Han pasado 21 años desde que Tamar Novas ganara el Goya a Mejor actor revelación por Mar Adentro. No era la primera vez que el cine español le veía, también había demostrado desparpajo como uno de los amigos del niño de La lengua de las mariposas, pero fue el filme de Alejandro Amenábar el que le colocó en el foco de la industria. Y allí se plantó, con 18 años recogiendo un Goya en un momento que se ha convertido en viral. La Academia decidió aquel año ‘jugar’ y bajar el micrófono con los discursos que se alargaban y Novas demostró su carisma y gracia yendo a buscar el otro micro para terminar sus agradecimientos.

21 años después vuelve a optar al Goya por Rondallas, la comedia agridulce de Daniel Sánchez Arévalo. Lo hace por un personaje de esos ante los que el público cae rendido. Su Xoel juega en esa fina línea entre la risa y el exceso. Pero él lo borda y lo convierte en un ser empático que roba cada escena donde aparece. Su segunda nominación le pilla en un momento privilegiado. Sin nada que demostrar —con el estreno de Caminando con el diablo agendado para el 6 de marzo— y con mucho que disfrutar. Y eso se nota en cómo afronta una carrera por el premio donde otros la viven con la ansiedad de la competición.

Han pasado 21 años desde que ganó el Goya como actor revelación por Mar adentro, ¿qué recuerdo tiene de aquello? ¿Hasta qué punto hay un puente entre estos dos momentos?

Es inevitable hacer vínculos, porque también el año pasado estuvimos allí celebrando los 20 años de la película y nos reunimos varios de los actores. Y claro, yo tengo un recuerdo increíble, imborrable, de esa primera vez allí, con lo que considero que es una familia del cine español que para mí me recibió con muchísimo cariño y que además me dio la oportunidad de tomarme esto muy en serio. Me dio mucha responsabilidad, pero también fue como un abrazo, un reconocimiento de ser bienvenido, y ahora toca hacer todo el camino y, haciendo balance, pues es un poco un círculo para mí, maravilloso. Yo una de las cosas que siempre quise es tener la sensación de tener un oficio, tener un trabajo. Me considero muy afortunado porque he tenido muchas oportunidades con gente que me ha enseñado muchísimo y que me hace ver que se puede aprender este oficio.

¿Aumenta el riesgo de volverse un poco idiota el ganar un Goya tan pronto?

No sé si es un riesgo muy grande de convertirte en un idiota. Yo tenía 18 años y es verdad que hay un momento en el que todo lo vivo como una especie de montaña rusa… los Goya, el Oscar. Pero sobre todo tengo la sensación de empezar como gente puntera, con los mejores. A mí me dio mucho también. Es que tuve mucha ayuda. De Javier Bardem, de Celso Bugallo, que ahora me acuerdo mucho de él y se le echa de menos. Fue de los primeros que me dio una charla, a su manera, del oficio, me dijo que esto que estaba viviendo a lo mejor yo no estaba preparado para ello. Mabel Rivera, Francesc Garrido, Clara Segura, Lola Dueñas… A mí me han ayudado mucho a poner pies en la tierra respecto al oficio, a tomarme esto muy en serio, como una profesión.

Y sí hay un momento en el que estás un poco chalado con todo lo que pasa, pero también me dio mucha responsabilidad. Mucha. Pensé: Si me meto, me meto a fondo. Y así he estado los últimos 20 años. Pero también eres muy consciente de que aún no estás hecho como actor al recibir un premio así. Entonces, relativizas un poco los premios en ese sentido, porque yo ahora sí que me considero actor. Sí que lo digo con orgullo. Desde hace años me dedico a esto e intento hacerlo lo mejor posible y me doy mi valor y la gente me lo da. Me da un espacio y eso da mucho gusto. Pero al mismo tiempo dices: bueno, a mí me dieron un premio cuando no tenía ni idea. Realmente no tenía ni idea.

Ha dicho que desde hace unos años sí que dice ‘soy actor’. ¿Hubo algún momento exacto donde lo empezó a pensar?

Con La lengua de las mariposas yo era un chaval de 11 años que tuvo esa ocasión ese verano de hacer esa película que me encantó, pero luego cuando llamaban para pruebas de series y tal, pues como no coincida en verano, tanto mis padres como yo decíamos que no. Con 16 o 17, yo estaba decidiendo que iba a hacer o periodismo o audiovisual. De hecho lo hice, aunque me encantó la experiencia de Mar adentro y tenía claro que quería ir por ahí. Lo compaginé con la formación como actor. El punto es que creo que esto es un oficio y hay un respeto al oficio que lleva un tiempo.

Hay que saber tener unas herramientas para trabajar y no simplemente hacer versiones de ti más o menos parecidas. Leer un guion, entenderlo, trabajar sobre él. Yo consideraba muy importante subirme al escenario. Cuando vine a Madrid empecé en Corazza y estábamos haciendo un ensayo de madrugada y tuve una sensación en el escenario de que empezaba a ser actor. Recuerdo eso, recuerdo el Centro Dramático Nacional con El viaje a ninguna parte, que además Mabel Rivera me regaló esa obra durante el rodaje Mar adentro, y me lo encontré como un mensaje del pasado. 

Hay algo en las películas de Daniel Sánchez Arévalo, y es que en todas sus películas ha estado nominado algún actor a los Goya, ¿qué tiene?

A mí me pasaba con sus películas y creo que lo que la mayoría de los actores queremos es formar parte de universos como los de Dani. Es uno de los grandes. Creo que lo que tiene es que le gustan mucho los actores, que eso no siempre es garantía, pero le gusta mucho probar. Decía corten y surgían cosas. Le gusta mucho que la cosa esté viva y yo creo que eso los actores lo valoramos. Que el rodaje no sea simplemente la realización de un guion que puede estar muy bien escrito, sino que ocurran cosas inesperadas. Y él tiene mucho arte en tener esa paciencia. No se inquieta con que algo no salga como igual se lo imaginó, sino de otra manera. No hay una ansiedad por ir a un resultado.

¿Se ha encontrado lo contrario, directores a los que no les gusten los actores, o estén más pendientes de otra cosa?

A ver, no diré tanto, pero sí que esto de ‘me gusta trabajar con los actores’ es una cosa muy buena, pero a veces es muy complicado, porque también los actores y actrices tenemos nuestra necesidad de atención, atención, atención, y un rodaje es un millón de cosas a las que hay que prestar atención. Igual no es tan fácil encontrar el tiempo para nosotros. Sí que me he encontrado esto de que alguien dice: “Me gusta mucho trabajar con los actores, vamos a ensayar”, y luego a lo mejor hay situaciones en las que dices “es que ensayar a lo mejor para mí no es esto”. A veces te encuentras, seguramente también por los tiempos, una necesidad por el resultado y eso para los actores es muy agobiante. Pero igual que un director se ha podido encontrar con que yo no trabajaba de la forma que él quería. Pero en general yo digo mucho una cosa que creo que decía Fernando Piernas, que es uno de mis maestros, que es: “Tómate cada director como una forma de entrenar”.

¿Hay algo generacional en los cambios en el cine español? Quizás una nueva generación de productores, de directoras, fomentan más un trato horizontalidad sin que sea todo competitividad. 

