James Irsay fue un empresario multimillonario estadounidense conocido por ser propietario del equipo Indianapolis Colts de la NFL y por su labor filantrópica, pero su faceta más personal fue la música, de la que da ejemplo su colección de guitarras míticas que salen a subasta.

Fallecido el 21 de mayo de 2025, sus hijos han decidido poner a la venta la colección de guitarras de leyendas de la música de Irsay. Con piezas de George Harrison, Eric Clapton o Kurt Cobain, la llamada The James Irsay Collection serán subastadas por Christie’s en los próximos meses.

Guitarras de Kurt Cobain y Pink Floyd: las piezas millonarias a subasta

De entre todas las piezas que se subastan de la colección personal de James Irsay, hay una que destaca por encima del resto por su participación en la historia de la música: una guitarra Fender Mustang azul que perteneció a Kurt Cobain, y que se valora entre 2,1 y 4,1 millones de euros.

La guitarra tiene un valor millonario que va más allá de la pieza, sino por su historia detrás, y es que es la pieza con la que el líder de Nirvana grabó el videoclip de “Smells Like Teen Spirit” en 1991, todo un himno no solo de la banda, sino de la música de la década de los 90 y en general.

La otra pieza millonaria y de gran valor y atractivo es una guitarra que perteneció a David Gilmour, de Pink Floyd, que se estima entre 1,7 y 3,4 millones de euros. Se trata de una Fender Stratocaster con el apelativo de The Black Strat, que Irsay adquirió en 2019 a través de una subasta benéfica, y Amelia Walker, responsable de colecciones privadas e icónicas en Christie’s, asegura que esta guitarra marcó “auténtico punto de inflexión” en el valor de la colección.

Otras guitarras de valor que pertenecieron a John Lennon y Prince

La colección subastada también incluye una guitarra Rickenbacker 1996 de modelo Rose-Morris que John Lennon utilizó en los conciertos de Navidad de los Beatles en Londres entre diciembre 1964 y enero 1965, que se ha cifrado en un valor entre 675.000 y un millón de euros.

Otra de las piezas destacadas es una guitarra amarilla que Prince usó durante la gira Act II y que formó parte de la improvisación de cierre de gira en Londres el 8 de septiembre de 1993. Se ha valorado entre 85.000 y 120.000 euros, siendo parte de una época en la que se identificó como The Artist Formerly Known as Prince, y en la que presentó su álbum de caras B con clásicos como Peach o la grabación en primera persona de Nothing compares 2 U.

Es considerado uno de los álbumes más influyentes del rock y ha cumplido medio siglo de su lanzamiento, para el que se ha estrenado un vídeo inédito con imágenes de Pink Floyd, que además ha hecho que con su reedición vuelva a ser número. La revista Rolling Stone lo define como “una odisea musical que ha trascendido en el tiempo”, y eso que tenía la difícil misión de venir después de uno de los discos más importantes de la historia de la música, ‘The Dark Side of the Moon’.

Ocho semanas seguidas había estado su antecesor en lo más alto, pero ‘Wish You Were Here’ de Pink Floyd también consiguió grandes números, con más de seis millones de copias solo ya en el mercado estadounidense, y es el favorito de dos miembros de la banda, del guitarrista David Gilmour y del tecladista Richard Wright. Sin embargo, la historia detrás de su creación y grabación no fue nada fácil.

El camino de obstáculos para crear ‘Wish You Were Here’

Pink Floyd venía del monumental éxito de ‘The Dark Side of the Moon’ y de un parón abrupto después de una gira interminable en un momento que ya eran considerados superestrellas y se colocaban a la altura de grupos como Led Zeppelin o Rolling Stones, pero esto también había causado tensión y a punto estuvo de llevar a la ruptura de la banda.

Así fue como se unieron en los estudios Abbey Road para comenzar a grabar, pero las ideas no salían, se habían distanciado y la creatividad conjunta no acaba de funcionar, además de que venían de trabajar cada uno en proyectos paralelos aprovechando el parón que habían tenido. Entre medias, el grupo había intentado también sin éxito crear un disco entero solo utilizando objetos domésticos para crear sonidos, llamado Household Objects, pero que resultó un esfuerzo en vano cuyo resultado decepcionante los llevó a cancelar su lanzamiento.

No sería hasta diciembre de 1973 cuando la banda no comenzó a experimentar con las emociones que sentían para comenzar a crear ‘Wish You Were Here’. Y entonces, tuvieron una sorpresa que todavía calaría más en el disco: la aparición inesperada de Syd Barret. El antiguo integrante de la banda y líder en los comienzos se presentó sin avisar en los estudios, con un físico irreconocible y dando muestras de la figura recluida en la que se había convertido tras salir en 1968 de Pink Floyd por problemas de salud mental.

Esta aparición de Syd Barret creó tensiones y emociones en su vocalista, Roger Waters, que se había convertido en su líder tras su marcha, pero no fue lo único, pues a esto se unieron las sesiones de trabajo de largas horas “tortuosas” según el propio Waters, y se generaron también conflictos entre David Gilmour y Nick Mason, porque consideraba que a este le estaban afectando a su forma de tocar la batería.

Un viaje emocional y de crítica a la industria musical

Esto dio como resultado un disco, ‘Wish you were here’ en el que las canciones funcionan como un todo, que denotan nostalgia y sentimiento de perdida, pero también una crítica satírica a la industria musical, algo que se aprecia en ‘Have a Cigar’, el sencillo con el que se promocionó el álbum y que incluyó al cantante Roy Harper, que puso su voz principal para captar el tono que querían aprovechando que estaba grabando al lado en el estudio.

Pero la reaparición de Syd Barrett no quedó sin tener su espacio en el disco, con la canción ‘Shine On You Crazy Diamond’ como homenaje explícito, sobre la que Waters contó que quiso captar sus sentimientos sobre la ausencia del fundado del grupo en el libro Comfortably Numb: The Inside Story of Pink Floyd.

De ‘Wish you Were Here’ también quedó su portada como una de las más icónicas del rock, en la que se ve a dos personas juntas en los estudios de Warner Bros en Los Ángeles, diseñada por Aubrey “Po” Powell que quería transmitir las consecuencias de ocultar las vulnerabilidades, el yo interior, y esto hace que se quemen por dentro, una metáfora visual que refleja la desconexión emocional y personal que experimentó el grupo para este álbum.

El 28 de abril de 1973, el álbum The Dark side of the Moon, de Pink Floyd se colocaba por primera vez en el número uno de la lista Billboard, una clasificación que no abandonaría hasta 741 semanas después, lo que viene a ser traducido en casi ocho años entre los discos más vendidos, un récord que sigue ostentando al no haber sido superado más de 50 años después.

Un disco que cambió la historia del grupo, pues fue el que consagró a Pink Floyd como estrellas de la música, pero también supuso un antes y un después en el llamado rock sinfónico, al haber llegado como uno de los álbumes más influyentes y con mayor legado musical.

‘The Dark side of the Moon’, el disco que lanzó al estrellato a Pink Floyd

Pink Floyd comenzó su historia en 1964 siendo un cuarteto compuesto por Syd Barrett, que hacía de guitarra, voz y principal compositor, Roger Waters en el bajo, Richard Wright al teclado y Nick Mason como batería. Sin embargo, en 1968, Barrett sería expulsado debido a los problemas que causaba en la banda con su comportamiento por el abuso de drogas y su salud mental.

David Gilmour entraría en su lugar como sustituto, y formaría parte de la etapa más exitosa y que consagraría a Pink Floyd como uno de los grupos principales de la historia del rock, gracias a la acogida que tuvo The Dark side of the Moon.

El disco, que era el octavo de estudio de la banda británica, llegó a las tiendas en marzo de 1973, siendo un éxito a nivel global, y con una misma gira por Estados Unidos que corrió la misma suerte en ese mes, quedándose corta y teniendo que regresar tiempo más tarde para volver en otro tour por el país.

The Dark side of the Moon incluía un material conceptual centrado en temas como la avaricia, el paso del tiempo o la muerte, que se pueden apreciar en clásicos como Money, Us and Them, Time o Breathe, míticas caciones de la banda.

El tercer disco más vendido de la historia

El disco fue todo un éxito al estar 741 semanas consecutivas en la lista Billboard de los más álbumes más vendidos en Estados Unidos, todo un récord que sigue ostentando, y que subió hasta las 900 semanas en total debido a reediciones posteriores.

En total fueron 45 millones de copias vendidas en todo el mundo, siendo el tercer disco con más ventas en la historia de la música, solo por detrás de Thriller de Michael Jackson y Back in Black de AC/DC. Además, su icónica portada con un triángulo sobre fondo negro con un arcoíris en su parte derecha es todo un icono de Pink Floyd y del rock en general.

Tras él llegarían otros trabajos destacados como Wish You Were Here, que incluía un homenaje a Syd Barrett, o The Wall, con el éxito Another Brick in the Wall, uno de los mayores sencillos de la banda británica, que publicó su último álbum de estudio en 2014, The Endless River.

Es en tiempos convulsos cuando el debate sobre la conveniencia (o no) de exhibir públicamente los afectos políticos se torna candente, especialmente para quienes gozan de más proyección. ¿Debe un artista ostentar su activismo o, por el contrario, limitarse a cumplir con las exigencias de su profesión? Esta cuestión enciende acalorados debates desde la 'extraña fruta' (Strange Fruit, una canción contra los linchamiento de afrodescendientes en EEUU) de Billie Holiday hasta los pechos desnudos de Amaral. A la vez que los británicos Sleaford Mods finalizaban abruptamente su concierto en Madrid por la insistencia de un espectador en lanzarles un pañuelo palestino, Björk publicaba un post en Instagram cuestionando irónicamente si la expansión de Israel significaba “compartir”. También por su defensa del pueblo palestino, Roger Waters, exmiembro de los legendarios Pink Floyd, ha visto cómo le cancelaban habitaciones de hotel en su presente gira mundial.

