El equipo de Gobierno del Ayuntamiento de Cuenca propondrá el nombramiento de José María Cruz Novillo, artista y diseñador clave a nivel nacional e internacional, como Hijo Predilecto de la ciudad. El alcalde Darío Dolz ha señalado que esta propuesta se hará a través de una moción en el próximo Pleno, tal y como se lo ha dado a conocer ya a su hijo Pepe Cruz.

Nacido en Cuenca en 1936, José María Cruz Novillo comenzó su andadura artística entrando como dibujante en Publicidad Clarín en 1957, faceta que ya nunca abandonó. Posteriormente creará su propio estudio de Diseño, desde el que ideará las imágenes corporativas de instituciones y empresas como Correos, Tesoro Público, PSOE, COPE, Grupo PRISA, Diario 16, El Mundo, El Economista, Red Eléctrica, Renfe, Visionlab, Fundación ONCE o el logo de Cuenca 2016, entre muchos otros muy reconocibles.

Fue presidente de la Asociación Española de Profesionales del Diseño (AEPD), convirtiéndose en Socio de Honor de la misma, y ha participado como jurado en decenas de premios, incluyendo los Premios Nacionales de Diseño, de Arquitectura y de Cómic. Ha diseñado también múltiples carteles de reconocidas películas y realizado multitud de exposiciones.

En 2019 se estrenó la película documental ‘El hombre que diseñó España’, que repasa la trayectoria de Cruz Novillo tanto en su faceta de diseñador como en la de artista plástico desde su primer logo, en 1957, y exposición individual, en 1972.

En la ciudad contamos en su honor con la Escuela de Arte Cruz Novillo, centro público de enseñanzas artísticas ubicado en el Casco Antiguo de la ciudad.

Dieter Rams, el diseñador alemán que durante décadas definió la identidad visual de grandes marcas, formuló a finales de los años setenta diez mandamientos del buen diseño. El buen diseño es útil, decía. Es honesto. Es duradero. Es innovador. No molesta. Cada vez que Rams enunciaba uno de esos principios estaba describiendo, sin saberlo, una larga tradición de objetos españoles que llevaban décadas cumpliéndolos con exactitud milimétrica. Objetos que han transformado la vida cotidiana de millones de personas y que casi con toda seguridad, tienes en casa ahora mismo.

Los objetos tienden a volverse invisibles. Se integran en la rutina hasta confundirse con ella, y esa discreción que es precisamente su virtud más alta acaba convirtiéndose en su peor enemigo a la hora del reconocimiento. Nadie mira dos veces el interruptor cuando enciende la luz del pasillo. Ni repara en la geometría del destornillador cuando lo saca del cajón de las herramientas. No solemos pensar en quién diseñó la silla sobre la que estuvo sentado durante doce años en el colegio. Y sin embargo, detrás de cada uno de esos objetos hay una decisión de diseño que los hace exactamente cómo son y no de otra manera.

Diseñado para durar

Tomemos el destornillador Irazola. Ese mango de aluminio ondulado en rojo que lo distingue del resto sin gritar, que cae bien en la mano con una naturalidad que es consecuencia de haber pensado en el agarre, en la torsión, en el usuario que va a usarlo durante años. O la grapadora El Casco M-5, diseñada por Juan Solozabal y Juan Olave en 1932, que lleva casi un siglo siendo el mejor argumento posible contra la obsolescencia programada. André Ricard, el diseñador barcelonés decía que “el diseño no es hacer las cosas bonitas, sino hacerlas mejor que las que ya existían”. La M-5 no aspira a ser bonita. Aspira a grapar. Y lo sigue haciendo igual que el primer día, casi cien años después, mientras hay teléfonos que no duran ni tres.

Y luego está la serie de interruptores y enchufes Simon 31, desarrollada en torno a los años setenta por el equipo de diseño de la empresa que fundó Arturo Simón. Está en miles de hogares y edificios españoles, en las paredes de oficinas, hoteles y viviendas de medio país, y prácticamente nadie sabe su nombre. Su geometría limpia, su tacto preciso, la discreta coherencia formal entre todos los elementos de la serie convierten a este sistema en el ejemplo más elocuente de lo que Ricard defendía, un objeto bien diseñado no necesita llamar la atención. Su virtud es disolverse en el uso.

La inteligencia de lo ordinario

La cocina española tiene más historia de diseño de la que aparenta. Rafael Marquina resolvió en 1961 uno de los problemas más persistentes y humildes del hogar mediterráneo, el goteo de la aceitera. Con una doble cámara interior que recoge el exceso de aceite antes de que caiga sobre el mantel, la aceitera Marquina es un prodigio de ingenio funcional que sigue fabricándose y vendiéndose exactamente igual que hace más de sesenta años. Está en la colección permanente del MoMA de Nueva York. Y probablemente también en el armario de la cocina de tu abuela, tan vigente como el primer día.

La batidora que durante décadas ocupó las encimeras españolas bajo el nombre de Moulinex es otro de esos objetos que merecen más atención de la que reciben. Antes de que los robots de cocina se convirtieran en objetos de deseo con precio de joya, la batidora de brazo democratizó la cocina doméstica con absoluta sencillez, motor, cuchilla, mango. Sin más. La elegancia funcional que Rams identificaba como la forma más honesta del diseño industrial.

El diseñador barcelonés André Ricard decía que 'el diseño no es hacer las cosas bonitas sino hacerlas mejor que las que ya existían

Y luego está Manuel Jalón Corominas, que es tal vez el inventor español más influyente del siglo XX y uno de los menos celebrados. Ingeniero aeronáutico y oficial del ejército del aire, Jalón vio en 1956 cómo se fregaban los suelos en las bases militares norteamericanas y pensó que aquello podía hacerse mejor, con más dignidad y con menos esfuerzo. Sobre la base de ideas que ya habían explorado en 1953 Julia Montoussé Frages y su hija Julia Rodríguez‑Maribona, que registraron un modelo de utilidad de fregona con cubo, palo y trapo, la versión industrial de Jalón y su cubo escurridor eliminó décadas de trabajo de rodillas, con todas las implicaciones sociales y físicas que eso conllevaba.

Pero Jalón no se detuvo ahí. En 1975 patentó la jeringuilla hipodérmica desechable de plástico, transformando la seguridad sanitaria global de manera radical. Antes de su invención, las jeringuillas eran de cristal y se esterilizaban para reutilizarse, con todos los riesgos de infección cruzada que eso implicaba. La alternativa de plástico de un solo uso eliminó el problema de raíz y salvó vidas en hospitales de todo el mundo. 

Hay dos objetos que cualquier español reconoce de manera inmediata, sin necesidad de presentación. La silla escolar clásica de Federico Giner con estructura de acero tubular, asiento y respaldo de madera contrachapada, ligera, apilable, resistente, sin un solo elemento ornamental, este es el asiento sobre el que se ha sentado prácticamente toda la población española en algún momento de su vida. Fue diseñada para durar, para apilarse en los rincones, para soportar décadas de uso sin apenas queja. Es el ejemplo más democrático de buen diseño que haya producido este país.

Encima de esa silla, en el bar de siempre o en la oficina de siempre, lleva décadas brillando la misma luz. La lámpara Gira, diseñada en 1978 por Ferrer, Massana y Tremoleda para Mobles 114, la firma barcelonesa que fundaron en la calle Enric Granados sintetiza en una base, un brazo y una pantalla todo lo que una lámpara necesita ser. Un cuadrado, una línea, un cono de acero, latón, aluminio y el movimiento de la luz que se orienta hacia donde se necesita. Y en el salón de muchas casas, en cambio, lo que hay desde 1961 es la TMC de Miguel Milá para Santa & Cole, una lámpara de pie con pantalla cilíndrica que sube y baja por el mástil mediante un sistema de imán, ganadora del Delta de Oro en el año de su nacimiento, que en su cincuentenario recibió una edición definitiva.

El futbolín tiene una historia más cargada de emoción. Alexandre Campos lo inventó durante la Guerra Civil para los niños hospitalizados que no podían salir a jugar al fútbol, inspirándose en una mesa de ping-pong y en la necesidad de llevar algo de vida normal a una infancia rota por la guerra. El exilio le impidió ver su invento popularizarse en su propio país hasta 1952, cuando encontró socio para fabricarlo en serie. Hoy es un icono de la cultura popular europea, está en muchos bares, y su origen es una historia de resistencia y ternura que nadie suele contar cuando echa una moneda y empiezan a girar las barras.

El cenicero Copenhagen que André Ricard diseñó en 1965 es, en su humildad material, una pequeña lección magistral de diseño. Fabricado en melamina de una sola pieza, es el resultado de repetir con inteligencia una única figura geométrica, el cilindro en todas sus variantes funcionales, un recipiente exterior que contiene la ceniza, un cilindro interior más pequeño donde apagar el cigarrillo, una boquilla en la pared exterior donde apoyarlo. Apilable, resistente, atemporal. En una época en que el diseño de producto tendía hacia lo ornamental, Ricard apostó por la belleza que nace de lo estrictamente necesario.

En esa misma lógica de resolver bien y sin estridencias vive la estantería Tria, que Massana y Tremoleda diseñaron también en 1978 para Mobles 114 y que lleva casi cincuenta años en producción. Es el tipo de diseño que solo se nota cuando desaparece.

Y luego está el Talgo, que es otro gran icono del diseño industrial español del siglo XX. El ingeniero Alejandro Goicoechea desarrolló en 1941 un sistema de rodadura basado en una estructura de triángulos articulados que reducía el peso del tren, suavizaba el recorrido y, sobre todo, eliminaba el riesgo de descarrilamiento al guiar las ruedas sobre la vía en lugar de dejar que la pestaña las condujera por el carril. El nombre que dieron a las siglas del proyecto Tren Articulado Ligero Goicoechea y Oriol se convirtió en sinónimo de velocidad y fiabilidad ferroviaria europea. El Talgo III RD de 1968 fue el primer tren del mundo con cambio automático de ancho de vía, lo que permitió el servicio directo Madrid-París sin transbordo en una época en que eso era un logro técnico extraordinario. En 2004, el Talgo 350 alcanzó los 356 km/h en territorio español, batiendo el récord nacional de velocidad. Sus valores fundacionales de anticipación, seguridad, sencillez, economía y fiabilidad los recoge el catálogo de los Premios Nacionales de Diseño que recibió en 2003.

Enric Bernat, confitero catalán, puso en 1958 un caramelo en un palo con una lógica impecable: que los niños no se mancharan los dedos. Ese gesto aparentemente trivial creó uno de los dulces más famosos y consumidos del siglo XX. El logo redondo y floral que todos reconocemos lo diseñó Salvador Dalí en 1969, convirtiendo al Chupa Chups en probablemente el único objeto de consumo masivo con firma surrealista en la historia. Su popularidad global llegaría de la mano de la televisión, el detective Kojak, interpretado por Telly Savalas en la mítica serie americana de los setenta, aparecía en cada episodio con un Chupa Chups entre los labios en lugar del cigarrillo que fumaba en el guion original. Fue product placement avant la lettre, tan eficaz como involuntario, y funcionó mejor que cualquier campaña publicitaria pagada.

Antes de que los grandes electrodomésticos se atribuyeran la invención del hogar moderno, una mujer llamada Elia Garci Lara Catalá diseñó hacia 1890 un dispositivo doméstico que lavaba, aclaraba, secaba y planchaba la ropa en un solo aparato. Un siglo antes de que la automatización del hogar se convirtiera en argumento de marketing y en promesa de liberación femenina, esta inventora española ya había pensado en resolver ese problema con un solo ingenio. Su nombre ha caído en el olvido con la misma injusticia sistemática con que el olvido suele tratar a las pioneras que se adelantaron demasiado a su tiempo.

El diseño español que conquistó el mundo

Patricia Urquiola es la figura del diseño español contemporáneo que ha trascendido fronteras con autoridad. La asturiana afincada en Milán lleva décadas redefiniendo la manera en que nos sentamos, trabajamos y habitamos los espacios. Sus mesas, la Fjord, la Fat-Fat, la Canasta, la T-Table, son referentes ejemplares del diseño de mobiliario internacional, fabricadas por Cassina, Kartell, B&B Italia y Moroso. Urquiola trabaja en la intersección entre artesanía y tecnología, entre la tradición material mediterránea y la experimentación formal más contemporánea, con una capacidad para hacer que los objetos cuenten historias sin necesidad de explicación. Recientemente, Urquiola ha recibido el iF Design Lifetime Achievement Award, el premio más importante del sector a nivel global, como reconocimiento a una trayectoria de coherencia estética. Es, en muchos sentidos, la continuadora más brillante de esa larga tradición española de diseñar bien sin hacer demasiado ruido.

Lo que une a todos estos objetos, la aceitera y la fregona, el tren y el caramelo, la silla del colegio y el interruptor de la pared, la grapadora que dura cien años y la jeringuilla que salvó vidas, es que ninguno pide ser admirado. Están ahí para ser usados, y en esa renuncia a la vanidad reside su grandeza. Rams decía que el buen diseño es honesto, que no pretende ser más poderoso ni más valioso de lo que realmente es. Mirando todos estos objetos juntos, lo que emerge es el retrato de un país que ha resuelto problemas reales con inteligencia práctica, muchas veces en condiciones difíciles y sin los recursos de las grandes economías industriales europeas, y que rara vez se ha detenido a celebrarlo. El diseño español ha sido, durante décadas, exactamente lo que Rams pedía: tan poco diseño como sea posible. Quizás sea hora de empezar a verlo.

José María Cruz Novillo, el 'hombre que diseñó España' ha fallecido a los 89 años. El diseñador conquense, nacido el 21 de mayo de 1936, es el creador de logotipos tan reconocidos como el de Correos, la Policía Nacional, Renfe, Fundación ONCE o los billetes de pesetas del Banco de España, entre otros.

Así lo adelantaba el medio especializado Gráffica, que señalaba que su muerte “deja al diseño español sin una de sus figuras esenciales”.

Cruz Novillo se inició en la pintura en Cuenca, su ciudad natal en 1950, y en 1958 se trasladó a Madrid, hasta que cinco años después fundó su propio estudio de diseño, convirtiéndose en un pionero.

Además de ser el diseñador de diferentes logotipos, como el puño y la rosa del PSOE, las identidades corporativas de la cadena COPE, Endesa, Repsol, así como coautor del escudo y la bandera de la Comunidad de Madrid, junto a Santiago Amón Hortelano; también diseñó carteles de películas de éxito como 'Barrio', 'Los lunes al sol', 'El espíritu de la colmena' o 'La escopeta nacional'.

A lo largo de su trayectoria ha recibido varios premios, tales como el Premio Nacional de Diseño (1997), Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2012) o el Premio Gràffica (2017). En su Cuenca natal existe también la Escuela de Arte Cruz Novillo.

En el año 2020, se estrenaba un documental acerca de su carrera, en el que Cruz Novillo destacaba que “el arte es un viaje de ida, el diseño es un viaje de vuelta”.

“Un referente del diseño”

El presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, ha lamentado la muerte del conquense José Cruz Novillo, creador de identidades corporativas e institucionales que forman parte de la historia reciente de España, al que ha situado como un “referente” del diseño.

“Construyó una imagen de país moderno y compartido. Su visión y creatividad estarán para siempre vinculadas al Partido Socialista”, ha asegurado el jefe del Ejecutivo en una publicación en su perfil en la red social X, en referencia al puño y la rosa que confeccionó Novillo y que han servido de emblema del Partido Socialista. “Todo mi cariño a su familia y seres queridos”, ha concluido.

El presidente de Castilla-La Mancha, Emiliano García-Page, ha expresado su más sentido pésame a los familiares y seres queridos del diseñador conquense José María Cruz Novillo, fallecido este sábado.

