La película debut del director de cine Alejandro Amenábar ha vuelto esta mañana al lugar donde nació. El mismo salón de actos de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid (UCM) que aparece en Tesis, hito del cine español, ha terminado abarrotado hasta los suelos por la proyección de esta cinta cuando se cumplen tres décadas desde su estreno. Unas 360 personas han podido disfrutar de este pase tan especial. La mayoría, veinteañeros entre los que se contaban algunos que nunca habían visto el largometraje. En el coloquio posterior, el director ha anunciado una remasterización de la cinta para poderla apreciar a la misma velocidad a la que actuaron los personajes.

El 12 de abril de 1996 Amenábar acababa de cumplir 24 años. Imbuido en unos estudios de Imagen que nunca llegaría a terminar, culminó su paso por la Facultad con una tesis muy personal. La grabación tuvo lugar durante las vacaciones de verano de 1995 a lo largo de cinco semanas y media en las que se rodó una película de dos horas. El ritmo fue de unos 20 planos rodados cada jornada.

Tal hazaña le mereció al director un reconocimiento casi sin igual en los Premios Goya de aquella temporada después de recaudar más de 2,6 millones de euros en las salas. Ganó siete estatuillas, incluidos el galardón a mejor película, mejor dirección novel y mejor guion original. Tesis, producida por José Luis Cuerda, impulsaba a un joven Amenábar a un estrellato que después ha confirmado con trabajos como Ágora, Mientras dure la guerra, Los otros y El Cautivo. Demostraba, además, que en España se podía hacer cine de género, conquistar la taquilla y arrasar en los premios. Su llegada, junto a la de otros cineastas como Álex de la Iglesia, cambió el paradigma de lo que era el cine español. 

En torno a las 9:00 varias personas ya se apostaban a la entrada del salón de actos. Quedaban dos horas para el inicio de la proyección. El vestíbulo de esta Facultad brutalista con aroma a búnker pronto comenzó a llenarse de una larga cola serpenteante. Como si la gente, esperando y de forma inconsciente, mapeara en la superficie los pasillos sinuosos que se esconden en las plantas subterráneas. Han sido esos mismos pasillos, transitados por centenares de estudiantes cada día y utilizados por Ángela (Ana Torrent), Chema (Fele Martínez) y Bosco (Eduardo Noriega) para sus escaramuzas en la ficción, los que pronto han adquirido la importancia que Tesis les confirió.

Una película más lenta

El visionado no ha sido algo habitual. Los vistazos al móvil del público se conjugaban con algunos grititos de miedo por el devenir de la película, acompañados de la risa nerviosa posterior de los más asustadizos. 

La cinta dura 125 minutos. Eso es lo que han tardado las luces del salón de actos en volverse a encender. También ha sido uno de los grandes temas abordados en el coloquio posterior. “La película nace con un defecto formal, y es que se rodó a 25 imágenes por segundo porque había muchas grabaciones al televisor. Al proyectarse a 24 frames por segundo, la película discurre un 4 o 5% más lenta”, ha explicado Amenábar al público.

Es decir, la Tesis que siempre hemos visto dura unos cinco minutos más que si la visualizáramos a la velocidad a la que actuaron los actores. “Ahora trabajamos para estrenar una remasterización para corregir eso y abrir más el sonido y crear mejor las atmósferas”, ha anunciado el director.

Evitar lo explícito del terror

Como si de una rueda de prensa se tratara, el alumnado de Ciencias de la Información ha aprovechado la oportunidad de dejarse guiar por una de las mayores figuras cinematográficas de España. Las preguntas se han sucedido. La primera pedía un consejo. Así ha respondido Amenábar: “Un rodaje es una carrera contrarreloj y optimizar, no solo los recursos, sino todo en general, es bueno, tanto en el rodaje como en la vida”.

Lo acojonante es que 30 años después salgan los documentos de Epstein y te des cuenta de que la maldad humana es capaz de esto y de mucho más

Alejandro Amenábar — Cineasta

Al alumnado con la mirada más agudizada no se le ha pasado por alto la forma en que Amenábar transmite el terror en esta obra, evitando en gran medida lo explícito y centrándose en la respuesta que provocan. “Sabía que tendría más impacto la reacción de la protagonista, más fuerza en su expresión viendo las imágenes gore, que las imágenes en sí”, ha respondido el también responsable de la mayoría de las bandas sonoras de sus creaciones. 

De todas formas, el desarrollo de Tesis surgió de una duda. Es la primera escena de la película. De camino a la facultad, Amenábar tuvo que apearse del tren. Alguien se había tirado a las vías. “Habías dos tipos de gente. Los que querían ver a ese hombre partido por la mitad y los que nos retirábamos para evitarlo”, recuerda. Y añade: “Si pudiera hacer la película de nuevo, se verían incluso menos imágenes de las que se ven o sugieren en la pantalla”.

José Luis Cuerda, un segundo padre

La humildad con la que habla el ganador del Oscar en 2004 por Mar adentro, que según ha reconocido el aspecto de la iluminación es el que menos maneja, ha quedado patente en las palabras que ha compartido esta mañana. Por ejemplo, ha asegurado que sus películas son resultado de “todo lo que he visto, leído y conocido”. Así, Tesis bebe de otras producciones como Vértigo, de Alfred Hitchcock, Coma, de Michael Crichton, e Instinto básico, de Paul Verhoeven.

A la hora de hablar de referentes, Amenábar ha subrayado la impronta que José Luis Cuerda, director de la mítica Amanece que no es poco y productor de Tesis, ha dejado en él. “Era una persona que reivindicaba el pasado, pero también una persona muy moderna”, ha apuntado. Sin embargo, algo les diferenciaba a la hora de enfrentar un rodaje. “Él vivía la pesadilla del rodaje con arranques de mal humor, se encendía con mucha facilidad, pero tenía la capacidad de apagarse y envainársela muchas veces, y disculparse cuando había sido grosero”, ha añadido el mismo Amenábar, quien ha aceptado que Cuerda fue como un segundo padre para él.

La nueva difusión de imágenes violentas

Muchas cosas han cambiado en Amenábar desde aquellos 23 años en los que se despertaba a las dos horas de cerrar los ojos durante la grabación de Tesis. Ahora ha conocido lo que es la higiene del sueño, y duerme como un bebé, asegura. De todas formas, lo que no ha variado es su ilusión por hacer cine y su esfuerzo porque la música de sus largometrajes enfrente bien el paso del tiempo.

La sociedad también ha evolucionado en estas tres décadas. A pesar de que el elemento tecnológico que vertebra la cinta está más que superado, aquellas cámaras de vídeo Sony capaces de realizar zoom digital y que eran la joya de la corona, no sucede así con uno de sus grandes temas. “Desde el punto de vista de cómo actuar ante la difusión de determinadas imágenes, la película continúa vigente, sobre todo con la aparición de Internet y las redes sociales. Lo acojonante es que 30 años después salgan los documentos de Epstein y te des cuenta de que la maldad humana es capaz de esto y de mucho más”, ha finalizado el aclamado director.

Miguel de Cervantes Saavedra es uno de los personajes más destacados de la literatura española por ser el autor de ‘El Quijote’, pero a pesar de esto su vida ha sido un misterio en muchos aspectos y hay algunos datos que no están del todo claro, lo que ha dado lugar a mitos y leyendas sobre su figura.

Esta falta de datos sobre algunos aspectos de la vida de Miguel de Cervantes es con lo que trabaja la última película de Alejandro Amenábar, ‘El Cautivo’, que acaba de estrenarse en Netflix y que ha generado debate por lo que es cierto y no de lo que relata.

Cuando Miguel de Cervantes fue capturado en Argel

‘El cautivo’ es un proyecto de ficción que imagina cómo fue el cautiverio del escritor de ‘El Quijote’, del que solo se saben algunos detalles, pero que algunos sí que tienen una base histórica, siendo sobre todo esos cinco años que fue pasó capturado en Argel, que era una de las urbes más destacadas del momento.

Su cautiverio se produjo en septiembre de 1575 tras haber embarcado días antes en Nápoles, donde había llegado tras pasar tiempo en Italia después de participar en la Batalla de Lepanto en 1571, rumbo a España, donde no llegaría hasta 1580 al puerto de Denia.

Los corsarios berberiscos capturaron a Miguel de Cervantes cerca de la costa de Catalunya y fue vendido como esclavo en Argel, que entonces era una de las ciudades más cosmopolitas, dependía del gobierno de Estambul y solía ser un lugar de mercadería de productos de lujo.

¿Recibió Miguel de Cervantes un trato especial en su cautiverio?

Uno de los hechos que deja ver la película ‘El cautivo’ es el trato de favor que recibió Miguel de Cervantes frente a otros, y esto es un hecho comprobado, pues era lo que se llamaba un “cautivo de rescate”, al que consideraban un activo valioso al que no se le podía castigar con dureza ni ser ejecutado.

Y es que, tras capturar esclavos, los dividían en dos grupos, los más pobres llamados “cautivos de almacén” y que se usaban como trabajadores como jardineros, albañiles o criados, mientras los “cautivos de rescate” eran tratados como un producto de lujo y se pedían hasta 500 ducados.

Es por esto por lo que al formar parte de los esclavos más preciados recibió un trato especial, pero no solo él, todos los que formaban parte de este grupo, del que también formó parte su hermano Rodrigo, que fue capturado en Argel junto al escritor de ‘El Quijote’. La llegada en mayo de 1580 de frailes de la orden trinitaria propició la liberación de Miguel de Cervantes y más de 100 compañeros, con lo que sería entonces cuando volvería a España.

El mito de Miguel de Cervantes

El hecho de que no se conozcan con detalle muchos aspectos de la vida de Miguel de Cervantes, ni siquiera como era exactamente su apariencia, se debe también a que no fue hasta un siglo después de su muerte cuando se publicó la primera biografía del escritor, obra de Gregorio Mayans y Siscar en el inicio de la edición inglesa de ‘El Quijote’, publicada en 1738 en Londres.

Para su biografía se debe tener en cuenta que no se tenían todos los documentos que se conocen hoy en día y se añadieron hechos propios de la época en la que fue escrita, dando lugar a mitos sobre Cervantes, en pleno contexto romántico de entre los siglos XVIII y XIX, añadiendo aspectos heroicos que crearon especulaciones sobre detalles sin fundamentos ni pruebas.

El cine español ha elegido las mejores películas del siglo XXI. En una votación organizada por elDiario.es, 56 cineastas han escogido a Mulholland Drive, de David Lynch, como la mejor obra de estos últimos 25 años. Un podio que cierran In the mood for love, de Wong Kar-Wai y La ciénaga, de Lucrecia Martel. Esta es la lista de las mejores películas de Alejandro Amenábar.

Han pasado 30 años del momento en el que un desconocido Alejandro Amenábar se puso a rodar en la propia universidad en la que estudiaba. Era su primera película, incluiría un cameo de su propio productor y, tras estrenarse, lograría llevarse siete premios Goya en una noche tan inolvidable como el título de aquella ópera prima: Tesis. Apasionante y aplaudido thriller psicológico, marcó el inicio fulgurante de la carrera de Alejandro Amenábar en el mundo del cine generando, además, un antes y un después en el mundo audiovisual español gracias al desparpajo de un jovencísimo director nacido en Chile pero instalado en Madrid desde su primer año de vida.

La trama de Tesis gira en torno a Ángela (Ana Torrent), una estudiante de Imagen y Sonido que se encuentra preparando su tesis sobre la violencia audiovisual. Cuando su director de tesis, Figueroa (Miguel Picazo), halla una cinta de contenido “sensible” en la videoteca de la facultad y muere tras visionarla, Ángela y su compañero Chema (Fele Martínez) descubren que se trata de una snuff movie. Juntos, se adentran en un turbio universo para hallar la verdad sobre el asesinato de una chica conocida por Chema, con la participación de Bosco Herranz (Eduardo Noriega), un extraño chico de la facultad.

El estreno de la película fue un fenómeno de masas, más allá de la crítica, impulsado por el boca a boca. Con un reparto de rostros jóvenes que aún no eran estrellas, Tesis consiguió atraer a más de 800.000 espectadores en taquilla y arrasó en la venta del casi desaparecido VHS. Su impacto fue tal que se convirtió en una obra clave del cine español, abriendo el camino para una nueva generación de directores. El éxito se vio refrendado en la mencionada gala de los Premios Goya. A pesar de que el debutante Amenábar tenía enfrente a pesos pesados de la talla de Pilar Miró, Imanol Uribe o Julio Médem, se llevó siete galardones, entre ellos el de Mejor Película, Mejor Director Novel y Mejor Guion Original, además del de Actor Revelación para Fele Martínez. Es uno de los pocos directores debutantes en la historia del cine español en ganar el premio a Mejor Filme con su primera obra.

La celebración de este trigésimo aniversario del rodaje se ha conmemorado con diferentes actos especiales. Recientemente, los tres protagonistas de la cinta —Eduardo Noriega, Ana Torrent y Fele Martínez— volvieron a unirse en un coloquio que formó parte de un homenaje a Amenábar en el Festival de Ópera Prima de Navarra. Eduardo Noriega compartió una imagen de la reunión, señalando que los tres no coincidían desde aquella lejana gala de los Premios Goya. Una de las muchas curiosidades en torno al rodaje es que, cuando Amenábar estrenó la película, no había terminado la carrera de Comunicación Audiovisual, declarando que no tenía intención de hacerlo porque “la facultad no enseña casi nada”. 

