Por segundo año, Logroño acogerá el PLAY Game-Fest los días 14 y 15 de diciembre en el polideportivo municipal de Las Gaunas. La concejla de Juventud, Laura Lázaro, y el respresentante de Play Generation, José Marí aMarcolain, han dado la bienvenida a estas jornadas dirigidas a todoslos públicos y dedicadas a la cultura digital, el gaming, la tecnología y el entretenimiento. Se trata de un evento, ha dicho Lázaro, “donde el público asistente podrá disfrutar, de forma gratuita, de videojuegos, realidad virtual, robótica, drones, impresión 3D o desarrollo y programación”.

La concejala de Juventud ha subrayado que “es un evento que ha crecido en días y en espacio debido a la gran aceptación que tuvo el año pasado donde acudieron cerca de 1.000 personas que pudieron disfrutar de una jornada de entretenimiento digital”. En concreto, esta edición el espacio en el que se va a desarrollar es un polideportivo más grande y se ha pasado de una jornada o dos.

Organizado por Play Generation en colaboración con el Ayuntamiento de Logroño y el club de eSports riojano Capacitanes, el evento tendrá entrada libre para todos los interesados. Las actividades del sábado 14 de diciembre se llevarán a cabo de 11:00 a 20:00 horas, mientras que el domingo 15 se desarrollarán de 11:00 a 14:00 horas.

En concreto, el polideportivo contará con 10 zonas y espacios, 60 puestos de juego y más de 15 contenidos, experiencias digitales y actividades tecnológicas. Se trata de un evento híbrido, que será retransmitido conectando el mundo físico y el mundo online.

Play #Game-Fest Logroño

Madrid, Sevilla, Alicante, Córdoba, Murcia, Granada, Badajoz y ahora Logroño, son algunas de las sedes y paradas del circuito, que ya cuenta con más de 35 ediciones en distintos formatos en hasta 12 provincias españolas.

En concreto, Play #Game-Fest Logroño estará conformado por las siguientes zonas o espacios:

Ponerse en la piel de una guerrera vikinga que atraviesa el mar del Norte para conquistar Inglaterra, diseñar una casa con todo lujo de detalles, competir junto a amigos contra gamers de cualquier rincón del mundo o distraerse resolviendo distintos puzles mientras te desplazas en transporte público son solo algunas de las posibilidades que ofrece a sus usuarios el mundo de los videojuegos. Un sector con una potencialidad casi infinita que hace que se adapte a todo tipo de gustos e intereses.

En los últimos años, además los videojuegos se han convertido en una salida profesional para personas de perfiles muy diversos, entre otros, los programadores, los ilustradores o los diseñadores de sonido. La industria del videojuego se encuentra en pleno período de expansión y, solo en Catalunya, su facturación anual ronda los 500 millones de euros, el equivalente al 51% de los ingresos del sector a nivel estatal, según los datos de la exposición ‘Nova Pantalla. El videojoc a Catalunya’ que puede visitarse hasta el 4 de septiembre en el Palau Robert de Barcelona.

La muestra, que busca reivindicar el videojuego como artefacto cultural de interés artístico, ofrece muchos datos sobre este sector, además de permitir comprobar de primera mano el proceso de preparación de las obras, conocer a sus desarrolladores y, por último, probar el producto.

Uno de los aspectos destacados es que Catalunya en general y, sobre todo, la ciudad de Barcelona se han convertido en áreas de referencia a nivel mundial para esta industria que da trabajo a 3.381 profesionales distribuidos en 123 estudios de desarrollo y 77 grupos de profesionales que también se dedican a la preparación de videojuegos. De los estudios existentes, el 90% se encuentran en la capital catalana, cuatro en la provincia de Girona, cinco en Lleida y 11 en Tarragona. 

Los creadores de la exposición destacan que las perspectivas de futuro a nivel laboral son positivas, puesto que la tasa de crecimiento anual del sector es del 9,2% y, según sus cálculos, en 2023 habrá unos 5.000 profesionales en Catalunya. Al contrario de lo que pueda parecer, las empresas y los trabajadores que se dedican al desarrollo de videojuegos no han aparecido de la noche a la mañana ni responden a una moda. Este sector surgió ya en los años ochenta y ha ido creciendo desde entonces. Lo que pocos imaginaban es que aquello acabaría convirtiéndose en una industria que movería millones de euros cada año.  

La comunidad gamer

Según el Anuario 2021 de la Asociación Española de Videojuegos (AEVI), en España hay 18 millones de personas que aseguran ser jugadoras. Esto significa que un 50% de los españoles entre 6 y 64 años emplea parte de su tiempo en jugar en su ordenador, móvil o consola y que, si se miran los datos por franjas de edad, un 74% de las personas entre 15 y 24 años es gamer. Además, según este mismo estudio, los españoles dedicaron en 2021 una media de 8,1 horas a la semana a esta actividad. Para la mayor parte de estas personas, los videojuegos son un tipo de entretenimiento más. Su impacto es de 1.795 millones de euros al año.

Desde sus inicios, este mundo siempre ha tenido presente las necesidades sociales y de compañía que caracterizan al ser humano. Ahora, los avances tecnológicos permiten cooperar o competir con personas de todo el mundo. “Creo que en estos momentos ya no se ve a la gente que juega como nerds o bichos raros porque los hay de todo tipo: personas más o menos sociables”, señala Francesc Felipe, miembro de la comunidad Gaming.cat.

Asociaciones de aficionados a los videojuegos, como Gaming.cat, permiten a los gamers buscar compañeros para los juegos multijugador a través de grupos de Telegram y Discord, pero también hacen posible la promoción de iniciativas y proyectos más pequeños que no cuentan con el apoyo de grandes estudios. Con el paso del tiempo, los compañeros de juegos acaban convirtiéndose en amigos, “porque encuentras gente muy próxima a ti, que comparte tus gustos”, afirma Felipe. Y, en el caso concreto de Gaming.cat, permite agrupar a los jugadores de habla catalana.

Equipos multidisciplinarios

Desde que una persona tiene una idea para poner en marcha la creación de un videojuego hasta que este sale al mercado pueden pasar meses y, en el caso de las grandes producciones internacionales, incluso años, ya que detrás hay múltiples profesionales implicados de disciplinas muy distintas entre sí y que deben coordinarse para que todas las piezas encajen. Muchos de los profesionales que en la actualidad trabajan en esta industria provienen de ámbitos que tienen poco o nada que ver con este sector.

Uno de estos casos es el de Anna Guxens, que trabaja como diseñadora de experiencia de juego, es decir, se encarga de modular las mecánicas y los retos que el jugador tendrá que atravesar a lo largo de la partida. Guxens estudió comunicación audiovisual, pero se dio cuenta de que lo que más le interesaba era la comunicación interactiva y el diseño de interacciones entre las personas y las máquinas, como ocurre en los videojuegos, pero también en las exposiciones participativas.

“Una parte fundamental de lo que hago es coordinar los distintos equipos que desarrollan un videojuego, pero también me encargo de resolver problemas que no dejan avanzar la labor de mis compañeros y comprobar que toda la historia tiene sentido”, explica Guixens a este diario.

Diversos estudios de desarrollo de videojuegos tienen sede en la capital catalana, entre ellos, Studio Koba, Mango Protocol, Abylight o Ubisoft. La mitad de ellos son de pequeño tamaño y su plantilla no supera los 5 trabajadores, pero también hay grandes multinacionales. “Hace unos años era difícil encontrar a gente para esta industria, pero ahora el problema es que hay muchas empresas y es difícil retener a los trabajadores”, destaca Eva Gaspar, CEO de Abylight Studios.

La captación y retención de los profesionales también es uno de los retos principales para grandes compañías internacionales, por ejemplo Ubisoft, que ha desarrollado superproducciones como Assassin’s Creed Valhalla o Rainbow Six Siege y que lleva cerca de 25 años trabajando desde Barcelona. Su equipo ha pasado de 50 en 2017 a los cerca de 200 actuales, según cuenta Javier Capel, director de Ubisoft Barcelona.

Los diseñadores de juego también dedican mucho tiempo a probar el producto a lo largo de sus distintas fases para “decidir qué cosas están bien, cuáles no y qué se debe cambiar”, agrega Guxens. Este perfil profesional es uno de los más demandados en Catalunya, donde el 12% de los trabajadores del sector se dedican a ello.

Una de las partes más visibles de un videojuego son sus colores, la tipografía utilizada, los dibujos, etc. Detrás de esta parte gráfica se encuentran los artistas visuales o ilustradores, los animadores y los programadores. Xavi Ramiro se dedica a la ilustración desde hace 25 años y se define como miembro de “una generación en la que el arte y la tecnología se veían como dos elementos muy distintos”, pero reconoce que vivió en primera persona el acercamiento de esos dos mundos y que, a día de hoy, esto le ha permitido aplicar su conocimientos artísticos a distintos campos, entre ellos, el del videojuego.

Ramiro cree que la parte artística de estos productos es “muy importante”, pero que dentro de ella se deben distinguir dos facetas. Por un lado, la estética, que considera subjetiva y que influye a los usuarios a la hora de escoger un juego u otro. Y por otro, la comprensibilidad. “Un videojuego requiere capacidad de observación y habilidad, por eso, mi trabajo también consiste en ilustrarlo de manera que todo sea claro y accesible para el jugador”, remarca. Los sonidos y las músicas también tienen un papel destacado. David Font, diseñador de sonido, subraya que la música y el audio “son tan vitales como cualquiera de las otras partes del juego, porque permiten conseguir la máxima inmersión y que el jugador conecte emocionalmente”.

Todo videojuego es una historia y, por tanto, todos necesitan un guion, aunque su complejidad varía mucho de uno a otro. Daniel Calabuig es guionista, aunque comenzó su vida profesional como creativo publicitario. Calabuig cuenta que para elaborar el guion de un videojuego siempre hay que partir de una trama concreta para que después todos los juegos y puzles que aparezcan estén al servicio de esta. Por ello, afirma que cuando comienza a trabajar desde cero en un proyecto nunca escribe una historia cerrada o definitiva, sino que va realizando esbozos que le permitan cambiar en caso de necesidad.

“Primero escribo una posible trama; la divido en capítulos y a partir de ahí desarrollo la interactividad, teniendo siempre presente la historia y las mecánicas de juego que quiero incluir”, sostiene el guionista. Sin embargo, muchos de los proyectos que le llegan ya tienen unas directrices básicas detrás, por lo que su labor consiste en encontrar las mecánicas que se ajusten a estas y que vayan en la misma dirección.

Hace unos años, no existían carreras específicas en Catalunya orientadas hacia la especialización de los distintos perfiles profesionales que intervienen en la creación de un videojuego, pero esto ha cambiado y en la actualidad este territorio ya cuenta con 17 centros de formación y universidades que incorporan este tipo de estudios. Al mismo tiempo, campos como las humanidades, las ciencias sociales y de la comunicación comienzan a incluir el estudio del fenómeno. Los videojuegos han dejado desde hace tiempo de ser algo solo para 'frikis'.

La industria de los videojuegos genera más dinero que la del cine y la de la música... juntas. Con 180.000 millones de dólares al año, ingresa el doble que la primera y ocho veces más que la segunda, según los datos de la consultora Nexus. Los analistas de Accenture recogen que si se suma “el valor indirecto” que se crea alrededor de los videojuegos, como las compras de móviles y ordenadores específicos para jugar, los periféricos o las comunidades de redes sociales y streamers, la cifra se va por encima de los 300.000 millones.

