Su Trote (2018), con guión propio y del escritor Diego Ameixeiras, fue una de las piezas basilares de las reunidas bajo la etiqueta de Novo Cinema Galego. Localizada na Rapa das Bestas y con un potente elenco actoral, narraba un drama rural seco y duro. Ahora Xacio Baño (Xove, A Mariña, 1983) regresa al formato largometraje con Despois das cidades, una suerte de “reflexión coral” alrededor de Santiago de Compostela, capital de Galicia, con el que abrirá la 23ª edición del festival de cine Curtocircuíto, en la misma ciudad. El certamen, dirigido por Pela del Álamo, dedicará además su sección foco a la cineasta Gala Hernández, cuyo trabajo bucea en los márgenes de Internet, y al artistas, cineasta y músico británico Lawrence Lek.

La proyección de Despois das cidades será el martes, 30 de junio, en el Teatro Principal de Compostela. “Múltiples voces, cartas y postales construyen una mirada sobre la memoria, el paisaje y las transformaciones del espacio urbano” en Santiago, dice la sinopsis del filme. Al día siguiente del pase, una mesa redonda reunirá a Baño con la historiadora y política encarna Otero y con el ensayista y profesor Antón Baamonde para hablar sobre la cinta, la ciudad y sus circunstancias.

Pero antes, este mismo 29 de junio, una proyección sorpresa al aire libre en los jardines del hotel NH Collection será la primera actividad de un festival que, en su sección oficial Cosmos, ofrecerá obras de Bill Morrison, Aleix Plademunt y Carlos Marqués-Marcet, Mohammadreza Farzad, Veneta Androva, Christian Avilés o Dorian Jespers. Habrá además un apartado de conciertos audiovisuales con Ryoichi Kurokawa, Las Sara Fontán y Tamara de la Fuente, Arvin Dola e Irene Gaumé, y Artur M. Puga y Sevi Iko Domochevsky, que conforman “un recorrido por diferentes formas de relación entre sonido, imagen, tecnología y performance”.

Las proyecciones serán en el Teatro Principal, el Auditorio de Galicia y la sala Numax. El abono para todas las actividades cuesta 25 euros. También habrá programación en diferentes plazas de Santiago de Compostela, de acceso libre y gratuito.

En la íntima privacidad del cambiador de pacientes de la sala de radioterapia del Hospital Infanta Luisa de Sevilla se pegan cartas en las paredes. Tienen diferentes colores, formas y longitudes. Siempre son de agradecimiento: a técnicas, médicas, enfermeras o limpiadoras (por usar un femenino plural para un conjunto de profesionales de los cuidados muy feminizado). Aunque van dirigidas al personal, en realidad sirven más a otros pacientes: mensajes lanzados desde el pasado, como la luz de una estrella que llega hoy, pero que se emitió antes de que existiéramos.

Ese cubículo es “un lugar habitado por afectos”, como lo definió aquí Rubén Díaz, “donde el tiempo clínico queda interrumpido para dar paso a la experiencia compartida”. Las cartas dibujan un mapa orográfico, una cartografía de montañas y valles de los pacientes de cáncer. En ese hospital tienen cientos de ellas bien guardadas en archivadores.

Entre esas cartas, una llamó la atención de Felipe G. Gil, miembro de ZEMOS98 y mediador del proyecto Quásares. Venía desde la lejana galaxia de 2010 y la escribía Isabel. En ella comparaba a los profesionales sanitarios con los objetos celestes llamados quásares, “los más luminosos del universo”, como “un billón de soles”, una intensa luz que “de forma desinteresada y altruista que hace que la gente no se quede indiferente”. Esa es la chispa de inspiración de un proyecto de mediación entre pacientes, profesionales sanitarios y artistas que ha concluido con un acto en el CaixaForum Sevilla este pasado jueves.

Qué tienen las polaroids

Dice el fotógrafo Óscar Romero que lo que tienen las cámaras instantáneas, con la impresión rápida y automática de la imagen tomada, es que “no reflejan la belleza, sino las emociones”. Por eso, les dio unas cuantas de estas cámaras a pacientes oncológicos, esperando que de esta manera se revelaran sus sentimientos.

Los pacientes buscaban la imagen de aquello que se les aparecía como sanador: espacios, personas, momentos. Romero, en paralelo, realizó un ensayo fotográfico de “los quásares” de los pacientes —las personas en las que encontraban apoyo—, retratados a contraluz, envueltos en un poderoso halo.

Luisa, paciente oncológica que ha participado en este proyecto —impulsado por la Universidad Internacional de Andalucía (UNIA), Quirónsalud, Concomitentes y la Fundación Daniel y Nina Carasso, con la coordinación de ZEMOS98— explicó en la presentación cómo se había sentido al utilizar la cámara fotográfica no para crear recuerdos, sino como una herramienta artística: “Me ha ayudado a pensar que soy una hormiguita más del universo”.

Lourdes es otra de las pacientes que recibió la cámara Instax. Dice que al verla, se vino abajo, se dijo que no podría. Fue parecido a cuando, hace ocho años, perdió la visión por un cáncer cerebral. Pero, como una luz, apareció una idea en su cabeza: “No estoy sola”. Su compañero Joaquín, su ‘quásar’, que lleva siendo sus ojos desde el diagnóstico, también lo fue en este paso creativo. “Esto me hace mirar las cosas desde otro sitio”, dice.

Chistes en el límite

“Doctor, ¿y después del tratamiento podré mantener relaciones sexuales?”. “Será igual que antes”, responde el médico. “Mierda”, contesta el paciente.

Es difícil saber si el humor, en relación con el cáncer, va a pasarse de la raya. La psicooncóloga Raquel Calero está totalmente a favor de explorar este territorio. “El humor es una expresión de la personalidad, no niega el dolor pero ayuda a hacerlo transitable”, opina. La dibujante Adela por dios tenía ese miedo, pero en realidad ha sabido encontrar una veta, a partir de las conversaciones con pacientes, que le permite transformar el comentario en chascarrillo, el pensamiento en brillante golpe de efecto con sonrisa final.

Ana, otra paciente oncológica cuenta que la persona que más utiliza el humor sobre su cáncer es su madre, su 'quásar'. Cuando Ana llora, le dice que no lo haga: “¿Y si el siguiente diagnóstico es peor que este? ¿Entonces qué, si ya lo has llorado todo aquí?”. Ese tipo de comentario desdramatizador probablemente solo pueda hacerlo una madre con su hija.

Un hombre comprando en un supermercado. Una mujer tomando el sol en la playa. Una persona probándose camisetas. Una pareja tomando algo en una terraza. “La gente con cáncer no solo hace cosas de cáncer”, dicen los bocadillos de cuatro viñetas. Adela por dios ha creado 60 ilustraciones, tiernas pero también mordaces, a partir de la escucha y la cocreación. 

Narrar el cáncer

“En la práctica artística y en la periodística no siempre hay tiempo para escuchar y eso fue lo primero que pude hacer aquí”, explica Andrea Morán, creadora del podcast Vivir desde el cáncer, que ha surgido también del trabajo con los hospitales sevillanos del grupo Quirón Sagrado Corazón e Infanta Luisa.

La enfermera María del Pilar Muñoz tiene una idea interesante sobre la escucha activa y es que no es solo una cuestión de empatía, es “una intervención enfermera”. “Cuando un paciente se siente escuchado se abre más y puedes hacer unos mejores cuidados enfermeros”, explica. Además, como enfermera, puede tomar mejores decisiones sobre el paciente, derivarle al profesional adecuado —un psicooncólogo, quizá— y reducirle el estrés.

El cáncer no es solo un proceso físico, sino que es también emocional y social. Y para tratar ese proceso también hace falta radioterapia, por jugar con las palabras que presta el ámbito radiofónico. Eso ha hecho Morán —quien estas semanas estrena junto a José María Sadia el podcast La memoria en ruinas en elDiario.es— en esta serie sonora.

Salvador es una de las voces del podcast. Como le interesa el lenguaje y la palabra, reclama que se destierren los belicistas en la narración del cáncer. “¿Dónde está ‘la batalla’? ¿Dónde ‘el enemigo’? ¿Quién es ‘un crack’? ¿Y los que no superaron la enfermedad es que no fueron valientes? Todos lo intentan a su manera”, dice.

“Tener cáncer y tener buen aspecto es jodido”, añade, en lo que podría ser un chiste de Adela por dios. Salva piensa que hace daño pensar que una persona con cáncer es alguien sin pelo, con ojeras y mala cara. No todos los procesos oncológicos son iguales y la comparación con el estereotipo también puede ser dolorosa. Estas son cosas de las que no se hablan.

Medicina analógica

La pequeña cámara Bolex 16H SB va a manubrio. Parece un juguete, pero rueda en 16 mm. Cuando desescalas un proyecto cinematográfico, puedes ir a lo íntimo. Minimizar y ocupar de manera menos intrusiva el salón de la casa de una paciente como Luisa.

Rocío Mesa y Jorge Castillo han rodado el cortometraje Quásares de esta manera, con un equipo de tres personas y bajo este mismo criterio de la cocreación. Se estrenó el pasado 11 de junio en Sevilla y esperan que encuentre visibilidad por el circuito de festivales y que también se abra hueco en colegios u hospitales.

Es una historia hermosa sobre la intimidad y la fragilidad de un proceso oncológico, narrado con delicada poética. Los cineastas dejaron que Luisa contara su historia desde el lugar que ella eligiera, y de esta manera sencilla, ella y ‘sus quásares’ pasaron de ser objetos a sujetos narrativos.

Dice Rocío Mesa que este proyecto “ha sido mediado de forma tan humana” que les ha recordado por qué quieren “hacer cine”. Para ellos también ha sido transformador.

Aunque el arte no cura por sí solo, esta sería una de las conclusiones, sí ayuda a la curación. El mediador Felipe G. Gil recordó en la presentación a la dibujante de Persépolis, Marjane Satrapi. “Se dijo que murió de pena, necesitamos la alegría para vivir”. Y añadió: “Los pacientes pueden mejorar gracias al arte y la cultura”.

La cineasta zaragozana Martha G. Ayerbe opta a Mejor Dirección Novel en la X edición de los Premios Fugaz, los galardones más relevantes del cortometraje español, por su trabajo al frente de 'Señuelo'. La obra suma tres nominaciones en esta edición y sitúa a la directora, nacida y residente en Zaragoza, entre los nombres destacados de la nueva generación del cortometraje español.

La presencia zaragozana en las nominaciones se completa con Jorge Blas Borroy, director de 'Último superviviente a bordo', que también concurre en la X edición de los Fugaz con dos candidaturas en apartados técnicos.

Aunque ambas obras tienen recorridos de producción y rodaje fuera de Aragón, la presencia de Ayerbe y Blas Borroy permite destacar el peso de creadores nacidos en Zaragoza dentro de una edición que reúne 111 candidaturas repartidas en 21 categorías.

'Señuelo' aborda la transmisión de la violencia y los códigos de masculinidad a través de Martín, un niño tímido y sensible que acompaña a su padre y al jefe de este durante una jornada de caza.

El cortometraje, protagonizado por Ramón Barea, Xavi Sáez y Aniol Cisquella, ha sido escrito y dirigido por Martha G. Ayerbe y ha nacido como uno de los proyectos ganadores de The Dream Makers, iniciativa impulsada por Fundación SEAT CUPRA.

