En el año 1991 el jurado del Premio Pritzker, el galardón más importante de la arquitectura, decidió hacerle entrega del premio al arquitecto Robert Venturi (Filadelfia, 1925-2018), ignorando que este desarrolló y firmó sus proyectos conjuntamente durante décadas con la también arquitecta Denise Scott Brown (Nkana, Zambia, 1931) que además era su mujer. A pesar de que durante el discurso en la entrega del Pritzker Venturi reconociera que el trabajo de Scott Brown suponía el 50% de sus proyectos, no reclamó compartir el galardón con ella. La arquitecta, a modo de protesta, se negó a acompañarle a la ceremonia. No fue hasta 22 años más tarde, en 2015 cuando un grupo de alumnos de Harvard de la arquitecta iniciaron una petición a través de Internet para solicitar la concesión del Pritzker de manera retroactiva para Scott Brown. El propio Venturi y otros arquitectos firmaron dicha petición, considerando que el pensamiento sobre “la importancia de lo ordinario” que marcan los trabajos y libros premiados solamente a Venturi son inspiración de la arquitecta. Sin embargo, el jurado, compuesto por arquitectos diferentes a 1991, pero prácticamente en su totalidad compuesto por hombres, denegó dicha petición alegando que un jurado posterior no puede interferir en las decisiones tomadas por uno anterior.

Solo seis mujeres han sido galardonadas con el prestigioso Premio Pritzker de Arquitectura desde su creación en 1979: Zaha Hadid (2004), Kazuyo Sejima (2010), Carme Pigem (2017), Yvonne Farrell y Shelley McNamara (2020), y Anne Lacaton (2021). Tras la negativa del jurado a reevaluar la decisión de excluir a Scott Brown del premio de 1991, la arquitecta confesó que, en su opinión, el Pritzker “va a ser conocido como el premio de los tristes y viejos hombres blancos”. No se trata de la única vez que ocurría un caso similar en el Pritzker, ya que en 1986 se premió a Gottfried Böhm y no a su socia y esposa Elisabeth Haggenmüller, y en 2012 a Wang Shu y no a Lu Wenyu socia de Amateur Architecture Studio.

Poco después de aquella polémica, en el año 2016, Venturi y, en esta ocasión también Scott Brown, fueron premiados con la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos, un reconocimiento de un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura creado mucho antes que el Pritzker, en 1907. Así, Scott Brown se convirtió la segunda mujer en recibir el premio y la primera que ha conocido en vida reconocimiento del galardón , ya que la primera mujer que recibió esta medalla fue Julia Morgan en 2014 a título póstumo. Tras ellas otras tres mujeres han sido galardonadas, Angela Brooks, que recibió el premio conjuntamente con Lawrence Scarpa en 2022 y Carol Ross Barney, que fue galardonada en 2023 y, por último, Deborah Berke, que ganó la medalla el año pasado, en 2025.

El Pritzker va a ser conocido como el premio de los tristes y viejos hombres blancos

Denise Scott Brown — Arquitecta

Tras toda una vida de arquitectura y arte, a sus 94 años, el Museo Bellas Artes de Bilbao acoge la primera gran retrospectiva de Denise Scott Brown en España. Comisariada por los arquitectos Maria Pia Fontana y Miguel Mayorga y estructurada en tres apartados –ciudad, calle, casa–reúne por vez primera más de 120 obras originales, entre los que hay dibujos, fotografías, carteles y maquetas, con el objetivo de poner de manifiesto la gran contribución de sus proyectos a la cultura visual contemporánea. Además de sus obras, la exposición incluye una veintena de obras de arte y mobiliario de la colección privada de la arquitecta entre las que se encuentran obras de Ed Ruscha, Roy Lichenstein o Andy Warhol.

La ciudad, la calle y la casa como inspiración

El primer apartado de la muestra, 'Ciudad', recoge las obras y propuestas creadas por Scott Brown en el lugar en el que ella creó un hogar: Filadelfia. Se trasladó allí en el año 1958 para estudiar con Louis Kahn, tras formarse y trabajar en Londres y viajar por Europa. A pesar de que le acompañó su primer marido, Robert Scott Brown, este falleció justo un año más tarde en un accidente de coche. Ese mismo año conoció a Robert Venturi, con quien al inicio solo colabora académicamente, pero años después, en 1967, contrae matrimonio. Scott Brown decide mantener el apellido de su primer marido para así no perder la autoría del trabajo realizada hasta la fecha. Antes de casarse con su primer marido, su nombre era Denise Lakofski. Entre 1962 y 1964 Scott Brown y Venturi desarrollaron en la Universidad de Pensilvania dos propuestas determinantes: Venturi publicó 'Complexity and Contradiction in Architecture' y Denise impartió el curso Studio FFF (Form Function Forces), que define el sistema de análisis para las investigaciones sobre Las Vegas y Levittown. 

La relación con Filadelfia se da en más de cuatrocientos proyectos o estudios de Scott Brown. Por su reinterpretación del centro histórico se han seleccionado para la exposición, el complejo Franklin Court (1972-1976) y el centro de visitantes del Independence Mall (1996) por el tratamiento del campus como espacio articulado con la ciudad, el Perelman Quadrangle (2000) de la Universidad de Pensilvania y, por su análisis sobre la viabilidad de estos entornos urbanos singulares, los estudios Fairmount in the City (1983) y Penn’s Landing Planning Study (2003). “Estos proyectos y materiales seleccionados muestran una de las contribuciones capitales de Scott Brown al proyecto arquitectónico, la asunción del urbanismo en el diseño para ordenar el espacio público mediante elementos propios”, detallan desde el Museo Bellas Artes de Bilbao.

En el segundo apartado de la exposición, 'Calle', se muestra cómo una de las grandes aportaciones de Scott Brown es su interpretación de la calle -Strip (franja)- como lugar simbólico. Ejemplo de ello son los materiales de la investigación 'Learning from Las Vegas, or Form Analysis as Design Research' (1968), realizada con Robert Venturi, Steven Izenour y estudiantes de la Universidad de Yale. Sus resultados se publicaron en 1972 en uno de los libros más revolucionarios de la historia de la arquitectura. 

Por último, la tercera parte de la retrospectiva es la 'Casa'. El diseño y el estudio de lo doméstico configuran otra de las contribuciones más relevantes de Denise Scott Brown. En 1970 desarrolló la investigación 'Remedial Housing for Architects o Learning from Levittown' junto con Venturi y estudiantes de Yale. En ella analizó los suburbios denostados por los arquitectos, con Levittown como caso específico, un modelo basado en la cultura del automóvil que ya había conocido en 1958 gracias al sociólogo Herbert Gans. Así, Venturi y Scott Brown observaron las decoraciones exteriores e interiores de las casas, además de las expresiones individuales que aparecían en fachadas y jardines. Las conclusiones se mostraron en la exposición 'Signs of Life: Symbols in the American City' (Washington, 1976). Sus proyectos de viviendas unifamiliares –'Vanna Venturi House' (Filadelfia, 1960) y 'Trubek and Wislocki Houses' (Nantucket, 1970)–, auténticos manifiestos formales, son el resultado del estudio simbólico de la casa, del contexto, de los elementos naturales que la rodean y de las formas de vida de sus habitantes. Según narraba el propio Venturi, que falleció en 2018, son “casas complejas y contradictorias que anhelan el equilibrio entre lo ordinario y lo monumental, entre lo simbólico y lo cotidiano”.

La muestra finaliza con un documental grabado en el año 2024 en la casa de la propia arquitecta, en la que ha vivido durante más de 50 años junto a su marido. Se trata de una vivienda de estilo modernista que fue decorada por los arquitectos con numerosos objetos, obras de arte y mobiliario que trasladan los intereses, la historia y la memoria privada de una de las parejas más influyentes de la arquitectura contemporánea. El documental, realizado por Pablo García Canga y Manuel Asín, con música del pianista de jazz sudafricano Ibrahim Abdullah, interpretada y adaptada por Mikel Azpiroz, muestra la voz en off de la propia Scott Brown, que cuenta anécdotas cotidianas y significativas de su vida. Así, la película funciona como un doble retrato de la arquitecta y de su hogar, entendido como personaje protagonista de la obra. 

“Es la segunda ocasión en la que exponemos la obra de Denis Scott Brown en nuestro museo. Pero es la primera que un museo expone retrospectivamente su trabajo, su pensamiento y su mirada sobre la arquitectura y el urbanismo, sobre el individuo y la comunidad, detalla el conservador jefe de la muestra, Gilermo Zuaznabar, haciendo referencia a 1983 la exposición que acogió la pinacoteca bilbaína en el año 1983 'Correspondencias. 5 arquitectos, 5 escultores' que incluía la obra de Scott Brown. ”El núcleo de la exposición lo ocupan los materiales provenientes del estudio ‘Learning from Las Vegas’ (1972)“, explica Zuaznabar sobre una de las obras más influyentes de la arquitecta y artista, un ensayo crítico revolucionario elaborado junto con Venturi y Steven Izenour que incorpora la cultura popular americana y el automóvil al proyecto arquitectónico.

“Esta exposición nos hace reconocer que el diseño rara vez es el resultado del trabajo de una sola persona. Es un esfuerzo de equipo. Hay múltiples hilos que contribuyen a él, y hay que desentrañar cuidadosamente cada uno de ellos para llegar a comprender realmente lo que ocurre en el proceso. Lo más singular que Denise enseñó a la gente fue aprender y enseñar el estilo del diseño, que es un trabajo en equipo”, concluye la arquitecta y asistente de Denise Scott Brown desde 2014, Shilpa Mehta, en su visita al Museo Bellas Artes de Bilbao para la inauguración de la muestra, que estará disponible hasta el 31 de mayo.

Poco a poco, la familia del primer alcalde republicano de Madrid, Pedro Rico, va recuperando los cuadros que le fueron incautados en 1938, durante la dictadura franquista. A los siete lienzos que ya pudieron volver a tener entre sus manos, el pasado mes de mayo, se suman ahora los cuadros “El vendedor de periódicos” y “El merendero” que han sido entregados por el Gobierno de Asturias a sus nietos Pedro y Francisca en un acto celebrado este lunes en el Museo de Bellas Artes de Asturias, en Oviedo.

Eldiario.es contaba, en su edición del pasado 22 de mayo, que el Ministerio de Cultura procedía a devolver a la familia del alcalde republicano siete lienzos que habían sido incautados durante el régimen franquista.

Dispersos por España

Todos los cuadros de Pedro Rico se encontraban dispersos en el Museo Nacional del Prado, el Museo Nacional del Romanticismo, el Museo del Traje, el Museo de Bellas Artes de Asturias, el Museo de Bellas Artes de Valencia y el Museo de Málaga. Todos ellos se encontraban en situación de depósito temporal y nunca habían formado parte de las colecciones permanentes.

