La elaboración de listas de recomendaciones, de una cosa o de otra, está más a la orden del día en el contenido de redes sociales y el cine no escapa de ello. Debido al haber llegado a este 2025, The New York Times ha llevado a cabo un proyecto en el que a través de una encuesta dirigida a más de 5000 profesionales de la industria ha seleccionado las 100 mejores películas de la historia del siglo XXI.

Una lista que se ha ido publicando en el medio estadounidense de diez en diez hasta revelarla al completo el pasado viernes con un puesto número uno que ha ido a parar a Parásitos del director Bong Joon Ho, estrenada en 2019, que ha superado a Mulholland Drive del fallecido director David Lynch.

En esta lista de 100 películas destacadas ha habido lugar para una producción española, en concreto ha sido Volver, de Pedro Almodóvar, que ocupa el puesto 80 de las mejores de las cintas del siglo XXI y que desde el medio destacan que ha sido una de las votadas por la actriz Pamela Anderson.

'Volver' de Pedro Almodóvar, entre las mejores películas del siglo XXI

Al revelarse en la posición 80, The New York Times destaca de la película de Pedro Almódovar la “electrizante actuación de Penélope Cruz” y la relación entre “varias generaciones de mujeres que muestran determinación mientras navegan por obstáculo tras obstáculo, en una obra empoderadora, repleta de belleza y pasión, salpicada de una pizca de realismo mágico que abre su narrativa a nuevos reinos”.

Volver fue una de las diez películas más taquilleras de los cines en España en 2006, la segunda nacional por detrás de Alatriste, con una recaudación de más de 10 millones de euros, y la más exitosa a nivel de premios, con una nominación a premio Oscar a mejor actriz para Penélope Cruz, así como dos nominaciones a los Globos de oro, a mejor actriz en drama y en película de habla no inglesa, aunque sería en los Premios Goya de ese año donde más triunfaría con 5 galardones, incluyendo mejor película, director y actriz, al igual que también ganaría 5 en los Premios del Cine Europeo.

El éxito del elenco femenino y de Penélope Cruz

Volver fue todo un éxito en la carrera de Penélope Cruz, al darle la distinción de ser la primera española en estar nominada al Oscar por mejor actriz protagonista, en un papel, el de Raimunda, para el que la madrileña contó que se inspiró en Sophia Loren.

Con las peticiones de Pedro Almodóvar de exagerar el acento, y evocar un estilo sensual y maternal, Penélope Cruz encontró en la mítica actriz italiana un espejo donde emularlo y lograrlo, en una cinta que fue un homenaje a las mujeres manchegas, del pueblo, que el director conoció de pequeño.

Uno de los detalles más curiosos de Volver de Pedro Almodóvar fue el hecho de que obtuvo una distinción inusual en el Festival de Cannes de 2006, al dar a todo su elenco femenino el premio a mejor interpretación femenina, un reparto que incluía a Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo y Chus Lampreave.

El top 20 de las 100 mejores películas del siglo XXI según The New York Times

La 46ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro ha alzado el telón este jueves con la entrega del XXIII Premio Corral de Comedias a la actriz, productora y directora Blanca Portillo (Madrid, 1963).

Con el galardón se reconoce su germinada trayectoria como actriz sobre los escenario, en los que ha ido mostrando su progresiva madurez como actriz y su comprometida defensa del teatro como motor de cambio social.

Portillo ha sido reconocida en el templo del teatro clásico español, el Corral de Comedias de Almagro, el único ejemplo de teatro del siglo XVII que se conserva y que mantiene la estructura original de los corrales de comedias del Siglo de Oro.

Lo ha hecho de manos del Ministro de Cultura, Miquel Iceta, y de la directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Irene Pardo, en un acto que también ha contado con la presencia de la ministra de Política Territorial, Isabel Rodríguez, el presidente de las Cortes de Castilla-La Mancha, Pablo Bellido, y la consejera de Educación, Cultura y Deportes de Castilla-La Mancha, Rosa Ana Rodríguez.

El Patronato del Festival de Teatro Clásico de Almagro ha querido con este premio reconocer la carrera de Portillo, una de las figuras de las artes escénicas de España, que ha conseguido dar una nueva voz al Siglo de Oro y ha encarnado su universalidad en personajes que deslumbran, abruman y subyugan, pero que, ante todo, emocionan, ha dicho la directora del festival, Irene Pardo.

Blanca Portillo, que se ha acercado a los textos áureos en comedias como “No hay burlas con el amor” y “La hija del aire”, se consagró en 2012 como un referente del Siglo de Oro gracias a su antológica interpretación de Segismundo en la versión de Juan Mayorga de “La vida es sueño”, dirigida por Helena Pimenta y estrenada, precisamente, en Almagro, que se mantuvo en cartel durante cuatro años en recintos de España, Europa y Latinoamérica.

La también reconocida con el Premio Nacional de Teatro en 2012 ha asegurado que recibiendo este premio se siente “más actriz que nunca” y ha recordado como ya en el año 1986 por primera vez piso las tablas del Corral de Comedios cuando acudió a Almagro con un novio que tuvo, momento en el que supo que quería dedicarse a ser actriz.

Dos minutos de aplauso de bienvenida

Portillo arrancaba esta alocución tras recibir un aplauso de un público que se ha puesto en pie y que se ha prolongado dos minutos antes de pronunciar la primera palabra.

“No soy amiga de discursos, se me dan fatal, aunque no lo creáis. Soy muy mala. Pero he intentado escribir algo para no hacer el imbécil ni el ridículo hoy que me están concediendo un premio”, comenzaba la actriz.

Tras bromear con las “importantisisisísimas” autoridades presentes en el acto, optado por lo epistolar para leer una “carta” escrita como discurso y dirigida a su “querido Festival de Almagro”.

Aprovechaba su intervención para recordar al director y profesor de teatro Pepe Estruch, de quien ha dicho: “me contagió su amor por los clásicos y aprendí a caminar entre sus versos, a respirar el perfume de sus personajes, a emocionarme con sus argumentos, o a gozar sus risas y sus lágrimas”.

La vida de los clásicos, ha asegurado, le ha permitido “valorar su riqueza, sus sonidos, lo tremendamente específicos que pueden ser y a valorar la palabra” como “vehículo” de los seres humanos para comunicar sus sentimientos. “Quisiera que hoy la palabra me ayudara a explicar lo infinitamente feliz que me siento, la sensación de orgullo y de felicidad”, ha añadido.

Esas palabras que “a veces huyen, a veces se malgastan”. “A veces nos las roban. No, no y no, que nadie nos robe la palabra”, ha afirmado, indicando que quiere seguir aprendiendo a cultivarlas, palabras “que dan fuerzas, que no hieren, que no agreden, la palabra disidente y luchadora”.

“Pero nada, ahora no acuden a mi llamada. Revolotean, se me escapan entre los dedos. Sólo una se posa sobre mi lengua y a ella me limito. Gracias, gracias Almagro”, ha dicho visiblemente emocionada.

Palabras de elogio para la actriz

Durante el acto, que inicialmente ha estado amenizado por el Coro de jóvenes de Madrid, han intervenido dos buenas amigas de la actriz, la periodista Rosana Torres y la directora del Teatro Nacional de Catalunya (TNC), Carme Portaceli.

