<![CDATA[elDiario.es - Salvador Dalí]]> 10 <![CDATA[Víctor Monte canta la historia de amor entre Lorca y Dalí para saldar “una deuda con la gente que vivió en la represión”]]> Víctor Monte canta la historia de amor entre Lorca y Dalí para saldar “una deuda con la gente que vivió en la represión”

El artista almeriense de 22 años publica su primer disco, ‘Donde Llegan Tus Manos’, una carta de presentación reivindicativa: "Deberíamos haber aprendido la lección de lo que ocurrió"

Entrevista - Celtas Cortos: “La valentía y la implicación ideológica supone ciertas listas negras y cruces”

El legado de Federico García Lorca no se limita a la poesía que escribió: su arte, su pensamiento y sus acciones también forman parte de la memoria histórica. En una semana en la que el aniversario de la muerte de Franco vuelve a poner de manifiesto la importancia de la democracia y de la resistencia antifascista, regresar a la voz y la vida del poeta granadino ayuda a comprender por qué ciertas heridas siguen abiertas y cuánto ganamos como sociedad sacándolas a la luz. A ello recurre Víctor Monte (Almería, 2003) en su primer disco, Donde Llegan Tus Manos, un canto al amor entre Lorca y Salvador Dalí que ya está disponible en plataformas digitales.

Compuesto por un total de 14 canciones, el álbum debut de Víctor Monte narra la presunta relación clandestina entre el dramaturgo y el pintor, una historia que, aunque nunca se ha llegado a confirmar y se ha asumido por el vínculo que los unió, siempre había resonado en la cabeza del artista. Tal fue su fascinación que decidió componer un tema al respecto, pero pronto se dio cuenta de que todo lo que había pasado entre ellos no se podía abarcarse en uno solo. “Pensé que podía hacer algo más grande que una canción, así que decidí contar la historia poco a poco”, revela el cantante a elDiario.es. Fue entonces cuando el almeriense vio numerosas películas para documentarse y leyó el epistolario de cartas que Lorca y Dalí se enviaron durante ocho años.

La conclusión final, tras la composición de varias canciones, fue que el proyecto que tenía entre manos solo podía salir adelante en forma de disco: “Conecté tanto con la historia que los temas salían fácilmente, sin quebraderos de cabeza”. Se trata de todo un álbum en el que Víctor Monte se pone en la piel de Lorca para cantar, desde la perspectiva del poeta, el supuesto romance entre dos de las figuras más emblemáticas de la cultura española. Lo hace en canciones como Desde El Cielo (“Soy agua de la fuente que amana tu luz / Dime si quieres bajarte conmigo al sur”) o Alma Rota (“Que yo a ti te daba / En pañicos mi arte”).

Víctor Monte, en la redacción de elDiario.es
Víctor Monte, en la redacción de elDiario.es

El intérprete inunda Donde Llegan Tus Manos del secretismo y la necesidad de esconderse que sufrieron las personas homosexuales, un motivo que lleva a Monte a rescatar ahora este romance. “A día de hoy tenemos una deuda muy grande, ya no solo con Lorca, con toda la gente que vivió en una época de represión, de angustia por simplemente sentir lo que sentía”, señala el cantante, que reivindica que “no se nos puede olvidar que si estamos aquí hoy es por historias como la de Lorca”. “En su momento no tuvieron miedo y, aunque el final fue muy trágico, gracias a ellos hoy tenemos ciertos derechos”, cuenta el músico.

Este, además, insiste en que “debemos honrar lo que pasó” porque “el silencio también es injusticia y también apoya el ruido”: “No sé si es por desinformación, por incultura o incluso por moda, pero siento que se está olvidando mucho camino recorrido, y tanto con el colectivo como con la mujer me parece que se está retrocediendo”. Aunque el artista considera que “mucha gente joven está luchando para que vivamos en un mundo justo”, alude que “hay mucha gente que va a la contra” y que “deberíamos haber aprendido la lección de lo que ocurrió”.

Puesto que el gran damnificado en esta historia es Federico García Lorca, el cantante almeriense consideró oportuno narrar la mayor parte de los temas desde su punto de vista. Lo hace, además de porque el poeta es un “máximo referente en Andalucía y en la comunidad LGTBI”, porque “es más fácil interpretar un papel con el que te sientas cómodo y te inspire para contarlo honesta y honradamente”. Asimismo, dentro de que ha sido fiel con todo aquello que ha leído al respecto, el cantante reconoce que el romance entre Lorca y Dalí está “cogido con pinzas”, por lo que el disco es otra interpretación más del mismo.

“Lo único que se conserva son las cartas que se mandaban, así que también está la fantasía de la propia historia, porque en realidad quién te va a decir a ti si esto pasa o si no pasa”, indica Víctor Monte. Precisamente por ello, la última pista del disco es una narración que rompe la cuarta pared con el oyente para cuestionar la veracidad de los hechos. “Si alguien se atreve, que venga y me busque”, declara en la canción final. Esto ha hecho que, en lugar de sentir presión por ponerse en la piel de Lorca, pues recalca que es un artista emergente y que “no hay ninguna expectativa sobre el álbum”, haya sido para él “un orgullo poder canalizar lo que Lorca pensaba”.

El trabajo está dividido en capítulos, una decisión que ayuda a seguir cronológicamente la historia de amor entre Lorca y Dalí. Es a partir de la muerte del poeta granadino, ya hacia la conclusión de Donde Llegan Tus Manos, cuando Víctor Monte canta en nombre del pintor daliense. Pese a que el álbum iba a acabar con el asesinato del poeta, el cantante leyó algo que fue clave para que cambiara su decisión: “Volviendo otra vez a la fantasía, y aunque no sé si es verdad o no, me encantó que la enfermera que estuvo con Dalí antes de que él muriera en el año 89 dijera que sus últimas palabras fueron 'mi amigo Lorca' ('el meu amic Lorca' en catalán)”.

Las que supuestamente fueron las últimas palabras de Dalí antes de que falleciera se convierten en la última canción del disco, un tema en el que el pintor, que siempre había estado reprimido, asume que lo único que le queda es soltar las riendas y ser libre, porque muere y se va con Federico García Lorca. “El comportamiento que tuvo Dalí era más por miedo que por sus sentimientos. Ese miedo provocó que también se uniera con Luis Buñuel en la película El Perro Andaluz (1929), criticando a Lorca y transformando el silencio en agresividad”, explica Monte.

El artista almeriense Víctor Monte
El artista almeriense Víctor Monte

El disco está repleto de referencias a la poesía de Lorca, fundamental durante el proceso de composición a pesar de que el artista no tiene claro que la gente vaya a llegar a captar todas las referencias cuando lo escuche. En la canción Un Mal Presagio se hace alusión a “un campo lleno de rosales”, que metaforiza la casa del escritor Luis Rosales, en la que Lorca estuvo refugiado. También hay infinidad de citas a la luna, un elemento característico de su obra (“Esta noche no me importa la luna / Yo lo que quiero es tenerte” o “La luna ya me lo dijo / La luna me lo avisaba”), e incluso en la canción Desde El Cielo se utiliza su reconocido “verde que te quiero verde”.

Sin ayudas de discográficas y alejado de la gran ciudad, Víctor Monte saca adelante y por su cuenta un proyecto aupado, además, por un movimiento de gente joven que cada vez coge mayor fuerza en Almería y el resto de Andalucía. La almeriense Nosoymeri participa en el tema Todo Este Amor y el rapero Jatabo Mzc hace lo propio en Me Ampare, mientras que el también almeriense STEGA produce todo el disco acompañado en algunas pistas por el pianista y productor granadino Carlos Civantos. A ellos se une María Sorroche en el interludio, Lo Más Difícil Del Mundo. Es un equipo con el que no ha sentido la necesidad de cambiar la forma en que crea música. “Al final tienes que hacer algo con lo que te identifiques”, afirma el cantante.

Al igual que Federico García Lorca durante su juventud, que fue una persona muy comprometida con la situación política del momento, Víctor Monte considera que ser político es “lo básico”: “A día de hoy mucha gente con un gran altavoz no se posiciona, no sé si por miedo, pero yo lo tengo claro. El primer álbum que estoy haciendo habla de la falta de libertad, del fusilamiento y de una relación entre dos hombres en una época superinjusta. ¿Cómo, después de esto, que es mi carta de presentación, no me voy a posicionar?”. El intérprete, que concluye admitiendo que “el posicionamiento es importante”, agrega que lo es porque “un artista debe ser coherente con lo que transmite”.

]]> <![CDATA[Este es el pueblo de Girona donde nació Dalí y que acoge el mayor museo dedicado al pintor]]> Este es el pueblo de Girona donde nació Dalí y que acoge el mayor museo dedicado al pintor

Figueres combina arte, historia y patrimonio monumental, con un museo inmersivo que permite recorrer la vida y obra del genio surrealista

Tres obras que simbolizan lo oscuro y macabro en la vida de Salvador Dalí

Si piensas en Salvador Dalí, probablemente te venga a la cabeza un bigote puntiagudo, relojes que se derriten y paisajes imposibles. Pero todos esos símbolos tienen un origen muy concreto: el pueblo donde nació el artista, Figueres, en la provincia de Girona, no en Barcelona —aunque solo lo separan un par de horas—. Este municipio es mucho más que un nombre ligado al surrealismo: su patrimonio histórico y cultural lo convierte en un destino único para cualquier amante del arte y la historia.

El Museo Dalí: un viaje al universo creativo del artista

Con más de 48.000 habitantes, Figueres se ha ganado un lugar en la historia gracias al Teatro-Museo Dalí, inaugurado por el propio artista sobre los restos del antiguo Teatro Municipal. Aquí, los visitantes recorren de forma casi inmersiva la trayectoria de Dalí, desde sus primeros bocetos hasta sus obras más icónicas, y pueden descubrir piezas inéditas de su entorno más íntimo gracias a la reforma integral del Museo de l’Empordà, reabierto en mayo de 2025.

Pero Figueres no vive solo del legado del pintor. Durante la Guerra Civil, fue uno de los últimos refugios del gobierno republicano, y hoy aún se pueden visitar antiguos búnkeres y refugios antiaéreos, completando un recorrido donde el arte y la historia reciente se entrelazan.

Castillo de San Fernando: más de tres kilómetros de muralla

Otro de los tesoros de la ciudad es el castillo de San Fernando, la fortaleza más grande de Europa en su categoría, con más de 32 hectáreas y más de tres kilómetros de murallas. Construido en el siglo XVIII por el ingeniero Juan Martín Zermeño, este castillo albergaba aljibes capaces de almacenar hasta nueve millones de litros de agua, demostrando la importancia estratégica de Figueres a lo largo de los siglos.

La ruta monumental se completa con la iglesia de San Pedro, de origen románico y reformada en estilo gótico, escenario de momentos clave en la vida de Dalí, como su bautizo y su funeral. Entre arte, historia y cultura, Figueres se posiciona como un destino imprescindible en Cataluña, donde incluso eventos deportivos como La Vuelta a España 2025 destacan la ciudad en el mapa internacional.

]]> <![CDATA[El castillo a una hora de Girona, en un pueblo casi sin habitantes, y que intentó comprar Salvador Dalí]]> El castillo a una hora de Girona, en un pueblo casi sin habitantes, y que intentó comprar Salvador Dalí

Una fortaleza construida en el siglo XI, rodeada por un denso bosque y colinas, aislada de núcleos urbanos y reconocida como Bien Cultural de Interés Nacional desde 1993

El pueblo de Navarra que conserva una fortificación medieval y dólmenes prehistóricos

En la provincia de Girona, en la comarca del Alto Ampurdán, se encuentra una de las fortificaciones medievales más antiguas de Cataluña: el castillo de Requesens. Su presencia forma parte del paisaje histórico de la región, que conserva numerosos vestigios de la Edad Media y refleja la organización de los antiguos condados. La fortaleza, ubicada en un área fronteriza con Francia, constituye un ejemplo representativo de la importancia estratégica de estas construcciones en la historia catalana.

El municipio que alberga la fortaleza, La Junquera, se caracteriza por su baja densidad de población, lo que ha permitido que gran parte del entorno natural permanezca sin cambios significativos durante siglos. Este contexto ofrece una visión del territorio tal y como pudo ser en la época medieval, donde la relación entre las fortalezas y el paisaje tenía un papel fundamental en la defensa y el control del territorio.

Además de su valor histórico, Requesens ha despertado interés por su vinculación con figuras culturales como Salvador Dalí, que quiso adquirirla para su uso privado. La fortaleza es considerada un referente dentro del patrimonio catalán y continúa atrayendo la atención de investigadores, historiadores y visitantes interesados en la historia medieval y la riqueza cultural de la región.

Historia y arquitectura del Castillo de Requesens

Castillo de Requesens.
Castillo de Requesens.

El castillo de Requesens fue levantado en el siglo XI bajo la supervisión de Gausfred II de Roselló. Su construcción respondió a necesidades defensivas, con muros robustos, torres de vigilancia y espacios preparados para resistir posibles asedios. La fortaleza formaba parte de un entramado de castillos y torres que aseguraban el control del territorio entre los condados vecinos, desempeñando un papel clave en la defensa regional. A lo largo de los siglos, la propiedad cambió de manos en diversas ocasiones, adaptándose a las funciones requeridas por cada propietario.

Durante el siglo XIX, los condes de Peralada realizaron una reconstrucción parcial de la fortaleza, incorporando elementos neomedievales y adaptando algunas estancias como residencia de verano. La intervención se efectuó utilizando la misma piedra de granito de la montaña para mantener coherencia con la construcción original. Este proceso permitió combinar la estructura defensiva medieval con usos residenciales, dejando un testimonio arquitectónico que muestra la evolución de la fortaleza y su reinterpretación a lo largo de la historia.

A lo largo de los años, Requesens también sufrió saqueos y ocupaciones militares, en particular durante la Guerra Civil Española, que afectaron su estado de conservación. En la actualidad, se han implementado planes de mantenimiento y restauración para preservar tanto la estructura original como los elementos añadidos en distintas épocas. Además, la fortaleza fue catalogada como Bien Cultural de Interés Nacional en 1993, según la Ley del Patrimonio Cultural catalán, garantizando su protección legal y reconociendo su valor histórico y arquitectónico dentro del patrimonio de Cataluña.

Ubicación, entorno y visitas actuales

El castillo se encuentra rodeado de un denso bosque que lo aísla de otros núcleos urbanos y construcciones, lo que contribuye a la conservación de la estructura y del paisaje natural. La localización en un área deshabitada permite que los visitantes experimenten de manera directa la relación entre la fortaleza y su entorno estratégico original. La proximidad a la frontera francesa también explica la concentración de fortalezas en la región y la importancia histórica de Requesens dentro del Alto Ampurdán.

