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Nos lo han repetido hasta la náusea: “lo importante no es la altura, sino cómo la usas”. Mentira piadosa. Como lo del “Gobierno más progresista de la historia”. Vivimos en un mundo pensado para mirar hacia arriba: líderes altos, presidentes altos, estrellas en las alturas… hasta los maniquíes traen tacones de serie. Lo grande es fuerte, lo pequeño, invisible.

Por eso hablamos de cuerpos que gritan más alto que su tamaño con David Cobas, aka Abraham Boba, líder de León Benavente, que acaba de publicar “163 cms”, editado por Arrebato Libros, una confesión autobiográfica desde la perspectiva que da ese metro con 63.

Y como en el caso de las mujeres la discriminación vienen por lo contrario, por ser grandes, altas y fuertes, hablamos con Paula Leitón, doble medallista olímpica con la Selección Española de Waterpolo, que tuvo que aguantar un aluvión de comentarios insultantes. Ahora lo cuenta su libro “XXL”.

Puedes ver este programa completo en vídeo aquí:

Y para estar a la altura, recibimos a dos enormes dos artistas, los que conforman Dame Area. Porque la superficie y el tamaño van de la mano cuando el tamaño importa.

Así es el estreno de Toma y Daca: la nueva sección de Señor Tropical y Señor Sanabria donde la cultura se poliniza: dos universos musicales que se atraen, se repelen y se acaban mezclando.

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Carne Cruda presenta a León Benavente En Crudo y En Directo en el Teatro Fígaro de Madrid. Una entrevista con música en vivo para celebrar que una de las bandas más potentes, enérgicas e inesperadas de la escena cumple diez años. 

La fórmula mágica de la fusión de Abraham Boba, Luis Rodríguez, Edu Baos y César Verdú celebra su aniversario con una reedición de lujo y en vinilo doble del primer disco de la banda: el homónimo “León Benavente”, ahora bajo el título “Década” junto a rarezas, demos, ensayos y una gira especial y limitada por España y México.

Carne Cruda se sumerge en el camino de luz y oscuridad de la que fue la banda de Nacho Vegas y que diez años más tarde nos ha regalado un reguero de himnos brillantes, irónicos, punzantes, bellos, dolorosos e imborrables.

Si no quieres elegir entre la electrónica y el rock, entre la autoexigencia y la felicidad, entre el humor y el punk, León Benavente es tu banda y Carne Cruda el lugar para escucharla. ¡Muchas gracias a toda la gente que vinisteis a verlo en vivo!

Este jueves, 18 de agosto, el grupo León Benavente ha visitado Eivissa para actuar en los conciertos de El Dorado Live Shows, en el hotel Santos. Un día después, este viernes 19 de agosto, lo hace en Menorca, en Es Claustre. Es el periplo balear de una gira en la que presentan su nuevo disco, ERA (Warner, 2022) y que, en formato veraniego, repasa temas de los cuatro discos y los dos ep's, que han ido saliendo a la luz desde 2013, año de la formación del grupo.

Canciones como ‘Gloria’ o ‘Ser Brigada’, que el público de Balears, como el de prácticamente todas las capitales de la península donde van a tocar, espera como agua de mayo. Y para saber más del grupo, y de su visita a las dos islas, hemos hablado con el vocalista, letrista y teclista de la formación, Abraham Boba, en una charla sobre la música y la filosofía que los mueve a la hora de crear. 

Abraham, ¿qué supone para ustedes tocar en Balears? 

Pues, la verdad, es que tenemos muchas ganas porque yo, especialmente, soy desde hace años muy fan de las Balears. Creo que es de las zonas en las que más disfruto. Es un lugar con mucha magia, muy especial y es una oportunidad de ir a hacer conciertos. La otra vez que fuimos a Eivissa era un festival, esto es más un concierto nuestro, de pequeño formato, y nos apetece mucho. Además, ahora en agosto, que es cuando las Balears están a pleno rendimiento, nos apetece ir a pasar unos días allí. Aprovecharemos no solo para ir a tocar, sino para estar conociendo mejor Eivissa y Menorca. Estamos ya contando los días para ir. 

Hablemos de su último trabajo: ERA. ¿Por qué este título? 

Porque es una palabra corta, sonora, que en el fondo remite a lo que deja de ser o a lo que se transforma, a lo que ya no es y, obviamente, a un cambio de tiempo. Y nos parecía una palabra que engloba perfectamente todo lo que se quería contar en sus diez canciones. 

Animan al público a escuchar el álbum en su totalidad y no por temas, como es habitual desde la irrupción de internet en el mercado discográfico, ¿por qué? 

Bueno, nosotros cada vez que nos planteamos hacer un disco nuevo siempre intentamos que, sin ser conceptuales, sean un poco fotografías de ese momento. Nos interesa que haya un orden concreto en el que escuchar las canciones, una manera de disfrutar el disco, que es como nosotros lo planteamos. Obviamente cada uno puede coger las canciones por separado o hacer órdenes aleatorios o lo que quiera, pero nosotros venimos de una generación en la que hemos crecido escuchando discos de esa manera. Yo todavía sigo haciéndolo, aunque parece que ahora con las plataformas digitales ya no se pueden escuchar discos. Y en el caso de este último disco, de ERA, sin ser un disco conceptual, sí que hay como una especie de hilo conductor en todas las canciones que tiene que ver con el paso del tiempo en sus diferentes formas. Y creo que se entiende mejor cada una de las canciones viéndolas desde el conjunto.

Cada vez que nos planteamos hacer un disco nuevo siempre intentamos que, sin ser conceptuales, sean un poco fotografías de ese momento

Abraham Boba — Líder de León Benavente

¿Cómo les afecta este cambio en la industria musical? 

La industria lleva cambiando unos cuantos años. Realmente, no hay ninguna fórmula que parezca que sea la mejor o la peor. Creo que hay tantas formas de distribuir la música y el oyente tiene tantas formas de consumirla... Últimamente, sí que parece que en las plataformas es más habitual lanzar canciones sueltas, singles, que en el fondo es lo mismo que se hacía hace décadas, cuando no existían los discos. Esto acaba siendo cíclico. Me imagino que llegará un momento en el que la gente se vuelva a interesar por los discos, si es que no lo hace ahora. Además, hoy también hay parte del público que escucha música y a la que le siguen interesando. Igual que hay músicos a los que les interesa sacar canciones sueltas porque sí y otros, como es nuestro caso, que nos apetece más que esas canciones convivan dentro de un contexto concreto. El álbum en sí no es ni mejor ni peor. Creo que es una opción que cada uno elige para distribuir su música. 

Uno de los temas de ERA es ‘Di no a la nostalgia’. ¿No son ustedes de esos que creen que cualquier tiempo pasado fue mejor? 

