que a Carmen Maura le tiran a la cara un vaso con gazpacho. Disparé una secuencia de cuatro fotos que tuve guardada durante años porque pensé que solamente tenían importancia para mí“, confiesa.

Una de esas imágenes forma parte de Nada espontáneo. Una mirada a los 90, la primera exposición individual de Ugalde, que puede verse en la fachada de la Nave 15 del Matadero Madrid hasta finales de octubre. “La tenía guardada para una ocasión especial y al final la ocasión ha sido esta. Me apetecía que estuviera en la exposición y le pedimos permiso a El Deseo. Agustín y Pedro [Almodóvar] la vieron, les gustó y no pusieron ninguna pega”, comenta.

De toda la muestra, esta es precisamente la imagen que rompe con los parámetros de la selección, puesto que data de 1988 y es producto de la más absoluta espontaneidad, porque como dice su autor, la tomó “en plan intruso total”. Nada que ver con el manierismo que caracteriza al resto de las imágenes expuestas. “Usar un título como 'Una mirada a los 90' me parecía muy genérico. Quise pensar en algo más divertido y que a la vez explicara lo que tenían en común aquellas sesiones. Porque por aquel entonces tenías que saber muy bien qué hacer con aquellos personajes, cómo moverlos, tenías que sacarlos bien, sacarlos guapos”, apunta.

Un ojo para los artistas

Cuando Ugalde se estableció como fotógrafo por su cuenta en 1990, empezó a trabajar para discográficas y distribuidoras de cine. “Me metí en esto poco a poco, no lo hice llevado por una pasión incontrolable. Simplemente me daba cuenta de que tenía ojo para los artistas, para la moda. Se me daba bien iluminar, crear un set”, indica. Retrató a músicos, directores, actrices y actores durante aquellos 90 que tan ricos fueron en algunos aspectos de la cultura. Fenómenos como los de Amaia Montero, Manolo Tena, Alejandro Sanz o los éxitos internacionales de Trueba o Antonio Banderas cuajaron durante aquellos años y la cámara de Ugalde también dio testimonio de ello.

Su primer encargo fue retratar a Martirio. De aquella sesión surgió otra de las fotos de la muestra, una instantánea en la que la cantante aparece como casi nunca la hemos visto, sin sus sempiternas gafas negras. “Otra foto que llevaba años en un cajón. Con Maribel he trabajado en varias ocasiones más y nos hemos hecho amigos. Por eso, cada vez que le decía algo de enseñar esta foto, ella me pedía que no lo hiciera. La hicimos durante la sesión para la portada de La bola de la vida del amor, su tercer álbum. Estaba posando y, mientras le hacía las fotos, se quitó las gafas un momento y yo disparé”, rememora.

“Cuando estaba preparando la exposición, le escribí diciéndole que quería contar con esta imagen, que iba a quedar muy bonita y que esperaba que le gustase. Ella contestó: 'No me gusta, pero si la vas a usar solamente para tu exposición...'. Es que el branding de Maribel con las gafas es tremendo. Es muy guapa. Podía salir sin gafas cuando quisiera, pero nunca quiso hacerlo”, relata. La exposición de Matadero Madrid también ha revelado otras sorpresas, como la de la foto que aparece en el cartel. Se trata de Carlos Berlanga caracterizado como Gala en una imagen que se inspira en el cuadro de 1973 titulado Dalí pintando a gala por detrás.

Hasta ahora, la única imagen que había trascendido de aquella sesión fue una de Berlanga travestido como Audrey Hepburn acariciando la cabeza de Paquito, el perro que entonces era la mascota de Ugalde. “Eso lo hicimos en 1993 y fue para un reportaje de Marie Claire, donde salían famosos de todo tipo vestidos de mujeres a las que admiraban y en el que participaron Fernando Colomo, Duyos y Paniagua o Paquito Fernández Ochoa. Carlos eligió ser Audrey o Gala. Al principio la que más me gustaba era la de Audrey, pensaba que a la otra le faltaba algo. Ahora es mi favorita, otra imagen que también ha pasado décadas inédita”, detalla.

Ugalde dice que trabajar con Berlanga fue muy fácil, y eso nos conduce al asunto de la química entre fotógrafo y modelo: “No sé si eso es la clave de todo, pero sí que es un factor muy importante. Muchas veces no hay tiempo para establecer una mínima complicidad. Pero es importante la manera que tengas de comunicarte con ellos, de hacer que las cosas fluyan”. Fruto de esa química surgieron varias imágenes de Alejandro Sanz para el álbum Más. “Fue un trabajo de dos años, empezamos con el álbum 3, hicimos muchas sesiones. Él lo tenía muy claro, delante de la cámara estaba en su salsa. También está la gente que no se siente cómoda ante el objetivo”, argumenta.

El auge de las revistas del corazón

“A Rosana le ocurría eso, no le gustaba. Y parte de mi trabajo consistía en hacer que se sintiera cómoda. El disco Lunas rotas había sido un éxito inesperado y la compañía necesitaba material gráfico para la promoción. La acompañé a un concierto en San Sebastián y estuve con ella dos días. Al final, si te ganas la confianza del artista, eso acaba reflejándose en las fotos”, añade. Asimismo, Ugalde también hizo mucha foto para el cuché de las revistas del corazón, y ante su objetivo se desnudaron muchas famosas que salieron luego en las páginas del semanario Interviú.

“La foto del corazón se puede hacer de dos maneras. Una es yendo por la calle persiguiendo a un famoso, algo que yo nunca he hecho. Y la otra es pactar con el personaje un escenario, la ropa. Y la sacabas en un casoplón, con ropa que ha elegido ella o si hay piscina, en biquini. Así es como fotografié a Ana Obregón, Anne Igartiburu, Esther Arroyo...”, reconoce el artista. “Y luego estaban las que yo llamaba famosas en apuros, es decir, querían pasta y decían, 'pues venga...'. Y en aquel momento había mucho presupuesto para estas sesiones porque las fotos tenían que quedar espectaculares”, relata.

Con el final de los 90 empezaron a llegar los cambios. Nuevas herramientas, nuevas técnicas, otras maneras de vender. Ugalde fue adaptándose a los nuevos tiempos. Siguió haciendo moda, portadas, reportajes y carteles para el Teatro Español y Nave 10 de Matadero. En 2025 colaboró con Carlos Aires en la exposición La muerte nos sienta tan bien, que se expuso en Carabanchel. “Soy todoterreno: menos de corresponsal de guerra he hecho de todo”, cuenta. “Me gustaría poder seguir trabajando y que los profesionales no pasemos a ser elementos prescindibles por culpa de la IA. Hoy por hoy, la fotografía no solamente es la forma con la que me gano la vida, también es la manera que tengo de expresarme”, concluye.

España puede recorrerse siguiendo el mar, la montaña o la gastronomía. Otra manera de descubrir el país es dejándose guiar por su patrimonio cultural. Desde antiguas capitales imperiales hasta ciudades medievales casi intactas, pasando por enclaves donde convivieron durante siglos distintas culturas, el territorio español reúne algunos de los conjuntos históricos mejor conservados de Europa.

Muchos de ellos han sido reconocidos como Patrimonio Mundial por la UNESCO y forman parte de itinerarios culturales que invitan a caminar despacio, levantar la vista hacia las fachadas y descubrir que detrás de cada plaza, iglesia o palacio se esconden siglos de historia. Son destinos que se viven a través de sus museos, sus calles, sus tradiciones y una identidad que sigue presente en el día a día de sus habitantes.

Si viajas a España vas a poder disfrutar de restos romanos, palacios renacentistas, catedrales góticas, barrios medievales y algunos de los monumentos más visitados del mundo. A ello se suma una oferta cultural que se renueva durante todo el año con exposiciones, festivales, conciertos y tradiciones que mantienen vivo un patrimonio construido a lo largo de siglos.

De norte a sur y del Mediterráneo al Atlántico, estos ocho destinos permiten recorrer buena parte de la historia del país sin renunciar a la gastronomía, el ambiente urbano o la identidad propia de cada lugar. Son ciudades para pasear, entrar en sus monumentos, perderse por sus barrios históricos y participar de la cultura que emerge en sus plazas, mercados y conversaciones cotidianas.

Capitales del arte y ciudades abiertas al mundo

Madrid demuestra que una gran capital puede ser, al mismo tiempo, uno de los mayores destinos culturales de Europa. El llamado Paisaje de la Luz, reconocido como Patrimonio Mundial por la UNESCO, reúne espacios tan emblemáticos como el paseo del Prado y el parque del Retiro. A pocos minutos se concentran instituciones de referencia internacional como el Museo del Prado, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, que convierten la ciudad en una parada imprescindible para los amantes del arte. Pero la experiencia no termina en los museos. Barrios como Las Letras, Malasaña o La Latina invitan a descubrir librerías históricas, teatros, galerías y una agenda cultural que apenas descansa.

Barcelona ofrece una personalidad completamente distinta. La arquitectura modernista marca el paisaje urbano con obras universales de Antoni Gaudí, como la Sagrada Familia, el Park Güell o la Casa Batlló, mientras el Barrio Gótico conserva el trazado medieval que dio origen a la ciudad. El paseo por Las Ramblas, el ambiente del mercado de la Boqueria o la oferta de museos dedicados a artistas como Picasso o Joan Miró convierten la capital catalana en uno de los grandes referentes culturales del Mediterráneo.

Valencia completa este recorrido con una combinación poco habitual entre patrimonio histórico y arquitectura contemporánea. La Lonja de la Seda, declarada Patrimonio Mundial, recuerda el esplendor comercial de la ciudad durante el siglo XV, mientras que la Catedral, el Mercado Central o el barrio del Carmen muestran la evolución de una urbe abierta al mar. A pocos minutos, la Ciudad de las Artes y las Ciencias refleja cómo la innovación también puede formar parte del patrimonio cultural de una ciudad en constante transformación.

La huella de Al-Ándalus y el esplendor del sur

Pocas ciudades transmiten una identidad tan reconocible como Sevilla. Capital de Andalucía y escenario de algunos de los episodios más importantes de la historia española, conserva un extraordinario conjunto monumental presidido por la Catedral, la Giralda y el Real Alcázar, tres iconos declarados Patrimonio Mundial. Caminar por el barrio de Santa Cruz o junto al río Guadalquivir permite entender por qué la ciudad ha inspirado a escritores, pintores y compositores durante generaciones.

Granada emociona desde la primera mirada a la Alhambra. El conjunto palaciego nazarí, uno de los monumentos más visitados de Europa, resume siglos de refinamiento artístico y constituye el símbolo de una ciudad donde conviven influencias islámicas, cristianas y renacentistas. Sin embargo, Granada va mucho más allá de la fortaleza roja. El Albaicín, con sus callejuelas empedradas y sus miradores frente a Sierra Nevada, conserva el trazado urbano heredado de la época andalusí y ofrece algunos de los atardeceres más inolvidables de España.

Muy cerca, Córdoba continúa narrando la historia de aquella convivencia entre culturas que marcó buena parte de la Península Ibérica. La Mezquita-Catedral constituye una obra única en el mundo por la superposición de estilos arquitectónicos y por su extraordinario bosque de columnas. A su alrededor, la Judería, los patios cordobeses, el puente romano y Medina Azahara completan una visita donde cada rincón recuerda el papel que desempeñó la ciudad como uno de los principales centros culturales de Occidente durante la Edad Media.

Del Imperio romano al Camino de Santiago

Santiago de Compostela representa desde hace más de mil años el final de uno de los grandes itinerarios culturales de Europa. Peregrinos procedentes de todos los continentes llegan cada año a la plaza del Obradoiro tras recorrer el Camino de Santiago, declarado Patrimonio Mundial. Pero incluso para quienes no realizan la peregrinación, la capital gallega ofrece un casco histórico excepcional, donde monasterios, soportales, plazas de granito y la imponente catedral crean una atmósfera difícil de encontrar en otro lugar.

