La obra se estrenó el año 2012, en la hoy cerrada sala Kubik Fabrik, del barrio obrero de Usera de Madrid. Una obra llena de rabia, donde se veía a dos cuarentones, españolitos, uno instalador de sanitarios (Javier Gutiérrez) y otro, empleado de seguridad de unos grandes almacenes (Luis Bermejo), zozobrar. Dos personajes llenos de taras afectivas, sociales, éticas y políticas, y perdidos en una sociedad capitalista y de consumo donde los conceptos que habían sustentado este país (familia, trabajo y orgullo de clase media) se tambaleaban.

La situación de partida de El traje es costumbrista y española. Es otoño, todavía no ha llegado la campaña de Navidad, aun así, unos altavoces en unos grandes almacenes anuncian ofertas para poder comprar ropa para el verano. Es el primer día de rebajas. Nos encontramos en los sótanos, en un cuartucho desangelado, en las tripas del monstruo. Al abrirse las puertas del centro, ha habido un aluvión de gente corriendo. Entre tropiezos y personas caídas, un cliente ha intentado coger un traje (Gutiérrez) pero ha acabado discutiendo con una señora mayor que intentaba hacerse con la misma prenda. Ha habido insultos e incluso puños. Hay que aclarar qué ha pasado. El empleado de seguridad (Bermejo) lo interroga.

El traje era un retrato furibundo de una sociedad en descomposición en el que incluso se hacía referencia a Francisco Camps y el escándalo en torno a unos trajes regalados bajo sospecha de cohecho pero de lo que fue absuelto en el juicio. Gutiérrez ha ido a comprar un traje para intentar agarrar una contrata de una obra en Tarragona. Si no lo consigue, va a perder su empresa: “Empecé siendo honrado y me di cuenta de que me pasaban por encima”, se excusa el personaje. Camps, ya en el año 2012 fue absuelto del caso de los trajes: hoy también lo ha sido en la última causa judicial del 'caso Gürtel'. Todo aquello, Valencia, Correa, 'el Bigotes', parece hoy una mala pesadilla del pasado. La pregunta es qué resuena hoy en este texto.

La obra ha sido presentada en su reestreno en el Teatro de La Abadía ―tras su paso en mayo por el Teatro del Soho CaixaBank de Málaga― como un reto de interpretación. Cuenta con dos de los mejores actores de su generación que ahora son aún más conocidos que entonces. Y realmente es un verdadero duelo interpretativo. Gutiérrez y Bermejo bordan el diálogo rápido y componen sus personajes con detalle. El primero más a través de un peso en el cuerpo y la voz. El segundo, a través del gesto esperpéntico y el cuerpo convertido en histrión. Gutiérrez se convierte sin hacer nada, simplemente con su posicionamiento en escena, en el españolito medio que todos reconocemos porque en cierto sentido lo llevamos dentro. Bermejo, a su vez, interpreta a un psicópata funcional, siempre al borde de la locura cercana al Jack Nicholson de El resplandor, pero al mismo tiempo siendo el ser humillado que se han convertido en el amo de un calabozo que no le es propio.

Ambos están tremendos, se gustan y no lo esconden. “A mí me gusta que los actores la disfruten, los tres hemos huido de la impostura, aún con sus carencias, creo que la función ha encontrado su sitio particular”, confiesa Cavestany, autor y director del montaje, a este periódico. “La función pone la mirada sobre dos personajes anónimos, paralelos, que ni siquiera se mirarían, y aquí están abocados a exponerse un poco el uno al otro, con pudor, sin saber hacerlo. Un escombro de masculinidad con el que habría que ver qué hacer”, explica.

La trama se va volviendo kafkiana, la mujer que supuestamente Gutiérrez ha insultado y golpeado, está en la habitación de al lado. Bermejo no deja salir a su interrogado y lo fríe a preguntas inadecuadas, personales, disparatadas. Los roles de poder van cambiando de bando y va aflorando una manera de comportamiento bien masculina y patria, se retan sacando pecho, juegan a quién la tiene más grande. Ambos son un lobo para el hombre en cuanto pueden, pero al mismo tiempo van mostrando sus debilidades, su necesidad del otro, sus soledades y frustraciones. En el fondo de ese diálogo sin fin se ve la mezcla en sus cabezas de una mentalidad nacional católica con el sálvese quien pueda del capitalismo feroz.

Son dos personajes exhaustos, desbordados. Y es ahí donde la pieza gana hoy. Queda rondando en la cabeza del espectador esa primera pregunta, ¿en qué hemos cambiado los hombres desde el año 2012? ¿Sirvió de algo el cambio de paradigma propiciado por el feminismo? ¿En qué ha cambiado esta sociedad en el último decenio? Son preguntas pertinentes, pero sin respuesta.

Berlanga puro hecho teatro

Sin embargo, a la obra le ha venido bien el reposo. En su estreno del 2012 se hablaba de un teatro de tintes pinterianos, haciendo referencia al dramaturgo y Premio Nobel inglés Harold Pinter. La obra contiene trazos de ese teatro; de El montaplatos, sobre todo. Pero hoy, al ver la obra, es el cine de Luis García Berlanga y la escritura de Rafael Azcona los que resuenan fuerte y claro. La de esos personajes vencidos de Plácido (1961), la manera de dibujar personajes de pura coyuntura nacional, sin caer nunca en lo ñoño, enseñando sus defectos y sus limitaciones, pero a los que al final el espectador tiende a salvar al ver cómo sus vidas zozobran en una realidad que ellos no pueden gobernar. Hay un momento de la obra en que ambos discuten, llega alguien de fuera a quien no vemos, golpea la puerta, pregunta si hay alguien ahí dentro. Los dos se abrazan, se tapan la boca mutuamente. Esa imagen es Berlanga puro hecho teatro.

La obra está escrita y dirigida por Juan Cavestany (1967). Más conocido por su faceta en el cine, donde comenzó como guionista en 1999 con Los lobos de Washington, aunque pronto pasó a la dirección, creando piezas de alta comedia negra como Dispongo de barcos (2010), Gente en sitios (2013) o esa estupenda rareza llamada El señor (2012), donde Bermejo da una lección de interpretación frente a la cámara.

Pero Cavestany, desde sus inicios, siempre ha tenido otra faceta, la teatral. Primero junto a la compañía Animalario con quien estrenó Alejandro y Ana. Lo que España no pudo ver del banquete de la boda de la hija del presidente (2003), obra censurada por el gobierno de la Comunidad de Madrid de Alberto Ruiz Gallardón en una España que vivía los últimos coletazos del Gobierno de José María Aznar. Cavestany también es autor de una pieza que es referencia del primer decenio del siglo XXI, Urtain (2008), donde el mismo Bermejo hacía un número de la canción Como yo te amo de Rafael que todavía hoy es recordado.

En los últimos años este madrileño forma parte de un grupo de autores que trabajan en torno a Andrés Lima y que ha dado frutos como Shock. 1 y Shock. 2 o Prostitución. Ahora mismo, está trabajando con Lima un nuevo proyecto, 1936. Al preguntarle sobre el proyecto, Cavestany dice a este periódico que ha escrito varias escenas: “Una es sobre Franco y su padre, otra es una suerte de adaptación de la defensa de Madrid por Miaja según la cuenta Chaves Nogales, otra es sobre comer hierba, el hambre, el desprecio y el daño físico, y otra es un monólogo... Este picoteo luego Andrés lo organiza junto con otros textos suyos, de Mayorga y Boronat”. La obra se presentará la próxima temporada.

En El traje hay también un pequeño monólogo de Bermejo donde el empleado cuenta al empresario de sanitarios un episodio con su hijo en un tiovivo en el que acaba tirado en medio del carrusel, los demás padres miran para otro lado y él se resiente de esa insensibilidad. “Pero luego me di cuenta de que era lo contrario. No habían querido mirar ni decir nada por mi bien. Por no hacerme sentir ridículo. Habíamos hecho un pacto entre todos: que nadie mire. Que nadie se sienta mal. Por eso me sentí muy agradecido y se lo dije: gracias” Ese texto, lleno de vergüenza, miedo y pena, es puro Cavestany.  

Juan Mayorga presentó ante un numeroso público la nueva temporada del Teatro de la Abadía. Una programación extensa y trabajada donde destaca una atenta mirada a la literatura del siglo XX hispanoamericana, nombres de la escena internacional como Jan Lawers o Hanna Schygulla y un cierre de temporada que estará marcado por el estreno de una nueva obra de Mayorga, Los Yugoslavos, que ya tiene actor protagonista, Javier Gutierrez. Pero la presentación, llena de noticias teatrales y que fue conducida por el propio Mayorga, tenía otras cargas y significaciones. 

Mayorga es conocido por su talante elegante y respetuoso. Con finura comenzó la presentación con un siempre cercano Miguel Rellán que leyó un pequeño texto de la obra que presentará el próximo noviembre, El maestro Juan Martinez estaba allí, del escritor Manuel Chaves Nogales, propuesta que estará dirigida por el hoy en boga Xavier Alberti. 

Allí, delante de los responsables políticos sentados en primera fila que son miembros del patronato de la fundación del Teatro de la Abadía, delante de Mariano de Paco, consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid; de Marta Rivera de la Cruz, Delegada del Área de Gobierno Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid; y de Paz Santa Cecilia, directora del Instituto Nacional de Artes Escénicas y Música del Ministerio de Cultura, un gran Rellán leyó un pequeño texto de esa novela que recoge las vicisitudes de un artista de variedades: “Cuando llegaron los alemanes todo cambió, la policía alemana echó de un lado a la policía turca y le hizo la vida imposible a quien no tenía asuntos en regla. Llegaron a expulsar a todas las parejas de artistas de cabaret que no eran matrimonio (…) Yo procuraba estar a buenas con ellos porque uno es artista de cabaret y en todas partes tiene que congraciarse con los que mandan para que le dejen vivir”.