De hecho muchas de las referencias de la película están sacadas de su vida real. Los pasillos de la Facultad de Ciencias de la Información de Madrid sirvieron como escenario, e incluso el director se tomó una venganza al nombrar a un profesor implicado en el turbio caso de las snuff movies en la película, Jorge Castro, utilizando el nombre real de un profesor de realización que le había suspendido. El eje central que atraviesa Tesis es la dualidad de que el horror aterroriza, pero también atrae. La trama se centra en el morbo mediático, criticando el interés del ser humano en ver el sufrimiento de los demás. Amenábar ha reconocido que esta preocupación surgió con el comienzo de la llamada telebasura en España. 

La ópera prima tuvo una vinculación directa con el caso Alcásser, donde una teoría de conspiración, apuntalada en televisión, señalaba la existencia de videos snuff grabados durante el crimen. Amenábar, quien creció viendo películas norteamericanas, demostró un gran manejo de los dispositivos formales, bebiendo de influencias como Alfred Hitchcock, Michael Powell o Brian de Palma. Su habilidad narrativa logra sumergir al espectador en la trama. Una técnica recurrente en su cine es la de provocar el terror no mostrando el horror de forma directa, sino a través de los ojos aterrorizados de Ángela, o haciendo que el espectador solo escuche el contenido de la cinta snuff en lugar de verlo.

El “padrino” Cuerda

Uno de los primeros en fijarse en el talento de Alejandro Amenábar fue el director José Luis Cuerda, conocido por Amanece que no es poco, quien produjo la ópera prima de Amenábar. Cuerda apostó por el joven cineasta y le sirvió de “padrino”. De hecho, Cuerda tiene un pequeño cameo en la película, interpretando a un profesor que pronuncia la frase: “¡Y a ver si van ustedes más al cine!”. Años más tarde, Amenábar compondría la preciosa banda sonora de La lengua de las mariposas, película dirigida por Cuerda. El filme también supuso el salto definitivo en la carrera de Eduardo Noriega, quien repitió con Amenábar en su segundo trabajo, Abre los ojos, junto a Penélope Cruz y Fele Martínez, lo que le valió una nominación al Goya como Mejor Actor. A pesar de que la película fue censurada con recortes de metraje en países como México, Francia o Chile, pasando de 125 a 116 minutos, su legado perdura: la cinta está disponible en varias plataformas de streaming.

Desde aquel rodaje en Madrid, Amenábar no se ha bajado de lo más alto del cine español. Tras Tesis y Abre los ojos llegarían Los otros, Mar adentro, Ágora, Regresión, Mientras dure la guerra y El cautivo. En total, un Oscar, un Globo de Oro y nueve premios Goya. Una cosecha al alcance de muy pocos mientras los nostálgicos siguen disfrutando de Tesis, uno de esos thrillers que cuanto más se ven, más gustan, permitiendo descubrir ligeros detalles en cada visionado. La película, que reflexiona y juega acertadamente sobre la curiosidad humana y la violencia, es una obra provocadora y clave en la cinematografía nacional.

Atención, spoiler

Tanto había leído sobre la película que ya sin verla tenía infinidad de opiniones a favor y otras tantas en contra. No todos tenemos la suerte de haber sido asesores filológicos de Amenábar, como fue el caso de José Manuel Lucía Megías, ni tampoco somos personalidades invitadas a la premier.

Con todo ello, antes de su estreno para el gran público, ya había quienes habían comentado ampliamente la película El cautivo de Alejandro Amenábar, incluso a mí me había entrevistado la cadena SER de Alcázar de San Juan para que avanzase mi opinión, incluso sin haberla visto, sólo por lo que sabía de ella de oídas.

Una vez que ya la he visto, puedo opinar más juiciosamente y siempre -esto hay que decirlo-, desde mi punto de vista personal. Mi opinión es que la película es densa y muy lenta, parece no avanzar. La ha definido muy bien el periodista Pedro Ruiz: mucho esfuerzo para poco resultado.

También pienso que se ha desaprovechado una buena ocasión para haber hecho una película monumental sobre Cervantes, en la que se pusiesen de manifiesto sus virtudes personales: su arrojo, su valor, su compañerismo, sus intentos infructuosos de fuga, sus insaciables ansias de libertad; pero sobre todo las virtudes literarias: la capacidad de contar historias y de fabular, y siendo el mejor escritor del mundo y con una enorme (conocida y admirada mundialmente) obra -aunque en ese momento de su vida poca producción literaria tenía-, al menos se ha destacado este aspecto como uno de los hilos conductores de la película, dejando entrever el relato de Zoraida (una princesa mora, Zulaida -quien prefiere llamarse María-, de religión musulmana pero con profunda fe cristiana, que planea su escape de Argel para huir con el cautivo Ruy Pérez de Viedma. Zoraida, enamorada del cautivo tras haber sido criada por una esclava cristiana que le inculcó la fe, utiliza su gran fortuna para liberar a Ruy Pérez y a sus compañeros, y así poder casarse con él y convertirse al cristianismo en España), relato inmerso en la “historia del cautivo” que aparece en los capítulos 39 al 41 de la Primera Parte de El Quijote.

Bien es verdad que Miguel de Cervantes muy poco había escrito por esa época: tan solo se le conocen unos versos. “Estas cuatro redondillas castellanas, a la muerte de Su Majestad, en las cuales como en ellas parece, se usa de colores retóricos y en la última se habla con su Majestad,  con una elegía que aquí va de Miguel de Cervantes, nuestro caro y amado discípulo”. (fol. 147 v). (Historia y relación verdadera de la enfermedad felicísimo transito, y sumptuosas exequias fúnebres de la Serenisima Reyna de España doña Isabel de Valois nuestra señora), escrito por Juan López de Hoyos, catedrático del Estudio de la Villa madrileña.

En el tiempo del cautiverio, casi al principio del mismo (1577), escribió la Epístola a Mateo Vázquez, secretario del rey Felipe II. Junto con dos sonetos laudatorios, Sonetos dedicados a Bartholomeo Ruffino de Chiambery, era toda la producción literaria hasta ese momento del príncipe de los ingenios españoles.

La acción de la película transcurre prácticamente dentro del patio interior del palacio del rey de Argel donde se custodia a los cautivos de rescate (los que tienen un valor económico) y apenas podemos disfrutar por breves momentos y secuencias cortísimas de los extraordinarios escenarios que fueron elegidos para el rodaje de la película. 

Cierto es que la película no puede dar mucho más de sí ya que se circunscribe a los cinco años del cautiverio de Miguel de Cervantes (de 1575 a 1580) y si nos atenemos fielmente a lo visto en la película, parece que solo abarca los tres años (de 1577 a 1580) en que Hasán Bajá fue el bey de Argel, ya que este y no otro mandatario aparece en la película.

Cervantes llegó a Argel cuando la ciudad estaba bajo el gobierno de Ramadán Bajá del que nada se informa y al que correspondió por cuota Rodrigo de Cervantes, hermano de Miguel. Este, tampoco es mencionado en la película y es sabido por todos que fue cautivado junto a Miguel cuando ambos regresaban en la galera el Sol, desde Nápoles hacia las costas españolas.

Pero otro dato apunta también a que este sea el periodo de tres años en el que se circunscribe la película, ya que tanto el clérigo y teólogo portugués Antonio de Sosa, como el dominico Fray Juan Blanco de Paz (el malo de la película y de la realidad histórica), fueron cautivados en el año 1577 y aparecen recluidos en el baño, sagena o mazmorra del bey de Argel desde el principio.

Pero pasemos ahora a la serie de “modificaciones” que Amenábar ha hecho a la historia y que no son pocas, bien es verdad, que dentro de enriquecer la dramaturgia y de la libertad de realización del cineasta, este puede tomarse ciertas licencias, pero en el caso que nos ocupa, pienso que son inexactas cuando no directamente inventadas.

En determinados momentos se sugiere en boca del dominico y comisario de la Inquisición, fray Juan Blanco de Paz, que Cervantes huyó de Madrid porque se le conocían relaciones afectivas con su maestro Juan López de Hoyos. Otra afirmación que es formulada en el guion de Amenábar sin prueba documental alguna y sin ni siquiera indicios de que pudiera ser así.

Mientras que de la relación homosexual con Hazán Veneciano que en la película se plantea -ni hablamos- no hay ningún testimonio de su veracidad. Más bien hay pruebas de su heterosexualidad: se casó en 1584 con Catalina de Salazar y Palacios, una mujer casi 20 años más joven que él, una boda rápida tras dos meses de noviazgo, y sabemos que unos meses antes de celebrar este matrimonio, había tenido una hija, Isabel de Cervantes (nacida Isabel Rodríguez de Villafranca) de la relación de Miguel con Ana de Villafranca y Rojas una mujer que a su vez estaba casada.

Amenábar se empeña en llevar a su terreno (el del lobby gay) toda la película: presenta a Hazán Bajá como homosexual, a Cervantes homosexual y Fray Juan Blanco de Paz también homosexual.

Son demasiadas licencias en favor de la dramaturgia, además, el hijo secreto de Antonio de Sosa, es presentado también con la misma orientación sexual y como empleado de la mancebía.

En este punto, tengo que romper una lanza a favor de Alejandro Amenábar que ha documentado de forma muy rigurosa su guion. Según tengo entendido, a lo largo de casi ocho años ha leído todo cuanto hay publicado respecto de los personajes principales de la película y lo demuestra en este detalle que he comentado: muy pocos especialistas en Cervantes y su época conocen que el teólogo portugués Antonio de Sosa había dejado los hábitos de la orden de los agustinos y viajaba hacia Malta en la galera San Pablo de la Orden de San Juan (con un nombramiento de Felipe II para ser deán en la catedral de Agrigento, en Sicilia), cuando no era ni siquiera sacerdote y de hecho se cree que la familia con la que viajaba (su hermana y su sobrino) eran en realidad su amante y su hijo, además de otros tres sirvientes que los acompañaban y que acabaron todos cautivos en Argel.

Antonio de Sosa, por tanto, era un gran fingidor, lo que no le quita su bondad, su sabiduría y paciencia, su rectitud de comportamiento en cautividad y los buenos consejos que casi siempre le da a Cervantes y a sus otros compañeros de cautiverio y en un determinado momento le responde a fray Juan Blanco de Paz con una frase que a la vista de lo que he contado, adquiere todo su sentido: “Aquí somos todos pecadores, y el que esté libre de pecado, que tire la primera piedra”. Antonio de Sosa, una vez liberado de su cautiverio y conocido el escándalo de su falta de castidad, fue perdonado por el Papa.

Una cosa que también me llamó la atención es que en diferentes escenas de la película se hacen guiños al Quijote, como queriendo sugerirse de forma subliminal que pudo ser pergeñado en la estancia de Cervantes en Argel: como por ejemplo la aparición en escena de dos personajes (los frailes trinitarios), simulando perfectamente ser don Quijote y Sancho Panza. Parece una burla a la iglesia -institución a la que Amenábar no profesa demasiadas simpatías-, que los redentores trinitarios descalzos sean representados de forma un tanto grotesca, como don Quijote (Fray Juan Gil) y Sancho Panza, su ayudante, cuando tanto los trinitarios como otras órdenes religiosas (mercedarios) fueron un elemento imprescindible en la liberación o redención de numerosos cautivos en todas las plazas del norte de África.

Otro guiño del cineasta son las bacías de barbero colgadas en la barbería, así como el nombre del barbero (propietario del local), un madrileño que se llamaba Alonso antes de renegar de su fe cristiana y convertirse al islamismo por conveniencia. El local, por cierto, era casi todo menos una barbería, era lugar de reunión y de descanso, más parecido a una mancebía o lugar de citas, en el que se expendían licores a pesar de estar prohibidos por la religión musulmana.

Un detalle más es la evocación en sueños de los molinos de viento de la Mancha, con el indudable aroma de libertad que en diferentes momentos acude a la mente del escritor, son alusiones sin duda a la obra que escribiría veinticinco años después (1605) de su liberación.

Apunto una pequeña incongruencia histórica, que también la resuelve Amenábar a su manera, es que Antonio de Sosa era un cautivo del alto funcionario Caide Mahamet, judío, acuñador de moneda en Argel y gobernador de la ciudad en sustitución del bajá en su ausencia; por tanto, no se encontraba junto con los cautivos del Bajá.

Su amo lo tenía recluido en su propio baño, en muy duras condiciones, en un sótano lóbrego y apenas lo dejaba ver la luz, aunque hay constancia de que le permitía recibir visitas y es seguro que una de ellas era la de Miguel de Cervantes, que entraba y salía del baño del bey más fácilmente de lo que se sugiere en la película. En estas visitas se acrecentó su amistad, tanto Sosa como Cervantes se entendían intelectualmente y se intercambiaron lecturas y opiniones sobre la vida en Argel, el cautiverio y la forma de sobrellevarlo, siendo ambos grandes observadores y conocedores de lo que en la ciudad ocurría en los largos años de su cautiverio, como después así nos lo han contado.

