Un 25 de junio de 1982 se estrenaba Blade Runner, de Ridley Scott, una cinta que no triunfó ni entre la crítica ni entre el público, que pareció quedar desconcertado y que esperaba otra producción de ciencia ficción, teniendo en cuenta que el director venía de firmar el éxito Alien, pero que en esta película adaptó una novela de una forma ambigua y oscura.

Sin embargo, con el tiempo se acabaría convirtiendo en un título de culto, precursora y que inspiraría cine de siguientes generaciones, para acabar siendo una de las películas más destacadas de la filmografía del director, y que tuvo una particular historia con la adaptación literaria.

La complicada relación de Blade Runner con Philip K. Dick

Blade Runner, aunque su título no dé pistas de ello, está basada en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, publicada en 1968, y de ella toma principalmente su argumento general que se basa en que un cazarrecompensas debe eliminar a androides que han escapado a la Tierra.

Pero tanto el tono como los temas y los personajes difieren de la novela, que es menos sombría que la película de Ridley Scott. Esto también se debe a que no colaboraron con el autor de la novela, que no estuvo contento con el hecho de que los productores no le mantuvieran al tanto de un proyecto con el que había sido crítico desde el momento en el que recibió el guion.

Philip K. Dick desconfiaba de lo que Hollywood podía hacer con su historia y fue claro detractor del primer guion que recibió, el de Robert Jaffe a principios de los 70, que es luego el que inspiraría a Hampton Fancher, el que Scott utilizó de base. Sería el segundo guionista David Webb el que daría con el definitivo que logró convencer al escritor de la novela.

Los efectos especiales, que se le mostraron en un vídeo, fueron fundamentales para convencer a Dick y que daría el visto bueno para Blade Runner, una película que, sin embargo, no llegaría nunca a ver porque murió cuatro meses antes del estreno de forma temprana a los 53 años.

De ‘¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?’ a ‘Blade Runner’

Otro de los mayores puntos de conflicto fue el título. Blade Runner no tiene nada que ver con el de la novela original ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? y fue tomado de un texto escrito por Alan E. Nourse que describía los blade runners como traficantes de instrumentos médicos en un futuro distópico sin sanidad pública.

Hampton Fancher tomó a estos personajes como referencia y compró los derechos del nombre porque le sonaba bien y en cierto modo lo adoptó como una manera de dirigirse a los replicantes, como metáfora de un cazador de androides.

Blade Runner fue un fracaso en taquilla, eclipsado por E.T el extraterrestre de Steven Spielberg, y sin tampoco ser éxito de crítica, y no sería hasta 1992 cuando con un reestreno que incluía un nuevo corte del director recuperó cierta fama para acabar siendo una película de culto por sus temas y estética, algo que dio lugar a una secuela, Blade Runner 2049 dirigida por Denis Villeneuve y con Ryan Gosling como protagonista.

El 1 de mayo de 2000 se estrenaba en los cines Gladiator, una película dirigida de Ridley Scott que 25 años mantiene su vigencia y que recientemente vivió una secuela que la puso de nuevo de actualidad. Russell Crowe interpretó a uno de sus papeles más destacados, el de Maximus Decimus Meridius, que le valdría el premio Oscar a Mejor Actor.

Maximus es en la película un general romano del círculo de confianza del emperador Marco Aurelio, al que este quiere hacer gobernador de Roma, pero que rechaza para una vida tranquila en el campo junto a su familia. Este, sin embargo, es traicionado por Cómodo, hijo de Aurelio, que urde un plan para proclamarse emperador.

La mano derecha de Marco Aurelio que inspiró Gladiator

Esta traición hará que Maximus fuera vendido como esclavo y acabe como gladiador, conquistando al público del Coliseo. La película, que recaudó más de 400 millones de dólares, siendo la segunda más taquillera del año, gira así entorno a la figura, que se basa en dos personas que vivieron en la vida real, aunque con muchas diferencias a lo que relata la ficción.

El primero y más claro de ellos es Marcus Nonius Macrinus, quien fue un cónsul, senador y general de legiones romanas del siglo II d.C, que sí que fue contemporáneo y hombre de confianza de Marco Aurelio, aunque su vida fue placentera y moriría a los 70 años, completamente rico, y llegaría a ser gobernador de varios territorios, en Centroeuropa, e incluso también de Hispania.

Precisamente uno de los puntos que más difiere de Gladiator es que Marcus Nonius Macrinus no era hispano, sino que nació en Brescia, si bien siendo joven fue enviado a la provincia Tarraconense, en Hispania, como senador para ejercer de subjefe de una legión romana, la Legio VII Gemina. Su buen éxito en este sentido le llevaría más adelante a dirigir una de las unidades más prestigiosas, la Legio XIV Gemina, que operaba en un lugar que ocupa actualmente Hungría.

En el año 172 volvería a Hispania, en este caso como gobernador de las provincias Tarraconense y Bética, que para entonces se habían unido por las amenazas recibidas desde el norte de África. Antes había sido cónsul en Roma, en el 154, cuando fue el encargado de la red de saneamiento y del cauce del río Tíber con el fin de prevenir inundaciones.

Cincinato, la leyenda de un patricio romano que renunció

Sin embargo, hay otro personaje real de la antigua Roma en la que se basó Ridley Scott para crear su Máximo en ‘Gladiator’. Fue Lucius Quinctius Cincinnatus, al que se le conocía como Cincinato y que vivió del 519 a.C al 430 a.C, pero al que le unía una leyenda de un patricio que había aportado comodidades a personas de menor estatus.

Una leyenda que fue agrandada, de un patricio, un noble de entonces, que gobernó entre el 458 y el 439 a.C, un cargo de poder que dejó para irse a vivir una vida más tranquila al campo, un deseo que comparte con el personaje de la ficción de Ridley Scott.

Que una película se convierta en un clásico de la cultura popular es altamente improbable por no decir casi imposible. Son pocas las que consiguen instalarse en el imaginario colectivo. Que solo una imagen, el acorde de su banda sonora o una frase sean suficientes para que la gente sepa de lo que se está hablando. Gladiator es, sin dudarlo, una de ellas. Cuando el cine de romanos estaba muerto y enterrado, Ridley Scott se sacó de la manga una vigorosa actualización que apoyada en las nuevas tecnologías reconstruía la antigua Roma en una historia de venganza que fue un éxito de taquilla -con más de 465 millones de dólares recaudados en todo el mundo- y de crítica. 

Gladiator fue la gran ganadora de los Oscar de 2001, logrando cinco premios, entre ellos los de Mejor película y Mejor actor para Russell Crowe. Era la película transversal. La que había contentado a todos y ya entonces se intuía su poder para calar en la gente. El tiempo ha dado la razón a aquella decisión. Mientras que pocos podrían decir varias de las ganadoras más recientes de los premios de la Academia de Hollywood, todos saben que el filme de Ridley Scott lo ganó. 

Más importante, de ella se recuerda su banda sonora, planos concretos como el de la mano acariciando el trigo, o frases convertidas en himnos como aquellas “Fuerza y honor” o “Lo que hacemos en la vida tiene su eco en la eternidad”. En el paso de Gladiator a icono popular ha tenido mucho que ver, también, el deporte. La épica masculina del sacrificio y la entrega del filme fue adoptada por muchos equipos y entrenadores de fútbol, que tomaron como ejemplo la película para motivar a sus jugadores. En 2009 se descubrió que Guardiola usaba imágenes del filme para estimular al Barça en sus mejores años. 

No es de extrañar, por tanto, que Gladiator sea la típica película que cualquier deportista repite como su favorito cuando les hacen esos manidos tests en mundiales o juegos olímpicos. Lo es porque su mensaje era sencillo y calaba, y les daba esperanza en su competición: si luchas mucho, si te esfuerzas, si tus valores son el honor y la fuerza, lograrás lo que te propongas. Un elogio de la meritocracia que también escondía un mensaje conservador que ha sido abrazado por hordas de incels, que también repiten lo de “Fuerza y honor” como lema o incluso lo llevan tatuado.

Gladiator se ha colocado con el tiempo en un espacio merecido para la historia del cine, pero también en uno siempre al borde de la parodia. Aquella película era también fruto de su tiempo, y su hiperbólica épica y masculinidad ya rozaba entonces lo kitsch. Elementos que sin duda deberían tenerse en cuenta si alguien, en su sano juicio, tomara la suicida decisión de hacer una secuela de una película tan exitosa y amada como aquella. Pero todos sabemos que a Ridley Scott la lógica nunca le ha importado, y con los años parece haberse convertido en un kamikaze. 

Él ha decidido acometer el proyecto de continuar la franquicia en una película que comete el principal error posible, no entender aquella película como una que capturó el zeitgeist, el espíritu del momento. Intentar repetirlo ahora era abocar al filme a lo que es: una parodia involuntaria de todo lo que convirtió aquella en un clásico. Seamos claros, Gladiator 2 es una película que cae en el ridículo en tantas ocasiones que incluso muchas personas se preguntarán si no será que Ridley Scott busca ese tono de sátira de forma intencionada. No es posible que un drama de romanos tenga momentos tan kitsch de forma tan constante. Pero cualquier que conozca a Scott sabe que es imposible que se haya tomado Gladiator 2 como una mamarrachada, como el gag de Saturday Night Live en el que se convierte una y otra vez por intentar replicar sus mejores momentos una y otra vez.