Totalmente. Y a lo mejor también es consecuencia de que vivimos en una sociedad que igual de una forma también natural se está dando cuenta de que eso nos aplasta como gremio. Creo que hace falta tener esta sensación de estar todos en un mismo nivel. Aunque luego es muy jerárquica la cosa, y están los tiempos de un rodaje, que a veces son un poco de batalla. Yo lo he vivido también. Yo empecé en La lengua de las mariposas y tengo esa imagen de señores. De estudio. De director. Esa cosa clásica de Hollywood, pero es que ha cambiado mucho todo. Lo que menos me gusta de todos los cambios que está habiendo es que las salas de cine viven un momento complicado. A mí que me encanta la sala de cine... y ese es de los cambios que más miedo me da.

¿Tenéis los actores alguna responsabilidad en eso? ¿Piensa en ello a la hora de elegir un proyecto? Sé que no siempre se tiene la suerte… Hace poco veíamos las declaraciones de Oliver Laxe sobre trabajar con Netflix.

Partamos de la base de que tengas para comer, porque no hay que perder esa sensación de trabajo y de que es para ganarte la vida. Hace años decíamos que este trabajo era muy inestable y había unos datos terribles, solo el 8% de actores que trabajaban. Ahora, creo que en general gente de mi generación que son periodistas, que son músicos, tienen los mismos problemas o problemas aún más difíciles para su trabajo. Yo considero que he tenido cierta sensación de poder elegir. Para mí es fundamental y he tenido la suerte casi siempre de poder hacerlo. En eso me considero un privilegiado. Luego estos asuntos, tocan sensibilidades que creo que a veces tienen que ver también con la brocha gorda, con el titular, con ver qué ha dicho cada quien.

Depende de cada proyecto, imagino.

Sí. Claro que hay una realidad que es según lo que eliges, pero en todo, no solo en una película: en la obra de teatro que haces, en la serie que haces, hay una ideología o hay algo a lo que le estás dando de comer. Y lo mejor es ser consciente de eso y también respetar al otro, porque: ¿qué relación hay ahí con las decisiones que cada uno toma? Creo que hace falta mucho contexto. Yo creo que en estos tiempos nos cuesta encontrar tiempo para tener un contexto de por qué alguien decide algo o por qué alguien hace unas declaraciones que de repente son virales durante una semana. Todo el mundo habla de eso y el problema que tenemos es que todo empieza a perder valor, porque si a todo le damos tanta gravedad, pues a lo mejor no es tan importante. Uno mismo también se dice, bueno, pues si se meten conmigo, pues ya pasará, ya vendrá otro y tocará al siguiente. Intentaré yo aprender de qué me pasó a mí y tendré cierta compasión del otro que a lo mejor ha querido decir una cosa y se ha interpretado otra.

¿Eso afecta a cómo os enfrentáis a las entrevistas o a un canutazo en una alfombra roja?

Totalmente. Yo creo que es un aprendizaje que estamos haciendo todos también. No es lo mismo estar aquí hablando con cierta sensación de matizar un poco que estar en la alfombra y te hacen una pregunta a cañón o una conversación que tienes y se saca de contexto. Pero bueno, también es parte de este oficio saber en qué contexto estás y saber que, si tienes una repercusión, lo que digas puede afectar a otras personas. Entonces también hay conversaciones y preguntas que uno no va a responder lo que piensa, porque tampoco ves que al otro le interese mucho. 

En ese sentido, ¿cómo se lleva con las redes sociales?

Le doy importancia justa. No exhibo mucho mi vida del día a día y en lo que puedo promociono mis trabajos. Yo intento no crear una imagen que me sea muy difícil sostener. Tener una cierta coherencia entre lo que vendo y lo que luego hago en el día a día. A mí, en las personas que conozco que a lo mejor tienen una repercusión o que tienen un discurso, siempre me ganan más lo que les veo hacer con el vecino. Muchos mensajes están muy bien y creo que hay que darlos, pero si luego esa persona se cae un señor por la calle y no le ayuda, se me cae un poco ese armazón. Entonces yo intento tener cierta sensación de coherencia.

Una típica pregunta es qué discurso piensa dar si gana, si va a hacer un discurso politizado…

Bueno, a ver, primero no ponerme muy nervioso.

Y que no le bajen el micro como la otra vez.

Claro, en ese momento yo no estaba preparado. Me parece que tiene sentido que desde la propia academia haya una especie de tutorial para ser conscientes todos que estamos en un espectáculo para mucha gente y a lo mejor podemos evitar mencionar a todos tus primos o algo así. En este caso, además siendo 20 años después, sí que pienso mucho en la responsabilidad no solo de que es un espectáculo, sino tampoco resultar un coñazo o alargarme. Pensar en las personas que son la causa de que yo esté ahí. Hacer algo digno. Porque la película creo que tiene un mensaje digno y me enfocaría en eso, en dar las gracias a las personas más concretas y también algo que tenga que ver con el mensaje de la película.

¿Entiende que se escrute tanto lo que se dice en un momento como este? 

Lo entiendo por los tiempos que corren y las dinámicas que hay en las redes sociales, que se busca algo que tenga un impacto muy rápido para criticar o ponernos a favor. Pero tengo también una sensación como negativa. No sé si decir que es bullying, pero cuando de repente hay una masa que va contra alguien... Yo cuando veo que alguien ha sido torpe o igual no ha estado lo más acertado siempre me digo: frénate, para un poco.

Entrevista completa

Un día, el productor Ramón Campos (responsable de éxitos como El caso Asunta y películas como Un año, una noche) le enseñó a Daniel Sánchez Arévalo (director de Azuloscurocasinegro o Primos, entre otras) un vídeo que se había hecho viral en YouTube. Ambos son amigos desde hace tiempo, pero no habían trabajado juntos. El vídeo mostraba una rondalla de Santa Eulalia de Mos. Como casi todo el mundo fuera de Galicia, el cineasta desconocía lo que era una rondalla. 

En aquellos minutos, vio a decenas de músicos, con trajes tradicionales, gaitas, panderetas, percusiones e instrumentos formando y tocando. Pero lo que más le llamó la atención fue que en vez de canciones tradicionales, hicieron una versión del Thunderstruck de AC/DC. “Te juro que me quedé loco, se me puso la piel de gallina”, recuerda Sánchez Arévalo desde la redacción de elDiario.es. Cuando acabaron de ver el vídeo, Ramón Campos le lanzó el guante: “¿Por qué no hacemos una película sobre esto?”.

La hicieron y se ha estrenado en este comienzo de 2026. Rondallas es una película que bebe de la comedia social británica y que muestra ese contexto gallego de percebeiras, paro y muertes en el mar, pero siempre desde la empatía, la unión y la sonrisa que provocan esas rondallas en las personas que las conforman. Y esa era la idea del director, mostrar “esa sensación de comunidad, de sentirte parte de algo por amor a la tradición y a la música”. “Me enganchó muchísimo la energía que desprendían, el buen rollo, lo divertido que era. Y pensé: 'Hostia, me gustaría hacer una peli que transmitiera esta misma energía'”, explica Sánchez Arévalo.