Es perfectamente comprensible que dos acontecimientos, tanto la participación de Cervantes en la batalla naval de Lepanto, como sus cinco años de cautiverio, le marcaron profundamente el alma, significan un antes y un después en su vida y le sirvieron de base documental para su producción futura. No se puede escribir sobre la cautividad sin haber padecido la falta de libertad que Miguel de Cervantes tanto valoraba. Este tema recurrente, se reflejó en muchas de sus obras, La Galatea, El Trato de Argel, Los baños de Argel, El gallardo español, La española inglesa, La gran sultana, El rufián viudo, La guarda cuidadosa, el Quijote y Los trabajos de Persiles y Sigismunda.

Tenemos que confiar en que los espectadores tengan el criterio suficiente para distinguir una obra de ficción de una película histórica y no salgan del cine con certezas que tan solo son sugeridas en aras de una mayor dramatización a cargo del director y que podrían causar un daño irreparable a nuestro primer escritor.

Hay que quedarnos con lo mejor que tiene la película y es que es un gran homenaje a nuestro admirado Miguel de Cervantes, siendo tan solo la segunda película hecha en su honor en la historia del cine mundial, tras la de Vincent Sherman en 1967 (tardofranquismo) con Horst Buchholz y Gina Lollobrigida y que abarcó una parte más amplia de su vida, comenzando el film en su juventud, en la época de ayudante de cámara del nuncio papal Giulio Acquaviva, siguió con su paso por Lepanto y en el cautiverio con su rescate, donde acaba la película.

Por tanto, es un gran mérito de Alejandro Amenábar el de haberse acordado de Cervantes, nuestro mejor embajador cultural por el mundo, así como el de traerlo a la gran pantalla para que vuelva a estar en la mente y en las conversaciones de todos los españoles.

Si Miguel de Cervantes hubiese sido judío, converso u homosexual, no tendría la menor importancia, nada de ello, ni siquiera su lugar de nacimiento, menoscaba para nada su enorme obra literaria que es su verdadero mérito y por lo que debemos juzgarlo.

Y, sobre todo, estoy muy de acuerdo con el final de la película que considero que es el momento más emotivo, donde Miguel dice que quiere escribir para todo el mundo (no sólo para el Bajá), motivo en el que debemos fijar nuestros ojos y que quede impresa en nuestra retina su petición de ser leído. Por nuestra parte, es obligación de corresponderle con el homenaje de leer y releer su obra.

Da igual que hable de Hipatia de Alejandría, de Miguel de Unamuno o del mismísimo Cervantes. Las películas de Alejandro Amenábar acaban sintiéndose siempre proyectos tremendamente personales para el director. Aunque acaben envueltas en una producción de época, hablan de los temas que le preocupan y del presente en el que se estrenan. Hay un claro ‘sello Amenábar’ que ha desarrollado desde que arrasara con Tesis hasta El cautivo, su última película recién estrenada en cines y que ya roza los tres millones de euros en la taquilla. 

Con El cautivo aborda la figura del escritor español más importante de la historia, pero lo hace centrándose en su cautiverio en Argel y hablando de un tema que ha escocido a los más puristas, a aquellos a los que no se les puede tocar los símbolos de españolidad. Aborda la identidad de Cervantes, y eso abarca su identidad sexual, su identidad como escritor y hasta su identidad política.

Lo hace con un mecanismo en el que realidad y ficción se mezclan, porque El cautivo, y aquí otro vínculo con el propio Amenábar, habla del poder de contar historias. Amenábar las cuenta como nadie, y tiene en su cabeza las películas tan claras que es capaz de contar cada detalle detrás de estos cuatro momentos del filme que analiza en este Anatomía de una escena.

Una llegada en plano secuencia

Alejandro Amenábar ha elegido una de las primeras escenas de la película, en la que su idea es “sumergir a los espectadores en una venta de esclavos”, pero hacerlo “cambiando las tornas y que sean los cristianos los que son vendidos”. Una de las “ironías” con las que asegura que le gusta jugar en su cine. Esta escena tiene una novedad para él, y es que aunque no es “amigo de los planos secuencia” porque los considera “un ejercicio de alarde” —y porque Spielberg no suele hacerlos—, aquí junto a su director de fotografía, Álex Catalán, decidieron apostar por uno... con truco. El director cuentas los detalles de ese plano secuencia, entre ellos la apuesta por una técnica parecida a la steady y para la que acude al comodín de la llamada para recordar su nombre.

Todo ello realizado en un “calendario de rodaje apretadísimo” y en una escena que fue planteada para rodar en un día, aunque su productor, Fernando Bovaira, le avisó de que se tardaría más en hacerla. Finalmente, fue un día y medio, y para ello tuvo que sacrificar una segunda parte de la escena en la que había un combate de boxeo entre dos esclavos. Para esta escena todo el mundo sudó, y quizás sea el momento en el que más ha sudado como director, “pero con cierta placidez”. Aunque como cineasta disfruta de que a todos les tiemblen las piernas juntos.

En la mano (de Cervantes) está la clave

Esta escena es “clave para entender a Cervantes y entender la película”, dice Amenábar. De hecho, esta era una de las que daban a los actores que aspiraban a ser el protagonista del filme durante los castings, porque este es el momento en el que Cervantes “empieza a revelarse como el gran contador de historias”. Para el director, el escritor es una especie de “mago” con el don de atraer la atención de la gente cuando cuenta sus historias. Para entender a qué se refería, Amenábar le puso a Julio Peña un ejemplo sorprendente que él explica... Íker Jiménez.

Una de las decisiones más importantes de la película era cómo dar a conocer al espectador cuando lo que veía era una historia contada por Cervantes o lo que le ocurre realmente al personaje. Normalmente, un director hubiera optado por diferenciar ambas estéticamente. Una saturada y otra no, usar un formato diferente... Amenábar decidió que no iba a haber una diferencia estética, porque a veces iba a jugar a confundir, pero iba a dar una clave que siempre diera la respuesta... la mano de Cervantes, que en la ficción representada se mueve libremente.

Una escapada de libertad

La primer salida al exterior de Miguel de Cervantes fue planteada por Amenábar como “un giro visual”. Hasta ese momento se ha visto un mundo “terrible, un campo de concentración”. En cuanto el protagonista pisa las calles de Argel, entra “el color y la música”. En este momento concreto no es la que ha compuesto el propio cineasta para su filme, sino la de un grupo de rock argelino para mostrar “lo moderno y chocante que podía ser la Argel del siglo XVI”.

Una escena donde hay hombres esculturales, jenízaros y un montón de detalles que han surgido del proceso de documentación, especialmente del libro de Antonio de Sosa, Topografía e historia general de Argel. A Cervantes le estalla la cabeza cuando ve, también, a hombres manifestando su identidad sexual de manera libre por las calles, y al ver que “la cultura del enemigo tiene cosas buenas”. También aparece uno de los pocos caprichos del director... “la única mona que rueda en España”.

Comerse a Tejero

Esta fue la primera escena de El cautivo que se rodó, y Amenábar la ha elegido porque cree que es donde por fin vemos a ese Cervantes “seguro de sí mismo”. También era muy importante para Julio Peña, porque era su primera escena. “Cuando empiezas a rodar, supuestamente no te has olvidado de cómo se lleva la bicicleta, pero siempre sientes el vértigo”, confiesa.

La escena es un duelo interpretativo en el que los actores debían ir a comerse el uno al otro. Tejero salió a comerle el plano, y en el equipo surgieron dudas en torno a la elección del protagonista. Pero Amenábar lo tenía clarísimo. Les pidió un poco de paciencia, le dio tres indicaciones al actor y metió un pequeño cambio de texto. Y lo clavó. “Nos dimos cuenta de que se había tragado al personaje y que tenía las herramientas para darlo todo”, añade. De hecho, al final, Julio Peña se come la escena... literalmente.

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Alejandro Amenábar llegó al cine español como un tifón. Tenía 24 años cuando Tesis dejó a todos con la boca abierta. ¿Quién era ese chaval que ni había acabado la carrera de Comunicación Audiovisual y estaba poniendo todo patas arriba? Con su ópera prima, ya un clásico, ganó el Goya a la Mejor película y comenzó una carrera que fue subiendo hasta ganar el Oscar por Mar adentro y tras demostrar que un director español podía rodar con estrellas y grandes producciones hechas aquí.

Vivió todo muy pronto, pero a pesar del vértigo ha sabido mantener una conexión con el público, como dejaron claro los 11 millones de euros en taquilla que logró Mientras dure la guerra, la película que demostraba que la Guerra Civil seguía importando a los espectadores. Es de esos directores cuyo apellido es la marca de sus películas.

La gente va al cine a ver 'una de Amenábar' y ahora se van a encontrar con El cautivo, otro título donde coge a un personaje real —en esta ocasión Miguel de Cervantes— para terminar contando una historia que bucea en la identidad sexual del escritor y que habla del poder de contar historias, algo que entronca íntimamente con el propio cineasta.

La película aborda la figura de Cervantes, un personaje del que tengo la sensación que no se ha tratado mucho desde la ficción en España.

Ese fue uno de los alicientes cuando abordé este proyecto. Me hacía la pregunta de por qué me metía en esto, y la pregunta realmente es al revés, por qué nadie se había metido en esta historia ni en este periodo tan particular, porque tampoco quería hacer la típica película de ‘nació, vivió y murió’. Quería centrarme en ese episodio concreto y lo que vivió en estos cinco años donde descubre su vocación, pero a la vez descubre su condición, quién es y lo que quiere ser en la vida. 

Imagino que la pregunta fundamental era: ¿qué quiero contar? Porque hay mil historias dentro de Cervantes. 

En el proceso de investigación encontré que había mucha conexión con mi realidad, que es la de contador de historias, porque en ese momento parece que es donde se despierta su vocación por contar historias. Y luego hay algo que está muy presente para mí en la película y en el personaje, y es que es alguien que congrega a su alrededor a un montón de personas para contarles una historia. Y eso está en la esencia de cualquier cineasta. Lo que queremos es una sala llena de gente dispuesta a escuchar lo que les quieres contar.

Siempre tengo la sensación con sus películas de que, aunque hablen de Unamuno o de Cervantes, para usted hablan de algo importante y personal. 

Yo siempre, cuando me hablan de una historia o de un proyecto, les digo, ‘vale, pero por qué lo quieres hacer’. Es curioso porque yo no he hecho cine basado en mi vida. Soy muy poco autobiográfico. Igual también porque lo que busco con la ficción es huir de mi propia realidad, viajar a otros sitios y a otras épocas. Pero, sin embargo, siempre la historia que cuento acaba teniendo una conexión. A veces la descubro a posteriori. Por ejemplo, Miguel de Unamuno, que es alguien con el que piensas 'qué puedo tener yo en común con él'. Pues había una conexión entre el discurso que él dio en octubre de 1936 y esas mañanas que yo paseaba sacando el perro con gente de derechas y de izquierdas, y había unas discusiones encarnizadas por la realidad de hoy. 

Yo estaba estableciendo el vínculo perfectamente, porque a mí como personaje público me pedían que yo me pronunciara, que es un poco lo que se le estaba pidiendo a Unamuno. O en el personaje de Hipatia, en Ágora, que es alguien que intenta marcar la moderación en un momento tumultuoso o tempestuoso. Es algo con lo que yo me siento plenamente identificado, incluso con el personaje de Ángela en Tesis. Siempre encuentro una conexión con los personajes.

La película dice que no se puede entender la obra de Cervantes sin conocer su vida. Que la obra y el autor son indisociables, como se ve en otros autores como con Lorca. Sin embargo, luego, eso de separar obra y autor sigue siendo una discusión clásica. 

La experiencia de Cervantes en Argel es una experiencia que le obliga a tomar contacto con la cultura del enemigo, que era nada menos que la cultura musulmana. A él se le permitía salir de las prisiones en las que los encerraban y entra en contacto con esa cultura y de alguna manera la tienen muy presente en su inmediata obra posterior. Nada más volver de Argel escribe una obra sobre el cautiverio y luego introduce a personajes árabes en sus obras. Yo creo que eso a él le hace entender que la naturaleza humana es mucho más compleja. Él crea la primera novela moderna, compleja, donde hay grises en los personajes, donde no son necesariamente héroes o antihéroes. Y por supuesto que eso para mí está muy asociado a esa experiencia personal. 

En mi caso también, todo lo que vivo y todo lo que recibo lo manifiesto en las películas. Y luego, concretamente, porque has mencionado Lorca, la sexualidad. Hay quien intenta buscar trazos de posible homosexualidad en la obra de Cervantes. Estamos hablando de un tiempo en el que si tú manifestabas cualquier atisbo de, como llamaban a la homosexualidad, sodomía, podías ser condenado. Es imposible pensar que eso pueda estar presente en la obra. Pero como decía antes, la complejidad de los personajes, la exaltación de la amistad, en el caso del Quijote entre hombres, es algo que yo creo que tiene que haber formado parte de su vida, por supuesto.

Aborda en la película esa posible homosexualidad de Cervantes, un tema que puede escocer a mucha gente, para la que hay mitos intocables de españolidad. ¿Teme la respuesta de los puristas?

Las películas hay que hacerlas con prudencia, con corazón, con sentido de la responsabilidad, pero sin miedo. No puedes hacer una película con miedo. Y sobre todo cuando estoy hablando de mi propia naturaleza, de algo que conecta muy íntimamente conmigo. Llevo 30 años y no he hecho jamás una película sobre temática homosexual. Muchas veces mis amigos o periodistas me han dicho que por qué no hago una película sobre temática gay. Bueno, pues no me había llamado, y de pronto en esta historia he encontrado que explorar esta hipótesis, que no deja de ser una hipótesis, era el vehículo perfecto desde la dramaturgia. Era lo que hacía para mí la historia más bella. Explorar esa relación entre Cervantes y su captor Hassan Baja, del que hay constancia de que era homosexual o bisexual. 

