La Junta de Salamanca quiere que la sala de lectura de la Quinta Fuente del Berro pase a llamarse Luis Eduardo Aute, cantautor fallecido en el año 2020, vecino también de este barrio y al que su familia había pedido dedicar un espacio público en la zona, por la que solía pasear.

La propuesta será llevada al pleno del distrito este miércoles. Saldrá adelante seguro porque la propone la concejala-presidenta de Salamanca, Cayetana Hernández de la Riva, cuyo partido (PP) cuenta con mayoría absoluta.

La iniciativa pasa por asignar el nombre del artista a la sala de lectura de la Casita del Reloj, ubicada en el parque Quinta de la Fuente del Berro, perteneciente al Centro Cultural Quinta Fuente del Berro.

“El parque era el escenario de sus pequeñas evasiones. Se venía con los perros y maquinaba muchas de las cosas que luego llevaba a cabo”, explicaba a Somos Madrid uno de sus hijos, Miki Aute, al contar la petición que al consistorio había hecho su familia. La intención inicial de la familia era que el nombre del parque pudiera llevar el nombre de Aute, acompañando al de la Quinta de la Fuente del Berro.

Luis Eduardo Aute murió el 4 de abril de 2020 con 76 años. Cantautor, pintor, escultor, poeta y cineasta, Luis Eduardo Aute nació en Manila en 1943 y vivió en Madrid desde los 11 años. Firmó canciones inmortales como Al alba, Rosas en el mar, Una de dos o La belleza.

Anchuras, un pueblo de Ciudad Real de 500 habitantes –hoy son poco más de 250– celebró en el año 1989 un gran concierto con relevantes figuras del panorama musical: Luis Eduardo Aute, Luis Pastor, José Antonio Labordeta, Hilario Camacho y Javier Krahe. Tocaron sin cobrar y lo hicieron para apoyar el rechazo de los vecinos a la instalación de un campo de tiro. Y ese apoyo se mantuvo durante toda una década.

Este pueblo de Ciudad Real –aunque enclavado en la comarca toledana de La Jara– se convirtió a finales de los años 80 en referente de interés informativo nacional. La razón estaba en que el Gobierno de Felipe González decidió construir allí una instalación destinada al el Ejército del Aire. La primera opción había sido el hoy Parque Nacional de Cabañeros, pero se interpuso la negativa del entonces presidente de la región, José Bono, quien apostó por su declaración como parque natural. Así que, la siguiente opción fue el pequeño municipio de Anchuras.

Santiago Martín era en aquel momento el alcalde. Tenía 25 años y apenas unos meses de experiencia como edil. Un día del mes de julio de 1988, en plenas labores de la cosecha, cuenta cómo vino a buscarle la Guardia Civil. “Me dijeron que al día siguiente tenía que ir a la sede del Gobierno Civil en Ciudad Real para una reunión de alcaldes sobre empleo en zonas deprimidas”. Fue una encerrona. “Allí solo estaba yo... Y unos cuantos militares”.

En la capital provincial le recibió el gobernador civil Juan Íñiguez Molina y a la reunión también acudió, entre otros, Lluís Reverter, entonces director general de Relaciones Informativas y Sociales del Ministerio de Defensa que dirigía Narcís Serra. “Me explicaron que el ministro en persona quería hablarme del campo de tiro”.

Dice que se quedó “a cuadros” cuando el gobernador civil le dijo que se iba a Madrid en helicóptero. “Supongo que fue por impresionar”, relata. Ese miércoles 20 de julio de 1988 no se le ha olvidado tras visitar el despacho del ministro. “Me dijo que lo del campo de tiro no tenía marcha atrás y que ya estaba hablado con todos y que solo cuatro ecologistas darían un poco de guerra. Entonces Hernández Mancha dirigía la Alianza Popular de Fraga”.

La reunión incluyó una comida. “Llamó alguien. Intuyo, y no me equivoco, que era Bono para preguntar cómo me lo había tomado. Me dijeron que podía pedir lo que quisiera para mi pueblo y que el proyecto le iba a dar vida. El ministro me lo comparó con la base de Torrejón de Ardoz”.

Santiago Martín regresó ese día a Anchuras. “Me trajo un conductor al pueblo y para entonces la noticia del campo de tiro ya había saltado”. La movilización social frente al proyecto encabezada por el propio alcalde se activó de inmediato. “Pensábamos, y la gente así lo entendió, que supondría la desaparición física del pueblo porque estábamos pegados al polígono de tiro”. Llegaron hasta el Parlamento Europeo de la mano de IU y la protesta ciudadana también recibió el apoyo de numerosos artistas y de conocidos periodistas, según destaca el edil.

Los vecinos de Anchuras defendieron que su pueblo también formaba parte de Cabañeros. Fue uno de los lemas de la movilización. Martín reconoce que en el cerrojazo definitivo al proyecto también jugó a favor la caída del muro de Berlín el 9 de noviembre de 1989. “La movilización fue clave, pero eso enfrió el proyecto”.

En 1996 otro ministro de Defensa, Eduardo Serra, quiso rescatar el proyecto del campo de tiro para prácticas de aviación en Anchuras a pesar de que su partido, el PP, se había posicionado en contra en Castilla-La Mancha durante años. “Fue una legislatura en la que PP y PSOE se aliaron en el pueblo para que no gobernáramos”, señala el alcalde que concurría como independiente.

“Estuvo en un tris” que el proyecto reviviese, explica. “Fui yo el que trajo a la ministra de Medio Ambiente Isabel Tocino con ayuda de periodistas como Pedro J. Ramírez y Antonio Herrero, a presidir una procesión”. José María Aznar se quedó con las tesis de Isabel Tocino, que se opuso abiertamente al proyecto, frente a las de Eduardo Serra. En 1998 un Real Decreto derogó el que diez años antes había declarado 'Zona de Interés para la Defensa Nacional' el lugar donde iba a instalarse el campo de tiro. “Han desaparecido las circunstancias que motivaron esta declaración”, decía un breve texto en el BOE.

El alcalde recuerda cómo en diciembre del pasado año el que fuera presidente regional José María Barreda “pidió perdón”. Fue en un acto público, recuerda el alcalde. “Nos dijo que no habían estado a la altura. Yo le respondí que eso le honraba, aunque fuera 30 años después”.

Una plaza homenaje a los cantautores

El municipio de Anchuras homenajea este sábado a los cantautores que apoyaron la lucha contra el campo de tiro hace más de tres décadas. Es una idea que data del año 2018 y que, por diversas circunstancias incluida la pandemia, se ha pospuesto hasta ahora.

“En esa época, en una comida en mi casa, Luis Pastor me comentaba lo desagradecido que es este país con los cantautores y con lo que han hecho por las libertades. Yo recogí el guante”. Por eso habrá un reconocimiento. La plaza del Álamo de Anchuras se convertirá la plaza de los Cantautores y contará con 21 placas cerámicas. Todas tendrán frases de los artistas que respaldaron la movilización social. Para organizar el evento se ha contado con la Diputación Provincial y con el sindicato CCOO. “En ese tiempo yo siempre que venía a CCOO era como mi casa, teníamos todo a nuestra disposición”, recuerda el alcalde.

El secretario general de CCOO en la región Paco de la Rosa cree que “lo que hicimos hace 34 años fue la esencia de la democracia. Cuando a alguien se le ocurrió que en Anchuras debía haber un campo de tiro, el pueblo se rebeló, dijo que ‘no’, con razones objetivas”.

De la Rosa establece un paralelismo entre estas movilizaciones y otras más recientes como el rechazo al cementerio nuclear –que el PP ha resucitado esta semana pidiendo que se instale en Villar de Cañas– o las macrogranjas. “Mirando a lo que supuso Anchuras, CCOO estará siempre en estas movilizaciones, porque queremos crecimiento económico, industrias, pero queremos un crecimiento sostenible, ecológico y generador de empleo”.

El alcalde apunta que los pequeños pueblos se sienten “abandonados” y lamenta que “solo nos quieran para este tipo de proyectos. ¿Qué hay un vertedero nuclear? A un pueblecito… Si es tan bueno, ¿por qué no lo meten junto a una gran ciudad? Se lo pueden llevar al Retiro”, aunque sostiene que “lo de Anchuras fue un punto de inflexión a la hora de tomar decisiones. No se puede ir así. Sea o no pequeño si a la gente la pisas, saca los dientes”.  

El sábado y como parte de la programación se proyectará un documental en agradecimiento a todo el movimiento que apoyó el rechazo a la infraestructura y a partir de las 22 horas actuará Luis Pastor, junto a los locales ‘Noviembre’, dentro del ciclo de ‘Conciertos en Espacios y Lugares Emblemáticos’ que está desarrollando la Diputación de Ciudad Real.

