“La industria de la música sigue estando dirigida por hombres que programan con lo que ellos se identifican”. Christina Rosenvinge, que lleva más de 30 años de carrera, ha podido ser testigo de la evolución –e involución– de un sector para el que reclama al nuevo Ministro de Cultura, Ernest Urtasun, la revisión de la brecha salarial. La cantautora eléctrica publica su nuevo álbum, Los versos sáficos, en el que ha devuelto la música a los poemas de la griega Safo de Lesbos.

“En contraste con la épica, toda su temática no es la guerra, sino el amor”, describe sobre la artista a la que define como la “precursora de la poesía lírica” y “una cantautora en toda regla”. Su inmersión en su universo le llegó como un encargo para que ideara un espectáculo para el pasado Festival de Mérida, cuyo recorrido culmina con este álbum que presentará el próximo 10 de enero en el Inverfest de Madrid.

¿Quería reivindicar a Safo como parte de la lista de mujeres que no han ocupado el espacio que merecen en los libros de historia?

Sí. Se puede encuadrar dentro de la corriente actual que pretende rescatar el trabajo y, sobre todo, volver a ponerlas en su lugar como referentes que han funcionado durante siglos y que se han perdido. Safo fue tremendamente influyente en su tiempo.

Luego se convirtió casi en un personaje mitológico. Su figura fue utilizada como personaje en un montón de pinturas, de óperas. Ovidio incluso la transformó dentro de sus Heroidas, aunque lo que es más hiriente es que le inventó un suicidio de amor por un hombre, cuando lo que prevalece y destaca en toda su poesía es su querencia por las mujeres. Es posible que fuera bisexual, pero desde luego los poemas que escribió a mujeres son muchísimo más ardientes.

¿Hay algo en esta poeta con lo que se sienta identificada?

Con que la búsqueda de la belleza es una misión muy digna a la que no debemos renunciar. Mi carácter en general es menos hedonista. Soy más de la escuela de Esparta [ríe]. Me han educado para la austeridad y el sacrificio, y tengo que luchar todavía a diario contra ello. En ese sentido, soy poco 'disfrutona'. No me vendría mal ser un poco más sáfica y menos espartana.

Publica Los versos sáficos el mismo año que se cumplen 30 de Que me parta un rayo. ¿Qué tal se lleva con la nostalgia?

Nunca he querido mirar atrás porque es muy peligroso. Cuando empiezas a hacer concesiones a la nostalgia, te conviertes en una artista de nostalgia. Me interesa mucho más estar en el ahora y creo que todavía tengo mucho por hacer. Pero como Que me parta un rayo cumplía 30 años, había una cierta expectativa de que se celebrara y dije: ¿Por qué no? Planteamos volver a tocar esas canciones y fue muy divertido sacarlas y encontrarme conmigo misma. Había un montón de cambios de acordes. No había sitio para respirar entre frase y frase.

Cuando empiezas a hacer concesiones a la nostalgia, te conviertes en una artista de nostalgia. Me interesa mucho más estar en el ahora

En 1989, estando en una posición de éxito con Alex & Christina, decidió dejarlo para apostar por su carrera en solitario. ¿Cómo vivió ese momento?

Fue una decisión instintiva, como todo lo que se hace haciéndole caso a tus vísceras. No podía ser de otra manera. El cuerpo me estaba diciendo que yo no estaba hecha para el mainstream, la relación con Álex se había deteriorado y yo veía un camino por delante que veía posible. Al principio nadie lo veía y tardé un tiempo en convencer a la compañía discográfica. Luego tardé tiempo en hacerme sitio y hacerme fuerte, pero he llegado hasta aquí.

Ha comentado en más de una ocasión que uno de los problemas a los que se enfrentó es que no creyeran que podía componer sus temas.

Que pongan en duda tu autoría me ha pasado a mi y a todas las mujeres. Hasta hace muy poco he oído el: “Es que sabe rodearse muy bien”. Una frase muy maligna. ¿Cómo que sé rodearme muy bien? Atraigo a gente estupenda con mucho talento porque yo también lo tengo. No soy una perversa que sé a quién llamar para que hagan mi trabajo. Pero sí, esa frase la he oído muchas veces respecto a mí y a muchas mujeres. Es una forma de negarte el talento.

¿Han cambiado poco las cosas en 30 años?

A estas alturas nadie va a poner en duda mi autoría de mis canciones. Sería una cosa muy ridícula. Sigue habiendo sesgo. Igual no es tan evidente, pero en el mundo de la música se nota en la contratación. Si analizas los carteles de los festivales y ves la presencia femenina que hay, te darás cuenta de que es muy inferior a la masculina. La industria sigue estando dirigida por hombres y con criterio masculino. Programan con lo que ellos se identifican.

Hay un problema de base que es que las mujeres nos hemos identificado desde el principio con lo masculino porque representaba lo universal. Y lo contrario es un camino por hacer. Tomar a una mujer como tu referencia intelectual o artística sigue siendo algo excepcional. Pregunta a los artistas masculinos cuáles son sus referencias y casi siempre te nombrarán hombres. Si ves lo que escuchan en su casa o leen, hay una gran mayoría de hombres.

Hay una falta de permeabilidad desde un sexo hacia el otro que es muy evidente y afecta a cómo vemos las cosas. Da la sensación de que la música que hacemos las mujeres no va a ser entendida por todo el mundo; razón por la cual muchas mujeres deciden cantar en bragas. Pero ese es otro tema totalmente respetable, que es un caballo de Troya. Si de la única manera que me dejas entrar es en bragas, pues me pongo en bragas para que me escuches. Utilizas tu cuerpo, que es tu arma, porque es el arma que tienes. Es una táctica que está comprobadísima que es muy eficaz.

Pero a las artistas que han decidido exhibir sus cuerpos en sus giras y escenarios, se les ha cuestionado por qué visten o bailan así.

Es absolutamente natural. Si vas al Museo del Prado, para empezar el porcentaje de mujeres en los cartelitos es minúsculo. Pero el porcentaje de mujeres en los cuadros es mayúsculo y probablemente el 60% están desnudas o semidesnudas; y seguramente me estoy quedando corta. Es más del 70%. Esto quiere decir que utilizar la desnudez en las mujeres como arma artística es una consecuencia natural de cuáles son nuestras raíces culturales.

Que la desnudez de la mujer se use como arma artística es consecuencia de nuestras raíces culturales

¿Y esto es reversible?

Se irá compensando. Si piensas en Ed Sheeran por ejemplo, por decir un hombre compositor y que según mi criterio no tiene atractivo sexual. Hay otros muchos que sí lo tienen y la mayoría lo subrayan. Pero los que no, no se molestan si quiera en hacerlo. Y, sin embargo, pueden llegar al número uno. ¿Dónde está el equivalente femenino a Ed Sheeran? Es decir, una mujer que no tenga ningún atractivo sexual o que renuncie totalmente a utilizarlo. ¿Se le va a escuchar? ¿Se le va a respetar? No. Se le va a atacar. Hay millones de ejemplos, ya no solo en el ámbito de la música, sino en otros, donde a las mujeres se les ataca por el físico. ¿Qué podemos hacer? Cada vez somos más y hacemos más ruido. Soy muy optimista con el futuro.

Llevando tantos años de carrera, ¿cómo ha convivido con esto? Le ha generado contradicción, frustración…

No es algo que me quite el sueño, te lo aseguro. Yo estoy aquí porque hago música y hago canciones. Y me gusta mucho hacerlo.

¿Ha cambiado mucho su público desde que empezó?

Es divertido, he tenido de todo tipo. Empecé teniendo uno muy joven, casi niños, en Álex & Christina. Que me parta un rayo fue un disco masivo que gustó a un montón de gente. Como en Mi pequeño animal empecé a complicarme la vida, hacer música más oscura y en discos posteriores más difícil, intimista o experimental, he perdido un público y he ganado otro.

Otro cambio llegó a partir de 2008, que volví a escribir en español y a tocar en directo. Mi hijo pequeño tenía ya tres o cuatro años y pude empezar a tocar en conciertos seguidos. Esta es otra cosa, la maternidad es una gran dificultad, interrumpe sobre todo la vida en directo, que en realidad es de lo que vivimos los artistas. Desde entonces hay un público muy variado en edad y en gustos. No es uniforme. Es algo muy bonito. Me encuentro desde señores de sesenta y tantos a niñas lesbianas de 16 años. Hay un abanico brutal.

La maternidad es una gran dificultad porque interrumpe sobre todo la vida en directo, que es de lo que en realidad vivimos los artistas

¿Habría manera de ayudar a las artistas mujeres que quieran ser madres?

De hecho, cuando me encuentro con otras mujeres por aquí y por allá, siempre me hacen la pregunta: “Y tú, ¿cómo lo has hecho?”. Todas se ven con esta situación de cómo vas a hacer para estar la mitad del tiempo fuera de casa. Yo me pasé 10 años tocando muy poco, eligiendo con pinzas lo que podía hacer, no me iba a más de 200 kilómetros de mi casa porque intentaba volver siempre pronto.

En esos años hice la música más experimental y más rara. La cuestión de desaparecer ha sido siempre un problema. No solo porque no estás físicamente, también estás a cargo de la organización y de los cuidados. Y ya no solo te digo de la maternidad, también tenemos padres y madres mayores. Mi madre era mayor y por suerte yo tengo hermanos mayores que han podido ocupar ese sitio.

Ahora que todo el mundo es hijo único o tiene dos o tres hermanos como mucho, cuando llegue el momento en el que haya que cuidar a los mayores, tampoco las mujeres van a poder ir de gira. ¿Cuál es la solución? Que los cuidados tienen que estar repartidos equitativamente entre los dos sexos.

¿Cuánto le preocupa la IA?

No tengo ni puta idea. Nos estamos recuperando de una y ya nos está cayendo otra. La evolución tecnológica siempre va muchísimo más rápido que la legislación. Cada vez que hay una y cambia el formato, nosotros dejamos de cobrar. Ha pasado desde el principio de los tiempos, cuando Chuck Berry vendía una canción a una persona sin saber que iba a imprimir 50.000 singles y que no iba a cobrar un duro. Ahí es donde empieza el problema, en la distribución de nuestra música, que en este momento es casi gratuita.