La obra fue seleccionada entre 400 propuestas de 15 países y producida en colaboración con J.A. Bayona y ESCAC, antes de presentarse en la inauguración del Festival de Sitges (Barcelona).

Otras obras

'Montecarlo 67' parte como el cortometraje más nominado de esta edición, con 13 candidaturas, por delante de 'Cara de cona' y 'Ser un hombre', que alcanzan diez nominaciones cada uno.

Entre los títulos con mayor presencia en la lista final figuran también 'Chicken Jazz', con siete candidaturas; 'In Memoriam', con seis; y 'Una vocal', con cuatro.

La gala de entrega de premios tendrá lugar el próximo 22 de junio en la emblemática Sala 25 de los cines Kinépolis Ciudad de la Imagen, en Madrid, con un aforo de mil personas.

La organización de los Fugaz ha destacado que este año se han presentado más de 600 cortometrajes, valorados por una comisión de más de 1.800 profesionales del sector. Además, como gran novedad de esta edición, se amplían a diez los títulos nominados en la categoría de Mejor Cortometraje, con el objetivo de reforzar la representatividad del premio y reflejar con mayor amplitud la calidad de los trabajos seleccionados.

Diez años de trayectoria

Nacidos en 2017 de la mano de CortoEspaña, los Premios Fugaz se plantean desde el primer día como un reconocimiento profesional al cortometraje, decidido por la propia industria a través de la Comisión CortoEspaña.

En ese recorrido, el certamen ha ido ampliando su alcance y su ambición, con un salto muy visible ya en sus primeros pasos, cuando pasó de nueve categorías en la primera edición a 18 en la segunda y ha seguido creciendo hasta el actual marco de 21.

La gala también ha acompañado esa consolidación con una progresión lógica de espacios. La primera edición se celebra en 2017 en la Cineteca de Madrid y la segunda tiene lugar en 2018 en el Palacio de la Prensa.

Desde 2019, la sede principal se asienta en Kinépolis Ciudad de la Imagen, un salto de escala que encaja con la dimensión que han ido adquiriendo los premios dentro del sector.

Con nueve ediciones ya celebradas, el palmarés acumula más de 150 galardones entregados y una lista de nombres y títulos que funciona como termómetro anual del formato corto.

Otros premiados

En paralelo, el Fugaz de Honor ha distinguido trayectorias como las de Miguel Rellán, Javier Fesser, Daniel Sánchez Arévalo, Asunción Balaguer, Beatriz Carvajal o Eduard Fernández, y en 2025 se suma Arantxa Echevarría.

Ese mismo año, además, el certamen incorporó dos categorías que ampliaron el perímetro de los premios, Mejor Cortometraje Hispanoamericano y Mejor Cortometraje de Escuela, abriendo una vía estable hacia Latinoamérica y hacia los nuevos talentos del ámbito formativo.

Los Premios Fugaz cuentan con el apoyo de Kinépolis, Cervezas Alhambra, The Core School, Instituto del Cine de Madrid, Welab, Hot Perrote, Gobo, Da Vinci Productions y Excena, además del respaldo institucional del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), haciendo posible que estos galardones continúen siendo el gran punto de encuentro del cortometraje español.

El único festival madrileño especializado en cine documental musical y videoclip, GET BACK! Music Doc Fest, celebra su segunda edición del 27 al 31 de mayo en dos sedes de Majadahonda y otras dos en Madrid capital. Después de la celebración de su primera edición con una participación de casi 1.600 personas, el festival continúa poniendo en valor y promoviendo el talento del género documental musical para ofrecerlo al público en las salas de cine.

Los Cines Zoco Majadahonda acogerán las proyecciones de largometrajes y videoclips, la exposición de arte y el pase educativo. Por su parte la Casa de la Cultura Carmen Conde, en el mismo municipio, es el lugar elegido para la inauguración. Habrá otras dos sedes de Madrid: la Sala Equis, donde se proyectarán los cortometrajes documentales, los videoclips y dos pases especiales y el Palacio de Longoria, sede de la Sociedad General de Autores, lugar del encuentro profesional. 

La programación del festival propone un recorrido único por algunos de los documentales musicales y videoclips más interesantes del panorama musical reciente. Cada proyección, treinta en total, estará acompañada de un coloquio. La sesión inaugural tendrá lugar el miércoles 27 a las 19.30. Allí, acudirán los miembros de la banda madrileña Ultraligera para presentar su videoclip Lapsus, así como el cantante Mikel Erentxun, protagonista de Hombre Bala de la directora Anuska Ariztimuño, película que abrirá el festival.

En total se otorgarán tres premios monetarios: Premio del Jurado de 1.000€ en la categoría de Mejor Largometraje Nacional, Premio del Jurado de 500€ en la categoría de Mejor Videoclip Naciona y Premio del Jurado de 500€ en la categoría de Mejor Cortometraje Nacional, además del Premio del Público para la tres secciones. Los trofeos que acompañan estos galardones son obras únicas de la ceramista Marta Lorca, miembro de Art Rebels Factory.

Los siete documentales nacionales a competición, que se podrán ver en la Cines Zoco de Majadahonda, son el mencionado Hombre Bala  (2025), Hasta que me quede sin voz  (2025) de Mario Forniés y Lucas Nolla, Acuérdate de mí (2026) de Remedios Malvárez (estreno en Madrid), Antihéroe (2025) de Marc de la Varga, Back in Time! (2025) de Manuel Bellido y Sigfrid Monleón, Copeland (2025) de Pablo Aragüés (estreno en Madrid), y Serás Farruquito (2025) de Santi Aguado y Reuben Atlas. Fuera de competición también se proyectarán tres documentales adicionales: Canciller, el templo del rock (2025) de Vicente Martín Terán, Eterna (2022) de Juanma Sayalonga y David Sainz y El canto de las manos (2025) de María Valverde que cerrará el festival tras la gala de clausura.

El jurado de esta sección está compuesto por la cineasta Paloma Concejero (Antonio Vega. Tu voz entre otras mil, Soy Rebelde); Fernando Navarro, periodista cultural especializado en crítica musical y escritor (Todo lo que importa sucede en las canciones, Algo que sirva como luz) y el cineasta Samuel Alarcón (La ciudad de los signos, Oscuro y Lucientes, El género chico).

Los trece videoclips nacionales a competición son Lapsus de Ultraligera, dirigido por Juanma Coderch; Cara de Perra (2025) de Celia Bsoul, dirigido por Aitor Gutiérrez; Enbata Lorade (2025) de Iritsiko Da, dirigido por Erik Camposi; Esa gente que HMM (2024) de Admire, dirigido por Admire; No me digas la verdad (2025) de Vera Fauna, dirigido por Bea Hohenleiter; Trick the Night (2026) de Cycle, dirigido por Pacool y David Kano; Mother Ó Ma (2026) de Garden, dirigido por Iván Valdés; Noraezean (2025) de Ezezez, dirigido por Unai Madariaga y Eneko Ajangiz; Tonto (2025) de Parquesvr, dirigido por Pablo Camp; Hienas (2025) de SOCA, dirigido por María Gabaldón Berlanga y Alba Ruíz-Castizo López; Jota de Noche (2025) de Andeable, dirigido por Saúl González Abejón; Danza del fuego polar (2025) de Jorge Pardo, dirigido por Dany Ruíz; y Fumando Flores de Faenna, dirigido por Cristobal Quesada Fernández. El jurado de esta sección está compuesto por Zahara, artista, compositora, intérprete y productora; Natalia Ferviú, comunicadora, directora creativa y DJ; y David Bonilla, A&R y director de catálogo de Warner Music Spain.

En cuanto a los cinco cortometrajes nacionales a competición, que se podrán ver en la Sala Equis de Madrid, son Eskogimos muerte (2025) de Verónica Rodríguez, Hauspoa & Tunela (El túnel del fuelle) (2026) de Gorka Hermosa e Iñaki Pinedo, Mariem (2025) de Javier Corcuera, Inania (2025) de Júlia Girós y Vera Herrero Mercader y Habana Industrial (2025) de Ainhoa Ordoñez.

El jurado de esta sección está compuesto por David Varela, cineasta, docente, distribuidor y productor; Carlos Reviriego, programador, crítico cinematográfico y director adjunto y de programación de la Filmoteca española; y Virginia García del Pino, cineasta multidisciplinar.

Actividades más allá de la pantalla

Dentro de la programación se incluyen varias actividades paralelas: una exposición, dos conciertos, un pase educativo y un encuentro profesional. La muestra de arte, que podrá verse durante todo el festival en Cines Zoco Majadahonda, corre a cargo del fotógrafo Domingo J. Casas y del artista multidisciplinar Iván Ordás, encargado también del cartel de esta segunda edición. En este espacio también tendrá lugar un pase educativo con alumnos de Bachillerato donde se proyectará el documental Eterna sobre la vida y obra de la artista Gata Cattana. Contará con la actuación y coloquio con la poetisa y rapera Celia Bsoul.

También se celebrarán dos conciertos: el viernes 29 de mayo en la sala Rey Louie de Majadahonda a cargo de Demonio YeYé, proyecto liderado por Lichis (creador del grupo La cabra mecánica) basado en un incendiario cancionero español de los años 60. El sábado 30 de mayo por la mañana en la Sala Equis será el turno de la sesión vermú a cargo de las artistas Dub Diva & Jhana Beat, como finalización del evento dedicado al videoclip que tendrá lugar en este espacio.

El festival refuerza su dimensión profesional el viernes 29 de mayo en el Palacio de Longoria (sede de la SGAE) con un encuentro organizado junto a DOCMA (Asociación Española de Cine Documental). Serán dos mesas redondas centradas en los modelos actuales de producción y programación del documental musical en España y en su proceso creativo desde la perspectiva de los artistas, los cineastas y la industria musical. Contará con la participación de Movistar Plus +, RTVE, Caixa Forum + y Filmin. La jornada concluirá con un espacio vermut y networking. 

El próximo sábado, día 30 de mayo, a las 18.00 horas, el Centro Social Octubre de Guadalajara acogerá una jornada de análisis y denuncia de la violencia vicaria e institucional con la participación de la actriz y directora María Bestar, que proyectará su cortometraje ‘No estás loca’.

En este evento también se dará a conocer el testimonio de tres mujeres víctimas que tuvieron que huir de España tras ser “obligadas por la justicia” a entregar sus hijos a presuntos maltratadores.

El objetivo del acto es denunciar la violencia vicaria, definida como aquella en la que el agresor daña a los hijos e hijas para causar sufrimiento a la madre; y la violencia institucional, que se manifiesta cuando las administraciones públicas “incumplen sistemáticamente su deber de protección y obstaculizan el acceso a la justicia”.

La jornada contará con la participación de la actriz, directora, cantante y compositora española María Bestar, quien proyectará su cortometraje ‘No estás loca’, una obra que aborda la problemática de la violencia vicaria.

Bestar, superviviente de violencia de género y activista por los derechos de las mujeres, ha entrevistado a más de 40 víctimas y ha documentado los graves fallos del sistema que perpetúan estas situaciones.