La Concejalía de Cultura de Albacete se ha sumado a los homenajes que está recibiendo estos días Luis Eduardo Aute, cantautor y creador, recientemente fallecido. Y lo quiere hacer en base a esos poemas breves, mínimas y singulares expresiones poéticas, que creó el cantautor, esos versos a los que bautizó como ‘poemigas’. 

Las ‘poemigas’ son una especie de 'migas poéticas', piezas de corta extensión que ofrecen una visión personal, sorprendente, aguda y frecuentemente humorística de algún aspecto de la realidad. En definitiva, juegos de palabras aderezados con un toque mordaz, irónico y de humor. 

El propio Luis Eduardo Aute creó algunas como La nada tiene sentido: “Decir que nada tiene sentido / ya es darle un sentido a la Nada y eso sí que no tiene ningún sentido / ¿O sí?”

 O esta Declaración de principios : “Yo voy siempre/ con la verdad por delante / -me dijo-. Y de verdad que me mintió”.

 Además de su Pequeño homenaje a ‘El Ángel Exterminador’ de Luis Buñuel : “Si lo sé no vengo…/ y ahora que ya lo sé / no sé por qué no me voy, / le dijo el fatalismo, / perplejo, / al libre albedrío”.

¿Cómo se puede participar?

Desde Cultura se invita a los albaceteños con ciertas inquietudes literarias a buscar inspiración en el confinamiento y crear sus propios ‘poemigas’. 

Quienes quieran participar en este Encuentro de Poemigas pueden remitir sus textos al correo cultura@albacete.es, indicando en el asunto Encuentro de Poemigas Luis Eduardo Aute, adjuntando sus datos (nombre y apellidos, DNI, correo electrónico y teléfono de contacto), así como una declaración formal de que la obra es original e inédita. 

El plazo de presentación finalizará una vez termine el confinamiento impuesto por el estado de alarma decretado por la emergencia sanitaria. 

Una vez sea posible, por la situación sanitaria, se organizará un acto de lectura y presentación de los ‘poemigas’ presentados a este certamen. Un jurado, formado entre otras personas por un codirector de la Revista Barcarola, elegirá los tres ‘poemigas’ más destacados, de entre todos los trabajos presentados, para su publicación en el siguiente número de la revista de creación literaria.

Luis Eduardo Aute escribió en su día la más bella canción de amor y derrota que ha dado la protesta musical en nuestro país; una canción doliente dedicada a los últimos asesinados oficialmente por el franquismo. Sus nombres no han de olvidarse: José Humberto Baena, José Luis Sánchez-Bravo, Ramón García Sanz, Jon Paredes Txiki, y Ángel Otaegui.

La memoria española, siempre tan caprichosa, ha dejado pasar de largo aquel crimen de Franco, un viejo chocheante al que no le tembló el pulso para firmar la última sentencia de muerte. Un par de meses después, Franco moriría físicamente, aunque la herencia de sangre siguió llenando nuestro día a día, desde aquel lejano día -27 de septiembre de 1975- hasta el día de hoy.

Con las últimas detonaciones resonando en su pecho, Luis Eduardo Aute escribiría una historia de amor terminal, a pocos metros del paredón, un himno contra la pena de muerte: “Al alba”. La otra tarde la volvimos a cantar, todas las gargantas juntas en una sola, desde los balcones. Entonar “Al alba” fue un homenaje de la memoria para que nuestra derrota no cayese en el olvido.

Pero hay otras historias, de las que poco o nada se sabe y que se cuentan en voz baja, tejiendo con su hilo de sutura los pedazos de nuestra maltrecha memoria. Una de esas historias también tiene a Aute como protagonista y a la pena capital como ejemplo de fracaso de otro dictador: Fidel Castro. Fue Javier Menéndez Flores el que la sacó a la luz en su jugoso libro de conversaciones con Joaquín Sabina -titulado “Sabina en carne viva”- y la cuenta mejor que yo. Con todo, a continuación la voy a interpretar a mi manera.

Porque el 13 de julio de 1989, en La Habana, fue fusilado Arnaldo Ochoa por delito de alta traición. Acusado de actividades de narcotráfico, el general Ochoa fue llevado al paredón tras un juicio vergonzoso donde Fidel Castro se limpió las pulgas de su mala praxis. Porque Ochoa no cometió más delito que el ordenado por Fidel y su cúpula dictatorial. La revolución Cubana se financió con ayuda del narcotráfico, con el contrabando de diamantes y marfil. No hay que negar lo que se sabe.

En los días previos al fusilamiento, Silvio Rodríguez, trovador cubano, visitó Madrid para arrancar su gira por España. Cada vez que visitaba España, Silvio paraba en la casa de Luis Eduardo Aute, pero esta vez no fue así, esta vez Silvio tiró hacia el centro, a la casa de Joaquín Sabina. Allí recibiría el agasajo, no sólo de su anfitrión, sino de sus muchos amigos madrileños entre los que se encontraban algunos periodistas. Faltaba Aute.

Lo más curioso de todo es que ninguno de los periodistas allí presentes preguntó a Silvio Rodríguez por la condena de Arnaldo Ochoa, ni por la pena de muerte, ni por el paredón que le esperaba al general que se había batido por la revolución, no sólo en Angola, sino en la Nicaragua de la Contra, alianza reaccionaria pagada por los yanquis cuando Ronald Reagan era presidente.

Con esto no quiero establecer paralelismos entre una revolución legítima, que partió de abajo, como fue la revolución cubana y la masacre que organizaron los militares españoles que, de manera ilegítima, se levantaron en un golpe de Estado para ensangrentar al pueblo. El único paralelismo entre Franco y Fidel es que ambos, como dictadores, quisieron mantenerse en el poder a costa de lo que fuese, incluida la sangre ajena. Por eso ambos fusilaron al alba. Por eso Franco y Fidel merecen el mismo respeto que los periodistas que callan. Sí. Aquellos periodistas que no se atreven a hacer preguntas que incomoden al poder.

Animal único, llanero solitario, último mohicano, hombre del Renacimiento, Luis Leonardo, escultor de canciones, pintor de poemas... En el día de ayer se nos ha ido el artista total. Cantautor, pintor, poeta, maestro de la cultura con todas las letras, su obra trascenderá a las generaciones que hemos cantado sus letras. El legado de Eduardo, como virtuoso, crecerá con el paso del tiempo.

Como persona, Eduardo era aún más grande que como artista. De ello damos fe quienes tuvimos la inmensa fortuna de compartir algunos ratos con él. Al menos, así lo sentimos todos los allegados con los que he podido conversar últimamente, apenas un puñado de amigos, pues ahora a Eduardo le lloramos, literalmente, cientos de amigos en decenas de países.

“¿De dónde sacaba el tiempo para cuidar tanto las relaciones personales, para tratarnos tan bien a tantos?,” pregunté hace unos meses a Miki, su hijo Miguel. “Yo también a veces me pregunto lo mismo,” me contestó.

Le conocí en 2006, en el almuerzo ofrecido por los Reyes en honor a la entonces presidenta de Filipinas en el Palacio Real. Me pareció que se sentía, al igual que yo, un poco fuera de lugar entre la flor y la nata del Reino. Pero Eduardo sabía estar en cualquier sitio, observando, aprendiendo, absorbiendo la realidad con la curiosidad que mantuvo desde su más tierna niñez junto al malecón de Manila.

En aquel entonces ya conocía las letras de muchas de sus canciones y le veneraba como cantautor, pero enseguida comprendí que a Eduardo no le gustaba recibir halagos ni hablar de sí mismo. Era, genuina y conscientemente, una persona humilde. Le interesaban más los demás. Como interlocutor, te hacía sentir importante, demostrando una empatía y una capacidad de escucha como no he descubierto en nadie más.

“Estoy editando un documental sobre los últimos de Filipinas, pero grabé tanto material que ha quedado demasiado largo. Estoy por guardarlo en un cajón,” le dije. “Es normal que no salga a la primera. Escribir es reescribir,” contestó. “Vale, lo escribo de nuevo si tú lo locutas”, propuse. Respondió en silencio, con una mirada serena, penetrante, plena de generosidad y de bonhomía. Eduardo no tenía dobleces. Era tal cual mostraban sus ojos.

Así surgió la oportunidad de visitarle en su casa, de cuando en cuando. 'Kumusta ka, kaibigan?' (¿cómo estás, amigo?), le decía al llegar. 'Mabuti, kapatid' (bien, hermano), respondía con la sonrisa emocionada que le despertaba escuchar el tagalo, el idioma de su infancia feliz en la devastada capital filipina de los años 40.

Una tarde junto a él era como leer, sin ninguna prisa, varios libros a la vez. Su interés por la Historia, la actualidad, la política, la economía y, por supuesto, tu familia, tu trabajo, la gente, la vida… era contagioso, como también lo eran su ácida crítica social y su agudísimo sentido del humor. Le gustaba motivar tu creatividad, animarte a dar lo mejor de ti mismo. Te hacía sentir como un artista a punto de debutar. La conversación jamás dependía del reloj. Al salir de su casa, parecía como si el tiempo hubiera estado detenido. Su compañía era un paréntesis de libertad e imperturbabilidad en medio de la vorágine madrileña.

