“Pinta lo que quieras, pero como pintor”. Esta es una frase del artista Pablo Picasso, pero que Alfredo Palmero Hernández tiene muy interiorizada gracias a su abuelo, quien fue su maestro y al que se conoce popularmente como el Maestro Palmero.

Alfredo Palmero de Gregorio (1901-1991) nació en la localidad ciudadrealeña de Almodóvar del Campo. Creativo y apasionado de la pintura, se formó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid en la primera década del siglo XX, donde fue alumno de Sorolla y otros artistas como Antonio Muñoz Degrain o José Moreno Carbonero. A lo largo de sus 90 años de vida dejó una producción artística de varios centenares de obras. Los expertos le definen como “uno de los máximos exponentes del realismo español” del siglo pasado.

En base a su trayectoria, el Ayuntamiento de Barcelona ha decidido concederle una plaza homónima que se localiza enfrente del Museo Palmero, en el barrio de Sant Genís dels Agudells, sin embargo, todavía no se ha programado la inauguración.

Hablamos con su nieto, quien tiene el mismo nombre, y que es la tercera generación de artistas de la familia, quien señala que este reconocimiento es “un orgullo para su familia” y que surgió de una iniciativa popular “y no política” a través de la Asociación de Vecinos y Vecinas de Sant Genís dels Agudells.

Alfredo define a su abuelo como un pintor realista “pero también es un pintor impresionista, más bien. Depende mucho de la obra, aunque es un pintor que se mueve siempre en el tema figurativo, con influencia de pintores clásicos como Velázquez, Goya, Rembrandt o El Greco” y destaca que son los pintores que “él siempre tenía en la cabeza”. No obstante, para Alfredo, su abuelo tenía “una pintura muy personal, que se caracteriza sobre todo por la luz y la soltura”.

El París costumbrista, caballos o retratos

El Maestro Palmero es muy conocido por sus escenas costumbristas del París de primera mitad del siglo XX, donde se le reconoce “especialmente por sus bulevares con unas grandes perspectivas, mucho movimiento de todo lo que ocurría en la ciudad” y que surge “a través de un viaje de juventud que hace mi abuelo a París cuando tenía unos 20 años, después de la Primera Guerra Mundial”. Alfredo señala que en la década de 1920 París era “la capital cultural y artística”, donde pintores jóvenes como su abuelo viajaban para aprender, pero también vivir de cerca el espíritu que se respiraba en esta ciudad que “Picasso, Renoir labraron la fama de París”. El Maestro Palmero estuvo allí durante dos años y Alfredo recuerda que le decía a su abuelo que él “había pintado los mejores años de su vida”.

Alfredo asegura que “los artistas pintan lo que les sale, las imágenes salen del interior, no se busca algo concreto” y que en concreto su abuelo los que hacía era “basándose en escenarios muy conocidos como el Arco del Triunfo, La Torre Eiffel o el Boulevard de los Capuchinos, los recreaba de una manera absolutamente realista y luego los llenaba a su antojo. No están pintados in situ, sino desde su taller. Transmitía su amor por la ciudad de París con estas obras”.

Por otro lado, los caballos, a partir de la serie 'Caballos de la Luna'. Alfredo señala que esta serie sobre equinos “se ha copiado una infinidad de veces y se ha imitado, incluso algunas copias han salido en alguna película de Pedro Almodóvar”.

Durante toda su trayectoria, además de las escenas mundanas de París y los caballos, el Maestro Palmero “siempre mantuvo una labor muy buena y constante” como retratista. Alfredo señala que lo hacía de manera muy directa, “y al natural, como los grandes pintores de antiguamente, que es la manera más directa de enfrentarte a un retrato de una persona” y que lo mantuvo con su familia. “Mi abuela, su mujer, fue su modelo y así se enamoraron y surgió nuestra familia. Él disfrutaba mucho haciendo retratos, creo que es uno de los géneros fundamentales de la pintura

Un maestro también para su familia

Alfredo recuerda con cariño las enseñanzas de su abuelo. Aunque solo estuvo un par de años formándose con él de manera continua, destaca que aprendió muchísimo. “La pintura no es la última capa que tú ves, tiene una construcción interior. Para mí influyó mucho no solo en aspectos técnicos, sino también el gusto por figura humana, también por los caballos aunque yo los he desarrollado de otra manera. Estuve con él mano a mano un par de años, pero yo me considero autodidacta”, explica.

Palmero Hernández forma parte de la tercera generación de pintores en la familia y rememora que su abuelo siempre le dejó libertad de creación mientras pintaba: “Cuando yo me equivocaba en alguna cosa y no sabía seguir, venía él y con dos pinceladas lo solucionaba, pero me dejaba fluir. Éramos abuelo y nieto, pero también dos pintores, uno joven y otro mayor y maestro. Fue una etapa muy fructífera, agradable y positiva.

Nos cuenta también que considera que pertenecer a una saga de pintores, concretamente con su abuelo como principal exponente tiene luces y sombras. “Cuando empiezas tienes más facilidades, por ejemplo para encontrar dónde exponer, porque tienes una mano que te ayuda. Pero luego la crítica pública es mucho más dura si el familiar anterior ha tenido éxito. A veces sería casi mejor no tener ninguna relación, porque siempre te están comparando. Pero con el tiempo he visto que hay gente que me escribe o me dice que le gusta más mi pintura que la de mi abuelo. Yo siempre digo que las comparaciones son odiosas, cada uno es cada uno”, relata. En su caso, Palmero Hernández ha guiado parte de su trayectoria en la reinterpretación de clásicos de la pintura, como las meninas de Velázquez o los arlequines de Picasso.

Los museos Palmero y sus raíces manchegas

En la década de 1970, se abren las puertas del Museu Palmero de Barcelona en la histórica Casa Figuerola. Este espacio, emplazado en una antigua masía del siglo XV -casa de labor, con finca agrícola y ganadera, típica del territorio que ocupaba el Reino de Aragón y los condados catalanes-, estaba en ruinas y la familia Palmero se encargó de restaurarla “con ayuda de la gente del barrio y sin un céntimo de dinero público”. Un museo que comenzó como un taller y que en definitiva “es una casa de pintores donde hay obras de arte y antigüedades”, pero que visitan miles de personas. Alfredo explica que “sin ser uno de los museos más grandes y sin toda la ayuda pública que puede tener el Museo Picasso, la Fundación Miró o el MACBA, es de los más valorados dentro de los museos alternativos de Barcelona y uno de los más sorprendentes”.

Alfredo expone que el proceso de creación del museo fue “muy natural, pero requirió un esfuerzo irrepetible, quizá hoy no se podría hacer. La idea inicial era hacer solo un gran taller de pintura, pero poco a poco se fue llenando de la obra que se iba produciendo o que adquirían de otros pintores, pero sobre todo la obra familiar. Se empezaron a hacer visitas privadas, pero después se abrió para todo el mundo”.

En este emplazamiento, además de contemplar las obras del Maestro Palmero, se ofrecen visitas guiadas, recorriendo el taller, la historia de la propia masía y que imparte el propio Alfredo. Destaca que son visitas a puerta cerrada, con grupos de menos de 20 personas y que tienen una finalidad de ser “una experiencia”. “Les cuento el nacimiento del museo y todo lo que he visto en la casa desde niño. También el proceso de creación, el estudio, las obras de mi abuelo y también las mías. Es como una charla entre amigos”, apunta. Por otra parte, señala que la capacidad de adaptación es “total”, ya que hace visitas tanto para estudiantes, personas extranjeras, o personas con discapacidades visuales y auditivas. “No es como en otros museos, donde un guía repite lo mismo una y otra vez. Es adaptado. En el caso de las personas ciegas, pues a través del tacto. Es algo muy personal”.

Por otro lado, desde la década de 1960 en la casa natal y primer taller del Maestro Palmero en Almodóvar del Campo (Ciudad Real), se encuentra otro de los museos. En este caso está gestionado tanto por el Ayuntamiento local como por la Asociación Amigos del Museo Palmero y Centro Cervantino (AMPACE) -cuya presidenta es Silvia Palmero, nieta del Maestro y hermana de Alfredo-. Consta de tres salas con obras del maestro, así como de personas de su familia, estando abierto únicamente los sábados y domingos.

Uno de los temas de madurez y que abarcó casi 20 años de la carrera del Maestro Palmero fue una serie de pinturas sobre El Quijote. En esta saga cervantina, el pintor quiso retratar los personajes de Don Quijote de La Mancha de Miguel de Cervantes “dándoles a todos la misma importancia”.

“Es una colección que entronca las raíces del autor con su tierra, la Mancha, y creo que es una de las más importantes del mundo que hay en ese sentido. De los 800 personajes que tiene la obra habrá retratado unos 120. Además, entre los retratos, otros cuadros grandes y bocetos llegaríamos a hablar de unas 200 piezas”, explica Alfredo.

Desde hace una década, parte de esta colección se encuentra en Almodóvar del Campo, en el Centro Cervantino Palmero. “Tiene una exposición muy interesante y actual, porque a través de la tecnología y la inteligencia artificial hace una experiencia inmersiva por los personajes y valores más importante de El Quijote. Se une el arte tradicional con esta tecnología, donde las imágenes empiezan a hablar y es una experiencia muy bonita”, explica Alfredo.

El nieto del Maestro Palmero nos adelanta que esta colección quijotesca “sigue viva”, ya que él mismo la continuará “pero con otra visión”.

En pantalla vemos a Charles Chaplin interpretando al dictador Adenoid Hynkel mientras juega con un globo terráqueo. Es una de las muchas escenas míticas de El gran dictador (1940), pero también una de las más poderosas. La ambición por dominar el mundo queda convertida en un juego infantil en el que este globo gigante, que termina explotando en manos del actor, es el protagonista.

Pero mucho antes de que Chaplin convirtiera un globo terráqueo en una metáfora del poder, esas mismas esferas ya habían servido para algo mucho más ambicioso: intentar comprender el mundo. En Viena, un museo único en todo el planeta reúne algunos de los globos terráqueos más singulares para intentar contar su historia.

Hablamos del Globe Museum o Museo del Globo Terráqueo, cuya colección completa supera actualmente los 820 objetos, aunque la exposición permanente muestra más de 250 piezas. Es, según la propia Biblioteca Nacional de Austria, el único museo del mundo dedicado específicamente a este tipo de objetos.