Rosana Torres ha asegurado de Portillo que ha llegado donde ha llegado “en gran parte, porque nació de la mano de Pepe Estruch, que era un grandísimo director de actores, que estuvo siempre obsesionado por cómo decir la palabra y el verso.

“Blanca Portillo cayó en sus manos y le enseño a respetar la palabra y el verso, y la enseño también algo que también es muy difícil, aducir a sus personajes”.

Por su parte, Carme Portaceli ha querido resaltar el perfil humano de Blanca Portillo, de la que ha dicho, es una persona generosa y solidaria.

La ministra portavoz del Gobierno, Isabel Rodríguez, en nombre del Gobierno, ha ensalzado la figura de la actriz y ha subrayado la admiración que el público siente por la actriz.

Rodríguez ha afirmado que este premio que recibe Blanca Portillo lleva implícito el reconocimiento a su magnífica carrera, pero, también, “el cariño de una gente humilde y trabajadora que se refugia en su ADN para seguir alimentándonos”.

Blanca Portillo se une a la lista de ilustres actores y actrices que han recibido este premio, y entre los que se encuentran Ana Belén, Adriana Ozores, Carlos Hipólito, José Sacristán, Concha Velasco, José Luis Gómez, Julia Gutiérrez Caba, Nuria Espert, Norma Aleandro, Vanessa Redgrave o Michel Piccoli, además de escenógrafos y directores de escena como Francisco Nieva, José Carlos Plaza, Declan Donnellan, Nick Ormerod o Lluís Pasqual, así como de entidades como la Schaubuhne de Berlín o la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

“Jamás” habría imaginado recibir el premio

En la rueda de prensa previa a la entrega del premio, la actriz ha afirmado que “jamás” habría imaginado que fuera a recibir tan importante galardón de un festival al que ha acudido muchas veces “por gusto y por trabajo”. Así lo ha reconocido la propia actriz durante la rueda de prensa que ha ofrecido horas antes de recibir el galardón y en la que ha agradecido “de todo corazón” ser la protagonista de una noche en la que también estarán presentes sus nervios y su emoción.

Tras recibir la llamada por parte de la directora del Festival, Irene Pardo, para trasladarle la noticia, Portillo ha asegurado haberse sentido “estupefacta”, ya que le parecía “casi imposible” recibir un premio “tan importante” y a cuyo acto de entrega ha asistido en diferentes ocasiones para acompañar a compañeros y amigos.

La actriz ha reconocido que, cuando reciba el premio, recordará a mucha gente, pero, sobre todo, a su “maestro” durante su paso por la Real Escuela Superior de Arte Dramático y Danza, Pepe Estruch, quien le abrió las puertas al mundo de “los clásicos”. Pero no solo pensará en él, sino en “toda la gente” que le ha acompañado a lo largo de su trayectoria profesional y vital. Para Portillo, Almagro siempre ha sido “sinónimo de placer”, un lugar en el que uno “se siente feliz y en el que se genera una energía que se contagia”.

Por su parte, la directora del Festival de Teatro Clásico de Almagro, Irene Pardo, ha destacado el “privilegio” que supone entregar a Portillo un premio de tal calado. En este sentido, ha puesto en valor la osadía de Blanca Portillo por atreverse a interpretar personajes masculinos, que, sin duda, es “extraordinario” y “más en estos tiempos”, ha reconocido Pardo.

La actriz Blanca Portillo recibirá el Premio Corral de Comedias en la 46 edición del Festival Internacional de Teatro de Almagro, mientras el diseñador Lorenzo Caprile será la figura homenajeada este año, han anunciado los organizadores este martes. Se celebrará entre el 29 de junio y el 23 de julio en la localidad de Ciudad Real.

Bajo la dirección artística de Irene Pardo, la entrega del Premio a Portillo será el pistoletazo de salida a un mes de teatro, danza, música, recitales y circo, géneros que esta edición pretende impulsar en un afán por revindicar la transversalidad de los textos clásicos y su adaptación a distintos formatos.

Irene Pardo se ha estrenado este martes en la dirección artística del Festival presentando una nueva temporada en la que ha asegurado que se va a “cuidar el teatro clásico con responsabilidad y mucha ternura” y donde “el público, la celebración y la mujer” serán protagonistas.

“Se ha hecho este festival en un tiempo récord y se van a poner en valor muchas cuestiones”, ha defendido Pardo, quien se ha emocionado en varios momentos durante la presentación de esta nueva temporada, en la que ha reiterado que la palabra “complicidad será muy importante”.

La recién llegada a la dirección artística también ha tenido palabras de agradecimiento para su predecesor, Ignacio García, quien dimitió hace unos meses del cargo. “Dirigir esto solo es posible gracias al talento de los que me han precedido”, ha remarcado, citando entre otros al propio García. Ignacio García presentó su dimisión como director de la Fundación del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro el pasado 3 de noviembre. Las instituciones del Patronato propusieron la continuidad de García durante un año más, pero este la rechazó.

La propia dirección de la Fundación del festival explicó que los motivos de la dimisión se debían a “la reducción, precarización y externalización” de puestos laborales que aprobó “por mandato taxativo” la Comisión Ejecutiva y el Patronato y apuntaba a una “devaluación del apoyo institucional” por parte de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, con una reducción de funciones.

El director de la CNTC, Lluis Homar, ha respaldado la labor de Pardo al inicio de la presentación. “Te quiero dar las gracias porque ha sido fácil desde el minuto uno y quiero invitar a dar lo mejor de nosotros mismos para colaborar de la mejor manera. Esta es tu casa y vamos juntos para lo que haga falta”, ha remarcado.

41 obras, vocación internacional y “atraer nuevos públicos”

La consejera de Educación, Cultura y Deportes, Rosa Ana Rodríguez, ha resaltado el compromiso del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro con la mujer y con “mantener una vocación internacional, sin olvidar la complicidad con los vecinos y vecinas de Almagro”. Ha destacado que la XLVI edición de la muestra quiere mantener la estructura orgánica del festival y su vocación fundacional, pero “aspira a ampliar su imaginario para atraer nuevos públicos y reforzar las alianzas con el tejido ciudadano de la ciudad de Almagro y otras instituciones culturales nacionales e internacionales”.

Esta visión se materializará en una programación que integran 41 obras, de las que doce corresponden a estrenos, y que trata de encajar una programación armónica y accesible con otras actividades relacionadas con la gastronomía, la arquitectura, el patrimonio, la naturaleza y la artesanía de Castilla-La Mancha concerniente con el Siglo de Oro en el marco del programa Almagro 360°.

Nombres como Lluís Homar, Laila Ripoll, Declan Donnellan, Eduardo Vasco, Beatriz Argüello, Ana Contreras, David Boceta, Yayo Cáceres o Elena González firman la dirección de algunas de las obras en cartel que componen una programación “conjugada en plural y con una destacada presencia femenina. Muestra de ello, es el abrumador número de autoras clásicas, que asciende a 18 por 13 del género masculino, y el de directoras, que se eleva hasta las 19 de un total de 43”.