Más tarde ante la pregunta de los periodistas sobre las reflexiones que le suscitaban los resultados de las elecciones europeas en países como Francia, Italia, Austria, Bélgica, Polonia o Hungria, donde la extrema derecha ha crecido como nunca desde la Segunda Guerra Mundial, Mayorga dijo estar preocupado y que todos “debemos encontrar desde donde poder escuchar al otro”, para luego advertir de que “estamos viviendo acontecimientos que pueden anticipar momentos graves”. “Todos estamos convocados a la tarea de que no solo los teatros sean espacios de paz y libertad, sino que todas nuestras ciudades lo sean. Apostemos por la paz y la libertad”, palabras que levantaron el aplauso del público y ante las que Mayorga quiso añadir que una de las misiones del teatro es presentar “como complejo lo que es complejo, si hacemos eso estamos haciendo un trabajo moral y político, Sin embargo, cuando se simplifica y se reduce, cuando se entrega uno al maniqueísmo y la simplificación, se está empezando a atizar un fuego”. 

Tras la presentación algún asistente le conminó a usar la palabra “libertad” con cuidado debido a cierto abuso del término en los últimos tiempos, ante lo que el director decía a este periódico, “no estoy de acuerdo, la seguiré usando, no se la vamos a regalar”. 

La temporada de las adaptaciones literarias

De la temporada presentada destaca la participación de nombres conocidos por el público como Ernesto Alterio que estará junto con Marta Belenguer presentando la obra de Harold Pinter Viejos tiempos, propuesta que dirigirá Beatriz Arguello, o la actriz Emma Suárez que protagonizara la adaptación del libro de Carmen Martin Gaite El cuarto de atrás, obra que dirigirá Rakel Camacho. De Carmen Martin Gaite también se estrenará otra adaptación, de su novela Caperucita en Manhattan, dirigida por Fátima Miranda y que contará con la actriz Mamen García. 

Todos estamos convocados a la tarea de que no solo los teatros sean espacios de paz y libertad, sino que todas nuestras ciudades lo sean. Apostemos por la paz y la libertad

Juan Mayorga — Dramaturgo

De Latinoamérica se contará con tres grandes nombres, José Luis Borges, Juan Rulfo y Julio Cortázar. El último llegará con dramaturgia de José Sanchís Sinisterra y su hija, Clara. La dirección correrá a cargo de Natalia Menéndez. La obra, que contará con textos variados de la obra del argentino, se estructurará a través de la pieza de teatro hecha para radio, Adiós, Robinsón, que nunca se ha representado en España. La compañía de títeres La Chana Teatro presentarán Natalia, a partir del texto de Rulfo Talpa. Y Borges lo hará a través de un proyecto institucional que ya pudo verse en Buenos Aires y Montevideo, Borges y yo, una pieza que es creación y está dirigida por la musa del cineasta Rainer Wender Fassbinder, Hanna Shchygulla, actriz conocida en el país, ya que de manera continua ha ido visitando los escenarios españoles. Mucha adaptación literaria que contrasta con la poca presencia de la danza en la temporada que solo contará con la presencia de Luz Arcas que en tres días diferentes presentará tres piezas, Tona, Trilla y Mariana. 

Otros nombres de la escena presentes en la temporada son Ernesto Caballero, que presentará una Orestiada, Gonzalo Cunill que interpretará el texto dirigido por el creador belga Jan Lawers, Un sublime error, o la joven creadora y también escritora Carla Nyman que abrirá temporada con Hysteria, un trabajo sobre el Hospital de la Salpêtrière donde más de cuatro mil mujeres fueron tratadas como cobayas y exhibidas a la sociedad como material irrecuperable. 

Una programación muy basada en el concepto de autor y de texto que fue apoyada fuertemente por el Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid. “Querido Juan, creo que tu llegada ha sido una bendición para todos, una suerte para los responsables de las administraciones, pero sobre todo ha sido una suerte para el público madrileño”, dijo Marta Rivera de la Cruz. De Paco, a su vez, afirmó que La Abadía es un teatro “que define la oferta cultural de la Comunidad de Madrid, un referente de nuestra línea política”, tras lo cual pasó a recordar la presentación de los Teatros del Canal que tuvo lugar hace unos días y que calificó con cierta confusión en los términos como una “apuesta total por las artes escénicas y la danza”.

Paz Santa Cecilia a su vez quiso remarcar la importancia de la colaboración entre estas tres administraciones que sustentan el proyecto de este teatro que creó el actor José Luis Gómez en 1995, “lo importante es que seguimos sentándonos juntos en el patronato y trabajando para lo que de verdad importa: acercar la cultura a los ciudadanos”. Un patronato en que la Comunidad de Madrid aporta 1.750.000 euros, el Ayuntamiento 50.000 y el Ministerio 409.314 euros.

Mayorga adelantó el punto de partida de la obra que presentará con el actor Javier Gutierrez, Yugoslavos, que comienza en un bar, cuando un camarero le dice a un cliente que aunque ya sabe que un camarero no debe escuchar las conversaciones de los clientes escucha la de uno de ellos. “Debo decirle que ha estado usted genial, ese hombre que entró con usted entró hundido y usted encontró las palabras para animarlo… Si usted pudiera hablar con mi mujer”, le dirá en una pieza que según su autor versa sobre el poder de las palabras, el amor y la tristeza. “No sé si he escrito un buen camarero, pero sé que Javier Gutierrez va a ser un camarero excepcional y estoy deseando encerrarme con él en una sala de ensayos”, concluyó.

Javier Gutiérrez dice que no tiene físico para ser Supermán, tampoco le hace falta. Tiene algo más difícil, la capacidad de hacer de gente normal. De ser el vecino de al lado, el hombre que te encuentras en la cola del supermercado. Una cercanía que hace que el espectador sienta que le conoce desde siempre. Parece fácil, pero para ser Supermán basta el gimnasio y una capa, y para lo otro una naturalidad que cada vez es más complicado encontrar en el cine. 

Vuelve a demostrarlo en Pájaros, donde da vida a un hombre perdido, en plena descomposición, igual que la Europa que recorre en un coche destartalado junto a Luis Zahera, más contenido que nunca y con el que forma un dúo quijotesco que se complementa a la perfección. Dos señores en crisis dándose cuenta de que es el momento de avanzar y de cambiar. 

¿Qué había en Pájaros para decir sí a este proyecto?

Bueno, lo primero trabajo, porque parece que los actores podemos elegir, que estamos en casa esperando a que llegue el guion perfecto con la dirección perfecta y el personaje perfecto. Yo siempre digo que para hacer una buena película pueden pasar cinco años, y no siempre se dan esos condicionantes para que uno pueda elegir. En este caso me apetecía mucho contar esta historia de dos perdedores y soñadores. Sobre todo me gustó el guion, me pareció fantástico. Era una oportunidad para que los actores pudiéramos transitar por el drama, por la comedia, defendiendo unos personajes muy apetitosos y además estar al lado de Luis Zahera, que es uno de los actores más interesantes de nuestro panorama.

¿Qué tienen los perdedores que son tan bonitos para el cine? Quizás es que todos somos perdedores realmente.

Yo creo que tienen que ver más con nosotros, con lo terrenal, son más humanos que los héroes. A mí me parece un poco aburrido hacer de héroe. Me parece que los antihéroes, o los perdedores, son mucho más interesantes… y más con este físico. Yo no podría hacerlo, ¿qué voy a hacer yo, de Clark Kent?

Son personajes que están muy perdidos, por muchos motivos, pero parece que ahora mismo es casi imposible no estarlo entre tantos estímulos para perderse.

Es imposible. Sobre todo es que nos alientan a estar perdidos, a tener menos sentido de la realidad que nunca. Creo que las redes sociales, este ruido ensordecedor que nos rodea, la polarización… todo eso contribuye a que uno no esté relajado y no sea consciente del aquí y del ahora.

Pájaros también habla de un tipo de masculinidad, su personaje es un hombre que empieza a ver que las cosas no son como le habían contado.

Sí. Es cierto que los hombres tenemos que resetear, tenemos que revisar actitudes y comportamientos que hasta hace nada se daban por buenos, por válidos. Y creo que en ese terreno entra esta historia. En la fragilidad, en la vulnerabilidad de lo masculino, de esos hombres perdidos que, como le ocurre a mi personaje, Colombo, huyen hacia adelante porque no quieren ver o enfrentarse a los problemas que le rodean.

Nos alientan a estar perdidos, a tener menos sentido de la realidad que nunca. Las redes sociales, este ruido ensordecedor que nos rodea, la polarización… todo eso contribuye

Javier Gutiérrez — Actor

Ha mencionado su personaje, al que llaman Colombo, ¿le gustaba de pequeño ese detective de la serie de televisión?

¿Cómo no me va a gustar Colombo? Me gustaba Colombo, me gustaba el increíble Hulk, me gustaba Sandokán. Fíjate, yo tengo una anécdota muy hermosa y a la vez muy ingenua. En nuestra casa se veía la tele en blanco y negro, a pesar de que ya había algunas en color, y yo siempre creí que Lou Ferrigno era negro, vamos, que La Masa no era verde, sino que era negra. Imagínate la decepción cuando vino por primera vez una tele en color a casa. 

