Iván Ferreiro siempre entendió la música como un oficio. No se dejó nublar por el ansia de éxito, ni popularidad, que de hecho define como una “cosa horrorosa”. Pero no importó. Por mucha “manía” que cogiera a Años 80, basta recordar el título de esta canción, en su etapa al frente de la banda de Los Piratas (1991-2004), para calibrar que aquella profesión a la que su madre tuvo miedo porque en los noventa había una sensación de que “poca gente podía vivir de eso”, ha terminado siendo su modo de vida.

Y aunque su repercusión, incluida su etapa ya en solitario, haya ido creciendo de forma paulatina, ha sido tal como para alcanzar 35 años de carrera que va a celebrar con una gira, Hoy x Ayer, que comenzará el próximo mes de mayo, y que ya está preparando. No se quiere adelantar a dar muchos detalles, pero sí que Turnedo será una 'intocable' de la futura setlist.

De una carrera de ya 35 años, ¿cómo recuerda los inicios?

Pienso en la incertidumbre que creo que teníamos todos los grupos, de ver cómo nuestros amigos empezaban a tener trabajos, a acabar sus carreras, tener dinero para una hipoteca, comprarse un coche, las cosas de las personas normales; y nosotros mientras, renqueando y tirando. Tampoco funcionábamos muy bien, nuestro dinero venía de otros trabajos. Pero si hay algo que me gusta de esa época es que estaba convencido de que quería hacer música. No pensaba en términos de triunfar o del éxito, pensaba más en que ahí había un oficio. Igual no hace falta ser muy famoso, sino hacer canciones, y se puede tener un trabajo dedicándose a esto, que era algo que a mi madre no le hacía mucha gracia, por ejemplo. Muchas veces escuché la frase de: “¿Cuándo vas a hacer algo de verdad?”, y al final hice algo de verdad.

¿Esto ha cambiado ahora?

Bueno, ahora también les dicen: “Quiero ser influencer”. Creo que la mentalidad ya es otra, pero mi madre lo que estaba es aterrorizada porque estuviera echando mi futuro por la borda. Y la entiendo. Su sensación era que muy poca gente conseguía vivir de eso. También es cierto que no había una conciencia de que se podía ser músico. Hay un montón de músicos que tienen trabajo y no son famosos. Dan clases, tocan en hoteles, yo qué sé. Es una forma de ganarse la vida tan digna como cualquier otra. No hace falta ser Rosalía, puedes ser músico y tener una vida.

¿Qué es el éxito para usted?

El éxito es igual en todos los trabajos del mundo: poder hacerlo, disfrutarlo, tener una vida y ser feliz. Hay gente que considera que es tener mucho dinero y popularidad; y yo creo que la popularidad no es una cosa muy divertida. El dinero está bien, pero tampoco es una meta en mi vida, y no necesito tener muchísimo para ser feliz. Hay que desmitificar el mundo de los artistas, porque la popularidad es una cosa horrorosa, siempre es dañina. Alguien puede salir mejor o peor parado de ella, pero en sí mismo, que todo el mundo te haga caso es una cosa bastante antinatural. Es muy extraña. Así le pasa a un montón de gente que triunfa y acaba con grandes depresiones y problemas, porque no es como la gente cree desde fuera. No mola mucho, es necesaria para poder vender entradas, pero no diría que tenerla es en sí mismo un éxito. Yo me alegro de no haber tenido nunca mucha. No me llegó de repente a los 20, sino que he tenido la suerte de que ha sido como una escalera y he ido subiendo. Me ha dado tiempo a asumir lo que pasaba, a pensar sobre ello.

La popularidad es una cosa horrorosa, siempre es dañina. Alguien puede salir mejor o peor parado de ella, pero en sí mismo, que todo el mundo te haga caso, es una cosa bastante antinatural. Es muy extraña

Iván Ferreiro — Músico

Público y medios exigimos a los artistas muchas veces tener una opinión sobre todo. ¿Cómo lleva saber que lo que diga sobre Trump o el genocidio en Gaza va a tener una repercusión?

Se nos exige, pero yo estoy tratando de pelearme un poco ante las exigencias. También siento que mi opinión vale menos cada día. Ahora mismo hay tanto ruido que no creo que haga falta que yo tenga que decir lo que pienso sobre ciertas cosas. Si alguien ha seguido mi carrera mínimamente, sabe perfectamente lo que pienso. No tengo ganas de meter más ruido y discutir. Además, el que quiere machacarte, te va a machacar, digas lo que digas.

La propia carrera, ¿habla sobre la ideología de cada uno?

Siempre ha habido ideología en mis canciones. Todo el mundo tiene derecho a opinar, yo en este momento he decidido no decir muchas porque me da igual lo que piensen los demás de mí, básicamente. También hay veces que hay problemas muy complejos, porque la vida es muy compleja, la economía, la geopolítica… No es complejo que hay un genocidio, está claro que lo hay. Pero cómo me enfrento yo a ese genocidio sí es complejo.

De ahí al revuelo que causaron las cancelaciones de artistas en festivales que tenían detrás al fondo de inversión vinculado con Israel KKR, desde la pasada primavera.

Yo tenía un festival de ese fondo, y todo el mundo decía que si tocábamos era porque somos asesinos con las manos manchadas de sangre. Mire, perdone, yo tengo un contrato que, si no cumplo, no tengo el dinero para pagar la demanda que me cae. A mí me está jodiendo también participar en ciertas cosas, pero estaba firmado desde hace mucho tiempo, y yo no sabía nada. Si me pongo a ver de quién es cada contrato donde voy a tocar, de entrada no puede sonar mi música en Spotify, porque también está en el fondo.

Desde que ha pasado todo esto estoy fijándome más en todas las cosas, pero no me eches en cara que no tenga el dinero para romper un contrato donde tiene razón la otra parte. Si lo hago y voy a juicio, el señor juez tiene claro que yo he roto un contrato y hay una demanda que yo no puedo asumir. Yo y la mayor parte de los grupos que están aceptando eso. Lo que es una broma es creer que porque no podemos romper nuestro contrato nos estés diciendo que somos hijos del mal.

Hace poco Leiva compartió un texto explicando su conflicto con Princesas, que decidió reincorporar a su setlist después de 12 años, tras darse cuenta de cómo era celebrada en el público.

Estoy mucho con ese texto de Leiva. Decía que se había dado cuenta de que él no era muy importante, que lo más importante era la canción. Hace tiempo que lo noto, que cada vez que saco un disco, las canciones dejan de ser mías y cada una pilla su vida dependiendo de los gustos de los demás.

¿Pero tienes su Princesas?

Sí. Yo odiaba Años 80. La detestaba profundamente.

¿Por qué?

Porque la hicimos un poco por encargo en ese disco. Estábamos experimentando, haciendo cosas chulísimas, y uno de la compañía no nos dejaba grabar el disco si no había como un hit claro; que nunca he entendido bien lo que significa. No entiendo que esa persona no viera en El equilibrio es imposible una canción importante, cuando para mí lo es de las más de mi carrera. Años 80 la hicimos un poco a regañadientes, funcionó muy bien y nos dio mucha rabia. Esa gira la tocamos, pero en la siguiente ya no. En mi caso le tuve manía hasta que un día, en un festival, Eva y Juan de Amaral la tocaron, yo estaba en medio del público, y me encantó.

Tuvieron que convencerlo ellos.

Bueno, los músicos somos idiotas, todo el mundo lo sabe. Tenemos cosas infantiles. Vivimos de un trabajo que tiene que ver con los gustos de los demás, con nuestro propio gusto, con cómo los demás nos ven. Crea muchas inseguridades y creo que era una inseguridad que teníamos con la canción, porque queríamos ser como guais, alternativos, y nos parecía muy pop. No nos dábamos cuenta de que podíamos estar en varios sitios a la vez, y no pasa nada.

¿Ha cambiado mucho la industria en estos años?

Ha cambiado todo, pero es que el mundo ha cambiado completamente. Cuando yo entré en la industria en los noventa, casi todos los grupos tenían una compañía de discos. Dependías de las emisoras de radio, era otro circuito. Grabar era caro. Había que ir a un estudio. He tenido la suerte de vivir todo el cambio, cómo aparecían las grabadoras digitales. Luego llegó Internet, que pensé que iba a ser un poco más democrático con el trabajo de la gente, que iba a hacer que cada uno cobrara lo que se merece, y no. Las plataformas tienen sus propios chanchullos para el dinero, pero creo que nos han dado libertad. Antes ponían normas para las canciones.

¿Qué normas?

Si querías que tu compañía te apoyara, querían una canción con dos estribillos, un solo, y si te salías de la norma, podías tener problemas. Nosotros tuvimos muchísimos. Por otro lado, está la democratización del poder grabar. Ahora puedes hacerlo con un portátil. Luego llegó el pirateo, los cedés. Yo, como no vendía muchos discos, tampoco noté mucho la diferencia. Pero sí tengo amigos que dejaron de ganar mucho dinero. En líneas generales hay muchas más cosas que me gustan de las que no, como que haya una plataforma que se queda con toda la pasta. Pero es que eso ya pasaba, no era una plataforma, pero sí una compañía o una emisora. Siempre ha habido gente que se aprovecha. Donde hay dinero siempre hay alguien que se lo queda.

¿Cómo afectó Carrefour a la industria?

La aparición del cedé fue un poco desastrosa para la música. El vinilo tenía una entidad física, llegaba tu cumpleaños y era un regalo en sí mismo. Luego llegó el cedé, que también lo era, pero en cuanto metieron la música en los supermercados y tu cedé iba al lado de la barra de pan o de cualquier producto hizo que, de forma inconsciente, bajara su valor. Y en el momento en el que ese objeto se podía copiar, que podías comprarte un aparato para hacer una copia, aún más. Ahora está todo el mundo quejándose porque las entradas son caras, pero bueno, yo creo que está bien que tenga un valor lo que hacemos. Ya que pagas nueve euros por oír toda la música del mundo, tampoco pasa nada si hay que pagar una entrada. Es cierto que hay entradas que me parecen muy caras, pero bueno, creo que todo se ha ido recolocando.

También es cierto que en los noventa, cuando nosotros empezamos, casi todos los grupos que funcionaban sonaban por la radio y luego iban a tocar en las fiestas de los pueblos. Cuando estos ayuntamientos se arruinaron y dejaron de contratarlos, nos costó muchísimo que la gente pagara para ver un concierto. De hecho, jamás nos hubiéramos imaginado que habría el boom que hay ahora con el directo. Era imposible.

Tiene colaboraciones con muchos artistas, que es algo bonito que suceda pese a que forman parte de un sistema que cabría pensar que les empuja a la competitividad.

Es que no es verdad. La competencia en la música es absurda, está para el deporte, que es en lo que se basa, en ganarle al otro. Pero la música es una cuestión de compartir. A alguien puede gustarle Dani Fernández e Iván Ferreiro, Leiva, Alejandro Sanz, C. Tangana, Rosalía, Zahara, Tulsa y Taylor Swift. La música no es excluyente. Que te guste algo no implica que no te vaya a gustar otra cosa. De hecho, ahora los gustos de la gente, cuando ves tus playlists, hay cosas supermezcladas. Los ochenta eran como más de tribus, yo de hecho he palmado mucho porque de pequeño me gustaban una serie de grupos y creía que porque me gustaran The Smiths no me podía gustar Michael Jackson, que era una estupidez, pero pasaba. Ahora la gente es más abierta y me encanta.

Vídeo de la entrevista completa

Vídeo: Adrián Torrano, Salvador Fenoll

La Feria de Artesanía de Castilla-La Mancha (FARCAMA) que tiene sus puertas abiertas hasta el domingo 12 de octubre en Toledo, será el escenario del festival de música ‘Farcama Suena’, un espacio con el que esta cita ferial 'rejuvenece' tras 44 años y lo hará con la actuación, el sábado 11 de octubre, el grupo zaragozano Amaral en la Plaza de Toros, a partir de las 19 horas.

El Gobierno de Castilla-La Mancha, a través de la dirección General de Turismo, Comercio y Artesanía, continúa impulsando así Farcama con actividades culturales en paralelo, “con el fin de acercar el legado artesano a la sociedad y a los más jóvenes”.

La de este año es la segunda edición de Farcama Suena cuyos organizadores buscan “repetir o incluso mejorar las cifras de la primera edición”.

Eva Amaral y Juan Aguirre llevan más de 25 años como referente de la música española y ahora presentan 'Dolce Vita', su noveno trabajo de estudio que ve la luz tras cuatro años desde su anterior publicación.

Será un espectáculo de gran formato y larga duración, como nos tienen acostumbrados, y además de presentar sus nuevos temas también repasarán las canciones que llevan años emocionando a su público.

Amaral son un ejemplo de que es posible lograr el apoyo del público y de la crítica. Su forma de entender la música y la gestión de su carrera, desde el compromiso y la libertad, les han convertido en un referente indiscutible de la música española.

