La banda británica de 'heavy metal' Iron Maiden, que el año pasado cumplió 50 años de carrera, estrenará el próximo mes de mayo el documental 'Burning Ambition', que celebrará su trayectoria de cinco décadas, anunció este martes el grupo en su página web.

La película, dirigida por Malcolm Venville (director de la docuserie 'Churchill at War') y producida por Dominic Freeman (quien ya ha producido otro documental sobre Depeche Mode), se estrenará el 7 de mayo en el mundo entero, y las entradas podrán comprarse desde el 18 de marzo.

Junto a material de conciertos y otras escenas entre bambalinas del grupo, uno de los más populares del 'heavy metal', el documental recoge testimonios de personalidades que se dicen fans de la banda, como el actor español Javier Bardem o el rapero estadounidense Chuck D.

Por el momento, se conoce el cartel promocional del documental, realizado por Albert 'Akirant' Quirantes y en el que destaca, como no podía ser menos, la icónica calavera peluda tan identificable con el grupo, conocida como 'Eddie the Head'.

Junto a la calavera, aparecen los rostros de los seis integrantes actuales, retratados en una versión mucho más joven que en su imagen contemporánea (el bajista Steve Harris, único miembro de la banda original, tiene ahora 69 años).

Iron Maiden nació en 1975 en el este de Londres, y a lo largo de su carrera han publicado 17 discos de estudio (que han vendido más de 100 millones de copias) y han dado 2.500 conciertos en 64 países. Actualmente están inmersos en su gira 'Run For Your Lives', que tendrá el 11 de julio próximo en Londres una de sus citas más esperadas.

“Las mejores baladas son de grupos heavy”, cantaba Ojete Calor en 0,60 para reírse de un lugar común repetido hasta la saciedad. Ese que subraya la sensibilidad de las bandas de heavy para hacer las mejores canciones románticas es solo uno de los tópicos a los que dicho género musical se ha tenido que enfrentar. La mayoría de ellos no eran tan amables. La opinión pública ha visto al heavy metal muchas veces como un estilo basto, de gente simple, que se basa en gritos y que defiende con sus letras la violencia, el consumo de drogas y actitudes antisistema. Una música, además, tremendamente masculina y machirula.

Sin embargo, cuando uno observa a una de sus bandas más emblemáticas, Judas Priest, se da cuenta de que todos esos clichés son falsos. Y lo son porque gente como los miembros del grupo nacido en Brimingham quisieron que lo fuera. Así lo demuestra el documental The ballad of Judas Priest, que se convirtió en el evento de la Berlinale del domingo. Un trabajo que no sorprende en las formas, pero que coloca todas las piezas para entender la influencia del grupo que, junto a Black Sabbath, cambió la música y puso el heavy metal en el lugar que le correspondía.

Un filme que da voz a sus miembros, cuenta sus rencillas internas, sus subidas y bajadas, pero que sobre todo rompe los estereotipos sobre el heavy metal. Lo hace centrándose, sobre todo, en la homosexualidad de su líder y cantante, Rob Halford, la primera estrella de este tipo de música que contó públicamente que era gay. Lo hizo en una entrevista que rompió todos los moldes y que convirtió a Judas Priest y al heavy en un sitio gayfriendly. 

Halford explica cómo durante muchos años tuvo que ocultar su identidad sexual, y cómo el contarlo fue una liberación que hizo que hasta pudiera bromear sobre ello. “Soy el tipo gay de la banda”, dijo cuando Judas Priest fue aceptado en el paseo de la fama de la historia de la música, uno de los momentos cumbres del documental.

The ballad of Judas Priest también desmonta otros estereotipos, como que el heavy no es inclusivo, y también defiende con uñas y dientes su condición de clase. La banda, y el heavy, siempre han representado a aquellos trabajadores a los que muchas veces la música dejaba de lado. Y por ello, una canción como Breaking the law se usó como himno en las manifestaciones contra Margaret Thatcher y fue vista como un canto a rebelarse contra el gobierno conservador y sus medidas contra el estado de derecho.

El cariño con el que trata el documental a la banda se entiende cuando uno ve que está detrás de la cámara Tom Morello, el también músico y miembro de Rage against the machine que debuta en la dirección con este trabajo en donde también participa como uno de los rostros que opinan sobre la importancia de la banda en la historia de la música.

Morello, que en los últimos meses se ha convertido en uno de los azotes culturales contra Donald Trump, ha sido la estrella de la jornada de la Berlinale. En la rueda de prensa para hablar de su película, acompañado del propio Rob Halford, habló del tema del festival, el compromiso político de los artistas. Y no decepcionó. “Qué tiempo para estar vivo y poder hacer un documental sobre tu banda favorita y luchar contra el fascismo a la vez”, lanzó ante la ovación de la sala de prensa y volver a subrayar que “la propia existencia de Judas Priest es política”. “En su público no había estereotipos. Sí, había gente como yo, pero había parejas gais y gente de todo tipo. Y esa comunidad es un modelo para cómo debemos ser”, añadió.

Halford completó diciendo que nunca ha podido evitar hablar de las cosas que le afectan y le enfadan. “Lo he hecho siempre. Intento evitar los mensajes explícitos, pero esos mensajes siempre han estado ahí”, dijo el cantante, que también hizo un alegato sobre la importancia del arte ahora mismo. “La música es más importante que nunca para apagar la locura de este mundo. La música es fantasía, te hace escapar, te da confort, crea relaciones irrompibles… tiene infinitas posibilidades. Nunca quise tener una responsabilidad, pero ahora la tengo conmigo mismo, con mis fans, con la banda… y todo eso conecta con cómo la música afecta a nuestras vidas”, confesó.

El director y líder de Rage against the machine volvió a reincidir en cómo fue Judas Priest la banda que le hizo amar la música, y fue también porque, para él, fueron “los creadores del heavy como un evento cultural”. “Crearon la comunidad del metal. Es como con el hip hop, no es solo la música, sino que es algo cultural que tiene que ver con cómo te vistes, con una actitud. Y en ese sentido el heavy metal lo inventaron ellos. Nunca hubiera sido músico sin su influencia. Yo siempre fui el único negro del heavy metal, y esta película muestra que los estereotipos sobre el género son erróneos, porque el heavy trasciende todos esos estereotipos cuando se hace bien”, zanjó.

La banda neerlandesa de rock sinfónico Epica será cabeza de cartel de la última de las tres jornadas de celebración del festival música heavy Z! Live Rock de Zamora, que este año se desarrolla del 11 al 13 de junio y tiene previsto acoger unos 30.000 asistentes entre los tres días.

La organización de ese festival, que transforma la ciudad de Zamora con su celebración y que se ha convertido en uno de los grandes festivales nacionales de música heavy y metal, ha anunciado este viernes la incorporación del grupo de Países Bajos que tiene más de dos décadas de trayectoria.

Encabezada por Mark Jansen a la guitarra y Simone Simons a la voz, Epica es una formación de referencia en el panorama internacional del rock sinfónico, con presencia habitual en los principales festivales europeos.

Su actuación en Zamora supondrá uno de los momentos destacados de la decimoprimera edición del festival zamorano que, según han resaltado los organizadores, constituye un “motor cultural y turístico” para la ciudad que acoge el evento musicial, que tiene unos 60.000 habitantes.

El cartel de los tres días de festival incluye también nombres como la banda sueca Opeth, la noruega Emperor o la británica Bury Tomorrow el primer día del festival; los grupos Gran Bretaña y Suecia Saxon y H.E.A.T. la segunda jornada; o los vitorianos Soziedad Alkoholika y los británicos Tesserac el sábado 13 de junio.

El festival tiene capacidad para acoger unos diez mil asistentes cada jornada el recinto ferial Ifeza de Zamora, donde se instalan dos grandes escenarios en el que tocan los grupos alternativamente, sin conciertos simultáneos.

La organización ha resaltado el respaldo que tiene el evento tanto del Ayuntamiento de Zamora como de la Diputación Provincial de Zamora y lo ha puesto como ejemplo de colaboración institucional en el ámbito cultura que ha permitido consolidera el Z! Live de Zamora como “una de las principales citas musicales de Castilla y León”.

A los conciertos programados durante las tres jornadas se suman además actuaciones de otros grupos que se llevan a cabo en las calles de Zamora para implicar a la ciudad en el festival, para lo cual existe incluso un semáforo en la zona centro el que los muñecos de rojo y verde para peatones son roqueros, como guiño al evento.

