Este año volveremos a ver a Harry, Ron y Hermione. El primer capítulo de la serie sobre Harry Potter y la piedra filosofal se estrenará el 25 de diciembre de 2026 en HBO, desvelando por fin cómo será la nueva adaptación sobre la novela de magia y fantasía que catapultó la fama de la escritora J.K.Rowling hace casi 30 años. Hasta entonces, solo podemos especular fijándonos en el tráiler.

Las primeras imágenes del remake se lanzaron a finales de marzo y dejaron las primeras pistas sobre lo que podemos esperar de esta adaptación. Así, el tráiler confirmó lo que ya se venía tiempo anunciando: la serie, que tendrá una temporada dedicada a cada libro, será mucho más fiel a las novelas originales que lo que fueron las míticas películas de Warner Bros.

En el tráiler, vemos escenas que no aparecieron en esos largometrajes, como la de la tía Petunia cortándole el pelo a Harry, reflejando su obsesión por hacerlo parecer una persona “normal”, o aquella en la que el joven mago sufre acoso escolar por parte de su primo Dudley y su grupo de amigos en su colegio habitual, antes de estudiar en la escuela de magia de Hogwarts. 

Hablamos de momentos que, sin duda, ofrecerán más profundidad a esta primera parte de la historia, pero ¿qué más escenas novedosas podremos ver en la nueva serie de HBO? Hoy recuperamos cuatro momentos que sí aparecen detalladas en las novelas originales pero que no llegaron a desarrollarse del todo en los filmes protagonizados por Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson.

Los Dursley, Snape, Voldemort y Godric’s Hollow

El tráiler dejó claro que esta primera temporada dedicará más tiempo a desarrollar cómo fue la convivencia de Harry con los Dursley. Aunque esto es algo que sí aparece en las películas, todo quedó muy condensado en ellas, teniendo en cuenta que incluso el inicio del primer libro está narrado desde el punto de vista de Vernon, el tío muggle de Harry. Conocer en profundidad cómo era la vida del chico con esta familia servirá para entender mejor la vida de los muggles y el rechazo que estos sienten por la magia.

Aunque en las películas se presentan flashbacks sobre la infancia de Tom Riddle, se espera que la serie desarrolle mucho más cómo el joven mago acabó convirtiéndose en Voldemort. El abandono de su padre, a quien asesinó tiempo después, y la muerte de su madre, algo que se explica con bastante detalle en los libros, podrían ganar mucho más peso en HBO.

Lo mismo podría ocurrir con el personaje de Snape y su historia sobre cómo se ganó el título de “Príncipe Mestizo”, algo que en las películas apenas se profundizó. También se cree que la serie mostrará con mucho más detalle el ataque en Godric’s Hollow, la noche en que murieron los padres de Harry, James y Lily Potter. 

Además de estos cuatro momentos, hay personajes como Peeves, Ariana Dumbledore o Teddy Lupin, que ni siquiera fueron mencionados en los largometrajes, que podríamos ver por primera vez en la pantalla.

La nueva serie de Harry Potter vuelve a dar que hablar una vez más. Desde que se supo que HBO prepararía una nueva adaptación de las novelas que lanzaron a J. K. Rowling al estrellato, las novedades van llegando poco a poco, y cada vez queda menos para ver el resultado final de lo que la plataforma de streaming lleva meses preparando. 

La última noticia sobre la producción tiene que ver con el protagonismo de una de las familias más odiadas (y, al mismo tiempo, queridas) de la historia ambientada en Hogwarts. Los Malfoy, que tienen un papel más secundario en las películas originales, aparecerán mucho más en la adaptación de HBO.

Así lo ha confirmado Johnny Flynn, el actor que interpretará a Lucius Malfoy en la serie, en una entrevista reciente para The Hollywood Reporter. “Básicamente, no salgo en el primer libro. Lucius apenas sale en el primer libro, pero sí en la primera serie. Así que es todo un acontecimiento ir a trabajar”, compartió.

Más protagonismo también para Draco

La primera temporada, cuyo estreno está previsto para principios del año que viene, adaptará por completo Harry Potter y la piedra filosofal (1997), el primer libro de la saga de novelas de la escritora británica. Pero como en cualquier adaptación, no todo lo que veamos en pantalla será igual que lo que conocimos en las novelas originales.

Esto también lo ha corroborado Lox Pratt, el actor que dará vida a Draco Malfoy en la primera temporada de la serie. “Con esta adaptación, se puede ver mucho más allá de los libros. [Los libros] están muy por encima del hombro de Harry, lo cual es genial, y así es como se presentó la película”, empezó explicando el intérprete de 14 años en una entrevista para la revista 1883. 

Y añadió: [En la serie] hay mucho más que se puede ver. Se puede ver a todos los profesores en sus pequeñas habitaciones. Se puede ver a Draco en casa. No voy a desvelar demasiado, pero hay algunas escenas brillantes en casa donde se empieza a comprender cómo es“. 

Así, el actor, protagonista también de la primera adaptación televisiva de El señor de las moscas, explicó que la producción de HBO permitirá conocer de una forma más profunda a estos personajes que ocuparon un lugar menos destacado en las películas de Warner Bros. “En las películas, Draco es como bidimensional, es el villano burlón. Siento que hay mucho más y es necesario entender por qué”. 

El director Pol Rodríguez (codirector junto a Isaki Lacuesta de Segundo Premio) creció entre fogones. Los del restaurante familiar en el que durante 90 años toda su familia trabajó dando de comer a la gente que se acercaba por un sitio que se convirtió en emblema del Raval. Por allí pasaba desde cualquier vecino del barrio hasta círculos intelectuales del entorno barcelonés, como José Luis Guerín o Joaquim Jordà. Lo que pasó a aquella casa de comidas podría haber sido una trama de En construcción, el documental de Guerín que en 2001 mostró el comienzo de la gentrificación en aquel barrio.

Un fondo buitre compró el edificio y logró que la familia de Rodríguez tuviera que dejar aquel lugar en el que habían crecido y pasado toda su vida. Aquella historia, que funciona como ejemplo paradigmático de la turistificación de Barcelona y de otras ciudades y del problema de la vivienda en España, se ha convertido en una serie creada y dirigida por el propio Pol Rodríguez junto a su amigo Isaki Lacuesta. Una serie con la que, además, se cierra un círculo. Fue en esa casa de comidas donde conoció a Jordá, comenzó a trabajar de ayudante de dirección con él, y ahí se encontró con Isaki Lacuesta, con quien ahora firma la serie.

Ravalear, que así se llama la serie, se ha proyectado en el Festival de Berlín, donde ha desvelado sus dos primeros episodios. Dos capítulos que apuntan a que estamos ante una de las series del año. Una ficción donde la realidad se cuela, donde incluso parece que hay partes grabadas con cámara oculta en el Raval, y con un toque de guerrilla que se cuela en este ejercicio de estilo creado a golpe de montaje, banda sonora y unas interpretaciones excelentes de un cast comandado por tres de los mejores actores de su generación: Enric Auquer, María Rodríguez Soto y un Quim Ávila al que le deberían empezar a llover los papeles.

Auquer se convierte, de alguna forma, en un trampantojo del propio Rodríguez en la serie. Un joven que ve cómo el sueño de sus padres de comprar por fin el restaurante que durante décadas han alquilado y han regentado se desvanece por el engaño de un fondo buitre que les deja tirados, y vende el local (y todo el edificio al mejor postor). Ravalear muestra la realidad del mercado inmobiliario, las tretas de las empresas para echar a los inquilinos y las consecuencias en el tejido social y en los barrios de todo ello. Podría, de hecho, ser la secuela espiritual de aquella En construcción que citábamos.

Hasta Berlín ha venido la familia de la ficción y Pol Rodríguez, que se mostraba emocionado y nervioso por compartir una historia que, de alguna forma, es la suya. De hecho, también ha venido su familia real, sus padres, que confesaban que cuando vieron la serie terminada se emocionaron al ver tantos recuerdos allí plasmados. Rodríguez cree que en esta serie hay algo de “venganza”, pero también de “sanación”.

Lo que hay es una clara mirada a un problema que nos atañe a todos y que expulsa a la gente de las ciudades para ponerlas al servicio de fondos buitre y turistas. Aclara también que está “inspirado” en lo que pasó en su familia. “Tuvimos un restaurante en el barrio del Raval durante 90 años, y en el 2021 tuvimos que cerrar con un desahucio y tuvimos ese proceso de lucha contra un fondo de inversión que duró más o menos unos cinco años. Yo estaba ya escribiendo una historia sobre la falta habitacional en la ciudad. De repente me di cuenta de que la realidad estaba entrando ya en la ficción directamente. Entonces fue cuando decidí introducir toda la trama de la familia e, investigando sobre fondos de inversión, me di cuenta de la complejidad y de la profundidad del asunto”, explica desde Berlín. 

La complejidad del asunto le hizo ver que no podía ser una película, sino una serie donde abordar todas las aristas y complejidades de un tema con el que le cuesta ser optimista. “A nivel político, es muy obvio que no hay un interés en regular una problemática que nos afecta a todos, pero también nosotros mismos, como clase media, nos hemos convertido todos en turistas. Al final ahora somos dos tipos de personas: o somos turistas o gente sin casa. Es así de claro. Los que tenemos una casa podemos viajar y viajamos. Entonces, ¿cuánto de culpabilidad tenemos nosotros mismos en todo ello?”, analiza, y espera que la serie abra el debate que haga “ponerse las pilas a los políticos”.

La serie muestra cómo esa lucha que se da en el barrio del Raval, entre mantener su esencia o rendirse a las nuevas modas, también se produce dentro del restaurante, donde uno de los hijos quiere apostar por un menú más caro y pijo mientras que el otro apuesta por mantener la esencia popular del local. En palabras de Rodríguez, “la serie va sobre cuánto necesitamos el progreso y a qué precio”. “Pasa en las ciudades y pasa en la cocina. Me interesa muchísimo esta contradicción de cómo el pasado a veces te ata y qué lastre tienes que dejar para poder avanzar, pero al mismo tiempo, muchas veces arrasas con cosas que no deberías arrasar por ese progreso”, opina.

Con Ravalear quiso que también hubiera una coherencia, que “el Raval entrara a cucharadas en la serie”. Eso se nota en la puesta en escena, con esas tomas lejanas y esos zooms que captan la esencia del barrio, pero también en cómo han trabajado introduciendo a las ONG y asociaciones que trabajan en sus calles. “En este caso, en el que hablábamos de una problemática social, yo quería conocerla de primera mano. No quería hablar desde mi pequeño despacho, mi pequeña oficina, sino trabajar con ellos. Nos abrieron sus puertas. Nos enseñaron sus dinámicas”, recuerda. Entre todos han construido una de las series que, sin duda, va a marcar el 2026 en el audiovisual español.

Hay casualidades que no lo son tanto. Y filtraciones que suenan más a despiste sincero que a estrategia de marketing. En pleno Día Mundial del Mago, el universo Harry Potter vuelve a sacudir a los fans con una noticia que llevaba meses flotando en el ambiente y que ahora, por fin, tiene nombre propio.

Ha sido Ralph Fiennes, el rostro definitivo de Lord Voldemort en la saga cinematográfica, quien ha confirmado —casi sin querer— quién recogerá su legado en la futura serie de HBO. Y el elegido no es precisamente menor: Cillian Murphy.

Una confirmación inesperada… y muy reveladora

Durante una entrevista reciente, Fiennes dejó caer la bomba con naturalidad británica. Sin comunicado oficial, sin fanfarrias y sin ese tono de secreto industrial que suele acompañar a estas producciones. Simplemente dijo lo que pensaba. Y lo que pensaba era claro: Murphy es “muy bueno” y una “excelente elección” para convertirse en el nuevo Tom Marvolo Riddle.

Después llegó el clásico intento de rectificación, el “no sé si ya está confirmado” y ese momento incómodo que solo hace más creíble la filtración. Porque cuando alguien se da cuenta tarde de que no debía haber dicho algo, suele ser porque ese algo es cierto.

Por qué Cillian Murphy encaja —y mucho—

El nombre de Murphy llevaba tiempo circulando entre los seguidores más atentos de la saga. No es una elección obvia, pero sí profundamente coherente. Su capacidad para construir personajes inquietantes, silenciosos y emocionalmente densos lo convierte en un candidato ideal para un Voldemort más psicológico que grandilocuente.

Lejos del villano histriónico, Murphy puede aportar matices: fragilidad, obsesión, frialdad contenida. Un mal que no grita, sino que incomoda. Un Voldemort que no necesita levantar la voz para imponerse.

Y eso, en una serie que pretende tomarse su tiempo y profundizar libro a libro, es una baza narrativa enorme.

La serie de Harry Potter: un proyecto a largo plazo

La nueva adaptación de Harry Potter para HBO no es un simple reboot. La intención de Warner Bros. es clara: un libro por temporada, desarrollo pausado, fidelidad al material original de J. K. Rowling y una ambición que apunta a más de una década de emisión.

La primera temporada ya está rodada y no llegará hasta 2027, pero el engranaje está en marcha. Incluso se ha confirmado a Hans Zimmer como responsable de la banda sonora, una decisión que deja claro el tono épico y oscuro que busca esta nueva etapa en Hogwarts.

Un Voldemort para una nueva generación

Si algo demuestra esta elección es que la serie no quiere vivir de la nostalgia fácil. Quiere reinterpretar, no copiar. Y para eso necesita un Voldemort que dialogue con el presente, con espectadores más adultos, más acostumbrados a villanos complejos y moralmente ambiguos.

Que la confirmación llegue precisamente el Día Mundial del Mago tiene algo de poético. Como si el universo Harry Potter se permitiera guiñar un ojo a quienes crecieron con la saga y ahora vuelven, más mayores, a enfrentarse al mismo miedo de siempre, pero con otros matices.

Porque el mal cambia de forma, pero nunca desaparece. Y todo apunta a que, esta vez, tendrá el rostro afilado y la mirada inquietante de Cillian Murphy.

A lo largo de las ocho largas temporadas de Juego de Tronos, los espectadores han asistido a una lucha descarnada por el poder entre varias familias nobles en los Siete Reinos. Todo por conseguir el Trono de Hierro o por ganarse el favor de la persona que lo ocupaba, aunque olvidando la amenaza real que se cernía desde el norte con los Caminantes Blancos. 