Y ahora viene la IA a robarnos nuestras voces. Está muy lejos de imitar todavía a los artistas pero sí que hay herramientas para que tú firmes un contrato con Universal en el que esté el copyright de tu voz, te mueras y te pongan a hacer dúos con todo Cristo cuando ya estás muerto. Éticamente ya… Pero esa tecnología existe. Que se incluya en los contratos está al caer.

Están al caer los contratos en los que firmes que te puedan poner a hacer dúos con todo Cristo cuando mueras

¿No ha pasado entonces todavía?

No lo sé porque yo no he negociado últimamente con una major [una discográfica multinacional]. Hace tiempo que me pasé al mundo indie y lo mío lo llevamos entre tres mujeres y yo.

¿Qué pensaría si le propusieran hacer una canción con un artista fallecido?

Me parece una pesadilla. Un mundo tan espeluznante... Pero no lo pongamos así, pongámoslo como que te gustaría oír las canciones que realmente dejó inacabadas Bowie y que se pueden recrear. Como han hecho con actores que se han muerto y les han puesto en todas las películas. No sé. Es un tema complicadísimo pero en el momento en el que uno deja de tener control sobre su obra, es absolutamente inmoral hacerlo.

Hace poco ha habido cambio de ministro de Cultura, ¿qué le pediría?

La inversión pública tiene que atender a criterios de inclusión. Un festival sin mujeres no debería tener financiación pública. Por una razón muy lógica, si los impuestos los pagamos todos, el dinero de nuestros impuestos debería ir también para todos. Se debería examinar muy de cerca ya no solo que haya mujeres, porque muchas veces las hay, pero no cobran lo mismo. Hay que atender a la brecha salarial.

Aunque yo esté en un sitio un poquito por encima porque tengo mi propia cosa en marcha que funciona sola, mi propio circuito y la gente con la que trabajo; estoy muy en contacto con la generación de mujeres entre 25 y 40 años, que están haciendo cosas increíbles porque hay una avalancha de talento femenino haciendo cosas que no se habían hecho antes. A todas esas mujeres hay que darles espacio y dinero para que desarrollen sus proyectos.

Durante su carrera, no ha tenido reparo en definirse como mujer feminista. ¿Hay más recelo ahora a que una artista diga hoy que lo es respecto a antes?

Cuando en los noventa decía que era feminista la gente me miraba sin entender nada, porque pensaban que una feminista era una señora con bigote que quemaba sujetadores. La cuestión con el feminismo fluctúa. Hay épocas en las que es aceptado y otras en las que hay una reacción en contra. La buena noticia fue 2017, cuando de repente se convirtió en algo masivo. Recuerdo ir a las manifestaciones del 8M en las que éramos cuatro gatos y todas señoras mayores. Y de repente hubo un año en el que todo estaba lleno de chavalas. Atascábamos la Gran Vía y era una cosa muy bonita porque parecía una fuerza imparable.

Luego vinieron las divisiones, pero sobre todo una reacción feroz en contra en la que ya no molaba ser feminista. La estamos viviendo. ¿Qué nos cabe? Resistir y luchar desde una posición práctica, sensata y estratégica. Soy de la idea de que no hay que ir exactamente de frente, porque no vale la pena discutir con idiotas. La razón y el tiempo están de nuestro lado. Creo que las cosas van a acabar cayendo por su peso. Hay que defender las más básicas que se siguen cuestionando una y otra vez, como el derecho al aborto. Y hacer piña, las divisiones nos debilitan.

¿Siente que tiene la responsabilidad de opinar sobre cuestiones más allá de su música por el altavoz que tiene?

Creo que una mujer con una guitarra es feminismo. No tienes ni que abrir la boca. No estás explicando el feminismo, estás haciendo feminismo. Hay cuestiones que se transmiten de una forma mucho más directa. Aunque sí, yo tengo muchas canciones que tienen un trasfondo feminista, creo que lo explica mejor lo que haces en el escenario. Y lo que demuestras que se puede hacer. Demostrar que puedes tener una carrera, pasar la barrera de los 50 y seguir con una guitarra colgada, eso es puro feminismo.

VIDEO: Nando Ochando, Rocío Bermejo

Los milagros son inesperados. Por caprichosos y porque casi nadie los espera. Pero a veces, ocurren. Y ayer en el ensayo general del estreno de Safo, en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, se alinearon los planetas. Principalmente, tres.

La propia Christina Rosenvinge, que en su primera incursión teatral da con una Safo pop y lánguida que es todo presencia; la dramaturga María Folguera, que ofreció un texto fragmentario, lírico, inteligente y juguetón sin necesidad de cargar tintas; y su directora, Marta Pazos, capaz de recrear un universo kitsch comandado por el espíritu de la Sofia Coppola de Maria Antonieta. Safo de Mitilene fue la primera poeta de la Grecia Arcaica que vivió en el siglo sexto antes de Cristo. Una figura masticada por la historiografía patriarcal y academicista que renace en esta obra fresca, reivindicativa de otra feminidad gozosa y sin lastres. 

La obra comienza con unas parcas que vienen a reclamar el cuerpo en vida de Safo. Unas parcas futuristas que parecen sacadas de un video los ochenta de Robert Palmer, pero vestidas de Versace y que se mueven en un escenario rosa masticable: instrumentos de música rosa, suelo de danza rosa y, como fondo, una recreación a lo Christo del propio Teatro Romano de Mérida en miniatura.

Se la llevarán con monedas en los ojos para pagar a Caronte, pero antes recordarán la vida de esta poeta, cantante y creadora del plectro –púa para la lira–, libre y apasionada. “Fue la primera Bob Dylan”, afirma Rosenvinge a este periódico. “Safo no estaba en Atenas ni en Esparta, sino en la Isla de Lesbos, en la periferia, y desde allí crea un espacio de libertad, como si fuera la Ibiza de aquella época, ese es el imaginario que ha conformado un poco el espíritu del trabajo”, continúa la cantante. 

Un colectivo ecléctico de mujeres

Aparte de estas tres creadoras, la obra está aupada por un colectivo de mujeres en escena muy destacable. Con una María Pizarro de fuerza insospechada en la poética del cuerpo (que ya trabajó con María Pazos en Comedia sin título, de Lorca) y con una sorprendente Lucía Bocanegra, una joven sevillana de 24 años proveniente de la danza y capaz de llenar un teatro con siglos de piedra a las espaldas. Un milagro que se va redondeando con una de las actrices más versátiles y correctas, en el mejor sentido de la palabra, de la escena: Natalia Huarte, que ejerce de contrapunto textual. 

Por último, la banda: bajo, batería, guitarra y órgano en manos de Juliane Heinemann, Irene Novoa, Lucía Rey y Xerach Peñate. El conjunto está liderado por una Rosenvinge pop y experimental que, agarrada al texto de Safo, construye varios temas de gran fuerza como Hoy no duermo sola, pequeña canción de preciosismo pop delicado; Canción de Boda, himno folk que convierte el rito del matrimonio en un hermanamiento femenino y popular; y Canción de los fragmentos, pieza más rokera, de naturaleza experimental y que Rosenvinge contaba que le salió “un tanto PJ Harvey”. 

Todas ellas, bailarinas, músicas y actrices, se contaminan y se reactivan unas a otras orquestadas por la libertad asociativa de Pazos, que se apoya en las luces arquitectónicas y ambientales de Nuno Meira y en el vestuario de Pier Paolo Álvaro. Este último va desde el look ochentero, pasando por la alta costura de gasa y vuelo, hasta aciertos insospechados de estética de los años cincuenta o un final funerario bañado en oro.

La finalidad: recorrer lo poco que sabemos de la vida de esta mujer que hizo más de diez mil composiciones líricas de las que solo quedan 190. Una pérdida nada inocente. Sería el Papa Gregorio VII quien decidiera quemar la obra de esta poeta en el siglo XI por inmoral.  Recorrer su mito y su obra y revisitarla desde el presente, quitándole lastres y herencias espurias, y así poder heredarla.

Ovidio y la sandía

La obra contiene momentos de gran fuerza, que se apoyan en la manera de hacer del teatro experimental de finales de siglo pasado. Un teatro en el que las escenas se van conformando por pequeñas acciones o performances del cuerpo que trabajan para y por la polisemia. Destaca la escena dedicada a Ovidio en la que, además, la propuesta se posiciona políticamente. 

Así, vemos a un Ovidio, interpretado por Natalia Huarte, pagado de si mismo, imperial, y al que se le acusa de haber deformado la figura de Safo en su conocido libro de Las Heroidas, donde “se inventa” que Safo se suicidase por amor al joven Faón. “Hasta Ovidio no hay ninguna referencia a que Safo se suicidó, y el mundo académico está muy de acuerdo en que Safo murió ya mayor, como los prueban poemas que se han salvado y hablan sobre la vejez”, defiende la autora María Folguera a este diario.

“Ovidio la encumbra, pero al mismo tiempo la trata con total condescendencia. Soy fea pero talentosa, con mi arte compenso lo que me falta, ya no me gustan las mujeres, mujeres alejaos de mí Citara que Faón se llevó lo que os gustaba… Todo eso que se dice en la obra es puro Ovidio y me encanta que se oiga de esa manera en el Teatro Romano de Mérida porque todavía estamos en esa misma cultura, en ese mismo culto”, recalca Folguera. “Es importante sacar la figura de la mujer artista de ahí, sino seguiremos siempre con que morirá pobre, joven, loca o maldita. Además, siempre vinculada a una figura masculina. Realmente lo que dice Safo es lo contrario: podemos ser grandes artistas, ser felices, amar a quien queramos, vivir en libertad y morir de viejas, no hay castigo, no hay estigma”, puntualiza Pazos. 

Acaba esta escena de Ovidio con Rosenvinge cantando el Poema de la Pasión, “mi piel esconde un río que abrasa en mi interior, me zumban los oídos, se nubla mi visión”, dice la letra. Mientras, Natalia Huarte va comiendo con las manos un fruto de sandía que tiene entre las piernas con gesto un tanto punki. Un ejemplo de cómo la acción teatral, performática y no ilustrativa, puede ir hilando con polisemia e intención las distintas partes de la obra sin que está sea una sucesión de escenas. Así mismo, veremos un baile de Bocanegra con armadura en las piernas que en la dificultad gana en poética, o varios duetos entre esta bailarina y Pizarro de una gran fuerza donde el cuerpo femenino reina libre y tratado con sana impudicia.