El acceso al público se realiza principalmente mediante visitas guiadas, mientras que algunas áreas interiores permanecen restringidas por motivos de seguridad y conservación. Durante estas visitas, es posible observar los elementos originales medievales y los añadidos neomedievales del siglo XIX, permitiendo comprender la evolución arquitectónica de la fortaleza y su adaptación a distintas funciones a lo largo del tiempo. Los recorridos ofrecen información sobre la historia defensiva, la estructura interna de torres y murallas, y el uso residencial posterior que tuvo la fortaleza.

El interés cultural generado por la relación con Salvador Dalí ha incrementado ligeramente la visibilidad de la fortaleza, aunque su afluencia de visitantes sigue siendo menor que la de otros monumentos de Cataluña más accesibles. Requesens sigue siendo un destino relevante para historiadores, arquitectos y amantes del patrimonio, combinando su valor histórico y arquitectónico con un entorno natural protegido. La fortaleza se mantiene así como un ejemplo destacado del patrimonio medieval catalán, ofreciendo una experiencia completa que integra historia, arquitectura y naturaleza.

]]> <![CDATA[La exposición que no te puedes perder este verano y reune a Picasso, Dalí y Goya]]> La exposición que no te puedes perder este verano y reune a Picasso, Dalí y Goya

‘El aire conmovido’ en el CCCB: más de 300 obras que exploran el duende de Lorca

El restaurante catalán donde Picasso y otros modernistas pasaban los días

Barcelona vuelve a situarse en el mapa cultural del verano con una cita imprescindible para los amantes del arte. Hasta el 28 de octubre de 2025, el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) acoge ‘El aire conmovido’, una exposición que reúne más de 300 obras de grandes figuras como Picasso, Dalí y Goya, seleccionadas por el historiador francés Georges Didi-Huberman. La muestra propone un recorrido donde la emoción y la reflexión se encuentran, explorando el concepto de “duende” que Federico García Lorca definió como la intensidad de la experiencia artística.

Un diálogo entre grandes nombres del arte y la literatura

La exposición surge del poema “Romance de la luna, luna”, incluido en el Romancero gitano de Lorca, y toma la expresión “en el aire conmovido” como hilo conductor. Desde allí, el recorrido se organiza en estaciones temáticas —infancias, pensamientos, rostros, gestos, paisajes y política— que invitan al visitante a un viaje emocional y sensorial. Obras pictóricas, esculturas, fotografías, grabados, películas, libros y partituras forman un diálogo entre artistas de diferentes épocas y disciplinas, incluyendo a Camaron, Colita, Miró, Giacometti, Rodin, Tàpies o Pasolini, entre otros.

La selección de Didi-Huberman enfatiza cómo las imágenes y los objetos artísticos pueden conmover y transformar, generando una experiencia colectiva de emociones que atraviesa siglos y estilos. La muestra combina la potencia visual de los grandes maestros con investigaciones, bocetos y textos que permiten al visitante descubrir conexiones inesperadas entre distintas formas de expresión.

Una experiencia poética y crítica

Más allá de ser una exposición, ‘El aire conmovido’ es una experiencia que invita a retornar a la mirada infantil, capaz de asombrarse y de transformar lo cotidiano. La puesta en escena propone un diálogo entre utopía y tragedia, entre sensibilidad y reflexión, donde el visitante puede detenerse ante un cuadro de Goya, un boceto de Picasso o una fotografía de Colita y sentirse parte de un mismo flujo emocional que une pasado y presente.

]]> <![CDATA[El desconocido cuadro de Dalí comprado por 175 euros y que saldrá a subasta en Inglaterra]]> El desconocido cuadro de Dalí comprado por 175 euros y que saldrá a subasta en Inglaterra

Se trata de una pieza de técnica mixta, realizada con acuarela y rotulador, que ilustra una escena de 'Las mil y una noches'

El Triángulo Daliniano: una ruta por la vida de Salvador Dalí en tres visitas imprescindibles

Un desconocido cuadro de Salvador Dalí comprado por unos 175 euros será subastado en octubre en Reino Unido con un precio estimado de 34.650 euros, según ha informado la casa de pujas Cheffins, que explica que la obra ha sido certificada como auténtica por el reconocido experto del maestro catalán, Nicolas Descharnes.

Titulada Vecchio Sultano, la pintura es una pieza de técnica mixta, realizada con acuarela y rotulador, con un tamaño de 38 por 29 centímetros. En ella se ilustra una escena de Las mil y una noches, una serie de quinientas piezas que Dalí pretendía crear a partir de cuentos populares de Oriente Medio y que le fueron encargados por una adinerada pareja italiana, Giuseppe y Mara Albaretto.

“Los Albarettos que encargaron esta obra le pidieron inicialmente a Dalí que ilustrara una Biblia en 1963, pero ante la insistencia de Dalí, terminó ilustrando escenas de Las mil y una noches, una colección de cuentos populares de Oriente Medio. Parece que estaba fascinado por la cultura morisca y se consideraba de ascendencia morisca”, explica Gabrielle Downie, portavoz de la empresa.

De las quinientas piezas previstas, el artista sólo completó un centenar, muchas de las cuales se perdieron o dañaron con el tiempo y unas cincuenta quedaron en poder de los Albaretto y fueron heredadas por su hija Christina, ahijada de Dalí. Se cree que Vecchio Sultano pertenece al grupo de pinturas perdidas.

Recuperada por 175 euros

Esta pintura de Dalí la encontró un marchante en la liquidación de una vivienda en Cambridge, al sureste de Inglaterra. La casa de pujas destaca “el profundo conocimiento del anticuario, que pudo identificar esta obra en la liquidación de objetos domésticos”. El vendedor solo pagó 150 libras (unos 175 euros). Luego, fue evaluada y certificada por el especialista Nicolas Descharnes.

“La pérdida de una atribución es bastante inusual en el mundo del arte moderno, lo que convierte este descubrimiento en un importante para los estudiosos de Dalí”, subraya la casa de subastas en un comunicado.

Esa agudeza ha sido clave para recuperar una pieza particular. “Si bien la obra de Dalí suele ser una de las más reconocibles, esta es una pieza inusual que muestra una faceta diferente de su práctica en acuarela”, añade Downi. Tras su extravío, Vecchio Sultano se subastará el 23 de octubre al mejor postor, aunque con un precio estimado de hasta 30.000 libras, unos 34.650 euros.

]]> <![CDATA[Hallan una colección de litografías de Dalí olvidada durante 50 años en un garaje de Londres]]> Hallan una colección litografías de Dalí olvidada durante 50 años en un garaje de Londres

El "surrealista" descubrimiento se produjo durante una visita rutinaria para evaluar obras de arte a una vivienda en el barrio de Mayfair; las obras se pondrán ahora a subasta

Archivo - Tres obras que simbolizan lo oscuro y macabro en la vida de Salvador Dalí

Una colección de diez litografías del pintor español Salvador Dalí (1904-1989) han sido halladas en un garaje de Londres, donde habían permanecido olvidadas durante medio siglo, y ahora se pondrán a la venta el próximo 30 de septiembre por la casa de subastas Hansons Richmond.

El hallazgo, que incluye también cinco litografías del pintor, ilustrador y escultor francés Theo Tobiasse, se produjo durante una visita rutinaria para evaluar obras de arte a una vivienda de la plaza Berkeley, en el barrio de Mayfair.

Según indicó en un comunicado en la web de la casa de subastas el experto en antigüedades Chris Kirkham, director asociado de la galería londinense Hansons Richmond, se trata de un descubrimiento “impresionante”.

Las litografías costaban 500 libras (594 euros) cuando fueron compradas en la década de los pasados años 70 y podrían ahora alcanzar unas 5.000 libras (5.949) cuando se pongan a subasta.

Un hallazgo “bastante surrealista”

“Creo que el hecho de que llevaran en estado latente tanto tiempo ha asegurado que los colores estén frescos y al llevar la firma de Dalí da a la gente una oportunidad maravillosa de tener algo que tocó el gran hombre”, apunta Chris Kirkham. “Llevaban escondidos y olvidados desde hace unos 50 años. Fue bastante surrealista. Nunca sabes lo que vas a descubrir durante una visita rutinaria a una casa”, añade en el comunicado.

Kirkham reveló que el comprador de esas obras tenía intención de enmarcarlas para colgarlas en su vivienda pero nunca llegó a hacerlo “y terminaron en su garaje”. “Fueron redescubiertas porque el vendedor había estado haciendo limpieza. Está pensando en retirarse y mudarse al extranjero, así que estas litografías verán finalmente la luz el día de la subasta”, apuntó.

]]> <![CDATA[El Triángulo Daliniano: una ruta por la vida de Salvador Dalí en tres visitas imprescindibles]]> El Triángulo Daliniano: una ruta por la vida de Salvador Dalí en tres visitas imprescindibles

Viajamos por la comarca de l'Empordà siguiendo un recorrido triangular para conectar el Teatro-Museo Dalí de Figueres, la Casa-Museo Salvador Dalí de Portlligat y el Castillo Gala Dalí de Púbol

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Para conocer a Salvador Dalí no hay mejor opción que viajar hasta el lugar en el que nació, vivió, creó, amó y murió, y ese lugar no es otro que la comarca de l'Empordà, en la provincia de Girona. Solo conociendo su entorno se puede comprender cómo la mente surrealista del artista catalán cobró tal relevancia internacional sin desvincularse de las raíces que lo unían a su tierra.

El Triángulo Daliniano se forma al unir Figueres, Portlligat y Púbol, en la Costa Brava, y viajando por estos tres municipios visitaremos el Teatro-Museo que él mismo quiso crear para su obra, la casa junto al mar en la que vivió durante 40 años y el castillo medieval que le regaló a Gala, su pareja y musa. Los tres espacios están gestionados por la Fundación Salvador Dalí y a través de su web puedes comprar las entradas para cualquiera de ellos de forma anticipada.

Si quieres ir más allá de la obra de Dalí y adentrarte en su vida, su entorno y su arte más íntimo, entonces esta ruta está hecha para ti.

Teatro-Museo Dalí en Figueres

Empezamos donde comenzó y terminó la vida de Salvador Dalí, en Figueres. Aquí nació el artista en 1904 y aquí falleció en 1989. Nuestro rumbo lo debemos poner hacia el Teatro-Museo Dalí, considerado en sí mismo el objeto surrealista más grande del mundo. El edificio fue ideado por el propio artista para ser construido sobre los restos del antiguo teatro de Figueres, destruido durante la Guerra Civil española, y en su interior, a modo de museo, encontramos un gran número de obras maestras del artista. Veremos un poco de todo: pintura, dibujo, escultura, grabado, instalación, holograma, estereoscopía y fotografía para así repasar las múltiples facetas dalinianas.

Teatro-Museo Dalí (Figueres).
Teatro-Museo Dalí (Figueres).

Dalí quiso levantar este museo para alojar su obra, su cúpula geodésica transparente se ha convertido en un símbolo para la ciudad y tanto el interior como el exterior están repletos de guiños surrealistas, impresionistas, futuristas y cubistas. Aunque no fuera la voluntad del pintor, pues su idea era terminar junto a su esposa Gala en Púbol, sus restos descansan enterrados aquí.

“¿Dónde, si no en mi ciudad, ha de perdurar lo más extravagante y sólido de mi obra, dónde si no? El Teatro Municipal, lo que quedó de él, me pareció muy adecuado, y por tres razones: la primera, porque soy un pintor eminentemente teatral; la segunda, porque el teatro está justo enfrente de la iglesia en la que fui bautizado; y la tercera, porque fue precisamente en la sala del vestíbulo del Teatro donde expuse mi primera muestra de pintura”.

En Figueres, además, se encuentra la casa natal de Salvador Dalí. Un edificio modernista de 1898 ubicado en la calle Monturiol en el que la familia vivió en el entresuelo hasta 1912, momento en el que se mudaron a otra casa de la misma calle. La casa natal de Dalí está musealizada para recibir visitas y ofrecer a través de imágenes, espacios, objetos, hologramas, mappings, efectos visuales, caleidoscopios gigantes y paisajes inmersivos un viaje con el que repasar su obra desde su infancia hasta los baños de masas.

Casa-Museo Salvador Dalí en Portlligat

Esta fue la única residencia estable de Dalí. En 1930 el artista se instaló en una antigua barraca de pescadores de Portlligat, en Cadaqués, atraído por el paisaje, la luz y el aislamiento del lugar, y vivió y trabajó en ella hasta que su esposa Gala murió en 1982 y decidió mudarse a Púbol. Durante cuarenta años la pareja fue ampliando la construcción inicial y adquiriendo otras cercanas para crear poco a poco el complejo laberíntico que podemos visitar hoy. Al estallar la Guerra Civil, Dalí y Gala se trasladaron a los Estados Unidos y no volvieron a Portlligat hasta finales de 1948, pero salvo durante ese periodo la casa no paró de crecer con diferentes estancias.

Casa-Museo Salvador Dalí (Portlligat).
Casa-Museo Salvador Dalí (Portlligat).

Hoy, cuando visitamos la Casa-Museo Salvador Dalí de Portlligat vemos cómo el Vestíbulo del Oso hace de epicentro y desde él van surgiendo pequeñas salas conectadas por pasillos y desniveles. Pasaremos por el taller de Dalí, la biblioteca, las habitaciones privadas, el jardín y la piscina, y nunca sin perder de vista, a través de sus irregulares ventanas, la bahía de Portlligat, tan presente en la obra daliniana. Para que la visita sea lo más realista posible el museo intenta mantener los enseres tal y como estaban cuando allí vivía el artista ampurdanés.

“Portlligat es el lugar de las realizaciones. Es el lugar perfecto para mi trabajo. Todo se conjura para que así sea: el tiempo transcurre más lentamente y cada hora tiene su justa dimensión. Hay una tranquilidad geológica: es un caso planetario único”.

Castillo Gala Dalí de Púbol 

Dalí prometió a Gala hacerla reina de un castillo y este fue el resultado. Estamos en Púbol, un pueblecito perteneciente al municipio de La Pera, y aquí en 1969 el pintor adquirió este castillo medieval para regalárselo a su mujer y con él cumplir su promesa. Su restauración y decoración supuso un gran esfuerzo creativo, pero sin duda el resultado mereció la pena. Con este castillo el único objetivo del artista se enfocó en crear un lugar apropiado para ofrecer descanso y refugio a Gala. Tanto que terminó convirtiéndose en el mausoleo de su musa.

El edificio gótico-renacentista está documentado desde el siglo XI y cuando fue adquirido presentaba un estado prácticamente ruinoso y un jardín en estado semisalvaje. Dalí creó espacios insospechados con muros y cubiertas semiderruidas empleando representaciones pictóricas y falsas arquitecturas, barroquismo textil, antigüedades y simbología de aire romántico. Todo con el fin de conseguir un espacio íntimo, casi misterioso, pero siempre armonioso y de gran belleza. Un buen ejemplo de ello es la antigua cocina reconvertida en sala de baño o el Salón del Piano.

