La cárcel de Villabona, en Asturias, ha sancionado a Montserrat González y Triana Martínez, madre e hija condenadas por el asesinato de la presidenta de la Diputación de León y del PP de León, Isabel Carrasco, por su participación en un documental que se estrena este martes en la plataforma HBO en el que aparecen hablando por videoconferencia desde prisión.

El estreno del documental coincide con la fecha en la que se cumplen doce años del asesinato de Isabel Carrasco, el 12 de mayo de 2014.

Fuentes judiciales han confirmado a EFE que la sanción que les ha impuesto la prisión no afecta de momento al traslado que ambas habían solicitado a principios de mes con destino a la cárcel de Alcalá Meco, en Madrid, que ya había sido concedido aunque no ejecutado.

No obstante, sí condicionará los permisos penitenciarios de salida de los que ya disfruta Triana Martínez y que Montserrat González espera que se le concedan por considerarse una falta grave.

Montserrat González fue condenada a 22 años de cárcel como autora confesa del asesinato a tiros de Isabel Carrasco en plena calle de León. Su hija, Triana Martínez, fue condenada a 20 años de prisión como cooperadora necesaria en la comisión del asesinato. Once años después del juicio, ambas dicen sentirse arrepentidas. La policía local Raquel Gago fue absuelta del asesinato, pero condenada a 5 años de prisión por encubrimiento.

Este no es el primer producto audiovisual que recopila el asesinato de Isabel Carrasco. Este tema ya fue abordado en el documental Muerte en León (serie y película), en el que habló por teléfono Triana Martínez, aunque esta es la primera vez que hablará también Monsterrat González.

El universo de Stephen King sigue expandiéndose más allá de las novelas originales, y tras el éxito de la primera temporada de It: Bienvenidos a Derry, la producción ya prepara una segunda entrega que cambiará completamente de época para adentrarse en uno de los periodos más oscuros y violentos de la historia de Derry. Esta vez, la acción se trasladará a 1935, alejándose del ambiente suburbano más reconocible de It para sumergirse en una ciudad marcada por la pobreza, la precariedad y la violencia de la Gran Depresión.

La información la ha confirmado el director Andy Muschietti en declaraciones concedidas a la revista Deadline, donde explicó que el nuevo arco narrativo girará alrededor de la llamada banda de Bradley, un grupo de atracadores cuya historia aparece mencionada brevemente en la novela original de King, pero que hasta ahora nunca había sido desarrollada de forma profunda dentro del universo audiovisual de It.

La matanza de la banda de Bradley será el gran eje de la temporada

“Es 1935; ya estamos trabajando en ello y es muy divertido”, explicaba Muschietti durante la entrevista, antes de profundizar en el evento histórico y narrativo que servirá de base para la nueva temporada.

Según detalló el director, la serie explorará el episodio de la banda de Bradley, un grupo de criminales que llega a Derry durante una huida y termina enfrentándose a un acontecimiento brutal ligado al ciclo de violencia que siempre ha rodeado a Pennywise.

Muschietti recordó además que este grupo está inspirado en la banda de Brady, una organización criminal real que operó en Estados Unidos durante los años treinta y cuyos miembros terminaron ejecutados en Bangor, Maine, el mismo estado que ha servido tantas veces como inspiración geográfica para las historias de Stephen King.

“El gran evento de la temporada será la matanza de los atracadores”, adelantó el director, dejando claro que este episodio pasará de ser una simple referencia secundaria dentro de la novela a convertirse en el centro absoluto de la trama.

Uno de los aspectos que más cambiará respecto a otras historias relacionadas con It será el contexto social y visual de Derry. Según explicó Muschietti, la serie abandonará esa estética más reconocible de niños en bicicleta y barrios residenciales tranquilos para mostrar una ciudad golpeada por la crisis económica y por un ambiente mucho más áspero.

“Esto es 1935, por lo que no existe ese confort suburbano típico de las historias de niños que van con sus bicis y uno de ellos desaparece. Aquí la situación es muy precaria. La gente es muy pobre e intenta sobrevivir como puede”, señaló el director durante la conversación con Deadline. Ese cambio de enfoque permitirá explorar otra cara del universo de It, más cercana al terror social y a la violencia estructural que atraviesa muchas de las obras de Stephen King.

Un episodio menor convertido en historia principal

En la novela original, la matanza de la banda de Bradley apenas aparecía como un fragmento más dentro de la larga lista de tragedias vinculadas a Derry y a la influencia de Pennywise, funcionando más como una pieza de trasfondo que como una historia desarrollada.

Sin embargo, la serie aprovechará precisamente ese vacío narrativo para construir una nueva temporada completa alrededor del acontecimiento, ampliando el lore de la ciudad y explorando cómo el miedo y la violencia se repiten generación tras generación.

Ese enfoque encaja bastante bien con la manera en la que las adaptaciones recientes del universo de It han ido construyendo la mitología de Derry, transformando referencias pequeñas o casi anecdóticas en historias independientes capaces de sostenerse por sí solas.

La cuarta temporada de la serie de HBO ‘The White Lotus’ ha dado recientemente que hablar al haber perdido a una de sus grandes estrellas y reclamos, Helena Bonhnam Carter, una vez ya comenzado el rodaje debido a que “no encajaba en el personaje”, según aseguró el medio Deadline a través de un portavoz de la plataforma.

La ficción creada por Mike White afrontaba un duro problema y un importante reto de encontrar una sustitución a la altura, un hecho que se había anunciado a través de un comunicado que rezaba: “se ha replanteado, se está reescribiendo y se buscará una nueva actriz en las próximas semanas”.

El anuncio oficial se hizo tan solo una semana después, cuando se confirmó que la actriz Laura Dern sustituirá a la británica, un hecho que ha despertado teorías debido a que no es la primera vez que aparecería en la serie, en la que ya interpretó una voz en off y que podría crear un enlace entre diferentes temporadas, tal y como ya se dio con el personaje de Jennifer Coolidge entre la primera y la segunda.

El personaje que Laura Dern podría interpretar en ‘The White Lotus 4’

Si recordamos, la segunda temporada de la serie ‘The White Lotus’ se ambientó en Italia, en concreto en Sicilia, y en ella ya participó Laura Dern con un pequeño cameo, aunque solo con su voz. Entonces interpretó a Abby, la mujer de Dominic Di Grasso, productor de Hollywood al que dio vida Michael Imperioli, y este personaje fue también mencionado por otros como su suegro Bert y su hijo Albie.

Esto no ha pasado desapercibido para los fans de la serie, que en redes sociales han comenzado a crear teorías sobre el papel al que podría dar vida Laura Dern, pues muchos han pensado que su fichaje significaría que se escribiera más sobre Abby y crear así conexión con la familia Di Grasso que apareció en la segunda temporada.

Cabe recordar que Di Grasso interpretaba a un productor de Hollywood y teniendo en cuenta que se ha desvelado que ‘The White Lotus 4’ está ambientado en torno al festival de Cannes, son muchos que ven la conexión factible, creando así un interés importante teniendo en cuenta la perdida de Bonham Carter.

Actualmente, la cuarta campaña de la serie de HBO se está rodando en la Riviera Francesa, Saint-Tropez y Mónaco, y entre el reparto también confirmado están actores de la talla de Steve Coogan, Rosie Perez, Heather Graham, Max Greenfield, Kumail Nanjiani, Vincent Cassel y Chloe Bennet, Sandra Bernhard, Frida Gustavsson, Charlie Hall, Jarrad Paul, Ben Schnetzer y Laura Smet.

Este año volveremos a ver a Harry, Ron y Hermione. El primer capítulo de la serie sobre Harry Potter y la piedra filosofal se estrenará el 25 de diciembre de 2026 en HBO, desvelando por fin cómo será la nueva adaptación sobre la novela de magia y fantasía que catapultó la fama de la escritora J.K.Rowling hace casi 30 años. Hasta entonces, solo podemos especular fijándonos en el tráiler.

Las primeras imágenes del remake se lanzaron a finales de marzo y dejaron las primeras pistas sobre lo que podemos esperar de esta adaptación. Así, el tráiler confirmó lo que ya se venía tiempo anunciando: la serie, que tendrá una temporada dedicada a cada libro, será mucho más fiel a las novelas originales que lo que fueron las míticas películas de Warner Bros.

En el tráiler, vemos escenas que no aparecieron en esos largometrajes, como la de la tía Petunia cortándole el pelo a Harry, reflejando su obsesión por hacerlo parecer una persona “normal”, o aquella en la que el joven mago sufre acoso escolar por parte de su primo Dudley y su grupo de amigos en su colegio habitual, antes de estudiar en la escuela de magia de Hogwarts. 

Hablamos de momentos que, sin duda, ofrecerán más profundidad a esta primera parte de la historia, pero ¿qué más escenas novedosas podremos ver en la nueva serie de HBO? Hoy recuperamos cuatro momentos que sí aparecen detalladas en las novelas originales pero que no llegaron a desarrollarse del todo en los filmes protagonizados por Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson.