En una entrevista de gran difusión con Gleen Greenwald, el periodista que hizo públicas en The Guardian las revelaciones de Edward Snowden, Waters apeló al derecho de Palestina a resistir su ocupación. A partir de ese momento, empezaron las cancelaciones. Hasta cinco establecimientos hoteleros se han negado a alojarlo en los últimos días. El británico, que tiene programados varios conciertos de su gira de despedida para las próximas semanas, ha visto cómo hoteles de Montevideo, Buenos Aires y Bogotá han ejercido su derecho de admisión contra él y le han denegado la estancia, según reportaron los medios latinoamericanos.

Tampoco es la primera vez. Waters ha sido repetidamente tachado de antisemita por respaldar al movimiento propalestino BDS (Boicot, Desinversiones y Sanciones) desde 2011, año en que a través de una carta abierta al periódico The Guardian quiso sumarse a las exigencias de dicha organización e iniciar un boicot cultural con una petición expresa a la comunidad de músicos para que excluyeran a Israel de sus giras. En ella reafirmaba su solidaridad, no solo con el pueblo palestino, sino también con aquellos israelíes que pueden no comulgar con las decisiones de su gobierno. Waters, que describe la política del primer ministro israelí, Benjamin Netanyahu, como “supremacista y racista”, se pronuncia taxativamente en contra de la ocupación y el apartheid que sufren los palestinos desde 1948. Una empatía, la que profesa hacia los pueblos de Oriente Medio, cuyo origen se remonta a su juventud, cuando, tras recorrer Europa haciendo autostop, Waters visitó la zona. Allí le conmovió la hospitalidad de un viejo y humilde matrimonio árabe que, además de ofrecerle comida y techo donde pernoctar, le cedió la única cama de la que disponía. Aquella experiencia caló en el joven, quien décadas más tarde la transformaría en canción. Leaving Beirut (2004) recoge ese vínculo sensible y fraternal que ha moldeado la concepción humanista del músico, quien siempre se refiere a los habitantes del mundo como sus “hermanos y hermanas”.

Es por ello que, ante la ráfaga de acusaciones de antisemitismo, reitere la misma réplica. Roger Waters insiste en que su problema es el Estado de Israel y no los judíos. Así de tajante se mostraba en unas declaraciones del pasado año a la revista Rolling Stone: “Absolutamente no. No soy antisemita. Pero eso no evita que los imbéciles intenten desprestigiarme calificándome como tal”. Y hace solo unos días lo recalcaba en otra entrevista: “No más asesinatos en Tierra Sagrada. De nadie. Todos somos iguales y merecemos los mismos derechos humanos”. En cualquier caso, sus continuas puntualizaciones no han evitado la reciente publicación de The Dark Side of Roger Waters, un breve documental que pretende demostrar su antisemitismo a través de inquietantes correos y declaraciones de personas que trabajaron con él, incluido Bob Ezrin, productor de The Wall (1979) o el saxofonista Norbert Stachel, ambos judíos. Hasta David Gilmour, quien fuera su compañero en Pink Floyd, se ha servido del mismo para echar más leña a una relación irrecuperable, deteriorada desde que en 1985 Waters abandonara la formación por desavenencias sobre la dirección artística del proyecto e iniciara una etapa en solitario. Gilmour, que retuiteó la publicación en que se promocionaba The Dark Side of Roger Waters, hundía un poco más el machete de la discordia entre ambos. Pocos días después, Waters hacía público un comunicado para responder a las acusaciones vertidas en el documental.

Quien en sus años de estudiante liderara en Cambridge un movimiento juvenil por el desarme nuclear es ahora partidario de una Palestina libre, apoya la causa Black Lives Matter, exige la liberación de Julian Assange, se cuestiona el relato occidental en temas como la guerra de Ucrania y denuncia la demagogia de la extrema derecha encarnada en Jail Bolsonaro o Donald Trump. El músico apela a la Declaración Universal de Derechos Humanos de París en 1948 como base de su pensamiento político. 

Nadie que conozca mínimamente la discografía de Roger Waters se sorprenderá de su posicionamiento ni de su vehemencia en transmitirlo. Hablamos de alguien que escupió a un espectador que le incordiaba en uno de sus conciertos y, sacudido por su ignominioso gesto, se construyó un gran muro conceptual tras el que aislarse del mundo. The Wall es un álbum mastodóntico, la gran obsesión del entonces bajista de Pink Floyd, con el que rubricaba su compulsión por determinados asuntos: el antibelicismo, la opresión del sistema educativo o el antifascismo, entre otros. Waters, que recogió el testigo como compositor principal de la banda tras la desvinculación forzosa (y forzada) de Syd Barret por problemas de salud mental, es un creador honesto e introspectivo que combina los grandes temas existenciales con complejos arreglos musicales. Un ambicioso estilo, artístico y vanguardista, que definió y encumbró a los británicos en entregas tan emblemáticas como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975) o Animals (1977).  

El mismo Waters, aficionado a la autorreferencia, ha gustado de explicar cómo algunas de sus composiciones trascendieron lo meramente artístico para jugar un papel activo en el plano político. Por ejemplo, Another Brick in the Wall, Part 2 (1979), un tema sobre cómo la educación coarta la individualidad, ha servido de himno para diversas causas, especialmente entre revueltas estudiantiles gracias a la literalidad de su texto. Solo un año después de su lanzamiento ya estaba prohibido en Sudáfrica, donde fue empleado por grupos de estudiantes negros para exigir una educación igualitaria. Y 25 años más tarde, en 2005, unos niños palestinos que participaban en el West Bank Festival la adaptaron para protestar contra el muro israelí: “We don't need no occupation! We don't need no racist wall!” (“¡No necesitamos ser ocupados! ¡No necesitamos un muro racista!”), cantaban. Entre algunas de sus célebres acciones destaca el macroconcierto con el que festejó la caída del Muro de Berlín, The Wall Live in Berlin, en julio de 1990, y cuyos beneficios fueron íntegros a la fundación World War Memorial Fund for Disaster Relief que protegía a las víctimas de las guerras.

El octogenario músico aprovecha el impacto de congregar a más de 20.000 personas en cada uno de sus conciertos para ejercer de altavoz de múltiples causas, con esa pizca de ira, soberbia y condescendencia que se gasta en sus arengas. Al inicio de su gira de despedida, This Is Not A Drill, que recorre ahora Sudamérica en su etapa final, se escucha su voz diciendo: “Si eres de los de ‘me encanta Pink Floyd pero no soporto el rollo político de Roger’ será mejor que te largues al bar de inmediato”. Sobre un escenario de 360º, Waters desgrana los grandes éxitos de su carrera al tiempo que una gigantesca pantalla proyecta enormes letras en las que pueden leerse desde nombres propios a eslóganes, entre ellos “a la mierda la ocupación”, “a la mierda el patriarcado” o “frena el capitalismo” (una contradicción que no escapa a los que desembolsan entre 70 y 140 euros por entrada).

Tras el paso de la gira por Berlín, las autoridades alemanas cancelaban el concierto que estaba previsto en Fráncfort. Tanto los visuales como la imaginería propia del espectáculo fueron, de nuevo, tildados de antisemitismo. La acusación recaía, principalmente, en una de las secciones del espectáculo en la que se exhiben nombres de quienes Waters considera víctimas del autoritarismo: junto al de George Floyd, asesinado por la policía estadounidense, se puede leer el de la periodista palestina Shireen Abu Akleh o el de la adolescente judía Ana Frank. Esta acción fue también denunciada por el Estado de Israel a través de un tuit que incluía un par de imágenes del concierto y el siguiente texto: “Buenos días a todos menos a Roger Waters, que pasó la noche en Berlín profanando la memoria de Ana Frank y de los 6 millones de judíos asesinados en el Holocausto”.

A pesar de que el británico ganó el recurso y pudo finalmente tocar en Fráncfort, la controversia no ha dejado de acompañarle en el transcurso de la gira, ya sea por unos u otros motivos. Así, el vuelo por el interior del recinto de un cerdo inflable marcado con la Estrella de David, volvió a enfurecer al sionismo. El animal, que forma parte de la imagen de Pink Floyd desde que protagonizara hace más de 40 años la portada de Animals (1977), es un símbolo de opresores (cerdos) frente a oprimidos (ovejas) préstamo de Rebelión en la granja (1945) de George Orwell y que Waters emplea de forma mudable para denunciar diferentes cuestiones. También causó gran revuelo una teatralización del fascismo cuando Waters aparece sobre el escenario vestido con un uniforme similar al de las SS y una falsa metralleta. Una representación satírica de lo demagogo de estos regímenes en “un claro gesto contrario al fascismo y la injusticia”, según pudo aclarar él mismo tras ser investigado por incitación al odio.

En cualquier caso, resulta irónico que se relacione al británico con el nazismo. Waters perdió a su padre en la Segunda Guerra Mundial, lo que provocó en él un rotundo rechazo hacia el belicismo, el fascismo y toda forma de autoridad. Una historia que, además, inspiraría canciones como When The Tigers Broke Free (1979) o The Final Cut (1983). Eric Fletcher Waters, quien paradójicamente también perdió a su padre en la guerra (la Primera, en su caso), era un profesor de historia de origen humilde, pacifista y comunista que guardaba afinidad política con su mujer. Cuando los nazis atacaron Inglaterra, se hizo objetor y se le encomendó la conducción de una ambulancia, pero el avance fascista zarandeó su conciencia y acabó alistándose. Fue uno de los 4.000 muertos británicos en La batalla de Anzio (Italia), en febrero de 1944. Roger Waters era entonces un bebé de seis meses. Al no ser recuperado el cuerpo, fantaseó toda su infancia con la posibilidad de que, en algún momento, apareciera con vida. Le llevó años aceptarlo. Y le quedó la rabia. Pero también un valioso ejemplo que condicionó, inequívocamente, su ideario.

Imagina entrar en tu cerebro y ver lo que pasa mientras escuchas una canción. Y lo que es más difícil: imagina poder reconstruir la canción que estás escuchando solo a partir de la actividad de las neuronas. Esto es, de forma simplificada, lo que ha conseguido un equipo liderado por Robert T. Knight, de la Universidad de California, Berkeley, que publica sus resultados este martes en la revista PLOS Biology. 

