El Museo Nacional de Colombia abrió sus puertas el pasado jueves con una sorpresa para sus visitantes: espacios vacíos en tres salas de exposición. El motivo: la retirada de más de treinta obras, relacionadas con los movimientos feministas y LGTBI, las víctimas de la violencia política y el acuerdo de paz firmado en 2016 entre el Estado colombiano y las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia (FARC).

Una acción que responde a la “contrarrevolución cultural” que el nuevo presidente del país, Abelardo de la Espriella, anunció en su visita al Ministerio de Cultura la semana pasada, donde ordenó a la ministra Paola Holguín a eliminar de los espacios públicos las representaciones que considera “apología del terrorismo”.

Entre las piezas retiradas estaban una bandera del orgullo perteneciente a la activista Elizabeth Castillo, un afiche de la campaña presidencial de Bernardo Jaramillo Ossa, candidato de la Unión Patriótica asesinado en 1990, y el llamado Balígrafo, una pluma elaborada a partir de una bala con la que se firmó el acuerdo de paz. El medio de comunicación colombiano La Silla Vacía ha elaborado un catálogo en el que pueden consultarse cuáles son las 47 obras y dónde se ubicaban dentro del centro.

“Instrumento de adoctrinamiento político”

Un día después, la ministra de Cultura de Colombia, Paola Holguín, defendió el retiro de obras alegando que la institución no puede servir como instrumento de “adoctrinamiento político” ni difundir versiones sesgadas de la historia.

“El Museo Nacional, como parte del Estado, tiene el propósito de conservar, restaurar, proteger y socializar nuestra cultura”, escribió Holguín en su cuenta de X en respuesta a informaciones periodísticas que daban cuenta de la retirada de 30 objetos relacionados con el feminismo, el movimiento LGTBI y los conflictos armados en el país.

En ese sentido, añadió que la vocación institucional del museo “no consiste en servir como instrumento de adoctrinamiento político, foco de difusión de versiones sesgadas de nuestra historia, ni mucho menos en medio multiplicador de la agenda gubernamental”. Ni tampoco un “espacio de apología al delito o revictimización”.

Varios jóvenes pegan copias de las obras como protesta

Una docena de jóvenes pegó este sábado frente al Museo Nacional en Bogotá copias de las obras que mandó retirar del centro el Gobierno de Colombia, para protestar contra lo que consideran un intento de borrar parte de la memoria histórica del país. Entre ellas, LATEREM, El Bloque Nos Une, del artista Sergio Mendoza.

“Si quitan 30 piezas, las vamos a pintar la mayoría de las veces que podamos en la calle”, dijo a EFE Alejandro, estudiante de Antropología que participó en la acción y también en el plantón “pacífico” y “cultural” con el que bloquearon una parte de la carrera séptima, una de las principales vías de la capital.

Este joven explicó que las piezas retiradas estaban relacionadas con los derechos de las mujeres, las comunidades LGBTI y la historia de los pueblos negros e indígenas: “A través de esta intervención artística buscamos defender la memoria, defender la historia de nuestro pueblo”.

La Policía antidisturbios intervino la protesta, cuyo despliegue fue considerado por autoridades como “innecesario y desproporcionado”, con cerca de 500 personas que se manifestaron frente al museo para rechazar la retirada de las obras.

Por su parte, la defensora del pueblo, Iris Marín, expresó su preocupación por el despliegue policial y señaló que, según el reporte recibido, la manifestación había transcurrido de manera pacífica.

“Estas afectaciones, por sí solas, no justifican la intervención de la Fuerza Pública ni la disolución de una manifestación. Expresamos nuestra preocupación por el excesivo despliegue que (…) consideramos innecesaria y desproporcionada frente al carácter pacífico de la manifestación”, expresó en X.

Asimismo, la exsenadora María José Pizarro denunció que miembros de antidisturbios vestidos de civil grabaron a los asistentes desde el inicio del plantón, y según afirmó, entre los participantes había niños, adultos mayores, mujeres y jóvenes, y consideró injustificada y desproporcionada la violencia empleada.

Rechazo de otros museos colombianos

Por su parte, varios museos de arte moderno de Colombia expresaron en una declaración conjunta su “profunda preocupación” por la retirada de obras y objetos del Museo Nacional “por razones ideológicas” y pidieron a la ministra de las Culturas, Paola Holguín, que garantice la autonomía de estas instituciones.

Los firmantes, entre ellos el Museo de Arte Moderno de Bogotá (Mambo), el de Barranquilla, el de Cartagena y el de Medellín, defendieron que los museos deben permitir conocer la complejidad de la historia, incluso aquellos aspectos que resultan incómodos, y señalaron que retirar obras de la mirada pública “empobrece nuestra capacidad de comprendernos como sociedad”.

“Ningún gobierno debería decidir qué podemos ver de nuestra historia según sus afinidades políticas, ni imponer una versión que suprima las demás”, afirmaron. Los museos también pidieron una revisión pública y fundamentada de las decisiones adoptadas, con la participación de los equipos curatoriales y de las comunidades vinculadas a las piezas retiradas.

En el centro de la ciudad de Olot un curioso viajero puede descubrir y disfrutar del histórico edificio del Hospicio, una sobria construcción neoclásica proyectada en el siglo XVIII por el renombrado arquitecto Ventura Rodríguez. Este majestuoso recinto, articulado alrededor de un imponente patio central porticado con galerías de arcos de medio punto, alberga en su tercera planta las instalaciones del Museo de la Garrotxa. La institución cultural constituye un espacio fundamental donde la rica trayectoria artística, industrial y artesana de la comarca se fusiona armoniosamente con el patrimonio natural que la rodea. Visitar sus salas supone adentrarse en un interesante viaje por la memoria colectiva de Catalunya.

A lo largo de sus más de dos siglos de historia, el edificio del Hospicio ha desempeñado funciones sumamente diversas antes de convertirse en la sede del museo comarcal en 1987. La estructura funcionó originariamente como centro educativo, vivienda para maestros y espacio dedicado a la beneficencia pública, sirviendo posteriormente como sede de la Escuela de Bellas Artes y cuartel militar. En la actualidad, además de albergar las valiosas colecciones permanentes y temporales del museo, la edificación acoge una residencia de ancianos y la emblemática casa de los gigantes de la ciudad. Su conservación arquitectónica permite contemplar un escenario único impregnado de memoria viva.

El núcleo principal e identitario de la colección permanente reside en las obras de arte de la célebre Escuela Paisajística de Olot, movimiento fundado en la segunda mitad del siglo XIX. Impulsado fundamentalmente por los hermanos Joaquim y Marian Vayreda junto con el destacado pedagogo Josep Berga i Boix, este colectivo trasladó los postulados de la influyente escuela francesa de Barbizon al arte catalán. Más que un estilo rígido, la escuela olotense instauró una completa libertad interpretativa centrada en la plasmación de la naturaleza local, tomando escenarios icónicos como los humedales de la Moixina como tema recurrente de sus lienzos.

La proyección histórica del centro abarca un continuado itinerario cronológico que comienza con los bellísimos pesebres barrocos esculpidos por Ramon Amadeu y se extiende hasta la producción de la posguerra. La colección exhibe magníficas piezas de reconocidos maestros locales de la pintura y la escultura, destacando nombres esenciales como Miquel Blay, Josep Clarà, Francesc Vayreda, Iu Pasqual y Leonci Quera. Asimismo, el renombre de la escuela atrajo e influenció a prominentes creadores, entre los que figuran Enric Galwey, Joan Llimona, Joan Brull y el genial pintor modernista Ramon Casas, consolidando a la ciudad como faro artístico regional.

Uno de los grandes atractivos visuales que deslumbran al visitante en el recorrido por sus salas es la excepcional colección de carteles pertenecientes al período modernista catalán. Entre este selecto fondo destaca la célebre serie publicitaria confeccionada para la marca Cigarrillos París, un conjunto gráfico de extraordinario valor histórico y refinamiento estético. Estas obras plasman a la perfección la profunda transformación cultural, la elegancia estilística y la revolución en las artes aplicadas que caracterizaron el cambio del siglo XIX al XX. La muestra de cartelería evidencia el alto nivel creativo que alcanzó la ilustración comercial de la época.

El lienzo de Ramon Casas

Sin lugar a dudas, la pieza maestra de mayor envergadura y resonancia histórica que custodia la institución desde 1919 es el monumental lienzo titulado “La Carga”, obra de Ramon Casas. Esta imponente pintura antibelicista de grandes dimensiones, conocida también con el nombre de “Barcelona, 1902”, generó una viva controversia social durante su época de presentación. La composición muestra con estremecedor realismo a un guardia civil a caballo cargando directamente contra una multitud desarmada, convirtiéndose en un testimonio pictórico trascendental sobre las tensiones sociales y los conflictos urbanos de principios del siglo XX.

Hoy en día, el Museo de la Garrotxa reafirma su sólida vocación pedagógica y comunitaria ofreciendo diversas propuestas educativas, recorridos accesibles e innovadoras salas destinadas al arte contemporáneo como el Espacio Zer01. La reciente integración de trece valiosas obras cedidas por el Museo Nacional de Arte de Catalunya ha enriquecido el discurso expositivo con destacadas figuras de la talla de Ramon Martí Alsina y Modest Urgell. Articulando su atractiva oferta con otros centros patrimonio de Olot como la Casa Museo Can Trincheria o el Museo de los Santos, la institución garantiza una vivencia cultural inolvidable donde la deslumbrante belleza del paisaje trasciende en arte.

Años antes de convertirse en un prestigioso centro de arte contemporáneo y recibir a miles de personas cada año, el lugar donde hoy puede visitarse el Tate Modern de Londres albergaba la central eléctrica de Bankside, una enorme planta termoeléctrica situada en la orilla sur del Támesis, en el corazón del distrito de Southwark.

El edificio se proyectó después de la Segunda Guerra Mundial, con un diseño que corrió a cargo del arquitecto británico Giles Gilbert Scott, conocido también por su trabajo en la central de Battersea, también londinense. Las obras comenzaron en 1947, la instalación empezó a producir electricidad en 1952, pero la central no quedó terminada hasta 1963.

El edificio destacaba entonces por sus grandes dimensiones, de unos 200 metros de longitud, su estructura de acero revestida de ladrillo y su gran chimenea central. La silueta de la central se diseñó teniendo en cuenta la proximidad de la catedral de San Pablo, situada al otro lado del río, por lo que la altura de la chimenea quedó limitada para no resaltar demasiado.

La historia de este sitio, sin embargo, tuvo una duración limitada. El encarecimiento del petróleo tras la crisis energética de 1973 hizo que Bankside resultara menos competitiva frente a las nuevas centrales de carbón y nucleares, a lo que se sumó el desarrollo de la red eléctrica de alta tensión, que permitió trasladar la producción a instalaciones más grandes fuera de Londres.

Bankside dejó de ser rentable a finales de los años setenta y terminó dejando de generar electricidad el 31 de octubre de 1981. Tras el cierre, el futuro del edificio quedó en el aire, y la central permaneció vacía durante más de una década, llegando incluso a estar amenazada de demolición. 

Una nueva vida para el solar

Mientras se discutía qué hacer con el solar, The Twentieth Century Society, una organización benéfica del Reino Unido dedicada a la protección y conservación del patrimonio arquitectónico del siglo XX y XXI, defendía que la antigua central debía mantenerse. Todo cambió cuando la Tate comenzó a buscar un espacio para crear una nueva galería dedicada al arte moderno y contemporáneo. 

La institución anunció en 1992 sus planes para abrir un nuevo museo y durante el año siguiente estudió distintos lugares en Londres, entre los que estaba la Bankside Power Station. Aquella antigua central era una oportunidad para tener un espacio de grandes dimensiones y, al mismo tiempo, recuperar un edificio industrial que llevaba años sin utilizarse. La elección se hizo oficial en 1994 y, un año después, se anunció que el estudio suizo Herzog & de Meuron sería el encargado de la remodelación.

La estructura de acero y los muros de ladrillo se conservaron, mientras los arquitectos adaptaban el espacio para convertirlo en una galería de arte. Otro de los elementos que también se mantuvo fue la sala de turbinas, un espacio que había albergado la maquinaria para generar electricidad y que pasó a convertirse uno de los lugares más reconocibles del museo. Hasta ahora, la Turbine Hall de Tate ha acogido algunas de las obras de arte contemporáneo más aclamadas del mundo.

Tras varios años de obras, el 11 de mayo de 2000, la reina Isabel II inauguró oficialmente la Tate Modern. Tan solo cinco años después de aquel momento, el Museo Nacional Británico de Arte Moderno ya se había convertido en el tercer destino turístico más visitado del Reino Unido, generando un impacto económico estimado de 100 millones de libras esterlinas.