El Gobierno de Asturias -con su presidente, Adrián Barbón a la cabeza- procedió ayer a devolver a los herederos de Pedro Rico las obras “El vendedor de periódicos”, de José Jiménez Aranda, y “El merendero”, de Ángel Lizcano.

Un listado elaborado por Cultura

Ambos cuadros fueron incautados en 1938 por la Junta del Tesoro Artístico del gobierno republicano con el objetivo de protegerlos durante la Guerra Civil, pero nunca se entregaron a la familia ni durante la dictadura franquista ni después.

El alcalde había huido de su vivienda en noviembre de 1936. Su casa quedó abandonada y sus pertenencias acabaron repartidas por diversos centros artísticos repartidos por Madrid, Valencia, Málaga y Asturias.

Los cuadros han sido incluidos gracias al inventario del Ministerio de Cultura, liderado por Ernest Urtasun, el único por el momento que ha encabezado la iniciativa de realizar un listado de estas características en cumplimiento de la Ley de Memoria Democrática.

Los nietos, en Oviedo

El acto de entrega de los dos cuadros que permanecían en Asturias se realizó ayer, lunes, en la sede del Museo de Bellas Artes de Asturias, ubicado en Oviedo. En él participó una amplia representación de familiares del exalcalde, legítimos propietarios de las obras. Entre ellos, se encontraban los nietos Francisca y Pedro Rico González. 

Con esta restitución, se culmina un proceso de investigación pionero desarrollado por la Consejería de Cultura, Política Llingüística y Deporte a través del Museo de Bellas Artes, que ha permitido reconstruir la historia de ambas piezas y acreditar su legítima procedencia.

Estaban depositadas en el museo

El Principado ha resaltado la colaboración con el Ministerio de Cultura que ha sido determinante para devolver las obras a la familia.

Las dos pinturas se encontraban depositadas en el Museo de Bellas Artes de Asturias desde mediados del siglo XX, tras haber pasado por distintas instituciones culturales durante el franquismo. Su recuperación se enmarca en el esfuerzo conjunto del Principado por identificar y restituir bienes incautados durante la Guerra Civil y la dictadura.

Justicia, reparación y memoria

Durante el acto, el jefe del Ejecutivo ha destacado que esta restitución constituye “un acto de justicia, de reparación y de memoria”. También ha expresado su agradecimiento al museo por llevar a buen término la entrega y a la familia de Rico por su colaboración a lo largo del proceso. 

Investigación pionera del Museo

El Museo de Bellas Artes de Asturias ha llevado a cabo desde 2017 una investigación pionera a nivel nacional sobre el origen de las obras ingresadas en la antigua Diputación Provincial de Oviedo durante los años 40 del siglo pasado, muchas de ellas procedentes de incautaciones efectuadas en el contexto de la guerra civil y la posguerra.

Gracias a este trabajo exhaustivo, que incluyó la revisión documental y técnica de 119 obras, se ha podido identificar la procedencia de las piezas pertenecientes a Pedro Rico López.

Bajo la coordinación de la Consejería de Cultura, el museo ha desarrollado todo el proceso de investigación, localización y acreditación de la titularidad de las obras, según ha ratificado el Gobierno asturiano.

Las obras, con sus legítimos dueños

Las pinturas entregadas este lunes fueron depositadas en 1941 en el entonces Museo Provincial de Oviedo y desde 1979 formaban parte de los fondos del Museo de Bellas Artes de Asturias.

La resolución ministerial de mayo de 2025 reconoció la legitimación de los herederos de Pedro Rico López para su devolución.

Una muestra de media centena de pinturas del alemán Georg Baselitz, el 'Elogio del Hierro III' de Chillida o Ataria (bat), compuesta por obras de arte contemporáneo de artistas vascos son las escogidas para mostrarse en la recién estrenada sede del Museo Bellas Artes de Bilbao, que ha reabierto este lunes su edificio de 1970 tras los trabajos de rehabilitación contenidos dentro del plan de ampliación proyectado por Norman Foster y Luis María Uriarte. Con la renovación, el museo creado en 1945, gana cerca de 6.000 metros cuadrados de espacio expositivo, uniendo el nuevo al edificio antiguo y creando, como el propio director Miguel Zugaza, ha expresado “un museo con varias arquitecturas”.

La rehabilitación del edificio de 1970 ha sido ejecutada al tiempo que se construye la nueva arquitectura 'Agravitas' -ambos edificios compartirán el acceso desde la plaza Chillida y el núcleo vertical de comunicación-, y permite a partir de octubre de este año, desarrollar en el espacio actividades expositivas y educativas en la fase final de las obras. Desde el museo explican que su rehabilitación integral, que ha afectado a casi 6.000 metros cuadrados, “responde fundamentalmente a la necesidad de adaptar la estructura y las instalaciones a las actuales normas de seguridad y protección contra incendios demandadas por las administraciones, y ha requerido de un proceso técnico de gran exigencia y complejidad, por tratarse de un elemento de alto valor arquitectónico”. “La intervención ha resaltado los rasgos más significativos del edificio, pero sin eliminar las transformaciones de las que ha sido objeto a lo largo del tiempo, como el cierre del porche original, acometido en dos fases (1983 y 1993) según el diseño de Rufino Basáñez y Álvaro Líbano. Asimismo, el núcleo de comunicación del edificio reformado servirá al volumen de la ampliación Agravitas, de modo que se evitan duplicaciones y se favorece la eficiencia operativa”, detallan desde la pinacoteca.

Por su parte, 'Agravitas' ha sido concebido como un “edificio puente” que sobrevuela los edificios existentes y genera un gran espacio en el centro del citado eje: la plaza del Monumento a Arriaga, que queda ahora integrada dentro del espacio interior del museo. Con soportes en forma de V gigante, en concreto seis pilares en V, colocados tres a cada lado del edificio actual, de 71 centímetros de diámetro y 11,5 metros de longitud cada uno, el edificio se mantiene sobre el ya existente. Además de la creación de la nueva estructura, que ya está finalizada y sobre la que se asentará el nuevo edificio, también se han renovado los espacios de entrada al museo, que trazará un eje norte-sur, conectando las plazas Euskadi y Chillida con el objetivo de fortalecer la cohesión del museo con el contexto urbano.

Esa última parte es la que se ha mostrado este lunes, primero a los medios de comunicación, después a invitados y, el próximo miércoles, al público general. Zugaza en su intervención antes de realizar la visita guiada a medios de comunicación ha reconocido estar “conmovido” por la reapertura y “por volver a mostrar el arte en este edificio de exposiciones con artistas que cruzan sus biografías con la historia del propio museo y su permanente anhelo de contemporaneidad”.

La selección de obras abiertas al público

A partir del miércoles, el público del Museo Bellas Artes de Bilbao dos grandes exposiciones: por un lado la de Georg Baselitz titulada 'Pinturas 2014-2025. Algo en todo', comisariada por el historiador del arte Norman Rosenthal que reúne 50 obras realizadas por el pintor alemán en la última década, y por otro, 'Ataria (Bat)', una treintena de obras contemporáneas, que ocupa la planta baja del edificio, conocida como atrio.

Baselitz se trata de uno de los pintores más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. En la década de 1960 se dio a conocer con una pintura figurativa de gran formato y marcado carácter expresionista que se identifica con la generación que cuestionó los valores que desencadenaron la Segunda Guerra Mundial. Es por ello que Rosenthal, quien ha elegido qué obras se mostrarán en el Museo Bellas Artes, lo ha descrito como un “radical”. Los imponentes lienzos (algunos miden hasta 480 x 300 cm) abordan las obsesiones temáticas de Baselitz en imágenes extraordinarias impregnadas por la persistencia de la conciencia del propio cuerpo, la autobiografía y la historia del arte. Figuras, manos, medias de seda, piernas, pies y águilas imperiales condensan una nueva expresividad y la genial lucidez de la producción más reciente del artista alemán. La muestra aborda, además, la idea de que la fuerza creativa supera las más severas limitaciones físicas en este estilo final de Baselitz, que reclama así formar parte de una genealogía artística de resiliencia en cuyo parnaso se hallan otros pintores de trayectoria longeva como Tiziano, Rembrandt, Goya o Picasso.

En cuanto a 'Ataria (Bat)',  incluye piezas tan relevantes como el mural articulado Euskadi (1977-1979) de Agustín Ibarrola, recientemente restaurado; la maqueta de La materia del tiempo (1994-2005) de Richard Serra, pensada para el Museo Guggenheim de Bilbao; el cuadro de Juana Cima Sugoi (1985), que estuvo en el café Lamiak del Casco Viejo bilbaíno; y una serie de trabajos producidos por centros de arte de la ciudad, a cargo de Itziar Okariz (BilbaoArte), Gema Intxausti (Sala Rekalde) o Elena Aitzkoa (Azkuna Zentroa). La exposición prestará especial atención a los proyectos creados en nuestro museo, como las intervenciones de José Luis Zumeta, Darío Urzay, Jon Mikel Euba, Maider López y June Crespo.

Por último, el 'Elogio del Hierro III' de Eduardo Chillida, con sus cuatro metros de altura y 18 toneladas de peso, alude a la tradición siderúrgica de Bilbao y remite, a su vez, a la identificación de su autor con este material central en su trayectoria. En 1951 Eduardo Chillida abandonó París, donde se había trasladado para conocer las tendencias artísticas del momento, con el objetivo de reencontrar sus raíces en su tierra natal. Aquí comenzó a trabajar en la forja con el hierro al rojo vivo y a golpe de martillo. Así, con este metal y un nuevo lenguaje escultórico, Chillida se adentró en la abstracción y en su personal indagación del espacio.

La obra fue creada por encargo de BBVA en 1991 y se instaló siete años más tarde en la Gran Vía de Bilbao. Durante más de dos décadas formó parte del paisaje de la ciudad hasta su traslado, en 2018, a Chillida Leku, en Hernani, por motivos de conservación. Ahora, gracias a un acuerdo de comodato con BBVA, ha regresado a la ciudad para la que fue creada y ubica en la plaza Chillida del Museo Bellas Artes.

El nombramiento de Alfonso Palacio como director adjunto de Conservación e Investigación del Museo del Prado, en Madrid, dejó vacante la dirección del Museo de Bellas Artes de Asturias, el pasado mes de febrero; un cargo que asumió ininterrumpidamente durante los últimos 12 años. Este martes, la junta de gobierno de la pinacoteca, ubicada en Oviedo, ha designado para la plaza a la historiadora del arte María López-Fanjul y Díez del Corral.