Púbol se convirtió en una prolongación de Portlligat dotada de personalidad propia. Está abierto al público desde 1996 y recorriendo sus diferentes estancias podremos ver elementos como la colección de vestidos de alta costura de Gala o el Cadillac que perteneció al matrimonio. Gala fue enterrada en la cripta en 1982, ese mismo año Salvador Dalí fue nombrado Marqués de Púbol por el rey Juan Carlos I y, tras dejar Portlligat con la muerte de Gala, el castillo fue el último taller del artista hasta 1984.

Tal y como deseaba Dalí, Púbol se convirtió en el refugio de Gala “donde ella reina como soberana absoluta, hasta el punto de que yo no la visito si no es con una invitación escrita de su mano. Me he contentado con decorar sus techos para que, al levantar los ojos, me encuentre siempre en su cielo”.

]]> <![CDATA[El Cristo más revolucionario vuelve junto a Dalí tras 70 años fuera de España]]> El Cristo más revolucionario vuelve junto a Dalí tras 70 años fuera de España

La exposición 'Dalí. El Cristo de Portlligat' estará en el museo del artista en Figueres hasta el 30 de abril y muestra una obra de una época que el propio pintor denominó como "mística nuclear"

Tres obras que simbolizan lo oscuro y macabro en la vida de Salvador Dalí

“Mi Cristo no se parece a los demás”. Dalí tenía razón, su Cristo es revolucionario. Y la cola que había a la puerta del museo del artista surrealista en Figueres este jueves tres horas después de su apertura lo confirma. Decenas de personas han acudido a la nueva exposición Dalí. El Cristo de Portlligat para contemplar el óleo sobre lienzo que vuelve a España temporalmente tras 70 años en la galería Kelvingrove de Glasgow (Escocia).

La pieza se encuentra en la última sala del recorrido de un museo que parecía estar esperándola. El lugar, que aún conserva algunos elementos de cuando fue un teatro local antes de quemarse durante la Guerra Civil, se trata de un mausoleo que dejó construido Salvador Dalí para los ciudadanos de Figueres ―y para él― antes de morir. Vivió allí, en la torre Galatea, los últimos años de su vida. Como un faraón egipcio, Dalí se encuentra enterrado junto a muchos de los tesoros que componen su obra, con la diferencia de que sobre él hay una gran cúpula de cristal en vez de una pirámide. 

La exposición, que pone el broche final a la visita y contrasta con piezas surrealistas como el sofá en forma de labios, las caras descompuestas o las Venus desmontadas, está montada siguiendo de forma meticulosa la propuesta que hizo el artista para la Bienal Hispanoamericana de Arte de 1952. En ella indicaba desde cómo debía estar iluminada la sala hasta el material del que tenía que estar hecho el fondo, “terciopelo rojo oscuro”. 

Varias personas contemplan el Cristo de Dalí en Figueres
Varias personas contemplan el Cristo de Dalí en Figueres

“Precisamente porque he pasado por el cubismo y el surrealismo, mi Cristo no se parece a los demás, sin dejar de ser clásico. Creo que es al mismo tiempo el menos expresionista de todos cuantos han sido pintados actualmente. Es un Cristo bello, como el Dios que es”, explicó Dalí sobre la pieza. En la pintura, que está inspirada por un dibujo de San Juan de la Cruz y pintada en el taller de Portlligat, se puede observar un Cristo visto desde arriba, al que no se le ve el rostro, sin corona de espinas ni clavos, observando el mundo a sus pies. Lo que mira el Cristo de Dalí es una escena habitual en la bahía: pescadores trabajando en la orilla del puerto. Portlligat no es tan solo su residencia durante 50 años al lado de Gala y su taller más estable, también le aporta una manera concreta de vivir y de entender el mundo.

Las instrucciones de Salvador Dalí para exponer su Cristo
Las instrucciones de Salvador Dalí para exponer su Cristo

“Quiero que mi próximo Cristo sea el cuadro que contenga más belleza y más alegría de cuanto se haya pintado hasta hoy. ¡Quiero pintar un Cristo que sea absolutamente lo contrario del Cristo materialista y salvajemente antimístico de Grünewald!”, señaló el artista, que pintó la obra en un momento de transformación y también de culminación de su deseo de convertirse en clásico y en el “salvador” de la pintura moderna, según explican desde el museo. Una etapa que el artista denomina “mística nuclear”. 

En la antesala se encuentra otra obra movida de sitio temporalmente, La cesta de pan, que comparte con el cuadro principal, según explicó el propio Dalí, “la maestría técnica, la composición formal, un realismo fotográfico, el claroscuro que da relieve a la crucifixión y una luz que aporta dramatismo a la figura e intensifica su percepción mística”.

También forma parte de la exposición material inédito que permite conocer el contexto creativo: cinco fotos, seis piezas de elementos preparatorios, un cuaderno con estudios y esbozos de entre 1948 y 1958 que se muestran en formato original con el soporte de un monitor y dos audiovisuales.

Salvador Dalí es un artista que fue aparcado por parte de una generación. Su colaboración con el franquismo durante los últimos años de su vida fue demoledora. Este jueves, un museo lleno de familias, parejas e incluso grupos del Imserso de diferentes nacionalidades, se emocionaban con su Cristo en el centro de Figueres. Solo estará hasta el 30 de abril.

]]> <![CDATA[A la cárcel por el robo de un grabado de Dalí, de un antiguo 'El Quijote' y de otras antigüedades en una casa de Álava]]> A la cárcel por el robo de un grabado de Dalí, de un antiguo 'El Quijote' y de otras antigüedades en una casa de Álava

El Superior vasco ratifica una pena de tres años y siete meses por un asalto para sustraer objetos valorados en casi 20.000 euros en la localidad de Salvatierra-Agurain

El Parlamento Vasco ultima medidas ante el “vacío institucional” que ha rodeado a menores víctimas de agresiones sexuales

El Tribunal Superior de Justicia del País Vasco (TSJPV) ha ratificado la condena de tres años y siete meses de cárcel impuesta por la Audiencia Provincial de Álava al autor del robo, en una casa-palacio de Salvatierra-Agurain, de unas antigüedades y obras de arte valoradas en 19.800 euros, entre las que había un grabado de Salvador Dalí. El alto tribunal vasco ha desestimado el recurso interpuesto por la defensa de esta persona, condenada en junio de 2023 por la Audiencia de Álava como autor de un delito de robo con fuerza en casa habitada, con el agravante de disfraz, a tres años y siete meses de cárcel.

La Audiencia alavesa impuso también al procesado el pago al dueño de la casa-palacio de 11.301 euros por los daños causados en la vivienda y de 19.800 euros por los objetos sustraídos, según ha informado el Superior en un comunicado recogido por Europa Press.

Entre las piezas robadas había un facsímil de la colección de planos del navegante y cartógrafo Juan de la Cosa, un grabado firmado y numerado de Salvador Dalí, un primer tomo de 'El Quijote' fechado en 1750, una cubertería de plata de 16 servicios, un juego de té victoriano en plata inglesa, dos platos chinos de mediados del siglo XIX, dos estribos de bronce, dos espingardas bereberes, unas siete figuras de marfil de diversos tamaños, y dos jarrones de porcelana de Sèvres. También fueron sustraídas 50 botellas de vino, diversos marcos de plata que no se han podido concretar, así como un bastón de madera con incrustaciones de nácar, que fue finalmente recuperado por su dueño.

Según los hechos declarados probados por la Audiencia de Álava y que ahora confirma el Superior, el robo se produjo en la madrugada del 31 de diciembre de 2018, cuando el acusado, de acuerdo con otra persona o personas cuya identidad se desconoce, entraron por la fuerza en una casa-palacio de Salvatierra-Agurain. Del interior del inmueble se llevaron los bienes descritos, y después abandonaron el edificio saltando un muro perimetral y huyendo a bordo de un vehículo.

El acusado fue localizado por agentes de la Ertzaintza posteriormente, junto al referido coche, en una calle de la localidad alavesa. Los agentes encontraron ocultos bajo el asiento del conductor el citado bastón de madera con incrustaciones de nácar. Y en el cacheo al que sometieron al sospechosos hallaron una cucharilla de plata. Dentro del vehículo también localizaron una piqueta, una llave inglesa, varios martillos, y destornilladores. El condenado recurrió la sentencia de la Audiencia alavesa ante el Superior por cinco motivos, entre ellos por vulneración del derecho constitucional a la presunción de inocencia.

La sala de lo civil y penal del desestima todos los motivos de impugnación y recuerda que el tribunal de instancia consideró que hubo prueba de cargo suficiente para entender que el acusado fue el autor de la sustracción. El alto tribunal vasco señala que “en la sentencia apelada se ha razonado debida y suficientemente sobre la realidad del hecho delictivo, sobre la preexistencia de los objetos robados y sobre la autoría de los hechos, integrando una motivación fáctica dotada de coherencia, lógica y razonabilidad”. Contra esta sentencia cabe recurso ante el Tribunal Supremo.

]]> <![CDATA[Todo lo que tienes que ver si viajas al Empordà, tierra de historia y naturaleza]]> Todo lo que tienes que ver si viajas al Empordà, tierra de historia y naturaleza

Acoge algunos de los pueblos más bellos de la Costa Brava

Un espacio de arte 'secreto' se estrena con éxito en el Empordà con el gaditano Sierra

Si ya conoces los pueblos de la Costa Brava y te sorprenden por sus encantos, como la costa y playas, es probable que quieras adentrarte un poco hacia el interior del Empordà. Este es uno de los secretos mejor guardados de la zona a la que muchos llaman “la Toscana española”, así que vale la pena hacer un pequeño recorrido virtual para tomar nota de qué ver y qué hacer en el Empordà. Te sorprenderán sus atractivos turísticos.

¿Cómo llegar al Empordà?

La forma más fácil de recorrer los pueblos del lugar es tomar la AP-7 hasta Maçanet de la Selva y luego desviarte según prefieras. Muchos optan por el cicloturismo, una modalidad alternativa muy extendida entre quienes tienen tiempo para desplazarse en bici. Recordemos que el Empordà dispone de más de 250 kilómetros de carriles bici. En su web oficial puedes encontrar más información al respecto.

Pueblos imprescindibles del Empordà

Monells

Es famoso porque entre sus calles se filmaron algunas de las escenas principales de la película Ocho Apellidos Catalanes. Los productores seleccionaron esta localización por su nivel de conservación, incluyendo edificios históricos como el castillo alrededor del cual crece la ciudad y del que aún se preservan las increíbles ruinas.

Palau-Sator

Una vez que cruzas por debajo de la imponente Torre de las Horas, te recibe con los brazos abiertos el pueblo de Palau-Sator. De origen medieval, con su castillo y sus murallas en buen estado, uno de los puntos de interés más destacados para descansar y apreciar la naturaleza es el Sant Feliu hotel. Se trata de un hospedaje en el centro del pueblo, entre Pals y Peratallada. En esta casa construida en el siglo XVI puedes alojarte o bien disfrutar de un rico desayuno con materias primas de la región.

Peratallada

El próximo pueblo es otro de los que seguramente hayas leído o escuchado, ya que suele aparecer en las guías de la Costa Brava. Un poco más turístico que los anteriores, es ideal para hacer un alto en el camino y cenar algo después de pasear por sus callecitas. Sus arcos y las flores que decoran los rincones son perfectos para hacer fotografías.

Ubicado en las afueras de la Bisbal, como tantos otros pueblos del Empordà este se levantó, con su castillo, dentro de una muralla. La arquitectura predominante de esta localidad es la gótico-renacentista y su pueblo antiguo está repleto de encantos históricos.

Fonteta

Este pueblo forma casi una triada con Peratallada y Vulpellac. Aunque es un poco más pequeño que los citados previamente, cuenta con una razón muy especial para detenerte allí. El motivo es que preparan el exquisito queso requesón recuit de Fonteta.

Cadaqués

Sin duda, uno de los pueblos que más destaca en esta zona es Cadaqués. Según Turismo de la zona, resalta por su arquitectura blanca, calles empedradas y por albergar cantidad de paisajes pintorescos.

Allí está el faro del Cap de Creus y cuenta con parajes para realizar senderismo, playas y la famosa Casa Museo de Salvador Dalí.

Actividades que deberías realizar en el Empordà

Asistir al Festival Castell de Peralada

Este evento musical de verano se lleva a cabo entre los meses de julio y agosto, siendo uno de los principales encuentros culturales tanto para quienes viven en el Empordà como para los miles de turistas que llegan en verano. Muchas bandas internacionales aprovechan para mostrar su talento al público, que masivamente asiste a los conciertos con el castillo de fondo.

Flora y fauna en las Islas Medes

Este paraíso natural, en el que habitan especies de plantas y animales que no están en otras partes del territorio español, no puede faltar en la agenda de viaje de los visitantes que aman el buceo, las caminatas y los avistamientos de aves. Es muy recomendable embarcarse en alguna de las naves que surcan las aguas, con expertos que se especializan en la fauna y flora local y la explican.

Paisajes en Aiguamolls del Empordà

Con sus más de 5.000 hectáreas y unas 300 especies de aves, es un sitio aconsejable por sus miradores y la activa vida animal.

Degustar los vinos D.O. Empordà

A lo largo de todo el trayecto, no deberías dejar de degustar los vinos D.O. Empordà. Hay varias bodegas y viñedos en los que se aprende sobre el proceso de producción de este vino de características exclusivas. Varios de ellos ofrecen degustaciones con maridaje para que puedas valorar el tratamiento de la uva y los diversos sabores.

También puedes comprar algunas botellas para llevar un regalo a la familia o rememorar la escapada mientras bebes un buen vino.

Museo Dalí

Es uno de los museos más relevantes no solo de la zona, sino de todo el país. Alberga todo el mundo surrealista del artista Salvador Dalí y se encuentra en Figueres.

Su recorrido permite admirar una importante colección de obras de arte en varias salas. Se aconseja reservar la visita con tiempo porque es un lugar fuertemente demandado por los turistas internacionales.

Horno romano

En el Empordà hay variedad de cosas que hacer. Una de ellas es visitar el horno romano, vertical y de un solo cuarto, de planta cuadrada y un pilar central que sostiene la parrilla. En los siglo I y II d.C. servía para cocer la cerámica como horno doméstico. Destaca por ser el único horno entero de toda Cataluña, tal como especifica la web de Turismo del Empordà.

Conocer su gastronomía

Esta zona es cuna de muchos restaurantes y chefs de renombre. En Roses, una de las poblaciones de l’Alt Empordà, se sitúa el famoso restaurante El Bulli. Ahora alberga un museo que explica la vida del famoso restaurante de Ferran Adrià, pero ya no se puede comer en él.

En esta zona hay muchos otros ejemplos, puesto que combina una cocina de referencia con la mezcla de pescados de las lonjas y carnes.