Este intento de replicar todo sin que lo parezca está claro desde la propia trama del filme, un calco de la primera parte. Si allí el arco narrativo de Máximo Décimo Meridio era su caída como general y su ascenso como gladiador, aquí esa historia se parte en dos para dar cabida a las dos estrellas del filme. Será Pedro Pascal quien escenifique la parte de la caída como general; mientras que el actor de moda, Paul Mescal, será un bárbaro que renacerá como gladiador y se convertirá en el enlace nostálgico con la primera película. Ni rastro de intentar algo mínimamente original.

A la vagancia narrativa de un guion que parece escrito con inteligencia artificial se suma la apuesta de Ridley Scott por la peor enfermedad de las secuelas, el 'más grande y más caro'. Gladiator era espectacular en sus batallas, en sus combates y lograba meter al espectador en la arena del coliseo. Aquí, por su tendencia al exceso, cae en lo inverosímil y en, de nuevo, la parodia involuntaria. Ocurre con la escena de unos monos digitales que parecen los de Jumanji, y llega al paroxismo con la naumaquia, una idea potente lastrada por la ocurrencia de meter tiburones en el coliseo (sí, no se pregunten cómo los llevaron al coliseo porque no obtendrán respuesta), convirtiendo una idea estupenda en un despropósito. Esa tendencia al exceso también está en su regocijo violento. Hay amputaciones, decapitaciones, y todo tipo de excesos que parecen más caprichos. La única forma de salvar todo esto hubiera sido abrazando y siendo consciente de lo kitsch de la propuesta. Pero nunca llegue ese momento.

La esquizofrenia de la película se nota también en el reparto de actores, cada uno en un registro diferente. Ni rastro del carisma de Pedro Pascal, que parece perdido y sin rumbo; Paul Mescal se toma demasiado en serio cada frase, asumiendo la falsa épica del filme; la dupla villana que forman Fred Hechinger y Joseph Quinn como Caracalla y Geta se pasan de frenada intentando copiar lo que bordó Joaquin Phoenix en la original. Solo Denzel Washington parece entender el equilibro entre el circo de tres pistas y lo engolado de los diálogos. Solo como pronuncia “politics”, marcando la ese final de forma socarrona en una escena que provocó la risa del público, demuestra más conocimiento de lo que allí se cuece. Cierto que su papel es el más goloso para ello.

Por supuesto hay que tender los suficientes guiños a la película anterior. Empezando por lo narrativo, que aunque se deja intuir en el tráiler evitaremos desvelar, aunque es imposible no destacar ese busto que supuestamente se parece a Marco Aurelio, pero claramente quiere desvelar la relación entre dos de los personajes. Y siguiendo por los momentos metidos con calzador para que entren en escena las frases míticas -por supuesto oirán de nuevo “Fuerza y honor” y “Lo que hacemos en la vida tiene su eco en la eternidad”-; y otras muchas más. 

También repiten los valores que movían a todos sus personajes, y es aquí donde Ridley Scott vuelve a reincidir en la ira y el amor como motor de la sociedad. Dos conceptos rancios hace 20 años y más rancios ahora. No es lo colectivo. No es la voluntad de hacer políticas de cambio lo que provoca la revolución, sino algo tan simple como la voluntad de vengarse por el ser amado. 

Es curioso que el mismo año que Ridley Scott ha sido masacrado por los historiadores (y la crítica) por su versión de Napoleón, el Festival de Cannes haya decidido colocar el día de su inauguración la restauración del Napoleón de Abel Gance de hace casi un siglo. Son dos miradas antagónicas. Ambas ambiciosas, pero mientras que Scott se entrega a un delirio en donde el ejército napoleónico es capaz de dar cañonazos a las pirámides y donde la historia salta a golpes para encajar en una duración aceptable según los cánones comerciales actuales; Gance quiso entregar la mirada más fiel a su historia. Tanto, que la película que rodó tuvo dos versiones, la denominada Ópera, que duraba tres horas y media, y la Apollo, que se alargaba hasta casi las 10 horas.

Es como si Cannes quisiera hacer una enmienda a la totalidad del filme de Scott y dejar claro que el Napoleón bueno es el de Gance. Lo que se ha visto en el Teatro Debussy es la primera parte (de más de tres horas) de la restauración más ambiciosa de la película más ambiciosa. Un proyecto en el que se han tardado 16 años hasta conseguir la versión más fidedigna posible a la que quiso rodar el director en su proyecto original y que ha sido posible gracias a la colaboración de la Cinemateca Francesa con otras instituciones de todo el mundo. 

Entre ellas la de Netflix. La plataforma ha sido una de las grandes financiadoras de este proyecto mastodóntico ―también ha entrado como gran mecenas de la Cinemateca Francesa―, y serán ellos quien tras su puesta de largo en Cannes, y el 4 y 5 de julio en París ―en el Sena y con 250 músicos en directo―, la proyectarán marcándose un tanto y acercando posturas con una industria que sigue siendo reticente a su implantación en el país. 

El pase en Cannes estaba impregnado de esa sensación de acudir a algo histórico. Lo subrayaron al presentarla. “Enhorabuena, sois los primeros desde 1927 en ver esta película”, dijo el director de la cinemateca francesa, Frédéric Bonnaud, ante un público entregado entre los que se encontraban la hija de Abel Gance, que recibió la ovación dedicada a su padre. Un “momento excepcional”, como lo definió el director del Festival, Thierry Frémaux, antes de presentar a Costa-Gavras. El cineasta, que acudió como gran conocedor el filme, subrayó que no se llama Napoléon, sino Napoleón visto por Abel Gance, porque “no es una biografía, es un poema, es la pasión de un hombre por otro hombre célebre plasmada en imágenes de una forma lírica”, dijo el director de obras maestras como Z. 

Llegar hasta aquí no ha sido fácil. El estreno del filme en 1927 coincidió con la llegada del sonoro, y aquella maravilla destinada a cambiar el cine fue metida en un cajón y mutilada hasta que no quedó casi nada de ella. Los rollos de película original fueron esparciéndose por todo el mundo o fueron destruidos. Los coleccionistas privados compraban el material haciendo que localizarlo fuera cada vez más complicado, aunque se intentó remontar en muchas ocasiones (se conocen hasta 22 versiones). De hecho, el propio Gavras la definió en Cannes como “una película mártir”. Nunca nadie se había acercado tanto a lo que se vio entonces. 

No es una biografía, es un poema, es la pasión de un hombre por otro hombre célebre plasmada en imágenes de una forma lírica

Costa-Gavras — Cineasta

Una restauración que, según el festival, “devuelve la integridad y la gloria” a una película que es el símbolo de un país y que hasta ahora no había conseguido dar con una versión definitiva (si es que eso es posible). Para ello, los restauradores han trabajado “fotograma a fotograma en casi 100 kilómetros de película”. Para ser fieles a la narrativa original se ha buceado en la Biblioteca Nacional francesa para seguir como una biblia no solo las notas de montaje que dejó Abel Gance escritas, sino también las cartas que se escribió con su montador.

Por fin se podrán ver todas las innovaciones técnicas y estilísticas que Abel Gance pergeñó para convertir su Napoléon en una experiencia épica e inolvidable. Gance colocó la cámara en lugares donde nadie hubiera pensado que se podía. La ató a un trineo para realizar un travelling sobre la nieve; le colocó una esponja para que fuera golpeada en una batalla; la puso en un péndulo o incluso a lomos de un caballo. Contrató a más de mil extras para conseguir una épica que supera con creces la de cualquier filme lleno de efectos digitales.

Debía ser el inicio de algo todavía más grande. Aquella película mastodóntica abarcaba solo una pequeña parte de la vida de Napoléon, la que va de 1781 a 1796, el año en el que comenzó su primera campaña militar en Italia. La idea era rodar otras cinco películas para contar toda su vida hasta su retiro y muerte en la isla de Santa Elena. Nunca se hicieron. La llegada del sonoro y posteriormente una crisis financiera terminaría de hundir su sueño. Aun así, lo que rodó ha quedado como una de las películas más importantes de la historia del cine.

No es la primera vez que se ha intentado realizar la restauración definitiva, aunque ahora se vende como tal, ya que es la que más se acerca a la ‘Grande Version’ de 1927. Una generación de cineastas entre la que se encontraba Coppola, Scorsese y Costa-Gavras comenzó a reivindicar el filme y el gran historiador del cine mudo Kevin Brownlow logró en el año 83 una versión de cinco horas y cuarto que llegó dos años después de la muerte de Abel Gance. Es lo más cerca que se había estado de sentir lo que sintieron hace casi un siglo los espectadores que se encontraron ante esa pantalla partida en tres que revolucionó, aunque fuera por poco tiempo, la historia del cine.

Una restauración “ejemplar”

El exhaustivo trabajo realizado para poder estrenar esta versión no ha pasado desapercibido. La directora de la Filmoteca Española, Valeria Camporesi, cree que nos encontramos ante “una restauración absolutamente ejemplar y de una obra crucial para la historia cultural francesa”. Camporesi, que además es historiadora de cine, destaca cómo los años 20 fueron importantes para las vanguardias y provocaron el asentamiento del cine mudo. 

“Dentro de esto, el cine francés tuvo un papel muy importante tanto en la parte más de cine de vanguardia como en esta a la que pertenece Napoleón, que es un cine, podemos decir, de autor y fuertemente innovador, asentado en un sistema industrial de pequeñas empresas que apoyan en la innovación con importantes inversiones en tecnología”, cuenta sobre la importancia histórica del filme y de su director, al que define como uno de los grandes cineastas de ese movimiento que “algunos denominaron 'impresionismo cinematográfico'”. Destaca las novedades técnicas de Napoleón y su aplicación “a una figura monumental para la cultura y la historia francesa como es Napoleón”.