Aunque todavía hay momentos, presencias y textos por pulir, la obra ya se mantiene y tiene todos los visos de ir creciendo. Aunque su lirismo no sea eficaz siempre y tenga ritmos o canciones menos agraciadas, como una incomprensible Canción de las musas, la obra contiene momentos de gran fuerza visual y musical donde reina una portentosa Rosenvinge que, si bien sabe que en el movimiento por el espacio y el decir teatral puede naufragar, arrasa en capacidad y magnetismo sobre la escena. 

Safo es, en definitiva, una rara avis que campa con igual solvencia en el concierto, el clasicismo y la composición contemporánea. Hace ocho meses le proponían a Rosenvinge el proyecto, “acababa de perder mi móvil y con él todas las maquetas de mi nuevo disco, así que acepté sin saber en qué íbamos a acabar”, explica la cantante a este diario.

Ahora, tras pocos meses, se ha levantado una solvente pieza que también llama la atención por la conjunción de talentos de mujeres de diferentes generaciones y cómo han conseguido remar en una misma dirección. Una dirección que campa en un terreno sáfico sin moralina, gozoso, centrado en el deseo y vitalista. No es habitual, y es de agradecer, ver una gran producción que parta sin saber, ni remotamente, el punto de llegada y, además, apueste por la mezcla del pop, el teatro clásico, la autoría contemporánea y un lenguaje escénico renovador. Safo, después de las representaciones en Mérida esta semana, viajará al Teatre Romea de Barcelona dentro de la programación del Festival Grec, para luego pasar el 20 de julio a Sagunto y ya, en septiembre, entrar en temporada en los Teatros del Canal.  

Este miércoles hemos pedaleado de la mano de Christina Rosenvinge en Confinados para celebrar el día mundial de la bicicleta. La cantante y escritora es una gran defensora de la bici y de que las ciudades cedan espacios a este medio de transporte limpio.

Rosenvinge cree que la crisis sanitaria ha obligado a acelerar un proceso “que ya estaba iniciado” , sin embargo, ha alertado de que “estamos perdiendo una oportunidad porque junto a otros activistas esperaban ”que el ayuntamiento de Madrid tomara cartas en el asunto y no está haciendo nada“.

Su propuesta para la ciudad es que exista una red de carriles bici conectada y separada de por donde circulan los coches, ya que “ir en bici por Madrid es una gincana de riesgo”. De momento, los responsables de movilidad de la capital no han puesto marcha ni la propuesta de crear estos carriles de forma temporal para aliviar las dificultades de circulación a los ciclistas. 

La cantante ha reflexionado sobre cómo cree que será el futuro de la música y del resto de actividades culturales. Precisamente, la también escritora participará en un festival poético que se reconvierte este verano combinando actividades presenciales, con aforo reducido, con actuaciones retransmitidas online. 

Aunque ve una oportunidad en las circunstancias para mejorar la calidad y las condiciones del consumo musical en streaming, Rosenvinge cree que estas experiencias no pueden sustituir a la “comunión con los espectadores en directo” y que es algo “totalmente distinto”.

Para la artista, el azote que ha supuesto la pandemia para el mundo de la música se suma a “una situación muy difícil” y “podría ser la estocada para mucha gente”. 

“La situación es nefasta”, ha alertado Rosenvinge, que sin embargo ve que puede haber una “consecuencia positiva”. Así cree que si como parece no hay giras internacionales, “ese hueco se llenará con la escena local y esa 'clase media' de la música tendrá un lugar que ocupar y un público con el que encontrarse”.

Abrazos a la sanidad pública

Durante el confinamiento, ha surgido más de un himno inspirado en la extraña realidad derivada de la pandemia. Uno de ellos fue Los abrazos prohibidos, canción solidaria de Vetusta Morla en homenaje a los sanitarios y en la que también colaboró la cantante.

Explica que cuando Guille, de Vetusta Morla, le mandó la canción le pareció “un proyecto muy bonito” y necesario. “Todos los sanitarios han hecho un sacrificio enorme, nunca se podrá valorar justamente. Pensé que cuando esto se acabe se olvidaría rápido y me parecía bonito que quedara una canción como testimonio”, ha explicado.

La cantante ha destacado que la defensa de la sanidad pública tiene que ser “una reivindicación de toda la sociedad” y “no una cuestión de ideología”.

La “conspiración” del 8M

En la conversación con Ignacio Escolar, Rosenvinge ha asegurado estar “muy extrañada” con “el intento de culpar al 8M” de la pandemia. 

“Que las organizadoras son unas brujas y tienen una bola de cristal por lo que sabían perfectamente que venía una pandemia, que era un peligro para todo y que pretendían que se murieran la mitad de las feministas y contagiar a sus padres y madres no tiene ningún sentido”, ha ironizado.

La cantante ha continuado argumentando que “si se hubiera sabido, se habría suspendido”, pero que “desgraciadamente nadie era consciente de la gravedad de la situación”. 

“No tiene sentido pensar que detrás del 8M había una confabulación, como teoría conspirativa hace aguas por todas partes”, ha añadido, asegurando que en el momento de la celebración de la marcha y otros actos multitudinarios “no se era consciente de la gravedad de la situación”.

La también escritora ha reconocido que ser mujer en el mundo de la música no siempre ha sido fácil: “Me han intentado sacar del camino muchas veces, pero era una cuestión de cabezonería”.

Y ha reflexionado sobre el temor que infunde el feminismo en algunos sectores. “No entiendo lo que tienen miedo de perder, el feminismo es un movimiento conciliador, abierto y optimista, que mejora la vida de todo el mundo y también hace libres a los hombres”, ha razonado. 

¿Hay algo que huela a podrido en Dinamarca?

Rosenvinge, de ascendencia danesa, ha lanzado una mirada al norte para pensar en si Dinamarca y otros países realmente son el paraíso del bienestar que en ocasiones tenemos en mente.

La cantante ha puesto como ejemplo a una prima suya “que ha conseguido estudiar medicina, y pudo tener dos hijos gracias a que el estado le pagaba un sueldo y que su pareja se encargaba de los niños”, algo que aquí en España “es ciencia ficción”.

“Es cierto que la sociedad danesa es un pueblito comparado con esto, pero tiene asumido desde hace mucho que hay que pagar impuestos y que es una contribución patriotica y aquí en España es algo realmente nuevo y ha costado asumirlo”, ha remachado.

Christina Rosenvinge presenta este jueves 3 de octubre su libro 'Debut. Cuadernos y canciones' en la Librería Gil de la Plaza Pombo a partir de las 19.00 horas, en un acto en el que también intervendrá Marisa Lavín. Se trata de un trabajo en el que la cantante ha recogido más de veinticinco años de canciones. Además, en él recorre los lugares, los relatos y las reflexiones que le inspiraron para hacer componer sus letras.

La música nos hace viajar sin movernos del sitio en el que nos encontramos. Nos traslada a rincones que queremos recorrer. Nos hace recapitular instantes que deseamos repetir. Nos recuerda a personas que anhelamos... Por ello, la autora de 'Debut. Cuadernos y Canciones' ha introducido en su libro la recreación de los cuadernos que la acompañaron en el momento en el que compuso cada una de sus canciones.

Cada cuaderno retrata la intimidad de los días tranquilos que Christina vivía entre gira y gira, en los que parecía que no pasaba nada, pero en realidad pasaba todo. Sus letras atestiguan una carrera musical que ha cruzado fronteras, se ha extendido a lo largo de varias décadas y ha bailado entre distintos estilos.

Son reflexiones  sobre el amor, la libertad y el poder femenino. Son el reflejo de la siembra, el empeño y la incertidumbre que ha vivido su autora ante cada nuevo proyecto al que debía enfrentarse. En definitiva, todos estos textos guardan momentos que, de no estar vinculados a una canción, serían borrados de la memoria.

Además, este libro contiene referencias literarias, musicales y artísticas que han influenciado la obra de la cantautora. El ejemplar cierra con 'La palabra exacta', un ensayo en el que indaga en el arte de escribir canciones y reflexiona sobre los secretos de enlazar palabra y melodía en un verso cantado.

Biografía

Christina Rosenvinge (Madrid, 29 de mayo de 1964) nació en Madrid, aunque sus raíces son danesas. Su trayectoria musical comenzó cuando tenía 15 años, momento en el que la estética y el espíritu de La Movida Madrileña la empujaron a frecuentar numerosas salas y conciertos que, años después, se convertirían en la cuna de la artista. 

Per a fer alguna cosa pràctica de cara a donar més espai a les dones en els festivals de música, l'Ajuntament d'Elx ha organitzat la primera edició del Femin Festival, un concert només de dones que se celebra aquest divendres dia 9 de març amb Christina Rosenvinge com a cap de cartell.

A més de l'autora de 'Que me parta un rayo', actuaran en la Rotonda del Parc Municipal, a partir de les 20.00, Las Bravas i Hakuna Tanaka.

La intenció de la iniciativa, que tindrà continuïtat en anys successius, és visibilitzar la presència de dones en un àmbit, com el dels festivals, en el qual encara representen una minoria entre els artistes contractats.

Para hacer algo práctico de cara a dar más espacio a las mujeres en los festivales de música, el Ayuntamiento de Elche ha organizado la primera edición del Femin Festival, un concierto solo de mujeres que se celebra este viernes día 9 de marzo con Christina Rosenvinge como cabeza de cartel.

Además de la autora de 'Que me parta un rayo', actuarán en la Rotonda del Parque Municipal, a partir de las 20.00, Las Bravas y Hakuna Tanaka.

La intención de la iniciativa, que tendrá continuidad en años sucesivos, es visibilizar la presencia de mujeres en un ámbito, como el de los festivales, en el que todavía representan una minoría entre los artistas contratados.

Christina Rosenvinge (Madrid, 1964) habla en tono bajo y pausado. Se extiende en sus respuestas, pero se toma su tiempo para pensar bien lo que dice. No le cuesta rebobinar y volver a empezar su discurso si no esta segura de estar expresando bien lo que quiere transmitir. Lleva dos días en Barcelona concediendo entrevistas para presentar su último disco, Un hombre rubio, título que hace referencia a su padre, cuyo recuerdo es el germen de este trabajo.