Entonces no podía hacerlo con miedo. Tenía que hacerlo con toda la fuerza y la honestidad. Estoy hablando de un personaje que es carismático, que es un líder, que tiene sentido del humor, que tiene luz y que además se besa con un hombre. ¿Dónde está el problema? El problema estaba en el siglo XVI, por eso Cervantes se carga la información de Argel para poder limpiar, entre comillas, su nombre. Pero el problema yo no lo tengo en el siglo XXI. Habría sido negar mi naturaleza. Y luego otro matiz del que también me voy dando cuenta con los años es que parece que tendemos a compartimentar. Somos 'homosexual', 'heterosexual' o 'bisexual', y a veces la realidad social, y nos lo está demostrando, es mucho más fluida y mucho más compleja. Una persona puede tener su pareja, sus hijos y a lo mejor ha tenido una relación homosexual o afectiva con un hombre. Quería explorar eso porque creo que esa misma fluidez que se da hoy también se daba de puertas para adentro en el siglo XVI.

Tendemos a compartimentar. Somos 'homosexual', 'heterosexual' o 'bisexual' y la realidad social, y nos lo está demostrando, es mucho más fluida y mucho más compleja

Alejandro Amenábar — Cineasta

Me acuerdo de la que se lio en Mientras dure la guerra con la Legión por Millán-Astray…

Yo ya experimenté la polémica cuando hice Mar adentro, que era una película sobre la eutanasia donde no quería centrarme en el lado legal, porque tenía la sensación de que tarde o temprano, y ha sido más tarde que temprano, iba a quedar superado. Quería abordar el tema desde un punto de vista más íntimo. Pero sí me encontré en la calle gente que me increpaba. Muchas veces son personas que ni siquiera han visto la película por su propio prejuicio, pero es algo a lo que te tienes que enfrentar como creador.

Cuando estás haciendo una historia sabes que no va a agradar, y cuando estás tocando un tema más íntimo sabes que puede no agradar, pero insisto que para mí no debería haber polémica con esta película. No sé por qué puede ser tan escandaloso ver que Cervantes tiene una conexión con otro personaje. Cervantes en la película nunca te va a decir realmente lo que siente. Otra cosa es que tú lo completes como espectador y decidas si está sobreviviendo o está explorando su realidad o su naturaleza sexual. Pero para mí, en la España de ahora, no debería ser un problema. Igual dentro de unos años sí lo es.

¿Eso le da miedo? Esta película se rodó el año pasado y se muestra a la religión musulmana con un respeto increíble, y justo han pasado en Jumilla esos ataques racistas y de odio. ¿Le da miedo el futuro?, ¿cree que esta película dialoga con el presente?

Yo intento con mis películas entender mi realidad, la del presente y, por qué no, la del futuro. Para mí, una película como Ágora era claramente una proyección sobre lo que yo sentía que está pasando ya en nuestra sociedad. Y la cosa de esa película es Mientras dure la guerra. Has hablado de miedo. No me gusta expresar esa palabra porque creo que no hay que levantarse con miedo. Preocupados sí, obviamente. Cómo no voy a estar preocupado con un genocidio a las puertas de casa en Gaza, con una guerra en Ucrania, con líderes que exaltan el narcisismo y la tiranía y que son votados masivamente por la gente. Todo eso me preocupa porque veo que es una rima de lo que pasó en la primera mitad del siglo XX y ya sabemos a dónde condujo. Creo que hay que seguir dando la cara y hay que luchar. Hay que luchar por aquello en lo que uno cree.

Otro de los temas de la película es el poder de la ficción. Cervantes sobrevive contando historias, ¿hasta qué punto la ficción le ha salvado también a usted?

Da sentido a mi vida. Eso es indiscutible. Yo empecé interesándome por la música. Por supuesto leía desde niño, pero el cine llegó a partir de cierta edad, 12, 13 años, y fue como que arrambló con todo. También fue el vértice en el que confluían mi interés por la música y mi interés por las historias. Toda mi adolescencia me ha marcado y me ha acompañado el cine. Me ha salvado del aburrimiento. Es que es lo que más me gusta. Cuando tengo tiempo libre, lo que más me gusta es sentarme con unos amigos y ver una película o irme al cine. Por eso, por encima de narrador soy, no sé si se llamaría narratario porque nunca supe lo que era narratario en la universidad, pero me encanta ver y escuchar historias.

Se han cumplido 20 años del Oscar de Mar adentro. ¿Cómo se vive algo así, ha pensado qué supuso ese momento en su carrera?

El Oscar para alguien que se ha criado viendo cine de Hollywood tiene un componente icónico que es muy divertido de comprobar, porque cuando la gente viene a verme lo que quiere es ver el Oscar y hacerse una foto con el Oscar. Es un camino, el de la promoción para el Oscar, muy duro en el que tienes que estar presentando tu película y apostando por ella. Entonces en la gala eso se vive con mucha emoción porque lo has dado todo para que te den un premio. Si lo piensas es una locura.

En mi caso lo que me ha guiado siempre ha sido la pasión por encontrar la buena historia y la pasión para contarla. En aquel momento probablemente podría haber dado el salto a la industria de Hollywood como lo han dado compañeros míos, por ejemplo Juan Antonio Bayona, a quien admiro mucho, pero no me sentí llamado, como dicen ellos, a “abrazar el sistema”. Lo que me guía son las historias, no los premios. Y mucho menos en ese momento.

Cómo no voy a estar preocupado con un genocidio en Gaza, con una guerra en Ucrania, con líderes que exaltan el narcisismo y la tiranía y que son votados masivamente

Alejandro Amenábar — Cineasta

Pero imagino que sería una tentación importante.

Es una decisión de carrera. Decidir si vas a abrazar el sistema o vas a seguir haciendo tus peliculitas.

¿Piensa mucho en esa decisión?

No.

Es muy tentador preguntarle si hay alguna que estuviera a punto de decir que sí y si dijo muchas veces que no.

He dicho muchos noes. El mundo de Hollywood no va a estar persiguiéndote. Había un proyecto con Nicole Kidman sobre el que se me insistió muchísimo y que podía ser muy bueno para mi carrera y no lo vi. Luego veo trayectorias como por ejemplo Alfonso Cuarón, que es un director maravilloso, a quien respeto muchísimo, y él entró en el universo de Harry Potter dirigiendo la tercera película. Yo le pregunté que por qué la hizo y me dijo: “De entrada me pagaron muy bien, y aparte de eso, me permitió tener un conocimiento técnico extraordinario que luego me sirve para otro tipo de películas”. Luego tienes el ejemplo de Guillermo del Toro, que solía decir lo de “una para mí y otra para ellos”.

Sin embargo, hizo algo que creo que es más difícil, levantar una superproducción de Hollywood como Ágora, pero hecha en la industria española. Eso en aquel momento era impensable.

Si lo piensas ahora, es un disparate del que me siento muy orgulloso. Creo que es una de mis películas más injustamente valoradas, porque probablemente es mi película más profunda y donde cuento prácticamente todo lo que tengo que decir sobre la naturaleza humana y sobre nuestra sociedad. Pero lo hago en un ropaje de película histórica, pseudo de aventuras o de acción. Y como dice mi productor Fernando Bovaira, “a ver qué día se te ocurre una baratita”.

Como cinéfilo he crecido casi a la par que su filmografía. Me he preguntado muchas veces cómo alguien que dirige Tesis a los 24 años y lo gana todo, sobrevive a eso.

Va a sonar a perogrullada, pero con humildad. Yo de niño no era un alumno muy humilde, era un niño muy competitivo que estoy seguro que fui un incordio para muchos de mis compañeros. Pero curiosamente en mi caso se ha dado el proceso al revés. Yo quería en algún momento de mi vida ser director y tenía mis delirios de grandeza, y por supuesto que me veía ganando un Oscar. Al conseguir eso tan pronto el proceso en mi caso ha sido un proceso contrario. A eso ayuda, por supuesto, la familia y no tener a palmeros como amigos. No me gusta tener a robots que asienten y aplauden todo lo que hago, todo lo que digo. Me gusta tener gente con la que confrontar y gente que a veces te dice que por qué no te callas la boca.

¿Nunca le dio miedo que, al empezar tan pronto, se le acabaran las cosas que contar?

Ese desierto creativo lo he pasado muy concretamente después de una película como Ágora, donde recuerdo que José Luis Cuerda me dijo, “a ver ahora qué cuentas”. Pero es importante tener viva la curiosidad. Alimentar esa sed de conocer cosas.

¿Qué temas le gustaría contar y siguen en la recámara?

Durante mucho tiempo pensé hacer una película sobre la gestación y el golpe de Estado en Chile, en concreto el asalto al Palacio de la Moneda. Mi vida viene marcada por ese viaje que hacen mis padres 15 días antes del golpe de Estado. Pero al final acabé contando la historia del golpe de Estado en el 36 en España, que también marcó mi familia, porque mi madre, de hecho, que era de aquí, de Madrid, tuvo que acompañar a una hermana suya que salió durante la posguerra porque se había casado con un republicano y salieron para Chile. Así que al final acabé indirectamente hablando de eso. Hay cosas que me hubiera costado contar. Las que tienen que ver con mi vida. A veces digo, “voy a contar mi experiencia en los Escolapios”, y me quedo en blanco y pienso, pero a quién le va a interesar mi vida. Mi vida da para una especia de comedia romántica muy ligera.

¿No le interesa una comedia romántica ligera?

Antes prefiero meterme en un musical bíblico (risas).

Vídeo de la entrevista completa

Vídeo: Lourdes Jiménez y Adrián Torrano

Este 12 de septiembre llega a los cines españoles uno de los estrenos más esperados, el de la nueva película de Alejandro Amenábar que relata el desconocido cautiverio de un joven Miguel de Cervantes en Argel, y que es el último biopic en pantalla grande tras algunos de este 2025 como el de Bob Dylan o el de Maria Callas.

Antes de que termine el año todavía llegarán algunos de los biopics más esperados, entre los que se encuentra el de Bruce Sprignsteen o el de Mark Kerr, así como hay otros que se darán en los próximos 2026 o 2027 y que confirman que las biografías son una de las fuentes que el cine más está utilizando junto a ‘remakes’ o ‘sagas’.

Miguel de Cervantes en ‘El Cautivo’

Desde ‘Mientras dure la guerra’ de 2019, Alejandro Amenábar no estrenaba un largometraje y es por eso que ‘El Cautivo’ es uno de los estrenos más esperados del cine español, en una película que cuenta la historia de Miguel de Cervantes en Argel, durante su juventud, cuando fue encarcelado en 1575, y que quiere indagar en un aspecto más desconocido de la vida del autor de ‘Don Quijote de la Mancha’.

Bruce Springsteen en ‘Deliver Me From Nowhere’

El próximo 24 de octubre de 2025 llegará a los cines de España el espero biopic de Bruce Springsteen con Jeremy Allen White, conocido por la serie ‘The Bear’, en el papel protagonista, y cuya ‘premiere’ mundial será en el Festival de Nueva York el 27 de septiembre.

El biopic está dirigido por Scott Copper y se centra exclusivamente en un episodio de la vida de ‘The Boss’ cuando tras su mayor éxito comercial se embarcó en el viaje artístico para la creación del disco ‘Nebraska’ y que está basado en el libro del mismo nombre que fue publicado en 2023 y escrito por Warren Zanes.

Mark Kerr en ‘The Smashing Machine’

15 minutos de ovación en el Festival de Venecia pusieron en boca de todos a ‘The Smashing Machine’, la próxima película de Dwayne Johnson y Emily Blunt, dirigida por Benny Safdie, que se llevó el premio a mejor dirección en la ‘Biennale’, y que cuenta la historia de Mark Kerr, luchador de MMA (Artes Marciales Mixtas).

Para el papel de Mark Kerr, Dwayne Johnson ha tenido que pasar por una transformación que en los cines de España se podrá ver el próximo 3 de octubre y que asegura ser uno de los biopics más destacados de la carrera de premios.

Lorenz Hart en ‘Blue Moon’

La nueva película de Richard Linklater, ‘Blue Moon’ es un biopic del compositor Lorenz Hart al que da vida Ethan Hawke, antes del estreno del nuevo musical ‘Oklahoma’ de su examigo Richard Rodgers, al que interpreta Andrew Scott. Tuvo buena acogida en el Festival de Berlín 2025 y en España se estrena en cines el 28 de noviembre.

Michael Jackson

El biopic de Michael Jackson es uno de los más esperados y estaba previsto para 2025, pero Lionsgate la pospuso a 2027 y todavía no queda claro si está tendrá dos partes. Lo que sí se conoce es que es un sobrino del artista, Jaafar Jackson, da vida al llamado rey del pop y que está dirigida por Antoine Fuqua.