Ser la gallina de los huevos de oro del entretenimiento valdría para justificar la multiplicación de operaciones milmillonarias en el sector. Si en todo 2021 se hicieron unas 250 compras de estudios de videojuegos por un total de 25.000 millones de euros, solo en enero de 2022 ese número se ha multiplicado por tres. Una vorágine de inversión que incluye el récord absoluto que batió Microsoft (Xbox) al hacerse con Activision Blizzard (desarrolladora de Call of Duty, Candy Crush o Guitar Hero) por 60.000 millones de euros. Como referencia, en el Ibex 35 solo Inditex e Iberdrola tienen una valoración de mercado superior a ese montante.

Una semana antes de que Microsoft reventara la baraja se había anunciado la compra de Zynga (un estudio especializado en juegos para redes sociales, como FarmVille) por parte de Take-Two Interactive (creador de las populares sagas Grand Theft Auto o Borderlands, así como del simulador oficial de la NBA) por 11.100 millones de euros. Esta semana se ha confirmado que Sony no quiere que su plataforma PlayStation se quede atrás y se ha hecho con otro de los desarrolladores independientes más potentes del mercado, Bungie (que tiene en su currículo la creación de la serie Halo o más recientemente, la de Destiny) por 3.200 millones.

Los videojuegos son populares en todos los rincones del mundo, en todas las edades y en todos los grupos demográficos. El tiempo que le dedican los jugadores sigue aumentando, y es una actividad cada vez más social y comunitaria

“Los videojuegos son populares en todos los rincones del mundo, en todas las edades y en todos los grupos demográficos. El tiempo que le dedican los jugadores sigue aumentando, y es una actividad cada vez más social y comunitaria”, explica el informe de Accenture sobre la explosión del sector. Sin embargo, tanto la consultora como las empresas que están haciendo estos desembolsos dan otra pista para justificarlos: “Los límites del crecimiento de los videojuegos siguen siendo desconocidos”.

El potencial de los videojuegos ya no es solo seguir dominando el entretenimiento, sino trascender su entorno e impactar en toda la experiencia digital. Accenture los denomina “la próxima super plataforma”. En la industria se ha popularizado otro término: “Los videojuegos jugarán un papel clave en el desarrollo del metaverso”, dijo Satya Nadella, presidente y director ejecutivo de Microsoft, cuando explicaba por qué su empresa ha pagado lo que ha pagado por Activision Blizzard.

El metaverso (el real)

Desde los años 80 la industria del videojuego ha ido unida a las máquinas. Ya fuera una Nintendo, una recreativa, un PC, una PlayStation o una Xbox, la plataforma física era indispensable y cada una marcaba un tipo de experiencia jugable. Ahora la evolución tecnológica está permitiendo al videojuego liberarse de esa atadura, lo que ha volado por los aires sus antiguos límites. Tanto en su capacidad para llegar a los jugadores como para su evolución como industria.

“La competición ya va más allá de la guerra de las consolas y se centra en proponer nuevos servicios y productos que se asientan sobre el videojuego, pero no se basan en jugar”, explica a este medio Francisco Asensi, asesor del Spain Audiovisual Hub en el Ministerio de Asuntos Económicos y Transformación Digital. “Muchos de estos movimientos tienen que ver con la creación de un almacén de contenidos originales que permitan sujetar al jugador más allá del propio juego, en otro tipo de experiencias, como hace por ejemplo Riot Games creando un universo nuevo alrededor de League of Legends como la serie Arcane. 

Cuando el videojuego habla de “metaverso” no se refiere al mundo virtual que propuso Mark Zuckerberg en la presentación de Meta, sino a explotar esos nuevos espacios transversales. Los ejemplos en los que se fija la industria son Fortnite y Roblox, dos juegos en los que se puede entrar para hacer prácticamente de todo (además de jugar). En el mundo virtual del primero se organizan grandes eventos como conciertos, mientras que en el segundo las fronteras no existen y los jugadores pueden diseñar sus propios mundos a medida.

Una característica principal de Fortnite y Roblox es que se puede acceder desde cualquier dispositivo y no están atados a la consola y el mando. Esto es importante porque el entorno móvil es donde se generan los mayores beneficios de toda la industria, y el motivo por el que los grandes están dispuestos a todo con tal de colocarse ahí. “Las ventajas que Bungie ofrece a Sony están en su capacidad para hacer juegos enormes, multiplataforma y con servicio online, algo de lo que toda nuestra organización está deseando aprender”, ha expuesto el director general de la división de videojuegos de Sony, Jim Ryan, en una entrevista con el medio especializado Games Industry.

Sony, que ha liderado el sector durante varias generaciones de consolas, se ha visto de pronto descabalgada con este cambio de tendencia en la que las máquinas ya no son lo más importante. Microsoft no pudo superarla en la batalla del hardware pero la ha adelantado con Game Pass, un servicio de suscripción mensual a un catálogo de cientos de videojuegos que permite jugar en la nube y en cualquier plataforma, sin instalaciones ni esperas. Game Pass es el centro de la estrategia a futuro de Microsoft y esta semana ha superado los 25 millones de miembros, mientras Sony aún se esfuerza por construir su equivalente.

“El gaming está en el centro del desarrollo del metaverso. Los movimientos de Microsoft y Sony van en línea con la voluntad de hacerse con la propiedad intelectual necesaria para llenar de contenido esa experiencia”, continúa Asensi. “La competencia se parece cada vez más a la que tienen las plataformas de vídeo, que al final en lo que se asientan es en el contenido que son capaces de crear y ofrecer”.

El experto recuerda que esta apuesta están metidas muchas más empresas. Netflix ya tiene disponible un paquete de videojuegos para sus suscriptores y está analizando como aumentar su presencia en ese mercado, mientras que Google intentó meter su propio servicio, llamado Stadia (muy similar al Game Pass de Microsoft) pero no ha logrado consolidarlo. De fondo queda el gigante chino Tencent, dueño de franquicias como League of Legends y líder oficial del sector, aunque aupado en gran medida por el control casi total que tiene sobre el mercado chino.

¿Un nuevo problema de concentración?

Esta cadena de grandes compras y desembolsos por parte de las multinacionales del videojuego ha sido tan sonora que no era difícil que no llamara la atención de las autoridades de competencia. Según ha adelantado Bloomberg, la Comisión Federal de Comercio de EEUU ya ha abierto una investigación antimonopolio ante la compra de Activision por parte de Microsoft.

Tanto la compañía fundada por Bill Gates como Sony se han esforzado en transmitir que estas adquisiciones no supondrán que los títulos que desarrollan los estudios que han comprado pasen a ser exclusivos de sus respectivas plataformas. No obstante, esto podría ser solo una estrategia temporal para evitar posibles vetos por monopolio. “Yo no me lo creo, Microsoft no compra Activision para que sus juegos salgan también en plataformas de Sony”, niega Curro Rueda, vicepresidente de la Asociación Española de Empresas Productoras y Desarrolladoras de Videojuegos (DEV) y CEO de Viva Games.

Esta concentración suele pasar siempre en todas las industrias, no es exclusiva del videojuego. El sector estaba muy atomizado

Curro Rueda — Asociación Española de Productoras y Desarrolladoras de Videojuegos

“Estas plataformas están concentrando poder, ahora mismo hay una guerra fría entre ellas”, continúa Rueda, que también lo asimila a lo que ocurre en la industria del streaming audiovisual con Netflix, HBO, Amazon y Disney. No obstante, asegura que esa concentración no tiene por qué perjudicar al consumidor. “Hay una lucha por la atención del usuario y eso espolea la competencia. Nunca se ha creado tanto y de tanta calidad y es precisamente por eso, por la demanda de contenidos que existe”.

“Esta concentración suele ocurrir siempre en todas las industrias, no es exclusiva del videojuego. El sector estaba muy atomizado”, expone. El verdadero riesgo, en su opinión, es que los gigantes se hiciesen también con los motores de software que se usan para crear videojuegos, algo que no ha ocurrido y que sí les daría una posición de dominio absoluto en toda la cadena de valor.

Esta serie de compras tienen más que ver con la propiedad intelectual, algo que no tiene por qué perjudicar la creatividad de los estudios. “Cuando existen estos generadores de valor tan potentes forman a unos profesionales muy buenos que después pueden crear sus propios estudios, a veces con la ayuda de esas grandes empresas”, detalla Rueda: “Me parecería muy interesante que en España también se dieran esas compras de estudios potentes, para que el ecosistema nacional crezca”.

A pesar de que Miles Morales hizo su primera aparición en cómics en 2011, el “segundo” Spider-Man seguía siendo un desconocido para los ajenos a sus aventuras en viñetas. No fue hasta 2019 cuando por fin llegó a la gran pantalla con Un nuevo universo, considerada tanto por la crítica como por la audiencia como una de las películas de animación más influyentes de los últimos años. También sirvió para otra cosa: para comprobar que este otro arácnido es, en realidad, el mejor para conectar con muchas nuevas sensibilidades actuales.

La cinta de animación escrita por Phil Lord y Rodney Rothman fue importante porque metió un puñetazo directo al concepto de virilidad presente en gran parte de las producciones superheróicas. El hombre que nunca llora, el que jamás habla de sus sentimientos o el que siempre se mantiene fiel a sus principios han sido iconos recurrentes desde que Marvel llegó a los cines con Iron Man (2008) hasta Endgame (2019), filme que precisamente destruye esos pilares del pasado para dejar lugar a unos protagonistas acorde con los nuevos tiempos. 

Lo que Grayson Perry define como el 'hombre por defecto' en su libro La caída del hombre ha vehiculado múltiples actitudes tóxicas en un tipo de cine, el de superhéroes, que queramos o no es el género por excelencia del blockbuster contemporáneo. Pero la máscara de tipo duro no tiene lugar en Un nuevo universo como tampoco lo tiene en Spider-Man: Miles Morales, un juego recientemente lanzado para PS4 y PS5 que capta la esencia del filme de animación tanto en lo estético como en lo sonoro. Y, por supuesto, en lo narrativo. 

A diferencia del largometraje, el juego no nos plantea un universo en el que Peter Parker ha muerto, sino uno en el que se ha ido de vacaciones a Europa y mientras tanto deja a Morales a cargo de la ciudad de Nueva York. Las consecuencias de ambas narrativas son parecidas. El nuevo trepamuros afronta una etapa en la que se autodescubre como héroe y como adolescente al mismo tiempo que comparte sus inseguridades con las personas que le rodean, lejos de ser un ente solitario que se abstrae en sus conflictos por miedo a mostrar síntomas de debilidad entre sus allegados. Todo lo contrario: se apoya en ellos para evolucionar como persona. 

Tu amigo y vecino, pero sobre todo de Harlem

La frase “tu amigo y vecino Spider-Man” es un buen resumen de la filosofía del personaje: su misión no consiste únicamente en derrotar a grandes villanos, sino también en rescatar gatos, ayudar a un operario atascado en un andamio o solucionar problemas en la red de metro. Y Morales, aunque comparte todo esto con Peter Parker, hace especial hincapié en lo que ocurre en una zona muy concreta de Nueva York: en Harlem. El barrio de afroamericanos y latinos por excelencia de Manhattan es otro protagonista más en este juego, y sirve de telón de fondo para presentarnos conflictos de minorías normalmente ocultas tras los rascacielos y letreros luminosos. 

Ejemplo de ello es una misión secundaria en la que Miles ayuda a F.E.A.S.T., una organización benéfica para personas desfavorecidas. A pesar del frío y la nieve, los voluntarios se ven obligados a sacar a todos los residentes a la calle después de sufrir la extraña explosión de una tubería en sus instalaciones. Y esta vez para cumplir el objetivo no basta con enfundarse el traje de Spider-Man y golpear a los villanos: es el propio Morales, vestido de paisano, quien comienza recabando información entre los sintecho que acampan a las puertas de la ONG. 

Tampoco es gratuito que el videojuego esté ambientado precisamente en Navidades y con una campaña política de por medio. La madre de Miles, Rio Morales, se presenta como alcaldesa a la ciudad y, aunque no se hace referencia explícita a su programa, parece bastante claro que su postura se sitúa más en la de “un país para todos los americanos” de Joe Biden y Kamala Harris que en la de “hacer América grande otra vez” de Trump.