La junta de gobierno se reunió hoy, bajo la presidencia de la consejera de Cultura, Política Llingüística y Deporte del Principado, Vanessa Gutiérrez, y aprobó la candidatura de María López-Fanjul que había sido propuesta por una comisión de expertos en el ámbito museístico y académico.

Una figura “idónea para una nueva etapa”

Su candidatura ha sido elegida al considerar que su perfil “combina una sólida formación académica con una experiencia internacional de primer nivel”, lo que convierte a María López-Fanjul en una figura “idónea para impulsar una nueva etapa” en el Museo de Bellas Artes de Asturias.

La elección de la nueva dirección se enmarca en un proceso de selección que, según ha avanzado el Gobierno asturiano, ha estado caracterizado por “la transparencia y la excelencia”.

María López-Fanjul es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de Florencia, y máster en Gestión de Museos y Galerías por la City University of London. Se doctoró en el prestigioso Courtauld Institute of Art de la Universidad de Londres con una investigación centrada en el coleccionismo y las prácticas curatoriales.

Una brillante carrera profesional

Su carrera profesional se ha desarrollado en instituciones de primer nivel: inició su andadura en el Museo Reina Sofía y en el Victoria and Albert Museum de Londres, trabajó en la Fundación La Caixa y en el Museo del Prado, y desde 2012 forma parte de los Museos Estatales de Berlín, donde ha sido jefa de conservación en el Bode-Museum, responsable de las colecciones de arte italiano posterior a 1500 y de la colección española.

A lo largo de su trayectoria, ha comisariado exposiciones de gran repercusión internacional, entre ellas El Siglo de Oro. Die Ära Velázquez (2016–2017), la serie Der zweite Blick (2019 y 2021), Klartext: zur Geschichte des Bode-Museums (2020) y Spanische Dialoge. Picasso aus dem Museum Berggruen (2023). También ha sido la directora artística de la Spanish Gallery en Bishop Auckland, Inglaterra.

Un comité de expertos

Este comité, presidido por Leopoldo Tolivar Alas, ha estado integrado por Miguel Falomir, director del Museo del Prado y por Javier Barón, jefe de la colección de pintura del siglo XIX de la pinacoteca nacional, junto con la historiadora del arte María Bolaños, exdirectora del Museo Nacional de Escultura; la catedrática de Historia del Arte de la Universidad de Oviedo Soledad Álvarez y María Auxiliadora Llamas, presidenta del Comité Español del Consejo Internacional de Museos (ICOM).

La comisión se completó con la vocal de la junta de gobierno del Museo de Bellas Artes, Elisa Collado y como secretario ejerció Jaime Hidalgo, secretario general técnico de la consejería de Cultura.

El legado de Alfonso Palacio

La gestión de Alfonso Palacio ha sido elogiada a lo largo de estos 12 años ininterrumpidos por la apertura del museo a la sociedad y las numerosas actividades que se han organizado durante su etapa.

Además del enriquecimiento de la colección permanente y las exposiciones temporales, ha expandido la programación cultural con ciclos de cine, recitales de poesía, visitas guiadas y conferencias.

La iniciativa de la “obra invitada” y su firme apoyo a los artistas asturianos han sido algunos de los aspectos que más se han resaltado en su etapa.

La ampliación del museo

Asimismo, gestionó la última fase de ampliación del museo y tuvo lugar, durante su etapa, la creación de la Asociación de Amigos del Museo de Bellas Artes de Asturias en 2019, un proyecto que buscó involucrar a la ciudadanía y fortalecer su vínculo con esta institución. Un legado que recoge ahora María López-Fanjul.

La designación de la nueva directora se produce apenas 40 días después del nombramiento de la gestora cultural, historiadora y comisaria asturiana Semíramis González al frente de Laboral Centro de Arte, en Gijón.

Fue el encargado de colocar la primera piedra en el acto institucional en el que se presentó el proyecto en el año 2022 y este martes ha sido él mismo, a sus 90 años, quien lo ha recorrido cuando ya está en su recta final. Se trata del arquitecto Norman Foster (Manchester, 1935) y su proyecto 'Agravitas' de ampliación del Museo Bellas Artes de Bilbao. El proyecto, ideado por el equipo que forman Foster y el arquitecto bilbaíno Luis María Uriarte amplía el actual edificio desafiando la gravedad con un edificio nuevo sobre el antiguo museo.

El propio Foster ha viajado hasta Bilbao y se ha colocado este martes el Equipo de Protección Individua (EPI) necesario para visitar las obras del museo. Él mismo ha sido testigo, junto con la diputada general de Bizkaia y presidenta del patronato del museo, Elixabete Etxanobe; el director del museo, Miguel Zugaza; la consejera de Cultura y Política Lingüística, la vicelehendakari Ibone Bengoetxea; el alcalde de Bilbao, Juan Mari Aburto; el presidente de la BBK, Xabier Sagredo; y el corresponsable del proyecto, Luis María Uriarte, del avance de las obras.

Con soportes en forma de V gigante, en concreto seis pilares en V, colocados tres a cada lado del edificio actual, de 71 centímetros de diámetro y 11,5 metros de longitud cada uno, el edificio se mantiene sobre el ya existente. Además de la creación de la nueva estructura, que ya está finalizada y sobre la que se asentará el nuevo edificio, también se renovarán los espacios de entrada al museo, que trazará un eje norte-sur, conectando las plazas Euskadi y Chillida con el objetivo de fortalecer la cohesión del museo con el contexto urbano. En este sentido, 'Agravitas' ha sido concebido como un “edificio puente” que sobrevuela los edificios existentes y genera un gran espacio en el centro del citado eje: la plaza del Monumento a Arriaga, que queda ahora integrada dentro del espacio interior del museo.

En un primer momento, el objetivo era abrir el museo en completo en 2024. Después, se fijó el horizonte para mediados de 2025, pero también se tuvo que retrasar tras la entrada en concurso de acreedores de la subcontrata encargada de la estructura metálica para la cubierta del nuevo edificio. Así que, finalmente, se ha fijado la fecha de junio de 2026, una fecha que se ha establecido “teniendo en cuenta el retraso acumulado por circunstancias sobrevenidas”, según reconocen desde la Diputación de Bizkaia.

Foster ha visitado las obras asegurando que en Bilbao “se siente como en casa” y defendiendo que ser testigo de los avances de su obra “ha sido como observar un iceberg, del que ves la punta, pero lo que yace por debajo es todo el proceso de un gran trabajo que empezó hace ya seis años”. Según ha recalcado, su proyecto ejerce también una labor de conexión de ingeniería industrial entre Bilbao y su ciudad natal, porque ambas simbolizan “tradiciones industriales compartidas entre dos ciudades”.

Etxanobe ha sido la encargada de entregar un obsequio a Foster por su 90 cumpleaños el pasado 1 de junio. Le ha regalado un paraguas, que el arquitecto ha descrito como “un sencillo objeto que nos representa y evoca el agua y también el sol que da vida a nuestra tierra”, mientras lo ha levantado con alegría para enseñárselo a los asistentes a la visita. “Como arquitecto nada te prepara para la realidad” de vivir la experiencia real de algo que has diseñado o dibujado, no importa cuántas veces lo hayas imaginado. Nada sustituye la experiencia real, que en este caso ha sido absolutamente extraordinaria. Muchas veces nos enfrentamos a obras, modelos y tecnologías aplicadas a la realidad, que, la verdad, es muy difícil de sustituir“, ha añadido.

Una de las cuestiones que más han sorprendido y más ha valorado el arquitecto, es el hecho de que durante las obras la pinacoteca siguiera abierta al público. Es algo igual de espectacular e impresionante“, ha señalado, tras agradecer su labor a todos los representantes y equipos que están haciendo posible el proyecto, porque ”van conectando y trabajando en una empresa que no es nada fácil y donde, además comparten unos valores en torno al proyecto“.

Foster, también diseñador de los 'fosteritos' o estaciones del metro de Bilbao, donde en una de las paredes de la estación de Moyua se encuentra su autógrafo, ha afirmado que espera “con muchas ganas y ilusión” volver a visitar la ciudad durante la apertura completa del Museo, que se espera para junio de 2026. Según avanzó hace unos meses el director Miguel Zugaza, “no habrá una sola inauguración”, sino que el museo irá ofreciendo un calendario inaugural que empezará el 24 de junio, día de San Juan de 2026 y que puede terminar el 5 de octubre, que se celebra en 118 aniversario de la pinacoteca bilbaína.

Además de Foster, tras la visita la diputada Elixabete Etxanobe ha valorado que “la obra avanza a pleno rendimiento y hemos vuelto a comprobar que, cada paso que se da en esta obra, hace más evidente la relevancia y la calidad del proyecto firmado por Norman Foster. El proyecto es un alarde técnico, estético y funcional cuya elegancia no deja de sorprendernos”, ha señalado para concluir subrayando “la capacidad de una construcción tan compleja para resolver con eficiencia las necesidades del museo, así como la coherencia y el respeto con que el museo se relacionará con los dos edificios preexistentes, acrecentará el protagonismo del museo en la trama urbana y revitalizará su conexión verde con la naturaleza del parque”.

El Museo Bellas Artes de Bilbao ha concluido la instalación de la estructura metálica para la cubierta del nuevo edificio 'Agravitas' y prevé inaugurar tanto las nuevas instalaciones como las renovadas el 24 de junio de 2026. Así lo han anunciado este miércoles la diputada general de Bizkaia y presidenta del Patronato del museo, Elixabete Etxanobe, y el director de la institución, Miguel Zugaza.

Durante una visita a las obras de ampliación del museo, coincidiendo con la finalización de la estructura de la cubierta del nuevo edificio, Etxanobe ha destacado que se ha alcanzado “un hito muy importante”, ya que “el esqueleto de Agravitas está terminado”. Ha subrayado además la complejidad que ha supuesto levantar esta estructura sobre el edificio original y ha agradecido el esfuerzo conjunto de los equipos técnicos que han logrado superar los desafíos del proyecto, según recoge Europa Press.

’Agravitas', el proyecto que “dibujaron Norman Foster y Luis Mari Uriarte, se va haciendo realidad”, ha afirmado Etxanobe, quien también ha destacado que la renovación de la Plaza Chillida y del edificio de 1970 avanza a buen ritmo. En esa línea, ha mostrado su satisfacción: “Cada vez vemos más cerca la culminación de un proyecto ilusionante y necesario para reforzar la posición del Bellas Artes como un museo de referencia”.