Los organizadores esperan que Farcama Suena vuelva a ser todo un éxito, como el Festival Farcama Suena 2024, que estuvo protagonizado por Lori Meyers, Dani Fernández, Malmö 040 y Mauri.

El dúo zaragozano Amaral ha anunciado que se ve obligado a posponer tres eventos debido a una infección en las vías respiratorias de su cantante, Eva Amaral.

La cantante tuvo una “crisis respiratoria” al final del último concierto del grupo. Por ello, debido a una prescripción médica, ha cancelado el concierto del Doce Vita Tour en el Polideportivo Municipal de Tazacorte, en La Palma, previsto para el 27 de septiembre. La presentación se traslada el sábado 18 de octubre. Las entradas seguirán siendo válidas sin tener que hacer ningún tipo de cambio. Pero aquellas personas que quieran renunciar a la entrada, podrán obtener una devolución a través de Tomaticket. Antes de esa cita, el 11 de octubre, la gira recalará en Toledo.

Tampoco podrá participar en el ciclo Local de ensayo que organiza Europa FM y que estaba agendado para el 25 de septiembre. Por último, Eva Amaral había aceptado una colaboración en el concierto de los gallegos Eladio y los Seres Queridos en Vigo el 3 de octubre que tampoco podrá producirse.

La banda ha agradecido la “comprensión” y “los múltiples mensajes de cariño” que han recibido “por las redes sociales”.

En el verano de 2005, concretamente el 29 de agosto, llegaba el mítico ‘Son mis amigos, en la calle pasábamos las horas’ que cantaba el grupo zaragozano Amaral, como tercer sencillo de su cuarto álbum ‘Pájaros en la cabeza’ y dos décadas es la canción más escuchada en varias plataformas de la banda.

'Marta, Sebas, Guille y los demás', que es el título real de la canción, se convirtió en todo un éxito, un himno que ha quedado ligado para la discografía de Amaral y de la música pop en español, que alcanzaría el número 1 a principios de 2006.

'Marta, Sebas, Guille y los demás' son reales en la vida de Amaral

Una canción con tintes autobiográficos, como ha reconocido la propia Eva Amaral en varias entrevistas, y que fue escrita en la ciudad de Santiago de Chile, como se deja caer en la propia letra, como recuerdo hacia esos amigos de la adolescencia, con la nostalgia de haber perdido contacto con varios de ellos.

Y es que los nombres que cita Amaral son reales, la propia Marta, por ejemplo, es la mejor amiga de la infancia de la solista Eva, como ella ha afirmado, y los hechos que se narran serían realidad, como cuando dice “Alicia fue a vivir a Barcelona y hoy ha venido a mi memoria. Claudia tuvo un hijo y de Guille y los demás ya no sé nada”.

Ese no saber de Guille, sin embargo, cambió cuando salió la canción 'Marta, Sebas, Guille y los demás', pues como contó Eva Amaral, él se puso en contacto a través de su discográfica y le dio su teléfono y dirección para que retomaran el contacto.

‘Días de verano’, el otro himno nostálgico de Amaral que ha cumplido dos décadas

Esta nostalgia por la amistad y su letra han puesto himno a los amigos, con gran significado en verano para muchos cuando se dan las fechas de verano y se visitan los pueblos o lugares donde se ha pasado la infancia, por ejemplo, y en una estación del año cuando resurge otro éxito del dúo musical formado por Eva Amaral y Juan Aguirre.

Hablamos de ‘Días de verano’, la canción que precedió a 'Marta, Sebas, Guille y los demás' como single de ‘Pájaros en la cabeza’ y que también puso banda sonora al verano desde hace 20 años, otra melancólica y que aseguran es “una de las canciones más bonitas que hemos hecho”.

Eva Amaral y Juan Aguirre tuvieron la oportunidad de telonar a Bob Dylan en una gira por España que el músico estadounidense dio en 2004. Sin embargo, el guitarrista del dúo zaragozano sufrió una lesión en la mano y Amaral tuvo que acompañar a Dylan en solitario. La experiencia, que probablemente no olvidará jamás, dio lugar a un rumor que ha estado presente desde que Enrique Bunbury, reconocido por haber sido el líder de la banda Héroes del Silencio, publicara en 2006 el tema Puta desagradecida.

En aquel entonces se extendió el bulo de que a Bunbury le dio tanta rabia no haber sido elegido como el telonero de Bob Dylan que una de las canciones de su disco El tiempo de las cerezas iba dirigido a Amaral. “Te ganaste tu lugar con ingeniosa ingenuidad / No entiendo cómo eres capaz de sentirte peligrosa siendo tan vulgar”, canta Bunbury en la canción. “No conozco a nadie que mienta como tú / Con tanta disciplina, precisión y sinceridad”, expresa a lo largo del tema.

Sin embargo, tras todo este tiempo, Amaral ha acudido a redes sociales para pedir a Bunbury que desmienta el rumor después de que una cuenta de X lo trajera a la actualidad. “En lugar de venir aquí a atacar y contar estupideces, ¿por qué no le preguntas a Bunbury?”, ha respondido Amaral a esta cuenta. “Creemos que es hora de que se cuente la verdad y de paso de que sus seguidores nos dejen en paz”, ha añadido. Cuando se expandió el rumor hace dos décadas, los fans de Bunbury aprovecharon para insultar y mandar odio a Amaral.

“Esto no es una cuestión de ser mejor o peor. Es una historia de acoso continuado por parte de algunos seguidores de Bunbury”, ha declarado Amaral, que denuncia “insultos bastante misóginos y chungos y también amenazas”. Es por ello que Enrique Bunbury ha publicado un comunicado en redes sociales: “No acostumbro atender a rumorologías, ni dimes y diretes, ni atiendo a lo que se dice en las redes, pero me llega el malestar que ha mostrado el dúo Amaral por la insistencia e insultos que algunos les han hecho llegar a lo largo de los años”.

El cantante afirma que, como ya ha contado a la prensa en el pasado, el rumor no tiene una “base sostenible, sino más bien todo lo contrario”. “No me importa volver a insistir que en esa gira eran ellos los contratados para abrir a Dylan y que a mí me llamó Gay Mercader para sustituirles por un problema en la mano de Juan Aguirre. Yo me ofrecí para hacer los shows que faltaban”, ha explicado Bunbury. “Cuando me comunicaron que Eva continuaría haciendo los shows sola, me alegré por ella, aunque a mí me hiciera ilusión abrir para Dylan”, ha añadido en su comunicado.

“Amaral no me quitó el puesto en absoluto. Era suyo. Nunca me enfadé, porque no tenía motivos. Dicho esto, insisto, la canción no tiene nada que ver con ella. Es una canción a la manera de las canciones latinoamericanas de despecho que tanto me gustan”, ha enfatizado el músico sobre Puta desagradecida, dejando claro que “Amaral es un dúo de talento evidente y mayúsculo”, a los que les envía su “admiración y disculpas por todo lo sufrido”. El dúo, no obstante, ha escrito en redes que “parece que hay un núcleo de fanáticos de este señor al que la aclaración no les ha llegado con suficiente claridad”.

Este miércoles, Amaral ha agradecido en redes sociales a Enrique Bunbury que haya desmentido “esta historia inventada que desde hace 20 años viene siendo excusa para tantos ataques y amenazas”. Y el duo ha añadido que “este tipo de comportamientos no deberían tener cabida ni en redes ni en el mundo y desde luego nunca entre aquellas personas que se supone que aman la música”, antes de agradecer las muestras de respeto, “siempre recíproco”, del rockero zaragozano.

Existe una expresión que todo el mundo conoce: en ocasiones, menos es más. Sin embargo, en la industria musical, y sobre todo en la cultura pop, todo artista sabe que más siempre es más. Ya sea que vayas a sacar un disco o que estés preparando una gira, no olvides echarle mucha purpurina, apostar fuerte, sentirte superior y convertir lo pequeño en algo gigantesco. Una fórmula que, si bien ha ayudado a forjar la leyenda de algunas de las estrellas más influyentes de este siglo, no es apta ni útil para cualquiera. Tanto es así que, de entre todos los casos que demuestran cómo esta lógica puede desbordarse hasta rozar lo ridículo, ni uno solo falta en el concierto de Aitana en el estadio Metropolitano de Madrid.

Desde que alcanzara la fama tras su segundo puesto en el concurso Operación Triunfo de 2017, Aitana Ocaña ha tratado de descubrir cuál es su nicho y qué tipo de música quiere hacer. No obstante, tras cuatro discos en el mercado y algunas fatídicas participaciones en series, la catalana evidencia no saber todavía en qué especie de artista desea convertirse. Una indefinición que queda más patente que nunca cuando Aitana aparece ante un estadio que irremediablemente la empequeñece. No tan interesada en la búsqueda de identidad como en la búsqueda del más grande de los recintos, la impaciencia la lleva a dar un concierto que no es ni será el que recuerde con más orgullo en el futuro.

Si este es el momento más importante de la carrera de la artista, queda tristemente lastrado por la ausencia de una reivindicación a la altura. El cierre de su gira veraniega, como así lo ha vendido la cantante pese a solo haber dado tres conciertos en un total de dos estadios, deja una pobre impresión de lo que ha sido su tour Metamorfosis Season y de lo que podría haber sido. Tras un primer concierto en el Estadi Olímpic de Barcelona y otro en el Metropolitano de Madrid al que se le impidió el acceso a la prensa, sobre la última fecha impera la frustración de un espectáculo que no destaca por nada en especial y que deja la sensación de que España no está preparada para producciones de esta envergadura.

Como ya sucediera en el concierto de Lola Índigo hace apenas un mes en el mismo recinto, el sonido deja muchísimo que desear y, a menos que grites las canciones a todo pulmón, tratar de entender lo que se canta se torna un suplicio. Es por ello que 6 de febrero, con la que Aitana abre su actuación, brilla por el fervor de los seguidores de la catalana, en su mayoría niñas acompañadas de sus padres. Son ellas quienes consiguen hacer del concierto una velada mucho más mágica, envolviendo la atmósfera de su entusiasmo y haciendo que lo que acontece sobre el escenario no sea tan prioritario.

Sobre el escenario, eso sí, apenas ocurre gran cosa. Aunque es bastante amplio y su pasarela culmina en una gran mariposa sobre la que la artista interpreta varias de sus canciones, su tamaño únicamente se justifica por el estadio, pecando de quedar vacío. Esto ni siquiera es suficiente para lograr el intimismo bajo el que ha promocionado su último trabajo, Cuarto Azul. Titulado así porque sus padres pensaban que iba a ser un niño y pintaron la habitación de su infancia de ese color, decidió que “quería hacer un disco” que la llevara a “ese lugar seguro” para volver a reencontrarse. Sin embargo, ¿pensó Aitana que quizás, y solo quizás, la forma más idónea de presentar la cercanía del álbum no era dando un concierto en un estadio? Sobre todo cuando ha tenido que sufrir para hacer sold out en este recinto.

La cantante podrá solventar su error con la gira de Cuarto Azul, anunciada al final del espectáculo con fechas en palacios deportivos de numerosas ciudades, donde probablemente se sentirá más cómoda y podrá defender mejor sus canciones, desde la divertida Superestrella, que en el Metropolitano canta acompañada de su veintena de bailarines, hasta la imperdible Cuando hables con él, que apunta a ser uno de los clásicos del proyecto y en la que aboga por la honestidad. Ese tour, a diferencia de este de tres conciertos, no tratará de englobar su repertorio completo, algo en lo que naufraga su Metamorfosis Season, pues el cambio de eras apenas se nota e incluso parece forzado.

En su recorrido al pasado, Aitana comienza por Teléfono, que suena tan impostada como ya lo hiciera en 2018, pero que ahora se ve favorecida por el factor de la nostalgia. La canta en una actuación donde juega con las sillas, en la que se la nota demasiado pendiente de no olvidar ningún paso, algo frecuente en cada una de las coreografías. Más bonito es el momento que protagoniza con su preciosa Vas a quedarte, donde todo el estadio se suma a coro en la última estrofa para crear la que es la parte más memorable del concierto. Lo es porque, al menos durante esa canción, la artista por fin consigue conectar con el público. Y el público también con ella.

Tras una pausa de más de cinco minutos en la que todo el protagonismo cae sobre la banda, Aitana saca a relucir su versión rockera con algunos temas de su trabajo 11 Razones (2020), como Si no vas a volver o No te has ido y ya te extraño, que coinciden con el anochecer y la gente aprovecha para divertirse encendiendo las linternas de sus móviles. “Hay algunas canciones que ya no volveré a cantar más”, confiesa la artista. Su remix de Mon Amour con Zzoilo la lleva a jugar con los colores de las luces durante la puesta en escena, pero acaba perjudicada por problemas con los altavoces, otra constante de la noche.