De hecho, la artista italiana Sara Pichelli, creadora del personaje Miles Morales, consideraba a Donald Trump como “un villano” y defendía que era muy importante mandar mensajes a favor de la inclusión, ya fueran desde el cómic o el videojuego. “El fascismo, el Ku Klux Klan, el machismo... Hemos pasado por esa etapa y no la necesitamos de vuelta”, dijo la ilustradora en una entrevista con elDiario.es.

Durante mucho tiempo, “a las mujeres y las minorías se las ha tachado de 'apasionadas' o 'emocionales', como si los hombres por defecto tuvieran una asombrosa habilidad para orillar las lentes más subjetivas”, describía Grayson Perry. Por eso son necesario iconos culturales que representen lo opuesto a la toxicidad del patriarcado.

Donde otros héroes hacen lo que deben bajo su propia concepción de lo que es la justicia, Spider-Man: Miles Morales toma el testigo de Un nuevo universo para plantear un debate sobre la comprensión de los sentimientos. También para eliminar la noción de otredad, a menudo empleada por la extrema derecha para levantar muros entre “nosotros” y “ellos”, y blandir una lanza por la diversidad. 

Akira Kurosawa es uno de los cineastas más influyentes del entretenimiento contemporáneo. Sin Yojimbo no habría nacido Por un puñado de dólares, sin La fortaleza escondida la trama de Star Wars: una nueva esperanza sería diferente, incluso filmes de animación como Bichos deben su narrativa a Los 7 samuráis. La influencia del maestro japonés es tal, que llega hasta el mundo de los videojuegos.

Ghost of Tsushima, el último título del estudio Sucker Punch (Infamous) para PlayStation 4, nos pone en la piel de un samurái llamado Jin Sakai que trata de hacer frente a la invasión del ejército mongol en el año 1274. Para ello han creado un mundo abierto basado en la isla de Tsushima (ubicada en el estrecho de Corea y Japón) que bebe de diferentes fuentes literarias y cinematográficas, pero hay una influencia que sobrevuela durante toda la aventura: la de Kurosawa.

De hecho, existe un filtro llamado “modo Kurosawa” que modifica la imagen y el sonido del juego para asemejarlo al que tendría si fuera una película del realizador nipón. Jason Connell y Nate fox, directores del título, contaron en una entrevista con Entertainment Weekly que estudiaron aspectos de cintas clásicas como el contraste, el sonido, el granulado del celuloide y, lo más importante: tuvieron que pedir permiso a los herederos de Kurosawa para utilizar su nombre en el juego.   

Pero, además de este aspecto visual, ¿qué otros rasgos toman del director de Yojimbo? Reunimos 5 claves de Kurosawa que, de forma más o menos evidente, tienen su réplica en Ghost of Tsushima.

El clima como estado de ánimo

La última batalla de Los 7 samuráis es la más sucia de todas. Es aquella en la que los bandidos entran de golpe en la pequeña aldea después de varios días acechando sus fortalezas. Además del evidente agotamiento físico y mental de los guerreros, la contienda se desarrolla mientras llueve a mares y todo acaba convirtiéndose en un cenagal. 

No es algo gratuito: el clima en Kurosawa es reflejo de las emociones. Es esa la razón por la que la niebla baña muchas de las escenas de Trono de sangre, mostrando así la confusión del general Washizu (Toshirō Mifune) y sus dudas sobre si traicionar a sus compañeros a cambio de convertirse en señor la Fortaleza del bosque de las Telarañas.

En el título de Sucker Punch el clima tampoco pasa desapercibido. El viento es un elemento tan fundamental que sirve incluso para guiar al personaje por el escenario. Además, muchas de las batallas con jefes finales, al igual que ocurre en el cine de Kurosawa, tienen lugar durante situaciones atmosféricas adversas. Lo hostil colma la pantalla, algo que se evidencia incluso en los propios ropajes del personaje, más embarrados a medida que transcurren los enfrentamientos. 

El desastre y el fuego

A veces la tragedia no viene anunciada por el clima, sino por otro elemento: el fuego. Las llamas son para Kurosawa la encarnación del mal, algo que se aprecia en la escena de Los 7 samuráis donde el molino, fuera de las barreras protectoras de los guerreros, empieza a arder con una familia en el interior. Es entonces cuando Kikuchiyo, al ver el desastre desde la trinchera, corre hasta la zona para salvar al único superviviente: un niño pequeño que, como él, tendrá que crecer siendo huérfano.

También el fuego es uno de los detonantes del principal conflicto de Yojimbo. El ronin encarnado por Toshirō Mifune engaña a uno de los dos bandos enfrentados en el pueblo haciéndoles creer que fueron sus rivales, y no él, quienes liberaron a una mujer que tenían encerrada. La respuesta de estos fue tomar represalias de la peor forma imaginable: prendiendo fuego al negocio de la seda de sus contrincantes. 

Ghost of Tsushima también usa el fuego representar el conflicto del Japón feudal, donde la victoria en guerras se traducía en la decapitación del enemigo o en la apropiación de sus tierras. Esa es la razón por la que las columnas de humo visibles desde el cielo suelen ser indicadores de que existe algún conflicto en la zona, como alguna aldea que necesita ser liberada del dominio del imperio mongol. 

Esconderse puede ser la mejor opción

El código ético de los bushi (caballero armado en japonés) consistía en luchar de forma justa y honorable, sin hacer trampas. Por eso cada vez que fracasaban en su labor asumían su responsabilidad haciéndose el harakiri: consideraban que sacar sus entrañas era reflejo de sus intenciones más profundas y sinceras, como una muestra de pedir perdón por errores que no habían sido intencionados. 

Sin embargo, el código de los guerreros no siempre era tan férreo. A veces la mejor opción era evitar el enfrentamiento cara a cara y escapar por la puerta trasera, justo lo que ocurre en Yojimbo cuando el protagonista es capturado y torturado por uno de los clanes de la aldea. El ronin se ve obligado a ocultarse bajo el suelo de las casas e incluso en un ataúd para escapar sin ser visto. 

En el juego, comenzamos como un samurái adoctrinado por su tío en el código del clan. Es un fiel creyente de la lucha directa, pero tras la invasión mongola comprueba que su entrenamiento ya no es del todo efectivo contra un enemigo que emplea tácticas novedosas. Jin Sakai, por tanto, acaba inmerso en aquellas técnicas que al principio consideraba tan indignas: acabar con sus rivales en silencio y por la espalda. 

El arroz y el sake, la comida de lujo

En época de hambre, la comida es un bien de lujo. Los 7 samuráis arranca con un grupo de bandidos que quiere robar cebada de una aldea, pero al llegar comprueban que no tienen nada y deciden irse para volver una vez haya madurado la cosecha. Sin embargo, un campesino que estaba escondido se entera de la conversación y, tras comentarlo al resto del pueblo, deciden que lo mejor es contratar a siete guerreros para frenar a los ladrones. Y, como los lugareños no disponían de dinero, optaron por pagarles de otra forma: con comida. Cada día les garantizaban un cuenco de arroz blanco, un alimento de lujo en comparación con el mijo del que solían alimentarse quienes no tenían demasiados recursos.

Como apunta el personaje de Kikuchiyo en el filme, a veces, ante el saqueo de los samuráis y bandidos los campesinos tenían que ocultar la sal, las judías o el sake bajo el suelo de sus casas o en graneros secretos. La extorsión no era extraña en un sistema feudal marcada por el linaje de sangre.

En Ghost of Tsushima también se puede comprobar. De hecho, una de sus misiones consiste en colarse en una fortaleza infiltrado en el carro de un vendedor de sake, ya que este es el único que tiene permiso para cruzar la defensa enemiga sin riesgos. Algunas las tramas secundarias también tienen como motivo recuperar las provisiones saqueadas a los campesinos. Una de ellas, que parece beber directamente de la película de Kurosawa, nos presenta a un personaje que se hace pasar por samurái para recibir comida de los aldeanos a pesar de que es el hijo de un campesino, tal como ocurre con Kikuchiyo. 

El arco, un letal arma

El Kyūdō (el “camino del arco” en japonés“) fue una de las principales artes samuráis. Gran culpable de ello fue Minamoto no Yoritomo, el responsable de fundar el primer régimen militar feudal japonés: el shogunato Kamakura (1185-1333). Consciente de la importancia de esta especialidad, Yoritomo instauró el yabusame, el tiro con arco a caballo, en una práctica habitual de los guerreros.

Como señalan en el libro Breve historia de los samuráis: De Ronnins a Ninjas, las armas preferidas por los ejércitos de samuráis de los nobles eran el arco y la lanza a pesar de que la espada, como señaló Tokugawa Ieyasu (1542-1616), uno de los samuráis más importantes de la historia, era realmente “el alma del samurái”.

Pero a potencia de los proyectiles o flechas de los yumi (arcos en japonés) a distancia era letal. Es lo que se puede comprobar al final de Trono de sangre y de la que probablemente sea una de las escenas más reconocidas de Kurosawa: aquella en la que el general Washizu es asesinado por su propio ejército con una letal lluvia de flechas. 

En el juego creado por Sucker Punch los arqueros son de los enemigos más molestos, especialmente cuando están dispuestos en estructuras desde la que son inalcanzables. Es la estrategia utilizada por los señores para protegerse de los asaltos: construir edificios cada vez más grandes e inexpugnables. El castillo de Osaka (Japón) es un ejemplo de esa arquitectura militar. En 1614 fue atacado por un ejercito de 200.000 hombres equipados con cañones y, pese a ello, no lograron destruir las murallas ni penetrar en la fortaleza.

2016 es el año de la realidad virtual, y por ello las principales compañías se están preparando para la comercialización de sus productos. La primera ha sido Oculus, que ya ha abierto el plazo de reservas de Oculus Rift, revelando de paso su precio. La semana pasada, HTC anunció la fecha en que empezaría a aceptar pre-reservas de HTC Vive, momento en que desvelaría su precio final.

Ahora, parece que ha salido a la luz el precio de PlayStation VR, el dispositivo de Sony, y decimos “parece” porque podría tratarse de una filtración, y de las gordas. Y es que la página web suiza Microspot ha listado el casco entre sus productos, poniéndole un precio de 498 francos suizos, lo que equivaldría a unos 455 €. Si este precio se confirmara, sería bastante inferior al de Oculus Rift, que rondará los 699 €.

De idéntica forma en que aparece un precio, Microspot también se ha atrevido a poner una fecha de lanzamiento, el 30 de junio de 2016. De ser así, el casco se pondría a la venta poco después del E3 2016. ¿Aprovechará Sony el evento para darle tirón a su dispositivo? ¿Estaremos jugando experiencias de realidad virtual en nuestra PS4 este verano?

Habrá que esperar para saber si se confirma tanto la fecha como el precio mostrados. ¿Tienes ganas de que arranque la era de la realidad virtual?

PlayStation Vita se ha quedado muy atrás en comparación con su “hermana mayor”, la cada vez más exitosa PlayStation 4, y en Sony son conscientes de ello. El ritmo de lanzamientos para la portátil es cada vez inferior, y especialmente en occidente los jugadores tienen cierta sensación de abandono.

Uno de los principales problemas de la consola, según Sony, es que no recibe el apoyo suficiente por parte de los desarrolladores. Aunque ellos preparan títulos para ella constantemente, las third-parties no son muy partidarios de hacer lo mismo, y por eso han decidido pedirles más apoyos para ella. Así lo ha comentado Gio Corsi, director senior de desarrollo third-party.

“Indudablemente, PlayStation Vita tiene sus propios desafíos. Muchas compañías están encantadas de trabajar con ella, claro que sí. Cuando hacemos un proyecto, siempre preguntamos ‘¿Estáis abiertos a hacer una versión para Vita?’ Y muchas veces tenemos una respuesta positiva ” ha explicado en una entrevista.