Los autores del estudio han analizado la actividad neuronal de 29 pacientes mientras escuchaban un clásico del rock mediante una técnica conocida como electrocorticografía, con electrodos que se implantan directamente sobre la corteza cerebral, aprovechando una operación quirúrgica programada, generalmente para localizar y eliminar un foco de epilepsia. Para ello crearon un modelo de decodificación de la actividad cerebral registrada con 2.668 electrodos en total, de los que 347 recogían señal relacionada específicamente con la música.

“Hemos podido reconstruir con éxito una canción a partir de la actividad neuronal registrada en la corteza auditiva”, explica el primer autor del artículo, Ludovic Bellier, a elDiario.es. “El hecho de que podamos hacerlo incluso en un solo paciente y con muy pocos datos (solo tres minutos) es muy prometedor para las aplicaciones de interfaz cerebro-ordenador y nos ha permitido confirmar que la percepción de la música se basa predominantemente en el hemisferio derecho y evidenciamos una nueva subregión sintonizada con el ritmo musical”.

Decodificar la música

Buena parte de los esfuerzos científicos se habían centrado hasta ahora en decodificar lo que pasa en el cerebro durante el habla, con el objeto de ayudar a comunicarse a personas que han perdido la movilidad. Pero diseñar un modelo predictivo para la música entrañaba una dificultad extra, ya que había que tener en cuenta otros elementos como el tono, la melodía, la armonía y el ritmo, además de monitorizar regiones diferentes de la red de procesamiento de sonido de la corteza auditiva.

Para realizar las pruebas, los autores escogieron el clásico de la banda Pink Floyd, la canción Another Brick in the Wall. Aunque Bellier y Wright son fans de este grupo musical, no fueron ellos los que escogieron el tema, sino el equipo del Albany Medical Center que recogió los datos. “Al fin y al cabo”, bromea Bellier, “a todo el mundo le gusta Pink Floyd”. En el estudio justifican el uso de este tema porque constituye un “estímulo auditivo complejo”, útil para disparar la respuesta neuronal distribuida, incluyendo la activación de regiones que codifican elementos de orden superior, como coros, armonía y ritmo.

Los electrodos utilizados en el estudio se situaban en tres regiones específicas del cerebro: la corteza sensoriomotora (CSM), el giro frontal inferior (GFI) y el giro temporal superior (GTS). De ellas, solo la última (GTS) era especialmente importante en la activación relacionada con el ritmo de la música, en concreto con el de la guitarra en la música rock. 

Con los datos de la actividad neuronal experimentada por los sujetos mientras escuchaban la canción, los autores aplicaron lo que se denomina ‘ablación’ virtual, que consiste en eliminar canales de registro, como si apagaran algunos electrodos para ver qué sucede, y poner a prueba la capacidad predictiva del modelo para ver con cuántos datos se reconstruye una señal más fiel al original. 

Para ello, también tradujeron la información de la actividad neuronal a espectrogramas y convirtieron estos en sonido. Este es el audio de referencia para la comparación, el que se obtiene al tomar la canción original, pasarla a audiograma y traducirla a sonido:

A partir de los datos originales, los investigadores hicieron varias reconstrucciones. Una de las que más se parecía al original fue una reconstrucción no lineal de la que obtuvieron un primer audio, con los datos de la señal leída por 347 electrodos en el cerebro de los 29 voluntarios. Sonaba así:

“La reconstrucción no lineal proporcionó una canción reconocible, con detalles más ricos en comparación con la reconstrucción lineal”, aseguran. “La calidad perceptiva de los elementos espectrales como el tono y el timbre mejoró especialmente, y la identidad de los fonemas fue perceptible”, añaden. “También hubo un sentido más fuerte de armonía y un surgimiento del patrón de guitarra rítmica”. El resultado, resumen, es que han podido reconstruir por primera vez una canción a partir de grabaciones neuronales humanas directas utilizando modelos no lineales. “En conjunto, estos resultados mejoran nuestra comprensión de la dinámica neuronal que subyace a la percepción de la música”, concluyen.

Apagar y encender canales

Según los investigadores, estos hallazgos podrían tener implicaciones para las interfaces cerebro-máquina, como los dispositivos protésicos que ayudan a mejorar la percepción de la prosodia, el ritmo y la melodía del habla. “Los resultados podrían contribuir al desarrollo de un decodificador auditivo general que incluya los elementos prosódicos del habla basándose en relativamente pocos electrodos bien ubicados”, escriben.

Para Liset M. de la Prida, investigadora del Instituto Cajal, del CSIC, cuyo grupo trabaja en el análisis de señal, es un estudio bien hecho por parte de un buen grupo de investigación. “Decodificar la información directamente de la actividad cerebral es un tema de relevancia para el desarrollo de interfaces cerebro-máquina”, asegura. A su juicio, el resultado no es del todo nuevo, ya que ha habido otros intentos similares de extraer información directamente de la actividad cerebral, como imágenes o lenguaje, pero “son pasos importantes para avanzar en el desarrollo de interfaces inteligentes que ayuden a paliar los defectos neurológicos”. “Este tipo de resultados nos ayuda a entender mejor cómo el cerebro representa la información”, asegura la experta. Y es un reto reconstruir fragmentos musicales ya que no reflejan sonidos puros, sino combinaciones y matices más sutiles, recuerda.

Para Juan de los Reyes Aguilar, investigador del Grupo de Neurofisiología Experimental del Hospital Nacional de Parapléjicos de Toledo, tienen especial interés el uso de la “ablación virtual” en el diseño del modelo, que podría tener aplicaciones en otros campos como el de la lesión medular, que él estudia. “El apagado selectivo de diferentes electrodos simulando diferentes niveles de daño neuronal es como producir pequeños ictus o lesiones localizadas”, asegura. En el caso concreto de la audición, podría permitir en un futuro abordar la creación de una prótesis para un paciente que, mediante el proceso de decodificación y codificación, recupere las funciones dañadas. “En un escenario ideal, se podría usar la estimulación para activar neuronas en regiones corticales específicas con patrones de frecuencias concretos que permitan 'rellenar' o reproducir la función dañada”. 

Adivinar solo si ya sabes

Un aspecto importante a destacar, subraya De la Prida, es que este tipo de predicciones es posible hacerlas porque ya sabes la información a decodificar desde la actividad eléctrica cerebral. En este caso la canción de Pink Floyd. “Es lo que se conoce como la verdad fundamental, o ground truth del inglés”, asegura. “Sabiendo lo que debes predecir, puedes entrenar los algoritmos a reconocer los códigos en la actividad cerebral y luego aplicarlos a registros nuevos en otros sujetos, haciendo modelos predictivos más generales”.

“Para saber si con esta técnica de registro y análisis se podría leer qué música está escuchando alguien tendrían que hacer otro experimento más”, añade el neurocientífico Xurxo Mariño. “Tendrían que ponerle al paciente un fragmento de una canción desconocida para los científicos (sin que la escuchen antes) y que estos reconstruyeran algo de esa canción, pero en la actualidad no lo creo posible”. En su opinión, el trabajo es una muestra muy impactante de que las hipótesis que tenemos sobre las primeras etapas del procesamiento sensorial están bien encaminadas, pero cree que también muestra que estamos aún muy lejos del sueño de “leer” el pensamiento.

¿Hacia un “spotify mental”?

La pregunta que invita a hacerse este resultado es obvia: ¿facilitará el conocimiento de cómo se activa la música en el cerebro la posibilidad de desarrollar un sistema de estimulación que nos permita escuchar música mediante estimulación neuronal? “Es una pregunta fascinante que toca muchos temas, desde las tecnologías de estimulación cerebral hasta la conciencia”, responde Bellier. “Diría que sí, pero antes de llegar a este punto tendríamos que hacer muchos progresos tanto en la comprensión del código neuronal de la música como en la obtención de habilidades de estimulación muy granulares, pero posiblemente generalizadas . En otras palabras, saber qué patrón entregar y poder para entregarlo con precisión”.

“Hay que tener en cuenta que no es lo mismo ‘leer’ la actividad cerebral (decodificar) que ‘escribir’ (codificar)”, observa Liset M. de la Prida. “El problema de insertar información en el cerebro sin degradar la existente no está resuelto”. Por no hablar, como señala Xurxo Mariño, de que los detalles de una canción se representan siempre de forma distinta de un cerebro a otro. “Si conoces con detalle el mapa sensorial auditivo de una persona, sí que podría ser posible generar una canción en su mente, pero esa activación neuronal no valdría al 100 % para otra persona”, comenta.

Por otro lado, indica De la Prida, teniendo oídos no tiene mucho sentido producir un sonido por estimulación, salvo que se haga para paliar una sordera.  “Se trataría de estimular el cerebro para que personas con daño neuronal cortical parcial en el sistema auditivo pudieran volver a escuchar al restaurar la pérdida parcial”, afirma Juan de los Reyes. Y ya no estaríamos hablando de crear una aplicación para escuchar música mediante estimulación, sino de algo más importante: restaurar la audición en personas que la han perdido por un daño cerebral.

David Gilmour, vocalista y guitarrista de Pink Floyd, ya conocía a Andriy Khlyvnyuk, de la banda de rock ucraniana BoomBox, cuando le vio cantando en un video publicado por las Fuerzas Armadas del país atacado por Rusia. Khlyvnyuk, con quien el grupo de rock progresivo había compartido escenario en Londres —en un concierto a favor del Belarus Free Theathre, una compañía teatral perseguida por el Gobierno bielorruso— había sido movilizado para las milicias de su país.

La canción que canta Khlyvnyuk es Oi u luzi chervona kalyna (“Oh, el viburnum rojo en el prado”, en su traducción al español), un himno patriótico compuesto en 2014 en honor a un batallón ucraniano del ejército austrohúngaro. Y a Gilmour, según ha explicado en The Guardian, le motivó para crear algo a partir de esa grabación.

El resultado es la canción Hey Hey Rise Up, primera composición de Pink Floyd en 28 años y que utiliza un sampleo de la voz de Andriy Khlyvnyuk en esa grabación frente a la Catedral de Santa Sofía, en Kiev. El título proviene del último verso de la canción original, que dice, en su traducción al inglés: “Hey, hey, rise up and rejoice” (“Oye, oye, levántate y alégrate”). El video de Khlyvnyuk provocó que otras muchas personas se grabaran cantando la misma canción, lo que dio pie a las Fuerzas Armadas a crear un video coral juntando todas las voces.