Aitana interpreta la balada Música en el cielo en una de las gradas del estadio, buscando de nuevo una intimidad que resulta difícil vislumbrar. Rápidamente cambia la temática para inaugurar una fiesta de discoteca al son de ABBA, grupo del que pone varias pistas antes de atreverse con su álbum Alpha (2023). El show toma otra forma debido a las pulseras de colores que iluminan a la multitud, pero el caos lo desata Amaral, que sube por sorpresa al escenario para cantar Marta, Sebas, Guille y los demás. “Sois los mejores, os admiro muchísimo”, comenta Aitana al finalizar la actuación. “Gracias por cantar esta canción conmigo”, añade.

Para el final del espectáculo, tras dos horas y media y más de 30 temas, se reserva alguna de sus colaboraciones más sonadas, como la reciente Gran Vía junto a Quevedo, que hace bailar a los asistentes a pesar de la ausencia del canario. Tampoco están presentes Sangiovanni, con quien canta Mariposas; Nicki Nicole, que participa en Formentera, ni Alaska de Fangoria, que reivindica la imperfección en La chica perfecta. Aun así, son varios de los grandes hits del catálogo de la intérprete y tampoco pueden faltar a la cita, pese a que las voces de los invitados solo se escuchen de fondo.

Algunos artistas parecen haber olvidado que la calidad no se mide en reproducciones o estadios, sino en la capacidad de conmover al oyente. En su obsesión por prescindir de arenas para intentar con mucho esfuerzo llenar un Metropolitano, Aitana demuestra carecer de una visión artística que haga destacar su trayectoria, renunciando así al proceso creativo de quienes realmente logran labrarse un legado. Este furor por lo cuantitativo, alimentado por algoritmos y redes sociales, acaba con la autenticidad y convierte la música en un producto desechable. La suerte es que Aitana, que probablemente ya se haya dado cuenta, siempre podrá tener, como canta en su último disco, un segundo intento.

El grupo Amaral vuelve a Ciudad Real después de veinte años sin actuar en la capital provincial. Lo hará el próximo 21 de agosto en el Auditorio de La Granja por el lanzamiento de su nuevo disco Dolce Vita, dentro de la gira homónima que va a servir para promocionar su noveno trabajo de estudio después de un lustro sin publicar nueva música.

La última vez que actuó en la provincia lo hizo en el año 2017, pero hace dos décadas que no se sube al escenario en la capital ciudadrealeña.

Las entradas ya están a la venta a través del siguiente enlace. La apertura de puertas será a las 21:00 horas y el concierto comenzará a las 23:00 horas.

El grupo Amaral

Amaral, con más de 25 años como referente de la música española, son ejemplo de que es posible lograr el apoyo del público y de la crítica. Su forma de entender la música y la gestión de su carrera, desde el compromiso y la libertad, les han convertido en un referente indiscutible de la música española.

De esta manera, Amaral presenta Dolce Vita Tour, la gira que acompaña al noveno álbum de estudio de Eva y Juan, con un espectáculo que llevará la emoción de las 15 canciones de su disco y de grandes temas de su carrera, por los escenarios del territorio nacional.

Regresa uno de los eventos musicales gratuitos más esperados de la capital: La Radio Encendida. Este domingo 23 de marzo, más de una veintena de artistas y bandas llevarán a La Casa Encendida once horas de música ininterrumpida.

Amaral, La Bien Querida, El Nido, Cristalino, Joe Crepúsculo, Parquesvr o Dollar Selmouni acercarán al público sus mejores y más recientes trabajos en este maratón musical organizado por Radio 3 y La Casa Encendida en el espacio de Fundación Montemadrid (Ronda de Valencia, 2).

Diferentes estilos y propuestas musicales se unen en el cartel de la 21ª edición del certamen, que acogerá entre las 12.00 y las 23.00 horas 25 conciertos en el Patio y el Auditorio de La Casa Encendida. También habrá sorpresas en la terraza, el bar y otras ubicaciones del reciento donde podrán surgir actuaciones o intervenciones inesperadas en cualquier momento.

La fiesta arrancará con Jaguayano y Teo Lucadamo, que ofrecerán las primeras actuaciones de la mañana a partir de las 12.00. Les seguirán Janire, La Bien Querida, Dollar Selmouni y Hens, entre otros, hasta llegar al punto más álgido de la noche con Amaral, Vera Fauna, Colectivo da Silva y Parquesvr, que pondrán el broche de oro al festival.

Las entradas son gratuitas y se ajustan a cada bloque de conciertos. Puedes consultar dichos bloques y adquirir las localidades en este enlace. Se puede acceder a la compra través del botón “Entradas” de cada grupo de conciertos (máximo dos invitaciones por persona y bloque).

La próxima venta se abre este viernes 21 de marzo a las 9.00 horas para Jaguayano, Teo Lucadamo, Dollar Selmouni, Hens, Mohama Saz, Victorias, Melifluo, Anabel Lee, Merina Gris, Joe Crepúsculo, Vera Fauna, Colectivo da Silva y Parquesvr. Para Janire, La Bien Querida, El Nido, Cristalino, El Niño Lord, Cah, La Tania, Yeli Yeli, Meritxell Neddermann y Amaral se pueden comprar desde el pasado viernes 14 de marzo y todavía quedan entradas para algunas actuaciones.

Es necesario presentar las entradas para acceder a los conciertos en el Patio y el Auditorio, pero la entrada es libre hasta completar aforo en el resto de espacios de La Casa Encendida. Los menores de 16 años pueden acceder acompañados de su madre, padre o tutor legal. Además, existen cascos adaptados para el público infantil. Los menores de 18 años pueden acceder, pero no consumir bebidas alcohólicas. Además, existen cascos adaptados para el público infantil.

Este es el programa completo de Radio Encendida 2024 por horarios y espacios:

Patio de La Casa Encendida

Auditorio de La Casa Encendida

Cuando Juan Aguirre conoció a Eva Amaral en un bar de Zaragoza en 1992, ella era la batería de una banda y vocalista de otra. También había estudiado escultura y canto lírico. Él, por su parte, arqueología, aunque siempre había tenido claro que quería dedicarse a la música. Juntos acabarían formando Amaral y lanzando su primer disco, de nombre homónimo, en 1998. Más de 25 años después, acaban de lanzar su noveno álbum de estudio, Dolce Vita.

Cuando empezaron su carrera, tuvieron que explicar –de más– que eran una banda formada por un hombre y una mujer, en la que ambos componían, y no que Juan fuera el “genio en la sombra de la cantante Eva”. “No era lo habitual y no se terminaba de entender”, comentan. La industria y el trato recibido ha cambiado mucho desde entonces. Ahora ya no preguntan a Juan por el sonido de Eva en las pruebas de sonido, ni se le pide permiso cuando en el estudio es ella quien solicita que se suba o baje el volumen de alguna pista.

“Antes se notaba muchísimo, pero ya no sucede ni debería suceder. Si alguno sigue teniendo esa actitud es que todavía está en la caverna”, indican, como quienes emitieron “muestras de odio” después de que Eva enseñara las tetas en un concierto para defender la libertad de las mujeres. “Lo volvería a hacer”, asegura, “hubo muchos más mensajes de cariño, y la respuesta del público fue increíble”.

Han pasado seis años desde que lanzaron su anterior disco, ¿se sale de la norma dedicarle tanto tiempo?

Eva Amaral: Se sale totalmente de la norma, pero es el tiempo que hemos necesitado. En algunos momentos nos entraba el agobio de llegar a decir: “Esto es rarísimo”. Hay gente que dice que se separa y está dos años fuera de los escenarios, o sin sacar disco; y nosotros llevamos seis haciendo este, pero seguimos activos. Era un poco locura todo. Nuestro propósito es que los siguientes tarden menos en llegar, pero este disco se ha alimentado de todos los conciertos que hacíamos mientras no estábamos en el estudio, de esa energía, de esos viajes, de los conciertos. No cambiaría el sistema que hemos seguido.

En la presentación que hicieron del álbum en Matadero (Madrid) dieron las gracias a muchos compañeros por “aguantaros” durante el proceso. Después de tantos años juntos, ¿qué tal se llevan?

E.A.: Nos llevamos bien, pero claro, cuando nos ponemos a componer, se genera cierta tensión creativa. Con el tiempo cada uno ha ido teniendo más certezas sobre lo que hacemos, y es más difícil sacarnos de ellas. Como solo somos dos y no hay un tercero para desempatar, a veces hay esa tensión, que en realidad es positiva, porque nos ha llevado a hacer que estas canciones fueran mucho más allá.

Juan Aguirre: Hemos tenido bastantes escenas de Liam y Noel [integrantes de la banda Oasis] de Zaragoza. Además, yo creo que los insultos en castellano son más vehementes que en inglés.

E.A: Insultos tampoco hemos tenido. Algún “a la mierda” igual, pero de ahí a...

J.A: Es imposible hacer algo en serio sin que haya tensión creativa. Poco se habla de esto.

E.A: Sí, siempre se intenta dar una imagen muy monolítica de las bandas. Ese rollo medio castrense de somos un equipo, todos a una, todos pensamos igual, todos vestimos igual. Y me parece guay, pero es un poco irreal. Luego cuando conoces a la gente, en las bandas no todos piensan ni ven la música igual. Tienen puntos en común, por supuesto, pero poco se habla de que en los equipos hay personalidades complementarias. No todo el mundo tiene que ser un clon.

J.A: Esta especie de clonación se da más en las bandas de hombres. Ahora que ha pasado tiempo desde nuestros primeros discos sí que nos damos cuenta de que no éramos el estándar de grupo de rock con los roles muy definidos, porque los dos hacemos un poco de todo. Dentro del estudio, cuando estamos los dos en nuestra burbuja, intercambiamos los papeles. También hay que tener confianza y conocer mucho a la otra persona, y tener una sintonía muy fuerte para que eso ocurra, porque yo no lo podría hacer con cualquiera.

E.A: Tenemos la confianza para decirnos desde “esto no me gusta” a “esto es una mierda” sin anestesia.

Comentaban que en este tiempo han visto separarse a bandas, ¿ustedes lo han pensado en algún momento?

J.A: Cuando nosotros nos conocimos no teníamos ni idea de que nos íbamos a convertir en un proyecto artístico, no fue con esa premisa. Empezamos a tocar y todo lo que nos vino fue un poco sin querer y sin definir muy bien dónde empezaba y acababa el grupo. No teníamos ni un estilo ni una formación definida, ni una obligación de hacer discos. Hemos sido y somos muy caóticos y muy libres. Esa creo que ha sido la fórmula.

Cuando componemos tenemos la confianza para decirnos las cosas sin anestesia, desde lo que nos gusta a lo que nos parece una mierda

Eva Amaral — Cantante, música y compositora

Cuando empezaron, ¿cómo se recibió que fueran un hombre y una mujer haciendo música juntos?

E.A: Que los dos compusiéramos y fuéramos parte del proyecto en un plano de igualdad no era lo habitual. No se acababa de entender, no nos acababan de poner una etiqueta, porque además en lo musical no teníamos un estilo definido. Hacíamos canciones por encima de todo. Dentro de un disco pasábamos por distintos estados de ánimo y sonoridades, del pop al folk y la música electrónica, sin ningún complejo. Eso dificultaba meternos en una tendencia, y muchas veces nos quedábamos fuera de lo que era cool o estaba de moda. Al principio nos sentíamos poco arropados, pero el tiempo nos ha dado la razón y hemos sido nosotros en todo momento.

Tampoco veían con naturalidad que fuéramos un hombre y una mujer. Tenemos el cerebro culturalmente programado para pensar que lo que viene de una mujer es menor. Es una desgracia, pero es así. Tendían a pensar que las canciones las hacía solo Juan y yo solamente era la voz. O, dentro de esta falta de naturalidad, casi como si yo fuese la imagen y él una especie de genio en la sombra, pero casi como que no existía, que se podía cambiar por otro.

J.A: Se decía que éramos la cantante Eva Amaral y el compositor Juan Aguirre, cosa que no es verdad.

¿Cuál era el trato en los despachos de las discográficas?

J.A: Ahí bien porque nos conocen. Luego nos hemos dado cuenta de que hay que explicar algunas cosas más de lo que pensamos en un principio, porque para nosotros son muy evidentes, pero no lo son tanto para otra gente.

¿Por ejemplo?

JA: Que componiendo somos como seríamos dos hombres, o dos mujeres, o dos lo que sea. Lo hacemos en un plano de absoluta igualdad, que yo no soy un genio en la sombra, y que Eva no necesita una especie de genio haciendo sonidos porque ella los puede generar. 

