Corría el año 1967 y George Lucas era estudiante de cine en la Universidad del Sur de California. El joven que soñaba con ser cineasta desarrolló entonces su primer cortometraje: Electronic Labyrinth THX 1138 4EB. La historia del corto, que presentaba una ciudad subterránea en un futuro distópico, sirvió de base para el que se acabaría convirtiendo en su primer largometraje.

Hablamos de THX 1138, la cual no solo fue la primera película de Lucas como director, sino también la primera que se estrenó bajo el sello de American Zoetrope, productora que el director fundó junto a su amigo y compañero Francis Ford Coppola en 1969. El filme se estrenó en 1971 y fue clave en la trayectoria del cineasta: sin él, probablemente nunca hubiera desarrollado Star Wars.

La película nos presenta una distopía en la que la sociedad vive bajo tierra y está controlada por un estado totalitario, lo que la deja totalmente despersonalizada. Fuertemente influenciada por la historia que George Orwell presentó en 1984, el largometraje plantea un gobierno que suprime las emociones de los ciudadanos, obligados a tomar sustancias para mantenerse obedientes.

La historia comienza con THX 1138, personaje que comienza a rebelarse contra el sistema al dejar de tomar sus medicinas y buscar libertad. Apodos como el del protagonista son un antecedente directo de los nombres que Lucas dio más tarde a algunos de los droides de La guerra de las galaxias como R2-D2 y C-3PO. 

El fracaso que derivó en la nueva galaxia

Lucas contó con el apoyo de Warner Bros. para distribuir la película, pero el estudio pronto mostró sus diferencias con el filme del cineasta. En 1970, antes del estreno, insistieron en verla, pero los resultados no fueron los esperados: consideraron que la película era demasiado fría, experimental y difícil para el público general.

En el documental A Legacy of Filmmakers: The Early Years of American Zoetrope (2004), el director explicó que en aquellos momentos sintieron que el fracaso de la película era inminente. “Nadie sabía qué hacer con THX 1138”, compartió. Pese a aquellas diferencias, el filme consiguió estrenarse en 1971, con un rendimiento que casi hizo quebrar a American Zoetrope.

Lucas quedó especialmente tocado por el hecho de que su idea no funcionara y se planteó el enorme objetivo cinematográfico de crear una película comercial. Esto le llevó varios años, pero terminó desarrollando el universo de Star Wars, en el que combinó la ciencia ficción con un tono más épico y emocionante que finalmente consiguió conquistar al público. Reto más que conseguido.

A mediados de la década de 1970, las ganas de revivir Star Trek estaban en pleno auge. Aunque la serie original se emitió entre 1966 y 1969, esta siguió apareciendo en televisión tiempo después, lo que hizo que nuevas generaciones descubrieran a la tripulación y se convirtieran en fans de la franquicia. En este contexto, nació la idea de hacer una película.

Star Trek: Planet of the Titans fue el nombre que recibió el proyecto cinematográfico que empezó a desarrollarse en 1976, un año antes de que la serie de televisión Star Trek: Phase II se pusiera en desarrollo y tres años antes del estreno de Star Trek: The Motion Picture, el que acabó siendo el primer largometraje ambientado en este universo.

En aquel momento, la película parecía haberse convertido en una prioridad para Paramount Pictures, especialmente después de que el primer transbordador espacial, originalmente llamado Constitution, fuera renombrado Enterprise, como la nave insignia de la serie, tras una campaña de los fans. 

El proyecto, que correría a cargo de la dirección de Philip Kaufman, tendría un enfoque mucho más filosófico que la serie original, con una trama que incluía la desaparición del personaje del capitán Kirk, así como un viaje en el tiempo. El estudio se comprometió a financiar la película con unos 10 millones de dólares, pero de pronto cambió de opinión.

“No hay futuro en la ciencia ficción”

“Todavía recuerdo la noche en que estaba a punto de terminar. Estaba escribiendo y me quedé despierto toda la noche, sabía que tenía una gran historia. Recuerdo lo nervioso que estaba intentando levantarme de mi mesa de escribir y llamé a Rose, mi esposa, y le dije: 'Ya lo tengo, conozco de verdad esta historia'”, compartió Kaufman. 

El director no podía imaginarse que aquel proyecto en el que había estado trabajando se había caído. “Justo entonces sonó el teléfono. Era Jerry Isenberg [productor ejecutivo] diciendo que el proyecto había sido cancelado. Le pregunté: '¿Qué quieres decir?', y me respondió: 'Dicen que no hay futuro en la ciencia ficción'”. 

Es irónico pensar ahora en esa frase, teniendo en cuenta que apenas unos meses después llegó a cines la primera película de Star Wars. Después de todo, sí que había futuro para este género que George Lucas consiguió explotar y que, décadas después, sigue generando nuevas series y películas asociadas.

La trilogía original de Star Wars presentó a uno de los mejores villanos de la historia del cine. Darth Vader apareció por primera vez en el Episodio IV – Una Nueva Esperanza (1977), conocimos su relación con Luke Skywalker en el Episodio V – El Imperio Contraataca (1980), y finalmente su arco como villano y redención culminó en el Episodio VI – El Retorno del Jedi (1983). Tres películas fueron suficientes para que George Lucas desarrollara a uno de los personajes más emblemáticos de toda la saga ambientada en una galaxia ficticia.

Pero lo más curioso del personaje que pasó a la historia por decir la frase “yo soy tu padre” es que, pese al éxito y el cariño que alcanzó por parte del público, este apenas apareció en pantalla. Al villano principal de las películas solo lo vemos un total de 44 minutos y 19 segundos durante la trilogía original de Star Wars. Según el medio Gold Derby, Darth Vader apareció 11 minutos y 30 segundos en el episodio IV; 14 minutos y 42 segundos en el episodio V; y 18 minutos y 7 segundos en el episodio VI.

Con estos escasos minutos de metraje, Vader superó a personajes como Yoda. El maestro de 900 años solo aparece en 17 minutos y 55 segundos de la trilogía original. El villano también apareció más que Obi-Wan Kenobi, el personaje interpretado por Alec Guinness que tuvo su protagonismo a lo largo de 23 minutos y 13 segundos. Sin embargo, muchos otros personajes superaron al ejecutor del Emperador Palpatine en lo que a tiempo en pantalla se refiere.

Luke Skywalker, interpretado por Mark Hamill, es el gran protagonista de las tres primeras películas de la franquicia, donde aparece 1 hora, 58 minutos y 44 segundos. Le siguen Han Solo (1 hora, 12 minutos y 37 segundos), la princesa Leia Organa (1 hora, 3 minutos y 40 segundos), el robot C-3PO (1 hora, 2 minutos y 35 segundos), Chewbacca (52 minutos y 4 segundos) y el pequeño R2-D2 (49 minutos y 24 segundos).

El desarrollo de Darth Vader

El primer borrador del guion de Una Nueva Esperanza (1997) nos presenta al villano de la historia bajo el nombre de “General Imperial Vader”. El director explicó después que estuvo bastante tiempo dándole vueltas al nombre del personaje, buscando variaciones de “dark water” (“aguas oscuras”). Finalmente, Lucas acabó decantándose por Darth Vader por su doble sentido: “vader” significa literalmente “padre” en holandés.

El emblemático traje que lleva en las películas juega un papel fundamental en la trama, por lo que su concepción fue fundamental a la hora de desarrollar el personaje. Anakin Skywalker sufrió heridas mortales en su duelo contra su maestro jedi Obi-Wan Kenobi en el planeta Mustafar y su traje mecánico es el que lo mantiene con vida. El emperador Palpatine fue el que se lo otorgó antes de convertirse en Darth Vader.

A lo largo de la historia de la franquicia de La guerra de las galaxias, el personaje ha sido interpretado por varios actores, entre ellos David Prowse, Bob Anderson y C. Andrew Nelson, mientras que la voz icónica que suena en las películas en versión original es la de James Earl Jones, actor estadounidense que falleció en 2024.

La banda sonora es uno de los elementos más importantes de una película. Y algunos grandes éxitos del cine han pasado a la historia por sus melodías épicas, sus armonías únicas o sus fascinantes orquestaciones, de la mano de autores como John Williams, Hans Zimmer, James Horner. Nombres que forman parte de la lista de grandes compositores de nuestro tiempo, a la que se suman artistas emergentes que llegan pisando fuerte, como John Powell, de la saga Cómo entrenar a tu dragón. Precisamente esta banda sonora será una de las que se escuchen este fin de semana en el Auditori Fòrum CCIB de Barcelona, que desde hoy y hasta el domingo acoge un ciclo de conciertos que fusiona la música sinfónica con el séptimo arte.