¿Siempre ha querido ser actor o no? Ha mencionado a Sandokán, a Lou Ferrigno… ¿Había ya ahí una fascinación por la interpretación?

Mi madre dice que siempre he sido muy soñador, muy introvertido y muy imaginativo. Recuerdo que tenía tres ideas claras de por dónde iban los tiros. Una era ser misionero comboniano, porque yo iba al colegio La Salle, igual que Luis Zahera, y estaban aquellas revistas donde se reflejaba el día a día de las misiones de los hermanos y tenía esta cosa bondadosa que yo creo que tengo, de ser empático y de ayudar al otro. Otra era ser detective privado, de novela negra. Incluso antes de ser actor quise estudiar criminología. Y luego, ser actor. Ser actor me ha ayudado mucho a huir de esta timidez enfermiza que yo tengo desde pequeño, y el hecho de imaginarme haciendo otras vidas me ha ayudado siempre.

La película navega en esa línea entre el drama y la comedia, siempre se dice el tópico de que la comedia es más complicada, ¿es cierto?

El drama siempre está mejor revestido. La comedia es infinitamente más difícil, y eso encima de un escenario de teatro se nota mucho más. Si la gente no acaba de vibrar con lo que haces o de divertirse o de emocionarse, es mucho más complejo, porque en el cine no eres consciente de eso. Muchas veces los equipos no son termómetro. A veces haces comedias en las que no se ríe nadie en el equipo y luego funcionan. Y al revés, hay veces que el equipo se lo pasa cojonudamente y luego no funciona.

Tiene que ser difícil estar en un teatro y ver que abajo no esta funcionado, ¿cómo sigue uno ahí?

Pues es muy difícil, pero para mí el teatro es sanador también. Yo he llegado con 39 de fiebre y se te pasa todo en esas dos horas en las que te tienes que enfrentar al personaje, al público y a la historia. Decía en sus memorias Núria Espert una cosa muy interesante, y es que el actor siempre en el escenario tiene tres focos que son: uno mismo, el compañero y el público. Uno está con un ojo en sí mismo, en ver si está tenso, si está nervioso. Obviamente siempre tienes que apoyarte en el otro, en la mirada, en sus ojos. Tienes que zambullirte en el otro, pero sobre todo estar muy atento a cómo está reaccionando el público, a la vibración del público, a cómo respira, a ver si hay uno, a la tercera fila que se ha dormido y está desnucado. Eso es interesante. También importante porque en esta cultura de la televisión parece que los actores no escuchamos y no vemos. 

Y ahí está la gente con el móvil en el teatro.

Joder, eso es un mal. Ya no solo es que suenen, sino que se ven reflejadas las caras con la pantallita.

Ha mencionado antes la empatía, y ahora que hay que mirar al compañero… ¿Es obligatorio ser empático para ser actor?

Hay actores que no son nada empáticos y funcionan de la hostia. Yo creo que es un trabajo que funciona mucho mejor cuanto más generoso es uno. No hay que perder de vista que los actores somos una pieza de un engranaje para contar la historia del director. Y eso que, como decía el maestro Stanislavski, yo estoy a favor del actor creativo, del actor creador. Los actores pasivos que están esperando a que la directora o el director les coloque y les diga cómo tienen que hacer… a mí me enerva un poquito. Un actor tiene que ir con propuestas al set de rodaje o al ensayo y conocer la historia como el director o como el guionista. Es nuestra labor, es nuestra responsabilidad.

Pájaros es una road movie, un viaje en carretera, y a través de ahí se hace una mirada a Europa. Está la guerra de Ucrania, los refugiados sirios… 

Creo que eso se fue aportando a medida que se acercaba el rodaje. Es interesante ver a estos dos con su propio viaje interior, pero también ver cómo recorren esa Europa enferma, llegando a encontrarse con migrantes sirios a los que tienen que proporcionar comida, o ser ayudados por exiliados ucranianos que huyen del conflicto bélico. Traspasan fronteras casi infranqueables para ellos. Nos consideramos ciudadanos del primer mundo, españolitos que decimos que hemos ganado el Mundial. Les cuesta sortear esas fronteras. La radiografía que hace yo creo que viene muy, muy a cuento con esa Europa que cada vez nos la pintan más, más negra. Y hay un retrato desolador.

Decía Fernando Trueba que aunque uno diga que no quiere ser político, al final la política siempre le acaba salpicando. 

Es que la gente que dice ‘a mí no me interesa la política’, ‘yo no entiendo de política’… ¡Política es todo! Desde que pones un pie en la calle. Política es tu comunidad de vecinos, política es el AMPA en el colegio de tus niños. Política es absolutamente todo. No solo la política, pero volvemos otra vez al ruido ensordecedor y a la baja estofa a la que estamos rodeados en nuestro Congreso.

¿Escoger papeles es política?

Yo siempre digo, cuando me junto con guionistas o con directores amigos, que por qué no hacemos una película sobre la política en este país, sobre la corrupción. Nosotros estrenamos en el mes de mayo en La Abadía El traje, un texto de Juan Cavestany, que habla sobre la corrupción política y, como le gusta decir a él, del alma. Sí, a mí me gusta enfrentarme a ese tipo de proyectos. No siempre llegan, pero evidentemente creo que es interesante. En televisión quizás sea más complicado, pero el cine y el teatro están para divertir, para entretener, pero sobre todo, también tenemos una responsabilidad, que es poner el dedo en la llaga, enfrentarnos a nuestras miserias, a nuestras realidades cotidianas.

La gente que dice ‘a mí no me interesa la política’... ¡Política es todo! Desde que pones un pie en la calle. Política es tu comunidad de vecinos, política es el AMPA en el colegio de tus niños

Javier Gutiérrez — Actor

Ahora que habla de obras políticas, usted estuvo en Alejandro y Ana, que era una sátira sobre la boda de la hija de Aznar, ¿Se podría hacer Alejandro y Ana ahora mismo?

Hombre, podríamos. Se han cumplido 20 años del estreno y, de hecho, Willy Toledo quería volver a hacerla. Quizá no con esos personajes, pero se podría dar una vuelta. Con Andrés Lima a la cabeza, con Alberto, con Juan Mayorga y Juan Cavestany, que estaban también capitaneando los textos de Alejandro y Ana… ¿Por qué no? Se podría hacer perfectamente. Lo último que se ha hecho parecido fue El rey, que era un viaje a través de la vida del rey emérito, que esperemos volver a poner en pie. No sé cuándo, pero estaría bien volver a revisitar la vida de Juan Carlos.

¿Cómo fue la reacción a aquella obra, sería ahora más furibunda?

Fue tremenda. Hubo una mano negra desde la sombra. Recuerdo que teníamos incluso una subvención de la Comunidad de Madrid, y desde ella mutilaron el título, que era Alejandro y Ana: lo que España no pudo ver del banquete de la boda de la hija del presidente, donde cuatro actores, entre ellos, Roberto Álamo, Alberto San Juan y yo, representábamos a 200 invitados de aquellos fastos, de aquella boda del Escorial. Hubo una mutilación y se quedó en Alejandro y Ana, simplemente, obviando el resto del título. Recuerdo que, como había muchos teatros gobernados por el PP en ayuntamientos y comunidades que nos negaban el hacerlo allí, decidimos hacerlo en restaurantes y lugares donde se hacían eventos como bodas para poder ir de gira con el espectáculo. Fue todo un éxito. 

¿Levantaría muchas ampollas hacerlo ahora?

Bueno, ahora mismo ha habido en el Teatro de la Abadía, por Altsasu, el espectáculo de una compañía vasca, 200 o 300 manifestantes en la calle insultando, gritando y generando muchísima crispación a los asistentes al espectáculo.

¿Eso genera miedo en la gente de la cultura? El no querer mojarse en una entrevista, el no posicionarse para que no le provoque ninguna reacción negativa...

Hay una especie de autocensura. Uno mismo tiene que controlarse a la hora de decir ciertas cosas porque, evidentemente, te pueden pasar factura. Hay gente como Pepe Sacristán que están ya curados de espanto. Y ahí sigue, al pie del cañón haciendo un espectáculo de Juan Mayorga en La Abadía y hasta hace poco de gira haciendo un monólogo, haciendo papeles en cine, y además puede decir lo que le venga en gana. O Lola Herrera. Estoy pensando ya en gente que sabe que no le va a pasar nada, pero hay otra gente más joven como yo, por ejemplo, a la que sí le puede restar papeles o proyectos.

Uno aspira a ser José Sacristán.

Yo aspiro a ser Pepe Sacristán. Yo aspiro a ser Lola Herrera. Yo aspiro a ser María Galiana, tantos y tantas compañeras que siguen dando lecciones de oficio, de entrega, de compromiso, pudiendo quedarse en su casa. O Núria Espert, que sigue yendo al teatro y y sigue haciendo trabajos superlativos. Yo sigo soñando con eso, fantaseando con la idea de que lleguen las cinco o las seis de la tarde, y después de cuidarse durante todo el día, llegues y vayas al teatro a hacer tu función.

Ha mencionado antes que para que una película salga a veces pasan cinco años. Luego, sin embargo, a veces se os juntan varios estrenos. ¿Cree que a veces se da una imagen distorsionada de lo que es la realidad del actor?

Creo que ha salido un estudio hace poco de AISGE que decía que más del 90% de nuestra profesión no puede vivir dignamente del oficio, con lo cual te puedes hacer una idea de la tragedia que viven muchísimos compañeros y compañeras. Somos un pelotón, un saco de privilegiados los que podemos vivir de esto. Muy pocos. Entonces se da una idea muy distorsionada en galas como la de los Goya, en alfombras o en eventos. Pero es que eso tiene que existir porque tiene que haber una visibilidad. Hay compañeros y compañeras que no trabajan y que no pueden mostrarse si no es gracias a ese tipo de actos.