Un día le llamaron por teléfono unos alumnos de periodismo para una entrevista que no iban a publicar. Les atendió pacientemente durante un largo rato mientras colocaba unos tizones en la chimenea. Al colgar, le pregunté si no le cansaba hacer tantos favores. “Al contrario, y menos aún a estos chavales, para quienes esta entrevista parece tan importante.”

“¿De dónde has sacado tantas letras?”, indagué. “De leer, charlar, observar” me dijo, “aunque lo mío es la pintura”. “¿La pintura? ¡Pero si has escrito más de 400 canciones!”, le cuestioné. “Eso es por puro oído,” sentenció. “Puro oído”.

En otra ocasión le llamé porque había venido a Madrid otro polímata, el senador filipino Edgardo Angara, otro querido amigo que también nos ha dejado recientemente. Tras enseñarnos su estudio de pintura, Edgardo no entendía algunos cuadros en los que estampas divinas se mezclan con explícitos desnudos femeninos. Con una sonrisa pícara tan suya, Eduardo le explicó: “When one reaches an orgasm, one says: oh my God, oh my God!, right?” (cuando uno alcanza el orgasmo, ¿no dice Dios mío, Dios mío?). La carcajada del senador hizo reír aún más al propio Eduardo, quien tenía un extraordinario don de gentes y una innata intuición para crear un ambiente de armonía y complicidad con los demás.

Parafraseando el cuento con el que solía deleitar al público en sus conciertos sobre “el girasol diferente que ve las cosas a su manera, va a su aire y decide no agacharse cuando llega la noche”, también los últimos de Filipinas fueron unos giralunas. Aquel puñado de hombres, aislados en una remota iglesia, demostró con creces las tres virtudes que tanto valoraba Eduardo: no dejaron nunca de tener fe, en ningún momento perdieron la curiosidad y, por supuesto, demostraron tener su propio criterio.

Aunque en el documental no podíamos dejar de incluir 'Al Alba', el día que fuimos a locutar al estudio le propusimos cantar la habanera 'Yo te diré'. “Ya sólo me falta hacer de Rizal” exclamó mientras cogía la guitarra. Miró la partitura, suspiró hondo y, a capella, cantó desde el corazón, como hacía todo lo demás: “Por qué mi canción se siente sin cesar, mi sangre latiendo, mi vida pidiendo que tú no te alejes más… No me abandones nunca al anochecer, que la luna sale tarde y me puedo perder”.

Puro oído. Puro talento. Pura sabiduría. Puro espejismo de intentar ser uno mismo, ese viaje hacia la nada, que consiste en la certeza de encontrar, en tu mirada, la belleza.

Sólo la inmensa alegría de haberle conocido y el legado inmortal de su obra pueden compensar, en una mínima parte, el profundo dolor y la tristeza por la pérdida terrenal de este maestro, un sabio humilde, a quien siempre llevaremos en el corazón. Tal como él mismo nos enseñó.

Los últimos de Filipinas. Regreso a Baler #YMQEC from Musas Producciones on Vimeo.

Ser como Luis Eduardo Aute se inventó en el Renacimiento, cuando la razón y la creación salían con rabia y fuerza a vencer la ruina oscurantista de la Edad Media. Como aquellos creadores, este filipino afincado de toda la vida en España, supo templar con tiento todas las disciplinas. Músico completo –compositor, letrista y cantante–, pintor, escultor y cineasta. Y, además, comprometido, innovador y humano en toda la profundidad de la palabra. Un mito para una generación ansiosa de libertad tras aquella noche tan larga que venía con hambre atrasada. Sumidos en una pandemia, confinados en nuestras casas, muere Aute en Madrid a los 76 años, aunque un brutal infarto hace casi cuatro años le dejó muy afectado.

Luis Eduardo Aute patentó la barba de tres días, la imagen de un hombre nuevo, sensible y moderno, ya desde aquellos años setenta en los que íbamos a cambiar el mundo. Un proyecto colectivo que soñaba con llevar la imaginación al poder, ser realistas pidiendo lo imposible hasta clamar que se “prohibiera prohibir”. Como la mayoría, terminó entendiendo que “bajo los adoquines no había arena de playa”. Pero no se rindió. Aute frecuentó la bohemia y la lucha antifranquista y siempre fue coherente y defensor de los derechos humanos. Acudió a toda convocatoria que requiriera una presencia comprometida. Le encontré hasta cantando en “el metro”, en un escenario de la estación de Príncipe Pío de Madrid. No recuerdo qué tocaba defender aquella noche. Dejó para la historia el gran himno de libertad y democracia que constituye “Al alba”.

Conocemos a Luis Eduardo Aute como músico y cantautor pero abarcaba muchas más facetas. Pintor notable de vibrante colorido, redondas formas sexuales, miradas profundas y desgarradas. Con la pintura se dio a conocer en España. Su primera exposición en nuestro país fue en Madrid en 1960, cuando solo tenía 17 años.

Más adelante empezó a rodar cortometrajes, a menudo con los amigos, que culminarían con una obra maestra en el 2001 llamada “Un perro llamado dolor”. Un largometraje dibujado plano a plano y animado en digital 2 y 3 D por su autor, que le llevó más de cuatro años realizar. A través de siete historias, Aute reinterpretaba las relaciones de pintores con sus modelos. Goya, Duchamp, Sorolla, Romero de Torres, Frida Kahlo, Rivera, Dalí y Velázquez y el perro como hilo conductor. “A León Trostski lo mató Diego Rivera en un ataque de celos al encontrarlo en la cama con Frida mientras Sergei Einsenstein lo filmaba desde la ventana”, dice uno de los capítulos. En el largometraje, Aute incluyó a una mujer, a Frida. La enorme pintora mexicana llamaba “Dolor” a sus perros para ahuyentarlos y domesticarlos como le hubiera gustado hacer, y de hecho hacía, con los suyos propios.

A la música, llegó más tarde. Quizás se puso a cantar para difundir sus poemas –es autor de varios libros de poesía y literatura–. Lo cierto es que la música de Aute acompañó nuestra vida. Y como le ocurre a Joan Manuel Serrat, algunas de sus canciones por sí solas justifican una carrera. Las niñas solitarias queríamos tener una cita con un chico a las “cuatro y diez” para ver 'Al Este del Edén'. Esa película y no otra, porque se trataba de besarle, de dar y recibir el primer beso, mientras James Dean, el díscolo e incomprendido, el rebelde con causa, tiraba piedras a una casa blanca.

Mucho después nos mandó a desnudarnos de prejuicios, arrojando vestidos, flores… y trampas. Mientras él y todos los ellos hacían lo mismo. Y a apurar cada grano de arena, sintiendo ruido de brasas en las venas, “recorriendo las espumas hasta el fin del Universo, donde nace el Universo, cuando estalla el Universo”. Y olvidar “de alguna manera” –si se podía–, y volver a pasar por si la vieja ventana ofrecía rescoldos. Asegurarnos de no estar solos al alba de la muerte y la injusticia.

A lo largo de los años numerosos periodistas conocimos el chalé de Aute, en la Fuente del Berro, enfrente de TVE, del Pirulí. Una casa de gusto exquisito y vivido. Biblioteca elegida, sin nada dejado al azar. Dos ambientes de sofá en el salón, siempre alguien que entraba y salía. No solía faltar Maruchi, su mujer, y casi siempre había una pareja o dos de amigos. Aparecían y desaparecían los hijos. Los dos perros venían a saludar. Abajo, los distintos estudios de trabajo para pintar, escribir y componer. Luis Eduardo solía mostrar una calma sin impaciencias ni siquiera en el montaje de los equipos de televisión que en el muy cuidado Informe Semanal de TVE se llevaban un buen rato. Su casa era como él.

Le entrevisté muchas veces. Hasta para un libro de varios personajes en una charla mucho más relajada. De ahí he extraído varios de los datos y recuerdos. En la conversación le pregunté por una canción que a mí me parecía paradigmática en la que podía venir la conclusión de las canciones que empezaron a las cuatro y diez. En su texto dice: “Quiero que me digas, amor, que no todo fue naufragar por haber creído que amar era el verbo más bello. Dímelo, me va la vida en ello”.

–Me eduqué con ese concepto de que amar era el verbo más bello, se trataba de eso, de amar, no de competir, no de odiar, no de matar, no de mentir. Por lo menos la gente de mi generación se educó con los deseos o los ideales de construir una sociedad en la que hubiera solidaridad y generosidad y hubiera amor, y ahora es todo lo contrario– respondió. Aquella canción, como tantas otras, la hicieron suya otros intérpretes. Silvio, con el que tantas veces cantó, por ejemplo.