El Museo Sorolla abrirá este jueves una ampliación que ha llevado a cabo en un antiguo taller de Volvo. El nuevo espacio, compuesto por dos locales, albergará las exposiciones temporales que arranca con Arquitecturas del Museo Sorolla (1905-2026). La exhibición recorre la historia de la casa en sí, desde que el pintor adquiriera los terrenos sobre los que terminó edificando su vivienda y taller. La casa, que cerró sus puertas en octubre de 2024 para las obras de rehabilitación del edificio, permanecerá cerrada de forma indefinida.

“Quedan años”, ha avanzado este miércoles Enrique Varea Agüí, director de la pinacoteca, sobre la previsión de la reapertura en la presentación de la ampliación: “No puedo comprometer una fecha”.

A la ampliación se accede por la calle Zurbano de Madrid, y está conectada con la casa, pero de momento el anexo permanece desconectado hasta que concluya la segunda fase de las obras, correspondiente al palacete del artista valenciano. El nuevo espacio supone una ampliación de 2000 metros cuadrados, y alberga por primera vez un muelle de carga, un auditorio con capacidad para 80 personas, un taller de restauración y un nuevo almacén para todos los bienes culturales.

“Antes estaban ocupando distintos espacios internos de la casa, en una situación de conservación adecuada, pero que planteaba ciertos inconvenientes. Ahora todo está unificado en un único espacio”, ha explicado el responsable sobre el almacén. También permitirá el acceso a las personas con discapacidad motora, paliando las barreras arquitectónicas del palacete.

17 años desde su adquisición

Los locales contiguos al museo fueron adquiridos en 2009, con Ángeles González-Sinde como ministra de Cultura. El primero de ellos, ubicado en la primera planta, consta de 491 metros cuadrados. El segundo, el local comercial que funcionaba como taller, cuenta con aproximadamente 1500 metros cuadrados de superficie útil. Desde la compra, tuvieron que pasar cuatro años hasta que en 2013 se adecuó el local de la primera planta para su uso como oficinas, despachos técnicos y biblioteca del Museo. Esta rehabilitación la llevó a cabo el estudio de Julián Franco Arquitectos.

El siguiente paso, el inicio de la adecuación de la planta baja, no llegó hasta 2016, cuando el Ministerio de Cultura convocó un concurso arquitectónico, que fue adjudicado al estudio Nieto Sobejano Arquitectos. Por lo tanto, han pasado diez años hasta que el anexo ha abierto por fin sus puertas. Eso sí, sin mostrar demasiadas obras de Joaquín Sorolla, que permanecen en el almacén tras haber vaciado todas las presentes en la casa para las tareas de construcción. El proyecto ha supuesto una inversión de 13 millones de euros para el Ministerio.

Una proyecto “difícil”

Fuensanta Nieto, fundadora junto a Enrique Sobejano del estudio responsable de la rehabilitación, ha subrayado la “dificultad” del proyecto por partir de “una vivienda de arquitectura doméstica transformada en museo, que en el caso de estos locales partían de una arquitectura industrial”. Espacio que, además, “no tenía posibilidad de luz”, que han integrado a través de cubiertas, y luz artificial. Un factor especialmente relevante para la pinacoteca, teniendo en cuenta que Sorolla es considerado como el “pintor de la luz”.

La exposición temporal que podrá visitarse a partir de este jueves, dista mucho de ser una réplica del repertorio de cuadros que podían contemplarse en el palacete antes de su cierre. Está centrada en la arquitectura del edificio, pero se echa en falta más obra del pintor. La intención, según ha explicado el director del museo, Enrique Varela, es “ir sacando obra del almacén durante la programación de exposiciones”. Por lo tanto, por el momento habrá que esperar para reencontrarse o descubrir el grueso de las pinturas realizadas por Sorolla.

Acuerdo de la colección Sorolla en València

El mismo día de la presentación de la ampliación del Museo Sorolla en Madrid, la Generalitat ha anunciado su acuerdo con la Hispanic Society America para la exhibición de las más de 200 obras de la colección Sorolla en Valencia. El canon de las pinturas cerrado es por 15 años. Se trata de una de las colecciones más relevantes del pintor conservadas fuera de España, que podrán verse a partir de ahora en nuestro país.

El contrato asciende a 1.150.000 euros al año, por un plazo de quince anualidades. La colección incluye óleos, gouaches, dibujos, fotografías y esculturas.

El Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (MAS) acogerá este viernes, 16 de octubre, una nueva actividad del ciclo cultural 'El MAS en la calle', que en esta ocasión propone descubrir la historia, la transformación y la identidad del museo a través de un recorrido sonoro escrito por el historiador de arte, crítico y exdirector de la institución Fernando Zamanillo.

Bajo el título 'De Aquiles por la calle hacia el trabajo', la iniciativa, desarrollada por la compañía Ruido Interno, invita a los participantes a sumergirse en una experiencia que combina literatura, memoria, creación sonora y espacio arquitectónico, utilizando auriculares inalámbricos que permitirán seguir una narración concebida especialmente para esta actividad.

El recorrido sonoro toma como protagonista a un Aquiles cotidiano que sirve de hilo conductor para narrar la transformación del museo a lo largo de más de cuatro décadas.

La historia comienza en una mañana de primavera de 1983, cuando el protagonista se dirige a su puesto de trabajo en el antiguo AMAR. A través de sus pensamientos y recuerdos, el relato recupera el ambiente cultural y social de aquellos años, con referencias musicales a Las Vulpes, reflexiones sobre las vanguardias artísticas y evocaciones de la Ilíada de Homero.

En su segunda parte, la narración se traslada a una tarde de otoño de 2026. Aquiles, ya jubilado, regresa al edificio renovado que hoy alberga el MAS, estableciendo un diálogo entre dos momentos históricos y dos maneras de entender los espacios museísticos.

El texto propone así una reflexión sobre el paso del tiempo, la evolución de la institución, los cambios en la museografía y las distintas formas de experimentar el arte, utilizando la palabra y el sonido como herramientas para activar la memoria.

La experiencia, diseñada técnicamente por Ruido Interno, permitirá que la narración, los sonidos ambientales y el propio espacio del museo formen parte de una misma propuesta artística.

La actividad contará con tres pases: a las 18.30, 19.15 y 20.00 horas, con grupos reducidos de un máximo de 23 personas por sesión, para garantizar la calidad de la experiencia y el correcto funcionamiento de los dispositivos de audio.

La participación será gratuita y el acceso se realizará por estricto orden de llegada hasta completar el aforo de cada pase, ha informado en un comunicado el Ayuntamiento.

La concejala de Cultura, Noemí Méndez, ha destacado la participación de Fernando Zamanillo, figura estrechamente vinculada a la historia del museo, que, a su juicio, “aportará a este proyecto una mirada especialmente valiosa, construida desde el conocimiento, la experiencia personal y su compromiso con el patrimonio artístico de Santander”.

“Queremos que el MAS sea un espacio vivo, cercano y abierto a todos los públicos, donde las artes visuales convivan con la literatura, las nuevas tecnologías y las propuestas escénicas”, ha afirmado.

'El MAS en la calle' es una iniciativa impulsada por el Ayuntamiento de Santander en colaboración con agentes culturales para ampliar las posibilidades de encuentro entre el museo, la creación contemporánea y la ciudadanía.

La programación cuenta con la participación de Ruido Interno, compañía cántabra especializada en proyectos escénicos y audiovisuales, que aporta su experiencia en el desarrollo de propuestas culturales que combinan distintas disciplinas artísticas y recursos tecnológicos.

El ciclo continuará el 20 de noviembre con una experiencia inmersiva de realidad virtual que propondrá nuevas formas de percibir e interpretar los espacios artísticos.

El Museo de Historia Natural de Londres ha presentado las imágenes finalistas de su emblemático concurso Wildlife Photographer of the Year, que este año celebra su 62º aniversario. Los ganadores han sido dados a conocer este mes en una ceremonia en el Museo londinense, que inaugurará su nueva exposición este viernes 16 de octubre con fotografías de la naturaleza capturadas por fotógrafos de todo el mundo.

Este año, el certamen ha vuelto a batir récords con 65,403 imágenes de 121 países, casi 5.000 fotografías más que en la última edición que han sido evaluadas por un panel internacional de expertos y fotógrafos que valoraron la creatividad, la originalidad o la excelencia técnica de cada obra.

Entre las imágenes escogidas como las mejores del año se encuentran por ejemplo un tritón de California guardando sus huevos en una pose protectora, una pareja de picozapatos recogiendo plantas y tierra para formar su nido en Uganda, una curiosa imagen de un elefante duchando a un grupo de cebras y jirafas en una charca de agua en la sabana de Kenia, un escorpión escondiéndose en la arena del desierto de Rajastán, en la India, o el cuerpo de un puma atado sobre una valla de madera y alambre en la Patagonia argentina.

El reconocimiento principal ha recaído esta vez en una instantánea del fotógrafo italiano Federico Veronesi llamada 'Aftermath' (Secuela) y que ha logrado captar con su objetivo un curioso a la vez que trágico momento en el que una hembra de elefante carga en su trompa a su cría fallecida en el margen de un río seco en Namibia.

Según explican desde el Museo de Historia Natural londinense, comportamientos similares de elefantes respecto de la muerte de sus seres queridos han sido observados tanto en elefantes asiáticos como africanos. En ocasiones se les ha podido ver realizando sonidos particulares, guardando a sus muertos, inspeccionándolos o tomando sus huesos así como, igual que en este caso, transportando a los fallecidos. Algunos investigadores sugieren que este tipo de comportamientos indican el camino de un elefante para comprender la muerte, mientras que otros interpretan este tipo de acciones como posibles muestras de dolor.

Gran Canaria contará con un Instituto para la Gestión Integral de los Museos de la isla después de que el Pleno del Cabildo de Gran Canaria haya aprobado este jueves, en sesión extraordinaria, el reglamento orgánico que establece su marco jurídico y organizativo.

El nuevo Instituto de Museos de Gran Canaria permitirá organizar y coordinar de forma conjunta los siete centros museísticos dependientes del Cabildo insular, entre ellos el Museo de Bellas Artes (MUBEA), cuya inauguración está prevista para este mes de diciembre, según ha informado la corporación insular en un comunicado.

Bajo la estructura del nuevo Instituto se administrarán la Casa de Colón, la Casa-Museo Pérez Galdós, el Museo y Parque Arqueológico Cueva Pintada, la Casa-Museo Antonio Padrón, la Casa-Museo León y Castillo, la Casa-Museo Tomás Morales y el mencionado MUBEA.

El acuerdo aprobado por el Pleno insular, con el voto a favor del grupo de gobierno (NC-PSOE), establece el marco jurídico y organizativo de Museos de Gran Canaria, un órgano especializado que asumirá la gestión de los museos insulares con el objetivo de unificar procedimientos administrativos, coordinar recursos y facilitar la planificación de las actividades vinculadas a la conservación, investigación y difusión del patrimonio cultural.

En este sentido, el presidente del Cabildo de Gran Canaria, Antonio Morales, ha afirmado que la creación del Instituto «supone un paso importante para fortalecer y modernizar la gestión de nuestra red museística».

Funciones del Instituto de Museos de Gran Canaria

Entre las funciones de este nuevo órgano de gestión se encuentran la protección, catalogación, restauración y exhibición del patrimonio, así como la promoción de actividades educativas, culturales y científicas y el establecimiento de relaciones de colaboración con otras instituciones.

El Instituto contará con un Consejo de Administración, formado por un máximo de nueve miembros, con representación institucional y técnica; una Presidencia y una Gerencia, además de un Consejo Técnico, en el que participarán las direcciones de los museos para facilitar su coordinación y la elaboración de la programación, así como para identificar las necesidades.

El reglamento aprobado contempla también la posibilidad de constituir órganos de colaboración municipal, participación ciudadana y asesoramiento científico.

Asimismo, prevé una Comisión Ciudadana de Participación, un Comité Museístico Municipal y un Comité Científico Asesor, concebidos como espacios de consulta, colaboración y formulación de propuestas.

De esta manera, y con esta nueva estructura, se podrán abordar de manera conjunta las necesidades de los siete museos insulares, manteniendo la identidad y las particularidades de cada centro y favoreciendo la coordinación de los recursos destinados a la conservación, investigación y difusión del patrimonio cultural de Gran Canaria, concluye el Cabildo en su comunicado.

La censura también dejó su rastro en las carteleras de Viena, donde las corrientes antiliberales y antidemocráticas fueron estrechando las posibilidades de expresión de los teatros. Hoy, aquellos programas de mano y carteles sirven para reconstruir una actividad cultural que llegó a disfrutar de prestigio internacional.