“Si hay alguien a quien seguiremos recordando cada vez que miremos los símbolos y diseños de la España democrática, es al conquense Pepe Cruz Novillo. Su obra forma parte de la memoria colectiva de nuestro país y deja un legado inmenso e imborrable”, ha expresado García-Page en sus redes sociales, según recoge Europa Press.

En el mismo sentido, se ha expresado el presidente de la Diputación de Cuenca, Álvaro Martínez Chana, al asegurar que “hoy despedimos a un conquense universal. Mi más sentido pésame a la familia y a todos los que han compartido vida y camino con José María Cruz Novillo”.

En un mensaje en su cuenta de Instagram, Martínez Chana asegura que “su obra no necesita presentación: está en la vida cotidiana de millones de personas. Diseñó símbolos que han acompañado a varias generaciones y que forman parte de cómo entendemos y reconocemos nuestro país”.

“Desde Cuenca llevó su talento a toda España, dejando una huella que va mucho más allá del diseño: claridad, sencillez y una forma de hacer que ha perdurado en el tiempo”, continúa el presidente de la Diputación, quien asegura que “se va una figura imprescindible, pero su legado seguirá presente cada día”.

También ha trasladado sus condolencias por el fallecimiento de José María Cruz Novillo, el alcalde de Cuenca, Darío Dolz, a través de su cuenta en X. “Diseñador clave de logos que forman parte del imaginario colectivo nacional. Descanse en paz”, ha manifestado.

El presidente regional del PP, Paco Núñez, ha empleado también esta red social para lamentar el fallecimiento de José María Cruz Novillo, “un artista de una talla enorme que forma parte de la historia de España gracias a sus trabajos, de los que todos hemos podido disfrutar”, y trasladar sus condolencias a familia y amigos. “Se va un gran castellanomanchego”, ha rematado.

Narrar a través de los tejidos, construir una historia con colores, texturas y movimiento. A través del diseño de vestuario, Pedro Moreno no solo ha obtenido reconocimientos como dos premios Goya o el Premio Nacional de Teatro, sino que ha construido los cimientos de una profesión que, en ocasiones, pasa desapercibida. Esta semana pasará por Toledo, invitado por el Museo El Greco coincidiendo con una exposición en la que la pintura y el teatro se dan la mano “en un diálogo compartido”.

Pedro Moreno (Madrid, 1942) nació en una época en las que las oportunidades ‘no colgaban de los árboles’. Él mismo la define como una “época complicada, marcada por la Guerra Civil y en plena Segunda Guerra Mundial”. Aunque nació en Madrid, se crio y vivió hasta los doce años en el pueblo segoviano de Riaza. “Los que provenimos de medios rurales vivíamos en una especie de burbuja, en la que de algún modo tratábamos de soñar un poquito, lo que se podía y lo que nos dejaban”, expone al recordar su infancia.

Pedro no tenía clara ninguna vocación cuando era pequeño. Él asegura que solo quería “ser mayor”. Sin embargo, a partir de visitar diferentes edificios eclesiásticos encontró allí “retablos, luces, incienso, elementos que eran magia” y que potenciarían su interés por el diseño. Moreno comenta que la única forma de poder disfrutar del cine o el teatro “era a partir de la Iglesia”, a la que recurrió como “escapatoria”, como una forma de acceder al arte. Por eso, él y once compañeros más ingresaron en el seminario para hacerse curas y tener al alcance a esa oferta cultural: “Yo solo duré tres meses allí”, explica.

Después tuvo diferentes trabajos como repartidor, antes de llegar a estudiar Bellas Artes: “Yo era pobre, mi familia no era rica y no podía acceder a ninguna carrera oficial, pero iba a la Escuela de Bellas Artes [Real Academia de Bellas Artes de San Fernando], donde había oportunidad de pintar con modelos gratis y luego modelos vivos, o ir al zoo a dibujar animales”, rememora.

El salto a la alta costura: “Fue un aprendizaje fantástico”

Moreno también trabajó como maestro en un centro de menores, pero en la década de 1960 “de pura casualidad” pasó a trabajar en el mundo de la moda, concretamente a las órdenes del modisto Elio Berhanyer. Recuerda que la moda en aquel entonces “era una cosa realmente elitista, inasumible para el 80% de los españoles” y que suponía “una especie de privilegio para una determinada clase social, pero para mí era un aprendizaje fantástico”.

Su contacto con la alta costura le llevó a aprender “acerca de la armonía de los colores, trabajar volúmenes para conseguir texturas, investigar el mundo de los tejidos, fue muy interesante”. Apunta que la construcción de un traje de alta costura era “casi como hacer una escultura”.

Pedro señala tener unos “estupendos recuerdos de todo aquello. La época en la que yo hacía alta costura ha desaparecido prácticamente”, expone, al mismo tiempo que indica que en la actualidad “todo es más democrático, la gente puede elegir sin saber si el color que les gusta es el que está de moda este año o el que le proponen las marcas. Hay mucha más libertad de elección sobre todo para las mujeres”.

Sin embargo, con el auge del movimiento prêt-à-porter -listo para llevar o ropa hecha a demanda y en serie-, Berhanyer le recomendó que se ‘mudase’ al mundo del teatro y la cinematografía.

A partir de ahí, Pedro Moreno comenzó a diseñar vestuario para películas, obras de teatro, ópera, zarzuela y otras modalidades culturales de las artes escénicas: “Para mí lo más interesante ha sido [diseñar para] el ballet, la danza, porque el mejor desfile para cualquier persona que haga moda sería un escenario, y que en lugar de modelos fueran artistas que bailan”, apunta y señala que los bailarines y las bailarinas eran su “máxima inspiración”.

El oficio de contar historias a través de la indumentaria

Para Pedro, convertirse en un buen figurinista, diseñador y vestuario y escenógrafo pasa por “conocer lo que estamos intentando contar, hay que aprenderse los textos y es un trabajo colectivo, de todos los implicados”. Aquí entra en juego que todas las personas y profesionales implicados, desde el director, el escenógrafo, el diseñador... “todos en definitiva tengan un acuerdo de opiniones”, aunque para él, “lo más importante es conocer los textos”.

Con respecto al teatro, Moreno explica que “tiene muchas más posibilidades” a la hora de variar el trabajo: “Una obra de teatro se ensaya y se estrena. A veces durante una temporada, hay obras que aguantan años, pero cada día los actores pueden modificar y perfeccionar”. Eso no ocurre en el cine “porque solo es una sola toma. Aunque se repita cinco veces, se elige una y lo que queda, queda”.

En su opinión, “el figurinista o el diseñador de vestuario es un narrador. Lo que hacemos es contar historias. Yo tengo que ayudar a que lo que el actor cuenta parezca verdad, y es una parte muy importante”.

Moreno recalca que en todas las propuestas siempre se parte de cero. “Es lo que me apasiona de la profesión. No sirven de nada los éxitos anteriores. Cada vez te la juegas, puede ser la primera y la última”.

El mundo de las artes escénicas, dice, “es un continuo ponerse de acuerdo, una suma de pareceres, tanto con los directores como con otros agentes” y el diseñador de vestuario “vale lo que vale tu última película o tu último éxito teatral”.

El figurinista o el diseñador de vestuario es un narrador. Lo que hacemos es contar historias. Yo tengo que ayudar a que lo que el actor cuenta parezca verdad, y es una parte muy importante

De esta manera, apunta también que el vestuario puede condicionar la actuación de un intérprete: “Es relevante un acuerdo. Si el actor se siente incómodo va a rechazar ese vestuario, pero si está convencido de qué forma parte de su personaje, pues lo acepta. Hay ocasiones en las que los intérpretes te piden más dificultad para superarlo”.

Otro de los retos del oficio es adaptarse al presupuesto de una determinada producción y tratar de buscar una verosimilitud. A pesar de ello, Pedro recuerda que cuando trabajó en El perro del hortelano, de Pilar Miró, tuvo que viajar hasta Italia para conseguir telas adecuadas para el diseño del vestuario por su forma y colores: “Las comedias son más ligeras, tiene que haber más luz y rapidez, más color, por eso me fui a Italia a buscar estas telas. En España había telas, pero lo que había eran cortinas, que pesan mucho, es imposible que el actor se mueva con ligereza”, explica.

Cómo ha cambiado la forma de trabajar y retos de la profesión

La forma de trabajar en la escenografía y el diseño ha cambiado, y también la implicación del propio diseñador de vestuario: “Mi trabajo aparte de dibujar era traducir los diseños en los talleres para la gente que corta y cose. Ahora, una de las modistas con las que he trabajado más tiempo me dice que la gente le lleva fotos de internet, y que cuando les pregunta sobre la tela utiliza o cómo lo quiere le dicen ‘tú sabrás’. [Para un diseñador] no es necesario saber coser, pero sí saber cómo se cose y de qué forman funcionan las telas”.

Actualmente, “muchas prendas se compran ya hechas” y también se alquila vestuario, por lo que considera que el oficio está evolucionando a consecuencia de una “penuria económica”: “En algunas óperas que tenían que ser barrocas como no hay dinero van con trajes normales de la calle”, señala.

A lo largo de su carrera durante varias décadas, Pedro Moreno ha obtenido dos Premios Goya a mejor diseño de vestuario -en 1997 por ‘El perro del hortelano’ de Pilar Miró, y por ‘Goya en Burdeos’ de Carlos Saura-, así como el Premio Nacional de Teatro (2015) y la Medalla de Oro de la Academia de Artes Escénicas de España (2021).

Los premios no son siempre del todo justos, porque no todo el mundo ve todas las películas o todas las obras de teatro, y los premios no los concede el público, sino profesionales de tu gremio

Pedro considera que el reconocimiento “siempre es algo raro y difícil” porque “depende de que tu nombre se asocie a algo que tiene calidad” y en ocasiones en diferentes carteleras “se omite el nombre del diseñador de vestuario y esto es un perjuicio para él”. No obstante, explica que “por suerte, aunque en el pasado ha habido un problema de representación de género, cada vez hay más mujeres que hacen vestuario, dirección, guion y ha sido una gran conquista” y que podemos decir que “la paridad está prácticamente igualada” en el sector.

Al igual que otros sectores, las artes escénicas la profesión de diseñador de vestuario se enfrenta al auge de la inteligencia artificial: “La gente tiene mucho miedo de que nos deje sin trabajo, pero no es cierto en absoluto. Es una herramienta que hay que utilizar, pero la IA no piensa”, apunta Moreno.

Sobre el futuro del oficio, el diseñador cree que sigue habiendo posibilidades, a pesar de las diferentes crisis que estamos atravesando. “En la década de los ochenta y los noventa o principios de los 2000 había muchas posibilidades a nivel cultural para todo, pero el poder siempre considera que la cultura es un lujo y ahora llega un momento donde hay precariedad y la gente prescinde de los lujos. Por suerte, la gente sigue llenando los teatros y los cines, pero falta financiación en los proyectos”.

En el camino de buscar salida laboral recuerda cómo muchos tuvieron que emigrar. “Hay bastante gente que se ha tenido que ir a trabajar a Estados Unidos porque aquí no les daban oportunidades y cuando han salido fuera realmente se lo han reconocido y han tenido ocasión de degustar la calidad de su trabajo”.

“La censura no existía en la moda, pero sí en el arte”

El diseñador describe que en España “siempre hubo censura, no en la moda, ni en la época de la dictadura, pero sí en el teatro, en la literatura y en casi todas las cuestiones artísticas”, a pesar de que en la actualidad “hemos gozado de mucha libertad de acción”.

Recuerda que donde más censura sintió en lo artístico fue en Los Ángeles en 2019, durante la preparación de la ópera ‘Un gato montés’ junto a Plácido Domingo, donde aparecían toreros y picadores: “Los toreros llevan trajes ajustados, donde se les marca el paquete, y me dijeron que allí no, que nada de eso, ni transparencias ni paquetes”, explica.

Moreno detalla que el grupo que le contrató estaba vinculado con la productora Disney, “que está controlada por hispanos católicos y que tienen sus normas” y resalta que, a veces, la censura no existe porque la marquen las leyes, sino determinadas personas o lobbies. “Te censura la gente que dice esto sí o esto no”.

Apunta que en la actualidad la censura sigue existiendo, también en España: “[En 2023] me enteré de que Ana Belén quería hacer una función en Jaén y resulta que la prohíben porque es Ana Belén, ¿qué pasa? ¿Qué es como el enemigo terrorista?”, apunta.

Sin embargo, recalca que “hay algo mucho peor que es la autocensura, cuando hay gente que no hace cosas por si acaso no la llaman más. El miedo es la peor censura para uno mismo, miedo a no trabajar y a no poder vivir de tu trabajo”.

Hay gente que no hace cosas por si acaso no la llaman más. El miedo es la peor censura para uno mismo, miedo a no trabajar y a no poder vivir de tu trabajo

Pedro recuerda que tuvo que exiliarse a París en multitud de ocasiones porque la policía le perseguía durante la dictadura franquista: “No era por la moda ni por el teatro, sino por meterme en líos políticos, asistir a reuniones que no estaban permitidas, hablaba de cosas que no se podían hablar y tuve que irme a Francia porque me buscaban”, expone.

Si mira al panorama actual señala con preocupación ciertas corrientes sociales que están surgiendo. “Hay gente que está pidiendo que esa historia vuelva de nuevo. Es la que dice que entonces se vivía mejor. Claro que había gente que vivía mejor y son los que siguen viviendo mejor ahora (…) y pretenden que involucionemos, y eso es un peligro enorme”.

Hay gente que está pidiendo que esa historia vuelva -la dictadura- de nuevo. Es la que dice que entonces se vivía mejor. Claro que había gente que vivía mejor y son los que siguen viviendo mejor ahora (…) y pretenden que involucionemos, y eso es un peligro enorme

Este 16 de abril, a las 17.30 horas, el diseñador estará en Toledo para participar en una ponencia en el Museo del Greco. Esta institución cultural cuenta con piezas artísticas de distintas épocas y procedencias en el pasado, pertenecientes a su fundador, el marqués de la Vega-Inclán que recreó la casa y el taller del pintor griego al reformarla.

Ahora, la exposición ‘Otro escenario. El teatro al encuentro del Greco’, cuenta entre sus piezas con uno de los diseños que Pedro Moreno creó para la adaptación teatral de Ángel Fernández Montesinos en 2003 de Don Juan Tenorio. El diseñador ofrece una conferencia sobre su trabajo a raíz del hallazgo de los diseños originales de Salvador Dalí que sirvieron para la versión de Luis Escobar de 1949.

“Fue un caso muy excepcional porque tuve que repetir los dibujos de Dalí y era muy complicado”, explica. Realizó una incursión en la obra del gran artista del Surrealismo, todo un reto para “intentar saber, interpretar para introducirlo en un tejido y que luego se lo pueda poner un actor”. Fue un estudio que define como “muy intenso” pero con el que aprendió “muchísimo”: “Volvería a hacerlo cien veces para corregir algún defecto, hacerlo de otra manera, profundizar mucho más en su mundo surrealista”, explica.

Por suerte, aunque en el pasado ha habido un problema de representación de género, cada vez hay más mujeres que hacen vestuario, dirección, guion y ha sido una gran conquista

A pesar de ello, considera importante que en obras de teatro, el diseñador tenga en cuenta “lo que ha ocurrido antes, no solo lo que sale en escena. Por ejemplo si alguien viene de viaje, aunque no se detalle en el diálogo, pero que el vestuario lo cuente, por ejemplo si viene de lejos que lleve los zapatos desgastados o que lleve una maleta, pues forma parte del relato”.

Ese trabajo minucioso de documentación le ha llevado a Moreno a obtener varios premios por sus creaciones artísticas. No obstante, apunta que “los premios no son siempre del todo justos, porque no todo el mundo ve todas las películas o todas las obras de teatro, y los premios no los concede el público, sino profesionales de tu gremio. Es una muestra de la gente que te quiere y no siempre te premia porque tu trabajo sea el mejor, sino simplemente porque te quiere”.