Rosa Ana Rodríguez también ha informado de la presencia de compañías de la Comunidad Autónoma, “entre ellas, me gustaría detenerme en la elegida por la Consejería, gracias a las ayudas a la producción teatral sobre el siglo de Oro. Se trata de la producción del espectáculo ‘Profundo Gozo’ de la Compañía ‘Elfo Teatro’”, ha aseverado.

La consejera de Educación igualmente ha felicitado a la nueva directora de la muestra Irene Pardo y, tras desearle suerte, la ha definido como una profesional “tenaz, trabajadora, pero, sobre todo, conocedora del sector”.

Horas antes de que las miras cinéfilas centraran su atención en los Premios Oscar que coronaron a Todo a la vez en todas partes, Blanca Portillo protagonizó un reivindicativo y ovacionado momento en el Festival de Málaga, que celebra hasta el próximo domingo 19 de marzo su 26ª edición. Arropada por las directoras Gracia Querejeta y Paula Ortiz; y el actor Asier Etxeandia, la intérprete sorprendió por el vestuario con el que subió al escenario del Teatro Cervantes a recoger el Premio Málaga–Sur, con el que el certamen quiso rendir homenaje a su carrera.

Llorando y riendo, aplaudida por el público presente en la sala, expuso: “Os estaréis preguntando qué hace vestida así esta mamarracha en una noche de lujo y esplendor”. A continuación, la actriz se separó del atril para que los asistentes comprobaran que llevaba puesto un pantalón vaquero, una camiseta de manga corta blanca y en los pies, zapatillas de deporte.

“Ha sido una decisión muy pensada. Esta noche no estoy aquí para defender un personaje o un trabajo concreto. Estoy aquí porque habéis decidido poner en valor el trabajo de casi cuarenta años dedicados, casi de forma enfermiza, a la interpretación. Puesto que es eso lo que estáis valorando quiero recibirlo como persona, no como actriz. Y esto es sencilla y claramente lo que soy: Blanca, una persona”, compartió.

“Un ser humano despojado de lujos y disfraces, sin aditivos ni colorantes ni conservantes. Una mujer de 59 años que la mayor parte del tiempo tiene miedo y frío, y que necesita desesperadamente cariño y apoyo. Que prefiere los vaqueros a los trajes de noche. Las cañas con los amigos al champán de las fiestas, el amor a la admiración”, sumó antes de compararse con el actor Brad Pitt, asegurando que ambos tienen “algunas cosas en común”.

Entre ellas, tener “casi la misma edad” y “exactamente la misma nariz”. “Es una lástima que naciera en Oklahoma y no en Burgos, por ejemplo. Porque se ha perdido conocer al amor de su vida, que soy yo, no Angelina Jolie”, sostuvo. Por último, defendió con ironía una batalla conjunta: “Ambos hemos tenido que luchar contra nuestro físico para que se valoraran nuestras capacidades actorales, solo que al revés. Él ha luchado contra su belleza para demostrar que es más que un cuerpo y un rostro hermosos. Y yo, contra mi falta de belleza para demostrar que sin ella, también se puede ser actriz”.

He luchado contra mi falta de belleza para demostrar que, sin ella, también se puede ser actriz

Blanca Portillo

Con sus palabras arrancó el aplauso de la audiencia, que se detuvo para escuchar su la reivindicación con la que cerró su intervención: “Quiero aprovechar este reconocimiento para lanzar un mensaje de fuerza y de esperanza a todos y todas a quienes alguna vez les han dicho que les hace falta el físico para dedicarse a esta profesión. Para dedicarse a ella lo que hace falta es amor, esfuerzo, formación, capacidad de soñar lo que no existe, valentía para sobreponerse al miedo, respeto por ti mismo y quienes te rodean. Cultura, trabajo y devoción. Todo eso aumenta con los años y con la práctica. Todo lo demás, se lo lleva el tiempo”.

Su galardonada trayectoria

Nacida en Madrid en 1963 y licenciada en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD), debutó en obras de teatro como Bodas de sangre, Cuento de invierno, Oleanna, Terror y miseria del Tercer Reich y Mujeres frente al espejo. En 1997 dirigió su primera obra, Hay amores que hablan, a la que le seguiría en 1999 Shakeaspeare en pedazos. Su primera película fue Entre rojas, dirigida por Azucena Rodríguez, en 1995. Tras El perro del hortelano (Pilar Miró, 1996) y Eso (Fernando Colomo, 1996), su papel en El color de las nubes (1997) de Mario Camus le valió para ser nominada al Goya a Mejor actriz revelación.

Tras otras dos candidaturas, por Volver (2006) de Pedro Almodóvar –por la que sí fue galardonada en Cannes– y Siete mesas de billar francés (2007) de Gracia Querejeta –por la que recibió la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián–, el cabezón le terminó llegando en 2022, por su papel protagonista en Maixabel de Icíar Bollaín.

Otros títulos destacados de su filmografía son Alatriste (2006) de Agustín Díaz Yanes, Los fantasmas de Goya (2006) de Milos Forman, El patio de mi cárcel (2008) de Belén Macías, Los abrazos rotos (2009) de Almodóvar e Invisibles (2020) de Querejeta. Tiene pendiente el estreno de Teresa, el nuevo filme de Paula Ortiz (La novia).

El buen patrón ha cumplido con todas las expectativas de la noche, y con alguna más. Las 20 nominaciones de la película podían ser un regalo o un caramelo envenenado, pero Fernando León de Aranoa ha salido indemne en la 36 edición de los premios Goya con sus seis estatuillas. Las siguientes en el podio son Las leyes de la frontera, con cinco, y Maixabel y Mediterráneo con tres cada una. La sorpresa se la ha llevado Madres paralelas al marcharse sin ningún premio, ni siquiera el de actriz, categoría a la que aspira en los Oscar.

“Las sucesivas reformas laborales, que tanto daño hicieron a los derechos de los trabajadores, me animaron a escribir esta historia”, ha dicho Fernando León de Aranoa en su primera incursión en el escenario valenciano para recoger el Goya a Mejor guion original, donde también ha recordado a José Luis Borau y su famosa frase de que “para hacer películas, hace falta estar enamorado”. Poco después se subiría a por el cabezón de Mejor director. Pero aún le quedaban varias alegrías a El buen patrón. Y la mayor, el reconocimiento más importante, ha sido el premio a Mejor película. “Doy las gracias al público que está volviendo a las salas a pesar del miedo al virus”, ha concluido el cineasta.

Por lo demás, el patrón Javier Bardem ha satisfecho todas las apuestas y ha recogido su sexto premio Goya, que ha empezado agradeciendo al director. Pero sobre todo se lo ha dedicado a las dos mujeres de su vida: a Penélope Cruz –“la mujer que amo, respeto, admiro y celebro todos los días”– y a Pilar Bardem, que falleció el pasado julio –“la mujer que me parió, me enseño a vivir y me ayudó a sobrevivir. Un referente ético y de compromiso, y aparte de una actriz inmensa, uno de los mejores seres humanos que conozco”–.