Fred Astaire, Los Beatles o Britney Spears

De entre los biopics más esperados y de los que todavía no se conoce mucho, encontramos por ejemplo la película sobre la estrella del cine musical, Fred Astaire, al que dará vida Tom Holland, y que será obra de Sony Pictures, así como las cuatro películas sobre Los Beatles que prepara Sam Mendes, con Paul Mescal, Joseph Quinn, Harris Dickinson y Barry Keoghan como los protagonistas, o la adaptación de la autobiografía de Britney Spears, que llevará el cineasta Jon M. Chu y que todavía no tendría actriz seleccionada a pesar de que suenan nombres como Sabrina Carpenter o Millie Bobby Brown.

Los premios Oscar 2026 tendrán lugar el próximo 15 de marzo en Los Ángeles, de nuevo con Conan O’Brien como presentador, y estar entre las candidatas es precisamente lo que espera la película española que sea escogida como la representante para obtener el premio a mejor película extranjera.

La Academia de Cine comenzó este 26 de agosto el proceso de votación para la primera ronda, de la que saldrán tres finalistas entre las que se seleccionará la candidata de España a los premios Oscar, un trío que se conocerá el próximo 3 de septiembre y entre las que hay favoritas.

Las grandes favoritas al trío candidato: ‘Sirat’, ‘El Cautivo’ y ‘Romería’

A pesar de que solo una de ellas se ha estrenado ya en cines españoles, hay tres claras favoritas para ser el trío finalista de las candidatas a representar a España en los premios Oscar a mejor película de habla no inglesa, en parte por su acogida por la crítica, en festivales, y también por la magnitud del proyecto.

Esto último es lo que más vota a favor de ‘El Cautivo’, la próxima película de Alejandro Amenábar, un director que ya sabe lo que es ganar un Oscar (‘Mar adentro’ en 2005), y que trata sobre la vida de Miguel de Cervantes. En los cines se podrá ver a partir del 12 de septiembre.

Pero si hay una película con muchas papeletas es ‘Sirat’, de Oliver Laxe, que ha sido un éxito de crítica y de público con más de 2,5 millones de euros recaudados, que obtuvo Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes.

Aspira a completar el trío de candidatas a la carrera del Oscar, ‘Romería’ de Carla Simón, que completaría la trilogía que comenzó con ‘Verano 1993’ y ‘Alcarràs’ y que justamente llega a los cines españoles en el primer fin de semana de septiembre.

Otros títulos que podrían sorprender en la carrera hacia los Oscar

Más allá de estas tres favoritas, la Academia de Cine podría optar también por la sorpresa y escoger entre sus finalistas a títulos más diferentes, como sería el caso del thriller ‘Los triges’ de Alberto Rodríguez, que se estrenará en el Festival de San Sebastián 2025 en competición.

Precisamente, competirá con ‘Maspalomas’, de José María Goenaga y Aitor Arregi, que ya estuvieron en la pelea por el Oscar con ‘Loreak’, mientras una ganadora de la Concha de Oro del Festival de San Sebastián, pero de 2024, ‘Tardes de soledad’ de Albert Serra es otra de las que se podrían tener en cuenta, a pesar de tratar un tema controvertido como es el toreo.

En la apuesta por cine de autor, la Academia de Cine tiene otras dos opciones para incluir en la carrera de los Oscars, como son ‘Sorda’ de Eva Libertad, que nació del cortometraje ganador de un premio Goya 2023 del mismo nombre o ‘La buena letra’, de Celia Rico. Uno de los éxitos del cine en primavera, ‘Una quinta portuguesa’, se postula también como posible candidata por su buena acogida en taquilla.

El Ayuntamiento de Alcalá de Guadaíra ha formalizado su adhesión a la Red de Ciudades de Cine de Andalucía Film Commission, una iniciativa que se extenderá durante las anualidades 2025-2028. Este acuerdo permitirá al municipio promocionarse como destino para rodajes mediante la denominación Alcalá de Guadaíra Film Office. Según el delegado de Turismo, Christopher Rivas, los rodajes realizados en la ciudad han contribuido a su proyección y cohesión interna, con más de 30 producciones llevadas a cabo en los últimos 18 meses.

En el municipio se han realizado recientemente rodajes de cortometrajes, largometrajes, series de televisión, documentales y videojuegos, entre los que destaca la película El Cautivo, de Alejandro Amenábar, inspirada en la vida de Cervantes y rodada en localizaciones de Alcalá.

Según Rivas, pertenecer a esta red no solo refuerza la visibilidad del municipio en el mundo audiovisual, sino que también supone un beneficio promocional con un coste reducido. Además, incluye herramientas como asesoramiento especializado, formación y la incorporación de Alcalá en las ‘Rutas de Cine por Andalucía’.

Los enclaves más utilizados para filmaciones incluyen el Castillo de Alcalá, los Molinos y el Monumento Natural Riberas del Guadaíra, siendo el Castillo elegido en un tercio de los rodajes. Entre los proyectos relevantes que han utilizado estas ubicaciones destacan la serie La Peste, grabaciones para la plataforma HBO y documentales de National Geographic.

El responsable municipal ha señalado que estas producciones reflejan el interés de la industria audiovisual por el patrimonio local y que la Film Office, operativa desde hace más de 13 años, centraliza los servicios ofrecidos a productoras y empresas audiovisuales interesadas en la ciudad.

El Ayuntamiento de Alcalá de Guadaíra ha informado de un notable incremento en el número y diversidad de rodajes cinematográficos realizados en la ciudad durante el primer semestre de 2024. La delegación de Turismo del Ayuntamiento ha destacado la labor de la Film Office municipal, que ha asistido a un número creciente de empresas de rodajes y audiovisuales interesadas en usar las ubicaciones locales para sus producciones.

Diversidad de producciones y localizaciones

Christopher Rivas, delegado municipal de Turismo, señaló que en los primeros seis meses del año se llevaron a cabo un total de 12 rodajes en Alcalá. Estos rodajes abarcan una variedad de formatos, predominando los cortometrajes, seguidos de largometrajes y otros proyectos como capítulos de series televisivas, reportajes, documentales y producciones de videojuegos.

Entre las producciones más destacadas se encuentra la película “El Cautivo”, dirigida por Alejandro Amenábar e inspirada en la vida de Cervantes, que utilizó diversas localizaciones en Alcalá. Además, la directora y guionista Pilar Távora también realizó grabaciones en la ciudad, subrayando el atractivo de Alcalá para figuras reconocidas del cine.

Escenarios preferidos por los cineastas

Las localizaciones más demandadas incluyen el Castillo de Alcalá, elegido en el 33% de los rodajes, seguido por los Molinos y el Monumento Natural Riberas del Guadaíra. Estos lugares han sido seleccionados por su valor histórico y belleza natural, ofreciendo escenarios únicos para las producciones audiovisuales.

Rivas enfatizó que el crecimiento en el número de rodajes no solo contribuye a la proyección y promoción de Alcalá como destino turístico, sino que también destaca su potencial como escenario ideal para la industria cinematográfica. La existencia de la Film Office, un departamento que lleva más de 13 años en funcionamiento y está especializado en brindar facilidades y recursos a las empresas del cine y audiovisuales, ha facilitado la elección de estas localizaciones.

Impacto en el patrimonio y la identidad local

Para el Consistorio, el aumento de la actividad audiovisual también contribuye “a poner en valor el patrimonio histórico y natural de Alcalá, fortaleciendo la identidad propia de la ciudad”. La Film Office continúa trabajando para atraer más proyectos y consolidar Alcalá de Guadaíra “como un referente en el mundo del cine y la producción audiovisual”.

El director de cine Alejandro Amenábar y la escritora estadounidense Siri Hustved serán protagonistas de la última semana de los Cursos de Verano de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP) en Santander.

Así, el director de películas como 'Tesis' o 'Abre los ojos' recibirá el día 5 el XIV Premio UIMP a la Cinematografía por su contribución a “la difusión y al conocimiento de la cinematografía y al enriquecimiento del patrimonio cinematográfico”.

Dos días después, tendrá lugar el acto de clausura de los Cursos de Verano y el de investidura como doctora 'honoris causa' de Siri Hustvedt, que tendrá como madrina a la catedrática de Literatura Norteamericana de la Universidad Complutense de Madrid, Isabel Durán.

La escritora, de padres noruegos, fue galardonada con el Premio Princesa de Asturias de las Letras por toda una obra sustentada en el feminismo, arte y ciencia. También es 'honoris causa' por las universidades de Oslo, la Stendhal-Grenoble y la de Gutenberg-Mainz. Además, el día 6, protagonizará el ciclo de conferencias 'En contexto'.

A lo largo de la semana, la UIMP recibirá también a los ministros en funciones de Universidades, Joan Subirats, y de Sanidad, José Manuel Miñones, mientras que el de Industria, Héctor Gómez, participará telemáticamente.

Dentro de la oferta académica, figuran encuentros sobre la industria farmacéutica, salud, liderazgo cívico, educación o la Semana Portuaria. Además, el ciclo 'Martes Literarios' concluirá con el escritor y periodista peruano Santiago Roncagliolo y las 'Veladas Poéticas' harán lo propio de la mano del poeta Basilio Sánchez.

Así, el 'XXII Encuentro de la industria farmacéutica española. Perspectivas de la regulación del medicamento y los incentivos a la I+D farmacéutica' contará con la participación, entre otros, de los ministros en funciones de Sanidad y de Industria; el presidente de Farmaindustria, Jesús Ponce; o la directora de la Agencia Española de Medicamentos y Productos Sanitarios (AEMPS), María Jesús Lamas.

En el encuentro se debatirán cuestiones como la reforma de la legislación y la estrategia farmacéutica, cómo puede mejorar España la disponibilidad de alimentos o los incentivos a la investigación, producción y comercialización de antiinfecciosos.

Por su parte, la Semana Portuaria incluye un ciclo de encuentros, seminarios o talleres de corta duración con expertos de primer nivel que abordarán temas como el desafío de la colaboración tecnológica entre puertos y ciudades; el uso de la inteligencia artificial en estas infraestructuras; o la resiliencia de los puertos al cambio climático.

Además, tendrá lugar la 'Escuela de Liderazgo Port Management' encaminada a surtir a los líderes de los organismos portuarios de ideas y enfoques novedosos. Contará con la presencia, entre otros del presidente de Puertos del Estado, Álvaro Rodríguez Dapena.

La Educación también estará presente en la programación con un seminario sobre 'Educación universitaria dual', que inaugurarán el ministro de Universidades en funciones, Joan Subirats, y el presidente del Consejo Económico y Social de España, Antón Costas.

Además, se celebrará otro encuentro sobre 'La carrera académica y científica en España', que también contará con la presencia del ministro en funciones de Universidades.

La salud será otra de los temas que se abordarán esta semana, con el encuentro 'Avanzando en conocimiento para una sociedad más saludable. Encuentro de Alianzas de Institutos de Investigación Sanitaria y el Comité de Bioética de España'.

Habrá varias mesas redondas que contarán, entre otros, con la presidenta del CSIC, Eloísa del Pino; el director general del Instituto de Salud Carlos III, Cristóbal Belda; o Javier García Castro, del Instituto de Investigación en Enfermedades Raras.

Asimismo, tendrá lugar el 'V Curso Práctico para el conocimiento y tratamiento de la leucemia linfocítica crónica'.

La oferta académica se completa con cursos sobre 'Cuidados de larga duración', dirigido por el director general del IMSERSO, Luis Barriga Martín; 'Liderazgo cívico'; y 'Estrategias macrorregionales'. Por último, se celebrará el Seminario-Taller de RNE.

El mundo se paró el jueves 12 de enero. A la 1:00 am, en plena madrugada de España, Shakira lanzaba su nueva canción con Bizarrap y solo se hablaba de eso. Por unas horas no existió crisis en el poder judicial, ni inflación, ni extrema derecha brasileña asaltando instituciones ni la muerte de Jeff Beck. Durante horas todo lo inundó la sesión 53 que se hizo viral rápidamente, provocando cientos de análisis de su letra. Verso a verso, punto a punto.

El morbo venía de antes, desde que se filtrara (¿por casualidad?) un avance donde se podían escuchar unos versos que ya anunciaban lo que venía. Una venganza hecha canción, la de Shakira hacia Gerard Piqué por ser infiel. A cuchillo: “Tanto que te las das de campeón y cuando te necesitaba diste tu peor versión”. Hay sopapos para todos, hasta para la suegra, y con mención incluida a la deuda con Hacienda y de la que hace corresponsable al exfutbolista.

Frases que hicieron las delicias de los fans de la cantante y de las redes, y que sin embargo solo son el ejemplo perfecto de que una de las funciones del arte, una de las motivaciones de los creadores, es la venganza. Poder abrirse en canal y, de alguna forma, ajustar cuentas. En la música ese ajuste de cuentas casi siempre es con un amor del pasado. Katy Perry, Jennifer López, Rihanna… todas las divas han dejado recados a sus exparejas. Hasta Albert Pla lo hizo en Fantasma.

En eso la maestra es Taylor Swift, que siempre habla de sus relaciones en sus canciones. Swift tiene una canción dedicada a cada uno de sus exnovios. Dear John (John Mayer), Better than Revenge (Joe Jonas), Back to December (Taylor Lautner) o We are Never ever Getting Back Together (Jake Gyllenhaal), entre otras. La que le dedicó a Harry Styles tiene, literalmente, el nombre de su apellido, Style. A Gyllenhaal le ha hecho doblete, porque también le dedicó All Too Well y este año hasta dirigió un videoclip mostrando escenas domésticas de ambos con un trasunto del actor interpretado por Dylan O'Brien.