La colección se centra especialmente en globos terrestres, los cuales representan a nuestro planeta, y celestes, que sirvieron para plasmar las estrellas y las constelaciones; la mayoría de ellos anteriores a 1850. La antigüedad de la muestra permite conocer en primera persona cómo evolucionó la cartografía y los conocimientos cosmográficos durante varios siglos, así como los diferentes métodos que se han utilizado históricamente para construir estos populares objetos.

El próximo 24 de septiembre, el museo vienés inaugura su nueva exposición, Globos en la vida cotidiana, el arte y la cultura, que explorará cómo los globos terráqueos evolucionaron de un símbolo de estatus a un elemento familiar presente en las escuelas y los hogares.

La historia del museo

Ubicado en la planta noble del Palais Mollard, un palacio barroco de la calle Herrengasse 9, en pleno centro histórico de Viena, este histórico museo se inauguró originalmente en el año 1956, después de que la Biblioteca Nacional de Austria asumiera la colección reunida por el geógrafo y coleccionista Robert Haardt.

Entre su colección, Haardt albergó piezas realmente únicas, como el globo creado por el astrónomo y matemático neerlandés Regnier Gemma Frisius. “Para Haardt, el globo terráqueo no solo era un objeto interesante para estudiar y coleccionar desde el punto de vista de la ciencia, la historia del arte o la artesanía, sino que también estaba convencido de su importancia contemporánea para la investigación y la enseñanza”, explica la entidad en su página web.

La entrada al museo cuesta seis euros e incluye también el acceso al Museo del Esperanto.

Nacido en Gijón en 1744 y fallecido en la localidad asturiana de Puerto de Vega en 1811, Gaspar Melchor de Jovellanos, fue uno de los intelectuales y filósofos ilustrados más célebres de España. Su relevante papel como literato, jurista y político definió las bases de múltiples reformas de su tiempo. Su casa natal, una casona palaciega en el barrio de Cimavilla, acoge un importante museo destinado a preservar su memoria. Este espacio emblemático de la ciudad no solo conmemora su gran trayectoria personal, sino que también actúa como el custodio de un valioso patrimonio artístico municipal. A través de este centro cultural, se difunde con rigor el pensamiento reformista de un hombre que dedicó su vida entera al progreso de su tierra natal.

La casa solariega de los Jove-Lavandera, situada en el límite meridional del barrio de Cimavilla, es uno de los edificios señoriales más antiguos y representativos de la ciudad asturiana. La rica historia de esta construcción corre paralela al desarrollo de la villa durante la Edad Media y su destacado papel defensivo. El inmueble se asienta sobre un solar histórico de la antigua ciudadela romano-medieval que el monarca Enrique III de Castilla donó formalmente al comandante Laso García de la Vega en reconocimiento directo por el apoyo prestado durante la contienda civil contra su propio sobrino, el rebelde conde Alfonso Henríquez, un largo conflicto que concluyó de forma dramática con el devastador asedio militar de la ciudad costera.

El edificio sufrió diversas modificaciones arquitectónicas con el paso de los siglos que transformaron su aspecto original medieval. Su nieto, Juan García de Jove, apodado el Fundador, reconstruyó la torre occidental o torre vieja entre los años 1460 y 1525, erigiéndola sobre las antiguas ruinas del alcázar del conde Alfonso Henríquez. Posteriormente, Gregorio García de Jove, conocido históricamente como el Viejo, dio al complejo su apariencia monumental definitiva al levantar la segunda torre en el sector oriental y unificar ambas estructuras mediante un cuerpo central con fachada palaciega. Estas reformas continuaron a lo largo del tiempo, afectando su distribución interna y su fachada exterior desde la época del propio ilustrado.

En el año 1944, coincidiendo con el bicentenario del nacimiento de Jovellanos, el ayuntamiento adquirió formalmente el sector oriental de la casa-palacio con el compromiso firme de crear un museo consagrado a la vida del pensador. Los trabajos de adaptación arquitectónica del inmueble histórico se iniciaron durante la década de los años cincuenta. La esperada inauguración oficial del museo tuvo lugar finalmente el 6 de agosto de 1971, abriendo sus puertas al público con la colección artística municipal. Desde entonces, el museo se dedica al estudio y conservación de su figura, un esfuerzo institucional que se vio consolidado cuando este emblemático edificio histórico fue declarado Monumento Histórico Artístico en el transcurso de 1983.

La casona palaciega constituye un soberbio ejemplo de la arquitectura señorial asturiana vigente entre los siglos XVI y XVIII. Este monumental edificio se organiza en torno a dos torres cuadradas laterales unidas por un cuerpo central con un patio interior de acceso que distribuye el paso a las dependencias. La planta principal de la vivienda coincide con el espacio histórico que habitó Jovellanos en su calidad de mayorazgo de la familia desde 1798 hasta el momento en que fue detenido y conducido bajo custodia a Mallorca en 1801. En esta zona noble, concretamente en su dormitorio y salita, se exponen diversos objetos de uso cotidiano, enseres personales y selectas obras pictóricas de su colección particular.

El museo custodia en la actualidad la rica colección artística del municipio de Gijón, que reúne más de 3.000 obras de arte que abarcan disciplinas tan diversas como la pintura, la escultura, el dibujo, el grabado, la fotografía y nuevos soportes visuales. En la formación y el constante crecimiento de este singular fondo artístico han tenido una relevancia fundamental las donaciones y legados realizados por coleccionistas y creadores locales de renombre, entre los que sobresalen las figuras de Alberto Paquet, el matrimonio de coleccionistas integrado por Lledó y Suárez, Julia Alcayde y, en épocas más recientes, las generosas aportaciones de Antonio Suárez y el artista Rubio Camín.

Actividades didácticas

El recorrido de la exposición permanente permite realizar un completo itinerario cronológico a través del arte de Asturias desde el Romanticismo y el Naturalismo hasta las modernas corrientes artísticas de las Vanguardias del siglo XX. Además de la pintura asturiana de los siglos XIX y XX, el centro alberga obras de escuelas pictóricas europeas de los siglos XVI, XVII y XVIII, entre las que sobresalen la flamenca y la holandesa. Dos de sus salas se dedican en exclusiva a rememorar a Jovellanos, y el género escultórico adquiere protagonismo con producciones de creadores como Sebastián Miranda, autor del Retablo del Mar, y José María Navascués, rodeados de otras figuras regionales. También destacan lienzos con motivos infantiles, como el retrato geométrico de Orlando Pelayo.

El célebre Retablo del Mar, labrado por Sebastián Miranda con 156 retratos de los vecinos de Cimavilla en madera policromada, constituye una de las piezas más visitadas y valoradas por el público en la planta superior del edificio. El museo desarrolla de forma continua un dinámico programa cultural dirigido a todos los públicos que incluye talleres infantiles, conferencias académicas, conciertos musicales y visitas guiadas gratuitas. Con acceso libre y gratuito, la antigua casa natal de Jovellanos, que cuenta con la capilla de los Remedios y su mausoleo adosados, se consolida como una visita imprescindible para profundizar en el arte y en el pensamiento ilustrado.

El Museo de Cuenca y el Espacio Torner ponen en marcha durante el curso escolar un nuevo proyecto didáctico conjunto bajo el título 'Volúmenes', una propuesta educativa que permitirá acercar al alumnado a la historia y al arte desde una perspectiva diferente, combinando la observación de piezas históricas con la experimentación y la creación artística.

Los objetos conservados en los museos son mucho más que testimonios del pasado. Amuletos, estelas, mosaicos, elementos ornamentales y otras piezas permiten conocer cómo distintas sociedades entendieron su entorno, resolvieron necesidades cotidianas y expresaron sus ideas, creencias y formas de representar el mundo. Sus formas, materiales y volúmenes constituyen, por tanto, una extraordinaria herramienta para aprender a mirar y comprender la historia.

A partir de esta idea nace 'Volúmenes', un proyecto que propone establecer un diálogo entre las piezas arqueológicas e históricas del Museo de Cuenca y el lenguaje artístico contemporáneo presente en la obra de Gustavo Torner.

Cuadrados, cubos, prismas, esferas, pirámides y otras formas geométricas han acompañado al ser humano desde la Antigüedad y continúan estando presentes en la creación artística actual. En la obra de Gustavo Torner, la geometría y el volumen adquieren una especial importancia como elementos capaces de generar nuevas relaciones entre el espacio, los materiales y las ideas. El programa ha sido concebido para que el alumnado tenga un papel activo durante toda la experiencia.

La actividad comenzará en el Museo de Cuenca, donde los grupos realizarán una visita temática centrada en piezas de sus colecciones en las que la forma y el volumen tengan una especial relevancia. A través de la observación y el diálogo, los participantes podrán descubrir para qué fueron creados esos objetos, qué significado tuvieron y qué soluciones formales utilizaron las sociedades que los realizaron.

Actividad práctica

Posteriormente, la experiencia continuará en el Espacio Torner, donde esas formas serán observadas desde una perspectiva contemporánea. El alumnado podrá relacionarlas con la obra de Gustavo Torner y desarrollar una actividad práctica en la que reinterpretará lo aprendido mediante nuevos recursos plásticos y artísticos.

De esta manera, 'Volúmenes' no plantea únicamente una visita a dos museos, sino un recorrido educativo completo: observar, preguntar, interpretar, relacionar y, finalmente, crear.

La propuesta busca estimular la curiosidad, la capacidad de observación, el pensamiento crítico y la creatividad, ayudando al alumnado a comprender que la historia y el arte no son ámbitos aislados, sino diferentes maneras de explicar y representar una misma realidad.

El programa permitirá que grupos de diferentes etapas y niveles educativos participen en actividades coordinadas entre el Museo de Cuenca y el Espacio Torner, aprovechando las características y colecciones de ambos espacios para construir una experiencia común.

Con 'Volúmenes', ambas instituciones refuerzan su apuesta por una educación museística participativa, en la que las colecciones dejan de ser únicamente objetos para contemplar y se convierten en herramientas para descubrir, comparar, experimentar y aprender.

El consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor, y el gerente de Fundación Caja Rioja, Carlos Fuentes, han presentado hoy, 1 de septiembre, la exposición ‘Tebeos. La historia de la narrativa gráfica en España y en La Rioja’, organizada por el Gobierno de La Rioja y Fundación Caja Rioja. La muestra, comisariada por Fernando Rodil y que comparte las salas de exposiciones del Centro Fundación Caja Rioja La Merced y de la Biblioteca de La Rioja, podrá visitarse hasta el 27 de octubre.

En la sala de Fundación Caja Rioja se recorre a través de diferentes secciones la historia de la narrativa gráfica del siglo XX y se explica por qué surgen los tebeos, que parten de una evolución de siglos en donde el hombre contaba “cosas” con imágenes. Así podemos encontrar historias en los templos griegos, en la escultura monumental romana y en los templos católicos de la Edad Media. Los inventos técnicos hicieron posible su popularización al conseguir abaratar costes y ganar calidad.

La aparición de la imprenta en 1440 y, por encima de todo, la invención de la litografía en 1796 son pasos importantes al permitir la popularización de los dibujos en prensa y láminas, ya que el artista plasmaba directamente su obra en los soportes de la reproducción. La Revolución Francesa es, en 1789, también un hito porque hace aumentar la prensa satírica popular. En estas revistas satíricas la narración gráfica comienza a experimentar muchos de los elementos que posteriormente se perfeccionarán y se harán muy populares en el cómic.

En 1900 España tenía una población de 18,6 millones de personas y el analfabetismo suponía el 66 %. En este contexto nacen las primeras historietas españolas. Los primeros tebeos en España son la evolución de una manera de contar las cosas en revistas satíricas e ilustradas. Una muestra de ellas se expone en La Merced.

La posguerra contó también con sus tebeos condicionados, eso sí, por el bando en el que se publicaban y el público al que se dirigían. Terminada la contienda el tebeo resurge como una forma de entretenimiento destinado al público infantil casi exclusivamente y cambian también los formatos, ya que los cuadernos apaisados se reservan para aventuras, mientras que las publicaciones verticales son para las series de humor. Entre 1945 y 1965 se desarrolla la edad de oro del tebeo español con editoriales como Bruguera, Valenciana, Maga y Toray, que crean personajes míticos que forman parte de la memoria colectiva de muchas generaciones.

A partir de los años 70 comienzan a llegar las historietas de Francia, Italia y Estados Unidos y el panorama del cómic español se renueva. Junto a grandes autores internacionales aparecen nuevas revistas, se reinventan dibujantes ya consagrados y surge una generación de autores con lenguajes y temáticas muy diferentes. Publicaciones como ‘Tótem’, ‘El Víbora’, ‘1984’ o ‘Cairo’ son los nuevos referentes.

En la Biblioteca de La Rioja, por su parte, se encuentran reflejados una serie de dibujantes ilustradores, humoristas gráficos y guionistas, entre los que destacan Ángel Julio Gómez de Segura “Beaumont”, José Manuel Pajares Martínez, Pedro Espinosa, José Luis Galiano, Antonia Santolaya, Enrique Cabezón KB, Manuel Romero, Javier de Blas, Pedro Corcuera, Jorge Elías, Mariano Espinosa, Teodoro Hernández, Alberto Álvarez Morillas “Pizarrín”, Rubén Rodríguez Sedano “R&R”, César Rodríguez Moroy. Los humoristas gráficos Fernando Ruiz Pellejero “Nano”, David Lapeña Herrero, Carlos Sacristán “Tris”. Los ilustradores Jorge Frías “Sinsal”, Irene Llach, Raquel Marín, José María Lema, Adri Torres, Sara Martínez Maiso. También se incluyen los guionistas Luis Alberto Cabezón, Guillermo Calvo, César Herce, Julio Fernández López, Ángel Urbina Merino, Carlos Muntión Hernández y Piedad Valverde.

La exposición puede visitarse hasta el 27 de octubre en el Centro Fundación Caja Rioja La Merced, de lunes a sábado, de 18 a 21 horas, y en la Sala de Exposiciones de la Biblioteca de La Rioja de septiembre de lunes a viernes, de 10:30 a 14:00 y de 17 a 21, sábados y domingos cerrado; y en octubre, de lunes a viernes de 10:30 a 14:00 y de 17 a 21, y sábados y domingos de 10:30 a 14:00 y de 17 a 20:00 horas.

John Galliano ha decidido renunciar a la exposición que iba a rendir homenaje a su carrera en la próxima MET Gala en mayo de 2027. El diseñador afirma en un comunicado compartido en sus redes sociales estar “muy agradecido por la ”confianza, el cuidado y el conocimiento“ que el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, organizador del evento, había depositado en él; pero que considera que, ”después de mucha reflexión“ y ”hablar con todas las personas implicadas“, ”lo mejor es que la exposición no tenga lugar en este momento“.

Se trata de una acción sin precedentes en la historia de la institución, que llega después de que varios líderes políticos y donantes judíos, como recogía The New York Times este fin de semana, presionaran en contra de la exhibición. Entre ellos, Arne Glimcher, importante figura dentro del mundo del arte, que incluso amenazó con excluir al museo de su testamento.

Galliano revolucionó la moda en los años 90 y comienzos de los 2000 hasta que en 2011 protagonizó varios incidentes bajo los efectos del alcohol en una terraza de París. Allí profirió insultos antisemitas a desconocidos que acabaron con su carrera. El modisto fue despedido de Cristian Dior y apartado de la industria hasta 2014, cuando tras un periodo de rehabilitación, fue contratado como director creativo de Maison Margiela, puesto que ocupó durante diez años.

Hace dos fue el gran protagonista de la gala del MET, gracias a sus diseños que lucieron Kim Kardashian y Zendaya. En marzo del presente 2026, Zara anunció el fichaje de Galliano para “trabajar a partir de piezas de temporadas pasadas, deconstruyéndolas y transformándolas para dar forma a nuevas creaciones”. Según indicó la marca, las colecciones se presentarán por temporadas a lo largo de una colaboración que empezaría en septiembre de este mismo año.

El homenaje por parte del MET iba a ser el espaldarazo definitivo para el británico, que finalmente no tendrá lugar. Según The New York Times, el museo ha indicado que la información sobre la exposición que sustituirá a la hasta ahora planificada para Galliano “se anunciará en una fecha posterior”.

“Sigo siendo plenamente responsable del dolor causado por mis palabras en el pasado, particularmente del daño que causé a las comunidades judía y asiática, y sigo profundamente arrepentido”, ha expresado Galliano en su texto. En él afirma que no quiere que “el debate” que le “rodea” coloque al MET en una “posición difícil ni que distraiga” de su “extraordinaria labor”. “También reconozco y respeto que una exposición que honrara mi trabajo sería dolorosa para algunas personas”, ha añadido.

Por último, ha querido tener unas palabras de agradecimiento a quienes han “guiado, apoyado y acompañado” durante los quince años de “sobriedad y recuperación del alcoholismo y la adicción”. Además de un mensaje para el director del MET Max Hollein, el comisario del Instituto del Traje Andrew Bolton y Ana Wintour: “Su generosidad humana y creencia en la importancia de la moda como arte, cultura e historia –así como su comprensión de la fragilidad humana y de la posibilidad de crecer– permanecerán conmigo para siempre”.

Faro Santander, el nuevo centro de arte impulsado por Fundación Banco Santander, dará la bienvenida al público con diez días de puertas abiertas, cuya visita será gratuita entre el 8 y el 17 de septiembre entre las 10.00 y las 19.00 horas, y una gran fiesta el día 12 con música, juegos y luz.

Las entradas para visitar el centro durante este periodo ya están disponibles en la página web de Faro Santander (www.farosantander.com) y, además, en taquilla habrá un cupo de entradas disponibles para cada día.

Estas jornadas de apertura ofrecerán una programación con actividades muy diversas, como talleres familiares, conciertos y el ciclo de encuentros 'Diálogos Faro'. El objetivo es que el primer contacto del público con el centro sea cercano, compartido y participativo, ha indicado el director de Faro Santander, Daniel Vega.

Así, del 8 al 17 de septiembre Faro Santander desplegará un programa especial que dará a conocer la propuesta cultural del centro a través de sus protagonistas.

El auditorio acogerá a las 18.00 horas el ciclo de encuentros Diálogos Faro, cuya propuesta arrancará el día 8 con la charla inaugural entre la presidenta de Banco Santander, Ana Botín, y el arquitecto David Chipperfield, responsable de la transformación del Edificio Pereda.

El ciclo continuará el día 9 con un encuentro sobre la Colección Banco Santander, con María Dolores Jiménez-Blanco, comisaria de la exposición, y María Beguiristain, directora de la Colección; 'Llamita', con Sara San Gregorio, comisaria del espacio, y Juan Bordes, escultor, arquitecto e historiador (10 de septiembre); y la historia del Banco Santander con José Antonio Gutiérrez Sebares, responsable del archivo histórico del Banco, y Miguel Ángel Bringas, profesor de la Universidad de Cantabria (día 11).

A los que seguirán las charlas sobre la Colección Gelman Santander, con Marisol Argüelles, directora del Museo de Arte Moderno de México y comisaria de la exposición México Moderno, y Estrella de Diego, catedrática de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid (día 17); Los Jardines de Faro, con el interiorista Javier Mariátegui y el arquitecto Juan Luis Líbano (15); y la relación de Leonora Carrington con la ciudad de Santander con Vanessa Boni, comisaria de la exposición 'El Surrealismo sintomático: Leonora Carrington', y Carolina Erdocia, directora de exposiciones de Faro Santander (16).

Asimismo, el espacio de creación 'Llamita' acogerá los talleres familiares 'Parafernalia' durante las tardes del 9, 10 y 11 de septiembre, de 16.00 a 19.00 horas, donde pequeños y adultos crearán los objetos, accesorios y adornos decorativos para la fiesta del sábado 12.

En paralelo, del 8 al 11 de septiembre, alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía activarán distintos espacios del centro mediante breves interpretaciones musicales.

Además, el sábado 12 de septiembre la celebración se trasladará al exterior, con una jornada de acceso libre dirigida a todos los públicos, en la que se ofrecerá una propuesta escénica muy diversa que fusiona la música académica con las sonoridades contemporáneas y el folclore de raíz cántabra, y un espectáculo de luces que simboliza el encendido de Faro.