E.A: Dentro de la industria, en lo que se refería a tratar asuntos de cómo iba a ser un lanzamiento, las cosas que rodean a la música; sí que hablaban con los dos. No se dirigían más a uno que a otro, pero en lo musical sí que pasaban cosas al principio. Yo notaba cosas, Juan también porque estaba a mi lado y no entendía qué pasaba. Te pongo un ejemplo, está el ingeniero de sonido en el estudio. Si yo le digo si podríamos subir por favor la pista de debajo, él mirará a Juan y dirá: “¿La subimos?”. Que no hubiera pasado nada, somos un proyecto de dos, y lógicamente si hay que hacer algo que va a cambiar la visión artística de una canción, los dos tenemos que estar de acuerdo, pero si Juan dice que se suba la pista de abajo, nadie me mira a mí para contrastar esto. Y esa era la diferencia.

Era una cosa muy sutil, por eso digo que muchas veces tenemos clavado el menosprecio a lo que viene de una mujer de manera casi inconsciente. Ahora esto ya no pasa, no sucede ni debería suceder. Si alguno sigue teniendo esta actitud, es que está todavía en la caverna. 

J.A: Luego nos pasaba de ir a un festival y que la gente me preguntara a mí por el sonido de Eva, y yo les decía: “Pregúntaselo a Eva, que está ahí. Ella sabrá cómo se quiere escuchar, si quiere subir o bajar algo”.

Ustedes son músicos, pero hay una parte de su trabajo que no tiene que ver estrictamente con lo musical. ¿Cómo han decidido respecto a qué pronunciarse?

J.A: Siempre hemos apoyado cosas concretas en las que creíamos, que para nosotros son evidentes y que tienen que ver con los derechos humanos. Nunca hemos tomado partido por algo de tipo partidista porque pensábamos que es perder tu independencia. Hay una serie de cosas que son básicas. Tampoco creemos que con los discos se pueda hacer activismo ni transformar la vida, la vida la transforman las personas, no las canciones. No vamos a ser tan ingenuos como eso. Creo que hay que ser humilde y pensar que una canción es algo pequeño que te arropa, como cuando te pones un abrigo.

E.A: Nuestra visión del mundo está en las canciones, en nuestra música y lo que cuentan las letras. Le hemos ido perdiendo el miedo a hablar de cosas personales y a desnudarnos emocionalmente. En este disco se nota mucho. Le hemos perdido el miedo a ir por la vida con la cabeza alta, con lo que piensas y crees, porque verdaderamente es imposible gustarle y estar de acuerdo con todo el mundo. Una de las máximas del disco es vive y deja vivir, pero sobre todo vive.

Eva, ha pasado ya año y medio desde que enseñara las tetas durante un concierto en el Sonorama, por la libertad de las mujeres. Visto con perspectiva y sabiendo la repercusión que tuvo, ¿cómo lo vivió?

E.A: Ya no me gusta hablar de esto porque parece que yo quiero recordarlo todo el rato. En el momento fue muy bonito y la respuesta del público fue increíble. Mi sensación fue: “Hay esperanza”. Y me encantó. Lo volvería a hacer si volviera a ese momento. Cuando tomé la decisión de hacerlo pensé que no iba a mirar absolutamente nada en redes sociales, pero claro, tampoco sabía que iba a coger esa potencia, que iba a salir en los telediarios.

Sí que es verdad que aunque no quise enterarme de nada, al final me enteré de todo. Me llegaron muchas más muestras de cariño que otra cosa, pero muchas muestras de odio muy potentes que me dejaron un poco en shock y me hicieron reafirmarme en lo que había hecho porque si el pecho de una mujer provoca esa reacción, es que todavía hay un camino por recorrer.

Teniendo canciones que se han convertido en himnos generacionales, como Marta, Sebas, Guille y los demás, ¿cuánto les preocupa conseguir que todo el mundo cante sus estribillos como sucede con ese “son mis amigos, en la calle pasábamos las horas”?

J.A: Cuando escribimos nos olvidamos absolutamente de todo lo que hemos grabado antes. Llevamos ya tiempo malacostumbrados en cuanto a que hay mucha gente que ha aceptado que vamos haciendo discos diferentes y que evolucionamos hacia distintas sonoridades. Estamos en una posición increíble que no nos evita saber que el mundo de la música es difícil, tenemos muchos compañeros que tienen una situación mucho más precaria. Dedicarse a hacer algo personal en el mundo de la expresión artística no es fácil.

E.A: Es precioso y nos encanta que haya toda una generación que eran niños o adolescentes cuando sacamos Marta, Sebas, Guille y los demás, El universo sobre mí o Revolución, todas estas canciones que marcaron una época muy dulce y bonita de la vida de muchas personas. Es muy difícil que esa huella quede a un lado, pero también es precioso ver que a la vez que ha sucedido eso, ha sucedido otra cosa mucho más difícil, que haya gente que nos esté descubriendo ahora con canciones nuevas. No sé muy bien cuál es el motivo, pero nos parece increíble.

Vídeo de la entrevista completa

Vídeo: Lourdes Jiménez, Adrián Torrano

Desde un sensor de imagen de 35 milímetros hasta el formato digital, desde una atalaya de grandes transformaciones que ahora miran con prudencia a la inteligencia artificial, la fotografía ha sido uno de los espejos más veraces del periodismo. Tanto en los retratos anónimos como en los de grandes personalidades. Así lo tuvo claro desde el principio el afamado fotógrafo madrileño Daniel Sánchez Alonso (Dansan), quien ha decidido girar su cámara hacia los 30 años de su trayectoria.

Lo hace a través de la exposición retrospectiva titulada “Retrato editorial en tiempos de sms”, es decir en la era prewhatsapp, donde recoge una cuidada selección de 47 instantáneas en blanco y negro, algunas inéditas y otras publicadas en diferentes medios de comunicación, que van desde mediados de 1993 hasta la actualidad. 

Los retratos abarcan desde músicos en sus primeros pasos hacia la fama como Estopa, Alejandro Sanz, Amaral, Pau Donés, hasta actores como Mario Casas, Maribel Verdú o Silvia Marsó. No faltan los políticos: Esperanza Aguirre, María Teresa Fernández de la Vega, Teresa Rodríguez, María Dolores de Cospedal o Soraya Sáenz de Santamaría, entre otros. 

Fotógrafo independiente desde 1993, Daniel Sánchez Alonso ha sido colaborador habitual de múltiples dominicales y revistas como El País Semanal, Rolling Stone, Vanity Fair, Elle, The Hedge Fund Journal, Abacapress, XL Semanal, y clientes corporativos como Xbox, Google, YouTube, Universal Pictures, Microsoft, Telemadrid, La Esfera de los Libros o Planeta.

Actualmente, dirige y produce un documental sobre Conservación de Archivos Fotográficos, incluidos varios Premios Nacionales de Fotografía, herederas e instituciones por todo el país. Su trabajo en retrato y documental lo ha compaginado siempre con su obra personal, que ha expuesto de manera individual y colectiva desde 1996 hasta la fecha. Ha participado en la feria Flecha, cinco años en entreFotos, y continua con varios proyectos de autor en la actualidad.

Cuenta el fotógrafo que su idea de realizar la exposición actual de retratos editoriales y de autor ya tomó forma en su cabeza a finales de 2023. Finalmente, ha podido hacerla posible. En esta ocasión se ha centrado en personajes conocidos, pero también planea realizar con el tiempo alguna más con personas anónimas.

Sánchez Alonso, que también ha trabajado en el fotoperiodismo social y que anteriormente ha realizado exposiciones de carácter temático, quiere con la actual muestra contar “cómo se vivía el periodismo y la fotografía en unos tiempos que se han transformado mucho”. Se refiere con ello a que “hay muchas historias” en cada fotografía y cada una refleja “la psicología del retrato”.

Por la muestra aparece así unos jovencísimos David y José Manuel Muñoz, los hermanos que forman Estopa, poco después de su primera gira. El fotógrafo se fue de gira con ellos por Extremadura en un reportaje para la revista Rolling Stone. Era la época en la que David y José publicaron el tema que precipitó la primera de su fama, esa rumba llamada “La raja de tu falda”. Ese retrato lo realizó con su Hasselblad de segunda mano, “reflejo de una época sin rastro de imágenes de móviles”.

Otra fotografía forma parte de una sesión de fotos a la actriz Silvia Marsó en Madrid. “Nunca las había sacado a la luz y hace poco me encontré con ella y le conté sobre la exposición. Le envié la foto y le encantó, la ha compartido en todos sus redes sociales”, celebra el fotógrafo. Impresionante y solemne aparece retratado también el pintor Antonio López, junto a una de sus esculturas.

Pero uno de los retratos de los que Daniel Sánchez Alonso habla con más cariño es el del actor, humorista y activista Lamine Thior. Lo conoció en 2007, realizando un reportaje para El País Semanal sobre los inmigrantes de segunda generación. Ya asentado en Algeciras con su familia, su madre decidió parirlo en Senegal y luego regresar. Actualmente, Lamine realiza charlas sobre inmigración con mucha didáctica y humor . Como actor, uno de sus principales fue en la serie “La ley del mar” junto a Luis Tosar.

En la fotografía de la muestra, Lamine aparece en la sierra de Madrid, en 2007. “Fue la primera vez que vio la nieve”, precisa su retratista. En palabras de este activista, Daniel Sánchez Alonso y su objetivo lleva siendo “el testigo fotográfico de todo mi crecimiento, no sólo como artista, sino como persona”.

“Esa capacidad que posee para sacar la esencia única de cada figura que se coloca delante de su cámara es increíble. La persona que más veces me ha fotografiado en mi vida, el fotógrafo con el que más cómodo me he sentido nunca y sobre todo, el artista, porque es puro arte lo que hace, más auténtico y genuino que conocido. Dansan es a la fotografía lo que el oxígeno para los seres humanos, esencial e indispensable”, concluye.

El fotógrafo apunta que al hacer una retrospectiva de personajes famosos, “puede parecer que hay un aura de glamour” pero “por mi parte, ego cero” en todo ello. “Yo me he dedicado también a temas sociales y disfruto de la fotografía de manera nostálgica, sigo disfrutando esos momentos privilegiados con personajes conocidos pero también con anónimos. He llegado a punto en que creo que lo importante es compartir: si yo me relaciono y disfruto recordando estas fotografías, lo bueno es hablar de esas historias y que todos disfrutemos de la cultura.

En la exposición también puede verse a un joven Alejandro Sanz, que triunfaba en 2001 con el álbum “El alma en el aire”, mientras se tomaba un respiro en el aeropuerto de Torrejón de Ardoz donde con el autor volaría en jet privado de Madrid a Valencia.

También hay un espacio para el grupo R.E.M, que presentaba en Madrid su duodécimo álbum ‘Reveal’ y con los que Daniel Sánchez Alonso logró retratarles en veinticinco segundos, cinco fotogramas de 6x6 con su Hasselblad, fuera de la presentación oficial y que aquí se presenta en una colaboración artística con el caligrafista y músico Dirty Harry.

En esa época Tony Leblanc triunfaba de la mano de Santiago Segura y el veterano actor recogía el Goya al Mejor Actor de Reparto en la 13.ª edición de los galardones de la Academia de Cine, por su interpretación en la película: ‘Torrente, el brazo tonto de la ley’.

Son retratos que dibujan una época, como es el del Maestro Reverendo, el fallecido músico y compositor madrileño Ángel Muñoz Alonso, compañero de El Gran Wyoming (también presente en esta exposición) durante más de 20 años, y arreglista, compositor y músico de estudio. Su retrato íntimo, en bata, como a él le gustaba trabajar, en su casa de Ópera, en Madrid, es parte de la historia musical de este país.

Los retratos de Amaral, Corbacho, Marta Etura y el gran Chiquilicuatre también se han incluido en la muestra. A ellos se unen actores como un casi desconocido Mario Casas, unos jóvenes Martiño Rivas e Irene Escolar, o los ya entonces consagrados Javier Cámara, Maribel Verdú.

La exposición está comisariada por Benito Román, Premio Piedad Isla 2024, y uno de los grandes nombres de la memoria visual de la Transición Española. La inauguración tiene lugar este jueves, día 16 de enero, en el espacio Cocktail Blues Gallery de Guadalajara a las 19.00 horas. La presentación estará a cargo del propio Lamine Thior. La muestra también viajará por Madrid, Toledo y Segovia

Si el 3 de febrero de 1959 -el nefasto martes en el que Buddy Holly, Ritchie Valens y Big Bopper perdieron la vida en un accidente de avión- está considerado el día en que murió la música, para mucha gente el día en que murió twitter -o, al menos, empezó a hacerlo- no fue el 24 de julio de 2023, la fecha en la que la red social cambió su nombre por el de X, sino cuatro meses después, el 27 de noviembre, cuando falleció Miguel Ángel López, El Hematocrítico. Casi un año después, la legión de amigos y admiradores que dejó el bloguero, escritor, profesor y agitador cultural ha decidido homenajearlo dando su nombre a un nuevo festival que nace con la intención de convertirse en la referencia estatal en el ámbito de la literatura infantil y juvenil, pero que en su primera edición va mucho más allá: será la fiesta “no para despedirlo, sino para celebrar que Miguel formase parte de nuestras vidas. Y una fiesta sin música y sin risas no es una fiesta”.