El viaje concluye en Mérida, una ciudad donde el pasado romano sigue formando parte de la vida cotidiana. Fundada en el año 25 antes de Cristo como Augusta Emerita, conserva uno de los conjuntos arqueológicos más completos del antiguo Imperio romano. El teatro, el anfiteatro, el templo de Diana, el circo romano o el puente sobre el río Guadiana permiten recorrer más de dos mil años de historia prácticamente sin salir del centro urbano. Cada verano, además, el Festival Internacional de Teatro Clásico devuelve la vida al escenario romano con representaciones que conectan patrimonio y cultura contemporánea.

Todos y cada uno de estos destinos demuestran que la cultura puede experimentarse de muchas maneras: asistiendo a un concierto en un palacio histórico, descubriendo un pequeño museo, contemplando una obra maestra o simplemente paseando por calles que han visto crecer a generaciones de artistas. Recorrer estas ciudades es comprender que cada época ha dejado una huella distinta en el paisaje urbano y que, juntas, forman un mosaico que explica buena parte de la historia de España. Y es que los mejores viajes continúan mucho tiempo después, cuando un cuadro, una plaza o una melodía vuelven a aparecer en la memoria y recuerdan que la cultura es, probablemente, la forma más intensa de conocer un destino.

Estoy de vacaciones. Dicen que los docentes tenemos muchas, yo las empleo en revisar el panorama expositivo de Toledo para utilizarlo en mis clases. Estos últimos años hemos ido a ver las obras de la 'fugada' colección de Roberto Polo, para que las obras de acercamiento a la Bauhaus nos sirvieran de punto de partida de una actividad o la pequeña colección de sillas como punto de partida para diseñar otros elementos. Cuando vimos el diseño editorial, la colección de libros donados por Alicia García Medina nos sirvió de referencia. Hemos intentado sacar provecho de la colección y del espacio expositivo. Somos sanguijuelas.

Hoy he vuelto al espacio que hasta hace poco ocupaba la colección del Centro de Arte Contemporáneo (CORPO), en el rótulo del espacio ha desaparecido el nombre de Roberto Polo. He encontrado lo que me temía, el final de una mudanza. Han dejado lo que no era suyo: las piezas de Alberto Sánchez en el espacio minúsculo y marginal que alguien había mal diseñado para la exhibición de las obras de Alberto. En el jardín de esculturas han quedado varadas cinco piezas, dos de Alberto Corazón. Y alguna también ha quedado en el patio. La segunda planta está cerrada, las salas que albergaban las obras de Art Nouveau, el neoplasticismo y la escuela de Bauhaus, cerradas. Siete personas custodiando el espacio. Un espacio fantasma. Para apreciar el espacio arquitectónico y las ausencias.

Se podrían haber aprovechado los días que ha estado cerrado para recolocar lo poco que ha quedado. A no ser que se quisiese mostrar a la ciudadanía la 'herida' dejada por la marcha de las obras de Roberto Polo. No tiene sentido ya hacer leña del árbol caído y que la instalación de la colección no era buena idea, pero no caigamos de nuevo en el mismo error. Y pensemos, sin precipitación, en un nuevo proyecto. No caigamos en los mismos errores y horrores, repito.

Alberto Sánchez, el escultor toledano que fue desterrado al exilio ruso, ahora está exiliado en una pequeña sala de un espacio que no es museo. Siembre en la penumbra del ostracismo. Alberto Sánchez no merece el ninguneo institucional al que está sometido. Alberto Sánchez, desde la humildad y el compromiso artístico jugó en primera división artística. Su obra El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella se erguía como tótem enraizado en los jardines del Trocadero parisino de la exposición universal de 1937. Ese monolito escultórico es un faro coronado con una estrella, una estrella que ilumina y guía. La obra de Alberto tendría que ser la luz de un futuro y real centro de arte contemporáneo de Castilla la Mancha.

Mi propuesta para el espacio de Santa Fe es hacer un centro de arte de Castilla-La Mancha, pero de verdad, no como la anterior “ocurrencia” en la que un día antes de la inauguración tuvieron que buscar a las carreras un cuadro de Rafael Canogar para colocarlo en la escalera, pues se dieron cuenta de que no había nada de ningún castellanomanchego en la colección, que era mayoritariamente belga. Nada contra los belgas, aparte de considerar las patatas fritas un plato nacional.

Yo haría un espacio expositivo dinámico, donde las obras no se perpetúen en las paredes, sino que estuviera girando por otras localidades de la región, un museo con una pequeña muestra permanente dinámica y espacio para exposiciones temporales y un gran departamento pedagógico con talleres y actividades dotadas de presupuesto para dinamizar la didáctica del museo. ¿Qué exponemos? En Ciudad Real ya hay una incipiente colección de la Junta con nombres muy representativos del arte de Castilla-La Mancha, con obras de los López tomelloseros, Antonio y Antonio, con obras del grupo el Paso, castellanomanchegos de adopción.

El arte sirve para plantear preguntas e interpelar a la sociedad en cuestiones sociales y culturales. No se trata de contemplar pasivamente, sino de participar y relacionarse con las propuestas artísticas que no necesariamente han de gustar siempre

Deseo un museo referencial con una exposición de arte contemporáneo, desde finales del XIX para incluir la generación de Beruete, Vicente Cutanda o Arredondo; pasando por las vanguardias históricas con la escuela de Vallecas del tótem indudable de Alberto Sánchez y Benjamín Palencia; transitando por el realismo manchego desde el tío Antonio López Torres, el sobrino Antonio o el de Amalia Avia. Los informalistas del grupo el Paso y el grupo conquense de la abstracción. La generación de los Tolmos toledanos, los disidentes de Tolmo, las generaciones posteriores como Nacho Llamas y coetáneos. Pero con el arte no solo bebe de la pintura y de la escultura también habría que incluir el diseño de José María Cruz Novillo o el arte textil Manuel Piña o de la gran diseñadora actual Ana Locking. Una exposición fija que sea un índice de diferentes manifestaciones artísticas que se han de desarrollar en exposiciones temporales.

Porque la cultura no puede ser un elemento pasivo de contemplación sino un diálogo continuo con la ciudadanía en la que verse reflejado.

El arte sirve para plantear preguntas e interpelar a la sociedad en cuestiones sociales y culturales. No se trata de contemplar pasivamente, sino de participar y relacionarse con las propuestas artísticas que no necesariamente han de gustar siempre, ya que el arte no es autocomplaciente.

El Museo de Arqueología de Álava, que desde este viernes expone a su entrada una cabeza de Baco que se encontró en el yacimiento arqueológico de Arkaia en 1976, ha cerrado una odisea. Cincuenta años después de su descubrimiento, habiendo estado durante más de cuatro décadas en manos del ex alto cargo del PNV Jon Buesa sin que se tuviese constancia de ello y luego cuatro años más precintado a la espera de resoluciones judiciales, ahora ya lo pueden apreciar todos los que se acerquen a la sala sita en la calle de la Cuchillería de Vitoria. La exposición, titulada 'La odisea de Baco', se podrá visitar hasta el 30 de septiembre.

La pieza, de pequeñas dimensiones y protegida tras un cristal, se ha rodeado de una serie de paneles explicativos que recogen desde apuntes técnicos hasta nociones sobre legislación. Se apunta que, pese a no tener los atributos del dios Baco —nombre con el que los romanos conocían al que para los griegos se presentaba como Dioniso, deidad de la fertilidad y el vino—, se sabe que lo representa a él por una línea de investigación que se conoce como 'crítica de copias' y que indaga en qué motivos mantenían las copias que se iban tallando. En este caso, son dos los que delatan la atribución de la cabeza: “algunos rasgos iconográficos del rostro (cabello y barba), que son muy similares a los del modelo original griego del siglo V a. C.” y el hecho de que “este tipo de pequeñas esculturas” se fabricasen “en grandes cantidades”.

De Arkaia a las manos de Buesa

El yacimiento arqueológico ubicado en la actual Arkaia, uno de los concejos que integran el municipio de Vitoria, se excavó por primera vez en 1976 y desde entonces no ha dejado de brindar sorpresas en forma de restos romanos y prerromanos. Si en un primer momento aparecieron el yacimiento y también las termas mejor conservadas de la zona, unas obras de 2015 propiciaron unas excavaciones que hicieron reflotar también construcciones de los siglos I y II, decoraciones hechas a base de mármol y restos caristios de los siglos I y II antes de Cristo.

Una de esas sorpresas fue el busto del dios Baco. El Museo de Arqueología de Álava expuso a este Baco durante muchos años, aunque con una copia tallada en yeso, que se decidió retirar en el año 2009 en una reorganización de la colección. Pero el original no aparecía.

En 2022, el periódico 'El Correo' reveló que el busto original habría estado durante décadas en manos de Jon Buesa Blanco, exportavoz del PNV en las Juntas Generales de Álava, el Parlamento foral de la provincia. Hermano del dirigente socialista asesinado por ETA Fernando Buesa, ha sido un conocido empresario en Vitoria dedicado a la ingeniería civil. Durante años, ha tenido un despacho en la calle de Manuel Iradier, donde llegaron a estar domiciliadas tres empresas. En el sumario del 'caso De Miguel', el mayor de corrupción en Álava, se descubrió que el parque tecnológico de Miñano había simulado un concurso en el que competían entre sí las tres y tras el cual, lógicamente, una de ellas se llevó la adjudicación. Una de esas tres firmas era de su socio Sergio Fernández Oleaga y se llamaba Stoa. Es una de los sociedades clave de la trama, ya que se demostró que Fernández Oleaga abonaba comisiones para recibir contratos.

¿Cómo fue el Baco a parar a sus manos? Se la habría entregado en mano el operario que la distinguió entre los demás restos aflorados en Arkaia en 1976. Por entonces, Buesa fungía como ingeniero de obras públicas de la Diputación de Álava. En una nota de prensa difundida este viernes con motivo de la presentación de la exposición, la Diputación se reafirma en esa idea: “un trabajador localizó el fragmento escultórico y lo entregó al ingeniero responsable. Desde entonces, la pieza nunca llegó a depositarse en manos públicas”. En un primer momento, preguntado por 'El Correo', Buesa se escudó en que la suya era “una réplica idéntica”, como la de yeso que se exponía en el museo, y no la original.

A raíz de estas informaciones de 2022, la Diputación de Álava expresó en un primer momento un 'no' a tomar cartas en el asunto. Poco después, sin embargo, el propio diputado general, Ramiro González (del PNV), salió a defender que el busto debía ser una pieza “pública” que estuviese “en manos de la Diputación”. “Es deplorable cualquier apropiación de un bien patrimonio de todos los alaveses”, se quejó entonces, para prometer, a renglón seguido, que la Diputación haría “todo” lo que estuviese en su mano y “dentro de la ley” para recuperarla. Por aquel entonces también, la Plataforma Estatal de Profesionales de la Arqueología habló de patrimonio “robado y perdido” y llegó a interpelar al entonces ministro de Cultura y Deportes, el socialista Miquel Iceta. “No sabemos muy bien cómo esta pieza terminó en manos privadas, y en la actualidad las administraciones se desentienden del caso y no investigan el paradero de esta pieza que resulta importante por su escasez en tierras vascas”, aseveró la plataforma.

La Diputación, según ha recordado esta semana, interpuso una denuncia ante la Ertzaintza en 2022. En 2024 la pieza ya estaba en dependencias del Museo de Arqueología de Álava, a la espera de una resolución judicial. Ha sido en 2026 cuando el juzgado ha autorizado a la Diputación a desprecintar la pieza. Antes de exponerla, el Servicio de Restauración ha acometido una intervención. En los paneles que la acompañan en el museo se detalla, paso a paso, el proceso que se ha seguido: primera observación con lupa binocular, toma de datos básicos, fotografías de alta calidad, macrofotografías de los detalles, toma de micromuestras para analizar qué materiales se han añadido al original, pruebas de solubilidad y retirada del recubrimiento de cera y arcilla.