Tras la proyección, tomarán la palabra tres mujeres que han sufrido en primera persona las consecuencias de la violencia institucional. Según los organizadores, todas ellas se vieron obligadas a abandonar España después de que la justicia “les arrebatara la custodia de sus hijos e hijas para entregársela a padres investigados por malos tratos o abusos sexuales”.

El evento analizará cómo la administración de justicia se convierte “en un agente más de la violencia machista” al anteponer supuestos criterios legales a la protección real de los menores y las madres y que funcionan como “un instrumento de impunidad”.

En España y desde que comenzaron a contabilizarse, al menos 67 menores han sido asesinados por sus padres o por las parejas de sus madres. Se estima que el 98,7% de los hijos e hijas de mujeres que sufren o han sufrido violencia de género padecen también violencia vicaria.

Violencia institucional: cuando el juez “se convierte en el agresor”

El evento se celebra también en un contexto de creciente debate sobre el papel de la administración de justicia en la perpetuación de la violencia de género.

El Informe anual de Violencias Institucionales Machistas de 2024, elaborado por el Observatorio de Violencias Institucionales Machistas (OVIM) revela que seis de cada diez denuncias (60%) por violencia machista institucional están relacionadas con comportamientos o decisiones de jueces.

Este informe señala que la priorización de los derechos parentales sobre el interés superior del menor es una de las vulneraciones más habituales, lo que en muchos casos obliga a los hijos a convivir con el maltratador.

Además, en el 94,4% de los casos denunciados, la violencia institucional fue “revictimizante”. Según alertó el Defensor del Pueblo, el 60% de los jueces de Violencia contra la Mujer y el 85% de los destinados en juzgados con competencias compartidas no habían recibido formación continua en esta materia en los últimos cinco años

La jornada servirá para analizar las causas estructurales de la violencia vicaria y señalar a la administración de justicia como responsable.

Una habitación señorial llena de cuadros de personajes nobles, una cama con una marquesa moribunda, dos de sus hijos, cada uno a un lado de la cama, y una sirvienta. Además, un cura que pronuncia la extremaunción. Fuera se escucha el cantar de los buitres. Esta es la imagen inicial de Est Deus in Nobis (2026), un corto satírico sobre la codicia de las clases nobles y su hipocresía. La cinta se divide en dos partes claras. La primera refleja los últimos minutos de la marquesa marcados por los llantos y las buenas palabras de quienes le acompañan. La segunda muestra el verdadero rostro de los personajes una vez fallece la protagonista, cuando salen a la luz las viejas rencillas entre hermanos y su pugna por quedarse con la herencia de la muerta.

“Menos mal que me voy antes de que se disuelva España, que los socialistas quieren vender como Judas por unas cuantas monedas. Si no son ellos, serán los moros, que llevan siglos queriendo vengarse y descuartizar la grandísima obra que hizo Isabel la Católica echándolos a todos, moros y judíos. Prometedme que vais a estar siempre unidos y os vais a querer tanto como el señor os quiere”, afirma moribunda en sus últimas palabras con vida.

La escena es desternillante y el tono del cortometraje es de comedia. Pero el trabajo adquiere una especial relevancia porque la autora y directora es Oliva Ramírez de Haro, que proviene de una de las familias nobles más conocidas de Madrid. Su padre es Íñigo Ramírez de Haro, exdiplomático, dramaturgo y escritor enfrentado con su propio hermano, el conde de Bornos, Fernando Ramírez de Haro y Valdés, que es además marido de la expresidenta de la Comunidad de Madrid Esperanza Aguirre.

Todos conocen las miserias de la aristocracia, hasta el punto de que Íñigo llevó a su hermano Fernando ante los tribunales porque el esposo de Aguirre vendió en 2012 un cuadro familiar de Goya por más de cinco millones de euros, pero no repartió el dinero con sus hermanos. En noviembre, un juez condenó al conde de Bornos a pagar a su hermano Íñigo 853.732,83 euros. “La Justicia funciona, pero tengo miedo de la mano larga de Esperanza Aguirre”, confesaba este último en una entrevista con elDiario.es poco antes de que quedase visto para sentencia.

Inspirada en hechos reales

“Es una sátira inspirada en hechos reales. Me he inspirado en mi familia, en la historia que pasó y el dolor tan fuerte que sufrimos cuando se murió mi abuela”, explica Oliva Ramírez de Haro en conversación telefónica con elDiario.es. “Todo parecía idílico, a su manera, de una familia muy cercana que se decía lo mucho que se quería y cuando mi abuela murió tuve la sensación de un completo rechazo a los vínculos familiares y promesas irrompibles. Y de ahí llegaron los buitres”, añade. Las aves carroñeras son todo un símbolo del cortometraje. Nada más comenzar la grabación se escucha a los cuervos y, en un momento, la sirvienta afirma en alto: “La señora marquesa ha criado cuervos”.

La directora no cree que esa durísima pugna entre hermanos por el legado de sus padres se circunscriba únicamente a la aristocracia. “El corto es tan fuerte porque es una historia universal, que pasa en todos los países y en todas las clases sociales”, señala Ramírez de Haro. Ella reconoce que el cortometraje lo ha hecho “para sacar el dolor” que mantenía tras el fallecimiento de su abuela y el agrio enfrentamiento entre su padre y su tío. “Da miedo contarlo y muchas veces en las familias existe la ley de no hablar las cosas. Pero cuando no se hablan las cosas es cuando el rencor se queda dentro y hace que los odios se instalen”, remacha.

Las alusiones explícitas a miembros de su familia son constantes. En un momento dado, el hijo mayor le quita unos pendientes a su madre ante el asombro y el enfado de su hermana: “Son para Esperanza. Lleva esperando desde nuestra boda”. Que se utilice el nombre de Esperanza “no es casualidad”, según destaca Oliva Ramírez de Haro. “Casualidad no hay nunca, ya he dicho que está inspirado en mi familia”, apunta sin tapujos. La directora no teme represalias ni por parte de Aguirre ni por la de otros familiares: “La familia ya está perdida para siempre, desde mucho antes de hacer el corto”.

Antonio de la Torre, Cecilia Freire y Antonio Dechent

En su estreno como directora –lleva años en el mundo del cine trabajando en distintos proyectos como ayudante de dirección–, Ramírez de Haro ha contado con un elenco de lujo. El personaje que interpreta al hermano mayor lo representa Antonio de la Torre y en el papel de su hermana está Cecilia Freire. El cura está interpretado por Antonio Dechent, María Miguel hace de sirvienta y María José Alfonso, de la abuela que fallece. “Por casualidad di con Antonio de la Torre, se lo ofrecí y me dijo que iba a leer el guion y que si estaba bien lo haría. Creo que le pareció un buen reto”, explica la directora.

El cortometraje se presentó en el último festival de Málaga y, tal y como explica Ramírez de Haro, la idea es que “ahora empiece su vida” en el resto de festivales tanto a nivel estatal como internacional este año y el próximo. Después confía en poder poner el trabajo a disposición del resto del público “a través de alguna plataforma”. Oliva se licenció en Literatura Inglesa en la Universidad de Manchester y posteriormente completó un programa de dirección cinematográfica en la École Supérieure de Réalisation Audiovisuelle (ESRA) de París, antes de cursar un máster en Cine Documental en la Universidad de Tel Aviv. 

Cine con trasfondo social que mezcla el suspense con la comedia negra para denunciar la lacra de la violencia de género. El cortometraje Killjote, con guion y dirección de Ángel Villahermosa (Ciudad Real, 2001) acaba de ganar el premio principal del certamen The Core en el Festival de Málaga, la codiciada Biznaga, donde la crítica y el jurado destacaron, entre otras cosas, la “excelencia técnica”.

Es un reconocimiento que al director castellanomanchego le ha pillado “por sorpresa”, confiesa durante una conversación telefónica, sobre todo “cuando uno trabaja con la precariedad de su propio bolsillo y con gente que lo da todo por amor al arte”.

El corto, que dura 11 minutos, se presentó en el Festival Internacional de Cine de Almagro (Ciudad Real) en agosto de 2025 y desde entonces ha cosechado varios éxitos. “Fue un estreno muy manchego, pero yo iba entonces muy precavido porque es la historia de dos mujeres lesbianas que matan a sus maridos. No sabía cómo iban a recibirlo, pero se rieron mucho”. Hasta con la versión feminista de una de las canciones populares más conocidas, A la Mancha, manchega, un guiño más a su lugar de origen.

La historia arranca con la imagen de varias mujeres sentadas en la calle, de tertulia, a la puerta de casa en una noche de verano. Salir al fresco es una tradición estival en lugares como Bolaños de Calatrava, el pueblo de Ángel Villahermosa.

Espantar el calor, socializar al anochecer e incluso combatir la soledad rural intercambiando chascarrillos y vivencias es una costumbre arraigada en la Mancha, que el joven guionista y director compartía con su abuela Lola y las vecinas cuando era pequeño. “Estaba muy a gusto y creo que tenía que ver con estar en un entorno muy femenino y libre. Entonces yo estaba descubriendo que la masculinidad tradicional no iba conmigo. Ellas me dejaron mi espacio, sin ser conscientes”.

Un mundo femenino que quiere seguir explorando. “Me interesa mucho el personaje de señora, con mayúsculas. Quiero que esté en lo que yo haga, toda la vida. Ya pueden ser hombre, mujer o algo entremedias, pero que sea una auténtica señora”.

Quizá por eso la primera escena del corto la protagonizan ellas. “Son vecinas del pueblo que tienen un grupo de teatro y que charlan sin guion. Nadie podía hacerlo mejor que ellas”, comenta. Una escena que recoge cómo desde la charla y el cotilleo nocturno intrascendente se abre la puerta a la realidad de la violencia de género.

La cinta es una mezcla de comedia y terror que aborda también la temática LGTBI en el medio rural. “Me gusta encontrar el punto en el que el espectador no sabe si reírse o ponerse tenso. Es una ambigüedad que me gusta”.

La casa de la abuela Lola fue el lugar de rodaje para el equipo con Natalia L. Guillén como directora de fotografía en un trabajo que al jugar con la luz también buscó rozar lo esperpéntico. “El reconocimiento técnico tiene que ver con Natalia. Ha hecho magia con los pocos recursos que teníamos”.

Un corto que será película y un nuevo trabajo sobre la guerra civil

Para el que supone su segundo corto Ángel Villahermosa ha contado con dos grandes de la interpretación nacional. “La templanza y el porte de Consuelo Trujillo dio al corto la solemnidad que le faltaba al guion. Y después está la gran compenetración con Luisa Gavasa y su voz”. Ambas trabajaron juntas en La novia –una adaptación de Bodas de Sangre de Lorca– con la que Gavasa se llevó el Goya a la mejor actriz. “Era muy divertido ver cómo interactuaban entre ellas durante el corto”.

¿Por qué abordar este tema? “Es algo que me preguntó la actriz Consuelo Trujillo cuando le propuse el proyecto. No es algo que haya vivido de cerca, pero conozco la violencia y es algo que está en todos mis trabajos”. El joven creador se atreve con temas complejos “sin adoctrinar a nadie”, subraya, pero “lo hago de manera incómoda, casi esperpéntica para que puedan llegar a la gente de otra manera. No busco el discurso más habitual, que es necesario, sino uno distinto a través del humor satírico y lo sutil”.