Nos reunimos con ella en la cafetería de un hotel que tiene la música demasiado alta, así que se esfuerza por encontrar un rincón silencioso en el que la grabadora capte bien sus palabras. Está más que entrenada para lidiar con estos pequeños contratiempos: publicó su primer trabajo en 1980 con el grupo Ella y los Neumáticos y desde entonces no ha parado. Con Cerrado (1997) inició su carrera en solitario y actualmente es una de las artistas mejor consideradas del pop-rock en castellano.

Lleva tres décadas publicando discos ¿Sigue poniéndose nerviosa ante la posible acogida que pueda tener su nuevo trabajo?

Nerviosa no. Pero si algo no va bien me genera la misma ilusión, la misma expectación o la misma frustración. 

¿Es posible vivir ahora mismo de la música? ¿Cómo son las condiciones laborales de los trabajadores?

Yo lo he conseguido de manera intermitente. Es muchísimo más difícil que antes, ya que la irrupción digital supuso un cambio muy grande. Es cierto que las compañías discográficas siempre han tenido contratos abusivos con los artistas pero, por lo menos, se encargaban de pagar las grabaciones y de toda la inversión posterior. Sin embargo, al desaparecer los ingresos por la venta de discos, el dinero prácticamente sale de los directos. Ha supuesto una precarización en general.

Además, se vendió esta ilusión de que uno podía grabar en su casa un disco con la tecnología que hay, pero realmente no es cierto. Pensar que puedes hacer eso es como pensar que puedes hacer una película con un teléfono. Lo puedes hacer, pero a ver lo que te sale… En realidad la música bien hecha supone un trabajo en equipo con gente que está especializada en hacer lo que hace.

Se está impulsando un sindicato de músicos ¿Cree que puede servir de algo en esta industria en concreto?

Creo que sí y que hay que hacerlo. De hecho, estoy en contacto con ellos. Tiene que existir, aunque como decía una persona de dentro “poner de acuerdo a unos músicos es como llevar un rebaño de gatos”. Tradicionalmente es una profesión que se escoge por vocación y la cuestión económica siempre ha sido secundaria. Y por ahí es por donde empieza la explotación.

Por otro lado, el público y los medios solo ven el lado bonito de la historia. Este es un trabajo tan duro como cualquier otro y con un grado de inestabilidad enorme. Los que pueden vivir sin agobios son muy pocos, y es especialmente injusto con la generación que se ha incorporado ahora.

Luego hay otro tipo de gente que tiene un trabajo y hace música por afición, así que no tiene esta dependencia. Y a lo mejor es gente con muchísimo talento. Pero yo creo que un músico tiene que poder vivir de su música y vivir bien.

En el escrito de presentación de su disco Un hombre rubio dice que indaga sobre las diferentes identidades masculinas ¿Qué significa esto?Un hombre rubio

Cuando hago discos me parece que no es suficiente con tener canciones que solo tengan sentido musicalmente. Tiene que haber un discurso ideológico o emocional. Busco un hilo vertebral o, por lo menos, un punto de partida. En este surgió a partir de una canción que escribí en homenaje a mi padre que se llama Romance de la plata. Es tremendamente personal y ahora puedo escribir y cantarla porque ya han pasado 26 años de su muerte.

Yo tenía muchas diferencias con mi padre, sobre todo en la adolescencia. Estábamos muy lejos ideológicamente, había muchas discusiones y luego se puso enfermo, murió y nunca le pude contemplar como adulta. Y escribí la canción como cerrando un duelo no expresado.

¿Hubiese cambiado algo en usted, en su manera de ver la vida, si su relación hubiese sido diferente?

Eso es imposible de saber. Creo que mi padre es fruto de su tiempo, de lo que le tocó vivir, de un cierto tipo de educación, y no se puede juzgar a la gente fuera de su contexto. Él se rebeló contra ciertas cosas de su educación, pero otras no fue capaz ni de cuestionarlas. ¿Hubiese sido capaz ahora? Posiblemente sí, pero es muy difícil saberlo.

Explica que el disco también parte de una de las acepciones que la RAE da a la palabra hombre: “un animal racional, varón o mujer” ¿Cómo explicaría mejor esto?

Hubo un momento en el que todo el mundo estaba discutiendo sobre esta cuestión del lenguaje y sobre si hay que hacer el desdoblamiento de género cada vez que aludes a hombres y a mujeres. La RAE esgrime la ley de la economía del lenguaje como motivo principal para utilizar el masculino genérico. Como letrista lo aplico para decir lo máximo posible con el mínimo de palabras. Ahora bien, para mi, mientras sea siempre un hombre el que represente al colectivo de mujeres y hombres, ya tenga barba o coleta, o diga ciudadanos y ciudadanas, esto será solamente un gesto cosmético.

Para que las mujeres nos sintamos realmente incluidas en el masculino neutro tiene que haber mujeres representando lo universal. Es algo que no ocurre y que está muy metido en nuestro subconsciente, tanto masculino como femenino. Las mujeres se han incorporado a la vida pública como fuerza de trabajo, pero es muy normal que encuentres a un grupo de mujeres haciendo toda la producción, poniendo el andamio y al final a un hombre dirigiendo y sobre todo administrando presupuestos.

Con lo cual, esa es una frontera que es importantísimo romper. Y me da igual que se diga todas, todes, tidis… no habrá realmente una ideología de igualdad incorporada hasta que no haya realmente mujeres hablando en nombre de todos y representando a hombres y mujeres 

El feminismo está en un punto álgido ahora mismo ¿Hacia dónde vamos? ¿Se conseguirá una igualdad real o solo habrá medidas “cosméticas” como acaba de decir?

Lo primero que hay que hacer con el feminismo es explicarlo, porque increíblemente no lo está. Muchísima gente sigue pensando que el feminismo es una lucha de sexos. Se ve en los comentarios de cualquier noticia feminista, hay un cierto victimismo de los hombres al respecto. Para muchos y bueno, también para muchas, es una cuestión de puro desconocimiento.

Hay que asumir que esta es una transformación lenta y complicada en la que hay muchas situaciones y muy complejas que no se pueden resumir en un tuit como a mucha gente le gusta. Por ejemplo: si los hombres no se incorporan a las labores domésticas, al cuidado de los hijos, las mujeres no pueden desarrollar carreras profesionales en igualdad de condiciones.

Pero, por otro lado, los poquísimos hombres que asumen esas labores de cuidado a las que se les da tan poco valor son vistos como fracasados por su entorno. Como el hombre que se queda en casa para cuidar de los hijos y su propia madre le ve como un calzonazos. Hay un aprendizaje que se debe trabajar dentro de cada hogar y desde la educación.

Sobre la complejidad del discurso quería decir también que, por ejemplo, con el MeToo se está permitiendo que el debate vaya hacia lo que es acoso y lo que no es, lo está desviando de su origen y lo que es importante. En el mundo del cine se ha cristalizado un hecho que ocurre en muchas partes: como el círculo de poder es masculino, una mujer que quiera hacer una carrera profesional tiene que pasar necesariamente por cosas que se pueden convertir en chantajes sexuales.

¿Ocurre en la música también?

No, porque, por ejemplo, desde hace 25 años soy jefa de mi proyecto. No tienes que pasar por un solo filtro, hay muchos. No todos los productores son tíos. En el caso de Harvey Weinstein tienes que pasar por él necesariamente. Pero con la carta de las francesas se ha puesto el foco en la cuestión de qué es acoso, qué es ligoteo torpe y esa no es la discusión. La discusión es que no hay más proyectos femeninos porque si no hay productoras con recursos económicos suficientes entonces no hay discurso femenino.

¿Cómo ha sido para usted ser mujer dentro del mundo de la música? ¿Cree que ha sido más difícil que para un hombre?

Sí, es más complicado que se te valore o que se te juzgue más allá de tu aspecto físico.

¿Alguna vez ha tenido que enfrentar a una situación de acoso dentro del ámbito laboral?

Muy al principio, quizás en la época de Alex y Cristina, viví situaciones en las que sí hubo. Nunca las pude leer de manera tan clara, no fueron “si no pasas por aquí te voy a arruinar la carrera”, pero cuando una lo recuerda a posteriori sí nota el matiz. Pero desde hace 25 años soy mi propia jefa y con los músicos con los que toco tengo una relación de compañerismo.

Usted tiene dos hijos varones, ¿cómo es educarles en el feminismo teniendo en cuenta los estímulos que reciben desde fuera?

Hay que cargarles de argumentos para que sean feministas. Pero ya no por una cuestión de solidaridad con las mujeres, sino porque a ellos mismos les interesa. Un mundo en igualdad es mejor para los hombres también y tienen mucho que ganar. Eso es lo que hay que explicar.

¿Quiere decir que la masculinidad como se entiende hoy en día es opresiva para ellos?

Es una construcción muy falsa. No la masculinidad, sino “el macho” que se construye encima de un varón es una construcción tan falsa como el papel de la mujer fatal o la mujer sacrificada. Que nuestras partes sexuales sean binarias, menos para un precioso conjunto que se escapa de esta definición, no quiere decir que nuestras cabezas lo sean. No puede ser que lo que tenemos entre las piernas decida lo que vamos a hacer en la vida.

Una pregunta que hay que hacer, ¿qué opina de la huelga feminista del 8 de marzo?

Lo que más me gusta es la idea de colgar delantales de los balcones. Es fundamental que se le de valor al trabajo que hacen las mujeres en las familias y que los hombres asuman que ese trabajo les corresponde a ellos también. Da igual si no tiene éxito mayoritario. Simplemente que se hable de ello, de que las mujeres somos una fuerza unida y de que queremos un mundo libre de machismo ya es un triunfo.

Es una huelga que convoca a las mujeres en la que los hombres pueden participar de manera secundaria, sin quitarle voz a sus compañeras. Es una huelga laboral, de cuidados y de consumo.

Es verdad que movemos el mundo y podemos paralizarlo. No sé si es realista que ocurra esta vez. En todo caso, es muy esperanzador lo que está ocurriendo. Es solo el inicio, la toma de conciencia. La transformación será lenta y tiene que vencer muchas resistencias en muchos frentes. Cada 8 de marzo sale más gente a la calle a cargarse de fuerza. Empoderar a las mujeres es lo más urgente, pero creo que a los hombres que se desmarcan del machismo hay que darles un sitio.