Hay un movimiento muy importante dentro de los archivos fílmicos, que son las obras consideradas huérfanas, que no tienen quien las patrocine

Valeria Camporesi — Directora de Filmoteca Española

Una restauración que pone en valor y coloca el foco en el patrimonio cinematográfico. Camporesi cree que 'el Napoléon' del cine español sería el trabajo que se hizo con Un perro andaluz, de Luis Buñuel, con motivo del centenario del nacimiento del director y que llevó a cabo Ferran Alberich, “uno de los grandes restauradores que hay en España, que emprendió un trabajo que se puede plantear como una operación similar, porque al fin y al cabo, también es una obra muy significativa, muy conocida, que tiene un espacio hasta en la propia historia del arte, dentro del surrealismo, que también tenía versiones que habían estado circulando y que eran, en realidad, versiones posteriores, por lo que tuvo que remontarse y hacer todo un trabajo de investigación que le llevó mucho tiempo”.

También valora la presencia de Netflix como gran mecenas de la cinemateca y en concreto en esta restauración tan ambiciosa. A Camporesi le gustaría pensar que “la implicación de agentes privados no es necesaria”, aunque es consciente de que “siempre puede ayudar y es importante y hay que abrazarla en el caso de que se dé”. “Pero también hay que recordar que hay un movimiento muy importante dentro de los archivos fílmicos, que son las obras consideradas huérfanas, que no tienen quien las patrocine. Sin embargo, a pesar de no tener un aparente valor comercial, son obras muy importantes. Entonces yo diría que es de agradecer la implicación de agentes privados, pero digamos que sería mejor que no fuera necesaria”.

Guerrero, emperador, general, genio, rebelde, tirano. Esos adjetivos aparecen en la pantalla en el tráiler de Napoleón, la ambiciosa película que ha dirigido Ridley Scott sobre el personaje histórico para la que ha confiado en Joaquin Phoenix. Unos adjetivos que muestran el acercamiento que ha querido realizar el director con el guion de David Scarpa. Un relato poliédrico, complejo y lleno de aristas. Una historia que abarca un gran periodo de tiempo y en donde se ve a un Napoleón desde que era un don nadie, hasta que su ambición le condena al exilio. Por el medio, conquistas, un olfato para la guerra inaudito y una actitud despótica con su mujer y sus súbditos.

Para un personaje tan ambiguo solo un actor tan indescifrable como Joaquin Phoenix podría servir. Scott ya había trabajado con él en Gladiator, y ahora le ofrece un personaje de esos que a Phoenix le encantan. Excesivo, que pasa de un estado a otro en cuestión de segundos. Un caramelo para un actor que no conoce la contención y donde todo es exceso… como Napoléon.

En las distancias cortas Phoenix no se parece en nada a un tirano, ni a Napoleón. Con una sudadera negra y el pelo despeinado se dirige a los periodistas en un hotel madrileño horas antes de la premiere del filme en el Museo del Prado. Es tímido. Le cuesta sostener la mirada y juega con el tapón de una botella de agua que reduce a añicos. Saluda a todos y elogia el acento español que dice que le encanta antes de explicar las claves de un personaje tan complejo ante el que “siempre ha habido fascinación”.

“Es una historia que se repite. Mira estos líderes que comienzan siendo idealistas, con los intereses de la gente en mente y que, en un momento del camino, se pervierten y se vuelven susceptibles a su propia codicia y su propia ambición. Lo vemos una y otra vez”, dice el actor y añade que “es una figura fascinante por muchas razones”, y que en cada cultura se percibe de una forma: “Creo que los estadounidenses lo ven como un hombre hecho a sí mismo. Ya sabes, los estadounidenses están obsesionados con esta idea de que uno de los mitos fundacionales del país es que uno puede surgir de la nada y alcanzar los cargos más altos. Creo que parte de por qué es tan interesante es que realmente es significativo para tantas culturas diferentes por diferentes razones. En Europa del Este creo que le consideran un libertador”.

Ridley Scott lo tiene mucho más claro. Duda de que actualmente la figura de Napoleón siga vigente. “Quizás sea por mi película”, dice sin que nadie sepa si bromea o no. “Igual en Europa sigue siendo relevante, pero en Estados Unidos desde luego no se habla mucho de él o no lo he notado. Supongo que lo bueno de Napoleón Bonaparte es que hay muchas opiniones sobre él. En China le verían como un hombre de gentes. En EEUU, efectivamente, como alguien hecho a sí mismo. En Francia creo que no se ponen de acuerdo en cómo le ven. En Italia... ni idea, ¿cuántos presidentes han tenido en este siglo, cien? Ser presidente debe ser una tarea muy complicada, y encima Napoleón fue un pasó más allá y se convirtió en un dictador. Y no existe ningún dictador benevolente”.

En China verían a Napoleón como un hombre de gentes. En EEUU como alguien hecho a sí mismo, y en Francia creo que no se ponen de acuerdo en cómo le ven

Ridley Scott — Cineasta

También quiso destacar que hubo algunas cosas interesantes que han quedado marcadas en la historia. “También hizo cosas buenas, cambió toda la estructura social en Francia y se deshizo de la realeza. Cambió totalmente la burocracia, de hecho creo que el sistema burocrático actual se basa en lo que hizo Napoleón”, apuntó.

Una película que se convierte en una mirada contra la ambición desmedida, o al menos así la ve su protagonista y productor del filme, que entiende al personaje como “alguien que quiere consumir a un alto nivel y que nunca tiene nada significativo en su vida”. “Espero que la película haga preguntarnos sobre qué perseguimos y cómo nos mentimos a nosotros mismos. Que se pregunten cómo disfrazamos nuestras intenciones y nos creemos esa idea de que luchamos por la gente cuando estamos luchando por nosotros mismos y satisfaciendo nuestros propios deseos. Para mí esa es la advertencia. La mayoría de las veces, las personas en la historia que se conforman son las que tienen una vida plena y tienen un efecto positivo en el mundo”. 

Aunque la película no aborda la invasión napoleónica a España, Phoenix demuestra que se ha empollado el personaje y su historia. “Cuando ocurrió aquello él estaba luchando en Rusia, pero creo que vosotros lo hicisteis muy bien derrocando la ocupación francesa. Impresionante. Creo que fue la mayor derrota que tuvieron en el continente europeo, y creo que eso llevó incluso a vuestra propia constitución, ¿no?”, dice mostrando sus conocimientos.

Esto no es una clase de historia

Napoléon no ha llegado exenta de polémica. Los historiadores han señalado la poca precisión de varias de las imágenes, a lo que Ridley Scott ha contestado en varias entrevistas de su gira promocional con su mítico “fuck off” (mandando a los críticos a hacer puñetas). Una de las escenas que más ampollas han levantado es la del ejército de Napoleón disparando con sus cañones a las pirámides de Egipto, algo que Scott, en Madrid y de buen humor, se toma con humor. “¡Pues claro que eso no pasó! Nos tomamos esa libertad”, dice. Minutos antes, Phoenix había dejado claro que la intención de Ridley Scott “nunca fue hacer una clase de historia”. Scott defiende su visión, y dice que hay tantos libros sobre Napoleón que es difícil saber lo que es cierto y lo que no. 

Los estadounidenses obsesionados con esta idea de que uno de los mitos fundacionales del país es que uno puede surgir de la nada y alcanzar los cargos más altos

Joaquin Phoenix — Actor

“Hay 2.500 libros sobre Napoleón. Más que sobre Dios o sobre cualquier líder político. La pregunta es, ¿qué tiene este hombre enigmático sobre el que hay mucho misterio sobre su poder y su éxito? Un éxito que también quedó bañado en sangre. Cuando eres líder de un ejército y te conviertes en dictador, te cubres de sangre, eso es todo. Las cifras que aparecen al final de la película son exactas, tres millones de soldados murieron en sus batallas”, continúa y opina que el 90% de lo escrito sobre Napoleón “es especulación”.

Lo que tiene claro es que “lo que quieres evitar cuando haces una película es la lección de historia”. “Si es una lección de historia, no va nadie a verla. El 90% de España no irá a verla por ese motivo. Mi truco es tomar un tema histórico como en El reino de los cielos, Gladiator o 1492, y convertirlo en una película, no en una lección de historia”, zanja y señala la pintura como una de las influencias de donde sacó más información. Puede que de ahí tomara decisiones visuales tan imponentes como una batalla de Austerlitz en el hielo o esa imagen de Moscú reducida a cenizas, dos de las más potentes de un filme que brilla en lo épico y languidece en lo íntimo.

Ridley Scott llevaba un tiempo barajando la idea de continuar una de sus películas más reconocidas. Ahora ya es oficial: trabaja en la historia de Gladiator sin Russell Crowe, según confirma Deadline.

El director de Blade Runner y Alien, el octavo pasajero ha empezado a ocuparse de otra cinta cuyo guión está en manos de Peter Craig, autor de los libretos de las dos partes de Los juegos del hambre: Sinsajo, que además también es responsable de la secuela de otra película mítica: Top Gun: Maverick.

Sin embargo, era difícil que esta segunda parte de la historia del gladiador que puso en jaque a Roma se centrase en Máximo Décimo Meridio, el papel que le valió el Oscar a Russell Crowe. Al fin y al cabo, el personaje fallecía después de luchar en la arena con Cómodo, el César interpretado por Joaquin Phoenix.