Esta iniciativa nace de la colaboración entre la Fundació Orfeó Català-Palau de la Música Catalana y la Orquestra Simfònica del Vallès con el objetivo de acercar el género sinfónico al gran público durante las fechas prenavideñas. El programa destaca por su singularidad al ofrecer cinco conciertos que combinan bandas sonoras interpretadas en directo con la proyección de películas icónicas en una pantalla gigante. La propuesta incluye el tributo a Mike Oldfield con Tubular Bells, y las experiencias cinematográficas How to Train Your Dragon, in concert y Star Wars: A New Hope, in concert. Estas producciones están diseñadas para cautivar a espectadores de todas las edades, garantizando una vivencia inmersiva y única.

La elección del Auditori Fòrum CCIB no es casual, ya que el espacio cuenta con una pantalla de 16 metros por 9 metros y una acústica excepcional. Estas características técnicas, sumadas a la comodidad y buena visibilidad desde todas las butacas, lo convierten en el escenario ideal para disfrutar de la música en vivo mientras se siguen las imágenes de las películas, una experiencia que acerca a los amantes del cine y la cultura pop hacia la música clásica y sinfónica gracias a estas bandas sonoras épicas y al gran legado musical de Oldfield. La organización ha preparado un espectáculo centrado en que cada asistente pueda revivir toda la fuerza de la narrativa que se despliega tanto en pantalla como en el escenario.

Maggie Reilly y Nikki Lamborn

El ciclo arranca hoy viernes a las 20:00 horas, con un tributo especial a la obra maestra de Mike Oldfield. El proyecto Opus One, creado por el musicólogo Xavier Alern, será el encargado de interpretar Tubular Bells con la máxima fidelidad al sonido y espíritu del mítico registro de 1973. Esta formación nació específicamente para dar vida a la “trilogía mágica” del compositor británico, que incluye también Hergest Ridge y Ommadawn. Uno de los grandes atractivos de esta primera jornada es la presencia de las cantantes Maggie Reilly y Nikki Lamborn. Reilly, cuya voz es inseparable de los éxitos más populares de Oldfield como Moonlight Shadow o To France, regresa a Barcelona tras su éxito previo en el Palau de la Música. Por su parte, Lamborn, una de las voces más prestigiosas del rock y blues en el Reino Unido, debutará en la ciudad interpretando temas emblemáticos como Earth Moving.

El fin de semana del 20 y 21 de diciembre estará dedicado a la aventura épica de How to Train Your Dragon (Cómo entrenar a tu dragón). Esta producción de DreamWorks se proyectará en alta definición mientras la Orquestra Simfònica del Vallès interpreta la banda sonora original de John Powell, nominada al Oscar y caracterizada por su carácter épico y alegre. Los asistentes podrán revivir la historia de Hipo y el dragón Desdentao en una experiencia que combina acción, humor y una emotividad reforzada por la música en directo, que en esta ocasión contará también con la participación de la Coral Càrmina.

El broche de oro al ciclo lo pondrá la mítica saga galáctica con Star Wars: A New Hope, in concert, los días 22 y 23 de diciembre. Bajo la licencia de Disney Concerts, el film se proyectará íntegramente en versión original subtitulada, acompañado por la icónica partitura de John Williams, ganadora del Oscar. Esta obra inolvidable del cine ha marcado a múltiples generaciones desde su estreno hace más de 45 años y ahora se presenta como un viaje sinfónico inolvidable.

La Orquestra Simfònica del Vallès asume un papel protagonista en estas producciones, consolidando su reputación en la interpretación de música para la imagen. Dirigida por Scott Terrell en las proyecciones de cine, la orquesta ha demostrado previamente su versatilidad en espectáculos como "¡Videojuegos en concierto!", donde interpretó composiciones de títulos como Assassin's Creed o Fallout con gran éxito. La complejidad técnica de sincronizar la orquesta con el metraje en alta definición es uno de los mayores atractivos de esta producción. En cuanto a la accesibilidad y precios, la organización ha dispuesto una gama de opciones que van desde los 25 hasta los 110 euros, con tarifas especiales para personas con discapacidad reconocida superior al 33%.

La vinculación de la música con el cine en este ciclo refleja una tendencia donde los compositores asumen el desafío de crear paisajes sonoros que trascienden la pantalla. Al igual que ha ocurrido recientemente con la música de los videojuegos, estas bandas sonoras han adquirido una entidad propia que merece ser escuchada en grandes auditorios. Es una celebración de la narrativa mítica y los personajes inoblidables a través de la interpretación en vivo. El espectador no solo asiste a una proyección, sino que se sumerge en una marea de sonidos que dan vida a héroes y leyendas de mundos fantásticos.

Compartieron multitud de escenas y, juntos, se convirtieron en el dúo cómico de todas las películas de Star Wars, acompañando las misiones de Leia, Luke y Han. Sin embargo, la dupla de droides compuesta por R2-D2 y C-3PO no consiguió que esa alianza cinematográfica se trasladara a la vida real. Kenny Baker y Anthony Daniels, los actores que los encarnaban, nunca llegaron a congeniar. Fueron ellos mismos los que revelaron ante los medios de comunicación que no se soportaban. 

Todo empezó en 2005, cuando Daniels cargó contra su compañero de reparto. “Anthony no se relaciona en absoluto, se mantiene al margen. Nunca quiere tomar una copa con ninguno de nosotros. Una vez, cuando le saludé, simplemente me dio la espalda y dijo: ‘¿No ves que estoy manteniendo una conversación?’. Yo estaba que ardía de rabia”, señaló el intérprete de C-3PO en una entrevista para Hollywood.com entonces.

Los seguidores de la saga de películas daban por hecho que, al compartir tantas escenas, ambos actores debieron pasar mucho tiempo juntos durante los rodajes. Sin embargo, en 2006, Baker desmintió esa idea. “Estábamos ambos dentro de nuestros droides. No había ninguna conexión entre nosotros. No podíamos oírnos ni vernos”, compartió. 

En parte, esta desconexión también se debía a la preparación que necesitaba cada personaje. “Él llegaba una hora antes que yo para meterse en el disfraz, mientras que yo solo necesitaba 5 minutos para meterme en R2. Cuando terminábamos, ellos quitaban la tapa y ¡yo estaba fuera! Él necesitaba otra hora para quitarse el traje. Así que nunca nos vimos demasiado”. 

Los ataques continuaron después

Pero los malos comentarios de uno a otro en los medios de comunicación no se detuvieron entonces. “Pensé que solo era conmigo con quien no se llevaba bien, pero hace poco descubrí que no se lleva bien con nadie. Si se calmara y socializara con todo el mundo, podríamos conseguir un dineral haciendo giras por ahí”, declaró Baker en 2009. El actor denunció entonces que Daniels lo había llamado “hombrecito” para burlarse de su estatura. “Realmente me degradó y me hizo sentir pequeño, por decirlo de alguna manera. Pero es grosero con todos, incluso con los fans”, sentenció.

Las pullitas siguieron, pero el ambiente se relajó un poco hace diez años, cuando llegó a cines Star Wars: El Despertar de la Fuerza. En una entrevista con The Mirror, Daniels intentó quitarle hierro al asunto. “Ha estado diciendo cosas desagradables sobre mí. No voy a comentar nada”, compartió. El actor explicó entonces que su compañero no había manejado al mítico R2-D2 en el Episodio VII: “No estaba en el rodaje. No lo he visto durante años”. 

Kenny Baker falleció un año más tarde del estreno de aquella película. La guerra entre ambos se había acabado para siempre, pero el intérprete de C-3PO no dudó en dejarle un mensaje en sus redes sociales. “Triste de escuchar sobre el fallecimiento de Kenny, uno de los miembros originales del reparto y famoso por su papel como R2. Siempre será recordado por muchos fans”, escribió en su perfil de X.

Lo que podía haber supuesto un largo y costoso litigio judicial termina con un apretón de manos y un cheque de 1.000 millones. Disney ha formalizado este jueves su entrada en el accionariado de OpenAI con una inversión de ese calibre, una operación marca un hito en la relación entre los grandes estudios de Hollywood y las empresas desarrolladoras de inteligencia artificial generativa: incluye una licencia especial para que OpenAI use el material protegido con derechos de autor de Disney.

El contrato, con una duración inicial de tres años y que incluye la posibilidad de comprar más acciones en el futuro, convierte a Disney en el primer gran socio de contenidos de OpenAI. La clave del pacto reside en que la compañía de entretenimiento permitirá que los usuarios de Sora —la red social de generación de vídeo sintético de OpenAI— utilicen legalmente más de 200 personajes de sus franquicias, incluyendo los de la propia Disney, Pixar, Marvel y Star Wars.

La irrupción de Sora en octubre generó el enésimo conflicto para OpenAI, ya que la herramienta no contaba con ningún control para impedir que los usuarios crearan contenidos con personajes protegidos con derechos de autor. Los miembros, a través de órdenes de texto, pueden generar vídeos cortos con cualquier figura pública o de ficción sin permiso de las personas que son representadas o de los propietarios de los derechos.