En nuestra generación hay cierta iconografía que remite mucho a otras épocas, a la nostalgia, y eso puede ser una fuente de sabiduría. Pero lo que desde luego no nos interesa a nosotros es anclarnos en mirar al pasado, repetir fórmulas y no avanzar. Lo que nos sigue moviendo a hacer trabajos nuevos es intentar buscar nuevos caminos en cada uno de ellos y ponernos incluso trabas a nosotros mismos en la forma en la que estamos habituados a hacer las cosas. Y, en ese sentido, anclarse en lo que has hecho en el pasado, en el tiempo que has vivido, no sé si es un error, pero a nosotros no es lo que más nos interesa. A nivel artístico, creo que hay muchos caminos todavía por explorar y, sobre todo, esa capacidad de sorprenderse y de estar intentando aprender y buscar continuamente. A mí, personalmente como artista, eso es lo que me interesa. No me suelen interesar mucho las carreras de gente que sigue haciendo lo mismo ahora que hace 40 años. 

Llevan desde enero presentando este nuevo trabajo en pequeños escenarios, como lo van a hacer en Eivissa y Menorca, pero también en grandes festivales. ¿En qué formato se sienten más cómodos? 

La verdad es que para nosotros no dejan de ser conciertos, o sea, tocar las canciones para más o menos público. Eso sí, cuando tocas en una sala la gente que va a verte sabe lo que va a ver. Son las personas que pagan una entrada y conocen al grupo, es, en realidad, tu público. Pero los festivales también tienen algo, estás tocando para más audiencia, para gente que a lo mejor no te conoce y aunque lleves, como en nuestro caso, casi diez años tocando pues, a lo mejor, nunca han tenido la oportunidad de ver un concierto. Igual lo ven y les sorprende, y a partir de ahí empiezan a seguirnos. Nosotros siempre hemos sido un grupo de presentar nuestros discos en salas antes que en festivales. La cuestión es que al lugar donde vayas esté bien para tocar, que se trate bien al grupo, que se trate bien la música, que se trate bien al público… 

Dicen que León Benevente es, probablemente, el mejor grupo de directo de la escena nacional. ¿Qué les parece? 

Totalmente acertado. No, no, esto no es una competición. Nosotros es verdad que somos un grupo que ya desde el principio hemos trabajado mucho en nuestros conciertos, tanto a nivel de puesta en escena como a nivel técnico, e intentamos hacer lo posible para dar un paso más en cada nueva gira y me imagino que eso y, bueno, la energía que se desprende en el escenario y la comunión que suele haber con el público en los conciertos, es lo que lo que ha hecho que haya mucha gente que dice eso, cosa que a nosotros es de lo que más nos llena de orgullo. 

Además, ustedes también tienen mucha experiencia como músicos. Todos han estado tocando, anteriormente, en otras formaciones. Usted, por ejemplo, ha tocado con Nacho Vegas y ha hecho trabajos en solitario. ¿Esto también influye en saber qué es lo que se quiere ofrecer en el directo y conseguir el sonido adecuado? 

Sí, totalmente. Creo que hay gente también dentro de la música a la que le gusta más subirse a un escenario, hay gente a la que le gusta menos y otra gente que prefiere la labor de estudio o de composición, que a nosotros también nos interesa mucho. Sin embargo, cuando las canciones empiezan a cobrar vida es cuando te subes a un escenario y vives esa comunión con el público. Desde el principio, hemos dado muchos conciertos y nos gusta mucho tocar. Es una pena que este país sea geográficamente tan pequeño, porque al final tampoco puedes estar tocando sin parar, yendo a las mismas ciudades una y otra vez. Pero es verdad que somos un grupo que creo que si estuviésemos un año entero girando, dando conciertos todos los días, nos haría muy, muy felices. 

Y en este álbum, además, se han cambiado los papeles. ¿Cómo ha sido? 

Sí, también es parte de la filosofía del grupo. Como te he comentado, cada vez que nos planteamos hacer un disco nuevo intentamos buscar nuevos caminos. Y para eso muchas veces también jugar con limitaciones es una herramienta más. Cuando hicimos este disco, antes de empezar a componer las canciones, hablamos de dar un poco más de peso a la electrónica con Edu, que es el que normalmente tocaba el bajo en las canciones. Además, Leo se empezó a involucrar más con las máquinas y Luis también es bueno con ellas. Esta es la suerte de tener gente en el grupo que domina distintos instrumentos. Luis, que normalmente estaba tocando la guitarra, pero que es bajista de toda la vida, pues cogió el bajo, y ahí hubo ese cambio de roles. César, el batería, empezó a tocar con cajas de ritmos. Yo, que soy pianista, empecé a usar un piano acústico. Al final son herramientas para ir buscando caminos distintos. 

Leo en diferentes publicaciones que hacen indie, rock, rock alternativo, post-punk, garage rock. ¿Cómo se denominarían ustedes? 

Bueno, yo creo que los géneros hoy en día en la música están cada día más dispersos. Pero lo que siempre hemos sido es una banda de rock, más o menos sofisticado. 

Sus letras hablan siempre de situaciones, de la actualidad, de lo cotidiano. ¿Qué temas les han influido en ERA? 

No lo sé. Creo que no hay ningún tema que, a lo largo de la historia, no se haya tocado en una canción. A mí más que el tema en sí, lo que me acaba interesando como escritor es la forma de referirse a ese tema, las palabras que uses. No me interesa mucho que sean canciones que hagan juegos de palabras en los que no se entienda prácticamente nada. Es verdad que hay canciones en las que se puede usar un lenguaje más o menos poético, pero lo que siempre nos ha interesado como grupo son canciones que hablen de las cosas que vivimos en nuestro día a día. 

Hay canciones en las que se puede usar un lenguaje más o menos poético, pero lo que siempre nos ha interesado como grupo son canciones que hablen de las cosas que vivimos en nuestro día a día

Abraham Boba — Líder de León Benavente

Y en referencia a ese día a día. ¿Les afecta en su música la situación internacional que vivimos? 

Está claro que en el mundo si no existe una crisis, existe otra. O sea, está claro que el ser humano es experto en tropezar con la misma piedra varias veces. Y muchas veces nuestra capacidad de aprendizaje y de aprender de los errores deja mucho que desear. Pero bueno, yo soy músico, no tertuliano. Creo que hasta aquí voy a leer. 

¿Qué libro recomendaría para este verano? 

En este momento acabo de terminar ‘El libro de las lágrimas’ de Heather Christle (Editorial Tránsito, 2020). Es un ensayo sobre todo lo que tiene que ver con el acto de llorar, es muy interesante. 

Una película o una serie… 

No sigo muchas series. Si consumo cine continuamente, pero soy más de clásicos. El otro día volví a ver ‘El hombre que mató a Liberty Valance’, de John Ford, y me encantó otra vez.