Es normal. Los artistas se nutren de lo sus vivencias, de lo que sienten, y en una sociedad en la que el amor y encontrar pareja es una obligación, algo a lo que nos empujan, una ruptura es caldo de cultivo para la creación artística. Pero la venganza es mucho más que unas frases de despecho, la venganza es uno de los motores más fuerte. Pero no contra un ex, vengarse contra el Estado, contra el poder establecido, contra el machismo…

Lo dejaba claro Annie Ernaux en su discurso de agradecimiento del Nobel, donde la palabra más repetida, hasta en cinco ocasiones, fue vengar o venganza. Es una palabra que define bien su forma de escribir, donde lo personal y lo íntimo se convierten en político, en una forma de analizar el momento. Annie Ernaux explicaba en su discurso que cuando se preguntó cuál había sido el comienzo de toda su aventura literaria, el motor primigenio, la fuerza atávica que le hizo escribir y dejar de ser una ama de casa y una profesora sin aspiraciones fue ese, la venganza.

“No necesito ir muy lejos a buscar esta frase. Surge. Con toda nitidez, con toda su violencia. Lapidaria. Irrefragable. La escribí hace sesenta años en mi diario íntimo. Escribiré para vengar a mi raza. Era un eco del grito de Rimbaud: 'Soy de raza inferior por toda la eternidad'. Tenía yo veintidós años. Era estudiante de Literatura Francesa en una facultad de provincias, rodeada de muchachas y muchachos procedentes de la burguesía local”, dijo Ernaux delante de todo el mundo.

Para ella, hija de obreros, nieta de campesinos, “de gentes despreciadas por sus modales, su acento, su incultura, bastaría para reparar la injusticia del nacimiento” sus obras eran una forma de vengarse contra “las humillaciones y las ofensas sufridas” durante años por los que señalan al obrero, los que consideran que el arte es solo para los burgueses. Y así ha ido vengándose de todo y de todos. Del estado que la condenó a un aborto clandestino y que describió tan bien en El acontecimiento, donde ya se encontraban las claves de su escritura, “a la vez social y feminista”. “Vengar a mi raza y vengar a mi sexo serían una sola y misma cosa a partir de entonces”.

Una venganza obrera y feminista. Una venganza de clase y de raza que no sabría decir si la ha cumplido. “De ella, de mis antepasados, hombres y mujeres esforzados en tareas que les hicieron morir pronto, recibí la fuerza y la rabia suficientes para tener el deseo y la ambición de hacerle un sitio en la literatura, en ese conjunto de voces múltiples que, muy pronto, me acompañaron permitiéndome el acceso a otros mundos y a otros pensamientos, incluido el de rebelarme contra ella y querer modificarla. Para inscribir mi voz de mujer y de tránsfuga social en lo que se presenta siempre como un lugar de emancipación, la literatura”, zanjaba entonces.

El cine también ha mostrado su poder como acto de venganza. No solo con Liam Neeson como héroe de acción machirulo y patriarcal, sino en obras donde sus autores ajustan cuentas. En 2019, en una entrevista de la revista Four by three a Pedro Costa, le preguntaban sobre cuál era el propósito del cine en la actualidad. “Tomar venganza, vengarse”, dijo sin dudar. 

Vengar a mi raza y vengar a mi sexo serían una sola y misma cosa a partir de entonces

Annie Ernaux — Escritora y Premio Nobel de Literatura

También lo tiene claro Steven Spielberg, y en su última película Los Fabelman, lo afronta de forma frontal. Su película más personal habla de su juventud y de cómo nace su deseo de ser director de cine. Durante años vamos viendo cómo ese niño y adolescente descubre muchas de las funciones del cine, entre ellas, la última, la que descubre en plena adolescencia con las hormonas desatadas, es la de la venganza. El alter ego de Spielberg se resarcirá del bullying recibido por los matones del colegio con una película casera. Comprende que el cine también vale para ello. Y qué es sino una venganza Tesis, de Alejandro Amenábar, que ha contado muchas veces que utilizó la ficción para asesinar a un profesor de comunicación audiovisual que le suspendió siendo un chaval. En su ópera prima ya vio el poder de la ficción para poder materializar su pulsión inconfesable. 

Una venganza que no siempre es personal, algo difícil de comprender en tiempos dominados por el ego y la autoficción, sino que también es contra la propia historia. Quentin Tarantino lo llevó hasta el extremo de cambiar la propia historia. En Malditos bastardos, y también en Érase una vez en Hollywood, el director altera el curso de los acontecimientos. En la primera su venganza es explícita, asesina a Hitler para que el mundo sea mejor; mientras que en la segunda la venganza es un acto opuesto, un acto de supervivencia. Sharon Tate vive para que el cine no cambie y para que el mundo, como dijo Joan Didion, no pierda la esperanza que había recuperado en mayo del 68. Una venganza que es un acto revolucionario.

El cine como venganza contra el machismo y contra el cine patriarcal, como ocurría en Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975); recientemente elegida entre polémicas como la mejor película de la historia por la revista Sight & Sound. Los gritos enfurecidos de los señores ponen en evidencia cómo el filme de Chantal Akerman es un acto de ajuste de cuentas contra, precisamente, ellos. Akerman coloca por primera vez el trabajo doméstico en la cámara, y su venganza es mostrarlo con la lentitud y exactitud con la que todas las mujeres los realizan todos los días mientras ellos se van. Tres horas que, sin hacer spoilers, concluyen con un acto de venganza física y de empoderamiento.

La venganza física estaba también en Una joven prometedora, que en un giro metacinematográfico convierte el género ‘rape and revenge’ (violación y venganza) en algo más que violento, en algo más que un ajuste de cuentas, con la muerte del violador como final satisfactorio. La venganza de Carey Mulligan en el debut de Emerald Fennell es contra la cultura de la violación y contra los falsos aliados. Contra los que miraban a otro lado cuando veían a su amigo babear y sobar en la discoteca.

El cine nos sobrevive a todos y al menos así estará siempre Rajoy vinculado a esta infamia

Pedro Almodóvar — Director de cine

También la venganza puede (y debe) ser política. Ken Loach lleva usando su cine para vengarse de Margaret Thatcher desde que ella desmantelara el estado de bienestar británico. Quizás por ello ganó su segunda Palma de Oro por Yo, Daniel Blake en 2016, por la constancia de un cine que es un acto de justicia, de mostrar que décadas después se siguen sufriendo las consecuencias de aquellas políticas y los que las sufren los ciudadanos. Había que contar que ella fue la responsable y que sigue siéndolo.

El arte queda para la posteridad, y estos actos de venganza quedarán escritos, cantados y filmados para siempre, y precisamente por ello fue por lo que Pedro Almodóvar incluyó a Mariano Rajoy en la escena inicial de Madres paralelas, cuando Penélope Cruz e Israel Elejalde comentan que el presidente “se jactaba” de no dar dinero a las víctimas del franquismo. En un país que no quiere recordar, Madres paralelas es un acto de venganza y de memoria histórica, y el propio Almodóvar lo reconoció cuando presentó el filme en Venecia: “El cine nos sobrevive a todos y al menos así estará siempre Rajoy vinculado a esta infamia”.

El actor Chete Lera (Pontevedra, 1949) falleció este jueves al precipitarse su coche por un desnivel de 50 metros en Málaga, según han informado los servicios de emergencia malagueños y ha adelantado El País. Ramón Mariano Fernández Lera tenía 73 años y recientemente había participado en Mira lo que has hecho, la comedia de Berto Romero en la que interpretaba a su suegro.

Sus apariciones más memorables fueron en La ardilla roja (1993), de Julio Medem, Secretos del corazón (1997), de Montxo Amendáriz, Abre los ojos (1997), de Alejandro Amenábar, Barrio (1998), de Fernando León de Aranoa y Flores de otro mundo (1999), de Icíar Bollaín. También ganó el premio a mejor actor del Festival de Málaga de 2002 junto al resto del reparto de la película Smoking Room, de Julio Wallovits y Roger Gual.

Lera se incorporó a la profesión de forma tardía, después de haberse desempeñado como piloto, ingeniero aeronáutico y empleado de banca. “A los 27 años tenía trabajo estable y un buen sueldo, pero pasé una crisis personal y matrimonial y decidí estudiar psicología”, reconocía en las entrevistas. Fue entonces cuando se apuntó a grupos de lectura de textos teatrales y descubrió su vocación. “Por fin había encontrado mi sitio”.

Con casi 40 largometrajes a sus espaldas, Chete Lera era un rostro conocido entre el gremio. Había abandonado el séptimo arte con un largometraje dirigido por José Luis Cuerda, Todo es silencio, hace diez años. En televisión siguió apareciendo en series de éxito como Médico de familia, Abuela de verano o Cuéntame cómo pasó, pero en la última etapa había regresado a las tablas que le dieron sus primeros trabajos.

Chete y el teatro

Chete Lera en teatro era un kamikaze, capaz de lo peor y de lo mejor. Capaz de perderse y reencontrarse y, sin pudor, mostrar ese riesgo al espectador. Comenzó su andadura en aquel espacio del teatro independiente, pero con vena experimental, que fue el Espacio Cero en 1980. El primer montaje registrado es la obra de Asa Nisi Masa, donde compartió con otro de los grandes de su generación, Pepo Oliva. Fueron años militantes y de investigación en el que montaron obras del argentino Tato Pavloski, estrenaron en España el Maquinahamlet de Heiner Müller y representaron las primeras obras de su hermano, Antonio Fernández Lera, gran autor de la escena española independiente.

En los años noventa, en vez de abandonarse como buena parte de su generación a un teatro burgués, decidió profundizar en una escena que diera cabida a otra manera de hacer. Lera encontró entonces a su director, Rodrigo García. Y éste último encontró al actor que podría encarnar las obras que hoy son mito: Prometeo, Los tres cerditos y Protegedme de lo que deseo. Un teatro del desastre, brutal y poético que dio cuenta en escena del ser humano contemporáneo. Con Rodrigo García compartió dos montajes con textos de Shakespeare y Bruce Nauman: La tempestad, y de Thomas Bernhard, Vino tinto. Esta década conformó lo que sería el teatro del porvenir en España y en la que Chete lo dio todo: salud, tesón y talento.

Ya en el siglo XXI, actuó en montajes relevantes e institucionales como Cara de plata de Valle Inclán en el Centro Dramático Nacional o Largo viaje hacia la noche de O’Neill, en La Abadía, dirigido por Alex Rigola. Destacan también un Pedro y el capitán de Benedetti, dirigido por Emilio del Valle, director con quien también hizo Mingus, Cuernavaca, del autor francés Enzo Cormann. Sobre su trayectoria teatral informa Pablo Caruana, periodista experto en artes escénicas.

“El teatro está, entre otras cosas, para decirle al poder, artísticamente, lo que no está bien”, dijo el actor en 2014. En aquella época representaba Subprime en el Teatro Fernán Gómez de Madrid, un retrato de la corrupción política y financiera que causó inquietud entre las administraciones: “Hubo presiones, se cayeron algunas funciones, faltó publicidad adecuada...”, reconoció Lera.

Este jueves, instituciones y compañeros han despedido al actor en las redes sociales después de la trágica noticia. Uno de los primeros ha sido Eduardo Noriega, con quien compartió set en Abre los ojos. También Montxo Amendáriz, que le dirigió en Secretos del corazón, ha recordado su “gran corazón”. En la fundación AISGE se han mostrado “impactados” y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas ha recordado que Lera estaba “muy implicado en la escena alternativa, trabajó tanto con jóvenes creadores de vanguardia, como con consolidados directores”.

El Festival premia con este galardón, que entrega en colaboración con Diario Sur, a profesionales de larga y reconocida trayectoria cinematográfica, como es el caso de Amenábar, director, guionista y compositor y uno de los cineastas españoles más internacionales, con una dilatada y premiada carrera, han detallado desde el certamen cinematográfico malagueño a través de un comunicado.

Desde su debut en el largometraje con 'Tesis' (1996), Alejandro Amenábar (Santiago de Chile, 1972) ha conectado tanto con el público como con la crítica. 'Tesis' fue considerada la mejor película del año en España por la Academia de Cine y tuvo un éxito extraordinario a escala internacional, consiguiendo numerosos premios en festivales por todo el mundo.

Apenas un año más tarde, su segundo film, 'Abre los ojos' (1997,) fue un éxito de taquilla en España y se estrenó a escala internacional. La película tuvo un remake americano, 'Vanilla Sky', bajo la dirección de Cameron Crowe, interpretado por Tom Cruise, Penélope Cruz y Cameron Díaz.

'Los otros' (2001) y 'Mar adentro' (2004) le consolidaron internacionalmente. 'Mar adentro', protagonizada por Javier Bardem, obtuvo el Oscar a la Mejor película de habla no inglesa y 60 premios internacionales. 'Los otros', protagonizada por Nicole Kidman, fue su primera película rodada en inglés. Seleccionada por el Festival de Venecia, la película obtuvo un gran éxito de público y una excelente valoración de la crítica internacional.

En 2009 estrenó 'Ágora', protagonizada por Rachel Weisz y seleccionada por el Festival de Cannes. Fue la película más taquillera del año en España, con una recaudación de más de 21 millones de euros y 3,5 millones de espectadores.