En cada uno de los capítulos de la célebre serie de HBO Max, quedó claro que el poder movía montañas (y ejércitos), que la lealtad en los Siete Reinos brillaba por su ausencia, que la política también ganaba guerras y que el honor de la familia tampoco lo era todo, siempre con la excepción de los Stark, a los que tampoco les fue muy bien. 

En esa lucha descarnada, la casa Targaryen partía con ventaja por su conexión con los dragones, unas criaturas a los que conseguían dominar y montar, según la historia escrita por George R. R. Martin. Ese vínculo les llevó a dominar Poniente durante siglos. 

Las cuitas internas entre los Targaryen motivaron la creación de una primera precuela de Juego de Tronos: La casa del dragón, que cuenta el conflicto civil conocido como la Danza de los Dragones, una guerra de sucesión por el Trono de Hierro. La cuarta temporada está en marcha y se espera en tan solo unos meses. 

Pero el universo de Juego de Tronos no se queda ahí: hemos pasado de la grandiosidad de las grandes casas medievales a una nueva precuela, que cuenta las aventuras de un personaje desconocido, sin grandes apellidos. La nueva historia de HBO Max se titula El caballero de los Siete Reinos y ya está disponible en la plataforma de streaming. 

Una “entrañable historia”

Ni épicas batallas ni Trono de Hierro en juego. HBO Max cambia su apuesta para la nueva precuela de Juego de Tronos. El caballero de los Siete Reinos cuenta la “entrañable historia” centrada en las aventuras de una “pareja inesperada”: un joven ingenuo, pero valiente caballero, conocido como Ser Duncan el Alto, y su diminuto escudero, Egg.

La serie está ambientada en una época en la que la dinastía Targaryen aún ocupa el Trono de Hierro y el recuerdo del último dragón aún no se ha borrado de la memoria colectiva, según explica la plataforma. Pero las grandes casas medievales son lo de menos en este caso. Aquí se centran en los pintorescos destinos, los poderosos enemigos y las peligrosas hazañas esperan a estos amigos.

Y HBO Max está encantado con que Juego de Tronos siga siendo rentable. “El público quedará encantado con la inspiradora historia de Dunk y Egg, dos personajes sin suerte en la vida, que George e Ira Parker han plasmado de forma tan magnífica”, vaticina la vicepresidenta ejecutiva de programación de HBO y directora de series dramáticas y películas, Francesca Orsi. 

El éxito de una historia puede medirse no solo por su popularidad, sino también por la intensidad con que se discute su final. Ese fenómeno ha acompañado a Juego de Tronos, una creación que comenzó como saga literaria y terminó convirtiéndose en uno de los productos más influyentes de la televisión moderna. Su expansión superó el terreno de los libros, transformándose en un referente cultural seguido por millones de personas en todo el mundo.

La serie de HBO no solo adaptó el universo de George R.R. Martin, sino que también lo amplió hasta alcanzar territorios no escritos, lo que generó entusiasmo y después división entre los seguidores. Ese paso más allá del material original marcó el inicio de una etapa de tensión entre las expectativas de los lectores y las decisiones narrativas de los guionistas. Con ello surgió un debate sobre el modo en que una historia puede crecer hasta sobrepasar los límites de su fuente y provocar reacciones opuestas.

El actor reaccionó con enfado ante la campaña para rehacer la última entrega

Kit Harington dijo al New York Times que se sintió profundamente ofendido por la petición viral que exigía rehacer la octava temporada de Juego de Tronos con “guionistas competentes”. La campaña, lanzada en 2019 con un objetivo inicial de 15.000 firmas, alcanzó más de 1,8 millones. “Eso me enfadó de verdad”, explicó el actor, que dio vida a Jon Snow, al defender el trabajo de David Benioff y D.B. Weiss, creadores de la serie.

El intérprete añadió que el nivel de agresividad alcanzado en redes sociales solo podía generarse “por la idiotez que surge en internet”. En la misma entrevista recordó que durante la emisión final estaba en rehabilitación y que, al salir, se sorprendió por la negatividad generalizada a pesar del esfuerzo del equipo. Mencionó como ejemplo una de las batallas más complejas, que necesitó 55 días consecutivos de rodaje.

George R.R. Martin, autor de Canción de hielo y fuego, explicó en la misma publicación, pero varias años antes, que había estado “muy alejado” de las últimas temporadas, en especial de la octava. Afirmó que entregó a los showrunners algunos puntos indispensables del final, como la elección de Bran como rey, pero señaló que sus novelas no seguirán el mismo rumbo.

Según dijo, los libros tendrán desenlaces menos optimistas y más letales, en los que personajes como Tyrion Lannister podrían tener un destino trágico. Más recientemente ha admitido sentir frustración por no haber terminado aún la saga y descartó que otro autor complete su historia.

El desenlace acelerado alimentó críticas por las decisiones narrativas y fallos visibles

El enfado de Harington coincidió con un periodo de fuerte debate entre los seguidores. Consideró injustas las críticas hacia el equipo técnico y artístico, insistiendo en el compromiso mostrado durante los últimos años de grabación. HBO, por su parte, reconoció haber conocido la petición para rehacer la temporada, pero nunca la tomó en serio. Casey Bloys, entonces jefe de programación de la cadena, señaló en 2019 que no se plantearon un rodaje nuevo. “Hay muy pocas desventajas en tener una serie tan popular, pero una de ellas aparece cuando intentas cerrarla”, declaró.

Buena parte de la decepción del público procedió del ritmo y la resolución acelerada de los últimos episodios. Muchos espectadores consideraron que la trama se comprimió en exceso y que el giro de Daenerys Targaryen hacia la crueldad resultó precipitado. También hubo críticas sobre el desenlace del Trono de Hierro y la pérdida de coherencia en el desarrollo de varios personajes.

La indignación alcanzó su punto máximo con los errores de rodaje detectados por los espectadores, como el vaso de café que apareció en una de las secuencias, convertido en símbolo de la desatención final.

George R.R. Martin reparte su tiempo mientras la saga sigue sin cerrarse

La serie acabó superando la cronología literaria cuando las novelas de Martin se detuvieron en Danza de dragones, publicada en 2011. Desde entonces, los guionistas continuaron la trama con libertad creativa. El escritor, por su parte, sigue trabajando en Vientos de invierno, la sexta entrega de la saga, que ha anunciado como diferente en tono y destino. Asegura que su versión incluirá más muertes y menos concesiones.

Mientras tanto, Juego de Tronos permanece como un ejemplo del alcance y las fracturas que puede generar una historia que, al crecer más allá de su origen, dejando a su autor y a sus seguidores con la misma sensación de distancia respecto a su desenlace, pero unidos por el recuerdo de un fenómeno irrepetible.

Netflix se plantea modificar los términos de su oferta por Warner Bros Discovery (WBD) para convertirla en una propuesta 100% en efectivo. La maniobra buscaría agilizar una transacción que amenaza con alargarse durante meses por la posible oposición política a la fusión y por el interés de un rival directo, Paramount Skydance (PSKY), en hacerse con el control total del grupo dirigido por David Zaslav.

Según el acuerdo original, los accionistas de WBD recibirían 23,25 dólares en efectivo y 4,5 dólares adicionales en acciones ordinarias de Netflix, lo que eleva el valor de la oferta a unos 82.700 millones de dólares (alrededor de 79.400 millones de euros). Sin embargo, fuentes citadas por Bloomberg apuntan que la compañía de Los Gatos estaría dispuesta a revisar esas condiciones para eliminar el pago en acciones y ofrecer únicamente efectivo.

La opción cobra fuerza después de que las acciones de Netflix hayan perdido cerca de un 25% de su valor desde que, el pasado octubre, trascendió su interés por Warner. Un pago íntegro en metálico reduciría la incertidumbre para los accionistas de WBD y permitiría sortear parte de los riesgos asociados a la volatilidad bursátil.

Netflix, que ya ha asegurado unos 59.000 millones de dólares (50.610 millones de euros) en financiación procedente de bancos de Wall Street para respaldar la adquisición, tendría margen para elevar su deuda sin comprometer sus calificaciones crediticias, según el analista de Bloomberg Intelligence Stephen Flynn. 

La ofensiva de Netflix se produce en un contexto de creciente tensión. El pasado lunes, Paramount Skydance presentó una demanda contra Warner Bros Discovery para obligar a la compañía a revelar los detalles de la propuesta de Netflix, después de que el consejo de administración de Warner (propietaria de HBO Max) haya considerado en varias ocasiones que la oferta de la plataforma de ‘streaming’ es superior.

La semana pasada, el consejo de WBD rechazó por unanimidad la propuesta revisada de Paramount Skydance, que incluía una garantía personal irrevocable del multimillonario Larry Ellison, cofundador de Oracle y padre de David Ellison. El presidente del consejo de WBD, Samuel Di Piazza, defendió que la oferta rival seguía aportando “un valor insuficiente”.

Di Piazza también subrayó el “monto extraordinario” de las cláusulas de financiación de deuda incluidas en el plan de Paramount, que a su juicio incrementan los riesgos de que la operación no llegue a cerrarse y debilitan la protección de los accionistas. Frente a ello, la junta de Warner ha reiterado que el acuerdo vinculante con Netflix ofrece menos costes y riesgos.

Paradójicamente, la propuesta de Paramount Skydance valora el 100% de WBD en más de 108.400 millones de dólares (92.986 millones de euros), muy por encima de la oferta de Netflix. Aún así, la plataforma solo aspira a adquirir los estudios de cine y televisión, además de HBO Max y HBO, una diferencia clave que explica por qué el consejo de WBD sigue inclinándose, por ahora, del lado de Netflix.

El actor estadounidense James Ransone, de 46 años, ha sido hallado muerto en Los Ángeles. La Oficina del Forense del Condado de Los Ángeles ha informado del fallecimiento del intérprete, que se habría quitado la vida. Fuentes policiales habrían confirmado al portal TMZ que no había indicios de una agresión.

Ransone, que estaba casado y tenía dos hijos, saltó a la fama en 2003 con su papel de Ziggy Sobotka en la exitosa serie 'The Wire', situada en Baltimore, su ciudad natal. En ella interpretó durante 12 episodios a Ziggy, el problemático hijo del líder de los estibadores, Frank Sobotka. La ficción es considerada una de las más influyentes en televisión.

Desde 2001 participó tanto en series como películas. Apareció puntualmente en 'CSI', 'Ley y orden' o 'Hawai 5.0', y en siete episodios de 'Generation Kill' y en otros tantos de 'Buscarse la vida en América'. Asimismo, apareció en diez capítulos de 'Treme', en ocho de 'Bosch' y en otros diez de 'Low winter sun'.

Además, apareció en el segundo episodio de la serie 'It', donde compartió reparto con estrellas como Jessica Chastain, James McAvoy, Bill Hader o Bill Skarsgård.

En 2021 hizo público que había sufrido abusos sexuales cuando tenía 12 años por parte de un extutor que trabajaba en escuelas públicas de Maryland. Según publicó en su cuenta de Instagram, este hecho fue el motivo de que años después lidiara con la adicción al alcohol y a la heroína. Aunque denunció formalmente los hechos, la Policía no quiso presentar cargos penales.

Durante los primeros diez meses de su segundo mandato, Donald Trump no ha ocultado su deseo de controlar la industria mediática estadounidense, desde animar a las cadenas de televisión a despedir a periodistas, cómicos y críticos que no le gustan hasta presionar a los reguladores para que revoquen licencias de emisión. Ahora parece decidido a fijar las condiciones de uno de los mayores acuerdos mediáticos de la historia.

Se trata de un acuerdo que podría tener repercusiones no solo en Estados Unidos, sino en todo el mundo, ya que no solo está en juego el futuro de Hollywood, sino también el panorama informativo.

Probablemente, otro presidente estadounidense habría declinado educadamente hacer comentarios cuando un periodista le preguntara sobre una fusión mediática masiva que requeriría una supervisión basada en hechos y la aprobación regulatoria de una rama de su administración supuestamente independiente.

Pero cuando el domingo se le preguntó a Trump sobre el acuerdo de 82.700 millones de dólares de Netflix para adquirir el estudio y los negocios de streaming de Warner Bros Discovery —la empresa cuyos activos abarcan desde Batman y Casablanca hasta Los Soprano, Succession y CNN—, no dudó en decir que “participaría” en el proceso de revisión del acuerdo.

Días más tarde, un conglomerado mediático muy vinculado a su administración, Paramount Skydance, la empresa propietaria de los estudios cinematográficos Paramount Pictures, la cadena de televisión estadounidense CBS y Channel 5 en el Reino Unido, contraatacó con una oferta hostil de 108 000 millones de dólares por la empresa.

Trump ofreció entonces un comentario contradictorio sobre su papel: “No estoy involucrado en eso”, dijo a los periodistas el miércoles, antes de añadir: “Probablemente estaré involucrado, tal vez en la decisión. Depende. Hay algunas buenas empresas pujando”. 

Contradiciéndose a sí mismo, Trump estableció entonces una condición para apoyar el acuerdo: la empresa que compre el estudio de WBD, HBO y sus activos de streaming también debe adquirir sus canales de televisión y realizar grandes cambios en la cadena de noticias por cable que él desprecia desde hace tiempo, la CNN.

“Creo que la CNN debería venderse, porque creo que las personas que la dirigen en este momento son o corruptas o incompetentes”, afirmó.

Solo Paramount, dirigida y respaldada por partidarios de Trump, había presentado una oferta por toda la empresa.

Esto no es normal, como se apresuraron a señalar los comentaristas y antiguos funcionarios antimonopolio. “No está diseñado para ser un sistema en el que el presidente se despierta una mañana y lo decide. En realidad, se supone que debe ser todo lo contrario”, afirma Tim Wu, profesor de Derecho de la Universidad de Columbia, que trabajó en la Casa Blanca de Joe Biden entre 2021 y 2023 como asistente especial del presidente para la política de competencia y tecnología. 

Durante la administración Biden, “seguimos las antiguas normas, y estas sugerían que la Casa Blanca debía mantenerse muy alejada de las fusiones”, añade Wu, aunque “las partes siempre querían que nos involucráramos”.

“Todo está pensado para mantener alejada a la Casa Blanca”, dice. “¿Esta Casa Blanca? Es un lugar totalmente diferente”.