Marco Serrato es sobradamente conocido en Sevilla como bajista del grupo metalero Orthodox, aunque también ha militado en formaciones como Hidden Forces o Sputnik Trio, y colaborado con músicos como Dani Llamas o Raúl Cantizano. Dada su versatilidad, no le sorprendió que el festival malagueño Canela Party le hiciera un encargo singular: componer un espectáculo para uno de los cantaores flamencos más en boga de la actualidad, el manchego Israel Fernández. Después de fichar a varios cómplices y tratar de sintetizar su experiencia en diversos estilos, en agosto de 2024 Serrato y los suyos se metieron en el estudio de grabación antes incluso de presentarse en vivo: había nacido Frente Abierto, un proyecto que va mucho más allá de las fusiones flamencas al uso, y que se hará oír este sábado en el Monkey Week de El Puerto de Santa María (Cádiz).

Eso sí, según afirma el músico, la base flamenca ha sido respetada en todo momento. “El esquema de la soleá o de la seguiriya está ahí, y en eso encontré un buen lienzo sobre el que volcar los colores de todas las historias en las que he estado metido hasta ahora”, comenta, quien además de contar con Fernández, fue incorporando a otros cantaores como Lela Soto, Inés Bacán, Sebastián Cruz o Ángeles Toledano. “La idea era que, más que sentir que funcionaba, el resultado nos gustara a nosotros. Ese fue el baremo con el que hemos jugado, pero a veces también apretamos el puzzle si no encajaba a la primera. Los proyectos en los que he trabajado no están pensados para agradar a las masas, y en este caso ha sido igual: nos hemos guiado por la intuición y los gustos personales”.      

Eso sí, en la agenda de Serrato y sus compañeros no entraban dos palabras muy socorridas para hablar de fusiones arriesgadas: transgresión y provocación. “No tengo ningún interés en eso”, asevera. “Habrá quien le parezca un crimen acompañar una caña como lo hacemos, pero mi objetivo no es transgredir ni provocar, sino hacer algo que yo, como oyente, echo de menos. Estoy convencido de que la transgresión tiene algo reaccionario en su núcleo, en el fondo siempre le da un poco la razón a aquello que está transgrediendo. No tenemos nada que dinamitar”.

El misterio del mercado

Lo mismo puede decirse de la intención de escandalizar a los puristas: “A estas alturas me parece absurdo. La gente se escandaliza por cosas extramusicales, por una portada con cualquier tontería, por cualquier declaración salida de tono, pero no por un sonido determinado”, explica. “A muchos les sorprendería que Inés Bacán, a sus 73 años, es la que menos se asusta de lo que hacemos. Tiene mucha sensibilidad artística y ha estado en muchos fregados. Es la prueba viva de que el flamenco siempre ha estado en el mundo”.

Por no estar a la contra, Frente Abierto no posa ni siquiera como proyecto anticomercial. “Ni siquiera tenemos una visión del mercado, es algo que se nos escapa. Musicalmente sí vemos el hueco, pero no sabemos si el mercado, tan extraño y volátil, lo verá como nosotros. A veces pienso que ni siquiera los que controlan el mercado saben por dónde van a ir los tiros. Seguir todo eso desgasta mucho, yo prefiero hacer lo que me motive artísticamente, y a partir de ahí, que venga lo que sea”.

A la hora de pensar en referentes inspiradores, el primero que le viene a la cabeza a Serrato (aparte del magisterio metalero de Black Sabbath, The Obsessed o Candlemass) es la Liberation Music Orchestra del jazzero Charlie Haden, “una forma abierta de meter cosas y sonoridades distintas en el mismo saco”, dice. “Nos preguntamos cómo no se ha hecho algo así antes en el flamenco. Lebrijano probaba cosas interesantes en discos como Lágrimas de cera, el propio Agujetas, paradigma de pureza, también ha sido valiente en trabajos como Cien años atrás. Eso me ha inspirado más que Niño de Elche con Toundra, o los discos más populares de Camarón o Morente, que a mí personalmente nunca me sirvieron para entrar en el flamenco, sino que más bien me supusieron un obstáculo. Y he echado de menos un poco más de valentía en este campo. Cuando han querido fusionar, se han limitado al jazz o al rock suavecito de sota, caballo y rey”.

Zonas fronterizas

Por el costado flamenco, Raúl Cantizano atesora también una amplia experiencia en adentrarse en territorios movedizos. “Frente Abierto hace un acompañamiento al cante pero desde otro lugar, casi como traductor”, comenta. “Se trata de poner en común el lenguaje del rock, el riff de guitarra, la métrica que le es propia, con el cante. En ese sentido, los cantaores no se acostumbran a cantar a su aire, porque tienen una banda de cinco personas detrás, y tienen que ir todos a una. Se trata de crear un nexo, una especie de bisagra entre unos y otros”.

El guitarrista sevillano, acompañante de artistas tan diferentes como Rocío Márquez, Niño de Elche, Andrés Marín o María Moreno, afirma haberse “criado en ese mestizaje, en esa zona fronteriza que es un terreno muy cómodo para mí. También hago flamenco tradicional y voy a tablaos, pero donde más me gusta moverme es teniendo una pata en lo jondo y otra en otros mundos”.

También David Cordero se siente a gusto en esos territorios poco definidos. El creador y productor de música ambient trata de “aportar lo mejor de mí dentro de las necesidades del proyecto, y de paso intentar aprender”, asegura. “En el momento en que sales de tu estilo, ya estás empezando a pisar fango, pero esa es precisamente la parte atractiva, sobre todo ver cómo encaja mi mundo dentro de esa fusión. Si hubiese sido un proyecto más cómodo, quizá no hubiese sido tan divertido. En la música no tiene que haber certezas”.

30 'omegas'

Para este creador afincado en Cádiz, “por suerte en la música ambient no hay tantos ortodoxos como en el flamenco o el metal, siempre hay un abanico muy amplio de opiniones, gustos y colores. No hay mandamientos ni normas arraigadas, así que este tipo de mezclas no duele a nadie. Pero al final el veredicto tiene que darlo el público”.

Más crítico se muestra Marco Serrato sobre el flamenco, que “solo se mira a sí mismo, y a las cuatro cosas que dan trabajo y dinero. Todo deriva hacia la rumbita y el flamenquito”, considera. “Que el Omega siga siendo tenido como referente de encuentro con el rock lo dice todo, ¡debería haber ya, después de tanto tiempo, 30 omegas! Esto habla de la digestión lenta del flamenco y del público en general”.

“Nosotros nunca trabajamos según las reacciones del público. Hemos demarcado el territorio y el estilo, veremos qué pasa a partir de ahora”, concluye Serrato. “Lo que te aseguro es que en un solo disco no va a quedar esto. Aunque no le guste a nadie”.

Sam Rivers, bajista y miembro fundador de la banda de rap metal Limp Bizkit, falleció la noche del pasado domingo por causas que todavía no han sido reveladas, según ha comunicado la banda en su cuenta de Instagram. Anteriormente, Rivers había tenido problemas de salud a causa de su adicción al alcohol. Dichos problemas le habían alejado temporalmente de la música, ya que desarrolló una enfermedad hepática que finalmente requirió un trasplante. Rivers se une así a Ozzy Osbourne entre las pérdidas este último año en el sector del heavy metal.

Según explica la revista Rolling Stone en el obituario que le dedica, Rivers tuvo que dejar Limp Bizkit en 2015 por su precaria salud. “Me sentía fatal, y unos meses después me di cuenta de que tenía que cambiarlo todo porque tenía una enfermedad hepática muy grave”, revela Rivers en el libro Raising Hell (Backstage Tales From the Lives of Metal Legends), citado por la publicación. En dicho libro, el músico asegura que dejó de beber e hizo todo lo que me dijeron los médicos. Finalmente, tras el éxito del trasplante, regreso a la banda en 2018 y permaneció en ella como miembro hasta el pasado domingo 19.

“Sam Rivers no era solo nuestro bajista: era pura magia. El pulso de cada canción, la calma en el caos, el alma en el sonido”, aparece escrito al inicio del comunicado publicado en la cuenta de Instagram del grupo. Y para cerrar, sus compañeros de grupo destacan del él que “fue un ser humano único en la vida. Una auténtica leyenda de leyendas. Y su espíritu vivirá para siempre en cada ritmo, cada escenario, cada recuerdo”.

En el cuerpo del mensaje, aseguran que “desde la primera nota que tocamos juntos, Sam trajo una luz y un ritmo que nunca podrán ser reemplazados”. “Su talento era natural, su presencia inolvidable, su corazón enorme”, añaden y aseguran que juntos compartieron “muchos momentos —salvajes, tranquilos, hermosos— y cada uno de ellos significó más porque Sam estaba allí”. El texto está firmado por los otros miembros de la banda, Fred Durst, Wes Borland, John Otto y DJ Lethal.

Limp Bizkit fue una de las principales bandas de la segunda generación de rap metal estadounidense, junto a otras formaciones como Linkin Park, que siguieron la estela de grupos anteriores como Korn o, sobre todo Rage Against The Machine, que a su vez se inspiraron en las experiencias de bandas de los ochenta como los Beastie Boys o los trabajos conjuntos de los metaleros Aerosmith y los raperos Run DMC.