El museo de Bellas Artes de València recompone una de las facetas menos conocida del maestro del barroco flamenco Peter Paul Rubens, la de su formación en los talleres de Tobias Verhaecht, Adam van Noort y Otto van Veen hasta su admisión como maestro en el Gremio de San Lucas de Amberes en 1598 y su posterior trabajo para la corte, que fue el germen de esta figura universal del arte.

La muestra 'Rubens. El florecimiento de un genio' ofrece a partir de 61 obras (14 de ellas originales del artista y tres reproducciones), cedidas por quince instituciones nacionales y once internacionales, una visión panorámica sobre las primeras influencias y el ambiente que rodeó al joven Rubens aprendiz en la ciudad portuaria de Amberes.

Se trata de “una faceta poco estudiada porque es previa a esas composiciones grandilocuentes y llenas de colorido y movimiento que identificamos en su obra”, ha señalado el director del Museo de Bellas Artes de València, Pablo González, durante la presentación a la prensa de la exposición, que puede visitarse hasta el 4 de octubre.

Por primera vez, los visitantes podrán conocer el entorno cultural y artístico del Amberes que Rubens frecuentó durante las últimas décadas del siglo XVI, a través de obras asociadas a algunas de las principales personalidades artísticas de la ciudad, como Maerten de Vos, Willem Key, Adriaen Thomasz, Key, Crispijn van den Broeck y Pieter Pourbus II.

También permitirá ver obras de Adam van Noort en una institución pública española y el mayor grupo de pinturas de Otto van Veen reunido en un contexto expositivo, yendo más allá de los libros de emblemas, por los que es principalmente conocido.

Estos dos maestros fueron los que más influyeron en el Rubens joven, “que no empieza a soltarse hasta que llega a Italia, a partir de 1600, donde ya encuentra la forma en la que está más cómodo como artista”, ha explicado Ana Diéguez-Rodríguez, comisaria de la muestra.

Préstamos excepcionales

La exposición incluye además varios descubrimientos notables y préstamos excepcionales, entre ellos las pinturas de la serie de 'La Creación' de Pietro Facchetti, cuya restauración se atribuye a Rubens, tras los daños durante su traslado desde Mantua a la corte de Felipe III en Valladolid.

También un boceto al óleo para el altar mayor de la Chiesa Nuova de Roma, una obra prácticamente desconocida para el público español, y la posible identificación, dentro de un fragmento conservado, de parte de la composición perdida de 'La continencia de Escipión' de Rubens.

“La gran virtud de esta muestra es que permite, además del disfrute estético, profundizar en el artista” conociendo su contexto y en el germen de su arte, que “habla de la belleza de las emociones”, destaca Diéguez-Rodríguez.

La presentación de la exposición ha contado con la asistencia de la secretaria autonómica de Cultura, Marta Alonso, y del embajador de Bélgica en España, Didier Nagant de Deuxchaisnes, quien ha celebrado este “ambicioso proyecto” que reconstruye los inicios de Rubens y aborda su faceta diplomática y “el papel del arte en las relaciones internacionales”.

Las obras han sido cedidas por instituciones internacionales como el Ashmolean Museum de Oxford; la Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien; el Museo Albertina de Viena; la Catedral de Nuestra Señora de Amberes; el MAH Musée d'art et d'histoire, Ciudad de Ginebra (Suiza); M-Leuven Museum, Lovaina; Museo di Palazzo Ducale di Mantova (Italia) y The Phoebus Foundation (Bélgica).

También hay piezas procedentes de entidades culturales españolas como la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid; la Biblioteca Nacional de España; la Colección Casa de Alba de Madrid; la Colección Epiarte (España); del Museu Nacional d'Art de Catalunya de Barcelona; Museo Nacional del Prado; Museo Nacional Thyssen-Bornemisza; Patrimonio Nacional. Colecciones Reales (España) y de San Telmo Museoa, Donostia-San Sebastián.

En este nuevo episodio del podcast Kelugares, Kelu Robles pone rumbo a Llerena, un pueblo de fachadas blancas y conventos de la Campiña Sur de Badajoz. Con un pasado marcado por la Inquisición y un presente donde celebra una gran matanza anual. Antes de que te quedes sólo con este titular tan sensacionalista, conviene aclarar una cosa: Llerena es mucho más que eso. Es historia, patrimonio, plazas monumentales y buena gastronomía. Entonces, ¿cómo es que no conoce Llerena más gente? Para que no se te escape nada de esta ruta sonora, aquí te dejamos todos los rincones que se nombran en el podcast. Suscríbete y te llegará automáticamente el siguiente delirio viajero y podcastero:  Spotify, Ivoox, Youtube 

Qué ver en el casco histórico de Llerena

Rodeado por dehesas, olivares y paisajes de campiña, el municipio en realidad destaca por su patrimonio monumental. Pasear por sus calles es entrar en un conjunto urbano sorprendente para el tamaño del pueblo.

Plaza Mayor de Llerena, el corazón del casco histórico

La visita suele comenzar en la Plaza Mayor de Llerena, uno de los espacios más emblemáticos del municipio. Es una plaza porticada, de grandes proporciones, rodeada por soportales blancos y balcones que históricamente funcionaban como palcos para presenciar actos públicos.

Durante siglos, este espacio fue el centro de la vida social, política y religiosa del pueblo. Aquí se celebraban proclamaciones, eventos y también los conocidos autos de fe de la Inquisición, aunque las ejecuciones se realizaban en otros lugares. Hoy en día, la plaza conserva ese aire solemne, pero se ha transformado en un espacio vivo donde sentarse, tomar algo y contemplar la arquitectura es parte de la experiencia.

La plaza es también un excelente punto de partida para entender la estructura del casco histórico, ya que desde aquí parten varias calles que conectan con los principales monumentos.

Iglesia de Nuestra Señora de la Granada

Su construcción es el resultado de diferentes etapas históricas, lo que explica su mezcla de estilos: gótico, renacentista, mudéjar y barroco. Uno de los espacios más singulares es la capilla privada de la familia Zapata, una muestra del poder que algunas élites locales ejercían en la época. Esta capilla funcionaba de forma independiente dentro del templo, con su propio altar, coro y acceso exclusivo, lo que refleja la jerarquía social del momento.

Palacio de los Zapata y patrimonio civil

Muy cerca se encuentra el Palacio de los Zapata, uno de los mejores ejemplos de arquitectura civil renacentista en Llerena. Actualmente reconvertido en sede judicial, el edificio conserva elementos originales como su patio interior de estilo mudéjar y su elegante fachada con doble galería.

Convento de las Clarisas: tradición y dulces artesanales

Un lugar donde la vida monástica sigue activa. Aquí la experiencia va más allá de lo arquitectónico, ya que las monjas elaboran y venden dulces artesanales a través del tradicional torno. Entre los productos más conocidos destacan los dulces de almendra, las magdalenas y otras recetas tradicionales que cambian según la temporada. 

Biblioteca en una iglesia desacralizada

Uno de los espacios más sorprendentes de Llerena es la antigua iglesia convertida en biblioteca pública. Este edificio mantiene elementos originales como frisos barrocos y detalles arquitectónicos religiosos, pero su uso actual es completamente cultural. Las estanterías están diseñadas como si fueran retablos, creando una fusión entre lo sacro y lo literario. Además, el edificio conserva una cripta visible a través de un sistema de cristal, lo que añade un elemento único a la visita. Es uno de los ejemplos más interesantes de reutilización del patrimonio religioso en Extremadura.

Murallas, Orden de Santiago y legado histórico

Aunque no se trata de una ciudad amurallada en sentido estricto como otras capitales históricas, sí conserva trazas urbanas y elementos que recuerdan su importancia estratégica en la Edad Media. Pasear por estas calles permite imaginar una ciudad con un papel mucho más relevante en la administración y control de la región.

Gastronomía de Llerena: tradición extremeña

Llerena es también un destino gastronómico de referencia en la región. La cocina local se basa en productos de la dehesa y recetas tradicionales que han pasado de generación en generación. Entre los platos más destacados se encuentran el jamón ibérico, las migas extremeñas, la caldereta de cordero y una gran variedad de embutidos. El municipio forma parte de la Red de Pueblos Gastronómicos de España, lo que refuerza su identidad culinaria.

En el ámbito dulce, destaca la marca artesanal Chocolates Moro, conocida en la provincia por su elaboración de chocolate de calidad, fruto de una historia vinculada al conocimiento que su dueño, Fernando Moro, adquirió en Nicaragua y trasladó posteriormente cuando volvió para vivir en su pueblo.

Fiestas y tradición: la Matanza

Uno de los eventos más conocidos es la fiesta de la Matanza, celebrada en marzo. Durante esta jornada, el pueblo se llena de actividad con degustaciones de productos del cerdo ibérico, migas, embutidos y otras preparaciones tradicionales. Es una de las celebraciones que mejor reflejan la identidad local y la relación del territorio con la dehesa.

Dónde comer y dormir

Dicen que el mejor desayuno con mollete de jamón se sirve en el Hotel Rural la Fábrica. Un económico alojamiento ubicado en una antigua fábrica harinera. La Hospedería Mirador está en una antigua casa señorial de comienzos del siglo XX y sí, tiene un mirador arriba espectacular.  ¿Y para comer así en un lugar de los de toda la vida? Apunta El Bodegón, un clásico: con muy buenas carnes a la brasa y con muy buena relación calidad precio. 

Para cualquier información extra sobre Llerena, visita su Oficina de Turismo y, sobre todo, suscríbete al podcast donde Kelu Robles te cuenta todo esto y mucho más con un poco de cultura pop mediante: Spotify, Ivoox, Youtube

El Museo del Prado prepara la reapertura de una de sus zonas más emblemáticas y que lleva 16 años sin ser abierta al público, ahora por ser objeto de una destacada renovación que la va a conectar no solo con el edificio principal y con el entorno urbano de Madrid, sino que también con sus orígenes.

Y es que hablamos del Salón de Reinos, el histórico espacio que formó parte del desaparecido Palacio del Buen Retiro y que recuperara parte de la que fue su fisonomía original con una reforma llevada a cabo por Norman Foster y Carlos Rubio, y que, además, ya tiene fecha en la que podrá ser admirada por el público.

La ambiciosa reforma para recuperar el Salón de Reinos

16 años lleva cerrado para el público, y en su día formó parte del Palacio del Buen Retiro, cuyo espacio ocupa actualmente en su mayor parte el Parque del Retiro. Reabrirá después de una rehabilitación integral que lo integrará con el Museo del Prado y que estará listo para ser admirado y visitado aproximadamente a finales de 2028.

Esta reforma unificará así los pabellones que conforman el campus del Museo del Prado, con un diseño urbano más accesible y permeable, integrando sus edificios de forma natural y con coherencia al trazado de la capital. Los trabajos incluyen la creación de un túnel de conexión y mantenimiento bajo el suelo que unirá la fachada sur del Salón con la fachada norte de lo que es el Casón del Buen Retiro, así como se construirá una escalera norte, se adecuará la escalinata con una rampa sur de acceso, y se restaurarán las esculturas de la terraza norte.

Un aspecto destacado de la reforma del Salón de Reinos es que emergerá sobre la fachada histórica una tercera planta nueva que ampliará la superficie de exposición, con una altura libre notable y mayor anchura, siendo así remate y cubierta del atrio a la vez que será una terraza orientada hacia el campus, con sistema de climatización e iluminación artificial. Esta se unirá así a una planta baja en la que se espera mayor convivencia social del edificio con la ciudad.