Usted da un concierto en Barcelona el 8 de marzo…

Sí, tenía este concierto programado mucho antes de que se hablase de huelga y no puedo moverlo. Si no lo hago ese día no puedo presentar el disco en Barcelona, pero como en este disco soy un hombre rubio creo que estoy disculpada. Estamos haciendo planes para que sea un fin de fiesta espectacular.

Franz Ferdinand

Franz Ferdinand

Always Ascending

Domino / Music As Usual

POP

6/10

Alex Kapranos y sus Franz Ferdinand siempre han demostrado sentido del humor. No puede entenderse de otra manera que, a estas alturas del invento, la banda se presente ante el mundo con un videoclip (que puedes ver sobre estas líneas) en el que lejos de apelar al elixir de la eterna juventud se muestre a un Kapranos con ojeras cadavéricas y al borde del colapso.

¿Cuántos discos son capaces de publicar Franz Ferdinand sin que la fórmula dé señales alarmantes de parecerse a la imagen de Kapranos en el clip? Llegados a este punto, diría que uno menos de los que los escoceses han puesto en circulación...

Y eso, a pesar de que Always Ascending (¿hay también algo de ironía a la hora de elegir el título?) llega tras una etapa en que se han abierto las ventanas y aireado la casa. El abandono del guitarra rítmica Nick McCarthy es el primer cambio en la formación desde el nacimiento de la banda. En su lugar entran dos nuevos músicos, lo que en teoría debería asegurar un cambio de dinámicas y nuevas ideas.

Además, se trata del primer disco propiamente dicho de Franz Ferdinand en cinco años, si no tenemos en cuenta aquel experimento junto a Sparks que fue FFS. A priori, garantía más que suficiente para pensar que a la hora de pulsar el play algo iba a cambiar.

Pero no, o al menos no lo suficiente. Los detalles electrónicos o alguna incursión por territorios desconocidos como The Academy Award distan mucho llevar el peso de un disco dominado por los estribillos quedones de siempre (algunos como el de Huck and Jim, al borde de lo de denunciable). No se me malinterprete: canción a canción su quinto álbum no es peor que los precedentes Tonight: Franz Ferdinand o Right Thoughts, Right Words, Right Action.

Pero son tantas las noches agitando los brazos cuando el DJ de turno pinchaba Take Me Out, tantos los festivales saltando con el característico ritmillo de Paul Thomson, que, como ocurre en casi todas las parejas, una mañana te levantas y comprendes que necesitas tomarte un tiempo. Ley de vida.

Christina Rosenvinge

Christina Rosenvinge

Un hombre rubio

El Segell

ROCK

7/10

En una entrevista reciente para el sitio web Pikara, Christina Rosenvinge explica cómo su compromiso con el feminismo le ha llevado a intentar comprender y empatizar con los hombres, al menos con aquellos que consideran colaboradores necesarios en la lucha por la igualdad de sexos. Los sentimientos y dinámicas internas femeninas le han caracterizado desde el inicio de su carrera en solitario. Por ello, ahora ha decidido lanzarse a la aventura de escribir un disco pensando en “ellos”

El origen de Un hombre rubio, tal y como la propia Christina explica en la reveladora nota de prensa, es bastante más emocional que reflexivo: “El origen del disco es Romance de la Plata, escrita en homenaje a mi padre”. Además, indica el detonante fue una llamada de la cantaora Rocío Márquez, la cual le llevó a rebuscar entre los viejos vinilos de su padre. Según indica la artista, su progenitor era un ingeniero danés con “alma de romántico”. Este aprendió español con Romancero gitano de García Lorca y convenció a su esposa para quedarse e vivir en España durante el viaje de novios.

“Murió cuando yo tenía 26 años”, menciona Rosenvinge. Y precisamente, escribió Romance de la Plata el 6 de marzo, la noche del aniversario de su muerte. “Es una oda a su azarosa vida, a la visión arrebatada del mundo que representa su apellido danés: ROSEN, la rosa, y VINGE, el ala. La Belleza y la Libertad”, aclara.

Si algo ha caracterizado la obra de Christina en estos veinte años de carrera es su habilidad para manejarse en el terreno de lo simbólico, una escritura que tiende puentes entre lo popular y lo poético. Vuelve a demostrarlo una vez más con un disco en el que las canciones se mueven a caballo de lo íntimo y el análisis de género: la fragilidad del protagonista en la canción que da título al disco, esa “flor entre la vía”, el padre, el amante de los años chicos y aquel otro que llegó en la madurez…

El disco supone un esfuerzo loable por derribar muros en vez de levantarlos, diluyendo de una vez por todas el rancio concepto de virilidad al que de un tiempo a esta parte se apela desde todos los rincones de la sociedad.

Tal vez por eso, en lo musical el disco se debate entre lo rockista y lo emocional, con el Bowie andrógino de la etapa Spiders From Mars como inspiración confesa. Falta algo de carácter a la hora de llevar adelante estas canciones por una banda más que solvente (músicos que han estado a las órdenes de Russian Red, Anni B Sweet, Sidonie, La Bien Querida, Bimba Bosé, Zahara,…), pero a los que les cuesta mostrar distinción.

Por encima de ellos está la interpretación de Christina, sobre la que nunca nos vamos a poner del todo de acuerdo: allí donde algunos encuentran a una de las grandes solistas del pop en castellano, otros seguimos chocando con su interpretación impostada y un tanto fría, que nos aleja de su discurso en vez de invitarnos a entrar.

Ezra Furman

Ezra Furman

Transangelic Exodus

Bella Union / [PIAS]

POP

★8/10

El de Chicago se sitúa entre el escenario y las bambalinas en el que es su cuarto largo. Se trata de su disco más abiertamente queer, como el propio Furman se ha esforzado en explicitar. Y sus canciones están, en sus propias palabras, a medio camino de lo autobiográfico y la pura ficción.

El autor se ha esforzad en impregnar todo el disco con un mensaje de amor. “Creo en Dios pero no que salgamos de él…” canta en Come Here Get Away from Me, para rematar en otro tema con “hay una ley y no conozco otra / y es la ley del amor a la que me siento obligado”. Nunca ha dudado en autodefinirse bisexual, judío y depresivo, pero en Transangelic Exodus Erza Furman se presenta más transparente que nunca.

Para ello recurre a un pop-rock moderadamente extravagante, que en sus momentos más eufóricos (la inicial Suck the Blood from my Wound) remite a la épica springteeniana. Cuando se muestra más sofisticado cambia el skyline de su ciudad por el de la Gran Manzana: Velvet Underground, Modern Lovers,… A servidor le recuerda por momentos a aquel gran disco con el que hace unos años se dieron a conocer Clap Your Hands Say Yeah antes de caer en el más absoluto de los olvidos. Pero con discurso. Y bastante más recorrido.

MGMT

MGMT

Little Dark Age

Columbia / Sony

PSICODELIA

★8/10

El dúo de Connecticut firmó dos hits en su debut de 2007, sólo dos pero incontestables: Time to Pretend y Kids. Ya en la gira de presentación de aquel Oracular Spectacular el público pasaba el rato como buenamente podía hasta que llegaba el momento culminante de la noche y el concierto se convertía en una orgía de baile y felicidad comunitaria.

La situación, lejos de mejorar, se hizo más evidente con los dos siguientes trabajos de la banda, ejercicios de psicodelia tirando a críptica. Sorprendentemente, y a pesar de la majarada para iniciados, MGMT mantuvieron su estatus y han seguido tocando en recintos reservados para bandas importantes.

Bien sea porque han olido que el crédito no puede alargarse hasta el infinito, o bin porque su cuarto álbum les ha pillado en un momento de sus vidas especialmente luminoso, lo cierto es que Little Dark Age rompe con esa dinámica y MGMT vuelven a demostrar que aquellos dos éxitos no fueron casuales. Es probable que no encontremos entre estas diez nuevas canciones ningún potencial éxito a la altura de aquellas, pero el disco en su conjunto hará las delicias de los aficionados al mejor pop psicodélico.

Con la ayuda nuevamente de Dave Friedmann aportando la dosis justas de extravagancia al asunto, estas canciones se sitúan a medio camino del pop setentero para adultos y la estética hipnagógica que tantos buenos ratos nos ha hecho pasar en los últimos años, como un Ariel Pink con mayor gancho para las melodías.

Natalia Lafourcade

Natalia Lafourcade

Musas

Sony

CANCIÓN

★8/10

Hace tiempo ya que, a golpe de premios Grammy, reconocimiento del público y colaboraciones varias, Natalia Lafourcade disfruta de estatus de estrella del pop latino. Estatus que le permite afrontar proyectos como este, a priori ajenos a las exigencias del mercado pero que la consolidan como la voz destinada a unir pasado, presente y futuro de la canción latinoamericana. Musas tuvo un primer volumen que, sorprendentemente (o no, quién sabe), se convirtió en todo un fenómeno: el clip de Tú sí sabes quererme lleva a estas alturas la friolera de 76 millones de visionados en youtube.

Con el revelador sobretítulo de Un homenaje al folclore latinoamericano en manos de Los Macorinos, Lafourcade recupera composiciones clásicas tratadas desde un absoluto respeto a la tradición. No en vano Los Macorinos, a quienes prácticamente se le da tratamiento de igual desde el título, son en realidad dos músicos, Miguel Peña y Juan Carlos Allende, que formaron parte de la banda de Chavela Vargas.

Las guitarras de Peña y Allende vuelven a ponerse al servicio de la artista mexicana que se enfrenta en esta ocasión a sentidas y elegantes interpretaciones de algunos sietemiles del folklore latino como La llorona, Tus ojitos o Duerme negrito, y también a dos composiciones propias igualmente enfocadas desde la reverencia a los clásicos. Reverencia que no implica que Lafourcade no mire a los ojos a la Historia pidiendo su lugar en la misma.

Susanna

Susanna

Go Dig My Grave

SusannaSonata

FOLK

8/10

Las covers de clásicos del rock crepuscular le han servido a la cantante noruega Susanna Karolina Wallumrød para sacar puntualmente la cabecita en el mundo real: un versión suya de Love Will Tear Us Apart de Joy Division, por ejemplo, se coló en un episodio de la popular serie Anatomía de Grey.

