La familia no es siempre ese refugio instaurado en el imaginario colectivo. En ocasiones, los lazos de parentesco son una bomba cargada de deudas emocionales y roles perpetuados desde la infancia. Esto, que se ha visto frecuentemente en el cine de Cesc Gay (Barcelona, 1967), caracterizado por exponer las debilidades humanas, se vuelve a apreciar en la comedia que el director acaba de estrenar en Netflix. Disponible en la plataforma desde este viernes, 53 domingos usa la reunión de tres hermanos para diseccionar el mito de que el amor fraternal es un espacio seguro y abordar el tabú de cómo gestionar el cuidado a los padres cuando se convierten en personas dependientes e irreconocibles.

Protagonizada por Javier Cámara, Carmen Machi, Javier Gutiérrez y Alexandra Jiménez, la película es la adaptación de la obra de teatro homónima del cineasta. La historia obliga al espectador a asomarse a un espejo incómodo en el que se reflejan las estructuras de cuidado, las jerarquías familiares y el impacto del envejecimiento en una generación que trata de cuidar a sus progenitores enfrentándose a la realidad de la falta de tiempo y recursos. Es una generación que ha alcanzado la edad adulta y que, además de lidiar con sus propias crisis vitales y laborales, intenta encontrar cuáles son sus personas de confianza al percatarse de que los vínculos de sangre quizá no lo son todo.

De hecho, el motor de 53 domingos no es el padre, sino la relación que mantienen los tres hermanos y su evolución a lo largo de la cinta. Cesc Gay explica a elDiario.es que creer que la familia debe ser un bloque sin fisuras es “como pensar que todos los matrimonios son felices”, una falacia que ignora que “el ser humano es así, se pasa el día peleándose” y que no existe diferencia entre la dinámica de unos hermanos y la de una “reunión de vecinos intentando ponerse de acuerdo en si arreglan el ascensor o no”. “No hay lugar en el que no haya conflicto”, señala el director, que agrega que quien se dedica a escribir se aprovecha de eso para crear dramas o, en este caso, comedias.

La cinta recoge un combate de egos entre hermanos que se manifiesta en discusiones que el director califica de “absurdas y ridículas”, como la disputa por cambiar una bombilla. Son problemas que evidencian cómo la familia es capaz de ignorar el problema real —el futuro del padre— para centrarse en sus propias rivalidades. La película juega con roles de envidia y competitividad a menudo aprendidos en la niñez, mostrando patrones que se repiten constantemente mientras el tiempo pasa fuera de la casa en la que se ambienta la trama. El final es muy significativo, pero 53 domingos pone el foco en aquellos cierres que no se producen, en esas rencillas que nunca acaban desapareciendo.

La estructura de la película indica lo difícil que es llegar a acuerdos mediante cuatro intentos fallidos de una cena, una muestra de la disfuncionalidad familiar donde los hermanos no se sientan en la mesa hasta que es demasiado tarde. “La primera vez que como director afrontas un guion siempre vas un poco más perdido”, advierte Cesc Gay. “Aquí ya venía con esa ventaja, y mi trabajo se trataba, sobre todo, de adaptar y reescribir cosas. Quería que fuera una película muy ágil, y no quise que se sentaran a hablar hasta la última secuencia, que es la estructura irónica que tiene. Cuando finalmente se sientan, aparece Alexandra con malas noticias”, explica.

El papel de la mujer en los cuidados familiares

En el ring doméstico de 53 domingos, es la hermana Natalia quien intenta ejercer un “papel conciliador” que el director define como un lugar “donde lo que ella siente no es lo importante, pues lo importante es encontrar y generar siempre un ambiente agradable”. Aunque al final todo salta por los aires, el personaje interpretado por Carmen Machi representa a la mujer que asume la carga, algo a lo que pone el foco Cesc Gay en una España donde la mayoría de cuidadores siguen siendo ellas. “Las mujeres son quienes más pringan eso. Es una realidad en las familias y en la forma de funcionar en esta sociedad, pues nos cuesta cuidar a los padres y acaba siendo más la mujer la que lo hace”, señala el cineasta.

Es por esta razón que Gay quería que, al estar Natalia entre dos hombres, tomara ese rol. “Es un personaje que tiene este equilibrio de querer siempre que no haya conflictos, que no haya peleas. En este caso, además, lo que quiere es ponerse de acuerdo con sus dos hermanos”, argumenta el director. No obstante, este utiliza a Carol, interpretada por Alexandra Jiménez, para que sea la narradora que rompe la cuarta pared. “No es ninguno de los tres hermanos. Por eso mira a cámara, se relaciona directamente con el espectador y le avisa de que van a ver una película donde los hermanos se van a pelear”, cuenta, agregando que era una estructura que tenía la versión teatral y no quiso eliminarla.

Carolina alude al espectador en los interludios y en la reflexión final. “Todo el rato te está recordando, con el hecho de mirarte, de hablarte un poco, que es la narradora. Y no estamos acostumbrados en las películas. Cuando hay una voz en off es más fácil, por ejemplo, que el espectador se asocie o se vincule con esa voz en off. Pero a mí me gustó la energía que tenía hacerlo de esta manera, por eso quise abrir con ella andando por la calle y contando cosas”, argumenta el cineasta.

Asimismo, el filme también juega con la influencia que tiene la posición económica de cada hermano, esa disparidad de clases que existe dentro de una misma familia. “Es radicalmente importante”, reflexiona Cesc Gay. “En muchos momentos de la película es clave que a tu hermano mayor le vaya muy bien, que tenga una vida de lujo y no porque se la haya ganado él, sino porque se casó con la hija del jefe, que es la frase literal que tiene Javier Cámara. Él interpreta a un actor y, como cuenta Alexandra al público, no le han ido tan bien las cosas. Se lleva al extremo lamentable y patético por mi parte, con toda la ironía posible, de que lo contratan para hacer de tomate en un anuncio de gazpacho”, añade.

Pese a que Cesc Gay ha apostado por el humor para hablar de estos temas y mostrar en pantalla los conflictos familiares, considera que también se puede abordar esto desde otra perspectiva y llamar la atención de la gente. “Un director o directora podría hacer esta película, hacerla muy dramática e intensa y que saliera una grandísima película que tuviera mucho éxito. Al final las películas conectan con el espectador, sean dramas o sean comedias”, afirma el cineasta, que concluye que “todo se puede hablar desde muchos lugares y todos tocamos los mismos temas”, siendo lo que cambia “la mirada y la intención del director y del escritor”.

La IX edición del Festival del Humor de Castilla-La Mancha, Gachas Comedy ha sido el marco elegido para rendir homenaje a una figura imprescindible de la comedia en nuestro país, Millán Salcedo, que además ha actuado en el Teatro Circo de Albacete.

Durante el evento se entregaba al conocido humorista natural de Brazatortas (Ciudad Real) y que formó parte de Martes y Trece, la Mención 'Sancho Panza' del Gachas Comedy. Se rendía así homenaje a una trayectoria dedicada a hacer reír a generaciones enteras. Ha sido “algo así como ‘un abrazo colectivo’, un ‘gracias’ compartido y una forma de seguir reivindicando que la cultura y, en particular, el humor, es una de las mejores maneras de encontrarnos”, ha dicho el presidente de la Diputación Provincial.

“La noche ha estado llena de cercanía y espontaneidad. De esas que no se ensayan y que derrochan admiración sincera. Porque hablar de Millán es hablar de un mito del humor en España, de un talento único capaz de convertir lo cotidiano en brillante, lo absurdo en inolvidable y la risa en idioma universal”, como ha señalado Santi Cabañero.

Junto al presidente de la Diputación de Albacete y del Consorcio Cultural Albacete participaban en el acto tanto el gerente de Cultural Albacete, Ricardo Beléndez; la concejala de Cultura, Elena Serrallé, y el propio equipo impulsor del festival. “Se vuelve a demostrar que el humor, además de hacer reír, es una poderosa herramienta para unir y construir sociedades inteligentes y humanas”, señalaban.

El Ayuntamiento de Albacete entregó al humorista una navaja artesana, símbolo de Albacete y de la identidad local. La concejala de Cultura, Elena Serrallé, ha puesto en valor la firme apuesta del Consistorio por la promoción y el impulso de la cultura en nuestra ciudad durante su asistencia al último espectáculo del humorista Millán Salcedo, ‘Digamelón’, en el Teatro Circo, en el marco de la IX edición del Festival del Humor de Castilla-La Mancha, ‘Gacha’s Comedy’.

Serallé le ha agradecido su importante contribución a la historia de la comedia en nuestro país, recordando que como integrante del inolvidable dúo ‘Martes y Trece’ marcó a generaciones enteras con un estilo “único, irreverente, inteligente y absolutamente inolvidable”.

Gachas Comedy: talento, territorio y visión compartida

El festival tiene su germen en la provincia de Albacete y se ha consolidado como una “referencia nacional”, señala la Diputación albaceteña, gracias a una idea clara: “apostar por la cultura con identidad propia, abierta y cercana”. Un proyecto que no sólo trae a grandes figuras del panorama nacional, sino que impulsa el talento local y hace que la risa viaje por toda la provincia y la región.

En ese camino, el papel del director Jesús Arenas y su equipo, tal y como ha resaltado Cabañero, resulta clave. Su trabajo “constante, sincero, llano y, sobre todo, muy comprometido ha sido el motor que ha permitido que este festival crezca, se diversifique y llegue cada vez más lejos. Detrás de cada espectáculo hay muchas horas, muchas decisiones y, sobre todo, mucha pasión por el humor bien entendido”.

“Somos la cantera de los monólogos en Barcelona. Muchos de los humoristas que ahora llenan teatros empezaron aquí”. Con esta rotundidad se expresa Juanjo Ferrer, propietario del bar El Medi, en el 129 de la calle de Balmes, en el corazón de Barcelona. Suscriben sus palabras los cómicos y cómicas consultados para este artículo sobre el stand-up comedy en Barcelona, una ciudad con más de medio centenar de espacios de todos los tamaños entregados a la comedia. 

Ferrer responde las preguntas del elDiario.es frente a la puerta del local, mientras echa un pitillo rápido. Son las ocho de la tarde de un miércoles gris, acaban de subir la persiana y la gente ya está cogiendo sitio para troncharse de risa. “El 80% de la programación por las tardes son monólogos y por la noche solo hay música en directo”, puntualiza el empresario del establecimiento con capacidad para unas 60 personas sentadas. “Muchas noches se llena y no cabemos”, asegura.

Su bar de copas y cócteles entró en el circuito de la comedia recogiendo el testigo de su otro local, 37 Grados, situado a unas pocas calles. “En 2005, David Guapo vino a hacer una prueba como músico con su guitarra. Se presentó con su nombre real, David Callejón”, recuerda Ferrer. Entonces, ya iba introduciendo el humor entre tema y tema y eso gustaba al público. Así que, desde el bar, decidieron dedicar una noche de micro abierto con él ejerciendo de maestro de ceremonias. Cuando el 37 Grados cerró, toda la actividad chistosa se concentró en El Medi.