A eso hay que sumar que encima se recuperan mantras como lo de ‘los señoritos’. Con ese 92% de paro imagino que da mucha rabia. 

Me gustaría preguntar a esa persona que hizo ese comentario tan absurdo cuántas películas ha visto de cine español, cuántos trabajos ha visto en el teatro. ¿Qué sabe de nuestro oficio? El cine español recibe ayudas, evidentemente, como se subvenciona casi todo. Pero ingresa en las arcas del Estado mucho más de lo que recibe. Y eso es un dato objetivo. Las cifras están ahí, pero eso no se cuenta a la opinión pública de una forma interesada también, porque desde la guerra de Irak, desde el Prestige, hay una confrontación con la derecha de este país, con sus votantes de este país, y con medios de comunicación afines a la derecha, que nos tienen tomada la matrícula. Lo hagamos bien, muy bien, mal o rematadamente mal, el discurso va a ser siempre el mismo.

Hablamos mucho, sobre todo en los medios, del gran momento del cine español, ¿se nota eso en los guiones también?

Hay un buen momento. Yo siempre digo que hay media docena de películas al año de muy altísimo nivel, y así lo atesoran los festivales fuera de nuestras fronteras, festivales muy importantes que premian el cine español. Y no solo a actores o directores y directoras consagradas, sino a gente que empieza. Es muy interesante el momento en el que vivimos. Simplemente tendría que haber esa comunión con el público y con los medios de comunicación, o con ciertos medios. Esa toxicidad yo creo que no es buena para nadie y mucho menos para nuestro cine.

Vídeo de la entrevista completa

Vídeo: Javier Cáceres y Rocío Bermejo

El actor, nacido en Asturias y criado en El Ferrol, ciudad con muchas similitudes con Cartagena, ha recogido el premio a toda su trayectoria en el Festival Internacional de Cine de Cartagena. Protagonista de series de televisión inolvidables como ‘Águila Roja’, ‘Los Serrano’ o ‘Estoy Vivo’, y de películas como ‘La isla mínima’ o ‘El autor’, ha ganado el premio Goya al mejor actor en dos ocasiones, entre otros galardones. Ha estado presente este sábado en Cartagena para presentar su última película, ‘Honeymoon’, en la gala de clausura del 52 FICC. El actor ha llegado acompañado del director y productor, y los tres han atendido a la prensa y contestado amablemente a las preguntas.

Para Honeymoon, ¿Cómo ha sido trabajar con el productor Enrique Otero y la actriz Nathalie Poza?

Hemos tenido un período importante de ensayos y suficiente tiempo para el proceso creativo. Pero te contaré algo: Enrique, Nathalie y yo nos conocemos a la perfección. Cuando llegué a Madrid en el año 90, una de las primeras personas que conocí en Madrid fue a Nathalie. Mi relación personal con ella viene desde hace mucho en el ámbito profesional. También hemos crecido en el cine, teatro y televisión, por lo que nos conocemos a la perfección. Esto hace que sea todo mucho más sencillo. Hablamos el mismo idioma a la hora de trabajar y hemos tenido espacio para dialogar, discutir ciertas escenas y construir los personajes.

¿Qué te lleva a decidir participar en esta producción?

Sobre todo, huir del melodrama, que era lo más complicado y a lo que te lleva la lectura del primer guion. Y luego, este es uno de los proyectos que te eligen a ti mas que tú a él. Luego los personajes, son casi para llevarlos a casa, tienen tanta carne, hay tanto que trabajar en ellos y, en definitiva, es una historia tan potente que no podía dejar pasar un proyecto como este y ojalá llegasen más proyectos así.

¿Por qué consideras que este tipo de historias son relevantes para la audiencia actual?

Creo que son historias que nos atañen a todos, porque de una forma u otra todos conocemos el amor, el fracaso, el desamor, las relaciones tóxicas. Venimos de ganar dos premios muy importantes en el Festival Internacional de Ourense compitiendo con Coixet y Kaurismäki, el premio a la mejor actriz y el premio del público, que es uno de los premios más importantes. No es la apisonadora de J. Bayona, ‘La sociedad de la nieve’, pero hace 15 días estuve en Francia presentándola en Marsella y en un festival y una persona de público, una mujer, porque estaba lleno de mujeres y es evidente que las mujeres van mucho más al cine, me dijo que le extrañaba que no fuera ‘Honeymoon’ la representante española a los premios Oscar de este año.

¿Y qué tal ha sido trabajar con María Vázquez?

Hay un elenco importante en la película en general está Fernando Albizu, pero también está María Vázquez. Su trabajo es espectacular, y lo que hace aquí es una suerte de personaje como el de Frances McDormand en ‘Fargo’. Y es que ‘Honeymoon’ también tiene, salvando las distancias, mucho de los hermanos Coen, de Tarantino, tiene ecos de todos esos autores.

¿Qué supone para ti un humilde premio en el Festival de Cartagena?

Bueno, de humilde nada. Yo la primera vez que vine aquí era el Festival de Cine Naval y del Mar, y era el año 2004. He tenido la suerte de estar en Cartagena un par de veces, la última homenajeando a un amigo, director y escritor como es Miguel Alcantud, y yo estoy muy feliz y orgulloso de que me entreguen este premio. Para mí no hay premio pequeño. Creo que todos los premios que reconozcan la trayectoria de tu carrera son importantes, así que no es uno más, sino que es un tipo de premio que en cada momento de tu carrera profesional es un premio diferente y que asocio a un viaje.

Has tenido una amplia carrera en cine, televisión y teatro. ¿Cómo compararías la formación y el impacto de cada medio en tu desarrollo como actor?

He hecho muchísimos personajes, pero uno no deja de aprender y de enriquecerse, y en un momento en el que parece que la televisión se funde con el cine, yo me considero un actor sobre todo educado en el teatro, pero entrenado en la televisión. Doy mucha importancia al trabajo en la televisión, donde me he formado muchísimo y a la que gran parte de lo bueno o mal actor que soy se lo debo a ese medio.

Aunque es cierto que el cine y la televisión se han fusionado en los últimos tiempos mucho más por cómo son los tiempos en el cine y en la tele, por quién produce, pero realmente no tiene mucho que ver.

¿Es más fácil ganar premios con el drama que con la comedia?

Sí, por desgracia, porque se hace muy buena comedia en España. Aunque los actores que se forman más en la comedia, luego transitan mejor por el drama. Desde José Luis López Vázquez a Jack Lemmon, han hecho grandes papeles dramáticos y ese es el espejo en el que me gusta mirarme.

La comedia es una ventana que se abre para que el espectador pueda respirar y no se haga tan asfixiante el día a día o la vida. Cuántos chistes no se cuentan un tanatorio.

Javier, a veces los periodistas confundimos tu origen gallego con madrileño, ¿uno es de donde nace o de donde pace?

Uno es de dónde pace siempre, somos ciudadanos del mundo. Ni patria, ni bandera, ni fronteras, y más en un momento en el que estamos ahora tan polarizados en nuestro país, donde por llevar una pulsera o sacar una bandera a la terraza uno cree que es más español que el que no lo hace. Me parece absurdo porque somos todos españoles.

¿Qué consejo darías a los jóvenes que aspiran a seguir tu camino en la actuación? ¿Y cuál es el consejo más importante que has aprendido?

Yo no soy ideal consejos, pero recuerdo que cuando llegué a Madrid con 18 años todo mi afán era ver el mayor teatro posible, el mayor cine posible, leer cuanto más mejor, y por desgracia creo que eso se ha mutado en un paisaje que a mí me gusta mucho menos, que es que ahora el triunfo o el estar en la pomada en esta profesión tiene que ver con la alfombra roja, con los titulares, con salir en los medios de comunicación. Yo tengo una idea muy romántica del oficio y espero que siga siendo así. A alguien que quisiera empezar en esto yo le diría que sobre todo que estudie, lea, y se tome esto muy en serio.

¿Qué puedes decirnos sobre los cambios de hábito en el consumo, el aumento de las plataformas de streaming?

La forma de consumir y de producir cine ha cambiado radicalmente después del confinamiento de la pandemia. Y se ha instalado para quedarse. Yo considero que el cine hay que verlo en una sala oscura, con una pantalla y rodeado de gente a la que no conoces. Recuerdo la primera película que vi después del confinamiento, la película era The Father, con Anthony Hopkins. Era una sala pequeña de cine de la Calle Embajadores de Madrid, quizá unos 70 u 80 espectadores y la sala abarrotada. Podía escuchar los sollozos de los espectadores y cuando termina la película y se encienden las luces podía ver las caras emocionadas del público, de gente que no conoces. Eso no lo puedes vivir en casa.

Tristemente ha fallecido Concha Velasco, ¿Qué reflexión tienes sobre la figura de Concha Velasco?

Me han llamado mucho para preguntarme por Concha porque soy un actor que bebe mucho de esa generación. Es una gran pérdida, un gran referente de la escena nacional, una actriz que si viviera en Estados Unidos estaría la altura de Barbra Streisand o Liza Minnelli, una actriz todoterreno capaz de cantar, de bailar, de interpretar, de representar cualquier papel y todo hacerlo bien, con oficio. Hay una anécdota maravillosa que deseo contar, cuando yo recibo el Goya por 'El Autor' mi madre tenía muchas ganas de conocer a Concha. Había mucha gente alrededor, pero las presento, se hacen la foto, y Concha le dice a mi madre que puede estar tranquila que me va a dar el Goya. Y, en efecto, luego me entregó el premio.

