La conocimos en la serie ‘Juego de Tronos’ por dar vida a uno de los personajes más icónicos de la ficción de HBO, Daenerys Targaryen, pero Emilia Clarke no tuvo la misma suerte con su participación en otras franquicias de éxito como Marvel, Star Wars o Terminator, algo que ha reconocido la propia actriz en una reciente entrevista.

La interprete británica, actualmente promocionando la película independiente ‘Next Life’, ha repasado con sinceridad su trayectoria profesional, no solo los fracasos que tuvo en grandes sagas, sino también los problemas que atravesó en ‘Juego de Tronos’ y cómo esto le cambió la vida.

 ‘Taquillazos’ y fracasos su paso por Marvel o Star Wars

El participar en franquicias de éxito en el cine no siempre ha significado un paso hacia adelante en la carrera de algunos intérpretes, y en eso Emilia Clarke es un ejemplo. Después de que ‘Juego de Tronos’ la lanzara al estrellato, la actriz británica no tuvo un camino de rosas, y sobre ello reflexionó en una entrevista reciente con Variety.

En ella, la intérprete confirmó lo que piensa sobre su participación en el Universo Marvel: “No creo que a nadie le gustara Invasión Secreta, chicos. ¡Lo siento!”, aseguró sobre su papel en la serie sobre Nick Furia en la que interpretaba a G'iah, hija de Talos, que lucha contra los alienígenas que quieren conquistar la Tierra, y que no tuvo buena acogida a pesar de su elenco formado también por Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Olivia Colman y Kingsley Ben-Adir.

Una experiencia similar fue lo que tuvo en su incursión en las franquicias de cine como ‘Star Wars’ o ‘Terminator’, que no acabaron siendo dos proyectos que calaran dentro de las sagas reconocidas y que tuvieran buenas críticas, todo ello, aunque siguen siendo los dos mayores éxitos de taquilla de la actriz británica, con 275 millones y 440 millones de dólares recaudados respectivamente. “¿Star Wars? No les gustó. ¿Terminator? Eso nunca debería haber pasado”, señaló al respecto.

Sin embargo, Emilia Clarke fue más allá y fue sincera al expresar su opinión y papel en proyectos complejos cuando tienen tantas expectativas e historia detrás: “Entré en franquicias ya existentes, así que cuando no funcionan, no es personal. Mi conexión con un proyecto termina cuando dicen 'fin de rodaje' porque no me corresponde decidir qué pensará la gente de él”, explicó a Variety.

Dos hemorragias cerebrales cambiaron su criterio

La actriz que dio vida a Daenerys, también conocida por su participación en las comedias románticas ‘Antes de ti’ (Me Before You) y ‘Last Christmas’, aseguró en la misma entrevista que su criterio ha cambiado con el paso del tiempo y eso se debe a que prioriza otros proyectos que le aportan más satisfacción personal y mejor impacto positivo en la recuperación de sus lesiones cerebrales.

Y es que Emilia Clarke sufrió dos hemorragias cerebrales durante el rodaje de ‘Juego de Tronos’ y esto la marcó. De hecho, fundó la organización ‘SameYou’ junto a su madre en 2019 en la que ayuda a las recuperaciones de personas afectadas por daños cerebrales, a las que se acompaña en el proceso, además de colaborar con médicos y académicos para desarrollar nuevas terapias.

Lo que le sucedió le hizo también reflexionar sobre el valor de la fama, de lo verdaderamente relevante para el éxito profesional: “Me daba vergüenza admitir que no ganar un Emmy fue algo realmente importante. Ahora me siento muy afortunada de poder ser una productora real y de intervenir en conversaciones importantes”, concluyó anunciando un nuevo camino que podría explorar en su trayectoria.

La saga ‘Star Wars’ ha regresado a las salas de cine después de cinco años con ‘The Mandalorian and Grogu’, película que ha debutado en España en el número uno en su primer fin de semana y se coloca por delante de otros estrenos de la temporada con gran éxito como han sido ‘Michael’ y ‘El diablo viste de Prada 2’.

La cinta ya ha superado los 145 millones de dólares en todo el mundo, con muy buena recepción del público y crítica, y que además no hace necesario haber visto la serie previamente, como ya han asegurado Jon Favreau y Dave Filoni, detrás del proyecto. Sin embargo, para hacer más completa la experiencia y entender o recordar guiños y referencias, se pueden ver antes o después algunas de las anteriores películas de la franquicia de Lucasfilm.

‘Star Wars: El imperio contraataca’ (1980)

Si tuviéramos que tomar la película de la franquicia de ‘Star Wars’ más similar sería el Episodio V, ‘El imperio contraataca’, en la que aparece reflejado el espíritu de la relación entre maestro y aprendiz que es uno de los temas principales de la saga ‘The Mandalorian’. No es extraño encontrar paralelismos entre Yoda y Luke con Din Djarin y Grogu, además de que es en esta cinta donde se encuentra con mayor profundidad la mitología jedi.

‘Star Wars: El retorno del Jedi’ (1983)

De aquí pasamos al ‘Episodio VI’. En ‘The Mandalorian’ son constantes las referencias a Jabba el Hutt y su mundo criminal, un hecho que se comprende mucho más en esta película, en la que se entiende el universo del cazarrecompensas y señores del crimen que rodea a Din Djarin.

‘Star Wars: El despertar de la fuerza’ (2015)

Seguramente sin lo que supuso reactivar la franquicia con esta película no tendríamos a ‘The Mandalorian and Grogu’. En su momento, el largo paréntesis que tuvo la saga y el comenzar una trilogía supuso una presión que finalmente se superó. Pero, además de todo esto, esta entrega también ayuda a entender el estado de la galaxia en la era de la Nueva República que sirve de telón de fondo.

‘Rogue One: Una historia de Star Wars’ (2016)

En cuanto al tono, es la más similar. Comparten ese estilo más oscuro, adulto y con personajes que se alejan moralmente del arquetipo de ‘héroe clásico’, siendo más complejos. Además, ambas son también un relato con el que se aspira emocionar al espectador y que conecte con lo que ve en pantalla.

‘Star Wars: Una nueva esperanza’ (1977)

Pero al final, si toca completar la historia de ‘The Mandalorian and Grogu’ lo mejor es comenzar por el principio y para ello tenemos que ir hasta el ‘episodio IV’, película en la que se presentan a los mandalorianos como parte del imaginario de la saga y estableció el universo en el que se mueve la figura de Din Djarin.

Extra: serie ‘The Mandalorian’

No es obligatorio su visionado, pero la película ‘The Mandalorian and Grogu’ se comprende mucho más si se ven al menos las temporadas 1 y 2 de la serie ‘The Mandalorian’, con la que se completa el contexto que presenta la historia en cines. Si bien tiene también una tercera, son las dos primeras las más imprescindibles.

Que hay algo de festiva tomadura de pelo en The Mandalorian and Grogu se intuye por el mero hecho de tener a un personaje llamado Rotta el Hutt y que la trama gire alrededor de su rescate. El bromazo autoconsciente va más allá de que esté interpretado por el Jeremy Allen White de The Bear —apenas reconocible por su aspecto alienígena, al margen de la musculatura— pues nos retrotrae a 2008, cuando Lucasfilm estrenó una película titulada Star Wars: The Clone Wars. Era el primer proyecto animado de la saga que iba a cines y su historia ya contemplaba el rescate de este mismo Rotta el Hutt. Solo que aquí los rescatadores eran Jedi, no un mandaloriano junto a su hijo.

Entonces Rotta el Hutt —hijo de Jabba el Hutt, temible gángster galáctico de aparición recurrente en Star Wars desde 1977— tampoco era un gladiador con traumas paternos tal y como lo presenta The Mandalorian and Grogu, sino un bebé. Una oruga inocente que había que proteger en el marco de las Guerras Clon, casi como un precedente contrahecho del citado Grogu. The Clone Wars, en otro orden de cosas, había tenido una acogida crítica aún más hostil que las películas previas de George Lucas —esas precuelas a la trilogía original que no iba a haber más remedio que reivindicar con el paso de los años—, pues se consideró que la obra era indigna de un estreno cinematográfico. Algo difícil de negar, ya que The Clone Wars era el episodio piloto de una serie por venir.

The Clone Wars, con su animación tosca y su limitada relevancia dentro del esquema general de la franquicia, narraba un arco introductorio para una serie de dibujos (ubicada cronológicamente entre El ataque de los clones y La venganza de los Sith) que iba a extenderse a las siete temporadas. Lo que hacía era iniciar The Clone Wars por todo lo alto, en cines, de forma análoga a como quiere ahora The Mandalorian and Grogu continuar otra serie. The Mandalorian, claro está. Lo que narra The Mandalorian and Grogu sigue a la tercera temporada que Disney+ estrenó en marzo de 2023. La presencia de Rotta el Hutt no miente así que hablamos, básicamente, de una nueva temporada. Lo dramático es que ni siquiera se trata de una temporada especialmente buena.

Estafa transmedia

Ampliando el marco a la Disney que controla Lucasfilm desde 2012, la estrategia es idéntica a cuando en 2024 el estudio estrenó Vaiana 2: una película que, aunque llegara a cines (y de hecho recaudara más de 1.000 millones de dólares), no era exactamente una película sino un ensamblado de episodios. En el caso de Vaiana 2, de una serie dedicada a Vaiana que había empezado a producirse años antes pero que, en medio del proceso, vino a reconfigurarse como un largometraje.