Luis Eduardo Aute se va de este mundo en uno de sus momentos más complejos. Cuando apenas se puede despedir a los seres queridos con el funeral y sosiego que se precisa en esos momentos. Creo que supo vivir. Y como somos la historia de lo que absorbemos, él fue un prodigio que bebió de la literatura, de la historia del arte, de sus propios cuadros y de todos los demás, del cine que retrata la realidad y la recrea, de la música que hila con armonía, del amor y del sexo, de los seres humanos, de la vida. Y sin duda hizo mucho mejor la vida de quienes disfrutamos de cuanto creaba.

El cantautor Luis Eduardo Aute, de 76 años, ha fallecido este mediodía de este sábado en un hospital madrileño, según han informado a EFE fuentes de su entorno familiar.

Nacido en Manila (Filipinas) el 13 de septiembre de 1943, a los once años se trasladó a Madrid. Se inició musicalmente como guitarrista de los grupos “Los Tigres”, “Los Pekeniques” y “Los Sonor”, hasta que, con 17 años, debutó como cantautor en el programa de TVE “Salto a la fama”.

Aunque su faceta pictórica es menos conocida, la desarrolló también desde muy temprano y en 1960 expuso por primera vez sus cuadros en la Galería Alcón de Madrid.

En 1966, con 23 años, Aute se decidió a entrar en el estudio de grabación. Le convencieron desde la discográfica con la condición de no dar conciertos ni hacer promoción, para poder tener tiempo de seguir pintando, condición que fue respetada durante más de diez años.

Su primer álbum se tituló “Diálogos de Rodrigo y Jimena” e incluyó canciones como “Rosas en el mar” y “Aleluya nº1”, que ya había hecho populares previamente Massiel.

En su faceta plástica Aute es autor de una voluminosa producción figurativa, sobre todo pictórica pero también escultórica. En 1974 obtuvo el primer premio de pintura de la Mostra Fondazione Michetti, en Italia.

Algunos de sus trabajos han viajado a ferias internacionales como la Bienal de París (1964), la de Sao Paolo (67), o ARCO en varias ediciones, y más recientemente, entre 2004 y 2010, realizó una muestra retrospectiva itinerante que bajo el título “Transfiguraciones” llevó su obra por toda España y algunos países de América latina.

En cuanto al cine, ya en la década de los 60 abandonó después de quince días sus estudios universitarios para irse a París, donde fue meritorio del ayudante de dirección de la película de Joseph L. Mankiewicz “Cleopatra” (1963) y también de Jean Luc Goddard y Luis Malle, entre otros.

Aute es autor de varios cortos y del largometraje animado “Un perro llamado Dolor”, nominado a los Goya en 2002 y seleccionado en festivales como San Sebastián, Valladolid o La Habana. También compuso bandas sonoras para películas de Jaime Chávarri, Luis García Berlanga o Fernando Fernán Gómez, entre otros.

Como poeta ha publicado una quincena de libros, el primero “La matemática del espejo” (1975), al que siguieron “Canciones y poemas” (1976); “Liturgia del desorden” (1978); “Canciones” (1980); y “Luis Eduardo Aute, cuerpo del delito” (1999).

En 2016, el artista había sufrido un infarto que le mantuvo 48 días en coma y que le obligó a retirarse de los escenarios. Tras varias estancias en hospitales, entre ellos uno cubano, el autor de “La Belleza” permanecía en su casa, cuidado por su familia.

En 2018, casi una veintena de artistas rindieron homenaje al cantautor en un dos conciertos en Madrid y Barcelona con artistas de renombre. Entre ellos, participaron Silvio Rodríguez, Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Ana Belén, Massiel, Víctor Manuel, Dani Martín, Jorge Drexler, Pedro Guerra, José Mercé, Rozalén, Andrés Suárez, Miguel Poveda, Ismael Serrano, Luis Pastor, Marwan, Vicente Feliú, Rosa León, Cristina Narea y Suburbano.

“No hay palabras para tanto dolor”

Desde que se conoció la noticia, son muchos los que han homenajeado al cantautor en las redes sociales. Entre ellos, Ismael Serrano, Rozalén, Pancho Varona o Jordi Évole.

Autor de temas míticos, reivindicativos como Al alba o Rosas en el mar, canciones de amor como Pasaba por aquí o Una de dos e incluso odas culturales como Cine, cine. Hombre de inagotable inquietud intelectual y polifacética creatividad. Músico, pintor, poeta, cineasta. Realizador del largo de animación Un perro llamado Dolor y el corto El niño y el basilisco o de los libros El Giraluna, cuatro poemarios y cinco títulos de poemigas. Luis Eduardo Aute presenta ahora la sexta entrega de sus versos como dardos críticos a la diana de nuestro tiempo: EL SEXtO ANIMAL.

El libro arranca con un poema sobre el origen del mundo donde, tras crear al hombre, al séptimo día, Dios se suicida y en otro titulado Cancerbero se consigna:Cancerbero

El ser humano / es el tumor del planeta / y la Humanidad / su metástasis.

Duro diagnóstico pero, ¿hay tratamiento? ¿Tenemos arreglo?

No me atrevo a hablar de futuro. Vivimos un momento terrible, en que vemos los horrores de nuestra civilización. Y lo peor es que no se atisba futuro. Porque en otras etapas sí había propuestas para arreglar cosas, pero ahora impera la sensación de aleatorio, de que se descalabra todo. Desde Ecuador, donde hace un mes planeábamos un festival de poesía y ha ocurrido el terremoto, al horror de los refugiados que no tiene nombre. Huyen de guerras hechas por intereses políticos y financieros, bastardos... Y, ¡cómo les recibe Europa!, ¡Qué vergüenza!

En nEUROsis escribe que “No es improbable/que el Euro acabe/como el Rosario/de la Eurora” y critica a la UE en LA D(€)UDA E(X)TERNA u Horteras al poder ¿Ha sido Europa una decepción?nEUROsisLA D(€)UDA E(X)TERNAHorteras al poder

Depositamos mucha esperanza en Europa y ahora vemos la verdad: esta Europa insolidaria, xenófoba. Europa debería ser inconcebible sin Grecia, para empezar porque la palabra “Europa” es griega y Grecia es cuna de la civilización Occidental: de la filosofía, el teatro, las olimpiadas, la democracia, la arquitectura, los cánones de belleza. Pero la UE desahucia a Grecia, la Europa del Norte la desprecia como un país paria cuando mientras los griegos ya disertaban en el Partenón, los vikingos andaban con casco. Se permiten llamarnos PIGS (Portugal, Italy, Greece, Spain), “cerdos”...

También critica la situación nacional. A la luz de la experiencia, ¿Qué ha pasado para llegar a las nóminas de miseria del poema Tratado sobre el trabajo mientras ocurre la corrupción de Talismán que revelan los papeles de Panamá?Tratado sobre el trabajoTalismán

En los 70 vivimos una Transición formal, de formas políticas, sociales, culturales. Hubo cosas muy positivas pero no se cambió el fondo de las cosas, el sustrato del poder franquista permaneció intacto. De ahí todo lo que estamos viendo ahora de estas fortunas de vieja raigambre que ahí siguen. El poder económico y financiero continua en las mismas manos, son las mismas corporaciones, bancos. Hubo mucho de transacción en la Transición.

Y qué explica que incluso algunos compañeros, gente de la culturagente de la cultura, aparezca en esos papeles ¿el éxito hace perder pie?

Yo no me considero “gente de la cultura” porque suena a gremio, a secta. Yo escribo, pinto, hago música pero no formo parte de ninguna secta. La cultura es anti-sectaria. Dicho eso, vivimos en una sociedad de mercado, donde todo se compra y vende. Y, según avanza, se acentúa la aberración que conlleva. Por otro lado, esta una sociedad del éxito, que premia a los ganadores y desprecia a los perdedores. Generando así frustración colectiva, una patología social grave, peligrosísima.

¿El capitalismo está kaput como escribe en Kaputalismo?Kaputalismo

Yo creo que hemos sobrepasado ya el capitalismo. Estamos en una fase post-capitalista de “neo-medioevo”: con señores feudales que tienen todos los derechos, no ya entidades financieras, sino personas con nombres y apellidos, que aparecen en la lista Forbes o los papeles de Panamá; donde nosotros, súbditos, tenemos que pagar diezmos y perdemos cada vez más derechos; vuelven las cruzadas y la lucha contra el infiel, la yihad; vuelven los alquimistas con esta obsesión de convertirlo todo en oro y rápido y vuelve la Inquisición porque, vía redes sociales e Internet, las agencias de inteligencia lo saben todo de nosotros, hasta lo que pensamos.