El videoclip de Pink Floyd, publicado en la medianoche del jueves al viernes, comienza explicando de dónde surge la canción. Unos rótulos sobre la imagen de tanques rusos con una Z pintada en su superficie, recuerdan que el 22 de febrero, Rusia invadió Ucrania y que Khlyvnyuk abandonó la gira que estaba haciendo con su grupo por Estados Unidos para enrolarse en el ejército: “Ahora Pink Floyd se ha unido a Andriy para apoyar su mensaje de resistencia”, dice el video. Mat Whitecross, codirector de Camino a Guantánamo y de otras películas musicales como los biopics de Ian Dury Sex & Drugs & Rock & Roll u Oasis: Supersonic rodó el video, con una proyección del video de Andriy Khlyvnyuk a sus espaldas, el mismo día en que el grupo grabó la canción.

La portada, en la que se ve representado un girasol, símbolo ucraniano, ha sido realizada por el artista cubano residente en Texas Yosan Leon. Los beneficios del streaming y las descargas de la canción irán a parar al Fondo de Ayuda a Ucrania de las Naciones Unidas.

Desde la muerte del teclista Richard Wright en 2008, el grupo había asumido que no volverían a componer de nuevo, pero la invasión de Ucrania hizo cambiar de opinión a Gilmour, que tiene una nuera ucraniana. “Queremos mostrar nuestro apoyo a Ucrania y, de esa manera, demostrar que la mayor parte del mundo piensa que está totalmente mal que una superpotencia invada el país democrático independiente en el que se ha convertido Ucrania”, ha declarado el músico en la publicación de la canción en YouTube. En la canción le acompañan el batería Nick Mason, de 78 años y miembro fundador de Pink Floyd, el bajista de sesión Guy Pratt (casado con la hija de Richard Wright) y el músico Nitin Sawhney en sustitución de Wright al teclado.

¿Vivimos en un mundo donde cada cual busca su interés más mezquino sin preocuparse por los demás? ¿Permanecemos insensibles al dolor ajeno? ¿Nos sentimos cómodos en nuestro aislamiento respecto a los que no son como nosotros?

Son preguntas que sugiere el álbum The Wall, de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd. Se trata de uno de los hitos de la cultura contemporánea. 40 años después de su publicación, su temática parece ser premonitoria de hacia dónde íbamos. Y de dónde nos encontramos hoy.

La música, nos dice el filósofo Vladimir Jankélévich, tiene el poder de evocar lo que con palabras sería imposible de comunicar. Nos hace ver lo invisible a través de los sonidos. Nos ayuda a percibir con más nitidez. A sentir plenamente. A veces, nos golpea para despertarnos. Es una forma de conocer más profunda que cualquier discurso.

Así es The Wall. No hay referencias explícitas al amor. No es un disco para enamorarse en el acostumbrado sentido banal. Pero sí nos obliga a reparar en las barreras que nos separan: los muros que construimos.

Esos muros erigen cercas que tan pronto nos protegen de un imaginado enemigo como nos aprisionan en nuestra fortaleza. Vuelven imposibles los lazos de solidaridad, los vínculos afectivos: en definitiva, el amor en el sentido que le daba el psiquiatra Erich Fromm.

Muros para la intolerancia

Más allá de los ideales y las utopías, la llamada política de “realidades” nos incita a la intolerancia. Habrá muros físicos. También muros mentales, quizás más dañinos y perniciosos. A medida que nos sentimos más vulnerables, añadimos otro ladrillo a nuestro muro de incomprensión, como escuchamos en “The Thin Ice”.

Son las consecuencias del odio a lo que no es como uno mismo, a lo diferente cuando carecemos de anclajes sólidos a los que agarrarnos. Vivimos en precario. Es lo que el sociólogo Zygmunt Bauman ha llamado sociedad líquida.

Esta es la atmósfera adecuada para el germen de fascismos como los criticados en The Wall. Y para lo que Pier Paolo Pasolini llamaba el nuevo fascismo: el consumismo como ideal de vida.

Es lo que el historiador de la economía Karl Polanyi advirtió como origen de los fascismos europeos. En tiempos inciertos y sin sentido, desesperados, donde el afán de lucro aplasta los vínculos sociales de reciprocidad, triunfan las ideologías totalitarias porque reconfortan: dan seguridad al precio de perder la libertad. Seducen sus eslóganes y recetas fáciles. Encandilan a los desamparados y benefician a las elites.

¿Por qué no expulsar lo distinto? El tema que abre el álbum, “In the flesh?”, denuncia la ira etnocéntrica que designa y estigmatiza a nuestros chivos expiatorios.

Insensibles y cómodos

Mientras contemos con nuestras satisfacciones consumistas, o sus promesas de felicidad, nos encerraremos en nuestros propios paraísos hedonistas. Nos volvemos insensibles y egocéntricos: disfrutamos de un confort paralizante, siempre siguiendo al rebaño.

Continuamente el disco pregunta si hay alguién ahí fuera. ¿Podemos sentir a los demás? ¿Les escuchamos? The Wall es una llamada de auxilio para destruir los muros que nos separan: “Juntos, aguantamos. Divididos, perecemos”.

Podría parecer que una canción titulada “Mother” hablaría sobre el amor materno. Pero, en su lugar, representa una metáfora acerca de la sobreprotección y el infantilismo de nuestra sociedad. “Madre, ¿debería construir un muro? ¿Debería confiar en el gobierno?”

Es ese amor sobreprotector lo que pondrá todos los miedos en su interior, y nunca le dejará volar: “Mantendrá al bebé cómodo y caliente” y le ayudará a construir el muro. Y le vigilará y controlará por su “bien”.

¿No es esto el paraíso soñado del consumismo? ¿El Edén por el que las gentes luchan y compiten entre sí? Se trata de una vida sin riesgos, sin voluntad propia, bajo el manto protector que el dinero nos pueda proporcionar. ¿Por qué no desear vivir en una de esas comunidades cerradas que representan el ideal de una vida acomodada?

Es una especie de profilaxis social: vivir en el seno de una comunidad purificada de todo elemento contaminante. Una sociedad homogénea y uniforme. Y lo que nos amenaza es el extranjero (sin poder adquisitivo, claro está), nos dicen los constructores de muros. Nosotros contra ellos. A salvo y en un estado de inminente paranoia que nos hace odiar y temer a los que expulsamos al otro lado del muro.

Una de las canciones más memorables del álbum, “Comfortably Numb” (Cómodamente insensible), nos habla sobre la posibilidad de escapar de las contradicciones de la vida a través de la anestesia total. Cuando nuestros sueños se han desmoronado, nos evadimos de la realidad sin afrontarla. Nos sumergimos en ilusiones narcóticas, químicas o mentales, en los espectáculos de las industrias de la cultura.

Fuera del muro

Los muros se multiplican hoy en forma de prejuicios, estereotipos y discriminaciones. Es la era de la incomunicación en la que todo el mundo habla pero nadie escucha.

The Wall fue mucho más que un álbum autobiográfico acerca del malestar del compositor principal, Roger Waters, ante la distancia moral que le separaba de los espectadores de sus conciertos. O el reflejo de las discrepancias irreconciliables que condujeron a la separación de la banda unos años después. O un disco a la memoria de su padre, fallecido en la Segunda Guerra Mundial.

Es el espejo en que una sociedad deslavazada puede reconocerse. Después de todo, si lo piensa usted bien, puede que no seamos más que otro ladrillo en el muro.

No obstante, alzar la voz contra el control mental, el conformismo y la indiferencia generalizada es el primer paso para derribar nuestros muros, materiales y mentales. El segundo paso es poner en práctica esos ideales para que no sean palabras vacías. Necesitamos salir al otro lado: al encuentro de los demás, sean quienes sean. Escucharles y ser escuchados. Es un camino incierto y complejo, pero es lo que nos hace humanos.

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Puedes leer el original aquí.The Conversationaquí

“El viernes pasado, un nuevo grupo de Londres llamado The Pink Floyd se embarcó en su primer happening, un baile pop que incorpora efectos psicodélicos y técnica mixta, signifique eso lo que signifique”. Así les describió un crítico de la revista musical londinense Melody Maker en 1966. Ni siquiera los periodistas especializados los entendían. El sonido experimental, los efectos visuales, las letras extrañas… Lo que comenzó como una banda enigmática y no apta para todos los públicos, sin embargo, acabaría haciendo historia y revolucionando lo que hasta entonces se conocía como música.

Es lo que se pretende explicar de forma cronológica en la exposición The Pink Floyd Exhibition: Their Mortal Remains, que estará disponible en el Espacio 5.1 de IFEMA en Madrid hasta el 15 de septiembre. Se trata de una retrospectiva a través de más de 350 piezas que incluyen desde canciones manuscritas hasta los enormes e impresionantes muñecos hinchables utilizados durante diferentes tours. Además, la música es una constante en este viaje: nada más pasar por la puerta, el visitante recibe unos cascos que automáticamente cambian de pista según en qué punto del pabellón se encuentre. Pero ¿cuáles fueron sus primeros pasos?

Sus nombres eran Roger Waters, Nick Mason, Richard Wright y Syd Barrett. Ni eran reconocidos, ni se imprimía camisetas con sus caras y ni siquiera tenían dinero para costearse un vehículo en condiciones. Así lo demuestra su primera furgoneta, una vieja Bedford que compraron por 20 libras y que tenía el espacio justo para transportarlos a ellos y a sus instrumentos. Se llamaban a sí mismos los Tea Set (Juego de té), un pseudónimo que tenía poco de original naciendo precisamente de Gran Bretaña. Durarían poco con él.

Solo les bastó comprobar que otros grupos también se apodaban de esa forma para que Barrett decidiera dar un giro de 180 grados a la denominación. Se optó entonces por hacer un juego de palabras entre dos músicos conocidos de blues: Pinkney Anderson y Floyd Council. ¿El resultado? The Pink Floyd. Era el primer pilar de un gigante de la música que ni siquiera había empezado a gatear.