The Mandalorian and Grogu también es fruto de un cambio de planes. En abril de 2023 Disney y Lucasfilm habían anunciado efectivamente una película de The Mandalorian que sirviera de conclusión para el amasijo de series que habían ido llegando a Disney+ desde 2019: la propia The Mandalorian, El libro de Boba Fett y Ahsoka. La idea era construir un evento épico que precediera cronológicamente El despertar de la Fuerza (2015). Pues bien, The Mandalorian and Grogu no es esa película. De los planes de aquella película no hemos vuelto a saber nada, porque la que nos ocupa surge de lo que iba a ser originalmente la cuarta temporada de The Mandalorian. Una nueva tanda de episodios que justo iba a rodarse cuando la huelga de guionistas de 2023 entorpeció el proceso.

Jon Favreau y Dave Filoni, como creadores de la popular serie de Disney+, aprovecharon esa pausa momentánea para darle una vuelta. Llevábamos sin película de Star Wars desde las Navidades de 2019, cuando El ascenso de Skywalker había soliviantado a los fans y mostrado de forma cristalina el caos e incompetencia con que se había gestionado la marca desde que cayera en manos de Disney. En todo este tiempo, la sucesión de películas frustradas y directores huidos había alcanzado un punto paródico. La credibilidad de Star Wars —y en particular de Kathleen Kennedy como presidenta de Lucasfilm— estaba bajo mínimos, y no era difícil llegar a la conclusión de que en el tiempo transcurrido solo The Mandalorian y Disney+ habían dado motivos para la alegría.

Así que Kennedy hubo de priorizar la producción streaming. Y esto, al margen de lo bien que funcionaran las temporadas de The Mandalorian o una obra tan aclamada como Andor, terminó reforzando la figura de Dave Filoni. Filoni, discípulo de Lucas y responsable de The Clone Wars —sí, él mismo había impulsado aquel film de 2008, junto a buena parte de la posterior producción animada de Star Wars—, nunca dejó de ascender en este contexto. Su reciente nombramiento como máximo líder de Lucasfilm, después de la inevitable dimisión de Kennedy, es una noticia que se entiende mejor junto al estreno de The Mandalorian and Grogu. Un proyecto de escrupulosa continuidad con la serie, que vuelve a dirigir Jon Favreau y a encabezar Pedro Pascal.

Lo lógico habría sido entonces que este difícil desarrollo condujera a un producto mucho más definido por obras previas. No es el caso. La apatía que, por ejemplo, ha terminado generando Marvel puede explicarse por la sobredosis de series que hay que tener presentes con cada nuevo estreno, y es algo que Favreau (curiosamente, exdirector de Marvel que además hace apariciones esporádicas como el personaje Happy Hogan) ha decidido esquivar. The Mandalorian and Grogu es una película que puede disfrutarse sin un conocimiento amplio de Star Wars. Ni siquiera hay que llevar la serie al día. Algo que de entrada suena bien, pero que también explica su total inanidad.

La conquista de Disney+

Es lo que sorprende en un artefacto por lo demás alérgico a las sorpresas: no ocurre absolutamente nada importante en las más de dos horas que dura The Mandalorian and Grogu. Es una cuarta temporada de The Mandalorian con todas las de la ley —que solo consta de cuatro episodios, sí, aunque podamos distinguir dónde empezaba y acababa cada uno en el plan original con aún mayor virulencia que cuando los distinguíamos en Vaiana 2—, a la vez que es una cuarta temporada con los énfasis dramáticos al mínimo. En instancias previas, mientras hacía múltiples guiños a obras aledañas, la serie gustaba de involucrar a los protagonistas en peripecias de mayor o menor escala: escaramuzas contra los restos del Imperio, la recuperación de Mandalore, etcétera.

Esto no es así en The Mandalorian and Grogu. Una vez la relación de los personajes titulares se ha oficializado como la de un padre y un hijo adorable —que, como no crece ni habla ni hace otra cosa que invocar el meme, más bien deberíamos considerar una mascota—, el argumento se limita al rescate de Rotta el Hutt en el marco de la colaboración de este cazarrecompensas con la Nueva República. Y eso es todo. Hay una apuesta decidida por el minimalismo que indudablemente remite a los inicios de The Mandalorian, no por casualidad los más apreciados por los fans.

Y alguna virtud queda de ahí. La imponente banda sonora de Ludwig Göransson —que en este filme crece más allá del tema principal, probando sintetizadores futuristas o nuevas melodías acordes a cada planeta por el que pasan los protagonistas—, en contrapartida a la agradable sensación de no hacer otra cosa que vagabundear entre monstruos alienígenas. También, es de justicia admitirlo, se percibe un sano entusiasmo al ejecutar las escenas de acción. No el suficiente como para justificar la proyección en salas IMAX de la que tanto está presumiendo Disney, pero sí basta para poner en cuarentena la asunción de que el molde televisivo es indisociable de lo barato.

Porque The Mandalorian and Grogu demuestra que, para que una película sea propiamente una película, no es suficiente con que lo parezca porque haya habido cierto despliegue de medios y las escenas de acción estén mejor planificadas que la norma actual en Hollywood. No habría que llevarse a engaño porque The Mandalorian and Grogu se acerque en algunos tramos a ser espectacular —una secuencia concreta, planteada como un homenaje chalado a unas criaturas aparecidas momentáneamente en Una nueva esperanza, tiene bastante gracia—: esto, como ya lo era Vaiana 2 u otro producto tan mediado por el influjo Mandalorian como Predator: Badlands, es puro contenido de plataformas. Su hogar natural es Disney+, de donde nunca debería haber salido.

La mayor evidencia está en lo que le queda al artefacto si lo apartamos de todos sus fuegos de artificio —ya sean la música, los efectos prácticos o las cucamonas de Baby Yoda— y solo hallamos un vacío abigarrado, que entre los diálogos bochornosos y la cantidad de marionetas se parece más a Barrio Sésamo que a Star Wars. Todo un simulacro narrativo, presto a descartar cualquier intento de sentido de la maravilla —ese intangible que habría constituido el embrujo primario de la saga antes de convertir a todos los fans en dóciles perros de Pavlov— para conformarse con chispazos de disfrute episódico y recompensas emocionales momentáneas, llamadas a evaporarse al segundo. No hay argumento, no hay personajes, no hay inquietudes discursivas ni emocionales. Solo juguetes.

La marca Star Wars se ha fundido con la de Disney+ y ambas son indisolubles: es lo que demuestra The Mandalorian and Grogu de cabo a rabo. Han bastado siete años para ello y nada mueve a pensar que cambien las cosas en el futuro. Difícilmente pasará con Filoni de presidente de Lucasfilm y pendiendo el estreno de una nueva película para 2027 a cargo de Shawn Levy: el director de Deadpool y Lobezno, nada menos. Porque las cosas siempre pueden ser aún más deprimentes.

Pedro Pascal necesita tan solo diez minutos para erigirse como uno de los principales salvavidas del Hollywood más taquillero. Esos diez minutos son, de hecho, una estimación del tiempo que se le ve el rostro al actor chileno en The Mandalorian and Grogu, la nueva apuesta de Star Wars para los cines después del éxito de la serie en Disney+. Cubierto por una armadura y un casco metálicos durante prácticamente toda la película, Pascal es la nueva baza de la franquicia galáctica en su regreso a la gran pantalla tras el estreno de Episodio IX - El ascenso de Skywalker en 2019, que no tuvo la acogida esperada.

El actor, que alcanzó la fama tras su participación en Juego de Tronos, y que desde entonces ha protagonizado títulos de enorme tirón como Gladiator II o The Last of Us, se ha convertido en una figura clave dentro del universo de Star Wars. De su primera inmersión en la saga hace ya casi siete años, cuando empezó a interpretar a Din Djarin, el Mandaloriano, en la serie The Mandalorian. A aquello le sucedieron hasta tres temporadas y la continuación que llega ahora a la cartelera en formato de película. Pero Pascal no está solo: Sigourney Weaver, que viene de retomar su personaje en Avatar el año pasado, también forma parte de la cinta.

Este es el debut de Weaver en la franquicia. La actriz, un referente en la ciencia ficción por su papel en la saga Alien, considera que al público le siguen atrayendo historias ambientadas en el espacio porque “tienen lugar en el futuro” y “aún no hemos llegado a ese punto”. “Seguimos teniendo la esperanza de que habrá un futuro en el que nos adentraremos en el espacio”, dice la actriz. “Espero de verdad que lleguemos a ese punto. Tenemos que lidiar con algunos imperios malvados aquí en la Tierra antes de que podamos trabajar todos juntos y enviar naves tripuladas por hombres y mujeres al espacio, para averiguar así si hay otros seres ahí fuera. Y estoy bastante segura de que los hay”, reconoce.

Sigourney Weaver muestra satisfacción ante el hecho de que “en Star Wars en particular, todo el mundo, sin importar cuántas cabezas o colas tengan, es capaz de llevarse bien”, señalando que es una “visión muy esperanzadora y optimista del futuro”. Pedro Pascal, por su parte, afirma que se alegra de que la primera película de la saga se titulara Una nueva esperanza. Este, además, alude a su fenómeno fan: “Lo que más me llama la atención es cuando la gente se disfraza con esos trajes increíbles, recordándote lo que es Star Wars y todas sus diferentes culturas. Eso es lo más importante, porque ves a los buenos, a los malos y todo lo que hay entre medias”.