Quien así habla es la pareja de Miguel, la escritora Ledicia Costas, madre de personajes como Escarlatina, a cociñeira defunta, A señorita Bubble o Os Minimortos -todos con versión en castellano- en una carrera que acumula dos docenas de premios, entre ellos el Nacional de Literatura Infantil y Juvenil, el Premio da Cultura Galega o la Medalla Castelao. Ella es una de las impulsoras del HematoFesti junto al director de animación, ilustrador y dibujante de comics Alberto Vázquez, ganador de cuatro Premios Goya por cintas como Birdboy, Psiconautas o Unicorn Wars. La cosa arranca con el listón alto.

El HematoFesti, que se celebrará en Vigo entre el 6 y el 10 de noviembre, está inspirado en uno de tantos proyectos que la prematura muerte de López dejó pendiente. En octubre del año pasado, Hemato, Costas, Vázquez y la pareja de este acudieron a Cagliari (Italia) al festival Tuttestorie. Les gustó tanto que el cineasta lanzó una propuesta a sus amigos. “¿Por qué no hacéis vosotros, con toda la gente que conocéis, un festival de literatura infantil? En España no hay muchos y, en Galicia, ninguno...”. La respuesta de Miguel fue que tendrían que ponerse a ello “cuando tengamos tiempo”. Pero nunca lo tuvieron. Un mes después, Hematocrítico fallecía repentinamente de un infarto. Tenía 47 años.

Aquel proyecto inconcluso fue el germen del HematoFesti. “Queríamos hacerle un homenaje, una fiesta con amigos y pensamos que lo mejor sería algo con su nombre, donde se hable de su figura, se mantenga vivo su legado...”. Pero se les fue de las manos. Lo que pretendía ser “una cosa pequeña, íntima” los desbordó. “Empezó a correrse la voz y la gente quiso sumarse, porque la red de Miguel era verdaderamente grande”. Y así, en “un tiempo récord”, apenas cuatro meses de trabajo “intenso”, han reunido un “cartelazo” con nombres de primera línea de la literatura, la ilustración o el humor.

No solo eso: además del equipo humano que se ha lanzado a la aventura, han conseguido el apoyo de patrocinadores privados -como Nintendo- pero también públicos “de todos los colores”: la Dirección General del Libro, dependiente de un ministro de Sumar; la Xunta y la Deputación de Pontevedra -del PP- y el ayuntamiento socialista de Vigo. “La figura de Hematocrítico concilia”, sonríe Costas. ¿Su nombre es un salvoconducto? “¡Y una marca de calidad!”.

No es un festival tróspido (aún)

El trailer del festival, obra del realizador Manu Viqueira, remite a la imaginería de los Monty Python al transformar al dios de La creación de Adán en un Hematocrítico rodeado de algunas de sus múltiples criaturas. Entre sus aportaciones a la cultura popular, una de las más conocidas es el término tróspido, con el que adjetivó allá por 2012 a concursantes, madres y situaciones del programa ¿Quién quiere casarse con mi hijo?, uno de esos fenómenos que comenzaron a seguirse, de forma simultánea, por la televisión y por twitter al mismo tiempo.

¿Este será entonces un festival tróspido? “Pensamos en llamarlo así, pero nos gustaba que estuviese Hemato en el nombre. Creo que tenemos que crear un premio relacionado con eso”. Uno más: HematoFesti llega con un certamen para álbumes ilustrados, en colaboración con Triqueta Editora, que concederá al ganador un premio de 5.000 euros y la publicación en todas las lenguas del Estado. Además, se crea el premio de honor Leyenda del recreo -como aquellos comics infantiles que Hemato guionizaba y dibujaba Albert Monteys- que, en su primera edición, reconocerá la trayectoria de Manuel Bragado, “el gran editor de la literatura galega”, en palabras de Costas. Tanto a ella como a López los publicó por primera vez en esa lengua.

“Tiene una cualidad que no todo el mundo posee: siempre sabe cuál es su lugar”, subraya la escritora antes de señalar que Bragado, al igual que Hemato, también era docente. “Tanto Manolo como Miguel eran dos leyendas del recreo, así que empezar dándoselo a él era algo redondo”.

¿que ha dicho QUÉ?

Teníamos pendiente aquello de la música y la risa, que se va a sustanciar en dos grandes eventos. El primero, La HematoGala, el jueves 7. Será justo después de la charla de otro Premio Nacional, este de Comic: Paco Roca, el autor de Arrugas, El abismo del olvido o Los surcos del azar. La gala estará conducida por el cineasta Nacho Vigalondo y la poeta y cantante Lucía Aldao. Por el escenario pasarán Nus Cuevas, Amaral, Noel Ceballos, Laura Márquez, Joe Crepúsculo, PAVA y el podcast de La Ruina, con su flamante Premio Ondas bajo el brazo.

Al día siguiente, llegará al Teatro Salesianos Queremos Humor para repasar todas las facetas divulgadoras y humorísticas de El Hematocrítico. Allí se podrá ver una edición especial de Los Hermanos Podcast, el programa que Hemato realizaba con el periodista Noel Ceballos, y que esta vez tendrá como invitados a Nus Cuevas -que repite-, Berto Romero y Arturo González Campos.

Manuel Bartual será el encargado de hablar de la faceta que dio el apodo a López. El dibujante y podcaster -Biotopía, Santuario, Titania-, otro de los artistas que más exprimieron las posibilidades creativas de twitter, fue el primer editor de los libros de El Hematocrítico de Arte a través de su sello ¡Caramba!

Y, cuando acabe Bartual, será el turno de uno de los momentos más esperados: la aparición de Masa Enfurecida. La cuenta anónima emergió como uno de los grandes agitadores de la que podríamos considerar la edad dorada de twitter. Llegó a convertirse en un fenómeno pop. Bajo el lema “¿que ha dicho QUÉ?” la cuenta, quizá la mejor definición posible del concepto troll, jugaba constantemente desde la parodia con los límites del humor. Las teorías sobre quién estaba detrás se multiplicaron y Masa era la primera en fomentar los rumores. Uno de los más bizarros llegó incluso a señalar Ignacio Escolar, el director de elDiario.es -donde tuvimos a Hemato con una sección como infiltrado en internet-, quien admitía en un tuit que le hubiese gustado que fuese verdad...

Sólo tras el fallecimiento de López se extendió el convencimiento de que Hemato era la persona -o una de las personas- que estaban tras Masa. Sin embargo, en 2016, él mismo se lo había negado a El Español: “Pero sabe quiénes son. No lo dirá por respetar su confidencialidad. No seguía la cuenta: 'Me cargaba tanta política'- explica. 'No es mi estilo de humor'”.

“Nunca se dijo públicamente que él fuera Masa enfurecida”, incide Costas con una sonrisa antes de anunciar que en esa sesión “igual se revelan cositas”. Los maestros de ceremonias, de nuevo Ceballos, Vigalondo y, como tercer cómplice, John Tones. “Va a haber una gran sorpresa”, continúa igual de enigmática la escritora. Como sorpresas anuncia también el broche de la sesión, con dos clásicos de la escena musical viguesa como Amaro Ferreiro y Nico Pastoriza. ¿Qué hacen ellos en una gala de humor? Quizá haya que quedarse hasta el final para comprobarlo...

Libros vs videojuegos: la batalla que nunca existió

Los más pequeños siempre estuvieron presentes en la vida y la obra de Hemato, por eso se multiplican los talleres y las sesiones de cuentacuentos. Pero, pasados los dos eventos centrales, los niños se quedan con todo el protagonismo. El sábado 9 estará protagonizado por la jornada Queremos literatura infantil, que convivirá con el espacio Gaming abierto desde el primer día. Una metáfora perfecta de la adolescencia de Costas: un libro en una mano, un joystick en la otra.

“Queremos quitarle peso a los videojuegos, que están demonizados y sobre los que hay cierto malditismo”. Por eso, junto a otro nombre ilustre de la literatura infantil, Pedro Mañas -Anna Kadabra- ofrecerá una charla dirigida a familias bajo el título Reír y crear: con una Nintendo en las manos desde 1990.

Costas recuerda cómo escuchaba una y otra vez que el libro acabaría desapareciendo por culpa de los videojuegos mientras ella, lectora incansable, “jugaba todo lo que podía”. “Claro que pueden convivir; los videojuegos son cultura y tienen su parte lúdica, de emoción, diversión, entretenimiento... pero como también la tienen la literatura o la música”.

Toda una declaración de intenciones para una cita que tanto Costas como Vázquez esperan que llegue a ser “el punto de encuentro de la literatura infantil en España”, un lugar con invitados internacionales “donde escritores, ilustradores y editoras puedan reunirse y hacer cosas para niños... pero también sus cosas de trabajo”.

Con tantos frentes abiertos, parece que solo falta el cine, así que la pelota queda en el tejado de Vázquez, que no se cierra a nada: “En un futuro, tal vez se podrá abrir un poquito... porque, al final, todo es contar historias”. Y de eso, como de tantas otras cosas, El Hematocrítico sabía mucho. Todo un mundo.

El MUWI La Rioja Music Fest ha hecho balance de la última edición del festival, celebrando sus 23.000 asistentes, que la hacen la edición más multitudinaria hasta la fecha. El jueves empezó el festival en el escenario Ibercaja Revellín, el viernes en la sede principal situado en Bodegas Franco-Españolas se batió el récord de asistencia de las ocho ediciones volviendo a superarlo el sábado hasta colgar el cartel de entradas agotadas. 

La organización ha anunciado el lanzamiento de una cantidad limitada de abonos ciegos a un precio de lanzamiento: 48€ más gastos, que ya se pueden adquirir en la página web oficial del festival.

Rafa Bezares y Jose Pancorbo, organizadores de MUWI La Rioja Music Fest, han agradecido el apoyo del público que, a pesar de los malos pronósticos climatológicos, con lluvia intermitente todo el fin de se semana, llenaron el festival. La organización ha querido agradecer “a cada una de las personas que han acudido a MUWI con su chubasquero, y que han conseguido batir todos los registros de asistencia”, ha comentado Jose Pancorbo.

Por encima del éxito, que evidencia la gran asistencia de público local y visitante que llenó Logroño y los diferentes escenarios de esta edición de MUWI: Bodegas Franco-Españolas como escenario principal, Revellín, Calle Laurel, Centro Comercial Berceo y club Maldeamores; los organizadores han querido poner el foco en un año en el que la repercusión ha sido la mayor de la historia del festival, como indicativo de la excelencia de la propuesta, el desglose que han ofrecido se ha centrado en: 

• 23.000 asistentes

• 52% de las personas tienen entre 30 y 39 años.

• 35,5% procede de Logroño, el 13% del resto de La Rioja y el 51,5% del resto de España.

• 27 horas de música en vivo

• 152 artistas sobre el escenario.

• Más de 250 personas trabajando en la producción del evento.

• 6.800 botellas de vino descorchadas durante el festival en sus diferentes localizaciones.

• 44 periodistas acreditados.

• 4.446€ recaudados a favor de APIR.

• 2,75 millones de impresiones y 6.500 interacciones en redes sociales.

• 240.000 visualizaciones de videos

• 210.000 visitas a la web oficial. 

Logroño se ha puesto de gala y los visitantes han recorrido el casco antiguo de la ciudad y sus lugares más emblemáticos. También han conocido Bodegas Franco-Españolas: sus patios con el escenario principal Bordón y su escenario Viñas, la Sala Diamante sorprendía a los visitantes con los DJs en su interior abovedado, también la nave Los Tinos con dos acústicos limitados (Bulego y Smile) o la exposición Hola Jorge donde disfrutar de las ilustraciones realizadas con vino Ed. Especial MUWI 24 a cargo de la artista Lady Wine. En el interior de la bodega se ha podido disfrutar de la cata “Los aromas del vino”: una experiencia sensorial en la que su equipo de enoturismo ha acercado la cultura del Rioja y de sus vinos Bordón y Diamante a todos los asistentes. 

En el exterior, y justo a la entrada del festival, se podía ver en vivo el mural lleno de color femenino de la artista colombiana Its Mancho. Un poco más adelante, conocer los distintos puestos de MUWI Market, que se ha convertido en el referente de los mercados de pequeños creadores en los festivales de música y en un hito dentro del comercio logroñés. Todo suma para que el global de la visita a MUWI sea merecedora de una alta valoración en una reciente encuesta realizada por la organización.

También la zona gastronómica con la participación de las foodtrucks Delicius, Barrio Bar, The Roast Cook, Macheta, La bandolera, Thate, Ramflor, La Salaina, La Tavina; y las propuestas dulces KankelCacao y Papín, sació a los más hambrientos con propuestas para todos los públicos, incluyendo opciones veganas, vegetarianas o celiacas.