Rondallas se convierte en un mensaje hasta político. La unión y la amabilidad en tiempos de malismo, como diría Mauro Entrialgo. Y además, como reivindican músicos como Rodrigo Cuevas o el director de orquesta Yannick Nézet-Séguin en el reciente Concierto de Año Nuevo, demostrando que la tradición puede mirarse desde la modernidad. Que el folclore y la tradición no son sinónimo de valores rancios o nostálgicos, sino que pueden empujarse en direcciones que abran nuevas posibilidades. 

La referencia al cine social inglés no es casualidad. Sánchez Arévalo cita como claras referencias Full Monty y Tocando el viento, además de la francesa El gran baño, “películas con un carácter abiertamente popular, que son cine familiar, pero adulto a la vez”. Había en aquel vídeo otra cosa que le enganchó, y es que la actual directora de la rondalla era una chica de 19 años. Su historia se ha convertido en la de la joven a la que interpreta Judith Fernández, que junto a Fer Fraga son las revelaciones de un reparto capitaneado por Javier Gutiérrez y María Vázquez, y que tiene a un magnífico Tamar Novas como gran contrapunto cómico y robaescenas de la función.

Sánchez Arévalo ha rodado en Galicia. Con rondallas reales. Con percebeiras reales. En la auténtica lonja. Subraya que incluso fuera del montaje final han quedado partes “muy documentales con las que queríamos capturar la belleza que hay ahí”. Una decisión que también ayudó a encontrar la verdad a un director “madrileño de sangre cántabra”. Por ello “la primera decisión fue que todo el cast fuera gallego”. “Pero después el 90% del equipo son gallegos. Y yo les dije: ‘Si veis cualquier cosa que no os cuadra, por favor, decídmelo. No os cortéis, no os calléis. Decídmelo todo porque quiero que los gallegos abracen la peli y que los gallegos se sientan orgullosos, se sientan representados’”. Tras los primeros pases en Vigo, vieron que la gente sentía suya la película y se sintieron tranquilos.

Hay que estar muy en contacto con la vida, con lo que sucede alrededor, para no perder el foco. En ese sentido creo que me va a ayudar mucho ser padre de una hija de cinco años

Daniel Sánchez Arévalo — Cineasta

En Rondallas juega con los tonos, como siempre le ha gustado. Podría definirse como una comedia dramática, o un drama con toques de humor. Por ello el equilibrio de tonos, pues con un personaje como el de Tamar Novas, que se va más a la comedia, era complicado, así que “había que encontrar el punto en el que este personaje te parezca tierno, divertido, gracioso, pero no pasarte de rosca”. Una “línea muy, muy delgada” que se mantiene en sus filmes, en los que intenta “no forzar la comedia y no forzar el drama”. Por eso reivindica esos géneros. “Vengo de rodar un thriller, mi primer thriller, y ya te digo yo que es mucho más fácil que rodar una comedia o un drama”, añade con humor.

Igual que hizo en Azuloscurocasinegro, donde nos descubrió a Quim Gutiérrez, Marta Etura y Raúl Arévalo, o La gran familia española, donde hizo lo mismo con Patrick Criado, aquí apuesta también por dos rostros casi desconocidos. Algo que es casi marca de la casa: “Cuando pienso en mis historias creo que hay una parte de mí que, a lo mejor no es del todo consciente, pero que sí que busca un poco esa combinación de tener actores como muy consagrados y dar el testigo a chavales, gente joven, con talento. O no tan joven, pero con un talento desbordante y que no le han dado un vehículo para poder demostrar su talento. A mí eso, efectivamente, es algo de lo que luego siempre saco mucho pecho, porque me siento muy orgulloso de que en mis cinco pelis, siempre ha habido actores nominados en la categoría de interpretación Revelación en los Goya. Espero que en esta también pase”.

Este año se cumplen 20 años desde aquel deslumbrante debut, y en estas dos décadas han pasado muchas cosas, por eso Sánchez Arévalo intenta nunca perder el pulso de lo que ocurre en la calle, para que sus historias no parezcan escritas desde una atalaya de alguien que no pisa la calle. “Es verdad que vas cumpliendo edad y hay que estar muy en contacto con la vida, con lo que sucede alrededor, para no perder el foco. En ese sentido creo que me va a ayudar mucho ser padre de una hija de cinco años y ver cómo ella va viviendo las cosas y lo que va sucediendo en su entorno. Lo peor que puede hacer un cineasta es aislarse. Ahí es donde empieza una muerte lenta del cineasta, si te aíslas en tu atalaya y no miras alrededor”, señala.

Por eso se rodea siempre de amigos a los que les pide sinceridad absoluta cuando les muestra los primeros montajes de sus filmes. Un ejercicio de sinceridad para mantenerse otros 20 años escribiendo sin perder el pulso a la sociedad.

El cine español ha elegido las mejores películas del siglo XXI. En una votación organizada por elDiario.es, 56 cineastas han escogido a Mulholland Drive, de David Lynch, como la mejor obra de estos últimos 25 años. Un podio que cierran In the mood for love, de Wong Kar-Wai y La ciénaga, de Lucrecia Martel. Esta es la lista de las mejores películas de Daniel Sánchez Arévalo.

Hacía seis años que Daniel Sánchez Arévalo -uno de los nombres propios más destacados del cine español desde que ganase el Goya a Mejor director novel con Azul oscuro casi negro-, no estrenaba un largometraje. Pero eso no significa en absoluto que haya estado inactivo.

El realizador consiguió convertirse en finalista del Premio Planeta en 2015 con La isla de Alice. Acto seguido rodó un cortometraje que adaptaba un pasaje de dicha novela: Queimafobia -Espiga de oro al Mejor cortometraje en el Festival de Valladolid-. Y más tarde hizo dos cortos publicitarios para Gas Natural Fenosa, otro para la Fundación Infantil Ronald McDonald, otro para Danone, otro para Vodafone, y hasta uno para Campofrío -sí, el polémico La tienda del LOL-.

Ahora se ha aliado con Netflix, que le ha producido diecisiete, una road movie emotiva y sencilla sobre dos hermanos que deben aprender a entenderse. Una comedia dramática que, lejos de la abigarrada colección de clichés de La gran familia española, y de los pormenores artificiosos de Primos, se revela como una eficaz reflexión sobre las relaciones afectivas entre hombres con problemas para explicitar sus sentimientos. La película se podrá ver en cines hasta el 18 de octubre, día en el que llegará a Netflix.

Un viaje hacia la historia mínima

“Estos años he tenido tiempo para reflexionar sobre el cine que quiero hacer”, cuenta Daniel Sánchez Arévalo en una entrevista concedida a eldiario.es. “Y eso me ha impulsado a intentar perfeccionarme en el arte de contar historias, para hacerlo con menos elementos”.

Su nuevo largometraje narra la historia de Héctor -Biel Montoro-, un joven de 17 años interno en un centro de menores, que empieza una terapia de reinserción con unos perros de una protectora. Gracias a uno llamado Oveja, el joven consigue empezar a abrirse a los demás. Pero cuando el can es adoptado y abandona el centro, Héctor decide escaparse para buscarle. Un viaje en el que le acompaña Ismael -fantástico Nacho Sánchez-, su hermano mayor, que lidia con sus propios problemas y vive en una autocaravana.