“Hay un amor por la narración que se materializa ante ti gracias a la gente que disfruta de estas historias. Me encantó que, cada vez que iba a por un café o preguntaba dónde estaba el baño, siempre me respondían: 'Este es el camino'”. El actor se refiere al lema más icónico de la cultura mandaloriana, popularizado precisamente por la serie The Mandalorian. Se trata del nuevo “Que la fuerza te acompañe”, una de las frases más populares de Hollywood en las últimas décadas, y es una de las grandes incorporaciones del Mandaloriano al imaginario de los seguidores de La guerra de las galaxias.

Una película para aquellos que no son fans

La película, dirigida por Jon Favreau, sigue al Mandaloriano y a Grogu —una criatura pequeña y vulnerable de la que asume la protección— en un momento en el que el antiguo Imperio galáctico ha caído y la frágil Nueva República aún no controla los márgenes del universo. Al personaje de Pedro Pascal, un contratista independiente para este nuevo gobierno, se le encomienda la tarea de localizar y neutralizar a los altos mandos imperiales que aún operan en la sombra y amenazan la paz. Este argumento, que puede despistar a quien no está al tanto de las complejas intrigas políticas de la saga, apenas es esencial en una cinta pensada para que cualquiera pueda disfrutarla.

Pedro Pascal destaca que el protagonista “siempre está en modo de supervivencia total”: “Siempre está en algún tipo de misión que se convierte en una aventura increíble y emocionante, a veces totalmente peligrosa. En este caso, sí, está en un buen lío con algunos de los villanos más icónicos del mundo de Star Wars. Y es una auténtica delicia poder trabajar en todo esto”. El actor detalla que se sintió “totalmente arropado” por la “habilidad de todo un equipo de personas que son las mejores en el sector”. “Simplemente, te sumerges de lleno, literalmente”, dice Pascal, que hace referencia a una de las escenas de la película.

El intérprete, además, asegura que esta es la “relación creativa más duradera” que ha tenido. “Es el tiempo más largo que he interpretado a un personaje y en el que he colaborado con gente increíble. Que sea Star Wars es muy apropiado porque crecí viendo Star Wars. Mis primeros recuerdos de ir al cine son de ver Star Wars”, apunta Pascal, agregando que es una “avalancha de regalos poder estar asociado a algo tan especial como esto”, así como “compartirlo y disfrutarlo con tanta gente”. Asimismo, celebra haber tenido la oportunidad de sentarse al lado de una de sus ídolos, Sigourney Weaver. “Favreau sigue contratando a gente increíble para incorporarla al proyecto”, comenta.

Weaver, por su lado, asevera que el rodaje “fue muy emocionante”, sobre todo durante la escena en la que pilota la mítica nave X-Wing de la saga. “He estado en diferentes naves espaciales, pero ninguna que se moviera tan rápido ni ninguna que fuera tan ágil. Fue realmente como un sueño hecho realidad”, declara la actriz. “Jon Favreau, al haber sido un actor maravilloso, tiene mucha experiencia y es muy bueno seleccionando el reparto. Si te da indicaciones, es solo una ayuda técnica. Por lo demás, lo que te transmite es confianza y fe en que vas a salir adelante”, concluye.

Nos cuesta imaginar a estrellas de Hollywood que siendo ya conocidas desde muy temprana edad hayan acudido a la universidad, pero eso mismo es lo que hizo Natalie Portman mientras rodaba las películas de Star Wars en las que participó, exactamente de 1999 a 2003 estudió en la Universidad de Harvard.

Allí, la reconocida actriz se graduó con honores en Psicología y llegó a publicar artículos científicos sobre neurociencia con su nombre real, Natalie Hershlag. Este hecho ha servido de inspiración a Gabriella Pizzolo, conocida por ‘Stranger Things’, como ella misma ha admitido en una entrevista con People.

Gabriella Pizzolo, que se hizo famosa por dar vida a Suzie en ‘Stranger Things’ e interpretar a Matilda en el musical de Broadway, ha comentado en la entrevista que se ha graduado de dos títulos universitarios y fue gracias a seguir el ejemplo de Portman.

“Recuerdo que estaba buscando qué estudiar y vi que Natalie Portman estudió psicología, y no necesariamente nada relacionado con el mundo del teatro. Y pensé: ‘Eso es realmente inteligente’. Es una alternativa al teatro y al drama, pero aun así se aprende mucho sobre las personas y cómo interactúan a través de ello”, explicó a People, donde fue entrevistada para presentar su nuevo proyecto, ‘Beaches’ en Broadway.

La actriz de ‘Stranger Things’, de origen italiano, sin embargo, matizó que, a pesar de sus estudios en psicología y música, ella quiere continuar en centrarse en la actuación: “Siento que mi lugar está en el teatro y el cine, pero creo que la psicología ayuda mucho a los actores”, declaró al respecto.

Pizzolo también aseguró en la entrevista que compaginar su vida como actriz junto a pasar tiempo en el campus universitario le dio una experiencia que la ayudó a crecer como persona al convivir con gente fuera de la industria del entretenimiento.

Le conecta con su personaje de ‘Stranger Things’

Si gran parte del público conoce a Gabriella Pizzolo es por dar vida a Suzie Bingham en la serie ‘Stranger Things’, que finalizó hace apenas unos meses, y en parte el haber estudiado en la universidad le ayudó a conectar con ella: “Siento que es muy propio de ella de estudiar y estar allí mientras los demás salvan el mundo”.

Al referirse a su paso por la serie, la actriz aseguró que mantiene contacto con varios actores, en especial con Gaten Matarazzo, su interés amoroso en la ficción, con el que afirma que “habla todo el tiempo”.

En 30 años de carrera, ha protagonizado algunas de las películas más memorables de la historia del cine. Se ha dejado la piel en muchas de estas producciones, como cuando tuvo que comer hígado crudo y nadar en agua helada durante el rodaje del largometraje que le dio el Oscar. Y, aun así, Leonardo DiCaprio también ha tenido tiempo para rechazar algunos papeles que podrían haber cambiado su trayectoria para siempre.

“¿Estuviste en conversaciones para interpretar a Anakin Skywalker en las precuelas de Star Wars?”, le preguntó un periodista de Shortlist al actor en una entrevista de hace ya más de una década. DiCaprio despejó la incógnita sobre la que durante años se había especulado. “Sí, tuve una reunión con George Lucas para hablar de eso”, confesó.

El que dio vida a Jack en Titanic (1997) aseguró que fue él quien finalmente decidió no participar en el proyecto cinematográfico que acabó consolidando a Lucas como uno de los mejores cineastas de la historia. A Dicaprio no le apetecía, pero tenía una razón que iba un poco más allá. “Simplemente no me sentía preparado para dar ese salto. En ese momento”, puntualizó en la entrevista.

El papel finalmente fue para Hayden Christensen, que se puso en la piel de Skywalker en Star Wars: Episodio II - El ataque de los clones (2002) y Star Wars: Episodio III - La venganza de los Sith (2005). El actor siguió interpretando al Caballero Jedi que acabó convertido en Darth Vader en Obi-Wan Kenobi (2022) y Ahsoka (2023), series lanzadas por Disney+. 

Otros papeles que nunca interpretó

En la entrevista que dio en 2015, el actor también compartió otros personajes que estuvo a punto de interpretar pero que, por una u otra razón, nunca llegaron a ser suyos. “¿Hasta qué punto estuviste a punto de interpretar a Spider-Man antes de que tu amigo Tobey Maguire aceptara el papel?”, le preguntó el periodista. Dicaprio lo confirmó: se pusieron en contacto con él, pero tampoco se sentía preparo para “ponerse ese traje”.

Ocurrió lo mismo con el personaje de Robin en la película Batman Forever (1995), que fue dirigida por Joel Schumacher. Durante años, corrió el rumor de que el actor llegó incluso a hacer una prueba ante la cámara para este papel, el cual acabó interpretando Chris O'Donnell, pero no fue exactamente así. “Nunca hice esa prueba. Tuve una reunión con Schumacher, pero fue solo una reunión”. 

DiCaprio ha conseguido una carrera llena de éxitos evitando sistemáticamente las películas de superhéroes y de fantasía. Ni Star Wars, ni Batman ni Spider-Man. Este se ha convertido un poco en su sello personal, y en este tiempo incluso ha aconsejado a nuevas estrellas a seguir el mismo camino. “Nada de películas de superhéroes”, llegó a decirle a Timothée Chalamet.

El cuerpo pequeño de Yoda engaña al principio dentro de Star Wars, porque no adelanta la autoridad que llega a tener ni la fuerza con la que interviene cuando la situación se vuelve extrema. El maestro Yoda ocupa un lugar altísimo en la saga por una razón clara, ya que maneja la Fuerza con un dominio que casi nadie alcanza y actúa como referencia para los Jedi que vienen detrás.

Esa posición se entiende mejor cuando entra en combate, porque puede mover grandes pesos y derrotar a rivales más jóvenes con una rapidez que rompe la imagen tranquila que da al verlo por primera vez. También detecta antes que otros el peligro y entiende hasta dónde puede llegar cada decisión, de modo que su papel sale del consejo y de la enseñanza y pasa también por momentos en los que altera el rumbo de la historia.

Por eso Yoda importa tanto dentro de Star Wars, ya que reúne poder y autoridad dentro de una saga donde no abundan los personajes capaces de influir de ese modo durante tanto tiempo. A esa fuerza se suma otro rasgo que lo vuelve inconfundible, porque habla con un orden extraño y hace que cada frase pida atención antes de quedar del todo clara.