El primer galardón para El buen patrón ha llegado por su música, compuesta por una de las pocas mujeres que rompen la brecha de género en el sector de las bandas sonoras. Zeltia Montes, todavía temblando, ha encontrado el arrojo para pedir a los productores que reflexionen sobre el poder de la música en las películas y que lo paguen. “La historia de la música no ha sido muy agradecida con las compositoras, y tampoco la del cine. Los trabajos llegan con cuentagotas y los presupuestos no son suficientes”, ha lanzado. Otra mujer, María José Llergo, ha recogido el Goya a Mejor canción original por Te espera el mar, el precioso tema principal de Mediterráneo.

Un reencuentro largo y sin sorpresas

La COVID-19 no se ha ido, como han demostrado las mascarillas de la platea, pero las obligadas videollamadas y la frialdad de la gala de 2021 por suerte han quedado atrás. El imaginario del reencuentro lo ha inundado todo, desde la alfombra roja hasta los agradecimientos. Estos han incluido pocas menciones políticas y apenas alguna referencia a la crisis sanitaria, que todavía azota al país y de la que el sector del cine se sigue recuperando. Si bien la gala se ha hecho demasiado larga, llegando a las tres horas y media, algunos discursos han encontrado la manera de emocionar y de avivar el tedio.

El del presidente de la Academia de Cine, Mariano Barroso, ha sido uno de ellos. Ha reivindicado a los intérpretes porque, a pesar de ser los profesionales más numerosos de la industria del cine, sufren un 90% de paro. “Los actores y actrices solo tienen trabajo remunerado un día de cada diez”, ha destacado, pidiendo que se les reconozca “los derechos de cualquier otra profesión”. Pero también ha querido recordar a tres grandes figuras recientemente fallecidas: Almudena Grandes, Pilar Bardem y Verónica Forqué. “Nadie ocultó nunca su dolor de una forma más hermosa”, ha dicho sobre esta última, actriz y buena amiga del presidente.

Rostros que han vuelto a aparecer en el In memoriam, cantado por la hermosa voz de Luz Casal. Este ha sido el momento musical más destacado de la noche, a pesar de que ha compartido escenario con Joaquín Sabina, Leiva o C. Tangana.

La presentación coral que tanto ha promocionado la Academia ha quedado desdibujada por demasiados rostros con aportaciones poco o nada memorables. Ni siquiera el sketch de Pantomima Full ha desplegado la irreverencia que les caracteriza. En varios momentos se ha echado en falta al maestro de ceremonias más acertado de los últimos años: Antonio Banderas.

Siguiendo con los premios, Blanca Portillo ha recogido el Goya a Mejor actriz por su interpretación de Maixabel Lasa en la película homónima de Icíar Bollaín. Ella ha dedicado su “amor incondicional” a sus mal llamadas competidoras de categoría, a la directora de la cinta y, en especial, a Maixabel y a su marido, Juan Mari Jáuregui, asesinado por ETA en el 2000.

Ante la carencia de buenos discursos, los que han destacado tienen doble mérito. “Espero que esta película ayude a que el Mediterráneo deje de ser una gran fosa común”, ha dicho el director de producción de Mediterráneo, que tampoco ha salido mal parada en número de premios, llevándose tres de los siete a los que aspiraba. Albert Espel ha querido dedicar su Goya “a la gente que salva vidas en nuestras playas y más aún fuera de ellas” y ha sido una de las intervenciones más aplaudidas de la noche.

Nora Navas, elegida como Mejor actriz secundaria por Libertad, ha agradecido a Clara Roquet su valentía: “Cuesta mucho conseguir papeles a según qué edad y ella ha llenado su película de mujeres de todas las edades. Así que gracias, Clara”. Roquet se ha hecho con el Goya a Mejor directora novel. Una hazaña como primeriza que se suma a otra: haberse colado entre las mejores cinco películas según la Academia.

El previsible ganador en la categoría de actor secundario ha sido Urko Olazabal por su interpretación del exmiembro de ETA, Luis Carrasco, en Maixabel. El vasco ha aprovechado su discurso para usar el lenguaje inclusivo, de los pocos en toda la ceremonia. María Cerezuela ha sumado otro premio a Maixabel como Mejor actriz revelación por su desgarrador papel como la hija del político socialista asesinado, María Jáuregui, a quien ha dedicado su Goya.

Ovación cerrada a Blanchett y a Sacristán

Aunque se celebraba el cine español, la presencia más esperada en Valencia ha sido sin lugar a dudas la de Cate Blanchett. “Trabajar con Pedro quizá mejore mi nivel”, ha dicho la actriz australiana tras reconocer que su vocabulario en español se reduce a “gracias” y “buenas noches”. Ya en inglés, ha dirigido unas bonitas palabras a “una cultura cinematográfica tan rica” y a “una pareja legendaria del cine”, Penélope Cruz y Almodóvar, que le han entregado el cabezón. El director manchego adaptará próximamente el libro Manual para señoras de la limpieza junto a Blanchett. “Si combinas cerebro, corazón y manos eres un artista, y Pedro es un artista”, ha concedido ella.

La primera ganadora del Goya Internacional sí que ha aprovechado para hacer mención a la pandemia, porque según ella “ha sido una época de incertidumbre muy profunda y muy difícil”. “Me siento orgullosa por pertenecer a un sector que ha seguido creando y ha entendido la responsabilidad de que la sociedad vuelva a las salas de cine”, ha dicho la actriz.

Aunque en un momento menos agradecido de la noche, después de casi tres horas de ceremonia, la profunda voz de José Sacristán se ha hecho escuchar al recoger el Goya de Honor. Es el segundo de su vida, puesto que en 60 años de carrera tan solo ha conseguido un premio de la Academia de Cine que hoy le venera y que fundó hace 36 años: “Me siento orgulloso de ser uno de los doce primeros números de esta noble tropa”, ha dicho como académico original.

Blanca Portillo (Madrid, 1963), protagonizará este sábado en el Palacio de Festivales de Santander la obra Miss Dalloway, de la escritora feminista Virginia Woolf. En ella, una mujer llamada Clarissa Dalloway -interpretada por Portillo- comparte 24 horas de su vida con el espectador, haciéndole partícipe de su obsesión por hacer felices a los demás, olvidándose hasta de sí misma.

Portillo, reconocida feminista y situada políticamente “en contra de la intransigencia”, sacó un rato de su apretada agenda para charlar con eldiario.es. Con ella hablamos de actualidad, de cultura y de los baches que hay que superar para llegar a tener un nombre dentro de la industria de la cultura, sobre todo cuando eres una mujer.

¿Qué hay de Miss Dalloway en Blanca Portillo?

He descubierto que bastante más de lo que imaginaba. Hay cosas que nos diferencian, y su vida es aparentemente menos interesante. Es una mujer que se ha dedicado a ser madre y 'esposa de', pero quitando eso hay un montón de cosas. Hay algo de ella que me emociona y con lo que conecto mucho, que es su búsqueda de la belleza. Su deseo de hacer de esta vida -que es un poco una tortura y sabemos que se va a acabar- algo más bello. Rodearse de belleza y regalar a la gente belleza, que creo que es de las cosas que la convierten casi de alguna manera en una heroína silenciosa.

Por otro lado, es muy responsable de sus actos, ella no culpa al mundo. Se hace responsable de las elecciones que ha hecho en la vida, y en eso también conecto mucho con ella. Me parece que es una mujer muy valiente, que a pesar de tener a su alrededor circunstancias que le han llevado a tener que tomar ciertas decisiones, es muy dueña de su vida. A mí me hace bien interpretar a Clarissa Dalloway.