Según Deadline, esta continuación de Gladiator será un spin-off dedicado a Lucio, el hijo de Lucila (Connie Nielsen) y sobrino de Cómodo (Joaquin Phoenix) a quien daba vida un joven Spencer Treat Clark.

Gladiator está considerado el último gran péplum del cine contemporáneo. En su momento, en el año 2000, se hizo con una taquilla de 460 millones de dólares en todo el mundo. Pero el éxito no se quedó ahí: de las once nominaciones a los Oscar, consiguió cinco galardones incluyendo el de Mejor película.

Cuando los dioses crearon al hombre, le concedieron el don de conocer el momento exacto de su muerte. Esta dádiva de las alturas devino enseguida en un problema. Los agricultores, por ejemplo, que sabían que al año siguiente iban a morir, se negaban a sembrar los campos. ¿Para qué si no iban a recoger la cosecha? En esto no había reparado la divina providencia, así que en un ejercicio de la muy humana improvisación, decidió ponerle remedio por el sencillo método de retirarle el conocimiento del luctuoso acontecimiento. El campesino trabajaría desde entonces como un campeón aunque su cosecha la recogiera otro. Hasta el momento actual, los hombres saben cuándo nacen (obviamente) pero no cuándo dejarán este mundo. Es mejor así para los negocios.

Los dioses cuando se ponen a maquinar no reparan en que existen los políticos. Ellos sí saben cuándo van a morir profesionalmente. Son como los Nexus 6 de K. Dick/Ridley Scott, prodigios de la arquitectura laboral pero con fecha de obsolescencia: cuatro años. Aquí no hay Tyrell Corporation ni asalto de naves en llamas ni nada de romanticismos. El político es como el campesino de los antiguos mitos: se niega a trabajar si la cosecha la va a recoger otro.

Es difícil encontrar un político que piense más allá de la legislatura. Los todólogos crueles dirían incluso que es difícil que haya políticos que piensen, pero sí, los hay que piensan e incluso que piensan a largo plazo. Suelen ser los mejores, prodigios de excelencia, y como ejemplares excepcionales de replicante que son suelen durar poco, a veces ni siquiera alcanzan la fecha de caducidad, para regocijo de las Alturas. No es que tengan mala salud o pequen a menudo. Simplemente sus compañeros, modelos menos dotados, los retiran con todo el cariño del mundo sin necesidad de ningún blade runner.

En el último congreso nacional de los populares en Madrid (y pongo este ejemplo como pudiera ser el de cualquier otro partido político), la profesión más abundante entre los compromisarios era la de abogado (437). Este es un trabajo, sí, quién lo puede dudar. Pero hay tantos abogados en el mundo como periodistas y uno se pregunta si el Planeta está preparado para soportar tanta sobrepoblación. Ya no caben más.

La segunda profesión más habitual era la de estudiante (265). Lo de estudiar es un trabajo, cómo no, pero entenderla como profesión es más imaginativo. Aceptemos pulpo como animal de compañía.

La tercera profesión era la de funcionario (199), trabajador sin duda, pero con un concepto de la realidad bastante relativo, diríase cuántico. Un empleado público vive en un universo precopernicano, en donde la Tierra no gira alrededor del Sol, sino al revés: el mundo gira alrededor de su negociado. Extrapolar esta cosmovisión a la política da para lo que da.

La cuarta es la más divertida, a la par que relajada. El cuarto grupo más numeroso de compromisarios (198) estaba encuadrado en el no-epígrafe de 'sin profesión'. No se confundan. No son exactamente parados. Técnicamente sí, pero no. Al menos, el parado tendría una comprensión cabal del mundo real, cosa discutible en el caso de los políticos. El parado vive con angustia su condición; el político la lleva con calma: sabe que tarde o temprano, si no se equivoca ni habla demasiado, algo caerá, quizá la poltrona. Estos aspirantes a gestores públicos sin profesión son de manera redundante y tautológica políticos de pura sangre, en consecuencia. Es decir, gente que vive o aspira a vivir de la política como concepto y como praxis, como puede haber gente que aspire a vivir de las ciencias ocultas o de la predicación.

La relación continúa con la consabida recua de periodistas, empresarios, etc., etc.

Así que tenemos a uno de los principales partidos del país, con posibilidades reales de gobernar, como así se ha demostrado en el pasado y se demuestra en el presente en administraciones regionales y locales, cuya oferta para la gestión de la res publica está compuesta por abogados, empleados públicos, estudiantes y políticos sin profesión de la que proceden ni profesión a la que dirigirse. Todos ellos se aferrarán al cargo con uñas y dientes y antes se acaba el mundo que dimitir. Son como Sansón en el templo: aferrados a las columnas del poder y dispuestos a echarlo todo abajo aunque se inmolen.

El principal cometido del político es, por lo tanto, él mismo. Y no hay manera de que se mueva de ahí. Los puntos cardinales de su existencia vienen marcados por los límites de su despacho, su afán y su anhelo es la reelección, su concepto temporal dura lo que dura la legislatura. A lo que llama 'largo plazo' es a esa serie de planificaciones y proyectos estratégicos que se desarrollan, no en plazos de décadas, sino de eones. Ejemplos hay para dar y repartir. El ritmo que imprime a la cosecha que no va a recoger es simplemente geológico. Los planes generales se gestionan y aprueban a la velocidad con que se mueven las placas tectónicas y el puente o la autopista que dibujan no la verán sus hijos, posiblemente sí sus nietos, aunque no es seguro.

Claro que apelar a los dioses para que retiren esta precognición de la muerte política tampoco sería una buena idea... por antidemocrática y poco efectiva. Porque con las dictaduras pasa igual. Aunque el régimen se perpetúe y no recurra al carnaval electoral no por eso sus adláteres dejan de pensar en sí mismos, ni se corrompan, ni contemplen más horizonte que el del momento de la cena. Y no hay remedio.

Tal vez los dioses se planteen retirar del mercado estos Nexus 6 obsoletos y coñones, pero en el fondo son tan divertidos... ¿Con que se entretendrían en el Olimpo si en el mundo no existiera la política?

“Todos esos momentos se perderán en el tiempo... como lágrimas en la lluvia”, decía el replicante Roy Batty en uno de los soliloquios más recordados de la historia del cine. Sin embargo, al contrario de lo que se podría pensar, aquel epílogo no estuvo calculado al milímetro. Todo lo contrario. Su actor decidió que era buen momento para improvisar unas líneas de poesía y culminar la escena con una paloma blanca a la que la lluvia casi ni dejó volar. No importan los años que pasen: las curiosidades y el misterio tras Blade Runner continúa más presente que nunca.

Precisamente por ello, Movistar ha decidido crear el documental Blade Runner: Mundos Replicantes que se emite este lunes a las 11 de la noche y en el que diferentes expertos en la materia como Nacho Vigalondo, cineasta y especialista en Philip K. Dick; Ramón López de Mántaras, director del CSIC (Consejo Superior de Investigaciones Científicas); Sara Pérez Barreiro, arquitecta y profesora; e Irene Lozano, filósofa, entre otros, reflexionan sobre las dos películas de este universo distópico.

“Ridley Scott es un director muy intenso, y esta película fue la vía perfecta para expandir sus emociones a través de la gran pantalla”, afirma Ángel Sala, director del Festival de Cine de Sitges, durante el preestreno de un documental en el que también interviene. Comienza señalando cómo la obra que hoy consideramos de culto en realidad nació en una época equivocada. 1982 era el año del optimismo, de la era Ronald Reagan y grandes éxitos como E.T. Por ello, tampoco triunfaron otras películas hoy convertidas en clásicos, como Halloween de Carpenter.

Además de los comentarios de Ángel Sala, el público presente en la premiere también pudo escuchar a Charles de Lauzirika, productor de la versión de Blade Runner Final Cut y autor de Días Peligrosos, un making of sobre el primer largometraje. “Tuvo una producción desastrosa”, apunta el experto antes de dar más detalles de la misma. Gran parte de estos problemas fueron derivados de la forma de dirigir de Scott, el cual estaba tan centrado en crear el mundo distópico, en la iluminación y en la atmósfera, que desconectó de la dirección de los actores para centrarse en otros parámetros fundamentales para la historia.

Las otras dificultades estuvieron relacionadas con la incapacidad de Ridley Scott para adaptarse al modo de trabajo norteamericano. Era su primera película en dicha industria, y el inglés no dudó a la hora de criticar en los medios las “faltas de respeto” de su equipo (que no le llamaba “sí, gobernador”) y que se resistían a largas jornadas laborales. Como consecuencia, los técnicos imprimieron camisetas con el eslogan “Sí, gobernador, mis cojones”. Scott tampoco se quedó atrás y también creó su propio atuendo personalizado para acudir a los rodajes: “La xenofobia apesta”, se podía leer en la suya.

Como menciona el director de Sitges, reflejo de la tortuosa producción es el perfeccionismo de Ridley Scott para elegir elementos tan simples como el atrezo de cada escena. De hecho, en la primera de todas, aparece Deckard haciendo el test Voight-Kampff a un replicante y, al fondo, se aprecia un termo de café. Lo que era un objeto secundario, se convirtió en una pesadilla para el equipo de escenografía. “Al final optaron por comprar 100 sillas, 100 termos o 100 pantalones para que Scott decidiera según su criterio”, explica el cineasta.