Pink Floyd nació en el contexto de la contracultura británica, de una generación que defendía cambios políticos y el descubrimiento de nuevos estados mentales gracias, entre otras cosas, a drogas como el LSD. También fue la era de la psicodelia rock, en la que florecían álbumes tan experimentales como Revolver (1966), que causó un gran shock entre los fans de The Beatles. Pero Syd y compañía no se limitaron a seguir la estela marcada por otros. Aspiraron a más.

“El primer álbum es una mezcla de cosas, no es solo psicodélico: tienes desde temas como Astronomy Domine hasta The Scarecrow. Syd Barret escribía incluso canciones de folk inglés y estábamos todo el rato experimentando con diferentes cosas desde el principio”, explica a eldiario.es Nick Mason, batería de la banda, responsable de muchos de los efectos de sonidos y el único miembro presente en todos los discos. Es también el cocreador de canciones tan míticas que no solo supusieron un antes y un después dentro de Pink Floyd, también en el panorama musical del momento.

Es el caso de Echoes, un tema de más de 20 minutos de duración que ocupaba la cara B del vinilo de Meddle (1971). “En ella se escucha un ping al principio, lo cual fue fruto de un experimento donde tocábamos el piano a través de un altavoz Leslie. Entonces, el sonido iba y venía y hacía como un efecto de dar vueltas, similar al de un submarino. Probamos con toda clase de cosas, hasta dejando caer objetos al agua”, afirma el músico. Estas locas pruebas, además, a veces se combinaban con otras melodías surgidas del propio azar. Por ejemplo, a la mitad de esa misma canción se puede escuchar un extraño sonido de guitarra que fue fruto de una casualidad: David Gilmour pulsó el pedal de su guitarra y no se fijó en que estaba al revés.

Pink Floyd es un grupo difícil de definir por un solo disco. Su discografía al completo es el reflejo de un amplio abanico de estilos, de estados de ánimo y de formas de ver el mundo. Una visión que, en ocasiones, estaba bañada por el LSD. Es lo que le ocurrió a Syd Barret, el primer vocalista y letrista de la formación. Sus canciones todavía son admiradas, pero a principios de 1968 se tuvo que retirar debido a su inestabilidad tanto personal como profesional. En su lugar llegó su amigo de la infancia: David Gilmour.

“Lo de Syd no fue un cambio de un día para otro. Fue algo progresivo, probablemente afectado por consumir demasiado LSD. Por eso, junto al hecho de que no quería formar de una banda, sino dedicarse a ser pintor, acabó apartándose”, recuerda Mason. El caso no pasó desapercibido para los miembros. De hecho, uno de los momentos más chocantes fue aquel en el que un Barrett completamente diferente, con sobrepeso, rapado y las cejas depiladas, se presentó por sorpresa en el estudio de grabación mientras trabajaban en Wish You Were Here (1975). Un LP que, precisamente, está dedicado a Syd.

La sinfonía espacial de 'Dark Side of the Moon'

Con The Dark Side of the Moon (1973) cambió todo. Con su lanzamiento, Pink Floyd pasó de ser un grupo de culto a convertirse en una de las bandas más reconocidas del panorama. Los 45 millones de copias que llegó a vender en todo el mundo son una buena muestra de ello. No era para menos: la idea original de Roger Waters de plasmar musicalmente aspectos como el dinero, la muerte o la locura, hizo que acabara siendo uno de los mejores discos de la historia.

“Lo divertido con Dark Side fue que hasta que no lo montamos no supimos cómo iba a quedar. Eran fragmentos, pero de repente en un día o dos se convirtió en una sola pieza”, indica el batería. Y es que, como ocurre con las grandes sinfonías, es imposible aislar un movimiento del siguiente: esta obra se entiende escuchándola desde Speak To Me hasta Eclipse. Por el medio hay canciones como Money, con la que precisamente se puede jugar en la exposición a través de una mesa de mezclas; o Time, cuyo videoclip animado con relojes propios de Dalí fueron encargados al artista Ian Emes.

Pero Pink Floyd no tocó techo tras dar a luz al prisma más famoso del rock. Tampoco con Animals (1977), en el que se ven claras referencias a Rebelión en la granja de Orwell; ni con The Wall (1979), inspirado en la infancia de Waters y en los muros tanto mentales como físicos que nos distancian; ni con The Division Bell (1994), que este año celebra su 25 aniversario.

No obstante, hay una parte que se obvia en la muestra: las disputas internas entre Gilmour y Waters, las cuales llevaron a este último a iniciar su etapa en solitario e incluso a demandar a sus compañeros por considerar que ellos no tenían los derechos legales de la banda. “A veces es un encaje necesario entre dos o varias personas para conseguir un mejor trabajo. Creo que si no hubiéramos tenido disputas como estas probablemente nunca habríamos hecho los discos que hicimos”, considera el batería.

Por razones como estas, y a pesar de que Waters ya lamentó haber denunciado a Pink Floyd, resulta complicado imaginar a la agrupación (ya sin Richard Wright) de nuevo sobre el escenario. “¿Tú qué crees?”, responde el músico al ser preguntado por la soñada vuelta. “David y Roger no tienen ningún interés en tocar juntos. Pero si hubiera otro Live Aid, como hace 10 años, o un motivo suficientemente bueno, yo creo que ambos son mayorcitos y capaces de hacer algo por un bien mayor”, añade. Una utopía que, por ahora, parece tan oscura como la cara oculta de la Luna.

Los 60 fueron una década prolífica para el pop y el rock anglosajones. Unos años de auge de sonidos que marcarían la música popular durante décadas, con bandas como The Doors, Pink Floyd, The Beatles o The Rolling Stones, que registraron algunos de sus mejores discos en este periodo. Medio siglo después, aquellas grabaciones buscan una nueva vida: las reediciones de álbumes clásicos se están convirtiendo en uno de los fenómenos discográficos contemporáneos.

Las más laureadas -y, por tanto, habituales- suelen ser las del cuarteto de Liverpool, que también fue el que gozó de mayor éxito comercial. El conocido como White Album (1968) –en realidad, es un álbum homónimo– ha sido el último disco en pasar por este proceso, con una edición 50 aniversario que incluye la remezcla de la grabación original, además de decenas de demos.

La tarea ha corrido a cargo de Giles Martin, hijo del mítico productor George Martin –apodado el 'quinto Beatle' por su influencia en el sonido del grupo–, y del ingeniero Sam Okell. “Cuando escuchas las nuevas mezclas, las canciones tienen una nueva vida gracias a la tecnología”, contaba el propio Martin en una entrevista al programa La Hora Musa de La 2, donde también explicaba la dificultad de respetar el trabajo original, ya que “no se puede hacer que el White Album suene demasiado bien porque arruina su espíritu” [puedes escuchar las remezclas aquí].

¿Necesitan una revisión las grabaciones?

Más allá de las remezclas de Martin, estos lanzamientos suelen ser objeto de debate entre melómanos y expertos. ¿Es necesario retocar los discos emblemáticos? ¿Se respeta la integridad de la obra original? ¿Son un producto para nostálgicos? ¿El penúltimo intento de supervivencia de las discográficas?

A nivel técnico, “una remasterización supone coger un disco o canción ya editado, estudiarlo, y volver a prepararlo para los nuevos formatos: básicamente, al streaming”, explica desde Barcelona Víctor García, responsable de Ultramarinos Mastering. Este técnico de sonido ha trabajado con artistas de diversa índole (Ilegales, La MODA, Toundra), pero también ha remasterizado grabaciones de artistas que van desde Lola Flores, Rumba 3 o Eskorbuto hasta bandas de hardcore de los 90 (Fireside, Hoover).

“Antes el mastering no era un proceso ni remarcable”, recuerda, y relata cómo las tecnologías de grabación han cambiado hasta convertirse en “el último proceso creativo en una producción”: “Nuestro trabajo ahora es más bien como hacer Photoshop: si hay algo que mejorar, se hace en esa etapa”.

Sobre las remezclas, explicita que “es donde más se nota” el cambio. “Todo está separado y puedes hacer lo que te dé la gana”, asegura. En cualquier caso, García tiene claro dónde está la línea roja a la hora de retocar una grabación antigua: “Un disco de los 60 está grabado de una forma y tiene una magia que hay que conservar. Lo que hay que intentar es cambiar el sonido, no el disco. Lo que había tiene que quedar para siempre”.

“Cuando veo la etiqueta 'remasterizado', huyo corriendo”, cuenta por su parte Carlos Abraxas, coleccionista profesional de vinilos -tiene cerca de 8000 ejemplares, entre los que escasean reediciones actuales- y colaborador de Islas de Robinson (Radio 3). “Siempre pongo el mismo ejemplo. Si Goya pintó un determinado punto de un color, la obra es así y no tiene ningún sentido cambiarla, que es distinto a restaurarla”, comenta en conversación con eldiario.es.

Abraxas también avisa de que “el avance tecnológico muchas veces no ha supuesto una mejora en la calidad del sonido”. “Tengo discos de principios de los 60 en su edición original y son una bomba. Si escuchas cualquier reedición actual, ni se parecen”, asegura.

“A veces compro vinilos actuales por una cuestión casi romántica”, reconoce este coleccionista. “Los discos de ahora suenan mejor en su versión digital porque se han grabado digitalmente. Otro problema es que no hay muchas fábricas de vinilo, la mayoría en República Checa, y la calidad no es muy allá”, añade. “Cuando salieron los primeros CDs de los Kinks, un amigo me dijo 'mira qué bien suenan', pero eso sonaba a lata. Supongo que la propaganda hacía que la gente se engañara a sí misma”, cuenta a modo de anécdota.

Simon Reynolds, periodista y crítico musical británico, destaca que “el gran proyecto de remasterización y reedición de discos fue una iniciativa muy valiosa y los resultados sonaron fantásticos”, aunque admite la escasa calidad de las primeras transferencias a CD, “hechas con prisas”.

