Javier Bardem es capaz de transmitir la complejidad de un personaje con un ojo. Parece una boutade, pero cuando uno ve El ser querido, la película de Rodrigo Sorogoyen que acaba de llegar a las salas y él protagoniza, lo entiende. El trabajo de Bardem es tan apabullante y tan lleno de matices que hay un momento donde Sorogoyen encuadra uno de sus ojos en una escena de máxima tensión y uno puede ver todo lo que pasa por la cabeza de Esteban Martínez, ese cineasta que intenta arreglar el pasado con una hija a la que hace años que no ve y a la que ofrece un papel en su nueva película.

Pocas veces habíamos visto a un Bardem tan desnudo y sin máscara en una película. Y pocas veces uno es testigo del talento a chorro de uno de los actores más importantes del cine español. No solo por los premios —a ver cuántos intérpretes tienen dos copas Volpi de Venecia, un premio al Mejor actor en Cannes, un Oscar y seis Goyas—, sino por el compromiso que desprende cada uno de sus trabajos y que luego demuestra cuando se apagan los focos y suena la claqueta final.

Es ahí donde el actor muestra la importancia de saber usar su altavoz. Bardem siempre ha hablado claro de política. Desde aquel mítico 'No a la guerra' en 2003 hasta el genocidio en Gaza siempre se ha posicionado sin miedo a las consecuencias. Y vaya si las ha podido haber. En aquel año se jugó el inicio de una carrera en Hollywood, que a pesar de su éxito también podría estar en peligro por su defensa del pueblo palestino ante una industria que amenaza con el veto a sus personalidades más críticas, como Susan Sarandon o Mark Ruffalo. Quizás su éxito, además de esa excelencia en su trabajo, radica en haber logrado una posición que le permita hablar y ser un referente sin miedo.

Hace cinco años que no hacía una película en España, desde El buen patrón. Creo que hay una sensación de que rueda poco aquí, ¿cómo lo percibe, tiene esa sensación?

Es verdad que si lo cuantificamos, quizá haya rodado más fuera que dentro. Y al final son cinco años. Tiene que ver con las circunstancias de los proyectos que se presentan aquí. Muchas veces he comentado que no aparecen tantos proyectos como me gustaría, por las razones que sean. Sé de algunas, imagino otras… Sé que dicen que vivo fuera, que es mentira. Que soy muy caro, que es mentira. Soy caro si tienen dinero para pagar. Si hago James Bond, pues evidentemente voy a pedir dinero. Si hago El ser querido, pues no voy a pedir dinero. Hay otras formas de hacerlo. Cuando uno tiene una pasión por hacer un proyecto, el dinero no debe ser nunca un problema porque estás invirtiendo en tu trabajo. Al final se van dando circunstancias que hacen que trabajes más fuera. Pero es verdad que cuando trabajo en mi idioma, en España, con mis compañeros de aquí, la experiencia es otra. Es una experiencia mucho más… No sé, es diferente. El cuerpo se relaja, el cuerpo está más presente. Es mi cultura, es mi idioma, es mi comida, es mi aceite de oliva, son mis risas en el rodaje, es mi humor, es otra cosa.

Hacía tiempo que no le veía tan desnudo, sin máscara, en un papel, ¿eso le hace estar más vulnerable en la película?

Sí, la propuesta era esa también. Aparecer en este personaje sin una construcción tan externa y hacer una presentación del carácter a través de la emoción, de lo que siente y de lo que prefiere ocultar o evitar sentir. Una cosa que me gustó mucho de Rodrigo fue que yo le traje propuestas de apariencia física y él dijo que no, porque quería mostrar al público que en el cine trabaja gente normal, gente que va con un vaquero con una camiseta. Gente de diferentes géneros, diferentes tendencias políticas, diferentes sexualidades… un grupo de personas normales que hacen un trabajo concreto. Por eso no quería nada de exhibición en el director y me pareció muy valiente y muy, muy de verdad.

La película habla de la paternidad. Ha mencionado en ocasiones cómo el ser padre ha condicionado elegir a veces un proyecto u otro, ¿le ha cambiado como actor y como persona?

Yo creo que sí. La paternidad te cambia algo dentro si estás atento. De hecho, debe cambiarte algo. Es un deber que algo en uno se modifique por el hecho de ser padre o madre. Tiene que ver con la incondicionalidad y con el poner por delante los deseos de otra persona antes que los tuyos. Y eso también origina un cambio de criterio y un cambio de elección de proyectos que tiene que ver con las diferentes edades de esos niños. Haces La sirenita, haces el cocodrilo, haces cosas que valgan para que ellos entiendan qué hace su padre cuando está fuera dos semanas y no le ven. Ahí empiezan a entender y les gusta, y ahora que son más mayores lo entienden y lo respetan y se quejan menos, los pobres, de mis ausencias porque saben que estoy trabajando, que no estoy bailando con un cocodrilo, pasándomelo bien.

Su personaje es un director con una masculinidad tóxica, algo de lo que en los últimos años se ha hablado mucho. Los hombres hemos tenido que, de alguna forma, revisarnos, hacer examen. ¿Lo ha hecho?, ¿cómo ha sido ese proceso?

Sí, sin duda. Yo soy producto de eso, y también he sido origen de eso. Quiero decir, yo también he fomentado de alguna manera esa masculinidad desde mi educación, desde mi capacidad de comportarme cuando era más joven, cuando tenía menos recursos que ahora para entender situaciones que consideraba injustas y que ahora son absolutamente banderas rojas, pero que en aquel momento eran aceptadas socialmente. No hablo de temas de abuso, ni físico, ni emocional, ni sexual, evidentemente, pero sí de dar por hecho que hay un desequilibrio y que es así como la sociedad funciona. Y claro que hay que resetear todo eso, y hemos llegado a un momento en que tenemos más consciencia y la voluntad de tener que hablar de ello y denunciarlo.

La responsabilidad del hombre es apoyar a aquellas que lo denuncian. Y luego, evidentemente a nivel educacional con tus hijos, saber que es importantísimo que se cree una base de entendimiento, de empatía, de generosidad, de reconocimiento del otro y de la otra desde un lugar de igualdad para cuando crezcan. Pero estamos viendo como en esta sociedad, en la juventud, se están produciendo situaciones que uno creería que ya estaban olvidadas. Y eso es lo preocupante que se está enseñando desde los medios, desde las redes sociales y también las casas a ciertos jóvenes.

El tema de las redes sociales es muy fuerte lo que se puede consumir y ver.

Es muy fuerte. Y ahí hay también una masculinidad muy comparativa que tiene que ver con asuntos más relacionados con la fuerza, con la agresividad, con el poder, con el neoliberalismo más brutal, con esa cosa de consumir y de tener, de poseer. Y eso es peligroso.

En la película son las mujeres las que a Esteban le dicen en varios momentos “hasta aquí”, ¿son las mujeres las que nos han reeducado en este sentido en todos estos años?

Totalmente. Yo estoy aquí porque me educó una mujer, mi madre. Mi padre estaba ausente, y eso, evidentemente me ayudó a entender muchas cosas de El ser querido a un nivel más personal. Hizo lo que pudo, lo que supo en aquel momento. Y yo le perdono y le tengo muy presente y le quiero mucho. Pero la que se rompió el lomo fue mi madre, y entendí muchas cosas que tienen que ver con otro tipo de poder. El poder de la resiliencia, el poder de la constancia, el poder de la lucha, de la denuncia. También muchas cosas que tenían que ver con algo mucho más cercano a lo que se debe entender por fuerza interior en vez de la fuerza que ejerce una identidad masculina más agresiva.

Hablando de todo esto, me sorprendió mucho la que se lio por su declaración de que España es un país machista en Cannes, ¿le sorprendió?, ¿le afecta que una cosa que diga genere esa bola de nieve?

A mí me produjo curiosidad saber qué es lo que estaba produciendo rechazo a aquellos que rechazan el hecho de que consideremos que España es todavía un país machista en muchas cosas. Entonces me dio a entender que sí, que evidentemente seguimos teniendo ese problema, porque si no fuese así hubiera habido un entendimiento. Tenemos que mejorar, tenemos que indagar más en cuál es la raíz de eso a nivel educacional, de costumbres, de actitudes, de eso que se llama micromachismos o microabusos. Cuando veo que hay una rebelión tan fuerte frente a eso digo: bueno, ahí está el problema, que primero no se está aceptando.

España es un país en el que se mata a una mujer semanalmente. Eso es así, eso es un hecho, no es una opinión. No digo que sea el país más machista. Habrá países mucho más machistas o menos. Me da igual. Yo hablo de mi país. En mi país hay un problema que tiene que ver con lo que se ha originado en los años 60 y 70 desde una sociedad puramente patriarcal, donde ha habido asuntos de gran desequilibrio entre la mujer y el hombre y que ahora están dando la cara, además, en la juventud, con un nuevo renacer de esta masculinidad que estamos hablando, que es peligrosa.

Es como un concepto de patriotismo mal entendido, como si ser patriota fuera no ver lo malo de tu país en vez de criticarlo para mejorarlo.

Exactamente. Si quieres algo, hay que poner la atención ahí para mejorarlo, para saber cuál es el asunto que realmente necesita una voluntad de mejora para que la sociedad crezca y se conduzca hacia lugares mucho más creativos, mucho más constructivos, mucho más sanos. Si nos quedamos mirando el ombligo en las cuatro cosas que funcionan, que las tenemos y muchas más, y negamos las demás, nos quedamos enconados en cosas, en argumentos que son ya antiguos y que son peligrosos.

Tengo una edad en la que me da bastante igual lo que digan o no digan. La gente ya sabe quién soy, de qué palo voy y lo que voy a opinar más o menos de un tema o de otro

Javier Bardem — Actor

¿Esas cosas hacen que venga con el freno de mano puesto a una entrevista?

No. Depende mucho del entrevistador. Yo tengo una edad en la que me da bastante igual lo que digan o no digan. La gente ya sabe quién soy, de qué palo voy y lo que voy a opinar más o menos de un tema o de otro. Es verdad que si tú abres una intimidad a alguien en una entrevista y sientes que el entrevistador está tomando un camino, que está usando esa intimidad para abusar, para intimidar, para forzar, para tener un aspecto violento del entrevistado…

Se nos ve venir, vamos.

Claro, pero yo debo decir que gracias a Dios, no sé si también porque yo he cambiado en ese aspecto, no me encuentro ya ese perfil de entrevistadores. Antes creo que había más.

Ha mencionado que ahora hace lo que quiere, ¿es eso el éxito, el poder decir lo que quiere, permitirse hacer lo que desea? Pienso en los Oscar del año pasado, aparecer con la chapa del 'No a la guerra' y una mención al genocidio en Palestina es la prueba más clara de ello.

Bueno, como dices tú, quizás el mayor de los éxitos es la libertad, el sentirte con la capacidad de decisión sobre tus propios actos y tu propia voluntad, sin tener que dar explicaciones a nadie ni estar subyugado por las necesidades de tener que rendir pleitesía. Algo que pasa por muchísimas razones, y todas son entendibles. Cuando no tienes para comer, pues habrá que hacer lo que sea para dar de comer a tus hijos. No es mi caso, afortunadamente. Tengo un panorama laboral que me da una tranquilidad, y puede ser mucho menor porque hay represalias, sí, pero en la balanza eso tiene menos importancia que el hecho de poder decir algo en lo que creo firmemente y que creo además tiene una consecuencia real, produce cambio. La gente cuando lo escucha en un escaparate como ese dice joder, qué bien, se puede decir. Eso anima a que la gente tome también partido.

Sucede que cuando nos juntamos cada vez más y hacemos una denuncia pública, las sociedades se van dando cuenta de que es posible decir en voz alta aquello que se ha tenido que ocultar por miedo a la represalia, al castigo y se ve que se puede dar la vuelta a la tortilla. Y aquellos que castigan empiezan a ser expuestos. Eso es lo que está pasando. Por ejemplo, en el caso de Gaza, la narrativa que siempre ha imperado desde el Estado de Israel a través de la manipulación mediática y de la narración ha cambiado a nivel social. La gente ya sabe que esas tres o cuatro cosas que siempre sacan a colación cuando uno hace su derecho legítimo de crítica no son reales, ya no tienen la eficacia que tenían hace diez años. Y eso es porque hay gente que habla.