La primera vez le dijo que no y, acto seguido, le tuvo una hora al teléfono. ¿Por qué quiere hablar conmigo si me ha dicho que no?, es la pregunta que se hizo Gonzalo Hergueta (Madrid, 1989), director del documental The Designer is Dead, un filme que repasa la trayectoria laboral y vital del diseñador Miguel Adrover. La vida del hombre que dijo que no muchas veces antes de decir, por fin, que sí. Que le podía visitar. Que haría la película, pero a su manera. Que solo podrían filmarlo en sus horas de trabajo y que estas horas de trabajo comenzaban a partir de las tres de la tarde. Un reto para quien busca luz natural para grabar. Hergueta, claro, aceptó las condiciones. 

“Han sido casi cuatro años de curro”, confiesa el director en conversación con elDiario.es. Cuatro años en los que él (afincado desde hace 15 años en Nueva York) y su equipo han buceado en los rincones de la vida de un hombre que, salido de un pueblo mallorquín y sin un duro en el bolsillo, llegó a convertirse en la estrella más fulgurante de las pasarelas neoyorquinas muy rápido a fines de los noventa. Tan rápido como, después, se dice que cayó (tras presentar la colección multicultural Utopía en vísperas del 11S). Un hombre que lo conquistó todo, que le dijo que no a Anna Wintour cuando nadie lo hacía y que desapareció, aparentemente sin dejar rastro, después de que lo hicieran las dos torres. El mismo que hace unos meses saltó a las noticias de los periódicos al hacer público que le había dicho que no a Rosalía cuando la cantante le pidió vestirla para su gira. El motivo: que ella no había condenado el genocidio en Gaza.

Hergueta, que también viene del mundo de la moda, se encontró con la figura de Adrover cuando trabaja haciéndole el diseño gráfico a un montón de marcas de moda: “Era el momento en el que estaba estallando el ‘streetwear’, eso de llevar las calles a las pasarelas. Algo que ya había pasado antes, sí, pero no como entonces”, recuerda para sonreír al decir que él creía que estaba innovando, que estaban siendo muy vanguardistas.

“Yo pensaba ‘va, no estamos haciendo lo típico de la moda, esto es algo totalmente diferente’”, continúa para añadir que le flipaba estar buscando minorías para los castings de Adidas. Que eso era algo diferente, rompedor. “Y entonces me encontré con el trabajo de Miguel”, ríe. Él había hecho todo lo que ellos estaban intentando hacer ahora. Y lo había hecho de verdad. “No como nosotros, que era un montaje, una fotografía falsa. Él había cogido a gente de la calle y de su entorno y les había puesto a desfilar en las pasarelas de moda más importantes del mundo”, explica.

“Él no estaba intentando adaptar la pasarela a la calle (como sí estábamos haciendo nosotros), él metió la calle en la pasarela”, insiste Hergueta quien, desde su descubrimiento, quedó fascinado por la figura del diseñador mallorquín y quiso saber más. Saberlo todo. ¿Quién era Miguel Adrover? Por qué una persona que había tenido una carrera “tan brutal” había hecho un parón de repente y decidido desaparecer. Ahí, cuenta Hergueta, había una historia. Y quería ser él quien la contase. 

El precio del éxito

El documental, que se alimenta de materiales de archivo inéditos, testimonios clave e imágenes de varios de sus icónicos desfiles (como el momento en el que desjarretó una gabardina de Burberry y la cosió junto al colchón usado de un amigo poeta recién muerto para hacer un vestido y que le valió la denuncia de la marca) es un retrato íntimo del artista que desafío las reglas del sistema de la moda. Pero no cuenta del todo qué le pasó, cómo casi se precipitó al vacío al asomarse a los lugares que se suelen asombrar quienes tienen éxito en las esferas culturales: la droga y el desenfreno.

Esa decisión de no contarlo es una elipsis que, Hergueta, hace a propósito. “Me gusta contraponer los dos mundos. El del artista que fue y del que se escribían crónicas en los periódicos yanquis más importantes de la época y el del hombre que sigue siendo artista, pero ahora desde la soledad de una casa pequeña en un pueblo en la que monta escenas, hace fotografías en la que él es su propio modelo y las sube a sus perfiles de redes”, explica el director quien opina que las fotografías de Adrover —quien muestra un increíble control de las poses y de su enorme cuerpo— merecen más estar expuestas en un museo que en un muro de Instagram. “Pero eso es, supongo, porque yo tengo una mentalidad más viejuna”, bromea.

Miguel Adrover es una persona muy política. Toda su moda y todo su arte están atravesados por su cosmovisión

Gonzalo Hergueta — Cineasta

“Miguel era un tío que, frente al ‘heroin chic’ de los noventa y todo ese machismo que destilaba el mundo de la alta costura, te plantaba a desfilar a una tía con un AK-47 y, además, esa tía era negra”, continúa Hergueta, señalando la importancia de los pioneros. “Ahora, en los últimos años, el nombre de Adrover ha vuelto a la conversación pública, pero esto es algo muy reciente” continúa el director quien declara que, para él, conseguir entrevistar y grabar al genio ha sido como “encontrarse con un Pokemon Legendario”.

Las mujeres que lo acompañaron

Adrover casi no habla en toda la cinta, sobre todo al principio. Después ya sí. Según avanza el metraje deja que el espectador se asome —apenas un poco— a sus ideas y reflexiones. Pero su historia no la cuenta él. La cuentan ellas, las mujeres que lo rodearon. Jennifer Hoffman, quien fuera su mano derecha y gran amiga durante muchos años y Robin Givhan, escritora crítica de moda y periodista estadounidense a quien Adrover admiraba.

“Quería hablar de las mujeres que le rodearon, que le ordenaron. Y Hoffman fue quizá la persona más importante en la carrera del diseñador. Ella le ayudó muchísimo, probablemente no habría llegado a donde llegó sin su ayuda”, explica Hergueta, que desea reivindicar a las mujeres en el mundo de la moda. 

“Estaba buscando perfiles fiables que lo hubieran conocido y que fueran fiables porque, claro, cuando la cosa acabó, acabo muy mal. Drogas, deudas por todas partes, ya sabes”, comenta para señalar que todo el mundo, dentro del mundillo, le instaba a que hablara con figuras como Almodóvar o Rossy de Palma. “Almodóvar puede vender mucho nuestra película, sí, pero entonces ya no sería la historia que queríamos contar. Nosotros no queríamos un reclamo, queríamos hablar con aquellos que habían estado allí, que lo habían vivido todo desde dentro. Codo con codo con Miguel”, explica.

Fue entonces cuando, tras mucho buscar dio con una figura que lo sabía todo, que lo había vivido todo, que salía en cada foto, pero cuyo nombre le había costado localizar. Y Jennifer Hoffman tenía ganas de hablar. “Llevo esperando muchos años a que llegue un mensaje como el tuyo”, le dijo a Hergueta.

Y es su voz, a ratos emocionada y con los ojos al borde de la lágrima, quien cuenta buena parte de esta historia. Aunque ya no se hablen entre ellos, aunque sus vidas hace tiempo que tomaran caminos opuestos. “Se quieren, o se quisieron, y se nota muchísimo”, cuenta el director quien considera que tuvo mucha suerte al encontrarse con un testimonio como el de ella.

Posicionado políticamente 

“Adrover es una persona muy política, toda su moda, todo su arte está atravesado por su cosmovisión”, explica Hergueta para desvelar que, hará un año, le pidieron que cerrara un importante desfile y él accedió con una sola condición: poder llevar consigo una kufiya, el pañuelo palestino. Nunca contestaron a su mensaje.

Adrover tiene las cosas claras y lo ha demostrado en esa y en más ocasiones, como cuando se negó a vestir a Rosalía porque esta no había condenado el genocidio en Gaza. “Es un artista total”, aseguró Hergueta para añadir que, en ocasiones, “se ha dicho de él que volvió al Underground, que no triunfó del todo como sí lo hizo Alexander McQueen, pero el precio que este pagó fue mucho más alto: se quitó la vida”.

El tema de qué es el éxito y lo que puede significar es uno de los que han atravesado las largas conversaciones que el diseñador tuvo con Hergueta durante el rodaje del documental. Aquello de si merece la pena darlo todo, tenerlo todo un rato, para dejarse la vida en el camino. Cuenta Hergueta que ambos hablaban mucho sobre la vida de Mcqueen, quien sí se mantuvo entre la alta sociedad: “Me decía: ‘Oye, sí, yo estoy aquí haciendo mis cosas en casa, no sigo en Nueva York, pero mi amigo murió, ¿sabes?, ese el mayor precio que uno puede pagar, su propia vida’. Es una pena que de ese asunto nunca quisiera hablar en cámara”, zanja.

ChatGPT, Gemini, DeepSeek, Grok, CapCut... Las 25 primeras posiciones entre las principales páginas web con servicios de inteligencia artificial están copadas por Estados Unidos y China. Sin embargo, este año ha aparecido en el puesto número 11 una pequeña aldea, no gala sino malagueña, que resiste las dos superpotencias.

Es Freepik, una empresa radicada en la capital de la Costa del Sol que no solo ha logrado erigirse en una de las referencias europeas en el negocio de la IA. También es un caso de éxito internacional sobre cómo adaptarse a esta tecnología, ya que se fundó mucho antes de que comenzara la revolución. Durante una década, Freepik fue un banco de imágenes, una plataforma desde la que descargar fotografías e ilustraciones con licencia.

Era “un producto que buscaba solucionar un problema que tenía mucha gente”, pero que estaba “un poco fuera de ese ambiente de hiperambición” que rodea a las startups tecnológicas, reconoce Joaquín Cuenca, fundador y director ejecutivo de la empresa, en conversación con elDiario.es. Hasta que llegó la inteligencia artificial.

La generación de imágenes con IA era el tipo de tecnología que podía echar abajo todo su negocio. “Nos dimos cuenta de que lo que hacíamos ya no tenía mucho sentido si queríamos sobrevivir”, sigue Cuenca. Pero en vez de dejarse acastillarse contra las herramientas que pueden crear la imagen perfecta para cada proyecto, las abrazaron. Freepik llegó a acuerdos con ellas y se convirtió en una plataforma desde la que se puede acceder a los principales modelos generativos de imágenes.

Ahora es una especie de navaja suiza para creativos, creadores de contenido y empresas que necesiten recursos gráficos, con más de 20 herramientas de IA generativa que se suman al banco de imágenes. “Para nosotros la misión sigue siendo la misma, que es ayudar a la gente a que plasme lo que tiene en mente. Al principio podíamos hacerlo de una forma torpe con lo que teníamos, que eran dándoles recursos ya hechos para que los puedan usar. Ahora vamos mucho más allá. La IA nos permite responder de verdad a la necesidad exacta de cada persona y ayudarla a cristalizar sus ideas en algo concreto”, cuenta el responsable de Freepik.

Desde entonces el negocio de Freepik ha superado los 90 millones de euros de facturación. En poco más de dos años, el conjunto de herramientas de IA ha sobrepasado los beneficios que le sigue reportando el banco de imágenes construido desde 2012. Su web suma más de 100 millones de visitas al mes, está llegando al millón de suscriptores de pago, la plantilla se acerca ya a los 500 empleados y además de en Málaga, ha abierto una oficina en Silicon Valley.

La primera europea

Así, comenzando con un producto “poco sexy” y creciendo a partir de él, es como Freepik ha llegado a ser la undécima web de IA más usada del mundo. El ranking lo elabora el fondo Andreessen Horowitz, ha sido publicado esta semana e incluye, además de servicios nativos de IA como ChatGPT o DeepSeek, a empresas como la malagueña, que han reconducido su producto para que esta tecnología forme parte de su núcleo central.

En el ranking particular de empresas con negocios previos a la IA que han logrado reconvertirse, Freepik ocupa la tercera posición. Solo tiene por delante a Canva, un servicio para crear presentaciones o publicaciones para redes sociales; y Notion, una app de productividad que combina notas, documentos, bases de datos y gestión de proyectos en un solo espacio.

Pese a ser la primera empresa europea de esta tabla y que acumula 15 años de trayectoria, sigue siendo una gran desconocida para muchos, incluso en España. “Somos cuatro veces más grandes que Mistral, pero casi nadie habla de nosotros”, lamenta Cuenca, en referencia a la startup francesa que se ha convertido en el centro de todos los debates sobre soberanía tecnológica europea.

Su fundador explica que es una combinación de varios factores. Por un lado, recuerda que la empresa no lanza rondas de financiación. Un proceso que obliga a explotar las relaciones públicas para atraer a inversores y fondos de capital riesgo, y que es el origen de gran parte del humo que rodea al ecosistema startup. Su fundación como banco de imágenes y que “nunca hemos necesitado ese tipo de visibilidad para llegar a nuestros usuarios”, son otros de los motivos.

En 2020, el fondo sueco de capital riesgo EQT, especializado en invertir en empresas maduras para hacerlas crecer y luego revender, adquirió el 53% de Freepik, valorándola en 225 millones de euros. Sus fundadores mantienen la minoría y la gestión del día a día.

Con todo, Cuenca cree que hay una razón determinante para esa falta de visibilidad respecto a otras empresas de IA: “Sinceramente, creo que si hubiéramos estado en Madrid, siendo exactamente la misma empresa, nos conocería todo el mundo”. Pese a que Málaga se ha convertido en un polo tecnológico tanto español como europeo, cree que les ha alejado de los medios de comunicación de tirada nacional.

No obstante, también les ha permitido “un valioso espacio de tranquilidad” para trabajar en “lo que de verdad importa, que es la empresa en sí, sin tanta distracción”. Cuenca recalca además que la provincia cuenta con “mucho talento local” y que es un factor muy importante para retener tanto a estos trabajadores como a otros profesionales que podrían “tener más movilidad” pero prefieren quedarse en “la ciudad del paraíso”, como la denominó el poeta Vicente Aleixandre. “Es un pequeño imán”, coincide el CEO de Freepik.

En el centro del debate de los diseñadores

El negocio de Freepik la ha colocado justo en el centro de la conversación sobre el futuro de profesiones como la de los diseñadores, una de las que más están sufriendo el impacto de la IA. Plataformas como la suya, que combinan bibliotecas masivas de recursos gráficos con herramientas generativas, están automatizando buena parte de los flujos de trabajo. Según un informe sobre el futuro del empleo del World Economic Forum publicado en 2025, los diseñadores se encuentran entre los trabajos con la caída más rápida y con mayor destrucción neta de empleo en cifras absolutas para los próximos cinco años.

Otros análisis indican que hasta un 65% de las tareas que desempeñan los diseñadores tienen un riesgo alto de automatización. Cuenca no esquiva la pregunta, pero tampoco ofrece falsas certezas. “No lo minimizo”, admite. “Puede haber veces que no vean una salida, que no vean algo de mayor nivel donde puedan aportar valor y tienen que encontrar otra cosa que hacer. No es una situación sencilla”.

Puede haber veces que no vean una salida, que no vean algo de mayor nivel donde puedan aportar valor y tienen que encontrar otra cosa que hacer. No es una situación sencilla

Joaquín Cuenca — fundador y CEO de Freepik, sobre los diseñadores

Su argumento de fondo es histórico: todos los grandes cambios tecnológicos siguen el mismo patrón. Pone el ejemplo de su propio padre, contable en la era pre-ordenador, que pasaba horas sumando columnas de números y desarrollando trucos mentales para verificar que las cuentas cuadraban. Ese trabajo desapareció. Pero el coste cero de hacer multiplicaciones hizo posible los videojuegos en tres dimensiones, una industria entera con sus propios diseñadores y creativos que nadie podía imaginar cuando salió la calculadora.