Con la lección bien aprendida ahora presenta su relectura del Perfect Day de Lou Reed como tarjeta de presentación de su enésimo disco, este Go Dig My Grave que, al igual que viene ocurriendo desde 2011, edita en su propio sello. Antes, en los tiempos en que se presentaba como Susanna & The Magical Orchestra, su música veía la luz a través del prestigioso label Runne Grammofon.

Un ardid más o menos efectivo pero totalmente innecesario. Porque, como intérprete, Susanna tiene una de las mejores voces del pop-folk contemporáneo, un verdadero prodigio que aúna técnica y sentimiento. Y como compositora algunos temas propios no tienen nada que envidiar a esa colección de covers que se han convertido ya en marca de la casa.

Pongamos por ejemplo la canción que abre el disco, Freight Train, una pieza fraguada en similares aguas turbulentas de las que su admirado Nick Drake habitó en su momento. Como viene ocurriendo en todos sus trabajos, siempre hay alguna canción de Susanna que apela al directamente al corazón y justifica el culto a una cantautora diferente.

La cantante y compositora Christina Rosenvinge estrena en acústico en Carne Cruda algunos de los temas de su próximo disco “Un hombre rubio” en una nueva edición del espacio En Crudo y en Directo en el Teatro Arlequín. Desde sus tiernos primeros pasos y su juventud con Los Subterráneos hasta su aventura estadounidense, su colaboración con Nacho Vegas y sus discos de madurez, recorreremos con ella su carrera utilizando las canciones como hilo conductor.

Esta temporada Carne Cruda se sale. Salimos del estudio para acercarnos a nuestro público con este nuevo formato: En Crudo y En Directo. La entrevista íntima y la música desnuda se entremezclan en un espectáculo muy personal en el que los artistas explican el origen de sus creaciones y las vivencias que las motivaron y acaban desnudándose también por dentro. Xoel López y Josele Santiago ya han pasado por el escenario del Teatro Arlequín para presentar sus nuevos discos ante un patio de butacas abarrotado. Podríamos contarte más pero creemos que esto tienes que verlo.

En Crudo y En Directo es una de las apuestas que más ilusión nos hace y que más repercusión está teniendo, además de ser otra forma más de mantener nuestra independencia. Ésta es nuestra cuarta temporada sin emisora al margen de los grandes grupos de comunicación. Como sabes, Carne Cruda es el primer programa de radio profesional de este país que empezó a financiarse con la ayuda de sus oyentes. La recaudación del teatro es una nueva vía para seguir siendo sostenibles una temporada más.

Otra radio es posible. Si quieres venir a verlo como prensa, solicitar entrevistas o material adicional, ponte en contacto con nosotros en publi@carnecruda.es.

Recuerda que este programa es solo posible gracias a ti. Difúndelo y, si puedes, hazte Productor o Productora de #CarneCruda.

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La voz de Christina Rosenvinge durante una conversación es la antítesis de la psicodelia electrónica que reina en su música. Resulta difícil reconocer esas mismas cuerdas vocales en los gritos y gemidos que le acercan al éxtasis en Lo nuestro. Aunque este último disco tiene un largo recorrido, el jueves regresará al Círculo de Bellas Artes de su ciudad natal sin necesidad de una excusa especial. Pero quizá sea más oportuno que nunca. La reivindicación feminista y la conciencia colectiva que acompaña a cada uno de sus diez temas parece la resaca perfecta en este mayo de revolución.

Christina llega días antes del concierto a una sala de columnas demasiado espaciosa para un cuerpo tan pequeño. Pero en seguida comenzará a henchirse de ideales y experiencias que avalan sus tres décadas de profesión. La artista reconoce que sus nuevas canciones han alcanzado una madurez que no le permitieron en sus comienzos, más comerciales y dependientes de la dictadura económica.

Ahora no deja títere con cabeza porque ella misma ha sido víctima de los problemas que rugen en las calles. Habla de su época de vacas flacas, la hegemonía patriarcal en la industria y del hastío político como si estuviese acodada en la barra de un bar. Pero lo hace con letras disfrazadas de romanticismo industrial y una intensidad hipnótica.

La Tejedora tiene un trasfondo feminista y de maternidad, ¿qué significa una madre araña?La Tejedora

En este caso, la araña no es una figura amenazadora, sino protectora y frágil. Es un cuerpo imponente que se sujeta sobre unas patas muy delgadas, y que construye su hogar a través de su propia materia. Llevaba mucho tiempo queriendo abordar el concepto de la maternidad y me costaba encontrar la aproximación para llevarlo al rock sin caer en lugares comunes. Entonces leí un libro de la artista Louise Bourgeois y la canción nació sola.

Me impresionó mucho la visión que tenía de su madre y ahí es donde encontré esa interpretación. A través de la famosa escultura de la viuda Maman. Fue un golpe de efecto maravilloso. Toda su explicación es esclarecedora y a la vez muy contemporánea.

Burgeois denunció con furia la brecha de género, ¿es importante pronunciarse alto y claro al respecto?

Yo creo que sí. El feminismo está presente, de una manera o de otra, en todas las obras que me han influido como artista. El simple hecho de que esas mujeres sean un referente es en sí feminista. En mi caso, incluso los discos más pop de Álex y Christina ya abordaban la temática. El souvenir, single de nuestro segundo disco -que tiene un videoclip bien gracioso, por cierto-, era una declaración contra el matrimonio.

Desde ahí quise que todos los álbumes tuviesen ese corte. Uno de mis temas favoritos es Tú por mí, de mi primer disco en solitario, que es una oda a la amistad entre mujeres. En su día se interpretó como una canción lésbica. Que bien podría haber sido. Pero solo hablaba de la camaradería femenina y era algo que en ese momento no se contemplaba. Y yo nunca lo desdije. Me parecía maravilloso que sirviese tanto en un caso como en el otro.

¿Encontró esa camaradería en la industria? ¿O el hecho de ser mujer le supuso más trabas?

Las trabas empezaron desde el primer momento que decidí dedicarme a la música. Sobre todo en la Movida Madrileña, que fue un movimiento fagocitado por los grandes sellos discográficos. Entré en esa enorme maquinaria sin ninguna experiencia y siendo una ingenua. Así que fue muy difícil conseguir que ellos trabajaran para mí y no al revés.

Fue un proceso al que me ha llevado años enfrentarme. Porque aunque yo siempre he compuesto y escrito, los sellos no querían intervenir tanto en el proceso creativo como en la forma de venderme. Querían moldear la imagen que se iba a trasladar al público. Todavía es muy duro intentar ejercer un control sobre ese márketing. Pero con los años he aprendido a tomármelo con calma.

Por eso cada vez más artistas jóvenes dan el salto a los sellos independientes, ¿es un proceso natural?más artistas jóvenes dan el salto a los sellos independientes

Es algo a lo que te sometes cuando entras en una industria que se mueve por intereses mercantiles. La maquinaria discográfica te convierte un bien de consumo. Es muy difícil mantener tu independencia cuando necesitas dinero. Y sueles necesitar apoyo económico para todo: para producir, grabar, contratar a buenos músicos, tener un estudio y llegar a la gente. Todo eso depende de las inversiones de otras personas y, en ese momento, obedeces a lo que quieran hacer contigo.

Lo nuestro fue lanzado con el sello independiente El Segell del Primavera, ¿qué le cansó de Warner?Lo nuestroEl Segell del Primavera

Con Warner he tenido una relación larga pero algo frustrante, porque mis intereses no entran en sus cánones comerciales. Rascaban entre mis canciones para sacar algo que se acercarse más a un tipo de público y al resto no le daban valor. La gota rebosó en La joven Dolores, el último disco que saqué con ellos. Yo quería que La canción del Eco saliese como single, pero no logré convencerles. Creía que ese tema era un clásico instantáneo, sobre todo porque estaba basada en otro clásico como La leyenda de Narciso, de Ovidio.

Al final eligieron una canción mucho más estándar, por decirlo de alguna manera, y que no tenía una declaración de principios como la otra. Ahí me di cuenta de que con ellos no podía avanzar. Después de un año dando vueltas encontré el sello del Primavera Sound, que está lleno de gente que ama la música y que la respeta.

¿La denuncia política se ha convertido en una moda en la música? ¿O aún hace falta más compromiso por parte de los artistas?

No creo que la gente se salvaguarde tanto a la hora de opinar. Pero escribir canciones políticas tiene muchas dificultades añadidas a nivel estético o técnico. Es muy difícil aportar algo que no esté dicho o escrito mil veces. Es decir, tienes que centrarte en hacer una buena canción, que funcione estéticamente, sea bonita y que tenga una letra interesante y poética. Pero sobre todo que lance un mensaje político sin ser una repetición de eslóganes.

Y también debes reflexionar en el tema para no caer en el error de ser ingenuo o simple. Lo intenté hacer desde muy joven y el resultado fue lo peor, así que los temas nunca llegaron a ver la luz.

Pero al fin llegó el momento con Alguien tendrá la culpa.con Alguien tendrá la culpa

Esa canción nació por la motivación política tan fuerte que vivimos. La notaba día y noche, tanto en la calle como en mi casa. Vamos, que llegó en un momento en el que no se podía hablar ni pensar en otra cosa. Necesitaba reflexionar acerca de por qué es tan difícil que la gente acepte su responsabilidad. Hablé de la sociedad de consumo, de su mercantilización y de que todos somos parte y víctimas de esto.

Pero por otro lado quería escribir una canción de tres acordes que cualquiera pudiese utilizar. Un cántico para que otro artista se lo pueda apropiar y cambiar la letra según sus experiencias personales. Yo escribí lo que quería contar, pero está abierta a que cada uno la utilice para lo que quiera denunciar.

Un espíritu muy similar al del 15M, ¿dónde estaba ese día hace cinco años?muy similar al del 15M

Vivo al lado así que lo vi crecer cada día y fue un cambio muy emocionante. Se abrió un proceso de reflexión, incluso entre los que no simpatizaban con el movimiento. Creo que hubo un examen de conciencia de arriba a abajo. Está siendo muy saludable y espero que llegue hasta el final.