Decía El Roto, en su viñeta del 12 de abril, que el éxito es “Mirarse al espejo y no reconocerse”. ¿Cómo se hace una carrera larga sin desvirtuarse?

Yo he tenido presiones comerciales como todo el mundo y lo que he hecho ha sido esquivarlas en cuanto aparecían y recuperar mi terreno. Es complicado, pero yo creo que hay que ser coherente con lo que uno piensa. Ahora bien, me siento incapaz de dar consejo porque es un mundo muy complejo de obligaciones y... cada vez menos perspectivas.

En Tomaduras escribe “Hay que tomar el Poder/para que los poderosos/se vayan a tomar por.../E, inmediatamente,/soltarlo”. ¿Es un consejo para Podemos o los indignados en Francia?Tomaduras

Yo coincido con Podemos en que no hay izquierdas ni derechas pero discrepo en lo de arriba y abajo. Para mí, como escribo en Putos cardinales, sólo hay “Puteadores y puteados”. Sobre el poder, es un concepto que me asusta porque implica que unos pueden y otros se tienen que joder porque no pueden. Yo prefiero “administrar”. Y lo que tengo claro es que el poder no hay que sustentarlo sine die porque es venenoso y contagioso.

El contrapunto a los poemas más duros son Contratiempo del amor, Amor de mi vida y Cosmocardiograma, ¿el amor erótico es “la gran esperanza” o una mitificación exagerada?Contratiempo del amorAmor de mi vidaCosmocardiograma

Es cierto que el amor pudiera ser una invención humana para huir de la conciencia de la muerte, una justificación vital. Pero yo creo que una vida vale la pena si otra persona es feliz por tu existencia, por vivir contigo, juntos. En el fondo es una huída de la soledad. Y un arrebato irracional. Una pulsión, el deseo carnal, de ser dos en uno, volver a la unidad... injustificable racionalmente. Que te hace vivir en perfecta armonía, sin preguntas. Sientes que todo tiene sentido y dices: esto es vivir. Es un estado de gracia. Lamentablemente, al ser tan fugaz, el amor acaba siendo un estado de desgracia inmediatamente.

Hay poemigas metafísicos en que llega a escribir que, como nada se crea ni destruye, pero todo se transforma, “hay un Transformador (...) sin duda”. ¿Sin duda?

Yo no soy ateo. Pero tampoco sé si soy creyente. En cualquier caso, a mí me resulta tan enigmático descifrar eso que llamamos “el yo”, como Dios. Nada tiene que ver el concepto de lo que algunos llaman “Dios” y yo llamo “El Yo”. Que es ser consciente de tu consciencia. En el momento en que reflexionas y te planteas: “¿Quién soy yo?”, “¿Esto de qué va?” Ahí ya eres una persona religiosa, del latín “religare”,“volver a unirte” con el origen. Y además, no soy ateo porque es inverosímil formular una teoría atea, pues hasta en la palabra “teoría” hay “Teos”. Navego en la perplejidad, pero creo que no estamos aquí por azar, estamos aquí por algo, debe haber una razón. Si no, esto sería una estupidez inconmensurable. Pero el Universo lo crea cada yo que nace... y se comunica con otro yo.

Escribe poemigas como Egoísmo... es lo suyo y La democracia antes que libre debiera ser justa ¿Desde la naturaleza egoísta humana puede haber justicia? Egoísmo... es lo suyoLa democracia antes que libre debiera ser justa

Yo escribo “Aprender, aprender, aprender/No para saber más que el otro/sino para saber más del otro”. Y, a partir de esa capacidad de abandonar nuestro egoísmo natural y ponernos en el lugar del otro, se descubre el sentido de la justicia y se decide no hacer a los demás lo que le dolería a uno.

Pese al tono crítico y pesimista en Perdición escribe “Se puede perder/ el sentido de la vida,/ pero jamás de los jamases el sentido/ del humor”. Humor, juegos de palabras y de tipografías son claves en la obra ¿Por qué?Perdición

Porque la esencia de la vida es el juego. El primer impulso infantil es jugar. Jugar es también impulso continuo en los animales. La vida es disfrutar de la vida y la forma más asequible de disfrutar es jugar. El amor también es juego, atípico, pero juego. Y el sentido del humor, ya sí exclusivamente humano, porque implica no racionalidad, que sí tienen los animales, sino reflexión, es clave porque procura una mirada muy abierta sobre la realidad y te permite considerar todos los pros y contras a la luz de la experiencia previa.

Describe con sarcasmo la influencia global de EEUU como el “American way of death”, ¡y eso que aún no ha ganado las presidenciales Donald Trump!

Pues, ¡fíjate que yo creo que estaría bien que ganara! Sí, sí, lo estaría porque así ya sería la verdad sin trampa ni cartón, sin camuflaje, sino: “Esto es ese país, este personaje”, “el ciudadano medio estadounidense es Donald Trump”. Sin camuflajes, ni trampantojos de ningún tipo, la realidad tal cual. Casi prefiero que se vea la verdad de lo que es ese país... “Trump, Trump... la trompeta del Apocalipsis” Se me acaba de ocurrir. Me lo apunto para el siguiente libro de poemigas, el séptimo que vendrá.

El Festival de Poesía de Guadalajara 'Arriversos 2016' incluirá este año, además de presentaciones de libros, encuentros de poetas y la exposición 'Cien de cien', el 'duelo de versos' del cantautor Luis Eduardo Aute y Antonio García Villarán en 'Poemigario'. Tendrá lugar el domingo, 24 de abril, a las 19.30 horas en el Teatro Moderno, y en ella ambos autores harán un recorrido humorístico-filosófico a través de sus poemas, poniendo especial hincapié en sus últimas creaciones.

El evento cuenta con el patrocinio del Patronato de Cultura del Ayuntamiento de Guadalajara y está organizado por la Asociación cultural Grupo el Observatorio, y se celebrará del 20 al 30 de abril. Contará con presentaciones de libros y recitales en formato pausado. Así, el Festival se abrirá con la inauguración, el miércoles, 20 de abril, a las 18.30 horas, en el patio de la biblioteca pública, de la exposición 'Cien de Cien. Poetas españolas del siglo XX'. Es una muestra de semblanzas de algunas de las poetisas fundamentales del siglo pasado, seleccionadas por la prestigiosa escritora y editora cordobesa Elena Medel en su proyecto 'Cien de cien'.

Tras el acto inaugural de la exposición, el propio patio central de la Biblioteca se convertirá en escenario de actividades poéticas, musicales y artísticas. En una sesión de micrófono abierto o Jam Session, coordinada por la poetisa Isabel Muñoz, se invitará a todo el que quiera a participar recitando un poema, cantando, tocando, pintando o narrando, en intervenciones breves que no deberán superar los 5 minutos como máximo.

Luis Eduardo Aute (Manila, 1943) visita el próximo 24 de enero el Teatro Romea de Murcia con su Gira Luna, donde repasa sus mejores canciones y las acompaña con Vincent y el Giraluna, un cortometraje animado creado por él mismo. Desde que comenzara en la música hace 50 años, Aute ha sido uno de los compositores de la banda sonora de la historia reciente de España. Ha sido baluarte de la canción de autor y protesta en nuestro país, y nadie como él sabe o puede aconsejar a los autores más jóvenes a combatir estos tiempos, como bien define “intempestivos”.

'La Gira Luna', entre otras cosas, es principalmente un repaso a sus grandes clásicos, ya que cumple 50 años en el panorama musical, ¿qué se va a encontrar el público en sus siguientes actuaciones?

Será una selección de las canciones más significativas de mi trayectoria, que cumple 50 años desde que grabara mi primer disco en 1966. Antes del concierto se proyectará un cortometraje llamado 'Vincent y el Giraluna' que he creado yo mismo. El título viene por un disco homenaje que me hicieron unos benjamines de la canción popular llamado 'Los Giralunas'.

El concierto es largo, hay muchas canciones y con la proyección que ya he comentado pues seguro que va a quedar un espectáculo

A lo largo de estos 50 años se ha dedicado a la música, pero su gran pasión ha sido la pintura y la ilustración. Ahora ha podido con este espectáculo fusionar las dos artes, pero ¿cómo ha compaginado a lo largo de su carrera estas dos actividades?

Bueno en primer lugar diría que cantar es una afición, y que pintar es mi vocación. Desde muy joven he hecho exposiciones y lo de escribir canciones empezó mucho más tarde. Digamos que las canciones fue algo de lo que surgió la oportunidad después, pero que desde pequeño siempre me gustó mucho la pintura.

Aute empezó escribiendo para otros intérpretes, de hecho 'Aleluya nº 1' y 'Rosas en el mar', los primeros temas que le publicaron los cantó Massiel. Posteriormente llegó el momento en el que la discográfica le pide que interprete las canciones que escribía, ¿por qué decidió dar el salto?