Lo hará así en su próximo trabajo, un nuevo corto esta vez ambientado en la guerra civil española. Asesinado por el cielo está basado en un poema de Federico García Lorca. Espera iniciar el rodaje el próximo mes de junio con financiación de la Junta de Andalucía y del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), organismo autónomo adscrito al Ministerio de Cultura. El mismo que también ha ayudado a que Killjote se vaya a convertir en película.

“Estamos escribiendo y esperamos que sea pronto una película: una especie de historia de Thelma y Louise por la Ruta del Quijote”. Reconoce que también recuerda a Volver, la película de su admirado paisano Pedro Almodóvar, uno de sus referentes, junto a Alex de la Iglesia o “la forma de retratar la violencia de Tarantino”.

“En Castilla-La Mancha hay ayudas pero son pequeñitas”

A punto de cumplir 25 años, a Ángel Villahermosa el gusanillo del cine le picó “de manera banal”, tras un trabajo de instituto. “Nos pidieron hacer una película y, de repente, la profesora de inglés que yo creía que me odiaba, puso mi peli en clase diciendo que era un ejemplo de cómo hacer las cosas. Los compañeros me paraban por los pasillos… Ahora es algo muy tierno visto desde la distancia del tiempo”.

Aquello que disfrutaba haciendo con sus amigos ha terminado por marcar su trayectoria personal y profesional. “Siempre fui un chaval bastante invisible: el mediano de cuatro hermanos”, comenta. Si mira al futuro a medio y largo plazo confía en poder quedarse “mucho tiempo” en un sector con mucha competencia y poca financiación.

José Luis Cuerda, Pedro Almodóvar, Pedro Solís, Arturo Menor, los hermanos Carlos y Roberto Valle, Julián Lominchar o Alberto Torres, son algunos de los nombres de cine vinculados a Castilla-La Mancha con proyección nacional o internacional. “Dicen que el cine castellanomanchego está de moda y ojalá lo estuviera más, teniendo en cuenta la figura de Almodóvar. Hay que irse a otros sitios para financiar. Aquí hay algunas ayudas pero son muy pequeñitas”.

Castilla-La Mancha ha dado algunos pasos relacionados con la industria cinematográfica más allá de las ayudas, ofreciendo a la comunidad autónoma como plató de rodajes, hay ayudas para que las salas de cine no cierren y varios festivales han logrado colarse como referentes de cara a posicionar propuestas en los Goya, aunque el camino es todavía muy incipiente.

Cuando preguntamos al joven creador sobre proyectos como el de la futura Ciudad del Cine de Toledo, dice desconocer la iniciativa. “Es una buena noticia, tan cerca de Madrid”.

Castilla-La Mancha acogerá por primera vez el Festival Internacional de Cortometrajes 'Visualízame en tu Memoria', que este año celebra su sexta edición. Tendrá lugar en el Archivo Histórico Provincial de Guadalajara el jueves 11 de junio de 2026.

Este festival tiene como uno de sus objetivos preferentes promover la reflexión, a través del audiovisual, sobre la muerte y el proceso posterior de duelo, así como sobre la memoria personal y familiar, social, democrática e histórica.

Las inscripciones ya están abiertas y permanecerán abiertas hasta el 5 de abril de 2026. El Festival está organizado por la Fundación Inquietarte, que en esta sexta edición ha contado con la colaboración de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, a través de su Consejo Asesor de Memoria Democrática, de la Universidad de Alcalá, del Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática, y del Archivo Histórico Provincial de Guadalajara.

Bases de participación y premios

Podrán participar productores/as y directores/as de cine con hasta un máximo de dos cortometrajes en las siguientes categorías: ficción, documental y/o animación. Estas películas estarán realizadas durante lo años 2025 y 2026, donde su duración no excederá los 20 minutos.

Se admiten cortometrajes cuyo idioma original no sea el español, sin embargo deberán incluir subtítulo en esta lengua.

Los audiovisuales admitidos a concurso quedarán en posesión de la Fundación Inquietarte y podrán ser utilizados por la misma en los medios de comunicación para promocionar la programación del Festival, así como en sus actividades educativas itinerantes. Por otro lado, estas actividades se podrán realizar de forma presencial u online. Los productores de los cortometrajes seleccionados autorizan el uso deun fragmento de las obras (máximo tres minutos) para su difusión como material informativo en cualquier medio, incluido internet.

De igual manera, los cortometrajes también podrán ser utilizados en actividades educativas y de difusión del festival organizadas por alguno de los patrocinadores, siempre en colaboración con la Fundación Inquietarte. La participación implica la aceptación plena de las presentes bases, así como la resolución de cualquier problema no incluido en las mismas por parte de la organización.

Los cortometrajistas cuyas obras resulten seleccionadas serán informados a través del cambio de estado de su película en la plataforma desde la que hayan realizado su inscripción en los siguientes sitios web: Click for festivals, Festhome y Movibeta.

El jurado del Festival decidirá qué películas de las seleccionadas serán las que resulten finalistas, siendo estas las que se proyectarán públicamente durante la celebración del Festival. La organización se reserva el derecho de realizar la proyección en modalidad online, a través del canal de Youtube de la Fundación Inquietarte, en un solo pase, tras publicar el calendario de proyecciones.

La lista de finalistas se dará a conocer en la página web de la Fundación Inquietarte, así como en el blog del Festival y en los correspondientes perfiles de Facebook, Instagram y Bluesky a partir del 1 de junio de 2026

El Festival convoca dos premios en esta sexta edición: Premio Fundación Inquietarte, al mejor cortometraje, valorado en 1.000€; y Premio al mejor cortometraje de Memoria Democrática sobre Castilla-La Mancha y/o producido en dicha Comunidad Autónoma, otorgado por la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, valorado en 1.000€.

Esta semana ha finalizado el rodaje del cortometraje ‘Opresión’, cuya localización principal ha sido en las localidades guadalajareñas de Mandayona y Sigüenza. El proyecto entra así en fase de posproducción hasta su estreno previsto en otoño.

‘Opresión’ narra la historia de una mujer invisible en la sociedad española de 1971, que descubre la verdad oculta en torno al asesinato de su marido, en un formato a caballo entre el thriller psicológico y el terror.

Se trata de una obra de 18 minutos de duración estimada, escrita por Andrea C. Varona, Félix Lara y Roberto B Juristo, dirigida por el propio Roberto B. Juristo, a cargo de la productora Horados, con la vecina de Marchamalo, Marta Ayuso, al frente.

Mandayona y Sigüenza, protagonistas

El corto llevará a la pantalla el antiguo cuartel de la Guardia Civil de la localidad de Mandayona, convertido hoy en un alojamiento rural, y el Parador de Sigüenza, entre otras localizaciones en las que podrá verse a actores y actrices como Irene Guzmán o Nancho Novo.

La consejera de Igualdad, Sara Simón, que ha visitado el set de rodaje en sus últimas jornadas de trabajo, ha destacado “no solo el encrucijada ante la que se encuentra una mujer a principios de los 70, ”que no se conforma con la realidad“, sino también el hecho de que ”tras ‘Opresión’ hay todo un equipo producción en el que son mayoría las mujeres, en posiciones además de liderazgo al frente de la producción“.

Los centros cívicos Juan de Santander, Numancia y Juan Carlos Calderón acogerán este mes de enero el Festival de Cortos Cántabros con la proyección de un total de 16 trabajos de diferentes directores de la comunidad.

Este viernes 16 de enero, en el Centro Cívico Juan de Santander, se proyectarán los cortometrajes 'Siniestro total', de la directora Olga Vázquez; 'Paula, Noelia y Balla pareja', del realizador Francisco Ibáñez 'Pacolini'; 'Sombras en la pared' y 'El secreto de las flores', de Gema Ganza; y 'Algo serio', dirigido por Patxi Gabella.

El viernes 23 de enero, el Centro Cívico de Numancia acogerá la proyección de 'Namnala', dirigido por Nacho Solana; 'Pilares escondidos', de Fidel; 'Hipoglucemia', de Jesús Corcuera; 'La rabia del hielo', de Paco Gutiérrez; y 'Connecting people', de Álvaro de la Hoz.

El ciclo concluirá el viernes 30 de enero en el Centro Cívico del Río de la Pila, donde se exhibirán 'Medianoche de esplendor', de Marcos Sastre; 'Objetos perdidos', de Álvaro Oliva; 'Connecting people', de Álvaro de la Hoz; y 'Beatiful Pepa', de Álvaro García.

En todos los casos la actividad tendrá lugar a las 19.00 horas con entrada libre hasta completar aforo.

'Las Desqueridas', de Charlie García y Gonzalo Ruiz; 'Las Malas', de Elisa Moreno; y '¿Quién mató a la cucaracha?', de Juan Escribano Tamayo, son las obras galardonadas con el primer, segundo y tercer premio en el IX Certamen de Cortos de la Provincia de Sevilla, convocado por la Diputación a través de Prodetur.

El trabajo ganador del primer premio ha recibido 1.500 euros y dos jornadas de conformado y etalonaje de su próximo corto en el estudio de postproducción de Antípodas Film Lab. El segundo y el tercer premio están dotados con 1.200 y 800 euros, respectivamente, según una nota remitida por la institución provincial.

'Las Malas' ha sido reconocido, además, con el Premio Especial del Público y el Premio a la Proyección de la Provincia de Sevilla, dotado, este último, con un bono de distribución del cortometraje en 50 festivales nacionales, y 10 internacionales, 5 de ellos europeos.

El fallo del jurado y la entrega de estos premios ha tenido lugar este jueves en el transcurso de una gala en el Cartuja Center Cite de Sevilla, presidida por el vicepresidente de Prodetur, Rodrigo Rodríguez Hans, y en la que participó el presidente de Andalucía Film Commission, Carlos Rosado, como presidente dicho jurado.

Por su parte, Rodríguez Hans ha hecho memoria en su discurso de las ocho ediciones anteriores del certamen, que han hecho que se hayan visto “seiscientos cortos, que son patrimonio audiovisual de la provincia”, y ha agradecido al jurado “su aportación y compromiso”, además de a los cineastas participantes “que habéis dado el paso para presentaros a este certamen”.

“Este certamen nació siendo algo sencillo y humilde, y lo sigue siendo, y cada vez hay más nivel, más pasión y compromiso, y sirve para que, a través del cine, podamos proyectar, podamos hacer visible nuestra provincia”, ha indicado.

Premio 'Sevilla de cine'

El Certamen de Cortos de la Provincia de Sevilla ha concedido, además, la Mención Especial 'Sevilla de Cine' a la trayectoria, en su tercera edición, a la directora de producción Manuela Ocón. La organización ha calificado su carrera como “clave en el desarrollo de algunas de las producciones más relevantes de las dos últimas décadas”.

A lo largo de su trayectoria, Ocón ha trabajado en más de una veintena de largometrajes y series, formando parte de todas las categorías del departamento de producción desde 1996 y ha recibido numerosos premios.

Con esta Mención Especial 'Sevilla de Cine', el Certamen de Cortos de la Provincia de Sevilla reconoce “la trayectoria de una profesional imprescindible, cuya excelencia técnica, liderazgo y compromiso han sido decisivos para demostrar que desde Sevilla pueden desarrollarse producciones de máxima calidad, competitivas a escala internacional y capaces de proyectar la imagen de la provincia en todo el mundo”.