Sin embargo, luego está el caso de Mark Ruffalo, que abiertamente han hecho un comunicado en su contra. O sea que todavía hay fricciones.

Porque saben que funciona y porque saben que tienen una responsabilidad con AIPAC, el lobby sionista más fuerte en EEUU que controla tanto a tantos niveles, tantos medios, tanta industria y tanta política. Tienen una responsabilidad frente a esas personas que ponen tanto dinero en sus empresas, en sus proyectos y en sus medios. Pero si te das cuenta, el eco llega muy lejos y acaba muriendo en muy poco tiempo, porque ya no tiene esa relevancia, porque la gente no le da valor a eso. Eso no es real. Tú puedes criticar a EEUU y no pensar que todos los americanos son como Trump o no odiar a los americanos. Pero la política estadounidense en este momento es una política dañina, destructiva a todos los niveles, diplomático, económico y hasta vital con estas guerras.

En este año increíble, con El ser querido y El cabo del miedo, además debuta en el teatro, ¿hay nervios?

Claro, hay una inseguridad y un miedo, pero por eso me he metido. Es un proyecto muy, muy humilde, en el mejor de los sentidos. Es un lugar íntimo. Son 100 butacas. Un grupo de actores no muy numeroso. Y la intención es traer un proceso de trabajo que abogue por la intimidad, por el compartir esa experimentación y esa forma de trabajar más íntima a un público reducido y ver dónde llegamos todos. Quiero decir, no es un Teatro Español hasta la bandera, como hacía mi queridísimo y admiradísimo Juan Diego Botto en esa maravilla dirigida por Mencheta sobre Lorca. La vi tres veces y las tres veces me rompió. Eso es un teatro mayúsculo para mí.

Hay algo también de homenaje a un maestro que me imagino que también de alguna forma es volver a tus inicios.

Totalmente. Y aparte con los compañeros y compañeras con los que empecé a trabajar, a estudiar hace 25 años y con mi maestro, mentor, amigo y guía en todos los sentidos, artístico y personal, Juan Carlos Corazza. Como dices tú, es como una vuelta al inicio, al origen, y desde ahí nace el deseo de compartir con un público esta cosa de buscar a ver qué encontramos. Lo que pasa que cuando estás trabajando con Chéjov hay tantas joyitas que es muy bonito el poder compartir esos textos.

Entrevista completa

“Esta es una película sobre dos personas que no se miran a los ojos”. Lo dice Javier Bardem en el comienzo de El ser querido, en una escena tensísima de casi 20 minutos que precede al título de la película y que marca el tono de la misma. Su personaje, Esteban, un director de cine ganador del Oscar y endiosado por todos, le cuenta a su hija, a la que hace 13 años que no ve, la película que tiene en mente y que quiere que ella protagonice. Un proyecto ambicioso, sobre la memoria de España, sobre quién la construye.

En esa conversación, inteligente, vibrante y excelentemente escrita, Rodrigo Sorogoyen avanza también al espectador los que serán los temas que desarrolla en El ser querido, su última película con la que compitió por primera vez por la Palma de Oro en el Festival de Cannes. El ser querido es, digámoslo ya, su película más madura y la mejor. Parece que, alejado del corsé del género que había en sus anteriores filmes como As bestas, el cineasta ha conseguido abordar temáticas que siempre le han interesado de una forma más abierta, sin los peajes del thriller. 

El ser querido habla de un reencuentro. O un intento de. El de ese director que quiere redimir sus pecados reencontrándose con la hija a la que abandonó. Eso convierte El ser querido en un filme sobre la culpa, pero sobre todo sobre cómo se construye la memoria y el relato. Los recuerdos de ese padre y su hija, a la que interpreta Victoria Luengo, son radicalmente diferentes. Y ninguno dará su brazo a torcer. Los dos los han vivido y los han filtrado y aceptado de forma diferente. O se los han contado a sí mismos de una forma que les ha ayudado a avanzar.

Sorogoyen articula ese reencuentro en torno a un rodaje que se ve atravesado por el pasado. Por el pasado que cuenta esa película dentro de El ser querido, llamada Desierto y que aborda el pasado colonial de España en el Sáhara, pero también por el pasado de sus personajes. Los temas de ambas se entrelazan en un juego vibrante de realidad y ficción. 

Ese rodaje lo cuenta Sorogoyen con un músculo y pulso envidiables. Nunca se había visto un rodaje de una película así. Uno tiene la sensación de estar de lleno dentro, entendiendo las labores de los miembros del equipo, y viendo cómo todo depende de la personalidad de ese director endiosado, algo que se solidifica en una escena para el recuerdo (y por suerte El ser querido tiene unas cuantas de ellas). Una escena de una comida y donde los actores del filme que ruedan —maravillosos Raúl Arévalo, Raúl Prieto y Melina Matthews— les da un ataque de risa mientras a Bardem le da un ataque de ira donde saca su auténtico yo. Una escena en donde la risa da paso al auténtico pavor a los dictadores que se esconden detrás de una cámara y que el cine ha permitido todo.

Dentro de ese rodaje los dos protagonistas irán encontrando el valor para empezar a decirse todo lo que no se han dicho en 13 años. Lo que no se atreven a decirse en esa comida inicial. Las escenas íntimas de ellos dos se van intercalando sin que se pierda ritmo, y consiguiendo, como una pequeña gota china, que vaya emocionando sin grandes subrayados ni discursos. Ambos construyen una historia que, de una forma divertida, acaba teniendo hasta una estructura circular, ya que el último reencuentro de ambos personajes también tendrá lugar en una comida, pero muy diferente, en torno a un sándwich en una carpa de rodaje. Qué decisión tan inteligente para explicar el punto de inicio y final de ambos personajes.

Es el mejor guion que han escrito Sorogoyen e Isabel Peña, uno en donde una mano en la espalda dice mucho más que muchas frases de diálogo. Hay varias de esas escenas donde los silencios dicen mucho más que las palabras, como ese desayuno donde una pieza de música en unos auriculares mientras Bardem observa a Luengo se convierte en clímax emocional; o la mirada de un padre que mira tras la columna a una hija que desconoce y que ella reconoce como de validación a su forma de actuar. 

Por eso desconcierta que Sorogoyen haya optado en su puesta en escena por una mezcla de formatos que a ratos resulta confusa. Está claro el uso del grano y el formato para lo que se ve rodado en la película, pero no se entiende del todo la presencia del blanco y negro o el formato cuadrado en un par de escenas (que podría ser una cuestión de punto de vista y que el cineasta defiende como una forma de incidir en el tema del relato y cómo no hay una sola visión de la misma historia). Son recursos llamativos, pero que tampoco añaden demasiado dramáticamente a un conjunto que ya de por sí raya a un nivel altísimo. 

El mismo que alcanzan sus dos protagonistas. Victoria Luengo y Javier Bardem están descomunales. Inmensos. Dos trabajos que rayan la perfección. De Bardem ya lo sabíamos, es uno de los mejores actores de todo el mundo, pero Sorogoyen saca lo mejor de él. Su lado más contenido. Qué gusto verle casi al desnudo, sin trucos ni máscaras. Cómo cuenta con los ojos, con su cuerpo, esa masculinidad tóxica de tantos hombres y directores de cine. Su forma de entrar en una sala, de moverse, de expresarse… ese encantador de serpientes capaz de hundir a alguien y encandilarle después con unas palabras al oído. También alguien que sabe que no lo ha hecho bien.

De Luengo ya intuíamos que era una de las mejores intérpretes de su generación. Lo habíamos visto en Antidisturbios y en Suro, pero aquí son palabras mayores. Le planta cara al todopoderoso Bardem. No se deja achantar. Ambos realizan un tour de force donde no se les ve competir, sino acompañares y acompañar la película para que sea mejor. Será difícil que alguien les tosa en la temporada de premios de este año.

El ser querido llega con una espinita, el parecido de su sinopsis con la de uno de los éxitos del año pasado, Valor sentimental. Por suerte solo se parecen en eso. El ser querido, de alguna forma, comienza donde terminaba la película de Joachim Trier. Esta convertía ese reencuentro en forma de película en su clímax final. Sorogoyen construye un largo clímax de dos horas en torno a ese reencuentro y, sobre todo, acierta en un tema fundamental: nunca justificar al monstruo. 

Durante el Mundial, el actor Javier Bardem hizo dos cosas que a mucha gente le parecieron incompatibles: se puso la camiseta de la selección española y sacó una bandera palestina en la grada. Tras haber acudido al partido contra Austria sin la camiseta, se le vino encima una campaña que lo acusaba de despreciar a su país; después se la puso y explicó en redes sociales que se la puso porque en España cabemos todos. El hecho de que un actor tuviera que explicarse para poder llevar una camiseta de fútbol condensa todo el problema español con sus propios símbolos.

Resulta también que, hace unos días, varios colectivos fascistas intentaron organizar manifestaciones racistas en Ceuta. Cuando los youtubers ultras y una organización neonazi convocaron sus concentraciones, se encontraron enfrente a los vecinos, muchos de origen marroquí, coreando “fuera de aquí” y “esta es nuestra ciudad”. Por las imágenes de El Faro de Ceuta hemos visto que entre los vecinos había varios que vestían también la camiseta de la selección española, e incluso alguno llevaba serigrafiada en la espalda el nombre de Lamine Yamal; ya saben, ese impresionante y joven jugador del que el activista de extrema derecha Vito Quiles cuestionaba la nacionalidad española —quizás por ser musulmán o por ser más moreno de lo que el ultra consideraba apropiado—. Merece la pena retener esa estampa, ya que se trata de ciudadanos españoles a los que la extrema derecha les niega serlo, echando de su ciudad a quienes habían ido a explicarles que no lo son.

Hablamos de símbolos, algo de una importancia difícil de exagerar en política. Estos, normalmente insertos en rituales, unen a las personas en una comunidad que vaya más allá de lo puramente material. Las naciones modernas se construyeron todas a través un intenso proceso de nacionalización popular que fue impulsado por el Estado también a través de los símbolos y no sólo mediante políticas económicas, educativas o militares. En este sentido, uno de los problemas de España es que el golpe de Estado y la guerra civil y dictadura consecuentes torpedearon el intento de modernización y actualización de los símbolos que había llevado a cabo la II República, lo que condujo a la fragmentación simbólica de la comunidad nacional: la bandera rojigualda quedó para el franquismo y la tricolor para la izquierda, asociadas cada una a sus propias narrativas y emociones. El intento eurocomunista de asumir de nuevo la rojigualda nunca llegó a consolidarse entre la izquierda, quizás porque además coincidió con un paquete de cesiones laborales, económicas y políticas difícil de digerir. La consecuencia es que, hasta hace bien poco, la bandera rojigualda era sinónimo de ser facha.

Cuando en 2015 Pedro Sánchez presentó su candidatura con una bandera rojigualda gigante de fondo hubo más desconcierto que aplausos; y no debió funcionar muy bien porque no volvió a repetirse, al menos de un modo tan espectacular. Lo cierto es que el PSOE siempre ha usado la rojigualda a nivel institucional, pero nunca con la pasión de la derecha y además, por lo general, lo hace acompañándola de otras banderas regionales que diluyen la clásica asociación entre España y centralismo tan consolidada tanto en las derechas radicales como en los movimientos nacionalistas de las “periferias”. De hecho, el sentimiento general en España es de dualidad identitaria, es decir, la mayoría de la gente se siente tan española como de su territorio —considérese nación o no—. Por eso cuando hay una intensificación del sentimiento nacionalista en una dirección, suele emerger un contramovimiento del sentimiento nacionalista “contrario”, como ocurrió con el procés català y la radicalización de las posiciones españolistas (que además se mostraron mucho más exhibicionista en lo simbólico). Pero las encuestas avalan que en las últimas tres décadas no ha habido movimientos significativos en los indicadores de identidad nacional. Lo que cambia es más bien la intensidad y la alineación partidista de la gente, no tanto que de golpe la gente se haga “española”.