Yo no lo decidí, me estuvieron acosando durante bastante tiempo. Yo por entonces estaba encerrado en el estudio de pintura, preparando exposiciones. Esas primeras canciones que escribí, básicamente por curiosidad se convirtieron en un éxito y las discográficas querían que empezara yo a grabar. Me resistí a hacerlo pero llegó un punto en el que no estaba tranquilo y saqué la bandera blanca. Pensé 'bueno, será un disco y ya está, se lo enseñaré a mis nietos', pero luego al terminar volví a grabar otro disco y como no acababa de sentirme cantautor y no quería dejar la pintura, decidí retirarme durante 5 años.

Ese periodo de retirada, ¿cómo se originó? Había gozado de bastante éxito con esos dos primeros discos 'Diálogos de Rodrigo y Ximena' y '24 canciones breves'

El éxito me abrumó y me nubló la vista. Además seguía convencido de que era pintor, y la música era únicamente algo que me gustaba y que estaba ahí, pero que no tenía pensado dedicarme a ello. Decidí tomarme ese tiempo sabático para pensar y reflexionar, y al final tras el parón decidí ir tirando con las dos actividades al mismo tiempo. Grabando discos y ofreciendo exposiciones de mi pintura.

Esos temas que recupera para la gira, ¿cómo han evolucionado a lo largo del tiempo?

Yo nunca doy por terminada ni una canción ni una pintura. Las canciones de próximo concierto, así como otras, han sufrido bastantes cambios, tanto los propios que he querido hacer yo como los que surgen al actuar con mi actual banda.

Lo que si no ha cambiado es la forma de grabar. Me grabo con un casete de estos antiguos y me regrabo hasta que estoy más o menos convencido de lo que he compuesto. En eso sí que no ha cambiado la cosa, así como apunto cualquier idea que me viene a la cabeza y que puedo incluir en una canción o poema.

Se compara mucho a nivel político y social el momento que vivimos ahora con el de la transición del 78. Curiosamente, los años setenta fueron muy importantes para la canción de autor en España, ¿cree que ha ocurrido lo mismo en estos tiempos y qué diferencias cree que existen dos momentos importantes de la historia de España?

Aquello era una dictadura. Manifestar tus ideas era realmente peligroso y no había libertad de expresión. Ahora con las libertades democráticas eso no existe, pero sí hay otro tipo de dictadura, más sutil. Es la dictadura del negocio y de la economía, que tiene como consecuencia otro tipo de censura, que es básicamente que si tú como creador haces algo que se supone que no va a tener audiencia o interés, pues no te permiten grabarlo.

Hay muchos autores más experimentales, arriesgados que tienen muchas dificultades para sacar adelante sus proyectos. Afortunadamente existe Internet y ahí pueden subir todo aquello que realicen para que el público lo disfrute.

Los motivos de la canción por la libertad en la época del auge de Luis Eduardo Aute eran obvios, había una dictadura, pero ¿cómo animaría a los artistas del siglo XXI a no perder esa capacidad de subversión o de lucha?

Son tiempos de decadencia y de cambio en la manera de entender el mundo, la sociedad y la política. Hay grandes desigualdades, crisis de refugiados que huyen de la guerra, problemas medioambientales, prácticamente un ambiente de confusión generalizada. Esto creo que se está viendo reflejado en la obra de muchos artistas: en cine, música, etc.

Yo por ejemplo siempre he entendido que los nuevos cantautores son los raperos, que hacen unas canciones muy duras, agresivas, con unas letras directas y ácidas. Esa necesidad de protestar, por ejemplo el 15-M con los indignados, creo que encuentran un vehículo de expresión en la música rap. También dentro del periodismo o la literatura creo que hay ambientes de protesta y subversión.

¿Cree que han ido igualmente de la mano que contra el franquismo esos movimientos culturales de protesta?

Es difícil hacerlo. Antes el enemigo era muy claro, el franquismo. Las posiciones estaban muy claras, todos contra la dictadura. Ahora todo es mucho más ambiguo, no sabes bien quién es el enemigo, son tiempos más cínicos, camaleónicos. Es muy difícil detectar dónde poner el foco.

Aute ha aparecido colaborando junto a muchos raperos de España, como el caso del sevillano Haze o El Chojín, famoso también por ser muy crítico con el ambiente político y social, ¿cree que autores como usted han influido en estos músicos?

No, creo que no. Si algo puede asemejarse entre lo que hago yo y lo que hacen los autores de hip-hop es el cuidado de los textos. El rap es un género, que en términos generales, posee canciones con unas letras muy bien elaboradas y cuidadas.

Hablando de música como altavoz de justicia y derechos sociales, ¿cómo cree que puede competir ese tipo de autores con otros más comerciales y que llegan a grandes públicos con más facilidad?

Bueno ahí está internet, donde muchos autores pueden hacerse un pequeño hueco independientemente de lo que escriban. Lo demás pertenece al mundo de los negocios y no lo llamaría música. La mayoría de música que se escucha en radiofórmula o en los shows de televisión no la considero como tal. Son “músicas”, pero pertenecen como tal al business.

Las expresiones más auténticas, más coherentes, están en otro ámbito, en la creación, y por supuesto con muchos más problemas para alcanzar al gran público. Son más minoritarias, pero están ahí para quien le interese y no creo que dejen de hacerse.

¿Cómo puede lidiar el autor con esa disyuntiva? Por un lado tiene que crear, pero por otro también hay que vivir

Bueno ahí está la gracia. Yo puedo hacer una canción para mí y que resulte que por casualidad guste a un gran público y se convierta en un éxito. Pero por otro lado está la posibilidad de aquél que crea para el mercado y no para sí mismo. Eso es lo que me refiero con que hablamos de algo que no es música. Cuidado, y podemos hablar de buenas creaciones, pero tienen algo diferente, con otros objetivos.

Hay que tener en cuenta que al poder económico, a esas empresas necesitan de esas canciones o películas más frívolas para tener distraído al público. Por eso creo que ahora están de moda las películas de zombis, para acostumbrarnos a ser como ellos porque si no podemos ser peligrosos.

Hablando del negocio de la música, usted es amigo de Teddy Bautista, con el que colaboró en dos discos allá por principios de los años 80, ¿cuál es su opinión sobre el presunto escándalo de la SGAE y cómo cree que deberán resolverse esos juicios?

Al final creo que es la mitad de la mitad de lo que se decía. Tengo gran amistad con Teddy y estoy absolutamente convencido de que no ha metido la mano en la caja, porque no le hacía ninguna falta. Ya se verá el juicio.

¿Han tratado imparcialmente los medios de comunicación este caso?

Bueno, a veces los medios se precipitan, y quieren tener la noticia antes de que se produzca el hecho. A veces caen en prejuicios muy anticipados y luego con el tiempo se demuestra que no es tal como lo reflejaron.

Para concluir, ¿cómo definiría el tiempo que vivimos actualmente y que canción o canciones de Aute lo reflejarían mejor?

Bueno estoy convencido de que llegamos al fin de una época. La siguiente etapa está por escribir, no sé si será la era digital o digicual, pero por pura lógica tiene que arrancar otra manera de entender la sociedad, la cultura, la política y en definitivamente la forma de vivir. Hay que darse cuenta de que cada vez somos más y los recursos para la supervivencia escasean y se reparten peor.

Para ello, creo que cualesquiera de las canciones del último disco 'El niño que miraba el mar' y ahí hay unas cuantas para reflexionar en estos tiempos intempestivos.

El cantautor Luis Eduardo Aute actúa el 6 de noviembre en el Auditorio Teobaldo Power de La Orotava (Tenerife) y el 7 en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria.

La productora ha informado que el espectáculo consistirá en una proyección, previa al concierto, de un dibujado, musicado y dirigido por Aute que se edita en un DVD adjunto al disco-homenaje “Giralunas”, un recorrido antológico por su obra más significativa.

Las entradas para ambos conciertos ya están a la venta.

Siendo todavía niño se colaba en el estudio de Mario García Haya “Mayitín”, un ingeniero de sonido cubano poseedor de tres premios Grammy y habitual en las grabaciones de Gonzalo Rubalcaba, Juan Luis Guerra, Silvio Rodríguez, Chucho Valdés o Dave Holland. Una vez alcanzada la mayoría de edad, Anthony Ocaña (Santo Domingo, 1980) se marchó a Nueva York para continuar allí los estudios de guitarra en el Manhattanville College, que le convirtieron en un virtuoso del medio, pero también en un innovador. Este sábado presenta su último trabajo en la sala de conciertos Fotomatón, junto con Dotore. 