El problema, continúa Cuenca, es precisamente ese: “Es muy fácil empatizar con el contable que ya no tiene trabajo de sumar. Es muy difícil ver que tal vez con esas herramientas se genere la industria del videojuego en el futuro”.

Desde su visión, la IA está a punto de crear una industria nueva. “Nuestra tesis es que con la evolución de la IA lo que se va a crear es una industria en torno a la creatividad. Imagínate que tú eres un creativo y quieres hacer una película. Hasta ahora, te habría sido casi imposible. Necesitabas convencer a mucha, mucha gente para hacer una película indie. Y una gran inversión, estamos hablando de unas decenas de miles de euros”, explica.

“La gente no podía tener como hobby hacer una película. No podía permitirse contar historias en ese medio. Pero ahora sí que lo va a poder hacer. Eso cambia completamente el panorama”, argumenta Cuenca. Lo compara con los libros: antes de la llegada de Internet, la autopublicación y difusión era extremadamente más complicada. Pero la apertura del mercado digital permitió que no hiciera falta ser escritor profesional ni tener un gran mercado para poder rentabilizar las obras.

Ya no va a hacer falta que una película consiga millones de euros para que valga la pena. Vamos a poder tener películas hechas con IA que generen miles o decenas de miles de euros y que valgan la pena igualmente

Joaquín Cuenca

“Creemos que las películas se van a hacer como se hacen los libros. Ya no va a hacer falta que una película consiga millones de euros para que valga la pena. Vamos a poder tener películas hechas con IA que generen miles o decenas de miles de euros y que valgan la pena igualmente”, asegura.

Hacía ahí es a donde se dirige el negocio de Freepik, que está desarrollando herramientas de generación de vídeo para hacer posibles proyectos como estos. La empresa que empezó poniendo fotografías e ilustraciones al alcance de cualquiera quiere ahora hacer lo mismo con las películas. Si la tesis de Cuenca se cumple, el siguiente creativo que ruede una película que valga la pena puede que no necesite ni productora ni presupuesto millonario. Solo una idea y las herramientas adecuadas. La aldea malagueña que este 2026 resiste ante las dos superpotencias de la IA aspira a que esas herramientas sean las suyas.

Las autoridades mexicanas exigieron el pasado miércoles la suspensión inmediata de la comercialización del modelo de zapato “Oaxaca Slip On”, lanzado por la marca deportiva Adidas e inspirado en los huaraches (sandalia mexicana), típicos del municipio de Villa Hidalgo Yalalag, en el estado de Oaxaca (oeste del país).

En un comunicado, la Secretaría de las Culturas y Artes del Gobierno del Estado de Oaxaca (SECULTA) expresó su “firme rechazo ante el caso de apropiación cultural cometido por el diseñador estadounidense Willy Chavarría y la empresa Adidas, quienes presentaron el modelo ‘Oaxaca Slip On’ sin autorización ni reconocimiento a la comunidad de Villa Hidalgo Yalalag, cuyos huaraches tradicionales fueron utilizados como base estética del calzado”.

La SECULTA señaló que las sandalias presentadas el pasado lunes “invisibiliza a los verdaderos creadores del patrimonio cultural y reproduce dinámicas históricas de despojo”.

“La adopción de elementos culturales de nuestros pueblos originarios con fines comerciales sin consentimiento libre, previo e informado constituye una violación a sus derechos colectivos y transgrede la Ley Federal de Protección del Patrimonio Cultural de los Pueblos y Comunidades Indígenas y Afromexicanas”, advirtió en el documento la secretaría.

Por ello, pidieron que se suspenda la comercialización de la sandalia, que se adelante un proceso de diálogo y reparación de agravios con la comunidad de Yalalag, así como el reconocimiento público del origen cultural de los diseños apropiados.

La gran diferencia es que el calzado de Adidas tiene una suela más gruesa que las originales, de cuero, pero su estilo con tiras trenzadas de este material es prácticamente igual que el de los huaraches.

Solo dos días después, Adidas contactó con el Gobierno de Oaxaca para abordar la polémica. Por su parte, el diseñador Chavarría eliminó de sus redes sociales las publicaciones en la que se le apreciaba con un par de los huaraches comercializados por Adidas. En una declaración enviada a la BBC, Chavarría afirmó: “Lamento profundamente que el zapato haya sido apropiado para este diseño y no desarrollado en asociación directa y significativa con la comunidad oaxaqueña”.

Apropiación cultural indebida recurrente

En los últimos años, el Gobierno mexicano ha dirigido cartas a distintas empresas de ropa en las que se pronuncia en contra de la apropiación cultural indebida de diseños textiles de varias comunidades del país.

En julio de 2023, el Gobierno de México informó que envió una carta a la empresa de moda china Shein, en la que se expresa en contra de la apropiación cultural indebida de varias prendas típicas de la cultura e identidad del pueblo náhuatl de San Gabriel Chilac, en el estado de Puebla, centro de México.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, precisó -en aquella oportunidad- que además de los “daños económicos, hay daños morales, en tanto que los han despojado también de su identidad como grupo”.

A inicios de enero de 2021, México pidió a la marca de lujo australiana Zimmermann, acusada de plagiar dos textiles de la comunidad indígena mazateca del estado sureño de Oaxaca, que trabajaran de forma ética y con respeto a esos grupos. La marca australiana ofertaba el diseño de un vestido de playa sin darle ningún crédito a la comunidad.

Entre otros plagios también está el cometido en 2015 por parte de la diseñadora francesa Isabel Marant con elementos tradicionales de la cultura mixe, también de Oaxaca. Además, la firma Carolina Herrera fue acusada de apropiación cultural al tomar elementos de la cultura otomí y la artesanía del sarape mexicano de Saltillo, en el norte de México, para sus diseños en 2019.

El dissenyador mallorquí Miguel Adrover ha rebutjat treballar amb Rosalía, una de les cares més visibles de la música urbana i de la reinvenció del flamenc en l’última dècada, a causa de la seva manca de suport públic al poble palestí. “Ho sento, però en Miguel no treballa amb cap artista que no doni suport públicament a Palestina”, ha respost de manera concisa una de les seves representants en un correu electrònic adreçat a la responsable de gestionar la imatge personal de l’artista, i que el dissenyador ha fet públic a les xarxes socials.

Adrover, en un missatge més personal que ha compartit a través d’Instagram, ha manifestat que cal “fer el que és correcte” i que “el silenci és complicitat”. El dissenyador mallorquí considera que, quan una persona té un gran altaveu, amb milions de persones que l’escolten, també té la responsabilitat de “fer servir aquest poder per denunciar aquest genocidi”. El text ha anat acompanyat de l’admiració personal d’Adrover per la seva música. “Rosalía, això no és res personal. T’admiro per tot el teu talent i per tot el que has aconseguit. I crec que ets molt més que aquests artistes que només es dediquen a l’espectacle i a l’entreteniment”, ha expressat.

elDiario.es s’ha posat en contacte amb Seven 7 Management, companyia que treballa amb l’artista catalana, per preguntar sobre aquesta qüestió, però no ha rebut cap resposta en el moment de la publicació d’aquesta notícia.

L’actitud —o, concretament, l’absència de posicionament— de Rosalía contrasta amb la d’altres artistes nacionals o internacionals que han mostrat el seu rebuig a la guerra contrària al dret internacional que manté Israel contra Palestina. En un dels últims festivals de música celebrats a Espanya, el FIB, s’han retirat multitud d’artistes importants. Entre ells, Residente —fundador del desaparegut grup Calle 13—, La Élite, Samantha Hudson, Judeline, Alba Reche, Ella Eyre i John Talabot van mostrar el seu rebuig a participar en el festival de Benicàssim, entre el 17 i el 19 de juliol, a causa del seu vincle amb el fons israelià KKR.

Cancel·lacions generalitzades al FIB

“Condemno el genocidi i la neteja ètnica que el Govern d’Israel està duent a terme a Palestina”. Amb aquestes paraules va anunciar Samantha Hudson, el passat 15 de juny, que no actuaria al FIB, ni tampoc al Sónar —pels mateixos motius—. Cal recordar que el festival està controlat pel promotor Superstruct, que el va adquirir per 1.300 milions d’euros. Aquest promotor, el segon més important del món, ha passat a controlar 30 festivals a l’Estat espanyol.

En un vídeo publicat a través de les xarxes socials, Residente va reconèixer que no sabia si la seva sortida de l’esdeveniment musical li portaria “conseqüències legals”, tot afegint que, “honestament”, no li importava: “La meva posició sempre ha estat clara respecte a aquest tema, sempre ha estat així i sempre ho serà. Gràcies per entendre-ho i que visqui Palestina lliure”. L’artista porto-riqueny va explicar que KKR “inverteix i dona suport econòmicament a empreses d’Israel relacionades amb tecnologia militar, sistemes de vigilància i fins i tot espionatge, i finança projectes immobiliaris en assentaments il·legals en els territoris palestins ocupats, contribuint, d’aquesta manera, al genocidi i la violació sistemàtica dels drets humans contra el poble palestí”.

Aquest fons proisraelià també ha desembarcat a l’escena de la música electrònica eivissenca, prenent el control de festes com Elrow, Boiler Room i Brunch Electronik. Les dues primeres estan lligades a dos dels clubs amb més prestigi dins la cultura de la música electrònica d’Eivissa. Mentre que Elrow estarà a UNVRS —discoteca que acaba d’inaugurar després d’una reforma d’una empresa de l’omnipresent Abel Matutes, juntament amb el seu soci Yann Pissenem— i a Ushuaïa —també de Matutes, exministre d’Afers Exteriors amb Aznar durant la seva primera legislatura—, Boiler Room estarà a Amnesia, la discoteca fundada pel filòsof Antonio Escohotado.

Mobilitzacions en zones turístiques

La vinculació d’aquestes festes amb el fons d’inversió proisraelià ha desencadenat el malestar dels moviments socials propalestins de l’illa, com ‘Eivissa amb Palestina’ o ‘The Surge (La Marea)’, que han dut a terme diferents mobilitzacions en zones turístiques —així com als accessos d’UNVRS— per protestar contra el que consideren “connivència amb el sionisme de KKR i per conscienciar la població perquè no gastin els seus diners en empreses que col·laboren directament amb la matança de civils a Palestina”, tal com va declarar a elDiario.es Karen Killeen, de The Surge.

En l’última de les protestes, realitzada la setmana passada a l’aeroport d’Es Codolar, un grup d’activistes va protestar a la zona d’arribades per mostrar el seu rebuig davant un vol procedent de Tel Aviv. En aquest vol, suposadament, viatjaven membres de l’exèrcit israelià, així com simpatitzants sionistes que estarien de visita a l’illa. Gaudeixen de les seves vacances “enmig d’un genocidi en directe”, va lamentar la plataforma ‘Eivissa amb Palestina’. Durant la protesta, les activistes van desplegar pancartes denunciant que els infants de Gaza s’estan morint de fam —una situació que també és provocada pel bloqueig d’aliments imposat per Israel—.

Aquest dilluns, el president Pedro Sánchez ha tornat a fer una crida per aturar la fam a Gaza provocada pel bloqueig de l’ajuda humanitària: “És una vergonya per a la humanitat. Aturar-la és un imperatiu moral, polític i humanitari. Espanya està preparant un enviament de milers d’aliments mitjançant l’ús de paracaigudes i avions A400”, ha dit Sánchez. Malgrat aquestes declaracions públiques, que se sumen al reconeixement oficial de Palestina com a Estat, cal recordar que Espanya és el país de la UE que més “armes i municions” ha importat d’Israel entre febrer i maig de 2025, tal com va publicar elDiario.es.

Dues organitzacions israelianes denuncien el genocidi

Dues importants organitzacions de drets humans amb seu a Israel, B’Tselem i Metges pels Drets Humans, han afirmat que Israel està cometent un genocidi contra els palestins a Gaza i que els aliats occidentals del país tenen l’obligació legal i moral de detenir-lo. Les dues entitats asseguren, en informes publicats aquest dilluns, que Israel ha atacat civils a Gaza únicament per la seva identitat com a palestins durant gairebé dos anys de guerra, causant danys greus i, en alguns casos, irreparables a la societat palestina.

Aquestes organitzacions internacionals se sumen a moltes altres que qualifiquen la guerra de “genocidi”, però els informes d’aquestes dues —entre les més respectades d’Israel i Palestina, amb dècades documentant abusos sistemàtics— podrien incrementar la pressió per a mesures més contundents.

Els informes detallen crims com l’assassinat de desenes de milers de dones, infants i gent gran, desplaçaments forçats massius i fam, així com la destrucció d’habitatges i infraestructures civils que han deixat la població palestina sense accés a l’atenció sanitària, l’educació i altres drets bàsics. “El que veiem és un atac clar i intencionat contra la població civil amb l’objectiu de destruir un grup”, afirma Yuli Novak, directora de B’Tselem, que ha demanat mesures urgents. “Crec que tota persona hauria de preguntar-se: què faries davant un genocidi?”. Així, Novak sosté que és fonamental reconèixer que s’està produint un genocidi, encara que no hi hagi una sentència formal del Tribunal Internacional de Justícia. “El genocidi no és només un delicte legal. És un fenomen social i polític”.

“No podria succeir sense el suport d’Occident”

Tant B’Tselem com Metges pels Drets Humans denuncien que els aliats occidentals d’Israel estan permetent aquesta campanya genocida i comparteixen la responsabilitat pel patiment a Gaza. “No podria succeir sense el suport del món occidental”, diu Novak. “Qualsevol líder que no estigui fent tot el possible per aturar-ho forma part d’aquest horror”.

El diseñador mallorquín Miguel Adrover ha rechazado trabajar con Rosalía, una de las caras más visibles de la música urbana y la reinvención del flamenco en la última década, debido a su falta de apoyo público al pueblo palestino. “Lo siento, pero Miguel no trabaja con ningún artista que no apoye públicamente a Palestina”, ha respondido escuetamente una de sus representantes en un correo electrónico dirigido a la encargada de realizar la gestión de su imagen personal, y que el diseñador ha hecho público en redes sociales.

Adrover, en un mensaje más personal que ha compartido a través de Instagram, ha manifestado que hay que “hacer lo correcto” y que “el silencio es complicidad”. El diseñador mallorquín considera que cuando una persona tiene un gran altavoz, con millones de personas que la escuchan, tiene también la responsabilidad de “usar ese poder para denunciar este genocidio”. El texto ha ido acompañado de la admiración personal de Adrover por su música. “Rosalía, esto no es nada personal. Te admiro por todo tu talento y por todo lo que has logrado. Y creo que eres mucho más que esos artistas que solo se dedican al espectáculo y al entretenimiento”, ha manifestado.

elDiario.es se ha puesto en contacto con Seven 7 Management, compañía que trabaja con la artista catalana, para preguntarle sobre esta cuestión, pero no ha recibido respuesta en el momento en que se publica esta noticia.

La actitud —o, concretamente, la ausencia de posicionamiento— de Rosalía contrasta con la de otros artistas nacionales o internacionales que han mostrado su rechazo a la guerra contraria al derecho internacional que mantiene Israel contra Palestina. En uno de los últimos festivales de música que se ha celebrado en España, el FIB, se han caído multitud de artistas importantes. Entre ellos, Residente —fundador del extinto grupo Calle 13—, La Élite, Samantha Hudson, Judeline, Alba Reche, Ella Eyre y John Talabot mostraron su rechazo a acudir al festival de Benicássim, entre el 17 y 19 de julio, debido a que está vinculado al fondo israelí KKR.

Cancelaciones generalizadas en el FIB

“Condeno el genocidio y la limpieza étnica que el Gobierno de Israel está llevando a cabo en Palestina”. Con estas palabras anunció Samantha Hudson, el pasado 15 de junio, que no iba a actuar en el FIB, ni tampoco en el Sónar —por los mismos motivos—. Cabe recordar que el festival está controlado por el promotor Superstruct, que lo adquirió por 1.300 millones de euros. Este promotor, que es el segundo más importante del mundo, se ha hecho con el control de 30 festivales españoles.