Muy satisfechos también de que el MUWI Sunday se haya convertido en una jornada que muestra otra cara del festival y que sirve para que los más pequeños asocien la cultura del vino a momentos de disfrute vinculados a la música y dar cabida a los futuros artistas a expresarse subidos al escenario principal gracias a la MUWI Amadeus Band.

MUWI Market de nuevo ha contado con una gran variedad de puestos de diseñadores emergentes que han tenido un espacio no sólo durante el festival sino también una semana antes en una de las grandes novedades de este año: MUWI Market by C.C. Berceo.

“Más de 400 personas participaron en la experiencia de cata promovida por el área de Enoturismo de Bodegas Franco-Españolas , casi 300 personas lo hicieron de los conciertos acústicos celebrados en la Sala de los Tinos y, cada día durante el festival, más de 1.500 personas visitaron la bodega y su sala DJ Diamante. Para nosotros, la Agenda Cultural Bordón y Diamante, dentro de la que enmarcamos MUWI, es una oportunidad de explorar nuevos contextos de consumo de vino diferentes a los tradicionales y acercarnos a otros segmentos de edad del público” ha manifestado Elena Pilo, directora de enoturismo de la bodega.

Por último, Rafa Bezares ha aprovechado para agradecer a todos los que se han sumado en esta edición en forma de patrocinio o colaboración porque de otra manera este festival sería inviable. Gracias a su colaboración se ha conseguido desarrollar MUWI resultando un alto impacto en el consumo de los sectores de hostelería, alojamiento y comercio.  “Un festival de esta magnitud requiere de la participación de todos los agentes públicos y privados para llevarlo adelante; sin su esfuerzo y confianza en esta octava edición este éxito no hubiera sido posible. Nuestra inmensa gratitud para todos ellos” .

Este sábado, día 15 de junio, se celebrará un festival por el IX Centenario de la Reconquista de Sigüenza con Amaral, Nena Daconte, Mauri, Bauer y We are not DJs, en la plaza de toros, que pondrá el broche de oro a las actividades que se han realizado en torno a esta celebración.

El festival del IX Centenario de la Reconquista es un evento a la altura de cualquier capital de ciudad española gracias al apoyo de la Junta de Comunidades, desde la Fundacion Impulsa. La venta de entradas ya está en marcha en el portal eventoentradas.es al precio de 20 euros.

Amaral actuará entre las 22.30 y las 00.15 horas. La música del dúo español formado por Eva Amaral y Juan Aguirre abarca diversos géneros, como el pop-rock y la música alternativa. Se dieron a conocer a finales de la década de 1990 y se han convertido en una de las bandas más influyentes en la escena musical española, ha informado el Ayuntamiento en nota de prensa.

Nena Daconte actuará entre las 20.45 y las 21.45 horas. Nena Daconte es el nombre artístico de Mayte Martín, una cantante y compositora española nacida el 23 de octubre de 1971 en Barcelona. Su carrera musical despegó con fuerza a principios de la década de 2000. El nombre Nena Daconte proviene de un personaje del libro 'La historia interminable' de Michael Ende.

We Are Not DJs, Bauer y Mauri

We Are Not DJs, que subirán al escenario de 00.30 a 2.00 horas, han sido considerados mejores DJ de España durante cuatro años consecutivos por la revista Rockdelux. Su eclecticismo y su bomba sónica los han convertido en imprescindibles para muchos de los más importantes festivales de España, cerrando ediciones para el Arenal Sound, Sonorama y más de 70 festivales.

También estarán en el festival Bauer -que subirán al escenario de 19.30 a 20.15 horas-, es una banda de pop rock alternativo nacida en Málaga en el año 2012, que se consolida tras la unión de cuatro músicos que deciden poner en común sus experiencias, sus influencias y sus capacidades. El núcleo creativo de este nuevo proyecto son los hermanos germano-malagueños Lucas (teclado, guitarra y coros) y Gabriel Bauer (voz y guitarra), y completan la formación J. Abel Asensio (guitarra), Fernando Gallardo (batería) y Andrés Gabarrón (bajo).

Finalmente, Mauri actuará de 18.30 a 19.15 horas. El power-trío toledano no cesa en su empeño de facturar sencillo tras sencillo para hacer las delicias de aquellos y aquellas que siguen sus lanzamientos.

A primera vista, parece que cada uno y cada una de nosotros, individualmente, seamos muy progres, abiertos, tolerantes, y que, aun así, a nuestro pesar dibujemos en conjunto una sociedad retrógrada. Entonces uno se indigna, o se resigna, y farfulla: son los tiempos en que vivimos. Pero, a lo mejor, sucede al revés. Quizá, a pesar de que como individuos seamos sumamente carcas y egoístas, resulta que en conjunto formamos un país avanzado. Lo de Amaral puede servir de ejemplo. Su gesto se convierte en un símbolo, lo colectiviza España, y así Amaral representa a todo un país, a una sociedad dispuesta a ser libre.

Y, sin embargo, cuando, a título personal, con los amigos, o ante desconocidos en las redes, hemos opinado al respecto, muchos en contra, pero ahora me refiero, en concreto, a quienes estamos de su parte, también hemos tirado instintivamente de argumentos reaccionarios. Por ejemplo, decir: quedarse en tetas en un concierto está más visto que el tebeo. Se ha hecho miles de veces, desde Siouxie Sioux hasta Silvia Escario, la cantante de Último Resorte (un mítico grupo punk de Barcelona). Pretextos así son los primeros que se nos ocurren a los rockeros. Sin embargo, en esta cuestión todo eso es lo de menos, pues, con ello, uno está recurriendo a un argumento de poder, de decir tengo más que tú (bagaje, autoridad, derecho...).

Las cosas tienen valor por sí mismas, y no en función de nuestros ahorros o de nuestra capacidad adquisitiva. Pero los ricos siempre devalúan lo que llega a todos, para poder seguir siendo ricos. Como buen boomer, puedo constatar que esto sucedió, por ejemplo, con las carreras universitarias (ahora ya no son nada sin titulaciones posteriores, que cuestan un ojo de la cara). Ocurre con absolutamente todo.

También sucede con la democracia. Es un problema político. Hasta hace nada, la democracia era un lujazo. Muy pocos países del mundo la tenían. En Europa, era garantía de bienestar social. La disfrutaban sociedades avanzadas, como las escandinavas o las que estaban en el Mercado Común. Ahora se llama Unión Europea, pero me acuerdo de cuando la formaban solo seis países, y de la envidia que daba. Fueron, más tarde, nueve. Luego fueron diez. Después, fuimos doce... Era entonces, presenciando aquella evolución, formando parte de ella, cuando pensábamos que el mundo iba a mejor, y que el progreso de la humanidad sería irrefrenable. Pero resulta que la democracia ha seguido extendiéndose, al tiempo que el progreso parece retroceder.

La mundialización ha consistido en avalar como democracias regímenes muy cuestionables, hasta el punto de que democracia se ha convertido en una palabra interpretable. Se admite como democráticos a regímenes intolerantes, si no totalitarios, al tiempo que, en los países empeñados en mantenerse democráticos, se impugnan muchos de los derechos que parecían garantizados (el aborto, la laicidad escolar, la libertad de expresión...). Intenta imponerse por todas partes una sensiblidad predemocrática, que nos resulta familiar. Cuando murió Franco, abundaban frases del tipo: la democracia es muy buena, pero los españoles aún no estamos preparados; una cosa es libertad y otra libertinaje...

Sembrando la desconfianza en la democracia es como ascienden los populismos en Europa. Y detrás del populismo, los partidos de extrema derecha crecen y acceden al poder. Este camino está muy bien explicado por el sociólogo Giuliano da Empoli en su libro 'Los ingenieros del caos' (Anaya Multimedia, 2020). Habla del Movimiento 5 Estrellas, y de Bannon, y de mucho más. En lo que cuenta de Steve Bannon, me pareció reconocer un patrón que también sirve para los villanos de las películas y los tebeos. Son seres que actúan por resentimiento, están dispuestos a dinamitar un sistema, un mundo, que fue injusto con ellos. Algunos proceden de las clases humildes. Es esa parte de dolor, esa parte de verdad, la que les hace conectar con los millones de ciudadanos y ciudadanas que sienten vivir, asimismo, en una situación de injusticia. Y crean un enemigo común: los de arriba.

Arriba siempre vive un moroso. Lo vimos, durante décadas, en la contraportada del Tío Vivo, en aquellas historietas tituladas 13, rúe del Percebe, que dibujaba Ibáñez. Atrincherado en su buhardilla, el moroso se les reía en las barbas a sus acreedores. Esta gente no ha venido al mundo a pagar, ¡qué nos hemos creído! Arriba, en la azotea, el ratón torturaba al gato para entretenimiento de las masas, como caricatura de cualquier tipo de justicia social. Al mismo tiempo que era el retrato de una época, 13, rúe del Percebe vaticinaba el mundo actual.

En la rúe del Percebe, el ladrón de antifaz negro y chaqueta rota robaba igual que el modesto hombre de negocios (el comerciante de los bajos). Los pisos patera eran una pensión improvisada donde se hacinaban unos huéspedes humillados. El ascensor de la finca estaba ahí, pero nunca funcionaba, y en eso consiste hoy nuestro ascensor social. Hubo también cancelación. Al principio, vivía en el edificio un científico loco con su Frankenstein, pero la censura prohibió el personaje por motivos religiosos. Toda cancelación es un acto de talibanismo.

El edificio en su conjunto mostraba una realidad caótica, poblada por buscavidas y necesitados, que de algún modo representaba el sentimiento social y económico de los lectores; pero, eso sí, todo el mundo admiraba y se identificaba con el moroso, el golfo que vivía en la buhardilla a costa de los demás. El de arriba. Los de arriba. Esta contradicción es la base del populismo.

En el titular de una entrevista que dio en junio, al diario El Mundo, Rocío Saiz, la cantante de Las Chillers, a la que un policía local conminó (porque le dio la gana) a cubrirse los pechos durante un concierto del Orgullo, en Murcia, se recogía la indignación de la artista ante el sistema cultural al que pertenece, el mundo musical. Le fastidiaba que el mismo gesto se considerara underground en su circuito y fuese aplaudido en los conciertos de Rigoberta Bandini. Siempre hay arribas.

Es la vieja historia del punk y del rock. Antes, si llevabas chupa de cuero con tachuelas, los pelos de colores, incluso hasta un pendiente (en el caso de los hombres), era complicado encontrar un empleo. La gente se quitaba ese atuendo para ir a pedir trabajo. Hoy, todo eso se lo ponen hasta los ministros y las ministras. Quedarse semidesnudo, o desnudo, en un concierto ha sido siempre reivindicativo, pero no por el gesto en sí del desnudo, sino porque el rock es provocación en estado puro, y ese gesto también forma parte del rock. Todo lo que se veía en un concierto sucedía de manera natural. No era más llamativa la desnudez de una cantante que quemar una guitarra. Eran cosas que se hacían.

Eva, la cantante de Amaral, ha convertido algo que parecía normal en un símbolo colectivo para que de verdad sea normal. Ha comprendido la naturaleza profunda de ese gesto, ha entendido que esa parte del rock and roll hablaba de millones de mujeres, estuvieran donde estuviesen, y la ha tomado para alzarla como bandera. No es populismo, aquí no hay ni arriba ni abajo. Aquí sólo hay mujeres defendiéndose.

Como en toda cuestión vital (la cultura es una cuestión de vida o muerte), de nada sirve lo que uno opine o recuerde, si no es para tomar partido hasta mancharse. (La mancha de Celaya nunca se va, es para siempre, si hubiera guerra cultural, sería la famosa arma cargada de futuro; pero la guerra cultural no existe, cultura es todo, la guerra cultural es la guerra de la incultura contra la cultura.)

Los signos son ya alarmantes: caminamos hacia una involución extrema. La fuerte inversión en ignorancia y en egoísmo individual que caracteriza esta época da los frutos apetecidos, en una era de profundo desconcierto en la que los de siempre hacen su agosto todo el año. Argentina se suma a la fiebre de volcar el descontento en un charlatán de delirantes propuestas, promocionado profusamente por la televisión y las redes donde manejan a su servicio miles de cuentas falsas, difusoras de odio y mentiras. Un clásico que se expande por diferentes países. La vida humana de pobres y desvalidos ya no cuenta. Páguese sus gastos con la venta de sus propios órganos, dice Javier Milei, 52 años, el candidato más votado en las primarias argentinas. Aquí, bien cerca, hemos podido comprobarlo en el trato a los ancianos durante y después de la pandemia. Ese mismo Milei que acaba de espantarnos con sus delirios cuenta con correligionarios españoles de la cúpula de Vox que se fotografían ufanos a su lado.