La Biblioteca Municipal de Viena conserva unas 250.000 piezas relacionadas con más de 300 teatros, en una colección que arranca en 1720 y alcanza la actualidad. Hasta los anuncios de una función pueden contar una historia política.

Dos instituciones abrieron sus archivos a voluntarios

Ese patrimonio forma parte de una iniciativa más amplia que la Wienbibliothek im Rathaus y el Wien Museum pusieron en marcha en 2022 mediante la plataforma crowdsourcing.wien. El proyecto invita a ciudadanos voluntarios a descifrar manuscritos históricos y convertirlos en documentos consultables por investigadores y público general. La propuesta busca abrir colecciones cuyo contenido resulta difícil de recuperar debido a las antiguas formas de escritura.

Los cuadernos de cocina también tienen sitio en esta recuperación documental, con 44 recetarios manuscritos que reúnen más de 7.700 páginas. Sus instrucciones permiten estudiar la alimentación doméstica y las costumbres culinarias desde el siglo XVIII hasta comienzos del XX.

Entre sus autores predominan las cocineras, las amas de casa y las estudiantes de economía. Una parte de esos volúmenes llegó a las colecciones vienesas mediante el legado de Franz Ruhm, cocinero conocido por su trabajo en la radio y la televisión, que vivió entre 1896 y 1966.

Las cartas recorren las transformaciones políticas de Viena

La correspondencia privada permite recorrer otros episodios de la historia de Viena, desde la expansión urbana del siglo XIX hasta las tensiones políticas anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Entre las cartas figuran testimonios de la época en que se construyó la Ringstrasse y se celebró la Exposición Universal en el Prater. También aparecen documentos de la Primera Guerra Mundial y de la posterior etapa de la Viena Roja. Los fondos incluyen escritos de la escritora Marie von Ebner-Eschenbach, de Marianne Hainisch y de integrantes de la familia Strauss.

Una carta fechada el 13 de enero de 1920 muestra hasta qué punto los problemas domésticos podían atravesar fronteras en la Europa de posguerra. Emma Fridezko escribió desde Londres a su hermano, el escritor y crítico Karl Kraus, para comunicarle el envío de alimentos destinados a aliviar las dificultades de Viena.

El paquete contenía pastel, sardinas, chocolate y galletas, junto con extracto de carne Bovril y un preparado de malta. Pesaba alrededor de cinco kilos, pero jamás llegó. Kraus dejó sobre la carta una anotación escueta, “no recibida”. El episodio pertenece a una época de inflación, racionamiento y escasez.

La Wienbibliothek conserva más de 200.000 piezas de correspondencia acumuladas a lo largo de cinco siglos, aunque solo una parte ha llegado hasta ahora a la consulta digital. La plataforma permite acceder a más de 40.000 cartas de distintos periodos comprendidos entre 1850 y 1934. Entre los conjuntos incorporados figuran manuscritos de 1914 a 1919 y de 1920 a 1934.

Leerlos exige enfrentarse a la escritura Kurrent, una antigua cursiva alemana, y en ocasiones a textos manuscritos en latín. Reconocer las letras constituye apenas el comienzo del trabajo.

Unas 2.000 personas colaboran con la digitalización

La participación ciudadana ha reunido alrededor de 2.000 personas registradas, de las cuales varios centenares colaboran activamente en la lectura y comprobación de documentos. Algunos participantes, denominados por la biblioteca Power-User, acumulan miles de transcripciones y verificaciones.

Alexandra Egger, responsable de digitalización de la institución, vincula esta labor con la apertura de conocimientos antes reservados a un grupo reducido de especialistas. Las aportaciones necesitan varias confirmaciones independientes antes de incorporarse a la biblioteca digital, donde podrán buscarse por su contenido.

Dos veces al año, el llamado Crowdsourcing Café reúne presencialmente a los colaboradores en el Ayuntamiento de Viena, dando también una dimensión social a una tarea que habitualmente realizan ante una pantalla.

El Museo de Bellas Artes de Bilbao está de cumpleaños. Justo este 5 de octubre celebra su 118 aniversario, pero luce más moderno que nunca, lleno de luz y con amplios espacios que se erigen hacia el cielo casi desafiando la gravedad sobre el edificio antiguo que se inauguró en 1945 que se ha mantenido intacto, mezclando en perfecta armonía el antes y el después, el pasado, el presente y el futuro de una pinacoteca que es parte de la historia de Bilbao y que reivindicaba su espacio y protagonismo en la ruta del arte de la capital vizcaína casi eclipsado por el huracán Guggenheim.

El antiguo museo quería transformarse como lo ha hecho Bilbao, mirando al futuro sin perder su esencia, y Norman Foster lo ha hecho posible. El arquitecto británico, muy ligado a la transformación de la ciudad, ha sido el artífice de conseguir un Bellas Artes con la magia de ser un edificio reinventado, en el que el antes persiste, pero en el que nada es igual. Justo en su cumpleaños se ha reinaugurado el edificio oficialmente, después de cuatro años de obras, con la presencia del arquitecto, que se ha mostrado orgulloso de su nuevo 'hijo', y que ha compartido protagonismo con los representantes de las distintas instituciones que han hecho posible la reforma y con el director de la pinacoteca que la ha capitaneado, Miguel Zugaza.

Como hizo hace más de treinta años con el metro de Bilbao, del que Norman Foster diseñó sus estaciones y las icónicas entradas que todo el mundo conoce como 'fosteritos' en honor a su diseñador, el arquitecto británico deja en el Bellas Artes un nuevo sello que será ya seña de identidad de la capital vizcaína. “Siguiendo la gran tradición de Bilbao, una ciudad con una rica historia industrial y una extraordinaria capacidad para reinventarse, este proyecto busca tender puentes entre el pasado, el presente y el futuro. El nuevo y flexible edificio mira hacia el porvenir y responde a la naturaleza cambiante del arte contemporáneo, al tiempo que respeta la histórica trayectoria del emplazamiento”, ha señalado el arquitecto, de 91 años. “El diseño refuerza el papel de la institución como uno de los principales atractivos cívicos de la ciudad, mejorando la permeabilidad, ampliando las salas de exposición y creando un nuevo corazón social”, ha indicado destacando la colaboración institucional que ha permitido llevar a buen término estas obras con las que Foster ha trabajado en colaboración el equipo de un arquitecto bilbaíno, Luis María Uriarte.

El proyecto Agravitas, como se ha denominado a la ampliación, ha supuesto una inversión de 45 millones de euros financiada con fondos de aportados por las tres entidades fundadoras del museo: el Ayuntamiento de Bilbao, la Diputación Foral de Bizkaia y el Gobierno vasco, que contribuyen a partes iguales a la financiación, además de la fundación BBK, que da nombre a una de las nuevas galerías de la ampliación BBKmuseoa.

En el acto de inauguración, en el que no ha faltado la música y la danza, además de Norman Foster, ha participado el lehendakari, Imanol Pradales, que ha destacado la importancia del arte: “En estos tiempos de incertidumbre, necesitamos más que nunca que el arte nos ayude a hacernos las preguntas adecuadas y nos acompañe en este complicado camino que nos está tocando vivir”. Pradales ha recordado que a lo largo de la historia, como sociedad, “en no pocas ocasiones, se ha considerado el arte como algo accesorio”. Es decir, algo que está bien promocionar “cuando las necesidades verdaderamente importantes ya están cubiertas”. En este sentido ha señalado que se ha considerado que “un hospital, un centro escolar, un bloque de viviendas o, incluso, un aparcamiento público, debían ocupar un lugar preferente frente a un museo”. Por ello, ha mostrado su agradecimiento a “todas esas personas que se rebelaron contra esa idea cuando dijeron que el arte no era un adorno ni algo de lo que se podría prescindir”. “Nos enseñaron que era capaz de transformar toda una realidad y todo un país”, ha indicado, recordando que en cierto modo Bilbao y en cierto modo Euskadi se ha transformado gracias al 'efecto Guggenheim'.

Tras resaltar que Euskadi, como pueblo, “sabe que un museo como el Bellas Artes vale lo que un hospital, una escuela o una universidad porque es un espacio para conectar”, ha apuntado que es también “un lugar reservado para el pensamiento, la belleza, la crítica, la reflexión o la imaginación”. Y que es necesario impulsar “proyectos culturales y transformadores” como la renovación del Bellas Artes de Bilbao para “para lograr el objetivo de elevar la cultura al mismo nivel de relevancia que la sanidad, la educación, o la protección social”. 

La vicelehendakari y consejera de Cultura, Ibone Bengoetxea, ha recordado que el Bellas Artes “nació fruto de un acto de confianza y esta ampliación es otro acto de confianza”, para reinventarse e iniciar una nueva etapa: “El deseo de transformación y de proyección al futuro”. Por su parte, el alcalde de Bilbao, Juan Mari Aburto, ha asegurado que esta nueva etapa “es la continuidad de una apuesta colectiva iniciada hace un siglo” y que, en este tiempo, ha sabido acompañar a la ciudad en su evolución y convertirse en una institución artística con vocación internacional pero firmemente arraigada en Bilbao y su entorno“.

Aburto se ha dirigido al director del museo, Miguel Zugaza, para trasladarle que, como alcalde, “fue un privilegio iniciar este proyecto de ampliación” de su mano. “Y es un regalo terminarlo con él. Antes teníamos un gran museo y ahora tenemos uno extraordinario en un gran edificio”, ha señalado. Por su parte, la diputada general de Bizkaia, Elixabete Etxanobe, ha asegurado que este proyecto de ampliación confirma que “la cultura sigue ocupando un lugar importante en Bizkaia” y ahora, además, “se ha ganado espacio para recibir a más artistas, obras y visitantes que antes no tenían cabida”. Se ha mostrado convencida de que, como en otros sectores económicos, “Bizkaia tiene que atraer talento, también desde la cultura porque genera riqueza en el territorio”.

Una ampliación de 6.000 metros cuadrados  

El museo renovado diseñado por Norman Foster y Luis María Uriarte suma un tercer espacio a los dos ya existentes, el ala bautizada como Agravitas, que flota como un puente sobre los edificios originales, salvando 55 metros de altura sin tocarlos, salvo para su restauración. El nivel superior alberga una nueva y amplia galería diáfana, sin columnas.

La transformación se descubre en el atrio Arriaga, limitado por una de las dos grandes estructuras de pilares en V que sostienen la nueva arquitectura. Desde el exterior, el atrio es visible a través del gran muro cortina acristalado que refleja los árboles centenarios del parque. En el interior, una gran superficie volada de más de 2.500 metros cuadrados aloja un óculo de seis metros de diámetro que descubre la profundidad de las dos plantas de Agravitas y bajo el que está colocada la escultura la 'musa de Arraiga', obra de Francisco Durrio, que antes estaba en el exterior y que pasa a situarse ahora en esta sala que propio arquitecto define como “el corazón del museo”. A 11 metros de altura, la amplia cubierta de lamas blancas se proyecta también en la segunda estructura de pilares situada en el parque de Doña Casilda Iturrizar.  

El museo toma forma en tres edificios que responden a diferentes tiempos del arte y de la ciudad. El primero -diseñado en estilo historicista por Gonzalo Cárdenas y Fernando Urrutia- se inauguró en 1945 y sirvió para alojar los tres museos creados en las primeras décadas del siglo XX: el de Bellas Artes, el de Arte Moderno y el de Reproducciones. El segundo, en el que Álvaro Líbano y Ricardo Beasco siguieron el lenguaje racionalista del movimiento moderno, se levantó en 1970 y fue el primero en España dedicado al arte contemporáneo. En 2001 una reforma de Luis María Uriarte mejoró los accesos y la circulación interna con una nueva galería acristalada hacia el parque. Ahora, uniendo el conjunto, se eleva la arquitectura de 2026.  

Estas tres arquitecturas diferentes permiten crear hasta 13 espacios diferenciados dedicados a la exhibición del arte, su estudio y conservación, accesibles a los más diversos públicos y usuarios de un museo que conserva más de 18.000 obras de arte antiguo, moderno y contemporáneo, internacional, español y vasco. Es, al mismo tiempo, una colección de colecciones, formada por importantes legados y donaciones, que constituyen casi el 70% de sus fondos.   

La presentación de esta amplia colección es la principal baza de la del programa inaugural que se abre ya este martes para el gran público. El homenaje al gran coleccionista y benefactor del museo Plácido Arango y la colección de artistas que viajaron a Ultramar de Patricia Phelps de Cisneros dan la bienvenida al público en las respectivas entradas de los edificios de 1945 y 1970. En esos mismos edificios se muestra la historia del arte que conserva el museo, desde el siglo IV antes de Cristo hasta la actualidad. Con el título Bildu(e)mak -un juego de palabras en euskera con los términos ‘bilduma’ (colección) y ‘emak’ (mujeres)-, cerca un millar de obras pone especial atención al arte creado por mujeres.   