Por desgracia realizar los ports a la portátil no es tan sencillo, lo que provoca que muchos desarrolladores acaben excluyendo la consola.

Lo que está claro es que los rumores que apuntan a la muerte prematura de PS Vita cada vez suenan más, especialmente en Europa y América. ¿Logrará Sony evitar este desenlace?

The Last of Us II Parte 2 es la última gran producción para PlayStation 4 del estudio Naughty Dog. El nivel de detalle es tal que algo aparentemente tan básico, como puede ser utilizar una cuerda, cuenta con una enorme cantidad de código y animaciones. El cable se puede lanzar por una ventana, enganchar en una barandilla o bordear una silla, y todo ello siempre respondiendo de forma natural con el entorno. Para conseguirlo, como señaló uno de sus programadores, fueron necesarios tres meses.

Pero la obra no solo se detiene en momentos preparados para el disfrute visual, como puede ser en edificios o explanadas. También en escenarios por los que a veces el jugador pasa rápidamente sin prestar atención: los interiores. “A través de posters, juguetes, grupos musicales o si la habitación está ordenada o no, podemos construir el contexto y la personalidad del personaje que habita ese espacio”, explica a eldiario.es Elena Fernández, profesora especializada en arte del máster en Diseño y Desarrollo de la Universidad Complutense de Madrid (UCM).

The Last of Us habla sobre la pérdida, tanto de seres queridos como de un mundo que, tras ser devastado por una epidemia zombi, ha cambiado para siempre. Todo se reduce a recuerdos de lo que un día la humanidad fue, ya sean carteles de películas estrenadas en 2013 (el año en el que se propagó el virus) o notas repartidas en los cajones de casas que una vez estuvieron habitadas por inquilinos y no por infectados. Por eso las habitaciones son, en definitiva, otro personaje más.

El trabajo de diseñar esos espacios suele recaer en empleados cuyos nombres no aparecen bajo el título del juego y que, como en este caso, son sometidos a jornadas laborales abusivas (aspecto que abordaremos en la segunda parte de este tema). Pero antes, ¿por dónde se empieza a crear un escenario?

Fernández señala que no hay una sola metodología para hacerlo, ya que “depende de la forma de trabajar de cada estudio y de los recursos con los que cuenten”, pero en líneas muy generales el proceso a seguir es el siguiente:

1. Se comienza con un boceto (o concept art) de cómo va a ser la habitación.

2. Lo siguiente es crear el blockmeshblockmesh. Es decir: un entorno 3D con formas simplificadas (mostradas en con bloques planos) para probar cómo funciona el espacio, la escala y demás aspectos relacionados con la jugabilidad en el lugar.

3. Se pasa al montaje del escenario, donde entran en juego el trabajo de varios especialistas: modelador, texturizador, diseñador… etc. Se trata de reemplazar el blockmesh y los bloques planos por una primera aproximación a modelos 3D definitivos. Pero el proceso no es sencillo: está continuamente sujeto a correcciones.

4. Lo último es la postproducción, donde se ilumina la escena y añaden efectos visuales como niebla o efectos de partículas.

La profesora de la UCM calcula que un estudio de las características de Naughty Dog habrá asignado al menos cuatro personas a cada habitación del juego. El tiempo dedicado a estas, no obstante, no está del todo claro. “Hay un dicho en el mundillo que dice ‘un proyecto no se termina, se abandona’. Esto es un reflejo verídico de que todo se puede mejorar hasta el infinito, pero en algún momento se te acaba el tiempo o el presupuesto y lo tienes que dejar como está”, añade.

No obstante, hay limitaciones. The Last of Us II es uno de los juegos más exigentes a nivel gráfico, lo que sumado a las dificultades de ventilación de la videoconsola está provocando que algunos usuarios experimenten problemas de sobrecalentemiento. Otra labor de los diseñadores es lidiar con las limitaciones de la plataforma donde se reproduce el juego para garantizar un correcto funcionamiento. Uno de los ejemplos de economía de diseño más recurridos es el del clásico Super Mario Bros, en el que se usa el mismo diseño para las nubes y para los arbustos. Solo cambia algo: el color.

“Los trucos buenos de optimización nunca pasan de moda. Por poner un ejemplo, es muy común reutilizar una misma textura de pared y cambiar su color, mientras no se coloquen las dos texturas juntas nadie se va a dar cuenta”, apunta la experta en arte, que sigue enumerando recursos como poner manchas de humedades en paredes para que así parezcan diferentes entre sí.  

Lo que el diseño no muestra: la explotación laboral

El crunch es una práctica habitual en las desarrolladoras de videojuego que, básicamente, se refiere a un periodo en el que los empleados trabajan horas extras para que el producto sea lo más perfecto posible antes de su lanzamiento. A veces la sesión intensiva puede durar semanas, pero otras veces puede alargarse durante meses. Y es justo lo que ha ocurrido con The Last of Us II.

Kotaku, una página especializada en videojuegos, publicó en marzo un reportaje donde 13 miembros de Nauthy Dog sacaba a la luz algunas de las prácticas abusivas realizadas durante los seis años que tardaron en desarrollar el título. “Si se necesitaba poner una animación y no estabas allí para ayudar, lo que pasaba es que estabas bloqueando su trabajo y te podías acabar llevando tú la bronca. Quizás ni siquiera de forma verbal, podía ser con una mirada en plan 'tío, me jodiste totalmente anoche por no estar allí a las 23h'”, dice uno de los afectados en el artículo.

De hecho, el propio Neil Druckmann, justificó el crunch en una reciente entrevista realizada por GQ diciendo que no quieren “hacer de canguro de la gente” y que atraen a empleados que “quieren contar estas historias y dejar su marca en la industria”, generando un clima laboral en el que irse a casa no parece una opción. Es lo que contaba Jonathan Cooper, que formó parte del estudio hasta 2019, en una serie de tuits donde afirmaba que algunos de sus compañeros acabaron en el hospital tras sesiones maratonianas en la oficina.

Pero el problema no es exclusivo del título de Druckmann, sino de la industria. “Muchos grandes estudios quieren hacer siempre el juego más largo, más realista, con una historia impresionante y con muchísimas mecánicas diferentes, pero tienen un presupuesto limitado y una fecha de entrega. Esto suele desembocar en exigir a sus empleados que trabajen más de lo que corresponde a su jornada, a un ritmo agotador y la mayoría de las veces sin pagarles las horas extra”, afirma Elena Fernández.

Y aunque a veces demorar la fecha de salida de un juego permite evitar el crunch, como ocurrió con Animal Crossing: New Horizons, otras solo sirve para extender más la explotación. Es lo que ocurre con Cyberpunk 2077, del que se encarga el estudio polaco CD Projekt Red (responsables de The Witcher) y que recientemente ha sido aplazado hasta noviembre. Su productor ejecutivo, Adam Kiciński, admitió abiertamente en enero (tras el primer retraso) que iban a abusar de sus trabajadores sin importar los días que quedaran para la fecha de lanzamiento.

Otro de los ejemplos más sonados de crunch se dio con Red Dead Redemption II y las 100 horas por semana de trabajo que, según Dan Houser, productor del título, repitieron en varias ocasiones. Tras las duras críticas recibidas parece que Rockstar ha recapacitado y ha implementado medidas para abandonar el acoso laboral en futuros proyectos que no solo deben brillar por sus perfectas animaciones, sino también por la salud de quienes las crearon.

Donkey Kong (1981) fue uno de los primeros videojuegos de la historia. No solo sentó los precedentes de lo que sería Nintendo, sino que marcó un antes y un después en el desarrollo de los títulos de plataformas. Las mecánicas eran simples. Jumpman (luego conocido como Mario) debía rescatar a Pauline de las garras de un gigantesco mono inspirado en King Kong (1933). Con ello también inauguró uno de los clichés más repetidos en las consolas: el de la damisela en apuros.

Como la feminista canadiense Anita Sarkeesian se encargó de explicar en Damsel in distress, un documental donde analiza el papel de la mujer en los videojuegos desde sus orígenes hasta la actualidad, normalmente ellas han quedado relegadas a un rol pasivo, a un mero personaje secundario que mueve al héroe a luchar contra los horrores. Ocurre en The Legend of Zelda, Resident Evil 4, Shadow of the Colossus, Final Fantasy VII… Y muchas más sagas icónicas cuya herencia llega hasta el presente.

“Tradicionalmente, en los medios de comunicación y según investigaciones como la de Suárez Villegas, J.C (2007), a la mujer se la representa como afectiva, tierna, débil, solícita, intuitiva, temerosa, sumisa, coqueta”, explica a eldiario.es Ana María Belmonte, profesora de la asignatura Industrias y tendencias del videojuego en la Universidad de Málaga (UMA).

El cliché de la damisela en apuros sigue estando vigente, al menos en lo referido a las grandes producciones (y no tanto a la escena indie), pero también existen ejemplos de lo contrario. De juegos que intentan subvertirlo para que, esta vez sí, dejen de ser frágiles doncellas para convertirse en personajes con voz propia. Uno de ellos es, además, uno de los títulos más esperados de los últimos años: The Last of Us Parte 2.

La obra desarrollada por el estudio Naughty Dog y dirigida por Neil Druckmann, que saldrá para PlayStation 4 el 19 de junio, nos lleva de nuevo a ese mundo posapocalíptico en el que un 60% humanidad ha quedado infectada por un tipo de hongo llamado Cordyceps unilateralis. Pero, al igual que ocurre en la novela de The Road escrita por Cormac McCarthy, un claro referente de esta saga, a veces los humanos pueden llegar a ser más peligrosos que las propias criaturas.

The Last of Us comenzaba como la típica historia de un hombre maduro que, por casualidades del destino, acaba encargándose de cuidar a una menor que es clave para el desarrollo de los acontecimientos. A pesar de que sobre el papel podrían verse indicios de otro nuevo caso de “damisela en apuros”, el tratamiento narrativo lleva a ambos personajes por otra senda. “Ellie no es débil, no es temerosa ni sumisa o coqueta. Ellie es valiente y en el videojuego toma un rol completamente activo, y en ocasiones, hasta de salvadora de Joel”, recalca Belmonte.

El final de la primera entrega da una vuelta de tuerca a la figura del protector masculino. Ellie es la clave para encontrar una cura que revierta los efectos del hongo, aunque a cambio debía someterse a una operación de la que no iba a salir viva. Joel lo evita, pero lo que en la superficie parece un acto de heroicidad, como socorrer a la princesa Peach de Donkey Kong, en el fondo es un gesto egoísta que condena la humanidad a cambio de reforzar la paternidad y la masculinidad del propio salvador. El epílogo está lejos de ser una catarsis: es incómodo y evidencia que, durante todo el viaje, era él quien la necesitaba a ella para suplir sus propias carencias de hombre. Pero ¿es suficiente para subvertir el estereotipo?

La experta en tendencias del videojuego considera que este final se queda “a medio camino entre el estereotipo y su avance”. “La pregunta sería ¿estaríamos preparados para ver a Ellie definitivamente como ”protectora“ en lugar de a Joel?”, apostilla. Y eso es justo lo que ocurre en esta segunda parte.

La protegida, ahora protagonista

Esta vez hay un gran cambio: ahora es Ellie quien toma las riendas de la historia. “Hay que destacar que ha habido estereotipos rompedores de género en los cuáles la protagonista femenina ha adquirido valores tradicionalmente asociados al género masculino (liderazgo, fuerza, competitividad), adoptando, además, un rol activo en los juegos”, apunta Belmonte, que también pone como ejemplo la presencia (esta vez real) de Peach en títulos como Super Smash Bros. o Super Mario Kart 8 Deluxe.