Phillip Berenbroick, que fue asesor jurídico jefe del subcomité judicial del Senado de EEUU en materia de antimonopolio, afirmó que, aunque “no es sorprendente que [Trump] esté interesado y lo diga públicamente, eso difiere de cómo la mayoría de los presidentes y la mayoría de las administraciones han tratado el proceso de revisión antimonopolio. Creo que le encanta desempeñar el papel de negociador”.

El papel protagonista de Paramount aumenta la probabilidad de que Trump se involucre, teniendo en cuenta que la empresa cuenta con el respaldo de su viejo amigo y cofundador de Oracle, Larry Ellison, y está dirigida por su hijo David, amigo de Trump, quien ha alabado la “buena” relación de la empresa con la administración.

“Donald Trump parece estar diciendo que cualquier postor de Warner Bros tiene que llegar a un acuerdo con él, y eso podría implicar una donación a su salón de baile incrustado de oro, o podría implicar deshacerse de un medio de comunicación que no le gusta o hacer películas que solo le halaguen”

Otro factor que podría favorecer a Paramount, en lo que respecta a Trump, es el papel de su yerno Jared Kushner, cuya empresa de inversión Affinity Partners es un financiador externo de la oferta, aunque Trump dijo a principios de esta semana que no ha hablado con él al respecto. 

La senadora Elizabeth Warren, de Massachusetts, junto con varios de sus compañeros demócratas del Senado, ha denunciado la situación.

“Donald Trump parece estar diciendo que cualquier postor de Warner Bros tiene que llegar a un acuerdo con él, y eso podría implicar una donación a su salón de baile incrustado de oro, o podría implicar deshacerse de un medio de comunicación que no le gusta o hacer películas que solo le halaguen”, declaró al diario The Guardian.

“Pero Donald Trump no debería ser quien tome la decisión final en este caso. Es necesario que se lleve a cabo una revisión justa e independiente de este acuerdo y que se apliquen de forma directa las estrictas leyes antimonopolio que ya tenemos en vigor”.

Pero, a pesar de la aparente preferencia de Trump, este acuerdo está lejos de cerrarse. Sea cual sea la empresa que finalmente se haga con WBD —y WBD ha dicho que evaluará la propuesta de Paramount y dará una recomendación a sus accionistas en un plazo de 10 días—, el acuerdo deberá ser aprobado por la división antimonopolio del Departamento de Justicia, dirigida por Gail Slater, una abogada con una sólida reputación en Washington. 

Wu destacó que, si bien el Departamento de Justicia tiene el papel más importante, la decisión de aprobar la fusión podría ser fácilmente impugnada por un fiscal general estatal o por varios fiscales generales, siendo California —el epicentro de la industria del entretenimiento— el más propenso a tomar medidas adversas y, potencialmente, a retrasar el acuerdo.

“Por lo general, la gente dice: ”Bueno, todo depende de lo que piense Trump“. Pero creo que en realidad no es tan sencillo”, dijo Wu, y añadió: “A Trump le gusta la idea de que todo depende de lo que él piense”.

Cuando se le preguntó el lunes sobre la oferta de Paramount, Trump se mostró neutral y sugirió que ni Netflix ni Paramount “son especialmente buenos amigos míos”, aunque un funcionario de la Casa Blanca dijo que tiene buenas relaciones con ambas empresas y que no tiene una postura definida al respecto.

Trump ha reconocido que se reunió recientemente con Ted Sarandos, codirector ejecutivo de Netflix, a quien calificó de “fantástico”, aunque dijo que Sarandos no le dio ninguna garantía sobre la fusión.

Trump ha dicho que la aprobación del acuerdo dependerá de la cuota de mercado que Netflix obtendría con la adquisición de WBD, lo que, según él, “podría ser un problema”, teniendo en cuenta su actual dominio del negocio del streaming. “Quiero hacer lo correcto”, afirmó. “Es muy importante hacer lo correcto”. 

Dado que una fusión de WBD con Paramount o Netflix probablemente reduciría en gran medida la competencia en Hollywood, ambas operaciones son “muy dudosas en términos de legalidad”, afirmó Victor Pickard, profesor de política de medios y economía política de la Universidad de Pensilvania. “Me parece que debería ser un caso paradigmático de anticompetitividad que incumple nuestras leyes antimonopolio, pero eso no significa en absoluto que no vaya a salir adelante”.

Berenbroick, ahora estratega sénior del American Economic Liberties Project, predijo que la fusión “levantará sospechas” entre los reguladores estatales, federales y mundiales debido a la “importante consolidación” que supondría. Expresó su confianza en los funcionarios de carrera de la división antimonopolio del Departamento de Justicia. “Esas personas son muy profesionales y buenas en su trabajo”, afirmó. El departamento puede presentar una demanda para bloquear el acuerdo, como hizo —sin éxito— en 2017 para detener la fusión de AT&T y la entonces empresa matriz de CNN, Time Warner.

Trump podría perjudicar la postura del Gobierno en una posible demanda si declarara su preferencia por uno u otro postor, ya que crearía la percepción de que el proceso está sesgado, según los expertos del sector. 

A pesar de las preocupaciones sobre la consolidación, tanto Netflix como Paramount han argumentado públicamente que a su empresa le resultaría más fácil obtener la aprobación regulatoria para el acuerdo. Y ambas empresas han contratado a funcionarios vinculados al mundo de Trump, lo que podría facilitar el camino hacia la aprobación. En octubre, Paramount contrató como director jurídico a Makan Delrahim, que fue jefe de la división antimonopolio del Departamento de Justicia durante la primera administración Trump. Para no quedarse atrás, Netflix contrató la semana pasada a Virginia Boney Moore, antigua asistente especial en la primera oficina de asuntos legislativos de Trump.

Pero Trump tiene claramente una relación más estrecha con los Ellison, y los funcionarios de su Casa Blanca ya habían expresado su preferencia por que Paramount se alzara como ganador de la puja por WBD, que se puso oficialmente a la venta en octubre. En un documento presentado ante el principal regulador financiero de Estados Unidos, la Comisión de Bolsa y Valores, Paramount afirmó que la adquisición de WBD por parte de Netflix conllevaría “un riesgo regulatorio extraordinario” y, como resultado, “un plazo más largo para un posible cierre”.

“El objetivo final de todo esto es que Trump quiere acabar con cualquier posibilidad de que existan opiniones discrepantes o un periodismo independiente”

Durante una entrevista en la CNBC el lunes, David Ellison reconoció haber mantenido recientemente conversaciones con Trump en las que se habló de la CNN. (The Guardian informó por primera vez en noviembre que el padre de Ellison, Larry, había hablado con un alto cargo de la Casa Blanca sobre la posibilidad de apartar de su cargo a dos presentadoras que la administración considera críticas con Trump, Erin Burnett y Brianna Keilar). 

Cuando se le preguntó si cree que Trump “aceptaría” que Paramount Skydance fuera propietaria de CNN, Ellison respondió: “Hemos tenido conversaciones muy interesantes con el presidente sobre este tema... pero no quiero hablar por él de ninguna manera”.

Pickard dijo que las conversaciones entre Trump y los Ellison sobre posibles despidos en CNN son “profundamente preocupantes” y “simplemente absurdas para cualquier sociedad democrática digna de ese nombre”.

“El objetivo final de todo esto es que Trump quiere acabar con cualquier posibilidad de que existan opiniones discrepantes o un periodismo independiente”, añadió.

Trump ha elogiado en gran medida a los Ellison por su gestión de CBS News, que probablemente se fusionaría con CNN. El mes pasado, Trump concedió su primera entrevista en cinco años al programa ‘60 Minutes’ y calificó a Bari Weiss, la comentarista “anti-woke” que ahora es la nueva editora jefa de la cadena, como “una gran persona”. El domingo, David Ellison se sentó en el palco de Trump en la ceremonia de entrega de los premios Kennedy Center Honors en Washington, que el propio presidente presidió. 

Sin embargo, minutos después de que Paramount revelara su oferta el lunes, Trump recurrió a las redes sociales para criticar a la empresa por la entrevista realizada por el programa de noticias dominical de CBS ‘60 Minutes’ a la congresista Marjorie Taylor Greene, que se retira del cargo. “Sin embargo, mi verdadero problema con el programa no era la traidora de bajo coeficiente intelectual, sino que los nuevos propietarios de ‘60 Minutes’, Paramount, permitieran que se emitiera un programa como este. NO SON MEJORES QUE LOS ANTIGUOS PROPIETARIOS”.

Estas son solo las primeras salvas de una batalla corporativa que podría tardar meses en resolverse y que, en última instancia, remodelará los medios de comunicación globales. Un veterano del ámbito antimonopolio dijo que parece probable que Trump pueda presionar a la fiscal general Pam Bondi para que apruebe el acuerdo que él elija.

“Si el presidente quiere que se apruebe este acuerdo y le dice a Pam Bondi: ”Quiero que se apruebe este acuerdo“... encontrarán la manera de aprobarlo”, dijo el veterano. “Pero eso no significa que los estados no puedan intervenir y luchar contra el acuerdo”. 

El Callejón Diagon, ese rincón secreto del Londres mágico donde los jóvenes magos compran sus varitas, calderos y lechuzas, está a punto de renacer. La calle donde los niños muggles soñábamos con ir de compras, entrar en Ollivander's, sacar nuestro dinero en Gringotts -no hay lugar más seguro, ni uno... excepto Hogwarts- o comer un helado mágico en Florean Fortescue. HBO ya trabaja en la construcción del nuevo set para la esperada serie de Harry Potter, y los primeros detalles apuntan a una recreación mucho más ambiciosa, realista y cercana al universo literario que imaginó J.K. Rowling.

Un callejón más grande, más largo y más mágico

A diferencia del Callejón Diagon de las películas, que se construyó en un set interior con espacio limitado -que se puede visitar en los estudios Warner de Londres-, la nueva versión de HBO se está levantando en exteriores, lo que permitirá una escala mucho mayor. Según fuentes cercanas al proyecto, el objetivo es que los espectadores —y, probablemente, los visitantes en el futuro— sientan que están paseando por una calle viva, con profundidad, altura y movimiento.

Algo completamente innovador es que el Callejón Diagón de HBO contará con varios niveles, incluyendo tiendas que se extenderán hasta terceras plantas y pasarelas que conectarán distintos puntos del recorrido. No se descarta la inclusión de escaleras “mágicas” en movimiento, al estilo de las de Hogwarts, para dar una sensación de dinamismo constante. Así, el espectador no solo verá el Callejón Diagon: lo vivirá.

Fiel a los libros, no solo a las películas

Uno de los principales objetivos de esta nueva producción es ser más fiel a los libros que a las adaptaciones cinematográficas. En las novelas, Rowling describe el Callejón Diagon como una arteria caótica y vibrante, donde cada fachada parece tener vida propia y los escaparates están repletos de objetos extraños, desde ojos de tritón hasta calderos de cobre autolimpiables.

La serie buscará recuperar esa atmósfera literaria, con un diseño más denso, más oscuro y con una arquitectura que evoque siglos de historia mágica. La iluminación, los rótulos en hierro forjado, los escaparates polvorientos y los techos inclinados serán parte de ese esfuerzo por capturar el espíritu de la obra original.

Entre los comercios confirmados o en fase de diseño se encuentran clásicos como Ollivanders, Flourish & Blotts, El Caldero Chorreante o Sortilegios Weasley, todos con un nivel de detalle que permitirá grabar escenas en su interior, algo que las películas solo hacían parcialmente.

Un proyecto pensado para durar

La serie de Harry Potter que prepara HBO promete ser una de las producciones televisivas más grandes de su historia, con una temporada dedicada a cada libro. Por eso, el nuevo Callejón Diagón no será un decorado efímero, sino una infraestructura permanente dentro de los estudios británicos donde se rueda la serie.

El set estará preparado para adaptarse a distintas épocas y situaciones de la saga: desde el bullicio de los primeros años de Harry hasta el ambiente tenso y sombrío de los tiempos de Lord Voldemort. Los productores quieren que evolucione visualmente con la historia, como si el propio callejón envejeciera con los personajes.

El Callejón Diagón fue, en muchos sentidos, el primer contacto de los lectores y espectadores con el mundo mágico: el lugar donde todo comenzaba. Ahora, con esta nueva versión, HBO quiere devolverle ese protagonismo con una escala nunca vista, una fidelidad absoluta a los libros y una ambientación capaz de hacer sentir al público lo mismo que Harry sintió al cruzar por primera vez las puertas del Caldero Chorreante.

La serie aún no tiene fecha oficial de estreno, pero una cosa está clara: el nuevo Callejón Diagon promete convertirse en el escenario más icónico del universo mágico de televisión.

Si creías que Londres ya estaba acostumbrada a los turistas, los fans de Harry Potter y los rodajes masivos, prepárate: la nueva serie de Harry Potter está convirtiendo varias calles de la capital británica en un set de filmación gigante. Aunque faltan al menos dos años para que la primera temporada se estrene en HBO, la producción no escatima esfuerzos para recrear con precisión cada detalle del universo mágico de J. K. Rowling.

Desde los primeros días de rodaje, los londinenses han visto cómo calles se cerraban, se colocaban decorados y equipos enteros de filmación trabajaban para capturar escenas que incluyen algunos de los lugares más icónicos de la saga. La razón es simple: recrear el callejón Diagon Alley en la vida real requiere espacio, seguridad y tiempo, y eso implica cortar el tránsito en varias vías.

Grabaciones en pleno corazón de Londres

El lunes 19 de agosto, Dominic McLaughlin, el niño elegido para interpretar al nuevo Harry Potter, apareció en las calles de Londres junto a Nick Frost, quien dará vida a Hagrid. La escena recrea el primer recorrido de compras de Harry antes de emprender su viaje a Hogwarts, un momento fundamental de la historia.

Frost, con su característico abrigo largo y barba, lleva dos marcas negras en las mejillas para la postproducción digital, mientras que McLaughlin luce los emblemáticos anteojos redondos que identifican al joven mago. La filmación en exteriores requiere controlar no solo la logística de los actores y cámaras, sino también de los transeúntes y el tráfico, por eso se han cortado varias calles alrededor de la zona de rodaje.

El nuevo elenco y los hermanos Weasley

Además de Harry y Hagrid, la producción reveló recientemente al elenco de los Weasley. Alastair Stout interpreta a Ron, los gemelos Fred y George serán Tristan y Gabriel Harland, Ruari Spooner encarna a Percy y Gracie Cochrane a Ginny. Estas primeras imágenes muestran que la serie mantendrá la esencia de los personajes mientras aporta un aire fresco a la historia.