En 2015 estrenó 'Regresión', protagonizada por Ethan Hawke y Emma Watson. Recaudó más de nueve millones de euros en taquilla, superando el millón de espectadores en España.

Su último largometraje, 'Mientras dure la guerra', con Karra Elejalde y Eduard Fernández, supone su regreso al cine en España y, tras su paso por los festivales de Toronto y San Sebastián, se estrenó el 27 de septiembre de 2019. Consigue 17 nominaciones a los Premios Goya, incluyendo mejor película y mejor director, con más de 1,8 millones de espectadores.

Alejandro Amenábar ha rodado este año 'La fortuna', una miniserie inspirada en la novela gráfica El tesoro del cisne negro de Paco Roca y Guillermo Corral. Movistar+ produce La fortuna con AMC Studios en colaboración con Mod Pictures que se estrenará en otoño.

“Si no fuera por la película de Amenábar y por el debate público que ha suscitado, hoy no estaríamos aquí 200 personas en este coloquio”. Esta afirmación de un asistente a una mesa redonda, organizada el pasado jueves en Madrid por el diario FronteraD y Ámbito Cultural bajo el título de Unamuno. Ecos de una guerra y un filósofo, resume el renovado interés por una de las figuras más polémicas e inclasificables de la cultura española.

Mientras dure la guerra, un éxito de público en las salas y candidata a 17 premios Goya, utiliza a Miguel de Unamuno (Bilbao, 1864-Salamanca, 1936) como hilo conductor para explicar el conflicto y sus antecedentes. No era fácil el empeño de Alejandro Amenábar. Unamuno fue nacionalista vasco y simpatizante del PNV en su juventud, más tarde militante del PSOE, furibundo opositor después a Alfonso XIII y a la dictadura de Miguel Primo de Rivera y, tras proclamarse la República en 1931, fue elegido diputado por Salamanca en una candidatura conjunta con la abogada Victoria Kent.

El sorprendente epílogo de estos vaivenes se concretó en el apoyo a la sublevación de Franco y la mayoría del Ejército contra la República. Asqueado por la represión que desataron los franquistas en las primeras semanas de la guerra, el remate de su peripecia vital fue el célebre discurso del 12 de octubre de 1936 (“venceréis, pero no convenceréis”) en la Universidad de Salamanca y su alegato contra los militares. Unamuno fue arrestado en su domicilio y falleció dos meses y medio después de aquel incidente, el 31 de diciembre de 1936, a los 72 años. No resulta, pues, en absoluto extraño que Amenábar haya manifestado que “Unamuno dramáticamente es oro”.

La película sirvió de percha para un debate que intentó trazar un perfil nada fácil de un autor contradictorio, excéntrico y de un carácter insoportable que fue catedrático de Griego y escribió novelas (Niebla, La tía Tula), poesía, obras de teatro (Fedra), libros de viajes y ensayos filosóficos (Del sentimiento trágico de la vida, La agonía del cristianismo).

“No sé de dónde sacó tiempo Unamuno para una obra tan prolífica”, señaló en el coloquio el periodista y exdirector de El Mundo Pedro G. Cuartango. “Hay que tener en cuenta”, añadió, “que también se dedicó con intensidad al periodismo. Estaba claro que debía trabajar mucho porque tenía nueve hijos que alimentar. En cualquier caso, lo que más admiro de él es su honestidad intelectual porque jamás escribió algo para agradar. Creo que Unanumo supone una referencia a reivindicar en la España de hoy”.

Entrenado para el debate desde el colegio

La novelista y crítica literaria Marta Sanz destacó que autores de la generación del 98 como Unamuno, Valle Inclán o Baroja conservan una cierta aura legendaria. “Tuvieron una presencia en la vida pública”, manifestó Sanz, “para cuestionar el discurso hegemónico que hoy rehuyen los intelectuales. Por otra parte, Unamuno, pese a sus contradicciones, es un escritor que nunca se repetía y que transitó por muchos géneros literarios”.

El poeta y ensayista Jon Juaristi, autor de una biografía sobre Unamuno, fue el experto más crítico con la trayectoria del intelectual bilbaíno. A juicio de Juaristi, “Unamuno ya se entrenaba de pequeño en el colegio para defender lo contrario de lo que decía la mayoría. Tenía un muy acentuado espíritu de contradicción y le encantaba defender opiniones opuestas”. Según el biógrafo, fue un intelectual que gustaba a los curas porque “siempre estaba dándole vueltas a Dios y a la esencia de sí mismo”, algo que “para los falangistas significó la expresión máxima del nacionalismo español. Es decir, un abertzale en español”.

Juaristi restó importancia a la poesía de Unamuno, ya que según este “escribía cuatro o cinco poemas al día y con muchos altibajos”. También consideró menor su narrativa y su teatro y tan solo resaltó la faceta de ensayista. Como rasgos biográficos que habían marcado a Unamuno, el biógrafo citó el bombardeo de Bilbao durante las guerras carlistas, cuando el filósofo era un niño, y la pérdida de los fueros vascos en su etapa nacionalista de juventud.

El exilio de Unamuno

El moderador del debate, el periodista y escritor Carlos G. Santacecilia, también citó el carácter muy tacaño de Unamuno, así como su inmensa popularidad en vísperas de la proclamación de la República y tras haber sido uno de los mayores opositores a la monarquía de Alfonso XIII y haber sufrido, por ello, destierro en Fuerteventura y exilio en Francia. “Unamuno afirmaba que Alfonso XIII, al que llamaba el ganso, era falso desde la corona hasta las botas de montar”, se comentó en la mesa redonda.

Hubo opiniones para todos los gustos sobre la película de Alejandro Amenábar, tanto entre el público de la mesa redonda como entre los expertos. De cualquier manera, el filme permanece desde hace varias semanas en las carteleras y ha provocado un amplio debate social sobre la Guerra Civil y sobre personajes, al margen de Unamuno, como los militares golpistas, con Franco y Millán Astray a la cabeza, o sobre amigos del escritor que fueron fusilados por los franquistas, como el pastor protestante Atilano Coco o el profesor y rector Salvador Vila.

Más allá de las licencias narrativas que una obra de ficción se permite, Cuartango calificó de honesta la película de Amenábar. “Creo”, dijo, “que recoge bien el conflicto y recrea con rigor el ambiente de Salamanca al comienzo de la guerra”. Marta Sanz se mostró más ambigua frente al filme y al tiempo que elogió el interés de algunos personajes, descalificó otros como el de Millán Astray. “Me pareció que retrataba a un tipo ridículo”. A pesar de todo, la novelista opinó que tal vez fuera una cinta interesante para un público joven y poco familiarizado con la Guerra Civil.

Por su lado, Juaristi se manifestó muy decepcionado con algunos errores históricos de la cinta o con la interpretación de Karra Elejalde, que encarna a Unamuno en la película. Sea como fuere, desde el estreno de Mientras dure la guerra hace meses, Unamuno se ha puesto de moda. El moderador recordó que en el especial de Nochevieja de TVE el humorista José Mota había parodiado a Unamuno en varios sketches. “Vio más gente aquel programa que la suma de los lectores que Unamuno tendrá en la próxima década”, concluyó Santacecilia.

Protestante, maestro, republicano y masón. Atilano Coco tenía todas las cartas para acabar asesinado por los golpistas. Y así ocurrió. Secuestrado en Salamanca, encarcelado y muerto a tiros en diciembre del 36, el amigo de Miguel de Unamuno que recupera la película Mientras dure la guerra de Alejandro Amenábar es un ejemplo de las persecuciones religiosas que ejecutó el fascismo español.

Si la República había consagrado la libertad de culto, los rebeldes sostenían una idea única de España: católica, pura, impermeable. Más allá, todo eran herejes. Y, como en un remake a destiempo de la Inquisición, serían perseguidos, sometidos a cárcel, torturas y ejecuciones, además del expolio de sus bienes, que entraron en el saco del botín de guerra de los derrotados.

Atilano Coco, su vida, obra y muerte, quedan como paradigma de esta cacería al infiel emprendida por el naciente franquismo. Porque el culto, para los fascistas, tenía principio y fin en la colaboradora Iglesia católica. Un fanatismo religioso que ni el propio Unamuno sería capaz de interrumpir siquiera por un caso, como retrata Amenábar.

Queda como epitafio la nota que Enriqueta Carbonell, mujer de Coco, entregó al intelectual para recordar la situación de su marido. Un papel en el que Unamuno, dicen, escribió apuntes del discurso en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca donde soltó el famoso “venceréis, pero no convenceréis”. 

Un par de meses después, el 9 de diciembre, Atilano Coco fue ejecutado en el monte de La Orbada. Pero el presbítero sigue siendo además un desaparecido. Uno más entre miles que continúan arrojados a fosas comunes repartidas por todo el país. Nadie sabe dónde está la tumba del amigo de Unamuno.

Una tarea de “limpieza” religiosa

“Claro que hubo una persecución religiosa”, resume en declaraciones a eldiario.es el obispo de Madrid de la Iglesia Anglicana de España, Carlos López. “Quizás una veintena de protestantes españoles fueron ejecutados” por los franquistas, calcula.

Y aporta otros nombres, más allá de Atilano Coco. “Como Pedro de Vegas, que tenía una parroquia y una librería en Córdoba que mandaron quemar. Luego le asesinaron”, explica. “Era además amigo de Pío Baroja, que lo saca en alguna de sus novelas”.

Sigue. “Julio Caro, también ejecutado sin juicio previo”. Y “otros condenados a penas de cárcel”, como Santos Martín Molina en Sevilla, “que penó ocho años”. También aquellos que no encontraron más salida que el destierro, como Manuel Borobia en Valladolid, “que marchó a Vigo, donde tampoco le dejaron ejercer como maestro, y se tuvo que ir de España”, y Progreso Parrilla, que desde Jaén “atravesó el campo y se fue a Portugal, y en Lisboa cogió un barco y se exilió hasta la muerte de Franco en Londres”.

Aunque la represión golpista también llegó al saqueo. “Se nos cerraron bastantes templos y el régimen franquista nos expropió 26 templos y 14 escuelas”, sostiene el obispo de Madrid de la Iglesia Anglicana.

Quienes no fueran católicos “seguro estaban expuestos a la represión poliédrica”, afirma la historiadora Marta Velasco, autora de Los otros mártires. Porque los golpistas “en los primeros años de guerra arrasaron con todo y no se anduvieron con sutilezas”, cuenta en un libro que lleva como subtítulo 'Las religiones minoritarias en España desde la Segunda República hasta nuestros días'.

La búsqueda infructuosa de Atilano Coco

El propio colectivo memorialista intentó localizar “hace unos años” los huesos del pastor asesinado por los franquistas. Pero la información sobre su paradero “era muy vaga” y los arqueólogos de la ARMH no llegaron “a encontrar un sitio donde buscar”. Por eso, hoy, “sigue siendo un desaparecido”.

A raíz del caso “hicimos una investigación sobre la represión a las religiones no católicas, como judíos, protestantes o musulmanes”, continúa. “A esta gente las perseguían como a los comunistas”, ejemplifica Silva. “Los masacraron”. Y Atilano Coco, en el verano del 36, era una persona popular en Salamanca. Fácil de señalar.

“Posiblemente recibió denuncia del cura de la parroquia más cercana”, apunta Carlos López. “Unos meses antes había tenido con esta persona una polémica pública que le había ganado porque era más ágil y capaz, y le denunció como persona dañina”, afirma. “A partir de ahí empezó el camino que lo llevó a la detención y a su ejecución sin juicio previo”, subraya el obispo anglicano.

“El problema religioso en España es algo muy antiguo y eso que siempre hemos convivido con otras religiones, más allá de la católica”, tercia la historiadora Marta Velasco. “Los evangélicos tenían comedores infantiles, editaban revistas en plena guerra, tuvieron una gran labor social y ahí podemos enmarcar a Atilano”, apunta Emilio Silva.

“Eran muy progresistas, dentro de que formaba parte de una religión, por eso los persiguieron y los ilegalizaron”, añade el presidente de la ARMH. “Hasta los pactos –de la dictadura de Franco– con EEUU no se aprueba una, entre comillas, ley de libertad religiosa”, sostiene. Y ahí coincide con Carlos López: “Hasta entonces las iglesias funcionaban de forma clandestina, antes del decreto de 1967 era una persecución sistemática e intolerancia plena”.

La persecución que “no descansa”

“La persecución religiosa fue terrible y el régimen no descansa”, los golpistas atacan mientras dura la guerra y continúan durante la dictadura de Francisco Franco. Los rebeldes “se dan cuenta de la diversidad hispana, descubren la importancia de otras religiones en la sociedad” y emprenden una tarea “de limpieza y pureza en la que no cabía el diferente”, añade como “hipótesis histórica”.

¿Qué cifras alcanzó esta violencia? “No hay una cuantificación de personas que sufrieron represión” por este motivo, explica la investigadora. El olvido está razonado desde “la marginalidad en la que han vivido” provocando que “aún hoy no sean colectivos visibles”, apunta Velasco.

“El franquismo ha conseguido fijar en nuestro imaginario colectivo que el protestante no es de aquí, que es extranjero, igual que pasa ahora con los musulmanes, aunque hayan nacido en España, como que no nos cuadra”, explica Marta Velasco. Una herramienta clave para asentar esta exclusión nace “cuando la iglesia se mete en el sistema educativo como espina dorsal del régimen”.