“Era una historia más sencilla en esencia, en apariencia y en ejecución. Un concepto enfrentado a mis películas anteriores que son mucho más abigarradas con muchos personajes, tramas, acciones en paralelo...”, explica el director de diecisiete.

Este reto personal está vinculado de forma indisoluble con el espíritu de road movie que la película defiende a capa y espada -saliendo airoso-. Un género no demasiado frecuentado en nuestro país, pero con exponentes muy relevantes como Hola, ¿Estás sola?, Carreteras secundarias, Airbag o Vivir es fácil con los ojos cerrados.

“Siempre fue un viaje, emocional en este caso. Un viaje al interior de uno mismo, de estos dos hermanos que tienen que aprender a eso: a ser simplemente hermanos”, explica el realizador.

Una cuestión de equilibrio y verdad

Héctor, el personaje protagonista interpretado por Biel Montoro, es un joven impulsivo y a la vez reflexivo. Introvertido y a la vez brutalmente sincero. Un chaval con una memoria excepcional y una inteligencia fuera de toda duda, que sin embargo no es capaz de conectar con su alrededor. No encaja en el mundo tal y como lo conocemos. Así de simple y complejo.

“El suyo es el problema de muchos chavales adolescentes que no tienen un diagnóstico, que no hay un papel que describa qué les ocurre exactamente. Solo parecen no encajar”, cuenta el director de Primos. “Trabajar eso requirió una parte previa de investigación muy seria. No puedes aspirar a una verdad y meter la pata en esto”.

De la misma forma que diecisiete se cuida de no frivolizar con la diversidad funcional, tampoco recurre a la comentario edulcorado ni se asienta en la comedia amable. Se construye a partir de una premisa que arranca en un centro de menores. “Para rodar toda la parte del centro tuve como asesora a una persona que había trabajado en varios, y que me ayudó desde la fase de escritura de guion”, comenta.

“Fue muy difícil trabajar el tono para que no fuera demasiado dramático, ni tampoco estigmatizase, y que a su vez no pecase de buenista”, explica. “Esto es, para mí, el gran reto de la película: que hubiera un equilibrio. Es lo que más me interesa en las películas, cuando sitúan al espectador en un lugar inclasificable en cuanto a género, que ahora te ríes y ahora no te hace ningún tipo de gracia. Es lo que yo llevo toda mi vida intentando perfeccionar”.

Dos hermanos, su abuela, un coche y un perro

Por mucho que con diecisiete Daniel Sánchez Arévalo haya emprendido la senda de la deconstrucción de su propio cine, es inevitable no ver los vasos comunicantes con toda su filmografía.

Su última película cuenta con muchos elementos ya presentes en anteriores trabajos: traumas familiares, animales, vejez, incomunicación... Incluso se permite reconsiderar el discurso sobre la masculinidad tóxica con el que viene jugando desde Azul oscuro casi negro hasta Primos pasando por cortometrajes como Pene.

“Pues mira que quise ser consecuente con la idea de hacer una película sencilla”, bromea, “y aún así quitamos peculiaridades a Héctor, por ejemplo. Se cayó del montaje alguna cosa porque de repente sentías que era demasiado, que ya estabas forzando un poquito la máquina”.

“Tuvimos que equilibrar el peso dramático desde la presentación de Ismael”, explica el director de cine. “El hermano mayor aparece casi a la media hora de película. Pero yo siento que es el protagonista de la historia, porque creo que tiene la pelota en su tejado: tiene que hacerse hacerse cargo de su vida. Aunque en lo aparente, él ayude a su hermano pequeño, Héctor cuida más de Ismael que Ismael de Héctor”, explica.

En ese detalle, en ese juego fraternal ante la ausencia de las figuras paternas y maternas, es donde diecisiete encuentra su verdadera voz. Y plantea, con perspicacia e inteligencia emocional, una historia sencilla -que no simple- de reconciliación entre hermanos.

“¿Qué es eso de que no has visto ninguna película nominada a los Goya? ¿Qué es eso de que no tienes tiempo para ir al cine?”. El director de Azul Oscuro Casi Negro o Primos, Daniel Sánchez Arévalo, ha contestado a través de sus redes sociales al presidente del Gobierno. Mariano Rajoy confesó ayer que no ha visto ninguna de las películas nominadas a los Premios Goya 2017: “Para mi desgracia, no voy al cine. Leo novelas”, aseguró en una entrevista con Onda Cero.

El también director de La gran familia española le ha recordado que “sus majestades sí son asiduos al cine español”, pese a estar también “muy ocupados”, y se ha ofrecido a prestarle unas copias para que pueda verlas: “Génova está pegada a la Academia de Cine. Puerta con puerta. Pásate y te dejo los DVD”.

Además de recomendarle ver Tarde para la ira, de Raúl Arévalo, le ha recordado que “queda un poquito más de una semana para los Goya. A una peli por día, llegas”.

Más reproches a Rajoy

En este sentido, Sánchez Arévalo no ha sido el único en reprochar las últimas declaraciones del presidente. Tal y como ha publicado Vertele, directores, actores y guionistas como Juan Antonio Bayona, Antonio de la Torre y Borja Cobeaga también han lamentado su actitud.

El actor y periodista Antonio de la Torre ha ido más allá y le ha recomendado la película Cerca de casa, de Eduard Cortés, “porque va de gente desahuciada, y por lo tanto es ficción. Eso no pasa en España”.

“Memorias de un día” (Ediciones Valnera, 2015) es un testamento gráfico y literario que habla con gran sentido poético del José Ramón Sánchez más actual y cotidiano. Las láminas del libro, pinturas de los objetos que le rodean y los lugares que frecuenta, explican la idiosincrasia del ilustrador de 79 años y la meticulosa rutina que caracteriza su día a día en Santander, marcada por la sobriedad, una ordenada actividad y una reclusión relativa en su estudio.

Dice no tener ya el vigor necesario para pintar pero conserva intacta su chispa creativa y, haciendo de la necesidad virtud, se centra en la literatura: prepara una novela de corte religioso para la que está realizando una ardua labor de documentación tras terminar otra de 500 páginas sobre Lon Chaney, leyenda del cine mudo, que se dispone a retocar.

El amor que siente por sus hijos ilumina su mirada cuando los nombra y no oculta el orgullo y admiración de padre. El único artista que ha expuesto cinco veces en el MAS es afable, cercano, divertido y su conversación está trufada de referencias artísticas y de los héroes de ficción que lo acompañan desde la infancia.

¿Por qué considera “Memorias de un día” su libro más “verdadero”?

Yo siempre he jugado con la ficción, con lo épico. Mi pentágono mágico, como yo lo llamo, los cinco grandes libros que he ilustrado, “El Quijote”, “La Biblia contada a todas las gentes”, “Moby Dick”, “Beato del siglo XXI” y “La Divina Comedia” son fantasías. Yo mismo soy muy utópico y necesito de esas epopeyas. Cuando escribí las memorias de 2001, “El cine de los escolapios”, había mucho de ver la vida desde una óptica utópica. Incluso la campaña política que hice para el PSOE la explicaba a través de utopías. Sin embargo, “Memorias de un día” son unas memorias de la cercanía. Mi hijo Ignacio, cuando vio las primeras tablas que había hecho (el baño, la repisa, la ducha, etc.), me dijo una cosa muy sabia: “Si terminas este proyecto, va a hablar de ti más y mejor que todas las fantasías”. Dijo que aunque los críticos consideren que mi obra cumbre es otra, si algún día él llega a tener bisnietos y les cuenta la vida del tatarabuelo, con lo que estaba pintando y lo que después escribiría podrán sentir que me conocen. Hay una tabla que es un trozo de mesa con una regla, las gafas y unos lápices. Dijo que eso es más mi vida que las fantasías.