El Palacio del Buen Retiro, el histórico monumento del reinado de Felipe IV

El Salón de Reinos es actualmente uno de los pocos retazos que queda de lo que fue el Palacio del Buen Retiro, un conjunto arquitectónico que fue diseñado por Alonso Carbonel bajo las órdenes del rey Felipe IV, que la planteó como una segunda residencia y lugar de recreo en la década de 1630, y que se ubicó en el entonces límite oriental de la ciudad de Madrid.

En el edificio, el Salón de Reinos pasó de ser concebido como un modesto palco o alteración del Cuarto Real de San Jerónimo donde los reyes asistían a obras teatrales a ser impulsado como un suntuoso salón de ceremonias, recepción de embajadores y celebración de bailes y eventos, así como salón de trono donde se realizó la apertura solemne de las Cortes de Castilla en 1638, motivado por el entusiasmo del monarca y de su valido, el conde-duque de Olivares.

De hecho, en sus paredes llegaron a exponerse obras de especial relevancia de Zurbarán o de Velázquez, y parte de su fisionomía de entonces se espera recuperar con una reforma que quiere conectar el lugar con sus orígenes como máximo exponente del reinado de Felipe IV. El palacio, sin embargo, fue destruido por completo después de sufrir daños durante la Guerra de la Independencia a principios del siglo XIX y demolido en 1868 de forma definitiva.

El servicio externo de información del Museo Reina Sofía, compuesto por 22 trabajadores, lleva desde el pasado 13 de junio en huelga indefinida para “reivindicar el mantenimiento de las condiciones y de la plantilla de los servicios subcontratados”. Hasta el pasado miércoles día 24, les acompañaron “en solidaridad” los compañeros de Mediación, que ya han retomado su actividad habitual. El paro fue convocado por el sindicato de Solidaridad y Unidad de los Trabajadores (SUT) y sus Secciones Sindicales en las empresas subcontratadas Sedena y Esatur XXI. “Este museo es solo fachada”, es uno de los mensajes con los que llevan desde entonces protestando en las inmediaciones de la pinacoteca ubicada en Madrid.

Desde el sindicato afirman que “con cada cambio de subcontrata vienen nuevos problemas, una nueva lucha por mantener las condiciones”, como ocurrió en el ERTE de seis meses al que se sometió a la plantilla de mediación en 2024. SUT asegura que la “gota que ha colmado el vaso” ha sido la decisión del Museo de “sacar a la licitación del servicio de Atención a Públicos con la desaparición de dos puestos de Atención al Público por turno”, para que la nueva empresa adjudicataria “ejecute la redacción como despido como reducción horaria con su consiguiente reducción salarial”.

El sindicato considera que, más allá de la supresión de estos puestos, este servicio externalizado “ya está infradotado para los actuales 5.000 visitantes diarios”. También advierten que la reducción de ambos puestos supondrá un “incremento de la carga de trabajo” y va a hacer “insostenible” la gestión del servicio. Con la huelga reivindican que “se garantice el mantenimiento íntegro actual de la plantilla adscrita al servicio (10 puestos de información y uno de coordinación por turno)”, así como el “compromiso del Museo y de las empresas de que no van a reducir ni posición ni horarios” en los servicios subcontratados de Atención al Público y de Mediación.

Fuentes del Reina Sofía confirman a este periódico que van a reducir dos puestos de trabajo, pero que son correspondientes a las sedes del museo en el Palacio de Velázquez —que acaba de reabrirse con una exposición de Fernando Sánchez Castillo— y el Palacio de Cristal dentro del parque de El Retiro, como respuesta a “una reivindicación sindical reiterada sobre las condiciones climáticas intolerables que presentan” estos puntos de información. “Dado que, por razones patrimoniales, resulta imposible adecuar dichos espacios para garantizar otras condiciones” de trabajo, el nuevo concurso “ha reducido la externalización” de los puestos de estas ubicaciones.

También avanzan que el nuevo pliego para la implementación de actividades educativas y de mediación, actualmente en fase de licitación y cuya aplicación comenzará en octubre de 2026, sí contempla la “incorporación de dos nuevos mediadores o mediadoras (uno por turno) y una mejora de las horas dedicadas al trabajo transversal”.

Cierre de un acceso y reducción de visitantes

El Ministerio de Cultura decretó unos servicios mínimos del 30% en el servicio de Atención al Público, con apertura total del horario. El Museo ha cerrado uno de los accesos a la institución, el ubicado en el Edificio Nouvel, limitando la entrada a la del Edificio Sabatini, ubicado en la plaza de Juan Goytisolo. Esto ha provocado colas más largas de lo habitual y que en las franjas de mayor asistencia hayan sido vigilantes de seguridad y personal propio quienes han sustituido a los huelguistas para la gestión de las filas. Además, el sábado 20 de junio se llegó a dejar entrar a todo el público en el periodo gratuito sin controlar los tickets.

Fuentes del Reina Sofía señalan que todas las medidas tomadas han sido para “favorecer el derecho a la huelga. Seguridad nunca realiza las funciones de los trabajadores de Información, es una cuestión organizativa para facilitar la entrada regulada y de forma ordenada, y velar por el derecho de acceso a la cultura” del público.

Hasta el pasado día 23, al estar la plantilla de Mediación en huelga, se redujeron igualmente las visitas guiadas a excepción de las estipuladas por los servicios mínimos, como las de alumnos de colegios. Desde que este grupo de personas desconvocó la huelga, su actividad ha vuelto a la normalidad, incluidas todas las visitas guiadas.

Tanto el sindicato como el Reina Sofía coinciden en que, desde que se convocó el paro el pasado día 13, se ha producido una reducción en el número de visitantes diarios. Los últimos días de huelga han coincidido con una ola de calor que ha provocado altas temperaturas en Madrid. El museo no relaciona este descenso con los paros sino con “otros factores” que no detalla, aunque el sindicato SUT cree que ese descenso tiene que ver con la reputación del Reina Sofía en el contexto de esta huelga.

Desde el Reina Sofía insisten en que los equipos de Información y Mediación “no son trabajadores del museo”, al tratarse de un servicio externalizado. Eso sí, inciden que dentro de su “compromiso con la mejora progresiva de las condiciones laborales de todas las personas que realizan su trabajo en la institución”, continúan avanzando para “incorporar servicios que históricamente se han prestado mediante contratos externos”, como es el caso de ambas plantillas.

Fuentes del sindicato valoran a elDiario.es que lo que está haciendo el Reina Sofía es “jugar una estrategia de desgaste con los servicios mínimos”. “Esto va para largo”, avanzan, calculando en al menos “varias semanas” el tiempo que va a continuar el paro. Mientras tanto, para ayudar a los trabajadores en la pérdida de salario que implica estar en huelga, cuentan con el apoyo de la Caja de Resistencia de SUT, que incluye donaciones que los visitantes están realizando a pie de calle, en el puesto que han instalado en frente de la institución. A su vez, han lanzado una campaña de crowdfunding que ya ha recaudado más de 4.000 euros.

El Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos (IAACC) Pablo Serrano de Zaragoza inaugura la exposición 'SUSUME! Estampa japonesa contemporánea en la Colección Miguel Ángel Gutiérrez', una propuesta que reúne 77 obras pertenecientes a una de las colecciones privadas más importantes de Aragón sobre arte japonés.

La muestra, organizada conjuntamente con el Museo de Zaragoza, permite recorrer la evolución del grabado nipón durante los siglos XX y XXI y pone el foco en un periodo artístico “poco conocido” en España. Se puede visitar hasta el 20 de septiembre en la sala 94 del IAACC Pablo Serrano.

El origen de esta propuesta cultural se encuentra en la colección reunida durante la última década por Miguel Ángel Gutiérrez, quien comenzó este proyecto tras varios viajes a Japón junto al coleccionista zaragozano Víctor Pasamar. Aquellas visitas despertaron una afición que, con el paso de los años, se ha convertido en un fondo integrado por más de 650 estampas y numerosas piezas relacionadas con la cultura de este país asiático.

Durante la presentación, que ha tenido lugar este jueves, el director general de Cultura y Patrimonio Cultural del Gobierno de Aragón, Pedro Olloqui, ha destacado que la muestra representa “una oportunidad para contemplar el grabado japonés contemporáneo desde una mirada diferente”, ya que incorpora también obras de artistas no japoneses influenciados por esta tradición artística.

Olloqui ha subrayado, además, la estrecha relación que Aragón mantiene desde hace décadas con el estudio y la difusión del arte de Extremo Oriente, una trayectoria impulsada por investigadores como Federico Torralba o Elena Barlés y que, según ha explicado, convertirá la colección oriental del Museo de Zaragoza en uno de los “grandes ejes” de su futura reapertura.

También ha recordado Olloqui el éxito de anteriores iniciativas dedicadas al arte japonés, como la exposición 'Tesoros' celebrada en La Lonja, y ha defendido que el interés por la cultura oriental continúa creciendo entre el público aragonés. En su opinión, la nueva exposición establece un “interesante paralelismo” entre el costumbrismo y el naturalismo presentes tanto en la tradición artística japonesa como en otros movimientos pictóricos.

Por su parte, el director del IAACC Pablo Serrano, Julio Ramón, ha comentado que la colaboración con el Museo de Zaragoza resultó especialmente “atractiva” al tratarse de una muestra de arte japonés contemporáneo. “Hasta ahora, las exposiciones vinculadas a Extremo Oriente tenían un marcado carácter histórico y esta propuesta aporta una nueva mirada sobre el arte contemporáneo”, ha señalado.

Pasión por Japón

Miguel Ángel Gutiérrez, propietario de las obras y responsable de una colección que comenzó casi por casualidad hace unos diez años, ha detallado que nunca ha perseguido reunir un conjunto cerrado de piezas, sino disfrutar del propio proceso de búsqueda y descubrimiento. Su colección abarca desde finales del siglo XVIII hasta la actualidad, aunque el eje principal gira en torno a la estampa japonesa contemporánea. En ella conviven escenas de teatro kabuki, paisajes, retratos femeninos, leyendas, mitología y representaciones inspiradas en algunas de las grandes narraciones de la tradición japonesa.

Gutiérrez ha expresado que buena parte del atractivo de estas obras reside en cómo los artistas japoneses incorporaron influencias occidentales tras la apertura del país al exterior a finales del siglo XIX. Así, los movimientos Shin Hanga y Sosaku Hanga recuperaron las temáticas clásicas del ukiyo-e –género de grabado en madera y pintura japonesa–, pero introduciendo nuevas técnicas pictóricas, una mayor profundidad en las composiciones y recursos heredados de la fotografía o de la ilustración occidental.

El coleccionista ha lanzado un mensaje al público joven. A su juicio, quienes hoy consumen manga y anime descubrirán durante la visita que muchas de las historias, personajes y estilos gráficos que consideran actuales, hunden sus raíces en estas estampas realizadas hace más de un siglo. “Nada es completamente nuevo”, ha asegurado, defendiendo que los grandes relatos, las batallas, los héroes o los mitos presentes en la cultura popular japonesa ya aparecían representados mucho antes.

Un hito

La comisaria, Esther Martínez, ha manifestado que la exposición supone un importante hito dentro de la investigación sobre arte japonés en España, dado que se trata de la primera gran muestra del país centrada específicamente en la estampa japonesa contemporánea como temática principal. Las 77 obras expuestas constituyen una cuidada selección entre las más de 650 estampas que integran la colección de Miguel Ángel Gutiérrez y abarcan diferentes corrientes desarrolladas durante los siglos XX y XXI.

Martínez ha puesto el foco en que la mayoría de las investigaciones realizadas hasta ahora en España se habían centrado en el ukiyo-e clásico, correspondiente a los periodos Edo y Meiji. Sin embargo, el arte producido tras la apertura de Japón a Occidente había permanecido “prácticamente desconocido” para el gran público.