Hubo un tiempo, además, en el que la reivindicación de una España federal tuvo un gran atractivo entre la población general, incluyendo a las empobrecidas clases populares. A finales del siglo XIX todavía era una propuesta realista que compartían desde sectores burgueses hasta sectores comunistas y anarquistas; y en todas sus formulaciones se trataba de una idea con la que acompasar en un mismo Estado diferentes identidades nacionales, incluyendo, claro está, la española. Porque, y he aquí un punto importante, la identidad española ha existido también en la tradición popular y progresista.

El problema de una parte de la izquierda es que tiende a concebir España como una ‘cárcel de pueblos’, de lo que se deduce que sentirse español es tanto como sentirse carcelero. Pero resulta que la mayoría de gente que vive en España se siente española, incluso aunque sea una identidad compartida con otras y aunque se trate más bien de un sentir latente, es decir, de algo que está ahí a la espera de despertarse temporalmente y sin necesariamente implicaciones políticas. Ese despertar es precisamente lo que sucede cuando tienen lugar éxitos deportivos, como en el caso del fútbol, cuando la mayoría de la población se identifica con la selección sin que eso signifique una alteración sustantiva en su sentimiento nacionalista. Por decirlo de otro modo, los éxitos deportivos operan como un “recordatorio” de una pertenencia latente, sin inventar nada nuevo.

Los símbolos funcionan así, asociándose con diferentes ideas a lo largo del tiempo y, en consecuencia, siendo en todo momento políticamente disputados. Y todos esos significados conviven en el mismo tiempo histórico, por lo que el mismo símbolo necesariamente significa cosas distintas para diferentes personas. Solemos creer que el verdadero significado es el que le da el Estado, pero eso sólo es la cristalización de una correlación de fuerzas en un momento dado.

Precisamente porque los símbolos están disputados, también son contradictorios. Tengo un vecino malnacido que durante el mundial colocó en su balcón la bandera española con las siglas H.H., que es una de las formas que tienen los neonazis para mostrar su admiración a Hitler. Para este sujeto, el mundial fue una vía libre para expresar públicamente un guiño de secta. Por otro lado, y como ya hemos visto, la camiseta durante el mundial también sirvió para echar a esos fascistas de las calles. Se trata de un proceso puramente político, en el que distintos significados pugnan por fijar el sentido de un mismo significante.

El proceso político de los últimos años está permitiendo, además, que la bandera española sea resignificada también internacionalmente. En el año 2003, nuestra bandera estaba asociada a la subalternidad ante el imperialismo de George Bush y Tony Blair. Hoy, la bandera española aparece en el mundo como un símbolo de dignidad por la defensa que nuestro gobierno y nuestra sociedad hace de la causa palestina y de la oposición anti-Trump. Esta asociación no sólo ha cristalizado entre el mundo progresista, sino también entre el mundo reaccionario, como pone de relieve la enconada oposición de Estados Unidos e Israel a casi todo lo que signifique España.

Todo esto ayuda a explicar por qué el triunfo de la selección española fue celebrado con tanto entusiasmo en una ciudad en ruinas y carcomida por el dolor como es Gaza. Las imágenes que llegan todavía desde allí siguen poniéndonos la piel de gallina y tienen como consecuencia que nos sintamos orgullosos de ese símbolo que condensa, en este momento, una posición política tan decorosa. Precisamente, uno de los momentos más difundidos de Javier Bardem fue cuando un ciudadano palestino le trasladó las gracias por la posición de España. El actor era allí nuestro embajador de facto. El hecho de que Lamine Yamal levantara previamente al mundial la bandera de Palestina en una celebración pública contribuyó a reforzar la idea de que España está asociada a la lucha contra el genocidio, mientras que la gorra de “Make Spain Great Again” que Ferran Torres se puso en la caravana del mundial, y que la Casa Blanca se apresuró a difundir, apuntaba justo en la dirección contraria: son las escaramuzas de una disputa simbólica mucho más grande.

Si seguimos los puntos podemos encontrar una resignificación mucho más potente, ya que Javier Bardem no es cualquiera. No es sólo que sea un gigante de la interpretación sino que también es parte de una familia con una enorme importancia política en España. Su tío Juan Antonio Bardem fue un aclamado director de cine que militó en el Partido Comunista desde los tiempos de la clandestinidad, mientras que su madre, Pilar Bardem, también extraordinaria actriz, nunca abandonó sus inquebrantables principios y su vinculación comunista. Siguiendo esa tradición, tanto Javier Bardem como su hermano Carlos han mantenido un compromiso sociopolítico público fuera de toda duda, incluso a pesar de los innumerables costes profesionales que han asumido por defender causas como la palestina o la saharaui. Que sea precisamente el hilo rojo que todos ellos representan el que aparezca ante el mundo como asociado al símbolo de España, envuelto en este caso en una bandera rojigualda, es una bella ironía de la historia de nuestro país.

Y para mí, que pertenezco a una tradición derrotada una y otra vez por las fuerzas conservadoras y reaccionarias durante los dos últimos siglos, este tipo de victorias simbólicas tiene un valor especial. Eso sí, sé perfectamente que nunca son definitivas, y que los símbolos cambian porque cambian las relaciones de fuerza que les otorgan significado; y seguirán siendo objeto de disputa, como siempre lo han sido. Pero precisamente por eso merece la pena disputar también ese terreno, ya que renunciar a los símbolos nunca ha impedido que otros se apropien de ellos.

Rafael Alberti, uno de los grandes poetas españoles del siglo XX y diputado comunista en las primeras Cortes de la democracia recuperada, escribió desde el exilio sin renunciar nunca a España. Quizá esa sea la mejor lección: la patria no pertenece a quienes más la invocan, sino también a quienes se niegan a abandonarla en manos de quienes pretenden reducirla a una sola identidad. Eso es lo que explicó muy acertadamente Javier Bardem. Por eso tiene algo de justicia histórica que sea precisamente él—y la familia y tradición que representa— quien aparezca hoy, sin haberlo buscado, como uno de los rostros de esa otra España que siempre existió y que nunca dejó de disputar el significado de sus símbolos.

Entre la Mallorca somiada i la Mallorca real hi ha un abisme que, per a Rodrigo Sorogoyen, és realment dolorós. “Tinc una idea de l’illa com un paradís, però quan veus el que passa amb el turisme se’t trenca el cor”, ha afirmat el director durant la presentació d’El ser querido, la pel·lícula que clou la 16a edició de l’Atlàntida Mallorca Film Fest. En el seu pas pel certamen, el cineasta ha reivindicat el documental Suportant el paradís, de Marga Melià, per denunciar els efectes d’un model turístic que, al seu parer, “perverteix” l’illa.

El cineasta ha defensat la necessitat del documental perquè, al seu parer, mostra “del que som capaços de pervertir un lloc per aquesta idea de progrés mal entesa”. “Fins quan s’ha de continuar guanyant diners tota l’estona?”, s’ha preguntat Sorogoyen, en una crítica al model de creixement turístic massiu que viu l’illa. Les declaracions s’han produït durant una compareixença a Palma en què el director ha estat acompanyat per la guionista Isabel Peña, els actors Javier Bardem, Victoria Luengo, Raúl Arévalo i Melina Matthews, a més de representants de la producció i de Movistar Plus+.

Durant la roda de premsa també es s’ha demanat a Javier Bardem pel paper de les figures públiques del cinema a l’hora de pronunciar-se sobre l’actualitat política i social, tal com la cineasta Judith Godrèche reivindicava aquesta setmana a elDiario.es. En aquest sentit, Bardem ha assegurat que aquells que compten amb un altaveu públic “poden i han de” expressar les seves conviccions. “Jo parlo com a persona que paga els seus impostos i que diu el que pensa. Si tens una opinió és important compartir-la. El silenci sempre anima els qui perpetren els crims”, va sostenir.

La intervenció de Sorogoyen ha servit també per aprofundir en les claus d’El ser querido, una pel·lícula que explora les relacions familiars, el pes del passat i la dificultat de la reconciliació. El director ha explicat que, després de l’èxit d’As bestas, ell i Isabel Peña volien allunyar-se d’aquell univers per construir una història molt més íntima. “Volíem allunyar-nos d’As bestas i portar un altre enfocament, on no hi hagués morts ni assassinats, i apropar-nos a un món que ens interpel·lés d’una manera més íntima”, ha explicat el cineasta.

Segons Sorogoyen, la idea va començar a prendre forma a partir d’una conversa durant un dinar, en què van començar a parlar sobre pares, fills i filles. “Vam veure que allà hi havia una història interessant. Hi havia Javier Bardem, i vam pensar que podia ser el pare de Victoria Luengo. Vam començar a imaginar aquella relació, aquella família disfuncional, i un any després vam coincidir amb Bardem a Cannes. A partir d’aquí li va interessar el projecte i el procés d’escriptura va ser molt bonic”, recorda el director de cinema.

El ser querido narra la història d’Esteban Martínez, un prestigiós director de cinema interpretat per Javier Bardem, la carrera del qual està marcada tant per l’èxit com per un passat de violència i excessos. Quan decideix oferir un paper protagonista a la seva filla Emilia, interpretada per Victoria Luengo, amb el pretext d’impulsar una carrera professional estancada, tots dos es veuen obligats a conviure durant el rodatge d’una pel·lícula. Aquesta proximitat acaba reobrint vells conflictes familiars que mai no van arribar a resoldre’s.

Per la seva banda, Bardem ha explicat que va acceptar el projecte per la solidesa de la història i per les ganes que tenia de treballar amb Rodrigo Sorogoyen i Isabel Peña. “M’interessen les bones pel·lícules, i aquesta està molt ben explicada. Entre els guionistes, el director i la nostra ajuda com a actors s’aconsegueix una emoció i una transparència dels conflictes humans que resulta aclaparadora”, ha assenyalat l’actor.

Relacions familiars ‘infumables’

Bardem ha destacat, a més, que la pel·lícula aborda una realitat recognoscible per a moltes famílies. “Hi ha relacions entre pares i fills que són infumables”, ha afirmat. “Tenia moltes ganes de treballar amb Rodrigo i Isabel. Sabia que fan una feina molt interessant amb els actors i que tenen molt de gust i delicadesa, també en el muntatge. Em sentia segur i protegit”, ha afegit l’actor.

El llargmetratge suposa el retorn de Sorogoyen a la direcció cinematogràfica quatre anys després d’As bestas, la pel·lícula que es va convertir en un dels grans èxits del cinema espanyol recent després d’aconseguir nou premis Goya, entre ells els de millor pel·lícula i millor direcció. Abans, el realitzador madrileny ja havia consolidat una trajectòria marcada per títols com Que Dios nos perdone, El reino, Madre o Stockholm, obres en què ha explorat amb freqüència la violència, les relacions de poder i els dilemes morals des d’una posada en escena de gran intensitat.

La presentació d’El ser querido arriba després de la seva estrena mundial al Festival de Canes, on la pel·lícula va competir per la Palma d’Or i va rebre una notable acollida per part de la crítica internacional. Després del seu pas pel certamen francès, la producció inicia ara el seu recorregut a Espanya abans d’arribar a les sales de cinema el pròxim 26 d’agost. Durant la roda de premsa també hi han participat Victoria Luengo, Raúl Arévalo i Melina Matthews, que han compartit impressions sobre el procés de rodatge i la construcció d’uns personatges marcats per la culpa, la memòria i els vincles familiars. Juntament amb ells hi han estat presents Isabel Peña, Clara Gavilán, en representació de Movistar Plus+, i els productors Eduardo Villanueva i Nacho Lavilla, de Caballo Films.