La diputada general también ha anunciado que el “empeño” de todas las instituciones implicadas en este proyecto es trabajar para que el programa inaugural del museo se inicie el 24 de junio de 2026, una fecha que se ha establecido “teniendo en cuenta el retraso acumulado por circunstancias sobrevenidas”. La reapertura al público del Museo de Bellas Artes de Bilbao al completo, prevista para mediados de 2025, se tuvo que retrasar tras la entrada en concurso de acreedores de la subcontrata encargada de la estructura metálica para la cubierta del nuevo edificio.

Por su parte, el director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, Miguel Zugaza, ha resaltado el valor que aportará la ampliación al museo, ya que las dos nuevas plantas del edificio 'Agravitas' albergarán tanto los talleres educativos como nuevos espacios de trabajo interno. Asimismo, ha adelantado que la reforma de la Plaza Chillida y del edificio anexo concluirá en unos tres meses, lo que permitirá replantear el calendario de apertura. 

A pesar de los contratiempos, el director ha asegurado que el proyecto “sigue dentro del valor estimado del contrato de concurso financiado hasta ahora con el crédito suscrito por Kutxabank al inicio del proceso”. Zugaza ha avanzado que “no habrá una sola inauguración”, sino que “el museo va a ir ofreciendo un calendario inaugural que empezará el día de San Juan de 2026 y que puede terminar el 5 de octubre”, coincidiendo con el 118 aniversario del museo.

La consejera de Cultura y Deporte, Patricia del Pozo, ha inaugurado este lunes la exposición 'Del Greco a Zuloaga. Obras maestras en el Museo de Bellas Artes de Bilbao' en la que se exhiben de forma excepcional 28 obras de grandes maestros españoles de los fondos del Museo de Bilbao. La muestra, que estará abierta hasta el 16 de marzo de 2025, alberga una selección de 26 pinturas y dos esculturas representativas de la calidad del fondo de obras de escuela española que conserva la pinacoteca vasca, que las ha prestado mientras acomete la ampliación de su sede.

Del Pozo ha asegurado que “se trata de un ejemplo de colaboración entre ambos museos, una más, pues ya en 2009 coprodujeron la exposición 'El joven Murillo' que fue toda una referencia”. Esta vez, ha abundado la consejera, “disponemos de una excepcional selección de obras maestras fechadas entre los siglos XV y XX, que en algunos casos se van a ver en Andalucía por primera vez, lo que da muestra de la enorme generosidad del Museo de Bilbao con nuestro Bellas Artes”.

La consejera, acompañada por el presidente del Parlamento, Jesús Aguirre, ha recalcado que este trabajo en común es una muestra más de la apuesta de la Junta por esta institución, “una apuesta que pasa por combinar exposiciones que muestran el trabajo de investigación diario del magnífico equipo del Museo como la dedicada a los Mártires de Japón que inauguramos el pasado octubre, como por exposiciones de gran formato y relevancia como la que hoy traemos”.

Recorrido por cuatro siglos del arte español

La reforma de la pinacoteca bilbaína es lo que ha propiciado que este conjunto de lienzos y esculturas pueda ser disfrutado por el público de Sevilla. La selección de fondos que ha hecho José Luis Merino Gorospe, conservador de Arte Antiguo del Museo de Bilbao y comisario de la muestra, recorre cuatro siglos de arte español y pone el acento en los géneros del retrato y el arte religioso, acompañados por ejemplos relevantes de naturaleza muerta y paisaje.

El recorrido expositivo incluye pintores como el Greco, Francisco de Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo, Luis Paret, Francisco de Goya o Ignacio Zuloaga, y presenta principalmente pinturas, aunque también dos tallas en madera de tema religioso y pequeño formato: Calvario (c. 1576-1580) de Juan de Anchieta y Dolorosa (c. 1754-1756) de Juan Pascual de Mena.

Entre las obras a destacar figuran 'La Anunciación' (1597-1600) del Greco, 'Santa Isabel de Turingia y Santa Catalina de Alejandría' (c. 1650-1660) de Zurbarán, 'San Pedro en lágrimas' (c. 1650-1655) de Murillo, 'Vista de Bermeo' (1783) de Paret, 'Retrato de Martín Zapater' (1797) de Goya y 'Doña Rosita Gutiérrez' (1915) de Zuloaga, entre otras.

Pintores vinculados a la ciudad hispalense

Además, en la exposición ocupan un lugar señalado los pintores que desarrollaron su carrera en Sevilla, desde Ignacio de Iriarte, nacido en Azkoita (Gipuzkoa) pero que llegó a la ciudad hacia 1642, hasta Juan de Roelas, Francisco de Herrera el Viejo, Francisco de Zurbarán o Bartolomé Esteban Murillo.

Como novedad, se presentará por primera vez al público, tras su reciente adquisición por parte del Museo de Bilbao, 'La plaza de toros de Sevilla' (c. 1870) de Mariano Fortuny, que al valor artístico añade su interés iconográfico por el contexto en el que se expone. El pintor resuelve la representación de la plaza de toros de Sevilla en una composición dividida a partes iguales entre el celaje y el albero y los tendidos, y protagonizada por la pincelada deshecha con la que Fortuny dispone luces y sombras.

Con motivo de esta exposición, la Consejería de Cultura y Deporte ha editado un catálogo con un ensayo del comisario José Luis Merino Gorospe y comentarios de expertos de las obras a cargo de los historiadores Manuel Arias, Manuela Mena, José Luis Díez, Valme Muñoz, Ignacio Cano, José Gómez Frechina, Carmen Morte, Leticia Ruiz, Javier Novo, Benito Navarrete, José Luis Merino Gorospe, Peter Cherry y Mikel Lertxundi.

Cultura accesible

Por otro lado, el Museo de Bellas Artes de Sevilla, “dentro de la estrategia de la Junta de Andalucía para garantizar la accesibilidad a espacios culturales”, ha elaborado, coincidiendo con la muestra 'Del Greco a Zuloaga', un material de apoyo específico para que personas con discapacidad visual puedan disfrutar de la exposición. En concreto, se han realizado dos libros tacto-visuales con altorrelieves de seis obras seleccionadas con imágenes a color y textos de lectura fácil en braille y tinta con caracteres visuales altos y macrotipos.

Esta iniciativa, que se realiza por primera vez en la pinacoteca sevillana, se suma a las acciones programadas anualmente por la Consejería de Cultura y Deporte con la finalidad de integrar plenamente a las personas con discapacidad en las políticas públicas y para hacer los museos espacios más inclusivos y accesibles. Entre estas acciones cabe destacar el programa de 'Arteterapia' en el Bellas Artes de Córdoba, dirigidas a personas con diversidad cognitiva y funcional, los talleres inclusivos del Museo de Málaga o los talleres de CreARTE, entre otras iniciativas impulsadas en las ocho provincias.

Izquierda Unida (IU) preguntará en el pleno del Ayuntamiento de Santander por los detalles de la revisión especial de precios que la pasada semana aplicó la Junta de Gobierno del Partido Popular a las obras de rehabilitación del Museo de Arte de Santander (MAS) y del Archivo Municipal Provincial.

El concejal de la formación, Keruin Martínez, ha indicado en un comunicado que en las actas consultadas se ha cifrado esta revisión provisionalmente en 375.463,99 euros, en el caso del MAS, a la espera de las posibles alegaciones de la empresa constructora San Emeterio S.A. (Copsesa), y en 356.298,38 euros en el caso del Archivo Municipal, cuyas obras fueron adjudicadas a Siecsa S.A.

Asimismo, el edil ha señalado que los diversos retrasos de las obras, unidos a “la dificultad, al parecer, imprevista de varias actuaciones” ya han conllevado un aumento, tanto del plazo de finalización de las obras, como del presupuesto acordado en casi un millón de euros.

Así, el contrato del MAS, que se adjudicó por un presupuesto de 3.053.794,89 euros, es decir, más de la mitad de los 6.316.579,89 euro que se acordaron en su licitación, se amplió en noviembre de 2023 hasta 787.317,34 euros.

En el caso del Archivo Municipal Provincial, cuya obra fue adjudicada por 1.295.365,50 euros de una licitación por valor de 1.838.054,59 euros, se han redactado dos proyectos modificados, donde se incluyó el incremento del presupuesto inicial en 205.874,10 euros.

“Entendemos que la situación es complicada, pero esta práctica recurrente de adjudicar a la baja y que después aparezcan los problemas, los retrasos y los sobrecostes es habitual en Santander, y esto se debe a la falta de previsión y a las prisas por anunciar, en vez de tomarse tiempo y esmero en proyectos tan importantes para nuestra ciudad”, ha insistido Martínez.

Según ha adelantado Martínez, su formación ha registrado una batería de preguntas para conocer todo lo que ha llevado a esta revisión, que se debe llevar por la vía de la excepcionalidad, ya que el propio contrato rechaza su necesidad, dado el plazo de ejecución inicial previsto para las obras.

“Es innegable que los retrasos han sido grandes e inevitables por el mal estado de la cimentación en algunos lugares, que convendría saber si no se pudieron anteceder o se debió a una falta de previsión en la redacción del proyecto, que en ambos casos ha debido ser modificados”, ha explicado el edil.

Martínez cuestionará al equipo de Gobierno del PP sobre los posibles costes adicionales y sobre los problemas acaecidos, tanto en los cimientos como en el estado de archivos importantes.

“Además, queremos saber de qué forma y manera afectarán estos cambios en las cuantías presupuestadas a la obra final, a la reorganización de los espacios y a la dotación de los mismo, especialmente en el caso de la Biblioteca Municipal, que sabemos que es una preocupación interna”, ha insistido el edil.

El Museo de Arte Moderno y Contemporáneo (MAS) de Santander volverá a abrir sus puertas el 18 de mayo, Día Internacional de los Museos, con una exposición que la Comisión Asesora de la institución cultural decidirá en febrero.

Este viernes, la alcaldesa de la ciudad, Gema Igual, ha girado visita con su equipo a las instalaciones remozadas tras el incendio que obligó a la clausura del edificio en 2017. Desde entonces, hace más de seis años, los fondos se han trasladado y la actividad acogida por la Obra Social de Casyc, también en Santander.

Igual ha anunciado, asimismo, que el Gobierno regional ha consumado la pasada semana el traspaso de los antiguos Talleres Martínez, actualmente en estado ruinoso, y cuya recuperación será clave para la ampliación del MAS:

Las 5.500 piezas que componen el fondo del MAS volverán ahora al edificio de la calle del Rubio de manera escalonada y priorizando ya que no todo cabrá en el inmueble. Dispuesto para acoger en sus cuatro plantas una exposición permanente y dos temporales, los visitantes podrán volver a ver las 200 piezas de arte clásico, 900 del Moderno y las 1.200 de Arte Contemporáneo, entre otras obras catalogadas, que fueron retiradas tras el incendio.