Para este periodista, que ha publicado recientemente Como un golpe de rayo: el glam y su legado, de los setenta al siglo XXI (Caja Negra, 2018), “la cuestión de si la gente está escuchando los discos como se supone que deberían ser escuchados es algo complejo”, ya que “para recrear cómo sonaron en su tiempo, deberían escucharse a través de una radio de transistores, un pequeño tocadiscos Dansette o una jukebox”.

“La forma en la que la mayor parte de la gente escucha música a día de hoy –con auriculares o pequeños altavoces de ordenador– propicia una calidad muy baja, que consigue algo del efecto original casi por accidente”, bromea.

¿Retocar grabaciones de hace 20 años?

Los lanzamientos de discos de los 90 (y posteriores) son los que más han sembrado la polémica. A veces, surgida de los propios artistas. “¿Cómo puedes remasterizar algo que ya fue masterizado?”, escribía Liam Gallagher en 2014, tras conocer que habría una reedición para el vigésimo aniversario de Definitely Maybe (1994), disco debut de Oasis. De hecho, pedía directamente a los fans que no lo compraran: “Pasad”.

La queja del pequeño de los Gallagher no pareció tener mucho impacto. Dos años después también se editaba una remasterización de (What's The Story) Morning glory? (1996), segundo álbum de los británicos. Casualmente, este trabajo pasó a los anales de la producción musical por haber iniciado las llamadas 'guerras del volumen' modernas, una lucha por quién subía más los niveles de volumen en las grabaciones digitales, carentes del ruido propiciado por las analógicas.

Otro lanzamiento que sorprendió por su prontitud fue el de Ok Computer (1997), tercer disco de los también británicos Radiohead, que tuvo su 20 cumpleaños en 2017. “Hay discos que, aunque tengan 20 años, su sonido es moderno, ya que las tecnologías no han cambiado tanto desde entonces. La estética de sonido es la misma”, comenta García, el técnico de Ultramarinos Mastering. “Lo que muchas veces buscan las discográficas es conseguir más volumen para que sus discos suenen más fuerte que el del competidor. Ecualizar más agudos, dar más compresión o más volumen... No siempre es mejor”, añade.

La otra cara de este fenómeno es la aceleración del “proceso por el que las cosas merecen una reedición de aniversario mucho más pronto de lo que parecería apropiado”, comenta Simon Reynolds: “La primera vez que me di cuenta de esto fue cuando, en 2012, se publicó la edición 10 aniversario del disco debut de Interpol, Turn On The Bright Lights (2002)”.

A su juicio, no solo fue “demasiado prematuro” y no era “tan significante como para merecer una conmemoración de este tipo”. “Si el proceso sigue acelerándose, pronto veremos lanzamientos del quinto aniversario”, comenta con sarcasmo.

Este crítico musical acuñó este fenómeno como 'retromanía', lo que le llevó a publicar el libro Retromanía: la adicción del pop a su propio pasado (Caja Negra, 2012). El inicio de esta tendencia puede situarse, incluso, en los años 70 pero Reynolds ubica su apogeo en la llegada del siglo XXI: “El pop y el rock tienen ahora una historia sustancial tras ellos, así que hay un montón de material que se puede referenciar y reciclar”. Así, destaca que “Internet es lo que realmente ha creado la 'mania' en gran parte, ya que puedes acceder al pasado de forma fácil, rápida y sin apenas coste”. “Esto hace que no vivamos en el presente cultural, que es a lo que solíamos estar condenados antes de que apareciese Internet”, apunta.

El rescate de la industria

La 'retromanía' parece describir la tendencia del mercado discográfico actual: el vinilo ha vuelto y es el único soporte físico que crece año tras año: solo en 2017 se vendieron un 46% más de vinilos que el año anterior, aunque está lejos de alcanzar las cuotas de antaño y su subida no parece que vaya a compensar la bajada del CD. En cambio, no existen registros que permitan identificar el número de reediciones publicadas cada año, según confirman a eldiario.es desde SGAE y Promusicae, aunque sí es habitual que algunos de estos lanzamientos alcancen puestos relevantes en las listas de ventas.

“La industria musical ha quebrado, ya no es lo que era. Lo único que se vuelve a consumir a nivel de comprar discos es el vinilo y no sé hasta cuándo durará”, comenta García, preguntado por la caída de ventas del formato físico. “Quieren sobrevivir y llegar a sus cuotas de éxito y de lujo que tenían antes, cosa que no creo que vaya a pasar. Eso significa que ahora hay que coger los clásicos y venderlos como un nuevo producto: remasterizarlos, editarlos en vinilo, hacer una portada distinta, una edición doble, 180 gramos...”.

Aunque Reynolds considera que entre el material que está siendo “relanzado y dilatado” puede ser “deseado por fans” o tener “interés histórico”, avisa de que “se ha puesto en marcha una explotación de los fans. ”Por ejemplo, los discos de los 70 de Pink Floyd han sido reempaquetados una y otra vez en cajas carísimas“, afirma.

El muro de The Wall continúa sumando ladrillos. En tiempos de Donald Trump, Le Pen o Putin, gritar We don't need no education (con un significado todavía sujeto a debate) deja de ser un acto de rebeldía para convertirse en algo necesario. Así lo cree Roger Waters en Us+Them Live, un espectáculo que llega al WiZink Center de Madrid, su última parada en España, para señalar directamente y sin ningún tapujo a los “cerdos” de la política.

En un pabellón a rebosar, donde poco o nada importaba que fuera un jueves laborable, el bajista británico consiguió reunir a un público heterogéneo que no entendía de generaciones. Con canas o sin ellas, todos gritaron al unísono unos temas ya convertidos en himnos de revolución antisistema. Porque cada contexto tiene su muro de Berlín particular, y el de este, como repitió Waters en más de una ocasión, se encuentra construido a base de racismo, machismo y pobreza. Derribarlo no es fácil.

Las luces se apagaron con 20 minutos de retraso sobre la hora prevista, y fue entonces cuando en mitad del clamor generalizado resonaron los primeros acordes de The Dark Side of the Moon (1973) que servirían de punto de partida para las casi dos horas de concierto. Tras One of These Days, tema que revolucionó el auditorio a base de punteos de guitarra e imágenes psicodélicas, llegaba el turno de otra de las canciones más míticas de la banda: Time. Un tictac de relojes, ya familiar para muchos, que hacía de prólogo para lo que estaba por venir.

Pero Waters no fue el único protagonista de la función. Jonathan Wilson se encargó de reemplazar las partes realizadas por David Gilmour consiguiendo que, por algunos momentos, casi no llegara a notarse su ausencia. Casi. También resaltaron las coristas Jess Wolfe y Holly Laessig, responsables de, entre otras cosas, poner voz al considerado como uno de los solos vocales más impresionantes de la historia del rock: el de The Great Gig in the Sky.

Como si 74 años no significaran nada, el músico de Reino Unido se movía de un lado al otro del escenario agitando los brazos a ritmo de Welcome To The Machine. El único momento menos enérgico, quizá, estuvo representado por los tres temas de su último disco en solitario, Is this the life we really want? (2017). Sin embargo, resultaron ser la antesala de uno de los instantes más bellos e hipnóticos, el de Wish you were here.

En la pantalla de más de 30 metros de ancho y 20 de alto aparecieron dos grandes manos que se desfragmentaban en pétalos justo antes de tocarse con los dedos. “We're just two lost souls swimming in a fish bowl, year after year” (somos solo dos almas perdidas nadando en una pecera, año tras año), cantaba Waters al son de la guitarra acústica.

La última parte del primer set daba pistas del tono político y de denuncia que empezaría a adquirir el concierto. La legendaria Another Brick in the Wall (partes 2 y 3) llegó para demostrar que en pleno 2018 todavía hay quien se empeña en remarcar las fronteras. La potencia de esta pieza estaba remarcada por la presencia de 12 adolescentes encapuchados con trajes de Guantánamo que escondían un mensaje tras sus monos naranjas: “resist” (resistid). “A todos sitios donde vamos encontramos miles de niños. Estos son de Madrid”, aclaraba el propio Waters antes de anunciar el descanso.

Roger Waters contra todos

“Podéis ser nuestros hermanos o nuestro 'Gran Hermano', pero no ambos”, se leía en la pantalla durante el intermedio en referencia al presidente de Facebook. Pero no fue el único. “En EEUU: Trump. En Hungría: Orbán. En Francia: Le Pen. En Austria: Kurz. En el Reino Unido: Farage. En Rusia: Putin”, apareció en letras rojas. Us + Them Live estaba dispuesto a no dejar títere con cabeza, y no había empezado lo peor.

Sobre el WiZink Center de Madrid comenzó a descender una estructura que acabó convirtiéndose en la Battersea Power Station de Londres que ilustra Animals (1977). Por supuesto, con cerdo incluido. De hecho, el tema Pigs adquirió forma de bofetón musical para ridiculizar al presidente de los Estados Unidos y tacharle de“farsante” en repetidas ocasiones.

“Los cerdos gobiernan el mundo”, mostraba un grupo de actores caracterizados como el animal. “Que se jodan los cerdos”, proclamó Roger Waters con otra pancarta ante la gran ovación del público. Y al final del tema, por si todavía no había quedado claro, todo el pabellón se vistió con cuatro palabras enormes: “Trump, eres un gilipollas”.

La réplica de aquel terremoto antipolítico acabaría extendiéndose a otros personajes. Money sirvió para señalar la avaricia y la corrupción del G8, del FMI, de Merkel o incluso de Mariano Rajoy, que fue recibido con una oleada de aplausos. Después de toda una metralleta de palabras y calificativos sobre aquellos que como forma de vida tienen “un coche nuevo, caviar y una fantasía de cuatro estrellas”, Us and Them llegaba entre elogios para mostrar la otra parte, igual de majestuosa y emotiva: la instrumental.

“No hay un lado oscuro de la luna, realmente todo es oscuro”, Waters aprovechó el colofón final del tercer álbum más vendido de la historia de la música, The Dark Side Of The Moon, para eclipsar a los allí presentes. No solo con unos acordes ya universales, también con un espectáculo único: varios rayos de luz aparecieron sobre el escenario hasta crear el simbólico prisma que ilustra la portada del disco.