En un vídeo que fue publicado a través de las redes sociales, Residente reconoció que no sabía si su salida del evento musical le traería “consecuencias legales”, añadiendo que, “honestamente”, no le importaba: “Mi posición siempre ha sido clara en torno a este tema, siempre ha sido así y siempre lo será. Gracias por entenderlo y que viva Palestina libre”. El artista puertorriqueño explicó que KKR “invierte y apoya económicamente a empresas de Israel relacionadas con tecnología militar, sistemas de vigilancia y hasta espionaje, y financia proyectos inmobiliarios en asentamientos ilegales en los territorios palestinos ocupados, contribuyendo, de esta manera, al genocidio y la violación sistemática de derechos humanos contra el pueblo palestino”.

Este fondo proisraelí también ha desembarcado en la escena de la música electrónica ibicenca, haciéndose con el control de fiestas como Elrow, Boiler Room y Brunch Electronik. Las dos primeras fiestas están ligadas a dos de los clubes con más prestigio de la cultura de la música electrónica de Eivissa. Mientras que Elrow estará en UNVRS —discoteca que acaba de ser inaugurada tras una reforma de una empresa del omnipresente Abel Matutes, junto a su socio Yann Pissenem— y Ushuaïa —también de Matutes, exministro de Asuntos Exteriores de Aznar en su primera legislatura—, Boiler Room estará en Amnesia, la discoteca fundada por el filósofo Antonio Escohotado.

Movilizaciones en zonas turísticas

La vinculación de estas fiestas con el fondo de inversión proisraelí ha desencadenado el malestar en los movimientos sociales propalestinos de la isla, como ‘Eivissa amb Palestina’ o ‘The Surge (La Marea), que han realizado diferentes movilizaciones en zonas turísticas —así como junto a los accesos de UNVRS— para protestar por lo que consideran “connivencia con el sionismo de KKR y para concienciar a la población para que no gasten su dinero en empresas que colaboran directamente con la matanza de civiles en Palestina”, como manifestó a elDiario.es Karen Killeen, de The Surge.

En la última de las protestas, realizada la semana pasada en el aeropuerto de Es Codolar, un grupo de activistas protestó en el área de llegadas para mostrar su rechazo ante un vuelo procedente de Tel Aviv. En él, supuestamente viajaban miembros del ejército de Israel, así como simpatizantes sionistas que estarían de visita en la isla. Disfrutan de sus vacaciones “en medio de un genocidio en directo”, lamentó la plataforma ‘Eivissa amb Palestina’. En esta protesta, las activistas desplegaron pancartas en las que denunciaban que los niños y niñas de Gaza se están muriendo de inanición —lo que está ocurriendo también debido al bloqueo de alimentos que está realizando Israel—.

Este lunes, el presidente Pedro Sánchez ha vuelto a hacer un llamamiento para detener la hambruna de Gaza motivada por el bloqueo de la ayuda humanitaria: “Es una vergüenza para la humanidad. Detenerla es un imperativo moral, político y humanitario. España está preparando un envío de miles de alimentos mediante el uso de paracaídas y aviones A400”, ha dicho Sánchez. Pese a sus declaraciones públicas, que se suman al reconocimiento público de Palestina como Estado, cabe recordar que España es el país de la UE que más “armas y municiones” ha importado desde Israel de febrero a mayo de 2025, como publicó elDiario.es.

Dos organizaciones israelíes denuncian el genocidio

Dos importantes organizaciones de derechos humanos con sede en Israel, B'Tselem y Médicos por los Derechos Humanos, han dicho que Israel está cometiendo un genocidio contra los palestinos en Gaza y que los aliados occidentales del país tienen la obligación legal y moral de detenerlo. Las dos organizaciones afirman, en informes publicados este lunes, que Israel ha atacado a civiles en Gaza únicamente por su identidad como palestinos durante casi dos años de guerra, causando daños graves y, en algunos casos, irreparables a la sociedad palestina.

Estas organizaciones internacionales se suman a muchas otras que califican la guerra de “genocidio”, aunque los informes de las dos mencionadas organizaciones de derechos humanos —entre las más respetadas de Israel y Palestina—, llevan décadas documentando abusos sistemáticos, por lo que probablemente aumentarán la presión para que se tomen medidas más contundentes.

En este sentido, los informes detallan crímenes como el asesinato de decenas de miles de mujeres, niños y ancianos, desplazamientos forzados masivos y hambruna, y la destrucción de viviendas e infraestructuras civiles que han privado a los palestinos de la asistencia sanitaria, la educación y otros derechos básicos. “Lo que vemos es un ataque claro e intencionado contra la población civil con el fin de destruir a un grupo”, afirma Yuli Novak, directora de B'Tselem, quien ha pedido que se tomen medidas urgentes. “Creo que todo ser humano debe preguntarse: ¿qué harías ante un genocidio?”. Así, Novak sostiene que es fundamental reconocer que se está produciendo un genocidio, aunque no haya una sentencia de la Corte Internacional de Justicia. “El genocidio no es solo un delito legal. Es un fenómeno social y político”.

“No podría suceder sin el apoyo de Occidente”

Tanto B'Tselem como PHR denuncian que los aliados occidentales de Israel están permitiendo la campaña genocida y comparten la responsabilidad por el sufrimiento en Gaza. “No podría suceder sin el apoyo del mundo occidental”, dice Novak. “Cualquier líder que no esté haciendo todo lo posible para detenerlo es parte de este horror”.

Shalev dice que Estados Unidos y los países europeos tienen la responsabilidad legal de tomar medidas más enérgicas que las que han tomado hasta ahora. “Se deben utilizar todas las herramientas disponibles. Esto no es lo que pensamos, es lo que exige la Convención sobre el genocidio”.

Israel, en cambio, niega que esté llevando a cabo un genocidio y afirma que la guerra en Gaza es una medida de autodefensa tras los ataques transfronterizos de Hamás del 7 de octubre de 2023.

Gleicy Silva comenzó su camino en la moda de la forma más íntima posible: cosiendo con su madre una falda blanca de tablas para una presentación en la iglesia. Desde niña, observó a su madre y a sus abuelas dar forma a la ropa que vestían, transformando retales en prendas funcionales y hermosas. Aquella vivencia le dejó una huella profunda.

A los 17 años abrió su primer taller en el garaje de su casa, en un pequeño pueblo de Brasil. Sin formación reglada y sin academias cercanas, se volcó en el aprendizaje autodidacta: compró libros en mercadillos, recibió otros donados y aprovechó los pocos vídeos sobre moda que encontraba en YouTube. Así, a base de prueba y error, aprendió a diseñar, patronar, ilustrar y rematar sus piezas. “La formación y el conocimiento nunca son demasiados”, afirma.

Tuvo que cerrar ese taller y pasó cuatro años alejada del mundo de la moda. Cuando se trasladó a Almendralejo, encontró el entorno propicio para retomar su vocación. Primero con el proyecto Colabora (organizado por AlmaNatura, Acciona y el Ayuntamiento de Almendralejo), y después en la Fundación Mujeres, especialmente en el programa Sin Brechas, Gleicy halló el apoyo necesario para volver a emprender. “A menudo he dudado de mis capacidades, especialmente por no tener una formación académica. Pero he aprendido a confiar más en mí misma, y eso me ha traído muchos frutos”, reconoce.

Su primera colección estuvo inspirada en el poema Libertad de la escritora Carolina Coronado, y se presentó en el certamen de jóvenes diseñadores Code 41 de Sevilla en 2023. Desde entonces ha mostrado nuevas colecciones en SIMA 2024, IFEBA 2024 y 2025, y recientemente participó en el Beauty Málaga 2025, un evento solidario que elabora pelucas para mujeres que están en tratamiento oncológico.

Su trabajo también ha llegado a la alfombra roja. Actrices como Alba Loureiro (en el festival de cine de Almería), María Valero (en el festival de San Sebastián), Blanca Paloma o Marina Campos han lucido sus diseños. Para Gleicy, cada uno de esos hitos es una victoria que la impulsa a seguir creciendo: “Me enfoco en aprender y ofrecer un trabajo impecable. Mis clientas son la razón por la que me entusiasma crear”.

Actualmente trabaja desde su propio taller en casa, una dinámica que describe como “cómoda, aunque un verdadero caos”. También ha tenido experiencias en showrooms en Madrid y en las Galerías Cuna de Sevilla.

Proveedores locales

Trabajar desde Almendralejo le permite mantener el vínculo directo con las personas que usan sus prendas y con quienes apoyan su labor. “Vengo de un pueblo y valoro mucho esa cercanía. Siempre doy prioridad a proveedores locales, lo que influye directamente en mis colecciones. Se trata de crear con lo que está cerca y reinventarse”, explica.

Aunque reconoce que para muchas personas trabajar desde Extremadura puede suponer una limitación, su experiencia ha sido positiva. “Prefiero desarrollar mi marca de manera más pausada y con producción limitada. Aquí hay grupos de mujeres emprendedoras y encuentros profesionales muy valiosas. No me imagino cambiando Extremadura”.

Costureras versus diseñadores

Gleicy no ha sentido barreras directas por ser mujer en el sector del diseño, aunque sí ha percibido limitaciones y diferencias de trato. “Se espera que seamos exitosas, que tengamos familia, que lo logremos todo antes de cierta edad. Además, a menudo se minimiza nuestro esfuerzo. Un hombre que cose casi siempre será reconocido como diseñador, mientras que una mujer que cose, diseña y crea patrones será llamada costurera. Y las costureras son profesionales sumamente capacitadas”.

Desde su marca Aaura María, diseña pensando en la comodidad y versatilidad. Cada prenda está concebida para adaptarse a distintos cuerpos y realidades, y si es necesario, se ajusta individualmente. “Cuando me dicen que les queda bien, es una emoción indescriptible”, asegura.

Rechaza la lógica del consumo rápido: crea piezas únicas, con acabados cuidados y diseños que se puedan usar durante años. “No me gusta la idea de que alguien compre un producto, lo use un par de veces y lo deseche. Quiero que las personas valoren las horas invertidas y el trabajo artesanal”.

Redes

También cultiva redes con otras profesionales del entorno. Su última colaboración fue con Raquel Diosdado, del estudio creativo The Pueblo Studio, y mantiene relaciones con modelos de la región como Isabella. Además, forma parte del grupo Creativas Emprendedoras y mantiene un vínculo especial con Fundación Mujeres y Sin Brechas. “Susana Gallardo, del proyecto Sin Brechas, tiene un lugar muy especial en mi trayectoria”, reconoce.

Cree firmemente en la importancia del apoyo entre mujeres. “Es vital sentirse acogida y compartir experiencias. Escuchar a alguien decir que ha pasado por lo mismo reconforta. He resuelto muchos dilemas gracias a los ejemplos de otras compañeras”.

En el último año ha comenzado a ser reconocida en Almendralejo, un proceso que vive con esfuerzo y gratitud. “Estoy trabajando para convertirme en un referente. Sé que eso lleva tiempo y dedicación”.

Entre sus proyectos actuales, la brasileña está centrada en lanzar su línea deportiva, que está a punto de ver la luz. Para el próximo año tiene prevista una colección cápsula de novias, y trabaja también en una propuesta muy personal sobre sus orígenes. Mientras tanto, su marca comienza a abrirse camino en países como Francia y Bélgica, sin perder el foco en mantener una vida equilibrada: “A veces olvidamos que también necesitamos cuidarnos”.

La diseñadora Juana Martín Manzano ha sido galardonada con el Premio Nacional de Diseño de Moda, correspondiente al año 2025, a propuesta del jurado reunido hoy. Este premio, concedido por el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros y en anteriores ediciones fue para nombres como Palomo Spain, Teresa Helbig, Ángel Fernández Ovejero, Ana Locking, Antonio Alvarado o Miguel Adrover,

El jurado, por unanimidad, ha destacado la labor de “una diseñadora que, desde una raíz profundamente gitana y andaluza, ha construido un lenguaje propio que conjuga emoción, vanguardia, excelencia técnica y una visión poética del diseño, comprometida con el papel de la moda como forma de expresión cultural”.

Además, han destacado a Martín Manzano por ser “un referente en la alta costura internacional, la primera mujer española que ha desfilado en el calendario oficial de la Alta Costura de París, avalada por la Fédération de la Haute Couture et de la Mode, contribuyendo a posicionar a España como un país con voces creativas propias”.

Una labor en la que ha “defendido el trabajo artesanal y del patrimonio cultural andaluz”. “Una de las señas de identidad del trabajo de Juana Martín es su estrecha colaboración con artesanos y talleres tradicionales de Andalucía”, dice el acta del jurado que también hace hincapié en cómo Martín ha recuperado técnicas textiles tradicionales, bordados, encajes y tejidos locales, dándoles una nueva vida dentro de una propuesta de diseño contemporáneo.

“Este enfoque no solo aporta un valor añadido a sus creaciones, sino que representa un compromiso con la sostenibilidad cultural y económica. Su modelo de producción impulsa el tejido económico local, preserva oficios en peligro de desaparición y pone en valor el trabajo manual frente a la producción industrializada y anónima”, añaden y destacan su “estilo único, fusionando el flamenco, la arquitectura andaluza, la fuerza de lo femenino y la emoción de lo identitario”.

El galardón también pone en valor que Juana Martín “es la primera mujer gitana que ha alcanzado un reconocimiento de esta magnitud en el mundo de la moda”. Cuando se conmemoran los 600 años de la llegada del pueblo gitano en España, su historia es la de una superación individual y colectiva. En un sector que tradicionalmente ha estado alejado de las comunidades gitanas, su éxito representa un acto de visibilidad, de ruptura de estereotipos y de afirmación de una identidad cultural que ha sido históricamente marginada“.

“Lo que está ocurriendo en Gaza es de un nivel insoportable”. Una conversación telefónica con una amiga que vive en Barcelona y un café temprano han dado un giro al proyecto de esta riojana, afincada en Madrid, y que desde hace más de un mes ofrece una segunda vida a camisas de seda con la esperanza de que el pueblo palestino pueda recuperar la suya.

"Me di cuenta de que mi manera de expresión iba a ir más por la parte gráfica que por la escrita

Ana Escalera (Logroño 1977) se define como “diseñadora y artesana especializada en serigrafía desde hace más de 20 años”. Técnica que descubrió de forma autodidacta y que se ha convertido en eje de su práctica creativa. Escalera también es periodista y, de hecho, fue finalizando sus estudios de Periodismo cuando descubrió este método de estampación del se enamoró. También estudió Diseño Gráfico. “Me di cuenta de que mi manera de expresión iba a ir más por la parte gráfica que por la escrita”. Así abrió su primer estudio al que le siguió el actual, El presente Perfecto, un estudio taller en Carabanchel en el que Escalera compagina su trabajo personal con la docencia en grados y másteres en Madrid centrados en el storytelling, la capacidad de comunicar ideas con fuerza, y en la comprensión de los procesos productivos y la reivindicación de la artesanía.

Y en El presente Perfecto nació el proyecto 'Soledad Gómez' en honor a una mujer de la que encontró toda su ropa en la puerta de un geriátrico y que ha estado vistiendo durante años. “Todas las prendas estaban etiquetadas con su nombre de forma que este es mi pequeño homenaje a esta mujer desconocida que ha tenido un impacto grande en mi vida”. Y así comenzó la búsqueda de prendas para darles una segunda vida. Escalera eligió camisas de seda. Una compra que va más allá porque establece un diálogo con sus propietarios “tratando de hacer una especie de trazabilidad emocional de las prendas y transcribiendo las conversaciones a las propias prendas”. El resultado, “prendas especiales y únicas” porque para su autora, “el vestir es un acto poético, de expresión y también de reivindicación”. Ahora su reivindicación es denunciar la situación en Gaza, ahora sus camisas de seda piden una 'Palestina Libre'.