Ese bar vio nacer a un pionero del videopodcast como ‘El sentido de la birra’, el espacio de humor y entrevistas dirigido por Ricardo Moya. Una placa de YouTube, el reconocimiento físico que la popular plataforma otorga cuando un canal o creador supera los 100.000 suscriptores, acredita su vinculación. “Aquí comenzó Ricardo”, recuerda con orgullo Ferrer, “entrevistando sobre todo a cómicos, y luego a todo tipo de personalidades. Le dejaba las llaves; venía cuando quería”.

Otros nombres conocidos de la comedia y el espectáculo como Berto Romero, Charlie Pee y Tomás Fuentes también empezaron en El Medi, continúa Ferrer, quien presume de tener un póster de Eugenio con un elevado valor sentimental. “No, aquí no empezó Eugenio, ya me gustaría. Pero sí te puedo decir que me lo regaló Gerard, uno de sus hijos”, subraya con una sonrisa, poco antes de que empiece otra velada de micro abierto.

Prueba y error en los open mics

Sube el volumen de la música en El Medi y aparece en el escenario Josep Maria Raventós, Rave para los amigos. Él se encargó de escoger a los siete participantes en este open mic y también los irá presentando. Entre gritos, con su estilo estridente, muy físico. “Cuando programo, busco una mezcla de gente que empieza, personas con más recorrido y también algún colega que ya sea profesional”, apunta el maestro de ceremonias. Todos tienen el mismo tiempo, unos ocho minutos, y la taquilla es inversa.

La primera participante es una cómica aficionada, docente en una universidad privada. “Con 44 años que tengo solo puedo decir que soy una joven promesa en la uni”, suelta Andrea. La sala se llena de risas, empieza bien. ¿Será el público de El Medi agradecido? “Cada tarde es un misterio. Viendo las cuatro primeras reacciones de la gente, ya puedes ver por dónde irá la cosa”, cuenta Raventós, un veterano de los open mics que acabó apostando por la comedia después de trabajar de “muchas cosas”.

Su vocación artística, dice, pudo más que la seguridad económica. Ahora hay muchos más cómicos y cómicas, también muchas más salas para hacer comedia que cuando empezó, hace 20 años. “Ayudó mucho el programa El club de la comedia, que hizo llegar los monólogos al gran público”, asegura. De hecho, ahora hay tantos humoristas que, para participar en los open mics, es necesario apuntarse antes. Hace años, recuerda, no era necesario. Podías llegar al local y apuntarte en ese mismo momento, como el que entra en el karaoke bar.

Pódcast de humor en vivo

Actualmente, la principal ocupación de Raventós es el podcast de humor ‘Vull ser’, un espacio totalmente independiente y autoproducido que realiza junto al también cómico Dani Morlà. Monetizan su trabajo organizando programas especiales con público, donaciones o micromecenazgos. Suelen grabar en la librería La Llama Store, situada en la calle de Tamarit, en el barrio de Sant Antoni. “La Llama es otra pieza clave del humor en la ciudad”, asegura. Su trastienda acoge monólogos y podcasts con público y también son impulsores del festival de comedia alternativa La Llama Fest.

Como Raventós, muchos humoristas de stand-up comedy han encontrado en los podcasts y videopodcasts independientes una extensión del escenario. Ahí está el tándem Ignasi Taltavull y Tomàs Fuentes, creadores y conductores del exitoso ‘La Ruïna’, con más de 187 mil suscriptores en YouTube. O Magí Garcia Modgi, pieza imprescindible en ‘La Sotana’, un referente en la podcastfera catalana con más de 400 episodios emitidos.

“Supongo que hay gente joven que ha empezado a hacer su propio pódcast con amigos después de escuchar 'La Sotana'. Debe ser así, porque nos invitan a muchos podcasts”, comenta Modgi, de 43 años. “Creo que hemos contribuido a generar la sensación, totalmente errónea —continúa—, de que se puede vivir bien haciendo lo que te gusta con tus amigos. Es mentira. No se puede vivir de eso. No lo hagáis. Pero lo podéis intentar”.

Modgi empezó su carrera humorística colaborando en la versión web de El Jueves. Eso sí, sin dejar la jornada completa en el Bus Turístic de Barcelona. Tenía 30 años y la llamada del stand-up comedy no tardó mucho en llegar, explica. Se apuntaba a todos los micros abiertos que podía, martes y jueves noche. “Ahora lo pienso y son unos horarios demenciales. Debía ir a trabajar con una pinta horrible”, bromea quien finalmente ha conseguido vivir principalmente de la comedia después de casi nueve años.

Además de ‘La Sotana’, que se sostiene con un sistema de micromecenazgo y espectáculos en teatros, gana dinero con guiones por encargo y colaboraciones televisivas, que le permiten vivir razonablemente bien: “No depender de un solo empleo es la única forma que he encontrado de no tener miedo de decir las cosas que quieres decir en ese trabajo, lamentablemente”.

Como Modgi, la humorista Irene Minovas, de 43 años, también hace muchas cosas porque “vivir únicamente del stand-up en ese país es muy difícil”, explica. En su caso, con una larga trayectoria como actriz, apostó por los monólogos para tener más control sobre su carrera. “Puedes preparar tu propio texto y presentarlo, hacer y deshacer tú misma; no tienes que estar esperando a que te llamen para trabajar”, argumenta una catalana que se visualiza en Madrid para tener más oportunidades laborales: “Estoy en mi mejor momento profesionalmente hablando, pero todavía podría irme mejor. Me veo en un futuro trabajando en Madrid, pero no viviendo. Muchos van y vienen”.

Con un pie en la carcajada madrileña

“En Barcelona hay entre 50 y 70 espacios en los que puedes hacer monólogos; y en Madrid hay alguno más, pero no muchos más”, sostiene el humorista Pablez, nacido Pablo Fernández, de 31 años, quien vive a caballo entre las dos ciudades desde octubre de 2023. El circuito humorístico en la capital catalana es rico y diverso, con espacios como el Teatre Coliseum (1.400 butacas) y establecimientos que acogen comedia en vivo con capacidad para unas 40 personas como La Off o Macabra Bar.

“La comedia es un mundo muy difícil. Muy pocos ganan mucho dinero, y muchísimos ganan muy poco y tienen que dedicarse a otras cosas para vivir. Existe también una clase media, muy reducida, que puede vivir de sus chistes, quizá más en Madrid que Barcelona”, añade Pablez.

Este cómico nació y creció en el barrio de Bon Pastor de Barcelona, se licenció en Comunicación Audiovisual y empezó a trabajar en una empresa del sector. “Tenía la espinita de actuar y me la quité en 2017 en el Parc de la Trinitat. Ese fue mi primer monólogo con público. Lo organizaba Andreu Buenafuente y había unas mil personas. Quedé segundo, pero lo mejor fue conocer a tótems del humor como Pepi Labrador, Andrea Farina y Beni Pla”, recuerda este joven humorista, quien dejó su trabajo en diciembre de 2019 para perseguir un sueño.

Se apuntó a un curso de guion de comedia en Madrid, encontró trabajo en una cadena de televisión de pago y ahí empezó a conocer la escena y el circuito madrileño del humor. “Allí hay muchos más cómicos porque va gente de todo el país a probar suerte. Piensa que en Asturias, por ejemplo, quizá solo hay un teatro de comedia”, sostiene un cómico que ahora tienen hasta cuatro funciones en marcha. Tres son propias, como ‘La edad del paro’, ‘Ghosting’ y ‘En Bruto’, y la cuarta es ‘Los 30’, con guion de Jorge Santos.

Para Pablez, en términos generales, Madrid tiene un humor más “generalista” y Barcelona tiene un acento más “alternativo”. Coincide en buena medida el cómico catalán Xavi Daura, miembro del dúo Venga Monjas, junto a Esteban Navarro. Para este cómico y colaborador televisivo, hay más trabajo en Madrid principalmente porque en la capital se concentran muchas televisiones y otras empresas del sector audiovisual.

“En Barcelona no hay ni la mitad de trabajo; pero eso nos permite arriesgar más, hacer cosas más extrañas, alternativas y originales”, subraya el responsable del espectáculo ‘Báilenlo’, que está llenando por igual el Golem’s Teatre barcelonés y el madrileño Teatro Alcázar. El primero tiene capacidad para unas 130 personas, mientras que el segundo tiene más de 700 butacas. “Meter a tanta gente en el Alcázar fue un subidón, un récord personal”.

Daura, con más de 51 mil seguidores en Instagram, no olvida sus raíces. Esos primeros monólogos fueron en El Medi de la calle de Balmes, un establecimiento que sigue visitando con cierta asiduidad. “Tiene algo de cueva, de hervidero, donde puedes probar cosas en un ambiente muy receptivo”, destaca el cómico, quien también trabaja en La Llama. Allí organiza un open mic mensual, junto a sus amigos y colegas de profesión Adri Romeo, Ignasi Taltavull, Irene Minovas, Kike García, Tomàs Fuentes y Vanessa Valero.

“En Madrid, con todo lo que tiene, no he encontrado algo parecido a La Llama: una librería con mucha personalidad, un espacio vivo, muy orgánico, que genera una sensación de colectivo”, apostilla.

Curso de stand-up: el humorista también se hace

Joan Antoni Martín Piñol es escritor, humorista, guionista y profesor de comedia. Por este orden, precisa el autor de más de 38 libros publicados, la mayoría de estos dirigidos al público infantil y juvenil. “Desde pequeño quería ser escritor y, de pura casualidad, cuando estaba estudiando Comunicación Audiovisual, acabé haciendo una prueba para unos cazatalentos de Paramount Comedy en 2001”, rememora Martín Piñol, de 47 años, quien comparte en un curso toda su experiencia para combatir el miedo escénico y salir airoso de un monólogo con público.

“Viene gente que se quiere dedicar al humor, pero también médicos, ejecutivos de empresas, profesores… Algunos se apuntan para perder la vergüenza —continúa—, otros porque son actores y quieren tener otros registros… El perfil de los alumnos es muy diverso, lo cual es muy enriquecedor”.

 ¿El humorista nace o se hace? Martín Piñol responde con una metáfora. Considera que hay personas con un talento innato como Superman, poderosos en este planeta casi sin esforzarse, y luego hay personas que entrenan duro como Batman, humoristas con 20 planes y otros tantos remates listos para ser usados.

“Cuesta mucho destacar y poder vivir de la comedia de una manera sostenida y no angustiosa, pero muchos han encontrado la manera de compaginar el humor con otros trabajos y profesionales. Monetizar no debe obsesionarnos, no siempre es necesario. Como afición es mucho más saludable que los deportes de impacto”, bromea este profesor de stand-up comedy desde 2007.