Naughty Dog ha decidido contar con Halley Gross, guionista conocida por su trabajo en la serie Westworld, para aportar en uno de los planos más importantes de este título: el de la diversidad. Así lo dijo Druckmann en una reciente entrevista realizada por GQ, donde señala que la diversidad en los videojuegos es tan importante como los gráficos, la música o el combate porque “conduce a mejores historias”. Y, en esta historia, se muestran abiertamente relaciones homosexuales, personajes trans, mujeres embarazadas o protagonistas de todas etnias o razas. Pero, quizá, lo más importante es que no están definidos únicamente por estos rasgos.

La paridad está presente incluso en los pequeños detalles, como escenas en las son ellas quienes lideran a mercenarios o quienes ganan pulsos a sus compañeros durante los descansos entre barracones. En esa misma entrevista, el director del juego pone un ejemplo real del efecto de mostrar a otros referentes: “Ashley [Johnson, la actriz que interpreta a Ellie] compartió conmigo una historia de alguien que le dijo que The Last of Us le había dado valor para salir del armario con su familia. Es increíble cómo una historia es capaz de conseguir esto”.

“Es importante que los diseñadores sepan que tiene una responsabilidad a la hora de representar a un personaje o una mecánica de juego, porque muchísimas personas, especialmente jóvenes, jugarán con ellos y se formarán unas ideas u otras”, explica a este periódico Susanna Tesconi, diseñadora de entornos de aprendizaje e investigadora de la Universitat Oberta de Catalunya (UOC).

Sin embargo, aunque Tesconi valora de forma positiva el cambio y que “haya hombres que hagan autocrítica respecto a la misoginia en los juegos”, también señala que “quienes diseñan estas obras siguen siendo ellos y las protagonistas siguen sin ser mujeres que cuentan sus propias historias”. Aunque no hay una cifra exacta para The Last of Us 2, Emilia Schatz, diseñadora jefa de Naughty Dog, mencionó en 2014 que solo un 14% de los integrantes del estudio eran trabajadoras.

De hecho, incluso títulos como Uncharted: El legado perdido, protagonizado por dos mujeres, está escrito y dirigido por dos hombres. “Hasta que no haya igualdad dentro de las empresas de videojuegos, de condiciones, de contenido y de las mujeres y de demás colectivos, no se va a conseguir del todo. El cliente base sigue siendo un hombre blanco, alrededor de 30 años y occidental”, considera la especialista de la UOC. Y ocurre a pesar de que el 43% de quienes se ponen a los mandos son jugadoras.

Promover la inclusión dentro del sector a veces no esté ligado a la aceptación. Es lo que se pudo comprobar en 2018, cuando Naughty Dog lanzó el tráiler en el que Ellie besaba a Dina. “Un asco, hicieron lesbiana a la protagonista para meter políticamente correcto. Aquí murió la saga, no compraré esta basura enfermiza”, fue una de las muchas respuestas negativas. Obviaban que en Left Behind, una expansión sacada en 2014 poco después del título original, Ellie ya había demostrado ser homosexual.

“En esta cuestión volvemos a la problemática de los sectores masculinos y tradicionalistas en los videojuegos, que tienen que pasar de ver a personajes femeninos hipersexualizados a heroínas lesbianas: para ellos no es un cambio fácil de digerir”, aprecia Ana María Belmonte. En la misma línea se sitúa Tesconi, que destaca cómo asociaciones feministas de videojuegos, como Women in Games sufren “ciberacoso o incluso amenazas de muerte” cada vez que realizan la crítica de un videojuego por sexista.

The Last of Us II es un paso adelante. Marca el camino a seguir para la representación de colectivos normalmente invisibilizados, sobre todo en el campo de los triple A (las grandes producciones de videojuegos). No significa que todavía no queden pasos por dar, pero supone un avance para que, quizá en un futuro, la norma no sea ver a Peach como la salvada, sino como la salvadora.

Indiana Jones, Han Solo, Tintín, Lara Croft o Doc Savage son personajes variopintos, pero con un rasgo fundamental en común: ejemplifican el fenómeno del “héroe” aventurero. Se trata de casi un género en sí mismo, heredado de la literatura pulp, recuperado por cineastas como Steven Spielberg y presente independientemente de la época y del formato. Uno de ellos, quizá el más actual, no se encuentra en el séptimo arte (aunque beba de él), sino en los videojuegos. No es otro que Nathan Drake, protagonista de la saga Uncharted creada por el estudio Naughty Dog.

La búsqueda de El Dorado, el reino místico de Shambhala o una utópica ciudad de piratas llamada Libertalia son solo algunas de las tramas en las que se ve involucrado Nathan Drake. Pero, ¿son ciertas? Eso es precisamente lo que responde el libro Uncharted: el peso de la historia (editorial Héroes de papel) de Alberto Venegas, historiador, profesor y director de la página especializada en reportajes de videojuegos Presura.

Para comprobar qué queda de la otra historia, la escrita con mayúsculas, preguntamos a Venegas por los mitos culturales más destacados de cada título del cazarrecompensas. Porque, aunque pueda tener cierta parte de verdad, la realidad suele ser algo menos épica que las fábulas mostradas en libros, películas y videojuegos. Que comience la partida.

El primer título se centra en la leyenda de El Dorado, que nació a finales del siglo XV con la colonización de América. “Es precisamente esto, una leyenda, y como tal cobró distintas formas a lo largo de la Historia”, explica Venegas. No obstante, como añade el docente, el origen estaría en las mentiras de los indígenas para guiar a los europeos hacia lugares lejanos, para así “aprovecharse de su codicia y evitar las funestas consecuencias de la conquista militar”. De esta forma lo reflejan crónicas como las de López de Gomara, que escribió sobre el viaje del explorador Núñez de Balboa.

Todos estos mitos se mezclaron con otras leyendas locales, como la ceremonia del indio dorado de Guatavita (Colombia). “En esta tradición se arrojaban objetos dorados a un lago como ofrenda a un dios, una práctica muy extendida en todo el mundo, como podemos ver en algunos ríos ibéricos durante la época prerromana”, observa Venegas.

La segunda entrega de Uncharted cambió El Dorado por el viaje hacia el paraíso de Shambhala, una utópica ciudad que, según los budistas, se encontraría perdida entre las montañas del Himalaya. A ellas llegará Nathan Drake gracias a unos documentos secretos de Marco Polo, algo que no coincide ni con su figura ni con sus motivaciones. “Marco Polo nunca puso un píe en el Tíbet o el Himalaya, lugar donde se desarrolla la acción principal de Uncharted 2, sino que su radio de acción estuvo enfocado a la zona de China central”, aprecia el escritor.

Como en tantas obras populares, Uncharted también recurre a los nazis. Nazis en la selva y, en esta entrega, nazis en el Tíbet. A pesar de ello, esto último sí que fue realizado por el Ahnenerbe, una sociedad pseudocientífica dirigida por Heinrich Himmler para validar sus teorías de superioridad racial. “Para conseguir su objetivo rastrearon toda una serie de lugares donde, supuestamente, podían encontrarse los orígenes de los arios”, mantiene Venegas, quien añade que “el Partido Nazi envió al Tíbet a un grupo de científicos y antropólogos para tratar de reunir una serie de evidencias que respaldaran sus teorías raciales”. Sin embargo, la guerra estalló y no pudieron terminar su misión.

El que fue definido como el británico más conocido de todos los tiempos también formó parte del imaginario creado por Naughty Dog. Es decir, el arqueólogo y militar Lawrence de Arabia. Aun así, la historia de Uncharted 3 no acierta ni sus motivaciones ni tan siquiera en la descripción de su muerte (que es presentada como un asesinato y en realidad fue un accidente de moto). Según el profesor de historia, “la cultura popular ha recogido de esta figura aquello que le interesaba, la leyenda de un personaje blanco bienhechor que ayuda a los árabes a conseguir su «libertad» guiándolos hacia un futuro mejor”.

Y, como en los títulos anteriores, en este también aparece una localización mágica: la Atlántida de las Arenas, una ciudad situada en el desierto arábigo cuya única referencia aparece en el Corán y en el libro Las mil y una noches. Se trata de una leyenda muy poco conocida por el público occidental y de la que recientemente, como apunta Venegas, “se han encontrado ligeras evidencias de posibles canalizaciones de agua en una zona próxima al lugar donde podría haber estado esta ciudad”.

El último episodio de Nathan Drake recurre a la figura de Henry Avery, también llamado “el rey de los piratas” por la fama que cosechó al margen de la ley, ya fuera comerciando con esclavos o asaltando otras flotas. De este solo se conoce su fecha de bautismo, 1659, pero en Uncharted 4 aparece una exhaustiva crónica de todas sus decisiones. “No fundó una República de Piratas, no fundó ninguna ciudad ni estuvo en Madagascar más que un brevísimo espacio de tiempo. La inspiración para el Avery de Naughty Dog proviene de la cultura popular, de las películas sobre el pirata realizadas durante la primera mitad del siglo XX”, detalla el historiador.

Tampoco falta el correspondiente emplazamiento utópico. Esta vez se muestra Libertalia, una supuesta región anarquista construida por piratas al norte de Madagascar. La mayoría de las fuentes que hablan de ella son secundarias o pertenecen a la ciencia ficción en libros como Historia general de los piratas, publicado por Daniel Defoe bajo su seudónimo Capitán Charles Johnson. De lo que sí se tiene constancia, como señala Venegas, es de “lugares que han conseguido pasar a la historia como «nidos de piratas», uno de ellos fue, por ejemplo, la isla de Yerba, cerca de Túnez”. La piratería documentada es menos fantástica y heroica, pero, a la vez, más entretenida.

Han pasado casi 25 años desde que un 4 de diciembre de 1994 Sony lanzara al mercado la PlayStation y exactamente un cuarto de siglo después lo celebrarán así: con el lanzamiento de PlayStation Classic, una miniconsola que hará las delicias de los nostálgicos de la 'vieja gris'. Ese apodo le vendría mucho después de romper las previsiones de ventas en todo el mundo y convertirse en el icono de una generación.

Los 32 bits de las CPUs de Sega Saturn y PlayStation rompieron con lo que se llevaba haciendo hasta ese momento. La de Sony cambió los cartuchos por el CD-ROM y sentó las bases del camino que tomaría la industria del videojuego en los años posteriores. También introdujo los gráficos en 3D en un mundo donde todo era bidimensional hasta entonces.

La PlayStation Classic vendrá con 20 juegos clásicos. De momento solo sabemos el nombre de cinco: Tekken 3, Final Fantasy VII, R4 Ridge Racer Type 4, Wild Arms y Jumping Flash!. Tendrá conexión HDMI y entrada USB. Sony también anticipa que, dependiendo del título, “los usuarios pueden jugar con amigos o contra ellos con los dos mandos incluidos en la consola”.

Costará 99,99 euros y es la última videoconsola en unirse a la moda de las minis: hace dos años fue la NES y en 2017 la SNES, ambas de Nintendo, que durante muchos años fue competencia directa de Sony. Aunque hoy en día lo siguen siendo, la guerra no es tan encarnizada como antaño.

El primer videojuego de Spiderman fue lanzado en 1982 para la consola Atari 2600. La mecánica era sencilla: había que subir hasta la cima de un rascacielos al mismo tiempo que se desactivaban las bombas colocadas por el Duende Verde. 36 años después todo ha cambiado. Aquel edificio de píxeles se ha transformado en un Empire State Building hiperrealista desde el que puede verse toda Nueva York.

Marvel's Spider-Man es el último título del popular personaje de Stan Lee, pero también el más ambicioso. Se anunció por primera vez en el E3 de 2016, la feria anual más importante de videojuegos. Lo hizo a través de un pequeño tráiler de poco más de un minuto, pero sirvió para captar la atención de todos aquellos que llevaban esperando una buena obra del superhéroe.