¿Cómo fueron seleccionadas las láminas?

Mirando alrededor. Al principio yo llamaba al proyecto “La Mirada Cercana” porque me he dedicado a mirar lo que tengo cerca: los cacharros de la cocina, el rincón donde descanso, la televisión donde veo mis series de culto, Puertochico, los Raqueros, todo el paseo de Reina Victoria hasta El Sardinero, la vista del faro... Lo que he hecho es contar un día de mi vida. ¿Y qué hago yo? Ir a bañarme a las playas en verano, a pasear en invierno, a la filmoteca dos veces por semana, a misa todos los días en los Carmelitas, al museo a ver todas las exposiciones… Incluso pedí a un amigo, Pedro, que viniera a hacerme una foto dentro de la cama.

La portada…

Sí, me hizo tres o cuatro fotos y elegí la que quería pintar. Me he autopintado tras meterme en la cama de verdad, apagando la luz, dejando pasar un tiempo como cuando en invierno me cuesta entrar en calor y me pongo a leer un rato. He hecho un cuadro de una bandejita donde hay un cruasán y un café, otro de las tablas amontonadas, los libros, los pinceles ásperos que empleo... Todo lo que hay en ese libro es irrelevante, pequeñito. Pero es mi pequeñez, mi cercanía. Tengo un amigo escolapio listísimo que cuando vio los cuadros, me dijo: “No sé si es porque te quiero mucho y que te reconozco como un pequeño místico, pero estos son cuadros resucitados. La tuya es una mirada espiritual sobre cosas simples y materiales.” ¿Cuál es la grandeza de Antonio López? Que convierte algo que no se nos ocurre pintar a nadie en un cuadro lleno de luz y de espíritu. Como San Francisco de Asís, que veía la naturaleza y a las personas como efectos de la bondad de Dios, que nos ha creado.

Hay una importante vocación en usted que es la escritura…

Siempre me ha gustado escribir, dibujar, ver cine, oír música, soy un apasionado de la lectura y todo eso conforma un don diverso. La consecuencia es que a lo mejor no eres un genio de nada, sólo un geniecillo de un montón de cosas. Cuando aprendí a leer y a escribir, contaba por escrito la película que acababa de ver en el cine. De niño me llevaban a un concierto y me habría gustado ser director de orquesta. La primera vez que vi un ballet en la Porticada quise ser bailarín ¡y me habría ido con 12 años a recorrer el mundo con ellos! Y cuando vi la primera función de teatro, también quise ser actor de teatro. ¡Yo he querido ser Dios! Daniel (su hijo Daniel Sánchez Arévalo, cineasta y escritor) dice que si yo a los 14, en vez de definirme como dibujante, ilustrador o caricaturista me hubiera definido como escritor, habría sido un fenómeno porque no es menor mi talento como escritor que como pintor. Yo había pactado con mis dos hijos que si al final la novela de Lon Chaney no les parecía publicable no la publicaría, aunque otros amigos la consideren la leche. Mis hijos y yo nos podemos hacer críticas a fondo mutuamente porque presuponemos un amor desbordado. Y diciéndome que es maravillosa y que les sorprende que un tío de 79 años escriba una primera novela de ficción así, me han puesto “deberes”. Y es que dicen que la novela está llena de buenos sentimientos y buenas personas. “¡Coño! Tiene que haber algún malo, algún canalla, algún hijo de puta. ¡No todo tan armonioso, tan colocado!”

El conflicto que hace falta en las narraciones…

¡Claro, el conflicto! Es que los protagonistas deben chocar, aunque estén enamorados. ¡Se tienen que odiar, tienen que enfadarse! Y es todo tan entregado, tan sublime…

¿Y sobre la nueva novela que está preparando qué nos puede contar?

Llevo cinco meses documentándome y cada vez estoy más confuso. ¿Cómo cuento yo un milagro o la resurrección? ¡Va a ser una novela de ficción! ¿Cómo fue la infancia de un personaje en tiempos bíblicos? Jesucristo, desde el punto de vista raso y humano, fue un gran profeta que prescindió de toda la tradición judía, de sus libros sagrados y predicó un reino absolutamente novedoso. Y en Roma hay un acta de su condena a muerte. Pero no sé cómo enfocarlo. Para la novela de Lon Chaney estuve cinco meses documentándome, pero sabía lo que quería contar, tenía las películas de este señor, todo lo que se ha escrito de él, sus fotografías (señala la foto de uno de los 48 retratos que hizo del actor)… La escribí en primera persona, a dos voces y ha sido dificilísimo. Una labor titánica, lo más difícil y más creativo que he hecho en mi vida. Y la nueva será en tercera persona pero no sé si la va a narrar un ángel o cualquier vecino de Nazaret que conozca a Jesús y lo vea crecer. ¡No tengo ni puñetera idea de cómo lo voy a escribir, cómo lo voy a enfocar y si voy a ser capaz o no! Cuando escribes una novela sí consigues ser Dios: se crea un ambiente, un mundo, un conflicto y unos personajes que van a ser lo que yo quiera. Un cuadro se me escapa de las manos pero la literatura… ¡Anda que no era un Dios Shakespeare con todo lo que escribió! ¡Era un Dios!

¿Qué cambió en su vida con el Premio Nacional de Ilustración?

Supuso un cambio muy jodido y cercano. Yo estaba muy fuera de los circuitos, viviendo mi vida en Santander encantado. Cuando me dieron ese premio, gracias a la madrina Carmen Soler, me cambió la vida. José María Lassalle llamó a Daniel para informarnos del premio y Daniel me dijo que ya no me podría esconder ni ser un personaje exiliado en Santander porque supone un compromiso con la sociedad que lo da. Desde entonces yo he estado dedicando la mitad de mi tiempo a dar entrevistas, a viajes a Madrid, a intervenir en jurados, mesas redondas… A los demás.

Que no es lo que quiere…

¡No! En Madrid tenía mucho éxito, mi sitio, mi prestigio. Podría haber seguido haciendo grandes exposiciones pero me vine a Santander porque a los 60 años quise jubilarme de las agencias de publicidad, de las editoriales, de los clientes, de los Ministerios de Educación y de Cultura… Quería hacer realidad los sueños de juventud y de adolescencia y en Santander es donde empecé a ilustrar mi “pentágono mágico”, mis libros de culto. Y ya mi vida está redondeada, cerrada de impulsos. Pero el Premio Nacional me ha dado la vuelta, ¡y me ha jodido! Esa es la palabra. ¡Me ha supuesto una jodienda importante! Después de eso, cuando daba mis paseos diarios, la gente me paraba para decirme que se alegraba del premio, ¡gente que no me conocía! Eso me conmovió profundamente porque cuando alguien no se alegra, se nota. ¿Pero suerte por el Premio Nacional? ¡Si te están jodiendo! Yo lo he sentido como que tenía que compartirlo y compartirlo es…

Perder parte de la vida...