¿Qué función crees que desempeñan festivales como el de Cartagena?

En un momento en el que se están perdiendo tantas salas en nuestro país, Festivales como el de Cartagena son fundamentales para dar visibilidad a obras, a películas, que de otra forma no llegarían a todo tipo de público. Así que bienvenidos festivales como el de Cartagena.

La obra teatral comienza con una declaración de intenciones. No engaña. Juan Cavestany, que ha realizado la adaptación del cuento de Raymond Carver Principiantes, ha preferido arrancar con un prefacio de otro texto del mismo libro, un cuento tótem de este escritor norteamericano fundamental del siglo XX, adorado por el cineasta Robert Altman, padre del realismo sucio e hijo putativo de Hemingway, titulado Una cosa más.

Son cuatro páginas en las que Carver introduce al lector en la casa de un hombre arrasado por el alcohol que maltrata a su mujer y a su joven hija. Después de una secuencia de violencia, la mujer lo echa de casa. A punto de irse, el cuento acaba así: “L. D. se puso la bolsa bajo el brazo y cogió la maleta. Dijo: 'Solo quiero decir una cosa más. Pero le resultó imposible imaginar cuál podría ser aquella cosa”. Punto final. “Es el clásico Carver. Miserias de una humanidad desarmada y sin palabras. Nada sucede y todo podía suceder. Final mudo. El mundo es una tragedia estática”, escribía el novelista, dramaturgo y periodista Alessandro Baricco en un artículo en La Repubblica en 1999.

Javier Gutiérrez interpreta en la segunda parte de la obra que aborda el cuento de Principiantes a Herb, un cardiólogo que dice creer en el amor puro pero se halla en un cuerpo ya herido, atormentado. “Mi personaje está teñido desde el comienzo de una desesperanza, de una grieta, de una melancolía profunda que intuimos que está llena de dolor”, explica en conversación con elDiario.es, tras el primer pase de la obra en Madrid.

Los dos Carver

En 1989 Raymond Carver publicó De qué hablamos cuando hablamos de amor, un contenedor de relatos que incluye los dos cuentos en los que se basa esta obra. En 2011, se publica el mismo libro pero con otro título, Principiantes: se trata de la versión original del manuscrito de Carver sin editar, el cual contiene los mismos relatos pero el doble de páginas.

En la versión de 2011, el cuento Una cosa más acaba de una manera muy diferente: “Escucha, Maxine. Recuerda esto. Te amo. Te amo pase lo que pase. Y también te amo a ti, Bea. Las amo a las dos'. Se quedó de pie en el umbral y sintió que los labios empezaban a temblar mientras las miraba en la que, pensó, sería la última vez. ‘Adios’, dijo”.

Cuando en 1999 comienzan a surgir los rumores de que el talento de Carver no se debe únicamente a sí mismo, Alessando Baricco decide visitar la biblioteca de Bloomingtonque custodia las cartas y los manuscritos a máquina del autor, para cotejarlos con los pubicados. Cuando se topa con un final diferente para el mismo cuento, Baricco dice: “Leí y releí este final ¿No es extraordinario? Es como descubrir que, en su versión original, Esperando a Godot termina con Godot que efectivamente llega y dice cosas sentimentales o sensatas (…) Le dice 'Te amo', ¿entienden? Aquel silencio del personaje en el umbral de su casa parecía la última estación de la humanidad y de la esperanza. Y solo era un hombre que retomaba el aliento”, explica.

Baricco, posicionado como carveriano traicionado, llega a decir: “Descubrí que uno de los máximos modelos de la cultura narrativa contemporánea era un modelo artificial. Nacido en laboratorio. Y sobre todo: descubrí que el mismo Carver no estaba capacitado para mantener aquella mirada impasible sobre el mundo que sus cuentos ostentan (…) Como si tuviera miedo. Construía paisajes de hielo pero luego los veteaba de sentimientos, como si tuviera la necesidad de convencerse que, a pesar de todo aquel hielo, eran habitables. Humanos. Al final, la gente llora. O te dice te amo. Y la tragedia es explicable. No un monstruo sin nombre”.

Cuál es el Carver de Andrés Lima

El espectador que acuda al teatro esperando encontrar el Carver puro, de final fulminante y una última frase perfecta cortada como un diamante, helada, se decepcionará, como poco, y posiblemente salga un tanto iracundo. En el prefacio, como si se tratase de un aquelarre contra el Carver editado, Andrés Lima hace que el padre viole a la hija sobre una mesa bajo la música atronadora del Whole Lotta Love de Led Zeppelin. Desde el primer momento sabemos que estamos en otro Carver, más explícito pero también más humano, un autor que intenta comprender a esos personajes desesperanzados y a la deriva que llenan su universo. Y así, en vez de dejar a los personajes de Principiantes borrachos, ya sin ginebra, en una cocina en la que anochece y queda a oscuras, veremos qué pasa después. De la mano de cuatro más que solventes actores: Javier Gutiérrez, Vicky Luengo, Mónica Regueiro y Daniel Pérez Prada, descubrimos cómo Carver, de algún modo, intenta salvarlos. La gran “misión” del proyecto, explica Gutiérrez, era precisamente “cómo llevar estos personajes tan carverianos a escena”.

Lo que encontrará es ese otro Carver con el que Alessandro Baricco, pese a la sorpresa, finalmente se reconcilia: “Me releí los dos cuentos en la versión original de Carver. Bellísimos. De manera distinta, pero bellísimos ¿Saben qué había de diferente? (…) Que hay compasión por sus personajes y una compresión de ellos, que logra la acrobacia insensata de hacerte sentir parte del malo (…) En el original Carver busca desesperadamente hallar el revés humano del mal, demostrar que el mal es inevitable pero que dentro de él hay un sufrimiento y un dolor que son el refugio de lo humano, el rescate de lo humano en este paisaje glacial que es la vida”. Ese otro Carver está esbozado, con mayor o menor acierto, en el montaje teatral que dirige Andrés Lima. El espectador puede decidir qué le convence más, si el Carver minimal y quirúrgico o este otro que se embarra hasta el final con sus personajes. O puede quedarse con ambos.

Actoralmente el montaje es complicado. Cuatro personajes desubicados —dos parejas: una veterana, otra comenzando relación—, se reúnen frente a una mesa entre botellas de ginebra. Situada en una América difusa, estos personajes hablan en torno al amor y ahogan esperanzas y anhelos entre vaso y vaso. La acción no existe, tan solo hablan; pasar, no pasa nada. Al mismo tiempo, los diálogos sugieren profundos vaivenes en el interior emocional de cada personaje. Andrés Lima ha optado por insertar acciones y movimiento a la escena que van reflejando los viajes interiores de los personajes. Cuenta, además, con la potencia de la escenografía de Beatriz San Juan, presidida por una ventana en la que vemos diversos paisajes saturados de luz, que se inician con una geografía americana a lo Sam Shepard y que acaban en pura iconografía mental.

El brillo en los ojos

La obra se apoya en las interpretaciones de los cuatro actores y en especial, como explica muy sintéticamente Javier Gutiérrez: en los ojos, el semiaparte teatral y la acción.

Llama la atención un momento de la obra en que este actor, tras un largo monólogo devenido en diálogo, en mitad de este, se gira y mira a platea. Una ruptura de la cuarta pared que no es total pero que interpela al espectador. “Es una elección actoral consensuada con dirección. El texto de Carver es muy literario. Son cuatro personajes sentados en la mesa de una cocina y se necesitaba acercarlo mucho al público”, aclara. “Al comienzo de la función, por ejemplo, hay dos monólogos muy importantes y tenían que llegar al público. Había que meter al espectador en esa cocina. De ahí la decisión de interpelar directamente al espectador y además así poder hacer presentes los ojos del actor, que en esta función creo que son fundamentales”, explica Gutiérrez. “La obra es en cierto modo muy cinematográfica y poder contar con ese 'primer plano' de los ojos era importante. El brillo de los ojos en este montaje es vital para comprender qué les pasa a estos personajes tan atormentados”.

La obra, si bien tiene momentos álgidos y textos de gran hondura no consigue la tensión del teatro de Edward Albee, Arthur Miller y Tennesse Williams en el que parece mirarse. Ahora bien, uno puede engancharse a cada una de las interpretaciones, a la manera de hacer de Javier Gutiérrez o a la sorprendente Vicky Luengo que consigue en esta obra escaparse por una rendija y, sin estar en el centro del foco, ir componiendo a través del gesto y la presencia un personaje lleno de matices.

La tradición de López Vázquez y Landa

Principiantes, en cartel en los Teatros del Canal de Madrid hasta el 5 de febrero, está engrasada, asentada. El montaje cuenta ya con más de setenta funciones realizadas por toda España. Después de Madrid viajará a varias ciudades españolas (Barakaldo, Zaragoza o Marbella entre otras) para en abril volar hasta el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá en Colombia.

Javier Gutiérrez, gallego nacido en Asturias, conocidísimo por papeles de la televisión en series como Aida, Los Serrano, Aguila Roja o Estoy vivo, sigue apegado al oficio de las tablas que comenzó bajo la batuta de Ángel Gutiérrez, “el ruso”, aquel gran director de actores que fue niño de la guerra mandado a Moscú y más tarde introductor del método Stanislavski en España. El actor es capaz de dotar de humanidad y naturalidad a cualquier personaje y el público lo quiere como a pocos. Por ejemplo, su Satur de Águila Roja, que borda la tradición más rica del sanchopanzismo, ha calado bien hondo en los españoles.