Itineraria Fest, organizado conjuntamente con el Ayuntamiento de Albacete sigue apostando por traer a la ciudad la mejor música nacional y el humor más fresco. El próximo viernes, 4 de septiembre, desde las 22.30 horas, será el grupo León Benavente quien se subirá al escenario de la Caseta de los Jardinillos para ofrecers el que para muchos es considerado como el mejor directo del ‘indie’ nacional.

Esta banda nace en 2012 de la unión algunos de los músicos más reputados y veteranos del panorama nacional: Abraham Boba (voz y teclados), Eduardo Baos (bajo y sintetizadores) Luis Rodríguez (guitarra) y César Verdú (batería). Su tercer disco ‘Vamos a volvernos locos’ ha sido acogido por parte de público y crítica de forma excepcional, entrando el primer día de su publicación en el número 1 de iTunes y siendo el segundo disco más vendido del país en la semana de su lanzamiento. La prensa especializada coincide en que es el mejor álbum de la banda hasta la fecha y ha sido incluido en la mayoría de listas de lo mejor del pasado año.

Su directo, uno de los más arrolladores de la escena, los está llevando a recorrer rincones de todo el país colgando en casi todas estas fechas el cartel de ‘entradas agotadas’.

Más eventos y medidas de seguridad

Durante esta primera semana de septiembre, en la Caseta de los Jardinillos de Albacete, habrá más conciertos y ‘shows’ especiales a cargo de un variado elenco de artistas y bandas de primera categoría nacional, dirigidos a todos los públicos, como Pablo López (2 de septiembre),  Los Secretos (3 de septiembre) y Miss Caffeina (5 de septiempre). Todo ello se realiza con aforos reducidos, espacios adaptados a la normativa especial vigente y cumpliendo todo el protocolo de seguridad que exigen las autoridades sanitarias.

Las entradas, para disfrutar de León Benavente, y del resto de eventos de Itineraria Fest Albacete 2020, están a la venta en ticketvip.com. Al comprar la entrada se acepta cumplir con las medidas de seguridad, autoprotección e higiene que se determinen para garantizar la seguridad sanitaria de todos los asistentes mediante el cumplimiento de las condiciones que se establezcan, y a que le sea tomada la temperatura antes de acceder al recinto.

-Se recomienda llegar con tiempo suficiente para acceder al recinto y no provocar aglomeraciones. (Recomendable 60 minutos antes de la hora de comienz0).

-Tanto en la entrada como en la salida o en los movimientos dentro del recinto del evento se deben mantener las distancias mínimas de seguridad y seguir las indicaciones de movimientos, acceso y salida.

-El uso de mascarillas es obligatorio.

-La disposición de los asientos atiende a la distancia social recomendada, no está permitido moverlos de su posición.

-En cualquier momento durante el evento, si es necesario cualquier desplazamiento desde su asiento, éste deberá realizarse manteniendo las distancias mínimas de seguridad y siguiendo las indicaciones que el personal del mismo haya dispuesto.

-Si van a hacer usos de los aseos deberán esperar su turno, guardando las distancias mínimas de seguridad, y limpiarse las manos con el gel hidroalcohólico tanto a la entrada como a la salida de los mismos.

Santander Music ha dado a conocer una primera tanda de confirmaciones para su duodécima edición, que se celebrará los días 6, 7 y 8 de agosto en la capital de Cantabria, y ha anunciado que grupos y artistas como La Casa Azul, León Benavente, Xoel López, Belako, El Columpio Asesino, Varry Brava, Delaporte, Ginebras, Ladilla Rusa, Kidd Keo o St Woods, Pin&Pon DJS o Innmir formarán parte de su cartel este verano.

El festival confirma sus fechas definitivas, con un cambio de fin de semana como consecuencia del retraso de las fiestas de la Semana Grande de Santander, y ha añadido de una sola vez a su cartel más de una docena de nombres que pasarán el próximo mes de agosto por la ciudad, con sonidos rock, pop, indie y hip hop para el arranque de una nueva edición del festival.

Según señalan desde la organización, el pop de La Casa Azul “convertirá Santander Music en una gran pista con los ritmos bailables creados por Guille Milkyway y su espectacular puesta en directo”. Además, señalan como uno de los conciertos más sonados para este año el directo de León Benavente, que acaba de editar su último trabajo, 'Vamos a volvernos locos', que presentarán en el festival santanderino.

Por su parte, Xoel López volverá a Santander Music este verano con su rock alternativo. Se trata de un nombre “imprescindible” en la escena nacional que no visita el festival desde 2015. También son conocidos para el público cántabro la joven banda de Belako, una formación que ya ha pasado por el festival pero que cada nuevo trabajo hace más reconocible su sonido post punk y su crecimiento como grupo.

De la misma forma, el pop oscuro de El Columpio Asesino sonará otra vez en Santander Music este verano. El paso por el festival de los autores de himnos como 'Toro', con un nuevo álbum recién publicado a principios de 2020, será una de las grande apuestas de la organización para la duodécima edición, que contará también con el divertido directo de Varry Brava tras su éxito durante su paso en 2018, así como las letras con humor y la actitud punk del dúo Ladilla Rusa. También sonido urbano de la mano de Kidd Keo, uno de los nombres más potentes de la escena nacional, llegará a Santander Music 2020.

Los que pasarán por primera vez por el festival serán el dúo Delaporte, “uno de los proyectos que mas han crecido en la escena, que ofrece una exquisita combinación de sonidos electrónicos y pop, sin olvidar otros estilos como hip hop, tras o soul”, señalan los promotores del evento.

Otras que debutan en el festival cántabro serán Ginebras, formación femenina que ha sido una de las última revelaciones del sonido independiente nacional. El avance de programación se cierra con la incorporación de St Woods, Pin&Pon DJS y con el dj set de Innmir.

Además de las actuaciones en el recinto principal, Santander Music 2020 contará de nuevo con otras actividades paralelas dentro de su programación, como las sesiones vermú, conexiones con el cine, el arte o la literatura a través de la muestra ArteSantander, que intentan convertir a la ciudad en un lugar de encuentro cultural.

León Benavente

León Benavente

Vamos a volvernos locos

Warner

ROCK

6

León Benavente tienen la virtud de saber nadar a favor de la corriente aun siendo en esencia una banda de otra era. Así lo dicta el DNI -allá por el cambio de siglo ya andaba Abraham Boba grabando discos con Belmonde- y también su apuesta por la formación clásica de rock en un presente en que se producen temas con apps de móvil. Sin embargo, casi desde el día en que Nacho Vegas presentó en sociedad a esta suerte de escisión de su propia banda, coinciden el grueso de crónicas en convertir a León Benavente en algo así como los salvadores del indie, la banda llamada a reverdecer laureles de un género que todavía domina el grueso de los festivales musicales de este país, aunque haya perdido el favor del público más joven.