Otro fondo donado, un conjunto de dibujos de Rafael Ruiz Balerdi, inaugura el Gabinete Gondra Barandiarán, donde se irá mostrando la colección de obra gráfica y de fotografía del museo. Finalmente, el espacio Ikuspuntua /Observatorio ofrecerá un lugar de reflexión a través de la obra de Jorge Oteiza. BBKmuseoa es la galería principal del nuevo edificio diseñado por Norman Foster. Un espacio diáfano de 1.500 metros cuadrados y seis metros de altura que se prolonga en sus lados norte y oeste en una terraza perimetral de más de 500 metros cuadrados que ofrece una experiencia privilegiada del entorno urbano y natural del museo. La galería acoge la instalación sonora 'Respiración oceánica', de Itziar Okariz (1965), junto con otras propuestas artísticas de las primeras décadas del siglo XXI cercanas a su contexto, de June Crespo, Ibon Aranberri, Sergio Prego, Ana Laura Aláez, Gema Intxausti o Erlea Maneros, entre otros. En la terraza se presentan tres esculturas monumentales del artista británico Anthony Caro (1924-2013): Toronto Flats y Low Line Flats, donadas por la familia Foster, y Africa, cedida en comodato por la Colección Arango.

La Chola Poblete tenía 18 años cuando sus tías le invitaron a pasar unos días en Madrid. Ella vivía en Mendoza, en Argentina, y visitar el Museo del Prado le hizo darse cuenta de qué era lo que quería ser: artista. “Venía de un lugar superhumilde, donde en ese momento ser gay o pensarse trans era lo peor del mundo. Llegar acá, conocer Chueca, ir a sus bares, ver a drag queens, travestis, personas no binaries, toda esa disidencia, me abrió otro mundo y volvía a casa mucho más plantada a tierra, y entendiendo quién quería ser”, recuerda en su reencuentro con la ciudad, en la que ahora disfruta de dos exposiciones sobre su obra: “Me genera piel de gallina sentir que cierro un ciclo”.

La Chola Poblete, considerada como una de las artistas latinoamericanas más importantes de su generación, combina en su trabajo pintura, escultura, instalación y performance.

A través de ellos ha confeccionado su propio lenguaje e iconografía, con los que interviene en los imaginarios históricos y contemporáneos para explorar las ambigüedades del relato del pasado. También critica la exotización de los pueblos originarios en el discurso actual. Y lo hace poniendo su propio cuerpo por delante cuando ha hecho falta.

Travesía Cuatro acoge su primera exhibición individual en una galería española, titulada Marrón Barroco, que podrá visitarse hasta el próximo 7 de noviembre. En ella se exponen obras de pintura y fotografía, incluidos sus característicos collages, que incluyen cartas de amor, una bandera de Palestina, y mensajes como “existo porque resisto”, “no se puede descolonizar sin despatriarcalizar”, “la tierra no se vende, no se quema ni se desaloja” y “pachamama, no los perdones porque saben lo que hacen”.

Por otro lado, La Casa Encendida exhibirá hasta el 10 de enero de 2027 Continentes como semillas, en la que la obra de La Chola Poblete se combina con la de Niño de Elche y Pedro G. Romero. Las prácticas de los tres artistas trazan nuevas lecturas de las historias coloniales y las formas de resistencia que atraviesan, combinando sonoridad, escultura, dibujo y performance. A través de ellas exploran los procesos de apropiación, borrado y transformación que han configurado identidades, cuerpos e imaginarios. “Siento que con ambas exposiciones estoy cerrando desde un lugar psicomágico la gran pregunta de quién quería ser”, reconoce la argentina.

Hacer lo que te dé “la gana” como seña de identidad

La versatilidad de La Chola Poblete se expande hasta por las paredes de la galería Travesía Cuatro, que ha pintado a propósito de su exposición, como si formaran igualmente parte de la muestra. “Siempre he sido una persona muy curiosa, y eso me ha llevado a ser lo que me ha dado la gana”, reconoce para describir cómo ha convertido el “cliché de que el arte es libre y que cada uno puede hacer lo que quiera” como una seña de identidad de su arte. En sus inicios estuvo muy ligado a la performance, con su cuerpo como elemento central, a través del que respondía al “cuestionamiento identitario” que la atravesaba.

La artista cuenta que hubo un momento en el que se “cansó” de exhibirse, y entraron en juego los dibujos en los que actúa como una “recolectora”. “Me interesa mucho el under y la noche, porque siento que ahí he encontrado a las personas más increíbles, con historias increíbles”, comenta.

De ahí a que se haya “apropiado de las puertas de los baños y de las calles”, porque le permite “traer lo que es de la calle hacia dentro, para que las galerías e instituciones no sean tan expulsivas y no requieran tener a un espectador elitista, preparado y con herramientas de lo que es el arte, donde una pueda sentirse cerca”. Entre los elementos reconocibles de La Chola Poblete en sus collages están desde pegatinas de bandas de rock a piezas que cualquiera puede encontrar en una iglesia.

“Hackear” los museos

La argentina, que expuso en la Bienal de Venecia en 2024, sostiene que de venir del “under” y ser una artista “disruptiva”, le interesa “ir al choque y hablar desde una posición política y del activismo”, defendiendo que “es importante seguir ocupando espacios, y así como se habla de colonialismo, ir conquistando lugares”.

La Chola Poblete es consciente de que hay quien, “quizás algunas personas más anarco”, que piensen que es “una vendida”: “No lo soy. Pienso que si no ocupo yo galerías y museos, ¿quién lo hará? Finalmente, sigo siendo una artista travesti de Suramérica. En una galería tengo el privilegio de ser una artista y que todo el mundo me lea y me festeje como artista. Pero luego, cuando salgo y voy al súper, soy una travesti y punto”.

El debate en torno a la descolonización de los museos es global y también local, desde que el ministro de Cultura español, Ernest Urtasun, prometiera trabajar en ello al comienzo de la legislatura. La Chola Poblete considera que este interés tiene que ver con una “cuestión de agenda, de querer ser más inclusivos, desarmados y deconstruidos”. La argentina ensancha las miras para, entendiendo esta posible apertura como una “oportunidad” para que cualquier persona disidente entre en estos espacios, ha de aprovecharla para “hackear esa institución y mantener el mensaje que tiene en la calle”.

“Hay que inventarse un código, un camuflaje para poder seguir habitando estos lugares. Porque finalmente, si no estamos ahí, siempre vamos a quedarnos donde quieren que estemos, en el lugar de lo marginal”, reivindica.

“La derecha está arrasando con todo”

La Chola Poblete vive en Buenos Aires, donde asegura que lo que se está “viendo y viviendo es aterrador”: “Hay un claro mensaje de odio hacia el sector popular, hacia las disidencias. Un mensaje transfóbico y homofóbico, peor también hay un recorte, un borramiento de lo que es la clase media y ahora solo puede verse a ricos y a pobres”.

La artista pone como ejemplo el caso de su madre y su hermana, que trabajan ambas como empleadas domésticas, y cobran 200 euros al mes. “Así no se puede vivir”, zanja. Ella intenta ayudarlas económicamente cuando puede, pero sabe que es una situación excepcional que muchas otras personas no pueden llevar a cabo.

Habla por ella misma al reconocer que mucha de la gente que emigra lo hace con “el sueño de una nueva oportunidad”, en parte para poder “juntar plata que enviar a sus familiares y que puedan tener una vida más confortable, pero la derecha está arrasando con todo, y no solamente en estas cuestiones vitales, sino desde un lugar ideológico”: “Hay una generación que no tiene mucha conciencia del pasado y eso es muy fuerte”. Borrados, falta de información, incluso de legado, que ella intenta paliar, recrear, reconstruir y reinventar, con su arte.

El consejero de Cultura, Turismo y Deportes, Laureano León, ha mantenido una reunión de trabajo con el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, en la que ha trasladado al Gobierno central la necesidad de reforzar la colaboración institucional para avanzar en asuntos de especial relevancia para Extremadura, situando como gran prioridad el impulso definitivo al futuro Museo Visigodo en Mérida.

Durante el encuentro, el titular extremeño ha defendido la importancia de hacer realidad este espacio, concebido como un referente clave para la investigación, conservación, difusión y puesta en valor del legado visigodo, reclamando una implicación real del Ministerio para desbloquear un proyecto histórico para el patrimonio de la comunidad.

Más allá del Museo Visigodo, la reunión ha servido para poner sobre la mesa otras demandas urgentes en materia de infraestructuras culturales. Entre ellas destaca la solicitud de una línea de financiación especial destinada a reforzar la seguridad de los museos de titularidad estatal gestionados por la Junta, como el Museo Arqueológico Provincial de Badajoz, ante las alertas de seguridad trasladadas por Europol.

Asimismo, el consejero ha abordado el mantenimiento de la red de Bibliotecas del Estado en la región, pidiendo apoyo ministerial para su conservación y modernización —con especial atención a los sistemas de climatización, que sufren fallos cuando se registran altas temperaturas—.

Por su parte, el ministro ha tomado nota de las principales propuestas planteadas por el Ejecutivo extremeño en un encuentro enfocado en fortalecer el diálogo y la cooperación entre administraciones para proteger la riqueza cultural de la comunidad.

La talla de la Virgen de la Manzana, procedente del retablo del monasterio de San Millán de Suso y robada en 1963, ha vuelto a La Rioja. El proceso de devolución ha sido posible gracias a la colaboración entre el Ministerio de Cultura, el Gobierno de La Rioja y la Junta de Andalucía, y ha contado con la participación del Museo de Málaga y el Museo de La Rioja.

La Virgen de la Manzana fue robada durante la noche del 4 al 5 de agosto de 1963 y recuperada dos años después en Poitiers (Francia). Tras su restauración por el que hoy es el Instituto del Patrimonio Cultural de España (IPCE), fue identificada únicamente como ‘Virgen con niño’, perdiéndose la referencia a su procedencia.

La talla fue depositada entonces en el Museo de Málaga. Allí fue recientemente identificada como la Virgen procedente del retablo de San Millán de Suso, lo que permitió el inicio del proceso de devolución que ahora concluye.

Expuesta en el Monasterio de Yuso por la exposición AutorIA

La talla gótica, que pasará a formar parte de las colecciones estatales del Museo de la Rioja, podrá verse desde el 30 de septiembre al 10 de enero en la exposición ‘AutorIA: La Rioja, tierra del español’ que acoge el monasterio de Yuso y que ha sido el fruto de la colaboración entre el Ministerio de Cultura, el Gobierno de La Rioja y la Junta de Andalucía, con la participación del Museo de Málaga y el Museo de La Rioja.

La exposición incluye también otros bienes de excepcional relevancia como el brazo de la cruz de marfil de San Millán del siglo XI, prestado por el Museo Arqueológico Nacional y que permite reunir por primera vez los tres brazos conservados de esta obra, junto a los procedentes del Museo del Louvre.

Por su parte, el Archivo Histórico Nacional aporta el Códice Patrístico, el más antiguo de los elaborados en el scriptorium emilianense, que contiene 22 glosas en el primer romance hispano. La exposición reúne además piezas procedentes de instituciones nacionales e internacionales como el Museo del Prado, la Real Academia Española, la British Library y el Museo del Louvre.

‘Abierto por restauración’ en el Monasterio de Suso

Coincidiendo con la apertura de la exposición, el Ministerio de Cultura, a través del Instituto del Patrimonio Cultural de España, organizará visitas guiadas al monasterio para conocer los trabajos de restauración que se están realizando en el enclave.

Esta iniciativa, que ya fue impulsada por el Ministerio de Cultura en el verano de 2025 y recibió más de mil visitantes, ofrece al público la posibilidad de realizar un recorrido guiado por el interior del edificio, así como el acceso a la torreta de andamio habilitada para las visitas turísticas.

La intervención de emergencia en el conjunto monástico que está llevando a cabo el IPCE, iniciada en diciembre de 2024 y que cuenta con una inversión de más de 4,5 millones de euros, tiene como objetivo la eliminación de humedades, la correcta gestión de las aguas del entorno y la consolidación del edificio y del terreno, para garantizar su conservación. Además, se está actuando sobre las cubiertas y otros elementos afectados, para lo cual se ha instalado una sobrecubierta temporal que permite proteger al conjunto.

Monasterios de Suso y Yuso

El monasterio de Suso, fundado en torno al oratorio y las reliquias de San Millán, fue una de las primeras comunidades monásticas hispánicas y se convirtió en un importante centro religioso, cultural y lingüístico.