 

]]> <![CDATA[40 aniversario del logo de Miró que cambió la imagen de España]]> 40 aniversario del logo de Miró que cambió la imagen de España

La osadía consistió en proponer por primera vez en el mundo de la comunicación un logo abstracto para representar a un país

España, desde fuera: un país amable, seguro y con ocio pero penalizado por la corrupción

No es cierto que todo el vino mejore con los años. En realidad, pocas cosas mejoran con los años. Una de estas excepciones es el logotipo de España diseñado por el pintor catalán Joan Miró. A sus 40 años está más interesante que nunca. La mayor parte de los grandes logos de los años 80 o anteriores han desaparecido o han sufrido modificaciones para aligerarlos y adaptarlos a las nuevas corrientes estéticas. El nuestro es el único de un país que es una obra de arte de uno de los grandes pintores del siglo XX. No puede ser modificado. Se acepta como es o se prescinde de él. En este largo espacio de tiempo solo hubo un intento de sustituirlo. Al poco de iniciarse el Gobierno del Partido Popular, en 1996, el secretario de Estado de Comercio y Turismo tuvo esta tentación al considerarlo una herencia socialista, pero mentes más lúcidas en la Moncloa detuvieron el golpe.

Entonces, el logo tenía 13 años y venía de una infancia difícil. Los conservadores de la cultura no entendían la novedad y lo despreciaron apodándolo como el huevo frito de Miró. Fue el tesón del ministro del ramo, Enrique Barón, el que logró que el Consejo de Ministros aprobara la propuesta para que se convirtiera en el símbolo turístico de España. Pasadas cuatro décadas, lo tenemos tan asumido que pocos se acuerdan de la innovación que significó en su tiempo.

Como expresó la periodista Sarah Baker en un artículo en The New York Times en enero del año 2003. “¿Por qué todo el mundo piensa que un mero logo de un país puede tener importantes efectos?” La respuesta, añadía, nos la da España: “Hace dos décadas Miró diseño un impactante y caluroso símbolo para promover el turismo. Gracias en gran parte al logo de España, la imagen de ese país ya no está asociada a Franco, la Guerra Civil y Don Quijote. Hoy (2003) es un país de vino-Rioja-, cine-Almodóvar- y arte, Miró”. El logo hacía su gloriosa entrada en la edad adulta. La osadía consistió en proponer por primera vez en el mundo de la comunicación un logo abstracto para representar a un país.

Recordaba Willy Ollins —uno de los creadores del concepto marca país— que el logo era al mundo del diseño gráfico lo que Chanel Número 5 fue al de los perfumes: el primer logo y perfume abstractos que transformaron sus campos de actividad. El reconocido crítico de arte Mark Sinclair en su libro TM The Untold Stories Behind 29 Classic Logos —Las historias no contadas de 29 logos clásicos— (Lawrence King Publising 2014), escribió: “La actual familiaridad nos hace olvidar lo radical que fue en su tiempo”.

Hacía pocos años que se había convertido en un adulto, tenía 30 años, y ya se reconocía como clásico. Cuando apreciaron el éxito, aparecieron numerosas imitaciones u otros logos influidos por el nuestro como los de Polonia, Croacia o Turquía, que también adoptaron otras innovaciones. España, en español, aparecería en todas las campañas independientemente del idioma en que salieran los anuncios y ellos hicieron lo mismo con el nombre de sus países. La de 1984 fue la primera campaña global de promoción del turismo español. Hasta entonces las campañas variaban según cada mercado.

En el primer Consejo de Ministros del Gobierno de Felipe González, en diciembre de 1982, fui designado, a propuesta de Enrique Barón, director general de Promoción del Turismo. Hay que recordar lo que pasaba en el país en aquellos años: las crisis del petróleo, la devaluación, el déficit, los altos tipos de interés, la reconversión industrial. El resto de Europa y Estados Unidos también andaban con problemas, pero aquí todavía no éramos un país plenamente desarrollado y con una democracia estable.

El turismo, con la peseta baja, era uno de los pocos sectores en los podíamos tener ventajas competitivas. Incluso en una situación tan difícil, el Gobierno mejoró notablemente el presupuesto para promoción internacional. La gestión de nuestros recursos turísticos era simple: libertad para construir hoteles —el uso despiadado de la costa procede de los años 60 y 70— que financiaban los turoperadores europeos a cambio de cupos de camas en esos mismos hoteles. La alianza cadenas hoteleras-turoperadores siguió funcionando durante décadas.

La conclusión es que no hacía falta hacer un gran esfuerzo en promoción exterior, puesto que ya se ocupaban los intermediarios, pero a cambio no solo no manejábamos el producto, tampoco la imagen. Éramos el país de las eses: sand (arena), sangría, sexo y, sobre todo, sol. Para enredar aún más las cosas, algunos consejeros de comunidades autónomas, en especial el catalán, pretendían que el presupuesto de promoción se transfiriera y que la Administración Central tuviera un simple papel coordinador.

La decisión de preparar un plan de marketing nacional, el primero en todo el mundo, fue, pues, forzada por las circunstancias. El concepto que surgió de ese plan: “España, diversidad bajo el sol”, “Spain, everything under the sun”, sería el claim que se mantuvo hasta 1990, al final ya de la “década prodigiosa”. Ya solo faltaba un logo que tuviera carácter universal para firmar todas las campañas. Pero nuestros primeros intentos fracasaron al no responder a la carta del ministro ninguno de los tres grandes —Dalí, Miró y Tapies— a los que nos habíamos dirigido. Fue el editor mallorquín Pere Serra quien se ofreció a ayudar al presentarme a Miró y ayudar a convencerle.

Logramos sacar adelante el proyecto, con la colaboración de algunas comunidades turísticas como Baleares, dando lugar a la “paradoja catalana”: la imagen futura de España se gestó en la Dirección General de Turismo con el asesoramiento de consultores catalanes, de la misma manera que catalán fue el autor del logo, así como el marchante del pintor, Francesc Farreras, que participó en todo el proceso.

No fue posible pagar a Miró por su obra. Se negó en rotundo. “Para el Rey y el Govern tot gratis” respondía a nuestra insistencia para añadir, mirando a su esposa: “Pilar, la sopeta”. Murió pocos meses después.

]]> <![CDATA[Indagando en las huellas que dejó Lorca en Madrid: un poeta y un 'Amigo']]> Indagando en las huellas que dejó Lorca en Madrid: un poeta y un 'Amigo'

Se cumplen 86 años del asesinato de Federico García Lorca, un final que, nueve días después, esperaría a su compañero y filósofo Joaquín Amigo. A día de hoy, se recuerdan los versos del poeta y sus cartas a confidentes, que remueven los cimientos de una Madrid de la época hasta hoy

“La nieve cae de las rosas, pero la del alma queda, y la garra de los años hace un sudario con ellas. ¿Se deshelará la nieve cuando la muerte nos lleva? ¿O después habrá otra nieve y otras rosas más perfectas? (...)”, preguntaba Lorca en su Canción Otoñal. El poeta miraba a la muerte a los ojos y se aferraba a sus versos, a sus creencias, a sus aspiraciones, a sus amigos y a la España en la que creía. Ese Lorca de Granada, el poeta en Nueva York, el estudiante de Madrid, es recordado a día de hoy. Y el Lorca de un nombre menos sonado pero no menos importante, del filósofo y confidente del poeta, Joaquín Amigo, con quien conversaba y compartía inquietudes, y quien murió asesinado el 27 de agosto de 1936.

De Lorca, recién cumplidos los 86 años de esa trágica madrugada en el que la sangre manchaba su nombre, asesinado por los partidarios del golpe de estado, se recuerda el mensaje social y político que acompañaba siempre a su obra. Figuras como la escritora Ana Merino, quien ha sacado su novela Amigo, estudian detrás de las huellas de este poeta, pero, en su caso y sobre todo, de Joaquín Amigo, y siguen con el legado de los autores cuyas voces fueron silenciadas en una época concurrida cuando el pueblo más las necesitaba. Merino ha descubierto al Lorca de las cartas: una persona que era enormemente sensible, preocupada por transmitir su ilusión. 

Lorca (primero por la izquierda) en la representación de Don Juan Tenorio de la Residencia de Estudiantes de Madrid, 1920
Lorca (primero por la izquierda) en la representación de Don Juan Tenorio de la Residencia de Estudiantes de Madrid, 1920

Esta faceta de Lorca la encuentra por medio de los mensajes que enviaba a su fiel compañero, el filósofo y profesor Joaquín Amigo, sobre quien abarca la obra de Merino y quien muere asesinado por el Frente Popular tan solo nueve días después del poeta, arrojado por el Tajo de Ronda. La autora encontró en esta figura la inspiración para su novela a mediados de 2019, y decidió hacer ficción realista sobre Inés, becaria en la segunda mitad de los 90 que empezaría a indagar en un archivo de la Residencia de Lorca. Merino se convertía en Inés e investigaba en un archivo, pero en el de María Bastos Amigo: la nieta de Joaquín Amigo que acababa de heredar sus pertenencias y, después de conocer a Merino por pura casualidad durante llamadas del confinamiento, le pide ayuda para reorganizar aquellos tesoros de un gran confidente de Lorca, de su apoyo durante sus días de creación de la Revista Gallo.

Joaquín Amigo, en una imagen sacada de su archivo
Joaquín Amigo, en una imagen sacada de su archivo

Y ahí conoce a un Lorca que escribe a Amigo sobre cómo se siente en soledad, que se encuentra a sí mismo a solas, entre las calles de Barcelona, con sus miedos y preocupaciones. Un Lorca que comparte su proceso creativo, en las cartas que envía a Amigo desde Lanjarón, escribe poemas del Romancero Gitano y que comienza sus aventuras en Madrid. Porque, ante todo, también existió ese Lorca de Madrid y los comienzos de la Casa de Bernarda Alba, entre tantos otros comienzos que no llegaron a ver su final por aquella devastadora desgracia del 19 de agosto de 1936, cuando el Gobernador Civil de Granada ordenó detener y ejecutar al poeta. Días después, Amigo le seguiría en la desgracia. Pero, por el momento, paso a paso: aquí va la ruta de los lugares más míticos de Lorca en Madrid, y las referencias a su amistad con este filósofo.

La Residencia de Estudiantes

Lorca cumplía sus 21 años en 1919 y, por ende, aterrizaba en esta residencia de la Madrid, en la calle Pinar 21-23, bajo la insistencia del político Fernando de los Ríos, a quien también acompañaría a Nueva York (Poeta en Nueva York) en 1929 para aislarse de su tremenda crisis personal. La Residencia de Estudiantes de Madrid, con Alberto Jiménez Fraud como director, sería el hogar del poeta en este tiempo. Allí viviría sus aventuras e historias, pequeños y primeros encuentros con algunos autores como Rafael Arberti, con quien tuvo una difícil, tensa pero conocida relación.

“Que yo saldré a esperarte, amortecido, Hecho junco, a las altas soledades, Herido por el aire y requerido Por tu voz, sola entre las tempestades”, versos de Alberti a Lorca después de su asesinato.

También coincidió con Dalí, entre los cuales saltaría una chispa, algo platónica, con el tiempo. Un “amor erótico y trágico”, en palabras del pintor, que no le fue correspondido. “Siempre se habla de Dalí, aunque también hay amoríos con gente menos conocida. Algunos se cuentan en En tierra extraña, una obra teatral donde se representa a Lorca y se mencionan algunos romances más cortos. Creo que todo esto nos ha ayudado a tener en la cabeza que era una persona abiertamente del colectivo”, reflexiona Daniel Valero, conocido como Tigrillo, activista LGTB, quien reflexionaba sobre el asesinato del poeta en estos días, como hace cada año.

“Tú eres una borrasca cristiana y necesitas de mi paganismo (...) yo iré a buscarte para hacerte una cura de mar (...). Tú te acordarás que eres inventor de cosas maravillosas y viviremos juntos con una máquina de retratar”, versos de Dalí a Lorca.

Lorca publicó, por su parte, Oda a Salvador Dalí en 1926 y, al año siguiente, el granaíno dio rienda suelta a su pincel y llevó a cabo su primera exposición en la Sala Dalmau de Barcelona gracias a la insistencia de su compañero.

Cuando la novelista Ana Merino cursaba su carrera, allá por los 90, trabajaba en la Residencia de Estudiantes de Madrid como asistente y ayudante. Allí se pudo impregnar de lo maravillosa que era a finales de los 90, poniéndole micrófono a figuras como Chavela Vargas, Octavio Paz, Blanca Varela. En esa época, cuando se hacía la Reforma del Transatlántico, pudo tener contacto con el piano de Lorca y el archivo del mismo autor, ahora trasladado. “Pasaron muchas cosas en torno a aquel lugar tan mágico”, rememora, magia que descubriría en cuanto a las confidencias de Lorca a Amigo. 

Ana empezó a encontrar las tres cartas de Lorca, notas sobre la Revista Gallo, los primeros poemas de Luis Rosales. “Me doy cuenta de que Joaquín Amigo es una persona con muchísima fuerza y muchísima importancia, y que ha quedado olvidada por avatares desafortunados del destino”, concluye Merino. Una persona energética, un filósofo y profesor asesinado con nueve días de diferencia que Lorca, lanzado por el Tajo de Ronda, y, al igual que el poeta, su cuerpo no apareció.

Lorca en el jardín de la Residencia de Estudiantes, 1919
Lorca en el jardín de la Residencia de Estudiantes, 1919

De las cartas largas que Ana descubrió, enviadas a Amigo por Lorca, hay una de cuatro páginas desde Cadaqués con Dalí, de 1927, que alude al éxito de Mariana Pineda y a la exposición que hizo Lorca en la Galería Dalma. Otra de 1925, desde Lanjarón, de tres páginas, cuando estaba haciendo nuevos poemas del Romancero Gitano. Y una de dos páginas desde el Gran hotel Condal, en Barcelona, muy intimista. Entre las postales y las notas, hay algunas que Lorca enviaba desde la Residencia de Estudiantes y que Merino destaca.

“La postal de la Residencia venía con una imagen preciosa de aquel lugar y me hacía sentir total emoción”, comparte la novelista, recordando que su Inés estaba en aquel lugar quedándose entre las paredes donde comenzó a crecer Lorca, estancia que ella misma recomienda para visitar, así como a la recreación de la habitación de Lorca, y, añade, residencia donde existe la posibilidad de hospedarse para aquellos investigadores. En la Residencia, Lorca permaneció hasta 1926.

Postal de la Residencia de Estudiantes, enviada por Federico a Joaquín
Postal de la Residencia de Estudiantes, enviada por Federico a Joaquín
Reverso de la misma postal, con las palabras de Federico: "Ojo con la Revista. Hay peligro"
Reverso de la misma postal, con las palabras de Federico: "Ojo con la Revista. Hay peligro"

Lorca en el Teatro

La nueva ilusión de Lorca, El maleficio de la mariposa, terminó como un fracaso en su carrera. Corría el año 1920, cuando, el 22 de marzo, este autor de la Generación del 27 se desesperaba por los malos resultados de su obra desde el escenario del Teatro Eslava. Un realismo mágico casi adelantado a su época, con el que el poeta lloró en cartas a su amigo Joaquín. De este tropiezo se recuperó más tarde, gracias al triunfo de su Yerma en el Teatro Español, obra donde cuestiona los roles del hombre y la mujer en sociedad, en 1934.