Igualmente, ha repasado la escasa presencia que este tipo de exposiciones ha tenido en Zaragoza, incidiendo en que la ciudad no acogía una muestra específica de arte japonés desde las Fiestas del Pilar de 1972 y que la última gran exposición dedicada al grabado japonés contemporáneo tuvo lugar en 2007 gracias a una colección itinerante de la Japan Foundation.

El recorrido incorpora además varios elementos didácticos destinados a facilitar la comprensión de estas técnicas artísticas. En la última sala, oculta tras un tradicional noren japonés --cortina de tela-- elaborado por la artista local Fabiola Gil junto a Sayuri Pompa y Kumiko Fujimura, los visitantes encontrarán un espacio dedicado al grabado en madera –'mokuhanga'–, una entrevista audiovisual con Miguel Ángel Gutiérrez y un vídeo sobre las artes escénicas japonesas cedido por la Japan Foundation.

Esther Martínez ha subrayado el intenso trabajo de documentación, restauración y montaje desarrollado durante los últimos meses para hacer posible una exposición que pretende acercar al visitante tanto la belleza estética de estas obras como el complejo intercambio cultural que se produjo entre Japón y Occidente desde finales del siglo XIX.

“En España, protesta general contra la nueva dirección de un centro de arte”, titulaba todavía el pasado 18 de junio la historiadora del arte y comisaria de exposiciones Estelle Labeyrat su análisis en el semanario francés Le Quotidien de l'Art. Se trata del último artículo, pero no el único, que, en medios especializados internacionales, se ha detenido en la crisis abierta por la Xunta de Galicia al imponer una nueva directora en el principal museo de arte contemporáneo de la ciudad. La elección por concurso de libre designación de la desconocida Eva López Tarrío, una profesora y artista sin apenas experiencia curatorial, como directora del CGAC ha desatado una formidable tormenta de malestar y oposición que ha traspasado las fronteras gallegas y estatales.

Ya el 28 de mayo, cuando la polémica arreciaba, las tomas públicas de posición se sucedían, 1.500 personas suscribían un duro manifiesto, Art News se hacía eco de la situación. Una de las publicaciones dedicada al arte más antiguas, fundada en Nueva York en 1902, hablaba de lo sucedido en el Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) y recordaba que al concurso ganado por López Tarrío se habían presentado, entre otras personas cuyos nombres no han transcendido, Susana Cendán y Alberto Ruiz de Sanmaniego. Sus currículums resultan objetivamente superiores al de la elegida por la Consellería de Cultura, “sin experiencia significativa en el mundo internacional del arte o los comisarios”. Art News también recogía los “aparente errores” de los méritos de López Tarrío -“haber trabajado en la Fundación Laxeiro antes de que esta existiese legalmente”- y las tres dimisiones en el consejo asesor del CGAC.

La Art Media Agency, un mensual online sobre el mercado del arte con sede en Mónaco y ediciones impresas que se reparten en eventos y ferias, recogía el 25 de mayo las disensiones en el mencionado órgano del centro. Las renuncias de Agar Ledo, Silvia García y Cecilia Pereira ocurrían, relataba la publicación, al mismo tiempo que protestas en el interior del museo, en las inauguraciones de las dos últimas exposiciones. En el consejo asesor permanecen el arquitecto Celestino García Braña en representación de la Real Academia Galega de Belas Artes y el discutido crítico Antón Castro, director de tesis de Eva López Tarrío, y, según fuentes del sector, muy próximo a algunos cargos del actual Gobierno gallego. La frecuentada web Call for Curators, una plataforma de apoyo a comisarios y profesionales de arte fundada en 2012 que “ofrece una cuidada selección de llamadas abiertas internacionales”, tampoco ignoró los problemas del CGAC: “La situación ha reavivado el debate sobre transparencia, profesionalización y estándares de gobierno en las instituciones culturales sufragadas con dinero público”.

La Xunta de Galicia, sin embargo, no se da por aludida. El propio presidente, Alfonso Rueda, desdeñó las prácticamente unánimes críticas al proceso de selección de López Tarrío y las redujo a “básicamente personas que presentaron al proceso y no fueron seleccionadas”. No es cierto. Incluso el Consejo Internacional de Museos (ICOM), que agrupa 45.000 socios y miles de museos de al menos 138 países, se pronunció el pasado 1 de junio. “La situación actual compromete principios esenciales de la museología contemporánea y pone en riesgo la integridad institucional de un museo que ha sido clave para el desarrollo del arte contemporáneo en Galicia y en el contexto internacional”, decía un comunicado que instaba al Gobierno gallego a “restaurar los principios de profesionalización, transparencia y excelencia que deben regir la dirección de un museo público”.

Solo dos días después, el conselleiro de Cultura, José López Campos, intervenía en el Parlamento de Galicia. Respondía a preguntas del BNG sobre el conflicto desatado tras el nombramiento de Eva López Tarrío y las protestas generalizadas en contra. Habló de propiciar el diálogo pero defendió una elección criticada en Galicia y más allá. Llegó a insinuar que el cuestionamiento de López Tarrío se debía al machismo y que la nueva directora buscará “una mayor internacionalización” del centro. De momento lo ha conseguido, pero como objeto de crítica.

Segade: “A la Xunta solo le queda corregirse”

El proceso que ha desembocado en elección de la nueva dirección se apoya en la Lei de Museos de Galicia aprobada por el PP en 2021. Una posterior modificación de la relación de puestos de trabajo del museo eliminó el contrato de alta dirección y los sustituyó por un puesto de libre designación al que solo podía optar personal funcionario. El sector ya había criticado estos cambios, pero fue la designación de López Tarrío la que desató una ola de protestas que nadie en el sector recordaba. El duro manifiesto Se afunde é porque pesa: SOS CGAC, promovido por la asociación cultural Vegliota, lo firmaron más de 1.500 personas, entre ellas el director del museo Reina Sofía de Madrid, Manuel Segade. Segade se extendió en sus argumentos en un artículo a cuatro columnas publicado el pasado domingo en La Voz de Galicia.

“Si el CGAC se merece lo mejor, a la Xunta solo le queda corregirse, aceptar su equivocación y dar marcha atrás en su intento de control”, escribe. El texto se titula En defensa de lo normal.

Los 'tesoros' artísticos que guardan los museos de Castilla-La Mancha harán de 'embajadores' de la región y recorrerán diferentes espacios expositivos nacionales e internacionales.

El Gobierno de Castilla-La Mancha y Eulen Art en la región van a firmar un convenio de colaboración para promocionar los museos de la Comunidad Autónoma a nivel nacional e internacional. Lo ha anunciado este lunes el consejero de Educación, Cultura y Deportes, Amador Pastor, durante la celebración de la Culture & Museums International Tech Forum que tiene lugar en Málaga este lunes y martes.

Amador Pastor ha explicado que este convenio, que será suscrito próximamente por ambas partes, va a permitir llevar piezas de los museos de la región a diferentes espacios expositivos.

De momento no han trascendido más detalles de esta medida que busca dar a conocer los espacios titularidad de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha.

Estos museos son el Museo de Albacete, Museo de Ciudad Real–Convento de La Merced, Museo de Cuenca, Museo de Guadalajara y Museo de Santa Cruz de Toledo y filiales, que son Taller del Moro, Museo de los Concilios y la Cultura Visigoda, ambos en Toledo, la Casa-Museo de Dulcinea en El Toboso y Museo Ruiz de Luna en Talavera de la Reina. A estos centros museísticos se añaden los dos museos regionales creados por la Junta de Comunidades: el Museo de las Ciencias y el Museo de Paleontología de Castilla-La Mancha en Cuenca.

Todos estos espacios han superado los 300.000 visitantes en los cinco primeros meses de 2026.

Tromsø, vibrante ciudad noruega situada en el corazón del círculo polar ártico, es reconocida mundialmente como la puerta del Ártico por su posición geográfica estratégica. Desde sus históricos muelles partieron innumerables expediciones que buscaban desvelar todos los misterios de las tierras heladas e inexploradas del extremo norte del planeta. El Museo Polar de la ciudad se ha consolidado como una institución fundamental para preservar este legado, mostrando la fascinante relación entre el ser humano y la dura naturaleza de este entorno. Esta conexión no solo se limita a la exploración científica de alto nivel, sino que incluye la dura vida cotidiana de los esforzados tramperos locales, de ahí que visitantes de todo el mundo acudan cada año para entender la épica de la supervivencia.

El museo abrió oficialmente sus puertas el 18 de junio de 1978, una fecha cargada de simbolismo para la historia de la exploración nacional noruega. Y es que se eligió este día específico para conmemorar exactamente medio siglo desde que el legendario Roald Amundsen partiera en su fatídico viaje final de rescate polar. Aquel despegue desde Tromsø en un hidroavión Latham 47 marcó el fin de una era para el explorador que conquistó primero el lejano Polo Sur. La institución nació bajo la tutela de la Universidad de Tromsø para investigar y difundir la cultura ártica de toda la región septentrional de Noruega y hoy en día es considerada una de las atracciones más valoradas. 

La sede del museo se encuentra en un antiguo almacén de madera construido a principios del siglo XIX en el puerto histórico conocido como Skansen. Este edificio, situado en el emblemático muelle de Tollbod, evoca por sí solo la época en la que Tromsø comenzó a prosperar gracias a la caza. Aunque la ciudad apenas tenía 80 habitantes en el siglo XVIII, su desarrollo se aceleró notablemente en 1830 con las campañas comerciales en el Ártico. Las expediciones cinegéticas llegaban hasta lugares tan remotos como Svalbard o Groenlandia. Este entorno portuario proporciona el marco perfecto para las diez salas actuales. 

Una de las secciones más cautivadoras del museo está dedicada a los tramperos, aquellos individuos solitarios que desafiaban el crudo invierno para obtener valiosas pieles. Destaca la figura de Henry Rudi, un famoso cazador de osos polares que abatió más de 700 ejemplares a lo largo de su extensa carrera profesional. Rudi pasó 27 inviernos en el Ártico, demostrando una resistencia física casi sobrehumana. Pero la caza no era solo una actividad reservada para los hombres rudos. El museo también rinde homenaje a Wanny Woldstad, la primera mujer trampera. Woldstad realizó cinco invernadas en las Svalbard, incluso acompañada por sus hijos adolescentes. Sus habilidades en el campo de batalla ártico le valieron un gran renombre internacional.

La vida de estos pobladores se muestra a través de dioramas detallados que recrean las cabañas de madera donde pasaban los largos meses invernales. Estas réplicas ilustran las condiciones extremas de aislamiento y supervivencia al límite. El museo aborda sin tapujos la historia de la caza de focas y ballenas, mostrando los métodos tradicionales empleados en siglos pasados por los noruegos. Se exponen herramientas como el hakapik y se narra la presencia holandesa e inglesa en las expediciones de los siglos XVI y XVII por estas aguas. Aunque algunas imágenes pueden resultar crudas para la sensibilidad actual, la institución apuesta por una honestidad histórica necesaria para comprender el pasado real. 

Las salas del piso superior nos transportan a la era dorada de los grandes exploradores polares y sus ambiciosas expediciones científicas hacia el norte. Ocupa un lugar privilegiado el intelectual y aventurero Fridtjof Nansen, pionero del Ártico. Se exhiben maquetas, fotografías y objetos de la primera expedición del buque Fram. Nansen zarpó en 1893 en un intento revolucionario de alcanzar el Polo Norte dejándose atrapar deliberadamente por la deriva del espeso hielo marino polar. Aunque no logró llegar al punto exacto, estableció récords de latitud muy importantes. 