Aparecidos en Jacksonville, 1999 en Florida, su éxito se dibujó ya en su primer disco Significant Other, que vendió cuatro millones de copias. El siguiente trabajo, Chocolate Starfish and the Hotdog Flavored Water, cuyo tema Take a look around fue incluido en la banda sonora de la película Misión Imposible 2, les confirmó en el olimpo del nuevo metal del siglo que se iniciaba. La banda tenía previsto regresar a España, después de 14 años, como cabeza de cartel en el Resurrection Fest 2026, que se celebra entre el 1 y el 4 de julio en Viveiro, Galicia, sin que por el momento se conozcan los planes del grupo a partir de ahora.

El documental “Las Calderas de Pedro Botero” rendirá homenaje a una de las bandas más emblemáticas del panorama musical aragonés y tiene previsto su estreno en septiembre. Dirigido por Etna N. Romero y producido por productora la zaragozana El Kappa Producciones, el largometraje recorre la trayectoria de Pedro Botero, el grupo de Casetas que marcó una época en el rock español desde los años 70 hasta hoy. A través de testimonios e imágenes de archivo, la cinta pone en valor la historia de la banda y ofrece un retrato del panorama del rock aragonés durante varias décadas, reflexionando sobre la industria musical y las oportunidades que tuvieron las bandas de aquella época.

Formada en 1973, Pedro Botero destacó por su mezcla de rock duro, letras comprometidas y estética inconfundible. Durante los años 80 y principios de los 90, publicó varios discos y compartió escenario con grandes nombres del rock estatal. Tras varios años de silencio, la banda resurgió en 2014. La directora del documental, Etna N. Romero, explica que la idea de realizar la película surgió en 2016, tras haber colaborado con el grupo en uno de sus videoclips: “Ya habíamos trabajado con ellos, nos conocemos del barrio… tenemos una conexión muy especial”.

Romero destaca que el documental está hecho “desde el cariño y la admiración, no solo por lo que representa Pedro Botero en la historia del rock aragonés, sino también por lo que son como personas. Es una historia de lucha, de identidad y de resistencia, contada desde dentro”. Subraya además que Pedro Botero era mucho más que un grupo de rock: “Era una banda profundamente arraigada a su barrio, muy querida por la gente de Casetas, y con una historia que merecía ser contada”.

La película recorre los inicios en los locales de ensayo de Casetas, las primeras grabaciones, las giras y el vínculo inquebrantable con su barrio y su público. Muestra cómo la banda ha mantenido su identidad y su compromiso a lo largo de los años, ofreciendo un testimonio de lucha, resistencia y creatividad dentro del rock español.

Actualmente en fase de postproducción, 'Las Calderas de Pedro Botero' participará en festivales nacionales y autonómicos de cine y música, y promete convertirse en una pieza esencial para los aficionados de la música y la historia cultural de Aragón, ofreciendo un recorrido íntimo y completo de la banda que sigue “al pie del cañón” más de cinco décadas después de sus inicios.

Después de seis años, Mägo de Oz volvían a la capital de Euskadi, con motivo de las fiestas de La Blanca. Pero, echando la vista atrás, muchas cosas han cambiado en este transcurso de tiempo. En 2019, la banda presentaba aquel ‘Ira Dei’ que en su momento se dijo que era la “verdadera” tercera parte de la trilogía de ‘Gaia’. Supondría el tercer disco de Zeta, regalando a los fans una obra densa, madura y elaborada, volviendo al formato doble álbum. Sin embargo, la era de Zeta duraría otro disco más, que dejaría un digno legado para la gran mayoría de los fans.

Esta vez, los madrileños vuelven a Vitoria con una nueva formación. A lo largo de su dilatada historia, Mägo de Oz ha demostrado con creces la capacidad de superar los obstáculos y esta vez no iba a ser menos. En pleno siglo XXI, la agrupación cuenta con una alineación ‘galáctica’. Entre sus componentes destacan Rafa Blas –ganador de La Voz en 2012– o el guitarrista internacional Jorge Salán. En la calurosa tarde de la capital, ‘la bruja’ –la figura representativa de la banda– hacía presencia en el casco viejo a través de las míticas camisetas que delataban a los seguidores. A pesar del calor, el público que asistiría al concierto, compartía momentos de hermandad con los suyos.

A medianoche, después de un cinematográfico intro donde se leían expresiones tan míticas como “deseos.com”, la tripulación abordaría la capital vasca con la entrada al centro del escenario de un Víctor de Andrés motivado, junto a su guitarra y con una actitud ‘sleaze’, tan característico en él. ‘Alicia en el metaverso’, todo un ‘mix’ heavy de 12 minutos perteneciente a su último lanzamiento, daba la entrada a otra mágica noche de la Virgen Blanca.

Una nueva era

Desde la primera canción, Blas demostró ser todo un ‘frontman’ que cumple con todas las características que un cantante de Mago de Oz debe reunir: amplio registro vocal, comunicación directa con el público y una gran presencia en el escenario, gracias a sus movimientos y actitud. Aunque la banda haya tenido diferentes ‘nueves’, el actual demuestra con creces que es un digno sucesor.

Sin apenas descanso, los platillos de Txus di Fellatio darían pie a la clásica ‘Molinos de viento’, con Don Quijote y Sancho Panza luciendo en la pantalla, rememorando el disco ‘La leyenda de la Mancha’. El público no paraba de bailar, saltar y gritar durante toda la canción. Entre ellos se encontraban desde padres de familia hasta adolescentes que acababan de descubrir a la banda, creándose un ambiente ‘familiar’, repleto de diferentes generaciones.

“Es un placer estar aquí con todos vosotros. Muchísimas gracias por acompañarnos y por habernos traído aquí a vuestra ciudad tan maravillosa”, expresaba Blas totalmente agradecido, antes de dar pie a la melódica ‘Luna de Sangre’, de su última obra, que en la parte intermedia recuerda mucho a la trilogía de ‘Gaia’ con sus toques orquestales y sinfónicos. El violinista Carlos Prieto (Mohamed), hijo del compositor palentino Claudio Prieto, se nota que disfruta mucho con este tipo de cortes. Con ‘La posada de los muertos’, volvían de nuevo al tono festivo que tanto les ha caracterizado a la banda. Siendo sinceros, en parte, su llegada al éxito fue a través de este tipo de canciones pegadizas y divertidas, con su particular mezcla del folk y el heavy.

Con ‘Diabolus in Musica’, de la segunda parte de la trilogía, la banda recordaba esos toques góticos que estuvieron muy presentes en el querido álbum ‘La voz dormida’. Esa época en concreto fue uno de los puntos álgidos del grupo, con unos históricos conciertos en México DF, que quedarían en la memoría de los más acérrimos.

“No somos conscientes de lo importante que es cuidar nuestro planeta, nuestra tierra, nuestra casa, nuestro hogar. Y no somos conscientes de que todo mal que hagamos a Gaia, ella nos la devolverá”, servía como introducción de ‘La venganza de Gaia’, de la primera parte de la trilogía de 2003, que hablaba acerca de cómo el ser humano ha estropeado a la madre tierra durante muchos siglos. De hecho, en aquellos textos que Txus di Fellatio escribió para el álbum conceptual, se hablaba de temas como el colonialismo y la conquista; ecologismo y defensa de la Tierra; o la memoria histórica. A veces cabe recordar que el grupo siempre ha estado cerca de temas sociales.

La magia que nunca se apaga

Después disfrutar de una canción muy progresiva y experimental, llegaba el turno de la cantante del grupo, Xana Lavey, que cantaría el experimental con tintes modernos ‘Te traeré el horizonte’. De nuevo, Rafa Blas volvía al centro del escenario: “Esta canción habla del amor más puro que se puede tener en esta vida. Que es el de una madre y un padre hacía su hijo o hija”. Uno de los presentes respondía al cantante: “Ese amor no falla”.

“Esta canción quiso hacerla Txus para su hija Leia”. Con esas palabras vino ‘Por si un día te pierdes’ en clave acústica y folklórica con un épico solo de guitarra de Jorge Salán. A continuación, vendría la presentación de la banda. Rafa Blas se encargaría de presentar a cada miembro, presentando en último lugar a Víctor de Andrés: “En parte estoy aquí gracias a él”. De Andrés, por su parte, se encargaría de presentar al cantante con: “¡¡Él ganó La Voz!! ¡¡Fue el primer cantante de heavy metal en ganar La Voz!!”. También se ocupó de defender la música: “Gracias a esto que estáis viviendo aquí, muchos niños sabrán que la verdadera música se toca con instrumentos”, dando a pie a un coreado ‘Hasta que el cuerpo aguante’.