“A diferencia de lo que ocurre en España, donde la enseñanza musical se divide en compartimentos estancos que no se tocan, en Estados Unidos se fomenta la apertura, incluso hacia otras áreas del conocimiento. Yo estudié guitarra y composición clásica, pero a la vez mi pasión siempre ha sido la música popular y al mismo tiempo tomaba clases de jazz. Allí los estudios musicales son una rama universitaria más, así que a la enseñanza típica de un conservatorio se suman otras asignaturas que van desde el uso del ordenador hasta la psicología o economía. Además yo estudiaba paralelamente filosofía, en lo que para mí era un acto de amor hacia el pensamiento”.

Entre los profesores que marcaron su aproximación a la composición destaca a dos: Ingram Marshall -uno de los más destacados compositores norteamericanos contemporáneos, identificado con la corriente postminimalista- y Benjamin Verdery, profesor de guitarra de la Universidad de Yale y gran concertista de guitarra clásica. “Hay un detalle que posiblemente ayude a entender el tipo de mentalidad que existía en el College. Uno de mis compañeros en la clase de Benjamin Verdery era Bryce Dessner, el guitarrista y compositor de The National que paralelamente ha desarrollado una carrera como compositor de música ‘culta’. Ya por aquel entonces él se movía con total normalidad en esos dos mundos, el del rock y el de los auditorios”.

“In Trance” (la luna o los ritos del amor) by Anthony Ocaña, Nelson Ricart-Guerrero

Una vez finalizados los estudios en Nueva York se viene a España. Acaba de ocurrir el 11-S, pero no fue por eso. “Los motivos que me trajeron a España fueron distintos. Tenía la necesidad de conocer Europa y aprender más música de otros lugares, de hecho siempre escuchaba mucha música nórdica -Jan Garbarek, Bobo Stenson- y también algunos músicos españoles como Chano Dominguez y músicos de otros países europeos como Arvo Pärt, Penderecki o Gorecki. Por otra parte el origen de mi familia era español con lo que parecía lógico comenzar mi vuelta a Europa empezando por España. Aquellos primeros meses viví en casa de Luis Eduardo Aute, que fue quien en aquel principio de siglo XXI me introdujo en el universo musical madrileño”.

Más de una década después, Anthony Ocaña es ciudadano español, el país donde ha publicado cinco LP y un puñado de EP que oscilan entre el folclore caribeño, la música culta, la banda sonora y el pop avantgarde. Esto no le ha facilitado ser profeta en su tierra adoptiva; su música ha recibido mucha más atención de territorios culturalmente dispares y tan lejanos como China o Egipto. Esto no debería sorprendernos en un tipo que reivindica por igual a Jorge Drexler, Philip Glass, Nacho Vegas, Juan Luis Guerra o Sufjan Stevens.

“Vivimos un momento fascinante en la música, una revolución que ya está bastante evolucionada después de cien años de trastear con las posibilidades de la electrónica, lo que permite que un músico no necesite estudios para crear unas composiciones maravillosas. Yo no dividiría la música por géneros porque creo que todos los músicos nos nutrimos del resto. Yo oigo a Nacho Vegas y pillo elementos de su forma de hacer canciones”.

Su recién estrenado In Trance tiene dos líneas maestras bien definidas. Por un lado esa apuesta por la electrónica (pedaleras de loops y delays y uso del Logic) a la que Anthony hacía referencia y que separa estas canciones de sus trabajos anteriores, heterodoxos tratados sobre la guitarra clásica en los que no terminaban de explotarse las posibilidades del estudio. Por el otro la colaboración con el poeta franco-dominicano Nelson Ricart Guerrero, cuyo poema La luna o los ritos del amor sirve de cierre al álbum en una pieza de spoken word que se va hasta los 20 minutos.

“Nelson está muy interesado por la mitología arauca de los aborígenes de la República Dominicana y ese poema en concreto es la historia de dos hermanos que se enamoran y… bueno, es una historia muy incestuosa, pero maravillosa. El folclore y la música primitiva sirven de hilo conductor al disco, y eso está conectado con este poema en concreto, que fue una gran fuente de inspiración para mí. De hecho fue Nelson quien me motivó a hacer In Trance; en cierto modo él y yo estábamos viajando en paralelo en ese momento”.

Aunque para Ocaña ese aparente enfrentamiento entre lo folklórico y el avant-pop onírico no es tal. “El minimalismo es uno de los géneros musicales con el que se me relaciona y la música africana es minimalista de por sí; sin ir más lejos Steve Reich llegó al minimalismo a base de estudiarla. Phillip Glass fue un caso diferente, pero en cierra forma si escuchas los ritmos que están utilizando los grandes compositores de ese género ahí radica la grandeza de su música, hay una relación enorme. En mi país de origen, por su parte, hay una tradición musical procedente de la santería con un legado rítmico riquísimo. Es algo que también encontrarás en la música de Animal Collective, que es otro grupo que ha sido una de mis últimas grandes influencias. En definitiva que se podría explicar por muchas vías cómo termino llegando a este punto en el que ahora me encuentro”.

Anthony se explica, disco a disco

A PASO DE CEBRA (2001)

“Siempre me ha interesado explorar las diferentes facetas que me influían como músico: la música clásica, las influencias de la música folklórica de mi país, la república Dominicana y en general la música popular. Suelo comparar mi primer disco con el Alpeh de Borges, en cuanto que en él disparé todas las ideas que vas a desarrollar con el paso del tiempo”.

ANTHONY OCAÑA (2006)

Me había graduado y ya vivía en España, pero había vuelto a la República Dominicana a tocar en el Teatro Nacional como telonero de Egberto Gismonti, un músico brasileño maravilloso, y allí conocí a Guarionex Aquino, percusionista habitual de Michel Camilo y Tania María, y decidí hacer ese disco con él, en el que que todo su concepto percusivo estuviera muy presente. Es un disco en el que trabajan muchos músicos dominicanos: César Simón, Maridalia Hernández de los 4:40 de Juan Luis Guerra, Isidro Boadilla,…

SOLO (2008)

Decido hacer grabaciones sólo de guitarra, y el primero de esos trabajos se llamó precisamente Solo basado en composiciones mías de corte bastante tradicional.

WET FIELDS (2010)

Cuando agoté el concepto de Solo empecé a interesarme por la música experimental con bastante influencia de la electrónica. Era algo que me venía de la etapa de aprendizaje con Ingram Marshall, una etapa en la que yo experimentaba mucho con la guitarra eléctrica y los pedales, y decidí trasladar esas ideas a la guitarra española a partir de loops y delays. Ese trabajo se refleja en Wet Fields donde utilizo tanto la guitarra tradicional como la guitarra de diez cuerdas. Había compuesto una pieza titulada Ascending Soul que fue un encargo de Festival de Música Contemporánea de Villaviciosa de Odón para soprano y guitarra, y que imita al momento en el que un cuerpo se muere y asciende al cielo. Al presentarla en directo en directo se convertía en una pieza perfomática en la que la cantante tenía giraba sobre sí misma como un amplificador Leslie; el espacio era una sala de conciertos al aire libre con unas grandes paredes, el sonido rebotaba por doquier y el efecto era maravilloso. Este efecto no podía reproducirlo en estudio, así que aposté por explorar con la electrónica.

PLACERES EP (2012)

Desarrollo la idea de un trío formado por guitarra clásica, violín y cello, también utilizando pedaleras. Al final se quedó en eso, en un disco de corta duración, aunque me hubiera gustado desarrollarlo mucho más. Es un disco que curiosamente sonó bastante RNE Clásica.

IN TRANCE (2015)

Había llegado el momento de grabar ese disco que yo siempre había querido hacer, en el que me sentara a producir un montón de ideas que había dejado guardadas en el ordenador desde hacía muchos años. El que conozca mi trabajo anterior entenderá que este disco es la conclusión de todo eso. Me lanzo a incorporar muchas más influencias de música popular a un nivel rítmico y de instrumentación. Hay sintetizadores y guitarras eléctricas a través de loops y delays y además trabajé mucho con el ordenador: Logic y algún que otro sinte externo. Las percusiones, por ejemplo, están todas hechas con la guitarra y procesadas posteriormente. La idea era desarrollar las ideas más allá de lo que yo pudiese interpretar en directo; ahora bien, yo In Trance lo llevo al escenario, pero con arreglos distintos, lo adapto a las circunstancias en función de los músicos que tenga y los instrumentos de los que dispongamos. La música de In Trance está viva y seguirá evolucionando.

Acaba de cumplir 70 años. Setenta veranos de búsqueda, de preguntas. Porque lo cierto es que Luis Eduardo Aute (Manila, Filipinas, 1943) no se considera más que eso, alguien que se hace preguntas: un tenaz interrogador empeñado en esclarecer de qué va exactamente el juego de vivir. Por más que las reglas que le han impuesto siempre sus semejantes no le hayan convencido jamás; y hoy, menos que nunca.