La producción principal se lleva a cabo en los estudios de Warner Bros. en Leavesden, donde se filmaron todas las películas originales. Sin embargo, para escenas como el callejón Diagon Alley, la filmación en las calles de Londres es indispensable. La combinación de decorados temporales, efectos visuales y control del espacio público es lo que obliga a cortar varias calles durante las grabaciones.

Una espera mágica para los fans

HBO también ha completado la selección de los personajes adultos: John Lithgow será Dumbledore, Janet McTeer encarnará a McGonagall y Paapa Essiedu dará vida al profesor Snape. Con un rodaje en marcha que alterna estudios y exteriores, los londinenses se han convertido en testigos de cómo la magia de Harry Potter vuelve a tomar la ciudad, aunque sea temporalmente con calles cortadas y decorados por todas partes.

Si estás en Londres, ten paciencia: cada cierre de calle es parte de la experiencia que transformará la ciudad en Hogwarts y alrededores, y te asegura que, cuando la serie se estrene, cada escena de la capital estará perfectamente recreada.

El Caldero Chorreante, ese pub diminuto y mugriento donde Harry Potter dio sus primeros pasos en el mundo mágico, cambia de cara en la nueva serie de HBO Max. Olvídate de la puerta secreta y del aspecto cinematográfico que vimos en Londres: esta vez, el emblemático lugar se ha trasladado al bar inglés The Blue Maid, un establecimiento abierto al público y sin artificios mágicos visibles.

Un Caldero Chorreante más cercano al libro

En las películas, la entrada al Caldero Chorreante era una especie de portal escondido en un callejón, pero la nueva serie apuesta por la fidelidad a la obra original. Según los libros, “era un bar diminuto y de aspecto mugriento, si Hagrid no lo hubiera señalado, Harry no lo habría visto”. El nuevo emplazamiento respeta esta descripción: un bar corriente, sin decoración temática de puerta secreta ni artificios cinematográficos, tal como lo imaginó J.K. Rowling.

Mientras tanto, la antigua ubicación del pub sigue existiendo, aunque ya no luce igual. La fachada de la película ahora alberga la cafetería 2i’s, con temática de Harry Potter, abierta a los fans que quieran tomarse un café entre referencias al mundo mágico. Sin embargo, esta nueva serie prescinde de ella para acercarse más al tono literario.

La apuesta por la autenticidad

Con este cambio, los productores buscan que los espectadores experimenten el mundo de Hogwarts como si estuvieran leyendo el libro: un espacio humilde, casi desapercibido, donde lo mágico surge de los personajes y no del decorado. El Caldero Chorreante deja de ser un espectáculo visual y se convierte en un lugar casi real, donde la magia está en la historia y no en la puerta.

El Día Mundial del Pelirrojo se celebra este 21 de agosto, y no hay mejor excusa que aprovecharlo para hablar de una familia que ha hecho de este color de cabello su sello inconfundible: los Weasley. Con la llegada de la nueva serie de Harry Potter, que se emitirá en 2027, el clan pelirrojo vuelve a la pantalla con un reparto que promete ser mucho más fiel a los libros de J.K. Rowling que las películas de Warner Bros.

Desde Ron hasta Ginny, pasando por Percy y los inseparables Fred y George, los Weasley se mantienen reconocibles no solo por su carácter, sino también por ese rojo brillante que ha acompañado a los fans durante décadas. La serie, concebida para explorar un curso de Hogwarts por temporada, permitirá verlos con más detalle y profundidad que nunca.

Ron y el resto de la familia: casting que respeta la esencia

El papel de Ron Weasley será interpretado por Alastair Stout, el equivalente televisivo de Rupert Grint. A su lado, Fred y George estarán encarnados por Tristan y Gabriel Harland, mientras que Percy será Ruari Spooner y Ginny estará a cargo de Gracie Cochrane. Todos ellos fueron seleccionados tras un casting masivo con más de 30.000 aspirantes, lo que asegura que la esencia de cada personaje esté intacta: pelirrojos, traviesos, familiares y leales, tal como los conocemos en los libros.

La madre, Molly Weasley, será interpretada por Katherine Parkinson, completando un núcleo familiar que ya no deja lugar a dudas: la fidelidad al material original es prioridad. La ausencia de Bill y Charlie en esta primera temporada se justificará siguiendo el canon de las novelas, dejando sus historias para más adelante.

Pelirrojos que conquistan generaciones

Más allá del maquillaje y los efectos, la serie apuesta por capturar la química y la interacción que define a los Weasley. Cada escena con la familia pelirroja promete transmitir el calor, la complicidad y la diversión que han hecho de la Madriguera uno de los hogares más entrañables de la literatura y el cine. La fidelidad al color de cabello, un detalle que podría parecer menor, refuerza esta identidad y conecta directamente con los lectores y fans de siempre.

Con la serie de HBO, los seguidores tendrán la oportunidad de redescubrir Hogwarts a través de los ojos de una familia que es sinónimo de valentía, humor y cariño. Y en este Día Mundial del Pelirrojo, no podemos dejar de celebrar que la magia de los Weasley sigue tan viva como el primer día.

La exitosa serie Vikingos, que sigue las épicas aventuras de Ragnar Lodbrok y su familia, ha transportado a los espectadores a un mundo de batallas, mitología y grandes paisajes nórdicos. Sin embargo, no es necesario viajar a Escandinavia para descubrir los escenarios de esta producción. La mayoría de las localizaciones de rodaje se encuentran en Irlanda, con algunas incursiones en Islandia y Marruecos.

1. Condado de Wicklow, Irlanda: El corazón de los vikingos

El condado de Wicklow, en el sur de Dublín, es el epicentro de la serie. Este pequeño rincón irlandés fue transformado digitalmente para representar lugares como Inglaterra, Francia y Noruega. Ashford Studios, ubicado en Wicklow, fue el escenario principal donde se recrearon los sets de las aldeas vikingas, incluida la emblemática Kattegat.

2. Glendalough, el paisaje mágico de los vikingos

El pintoresco valle de Glendalough, en Wicklow, es otro de los lugares clave donde se rodaron varias escenas de la serie. Con su belleza natural, este valle ha servido de inspiración para muchas otras producciones, como la famosa película Excalibur (1981). Los bosques de Wicklow, con sus árboles centenarios, recrean el ambiente salvaje y primitivo que caracteriza los tiempos de los vikingos.

3. Lough Tay: La costa vikinga

Uno de los lugares más emblemáticos para la serie es Lough Tay, un lago en el corazón de las montañas de Wicklow. La costa norte de este lago, perteneciente a la familia Guinness, fue el escenario del famoso set del pueblo de Kattegat, el asentamiento de los vikingos. Su belleza natural ha convertido a este lugar en uno de los puntos más fotografiados de la serie.

4. Isla de Skellig Michael, Irlanda: Un punto de partida hacia lo desconocido

Aunque no es la principal localización de la serie, Skellig Michael, una isla remota frente a la costa de Irlanda, se utilizó en escenas que evocan los viajes marítimos de los vikingos. Su ubicación en el océano Atlántico le otorga un aire místico, y ha sido empleada en diversas películas y series.

5. Estudios Ashford, Ballyhenry, Irlanda: El centro de producción

El set de Kattegat y otros importantes escenarios fueron recreados en los Estudios Ashford en Ballyhenry. Aunque muchos de los exteriores fueron filmados en locaciones naturales, los estudios irlandeses sirvieron como base para construir y grabar varios de los interiores más icónicos de la serie.

6. Islandia: Paisajes nórdicos y volcanes

A partir de la cuarta temporada, Islandia se incorporó como localización clave para dar vida a los fríos paisajes nórdicos. Sus volcanes, glaciares y formaciones rocosas hicieron posible la recreación de la épica naturaleza escandinava, proporcionando el telón de fondo perfecto para las batallas vikingas.

7. Marruecos: El lugar de la invasión de los vikingos en el sur

La serie también incluyó Marruecos en algunas de sus secuencias más llamativas. Las playas y desiertos marroquíes sirvieron para representar las costas del norte de África en las que los vikingos libraban sus batallas. Los paisajes áridos de Marruecos, con su misticismo y belleza, añadieron un contraste único a la serie.

8. El mar de Irlanda: La travesía vikinga

Las escenas que retratan las navegaciones vikingas fueron rodadas en el mar de Irlanda. Aunque no es una localización específica, el entorno marítimo irlandés ofreció un escenario realista para las incursiones de los vikingos por mar.

9. La costa de Normandía, Francia: La invasión vikinga

Aunque no se filmaron muchas escenas allí, algunos episodios de la serie usaron la costa de Normandía en Francia para retratar la llegada de los vikingos a nuevas tierras. Este lugar es crucial para la historia, pues los vikingos invadieron la región, influyendo en la cultura y la historia del norte de Francia.

10. El castillo de Blarney, Irlanda: Escenario de las confrontaciones

El castillo de Blarney, en el condado de Cork, Irlanda, sirvió como uno de los fondos de batallas y enfrentamientos épicos en la serie. Su arquitectura medieval y sus impresionantes vistas contribuyeron a la atmósfera de la serie.

Hermanos de Sangre es una miniserie que se ha consolidado como una de las producciones más relevantes sobre la Segunda Guerra Mundial en la historia de la televisión. Estrenada en 2001, la serie sigue a un grupo de soldados paracaidistas estadounidenses durante el conflicto, mostrando su entrenamiento, combates y experiencias personales. La producción, realizada por Steven Spielberg y Tom Hanks, ha sido valorada por su realismo y por el enfoque detallado en las vivencias humanas en medio de la guerra.

Con más de veinte años desde su estreno, Hermanos de Sangre continúa manteniendo vigencia, y ahora se encuentra disponible en tres plataformas de streaming en España: Netflix, HBO Max y Movistar Plus+. Esta disponibilidad facilita su acceso a un público más amplio y ha generado un renovado interés, consolidando su posición como una referencia en el género histórico y bélico, sin perder el rigor ni la precisión que la caracterizan.

La serie narra la historia de la Compañía Easy, una unidad de paracaidistas del ejército estadounidense, desde su preparación inicial en Estados Unidos hasta su participación en las batallas más importantes de Europa durante la Segunda Guerra Mundial. La narrativa se centra en las experiencias del grupo, sus lazos de camaradería, las dificultades del combate y los efectos emocionales y psicológicos que la guerra genera en cada soldado.

Estreno, producción y premios

Hermanos de Sangre fue estrenada en octubre de 2001 a través de la cadena HBO. La serie consta de diez episodios y fue producida por Steven Spielberg y Tom Hanks, con un guion basado en el libro homónimo del historiador Stephen E. Ambrose. La producción destaca por su atención al detalle histórico, calidad técnica y fidelidad en la recreación de ambientes y personajes.

La serie fue reconocida con numerosos premios en ceremonias como los Emmy y los Globos de Oro, incluyendo el galardón a Mejor Miniserie en los Emmy de 2002. También fue premiada por su dirección, guion y producción, certificando la aceptación tanto de la crítica como del público.

Reparto y valoración crítica

El reparto está formado por un amplio conjunto de actores, muchos de los cuales eran poco conocidos en el momento del rodaje y que luego consolidaron sus carreras. Entre ellos destacan Damian Lewis, Donnie Wahlberg, Matthew Settle, Rick Warden, Frank John Hughes, Scott Grimes, Neal McDonough, Rick Gómez, Eion Bailey, James Madio, Kirk Acevedo, David Schwimmer, Richard Speight Jr., Dexter Fletcher, Ross McCall, Dale Dye, Colin Hanks, Tim Matthews, Michael Cudlitz, Tom Hardy y Ron Livingston.

En términos críticos, la serie ha sido valorada por su equilibrio entre escenas de acción realistas y momentos de introspección que ofrecen un retrato humano y complejo del conflicto. La precisión histórica, junto con una narrativa que evita simplificaciones, ha situado a Hermanos de Sangre como una de las representaciones televisivas más rigurosas y completas de la Segunda Guerra Mundial.

Secuelas y producciones relacionadas

En relación con Hermanos de Sangre, existen dos miniseries consideradas como secuelas espirituales o complementarias. The Pacific (2010) explora el conflicto desde el punto de vista de los soldados que combatieron en el Pacífico en la guerra contra el Imperio de Japón, mientras que Los amos del aire (2013) se centra en la historia de los pilotos de bombarderos.

Estas producciones comparten un enfoque documental y narrativo similar, y están disponibles en plataformas de streaming, ofreciendo a los espectadores interesados en la temática bélica opciones para ampliar su conocimiento y experiencia visual de la guerra desde diferentes perspectivas.

Su nombre real era María Antonia Alejandra Vicenta Elpidia Isidora Abad Fernández. Demasiado largo. Demasiado común. Quizás por ello tuvo claro que había que crear otro. Uno por el que la gente la recordara, por el que quedaría inscrita en los libros de historia del cine. María Antonia sabía que quería ser actriz, pero no una del montón, sino una estrella destinada a cosas grandes, y por eso se puso el de Sara Montiel con el que todo el mundo la conoció.

Sara Montiel se convirtió en la primera estrella española que pisó Hollywood. Mucho antes que Antonio Banderas, que Penélope Cruz y que Elsa Pataky ella ya había estado allí y había dejado a todos con la cabeza del revés para girarse y preguntar quién era aquella española que apenas sabía inglés, pero que se lo aprendía fonéticamente para dar el pego. Y vaya si lo daba. Lo dio en Veracruz, el papel que la colocó en la meca del cine, y luego bajo las órdenes de directores como Samuel Fuller o Anthony Mann, con quien se casó.

Sara Montiel hizo todo antes que el resto. Se divorció cuando estaba prohibido. Fue una estrella mundial cuando ni siquiera se permitía soñar con ello. Habló de sexo como solo podían hacerlo los hombres. Bailó, cantó y se divirtió. Se enamoró muchas veces y se desenamoró otras tantas. Fue un icono queer cuando la palabra muchos ni la conocían, y las transformistas de España reproducían sus movimientos sabiendo que ella era un icono irrepetible. Lo mostró Pedro Almodóvar en La mala educación, donde Gael García Bernal entona como si fuera Sara la versión del Quizás, quizás, quizás que interpretó en Noches de Casablanca (Henri Decoin, 1963).