El público también pudo disfrutar del momento ‘guitar hero’ de Salán que mezcló ‘Marcha Turca’ de Mozart con un breve homenaje a Ozzy -recientemente fallecido-. Todo un galán de las 6 cuerdas, que una vez más dejó claro que es uno de los mejores guitarristas nacionales con amplia experiencia en el territorio internacional.

Con ‘Gaia’, Blas volvería a erizar los vellos a los presentes con los juegos vocales que exige la canción, terminando por todo lo alto con un grito estremecedor, que a muchos les vino a la mente la época de la La Voz, donde dejaba a los televidentes españoles impresionados con sus gritos heavys.

Después de un amago clásico, los Mägo terminarían la faena con ‘La costa del silencio’ y ‘Fiesta pagana’, dos de sus grandes clásicos, dejando el pabellón bien alto. Después de que terminara el show, un seguidor soltaba: “Algo tiene esta banda que reune a tanta gente de diferentes edades, sexo, pensamiento, creencias… algo tiene y no suele ser muy común”.

La banda sigue demostrando que, a pesar de los cambios, su esencia permanece intacta. Blas, junto al resto de la banda, ha logrado conectar con su audiencia de una forma única, brindando un espectáculo lleno de energía, emociones y momentos épicos que quedarán grabados en la memoria de todos los presentes.

Después de que Ozzy Osbourne falleciera a la edad de 76 años el pasado 22 de julio, su certificado de defunción ha revelado que la causa de muerte fue un infarto. Asimismo, el líder de Black Sabbath, que revolucionó la cultura y redefinió para siempre el rock, padecía una enfermedad coronaria y párkinson, que le diagnosticaron en 2003, pero que no reveló públicamente hasta 2019.

El día de su muerte salieron a la luz informes de que una ambulancia aérea voló a su casa en Chalfont St Giles, Buckinghamshire. Sin embargo, no ha sido hasta ahora cuando se han dado a conocer las causas del fallecimiento del músico, que ha sido considerado uno de los grandes influyentes de su género y cuya muerte ha dejado huella en la industria musical.

Osbourne ofreció su último concierto, una multitudinaria reunión de despedida de Black Sabbath, a principios de julio en Birmingham, Inglaterra, que es su ciudad natal. A esta cita asistieron otras estrellas como Steven Tyler, de Aerosmith, o Ronnie Wood, de los Rolling Stones. “Llevo seis años en la cama y no tenéis ni idea de cómo me siento. Gracias de corazón”, comentó emocionado el cantante sobre un trono de murciélago.

Su funeral tuvo lugar el 30 de julio, un acontecimiento importante para su gran base de fans, al que asistieron otras leyendas de la música como Elton John o miembros de Metallica. Previamente, sus seguidores recorrieron su ciudad natal, Birmingham, en una procesión a la que asistieron miles de fans.

Nacido en 1948 como John Michael Osbourne en Aston, Birmingham, el músico fue hijo de dos obreros y no tuvo una infancia fácil, pues vivió en relativa pobreza y a los 11 años sufrió abusos sexuales por parte de dos niños. Como líder de Black Sabbath, que fundó en 1968, Osbourne estuvo a la vanguardia de la escena del 'heavy metal', una rama más profunda y oscura del rock duro, de la que se le considera pionero y en la que ha servido como fuente de inspiración para muchos artistas que se han hecho hueco dentro del género.

Se ha dicho en las últimas horas reiteradamente que la influencia de Ozzy Osbourne en lo que se viene a llamar rock duro es enorme, más si cabe por su liderazgo en Black Sabbath, la formación de Birmingham que a principios de los setenta decidió hacer evolucionar el rock progresivo que se hacía en el area de Canterbury, en el pijo sur de Inglaterra, hacia una suerte de blues acelerado y eléctrico, rico en guitarras de acompañamiento subidas de volumen y riffs más contenidos.

Era una suerte de respuesta europea al proto-punk que encabezaron a finales de los sesenta bandas del área de Detroit como MC5 y The Stooges. De ellos tomaron las guitarras al límite para que sonaran como el motor de un coche de carreras a punto de arrancar y también la querencia por los acordes de blues, pero sustituyeron la inmediatez de los estadounidenses por una mayor elaboración tanto en las letras como en las melodías.

Poco sospechaban entonces en 1970, cuando se hicieron populares a una y otra orilla del Atlántico con su segundo álbum, Paranoid, que crearían una de las escuelas más diversas y ricas del rock del siglo XX, el metal, quizás acompañados, en menor medida por otros ilustres rockeros como Led Zeppelin. Sin la banda de Ozzy y el guitarrista Tony Iommi, es imposible entender movimientos como el heavy metal', pero tampoco estilos como el stoner rock, el metal industrial, el nu metal', el black metal' o ni siquiera el grunge.

Y para seguir el rastro de estas influencias, nada mejor que destacar las siguientes 10 canciones, que son las que a juicio de este periodista mejor definen la carrera de Ozzy Osbourne, tanto ligado a Black Sabbath como en solitario.

Paranoid, 1970: Es la canción que les hizo famosos en todo el mundo, con su ritmo acelerado y algo diferente de lo que es el “estilo Black Sabbath”, más reposado. Su ritmo y su riff de entrada hacen a la canción inconfundible y darían la pauta a seguir a los futuros cachorros del metal más cercano al punk. La revista Rolling Stone la sitúa en el puesto 250 de las 500 mejores canciones de rock del siglo XX.

N.I.B, 1970: La canción pertenece al primer álbum de la banda, Black Sabbath, gravado en 1969 pero editado ya en los setenta. Está aquí por su bajo inicial, más cercano al funk en sus primeros acordes que al rock, pero que inmediatamente da lugar a un guitarreo grueso y distorsionado, lleno de grasa de motor, que definiría lo que sería el futuro estilo de la banda. Incluye giros todavía del blues y es una perfecta fusión del rock progresivo del momento con el incipiente movimiento que entonces se llamó “rock duro” y pronto se rebautizaría como metal.

War Pigs, 1970: La madre de todas las canciones de Black Sabbath. Perteneciente al álbum Paranoid, inicialmente War Pigs iba a dar nombre al disco, pero su letra anti-militarista y anti-guerra del Vietnam la relegó a un segundo plano. Está en ella toda la esencia del rock pesado y grasiento que después copiarían bandas como Kyuss, Queens of the Stone Age, Fu Manchu, Nebula o Acid Kings: riffs y acordes hipnóticos que se repiten una y otra vez a medida que la canción se desarrolla. También en ella el baterista Bill Ward define el modo de tocar la batería que primaría después en el género.

Iron Man, 1970: Otro clásico de la banda recogido en Paranoid. Guitarras potentes y la extraña voz de Ozzy recitando sobre los acordes; no liderándolos sino adaptándose a ellos.

Planet Caravan, 1970: De nuevo otro tema de Paranoid, su gran obra maestra. En este caso una pieza diferente, más reposada y con claros aromas de psicodelia que da idea de la capacidad y el registro creativo de la banda en aquellos momentos. Ha sido versionada por gente tan insigne como los tejanos Pantera, donde Phill Anselmo se muestra en un registro musical inusual para él.

Children on the grave, 1971: Black Sabbath estaban en racha tras sus dos primeros discos y en el tercero, Master of Reallity dieron un paso más sacudiéndose la resaca hippy progresiva acelerando los ritmos. Children on the grave, es una excelente muestra de ello con sus acordes de acompañamiento simples y rápidos, que de paso definen las líneas de guitarra que muchas bandas punk británicas adoptarían cinco años después. Pero el grosor del sonido no era el propio del punk, sino del sonido que ya comenzaban a perfilar bandas como Judas Priest, también seminales de lo que sería el metal, o los futuros Iron Maiden.

Sweed Leaf, 1971: Otra canción de Master of Reallity da fe del amor de la banda de Birmingham por las guitarras de altos hornos y la percusión pausada pero contundente. Otra pieza fundacional del metal que a buen seguro comprarían numerosas bandas nórdicas de los noventa como Turbo Negro, pero también otras estadounidenses tan importantes como Soundgarden o Smashing Pumpkins.

Crazy Train, 1980: Blizzard Of Ozz es el álbum debut en solitario de Ozzy, grabado en septiembre de 1980 en Inglaterra después de superar una crisis personal tras su expulsión de Black Sabbath por su adicción al alcohol y las drogas. Es una suerte de resurrección pop sin olvidar la base heavy, propia de la era musical que se acercaba, en la que bandas del estilo de Aerosmith o incluso algo más tarde Guns N' Roses dominarían el panorama del rock duro más popular.

No more tears, 1991: El álbum homónimo de 1991, cuando Ozzy ya era una leyenda para millones de metaleros, muestra su evolución hacia estilos más contemporáneos, siempre buscando un cierto éxito de público, pero sin olvidar jamás la matriz de sonido que le caracterizó en vida. Gente como Trent Reznor, de Nine Hinch Nails, o Marilin Manson seguro que la han oído muchas veces.