"Si ella se va a Gaza a poner el cuerpo para que pase la ayuda humanitaria, algo podré hacer yo

A principios de junio, una conversación con una amiga que vive en Barcelona y que iba a participar en la Marcha Mundial a Gaza le hizo reflexionar. “Si ella se va a Gaza a poner el cuerpo para que pase la ayuda humanitaria, algo podré hacer yo”. Porque considera que todos podemos hacer algo “como decir lo que piensas en estos momentos tan relevantes. No nos tiene que dar vergüenza decir que defendemos al ser humano”, asevera. “Todo cuenta”, insiste, “todo el mundo puede aportar algo, lo primero diciendo lo que opina y evitar que la situación que está padeciendo el pueblo gazatí se olvide”. Escalera sigue distintos grupos de Telegram de la Marcha Global y esa es una de las principales reivindicaciones, la visibilización: “que ahora con las vacaciones de verano no nos olvidemos del genocidio que allí se está cometiendo”. Y ella ya se ha puesto manos a la obra.

Llaves y amapolas impresas en seda

Y es que tras la conversación con esta amiga que vive en Barcelona, solo quedaba un café con otra amiga para echar a andar el proyecto. En un desayuno temprano, le comentó a otra amiga su proyecto. Continuar dando una segunda vida a las camisas de seda, pero modificando las camias y mensajes pro Palestina. Esta conversación tuvo lugar a las ocho de la semana, a las nueve, su proyecto comenzó a andar.

Más de un mes después, sus camisas de seda ya llevan impresos los símbolos que utilizan los palestinos para reivindicar su causa. Símbolos como las llaves que guardaron las mujeres palestinas en la Nakba en 1948 y que desde entonces pasan de generación en generación convencidas de que algún día podrán volver. Símbolos como la sandía que además de reflejar la riqueza de la tierra de Palestina, también tienen los mismos colores que la bandera: rojo, blanco y verde o la amapola, como símbolo de resistencia.

Imágenes que esta riojana afincada en Madrid acompaña de textos. “Amo la ropa. Para mí es manifestación, acción, creatividad pura. He intervenido esta prenda como firme gesto poético. Un modo de acompañar desde lo que tenemos: el cuerpo, el gesto, la palabra. Al usarla estás acuerpando una causa urgente. Una causa que es todas las causas... ¡VIVA PALESTINA LIBRE!”. “Esta camisa ya había sido usada antes por alguien. Es de seda, suave e intensa, delicada y resiliente como todas nosotras. La he rescatado y estampado en mi estudio, El Presente Perfecto, queriendo hacer lo que mejor sé para poner mi grano de arena. La mitad de lo recaudado con las piezas de esta serie será donado a UNWRA para ayuda humanitaria al pueblo palestino”, son algunos de los textos que acompañan a las camisas de seda de en su viaje a una segunda vida y que dejan patente la voluntad de Escalera “de no mirar hacia otro lado porque no queremos ser cómplices de este genocidio”.

Y parece que está funcionando. De hecho, las camisas de Escalera ya han llegado a los armarios de personajes públicos comprometidos con la causa como Ana Wagener en la Fiesta del Cine Español. “También muchas personas anónimas que están acuerpando esta causa y que están colaborando con esta comunicación” y denunciando a la vez el genocidio que se está cometiendo allí. Gaza es un tema que le duele y así, entre sollozos, afirma que “esto es una cuestión de humanidad. No podemos dejarnos avasallar, no se pueden apoyar ciertos valores que no tienen ningún sentido, no nos tiene que dar vergüenza ni tenemos que tener miedo de decir que defendemos al ser humano”.

Cuando surgió el “gran apagón” del país, el pasado 28 de abril, el joven diseñador de producto y artista Tasio Ranz (Burgos, 1998) trabajaba en la composición del vestuario de una bailarina con lana ripollesa que le había entregado un amigo pastor. “En el momento del corte de luz, mi reflexión fue que yo mismo estaba lavando los vellones de lana con agua de un calentador eléctrico, porque es más rápido que ir a un lavadero, o incluso al río”, revela. Puede que un habitante del siglo XXI, de naturaleza urbana y con un estrecho vínculo tecnológico, no identifique ninguna contradicción en esta circunstancia.

Para un convencido de lo rural como Ranz —investigador del proceso productivo en una España artesanal que prácticamente se ha extinguido—, este hecho supone sufrir en primera persona todo aquello de lo que se ha propuesto huir. “Debemos ir más allá de los recursos tecnológicos, identificar qué podemos extraer de las zonas rurales en la llamada España vacía que nos ayude a ser menos dependientes, a tener redes de seguridad y comunitarias, a contar en casa con materiales que nos permitan elaborar otros elementos que necesitamos”, reflexiona, aún más seguro si cabe, del camino personal y profesional emprendido.

No es el único que lo piensa. La dolorosa pandemia —origen de un cambio social hacia lo rural, lo sostenible y lo natural aún insuficiente— y el desconcertante corte eléctrico han vuelto los ojos al pasado, sobre un ingenio humano en claro riesgo de extinción: ahí están de nuevo las velas de cera, las radios a pilas o el reencuentro social en calles y plazas, habituadas al individualismo que obliga, en la actualidad, el frenético ritmo laboral del día a día.

Prácticamente en unas pocas horas (aquel lunes imborrable), Tasio Ranz había visto desfilar ante sí varios de los pilares del proyecto personal que defiende y desarrolla antes, incluso, de su paso por la universidad. “La ciudad ha demostrado ser un fracaso como ejemplo del triunfo y del éxito, como territorio de las oportunidades; nos hemos dado cuenta, tras una pandemia y un apagón, de que hay una situación tremenda de incertidumbre y de lo que nos puede ofrecer el mundo rural, sin tener necesariamente que romantizar un modo de vida que ha sido muy duro”, reflexiona. 

Pero, ¿qué propone Ranz para neutralizar esa sensación de desasosiego propia de un presente marcadamente tecnológico y digital? ¿En qué nos puede ayudar lo que aprendieron (y sufrieron) nuestros mayores? En los pueblos “había una materialidad, unas técnicas de fabricación y de obtención de materias, una herencia y una memoria que he ido revisitando para sentarla en la base de mi proceso creativo”, argumenta. La afirmación, que puede pecar de conceptual, se traduce en una realidad mucho más sencilla: el ciudadano de hoy ya no tiene la necesidad de fabricar con sus manos aquello que necesita, valiéndose de lo que encuentra en su entorno más inmediato. Todo un avance que, no obstante, presenta un evidente reverso negativo.

“El eje central de todo lo que hago se dirige a cómo el usuario, el consumidor, puede volver a participar en el proceso creativo, intervenir en la fabricación de los objetos, porque hay un contexto actual en el que nos limitamos a comprar una lámpara o una silla, pero no somos parte del proceso productivo en ninguna de sus etapas”, explica. Como ejemplo, la “silla raíz”, un proyecto que desarrolló en el Grado de Diseño, en Navarra, que se traduce en un mueble inacabado que el usuario puede terminar, personalizándolo para responder a sus necesidades personales.

Conexión con los pastores

A Tasio Ranz la pasión por la España rural le vino de sus ancestros, todos pastores. “Conocer a mi bisabuela Cayetana, que era pastora, despertó en mí la curiosidad sobre un mundo que yo no había vivido, donde se daban términos como la parva, aventar el trigo, las ovejas modorras… Aquella experiencia me permitió darme cuenta de la fuerte desconexión que se había producido en tan solo una generación, y este hecho me marcó mucho”. Ese pasado inspiró su proyecto de grado, que consistió en recorrer la sierra de la Demanda en Burgos —territorio conocido como la Laponia del Sur, por su crítica densidad de población— para “entender cómo era allí el proceso productivo”.

Emulando el método del artista italiano Bruno Munari sobre la génesis de los objetos, Ranz recorría las plazas de los pueblos, donde extendía una manta negra en la que iba colocando los objetos que los vecinos le iban entregando, para fotografiarlos y estudiarlos a continuación. O, mejor dicho, artilugios que habían ido “apañando”. Porque “la idea del apaño (cómo habían fabricado un objeto valiéndose únicamente de elementos de su entorno) se convirtió en el corazón de mi proyecto”, sintetiza Ranz.

Sobre esa manta, logró reunir los más curiosos ingenios, desde cencerros con badajos practicados en distintos materiales a las albarcas de las que le había hablado su bisabuela. “En la España de los 50 y los 60 se convirtió en algo muy común fabricar alpargatas a partir de neumáticos viejos, se trataba de aprovechar un elemento que en otro contexto se consideraba un desecho”, subraya. La investigación le permitió identificar cómo el mundo rural construía lo que necesitaba en su vida cotidiana de manera autónoma, con recursos presentes en el medio, al margen de la cuestión estética.

“De repente, tengo un somier viejo, unas cuerdas y un palo y construyo la puerta de un corral: ahí hay una composición y una estructura, y yo quería entender a esos diseñadores anónimos, poseedores de un conocimiento oral y, por esto mismo, muy frágil”, argumenta. El estudio en profundidad de esas técnicas de origen popular le ayudó a identificar las fases de ese “apaño”, concepto nuclear de su proyecto, y que se traducía en “añadir, alterar y aprovechar” los elementos más cercanos.

Más allá de los neumáticos, del hueso o de la madera, existían materiales (hoy en extinción) que llamaron especialmente la atención de Ranz, desde la identificación misma de su pasado de pastores: la lana y el esparto. “El esparto, procedente de Andalucía, era uno de los materiales que más se utilizaban en esta zona, de naturaleza trashumante”, precisa el diseñador. Con este elemento se “apañaban” cinchas (correas), escriños (canastas) o las alforjas de los animales de carga.

“Todos estos utensilios eran nómadas, se llevaban consigo, como la red que los pastores fabricaban a medida que iban caminando: trenzaban el esparto para formar una especie de red con forma de rombos, con la que rodeaba el ganado para encerrarlo, clavando en el suelo grandes picos de madera”, describe el joven burgalés, quien cita otros ejemplos ilustrativos: “También se utilizaba la piel de gato para hacer cordones más resistentes o la crin de los caballos era muy valiosa para fabricar cuerdas”. Pero si ha habido una materia con la que Ranz ha trabajado especialmente en su condición de diseñador de producto (un perfil cercano al de ingeniero industrial) y de artista, esa es la lana. En el Centro de Acercamiento a lo Rural de Madrid entró en contacto directo con un pequeño rebaño de ovejas, una experiencia rural a escasa distancia de la gran ciudad.

Romper con un mundo estándar

La experiencia adquirida —el conocimiento del proceso de fabricación de objetos con recursos del medio en el ámbito rural— permitió a Tasio Ranz tocar la tecla de su proyecto personal: romper con un mundo industrializado, donde todos los objetos que se compran en una tienda o a través del teléfono móvil son casi idénticos, para permitir que el usuario final pudiera personalizarlos. “Esto se manifiesta en la ”silla raíz“, un elemento uniforme y único que el consumidor puede transformar en algo único y personal, y que permite volver a desarrollar el ingenio de uno mismo”, detalla el diseñador.

En realidad, la silla de la que Ranz ofrece los planos a quien quiera completar la tarea, era solo una excusa para demostrar cómo esa antigua condición de “hacedor” del habitante rural podía encajar también en el ámbito urbano. De nuevo, evitando caer en un planteamiento quimérico. “No quiero ser el abanderado de cosas que no son viables, porque ni siquiera tenemos los conocimientos de nuestras abuelas que, sin haber ido al colegio, sabían tejer o hacer queso”, matiza Ranz, consciente de la lógica “complejización” de los modos de vida actual, donde “el Homo sapiens ha perdido capacidad creativa” y los materiales del medio rural, buena parte de su valor, como la lana, que “ha pasado de ser el oro español a un residuo en la actualidad”, ejemplifica.

Aquel proyecto de grado que obtuvo el premio extraordinario era, en realidad, una pasión y convicción personales que Tasio Ranz ha ido desarrollando —primero en Madrid y ahora en Barcelona— a través de colectivos como Patrimonio para jóvenes, con su participación en diferentes exposiciones, compartiendo experiencias con niños y jóvenes en talleres, o tras los pasos de referentes en el mundo del diseño industrial, como el diseñador catalán Curro Claret.

Aunque la filosofía de Ranz va más allá de su visión de los objetos como algo aislado y trasciende hacia lo social. “Ahora se trabaja mucho en cómo conseguir, por ejemplo, que los barrios y las ciudades se conviertan en pequeños pueblos donde se desarrollen actividades colectivas, intercambios que vayan más allá de lo económico, porque también hemos perdido las actividades que se hacían en común, cuando se hilaba en grupo, se lavaban los vellones o se celebraban filandones (reuniones donde se compartían relatos)”, analiza Ranz.

Ante una propuesta que va a contracorriente, que desafía procesos imparables como la digitalización o la inteligencia artificial, resulta interesante conocer cuál ha sido la reacción social. “Desde lo urbano, la acogida ha sido en muy buena sintonía, porque yo creo que todo el mundo es consciente de que necesitamos transformarnos hacia la sostenibilidad”, afirma. Y asume que corresponde a ingenieros, diseñadores o arquitectos facilitar, guiar, esa metamorfosis que tenga efectos en lo económico. Una transformación “muy complicada” en la actualidad por el conjunto de desafíos a los que se enfrenta el ser humano, pero “necesaria”. “Ha habido un cambio muy fuerte hacia el individualismo, hacia el beneficio de unos pocos, pero creo que en los contextos más cercanos, como el barrio, las asociaciones o el grupo de amigos sí se puede generar esa transformación”, confía.

El Centro de la Cultura del Rioja será el escenario del desfile ‘Elígete, moda con sabor a vino’, un evento que reunirá a cuatro destacados diseñadores riojanos en una cita donde “la creatividad, la identidad local y el vino se funden en un mismo lenguaje artístico”, tal como ha explicado el concejal de Promoción de la Ciudad, Miguel Sainz.

La gala tendrá lugar el sábado 31 de mayo a las 19:30 horas, y las entradas ya pueden adquirirse por 3 euros en logrono.sacatuentrada.es. La pasarela contará con las colecciones de cuatro diseñadores riojanos con proyección nacional: Jack Rincón, Gema Tejeiro, Violeta Arellano y Claudia Gumiel, quienes presentarán piezas originales creadas especialmente para esta ocasión, con el vino y el territorio como fuente de inspiración. Durante la gala, presentada por el experto en moda Eduardo Viladés, se alternarán entrevistas con los diseñadores y los desfiles de sus propuestas.

Sainz, ha destacado que “este evento es una forma de reforzar la identidad cultural y creativa de nuestra comunidad, vinculándola a uno de los elementos que mejor nos representan dentro y fuera de nuestras fronteras: el vino”. En este sentido, ha subrayado que “el objetivo es dar visibilidad al talento local y consolidar el CCR como un espacio en el que conviven la tradición, la innovación y la vanguardia”.

Por último, el edil ha subrayado que esta iniciativa “no solo busca impulsar el talento creativo de diseñadores locales, sino también consolidar el Centro de la Cultura del Rioja como espacio de encuentro entre la moda, la cultura y la enogastronomía, en el corazón de nuestra ciudad”.

Diseñadores participantes

Jack Rincón, nacido en Logroño y formado en el taller de Lorenzo Caprile en Madrid, ha sido dos veces ganador de la ‘Pasarela de las Verduras’ de Calahorra. Sus diseños exclusivos para mujer se elaboran en su taller en Avenida de la Paz en Logroño.

Gema Tejeiro, única diseñadora logroñesa especializada en alta costura, proviene de una saga de modistos. Se formó en la ESDIR y en la Fundación Balenciaga de Guetaria, y trabaja tanto para hombre como para mujer desde su atelier en la plaza San Bartolomé de Logroño.