“Yo no pienso en el mañana; pienso en el hoy. Tú estás vieja y lo ves ya todo como un libro leído. Yo pienso que tengo sed y no tengo libertad”, F. G. Lorca en un fragmento de Yerma.

En esta etapa se descubre a un Lorca ilusionado e inquieto para que salga adelante la Revista Gallo, sabe que Joaquín es una persona pragmática y tenaz, un gran motor al que le pide ayuda y le insiste que tienen que hacerlo a toda costa, porque entiende que Amigo va a tener esa energía y va a estar detrás de que se cumplan las entregas y sus proyectos. “Hay una carta muy bonita en las que comenta los ejercicios de un estudiante inspirante a escritor y le ofrece su ayuda”, destaca Ana Merino, entre las confidencias de Joaquín. En otra carta se ve a Dalí, cuando estaba con Lorca en Cadaqués, y una postal que envía Dalí a Lorca, y que llega a Amigo. También se ven las primeras impresiones del montaje de Lorca con Mariana Pineda en Barcelona. Se descubre al Lorca más creativo, compartiendo miradas y energías con Joaquín. 

Sus tertulias entre cafés

Reinaban los cafés de Madrid allá por los años veinte y treinta, después de que el Trienio Libreral (1820-1823) los popularizara. Las tertulias sembraban las ideas políticas e intelectuales de la época, y Lorca no iba a faltar entre sus asistentes. El Café Lion, número 59 de la calle de Alcalá (el actual James Joyce Irish Pub Madrid) y el aún presente Café Gijón, número 21 de Recoletos. Por ahí daría pie a sus ideas y sus versos en presencia de nombres como Valle-Inclán, Galdós, y muchos más que enriquecieron su posición social y política a lo largo de su historia, junto a la calidad de su obra. “Su trayectoria vital es muy importante para la gente, aunque lo que estudiamos en los institutos no lo reflejase tanto como debería porque cuando un autor o cualquier tipo de personaje histórico es cisheterosexual, normalmente, conocemos mucho más de su vida, de lo que llegaremos a saber de una figura del colectivo LGTB”, reclama Tigrillo. 

Lorca, Pura Maórtua de Ucelay y Valle Inclán en el preestreno de Yerma, Madrid, 1934
Lorca, Pura Maórtua de Ucelay y Valle Inclán en el preestreno de Yerma, Madrid, 1934

“Le metí dos tiros en el culo, por maricón”, fanfarroneaban los soldados que asesinaron al poeta, quien posteriormente fue arrojado a una fosa común, igual que el olvidado cuerpo de Joaquín Amigo. Según los informes policiales de entonces, se le ordenó la muerte por “socialista, masón” y “prácticas de homosexualismo”, algo que cabe recordar durante estos días de, aún, luto. “Había un motivo de odio y un motivo ideológico, evidentemente todas las muertes de esa guerra eran ideológicas, pero había ese plus de odio y de intentar mantener la sociedad bajo unos cánones y estatus quo de vida que se adaptasen a lo que tenían pensado los golpistas, a cómo se mantuvo tantos años después”, reclama el activista, ante un  asesinato que anticipaba lo que le esperaba a toda la sociedad española del momento y, en especial, “a todas las personas que salieron perdiendo”.

“A Lorca lo mataron por maricón, que es lo mismo que oyó antes de morir Samuel, cuando en julio de 2021 fue asesinado. Algo que siguen escuchando tantísimos jóvenes LGTB cuando son acosados, hasta que deciden acabar con sus vidas. Hay muchos asesinatos sociales que no llaman la atención mediática como lo de Samuel pero siguen pasando, la gente sigue creyendo que lo de Lorca pasó hace 86 años y lo de Samuel es un caso aislado, pero pasa de forma constante”, llama a la reflexión Tigrillo.

La Barraca en la Universidad de Madrid

Lorca dio cabida a la política cultural de la República con su teatro universitario La Barraca, grupo de carácter ambulante que dirigió con Eduardo Ugarte. Buscaba llevar el teatro clásico español a los pueblos españoles, bajo el paradigma de la instrucción pública que movió los años republicanos. 

Cabe destacar sus representaciones en el 1932, con el estreno de la primera función de La Barraca en la plaza de Burgo de Osma, a la que siguió una pequeña gira y, asimismo, también con la confrontación política de “enemigos de la República” que acudieron a boicotear alguna representación. Ese mismo año, en verano, también representaron dentro de la Universidad Central (la actual Universidad Complutense). En 1936, el grupo se despediría con una última función en el Ateneo (C. del Prado, 21).

Somos Malasaña
Somos Malasaña

De todos los trabajos de Lorca, asimismo, Ana Merino pone en común su espiritualidad, ciertamente compartida con Amigo: “Forma parte de la experiencia del ser humano, cómo alguien puede interpretarla por medio de diferentes experiencias culturales”. La novelista destaca una vertiente del cristianismo social en Joaquín, y lo compara con una espiritualidad también presente en Lorca, “en paisajes y experiencias, una persona profunda y espiritual, ligada a su cultura”. Eran personas que escuchaban, recibían muchas cartas de sus amigos, como ha podido ver la novelista en su investigación sobre Amigo, y por medio de las cuales el autor entiende.

Los inicios de Bernarda Alba: Alcalá 96

Cabe recorrerse ese rinconcito donde también hubo historia y noches de mucha escritura. Solo hay que caminar por la calle de Narváez, más allá de la avenida de Felipe II, justo donde se encuentra un edificio verde que se enmarca en el número 96 de la calle de Alcalá. Gracias a su recorrido por diversas obras, se permitió vivir en aquella buena zona y se acomodó, según cuentan, para dar pie a los inicios de La Casa de Bernarda Alba en 1935 y, asimismo, la que dejó sin acabar, por el terrible desenlace, en 1936: La Fuerza de la Sangre.

La fachada del edificio aún conserva una placa que recuerda al autor y su residencia en la séptima planta, que cita una de sus célebres conferencias: “El teatro es una escuela de llanto y de risa y una tribuna libre donde los hombres pueden poner en evidencia morales viejas o equívocas y explicar con ejemplos vivos normas eternas del corazón y del sentimiento del hombre”. Y, poco después, llegó un final sobre el que Ana Merino reflexiona que ninguno se podría esperar: “Creían en la vida, van hacia un mundo bueno”. Hay cartas sobre el Desastre de Anual y sus amigos, otros documentos sobre las complicaciones en ciertos momentos históricos, las carreras políticas de otros amigos… pero Lorca y Joaquín, según la investigación de esta novelista, querían ir más allá en la poesía y la celebración de la creatividad, ellos buscaban crear y llevar la voz de lo que se está haciendo en Europa.

“Estoy segura que no daban crédito a lo que estaba pasando, incluso instantes antes de ser asesinados. Joaquín era un profesor de filosofía, muy involucrado y abiertamente practicante en su cultura, de pronto, se convierte en un objetivo. En el archivo, incluso, están las tareas de sus estudiantes pendientes de devolver después del verano”, añade la novelista. Lorca estaba con su familia, pidió ayuda a un Luis Rosales que no se imaginaba que se lo iban a llevar. “Los primeros poemas de Luis Rosales, asimismo, se pueden ver en los archivos. Es Joaquín quien lo conoce y se lo presenta a Lorca, a grandes amigos a los que admiraba y que perdió”, dicta Merino.

La estatua en Santa Ana y el presente del poeta

El recuerdo realzado en bronce que destaca también en Madrid es, sin duda, la estatua a tamaño real del poeta que encabeza la plaza de Santa Ana desde su inauguración en 1984, con una paloma entre sus manos que se encuentra en paradero desconocido desde este verano. Y está, por supuesto, delante de su Teatro Español. Muchas personas suelen abrazarse en un discurso de “hemos ganado nosotros” o “Lorca ganó”, a pesar de su asesinato. A algunos se les viene este pensamiento nada más ver la estatua alzada en plena plaza, al respecto del impacto del poeta a toda una generación futura, por lo que fue, por su mensaje y por la continuidad de su obra (solo basta decir que La Casa de Bernarda Alba continúa representándose a fecha actual en el Teatro Español).

Pero la visión se contradice, tal y como recalca Tigrillo: “Estamos romantizando un asesinato. Una persona a la que le han pegado varios tiros y lo han abandonado en una fosa común cuando no llegaba ni a sus 40 años… no es una victoria para Lorca en absoluto. Tampoco ganamos el resto, porque la cultura y la libertad de este país estuvieron secuestradas durante décadas. Hubo un retraso a nivel social que aún retumba, aún existen asociaciones dedicadas a la exaltación del régimen franquista, aún queda mucho de la cultura que se impuso en medios de comunicación secuestrados, queda mucho de odio”.

Su obra se siguió recordando, pero quizá se hubiera seguido recordando si hubiera sobrevivido, incluso existirían muchas más de Lorca si no le hubieran asesinado a aquella joven edad y habría más información sobre cómo se reflejaron esos años a través de sus versos o sus obras teatrales. “Entiendo que todo eso lo hemos perdido. Es muy devastador pensar que perdimos y que seguimos perdiendo, pero lo que no podemos es usar una frase con la que quedarnos con la conciencia tranquila y con la sensación de que no hay más que hacer. Y, sobre todo, con una exculpación de la gente que, a día de hoy, en caso de que estallase una guerra, no dudaría en repetir ese asesinato”, sentencia el activista.

La estatua en homenaje a Lorca, en la que sostiene el pájaro ahora desaparecido, delante de la fachada del Teatro Español
La estatua en homenaje a Lorca, en la que sostiene el pájaro ahora desaparecido, delante de la fachada del Teatro Español

Las lenguas hablan de que “son heridas del pasado” o “hay que dejar de remover porque eso solo hace daño”, y Tigrillo reclama un pasado que sigue vivo y presente, que no se ha superado, y sitúa como prueba al cuerpo de Lorca, perdido en una fosa común y sin sitio en el que se le pueda llorar. “Los restos de Queipo de Llano, quien estaba en el bando golpista, están enterrados en la basílica de la Macarena. Aunque eso pasara hace muchos años, lanza un mensaje a día de hoy muy potente a la población: tu orientación sexual, depende de tu ideología política y de la forma en la que te posicionaras, era un futuro u otro, te aguardaba que merecieras, siquiera, que te puedan llorar”, reclama. Recuerda la necesidad de recordar la historia de forma constante, para huir de reinterpretaciones: “Hay que recordar cuando una diputada de Vox dijo que hoy en España, Federico García Lorca votaría a Vox”.

A esto cabe añadir que Lorca, ante la pregunta de “¿por qué un español malo tiene que ser más hermano nuestro que un chino bueno?” (revista Sol, 10 de junio de 1938), su respuesta fue: “odio al que es español por ser español nada más. Yo soy hermano de todos y execro al hombre que se sacrifica por una idea nacionalista abstracta por el solo hecho de que ama a su patria con una venda en los ojos. El chino bueno está más cerca de mí que el español malo. Canto a España y la siento hasta la médula; pero antes que esto soy hombre del mundo y hermano de todos. Desde luego, no creo en la frontera política. Amigo Bagaría: No siempre los interviuvadores van a preguntar. Creo que también tienen derecho los interviuvados. ¿A qué responde esta ansia, esta sed de más allá que te persigue? ¿Tienes verdaderamente deseos de sobreviviente? ¿No crees que esto está ya resuelto y que el hombre no puede hacer nada, con fe o sin ella?”. 

El poeta granadino Federico García Lorca
El poeta granadino Federico García Lorca

Joaquín, por su parte, fue asesinado cuando su esposa estaba embarazada, y ella guardó todo con cuidado, incluyendo los recuerdos de ambos amigos, y le permitió a Ana, posteriormente, fijar a su personaje con la experiencia de abrir un archivo familiar en los primeros 21 días. “La parte humana y emocional de descubrir voces, personas y del sentido de la historia, la amistad y los valores de fraternidad, las ideas de los años 20 y el Joaquín Amigo de entonces, quien leía a Freud, tenía inquietudes psicoanalíticas, interpretaba los sueños, daba clases de Ortega y Gasset… era un filósofo de entonces, una persona muy plena, con amigos de muchas directrices”, recuerda la novelista. Eran los años 20 y representaban a esa cantidad de temas que se estaban hablando y se escuchaban, así como quien fue un gran apoyo a Lorca. 

"¿Si la muerte es la muerte, qué será de los poetas y de las cosas dormidas que ya nadie las recuerda? (...) Hoy siento en el corazón un vago temblor de estrellas y todas las rosas son tan blancas como mi pena", Federico García Lorca en 'Canción Otoñal'.

La novelista, que continúa su investigación por los archivos y promete una futura publicación de un próximo ensayo divulgativo, habla de Amigo como “uno de esos personajes secundarios tan importantes en la vida de aquellos que brillan mucho, porque la emoción de los genios necesita también la inspiración y la comprensión de los amigos”. Como bien dice su apellido, Joaquín Amigo era eso: una energía impulsora, “un catalizador de talento que dio mucho apoyo desde el principio”, según relata. Están los apuntes de diario, sus notas de cuando eran jóvenes y donde ya mencionaba a Lorca. Había muchas sinergias importantes que la guerra civil se llevó por delante.

]]> <![CDATA[Tres obras que simbolizan lo oscuro y macabro en la vida de Salvador Dalí]]> Tres obras que simbolizan lo oscuro y macabro en la vida de Salvador Dalí

Un 11 de mayo nació el genio surrealista en Figueras, rodeando su vida entera de simbolismo, arte y excentricidad. Cada una de estas obras, cuyo misterio desentrañamos, representan la juventud, vejez y madurez del artista

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Esta es 'Dues figures' (Dos figuras). Es la primera obra que Dalí hace en España, en 1926, tras su paso por París.