Los actores humanos, excluidos

Según los términos del acuerdo revelados por Disney, los usuarios de Sora podrán generar vídeos cortos con figuras icónicas como Mickey Mouse, Iron Man o Darth Vader. No obstante, el contrato excluye explícitamente el uso de voces y la imagen de actores reales. Solo se permite el uso de personajes animados, enmascarados o criaturas digitales.

Como parte del trato, la empresa de Sam Altman se ha comprometido con Disney a implementar “controles robustos” y filtros de seguridad específicos, una exigencia impuesta por la multinacional tras los incidentes donde los usuarios han utilizado la IA de Sora para generar “contenido inapropiado” con sus personajes infantiles.

Además de la inversión, el contrato convierte a Disney en un socio preferente de OpenAI. La multinacional desplegará herramientas como ChatGPT y la propia Sora entre sus empleados para el desarrollo de procesos internos y nuevas “experiencias”, y distribuirá una selección de vídeos generados por IA en su plataforma de streaming Disney+.

El movimiento de Disney establece una hoja de ruta para la industria de la IA en la que el uso de los contenidos protegidos deberá contar con un permiso expreso, al menos en los contenidos audiovisuales. La multinacional mantiene litigios abiertos con los desarrolladores del generador de imágenes Midjourney y la empresa china Minimax, a las que acusa de piratería. También ha revelado que ha enviado cartas de advertencia a la startup Character.AI, que permite diseñar chatbots en los que la IA puede actuar en base a las características e imagen de personajes de ficción.

El acuerdo llega cuando tanto OpenAI como otras empresas del sector de la IA mantienen juicios abiertos con escritores y guionistas, que los acusan de haber entrenado estos sistemas con sus obras sin su permiso y sin compensación.

Star Wars es todo un fenómeno mundial desde que se estrenó Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza en 1977. La película, dirigida por George Lucas, revolucionó el cine de ciencia ficción y, desde entonces, la saga se ha convertido en un referente cultural que ha generado cientos de productos asociados: libros, cómics, videojuegos, nuevas películas y también series de televisión. 

Una de las series más populares de los últimos años es The Mandalorian, la serie protagonizada por Pedro Pascal que sigue la historia de un cazarrecompensas llamado Mando, encargado de proteger a Grogu, un pequeño extraterrestre verde. Cada uno de los primeros capítulos de la serie, que estrenó su primera temporada en 2019, contó con un presupuesto de unos 15 millones de dólares. Pero es esta la serie de Star Wars más cara de la historia.

Según ha recopilado Forbes, la producción con mayor presupuesto de esta franquicia es Andor, la precuela de la película Rogue One: una historia de Star Wars y que sigue al personaje Cassian Andor cinco años antes de los eventos de este largometraje. La serie estrenó su primera temporada en 2022, mientras que los doce capítulos de la segunda entrega llegaron a Disney+ entre abril y mayo de este año.

La revista de negocios estadounidense señala que el gasto que Disney ha hecho en Andor hasta finales de 2024 llegó hasta los 705,5 millones de dólares. La cifra podría ser mayor, teniendo en cuenta que la segunda temporada no se estrenó hasta abril de 2025, pero ya con esta ha marcado un récord. La serie ha superado a cualquier otra producción de Star Wars, incluyendo El despertar de la fuerza (2015), que costó 446,6 millones. 

En el momento de su estreno, Andor también hizo historia: según recoge la revista Sensacine, la segunda temporada de la serie consiguió entonces un 99% en Rotten Tomatoes. Con esta puntuación, llegó a superar incluso a Star Wars: Episodio V – El imperio contraataca, que ostentaba en ese momento un 95% de valoraciones. 

Con escenas grabadas en España

Como ya ocurrió con Star Wars: Episodio II - El ataque de los clones, en el que en un momento dado aparece la icónica plaza de España de Sevilla, la serie de Andor también tiene localizaciones grabadas en nuestro país. 

Por ejemplo, algunas escenas del capítulo 2 de la segunda temporada se rodaron en la montaña de Montserrat, una de las más populares de Catalunya. La icónica Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia es otra de las grandes localizaciones donde se rodó la segunda parte. Por su parte, el Castillo de Xátiva, también en la Comunitat Valenciana, se convirtió en un mercado negro intergaláctico.

Adam Driver debutó en el universo creado por George Lucas en 2015, con su primera aparición como Kylo Ren en Star Wars: Episodio VII. El personaje, hijo de Han Solo y Leia y sobrino de Luke Skywalker, volvió a aparecer en Episodio VIII: Los últimos Jedi (2017) y, dos años más tarde, en Episodio IX: El ascenso de Skywalker (2019). Esta podría no haber sido la última. 

Según ha contado el propio Driver en una entrevista reciente con la agencia Associated Press, el actor tenía una idea para hacer una película centrada en su personaje. Volver a participar en la saga de Star Wars era algo que realmente le interesaba desde hacía tiempo. “Había estado hablando de hacer otra desde el 2021. Kathleen Kennedy [presidenta de Lucasfilm] me contactó. Siempre dije: Con un gran director y una gran historia, estaría ahí en un segundo. Me encantó ese personaje y me encantó interpretarlo”, compartió en la entrevista.

Así fue como Steven Soderbergh, director de películas como Traffic, Ocean's Eleven o Erin Brockovich, se unió a su proyecto. Juntos estuvieron trabajando en el guion del posible largometraje, desarrollando la historia que esta podría seguir. Sin embargo, el plan no siguió adelante por la negativa de Disney, al que no le convenció para nada la idea de Driver y compañía. 

Tras la redención de Kylo Ren

Atención spoilers. En El Ascenso de Skywalker, después de la muerte de su abuelo, Darth Vader, y tras enfrentarse a Rey Skywalker, Kylo Ren decide renunciar al lado oscuro y recupera su identidad como Ben Solo. Su arco de redención culmina con un sacrificio para salvar a su compañera. La idea de Driver era revertir ese final y seguir indagando en la historia de Ren.

“Se llamaba La caza de Ben Solo. Les presentamos el guion a Lucasfilm. Les encantó la idea. Entendieron perfectamente nuestro enfoque y por qué lo hacíamos”, explicó el actor a AP. Sin embargo, la franquicia de Mickey Mouse no lo vio tan claro. “Se lo presentamos a Bob Iger [director ejecutivo de The Walt Disney Company] y Alan Bergman [copresidente de Disney Entertainment], y se negaron. No entendían cómo Ben Solo estaba vivo”.

“Pero ya no existe, así que por fin puedo hablar de ello”, añadió el actor. No es el único que ha hablado sobre el proyecto. En un comunicado, Soderbergh compartió su opinión al respecto: “Disfruté mucho haciendo la película en mi cabeza. Siento que los fans no pudieran verla”. La idea quedó en papel mojado y nunca se llegó a materializar en la gran pantalla.

Después de tantos años sin nuevas películas de Star Wars, la espera de los fans está a punto de terminar. En 2026 llegará a cines The Mandalorian and Grogu, el nuevo largometraje de la saga creada por George Lucas. La película espacial western está dirigida por Jon Favreau y es una continuación de la serie de televisión de Disney+, The Mandalorian. El filme está protagonizado por Pedro Pascal, Sigourney Weaver, Jeremy Allen White, y Jonny Coyne.

Pocos nombres han generado tanto consenso en el ámbito del cartelismo cinematográfico como el de Drew Struzan: todos le consideraban un genio. Nacido el 18 de marzo de 1947 en Oregon City, Oregón (EEUU), desde niño demostró una habilidad casi sobrenatural para el dibujo. La falta de recursos en su hogar le obligó a usar materiales poco ortodoxos que el mismo Struzan reconocería más tarde que le sirvieron para enseñarle a trabajar sin necesidad de grandes despliegues instrumentales.

El de Oregón nunca tuvo plan B: con lo ahorrado gracias a trabajos varios, prestamos de amigos y una obsesión por retener cada dólar que pasaba por sus manos, logró inscribirse en el Art Center College of Design de Pasadena, California. En 1970 se graduaría en Bellas Artes con especialización en ilustración.

Struzan empezó trabajando como ilustrador comercial, con toda clase de encargos que iban desde carteles publicitarios a portadas de discos para bandas como Black Sabbath (Sabotage, 1975), una época en la que articularía su sello personal: una técnica mixta de acrílico y una marca de grafito de alta gama cuya textura y abanico cromático denominada lápiz Prismacolor.

El estudio Pyramid Publications fue clave para el artista, ya que entre sus paredes empezó a coquetear con el mundo del séptimo arte. En 1978, Struzan creaba un póster alternativo de Star Wars, conocido entre los fans y coleccionistas como el 'Circus Poster' por su composición y el diseño de sus personajes. Algunos expertos afirman que el proyecto llevaría al ilustrador hasta Steven Spielberg, que un día llegó a calificarle como 'mi artista cinematográfico favorito', pero el propio Struzan afirmó que le conoció antes, en 1974, mientras el segundo rodaba su ópera primera, Sugarland express (titulada en España Loca evasión).