Mr Crowley, 1991: Para terminar, otro tema del disco Blizzard of Ozz que es toda una declaración de principios satánicos y un homenaje al creador del satanismo Aleister Crowley. Destacar la peculiar versión que la banda de death metal Craddle of Filth hace de ella.

El cantante de Black Sabbath, Ozzy Osbourne, ha fallecido a los 76 años, según ha anunciado su familia en un comunicado. “Con más tristeza de la que las meras palabras pueden transmitir, tenemos que informar de que nuestro querido Ozzy Osbourne ha fallecido esta mañana. Estaba con su familia y rodeado de amor. Pedimos a todos que respeten la privacidad de nuestra familia en estos momentos”, señalan en el texto. Aunque no se hayan referido a la causa de la muerte, Osbourne llevaba varios años con problemas de salud.

El autoproclamado 'Príncipe de las Tinieblas', que fue diagnosticado con la enfermedad de Parkinson en 2019, dio su último concierto con la banda a principios de este mes en Birmingham (centro de Inglaterra), cerca de donde nació, en el que estuvo acompañado de otras estrellas de la música. Osbourne, nacido en Birmingham en 1948, y sus compañeros originales de Black Sabbath —Tony Iommi, Terence 'Geezer' Butler y Bill Ward— fueron los últimos en aparecer en el escenario para esa despedida titulada 'Back to the Beginning' (Regreso al principio). Entre las bandas que actuaron estuvieron Anthrax, Metallica y Guns N’Roses, y hubo mensajes de agradecimiento de otras celebridades, como Jack Black, Ricky Gervais y Dolly Parton.

Nacido en 1948 como John Michael Osbourne en Aston, Birmingham, el músico fue hijo de dos obreros y no tuvo una infancia fácil, pues vivió en relativa pobreza y a los 11 años sufrió abusos sexuales por parte de dos niños. El cantante se refirió a aquello en entrevistas como algo “terrible” y que “parecía eterno”. Además, llegó a ser enviado a prisión por robo, algo sobre lo que se pronunció en 2014: “No servía para nada. Era un inútil”. El ambiente obrero de su infancia fue lo que construyó y definió el sonido de su discografía, que acabó revolucionando por completo el rock británico. “Queríamos reflejar nuestra visión del mundo en aquel entonces”, declaró el bajista de la banda, Geezer Butler, en 2017. “No queríamos componer canciones pop alegres. Le dimos ese aire industrial”.

El cantante dejó la escuela a los 15 años y realizó trabajos esporádicos, antes de juntarse con su amigo del colegio, Geezer Butler, en varias bandas. Vivió en Estados Unidos y, además, se hizo muy popular como protagonista de un 'reality show' con su familia, The Osbournes, en el que documentaron su vida doméstica de 2002 a 2005. Osbourne fue el vocalista principal de Black Sabbath hasta su despido en 1979, cuando fue reemplazado por Ronnie James Dio. Aunque sus compañeros alegaron que sus razones para despedirlo eran la falta de fiabilidad y sus excesivos problemas con las drogas, Osbourne afirmó que su consumo de drogas y alcohol era comparable al del resto de componentes de la banda en ese momento.

Una leyenda del heavy metal

Como líder de Black Sabbath, que fundó en 1968, Osbourne estuvo a la vanguardia de la escena del 'heavy metal', una rama más profunda y oscura del rock duro, de la que se le considera pionero y en la que ha servido como fuente de inspiración para muchos artistas que se han hecho hueco dentro del género. Entre sus actuaciones más memorables se incluye la vez que le arrancó la cabeza a un murciélago de un mordisco, y era famoso también por su imagen tenebrosa, con larga melena negra y gafas oscuras. Su estética se convirtió en el ejemplo a seguir para quienes llegarían más tarde.

Tras su paso por Black Sabbath, Osbourne inició una exitosa carrera en solitario, con sus primeros siete álbumes como solista obteniendo certificaciones multiplatino en Estados Unidos y adjudicándose algunos de los títulos más vendidos de la época. Osbourne grabó los dos primeros discos con el guitarrista Randy Rhoads, con quien además coescribió el legendario single Crazy Train. Rhoads falleció en un accidente aéreo en 1982 durante la gira de su segundo álbum, lo que llevó a Osbourne a publicar un álbum en directo en su honor, titulado Tribute, en el año 1987.

En un momento en el que bandas como Oasis vuelven a unirse, Osbourne ya experimentó lo mismo con su regreso a Black Sabbath en 1997. Al año siguiente, él y sus compañeros de grupo publicaron el álbum Reunion, en homenaje a su regreso al estudio juntos. Más tarde, en 2006, la banda fue incluida en el Salón de la Fama del Rock & Roll, una hazaña que continuarían en 2013 con la publicación del disco 13, el que acabaría resultando el último de la banda tras una de las trayectorias más exitosas dentro del género del heavy metal.

Los últimos pasos de la carrera de Osbourne serían los lanzamientos de dos discos tras 13, el trabajo final del artista con su legendaria banda. Uno de ellos se tituló Ordinary Man, que llegó al mercado en 2020 y en el que incluyó una de sus canciones más famosas de la era del streaming, Take What You Want, en colaboración con Post Malone y Travis Scott. Dos años después publicaría su último proyecto en solitario, Patient Number 9, cuya canción más aclamada acabó resultando ser la pista de apertura y el tema homónimo del álbum, que canta en colaboración con Jeff Beck y acumula más de 30 millones de reproducciones en Spotify. Osbourne fue honrado en el Salón de la Fama del Rock & Roll como solista en 2024.

En su primera visita a España en nueve años y tras recuperarse de la muerte de su antiguo líder, Chester Bennington, en 2017, la banda californiana, ahora liderada por Mike Shinoda y Emily Armstrong, ha generado una enorme expectación entre sus miles de seguidores en nuestro país, muchos de los cuales se quedaron sin entrada para el primer concierto, programado para el 23 de junio de 2026.

Ahora, con esta nueva fecha del día 24 de junio de 2026, se abre una nueva ventana para poder asistir a uno de los conciertos más esperados del año entre los fans del metal-rap. De hecho con su último disco, From Zero, lanzado el pasado año para confirmar su recuperación tras el traumático suicidio de Bennington, la banda ha cosechando éxitos en listas de todo el mundo. Su retorno, muy bien acogido por fans y crítica, promete unos directos en los que se mezclen los nuevos temas de su trabajo con los grandes clásicos que les hicieron célebres hace ya 25 años.

Fechas de preventa y venta general

La venta de entradas para el segundo concierto de Linkin Park seguirá una planificación escalonada:

La ciudad de Zamora respirará desde este jueves al domingo un atmósfera 'heavy' con motivo de la celebración del festival Z! Live, hasta el punto de estrenar unos nuevos semáforos donde los muñecos en rojo y verde para los peatones están inspirados en la simbología 'metal'.

Uno de los semáforos de la zona centro de la ciudad, ubicado en la avenida Tres Cruces, ofrece esas curiosas siluetas, según ha informado la organización de ese festival que registra hasta treinta mil accesos a lo largo de tres jornadas en una ciudad como Zamora, de sesenta mil habitantes.

Los nuevos semáforos con siluetas inspiradas en la simbología 'metal' han sido instalados por el Ayuntamiento como forma de ambientar el festival que convierte estos días a Zamora en una ciudad templo del heavy.

El semáforo en rojo muestra una silueta de una persona roquera, con melenas y con una guitarra que realiza con una de sus manos el salud heavy, con los dedos índice y meñique para arriba mientras que la silueta del semáforo en verde muestra una persona roquera tocando la guitarra con la posición típica de un punteo heavy.

Con esa original puesta en escena semafórica, Zamora se prepara para recibir desde este jueves a cerca de treinta mil personas con motivo del festival metalero.

No es la primera vez que la ciudad crea un ambiente especial de cara al festival, ya que el pasado año cambió el toque de campanas de las doce del mediodía del reloj del Ayuntamiento de la Plaza Mayor por la melodía de 'The final countdown', con motivo de la actuación del grupo Europe en el festival.

Este año, el Z! Live cumple su décima edición y lo hará con la actuación de bandas como Dream Theater, Accept, Sepultura, Meshuggah, Alestorm o Lita Ford, entre otras.

El festival se celebra en horario de tarde y de noche a lo largo de tres jornadas en el recinto ferial de Zamora y para integrarse en la ciudad por las mañanas habrá también conciertos gratuitos en calles y plazas de la zona centro y el casco antiguo de Zamora.

Cada 16 de mayo está considerado el Día Mundial del Heavy Metal, una celebración elegida por los aficionados a este género musical para conmemorar la fecha del fallecimiento de Ronnie James Dio, líder vocalista de la banda Black Sabbath, considerada la que dio nacimiento de esta variedad del rock, y a quien se le atribuye la señal de la mano con cuernos que simboliza al rock y música metal.