George Lucas diseñó un habla extraña para captar atención

George Lucas explicó en el TCM Classic Film Festival de 2024, recogido por Variety, que diseñó esa forma de hablar para que el público escuchara con más atención. El director señaló que “si hablara de forma normal, la gente no prestaría mucha atención”, y añadió que cuando el discurso resulta más difícil de entender, el oyente se concentra más en cada palabra.

Lucas insistió en que ese recurso tenía una función concreta dentro de la historia y que no era una elección arbitraria. También explicó que Yoda ocupa el papel de pensador dentro de la saga, por lo que necesitaba una forma de garantizar que sus intervenciones no pasaran desapercibidas.

El universo de Star Wars se construyó con una red de detalles que obliga a mantener coherencia en cada elemento, y ese nivel de exigencia explica por qué incluso un rasgo como la forma de hablar de un personaje responde a una decisión concreta.

La saga se apoya en un conjunto de historias, reglas y relaciones que el público conoce y vigila, lo que obliga a cuidar cada detalle para evitar contradicciones. Dentro de ese sistema, Yoda se sitúa como una figura que no solo participa en la acción, sino que define la manera en que se entiende el funcionamiento de la Fuerza.

El personaje apareció en 1980 y se volvió imprescindible

El desarrollo de la franquicia no fue sencillo en sus inicios, ya que los estudios mostraron dudas sobre el proyecto. George Lucas propuso encargarse de escribir, dirigir y producir las películas por el salario mínimo permitido, con la condición de quedarse con los derechos de posibles secuelas.

El director explicó que aceptó esas condiciones porque tenía claro que seguiría adelante con la historia independientemente del resultado inicial. También pidió conservar los derechos de explotación comercial, una decisión que terminó siendo determinante en el crecimiento de la saga.

La trayectoria del personaje dentro de las películas refuerza su posición. Yoda apareció por primera vez en 1980 en El Imperio contraataca y desde entonces se ha convertido en una figura imprescindible en distintas entregas y producciones relacionadas.

Sus frases han quedado asociadas a su forma de pensar, como “Hazlo o no lo hagas, pero no lo intentes” o “El mayor maestro, el fracaso es”, que mantienen la estructura alterada de su lenguaje y obligan a detenerse en su interpretación. Esa repetición en distintos contextos consolidó su presencia dentro del conjunto de la saga.

Frank Oz llevó más lejos el estilo al dar vida al sabio

Frank Oz, actor y titiritero que dio voz al personaje, explicó en una entrevista con The Guardian que el estilo de habla surgió durante el proceso de trabajo con el guion. Oz señaló que ya existían indicios de esa sintaxis en el texto original, pero que decidió llevarla más lejos tras consultarlo con Lucas.

El actor recordó que preguntó si podía mantener ese patrón en todo el personaje y que recibió una respuesta afirmativa. También añadió que cualquier persona puede imitar la voz, pero que el resultado depende de algo más que el sonido, ya que “no es la voz, es el alma”.

La construcción del personaje unió forma de hablar y mensaje

La explicación de Lucas sobre el lenguaje de Yoda se apoya en una observación sencilla sobre el comportamiento del público. El director indicó que cuando el discurso se presenta con una estructura habitual, la atención disminuye, mientras que un patrón extraño obliga a seguir cada palabra con más cuidado.

En ese sentido, el habla invertida actúa como un mecanismo que dirige la atención hacia el contenido del mensaje, porque no son frases normales. Ese pequeño esfuerzo cambia la forma en que se reciben sus palabras y hace que el mensaje pese más.

Esa decisión encaja con el papel del personaje dentro de la historia. Yoda no aparece para lanzar frases rápidas, sino para detener la acción y explicar ideas que requieren tiempo. Sus escenas suelen ser largas y están llenas de reflexiones sobre la Fuerza, el aprendizaje o el fracaso.

Lucas explicó que buscaba justo eso, que el público, sobre todo el más joven, no desconectara en esos momentos en los que Yoda habla durante un buen rato. Necesitaba una forma de mantener la atención sin recurrir a la acción, y el lenguaje fue la herramienta que eligió.

Al final, lo que dice Yoda y la forma en que lo dice van de la mano. Esa relación termina definiendo al personaje y explica por qué su manera de hablar, igual que los sables láser, sigue siendo uno de los rasgos más reconocibles de Star Wars.

Corría el año 1967 y George Lucas era estudiante de cine en la Universidad del Sur de California. El joven que soñaba con ser cineasta desarrolló entonces su primer cortometraje: Electronic Labyrinth THX 1138 4EB. La historia del corto, que presentaba una ciudad subterránea en un futuro distópico, sirvió de base para el que se acabaría convirtiendo en su primer largometraje.

Hablamos de THX 1138, la cual no solo fue la primera película de Lucas como director, sino también la primera que se estrenó bajo el sello de American Zoetrope, productora que el director fundó junto a su amigo y compañero Francis Ford Coppola en 1969. El filme se estrenó en 1971 y fue clave en la trayectoria del cineasta: sin él, probablemente nunca hubiera desarrollado Star Wars.

La película nos presenta una distopía en la que la sociedad vive bajo tierra y está controlada por un estado totalitario, lo que la deja totalmente despersonalizada. Fuertemente influenciada por la historia que George Orwell presentó en 1984, el largometraje plantea un gobierno que suprime las emociones de los ciudadanos, obligados a tomar sustancias para mantenerse obedientes.

La historia comienza con THX 1138, personaje que comienza a rebelarse contra el sistema al dejar de tomar sus medicinas y buscar libertad. Apodos como el del protagonista son un antecedente directo de los nombres que Lucas dio más tarde a algunos de los droides de La guerra de las galaxias como R2-D2 y C-3PO. 

El fracaso que derivó en la nueva galaxia

Lucas contó con el apoyo de Warner Bros. para distribuir la película, pero el estudio pronto mostró sus diferencias con el filme del cineasta. En 1970, antes del estreno, insistieron en verla, pero los resultados no fueron los esperados: consideraron que la película era demasiado fría, experimental y difícil para el público general.

En el documental A Legacy of Filmmakers: The Early Years of American Zoetrope (2004), el director explicó que en aquellos momentos sintieron que el fracaso de la película era inminente. “Nadie sabía qué hacer con THX 1138”, compartió. Pese a aquellas diferencias, el filme consiguió estrenarse en 1971, con un rendimiento que casi hizo quebrar a American Zoetrope.

Lucas quedó especialmente tocado por el hecho de que su idea no funcionara y se planteó el enorme objetivo cinematográfico de crear una película comercial. Esto le llevó varios años, pero terminó desarrollando el universo de Star Wars, en el que combinó la ciencia ficción con un tono más épico y emocionante que finalmente consiguió conquistar al público. Reto más que conseguido.

A mediados de la década de 1970, las ganas de revivir Star Trek estaban en pleno auge. Aunque la serie original se emitió entre 1966 y 1969, esta siguió apareciendo en televisión tiempo después, lo que hizo que nuevas generaciones descubrieran a la tripulación y se convirtieran en fans de la franquicia. En este contexto, nació la idea de hacer una película.

Star Trek: Planet of the Titans fue el nombre que recibió el proyecto cinematográfico que empezó a desarrollarse en 1976, un año antes de que la serie de televisión Star Trek: Phase II se pusiera en desarrollo y tres años antes del estreno de Star Trek: The Motion Picture, el que acabó siendo el primer largometraje ambientado en este universo.

En aquel momento, la película parecía haberse convertido en una prioridad para Paramount Pictures, especialmente después de que el primer transbordador espacial, originalmente llamado Constitution, fuera renombrado Enterprise, como la nave insignia de la serie, tras una campaña de los fans. 

El proyecto, que correría a cargo de la dirección de Philip Kaufman, tendría un enfoque mucho más filosófico que la serie original, con una trama que incluía la desaparición del personaje del capitán Kirk, así como un viaje en el tiempo. El estudio se comprometió a financiar la película con unos 10 millones de dólares, pero de pronto cambió de opinión.

“No hay futuro en la ciencia ficción”

“Todavía recuerdo la noche en que estaba a punto de terminar. Estaba escribiendo y me quedé despierto toda la noche, sabía que tenía una gran historia. Recuerdo lo nervioso que estaba intentando levantarme de mi mesa de escribir y llamé a Rose, mi esposa, y le dije: 'Ya lo tengo, conozco de verdad esta historia'”, compartió Kaufman. 

El director no podía imaginarse que aquel proyecto en el que había estado trabajando se había caído. “Justo entonces sonó el teléfono. Era Jerry Isenberg [productor ejecutivo] diciendo que el proyecto había sido cancelado. Le pregunté: '¿Qué quieres decir?', y me respondió: 'Dicen que no hay futuro en la ciencia ficción'”. 

Es irónico pensar ahora en esa frase, teniendo en cuenta que apenas unos meses después llegó a cines la primera película de Star Wars. Después de todo, sí que había futuro para este género que George Lucas consiguió explotar y que, décadas después, sigue generando nuevas series y películas asociadas.

La trilogía original de Star Wars presentó a uno de los mejores villanos de la historia del cine. Darth Vader apareció por primera vez en el Episodio IV – Una Nueva Esperanza (1977), conocimos su relación con Luke Skywalker en el Episodio V – El Imperio Contraataca (1980), y finalmente su arco como villano y redención culminó en el Episodio VI – El Retorno del Jedi (1983). Tres películas fueron suficientes para que George Lucas desarrollara a uno de los personajes más emblemáticos de toda la saga ambientada en una galaxia ficticia.