La rehabilitación del MAS ha sido accidentada desde varios puntos de vista: político, económico y técnico; una confluencia que ha hecho que la conclusión de los trabajos se internara ya en el séptimo año desde el cierre del edificio.

La rehabilitación ha costado 3,8 millones de euros, 1,2 millones correspondientes al pago del seguro por el incendio. Otros 708.000 euros proceden de fondos europeos. Los cerca de dos millones restantes han corrido por cuenta de las arcas municipales.

Técnicamente, la obra ha tenido complejidad en lo que atañe a su estructura y cimentación, ya que exterior e interiormente ofrece pocos cambios. El edificio, obra de los arquitectos Leonardo Rucabado y Alberto Corral fue pensado originariamente, a primeros del siglo XX, como Biblioteca Municipal, no como pinacoteca. Trasladada aquella, el inmueble se destinó íntegramente a la exposición de arte. Dado que la sobrecarga y los parámetros técnicos de la actualidad no fueron los de entonces, los trabajos de recuperación se han centrado en reforzar la cimentación y la estructura del inmueble.

El incendio de noviembre de 2017, provocado por un cortocircuito estando desactivado el sistema de detección de incendios, ha provocado estos años una tormenta política, con petición de explicaciones sobre las causas y de la dimisión de la entonces concejala de Cultura, Miriam Díaz. También el proyecto de recuperación ha sido espinoso judicializándose, al igual que las responsabilidades del siniestro con la empresa encargada entonces de unas obras en el interior.

Recursos de arquitectos y aparejadores al concurso para la dirección técnica de las obras se juntaron con sanciones a la empresa encargada de las obras (SIEC) y a la empresa encargada de la seguridad (Codelse) a quienes el Ayuntamiento de Santander recriminó la responsabilidad del incendio, que dañó una docena de piezas. Sin embargo, la Justicia anuló la sanción a SIEC y el Ayuntamiento optó por no recurrir.

Lo ocurrido desde 2017 estaba en el ambiente este viernes cuando la alcaldesa y su equipo visitaron el edificio, aunque Gema Igual no hizo referencia apenas al pasado más que aludiendo a “una etapa larga y no sin piedras en el camino”. Sí que ha agradecido su trabajo a todos los que han participado en la recuperación del inmueble, en el pasado y en la actual legislatura. Ramiro Amorrortu, arquitecto municipal, y Noemí Méndez y Agustín Navarro, concejales de Cultura y Fomento, respectivamente, la flanqueaban, así como el director del museo, Salvador Carretero, y su equipo.

Han acudido al acto representantes de las empresas que han participado en las obras -Copsesa y Cero Arquitectura, entre otras-, así como el arquitecto que ha dirigido los trabajos en su fase final, David Ceballos.

El 'nuevo' MAS

Han quedado habilitados doce espacios expositivos, repartidos en cuatro plantas y que suman más de 2.000 metros cuadrados. Estas salas seguirán albergando las colecciones de la pinacoteca, una exposición permanente y dos temporales.

Se ha facilitado la accesibilidad al edificio a través de la entrada de la calle del Rubio que se ha reformado, al tiempo que se ha respetado la gran escalera de Rucabado en el interior, así como la fachada.

La regidora ha explicado que se va a proceder a los traslados pertinentes a la zona administrativa y de despachos. Y también, de los fondos que han sido albergados en depósito y de forma temporal en el Casyc. En este sentido, ha indicado que se van a reorientar y reorganizar para que estén ubicados “en el mejor sitio posible”, pues en el museo “no caben todos”.

Igual confía en que el nuevo MAS, llamado a ser “complemento” del denominado 'anillo cultural' de Santander, sirva igualmente de “palanca” para la atracción de turistas a la capital cántabra.

Casi 120 años después de ser repudiado, censurado, denigrado y tachado de “inmoral”, el Museo del Prado ha adquirido El sátiro, el monumental lienzo de Antonio Fillol en el que denunció la violación de una niña. La adquisición descubierta por elDiario.es supone una inversión de 110.000 euros y, como indican la familia y fuentes del Prado, es una “reparación histórica” de aquel rechazo en la Exposición Nacional a la que fue invitado el cuadro. La pintura será presentada en mayo, dentro de la exposición temporal Arte y transformaciones sociales en España (1885-1910). Sin embargo, la operación no ha sido recibida con agrado por una parte de la opinión pública valenciana.

El bien permanecía expuesto en el Museo de Bellas Artes de Valencia, donde los propietarios lo habían depositado de manera temporal en una situación de 'comodato'. Esta figura establece un contrato de préstamo entre las partes “para que se use de ella por cierto tiempo y se la devuelva”, tal y como define el Código Civil. La marcha de la pintura ha sido criticada en la prensa local y calificada de “expolio” o “robo” madrileño en las redes sociales, siendo comparada con la situación de la Dama de Elche, que permanece en el Museo Arqueológico Nacional y que el Ministerio de Cultura se negó a prestar a la localidad de Elche para celebrar los 125 años de su descubrimiento.

El historiador del arte y comisario independiente, Javier Pérez Rojas, fue el responsable del rescate, en el año 2015, de El sátiro. Fue con motivo de la exposición temporal titulada Antonio Fillol (1870-1930): Naturalismo radical y modernismo, que montó la Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Valencia. “Yo hice desenrollarlo”, asegura al otro lado del teléfono. La pintura supuso tal disgusto para Fillol, que la apartó en algún lugar de la casa familiar, en Castellón. “La expusimos con una puesta a punto provisional. No teníamos tiempo para restaurarla para la inauguración de la exposición y al acabar, el taller del Museo de Bellas Artes de Valencia se hizo cargo de ella. Hablamos con la familia, que decidió depositarla”, recuerda Pérez Rojas sobre aquellos días.

La polémica venta

Ignacio Gómez Juan, bisnieto y portavoz de la familia propietaria del cuadro hasta hace unos días, asegura a este periódico que durante estos años ha recibido varias ofertas por el cuadro, pero ninguna del Museo de Bellas Artes de Valencia, que ha visto marchar un cuadro cada vez más importante en la sociedad actual. Con la salida de El sátiro, la sala dedicada a Fillol en el museo valenciano ha sido desmontada por completo mientras la dirección replantea el lugar de Fillol en el centro.

“Volveremos a replantear a Fillol en ausencia de El sátiro. La compra del Prado no la considero un movimiento centralista, sino un movimiento de la familia propietaria del cuadro. Ese es el peligro de los comodatos de las colecciones privadas. No soy partidario de ellos, porque revalorizan los cuadros en manos de particulares”, explica por teléfono el director del museo, Pablo González. La institución valenciana tiene en depósito más de 20 obras propiedad del Museo del Prado, entre ellas el extraordinario La gloria del pueblo, de Antonio Fillol. Pintó el lienzo con 25 años y fue galardonado con medalla de segunda en la Exposición Nacional de 1895, año de realización del cuadro y primera vez que concurría al certamen que una década después lo tacharía de “inmoral” por El sátiro.

Javier Pérez Roja escribió sobre el artista rechazado por los académicos de su época que “la existencia moderna que Fillol plasma conlleva una consideración política e ideológica. Casi un siglo después de su fallecimiento, Fillol es aplaudido por la sociedad que encuentra reflejo en los temas que trató y el punto de vista que aplicó. De hecho, Javier Barón, responsable de la pintura del siglo XIX en el Museo del Prado, tuvo que sacar de la oscuridad de los almacenes La bestia humana, probablemente la obra maestra de Fillol, para exponerla de manera permanente desde hace un año.

Posicionar el arte valenciano

Tal y como ha podido saber este periódico, el Museo del Prado está valorando la posibilidad de alternar los dos cuadros monumentales de Fillol en sala. La pintura social del siglo XIX ha empezado a recuperar espacio hace un año, pero al parecer no tanto como para que se expongan a la vez La bestia humana y El sátiro. A pesar de ello, los especialistas indican que el reconocimiento de la institución madrileña potenciará la obra del artista valenciano.

“Siempre he defendido que al arte valenciano le interesa estar en el Prado. El Prado debe sacar brillo a las colecciones de artistas locales y reforzar su visibilidad. Así se subsanan vacíos. Lo justo es que se incluyan en la narración del Prado, como sucede con Juan de Juanes, el mejor pintor del Renacimiento español. No debe abandonar el Prado para venir a Valencia. Lo que hay que reclamar es el posicionamiento del arte valenciano a nivel nacional e internacional. Obviamente, la compra de El sátiro por el Prado es una buena noticia para Fillol. Para el Museo de Bellas Artes de Valencia no tanto. A pesar de todo, que El sátiro esté en el Prado beneficia a nuestro museo”, concluye Pablo González.

Hay que reclamar es el posicionamiento del arte valenciano a nivel nacional e internacional

Pablo González — Director del Museo de Bellas Artes de Valencia

El director asegura que no tuvo oportunidad de hacer una oferta por El sátiro. “A mí no me ofrecieron la venta, la familia tenía más ilusión de colgarlo allí. Cuando me enteré ya estaba vendido y no había posibilidad de nada”, dice. “¿Expolio? ¡Cómo va a ser un expolio! Hace años que se trata la adquisición del cuadro, pero no se había resuelto. La compra del Museo del Prado refuerza la presencia de Antonio Fillol en la historia del arte español. Si Fillol levantara cabeza, no podría creer que El sátiro, su cuadro más polémico, estuviera en el Prado”, opina Javier Pérez Rojas. En la misma línea muestra su parecer el director del Museo de Bellas Artes de Valencia.

Pablo González adelanta a elDiario.es que está en negociaciones para adquirir otro cuadro monumental de Antonio Fillol. Hasta el momento, el Museo de Bellas Artes de Valencia mostraba cuatro obras del artista. En otoño incluirán en sala A la festa de les fadrines, una obra de Fillol incluida en la colección Lladró, compuesta por unas 70 piezas y adquirida en 2022 por la Generalitat Valenciana por 3,7 millones de euros.

Desigualdad en las compras

El Museo del Prado tiene prestadas casi 3.500 obras a otras instituciones y administraciones repartidas por España. La dirección del museo creó hace unos meses una campaña “Prado Extendido”, con la intención de dar a conocer esta política de depósito. Las instituciones madrileñas son las más beneficiadas por estos préstamos (un total de 1.301 bienes) y la Comunitat Valenciana es la octava comunidad autónoma en piezas depositadas, con un total de 108. Podría darse el caso de que El sátiro se convirtiera en uno de estos depósitos.