Este género musical que hoy en día caracterizamos por su ritmo fuerte, con mucha energía, con cierta distorsión y su sonido metálico gracias al uso de instrumentos eléctricos como la guitarra, bajo y batería y por la vocalización aguda y gutural, nació a finales de la década de los 60 y principios de los 70.

La distorsión y la clase trabajadora: el nacimiento del heavy metal

Si hay que dar una fecha para el nacimiento del heavy metal se considera que sucedió en 1968 en Birmingham con la banda Black Sabbath, que se formó inicialmente con Tony Iommi a la guitarra, Ozzy Osbourne como voz, Geezer Butler en el bajo y Bill Ward en la batería.

Pero el origen del heavy metal no fue algo repentino, sino que nacía en un momento en el que ya se habían dado pasos hacia él con el uso de guitarras distorsionadas en el género rock, blues o el pop, por ejemplo, Los Beatles lo hicieron con Helter Skelter.

Además, el nacimiento del heavy metal tampoco se puede entender sin su contexto, al darse en Birmingham, Inglaterra, una ciudad industrial en la que la clase trabajadora proveniente de fábricas es la que trató de simplificar el rock y blues y expresar sus quejas a través de una música oscura, y denunciar la corrupción, las condiciones laborales, pero también se reivindicaba el consumo de drogas.

Esta crítica social generada a través de una música oscura con instrumentos distorsionados y voces agudas se enfrentó también con parte de rechazo por su sonido, pero a la vez fue desarrollándose para ir creciendo a lo largo de la década de los 70 con la aparición de bandas como Sir Lord Baltimore, Aerosmith, Scorpions, AC/DC, Kiss, Diamond Head o Iron Maiden, para luego vivir también un momento destacado en los 80 con una expansión con grupos como Metallica o Van Halen, para llegar a la actualidad con varios subgéneros como el black metal, el metal celta, el metal gótico o el metal progresivo.

El origen del nombre de Heavy Metal

Si bien el comienzo de este género musical se tiene claro, no tanto su denominación, cuya teoría más aceptada es el hecho de que viene del vocabulario hippie de la década de los 60 uniendo los términos “heavy”, “pesado” en inglés, y “metal”, que hace referencia al sonido de los instrumentos.

Por su parte, sí se tiene una idea clara de cuándo se usó la palabra heavy metal por primera vez haciendo referencia a este género, que fue en la canción “Born to Be Wild” de la banda Steppenwolf en 1967: “I like smoke and lightning, heavy metal thunder, Racing in the wind, and the feeling that I’m under…”.

La canción de Leño fue compuesta hace la tira de años, en tiempos de la Transición, cuando los ponchos, los botos camperos y las consignas rompían las calles. Ya va para medio siglo de todo aquello, pero eso no quita para que la canción de Leño siga vigente.

Primavera de 1979; el grupo Leño se marcó un disco que terminaría convirtiéndose en pieza clave del imaginario de la época. La estampa de tres tíos con pintas jipiosas y zapatillas John Smith forma ya parte de nuestra memoria sentimental. Canciones como El oportunista, El Tren o la que hoy nos trae hasta aquí: Este Madrid, fueron coreadas en sus conciertos por todas las gargantas en una. Siempre dije que Rosendo cantaba en playback. Nunca un grupo musical de nuestro país tuvo gente tan fiel ¡Qué afición!

Pero, a lo que voy, que en estos días de agujeros en la tapa del recuerdo, los gusanos han hecho de las suyas y las bolsas de basura amontonadas en las calles con las ratas hincando el diente me han devuelto a los tiempos de la canción de Leño, con ese estribillo que dice que Madrid es una mierda que ni las ratas pueden vivir; todo un himno para la gente de Madrid, pues, si algo nos caracteriza a los madrileños es lo poco nacionalistas que somos.

Tanto es así que una canción como esta se convierte en un cántico de orgullo; Madrid es una mierda por mucho que digan y que quieran limpiarla, que no es el caso tal y como estamos viendo. Porque a las instituciones municipales no les interesa que la cosa mejore y por eso van y aportan más y más mierda siempre que les cuadra. Cuando escribo esto, las ratas asoman sus bigotes a la noche y se pasean por todo Madrid con barra libre de basuras. La huelga acabó hace unos días, pero es lo que hay.

Con todo y con eso también hay otras imágenes, como la del otro día, cuando lo del apagón, con la gente siguiendo las noticias alrededor de un transistor a pilas puesto en la calle. Un momento de magia que me lleva de nuevo hasta el Madrid que yo viví, un Madrid que no dejaba de ser una mierda, como cantaban los Leño, pero donde brotaban escenas de magia vecinal. Entonces yo calzaba mis zapatillas John Smith, escuchaba al Mariskal Romero por radio y leía El retorno de los brujos, el libro de Louis Pauwels y Jacques Bergier donde aparecía la ley de la destrucción que dice algo así como que, a mayor tecnología, más fácil resulta que una civilización se colapse o, incluso, desaparezca por culpa de dicha tecnología.

Pensándolo bien, si desaparecemos tampoco se perdería gran cosa. Nuestros cadáveres servirían de sustento a las ratas. Y por lo que se sabe, empezarían por la lengua; un verdadero manjar para ellas.

El 8 de abril de 1991, en una cabaña en Noruega, Per Yngve Ohlin, conocido como Dead, se pegó un tiro en la cabeza después de abrirse las venas. Era el vocalista de la banda de black metal Mayhem. Antes de hacerlo, dejó una nota de suicidio que decía: Perdón por la sangre. Cuando Øystein Aarseth, alias Euronymous, fundador de la banda, encontró el cadáver, lo primero que hizo fue salir a comprar una cámara de fotos. No llamó a la policía hasta después de haber capturado la escena en imágenes, una de las cuales acabaría en la portada del álbum pirata Dawn of the Black Hearts, que se publicaría en 1995. Años después, el propio Euronymous sería asesinado por Varg Vikernes, bajista de la banda, con 23 puñaladas, la última de ellas en el cráneo; en su juicio alegó haberlo matado en defensa propia, pero igualmente Vikernes obtuvo la condena más larga de la historia de Noruega –por entonces–.

Mayhem llevó el black metal más allá de la música y lo convirtió en un relato de violencia, sectarismo y culto. La quema de iglesias, la devoción por la muerte y el odio a la sociedad convirtieron a aquellos adolescentes en iconos de una escena que se autoproclamaba enemiga de todo. Desde Murcia, el ilustrador Magius ha recogido esta historia en Black Metal, su último trabajo. Publicado por Autsaider Cómics, la obra reconstruye con trazo perturbador aquellos años en que el género dejó de ser solo música para convertirse en una crónica de sucesos. Y lo hace con una decisión narrativa brillante: retratando a sus protagonistas como niños.

Magius, seudónimo de Diego Corbalán, es uno de los ilustradores más singulares del cómic español. Su obra se ha caracterizado por explorar el poder, la violencia y las estructuras ocultas que rigen la sociedad, desde la corrupción política en Primavera para Madrid –Premio Nacional de Cómic 2021– hasta las redes criminales en El Método Gemini. Con un estilo que remite y una narrativa que equilibra la sátira con la crudeza documental, el murciano ha convertido cada uno de sus trabajos en una disección de los mecanismos del fanatismo. Ahora, en Black Metal, traslada su mirada a la escena extrema de los 90 y a una generación que confundió la transgresión con la destrucción.

En Primavera para Madrid usaste un estilo gráfico muy marcado por la estética del grabado antiguo. En Black Metal mantienes ese tono en los fondos, pero los personajes tienen un diseño más infantil. ¿Cómo decidiste este cambio de enfoque?

Hace años hice un fanzine sobre black metal y [ahora] quería hacer una historia sobre todo estos sucesos de Noruega, la quema de iglesias y tal. Y quise dibujarlo muy detallado, pero eso llevaba mucho tiempo, así que se me ocurrió hacerlos niños para parodiarlos un poco. Como en la historia real son jóvenes de entre 17 y 20 años, pero hacen también cosas absurdas y muy violentas, pensé que dibujándolos como niños sería más gracioso y le daría un toque de humor negro, ¿no? Eso también da juego a muchas cosas, como una relación entre padre e hijo, por ejemplo.

Tu interés por el ocultismo y las sociedades secretas ya estaba presente en otros trabajos, pero en Black Metal te has centrado en la iconografía satánica.

El black metal está muy relacionado con la estética del satanismo clásico. Lo que pasa, claro está, es que la Iglesia de Satán, que es una especie de secta que habla de que el satanismo es algo liberador para el ser humano; que encima es un satanismo ateo, en el que en realidad Satán es algo simbólico... y Euronymous y esta gente estaban en contra de aquello.