De alguna forma, como luego señalaron Nacho Canut y Carlos Berlanga en una canción que luego versionó Hidrogenesse, Sara Montiel era una superheroína, una Súper Sara. De hecho, así es como se llama la serie documental de tres episodios que ha dirigido Valeria Vegas y que ya se puede ver en HBO Max. Súper Sara repasa la vida de Sara Montiel, desde sus primeros coletazos de artista que quiere salir de Campo de Criptana, el pueblecito de Ciudad Real que siempre tenía en su boca para reivindicar sus orígenes humildes.

Pero Súper Sara quizás se inspira en una estrofa de esa canción. “Todo lo hizo por el bien del mundo, pero despierta un odio muy profundo. Es pura envidia, fue incomprendida, ¡qué vida!”, cantan los Hidrogenesse en los títulos de crédito y es ese el enfoque que escoge Vegas para ofrecer algo distinto. Si a las nuevas generaciones les preguntan por Sara Montiel seguramente se referirían a momentos como esa saeta de la que tanto se rieron o alguna de las apariciones en los programas de corazón en sus últimos momentos.

Sara lo contaba todo, y esos programas —cuyos protagonistas ahora están en la televisión pública— se rieron de ella. Le hicieron bullying en directo y en horario de máxima audiencia. Se rieron de su aspecto, de sus parejas, de cómo vestía o lo que decía. Fueron machistas y edadistas y nadie lo pudo ni lo quiso parar. La televisión vio en Sara Montiel no a una superestrella, sino una máquina para hacer espectáculo y buenas cifras de audiencia.

A la gente no le gusta ver a una señora de 70 años con escote y haciendo lo que le dé la gana, y ese era realmente el problema

Valeria Vegas — Directora

Para Valeria Vegas todo eso contribuyó a que la imagen de Sara Montiel “se distorsionara muchísimo”. “Lamentablemente en este país lo que hagas los últimos años de tu vida es lo que cuenta. Mira a Carmen Sevilla. Hizo el Telecupón, que era algo estupendo, pero para mucha gente solo hizo el Telecupón. Se olvidan de las 50 películas anteriores que había hecho. Parece que lo último borra todo lo anterior. En el caso de Sara, para mucha gente lo último eclipsó todos sus méritos anteriores”, dice la directora.

Esos ataques muestran para Valeria Vegas cómo se había “normalizado el edadismo”. En cualquier otro país sería impensable que una estrella del nivel de Sara Montiel fuera así de vilipendiada en los platós de televisión, y Vegas pone el ejemplo de Liz Taylor, que “pasó por los mismos caminos que Sara, pero era sagrada para los americanos”. “Con Sara fueron implacables y ella era la misma de siempre, solo que más mayor, y eso ya chirriaba. Cualquier exceso lo llamamos locura de juventud. Como si su belleza lo disfrazara, pero la Sara de los años 60 era igual de disruptiva. Una señora que se divorció cuando no había divorcio, que se separó a los dos meses de su segundo marido, que era un mal ejemplo para el régimen de la época… es que no había cambiado tanto, solo que a la gente no le gusta ver a una señora de 70 años con escote y haciendo lo que le dé la gana, y ese era realmente el problema”, recuerda.

El documental muestra cómo, de alguna manera, Sara Montiel se anticipó a todo y a todos. Pionera como actriz, en la moda y, muy importante, en la forma en la que habló de sexo sin tapujos. Lo hizo de una forma que “entonces solo se les permitía a los hombres”. “En su vida hablaba de haber perdido la virginidad sin estar casada y siendo menor de edad con un señor como Miguel Mihura, que le llevaba 40 años. Presumía de haber estado con fulanito o con menganito. Grabó un disco de bakalao en los 90, donde cada canción estaba dedicada a un amante. Posó desnuda reiteradas veces en Interviú. Posaba mirándote a los ojos o se sacaba las tetas y decía que se veía supersexy. Ella no pedía perdón y eso también escocía”, analiza Valeria Vegas.

El documental —que cuenta con imágenes personales inéditas y testimonios de su hijo o gente como Alaska, Loles León o Bibiana Fernández— también hace hincapié en la importancia de Sara Montiel como icono queer que conectó con la comunidad porque “era una fantasía transversal”. “Era fantasía para la mujer, para la señora que vivía en Lugo, en Murcia o en Fuenlabrada, y luego era fantasía también para la comunidad LGTB, porque era una mujer diferente a todo lo que se veía. No era Amparo Rivelles, no era Imperio Argentina, no era Carmen Sevilla. Te vendía exceso, te vendía drama, te vendía fantasía, te vendía purpurina, y una gran parte de la comunidad LGBT se sintió fascinada. Sara fue de las artistas más imitadas por los transformistas. Su existencia fue aire fresco para mucha gente”, añade la directora.

Vegas nunca conoció a Sara en persona, pero recuerda el impacto que tuvo en ella verla en la televisión de los 90, cuando “se recicla por decimonovena vez y saca el disco de Fumando espero en versión bakalao”. “La tele de entonces estaba llena de Miss Españas lánguidas. Había una ola de conservadurismo y ella me pareció una marciana bajada de algún lado, que además la trataban con mucho respeto todavía en los noventa. Me dejó muy eclipsada”, recuerda y reclama un hueco en el presente para Sara Montiel, porque cree que puede enseñarnos a “no sentir culpa”: “Sara Montiel no tuvo culpa de posar desnuda, no tuvo culpa de ser madre con 50 años. No tuvo culpa de casarse con un hombre más joven. También nos enseña a reírnos de nosotros mismos, porque Antonia también sabía reírse mucho de Sara Montiel, algo que es muy difícil y ella lo lograba muchas veces”.

Este 29 de mayo de 2025 se estrena en Max la tercera temporada de ‘And just like that…“, la secuela de la icónica serie ‘Sexo en Nueva York’ que sigue las vivencias en la ciudad de Carrie Bradshaw, editora, junto a sus amigas, y que desde el comienzo tuvo la marcada ausencia de una de ellas, Samantha Jones, interpretada por Kim Cattrall.

Che Díaz: la gran ausencia de la tercera temporada de ‘And just like that…’

Pero esta no será la única que se dará en el spin-off, que vuelve con una tercera temporada que tendrá una ausencia relevante, la del personaje de Che Díaz, al que daba vida la actriz Sara Ramírez, y que se había convertido en uno de los principales entre los nuevos incorporados en este nuevo episodio de la vida de Carrie Bradshaw y sus amigas.

La ausencia de Che Díaz se habría dado por diferencias entre la actriz Sara Ramírez y los directores de la serie, debido a que ella dejó clara que no estaba de acuerdo con la visión que su personaje daba respecto a la representación LGTBI+, que consideraba iba más en contra que a favor.

Además de ello, en redes sociales, Sara Ramírez posteó una serie de declaraciones de apoyo a Palestina en el conflicto con Israel que habrían aumentado la controversia entre los creadores y la actriz, que ya no formará parte del universo de ‘And just like that…’. Che Díaz fue uno de los personajes nuevos que más había tomado relevancia en la secuela de ‘Sexo en Nueva York’, primero como compañera de trabajo de Carrie Bradshaw para luego ser interés amoroso de Miranda Hobbes, interpretada por una Cynthia Nixon, que dio su opinión sobre la ausencia de Sara Ramírez, y que para ella su papel ya había cumplido un ciclo en la ficción.

Por qué Samantha Jones no sale en ‘And just like that…’

Sin embargo, más allá de Che Díaz, también hay otros personajes que no estarán en la tercera temporada de ‘And just like that…’, como es el caso de la compañera de piso de Miranda, Nya Wallace (Karen Pittman), lo que podría dar a nuevas narrativas en las que podrían estar involucrados los nuevos personajes de los actores Mehcad Brooks, Jonathan Cake, Logan Marshall-Green o Rosie O’Donnell.

Si bien sí que habrá personajes que tuvieron tramas relevantes en ‘Sexo en Nueva York’ como es el caso de Aidan Shaw, interpretado por John Corbett, Samantha Jones no formará parte de esta tercera temporada, y se mantiene fuera de ‘And just like that…“, a pesar de su cameo en el episodio 11 de la segunda.

La actriz Kim Cattrall dejó claro que no se le pidió formar parte de este reboot porque ya expuso su no intención de recuperar el personaje de Samantha Jones en una tercera película de ‘Sexo en Nueva York’ que no llegó a ver la luz y que incluía una subtrama con el hijo menor de edad de Miranda por lo que la interprete no quiso pasar.

“Es de sabios reconocer cuando una ha tenido bastante”, apuntó en una entrevista con Variety, donde también expuso que le hace contenta ver todo el reclamo de una vuelta de Samantha: “No hay mayor elogio para una actriz que decir que se la ha echado de menos”, concluía.

Fue en 2023 cuando se hizo patente que la serie Girls, creada por Lena Dunham en 2012, estaba de nuevo en el centro de la conversación. Primero, se notó en las redes sociales y después en los artículos en los medios generalistas acerca del rewatch (en castellano sería “volver a ver”, pero el término en inglés impera online) con titulares como “¿Por qué todo el mundo está volviendo a ver Girls?”. Este renovado interés por las tribulaciones de ese grupo de amigas disfuncionales continúa a día de hoy y muestra que el programa ha roto las barreras de la edad. Los vídeos de reacciones pueblan TikTok, territorio Z, mientras que los millennials comparten las escenas que les marcaron en Instagram: parece que Hanna Horvath ha conseguido ser una voz pero no solo de una generación, sino de dos, como poco.

Pero 13 años después de su estreno en HBO, Girls no se asimila de la misma manera. En todo este tiempo, algunas cosas han cambiado mucho y otras no tanto. Las críticas que recibió desde el primer momento, como la falta de diversidad del elenco, son aún más sangrantes. Otras, como que solo representaba la realidad de unas niñas pijas en Nueva York, solo demuestran estrechez de miras. Por supuesto que Hannah, Shoshanna, Jessa y Marnie eran unas privilegiadas, pero los problemas a los que se enfrentan apelaban a muchos de sus etarios del mundo occidental: la precariedad laboral, la gentrificación y las consecuencias habitacionales, la fragilidad de la salud mental, la desigualdad de poder en las relaciones sentimentales, el derecho de las mujeres a decidir sobre su cuerpo y los límites del consentimiento, entre otros.

De hecho, el principio del episodio piloto encapsula en unos minutos lo que supuso tener veinte años en los 2010 para muchos estudiantes vocacionales. Los padres de Hannah (alter ego de Dunham) le comunican en una cena que no van a seguir con su soporte económico –en una escena bastante parecida a la que protagoniza Winona Ryder en Reality Bites, cuando su personaje le pide un préstamo a sus progenitores, que se lo deniegan. La generación X tampoco andaba muy bien de pasta–, por lo que ella no puede seguir en el puesto de becaria no remunerada en el que lleva un año. Su licenciatura en filología no le sirve para nada en el mundo real y su aspiración de convertirse en escritora no se sostiene sin el dinero familiar. 

Helena Álvarez tenía la misma edad que las protagonistas cuando se estrenó la serie. Ahora la está viendo de nuevo y la experiencia la está llevando a enfrentarse a traumas pasados como millennial que intentó abrirse camino en la industria creativa hace una década. “Hace poco, Polyester Magazine sacó un podcast sobre aquella época y yo dejé un comentario en el post que hicieron en Instagram que tuvo como 200 likes porque decía que cómo se nota que esta gente que está romantizándola no ha tenido que escribir artículos a cambio de nada o de exposición en Vice”, explica a elDiario.es.

La vi cuando se estrenó y la seguía religiosamente. Me hipnotizaba y hacía que me hiciera muchas preguntas sobre la amistad ya que el grupo de Hannah era totalmente disfuncional: no entendía por qué insistían en ser amigas cuando claramente no se soportaban

Alejandra Palés — periodista especializada en series

Para ella, la esencia de Girls es el retrato de los sueños rotos de su generación. “Creíamos que podíamos ganar y no. Hace poco hablaba con unos amigos un poco mayores que yo y recordaban a una colega que había hecho un curso de coolhunting, una chavala con un background muy obrero. Nos creíamos que podíamos hacer esas cosas, ¿a dónde íbamos?”, sostiene. De momento, va por la segunda temporada de la serie, cuando Hannah “está chiflando porque está haciendo un libro pero está supersola y no sabe cómo”, algo parecido a lo que sintió ella en su momento: “Me salían oportunidades pero la cagaba porque no podía cumplir mis propias expectativas. Nos vendieron que iba todo para arriba y no”.

Bárbara Arena es una defensora acérrima de Girls. Como Helena, la vio a tiempo real y le encantó desde el principio. La ha revisitado dos veces desde entonces y asegura que todas le ha gustado aunque de formas distintas, en parte porque la manera de acceder a los contenidos ha cambiado: “Creo recordar que la primera vez teníamos que esperar a que salieran los capítulos semanalmente, lo que permitía ese tipo de disfrute exento de empacho”, rememora. Es consciente de que hay referencias que se han quedado anacrónicas porque estaban muy ligadas a su momento, pero los temas principales son los mismos. “Es una serie muy imperfecta pero perfecta en su imperfección; no le cambiaría ni una coma pese a los agujeros y las grietas”, declara.

“No he hecho rewatch porque no me da la vida con todo lo que tengo que ver, pero lo haría con gusto”, sostiene la periodista experta en series Alejandra Palés que, pese al paso del tiempo, la tiene fresca en su memoria. Como Bárbara Arena, ya conocía el trabajo de Lena Duham antes de Girls gracias a su película Tiny Furniture (2010), con la que obtuvo un éxito notable en el festival de cine de Sundance y el favor de la HBO. “La vi cuando se estrenó y la seguía religiosamente”, comenta, “me hipnotizaba un poco y hacía que me hiciera muchas preguntas sobre la amistad ya que el grupo de Hannah era totalmente disfuncional: no entendía por qué insistían en ser amigas cuando claramente no se soportaban”. 

Nuevas espectadoras

Esa incomprensión que sintió Palés en 2012 es la misma que experimentó la guionista y escritora Gema del Castillo cuando vió Girls por primera vez hace cinco años. Hasta entonces nunca había oído hablar de la obra de Dunham. “Había visto todas las series del mundo porque soy superseriéfila y había visto Sexo en Nueva York, pero esta no la conocía. Un amigo me la recomendó y al principio dije: ‘Dios, qué tontas son. Todas son insoportables, las odio’ y cuando la acabé fue como: ‘Dios, soy yo”, reconoce. Ahora es ella la que la prescribe a sus amigas: “Creo que se está redescubriendo ahora. En su momento, puede que en Estados Unidos sí, pero creo que en España no fue demasiado famosa. No fue la típica Big Serie HBO”. 