Los Dursley, Snape, Voldemort y Godric’s Hollow

El tráiler dejó claro que esta primera temporada dedicará más tiempo a desarrollar cómo fue la convivencia de Harry con los Dursley. Aunque esto es algo que sí aparece en las películas, todo quedó muy condensado en ellas, teniendo en cuenta que incluso el inicio del primer libro está narrado desde el punto de vista de Vernon, el tío muggle de Harry. Conocer en profundidad cómo era la vida del chico con esta familia servirá para entender mejor la vida de los muggles y el rechazo que estos sienten por la magia.

Aunque en las películas se presentan flashbacks sobre la infancia de Tom Riddle, se espera que la serie desarrolle mucho más cómo el joven mago acabó convirtiéndose en Voldemort. El abandono de su padre, a quien asesinó tiempo después, y la muerte de su madre, algo que se explica con bastante detalle en los libros, podrían ganar mucho más peso en HBO.

Lo mismo podría ocurrir con el personaje de Snape y su historia sobre cómo se ganó el título de “Príncipe Mestizo”, algo que en las películas apenas se profundizó. También se cree que la serie mostrará con mucho más detalle el ataque en Godric’s Hollow, la noche en que murieron los padres de Harry, James y Lily Potter. 

Además de estos cuatro momentos, hay personajes como Peeves, Ariana Dumbledore o Teddy Lupin, que ni siquiera fueron mencionados en los largometrajes, que podríamos ver por primera vez en la pantalla.

La nueva serie de Harry Potter vuelve a dar que hablar una vez más. Desde que se supo que HBO prepararía una nueva adaptación de las novelas que lanzaron a J. K. Rowling al estrellato, las novedades van llegando poco a poco, y cada vez queda menos para ver el resultado final de lo que la plataforma de streaming lleva meses preparando. 

La última noticia sobre la producción tiene que ver con el protagonismo de una de las familias más odiadas (y, al mismo tiempo, queridas) de la historia ambientada en Hogwarts. Los Malfoy, que tienen un papel más secundario en las películas originales, aparecerán mucho más en la adaptación de HBO.

Así lo ha confirmado Johnny Flynn, el actor que interpretará a Lucius Malfoy en la serie, en una entrevista reciente para The Hollywood Reporter. “Básicamente, no salgo en el primer libro. Lucius apenas sale en el primer libro, pero sí en la primera serie. Así que es todo un acontecimiento ir a trabajar”, compartió.

Más protagonismo también para Draco

La primera temporada, cuyo estreno está previsto para principios del año que viene, adaptará por completo Harry Potter y la piedra filosofal (1997), el primer libro de la saga de novelas de la escritora británica. Pero como en cualquier adaptación, no todo lo que veamos en pantalla será igual que lo que conocimos en las novelas originales.

Esto también lo ha corroborado Lox Pratt, el actor que dará vida a Draco Malfoy en la primera temporada de la serie. “Con esta adaptación, se puede ver mucho más allá de los libros. [Los libros] están muy por encima del hombro de Harry, lo cual es genial, y así es como se presentó la película”, empezó explicando el intérprete de 14 años en una entrevista para la revista 1883. 

Y añadió: [En la serie] hay mucho más que se puede ver. Se puede ver a todos los profesores en sus pequeñas habitaciones. Se puede ver a Draco en casa. No voy a desvelar demasiado, pero hay algunas escenas brillantes en casa donde se empieza a comprender cómo es“. 

Así, el actor, protagonista también de la primera adaptación televisiva de El señor de las moscas, explicó que la producción de HBO permitirá conocer de una forma más profunda a estos personajes que ocuparon un lugar menos destacado en las películas de Warner Bros. “En las películas, Draco es como bidimensional, es el villano burlón. Siento que hay mucho más y es necesario entender por qué”. 

El director Pol Rodríguez (codirector junto a Isaki Lacuesta de Segundo Premio) creció entre fogones. Los del restaurante familiar en el que durante 90 años toda su familia trabajó dando de comer a la gente que se acercaba por un sitio que se convirtió en emblema del Raval. Por allí pasaba desde cualquier vecino del barrio hasta círculos intelectuales del entorno barcelonés, como José Luis Guerín o Joaquim Jordà. Lo que pasó a aquella casa de comidas podría haber sido una trama de En construcción, el documental de Guerín que en 2001 mostró el comienzo de la gentrificación en aquel barrio.

Un fondo buitre compró el edificio y logró que la familia de Rodríguez tuviera que dejar aquel lugar en el que habían crecido y pasado toda su vida. Aquella historia, que funciona como ejemplo paradigmático de la turistificación de Barcelona y de otras ciudades y del problema de la vivienda en España, se ha convertido en una serie creada y dirigida por el propio Pol Rodríguez junto a su amigo Isaki Lacuesta. Una serie con la que, además, se cierra un círculo. Fue en esa casa de comidas donde conoció a Jordá, comenzó a trabajar de ayudante de dirección con él, y ahí se encontró con Isaki Lacuesta, con quien ahora firma la serie.

Ravalear, que así se llama la serie, se ha proyectado en el Festival de Berlín, donde ha desvelado sus dos primeros episodios. Dos capítulos que apuntan a que estamos ante una de las series del año. Una ficción donde la realidad se cuela, donde incluso parece que hay partes grabadas con cámara oculta en el Raval, y con un toque de guerrilla que se cuela en este ejercicio de estilo creado a golpe de montaje, banda sonora y unas interpretaciones excelentes de un cast comandado por tres de los mejores actores de su generación: Enric Auquer, María Rodríguez Soto y un Quim Ávila al que le deberían empezar a llover los papeles.

Auquer se convierte, de alguna forma, en un trampantojo del propio Rodríguez en la serie. Un joven que ve cómo el sueño de sus padres de comprar por fin el restaurante que durante décadas han alquilado y han regentado se desvanece por el engaño de un fondo buitre que les deja tirados, y vende el local (y todo el edificio al mejor postor). Ravalear muestra la realidad del mercado inmobiliario, las tretas de las empresas para echar a los inquilinos y las consecuencias en el tejido social y en los barrios de todo ello. Podría, de hecho, ser la secuela espiritual de aquella En construcción que citábamos.

Hasta Berlín ha venido la familia de la ficción y Pol Rodríguez, que se mostraba emocionado y nervioso por compartir una historia que, de alguna forma, es la suya. De hecho, también ha venido su familia real, sus padres, que confesaban que cuando vieron la serie terminada se emocionaron al ver tantos recuerdos allí plasmados. Rodríguez cree que en esta serie hay algo de “venganza”, pero también de “sanación”.

Lo que hay es una clara mirada a un problema que nos atañe a todos y que expulsa a la gente de las ciudades para ponerlas al servicio de fondos buitre y turistas. Aclara también que está “inspirado” en lo que pasó en su familia. “Tuvimos un restaurante en el barrio del Raval durante 90 años, y en el 2021 tuvimos que cerrar con un desahucio y tuvimos ese proceso de lucha contra un fondo de inversión que duró más o menos unos cinco años. Yo estaba ya escribiendo una historia sobre la falta habitacional en la ciudad. De repente me di cuenta de que la realidad estaba entrando ya en la ficción directamente. Entonces fue cuando decidí introducir toda la trama de la familia e, investigando sobre fondos de inversión, me di cuenta de la complejidad y de la profundidad del asunto”, explica desde Berlín. 

La complejidad del asunto le hizo ver que no podía ser una película, sino una serie donde abordar todas las aristas y complejidades de un tema con el que le cuesta ser optimista. “A nivel político, es muy obvio que no hay un interés en regular una problemática que nos afecta a todos, pero también nosotros mismos, como clase media, nos hemos convertido todos en turistas. Al final ahora somos dos tipos de personas: o somos turistas o gente sin casa. Es así de claro. Los que tenemos una casa podemos viajar y viajamos. Entonces, ¿cuánto de culpabilidad tenemos nosotros mismos en todo ello?”, analiza, y espera que la serie abra el debate que haga “ponerse las pilas a los políticos”.

La serie muestra cómo esa lucha que se da en el barrio del Raval, entre mantener su esencia o rendirse a las nuevas modas, también se produce dentro del restaurante, donde uno de los hijos quiere apostar por un menú más caro y pijo mientras que el otro apuesta por mantener la esencia popular del local. En palabras de Rodríguez, “la serie va sobre cuánto necesitamos el progreso y a qué precio”. “Pasa en las ciudades y pasa en la cocina. Me interesa muchísimo esta contradicción de cómo el pasado a veces te ata y qué lastre tienes que dejar para poder avanzar, pero al mismo tiempo, muchas veces arrasas con cosas que no deberías arrasar por ese progreso”, opina.

Con Ravalear quiso que también hubiera una coherencia, que “el Raval entrara a cucharadas en la serie”. Eso se nota en la puesta en escena, con esas tomas lejanas y esos zooms que captan la esencia del barrio, pero también en cómo han trabajado introduciendo a las ONG y asociaciones que trabajan en sus calles. “En este caso, en el que hablábamos de una problemática social, yo quería conocerla de primera mano. No quería hablar desde mi pequeño despacho, mi pequeña oficina, sino trabajar con ellos. Nos abrieron sus puertas. Nos enseñaron sus dinámicas”, recuerda. Entre todos han construido una de las series que, sin duda, va a marcar el 2026 en el audiovisual español.

Hay casualidades que no lo son tanto. Y filtraciones que suenan más a despiste sincero que a estrategia de marketing. En pleno Día Mundial del Mago, el universo Harry Potter vuelve a sacudir a los fans con una noticia que llevaba meses flotando en el ambiente y que ahora, por fin, tiene nombre propio.