Tres obras con valores

Con el primer premio de 'Las Desqueridas', el jurado ha valorado “su capacidad para abordar valores universales desde una mirada íntima y cercana; el reflejo honesto de la amistad, la perseverancia y los lazos personales que tejen la identidad de sus protagonistas; así como su sensibilidad y autenticidad a la hora de retratar una idiosincrasia colectiva que apela al concepto de tribu y a la fuerza de lo común”.

Asimismo, ha destacado “su consistente visión de género, que interpela sin estridencias y suma matices a la lectura social del relato, junto al valor añadido de mostrar, desde dentro, las dificultades que rodean al mundo de la cultura”.

Del segundo premio, concedido a 'Las Malas', el jurado ha subrayado “su reivindicación de la heterodoxia como una forma natural, sana y emancipadora de situarse en el mundo”, así como su capacidad para “convertir una historia local -la de un equipo de rugby femenino formado por madres- en un relato de valores universales, inspirador y profundamente humano”.

También ha puesto en valor “la frescura con la que ensalza el deporte como espacio de transformación social, transmitiendo superación, autenticidad y orgullo propio sin artificios”.

Por otro lado, del Tercer Premio otorgado a '¿Quién mató a la cucaracha?', el jurado ha destacado “su originalidad y su audaz apuesta estética dentro de un planteamiento distópico que se abre camino desde la libertad creativa”, así como “la destacada visibilidad que otorga al colectivo LGTBI a través de un relato transgresor, arriesgado y con una gran personalidad”.

Asimismo, el fallo ha resaltado “su capacidad para defender, desde el humor y la irreverencia, el derecho a equivocarse como parte esencial del crecimiento humano y para huir de planteamientos simplistas, proponiendo un universo propio que desafía convenciones”.

Respecto al Premio Especial a la Proyección de la Provincia de Sevilla, que ha recaído en 'Las Malas', el jurado ha señalado “su alto potencial de recorrido en el circuito de festivales nacionales e internacionales, la relevancia y pertinencia de la historia que visibiliza y su cuidado tratamiento técnico, que refuerza su alcance”.

El jurado del Certamen ha contado con la presencia de Carlos Rosado, presidente de Andalucía Film Commission, en calidad de presidente; Teresa Segura, productora y miembro de la Junta Directiva de Ancine; Pilar Crespo, productora y presidenta de Aamma; Numa Paredes, actriz; Juan Ventura, colorista, supervisor de VFX y director técnico en Antípodas Film Lab; Alejandro Ávila, director de FilmAnd.es y gerente de Ancine; Rodrigo Rodríguez Hans, vicepresidente de Prodetur; y Amador Sánchez, gerente de Prodetur-Turismo de la Provincia de Sevilla, que ha actuado como secretario.

En Cantabria empezó y a Cantabria vuelve. En marzo de 2025 vio la luz el certamen Palestina Animada en Santander y Cabezón de la Sal. Entonces, una veintena de cortos de animación creados por artistas de Palestina y una exposición con reproducciones de obras de otras creadoras de Gaza lograron llamar la atención sobre cómo la vida, la creación y la resistencia ante la arremetida genocida de Israel conforman una tupida red de relatos necesarios para entender lo que sucede y mantener la solidaridad.

Ahora, nueve meses después, cuando la dramática situación de la población gazatí no ocupa portadas gracias a la operación de Israel y Estados Unidos para vender el autodenominado como “Plan de Paz”, el ciclo Palestina Animada regresa a la Filmoteca Mario Camus con nuevos títulos los días 12 y 13 de diciembre y a Cabezón de la Sal el domingo 14.

Lo hace después de que la semilla sembrada por el movimiento Cabezón por Gaza —en alianza con el colectivo de directores de cine de animación de Palestina y la diáspora “Palestina Animada”— germinara en Noruega, en Portugal, en Francia, Italia, México, Argentina o Tailandia pero también en Barcelona, Coruña, Vélez Málaga, en Madrid, en Sevilla, en Menorca, en Jarandilla o en Córdoba.

Palestina Animada tiene dos dimensiones: la del apoyo mutuo dentro de una comunidad artística, y la de las muestras de las obras para no dejar que el puente entre Palestina y el resto del mundo se quiebre bajo las bombas de la indiferencia y para destinar el 100% de lo recaudado a los artistas y a la población de Gaza.

Esta segunda dimensión es la que regresa este viernes 12 de diciembre, a las 20h, en la Filmoteca de la Calle Bonifaz de Santander. Esta vez será con un largometraje From Grown Zero (Desde la Zona Cero), un proyecto conmovedor que reúne 22 cortometrajes creados por talentosos cineastas de Gaza. Impulsada por Rashid Masharawi, un reconocido cineasta palestino, la película ha brindado una plataforma para que jóvenes artistas se expresen a través de su arte.

Desde la Zona Cero, muestra una mezcla de géneros que incluyen ficción, documental, docuficción, animación y cine experimental. El sábado 13, a la misma hora, será el turno de Samouni Road (2018), una película de animación de Stefano Savona, en la que, a través de la familia Samouni, que vive en la zona rural a las afueras de la ciudad de Gaza, se transmite un retrato profundo y multifacético antes, durante y después de que la violencia cambie su vida para siempre.

El domingo 14 de diciembre, a partir de las 18h, se podrán ver en la Casa de Cultura de Cabezón de la Sal tres cortometrajes (Tío, dame un cigarrillo, de 2023; Nadie. Sin cuerpo, de 2025, y Cielo de Cemento, de 2017). Después, se proyectará el largometraje Se buscan 18 (The Wanted 18), de Amer Shomali y Paul Cowan, un galardonado documental que a través del humor y de la reflexión muestra el poder de la movilización masiva y la resistencia no violenta a la ocupación israelí durante la Primera Intifada, una época que con demasiada frecuencia se representa de forma simplista con jóvenes palestinos lanzando piedras frente a soldados armados.

La Asociación de Productoras de Cine y Audiovisual de Cantabria La Pacca ha organizado para el domingo 21 de diciembre, a las 17.30 horas en la Filmoteca Mario Camus, el evento solidario 'Un deseo por Navidad', que incluye la proyección de cortometrajes y encuentros con sus directores.

Las entradas para la cita, que se celebra coincidiendo con el Día Internacional del Cortometraje, tendrá un precio de 3 euros y la recaudación irá destinada en su totalidad a La Cocina Económica.

La proyección, que se espera pueda realizarse en un futuro en diferentes municipios y sedes de Cantabria, cuenta con el apoyo de la Filmoteca, así como con la contribución de siete productoras de la Asociación La Pacca --Ilumina Films, Trueba y Trueba, Burbuja Films, Vereda Studio, Nacho Solana, El Tejo y Carlos Martínez--, ha informado.

A Helena Taberna se le han unido estas semanas en las salas de cine su ópera prima Yoyes (2000), que ha cumplido 25 años de su estreno, y su última película Nosotros (2025), que compite en la carrera para los Premios Goya. Ambas han tenido una gran acogida, según reconoce, pero es especialmente simbólico para ella y para la industria del cine volver a proyectar una película de hace dos décadas para que se vea con los ojos de hoy. “La verdad es que no ha pasado el tiempo para ella, de hecho, casi le ha beneficiado el paso del tiempo. Ahora que se ha vuelto a mostrar en pantalla ha conmovido igual que lo hizo cuando se estrenó por primera vez, pero se ve en otro contexto. En aquel momento estaban las armas ahí fuera, entonces la mirada no puede ser la misma”, reconoce a este periódico sobre la historia de la que fuera conocida como la primera mujer dirigente de ETA y después, asesinada por sus compañeros acusada de traición.

En más de dos décadas de carrera Taberna ha llevado a la gran pantalla historias que hacen reflexionar al público, como la película documental Extranjeras, en las que narra la experiencia de varias mujeres inmigrantes que viven en Madrid, La buena nueva, película que recoge a partir de una historia familiar el apoyo de la Iglesia Católica al levantamiento contra la República en la Guerra Civil o el largometraje documental Nagore, basada en el asesinato de Nagore Laffage donde el asesinato de una joven estudiante de enfermería a manos de un residente en Psiquiatría en los Sanfermines de 2008. “Me gusta el cine que nos ayuda a reflexionar. Me parece que la reflexión y el aprendizaje son de las cosas que más interés pueden tener para los seres humanos. Cuando tienes la suerte de poder contar una historia en el cine me gusta aprovechar temas que generan curiosidad, donde puedo desarrollar toda mi creatividad”, confiesa la cineasta, que es también una de las fundadoras de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales.

¿Qué le llevó a hacer cine?

El cine me ha entusiasmado desde siempre, no he entendido nunca mi vida sin una presencia grande del cine y he visto todo lo que he podido desde pequeña, desde que ponían la cartelera los jueves en el cine de Alsasua. Años más tarde, me adentré al mundo de la pedagogía, y estuve trabajando con personas con discapacidad, con las que hicimos una experiencia de cine educativo. Usábamos el primer magnetófono de vídeo que existía en el Gobierno de Navarra y tenía que ir a recogerlo los días que podíamos usarlo. Después, empezaron una experiencia didáctica de introducción de las nuevas tecnologías en la educación y en la cultura y me llamaron a mí. Ahí aproveché para aprender el lenguaje e ir probando por mi cuenta. Así, hice hasta siete cortometrajes, primero más experimentales y después ya me fui a una línea más narrativa. Lo cierto es que tuvieron mucha repercusión y eso me dio seguridad, porque en aquel momento era imposible poder rodar con vídeo, la Asociación de Cortometrajistas de Madrid me dijo que no se podía, que eso no era cine. Y yo, que siempre he sido un poco rebelde, aproveché el barco y con bastante atrevimiento me lancé al vértigo de ser autora, de crear historias y construir relatos.

Hay que ser rebelde para poder enfrentarse a todo eso.

Todos los ciudadanos, pero especialmente las mujeres, que estamos abriendo caminos, necesitamos esa dosis de rebeldía y de atrevimiento, porque tenemos muchos obstáculos. A mí el cine me ha permitido ir creciendo como persona, como ser humano.

Han pasado 25 años del estreno de Yoyes. ¿Cómo ve la película tras el paso de estos años?

La verdad es que no ha pasado el tiempo para ella, de hecho, casi le ha beneficiado el paso del tiempo. Ahora que se ha vuelto a mostrar en pantalla ha conmovido igual que lo hizo cuando se estrenó por primera vez, pero se ve en otro contexto. En aquel momento estaban las armas ahí fuera, entonces la mirada no puede ser la misma. Ahora es una mirada mucho más relajada, aunque también haya entre la juventud esas tendencias ideológicas peligrosas. Por eso, en ese sentido, la historia y el cine son unas herramientas muy válidas para poder tener conocimiento de lo que ha pasado.

No tuve apoyos por parte de ciertos grupos que estaban queriendo ocultar en aquel momento el tema del GAL y, tampoco de la otra parte

¿Qué le impulsó a crear esa historia?