A partir de las 17.00 horas, los Jardines de Pereda se convertirán en una gran fiesta familiar, desarrollada por Sara San Gregorio y Fábrica de Texturas, con juegos, talleres artísticos y actividades abiertas a toda la ciudadanía.

Y la fiesta culminará con el encendido colectivo de cientos de farolillos que darán paso a la programación musical. La iluminación de su fachada, diseñada por Pedro Chamizo, transformará el edificio en un nuevo punto de luz en el corazón de la ciudad y simbolizará oficialmente el nacimiento de Faro.

Por otra parte, a partir del día 8 la experiencia en Faro Santander se completa con la apertura de sus espacios gastronómicos, localizados en las dos últimas plantas del edificio y bajo la dirección del chef Nacho del Corral.

Destacan los Jardines de Faro, que convierten la terraza-mirador en un espacio único desde el que contemplar la ciudad y la bahía de Santander.

Y la experiencia culmina en la tienda de Faro Santander, un espacio ubicado en el vestíbulo del centro que contiene una selección de publicaciones y productos vinculados a las exposiciones y a la programación cultural.

Tras el periodo de jornadas de puertas abiertas, a partir del 18 de septiembre, Faro Santander tendrá un horario de apertura continuado de 10.00 a 20.00 horas todos los días, excepto los martes no festivos, que permanecerá cerrado.

La tarifa general de acceso es de 14 euros y la tarifa reducida de 7 euros, que se aplicará a residentes en Cantabria, estudiantes de 18 a 25 años, mayores de 65 años, personas desempleadas y clientes de Banco Santander. El acceso será gratuito para menores de 18 años y empleadas y empleados de Banco Santander. Algunos días a lo largo del año como el Día Internacional de los Museos o el Aniversario de Faro será gratuito para todos los públicos.

Faro pone a disposición del público audioguías gratuitas, accesibles desde el propio teléfono móvil, para todas las exposiciones, así como una introducción al propio edificio y a su historia. Así, a partir del 18 de septiembre, Faro ofrecerá visitas guiadas dentro de su programa de mediación. Habrá pases diarios a las 17.00 horas y, los fines de semana y festivos, también a las 11.00 horas. Para visitas a partir del 18 de septiembre, las reservas estarán disponibles desde el 8 de septiembre en la página web y en la taquilla del centro.

+Faro es el programa individual pensado para quienes quieren vivir Faro de una forma más cercana, participativa y enriquecedora. Disponible a partir del 28 de agosto, ofrecerá a sus miembros ventajas exclusivas para disfrutar y participar de una manera especial en la vida de Faro: acceso preferente e ilimitado al edificio, una invitación anual para compartir la experiencia Faro con la persona que elijas, inscripción prioritaria en las actividades y eventos, ofertas exclusivas en la tienda y los espacios de restauración y participar en actividades exclusivas.

Este programa permitirá que los residentes en Cantabria puedan acceder a Faro por una membresía reducida y visitar Faro de manera ilimitada por tan solo 15 euros al año. El resto de colectivos beneficiarios son estudiantes de 18 a 25 años, mayores de 65 años, personas desempleadas y clientes de Banco Santander.

Las autoridades de Austria han lanzado una orden internacional de búsqueda y captura contra dos hombres que el jueves robaron de un museo vienés un histórico collar de diamantes valorado en más de cuatro millones de dólares, según informó este viernes la televisión y radio pública ORF.

Si bien la policía no ha dado a conocer el valor oficial del botín, sí confirmó hoy a la agencia local APA que se trata de una célebre pieza que perteneció a la reina Nazli de Egipto, confeccionada en 1939 en estilo art déco por la joyería parisina Van Cleef & Arpels.

Según la base de datos de la casa de subastas Sotheby's, la joya alcanzó un valor de 4,3 millones de dólares (alrededor de 3,7 millones de euros) en una puja realizada en Nueva York hace diez años.

El collar está engastado con más de 600 diamantes redondos y en talla baguette, con un peso total de 200 quilates, dispuestos en un motivo en forma de sol. La reina Nazli (1894-1978) encargó esta pieza, junto con una tiara a juego, para la boda de su hija Fawzia con el príncipe heredero de Irán y posterior sah, Mohammad Reza Pahlavi (1919-1980).

La joya se exhibía en una vitrina del Museo de Artes Aplicadas (MAK), situado en el centro de Viena, como parte de la exposición temporal Glanzstücke (Piezas de resplandor), que reúne joyas históricas de la citada firma, fundada en 1906 en París.

Las primeras pesquisas apuntan a que los ladrones accedieron al MAK como visitantes a primera hora de la tarde del jueves, se dirigieron a la sala, rompieron el cristal de seguridad con un martillo y huyeron a pie con la valiosa pieza hacia el colindante Stadtpark, donde se les perdió la pista.

Aparentemente, en el museo “se comportaron como visitantes normales” y “sabían exactamente qué pieza querían llevarse”, declaró a APA la portavoz de la Policía de Viena, Anna Gutt, quien añadió que varios testigos están siendo interrogados.

Uno de los asaltantes exhibió un arma de fuego para abrirse paso durante la huida —aunque no llegó a efectuar disparos—, mientras que su cómplice portaba el martillo con el que rompió el cristal de la vitrina. La policía investiga los hechos como un delito de robo con violencia o intimidación.

Asimismo, los investigadores han difundido imágenes de las cámaras de seguridad y han descrito a los sospechosos como varones de entre 1,70 y 1,75 metros de estatura, complexión delgada, pelo y barba oscuros, vestidos con ropa negra y zapatillas oscuras de suela blanca.

Por su parte, el museo MAK anunció en un comunicado que la exposición ha reabierto sus puertas este mismo viernes tras haber permanecido cerrada desde la tarde del jueves.

El Museo de Villena (MUVI) ha sufrido durante la madrugada de este jueves el robo del conjunto original del Tesoro de Villena, considerado uno de los hallazgos de orfebrería prehistórica más importantes del Mediterráneo occidental. Según publica la Cadena SER, los asaltantes accedieron al inmueble tras arrancar uno de los ventanales laterales y perpetraron la sustracción de las piezas históricas con extrema rapidez. Las fuerzas de seguridad investigan si una falsa alarma registrada minutos antes en el polideportivo municipal sirvió de señuelo para desviar a las patrullas policiales de la zona.

Las primeras hipótesis de la investigación apuntan a una acción minuciosamente planificada por parte de una banda especializada en el expolio de patrimonio histórico, sin descartar que la operación responda a un encargo de coleccionismo privado. La policía analiza además la posible conexión de este asalto con otros robos recientes cometidos en espacios museísticos. La incursión ha permitido a los autores apoderarse del material auténtico, protegido hasta la inauguración de la nueva sede del MUVI, momento en el que el ayuntamiento retiró la réplica exhibida durante décadas para exponer las piezas reales.

Los autores del robo se han llevado gran parte de las piezas que formaban parte de esta colección del Museo de Villena (MUVI) en cuestión de minutos en torno a las 5:20 horas de esta madrugada, lo que ha provocado que saltaran las alarmas del complejo, ha informado el alcalde de este municipio alicantino, Fulgencio Cerdán.

El regidor, en una rueda de prensa donde se ha mostrado visiblemente afectado por el robo, ha explicado que minutos antes habían saltado también las alarmas del polideportivo, un suceso que puede tener relación con el asalto al museo aunque todavía no está confirmado. Cerdán ha detallado que tan solo han quedado tres vasijas de plata, un brazalete y gran parte de los adornos del bastón, así como otra pieza, que “se les ha caído” a los ladrones.

66 piezas de oro, plata, hierro y ámbar

El botín sustraído comprende el conjunto áureo descubierto en diciembre de 1963 por el arqueólogo José María Soler en una rambla del término municipal. La colección robada consta de 66 piezas elaboradas en oro, plata, hierro y ámbar, con un peso total cercano a los diez kilogramos y fechadas en torno al año 1.000 antes de nuestra era. Entre los objetos destacan 11 cuencos de oro, 28 brazaletes, botellas de plata y diversos remates ornamentales de la Edad del Bronce.

La comunidad científica equipara la relevancia del Tesoro de Villena con las tumbas reales de Micenas en Grecia, por lo que la pérdida del conjunto acarrea un perjuicio incalculable para el patrimonio arqueológico español. La investigación policial se mantiene abierta en varios frentes para dar con el paradero de los objetos y esclarecer la autoría de un robo que ha consternado a la comarca del Alto Vinalopó.

Volvemos a una historia que comienza en 2017, con una mujer a la que vamos a llamar A. Pontes, junto a su hijo, entrando en un museo con una orden judicial para llevarse el meteorito de Colomera. O, quizás, comienza en 2008, cuando el Museo de Ciencias Naturales decide llevar el meteorito a Colomera, el lugar en el que fue descubierto. Junto a un papel. Ese papel nos hace retrotraernos muchas décadas en el tiempo. A 1935, cuando Antonio Pontes Vílchez, el padre de A. Pontes, cede el meteorito al museo. Pero lo hace con una nota: “Que lo cede en calidad de depósito a este Museo, pero siempre a disposición de su dueño que podrá retirarlo cuando estime oportuno”. Aquí comienza un litigio judicial que nos lleva a hacernos la pregunta que da título a este episodio: ¿a quién pertenece un meteorito?

Es una historia que nos cuenta el jefe de ciencia de elDiario.es Antonio Martínez Ron. Además, hablamos con José Vicente Casado, experto en meteoritos, que lleva toda la vida trabajando en la búsqueda de ellos y que ha colaborado con distintos organismos.

*** Este episodio se emitió por primera vez el 6 de febrero de 2026***

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Mazos, hachas, explosivos y hasta armas de fuego forman parte de las nuevas tácticas detectadas en los robos a museos europeos, donde Europol observa la aparición de delincuentes menos especializados y más violentos que buscan oro, joyas, piedras preciosas y antigüedades por su valor y facilidad para colocarlas en el mercado ilegal.

La agencia de coordinación policial europea advierte en un nuevo informe publicado este lunes de una transformación tanto de las tácticas como de los objetivos de los atracos en los museos, tradicionalmente una práctica no violenta de delincuencia organizada.