Ningún elemento del largometraje resulta gratuito, sin importar que este salga en primer plano o en un fondo borroso. “Al final se creó un clima donde todo el mundo empezó a intentar dar lo mejor de sí mismo por una sencilla razón: pensaban que el director estaba completamente loco”, destaca Sala.

Esto es algo también se puede apreciar en los decorados de esa gran ciudad retrofuturista, los cuales estaban cargados de detalles y referencias al expresionismo alemán de obras como Metrópolis (1927). Pero no es la única. “El edificio de la empresa donde trabaja Deckard está inspirado en las pirámides mayas, como si fuera una especie de creencia en el más allá”, observa Sara Pérez Barreiro en una entrevista del documental.

¿Una secuela a la altura?

La segunda parte de Blade Runner tampoco queda exenta de críticas. No obstante, Ángel Sala cree que Denis Villeneuve es el director perfecto para esta secuela: “Está a medio camino entre las referencias al cine clásico y la innovación necesaria para no repetir lo mismo”. El foco de atención también se sitúa sobre Ryan Gosling como sustituto de Harrison Ford, como un nuevo agente que al final persigue lo mismo: comprender una identidad que no tiene clara. “Su papel en Drive, con esa cara petrificada, fue una de las principales razones para su elección”, considera el director de Sitges.

Respecto a la banda sonora, Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch fueron los encargados de reemplazar a Vangelis de la cinta original. Mantuvieron cosas, como los sintetizadores y algún que otro acorde al final de la película, pero por lo general es una música mucho más cruda, propia de un mundo más avanzado que ha ido a peor. “Como si fueran las trompetas del apocalipsis”, opina Sala.

Asimismo, aunque existen los efectos digitales, Villeneuve decidió no abusar de las pantallas verdes. Al igual que la película original, optó por dar importancia a los decorados y a trucos mecánicos. Como apunta Charles de Lauzirika, este es fan de imagen real, y así lo demuestran los fragmentos de Blade Runner 2049 en los que se ven imágenes de favelas procedentes de su anterior filme, Sicario.

El alma tras la máquina

“Los replicantes se crean como pollos, y los científicos tienen capacidad para hacerlo, solo la ética lo impide”, afirma Harrison Ford en una parte de Blade Runner: Mundos Replicantes. No obstante, la experta en robótica Concepción A. Monje aparece poco después para hablar desde un punto de vista más científico y menos sentimental: “Para avanzar tampoco hay que destruir todo esto, porque significaría que no hay avance”. A pesar de la que la ciencia ficción tiene como constante mostrar situaciones donde los robots se rebelan contra sus creadores, al igual que ya ocurría con Frankenstein, la realidad todavía está lejos de esta distopía.

Por su parte, Ramón López de Mántaras señala que el debate tras la ética robótica pertenece más al campo de la filosofía que al de la ciencia. ¿Qué nos hace humanos? Como explica Irene Lozano, ser consciente de la muerte es un paso fundamental para empezar a compartir las mismas pasiones y temores que los seres orgánicos. Precisamente, esa es la razón por la que Roy Batty mata a su creador: buscaba prolongar su vida más allá de los cuatro años para los que estaba programado. Aún queda camino por recorrer hasta que aparezca un Hal 9000, pero mientras llega tenemos otra incógnita por resolver: ¿es Deckard un replicante?

A Todo el dinero del mundo, la nueva película de Ridley Scott, le crecen los enanos. Después de despedir a Kevin Spacey por las denuncias de acoso sexual y contratar a Christopher Plummer en el tiempo de descuento, saltan las alarmas por la brecha salarial entre dos de sus actores principales. 

El diario USA Today denunció que la actriz Michelle Williams cobró bastante menos que su coprotagonista, Mark Wahlberg, por repetir unas escenas tras la marcha de Spacey: exactamente por diez días de trabajo, él recibió 1,5 millones de dólares y ella apenas 1.000 dólares, según indicaron al rotativo tres fuentes de la producción.

Según las mismas fuentes, la actriz nunca estuvo al corriente del salario que iba a recibir Wahlberg, a pesar de que ambos están representados por la misma agencia: William Morris Endeavor.

Una famosa escritora y activista por los derechos de la mujer en Hollywood, Melissa Silverstein, soltó la bomba el día después de los Globos de Oro, donde Todo el dinero del mundo optaba dos estatuillas. Poco después, Jessica Chastain se hacía eco de la denuncia, que algunos medios calificaron de “poco probable”. 

En cualquier caso, la información contradice las palabras de Ridley Scott, que afirmó que todos los actores habían regresado al plató de forma altruista. La interpretación de Williams, que encarna a Gail Harris, exnuera del magnate del petróleo Paul Getty, le valió la nominación al Globo de Oro como Mejor Actriz, que finalmente se lo llevó Frances McDormand por Tres anuncios a las afueras.

Ridley Scott ha decidido eliminar a Kevin Spacey de su próxima película, All the money in the world, cuyo estreno está programada para el 22 de diciembre; y reemplazarlo por el veterano Christopher Plummer, que rodará sus escenas en las próximas dos semanas.

La exclusiva la daba Deadline en la madrugada del miércoles. Scott y el estudio Sony Pictures han tomado la drástica decisión con el objetivo de que la cinta no vea afectada su fecha de estreno, que corría riesgo de verse retrasada por el escándalo de acoso y abusos sexuales que rodea a Spacey.

El actor tenía un papel breve aunque decisivo en la trama de la película, donde da vida al multimillonario John Paul Getty. Las escenas serán grabadas otra vez con el acuerdo unánime de todo el reparto, Sony Pictures, Mark Wahlberg y Michelle Williams, los dos actores que tenían escenas con Spacey.

El que ya protagonizara American beauty ha trabado entre ocho y diez días en la película de Scott, que ya estaba terminada y preparada para estrenarse el mes que viene. El veterano director de cine, que en el 2000 ya se vio forzado a volver a grabar una película (le ocurrió con Gladiator por la muerte de Oliver Reed), no ha hecho ningún comentario.

Suma varias acusaciones

El actor estadounidense Anthony Rapp acusó de acoso sexual a Kevin Spacey a finales de octubre, en un incidente que según ha denunciado tuvo lugar en 1986, cuando el primero tenía 14 años de edad.

La denuncia forzó a Spacey a afirmar que no recuerda ese incidente, pero que si tuvo lugar le debía a Rapp “la más sincera disculpa”. “Honestamente, no recuerdo el encuentro, hubiera sido hace más de 30 años. Pero si me comporté como él describe le debo la más sincera disculpa por lo que habría sido un comportamiento ebrio profundamente inapropiado”, dijo el veterano actor.

Tras él, las acusaciones contra Spacey no se han detenido. Un hijo del actor Richard Dreyfuss también asegura que el de Nueva Jersey le manoseó cuando tenía 18 años y delante de su padre, pero que este no se dio cuenta. Como él, la expresentadora de televisión Heather Unruh, también acusa a Spacey de haber abusado en un bar de su hijo de 18 años.

El actor dijo que comenzaría un tratamiento en una clínica para poner fin a su adicción al sexo. Se encuentra en The Meadows una exclusiva y cara clínica situada en Arizona (EEUU) y por la que ya han pasado Tiger Woods, Kate Moss o Elle McPherson. También está allí Harvey Weinstein.

Es el punto álgido de Blade Runner, la escena más icónica y posiblemente uno de los diálogos más bonitos que se han escrito nunca en el género de la ciencia ficción. La música de Vangelis en una azotea iluminada por neones, entre la niebla y la más que probable lluvia tóxica: Rick Deckard escucha atónito el soliloquio del replicante con el que peleaba a muerte y acaba de salvarle la vida. El agonizante Roy Batty pronuncia aquello de “yo he visto cosas que vosotros no creeríais”. El robot, el perfecto Nexus 6, asume su mortalidad después de su búsqueda desesperada por contestar a las grandes incógnitas de la naturaleza humana. Batty mata a su mismísimo creador para darse de bruces con la realidad. La máquina “más humana que los humanos” como prometía el lema de la Tyrell Corporation. Tras entender quién es y de dónde viene, acepta que después de la muerte “todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia”. Una figura mucho más poética para expresar el concepto de ‘vacío' que se le ocurrió al propio Rutger Hauer. El actor no se limitó a firmar una actuación perfecta como replicante en pleno descubrimiento de las emociones humanas, también dejó unas cuantas cuestiones existenciales.

Ya que no todos tenemos tan a mano a nuestro creador como Batty -para pedirle cuentas sobre nuestro lugar en el mundo-, mejor ceñirse a lo estrictamente cinematográfico. Sobre el futuro de la historia saldremos pronto de dudas -hoy mismo- con el estreno de Blade Runner 2049. Solo ha habido que esperar treinta y cinco años extradiegéticos y treinta dentro de la trama para saber qué fue de Deckard y de su amor replicante. Correremos un tupido velo sobre el final feliz de la película estrenada en 1982, compuesto con planos sobrantes que le prestó Kubrick a Ridley Scott, y sobre las siete versiones que han llegado a ver la luz desde entonces. Lo lógico parece tomar como punto de partida el montaje final de 2007 donde Scott dejó la gran pregunta más en el aire que nunca con la escena onírica de Deckard y el unicornio. Replicante o no, esas respuestas ahora están en manos de Denis Villeneuve. El canadiense ya ha demostrado tener pulso de sobra para la ciencia ficción con La llegada.