Madrid fue en el año 2022 una comunidad autónoma privilegiada en la compra de obra de arte por parte del Ministerio de Cultura. Este periódico informó sobre la situación de desigualdad en las cuentas. Los museos madrileños recibieron el 91% del dinero para compras de arte. De la inversión de 6.620.286 euros destinados a estas adquisiciones, las instituciones culturales en Madrid sumaron 5.973.860 euros. Los museos no madrileños, menos de 650.000 euros. El Museo Nacional de Artes Decorativas, el del Prado y el Museo Reina Sofía fueron las instituciones públicas a las que más bienes artísticos compró la cartera de Miquel Iceta. Estas dos últimas, además, tienen una partida propia con el mismo fin.

En 2022, el Ministerio de Cultura no aportó compras a ningún museo de Cataluña, País Vasco, Navarra, Aragón, Canarias o Asturias

Los dos años anteriores hubo menos dinero a repartir, pero fue un reparto menos centralista. A la desigualdad en la inversión no ayudó tampoco la desigualdad de la ubicación. “De los 16 museos estatales de gestión directa por parte del Ministerio de Cultura, ocho se sitúan en Madrid”, explicaron a este periódico entonces desde la Dirección General de Patrimonio Cultural y Bellas Artes del Ministerio de Cultura. Sin embargo, 2022 fue el año de mayor presupuesto para ampliar las colecciones públicas y, a su vez, el año en que menos ha invertido el Estado en ampliar las colecciones públicas de los centros que no están alojados en Madrid.

En 2022 el Ministerio no aportó compras a ningún museo de Cataluña, País Vasco, Navarra, Aragón, Canarias o Asturias. Compró cinco bienes por 101.356 euros para el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí de la Comunidad Valenciana. Las últimas obras que ingresaron en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) por compra del Ministerio de Cultura datan de 2011. Entonces, hace 12 años, se depositaron un collage de Miró (en dación en pago de impuestos) dos pinturas de Anglada Camarasa y otra de Ramón Casas.

La desproporción en la inversión también se hizo notar con la celebración del siglo del fallecimiento de Joaquín Sorolla. El Ministerio de Cultura ha comprado entre 2022 y 2023 siete pinturas del valenciano. Todas para el Museo Sorolla de Madrid. La acuarela Tocando la guitarra (1887) costó 73.000 euros; el óleo Niña (1882), 18.267 euros; Niña cantora (1883), 48.803 euros; En la posada (1883), 50.000 euros; El oferente (1883), 142.000 euros; y La esclava y la paloma. Desnudo (1883) fue la pintura por la que más se pagó, 160.000 euros. Y en febrero de 2023, Toma de hábito, por 110.000 euros. En total, en poco más de un año, el Ministerio de Cultura de Miquel Iceta invirtió una cantidad superior a los 600.000 euros en compra de pinturas de Sorolla para el museo madrileño. Ni un euro para el Museo de Bellas Artes de Valencia, donde Joaquín Sorolla es el pintor de cabecera.

Tal y como informó en su día eldiario.es el Ministerio de Cultura no ayuda a incrementar la presencia del pintor local en las colecciones del centro valenciano desde 1984. Entonces el Estado compró Paisaje de Oriamendi (San Sebastián), pintado por Sorolla en 1912. Depositó la obra en Valencia. Pero casi cuatro décadas después, la Administración central no ha vuelto a realizar una adquisición para este museo, tal y como confirmaron desde la dirección del centro.

Aquel confinamiento por el coronavirus impuesto el pasado 14 de marzo de 2020 dejó las calles completamente vacías. Muchos recordarán para siempre las crudas imágenes de los hospitales repletos de pacientes contagiados por el virus o de las salidas a los balcones y ventanas a las 20.00 horas para animar a sanitarios. Pero, ¿qué ocurrió aquellos meses con los museos? ¿A qué suena un museo totalmente cerrado al público? ¿Qué sonidos se recogen cuando los visitantes no pueden acceder al él? Estas incógnitas las resuelven el artista sonoro Xabier Erkizia y la bertsolari y escritora Maialen Lujanbio en su exposición aHUTSAK HARTUa (traducción libre del euskera, tomar el vacío, cubierto por el polvo, tomada por la voz) del Museo Bellas Artes de Bilbao.

Ese momento concreto de la historia reciente es el punto de partida de la exposición, que ha ido recabando sonidos de los últimos tres años, cuando tuvo lugar otra situación también extraordinaria en la historia del museo, como es la obra de ampliación que actualmente se está llevando a cabo y que mantuvo las puertas del centro cerradas. “El paisaje sonoro que han generado ambos acontecimientos -sus sonidos, voces, ecos y silencios- ha sido escuchado y registrado durante los tres últimos años por Erkizia y Lujanbio para formular este particular registro inmaterial de la interacción con la institución, del aire y el polvo que habita el museo. El retrato sensorial del museo incluye pasos, presencias, reverberaciones, la huella sonora de máquinas y personas, grabaciones vibracionales de esculturas de hierro, fenómenos ultrasónicos, silencios”, explican desde la pinacoteca.

Se trata de un trabajo de grabación de más de 30 horas de audio en el que se recogen los sonidos externos, pero también trabajan con audio aéreo, infra y ultrasonido, frecuencias electromagnéticas, fenómenos vibracionales y archivo de ecos de los espacios. Se presenta como “una experiencia sensorial de encuentro con el espacio del museo y una memoria de su aura sonora que termina por acomodarse en diversos formatos y soportes”. 

“Hemos tenido la suerte de ver que lo que se hace en este museo es mucho más que exponer obras de arte, es un trabajo de cuidado extremo de las obras para salvaguardar la memoria que se contiene en ellas”, ha explicado Xabier Erkizia durante la presentación de la exposición, que estará disponible en el museo bilbaíno hasta el 31 de diciembre.

Según la bertsolari, Maialen Lujanbio, conocida por ser la cuatro veces ganadora del Campeonato Nacional de bertsolaris, pero con una larga trayectoria en el mundo de las letras y el arte, el objetivo de la exposición es “mostrar el vacío ligado al polvo” de los espacios cerrados. “Nuestro trabajo ha sido mirar, escuchar y excavar”, ha detallado, como si de excavaciones arqueológicas se tratase. Por su parte, director del museo, Miguel Zugaza, ha explicado que la finalidad era “registrar los ecos del museo vacío”.

El resultado del proyecto puede contemplarse como un entorno de palabras, sonidos e imágenes que Erkizia y Lujanbio han articulado en un ecosistema sonoro con cuatro elementos interconectados: un libro que incluye una memoria USB para poder escuchar los sonidos, la instalación sonora disponible en el Museo Bellas Artes de Bilbao, una performance creada por los artistas y, por ultimo, una microsite, o página web que aglutina los contenidos del proyecto.

En 2022 se cumplieron 100 años del nacimiento del fotógrafo Francesc Català-Roca. Como homenaje a su primer centenario, la sala de fotografía del Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando acogerá durante varios meses una exposición con las mejores obras del artista, La mirada sabia: “El gran maestro de su generación”. Las fotografías expuestas forman parte tanto de las colecciones de la Academia como de colecciones privadas que han sido cedidas para la ocasión. 

A Català-Roca se le ha bautizado como el mejor fotógrafo de su época, con una mirada única que fue capaz de captar la realidad de un país que superaba la posguerra. Constituyó el puente decisivo entre la vanguardia de la anteguerra, que representaba su padre, Pere Català Pic, y la nueva vanguardia documental, que él mismo encabezó en la frontera de los años cuarenta y cincuenta.

En la capital es considerado uno de los fotógrafos más icónicos por su forma de representar el Madrid más costumbrista. Ponía el foco donde estaba la historia, un talento innato que pudo desarrollar desde niño en el laboratorio de su padre, del que heredó el talento y la audacia para componer sus imágenes. Creatividad, técnica e instinto visual, las tres cualidades que hicieron de sus fotografías obras de culto. 

En obras como El piropo (1962) supo captar toda una época en un solo disparo. El poder, la Iglesia y el machismo en una foto que resumen cómo era la vida en la década de los sesenta en España. Como este decenas de ejemplos más, una colección para analizar y disfrutar con pausa y contexto. Entre sus modelos no solo había personas anónimas, Dalí también se dejó retratar por la cámara del fotógrafo casi a modo de mártir, convirtiéndose en una de sus obras más famosas.

Publio López Mondéjar, comisario de la exposición, considera que Català-Roca “dirigió su mirada segura hacia los detalles decisivos de las cosas, con la pretensión de comunicar su propia visión de la realidad”. El fotógrafo catalán fue ese testigo perfecto para cada ocasión, llevando su cámara a lugares que nunca antes se habían plasmado. Su fotografía dirigió la mirada más sabia a la gente humilde, a la cotidianidad, tanto en el campo como en la ciudad, dignificando situaciones que no se retrataban y dejando recuerdos eternos.

La Real Fábrica de Tabacos, sede principal de la Universidad de Sevilla, luce ya su fachada central completamente restaurada después de nueve meses de intervención. Durante el acto de presentación de su nueva portada, el rector de la Hispalense, Miguel Ángel Castro, ha puesto en valor el patrimonio que atesoran las universidades y el papel que cumplen en la sociedad, además de anunciar los “grandes proyectos” en los que se encuentra trabajando la US para con este edificio emblemático de la ciudad. 

Una lista de proyectos que en ningún caso contempla la propuesta del candidato a la alcaldía de Sevilla por el Partido Popular de trasladar el museo Bellas Artes a la antigua Fábrica de Tabacos. “Nada que decir al respecto”, ha espetado Miguel Ángel Castro al ser preguntado por este medio. “Ya he contado los proyectos que tiene la Universidad, que es la propietaria del edificio”, ha remachado el rector, para subrayar que el edificio es titularidad de la Universidad. 

“Agradezco a la Junta de Andalucía su cercanía y el respeto a la autonomía universitaria que hoy se manifiesta aquí con importantes autoridades que tengo a mi lado”, ha concluido Castro en declaraciones a eldiario.es Andalucía, en alusión a la presencia del alcalde de Sevilla, Antonio Muñoz, así como del consejero de Universidad, Investigación e Innovación de la Junta de Andalucía, José Carlos Gómez Villamandos, que han asistido a la presentación oficial de la restauración de la portada principal de este “Templo de la Sabiduría”, como lo ha apodado el rector. 

Proyectos a corto y medio plazo 

Con esta postura que imprime distancia, el máximo responsable se desmarca de un debate que el candidato del PP ha tratado de poner sobre la mesa, tras dar a conocer su voluntad de convertir el edificio central de la Universidad de Sevilla en el “Louvre sevillano”. Por el contrario, Miguel Ángel Castro ha presentado con entusiasmo los proyectos en los que se encuentran trabajando desde el Rectorado. 