Todo tiene un principio. Se ve venir, se avisa y no se frena porque es más rentable a quien convenga. Diciembre de 2018. Vox entra por primera vez en un parlamento autonómico, Andalucía, gracias a 400.000 votos que les otorgan 12 escaños. Hoy apoyan al partido de ultraderecha tres millones de seres y han llegado a tener en el Congreso 52 diputados, con notable capacidad de actuación (dos mociones de censura por ejemplo). La merma actual hasta 33, ha sido suplida por el PP en las autonómicas y locales al aumentar exponencialmente su poder y aceptar su ideario que sin duda comparten. Un gran avance ultra.

Desde 2016 se desarrolló, a la par del impulso a los neofascismos, el ataque sistemático a través de la todavía impune “policía política” de Rajoy y Fernández Díaz que, a la vista de las pesquisas políticas y judiciales, usó recursos del Estado para atacar con bulos prefabricados a Podemos y los independentistas catalanes. La labor fue profusamente apoyada por las cloacas mediáticas. Con total impunidad también, incluso de audiencia. Añadan ustedes que esa doble siembra cae en cerebros evanescentes, trabajados también para que luzcan así. Y la fascinación que causan en ellos los especímenes de la farándula tertuliana. Para odiarlos a venerarlos puede llegar el día que tengamos alguno de candidato al gobierno.

El problema –involución fascista y promoción de la idiotez y el egoísmo– es de enormes dimensiones y se extiende por gran parte del mundo que se llama civilizado. Y tiene en el ataque al feminismo un enganche que influye decisivamente. La rebelión de las tetas no es nada trivial. Amaral sabía lo que hacía, por qué y a qué se arriesga con su gesto valiente.

Es la exhibición de lo que erotiza al hombre lo que está mal visto. Simplemente. En diferentes culturas. El pecho de las mujeres o el pelo en el caso de los musulmanes. Y hay que taparlo. Son para disfrute único del poseedor de ese gusto. De ahí que en los extremos del talibanismo veamos a mujeres ocultas en vida. En Afganistán como extremo. En Irán, donde solo quitarse el pañuelo hiyab lleva a la cárcel y duros castigos, incluso a la muerte. Y no es casual. Al hacerlo se oculta mucho más de las mujeres que su cuerpo o su pelo. Supongo que saben que durante el franquismo las mujeres y niñas no podían entrar en las iglesias si no se cubrían la cabeza con una mantilla. Y que, ahora, está desapareciendo el topless de las playas y piscinas, sustituidos por el tanga mínimo, dado que –de momento– el culo femenino –caribeño, papito, reguetón– juega en otra liga.

En el caso de Amaral creo intuir que se añade el pasmo con el gobierno que se ha mercado nuestra tierra, Aragón. El más radical en España de la alianza ultra PP Vox. De este modo, el nuevo presidente ha logrado portada en ABC. Rara vez el Aragón progresista –que lo hubo intenso y ejemplar– logró semejante “privilegio”.  

Es una rabia inmensa la que invade cuando se mira desde el presente cuánto ha logrado este desastre y el previsible futuro que avanza si no se cambia de rumbo. Cuesta doble esfuerzo rehacer los pasos que se ceden en la defensa de los derechos que parar la embestida. Y mucho más tiempo. La involución nunca descansa. El dique hay que ponerlo nada más se advierte: el “no pasarán”. Porque cuando pasan, estamos perdidos. El machismo que arraiga tanto en su vertiente masculina como femenina se rasga las vestiduras diciendo que no hay ninguna necesidad de la reivindicación de Amaral. Quien no entienda que esto no va de tetas solo, no tiene ni repajolera idea del mundo en el que viven, o quizás sí y quieren mantenerlo y que nos arrastre la corriente desatada. Nos están rodeando en una espiral que se ensancha ya hasta Argentina.

A punto de constituirse la mesa del Congreso para la nueva legislatura –de haberla ahora– la responsabilidad histórica de cualquier demócrata ha de tener en cuenta precisamente el mundo en el que vive y lo que cabe predecir según se actúe. No hay excusa, ni habrá perdón.

Toca en las portadas de revistas eróticas dirigidas al consumo masculino; también toca en el porno, en el cine, la televisión o la publicidad. En esos contextos, sí toca que el cuerpo de las mujeres, y muy en concreto sus pechos, se exhiban, se vean y se usen como atractivo o como gancho. No molestan y se aceptan, siempre que sigan un canon estético concreto. Sin embargo hay lugares y momentos en los que mostrar las tetas (solo las femeninas) sigue siendo problemático y está lejos de poder hacerse con naturalidad.

La cantante Eva Amaral lo ha hecho este fin de semana en uno de esos espacios en los que, cada vez que ocurre, con más contundencia llega después el escrutinio público: encima de un escenario. “Esto es por Rocío (Saiz), por Rigoberta, por Zahara, por Miren, por Bebe, por todas nosotras. Porque nadie nos puede arrebatar la dignidad de nuestra desnudez, de nuestra fragilidad y fortaleza”, proclamó la cantante en el concierto del festival Sonorama, en Aranda de Duero (Burgos), antes de quitarse la parte de arriba y cantar Revolución a pecho descubierto.

Amaral ha seguido así la estela de artistas que han reivindicado el fin de la censura sobre los pechos o han tenido problemas después de mostrarlos. “No sé por qué dan tanto miedo nuestras tetas”, canta Rigoberta Bandini en Ay mamá. A la luz de la polémica que desató la canción y su actuación junto a un pecho gigante que emulaba un globo terráqueo en el escenario, parece que las tetas de las mujeres sí dan miedo: ellos las muestran sin problema, pero las de las mujeres han estado históricamente asociadas al escándalo, la vergüenza, la ocultación o el pudor.

Sobre el cuerpo femenino recae una significación de la cultura y la ideología dominante, que es patriarcal y que sigue cosificando los cuerpos, las tetas y las vidas de las mujeres

Fefa Vila — Socióloga de la Universidad Complutense de Madrid (UCM)

“Sobre el cuerpo femenino recae una significación de la cultura y la ideología dominante, que es patriarcal y que sigue cosificando los cuerpos, las tetas y las vidas de las mujeres”, sostiene la socióloga de la Universidad Complutense de Madrid (UCM) Fefa Vila. “Hay un control y una regulación de nuestros cuerpos, que nos dice dónde sí (y cómo) y dónde no –prosigue la experta–. Dependerá de una mirada externa, que es masculina y heterosexual. Por eso tiene todo el sentido lo que ha hecho Amaral, más aún después de ver la polémica que se ha desatado y que sea un escándalo para alguna gente”, remata.

Sin ir más lejos, Instagram y Facebook censuran los pezones femeninos, que solo pueden mostrarse en las redes sociales el poco tiempo que deja el algoritmo antes de fulminarlos sistemáticamente, pero no hace lo mismo con los de hombres. Esta política interna de Meta ha llegado al punto de incluso censurar de forma automática obras de arte o culturales, como ocurrió con el cartel de la película de Almodóvar Madres Paralelas, que muestra un pezón lactante, o la Venus de Willendorf, una escultura de hace casi 30.000 años. Hoy, en Twitter, el vídeo de Amaral advierte de que el “elemento multimedia incluye contenido potencialmente delicado”.

Una lectura sexualizada y masculina

“Es un acto revolucionario porque está subvirtiendo el contexto en el que a una mujer se le permite mostrar su cuerpo y la función que ese acto cumple”, afirma la historiadora del arte Eugenia Tenenbaum. “El cuerpo femenino rara vez es entendido como un fin en sí mismo, sino que suele contemplarse como un medio y, además, para el disfrute y el placer masculino. Así es como se configura el mito misógino de la belleza, conceptualizado por Naomi Wolf, que dicta desde hace siglos que las mujeres existimos para ser contempladas y nuestros cuerpos para ser juzgados o disfrutados, pero nunca por nosotras mismas y nunca bajo nuestros propios estándares”.

En debate mundial se convirtió lo ocurrido en la Super Bowl de 2004, cuando los telespectadores vieron la teta derecha de Janet Jackson al arrancarle el top Justin Timberlake, algo que fue calificado de escándalo y hoy bautizado como #Nipplegate

La diferente vara de medir que la sociedad impone sobre las tetas de unas y de otros tiene raíces muy profundas, pero lo que emerge detrás es su sexualización para consumo masculino, coinciden las expertas. Tenenbaum explica que “en lugar de concebirse como lo que es, un par de glándulas mamarias”, esta parte del cuerpo se lee como algo erótico y por eso “los únicos ámbitos en los que está bien visto” mostrarlos están atravesados por esa mirada mientras que “cualquier espacio no sexual en el que la mujer enseñe su pecho será condenado, castigado o censurado”.

No hay que irse muy lejos para verlo. No hace ni tres meses que la cantante Rocío Saiz, a la que Eva Amaral nombró en su alegato, vio cómo un agente de policía le obligaba a cubrirse los pechos durante un concierto en el Orgullo de Murcia. En 2018 el PP de Molina de Segura criticó a la entonces vocalista de Las Chillers por enseñar las tetas durante un festival y calificó el espectáculo de “irrespetuoso, carente de valores y erótico”.

En debate mundial se convirtió, por su parte, lo ocurrido en la Super Bowl de 2004, cuando los telespectadores vieron la teta derecha de Janet Jackson al arrancarle el top Justin Timberlake, algo que fue calificado de escándalo y hoy bautizado como #Nipplegate (nipple es pezón en inglés) que perjudicó seriamente la carrera de Jackson y catapultó la de él.

El mito misógino de la belleza, conceptualizado por Naomi Wolf, dicta desde hace siglos que las mujeres existimos para ser contempladas y nuestros cuerpos para ser juzgados o disfrutados, pero nunca por nosotras mismas y ni con nuestros propios estándares

Eugenia Tenenbaum — Historiadora del arte

Fuera del mundo del espectáculo, Fefa Vila cita la pelea de las madres que dan de mamar en público para evitar ser juzgadas y reprendidas al hacerlo, una experiencia que no pocas han tenido. Mientras, al otro lado, la naturalidad con las que los hombres enseñan sus tetas: “Sobre un escenario, subiéndose la camiseta para celebrar un gol, luciendo trabajados pectorales en las redes sociales o simplemente tomando el sol en la playa, en cualquier situación”, ejemplifica Patricia Luján, autora de ¡Pechos fuera! (editorial Zenith), en el que hace un recorrido por la cosificación de las tetas de las mujeres y llama a su liberación.

Naturalizar los pechos como acto subversivo

Que la mirada masculina moldea la lectura social que se hace sobre el pecho femenino es algo comprobable en la representación histórica artística que se ha hecho sobre él. Así lo analizó Marilyn Yalom en Historia del pecho, publicado en 1997, en el que explica cómo los senos femeninos se han codificado históricamente como “buenos” o “malos”, pero siempre desde el punto de vista de los hombres, ya sean las vírgenes lactantes, las alegorías políticas como La libertad guiando al pueblo, de Delacroix o la figura de Lady MacBeth de Shakespeare, ejemplifica.

En contraposición, liberar el pecho femenino allí donde no se quiere que esté ha sido también un instrumento político para las feministas en muchos lugares del mundo. Quizás lo más inmediato sean las protestas de Femen, pero “en la II República se empezaban a mostrar como una forma de reivindicar la libertad de dejar los sujetadores al margen mientras que en las manifestaciones de San Francisco meter los sujetadores en cubos de basura fue habitual”, explica Vila, que cita también las acciones que colectivos lésbicos y queer llevaron a cabo en los noventa con el objetivo de darle un sentido al cuerpo femenino al margen de la heterosexualidad, entre ellas la serie Es-cultura lesbiana del colectivo LSD.

Hemos visto una performance donde los pechos de la artista en vez de sexualizarse y ponerse al servicio de la mirada y placer masculinos se transforman en una herramienta política

Patricia Luján

En este sentido, Luján cree que el desafío de la acción de Amaral radica en que “hemos visto una performance donde los pechos de la artista en vez de sexualizarse y ponerse al servicio de la mirada y placer masculinos se transforman en una herramienta política y de llamada de atención sobre las desigualdades que aún a día de hoy sufrimos las mujeres de todo el mundo”. Una resignificación pública del cuerpo y de las tetas femeninas que cada vez más mujeres reivindican, con movimientos como #FreeTheNipple (Libera el pezón, en inglés) en alza desde hace algunos años.

De ahí que para Tenenbaum “naturalizar” el hecho de mostrar los pechos de las mujeres “es en sí mismo subversivo” porque “en el imaginario colectivo el desnudo femenino existe para ser sexualizado, no naturalizado”. Romper con esa norma y “entender que el cuerpo solo dice de nosotras que existimos”, liberándolo así de la carga erótica que sobre él recae, se traduce en “reivindicar el disfrute de existir y de ocupar el espacio en nuestros propios términos”, concluye la historiadora del arte.