Las raíces de una película mítica

Las raíces de una película míticaPara indagar sobre los orígenes de Blade Runner solo hay que pensar en el presente del propio Villeneuve, el último director en atreverse a poner sus manos sobre Dune, la novela escrita por Frank Herbert en 1966 que obsesionó a personalidades tan variopintas como Alejandro Jodorowsky, David Lynch y, como no, a Ridley Scott. Un proyecto maldito que solo Lynch ha conseguido finalizar pero que aún así ha sido el germen de gran parte del cine de ciencia ficción de las últimas décadas. El recomendable documental Jodorowsky's Dune descubre todos los entresijos de la superproducción de ciencia ficción que en 1975 preparaba el director chileno para la que pretendía contar con las colaboraciones de Salvador Dalí, Pink Floyd y Orson Wells, entre otros.

Jodorowsky se estrelló con su propia ambición y su mejor herencia fueron todas las ilustraciones y storyboards del dibujante francés Moebius, los efectos especiales de Dan O’Bannon y los diseños de H.R. Giger. Este mismo equipo artístico comenzó a trabajar con Ridley Scott; juntos crearon el mito de Alien en 1979 gracias al espeluznante diseño del monstruo de H. R. Giger y poco después se atrevieron sin éxito a retomar el proyecto de Dune.Dune Ridley Scott salió escaldado pero se había forjado un nombre gracias a la ciencia ficción y acabó en sus manos el guión de la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, adaptada finalmente como Blade Runner.

Como el director británico ha reconocido abiertamente, ante las dudas creativas a la hora de plasmar el ambiente futurista y decadente de esta versión distópica de Los Ángeles, recurrió a referentes como Metrópolis de Fritz Lang, Alphaville de Godard, los dibujos de Enki Bilal y especialmente al cómic The Long Tomorrow, dibujado por Moebius y con guión de O’Bannon, que se había publicado años antes en la revista francesa Métal Hurlant y que posteriormente Scott descubrió en la versión norteamericana Heavy Metal. La cuadratura del círculo del cine de ciencia ficción. Una carambola que unió el talento de artistas de diferentes ámbitos para dar una base estética y temática a las películas de este género que estaban por llegar a la gran pantalla.

Las herederas del mito

Con todo esto y a pesar del dinero invertido, Blade Runner fue un fracaso en taquilla y pasó con discreción ante la crítica. El tiempo la ha tratado bien y esta cinta, con más espíritu de cine negro y policíaco que de ciencia ficción, se ha convertido en un film de culto. Las referencias son constantes. En Brazil, Terry Gilliam pinta con mucho más humor una sociedad igual de tecnologizada y asfixiante que la de Blade Runner y también tiranizada, al estilo Orwell en 1984. La visión tremendista de un futuro ciberpunk e irrespirableciberpunk, con la saga de Mad Max como máximo exponente, o un mundo donde las máquinas aplastan a su creador como en Terminator, Matrix, Ex Machina o, anteriormente, HAL en 2001, Odisea en el espacio.

El imaginario de contaminadas megalópolis, rascacielos, coches voladores y otros grandes avances científicos está en todos lados: El quinto elemento; Regreso al Futuro; Desafío total; Screamers; Minority Report; Yo, robot; Prometheus… Temas tan actuales como el ecologismo, la incomunicación o la tecnología que invade nuestro día a día aparecen incluso en la romanticona Her de Spike Jonze y en las series que han tomado el relevo, con Blackmirror profundizando en el conflicto entre el ser humano y la tecnología, o Westworld intentando responder a las grandes dudas sobre la robótica que ya inquietaban a Isaac Asimov: ¿Qué nos hace humanos? ¿Qué emociones nos diferencian de una copia perfecta? Preguntas quizás sin respuesta, como descifrar si acaso Deckard es más humano que Batty. Es el mismo androide quien se lo escupe a la cara a Harrison Ford tras descubrir a su novia asesinada a manos del blade runner: “¿No se supone que tú deberías ser el bueno?”. Qué demonios, ya que lo anda buscando, que se lo pregunte Ryan Gosling.

Con motivo del estreno de Alien: Covenant, en Kinótico -el podcast de cine y series de eldiario.es- repasamos en qué punto se encuentra la saga y a dónde quiere llevarla su alma máter, el director Ridley Scott. Además entrevistamos al actor, director y productor Santiago Segura, que ha estrenado en cines la película argentina Casi leyendas. Abordamos la polémica entre Cannes y Netflix y contamos el lanzamiento en soporte físico de la película La ciudad de las estrellas. La La Land.

Contenidos del podcast

01:20.- El estreno de Alien: Covenant y los planes de Ridley Scott para la saga

05:35.- El rifirrafe entre Cannes y Netflix

07:40.- Observatorio en Bremen, con Janina Pérez Arias

10:00.- La actualidad de las series, con María José Arias

18:55.- Entrevista con Santiago Segura por Casi leyendas

33:00.- Lo que tienes que saber, con Bernardo Pajares

36:45.- La letra y la música, con Pedro Moral

41:40.- El resto de los estrenos de cine

Mark Watney (Matt Damon) es un miembro de la tripulación de la nave Hermes que se queda solo y atrapado en Marte tras una gran tormenta. Sus compañeros no tuvieron más remedio que escapar del planeta rojo poniendo rumbo a la Tierra, así que él se ve obligado a echar mano de su ingenio y de sus conocimientos para superar lo que, a todas luces, parece una situación insalvable. Le quedan escasos suministros de oxígeno y de alimentos. Tampoco tiene ninguna posibilidad de contactar con la NASA y poder decirle al mundo que sigue vivo.

'Marte (The Martian)' es una película que nos permite reconciliarnos con Ridley ScottMarte (The Martian)Ridley Scott tras sus últimos fiascos en la gran pantalla. A su favor cuenta con una narración clásica y su sobriedad a la hora de plantear y desarrollar un argumento de ciencia ficción, sin grandes efectos ni arrebatos especiales, pero con una historia bastante potente. Y sobre todo, cuenta con ingeniosos monólogos puestos en escena, de manera brillante, por Matt Damon. Watney es un tipo que afronta su adversidad con una especie de optimismo desencantado, poco creíble, pero con un sentido del humor verdaderamente irresistible. La interpretación del actor y sus soliloquios para la posteridad, un alarde de ingenio, son lo más sobresaliente de la película.

El film ofrece, además, alucinantes recreaciones del paisaje desértico marciano, y una producción exquisita, muy cuidada, como las que el cineasta ha sabido brindarnos en todas y cada una de sus películas. Un fabuloso envoltorio que se ve  coronado por una banda sonora  donde se dan cita grandes éxitos de los 70. En ella nos podemos encontrar desde el previsible tema 'I will survive', de Gloria Gaynor, a la sublime 'Starman', de David Bowie, pasando por la pizpireta 'Waterloo', de ABBA.

'Marte' es una historia de supervivencia con una buena coartada, dentro del género de la ciencia ficción, pero también es la odisea descafeinada de un Robinson Crusoe con buena estrella. Esta es la cara oculta que acaba mostrando la película. Y es que los obstáculos y  los desafíos parecen amontonarse ante el protagonista. Demasiadas desgracias se asoman a la historia, y quizás a raíz de ese fatalismo, de vocación barroca, acabamos teniendo la sensación de que muchos problemas se resuelven con sospechosa rapidez, aunque algunas de las soluciones cuenten con su coherencia científica. A la película, en algunos momentos, también parece faltarle cierta empatía con unos  personajes secundarios que no muestran demasiada personalidad. Y le cuesta aplicar la lógica para resolver el comportamiento de algunos de ellos. Pasa como de puntillas por sus sentimientos. No hay tiempo para que todos muestren su humanidad, de acuerdo, pero hay situaciones bochornosamente inverosímiles, como la buena disposición,  casi automática y sin momentos de debilidad, con la que los tripulantes del Hermes deciden dar, por así decirlo, un salto al vacío. Y sus familiares, acompañarles en el sentimiento.

En cualquier caso, de la mano del ‘marciano’ tozudo, que es el protagonista, acabamos aterrizando en un final curioso, con su carga emocional lista para conquistarnos y dejarnos, abandonados a nuestra suerte. Al otro lado de la pantalla, pero con las reservas de entusiasmo en buen estado.

Cuando era pequeño el ingeniero aeroespacial Wernher von Braun se enamoró de la exploración del Cosmos gracias a Julio Verne. En la Segunda Guerra Mundial estuvo adscrito a las SS y diseñó los cohetes V2 que sirvieron para bombardear suelo inglés, pero su obsesión estaba muy lejos de la del nazismo, en concreto en el espacio exterior, por eso la Gestapo le persiguió.

La NASA se convirtió en su nuevo hogar y sus V2 sirvieron como precursores de los cohetes espaciales. Por fin su trabajo servía para alimentar su pasión. Diez años antes de que el hombre pisara la Luna, Disney realizó una serie de programas de televisión dedicados a la exploración espacial, y él los presentó. La NASA necesitaba el favor de la opinión pública y de paso lavar el nombre de Braun. Ambas cosas se consiguieron y después llegó el Apolo 11. Lo demás, es historia.

Ahora toca Marte, que aún es ciencia ficción. Pero después de años en los que la NASA prometía el aterrizaje del hombre en el planeta rojo, hoy podemos estar seguros de que esto pasará. Se retrasará a 2030, según dijo Obama en abril de 2010, pero ocurrirá. El hombre pisará Marte y lo hará con el objetivo de analizar su geografía, el agua que hace tan solo una semana era, por fin, un hecho y, por supuesto, buscar vida, la que pudo haber hace tiempo o la que hay. Enviar una misión tripulada al planeta vecino es técnicamente posible y está a punto de ocurrir.