Poco se le puede achacar al grupo a propósito de esa opinión casi unívoca. Si acaso que algo hay de arrimarse al sol que más calienta. León Benavente se estrenaron poco menos que como grupo de acción política cuando las asambleas populares surgían por generación espontánea, y abandonaron ese discurso precisamente en el momento en que la decepción por el rumbo de los acontecimientos se apoderó igualmente de la mayoría de ciudadanos. Que se les haya abocado con este tercer disco a portar la antorcha del rock en castellano tiene también algo de oportunidad coyuntural, aunque efectivamente eso no es directamente responsabilidad del grupo.

Porque en realidad este Vamos a volvernos locos parece surgir más bien de otra disyuntiva, tan humanamente comprensible como peligrosa desde el punto de vista artístico. Y es la necesidad imperiosa de dar con este tercer disco y definitivamente el salto a la primera división del pop y el rock de nuestro país. Trascender o perecer en el intento. Esa idea parece latente a lo largo y ancho de un álbum que remite a la fórmula exitosa -hace una década, todo hay que decirlo- de El Columpio Asesino. Esto es, dotar de un barniz electrónico a unas composiciones repetitivas -excelente el trabajo en ese sentido de la base rítmica que forman César Verdú y Edu Baos- que funcionan a partir de un juego de tensiones.

A pesar del indudable tirón de León Benavente entre la parroquia indie y del buen hacer de la banda en directo, cuesta trabajo sin embargo creer que el grupo, con una fórmula que más o menos vienen repitiendo desde el primer disco, pueda llegar ahora a audiencias mucho mayores.

En Vamos a volvernos locos esa fórmula devora incluso colaboraciones interesantes como las de Amaral, Miren Iza (Tulsa) o la fascinante María Arnal. El monólogo por momentos incordiante de Boba en realidad arrasa con todo. Sus maneras como intérprete se convierten en otro de los motivos por los que se hace difícil no vislumbrar el techo de cristal: es un mal cantante –lo que, todo sea dicho, no es algo novedoso en la escena indie nacional- que recurre al recurso del recitado una y otra vez. Otros artistas en nuestro país, de Corcobado a Pablo Und Destruktion, acostumbran utilizarlo para dar forma a sus oscuros relatos, pero, a diferencia de los “leones”, ellos siempre se han encontrado cómodos en los márgenes. La letra de Cuatro monos, el autorreferencial tema con el que se abre el disco, les presenta como “un puñado de héroes temerarios” que “están en boca de todos” y “van a romperlo todo”, lo que da una idea del nivel de confianza que la banda tiene en sus posibilidades. Suerte en la empresa...

Alex Cameron

Alex Cameron

Miami Memory

Secretly Canadian / Popstock!

POP ROCK

7

Aunque en realidad su primer disco se publicó hace un lustro, las circunstancias de su reedición hace un par de años casi coincidiendo con el momento en que vio la luz Forced Witness hacen pasar a Alex Cameron por uno de los esforzados del pop anglosajón reciente. Lo cierto es que, tal y como ya dejaba entrever su segundo trabajo, el australiano ha ido alejándose de aquel sonido synth de los inicios para arrimarse a una concepción “springsteeniana” del pop y el rock. Eso se hace aún más evidente en su tercer disco, en el que, acompañado de su inseparable Roy Molly que se encarga de soplar el saxo, recurre a un puñado de músicos para arrimar su sonido a una versión contemporánea y lo-fi del Darkness on the Edge of Town.

Como el Boss, Cameron también gusta de contar historias de infrahéroes y urbanitas condenados a perder. Pero en su caso la dignidad del clásico “working class hero” deja paso a relatos más turbulentos y perturbadores que van de ese padre adoptivo que se enfrenta a la separación de su pareja -y por tanto también inevitablemente a la de su hijastra/o- a crudas descripciones de sexo explícito.

Jenny Hval

Jenny Hval

The Practice of Love

Sacred Bones / Popstock!

POP ELECTRÓNICO

8

Jenny Hval viene a ser al pop contemporáneo lo que Ingmar Bergman al cine clásico: una mirada torcida a la vez que refrescante que se interroga desde diferentes puntos de vista sobre los misterios de la vida. En Lion, el tema de apertura, la artista noruega se plantea la existencia de Dios al observar los pequeños milagros de la vida: “Estudia las hormigas en el suelo. Estudia el suelo, la tierra vegetal marrón y porosa, su suavidad, los hongos y las extrañas flores azules que crecen cerca de ellos. Estudia todo eso y pregúntate: ¿Dónde está Dios?”. Similar experiencia existencialista se percibe en Accident cuando el estribillo repite: “Yo fui un accidente, una vez fui un accidente y un misterio de la vida”.

No nos coge de sorpresa en una mujer que viene de publicar un disco conceptual sobre la regla y el vampirismo, el magnífico Blood Bitch. En cualquier caso The Practice of Love vuela aún más alto con unas composiciones que, sin abandonar cierto carácter experimental, apuestan por una suerte de tecnopop directo al corazón. Es el caso de uno de los avances del disco, Ashes to Ashes, una preciosa melodía con Hval mostrando su faceta vocal más inocente y que en realidad se construye a partir de pensamientos devastadores sobre el propio acto creativo. “Cenizas a las cenizas, polvo al polvo”. Un gran disco.

Metronomy

Metronomy

Metronomy Forever

Because / Music As Usual

POP

7

No es habitual que lo que sea divertido para un músico resulte igual de gozoso para quienes supuestamente vamos a disfrutarlo. Sin embargo, en su sexto álbum Metronomy consiguen transmitir a través de sus nuevas canciones no solo el amplio catálogo de registros que maneja la banda británica, sino el disfrute que ha supuesto ir saltando de género en género a lo largo de diecisiete temas. Sin que ello suponga una merma de lo que los de Devon ofrecieron en anteriores entregas.

En ese sentido, el arranque de Upset My Girlfriend parece una declaración de intenciones al tiempo que una mirada irónica sobre los orígenes de la banda: “Yo tocaba la batería en una banda de rock’n’roll, pero un día me dieron la patada”.

Más allá de cómo continúa la letra de la canción en cuestión, la segunda parte de esa historia bien podrían contarla los temas de un álbum en el que cabe desde la electrónica a lo Four Tet (Miracle Roftop, Lying Low) al consabido pop electrónico y metronómico (Wedding Bells), indie-pop (Witsand Bay), y un sonido electro funky que casi reta a Daft Punk. Es cierto que a menudo son ellos mismos los primeros que no parecen tomarse del todo en serio, pero en tiempos de tanto discurso falsamente trascendente, ¿consideraremos eso una virtud?