En cualquier caso, en 1981, el ilustrador se haría cargo del cartel de En busca del arca perdida y, con su fama ya disparada, gracias a carteles tan icónicos como el del El imperio contraataca en 1980y más tarde obras como La cosa (1982), El retorno del jedi (1983) y Regreso al futuro (1985), conquistaría el trono de los cartelistas más reputados de Hollywood.

Convertido ya en el artista más ocupado de los 80, sus posters reivindicaban la labor del creador frente a la uniformidad de los cárteles convertidos en copias aburridas de otras copias aburridas y su trabajo pudo verse en películas como Hellboy, Cadena perpetua o la mismísima saga de Harry Potter. Directores de la talla de Guillermo del Toro, Frank Darabont, Robert Zemeckis o Chris Columbus siguieron confiando en su talento y el propio Drew Struzan se hizo famoso, con los originales de sus obras alcanzando precios astronómicos en subastas en Nueva York, Londres o Los Ángeles. Aun así, el estadounidense siempre afirmó que el único factor básico en su fulgurante carrera fue la visión, el apoyo y el talento de su mujer, Cheryle Dylan, con la que se casó en 1967 y que él consideraba la brújula artística que había guiado sus pasos desde el principio.

El estadounidense fue diagnosticado con alzhéimer hace ya varios años y se retiró de la vida pública. A pesar de ello, los homenajes al artista se han venido sucediendo, especialmente gracias al trabajo de galerías especializadas como Mondo o Vicepress, que han sido capaces de lograr que generaciones que no vivieron la época dorada del de Oregón se engancharan a su trabajo. El ejemplo más claro de esta misión es el cartel original de La cosa, que en su momento pudo verse a cuentagotas pero que la mencionada Mondo, una compañía de Austin, Texas, rescató en dos ediciones limitadas que ahora son piezas buscadas por cinéfilos de todo el mundo.

Spielberg: “Nadie dibujaba como él”

Uno de sus mejores amigos, el realizador Frank Darabont le rindió tributo en su filme La niebla, en la que el protagonista era un pintor de carteles cinematográficos: todas las obras que aparecen en casa de este son trabajos originales de Struzan. Ayer, cuando se supo de la muerte de artista, muchos de los que disfrutaron de su talento recorrieron a las redes sociales para expresar su tristeza.

Spielberg escribió: “Drew creaba arte que era todo un acontecimiento. Sus carteles convirtieron muchas de nuestras películas en destinos... y el recuerdo de esas películas y de la edad que teníamos cuando las vimos siempre vuelve a nuestra mente con solo mirar su icónica imaginería fotorrealista. En su propio estilo inventado, nadie dibujaba como Drew.” Por su parte, Guillermo del Toro publicó: “El mundo ha perdido a un hombre genial, un comunicador extraordinario y un artista supremo. Yo perdí a un amigo: el querido Drew”.

Otros como Jim Lee, presidente de DC y legendario dibujante de Batman, afirmó: “Se va un gigante entre gigantes. Su obra capturó la humanidad, la fuerza y la emoción de sus sujetos de una manera que no se ha visto desde entonces. Gracias por dar vida a todos los grandes momentos de mi infancia y más allá”. Struzan, el último de los titanes que aún resistía el paso del tiempo pasará ahora a ocupar su lugar en el Olimpo de los grandes dioses de la ilustración y el diseño cinematográfico, junto a leyendas como Bill Gold, John Alvin, Saul Bass o Richard Amsel. Por fortuna, su legado perdurará con la misma fuerza que las películas que inmortalizó durante 40 años de carrera.

El rodaje de Star Wars: Starfighter ha comenzado. La que es una de las futuras películas de la franquicia, con Shawn Levy en la dirección y Ryan Gosling como estrella del elenco, se encuentra ya en fase de producción. Así lo ha anunciado la productora Lucasfilm, que ha compartido en redes sociales la primera fotografía del largometraje que llegará a los cines el 28 de mayo de 2027, en la que aparecen Gosling y Flynn Gray en el set de rodaje.

Asimismo, se ha dado a conocer el reparto completo de la película: junto al previamente anunciado Ryan Gosling, estará protagonizada por Flynn Gray, Matt Smith, Mia Goth, Aaron Pierre, Simon Bird, Jamael Westman, Daniel Ings y Amy Adams. La cinta narra una historia independiente y completamente inédita en el universo de la saga, pues se ambienta en una época nunca antes explorada en Star Wars. Aunque no se ha publicado información adicional sobre la trama, la inclusión de Gray en la foto junto a Gosling parece indicar que el joven actor tendrá un papel importante.

“Siento una profunda emoción y un gran honor al comenzar la producción de Star Wars: Starfighter”, ha afirmado el cineasta Shawn Levy en una nota de prensa. “Desde el día en que Kathy Kennedy me llamó para invitarme a desarrollar una aventura original en esta increíble galaxia de Star Wars, esta experiencia ha sido un sueño hecho realidad, tanto a nivel creativo como personal”, ha confesado el director, que se embarca por primera vez en un proyecto de la franquicia.

“Star Wars ha moldeado mi percepción de lo que puede lograr una historia, de cómo los personajes y los momentos cinematográficos pueden permanecer con nosotros para siempre”, ha agregado Levy. “Formar parte de esta galaxia narrativa con colaboradores tan brillantes, tanto dentro como fuera de la pantalla, es la emoción de mi vida”, ha concluido el cineasta. Además de dirigir la cinta, también la produce junto a Kathleen Kennedy. Los productores ejecutivos son Ryan Gosling, Dan Levine, Mary McLaglen y Josh McLaglen. El guion queda en manos de Jonathan Tropper.

La última película del universo de Star Wars que llegó a la gran pantalla fue El ascenso de Skywalker en 2019. Sin embargo, no será necesario esperar hasta 2027 para ver otra entrega de la saga en las salas de cine. El próximo 22 de mayo se estrenará The Mandalorian & Grogu, largometraje dirigido por Jon Favreau y coescrito por Favreau y Dave Filoni. El reparto cuenta con Pedro Pascal, Sigourney Weaver, Jeremy Allen White y Jonny Coyne.

Este 24 de julio llega a los cines de casi todo el mundo ‘Los cuatro fantásticos: primeros pasos' y entre su reparto protagonista se encuentra Pedro Pascal, que es uno de los hombres del momento en el cine a sus 50 años y que se pone en la piel de Reed Richards o también Mr. Fantástico como líder del grupo que forman la familia de superhéroes.

Pedro Pascal: éxito en Hollywood más allá de los 40 años

Pedro Pascal es uno de los ejemplos de éxito tardío en el cine cuando hace una década encadenó los papeles de grandes ficciones de éxito como el de Oberyn Martell en ‘Juego de Tronos’ y del agente Javier Peña en 'Narcos', la primera gran serie original de Netflix como plataforma que colocarían al actor de origen chileno en el éxito de masas que no haría más que crecer en los últimos años con ‘The Mandalorian’ o ‘The Last of us’, que acabó por convertirlo en todo un ídolo.

Pero no todo fue así para Pedro Pascal, que tuvo que labrar su carrera fuera de los focos de Hollywood, con parada incluida en Madrid, donde trabajó como gogó, como él mismo ha recordado en varias ocasiones: “A los 30 se suponía que debía tener una carrera. Después de los 29 sin carrera significaba que estaba acabada, definitivamente”, declaraba en una entrevista hace años.

Los inicios de Pedro Pascal: “Tenía menos de 7 dólares en su cuenta bancaria”

Fue también en su discurso tras ganar del SAG Award, del sindicato de actores, por su papel en ‘The Last of Us’ en 2023, cuando mencionó los inicios complicados de su carrera, en los que vivió con ayuda de su hermana mayor y productora Javiera Balmaceda o su amiga, la también actriz Sarah Paulson:

“Mis comienzos duraron como 15 años. Y estamos hablando de no poder ir al médico, ponerse enfermo, recibir una cirugía o pagar mi alquiler, cuando tenía menos de 7 dólares en mi cuenta. Un pago residual de Buffy Cazavampiros apareció y me arregló el día. Es literalmente la razón por la que pude quedarme en Hollywood y no abandonar”, admitía.

Un inicio como actor que ha vuelto a recordar en una reciente entrevista en Vanity Fair durante la promoción de ‘Los cuatro fantásticos: primeros pasos’ al reconocer: “Tenía menos de 7 dólares en su cuenta bancaria” en el momento que recibió el cheque por su participación en la mítica ‘Buffy Cazavampiros’.

De Buffy Cazavampiros a Juego de Tronos, Narcos y The Last of Us

Este pequeño papel en la mítica serie de los 90 le daría sus primeras oportunidades, y en ella curiosamente estaba acreditado como Pedro Balmaceda haciendo de Eddie, un compañero de estudios de Buffy que acaba convertido en vampiro y que aparece en el cuarto capítulo de la primera temporada.