Por esta razón Marte (The Martian), la adaptación de la novela homónima de Andy Weir que un Ridley Scott no tan bueno como el de Blade Runner pero infinitamente mejor que el de Exodus ha dirigido, llega en el mejor momento.

En un Marte más hostil del que se daría en la realidad, el astronauta Mark Watney sufre un accidente en mitad de una tormenta de arena. Es dado por muerto y abandonado por la tripulación. Sin embargo, sobrevive. Se encuentra atrapado y completamente solo en Marte, con suministros escasos y con un handicap: aguantar vivo hasta que vengan a buscarle, si es que vienen.

El ingenioso Matt Damon, que está muy a gusto en uno de sus mejores papeles, consigue comunicarse con la Tierra. La NASA recibe el mensaje y decide volver a por él. Este es el punto de partida de la nueva aventura espacial del director de Alien. Un filme pensado para el disfrute del gran público, donde no existen las grandilocuencias metafísicas que Nolan implantó en Interstellar. Estamos más bien ante una Gravity de más envergadura narrativa. Esta historia es más compleja, pero de menos calado técnico, porque los planos secuencia de Cuarón son demasiado buenos.

Primer objetivo de la NASA: la opinión pública

Cuando la NASA se enteró de que Ridley Scott pretendía adaptar la novela de Weir, se reunieron para hablar de la película. La agencia vio claro que esta superproducción tenía un inmenso potencial para promocionar la exploración espacial y decidió ayudar al cineasta en todo lo que necesitara. Participó en los diseños de producción de la película, contestó a infinidad de preguntas del equipo técnico, compartió cientos de archivos con imágenes reales, dejó visitar el Centro Espacial Johnson a los cineastas y estuvo siempre presente desde el guión hasta la postproducción y la campaña de marketing. Aquí en Madrid organizaron una videoconferencia con Pedro Duque en el Centro de Astrobiología del INSTA. Es posible que sea la película con la que más estrechamente ha colaborado la agencia espacial.

La NASA necesita el apoyo de la opinión pública para que el Gobierno de Estados Unidos suelte los miles de millones que necesitan para llevar a cabo misiones en el espacio profundo y en Marte. Y de momento los espectadores están respondiendo muy bien a la película de Scott, que ya llega a los 117 millones de taquilla solo en EEUU, según Box Office Mojo. Esta vez hay menos dinero que en 1966, no es suficiente con tres capítulos de Disney sobre la Luna, hace falta Ridley Scott y Matt Damon, solo así es posible que contagien al público de todo el mundo la ilusión de pisar Marte.

Después del fracaso de Mars One, el proyecto de una empresa que quería montar la primera colonia humana en el planeta rojo, queda claro que la gestión privada no tiene nada que hacer en el espacio. Ya lo dijo Neil deGrasse Tyson en Business Insider. “Si yo fuera un inversor de riesgo (en Mars One), me gustaría hacerle una serie de preguntas a los organizadores. ¿Es peligroso? La respuesta es sí. ¿Morirán personas? Probablemente. ¿Cuánto va a costar? No sé, pero mucho. ¿Cuál es el retorno de mi inversión? Nada”.

DeGrasse sin embargo está muy encima de lo que pretende hacer la NASA en Marte, por eso uno de los vídeos promocionales más espectaculares de The Martian está orquestado por él como un falso fragmento de la famosa serie documental Cosmos.

Los peligros del hombre en Marte

Pedro Duque aseguró en la videoconferencia que viajaremos a Marte sí o sí. Pero una vez allí se complicará el asunto. Y a pesar de que la película de Scott tiene un tono esperanzador, la historia no deja de ser la de un Robinson Crusoe marciano que tiene que enfrentarse a las dificultades de un lugar muy hostil, con una atmósfera repleta de dióxido de carbono, una radiación insoportable, una temperatura en torno a los 60 grados bajo cero y una tierra yerma en la que obviamente no se puede cultivar a menos que tengas el ingenio o el instinto de Matt Damon.

El actor está más divertido que nunca, usa el sentido del humor para que la negrura de la tragedia que vive su personaje no estropee la intención del filme.

Pero no solo está él, Ridley Scott, construye su película en base a este náufrago moderno, a la tripulación que le abandonó capitaneada por Jessica Chastain y a las idas y venidas de la NASA donde Chiwetel Ejiofor, Kristen Wiig, Jeff Daniels y Sean Bean se esfuerzan al máximo para traer a su astronauta de vuelta, como lo contaría Aaron Sorkin, entre pasillos y despachos. A Scott le ha quedado una película muy entretenida, un poco previsible también, pero con suficiente tensión dramática para que el público comparta la obsesión de la NASA por buscar restos de vida en el planeta rojo.

Narra la historia más importante del Antiguo Testamento. El momento en que Moisés (Christian Bale) reniega de su educación egipcia y de su familia adoptiva para desafiar al Imperio de Ramsés II,(Joel Edgerton), al que considera su hermano y liberar al pueblo de Israel para llevarlo a la tierra prometida. Más de 600.000 esclavos en una épica huida a través de Egipto, llena de peligros y persecuciones.

El guión que elige Ridley Scott

Teniendo en cuenta que la cinta dura 150 minutos, podemos echar de menos en el tratamiento del guion, poder ver fragmentos y escenas de la infancia común entre Ramsés II y Moisés. Esto ayudaría a acentuar el drama del enfrentamiento que tendrán los dos “hermanos” en el futuro. Ayuda a entender que eran dos hombres que se querían por encima de todas las cosas y que en un tiempo estuvieron dispuestos a morir el uno por el otro. De modo que la película comienza con un joven Moisés que criado en el ambiente politeísta de un palacio egipcio de 1300 a. C. se nos presenta completamente agnóstico, racional y que se ríe de las supersticiones de su familia adoptiva. En este punto habría que hacer matizaciones. Al presentarnos a un Moisés incrédulo la película quiere sorprendernos con su futura conversión cuando conoce a Yahvé, pero es anacrónico plantearlo como un joven que usa una dialéctica casi marxista-leninista, que habla de derechos de los trabajadores y que está en contra de la monarquía. Rechina muchísimo verle en este contexto hablar de esa forma, aunque puestos a sorprendernos, también rechina que pueda hablar con una zarza.

El uso inteligente de los efectos especiales

Ridley Scott no hace una película para regocijar a los creyentes ni para molestar a los ateos, sino una película que bien puedan disfrutar los que crean que Moisés habló con Dios en el Monte Horeb como para los que crean que cuando fue a buscar a su ganado se resbaló y del golpe en la cabeza empezó a hablar solo y a creerse el Mesías del pueblo hebreo. Es en este sentido, donde el director sabe jugar bien con los milagros de la historia bíblica. De esta forma, Dios no habla a Moisés como una poderosa y grave voz en off que retumba en todo el cielo sino que lo hace de una manera más natural. También las siete plagas podrían ser explicadas científicamente aunque con mucha dificultad, de modo que Scott no sucumbe a la tentación de cualquier director con efectos especiales a su alcance de hacer una película de ciencia ficción donde el Mar Rojo se separe en dos mitades perfectas, sino que siempre juega con el hecho de que las mareas pudieron bajar masivamente alguna vez… (quién sabe).

Este juego realidad-leyenda-historia, es lo mejor de esta superproducción junto con las dos interpretaciones protagonistas.

Dioses y reyes

Hay un guiño muy importante en la cinta al politeísmo egipcio en la antigüedad y la crisis que pudo suponer la contraposición al monoteísmo hebreo. Esta disputa, Dioses versus reyes encarnada en la figura de dos “hermanos” que una vez se quisieron es más fácil de entender. Lo viejo no se resigna a dejar paso a lo nuevo, no se lo pone fácil. Un hombre que se cree dios en la tierra hermanado con los dioses egipcios con su mismo nivel de poder y otro hombre que es el mesías del único Dios. Dos mentalidades diferentes e irreconciliables. Entonces no se nos plantea un Ramsés malo y cruel sino un Ramsés que no puede aceptar algo que va en contra de sí mismo (esto aumenta el nivel de dramatismo del personaje).

Made in Canary Islands

Lo más esperado por los espectadores canarios y almerienses que acudimos al estreno era reconocer los paisajes de la isla de Fuerteventura o de Almería. En este sentido sorprende ver lo bien que las tierras majoreras se adaptan a este relato: desde las zonas que simulan al desierto como las pequeñas montañas de lava volcánica que crean senderos imposibles.

¿Pretensiones ideológicas?

En este aspecto no quisiera condicionar al lector. Una película es siempre política, ya que desprende ideas, pensamientos, maneras de enfocar un hecho… A veces una película hace esto intencionadamente y otras veces sin querer, ya que los guionistas y directores no pueden abstraerse de su propia mentalidad. Comprueben ustedes mismos si hay en este film una manera de legitimar históricamente aún hoy, la diáspora judía por el mundo, las persecuciones que han tenido que sufrir, siempre con miedo o escondidos o si quiere justificar su derecho histórico a permanecer en Israel. Esto es; sin éxodo judío, no hay judaísmo, ni pueblo elegido ni conflictos en Gaza.

Uno de los hitos más esperados por los amantes de la saga halo es la llegada de su serie Halo: Nightfall, la cual debutará en cuestión de unas semanas. Sabemos que se trata de una serie digital que podremos ver en diversos dispositivos de Microsoft, así como sus consolas. Dirigida por Sergio Mimica Gezzan, y protagonizada por Mike Colter (en el papel de Agente Locke), cuenta con un presupuesto de 10 millones de dólares y formará parte de la antología de Halo: The Master Chief Collection que verá la luz el 11 de noviembre.