La projecció d’El ser querido posa el punt final a la 16a edició de l’Atlàntida Mallorca Film Fest, celebrada entre el 24 de juliol i el 2 d’agost i que ha reunit a Mallorca més de 300 convidats i un total de 165 títols, la meitat dels quals estrenats per primera vegada a Espanya. Durant el festival també han estat homenatjats Alexandre Desplat, Gael García Bernal i Trine Dyrholm amb el premi Masters of Cinema, mentre que el Premi Illa de Cinema ha reconegut la trajectòria del mallorquí Rafael Ruiz per la seva contribució a la memòria cinematogràfica de Palma.

Entre la Mallorca soñada y la Mallorca real hay un abismo que, para Rodrigo Sorogoyen, es realmente dolorosa. “Tengo una idea de la isla como un paraíso, pero cuando ves lo que pasa con el turismo se te parte el corazón”, ha afirmado el director durante la presentación de El ser querido, la película que clausura la 16.ª edición del Atlàntida Mallorca Film Fest. En su paso por el certamen, el cineasta ha reivindicado el documental Suportant el paradís, de Marga Melià, para denunciar los efectos de un modelo turístico que, a su juicio, “pervierte” la isla.

El cineasta ha defendido la necesidad del documental porque, a su juicio, muestra “de lo que somos capaces de pervertir un sitio por esa idea de progreso mal entendido”. “¿Hasta cuándo hay que seguir ganando pasta todo el rato?”, se ha preguntado Sorogoyen, en una crítica al modelo de crecimiento turístico masivo que vive la isla. Las declaraciones se han producido durante una comparecencia en Palma en la que el director ha estado acompañado por la guionista Isabel Peña, los actores Javier Bardem, Victoria Luengo, Raúl Arévalo y Melina Matthews, además de representantes de la producción y de Movistar Plus+.

Durante la rueda de prensa también se preguntó a Javier Bardem por el papel de las figuras públicas del cine a la hora de pronunciarse sobre la actualidad política y social, tal y como la cineasta Judith Godrèche reivindicaba esta semana en elDiario.es. En este sentido, Bardem ha asegurado que quienes cuentan con un altavoz público “pueden y deben” expresar sus convicciones. “Yo hablo como persona que paga sus impuestos y que dice lo que piensa. Si tienes una opinión es importante compartirla. El silencio siempre anima a los que perpetran los crímenes”, sostuvo.

La intervención de Sorogoyen ha servido también para profundizar en las claves de El ser querido, una película que explora las relaciones familiares, el peso del pasado y la dificultad de la reconciliación. El director ha explicado que, tras el éxito de As bestas, él e Isabel Peña querían alejarse de ese universo para construir una historia mucho más íntima. “Queríamos alejarnos de As bestas y llevar otro enfoque, donde no hubiese muertos ni asesinatos, y acercarnos a un mundo que nos interpelara de una manera más íntima”, ha explicado el cineasta.

Según Sorogoyen, la idea comenzó a tomar forma a partir de una conversación en una comida, donde empezaron a hablar sobre padres, hijos e hijas. “Vimos que ahí había una historia interesante. Estaba Javier Bardem, y pensamos que podía ser el padre de Victoria Luengo. Empezamos a imaginar esa relación, esa familia disfuncional, y un año después coincidimos con Bardem en Cannes. A partir de ahí le interesó el proyecto y el proceso de escritura fue muy bonito”, recuerda el director de cine.

El ser querido narra la historia de Esteban Martínez, un prestigioso director de cine interpretado por Javier Bardem, cuya carrera está marcada tanto por el éxito como por un pasado de violencia y excesos. Cuando decide ofrecer un papel protagonista a su hija Emilia, interpretada por Victoria Luengo, bajo el pretexto de impulsar una carrera profesional estancada, ambos se ven obligados a convivir durante el rodaje de una película. Esa cercanía termina reabriendo viejos conflictos familiares que nunca llegaron a resolverse.

Por su parte, Bardem ha explicado que aceptó el proyecto por la solidez de la historia y por las ganas que tenía de trabajar con Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña. “Me interesan las buenas películas, y esta está muy bien contada. Entre los guionistas, el director y nuestra ayuda como actores se consigue una emoción y una transparencia de los conflictos humanos que resulta abrumadora”, señaló el intérprete.

Relaciones familiares ‘infumables’

El actor ha destacado además que la película aborda una realidad reconocible para muchas familias. “Hay relaciones entre padres e hijos que son infumables”, ha afirmado. “Tenía muchas ganas de trabajar con Rodrigo e Isabel. Sabía que hacen un trabajo muy interesante con los actores y que tienen mucho gusto y delicadeza, también en el montaje. Me sentía seguro y protegido”, ha añadido Bardem.

El largometraje supone el regreso de Sorogoyen a la dirección de cine cuatro años después de As bestas, la película que se convirtió en uno de los mayores éxitos del cine español reciente tras conquistar nueve premios Goya, entre ellos los de mejor película y mejor dirección. Antes, el realizador madrileño ya había consolidado una trayectoria marcada por títulos como Que Dios nos perdone, El reino, Madre o Stockholm, obras en las que ha explorado con frecuencia la violencia, las relaciones de poder y los dilemas morales desde una puesta en escena de gran intensidad.

La presentación de El ser querido llega después de su estreno mundial en el Festival de Cannes, donde la película compitió por la Palma de Oro y recibió una notable acogida por parte de la crítica internacional. Tras su paso por el certamen francés, la producción inicia ahora su recorrido en España antes de llegar a las salas de cine el próximo 26 de agosto. Durante la rueda de prensa también han participado Victoria Luengo, Raúl Arévalo y Melina Matthews, quienes compartieron impresiones sobre el proceso de rodaje y la construcción de unos personajes marcados por la culpa, la memoria y los vínculos familiares. Junto a ellos estuvieron presentes Isabel Peña, Clara Gavilán, en representación de Movistar Plus+, y los productores Eduardo Villanueva y Nacho Lavilla, de Caballo Films.

La proyección de El ser querido pone el broche final a la 16.ª edición del Atlàntida Mallorca Film Fest, celebrada entre el 24 de julio y el 2 de agosto y que ha reunido en Mallorca más de 300 invitados y un total de 165 títulos, la mitad de ellos estrenados por primera vez en España. Durante el festival también han sido homenajeados Alexandre Desplat, Gael García Bernal y Trine Dyrholm con el premio Masters of Cinema, mientras que el Premi Illa de Cinema ha reconocido la trayectoria del mallorquín Rafael Ruiz por su contribución a la memoria cinematográfica de Palma.

El Festival de Cine de Venecia contará con la coproducción española Búnker dentro de su sección oficial en competición por el preciado León de Oro. El filme, dirigido por Florian Zeller, es una coproducción entre Francia y España, a cargo de Mod Producciones, responsable de títulos como El Cautivo. Además, Búnker cuenta con el atractivo de ver juntos en un filme a Javier Bardem y Penélope Cruz en la que será la octava vez que trabajan juntos y la primera desde Todos lo saben, de Asghar Farhadi.

Búnker es un thriller psicológico donde ambos dan vida a un matrimonio. Él (Bardem) es un arquitecto que acepta un proyecto moralmente ambiguo —construir un búnker de supervivencia para un multimillonario tecnológico—, mientras que su esposa (Cruz) comienza a cuestionar su matrimonio tras 17 años juntos. Completan el reparto Stephen Graham, Patrick Schwarzenegger, Paul Dano y Mark Gatiss.

También opta al León de Oro y también con producción española lo nuevo de Nanni Moretti, que cuenta con la participación de las españolas Bteam Prods e Irusoin. Sucederá esta noche es el regreso del cineasta, que ganó la Palma de Oro por La habitación del hijo y que en esta ocasión cuenta con Louis Garrel y Jasmine Trinca como protagonistas. Desde finales de los 80 Mortetti no visitaba el Lido, debido a su habitual presencia en Cannes.

Será uno de los platos fuertes de una Mostra llena de estrellas. Empezando por sus dos leones de Oro honoríficos, que se entregarán a George Clooney y a Ellen Burstin, pero siguiendo por su sección oficial, que un año más parece diseñada para actuar como plataforma de lanzamiento para aquellos títulos que quieran optar a algo en la temporada de premios que culminará en los Oscar.

Entre ellas destaca el nuevo trabajo de Martin McDonagh, habitual de Venecia, y de los premios. Aquí presentó Tres anuncios en las afueras y Almas en pena de Inisherin. Por ambas se llevó el premio al Mejor guion y ambas acabaron nominadas a los premios de la Academia de Hollywood. Ahora estrenará Wild Horse Nine, una de las apuestas fuertes del cine anglosajón y que cuenta con John Malkovich, San Rockwell y Steve Buscemi al frente de una historia ambientada poco antes del golpe de Estado chileno de 1973, cuando unos agentes de la CIA son enviados desde Santiago a la Isla de Pascua por su jefe de oficina.

Robbert Pattinson será otra de las estrellas más esperadas gracias a Primetime, de Lance Oppenheim, producida por él junto a A24; igual que las hermanas Rooney y Kate Mara, que dan vida a dos hermanas en el regreso de Werner Herzog con Bucking Fastard. A las cinco películas italianas se una la fuerte presencia del cine francés y el siempre dominio del cine anglosajón. Pero también habrá hueco para autores como Lee Chang Dong, que presentará una de las películas más esperadas por los cinéfilos, Possible Love. O para Koreeda, que adapta un manga en Look Back.

De las 20 películas de Sección Oficial, solo una está dirigida por una mujer, demostrando el poco cuidado del equipo de Alberto Barbera en la paridad. Se trata de Kvinde Ukendt, de May el-Toukhy.

Además de estos 20 títulos, Venecia ha anunciado muchísimas obras que irán en sus secciones fuera de concurso, como lo nuevo de Paul Schrader, además de documentales que pondrán su mirada en los asuntos políticos más candentes. En ese sentido, se espera con ganas el filme sobre Elon Musk que ha dirigido Alex Gibney, así como el que ha realizado Laura Poitras sobre los asesinatos del ICE.

El actor español Javier Bardem, que ha estado presente en los dos últimos partidos de la selección española en el Mundial de fútbol que se celebra en norteamérica en Los Ángeles y en Dallas, ha hecho público en sus redes sociales un extenso mensaje en el que defiende una España “plural y progresista” en la que “cabemos todos”.

Tras la victoria de España frente a Portugal en octavos de final por 0 a 1 en la que se le vio disfrutar del fútbol en uno de los palcos del estadio de Dallas ataviado con la camiseta de La Roja, Bardem ha querido lanzar un mensaje a aquellos que “buscan imponer una única forma de entender el país”, y después de haber recibido críticas por parte de un digital de derechas por “no vestir la camiseta de la selección” en el encuentro frente a Austria, donde ondeó una bandera de Palestina, pero sí haber utilizado la del PSG en un partido en París.

Ahora, Bardem no solo se ha vestido una vez más con la camiseta que ha considerado, sino que ha aprovechado para defender una visión de España que es radicalmente opuesta a la de sus críticos. “En esta España de colores tan vivos cabemos tod@s”, arrancaba su mensaje en una publicación en su cuenta de Instagram, en la que abiertamente defendía “la España plural y progresista que no teme a su propia diversidad, sino que la convierte en su mayor fortaleza”.

El oscarizado actor español defendió una España donde “todas las personas, con independencia de su origen, lengua, cultura, identidad sexual o creencias, puedan sentirse parte de un proyecto común basado en la igualdad, la justicia social y el respeto mutuo” y que esta sea un lugar “consciente de que su historia, su riqueza cultural y su diversidad territorial no son una amenaza, sino uno de sus mayores patrimonios”.

Javier Bardem defendió el ser progresista como una creencia en que el progreso social “nunca está definitivamente conquistado” y basada en la defensa de una educación pública de calidad, una sanidad universal, el acceso a una vivienda digna o la igualdad entre mujeres y hombres. También hizo referencia a la protección de las minorías, la lucha contra la discriminación o a la defensa de un modelo de desarrollo compatible con la justicia social y la sostenibilidad ambiental.

“Es la España plural y progresista que apuesta en la democracia, en la cultura como herramienta de libertad y en la capacidad de la sociedad para construir consensos sin renunciar a la diversidad de opiniones”, añadía Bardem. Y también hacía una breve mención a sus críticos: “El patriotismo más sólido no consiste en imponer una única forma de entender el país, sino en trabajar para que todas las personas puedan vivir con dignidad, libertad e igualdad de oportunidades”.