Es cierto que la robot mecánica Afrodita A no dijo nunca “¡pechos fuera!”, a diferencia de Mazinger Z, que gritaba “¡puños fuera!” cuando lanzaba los misiles de sus brazos. Que no lo dijera Sayaka Yumi, la hija del científico que inventó estos androides de mortíferos poderes y que se encargaba de pilotar a la gigantesca Afrodita, no quiere decir que no lo gritáramos las niñas por aquel entonces. 

Mientras que Mazinger Z fue creado como arma de destrucción masiva, Afrodita A, que vino después, fue ideada como una herramienta de pacificación. Su única arma eran los misiles fotónicos, en forma de senos, que podía lanzar desde el pecho. Tan solo los sacaba cuando era estrictamente necesario: cuando otras estrategias diplomáticas para acabar con los brutos mecánicos se hubieran agotado. Algunas veces, cuando lanzaba sus cohetes, la piloto de Afrodita A exclamaba: “¡Fuego de pecho!”.

Este anime se empezó a emitir en la España en 1978. Transición pura. En el cambio de una década a otra yo era una niña y todo lo que veía a mi alrededor me parecía normal: ir a votar, expresar en voz alta ideas políticas, informar de ser lesbiana, ir en plan travesti por la calle de noche, tener carné del Partido Comunista, tomar la decisión de interrumpir un embarazo, formar parte de un piquete en una huelga, hacer topless en la playa. Cosas que yo pensaba que siempre habían estado ahí, y siempre estarían. Mientras pasaba todo eso, yo trotaba por ahí chillando “¡pechos fuera!” y disparaba imaginarios misiles incendiarios desde mis tetas.

Cuando Eva Amaral se quitó el top en el concierto del pasado sábado en Sonorama, se escuchó el zumbido de dos misiles. Hasta ese momento, la artista había usado la técnica de Sayaka Yumi: se había peleado –dialécticamente– con quien fuera necesario, había hecho reparaciones técnicas en forma de canciones, había ayudado a sus compañeros a tomar impulso y luchar contra el mal. Todo su empeño por pacificar el mundo no había sido suficiente. Como Sayaka, Eva fue consciente de que el cuerpo es un arma y entendió la pertinencia de defender la posiciones frente al furibundo ataque de los brutos mecánicos. “No podrán pasar por encima de la vida que queremos heredar”, dijo Amaral desde el escenario, en una frase clave que resume bien que esto es un camino, que sabemos de dónde venimos pero tenemos el poder de decidir hacia dónde vamos.

De aquella normalidad del topless hemos pasado a la vergüenza de hoy: mujeres que hacen maniobras propias de Houdini debajo de una camiseta para cambiarse la parte superior del bikini en la playa; cubrepezones adhesivos a la venta en cualquier lencería para que no haya protuberancias bajo la camiseta; hijas que regañan a sus madres por mostrar los pechos en la piscina.

Hay una anécdota poco conocida en la historia de la música que sucedió más o menos a la vez que la emisión de Mazinger Z en TVE. El grupo de punk británico The Slits (se podría traducir como “las rajas”), uno de los pocos formados exclusivamente por mujeres, grababan su primer disco en 1979: Cut (“corte”). Para la portada, decidieron utilizar unas fotos que se habían hecho durante unas vacaciones el verano anterior, desnudas en la playa. La guitarrista, Viv Albertine, llamó a su madre desde el estudio de grabación en el que estaban concentradas, una granja en mitad de campo, para que buscara en su caja de fotos las imágenes y se las mandara por correo. Al día siguiente, la madre llamó al estudio y le dijo algo terrible: mientras seleccionaba las fotos en la mesa de la cocina, se le cayó una taza de café encima y se habían echado a perder. Todas ellas.

Ante esta eventualidad, las Slits llamaron a una prestigiosa fotógrafa del mundo del rock, Pennie Smith, para que acudiera a la granja y les hiciera una sesión de fotos. Decidieron aparecer como guerreras salvajes, animaladas, sucias, como criaturas del bosque alejadas de la civilización. Posaron desnudas, con unos trozos de tela cubriéndoles el pubis, cubierta la piel de barro. Es una de las mejores portadas de la época y tiene una fuerza difícil de superar. Veinte años años después, la madre de Viv Albertine le confesó que había estropeado a propósito las fotografías para evitar que salieran desnudas en la portada del disco.

Han pasado más de 40 años y un policía ha pretendido abusar de su autoridad requiriendo a Rocío Saiz que se cubriera los pechos durante un concierto. Y hay otros cientos policías de la moral criticando a Eva Amaral en internet: la gama de ataques van del insulto al ‘no era necesario’. Basta darse una vuelta por este tipo de foros públicos, tanto en redes sociales como en periódicos, para reafirmar que Eva Amaral, Viv Albertine y Afrodita A han hecho lo que tenían que hacer, porque los brutos no han dejado de ganar posiciones.

La consejera de Igualdad de Castilla-La Mancha, Sara Simón, ha calificado la actuación a pecho descubierto de Eva Amaral este sábado en el Sonorama Ribera Aranda de Duero (Burgos) como “un gesto reivindicativo necesario”.

Durante la visita que ha realizado al Centro de la Mujer de Marchamalo, Simón ha alabado que Amaral haya dicho con este gesto que las mujeres están cansadas de que las estén “juzgando” y “hostigando”.

“Se está diciendo que estamos cansadas de que no seamos tratadas de manera igualitaria con nuestros compañeros de vida, que son los hombres”, ha manifestado.

En ese sentido, ha señalado que cuando en cualquier evento musical sale un hombre sin camiseta no hay ningún tipo de problema pero que cuando lo hace una mujer “sí hay esos problemas”. “Por lo tanto, me parece que son gestos necesarios”, ha abundado.

Andaba yo terminando de escribir sobre las razones por las que las más jóvenes ya no descubren sus pechos en playas y piscinas cuando escuché las maravillosas palabras de la cantante Eva Amaral en el festival Sonorama: “Esto es por Rocío. Por Rigoberta. Por Zahara. Por Miren. Por Bebe. Por todas nosotras. Porque nadie nos puede arrebatar la dignidad de nuestra desnudez. La dignidad de nuestra fragilidad, de nuestra fortaleza. Porque somos demasiadas. Y no podrán pasar por encima de la vida que queremos heredar. Donde no tenga miedo a decir lo que pienso. Porque hoy es el día de la revolución”. Después de explicar por qué, Amaral se quitó el corpiño de lentejuelas y cantó desnuda de cintura para arriba su famoso tema Revolución, convirtiendo el concierto en un emocionante acto reivindicativo de la libertad, también la referente al cuerpo, de las mujeres.

Los titulares y las numerosas reacciones, a favor y en contra, demuestran que enseñar las tetas sigue siendo noticiable y un tema de debate, especialmente cuando el acto de exhibición se separa del sexo y del pensamiento pornográfico y no tiene como objetivo el recreo onanista del público masculino. Esto es, cuando el desnudo de la mujer no es objeto sexual ni campo de batalla de los hombres, sino un acto sencillo que reivindica la fortaleza, fragilidad y belleza de cualquier cuerpo. No hay que buscar más intenciones en el destape de Amaral porque ella lo explicó perfectamente y la mayoría de las mujeres lo entienden, lo respetan, lo celebran, y se unen a la denuncia de episodios como el que vivió la cantante Rocío Saiz, cuando un policía la obligó a parar su actuación y cubrirse el pecho en las fiestas del Orgullo de Murcia.

Han pasado 45 años desde el destape de la actriz Susana Estrada al recoger un premio de manos de Enrique Tierno Galván, 40 años desde que Lola Flores pactara un posado robado en topless para Interviú, 35 años años desde que a la cantante Sabrina Salerno se le saliera un pecho del corpiño en un especial de Nochevieja y casi 20 del nipplegate de Janet Jackson en la Superbowl, y aún se recuerdan esos hitos en los que enseñar un pecho era un descuido, o así debía parecerlo, un accidente que no dependía de la voluntad de la dueña de la teta en cuestión sino de la (mala) suerte que celebraba con jolgorio la concurrencia. El pezón de Jackson llegó hasta los tribunales y la revista Interviú guardaba un lucrativo equilibrio entre morbo, sexualización y normalización de los senos de las mujeres. Muchos años después, enseñar los pechos, con toda la intención y ánimo reivindicativo y vital, sigue despertando controversia. Quizá más controversia porque ya no se envuelve en falso pudor ni intención sexual. Así es la teta de una madre que amamanta a su bebé en un avión, el pecho de una activista de Femen contra las agresiones sexuales, los senos de una mujer madura o enferma, las tetas que no responden a los estrictos cánones de belleza, las que van a su rollo según el ánimo de su dueña, a veces desafiantes, a veces alimenticias, casi siempre de andar por casa. En resumen, cualquier teta que no se dedique a excitar a un hombre es vista con sospecha. ¿A quién le dan miedo unas tetas cuando estamos cansados de verlas por todas partes?, se pregunta algún tuitero despistado, confundiendo pezón e intención.

El temor que despierta el pezón femenino alcanza límites enfermizos en redes sociales, censoras no solo de cualquier mujer que quiera mostrar los suyos, también de estatuas clásicas, anuncios de lactancia, portadas de discos y carteles de películas. No es el catolicismo aquí el culpable, cuyo arte sacro es propenso a mostrar pechos descubiertos y vírgenes lactantes, a veces con imágenes hoy imposibles de pinturas en las que la Virgen da de mamar a hombres hechos y derechos como San Bernardo. Facebook e Instagram, de Meta, son herederas del espíritu puritano y protestante que identifica cuerpo y pecado y que acaba convirtiendo los pezones femeninos en el símbolo de la tentación. No hay que olvidar que Estados Unidos legisló a favor de la lactancia en público siempre que la madre en cuestión no mostrara el pezón en el proceso y que una de las siete palabras que no se podían pronunciar jamás en la televisión americana era “teta”. Las siete palabras sucias eran «mierda», «mear», «follar», «coño», «chupapollas», «hijo de puta» y «teta» («shit», «piss», «fuck», «cunt», «cocksucker», «motherfucker» y «tit» en el original). Juzguen ustedes.

Solo cabe recordar una obviedad: cada par de tetas tiene una dueña, y somos nosotras las que decidimos usarlas o no como armas reivindicativas en una cultura que considera el cuerpo de la mujer como un objeto sobre el que ejercer un control. Y al que no le guste, que no mire. 

Las luces, apagadas. Eva Amaral, con los brazos en cruz se sujeta el extremo superior de la camiseta. El dúo celebraba un concierto especial por sus 25 años. Y grita desde un escenario del festival Sonorama (Aranda de Duero, Burgos): “Esto es por Rocío, por Rigoberta, por Zahara, por Miren, por Bebe, por todas nosotras. Porque nadie nos puede arrebatar la dignidad de nuestra desnudez, de nuestra fragilidad y fortaleza. Porque somos demasiadas”.

Es entonces cuando la cantante, una de las cabezas de cartel, se quita la camiseta y empiezan los gritos del público. Ella, continúa junto al micro, parafraseando la canción que está presentando: “Y no podrán pasar por encima de la vida que queremos heredar donde no tenga miedo a decir lo que pienso”. Coge un megáfono y grita: “Porque hoy es el día de la Revolución”.

Amaral recordaba, entre otras, a Rocío Sáiz, a la que la Policía obligó a taparse en un concierto que daba durante el Orgullo de Murcia; a Rigoberta por su 'Ay mamá'; y a Zahara. En muchos conciertos con cantantes masculinos, es frecuente que los intérpretes se quiten la camiseta en un momento épico del espectáculo, algo que no es habitual entre las mujeres y que, de hecho, ha provocado polémica. “Fue muy bonita aquella vez que vinimos por primera vez y compartimos escenario con Teenage Fun Club, pero después de todas las veces que hemos venido este es uno de los momentos más bonitos de la historia de la banda”, ha destacado Eva Amaral en la rueda de prensa posterior al concierto.

Al terminar el concierto, la cantante ya anunció que no iba a entrar en Twitter este domingo, donde fans alaban el gesto y detractores le restan importancia.

Las reacciones en Twitter

La vicepresidenta segunda del Gobierno y ministra de Trabajo y Economía Social, Yolanda Díaz, también ha querido mostrar su apoyo públicamente en redes sociales y ha celebrado la carrera profesional de la cantante, que lleva “más de 20 años siendo referente para las mujeres de nuestro país”.

La ministra de Igualdad, Irene Montero, ha escrito un tuit apoyando la reivindicación de Eva Amaral. En el mensaje, la ministra ha querido señalar la “dignidad” del acto de la cantante y ha aludido a la fuerza del movimiento feminista.

La portavoz de Más Madrid, Mónica García, ha añadido en su tuit el estribillo de Ay, mamá, de Rigoberta Bandini, una canción que se ha convertido ya en himno feminista.