Entre ellos, ha anunciado el “inminente traslado” de la Facultad de Filosofía, que pasará a integrarse este mismo curso en el rectorado para conformar así, junto al resto de disciplinas que ya se imparten - Filologías y Geografía e Historia -, el “gran Campus de Humanidades de España”, en palabras del rector. En este sentido, ha señalado la intención de albergar la “gran biblioteca de Humanidades” en este edificio, así como la instalación del km 0 de los museos de la universidad “que en breve mostrará el patrimonio” de esta institución “y el de este edificio que no puede comprenderse sin su historia”, ha apuntado el rector. 

Museo al que también ha aludido el alcalde de Sevilla durante su intervención, para expresar el compromiso adquirido por parte del Ayuntamiento en esta iniciativa. Para terminar, el rector ha señalado la “inminente propuesta de la solicitud para que nuestro rectorado sea nombrado patrimonio inmaterial universal de la humanidad”.

“Este edificio con su fachada principal que hoy se muestra restaurada”, ha indicado Castro, “conforma con sus símbolos lo mejor de la Universidad, la que protege y conserva su patrimonio”. “La Universidad es la única palanca real de transformación”, ha señalado el rector. Y en referencia al edificio ha resaltado que es “patrimonio vivo”: “el espacio de la juventud estudiante y de los profesores, de la ciudad y del mundo que con su existencia se protege y se engrandece generación a generación”.

Javier Viar, director del Museo de Bellas Artes de Bilbao entre los años 2002 y 2017, ha fallecido este jueves a los 75 años, según han informado fuentes del centro expositivo bilbaíno a la Agencia EFE.

Al devolver su puesto en marzo de 2017 a Miguel Zugaza, que dejó el Bellas Artes para dirigir del Museo del Prado, Viar apostó ya por la ampliación del Bellas Artes, que será llevada a cabo por el arquitecto británico Norman Foster, para -junto al Guggenheim- tener dos museos de primera magnitud en Bilbao.

Durante los quince años que Viar dirigió el Bellas Artes, este Museo logró superar seis veces la barrera de los 200.000 visitantes anuales y acercase a los 300.000 en 2012 con la exposición dedicada al pintor manchego Antonio López.

Entre sus reconocimientos cabe destacar que en 2008 fue condecorado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el ministerio de Cultura francés, en 2011 fue nombrado miembro de la Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Sevilla y en 2017, la ABAO le concedió la Medalla de Oro por su apoyo y colaboración. 

A pesar de la capacidad, la formación, la inspiración y el talento de las mujeres artistas en el siglo XX, durante años, sus obras han sido silenciadas y relegadas a un segundo lugar. A modo de homenaje a todas ellas, el bilbaino José Ramón Prieto ha compuesto una colección de 47 obras de arte contemporáneo creadas exclusivamente por mujeres. Ahora, esta colección ha tomado forma de exposición que cuenta como escenario el Museo Bellas Artes de Bilbao.

Se trata de pinturas, esculturas, fotografías, dibujos, grabados y hasta incluso videoinstalaciones que abordan temáticas transcendentales -y más teniendo en cuenta en la época en la que se realizaron- como son la construcción de género, la existencia de una mirada femenina del mundo, la sexualidad, el psicoanálisis, el feminismo, la transitoriedad del tiempo, el significado del arte, el fracaso del ideal de la vida moderna, la religión o la muerte.

El nombre elegido para la muestra, que a partir del 30 de abril y hasta el próximo 5 de septiembre estará disponible en el museo, es 'Womanology' en honor a la pintura homónima de Lynette Yiadom-Boakye, que retrata personajes que aun siendo reales se situán al margen de lo real, algo que también a ocurrido con las mujeres a lo largo de la historia. 

“La historia del arte es regresiva en cuestión de género y en nuestra colección permanente teníamos que esperar al siglo XIX para encontrar artistas mujeres”, ha señalado el director del Museo, Miguel Zugaza, quien ha admitido que la ausencia de mujeres en el arte “es difícil de reparar en términos históricos”, pero que es “inaceptable en nuestro tiempo”.

La muestra reúne 43 obras de la colección de Prieto realizadas por 35 artistas e incluye nombres imprescindibles de la escena artística internacional y local contemporánea como Marina Abramović, Ana Laura Aláez, Louise Bourgeois, Carmen Calvo, Ángela de la Cruz, Tracey Emin, Jenny Holzer, Donna Huanca, Cristina Iglesias, Barbara Kruger, Elizabeth Peyton, Dora Salazar, Monika Sosnowska, Tatiana Trouvé, Azucena Vieites o Kara Walker. 

“Es un día muy importante en mi vida. Nunca soñé con ver mi pasión por el arte convertida en una exposición en este museo”, ha señalado Prieto a través de Ana San José, su compañera de vida, puesto que al coleccionista -quien también es médico- hace un año le diagnosticaron esclerosis lateral amiotrófica (ELA) y la enfermedad le impide hablar.

La idea de esta colección no fue planeada de antemano. Durante cerca de 25 años, Prieto ha ido desarrollando la idea de crearla en sus visitas a museos, galerías, ferias y bienales, que siempre realizaba en compañía de Ana San José. 

“No es una colección de género en sentido académico, y tampoco de corte feminista”, ha querido explicar el director del museo. Sin embargo, el museo ha mostrado una creciente atención por las mujeres artistas a través de exposiciones como Mujeres impresionistas (2001) o Kiss Kiss Bang Bang (2007), que son el precedente de iniciativas como el programa Emak, que busca aumentar la representación de las artistas.

'Womanology', comisariada por Lourdes Fernández, no se centra en un único estilo artístico, sino que se nutre de múltiples lenguajes contemporáneos como el arte pop, el conceptualismo, el minimalismo, el informalismo, la abstracción geométrica, el arte povera, el constructivismo, el neobarroco, el expresionismo o el fotorrealismo.

Tardaron dos días en finalizar la obra. Exactamente, los días 8 y 9 de noviembre de 1980. Ahora, 40 años después, el mural 'Lemoiz gelditu' (Lemoiz paralización), creado en contra de la central nuclear del municipio vizcaíno por los artistas Vicente Ameztoy, José Luis Zumeta y Carlos Zabala “Arrastalu” forma parte de una exposición del Museo Bellas Artes de Bilbao. La obra ha sido presentada este lunes por el consejero de Cultura y Política Lingúística del Gobierno Vasco, Bingen Zupiria; el director del museo, Miguel Zugaza; el comisario, Iskandar Rementeria, y el único de los artistas que aún vive, Carlos Zabala “Arrastalu”.

El origen del mural tuvo lugar en torno a los 'Herrikoi Topaketak' (Encuentros populares) que, organizados por los Comités Antinucleares de Euskadi y la Comisión de Defensa de una Costa Vasca No Nuclear, se celebraron en tres pabellones de la antigua Feria Internacional de Muestras de Bilbao. A lo largo de aquellas dos jornadas, y en un ambiente de reivindicación colectiva contra los proyectos de nuclearización del País Vasco en general, y bajo la “consigna concreta” de paralizar la central nuclear de Lemoiz (Bizkaia), los encuentros ofrecieron música, teatro, bertsolaris, cine y muestras de arte y artesanía.

Los artistas Vicente Ameztoy, José Luis Zumeta y Carlos Zabala “Arrastalu” fueron invitados al evento, en el que utilizando un andamio y frente al público, pintaron el mural que mide 5 x 8 metros y cuenta con 12 paneles. Tras los encuentros, el mural permaneció en unos locales sindicales de Erandio hasta que, a principios de los años 90 la Fundación Gezia de Bilbao se hizo cargo de él. En 2016 Gezia lo cedió a la Fundación Andikona 1936 de Otxandio y el mural, restaurado por Zumeta, quedó en la escuela de esa localidad hasta que, ahora, ha pasado a formar parte de la colección del museo gracias a la donación reciente del movimiento antinuclear vasco.

Concebida con un evidente propósito crítico, la composición remite al lenguaje figurativo que transformó el arte vasco de la década de los setenta incorporando referentes socioculturales contemporáneos como la bombilla-ojo del Guernica –que, como en el cuadro de Picasso, ocupa el centro de la composición– o la imagen del logo antinuclear creado por Chillida en 1974.

Ese año, el escultor vasco había diseñado el logotipo de la campaña “por una Euskadi no nuclear”, que fue difundida en pegatinas con el lema “Ez, ez, ez, Zentral nuklearrik ez”,sufragadas por el pintor Rafael Balerdi. La imagen, que terminó por convertirse en símbolo del movimiento antinuclear vasco, aparece junto a una cartel con el lema “Lemoiz gelditu” (Lemoiz paralización), enlazado en los anillos de las serpientes del primer plano. Los dos reptiles, pintados por Arrastalu, están dispuestos sobre una mesa cubierta por un paisaje idílico de suave orografía, salpicado por praderas arboladas, metas y caseríos –que recuerdan la poética naturalista de Ameztoy–, que perturban con su amenazante presencia.

En palabras del artista Carlos Zabala “Arrastalu”, los reptiles son “metáforas de los entonces nuevos y sibilinos mecanismos de control social”. En la obra, en torno a una mesa aparecen doce personajes masculinos que representan los poderes político, económico y militar. De semblante siniestro, y en algunos casos deformado según la gestualidad expresionista de Zumeta, observan con frívola complacencia –uno de ellos lleva en sus manos el hongo de una explosión nuclear– la destrucción del territorio y de sus recursos por parte de las dos voraces serpientes que, en sus cuerpos entrelazados, portan las banderas española y norteamericana.

Preside la reunión el entonces presidente de los Estados Unidos de América, Ronald Reagan, que porta el clásico sombrero del Oeste americano. Frente a él, y de una chistera decorada con barras y estrellas, sale el personaje del entonces presidente del gobierno español, Adolfo Suárez.

La exposición que se encuentra en la sala 32 del museo vasco, está comisariada por Iskandar Rementeria, investigador en arte, músico y docente de la UPV/EHU. En ella, el mural se muestra en relación con otros materiales producidos por aquel contexto.

La sala de exposiciones temporales del Museo de Bellas Artes acogerá entre este viernes y el próximo 30 de enero una muestra dedicada al pintor santacrucero Cristino de Vera. El concejal de Cultura, José Carlos Acha, será el encargado de inaugurar esta iniciativa a las 20.00 de ese día.

El edil manifiesta que la exposición “está integrada por una selección de 21 obras, 13 óleos y ocho dibujos, realizados por el pintor en un amplio periodo de tiempo, concretamente entre 1954 y 1995. Los temas representados abarcan figuras humanas, paisajes, vanitas y bodegones”.

Acha además resaltó que una de las obras que se expone es Violín y cráneo (1968, óleo sobre lienzo, 70 X 100 cm), que pertenece a las colecciones del Museo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife. 