Y concluía: “Esa es la España que merece ser defendida: una España abierta, inclusiva, cultural y socialmente fuerte y profundamente democrática. Esos son los colores que nos enorgullecen a las españolas y a los españoles”.

Javier Bardem debutará en el teatro a finales de este año. El actor, ganador del Oscar y uno de los mejores intérpretes a nivel internacional, nunca se había subido a las tablas en toda su carrera. Pero, a sus 57 años y en un momento profesional pletórico, con el estreno de El ser querido programado para finales de agosto, el intérprete ha decidido quitarse la espinita del teatro.

Lo hará a las órdenes de un amigo, a la par que su maestro. Se trata de Juan Carlos Corazza, encargado de dirigir a Bardem en ¡Chéjov, Chéjov!, un espectáculo creado a partir de una selección de obras breves, cuentos y escritos de Antón Chéjov y que se representará en el Espacio Zafra Teatro del 5 de noviembre de 2026 al 31 de enero de 2027, con funciones de jueves a domingo.

Al lado de Bardem un elenco que tiene algo en común, y es que todos fueron alumnos de Corazza, uno de los profesores de interpretación más prestigioso del cine y el teatro de nuestro país. Alicia Borrachero, Rafa Castejón, Ben Temple y Manuela Velasco se unirán a Bardem.

“Con sencillez, humor y brevedad, Chéjov mira lo humano sin juicios, con ternura, profundidad y compasión”, señala Juan Carlos Corazza en una nota de prensa en la que subraya que “gracias a Chéjov, al público y a esta compañía, el teatro vuelve a ser un espacio para reunirnos, soñar y comprendernos”.

Corazza firma la adaptación y la dirección del espectáculo y comparte el diseño del espacio escénico con Javier Ruiz de Alegría, responsable también de la iluminación. El vestuario y el atrezzo son de Pier Paolo Álvaro y Roger Portal (AAPEE), mientras que el equipo artístico se completa con Betina Waissman en la preparación corporal, Leticia Santa Fe en la preparación vocal, Anastasia Kostyuchek en la asesoría de ruso (Instituto Ruso Pushkin de Madrid) y Leanne Maksin y Laura López como ayudantes de dirección, con Vadim Yukhnevich en la dirección musical y al acordeón, y Andrea Szamek al violín.

El cine español ha vuelto a hacer historia en la 79ª edición del Festival de Cannes, y lo ha hecho con un marcado acento extremeño. Pepa Gracia, natural de Puebla de la Calzada, ha desembarcado en el Grand Théâtre Lumière como parte del reparto de ‘El ser querido’, el esperado largometraje de Rodrigo Sorogoyen que compite por la Palma de Oro. La cinta, que se presentó el pasado 16 de mayo, recibió una de las acogidas más calurosas del certamen, con una ovación en pie que se prolongó durante ocho minutos y que sitúa a la producción como una de las grandes favoritas de la crítica internacional.

En este drama de madurez, Pepa Gracia interpreta a uno de los personajes integrándose en un elenco de primer nivel que encabeza Javier Bardem y Victoria Luengo. La película explora la compleja y a veces tóxica relación entre un aclamado director de cine y su hija actriz durante un rodaje en Fuerteventura, un marco de “cine dentro del cine” donde Gracia aporta la solidez de una intérprete formada en la constancia y el rigor escénico. Para la actriz poblanchina, esta presencia en Cannes no es un golpe de suerte, sino el resultado de un compromiso inquebrantable con el oficio que comenzó en su Extremadura natal.

La trayectoria de Gracia es un ejemplo de cómo el talento regional puede escalar hasta la cima de la industria cinematográfica europea. Hija de Teodoro e Isabel, y formada inicialmente en el colegio Nuestra Señora de la Encarnación de Puebla de la Calzada, Pepa creció rodeada de teatro gracias a la influencia de su padre. Aunque sus estudios oficiales la llevaron a diplomarse en Turismo en Cáceres, su vocación artística la impulsó a una formación de más de veinte años que incluye pasos por el Centro Andaluz de Teatro en Sevilla, la École des Sables en Senegal y el laboratorio de José Carlos Plaza en Madrid, a quien considera su gran maestro. Su “bautizo” profesional no pudo tener un escenario más emblemático: el Festival de Teatro Clásico de Mérida, donde debutó con la obra ‘Edipo Rey’ bajo la dirección de Juan Margallo.

En los últimos años, su rostro se ha hecho habitual tanto en la gran pantalla como en las principales plataformas de streaming. Ha participado en películas destacadas como ‘Objetos’, ‘Fatum’ o la aclamada ‘Te estoy amando locamente’, además de formar parte de series de éxito como ‘La Unidad’, ‘La Otra Mirada’ o ‘Feria’. A pesar de este currículum ascendente, Pepa Gracia mantiene una filosofía de trabajo basada en el esfuerzo diario, huyendo de la mitificación de la fama y reivindicando el escenario como el lugar donde realmente se siente libre.

Su paso por la alfombra roja de Cannes representa no solo un hito personal, sino un orgullo para las Vegas Bajas del Guadiana. La presencia extremeña en la sección oficial de Cannes, en un año en el que el cine español ha logrado una representación histórica con tres películas en competición, subraya la madurez de una generación de intérpretes que, como Pepa Gracia, llevan sus raíces por bandera mientras conquistan los templos del cine mundial. Tras su estreno mundial en Francia, el público español tendrá que esperar hasta el próximo 26 de agosto para ver su trabajo en salas comerciales.

Javier Bardem tiene algo de su personaje en El ser querido, y es que cuando entra en una habitación una fuerza magnética hace que todos se giren. Es una energía, un carisma… algo que se tiene o no se tiene. Lo demostró una vez más cuando atendió la prensa española en el Festival de Cannes, a pocas horas de que paseara por la alfombra roja del certamen junto a Rodrigo Sorogoyen y su compañera de reparto, una Victoria Luengo que se mide de tú a tú con él y que no se achanta a su lado. Tampoco en las entrevistas.

Ambos forman una dupla única en pantalla, donde dan vida a un director y a una actriz que son padre e hija y que hace 13 años que no se ven. También fuera de ella. Ambos se encuentran tranquilos, disfrutando de ese momento histórico del cine español. “Viviéndolo en presente”, dice Luengo, y añade Bardem que esto que está pasando “hay que celebrarlo”. “Por mucho que le pese a una parte de la sociedad, lo que está pasando este año habla mucho de la importancia de apoyar un cine que da tanto trabajo y que da ganancia”, añade. “Marca España”, apostilla su compañera.

El actor llega a Cannes después de su presencia en los Oscar, donde se atrevió a hacer lo que pocos, decir en la noche del cine de Hollywood, “no a la guerra y palestina libre”. El primer día de certamen, Paul Laverty le daba las gracias por decir algo que en el cine de EEUU puede colocarle en listas negras. Bardem asegura que aunque no tiene “pruebas de cosas concretas” en ese sentido, sí que oye y le llegan cosas. “Rumores de cosas que han pasado, pero si supiese a ciencia qué, lo hubiese dicho. Porque eso es lo que está cambiando ahora. Ya hay valor para denunciar cuáles son las empresas, las productoras o los individuos que están haciendo eso”, asevera.

Para Bardem “la narrativa está cambiando, ya no la controlan ellos”. “Ahora las nuevas generaciones se echan a la calle y dicen que esto no es posible. Esto antes no sucedía. Dentro de eso, evidentemente hay riesgo. Soy consciente de ello, yo lo tomo porque tengo una posición privilegiada. Tengo un panorama laboral delante de mí que no se está viendo afectado, sino todo lo contrario, me están llamando aún más, incluido en EEUU, porque saben que ahora si hacen lo contrario, apoyar el silencio, apoyar la neutralidad, apoyar la cancelación, la agresividad que han estado a veces haciendo gala algunas personas o algunas empresas, quedan muy expuestos. Y eso es ya una gran victoria. Evidentemente hay riesgos, pero yo prefiero tomarlos porque puedo tomarlos”, añade.

Pero también anima a que el resto lo haga: “Aquellos que no quieran tomarlos aunque puedan tomarlos, me parece que son cobardes. Aquellos que no puedan tomarlos porque no tienen la capacidad de poder trabajar porque están empezando, yo lo entiendo. Pero hay cosas en donde la neutralidad ya no es posible. No creo que sea una opción en el momento en el que estamos. Donde estamos viviendo muchísimas atrocidades. Creo que lo que sucede en Gaza y en Palestina nos representa mucho a nivel humano, porque es de una mezquindad, de hipocresía institucional, política, económica, y al mismo tiempo de un nivel de inhumanidad que representa a todos los grandes conflictos que suceden en este mundo. Además lleva muchísimas décadas sucediendo. Es importante si puedes alzar la voz, y yo desde aquí animo a los que no lo hacen, que sepan que que hay muchísima gente que están apoyando laboralmente a aquellos que toman la decisión de hablar públicamente”, zanja.

Masculinidad y relato

El ser querido es una película que enmarca esa posibilidad de reencuentro en medio de un rodaje. Y es ahí, en medio de esas tensiones, donde salen dos de los temas que atraviesan la película: la masculinidad y el relato. La masculinidad de un director que Rodrigo Sorogoyen e Isa Peña definen como “un animal enjaulado”. Alguien que está intentando hacerlo bien, que se dice “que ya no es la persona que era, que se va a esforzar por cambiar”. “Ese es su relato”, explica Isabel Peña al lado de Sorogoyen.

El director deja claro que, aunque se nutren de sus experiencias, él no es como Esteban. No tiene ese animal que estalla cuando alguien no toma la sopa en una escena cómo a él le gustaría que la tomaran. Peña añade que hay mucha memoria de sus experiencias en rodaje. “Y también muchas historias que hemos escuchado de otros personajes que se parecen más a Esteban y que pueblan nuestra industria”, apunta.

Un rodaje es piramidal. Un señor que da órdenes y los demás las siguen. Eso puede dar pie a muchas equivocaciones y mucho abuso de poder

Javier Bardem — Actor

Bardem cree que los rodajes son “lugares muy poco democráticos”. “Un rodaje es piramidal. Un señor que da órdenes y los demás las siguen. Eso puede dar pie a muchas equivocaciones y mucho abuso de poder. Es verdad que en mis 30 y tantos años en esta profesión algunas cosas he visto, no hasta el nivel que se cuenta en la película, pero sí situaciones desagradables de directores y actores o productores que crean un ambiente difícil. También me incluyo yo. Yo también he tenido momentos donde me he puesto muy cabrón. Porque me he puesto nervioso, porque he estado enfadado, porque tengo un mal día y de pronto, el hecho de ser el actor principal de ese día, me da un teórico poder que a no ser que seas consciente de ello, puede ser peligroso. Yo creo que fui consciente y pedí perdón después, pero se dan las situaciones idóneas para que se crea una situación de abuso. Dicho esto, en un set de cine y en cualquier ambiente laboral donde haya”, subraya.

Luengo añade que hay algo que ha cambiado en estos años, y que la clave es que todos los periodistas mencionan un término “el de masculinidad tóxica”. “La peli pone el foco también en que estamos evolucionando, en que estamos mejor y en que ahora, por ejemplo, hay muchas mujeres en esta película que ponen un límite al director. También es bonito poner el foco en que estamos mejorando. Pensaba antes que si esta película la hubiéramos visto hace diez años, no sé si hubiéramos hablado tanto de masculinidad tóxica, y el hecho de que ahora habléis de ello, creo que es una buena señal. Porque nosotros no hemos hecho una película sobre la masculinidad tóxica, hemos hecho una película sobre un padre y una hija que se relacionan de una manera que es consecuencia de años de educación patriarcal y evidentemente machista que hemos recibido. Me gusta mucho que hablemos de masculinidad tóxica porque significa que las cosas han cambiado y que el punto de vista sobre una relación paterno filial se puede leer como tóxico, cuando antes simplemente se hubiera leído como una relación que no va bien”, completa.