En los cursos intensivos de Martín Piñol, cada vez hay más mujeres y actualmente rondan el 40% de su alumnado. Una de ellas es Georgina Cordobés, de 32 años, que abandonó la psicología para dedicarse al humor. No hubo ningún momento epifánico; lo más parecido sería la gala de final de curso, también llamada bautizo: “Tuve claro que me quería dedicar a esto, aunque no sea fácil. Estaba muy quemada en mi trabajo, porque de alguna manera trabajaba con los problemas de la gente y eso afectaba a mi vida personal”.

De eso ya hace un año y medio. Ahora trabaja por las mañanas con jóvenes como técnica de prevención en alcoholismo, visitando centros educativos, y por las tardes prepara textos que pone a prueba en El Medi, ese pequeño santuario de la comedia de la calle de Balmes que vio nacer a tantas estrellas del humor.

El debate en torno a la educación es un tema presente en todas las familias. Para una persona de izquierdas, que defiende con uñas y dientes la educación y la sanidad pública, una de las dudas que siempre aparece cuando tiene que elegir a qué colegio quiere llevar a sus hijos es si uno cae en la incoherencia si eligiera uno privado después de haber puesto decenas de mensajes en redes sociales defendiendo lo público. ¿Le hace menos progresista escoger una escuela bilingüe donde van las familias más modernas y se imparten los métodos educativos más finos?

Eso no quiere decir que ya no apoye lo público, pero sí que es algo que suele ser señalado, porque a la hora de elegir para sus hijos se ha optado por el otro modelo del que no hablaba. Es en esa fricción tan actual y tan habitual, donde los guionistas Víctor García León y Borja Cobeaga, dos de los mejores escritores de humor del cine español, han sacado los colores a muchas personas (y a ellos mismos) en Altas capacidades, la brillante comedia con la que compiten en la Sección Oficial del Festival de Málaga y que se estrena el 27 de marzo en cines.

La comedia que dirige el mismo García León es una película llena de mala leche, pero fina en su bisturí, sobre una pareja (Israel Elejalde y Marián Álvarez) que se engaña a sí misma sobre que su hijo tiene altas capacidades para autoconvencerse de que tienen que sacarle del colegio público al que va y meterle en uno privado donde acude el hijo del jefe de él (un Juan Diego Botto que despliega el encanto de una serpiente de cascabel). Un colegio modernísimo, lleno de gente superprogre, escritores, artistas… y narcos. Uno que, además, les cuesta un riñón y va en contra de todo lo que han defendido. 

La película nació de una noticia de 2018, la de un señor que murió acribillado en la puerta de un colegio muy pijo. A la productora Marisa Fernández Armenteros —responsable de Altas capacidades, pero también de Los domingos junto al mismo equipo— le llamó la atención y se la mandó a Víctor García León para ver si había una comedia. “Le hacía mucha gracia que estos señores tan progres tuvieran esa reunión del AMPA para echar a la familia del narco colombiano, pero yo le decía que eso no era una comedia, pero ella me decía que sí, porque lo del ascensor social era muy divertido”, recuerda el director de los inicios del proyecto.

Víctor García León vio que en esa conversación había algo en el fondo que le incomodaba. “Yo llevo a mis hijos a un colegio privado que no podía pagar y le decía a Marisa, es que estas contradicciones que te matan de risa son las mías. A mí me estás jodiendo con esa conversación. Y entonces ella llamó a Cobeaga y él le dijo que estaba en ese momento haciendo un casting de colegios. Y es horrible, porque los colegios progres fenomenales no los puedo pagar, los de derechas son más baratos, pero son de derechas… era todo una mierda espantosa”, reconoce sobre esa incoherencia de la que nace su propia película. 

Casi contra su “voluntad” empezaron a escribir sobre un tema que les dolía a los dos guionistas. “El tema es doloroso y hay algo de eso que hemos escrito un poco torcidos. Borja es el guionista más listo de España y eso es una gozada y al final ya no podía, pero no se hacen comedias sobre este tema porque duele, porque nadie se pone a hacer una cosa sobre sus contradicciones, sus miedos, sobre dónde metes a tus hijos. Es que mis contradicciones tienen nombre y apellido y me iba a poner a hacer chistes sobre eso”, dice con humor.

Afirma que esa incoherencia es una de las más evidentes en la izquierda actual, pero también una que “dentro de unos años va a venir fuerte”. “Habrá un momento en el que nosotros, como generación de izquierdas, los que sean de izquierdas, pero yo, con todas mis contradicciones, me reconozco como alguien de izquierdas, veamos que en un momento dado hemos apostado por una educación lesiva contra nuestros principios y eso… hostia, rasca”, cuenta.

No se hacen comedias sobre este tema porque duele, porque nadie se pone a hacer una cosa sobre sus contradicciones, sus miedos

Víctor García León — Cineasta

Puede que todo se resuma en la frase que preside el cartel de Altas capacidades y que dice “Lo que sea por cambiar de clase”. Porque en esa decisión de llevar a los hijos a un colegio de pago progre hay mucho de complejo, de vergüenza de clase y de escapar. Víctor García León lo explica con la misma brillantez que en su película: “Cuando estás hablando de la educación de tus hijos, normalmente entras en un terreno viscoso ideológicamente. Quieres pensar que es por tus hijos, pero al mismo tiempo estás pensando que mejor que sean amigos del ministro, que no de un señor que tiene una ferretería. De alguna manera les colocas, cuando eliges colegio para ellos, en otro punto de partida. Entonces, si tú pudieras elegir ese punto de partida, ¿en cuál les colocas? Y es una mierda de pregunta”. 

Esa pregunta le enfrenta a sus “miedos, inseguridades y contradicciones”, porque en el fondo sabe que va de que “aprendan inglés”, si no de que “si tienes que elegir novios o novias para tus hijos intentas escaparte del reguetonero para elegir al chico que estudia una oposición”. No esconde todos los ‘ismos’ que hay detrás de esa decisión: “Es muy jodido porque sale todo nuestro racismo, nuestro clasismo y las cosas con las que uno debería luchar. Cuando eres padre salen solas cosas que son un material enorme”, asegura.

Altas capacidades se convierte en una rara avis, una comedia adulta, que mete el dedo en el ojo y que provoca una risa incómoda. Algo que, en un momento donde se producen mayoritariamente comedias familiares y blancas es una rareza, y García León cree que eso se debe a “que el imperialismo cultural tiene una aplicación clara”. “Si piensas en las diez películas españolas que más gustan, alguien puede poner Arrebato, o Lo imposible, pero lo normal es que salgan Saura, Trueba, Almodóvar, Berlanga… autores que tienen reparto y medios para hacer una película popular, pero que tiene un aliento creativo”, opina. 

“En ese terreno mixto es donde han salido nuestras mejores películas en la historia del cine español. Ese modelo de película no se da. Las televisiones privadas y las distribuidoras norteamericanas han empujado al cine español a hacer películas muy pequeñas de cine de autor y luego comedias muy obvias, de cómicos locales, que son justo las dos cosas que ellos no pueden hacer. Para todo lo demás están ellos. Entonces al final estamos en una carnicería donde nos dicen: hombre, si tienes algún solomillo exquisito puedes entrar, pero la carne picada es mía”, apunta sobre el momento actual de la industria. Por eso Altas capacidades “ha costado tres o cuatro años levantar la financiación”. Finalmente, la logró, y en su espíritu Azconiano, en el año del centenario del guionista, triunfa por su capacidad de clavar su bisturí al españolito medio para que sea vea por fin en el espejo de su incoherencia.

El actor Steve Carell vuelve a la comedia televisiva con una nueva serie, ‘Rooster’, que se estrena en HBO Max con 10 episodios de media hora cada uno. Esto ha hecho que el intérprete se haya embarcado en una gira promocional, en la que ha repasado también otros puntos de su carrera, como el de una de sus películas más recordadas, que se estrenó hace 15 años.

Hablamos de ‘Crazy, Stupid, Love’, en la que coincidió con nombres que siguen de actualidad en Hollywood como es el caso de Ryan Gosling y Emma Stone, y que se ha convertido en una de las películas de comedia romántica más queridas de la década de 2010, sobre la que uno de sus protagonistas ha desvelado una curiosidad poco conocida.

A Steve Carell no le gustó el título de ‘Crazy, Stupid, Love’

Han pasado quince años desde su estreno en 2011, pero ‘Crazy, Stupid, Love’ sigue estando entre una de las comedias románticas más populares, algo que no es de extrañar con un reparto como el que tuvo con Ryan Gosling, Emma Stone, Juliane Moore y Steve Carell, que también es conocido por éxitos como ‘The Office’, ‘Virgen a los 40’ o ‘Sigo Como Dios’.

Con motivo de su último estreno, la serie ‘Rooster’, Carell habló con medios como Entertainment Tonight, donde desveló una anécdota desconocida por los 15 años de la película y que ha llamado la atención como es el hecho de que no le gustó el título de la mencionada comedia romántica: “Nunca me gustó ese título, pero ahora sí. Cuando Dan Fogelman lo escribió, no le puso título. No le puso ningún nombre, era ‘Proyecto Dan Fogelman sin título’ cuando entré en ella”, reconoció.

De hecho, Carell también contó la peculiar manera con la que se dio finalmente con título definitivo: “Todos tenían una idea de cómo debería llamarse la película, pero nadie se le ocurrió una sola. Así que finalmente Warner Bros. dijo: ‘La llamaremos 'Loco, estúpido, amor’”. Igualmente, el actor declaró que “si una película es buena, a la gente le gustará el título. Da igual como se llame”.

Un éxito de crítica y taquilla hace 15 años

Estrenada en 2011, esta comedia romántica fue escrita por Dan Fogelman y dirigida por Glenn Ficarra y John Requa, y fue tanto un éxito comercial como de crítica con una recaudación de más de 145 millones de dólares en todo el mundo, que superaron el presupuesto inicial de 50 millones.

Además, en premios obtuvo nominaciones a Mejor Comedia en los Premios de Críticos de Cine y Ryan Gosling obtuvo nominación en los Globos de Oro. De hecho, para el actor canadiense fue uno de sus primeros papeles conocidos en la comedia, que luego explotaría en “Dos buenos tipos”, “Barbie” y “El especialista”.

En la película interpreta a Jacob Palmer, un soltero que ayuda a Cal Weaver (Steve Carell) a cambiar su imagen y su vida después de divorciarse de su novia de toda la vida. Más tarde, se entrelazan diferentes personajes, lo que lleva a una combinación de humor y romanticismo que fue clave de su éxito.