Ha sido Ralph Fiennes, el rostro definitivo de Lord Voldemort en la saga cinematográfica, quien ha confirmado —casi sin querer— quién recogerá su legado en la futura serie de HBO. Y el elegido no es precisamente menor: Cillian Murphy.

Una confirmación inesperada… y muy reveladora

Durante una entrevista reciente, Fiennes dejó caer la bomba con naturalidad británica. Sin comunicado oficial, sin fanfarrias y sin ese tono de secreto industrial que suele acompañar a estas producciones. Simplemente dijo lo que pensaba. Y lo que pensaba era claro: Murphy es “muy bueno” y una “excelente elección” para convertirse en el nuevo Tom Marvolo Riddle.

Después llegó el clásico intento de rectificación, el “no sé si ya está confirmado” y ese momento incómodo que solo hace más creíble la filtración. Porque cuando alguien se da cuenta tarde de que no debía haber dicho algo, suele ser porque ese algo es cierto.

Por qué Cillian Murphy encaja —y mucho—

El nombre de Murphy llevaba tiempo circulando entre los seguidores más atentos de la saga. No es una elección obvia, pero sí profundamente coherente. Su capacidad para construir personajes inquietantes, silenciosos y emocionalmente densos lo convierte en un candidato ideal para un Voldemort más psicológico que grandilocuente.

Lejos del villano histriónico, Murphy puede aportar matices: fragilidad, obsesión, frialdad contenida. Un mal que no grita, sino que incomoda. Un Voldemort que no necesita levantar la voz para imponerse.

Y eso, en una serie que pretende tomarse su tiempo y profundizar libro a libro, es una baza narrativa enorme.

La serie de Harry Potter: un proyecto a largo plazo

La nueva adaptación de Harry Potter para HBO no es un simple reboot. La intención de Warner Bros. es clara: un libro por temporada, desarrollo pausado, fidelidad al material original de J. K. Rowling y una ambición que apunta a más de una década de emisión.

La primera temporada ya está rodada y no llegará hasta 2027, pero el engranaje está en marcha. Incluso se ha confirmado a Hans Zimmer como responsable de la banda sonora, una decisión que deja claro el tono épico y oscuro que busca esta nueva etapa en Hogwarts.

Un Voldemort para una nueva generación

Si algo demuestra esta elección es que la serie no quiere vivir de la nostalgia fácil. Quiere reinterpretar, no copiar. Y para eso necesita un Voldemort que dialogue con el presente, con espectadores más adultos, más acostumbrados a villanos complejos y moralmente ambiguos.

Que la confirmación llegue precisamente el Día Mundial del Mago tiene algo de poético. Como si el universo Harry Potter se permitiera guiñar un ojo a quienes crecieron con la saga y ahora vuelven, más mayores, a enfrentarse al mismo miedo de siempre, pero con otros matices.

Porque el mal cambia de forma, pero nunca desaparece. Y todo apunta a que, esta vez, tendrá el rostro afilado y la mirada inquietante de Cillian Murphy.

A lo largo de las ocho largas temporadas de Juego de Tronos, los espectadores han asistido a una lucha descarnada por el poder entre varias familias nobles en los Siete Reinos. Todo por conseguir el Trono de Hierro o por ganarse el favor de la persona que lo ocupaba, aunque olvidando la amenaza real que se cernía desde el norte con los Caminantes Blancos. 

En cada uno de los capítulos de la célebre serie de HBO Max, quedó claro que el poder movía montañas (y ejércitos), que la lealtad en los Siete Reinos brillaba por su ausencia, que la política también ganaba guerras y que el honor de la familia tampoco lo era todo, siempre con la excepción de los Stark, a los que tampoco les fue muy bien. 

En esa lucha descarnada, la casa Targaryen partía con ventaja por su conexión con los dragones, unas criaturas a los que conseguían dominar y montar, según la historia escrita por George R. R. Martin. Ese vínculo les llevó a dominar Poniente durante siglos. 

Las cuitas internas entre los Targaryen motivaron la creación de una primera precuela de Juego de Tronos: La casa del dragón, que cuenta el conflicto civil conocido como la Danza de los Dragones, una guerra de sucesión por el Trono de Hierro. La cuarta temporada está en marcha y se espera en tan solo unos meses. 

Pero el universo de Juego de Tronos no se queda ahí: hemos pasado de la grandiosidad de las grandes casas medievales a una nueva precuela, que cuenta las aventuras de un personaje desconocido, sin grandes apellidos. La nueva historia de HBO Max se titula El caballero de los Siete Reinos y ya está disponible en la plataforma de streaming. 

Una “entrañable historia”

Ni épicas batallas ni Trono de Hierro en juego. HBO Max cambia su apuesta para la nueva precuela de Juego de Tronos. El caballero de los Siete Reinos cuenta la “entrañable historia” centrada en las aventuras de una “pareja inesperada”: un joven ingenuo, pero valiente caballero, conocido como Ser Duncan el Alto, y su diminuto escudero, Egg.

La serie está ambientada en una época en la que la dinastía Targaryen aún ocupa el Trono de Hierro y el recuerdo del último dragón aún no se ha borrado de la memoria colectiva, según explica la plataforma. Pero las grandes casas medievales son lo de menos en este caso. Aquí se centran en los pintorescos destinos, los poderosos enemigos y las peligrosas hazañas esperan a estos amigos.

Y HBO Max está encantado con que Juego de Tronos siga siendo rentable. “El público quedará encantado con la inspiradora historia de Dunk y Egg, dos personajes sin suerte en la vida, que George e Ira Parker han plasmado de forma tan magnífica”, vaticina la vicepresidenta ejecutiva de programación de HBO y directora de series dramáticas y películas, Francesca Orsi. 

El éxito de una historia puede medirse no solo por su popularidad, sino también por la intensidad con que se discute su final. Ese fenómeno ha acompañado a Juego de Tronos, una creación que comenzó como saga literaria y terminó convirtiéndose en uno de los productos más influyentes de la televisión moderna. Su expansión superó el terreno de los libros, transformándose en un referente cultural seguido por millones de personas en todo el mundo.

La serie de HBO no solo adaptó el universo de George R.R. Martin, sino que también lo amplió hasta alcanzar territorios no escritos, lo que generó entusiasmo y después división entre los seguidores. Ese paso más allá del material original marcó el inicio de una etapa de tensión entre las expectativas de los lectores y las decisiones narrativas de los guionistas. Con ello surgió un debate sobre el modo en que una historia puede crecer hasta sobrepasar los límites de su fuente y provocar reacciones opuestas.

El actor reaccionó con enfado ante la campaña para rehacer la última entrega

Kit Harington dijo al New York Times que se sintió profundamente ofendido por la petición viral que exigía rehacer la octava temporada de Juego de Tronos con “guionistas competentes”. La campaña, lanzada en 2019 con un objetivo inicial de 15.000 firmas, alcanzó más de 1,8 millones. “Eso me enfadó de verdad”, explicó el actor, que dio vida a Jon Snow, al defender el trabajo de David Benioff y D.B. Weiss, creadores de la serie.

El intérprete añadió que el nivel de agresividad alcanzado en redes sociales solo podía generarse “por la idiotez que surge en internet”. En la misma entrevista recordó que durante la emisión final estaba en rehabilitación y que, al salir, se sorprendió por la negatividad generalizada a pesar del esfuerzo del equipo. Mencionó como ejemplo una de las batallas más complejas, que necesitó 55 días consecutivos de rodaje.

George R.R. Martin, autor de Canción de hielo y fuego, explicó en la misma publicación, pero varias años antes, que había estado “muy alejado” de las últimas temporadas, en especial de la octava. Afirmó que entregó a los showrunners algunos puntos indispensables del final, como la elección de Bran como rey, pero señaló que sus novelas no seguirán el mismo rumbo.

Según dijo, los libros tendrán desenlaces menos optimistas y más letales, en los que personajes como Tyrion Lannister podrían tener un destino trágico. Más recientemente ha admitido sentir frustración por no haber terminado aún la saga y descartó que otro autor complete su historia.

El desenlace acelerado alimentó críticas por las decisiones narrativas y fallos visibles

El enfado de Harington coincidió con un periodo de fuerte debate entre los seguidores. Consideró injustas las críticas hacia el equipo técnico y artístico, insistiendo en el compromiso mostrado durante los últimos años de grabación. HBO, por su parte, reconoció haber conocido la petición para rehacer la temporada, pero nunca la tomó en serio. Casey Bloys, entonces jefe de programación de la cadena, señaló en 2019 que no se plantearon un rodaje nuevo. “Hay muy pocas desventajas en tener una serie tan popular, pero una de ellas aparece cuando intentas cerrarla”, declaró.

Buena parte de la decepción del público procedió del ritmo y la resolución acelerada de los últimos episodios. Muchos espectadores consideraron que la trama se comprimió en exceso y que el giro de Daenerys Targaryen hacia la crueldad resultó precipitado. También hubo críticas sobre el desenlace del Trono de Hierro y la pérdida de coherencia en el desarrollo de varios personajes.

La indignación alcanzó su punto máximo con los errores de rodaje detectados por los espectadores, como el vaso de café que apareció en una de las secuencias, convertido en símbolo de la desatención final.