El público dibuja un colorido manto de melfas frente a la pantalla que está punto de apagarse hasta el año que viene. Sobre las enormes alfombras desplegadas en la arena árida del campamento de refugiados saharauis de Auserd (Tindouf) apenas queda un hueco libre y las siluetas aplauden tras escuchar el nombre de la película ganadora del Festival de Cine del Sáhara Occidental (FiSahara): Todo lo que fuimos. En el camión, convertido en el epicentro de cinco días de proyecciones, aparece por sorpresa la imagen de Javier Barden, uno de los productores ejecutivos del filme, habitual aliado de la causa saharaui siguiendo la estela de su madre, Pilar Bardem. 

Su rostro irrumpe en medio del desierto argelino, ante la mirada de decenas de refugiados saharauis y visitantes internacionales, para agradecer el galardón y dedicar unas palabras a quienes acumulan 50 años de espera en el exilio tras la ocupación marroquí de la excolonia española. Todo el público estaba pendiente de sus palabras, pero él solo se dirigía a los protagonistas de este particular festival: “Seguimos con vosotros”, arrancó tras una emotiva presentación del también actor Willy Toledo, quien durante los últimos días ha tratado de hacer posible la presencia en remoto de Bardem.

“Pese al abandono de todos los gobernantes de España, incluido Pedro Sánchez, que en el año 2022 volvió a abandonar al pueblo saharaui con esa traición (en referencia al cambio de posición de su Gobierno sobre el Sáhara Occidental)”, continuó Bardem. “El hecho de que este festival exista recuerda que estais y que nosotros somos vuestros hermanos. España es la potencia administradora del Sáhara Occidental y los españoles tenemos que cuidar de vosotros”, añadió, respondido por un aplauso en su mención a la responsabilidad de España en el proceso de descolonización inconcluso. 

“Sois un ejemplo de dignidad y tenéis a toda la sociedad española al lado. A toda. Los gobernantes no nos representan”, ha afirmado Bardem, quien ha afirmado sentirse “emocionado” durante la conexión en directo con el desierto argelino, que logra realizarse pese a las dificultades de conexión ligadas a las condiciones del campo de refugiados. 

Según la ONU, España sigue siendo la potencia administradora del Sáhara Occidental, por no haber finalizado el proceso de descolonización tras la ocupación marroquí y el abandono por parte de España de su excolonia en los Acuerdos Tripartitos de Madrid, ilegales a ojos de las Naciones Unidas, firmados durante los últimos coletazos del franquismo. 

La cinta ganadora, Todo lo que fuimos, es un drama épico dirigido por Cherien Dabis que relata la historia de una familia palestina a través de tres generaciones, en un recorrido desde la Nakba de 1948 hasta la década de 2020. Bardem ha sido un firme defensor de la causa palestina y ha denunciado públicamente la situación en Gaza, alineándose con el mensaje de la película vencedora en la última edición del FiSahara, que este año ha reivindicado el derecho al regreao del pueblo saharaui a su tierra, coincidiendo con el 50 aniversario de la creación de la República Árabe Saharaui Democrática (RASD). 

El segundo puesto del galardón fue para el filme Mariem, dirigido por Javier Corcuera sobre la cantante saharaui Mariem Hassan. En tercer lugar, La recompensa, de Aicha Chej Blal.

Por si parte, el Premio Eduardo Galeano de Cine y Derechos Humanos fue para el documental La canción sami de supervivencia.

Más de un millar de personas procedentes de una veintena de países y de los distintos campamentos saharauis (wilayas) en el desierto argelino se han reunido durante los últimos cinco días bajo el lema Caminando a nuestra tierra: La esperanza radical del retorno, que pone el foco en el derecho internacional al retorno de los pueblos indígenas.

Para finalizar, el violín de Ara Malikian acompañó a un público que sabe lo que significa esperar. El músico, de origen libanés y ascendencia armania, creció durante la guerra civil de Líbano y encontró en la música una forma de seguir adelante, un punto en común con los refugiados saharauis con los que ha convivido casi una semana. Durante el concierto, y en tantas otras actividades, el festival cumplió su promesa: convertir un lugar marcado por el exilio en un espacio donde, al menos por unas horas, la espera se hiciese algo más llevadera, mientras el foco ha alumbrado más que de costumbre al olvidado pueblo saharaui.

Recuperamos un episodio que está (por desgracia) vigente. Hace tres años se cumplía el 20 aniversario de la gala de los Goya que reivindicó el ‘No a la guerra’ contra la guerra de Irak. Hoy, en 2026, ese grito sigue teniendo mucha actualidad en torno a la guerra de Irán. 

Escuchamos a los actores Alberto San Juan y Juan Diego Botto, dos voces que vivieron aquella gala del ‘No a la guerra’ en primera persona. Y hablamos con Javier Zurro, periodista experto en cine de elDiario.es.

 *** Este episodio se emitió por primera vez el 9 de febrero de 2023 ***

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Acompañamos al periodista de elDiario.es Javier Zurro a la gala de los Oscar. Nos cuenta desde dentro una ceremonia en la que la película ‘Una batalla tras otra’ fue la gran ganadora y en la que la española Sirat, que estaba nominada a dos estatuillas, se volvió a España de vacío. Conocemos un sistema de seguridad férrea, un entorno en el que no se puede grabar pero donde hay muchas curiosidades que conocer. Nos lo cuenta, a su vuelta a España, nuestro compañero… ya que además, para él, era la primera vez en la que como periodista cubría los premios Oscar.

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“No a la guerra y Palestina libre”. Así de contundente se ha mostrado Javier Bardem en la gala de los Oscar, a los que ha acudido con la mítica insignia del 'No a la guerra'. Se trata de exactamente la misma pegatina que la popularizada en 2003 para condenar la invasión de Irak liderada por EEUU. En esta ocasión, el actor ha acompañado la insignia del dibujo de Handala, un personaje de viñeta que continúa siendo uno de los símbolos más poderosos de la causa palestina, de los refugiados y de resistencia ante la injusticia.

“Tengo muchas ganas de que la gente no tenga miedo y hable, que diga lo que tenga que decir estemos o no de acuerdo”, ha declarado Bardem a Movistar Plus+ antes de subir al escenario para presentar la categoría de Mejor película internacional. “Se puede pertenecer a este circo y al mismo tiempo ser ciudadano y denunciar lo que uno cree que es importante. Por eso estoy aquí, para demostrar que se debería poder hacer ambas cosas”, ha agregado.

El intérprete, que ha acudido a la noche más importante de Hollywood como presentador de una de las categorías, no ha querido perder la oportunidad de reivindicar la lucha del pueblo palestino. El personaje de su pin, Handala, fue creado en 1969 por el caricaturista político Naji al-Ali, y tomó su forma actual en 1973. Este dibujo se convirtió en la firma de las caricaturas de Naji al-Ali y actualmente es un símbolo de la identidad y resiliencia de Palestina.

Esta no es la primera vez que Javier Bardem aprovecha su altavoz y plataforma en una gala de premios. En septiembre del año pasado, el actor acudió a los Emmy con una kufiya palestina. “Tenemos que llamar al bloqueo diplomático con Israel”, declaró en aquel entonces Bardem, que estaba nominado en los principales premios de televisión en EEUU y utilizó de nuevo la alfombra roja para volver a mostrar su rechazo al genocidio.

Bardem no ha sido el único que ha asistido a los Oscar dispuesto a lanzar un mensaje reivindicativo. Oliver Laxe, que representa a España con la película Sirat, también ha posado en la alfombra roja con un pin de apoyo a Palestina. El director ha lucido una sandía, que es también un símbolo de resistencia y solidaridad palestina, adoptado tras la Guerra de los Seis Días en 1967, cuando Israel prohibió la bandera palestina en los territorios ocupados.

Este domingo se ha celebrado en Los Ángeles una gala de los Oscar 2026 en la que la española Sirat de Oliver Laxe optaba a dos galardones, pese a que no ha podido llevarse ninguno. Los pecadores llegaba como la cinta con más nominaciones en la historia de los Oscar, optando a 16 estatuillas, pero, tras su contundente victoria en los Globos de Oro, Una batalla tras otra de Paul Thomas Anderson ha sido la gran triunfadora de la noche, alzándose con el premio a la mejor película.

Un hombre entra en un restaurante. Se sienta. Espera nervioso a que entre su acompañante. El hombre tiene el rostro de Javier Bardem. La joven que entra es Victoria Luengo. Ambos dan vida a un padre y a una hija que hace 13 años que no se ven. Él es director de cine. Ella, una actriz que sobrevive trabajando en un bar esperando una oportunidad para demostrar su talento. Él ha vuelto de Nueva York para rodar una película sobre el Sáhara en los años 30 y quiere que ella interprete el papel principal.

Pero hace mucho tiempo que no se ven. Y hay muchas cosas que no se han dicho. Esa comida, ese exacto momento en el que se encuentran, es la primera vez que ambos vuelven a verse. Hay reproches. Rencor. También esperanza. No se miran a los ojos, se esquivan. Hay incomodidad hasta para decidir lo que piden en el restaurante donde él quiere unas verdinas que no están en la carta. 

Son 18 minutos de conversación. Tensa. Con un ritmo que podría ser de thriller. La cámara se centra en sus dos rostros. El de un Bardem que promete estar más desnudo que de costumbre, y el de una Victoria Luengo que no se achanta ante el talento del que tiene al lado. Esa es la escena con la que comienza El ser querido, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen, que ya tiene listo su montaje y de la que ha enseñado su comienzo a un grupo reducido de periodistas. Sorogoyen, que tras la proyección dio algunas claves sobre la película que las apuestas y quinielas dicen que se verá en Cannes. 

A Sorogoyen le “gustaba mucho la idea de empezar con estas dos bestias de la interpretación”. “Es una película en la que son los dos protagonistas absolutos, y me gustaba que hubiera algo muy opresivo y, sobre todo, que los escorzos de ambos taparan a la otra persona, que no se dejasen ver, que la presencia de uno estuviera muy presente en la vida del otro”, dice de su puesta en escena de un filme que, como Sirat o Los domingos, recientes ganadoras del Goya, es un original de Movistar Plus+ y que, además, cuenta en su reparto con Raúl Prieto, Raúl Arévalo, Melina Matthews y Marina Foïs.

Una comida real para 18 minutos

Sorogoyen explicó cómo se rodó la escena y, al escucharle, uno entiende el resultado y que haya empezado con semejante terremoto interpretativo. Lo primero que decidió es que “Victoria Luengo y Javier Bardem no se vieran antes de rodar esta escena, con todos los riesgos que eso entrañaba”. Sus personajes hace años que no se ven, y quiso intentar emular esa separación “de la manera más realista posible”.

Ellos se habían conocido en una ocasión antes de este proyecto y, una vez confirmaron su participación, se reunieron con Sorogoyen y su coguionista, Isabel Peña, en un par de ocasiones, pero entre seis y ocho meses antes de rodar esa escena. “Durante esos meses les prohibimos verse. Y yo lo que hice fue ensayar con cada uno por su lado y crear una biografía, todo eso que no está en el guion, todos sus recuerdos”, cuenta. Ahí entran varios de los temas que cree que vertebran El ser querido: “El relato y la memoria”. Crearon recuerdos de los mismos acontecimientos, pero diferentes para cada uno de ellos, porque el recuerdo de cada personaje de esa misma situación es completamente distinto.

Una apuesta “bastante radical” para un primer día de rodaje, que se complicaba con la forma que decidió para rodarla. Lo que el espectador va a ver, esos 18 minutos, son parte de una toma de una hora y media que se rodó sin cortes. El encuentro entre ambos personajes en esa comida es literal, y fue una comida en un restaurante en el que escondieron las cinco cámaras que usaron para que no supieran nunca qué se estaba rodando. 