Pero lo más curioso del personaje que pasó a la historia por decir la frase “yo soy tu padre” es que, pese al éxito y el cariño que alcanzó por parte del público, este apenas apareció en pantalla. Al villano principal de las películas solo lo vemos un total de 44 minutos y 19 segundos durante la trilogía original de Star Wars. Según el medio Gold Derby, Darth Vader apareció 11 minutos y 30 segundos en el episodio IV; 14 minutos y 42 segundos en el episodio V; y 18 minutos y 7 segundos en el episodio VI.

Con estos escasos minutos de metraje, Vader superó a personajes como Yoda. El maestro de 900 años solo aparece en 17 minutos y 55 segundos de la trilogía original. El villano también apareció más que Obi-Wan Kenobi, el personaje interpretado por Alec Guinness que tuvo su protagonismo a lo largo de 23 minutos y 13 segundos. Sin embargo, muchos otros personajes superaron al ejecutor del Emperador Palpatine en lo que a tiempo en pantalla se refiere.

Luke Skywalker, interpretado por Mark Hamill, es el gran protagonista de las tres primeras películas de la franquicia, donde aparece 1 hora, 58 minutos y 44 segundos. Le siguen Han Solo (1 hora, 12 minutos y 37 segundos), la princesa Leia Organa (1 hora, 3 minutos y 40 segundos), el robot C-3PO (1 hora, 2 minutos y 35 segundos), Chewbacca (52 minutos y 4 segundos) y el pequeño R2-D2 (49 minutos y 24 segundos).

El desarrollo de Darth Vader

El primer borrador del guion de Una Nueva Esperanza (1997) nos presenta al villano de la historia bajo el nombre de “General Imperial Vader”. El director explicó después que estuvo bastante tiempo dándole vueltas al nombre del personaje, buscando variaciones de “dark water” (“aguas oscuras”). Finalmente, Lucas acabó decantándose por Darth Vader por su doble sentido: “vader” significa literalmente “padre” en holandés.

El emblemático traje que lleva en las películas juega un papel fundamental en la trama, por lo que su concepción fue fundamental a la hora de desarrollar el personaje. Anakin Skywalker sufrió heridas mortales en su duelo contra su maestro jedi Obi-Wan Kenobi en el planeta Mustafar y su traje mecánico es el que lo mantiene con vida. El emperador Palpatine fue el que se lo otorgó antes de convertirse en Darth Vader.

A lo largo de la historia de la franquicia de La guerra de las galaxias, el personaje ha sido interpretado por varios actores, entre ellos David Prowse, Bob Anderson y C. Andrew Nelson, mientras que la voz icónica que suena en las películas en versión original es la de James Earl Jones, actor estadounidense que falleció en 2024.

La banda sonora es uno de los elementos más importantes de una película. Y algunos grandes éxitos del cine han pasado a la historia por sus melodías épicas, sus armonías únicas o sus fascinantes orquestaciones, de la mano de autores como John Williams, Hans Zimmer, James Horner. Nombres que forman parte de la lista de grandes compositores de nuestro tiempo, a la que se suman artistas emergentes que llegan pisando fuerte, como John Powell, de la saga Cómo entrenar a tu dragón. Precisamente esta banda sonora será una de las que se escuchen este fin de semana en el Auditori Fòrum CCIB de Barcelona, que desde hoy y hasta el domingo acoge un ciclo de conciertos que fusiona la música sinfónica con el séptimo arte.

Esta iniciativa nace de la colaboración entre la Fundació Orfeó Català-Palau de la Música Catalana y la Orquestra Simfònica del Vallès con el objetivo de acercar el género sinfónico al gran público durante las fechas prenavideñas. El programa destaca por su singularidad al ofrecer cinco conciertos que combinan bandas sonoras interpretadas en directo con la proyección de películas icónicas en una pantalla gigante. La propuesta incluye el tributo a Mike Oldfield con Tubular Bells, y las experiencias cinematográficas How to Train Your Dragon, in concert y Star Wars: A New Hope, in concert. Estas producciones están diseñadas para cautivar a espectadores de todas las edades, garantizando una vivencia inmersiva y única.

La elección del Auditori Fòrum CCIB no es casual, ya que el espacio cuenta con una pantalla de 16 metros por 9 metros y una acústica excepcional. Estas características técnicas, sumadas a la comodidad y buena visibilidad desde todas las butacas, lo convierten en el escenario ideal para disfrutar de la música en vivo mientras se siguen las imágenes de las películas, una experiencia que acerca a los amantes del cine y la cultura pop hacia la música clásica y sinfónica gracias a estas bandas sonoras épicas y al gran legado musical de Oldfield. La organización ha preparado un espectáculo centrado en que cada asistente pueda revivir toda la fuerza de la narrativa que se despliega tanto en pantalla como en el escenario.

Maggie Reilly y Nikki Lamborn

El ciclo arranca hoy viernes a las 20:00 horas, con un tributo especial a la obra maestra de Mike Oldfield. El proyecto Opus One, creado por el musicólogo Xavier Alern, será el encargado de interpretar Tubular Bells con la máxima fidelidad al sonido y espíritu del mítico registro de 1973. Esta formación nació específicamente para dar vida a la “trilogía mágica” del compositor británico, que incluye también Hergest Ridge y Ommadawn. Uno de los grandes atractivos de esta primera jornada es la presencia de las cantantes Maggie Reilly y Nikki Lamborn. Reilly, cuya voz es inseparable de los éxitos más populares de Oldfield como Moonlight Shadow o To France, regresa a Barcelona tras su éxito previo en el Palau de la Música. Por su parte, Lamborn, una de las voces más prestigiosas del rock y blues en el Reino Unido, debutará en la ciudad interpretando temas emblemáticos como Earth Moving.

El fin de semana del 20 y 21 de diciembre estará dedicado a la aventura épica de How to Train Your Dragon (Cómo entrenar a tu dragón). Esta producción de DreamWorks se proyectará en alta definición mientras la Orquestra Simfònica del Vallès interpreta la banda sonora original de John Powell, nominada al Oscar y caracterizada por su carácter épico y alegre. Los asistentes podrán revivir la historia de Hipo y el dragón Desdentao en una experiencia que combina acción, humor y una emotividad reforzada por la música en directo, que en esta ocasión contará también con la participación de la Coral Càrmina.

El broche de oro al ciclo lo pondrá la mítica saga galáctica con Star Wars: A New Hope, in concert, los días 22 y 23 de diciembre. Bajo la licencia de Disney Concerts, el film se proyectará íntegramente en versión original subtitulada, acompañado por la icónica partitura de John Williams, ganadora del Oscar. Esta obra inolvidable del cine ha marcado a múltiples generaciones desde su estreno hace más de 45 años y ahora se presenta como un viaje sinfónico inolvidable.

La Orquestra Simfònica del Vallès asume un papel protagonista en estas producciones, consolidando su reputación en la interpretación de música para la imagen. Dirigida por Scott Terrell en las proyecciones de cine, la orquesta ha demostrado previamente su versatilidad en espectáculos como "¡Videojuegos en concierto!", donde interpretó composiciones de títulos como Assassin's Creed o Fallout con gran éxito. La complejidad técnica de sincronizar la orquesta con el metraje en alta definición es uno de los mayores atractivos de esta producción. En cuanto a la accesibilidad y precios, la organización ha dispuesto una gama de opciones que van desde los 25 hasta los 110 euros, con tarifas especiales para personas con discapacidad reconocida superior al 33%.

La vinculación de la música con el cine en este ciclo refleja una tendencia donde los compositores asumen el desafío de crear paisajes sonoros que trascienden la pantalla. Al igual que ha ocurrido recientemente con la música de los videojuegos, estas bandas sonoras han adquirido una entidad propia que merece ser escuchada en grandes auditorios. Es una celebración de la narrativa mítica y los personajes inoblidables a través de la interpretación en vivo. El espectador no solo asiste a una proyección, sino que se sumerge en una marea de sonidos que dan vida a héroes y leyendas de mundos fantásticos.

Compartieron multitud de escenas y, juntos, se convirtieron en el dúo cómico de todas las películas de Star Wars, acompañando las misiones de Leia, Luke y Han. Sin embargo, la dupla de droides compuesta por R2-D2 y C-3PO no consiguió que esa alianza cinematográfica se trasladara a la vida real. Kenny Baker y Anthony Daniels, los actores que los encarnaban, nunca llegaron a congeniar. Fueron ellos mismos los que revelaron ante los medios de comunicación que no se soportaban. 

Todo empezó en 2005, cuando Daniels cargó contra su compañero de reparto. “Anthony no se relaciona en absoluto, se mantiene al margen. Nunca quiere tomar una copa con ninguno de nosotros. Una vez, cuando le saludé, simplemente me dio la espalda y dijo: ‘¿No ves que estoy manteniendo una conversación?’. Yo estaba que ardía de rabia”, señaló el intérprete de C-3PO en una entrevista para Hollywood.com entonces.

Los seguidores de la saga de películas daban por hecho que, al compartir tantas escenas, ambos actores debieron pasar mucho tiempo juntos durante los rodajes. Sin embargo, en 2006, Baker desmintió esa idea. “Estábamos ambos dentro de nuestros droides. No había ninguna conexión entre nosotros. No podíamos oírnos ni vernos”, compartió. 

En parte, esta desconexión también se debía a la preparación que necesitaba cada personaje. “Él llegaba una hora antes que yo para meterse en el disfraz, mientras que yo solo necesitaba 5 minutos para meterme en R2. Cuando terminábamos, ellos quitaban la tapa y ¡yo estaba fuera! Él necesitaba otra hora para quitarse el traje. Así que nunca nos vimos demasiado”. 