El estudio encargado de hacerlo ha sido Insomniac Games, responsables de obras míticas como Ratchet & Clank o Spyro. Las expectativas estaban altas, pero, a juzgar por algunos antecedentes del héroe en el mundo de las consolas, resultaba complicado no abandonar la mirada escéptica. Había un claro rival superar: el Spider-Man 2 que sacaron en 2004 como complemento a la película de Sam Raimi.

Esta vieja entrega no era perfecta. De hecho, como explican en Vidaextra, una página especializada en videojuegos, era bastante pobre en algunos apartados. Pero acertaba de lleno en algo esencial: el sistema de Spiderman para balancearse por la ciudad. A pesar de los errores, lo importante es que era un juego divertido, que convertía las horas en minutos. Entonces, ¿cumple el título de Insomniac con lo prometido? En parte sí.

Salvar el mundo y quedar para cenar en la misma noche

La historia de Marvel's Spider-Man nos pone en la piel de un Peter Parker entrado en la veintena que, por fin, ha abandonado el instituto. De esta manera, evita caer en tramas repetidas a la saciedad. Con tres reinicios de la franquicia cinematográfica en menos de 15 años gran parte del público ya tiene clara la importancia del tío Ben, de cómo descubre sus poderes o de sus primeras citas amorosas. Este juego, en cambio, deja atrás todo eso.

Parker es un estudiante en prácticas que colabora con Otto Octavius en la fabricación de prótesis mecánicas. Las preocupaciones del protagonista son otras, como pagar el alquiler, llegar a tiempo para cenar con tía May y, de paso, salvar el mundo. Se unen entonces dos vidas: la del joven científico con la del superhéroe que combate el mal.

El guion, sin ser ningún prodigio, al menos capta la atención del jugador e incluso sorprende con algún que otro giro dramático. Existen flashbacks, conflictos internos y hasta momentos en los que Parker queda relegado a un segundo plano para ser sustituido por otros personajes. Es, en definitiva, lo que se podría esperar de una historieta en papel del arácnido, igualando o hasta superando la narrativa vista en la mayoría de sus adaptaciones cinematográficas.

Además, como ya ocurrió con el título de 2004, este acierta en un punto fundamental: el balanceo. Nunca fue tan gratificante pasear por las calles a golpe de red. Spiderman puede colarse por el interior de tuberías, doblar esquinas de edificios y posarse sobre cornisas sin ningún tipo de dificultad para el jugador. Las animaciones fluyen y, al final, lo que queda es un reconfortante viaje en telaraña al que es difícil no quedarse enganchado.

Los puntos negros: un déjà vu jugable

déjà vuMarvel's Spider-Man cuenta con un hándicap: que casi todo lo que muestra ya ha aparecido en otros títulos. Especialmente, en la serie de Batman: Arkham. Cada uno tiene diferentes matices, pero es inevitable no revivir las mismas mecánicas que el murciélago utiliza a la hora de pelear o eliminar enemigos de forma sigilosa. Los artilugios, los combos, el diseño de los escenarios… El déjà vu es intenso.

Otro inconveniente es el de las misiones secundarias y los coleccionables. Por la ciudad se pueden encontrar mochilas, torres de radio, peleas callejeras y demás elementos con una única finalidad: alargar la duración del juego con mecánicas repetitivas y, en ocasiones, como ocurre con los minijuegos de Otto Octavius, algo tediosas.

No cuenta con tramas complementarias demasiado interesantes, un aspecto especialmente criticable cuando se trata de un juego en el que deberían existir opciones que aporten variedad más allá de la historia principal. Se podría haber solucionado, por ejemplo, incluyendo el mismo contenido descargable que reservaron para vender solo un mes después de sacarlo.

Es cierto que se pueden desbloquear trajes (con sus respectivos poderes) y habilidades, pero es algo que se termina convirtiendo en rutinario sin que aporten nada demasiado diferenciador. No son objetos de deseo para el jugador. Ocurre lo contrario que con los atuendos del juego Red Dead Redemption, que añaden habilidades concretas para ciertas zonas o enemigos y obligaban a cambiar de ropa según lo que quisiéramos conseguir.

Un patio de recreo llamado Nueva York

Los coches se apelotonan en la Gran Manzana, algunos juegan en una cancha de baloncesto, otros toman el sol en una piscina comunitaria…. La ciudad de Marvel's Spider-Man está viva. También ocurre con el tiempo. Nueva York puede pasar del sol más radiante a la noche más lluviosa mientras Parker no para de hacer comentarios al respecto (con la voz de Mario García, quien también interpreta a Tom Holland).

En este juego, al igual que ocurría con el Spider-Man 2 de 2004, los elementos positivos hacen que se puedan disimular gran parte de los negativos. Los fans del superhéroe (y de Marvel en general) se verán deleitados por las broncas radiofónicas de J.J. Jameson, la torre de Los Vengadores o detalles para adeptos del universo, como la tarjeta de alguien llamado Matt Murdock perdida en una de las mochilas de Peter. Insomniac Games ha creado el juego del lazarredes que merecemos, pero, quizá, no el que necesitamos ahora.

Alfred Hitchcock, Orson Welles, Luis García-Berlanga… Son muchos los directores que han intentado sobrepasar los límites del cine en busca de nuevos recursos narrativos. La cámara, como ocurría con los hermanos Lumière, ya no era un simple objeto inamovible que grababa aquello que tenía delante. Empezó a adquirir vida propia, a salir del trípode al que estaba anclada y a situarse en plena acción. Entre todas las técnicas empleadas para ello hay una que, todavía hoy, destaca por su dificultad: el plano secuencia.

Sin cortes, sin cambio de escenas, llevando el dinamismo al extremo. Un plano secuencia no solo consiste en mover la cámara por el escenario, sino en coordinar al milímetro todo el equipo de producción para que nada fracase. Un simple error tiene consecuencias trágicas: hay que empezar a rodar todo de nuevo. A pesar de los riesgos, es un reto que ciertos directores no dudan en asumir. No solo en el séptimo arte, también en los videojuegos.

Por ello, el recientemente lanzado God of War es definido por sus propios desarrolladores como el primer videojuego realizado en un único plano secuencia de 25 horas. El título, desarrollado para PlayStation 4 por el estudio de Sony en Santa Mónica, es el reinicio de una saga que comenzó en 2005 contando la historia de Kratos, un soldado espartano que realiza un pacto sagrado con Ares (el dios de la guerra) y acaba sucumbiendo a la sangre y la violencia.

Sin embargo, tras tres títulos principales en los que Kratos termina enfrentándose a todo el monte Olimpo, sus responsables decidieron que era buen momento para cambiar las mecánicas, la historia e incluso de mitología (ahora está basado en la nórdica). A todo ello han añadido un elemento estrella, el del plano secuencia. “Cuando pensé en nuestro equipo y en nuestros protocolos de producción me pareció imposible. Pero es posible, solo que increíblemente difícil”, explica en un vídeo de Dori Arazi, director de fotografía de God of War.

La dificultad no solo se refleja a nivel de producción y diseño, también de interpretación. Los actores, mediante captura de movimiento, tuvieron que representar de forma inmaculada cada escena del título. “Los actores tenían que hacerlo perfecto, todas sus fases, sus movimientos, sus posiciones… No había lugar para el error”, indica el director de fotografía.

Lo planteado en esta obra es un reflejo, uno de tantos, de cómo los videojuegos toman al cine como referencia. “Después de los planos en películas como Hijos de los hombres o Birdman, algunos directores habrán dicho: 'oye, yo también lo quiero hacer'”, indica a eldiario.es José Altozano, más conocido como Dayo. El periodista de Eurogamer y Mundogamer, también famoso por sus análisis en profundidad en YouTube, añade que esta técnica narrativa tiene bastante sentido en un título como God of War porque lo que siempre le ha caracterizado, entre otras cosas, “ha sido esa capacidad de espectáculo”.

Además, al usar un plano secuencia se suprime la barrera entre partes jugables y partes de cinemáticas, las cuales suelen romper el ritmo de la historia. “La pantalla se pone en negro y todo el juego te dice: ahora párate y suelta el mando, que te vamos a contar nosotros la historia”, menciona Dayo. Pero God of War, como otros títulos, escapa de la tendencia clásica. “Al afrontarlo en plano secuencia lo haces todo mucho más fluido y no te lo tomas tanto como que hay una cinemática, sino como una extensión de la propia acción”, aclara el experto.

Como informan en Vidaextra, no es la primera vez que Cory Barlog, director de God of War, intenta llevar el plano secuencia a un videojuego. También quiso hacerlo en 2013 con el reinicio de la saga Tomb Raider, pero fue frenado por el propio estudio encargado del título. Según Dayo, esto se debe a que “hacer un plano secuencia significa estar limitado a ciertas reglas” como, por ejemplo, “estar todo el rato en tiempo real en un sitio, sin hacer saltos temporales y siguiendo continuamente a unos personajes”. Por ello, ante el peligro de fallar, algunos estudios prefieren evitarlo.

El primero de 25 horas, pero no el primero

Aunque el nuevo God of War puede ser el primer videojuego que llegue a un plano secuencia de 25 horas, no parece pionero en emplear esta técnica narrativa. Para Dayo hay antecedentes como Hellblade: Senua's Sacrifice (2017) o el propio Half-Life (1998), una aventura mítica desarrollada por el estudio Valve donde todo sucede desde los ojos de Gordon Feeman, el personaje principal. “Hay elipsis [saltos temporales] a nivel narrativo, pero nosotros estamos todo el rato en sus zapatos”, señala.

La diferencia es que el título de Sony aprovecha su condición de superproducción para llevar esa misma experiencia al máximo. Como apuntan en el blog de PlayStation, Hellblade es una obra de 8 horas de duración creada por un equipo de 20 desarrolladores. Pero, al igual que ocurre con Hollywood, no todas las creaciones tienen la misma inversión ni las mismas posibilidades. Según Dayo, “God of War habrá costado cientos de millones con un equipo de cientos de personas”, y precisamente por esto no tiene problemas que sí padecen otros estudios más pequeños.

Pero también existen limitaciones. Si el inconveniente para Hitchcock en La Soga era disimular el cambio de bobina cada 12 minutos, en los videojuegos es cargar toda la partida sin que el usuario note nada. Las viejas pantallas de loading con un logo animado ahora son sustituidas por ascensores, cinemáticas o largos pasillos que en el fondo sirven preparar el siguiente escenario.

God of War aprovecha momentos de diálogo en los que avanza la relación entre Kratos y su hijo para, posteriormente, volver a dar el control al jugador. Una transición que parece simple, pero que ha requerido años de evolución tecnológica. “Se lleva intentando desde hace mucho tiempo. Yo me acuerdo de Jack and Daxter, un juego de PlayStation 2 que tenía mundo abierto sin ninguna pantalla de carga”, afirma el periodista de videojuegos. Así, lo que aparece en el juego de Kratos no es una novedad, sino una evolución de lo que ya se hacía antes.

Pero, ¿está siempre justificado un plano secuencia? Dayo considera que “se trata de una herramienta”, pero que “no es de por sí algo bueno o malo”. Al igual que cualquier otro recurso, este puede tener sentido en ciertas obras y carecer de él en otras.

El especialista pone como ejemplo la escena del coche en los Hijos de los hombres, que de no haber sido un plano secuencia “no tendría ni la mitad de fuerza”. No obstante, como añade, también hay muestras de malas prácticas, esta vez en un videojuego: “En Metal Gear Solid V también hay planos secuencias, pero estos tienen muy poca fuerza”. Porque, existan o no grandes alardes de cámara y producción, al final lo importante es narrar una historia de la mejor forma posible. Y, en este caso, God of War lo consigue.