Desde entonces, Pedro Pascal siguió trabajando hasta encontrar su hueco, por ejemplo, con una larga trayectoria en el teatro, con alguna aparición ocasional en series como 'The Good Wife', 'Homeland' o 'Graceland', y no sería hasta que se puso en la piel del príncipe Oberyn Martell en ‘Juego de Tronos’ para comenzar una carrera de éxito que no ha parado.

De 2015 a 2017 se asentó con el papel de Javier Peña en 'Narcos', serie que contaba en sus primeras dos temporadas la historia de la captura del narcotraficante Pablo Escobar y que fue uno de los primeros grandes éxitos de Netflix, y de ahí pasaría a interpretar papeles en Hollywood de forma habitual hasta llegar a ser el actor del momento en la actualidad.

Cada 4 de mayo, los fans de la guerra de las galaxias celebran el Día Mundial de STAR WARS. ¿El motivo? Un gracioso juego de palabras que -si bien en español pierden todo el significado- en inglés definieron por completo este día como el Día Mundial de STAR WARS. De la mítica frase May the force be with you ('Que la fuerza te acompañe') nace la celebración de este día; pues May the force suena igual que May the forth -May, 4th-, es decir, 4 de mayo.

Explicaciones aparte, vamos a lo que nos gusta: centrar la aventura de STAR WARS en un viaje real. Aunque parezca que toda la acción tuvo lugar en una galaxia muy, muy lejana, lo cierto es que muchos de los escenarios más icónicos de STAR WARS están mucho más cerca de lo que imaginamos: en pleno Mediterráneo. En concreto, en el sur de Túnez, donde George Lucas encontró el decorado natural perfecto para recrear el planeta Tatooine.

La galaxia comienza en el desierto tunecino

La elección de Túnez para crear Tatooine en STAR WARS no fue casual. Sus paisajes áridos, su luz intensa y sus pueblos de arquitectura ancestral convirtieron el sur del país en un lugar ideal para recrear el planeta natal de Luke Skywalker.

Fue en 1977 cuando el equipo de George Lucas llegó por primera vez al país para rodar Episodio IV: Una nueva esperanza. Pero la relación entre la saga de STAR WARS y Túnez no se quedó ahí: también se grabaron escenas de La amenaza fantasma y El ataque de los clones, regresando incluso a algunos escenarios originales.

El pueblo de Matmata, por ejemplo, fue el lugar elegido para ambientar la granja de los Lars, donde vivían Owen y Beru, los tíos de Luke. La casa subterránea, una construcción bereber tradicional, se ha conservado hasta hoy, reconvertida en un pequeño alojamiento rústico que sigue acogiendo a fans de todo el mundo.

De Mos Eisley a Mos Espa: un viaje en el tiempo y en el espacio

Uno de los escenarios más míticos es sin duda la Cantina de Mos Eisley, donde Han Solo dispara primero y se sella una de las alianzas más importantes de la saga.

Aunque la cantina fue recreada en estudio, su exterior se rodó en Ajim, en la isla de Djerba. En esa misma localidad se encuentra también la casa de Obi-Wan Kenobi, tal como aparece en Una nueva esperanza.

Otro de los enclaves clave es el barrio de los esclavos de Mos Espa, construido como un auténtico set en mitad del desierto de Ong Jemel. Allí es donde conocemos a Anakin Skywalker niño y donde se rodó también el Circuito de Mos Espa, escenario de la espectacular carrera de vainas.

Las estructuras siguen en pie, semienterradas por la arena, como un vestigio del cine convertido en ruina arqueológica.

El Mar de Dunas y los Moradores de las Arenas

Los paisajes más inhóspitos del sur de Túnez sirvieron para recrear las regiones desérticas de Tatooine. En el Mar de Dunas, por ejemplo, se ambientaron las escenas en las que los Jawas capturan a R2-D2, así como el primer encuentro entre Luke Skywalker y Obi-Wan Kenobi. También es aquí donde habitan los temidos Moradores de las Arenas.

Quienes viajen hasta estos rincones encontrarán escenarios que siguen resultando familiares, incluso sin necesidad de efectos especiales: desde formaciones rocosas hasta vastas llanuras de arena que se pierden en el horizonte.

Cómo recorrer los escenarios galácticos

Explorar los escenarios de Star Wars en Túnez es una experiencia muy distinta a la de visitar un plató de cine. No hay colas ni tiendas temáticas, pero tampoco hay indicaciones.

Por eso, lo más recomendable es alquilar un coche y recorrer a tu ritmo los puntos clave. No es necesario un vehículo todoterreno, aunque conviene tener precaución al volante: la conducción en Túnez puede ser algo caótica para quienes no están acostumbrados.

También existe la opción de contratar un guía con conductor, aunque el precio puede superar los 100 € por persona y día. En cambio, si se opta por el transporte público, hay que tener en cuenta que las conexiones en el sur del país son limitadas y los horarios poco frecuentes.

Un planeta real con nombre ficticio

Curiosamente, el nombre del planeta Tatooine proviene del pueblo real de Tataouine, en el sur de Túnez. Aunque en la película no se filmó allí, el nombre quedó inmortalizado como uno de los más famosos del universo cinematográfico.

Hoy, con cada aniversario galáctico, crece el número de viajeros que cruzan el Mediterráneo en busca de los lugares donde empezó todo. Porque sí: antes de que existiera el Halcón Milenario, Tatooine ya estaba en el mapa. Solo hacía falta una buena historia para convertirlo en leyenda.

Darth Vader pasa de la galaxia a la naturaleza. El mítico personaje de Star Wars ha servido como fuente de inspiración para bautizar a una nueva especie de insecto marino gigante no descrito hasta la fecha y que ahora ha recibido el nombre de Bathynomus vaderi. Su apellido (vaderi) responde a la apariencia de su cabeza, que es similar al casco distintivo del villano de la saga. 

Este particular villano es un isópodo gigante del género Bathynomus, un tipo de crustáceo que puede alcanzar los treinta centímetros de longitud, aunque popularmente se conocen como “chinches marinas” en Vietnam. 

La especie descrita por los investigadores en la revista ZooKeys pertenece a un grupo conocido como insectos “supergigantes”, que alcanzan longitudes de 32,5 centímetros y pesan más de un kilo. Se ha localizado cerca de las islas Spratly (Vietnam), pero los científicos no descartan que pueda hallarse en otras partes del mar de China meridional. 

Bathynomus vaderi destaca no solo por su tamaño o su peso, como el resto de estos grandes crustáceos que se han convertido en un reclamo gastronómico, sino por la llamativa forma de su cabeza: rectangular y ancha en primera instancia, pero que rápidamente se enfila al final, creado un rostro que evoca a Darth Vader.

Un manjar gastronómico

La comercialización de estos animales no ha dejado de crecer en los últimos cinco años. Los suelen pescar arrastreros que operan en varias zonas de aguas profundas del mar de la China Meridional y en alta mar de provincias en la región costera del centro-sur de Vietnam. Se exponen en los puestos de mercados de mariscos, como el de Hanoi o Ho Chí Minh. Incluso algunos establecimientos y restaurantes anuncian la venta de estos “insectos marinos” en varias plataformas de redes sociales.

Así es como llegó vaderi a manos de estos científicos. En marzo de 2022, el personal de la Universidad de Hanoi compró cuatro individuos de isópodos gigantes de la ciudad de Quy Nhơn y envió dos de ellos a Peter Ng, especialista del Museo de Historia Natural Lee Kong Chian de la Universidad Nacional de Singapur para su identificación y análisis. Pronto se dieron cuenta de que estaban ante una especie no descrita hasta la fecha (2023). 

Tras su identificación y popular bautismo como Darth Vader, los autores de la investigación sostienen que aún se desconocen muchos datos de las profundidades marinas, porque no deja de ser paradójico que una especie tan grande haya podido permanecer oculta durante tanto tiempo. El primer reto es saber qué especies viven en esas aguas; el segundo, fomentar la pesca y el comercio sostenible de isópodos gigantes en el país. 

Este sábado, la capital será invadida por un ejército de Stormtroopers. El escuadrón de Star Wars, compuesto por 500 soldados imperiales, desplegará en las calles más céntricas de la ciudad sus tropas como si de un ataque de la Alianza Rebelde se tratase por una buena causa: ayudar en la lucha contra el cáncer.

La acción benéfica, impulsada por la 501st Legion, un colectivo internacional de aficionados de la saga, celebrará un desfile por las calles del centro el próximo 19 de octubre a las 18.00 horas con motivo de su 20 aniversario. El evento solidario, conocido como Training Day, llega este año a su edición número 14 con el objetivo de recaudar fondos en favor de la Asociación Española Contra el Cáncer, causa benéfica a la que se suma la Junta Municipal de Centro.

El desfile arrancará el sábado 19 a las 18.00 horas desde el Centro Deportivo Municipal de la Cebada, en la plazuela de Lina Morgan. De ahí, subirá por la calle Toledo para pasar por plaza de Segovia Nueva, plaza de la Villa, calle Mayor, calle de Bailén, Palacio Real, calle Arenal y Puerta del Sol, para después volver al punto de partida, donde terminará el acto a las 20.00 horas. Tanto la cabecera como el final del acto contarán con bandas sinfónicas que interpretarán los temas musicales de las películas de Star Wars.