Las vimos juntas por primera vez en el papel de María y Susana, dos amigas que se encuentran en un campamento religioso y que demuestran estar más interesadas en el reguetón y el electrolatino que en otra cosa. Pero las carreras de Anna Castillo y Macarena García no hicieron más que crecer después de esta aparición en la película de Javier Ambrossi y Javier Calvo.

Tras La llamada (2017), llegó la primera temporada de Paquita Salas (2017), la primera producción seriada de Los Javis en la que las actrices volvieron a aparecer (aunque nunca llegaron a compartir escena). Y luego continuaron por separado: desde La Mesías (2023) y Casa en llamas (2024) para García hasta Un cuento perfecto (2023) y Su Majestad (2025) para Castillo.

Han pasado casi diez años desde ese primer encuentro en la pantalla, y en nada tendremos la oportunidad de volver a ver a las intérpretes juntas. Será en mayo, cuando Movistar Plus+ estrenará Se tiene que morir mucha gente, una nueva serie original creada por la cómica y guionista Victoria Martín y basada en su novela homónima. 

Todo lo que sabemos de la serie

La serie, que constará de seis episodios de unos 30 minutos cada uno, estará protagonizada por García, Castillo, Laura Weissmahr (premio Goya a mejor actriz revelación por Salve María) y Sofía Otero (Oso de Plata a la mejor interpretación por 20.000 especies de abejas). Alba Galocha, Óscar de la Fuente, Ramón Rados y Yunez Chaib completan el reparto.

Se tiene que morir mucha gente sigue la estela otras producciones como Sexo en Nueva York o Girls, donde la amistad entre un grupo de mujeres es el centro de la historia. Así, la serie sigue a Bárbara, Maca y Elena, quienes 20 años después de conocerse siguen siendo amigas. 

Bárbara está completamente frustrada por su trabajo y enganchada a las benzodiacepinas Maca, por su parte, intenta ganarse la vida como actriz, aunque no le queda más remedio que ponerse detrás de la barra de un bar para ganarse el sueldo. Y luego tenemos a Elena, embarazada tras casarse con un señor de 60 años que dirige hoteles 

Solo con el primer adelanto que ha publicado la plataforma, ya podemos hacernos una idea de cómo será Se tiene que morir mucha gente. Escenas de la vida cotidiana que pueden ser vistas como un auténtico drama pero en el que no falta el toque de humor ácido que tanto ha caracterizado la carrera de Martín, directora de la serie junto a junto a Sandra Romero y Nacho Pardo.

La Fundación Soliss ha renovado su acuerdo de patrocinio con el Festival Gachas Comedy y su plataforma itinerante, el Escenario Soliss, consolidando así su compromiso con la promoción del humor y la dinamización cultural en Castilla-La Mancha.

Con esta renovación, la Fundación reafirma su apoyo a uno de los proyectos culturales más dinámicos y participativos de la región, acercando espectáculos de comedia de primer nivel a numerosos municipios y facilitando el acceso a propuestas culturales de calidad para públicos de todas las edades.

Humoristas del Escenario Soliss

El cartel del Escenario Soliss vuelve a reunir a reconocidos nombres del panorama nacional junto a artistas con fuerte vinculación regional. Entre los humoristas que forman parte de esta edición destacan:

Un elenco variado que combina monólogo, humor gestual, sátira social y propuestas contemporáneas, garantizando una programación diversa y atractiva.

Localidades del Escenario Soliss

El Escenario Soliss recorrerá distintas provincias de Castilla-La Mancha, con paradas en los municipios de Hellín, La Roda, Villarrobledo, Madrigueras, Almansa, Casas Ibáñez y Munera (Albacete), de Miguelturra, Herencia y Pedro Muñoz (en la provincia de Ciudad Real), la localidad conquense de Belmonte y Quintanar de la Orden (Toledo).

La inclusión de Toledo dentro del recorrido refuerza el carácter regional del festival y su vocación de acercar la cultura a todos los rincones de la comunidad.

Compromiso con la cultura regional

Con esta renovación, la Fundación Soliss mantiene su firme apuesta por el desarrollo cultural, el apoyo al talento artístico y la cohesión social en Castilla-La Mancha. El humor, como lenguaje universal, se convierte así en una herramienta de encuentro, participación y dinamización del territorio.

La colaboración con el Festival Gachas Comedy y el Escenario Soliss se enmarca dentro de la estrategia de la Fundación de respaldar iniciativas sociales, culturales y deportivas que generen un impacto positivo y sostenible en la región.

¡Disfruta de un festival donde el humor y la cultura brillan gracias al apoyo de Fundación Soliss!

Tal y como afirma Ignatius Farray “la risa es el camino más corto entre dos personas”. No cabe duda de que reír tiende puentes con otros seres humanos; además alivia tensiones, libera endorfinas e incluso mejora el sistema inmunitario. Reír es sano y necesario. Y de risas y comedia bien sabe Mariano Bartolomé, dueño de El Refugio del Crápula desde la pandemia, el bar zaragozano que en estos últimos años se ha convertido en el templo del humor de la capital aragonesa. Ahora, a partir del 13 de febrero, la nueva sala Belushi —también de Bartolomé— coge el testigo del bar de la Madalena para convertirse en un espacio referente en comedia; al igual que lo hiciera el ya desaparecido Juan Sebastián Bar.

“La comedia nos une. Cuando hay comedia, a la gente le da igual que seas de un rasgo político o religioso, que al final te ríes de todo; si estás a gusto y relajado, y si está bien hecho el chiste, por supuesto”, asegura. Por otro lado, Bartolomé explica que la comedia tiene ese punto crápula, literalmente: “Si estás en un bar y la gente tiene cervezas y tú estás haciendo un monólogo, eso ayuda a que se te vaya un poco al lado canalla. Está todo el mundo más relajado, y cuando el cómico está relajado puede ser una bomba. Eso es lo bueno. Ese es el ambiente que siempre intentamos buscar, y lo solemos conseguir. Por eso a la gente le gusta venir a actuar a este local o a los locales que he tenido yo, porque hacemos que esté muy relajado el cómico y eso hace que sea muy directo, muy improvisado todo”.

Si bien es cierto que este bar ha sido conocido por la música, desde el año 2020, en El Crápula no solo ha actuado lo mejor de la comedia de Zaragoza, sino de España. La cercanía que ofrece el bar o la sala pequeña, en comparación con el teatro, es un aspecto que valoran los profesionales de este sector. Así, el pasado enero se celebró la XVIII edición del Zaraguasa, todo un clásico ya en la capital aragonesa. Iggy Rubín, Vanessa Valero, Xavi Daura, Quique Macías o el propio Juako Malavirgen (codirector junto a Bartolomé del festival) fueron algunos de los cómicos y cómicas que actuaron en esta cita anual del humor.

Porque no hay que olvidar la exigencia del público zaragozano: “Zaragoza es una plaza difícil, lo dice todo el mundo. Si te das cuenta, cualquier prueba que tienen que hacer en España, se hace aquí. El público no es difícil, sino exigente, que no es lo mismo. Llevamos tantos años viendo comedia que la gente ya es muy crítica, ya sabe a lo que va, se lo tienen que pasar bien. Y en Zaragoza, la gente se lo sabe pasar bien”. 

Además, añade que ver comedia es casi un ritual: “Tienes que relajarte, estar sentado, disfrutar, apagar el móvil… es como ir al cine. Un monólogo es media hora o una hora, y hay cosas del final que tienen que ver con el principio. Por eso, hay que estar pendiente”.

Zaragoza es también cantera de talento, ya que “hay más cómicos que nunca”. Aunque Bartolomé recuerda que esto no es nuevo, la comunidad es tierra de humor desde los tiempos de Esteso o Marianico ‘El Corto’: “Desde entonces y hasta ahora, ha habido mucha comedia aquí, en Aragón”. 

Belushi Club de Comedia

“Nosotros decimos que de las cenizas de Juan Sebastián Bar nació la comedia del Crápula y, ahora, con Belushi es la continuación. Es lo que yo he querido siempre, y lo que conseguimos con Juan Sebastián Bar. La gente venía a ver comedia sin saber quién actuaba”, comenta. La nueva sala Belushi, cuyo nombre rinde homenaje al cómico estadounidense John Belushi, se ubicará en la calle de Bernardo Fita, 11.

Su inauguración se espera este próximo 13 de febrero con el show ‘Los 40: con lo que yo he sido’ de Patxi Zubeldia. Mientras, El Crápula continuará con conciertos y espectáculos y siendo sede de la noche zaragozana. El bar de La Madalena seguirá haciendo honor a su nombre. 

El Festival Internacional de Cine de Comedia de Cuenca (FICCUE) celebrará su cuarta edición los días 11 y 16 de mayo.

Entre las principales novedades anunciadas figura la creación del Premio DAMA al Mejor Guion FICCUE 2026, patrocinado por la homónima entidad española de gestión de derechos de autor de creadores audiovisuales, reforzando el reconocimiento a la autoría y al trabajo de guonistas.

La delegada de la Junta de Castilla-La Mancha en Cuenca, Marian López, ha asistido este jueves en Madrid a la presentación oficial de la cuarta edición del festival, celebrada en la Oficina de Turismo de Castilla-La Mancha. El acto ha sido presentado por el director de FICCUE, Javier Muga, junto a la actriz Belinda Washington, que vuelve a ejercer como madrina del festival y será de nuevo la presentadora de la gala.

Por otro lado, la edición 2026 “refuerza también su apuesta por la inclusión, que será protagonista en la dimensión social del festival”, explican desde el Gobierno regional. FICCUE contará con la participación de personas de AMIAB, entidad en favor de las personas con discapacidad, que además concederá el Premio a la Inclusión.

Ana Morgade u Óscar Reyes, algunos de los que integrarán el jurado

Durante el acto se ha presentado el cartel y la composición del jurado, tanto de la sección oficial como de la nueva sección paralela. Así, el jurado de la sección oficial estará integrado por Ana Morgade, cómica y actriz; Óscar Reyes, actor y director; Helher Escribano, directora de cine y directa de IBICINE; Yolanda García Serrano, guionista, directora y escritora; y Ana Ortiz Wienken, compositora de bandas sonoras y directora.

Por su parte, el jurado de la sección paralela estará formado por Irene Rojo, actriz; Andrea Casaseca, directora de cine; Daniel Chamorro, actor; y Diego Ferro, actor y productor.

Otras actividades paralelas ligadas a FICCUE 2026

Además de las proyecciones y de la gala de clausura, prevista para el 16 de mayo, FICCUE 2026 desarrollará durante toda la semana una programación paralela con “actividades de networking, charlas, coloquios, encuentros profesionales, visitas guiadas y estrenos en primicia, con el objetivo de facilitar contactos dentro de la industria y reforzar la presencia de profesionales en la ciudad”. El festival impulsará también que cineastas y productoras conozcan Cuenca como posible escenario de rodajes y futuras localizaciones.