Frente al ladrón especializado que estudia el edificio, actúa discretamente y trata de evitar cualquier enfrentamiento, las investigaciones recientes muestran ladrones que revientan puertas y vitrinas con mazos, hachas y palancas, recurren en ocasiones a explosivos y pueden utilizar armas de fuego para intimidar a vigilantes y visitantes.

“Los robos en museos son cada vez más agresivos, con un giro hacia métodos violentos y basados en el uso de la fuerza”, señala Europol entre las principales conclusiones del informe, que considera que esta evolución “puede indicar la implicación de nuevas redes criminales”.

De Países Bajos a Francia

Un ejemplo de esta tendencia es un robo de enero de 2025 en el Museo Drents de Assen, en el norte de Países Bajos, donde los ladrones hicieron explotar una puerta de madrugada para llevarse varias piezas arqueológicas el antiguo reino de Dacia, prestadas por Rumanía, entre ellas el casco de oro de Cotofenesti, de unos 2.500 años de antigüedad, y tres brazaletes de oro.

El casco y dos de los tres brazaletes fueron recuperados y devueltos a Rumanía, un desenlace poco habitual para objetos que, cuando están fabricados con metales preciosos, pueden ser destruidos precisamente para borrar su procedencia.

Europol cita también el asalto de 2024 al Museo Cognacq-Jay de París, donde cuatro encapuchados armados con bates de béisbol y hachas irrumpieron en el edificio y huyeron en motocicletas con siete objetos decorados con oro y diamantes.

Otro de los casos analizados es el robo perpetrado en octubre de 2025 en el Louvre: los ladrones rompieron una ventana, amenazaron a guardias y visitantes, destrozaron vitrinas de la Galería de Apolo y sustrajeron joyas valoradas en unos 88 millones de euros.

“Todos los casos relacionados comunicados hasta ahora muestran robos dirigidos y una preparación deliberada, incluido el reconocimiento previo y la planificación”, explica la agencia.

Oro que puede desaparecer

Durante los últimos dos años Europol ha observado un interés recurrente por metales y piedras preciosas: pepitas y monedas de oro, objetos ornamentales y joyas, entre otros.

El oro y la plata pueden fundirse y perder con ello los elementos que permiten a la Policía identificar su origen, lo que facilita su introducción en circuitos ilegales, mientras que las piedras preciosas pueden separarse de las joyas y venderse individualmente.

Además, para los delincuentes, estos objetos pueden resultar visibles y accesibles en un museo, cuya seguridad se percibe como menos estricta que la de una joyería.

Europol identifica además un objetivo muy diferente: las antigüedades chinas. Entre las piezas buscadas aparecen platos de porcelana de los siglos XII y XIII, recipientes de la dinastía Ming y jarrones de bronce esmaltado de las dinastías Ming y Qing.

La agencia relaciona esta tendencia con la fuerte demanda existente en el mercado del arte y con las posibilidades de reventa de estas piezas, lo que apunta a que detrás de determinados robos puede existir ya un comprador o un mercado criminal interesado en categorías muy concretas.

Grupos estructurados

El tráfico de bienes culturales ha estado tradicionalmente asociado a grupos estructurados, organizados alrededor de un líder y con delincuentes especializados que recurren al engaño, el conocimiento del mercado y la discreción antes que a la violencia.

Pero Europol observa ahora indicios de un modelo diferente: personas con antecedentes en otros ámbitos criminales que llevan a cabo de manera puntual un robo y que, en algunos casos, habrían sido reclutadas en redes sociales y aplicaciones de mensajería.

La agencia admite que todavía existe “una laguna de inteligencia” que impide determinar con certeza hasta dónde llega este fenómeno, pero plantea dos hipótesis.

Una es que los ejecutores de menor nivel sean reclutados de forma aleatoria bajo el modelo denominado “crimen como servicio”, en el que determinadas tareas de una operación se encargan a terceros.

La otra es que delincuentes procedentes de mercados ilegales diferentes hayan descubierto en los museos una oportunidad que consideran de “bajo riesgo y alto beneficio”.

El juzgado ha admitido a trámite el recurso presentado por Izquierda Unida (IU) de Santander contra el cierre al tráfico del vial de la calle Marcelino Sanz de Sautuola bajo el arco del Banco Santander, después de que el Ayuntamiento dejara transcurrir sin respuesta el requerimiento formal previo de remisión de la documentación que avale la actuación, y de la reclamación para restablecer el tráfico y recuperar el recorrido original de la línea 5C2.

Según ha explicado IU en un comunicado, el procedimiento continuará tramitándose durante el mes de agosto, ya que el juzgado ha admitido la pieza separada en la que se pedían habilitar los días necesarios. Tras solicitar la adopción de medidas cautelares, el juzgado ha dado al Ayuntamiento un plazo de tres días para presentar alegaciones antes de resolver sobre ellas.

Si bien la formación había solicitado inicialmente que estas medidas pudieran adoptarse de manera inmediata, sin esperar a las alegaciones municipales, el juzgado ha considerado que existe margen para escuchar previamente al Ayuntamiento y resolver antes de que se produzcan las circunstancias que podrían consolidar el cierre y hacerlo irreversible, por lo que ha acordado continuar la tramitación de las medidas solicitadas.

Entre estas medidas, la formación ha solicitado con carácter principal la reapertura provisional del vial mientras se resuelve el procedimiento, permitiendo al menos el paso de la línea 5C2 del TUS, taxis, residentes, vehículos sanitarios de emergencia y de reparto de mercancías. De forma subsidiaria, se ha pedido que el Ayuntamiento no pueda adoptar actuaciones que consoliden el cierre o dificulten la recuperación posterior del vial hasta que exista una resolución judicial.

El concejal de IU, Keruin Martínez, ha valorado la admisión a trámite como el inicio de “una nueva fase” después de meses reclamando al equipo de Gobierno explicaciones y documentación sobre una decisión que ha supuesto el cierre de un vial público y la modificación permanente del recorrido del transporte urbano.

“Este tema es grave: que se pueda aprovechar una obra privada para transformar un vial público sin que exista la documentación administrativa que justifique esa decisión”, ha señalado Martínez.

“Aquí había una autorización vinculada a unas obras en un edificio, pero llevamos meses preguntando qué acto, informe o procedimiento permite cerrar el vial y modificar de forma permanente el tráfico y la línea de autobús. Hoy sabemos que no obra en poder de los servicios municipales ningún expediente relacionado con esa actuación”, ha cuestionado Martínez.

IU ha acudido a la vía judicial una vez agotado el plazo del requerimiento previo presentado el pasado 6 de agosto y dirigido a la alcaldesa, Gema Igual (PP). En él reclamaba al Ayuntamiento que recuperara el paso bajo el arco y restituyera el recorrido original de la línea 5C2, dando al equipo de Gobierno diez días hábiles para actuar antes de acudir a los tribunales.

“Este es ya el segundo requerimiento que hacemos. Registramos otro hace tres meses sin obtener siquiera acuse de recibo. Esta vez les dimos una última oportunidad para resolverlo antes de llegar a los juzgados, y ni siquiera han contestado”, ha criticado Martínez. “Durante meses han tenido que responder ante los vecinos y ante IU. A partir de ahora tendrán que explicar también ante el juzgado qué decisión administrativa ampara el cierre de este vial”.

La formación ha recordado que el cierre afecta especialmente a los usuarios de la línea 5C2 y a los barrios que han perdido las dos paradas existentes en este entorno. De igual modo, la campaña que pide la recuperación del recorrido original iniciada por el propio Martínez ha sido respaldada por más de 3.400 firmas.

El juzgado deberá resolver ahora sobre las medidas provisionales solicitadas una vez recibidas las alegaciones del Ayuntamiento. No obstante, la decisión que adopte en esta fase tendrá carácter provisional y no prejuzgará la resolución definitiva sobre el cierre del vial.

“Llegar a los tribunales nunca fue nuestro objetivo, sino el último recurso después de haber agotado todas las demás vías”, ha concluido Martínez. “Lo que queremos sigue siendo exactamente lo mismo que desde el principio: que se respete la legalidad y que los vecinos recuperen su autobús”.

Faro Santander, el nuevo centro de arte impulsado por Fundación Banco Santander, abrirá el próximo 8 de septiembre sus puertas, con una programación que invita a participar y a experimentar a todo tipo de público, entre la que destaca la instalación digital inmersiva 'Cubo', que se inaugurará con tres experiencias audiovisuales sobre el edificio y la ciudad.

Y es que el centro cultural aspira a convertirse en un espacio cultural “vivo, abierto y conectado con la ciudadanía”, donde el arte, la tecnología, la educación y la experimentación convivan durante todo el año, ha indicado la Fundación este jueves en nota de prensa.

“Faro no solo se visita, se vive”, ha afirmado la directora de programas de Faro Santander, Ana Botella, convencida de que la cultura “cobra su verdadero sentido cuando se produce colectivamente”.

Según ha explicado, la programación de Faro se articula en cuatro líneas de actuación: Arte y tecnología, Educación y mediación, Proyectos participativos y Programas públicos.

Dentro del programa se despliega 'Cubo', una instalación digital que abarca dos plantas del edificio, cuyo interior cuenta con un sistema de proyección inmersiva 360 grados y su exterior está recubierto en su totalidad por una piel led de casi 400 metros cuadrados.

Para la inauguración, 'Cubo' presentará la propuesta 'Antes de Faro Santander', con tres experiencias audiovisuales que viajan por la memoria colectiva de este emblemático edificio y la ciudad de Santander.

Esta propuesta invita a realizar en su interior un recorrido histórico inmersivo, desde 1857 cuando se fundó Banco Santander y hasta la actualidad, entrelazando la evolución del puerto y la ciudad, con hitos de la historia del Banco y algunos de los acontecimientos más relevantes de la historia contemporánea.

Asimismo, la piel de 'Cubo' muestra los detalles del proceso de transformación del edificio, así como objetos del mobiliario original del banco.

También cuenta con una experiencia que traslada a los visitantes, mediante gafas de realidad virtual, a una recreación histórica del edificio.

'Llamita' para los niños

En el programa de Faro también destaca 'Llamita', un espacio de experimentación lúdica y artística pensado especialmente para la infancia, en el que los visitantes pueden disfrutar del arte y la creatividad, poniendo el juego como origen del proceso creativo.