¿Una mujer puede ser feminista y vivir como Clarissa Dalloway?

Creo que sí. Ahora tenemos una idea del feminismo muy diferente, eso es cierto. Parece que si una no sale a las calles a gritar, no es feminista. Ella tiene el germen necesario para ser libre, que es la conciencia de sí misma y el deseo de hacer de su vida algo suyo, que dependa de ella. Y considero que ese es el germen para cualquier tipo de revolución: ser consciente. Probablemente no tiene que ver con la imagen del feminismo actual, del feminismo más activo, pero el germen sí que lo tiene. Tiene su espacio de libertad interior y trata de que la vida sea como ella quiere. Exactamente como ella quiere.

¿Qué es para usted el feminismo?

Yo es que ni siquiera me lo he planteado. Alguien me preguntó hace poco que cuándo fui consciente de que era feminista, y es que nunca he tenido en mi cabeza que existan diferencias esenciales. Evidentemente los hombres y las mujeres somos distintos, pero sé que tengo las mismas obligaciones -e incluso más que ellos-, por lo que... ¿Por qué no puedo tener los mismos derechos? Siempre es algo que me ha parecido natural.

El feminismo es algo profundamente constructivo. El feminismo es el deseo de que todos seamos del sexo que seamos, y tengamos las creencias que tengamos, poseamos los mismos derechos. El feminismo no es nada agresivo sino todo lo contrario. Hay gente que lo utiliza como un insulto, pero no mata a nadie ni excluye. Todo lo contrario, es inclusivo por naturaleza.

Comentó en alguna ocasión que nunca había sufrido acoso sexual, pero sí laboral...

El acoso sexual lo hemos sufrido todas en algún momento, estoy segura. Y en algún momento no nos dimos cuenta o no éramos conscientes. Pero afortunadamente nunca he sufrido una violación ni nada por el estilo, y digo afortunadamente porque no ha sido así para muchas mujeres a las que conozco. Pero a mí me ha tocado que me metan mano en el metro sin pudor. Me ha tocado bajar las escaleras de mi portal y encontrarme a un señor con todo fuera. Y qué quieres que te diga... Nunca he visto a señoras haciendo este tipo de cosas.

Sobre el acoso laboral, es esa sensación de que nosotras tenemos que demostrar mucho más para ser tenidas en cuenta porque hay mucha gente que da por hecho que nuestro criterio es de inferior calidad. Trabajando te encuentras a hombres a los que les cuesta que una mujer les diga cómo tienen que hacer las cosas. Desde muy joven aprendí a decirle a la persona que si no se está dando cuenta de que está infravalorando mi opinión. Es importante hacérselo ver porque muchas veces los hombres no se dan cuenta.

Una vez más, tras los Goya, ha vuelto a haber polémica por las subvenciones a la cultura. ¿Cuál es su opinión sobre el tema?

Decir que el cine español está subvencionado y nada más, es mandar un mensaje bastante equívoco. Probablemente el cine sea de las cosas menos subvencionadas que hay en este país, y por poner un ejemplo, se subvenciona mucho más que se fabriquen coches. Habría que coger el Boletín Oficial del Estado y ver qué subvenciones recibe la cultura respecto a otras cosas. Pero no es cierto que seamos una panda de gente que vive a costa del Estado. De hecho me parece un mensaje falso y cruel.

Nadie sabe lo que cuesta poner una película en pie o lo que cuesta una producción de teatro. Pero hay quien que se ha encargado de mandar solamente ese mensaje... Un país que no cuida su cultura ¿a qué está abocado?. Eso lo decía Lorca muy bien: “El pan claro que nos quita el hambre, pero sin cultura... Un país es un país famélico”. Hay gente que se arruina por hacer una película. Una película da de comer a muchísima gente, y hay muchísimas familias que viven gracias a las películas.

No es cierto que seamos una panda de subvencionados que viven tumbados al sol, y esto me encantaría que la gente lo entendiera porque no es real. De repente ellos lanzan un tipo de mensajes en contra de la cultura... ¿Y en qué lugar les deja a ellos? No lo entiendo, no lo puedo comprender. Ves a los políticos hablando en los mítines y nadie habla de cultura. Es una cosa terrible. No hay un solo político que diga, vamos a cuidar la cultura de este país haciendo esto y esto. Ninguno.

¿Es posible trabajar en el mundo de la cultura y no ser progresista?

No lo sé. Me imagino que habrá de todo en la viña del señor... Pero nosotros vivimos en un mundo en el que intentamos ser respetuosos con todos y con todo. Tampoco voy a decir que somos unos seres maravillosos venidos de otro planeta a conquistar la Tierra, porque no es así. Somos gente normal que trabaja con material delicado, que es el material emocional. Y somos sensibles a las cosas, contamos historias para que la gente se emocione, ya sea en un película, en una obra de teatro, en un libro o en una pintura. La cultura y el arte son cosas que tienen que ver con la sensibilidad, y no sé si eso implica que todos seamos progresistas.

Pero me da pena tener que hablar en términos políticos de algo que es una dedicación. Este trabajo es muy duro de hacer, yo no tengo un sueldo fijo ni contrato indefinido desde que empecé a trabajar.

¿Qué no votaría nunca?

La intransigencia. Estamos perdiendo el intentar escuchar a los demás. No me interesa la gente que tiene una posición inamovible, y no me interesa porque es mentira. Todos cambiamos de opinión porque la vida cambia, a nuestro alrededor la gente piensa distinto. Esa cosa de querer quedarse en un pensamiento único... No puedo con ello.

¿Considera que se ha alejado de la televisión y el cine?

Nunca me he alejado de casi ningún sitio. El teatro llevo haciéndolo y combinándolo con la tele y el cine desde siempre. Es lo único que no he dejado de hacer nunca. Aunque también depende de las situaciones, ahora mismo no tengo ningún proyecto de televisión para este año, o a lo mejor lo tengo para finales de año. Pero nunca he dejado de combinarlo, hay películas que iba a hacer y no han salido, ahora estoy esperando a otras dos... Pero el teatro no he dejado de hacerlo nunca. Si no ha sido actuando, ha sido dirigiendo o produciendo. En 2019 he producido dos espectáculos y he interpretado uno. Y cuando tengo proyectos de televisión que me interesan y me gustan los hago, y cuando no, no los hago.

¿El mundo de la televisión y el cine es más frívolo que el del teatro?

No. No lo creo. Creo que hacer televisión es un privilegio... Pensar que de repente apareces en una pantalla y lo pueden estar viendo millones de personas, eso es una responsabilidad enorme y maravillosa. Por otro lado, el cine es un mundo dificilísimo de levantar y es que cuando el resultado ya está, no tiene vuelta de hoja. Ya está terminado y no se puede tocar, y es una responsabilidad grande. Y por último el teatro está lleno de gente vocacional que se deja la vida, y la gente no lo sabe, pero es muy duro. No me parece que ninguno de los tres campos sean lugares de frivolidad.