¡Claro! Si tú compartes parte de una cosa pierdes el dominio de esa cosa…

¿En qué momento se dio cuenta de que podría ganarse la vida con la ilustración, el dibujo?

A los 12 años. Ya en el colegio me di cuenta de que tenía un don sobre todo para la caricatura y que había gente que me las encargaba. Mi familia era muy humilde y no pudo pagarme una carrera. Si no, habría hecho Bellas Artes o Arquitectura. Pero empecé a estudiar comercio en Palencia, que tenía que acabar en tres años para ganarme la vida como botones o lo que fuera y mis padres me pagaban, ayudados por mis tíos, una pensión cara. Siempre he pagado en el colegio interno y en las pensiones más de lo que ganaba mi padre. A los 14 años, en Palencia, un compañero mayor, de unos 18, que ya trabajaba en un banco y fumaba en pipa, muy elegante, me encargó una caricatura. Cuando vio el apunte y se lo regalé, me dijo que lo que quería era una caricatura en color, como las que hacía yo de los artistas de cine y los futbolistas. Además me impuso hasta el tamaño, que fuera de cuerpo entero y, como yo no sabía cuánto cobrarle, me dijo que me daría 25 pesetas. ¡En el año 52 podía ir al cine 12 veces con ese dinero! Entonces supe que podría vivir de eso. Porque además la enmarcó y se la enseñó a los profesores. Y todo el mundo quería una caricatura de 5 duros. Así me empecé a auto financiar y a mis padres les dije que dejaran de hacerlo. Y a los 18 les mandé el primer sueldo íntegro, 1250 pesetas que gané con mi trabajo fijo en los estudios de dibujos animados Moro de Madrid. Puse los billetes en una cartulina e hice un dibujo con una pequeña carta. Mi madre lo tuvo mucho tiempo guardado hasta que lo necesitó para pagar la primera lavadora o televisión.

¿Cómo influye en un artista haber nacido en el 36?

Mira, si eres un tipo positivo todo lo haces positivo. Y si eres un cagapenas… Yo tengo un colega ilustrador, hijo de un terrateniente andaluz que tenía cortijos pero que siempre se estaba quejando ¡y no ha llegado a nada! Que tú hayas nacido en el 36 pues es muy bueno o muy malo, depende de cómo seas. Como si naces en el 45 o ahora. El ser humano tiene que tener un criterio y ese es el que le funciona en la vida. Yo me divorcié, bueno, me divorciaron después de 27 años y tres hijos. Y la base, la familia, lo que yo tenía como estable se me derrumbó. Pero o me metía en una depresión de caballo o tiraba para arriba y me hacía mejor. Y al día siguiente cogí mis trastos y en el estudio supe que ese era el momento de empezar a ilustrar El Quijote. Era algo tan grande que tuve que dejarme la piel ahí. O te metes en El Quijote o no te metes. Y eso me salvó.

La mejor terapia…

En vez de hacer una terapia que me habría costado una pasta, mi solución fue tirar para arriba. En mi vida nacer pobre y enfermo han sido estímulos. La pobreza me ha hecho valorar las cosas y sobre todo los libros de una manera prodigiosa, ya que apenas me compraron alguna adaptación corta de Dickens o Mark Twain. Y estar enfermo, estar recluido cinco días en la cama con asma y otros cinco en el colegio me impulsó a crearme un mundo paralelo de fantasía, de sueños. Cuando me regalaron “El libro de la selva” yo vivía las aventuras de ese niño salvaje, sin padres, más desgraciado que yo y eso me liberaba. Y copiaba de los cómics y los libros cuando no estaba muy mal sobre una tabla que me había hecho mi padre. Fíjate en Stevenson (señala un retrato suyo que cuelga en su estudio), que murió de tuberculosis, pero leyendo a Dumas, a Walter Scott, se metía en el mundo de “Los tres mosqueteros”, “El Conde de Montecristo” o de “Ivanhoe”. El problema de la no valoración de Sorolla es que era burgués y sólo pintaba cosas luminosas y retratos de gente aristocrática. Si hubiera nacido un poco más jodido habría sido mucho más grande. Técnicamente era una maravilla pero claro, pintó un mundo de complacencia. Joder, y el pobre Toulouse-Lautrec, que era enano y alcohólico tuvo que pintar a las putas que frecuentaba. Eso al lado de las damas emperifolladas paseando por playas levantinas... Porque el arte si no tiene un componente tremendo, duro, dramático… Si Goya no hubiera sido sordo o Beethoven... ¡Un músico que pudo inventar La Novena Sinfonía sin oír! ¡La madre que lo parió! ¿Cuál es el arte de Hitchcock? Convertir todas sus represiones y miedos en obras maestras. ¿Y la furia de Van Gogh? Que sabía que no era un pintor de éxito como sus amigos, que no tenía dinero para pintar y tenía que vivir del hermano. Pues lo que sale en sus cuadros es esa tensión, esa locura, esa capacidad de sufrir y convertir ese sufrimiento en arte. Los nocturnos de Chopin… Su mejor obra la escribió en Valdemosa, ahogándose, hecho una mierda. A Daniel, cuando peor lo estaba pasando, le dije: “Un artista es quien convierte una mierda en una flor. ¡Ponte a escribir de la desgracia, del dolor!” Y en tres meses Daniel estaba rodando “Primos”.

¿El trabajo es siempre más importante que el talento?

Siempre. En el proceso creativo, la chispa, la luz, el éxtasis es una décima parte del tiempo. Tienes una parte de artista y nueve de artesano. “Ilustrador”, como dice mi carnet de identidad, es una forma de ser artesano. Y yo me siento como un artesano que está aprendiendo. Yo aprendo todos los días. Sospecha de los que dicen que son artistas. Porque ningún gran genio de ninguna gran disciplina artística se ha considerado así. Se ha considerado un trabajador, un buscador. Cuando pintas un cuadro te cansas, te falla el fondo, repites… Y hay un momento mágico, que es que desde cero te sale el espíritu, el esqueleto. Un dibujo no deja de ser un esqueleto y tienes que ponerle carne, músculo, sangre, traje, corbata, camisa, tienes que peinarlo. Por eso dibujando hay momentos sublimes. En una mañana soy capaz de hacer un retrato, que después tardo un mes en terminar porque faltan los matices, sombras, toques, arreglos, veladuras, atmósferas…

¿Al revisar obras antiguas se siente satisfecho o ve cosas que le gustaría cambiar?

Siempre pienso que podría hacerlo mejor. Cuando he tenido que repetir algo por cuestiones monetarias, siempre se mejora, lo que pasa es que cada obra es fruto del tiempo. Por ejemplo, el otro día, preparando la distribución de la exposición que voy a hacer en la Biblioteca Central, mi socio se extrañaba de que de la obra que menos había era de El Quijote. Y es que me gusta más La Biblia, porque El Quijote es anterior. Y posiblemente hoy lo haría de otra manera. Lo que yo escribo ahora tiene otra sustancia porque he vivido más, porque he crecido. En aquella inexperiencia, en aquel primitivismo estaba lo de ahora. Como lo de ahora se nutre de aquel primitivismo. Yo no niego ningún momento de mi vida: los momentos malos, duros, de desgracias. Hay que leer la vida como un todo. Ahora estoy cansadísimo y estoy funcionando a mitad de velocidad que hace un año. Bueno, pues me ha llegado un tiempo de recuento, de descanso, de tranquilidad, de meditación… Y lo estoy viviendo bien, no estoy más agobiado ni hecho una mierda como hubiera pensado. ¡Si me dicen hace un año que ahora no podría pintar ni dibujar! Pensaría que no puedo vivir sin ello. Pero se puede.