George R.R. Martin reparte su tiempo mientras la saga sigue sin cerrarse

La serie acabó superando la cronología literaria cuando las novelas de Martin se detuvieron en Danza de dragones, publicada en 2011. Desde entonces, los guionistas continuaron la trama con libertad creativa. El escritor, por su parte, sigue trabajando en Vientos de invierno, la sexta entrega de la saga, que ha anunciado como diferente en tono y destino. Asegura que su versión incluirá más muertes y menos concesiones.

Mientras tanto, Juego de Tronos permanece como un ejemplo del alcance y las fracturas que puede generar una historia que, al crecer más allá de su origen, dejando a su autor y a sus seguidores con la misma sensación de distancia respecto a su desenlace, pero unidos por el recuerdo de un fenómeno irrepetible.

Netflix se plantea modificar los términos de su oferta por Warner Bros Discovery (WBD) para convertirla en una propuesta 100% en efectivo. La maniobra buscaría agilizar una transacción que amenaza con alargarse durante meses por la posible oposición política a la fusión y por el interés de un rival directo, Paramount Skydance (PSKY), en hacerse con el control total del grupo dirigido por David Zaslav.

Según el acuerdo original, los accionistas de WBD recibirían 23,25 dólares en efectivo y 4,5 dólares adicionales en acciones ordinarias de Netflix, lo que eleva el valor de la oferta a unos 82.700 millones de dólares (alrededor de 79.400 millones de euros). Sin embargo, fuentes citadas por Bloomberg apuntan que la compañía de Los Gatos estaría dispuesta a revisar esas condiciones para eliminar el pago en acciones y ofrecer únicamente efectivo.

La opción cobra fuerza después de que las acciones de Netflix hayan perdido cerca de un 25% de su valor desde que, el pasado octubre, trascendió su interés por Warner. Un pago íntegro en metálico reduciría la incertidumbre para los accionistas de WBD y permitiría sortear parte de los riesgos asociados a la volatilidad bursátil.

Netflix, que ya ha asegurado unos 59.000 millones de dólares (50.610 millones de euros) en financiación procedente de bancos de Wall Street para respaldar la adquisición, tendría margen para elevar su deuda sin comprometer sus calificaciones crediticias, según el analista de Bloomberg Intelligence Stephen Flynn. 

La ofensiva de Netflix se produce en un contexto de creciente tensión. El pasado lunes, Paramount Skydance presentó una demanda contra Warner Bros Discovery para obligar a la compañía a revelar los detalles de la propuesta de Netflix, después de que el consejo de administración de Warner (propietaria de HBO Max) haya considerado en varias ocasiones que la oferta de la plataforma de ‘streaming’ es superior.

La semana pasada, el consejo de WBD rechazó por unanimidad la propuesta revisada de Paramount Skydance, que incluía una garantía personal irrevocable del multimillonario Larry Ellison, cofundador de Oracle y padre de David Ellison. El presidente del consejo de WBD, Samuel Di Piazza, defendió que la oferta rival seguía aportando “un valor insuficiente”.

Di Piazza también subrayó el “monto extraordinario” de las cláusulas de financiación de deuda incluidas en el plan de Paramount, que a su juicio incrementan los riesgos de que la operación no llegue a cerrarse y debilitan la protección de los accionistas. Frente a ello, la junta de Warner ha reiterado que el acuerdo vinculante con Netflix ofrece menos costes y riesgos.

Paradójicamente, la propuesta de Paramount Skydance valora el 100% de WBD en más de 108.400 millones de dólares (92.986 millones de euros), muy por encima de la oferta de Netflix. Aún así, la plataforma solo aspira a adquirir los estudios de cine y televisión, además de HBO Max y HBO, una diferencia clave que explica por qué el consejo de WBD sigue inclinándose, por ahora, del lado de Netflix.

El actor estadounidense James Ransone, de 46 años, ha sido hallado muerto en Los Ángeles. La Oficina del Forense del Condado de Los Ángeles ha informado del fallecimiento del intérprete, que se habría quitado la vida. Fuentes policiales habrían confirmado al portal TMZ que no había indicios de una agresión.

Ransone, que estaba casado y tenía dos hijos, saltó a la fama en 2003 con su papel de Ziggy Sobotka en la exitosa serie 'The Wire', situada en Baltimore, su ciudad natal. En ella interpretó durante 12 episodios a Ziggy, el problemático hijo del líder de los estibadores, Frank Sobotka. La ficción es considerada una de las más influyentes en televisión.

Desde 2001 participó tanto en series como películas. Apareció puntualmente en 'CSI', 'Ley y orden' o 'Hawai 5.0', y en siete episodios de 'Generation Kill' y en otros tantos de 'Buscarse la vida en América'. Asimismo, apareció en diez capítulos de 'Treme', en ocho de 'Bosch' y en otros diez de 'Low winter sun'.

Además, apareció en el segundo episodio de la serie 'It', donde compartió reparto con estrellas como Jessica Chastain, James McAvoy, Bill Hader o Bill Skarsgård.

En 2021 hizo público que había sufrido abusos sexuales cuando tenía 12 años por parte de un extutor que trabajaba en escuelas públicas de Maryland. Según publicó en su cuenta de Instagram, este hecho fue el motivo de que años después lidiara con la adicción al alcohol y a la heroína. Aunque denunció formalmente los hechos, la Policía no quiso presentar cargos penales.

Durante los primeros diez meses de su segundo mandato, Donald Trump no ha ocultado su deseo de controlar la industria mediática estadounidense, desde animar a las cadenas de televisión a despedir a periodistas, cómicos y críticos que no le gustan hasta presionar a los reguladores para que revoquen licencias de emisión. Ahora parece decidido a fijar las condiciones de uno de los mayores acuerdos mediáticos de la historia.

Se trata de un acuerdo que podría tener repercusiones no solo en Estados Unidos, sino en todo el mundo, ya que no solo está en juego el futuro de Hollywood, sino también el panorama informativo.

Probablemente, otro presidente estadounidense habría declinado educadamente hacer comentarios cuando un periodista le preguntara sobre una fusión mediática masiva que requeriría una supervisión basada en hechos y la aprobación regulatoria de una rama de su administración supuestamente independiente.

Pero cuando el domingo se le preguntó a Trump sobre el acuerdo de 82.700 millones de dólares de Netflix para adquirir el estudio y los negocios de streaming de Warner Bros Discovery —la empresa cuyos activos abarcan desde Batman y Casablanca hasta Los Soprano, Succession y CNN—, no dudó en decir que “participaría” en el proceso de revisión del acuerdo.

Días más tarde, un conglomerado mediático muy vinculado a su administración, Paramount Skydance, la empresa propietaria de los estudios cinematográficos Paramount Pictures, la cadena de televisión estadounidense CBS y Channel 5 en el Reino Unido, contraatacó con una oferta hostil de 108 000 millones de dólares por la empresa.

Trump ofreció entonces un comentario contradictorio sobre su papel: “No estoy involucrado en eso”, dijo a los periodistas el miércoles, antes de añadir: “Probablemente estaré involucrado, tal vez en la decisión. Depende. Hay algunas buenas empresas pujando”. 

Contradiciéndose a sí mismo, Trump estableció entonces una condición para apoyar el acuerdo: la empresa que compre el estudio de WBD, HBO y sus activos de streaming también debe adquirir sus canales de televisión y realizar grandes cambios en la cadena de noticias por cable que él desprecia desde hace tiempo, la CNN.

“Creo que la CNN debería venderse, porque creo que las personas que la dirigen en este momento son o corruptas o incompetentes”, afirmó.

Solo Paramount, dirigida y respaldada por partidarios de Trump, había presentado una oferta por toda la empresa.

Esto no es normal, como se apresuraron a señalar los comentaristas y antiguos funcionarios antimonopolio. “No está diseñado para ser un sistema en el que el presidente se despierta una mañana y lo decide. En realidad, se supone que debe ser todo lo contrario”, afirma Tim Wu, profesor de Derecho de la Universidad de Columbia, que trabajó en la Casa Blanca de Joe Biden entre 2021 y 2023 como asistente especial del presidente para la política de competencia y tecnología. 

Durante la administración Biden, “seguimos las antiguas normas, y estas sugerían que la Casa Blanca debía mantenerse muy alejada de las fusiones”, añade Wu, aunque “las partes siempre querían que nos involucráramos”.

“Todo está pensado para mantener alejada a la Casa Blanca”, dice. “¿Esta Casa Blanca? Es un lugar totalmente diferente”.

Phillip Berenbroick, que fue asesor jurídico jefe del subcomité judicial del Senado de EEUU en materia de antimonopolio, afirmó que, aunque “no es sorprendente que [Trump] esté interesado y lo diga públicamente, eso difiere de cómo la mayoría de los presidentes y la mayoría de las administraciones han tratado el proceso de revisión antimonopolio. Creo que le encanta desempeñar el papel de negociador”.

El papel protagonista de Paramount aumenta la probabilidad de que Trump se involucre, teniendo en cuenta que la empresa cuenta con el respaldo de su viejo amigo y cofundador de Oracle, Larry Ellison, y está dirigida por su hijo David, amigo de Trump, quien ha alabado la “buena” relación de la empresa con la administración.