Barcos, aeronaves y un dirigible

El museo también reserva un espacio extenso para honrar la figura de Roald Amundsen. Él fue el primer hombre en alcanzar el Polo Sur y en sobrevolar el Polo Norte en una moderna aeronave motorizada para su época. La muestra incluye banderas noruegas que lo acompañaron en sus viajes y numerosos utensilios personales utilizados durante sus largas estancias en el hielo perpetuo. Amundsen tenía un vínculo especial con Tromsø, pues aquí reclutó gran parte de la tripulación para sus expediciones más importantes hacia la lejana Antártida. Incluso se pueden ver maquetas del barco Gjøa, con el que navegó. Su vida terminó trágicamente mientras intentaba rescatar a su gran rival Umberto Nobile. 

Además de barcos, el museo explora la transición hacia la aviación polar pionera. Se exhiben modelos de aeronaves y del dirigible Norge, que realizó el primer vuelo transpolar entre los continentes de Europa y América del Norte. Estas máquinas representan el ingenio humano frente a los desafíos impuestos por la naturaleza más salvaje del planeta Tierra y sus climas más hostiles. La visita concluye ofreciendo una visión profunda de cómo la historia ártica ha moldeado la identidad cultural de la actual ciudad moderna de Tromsø. A pesar de la dureza de los relatos, los objetos expuestos poseen un interés innegable para cualquier viajero que desee conocer el verdadero norte. 

1. Estimaràs el museu per damunt de totes les coses. 2. Honraràs la teva comunitat. 3. No consentiràs elitismes impurs. Aquests són alguns dels antimanaments de 12+1 heretgies museològiques, el nou llibre d'Aina Ferrero Horrach (Palma, 1985), publicat per Ediciones Asimétricas, que proposa un conjunt de mesures per convertir els museus en espais més oberts, crítics i connectats amb la societat. La museòloga i directora del Museu del Calçat i de la Indústria d'Inca fa anys que defensa una idea que encara incomoda una gran part del sector artístic: que els museus no haurien de limitar-se a conservar objectes, sinó convertir-se en espais vius, capaços de dialogar amb les comunitats a les quals serveixen.

En aquest assaig breu i il·lustrat, l'autora contraposa la «McDonaldització» dels museus a una aposta ferma per l'autenticitat, les experiències amb sentit i els relats arrelats al territori, a més de desmuntar alguns dels dogmes que han marcat l'evolució dels museus contemporanis. Amb humor i voluntat de provocar debat, Ferrero planteja una sèrie d’«antimanaments» per «trencar amb la litúrgia» d’aquells que entren en un museu com si entressin en una església, amb por de molestar i de no entendre què hi passa a dins.

La publicació se suma a una trajectòria investigadora que inclou treballs sobre la memòria dels presos republicans al Castell de Bellver (Mallorca) durant el franquisme, la coordinació d'una obra dedicada a la museografia industrial i un nou volum, derivat de la seva tesi doctoral, que veurà la llum a finals d'aquest any. 12+1 heretgies museològiques es presentarà el pròxim 24 de juny en una trobada en línia organitzada per l'editorial.

Com sorgeix la idea del llibre? Té un to molt diferent del dels seus treballs anteriors. Es pot llegir com una obra més personal i vinculada a experiències laborals.

La idea parteix, d'alguna manera, de la meva tesi doctoral. Quan publiques una tesi t'adones que són textos llarguíssims, difícils de llegir per al gran públic, i molt poques arriben realment a la gent. Vaig transformar una part d'aquesta investigació en aquest llibre i en un altre una mica més especialitzat, que es publicarà a finals d'aquest any.

Sempre he pensat que els qui treballem en cultura també tenim la responsabilitat de fer accessible el coneixement. La cultura elitista m'incomoda. De fet, una de les raons per les quals em vaig anar allunyant de determinats àmbits de l'art va ser precisament perquè els trobava massa tancats, massa orientats als experts i, en ocasions, fins i tot intimidatoris.

La cultura elitista m'incomoda. De fet, una de les raons per les quals em vaig anar allunyant de determinats àmbits de l'art va ser precisament perquè els trobava massa tancats, massa orientats als experts i, en ocasions, fins i tot intimidatoris

Així doncs, ha aplicat l'antimanament de l'accessibilitat a la seva pròpia tesi.

És clar. Volia intentar comunicar d'una manera més útil i propera. La idea de fons és senzilla: si creiem que els museus no han d'intimidar la gent, el llibre tampoc no podia fer-ho. Volia escriure una mena de manifest contra la solemnitat. Un assaig que trenqués amb la litúrgia d'entrar en un museu com qui entra en un santuari.

Volia escriure una mena de manifest contra la solemnitat. Un assaig que trenqués amb la litúrgia d'entrar en un museu com qui entra en un santuari

Una de les idees centrals del llibre és precisament aquesta visió del museu com una mena de catedral laica. Quin és avui el principal dogma que continua impedint que els museus connectin amb la societat?

Crec que un dels principals obstacles és precisament la percepció social que encara existeix sobre els museus. Quan molta gent hi pensa, imagina silenci, seriositat i normes. Aquesta imatge forma part de l'imaginari col·lectiu.

Però aquesta percepció també és construïda per les institucions.

Sens dubte, també és construïda pels mateixos museus. Et posaré un exemple molt senzill. Fa poc llegia un conte a la meva filla, que té dos anys. A la història, el personatge viatjava pel món, arribava a Roma, entrava en un museu, s'avorria immediatament i se n'anava a menjar un gelat. Des de ben petits interioritzem la idea que els museus són llocs avorrits.

Trencar aquest imaginari és una tasca educativa, però també una responsabilitat dels mateixos museus. Tots hem estat en un museu on un vigilant ens fa callar immediatament. Això reforça la idea que continuem entrant en una mena de temple.

Al llibre es convida a entrar als museus com a heretges. Quina seria avui l'heretgia més urgent i necessària?

Probablement la més important sigui entendre que l'objecte no pot ser l'única cosa rellevant. Els objectes són fonamentals. Són la raó de ser dels museus, igual que respirar és essencial per viure. Però no poden situar-se per damunt de les persones. Els museus han de tendir ponts amb aquells que construeixen la memòria col·lectiva perquè els objectes, per si sols, no diuen res. Necessiten context, mediació i molt més diàleg. El problema apareix quan es presenten objectes sense cap mena d'acompanyament, com si tothom tingués les mateixes eines per interpretar-los.

El problema apareix quan es presenten objectes sense cap mena d'acompanyament, com si tothom tingués les mateixes eines per interpretar-los

Aquesta visió exigeix temps, recursos i personal. En un context de precarietat cultural, és realista pensar en processos de mediació més ambiciosos?

Precisament aquí hi ha una part del problema. Quan entenguem que connectar amb la societat no és una tasca secundària, sinó el nucli de la nostra feina, potser començarem a prioritzar d'una altra manera. Potser és millor fer una exposició menys cada any i dedicar més esforços a construir vincles amb la comunitat. La rellevància social dels museus en depèn. Vivim en una cultura de la immediatesa, dels «likes» i del consum accelerat de continguts. Els museus encara poden ser espais de resistència cultural davant aquesta lògica.

Vivim en una cultura de la immediatesa, dels 'likes' i del consum accelerat de continguts. Els museus encara poden ser espais de resistència cultural davant aquesta lògica

Sempre poso el mateix exemple: prova de situar-te davant d'una obra durant set segons. Un, dos, tres, quatre, cinc, sis i set. Set segons és tot just el temps mínim per començar a percebre'n els detalls. Com més observes, més entens i més gaudeixes. Tanmateix, avui estem acostumats a passar constantment d'una imatge a una altra. Els museus encara poden oferir una experiència diferent, basada en l'atenció, la reflexió i el temps lent.

El llibre qüestiona moltes inèrcies del sector cultural. Ha sentit vertigen en publicar-lo en un àmbit on no sempre abunden les crítiques públiques i encara menys l'autocrítica?

La veritat és que no. Fins que no vaig veure el títol definitiu ni tan sols m'havia plantejat que pogués resultar incòmode. A més, crec que moltes de les institucions a les quals podria interpel·lar ni tan sols se senten al·ludides. Dit això, també crec que s'estan fent moltes coses bé i que cada vegada està més estesa la idea que els museus no poden continuar funcionant com palaus tancats.

Fa poc, diversos artistes crítics amb el model cultural de Palma explicaven en aquest diari que els costa expressar determinades crítiques per por de quedar exclosos del circuit artístic. Entén aquesta preocupació?

Sí, l'entenc perfectament. Jo, per sort, em sento força lliure perquè mai no he tingut una vinculació política pública amb ningú i, a més, soc una persona bastant directa. Dic el que penso. Però entenc que molts artistes se sentin condicionats. El món de l'art funciona sovint a través de xarxes d'afinitat, de relacions personals i de posicionaments. Comprenc que hi hagi por de criticar determinades polítiques perquè existeix la sensació que això pot tenir conseqüències.

El món de l'art funciona sovint a través de xarxes d'afinitat, de relacions personals i de posicionaments. Comprenc que hi hagi por de criticar determinades polítiques perquè existeix la sensació que això pot tenir conseqüències

El problema és que, si ningú no s'atreveix a expressar el que pensa, acabem perpetuant determinades dinàmiques. I aleshores passa el que passa: s'impulsen projectes que no funcionen o que no responen a les necessitats reals del territori i ningú no ho qüestiona fins que arriben les crítiques des de fora.

D'altra banda, les ajudes públiques de les quals viuen molts artistes són necessàries i positives, però també generen dependències. No és una cosa nova. Històricament, els artistes sempre han depès d'algun tipus de mecenes. Avui, moltes vegades, aquest paper el representen les administracions públiques. Hi ha una part molt positiva, però també una dimensió que pot limitar la llibertat crítica.

Les ajudes públiques de les quals viuen molts artistes són necessàries i positives, però també generen dependències

En aquesta línia, casos recents com el del Centre Gallec d'Art Contemporani (CGAC) a Galícia han reobert el debat sobre les bones pràctiques en l'elecció de direccions de museus. Continuen sent una referència útil?

Crec que, sense una normativa que les avali, les bones pràctiques corren el risc de quedar-se en una declaració d'intencions. Tant de bo existissin mecanismes legals que obliguessin a complir determinats criteris perquè, en cas contrari, veiem constantment com s'incompleixen sense conseqüències.

Per acabar. Una qüestió molt present al llibre quan es refereix a la McDonaldització dels museus: l'ús de l'art com a eina de promoció turística. Li preocupa aquesta tendència? En el cas de Palma, hi ha exemples com la idea de portar la col·lecció Thyssen a Gesa o les grans exposicions a la Llotja de Palma.

No em sembla negatiu que la cultura es converteixi en un atractiu turístic. Al contrari. Tant de bo cada vegada més persones visitin Mallorca pel seu patrimoni, el seu art o les seves tradicions. La qüestió és qui decideix quina cultura es promociona i amb quins criteris. S'han fet estudis de públics? S'ha consultat la comunitat? S'han valorat les necessitats reals del territori? Aquí és on hi ha el problema.

No estic dient que determinades iniciatives s'hagin de fer o no. El que reclamo és rigor, reflexió i participació. Ja tenim un museu d'art contemporani a Palma. En necessitem un altre? Potser sí. Però abans ens hauríem de preguntar què aportarà, quines necessitats cobreix i què vol realment la ciutadania.

Els turistes que més ens interessen són precisament aquells que busquen allò que ens fa únics. Per això crec que hem d'apostar per propostes vinculades a la nostra història, la nostra identitat i les nostres particularitats culturals. I també diré una cosa: Miró està molt bé, però després de Miró han passat moltes coses. Potser ha arribat el moment de refrescar una mica el relat i mirar també cap a altres propostes i altres creadors.