Pixies

Pixies

Beneath the Eyrie

BMG

ROCK

6

Creo que no es necesario explicar lo que Pixies significan para la mayor parte de amantes del rock alternativo que vivieron su post-adolescencia a finales de la década de los ochenta y principios de los noventa. Cada uno de aquellos cinco discos publicados antes de la separación del grupo en 1993 contaba con una personalidad que los hizo únicos, remitiéndonos a un universo personalísimo de surferos locos, expedientes ufológicos y surrealistas imágenes del desierto inspiradas por igual en las pinturas de Dalí y en cadenas de comida rápida tex-mex. Sus canciones destilaban peligro y a la vez representaban a la perfección a la aristocracia alternativa surgida alrededor de Harvard y la Boston University, una dualidad que en aquellos años resultaba tan guay como desconcertante.

Por eso duele todo lo que ha rodeado al grupo desde su primera reunión allá por 2004, una reunión que ni siquiera se intentó disimular que tuvo lugar por razones económicas. Y es que en los últimos quince años Pixies han tratado de monetizar hasta las pésimas relaciones entre los componentes del grupo, guerra de guerrillas que terminó traduciéndose en el documental loudQUIETloud: A Film About the Pixies.

Muchos fans del grupo casi podríamos recitar de memoria la secuencia de canciones de aquellos primeros trabajos, y sin embargo tenemos que acudir a la bases de datos como Discogs para averiguar cuántos álbumes han grabado desde su reunión. Beneath the Eyrie es su tercer disco desde entonces, todos ellos registrados tras la salida de Kim Deal. Y al apretar el play volvemos a recordar la sensación que teníamos hace un lustro, al hacer lo mismo con Indie City: esto es, que aunque Black Francis, Joey Santiago, David Lovering y Paz Lenchantin hacen un trabajo profesional y objetivamente estamos ante discos que no pueden considerarse “malos”, sobre estas canciones domina un espíritu funcionarial que se pega de bruces con la esencia original del grupo.

Hoy por hoy Pixies parecen una banda de versiones de sí mismos. Y bien sea porque ellos se esfuerzan por permanecer igual ignorando el hecho de que han cambiado, o porque los que hemos cambiado somos nosotros y nos negamos rotundamente a seguir igual, lo cierto es que poco importa que Beneath the Eyrie se sitúe ligeramente por encima de sus dos predecesores.

Stereolab

Stereolab

Emperor Tomato Ketchup / Dots and Loops / Cobra and Phases Group Play Voltage in the Milky Night

Warp / Music As Usual

AVANT POP

9 / 8 / 7

Stereolab continúan con la ayuda del sello Warp la política de reediciones de sus discos que emprendieron hace unos meses con motivo de la reunión de la banda para afrontar una serie de conciertos en directo. Le llega el turno a los discos que la banda de Laetitia Sadier y Tim Gane publicó en su momento de mayor popularidad, ya con el apoyo de una multinacional. Empezando por el que es el más significativo álbum (y posiblemente también el mejor) de su carrera: Emperor Tomato Ketchup (1996). A la conocida síntesis de pop bubblegum, bossa, kraut y minimalismo se le suma aquí una inspiración melódica que propicia temas emblemáticos como Cybele’s Reverie, Spark Plug o el tema que da título al disco. A estas alturas un clásico.

La fórmula empezó a dar ligeras muestras de agotamiento en los dos siguientes discos. Dots and Loops (1997) curiosamente reforzó la influencia de la bossa nova en la estructura de las canciones, pero lo hizo utilizando herramientas ajenas al sonido característico de los Jobim, Gilberto y compañía, poniendo el foco en una producción netamente electrónica. Coproducido por Jim O’Rourke y John McEntire (Tortoise), Cobra and Phases Group Play Voltage in the Milky Night (1999) supuso el retorno de la banda tras un parón de dos años, el más largo que se habían permitido desde la formación del grupo una década atrás. El arranque muestra un inédito hasta la fecha interés por el free jazz (en el que McEntire posiblemente tuvo mucho que ver), aunque en líneas generales su sexto disco supone una mera reformulación de las ideas que habían presentado en anteriores trabajos sin aportar ningún single especialmente reseñable.

Todas y cada una de estas reediciones han sido remasterizadas desde las cintas originales para la ocasión y cuentan con un segundo disco de material adicional compuesto por las demos y versiones alternativas.

VV.AA.

VV.AA.

Strain Crack & Break: Music from the Nurse With Wound List Volume 1 (France)

Finders Keepers

EXPERIMENTAL

8

El primer disco de Nurse With Wound, el influyente proyecto de música experimental de Steven Stapleton, incluía una lista de artistas a los que reverenciaba y señalaba como influencias directas de la formación. La lista en cuestión ha terminado pasando a la posteridad como un verdadero quién es quien de la protohistoria experimental.

Hay que tener en cuenta que en 1979 Internet era poco menos que una idea en la cabeza de algún visionario loco y que la información de este tipo, aunque solo fueran un puñado de nombres escritos por una persona con conocimiento y autoridad en un papel, era poco menos que un tesoro. La lista la componían trescientos nombres que iban de Iannis Xenakis a Whitehouse, y que podían dar lugar a infinidad de compilaciones magníficas.

Finder Keepers -o lo que es lo mismo, el sello de Andy Votel- ha llegado cuarenta años después a un acuerdo con Stapleton para ir publicando una serie de recopilatorios en vinilo centrados en la lista de marras. Y este es el primer volumen, con coartada territorial: trece temas firmados íntegramente por músicos franceses, en los que encontramos desde obviedades como Pierre Henry a delicias como Mahjun o Z.N.R. (proyecto primerizo de Hector Zazou). Cabe el jazz, la música concreta, el progresivo y piezas realmente inclasificables. Pero lo verdaderamente alucinante del asunto es que en un momento en que Internet forma parte esencial de nuestras vidas, este recopilatorio todavía es capaz de descubrirnos bandas y músicos ignotos y sorprendentes.

Nuestra Región tiene curiosamente a sus dos principales festivales de música indie en plena transformación. Si lo que un día fue el SOS 4.8 parece buscar una nueva orientación, el veterano festival B-Side de Molina de Segura ha cambiado de lugar de celebración. Había mucho que mejorar respecto a la edición anterior, que se recuerda con cierta amargura: colas para todo y unos aletargados (y aletargantes) Planetas que ni se inmutaron cuando se cayó parte del escenario encima de ellos.

Hay que reconocerlo: la organización de esta decimocuarta edición del B-Side ha mejorado ostensiblemente. Nueva localización en el Polideportivo El Romeral, mejores servicios, zona VIP amplia (con una piscina que obviamente nadie usó) y unos precios para comer y beber que no resultaban navajazos traicioneros. Tampoco, es verdad, se pusieron a prueba las instalaciones, puesto que nunca vino tan poco público al B-Side como el pasado 8 de septiembre. La lluvia fue una amenaza constante y le jugó una mala pasada al primer grupo. Rufus T. Firefly empezó puntual a las siete y media de la tarde (sic) y no pudo más que tocar cinco canciones de sus álbumes Magnolia y Loto. Antes de que se mascara la tragedia, sonó Final Fantasy. Hay pocos grupos con tantos guiños a la nueva cultura popular y con canciones tan frikis, pero tan hermosas como las de esta banda de rock psicodélico.