Además, para que a todo fan que se precie de la saga Halo le entre taquicardia, también se comunicó hace un tiempo que esta serie estaría producida por el mismísimo Ridley Scott, sin que se desvelara demasiada información concreta sobre el verdadero papel que el cineasta tiene en Halo: Nighfall.

Recientemente, durante la Tokyo Games Show, el principal responsable de Halo, Frank O’Connor mantuvo una interesante charla con el medio Eurogamer que desvela algunos detalles como el papel activo de Scott en algunas de las decisiones de peso sobre la serie.

“Él está ahí cuando diseñamos la historia; él está ahí cuando trabajamos sobre el guion; él está ahí cuando hay que escoger las localizaciones, y también ayuda con el reparto”. Aclara O’Connor a todos los mal pensados que pudieran pensar que el nombre “Ridley Scott” pudiera aparecer impreso en la marca como cebo publicitario.

Finalmente se deja claro que la mayor carga de responsabilidad la lleva Mimica-Gezzan que ya demostró su valía con otros trabajos anteriores como Falling Skies o Battlestar Galactica, a pesar de que inevitablemente, Ridley Scott tiene un carácter fuerte, como todo director que se precie y siempre que aporta una opinión no deja indiferente a nadie.

“Una de sus ideas sobre localizaciones para rodar, cambió completamente un aspecto de la historia en el cual no ahondaré. Suena raro, pero es un gran fanático de los ambientes como elementos narrativos esenciales para contar historias” .

Microsoft ha hecho ya público el primer tráiler oficial de la serie de televisión con actores reales Halo: Nightfall, la cual está realizada con actores reales y cuenta con la producción del reconocido cineasta Ridley Scott.

Ambientada entre Halo 4 y la venidera quinta entrega, en Nightfall podremos conocer a Jameson Locke, personaje que tendrá un papel fundamental en este nuevo videojuego exclusivo de Xbox One. De hecho sus responsables han reconocido que será mucho más que un mero anticipo de este juego estando profundamente ligada a él, con lo que imaginamos que buscan ganarse a una audiencia mucho mayor dado el entusiasmo y misterio que rodea a esta nueva entrega.

Halo: Nightfall se estrenará este mismo mes de noviembre junto al lanzamiento del recopilatorio Halo: The Master Chief Collection, título que contará con los cuatro primeros juegos de la saga numerados completamente remasterizados para la consola next gen de Microsoft.

SEGA ha dsitribuido nuevas capturas de pantalla de Alien: Isolation. El juego está siendo desarrollado para PlayStation 3, Xbox 360, PC, PlayStation 4 y Xbox One, su lanzamiento se espera para el 7 de octubre.

SEGA ha dsitribuido nuevas capturas de pantalla de Alien: Isolation. El juego está siendo desarrollado para PlayStation 3, Xbox 360, PC, PlayStation 4 y Xbox One el 7 de octubre.

Ridley Scott ha comenzado el rodaje de su Halo en Belfast, según informa un periódico local.

De acuerdo con el Belfast Telegraph, Scott está rodando actualmente en la capital de Irlanda del Norte. Cuando el proyecto fue anunciado en abril , se dijo que el proyecto de largometraje digital sería probalemente escrito por el creador de Prison Break, Paul Scheuring. Desde entonces, el primer actor que se sabe se ha unido al reparto es Mike Corter.

En cuanto a lo que significa exactamente proyecto de largometraje digital no hay nada seguro. Lo más probable es que el estreno no se produzca en las salas de cine, sino como lo hizo Halo 4: Forward unto Dawn, de Machinima, que fue divulgado en la Red.

Cabe destacar que el proyecto no seguirá las aventuras del Jefe Maestro, y es completamente independiente de la serie de televisión que producirá Steven Spielberg.

Hans Ruedi Giger nació en la localidad suiza de Chur en 1940, una región montañosa e idílica que se reconoce por ser de las más bellas de la Tierra. Sin embargo, algo oscuro inspiraba el subconsciente del pequeño Hans, que se materializaba en pesadillas y ataques de pánico. Más tarde, tras estudiar arquitectura en Zurich, toda esa inspiración se convirtió en el germen de lo que es y será la marca de la casa HR Giger.

Algunos le definían como el Miguel Ángel de lo esotérico y lo alienígena, pues se prodigó en todas las disciplinas donde le fue posible plasmar sus diseños. Desde las láminas en tinta y óleo, hasta una arquitectura insecta, pasando por la ebanistería más tétrica y varias colaboraciones con el cine y la música. Todos le conocerán por ser el artífice de uno de los monstruos más célebres de la gran pantalla, la criatura Alien. Pero el universo HR Giger abarca mucho más y su imaginario ha generado una corriente que impregna toda la cultura popular y que algunos académicos llaman gótico contemporáneo.

Su obra es perturbadora y mixta: entre lo tecnológico y lo erótico, entre el metal y la anatomía humana. Comenzó a sentar precedentes con muestras y libros recopilatorios de sus dibujos -realizados con la técnica del aerógrafo- en los que exponía sus tan famosos paisajes biomecánicos, Los niños atómicos y especialmente su Necronomicón, una versión ilustrada del libro de pesadillas de uno de sus escritores favoritos, HP Lovecraft. Así lo descubrió el visionario chileno Alejandro Jodorowsky mientras intentaba adaptar Dune a la gran pantalla.

Aunque el ambicioso proyecto no prosperó, el jefe de efectos especiales Dan O'Bannon se guardó los bocetos de Giger como inspiración para una historia sobre un monstruo alienígena que convive con una tripulación espacial terrícola con resultados desagradables. Así acabó el extraño suizo trabajando con Ridley Scott en Alien: el octavo pasajero. El extraterrestre había surgido en la mente de Giger muchos años antes de que el fenómeno se volviese mundial en 1979. Scott sólo le puso la cámara delante y lo convirtió en una estrella.

Cine, Giger y Rock&Roll

Una de las patentes de Giger fueron los perennes detalles fálicos que introducía deliberadamente en sus obras. Muchos de estos símbolos provocaron algún que otro desencuentro con los pesos pesados de sus colaboraciones, como con Ridley Scott. Los huevos 'vagina' de Alien o la lengua -como no, fálica- del extraterrestre fueron censuradas de los bocetos iniciales, lo que provocó un profundo descontento en el artista y su consiguiente negativa a muchos de los proyectos sucesivos.

La otra razón escondida, pero conocida a voces, es que Hollywood le ofreció una cantidad ínfima de dinero por su colaboración en las secuelas, por lo que David Fincher, James Cameron y Jean Pierre Jeunet eligieron contratar a un imitador barato que continuara la saga sin molestar. El único que le recuperó del olvido en la Meca del cine fue de nuevo Scott que, quizá reconcomido por su deuda insatisfecha, contó con el suizo en la -supuesta- precuela de la saga, Prometheus. Aun así, Giger ha fallecido dejando una gran deuda con los bancos. Como en el caso de muchos otros artistas visionarios, su relación con la industria no fue ni justa, ni feliz.

Pero antes que Alien, HR Giger ya era un artista de referencia en la sombra a través de los diseños de las portadas algunos de los mejores discos de la cultura pop como el Brain Salad Surgery de Emerson Lake & Palmer. Sin embargo, siempre se le recordará por su colaboración con Debbie Harry, la cantante de Blondie. Corrió a su cargo el boceto del álbum KooKoo y el rodaje de algunos de sus angustiosos y fantásticos videoclips, además de prepararla para su papel en la más gigeriana de las películas donde no colaboró: Videdrome, de Cronenberg

Un universo en 3D

El imaginario de HR Giger incluye, como el suizo admitió en varias ocasiones, obras de Francis Bacon, Salvador Dalí, El Bosco o incluso de Francisco Goya. También encontraba su fuente de inspiración en la literatura de J.R.R Tolkien, en su serie El señor de los anillos, y en la mitología de Lovecraft, que inspiró su bellísimo Necronomicón. Tras de sí deja una colección de más de 700 dibujos en la que le sacó todo el jugo humanamente posible a la pistola pulverizadora que era su pincel. Fruto de este trabajo laminado surgieron algunas de sus mejores colecciones: Li I, Hexetanz, Li II, la serie de trípticos The Shell, Aleph, El maestro y Margarita o New York City.

Modernista y tecnófilo, tampoco se resistió al universo entonces más experimental, el de los videojuegos. A los gamers de los 90 les sonará Dark Seed, uno de los primeros juegos en usar gráficos de alta resolución para representar el mundo oscuro de Giger.

Contra todo pronóstico, su gran proyecto no realizado -para entendernos, su Dune- fue una estrambótica línea subterránea de cinco trenes (el principal medio de transporte en su región) que el gobierno suizo rechazó. Tuvo que conformarse con la supervisión, gracias a sus estudios en Arquitectura de Interiores y Diseño Industrial, del Museo Ginger en el Château St. Germain, Gruyères. Un universo barroco y vertebral donde se expone buena parte de su legado pictórico.

Otro de los proyectos fue el bar Giger de Tokio, cuyo diseño tuvo que acondicionarse ante la alta probabilidad de terremotos y que, por supuesto, no tuvo su beneplácito. El padre del gótico moderno ya contaba con las suficientes canas para no dejarse corregir. Estos días se empezaba a gestar una gran retrospectiva de su obra que ha quedado tristemente en el aire.