El regreso de PC Fútbol deja claro que la nostalgia, como mínimo, es capaz de generar grandes expectativas. Cada jugador tiene su mito particular, aquel que le trasporta a un tiempo lejano donde todo parecía mejor. Aunque volver a ese pasado quizá no sea tan recomendable, y para muestra de ello las valoraciones del simulador deportivo. Sin embargo, anhelarlo resulta cuanto menos inevitable.

La industria no permanece ajena al poder del recuerdo (y de la taquilla). Stranger Things, la vuelta de Jurassic Park o Star Wars, aprovechar la Navidad para reestrenar los Gremlins… Cada vez que los clásicos alcanzan cierto tiempo, ya sea en su aniversario u otra fecha especial, a alguien se le ocurre echar la vista atrás para relanzar aquello que en su momento marcó a una generación. Y nosotros, a pesar de conocer la estrategia comercial, caemos gustosamente en las redes de la melancolía.

En los videojuegos ocurre algo parecido. A base de remakes (rehacerlos desde el principio) o remasters (mejorarlos para adaptarlos) volvemos a obras clásicas como Medievil, Crash Bandicoot, Age Of empire o Shadow of the Colossus. Y funciona, porque la nueva versión de esta última, que en su momento se convirtió en una obra de culto, ha llegado a venderse incluso más que la original.

A la lista presente tendríamos que añadir más juegos de no ser porque, o bien se han lanzado, o lo harán en un futuro próximo. Es el caso de Final Fantasy VII, uno de los títulos más míticos en la industria de los videojuegos reconocidos por marcar a toda la generación de PSOne. Es la gallina de los huevos de oro para Square Enix, sus desarrolladores. Otros estudios tienen las suyas, y tarde o temprano terminan a explotando ese filón. ¿El último? Spyro, el mítico dragón violeta creado por Insomniac Games.

Desde un criterio totalmente subjetivo, estos son los juegos que nosotros, añoradores por antonomasia, deseamos revivir a través del mando de la consola. Todas las elecciones son igual de válidas en esta lista sin final. Por ello, invitamos a ampliar dichas sugerencias en la sección de comentarios. ¡Comencemos!

Monkey Island

Monkey Island

Vale, hay remakes recientes con jugabilidad y gráficos actualizados. Pero a veces eso no es suficiente. Las aventuras gráficas de Guybrush Threepwood marcaron un antes y un después en los juegos de ordenador. “¡Llevarás mi espada como si fueras un pincho moruno!” y su posterior respuesta, “primero deberías dejar de usarla como un plumero”, ya forman parte del imaginario popular. Otro capítulo de esta odisea de piratas, quizá utilizando los dispositivos portátiles, seguro que necesitaría poco tiempo para transformarse en lo más descargado.

Alex Kidd

Alex Kidd

Llegó antes que Sonic the Hedgehog, y fue uno de los grandes títulos de la Sega Master System. Al contrario de lo que ocurre con el erizo azul, Alex Kidd ha quedado relegado al olvido. Aunque vista la sobreexplotación del primero, casi es preferible que haya sido así.

Pero podría hacerse mejor, y el mejor ejemplo es el de Ubisoft con Rayman Origins, cuya obra original apareció en 1995 y que ahora vuelve a la carga con un aspecto diferente pero que, al mismo tiempo, mantiene la esencia del original. Este clásico plataformas incorpora una nueva jugabilidad y un motor gráfico perfecto para su temática, algo perfectamente exportable a un título como el de Alex Kidd. Porque, aunque estemos en la era de los mundos abiertos y el 3D, todavía queda espacio para los clásicos plataformas en scroll lateral.

Dino crisis

Dino crisis

Tiene cuatro entregas, pero podríamos dejar de contar a partir de la segunda. Este survival horror tuvo su época dorada en la primera consola de Sony, llegando a vender más de un millón de copias con su primera versión. Coexistió con otro gran título del momento: Resident Evil 3, donde Nemesis, un zombi enorme que aterraba a cada paso, perturbó los sueños de un gran número de jugadores.

En este caso tenemos que sustituir los zombis por dinosaurios, un cóctel que tampoco amarga la ecuación. Un mundo semiabierto y una buena historia serían ingredientes suficientes para deleitarnos de nuevo con Dino crisis. Podría intentarse algo parecido a The Last of Us, un juego creado por Naughty Dog ambientado en un escenario apocalíptico reconocido por el gran tratamiento de su guion y diseño artístico

Soul Reaver

Soul Reaver

Encarnar al vampiro Raziel y convertirse en espectro continúa siendo una experiencia ampliamente recordada. El juego combinaba fases de acción con rompecabezas, los cuales jugaban con las dimensiones del entorno al igual que ocurre con Zelda.

Se supone que El Legado de Kain, la saga en la que se enmarca, terminó con Defiance. Aun así, tampoco sería descabellado continuar la serie más allá de Nosgoth, un intento fallido de revivir este universo basado en la mitología vampírica.

Earthworm Jim

Earthworm Jim

Earthworm Jim HD fue lanzado en 2010 para PlayStation y Xbox, un remake que añadió hasta un multijugador. Pero una versión actualizada con nuevos niveles continúa siendo el deseo de muchos. El juego de plataformas fue apareció originariamente en 1994 para Sega Mega Drive, convirtiendo a su personaje en todo un icono universal.

Equipado con su “indestructible súper traje espacial de ultra tecnología”, incluso llegó a tener su propia serie de dibujos animados para la cadena NBC. Por eso, una segunda parte con mejores mecánicas y gráficos rediseñados, como el anteriormente mencionado Rayman Origin, cumpliría los sueños de muchos.

Gex

Gex

Aunque podemos recordarle por su etapa en PlayStation, para encontrar el origen de Gex hay que remontarse hasta 1995 y el sistema Panasonic 3DO. La verdadera evolución del juego llegó con Gex: Enter the Gecko, la segunda parte de la saga.

En ella pasó del 2D al 3D y mejoró todo lo que había presentado en el título original. Dejó de ser un scroll lateral para convertirse en una aventura de plataformas similar a Crash Bandicoot, Spyro o Ratchet and Clank. Al igual que Soul Reaver el renacer de este clásico depende de un estudio: Crystal Dynamics.

Syphon Filter

Syphon Filter

La saga de Syphon Filter es a los videojuegos lo que una película de Misión imposible al cine: una historia llena de clichés, disparos y testosterona que, a pesar de todo, entretiene. Aunque los dos comparten la temática del espionaje, este no tiene nada que ver con Metal Gear Solid, que revolucionó la industria por llevar el lenguaje cinematográfico a una consola.

Las aventuras de Gabriel Logan son más sencillas: llega a un punto y elimina a todos los terroristas. Quizá sea la lejanía del tiempo, o quizá que tampoco había mucha competencia en ese momento, pero el título consiguió reunir un clan de adeptos que perdura a día de hoy.

Commandos

Commandos

Commandos murió justo cuando intentó parecerse a Call Of Duty, que aborda la temática bélica de otro modo muy diferente: más acción y menos estrategia. Strike Force, lanzado en 2006, decepcionó a todos aquellos que esperaban revivir aquello de “¡oído cocina!” o “¡señor, sí señor!”.

No parece fácil que esta franquicia vuelva a las estanterías. Sobre todo, después de que sus creadores fueran detenidos por saquear y desviar subvenciones a su empresa. Tal vez sea mejor soñar con la vuelta de Age of Mythology, otro título mítico con el que poder quitarse la espina de la estrategia en tiempo real. ¿La diferencia? Que este se centra en la mitología y no en la guerra.

Half Life 3

Half Life 3

“Half Life 3 confirmado” se ha convertido ya en un meme de Internet. ¿Hay razones para mantener la esperanza? Quién sabe. Sus dos títulos anteriores no son solo juegos de acción en 3D, sino que alcanzan la categoría de obras maestras. Además de presentar un aspecto gráfico revolucionario para el momento, el tratamiento de los personajes o la empatía con los enemigos mostró hasta dónde podía llegar la industria de los videojuegos. Half Life no tiene nada que envidiar a las mejores películas.

Pero parece que Valve, sus desarrolladores, están más interesados en la plataforma Steam que en continuar cualquier franquicia que se precie, ya sea Portal o Team Fortress, también creadas por ellos. Sus seguidores ya están algo hartos de atender a rumores, pero cada vez que sube a un escenario Gabe Newell, su director general, resulta imposible no conservar la expectación. “El número tres no debe ser nombrado”, dijo el cofundador de Valve en Reddit. A lo mejor, algún día lo sea.

Crear tu propio videojuego, una aventura al alcance de todo el que se lo proponga. Ese ha sido el mensaje transmitido por los expertos en la jornada de videojuegos y emprendimiento Ready Player One, organizada por Eldiario.es Andalucía con la Fundación Cajasol. Y es que el negocio de los videojuegos mueve masas, pasiones y mucho negocio, como demuestran los 345.000 visitantes del Colonia Games, los 50.000 profesionales en el E3 de Los Ángeles o una Fundación Cajasol llena hasta la bandera.

Si en el escenario estaban 'estrellas del rock' como Locomalito, Gryzor87, Jon Cortázar, Raúl Nogales, The Game Kitchen o Paulina Cantú, enfrente y entre el público estaba la cantera. Quién sabe si algún imberbe Shigeru Miyamoto, el creador del mítico Mario Bros, y príncipe de Asturias.

Ha habido datos, consejos y, también, muchas risas. Y es que en este sector que mueve miles de millones de euros (92.000, para ser exactos), el futuro desarrollador debe aprender a moverse como pez en el agua en un acuario lleno de tiburones y  pescados de todos los tamaños, colores... y riesgos. El sector, como ha señalado el Consejero de Cultura de la Junta de Andalucía, Miguel Ángel Vázquez, representa toda una oportunidad profesional para los fans de los videojuegos que quieren labrarse una carrera en la que Andalucía ocupa el 10% del mercado laboral nacional. 

Paulina Cantú: la importancia del detalles

“¿Quién dijo que no había mujeres en el sector de los videojuegos?”, se ha preguntado Raúl Nogales, CEO de LUEGOLU3GO y maestro de ceremonias del evento. Acto seguido, ha presentado  a Paulina Cantú, diseñadora de videojuegos como Dragorieta, de la trilogía Nogalious (LUEGOLU3GO Studios).

Cantú ha hablado desde Aguascalientes (México) para los más de 200 jóvenes del auditorio de la Fundación Cajasol, vía Skype y delante de una bella catrina mexicana dibujada por ella misma.

La diseñadora mexicana ha explicado que siempre le ha gustado dibujar. “Decidí dedicarme a diseño gráfico para hacer lo que me gustaba: pintar. Soy profesora de la Universidad Autónoma de Aguascalientes y me especialicé en pintura digital”. Cantú ha ido formándose a través de encuentros profesionales, aunque reconoce que “hay muchas formas de aprender” en este mundo que puede llegar a ser tan autodidáctico.

Cantú trabaja ahora mismo como diseñadora de uno de los juegos de la trilogía de Nogalious, donde “es muy importante mantenerte al tanto de lo que están haciendo los otros integrantes del equipo. Ves la aplicación de lo que tú has hecho, se te llena el alma de emoción y te metes totalmente en la historia”. Según la artista, cada proyecto exige hacerte con sus necesidades, como puede ser el pixel art (diseño pixelado, al estilo de los juegos retro), y sobre todo ser exigente con los acabados: “hemos estado días enteros puliendo detalles, hay que tener muchísimo cuidado con todo”.

Locomalito y Gryzor87: Cómo emprender desde cero

“Si no están haciendo dinero es porque no quieren”. Así ha presentado Raúl Nogales a Locomalito y Gryzor87, dos garajeros o, lo que es lo mismo, dos desarrolladores independientes, que ahora mismo son auténticas estrellas del rock del videojuego retro. Locomalito, desarrollador y diseñador, y Gryzor87, músico, son los autores de exitazos indies como Super Hydorah y Maldita Castilla. “En los últimos diez años, hemos empezado a sacar y sacar juegos y, sin quererlo, nos hemos encontrado con un pie en el mundo del videojuego”.