El edificio, cuya cabecera aún en pie es de estilo mozárabe (siglo IX), fue posteriormente ampliado en el siglo X y finales del XI, ya en estilo románico. En él se escribieron importantes textos medievales como las glosas emilianenses, que marcan el nacimiento del idioma español. Aunque su difícil ubicación motivó la construcción del Monasterio de Yuso, Suso siguió siendo un lugar de estudio y retiro, y fue también cuna del primer poeta conocido en lengua castellana, Gonzalo de Berceo.

El conjunto monástico de San Millán de la Cogolla, formado por los Monasterios de Suso y Yuso, fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1997, y destaca por su impacto religioso y cultural en La Rioja y Navarra, y su vinculación con el origen de la vida monástica en España y la lengua castellana.

En el número 36 de Via Laietana, en pleno casco histórico de Barcelona, ha abierto desde hace poco un espacio ideal para curiosos pero, sobre todo, para todos los amantes del patrimonio cafetero. Detrás del hábito diario de tomar un espresso se esconde una historia que explica nuestra evolución social. El Museo del Café de la capital catalana ha nacido para rescatar este patrimonio invisible acumulado a lo largo de dos siglos. Mediante un recorrido interactivo, el visitante descubre cómo la artesanía y la tecnología han transformado el grano crudo hasta la taza final. Esta propuesta invita a sumergirse en la rica memoria de una bebida icónica.

El origen de esta colosal colección privada se remonta a más de tres décadas de dedicación, fruto de la pasión de Giuseppe Panasiti y su familia. Tras instalarse en Barcelona en 1994, Panasiti detectó la ausencia de la cultura del espresso italiano y fundó una conocida cadena. En paralelo a su negocio, empezó a reunir máquinas históricas, molinillos antiguos, latas y carteles publicitarios de época. Con el tiempo, la cantidad de objetos reunidos desbordó sus locales comerciales, lo que motivó la creación de este magnífico museo abierto a la ciudadanía.

Distribuido en dos plantas, el recinto alberga más de dos mil piezas históricas recuperadas tras años de búsqueda por diferentes países del mundo. Cerca del 80% procede de colecciones privadas internacionales y ha sido minuciosamente restaurado para lucir su esplendor original. Además, las instalaciones acogen una biblioteca especializada con más de 1.200 volúmenes dedicados a la divulgación de la cultura cafetera. Este impresionante conjunto patrimonial consolida al centro como uno de los espacios dedicados al café más relevantes y completos de Europa.

Entre los elementos más espectaculares destaca un monumental molinillo de café fabricado en Inglaterra para la Gran Exposición Universal de Londres de 1862. Esta joya de la ingeniería victoriana conserva el sello oficial de la casa real británica concedido en tiempos de la reina Victoria. Antes de incorporarse a la colección barcelonesa, la imponente estructura estuvo expuesta en los célebres almacenes Harrods en Londres y Buenos Aires. Sus sorprendentes dimensiones y su elegante acabado ornamental la convierten en uno de los grandes atractivos de la visita.

El apartado dedicado a las joyas del diseño y la televisión reserva sorpresas inolvidables para los visitantes de todas las edades. Entre las máquinas expuestas brilla la cafetera Gaggia original que formó parte del emblemático escenario del Central Perk en la serie Friends. Junto a ella se exhibe una rarísima Victoria Arduino Extra de 1910, de la que solo se fabricaron cinco unidades en el mundo y que prestó servicio en el Hotel Le Negresco de Niza. También se rinde homenaje al patrimonio catalán con piezas como la cafetera Solac de 1916.

Lejos de ser un itinerario puramente contemplativo, la propuesta museística está concebida para activar los sentidos del público durante el recorrido. Un intenso aroma a grano recién molido envuelve al visitante desde su llegada, acompañado por el sonido de los viejos mecanismos y el vapor en funcionamiento. Los asistentes tienen la oportunidad única de accionar máquinas originales de los años cincuenta para preparar su propio espresso tradicional. Este enfoque interactivo permite experimentar los gestos rituales que han acompañado la elaboración del café durante generaciones.

Olerlo y probarlo

El recorrido culmina en la zona de cafetería y degustación situada en la entrada del edificio, un espacio independiente ideado para el disfrute gastronómico. Allí se sirve la mezcla exclusiva Supercrema Blend, desarrollada para el centro con un 70% de grano arábica y un 30% de robusta. Esta combinación busca recuperar la textura cremosa y el perfil intenso característicos del clásico espresso italiano. Asimismo, los visitantes pueden probar selecciones de origen procedentes de Brasil, Etiopía o Colombia mientras disfrutan del ambiente del centro.

Abierto todos los días, el centro se afianza como un nuevo referente cultural urbano. Su excelente ubicación frente a la Catedral refuerza la atractiva oferta turística y patrimonial del casco histórico barcelonés. La iniciativa pone de manifiesto que detrás de cada taza existe una fascinante historia de innovación, artesanía y relaciones humanas. Sin duda, este singular museo ofrece una experiencia enriquecedora que mantendrá bien despierta la curiosidad y el entusiasmo de todos sus visitantes.

El Gobierno de La Rioja, a través de la Dirección General de Cultura, ha presentado este martes 29 de septiembre, la nueva programación del Museo de La Rioja y del Museo Etnográfico-Casa Encantada de Briones para los próximos meses, con una propuesta que combina divulgación, participación y entretenimiento para acercar las colecciones y el patrimonio riojano a públicos de todas las edades. Entre octubre y enero, ambos espacios ofrecerán talleres prácticos, visitas guiadas, actividades familiares, música, ciencia, teatro y propuestas específicas para las vacaciones escolares, estructuradas en siete grandes bloques.

La directora del Museo de La Rioja, Rocío Coletes, ha destacado que la nueva programación está “dedicada, como siempre, a todos los públicos, a toda la sociedad, tanto riojana como la que nos visita”, y ha subrayado, además, la dimensión económica de la actividad cultural. En este sentido, ha señalado que en la ejecución de las propuestas participarán siete empresas, lo que “resulta indicativo de cómo desde el museo y desde la Dirección General de Cultura promovemos el trabajo, el empleo cultural, el empleo de todo tipo, evidenciando así que la cultura tiene su impacto económico en el territorio”, ha añadido.

Por su parte, el director general de Cultura, Roberto Iturriaga, ha puesto en valor el trabajo que desarrolla a diario el equipo del Museo de La Rioja para consolidarlo “como un referente de la cultura, como museo cercano, como museo accesible, como un espacio vivo”. En este sentido, ha señalado que la programación complementa las colecciones y exposiciones del centro con “una variedad de actividades” que permiten ampliar las formas de acercamiento al museo.

El Museo de La Rioja mantiene su Programa de Dinamización Pedagógica, dirigido a alumnado de Infantil, Primaria, Secundaria, Bachillerato y Formación Profesional. Las sesiones, de entre 60 y 120 minutos según el nivel educativo, se desarrollan a las 9:30 y 11:30 horas y combinan recorridos participativos por las salas con talleres prácticos y dinámicas adaptadas a cada grupo.

La programación dirigida a familias y adultos propone, además, una aproximación práctica a diferentes aspectos de la historia y el patrimonio. Las actividades tienen un máximo de 14 participantes y se desarrollan los sábados a las 12:00 y 17:00 horas y los domingos a las 12:00 horas para familias con niños de 6 a 13 años acompañados por un adulto. Para adultos, las sesiones serán los sábados a las 10:30 y 18:00 horas y los domingos a las 10:30 horas.

La primera propuesta será ‘Remedios de nuestros mayores’, los días 10 y 11 de octubre, dedicada a las recetas medicinales tradicionales y a los conocimientos transmitidos entre generaciones. Los días 24 y 25 de octubre, ‘Los aromas de la Edad Media. Inciensos del Camino’ permitirá acercarse a los usos de hierbas, resinas e inciensos en el contexto medieval y elaborar un incienso artesanal.

En noviembre, los días 7 y 8, ‘Las cuerdas del pasado: taller de bastidor de piel’ recuperará técnicas relacionadas con la elaboración de cuerdas y el trabajo de las pieles, mientras que los días 21 y 22 ‘Muros con historia: pintura mural al yeso seco’ acercará a los participantes a las técnicas tradicionales de pintura mural.

El programa continuará en diciembre con ‘Arqueochef: dulces de invierno, entre Roma y la Edad Media’, los días 12 y 13, y ‘Arte rupestre en acción: taller de grabado lítico’, los días 19 y 20. Ya en enero, los días 16 y 17, ‘Cuadernos del peregrino: tu compañero de viaje’ propondrá elaborar un cuaderno inspirado en los utilizados por los peregrinos, mientras que los días 30 y 31 el ‘Taller textil: telares y tejidos de La Rioja’ permitirá conocer técnicas vinculadas a la tradición textil de Cameros y Ezcaray.

Las colecciones del Museo como hilo conductor de la historia

Las visitas temáticas a la colección permanente se celebrarán todos los sábados a las 11:00 horas y permitirán recorrer diferentes periodos de la historia de La Rioja. Octubre estará dedicado a la romanización; noviembre, a la Edad Media; diciembre, a la Edad Moderna, y enero, a la Edad Contemporánea.

El Museo mantendrá asimismo las visitas guiadas a la exposición temporal ‘De La Rioja a las mesas del Imperio. Cerámica romana con Denominación de Origen’, todos los viernes a las 18:00 horas hasta el 4 de diciembre. La muestra tendrá además una jornada específica de divulgación científica el 16 de octubre, de 9:00 a 14:00 horas, en la que sus comisarios y otros especialistas abordarán sus contenidos, la propuesta museográfica y los trabajos de conservación y restauración.

El patrimonio cultural inmaterial tendrá un protagonismo especial durante octubre. Todos los jueves a las 19:00 horas se celebrarán visitas temáticas bajo el título ‘Objetos con memoria, colección etnográfica’, que permitirán descubrir objetos relacionados con oficios y artesanías y acercarse a la memoria colectiva asociada a estas prácticas.

En noviembre, con motivo del Día Internacional del Patrimonio Mundial, el Museo dedicará varias visitas a ‘San Millán, Suso y Yuso en el Museo de La Rioja’. Las sesiones tendrán lugar el viernes 13 de noviembre a las 19:00 horas; el sábado 14, a las 11:00 y 19:00 horas, y el domingo 15, a las 12:00 horas, con las piezas vinculadas a los monasterios como hilo conductor de los recorridos.

Esta programación se vincula además con la exposición ‘AutorIA. La Rioja, tierra del español’, que se inaugura mañana, 30 de septiembre, en el Monasterio de Yuso. Coletes ha explicado que algunas de las actividades se han planteado teniendo en cuenta “eventos concretos” y la posibilidad de “relacionarnos”, de manera que la programación del Museo dialogue también con otras iniciativas culturales impulsadas por el Gobierno de La Rioja.

La música llegará al Museo el domingo 22 de noviembre, coincidiendo con la festividad de Santa Cecilia, patrona de la música, con dos microconciertos, a las 11:00 y 12:30 horas, bajo el título ‘Ecos de la historia: melodías que habitan las salas’. La propuesta, a cargo de Rioja Filarmonía, establecerá un diálogo entre las colecciones del museo y diferentes instrumentos y composiciones relacionados con los espacios y sus contenidos.

Vuelven las rutas teatralizadas y el misterio de Torremuña

La programación recupera dos de las experiencias que han despertado mayor interés entre el público del Museo de La Rioja: la ruta teatralizada ‘El Ñ elemento’ y el cluedo ‘El misterio de Torremuña’, ambas de la mano de la compañía riojana SAPO Producciones.

‘El Ñ elemento’ propone un recorrido teatralizado por las salas del museo en el que diferentes personajes históricos y ficticios acompañan a los visitantes a través de una historia que combina patrimonio, humor y divulgación. La experiencia, de alrededor de 90 minutos, se desarrollará varios sábados y domingos a las 11:45 horas. La propuesta regresa después de la gran acogida de anteriores ediciones, en las que las entradas llegaron a agotarse en tiempo récord.

Por su parte, ‘El misterio de Torremuña’ transforma el Museo de La Rioja, una vez cerrado al público, en el escenario de un cluedo teatralizado. La actividad, recomendada para mayores de 12 años, plantea a los participantes la resolución de un misterio a través de un recorrido inmersivo en el que se combinan investigación, humor y patrimonio. Las sesiones se celebrarán varios sábados a las 19:45 horas.

Iturriaga ha destacado precisamente el buen funcionamiento de ambas propuestas, que ha definido como “exitosas” y ha señalado como ejemplos de esa capacidad del Museo para generar nuevas experiencias en torno a sus colecciones. En el caso del cluedo, ha resaltado además que se desarrolla cuando el centro ya está cerrado al público, creando “un entorno íntimo con la oscuridad de la noche” y un juego misterioso por diferentes espacios del museo.