Los ataques continuaron después

Pero los malos comentarios de uno a otro en los medios de comunicación no se detuvieron entonces. “Pensé que solo era conmigo con quien no se llevaba bien, pero hace poco descubrí que no se lleva bien con nadie. Si se calmara y socializara con todo el mundo, podríamos conseguir un dineral haciendo giras por ahí”, declaró Baker en 2009. El actor denunció entonces que Daniels lo había llamado “hombrecito” para burlarse de su estatura. “Realmente me degradó y me hizo sentir pequeño, por decirlo de alguna manera. Pero es grosero con todos, incluso con los fans”, sentenció.

Las pullitas siguieron, pero el ambiente se relajó un poco hace diez años, cuando llegó a cines Star Wars: El Despertar de la Fuerza. En una entrevista con The Mirror, Daniels intentó quitarle hierro al asunto. “Ha estado diciendo cosas desagradables sobre mí. No voy a comentar nada”, compartió. El actor explicó entonces que su compañero no había manejado al mítico R2-D2 en el Episodio VII: “No estaba en el rodaje. No lo he visto durante años”. 

Kenny Baker falleció un año más tarde del estreno de aquella película. La guerra entre ambos se había acabado para siempre, pero el intérprete de C-3PO no dudó en dejarle un mensaje en sus redes sociales. “Triste de escuchar sobre el fallecimiento de Kenny, uno de los miembros originales del reparto y famoso por su papel como R2. Siempre será recordado por muchos fans”, escribió en su perfil de X.

Lo que podía haber supuesto un largo y costoso litigio judicial termina con un apretón de manos y un cheque de 1.000 millones. Disney ha formalizado este jueves su entrada en el accionariado de OpenAI con una inversión de ese calibre, una operación marca un hito en la relación entre los grandes estudios de Hollywood y las empresas desarrolladoras de inteligencia artificial generativa: incluye una licencia especial para que OpenAI use el material protegido con derechos de autor de Disney.

El contrato, con una duración inicial de tres años y que incluye la posibilidad de comprar más acciones en el futuro, convierte a Disney en el primer gran socio de contenidos de OpenAI. La clave del pacto reside en que la compañía de entretenimiento permitirá que los usuarios de Sora —la red social de generación de vídeo sintético de OpenAI— utilicen legalmente más de 200 personajes de sus franquicias, incluyendo los de la propia Disney, Pixar, Marvel y Star Wars.

La irrupción de Sora en octubre generó el enésimo conflicto para OpenAI, ya que la herramienta no contaba con ningún control para impedir que los usuarios crearan contenidos con personajes protegidos con derechos de autor. Los miembros, a través de órdenes de texto, pueden generar vídeos cortos con cualquier figura pública o de ficción sin permiso de las personas que son representadas o de los propietarios de los derechos.

Los actores humanos, excluidos

Según los términos del acuerdo revelados por Disney, los usuarios de Sora podrán generar vídeos cortos con figuras icónicas como Mickey Mouse, Iron Man o Darth Vader. No obstante, el contrato excluye explícitamente el uso de voces y la imagen de actores reales. Solo se permite el uso de personajes animados, enmascarados o criaturas digitales.

Como parte del trato, la empresa de Sam Altman se ha comprometido con Disney a implementar “controles robustos” y filtros de seguridad específicos, una exigencia impuesta por la multinacional tras los incidentes donde los usuarios han utilizado la IA de Sora para generar “contenido inapropiado” con sus personajes infantiles.

Además de la inversión, el contrato convierte a Disney en un socio preferente de OpenAI. La multinacional desplegará herramientas como ChatGPT y la propia Sora entre sus empleados para el desarrollo de procesos internos y nuevas “experiencias”, y distribuirá una selección de vídeos generados por IA en su plataforma de streaming Disney+.

El movimiento de Disney establece una hoja de ruta para la industria de la IA en la que el uso de los contenidos protegidos deberá contar con un permiso expreso, al menos en los contenidos audiovisuales. La multinacional mantiene litigios abiertos con los desarrolladores del generador de imágenes Midjourney y la empresa china Minimax, a las que acusa de piratería. También ha revelado que ha enviado cartas de advertencia a la startup Character.AI, que permite diseñar chatbots en los que la IA puede actuar en base a las características e imagen de personajes de ficción.

El acuerdo llega cuando tanto OpenAI como otras empresas del sector de la IA mantienen juicios abiertos con escritores y guionistas, que los acusan de haber entrenado estos sistemas con sus obras sin su permiso y sin compensación.

Star Wars es todo un fenómeno mundial desde que se estrenó Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza en 1977. La película, dirigida por George Lucas, revolucionó el cine de ciencia ficción y, desde entonces, la saga se ha convertido en un referente cultural que ha generado cientos de productos asociados: libros, cómics, videojuegos, nuevas películas y también series de televisión. 

Una de las series más populares de los últimos años es The Mandalorian, la serie protagonizada por Pedro Pascal que sigue la historia de un cazarrecompensas llamado Mando, encargado de proteger a Grogu, un pequeño extraterrestre verde. Cada uno de los primeros capítulos de la serie, que estrenó su primera temporada en 2019, contó con un presupuesto de unos 15 millones de dólares. Pero es esta la serie de Star Wars más cara de la historia.

Según ha recopilado Forbes, la producción con mayor presupuesto de esta franquicia es Andor, la precuela de la película Rogue One: una historia de Star Wars y que sigue al personaje Cassian Andor cinco años antes de los eventos de este largometraje. La serie estrenó su primera temporada en 2022, mientras que los doce capítulos de la segunda entrega llegaron a Disney+ entre abril y mayo de este año.

La revista de negocios estadounidense señala que el gasto que Disney ha hecho en Andor hasta finales de 2024 llegó hasta los 705,5 millones de dólares. La cifra podría ser mayor, teniendo en cuenta que la segunda temporada no se estrenó hasta abril de 2025, pero ya con esta ha marcado un récord. La serie ha superado a cualquier otra producción de Star Wars, incluyendo El despertar de la fuerza (2015), que costó 446,6 millones. 

En el momento de su estreno, Andor también hizo historia: según recoge la revista Sensacine, la segunda temporada de la serie consiguió entonces un 99% en Rotten Tomatoes. Con esta puntuación, llegó a superar incluso a Star Wars: Episodio V – El imperio contraataca, que ostentaba en ese momento un 95% de valoraciones. 

Con escenas grabadas en España

Como ya ocurrió con Star Wars: Episodio II - El ataque de los clones, en el que en un momento dado aparece la icónica plaza de España de Sevilla, la serie de Andor también tiene localizaciones grabadas en nuestro país. 

Por ejemplo, algunas escenas del capítulo 2 de la segunda temporada se rodaron en la montaña de Montserrat, una de las más populares de Catalunya. La icónica Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia es otra de las grandes localizaciones donde se rodó la segunda parte. Por su parte, el Castillo de Xátiva, también en la Comunitat Valenciana, se convirtió en un mercado negro intergaláctico.

Adam Driver debutó en el universo creado por George Lucas en 2015, con su primera aparición como Kylo Ren en Star Wars: Episodio VII. El personaje, hijo de Han Solo y Leia y sobrino de Luke Skywalker, volvió a aparecer en Episodio VIII: Los últimos Jedi (2017) y, dos años más tarde, en Episodio IX: El ascenso de Skywalker (2019). Esta podría no haber sido la última. 

Según ha contado el propio Driver en una entrevista reciente con la agencia Associated Press, el actor tenía una idea para hacer una película centrada en su personaje. Volver a participar en la saga de Star Wars era algo que realmente le interesaba desde hacía tiempo. “Había estado hablando de hacer otra desde el 2021. Kathleen Kennedy [presidenta de Lucasfilm] me contactó. Siempre dije: Con un gran director y una gran historia, estaría ahí en un segundo. Me encantó ese personaje y me encantó interpretarlo”, compartió en la entrevista.

Así fue como Steven Soderbergh, director de películas como Traffic, Ocean's Eleven o Erin Brockovich, se unió a su proyecto. Juntos estuvieron trabajando en el guion del posible largometraje, desarrollando la historia que esta podría seguir. Sin embargo, el plan no siguió adelante por la negativa de Disney, al que no le convenció para nada la idea de Driver y compañía. 

Tras la redención de Kylo Ren

Atención spoilers. En El Ascenso de Skywalker, después de la muerte de su abuelo, Darth Vader, y tras enfrentarse a Rey Skywalker, Kylo Ren decide renunciar al lado oscuro y recupera su identidad como Ben Solo. Su arco de redención culmina con un sacrificio para salvar a su compañera. La idea de Driver era revertir ese final y seguir indagando en la historia de Ren.

“Se llamaba La caza de Ben Solo. Les presentamos el guion a Lucasfilm. Les encantó la idea. Entendieron perfectamente nuestro enfoque y por qué lo hacíamos”, explicó el actor a AP. Sin embargo, la franquicia de Mickey Mouse no lo vio tan claro. “Se lo presentamos a Bob Iger [director ejecutivo de The Walt Disney Company] y Alan Bergman [copresidente de Disney Entertainment], y se negaron. No entendían cómo Ben Solo estaba vivo”.

“Pero ya no existe, así que por fin puedo hablar de ello”, añadió el actor. No es el único que ha hablado sobre el proyecto. En un comunicado, Soderbergh compartió su opinión al respecto: “Disfruté mucho haciendo la película en mi cabeza. Siento que los fans no pudieran verla”. La idea quedó en papel mojado y nunca se llegó a materializar en la gran pantalla.