Ellos querían un demonio de verdad; un demonio que imaginaban [como en la cosmogonía cristiana] con cuernos y rabo, que vive en el infierno y es malvado. Y aunque eran jóvenes y puedan decir muchas tonterías, empezaron a tomarse el black metal como una forma de querer repetir su pasado vikingo, de reivindicar el paganismo. Noruega fue uno de los últimos países en convertirse al cristianismo y ellos no lo veían como su verdadera religión. De hecho, hay muchas referencias al paganismo [al hielo, a los bosques y a la naturaleza], al menos en Noruega. En otros lugares, como Grecia, aluden a un satanismo más refinado, más enfocado en la magia negra, toda la movida de Amanecer Dorado... o también vuelven al paganismo griego.

Visto lo visto, ¿ya no se hacen metaleros como los de antes? ¿Perdió el black metal ese componente transgresor?

El black metal empezó como un tema de esoterismo, de ir en contra de lo establecido por la Iglesia y por muchos pensamientos que se han presentado siempre como antihumanos. Antihumanos y nihilistas. Todo eso. Entonces, realmente, de por sí, el black metal no tiene ideales. ¿No? Es como adorar a un demonio con cuernos y rabo. Eso no es ningún ideal.

Luego, claro... estos grupos han crecido y algunos han intentado ser malos [más allá de la propia pose], como el de Burzum, por ejemplo, y se han ido a la extrema derecha, y en ese punto ya se han perdido. Podrán seguir tocando black metal, pero en sí, ellos han dejado de ser metaleros porque van en contra de sus ideales; en contra de los ideales del nihilismo.

Y, hablando de nihilismo, ¿no te da mal rollo hablar de iglesias en llamas ahora que están de caza los de Abogados Cristianos?

Ya hay gente diciendo que con las mezquitas no me atrevo; que el día que me meta con Mahoma seré coherente. A ese le puse una foto de Varg Vikernes y le dije que él estaría de acuerdo. A la última Premio Nacional [de Cómic], Bea Lemas, la han demandado porque en una de sus historietas, en lugar de una hostia consagrada dan una aspirina.

Mira las que montan los de Hazte Oír.

Esos están relacionados con El Yunque, que es otra secta.

¿Tiene la misma significancia para un noruego que para nosotros que se queme una iglesia? Aquí casi que lo venden como un casus belli para la guerra civil.

Yo creo que sí, simplemente que allí las iglesias arden más fácil porque son de madera y en esa época no estaban vigiladas.

El libro Lords of Chaos es una referencia fundamental para cualquier interesado en esta historia, pero es bastante sensacionalista. ¿Cómo te has documentado para Black Metal?

Hace más de 20 años conseguí varias fuentes de documentación. Pedí el libro en bibliotecas y no estaba en ningún sitio porque solo existía la edición inglesa. Yo no sabía inglés, pero me puse a traducirlo como pude. Lords of Chaos se vende como un libro sobre black metal, pero la mitad trata sobre cosas que no tienen relación con la escena noruega.

Es un libro bastante amarillista porque apenas habla de música. En su lugar, se centra en anécdotas, entrevistas a teólogos y reflexiones que se alejan del tema principal. Lo esencial está bien, porque está basado en hechos reales, con entrevistas y recortes de prensa en los apéndices. Pero hoy en día hay mucha más documentación, incluyendo documentales donde, por ejemplo, el hermano de Dead habla sobre lo que ha vivido al ver imágenes de su hermano muerto en internet. Cuando empecé a hacer fanzines no había tanta información, solo alguna revista especializada. En ese momento, Lords of Chaos servía para introducirse en el tema, pero no aportaba mucho más allá de lo básico.

Y teniendo, como tenemos, tanto producto regional escabroso, como el asesino de la katana, ¿te has planteado hacer algo ambientado aquí?

En los fanzines no solo hablaba de los noruegos, también sacaba bandas de otros países: Alemania, Francia, Polonia, algún grupo de Sudamérica… También hice una historia ambientada en Barcelona, porque en los 90 hubo allí una escena de black metal llamada Blackcelona. Publiqué un fanzine sobre eso, contando una historia en la que una noche hubo una pelea, luego uno desapareció y nadie sabía si estaba muerto o si se había ido por los Pirineos. Así que sí, podría hacer algo ambientado aquí. De hecho, uno de los primeros cómics que saqué fue sobre el asesino de la katana, porque había ocurrido hacía poco, un par de años antes.

Hablando de Murcia, ¿cómo está la escena aquí?      

La escena murciana de metal es bastante activa. Hace años había muchos festivales organizados por distintos colectivos, y ahora hay otro grupo que funciona entre Alicante y Murcia. También está un club llamado Ejecutores. Se organizan bastantes conciertos de metal underground y hay mucho movimiento. Pero, en comparación con Noruega, siempre me hubiese gustado que hubiera más grupos de black metal. En Murcia ha habido muy pocos. Es verdad que el mundo del metal clásico, especialmente el heavy metal, tiende a repetirse. Las bandas actuales hacen exactamente lo mismo que se hacía en 1984, sin evolucionar. En ese sentido, también tienen su parte de culpa por no salir de su nicho.

Esta visión nihilista es un efecto colateral de la ilustración, y ahora entramos en un período que empiezan a llamar la Ilustración Oscura, ¿Qué piensas al respecto?

Creo que [el reaccionarismo] viene por un tema de aburrimiento de que vengan otros que no piensan como tú a darte lecciones sobre cosas que no entiendes; y que, además, esas lecciones vengan impuestas. Si encima, quien te lo dice es alguien que te cae mal, que no te gusta o que no forma parte ni de tu mundo ni de tu forma de ver el mundo, la reacción es ¿por qué tendría que tolerarlo? Supongo que es algo así; [Y el fanatismo que provoca] hace que dé exactamente igual si Abascal o el otro han robado, o han cobrado de un chiringuito; no importa, porque [sus fanáticos] los perciben como una oportunidad para cargarse todo lo demás.

Esta madrugada la página oficial en Instagram de Mägo de Oz ha emitido un comunicado en el que el grupo de heavy metal anunciaba la muerte de su antiguo teclista Sergio Cisneros Anguita, Kiskilla a los 58 años de edad y tras tres años luchando contra una enfermedad pulmonar obstructiva que le acabó dejando postrado y dependiente de un balón de oxígeno.

“Nuestro querido amigo ha dejado de sufrir y por fin está ahora donde no existe el dolor”, escriben los componentes de Mägo de Oz. “Ha sido un honor compartir contigo el camino de baldosas amarillas”, agregan a la par que lamentan su muerte con una enfática metáfora: “Estos días en Madrid no para de llover y es que hasta el cielo llora su pérdida”. Finalmente la banda se despide de Cisneros: “Espéranos y ve organizando un último concierto para cuando lleguemos los demás”.

Cisneros se integró en el grupo en 2000, cuando este ya llevaba una larga carrera de 12 años, pero permaneció en él en sus mejores momentos, llegando a ser parte nuclear de Mägo de Oz. Participó así en grabación del disco Finisterra, con el que la banda consiguió finalmente conquistar al gran público. Permaneció en primera línea hasta 2012,, apareciendo en los créditos de Gaia, Belfast, La Ciudad de los Árboles o Love and Oz, entre otros trabajos.

El guitarrista británico de heavy metal John Sykes, que contribuyó al sonido de grupos como Whitesnake o Thin Lizzy, ha fallecido a causa de un cáncer a los 65 años. 

“Muchos lo recordarán como un hombre con un talento musical excepcional, pero para quienes no lo conocieron personalmente, era un hombre atento, amable y carismático cuya presencia iluminaba el ambiente”, dice un comunicado publicado en su página oficial.

“Marcaba su propio ritmo y siempre apoyaba a los más débiles”, continúa el escrito. “En sus últimos días, habló de su sincero amor y gratitud hacia sus fans que lo apoyaron durante todos estos años”, añade.

Sykes comenzó su carrera en 1980 como parte de The Tygers of Pan Tang. Dos años después, participó en una audición para entrar en la veterana banda de rock irlandesa Thin Lizzy, que estaba ya en el declive de su primera etapa, que arrancó en 1969, y consiguió el puesto. Tocó con ellos en el disco Thunder & Lightning y en otro en vivo. Además del concierto de despedida grabado por la BBC en el festival de Reading en 1983.

David Coverdale, que había sido cantante de Deep Purple y que formó su propia banda, Whitesnake, le reclutó para el grupo, incorporándose para la edición estadounidense del disco Slide It In.

Sykes pudo desplegar su personalidad como guitarrista en el mítico álbum homónimo de Whitsnake, publicado en 1987 y que vendió 20 millones de copias en todo el mundo.

Tras Whitesnake, formó el grupo Blue Murder y publicó varios discos en solitario.

La Diputación de Albacete ha acogido la presentación de la XVI edición del festival GinetaRock, que se celebrará el próximo 28 de septiembre en el Recinto Salón Municipal de La Gineta, “convertido en el único evento de estas características en la provincia y en uno de los pocos del panorama nacional”.