Sin embargo, dice encontrarse en pleno proceso de “pacificación consigo mismo”; este artesano renacentista que presentó su primera exposición pictórica a los 16 años y su primer cortometraje –en Súper-8– a los 17; que desnudó a Marilyn –con una foto de revista, lápiz y pasta de dientes– a los 10, y que desde su irrupción en la canción popular, a finales de los 60, no ha hecho sino cultivar un territorio en el que las intimidades compartidas de varias generaciones fueron encontrando un refugio común contra el frío. Ésas que viraron del miedo a la ilusión, y del desencanto al encantamiento suicida, antes de despertar súbitamente de “la estafa”. En su horizonte más próximo, una gira por América y la posibilidad (en voz muy baja aún) de repetir aquel legendario concierto con Silvio Rodríguez, Mano a mano, veinte años después. Pero, en cualquier caso, con la prioridad –ganada a pulso– de hacer esencialmente lo que le dé “la real gana”.

Quería preguntarle si usted, como artista, ha…

…Un matiz: artistas somos todos.

¿…?

Sí, porque todos nacemos con una capacidad para ser sensibles a una serie de cosas; lo que pasa es que unos profundizamos en esa capacidad de valorar la sensibilidad y otros hacen caso omiso de ella; incluso muchos, la mayor parte, y cada vez más, intentan acabar con esa capacidad. Yo creo que artistas somos todos en cuanto tenemos una mínima capacidad para apreciar algo que valga la pena en la vida, y tener una visión más o menos personal de las cosas. Luego dependerá de que desarrolles esa capacidad o no.

…Al hilo de esto, ¿no cree que una de las razones de la crisis social tiene que ver con que haya habido cada vez más miedo a confrontar ciertos aspectos de su vida interior? Eso del “no me rayes” al que tanto se han venido aplicando algunas generaciones, por ejemplo.

Eso es una novedad que no ha ocurrido nunca en la historia. Eso de acceder a bienes culturales, no como producto sino como bienes, siempre fue algo positivo y algo a lo que todo el mundo tenía deseos de acceder. Hay una novedad de los últimos tiempos, que es fomentar el desprecio hacia ese deseo de cultura. Siempre, desde que el ser humano existe, ha tendido a tener más conocimiento. Y la novedad de las últimas décadas es que la sociedad de los mercados ha conseguido fomentar la despreciable idea de que el conocimiento (no la información: el conocimiento) es algo prescindible. Algo que sobra y que no produce beneficio. Eso es nuevo en la historia. De hecho, en EEUU la palabra cultura prácticamente no existe: es entretenimiento, entertainment.

Lo serio, o profundo, como sinónimo de aburrido. aburrido.

Eso es. La búsqueda de la felicidad la han derivado al consumo, cuando la felicidad siempre debería ser consecuencia de aproximarse al máximo a lo que debe ser la razón de ser de vivir. Y eso queda absolutamente desplazado porque no es productivo. Esa sabiduría que invocaban las culturas mediterráneas, de Grecia, de Roma. Las élites culturales –por llamarlo así–, los ámbitos más preocupados por la sensibilidad y el sentido de las cosas, siempre han sido minoritarios, y la estupidez siempre ha estado ahí. Lo que pasa es que ahora la estupidez tiene categoría de academia, antes no. Antes, y salvo excepciones, la audiencia era corta porque no había medios ni plataformas para el acceso a esa sensibilidad; ahora tenemos todos los medios, pero operando para todo lo contrario. O sea, no se te ocurra aproximarte porque dicen los estúpidos que eso es una estupidez que no produce beneficios… Y vivimos en una auténtica macrodictadura de mafias financieras, de bancos desatados, de lobbys, que nos están imponiendo un espacio histórico demencial. Y está prevaleciendo ese criterio. O descriterio. O contracriterio.

La cleptocorporatocracia [neologismo de su cosecha para definir el Panorama].cleptocorporatocracia

Cleptocorporaciones que tienen como objetivo comprar países, comprar continentes, propiedad privada, sí. Y el resultado es éste: una sociedad que aterra. Yo soy incapaz de pensar en lo que puede ser esta sociedad de aquí a veinte años. Si sigue así, un auténtico horror. El ser humano habrá desaparecido. Y es curioso que haya tanta moda de películas de zombies. No es gratuito; yo creo que la sociedad perfecta para los intereses de esta economía global es que seamos todos unos muertos andantes. Ahí quieren que vayamos. Estamos ahí ya. China es la sublimación de esa sociedad de consumo en la que el ser humano es un personaje que trabaja 18 horas al día, que apenas vive, cobrando unos sueldos de miseria, sin capacidad ninguna de tener cierto tiempo para reflexionar. Por ahí va el tema. A mí me produce una angustia tremenda, no por mí ya sino por mis hijos y por las generaciones que vienen.

Recuerda esto que dice la canción de Leonard Cohen [que él mismo versionó], The future. Todo va a arder…The future.

Es una de mis favoritas. Siempre me han acusado de pesimista, pero siempre lo rechazo: en todo caso escéptico, sí. He intentado mantener una cierta lucidez sobre lo que iba sucediendo. Pero pesimista no: pesimista es el que saca la bandera blanca y dice esto se ha acabao; el escéptico es activo, el pesimista se rinde.

Visto lo visto, ¿cabe alguna esperanza en el panorama político?

Creo que eso que llamaron PIGS, o países del Sur –y yo incluiría a Francia–, o actuales protectorados de Alemania, deberíamos salirnos de Europa –no salirnos, porque somos Europa, que es una palabra griega–, desvincularnos de esta Europa de los mercaderes, y hacer un acuerdo con nuestros socios naturales de América Latina, que es donde se habla el grecolatino. Porque, qué coño hacemos aquí, sino ser los chinos de la economía del norte. Todo ha sido una gran trampa… Pero es que el poder está lleno de arribistas, de parásitos, que ven en la política su modus vivendi; unos mandados con el único objetivo de llevárselo crudo. O sea, que el que vale, vale, y el que no, a político. No hay patriotismo, ni sentido de Estado, ni sentido histórico, ni nada… Claro que también es nuestra responsabilidad, sí, en tanto en cuanto votamos; más culpables somos nosotros. Les damos crédito. La culpa es nuestra.

¿Echa de menos largarse a París de vez en cuando, como cuando era joven?

Estuve hace poco, de hecho, y París ya no es lo que era. Sólo queda un bonito museo… París era lo más próximo que teníamos para respirar otros aires, en vista de que aquí había un régimen que asfixiaba cualquier curiosidad distinta a la impuesta. Yo estudié en un colegio de hermanos de Lasalle americanos [en Manila, hasta los 11 años, donde trabajaba su padre]; eran hermanos, no curas; más abiertos evidentemente que los de aquí, que eran franquistas todavía. Aquí eran curas de misa diaria.

Debió de ser fuerte el contraste. ¿Qué España se encontró al llegar?

Una país oscuro, lleno de tullidos en la calle. Con miseria. Era como el blanco y el negro; no es que aquello fuera el paraíso ni mucho menos, pero era otra perspectiva de la realidad, era como meterte en el Medievo, en tiempos de la Inquisición… España lamentablemente ha sido el país de las contrarreformas. Somos especialistas en inquisiciones. Y hemos pasado de ser un pueblo de la meseta, perdido, a pensar que estamos en Nueva York, sin haber pasado por la Revolución francesa. Viene la República, e inmediatamente una dictadura oscurantista, vuelta otra vez a la ignorancia. Somos un país de artistas geniales, de investigadores geniales, pero al mismo tiempo un país muy mediocre, muy pacato, muy suicida, muy cainita, muy saturniano en cuanto a que devora siempre a sus mejores hijos. Y eso prevalece. Quizás por esa gran influencia de la Iglesia, nefasta, que ha fomentado siempre un pensamiento muy mediocre. Aquí hemos sido más papistas que el papa. Y la gente más brillante ha tenido siempre que irse afuera. A trabajar fuera o a morir fuera. Uno de mis poemigas dice: “España de mis amores, cuánto te odio”. Y me pasa eso: es un país bellísimo, con una gente esencialmente estupenda, pero condenada a la mediocridad histórica.

El enemigo dentro, para variar…dentro,

Creo que el gran-gran enemigo es la estupidez. Porque no hay peor perverso que el perverso estúpido. Hasta la perversión es comprensible. La estupidez no. Y creo que en esta vida se trata de evitar como a la peste la estupidez; con todas las contradicciones que depara la vida, navegando en tus luces y tus sombras, pero intentando vivir, y sin esa gente que repudia el tener consciencia de lo que representa la vida… La estulticia es lo que hay que erradicar. Pero estamos en un mundo que desprecia el conocimiento, la poesía, la magia. Y es que Lucifer es mucho más inteligente que sus acólitos. Los acólitos son los que gobiernan el mundo ahora. Ni siquiera Luzbel, que tiene ansias de divinidad: no, son los acólitos los que medran en el infierno. Los mandados que están ahí, quemándote el culo, a ver si quemando más, cobran más.