Asimismo, se ha avanzado la celebración en abril de un acto en la sede de DAMA, con la presentación de la mención de honor y la lectura de nominados.

Durante su intervención, Marian López ha subrayado que “FICCUE es un ejemplo de cómo un proyecto cultural nacido en Cuenca ha sabido crecer edición tras edición hasta ganar presencia y proyección nacional, atrayendo a profesionales de primer nivel y generando oportunidades para la ciudad”.

La delegada provincial ha añadido que “el Gobierno regional seguirá apoyando este festival, por su aportación cultural y también por su dimensión social”, y ha mostrado el respaldo del Ejecutivo autonómico a FICCUE en su objetivo de convertirse en certamen calificador de los Premios Goya.

Por su parte, el director del festival, Javier Muga, ha anunciado que este mismo viernes se han puesto a la venta las acreditaciones y se ha abierto el plazo de inscripción de los proyectos audiovisuales participantes a través de la web Festhome, habiéndose recibido ya más de un centenar de propuestas.

Un cubo de pintura osciló desde lo alto y golpeó con violencia a uno de los intrusos en plena frente. El impacto lo hizo tambalearse antes de que su compañero recibiera un ladrillo desde una ventana abierta, que le hizo caer de espaldas sobre el hielo. Los dos ladrones de Solo en casa intentaron levantarse entre los restos del pasillo, con la ropa manchada de polvo y pintura, mientras las luces parpadeaban tras el último estallido provocado por una plancha eléctrica.

Las trampas seguían activas: un pomo ardiente, un clavo oculto en la escalera y una cuerda tensada esperaban el siguiente paso en falso, que volvió a derribarlos entre ruidos metálicos y golpes secos.

Un análisis médico desmontó la supuesta resistencia de los personajes

El profesor Adam Taylor, de la Universidad de Lancaster, explicó en un artículo de The Conversation que los personajes Harry y Marv, interpretados por Joe Pesci y Daniel Stern, no podrían haber sobrevivido en la vida real a las trampas del niño Kevin McCallister, al que dio vida Macaulay Culkin.

Según el especialista, cada uno de los golpes reproducidos en las dos películas habría causado lesiones mortales o un coma irreversible, y por eso definió a los personajes como “imposibilidades médicas”. Taylor añadió que incluso aunque parecieran ilesos por fuera, los daños internos habrían sido devastadores, lo que hace imposible que se levantaran y continuaran andando tras cada ataque.

Las trampas más reconocibles de la saga incluyen latas de pintura lanzadas desde escaleras, ladrillos cayendo desde azoteas, bolsas de cemento colgadas de cuerdas, clavos atravesando el pie, electrocuciones y pomos al rojo vivo. En uno de los casos analizados, el golpe de una bolsa de cemento de 45 kilogramos en la cabeza habría causado una fractura cervical instantánea. Otro ejemplo es la caída de ladrillos desde varios metros de altura, capaces de provocar herniación cerebral y muerte inmediata. También se mencionan electrocuciones con corriente de arco, explosiones en retretes, caídas por escaleras y choques con objetos pesados, todos con consecuencias que en la realidad resultarían fatales.

Taylor detalló que los golpes en la cabeza pueden generar hinchazón cerebral que empuja el tejido hacia zonas vitales, comprimiendo los centros que controlan la respiración y el movimiento. Además, explicó que las caídas y los impactos en el torso podrían romper la aorta o aplastar los órganos internos, como ocurre en los accidentes de tráfico frontales.

Las lesiones más leves, como la perforación del pie con un clavo o las quemaduras químicas de la pintura en los ojos, también tendrían consecuencias graves o infecciones de riesgo vital. En conjunto, la sucesión de golpes, caídas y descargas en cuestión de minutos habría acabado con cualquier persona, incluso con atención médica inmediata.

La comedia convirtió agresiones letales en simples gags

El análisis del profesor británico subraya que el cuerpo humano no puede absorber ese nivel de fuerza repetida sin colapsar. Describió que una bolsa de cemento, al alcanzar la cabeza, generaría una fuerza que el cuello no podría amortiguar. Los mismos cálculos aplican a los ladrillos y a los objetos metálicos lanzados, que excederían los límites de resistencia del cráneo.

En palabras del especialista, los ladrones de la película solo podrían haber sobrevivido con una combinación de suerte extraordinaria, atención médica urgente y meses de rehabilitación intensiva, condiciones que están completamente ausentes en el argumento cómico de la historia.

En la película, la violencia se presenta en clave de humor y con efectos visuales exagerados, lo que convierte cada golpe en un gag. El propio Taylor señaló que esa irrealidad es parte del atractivo de la saga, en la que las lesiones se limitan a manchas de hollín o deformaciones pasajeras en lugar de fracturas y hemorragias. La franquicia Solo en casa mantiene así su carácter de comedia navideña, especialmente pensada para un público infantil, en la que la supervivencia de los ladrones evidencia el tono caricaturesco y permite que las escenas sigan resultando cómicas pese a su brutalidad real.

Rebecca Zlotowski llegó al cine francés como un soplo de aire fresco. Una directora de una nueva generación que remozaba cada género que tocaba. Ha abordado, tanto como guionista como directora, temáticas que hasta ese momento solo habían sido tratadas por hombres, y ponía en jaque los clichés existentes. 

Lo hace sin subrayados, con gracia y estilo. Sin prejuicios para ir saltando de género a género, o incluso atreviéndose a reescribir un remake del filme erótico, Emanuelle, con Audrey Diwan para intentar revisar el deseo femenino que en su momento el filme original redujo a una fantasía machirula.

Ahora revisita la comedia criminal en Vida privada, una película cuyo título remite a una película de Louis Malle, pero cuyo espíritu entronca realmente con filmes de Woody Allen como Misterioso asesinato en Manhattan, donde un misterio es la máscara que desvela la realidad de una pareja burguesa. En este caso, una mujer separada a la que interpreta de forma soberbia una Jodie Foster que habla en francés y se desenvuelve maravillosamente entre los burgueses parisinos. Ella es una psicoterapeuta que se entera de que uno de sus clientes se ha suicidado e inicia una investigación que desemboca en comedia freudiana.

La película toma el nombre de un filme de Louis Malle.

Soy una vampira [risas]. Creo que fue Jane Fonda quien dijo: “Prefiero compartir una buena toma que guardarme una mala”. Y ese era un título muy bueno, así que compartámoslo. Hablando en serio, me gustan mucho las mujeres, y hay algo en este director, que es un poco el olvidado de la Nouvelle Vague, de alguna manera, que siento que me conecta con él. Y muchos años después, este título me sigue obsesionando y no sabía por qué, así que sigo investigando los motivos. Creo que es un título que promete algo de sensualidad.

Y hay también un juego de palabras. Vida privada puede ser la vida íntima, pero también que has sido privado de la vida. Le quitas la vida a alguien. Esta polisemia del título me pareció perfecta. Era obscenidad, sexualidad, intimidad secreta y, en cierto modo, un thriller. Y si algo sucede en la película, al contrario de la de Louis Malle, es probablemente por la química que sucedió entre Danielle Auteil y Jodie Foster. Escribí a Candice Bergen, la viuda de Louis Malle. No tenía tampoco por qué hacerlo, pero necesitaba decirle que iba a coger el mismo título y que si estaba de acuerdo. Ella tiene los derechos de la película. Ella solo me dijo: “Haz una buena película. Adiós”. 

En Cannes se dijo que era una screwball comedy. Yo me acuerdo más de películas de Woody Allen.

Sí, es terrible porque está canceladísimo, pero me encantan sus películas. Me pregunto: “¿Qué demonios, tío? ¿Qué has hecho?”. Me molesta no poder amarle más. Hizo en los 80 tres películas que son muy, muy importantes para mí, y que tienen esta conexión con Vida privada: Misterioso asesinato en Manhattan, Alice y Otra mujer. Me encanta cuando las películas son la metáfora de algo más. Misterioso asesinato en Manhattan no trata de una pareja indagando el crimen de un vecino. Se pregunta si esta pareja sigue enamorada después de que su hijo se haya ido a la universidad. Qué pasa cuando ya no estamos enamorados, ya no somos padres y nos quedamos uno frente al otro. Esa es la historia de la película. Para mí, mi película es la historia de una madre que le diría a su hijo: “Lo siento. Realmente quería morirme, así que esa es la razón por la que no he sido lo suficientemente tierna contigo”.

Al final la película aborda eso que se ha calificado como ‘las malas madres’.

Creo que todas somos malas madres. Es un cliché, pero es cierto. No va a mejorar. Jodie Foster tiene una idea maravillosa. Dice que ojalá tuviéramos un festival de cine de maternidad ambivalente. Sería genial. Todas esas películas de Malas Madres juntas. Probablemente, añadiría mi película a este tema de la maternidad ambivalente. Tengo 45 años y tengo un hijo de cuatro, y es la primera vez que tengo como protagonista a una madre. Así que fue interesante. Normalmente, cuando los hombres hacen películas, ellos siempre acaban siendo los buenos y las mujeres son un poco desagradables, antipáticas.

La película rompe varios de estereotipos sobre las mujeres, como aquel que dice una mujer se pone histérica y pierde la razón por las formas. 

No era algo premeditado. Este personaje era una maniática del control, pero está pasando por una crisis enorme: una crisis familiar y laboral, además de convertirse en abuela. Creo que Jodie Foster nos ha enseñado una cosa como actriz y directora, y es que se puede tener una carrera como la suya, sin ser coqueta, encapsulando ese tipo de feminidad que es una lección para nosotras. Por eso tenía que ser ella. Por eso esta lucha entre su sensualidad y su inteligencia es tan interesante, porque a veces las actrices y los actores desmienten los propios estereotipos. No somos nosotros.

¿Ha pensado qué hubiera pasado si Jodie Foster le hubiera dicho que no?

No lo sé. Nunca lo sabremos. Es como la vida, no paras de pensar, qué pasaría si siguieras casada, qué hubiera pasado si… Pero es que este papel era realmente para ella. Y por casualidad o porque tenía que ser así, dijo que sí de inmediato, lo cual es superraro porque yo no he ganado una Palma de Oro. Tengo cinco películas antes, y su agente sabía mi nombre, pero no sé. Me encantaría decir que nunca habría hecho esta película sin ella, pero como guionista creo que los personajes deben ser siempre más poderosos que los actores. Porque si no, morimos.

Me interesaba abordar la sensualidad en personas mayores de 60 años, ¿qué pasa con las parejas después de un segundo o un tercer matrimonio? Por supuesto que tienen deseo y sexo

Rebecca Zlotowski — Cineasta

Su cine siempre tiene algo sensual, diría que incluso sexy, algo que creo que las películas ahora mismo tienden a evitar. No sé si por miedo a cómo representar esa sensualidad en el cine ahora mismo. 