Después de tantos años sin nuevas películas de Star Wars, la espera de los fans está a punto de terminar. En 2026 llegará a cines The Mandalorian and Grogu, el nuevo largometraje de la saga creada por George Lucas. La película espacial western está dirigida por Jon Favreau y es una continuación de la serie de televisión de Disney+, The Mandalorian. El filme está protagonizado por Pedro Pascal, Sigourney Weaver, Jeremy Allen White, y Jonny Coyne.

Pocos nombres han generado tanto consenso en el ámbito del cartelismo cinematográfico como el de Drew Struzan: todos le consideraban un genio. Nacido el 18 de marzo de 1947 en Oregon City, Oregón (EEUU), desde niño demostró una habilidad casi sobrenatural para el dibujo. La falta de recursos en su hogar le obligó a usar materiales poco ortodoxos que el mismo Struzan reconocería más tarde que le sirvieron para enseñarle a trabajar sin necesidad de grandes despliegues instrumentales.

El de Oregón nunca tuvo plan B: con lo ahorrado gracias a trabajos varios, prestamos de amigos y una obsesión por retener cada dólar que pasaba por sus manos, logró inscribirse en el Art Center College of Design de Pasadena, California. En 1970 se graduaría en Bellas Artes con especialización en ilustración.

Struzan empezó trabajando como ilustrador comercial, con toda clase de encargos que iban desde carteles publicitarios a portadas de discos para bandas como Black Sabbath (Sabotage, 1975), una época en la que articularía su sello personal: una técnica mixta de acrílico y una marca de grafito de alta gama cuya textura y abanico cromático denominada lápiz Prismacolor.

El estudio Pyramid Publications fue clave para el artista, ya que entre sus paredes empezó a coquetear con el mundo del séptimo arte. En 1978, Struzan creaba un póster alternativo de Star Wars, conocido entre los fans y coleccionistas como el 'Circus Poster' por su composición y el diseño de sus personajes. Algunos expertos afirman que el proyecto llevaría al ilustrador hasta Steven Spielberg, que un día llegó a calificarle como 'mi artista cinematográfico favorito', pero el propio Struzan afirmó que le conoció antes, en 1974, mientras el segundo rodaba su ópera primera, Sugarland express (titulada en España Loca evasión).

En cualquier caso, en 1981, el ilustrador se haría cargo del cartel de En busca del arca perdida y, con su fama ya disparada, gracias a carteles tan icónicos como el del El imperio contraataca en 1980y más tarde obras como La cosa (1982), El retorno del jedi (1983) y Regreso al futuro (1985), conquistaría el trono de los cartelistas más reputados de Hollywood.

Convertido ya en el artista más ocupado de los 80, sus posters reivindicaban la labor del creador frente a la uniformidad de los cárteles convertidos en copias aburridas de otras copias aburridas y su trabajo pudo verse en películas como Hellboy, Cadena perpetua o la mismísima saga de Harry Potter. Directores de la talla de Guillermo del Toro, Frank Darabont, Robert Zemeckis o Chris Columbus siguieron confiando en su talento y el propio Drew Struzan se hizo famoso, con los originales de sus obras alcanzando precios astronómicos en subastas en Nueva York, Londres o Los Ángeles. Aun así, el estadounidense siempre afirmó que el único factor básico en su fulgurante carrera fue la visión, el apoyo y el talento de su mujer, Cheryle Dylan, con la que se casó en 1967 y que él consideraba la brújula artística que había guiado sus pasos desde el principio.

El estadounidense fue diagnosticado con alzhéimer hace ya varios años y se retiró de la vida pública. A pesar de ello, los homenajes al artista se han venido sucediendo, especialmente gracias al trabajo de galerías especializadas como Mondo o Vicepress, que han sido capaces de lograr que generaciones que no vivieron la época dorada del de Oregón se engancharan a su trabajo. El ejemplo más claro de esta misión es el cartel original de La cosa, que en su momento pudo verse a cuentagotas pero que la mencionada Mondo, una compañía de Austin, Texas, rescató en dos ediciones limitadas que ahora son piezas buscadas por cinéfilos de todo el mundo.

Spielberg: “Nadie dibujaba como él”

Uno de sus mejores amigos, el realizador Frank Darabont le rindió tributo en su filme La niebla, en la que el protagonista era un pintor de carteles cinematográficos: todas las obras que aparecen en casa de este son trabajos originales de Struzan. Ayer, cuando se supo de la muerte de artista, muchos de los que disfrutaron de su talento recorrieron a las redes sociales para expresar su tristeza.

Spielberg escribió: “Drew creaba arte que era todo un acontecimiento. Sus carteles convirtieron muchas de nuestras películas en destinos... y el recuerdo de esas películas y de la edad que teníamos cuando las vimos siempre vuelve a nuestra mente con solo mirar su icónica imaginería fotorrealista. En su propio estilo inventado, nadie dibujaba como Drew.” Por su parte, Guillermo del Toro publicó: “El mundo ha perdido a un hombre genial, un comunicador extraordinario y un artista supremo. Yo perdí a un amigo: el querido Drew”.

Otros como Jim Lee, presidente de DC y legendario dibujante de Batman, afirmó: “Se va un gigante entre gigantes. Su obra capturó la humanidad, la fuerza y la emoción de sus sujetos de una manera que no se ha visto desde entonces. Gracias por dar vida a todos los grandes momentos de mi infancia y más allá”. Struzan, el último de los titanes que aún resistía el paso del tiempo pasará ahora a ocupar su lugar en el Olimpo de los grandes dioses de la ilustración y el diseño cinematográfico, junto a leyendas como Bill Gold, John Alvin, Saul Bass o Richard Amsel. Por fortuna, su legado perdurará con la misma fuerza que las películas que inmortalizó durante 40 años de carrera.

El rodaje de Star Wars: Starfighter ha comenzado. La que es una de las futuras películas de la franquicia, con Shawn Levy en la dirección y Ryan Gosling como estrella del elenco, se encuentra ya en fase de producción. Así lo ha anunciado la productora Lucasfilm, que ha compartido en redes sociales la primera fotografía del largometraje que llegará a los cines el 28 de mayo de 2027, en la que aparecen Gosling y Flynn Gray en el set de rodaje.

Asimismo, se ha dado a conocer el reparto completo de la película: junto al previamente anunciado Ryan Gosling, estará protagonizada por Flynn Gray, Matt Smith, Mia Goth, Aaron Pierre, Simon Bird, Jamael Westman, Daniel Ings y Amy Adams. La cinta narra una historia independiente y completamente inédita en el universo de la saga, pues se ambienta en una época nunca antes explorada en Star Wars. Aunque no se ha publicado información adicional sobre la trama, la inclusión de Gray en la foto junto a Gosling parece indicar que el joven actor tendrá un papel importante.

“Siento una profunda emoción y un gran honor al comenzar la producción de Star Wars: Starfighter”, ha afirmado el cineasta Shawn Levy en una nota de prensa. “Desde el día en que Kathy Kennedy me llamó para invitarme a desarrollar una aventura original en esta increíble galaxia de Star Wars, esta experiencia ha sido un sueño hecho realidad, tanto a nivel creativo como personal”, ha confesado el director, que se embarca por primera vez en un proyecto de la franquicia.

“Star Wars ha moldeado mi percepción de lo que puede lograr una historia, de cómo los personajes y los momentos cinematográficos pueden permanecer con nosotros para siempre”, ha agregado Levy. “Formar parte de esta galaxia narrativa con colaboradores tan brillantes, tanto dentro como fuera de la pantalla, es la emoción de mi vida”, ha concluido el cineasta. Además de dirigir la cinta, también la produce junto a Kathleen Kennedy. Los productores ejecutivos son Ryan Gosling, Dan Levine, Mary McLaglen y Josh McLaglen. El guion queda en manos de Jonathan Tropper.

La última película del universo de Star Wars que llegó a la gran pantalla fue El ascenso de Skywalker en 2019. Sin embargo, no será necesario esperar hasta 2027 para ver otra entrega de la saga en las salas de cine. El próximo 22 de mayo se estrenará The Mandalorian & Grogu, largometraje dirigido por Jon Favreau y coescrito por Favreau y Dave Filoni. El reparto cuenta con Pedro Pascal, Sigourney Weaver, Jeremy Allen White y Jonny Coyne.

Este 24 de julio llega a los cines de casi todo el mundo ‘Los cuatro fantásticos: primeros pasos' y entre su reparto protagonista se encuentra Pedro Pascal, que es uno de los hombres del momento en el cine a sus 50 años y que se pone en la piel de Reed Richards o también Mr. Fantástico como líder del grupo que forman la familia de superhéroes.

Pedro Pascal: éxito en Hollywood más allá de los 40 años

Pedro Pascal es uno de los ejemplos de éxito tardío en el cine cuando hace una década encadenó los papeles de grandes ficciones de éxito como el de Oberyn Martell en ‘Juego de Tronos’ y del agente Javier Peña en 'Narcos', la primera gran serie original de Netflix como plataforma que colocarían al actor de origen chileno en el éxito de masas que no haría más que crecer en los últimos años con ‘The Mandalorian’ o ‘The Last of us’, que acabó por convertirlo en todo un ídolo.

Pero no todo fue así para Pedro Pascal, que tuvo que labrar su carrera fuera de los focos de Hollywood, con parada incluida en Madrid, donde trabajó como gogó, como él mismo ha recordado en varias ocasiones: “A los 30 se suponía que debía tener una carrera. Después de los 29 sin carrera significaba que estaba acabada, definitivamente”, declaraba en una entrevista hace años.