Al intérprete le gusta elegir con detenimiento los proyectos teatrales en los que se embarca. “Llevo desde 2011, coproduciendo los espectáculos en los que me involucro como actor. Trato de cuidar compañeros de viaje, textos, tiempos que pueda manejar… Y prefiero formar parte del proceso de toma de decisiones”, explica Gutiérrez, que también está embarcado como productor en el montaje de Principiantes desde que Mónica Regueiro, actriz que interpreta a su mujer en la obra, le presentara la versión escrita por Cavestany.

2022 viene cargado para él. En torno a septiembre, estrenará tres películas: una nueva junto con el director de La isla mínima, Alberto Rodriguez, Modelo 77, sobre la condición de los presos en la época franquista; una comedia junto a Carmen Machi, Mañana es hoy, producida por Amazon y dirigida por Nacho G. Velilla; y Lobo feroz, un oscuro thriller junto a Adriana Ugarte, dirigido por Gustavo Hernández. Además, en abril, en el Teatro Calderón de Valladolid, estrenará Los santos inocentes, adaptación teatral del libro de Miguel Delibes, una obra agarrada a la memoria sentimental y política de este país a través de la película de Mario Camus. En ella interpretará a Paco el Bajo, el personaje que también encarnó Alfredo Landa. “Luis Bermejo hará Azarias, el señorito Iván lo hará Jacobo Dicenta y Pepa Pedroche hará Regula. Ya tenemos una inmensidad de bolos contratados, se nos ha ido de las manos, la verdad”, confiesa ilusionado. “No hemos empezado, por ahora tan solo tenemos un muy buen elenco y una estupenda versión teatral. A ver si conseguimos estar a la altura. Sin querer competir con la novela ni con la película, en la que todos los actores están en estado de gracia, creo que podemos aportar algo. Además, creo que llega en un momento adecuado, los de arriba siguen pisando el cuello a los de abajo, lamentablemente la obra habla de cosas que no han desaparecido”, explica.

Javier Gutiérrez ha recogido el testigo de una manera de entender la profesión actoral que dice tiende a desaparecer. Él defiende una profesión sin tanta alfombra roja ni tantos likes donde uno tiene que empezar desde abajo, ir mamando el oficio. Dice mirarse en el espejo de actores como López Vázquez, Paco Rabal, Fernando Fernán Gomez, Agustín González, Alfredo Landa, José María Rodero, Julia Gutiérrez Caba, Amparo Rivelles o María Luisa Ponte. “Es que hemos tenido lo más granado”, asegura. Pero al apretarle y preguntarle en quién de todos ellos se mira, lo tiene claro: “José Luis López Vázquez y Alfredo Landa, claramente”. “Me reconozco mucho en ellos, primero, por mi fisionomía, de españolito medio y, por otro lado, por ese ADN que les permitía hacer durante media década películas totalmente olvidables y luego hacer Mi querida señorita y La cabina el mismo año. Cuando tenían oportunidad de demostrar su talento, lo bordaban. Me miro mucho en ellos, los estudio”, confiesa. Eso mismo, de algún modo, le pasó a él. Pocas veces un actor puede hacer sentir al espectador un orgullo patrio como el de verle interpretando a aquella rata policial franquista en La Isla Mínima que él convierte en poliedro emocional sosteniendo largos y primerísimos planos actuados desde el interior.

El consejero de Educación, Cultura y Deportes, Ángel Felpeto, ha anunciado que “la programación de la Red de Artes Escénicas y Musicales de Castilla-La Mancha se ampliará a todo el año en 2020”, a la vez que ha concretado que la programación de Primavera de 2019 incluirá, por primera vez, el mes de agosto.  

El consejero se ha expresado de este modo en la presentación de la programación de Otoño 2018 de la Red de Artes Escénicas y Musicales de Castilla-La Mancha, en una rueda de prensa celebrada en el Archivo Histórico de Toledo, en que ha estado acompañado del viceconsejero de Cultura, Jesús Carrascosa; y los artistas Israel Muñoz y Agustín Durán. 

Durante sus palabras a los medios, el responsable de Cultura ha subrayado que Otoño 2018 dará comienzo el próximo 1 de octubre y finalizará el 6 de enero, y ha concretado que, durante este tiempo, serán 111 las compañías que pondrán en marcha un total de 117 espectáculos en los 129 municipios adheridos a la Red, en los cuales, se tiene previsto representar más de 425 actuaciones.

Asimismo, Ángel Felpeto ha destacado el empeño de este Gobierno en promocionar las compañías regionales. “En este Otoño 2018 hemos confiado una vez más la representación a un total de 73 compañías de la tierra, quienes se encargarán de poner en marcha hasta 79 espectáculos y 296 actuaciones en nuestros escenarios”, ha concretado.    

En lo que respecta al capítulo presupuestario, Ángel Felpeto ha dicho que la programación de Otoño 2018 contará con un presupuesto de más de 617.000 euros, un 18 por ciento más o 97.000 euros más que el pasado año, y ha incido en el incremento global de la partida dedicada a la Red, que para este año será de casi 200.000 euros.

Así será Otoño 2018

Durante su intervención, Ángel Felpeto ha destacado también algunos de los rostros presentes en Otoño 2018 como José Luis Gil, que estará en los escenarios con la obra 'De fuera vendrán quien de casa nos echará'; Raúl Arévalo, con 'Nerón; Javier Gutiérrez, con “¿Quién es el Señor Schmitt?'; y Gloria Muñoz, con 'Mestiza'. 

En lo que respecta a la música, Felpeto se ha referido igualmente a obras de primer nivel como 'Rigoletto', de Producciones Telón; 'La Gran Vía', de Teatro Cachivaches; y 'Más que Flamenco', de Ricardo Fernández del Moral; y de danza y circo como 'Cenicienta', del Ballet Nacional Ruso; 'Ballet Estatal de Kiev con Orquesta en Directo', de Leonor Gago Artist Management; 'Mi Isla', de La Chicacharcos; y 'Oopart: Historia de un contratiempo', de Tresperté Circo Teatro.  

- Película: Campeones (2017)

- Director: Javier Fesser

- Reparto: Javier Gutiérrez, Juan Margallo, Luisa Gavasa, Jesús Vidal, Daniel Freire, Athenea Mata, Roberto Chinchilla, Itziar Castro, Gloria Ramos, Alberto Nieto

Marco, interpretado por Javier Gutiérrez y tras ser expulsado como segundo entrenador del Estudiantes, tiene que cumplir tres meses de sanción por conducir borracho entrenando a un equipo de baloncesto formado por discapacitados intelectuales. Como es previsible, intenta escaquearse, los mira como bichos raros, pero, al final, no le queda otra que asumir el cargo y trabajar con ellos… y, evidentemente, su percepción, no solo de ellos sino de la vida en sí, cambia por completo.

Tengo que empezar diciendo que no me gustó el inicio de la película, para qué engañarnos. Que el centro de las risas salga de las reacciones que tiene un grupo de chicos con discapacidad intelectual, la verdad, no me gusta. Me suena a burla, a distanciamiento aún mayor entre los mal llamados normales y ellos. Pero es verdad que eso solo lo sentí al principio de la cinta.

Según van pasando los minutos, te vas dando cuenta de cómo Fesser (El milagro de P. Tinto, Camino) te presenta una realidad clara y cierta, siempre desde ese punto de vista diferente que tiene ese director, lo que hace que ninguna de sus obras te sean indiferentes.

Su objetivo es muy claro: ¿quiénes son los normales?, ¿pero hay gente normal?, ¿por qué los miramos y tratamos como bichos raros, si nosotros también lo somos? Estas cuestiones están latentes a lo largo de toda la película de una manera muy nítida, llenas en todo momento de mucho humor, pero también de gran ternura y respeto.

Para ello, hay momentos con tono de documental, donde te narra el día a día de los miembros del equipo de baloncesto, sobre todo con el propósito, entiendo, de romper esa barrera tan patente que hay entre los dos mundos.

En esa mezcolanza de documental, cine de humor y toque tierno pero sin pasarse, Javier Fesser rueda esta película que está llenando todos los cines de España. Y es normal. Te ríes con ellos, te agobias con ellos y sufres por ellos; es la mezcla perfecta para enganchar al espectador. Y mucho más con temas tan delicados como la discapacidad intelectual y cómo prácticamente todos miramos hacia otro lado si pasan cerca de nosotros.

Por su puesto, hay que destacar la gran labor de los actores noveles y de su director, que ha sabido sacar la esencia de todos ellos y conseguir un gran resultado. Y cómo no, todo vuelve a estar a favor del actor del momento en España, Javier Gutiérrez (El autor, El olivo), que una vez más borda su trabajo, en este caso el de un tipo en principio desagradable y con ganas de bronca constante que luego se va transformado en una persona de gran corazón.

Como dije al principio, película que no te deja indiferente, con buenos diálogos, aunque con alguna laguna en el guión a la hora de presentar las historias secundarias.

Zaragoza, Aragón, donde se llevó a cabo el primer rodaje del cine español –la salida de misa de doce del Pilar de Zaragoza- ha albergado la XXIII Edición de los Premios Forqué. La segunda aventura fuera de Madrid de los galardones entregados por la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (Egeda) eligió la capital aragonesa después de la experiencia sevillana de 2017.