Yoyes en un principio no iba a ser mi ópera prima, sino la que después se tituló La buena nueva, que trata sobre un relato de uno de mis familiares durante la Guerra Civil y la implicación de la Iglesia Católica en esa guerra. Eran los años 90 y gobernaba el Partido Socialista, pero en la televisión pública me preguntaron si tenía permiso de la Iglesia para realizar la película. Y como no lo tenía el productor me dijo que no, por lo que me quedé con un proyecto que estaba ya muy avanzado, pero sin poder hacerlo. Poco después me pareció que la figura de Yoyes tenía todos los ingredientes de una tragedia que podías contar en dos minutos y que te la acepten. Una mujer que milita en ETA, sale y después muere a manos de sus compañeros. En el centro de la película está ella y desde ese centro me permite contar todos los elementos del conflicto.

Dice que fue una película bien recibida a pesar de la tensión de la época.

Sí, aunque no tuve apoyos por parte de ciertos grupos que estaban queriendo ocultar en aquel momento el tema del GAL y, tampoco de la otra parte. Yo lo que hice fue contar lo que ocurrió desde el punto de vista de Yoyes, y creo que eso es lo que me salvó. También el hecho de que la película tuviera fuerza, sea buena y tenga calidad, son cosas que me importan mucho, especialmente cuando la temática es tan poderosa. Si una temática es poderosa, pero no está bien contada, no hay ejercicio político, no es cine ni es nada. Fue difícil porque en aquel momento estaba el peligro de que me machacaran desde un lado y desde el otro, pero Ana Torrent estaba tan hermosa, tan honesta, que consiguió que muchas mujeres nos identificáramos con aquello y la sociedad tenía ganas de conocer los elementos que estaban en el conflicto, porque estaba ETA, estaban los GAL, pero también una prensa sensacionalista, muy cerca de la que estamos viendo ahora también.

Antes hablaba de ser rebelde, pero usted ha sido doblemente rebelde, la primera para hacer películas y la segunda para ser su propia productora.

Después del éxito de Yoyes me encuentro con que no hay un productor que quiera producirme una película y tengo que hacerme yo productora. Eso me ha permitido contar las historias que yo quería y como yo quería. Cuando entras a esta industria entras a un sistema en el que no eres capaz de contar las historias como tú quieres, tienes que tener una servidumbre a la industria. Entonces sí, he sido doblemente rebelde, pero también se paga un peaje, porque al no tener productor no tienes permiso de utilizar ciertas imágenes o tenía que estar buscando los horarios más baratos para montar las películas. Imaginé que, como mis compañeros masculinos, tendría el camino fácil después de esa primera película, recuerdo muy bien ese momento de desolación inicial.

En 2006 cofundó la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales. ¿Qué le llevó a hacerlo?

Nunca he sido muy militante, pero en el tema del cine y la mujer, del feminismo en general, he tenido siempre una tendencia a implicarme. Fue la primera asociación de mujeres que se creó en el mundo audiovisual. Después de la nuestra han surgido otras asociaciones, también autonómicas y en otros idiomas del país como en euskera, que tienen una gran vitalidad y capacidad dentro de los territorios a los que pertenecen y, además, están unidas para otras actividades.

¿Cómo ha cambiado la situación de la mujer en el cine desde que crearon la asociación?

Ha cambiado mucho y para bien y creo que eso tiene que ver con el haber demandado correctamente las cosas a las administraciones. Fíjate cómo ha aumentado, por ejemplo, el número de directoras de fotografía o las compositoras de cine, que era algo que antes no existía. Yo lo recibo con una alegría grande. También en los premios se ha dado un gran avance y ayudan a construir y a facilitar el camino a las siguientes generaciones.

Si no hubiéramos tenido la película de Nagore con La Manada no hubiera habido ese movimiento

Otra de las historias que han marcado a la sociedad y que ha contado en sus proyectos es la del asesinato de Nagore Laffage. Imagino que fue complicado llevarlo a la pantalla.

Sí, pero estoy muy contenta de haberlo hecho. La falta de historias de las mujeres en el cine nos ha hecho perdernos muchas cosas. Si no hubiéramos tenido la película de Nagore con La Manada no hubiera habido ese movimiento. Cuando surge La Manada, Nagore está en los cines y toda la prensa se centró en ella. Recuerdo que la dejé en abierto durante diez días en Sanfermines para que organizasen debates en todo el Estado y fue impresionante. Hubo más de cien debates organizados con salas llenas. Hacer la película fue difícil, pero para aquel entonces la gente ya confiaba en mí y en mi honestidad a la hora de hacer cine. Tuve la posibilidad de hacer una ficción y hablé con la madre de Nagore y me dio carta blanca para todo, pero cuando vi las imágenes de la reconstrucción del caso supe que ni el mejor actor del mundo podía ser más potente que esa imagen. Por suerte, tuve esas imágenes rápidamente, aunque fue complicado sintetizar un juicio tan largo con horas de intervenciones, pero estoy muy contenta, la verdad.

La mayoría de sus proyectos están muy ligados a temas sociales. ¿Ese es su objetivo como cineasta?

Sí. Me gusta el cine que nos ayuda a reflexionar. Me parece que la reflexión y el aprendizaje son de las cosas que más interés pueden tener para los seres humanos. Cuando tienes la suerte de poder contar una historia en el cine me gusta aprovechar temas que generan curiosidad, donde puedo desarrollar toda mi creatividad y qué tema más social que el último que toco en mi última película Nosotros que es el amor, algo que a todos nos perturba o nos ilumina. Tanto el amor como el desamor forman parte de nuestra biología emocional aunque a veces la apartemos demasiado. En todas mis películas he jugado a lo emocional porque sé que es algo que atraviesa al ser humano.

El proyecto de cine colaborativo Solidaridad en Foco, una iniciativa del director Aitor Sánchez Smith reconocida en la convocatoria de subvenciones públicas de la Fundación Santander Creativa (FSC), proyectará este sábado 6 en la Filmoteca de Cantabria Mario Camus tres cortometrajes realizados por los participantes en la iniciativa.

El proyecto refleja cómo se manifiesta la solidaridad en lo cotidiano, dónde encontrar sus huellas o “qué sucede cuando decidimos observarla, narrarla y filmarla colectivamente bajo la mirada de personas ajenas a las lógicas de los procesos y metodologías de creación audiovisual contemporánea”, ha explicado la FSC.

“En un momento histórico en el que los vínculos sociales se ven amenazados por el aislamiento, la fragmentación o la precariedad de la vida urbana, creemos urgente abrir espacios donde lo común vuelve a ser protagonista”, asegura Sánchez Smith, cineasta de dilatada trayectoria y cofundador de la plataforma Cine en Comunidad junto a Carlos Martínez, director y productor de cine documental y publicitario.

Así, tras varios meses trabajando y ofreciendo talleres gratuitos en los que han participado vecinos de Santander de perfiles diversos, la Filmoteca acogerá este sábado a las 20.00 horas la proyección de los tres cortometrajes creados por los participantes.

“En este tiempo hemos atravesado un proceso intergeneracional de creación cinematográfica comunitaria que ha dado lugar a tres cortometrajes de ficción basados en experiencias de solidaridad y apoyo vecinal. Una manera de poner en práctica el cine colaborativo como herramienta para generar encuentro, reflexión y nuevas narrativas desde la base, desde la propia ciudadanía”, explica Smith, formado en la Escuela de Cine Bande à Part de Barcelona y en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños de Cuba.

En concreto, Solidaridad en Foco ha ofrecido sesiones de dinamización y pensamiento colectivo dirigidas por la educadora social María Díaz Angulo y clases de escritura de guion, lenguaje cinematográfico, rodaje y edición de la mano de directores y productores como Carlos Martínez, Laura Hojas y el propio Aitor.

La metodología del proyecto se ha basado en el trabajo en equipo, sin jerarquías y con la idea de “aprender haciendo” para retratar “la cara más humana de Santander” a través de historias que abordan la empatía, la salud mental, el cuidado mutuo y el compromiso comunitario.

Las actividades se han celebrado en La Fábrica de Creación, en la sede de la Coordinadora Cántabra de ONG para el Desarrollo (ONGD) y en la sede de la ONG Movimiento por la Paz.

Las piezas finales, tituladas 'Línea de vida', 'Amanecer verde' y 'El vecino del quinto', son el resultado de un proceso creativo horizontal que ha conectado a personas del ámbito educativo, sanitario, social y cultural fortaleciendo el tejido solidario de la ciudad. Tras la proyección de los cortometrajes se abrirá un coloquio entre el público y los participantes del proyecto.

Que los estudiantes de la Universidad de Alcalá y varios institutos de Guadalajara conozcan de cerca cómo funciona la industria del cine es el principal objetivo de la iniciativa Cine Alcarria, el festival de cortometrajes que el pasado 14 de octubre durante el estreno llenar las 500 butacas de la sala Multicines de la capital alcarreña.

Para Julián de la Fuente, profesor del grado en Comunicación audiovisual de la Universidad de Alcalá (UAH), se trata de un proyecto que es “un sueño donde nos hemos reunido personas que amamos y trabajamos en el cine en la provincia de Guadalajara, desde muchísimos ámbitos”. Nos cuenta que esta iniciativa trata de “establecer sinergias” entre jóvenes estudiantes y personas de primer nivel en el panorama cinematográfico, de forma que “no fuese una práctica más”, sino que viviesen de cerca cómo es todo el proceso de crear una pieza audiovisual desde cero. Por otro lado, con este festival querían que “Guadalajara no fuera meramente un escenario, sino un personaje con identidad propia” con su propio festival, destaca De la Fuente.

Para Julián, Cine Alcarria es un proyecto que está en constante cambio, al que cada año se suman nuevas personas y que son como “una gran familia”. Aunque adelanta que es una idea que nació en 2020 durante el periodo educativo de confinamiento por la pandemia de COVID-19, se materializó por primera vez en 2023. “Nació porque queríamos paliar el hecho de que los estudiantes estuviesen en casa y me dolía profundamente pensar que se iban a ir de la universidad sin tener la misma experiencia vital en prácticas que habían tenido otras generaciones anteriores”, explica el profesor. Un proyecto que nace de la colaboración entre la Universidad de Alcalá, el medio de comunicación Nueva Alcarria y diferentes centros de Educación Secundaria de la capital guadalajareña, así como el patrocinio de la Junta de Comunidades, el Instituto de la Mujer, la Diputación Provincial, o el Ayuntamiento de Guadalajara, entre otras.

Cine Alcarria ha celebrado este 2025 su tercera edición, donde han presentado cuatro cortometrajes: ‘Lola’, ‘Hasta la orilla’, ‘Raíces’ –que resultó ganador de la edición- y ‘Sororidad’. “Este año hemos reflejado los desafíos que se plantea la gente joven y su mirada en esas historias, desde un thriller al más puro estilo del cine de acción o reminiscencias del cine quinqui, hasta un melodrama de época o un documental que explora la despoblación y el relevo generacional, que ha sido el ganador”, expone Julián. Reivindica que entre la gente joven “hay muchísimo talento” y que lo más interesante es poder dar tiempo y espacio necesario a los estudiantes jóvenes para que puedan contar sus historias, “sin intervención por nuestra parte, porque ellos deciden qué quieren contar”.