Los inicios de Pedro Pascal: “Tenía menos de 7 dólares en su cuenta bancaria”

Fue también en su discurso tras ganar del SAG Award, del sindicato de actores, por su papel en ‘The Last of Us’ en 2023, cuando mencionó los inicios complicados de su carrera, en los que vivió con ayuda de su hermana mayor y productora Javiera Balmaceda o su amiga, la también actriz Sarah Paulson:

“Mis comienzos duraron como 15 años. Y estamos hablando de no poder ir al médico, ponerse enfermo, recibir una cirugía o pagar mi alquiler, cuando tenía menos de 7 dólares en mi cuenta. Un pago residual de Buffy Cazavampiros apareció y me arregló el día. Es literalmente la razón por la que pude quedarme en Hollywood y no abandonar”, admitía.

Un inicio como actor que ha vuelto a recordar en una reciente entrevista en Vanity Fair durante la promoción de ‘Los cuatro fantásticos: primeros pasos’ al reconocer: “Tenía menos de 7 dólares en su cuenta bancaria” en el momento que recibió el cheque por su participación en la mítica ‘Buffy Cazavampiros’.

De Buffy Cazavampiros a Juego de Tronos, Narcos y The Last of Us

Este pequeño papel en la mítica serie de los 90 le daría sus primeras oportunidades, y en ella curiosamente estaba acreditado como Pedro Balmaceda haciendo de Eddie, un compañero de estudios de Buffy que acaba convertido en vampiro y que aparece en el cuarto capítulo de la primera temporada.

Desde entonces, Pedro Pascal siguió trabajando hasta encontrar su hueco, por ejemplo, con una larga trayectoria en el teatro, con alguna aparición ocasional en series como 'The Good Wife', 'Homeland' o 'Graceland', y no sería hasta que se puso en la piel del príncipe Oberyn Martell en ‘Juego de Tronos’ para comenzar una carrera de éxito que no ha parado.

De 2015 a 2017 se asentó con el papel de Javier Peña en 'Narcos', serie que contaba en sus primeras dos temporadas la historia de la captura del narcotraficante Pablo Escobar y que fue uno de los primeros grandes éxitos de Netflix, y de ahí pasaría a interpretar papeles en Hollywood de forma habitual hasta llegar a ser el actor del momento en la actualidad.

Cada 4 de mayo, los fans de la guerra de las galaxias celebran el Día Mundial de STAR WARS. ¿El motivo? Un gracioso juego de palabras que -si bien en español pierden todo el significado- en inglés definieron por completo este día como el Día Mundial de STAR WARS. De la mítica frase May the force be with you ('Que la fuerza te acompañe') nace la celebración de este día; pues May the force suena igual que May the forth -May, 4th-, es decir, 4 de mayo.

Explicaciones aparte, vamos a lo que nos gusta: centrar la aventura de STAR WARS en un viaje real. Aunque parezca que toda la acción tuvo lugar en una galaxia muy, muy lejana, lo cierto es que muchos de los escenarios más icónicos de STAR WARS están mucho más cerca de lo que imaginamos: en pleno Mediterráneo. En concreto, en el sur de Túnez, donde George Lucas encontró el decorado natural perfecto para recrear el planeta Tatooine.

La galaxia comienza en el desierto tunecino

La elección de Túnez para crear Tatooine en STAR WARS no fue casual. Sus paisajes áridos, su luz intensa y sus pueblos de arquitectura ancestral convirtieron el sur del país en un lugar ideal para recrear el planeta natal de Luke Skywalker.

Fue en 1977 cuando el equipo de George Lucas llegó por primera vez al país para rodar Episodio IV: Una nueva esperanza. Pero la relación entre la saga de STAR WARS y Túnez no se quedó ahí: también se grabaron escenas de La amenaza fantasma y El ataque de los clones, regresando incluso a algunos escenarios originales.

El pueblo de Matmata, por ejemplo, fue el lugar elegido para ambientar la granja de los Lars, donde vivían Owen y Beru, los tíos de Luke. La casa subterránea, una construcción bereber tradicional, se ha conservado hasta hoy, reconvertida en un pequeño alojamiento rústico que sigue acogiendo a fans de todo el mundo.

De Mos Eisley a Mos Espa: un viaje en el tiempo y en el espacio

Uno de los escenarios más míticos es sin duda la Cantina de Mos Eisley, donde Han Solo dispara primero y se sella una de las alianzas más importantes de la saga.

Aunque la cantina fue recreada en estudio, su exterior se rodó en Ajim, en la isla de Djerba. En esa misma localidad se encuentra también la casa de Obi-Wan Kenobi, tal como aparece en Una nueva esperanza.

Otro de los enclaves clave es el barrio de los esclavos de Mos Espa, construido como un auténtico set en mitad del desierto de Ong Jemel. Allí es donde conocemos a Anakin Skywalker niño y donde se rodó también el Circuito de Mos Espa, escenario de la espectacular carrera de vainas.

Las estructuras siguen en pie, semienterradas por la arena, como un vestigio del cine convertido en ruina arqueológica.

El Mar de Dunas y los Moradores de las Arenas

Los paisajes más inhóspitos del sur de Túnez sirvieron para recrear las regiones desérticas de Tatooine. En el Mar de Dunas, por ejemplo, se ambientaron las escenas en las que los Jawas capturan a R2-D2, así como el primer encuentro entre Luke Skywalker y Obi-Wan Kenobi. También es aquí donde habitan los temidos Moradores de las Arenas.

Quienes viajen hasta estos rincones encontrarán escenarios que siguen resultando familiares, incluso sin necesidad de efectos especiales: desde formaciones rocosas hasta vastas llanuras de arena que se pierden en el horizonte.

Cómo recorrer los escenarios galácticos

Explorar los escenarios de Star Wars en Túnez es una experiencia muy distinta a la de visitar un plató de cine. No hay colas ni tiendas temáticas, pero tampoco hay indicaciones.

Por eso, lo más recomendable es alquilar un coche y recorrer a tu ritmo los puntos clave. No es necesario un vehículo todoterreno, aunque conviene tener precaución al volante: la conducción en Túnez puede ser algo caótica para quienes no están acostumbrados.

También existe la opción de contratar un guía con conductor, aunque el precio puede superar los 100 € por persona y día. En cambio, si se opta por el transporte público, hay que tener en cuenta que las conexiones en el sur del país son limitadas y los horarios poco frecuentes.

Un planeta real con nombre ficticio

Curiosamente, el nombre del planeta Tatooine proviene del pueblo real de Tataouine, en el sur de Túnez. Aunque en la película no se filmó allí, el nombre quedó inmortalizado como uno de los más famosos del universo cinematográfico.

Hoy, con cada aniversario galáctico, crece el número de viajeros que cruzan el Mediterráneo en busca de los lugares donde empezó todo. Porque sí: antes de que existiera el Halcón Milenario, Tatooine ya estaba en el mapa. Solo hacía falta una buena historia para convertirlo en leyenda.

Darth Vader pasa de la galaxia a la naturaleza. El mítico personaje de Star Wars ha servido como fuente de inspiración para bautizar a una nueva especie de insecto marino gigante no descrito hasta la fecha y que ahora ha recibido el nombre de Bathynomus vaderi. Su apellido (vaderi) responde a la apariencia de su cabeza, que es similar al casco distintivo del villano de la saga. 

Este particular villano es un isópodo gigante del género Bathynomus, un tipo de crustáceo que puede alcanzar los treinta centímetros de longitud, aunque popularmente se conocen como “chinches marinas” en Vietnam. 

La especie descrita por los investigadores en la revista ZooKeys pertenece a un grupo conocido como insectos “supergigantes”, que alcanzan longitudes de 32,5 centímetros y pesan más de un kilo. Se ha localizado cerca de las islas Spratly (Vietnam), pero los científicos no descartan que pueda hallarse en otras partes del mar de China meridional. 

Bathynomus vaderi destaca no solo por su tamaño o su peso, como el resto de estos grandes crustáceos que se han convertido en un reclamo gastronómico, sino por la llamativa forma de su cabeza: rectangular y ancha en primera instancia, pero que rápidamente se enfila al final, creado un rostro que evoca a Darth Vader.

Un manjar gastronómico

La comercialización de estos animales no ha dejado de crecer en los últimos cinco años. Los suelen pescar arrastreros que operan en varias zonas de aguas profundas del mar de la China Meridional y en alta mar de provincias en la región costera del centro-sur de Vietnam. Se exponen en los puestos de mercados de mariscos, como el de Hanoi o Ho Chí Minh. Incluso algunos establecimientos y restaurantes anuncian la venta de estos “insectos marinos” en varias plataformas de redes sociales.

Así es como llegó vaderi a manos de estos científicos. En marzo de 2022, el personal de la Universidad de Hanoi compró cuatro individuos de isópodos gigantes de la ciudad de Quy Nhơn y envió dos de ellos a Peter Ng, especialista del Museo de Historia Natural Lee Kong Chian de la Universidad Nacional de Singapur para su identificación y análisis. Pronto se dieron cuenta de que estaban ante una especie no descrita hasta la fecha (2023). 

Tras su identificación y popular bautismo como Darth Vader, los autores de la investigación sostienen que aún se desconocen muchos datos de las profundidades marinas, porque no deja de ser paradójico que una especie tan grande haya podido permanecer oculta durante tanto tiempo. El primer reto es saber qué especies viven en esas aguas; el segundo, fomentar la pesca y el comercio sostenible de isópodos gigantes en el país.