Así lo ha anunciado el diputado provincial de Cultura, Miguel Zamora, junto al alcalde de la localidad, José Sánchez; al concejal del área, Fernando Rodríguez; y al director del festival, Demetrio Ortiz, coincidiendo todos en señalar que se trata de un festival plenamente consolidado y convertido en un referente de la música rock y heavy metal.

Organizado por la Asociación Rock Corazón de Metal con el apoyo del Ayuntamiento local, este año ha contado también con el respaldo económico del Gobierno provincial a través de una ayuda por valor de 3.000 euros, en línea con el esfuerzo que este viene realizando para dinamizar la cultura a través de iniciativas de diferente calado.

Felicitando tanto a la asociación como al Consistorio por impulsar esta cita musical con la que no sólo se amplía la oferta cultural y festivalera de la localidad y de la provincia, sino que se visibiliza La Gineta y todo su potencial, Zamora ha destacado “el gran equipo” que forman las instituciones públicas y el tejido asociativo.

También ha reiterado el compromiso de la Diputación en esta materia y con este festival, apuntando que la institución provincial estará al lado de cada localidad que decide impulsar iniciativas como ésta que vienen a favorecer el desarrollo rural, dinamizan la economía local y llenan de vida nuestros pueblos.

Asimismo, se ha referido a la gran variedad de festivales que conviven en la provincia, y ha destacado que también se han convertido en un atractivo turístico, al tiempo que ha querido poner el foco en la singularidad y el valor diferencial de GinetaRock, “que consigue movilizar a un importante volumen de público cada año, que viene desde diferentes puntos de la geografía para disfrutar de estos grupos”.

Se esperan unas 1.500 personas

Por su parte, el alcalde ha agradecido el esfuerzo que realiza la asociación y también la colaboración de la Diputación, apuntando que esta última “va a ser un impulso”, y ha explicado que este evento nació “con el compromiso de llevar a La Gineta al mapa nacional del heavy metal y lo estamos consiguiendo”. De hecho, este año, se esperan más de 1.500 asistentes, lo que repercute en la hostelería y la restauración local, tal y como ha remarcado, afirmando que “es un motor económico para el municipio”.

Además, ha explicado que el Ayuntamiento viene aportando en torno a 15.000 euros para el desarrollo de este evento, en el que ha destacado “el buen ambiente que impera y su carácter propio y diferencial”, al tiempo ha asegurado que no es sólo un evento cultural, “sino una cita que la localidad vive con intensidad”, y ha remarcado que existe un importante despliegue en materia de seguridad.

En esta línea, el concejal de Cultura, Fernando Rodríguez, se ha referido a ese buen ambiente y a la calidad del cartel, apuntando que esto es una garantía para que tanto el público como los vecinos y vecinas disfruten.

Programación

Finalmente, el director del festival y presidente de la Asociación Rock Corazón de Meta, Demetrio Ortiz, ha explicado los detalles de esta cita, que contará con diez grupos reconocidos, como la banda Myrath, que sólo actuará en este festival en España; o las míticas Saratoga y Avalanch, que lo harán dentro de su gira por el 30 aniversario, así como otras también reconocidas: Celtibeerian, Dragonfly, Mind Driller, Death and Legacy, Khëlleden, Injector y Okkultist.

Este evento, cuyo inicio está programado para las 16.15 horas (aunque la apertura de puertas será 30 minutos antes) cuenta con zona de acampada, foodtrucks, una área de descanso bajo el sugerente nombre de 'The rest of odin', talleres de pintura y stand de firmas by TNT Rock, en el que los aficionados podrán obtener este recuerdo de sus grupos favoritos. Pudiéndose conseguir todavía algunas entradas a través de la web del propio festival.

Todos los asistentes han animado a la ciudadanía a disfrutar de esta cita con la mejor música heavy metal.

El exflautista de Mägo de Oz, Fernando Ponce de León, ha muerto este viernes a los 59 años, según ha anunciado el vocalista del grupo, José Andrea, en su cuenta de Instagram.

“Se ha ido una de las mejores personas que me he encontrado en esta vida, una persona noble, culta, graciosa e inteligente pero sobre todo empática y gran amigo de sus amigos. Aún no me salen las palabras”, ha dicho el músico.

“Su legado musical perdurará siempre así como perdurará él en mi memoria allá donde esté. Espero encontrarte tal y como te recuerdo cuando volvamos a encontrarnos hermano, sacando esas bellas melodías que me enamoraban y me uniré a ti con mi voz, mientras tanto descansa en paz mi amado Fernando”, ha añadido en su perfil de esta red social.

Ponce de León abandonó el grupo en 2010, pero antes participó en discos como La leyenda de la Mancha, Finisterra, La ciudad de los ángeles, Gaia o Belfast.

Además de ser parte de este influyente grupo de folk metal, Ponce León también se unió al grupo José Andrea y Uróboros.

Camisetas negras y cuernos rojos centelleantes llegados de todo el mundo para ver a una banda con más de medio siglo de historia. Algo así solo está reservado para los elegidos, como AC/DC, que esta noche ha protagonizado en Sevilla el que podría ser su penúltimo concierto en España, donde repite cita el próximo sábado en el mismo escenario del Olímpico de La Cartuja.

Es difícil acumular calificativos para un grupo que lo ha atesorado todo a lo largo de su vida, aunque es cierto que, aunque el espíritu es el mismo, de la formación original solo queda Angus Young, que tiene ese capacidad innegable para hacerse protagonista en el escenario por encima del cantante solista, Brian Johnson.

Sí es cierto que el sonido de la banda tapaba demasiado a la voz de Johnson, que se pasó las dos primeras canciones del show peleándose con la petaca hasta que un técnico se la colocó bien en mitad de ‘Back in Black’, igual que no cabe discusión en que, como le pasa a las grandes bandas, por mucho que saquen a la luz nuevos trabajos, la gente enloquece con sus clásicos de siempre, como ‘Thunderstruck’.

Ropa de colegial, una gorra y Sevilla en su esplendor

Y todo ello en una Sevilla que les recibió con casi 40 grados a la sombra, lo que hizo que la ropa de colegial de Angus Young aguantase de una pieza tres canciones, no más. Eso sí, la gorra de Brian Johnson parecía atornillada a su cabeza, y de su voz iban saliendo ‘Have a Drink on Me’,

‘Hells Bells’ o ‘A Shot in the Dark’, con esa duda que se siempre se tiene al escuchar al cantante de Dunston de cómo puede su garganta aguantar casi dos horas de espectáculo sin un otorrino cuidándole entre bambalinas.

Puede que fuese por eso que le diese al público el protagonismo en los coros de ‘Rock 'n Roll Train’. A sus 76 años, lleva desde 1980 en el grupo, con la pausa de cuatro años en 2016 por unos problemas auditivos. Que esté considerado uno de los mejores vocalistas de Metal del mundo no es arbitrario.

La gira, por cierto, se llama ‘Power Up’, como su último álbum de estudio, que ha sido número 1 en ventas en 21 países, pero esas cifras no asustan a los “himnos” del grupo. Cuando han sonado los primeros acordes de ‘Highway to Hell’ todo el público se ha marchado a la vez a esa autopista al infierno que el grupo grabó en 1979. Son 45 años ya de el tema que puede resumir en menos de cinco minutos toda una trayectoria en los cinco continentes. Angus, por cierto, se puso unos cuernos rojos para mimetizarse con el público y hacer casi real la expresión de “el estadio se venía abajo”.

Capítulo aparte para la comunión del público con el grupo. Y mención en negrita para el hecho de que muchos veinteañeros acudieran esta noche a verlos en directo, quizá por primera vez. El Olímpico sevillano era una amalgama de edades difícilmente vista en otro tipo de conciertos, o con otro tipo de grupos.

Desde aquella noche en Sídney

La primera vez que AC/DC se plantó ante el público fue en la Nochevieja de 1973, en el Chequers Nightclub de Sydney (Australia). Ha pasado media centuria y no parece que quieran colgar las guitarras, pero sí da la impresión de que, de momento, va a ser difícil volver a verlos en suelo español.

Pero mientras eso pasa, o no, entre ‘If You Want Blood You Got It’ y ‘For Those About to Rock’ Brian Johnson, Angus Young, Stevie Young, Chris Chaney y Matt Laug se han vaciado en el escenario del Olímpico de La Cartuja. A falta de la cifra oficial, el aforo rondaba los 60.000 espectadores.

El sábado repiten y harán las maletas para tocar en Alemania, Italia, España, Países Bajos, Austria, Suiza, Inglaterra, Eslovaquia, Bélgica, Francia e Irlanda. Su autopista al infierno no tiene, de momento, ni límites de velocidad ni peajes.