Violeta Arellano, calagurritana, fue la primera de su promoción en la ESDIR, es conocida por sus colecciones ‘The sinuous line’ y ‘House of Wind’. Combina moda con escenografía y vídeos musicales.

La logroñesa Claudia Gumiel ha consolidado su estilo con colecciones como ‘Denominación de Origen’ y ‘Vacío’, donde el vino y la tradición son ejes estéticos fundamentales. Diseña tanto para hombre como para mujer. Vive actualmente en Madrid.

Por último, hay que destacar que este evento será conducido por Eduardo Viladés, dramaturgo, periodista y experto en moda con una trayectoria internacional de casi tres décadas. Ha sido galardonado con más de 55 premios de teatro y literatura. Su conocimiento de la moda, combinado con su enfoque artístico, lo convierte en el presentador ideal para esta pasarela con acento riojano.

La ciudad de Toledo se prepara para acoger las jornadas 'Castilla-La Mancha es moda', un encuentro con diseñadores consagrados y jóvenes promesas que presentan sus nuevas colecciones, así como su perspectiva en este sector. Se celebrará los días 21 y 22 de mayo en emplazamientos como el Salón Rico -Plaza Corral de Don Diego-, aunque también dispondrá de exposiciones y desfiles en otras ubicaciones, y van a participar casi treinta diseñadores de la región.

Se trata de su segunda edición, tras la experiencia el año pasado en Cuenca y, según ha destacado en la presentación del evento la directora general de Turismo, Comercio y Artesanía de Castilla-La Mancha, Ana Isabel Fernández Samper, tuvo un “rotundo éxito”.

La organizadora del evento, Carmen Martín, ha señalado que se trata de un espacio que buscar crear “diálogo entre artesanía y moda, dando también protagonismo a los nuevos talentos de la región castellanomanchega”.

Coloquios y otras actividades

El 21 de mayo desde las 10:30 horas hasta las 11:15 horas en el Salón Rico de Toledo, se celebrará el coloquio 'La moda como puente entre la tradición y la innovación', donde participarán Félix Ramiro, Alejandro de Miguel, Lidia Ibáñez -más conocida como Belinda Wings- y Arnelio Cruz, y que contará con la moderación de Maribel Uriel.

Por otro lado, en el mismo emplazamiento tendrá lugar otro coloquio titulado 'Inclusión y diversidad en la moda', en el que participan Ana Locking, David Moss, La Pili y Violeta Porté, que será moderado igualmente por Maribel Uriel. Se producirá desde las 11:30 hasta las 12:15 horas.

A las 12:30 se inaugurará en el Salón Rico la II Edición de 'Castilla-La Mancha es moda', así como de la exposición 'De la mano al hilo: un diálogo entre diseñadores y artesanos de Castilla-La Mancha', que estará disponible en este lugar el 21 y 22 y de mayo, y que se trasladará a la Escuela de Arte de Toledo al día siguiente, pudiéndose visitar hasta el 5 de junio.

A las 13:00 horas tendrá lugar la presentación del primer libro del diseñador Juan Carlos Pajares, titulado 'Elaboración de prototipos', una guía con enfoque práctico para aquellas personas que quieren diseñar.

Desfiles de moda

La moda no solo se queda en las palabras o en las exposiciones, sino que toma forma a partir de diferentes desfiles. La jornada continúa el 22 de mayo y Carmen Martín, coordinadora del evento, ha destacado sobre los diseñadores que “algunos desfilan por primera vez, otros han creado colecciones específicas para 'Castilla-La Mancha es moda' para rendir un poco homenaje a este evento. Otros diseñadores presentan su colección primavera-verano y en algún caso concreto anticipan la colección que verá la luz en distintas pasarelas a lo largo del año de cara al otoño-invierno”.

Primeramente, ocurre el desfile de jóvenes talentos y diseñadores consagrados que se localiza en el claustro del Museo de Santa Cruz. Contará con la presencia de Adrián Nieto, galardonado con el Premio Talento de la I Edición de 'CLM es Moda' así como: Antonio Rabadán, Manu Campayo, Genoveva Hita, Emilio Salinas, Marta Villaruiz, Señorito Ortega, Laura Lomas y el diseñador Candelas y Felipa. Se desarrollará desde las 12 de la mañana hasta las 13:45 horas, concluyendo con un brindis de cerveza.

Por otro lado, de cara a la tarde, a las 17:00 horas tendrá lugar en Puerta de Bisagra el desfile de las nuevas colecciones de los diseñadores Ulises Mérida, Raquel López, Carmen Alba y Félix Ramiro. La jornada concluirá a las seis de la tarde para disfrutar de una cata de vino.

Exposiciones de moda en la ciudad

Desde el 20 al 22 de mayo en la Puerta del Sol de Toledo se localizará la exposición exterior 'Paseo de la moda castellanomanchega', que homenajeará a diseñadores de la región y acercará la moda a la ciudad toledana.

Los días 21 y 22 de mayo estará disponible en el Hotel Carlos V la exposición 'Looks de alfombra roja', del diseñador Emilio Salinas. Por otro lado, desde 20 de mayo hasta el 5 de junio se podrá visitar la exhibición 'Nuevos talentos de la moda en Castilla-La Mancha' en el Centro Comercial Luz del Tajo, que contará con piezas creadas por los alumnos y alumnas de la Escuela de Arte de Toledo.

Inspirada por la artesanía africana y evocando el ambiente del continente vecino, la arquitecta Marta Melián ha creado en ARCO 2025 un espacio que no solo tenía la intención de acoger a los invitados de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España, sino que también pretendía hacerse sentir muy vivo. Su propuesta, bañada en tonos terracota y envuelta en texturas naturales, ha hecho de uno de los rincones de IFEMA todo un refugio de calma y autenticidad bajo la búsqueda de “creatividad, valor y respeto”.

El proyecto, desarrollado en apenas dos días, se ha basado principalmente en una decoración natural y artesanal. “Todo nuestro espacio está inspirado en África, en toda su artesanía y su cultura”, ha explicado en la presentación Marta Melián, que ha comentado que traer un trocito de la “tradición africana” ha sido “el foco principal” de su nuevo trabajo. La diseñadora cuenta a elDiario.es que su objetivo ha sido transmitir “la creatividad de los valores que tienen los africanos”, destacando la importancia de apostar por “lo natural” para realizar futuros espacios.

“Nos estamos cargando el mundo y contar con la artesanía para la elaboración de todos los proyectos es muy importante”, ha declarado Melián a este periódico, que ha reivindicado este arte y su acción de producir porque sin artesanía “está muerto el mundo”. “Hay que apoyar a los artesanos de manera general a nivel mundial. La artesanía es, precisamente, la base de la economía de muchos países”, ha manifestado con contundencia la arquitecta canaria, que quería visibilizar esta realidad con la idea base del proyecto y la decoración de la sala.

La diseñadora está detrás de Studio Mo, que ha sacado adelante el espacio con el equipo de profesionales que la propia Melián dirige. “Todos nuestros proyectos son muy naturales. Siempre utilizamos maderas, linos y algodones, e intentamos meter plantas y vegetación”, ha señalado. Eso se refleja en la sala “privada y muy exclusiva” que ha diseñado. La habitación destaca principalmente por unos biombos que incluían los símbolos africanos de la creatividad, el valor y el respeto, palabras que han reiterado los encargados en varias ocasiones.

Este evento, propuesto por ARCO a Marta Melián, además de homenajear la cultura africana, busca captar nuevos clientes y dar visibilidad a una profesión que “mucha gente no sabe que existe”. Así lo explica Melián a este periódico, subrayando la relevancia del interiorismo y enfatizando que es primordial que cada vez haya muchas más personas que acudan a los servicios de profesionales “para darle un punto diferenciador a sus casas, a sus locales y a sus negocios”.

La diseñadora apunta que “la gente piensa que [acudir a profesionales] es demasiado caro o que no se lo pueden permitir”, lo cual considera un error, porque al final “es alguien que tienes a tu lado y que te acompaña en todo el proceso de crear algo bonito para ti”. Melián añade que es más barato de lo que se piensa y que hay demasiada desinformación al respecto: “Si vas a hacer una obra en tu casa, el hecho de que no contrates a un profesional para hacer la obra implica que tienes que dedicarle mucho más tiempo sin conocimiento, y eso genera más quebraderos de cabeza”.

La arquitecta expone que contar con profesionales como ella durante el proceso de diseño hace a las personas “ahorrar más dinero y tiempo”, ya que habrá quien no sepa cómo funcione el tema de los precios o los acabados, por lo que acaba siendo positivo tener a alguien detrás “respaldando y ayudando”. Melián dice que hay un retraso notable en España con respecto al resto de países europeos en este aspecto, ya que “en el norte” de Europa sí es más normal que “la gente” contrate “a alguien para que le haga sus casas”, así como en “el uso de artesanía y cosas naturales en general”.

Para hacer que la experiencia sea igualmente sensorial, Alberto De Armas, quien ha colaborado con Melián en la presentación del proyecto, ha señalado la conexión con el continente africano desde un enfoque sostenible y de comercio justo. Los invitados han podido probar dos tipos de café, uno etíope y otro keniano, que han servido para reivindicar “la tradición” y “la familia”: “Es un proceso muy artesanal. En España compramos a través de comercio justo para que todas las familias que lo fabrican reciban el dinero”. Alberto De Armas asemeja la importancia del café en África con la del aceite en España, apuntando que también “se unen como cooperativas”.

“Cada familia lleva sus granos de café como puede, porque, poniendo de ejemplo Kenia, allí es muy difícil su traslado en el monte”, explica De Armas, “así que se reúnen en cooperativas y ya lo venden a Europa”. El compañero de Melián indica que los cafés en África son “muy suaves” porque “no pelean con el clima” y los ofrece a los invitados para que generar un ambiente más apropiado. La música ayuda: mientras tanto, sonaban de fondo canciones como The Captain of Her Heart (2016) de Flora Martínez o Adventure of a Lifetime (2016) de Sarah Menescal, temas con influencias latinas.

Las obras seleccionadas para acompañar el espacio reflejaban también esta conexión con la artesanía y la naturaleza. Entre ellas, destacó Espejo (Castillo Rojo) (2020) de Diego Delas, una pieza elaborada en colaboración con el artesano Pedro Izquierdo utilizando maderas como enebro, olmo, nogal, roble, cerezo y pino. La obra aportaba cierta calidez al ambiente y encajaba a la perfección en la estancia.

Belén Rodríguez, junto a Tintoreros Sustentables, aparecía con Hoja Verso (2020), obra compuesta por 30 telas de algodón teñidas con tintes naturales que dialogaba de maravilla con la atmósfera de la sala. Asimismo, otra propuesta relevante fue Dunia, Mulk, Yabarut (2019) de Asunción Molinos Gordo, creada con la ayuda del artesano Francisco Javier Barreno Pérez, que combinaba forja mixta, talla y alfarería para ofrecer un toque tradicional y rústico.

Los dos espacios divididos por los biombos aguardaban secretos para los más observadores, pequeños regalos para aquel que se detuviera y prestara atención a los detalles. En una de las estanterías había una edición antiquísima del libro El hijo de Tarzán de la colección de Aventuras de Tarzán, toda una reliquia para los más coleccionistas. Este no era el único ejemplar antiguo en la sala, pues hasta dos volúmenes estropeados por el paso del tiempo decoraban la mesa principal.

Las lámparas, causantes de la tenue iluminación de la estancia, merecían que se las analizara detenidamente. Una de ellas, pese a que no lo parecía de lejos, representaba un pájaro por la forma de sus patas. Encima de la bombilla de esta lámpara, una sola pluma por si quedaba alguna duda de su figura. Justo detrás, la obra S13,R19,Z26 (2018) de Elena Alonso, creada junto al tornero Francisco Martín Sánchez y que llama la atención por su uso de escayola, madera de boj, resina y otras exóticas como el mopane y el ébano, proporcionando un interesante contraste de materiales.

La propuesta de Marta Melián para ARCO 2025 deja claro que la arquitectura puede ser una poderosa herramienta para crear experiencias que trasciendan lo estético y transmitan un mensaje, como en este caso lo es de reivindicación de las culturas que no nos son tan cercanas pero que conviven también entre nosotros. La obra Deep Hamra (2018) de Carlos Monleón, realizada con yute, algodón y lana, ofrecía un tapiz de texturas suaves y orgánicas para completar así el proyecto.

Con respecto a los artistas seleccionados que forman parte de la sala de invitados, Melián opina que ARCO te propone “una serie de obras” y, a partir de ahí, “eliges la que consideras que te va mejor con la decoración del espacio”. Aunque solo tardaron dos días en montarlo, la diseñadora lleva con la idea en la cabeza “un par de meses”, que es el tiempo que pasa desde que la organización propone la estancia. Con el resultado final, Melián recuerda que es posible enriquecer el entorno con diversidad y que el arte puede ser un puente hacia diferentes realidades.

Se llama Elena Echeverría y su cartel, 'Todos somos sardinas', vestirá los carnavales de Bilbao del 27 de febrero al 4 de marzo. El trabajo de esta diseñadora ha sido el ganador de entre los 185 presentados al concurso este año. Un primer premio para esta logroñesa de 28 años que desde hace seis meses ya camina sola con el objetivo de crear su propia empresa de diseño gráfico.

Siembre tuvo claro que su futuro estaba ligado al arte. Se formó en Logroño, primero en el IES Batalla de Clavijo y posteriormente en la Escuela Superior de Diseño de La Rioja, ESDIR. De ahí, a la empresa logroñesa, B:Water. Comenzó como estudiante en prácticas y luego pasó a formar de la plantilla de la empresa en la que permaneció tres años hasta que decidió continuar sola. “Me apetecía ponerme por mi cuenta, y desde hace seis meses soy freelance”. Está convencida de que “cada idea tiene el potencial de transformarse en algo único y sorprendente y eso es lo que hacemos en Una vuelta, darle una vuelta a los conceptos, explorarlos desde nuevas perspectivas y convertirlos en diseños visuales que marcan la diferencia”. Diseños como Da Lua Herbals, “un proyecto pionero de vida regenerativa, sostenible y consciente o Juan Pineda, primero soñar, después diseñar”.

La igualdad en la diversidad

Esta logroñesa ha logrado darle una vuelta a los carnavales de Bilbao y diseñar el cartel ganador con el que quiere trasmitir un mensaje. “El carnaval es un espacio para todos, un tiempo para reír, transformase y disfrutar sin perder de vista la igualdad que nos une como comunidad”. Y así en 'Todos somos sardinas', Echeverría ha fusionado la igualdad en la diversidad. “Unas sardinas que son todas iguales, pero diferentes a la vez, ya que van disfrazadas de forma única y colorida, un cartel con el que he querido comunicar visualmente que todos somos iguales y diferentes a la vez y que todos formamos parte de una comunidad unida”.

Reconoce que le hace muchísima ilusión ver Bilbao engalanado con su trabajo, a la vez que sueña que suceda lo mismo en su ciudad, “estaré atenta para participar en el concurso del cartel de las fiestas de Logroño, eso me haría muchísima ilusión”, porque esta logroñesa, que vive en Logroño, visualiza su futuro en la capital riojana. “En un futuro me veo trabajando en Logroño porque con el trabajo online ya no hay distancias, aunque no me cierro ninguna puerta”.

La diseñadora asegura que hay nivel en La Rioja. “Hay muy buenos profesionales del diseño” y aprovecha para resaltar su importancia en las empresas. “Un libro se juzga por su portada y el diseño gráfico es como la carta de presentación de las diferentes empresas, por eso la identidad corporativa de cualquier marca debe representar exactamente la filosofía de la empresa. Conocer la filosofía de la empresa es el secreto para poder diseñar un el mejor logotipo y una buena identidad corporativa”, insiste.