“Lo que hicimos fue rodar una hora y media, desde que Javier entra y luego ella, toda esa conversación, hasta que se van. No había nadie del equipo en el restaurante, estaban microfonados desde antes”, dice Sorogoyen con una sonrisa pícara. Bardem entró a ese lugar y no vio ni una cámara, ni un técnico. Nada. Se enfrentó a su escena a pelo. Sin artificios. Igual que Victoria Luengo. De esa hora y media había cosas pactadas. “Sí que había diez páginas de guion que tenían que decir, que evidentemente es lo más importante, lo más fundamental de la escena. Pero todo lo que no son esas diez páginas, es todo improvisado. Yo con Vicky pacté unas cosas y con Bardem otras”, explica.

De ahí que los nervios de ese reencuentro sean tan reales, y que Sorogoyen lo califique como “oro”. Todo lo demás, desde qué piden de la carta, cómo reaccionan a lo que comen o beben, es todo su creación in situ. El resultado fue tan potente que, aunque en el guion había tres escenas anteriores, se quitaron para comenzar la película de una forma “contundente”.

La sombra de 'Valor sentimental'

El ser querido es, al final, una historia del intento de reconciliación entre un padre director de cine y una hija actriz, y solo en esa sinopsis ya hay un recuerdo de una película demasiado reciente, Valor sentimental, cuya trama se parece mucho. Sorogoyen aclara que son “dos películas completamente diferentes”, pero con su honestidad habitual ha contado cómo les “afectó muchísimo” cuando se enteraron de que Joachim Trier estaba rodando una película con una sinopsis parecida.

“Todo fue un drama, sobre todo para Isabel y para mí. Pero te estoy hablando de hace dos años. Nos ha dado tiempo a aceptarlo. Yo ahora lo veo como algo muy divertido, lo veo como algo muy natural y que ha pasado en la historia del cine tantas veces que te estalla la cabeza”, analiza. Una vez vista la de Trier, asegura que son distintas y cree que incluso va a ser divertido para el espectador ver esas diferencias.

La principal ya la avanza él: “Nuestra película es el rodaje; la de ellos acaba con el rodaje. Es la principal diferencia en cuanto a trama. Pero, además, el espíritu y el tono son totalmente distintos. Ahora mismo no estamos afectados. Pero no te voy a negar que sí, que fue un shock”. De momento, puede que ambas comiencen su carrera en el mismo sitio, el festival de Cannes. Ojalá el viaje de El ser querido sea igual de exitoso que el de la película de Trier, que ha terminado optando a nueve premios Oscar.

René Pérez Joglar, conocido por su nombre artístico Residente, debutará en el cine como director con la película Porto Rico, un wéstern caribeño épico y drama histórico con un reparto que incluye nombres como Bad Bunny y Javier Bardem. Junto a Benito Pérez Ocasio y Bardem también participarán Viggo Mortensen (Promesas del este, Captain Fantastic, Green Book) y Edward Norton (American History X, Birdman, Un completo desconocido), que protagonizarán una película que aún no ha anunciado a todo su elenco.

Coscrita entre Residente y el guionista ganador del premio Oscar Alexander Dinelaris (Birdman), Porto Rico pretende combinar una narrativa histórica de gran escala con un enfoque visceral y lírico, en una historia que está inspirada en hechos reales. El rapero es una de las voces más influyentes de la cultura puertorriqueña y latinoamericana contemporánea, por lo que este largometraje marca la realización de un sueño de toda la vida para el artista.

“He soñado con hacer una película sobre mi país desde que era niño. La verdadera historia de Puerto Rico siempre ha estado rodeada de controversia”, ha expresado Residente. “Esta película es una reafirmación de quiénes somos, contada con la intensidad y la honestidad que nuestra historia merece”, ha agregado el rapero.

Por su parte, Norton ha explicado por qué ha decidido producir este proyecto: “Esta película se inscribe en una tradición de filmes que amamos profundamente, desde The Godfather hasta Gangs of New York, que nos impactan con un drama visceral y personajes y épocas icónicas, pero que también nos obligan a confrontar la historia en la sombra que subyace bajo la narrativa estadounidense del idealismo”.

“Todo el mundo conoce a René como un poeta del lenguaje y el ritmo. Ahora también verán al visionario visual que es. Y reunirlo con Bad Bunny para contar la verdadera historia de las raíces de Puerto Rico será como una llama encontrando el cartucho de dinamita que la estaba esperando”, ha señalado Edward Norton.

Bad Bunny protagonizó la semana pasada la actuación del descanso de la Super Bowl, en la que aprovechó para hacer un homenaje a Puerto Rico y reivindicar a todos los países que conforman América. Siendo consciente de su exposición y del poder de su voz, el artista optó por hacer de nuevo alusión a sus declaraciones en los Grammy para protestar contra el ICE: “El odio se vuelve más poderoso con más odio. Lo único más poderoso que el odio es el amor. Así que, por favor, tenemos que ser diferentes. Si luchamos, tenemos que hacerlo con amor. No los odiamos a ellos, amamos a nuestra gente y amamos a nuestra familia. Y esa es la forma de hacerlo, con amor”.

Más de 80 artistas, entre los que se encuentra Javier Bardem, el guionista Paul Laverty y actrices como Tilda Swinton, han firmado una carta dirigida a la Berlinale ante la posición del festival respecto al genocidio en Palestina, un hecho que el certamen no condena desde hace años y que se ha ido enquistando en cada edición que ocurre. La carta, que ha publicado en exclusiva Variety y a la que ha tenido acceso elDiario.es, pide al certamen y a todas las instituciones que “se nieguen a ser cómplices de la terrible violencia que continúa desplegándose contra los palestinos”. 

Además, se manifiestan muy preocupados por “la participación de la Berlinale en la censura de artistas que se oponen al genocidio israelí contra los palestinos en Gaza y al papel clave del Estado alemán en permitirlo”. Hacen referencia a unas declaraciones del Instituto de Cine Palestino, que ha asegurado que el festival ha estado “vigilando a los cineastas, además de mantener el compromiso de colaborar con la Policía Federal en sus investigaciones”.

“El año pasado, cineastas que se manifestaron a favor de la vida y la libertad palestinas desde el escenario de la Berlinale denunciaron haber sido duramente reprendidos por los principales programadores del festival. Se informó que un cineasta fue investigado por la policía, y la dirección de la Berlinale insinuó falsamente que su conmovedor discurso, basado en el derecho internacional y la solidaridad, era ‘discriminatorio’”, recuerdan en su comunicado. Por ello se solidarizan con sus “colegas en el rechazo a esta represión institucional y al racismo antipalestino”.

También se refieren a las palabras del presidente del jurado, el cineasta alemán Wim Wenders, que el primer día del certamen aseguró que el cine es “lo opuesto a la política”. “No se puede separar una cosa de la otra”, opinan los artistas. “Todo esto en un momento en que conocemos nuevos y aterradores detalles sobre los 2.842 palestinos ‘evaporados’ por las fuerzas israelíes utilizando armas térmicas y termobáricas de fabricación estadounidense, prohibidas internacionalmente. A pesar de la abundante evidencia de la intención genocida de Israel, sus crímenes atroces sistemáticos y su limpieza étnica, Alemania continúa suministrando a Israel armas utilizadas para exterminar a los palestinos en Gaza”, añaden.

Ponen ejemplos de otros festivales que “han respaldado el boicot cultural al apartheid israelí, incluyendo el Festival Internacional de Documentales de Ámsterdam, el más grande del mundo, así como el Festival de Cine BlackStar de Estados Unidos y el Festival de Cine de Gante, el más grande de Bélgica”. Además, se acuerdan de los “más de 5.000 profesionales del cine, incluyendo importantes figuras de Hollywood e internacionales, que también han anunciado su negativa a trabajar con compañías e instituciones cinematográficas israelíes cómplices”.

Por ello no entienden que “la Berlinale ni siquiera haya cumplido hasta la fecha las demandas de su comunidad de emitir una declaración que afirme el derecho palestino a la vida, la dignidad y la libertad; condene el genocidio israelí en curso contra los palestinos; y se comprometa a defender el derecho de los artistas a expresarse libremente en apoyo de los derechos humanos palestinos”. “Esto es lo mínimo que puede —y debe— hacer”, zanjan.

Recuerdan que, además, Berlinale si hizo declaraciones en el pasado contra “las atrocidades cometidas contra los pueblos de Irán y Ucrania”. “Pedimos a la Berlinale que cumpla con su deber moral y declare claramente su oposición al genocidio de Israel, los crímenes contra la humanidad y los crímenes de guerra contra los palestinos, y que ponga fin por completo a su participación en proteger a Israel de las críticas y de los pedidos de rendición de cuentas”, concluyen. 

La carta ha sido firmada por actores y actrices como Bardem, Swinton, Tatiana Maslany o Tobias Menzies, además de cineastas como Nan Goldin o Adam Mckay.

Los ataques contra la relatora de Naciones Unidas para Palestina, Francesca Albanese, se han recrudecido esta semana y han provocado reacciones en su defensa de juristas, artistas, escritores y organizaciones de derechos humanos internacionales.

La Oficina de Derechos Humanos de la ONU, la organización Amnistía Internacional, Juristas de Francia por el Derecho Internacional, diputados y periodistas franceses, expertos y relatores de Naciones Unidas, la representación de Palestina en la ONU y más de un centenar de escritores y artistas con proyección internacional han emitido declaraciones o comunicados alertando de la tergiversación de las palabras de Albanese y pidiendo la protección de su trabajo.

Entre los escritores y artistas que firman uno de los manifiestos en defensa de la relatora de la ONU, destacan Naomi Klein, Mark Ruffalo, Residente, Susan Sarandon, Javier Bardem, Annie Lennox, Brian Eno, Judith Butler, Brian Cox, Annie Ernaux, Massive Attack, Ana Tijoux o Eric Cantona, entre otros muchos.

En su escrito, se centran en responder a las acusaciones vertidas por el ministro de Exteriores francés, Jean-Noël Barrot, quien esta semana pidió la dimisión de la relatora de la ONU, basándose en una frase atribuida a Albanese “que se hizo viral”, pero “que, en realidad, ella nunca pronunció”: que “Israel es el enemigo común de la humanidad”.

Tras esas declaraciones de Barrot, los ministros de Exteriores de Alemania, Austria y República Checa se expresaron en términos parecidos. “Esas palabras se convirtieron en una cita viral, por supuesto. Solo que ella nunca dijo eso. Barrot y sus numerosos apoyos mienten abiertamente”, señalan los firmantes de ese manifiesto de actores, músicos y escritores.

Además, subrayan que la relatora de la ONU para Palestina actúa defendiendo el derecho internacional y “los derechos de los pueblos”, mientras que el Gobierno francés ha “incumplido todas sus obligaciones legales”, al no adoptar medidas contra “un Estado [Israel] que abierta —y hasta orgullosamente— pisotea el derecho internacional”.

Tres gobiernos europeos me acusan -basándose en declaraciones que nunca hice- con una virulencia y convicción que NUNCA han usado contra quienes han masacrado a más de 20.000 niños en 858 días.

Francesca Albanese, relatora de la ONU para Palestina

También indican que Francia, “como muchos de sus homólogos europeos”, ha facilitado “apoyo político, diplomático, moral y material” a Israel, lo que “ha permitido que continúe esta masacre sin sentido”. Otros de los firmantes, además de los mencionados, son Asia Argento, Michael Barenboim, Juan Diego Botto, Cyril Dion, Peter Gabriel, Denise Gough, Yorgos Lánthimos, Mike Leigh, Miriam Margolyes, Gabor Maté, Fernando Meirelles, Laura Morante, Peter Mullan, Rosa Salazar, Yann Tiersen, entre más de un centenar.

Su comunicado recuerda que en julio de 2025 se presentó una demanda judicial contra el presidente francés, Emmanuel Macron, su ministro de Exteriores y otros integrantes del Ejecutivo francés “por complicidad en el genocidio en Gaza”. “Según el propio Ejército israelí, al menos el 83% de los muertos en la Franja de Gaza son civiles”, prosigue el escrito, en el que se acusa a Francia de no haber hecho nada para impedirlo. “Israel puede, por tanto, seguir con su obra mortífera ante nuestros propios ojos”, señalan los firmantes.