La llamada 501st Legion es un grupo de más de 14.400 miembros activos en 69 países del mundo, de los cuales más de 750 (la sección ‘Spanish Garrison’, que cumple 20 años de existencia) son de España. Su cometido es el de recaudar fondos para donarlos a ONG o asociaciones. El evento más grande que realizan en el año en cada país es el denominado Training Day, del que Madrid será este 2024 la ciudad anfitriona.

Plan especial de movilidad

Debido a la afluencia de personas asistentes, que se estima que llegarán a las 60.000, se recomienda al público acudir a ver el desfile en transporte público. La circulación en coche, así como diversas líneas de autobuses, experimentarán modificaciones durante el transcurso del desfile.

Concretamente, las líneas de EMT Madrid afectadas serán las 002, 3, 17, 18, 23, 31, 35, 50, 60, 65, 148 M1 y M3. Asimismo, el desarrollo del acto también puede afectar puntualmente a las entradas a los aparcamientos de Ramales, plaza de Oriente y plaza Mayor.

Tanto en la web del Ayuntamiento de Madrid como en la página web de la Empresa Municipal de Transportes (EMT) se publicarán el plan de movilidad con recomendaciones para asistir al evento y las afectaciones que se produzcan en los servicios públicos.

Ha fallecido el dibujante John Cassaday (Texas, 1971), a la prematura edad de 52 años, según informaba su hermana en redes sociales ayer, 9 de septiembre. La causa de la muerte no ha trascendido.

Cassaday fue uno de los dibujantes de cómic más originales e interesantes de comienzos de los 2000, cuando la industria del comic-book estadounidense buscaba nuevos estilos que renovaran un panorama dominado por la estética hiperbólica, espectacular y poco académica de artistas como Jim Lee o Rob Liefeld. Cassaday era, por el contrario, un dibujante de inspiración clásica, detallista, espectacular en sus composiciones y en su manera de representar la acción, muy cinematográfica, pero también atento a las reglas canónicas del dibujo.

John Cassaday comenzó a publicar en pequeñas editoriales independientes a mediados de los años 90. Su primer encargo de importancia fue un número de la serie Ghost en 1996, publicada por Dark Horse, y protagonizada por una superheroína que alcanzó cierta popularidad en aquella década. Poco después, trabajó en su primera serie limitada, con el guionista Jeff Mariotte, Desperadoes (1998-1999), un wéstern sobrenatural, género muy de moda en la época.

Muy pronto, las grandes editoriales se fijaron en el talento de Cassaday, que comenzó a recibir encargos para algunos especiales. Pero su primer trabajo de envergadura, y uno de los más importantes que llegó a realizar durante su carrera, fue Planetary (1998-2009), junto al guionista Warren Ellis, publicada por el sello Wildstorm de DC Comics. La serie narra la historia de una organización secreta, para la que trabaja un grupo de arqueólogos de lo paranormal con habilidades especiales, que resuelven casos relacionados con otras dimensiones y con diversas anomalías.

A partir de esa premisa, Planetary se desarrolla como una exploración de la cultura popular del siglo XX, desde el pulp hasta los superhéroes, pasando por el terror y la ciencia ficción, ya que está llena de homenajes y versiones de personajes que la convierten en un elaborado cóctel metarreferencial. Al mismo tiempo, supo tener su propia personalidad y brillar en un panorama, el del comic-book comercial, dominado por la copia y la repetición de fórmulas de éxito. Cassaday aplica su estilo detallista y meticuloso en sus personales recreaciones de héroes pulp como Tarzán o Doc Savage, los kaiyu japoneses a lo Godzilla, los superhéroes oscuros de los años 80 o las criaturas de H. P. Lovecraft, entre muchos otros.

En 2002 se encargó de una serie limitada protagonizada por el Capitán América, en su primer encargo importante para Marvel. Entre 2004 y 2008 desarrolló otro de sus trabajos más recordados: Astonishing X-Men, con el guionista y creador de Buffy Cazavampiros Joss Whedon. La pareja creativa asumió el difícil reto de insuflarle nueva vida a la franquicia tras el exitoso y revolucionario paso por la misma del guionista Grant Morrison, y ofrecieron una colección de aventuras frescas y divertidas protagonizadas por Cíclope, Lobezno, Kitty Pryde y el resto de populares mutantes. En esos años, su sofisticado estilo también llamó la atención del mercado francés, y publicó, junto a Fabien Nury, la trilogía Je suis légion (2004-2007) en la editorial Les Humanoïdes Associés.

Tras el fin de Planetary y Astonishing X-Men, prácticamente simultáneo, Cassaday se dedicó a proyectos especiales y portadas, principalmente. Sin embargo, en 2015 llegaría otra obra importante, junto al escritor Jason Aaron: los seis primeros números de una serie de Star Wars producida por Marvel, coincidiendo con la compra de los derechos de la franquicia por parte de Disney, propietaria a su vez de la editorial de Spiderman y los X-Men. Aaron y Cassaday volvieron a las películas clásicas y contaron acontecimientos ocurridos entre Una nueva esperanza (1977) y El imperio contraataca (1980). Contando con el debido tiempo para desarrollar de la mejor manera su particular estilo, Cassaday hizo un excelente trabajo recreando el sabor de la saga original y logrando un gran parecido con su reparto, sin caer en el exceso de fotorrealismo.

En 2018 se convirtió en director creativo de la editorial Humanoids. También tuvo cierta relación con la industria audiovisual, ya que trabajó como artista conceptual en films como Watchmen (2009), dirigido por Zack Snyder. Inclusó llegó a ejercer como director en un capítulo de la serie Dollhouse, creada por su colaborador en Astonishing X-Men, Joss Whedon. Además, apareció en diversos documentales sobre la industria del cómic estadounidense.

Cassaday fue reconocido por el sector del cómic como uno de los mejores dibujantes de su generación, dotado de un estilo no exento de influencias, pero también profundamente original. Su personal mezcla de clasicismo norteamericano con referentes europeos sobresalió por encima de propuestas más convencionales, si bien el elevado número de horas de trabajo que exigía su estilo barroco sin duda dificultó su adaptación a una industria que se basa en la entrega mensual de 24 páginas, lo que implica una alta urgencia en los plazos de entrega.

Durante los años en los que trabajó en Planetary y Astonishing X-Men, el nombre de John Cassaday fue habitual en las nominaciones de los premios más importantes de la industria, y fue ganador en 2005 y 2006 del Premio Eisner al mejor dibujante. Su inesperada pérdida supone el adiós de uno de los grandes clásicos modernos del cómic.

James Earl Jones, el actor estadounidense que puso voz a emblemáticos personajes del cine como Darth Vader, de 'Star Wars' (La guerra de las galaxias) o 'Mufasa' en The Lion King (El Rey León), falleció este lunes a los 93 años en su casa del condado de Dutchess, en el Estado de Nueva York.

Jones era uno de los pocos privilegiados miembros del club de los EGOT (es decir, ganador de Emmy, Grammy, Oscar y Tony) y participó en casi 200 producciones en pantalla durante sus 60 años de carrera.

El actor, nacido en 1931 en Arkabutla (Missisipi), era sobre todo conocido por poner voz al personaje de Darth Vader en la trilogía original de 'Star Wars', así como en las entregas más recientes ('Revenge of the Sith', 'Rogue One', 'The Rise of Skywalker') y en las series de televisión 'Obi-Wan Kenobi' y 'Star War Rebels'.

Jones hizo su debut en la gran pantalla en el largometraje de Stanley Kubrick 'Dr. Strangelove o Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba', aunque saltó a la fama en 1970 con su papel en película (The Great White Hope' (La gran esperanza blanca), donde interpretaba al primer campeón afroamericano de los pesos pesados de EE.UU.

Su papel en esta última le llevó a estar nominado al Oscar como mejor actor protagonista en 1971, aunque no se haría con una estatuilla hasta 2012, cuando recibió un Oscar honorífico.

En el cine también participó en otras películas como 'Claudine', 'Field of Dreams' (Campo de sueños) o 'Our Gang' (Nuestra pandilla).

Por su parte, debutó en Broadway en 1958 con 'Sunrise at Campobello' (Amanecer en Campobello), con el que ganó el Tony a mejor obra teatral, y a lo largo de su carrera obtuvo dos de estos premios, uno por su papel en la obra de teatro 'The Great White Hope' (antes de que fuera adaptada a la gran pantalla) y otro por 'Fences'.

Además, fue nominado a los Emmy en ocho ocasiones, ganando dos de estos premios en 1991: uno por su rol como personaje principal en la serie dramática 'Gabriel's Fire ' (La pasión de Gabriel) y otro en la categoría de actor secundario en una miniserie o un especial por 'Heat Wave' (La rebelión).