Tiene 29 años y aunque por edad está casi a caballo entre la generación Y y la Z, se considera más de la segunda. Sin embargo, se siente cercana a Hannah y sus colegas, que bien podrían ser sus hermanas mayores. “Siento que mi generación ya creció con la derrota. Girls refleja esa cosa de revolcarnos en la miseria que nos gusta mucho a los Z, pero desde la comedia. Eso es un poco lo que más nos atrae de ella, el sentirnos como en un safeplace”, afirma. Su devoción por la serie ha influido en su trayectoria profesional: hace un año hizo un TikTok diciendo que se necesitaba ‘una Girls’ a la española que se hizo viral y ahora publica el libro Algún día nos reiremos de esto (Grijalbo). Es, precisamente, una novela sobre cuatro amigas precarias que comparten piso y ansiedades. “No voy a decir que me cambió la vida, pero me ha influido de muchas maneras”, señala.

Siento que mi generación ya creció con la derrota. Girls refleja esa cosa de revolcarnos en la miseria que nos gusta mucho a los Z, pero desde la comedia

Gema del Castillo — escritora y guionista

Uno de los grandes motores de la recuperación de la ficción de Dunham es el podcast estadounidense Girls Rewatch, comandado por Amelia Ritthaler y Evan Lazarus, que empezó a emitirse en 2023, en la línea de otros previos como Buffy The Gilmore Slayer. En España (de momento) no se ha hecho ninguno centrado en la serie, aunque sí se ha hablado de ella en algunos programas de temática televisiva o conversacionales como Gent de Merda, que le dedicó su episodio número 151. Ofèlia Carbonell es una de las cuatro integrantes del equipo y cuenta a elDiario.es que vio Girls cuando se estrenó, en webs ilegales, con 18 años recién cumplidos. “La empecé porque me salían fragmentos o capturas en Tumblr. Y sí que me gustaba, sobre todo porque me daba una ventana a esa vida que yo esperaba tener a la que cumpliera veintipico años”. A ella le pasó un poco como a Gema: de primeras no soportó a las protagonistas pero cuando la recuperó, hace dos años, se sorprendió de cómo había cambiado su percepción. “En el segundo visionado me identifiqué muchísimo con Hannah, que era el personaje que había odiado en el primero. Cada capítulo pensaba ‘soy ella’. Y cada vez lo soy más”, asegura. 

Reddit es otro de los espacios de Internet donde más se ha hablado de Girls y su rewatch. Marta es una de las usuarias que ha participado en la conversación: ella llegó a la serie en 2020 con 23 años, una edad similar a la de las protagonistas. “Me siento en general cercana a sus problemas, y a las vivencias que tienen, salvando las distancias entre la realidad y la ficción. Pero creo que, a rasgos generales, describe muy bien cómo ha sido para mí la entrada a la vida adulta después de estudiar”, asevera.

Ahora la está viendo por segunda vez –no la ha terminado todavía, va por la quinta temporada– y con 28 años observa con más distancia las tramas de los primeros capítulos. “Las siento como niñas disfrazándose de adultas que aún no se saben gestionar emocionalmente y son egoístas. Supongo que las veo más como en una fase que ya he superado”, manifiesta. En esta ronda también ha cambiado su opinión sobre ellas, como comentaba Ofèlia. En el caso de Marta, en principio se reconoció en Hannah, pero ahora simpatiza más con Shoshanna aunque era la que peor le caía porque era “la pardilla del grupo”. 

Es muchísimo más graciosa de lo que recordaba. Cuando la vi la primera vez me sentía representada pero no entendía lo humorístico de las situaciones

Helena Álvarez — Espectadora de 'Girls'

Su mirada al respecto de los personajes masculinos también se ha alterado. Si en un primer momento su “amor platónico” fue Adam, ahora la balanza se inclina a favor de Ray. Gema está en su mismo equipo: para ella, los mejores papeles son los de Shoshanna y Ray, aunque le parece que están poco explotados. “Cada diálogo de él parece que está escrito a día de hoy por el conocimiento de geopolítica que tiene. Me parece un tío brillante, del que te podrías enamorar”, analiza, a la vez que considera que: “Shoshanna en general me parece muy divertida pero se quedó solamente como un meme de Sexo en Nueva York. Ella explora las dificultades del mundo laboral, nunca se siente suficiente y en realidad es una tía que vale muchísimo”.

Helena indica un aspecto clave de la serie que su memoria había difuminado: el humor. “Es muchísimo más graciosa de lo que recordaba. Cuando la vi la primera vez me sentía representada pero no entendía lo humorístico de las situaciones”, apunta. Ella se sentía igual de desquiciada que las protagonistas, así que no le veía la gracia, pero con la distancia del tiempo ha entendido el chiste. “Ahora me parto [con ellas] y me parto de mí misma también”, asevera.

Historia de la televisión

Las seis temporadas de Girls le dieron a Lena Dunham casi tantos disgustos como alegrías. Pagó el precio de ser arriesgada y rodar escenas de sexo torpe y poco placentero, hacer que sus personajes fuesen insoportables y plantear cuestiones acerca del deseo femenino, el aborto o la lealtad. Si bien la ficción producida por Judd Apatow no está exenta de fallos o reproches, una década después hay pocas dudas acerca de la desproporción de las críticas que le hicieron a la creadora, muchas acerca de su físico. “El hecho de ser mujer joven con un cuerpo no normativo en el que puso un foco de atención muy grande hizo que se le hicieran unas campañas muy fuertes de odio, de pseudocancelación o, al menos, de cogerle manía delante del ojo público”, estima Ofèlia.

“Se trató muy injustamente a Dunham, que al final tenía 25 años”, expone Alejandra, “en algunos casos hubo gente que no acaba de entender lo que intentaba explicar con los personajes que creó, que te los tenías que tomar como retratos paródicos”. Para ella, el capítulo American Bitch (el tercero de la sexta temporada) es historia de la televisión. Gema del Castillo lo define de la misma manera y sostiene que la creadora fue una visionaria.

Todo el capítulo son debates sobre abusos, roles de poder, consentimiento y deseo

Ofèlia Carbonell — Cocreadora del podcast 'Gent de Merda'

Es un episodio que pone en suspenso la trama general para contar el encuentro que Hannah tiene con un escritor y profesor universitario acusado de acoso sexual por sus alumnas. La protagonista va a su casa para entrevistarlo y termina echada en la cama a su lado, tocándole el pene sin haberlo escogido pero sin que haya habido una coacción explícita por parte de él. Una denuncia cruda y directa de cómo el abuso de poder puede disfrazar de consentimiento una agresión sexual en televisión, solo un poco antes de que estallase el MeToo. “Todo el capítulo son debates sobre abusos, roles de poder, consentimiento y deseo”, relata Ofèlia. El final del episodio en el que Hannah se va y un montón de mujeres se dirigen a la casa en marcha, le recordó a las manifestaciones de 2018.

Antes de su recuperación actual, Girls había caído en un cierto ostracismo, eclipsada por otras ficciones más actuales protagonizadas por mujeres jóvenes como La vida sexual de las universitarias o Euphoria. Bárbara sostiene que “hubo un momento bastante largo (duró años) que, por desgracia, debimos bajarnos a las trincheras a reivindicarla (nadie nos escuchaba)”. Ahora la serie vive un momento dulce, pero ella cree que volverá a llegar el momento de defenderla de sus detractores masivos. “Internet es pendular, así que volverán a devaluarla en breve y ahí estaré yo para pegarme con quien sea”, concluye.

Seguramente el autor chileno-estadounidense José Ignacio Valenzuela (Santiago de Chile, 1972) sea un desconocido para el gran público literario y televisivo español, pero en América Latina y en la comunidad hispana de Estados Unidos es sinónimo de éxito gracias tanto a sus relatos juveniles como a sus novelas de suspense y, sobre todo, a los guiones de las series creadas para Netflix y HBO. Una de ellas, ¿Quién mató a Sara?, es la serie en lengua no inglesa más vista de la historia de Netflix.

En el apartado literario, sus novelas destacan por ser altamente visuales, colocar en el centro como protagonista a una mujer y aportar una alta carga de suspense psicológico que pone a prueba el papel del personaje principal. Su desembarco en España con novela adulta –pues en su faceta de autor juvenil su carrera en nuestro país goza ya de popularidad con títulos como Mona Carmona y el enigma de la Sagrada Familia– se produjo en 2023 de la mano de Ediciones B (Penguin) con Cuando nadie te ve. Esta obra, revela Valenzuela, se está adaptando a serie televisiva por una productora española.

Estos días está en Barcelona, ciudad donde reside su agente literaria, para presentar su nuevo título, Lo poco que recuerdo (Ediciones B, 2024), un nuevo thriller psicológico ambientado en una localidad imaginaria llamada Pinomar, que bien podría estar situada en la costa mediterránea española y en la que, de nuevo, somete a su protagonista a una prueba de resistencia psicológica que deberá superar para liberar su verdadero potencial frente a los hombres que llevan años manipulándola.

Usted comienza su carrera muy joven, con quince años, ayudando a su tía Ana María Güiraldes, una importante cuentista infantil en toda América Latina. ¿Se crio en un ambiente literario?

Nací en Chile un año antes del golpe militar que traería una dictadura de casi 20 años, hasta 1990. Casi toda mi vida adulta hasta que en 1995 me marcho de Chile, la recuerdo con represión, censura, coches de policía, tanques militares, sirenas y pocas, muy pocas librerías donde además había pocos libros, pues muchos estaban censurados.

Tuve la inmensa suerte de que los distintos núcleos de mi familia decidieron vivir cerca de lugares donde hubiera bibliotecas, y esto me permitió estar cerca de los libros. Además, personas como mi tía consiguieron llevar adelante una carrera a través de la literatura infantil, que permitía contar cosas que de otro modo era imposible.

Ella fue mi maestra; yo empecé a ir a su taller literario cuando yo tenía 12 años, y eso que era un taller para adultos... Ella me enseñó el oficio, me enseñó a desarrollar la capacidad de aceptar la crítica y el rigor, de no creer en la inspiración como único motor. Gracias a ella soy un profesional de la escritura.

Las mujeres suelen estar en el eje central de su literatura y sus series. ¿Empatiza mucho con ellas?

Me crie con, por suerte, con grandes figuras femeninas. No es que los hombres de mi familia estén menospreciados, pero las que llevan las riendas eran ellas, así que me crie en un matriarcado de mujeres muy inteligentes, muy poderosas, muy profesionales, pensadoras, progresistas, insumisas e insurrectas.

Y, claro, yo crecí pensando que así tenía que ser, que era lo normal. Pero al salir al mundo me di cuenta de que, por desgracia, y más hoy en día en un país como Estados Unidos, donde vivo como ciudadano de pleno derecho, no es así, sino que las mujeres viven todavía aplastadas, al menos en el plano social, por el machismo. Tal vez como homosexual que experimenta esa misma represión machista y es minorizado, entiendo el sufrimiento y el derecho de las mujeres a estar en pie de igualdad en cualquier parte del mundo.

¿Son ellas sus principales lectoras?

En formato televisivo, por las informaciones que manejo, sé que van a pares hombres y mujeres en cuanto a audiencias, pero en formato novela sí que son mayoritarias ellas, acaso también porque actualmente el grueso de lectores son mujeres, al igual que lo son el grueso de quienes se interesan por la cultura o se gradúan en la universidad.

En un país como EEUU las mujeres viven todavía aplastadas por el machismo. Como homosexual que experimenta esa misma represión machista y es minorizado, entiendo el sufrimiento y el derecho de las mujeres a estar en pie de igualdad en cualquier parte del mundo

¿Escribe para ellas?

No, conscientemente no escribo para las mujeres. En realidad cuando me surge una idea y empezó a desarrollarla, no me planteo cómo se desarrollará, es algo que poco a poco va fluyendo tanto de mi experiencia profesional de estos treinta años de carrera como de lo que quiero contar, pero no es premeditado.

¿Se plantea igual el estilo cuando escribe guiones que novela?

Absolutamente. Cuando empiezo a desarrollar una idea no me planteo si es para un público adulto o juvenil, hombres o mujeres y tampoco si va a ser una serie televisiva o una novela. La oriento cuando el texto ya lleva cierto recorrido. Mis novelas son altamente visuales, puedes verlas en tu cabeza además de leerlas.

Tiene una importante carrera como guionista para Netflix...

Tengo tres series en Netflix, lanzadas en 200 países y con ¿Quién mató a Sara? como la serie en habla no inglesa más vista en la historia de la plataforma. Pronto lanzarán una cuarta. También escribo para HBO Candy Cruz, que fue la segunda serie más vista en español de la plataforma durante 2023.

¿Tiene alguna fórmula para el éxito?

No tengo nada cuantificado, no hay fórmulas fijas que conviertan los textos en grandes ventas. Lo que sí tengo es una larga carrera y la capacidad de aprender de la experiencia que me deja cada obra. Como te comenté, le debo a mi tía esa capacidad de análisis y crítica.

Usted ha vivido y trabajado en México muchos años. ¿Por qué cree que una obra como Emilia Pérez suscitó tanto rechazo en el país?

La verdad es que debí ser azteca en otra vida, porque para mí México es una segunda patria, siento algo muy fuerte y siempre que puedo regreso, aunque ahora resida en Florida. Debo puntualizar que no he visto todavía la película, porque viajo mucho por trabajo y, por otro lado, en Florida apenas la han exhibido, allí solo pasan por las salas películas de superhéroes, así que si no tienes capa no tiene salas donde puedan visionarte.

Dicho esto, he preguntado a muchos amigos de México y todos me han dicho lo mismo: el tema del narcotráfico y las desapariciones es una herida sangrante para ellos, algo muy doloroso, y consideran que la película lo banaliza y convierte en un musical algo terrible. Eso es algo que ellos no perdonan.

La ley Don't say gay de Ron DeSantis nos incita al miedo y la autocensura, porque cualquier persona por la calle puede denunciarnos. Llega al extremo que no podemos llevar a nuestra hija a un colegio público por no exponernos, y tampoco podemos ir los tres por la calle en actitud familiar porque damos a entender que somos una familia homoparental

Como persona LGTBI y casada con otra persona del mismo sexo, con la que además tiene una hija, ¿cómo viven el recorte de derechos a las minorías por parte de la actual administración?