Este texto, dado a conocer este fin de semana, también se pregunta, “¿Qué hace Francia?”, ante el anuncio de una mayor anexión israelí de Cisjordania o la intención de aprobar la pena de muerte para presos palestinos. Lo que hace, indican, es “atacar a la relatora Francesca Albanese”.

La propia relatora escribió este pasado viernes, en sus redes sociales, que “tres gobiernos europeos me acusan, basándose en declaraciones que nunca hice, con una virulencia y convicción que NUNCA han usado contra quienes han masacrado a más de 20.000 niños en 858 días”, en referencia al Ejército israelí.

A nosotros, ciudadanos y artistas, todavía nos importa la verdad. Por eso ofrecemos todo nuestro apoyo a Francesca Albanese, defensora del derecho de los pueblos, incluido el pueblo palestino, a existir

Más de un centenar de actores, escritores y artistas internacionales

Los firmantes del manifiesto de artistas aclaran que “lo que la relatora dijo exactamente” fue lo siguiente:

“El hecho de que, en lugar de contener a Israel, la mayor parte del mundo lo haya armado, le haya proporcionado excusas políticas, refugio político y apoyo económico y financiero, es un desafío. El hecho de que la mayoría de los medios en el mundo occidental hayan amplificado la narrativa pro-apartheid y pro-genocidio es un desafío. Y, al mismo tiempo, aquí reside una oportunidad. Porque, aunque el derecho internacional haya sido apuñalado en el corazón, también es cierto que nunca antes la comunidad global se había enfrentado a los desafíos que enfrentamos todos. Quienes no controlamos grandes cantidades de capital financiero, algoritmos o armas, ahora vemos que nosotros, como humanidad, tenemos 'un enemigo común'.”

Sin embargo, en un vídeo posteriormente editado y manipulado—por una organización que lleva tiempo haciendo campaña contra Albanese, dirigida por Hillel Neuer— se omiten dos frases y media de sus declaraciones y se presentan sus palabras bajo el título: “La humanidad tiene un 'enemigo común' en Israel, dice Francesca Albanese”.

Ante ello, la relatora de la ONU continuó en sus redes sociales, afirmando que ese 'enemigo común' “es EL SISTEMA que permitió que ocurriera el genocidio”. “Y lo repitió: capital, algoritmos, armas”, añade el manifiesto ahora publicado en su apoyo. Dos días después, el 11 de febrero, el ministro de Exteriores francés vertió esas acusaciones contra Albanese y pidió su dimisión. Y el día 13 hicieron lo mismo sus homólogos alemán y checo.

“¿Pero qué importa la verdad?”, se preguntan los artistas firmantes. “A nosotros, ciudadanos y artistas, todavía nos importa. Por eso ofrecemos todo nuestro apoyo a Francesca Albanese, defensora del derecho de los pueblos, incluido el pueblo palestino, a existir”, subrayan.

El manifiesto finaliza con este párrafo: “Este orden internacional criminal, este sistema, no puede tener la última palabra. Se trata, simplemente, de una cuestión de supervivencia colectiva. Somos infinitamente más, en todos los rincones de la Tierra, quienes queremos que la fuerza deje de ser la ley. Quienes queremos saber qué significa realmente la palabra 'derechos'.”

La Oficina de Derechos Humanos de la ONU ha recalcado que Albanese 'no calificó a ningún Estado como enemigo de la humanidad' y ha señalado que estas campañas distraen y evitan que se ponga el foco en 'cuestiones graves de derechos humanos'

La Oficina de Derechos Humanos de la ONU también ha reaccionado en defensa de la relatora de Naciones Unidas para Palestina, recalcando que Albanese “no calificó a ningún Estado como enemigo de la humanidad”. “Los invito a ver sus declaraciones”, ha señalado la portavoz de la Oficina, Marta Hurtado, quien ha añadido que su departamento está “muy preocupado” por la escalada de “ataques personales, amenazas y desinformación” contra funcionarios de la ONU y expertos independientes. Además, esta agencia de Naciones Unidas alerta de que estas acusaciones y campañas distraen y evitan que se ponga el foco sobre “cuestiones graves de derechos humanos” en Palestina.

En un sentido parecido se han expresado varios expertos y relatores independientes de Naciones Unidas, más de un centenar de diputados franceses y organizaciones como Juristas de Francia por el Derecho Internacional. La organización de derechos humanos Amnistía Internacional también ha salido en defensa de Albanese, señalando que “es reprensible que ministros europeos hayan atacado a la Relatora Especial, Francesca Albanese, basándose en un vídeo deliberadamente truncado para tergiversar y malinterpretar gravemente sus mensajes, como queda claro al ver su discurso original en su totalidad”.

Por su parte, el director de Human Rights Watch para la Unión Europea, Claudio Francavilla, ha contestado al ministro de Exteriores italiano, Antonio Tajani, resaltando que “no movió un dedo para defender a la relatora italiana” cuando Estados Unidos anunció sanciones contra ella —un castigo que sigue vigente y que le impide acceder a sus propios ingresos económicos— y que ahora “la condena por declaraciones que no hizo, difundidas en un vídeo claramente manipulado”. “Mientras, sobre los verdaderos crímenes israelíes, [el ministro Tajani] permanece en silencio”, añade Francavilla.

Daniel Levy, analista y ex negociador de paz israelí y presidente del grupo de expertos US Middle East Project, también ha exigido disculpas al ministro de Exteriores francés y ha resaltado que “el ministro Barrot está distorsionando los hechos y tergiversando todo el trabajo” de la relatora Albanese. “Si estaba mal informado, debería retirar sus acusaciones y disculparse”, ha añadido Levy.

La relatora de Naciones Unidas para Palestina, Francesca Albanese, al igual que varios jueces y fiscales de la Corte Penal Internacional, sufre sanciones de Estados Unidos por realizar su trabajo de investigación sobre la situación en los Territorios Ocupados Palestinos. Como denunciaba hace unos días en esta entrevista realizada por elDiario.es, esto le impide acceder a sus propios ingresos, usar cuentas de correo electrónico o portales de reserva de vuelos u hoteles de empresas estadounidenses.

“Esta noche debo reconocer la situación de los periodistas en Gaza. Informar desde allí ha requerido un valor inimaginable”. El actor Javier Bardem ha alzado su voz de nuevo por Gaza, esta vez por los periodistas asesinados por Israel mientras hacen su trabajo. “Sus muertes son un devastador recordatorio de que la verdad puede ser peligrosa y de que quienes la buscan merecen protección, no persecución por parte de sus asesinos”.

Esas han sido las palabras del artista al recibir el premio al Ciudadano Global del año que reparte la United Nations Correspondents Association (UNCA) en Nueva York. Precisamente porque se trata de la Asociación de Xorresponsales de Naciones Unidas, Bardem ha comenzado su intervención haciendo un alegato en favor del periodismo: “Define nuestra comprensión colectiva y convierte el sufrimiento lejano en realidades que sentimos profundamente y que no podemos ignorar”.

Según documenta Reporteros Sin Fronteras, desde que comenzó el genocidio en Gaza al menos 210 periodistas han sido asesinados. Y, en al menos 56 casos, la organización tiene “motivos razonables” para creer que fueron “deliberadamente atacados por el Ejército israelí” por su actividad periodistíca o durante el ejercicio de la misma. Esto, según ha lamentado Bardem en su discurso, “convierte este conflicto en el más letal para los periodistas no ya en la guerra moderna, sino en toda la historia”.

“No podemos permitir que los números y las estadísticas nos arrebaten la humanidad detrás de esta tragedia. Debemos seguir compartiendo los nombres y las historias de estos valientes periodistas”, ha seguido. El oscarizado actor ha nombrado a Bilal Jadallah, asesinado por un ataque aéreo israelí, o a Roshdi Sarraj, que murió cuando un misil israelí alcanzó la casa de su familia, entre otros.

“Por eso me he asociado con el Comité para la Protección de los Periodistas para exigir acceso inmediato a Gaza para los medios internacionales y que se rindan cuentas por el asesinato de periodistas. Sin olvidar, por supuesto, a las decenas de miles de niños, mujeres y hombres inocentes”.

“No podemos ser ciudadanos globales si nos negamos a ver lo que ocurre en el mundo; y ustedes nos abren los ojos”. En este punto, Bardem ha mencionado que el periodismo también permite que la ciudadanía global pueda ver los estragos del cambio climático: “Necesitamos urgentemente justicia climática y propuestas alternativas que nos den esperanza”.

Y, antes de finalizar, ha dedicado también unas palabras para el pueblo saharaui: “En este momento crítico para ellos, necesitamos reafirmar el derecho a la autodeterminación del pueblo saharaui en el Sáhara Occidental”.

La figura de ‘Frankenstein’ ha vuelto a resucitar este 2025 de la mano de Guillermo del Toro, en una película estrenada de forma limitada en algunas salas de cine y a través de Netflix, la empresa que financió el sueño del director mexicano, que rescata así el monstruo creado por Mary Shelley en una noche de un año sin verano.

La atracción por este personaje clásico de la literatura de terror ha sido amplia en el cine, que ya se fijó en él desde sus comienzos, con dos películas de éxito como fueron ‘Frankenstein’ (1931) y ‘La novia de Frankenstein’ (1935) por parte de la Universal Pictures, que vivió una década marcada por las adaptaciones de este género.

Una década ‘dorada’ de la Universal que intentó recrear de nuevo intentando emular el éxito del Universo Cinematográfico de Marvel y DC en torno a 2010 con una serie de películas que estarían dentro del llamado ‘Dark Universe’ y que pretendía hacer remakes de los monstruos clásicos a través de historias conectadas entre sí.

Este universo cinematográfico del ‘Dark Universe’ de la Universal tenía potencial y pretendía contar con figuras de Hollywood de la talla de Tom Cruise, Russell Crowe, Johnny Depp y Javier Bardem, y que tenía en sus planes nuevas versiones de Drácula, Frankenstein, el hombre lobo o el hombre invisible.

Universal Pictures quería de esta forma recuperar el legado de haber sido el primer universo cinematográfico como tal del cine, el de los monstruos clásicos de 1930 con ‘Drácula’ y ‘Frankenstein’ como líderes, pero entre las que estaban también ‘La momia’ de 1932, ‘el Hombre invisible’ de 1933 o ‘El hombre lobo’ de 1941.

Este ‘Dark universe’ tenía pensado resucitar a estos nombres mencionados, y que incluía a Javier Bardem como Frankenstein en un remake de la famosa ‘La novia de Frankenstein’ de 1935, una película que nunca vio la luz, así como ‘el Hombre invisible’ de Johnny Depp que tampoco se llegó a materializar. Así como tampoco cuajaron nuevas versiones de ‘Van Helsing’, ‘El jorobado de Notre Dame’ o ‘El Fantasma de la Ópera’ que también estaban en los planes.

El fracaso de Tom Cruise lo cambió todo

Universal Pictures hizo un primer intento de recuperar a sus monstruos clásicos con la película ‘Drácula, la leyenda jamás contada’ con Luke Evans como protagonista y que se basaba más en la figura histórica de Vlad El Empalador que inspiró a Bram Stoker más tarde, con una acogida del público que no fue mala y que recaudó más de 217 millones de dólares.

Esto, en 2014, animó a ir al próximo paso, el comienzo de su nuevo universo en el que arrancó con el reboot de ‘La momia’ en 2017, sin comedia ni aventuras, más enfocada en terror con Tom Cruise como Nick Morton, militar que despierta sin quererlo a una momia del antiguo Egipto, y que mezcla con Dr. Jekyll, interpretado por Russell Crowe.

A pesar de que recaudó más de 400 millones de dólares, su presupuesto cerca de 200 millones de dólares más el marketing que se hizo, llevó a pérdidas al estudio, a lo que se unió crítica negativa de público y medios que se tildó de fracaso y que hizo que Universal Pictures descartara desarrollar su ‘Dark Universe’ en 2019. Esta idea solo ha quedado en su nombre dentro de la sección de terror de los parques de atracciones de la Universal en Orlando.