De la Fuente expone que, en esta tercera edición, el jurado no solo ha evaluado los proyectos finales presentados, sino que “ha asesorado a los estudiantes en el proceso y han tenido la oportunidad de trabajar mano a mano con personas de primer nivel como los productores Pilar Sancho, Mario de Benito, Rosemary Fernández, Joaquín Notario, Valeria Arcieri y Marta Gutiérrez-Abad”.

Una iniciativa donde los estudiantes son los protagonistas

El docente de la Universidad de Alcalá apunta que el profesorado únicamente interviene en el proceso para acompañar. Un equipo formado por María Pardo, Óscar Meco, Javier Pastrana y él mismo. “Solo nos encargamos de la producción ejecutiva, damos luz verde a los proyectos y les ayudamos en labores que podrían ser un poco más costosas, como por ejemplo contactar con empresas o conseguir permisos de rodaje”.

Julián insiste en que son los propios estudiantes los que toman las decisiones creativas y técnicas, tanto los del grado de comunicación audiovisual como los de los diferentes institutos alcarreños que participan como el IES Luis de Lucena, IES Brianda de Mendoza y el IES Clara Campoamor, la Escuela de Arte, o el Conservatorio Provincial de Música que es el que se encarga del sonido que puede escucharse en los cortometrajes. “Eso es lo bonito, que entre ellos forman equipos, ya sea de producción, grabación, maquillaje, vestuario y estilismo, o de cualquier disciplina”, indica.

La sala Multicines Guadalajara no es solo el lugar de proyección final, sino que es también el espacio en el que se realiza el casting para los actores y actrices que interpretarán los diferentes papeles en los cortometrajes. “Invitamos a toda la ciudadanía de Guadalajara a participar, aunque casi siempre nos salen muchos intérpretes del IES Brianda de Mendoza, ya que tienen el Bachillerato de Artes Escénicas”, señala De la Fuente.

Castilla-La Mancha, “lugar de referencia nacional”

Julián de la Fuente cree firmemente que “Castilla-La Mancha es desde hace años un polo de la industria cinematográfica y audiovisual en general a nivel nacional, lo que es natural por la proximidad que tenemos con Madrid”. Asegura que nuestra región es un receptor natural de la actividad audiovisual madrileña, primero como emplazamiento para rodajes “porque Madrid es una comunidad pequeñita, y además Castilla-La Mancha tiene una gran riqueza patrimonial, cultural y de recursos naturales”.

Hace escasas semanas se daba a conocer que el proyecto de la Ciudad del Cine se ubicará en el Parque de Polvorines de Toledo, un espacio con más de 98.000 metros cuadrados para rodajes interiores y exteriores y que se pretende que esté disponible a partir de 2026.

El docente reivindica que hay que ver cómo “generar sinergias” para que ese hecho “redunde en las iniciativas educativas”, tanto de la Universidad de Castilla-La Mancha como la Universidad de Alcalá. “Tenemos una asignatura pendiente, que es conectar mucho mejor todo eso con la industria y ser capaces de que esta permanezca, que Castilla-La Mancha no sea un lugar de paso”, apunta De la Fuente. No obstante, y aunque cree que Cine Alcarria trata de poner el cine castellanomanchego en primera línea, aunque “a nivel más modesto, creo que esa Ciudad del Cine de Toledo va a tener esa responsabilidad de extenderlo a toda la región”, matiza.

Julián de la Fuente nos cuenta que el cortometraje es una pieza audiovisual que “siempre ha estado un escalón por debajo de otros formatos más profesionales”, sin embargo, “Castilla-La Mancha es uno de los lugares de referencia”. En primer lugar, señala que por contar con uno de los festivales más importantes como Abycine, pero también “porque tenemos muchos cortometrajistas como Enrique Buleo o Pilar Sancho que han producido muchísimo”, esta última ganadora junto a los hermanos Valle del premio Goya al que mejor cortometraje documental por ‘Semillas de Kivu’ este 2025. Del mismo modo, reivindica que el cortometraje debería tener “muchísima más presencia, consiguiendo que la propia televisión regional favorezca la difusión” de este tipo de piezas audiovisuales.

La Universidad de Alcalá, según destaca De la Fuente, tiene muy presente que su grado en comunicación audiovisual está “actualizado” en lo que se refiere a que “se creó hace unos 15 años, donde ya la comunicación estaba plenamente digitalizada”. No obstante, cree que el ámbito de la educación superior “va más allá de las modas o las tendencias, y aunque el mundo de la comunicación está en constante cambio, les haríamos un flaco favor a los estudiantes si solo les contásemos lo más reciente, pensando que eso les va a durar toda la vida”. Explica que “las bases de este campo de conocimiento nunca van a cambiar, a pesar de que cuando los estudiantes empiecen a trabajar tendrán que hacer frente a nuevos formatos y tecnologías”.

Y es por ello, que los estudiantes “siempre nos van a reclamar prácticas y experiencia lo más reales posibles”, por eso Cine Alcarria es un ejemplo perfecto como proyecto “complementario a las asignaturas del plan de estudios”. Julián matiza que es “mucho más interesante” tener este tipo de prácticas y tener una inmersión en la academia, que “coger una cámara por cogerla, pero sin perder de vista que la educación superior lo que hace es dotar de un horizonte intelectual” de manera que puedan ser profesionales en la industria de la comunicación en cualquier ámbito, ya sea en un periódico, un estudio de videojuegos o en la industria del cine.

De camino a una nueva edición

El proyecto Cine Alcarria desde la idea primigenia hasta que se celebraba la proyección solía durar seis meses. Sin embargo, Julián destaca que para la cuarta edición ya han empezado a trabajar en los guiones: “Ahora estamos trabajando todo el año completo. Estamos realizando la fase de preproducción y pensando y elaborando los guiones para poder empezar el rodaje en la primavera de 2026”, explica.

De la Fuente avanza que para Cine Alcarria 2026 tuvieron una sesión de ‘pitching’ o presentación en la que se presentaron hasta 24 ideas. “Es el formato habitual que los estudiantes se van a encontrar cuando salgan a la industria del cine. De ahí seleccionamos ocho cortometrajes, primeramente, aunque luego nos quedaremos solo con cuatro o seis”, señala De la Fuente.

Nos cuenta que las propuestas eran de múltiples géneros, aunque en los estudiantes está muy presente la preocupación “por el mundo rural, la despoblación y también algunos conflictos como la instalación de placas solares en el campo”. Julián cuenta orgulloso que le llama mucho la atención que algunas historias hablaban de la tercera edad y como “chavales de 18 o 20 años se paran a pensar y a mirar a otras generaciones con ese cariño y ese respeto para contar una historia que atañe a personas como sus abuelos”.

A lo largo de 2024 los 281 centros para personas sin hogar activos en Euskadi alojaron cada día a 4.230 personas de media y se ofrecieron más de 6.500 servicios diarios de comida según la 'Estadística de Recursos para Personas Sin Hogar' del Eustat correspondiente a 2024 y publicada el pasado septiembre. Más de la mitad de las personas atendidas, un 64,5% tenían procedencia extranjera. Al igual que Ibrahima Balde, quien nació en Guinea, donde residía hasta que una llamada de su madre le hizo tomar una decisión: debía abandonar su casa para viajar a Europa y encontrar a su hermano pequeño.

Así, Ibrahima atravesó el desierto y durante su travesía se cruzó con infinidad de situaciones extremas. En la ruta de África a Europa, al igual que los miles de migrantes que la recorren cada año, descubrió el sufrimiento del dolor, la sed y el hambre. 'Miñan', que significa “hermanito”, es una crónica de la vida de Ibrahima Balde, relatada en primera persona, contada por Amets Arzallus, y adaptada al teatro por Artedrama y también es una de las obras que colocan a las personas sin hogar como protagonistas en Homeless Film Festival, que cumple este 2025 una década desde que llegó a Euskadi. El festival, que tiene su origen en Manchester en el año 2011, busca poner el foco en la situación de las personas que carecen de un hogar por diferentes circunstancias e invita a una reflexión sobre ello a través del cine y el teatro.

La historia de Ibrahima hace, según la organización del festival, “una crítica social clara que pone de manifiesto las políticas migratorias, los procesos de expulsión y las tendencias en la deshumanización de las personas migrantes” y es una de las muchas que se podrán ver de forma gratuita desde el 16 de octubre hasta el 20 de noviembre en Homeless Film Festival que tendrá lugar en cines y salas como Golem Alhóndiga, la Sala BBK o Bizkaia Aretoa de Bilbao y el Cine Club Santurtzi Serantes. Algunas de estas historias se verán en la gran pantalla, mientras que otras en teatro, según han explicado en la presentación del evento este jueves en Bilbao.

El documental 'Hijos de Dios', de Ekain Irigoien estará disponible el primer día del festival, el 16 de octubre, en la sala Golem Alhóndiga a las 19.00 horas. En él, se narra la vida de Javier y Romerales, dos veteranos sin hogar que duermen bajo una de las cornisas que rodean la turística Plaza de la Ópera de Madrid. Junto a ellos comienza un largo viaje por las concurridas calles de la capital, donde sobrevivir sin caer en la locura se convierte en todo un arte. La amistad de estos dos personajes y sus rocambolescas vidas hacen de esta película un canto a la vida, la muerte y la dignidad.

El segundo día, 25 de octubre, será el turno del teatro con la obra 'Callejones sin estrellas' de Carmen Tamayo de la compañía Mujereando, que trabaja con mujeres en exclusión social y tendrá lugar en la Sala BBK de Bilbao a las 19.00 horas. La obra cuenta la historia de un grupo de mujeres que por diferentes circunstancias acaban en la calle y trasladan al público sus relatos de resistencia. “Un 22 de mayo llegué a la calle Becas número 6. De pequeña soñaba, soñaba... Duérmete mi niña, duérmete ya, que viene el coco y te comerá. Paralizada, sin voz, llorando para tus adentros y rezando para que todo esto acabe. El ruido de la ciudad que no cesa y martillea tus sesos. ¿Qué te queda? ¿Desaparecer? Una de mis mayores pérdidas fueron mis fotografías, la foto de mi madre. De repente, te das cuenta de que llevas 7 años durmiendo en la calle y que continúas en la casilla de salida sin ilusiones ni esperanza. Nadie sabe lo que es no tener donde resguardarse del mundo, si no ha vivido en la calle”, relata una de las protagonistas.

El tercer y cuarto día del festival serán los puntos fuertes. La jornada del 12 de noviembre estará dedicada íntegramente al teatro, tanto por la mañana como por la tarde. Por la mañana, la compañía de teatro Kuskurrum será la encargada de dar comienzo a la jornada, que representará la obra 'Son las 45 y 10'. A continuación, el grupo de teatro Zenbatu, bajo la dirección de Iván Iparraguirre, representará la obra 'Dime la verdad'. Como cada año, el alumnado del Bachillerato de Artes Escénicas del IES Ibarrekolanda BHI hará su aparición para ofrecer un baile y el pase matinal finalizará con la obra 'Gure Arima' de la mano de la compañía Auzo Arima. Por la tarde, a las 19.00 horas en Bizkaia Aretoa de Bilbao se mostrará la obra de teatro 'Miñan', bajo la dirección de Ander Lipus y que narra la historia de Ibrahima Balde.