Gracias si piensas eso porque es como quería que se sintiera, y siento que es una responsabilidad que tenemos como directores mostrar a nuestros actores lo mejor que pueden ser. Es como cuando miras el rostro de alguien cuando te gusta: lo ves hermoso o la ves hermosa. Y mi cámara simplemente captura lo que siento hacia ellos. Me interesaba abordar la sensualidad en personas mayores de 60 años, ¿qué pasa con las parejas después de un segundo o un tercer matrimonio? Por supuesto que todavía tienen deseo y sexo. Y siento que eso lo transmiten Jodie Foster y Daniel Auteil, pero también quería que estuviera en la escena de sexo que tiene Mathieu Amalric con la actriz que hace de su segunda esposa, que es una escena supergráfica, y la planteé como una coreografía. De hecho, ella es bailarina. Y me hacía preguntas para poder retratar de la mejor forma la sensualidad, pero también para que todos ellos se sintieran cómodos. 

He leído que usó la inteligencia artificial para preparar las escenas oníricas, como para obtener un story board sobre cómo podían representarse los sueños. ¿Cómo fue ese proceso?

Los sueños son un desafío para cualquier director, ¿qué son los sueños? Algunos de los mejores cineastas, como David Lynch o Fellini, ofrecieron propuestas inolvidables. Soy muy italiana, en cierto modo. Adoro a Fellini. Siempre he tenido algo italiano en mis sueños, no sé por qué, probablemente por Fellini. Sentía que este tipo de desafío valía la pena tenerlo al menos una o dos veces en tu carrera de cineasta. Mira la fascinante colaboración entre Dalí y Hitchcock. Necesitamos convertirnos en plásticos en un momento determinado, no solo como cineastas. No sé quién dijo que hacer una película es como hacer una pintura, pero tienes un lápiz muy largo y hay mucha gente entre tú y la pintura. Entonces pensé, ¿cuáles son mis herramientas para crear de forma plástica algo que tuviera ese toque de ‘uncanny valley’. La IA es pésima ahora mismo, y genera un fenómeno de extrañeza, como si cometiera errores, y eso en un guion te da imágenes. Me parece estimulante. Siento que todos deberíamos intentar dominar esta herramienta, porque es algo que está pasando ya, está aquí, y me alegra intentar dominarla un poco.

Una de las eternas preguntas que se hace el ser humano es si hay algo después de la muerte. La gente se amarra a esa idea para relajarse, para confiar en que no hay un momento en el que todo se apaga de repente. Pero, ¿y si en el más allá la decisión que hay que tomar es aún más complicada? En Eternity, la comedia romántica que se ha estrenado en salas con el sello de A24, el estudio de moda, se plantea un mundo en donde existe la eternidad. La cuestión es que en el momento en el que uno se muere debe elegir cómo quiere pasar esa eternidad. No es una cuestión baladí. Es una elección que no tiene marcha atrás, y las posibilidades son innumerables.

Ese es el punto de partida de este filme que parece sacado de una idea de una película de Pixar, ya que se las apaña para construir esos universos propios con sus reglas particulares que suelen tener los filmes del estudio de animación. Para elegir la eternidad uno llega a una especie de feria de exposiciones llena de puestos que te venden su eternidad para ser elegida. Eternidad de playa, nostálgica… o incluso sin hombres (que está agotada por la alta demanda en uno de los mejores gags del filme).

El dilema de Joan (Elizabeth Olsen) será elegir entre dos eternidades que representan a los dos amores de su vida. La primera, junto al hombre que le ha acompañado hasta la vejez (Miles Teller). La segunda, un primer marido apuesto (con el rostro y cuerpo de Callum Turner) que murió en la Guerra de Corea y con quien nunca pudo convivir. Una excusa para plantear un filme lleno de encanto, con tres intérpretes carismáticos y un puntito moderno marca de la casa A24.

Aunque la eternidad es un elemento central de la película, Elizabeth Olsen se desmarca de cualquier lectura religiosa que pueda hacerse del filme (que nunca menciona a dios ni nada por el estilo). “Aunque estemos creando esta vida después de la muerte y estas posibles eternidades, creo que ese elemento, al ser tan abstracto y casi absurdo, nos permite centrarnos en las relaciones que tenemos mientras estamos vivos. Y eso es lo fundamental de esta película, no las cosas más llamativas que te pueden hacer más feliz. Se trata simplemente de con quién pasas la vida. Creo que hay belleza en la vida porque termina y creo que el más allá es una fantasía”, explica en un encuentro con prensa internacional donde se encuentra elDiario.es

Para su compañero Miles Teller, esta película es algo parecido a uno de esos lugares felices en forma de películas. Títulos a los que uno quiere volver siempre y confía que Eternity se convierta en uno de ellos, además de reivindicar la comedia romántica, “un género que la gente debería tomarse en serio y que es necesario”. “Cuando una funciona, realmente le da al público todo lo que desean. Todas las generaciones recurrimos a las comedias románticas para consolarnos en el cine. Y es porque nos hace sentir bien, y eso es importante”, añade.

Mencionan referencias claras como A vida o muerte, de Powell y Pressburguer, pero también el tono de los títulos de Billy Wilder, y es que para Elizabeth Olsen Eternity es uno de esos títulos que reivindica que la empatía, ahora mismo, es algo casi revolucionaria en un mundo y una industria donde triunfa el cinismo: “Es curioso porque me encanta ver películas que son sombrías o cínicas, pero también quiero ver películas esperanzadoras y mágicas, que transmitan una sensación de consuelo y la belleza de la humanidad y las relaciones humanas. En la película también nos burlamos de esta cultura actual que intenta vender a la gente un lugar mejor para pasar la eternidad, cuando lo que importa realmente son las relaciones que tenemos en esta vida. Esta película habla de la belleza de una historia de amor común y corriente, y eso me pareció reconfortante”.

Hay también una reflexión sobre el duelo, sobre dejar ir a la persona amada, y eso es algo que sus intérpretes también valoraron a la hora de decir sí al proyecto, el hecho de que con esta historia iban a “celebrar a esas personas que pasaron por tu vida y cumplieron un papel y te ayudaron a convertirte en la persona que eres”. “Hablamos también de todas las diferentes versiones del amor. Pienso en los primeros enamoramientos, cuando tienes cinco u ocho años, y lo importantes que son. Son tan abrumadores. Y es probablemente la experiencia más grande, y emocional, que has tenido hasta ese momento. Y eso también es válido. Creo que, en lugar de dejar ir, se trata de celebrar esos amores”, opina Olsen.

Teller añade que sigue pensando en ciertas personas a diario que ya no están en este mundo, y que con películas como esta se reafirma en “el gran impacto que ciertas personas pueden tener en tu vida, y eso es algo que solo ocurre a través de una relación”. Por eso cree que dentro de 50 años, cuando ellos probablemente ya no estén aquí, Eternity será el típico título en la biblioteca de películas a las que recurrir para volver a tener fe en la vida.

Este noviembre ha llegado el estreno de la nueva temporada de una de las series españolas más longevas de la televisión que se sigue emitiendo en la actualidad, con la 16ª temporada de ‘La que se avecina’, que ha estrenado primero en Prime Video y que también pasará por la emisión en abierto en Telecinco y con sus sucesivas reposiciones en Factoría de Ficción (FDF).

Una nueva temporada que llega también con una fecha especial, ya que el primer episodio es el capítulo número 200, un dato que parecía impensable que llegara después de tener un complicado comienzo en el que la audiencia fue baja y las comparaciones con ‘Aquí no hay quien viva’ al tener gran parte de sus actores principales eran continuas.

El complicado comienzo de ‘La que se avecina’ a la sombra de ‘Aquí no hay quien viva’

Si bien es cierto que la comparación con ‘Aquí no hay quien viva’ la ha acompañado desde sus inicios, ‘La que se avecina’ ha logrado casi triplicar su número de temporadas, conseguir su audiencia fidelizada y sus propios guiños y características. Su primera emisión se dio un 22 de abril de 2007, y durante 18 años de historia ha pasado de ‘Mirador de Montepinar’ al edificio de ‘Contubernio 49’ con buenos picos de audiencia, pero también por épocas difíciles en las que incluso fue retirada de forma temporal por baja audiencia, aunque esto dejó de ser un problema cuando desde 2010 fue emitida a diario y durante largas horas en el canal FDF.

Y es que su difícil comienzo se relaciona directamente de la necesidad de continuar ‘Aquí no hay quien viva’, que finalizó tras un conflicto de intereses con Antena 3 y la venta del formato a la compañía ‘Mediaset’, la competencia, con lo que tuvieron no solo que cambiar el nombre de la serie y de los personajes, aunque continuó siendo una ficción de distintas historias de vecinos en clave de comedia y representando la realidad social española.

Una idea que no coincidía exactamente con lo que querían hacer los hermanos Caballero, como reconocieron en una entrevista en el podcast ‘Los del plus’: “El problema de ‘La que se avecina’ es que no la queríamos hacer. Teníamos más capítulos firmados de ‘Aquí no hay quien viva’ y cuando nos cambiamos de cadena, esta quería una serie de vecinos, pero no podíamos hacerla. Nos queríamos morir porque no era exactamente el proyecto que pensábamos hacer cuando salimos de aquí. Al principio dijimos ‘mira vamos a hacer lo que nos dé la gana porque total como esto no va a durar, porque yo no la vería y el público lógicamente tampoco la va a ver”.

Ha creado sus propios personajes icónicos como Antonio Recio

Sin embargo, con el paso del tiempo ‘La que se avecina’ se fue ganando su propio lugar y aunque tomó ideas similares a su predecesora como el ‘consejo de sabios’, la eterna lucha por ser presidente de la comunidad o algunos de sus actores protagonistas, también ha sabido ir más allá con guiños a las anteriores historias y personajes, pero crear sus propios iconos.

Precisamente dos de ellos son los personajes de Antonio Recio o Amador Rivas, dos de los que siguen desde el comienzo y que han ido evolucionando, consiguiendo ser odiosos e icónicos al mismo tiempo, ambos surgiendo directamente de inspiración de personas reales que han conocido los hermanos Caballero, como dijeron en varias entrevistas, siendo incluso vecinos con los que han vivido en la vida real.

De hecho, los creadores de ‘La que se avecina’ contaron en una entrevista en cadena SER que escoger el apellido Recio no fue casualidad: ''Era el del mayor enemigo de mi padre. Cuando nosotros nos mudamos al edificio, el presidente de la comunidad era un auténtico cabronazo. Luego yo me hice amigo de su hijo, con lo cual ya era como un Romeo y Julieta de la amistad'', reconoce Alberto Caballero sobre el origen de Antonio Recio, que fue una mezcla también con su exsuegro.