Y un ilustre aragonés, Carlos Saura, ha sido uno de los indudables protagonistas al recibir la Medalla de Oro. Además del realizador oscense, la gala, conducida por Elena Sánchez y Boris Izaguirre, encumbró a Nathalie Poza como mejor actriz, Javier Gutiérrez como mejor actor y El Autor y La Librería como mejores películas.

La música también ha ocupado muchos minutos de la gala. Sergio Dalma, cantando “Volare”, fue el encargado de abrir la ceremonia. Posteriormente, también pasaron por el escenario del Palacio de Congresos de Zaragoza las chicas y chicos de Operación Triunfo, Efecto Pasillo y Pastora Soler.

Volviendo a lo cinematográfico, sin duda uno de los momentos más emotivos fue el que convirtió a Carlos Saura en el centro de todas las miradas. El público, puesto en pie, ovacionó al realizador aragonés que les fotografiaba con su inseparable cámara. Antes, Saura recordó que lleva a sus espaldas “más de cuarenta y tantas pelis”. Y las que quedan, a sus 86 años, prepara un musical en México y una película sobre Picasso con Antonio Banderas.

La sorpresa llegó cuando Cayetana Guillén Cuervo y Julio Medem anunciaron que había un empate en el premio a Mejor Película entre El Autor y La Librería. Aunque solo había un premio físico, los equipos de ambos largometrajes subieron al escenario para dar las gracias por este galardón que se entregó ex aequo.

El mejor actor fue Javier Gutiérrez por El Autor. El intérprete de moda del cine español, aunque en la alfombra roja rechazara el calificativo: “Eso es algo pasajero y yo llevo muchos años trabajando”. Nathalie Poza,  mejor actriz por No sé decir adiós, le agradeció el premio a su “otro padre”, Juan Diego.

El resto de premios se repartieron así:

- Película: El autor (2017)

- Directora y guionista: Manuel Martín Cuenca

- Reparto: Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre, María León, Adelfa Calvo, Adriana Paz, Tenoch Huerta, Rafael Téllez

Qué difícil es aceptar que eres mediocre. No inútil o limitado, simplemente mediocre, del montón; vamos, que no vas a triunfar en la vida como a ti te gustaría. Y mucho más si tu mujer, encima, es una de las novelistas que más libros ha vendido en el último año y hace justamente lo que a ti te gustaría hacer: escribir novelas.

Esto es lo que le pasa a Álvaro, el protagonista de la última película de Manuel Martín Cuenca, El autor. Ante esta situación, agravada por problemas personales y laborales, Álvaro decide “impregnarse de la vida”, como le dice su profesor del taller de escritura. Pero no solo se impregna de ella, sino que manipula la vida de sus vecinos para contar su historia. Este es el quid de la cuestión de esta trama muy bien realizada por el director andaluz, conocido por trabajos como Caníbal o La flaqueza del bolchevique.

Para llevar a cabo esta historia, basada en el libro El móvil de Javier Cercas, Martín Cuenca ha contado con dos de los actores más prolíficos y demandados del cine español en los últimos años: Javier Gutiérrez (El olivo, La isla mínima) y Antonio de la Torre (Tarde para la ira, Abracadabra), que por fin hace un papel de persona normal, sin hacer de tipo raro o loco.

Ambos, uno en el papel de escritor mediocre y el otro en el de profesor, respectivamente, vuelven a realizar dos actuaciones excepcionales. Pero no solo con ellos se escribe esta historia. No se puede pasar por alto la actuación de Adelfa Calvo (El secreto del puente viejo) como portera del edificio. Su naturalidad fluye por todas partes acompañando la evolución de su personaje. No puedo decir lo mismo del trabajo de María León (Carmina y amén, La voz dormida), que interpreta a la mujer del prota, personaje plano y sin fuerza alguna.

La intensidad que va tomando la historia se ve acompañada por una fotografía maravillosa, sobre todo en las sombras que hacen los personajes de una de las viviendas que el protagonista espía. Ese contraluz, y la habitación blanca, casi sin mobiliario y en la que escribe su novela totalmente en contraposición a las viviendas recargadísimas de sus vecinos, envuelve la trama en una intriga aparentemente inofensiva, pero que poco a poco y con sus partes nobles encima de la mesa (literalmente) el protagonista va dirigiendo sin ninguna compasión.

Se trata de una cinta irónica y llena de sensaciones incómodas, en la que al espectador no puede dejar de caer bien el protagonista o que, de alguna manera, le dé pena o simpatice con él, aunque cada vez este mediocre, pequeño y a veces casi invisible personaje vaya liando la vida de sus vecinos, simplemente porque él no sirve para escribir.

Este domingo se celebra la gran gala final del Festival Internacional del Cine y la Palabra, CIBRA. Una gala en la que se hará entrega de los numerosos galardones que se otorgan en esta novena edición. El actor Javier Gutiérrez ha sido reconocido con el premio a la mejor interpretación masculina por su último trabajo, 'El Autor'.

A este galardón se suman los Premios Toledo de Cine para José María Pou, Reyes Abades, Ángel Plana y Felipe Hernández Ponos, el Premio Alice Guy para Cayetana Guillén Cuervo y Maribel Quiñones, más conocida como Martirio y el Premio Adaptación a una vida de cine para Gema Hassen-Bey González.

'El Autor' ha sido una de las películas proyectadas en la sección oficial del Festival, que se ha extendido durante 10 días. El propio Javier Gutiérrez, quien tiene una dilatada carrera en la pequeña y en la gran pantalla recogerá el premio. Entre sus trabajos realizados está interpretar al personaje Sátur de 'Águila Roja', así como uno de los personajes principales de la serie 'Los Serrano', aunque, actualmente, se encuentra trabajando en la serie de TVE, 'Estoy Vivo', donde interpreta el personaje de Manuel. Una de las series más vistas del ente público.

Gutiérrez ha trabajado en numerosas superproducciones españolas, tales como 'Plan de Fuga', 'La isla mínima, Assassin`s Creed', entre otras y ahora se le puede ver en la producción de Movistar, 'Vergüenza'. Gutiérrez también vendrá acompañado por parte del equipo de su última producción, que se encuentra en las salas de cine.

CiBRA, el festival de Cine y la Palabra está apoyado por el Ayuntamiento de Toledo, la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, la Diputación provincial de Toledo y el Consistorio de la Puebla de Montalbán.

El esquema de muñecas rusas en el arte -el arte dentro del arte, dentro del arte, dentro del arte- es un esquema complejo. Por tanto, escribir sobre él es también muy complejo. Si ha sobrevivido usted a las dos frases estúpidas y obvias que encabezan esta crítica... es que podemos seguir hablando. No porque usted sea muy listo, que lo es, sino porque ha decidido rebajarse al nivel de estupidez y obviedad del crítico. Por ello, gracias. Decíamos estúpida y obviamente que es muy difícil escribir sobre cosas difíciles. Y lo decíamos porque lo primero que se aprecia en el visionado de 'El autor' [Manuel Martín Cuenca, 2017] es que se trata de un artefacto complejo, heredado de la novela 'El móvil' de Javier Cercas. ¿Y por qué es complejo? Bueno, pues porque se trata de la historia de un aspirante a escritor que, en la aventura de escribir una novela, escribe también -y por tanto manipula- la realidad que le rodea. Aquí vendrían ahora las observaciones literarias clásicas que se aplican a toda obra metaliteraria: tendríamos que resaltar la multiplicidad de “autores” [el de la novela, el de la película, el del guión, el propio personaje, el personaje escrito por el personaje] y tendríamos que someternos al misterio de no saber en qué nivel del arte nos encontramos en cada minuto del metraje [en qué muñeca rusa]. Es admirable, digámoslo, la capacidad y el arrojo del director a la hora de abordar la materia en una película.

Pero, ¿qué es esto? ¿Una crítica literaria? Probablemente no sea ni una regular crítica de cine, así que hablemos de lo que intuimos. Javier Gutiérrez, “el autor personaje”, lleva ya algunos años recordando a la concurrencia que domina su oficio. Nada que decir. Javier Cercas, “el autor original”, escribió una historia seca sobre la identidad y su manipulación. Acertó. ¿Qué ha hecho “el autor intermedio” Martín Cuenca? Ha dirigido una película que acierta también en sus intenciones narrativas y en los ingredientes que elige para la narración [Adelfa Calvo y Antonio de la Torre de forma destacada], pero ha elegido para ella un tono -también “intermedio”- que deja al espectador algo perdido, como ante la página en blanco. En 'El autor', cuando Javier Gutiérrez interviene en las vidas de sus vecinos para retorcerlas y así disponer de material para su novela, no lo hace en el marco de una comedia negrísima y satírica; tampoco lo hace en el marco de una historia gris y concisa. Se queda, como decíamos, en tierra de nadie... un desierto por la que el espectador vaga, mientras no sabe si abrazar a los personajes o despreciarlos, si identificarse con Gutiérrez o escupirle. Una sombra gris como las que se reflejan en la pared del patio del protagonistas. Se pueden apreciar pistas de una ambigüedad calculada, pero cuando eso se busca... hay que dar completamente en la diana. Incluso un ligerísimo desacierto genera sombras distorsionadas.

Aún así, aplauso lento para un “autor” [“auteur”] que cuenta historias incómodas de ver. Y eso incluye escoger a José Luis Perales para las canciones originales y la banda sonora. ¡Ah! Una advertencia final. No se crea nada de lo que ha leído en esta página. Hay aquí un autor que se cree “autor” forzando al crítico a escribir cosas estúpidas y obvias. Que no son suyas, que son de otro.