“Donald Trump parece estar diciendo que cualquier postor de Warner Bros tiene que llegar a un acuerdo con él, y eso podría implicar una donación a su salón de baile incrustado de oro, o podría implicar deshacerse de un medio de comunicación que no le gusta o hacer películas que solo le halaguen”

Otro factor que podría favorecer a Paramount, en lo que respecta a Trump, es el papel de su yerno Jared Kushner, cuya empresa de inversión Affinity Partners es un financiador externo de la oferta, aunque Trump dijo a principios de esta semana que no ha hablado con él al respecto. 

La senadora Elizabeth Warren, de Massachusetts, junto con varios de sus compañeros demócratas del Senado, ha denunciado la situación.

“Donald Trump parece estar diciendo que cualquier postor de Warner Bros tiene que llegar a un acuerdo con él, y eso podría implicar una donación a su salón de baile incrustado de oro, o podría implicar deshacerse de un medio de comunicación que no le gusta o hacer películas que solo le halaguen”, declaró al diario The Guardian.

“Pero Donald Trump no debería ser quien tome la decisión final en este caso. Es necesario que se lleve a cabo una revisión justa e independiente de este acuerdo y que se apliquen de forma directa las estrictas leyes antimonopolio que ya tenemos en vigor”.

Pero, a pesar de la aparente preferencia de Trump, este acuerdo está lejos de cerrarse. Sea cual sea la empresa que finalmente se haga con WBD —y WBD ha dicho que evaluará la propuesta de Paramount y dará una recomendación a sus accionistas en un plazo de 10 días—, el acuerdo deberá ser aprobado por la división antimonopolio del Departamento de Justicia, dirigida por Gail Slater, una abogada con una sólida reputación en Washington. 

Wu destacó que, si bien el Departamento de Justicia tiene el papel más importante, la decisión de aprobar la fusión podría ser fácilmente impugnada por un fiscal general estatal o por varios fiscales generales, siendo California —el epicentro de la industria del entretenimiento— el más propenso a tomar medidas adversas y, potencialmente, a retrasar el acuerdo.

“Por lo general, la gente dice: ”Bueno, todo depende de lo que piense Trump“. Pero creo que en realidad no es tan sencillo”, dijo Wu, y añadió: “A Trump le gusta la idea de que todo depende de lo que él piense”.

Cuando se le preguntó el lunes sobre la oferta de Paramount, Trump se mostró neutral y sugirió que ni Netflix ni Paramount “son especialmente buenos amigos míos”, aunque un funcionario de la Casa Blanca dijo que tiene buenas relaciones con ambas empresas y que no tiene una postura definida al respecto.

Trump ha reconocido que se reunió recientemente con Ted Sarandos, codirector ejecutivo de Netflix, a quien calificó de “fantástico”, aunque dijo que Sarandos no le dio ninguna garantía sobre la fusión.

Trump ha dicho que la aprobación del acuerdo dependerá de la cuota de mercado que Netflix obtendría con la adquisición de WBD, lo que, según él, “podría ser un problema”, teniendo en cuenta su actual dominio del negocio del streaming. “Quiero hacer lo correcto”, afirmó. “Es muy importante hacer lo correcto”. 

Dado que una fusión de WBD con Paramount o Netflix probablemente reduciría en gran medida la competencia en Hollywood, ambas operaciones son “muy dudosas en términos de legalidad”, afirmó Victor Pickard, profesor de política de medios y economía política de la Universidad de Pensilvania. “Me parece que debería ser un caso paradigmático de anticompetitividad que incumple nuestras leyes antimonopolio, pero eso no significa en absoluto que no vaya a salir adelante”.

Berenbroick, ahora estratega sénior del American Economic Liberties Project, predijo que la fusión “levantará sospechas” entre los reguladores estatales, federales y mundiales debido a la “importante consolidación” que supondría. Expresó su confianza en los funcionarios de carrera de la división antimonopolio del Departamento de Justicia. “Esas personas son muy profesionales y buenas en su trabajo”, afirmó. El departamento puede presentar una demanda para bloquear el acuerdo, como hizo —sin éxito— en 2017 para detener la fusión de AT&T y la entonces empresa matriz de CNN, Time Warner.

Trump podría perjudicar la postura del Gobierno en una posible demanda si declarara su preferencia por uno u otro postor, ya que crearía la percepción de que el proceso está sesgado, según los expertos del sector. 

A pesar de las preocupaciones sobre la consolidación, tanto Netflix como Paramount han argumentado públicamente que a su empresa le resultaría más fácil obtener la aprobación regulatoria para el acuerdo. Y ambas empresas han contratado a funcionarios vinculados al mundo de Trump, lo que podría facilitar el camino hacia la aprobación. En octubre, Paramount contrató como director jurídico a Makan Delrahim, que fue jefe de la división antimonopolio del Departamento de Justicia durante la primera administración Trump. Para no quedarse atrás, Netflix contrató la semana pasada a Virginia Boney Moore, antigua asistente especial en la primera oficina de asuntos legislativos de Trump.

Pero Trump tiene claramente una relación más estrecha con los Ellison, y los funcionarios de su Casa Blanca ya habían expresado su preferencia por que Paramount se alzara como ganador de la puja por WBD, que se puso oficialmente a la venta en octubre. En un documento presentado ante el principal regulador financiero de Estados Unidos, la Comisión de Bolsa y Valores, Paramount afirmó que la adquisición de WBD por parte de Netflix conllevaría “un riesgo regulatorio extraordinario” y, como resultado, “un plazo más largo para un posible cierre”.

“El objetivo final de todo esto es que Trump quiere acabar con cualquier posibilidad de que existan opiniones discrepantes o un periodismo independiente”

Durante una entrevista en la CNBC el lunes, David Ellison reconoció haber mantenido recientemente conversaciones con Trump en las que se habló de la CNN. (The Guardian informó por primera vez en noviembre que el padre de Ellison, Larry, había hablado con un alto cargo de la Casa Blanca sobre la posibilidad de apartar de su cargo a dos presentadoras que la administración considera críticas con Trump, Erin Burnett y Brianna Keilar). 

Cuando se le preguntó si cree que Trump “aceptaría” que Paramount Skydance fuera propietaria de CNN, Ellison respondió: “Hemos tenido conversaciones muy interesantes con el presidente sobre este tema... pero no quiero hablar por él de ninguna manera”.

Pickard dijo que las conversaciones entre Trump y los Ellison sobre posibles despidos en CNN son “profundamente preocupantes” y “simplemente absurdas para cualquier sociedad democrática digna de ese nombre”.

“El objetivo final de todo esto es que Trump quiere acabar con cualquier posibilidad de que existan opiniones discrepantes o un periodismo independiente”, añadió.

Trump ha elogiado en gran medida a los Ellison por su gestión de CBS News, que probablemente se fusionaría con CNN. El mes pasado, Trump concedió su primera entrevista en cinco años al programa ‘60 Minutes’ y calificó a Bari Weiss, la comentarista “anti-woke” que ahora es la nueva editora jefa de la cadena, como “una gran persona”. El domingo, David Ellison se sentó en el palco de Trump en la ceremonia de entrega de los premios Kennedy Center Honors en Washington, que el propio presidente presidió. 

Sin embargo, minutos después de que Paramount revelara su oferta el lunes, Trump recurrió a las redes sociales para criticar a la empresa por la entrevista realizada por el programa de noticias dominical de CBS ‘60 Minutes’ a la congresista Marjorie Taylor Greene, que se retira del cargo. “Sin embargo, mi verdadero problema con el programa no era la traidora de bajo coeficiente intelectual, sino que los nuevos propietarios de ‘60 Minutes’, Paramount, permitieran que se emitiera un programa como este. NO SON MEJORES QUE LOS ANTIGUOS PROPIETARIOS”.

Estas son solo las primeras salvas de una batalla corporativa que podría tardar meses en resolverse y que, en última instancia, remodelará los medios de comunicación globales. Un veterano del ámbito antimonopolio dijo que parece probable que Trump pueda presionar a la fiscal general Pam Bondi para que apruebe el acuerdo que él elija.

“Si el presidente quiere que se apruebe este acuerdo y le dice a Pam Bondi: ”Quiero que se apruebe este acuerdo“... encontrarán la manera de aprobarlo”, dijo el veterano. “Pero eso no significa que los estados no puedan intervenir y luchar contra el acuerdo”. 

El Callejón Diagon, ese rincón secreto del Londres mágico donde los jóvenes magos compran sus varitas, calderos y lechuzas, está a punto de renacer. La calle donde los niños muggles soñábamos con ir de compras, entrar en Ollivander's, sacar nuestro dinero en Gringotts -no hay lugar más seguro, ni uno... excepto Hogwarts- o comer un helado mágico en Florean Fortescue. HBO ya trabaja en la construcción del nuevo set para la esperada serie de Harry Potter, y los primeros detalles apuntan a una recreación mucho más ambiciosa, realista y cercana al universo literario que imaginó J.K. Rowling.

Un callejón más grande, más largo y más mágico

A diferencia del Callejón Diagon de las películas, que se construyó en un set interior con espacio limitado -que se puede visitar en los estudios Warner de Londres-, la nueva versión de HBO se está levantando en exteriores, lo que permitirá una escala mucho mayor. Según fuentes cercanas al proyecto, el objetivo es que los espectadores —y, probablemente, los visitantes en el futuro— sientan que están paseando por una calle viva, con profundidad, altura y movimiento.