“Todavía creemos en los derechos humanos, pero hay otra gente que no lo hace. Necesito que el amor de este sitio se traslade al resto del mundo”, afirmó el bajista británico justo antes de concluir con Mother y Comfortably numb, dejando entre el auditorio una sensación a medio camino entre la alegría y la melancolía, una propia de haber asistido a un espectáculo único.

Los vecinos de Murcia no saben cómo decir ya que no quieren la llegada del AVE a la ciudad en las condiciones que les ofrece el Ministerio de Fomento, el Gobierno Regional y el Ayuntamiento. En la noche del viernes, más de 200 músicos se unieron a los centenares de vecinos para interpretar la canción de Pink Floyd 'The Wall', en alusión al muro de 9 kilómetros que Fomento está construyendo en la ciudad de Murcia para que el AVE y los trenes comerciales puedan llegar mientras se construye el soterramiento de la alta velocidad.

Alrededor de las 21.00 horas se producía la protesta musical que obligó a cortar una vez más las calles de Murcia inmediatas al paso a nivel de Santiago el Mayor, que permanecerá cerrado durante las obras. Tras la interpretación se han producido otra vez las habituales protestas que los vecinos realizan desde hace ya diez noches consecutivas, y que en esta ocasión han tomado rumbo hacia la Plaza de la Catedral de Murcia.

Antes, más de un centenar de bicicletas partían desde las 19.30 desde el centro de Murcia hasta el paso a nivel en un acto reivindicativo, que ha coincidido con el Día Europeo sin Coches.

Por su parte, la Plataforma Pro Soterramiento no descarta que continúen las concentraciones y marchas hasta que el ministerio de Fomento y el Gobierno atienda sus demandas.

Roger Waters

Roger Waters

Is This the Life We Really Want?SonyROCK SINFÓNICO★Is This the Life We Really Want?

7/10

Puede que en 25 (el tiempo que Roger Waters llevaba sin grabar disco) o 40 años (prácticamente lo que ha transcurrido desde que The Wall vio la luz) la música haya cambiado rádicalmente, pero en esencia los grandes temas y las preocupaciones que nos asolan siguen siendo las mismas. Así lo entiende un Roger Waters que vuelve a ejercer de Pepito Grillo en este grandioso (también grandilocuente) retorno discográfico.

Parece bastante absurdo plantearle al que fuera capo de Pink Floyd en la etapa más multitudinaria del grupo que deje de ser quien es. Al contrario, Waters tiene el buen ojo de rodearse de algunos de los grandes talentos de la música de nuestro tiempo, y por supuesto entregados fans del legado musical del británico. Nigel Godrich, el productor conocido como el sexto Radiohead, o el virtuoso de la guitarra Jonathan Wilson aportan todo su talento aquí. Por cierto, que Godrich se encuentra ahora en una delicada situación por la petición expresa de Waters a Radiohead de que secunden el boicot cultural a Israel, a lo que Yorke y compañía se han negado.

Esto, que podría en realidad no pasar de resultar una anécdota, sirve para tomar la temperatura a un disco que, en la línea de The Wall, vuelve a estar marcado por un discurso antibelicista y antiautoritarista que cuenta con los tics marca de la casa de Waters. Esto es, collages sonoros que aportan a todo el disco un aire distópico, y un espacioso plano sonoro en el que los diferentes elementos musicales -pianos, solos de guitarra, arreglos orquestales, coros y la recitativa voz de Waters- se incorporan o desaparecen a lo largo de canciones-río que, como la marea, crecen y menguan de intensidad. El resultado es una espectacular anacronía, un disco de otro tiempo traído a un contexto actual en el que, por desgracia, todavía resulta de total actualidad.

alt-J

alt-J

RelaxerInfectious / [PIAS]POP★Relaxer

7/10

No será el tercer disco de alt-J el que les saque de esa peculiar posición en la que les situó su debut de 2012, An Awesome Tape. La banda británica, todavía un cuarteto por entoces, presentó sus credenciales para convertirse en los Radiohead del nuevo milenio, una formación con fuerte personalidad que aunaba arrebatos de excentricidad con una pegada comercial nada desdeñable.

La prensa musical, especialmente la británica, les situó rápidamente en lo más alto, se llevaron el Mercury y encabezaron los carteles de los festivales. Pero un segundo álbum mucho más oscuro, This Is All Yours (2014), truncó su progresión. Tres años más tarde, el ahora trío vuelve a la carga con un disco en el que insisten con Charlie Andrew como productor y que cuenta con la colaboración especial de la London Metropolitan Orchestra.

Más allá de su habitual cripticismo lírico, una frase al final del cuarto tema del disco, Hit Me Like That Snare, resume en buena medida la actitud de alt-J: “Fuck you / I’ll do what I wanna do”. Efectivamente, Relaxer es una excursión por las diferentes caras de una banda surgida en el Departamento de Arte de la Universidad de Leeds, tan reconocible como imprevisible. Que lo mismo se arranca con un autista ejercicio de folk pastoral -Last Year, con la ayuda de Marika Hackman- que juega al sinfonismo ilustrado en el tema de cierre –Pleader- o echa la vista atrás para regalarnos un single en la línea de su primer disco –In Cold Blood, en el que suenan como una suerte de Pixies británicos-.

Gepe

Gepe

Ciencia exactaQuema su cabezaPOP★Ciencia exacta

7/10

Hablar de ti, la canción con la que arranca Ciencia exacta y también primer single del disco, marca la temperatura de este sexto álbum del músico pop más relevante en Chile, además de aquel con mayor proyección internacional. Se trata de una optimista canción de amor marcada por un ritmillo de aires reggae y en la que Gepe enumera todo aquello que le gusta de su amada.

Ciencia exacta es un disco compuesto durante la gira de presentación de Estilo libre (2015), con un carácter más íntimo que su antecesor, en el que dominan los medios tempos y que recupera la naturalidad de Audiovisión en buena medida por la producción que firman el habitual Christián Heyne (también productor de Javiera Mena, Dënver y la vanguardia del pop chileno de la actualidad), Fernando Herrera y el propio Gepe.

Por supuesto que siguen ahí los aires andinos que ya se han convertido en marca de la casa –en la hermosa Flor de canelo, con la ayuda de Juanita Parra- y en la recta final Ciencia exacta se enloquece con esa suerte de ska que es Hoy día me lanzo. También el verbenero final de Hasta cuando con, que emparedan una versión acústica de un tema de Café Tacvba, Las flores. Pero lo que se impone en líneas generales -y más en particular en canciones como Hoy- es que con su sexta referencia Gepe ha alcanzado una envidiable madurez, que está preparado para registrar su verdadero gran disco. Ciencia exacta todavía no lo es, pero da señales de ello.

Omar Souleyman

Omar Souleyman

To Syria, With LoveMad Decent / BecauseWORLD MUSIC / ELECTRÓNICA★To Syria, With Love

7/10

La jet set de la música de club sigue rifándose a Omar Souleyman a la hora de publicar un disco. Si el sello de Modeselektor, Monkeytown, puso en la calle en 2015 Bahdeni Nami, este nuevo trabajo del cantante sirio llega con la firma de Mad Decent, la discográfica de Diplo. Tiene todo el sentido en cuanto a que sello y artista se mueven en similares parámetros musicales: la conexión entre los sonidos étnicos y la dance music más desaforada.

De un título como To Syria, With Love, a tenor de lo que está ocurriendo en aquel país de Oriente Medio y teniendo en cuenta que Souleyman ha renunciado a hablar en público de la situación política por temor a las represalias, cualquiera esperaría una colección de canciones melancólicas y hasta lacrimógenas. Nada más lejos. El rey del dabke en un más difícil todavía que parece no tener límites, vuelve a tensar la cuerda para ofrecer siete canciones frenéticas, al borde de la esquizofrenia clubber, con un bombo que resuena como las bombas que asolan su país y líneas melódicas ácidas que taladrarán tu cabeza. Apenas un respiro casi hacia el final con la misteriosa Mawal, el resto puro fuego en la línea de aquellos salvajes discos que conquistaron los oídos de Occidente antes de que Four Tet o Gilles Peterson domesticaran su música.

Saint Etienne

Saint Etienne

Home CountiesHeveanly / [PIAS]POP★Home Counties

8/10

En la entrevista con Sarah Cracknell publicada el pasado martes la cantante y coautora de Saint Etienne explicaba largo y tendido las líneas maestras de este disco, el primero en el último lustro del trío británico. Home Counties son los condados que rodean a Londres, territorio con población mayoritariamente conservadora en los que crecieron los tres componentes de Saint Etienne, entregados al sueño de convertirse en estrellas del pop triunfantes en un Londres que era algo así como la tierra prometida.

Whyteleafe, con su introducción de aires barrocos, le da la vuelva a esa idea e imagina qué habría sido de David Robert Jones si nunca hubiera llegado a marcharse a Londres para convertirse en David Bowie. Es un buen ejemplo del mecanismo interno de un álbum en el que Sarah, Bob y Pete juegan a resituarse en sus años adolescentes rememorando personajes y situaciones vinculados a aquella época.

Musicalmente el disco cuenta con canciones que perfectamente podrían situarse en cada una de las diferentes etapas de la banda durante estas ya casi tres décadas de existencia. Pop sesentero, tecnopop, disco, amagos de house y hasta música eclesial. En cualquier caso si un disco como Home Counties no se sitúa en el propio top 3 de Saint Etienne es por la ausencia de canciones realmente memorables a la altura de  He’s on The Phone, Only Love Can Break Your Heart y tantas otras. En un estadio inmediatamente inferior se sitúa Out of Mind, el acierto más evidente de un disco más apreciable en cuanto conjunto que como la suma de las partes.

Nuestro día a día se rige por el dinero. Tal vez no estemos gastando dinero todo el rato, pero en la sociedad estamos marcados por este. Nos relacionamos con personas según nuestro estatus social y venimos predeterminados según los ambientes que nos movemos: quien estudia en una escuela pública por lo general se relaciona con personas diferentes que quien estudia en las privadas, quien vive en un bloque de viviendas de edificios de 20 plantas no suele estar en contacto con aquellas personas que tienen su casa en una urbanización de chalés.