Debo puntualizar que en Florida el recorte de derechos y la represión de la minoría LGTBI llego antes de este segundo mandato de Trump con la famosa ley Don't say gay, promovida por el gobernador Ron DeSantis [uno de los 'halcones' de la actual administración Trump]. Esta ley dice que es delito hacer ostentación de nuestra condición sexual en público, no solo de palabra sino también con actos o hechos.

De facto es una ley que nos incita al miedo y la autocensura, porque cualquier persona por la calle puede denunciarnos. Llega al extremo que no podemos llevar a nuestra hija a un colegio público por no exponernos, y tampoco podemos ir los tres por la calle en actitud familiar porque damos a entender que somos una familia homoparental.

Cualquiera que nos vea por la calle y le disguste lo que ve, puede denunciarnos. Y lo mismo sucede ahora con los migrantes, las mujeres y otros colectivos a los que esta administración reprime con sus actuales leyes y la retirada de subvenciones. Yo puedo presumir de que tengo un libro infantil censurado por Trump, se llama Un día con papá y dada, pero es que son más de 8.000 libros censurados solo en Florida.

Lo que cuenta recuerda a la Alemania nazi y su persecución de las minorías...

No sé si es adecuado ir tan lejos y comparar la situación de los judíos con la de las personas LGTBI en Estados Unidos, a mí me viene más a la cabeza el Chile de mi infancia y adolescencia, que también era terriblemente represivo. De hecho lo estoy pasando muy mal porque me vienen flashes de esa época que me han llevado a descubrir que sufro estrés postraumático.

Yo puedo presumir de que tengo un libro infantil censurado por Trump, se llama 'Un día con papá y dada', pero es que son más de 8.000 libros censurados solo en Florida

Considero que pocas personas pueden vivir sin miedo hoy en Estados Unidos, es un privilegio al alcance de pocos. Tengo muchos amigos migrantes, que no tiene papeles ni están nacionalizados, de todos los estratos sociales, y están aterrados, temen que alguien les denuncien y les arranquen su vida de golpe. Yo mismo hace un mes estuve con mi marido y mi hija visitando España y me dediqué a borrar todo lo escrito en redes sociales contra Trump y los suyos, por si nos ponían trabas para regresar. Imagínate el nivel de vulnerabilidad que siento...

¿Ha pensado en dejar el país?

Sí, claro, pero es complicado porque tengo a mi padre y mi suegra viviendo en Florida, son los abuelos de mi hija. Además, ella es feliz con sus amigas de la escuela, es estadounidense y tiene una vida allí. Pero también te diré que en casa tenemos una maleta siempre hecha y tres reservas abiertas de avión por si tenemos que salir a toda prisa. Tal como están las cosas, no se puede descartar nada.

Pasan los años —más de 20 ya— y a David Simon (Washington D.C, 1960) se le sigue presentando como uno de los creadores de The Wire, la serie emitida entre 2002 y 2008 por HBO y convertida, con los años, en material de culto.

Alabada y encumbrada por la crítica, la serie logró describir en cinco temporadas las disfunciones del capitalismo americano —y, por ende, de todo occidente— en una propuesta que parecía una historia de policías pero que en realidad escondía una profunda denuncia social. 

El showrunner se muestra cómodo con el aura y la influencia de The Wire, pero reivindica otros productos que ha elaborado con la misma sutileza y voluntad de visibilizar injusticias comoTreme, Generation Kill, The Deuce o, la más reciente, We Own This City.

El escritor habló el lunes con elDiario.es sobre su trabajo y proyectos, sobre el estado del periodismo y la política estadounidense y, también, sobre el fracaso de la guerra contra las drogas, uno de los principales temas que vertebra su obra.

Simon visitó Catalunya para la entrega del Premio Turkish Airlines a la mejor obra en inglés de los galardones de periodismo gastronómico Roca Awards.

Ha habido cinco personas que, cuando les he contado que iba a entrevistarle, me han pedido que le pregunte cómo va su proyecto sobre las brigadas internacionales en la Guerra Civil española.

Sigo decidido a hacerlo… Le debo los guiones a Mediapro y se los voy a entregar, pero es una mala época para la televisión americana. Quizás sea mala en todas partes, pero ha habido un retroceso real en cuanto a la cantidad de proyectos que salen adelante. La burbuja del streaming ha estallado.

¿Le cuesta más levantar proyectos?

He tenido que centrarme en aquellos que tienen alguna posibilidad en Estados Unidos. Eso no quiere decir que no crea en la historia de la Brigada Lincoln, no solo como una buena historia, sino como un proyecto relevante para este momento, en el que Estados Unidos vuelve a sumirse en un discurso aislacionista, y en el que nuestros líderes se niegan a mirar más allá de nuestras fronteras. 

Cuando lo anunció, aquí se creó mucha expectación.

Estoy decidido a sacarlo adelante. He recorrido los campos de batalla, desde Jarama hasta el Ebro, pero he tenido que dejar los guiones a un lado mientras trabajo en otras cosas que mantengan a la gente con la que trabajo con empleo. La gente de Mediapro ha estado genial y dicen que pueden recaudar el dinero aquí, pero una pieza de época cuesta mucho dinero si se quiere hacer bien. Por eso me gustaría tener también un socio americano.

La suspensión de sus proyectos con HBO durante la huelga de guionistas generó mucho revuelo. 

Tuvo una repercusión sorprendente en los medios. Creo que no todo el mundo lo entendió. La primera vez que estuve en huelga, hace años, con el sindicato de guionistas, los contratos se mantuvieron porque la huelga duró poco. En la última [huelga] sabíamos que íbamos a estar meses y comenté que HBO me había suspendido el contrato.

¿Se confundió suspensión con cancelación?

Exacto. Solo dije que llevaba 25 años con ellos y era la primera vez que me suspendían el contrato de producción. Cuando acabó la huelga, retomamos la relación. Sigo intentando sacar proyectos adelante con HBO, siguen leyendo mis cosas. Espero que me den luz verde para algo, pero no lo sé, es mucho más difícil ahora. El mercado está mucho más restringido. Hace diez años, les decía que quería hacer algo sobre la política federal de vivienda y me decían: “Adelante”.

Ha habido un retroceso en la cantidad de proyectos que salen adelante. La burbuja del 'streaming' ha estallado.

¿Series como The Wire o Treme serían posibles a día de hoy?

The Wire quizás sí, porque va sobre crimen y miseria. Pero Treme, no. Sin duda. Nadie apostaría por Treme ahora.

¿Cómo ve la producción actual de series? Parece que apenas hay espacio para historias que se desarrollen a fuego lento. Deben pasar cosas en cada capítulo.

Se ha convertido en una búsqueda de franquicias. Buscan cosas que saben —o creen saber— que pueden ser éxitos. Y yo nunca he escrito éxitos. Siempre he hecho cosas más personales. No voy a trabajar con personajes de Marvel. Eso no es lo mío. Tampoco voy a hacer series de gente guapa follando como Euphoria o lo que sea. Yo hago lo que hago.

Nunca ha escrito éxitos, pero entiendo que contar con usted añade o añadía valor a una marca como HBO.

Antes HBO se dedicaba a la contraprogramación, a ofrecer lo que no estaba en la tele. Y yo soy contraprogramación pura. Si no lo has visto en la tele, entonces me interesa. Pero ahora no hay ese clima. Por eso cuando llegas con una historia sobre americanos que vinieron a luchar a España en los años 30… Y les dices “los buenos eran los comunistas y los socialistas”, te miran como diciendo: “Eso va a ser difícil de vender”. Probablemente hace 15 años habría tenido más posibilidades.

¿Qué debe tener una historia para que le interese?

Tiene que tener un argumento que merezca la pena discutir, algo político, algo que yo hubiera querido cubrir como periodista. No es periodismo, claro, pero necesito que trate de algo que valga la pena debatir desde un punto de vista periodístico. No puede ser sólo entretenimiento. Sería una pérdida de tiempo.

Siempre me ha parecido que, a pesar de que sus historias han sido muy distintas, acaban girando alrededor de la resiliencia de las clases urbanas más desfavorecidas frente a un mundo que está jodido.

La ciudad, cualquier ciudad, es donde vamos a sobrevivir o fracasar como especie: cómo negociamos y aceptamos vivir comprimidos, siendo cada vez más diversos… Una de las cosas que más me gustan de Nueva York es que te cruzas con todo el mundo y te enfrentas a todo el mundo, para bien o para mal. Esa vieja idea de América como crisol de culturas sigue siendo cierta y necesaria, sobre todo en las ciudades. O aprendemos a convivir o fracasamos.

En las situaciones más dramáticas que describe, en todo caso, siempre acaba habiendo un pequeño espacio para el humor o el sarcasmo.

El drama se sostiene solo. La comedia, en cambio, es inefable. Es una combinación entre tú como guionista, el actor y su sentido del humor como intérprete. Porque no todos los actores lo tienen y algunos lo tienen a raudales. Y también está el director: cómo capta la cámara ese momento. La comedia… es mágica cuando ocurre. Necesitas esos momentos, más que nada por lo que yo hago, porque si no, es todo oscuridad. Y eso no puedo permitírmelo.

Su obra siempre ha explorado qué es América. No puedo dejar de preguntarle por su opinión sobre la situación política en EEUU.

Es horrible. Hemos elegido dos veces a un demagogo ignorante que es increíblemente hábil a la hora de manipular a colectivos vulnerables. Colectivos como inmigrantes, personas trans o personas racializadas, utilizándolos de formas que excitan a su base y fomentan la segregación racial, el aislamiento y comportamientos xenófobos que son destructivos no solo para mi país, sino a nivel global. Trump es un tipo muy peligroso.

Cuando adaptó la novela de Philip Roth La conjura contra América, ¿pensaba que cinco años después la democracia estaría tan amenazada en EEUU?

La hicimos porque [Trump] fue elegido por primera vez. Tengo que admitir que cuando perdió pensaba que habíamos acabado con él. Pero te diré algo: incluso cuando empezaba a tambalearse en su primer mandato y perdía apoyo, yo ya tenía miedo. Y sigo teniendo miedo del tipo que venga después de él. Alguien que será otro demagogo y utilizará las mismas herramientas que él usó para llegar al poder, pero será más listo, más elocuente y más despiadado en el abuso de ese poder.

Eso si no intenta forzar un tercer mandato.

El problema es que ya no puedes estar seguro de nada. Todos nuestros mecanismos institucionales están fallando y se están desmoronando. Cosas que nunca pensé que fueran posibles o legales están ocurriendo. Cogieron a un tipo de mi Estado, Maryland, al que ni siquiera han acusado formalmente de nada, y lo han mandado a una prisión en El Salvador. Se supone que si estás legalmente en Estados Unidos con un visado, tienes los mismos derechos constitucionales que un ciudadano: libertad de expresión, habeas corpus, todos tus derechos… Y aun así, se llevaron a esta persona y lo arrojaron a una cárcel en el extranjero. ¿Qué no harán? ¿Qué será lo próximo? Es espantoso.

Con los años, The Wire ha adquirido un aura de serie legendaria. Para muchos es la mejor de todos los tiempos. Me gustaría saber cómo le ha afectado en sus trabajos posteriores. Siempre hay alguien que acaba comparando lo que hace con The Wire...

Me alegra que The Wire encontrase su público, aunque fuera con retraso. Gracias a eso pude hacer otras series que, de otro modo, HBO quizá no habría aprobado. Así que sí, estoy agradecido. ¿Quiero más a alguno de mis otros hijos? No es que los quiera más, pero me gusta cuando alguien me dice algo bueno sobre alguno de mis otros proyectos. Cuando alguien se me acerca y me dice que le encantó Treme o The Deuce… Es como ver reconocido a ese hijo que no recibió tanta atención, pero al que quiero igual. Y eso se agradece.

¿Qué tiene la serie para seguir vigente 20 años después?

Primero, que nos dejaron hacer cinco temporadas. Fueron 60 horas de televisión. Pero también influyó que la serie encontró su camino. Algunas de las cosas que he hecho son mucho más específicamente estadounidenses y no tienen esa capacidad de conectar tan fácilmente fuera.

Es curioso porque The Wire tuvo éxito antes en Reino Unido y Europa que en EEUU.

Es cierto. Y volvió a Estados Unidos por el boca a boca que venía de fuera. Fue un giro realmente impresionante y tengo que admitir que no sé cómo replicar eso. No he podido volver a lograrlo.

Hemos elegido dos veces como presidente a un demagogo ignorante que es increíblemente hábil a la hora de manipular a colectivos vulnerables.

El último capítulo lo vieron solo 70.000 personas. La serie no ganó ningún premio. ¿Llegó a pensar que no recibía el reconocimiento que merecía?

Pensaba que habíamos hecho un trabajo mejor que... Mira, fue una serie muy silenciosa. Cuando se emitió, pasó muy desapercibida. Tuvimos suerte de aguantar cinco años en antena.

¿Por qué cree que acabó fascinando a gente tan diversa? The Wire conectó con una audiencia altamente educada, con incluso un premio Nobel de literatura poniéndola por los aires, y al mismo tiempo con las clases más desfavorecidas de algunos barrios, en los que incluso se vendían copias piratas de la serie. 

Creo que todos reconocieron en ella una cierta verdad fundamental. Entendieron que hablábamos de una desconexión entre lo que estamos viviendo como ciudadanos y la realidad de nuestras expectativas, cada vez más reducidas. La diferencia entre ricos y pobres es cada vez más profunda con cada generación. El capital campa a sus anchas, ya no está ligado a un contrato social real que incluya a toda la sociedad. Y por eso sentimos que no estamos bien gobernados, que nadie trabaja para solucionar los problemas que vemos a diario. Creo que todo el mundo, de una forma u otra, lo siente así.

Si la serie se hubiese rodado hoy, ¿qué otros aspectos de la sociedad estadounidense abordaría? Siempre pensé que la inmigración o los nuevos americanos hubiesen encajado.

La inmigración es un tema que me da rabia no haber tratado en The Wire.

¿De verdad?