Llega la época de festivales y la situación se mantiene, ¿la industria debería hacer también un examen de conciencia?

En el caso de los festivales no es que haya una ideología previa, simplemente ocurre porque los hombres se identifican más con cierta sensibilidad y ciertos sonidos. Hace falta que se enriquezca el espectro y, en el momento en el que haya más mujeres -no solo en los festivales-, se avanzará. Pero en general faltan muchas sensibilidades en los eventos de música. Se me ocurre también la homosexual. Si trabajamos en eso no será todo tan monolítico y masculino.

En cuanto al examen de conciencia, yo diría que es necesario. Empezando por preguntarse por qué las cadenas de mando siguen estando formada por hombres en nuestro país. Pues porque los hombres confían más entre ellos que en las mujeres y delegan más en sus compañeros. Por eso las cuotas, que admito que son un sistema cuestionable, tienen una razón de ser para romper esa dinámica. Casi para imponerla. Porque si esperamos a que ocurra naturalmente, el proceso será demasiado lento.

¿Cree que se lucha más para romperlo ahora que antes?

Todo lo que hicimos en su momento fue porque no podíamos hacer otra cosa. Las circunstancias son tan importantes como la identidad. Y fustigarse no tiene ningún sentido. Las mujeres de mi generación nos enfrentamos a un fenómeno de floración tardía, porque primero tuvimos que deseducarnos de las enseñanzas adquiridas y volver a formarnos en el feminismo.

Así que cuando adquieres tu plena potencia ya tienes unos años. Igual te llega a los 40 o a los 60. Bourgeois la tuvo una vez que hubo criado a sus hijos y después de que se hubiese muerto su marido. Su época dorada tuvo lugar precisamente al final de su vida. No hay esquemas prefijados ni hay que aceptar los prejuicios. Porque una cosa es lo que somos y otra lo que nos dejan ser.

Christina Rosenvinge es recordada por mucha gente como la cantante que interpretaba '¡Chas! Y aparezco a tu lado', una canción que a finales de la década de los 80 se convirtió en un auténtico éxito. Pero lo cierto es que su trayectoria musical es muchísimo más que eso y habla por sí sola. Con nueve discos de estudio publicados como solista y otros muchos de sus diferentes etapas en formaciones anteriores, la cantautora de ascendencia danesa se ha ganado a pulso ocupar la posición de respeto y admiración que ostenta dentro de la música no comercial.

Con 'Lo nuestro', su último disco, se sumergió en un sonido más experimental, lo que demuestra que el aprendizaje y la evolución son claves para la salud musical de un artista. Con motivo de su actuación este viernes, a las 21.00 horas, en Escenario Santander, eldiario.es ha hablado con ella para conocer más sobre su particular y apasionada forma de entender la profesión.

Acaba de volver de México y Colombia. ¿Ha tenido una buena acogida?

Muy buena, México es muy interesante. He ido poco, así que tengo una base de seguidores pequeña, pero muy entusiasta. En Colombia, en cambio, he tocado en un festival grande, porque ahí sí que hubo discos míos de los 90 que fueron muy populares. Fue muy emocionante, porque las nuevas generaciones habían oído esas canciones con sus padres y la gente se las sabía de memoria. Así que fue muy bonito, pero al mismo tiempo están muy al tanto de los últimos discos que he hecho. Ha sido muy gratificante.

Hay músicos que se sienten más queridos en otro países que en el suyo propio. ¿Alguna vez se ha sentido así?

No, yo me siento muy querida en España. Lo que pasa es que el público reacciona de formas distintas en cada sitio. Los españoles son más cohibidos y los latinoamericanos son más entusiastas, sobre todo los mexicanos. Eso es muy bonito, porque no hay ataduras para la pasión y resulta muy divertido cuando estás tocando.

Alguna vez ha hablado de su admiración por los músicos norteamericanos y su capacidad para innovar y salir de su zona de confort. ¿Hace usted lo mismo??

Lo he hecho en toda mi carrera en general. Trabajo bajo premisas más artísticas que comerciales. Lo que a ratos ha sido muy duro, mucho. Pero yo creo que, en definitiva, no estaba tan equivocada, porque gracias a eso no me he quemado ni me he quedado atrás.

¿Eso se percibe mejor en su último disco, 'Lo nuestro'?

En cada disco he asumido algún riesgo. Pero asumir riesgos no significa que piense en gustar a mucha gente, sino hacer algo interesante y que proponga ideas nuevas.

¿La innovación es premeditada o es parte de su evolución como cantautora?

Es mi forma de entender la música. Hay gente que tiene un carácter más clásico, les gusta hacer lo mismo cada vez mejor. Yo considero que hay que entender el tiempo en el que vives y que tu música debe ser una respuesta al tiempo en el que se hace.

¿Cómo se gestan sus canciones? ¿Cuál es la semilla?

Surgen de frases. Tengo un cuaderno donde voy escribiendo frases o reflexiones enteras, que vienen de sitios distintos: de conversaciones en la calle, de leer el periódico, de entrevistas, de la lectura... Pero fundamentalmente de lo que hablo y oigo en la calle. Entonces, en torno a eso elaboro unas teorías y van surgiendo ideas para letras. Musicalmente siempre estoy a la caza de melodías que me parezcan interesantes y luego intento congeniar una cosa con la otra.

El proceso compositivo, ¿es continuo?

No diría que totalmente continuo, porque para que tenga frutos no lo puedo hacer mientras hago otras cosas. Como realmente surge es con muchísimas horas de dedicación exclusiva, donde toda la energía esta focalizada en eso. Así que lo hago cuando estoy en mi casa, sola y sin mis hijos. Necesito soledad absoluta y varios días seguidos para que realmente el trabajo empiece a dar frutos. Así que tengo que poder llevar a cabo estos retiros de ermitaña para componer y, a veces, es muy difícil combinarlo.

Como solista está muy a gusto dentro de su estilo, siempre implementando melodías nuevas. ¿Qué mitos musicales han influido de forma determinante en su carrera?

Los mitos siempre son muy variados y van cambiando con el tiempo. Este año me ha gustado mucho el disco de Subjan Stevens, pero otros que ha hecho no me han gustando tanto...

¿Alguna mujer?

Las cosas en las que me fijo no me importa que vengan de hombres o mujeres. Para mí, el feminismo, precisamente, lo que trata es de borrar las fronteras del género. Mi postura feminista es precisamente no cuestionar el derecho a hacer lo que haces. En las letras de este disco, por ejemplo en 'La tejedora', sí que hago una reivindicación feminista, porque habla de la maternidad entendida como un sacrifico. Es un poco un canto en contra de esto, creo que tiene trasfondo. La canción no está generada por nada de lo que se dice, sino por una escultura de Louise Bourgeois, que tiene forma de araña -está en frente del Guggenheim- y se llama 'Mamá'. Esa reflexión que hace el artista sobre la maternidad es de donde he sacado yo esta canción.

¿Sus letras tienen más de la persona o de la compositora?

Para mí todo es uno. Soy un poco antena y un poco esponja [ríe]. Hay que saber traducir todo lo que ves y lo que sientes a un lenguaje musical.

¿Ve maltrecha la industria musical en España?

En estos momentos sí y para las nuevas generaciones está muy difícil. El cambio de modelo está perjudicando mucho a la gente que está haciendo música no comercial, así que hasta que se establezca un modelo más equitativo, está muy en entredicho la sostenibilidad de la música como sistema.

¿Diría que esta completamente satisfecha con su carrera musical o tiene alguna 'espinita' clavada?

Estoy muy contenta, en un momento muy dulce. Con una banda fantástica que toca como un prodigio y la verdad es que es un momento muy bueno, de entendimiento con el público. Aunque en este momento las cosas no son fáciles para nadie, es un momento vitalmente muy lleno y de plenitud.

¿Hasta dónde le llevará su trabajo próximamente?

Ahora estaré en Burgos y Santander y luego en el Sansan Festival 2016 de Gandía. Después, tengo algunas presentaciones y, entre otras cosas, una gira de conversaciones literarias entre músicos y poetas con Carlos Pardo en Córdoba. Mientras tanto escribo y reúno cosas.

La cantautora Christina Rosenvinge y el escritor Manuel Vilas comparten una pasión extrema por Lou Reed, el “genio”, como le califica Vilas, que falleció el 27 de octubre del año pasado. Y ahora, este aniversario les ha llevado también a compartir escenario en el IV Festival Poemad que se celebra este viernes y mañana sábado en el Conde Duque de Madrid. En él, Vilas recitará poemas que aluden directamente al líder de la Velvet Underground y a su mundo urbano, mientras que Rosenvinge tocará sus canciones más inspiradas en el músico. De ello hablamos en esta entrevista, de la fusión entre la música y la literatura y de sus próximos trabajos. De hecho, Rosenvinge ya anuncia que su disco, que saldrá en enero, será mucho menos confesional que los anteriores. Son los tiempos que corren.

¿Cómo surge este proyecto? ¿Os conocíais?

Christina Rosenvinge: Sí, somos amigos y nos propusieron un encuentro porque, como toda España sabe probablemente, Manuel es el mayor fan de Lou Reed de este país y querían hacer un encuentro con un músico. Y Lou Reed para mí es una referencia importante.

Manuel Vilas: Nos conocemos desde hace un tiempo y nuestra relación está en el orden musical y literario. Tenemos los mismos gustos musicales, y en este caso la misma pasión por Lou Reed.

¿Cómo os vais a complementar en el escenario?

C.R: Cada uno vamos a hablar de las obras que tenemos. Yo de mis canciones, en las que se puede vislumbrar la influencia de Lou Reed, bien porque esté presente directamente en la letra o porque tiene que ver en el proceso de la composición.

M.V: Yo leeré algunos poemas donde salga Lou Reed, aunque no va a girar todo en torno a Lou Reed porque también leeré los poemas que me han apetecido. Los que leo siempre, Los coches, El McDonald… Algunos que tienen que ver con el mundo que sugirió Lou Reed en su música y a través de sus letras, y las existencias bajo ese orden del mundo urbano.

Sois dos fan absolutos de Lou Reed, pero ¿quién es para vosotros y qué ha marcado?