Hace unos días, Lola Herrera abandonaba una obra de teatro por un teléfono que no dejaba de sonar. ¿Le ha ocurrido alguna vez?

Lo que no sé es cuándo no ha sonado un teléfono desde que llevamos los móviles a todas partes. Yo recuerdo cuando no los había, o cuando no los tenía todo el mundo, y la gente iba al teatro y durante una hora y media se metía allí y luego se iba a su casa y no pasaba nada. Ahora lo raro es que no suenen, y la pura verdad es que nunca me he marchado de un escenario sin que suene alguno. Pero también creo que es falta de información... La gente yo no sé si es del todo consciente de lo que le pasa a un actor cuando suena un teléfono en el patio de butacas. Lola Herrera hace un trabajo que exige una concentración, un estado de ánimo, un riesgo, un ponerte ahí y desnudarte… y de repente suena un teléfono y te saca por completo. Desapareces y es terrible.

Entiendo que habrá gente que tendrá que llevar el teléfono porque están en un momento de urgencia. Aunque a lo mejor es preferible no ir al teatro ese día... Y por otro lado dices: ¿de verdad no podemos apagar un teléfono ni una hora y media de nuestra vida? Yo nunca he llegado a parar una función, pero puedo comprender lo que es que en un momento dado no puedas más. Lo que sí he hecho alguna vez es parar, quedarme en silencio y esperar a que el teléfono deje de sonar. Para mí es sagrado ese momento de comunicación entre el espectador y el actor. Así que paro, y después continúo.

“Los tiempos como están, y nosotros aquí haciendo teatro”. Los segundos que tarda el ascensor en subir dos plantas sirven a Blanca Portillo para compartir la contradicción con la que convive: “El mundo es un caos, y yo me voy a un sitio a contar una historia a cientos de personas”. Ese “sitio” es el Teatro María Guerrero de Madrid, donde protagoniza Madre Coraje y sus hijos hasta el 17 de noviembre. Un espacio localizado a tan solo kilómetro y medio de la Puerta del Sol y del Congreso de los Diputados.

Ambos lugares formaron parte de la ruta de los miles de jubilados que el pasado miércoles salieron a la calle para defender las pensiones públicas, coincidiendo con la fecha de esta entrevista. La actriz se retrasó unos minutos porque el tráfico estaba imposible pero, una vez conseguido el objetivo, recuperó el aliento y su discurso para explicar que “el teatro es nuestra contribución a que las cosas no vayan a peor”.

La trayectoria de Portillo abruma en su repaso: Mejor Actriz en Cannes, Concha de Plata en San Sebastián, Premio Nacional de Teatro, tres nominaciones al Goya, dirige y tiene su propia productora. Por si fuera poco, ya tiene programados proyectos de cine, teatro y televisión hasta 2022.

Eso sí, de momento da vida a la cantinera Ana Fierling del texto de Bertol Brecht que dirige en el Centro Dramático Nacional Ernesto Caballero. Una madre que en la guerra de los Treinta Años no quiere que el conflicto termine, pues de él depende el sostenimiento de su pequeño negocio. El dramaturgo alemán escribió la obra en 1939, durante su exilio en Suecia, pero sigue resonando y ancla en la butaca por su sobrecogedora actualidad.

Madre coraje y sus hijos habla sobre la guerra y apela a la responsabilidad cada uno sobre ella. ¿Es algo que se nos olvida?Madre coraje y sus hijos

Sí, y también a quién le interesa que ocurran estas cosas. Hay guerras de muchos tipos, no solo las de la bomba y el fusil, y de las que alguien saca provecho siempre. En la función se dice: “Las victorias y las derrotas de los poderosos y de los de abajo no son siempre las mismas”. Se pregunta todo el tiempo quién vive de esto y cuál es tu contribución personal a alimentar ese monstruo.

La protagonista de la obra no se ata a ningún bando por feo o ideología. ¿Dónde está la barrera de su lucha?

Madre coraje asume que ella no puede hacer nada. Por lo que lo único que puede hacer es vivir de la guerra. Le da igual estar con los protestantes o con los católicos. Hace lo que sea, sobrevive, que es lo que en el fondo hacemos la mayoría. Por eso te avergüenza reflejarte en eso. Es un personaje muy real, que saca los colores, porque dice cosas que a veces pensamos pero no nos atrevemos a decir. Su ideología pasa a un segundo término, la deja para los que dicen que saben. Algo que en teoría no se debe hacer, pero que hacemos. Está esa frase maravillosa de “todos son igual de malos”, y no. No todos son iguales.

En España, la guerra civil ha vuelto a estar de actualidad por la película de Alejandro Amenábar Mientras dure la guerra, que ha sido criticada por ser equidistante y su retrato de Unamuno y Franco. ¿La ha visto? ¿Opina parecido?Mientras dure la guerra

No la he visto, pero por las declaraciones que he leído de Alejandro, él ha querido hacer retrato más real y menos partidista. Algo interesante, porque aquí pasaron y están pasando cosas, y no se pueden contar desde un solo lugar. Aunque las hay que no tienen vuelta de hoja las mires como las mires. Una revuelta militar contra un gobierno elegido de manera democrática es una dictadura. Punto y pelota. Lo de los jubilados también es una realidad, llevan toda su puta vida trabajando y tienen todo el derecho del mundo a que un país cuide de su ancianidad y su vejez.

En 2003 se unió a las protestas contra la invasión de Irak al grito de “No a la guerra” que protagonizó aquellos Goyas. ¿Ha cambiado algo desde entonces?

El sector cultural sigue siendo incómodo para los políticos, y esto está bien. Nuestra posición debe ser siempre crítica. Aquel fue un momento en el que la ciudadanía en conjunto se expresó. A partir de ahí, se grita con cada vez más fuerza en la calle. Ha habido una especie de excitación en la gente de decir “estoy hasta los cojones”. Te voto y te pago para que hagas lo que necesitamos, no lo que tú quieras hacer.

Se calla menos y se protesta más, y eso siempre es bueno, porque si no, hacen lo que les da la gana. Parece una gota en el océano pero eso molesta y agita. Estoy absolutamente en contra de la violencia, pero hay una necesidad de salir a decir lo uno quiere. Y que ellos aprieten el culo y se pongan a trabajar.

También está siendo un momento reivindicativo para la mujer.

Es la gran revolución pendiente y sigue en marcha. Es la que creo que está destinada a cambiar el mundo, y que lo está cambiando. La presencia sistemática de la mujer y de su golpe en la mesa es la gran revolución. Ahora las mujeres ya no se callan aunque todavía muchísimas que no hablan todo lo que deberían. Faltan muchas cosas.

¿Qué cree que debería ser lo siguiente en cambiar?

Los puestos de responsabilidad y la igualdad salarial. Todavía hay un lugar en el que cuando una mujer habla los hombres tardan en escuchar, o escuchan menos. En el ámbito cultural, para que a las mujeres se nos escuche todavía hay que gritar un poquito. No es fácil porque hay que quitarse cientos de miles de años de encima. Yo lo sigo notando. Hay veces que cuando produces o diriges hay gente que no te escucha porque eres una chica.

¿A usted le pasa?