Será por proyectos…

¿Proyectos para escribir? Los que quieras, ¡cincuenta, cien! Podría hacer una lista: una novela sobre Toulouse Lautrec, otra sobre Velázquez, tengo una sobre Van Gogh…

¿Cuáles son sus grandes influencias artísticas?

El color de Walt Disney, el trazo adolescente y juvenil de Van Gogh, la madurez y la reflexión de Velázquez y Rembrandt y las formas distorsionadas de El Greco. Cinco, como mi pentágono.

Colaboró en programas televisivos infantiles míticos de los años 80 como “Sabadabadá” o “El kiosko” ¿Cómo interpreta la fiebre retro y nostálgica que nos envuelve hoy en día, especialmente enfocada a esa década?

Fueron unos años maravillosos, los años de la transición. Me lo preguntan los padres y yo les digo que ahora los niños no tienen programas tan buenos como esos. Se cuidaban las cosas. Así que hay un afán por aquello bien hecho, artesanal. Hoy en día cualquier cosa vale.

¿La mayor alegría de un artista con hijo artista es que haya quien le conozca como “padre de”?

Sí, además Dani me ha superado. Es como la gratificación de que tu vida ha sido coherente, de que le has educado para el arte y de que has recogido los frutos. Es como sembrar, cuidar la cosecha y cosechar. Todo eso suma, no resta. Si un padre tiene celos de su hijo, es que no hay amor.

¿Qué le parece que el Ministerio de Empleo reclame la pensión a autores jubilados que siguen publicando?

Yo sé que no puedo vender porque no me compensa. Tengo el mínimo de pensión y ya no trabajo ni hago encargos, así que no tengo ese problema. ¡Y yo no vendo para darle la mitad a Hacienda, que ya he cotizado! Y estoy con ellos en paz. Esto es que quieren meterse a fondo con los artistas porque no los pueden controlar. Me parece mal, muy mal.

El sol de diciembre ilumina el paisaje marítimo que se vislumbra tras las ventanas y enciende la luz en los ojos de Daniel Sánchez Arévalo. Habla de su libro, 'La isla de Alice', como si de un hijo se tratara, mimándolo con sus manos y evocando la historia como si fuera parte de sí mismo. Y no es de extrañar, ya que el galardonado guionista y director de cine, ahora también premiado escritor, ha ido dejando crecer la novela en su interior hasta sentirse preparado para plasmarla en el papel. Alice, la protagonista de la novela, le ha acompañado mientras ambos desvelaban juntos el misterio de la isla durante varios años. Aunque confiesa que le ha costado “abandonar el personaje”, se siente satisfecho de ver publicada la obra y agradecido por toda la atención que está recibiendo.

Ha dicho que escribir esta novela le ha supuesto un “salto al vacío”. Ese salto le ha valido ser finalista de la 65 edición del Premio Planeta. ¿Ha sentido un poco de vértigo?

No, fíjate que al revés. Creo que el Premio Planeta lo que hace es ponerte en el mapa. El vértigo es publicar una novela y sumergirte en ese océano de novedades editoriales, donde es muy difícil hacerte un hueco. El hecho de que haya tanta atención mediática, tanto interés, que la gente se entere de que he escrito una novela, para mí supone un gran alivio. Ya otra cosa es que se compre y se lea, esa es otra historia en la que entran en juego muchos factores.

Se considera narrador de historias. ¿Qué diferencia a la literatura del guión?

Diferencias son casi todas. Es verdad que al final lo que me gusta es contar historias y no me importa tanto el formato, aunque en mi opinión la literatura está un paso por encima. Por eso, cuando decidí embarcarme en este proyecto, convertirlo en una novela, el nivel de exigencia y dedicación ha sido mucho mayor, con dos obsesiones rondándome por la cabeza: La primera, no parecer un cineasta al que le ha dado por escribir un libro, que la novela tuviera entidad por sí misma, que caminara sola. Y la segunda, que como es una historia escrita en primera persona por una mujer, que pareciera escrita por una escritora, y no solo eso, sino por una escritora norteamericana contemporánea. De hecho, el mayor halago que me pueden hacer es decir que el libro parece escrito por una mujer.

Recuerdo el día de la entrega de los premios.  El jurado se leyó la novela con pseudónimo y todos me comentaron que estaban convencidos de que lo había escrito una mujer. Cuando me dijeron eso pensé: “Esto está muy bien, esto me gusta” (sonríe).

Ya había escrito anteriormente dos libros de narrativa juvenil. ¿'La isla de Alice' ha sido un reto?

Ha sido un súper reto que han supuesto dos años de dedicación exclusiva en escribir la novela. Por lo general, soy una persona muy miedosa, me dedico a esquivar la vida más que a vivirla, lo que pasa es que me ha ido bastante bien esquivando.

A nivel profesional, solo he tomado cuatro decisiones importantes que han cambiado el rumbo de mi carrera, y esta ha sido la última, ya que en vez de rodar una película este año, que es lo que inicialmente pensaba hacer, decidí que quería ir por este camino. Es una decisión muy arriesgada, ya que por la otra senda, la cinematográfica, me está yendo muy bien. Pero siempre que me he propuesto nuevos retos el final ha sido feliz, y en este caso, el final no es haber sido finalista del Premio Planeta sino que la novela llegue y le guste a la gente.

¿Cómo ha sido gestar esta historia durante seis años?

El proceso ha sido muy lento. Normalmente, desconfío mucho de las ideas, por lo que en vez de alimentarlas, suelo ignorarlas para que solo las buenas echen raíces, y notaba cómo esta historia iba copando muchos cuadernos. Pero a la vez, como me gustaba tanto, sabía que tenía que cuidarla y mimarla mucho.

Han sido unos años en los que yo he hecho dos películas entre medias mientras iba dejando que la historia creciera, necesitaba darle el tiempo necesario para que cogiera forma. De hecho, las primeras anotaciones poco tienen que ver con lo que ha acabado siendo. Cada historia requiere su tiempo, unas son un proceso mucho más orgánico, más natural e inmediato, y hay otras que necesitan de espacio y de tiempo.

La novela trata sobre Alice, una mujer viuda con una hija y otro niño en camino que se ve envuelta en la encrucijada de descubrir la verdad sobre su marido de una forma un tanto impulsivo-obsesiva. ¿Es el ser humano masoquista cuando está cegado por el amor?