Algo completamente innovador es que el Callejón Diagón de HBO contará con varios niveles, incluyendo tiendas que se extenderán hasta terceras plantas y pasarelas que conectarán distintos puntos del recorrido. No se descarta la inclusión de escaleras “mágicas” en movimiento, al estilo de las de Hogwarts, para dar una sensación de dinamismo constante. Así, el espectador no solo verá el Callejón Diagon: lo vivirá.

Fiel a los libros, no solo a las películas

Uno de los principales objetivos de esta nueva producción es ser más fiel a los libros que a las adaptaciones cinematográficas. En las novelas, Rowling describe el Callejón Diagon como una arteria caótica y vibrante, donde cada fachada parece tener vida propia y los escaparates están repletos de objetos extraños, desde ojos de tritón hasta calderos de cobre autolimpiables.

La serie buscará recuperar esa atmósfera literaria, con un diseño más denso, más oscuro y con una arquitectura que evoque siglos de historia mágica. La iluminación, los rótulos en hierro forjado, los escaparates polvorientos y los techos inclinados serán parte de ese esfuerzo por capturar el espíritu de la obra original.

Entre los comercios confirmados o en fase de diseño se encuentran clásicos como Ollivanders, Flourish & Blotts, El Caldero Chorreante o Sortilegios Weasley, todos con un nivel de detalle que permitirá grabar escenas en su interior, algo que las películas solo hacían parcialmente.

Un proyecto pensado para durar

La serie de Harry Potter que prepara HBO promete ser una de las producciones televisivas más grandes de su historia, con una temporada dedicada a cada libro. Por eso, el nuevo Callejón Diagón no será un decorado efímero, sino una infraestructura permanente dentro de los estudios británicos donde se rueda la serie.

El set estará preparado para adaptarse a distintas épocas y situaciones de la saga: desde el bullicio de los primeros años de Harry hasta el ambiente tenso y sombrío de los tiempos de Lord Voldemort. Los productores quieren que evolucione visualmente con la historia, como si el propio callejón envejeciera con los personajes.

El Callejón Diagón fue, en muchos sentidos, el primer contacto de los lectores y espectadores con el mundo mágico: el lugar donde todo comenzaba. Ahora, con esta nueva versión, HBO quiere devolverle ese protagonismo con una escala nunca vista, una fidelidad absoluta a los libros y una ambientación capaz de hacer sentir al público lo mismo que Harry sintió al cruzar por primera vez las puertas del Caldero Chorreante.

La serie aún no tiene fecha oficial de estreno, pero una cosa está clara: el nuevo Callejón Diagon promete convertirse en el escenario más icónico del universo mágico de televisión.

Si creías que Londres ya estaba acostumbrada a los turistas, los fans de Harry Potter y los rodajes masivos, prepárate: la nueva serie de Harry Potter está convirtiendo varias calles de la capital británica en un set de filmación gigante. Aunque faltan al menos dos años para que la primera temporada se estrene en HBO, la producción no escatima esfuerzos para recrear con precisión cada detalle del universo mágico de J. K. Rowling.

Desde los primeros días de rodaje, los londinenses han visto cómo calles se cerraban, se colocaban decorados y equipos enteros de filmación trabajaban para capturar escenas que incluyen algunos de los lugares más icónicos de la saga. La razón es simple: recrear el callejón Diagon Alley en la vida real requiere espacio, seguridad y tiempo, y eso implica cortar el tránsito en varias vías.

Grabaciones en pleno corazón de Londres

El lunes 19 de agosto, Dominic McLaughlin, el niño elegido para interpretar al nuevo Harry Potter, apareció en las calles de Londres junto a Nick Frost, quien dará vida a Hagrid. La escena recrea el primer recorrido de compras de Harry antes de emprender su viaje a Hogwarts, un momento fundamental de la historia.

Frost, con su característico abrigo largo y barba, lleva dos marcas negras en las mejillas para la postproducción digital, mientras que McLaughlin luce los emblemáticos anteojos redondos que identifican al joven mago. La filmación en exteriores requiere controlar no solo la logística de los actores y cámaras, sino también de los transeúntes y el tráfico, por eso se han cortado varias calles alrededor de la zona de rodaje.

El nuevo elenco y los hermanos Weasley

Además de Harry y Hagrid, la producción reveló recientemente al elenco de los Weasley. Alastair Stout interpreta a Ron, los gemelos Fred y George serán Tristan y Gabriel Harland, Ruari Spooner encarna a Percy y Gracie Cochrane a Ginny. Estas primeras imágenes muestran que la serie mantendrá la esencia de los personajes mientras aporta un aire fresco a la historia.

La producción principal se lleva a cabo en los estudios de Warner Bros. en Leavesden, donde se filmaron todas las películas originales. Sin embargo, para escenas como el callejón Diagon Alley, la filmación en las calles de Londres es indispensable. La combinación de decorados temporales, efectos visuales y control del espacio público es lo que obliga a cortar varias calles durante las grabaciones.

Una espera mágica para los fans

HBO también ha completado la selección de los personajes adultos: John Lithgow será Dumbledore, Janet McTeer encarnará a McGonagall y Paapa Essiedu dará vida al profesor Snape. Con un rodaje en marcha que alterna estudios y exteriores, los londinenses se han convertido en testigos de cómo la magia de Harry Potter vuelve a tomar la ciudad, aunque sea temporalmente con calles cortadas y decorados por todas partes.

Si estás en Londres, ten paciencia: cada cierre de calle es parte de la experiencia que transformará la ciudad en Hogwarts y alrededores, y te asegura que, cuando la serie se estrene, cada escena de la capital estará perfectamente recreada.

El Caldero Chorreante, ese pub diminuto y mugriento donde Harry Potter dio sus primeros pasos en el mundo mágico, cambia de cara en la nueva serie de HBO Max. Olvídate de la puerta secreta y del aspecto cinematográfico que vimos en Londres: esta vez, el emblemático lugar se ha trasladado al bar inglés The Blue Maid, un establecimiento abierto al público y sin artificios mágicos visibles.

Un Caldero Chorreante más cercano al libro

En las películas, la entrada al Caldero Chorreante era una especie de portal escondido en un callejón, pero la nueva serie apuesta por la fidelidad a la obra original. Según los libros, “era un bar diminuto y de aspecto mugriento, si Hagrid no lo hubiera señalado, Harry no lo habría visto”. El nuevo emplazamiento respeta esta descripción: un bar corriente, sin decoración temática de puerta secreta ni artificios cinematográficos, tal como lo imaginó J.K. Rowling.

Mientras tanto, la antigua ubicación del pub sigue existiendo, aunque ya no luce igual. La fachada de la película ahora alberga la cafetería 2i’s, con temática de Harry Potter, abierta a los fans que quieran tomarse un café entre referencias al mundo mágico. Sin embargo, esta nueva serie prescinde de ella para acercarse más al tono literario.

La apuesta por la autenticidad

Con este cambio, los productores buscan que los espectadores experimenten el mundo de Hogwarts como si estuvieran leyendo el libro: un espacio humilde, casi desapercibido, donde lo mágico surge de los personajes y no del decorado. El Caldero Chorreante deja de ser un espectáculo visual y se convierte en un lugar casi real, donde la magia está en la historia y no en la puerta.

El Día Mundial del Pelirrojo se celebra este 21 de agosto, y no hay mejor excusa que aprovecharlo para hablar de una familia que ha hecho de este color de cabello su sello inconfundible: los Weasley. Con la llegada de la nueva serie de Harry Potter, que se emitirá en 2027, el clan pelirrojo vuelve a la pantalla con un reparto que promete ser mucho más fiel a los libros de J.K. Rowling que las películas de Warner Bros.

Desde Ron hasta Ginny, pasando por Percy y los inseparables Fred y George, los Weasley se mantienen reconocibles no solo por su carácter, sino también por ese rojo brillante que ha acompañado a los fans durante décadas. La serie, concebida para explorar un curso de Hogwarts por temporada, permitirá verlos con más detalle y profundidad que nunca.

Ron y el resto de la familia: casting que respeta la esencia

El papel de Ron Weasley será interpretado por Alastair Stout, el equivalente televisivo de Rupert Grint. A su lado, Fred y George estarán encarnados por Tristan y Gabriel Harland, mientras que Percy será Ruari Spooner y Ginny estará a cargo de Gracie Cochrane. Todos ellos fueron seleccionados tras un casting masivo con más de 30.000 aspirantes, lo que asegura que la esencia de cada personaje esté intacta: pelirrojos, traviesos, familiares y leales, tal como los conocemos en los libros.

La madre, Molly Weasley, será interpretada por Katherine Parkinson, completando un núcleo familiar que ya no deja lugar a dudas: la fidelidad al material original es prioridad. La ausencia de Bill y Charlie en esta primera temporada se justificará siguiendo el canon de las novelas, dejando sus historias para más adelante.

Pelirrojos que conquistan generaciones

Más allá del maquillaje y los efectos, la serie apuesta por capturar la química y la interacción que define a los Weasley. Cada escena con la familia pelirroja promete transmitir el calor, la complicidad y la diversión que han hecho de la Madriguera uno de los hogares más entrañables de la literatura y el cine. La fidelidad al color de cabello, un detalle que podría parecer menor, refuerza esta identidad y conecta directamente con los lectores y fans de siempre.