1. Amarás al museo sobre todas las cosas. 2. Honrarás a tu comunidad. 3. No consentirás elitismos impuros. Estos son algunos de los antimandamientos de 12+1 herejías museológicas, el nuevo libro de Aina Ferrero Horrach (Palma, 1985), publicado por Ediciones Asimétricas, que propone una batería de propuestas para convertir los museos en espacios más abiertos, críticos y conectados con la sociedad. La museóloga y directora del Museu del Calçat i de la Indústria d'Inca lleva años defendiendo una idea que todavía incomoda a gran parte del sector artístico: que los museos no deberían limitarse a conservar objetos, sino convertirse en espacios vivos, capaces de dialogar con las comunidades a las que sirven.

En este ensayo breve e ilustrado, la autora enfrenta la “McDonalización” de los museos con una firme apuesta por la autenticidad, las experiencias con sentido y los relatos situados en el territorio, además de desmontar algunos de los dogmas que han marcado la evolución de los museos contemporáneos. Con humor y voluntad de provocar debate, Ferrero plantea una serie de “antimandamientos” para “romper con la liturgia” de quien entra a un museo como si entrase en una iglesia con miedo a molestar y a no entender lo que pasa allí dentro. 

La publicación se suma a una trayectoria investigadora que incluye trabajos sobre la memoria de los presos republicanos en el Castell de Bellver (Mallorca) durante el franquismo, la coordinación de una obra dedicada a la museografía industrial y un nuevo volumen, derivado de su tesis doctoral, que verá la luz a finales de este año. 12+1 herejías museológicas se presentará el próximo 24 de junio en un encuentro online organizado la editorial.

¿Cómo surge la idea del libro? Tiene un tono muy diferente al de trabajos anteriores. Puede leerse como más personal y vinculado a experiencias laborales.

La idea parte, de alguna forma, de mi tesis doctoral. Cuando publicas una tesis te das cuenta de que son textos larguísimos, difíciles de leer para el gran público, y muy pocas acaban llegando realmente a la gente. Transformé una parte de esa investigación en este libro y en otro algo más especializado, que se publicará a finales de este año.

Siempre he pensado que quienes trabajamos en cultura tenemos también la responsabilidad de hacer accesible el conocimiento. La cultura elitista me incomoda. De hecho, una de las razones por las que me fui alejando de ciertos ámbitos del arte fue precisamente porque los encontraba demasiado cerrados, demasiado dirigidos a expertos y, en ocasiones, incluso intimidantes.

La cultura elitista me incomoda. De hecho, una de las razones por las que me fui alejando de ciertos ámbitos del arte fue precisamente porque los encontraba demasiado cerrados, demasiado dirigidos a expertos y, en ocasiones, incluso intimidantes

Entonces, ha aplicado el anti-mandamiento de la accesibilidad a su propia tesis.

Claro. Quería intentar comunicar de una forma más útil y cercana. La idea de fondo es sencilla: si creemos que los museos no deben intimidar a la gente, el libro tampoco podía hacerlo. Quería escribir una especie de manifiesto contra la solemnidad. Un ensayo que rompiera con la liturgia de entrar en un museo como quien entra en un santuario.

Quería escribir una especie de manifiesto contra la solemnidad. Un ensayo que rompiera con la liturgia de entrar en un museo como quien entra en un santuario

Una de las ideas centrales del libro es precisamente esa visión del museo como una especie de catedral laica. ¿Cuál es hoy el principal dogma que sigue impidiendo que los museos conecten con la sociedad?

Creo que uno de los principales obstáculos es precisamente la percepción social que todavía existe sobre los museos. Cuando mucha gente piensa en ellos imagina silencio, seriedad y normas. Esa imagen forma parte del imaginario colectivo.

Pero esa percepción es también construida por las instituciones.

Desde luego, es construida también por los propios museos. Te pondré un ejemplo muy sencillo. Hace poco leía un cuento a mi hija, que tiene dos años. En la historia, el personaje viajaba por el mundo, llegaba a Roma, entraba en un museo, se aburría inmediatamente y se iba a comer un helado. Desde muy pequeños vamos interiorizando la idea de que los museos son lugares aburridos. 

Romper ese imaginario es una tarea educativa, pero también una responsabilidad de los propios museos. Todos hemos estado en un museo donde un vigilante nos manda callar de inmediato. Eso refuerza la idea de que seguimos entrando en una especie de templo.

En el libro se invita a entrar en los museos como herejes. ¿Cuál sería hoy la herejía más urgente y necesaria?

Probablemente la más importante sea entender que el objeto no puede ser lo único relevante. Los objetos son fundamentales. Son la razón de ser de los museos, igual que respirar es esencial para vivir. Pero no pueden situarse por encima de las personas. Los museos tienen que tender puentes con quienes construyen la memoria colectiva porque los objetos, por sí solos, no dicen nada. Necesitan contexto, mediación y mucho más diálogo. El problema aparece cuando se presentan objetos sin ningún tipo de acompañamiento, como si todo el mundo tuviera las mismas herramientas para interpretarlos. 

El problema aparece cuando se presentan objetos sin ningún tipo de acompañamiento, como si todo el mundo tuviera las mismas herramientas para interpretarlos

Esa visión exige tiempo, recursos y personal. En un contexto de precariedad cultural, ¿es realista pensar en procesos de mediación más ambiciosos?

Precisamente ahí está parte del problema. Cuando entendamos que conectar con la sociedad no es una tarea secundaria, sino el núcleo de nuestro trabajo, quizá empezaremos a priorizar de otra manera. Tal vez sea mejor hacer una exposición menos al año y dedicar más esfuerzos a construir vínculos con la comunidad. La relevancia social de los museos depende de ello. Vivimos en una cultura de la inmediatez, de los likes y del consumo acelerado de contenidos. Los museos todavía pueden ser espacios de resistencia cultural frente a esa lógica.

Vivimos en una cultura de la inmediatez, de los likes y del consumo acelerado de contenidos. Los museos todavía pueden ser espacios de resistencia cultural frente a esa lógica

Siempre pongo el mismo ejemplo: prueba a situarte delante de una obra durante siete segundos. Uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis y siete. Siete segundos es apenas el tiempo mínimo para empezar a percibir detalles. Cuanto más observas, más entiendes y más disfrutas. Sin embargo, hoy estamos acostumbrados a pasar de una imagen a otra constantemente. Los museos todavía pueden ofrecer una experiencia distinta, basada en la atención, la reflexión y el tiempo lento.

El libro cuestiona muchas inercias del sector cultural. ¿Ha sentido vértigo al publicarlo en un ámbito donde no siempre abundan las críticas públicas y mucho menos la autocrítica?

La verdad es que no. Hasta que vi el título definitivo ni siquiera me había planteado que pudiera resultar incómodo. Además, creo que muchas de las instituciones a las que podría interpelar ni siquiera se sienten aludidas. Dicho esto, también creo que se están haciendo muchas cosas bien y que cada vez está más extendida la idea de que los museos no pueden seguir funcionando como palacios cerrados.

Hace poco, varios artistas críticos con el modelo cultural de Palma explicaban en este diario que les cuesta expresar determinadas críticas por miedo a quedar excluidos del circuito artístico. ¿Entiende esa preocupación?

Sí, la entiendo perfectamente. Yo, por suerte, me siento bastante libre porque nunca he tenido una vinculación política pública con nadie y, además, soy una persona bastante directa. Digo lo que pienso. Pero entiendo que muchos artistas se sientan condicionados. El mundo del arte funciona a menudo a través de redes de afinidad, de relaciones personales y de posicionamientos. Comprendo que exista miedo a criticar determinadas políticas porque existe la sensación de que eso puede tener consecuencias.

El mundo del arte funciona a menudo a través de redes de afinidad, de relaciones personales y de posicionamientos. Comprendo que exista miedo a criticar determinadas políticas porque existe la sensación de que eso puede tener consecuencias

El problema es que, si nadie se atreve a expresar lo que piensa, terminamos perpetuando determinadas dinámicas. Y entonces pasa lo que pasa: se impulsan proyectos que no funcionan o que no responden a las necesidades reales del territorio y nadie lo cuestiona hasta que llegan las críticas desde fuera.

Por otro lado, las ayudas públicas de las que viven muchos artistas son necesarias y positivas, pero también generan dependencias. No es algo nuevo. Históricamente los artistas siempre han dependido de algún tipo de mecenas. Hoy muchas veces ese papel lo desempeñan las administraciones públicas. Hay una parte muy positiva, pero también una dimensión que puede limitar la libertad crítica.

Las ayudas públicas de las que viven muchos artistas son necesarias y positivas, pero también generan dependencias

En esa línea, casos recientes como el del Centro Galego de Arte Contemporáneo (CGAC) en Galicia han reabierto el debate sobre las buenas prácticas en la elección de direcciones de museos. ¿Siguen siendo una referencia útil?

Creo que, sin una normativa que las respalde, las buenas prácticas corren el riesgo de quedarse en una declaración de intenciones. Ojalá existieran mecanismos legales que obligaran a cumplir determinados criterios porque, de lo contrario, vemos constantemente cómo se incumplen sin consecuencias.

Para terminar. Una cuestión muy presente en el libro cuando se refiere a la McDonalización de los museos: el uso del arte como herramienta de promoción turística. ¿Le preocupa esa tendencia? En el caso de Palma, se dan ejemplos como la idea de llevar la colección del Thyssen a Gesa o las grandes exposiciones en la Llotja de Palma.

No me parece negativo que la cultura se convierta en un atractivo turístico. Al contrario. Ojalá cada vez más personas visiten Mallorca por su patrimonio, su arte o sus tradiciones. La cuestión es quién decide qué cultura se promociona y con qué criterios. ¿Se han realizado estudios de públicos? ¿Se ha consultado a la comunidad? ¿Se han valorado las necesidades reales del territorio? Ahí está el problema. No estoy diciendo que determinadas iniciativas deban hacerse o no hacerse. Lo que reclamo es rigor, reflexión y participación. Ya tenemos un museo de arte contemporáneo en Palma ¿Necesitamos otro? Quizá sí. Pero antes deberíamos preguntarnos qué aportará, qué necesidades cubre y qué quiere realmente la ciudadanía.

Los turistas que más nos interesan son precisamente aquellos que buscan aquello que nos hace únicos. Por eso creo que debemos apostar por propuestas vinculadas a nuestra historia, nuestra identidad y nuestras particularidades culturales. Y también diré una cosa: Miró está muy bien, pero después de Miró han pasado muchas cosas. Quizá ha llegado el momento de refrescar un poco el relato y mirar también hacia otras propuestas y otros creadores.

Los lápices de Luisa de la Vega Wetter (París, 1862–Madrid, 1944) dibujaron con una delicada y extraordinaria precisión caballitos de mar, esponjas marinas, erizos y crustáceos cuando no había fotografía a color. La única manera de conocer, catalogar y estudiar la biología marina era reproducir las especies en ilustraciones, con la premura de tiempo que implicaba trabajar con ellas, fuera de su hábitat, antes de que se deteriorasen su forma, color o estructura.

Sus láminas de peces abisales y plantas marinas se convirtieron en indispensables para la investigación científica en zoología y botánica. Muchas de sus obras se conservan en el Archivo del Museo Nacional de Ciencias Naturales

Desde lo contemporáneo, ahora que existen cámaras capaces de retratar con extraordinaria precisión el mundo marino, aún se sigue conservando esta tradición y todavía se celebran concursos internacionales de ilustraciones científicas.

Luisa convirtió el dibujo científico en un arte, por la sensibilidad que supuran su magistral colección de ilustraciones, aunque hasta ahora su nombre haya estado desaparecido de la historia. O, en todo caso, asociado al de su marido, el afamado naturalista Augusto González de Linares a quien conoció en París. Juntos se iniciaron en el estudio de los océanos desde la Estación de Biología Marítima del Cantábrico. Él tiene un instituto con su nombre, una estatua y el reconocimiento unánime de la comunidad científica. Ella, nada. Su nombre no ha sido reivindicado, pese a la importancia y valor de sus ilustraciones científicas y acuarelas, de sus láminas zoológicas y botánicas que destacan por la precisión del trazo, la sensibilidad artística y su enorme valor científico. Una mujer olvidada detrás de su marido.