'Llamita' se inaugurará con el comisariado de Sara San Gregorio, arquitecta especializada en la cultura del juego, junto al diseño espacial de Acha Zaballa Arquitectos.

Esta actividad se completa, además, con zonas de lectura bajo mesas-cabaña y acogerá también actividades familiares los fines de semana, así como visitas escolares.

Asimismo, Faro acogerá 'Marisma', un espacio dedicado al desarrollo y la presentación de proyectos artísticos vinculados al territorio de Cantabria.

En su inauguración, la sala, cuya museografía ha sido diseñada por Laura Álvarez Arquitectura, acogerá la presentación de los cuatro proyectos seleccionados en la primera convocatoria de las Ayudas a la Creación de Faro Santander dirigida a artistas de Cantabria.

Se trata de 'Ludarquías', de Amaia Bregel; 'Suite de los Riconchos' de Casapalma, Colectivo Etnográfico Brañaflor y Jorge Rojas; 'Flesh & Films / Pieles y pantallas' de Itxaso Iribarren y Germán de la Riva; y 'Una forma minúscula' de Salón de belleza (Manuela Gutiérrez Arrieta y Cristina Somavilla).

Faro también desarrollará en el auditorio una serie de actividades a través de 'Los Jueves de Faro', que organizará encuentros con artistas, escritores, músicos o cineastas, e incluirá un ciclo de cine mexicano en torno a la a la exposición 'México moderno en la pantalla: arte, identidad e imaginarios', con la proyección de diez largometrajes en el auditorio y La Filmoteca de Cantabria Mario Camus.

Los jueves se podrá disfrutar también de la serie de charlas 'Nuevas Miradas a la Colección Banco Santander' en torno a la muestra 'Obras Maestras' de la Colección Banco Santander, con seis encuentros con el público.

Asimismo, 'Los Especiales de Faro' abordarán una programación concentrada en diferentes momentos del año. Así, en colaboración con Casa México, Faro celebrará el Día de Muertos con una semana de actividades inspiradas en la Colección Gelman Santander.

Y la exposición 'El surrealismo sintomático: Leonora Carrington' contará con su propio ciclo, que incluirá 24 horas dedicadas al imaginario de la artista.

'Jardín sonoro'

Más allá del auditorio, Faro pondrá en marcha 'Jardín sonoro', que llevará la música electrónica a los jardines de la terraza del edificio los últimos domingos de cada mes.

Además, un 'Paseo Sonoro' recorrerá el Parque de la Vaca, el solar donde estuvo ingresada Leonora Carrington, en el sanatorio del Doctor Morales.

Con esta programación, Faro Santander abre sus puertas al encuentro, la participación y la experimentación y aspira a convertirse en un espacio cultural vivo, abierto y conectado con la ciudadanía, donde el arte, la tecnología, la educación y la participación convivan durante todo el año, ha sentenciado su director, Daniel Vega.

Toda la información estará disponible en la web www.farosantander.com, donde podrán adquirirse las entradas en los próximos días y a partir del día de la apertura en la taquilla del centro.

La alcaldesa de Las Palmas de Gran Canaria, Carolina Darias, ha asegurado este martes que las obras de restauración del Museo Néstor, iniciadas el pasado mes de abril, no se paralizarán, tal y como pidió la semana pasada constructora que las ejecuta al detectar alguna incidencia en le proceso.

En declaraciones a los medios, Darias ha aclarado que, en este caso, la constructora solicitó una paralización parcial de algunos tajos de la obra. Sin embargo, la dirección facultativa, en contacto permanente con la empresa encargada de los trabajos, considera que no procede dicha suspensión.

Según la información facilitada, el Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria mantiene reuniones técnicas y de “alto nivel” con la empresa constructora para tratar de garantizar la continuidad de los trabajos.

Para la alcaldesa esta obra es “fundamental”, como es el Museo Néstor, y el objetivo es tenerlo definitivamente abierto y poder exponer las obras “de nuestro Néstor”, ha subrayado Darias.

Asimismo, ha asegurado que se seguirá trabajando conjuntamente para intentar que haya las menores incidencias posibles, “teniendo en cuenta que siempre hay cuestiones que surgen novedosas”, advierte Darias.

Según ha explicado la alcaldesa, uno de los problemas detectados está relacionado con la cimentación, al encontrarse una cantidad de arena superior a la prevista en el estudio geotécnico.

“Son cosas que hay que ir mirando y hay que ir dando respuesta, como está dando en este caso la dirección facultativa con la contrata”, ha declarado Carolina Darias.

El Museo Canario ha puesto en marcha MuseIA, un nuevo asistente virtual basado en inteligencia artificial que ya está disponible en la web de la institución y que tiene como objetivo facilitar información sobre el museo, sus colecciones y la historia de Canarias, además de ayudar a los usuarios a preparar y disfrutar su visita.

La nueva herramienta permite a los visitantes resolver dudas antes de acudir al museo y acceder a contenidos adaptados a sus intereses, incorporando la inteligencia artificial como una nueva vía para acercarse al patrimonio histórico y arqueológico de Canarias.

MuseIA ofrece información sobre las colecciones y la historia de Canarias

A través de la página web de El Museo Canario, los usuarios pueden interactuar con MuseIA para consultar información sobre las colecciones y piezas del museo, la historia de Canarias y su contexto cultural, así como profundizar en aquellos contenidos que despierten un mayor interés.

El asistente también puede ofrecer recorridos y contenidos temáticos personalizados, con el propósito de facilitar una aproximación más dinámica a las colecciones y mejorar la experiencia de quienes visitan la institución.

Además, MuseIA puede atender consultas en diferentes idiomas, lo que amplía sus posibilidades como herramienta de información y accesibilidad para los visitantes.

Un asistente virtual para preparar la visita al museo

El Museo Canario destaca que MuseIA está diseñado para ofrecer una experiencia sencilla y cercana. Los usuarios pueden utilizarlo para preparar su visita, resolver dudas sobre los servicios del museo y conocer sus contenidos con antelación.

De esta manera, la herramienta acompaña al visitante desde la planificación de la visita y facilita el acceso al conocimiento relacionado con el patrimonio y la cultura de Canarias.

Una herramienta educativa para estudiantes, docentes y familias

MuseIA incorpora también una dimensión educativa, ya que puede utilizarse como recurso complementario por parte de estudiantes, docentes y familias.

La herramienta pretende así favorecer nuevas formas de aproximarse al patrimonio histórico y arqueológico de Canarias y facilitar el acceso a información adaptada a diferentes públicos y necesidades.

Con la puesta en marcha de este asistente virtual de inteligencia artificial, El Museo Canario refuerza su apuesta por la innovación, la accesibilidad y la divulgación del patrimonio de Canarias, incorporando la tecnología como una nueva herramienta para conectar sus colecciones y contenidos con los intereses de sus visitantes.

Cuatro de las obras de arte más importantes del maestro renacentista del siglo XV Antonello da Messina fueron robadas durante una festividad nacional de un museo de la ciudad portuaria siciliana de Messina.

Los ladrones lograron acceder al Museo Regional de Messina (MuMe) el sábado por la noche, posiblemente aprovechando que toda la atención se centraba en la 'Vara', una gran fiesta religiosa que tiene lugar en la ciudad el 15 de agosto, cuando Italia celebra la festividad nacional de Ferragosto.

Eludiendo los sistemas de alarma, la banda forzó una vitrina de seguridad y sustrajo cuatro paneles de madera pintados por Antonello, a quien se le atribuye haber transformado el curso del arte renacentista.

Los ladrones se llevaron tres de los cinco paneles que se conservaban y que formaban parte de un retablo conocido como el 'Polittico di San Gregorio', una de las obras más importantes del pintor siciliano.

“Se trata de una pérdida extremadamente grave y significativa”, afirmó Marisa Mercurio, directora del Museo Regional de Messina. “Han robado obras de enorme importancia cultural, artística y simbólica, no solo para Messina, sino para toda Sicilia. Lo único que podemos hacer ahora es esperar que se recuperen lo antes posible”.

Compuesto originalmente por seis paneles creados para el Monasterio de San Gregorio, que quedó destruido en el terremoto de Messina de 1908, el retablo era la única obra del pintor siciliano que nunca había salido de su ciudad natal.

Una cuarta obra fue sustraída de una vitrina de seguridad: un pequeño cuadro de doble cara que representa a la Virgen con el Niño y un monje franciscano por un lado, y a Cristo por el otro.

El cuadro había pertenecido a la colección de Wilhelm Soldan y fue vendido por Christie’s al Gobierno regional de Sicilia en 2003, año en que se atribuyó a Antonello.

El botín podría haber sido aún mayor: en total se robaron seis cuadros, pero, inexplicablemente, dos de los paneles fueron abandonados en un muro bajo situado fuera del museo.

Nacido hacia el año 1430, Antonello se formó en Nápoles, donde estudió las obras de artistas provenzales y flamencos, cuya influencia es evidente en sus obras.

“Antonello desempeñó un papel fundamental en la introducción de las técnicas flamencas de pintura al óleo en Italia, lo que permitió lograr una nueva suavidad, veladuras delicadas y sombreados sutiles”, afirma Valentina Certo, historiadora del arte adscrita a la Universidad de Messina y autora del libro infantil ilustrado 'El taller de Antonello da Messina'. “Incluso en paneles muy pequeños, era capaz de alcanzar una precisión y un nivel de detalle extraordinarios”.

“El robo ocurrido durante la noche supone una herida infligida a la memoria histórica y a la identidad cultural de la ciudad de Messina”, añadió. “Se trataba de obras que habían sobrevivido al terremoto, a la destrucción y a cinco siglos de historia. Ver cómo se las arrebatan al público de esta manera hace que la pérdida sea imposible de cuantificar en términos puramente económicos”.

El 28 de diciembre de 1908, la ciudad de Messina se vio azotada por lo que aún se considera la catástrofe natural más mortífera de la historia moderna de Europa: un terremoto de magnitud 7,1 que duró 37 segundos, acabó con la vida de la mitad de su población y arrasó gran parte de la ciudad.