M. V: Es un genio. Yo tengo un poema escrito a la muerte de Lou Reed. No estuve en la muerte de Mozart, de Kafka ni en la de Cervantes, pero sí en la de Lou Reed. Es un genio que se manifestó en el pop porque el pop ha sido la cultura de nuestro tiempo, pero podría haberse manifestado en cualquier otro orden artístico. Además, es un genio muy vinculado a la literatura. Es un gran poeta.

C.R: Lou Reed es una influencia inevitable para casi en cualquier músico y cantautor en esta época. La Velvet Underground es probablemente la banda que más ha influenciado a la música que se ha hecho a posteriori y en su momento. Se dice que tuvieron muy poco público, pero que cada persona que les vio formó una banda después. Y aparte de ello, Lou Reed como cantante y como letrista para mí es incuestionable como influencia en generaciones posteriores.

Y, desde luego, hay algunas canciones que son un poema como 'Perfect Day'.

C.R: Sí. Como letrista, con su estilo de cantar medio hablado, muy confesional en sus letras, de una crudeza que en su momento era absolutamente rompedora con todo lo que estaban haciendo los demás sí es una referencia importante. Además, es alguien que se ha muerto hace muy poco por lo que también era el momento de hacer esto.

M.V: Son letras muy cuidadas. En él hay un fondo literario muy poderoso. Ya por sus gustos literarios y, aunque no escribía novelas o poemas, sus letras pertenecen a un orden culto. Son letras complejas, no son las letras de Los Beatles de ‘ella me quiere’ y cosas así. Lou Reed, como Dylan, dio al pop un impulso literario importante.

Hay grandes músicos que son también grandes escritores, pero eso lo habíamos dejado pasar un poco en España hasta no hace mucho, ¿no os parece? Esta fusión entre música y literatura.

C.R: Bueno, las canciones que permanecen siempre en la memoria son las que tienen leras emblemáticas, Una buena melodía que no tiene una buena letra no será recordada de la misma manera. Las que se recuerdan son las que tienen letras que te han significado algo en su momento y que te continúan significando algo. Y en ese sentido yo sí creo que en España hay una escuela enorme de grandísimos letristas. En cuanto a si no se les ha valorado, hay una parte que sí y otra que no. Hay una parte que lo considera una forma de escribir poesía, y otra que lo puede considerar como un género menor, pero yo creo que son muchos más los primeros. No es exactamente poesía porque no se rige por las mismas leyes, pero sí que es una disciplina más. Y desde dentro te puedo decir que requiere tanto esfuerzo como las otras. Escribir la letra de una canción requiere muchísima técnica, experiencia y mucha lectura previa. Y es algo que no puede hacer cualquiera.

M.V: En mi opinión, el pop pertenece a la cultura anglosajona. Nosotros no hemos inventado eso, estamos colonizados por eso. Cabe esperar muy poco de nosotros en ese terreno porque no es nuestro. Nosotros hemos recibido esa cultura y no sé si tenemos algo que decir. Ojalá sí, pero yo soy un poco crudo en esto. Un personaje como Lou Reed no puede darse si no es dentro de la cultura anglosajona. O como Dylan. Son mitologías muy complejas, porque no es solamente saber cantar sino una combustión que procede de esa cultura, de Nueva York, de una visión del mundo, de un orden moral, capitalista que nosotros no hemos sabido crear porque históricamente no hemos estado allí. Es un problema cultural, sociológico y estético. Ayer [miércoles] estuve viendo Torrente 5, que no me parece nada desdeñable, y había un momento en el que Torrente se arrodillaba ante la figura de El Fary y dice una cosa que es verdad: ¡El Fary! ¡Nuestro Elvis español!. Y ahí estamos. La música española da otras claves.

En el caso de Christina, ¿qué te aporta la poesía para la música a la hora de componer? Y en tu caso, Manuel, ¿qué te da la música?

C.R: Para mí es una referencia fundamental. Además, no puedes leer solo letras de canciones. Para escribir, para mí es fundamental leer e inspirarse en el estilo y la pulsión que tienen otras formas. Yo de poesía he leído muchísimo, tanto cuando he escrito en inglés como en español. Y ahora mismo es lo que hago también. Para el último trabajo he leído mucho a Cernuda, al que he vuelto después de mucho tiempo. Y siempre es diferente según la época de tu vida. Últimamente he trabajado también con un poeta, Alejandro Simón Partal, con una performance a la que puse música el año pasado. Por ejemplo, directamente hay una canción que está hermanada con un poema suyo. También he estado leyendo otros textos distintos que no son exactamente poesía como El asco [de Horacio Castellano Moya], que me ha gustado muchísimo, [la poeta Wisława] Szymborska también … De hecho, hay una canción que está muy influenciada por un poema suyo.

M.V: La música es una energía, el pop es la energía de este tiempo. Es una forma de mirar y de estar en el tiempo que a mí me interesa. Conectarse de manera adecuada con lo que está pasando en la realidad. La representación precisa, histórica y estética de este tiempo se dio en el pop, no en la literatura. Los que nos dedicamos a la literatura somos una especie de arqueólogos. La cultura literaria es una cultura antigua. La cultura real de cualquiera es la del pop. Hay gente que no tiene ningún problema en seguir manteniendo sus credenciales estéticas en la literatura decimonónica española, en la alta cultura, pues muy bien, pero yo creo que eso no tiene que ver con este mundo. Yo me he formado como persona con la cultura del pop y he querido incorporarla. Yo pensaba antes que era de baja condición y se sigue considerando así. A Bob Dylan no le van a dar el Nobel nunca porque se entiende que es baja cultura, pero creo que está más vivo que a los que le dan el premio Nobel normalmente. Es que ves a estos tipos y piensas: yo quiero ser Lou Reed con esa cara de te voy a matar ahora mismo, y eso es el pop, no Vicente Aleixandre.

Se dice que la poesía son instantes que desnudan el alma, y en vuestros últimos trabajos os mostráis así, desnudos. Tanto en la novela 'Un luminoso regalo', como en discos como 'La joven Dolores' o 'Tu labio superior'. ¿Una necesidad personal?

M.V: Para mí es una necesidad personal. Otra cosa es que eso esté en conexión con los tiempos que corren. Pero ese libro mío procede de una necesidad, como todos. Y también tiene que ver con la vida de uno y con los vaivenes y vivencias. Son necesidades que van cambiando, yo creo que en los cambios de un escritor. Lou Reed también fue un músico que evolucionó de una manera feroz. No es como los Rolling Stone, que siempre hacen la misma música. Y a mí me ocurre parecido, hay cosas que me interesaban hace seis años y ahora no me interesa, y seguramente dentro de seis años lo de ahora no me interese.

C.R: Bueno, lo que yo estoy escribiendo ahora es menos confesional. Mi último trabajo también estaba muy influido por textos clásicos, algunas canciones eran directamente una readaptación de mitos clásicos o bíblicos como La mujer de Lot o Adán y Eva. Era poner en forma poética mitos literarios. Y era una cuestión de cruzar textos universales con experiencia propia

¿Y por qué el nuevo disco es diferente? ¿Por qué es menos confesional? He leído también que es más psicodélico, ¿por los tiempos políticos que corren? ¿Los nuevos partidos? En tu caso, Manuel, acabas de publicar también algo distinto, 'Listen to me', un híbrido que nace de tus post en Facebook.

C.R: [El disco] no es completamente distinto pero es menos narrativo y es más poético. Pero no es psicodelia sino más psicodelia industrial. Y bueno las cosas salen y les empiezas a encontrar la explicación cuando empiezan a preguntarte por qué lo has hecho, pero mientras lo haces no sabes por qué. Es simplemente una cuestión de intuición. Lo que haces es una reacción a lo que vives y a lo que se vive a tu alrededor. No hay una meditación previa. La explicación está en los tiempos en los que vivimos y en el momento que uno vive en el que creo que las preguntas grandes y lo colectivo prima sobre lo individual, pero supongo que esto no solo a mí sino a otra mucha gente le está ocurriendo.

M.V: A mí me gusta mucho ese libro. Para mí Facebook es una herramienta literaria y tiene mucha marcha rockera, es muy pop. Tú cuelgas algo y es inmediato. Lo que me fascina es la inmediatez con la que es recibido tu mensaje. No tienes que llevárselo al editor, las pruebas, que eso salga o no… En realidad, Facebook es un procedimiento literario abreviado. Enseguida llega a los lectores. Y probablemente en el futuro la literatura será así. Para qué vas a estar esperando a que la lea un editor, diga no sé qué, luego vaya a la imprenta, la promoción… Es más inmediato, es como decir, vamos a hacer un concierto aquí y ya está.

¿Y para cuándo va a estar este disco? ¿Y tus próximos trabajos, Manuel?

C.R: El año que viene. En enero. En España está completamente acabado.

M.V: Tengo entregada una novela y con un libro de poemas terminado. Yo creo que el año que también viene irá saliendo todo.

Explosión poética en Madrid

Si queréis poesía este fin de semana, no hay excusas. La Casa Encendida ha programado las jornadas Mil novecientos violeta. Poesía, Internet y 1990, coordinadas por la poeta Luna Miguel y en las que se ahondará en lo que está pasando en la escena poética española y la influencia de las redes sociales, Tumblr, Instagram o Snapchat, herramientas utilizadas por estos escritores que han creado un lenguaje propio, además de montar un nuevo universo editorial alejado de las estructuras tradicionales. Entre los participantes, Annie Costello, Óscar García Sierra, Rosa Berbel, Miguel Rual y Arturo Sánchez, moderados por Elena Medel.

Este viernes y sábado, la editorial digital Musa a las 9 ha organizado también la IV edición de Poemad en el Conde-Duque. La jornada se inicia con un recital de Francisca Aguirre y Guadalupe Grande y seguirá con César Antonio Molina, Vicente Molina Foix, Antonio Lucas, Carlos Marzal, Felipe Benítez Reyes y Pilar Adon. El día terminará con la actuación poético-musical de Manuel Vilas y Christina Rosenvinge. El sábado estará dedicado al gran poeta XXX Rafael Cadenas, que recitará varios poemas y también habrá un homenaje a Juan Gelman y José Emilio Pacheca. El festival se cerrará con un espectáculo de flamenco y poesía con la guitarra Pepe Habichuela y las voces de Inma Chacón y Ernesto Pérez Zúñiga.