Actualmente estamos acostumbrados al estreno de las series de forma simultánea con Estados Unidos, o se ha convertido en habitual en plataformas que llegue una ficción de forma mundial al mismo tiempo, pero esto no era así en la década de los 90, en la que algunas películas y proyectos llegaban meses o años después.

Esto, de hecho, fue lo que pasó con la mítica serie ‘Friends’, que se había estrenado en Estados Unidos en septiembre de 1994 y que a España no llegaría hasta noviembre de 1997 y por Canal +, ya cuando la sitcom era todo un fenómeno al otro lado del charco.

Así fue el estreno de ‘Friends’ en España

Cuatro años después de su estreno en la cadena de estadounidense NBC con más de 25 millones de espectadores, la sitcom ‘Friends’ llegaba a la televisión española a través de Canal + en su entonces emisión en abierto.

En concreto fue un 27 de noviembre de 1997 a las 20 horas cuando llegaba el primer capítulo de ‘Friends’ en Canal + doblado al castellano, y que fue entonces presentado por los medios españoles como todo un fenómeno con “todo para triunfar”: “un reparto de gente guapa agradable de ver” relataba una crónica de El País.

Un artículo en el que también se hacía hincapié a sus comienzos “levemente polémicos” por la introducción del lesbianismo en una comedia que se tildó de “y un ”clarísimo mensaje de juventud y alegría“.

A España llegó su primera temporada cuando en Estados Unidos iba ya por su cuarta y con su popularidad todavía alta y todas sus estrellas siendo ya unas estrellas. Al igual que sucedió con su estreno, ‘Friends’ también terminó más tarde en la televisión española, en concreto en marzo de 2005, con la emisión de su último episodio también por Canal +, un año después de haberse estrenado en EE.UU y donde alcanzó datos de 52 millones de espectadores.

Se llamó ‘Colegas’ en su primera temporada

Una de las grandes anécdotas del desembarco de la serie ‘Friends’ en España fue que lo hizo con la traducción ‘Colegas’, algo que solo duró una temporada y que se puede apreciar en la introducción a través de una voz en off que pronuncia la palabra al aparecer el título de la sitcom.

Este ‘Colegas’ no llegó a calar y no aparece más allá de esa primera temporada, pero durante esos primeros episodios todavía se aprecia en el doblaje en castellano en su emisión actual en televisión o por plataformas, y que ha sido objeto de curiosidad en redes sociales. Una serie que también pudo haber tenido otros títulos en su versión original como fueron “Friends like us”, “Six of One” o “Insomnia Café”.

Quienes conozcan a Xavi Puig fundamentalmente por su trabajo al frente de El Mundo Today, el medio digital satírico fundado junto a Kike García en 2009, quizá se sorprendan un poco al leer el libro que el humorista catalán acaba de publicar.

Hacer reír (Debate, 2025) es un ensayo breve pero rico en ideas en el que Puig desvela, para aquellos que todavía no la conocían, su faceta más profunda y filosófica, y en el que reflexiona sobre su propio oficio y sobre el papel del humor en una época tan compleja como la que estamos viviendo.

No obstante, en la apertura de la obra Puig confiesa que le producía “escalofríos” convertirse en el humorista que se pone solemne al hablar de lo suyo y reconoce que publicar un ensayo no formaba parte de ningún plan previo.

Sin embargo, reconoce que está contento con el resultado. “Los compañeros que han leído el libro han agradecido que, por una vez, teorice sobre comedia una persona que se dedica a ella”, dice. Y añade: “Estoy contento de haberme remangado, de haber superado esa pereza inicial. Hacía falta y me hacía falta, pese a que nos cuesta y nos da miedo caer en tópicos (entre ellos, la frase, tan manida, de que ‘el humor es una cosa muy seria’). He intentado evitar clichés y proponer enfoques distintos y sugerentes”.

Puig escribe, en este registro tan diferente al de su medio, con la misma lucidez que en sus piezas satíricas. “Es un ensayo, no un libro de chistes”, resume. “Esto no quiere decir que sea espeso e incomprensible. Me he esforzado por ser claro y por atrapar al lector, pero sin renunciar a la hondura que se le supone a un trabajo así, por breve que sea”.

“Para disfrutarlo, basta con amar la comedia y sentir curiosidad por cómo se hace y por las problemáticas que encierra su práctica, que no son pocas”, afirma. “No es un libro complaciente, lo escribí sintiéndome en crisis con el oficio. Al mismo tiempo, hay mucho amor por la disciplina y por quienes la desempeñan”.

Los dichosos límites del humor

Pero hablando de humor en serio, pocos asuntos han monopolizado tanto la conversación sobre la comedia en los últimos tiempos como los límites del humor. Puig evita repetir fórmulas y en el libro prefiere utilizar una herramienta que, según él, ayuda a ordenar el ruido. “Recurro a un marco conceptual, diseñado por Habermas, que resulta muy clarificador”, explica: “Por resumirlo, defiendo que el humorista, como cualquier autor de ficción, a veces tiene que dar explicaciones, pero no en todos los casos”.

Lo fundamental, para Puig, es no caer en automatismos. “Hay veces que se nos reclaman cosas que no proceden”, afirma. Por eso insiste en separar situaciones, contextos, audiencias. “Mi forma de abordar el debate puede ayudar tanto a los humoristas como a los consumidores de comedia. Ofrece criterios para discriminar unos casos de otros”, dice. Para él, la clave está en no convertir al humorista en un ser intocable, pero tampoco en exigirle una inocuidad que vacíe el oficio. “Ni el humorista es un ser de luz intocable ni tenemos que condenarlo al humor blanco para que no moleste”.

La influencia de las redes: adaptación y vértigo

En Hacer reír, el autor no podía evitar tampoco uno de los cambios más grandes que han tenido que afrontar los humoristas en los últimos años. Sí, en este artículo también toca hablar de las redes sociales, que han impactado en la forma de hacer comedia y en cómo se consume esta, al igual que lo han hecho en tantos y tantos campos.

Ni el humorista es un ser de luz intocable ni tenemos que condenarlo al humor blanco para que no moleste

Xavi Puig — Humorista

Puig cree que “han forzado una adaptación del lenguaje (apasionante, por cierto). Los chistes, en el sentido tradicional, ahora se llaman memes”. Y añade algo crucial: “Hay mucha menos verticalidad, el público tiene más voz, y eso ha obligado a la comedia profesional a ser más autoexigente, no solo en el acabado sino en el compromiso ético y social”.

Pero las redes también han fomentado la creación de contenidos fáciles de ver y compartir más, como se dice en el mundo del marketing, 'snackables' (literalmente vídeos que se tragan como pipas). Según Puig, estos cambios no han empobrecido el humor. “Es una percepción comprensible por lo fácil que resulta encontrarse con comedia de bajísima estofa”, explica. “Si se quiere, le han dado más viralidad a lo cutre. Pese a ello, si uno busca humor de calidad, lo acaba encontrando. Siempre ha sido así”.

Y realiza un diagnóstico que también sirve para la cultura en general: “A veces, la sensación de que la cultura se ha empobrecido tiene que ver con que vayamos a las redes sociales a buscarla. Hay que buscar de forma activa para encontrar propuestas más genuinas. Pasa en las redes y pasa en las librerías. Pero a mí me encanta rebuscar, es más gratificante encontrar alguna joya”.

La tiranía del desparpajo y otras trampas del presente

Otro concepto que atraviesa el libro es lo que Puig denomina “la tiranía del desparpajo”, que él define como una especie de populismo cómico que opera bajo la lógica de “si te has reído conmigo, aceptas mi tesis”.

Tras haber asistido a juicios por hacer un chiste, tanto por parte de la opinión pública como ante magistratura, cabe preguntarse si ese tipo de humor puede llegar a erosionar el debate democrático. En opinión de Puig, “la comedia no tiene esa capacidad”. Para él, este populismo cómico es simplemente “un truquito barato para ganar ‘engagement’”. Y remata: “No creo que sea tan dañino, en realidad”.

Velar por la calidad de la democracia forma parte de la deontología del periodismo y de la política, no de la ficción. Yo practico la sátira con un evidente enfoque progresista, pero es una obligación cívica, no profesional, y el matiz es importante

Xavi Puig — Humorista

El problema, sostiene, no está en los humoristas. “Se nos endosa la responsabilidad de velar por la calidad democrática. Una pretensión paradójica, pues la comedia siempre se ha considerado un arte menor”, aclara. “Pero, lo siento mucho, velar por la calidad de la democracia forma parte de la deontología del periodismo y de la política, no de la ficción. Yo practico la sátira con un evidente enfoque progresista, pero es una obligación cívica, no profesional, y el matiz es importante. Los que han infantilizado a su propia audiencia no son humoristas, precisamente, aunque a veces lo parezca”.

Contra el cinismo

Uno de los pasajes más llamativos del libro trata sobre el abuso de cinismo en el humor actual. Puig lo ve como una anemia estética. “El cinismo, tal y como lo entendemos hoy, hace a la comedia pequeña, mediocre y provinciana”, afirma. “Es el recurso del humorista cobarde y acomplejado, incapaz de entender la comedia como un juego colaborativo”.

“El cómico cínico es una especie de ‘criptobro’ de la risa, siempre pendiente de ser mejor que el de al lado”, continúa. “Aunque suene a frase de autoayuda —y se rían de mí los cínicos—, el cinismo se evita persiguiendo la belleza en vez de revolcándose en el barro. Es una cuestión de ética y de ambición personal. Pero, sobre todo, de valentía, de no tener miedo a mostrarse frágil en público”.

Un orangután que hace 'pole dance'. Un ave que no ha tenido muy en cuenta la dirección del viento. Una foca muy relajada que parece cualquiera de nosotros un domingo por la tarde viendo un capítulo de nuestra serie favorita. Esos son los protagonistas de algunas las mejores fotos cómicas tomadas en la naturaleza de los Nikon Comedy Wildlife Awards de este 2025.

Estos premios que se celebran todos los años desde 2015 han dejado imágenes hilarantes con los animales como protagonistas que, además, tiene como despertar en el público la empatía con el mundo que nos rodea “enseñando cómo nos parecemos en realidad” con los animales: “Queremos que nuestros espectadores compartan nuestro disfrute de la naturaleza y que se tomen el tiempo de reconocer su valor”, especifican los organizadores.

Nuestro objetivo es ampliar la comprensión y el compromiso con un mundo sostenible, y con la conservación de la vida silvestre en particular, para la preservación de la biodiversidad y la salud y el bienestar de todos los habitantes de la Tierra

No solo tienen finalistas de fotografías, también en formato vídeo. La votación todavía está abierta y no se ha elegido ganador. Por aquí te dejamos una selección, recuerda que tienes todas las fotos en la web de los premios.