Junto con viviendas, iglesias y monumentos, se perdieron fuentes y documentos históricos de incalculable valor, entre ellos obras de Antonello.

En febrero, el Gobierno italiano se hizo con una obra maestra excepcional de Antonello en una subasta celebrada en Nueva York, tras pagar 14,9 millones de dólares (12,99 millones de euros) por su 'Ecce Homo'. El cuadro, vendido en Sotheby’s, es un retrato intensamente humano del Cristo doliente, que se cree que fue terminado hacia 1460.

La Fiscalía de Messina ha abierto una investigación sobre el robo. Fuentes policiales han indicado que el museo contaba con varias cámaras de vigilancia y que las obras estaban protegidas por un sofisticado sistema de alarma. Los investigadores están barajando varias hipótesis, entre ellas la posibilidad de que los cuadros hayan sido robados para el mercado ilícito del arte.

Según la agencia estatal de noticias Ansa, los investigadores también barajan la posibilidad de que el robo se haya llevado a cabo por encargo de un marchante de arte.

El robo tuvo lugar después de que la policía italiana recuperara el viernes tres cuadros de los maestros franceses Paul Cézanne, Pierre-Auguste Renoir y Henri Matisse, que habían sido sustraídos a principios de este año de un museo privado cercano a la ciudad de Parma, en el norte del país.

Traducción de Virginia Sarabia

La ciudad de Figueres, en Girona, es conocida por ser la ciudad natal de Dalí y sede del famoso museo que lleva su nombre. Pero el municipio ofrece otros atractivos a los visitantes, entre los que destaca un singular museo ideal para una visita en familia. Se trata del Museo del Juguete de Catalunya, espacio que alberga una de las colecciones de juegos y juguetes más importantes de España y que nos permite conocer, entre muchas otras cosas, con qué jugaba Dalí cuando era niño.

Fundado en 1982, el Museo del Juguete exhibe miles de piezas que abarcan desde la antigüedad hasta la década de 1980. En sus vitrinas están expuestas desde muñecas de diferentes épocas a meccanos y juegos de construcción, todo tipo de marionetas, coches de hojalata y juegos de mesa.

Los juguetes de los famosos

Entre las piezas más destacadas que se pueden ver, están los juguetes que pertenecieron a personalidades de la cultura catalana como los artistas Joan Miró y Joan Brossa, los escritores Terenci Moix y Quim Monzó o la actriz Núria Espert.

La estrella de la colección, porqué conecta este museo con el ciudadano más ilustre de Figueres, es un muñeco que perteneció a Salvador Dalí y su hermana Anna Maria. Se trata de un osito de trapo conocido con el nombre de Don Osito Marquina. Y más allá del interés que pueda tener el hecho de que perteneció al famoso artista surrealista, el osito por sí mismo también tiene interés como pieza de museo.

Se trata de un oso de peluche fabricado por la empresa alemana Steiff en 1910, que fue fundada en 1880 por Margarete Steiff y que se especializó en la fabricación de juguetes de alta calidad. Steiff empezó fabricando de forma artesanal unas figuras de animales de felpa que pronto se harían populares y que se exportarían a todo el mundo. El primer osito, el modelo 55PB, se creó en 1902 y destacaba por tener las piernas y brazos articulados. El oso se presentó en la Feria del Juguete de Leipzig de 1903 y allá por 1906 causaba furor en las casas de niños de toda Europa y Estados Unidos.

Don Osito Marquina

El osito que puede verse en Figueres fue comprado en París en 1910 por los tíos de Salvador Dalí, Maria Teresa y Anselm Domènech, que se lo regalaron a él y a su hermana. Los niños solían jugar a menudo con el muñeco, al que bautizaron como “El Tio Don Osito”. En 1925, Federico García Lorca pasó varias semanas con la familia Dalí en Figueres y Cadaqués, y allí conoció la historia del osito al que el poeta “rebautizó” con el nombre de “Don Osito Marquina”, en un guiño al dramaturgo y poeta Eduardo Marquina. Este es el nombre con lo que se conoce hoy en día.

Lorca le cogió tal afecto al muñeco que incluso llegó a enviar cartas des de Granada dirigidas directamente a Don Osito Marquina, algunas de las cuáles se conservan en el museo, así como una foto donde se puede ver a Anna Maria y Salvador con el muñeco.

Un viaje por la historia de los juguetes

Más allá del osito de Dalí, en el Museo del Juguete de Figueras se puede realizar un auténtico viaje por la historia de los juguetes y descubrir cómo se divertían los niños de siglos pasados. Entre los objetos más relevantes que se pueden ver, destaca un ejemplar de la primera muñeca Barbie fabricada en 1959, así como una monumental maqueta de trenes en miniatura, los populares trenes metálicos de cuerda y eléctricos de las marcas pioneras Payá y Ric, teatritos de papel del siglo XIX y principios del XX, muñecas de porcelana, terracota y cartón piedra y también una réplica de la figura de Maria, el robot de la película muda Metropolis, de Fritz Lang.

El cine nació oficialmente en 1895, cuando los hermanos Lumière presentaron en público una sorprendente invención, el cinematógrafo. Pero ese aparato no surgió de la nada. Durante siglos, la humanidad había buscado la manera de atrapar imágenes en movimiento. Y para ello, se habían desarrollado infinitud de aparatos y dispositivos que trataban de engañar el ojo y crear una ilusión visual.

El Museo del Cine de Girona permite conocer e incluso poner a prueba algunos de esos aparatos, para entender la evolución de los mecanismos ópticos que culminaron, a finales del siglo XIX, con la invención del cine. Inaugurado el 8 de abril de 1998, este museo es una institución pionera y de referencia en España en su especialidad. Pero, es, principalmente, un espacio para entender la evolución de la imagen en movimiento y como, en realidad, se basa en una ilusión.

Un fenómeno óptico

Hasta llegar a la invención del cine, muchos científicos e inventores pusieron a prueba mecanismos y aparatos que experimentaban con la óptica, la física de la luz y la anatomía de la visión humana. Para entender porque vemos imágenes en movimiento, resulta interesante conocer la llamada la persistencia retiniana y el fenómeno Phi: la capacidad del ojo y el cerebro humano para retener una imagen durante una fracción de segundo y proyectar continuidad sobre una secuencia rápida de imágenes fijas e independientes.

El Museo del Cine de Girona nos permite recorrer esta evolución científica y técnica a través de dispositivos fascinantes, como las cajas ópticas, las linternas mágicas p el zootropo, entre otros. Entre los mecanismos más antiguos, destacan las sombras Chinas y las cajas ópticas, basadas en juegos de luces y siluetas con las que se creaban narrativas visuales. Estas tecnologías primitivas evolucionaron hacia la cámara oscura, auténtica antecesora de la fotografía y el cine.

Podemos conocer también el mecanismo de las Linternas Mágicas, que fueron el primer gran espectáculo visual proyectado de la historia. Para ello, se usaban fuentes de luz y lentes, además de unas placas de vidrio con imágenes, que se proyectaban en la pared creado efectos visuales impactantes.

En el siglo XIX surgieron juguetes ópticos como el Zootropo y el Taumatropo. Eran aparatos giratorios con ranuras en los que se colocaban dibujos que, al girar, simulaban movimiento.

Todos estos aparatos sirvieron como pasos progresivos hasta llegar a la invención del Praxinoscopio y, finalmente, del Cinematógrafo, con el que finalmente se consiguieron registrar y proyectar las anheladas imágenes en movimiento.

A lo largo de la visita por el museo, no vemos estos aparatos en vitrinas, sino que tenemos la oportunidad de manipularlos, experimentar con la luz y comprobar con nuestros propios ojos como los mecanismos visuales nos engañan.

El origen de la colección

Este curioso y recomendable museo se lo debe todo a un hombre, Tomàs Mallol i Deulofeu, ingeniero, fotógrafo y publicista que convirtió su pasión en una de las actividades centrales de su vida. Nacido en 1923, con solo ocho años ya construyó su primer proyector casero. Formado como perito industrial, desarrolló su carrera en la fotografía, la publicidad y el cine amateur. Pero con lo que destacó más fue con su impresionante colección, que sirvió de base para el Museo del Cine de Girona.

A mediados de los años 1960, Mallol empezó a buscar aparatos científicos e históricos que explicaran cómo la humanidad aprendió a representar la imagen en movimiento antes y después del invento del cine. Dedicó más de 25 años a reunir todos los aparatos y mecanismos que hoy podemos ver y disfrutar en el museo. En 1994, el Ayuntamiento de Girona adquirió la Colección Tomàs Mallol, para garantizar su conservación y divulgación.

El museo dispone actualmente de casi 8.000 objetos y aparatos precinematográficos, 10.000 imágenes fijas (grabados, fotografías, carteles), 800 películas históricas y otras piezas curiosas, como la colección de cine infantil Cine NIC o aparatos de cine amateur de paso estrecho (8mm, 9.5mm, 16mm).

A finales de los años 50, el empresario catalán Salvador Claret i Naspleda se compró un Ford T de 1923, un modelo de coche histórico que despertaría en él una pasión que se convertiría en algo mucho más grande. Claret restauró el Ford T totalmente, lo pintó de negro y empezó a usarlo como su vehículo propio. Hasta que, en 1959, se animó a participar con él en el primer Rally Barcelona–Sitges en 1959.

El éxito de aquella experiencia lo animó a comprar nuevos vehículos históricos. El resultado de esa obsesión puede visitarse hoy en día en Sils, donde se expone la Colección de Automóviles Salvador Claret (CASC), un singular museo dedicado a la arqueología del motor que ningún aficionado a los coches debería ignorar.

Una vida dedicada al motor

Nacido en 1909, Salvador Claret abrió en 1934 el Garage Central, y dos años más tarde instaló allí la primera autoescuela de Girona. Auténtico visionario del turismo, Claret tuvo la idea de abrir pequeños complejos de carretera como el Hostal de la Selva o el Hostal del Rolls, iniciativas que le valieron la Medalla al Mérito Turístico.

Sin embargo, sería gracias a su colección de coches históricos, en los que hay vehículos de las marcas Packard, Bugatti o Alfa Romeo, con la que obtendría una mayor notoriedad. A lo largo de los años 60 y 70 desarrolló esta afición que lo llevó a exponer en el Palacio de la Virreina (1961) y a competir en rallies internacionales de prestigio.