A sus 28 años tiene claro lo que quiere y está luchando por ello. “Ahora mismo, estoy trabajando en afinar mi estilo”. Y es que esta diseñadora se define como “versátil y capaz de sacar bien el concepto de cada marca para que esté caracterizado y sea homogéneo”. Y aunque es consciente de la competencia que hay, “porque hay diseñadores y diseñadoras muy buenas, confío en hacerme un hueco”. No ha empezado nada mal, vistiendo Bilbao durante las próximas fiestas de carnaval.

La Sociedad Textil Lonia, con sede en Pereiro de Aguiar (Ourense), ha adquirido el 100% de la Maison francesa Christian Lacroix, fundada en 1987, sumándola así a su proyecto empresarial.

En un comunicado recogido por Europa Press, la firma gallega ha explicado que la compra de Christian Lacroix amplía su grupo de marcas, “reforzando su presencia internacional en el mundo de la alta moda”.

“Nos ilusiona enormemente incorporar el legado y la imaginación sin límites de la Maison Lacroix a nuestro proyecto empresarial. Daremos lo mejor de nosotros para que el talento único de su creador y su invaluable aportación al mundo de la moda alcancen todo su potencial”, ha añadido la compañía.

Según indica, Christian Lacroix entiende la costura como “emoción y belleza, exuberancia e imaginación”, con creaciones que encarnan en “combinaciones espectaculares” sus raíces provenzales, su pasión por la cultura española y su fascinación por el arte y el savoir-faire.

“Una constante en todo su trabajo que se refleja a través de una refinada capacidad de mezclar diferentes culturas y el amor por la artesanía, la teatralidad y la alta costura”, ha reivindicado Textil Lonia.

De esta manera, la empresa ourensana suma así una nueva marca a su equipo actual, que se compone de más de 2.500 personas, con 600 puntos de venta en 43 países y firmas como Purificación García y CH Carolina Herrera.

La pasada edición de la MET Gala terminó con un vencedor entre las sombras. No desfiló, no se llevó los flashes, pero su nombre volvió a la boca de todos tras años sin atreverse a pronunciarlo. Se trata de John Galliano, el diseñador que revolucionó la moda en los años 90 y comienzos de los 2000 hasta que en 2011 protagonizó varios incidentes borracho en una terraza donde profirió insultos antisemitas a desconocidos que acabaron con su fulgurante carrera. Era el modisto más arriesgado, el más revolucionario, el que se atrevía con todo y el que todas las famosas querían para las galas, pero aquel suceso hizo que se tomara un retiro forzoso. Dior le despidió y los que antes vestían sus galas ahora preferían mirar hacia otro lado.

Desde entonces poco se había sabido de Galliano. En 2014 fichó por Maison Margiela, pero su nombre seguía siendo como un tabú entre las celebrities. Por eso esta MET Gala ha servido como rito de resurrección para él. Que la anfitriona y gran estrella de la noche, Zendaya, vistiera dos diseños suyos, inspirados además en trabajos anteriores para otras casas, fue una declaración de intenciones. Él, además, posó con Kim Kardashian, que también llevó un diseño suyo igual que la actriz Gwendoline Christie y otro de los anfitriones, el cantante Bad Bunny.

Este regreso coincide casi en el tiempo con el estreno en salas de cine (posteriormente llegará a Filmin) de Auge y caída de John Galliano, el documental que ha dirigido Kevin Macdonald y que comienza precisamente con aquellos insultos antisemitas que provocaron el final (temporal) de su carrera. El filme indaga en su infancia en Gibraltar, sus traumas de la infancia, la complicada relación con su padre, su abuso del alcohol y la presión sometida por un mundo de la moda que cada vez fue más devorado por el dinero. Todo para intentar entender cómo pudo ocurrir aquello. 

Macdonald quería realizar una película sobre la cancelación. Decidió buscar personas que consideraba que habían sido canceladas, pero tenía claro que no podían ser casos recientes y pensó en John Galliano. “No soy una persona muy aficionada a la moda, sabía algunas cosas, pero no los detalles. Me acordaba del vídeo de 2011, y que fue una de los primeras personas en ser cancelada, que es el término que usamos ahora, por un vídeo grabado por el móvil. Empezamos a hablar y contacté con él, fuimos a verle, y finalmente grabamos la primera entrevista con él en agosto de 2021 en el sur de Francia”, dice sobre el inicio del proyecto.

No fue difícil convencerle. Para el director esto ocurrió por dos motivos: “Primero, quería que la gente lo entendiera. Como dice en la película, no espera que todos le perdonen, pero quiere que la gente le entienda. Creo que él lo ve como parte de su viaje de redención. Pero también creo que también hay una parte de ego, y que él piensa que hay otros muchos diseñadores que tienen documentales sobre ellos y que por qué no hay un documental sobre él. Lo difícil no fue persuadirle, sino que se diera cuenta de que podía confiar en mí y de que iba a hacer una película equilibrada”.

A finales de los años 80 se dieron cuenta de que podían hacer un gran negocio con la moda. Entonces sí, esta es una historia sobre el capitalismo y su efecto en el artista

Kevin Macdonald — Cineasta

Una vez logró esa confianza, Galliano le dio libertad creativa total. Nunca le vetó preguntas ni testimonios, ni trató con relaciones públicas que complicarían las gestiones. Así, Macdonald pudo cumplir una de sus normas cuando hace documentales, y es nunca hacer hagiografías. “Me interesa el ser humano, no su imagen. Yo quería hacer un retrato psicológico, complejo y equilibrado de esta persona. Tratar de entender qué le pasó y hacer preguntas morales sobre si debería ser perdonado o no, pero sin posicionarme a un lado o al otro. Quería que ésta fuera una película que provocara conversación, debate y discusión, porque muchas de las preguntas que son centrales en esta película no tienen respuesta”, añade.

Los antecedentes españoles de John Galliano tienen presencia en el filme, y para Macdonald son “importantes en muchos sentidos”, ya que le convertían en un “outsider en Londres, en un inmigrante y eso hace que se sintiera como un extraño”. “A eso hay que sumar ser gay, que en aquel momento en España y en Gran Bretaña estaba muy mal visto, y esas dos cosas lo convirtieron en un doble outsider. Entendiendo por qué se refugió en el mundo de la moda. Lo pasó fatal en la escuela. No lo abordé en profundidad en la película, pero él lo pasó realmente mal en la escuela por el acoso, y se escapó a un mundo de fantasía”, opina el cineasta.

Un documental que se acaba convirtiendo también en una reflexión sobre las adicciones y, sobre todo, la presión del capitalismo hasta en un arte como la moda, que se convirtió en un negocio que explotaba a sus diseñadores. Galliano llegó a producir 32 desfiles al año. “A finales de los años 80 y principios de los 90 se dieron cuenta de que podían hacer un gran negocio con la moda. Entonces sí, esta es una historia sobre el capitalismo y su efecto en el artista. A John nunca lo impulsó el dinero, nunca le interesó el dinero. Alguien lo dice en la película, si le hubieran ofrecido hacer sus espectáculos y nunca le hubiera pagado dinero, habría dicho que sí”.

Por eso cree que fue “la industria la que se apoderó de él y le exigió cada vez más, y él como un artista quiso mantener el control de todo, pero es una persona vulnerable”. La conclusión de Kevin Macdonald es contundente: “Nunca le tendrían que haber puesto en esa situación. Así que sí, creo que esta es una historia sobre cómo el individuo es aplastado por las fuerzas brutas de la industrialización y el capitalismo”.

Artista, iconoclasta, anarquista, punk, hippie, rebelde y romántico. Así describía el galerista John Marchant a Jamie Reid en un comunicado anunciando su fallecimiento el pasado 9 de agosto. Reid fue una figura clave junto a Malcolm McLaren y Vivienne Westwood para entender el lado visual del nacimiento del punk en Reino Unido de la mano de los Sex Pistols, y uno de los máximos exponentes del diseño artístico.

Jamie Macgregor Reid nació en Londres en 1947. Su interés casi obsesivo por las obras de Jackson Pollock, la filosofía de McLuhan, el situacionismo, y el jazz le llevaron a dedicar su carrera a las artes visuales con una faceta comunitaria, y con el activismo político en el centro de sus trabajos. El trabajo de Reid evidencia la importancia de la imagen en las luchas radicales y el proceso de resignificación que han vivido en las últimas décadas. Y, más allá de algo tan icónico como la portada del single God Save the Queen de los Sex Pistols, la evolución de su obra más desconocida se mantuvo en el camino de las luchas obreras, colaborando en sus últimos años de vida con grupos de protesta como Occupy o Extinction Rebellion

Reid creció en Croydon y procedía de una familia políticamente activa. Durante su época en el Croydon Art College participó en el movimiento estudiantil de 1968, en el conoció a Malcolm McLaren, con el que organizó una ocupación de la universidad. En 1970 cofundó la revista política radical Suburban Press, donde desarrolló su estilo único de gráficos recortados y eslóganes en torno al situacionismo anarquista, en el que hacían mensajes en favor del movimiento de liberación de personas racializadas, inmigrantes en situación ilegal o los derechos de las mujeres. Su estilo y sus influencias dadaístas le permitieron generar una gráfica deconstructiva con fotocopiadoras y un efecto de tipografía accidentada a base de recortes, ramson-note (nota de rescate), ya que no podía costearse Letraset (tipografías de pegado en seco). Un día, McLaren le invitó a participar en un intrigante proyecto nuevo que resultó ser los Sex Pistols, y que le supuso a Reid un gran salto cultural.

La llegada del punk y los Sex Pistols: una oportunidad para Reid

Lo que ocurrió después lo conocemos, más o menos. En nuestras retinas se identifica rápidamente una imagen familiar cada vez que nos encontramos con dicha portada de los Sex Pistols, la de “la reina”. God Save The Queen se publica en 1977 y para ello Reid había preparado un collage con tres principales ingredientes: un fondo con la bandera de la Union Jack, un recorte en blanco y negro del retrato que Peter Grugeon, fotógrafo oficial de Isabel II, le había realizado. La guinda del pastel fue colocar las palabras “God Save The Queen” sobre su mirada y “Sex Pistols” sobre su boca. El single, el tercero de Never Mind the Bollocks, único elepé de los Sex Pistols, fue un éxito que recogió el sentimiento antimonárquico de gran parte de la sociedad del momento. Se publicó cuando se cumplían 25 años del reinado de Isabel II, y existió una versión menos popularizada pero más polémica; una en la que la boca de la reina estaba cerrada con un imperdible, y sus pupilas eran dos esvásticas. Una visión más certera de la opinión de Reid sobre la familia real inglesa, motivada por sus conexiones con la Alemania nazi, recientemente rescatadas en la serie The Crown de Netflix, con la fotografía del príncipe Eduardo, el Duque de Windsor, junto a Hitler.

Resulta irremediable poner el foco en cómo ha evolucionado el movimiento punk, y su imaginería visual en todos estos años, pues además de su carácter revolucionario y disidente, pone de manifiesto la importancia de la imagen como un dispositivo más de la lucha, uno que formaba parte de este movimiento. La intervención de la tecnología sobre lo visual ha supuesto la desidentización de estos artefactos.

Hoy es fácil encontrar una camiseta de los Sex Pistols en cualquiera de las tiendas de Inditex, pero ya no recogen este sentimiento de liberación contra la monarquía, por ejemplo. “Creo que en ese momento había una verdadera desconfianza de la clase trabajadora sobre la Familia Real. Pero creo que esto les enseñó el arte de los medios de comunicación, y cada vez que veo los posavasos de oro y los lápices de colores de la marca de la Familia Real, pienso que estamos bajo una supresión completa”. Hace un año que Verse publicaba una de las últimas entrevistas con el artista, que resaltaba la importancia de señalar la historia imperialista de la Commonwealth.

Cuando el arte cala y conecta con el público se produce el hito cultural. En el momento en el que el consumo entró a desvirtuar muchas de estas imágenes, el usuario no procesaba el mensaje. “El medio es el mensaje” era, precisamente, una de las máximas del canadiense McLuhan, una de las grandes influencias de Reid. El arte soviético, los impresionistas, la fotografía de guerra, las grandes imágenes de la historia de luchas políticas han mantenido este sencillo planteamiento que por momentos se desvanece.

Una vida profesional dedicada al activismo

La obra y carrera de Jamie Reid trascendió mucho más allá de su trabajo haciendo todas las portadas de Sex Pistols; sus creencias, vinculadas a la crítica al sistema, seguían tirando de lo absurdo, la sátira y la burla, aunque hubo concesiones a otro tipo de piezas más abstractas en el ámbito artístico. Margaret Thatcher fue uno de los objetivos políticos de este y otros movimientos sociales, y en apoyo al movimiento laborista ante unas inminentes elecciones publicó la litografía Vote For Light (1987), señalando las ‘oscuras’ política de Thatcher. Unos años después, produjo la ilustración Boy George As Putto (1988), para el single de George No Clause 28, un golpe contra la Ley de Gobierno Local de Thatcher, cuya cláusula 28 prohibía específicamente la promoción de la homosexualidad por parte de los ayuntamientos.

Su línea más subversiva se enfatizó en los últimos años con trabajos como Stop Demonising Our Future (2006), un encargo de The Guardian, y que señalaba la criminalización de los medios hacia jóvenes de recientes generaciones en difíciles contextos sociales, los llamados chavs. Respecto a ‘colegas’ de profesión en una entrevista con Paul Moody para el diario británico en 2018, Reid relataba: “Me parece irónico que gente como Damien Hirst y Tracey Emin hablen del punk como una gran influencia. No hay nada remotamente escandaloso en lo que hacen”. El comentario estaba suscitado por la colaboración de ambos con la galería de Charles Saatchi, cuyo hermano Maurice estaba cargo de la campaña de publicidad del partido conservador británico.

En una narrativa de revulsión ante las políticas de Putin, Jamie Reid trabajó para apoyar a las Pussy Riot con el collage Free Pussy Riot (2012), en el que rescataba un estilo propio; ya había “encapuchado” en 1989 al multimillonario empresario Richard Branson, entre otros. El trabajo artístico nunca cedió la crítica a las instituciones, y lo puso en evidencia con el macropóster Be Afraid (2020). El artista señalaba de esta manera las políticas del Gobierno británico durante los primeros días de la pandemia de la COVID-19, que según él consistían más en fomentar el control que la cooperación y el cuidado.

La imagen como dispositivo de lucha

La obra de Reid supuso el inicio de un tejido artístico y provocador para el desafío a la opresión de la autoridad y la institución, y estimular el pensamiento crítico para una sociedad más justa, y estos últimos trabajos así lo constatan. “Quería mostrar hasta qué punto el mundo del espectáculo es una exageración. Intentaba decir que las ideas son más importantes que las personalidades y el producto”, describe Reid en Up The Rise, su ensayo recopilatorio de sus trabajos “incompletos”, escrito junto a John Savage y publicado en 1987.

El legado de un artista visual vive más allá del medio, vive gracias a su mensaje, y el de Reid supo tocar la tecla de una generación y un movimiento cultural indispensable para entender el activismo. Su trabajo fue uno al que volver en esas necesarias observaciones reparadoras del pasado porque sus compromisos con la vida social venían de su humanidad. A Reid lo necesitábamos ahora más que nunca para entender un mundo de tazas de Mr. Wonderful, de casas Pinterest y de obras de Kaws.

Es inquietante el papel que jugará en esto la Inteligencia Artificial, no tanto por su potencial de irrupción en el mercado corporativista, sino precisamente por esa posibilidad de que las imágenes en algún momento existan sin existir, sean sin ser, y cada vez tengan menos humanidad. Quizás es hora de sacar las tijeras en homenaje a Jamie Reid y a su forma de hacer collages porque, ciertamente, hay mucha tela que cortar.