Sí. Más allá de que la gente te tenga un respeto, hay momentos en los que hablas de ciertas cosas y como eres una mujer se reacciona distinto. No tanto por lo que digas, sino porque todavía se sigue pensando que una mujer tiene que pedir permiso para hablar. Sus razones siempre son más criticables y les cuesta mucho darnos la razón, no sé por qué.

Además, numerosas mujeres han manifestado haber sufrido abusos sexuales. ¿A usted le ha pasado?

No. He vivido situaciones en las que un hombre ha tenido poder y ha hecho un cierto abuso de ello, pero creo que eso lo hemos vivido en este ámbito y en cualquier otro. Debe importarnos igual que a una mujer le falten al respeto verbal o físicamente, porque no se deben permitir ninguna de las dos.

¿Dejará de pasar? Yo no sé si lo veré. Esto no es una cosa de un día para otro. Es un cambio que tiene que ver con la educación. Cuando escuchas que hay gente que dice que esto es una secta de locas o que hay quien dice que educar a tus hijos en la igualdad es transformarlos en maricones piensas: “Nos queda un montón”.

Llegado a este punto de su trayectoria ¿qué es lo que le queda por hacer?

Cuando me preguntan qué personaje querría hacer, siempre digo que el próximo. Me sigue gustando y seduciendo muchísimo lo que hago. Sobre todo por la gente, el público. Ir al cine o al teatro y ver una sala llena. En estos tiempos me sigue pareciendo increíble que alguien pague para que le cuenten una historia, y yo quiero seguir contándoselas.

Cuando los actores de alguna serie de éxito se reencuentran, el mundo fan se paraliza. El último ejemplo, la foto que Jennifer Aniston compartió con el elenco de Friends. Usted lo vivió en primera persona con 7 vidas. ¿Cómo lo recuerda?la foto que Jennifer Aniston compartió con el elenco de Friends7 vidas

Ocurre con las series que han marcado un cambio, que son hitos. No todas producen ese placer de ver un reencuentro. 7 vidas me ha permitido tener la sensación de haber participado en algo que está en la memoria colectiva, que de alguna manera has sido parte de la historia de la televisión. Lo viví con un orgullo enorme. Eso sí, nunca me he equivocado tanto como cuando hicimos ese capítulo 200 en directo. Agradezco y me parece precioso que la gente se acuerde de Carlota. Al principio parecía que no te ibas a a despegar nunca de ese papel, pero con los años lo veo con una ternura enorme.

Arranca la última semana de la 38º edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, que este domingo 26 de julio clausurará los veinticuatro días ininterrumpidos de encuentros escénicos con el barroco universal. La semana se inicia con la presencia de Rafael Alvárez ‘El Brujo’, que regresa al festival con ‘Teresa o el sol por dentro’, un espectáculo teatral que aborda la figura de Santa Teresa, con motivo del quinto centenario de su nacimiento. El montaje se representa en la Antigua Universidad Renacentista de Almagro desde hoy hasta el próximo miércoles.

En el ámbito de los reconocimientos, el Festival rendirá homenaje a Vicente Fuentes en el Corral de Comedias el jueves 23 de julio a las 20.00 horas, maestro de voz, lenguaje y verso reconocido en toda España por su labor docente en torno al teatro clásico.

Ese mismo día, a las 22.45, en el Hospital de San Juan, será el turno de 'Don Juan Tenorio' dirigido por Blanca Portillo, una co-producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que se representará hasta el domingo 26 de julio, donde Tenorio no es un héroe, si no alguien que huye de su propio vacío, llevándose por delante todo aquello que se cruza en su camino: no es si no el vivo retrato del desprecio por los demás.

El estreno absoluto de esta semana será 'La Cena del Rey Baltasar' a las 22.45 en el Corral de Comedias, una obra co-producida por el Festival de Almagro que se presenta como un combate de esgrima entre la Muerte y el Profeta Daniel, entre el pensamiento y el Rey de los caldeos, entre dos mujeres, la Idolatría y la Vanidad, una exaltación final, eso sí, eucarística, barroca, contra reformista, precedida de una “no santa cena” casi obscena.

El mismo viernes 24 de julio, se subirá al escenario de la Antigua Universidad Renacentista 'El Mercader de Venecia', dirigida por Eduardo Vasco, una obra que contiene dos historias que se entrelazan pero que son tan independientes como los dos lugares que las albergan: Venecia y Belmont. El viernes también será el turno de 'El burgués Gentilhombre' a las 22.45 en el Espacio Miguel Narros, dirigida por Eva Palacio, una obra que ya se estreno en el Festival de Almagro y que coincide con el veinte aniversario de la compañía Morboria Teatro, los cuales también repetirán el sábado.

El After Classics, por su parte, cerrará su primera edición con Salpuri–Unravel a las 01.00, un espectáculo de danza poética procedente de la República de Corea. En el Teatro Municipal, a su vez, el viernes 24 y sábado 25 de julio a las 20.00hs se representará el espectáculo ganador del V Certamen Internacional Almagro OFF.

La 38º edición del Festival de Almagro lo clausurará 'El cielo que me tienes prometido', escrito y dirigido por Ana Disodado, en torno a la figura de Teresa de Ávila.

De repente, María es de carne y hueso. Es humana y, como haría cualquier madre que asistiese a la tortura de su hijo, sufre, maldice, llora, grita. Es una madre que ha olvidado cómo sonreír, según confiesa en el texto. Y así lo cuenta en El testamento de María, monólogo teatral que escribió Colm Tóibín (Enniscorthy, Irlanda, 1955) y convirtió luego en novela (que ahora publica Lumen). Hasta el domingo, en la Capella del Macba, Blanca Portillo, dirigida por Algustí Villaronga, da vida y, sobre todo, sentimientos, a la madre de Dios. Es una obra delicada, durísima y, previsiblemente, polémica. Un libro que rompe el mito de la Virgen María blanda, beata, incluso infantil para presentarnos a una señora María cualquiera a la que le ha tocado vivir una desgracia inmensa.

A pesar de la carga emotiva de la obra y de la novela, Tóibín cuenta que todo empezó en una fiesta: “Entre copas, le comenté al director de Festival de Teatro de Dublín que se podría hacer de la vida de María una tragedia, al estilo de las griegas: Electra, Medea, Antígona… tantas otras”, explica el escritor. “Pero la idea le gustó y una semana más tarde –sin copas de por medio– me contactó diciéndome que quería que escribiese esa obra”. El resultado se estrenó unos pocos días en la capital irlandesa en 2011 y, “como pasa con todas las obras de teatro”, fue efímera. “Veía cómo la gente abandonaba el teatro, claro, se había acabado. Ahí me vino la idea de escribir el libro, porque un libro queda para siempre”.

El testamento de María, que ahora se puede ver en el Grec, se ha estrenado en Dublín y en Nueva York con evidente éxito. “Es un texto muy abierto”, explica el creador, “durante el cual el público queda atrapado por una mezcla de historia bíblica que conoce y una historia humana que le es totalmente cercana”. Esa mezcla es la que humaniza lo que es icónico: “Le pone una cara al icono y se la va retirando, incluso, para encontrar la carne”. La madre tierna y silenciosa se convierte en una madre inteligente que llora y se enfada al recordar lo que le ocurrió tiempo atrás a su hijo. “Tiene todos los motivos para decir la verdad”.