“Yo no conocía lo que había pasado con las minorías religiosas y lo más interesante cuando inicié la investigación fue darme cuenta que como, sin considerarme una persona católica, cargaba con todo el discurso nacional católico”, añade. “Y los protestantes, evangélicos... tienen una consideración de secta. ¿Por qué decimos eso?”, cuestiona.

Fascismo contra las “reformas republicanas”

Constitución de la Segunda República Española de diciembre de 1931, artículo 27: “la libertad de conciencia y el derecho de profesar y practicar libremente cualquier religión quedan garantizadas en el territorio español”. El franquismo azotó la diversidad de culto desde el primer momento, restaurando la religión católica como único camino permitido bajo el lema 'Un dios, una patria, un caudillo'.

“La normativa franquista se va comiendo a las reformas republicanas”, señala Marta Velasco. “Un proceso que cuando se estudia en paralelo es siniestro, terrible, como si le metieran una poda bestial a todas las hojas verdes y flores del árbol y lo dejaran seco”, dibuja.

Y en ese contexto de primera violencia extrema y persecución religiosa resultó detenido y asesinado Atilano Coco Martín (Guarrate, Zamora, 1902 – Salamanca, 1936). El pastor protestante había estudiado en Inglaterra, era presbítero de la Iglesia Española Reformada Espiscopal, maestro de la escuela adjunta a la iglesia anglicana y miembro del Partido Republicano Radical Socialista, más tarde de Unión Republicana, y de la logia masónica Helmántica como parte del Grande Oriente Español.

Los militares golpistas detienen a Coco a finales de julio del 36 y lo encarcelan en la prisión provincial de Salamanca. Con Enriqueta Carbonell Carratalá tenía dos hijos, Alicia y Enrique. Todos los intentos de su mujer por azuzar al amigo Miguel de Unamuno para lograr su salvación fueron en vano, como cuenta la cinta Mientras dure la guerra.

“Me faltó en la película que acabara diciendo que Atilano Coco está todavía desaparecido y que retratara más su perfil progresista, porque aparece un tanto desdibujado”, afina el presidente de la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica (ARMH), Emilio Silva.

Atilano Coco, el pastor protestante amigo de Miguel de Unamuno ha sido rescatado por la película de Alejandro Amenábar. El presbítero tiene otros reconocimientos, como una calle a su nombre en su pueblo natal, Guarrate, o la residencia universitaria 'Centro Atilano Coco' inaugurada en 2005 en Salamanca. Pero, todavía, el maestro, republicano y masón asesinado por los franquistas sigue siendo un desaparecido. Nadie sabe dónde está su tumba. Como otros miles de personas enterradas en fosas comunes por toda España.

El único documento que queda del discurso de Miguel de Unamuno en el paraninfo de la Universidad de Salamanca el 12 de octubre de 1936 es un papel con unas decenas de palabras sueltas. Son sus notas en el reverso de la carta que le escribió Enriqueta Carbonell, la mujer de Atilano Coco, pastor protestante encarcelado y luego ejecutado por el bando nacional.

No hay transcripción ni grabación del enfrentamiento con Millán Astray que hizo que el escritor fuera destituido de su cargo de rector y obligado a recluirse en su casa. Pero las palabras clave en ese papel siguen siendo buenas lecciones. “Vencer y convencer” para el célebre “venceréis pero no convenceréis”; “anti-España?”, que desarrolló en su último artículo justo después con un alegato contra el uso sectario del nacionalismo (“no son unos españoles contra otros -no hay anti-España- sino toda España, una, contra sí misma”); “cóncavo y convexo”, por los extremos como cara de la misma moneda; “descubrir un nuevo mundo”, tal vez una esperanza.

El discurso y sus circunstancias han sido recreados con diligencia y alguna licencia poética por la película Mientras dure la guerra. El valor, en la pantalla y fuera de ella, es la fuerza de la independencia del Pepito Grillo que alerta contra los excesos y que no compra ciegamente el discurso de nadie, ni siquiera de quien cree en principio que tiene razón.

La otra parte del momento histórico en el paraninfo fue la réplica de Millán Astray ese día al grito de “muera la inteligencia”, o “muera la intelectualidad”, según la versión de Unamuno, que recoge la cuidadosamente documentada biografía Convencer hasta la muerte de Colette y Jean-Claude Rabaté. Es el grito de los fanáticos que se ha repetido a lo largo de la historia y que conviene recordar para no perder de vista el peligro del encierro en unas pocas consignas que repelen las críticas, los hechos y la reflexión, y que a menudo se abrazan a la violencia.

La España que decepcionó a Unamuno al final de sus días ya no existe y la de hoy ha salido relativamente bien considerando el parón de cuatro décadas y la historia de odios sin resolver a las espaldas. Uno de sus últimos símbolos ha empezado a desaparecer esta semana. Pero la oscuridad de los tiempos pasados debería ser una alerta para el presente por muy benévolo que sea en comparación.

La mejor manera de preservar la democracia y el progreso es cuidar de las voces críticas sin bando que tanto escasean y amplificar a quienes trabajan por aclarar los hechos. No colaborar ni en el Parlamento ni en los micrófonos ni en Twitter con las algaradas conspiranoicas contra “los globalistas” y “los expertos”. Denunciar los cánticos ciegos de “prensa española manipuladora” en el Valle de los Caídos y en las protestas independentistas en Barcelona mientras las cámaras no hacen más que filmar a esas personas. La mejor manera es encontrar nuestros unamunos y premiarlos con el bien más escaso y más valioso: nuestra atención.

El cineasta Alejandro Amenábar, la actriz Najwa Nimri y el director de casting Luis San Narciso recibirán las Espigas de Oro de Honor de la 64 Semana Internacional de Cine de Valladolid, que se entregarán el próximo 22 de octubre en la Gala del Cine Español.

Así lo ha anunciado este lunes la Seminci en un comunicado, en el que también ha avanzado que en el transcurso de dicha gala se rendirán sendos homenajes al cineasta Pedro Olea, con motivo del 50 aniversario del rodaje de su película 'El bosque del lobo'; y al programa de Radio Nacional de España 'El séptimo vicio', que cumple 20 años.

Alejandro Amenábar debutó en el cine con el largometraje Tesis, en 1996, y desde entonces, como han destacado fuentes de la Seminci, “ha conectado tanto con el público como con la crítica”. Tesis fue considerada la mejor película del año en España por la Academia de Cine, y tuvo un éxito extraordinario a escala internacional, consiguiendo numerosos premios en festivales por todo el mundo.

Apenas un año más tarde, su segundo film, Abre los ojos (1997), fue un éxito de taquilla en España y se estrenó a escala internacional. Los otros (2001) y Mar adentro (2004) le “consolidaron internacionalmente” y con la segunda de ellas, protagonizada por Javier Bardem, obtuvo el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa y 60 premios internacionales. 'Los otros', protagonizada por Nicole Kidman, fue su primera película rodada en inglés y obtuvo un gran éxito de público y una excelente valoración de la crítica internacional.

En 2009 estrenó Ágora, protagonizada por Rachel Weisz y seleccionada por el Festival de Cannes. Fue la película más taquillera del año en España, con una recaudación de más de 21 millones de euros y 3,5 millones de espectadores.

En 2015 estrenó Regresión, protagonizada por Ethan Hawke y Emma Watson, que recaudó más de nueve millones de euros en taquilla, superando el millón de espectadores en España. Ahora, acaba de estrenar en cines Mientras dure la guerra, rodada en Salamanca, con gran éxito de público.

Najwa Nimri

La actriz pamplonesa Najwa Nimri suma más de veinte años de carrera y otras tantas películas en su haber. Ha trabajado con cineastas internacionales como Ken Loach, Julio Médem, Alejandro Amenábar o Carlos Vermut. También cuenta en su filmografía con participaciones en series televisivas de éxito como Vis a vis y La casa de papel.

La carrera artística de Najwa ha estado también muy vinculada al mundo de la música. En 1998 firmó su primer tema con Carlos Jean, con quien formó el grupo Najwajean. Juntos firmaron distintos sencillos, entre ellos el tema del programa de RTVE Versión Española, galardonado también con la Espiga de Honor y que la actriz interpretó durante la Gala del Cine Español de la 63 Seminci.

Luis San Narciso

El director de casting asturiano ha participado en 27 series y una treintena de películas, en las que ha trabajado con Almodóvar, Amenábar o Querejeta. Ha trabajado como actor, como ayudante de dirección junto a las grandes de la escena española, como Mary Carrillo o Irene Gutiérrez Caba, hasta que su carrera se orientó hacia el mundo del casting.

Trabajó para Globomedia y se hizo cargo de la selección de actores de sus series. Suyos son los elencos de Más que amigos, Periodistas, Compañeros, Policías, El grupo, Javier ya no vive solo, Siete vidas, Aída, Los Serrano, Un paso adelante, Los hombres de Paco, El internado, Águila roja, Vis a vis, Estoy vivo o La víctima número 8, entre otras.

Su salto a la gran pantalla llegó de la mano del productor Elías Querejeta para trabajar en Cuando vuelvas a mi lado (Gracia Querejeta, 1999). A este título siguieron Pídele cuentas al rey, de José Antonio Quirós --premio del público de la 44 Seminci--, Los lunes al sol, Torremolinos 73, Horas de luz, Mar adentro, Alatriste, Volver, Siete mesas de billar francés, Los girasoles ciegos, Los abrazos rotos, La piel que habito, o Fe de etarras.

San Narciso fue el primer director de casting español en ingresar en la Academy of Motion Picture Arts And Sciences.

Pedro Olea

En el transcurso de la ceremonia, el festival rendirá también un pequeño homenaje al cineasta Pedro Olea, con motivo del 50 aniversario del rodaje de su película El bosque del lobo, que fue premiada en la 15 Semana, en la que consiguió el premio San Gregorio de la Semana de Cine Religioso, uno de los primeros galardones de la carrera del cineasta. El éxito en Valladolid fue clave para que no se prohibiese un film que reflejaba la “España negra” y mezclaba supersticiones y religión.

Además, la Seminci también celebrará el 20 aniversario del programa de Radio Nacional de España 'El séptimo vicio' durante la Gala del Cine Español con un reconocimiento a su director y presentador, Javier Tolentino. El espacio radiofónico está ligado a la Seminci desde sus orígenes, ya que salió al aire por primera vez el 30 de octubre de 2009 durante la celebración de la 54 edición.

El fin de semana de estreno no ha podido tratar mejor a Mientras dure la guerra, la última película de Alejandro Aménabar, el que fuera niño pródigo del cine español en los 90 (Tesis, Abre los ojos) y convertido, dos décadas después, en uno de sus mayores baluartes.

Alejandro Amenábar es un director sólido, que ha sabido transitar por géneros como el suspense, el terror o el drama, manteniendo un sello propio y una enorme capacidad para contar historias. Amenábar participará este jueves 3 de octubre a las 20.15 en un encuentro con el público presentado por FilmAnd, en el Nervión PlazaNervión Plaza, tras la proyección de la película (entradas disponibles aquí).

Aunque ya había visitado el cine de época con la superproducción Ágora, Mientras dure la guerra suponía para el cineasta el reto de enfrentarse a la Guerra Civil española, una historia de enfrentamiento, que se saldó con 40 años de dictadura franquista y, sólo en Andalucía con más de 45.000 desaparecidos.

Con Mientras dure la guerra, Amenábar disecciona y da vida a unos de los momentos más representativos de la contienda: el posicionamiento del escritor Miguel de Unamuno frente al golpe de Estado contra la legalidad vigente de la República. Aunque en un primer momento se manifestó a favor de la rebelión militar, los desmanes de la sublevación contra la República le hicieron cambiar de parecer. De ahí nace su discurso en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca, centro del que era rector, y del que, según las crónicas de la época salió su célebre cita “Venceréis, pero no convenceréis”. Fue su respuesta al “¡Muera la inteligencia! ¡Viva la muerte!”, atribuido al militar franquista Millán-Astray (Eduard Fernández)

Según el cineasta, la frase de Unamuno, interpretado por Karra Elejalde en la película, lo convirtió “en un mito, pero no existen registros sonoros ni transcripción del discurso y sí muchas versiones de lo que dijo, aparte de la propaganda de unos y otros, de ahí la polémica. La evidencia más clara de que don Miguel lió una buena durante aquel acto es que esa misma tarde le revocaron el acceso de socio al Casino de Salamanca y dos días después fue destituido como rector de la Universidad de Salamanca y pusieron un guardia en la puerta de su casa. O sea, que algo muy gordo tuvo que pasar”.

¿Cómo ha sido acercarse a figuras del tamaño histórico del escritor Miguel de Unamuno, Millán-Astray o el dictador Francisco Franco?

Como cualquier escritor, he intentado documentarme lo máximo posible e intentar acotar el alma de cada uno de ellos. Unamuno es el héroe de mi película, pero Millán-Astray era el más fácil, porque hay muchas anécdotas cruzadas y todas hablan de una persona extrovertida. Con Franco, había que entrar mucho en su cabeza, ya que podía ser muy inexpresivo e impenetrable. Ahí estaba el desafío. Quería quitarme de encima el personaje como entelequia o como icono. Parece que todo el mundo lo conoce, pero la realidad es que no, ya que él mismo se reinventaba constantemente. Dar con el Franco de aquel momento era lo más complicado.

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