Mucha más suerte tuvieron todos los siguientes grupos. Algo les rozó la lluvia a los mallorquines de L.A. Los fans, talluditos, con familias incluidas, disfrutaron de un rock norteamericano noventero a lo Pearl Jam. El público fue entusiasta con temas del principio de la banda, como Crystal clear. El tiempo respetó a L.A., mientras surgían los temas más emblemáticos, tales como Outsider, Close to you…

Lo que siguió a continuación en el B-Side fue una muestra de vigoroso rock español: Ángel Stanich y León Benavente son viejos conocidos de ediciones festivaleras anteriores de la Región, pero ahora el segundo acude como cabeza de cartel, mientras el primero lleva una estela similar con temazos desde su Camino ácido de 2014.

Ángel Stanich se metió al público en el bolsillo. Su propuesta es un rock de sello personalísimo, entre lo folk de cantautor bohemio y unas canciones redondas. Animó al público a cantar a coro “Induráin, Induráin, Induráin” antes de que tocara su Le Tour '95 y preguntó por los garitos de Molina entre éxitos redondos como Carbura, Escupe fuego, Hula hula o Señor Tosco.

Antes de medianoche, León Benavente salió a darlo todo como cabeza de cartel. Y lo logró. Lo contrario habría sido una sorpresa. Abraham Boba salió en tromba y se enchufó con el público inmediatamente. Fue el clímax de este B-Side. El indie rock de letras comprometidas, críticas y a veces pesimistas hizo vibrar. Su canción Gloria lo deja claro: De allí salí dispuesto a destruir la mañana, /en busca de gente que me explicara qué pasa en España, / por qué nos corroe la envidia, / a santo de qué tanta fiesta / por qué se intenta evitar todo lo que molesta. Abundaron las canciones de su último disco, 2: California, La ribera, Tipo D y el rap autobiográfico de Habitación 615. La apoteosis final llegó con su Ser brigada y se terminó así con una actuación de diez de esta banda de veteranos.

En la recta final de la noche tocó una jovencísima banda de Vizcaya, Belako. Se empezó con problemas técnicos por la imposibilidad de haber hecho pruebas de sonido por la mañana. Sin lluvia ahora, la banda ofreció un buen sonido con su punk electrónico. Al público no lo dejó indiferente. Se esperaba uno de sus éxitos, Over the Edge, y surgió con una dedicatoria de la cantante a la última víctima de la violencia machista, precisamente asesinada en ese mismo día. La banda tocó casi todos sus temas en inglés y ofreció un concierto de lo mejor de un rock-punk muy prometedor.

La juventud de la banda vasca y lo fresco de su propuesta se acabaron con la veteranía de los murcianos Ross. No hay nada que objetar a los últimos por su pop-rock de gran ejecución y melodía, pero habría sido un magnífico cierre del festival haber acabado con los Rufus T. Firefly. Es de las pocas críticas que se pueden hacer al festival. 'Madrugar' tanto para ver a uno de los grupos más inspirados del momento fue un error. La lluvia que impidió acabar su bolo así pareció simbolizarlo.

Llega una nueva edición del festival Welcome de Estrella de Levante, donde se le dará la Bienvenida a todos los Universitarios de la Región de Murcia, y que se celebra el 27 de octubre en la Plaza de Toros de Murcia.

Los escoceses Franz Ferdinand encabezan el festival, con su banda liderada por Alex Kapranos, con Bob Hardy en el bajo, y Paul Thomson en la batería. El grupo toca suelo murciano desde su paso por el SOS 4.8 Festival de 2010. Con premios como el Mercury, Q, y Brit, el grupo vuelve para revivir los éxitos de sus últimos cuatro discos, como ‘Matinee’, ‘No You Girls’, ‘Love Illumination’ o ‘Take Me Out’.

A Ferdinand se suma León Benavente, una de las bandas nacionales del momento. Encabezada por Abraham Boba, con Luis Rodríguez en la guitarra eléctrica, Eduardo Baos en el bajo y sintetizador y César Verdu en la batería, el grupo lleva un año de gira intenso. Viene a Murcia a tocar los grandes éxitos de su discografía como Ser brigada, Ánimo, Valiente y La Ribera, además de presentar lo nuevo de su último disco.

El cartel de esta nueva edición se cierra con uno de los grupos destacados de los últimos años: Viva Suecia. Esta banda de indie rock de origen murciano está formado por Rafa Val como cantante, Jess Fabric al bajo, Alberto Cantúa en la guitarra y Fernando Campillo a la batería.

El grupo, que busca “conmover y remover” en sus canciones, fue calificado como una de las bandas revelación de 2016, al contar sus canciones con más de 100.000 reproducciones en Spotify a principios de este año, antes de sacar su primer álbum bajo el título “La fuerza mayor”. Viva Suecia llega a esta nueva edición del festival presentando su último disco Otros Principios Fundamentales.

La banda de referencia en el indie español, León Benavente, el rapero canario Bejo y la chilena Javiera Mena han brillado en la segunda edición del festival Phe, celebrado en Puerto de la Cruz (Tenerife) con un variado cartel donde también destacaron Miss Cafeína y Triángulo de Amor Bizarro.

León Benavente, formado por Abraham Boba, Luis Rodríguez, Eduardo Baos y César Verdu, demostró que está en plena forma al hacer saltar a las alrededor de 4.500 personas congregadas en el muelle de Puerto de la Cruz en la noche del sábado, en el segundo día musical del festival. Tocaron temas de sus tres discos (el último, el EP En la selva) y no faltaron Ser brigada, Ánimo, Valiente y La Ribera.

Rock en estado puro y sin pausa, letras con las que muchos se identifican, sonido perfecto en un recinto al aire libre bien organizado, con tiendas de discos, ropa, una rampa de skate y comida variada.

Otro de los destacados de la noche del sábado fue el canario Bejo, que con sus rimas inteligentes se llevó al público a donde quiso, repartiendo en su cubo y desde el escenario caramelos, latas de sardinas, agua, y dulces.

Vídeos de calidad detrás del dj acompañaban a este joven carismático y talentoso. Ritmos pausados con tintes jazzísticos, funk , con un flow especial.

Además, el rapero ofreció animados toques latinos en el ecuador del show acompañado de su colega de Locoplaya, un trabajo que le dio al trío una nominación en los Goya de 2012 a mejor canción original.

Bejo tiene millones de visitas en YouTube, con hits como Mucho y Poco, y ha logrado ser una referencia entre la nueva ola del trap nacional.

La chilena Javiera Mena era una de las más esperadas la primera noche de conciertos del Phe el viernes, que congregó a unas 3.500 personas, según la organización.