Pero Tóibín huye de las moralinas: “No soy moralista, me interesa el drama, tocar el sistema nervioso del espectador/lector pero no generar polémica”. Eso es complicado. Antes del estreno de Nueva York hubo manifestaciones en Broadway… “Pero nadie interrumpió la obra ni se fue del teatro a media función”, se defiende el irlandés. “Porque un católico de verdad puede creer que es una obra terrible, si no la ve o la lee, porque en cuanto lo hace descubre que es un texto muy serio en el que no me río de nadie”, dice, al tiempo que se confiesa “católico irlandés laxo no practicante”.

María rinde cuentas ante los evangelistas, que quieren saber la versión de la madre del redentor. Y lo hace con miedo pero con firmeza. “Quieren que lo sucedido perdure por siempre, según me han dicho. Lo que escriben, dicen, cambiará el mundo”, dice María. “Ellos están inventando el futuro”, matiza el escritor, “ella vive el pasado con dolor. Ellos trabajan como novelistas, buscan la forma en la experiencia, son artistas. Ella no, ella lo recuerda con exactitud y hay urgencia en su voz”. “Lo que vi me había vuelto salvaje y nada ha podido cambiarlo. Lo que vi a la luz del día me ha trastornado y no hay oscuridad que logre aplacar o mitigar lo que me hizo”, se queja la protagonista, que ha visto cómo crucificaban a su hijo. “Ellos tienen la idea de influir en el futuro, son políticos efectivos”, dice Tóibín. Y María: “Lo imaginable es lo que sucedió en realidad y a lo que sucedió en realidad es a lo que he de enfrentarme durante estos meses antes de ir a la tumba. Si no, todo se convertirá en una historia dulce que se volverá ponzoñosa como las bayas vibrantes que cuelgan de la parte baja de los árboles”. ¡A ella qué le cuentan del futuro, del porvenir…! Ella está convencida de que su hijo se ha echado a perder (¡ha muerto!) por influencias políticas.

El libro invita a echar un vistazo a la actualidad. Tóibín lo entiende perfectamente y no rehúye el tema: “Hoy en día, si eres el padre de un terrorista suicida que se ha enganchado una bomba al cuerpo, no puedes ser ningún ideólogo”, sostiene. “Piensas en tu hijo, que va a morir por la patria o por la religión. Te dicen: ‘Tu hijo es un patriota’ y respondes: ‘No, mi hijo es mi hijo’. Lo que pasa es que vivimos en un mundo en que la realidad y la política están así de distantes”.

Tot d'una, Maria és de carn i ossos. És humana i, com faria qualsevol mare que assistís a la tortura del seu fill, pateix, maleeix, plora, crida. És una mare que ha oblidat com somriure, segons confessa en el text. I així ho explica a El testamento de María, monòleg teatral que va escriure Colm Tóibín (Enniscorthy, Irlanda, 1955) i va convertir després en novel·la (que ara publica Lumen). Fins diumenge, a la Capella del Macba, Blanca Portillo, dirigida per Algustí Villaronga, dóna vida i, sobretot, sentiments, a la mare de Déu. És una obra delicada, duríssima i, previsiblement, polèmica. Un llibre que trenca el mite de la Mare de Déu tova, beata, fins i tot infantil per presentar-nos a una senyora Maria qualsevol a qui li ha tocat viure una desgràcia immensa.

Tot i la càrrega emotiva de l'obra i de la novel·la, Tóibín explica que tot va començar en una festa: “Entre copes, li vaig comentar al director del Festival de Teatre de Dublín que es podria fer de la vida de Maria una tragèdia, al estil de les gregues: Electra, Medea, Antígona... tantes altres ”, recorda l'escriptor. “Però la idea li va agradar i una setmana més tard -sense copes pel mig- em va contactar dient-me que volia que escrivís aquesta obra”. El resultat es va estrenar uns pocs dies a la capital irlandesa el 2011 i, “com passa amb totes les obres de teatre”, va ser efímera. “Veia com la gent abandonava el teatre, és clar, s'havia acabat. Aquí em va venir la idea d'escriure el llibre, perquè un llibre queda per sempre”.

El testament de Maria, que ara es pot veure al Grec, s'ha estrenat a Dublín i a Nova York amb evident èxit. “És un text molt obert”, explica el creador, “durant el qual el públic queda atrapat per una barreja d'història bíblica que coneix i una història humana que li és totalment pròxima”. Aquesta barreja és la que humanitza el que és icònic: “Li posa una cara a la icona i se la va retirant, fins i tot, per trobar la carn”. La mare tendra i silenciosa es converteix en una mare intel·ligent que plora i s'enfada al recordar el que li va passar temps enrere el seu fill. “Té tots els motius per dir la veritat”.

Però Tóibín fuig de les moralines: “No sóc moralista, m'interessa el drama, tocar el sistema nerviós de l'espectador / lector però no generar polèmica”. Això és complicat. Abans de l'estrena de Nova York hi va haver manifestacions a Broadway... “Però ningú va interrompre l'obra ni se'n va anar del teatre a mitja funció”, es defensa l'irlandès. “Perquè un catòlic de veritat pot creure que és una obra terrible, si no la veu o la llegeix, perquè quan ho fa descobreix que és un text molt seriós en què no ric de ningú”, diu, i alhora es confessa “catòlic irlandès lax no practicant”.

Maria rendeix comptes davant els evangelistes, que volen saber la versió de la mare del redemptor. I ho fa amb por però amb fermesa. “Volen que els fets perdurin per sempre, segons m'han dit. El que escriuen, diuen, canviarà el món”, diu Maria. “Ells estan inventant el futur”, matisa l'escriptor, “ella viu el passat amb dolor. Ells treballen com novel·listes, busquen la forma en l'experiència, són artistes. Ella no, ella ho recorda amb exactitud i hi ha urgència en la seva veu”. “El que vaig veure m'havia tornat salvatge i res ha pogut canviar-lo. El que vaig veure a la llum del dia m'ha trasbalsat i no hi ha foscor que aconsegueixi aplacar o mitigar el que em va fer”, es queixa la protagonista, que ha vist com crucificaven al seu fill. “Ells tenen la idea d'influir en el futur, són polítics efectius”, diu Tóibín. I Maria: “El imaginable és el que va succeir en realitat i al que va succeir en realitat és al que he d'enfrontar-me durant aquests mesos abans d'anar a la tomba. Si no, tot es convertirà en una història dolça que es tornarà verinosa com les baies vibrants que pengen de la part baixa dels arbres”. A ella què li expliquen del futur, del porvenir...! Ella està convençuda que el seu fill s'ha fet malbé (ha mort!) Per influències polítiques.

El llibre convida a fer una ullada a l'actualitat. Tóibín ho entén perfectament i no defuig el tema: “Avui dia, si ets el pare d'un terrorista suïcida que s'ha enganxat una bomba al cos, no pots ser cap ideòleg”, sosté. “Penses en el teu fill, que morirà per la pàtria o per la religió. Et diuen: 'El teu fill és un patriota' i respons: 'No, el meu fill és el meu fill'. El que passa és que vivim en un món en què la realitat i la política estan així de distants ”.