Alonso Ruizpalacios es uno de esos directores que poco a poco, sin hacer un ruido excesivo, ha ido construyendo una carrera sólida, premiada en festivales, y que ha ido llamando la atención de Hollywood, siempre atento al talento de fuera para colonizarlo y quedárselo para grandes producciones. Ya echó el lazo al triunvirato formado por Alfonso Cuarón, Alejandro González Iñárritu y Guillermo del Toro, todos ellos más dentro de EEUU que en su país natal.

Ruizpalacios está en ese punto en el que tendrá que tomar una decisión, aunque él parece que la tiene clara. El director mexicano ha construido su carrera radiografiando a su país. Lo ha hecho desde apuestas que juegan con lo estético y los géneros, pero que siempre tienen la historia de México de fondo.

La huelga estudiantil de Güeros, o el robo de Museo, servían de materia prima para analizar los conflictos sociales y políticos de México. Así como el juego entre realidad y ficción de Una historia de policías trazaba una mirada a un país precario. Hasta en la recién estrenada La cocina, una adaptación de la obra del mismo nombre ambienta en Los Ángeles, el director analiza lo que significa ser migrante. 

Parece claro que para Ruizpalacios, México es el caldo de cultivo para sus historias, pero sin embargo tampoco renuncia a jugar en ligas más grandes de vez en cuando. Unos episodios de Narcos por aquí; otros de Outer range por allá, hasta llegar a Andor, la serie estrella del universo Star Wars que le ha contratado para dirigir cuatro episodios de su segunda temporada.

Un rodaje que le llevó a Valencia, ciudad a la que ha vuelto para recoger el premio que otorga el Cinema Jove a cineastas con carreras emergentes pero ya referentes para las nuevas generaciones. Un galardón que el año pasado recibió Sean Baker, que meses después ganaría la Palma de Oro por Anora.

El cineasta puede hablar poco de Andor, pero niega que se haya sentido como el personaje protagonista de La cocina, perdido en esa maquinaria industrial norteamericana que tritura todo lo que le echen. “Andor fue una buena experiencia, además había más mexicanos, puede tener a mi director de fotografía y estaba Diego Luna, así que hubo un respeto por las personas extranjeras”, asegura aunque luego confiesa que no todas sus experiencias en EEUU han sido tan positivas: “En otras cosas que he hecho en EEUU sí que he tenido esa sensación que tiene Pedro en La cocina, de necesitar destruir algo”.

Para mí, el cine sirve para explorar mi identidad propia y la de mis seres cercanos. No se trata de un asunto patriótico, se trata de intentar entender el terreno común que tenemos

Alonso Ruizpalacios — Cineasta

De momento tiene claro que quiere seguir mirando a sus raíces. “Para mí, el cine sirve para explorar mi identidad propia y la de mis seres cercanos. No se trata de un asunto patriótico, se trata de intentar entender el terreno común que tenemos, y eso me intriga y me gusta mucho. El cine es una herramienta muy privilegiada para acercarte a algo y profundizar. Para mí el tema recurrente es México, sus diferentes zonas, su historia. Ahora estoy escribiendo una película histórica, en 1800 y estoy leyendo mucha historia y eso me parece un trabajo privilegiado y fascinante, usar el cine para saber de historia y para entender dónde estás parado”, opina el director.

Sabe que desde la industria de EEUU “hay un ejercicio colonizador”. “El aparato americano no tiene límites, pero creo que ahora vivimos en una era interesante, en tanto que la gente viaja más y no tienes que quedarte en un lugar. Esta idea de irse a Hollywood y quedarse ahí, como le pasó a la generación por encima de la mía, como Cuarón, Iñárritu, etcétera, que fueron y se quedaron en Los Ángeles, que al menos un par de ellos viven en Los Ángeles, creo que ya no está. Yo ahora he filmado en EEUU, pero yo sigo viviendo en México y eso me hace querer seguir filmando en México. No me interesa emigrar a Hollywood y contar historias gringas. Si hay una historia interesante que tiene que ocurrir en EEUU, la exploraría, pero nunca dejando atrás México”, dice con contundencia.

Quizás ese sentimiento de pertenencia, pero también el ver cómo otros se van, es lo que ha hecho que el tema migratorio sea otra de las constantes de su cine, un tema que califica como “preocupante” y que “no ha ido hacia a mejor”. “La crisis de migración de mexicanos hacia EEUU, y de otros países de Centroamérica hacia México se ha acrecentado. En La cocina exploramos ese universo, pero desde un ángulo un poco distinto, porque no cuenta el viaje, sino lo que pasa ya una vez que están allá y no se cumple el sueño o cuál es el precio del sueño”, apunta y subraya que con esta película también quería “explorar la maquinaria aplastante del capitalismo tardío y cómo no deja espacio para los sueños”.

En la ceremonia en donde recogió el premio del Cinema Jove, Ruizpalacios citó a Víctor Erice, un cineasta al que admira, aunque con sinceridad reconozca que lo conoció tarde y estuvo fuera de ese rito iniciático de querer ser director: “Mi momento fundacional es lo más anti Erice que puede ser. El otro día le escuchaba hablar y lo primero que pensé es la distancia enorme que hay entre una persona tan brillante como él, con una trayectoria tan rigurosa, y el resto de los mortales. Él decía que sus películas fundacionales eran de Dreyer y Chaplin, y yo pensaba que la mía es ¿Quién engañó a Roger Rabbit? Esa fue la película que me hizo decir, qué es esto del cine. Diré en mi defensa que tenía ocho años, pero me sigue pareciendo una película fantástica. Mi generación se crió con el cine de EEUU de los ochenta. Nos inundaban con él y fue lo que nos impresionó y nos entusiasma. Hay que ser honestos y aceptarlo, y después tratar de transformarlo en algo más, no solo replicarlo”. 

Tiene claro cuál es el reto del cine del futuro, y es romper la barrera de clase que sigue existiendo en cuanto a quienes llegan a contar las historias, pero en donde cree que “de hace 20 años acá creo que ha habido un gran avance y evidentemente el digital ha tenido mucho todo que ver con eso, con una mayor democratización, aunque nunca va a ser una democracia perfecta porque el cine tiene una estructura industrial y vertical”.

La ovación más calurosa de este Festival de Cannes llegó el último día, y no fue para una película, sino para un director que hace casi 20 años que no dirige. George Lucas apareció en el teatro Debussy y el patio de butacas se vino abajo. Pocos directores han logrado lo que él, que una saga como Star Wars haya traspasado cualquier barrera generacional. Son las películas que pasan de padres a hijos. Aquellas que se ven en familia, las que hacen a un niño de 10 años maravillarse ante el espectáculo que ve en la pantalla y creer en lo imposible.

Una saga en la que nadie creía y que George Lucas se empeñó en sacar adelante costara lo que costara. Quizás por eso su lema es “perseverancia”. Lo repitió varias veces en la masterclass que dio en Cannes y donde repasó su carrera desde los inicios hasta que cambió la industria para siempre. Él mismo lo reconoció. Más allá del éxito comercial, quizás lo que más rompió a Hollywood fue que gracias a sus películas las licencias para crear muñecos y merchandising se convirtieron en la mayor fuente de dinero de las productoras. Un cambio que también hizo que la industria del cine se parezca más a una fábrica de souvenirs que a una que hace películas. 

Repasó sus inicios, y mientras que otros cineastas tienen claro esa película que les hizo querer dirigir, él no menciona ninguna, pero sí que no era un buen estudiante, y que comenzó a estudiar antropología y ciencias sociales. Gracias a un amigo se fue a la Universidad de California del Sur y entró en un departamento de fotografía que resultó ser… de cine. “Pensé que esto era una locura, llegas a la Universidad y haces películas cuando en aquella época solo había unas pocas docenas de escuelas de cine”, recordó. Allí descubrió el cine, especialmente el de animación, porque en su pueblo solo había dos salas. Una para la serie B y otra para el cine más comercial. Fue cuando ya pudo conducir a San Francisco cuando comenzó a ver las películas de las vanguardias y cuando lo tuvo claro. “Eso es lo que quiero hacer”.

No solo hizo eso, sino que junto a una generación de amigos como Martin Scorsese, Paul Shcrader o Francis Ford Coppola, cambiaron las normas en lo que luego se llamaría ‘el nuevo Hollywood’. Para Lucas el cambio estaba en lo que les motivaba. “No estábamos realmente interesados en ganar dinero. Estábamos interesados en hacer películas. Esa fue la gran diferencia. No se entraba en la industria del cine si no tenías un pariente o conocías a alguien, así que ninguno de nosotros pensó realmente que íbamos a poder dedicarnos al cine. Queríamos hacer cine, aunque fueran cortos en la escuela”, dijo Lucas ante una audiencia entregada.

De hecho, son solo ellos a los que enseña sus películas. De sus consejos se fía, pero no deja que nadie opine sobre lo que hace. “Soy cabezón, no quiero que nadie me diga cómo deben ser mis películas. No me gustan los ‘grupos de discusión’, ni los pases previos. Me fío de mis amigos. De Marty, de Francis…”. 