Salió al escenario con un vestido rojo, acompañada por dos bailarinas con coreografías perfectamente hilvanadas; una muestra ochentera y moderna, con homenaje a éxitos de la música disco con la bailable Ritmo de la noche.

Con una voz que recuerda a Julieta Venegas por momentos, Javiera Mena dejó sobre el escenario el pop electrónico de Otra era, canción que lleva el nombre de su último disco, así como Los olores de tu alma y Esa fuerza.

Sobre el escenario del Phe también sonaron igual de contundentes Miss Cafeína, otro de los grupos más esperados, desplegando un estilo que recordaba por momentos a Los Piratas o incluso a Suede. Tocaron Mira como vuelo, Ácido, Detroit y Capitán, y el público respondió como se esperaba.

Yall, el pop bailable de WAS (We are standart), el punk- rock de Los Vinagres, Belöp, Papaya, The Good Company y The Taxman completaron el cartel de un Phe que se ha convertido en el festival referencia de la música alternativa en las islas.

Mención especial a la banda gallega Triángulo de Amor Bizarro, que el viernes dio una exhibición de contundencia guitarrera bien gestionada y no apta para oídos sensibles.

Su cantante y bajista, Isabel Cea, agradecida por el apoyo del público, interpretó algunos de los temas más destacados de Salve discordia, su último disco, como Gallo negro se levanta y Baila sumeria.

Esta nueva edición del Phe ha sido impulsada por el Área de Cultura del Ayuntamiento de Puerto de la Cruz, con el apoyo de Turismo de Tenerife. 

La popular banda de indie rock español León Benavente llega a Santander este fin de semana para presentar su último disco, '2', en el que, tal y como su guitarrista Luis Rodríguez apunta, “hay un bagaje, una experiencia que se nota en el escenario”. El grupo inició su andadura en 2012 y está integrado por cuatro artistas de diferentes puntos de España (Asturias, Galicia, Murcia y Aragón) que se conocieron cuando trabajaban junto a Nacho Vegas. “Nosotros notamos menos la crisis porque, en general, el mundo de la música siempre estuvo un poco en crisis”, señala.

¿Cómo ha sido la evolución de la banda en estos cinco años?

Algo bastante gradual, poco a poco, ha ido todo muy bien pero nos pilló todo un poco por sorpresa en el sentido de que no esperábamos gran cosa. Simplemente nos hartamos a hacer canciones, pero de repente empezamos a ver que las salas se iban llenando y la banda fue creciendo de forma paulatina y estamos muy contentos.

¿Considera que están en el mejor momento?

Cuando estás tan dentro de la historia es un poco difícil de saber si es lo máximo. Ahora estamos muy contentos porque va todo muy bien y tenemos mucha afluencia en los conciertos de sala y tocamos en festivales… Podría decirse que sí, pero es difícil pensarlo, ponerse en esa perspectiva.

Comienzan su andadura en 2012 en plena crisis económica y, con ella, todas las dificultades que se encuentran los artistas y el mundo de la cultura. ¿Cuáles han sido los obstáculos que han tenido que superar estos años?

Yo creo que nosotros notamos menos la crisis porque, en general, el mundo de la música siempre estuvo un poco en crisis. Nosotros tuvimos los mismos obstáculos que tiene cualquier grupo que empieza, como hacer frente a los costes de grabación. Hombre, el hecho de llevar tantos años en la música hizo que el factor experiencia ya lo tuviésemos ganado, pero la parte económica, como digo, es muy importante. Además, el hecho de que estemos cada uno en distintas partes de España hace que no seamos un grupo al uso, es decir, que no ensayamos todas las semanas.

En muchas ocasiones, las letras de sus canciones reflejan la difícil realidad que vivimos. ¿Qué opinión le merece el panorama político y social actual en España?

A nosotros, en general, no nos gusta mucho hablar de política, preferimos hablar de música, y si algo de eso se cuela en las canciones queremos que sea de una manera un poco más sutil, sin caer en la canción protesta o en nada por el estilo. Normalmente nos solemos abstener de dar nuestra opinión, que es bastante descorazonadora, y preferimos hablar de música e incorporar nuestra visión de la realidad que tú comentas, de una forma no tan evidente.

Presentan en Escenario Santander su último trabajo, '2'. ¿Qué destacaría de él?

A diferencia del anterior, que se hizo casi sin tener experiencia como grupo, en este segundo disco sí que hay un bagaje. Creo que luego eso se nota en el escenario. Por tanto, el disco es consecuencia de los doscientos y pico conciertos que dimos antes de grabarlo y en él se cuela la dimensión del directo.

¿Cómo combate la piratería León Benavente?

No sé si somos combatientes. Somos grandes consumidores de música y nos gusta pagar por la que escuchamos. A nosotros lo que nos interesa es que se escuche la nuestra. Hoy en día es muy fácil tener acceso a ella, no solo a través de la piratería, sino gracias a Spotify, por ejemplo. Es por ello que cualquier persona puede tener acceso a la música sin tenerla físicamente, y por eso nos gusta que la gente venga a nuestros conciertos y después quiera comprar el disco. Creo que León Benavente combate la piratería y consigue fidelidad en esa compra gracias a los directos: tratamos de hacerlo lo mejor posible y de forma honesta.

Son una banda que ha crecido muy rápido. ¿Se marcan alguna meta?

Más que metas, lo que sí tenemos claro son formas de hacer las cosas. Queremos seguir haciendo canciones que nos emocionen y que los directos sean fieles a lo que hay en el disco. Esa es nuestra idea del éxito, seguir tocando y llevando nuestros temas donde nos quieran escuchar. No somos muy de poner objetivos porque es algo que da un poco de vértigo y luego si no se cumplen es un poco bajón.

Era el sitio donde había que estar ese viernes por la noche. La Sala El Sol de Madrid fue el lugar elegido para el arranque de la gira 2014 de uno de los debuts más sonados del año pasado: León Benavente. Pero los músicos de esta banda no son precisamente unos novatos porque entre sus miembros están, entre otros, Abraham Boba y Luis Rodríguez que llevan años girando junto a Nacho Vegas.

Viendo al grupo auspiciado por el sello Marxophone Records se encontraban habituales de este tipo de eventos como Christina Rosenvinge, Juan Aguirre y Eva de Amaral y Ángel Carmona, locutor del programa Hoy empieza todo de Radio 3: la verdadera estrella de la noche

El concierto en su conjunto resultó ser una acertada mezcla de sonido contundente, letras inspiradas y actitud (gracias a los tres escalones que separan a los músicos del público, Abraham Boba se pudo mezclar con la audiencia sin problema en mitad de la actuación), aunque quizá se abusó del sonido del teclado en más de una canción.