Con la serie de HBO, los seguidores tendrán la oportunidad de redescubrir Hogwarts a través de los ojos de una familia que es sinónimo de valentía, humor y cariño. Y en este Día Mundial del Pelirrojo, no podemos dejar de celebrar que la magia de los Weasley sigue tan viva como el primer día.

La exitosa serie Vikingos, que sigue las épicas aventuras de Ragnar Lodbrok y su familia, ha transportado a los espectadores a un mundo de batallas, mitología y grandes paisajes nórdicos. Sin embargo, no es necesario viajar a Escandinavia para descubrir los escenarios de esta producción. La mayoría de las localizaciones de rodaje se encuentran en Irlanda, con algunas incursiones en Islandia y Marruecos.

1. Condado de Wicklow, Irlanda: El corazón de los vikingos

El condado de Wicklow, en el sur de Dublín, es el epicentro de la serie. Este pequeño rincón irlandés fue transformado digitalmente para representar lugares como Inglaterra, Francia y Noruega. Ashford Studios, ubicado en Wicklow, fue el escenario principal donde se recrearon los sets de las aldeas vikingas, incluida la emblemática Kattegat.

2. Glendalough, el paisaje mágico de los vikingos

El pintoresco valle de Glendalough, en Wicklow, es otro de los lugares clave donde se rodaron varias escenas de la serie. Con su belleza natural, este valle ha servido de inspiración para muchas otras producciones, como la famosa película Excalibur (1981). Los bosques de Wicklow, con sus árboles centenarios, recrean el ambiente salvaje y primitivo que caracteriza los tiempos de los vikingos.

3. Lough Tay: La costa vikinga

Uno de los lugares más emblemáticos para la serie es Lough Tay, un lago en el corazón de las montañas de Wicklow. La costa norte de este lago, perteneciente a la familia Guinness, fue el escenario del famoso set del pueblo de Kattegat, el asentamiento de los vikingos. Su belleza natural ha convertido a este lugar en uno de los puntos más fotografiados de la serie.

4. Isla de Skellig Michael, Irlanda: Un punto de partida hacia lo desconocido

Aunque no es la principal localización de la serie, Skellig Michael, una isla remota frente a la costa de Irlanda, se utilizó en escenas que evocan los viajes marítimos de los vikingos. Su ubicación en el océano Atlántico le otorga un aire místico, y ha sido empleada en diversas películas y series.

5. Estudios Ashford, Ballyhenry, Irlanda: El centro de producción

El set de Kattegat y otros importantes escenarios fueron recreados en los Estudios Ashford en Ballyhenry. Aunque muchos de los exteriores fueron filmados en locaciones naturales, los estudios irlandeses sirvieron como base para construir y grabar varios de los interiores más icónicos de la serie.

6. Islandia: Paisajes nórdicos y volcanes

A partir de la cuarta temporada, Islandia se incorporó como localización clave para dar vida a los fríos paisajes nórdicos. Sus volcanes, glaciares y formaciones rocosas hicieron posible la recreación de la épica naturaleza escandinava, proporcionando el telón de fondo perfecto para las batallas vikingas.

7. Marruecos: El lugar de la invasión de los vikingos en el sur

La serie también incluyó Marruecos en algunas de sus secuencias más llamativas. Las playas y desiertos marroquíes sirvieron para representar las costas del norte de África en las que los vikingos libraban sus batallas. Los paisajes áridos de Marruecos, con su misticismo y belleza, añadieron un contraste único a la serie.

8. El mar de Irlanda: La travesía vikinga

Las escenas que retratan las navegaciones vikingas fueron rodadas en el mar de Irlanda. Aunque no es una localización específica, el entorno marítimo irlandés ofreció un escenario realista para las incursiones de los vikingos por mar.

9. La costa de Normandía, Francia: La invasión vikinga

Aunque no se filmaron muchas escenas allí, algunos episodios de la serie usaron la costa de Normandía en Francia para retratar la llegada de los vikingos a nuevas tierras. Este lugar es crucial para la historia, pues los vikingos invadieron la región, influyendo en la cultura y la historia del norte de Francia.

10. El castillo de Blarney, Irlanda: Escenario de las confrontaciones

El castillo de Blarney, en el condado de Cork, Irlanda, sirvió como uno de los fondos de batallas y enfrentamientos épicos en la serie. Su arquitectura medieval y sus impresionantes vistas contribuyeron a la atmósfera de la serie.

Hermanos de Sangre es una miniserie que se ha consolidado como una de las producciones más relevantes sobre la Segunda Guerra Mundial en la historia de la televisión. Estrenada en 2001, la serie sigue a un grupo de soldados paracaidistas estadounidenses durante el conflicto, mostrando su entrenamiento, combates y experiencias personales. La producción, realizada por Steven Spielberg y Tom Hanks, ha sido valorada por su realismo y por el enfoque detallado en las vivencias humanas en medio de la guerra.

Con más de veinte años desde su estreno, Hermanos de Sangre continúa manteniendo vigencia, y ahora se encuentra disponible en tres plataformas de streaming en España: Netflix, HBO Max y Movistar Plus+. Esta disponibilidad facilita su acceso a un público más amplio y ha generado un renovado interés, consolidando su posición como una referencia en el género histórico y bélico, sin perder el rigor ni la precisión que la caracterizan.

La serie narra la historia de la Compañía Easy, una unidad de paracaidistas del ejército estadounidense, desde su preparación inicial en Estados Unidos hasta su participación en las batallas más importantes de Europa durante la Segunda Guerra Mundial. La narrativa se centra en las experiencias del grupo, sus lazos de camaradería, las dificultades del combate y los efectos emocionales y psicológicos que la guerra genera en cada soldado.

Estreno, producción y premios

Hermanos de Sangre fue estrenada en octubre de 2001 a través de la cadena HBO. La serie consta de diez episodios y fue producida por Steven Spielberg y Tom Hanks, con un guion basado en el libro homónimo del historiador Stephen E. Ambrose. La producción destaca por su atención al detalle histórico, calidad técnica y fidelidad en la recreación de ambientes y personajes.

La serie fue reconocida con numerosos premios en ceremonias como los Emmy y los Globos de Oro, incluyendo el galardón a Mejor Miniserie en los Emmy de 2002. También fue premiada por su dirección, guion y producción, certificando la aceptación tanto de la crítica como del público.

Reparto y valoración crítica

El reparto está formado por un amplio conjunto de actores, muchos de los cuales eran poco conocidos en el momento del rodaje y que luego consolidaron sus carreras. Entre ellos destacan Damian Lewis, Donnie Wahlberg, Matthew Settle, Rick Warden, Frank John Hughes, Scott Grimes, Neal McDonough, Rick Gómez, Eion Bailey, James Madio, Kirk Acevedo, David Schwimmer, Richard Speight Jr., Dexter Fletcher, Ross McCall, Dale Dye, Colin Hanks, Tim Matthews, Michael Cudlitz, Tom Hardy y Ron Livingston.

En términos críticos, la serie ha sido valorada por su equilibrio entre escenas de acción realistas y momentos de introspección que ofrecen un retrato humano y complejo del conflicto. La precisión histórica, junto con una narrativa que evita simplificaciones, ha situado a Hermanos de Sangre como una de las representaciones televisivas más rigurosas y completas de la Segunda Guerra Mundial.

Secuelas y producciones relacionadas

En relación con Hermanos de Sangre, existen dos miniseries consideradas como secuelas espirituales o complementarias. The Pacific (2010) explora el conflicto desde el punto de vista de los soldados que combatieron en el Pacífico en la guerra contra el Imperio de Japón, mientras que Los amos del aire (2013) se centra en la historia de los pilotos de bombarderos.

Estas producciones comparten un enfoque documental y narrativo similar, y están disponibles en plataformas de streaming, ofreciendo a los espectadores interesados en la temática bélica opciones para ampliar su conocimiento y experiencia visual de la guerra desde diferentes perspectivas.

Su nombre real era María Antonia Alejandra Vicenta Elpidia Isidora Abad Fernández. Demasiado largo. Demasiado común. Quizás por ello tuvo claro que había que crear otro. Uno por el que la gente la recordara, por el que quedaría inscrita en los libros de historia del cine. María Antonia sabía que quería ser actriz, pero no una del montón, sino una estrella destinada a cosas grandes, y por eso se puso el de Sara Montiel con el que todo el mundo la conoció.

Sara Montiel se convirtió en la primera estrella española que pisó Hollywood. Mucho antes que Antonio Banderas, que Penélope Cruz y que Elsa Pataky ella ya había estado allí y había dejado a todos con la cabeza del revés para girarse y preguntar quién era aquella española que apenas sabía inglés, pero que se lo aprendía fonéticamente para dar el pego. Y vaya si lo daba. Lo dio en Veracruz, el papel que la colocó en la meca del cine, y luego bajo las órdenes de directores como Samuel Fuller o Anthony Mann, con quien se casó.