Así fue como Claret se ganó su reconocimiento como uno de los pioneros en la conservación del patrimonio técnico en España.

Los tesoros de la colección

Entre coches y motos, además de material de aviación, la Colección de Automóviles Salvador Claret dispone de cerca de 300 vehículos, tanto nacionales como europeos y americanos. La visita a la colección permite, además de ver coches históricos, hacerse una idea del gran arraigo y popularidad que tuvieron las motocicletas durante la posguerra española.

La colección destaca especialmente por la presencia de vehículos españoles, entre los que vale la pena señalar el Bonet (1889), considerado el primer automóvil construido en España, así como vehículos de otras marcas emblemáticas como Hispano Suiza, Pegaso, Bultaco o Montesa. Hay, también, piezas de firmas cas olvidadas como Orix, Ricart o David.

Otro coche interesante es el Merry Weather de 1883 con motor de vapor o un Ford Sierra Cosworth de 300 caballos con el que Carlos Sainz se proclamó Campeón de España de Rally en 1987, así como los seis modelos de Ford T.

Además, se pueden ver vehículos que pertenecieron a personalidades históricas, como el Mercedes Benz 190 SL de 1959 del futbolista Paco Gento, el Ford A de 1931 que la actriz Madeleine Carroll conducía en Sant Antoni de Calonge, Un Hispano Suiza que perteneció a Picasso, el Topolino que Mussolini regaló a Queipo de Llano y el Cadillac El Dorado de 1954 blindado de Francisco Franco.

El fondo del museo se completa con más de 4.000 libros, un archivo fotográfico, hemeroteca y más de 15.000 catálogos. Actualmente, la Colección de Automóviles Salvador Claret forma parte del sistema de museos colaboradores del mNACTEC (Museu Nacional de la Ciència i de la Tècnica de Catalunya).

141 museos, 906 bibliotecas, 56 teatros, 196 centros de educación artística y la sede del archivo cinematográfico son algunos de los cerca de dos mil lugares del patrimonio cultural ucranianos destruidos o dañados desde que comenzara la invasión rusa en febrero de 2022. Según los datos compartidos por su Ministerio de Cultura esta semana, más de 2.600 infraestructuras también han sido impactadas o derruidas.

Estas cifras podrían seguir ampliándose, ya que, según Tetyana Berezhna, viceprimera ministra del país, continúan “documentando las pérdidas al tiempo que refuerzan los esfuerzos de respuesta de emergencia y movilizando recursos para la restauración”.

Solo dos días después del inicio de los ataques, hubo uno directo con misiles contra uno de los pequeños museos locales de la región de Kiev, en el que se conservaban obras de la artista Maria Prymachenko. Gracias a la actuación de un vigilante, que entró para recuperarlas, se salvaron. “No eran muchas, unas doce o quince piezas, pero fue simbólico. Entendimos que el enemigo iba a atacar los museos y bibliotecas, y reescribir la historia”, explicó Anastasiia Bondar, viceministra de Desarrollo Digital, Transformaciones Digitales y Digitalización de Ucrania ante elDiario.es en el marco de Mondiacult, la Conferencia Mundial de la UNESCO sobre Políticas Culturales y Desarrollo Sostenible celebrada en Barcelona en septiembre.

Muestra de ello fue otro de los primeros bombardeos más dramáticos del inicio de la invasión, en marzo de 2022, sobre un teatro de Mariúpol en el que se refugiaban cientos de civiles, y en el que murieron 600 personas.

La responsable explicó que es algo que se ha ido viendo especialmente en los territorios ocupados: “Cuando nuestra gente pudo ir regresando a algunos de ellos, encontraron libros en ucraniano separados de los de otros idiomas, preparados para ser quemados”.

A su vez, como contrapartida, defendió que han podido comprobar que el “ataque e intento de borrado de la cultura es tan evidente que se está convirtiendo en una fuerza que impulsa a la gente a profundizar, conocer mejor y sentirse más orgullosa de lo que pertenece a Ucrania”. “Está muy claro que la cultura interviene en cada uno de los pasos que da el agresor para, básicamente, borrar a la nación” porque “la cultura es objetivo de guerra”.

La pérdida inmaterial

Los ataques no solo se han llevado a cabo sobre monumentos, teatros y cines, también en otras instituciones como centros culturales. “Lugares en donde los niños aprenden música, pintura y otras disciplinas que también han sufrido”, indicó Anastasiia Bondar, que incidió en que la obligación de cerrar infraestructuras culturales ha tenido como consecuencia directa “la pérdida y salidas de profesionales”. De entre los casi 200 centros de educación artística impactados, 25 han sido destruidos y 171 dañados desde que empezó la guerra.

“Entendemos que no solo sufrimos pérdidas cuando las instituciones son destruidas. El hecho de que estén cerradas, que simplemente hayan dejado de funcionar, ya supone una pérdida porque la gente deja de recibir servicios culturales y no puede acceder a ellos”, apuntó antes de aportar algo de luz pese a la situación “devastadora” que llevan años sufriendo.

Consciente de que puede generar “sorpresa”, la responsable aplaudió que, “durante la invasión a gran escala hubo una interrupción en la actividad teatral durante unos meses, y después se produjo un auténtico boom en cuanto se permitió, a nivel nacional, retomar las obras, el cine, etcétera”. Esto les permitió entender que la gente “estaba ahí” y que las salas, los teatros, escuelas y museos “querían seguir funcionando y encontrar nuevas formas de hacerlo”.

Cultura para sanar traumas

En ese ímpetu por volver a disfrutar de las obras de arte, fuera cual fuera su forma, era señal del “deseo de aferrarse a algo que no te recuerde a la guerra y te sumerja completamente en otra cosa, como si la guerra no existiera. Como si fuera una vida normal, estás en un teatro y la guerra no está ahí. Eso ayuda a la gente a seguir adelante, a sentirse de otra manera, a sanar el trauma”. Todo ello ligado intrínsecamente a la cada mayor demanda por parte del público por “conocer sus elementos de su identidad”.

A la hora de retomar la actividad habitual de los centros culturales, la viceministra explicó que las particularidades de cada uno conlleva a que las estrategias de reconstrucción y reapertura de cada uno sean muy diferentes. “Los teatros son flexibles en cuanto a que un día puedes representar algo contemporáneo, mañana algo clásico, etc. Están acostumbrados a ello, pero los museos no funcionan así. Están hechos a trabajar con una misma colección. Y cuando se encontraron con las colecciones evacuadas, no sabían realmente cómo trabajar. ¿Cómo podían funcionar en esta nueva realidad?”, planteó.

Los museos “tuvieron que buscar nuevas formas de funcionar y, en realidad, empezaron una página completamente nueva de la historia de los museos en Ucrania”. El hecho que las pinacotecas estén siendo “capaces de adaptarse y de revisar completamente sus estrategias y sus formas de trabajar para continuar funcionando al comprobar que la sociedad demanda que estén abiertos y que la gente pueda entrar, es estupendo”.

El papel de la ayuda internacional

Anastasiia Bondar agradeció el apoyo recibido por parte de la comunidad internacional desde el inicio de la invasión. En especial, señala el papel de las organizaciones de la sociedad civil, porque “podían reaccionar y ser mucho más flexibles que los Gobiernos”. Al no tener que llevar a cabo tantas operaciones burocráticas, la capacidad de reacción es mucho más inmediata: “A nivel operativo y a través de los vínculos horizontales entre museos y organizaciones de la sociedad civil, la ayuda llegó inmediatamente en cuestión de días o semanas”.

En el inicio de la guerra fueron especialmente importantes los materiales de embalaje y los medios de transporte para transportar todas las piezas. A su vez, no todo es trasladable. Los edificios no pueden moverse, por lo que por desgracia, como señaló la viceministra, “están bajo un riesgo enorme”. Sí han podido trasladar compañías de teatro, coros, músicos e incluso algunas escuelas de música.

Sin embargo, cada casuística tiene sus particularidades, empezando porque “no todo el mundo quiere abandonar el país. La gente quiere permanecer en su territorio, hablar el mismo idioma y seguir viviendo allí. Así que, aunque no puedan seguir viviendo con su comunidad, quieren permanecer en el país”. Y a ellos hay que protegerles también. Y no solo a ellos, están igualmente las “tradiciones y patrimonio inmaterial”: “Debemos mantener vivas las tradiciones incluso cuando las personas se trasladan: continuar transmitiéndolas, difundiendo la tradición y haciendo que la gente sienta que sigue perteneciendo a esa tierra”.

La responsable reivindicó en su visita a Barcelona que una de las primeras exposiciones de artistas ucranianos que se programaron fuera del país fue en España, en concreto en el Museo Thyssen, en noviembre de 2022, con el título En el ojo del huracán. Vanguardia en Ucrania. La muestra exhibió 70 obras trasladadas entre bombardeos a Madrid, aglutinando una visión de las tendencias artísticas de la nación.

Plantear exposiciones como esta supuso un importante aprendizaje sobre lo que ha cambiado con la guerra. “La manera en la que estamos replanteándonos nuestros valores y aquello que hemos ido enseñando y destacando más, y el cómo se puede representar específicamente la identidad ucraniana”.

Conocer los hechos para dimensionar las consecuencias

Para Anastasiia Bondar, el registro de las pérdidas, destrucciones y daños, como el que acaba de hacer su Ministerio o el que realizar la Unesco, es fundamental, tanto para la “monitorización local e internacional, como para garantizar la rendición de cuentas en etapas posteriores”: “No se trata solo de demostrar que algo ha sido destruido, que está claro, también de contabilizar los daños y calcularlos en términos económicos y de recursos”.

“Como nación siento que estamos viviendo un renacimiento interior de la autoestima, del respeto por nosotros mismos, de la comprensión de quiénes somos y cómo debemos relacionarnos con nuestra historia”, dijo la viceministra cultural.

En esta línea, siendo consciente de que la historia siempre es “difícil de analizar”, insistió en que conocer claramente los hechos es fundamental, “porque cuando se ocultan, lo que tienes es propaganda en lugar de historia. Y cuando los hechos salen a la luz, de repente revisas por completo la manera en la que estabas pensando sobre esas cosas”.