El museo sale de sus salas y se abre a nuevas experiencias

La programación incorpora asimismo ‘El museo itinerante’, una iniciativa destinada a asociaciones, hospitales, residencias y otras entidades sociales que, por diferentes circunstancias, no pueden desplazarse hasta el museo. La propuesta adapta contenidos, duración y actividades a las características de cada grupo y combina experiencias artísticas, creativas y sensoriales.

Iturriaga ha explicado que esta iniciativa, que ya se ha desarrollado en anteriores ediciones, busca “acercar el museo a otros lugares” mediante diferentes piezas y acciones formativas y culturales, de modo que las colecciones y la actividad del centro puedan llegar también a públicos que no pueden acudir físicamente a sus instalaciones.

El deporte tendrá también su espacio en el Museo de La Rioja con ‘El arte de moverse: deporte en el museo’, que se celebrará el sábado 3 de octubre a las 12:00 horas en el patio de doña Jacinta. La actividad propone una sesión de ejercicio físico para adultos centrada en movilidad, fuerza, equilibrio y condición física, adaptada a las necesidades de los participantes.

Durante las vacaciones escolares, el Museo de La Rioja desarrollará la Escuela de Navidad ‘¿Cuánto tiempo es mucho tiempo? Laboratorio de viajes al pasado’, dirigida a niños y niñas de 6 a 12 años y con horario de 9:00 a 14:00 horas.

El programa se desarrollará durante seis jornadas organizadas en tres bloques: el 23 y 28 de diciembre, dedicados a la Prehistoria; el 29 y 30 de diciembre, centrados en el mundo celtibérico, y el 4 y 5 de enero, en la romanización.

A través de las piezas del museo, el dibujo, la construcción, la experimentación con materiales y el juego, los participantes podrán aproximarse a diferentes momentos del pasado. La actividad, con un máximo de 15 participantes, contará con inscripción previa y será desarrollada por Zarándula, empresa riojana especializada en gestión cultural.

La Casa Encantada de Briones completa la programación

El Museo Etnográfico-Casa Encantada de Briones continuará con su programa escolar y con las visitas guiadas destinadas al público general. Estas últimas tendrán lugar los domingos 25 de octubre, 29 de noviembre, 27 de diciembre y 31 de enero, a las 12:00 horas, y permitirán recorrer sus estancias y colecciones para conocer objetos, relatos, tradiciones y formas de vida vinculadas al patrimonio etnográfico riojano.

La propuesta educativa del centro adapta sus contenidos a los diferentes niveles escolares y plantea un acercamiento participativo a las piezas, espacios y relatos que forman parte de la Casa Encantada.

La venta de entradas de las propuestas, tanto ‘El Ñ elemento’ como ‘El misterio de Torremuña’, en la página web www.entradium.com, y las inscripciones para las actividades que requieren reserva previa se abrirán mañana, miércoles 30 de septiembre, a las 10:00 horas.

La Escuela de Navidad queda fuera de este plazo y su periodo de inscripción se anunciará más adelante.

Hay muchos jóvenes albaceteños que probablemente hoy desconozcan que la hoy provincia de Albacete pertenecía históricamente a la Región de Murcia desde 1833 hasta 1978, que se constituyó como provincia propia y se integró en el régimen preautonómico de Castilla-La Mancha, que históricamente había sido Castilla La Nueva. Y quizás algunos otros no sepan que hasta la llegada de la transición democrática, tras la muerte del dictador Francisco Franco en 1975, las mujeres no podían hacer prácticamente nada sin el permiso de sus maridos. Como si no existieran.

Son solo dos apuntes, uno simbólico y otro de gran calado, de la enorme transformación que supuso para toda España, y en particular para lo que hoy es Castilla-La Mancha, la llegada de la democracia tras las cuatro décadas de dictadura franquista.

Y con motivo de los 50 años transcurridos desde la llegada de Adolfo Suárez a la Presidencia del Gobierno y la aprobación de la Ley para la Reforma Política, el instrumento jurídico fundamental ideado para desmontar las estructuras de la dictadura. Con este espíritu arranca la exposición La Transición en Castilla-La Mancha. La construcción de una nueva realidad e identidad (1976-1983), que se inaugura este martes, día 29 de septiembre, en Museo de Santa Fe de Toledo.

Esta exposición está comisariada por José Antonio Castellanos López, profesor de Historia Contemporánea en la Facultad de Letras de la Universidad de Castilla-La Mancha, director del Grupo de Investigación CLAVHISCON y decano de la Facultad de Letras de la UCLM; y por Álvaro Notario Sánchez, profesor del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM) y vicedecano de la Facultad de Letras de la UCLM.

Supone un recorrido a través del arte, los documentos históricos, las fotografías y los espacios audiovisuales inmersivos, por la historia de la comunidad autónoma, desde el final de la dictadura hasta las primeras elecciones a las Cortes autonómicas en 1983.

En el paso previo realizado este lunes para los medios de comunicación, al que han asistido el vicepresidente segundo, José Manuel Caballero, y la consejera portavoz, Esther Padilla, entre otros cargos del Ejecutivo, los asistentes han podido conocer de primera mano los dos principales espacios de la muestra, divididos en diferentes etapas del proceso.

José Antonio Castellanos ha destacado que el objetivo principal de la muestra en mostrar a la ciudadanía, con criterios académicos, pero también pedagógicos todo lo que sucedió hace 50 años, haciendo hincapié en que fue un “doble proceso”. Primero, a nivel estatal, y segundo, en lo referente a la consecución del autogobierno para Castilla-La Mancha, “sumándose al carro del resto de territorios que lograron su autonomía”.

“Estamos hablando de un territorio desde el punto geográfico nunca antes había existido, las cinco provincias que hoy todos conocemos como Castilla-La Mancha nunca habían formado parte de una realidad política en la historia. Nos puede sonar la idea Castilla La Nueva, pero a lo mejor muchos no saben que durante el franquismo Albacete formaba parte de Murcia. Toda esa transformación van más allá de lo político y de lo geográfico, tienen que ver con lo identitario y lo cultural”, ha destacado.

La exposición dispone de más de 300 piezas, decenas de composiciones pictóricas, escultóricas, audiovisuales y fotográficas, además de cuatro “estaciones inmersivas”: espacios donde poder escuchar, tocar y visualizar diferentes etapas de esa transición. El comisario no ha querido destacar ninguna de ellas en especial, pero sí ha querido resaltar la combinación de la obra artística con un elemento “transmisor de la realidad” como son los testimonios que los documentales y los medios de comunicación dejaron de todo ese proceso.

El hecho de haber unido en la exposición tantas obras refleja asimismo un mensaje de consenso, el mismo que buscó conseguir la transición en el camino a la libertad

“Creemos firmemente que gracias a todo ello, en institutos, centros educativos y asociaciones, van a poder disfrutar mucho de la exposición”, ha destacado.

Por su parte, Álvaro Notario, otro de los comisarios de la muestra, ha puesto el acento en las más de 30 obras de arte que han cedido diferentes museos de titularidad autonómica y otros municipales. También ha destacado la colaboración de las entidades privadas y de coleccionistas particulares, que permitirán que puedan contemplarse por primera vez obras como 'Angustia' de Pepe Ortega, que abre la exposición.

“Toda esa colaboración y el haber conseguido que por primera vez se puedan contemplar todas juntas reflejan asimismo un mensaje de consenso, el mismo que buscó conseguir la transición en el camino a la libertad”, ha subrayado.

En la exposición se recogen asimismo objetos originales, reproducciones facsimilares de diferentes archivos, y bibliotecas, y en su visita por todas las capitales de provincia, también se podrán ver diferentes piezas relacionadas especialmente con cada lugar. Por ejemplo en la “estación inmersiva” dedicada a los quioscos, los periódicos de la época que contaron la transición serán toledanos mientras la exposición esté en esta ciudad, pero se cambiarán por otros provinciales en cada territorio.

“Es un homenaje que queremos hacer creemos que es realmente todo un homenaje el que se quiere hacer también con la exposición a cada una de las provincias, cada una de las capitales, sin querer dejarnos nada en el tintero. Aunque evidentemente al ser una época tan reciente, vivida por todas las generaciones pasadas y casi presentes, pues realmente será una exposición en la que todo el mundo tenga algo que aportar y todo el mundo tenga una opinión al respecto y que vea que falta algo de su pueblo, de su localidad o de su entorno más próximo.

Durante el paso previo, las personas asistentes han podido conocer de primera mano todo este proceso y asistir al estreno de las primeras performances realizadas por el grupo de teatro Narea Producciones, el encargado de las visitas dramatizadas, especialmente para jóvenes, con el objetivo de “vivir una experiencia más inmersiva”.

Esta ha sido una de ellas, denominada '15J. Castilla-La Mancha, vota por la libertad. Escenas de una transición':

En el resto, las representaciones se han centrado en conocer todo el proceso de transición democrática. Una con un diálogo entre un quiosquero de la época con un señor algo reacio a los cambios, al que consigue convencer de la importancia en el avance de las libertades; y otra a través de una mujer que, tras dejar de planchar camisas, le cuenta a su marido todo el progreso que la transición trae para el género femenino: el divorcio, el derecho al aborto, vestirse libremente, estudiar y trabajar, y en general, la posibilidad de “existir sin tener pedir permiso” porque “la democracia nos devolvió la voz”.

Tras su inauguración oficial, la exposición se mantendrá abierta al público en el convento de Santa Fe de Toledo hasta el 25 de octubre. Posteriormente, recorrerá el resto de las capitales de provincia llegando a Albacete, al Museo Provincial del 2 de noviembre al 6 de diciembre de 2026; a Guadalajara, al Palacio del Infantado del 14 de diciembre de 2026 al 17 de enero de 2027; a Ciudad Real, al Convento de la Merced del 1 de febrero al 7 de marzo de 2027 y, finalmente, a Cuenca al espacio Princesa Zaida del 22 de marzo al 25 de abril de 2027, aunque las fechas están sujetas a cambios.

La muestra se articula en tres salas. Las dos primeras dedicadas a la muestra y la tercera a un espacio con gamificación, con cuatro instalaciones interactivas que, a través de hologramas y juegos, permiten terminar la visita con una experiencia más inmersiva. La exposición concluye con un espacio audiovisual e interactivo concebido para ampliar la experiencia del visitante.

El recorrido se organiza en torno a cuatro ámbitos temáticos sobre la España en transición, el nacimiento de Castilla-La Mancha como comunidad autónoma, el nuevo paisaje social que surge en este periodo y la confluencia con movimientos culturales y artistas.

Por un lado, el bloque sobre la España de la transición, sitúa al visitante en el contexto nacional en el que se desarrollaron los acontecimientos: la represión política, las demandas de libertad, el papel desempeñado por la Corona, la acción reformista de los gobiernos de Adolfo Suárez, la aprobación de la Constitución de 1978 o las amenazas representadas por el terrorismo y el intento de golpe de Estado del 23 de febrero de 1981 permiten comprender la magnitud de los cambios que experimentó la sociedad española en aquellos años decisivos.

En el bloque enfocado a la nueva autonomía, se aborda el proceso mediante el cual la región fue adquiriendo una realidad política e institucional propia en el marco del nuevo Estado de las Autonomías. Esta sección invita a reflexionar sobre cómo las regiones no son únicamente realidades heredadas del pasado, sino también construcciones históricas surgidas de procesos políticos, sociales y culturales concretos.

Asimismo, se ha construido un bloque sobre el nuevo paisaje social que surge en este periodo. En él se analizan las transformaciones que afectaron a la vida cotidiana. La emigración, el crecimiento urbano, la crisis económica, las movilizaciones obreras, la ampliación de los espacios de participación ciudadana son algunos de los temas.

Tendrá un lugar destacado el protagonismo de las mujeres en este proceso con su creciente incorporación al ámbito educativo, laboral y político, así como el surgimiento de asociaciones y movimientos feministas; y también da cabida a reivindicaciones frente a la represión y la discriminación de las identidades sexuales.

De Pepe Ortega a Rafael Canogar

Se ha diseñado un bloque con la mirada de artistas como Pepe Ortega, Juan Genovés, Manuel López-Villaseñor, Juan D'Opazo o Rafael Canogar, entre otros, que ofrece algunas de las principales sensibilidades artísticas del periodo. Por último, en el apartado sobre cultura e identidades en transformación, se explora el modo en que la democratización favoreció nuevas formas de creación.