Tres figuras fantasmagóricas de color blanco resaltan sobre un fondo gris. Pero ¿quiénes son esos "fantasmas"? Descubrámoslo 👇
El del centro es el propio Salvador Dalí. Lo sabemos por un rasgo muy característico usado por el autor para autorretratarse: la muesca en la cabeza. Ocurre igual en otras obras, como 'Arlequí' (Arlequín).
El "fantasma" de la derecha es Lorca. Es reconocible por el sombrero y la cara en forma de Luna, tan importante en su poesía.
El poeta granadino tiene la cabeza girada sobre Dalí. Ese gesto también es típico de otros cuadros del pintor: significa que entre las dos figuras hay un cariño importante. Y esto, como veremos, no es baladí.
Antes detengámonos en el último fantasma, el de la izquierda. Aquí hay diferentes interpretaciones. Unos dicen que es la sombra del propio Dalí. Otros apuestan por alguien que ya en esa época estaba alrededor del grupo de amigos: Luis Buñuel.
La obra de Dalí no puede ser comprendida sin su biografía y este cuadro no es la excepción. Lorca y Dalí se conocieron en la Residencia de Estudiantes de Madrid y llegaron a ser íntimos amigos. Más tarde, como quedó patente en las misivas, esa amistad se transformó en una tensión sexual no resuelta.
En medio de todo estaba Buñuel, que provocó que la relación entre ellos se enfriara aún más. Hay tintes antilorquianos hasta en 'Un perro andaluz', cuyo título ya da pistas de en qué posición dejaba al poeta granadino.
Pero la de Lorca no fue la única relación que marcó la vida y obra de Dalí.
Esta otra obra es 'Rostro del Gran Masturbador', realizada solo tres años después que la anterior, en 1929. Pero los protagonistas son otros: Dalí y Gala.
Gala fue invitada junto al poeta Paul Éluard, por entonces su pareja, a casa del pintor en Cadaqués (Catalunya). Pero acabó divorciándose y enamorándose de Dalí, una relación que el padre del artista no aprobaría.

Lo expulsó de la familia. Y de eso habla el cuadro.
La gran cabeza apoyada en el suelo, como se puede comprobar por la nariz protuberante, es Dalí. Además tiene una textura flácida, algo recurrente en su imaginario para expresar ideas como en su mítico cuadro conocido como 'Los relojes blandos'.
También está el saltamontes. Dalí contó que de pequeño vio un pez con un saltamontes en su boca que fue suficiente para crearle un trauma de por vida. Acabó teniendo zoofobia, especialmente a los insectos.
Pero hay más. El saltamontes está repleto de hormigas, símbolo de putrefacción y muerte como bien es sabido por 'Un perro andaluz'. Los insectos incluso le trepan por la boca, impidiéndole hablar.
El rostro del pintor cuenta además con dos tipos de pestañas: negras y de colores. Se contrapone la seriedad frente a la alegría de cuando sueña, que es cuando imagina y puede ser feliz.
Sobre Dalí hay una serie de elementos relacionados con su infancia en Cadaqués: piedras, maderas, conchas, caracolas…
Y un anzuelo. Que precisamente se relaciona con la dualidad entre la vida que quiere tener con Gala y la que desea su padre, que quiere "atraparlo".
Sobre las dos figuras de abajo hay diferentes teorías. Algunos dicen que es el mismo Dalí y Gala, abrazados. Otros que son los padres de Dalí, ya que su madre murió y el personaje femenino aparece petrificado.
Pero, sin duda, la gran protagonista del cuadro es Gala. Sale de la cabeza de Dalí, con un cuello largo y hombros desnudos. Como si fuera una escultura del art decó.
Realmente es una fuente del deseo, de ahí que esté realizándole una felación a Dalí y que aparezca un lirio de agua, con un pistilo claramente erecto en alusión al coito.
O el león, que es la representación de la virilidad y la fuerza, también con la lengua erecta.
Es una representación tanto del deseo sexual como del querer desarrollar una vida según sus propias normas. Pero la situación podía volverse incluso más oscura…
¡BUM!
Este es 'Idilio atómico y uránico melancólico', una obra creada por Dalí en Nueva York el mismo año que EEUU lanzó la bomba atómica en Hiroshima y Nagasaki: en 1945. Si el anterior cuadro era la pasión, este es el horror.
Es un telón negro del que salen diferentes historias, pero hay una que destaca sobre todas: la representación de lo norteamericano.
Dalí decidió reproducir el béisbol porque, según él, la idea del juego y el divertimento está relacionada con Norteamérica. Las pelotas que lanzan los jugadores se convierten en bombas.
Esas bolas impactan en diferentes partes del cuadro, incluida la cara de Dalí compuesta a partir del avión que tira la bomba atómica.
Sobre él está Gala, de nuevo con la misma relación del primer cuadro: con la cara de lado como señal de afecto.
El reloj, al igual que el saltamontes anterior, está repleto de hormigas y tiene una textura blanda. Habla de la putrefacción y la muerte, ya que se muestra como un mecanismo podrido.
Además hay una relación monstruosa entre la arquitectura y el cuerpo humano. De estas formas también brotan pelotas de béisbol, como si fueran enfermedades de la piel similares a la peste bubónica.
Otra bola sobresale de la garganta de un hombre, visiblemente enfermo y agonizando. Está expectante porque contempla cómo la catástrofe está a punto de llegarle.
En el exterior del telón oscuro están los elefantes que representan a Hitler. Tienen las patas alargadas como consecuencia del método paranoico crítico que desarrolló el autor. "Nosotros fingíamos ser locos. Él era un loco de verdad", decía el pintor sobre el dictador alemán.
Conviene decir que Dalí no tuvo reparo en establecer vínculos con el fascismo. Regresó de EEUU a España en 1948 y, además de recibir a Franco en Cadaqués, le propuso algunos proyectos.
Uno de ellos, según contaba el propio Luis Buñuel en su autobiografía 'Mi último suspiro', consistía en un monumento conmemorativo de la Falange construido con los huesos fundidos de todos los muertos de la guerra. La idea fue rechazada.
"Yo soy el surrealismo", llegó a decir Dalí de sí mismo. Egocéntrico, "sediento de dinero", como lo llamó el escritor André Breton o defensor del fascismo. No todas las palabras que recibió fueron de admiración.
Pero aun así es uno de los grandes pintores de la vanguardia y comprender su obra es, en definitiva, leer una de las páginas más importantes de la historia del arte tanto español como internacional.
]]> <![CDATA[Moco Museum, el proyecto de una pareja holandesa para llevar el arte moderno al centro de Barcelona]]> Moco Museum, el proyecto de una pareja holandesa para llevar el arte moderno al centro de Barcelona

El nuevo museo privado de la capital catalana expone obras de Dalí, Banksy, Warhol, Basquiat, Yukusama y Haring y cuenta con una sala de arte inmersivo

El guardia que mea y otras obras de Banksy en su exposición (no autorizada) en Barcelona

La calle Montcada del barrio del Born, en Barcelona, reafirma su condición de polo cultural. Al Museo Picasso y el Museo Etnológico y de Culturas del Mundo se ha sumado desde hace menos de un mes el Moco Museum, un espacio privado que ha aterrizado en la capital catalana proveniente de Amsterdam.

El Moco Museum –su nombre proviene de Moderno y Contemporáneo– es una iniciativa privada del matrimonio neerlandés de coleccionistas Kim y Lionel Logchies, quienes ya cuentan con un museo con el mismo nombre en la capital de los Países Bajos.

La pareja lleva décadas adquiriendo obras de arte y en 2016 decidieron mostrar su colección en la Villa Alsberg de Amsterdam. Convirtieron un espacio que hasta entonces había pertenecido en exclusiva a las clases altas en un lugar abierto en el que todo el mundo pudiese disfrutar del arte

Los paralelismos con el Palau Cervelló, sede del museo en Barcelona, son evidentes: el que hasta el siglo XVIII fue la residencia de una boyante familia de la nobleza barcelonesa y después de los Giudice, saga de comerciantes genoveses, acoge ahora obras de Dalí, Banksy, Warhol, Basquiat, Yukusama y Haring, entre otros artistas. Del total de obras, el 20% son de los coleccionistas holandeses y el resto son préstamos.

Sala de los 'Moco Masters' con obras de Harland Miller, Warhol, Basquiat y Yayoi Kusama (de izquierda a derecha)
Sala de los 'Moco Masters' con obras de Harland Miller, Warhol, Basquiat y Yayoi Kusama (de izquierda a derecha)

Nada más entrar, lo primero que el visitante se encuentra es un corazón de toro con alas atravesado por una daga y envuelto con cadenas. Es la obra The Immaculate Heart - Sacred de Damien Hirst. En esta obra, que perteneció a George Michael, Hirst reinterpreta el tema del sagrado corazón de la tradición católica y aúna la ciencia, la fe y el arte.

Tras subir unos escalones, aparece una de las primeras obras de Keith Haring, de la época en la que hacía sus dibujos en los paneles del metro de Nueva York, que eran retirados a los pocos días. Esta no es la única obra del norteamericano que se puede otear en Barcelona, pues lado del MACBA, se puede visitar la reproducción de un mural que Haring hizo a finales de los 80 para reivindicar la lucha contra el sida.

Al lado del dibujo hecho a tiza de Haring, se sitúa La mujer en llamas, una escultura imponente y dorada del artista catalán Salvador Dalí. Se trata de una mujer sin rostro de más de tres metros de altura, que oculta bajo su mano el lugar donde debería encontrarse la boca. Además de las llamas que envuelven su cuerpo, la estatua está cubierta de cajones que, según la cartela, en el imaginario de Dalí simbolizan la memoria y los secretos que guardan las mujeres.

Precisamente la imposibilidad de albergar obras de mayor tamaño a causa de sus techos bajos fue uno de los motivos que llevaron a los Logchies a buscar una segunda sede de su museo. Además de las cuestiones de espacio, fuentes del museo señalan como razón para escoger Barcelona que los Logchies tenían muchos amigos en la ciudad y les encantaba venir de visita.

Además, una gran parte de los visitantes del Moco Museum de Amsterdam eran españoles que les preguntaban si abrirían un espacio similar en España. Finalmente se decidieron por Barcelona. El precio de la entrada es de 16,50 euros (11,50 para estudiantes y gratis para los menores de 13 años).

Sala con distintas obras de KAWS en el Moco Museum de Barcelona
Sala con distintas obras de KAWS en el Moco Museum de Barcelona

Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat y Yayoi Kusama también son protagonistas del museo. La obra de Warhol es uno de sus famosos retratos de la actriz Marilyn Monroe. El conocido como Bracco di Ferro, aunque Basquiat no le puso ese nombre, es una representación del cuerpo humano que refleja el interés por la anatomía y los elementos quirúrgicos del artista. La Night of Stars de la japonesa Kusama es la plasmación plástica de sus propias alucinaciones y su estilo caracterizado por el uso de los puntos y los patrones repetitivos.

La vida y obra de estos últimos artistas permiten reflexionar sobre la legitimación del arte pop, pero también sobre la mercantilización del arte y de cómo algunos artistas alcanzan en el siglo XX un patrimonio económico nunca visto hasta aquel momento. Kusama por ejemplo llegó a colaborar con marcas de lujo como Lancôme o Louis Vuiton.

El espacio también acoge a artistas del siglo XXI en distintas expresiones: Jesus is My Homeboy, una fotografía del estadounidense David LaChapelle, se exhibe al lado de un monumental mural del japonés Takashi Murakami. En la segunda parte del museo, se exponen dos esculturas de KAWS, un artista estadounidense que se inició en graffiti y evolucionó hacia la animación y el diseño.

El recorrido por el museo invita a reflexionar sobre la historia del arte clásico y su posible agotamiento, la distancia entre el graffiti, el arte callejero y el vandalismo o el deterioro del planeta o la privacidad. Lo hace a través de varias obras del enigmático Banksy, pero también gracias a exposiciones temporales como la dedicada al chileno Guillermo Lorca. Sus pinturas confrontan al visitante con un mundo difícil de interpretar, casi onírico, donde siempre conviven los elementos lóbregos y los luminosos.

La muestra acaba con varias propuestas de arte inmersivo, entre las que destacan Diamond matrix, una sala llena de diamantes que cambian de color y se multiplican de forma interminable gracias al uso de unos espejos diseñada por el colectivo holandés Studio Irma, y Flowers and People, un ciclo de floración infinito de TeamLab.

]]> <![CDATA[El gran masturbador, la 'ventana indiscreta' al universo sexual de Dalí]]> El gran masturbador, la ‘ventana indiscreta’ al universo sexual de Dalí

Penetrar en la cabeza del pintor catalán y lograr comprender el universo que rodea su figura es casi misión imposible, pero con la ayuda de Sara Rubayo tratamos de acceder a una parte de su imaginario a través de su relación con el sexo

Abrir una ventana a la concepción del sexo que tenía Salvador Dalí es, fuera de toda duda —y de esto han corrido ríos de tinta—, abrir una ventana a lo desconocido. Se sabe poco de la vida sexual del pintor catalán. Pepín Bello, amigo suyo y compañero en la Residencia de Estudiantes, decía que “tenía la misma sexualidad que el pico de una mesa”, haciendo referencia a una supuesta asexualidad. Sin embargo, es por todos conocida la relación, cuando menos de admiración mutua y casi obsesión, que conectó al artista con el poeta Federico García Lorca, al que también conoció en la 'Resi'. La incógnita, como casi todo en torno a la figura del pintor, probablemente no se disipará nunca, pero, aunque tenga algo de paradójico, a sus 25 años pintó un cuadro, El gran masturbador (1929), que, de entenderse como autobiográfico, da algunas pistas acerca de sus sensaciones sexuales a los 25 años. “Entra en escena Gala”, apunta la historiadora del arte Sara Rubayo, “a quien Dalí había conocido un verano en Cadaquès (Girona)”. En la pintura, que, hoy por hoy, se entiende como bautizo de Dalí en la corriente surrealista —y que puede visitarse en el Reina Sofía—, aparecen multitud de símbolos que aluden al sexo, a sus miedos y, cómo no, a sus sueños y pesadillas. 

“Gala era la mujer del poeta francés Paul Éluard”, continúa Rubayo. Dalí había invitado a su casa de Cadaquès al director cinematográfico Luis Buñuel, con quien también coincidió en la Residencia de Estudiantes, y a su amigo Éluard, que acudió a la cita con Gala. “El joven pintor quedó totalmente prendado de ella y viceversa”, apunta. En poco tiempo, Gala cortaría con el poeta y pasaría el resto de su vida con Dalí, aunque la relación entre los dos fue poco convencional. “Salvador amaba a Gala por encima de todas las cosas”, subraya la historiadora del arte, “pero, aun así, parece que mantuvieron una relación abierta y que ella se refugiaba en los brazos de otros jóvenes”. Según lo describió Carlos Lozano, amigo íntimo del pintor, Dalí era “un voyeur, un masturbador y un pervertido”. Así puede leerse en Sexo, surrealismo, Dalí y yo. Las memorias de Carlos Lozano escritas Clifford Thurlow. Visto lo visto, es evidente que es complejo definir la sexualidad de Dalí, pero, afortunadamente, podemos analizar cómo la pintó.