Pero, como comenté anteriormente, la verdadera estrella de la noche fue Ángel Carmona. Un tipo que se pasó el concierto con los cuernos en alto cantando la mayor parte de los temas de León Benavente. Un tío tan extraordinariamente normal que no necesita disfrazarse de nada cuando sale por la noche a disfrutar de la música: la imagen ya se la crea él solito con su excelente trabajo en el programa despertador de Radio 3. Su energía y su cercanía, mezclada con su labor en la escuela de música Leãozinho, son más que suficientes para tenerme ganado desde hace ya bastante tiempo. Y es que es un espectáculo observar cómo son los artistas antes citados los que al término del concierto se acercan a él para poder saludarle, y no al revés. Es una pena que desde que Tomás Fernando Flores llegara a la dirección de la cadena de radio pública sólo podamos disfrutar durante dos horas (de 7h a 9h de la mañana) de su compañía sonora. Por suerte, sabemos perfectamente donde podemos encontrarnos con nuestro querido Ángel.

León Benavente, Ánimo valiente.

Dos componentes de Nacho Vegas, uno de Tachenco y otro de Schwarz. Una generación perdida, pop rock de los 80, unos músicos fenomenales, agitar, pero no remover y listo. Tenemos el primer disco de León Benavente que estarán este sábado a las 22.00 en el festival Moneky Week de El Puerto de Santa María. Ánimo, Valiente es el primer tema de un álbum que habla de sentimientos como el desencanto y la (des)esperanza que envuelven la España de hoy pero en clave universal. Entrevistamos a Abraham Boba, componente de la formación y autor de las letras del disco.

“Irme sin ti irme por ti, no sé cuánto me va a doler”. Este verso de la canción Hienas, incluída en vuestro primer disco, describe la realidad de miles de jóvenes que cruzan nuestras fronteras en busca de un futuro mejor. ¿Quiénes serían las hienas en este caso?

Yo creo que no hay más que leer las noticias de cada día y ver el telediario para reconocerlas, aunque a veces se intenten vender como terneritos. Creo que es de las letras más explícitas del disco, y sí, habla sobre lo que está viviendo mucha gente que se tiene que ir de este páis por la situación que vivimos. Se les podría poner nombres propios a los causantes, a todo el mundo se le vienen a la cabeza unos cuantos.

Habéis parido un disco que habla sobre la crisis. ¿Cómo la estáis capeando vosotros?

En primer lugar no creo que sea un disco que hable sobre la crisis, sino que personalmente cuando hacía las letras sí estaba pensando en el momento que estamos viviendo tanto en este país como a nivel global, y lo que sí procuraba era no caer en tópicos ni obviedades y que aunque son letras ligadas a lo que nos está pasando puedan envejecer bien. Capeamos la crisis como podemos, los músicos sí que llevamos muchos años en crisis, ahora puede haber medidas que están afectando más como la subida del IVA pero siempre hemos sido un gremio donde es muy difícil salir adelante, cada uno en su situación estamos intentándolo. Aunque sea mucho más difícil vender discos, los conciertos siguen funcionando bien, pero lo que único que podemos hacer es seguir empujando hacia delante.

¿Cómo os afecta la subida del IVA?

Se nota sobre todo en los precios de entrada de conciertos, aunque nosotros como grupo acabamos de nacer y aún no podemos hacer balance. Pero desde luego no me parece na buena medida, esta grabando el arte y la cultura y eso es un gran error.

¿Qué es lo que echáis de menos de los 80?

Yo creo que particularmente nuestra generación, la de los cuatro los 80 fueron como una especie de creación de imaginario y de ilusiones que luego con el tiempo vas viendo que no son así. Nosotros los 80 los vivimos más como niños y adolescentes que como mayores . Se ha dicho que el disco tiene gran influencia de esa época, pero yo tampoco le veo tanto al disco de los 80, aunque sí tiene algo de eso por ser un pop un poco oscuro.

Vuestro disco habla del desencanto, y hay mucha gente que ahora mismo se siente identificada con este sentimiento, ¿por qué creéis que es?

Cuando uno hace canciones no suele pretender nada, porque si pretendes algo es difícil que te salga. Primero intentas hacer una canción y quedarte tú agusto con ella, luego cuando la expones al público y todo el mundo puede opinar sobre ella pierdes el control. Pero sí puedes tener algún reflejo. Una canción como Ánimo, valiente, sabes que va a tocar a una generacion concreta, en este caso parecida a la de los cuatro componentes del grupo y sí que puede tener algo que conecte con gente pero no se sabe a que gente va a llegar, eso está fuera de tu alcance.

La canción Rey Ricardo es una crítica muy sentida a la monarquía, ¿qué pensáis de la española?

Es curioso porque volvemos a lo de antes, sería bastante ridículo hacer una canción sobre la monarquía española, por eso esa canción es totalmente extrapolable a cualquier tipo de personaje que a todas las generaciones nos ha tocado vivir desde hace siglos. Mucha gente nos dice que es totalmente republicana, yo creo que es una canción que describe a un tipo de personaje que hemos sufrido desde la Edad Media.

¿Se vive hoy en día de la música?

Se sobrevive, hay gente que puede vivir de ella y otros no. Los grupos independientes en este país llevamos muchos años poniendo mucha ilusion, empeño y dinero en nuestros proyectos y la mayoria de las veces sin dar ningún tipo de beneficio, ni siquiera para pagar las facturas. Tienes que tener una mezcla de suerte, azar, trabajo, estar siempre alerta y no quedarte con una cosa sino hacer las más posibles. Nosotros sobrevivimos de la música haciendo mil trabajos. Al final lo que nos salva es una especie de pluriempleo.

Con las letras del disco te habrás quedado agusto, ¿o se te ha quedado alguna crítica en el tintero?

No lo he pensado todavía, creo que el disco sin ser concepual habla del día a día que nos está tocando vivir muchos de nosotros, y un mismo tema se puede exprimir de mil maneras. Este álbum refleja una idea que me apetecía que quedase más o menos clara, sin caer en obiviedades y sin ser evidente.

¿Habéis venido para quedaros?

Nosotros no pensábamos en hacer un disco como divertimento, vamos a seguir adelante, de hecho acabamos de grabar un EP con cuatro canciones. Y por supuesto que habrá segundo disco.

Últimamente se ha abierto la polémica acerca de los sistemas de música en streaming tipo Spotify. ¿Creéis que hacen daño a vuestro modo de vida?

Es un tema difícil, porque por un lado es una plataforma que sirve para dar a conocer tu música y eso es lo que hace que la gente vaya a tus conciertos, nosotros cuando sacamos nuestro disco a la venta lo pusimos en descarga libre, porque no tiene sentido vetar la música que haces sobre todo en este país, así que es mucho mejor darle facilidades a la gente. No por eso creo que el trabajo que hemos hecho tenga menos valor. Estas plataformas podían funcionar mejor, se podrían gestionar los derechos de autor mucho mejor, pero no deja de ser uno de los medios para dar a conocer tu música que al final es de lo que se trata.