Sí. No en la primera temporada, sino en la primera etapa de la serie. Después de la tercera temporada, uno de los guionistas y amigo mío, David Mills, sugirió ese tema. Él estaba en Baltimore y se dio cuenta de que había una gran llegada de centroamericanos —guatemaltecos, hondureños, mexicanos— que se estaban asentando en la parte sureste de la ciudad y me dijo: “Es una comunidad vibrante, distinta, y deberías hacer algo sobre la inmigración”.

En EEUU, además, casi todo el mundo tiene orígenes migrantes.

Los estadounidenses somos muy ambivalentes con la inmigración. Primero, prácticamente todos lo somos. Da igual cuándo llegaste, seguro que tienes alguna historia familiar de cómo os trataron mal por parte de los que ya estaban aquí, fueras irlandés, judío, italiano o afroamericano. Pero a la vez todos temen la nueva ola que llega... y se olvidan de que ellos también fueron esa ola en su día.

La inmigración es un tema que me da rabia no haber tratado en 'The Wire'.

Pero son esas personas que acaban de llegar las que construyen y reconstruyen el país. Y los necesitamos. Necesitamos personas con hambre, que quieran una vida mejor. Es la misma dinámica que en 1880, esa es nuestra esencia. Y aun así, permitimos que un demagogo como Trump demonice a gente que solo busca una vida mejor. Es una locura. Así que habría sido un tema buenísimo.

¿Por qué no se hizo?

Cuando David me lo comentó, le dije: “Tienes razón”, pero ya llevábamos sin emitir un buen tiempo. Después de la tercera temporada, prácticamente nos cancelaron hasta que nos dijeron que al final íbamos a seguir. Tardamos un año y medio en volver a emitir. Teníamos planificadas las temporadas 4 y 5 y para introducir el tema de la inmigración y pedirle a HBO un año extra, teníamos que empezar desde cero. Ninguno de nosotros hablaba español y eso iba a retrasar aún más el regreso.

Una lástima.

Si conoces la serie, sabrás que una vez que empieza la cuarta temporada y se colocan los cuerpos en las casas vacías, ya no puedes parar: tienes que contar la temporada 4 y 5 seguidas. Y la temporada final tenía que ser sobre los medios de comunicación, sobre por qué no somos capaces de reconocer nuestros propios errores y problemas. Así que, cuando surgió la idea de la inmigración, ya se nos había pasado el momento.

¿Cree que la decadencia de la sociedad americana que retrató en The Wire es aún más profunda veinte años después?

Sí. Totalmente. Todavía no hemos resuelto la guerra contra las drogas.

El fracaso de la guerra contra las drogas es uno de los temas más transversales en su obra. Aparece en The Corner, en The Wire, en We Own This City… 

No sé si alguna vez lo resolveremos, aunque nos hemos alejado de los niveles más altos de encarcelamiento masivo. Aun así, seguimos siendo una de las sociedades con mayor tasa de encarcelamiento en la historia moderna, y esa es una de las razones.

¿Está a favor de la despenalización de todas las drogas?

Sí, por supuesto. Y de enfocar el consumo de drogas con políticas de reducción de daños, tratamientos, educación… No creo que encerrar a la gente sea la solución para nada.

Lo siento, pero la sociedad no gana nada metiendo a un camello en la cárcel.

Ahora hay incluso jefes de Estado como Gustavo Petro defendiendo esta postura.

Es cierto que ha habido avances. Nuestras tasas de encarcelamiento han bajado y hemos despenalizado la marihuana, que es algo muy sensato. Aunque hay una parte que me preocupa: mucha gente blanca consume marihuana y mientras se encarcelaba a chavales blancos, hubo mucha indignación. Pero si la guerra contra las drogas solo afectara a comunidades racializadas, podrías seguir igual durante 20 o 30 años más, porque no estás jodiendo a los chavales blancos de los dormitorios universitarios. Así que, en cierto modo, despenalizar la marihuana, pero no hacer lo mismo con el resto de drogas también tiene su riesgo.

Usted pidió clemencia para el tipo que vendió el fentanilo que mató a Michael K. Williams [actor que encarnaba al traficante Omar Little en The Wire]

Si conocías los puntos de vista de Michael y hubieras visto los documentales que estaba haciendo, sabrías que él también estaba en contra del encarcelamiento masivo y de la guerra contra las drogas. Tuve muchas conversaciones con él sobre eso. Conocía su lucha contra la adicción y sabía cómo se sentía respecto a su propia responsabilidad. Habría considerado injusto encerrar a un camello de 72 años por venderle una pastilla. Ese hombre también era adicto. Y no era químico, no fabricaba esas pastillas. Se las dieron, él las pasó. Lo siento, pero la sociedad no gana nada metiendo a un camello en la cárcel. Las mismas drogas se seguían vendiendo al día siguiente en cada esquina de Williamsburg.

Cuando rodaban The Wire, ¿ya sabían que Omar iba a ser uno de los personajes favoritos de la audiencia?

Sí, era uno de nuestros favoritos también. Está basado en un tipo real, en varios tipos reales. Michael [K. Williams] conocía a uno de ellos, se llamaba Donnie Andrews, ya falleció, pero fueron amigos durante un tiempo.

¿También era homosexual?

No, eso nos lo inventamos. De hecho, Donnie estaba un poco en plan “¿por qué hiciste eso?” Se lo tomó como algo personal. Es una historia larga.

¡Cuéntela!

Además de Donnie —sobre el que escribí mucho en su día como periodista— había otros tipos que robaban a narcotraficantes. Y luego había un dúo: Cadillac y Lowe —esos eran sus nombres callejeros—, y Ed [Burns, cocreador de la serie] me contaba historias sobre ellos. No sé de dónde saqué la idea, pero pensé que eran amantes, que eran pareja. Así que añadí ese detalle a Omar.

Su homosexualidad reforzaba ese perfil de lobo solitario.

Robar a otros traficantes es una “profesión” solitaria dentro del mundo de la droga. Y ser gay en la comunidad negra tenía —y sigue teniendo— un estigma enorme. Y hace 20 años, aún más. Probablemente no podrías estar en una banda de narcotraficantes y ser abiertamente gay sin que se cuestionara tu hombría o tu fiabilidad. Pero sí podrías ser un outsider que roba a camellos y ser gay. Así que pensé: “Bueno, vamos a hacer que sea como Cadillac y Lowe”, aunque después Ed me dijo que ellos no eran gays. Así que nada, me equivoqué. [Ríe].

El turismo y la gentrificación también aparecen en algunas de sus obras como The Deuce o Treme.

Estoy seguro de que es un problema en Barcelona. He podido ver y hablar sobre los profundos cambios que están ocurriendo en la ciudad... También es un problema en zonas de Baltimore y Nueva York. En Baltimore hay barrios en los que la gente que ha vivido ahí toda la vida está en riesgo de ser expulsada por la gentrificación. Al mismo tiempo, hay distritos con casas completamente vacías.

Esos bloques con las puertas tapadas con maderas que aparecen en el Baltimore de The Wire.

Sí, sí. Algunos siguen teniendo esas puertas de madera... Aunque ahora muchos de esos edificios se han caído y solo quedan solares vacíos. Pero cuando llegué a la ciudad como reportero en 1982 había 750.000 personas. Ahora hay 590.000, así que hay mucho espacio vacío. Es como: “¡Por favor, gentrificad algo de esto! Volved...”

Me gustaría preguntarle un poco sobre periodismo. Sus declaraciones sobre la profesión suelen ser muy pesimistas. 

Creo que la prensa escrita está más vulnerable que nunca, pero por otro lado ha habido un experimento en mi ciudad…

¿El Baltimore Banner?

Sí. ¿Lo conoces?

Entrevistamos a uno de sus periodistas, Alec MacGillis, hace un par de años.

Lo conozco. Es un buen tipo. 

Pienso también en otros medios digitales que han aparecido los últimos años y están haciendo gran periodismo en EEUU como ProPublica, por ejemplo…

Sí... Debe de ser online y sin ánimo de lucro, que cada dólar de cada suscripción se gaste en periodismo y en ampliar la redacción. Lo están haciendo, el Banner está creciendo y espero que entren en beneficios en poco tiempo. De lo que se trata es que el dinero se vaya a las redacciones y no a Wall Street, que es el error que toda la industria americana de periódicos cometió.

En ese momento parecía que siempre se podía ganar más dinero…

Apareció Wall Street y dijo, “estáis ganando un 10-15% de beneficios, podéis hacer el 30% recortando plantilla y gastos”. Convencieron a los periódicos de que tenían un monopolio, de que siempre tendrían publicidad de los grandes almacenes, anuncios clasificados… Todo iba a ir genial: podrían ganar más pasta pero gastando menos dinero haciendo un periódico de mierda.

Y llegó Internet.

De repente, el dinero de la publicidad desapareció pero ya tenían un producto mucho peor por el que no podían cobrar a nadie. Fue la tormenta perfecta de estupidez de una industria que sólo sentía desprecio por su propio producto.

Sin ser una organización sin ánimo de lucro, elDiario.es es un proyecto fundado por periodistas que venían de grandes medios y querían tener el control de la empresa. Parece que funciona.

Se está produciendo una reconfiguración. Ya no tienes que pagar por camiones, papel ni imprentas. Hace 20 años, te costaba dinero hacer llegar el periódico a la gente, pero no te importaba porque todo se financiaba con la publicidad. Ahora, la publicidad online supone céntimos, pero cada suscripción es beneficio puro. Si quieres el periódico, paga 6-10 dólares al mes. Se ha invertido el modelo y la industria tardó en darse cuenta de este cambio.

Esperemos que no sea tarde.

La gente que nos llevó a este desierto están ahora todos jubilados, en el campo de golf, hablando de los viejos tiempos del papel. Cabrones. Lo jodieron todo de arriba a abajo. Pero todo el crédito para proyectos como el vuestro o como el Banner. ¿Sabías que lo financia un millonario bastante benévolo? Es un tipo que hizo fortuna con hoteles, ya ha hecho su dinero, pero cree que no hay una gran ciudad sin un gran periódico. Así que está financiando uno.

Echo de menos ser reportero, la redacción y estar rodeado de periodistas.

¿El periodismo local está muerto del todo en EEUU?

No lo sé, nadie ha tratado de replicar este experimento, pero si se demuestra que en una ciudad de segunda como Baltimore funciona, se puede replicar. Habrá inversores reales, no gente que haga esto por lesa majestad, sino porque se puede ganar dinero. Hay hueco para esto. Es como el canario en la mina, por así decirlo.

¿Qué opina de la cobertura del segundo mandato de Trump por parte de los grandes medios como el New York Times o el Washington Post?

Lo que han demostrado el Washington Post y el Los Ángeles Times en particular es degradante y humillante. Si fueras Otis Chandler, estarías revolviéndote en la tumba. Si fueras Kay Graham también, por cómo han actuado los editores de esos dos medios. El New York Times, creo, ha perdido mucho tiempo intentando encontrar un terreno intermedio entre el totalitarismo y el gobierno representativo normal para definir al Gobierno de Trump. Y no creo que exista ese punto intermedio, así que su cobertura muchas veces es un poco débil. Pero por lo menos no se han rendido de forma tan vergonzosa como lo han hecho Bezos y el tipo de Los Ángeles.

Leí un artículo reciente de Siri Hustvedt que hablaba de un término relativamente nuevo para definir la cobertura de Trump por parte de estos medios: sanewashing [Minimizar los aspectos percibidos como radicales de una persona o una idea para hacerlos parecer más aceptables].

Es exactamente lo que es. Sanewashing. A veces hay que decir las cosas por su nombre. Algunos medios tienen dificultades para llamar “mentira” a una mentira, incluso cuando está totalmente contradicha por los hechos. Decir: “El presidente Donald Trump mintió ayer en varias ocasiones al decir…” No están acostumbrados a escribir una entradilla así, aunque se pueda demostrar empíricamente. Tu segundo párrafo puede sostenerlo, tu tercer párrafo también. Es empírico, son hechos. El periodismo nunca se había enfrentado a alguien que mintiera con tanto descaro, y tan entregado al fraude, ocupando un puesto de poder como este. Es como si las herramientas que tenemos no sirvieran ya para hacer el trabajo.

¿Echa de menos el periodismo?

Sí… Sí, un poco. 

¿En serio?

Sí, echo de menos ser reportero. También echo de menos la redacción, estar rodeado de otros periodistas, pasar el rato, poner los pies sobre la mesa, abrir el periódico y hablar de qué es una mierda y qué no lo es. 

No habría dejado el periodismo si no creyera que puedo plantear los mismos temas desde otro ángulo

¿Qué estaría haciendo ahora David Simon si hubiera seguido trabajando en el periódico?

No lo sé, quejándome y refunfuñando… Ya no sería reportero de sucesos, pero seguramente estaría quejándome de lo que pasa en mi periódico, probablemente. Si siguiera en el Baltimore Sun, estaría destrozado. Ahora solo quedan como 40 personas. Cuando yo estaba ahí había 500.

 ¿Qué le aportó el periodismo a la hora de escribir series?

Creo que era muy bueno escuchando las voces de otras personas, no solo la mía. Era bueno con los diálogos. Y, especialmente, haber sido reportero de calle te acostumbra a escuchar a gente distinta a ti. No eran todo voces blancas de clase media. Algunas sí, pero también había afroamericanos, latinos… y también policías irlandeses, italianos… Gente, voces y registros distintos.

¿Y en los temas que trata?

Me marcó en el sentido de que nunca iba a escribir solo entretenimiento. Nunca escribiría algo como: “oh, qué emocionante”, si no plantea alguna reflexión sobre el mundo. Todo lo que hago tiene que tener, al menos, un origen periodístico, en el sentido de que si quiero contar un drama es porque hay un problema, un conflicto en nuestra sociedad en el que el sistema está fallando.

Esa obsesión en su trabajo para que todo parezca creíble.

Sí, la tengo. No soy bueno con lo sobrenatural, no hago ciencia ficción. Si adapto un libro y no es de ficción, utilizo los nombres reales. Ni siquiera me alejo de lo que ocurrió en el libro, no puedo inventar cosas. Le debo fidelidad al periodismo del que parto. Incluso cuando es ficción, usamos la cronología real de los hechos. Invento personajes ficticios y los entrelazo con los hechos reales, pero todo se basa en lo que ocurrió de verdad. Es una forma de reconocer que no soy particularmente creativo, que no puedo inventar cosas de la nada. Pero también es la razón por la que no habría dejado el periodismo si no creyera que puedo plantear los mismos temas desde otro ángulo.