El éxito en el que nadie creía

El punto de inflexión en su carrera llegó con el éxito de American Graffiti. “De repente me convertí en la persona más deseada de Hollywood”, confesaba Lucas, que aprovechó ese momento para vender su idea de Star Wars, “una película muy loca que era como las de los años 30 de ciencia ficción”, y para redactar junto a su abogado un nuevo contrato. Le dijeron que estaba loco. Pero sabía que era la única oportunidad que iba a tener. Fue ahí donde pidió tener las licencias de sus películas. Hablando en plata, la capacidad de hacer camisetas y merchandising de Star Wars antes incluso de que se estrenara. En aquel acuerdo también dejó claro que aquello era una trilogía. 

Pero aunque el jefe de la Fox le había comprado su idea, solo había tres personas en toda la compañía que tuvieran “fe en la película”. “El estudio no tenía fe en la película. Pensaban que no iba a funcionar, y cuando se la enseñé terminada dijeron que la odiaban, que era una película estúpida y que no la querían. Hasta intentaron venderla, pero al final no lo hicieron. Eso sí, la estrenamos en muy pocos cines, en 32 salas, pero el éxito que tuvo hizo que llegáramos a más de mil, algo inaudito en aquel momento”, explicó Lucas. El resto es historia.

Los críticos y los fans se enfadaron con el 'Episodio I' porque decían que era una película para niños. Es que 'Star Wars' siempre ha sido una película para niños

Lo que nunca entendió es que redujeran Star Wars a conceptos simplistas. “Star Wars no es una película de naves espaciales, es mucho más”, dijo ante el aplauso de la sala y explicó que el origen de la franquicia más popular de la historia del cine está en un sitio más oscuro, la guerra de Vietnam. “El propósito de hacerla nació durante la Guerra de Vietnam. Yo iba a hacer Apocalypse Now, pero no pude hacerla finalmente. Mi versión era una sátira, algo parecido a Teléfono rojo, volamos hacia Moscú. Francis le bajó el tono, y como le encantaba El corazón de las tinieblas lo cambió por algo más serio y más extraño”.

“Star Wars siempre ha sido una película para niños de 12 años. Siempre fue pensada de esa manera, para los niños durante la Guerra de Vietnam. En aquel momento todos estábamos a punto de ser reclutados y la gente regresaba en ataúdes. Estábamos saliendo a la calle por los derechos civiles y viviendo momentos muy oscuros, y pensé que quería hacer algo muy poderoso para los niños. Dije, ‘quiero hacer una película para niños de 12 años que están pasando por la pubertad y que no saben lo que están haciendo y por qué están aquí y haciéndose muchas preguntas”, desveló el director.

Repitió muchas veces algo de lo que no se avergüenza. Al revés, lo subraya. Y es que Star Wars es una saga para gente entre 10 y 15 años. Contestó así a las críticas que tuvo el Episodio I, que fue “destrozada por los críticos y los fans que tenían diez años cuando vieron el Episodio IV”. “Dijeron que era una película para niños y que no querían ver una película para niños, sino una de adultos. Que Jar Jar Binks era terrible. Justo lo mismo que dijeron sobre C3PO, que era irritante y que me deshiciera de él. O de los Ewoks, que decían que eran osos de peluche, que eran para niños pequeños. Es que esta es una película para niños y Star Wars siempre ha sido para niños”, zanjó.

También contestó a otras de las críticas que se han hecho a las diferentes entregas de la saga, como por ejemplo que solo hubiera hombres blancos: “Un comentario que ignora que casi todos los personajes son extraterrestres y que la idea de la película es que hay que aceptar a las personas por lo que son, sean peludas o de color verde. En la película los únicos que son discriminados son los robots. Está ese momento en donde les dicen que ellos no pueden entrar, y era una forma de decir que siempre alguien encontrará una razón para discriminar a alguien”. La crítica fue, después, que no hubo mujeres, y ahí Lucas se puso serio, porque para él Leia es “la auténtica heroína de la película”. En Cannes el héroe fue él, un cineasta retirado que hizo que en el templo del cine de autor la gente aplaudiera hasta que le dolieron las manos a aquel que les hizo creer en una puesta de sol binaria, en la velocidad de la luz, y en que podían mover cosas gracias a la fuerza.

El artífice de Indiana Jones y Star Wars, George Lucas, recibirá la Palma de Oro honorífica en la 77ª edición del Festival de Cannes, que se celebrará entre los próximos 14 y 25 de mayo. El cineasta ha asegurado en un comunicado que el certamen francés “siempre” ha ocupado un “lugar especial” dentro de su corazón. “Me sorprendió cuando mi debut, THX-1138 fue seleccionado en el entonces nuevo programa dedicado a óperas primas llamado Director's Fortnight”, ha recordado el artista sobre la primera de las “numerosas” ocasiones en las que ha regresado a la muestra como “guionista, director y productor”.

“Este reconocimiento significa mucho para mi”, ha añadido el premiado. Desde el Festival de Cannes, por su parte, han afirmado estar “encantados” de rendir homenaje a “una de las figuras más grandes del cine contemporáneo. Un hombre con una extraordinaria carrera, que aúna el entretenimiento en mayúsculas con la innovación, la mitología, la modernidad, la cinefilia y la tecnología”. El estadounidense recibirá el galardón durante la ceremonia de clausura que acogerá el Grand Teatro Lumière el domingo día 25.

El debut que mencionaba el propio cineasta fueTHX 1138 en 1971, en el que contó con el apoyo en la producción de Francis Ford Coppola. En él adaptó uno de los cortos experimentales que había rodado previamente en la Universidad del Sur de California. En él sentó las bases de su filmografía: el uso de la ciencia ficción para denunciar la sociedad de vigilancia, el amor como arma para combatir el destino y el conformismo; y el cambio los valores morales para revertir los papeles del bien y del mal.

American Graffiti le permitió en 1973, además de descubrir a Harrison Ford y dos nominaciones en los Premios Oscar, el espaldarazo para embarcarse en la odisea galáctica con la que reinventó los códigos del cine de género como parte del Nuevo Hollywood. El movimiento que inauguró La jauría humana de Arthur Penn en 1966 y que se extendió hasta principios de los ochenta, modernizando significativamente la producción de películas en la industria estadounidense. La guerra de las galaxias: Episodio IV Una nueva esperanza (1977) se convirtió en un fenómeno socio cultural a nivel mundial que todavía hoy continúa. Posteriormente financió El imperio contrataca (1980) y El retorno del Jedi (1983).

La siguiente franquicia en la que se involucró fue Indiana Jones, cuyo primer título, En busca del arca perdida (1981), dirigió Steven Spielberg en 1981. Lucas ejerció de productor y participó en la idea original. Su gran repercusión derivó en el lanzamiento de otras dos entregas, Indiana Jones y el Templo Maldito (1984) e Indiana Jones y la Última Cruzada (1989). Su pasión por la tecnología le permitió ser pionero en el campo de los efectos especiales. Fundó la compañía Industrial Light & Magic, con la que ayudó a desarrollar diversas técnicas visuales. También fue el responsable de la creación del estudio de animación de Pixar.

“George Lucas siempre ha dado al éxito de taquilla sus cartas de nobleza y a los espectadores de todo el mundo un placer inigualado”, han concluido desde el certamen.

La compañía Disney ha anunciado que invertirá 1.500 millones de dólares (unos 14.000 millones de euros) para hacerse con parte del accionariado de Epic Games, la marca creadora de 'Fortnite', uno de los videojuegos más populares del mundo con 100 millones de usuarios mensuales.

La inversión ha sido anunciada por el CEO de Disney, Bob Iger, en una entrevista con el canal económico CNBC. “Representa probablemente nuestro mayor penetración hecha nunca en el mundo del videojuego”, ha afirmado el ejecutivo después de comunicar los resultados trimestrales de la compañía, bien recibidos por los inversores y que hicieron subir sus acciones un 5,83%.

La multinacional aspira a construir con la ayuda de Epic un “universo de juegos y entretenimiento” para los fans de sus principales franquicias, como Pixar, Marvel y Star Wars.

Iger no ha precisado el valor que la inversión de Disney representarán en Epic Games, una compañía que no opera en Wall Street. En cambió, ha expresado que “no solo es oportuna, sino que representa un importante paso cuando miras las tendencias demográficas sobre cómo pasan su tiempo las generaciones Alfa y Z y hasta los 'millenials'”.

Epic Games ha firmado recientemente acuerdos de colaboración del juego o los contenidos de 'Fortnite' con otros gigantes del entretenimiento como Lego y Harmonix. “Disney fue una de las primeras compañías en creer en el potencial de unir sus mundos con los nuestros en Fortnite, y utilizan Unreal Engine [el motor de desarrollo de videojuegos de Epic] en toda su cartera”, ha declarado Tim Sweeney, fundador y CEO de Epic.