Absolutamente. En esta sociedad en la que vivimos todos tenemos una tendencia a la neurosis y a la obsesión, y en este caso, es cierto que Alice se aferra al misterio de la presencia de su marido en esa isla durante más de dos años sin ella saberlo. Desvelar ese misterio no deja de ser su manera de lidiar con la pérdida, de superar ese luto, para encontrarse a sí misma. La “isla” de Alice no solo hace referencia al lugar donde transcurre toda la acción, sino a su propia isla, que se ha hundido bajo sus pies tras la muerte de su marido, por lo que tiene que reconfigurarla para tocar tierra y seguir con su vida. Yo lo llamo “el engaño necesario para seguir viviendo”. Todos necesitamos de ese engaño para superar la realidad. En mi caso, yo me engaño con la ficción, porque ahí es donde me refugio.

'La Isla de Alice' es un thriller con un ritmo palpitante, ágil, con un tono muy americano. ¿Hay una impronta cinematográfica?thriller

Por supuesto. El cine es el arte que más me ha influido, lo que conlleva a que escriba con imágenes en la cabeza. No puedo evitarlo. Imaginar, ver y trasladarme a Estados Unidos, a esa zona de la Costa Este, muy evocadora y visual, es en parte lo que provoca que decida contar esa historia allí, y por eso toda la experiencia de Alice es cinematográfica. Lo que pasa que luego está el otro gran viaje, que es el viaje al interior de uno mismo, el bucear en los pensamientos de Alice, en sus contradicciones… es lo que para mí le da categoría de novela, lo que la eleva a otro sitio.

La historia está narrada en primera persona por un personaje complejo, profundo, lleno de matices. ¿Ha llegado Alice a dominar a Daniel o ha sido al contrario?

He ido muy de la mano con Alice en toda esta historia. A mí me pasó una cosa muy curiosa, y es que me ha costado mucho abandonar al personaje, salir de esa isla, porque al final he configurado un lugar donde yo mismo me quería quedar a vivir. Me he enamorado de Alice y de los personajes. Fíjate, que en el momento en el que Alice decide desvelar el misterio de su marido y de la isla ni yo mismo sabía cuál era el misterio que había detrás. Ambos llegamos a la isla y pensamos... ¿y ahora qué?

¿Es la escritura una terapia?

Para mí, desde luego que sí. No sé si decirte que es la mejor de las terapias, o la única. Empecé a escribir porque descubrí que dándole forma a mis miedos, a mis fantasmas, plasmándolos en otros personajes y en otros sitios, era una manera de deshacerme de ellos, o al menos de domarlos. Luego, por suerte, he conseguido que esto se convierta en un oficio y vivir de ello. Pero sí, encuentro en la ficción el bálsamo para hacer la realidad más tolerable. Y también es lo que pretendo con esta novela, que al final el lector se refugie también en la isla con Alice y sus personajes para luego encarar la vida con un poquito más de luz, con alegría y optimismo.

Y hablando de escritura… Ha escrito hace poco en tu cuenta de Twitter que era la primera vez que no sabía a quién votar. ¿La realidad española tiene un poco de ficción trágica?

Está el tema “AzulOscuroCasiNegro” (ríe). Lo que está sucediendo en este país es un caldo de cultivo, porque aquí tenemos el guión para una gran serie sobre el panorama político, la corrupción… Todo es apasionante desde un punto de vista cinematográfico, de ficción, pero la realidad es muy cabreante.

Su padre es José Ramón Sánchez, dibujante e ilustrador cántabro. ¿Qué significa esta tierra en su biografía?

Es mi tierra. Nací en Madrid y al principio, cuando venía, tenía que desmentirlo. Lo corregía, pero dejé de hacerlo porque probablemente me siento más cántabro que madrileño. Por ejemplo, esta parada en Santander no estaba prevista en la gira de Planeta y fui yo quien dijo que quería venir a presentar mi novela aquí, lo necesitaba porque considero que es donde está mi gente.

¿Qué le queda a Daniel Sánchez Arévalo por hacer?

¡Si no he hecho nada! Solo he hecho cuatro películas, tres novelas… eso no es nada.

¿Algún otro proyecto que se pueda desvelar?

Estoy con otro proyecto de película que me encantaría rodarlo aquí, en Cantabria. Me gustaría un sitio de montaña… Pero es un embrión y quizás para el próximo verano tenga un guión que enseñar. A ver si se convierte en una realidad.

El director de cine y escritor de origen cántabro Daniel Sánchez Arévalo presentará este viernes en Santander 'La isla de Alice', la obra con la que ha logrado ser finalista en la edición de este año de los Premio Planeta. La presentación de esta novela, que oscila entre el thriller y el viaje emocional, será en la Librería Estvdio a partir de las 19.30 horas.

El libro narra una “historia de superación”, la de Alice, cuyo marido, Chris, muere en un accidente de coche sospechosamente lejos de donde debía estar. Este suceso hace que la vida de la protagonista, con una niña de seis años y otra en camino, se desmorona, incapaz de asumir la pérdida y con el temor de que su relación perfecta haya sido una mentir. La obsesión con descubrir de dónde venía su marido y qué secreto escondía se convierte en el centro de su vida.

De esta forma reconstruye el último viaje de su esposo con la ayuda de las cámaras de seguridad de los establecimientos por donde este había pasado, hasta llegar al epicentro del misterio: Robin Island, en Cape Cod, Massachusetts, una pequeña y, solo en apariencia, apacible isla que modificará profundamente a Alice mientras busca respuesta a la pregunta: ¿Qué hacía Chris en la isla?

Cineasta multipremiado

Daniel Sánchez Arévalo (Madrid, 1970) es guionista, director de cine y productor. Como guionista ha trabajado en series como 'Farmacia de Guardia' u 'Hospital Central'. Posteriormente, recibió una beca Fulbright y cursó un máster de cine en la Universidad de Columbia.

Como realizador de cortometrajes ha recibido más de 200 premios y su debut en el largometraje con la película 'Azuloscurocasinegro' le reportó más de cincuenta premios en festivales de todo el mundo. Entre sus películas más reconocidas están 'Primos', 'Gordos' y 'La gran familia española'.

Estaba nominado a 12, ahora sólo aspira a 11. La nominación que han perdido ha sido en la categoría de Mejor Diseño de Vestuario. Tal y como informa la Academia de Cine, según el artículo 39 de las Bases de los Premios Goya 2014, “si el nombre de una persona apareciese dos o más veces, votado en la misma categoría, por distintas películas, el notario deberá incluirlo sólo una vez como nominado, por la película por la que hubiera recibido más votos, y dará paso como nominado a la siguiente persona en número de votos”.

Es por esto que Tatiana Hernández, que ya se había llevado el Goya al Mejor Diseño de Vestuario por Lope, había sido nominada en la categoría de Mejor Diseño de Vestuario por Los amantes pasajeros y por La gran familia española. Y, por culpa del artículo mencionado, ha tenido que renunciar al segundo, que era el que tenía menos votos.

Mala suerte para Tatiana y buena suerte para Lala Huete, que pasa a ser candidata a un Goya por Vivir es fácil con los ojos cerrados. La película aspira ahora a siete premios.

Una decepción para Daniel Sánchez Arévalo, aunque La Gran Familia Española sigue liderando la carrera con 11 nominaciones, seguido de Las Brujas de Zugarramundi de Álex de la Iglesia, que tiene 10. Aquí están todas las películas que parten como favoritas para la 28 edición de los Premios Goya, que se entregarán el 9 de febrero en el Hotel Auditorium de Madrid, en una gala conducida por Manel Fuentes.