Visage du Grand Masturbateur
Visage du Grand Masturbateur

En El gran masturbador aparecen dos grandes fisonomías humanas. Una, un autorretrato con gran nariz mirando hacia abajo. No le pintó boca, pero sí un gran saltamontes con las tripas descompuestas a las que habían acudido las hormigas, “un insecto que fascinaba a Dalí y que era, para él, símbolo de la putrefacción”, señala Rubayo, que incide en las contradicciones que pudo tener el pintor en torno al sexo, que, por un lado, le provocaba un cierto rechazo debido a la presión paterna en su juventud —su padre insistía en la precaución para no contraer enfermedades venéreas e, incluso, le mostraba fotografías de los casos más extremos— y, al mismo tiempo, esa curiosidad de la que hablaba su amigo Carlos Lozano. La presión que emanaba la figura paterna la vemos, también, en el anzuelo que cuelga de su cabeza, “y que representa la atadura a su familia, convencida de que lo mejor era retenerlo a su lado y encauzarlo, casi por vez primera, en una vida tradicional que él rechazaba por completo”. 

El segundo de los retratos es, con toda probabilidad, el de la propia Gala. “De la parte final del rostro de Dalí”, explica Sara Rubayo, “en lugar del cuello, surge un busto femenino y sugerente con los ojos cerrados junto a la entrepierna de un cuerpo masculino, en una clara alusión sexual”. Al lado florece un lirio, un símbolo de pureza que ha dado pie a diversas interpretaciones: ¿quiere decirnos Dalí que la masturbación es la forma más pura de la sexualidad, o simplemente representa a Gala como máximo atributo de pureza?

Cadaquès, el símbolo eterno

“En este lugar privilegiado, casi se tocan la realidad y la dimensión sublime”, escribía Dalí en referencia al Cadaquès (Girona), donde pasó los veranos desde su infancia: “Mi paraíso místico comienza en las llanuras del Empordà, lo rodean las colinas de las Alberes, y llega la plenitud en la bahía de Cadaqués. Este país es mi inspiración permanente. También, el único lugar del mundo donde me siento querido. Cuando pinté aquella roca que titulé El gran masturbador, no hice nada más que rendir homenaje a uno de los jalones de mi reino y mi cuadro era un canto a una de las joyas de mi corona”. Por su parte, las conchas y los pequeños guijarros aluden a la playa y a sus paseos con Gala, pero también a su niñez; el pequeño león es la sexualidad y el deseo (contrapuesto al saltamontes y las hormigas) y su lengua es un símbolo fálico; las pestañas largas y los ojos cerrados nos hablan de los sueños y, por tanto, del surrealismo, cuyas bases había sentado André Breton en un manifiesto algunos años antes. En la misma línea, las pestañas de colores son la fantasía y la propia conciencia surrealista. Tampoco hay que perder de vista la figura solitaria que camina detrás de la escena, que sitúa al pintor como alguien sin rumbo fijo, casi tambaleándose si no fuera por la roca antropomorfa, una representación de Gala que le sirve como punto de apoyo y le provee de fortaleza y estabilidad. 

Pero todo ese torrente de símbolos hay que entenderlos como un todo. “No debemos perdernos en ellos”, resuelve Rubayo. “El horizonte”, completa la historiadora del arte, “impide que nos encontremos ante un cajón de sastre de miedos y fobias. Dalí nos plantea los problemas sobre un paisaje estable, bien iluminado, pero con grandes sombras”.

]]> <![CDATA[Salvador antes de Dalí o cómo disolver la frontera entre el mito y la realidad]]> Salvador antes de Dalí o cómo disolver la frontera entre el mito y la realidad

¿Leyenda, verdad o las dos cosas? La biografía del pintor catalán está repleta de datos e historias tan sorprendentes como difíciles de corroborar. Antes, durante y después de convertirse en un icono, él mismo cultivó el gran mito de su vida

“No hay un Salvador antes de Dalí. Dalí siempre fue Dalí”. Habla Manuel Antón, doctor en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid (UCM). “Desde muy pronto, el joven pintor catalán tuvo claro que era necesario construir un personaje que complementara su producción artística”. Cuándo se dio cuenta el joven Dalí de que esa parte de marketing era necesaria es y será una incógnita, habida cuenta de que él mismo se ocupó, durante el resto de su vida, de ir disolviendo —a base de declaraciones, historietas y biografías— la frontera entre la realidad y el mito. “Sabemos que el que llegó a la madrileña Residencia de Estudiantes a principios de los años veinte era ya un chico excéntrico”, explica Manuel Antón. Por su parte, Ramón Boixadós Malé, presidente de la Fundación Gala-Salvador Dalí, lo describe así en Dalí, Lorca y la Residencia de Estudiantes un volumen elaborado en motivo de la exposición del mismo nombre que tuvo lugar en 2010: “Con el pelo largo hasta los hombros, patillas exageradamente largas, una capa que arrastraba por el suelo y un bastón, su aspecto provocaba perplejidad entre los jóvenes elegantemente vestidos con trajes a la inglesa y chaquetas de golf”. ¿Cómo había sido la vida del joven Salvador hasta el momento en que irrumpió en 'La Resi'? Y, ¿cómo se convertiría en el gran icono Dalí?

El dramaturgo Fernando Arrabal escribió que “desde su infancia el pintor fue más inteligente que excéntrico, más profeta que visionario y más erudito que original”. Es una cita que coincide con el perfil que dibuja Manuel Antón del artista: quizás sea cierto que Dalí siempre fue Dalí, que desde muy joven tuviera más sensibilidad que el resto para entender de qué iba la película. Su hermana, tres años menor que Salvador, definió su infancia como “una etapa excepcionalmente enriquecedora y llena de armonía”, tal y como escribe Dawn Ades en Salvador Dalí (ABC, 2004), aunque, tal y como añade el propio biógrafo, se trata de una opinión no siempre compartida por el artista. Se crió en un ambiente intelectual y político progresista, lo que llevó al joven Salvador, en algunas etapas de su juventud, a militar en las filas del anarquismo. Años más tarde, ya adulto, se declararía, en cambio, “monárquico, católico y fiel defensor de la tradición”, en palabras del propio Ades. “Pero el mito-realidad de Dalí comienza mucho antes”, apunta Manuel Antón: “En su mismo nacimiento”.

Unos nueve meses antes de que naciera el niño que se convertiría en uno de los primeros espadas del surrealismo, murió su hermano mayor, que también se llamaba Salvador. “A él le quisieron lo justo, a mí me quisieron demasiado”, llegó a afirmar Dalí en Las confesiones inconfesables de Salvador Dalí. La familia adoraba al fallecido Salvador y, en su memoria, bautizaron al recién nacido con el mismo nombre. “Si, verdaderamente, Dalí sintió que era una reencarnación de su hermano difunto es algo que se sitúa en esa frontera entre el mito y la realidad”, reflexiona Antón. Dawn Ades lo califica de “morbosa autoidentificación con su hermano muerto, que contribuyó a hacer de él un niño ambicioso, exhibicionista y constantemente empeñado en ser el centro de atención”. Fuera como fuese, el pequeño Salvador fue archivando en su cabeza todas esas vivencias y pronto emergió en él una intensa vocación por la pintura que, tal y como asegura Ades en su biografía, no encontró nunca oposición por parte de su padre notario, aunque este sí que hubiera preferido que dedicara sus esfuerzos a “una carrera académica más segura”.

La buena posición familiar, junto al resplandeciente clima cultural catalán y, sobre todo, barcelonés —“más moderno y vanguardista que el madrileño”—, permitieron a Salvador Dalí empaparse de las pinturas y conocimientos del impresionista Ramón Pichot, amigo de su padre y de Picasso, que le aconsejó que se inscribiera en las clases de dibujo de Núñez, un importante grabadista premiado en Roma, a las que se matriculó con 12 años. “Dalí pintó con fruición”, señala Dawn Ades y, cuando terminaba los cuadros, los regalaba a sus tíos. También tuvo acceso a las revistas de arte más importantes y avanzadas de su tiempo, entre ellas la italiana Valori plastici. Parece que todo ello permitió al joven Dalí, nacido en Figueres, una ciudad de provincias catalana, llegar a la Residencia de Estudiantes con unos conocimientos que pronto interesaron —y encandilaron— a sus compañeros.

Dalí, Lorca, Buñuel, 'La Resi' y Cadaqués

La familia Dalí Domènech veraneaba en Cadaqués (Costa Brava), pero si el pintor catalán, a los cinco años, jugó con un Picasso treintañero que pasó el verano de 1910 pintando en el pueblo marinero, tal y como afirmó el propio Dalí, es otra de esas anécdotas imposibles de corroborar, pero también de negar. No se puede saber si, en aquel verano de principios de siglo, Picasso traspasó algún tipo de poder a Dalí. Lo que sí se sabe es que tanto el poeta Federico García Lorca, como el cineasta Luis Buñuel se dejaron caer alguna vez por las escarpadas costas del litoral norte catalán. Los tres se conocieron en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde trabaron una productiva y estrecha amistad de la que también tomaron parte Pepín Bello o la pintora gallega Maruja Mallo. Allí, el trío Dalí-Lorca-Buñuel formó un triángulo emocional y artístico cuyos lados no podían ser más distintos entre sí, pero que dio lugar a unos vértices creativos magníficos.

En el artículo que esta sección dedicó a Lorca, el profesor Emilio Peral Vega habló de la atracción mutua que sentían el poeta y el pintor. En la misma línea, Manuel Antón recuerda la influencia que tuvo el uno en la producción artística del otro, pero ninguno de los dos se aventura a conjeturar acerca de una posible relación más allá de la amistad y la devoción artística, como se ha apuntado muchas veces. Antón, empero, sí que cita unas palabras del amigo de ambos Pepín Bello: “Parece que solía decir que Dalí tenía la misma sexualidad que el pico de una mesa”. De momento es algo que, como tantas otras cosas, queda a medio camino entre la realidad y la leyenda. Y en cuanto a la conexión Dalí-Buñuel, se puede resumir en dos grandes hitos en el plano artístico: las películas Un perro andaluz y La edad de oro. Ambas las dirigió Buñuel y en el guion de las dos participó Dalí.

El cineasta, de carácter fuerte y autoritario, se enfadó con Dalí cuando este se enamoró de  —y enamoró a— Gala, la mujer del poeta francés Paul Elouard. Los tres, junto al pintor René Magritte, pasaron el agosto de 1929 con Salvador en Cadaqués, un pequeño pueblo costero convertido en la capital del surrealismo. Para enfado monumental de Buñuel, fue entonces cuando Gala y Dalí, que acabarían por pasar la vida juntos, quedaron prendados, pero todo eso es parte de otra historia, una paralela al auge del que, andando el tiempo, se convertiría en adalid del surrealismo y en uno de los pintores más importantes de la historia.

]]> <![CDATA[Salvador Dalí, el gran científico que nunca recibió clases]]> Salvador Dalí

Las matemáticas no quedan fuera de la obra de Salvador Dalí, de hecho, Leda Atómica contiene una composición basada en la proporción áurea, como también lo hace

Taza gigante volando, con apéndice incomprensible de cinco metros de largo

Puede que detrás de este uso de las matemáticas y la razón áurea en la obra de Salvador Dalí estuviera su relación con Matila Ghyka, prolífico autor bastante obsesionado con el número áureo y que publicó varios libros sobre él

Recordar a Salvador Dalí (1904-1989) es dar un paso más en la necesaria relación existente entre arte y ciencia. Desde su juventud, Dalí muestra interés en la ciencia y prueba de ello son los ejemplares de libros y revistas científicas que se encontraron en su biblioteca.

A pesar de ello, no tuvo una especial formación científica, aunque este interés sí que le permitió reconocer la importancia de la ciencia en la sociedad del siglo XX.

Sin más que observar algunos de los títulos de sus obras encontramos inmediatamente algunas referencias a la física: Idilio atómico y uránico melancólico (1945), Leda Atómica (1949) y también a la bioquímica, como en Paisaje de mariposas (El gran masturbador en un paisaje surrealista con ADN ) (1957), Galacidalacidesoxiribunucleicacid (Homenaje a Crick y Watson) (1963) o La estructura del ADN. Obra estereoscópica (1973). En otros casos, la relación con la ciencia no se encuentra únicamente en el título, sino que debemos ver la obra en sí.

La proporción áurea

Las matemáticas no quedan fuera de la obra de Salvador Dalí. De hecho, Leda Atómica contiene una composición basada en la proporción áurea, como también lo hace Taza gigante volando, con apéndice incomprensible de cinco metros de largo (1944).

Puede que detrás de este uso de las matemáticas y la razón áurea en la obra de Salvador Dalí estuviera su relación con Matila Ghyka, prolífico autor bastante obsesionado con el número áureo y que publicó varios libros sobre él. En cualquier caso, las matemáticas existentes en la obra de Dalí no se restringen a la composición.

Cubos y estructuras cúbicas

Dalí fue un apasionado de los cubos y la estructura cúbica. Lo demuestra en varios de sus cuadros: quizás el más importante y conocido es Crucifixion (Corpus Hypercubus) (1954), en el que representa a Jesús crucificado en un hipercubo. Nosotros vivimos en un espacio tridimensional y ese es el espacio donde nos movemos todos los días y donde “habitan” los cubos. Si bajásemos una dimensión en vez de estar en un espacio 3D estaríamos en un plano y todos podemos intuir que lo análogo al cubo tridimensional en el caso del plano (que es bidimensional) sería el cuadrado.

El hipercubo (o Teseracto) vuelve a ser un análogo, pero esta vez en un espacio con cuatro dimensiones. La figura que aparece en el cuadro sería el desarrollo tridimensional del hipercubo de dimensión 4. De este modo, Dalí representa a Jesús en una dimensión mayor. Sin embargo, María está llorando abajo, en la Tierra, donde se ve la sombra (bidimensional y representada en color granate en el cuadro) del hipercubo que forma la cruz. La comprensión de la cuarta dimensión llevó a Salvador Dalí a entablar una amistad y colaboración con el matemático Tomas Banchoff.

Un cuadro muy poco conocido

La marcada relación de Salvador Dalí con los cubos también se pone de manifiesto en el cuadro A propósito del “Discurso sobre la forma cúbica” de Juan de Herrera (1960). Juan de Herrera fue el arquitecto del monasterio de San Lorenzo del Escorial y fundador y primer director de la Academia de Matemáticas y Delineación, que más tarde se transformaría en la Real Academia de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales. Este cuadro, bastante desconocido, tiene, además, una curiosidad combinatoria: en las caras del cubo descrito aparece representado en muchas direcciones el texto “Silo princeps fecit”, del mismo modo como aparece en la piedra laberíntica del Rey Silo de Santianes de Pravia, en Asturias.

¿Querría Dalí hacer una representación tridimensional de este acróstico? Quizás es esta la respuesta, pero también podría ser que quisiera dar un paso más allá y llevarlo al espacio de cuatro dimensiones, puesto que la forma en la que aparece “el cubo”, cuando se consideran las cadenas que están representadas en el cuadro, vemos que también es la representación de un hipercubo: no su desarrollo, sino su proyección, lo que en matemáticas conocemos como diagrama de Schlegel.