Surgieron o se consolidaron iniciativas como el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro. Al mismo tiempo, destaca la producción literaria de autores como Francisco Nieva, Antonio Buero Vallejo o Francisco García Pavón; y la modernización cultural que se manifestó en ámbitos como la arquitectura y el diseño, representados por Miguel Fisac y Manuel Piña; en el cine por Pedro Almodóvar y José Luis Cuerda; y en la consolidación de nuevos espacios para la difusión artística.

Se incluye, además, la muestra 'La Transición a través de jóvenes ilustradores' en la que 10 ilustradores de Castilla-La Mancha releen la Transición con su propio lenguaje gráfico, en una muestra integrada dentro de la exposición principal. La muestra recorrerá las cinco sedes de la exposición central.

Esta exposición paralela reúne el trabajo de 10 ilustradores de la región: Adela Cabañas (Tomelloso), José María Grueso Araque 'Chema Arake' (La Roda), Consolación Escribano 'Coco' (Quintanar del Rey), Antonio Mancheño Lucas 'El Manchas', Eva Pérez (Guadalajara), Javier García Martínez 'Javi Cohen' (Villasequilla), María José López Cerro (La Roda), Mercedes Camacho (Almuradiel), Mercedes Juan (Toledo) y Miguel Ángel Díaz 'Ekim'. Cada uno aporta una mirada propia sobre el periodo, tendiendo un puente entre la memoria de aquellos años y los lenguajes visuales de hoy.

La exposición también ha contado con un comité científico compuesto por Francisco Alía Miranda, Juan Carlos Buitrago Oliver, Francisco José Cerceda Cañizares, Ramón Vicente Díaz del Campo Martín Mantero, Víctor Iniesta Sepúlveda, Alba Nueda Lozano, Pedro José Trujillo Arrogante y Ángel Ramón del Valle Calzado. La exposición ha sido coordinadora por María Teresa Zahonero Martínez, del Servicio de Museos, Exposiciones y Difusión del Patrimonio Cultural de la Viceconsejería de Cultura y Deportes.

El Pleno del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria ha aprobado por unanimidad la transformación del actual Consorcio Museo Néstor en una Fundación Pública Municipal, una modificación jurídica que busca adaptar la institución a la legislación vigente y garantizar la continuidad del museo dedicado a la conservación, exhibición y difusión de la obra del artista grancanario Néstor Martín-Fernández de la Torre.

El acuerdo, aprobado en la sesión ordinaria del mes de septiembre, contempla la disolución del Consorcio Museo Néstory el traspaso a la nueva Fundación de todos sus activos y pasivos. De esta forma, se garantiza la continuidad de la actividad del museo y de los fines para los que fue creado.

El concejal de Presidencia, Hacienda, Modernización y Recursos Humanos, Francisco Hernández Spínola, ha explicado que el Pleno también ha aprobado la modificación de los Estatutos de la Fundación para adaptarlos a la normativa vigente en materia de fundaciones y ha ratificado su constitución, formalizada originalmente mediante escritura pública el 14 de noviembre de 1984.

El Museo Néstor queda integrado en el sector público municipal

La nueva Fundación Pública Museo Néstor quedará adscrita al Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria y pasará a formar parte del sector público municipal. El proceso incluye también la adscripción a la Fundación de la dotación patrimonial inventariada y las actuaciones necesarias para su inscripción en el Registro de Fundaciones de Canarias y la actualización del Inventario de entidades del sector público.

El nuevo patronato estará integrado por la alcaldesa de Las Palmas de Gran Canaria, Carolina Darias; el presidente del Cabildo de Gran Canaria, Antonio Morales; el presidente del Gabinete Literario, Juan José Benítez; el director general de Cultura y Patrimonio Cultural del Gobierno de Canarias, Miguel Ángel Clavijo; representantes de la familia de Néstor Martín-Fernández de la Torre, además de otros representantes del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria y del Cabildo de Gran Canaria.

Un museo ligado a la historia cultural de Las Palmas de Gran Canaria

El Museo Néstor tiene sus orígenes en las iniciativas impulsadas a finales de la década de 1940 por el Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria y el Cabildo de Gran Canaria, junto con la familia del artista, para garantizar la conservación y exhibición de su obra.

Ambas instituciones adquirieron y recibieron parte de la producción pictórica de Néstor Martín-Fernández de la Torrecon el objetivo de crear un museo en el Pueblo Canario, en el espacio que ocupaba la antigua ermita de Santa Catalina.

Los estatutos aprobados en 1985 establecieron como finalidad del Museo Néstor la exposición permanente de la obra del artista, su divulgación, la publicación de estudios y otros contenidos, así como el desarrollo de actividades destinadas a fomentar el conocimiento de su producción artística.

La transformación en Fundación Pública Municipal culmina un proceso iniciado hace años para actualizar la situación jurídica del Museo Néstor. Los trabajos realizados por una mesa constituida entre las distintas administraciones concluyeron en 2016 que la fórmula de fundación pública municipal era la que mejor se ajustaba tanto a la voluntad fundacional como al marco normativo vigente.

El acuerdo aprobado por el Pleno será comunicado al Cabildo de Gran Canaria, al Gobierno de Canarias, a la familia de Néstor Martín-Fernández de la Torre, al Gabinete Literario y al Protectorado de Fundaciones de Canarias.

Restauración integral del Museo Néstor

La transformación jurídica del Museo Néstor coincide además con los trabajos de restauración integral del inmueble, iniciados por el Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria en abril de este año.

La actuación cuenta con una inversión de 4.049.583,46 euros, financiada a través de los Fondos de Desarrollo de Canarias (FDCAN), y permitirá recuperar el edificio, mejorar su accesibilidad y renovar sus instalaciones.

El proyecto contempla también la ampliación de la superficie del museo en más de 240 metros cuadrados, con criterios de conservación patrimonial debido a la condición del inmueble como Bien de Interés Cultural (BIC).

La intervención forma parte de la estrategia municipal de rehabilitación integral del conjunto del Pueblo Canario y se desarrolla paralelamente al proceso de transformación del Museo Néstor en Fundación Pública Municipal.

Valentín Roma ha vuelto al Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), esta vez como director. Su nombramiento se conoció el pasado mes de julio, pero este martes se ha presentado oficialmente en una rueda de prensa en la que estuvo acompañado por varios representantes del Consorcio del museo, que no escatimaron en elogios al nuevo responsable del centro. El historiador del arte, escritor y doctor en Filosofía dirigirá la institución durante los próximos cinco años, después de la salida prematura de su antecesora, Elvira Dyangani Ose, el pasado mes de abril.

No es la primera vez que Roma trabaja para el MACBA. De hecho, su anterior relación con la institución terminó de forma sonada y muy polémica: en 2015 fue destituido de su cargo como conservador junto a Paul B. Preciado por el escándalo provocado por una escultura de la artista Ines Doujak que formaba parte de la exposición La bestia y el soberano. En ella se representaba al rey emérito sodomizado por una mujer de clase obrera que, a su vez, estaba sodomizada por un perro pastor alemán. La muestra, coproducida por el Württembergischer Kunstverein (WKV) de Stuttgart, se suspendió el mismo día de la inauguración porque Bartomeu Marí, que por aquel entonces ocupaba el puesto que ahora ostenta Roma, consideró que era inapropiada.

Pero parece que el tiempo ha conseguido limar asperezas y en la presentación ante los medios nadie ha hecho referencia a aquel rifirrafe. Roma tiene por delante varios retos, entre ellos abordar las posiciones de los diferentes sectores que se han mostrado contrarios a la ampliación del museo —vecinos, el colectivo skater y comerciantes, entre otros—, que llegaron a manifestarse en diferentes ocasiones contra el plan urbanístico, que reduce en unos 900 metros cuadrados el espacio público donde se ubica el centro.

“Yo me creo muchísimo esta ampliación”, ha asegurado. “Todo el mundo está tranquilo, el único intranquilo soy yo”. Según su perspectiva, se trata de un aumento contenido, correcto y muy proporcionado: “Es una propuesta arquitectónica de gran nivel y creo que, por otra parte, la ampliación nos ayuda a ordenar una dinámica general del museo”. Para relacionarse con los sectores críticos cree que deben “explicar, escuchar, negociar y tratar con otros elementos que no son el lenguaje del arte, con otra cronología” y considera que una ciudad sin conflictos es aburrida.

Asimismo, ha comentado que en el Raval cohabitan “muchas sensibilidades” y la institución no sólo puede relacionarse con el barrio “desde la amortiguación” sino que también puede hacer propuestas que apelen a los vecinos. “Tenemos una situación de diálogo abierto y saldremos de los formatos, cronologías y palabras de siempre, y hablaremos y escucharemos desde otra posición”, ha expuesto.

Roma –a quien el secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí, ha definido en el encuentro con la prensa como “intelectual de barrio”– ha explicado que no se está elaborando un proyecto de refundación del museo, sino que están estableciendo líneas de continuidad que recojan y den sentido a lo mejor que se ha hecho desde 1995 hasta hoy. Su plan a tres años, desde principios de 2027 hasta finales de 2029, está dividido en dos fases. La primera, cuyos detalles se darán a conocer en los próximos meses, irá desde enero hasta junio de 2028 y anunciará “entre nueve y diez ejes temáticos de contenidos y una presentación de colección diferente a partir de septiembre del 28, tras la apertura de la ampliación”. Al cabo de esos tres años, estudiarán cuáles han sido los resultados que ha conseguido el plan y qué aspectos deben mantenerse o mejorar.

El nuevo responsable del MACBA, que durante nueve años estuvo al frente de La Virreina Centre de la Imatge, ha señalado que el año pasado la cifra de visitantes del museo fue de 200.000 personas, un número “claramente insuficiente” si se tiene en cuenta su presupuesto y que se sitúa en una ciudad donde vive y visita tanta gente. Ha asegurado que no mirarán “hacia otro lado sobre esta cuestión”, aunque se ha mostrado cauto a la hora de detallar cuál será la estrategia e incluso ha dicho que “un director no tiene una varita mágica que pueda cambiar a su audiencia, si no se cambiaría esta misma tarde”. El objetivo es que el número de asistentes al museo llegue a los 300.000, que eran los que se manejaban antes de la pandemia. Para él, el contenido del museo es un factor esencial que ahora mismo no funciona.

“En los últimos diez años en los que he trabajado en una institución como director, he observado claramente que las audiencias son mucho más inteligentes, están mucho más preparadas ahora que hace diez años. La gente no sé si tiene capacidad de atención, pero lo que tiene es capacidad de negación, es decir, de desatención. Se desconectan cuando algo no les interesa. Creo que tenemos que entender esto”, ha señalado.

Entre las menciones a pensadores como Alexander Kluge y Oskar Negt, vinculados a la Teoría Crítica, Roma ha destacado que, bajo su gerencia, el centro se separará “frontalmente del pensamiento reaccionario que hoy acecha a la cultura, pero también de esas tendencias que pretenden convertir al museo o a los museos en una especie de photocalls donde los conflictos políticos e históricos se declinan a modo de hashtags inofensivos”.

Asimismo, ha subrayado con ahínco que el museo se niega a seguir usando la palabra ‘local’ porque considera que es “un término intelectualmente perezoso” y se suele utilizar como “sinónimo de cuota o para separar lo aristocrático de lo proletario, lo que merece ser recordado de lo que simplemente necesita una mirada rápida”. A su juicio, un museo suele trabajar con parámetros y límites, pero ha añadido que sus materiales son de otra naturaleza: “Nuestros materiales son los del arte, y el arte y los artistas fundan desórdenes allí donde se impone el consenso. No lo olvidemos”.

Roma ha destacado también que dejarán de mirar la colección con las lógicas de una exposición temporal presentada de manera estable y que esta deberá tener una conexión con toda la parte patrimonial del museo. “Necesitamos un plan patrimonial para poder afrontar un escenario con los archivos y fondos, con redes internacionales de investigación como las italianas o alemanas. Hay un montón de centros que se basan en archivos y necesitamos estar presentes en esos espacios”, ha afirmado.

Para Roma, “el ecosistema artístico de la ciudad y del país necesita un MACBA articulado con el que dialogar también críticamente o tomar distancia en algunas situaciones”. En resumen, ha concluido que van a intentar compactar la institución, establecer sus contenidos, utilizar sus vocabularios, crear un programa suficientemente atractivo para que la gente se interese por lo que hacen, establecer un nuevo plan de investigación patrimonial y destacar el papel del barrio. Tiene cinco años por delante, si no hay ningún incidente, para conseguirlo.

Situarse en el esquinazo de la calle del Duque de Medinaceli, en el centro de Madrid, y girar sobre uno mismo te hace sentirte rodeado de entradas en el índice de una guía turística de la ciudad. En el capítulo dedicado al Madrid más noble. Dejar a la espalda los leones del Congreso, vislumbrar calle abajo las torres de Los Jerónimos sobre la silueta de Neptuno y sentirte un intruso frente a la entrada del hotel Palace, en el chaflán de la calle.