Ambos fueron protagonistas fundamentales para la biología marina en España, cuya primera estación impulsaron en Santander en el año 1886.

Ahora, una exposición en el Museo Marítimo de Santander da aliento a su aportación científica con un recorrido por su biografía personal y profesional que exhibe documentos históricos y materiales de archivo, entre ellos algunas obras inéditas o poco conocidas hasta la fecha.

La muestra -abierta hasta el 27 de septiembre- se ha organizado al hilo de la conmemoración del 140 aniversario de la fundación de la Estación de Biología Marina de Santander (1886), la primera institución marina española dedicada al estudio científico del océano y origen del actual Instituto Español de Oceanografía y del propio Museo Marítimo que tiene en depósito todo su material. También conserva un gran archivo histórico. Entre ese material apareció una carpeta con documentos con la firma de la propia Luisa.

Luisa de la Vega fue una observadora meticulosa que acometió sus dibujos con rigor técnico. Sus álbumes sirvieron de estudio a varias generaciones de investigadores aunque desde el silencio que ha envuelto a su obra.

Hija de un periodista gaditano, su madre -francesa de origen alemán- le transmitió su pasión por la naturaleza. Fue siempre una mujer pionera que estudió magisterio en París, su ciudad natal, cuando la educación no estaba al alcance de las niñas. Fue tras casarse con González de Linares cuando en la Estación de Biología Marina de Nápoles empezó a interesarse por la ilustración científica. Aprendió dibujo y acuarela con el profesor Comingio Merculiano, un reconocido dibujante napolitano.

Cuando regresó a España se dedicó durante una década a dibujar la fauna y flora marinas desde la primera Estación de Biología Marina que se crea en España, en 1889 en Santander. Al principio empezó sustituyendo las ausencias del experto que hacía los dibujos hasta que la nombraron ayudante interina. Una categoría que la quitaron posteriormente porque no tenía acreditada ninguna titulación para el puesto.

No fue la única tarea a la que se dedicó. Durante el tiempo que residió y trabajó en Santander ejerció de maestra en las colonias escolares en San Vicente de la Barquera, impulsadas por el Museo Pedagógico Nacional.

Siguió ilustrando hasta el fallecimiento de su marido, en 1904, en la casa que habitaban en el Paseo de Altamira número 20. Tras este suceso Luisa de trasladó a Villablino, en León, donde trabajó como maestra en una fundación inspirada por una pedagogía muy avanzada y defendió el acceso de las mujeres a la educación. Su propia hija, Genara fue la primera muchacha que alcanzó el título de bachiller en la provincia. Allí se vuelve a casar y vuelve a enviudar. Tras ese paréntesis vital se instaló en Madrid donde recuperó su talento como ilustradora científica del Museo Nacional de Ciencias Naturales, en una plaza de ayudante artístico, hasta su jubilación.

A pesar de esta biografía personal y profesional trascendente, Luisa de la Vega es una mujer perfectamente anónima que ahora se ha empezado a reivindicar precisamente desde Santander. Sus dibujos -que contribuyen a acercar la ciencia a la sociedad- fueron una pieza esencial en la investigación de museos, laboratorios y estaciones biológicas. Sus ilustraciones fueron capaces de captar detalles que a simple vista pasan desapercibidos con rigor y sensibilidad.

Cuando falleció en Madrid en 1944 dejó una colección extensa y valiosa de ilustraciones después de haber trabajado hasta los ochenta años.

Ya no hay ni rastro de las obras de la Colección Roberto Polo que durante seis años fue su gran atractivo, pero ahora el Convento de Santa Fe, ubicado el Paseo del Miradero de Toledo, vuelve a recuperar parte de su esencia como museo. Se trata de un conjunto monumental único que superpone siglos de historia y se asienta sobre los antiguos palacios taifas mandados construir en el siglo XI por el rey Al-Ma'mun. Ahora vuelve a abrir sus puertas al público.

Fuentes de la Consejería de Educación, Cultura y Deportes han adelantado a este periódico que su reapertura es el próximo martes, día 23 de junio, permitiendo la visita a las salas musealizadas y a los espacios que albergan importantes restos arqueológicos.

Concretamente, los visitantes podrán recorrer las salas 1 a 5, así como el patio y el jardín, lo que supone la apertura de toda la planta baja del edificio, con excepción de la iglesia y de las salas de exposición actualmente cerradas.

Con ello, entre los principales atractivos del recorrido destacan los restos del antiguo palacio islámico, que data del siglo XI, la Capilla de Belén, la Capilla Calatrava y la sacristía, donde puede contemplarse una selección de obras del escultor toledano Alberto Sánchez.

Esta última muestra se compone de 22 obras, fechadas entre 1926 y 1962, que, precisamente, fueron depositadas hace 22 años en los almacenes del aledaño Museo de Santa Cruz tras el cierre del Museo de Arte Contemporáneo de Toledo, ubicado en la Casa de las Cadenas.

Se trata de nueve esculturas y 13 dibujos del artista toledano que se pueden apreciar en una especie de altar que se ha habilitado en la bautizada sala 'Alberto Sánchez', un espacio que ha sido recuperado con la contribución de la Escuela de Arquitectura de Toledo, bajo la supervisión de Javier Vellés y José Ramón de la Cal.

Nueva propuesta museística

En general, la reapertura del Convento de Santa Fe permitirá compatibilizar los trabajos de adaptación y renovación del espacio con motivo de la nueva propuesta museística, al tiempo que garantiza a la ciudadanía la posibilidad de seguir disfrutando y conociendo el “rico patrimonio histórico y cultural” que conserva, apuntan las mencionadas fuentes.

Porque la historia de este espacio es fascinante: el recinto es un palimpsesto sobre el que superponen huellas de los distintos periodos históricos de la ciudad. De hecho, los fragmentos islámicos se encuentran entrecruzados con la arquitectura medieval de los caballeros de Calatrava, orden militar que inició un extenso periodo de ocupación conventual del recinto, seguido por el breve paso por sus muros de la Orden de la Concepción Francisca.

Según precisa la guía de conventos de Toledo y el Portal de Cultura de Castilla-La Mancha, el solar se encuentra “estratégicamente situado” en la cima del cerro que domina la vega del río Tajo y fue un lugar clave durante el periodo islámico como parte del recinto conocido como Al-Hizán, la muralla de la ciudad islámica del siglo X que todavía se conserva en parte.

Esta área, si bien se remonta al periodo cordobés, alcanzó su esplendor con los palacios ordenados edificar por el mencionado rey taifa al-Ma’mun durante el siglo XI. Después de la conquista cristiana de 1085, estos palacios fueron fragmentados y se integraron en los llamados ‘Palacios de Galiana’ que fueron ocupados por los primeros reyes cristianos de Toledo.

Los espacios acogieron después a diversas comunidades religiosas y militares que sufragaron nuevas construcciones y “enmascararon” a las primeras edificaciones. Así sucedió a partir de que Alfonso VIII entregara estos solares en 1210 a los caballeros de la Orden de Calatrava que instalaron una hospedería y levantaron la iglesia de Santa Fe que dota de nombre al complejo.

En el año 1494, el convento pasó a manos de las monjas concepcionistas encabezadas por Beatriz de Silva. Pero en 1503, la Orden de las Comendadoras de Santiago pasó a ocupar el recinto por decisión de Isabel la Católica. Esta orden militar permaneció en Santa Fe durante más de cuatro siglos. En 1855 el convento se vio afectado por las desamortizaciones y la comunidad se redujo a tan solo dos monjas.

La orden de las Comendadoras de Santiago vendieron el convento al Banco de España en 1935 con el objeto de levantar un nuevo edificio, pero intervino Bellas Artes y evitó su demolición y propició la instalación de las ursulinas en el recinto. Poco después el conjunto sufrió las consecuencias de la Guerra Civil, especialmente duras por estar cerca del Alcázar. En 1943 las ursulinas de la Sagrada Familia de Loreto adquirieron el convento y lo habilitaron como centro de enseñanza.

El Convento de Santa Fe, después de las tribulaciones sufridas durante el siglo XX, resultó abandonado en 1973 hasta que el Estado se convirtió en propietario del inmueble a partir de 1979. En 2001 se delimitó el área afectada por protección que incluye también el contiguo hospital de Santa Cruz, hoy también museo.

Entre 2000 y 2003 se llevó a cabo la restauración del conjunto como ampliación del Museo de Santa Cruz. Tres años más tarde se acometió su restauración integral para su puesta en valor, con un importante programa de actuaciones arqueológicas.

El 'viaje' de seis años de la Colección Roberto Polo

En la actualidad, la iglesia está desacralizada y junto a otros espacios anexos forma parte de un conjunto que ha albergado durante seis años obras de la Colección Roberto Polo.

Bajo la denominación oficial ‘La Colección Roberto Polo. Centro de Arte Moderno y Contemporáneo de Castilla-La Mancha’, el espacio se inauguró en marzo de 2019 con el objetivo de ser un revulsivo. La iniciativa tomó forma tras el acuerdo del coleccionista cubano y la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, y también recaló en Cuenca un año después.

El objetivo fue exhibir una parte de su importante colección privada, “considerada una de las más relevantes de Europa”, en palabras del Gobierno regional, aunque en Toledo no ha terminado de funcionar y no ha estado exenta de polémica. En septiembre de 2025, el Ejecutivo daba por finiquitado el acuerdo y el pasado mes de abril comenzaron sus obras de desmontaje. El pasado mes de mayo ya no había rastro de la colección en el museo.

La colección de Roberto Polo llegó a reunir más de 7.000 piezas que abarcaban disciplinas como la pintura, la escultura, la fotografía y el diseño, de las cuales alrededor de 500 obras han formado parte de la exposición permanente.

Entre sus fondos destacaban artistas de primer nivel como Wassily Kandinsky, Paul Klee, Edgar Degas o Pablo Picasso, entre otros grandes nombres del arte. En su conjunto, ofrecía un recorrido que abarcaba desde las vanguardias históricas del siglo XX hasta las manifestaciones más representativas del arte contemporáneo.

Durante los seis años que han permanecido las colecciones en los dos espacios de Toledo y Cuenca, han atraído un total de 171.365 visitantes. Los datos disponibles para 2025, actualizados hasta agosto, dejan cifras aproximadas de 20.000 visitantes en Toledo y de 5.800 Cuenca.

Poco después de su marcha del Convento de Santa Fe de Toledo, la polémica siguió: una auditoría de la Cámara de Cuentas a la Fundación Roberto Polo, que se creó ad hoc para la gestión de la colección, desveló que en 2022 tenía “déficit acumulado” y resaltaba la “incapacidad económica” para sostener los museos con fondos propios.

Una situación “casi insostenible”

Aunque estos informes se aprueban siempre con mucho retraso (hablamos de cuatro años después), el informe del organismo de cuentas desveló una situación casi insostenible de esta iniciativa.

La Fundación Colección Roberto Polo (FCRPOLO) fue constituida en 2018 con el fin de gestionar y conservar los bienes de dicha colección, y en el año de la auditoría presentaba una situación marcada por la mejora de sus indicadores de solvencia. Pero hubo un “déficit acumulado” y “deficiencias en la formalización de activos y controles internos”.

Ahora, tras este 'viaje' de seis años, el Convento de Santa Fe quiere recuperar su esencia, la de sus propios espacios y vestigios de hace más de 15 siglos, un reflejo de la historia del arte arquitectónico, que también el crisol de civilizaciones y religiones tan propias y representativas de Toledo.