Ceder al Museo de Bellas Artes de València de parte de las obras del Museo del Prado que se refugiaron durante unos meses de la Guerra Civil es la propuesta registrada por Compromís en el senado para homenajear a quienes realizaron el traslado de las obras para protegerlas en la entonces capital de la II República.

Los senadores de Compromís,Carles Mulet y Jordi Navarrete, han destacado el trabajo realizado durante “un contexto muy convulso”, añadiendo que esta cesión temporal “supondría potenciar el Museo de Bellas Artes de València, donde podría mostrarse además la colección de fotografías y exposición sobre la evacuación forzada que sufrieron los fondos del Prado hasta el Palacio de la Sociedad de Naciones de Ginebra, así como los hechos y decisiones que llevaron a adoptar la medida de evacuarlos ante la convicción que el arte quedara resguardado de los conflictos bélicos, para el disfrute futuro de todas las personas”, explica la moción.

“La cesión tendría efectos muy beneficiosos para la ciudad, al descentralizar esta muestra y acercar estas obras de arte que estuvieron en unos momentos tan difíciles en València a la población, junto con una exposición didáctica de lo que fue aquella planificada operación que trasladó las obras hasta Cataluña y Ginebra amenazadas por las bombas y las distintas guerras”, ha indicado el portavoz Carles Mulet.

En otoño de 1936 se trasladaron cerca de 2.000 obras de arte a València por decisión del Gobierno de la II República, con el objetivo de apartarlas de la barbarie del frente y evitar que fueran dañadas. La ejecución del traslado del Tesoro Artístico de los fondos más destacados del Museo del Prado fue llevada a cabo por la Junta de Incautación y Protección del Patrimonio Artístico. Los trabajos de traslado duraron casi un año. Tras haber sido bombardeados el Museo del Prado, la Real Academia de Bellas Artes, el Museo Arqueológico, el Museo Antropológico, el Palacio de Liria, o la Biblioteca Nacional entre otros por la aviación fascista, salieron del Museo del Prado 361 obras con destino a València, nueva capital de la República, donde se entregarían a la Dirección General de Bellas Artes.

La Junta de Incautación y Protección del Patrimonio Artístico creada por un decreto del 1 de agosto de 1936 revestía las funciones de “incautación o conservación en nombre del Estado de todas las obras, muebles o inmuebles, de valor artístico, histórico o bibliográfico que, en razón de las anormales circunstancias presentes, ofrezcan a su juicio, peligro de ruina, pérdida o deterioro”.

El Museo del Prado se cerró preventivamente el 30 de agosto de 1936, llegando la primera orden de evacuación el 5 de noviembre, fecha en la que se produjo el primer enfrentamiento en la ciudad en el seno de la batalla de la Ciudad Universitaria.

La decisión de trasladar y proteger las obras vino impulsada por Ricardo Orueta y Duarte, que había estado a cargo de la Dirección de Bellas Artes y, tras el intento fallido de llevarlas a la Exposición Internacional de Nueva York de 1939, la Junta de Protección del Tesoro Artístico decidió que el traslado y protección se realizara en València, al no ser objetivo militar en aquel momento. Josep Renau, fue nombrado Director General de Bellas Artes el 7 de septiembre de 1936 y encabezó tan delicada operación de salvaguardia.

Desde Compromís se afirma que “el pueblo de València expresó su respeto, estima y cariño hacia todas las obras de arte, entre ellas piezas de Velázquez, Goya, Rubens, El Greco, Tiziano, El Bosco, Durero…”.

Junto con el embalado, de forma cuidadosa de las obras, comenzó el traslado en camiones con dirección a València. Los vehículos utilizados para el traslado eran camiones militares acondicionados para el fin, al disponer de extintores y medidas contra incendios. Entre el 5 de noviembre de 1936 y el 5 de febrero de 1938, se realizaron 22 expediciones a València con obras del Museo del Prado, en las que se trasladaron 391 pinturas, 181 dibujos y el Tesoro del delfín (Felipe V).

Una vez entregadas a la Dirección General de Bellas Artes, las obras se depositaron en las Torres de Serranos y en la iglesia del Patriarca, al estar los edificios preparados con estructuras especiales para los posibles bombardeos. Junto con estas obras de arte llegaron también a la capital valenciana intelectuales, artistas, políticos y refugiados.

El Museo de Bellas Artes de València inaugura este miércoles la exposición de la 'Colección Delgado', integrada por un total de 32 obras de “primeras espadas” del arte barroco, muchas de ellas inéditas, entre las que destaca el cuadro 'Dama de Perfil' de Velázquez.

Así se ha puesto de relieve en una rueda de prensa que ha contado con la presencia de la directora General de Cultura y Patrimonio, Carmen Amoraga, y el director del museo, José Ignacio Casar Pinazo, que ha anunciado que, una vez clausurada la exposición, que se podrá contemplar hasta el próximo 29 de octubre, los cuadros serán incorporados por un período de cinco años a las colecciones del museo.

La Colección Delgado es una conjunto privado que acoge obras enmarcadas en un amplio arco temporal que va desde el gótico internacional tardío hasta el siglo XVIII, y que se centra, principalmente en la pintura barroca española por lo que entre sus fondos se pueden encontrar obras de Ribalta, Tomás Yepes o Bartolomé Esteban Murillo.

Entre los cuadros inéditos que reúne estas muestra -comisariada por José Gómez Frechina y David Gililio Sanz, antiguo y actual conservadores del museo- se encuentra 'Magdalena penitente', 'Oración en el Huerto' y 'Un Salvador' de Murillo, u otras como 'Bodegón de dulces y frutos secos' de Tomás Yepes y 'San Pedro' de José de Ribera, entre otros. Asimismo, destaca el cuadro inédito de Diego Velázquez 'Dama de Perfil' que representa el boceto de una mujer y que fue pintado en el primer viaje de Velázquez a Italia, entre 1629 y 1631.

Además, la colección cuenta con cuadros de autores internacionales entre los que destacan los del italiano Polidoro da Lanciano (Lanciano 1510-Venecia 1565 ) o Allan Ramsey (Edimburgo 1713-Dover 1784) pintor escocés del siglo XVIII que se encuentra actualmente expuesto en la 'Portrait Gallery' de Londres.

Para Casar Pinazo, la muestra es “una rara avis” en el conjunto del coleccionismo español. El director de la Pinacoteca ha puesto en valor el coleccionismo privado y “la importancia” del fomento de este tipo de convenios para los museos. La muestra “completa las colecciones” de la pinacoteca porque recoge obras de autores que no estaban expuestos, ha concretado.

Sanz ha destacado que se trata de “un generoso reto” que a su juicio ha dado “un excelente resultado” puesto que la mayor parte de las obras no se hallan “normalmente representadas en los museos españoles”.

Por su parte, Amoraga ha realizado “un llamamiento” a la sociedad valenciana para que tengan el Museo de Bellas Artes “en el corazón” y ha destacado que se trata de un ejemplo de “buena gestión” museística.

“Se tiende a pensar que el arte es técnica y perseverancia pero también es pasión, pues habremos elucubrado muchas historias pensando en la dama de perfil”, ha señalado. “Para mí ese cuadro ejemplifica que el arte es corazón”, ha concluido.

El Museo de Bellas Artes de València ha presentado hoy una obra inédita de Diego Velázquez, el boceto 'Dama de perfil', que fue pintado durante el primer viaje del artista sevillano a Italia, entre 1629 y 1631, y que se expondrá junto con el resto de la Colección Delgado desde mayo y durante tres meses.

Esta presentación coincide con el anuncio que hizo el pasado lunes la sala Abalarte, que subastará el próximo 25 de abril en Madrid un cuadro atribuido a Velázquez hasta ahora inédito, el retrato de una niña pintado por el maestro sevillano era muy joven.

El director del Museo de Bellas Artes de València, José Ignacio Casar, ha presentado 'Dama de perfil' en una rueda de prensa en la que han intervenido asimismo la doctora en Historia del Arte y responsable de la autenticación del cuadro, Carmen Garrido, y la directora general de Cultura y Patrimonio, Carmen Amoraga.

'Dama de perfil' es, según Garrido, “un boceto de una figura ya pintada en otro cuadro” por identificar, y en él se muestra a una mujer con el rostro girado, el pelo trenzado y adornado con perlas, una cadena en torno al cuello y el pecho parcialmente descubierto.

“Mi primera impresión fue que era un cuadro veneciano, pues recordaba a la obra de Tiziano, pero profundizando pude ver que era una obra creada por uno de los grandes genios de la pintura española”, ha explicado la también conservadora.

Se trata de un óleo sobre lienzo de 24,5 por 1,85 centímetros que presenta unos cortes en las esquinas y un desgarro en la parte izquierda, aunque está “bastante bien conservado” y no ha sido necesario restaurarlo.

Según Garrido, autora de los libros 'Velázquez: técnica y evolución' y 'Velázquez: la técnica del genio', la 'Dama de perfil' fue pintada en el primero de los viajes del pintor a Italia, en el que “recorrió todo el país” y conoció de primera mano la pintura veneciana.

El parecido con el estilo de obras de la época como 'Apolo en la fragua de Vulcano', 'La túnica de José' o 'Villa Médicis' llevó a la historiadora del arte a analizar el cuadro comparando sus características con las de la obra de los maestros italianos, aunque el propietario “ya sospechaba que era de Velázquez”.

“La manera de torcer la cabeza, la decoración de la trenza y la postura son muy venecianas”, ha detallado Garrido, que ha añadido que “la dama deja el pecho al aire en una insinuación que no es frecuente en la pintura española, aunque sí en la veneciana”.

Por ello, después de descartar a los pintores italianos, la historiadora analizó la posible autoría de “los que continuaron ese estilo en España: primero El Greco y luego Velázquez”.

Su estilo de pintura 'a la prima' está caracterizado por “los golpes de pincel”, toques muy rápidos que son una de las características del “modernismo de Velázquez”.

“Sabemos que el cuadro no fue más grande porque existen ondas de tensión que se han quedado en los bordes de la tela e indican por dónde se estiró para colocarse por primera vez”, ha explicado.

Además, otro factor para determinar su autoría fue la observación de los materiales utilizados: lienzos de alta densidad sobre los que podía trabajar con menos pintura y una ejecución rápida, además de la forma de plasmar la luz y los colores, cada vez más claros.

Asimismo, se ha referido al inventario de Gaspar de Fuensalida, realizado tras la muerte de Velázquez, que alude a un “borrón” o boceto que define como “otro retrato de media cara” y que podría ser este cuadro.

'Dama de perfil' forma parte de la Colección Delgado, cuyo propietario la cede al museo, y será expuesta en mayo hasta que, una vez terminada la exposición, se incorpore junto con otras obras a la colección permanente de la pinacoteca valenciana.