KKKKKK [6/10]

KKKKKK [6/10]

María Galiana y Javier Gutiérrez han sido premiados en los apartados de Mejor Interpretación Femenina y Mejor Interpretación Masculina, por sus papeles en 'Conversaciones con mamá' y 'Los Mácbez', respectivamente, en la XXIII Edición de los Premios Teatro de Rojas, correspondientes al año 2014.

En el apartado de Mejor Dirección Escénica ha sido galardonado Garbi Losada por 'El nombre de la rosa' y como Mejor Texto de Autor Español Vivo el premiado ha sido para 'El Crédito' de Jordi Galcerán.

El Mejor Espectáculo de Teatro de la Temporada ha sido 'En un lugar del Quijote', de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y la Compañía Ron Lalá; como Mejor Espectáculo de Danza de la Temporada el galardonado ha sido 'Sorolla' del Ballet Nacional de España y como Mejor Espectáculo Infantil y Familiar el elegido ha sido 'El bosque de Grimm' de Compañía La Maquiné. Además, como Mejor Espectáculo de Compañías de Castilla-La Mancha, el premio ha recaído en la obra 'Historia de un cuadro' de la Compañía Salvador Collado de Toledo.

Estos premios, que se entregarán durante una gala a finales de septiembre, coincidiendo con el inicio de la Temporada de Otoño, son otorgados por los propios espectadores del Teatro de Rojas que reciben en sus casas la programación del teatro y que hacen que estos premios hayan adquirido, a lo largo de los años, una gran relevancia en el mundo del teatro.

Entre los premiados de anteriores ediciones destacan grandes actores, actrices y directores, tales como Amparo Rivelles, Lola Herrera, Mari Carrillo, María Isbert, Nuria Espert, Carlos Hipólito, Juan Echanove, Emilio Gutiérrez Caba, Javier Cámara, Helena Pimenta, Adolfo Marsillach, Pilar Miró o José Luis Gómez, entre otros.

Alberto Rodríguez, director de Grupo 7, muestra las marismas del Guadalquivir en este impactante thriller sobre la búsqueda de un psicópata como si fueran los tenebrosos pantanos de Luisiana, un espacio inseguro e insalubre que muchas veces hemos visto en el cine norteamericano, como la reciente Bestias del sur salvaje. La isla mínima transcurre en una época convulsa, 1980, cuando los continuos atentados terroristas, la inquietud y las amenazas de los mandos en los cuarteles y los resabios franquistas de políticos de la vieja guardia formaban un cóctel explosivo difícil de desactivar. Prácticamente desde la primera imagen estamos inmersos en un territorio peligroso y hostil, que parece que nos va a arrancar los huesos de la espalda, donde nadie quiere hablar y todos tienen mucho que esconder.

La extraña pareja

Acostumbrados como estamos a ver a Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo en papeles en las antípodas de los dos agentes que encarnan, los rostros de los policías que incorporan soberbiamente nos dejan conmocionados. Los dos se llevan mal con la realidad y la jerarquía. Casi odiamos al personaje arisco y enfermo de Gutiérrez (muy probablemente candidato al Goya al mejor actor) y también le comprendemos, un hombre que actúa violenta e ilícitamente en busca de la verdad pero que es capaz también de ternura y honestidad.

Más que resolver un caso de morbosas resonancias sexuales, los protagonistas se adentran en el alma humana, la de los presuntos implicados, en esas telarañas llenas de deseo y de obscenidad que parecen intrínsecas a su existencia. Para contar esta epopeya enrarecida, Rodríguez compone planos lentos, solemnes, incluso majestuosos que nos anclan a la pantalla, donde buscamos sin suerte un rastro de inocencia en los tipos retratados.

A pesar de la atmósfera tan densa, hay sitio para el humor en personajes como el del cazador furtivo que hace el novel Salva Reina y comentarios sarcásticos y agudos perfectamente insertados en la trama sobre la corrupción generalizada de las instituciones del postfranquismo, que entroncan sin chirridos con los acontecimientos que vivimos en la actualidad.

Otro ángulo de la Transición

En una película rebosante de escenas cumbre que cortan el aliento y de ese ambiente opresivo, nos asalta de pronto la belleza inmensa de unos parajes próximos a Doñana, donde los únicos seres libres son las aves de paso que disfrutan del agua, del sol, de una tranquilidad que solo es apariencia. El caciquismo y las relaciones de vasallaje están por encima de cualquier consideración política, de los nuevos usos democráticos incipientes por entonces.

Como ilustra el filme, el poder, a la altura de esos años de la Transición, todavía tenía que acostumbrarse a la convocatoria de huelgas en las fábricas, a los piquetes informativos y a las reuniones con los representantes sindicales. Negociando la subsistencia de todos y asegurando que cada uno esté en el lugar que le corresponde.

El espectador va a ir de viaje por estos submundos desasosegantes y perversos con los dos protagonistas, y la aparición puntual en papeles secundarios de Antonio de la Torre, Nerea Barros o el nuevo terror de las nenas, Jesús Castro, con esa pinta de joven bello e intrépido que ha desarrollado más ampliamente en El Niño. Todos son cómplices de los abusos que no se atreven a denunciar, sometidos a un miedo y a un dominio que les hiela la sangre. Ellos consiguen que La isla mínima sea potente como un western de los mejores años del género. En el que los asesinos son muchos aunque no empuñen un arma, en el que la maldad tiene múltiples caras y hay que estar muy despierto para jugar las cartas que nos convienen.

Alberto Rodríguez aún sigue diciendo que 'La isla mínima' es un título provisional para su próxima película, que comenzará a rodar en Andalucía en otoño. Pero así se refieren todos al que será el nuevo thriller policíaco del director tras 'Grupo 7'. Los actores Javier Gutiérrez (Premio de la Unión de actores por su personaje de Sátur en 'Águila Roja') y Raúl Arévalo ('Los amantes pasajeros') serán sus protagonistas.

Ambos darán vida a dos agentes que son desplazados desde Madrid a Huelva para tratar de aclarar el asesinato de varias niñas. El rodaje comenzará el 30 de septiembre, según ha declarado Gutiérrez durante el FesTVal de Vitoria.

El guión, que no está basado en hechos reales, lleva la firma de Rafael Cobos, guionista habitual de Rodríguez, con quien ya ha trabajado tanto en 'Grupo 7' como en 'After' y '7 vírgenes’. El director ya adelantó el pasado abril en la edición en papel de CineAndCine que 'La isla mínima', producida por Atípica Films y La Zanfoña, giraría alrededor de “un asesinato en las marismas del Guadalquivir” y que se trataría de una ficción sobre “la redención, la vida y la muerte”.

A la búsqueda de extras

Pasadas las vacaciones de agosto, el equipo de Rodríguez se ha puesto manos a la obra para seleccionar un amplio número de personas que ayuden a rodar varias de las escenas previstas en esta película, que estará ambientada en los años 80, y cuyo trabajo será remunerado.

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F. Javier Gutiérrez vio El Cuervo (The Crow, Alex Proyas, 1994) en vídeo en su casa de Córdoba algunos meses después de su estreno. La alquiló en VHS en Fuentes Guerra, el gran videoclub de la ciudad, en una época en la que soñaba con ser director de películas de ciencia ficción y en la que Hollywood le quedaba más allá de la estratosfera. Casi veinte años después, y cuatro de su llegada a Los Ángeles, Gutiérrez rodará el año que viene una nueva versión del cómic de James O'Barr con Luke Evans como protagonista y 60 millones de dólares de presupuesto.

El director, que pasa unos días en su tierra por su necesidad “de tomar contacto con las raíces”, ha adelantado algunos detalles de la superproducción que orquesta en Los Ángeles en una sesión dentro del Festival de Música de Cine que estos días se celebra en Córdoba. Pero ha contado poco. El control que los productores, el Estudio Relativity y The Weinstein Company, ejercen sobre cualquier mínima información del proyecto, y hasta sobre cualquier movimiento de Gutiérrez, es algo difícil de entender en el cine europeo.

Para el cordobés se trata de “una experiencia muy intensa”, por la diferencia que hay entre trabajar en Europa y en Estados Unidos “por el nivel de producción y el nivel mediático en concreto de esta película”, en la que cualquier pequeña información que se filtre tiene una repercusión increíble en el mundo. Gutiérrez se siente contento a pesar del “alto nivel de trabajo” y lo largo de un proceso en el que se embarcó hace ya dos años y en el que se valora y se prueba cada pequeño detalle.

El director entró en el radar de Hollywood gracias a Tres Días (2008), una cinta post-apocalíptica que tuvo su estreno en el prestigioso Festival de Berlín y que fue galardonada en múltiples muestras de todo el mundo, incluyendo la obtención de la Biznaga de Oro a la Mejor Película en el Festival de Cine Español de Málaga. También tuvo un gran éxito en EE.UU., que consiguió un tercer puesto en la lista de las mejores películas no americanas de 2009. Pero antes, un productor americano, descubridor de talentos como el de Oliver Stone, ya le había echado el ojo a su personal forma de rodar cine fantástico en su corto de culto Brasil. El director no quería dejar pasar la oportunidad de saber cómo era hacer una película en la meca del cine así que hizo la maleta para tres meses y allí sigue cuatro años después.

Para poder embarcarse en The Crow tuvo que abandonar varios proyectos en marcha, como The Greys, una película de ciencia ficción para el Estudio de los Weinstein, o House of Horror, proyecto junto a Icon, compañía de Mel Gibson y James Wan, creador de Saw e Insidious, que lo relegaron a la figura de productor cuando en 2011 fue fichado para El cuervo.

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