Por su parte, el cuarto día, el 13 de noviembre, estará dedicado al cine. A las 19.00 horas también en Bizkaia Aretoa se proyectarán tres cortometrajes. 'Lo que nadie quiere ver' de Alejandra Gere y Richard Gere, 'Au dessus des rails', de Tom Vallejo y 'El Camino Arriba', bajo la dirección de Iñigo Cobo y producido por la asociación Bizitegi, organizadora del festival. Este pase de la tarde estará presentado por el periodista Xabier Madariaga, donde se otorgará el premio Besarkada Saria de la Sección Oficial del Homeless Film Festival a 'Au dessus des rails', dirigido por Tom Vallejo.

Por último, el quinto día tendrá lugar la proyección del largometraje 'La furia' de Gemma Blasco, que tendrá dos pases el primero a las 18.00 horas y el segundo a las 20.30 horas en el Cine Club Santurtzi Serantes Aretoa. 'La furia' cuenta la historia de Alex, una joven actriz que es violada en una fiesta en Nochevieja y no reconoce a su agresor. Cuando acude a su hermano Adrián en busca de abrigo y compresión, este reacciona cuestionándola y presionándola. Así, Alex se distancia de su hermano y de todo lo conocido. A lo largo de un año vive sola el asco, la vergüenza y la culpa mientras que su hermano Adrián, consumido por la rabia, toma sus propias decisiones en un camino cada vez más oscuro.

“En su décimo aniversario, Homeless Film Festival, festival de cine y teatro social organizado por Bizitegi, vuelve a poner el acento en la visibilidad e inclusión de las personas en situación de sin hogar y exclusión social. El objetivo del festival es fomentar la inclusión social a través de las artes escénicas. Homeless Film Festival cuenta con el patrocinio de EITB, la Diputación Foral de Bizkaia y el Departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno vasco”, han explicado sus organizadores, quienes han recordado que se podrá disfrutar de la exposición que recopila la trayectoria del festival en las estaciones de Metro Bilbao.

El festival Octubre Corto ha anunciado que la actriz Maribel Verdú será galardonada con el Premio Rafael Azcona 2025, un reconocimiento que el certamen concede anualmente en el marco del festival para celebrar el cine “Azconiano”.

La entrega del premio tendrá lugar el próximo sábado 18 de octubre de 2025 a las 19:00 horas con entrada gratuita, en una ceremonia en el Teatro Cervantes de Arnedo. Como preámbulo, habrá una “sobremesa” redonda con Maribel Verdú a la que acompañarán Aura Garrido, Luis Alegre y Bernardo Sánchez, a falta de alguna confirmación más), donde el público podrá rendir homenaje a una de las intérpretes más queridas y reconocidas de nuestro país.

Con una carrera que abarca más de cuatro décadas, Maribel Verdú ha trabajado con algunos de los cineastas más prestigiosos del cine español e internacional, “convirtiéndose en un referente de interpretación y versatilidad”, según han destacado desde la organización. “Su filmografía incluye títulos imprescindibles que han marcado la historia reciente de nuestro cine y que han consolidado su prestigio en la industria”.

El Premio Rafael Azcona se instituyó, de la mano del guionista riojano, en el año 2006 y donde en cada edición celebramos su trabajo y su memoria, con el fin de destacar a figuras que, como él, han contribuido de manera notable a la cultura cinematográfica. Con este galardón, Octubre Corto reafirma su compromiso de celebrar el cine y a sus protagonistas en el corazón de La Rioja.

Maribel Verdú: La actriz que el cine español soñó

El festival ha difundido esta semblanza de la actriz:

 Desde sus primeros pasos en el cine, Maribel Verdú ha sido el rostro de la valentía y de los saltos sin red. Como ávida adolescente enamorada del séptimo arte, se entregó a papeles de un dramatismo feroz, interpretando a jóvenes atrapadas entre la inocencia y la tragedia, personajes que exigían de ella un arrojo emocional extraordinario. Con cada gesto y cada mirada, Maribel dotó a estas historias de la autenticidad más conmovedora quedando ya en la retina y la memoria del público desde sus primeras apariciones.

La cámara la adora. Hay en ella una mezcla de carisma innato y disciplina interpretativa que convierte cada plano en un acontecimiento. Su versatilidad le permite transitar por interpretaciones tan delicadas como feroces.

Parte esencial de su grandeza se forja en su colaboración con el universo creativo de Rafael Azcona, uno de los guionistas más influyentes de nuestra cinematografía, nuestro riojano ilustre. Verdú ha dado vida a personajes escritos con esa mezcla de ironía, ternura y lucidez que caracterizan la pluma de Azcona, en títulos como El año de las luces y Belle Époque de Fernando Trueba, Los girasoles ciegos de José Luis Cuerda, La Celestina de Gerardo Vera o Soldadito español de Antonio Giménez Rico.

Maribel encarna con delicadeza y fuerza las contradicciones de unos personajes que son espejo de un país y de su memoria colectiva.

Su filmografía es también un mapa de los grandes nombres del cine español: Carlos Saura, Bigas Luna, Vicente Aranda, Montxo Armendáriz, Gracia Querejeta, Fernando Trueba, José Luis Garci, Cesc Gay… Con ellos ha construido una trayectoria coherente, siempre comprometida con el cine de calidad, sin renunciar a proyectos arriesgados y profundamente personales.

Y su talento ha traspasado fronteras: Alfonso Cuarón le confió un papel central y arriesgado en Y tu mamá también, Guillermo del Toro la convirtió en símbolo de resistencia en El laberinto del fauno, y Francis Ford Coppola la buscó para su Tetro.

Hablar de Maribel Verdú es hablar de una profesional que ha crecido con el cine español y lo ha engrandecido, que ha hecho de su carrera un testimonio de coherencia, intuición y amor por su oficio. Cada película suya es una celebración del arte de interpretar, una muestra de que el cine puede ser emoción, Belleza y Verdad.

Maribel Verdú es, sin duda, una de las grandes leyendas de nuestro cine y desde Octubre Corto estamos más que dispuestos y orgullosos de celebrarla por todo lo alto. ¡Viva Maribel!

El cortometraje de animación 'Adiós', dirigido por José Prats, y el documental 'Inania', de las realizadoras Júlia Girós y Vera Herrero Mercader, han sido los ganadores del concurso convocado dentro del Festival de Cine y Cortometraje en el Medio Rural y Natural, 'Rurales', que ha celebrado este fin de semana en Espinama (Camaleño) su cuarta edición organizado por la compañía de artes escénicas Ruido Interno.

En la modalidad videoarte y otros lenguajes el galardón se ha declarado desierto y el jurado ha decidido entregar un premio ex aequo al trabajo de ficción 'Donde se quejan los pinos', de Ed Antoja, y al documental 'Iturralde', de Jon Martija Lenuda.

En cuanto al Premio del Público ha sido para la cántabra Patricia Hernández por su trabajo 'Las que se fueron a servir'.

Además, este sábado el realizador de Cabezón de la Sal Nacho Vigalondo ha recibido el premio honorífico de manos del cineasta torrelaveguense Manuel Gutiérrez Aragón, presidente de honor de 'Rurales'.

Este festival cuenta con el patrocinio de la Fundación Camino Lebaniego, dependiente de la Consejería de Cultura, y el apoyo económico de la Consejería de Medio Ambiente, a través de MARE; el Ayuntamiento de Camaleño; la empresa privada Data SDR, y la Agrupación de Empresarios de Hostelería del Valle de Camaleño.

También colaboran con él el Grupo de Acción Local de Liébana, el Teleférico de Fuente Dé y el Parador de Fuente Dé. Además, mantiene su colaboración con el Festival de Cine de Santander y el Festival de Encuentro de Arte Rural en Mazcuerras 'Aselart', ha informado la organización.

'Rurales', el Festival de Cine y Cortometraje en el Medio Rural y Natural, regresará a Espinama entre el viernes 29 de agosto y el domingo día 31 con proyecciones, coloquios, rutas de montaña o música en directo y en su cuarta edición entregará su premio honorífico al director y realizador cántabro Nacho Vigalondo.

Además, el festival impulsado por la compañía cántabra Ruido Interno incluirá un encuentro con el cineasta torrelaveguense y presidente de honor de 'Rurales' Manuel Gutiérrez Aragón y el periodista y escritor Jesús Ruiz Mantilla.

Entre otras actividades, el pianista Jaime López pondrá música en directo a la película de cine mudo 'El héroe del río', de Buster Keaton.

'Rurales' es un proyecto cultural en torno a la creación cinematográfica que nació, según explican sus promotores, con un doble propósito: por una parte, acercar el cine al medio rural y poner en valor las historias, paisajes y realidades que habitan nuestros pueblos y, por otro, llamar la atención sobre cómo la degradación del medio ambiente y el abandono de los pueblos pueden traer consigo daños irreparables.

Por eso, todas las producciones que se proyectan hablan de naturaleza, de medio rural y de modos de vida respetuosos con el entorno. Ese es también un requisito para participar en el concurso que se convoca vinculado al festival y al que cada año se presentan más trabajos.

De los poco más de 70 trabajos recibidos en 2022 se ha llegado a los 278 de este año, procedentes de lugares tan distantes como Honduras, Argentina, Corea del Sur, India, Kazajistán o Nueva Zelanda, entre otros países.

De estos, 15 han llegado a la final de las tres categorías convocadas: ficción y animación, documentales, y nuevos lenguajes. Todos ellos se proyectarán en el salón social de la Obra Pía de Espinama entre el viernes 29 y el sábado 30, y en esta última jornada se conocerá el nombre de los ganadores.

Además de ese espacio, que se convertirá en el epicentro del festival, 'Rurales' también ha programado actividades en el Parador de Fuente Dé, donde el público podrá disfrutar del proyecto inmersivo de realidad virtual 'Origen', de la argentina Emilia Sánchez Chiqueti; o en el Teleférico de Fuente Dé, en cuyo recorrido se escuchará el relato sonoro 'El fin del mundo', de Jesús Ruiz Mantilla.

También habrá actividades en el Museo de la Montaña, donde se realizará una instalación artística de luz y sonido; y en la carpa situada en la explanada de la Obra Pía, que acogerá, el viernes, la proyección de la película 'El héroe del río', de Buster Keaton, a la que Jaime López pondrá música en directo y, el sábado, el concierto del grupo Music Time Machine.

'Rurales' es un proyecto que cuenta con el patrocinio de la Fundación Camino Lebaniego, dentro de la programación de 'El Camino Continúa', además del apoyo económico de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte; la Consejería de Fomento, Ordenación del Territorio y Medio Ambiente, a través de MARE; el Ayuntamiento de Camaleño, la empresa privada Data SDR y Agrupación de Empresarios de Hostelería del Valle de Camaleño. También colaboran el Grupo de Acción Local de Liébana, Teleférico de Fuente Dé, Parador de Fuente Dé y 'Aselart'.

Dentro del marco de colaboración surgido hace dos años con el Festival de Cine de Santander se proyectará 'Otoño', de Anabel Díez y Luis Centurión, trabajo finalista del IV Concurso de Cortometrajes de Medioambiente vinculado al festival santanderino, y también se mantiene la colaboración con el Festival de Encuentro de Arte Rural en Mazcuerras 'Aselart'.