Justo enfrente del gran establecimiento hotelero, encontramos el gran inmueble del Palacio de Hielo y del Automóvil. La fachada fue objeto de renovación hace pocos años, pero grandes planchas metálicas –garabateadas– tapan las entradas del edificio y delatan su estado de abandono.

El edificio lleva vacío desde 2007, cuando el CSIC salió por la puerta, y ha vivido tiempos mejores, aunque estos días hemos sabido que pronto comenzará una nueva vida ligada a la cultura. Los Ministerios de Cultura y Hacienda cederán sus 10.000 metros cuadrados al Museo Thyssen-Bornemisza a cambio de la donación de 180 obras y el préstamo de otras tantas por parte de Francesca Thyssen, la hija del barón. La nueva sede tiene previsto abrir sus puertas en 2032.

El edificio, poco conocido por los madrileños, nació como lujoso espacio de ocio para las clases adineradas y ha sufrido diferentes reformas a lo largo de los años, relacionadas con los distintos usos, educativos y administrativos que ha acogido posteriormente.

En 1920 se convocó un concurso público para levantar el edificio, aunque ya existía un anteproyecto del arquitecto belga Edmon de Lune, de la misma nacionalidad que la sociedad promotora del ambicioso proyecto. El impulsor más directo fue Georges Marquet, involucrado también con el vecino hotel Palace y con el Ritz. El Palacio de Hielo hay que entenderlo, pues, como un exponente del Madrid de las élites en los felices años veinte.

El palacio surge utilizando algunos elementos característicos del ocio burgués –unos más habituales que otros en aquella España–, como el baile, el patinaje o el automóvil. La prensa del momento, de hecho, lo celebró como una muestra del ingreso de la capital de España en la nómina de grandes ciudades europeas. La idea era que Madrid tuviera el equivalente al Cristal Palace (Berlín) o el Palais de Glace (París).

“Desde que comenzaron las obras del Palacio de Hielo, el público madrileño de elegantes, a quienes los negocios o los lazos familiares impiden invertir en Suiza, aguardaba con impaciencia la inauguración del soberbio establecimiento, que hoy es lugar preferido de nuestra alta sociedad”, decía la revista ilustrada Nuevo Mundo el 10 de noviembre de 1922, haciéndose eco de la inauguración del establecimiento, a la que asistieron los reyes.

Los elegidos para dirigir la obra fueron Gabriel Abreu de Barreda y Fernando García Mercadal. Este último fue el impulsor del GATEPAC (Grupo de Artistas y Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea) y uno de los pioneros del racionalismo en nuestro país.

En la construcción del nuevo edificio se utilizó intensivamente el hormigón armado, que no era tan habitual por estos lares, y se compaginó con el uso más clásico de sillería en los zócalos del inmueble o un estilo ecléctico cuyos aires renacentistas recuerdan a los que estaban de moda en París. En su decoración, destacaban las marquesinas de cristal y hierro.

El elemento más espectacular en la época fue la pista de hielo de la planta baja, cuyas dimensiones eran de 55 por 27 metros. En torno a ella, se instaló una galería para subrayar su importancia y permitir que los visitantes contemplaran a los patinadores.

En la planta superior se exhibía el otro elemento de distinción social que ocupa sitio el nombre del lugar: los automóviles. Para subirlos se instaló un montacargas, al que se accedía desde la calle San Agustín. Contaba, además, con el inevitable salón de baile, salita de fumadores o restaurante de lujo.

En el Palacio de Hielo y del Automóvil se jugó el primer partido de la historia de la Liga española de hockey sobre hielo, se celebró el primer Salón de la Moda (en 1923, patrocinado por la reina Victoria Eugenia) y distintos eventos comerciales.

El negocio debió declinar y cerró sus puertas en 1927. Cambió de manos y de uso en 1928, cuando fue adquirido por el Estado para convertirlo en Centro de Estudios Históricos, el Patronato Nacional de Turismo y la Unión Iberoamericana, lo que requirió una intensa reforma de los interiores que estuvo a cargo del prestigioso facultativo Pedro Muguruza, que unos años después sería el arquitecto del régimen franquista. A partir de 1940 pasó a ser sede del CSIC. Estos cambios de uso llevaron a que los espacios de ocio se convirtieron en despachos, las marquesinas de hierro desaparecieron y el edificio creciera en una cuarta planta.

El siguiente gran arquitecto que puso las manos sobre el edificio fue Miguel Fisac, que se encargó de la nueva librería del CSIC en 1950. Un incendio destruyó en 1978 buena parte del patrimonio documental de la institución, aunque la librería de Fisac, de querencias nórdicas, se salvó milagrosamente de las llamas. El suceso ocasionó que el personal investigador y los trabajadores del edificio denunciaran enojados la falta de seguridad y el abandono del inmueble.

Fisac agrandó los vanos en la fachada de la librería y construyó grandes ventanales de vidrio de una sola pieza, aunque lo realmente interesante era su interior de madera de pino. La librería fue trasladada a la sede de la institución en la calle Serrano, donde se conservan sus muebles originales y el escaparate.

El Consejo de Gobierno de la Comunidad de Madrid aprobó en 2011 una modificación puntual del Plan General de Ordenación Urbana de Madrid (PGOUM) para cambiar la catalogación del edificio, rebajando su protección y permitiendo así que se pudieran acometer obras de reestructuración general del edificio. Solo la fachada está protegida por lo que cabe preguntarse qué sucederá con la librería de Fisac, que permanece tapiada desde hace años.

El Thyssen queda a solo tres minutos andando de la que en pocos años será su nueva sede, en la que se podrá ver la obra del siglo XXI. Arte de este siglo que podrá contemplarse detrás de los muros donde la gente bien de hace cien años patinaba, fumaba y hablaba de coches.

El Museo Nacional de Arte Romano (MNAR) de Mérida ultima los preparativos para conmemorar una efeméride clave en su historia reciente. El centro celebrará el 18 de septiembre el Día del MNAR, una jornada de puertas abiertas con entrada gratuita que festeja los 40 años de la inauguración de su sede actual, diseñada por el prestigioso arquitecto Rafael Moneo e inaugurada el 19 de septiembre de 1986.

La conmemoración llega en un momento de especial reconocimiento para la institución de titularidad estatal, tras haber recibido recientemente la Medalla de Extremadura por su trayectoria en la protección y difusión del patrimonio arqueológico.

El plato fuerte de la programación institucional tendrá lugar a las 20:30 horas en el salón de actos. El evento arrancará con la proyección de un vídeo conmemorativo y continuará con la conferencia 'El Museo Nacional de Arte Romano de Mérida rescata un antiguo solar', que impartirá el propio Rafael Moneo, autor del proyecto original y de sus posteriores ampliaciones.

Tras la intervención del arquitecto navarro, la velada culminará con la entrega del XXXIII Premio Internacional Genio Protector de la Colonia Augusta Emerita, un galardón impulsado junto a la Asociación de Amigos del MNAR y la Fundación de Estudios Romanos para reconocer la labor de investigadores, medios y entidades en la conservación del legado romano.

Más allá de los actos institucionales, el público que acuda al recinto durante todo el 18 de septiembre disfrutará de acceso libre y recibirá ejemplares gratuitos de publicaciones y libros editados por el propio museo hasta agotar existencias.

Asimismo, el voluntariado cultural del centro ofrecerá visitas guiadas gratuitas a la exposición temporal 'MVSICA ET CHOREAE. Música y danza en la Antigüedad', disponible hasta mayo de 2027. Los pases para estas visitas guiadas se realizarán en cuatro pases (12:00, 13:00, 17:30 y 18:30 horas) con entrada libre hasta completar el aforo.

Un edificio centenario abandonado desde hace casi dos décadas será cedido por el Ministerio de Hacienda para la ampliación del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Se encuentra a muy pocos metros de la citada pinacoteca, en una calle trasera del paseo del Prado, la del Duque de Medinaceli, y cuenta con unos 10.000 metros cuadrados de espacios, que serán dedicados principalmente al arte del siglo XXI.

El acuerdo para la cesión de este inmueble, el Palacio del Hielo y del Automóvil, ha sido presentado este miércoles por los ministerios de Cultura y Hacienda. El Gobierno se encargará de las obras de adaptación de esta enorme construcción de hormigón armado, valoradas en 90 millones de euros, mientras que la familia Thyssen donará al Estado parte de su colección -180 obras- y prestará otras tantas. Además, el lugar contará con el Centro Memorial de las Víctimas del Terrorismo, el segundo de este tipo de carácter estatal después del ya existente en Vitoria.

El calendiario con el que trabaja el Gobierno es el de tener el nuevo centro abierto en el año 2032. A lo largo de este año se definirá el programa y la convocatoria del concurso de proyectos de arquitectura para su rehabilitación; entre 2027 y 2028 se redactará el proyecto ganador; y a partir de 2029 se ejecutarán las obras, de forma que se prevé que este edificio pueda estar finalizado y en uso en torno a la citada fecha.

La rehabilitación integral del edificio será promovida y financiada por el Ministerio de Hacienda, a través de la Dirección General del Patrimonio del Estado, mientras que el Ministerio de Cultura y el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza se harán cargo de la museografía, el equipamiento y la dotación del área. Por su parte, el Ministerio del Interior se hará cargo de la dotación del espacio destinado al Centro Memorial de las Víctimas del Terrorismo. Cuando acabe la rehabilitación el inmueble contará con unos 19.500 metros cuadrados de superficie, con un patio-jardín de 1.500 metros cuadrados abierto a exposiciones y actos al aire libre.

“Hoy damos el primer paso hacia la ampliación del Museo Thyssen, un paso de gigante para hacer posible el Thyssen de las próximas décadas: un museo más grande, más abierto y con más capacidad para acercar el arte y la cultura a la ciudadanía”, ha asegurado en la presentación el ministro de Cultura, Ernest Urtasun. “Porque los museos públicos son, ante todo, lugares que pertenecen a la gente (...) donde hoy tenemos un edificio cerrado, queremos que mañana haya exposiciones, colegios haciendo talleres, investigadores trabajando, restauradores cuidando las obras, conciertos, conferencias y espacios abiertos al público; porque no queremos simplemente un museo más grande; queremos un museo más útil”.

El ministro de Hacienda, Arcadi España, ha explicado durante el acto el origen del Palacio de Hielo y del Automóvil, que se inauguró en 1922 y fue una de las primeras construcciones de la ciudad en emplear hormigón armado, un material de vanguardia en su momento. En su día también recibió allí el Centro de Estudios Históricos y fue la primera sede del Consejo Superior de Investigaciones Científicas. Desde 2007 el espacio permanecía vacío.

Donación de Francesca Thyssen-Bornemisza

La ampliación anunciada este miércoles y demandada por la familia Thyssen-Bornemisza desde hace tiempo servirá para contar con más espacios educativos, para la investigación y conservación y para una mayor participación ciudadana, más allá del Palacio de Villahermosa, su actual sede y que también fue cedida por el Gobierno en los años noventa.

Esta futura extensión del Museo Thyssen estará centrada en el arte del siglo XXI, que ha estado presente en las exposiciones del Museo gracias al acuerdo de 2018 con la Colección TBA21, presidida por Francesca Thyssen-Bornemisza, y de las muestras organizadas en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza. Para esta nueva etapa que arrancará con la ampliación, el museo recibirá la donación de más de 180 obras de la Colección TBA21 por parte de Francesca Thyssen-Bornemisza y de sus herederos, informa el Ministerio de Cultura en nota de prensa. También prestará a largo plazo de otras casi 180 obras de arte contemporáneo que complementan la donación. La entrega está valorada en 16 millones de euros mientras que el préstamo ha sido tasado en 10 millones. Francesca Thyssen-Bornemisza ya mantiene otros préstamos gratuitos con el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, valorado en unos 70 millones de euros.

“El anuncio que hacemos hoy aquí es más que una donación. Es un paso más en un compromiso que mi familia ha mantenido, de una forma u otra, durante más de un siglo”, ha explicado Francesca Thyssen-Bornemisza. “Mi padre me enseñó que una colección no es una posesión sino una conversación con el mundo, es un bien que se tiene, brevemente, en custodia”. Y ha añadido: “si la generación de mi bisabuelo se preguntaba qué podía mostrarnos el arte sobre la belleza, y la de mi padre qué podía hacer el arte por la paz entre las naciones, la nuestra se pregunta qué puede hacer el arte para ayudarnos a imaginar nuevas formas justas de habitar juntos un planeta que cambia a toda velocidad”.