El logotipo de Chupa-Chups

Quizás una de las facetas más desconocidas de Salvador Dalí es la de diseñador del logotipo de la marca Chupa-Chups. En 1969, la compañía le pidió a Dalí que se encargara de mejorar la imagen de la marca y así lo hizo. El trabajo fue bueno, puesto que 50 años después sigue utilizándose el diseño que realizó, que está basado en la gráfica de la curva r=sen(4θ/3) en coordenadas polares. Si recordamos la imagen de la marca y vemos esta figura se puede entender mejor esta relación:

Hablar de Dalí y matemáticas nos lleva necesariamente a las ilusiones ópticas. Aunque todas ellas no sean estrictamente matemáticas, sí que podemos tener en cuenta las anamorfosis, que son deformaciones de imágenes que aparentemente son difíciles de interpretar pero que desde un punto de vista determinado cobran sentido.

Los que hayan visitado el Teatro-Museo de Dalí en Figueras recordarán Gala desnuda mirando el mar que a 18 metros aparece el presidente Lincoln (1975) o Rostro de Mae West utilizado como apartamento (1974). A estos podrían seguir algunas litografías diseñadas para verse reflejadas en un espejo cilíndrico, y que parece que se encuentran a la venta y pueden verse en esta página.

Como estas cosas cambian es mejor dar una referencia estable: pueden verse en el libro Masters of Deception, de Al Seckel (prologado por el matemático Douglas Hofstadter). Tampoco podemos olvidar, y es una referencia imprescindible, la colaboración que Salvador Dalí mantuvo con Walt Disney creando Destino, un corto iniciado en 1946, que no vio la luz hasta 2003 y que está repleto de ilusiones ópticas.

Otra referencia fundamental en la relación de Salvador Dalí con las matemáticas es el hecho de que conociese a Martin Gardner, la persona que durante más de 25 años publicó la columna de juegos matemáticos en la revista Scientific American. Cuenta Gardner que varias veces quedaron en Nueva York y que Dalí era lector de sus escritos y hablaban sobre ciencia y, en concreto, sobre ilusiones ópticas.

Del conejopato al cisnelefante

conejopatocisnelefanteHay una conocida ilusión, el conejopato, que según lo mires ves un conejo o un pato. Se puede encontrar haciendo una simple búsqueda en internet. Lo que no es tan simple es encontrar el cisnelefante, que fue creado por Dalí en Cisnes reflejando elefantes (1937). Según cuenta Gardner en su autobiografía, en una ocasión que iba a comer con Dalí llevaba un modelo en porcelana del conejopato y se lo regaló, con lo que le dio una idea para diseñar un cenicero cisnelefante que sirvió como regalo para los clientes de Air India en 1967.

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí de Púbol, un personaje poliédrico o politópico (un politopo es el análogo al poliedro pero en dimensiones mayores que 3) del que nos queda mucho por hablar.

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Puedes leer el original aquí.The Conversationaquí

]]> <![CDATA[Cuando Buñuel, Lorca y Dalí convirtieron un Toledo decadente en una "gamberrada vanguardista"]]> Cuando Buñuel, Lorca y Dalí convirtieron un Toledo decadente en una "gamberrada vanguardista"

Casi un siglo después, la denominada ‘Orden de Toledo’ que fundó el cineasta aragonés revive en un nuevo libro del escritor Juan Carlos Pantoja

Llegaron a formar parte de este grupo una treintena de hombres y mujeres que se emborrachaban, deambulaban sin rumbo y se perdían por las calles toledanas

Buñuel reflejó posteriormente en su película ‘Tristana’ parte del espíritu de esta “performance dadaísta"

Beber y emborracharse de tasca en tasca durante toda una noche, no lavarse, deambular sin rumbo fijo y dejarse llevar por la aventura y la imaginación. Estos fueron los principios que el cineasta Luis Buñuel impuso a sus amigos y amigas cuando decidió fundar en 1923, con toda la sorna que le caracterizaba, la famosa ‘Orden de Toledo’. Conforme esas condiciones se cumplieran en mayor o menor medida, los miembros podían llegar a ser nombrados caballeros o quedarse en simples escuderos.

La decisión la tomaba el aragonés, como ‘condestable’ de la Orden, y así la mantuvo durante casi 15 años en las visitas que siguió realizando a la ciudad con diferentes grupos de amigos. Formaron parte de ella Salvador Dalí, Federico García Lorca o Rafael Alberti. Todos ellos macarras literatos que llegaron a protagonizar todo un “acto de vanguardia” cultural durante más de una década.

El espíritu de este divertimento ideado por Buñuel vuelve ahora a revivir en el libro ‘La Orden de Toledo. Paseos imaginarios en tiempos de vanguardia’, del escritor, investigador y profesor Juan Carlos Pantoja, de la editorial Covarrubias y que forma parte de la colección ‘Paseando por Toledo’.

Su autor leyó hace tiempo un pasaje de Rafael Alberti en ‘La arboleda perdida’ donde el poeta recordaba sus tiempos de juventud y relataba cómo fue nombrado caballero de esta Orden, que él denominaba la Hermandad de los Caballeros de Toledo. A partir de ahí, Pantoja fue indagando en los pormenores de la aventura de estos escritores, intelectuales y artistas, una investigación que estimuló su curiosidad junto con el acercamiento a las vanguardias del siglo XX que imparte también a sus alumnos de Bachillerato.

La propuesta de ‘resucitar’ esta aventura le llegó de la mano del editor Andrés Covarrubias. “Fue una idea feliz”, afirma, porque pese a la fama que con los años llegó a adquirir, no hay una extensa bibliografía sobre la Orden de Toledo. Sí hay datos confirmados y documentados que se detallan y relatan en el libro, como por ejemplo, que fue idea de Luis Buñuel tras visitar por primera vez la ciudad en 1921 de la mano de Antonio García Solalinde, filólogo que formaba parte de un grupo de intelectuales que habían constituido en Toledo ‘La Tertulia del Ventanillo’.

Dos años después, el cineasta regresó y decidió fundar su propia versión: una Orden de Caballería con “un nombre muy serio” pero que no dejaba de ser un “grupo de gamberros que querían pasárselo muy bien”.

El grupo permaneció activo hasta la Guerra Civil

Buñuel impuso primero la norma principal, solo para “los más aguerridos”: emborracharse durante toda una noche y deambular por las calles “perdiéndose en busca de infinitas aventuras”. “Era casi como una ‘performance’ de un grupo de amigos, divirtiéndose y rindiendo su particular homenaje a una ciudad que amaban”. En sus escritos posteriores, muchos de ellos recogidos en este libro, se detalla que este grupo permaneció activo hasta 1936, el año en que comenzó la Guerra Civil Española. Llegaron a formar parte del mismo unos 30 hombres y mujeres durante todos esos años. En una misma visita, no llegaron a ser más de seis u ocho, pero Buñuel las organizaba y capitaneaba siempre.

Para el cineasta la importancia de la Orden de Toledo no fue menor. Aunque no dejaban de ser salidas nocturnas de juerga, su espíritu trascendió la simple borrachera y marcó los años de juventud de muchos de ellos. De hecho, ya exiliado en México, Buñuel realizó de su puño y letra un manuscrito donde, de memoria, apuntó los años en que se convocaron estas aventuras nocturnas, junto con algunos de los miembros que participaron. Además, Juan Carlos Pantoja explica que incluso cuando regresó a España para rodar ‘Tristana’ recuperó en la película parte de ese espíritu. “Viene a ser la plasmación en el cine de las manías, de los rituales y de los mitos que rodearon a la Orden de Toledo”.

Pero, ¿cuáles fueron esos ritos? No solo se trataba de emborracharse para ser nombrado caballero. Había otros requisitos como no lavarse mientras permanecieran en “Ciudad Santa” (que era como Buñuel llamaba a Toledo), besar el suelo como si fuera tierra sagrada, cantar, descubrir rincones ocultos o incluso cortejar a algunas mujeres de alta cuna acudiendo a despertarlas a sus casas para luego salir corriendo.

También hubo otras anécdotas y acontecimientos “enmarcadas dentro de lo onírico o lo sobrenatural”. El escritor cuenta, y así se recoge en el libro, que una de las más llamativas fue cuando el grupo, a altas horas de la madrugada y bajo la nieve, escuchó a unos niños que cantaban las tablas de multiplicar como se hacía antiguamente. Buñuel se subió a hombros de otro compañero y miró a través de la ventana desde donde salían las voces y “vio que no había nadie”. “No se sabe si ese toque de misterio fue una alucinación, fruto del vino trasegado, o una simple broma, pero dice mucho de las andanzas que tuvieron”.

El contraste entre lo ultramoderno y una ciudad “anclada en su pasado”

“En realidad, fue un acto de vanguardia y por eso aparece así en el título. Es una obra más de ese movimiento, igual que las películas de Buñuel de la primera época como ‘Un perro andaluz’ y ‘La Edad de Oro’, que fueron experimentos que encajan en la época. Esto era una forma de acercarse a la diversión en una ciudad totalmente anti-vanguardista, y que a principios del siglo XX estaba muerta y anclada en su pasado, imbuida del espíritu religioso y de cierto conservadurismo. La Orden de Toledo generó el contraste entre lo ultramoderno y una ciudad decadente. Eso acentúa aún su toque dadaísta y surrealista”.

Por eso hoy en día su significado y su simbolismo son fundamentales, opina Juan Carlos Pantoja. Considera que fue el reflejo de la manera de vivir de toda una generación literaria durante su juventud, centrada en la diversión. “En Buñuel las repercusiones quedan marcadas durante toda su vida: lo recuerda en sus memorias, donde le da una importancia muy grande hasta el punto de resucitar esos mitos en ‘Tristana’”.

En los demás también fue así, un “contacto irrepetible con una ciudad muerta”, formando parte “de una mitología que empezó con los años del modernismo”. La prueba es que los que luego fueron personas más conocidas, como Salvador Dalí, así lo recordaron. Y el propio Alberti, cuando regresó del exilio tras la dictadura franquista, acudió a la toledana Venta de Aires, donde acudían a comer los miembros de la Orden, para rememorar la experiencia.

El libro que, casi un siglo después, recoge estas aventuras, establece una serie de rutas “imaginarias” por la ciudad. En sus notas, ni Buñuel ni otros miembros del grupo dejaron constancia precisa de sus recorridos. Citan algunos lugares como la mencionada Venta de Aires, la Posada de la Sangre donde se hospedaban o el campanario de la Catedral, pero poco más. Por eso, el autor ha decidido seguir el espíritu de la orden, acatar sus pequeñas leyes y criterios, “perderse y callejear sin rumbo” para revivirlos en sus noches toledanas antes de que la guerra arrasara con todo.

]]> <![CDATA[Varias chicas dañan sin querer un grabado de Dalí en Rusia al intentar hacerse un selfie]]> El sueño tecnicolor de Dalí regresa a Texas con excentricidad en miniatura

El centro donde se exponía ha culpado a "cuatro" chicas que "se comportaron de manera no muy apropiada"

El grabado en cuestión, de la serie "Caprichos" cayó al suelo golpeado por las jóvenes sin querer, ante lo que se rompió el cristal y el marco protector

Un grabado de Salvador Dalí de la serie “Caprichos” propiedad de un coleccionista privado ha sido dañado cuando varias jóvenes intentaban sacarse un selfie en una galería de la ciudad rusa de Yekaterimburgo, según han informado medios locales.

También ha resultado afectado el marco y el cristal que protegía un aguafuerte de Francisco de Goya, que se encontraba colgado en el mismo panel que el cuadro de Dalí. El centro ha culpado a “cuatro” chicas que “se comportaron de manera no muy apropiada” y como resultado dañaron los cuadros que se encontraban entrelazados uno con otro.

Según el vídeo divulgado por la prensa local, al intentar sacarse un “selfi” las jóvenes provocaron la caída del panel, que aplastó en su caída a los dos cuadros de la exposición “El sueño de la razón”.

El estruendo asustó a las jóvenes, que abandonaron el local con celeridad, aunque las autoridades no se plantean demandarlas al considerar que no hubo mala intención.

El dueño del museo, Oleg Gúsev, ha adelantado que recurrirá a la Galería Tretiakov de Moscú para estimar el grado del daño causado y el coste de la restauración del cuadro. En medios periodísticos rusos se ha sugerido que el dueño del grabado es el propio Gúsev, un empresario enamorado de España y de su cultura, en particular de los lugares vinculados con Dalí y Picasso.

]]> <![CDATA[El Muram de Cartagena exhibe una veintena de esculturas de bronce de Salvador Dalí]]> El Muram de Cartagena exhibe una veintena de esculturas de bronce de Salvador Dalí

La mayoría de las obras pertenecen a la década de los setenta y en ellas se recoge parte del ideario daliniano.

Conocido principalmente por sus habilidades pictóricas, también fue un experto dibujante

El Museo Regional de Arte Moderno de Cartagena (Muram) ha abierto la exposición ‘Esculturas de Dalí’, que se podrá visitar hasta el próximo mes de febrero de 2018 y que ha sido organizada por la Consejería de Turismo, Cultura y Medio Ambiente.

En total, se exhiben en el museo de la ciudad portuaria 19 esculturas de bronce –una de ellas articulada– “que muestran la faceta menos conocida del genial artista” y que, según explicó el director general de Bienes Culturales, Juan Antonio Lorca, “forman parte de la colección de arte contemporáneo de la Comunidad Autónoma”.

A través de este nuevo proyecto, añadió, “y como hemos hecho en anteriores exposiciones organizadas tanto en salas gestionadas por Cultura como en espacios municipales, damos a conocer los fondos de la Comunidad, y ofrecemos la posibilidad de disfrutar de grandes obras de arte como ocurre en el caso de las creaciones de Dalí”.

La mayoría de las obras pertenecen a la década de los setenta y en ellas se recoge parte del ideario daliniano. Entre otras esculturas, en la exposición encontramos una que hace referencia al personaje cervantino de Don Quijote, al que Dalí recreó en innumerables ocasiones, en su aspecto externo y en sus rasgos espirituales y de carácter.

Salvador Dalí (Figueras, Gerona 1904 - 1989) es representante del surrealismo europeo gracias a sus ideas estéticas, el llamado método paranoico-crítico, y a su personal visión del universo onírico y simbólico. Su obra está relacionada con los principios del psicoanálisis de Sigmund Freud y también la sexualidad juega un papel para su interpretación, así como las referencias mitológicas y las alusiones a la muerte.

Conocido principalmente por sus habilidades pictóricas, también fue un experto dibujante. Asimismo, los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la fotografía y la escultura, tal y como se muestra en la exposición que desde esta semana acoge el Muram.

El Muram de Cartagena abre sus puertas de martes a viernes, de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 19:00 horas; los sábados, de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 horas, y los domingos y festivos, de 11:00 a 14:00 horas. Todas las exposiciones, visitas guiadas y actividades organizadas en los museos regionales se pueden consultar en la web de Museos de la Región de Murcia.

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