Varias localidades de Albacete como Hellín, Almansa, Villarrobledo y La Roda serán el escenario del festival 'El Humor todo Lo-cura', un encuentro de monólogos que pretende a través de lo satírico, sensibilizar y concienciar en torno a la salud mental.

El festival comenzará el próximo 13 de noviembre y lo hará en estas localidades de la mano de sus asociaciones de salud mental, destinándose los fondos íntegros de la venta de entradas a estas entidades en cada territorio y, en el caso de Hellín, a sus asociaciones de Parkinson y Alzheimer.

Programa de 'El Humor todo Lo-cura'

El programa y cartel anunciador ha sido presentado por el humorista Jesús Arenas -en representación de la Asociación Enamorados de las Artes Escénicas que impulsan el Gacha's Comedy- y que se encargan de la organización del nuevo festival, junto al vicepresidente de la Diputación de Albacete, Fran Valera.

El evento contará con diferentes humoristas del panorama nacional y otras figuras locales que están abriéndose un hueco en el mundo del humor. Comienza el próximo 13 de noviembre en Hellín con Agustín Durán y Marce González; el 27 del mismo mes llegará a Almansa con Santi Rodríguez y Eva y Qué; un día después será Villarrobledo la localidad que acoja este evento, con Coria Castillo y Luis Larrodera; y, finalmente, el 18 de diciembre, La Roda recibirá a Agustín Jiménez y a la albaceteña Lore Navarro.

“Me hace mucha ilusión que el año pasado fuera un evento y este, cuatro, y para nosotros, que desde Gacha`s Comedy siempre hemos intentado llegar a los pueblos, este Festival es una forma de cerrar el círculo, es llegar a los pueblos y, encima, con una buena causa”, ha afirmado el humorista, advirtiendo que más allá de lo económico “hay que llenar el alma y este Festival cumple con las dos partes: la de los recursos y la de tener una provincia más feliz y más sana mentalmente”.

Una iniciativa con exitosos antecedentes

El vicepresidente Valera ha señalado que esta iniciativa llega tras el éxito de un 'proyecto piloto' desarrollado en Almansa, bajo el mismo nombre, coincidiendo con el 30º aniversario de la Asociación Afaenpal y también de la mano de 'Enamorados de las Artes Escénicas'. “Ahora extendemos aquello que funcionó a otras poblaciones”, ha indicado.

Por su parte, Jesús Arenas ha recordado “la experiencia maravillosa” que se vivió en Almansa hasta llenar prácticamente el Teatro Regio, apuntando que “asistió gente que llevaba tiempo sin salir de casa y consiguieron olvidar por un rato sus problemas”, y ha agradecido el compromiso de la Diputación de Albacete para que haya crecido y pueda llegar a más localidades, advirtiendo el papel de las instituciones provinciales “haciendo posible que actividades como este puedan llegar a los pueblos”.

Y centrándose en el cartel ha explicado se combinan humoristas albacetenses y manchegos con “gente que vente tickets”, y ha explicado que él ejerce como “hilo conductor” de los cuatro espectáculos, siendo precisamente quien aborde, desde el respeto y la sensibilidad, las cuestiones propias de salud mental “pero siempre con humor para desdramatizar”.

Dentro de un momento de secuelas en el cine, las series no escapan a este fenómeno y es habitual encontrarnos con spin-offs entre los estrenos, y uno de los más esperados es el que sigue el universo de ‘The Office’, la sitcom estadounidense que a su vez fue una adaptación de la original británica del mismo nombre.

Hablamos de ‘The Paper’, una serie spin-off que ha estrenado recientemente, a principios de septiembre, su primera temporada en Estados Unidos y que ya está renovada por una segunda tras el buen recibimiento que ha tenido antes de que se estrene en España.

Cuando y dónde ver ‘The Paper’ en España

‘The Paper’ llegará a España algo más tarde que en Estados Unidos, en concreto se podrá ver a partir del 14 de noviembre en la plataforma de SkyShowtime, que ya tiene en su catálogo su serie principal ‘The Office’ con todas las temporadas.

El estreno de ‘The Paper’ se dará el 14 de noviembre, pero no con toda la serie completa de golpe, y comenzará primero con los tres primeros capítulos, y el resto irán apareciendo de forma semanal cada viernes.

De qué va ‘The Paper’, la serie secuela de ‘The Office’

‘The Paper’ es una serie creada y escrita por Greg Daniels, también creador de ‘The Office’, que no es la única conexión que establece entre ambas ficciones, al contar con un personaje en común como es Oscar Nuñez, interpretado por Oscar Martínez, que formó parte de la plantilla de la empresa Dunder Mifflin.

Esta serie comparte, además, un tema similar como lugar donde suceden las diferentes acciones, al ser en este caso el día a día de una empresa en problemas económicos al ser un periódico, el Toledo Truth Teller, que busca sobrevivir en época digital, en la localidad de Toledo en el estado de Ohio.

‘The Paper’ cuenta con un reparto completamente diferente, a excepción de Oscar Martínez, con el actor Domhnall Gleeson como protagonista, y que reconoció haber aceptado el papel de Ned Sampson, redactor jefe del Toledo Truth Teller, debido a la recomendación de John Krasinski y Steve Carell, actores principales en ‘The Office’.

Recordemos que ‘The Office’, en su versión americana, llegó a ser parte de la cultura pop y todo un fenómeno a partir de su segunda temporada, después, además, de que adaptara una ficción británica que fue cancelada por baja audiencia en la BBC tras dos temporadas también.

Las comedias románticas eran uno de los géneros más prolíficos a principios de los 2000 en el cine de Hollywood y uno de los que aparecieron como protagonistas en varias de éxito fue el actor Matthew McConaughey, que es recordado por su papel en ‘Cómo perder a un chico en 10 días’ junto a Kate Hudson, pero actualmente también por títulos como ‘Interstellar’ o ‘True Detective’.

Sin embargo, este reconocimiento de crítica no siempre fue así y se dio por el hecho de que el actor decidió arriesgarse precisamente cuando vivía uno de los mejores momentos de su carrera con éxito en taquilla, y sobre esto se ha pronunciado recientemente en varias entrevistas.

Matthew McConaughey desvela porque dejó de hacer comedias románticas

Matthew McConaughey había comenzado a protagonizar comedias románticas con ‘Planes de boda’ junto a Jennifer López en 2001, para luego pasar por una de sus películas más famosas, ‘Cómo perder a un chico en diez días’ en 2003 junto a Kate Hudson y luego llegar hasta 2009 con comedias junto a Sarah Jessica Parker o Jennifer Garner.

Y es que a pesar de que ha quedado como una de sus etapas más icónicas, Matthew McConaughey no quería ser solo el protagonista de comedias románticas y quedar encasillado en ello, por lo que a pesar de su éxito en Hollywood decidió cambiar para encontrar lo que buscaba en su carrera.

“Era bueno en algo que no amaba. Nunca me miraba al espejo pensando: ‘Mi vida es más vital que mi trabajo, o desearía que mi trabajo fuera tan vital como mi vida’”, recordó en una entrevista en The Guardian, en la que admitió también que sus hermanos no acabaron de entenderle.

La decisión que le valdría un Premio Oscar a mejor actor

Sin embargo, McConaughey tenía clara su decisión y así lo dejó saber en la respuesta que les dijo: “Nos vamos a tirar del paracaídas; vamos a arriesgar’”, reconocía en la misma entrevista, en la que contó como estuvo 20 meses hasta que recibió la oportunidad que buscaba.

En una reciente aparición en el podcast ‘The Diary of a CEO’ fue cuando contó que rechazó hasta un proyecto de 14,5 millones de dólares por una comedia, que había comenzado en ocho y a pesar de subir a seis millones y aunque leyó el guion optó por no hacerlo.

“Quería ver si mi trabajo podía ser tan vital y vivo como mi propia vida”, confesó, lo que daría lugar a lo que se llamó como ‘McConaissance’ y que comenzó en 2014, año en el que filmó ‘True Dectective’, ‘Interstellar’ y ‘Dallas Buyers Club’ y que son algunas de sus actuaciones más aplaudidas, siendo la última la que le valió el premio Oscar a mejor actor.

Un 24 de septiembre de 2007 se estrenaba el primer capítulo de la sitcom ‘The Big Bang Theory’ en la televisión estadounidense y desde entonces se convirtió en una de las series más exitosas y preferidas por los jóvenes que se vieron atraídos por las historias de un grupo de cuatro amigos ‘frikis’ y científicos de universidad.

18 años después de su estreno y tras su final de 12 temporadas, uno de los personajes que fue clave de su éxito fue Sheldon Cooper, el protagonista que luego ha sido también de la precuela ‘El joven Sheldon’, interpretado por Jim Parsons y que le valió 4 premios Emmy y un Globo de Oro.

El creador quería a Johnny Galecki (Leonard) como Sheldon Cooper

Actualmente cuesta imaginar a Sheldon Cooper sin estar interpretado por Jim Parsons, pero esto estuvo a punto de ser así porque precisamente el creador de la serie, Chuck Lorre, tenía a otro actor en mente, otro de los protagonistas de la ficción, a Johnny Galecki, quien al final dio vida a Leonard.

Galecki rechazó en más de una ocasión ser Sheldon Cooper a pesar de que no paraba de recibir guiones y novedades de la sitcom por parte de Lorre, y cuando optó participar por la serie le propuso cambiar y ser Leonard, el compañero de piso de Cooper, como aseguró en Variety:

“Fue una petición muy egoísta por mi parte. No había sido capaz de recorrer esas historias del corazón. A menudo he sido contratado como el mejor amigo, o el asistente gay o el personaje que sea para explorar esas relaciones. Dije que preferiría hacer de este tipo, quien parece tener un futuro de triunfos y dificultades románticas”, reconocía sobre las razones que le llevaron a cambiar de personaje.

Jim Parsons llegó por casualidad a ser Sheldon Cooper

Este rechazo de Johnny Galecki a Sheldon Cooper puso en un problema importante a Chuck Lorre, que junto a su co-creador Bill Prady, se vio en la misión de buscar al actor que diera vida al excéntrico científico, para el que acabaría audicionando Jim Parsons, y todo por haberse equivocado en el nombre del productor.

Jim Parsons no tuvo pensado audicionar para Sheldon Cooper, pero a pesar de que vio que se había equivocado, quiso seguir adelante y propició una gran actuación que impresionó a Bill Prady, como contó en una entrevista en el podcast Hollywood at Home, pero que a Lorre tuvo que ganarle en un segundo intento en el que ya vieron que era perfecto para el papel.

La última prueba que tuvo que pasar Jim Parsons era encajar con Johnny Galecki, y eso también funcionó a la perfección en el primer intento, con lo que así fue como encontraron a los compañeros de piso Sheldon y Leonard que acabaron por ser un dúo icónico dentro de la sitcom.