Sara Montiel hizo todo antes que el resto. Se divorció cuando estaba prohibido. Fue una estrella mundial cuando ni siquiera se permitía soñar con ello. Habló de sexo como solo podían hacerlo los hombres. Bailó, cantó y se divirtió. Se enamoró muchas veces y se desenamoró otras tantas. Fue un icono queer cuando la palabra muchos ni la conocían, y las transformistas de España reproducían sus movimientos sabiendo que ella era un icono irrepetible. Lo mostró Pedro Almodóvar en La mala educación, donde Gael García Bernal entona como si fuera Sara la versión del Quizás, quizás, quizás que interpretó en Noches de Casablanca (Henri Decoin, 1963).

De alguna forma, como luego señalaron Nacho Canut y Carlos Berlanga en una canción que luego versionó Hidrogenesse, Sara Montiel era una superheroína, una Súper Sara. De hecho, así es como se llama la serie documental de tres episodios que ha dirigido Valeria Vegas y que ya se puede ver en HBO Max. Súper Sara repasa la vida de Sara Montiel, desde sus primeros coletazos de artista que quiere salir de Campo de Criptana, el pueblecito de Ciudad Real que siempre tenía en su boca para reivindicar sus orígenes humildes.

Pero Súper Sara quizás se inspira en una estrofa de esa canción. “Todo lo hizo por el bien del mundo, pero despierta un odio muy profundo. Es pura envidia, fue incomprendida, ¡qué vida!”, cantan los Hidrogenesse en los títulos de crédito y es ese el enfoque que escoge Vegas para ofrecer algo distinto. Si a las nuevas generaciones les preguntan por Sara Montiel seguramente se referirían a momentos como esa saeta de la que tanto se rieron o alguna de las apariciones en los programas de corazón en sus últimos momentos.

Sara lo contaba todo, y esos programas —cuyos protagonistas ahora están en la televisión pública— se rieron de ella. Le hicieron bullying en directo y en horario de máxima audiencia. Se rieron de su aspecto, de sus parejas, de cómo vestía o lo que decía. Fueron machistas y edadistas y nadie lo pudo ni lo quiso parar. La televisión vio en Sara Montiel no a una superestrella, sino una máquina para hacer espectáculo y buenas cifras de audiencia.

A la gente no le gusta ver a una señora de 70 años con escote y haciendo lo que le dé la gana, y ese era realmente el problema

Valeria Vegas — Directora

Para Valeria Vegas todo eso contribuyó a que la imagen de Sara Montiel “se distorsionara muchísimo”. “Lamentablemente en este país lo que hagas los últimos años de tu vida es lo que cuenta. Mira a Carmen Sevilla. Hizo el Telecupón, que era algo estupendo, pero para mucha gente solo hizo el Telecupón. Se olvidan de las 50 películas anteriores que había hecho. Parece que lo último borra todo lo anterior. En el caso de Sara, para mucha gente lo último eclipsó todos sus méritos anteriores”, dice la directora.

Esos ataques muestran para Valeria Vegas cómo se había “normalizado el edadismo”. En cualquier otro país sería impensable que una estrella del nivel de Sara Montiel fuera así de vilipendiada en los platós de televisión, y Vegas pone el ejemplo de Liz Taylor, que “pasó por los mismos caminos que Sara, pero era sagrada para los americanos”. “Con Sara fueron implacables y ella era la misma de siempre, solo que más mayor, y eso ya chirriaba. Cualquier exceso lo llamamos locura de juventud. Como si su belleza lo disfrazara, pero la Sara de los años 60 era igual de disruptiva. Una señora que se divorció cuando no había divorcio, que se separó a los dos meses de su segundo marido, que era un mal ejemplo para el régimen de la época… es que no había cambiado tanto, solo que a la gente no le gusta ver a una señora de 70 años con escote y haciendo lo que le dé la gana, y ese era realmente el problema”, recuerda.

El documental muestra cómo, de alguna manera, Sara Montiel se anticipó a todo y a todos. Pionera como actriz, en la moda y, muy importante, en la forma en la que habló de sexo sin tapujos. Lo hizo de una forma que “entonces solo se les permitía a los hombres”. “En su vida hablaba de haber perdido la virginidad sin estar casada y siendo menor de edad con un señor como Miguel Mihura, que le llevaba 40 años. Presumía de haber estado con fulanito o con menganito. Grabó un disco de bakalao en los 90, donde cada canción estaba dedicada a un amante. Posó desnuda reiteradas veces en Interviú. Posaba mirándote a los ojos o se sacaba las tetas y decía que se veía supersexy. Ella no pedía perdón y eso también escocía”, analiza Valeria Vegas.

El documental —que cuenta con imágenes personales inéditas y testimonios de su hijo o gente como Alaska, Loles León o Bibiana Fernández— también hace hincapié en la importancia de Sara Montiel como icono queer que conectó con la comunidad porque “era una fantasía transversal”. “Era fantasía para la mujer, para la señora que vivía en Lugo, en Murcia o en Fuenlabrada, y luego era fantasía también para la comunidad LGTB, porque era una mujer diferente a todo lo que se veía. No era Amparo Rivelles, no era Imperio Argentina, no era Carmen Sevilla. Te vendía exceso, te vendía drama, te vendía fantasía, te vendía purpurina, y una gran parte de la comunidad LGBT se sintió fascinada. Sara fue de las artistas más imitadas por los transformistas. Su existencia fue aire fresco para mucha gente”, añade la directora.

Vegas nunca conoció a Sara en persona, pero recuerda el impacto que tuvo en ella verla en la televisión de los 90, cuando “se recicla por decimonovena vez y saca el disco de Fumando espero en versión bakalao”. “La tele de entonces estaba llena de Miss Españas lánguidas. Había una ola de conservadurismo y ella me pareció una marciana bajada de algún lado, que además la trataban con mucho respeto todavía en los noventa. Me dejó muy eclipsada”, recuerda y reclama un hueco en el presente para Sara Montiel, porque cree que puede enseñarnos a “no sentir culpa”: “Sara Montiel no tuvo culpa de posar desnuda, no tuvo culpa de ser madre con 50 años. No tuvo culpa de casarse con un hombre más joven. También nos enseña a reírnos de nosotros mismos, porque Antonia también sabía reírse mucho de Sara Montiel, algo que es muy difícil y ella lo lograba muchas veces”.

Este 29 de mayo de 2025 se estrena en Max la tercera temporada de ‘And just like that…“, la secuela de la icónica serie ‘Sexo en Nueva York’ que sigue las vivencias en la ciudad de Carrie Bradshaw, editora, junto a sus amigas, y que desde el comienzo tuvo la marcada ausencia de una de ellas, Samantha Jones, interpretada por Kim Cattrall.

Che Díaz: la gran ausencia de la tercera temporada de ‘And just like that…’

Pero esta no será la única que se dará en el spin-off, que vuelve con una tercera temporada que tendrá una ausencia relevante, la del personaje de Che Díaz, al que daba vida la actriz Sara Ramírez, y que se había convertido en uno de los principales entre los nuevos incorporados en este nuevo episodio de la vida de Carrie Bradshaw y sus amigas.

La ausencia de Che Díaz se habría dado por diferencias entre la actriz Sara Ramírez y los directores de la serie, debido a que ella dejó clara que no estaba de acuerdo con la visión que su personaje daba respecto a la representación LGTBI+, que consideraba iba más en contra que a favor.

Además de ello, en redes sociales, Sara Ramírez posteó una serie de declaraciones de apoyo a Palestina en el conflicto con Israel que habrían aumentado la controversia entre los creadores y la actriz, que ya no formará parte del universo de ‘And just like that…’. Che Díaz fue uno de los personajes nuevos que más había tomado relevancia en la secuela de ‘Sexo en Nueva York’, primero como compañera de trabajo de Carrie Bradshaw para luego ser interés amoroso de Miranda Hobbes, interpretada por una Cynthia Nixon, que dio su opinión sobre la ausencia de Sara Ramírez, y que para ella su papel ya había cumplido un ciclo en la ficción.

Por qué Samantha Jones no sale en ‘And just like that…’

Sin embargo, más allá de Che Díaz, también hay otros personajes que no estarán en la tercera temporada de ‘And just like that…’, como es el caso de la compañera de piso de Miranda, Nya Wallace (Karen Pittman), lo que podría dar a nuevas narrativas en las que podrían estar involucrados los nuevos personajes de los actores Mehcad Brooks, Jonathan Cake, Logan Marshall-Green o Rosie O’Donnell.

Si bien sí que habrá personajes que tuvieron tramas relevantes en ‘Sexo en Nueva York’ como es el caso de Aidan Shaw, interpretado por John Corbett, Samantha Jones no formará parte de esta tercera temporada, y se mantiene fuera de ‘And just like that…“, a pesar de su cameo en el episodio 11 de la segunda.

La actriz Kim Cattrall dejó claro que no se le pidió formar parte de este reboot porque ya expuso su no intención de recuperar el personaje de Samantha Jones en una tercera película de ‘Sexo en Nueva York’ que no llegó a ver la luz y que incluía una subtrama con el hijo menor de edad de Miranda por lo que la interprete no quiso pasar.

“Es de sabios reconocer cuando una ha tenido bastante”, apuntó en una entrevista con Variety, donde también expuso que le hace contenta ver todo el reclamo de una vuelta de Samantha: “No hay mayor elogio para una actriz que decir que se la ha echado de menos”, concluía.