Un día en 2012 el publicista grancanario Alejandro Fernández volvía de su trabajo. Estaba en Madrid, una ciudad a la que había llegado para dedicarse a lo que le gustaba pero sin embargo no estaba a gusto en la capital, se había desplazado a ella simplemente por dinero. Mientras, en sus auriculares sonaba la canción de Money del grupo de Pink Floyd y se le ocurrió que podía escribir su letra en varios billetes ya que la historia que cuenta cree que describe a la perfección la relación del ser humano con “su invento más peligroso”, el dinero y las ganas de separarse de él para no estar amarrado y ser libre, pero a la vez la necesidad de contar con él para ser libre. Sin embargo, no se atrevió a llevarlo a cabo debido a que su contrato de becario no le permitía disponer de este dinero.

Tras aparcar el proyecto, este año coincidió que en una semana escuchó varias veces de forma casual la canción y un día hablando con su pareja le contó lo que había ideado. Acababa de ser despedido y había cobrado la indemnización, por lo que su novia le animó a materializarlo. Y se puso manos a las obra: cogió un rotulador y 825 euros repartidos en 31 billetes de 20 euros, 17 de 10 y siete de cinco y comenzó a escribir la letra de la canción: Money, get away/ Get a good job with good pay and you're okay/ Money, it's a gas / Grab that cash with both hands and make a stash... (Dinero aléjate / consigue un buen trabajo con un buen sueldo y tú estarás bien / el dinero es un gas / agarra ese dinero con ambas manos y haz una fortuna...). Nació así #LyricMoney.

Fernández optó por estos billetes porque son los que más circulan entre la población y los que aceptan los comercios pequeños, donde le gusta gastarlos. Antes de despedirse del billete realiza una fotografía y la sube a Instagram y Tumblr contando en qué va a invertirlo y qué le lleva a adquirir ese bien, ya sea un desayuno tras una fractura del codo, una cerveza en el Primavera Sound o el pago mensual de Netflix. Con esto busca recordar que el dinero no es más que el medio y nunca el fin.

“Una vez escuché a alguien decir que con el dinero sólo puedes tener dos problemas: no tenerlo o tener demasiado. Sin embargo, si pudiéramos elegir, todos elegiríamos los problemas del que tiene demasiado”, recuerda en su página web.

“A menudo se nos olvida, o ni siquiera tenemos en cuenta, que todos esos billetes y monedas que entran y salen de nuestros bolsillos no son más que piezas de papel y metal. Piezas cuyo valor hipotético ha sido asignado por un Sistema que no comprendemos del todo pero del que dependemos por completo. Piezas, al fin y al cabo, que debemos tratar como lo que son: el medio y nunca el fin. Porque es precisamente ese valor ficticio el que cambia nuestra percepción de ellas, convirtiéndolas en objetos de lujo sin sentido fuera de un plano estrictamente económico. Olvidando incluso que su naturaleza es nómada, y no sirve de nada obsesionarnos con retenerlas a nuestro lado. Por mucho que la vorágine nos empuje a ello”, apunta este artista.

Con todo esto subraya que el fin último de escribir una canción en 825 euros, aparte de reflexionar sobre el valor del dinero, es volver a darle al papel con el que se hacen los billetes su uso primigenio: la escritura. “Con la intención de marcar la separación entre el objeto físico y el concepto que este representa, haciendo que nos cuestionemos de nuevo o por primera vez, qué es realmente o qué no es el dinero”, sentencia.

En estos momentos ya ha puesto en circulación la mitad de los billetes escritos y el creativo anima a todas aquellas personas que se topen con uno de ellos a hacer una foto y usar la etiqueta #LyricMoney.

Qué sería de la especie humana si no existiese ese concepto esencial llamado rumor. El cuchicheo, runrún, bisbiseo, chisme, hablilla, bulo, patraña. Ese matiz que transforma una conversación feligresa e inocente en la endiablada especulación sobre la querida del vecino.

No siempre –casi nunca– lo que se cuenta es verdad. Pero la importancia de este concepto no deriva de la realidad. Nada más lejos de esta, lo que de verdad provoca el idilio de la gente con las habladurías es hacer creíble algo posible pero poco probable, impensable o fantástico.

En ese sentido, se puede intuir que pocos campos temáticos se escapan al perverso soniquete. La música, y concretamente el rock, no es una excepción. De esos polvos surgen los lodos de Paul está muerto y otras leyendas urbanas del rock, un libro que recoge 33 historias sobre los grandes mitos de la música.

Algunas de estas crónicas están en el imaginario de la gente, como el suicidio del exlíder de Nirvana Kurt Cobain y la consiguiente especulación que dejaba entrever que en realidad había sido un asesinato perpetrado por su mujer, Courtney Love. También se puede encontrar la anécdota en la que Keith Richards, de los Rolling Stones, dijo que lo más raro que se había “esnifado eran las cenizas de su padre”.

Está aquella de la muerte de Paul McCartney, que habría sido sustituido por alguien que se le parecía, y las señales que el resto de la banda habría puesto en las portadas de sus discos y sus videoclips para corroborar su defunción. Buceando entre las páginas se puede encontrar algunas historias similares pero que probablemente poca gente conozca.

En el reino de Oz se baila a ritmo de Pink Floyd

¿Qué pasaría si se pone a sonar el disco The Dark Side of the Moon y al mismo tiempo se reproduce la película El Mago de Oz? El resultado es una espectacular coincidencia entre las transiciones musicales y las escenas más representativas. Por ejemplo, una de las partes más sorprendentes es la escena en la que la casa de Dorothy sale por los aires arrastrada por un tornado. En esa parte está sonando The Great Gig in the Sky, que vendría a significar el gran concierto en el cielo. El cambio de escena se produce justo cuando acaba.

Otro de esos momentos del imaginario popular se produce cuando suena Brain Damage (daño cerebral) mientras el espantapájaros baila como un loco deseando tener un cerebro. Al final del disco, con el tema Eclipse, se escuchan unos latidos finales. Cuando esto ocurre, Dorothy acerca su cabeza al pecho del hombre de hojalata dando la sensación de que los latidos vienen de su interior.

Un truco: lo único que hay que hacer es poner la música al tercer rugido del león de la Metro Goldwyn Mayer.

La mirada extraterrestre de David Bowie

¿Quién no se ha fijado alguna vez en los ojos del genio del glam rock? Pero a ciencia cierta, no mucha gente sabe lo que le pasa. Hay quien dice que es heterocromía, un ojo de cada color, otros aseguran que lleva lentillas. Pues ni los unos ni los otros aciertan. Bowie, sobre todo en su faceta polvo de estrellas, deja ver que tiene una pupila mucho más grande que la otra, un fenómeno llamado anisocoria.

Hasta ahí todo correcto. Pero ojo –con perdón– que no se trata de una característica de nacimiento. Fue su amigo en la escuela George Underwood quien le propinó un buen número de puñetazos que hicieron que el entonces llamado David Jones se pasase unos cuantos meses en el hospital a punto de perder su ojo. La trifulca fue, como tantas otras, por las atenciones de una chica.

Cuando Charles Manson quiso entrar en los Monkees

Los Beatles pegaban fuerte y la industria norteamericana veía casi como una ofensa que el cuarteto de Liverpool desembarcase como un huracán en EEUU. Se puso en marcha el proyecto para formar un grupo de forma artificiosa que pudiese plantarles cara: The Monkees.

Este grupo prefabricado gozó de cierta notoriedad en el panorama musical con temas como I’m a believer. Menos conocido en ese momento era Charles Manson, un joven músico de medio pelo que trataba de abrirse paso en la industria de Los Angeles. En realidad nunca se presentó, porque en ese momento se encontraba en la cárcel por diversos robos e intentos de violación. Pero más tarde se acercó a los Beach Boys, concretamente a Dennis Wilson, con quien se reunía para tomar LSD y otras drogas. La relación con el grupo surfero llegó a tal punto que estos interpretaron una canción compuesta por Manson, Never Learn Not to Love.

También se hizo amigo de Neil Young y consiguió moverse en esos círculos de artistas. De hecho, se obsesionó tanto con el Álbum Blanco de los Beatles que descifró un supuesto mensaje oculto que más tarde le llevaría a planear todos los asesinatos que llevó a cabo La Familia, incluido el asesinato de la mujer de Roman Polanski, Sharon Tate, que estaba embarazada.

Jimi Hendrix, demasiado sexy

Una historia también desconocida, al hilo de la anterior, es la de que Jimi Hendrix fue telonero de The Monkees. Esto supuso una brutal deshonra al ego del guitarrista que consideraba que un puñado de adolescente no sabría valorar lo que hacía.

Así fue, las jóvenes seguidoras del joven grupo californiano abucheaban a Jimi y pedían que saliesen los protagonistas de una vez. A esto el defenestrado músico respondió mostrando su dedo corazón, además de todos los gestos obscenos que ya hacía de por sí en el escenario.

Punto y final. La Asociación de las Hijas de la Revolución americana lo acusó de hacer performances lascivas, “demasiado eróticas, que corrompían la moral de la juventud americana”. Pero lo cierto es que fue el productor de la gira, en vista de la relación que existía entre ambas bandas quien decidió inventarse la carta para deshacerse de la Hendrix Experience y seguir dándole bola a los Monkees.

Gloomy Sunday

La última de estas historias tiene que ver con una canción originalmente llamada Szomorú vasárnap. Se trata de un tema compuesto en Hungría en 1936. Rezso Seress la compuso y László Jávor le dio letra. La relevancia de este acontecimiento se acentúa con el paso del tiempo. Una ola de suicidios arreciaba el país. Pero no quedaba ahí, la gente moría con los versos de la canción en la mano. Con las partituras se encontró también a algunos cadáveres.

Tiempo después se hizo una de las versiones más famosas de esta canción, Gloomy Sunday (domingo triste), a manos de Billie Holiday. Cuentan que la artista disfrutaba interpretándola hasta que poco a poco fue dejando de mostrarla en sus actuaciones, dicen, porque empezó a sentir cómo una depresión le invadía. De hecho en 1968, el propio compositor Seress, decidió emprender el mismo camino que algunos de los que murieron con su canción: se tiró por el balcón de su apartamento de Budapest.