Las ideas nacen de una libreta. A veces, antes de dormir, como le ocurre a Juan Antonio Becerra, la persona que se esconde tras el alter ego cibernético de Locomalito, quien ha desvelado que empezó a crear videojuegos con un par de programas que no valían más de 15 euros, como Game maker e Iconomaker. Para no desfallecer durante la etapa de desarrollo, Becerra recomienda “mantener la llama encendida” con documentos y objetos atractivos relacionados con el videojuego en cuestión.

Los éxitos para Locomalito comenzaron a llegar hace menos de diez años con títulos como 8BitKiller (2008), donde encontró al ilustrador de las portadas de sus videojuegos y a la comunidad de aficionados a los juegos retro, o Hydorah (2010), “donde queríamos hacer el juego con el que soñábamos desde pequeños”. Con Hydorah aprendieron a que “entre de los comentarios negativos de los trolls, había información útil” para mejorar el propio proyecto. Aquel año, la web más importante de juegos indie, indiegames.com, lo situó entre los diez mejores juegos del año, por delante de Minecraft. Sí, ese juego que revolucionó el mundo de los videojuegos retro y que Microsoft compró por la friolera cantidad de 2.500 millones de dólares.

Según explica Gryzor87, el músico habitual de Locomalito desde Hydorah, “nosotros, en cambio, no vimos un duro, pero tuvimos mucha exposición. Queríamos ser garajeros y no queríamos tiburones ni que nos chuparan la sangre”. La gran pregunta para los futuros desarrolladores es: ¿Se puede vivir de esto? Según Locomalito, “de momento no, pero estos proyectos son muy a largo plazo. Maldita Castilla ha recuperado inversión hace poco. Lo importante es gastar poco dinero en el desarrollo. Como nosotros tenemos otro trabajo, nos podemos arriesgar con nuestros proyectos propios”.

Maldita Castilla ha sido el juego que, de hecho, les ha lanzado definitivamente a la fama: un divertido juego de plataformas con un guerrero medieval, del que incluso existe una ochentera máquina arcade, les ha proporcionado las mieles del éxito a través de múltiples premios... y del que se han organizado conciertos sinfónicos con la espectacular banda sonora creada por Gryzor87. Para los que están empezando a crear videojuegos desde sus casas, recomiendan “dibujar mucho y aprender a programar, esos diez años te dan para pulir la técnica. No tiene por qué ser tanto una formación reglada, pero sí que te la tomes en serio, prepararte para solucionar un problema que tienes delante”. Y el consejo de Gryzor87: hay que “jugar a videojuegos y aprender por qué te gustan los juegos que te encantan”.

Jon Cortázar: De afición a profesión

El píxel es bello (y divertido). Así tituló el diario El País en 2009 el reportaje dedicado a Jon Cortázar y su estudio de videojuegos REL3VO. lo de Cortázar ha sido explicar cuál es la transición del estudio homebrew a empresa de videojuegos, es decir, cómo convertir tu hobby en una profesión.

“Con La Corona Encantada nos planteamos un juego que iba a marcar la diferencia dentro de nuestra empresa. Lo creamos tal y como se hacía en la edad de oro de los años 80. Lo importante era crear un producto que fuera lo más parecido a lo que comprábamos en los años 80. Aquello gustó mucho y captó la atención de los medios de comunicación generalistas”.

Como él trabajaba en un agencia de publicidad, “introdujimos el concepto de juego publicitario”. De ahí nacieron juegos para un concesionario de vehículos en el que un OVNI abducía coches (y vacas), uno de beber chupitos para un bar de Bilbao que terminó montando un arcade en su propio local o, ya a mayor escala, Misión Euskadi para promocionar el turismo en la región.  La clave de su éxito ha radicado en combinar la creación de videojuegos publicitarios para otros (advergaming) con productos no comerciales de IP propia (que generan mucha atención y publicidad) para poder desarrollar, en definitiva, juegos muy ambiciosos y comerciales para todas las plataformas (móviles, videconsolas, ordenadores...), como el caso de Baboon.

Blasphemous: el éxito del crowdfunding

Blasphemous es uno de los mayores éxitos de crowdfunding en la historia del videojuego español, una obra del estudio sevillano The Game Kitchen que ha recaudado hasta la fecha 350.000 euros a través de Kickstarter.

El consejo de su productor, Mauricio García, para los que están empezando está claro: “financiación de guerrilla: redes familiares (que mamá te dé de comer), llévalo cuanto antes al mercado y no te constituyas como empresa hasta que haya actividad económica. No os vengáis arriba con las incubadoras, lo que tenéis es que aprender a hacer videojuegos en vuestra casa y luego montar vuestra empresa”.

García se declara un gran fan del micromecenazgo, porque “nos permite tener un contacto directo con nuestra comunidad de jugadores y, gracias a los episodios gratuitos de The Last Door, hemos logrado millones de jugadores expuestos a la IP de nuestra web y una imagen pública de desarrolladores coleguitas que regalan cosas”. El productor de The Game Kitchen cree que el enorme éxito de la campaña de crowdfunding de su videojuego se debe a la fan base de su juego anterior, la concepción de Blasphemous como producto y la creación de una comunidad previa al lanzamiento.

Cuando el año pasado en la feria del E3 Sony decidió dedicarle un rato largo y tendido a Farpoint, el público se quedó mudo. El tráiler de presentación, algo insípido, descubría a un FPS (First Person Shooter - disparos en primera persona) con unos gráficos bastante mundanos para lo visto hasta la fecha y dejaba entrever una historia típica: explorador perdido en un planeta alienígena que parece desierto pero que al final no lo está tanto. Pero claro, eso fue en junio del 2016.

Farpoint se puso a la venta el 17 de mayo, exactamente 11 meses después de aquella toma de contacto en el E3. Aunque ya sabíamos que vendría en formato Realidad Virtual (VR), Sony no dio entonces un detalle que, a la postre, se ha convertido en esencial para entender por qué eligió precisamente este juego y ese momento para ocupar uno de sus concurridos slots en la feria. El motivo ha sido el PS VR Aim Controller, un nuevo dispositivo periférico que simula ser un arma en las manos del jugador.

Esto no es un análisis solo de Farpoint. Esto es un análisis del videojuego y el periférico, ya que se venden conjuntamente y el uno no se explica sin el otro. De hecho, jugar a Farpoint sin utilizar el Aim Controller provoca un bajón considerable en el sistema de control, y la jugabilidad, evidentemente, se resiente de forma significativa. Ha habido quien criticaba el diseño del dispositivo por no ser realista. La cuestión es: ¿para qué queremos un periférico con forma de ametralladora si luego va a ser más pesado, menos manejable y le van a faltar botones? Sony ha conseguido de forma excelente aunar manejabilidad y estabilidad en el dispositivo, tanto en el sistema de control (están todos los botones que tendríamos en un DualShock) como en la respuesta con la PlayStation.

Antes que el Aim Controller vinieron los PS Move, dos joysticks pensados para ser usados con el casco VR que, al menos para el género FPS, se quedan ya obsoletos. Y lo mismo con los mandos de la Wii. Si nos remontamos unos cuantos años atrás, la pistola Namco G-Con45 que servía para disparar en el Time Crisis queda en las antípodas de lo novedoso. A grandes rasgos, tanto este arma como los joysticks se basaban en una premisa que no ha desaparecido hasta el lanzamiento del Aim Controller: la sensación de “disparar a la televisión” ha pasado a mejor vida porque ahora abrimos fuego desde dentro del videojuego.

Por cierto que para todos aquellos que quieran probar tanto el nuevo juguete de Sony como el título de Impulse Gear, la multinacional ha abierto en Madrid un lugar donde poder hacerlo. Solo estará durante el 26 y el 27 de mayo y registrarse es gratis a través de esta web. Lo han llamado Desafío Farpoint VR y la experiencia es total e inmersiva desde que se pone un pie en el local, con soldados UEP de carne y hueso explicando cada tipo de arma que nos encontraremos en el juego, la misión a llevar a cabo y cómo hacerlo. Se podrá culminar la visita probando el pack completo (Gafas VR, Aim Controller y Farpoint).

PS VR Aim Controller: justo en el blanco

La sensación es real. Dentro del juego, disparamos, recargamos y movemos el arma de verdad. Incluso podemos ver por la mirilla: una sensación apabullante cuando comprobamos que cerrando un ojo y fijando el tiro con el otro el disparo se dirige exactamente donde queremos que vaya. ¿Que queremos ver de cerca nuestro arma? Solo con mirarnos las manos podemos observar el percutor, cada detalle, cada pegatina, cada resorte, cada rendija.

Precisamente porque la realidad virtual era esto: estar en dos lugares y en dos tiempos a la vez, solo que uno es físico y el otro no. Por eso, aunque en nuestras manos tengamos el Aim Controller, en Farpoint llevamos un rifle de plasma fabricado por los alienígenas, una ametralladora o una escopeta. La precisión es inaudita: nada que ver con The London Heist (el minijuego de PS Worlds que venía con las gafas de VR) o los disparos a bordo de una vagoneta en Until dawn: rush of blood.

El Aim Controller podría parecerse a una pistola. Tiene dos joysticks: uno en la empuñadura anterior rodeado de los cuatro botones de PlayStation (cuadrado, equis, círculo, triángulo) y otro en la posterior, con una cruceta de dirección. Detrás hay dos gatillos. En el extremo tiene un bola iluminada (como la de un PS Move) que sirve para posicionar el arma dentro del juego gracias a PlayStation Camera. Un aspecto significativo es que tendremos que ponerla encima del televisor si queremos jugar de pie y, dentro del juego, seleccionar nuestra altura para que la experiencia sea óptima. Huelga decir que el mando es inalámbrico y recargable por cable USB a la videoconsola.

Farpoint ilumina el futuro de los FPS en VR

Farpoint dura en torno a siete horas que solo se hacen un poco cuesta arriba al principio. Pero no por falta de acción, más bien por acumulación. Acumulación de situaciones parecidas, de mecánicas similares, de paisajes clónicos con toques azules en vez de marrones. Y es que si alguien piensa que esto es una demo promocional que se vende con el Aim Controller para ensalzar sus virtudes, se equivoca. Farpoint es una aventura con una buena trama, un multijugador aceptable y un apartado gráfico sobrio que no pasará a la historia de los FPS tanto por eso como a la historia de PlayStation por convertirse en el primer juego que soportó el periférico.

Todo empieza a 800.000 años luz de la Tierra, cuando la doctora Tyson y el doctor Moon, a punto de volver a casa, son tragados por una especie de supernova que les envía a un planeta desértico y desconocido. Nosotros tenemos que ir en su busca sin dejar bicho viviente alguno por el camino. Decíamos antes que al principio se hace un poco repetitivo porque el juego no ofrece alternativas: matamos bichos, avanzamos; matamos más bichos, encontramos una pista, avanzamos; matamos más bichos y así sucesivamente. Tampoco podemos darnos la vuelta de forma muy natural. Y es curioso ver cómo, si un enemigo “se pasa” de frenada al irnos a atacar, vuelve caminando hasta situarse delante de nosotros de nuevo y realizar otro envite.

La inteligencia artificial de los bichos deja un poco que desear, pero es que tampoco podemos seleccionar si queremos un modo normal, fácil o difícil. Los escenarios son bastante grandes aunque a veces sean un poco repetitivos y los tiempos de carga no existen, a excepción del previo a iniciarse el juego. La banda sonora encaja bien con las situaciones que se presentan en el juego y es notable. Además, Farpoint viene traducido al castellano.

Muchos lo han intentado pero pocos lo han conseguido. Hablamos de mantenerse en el tiempo, de ser una franquicia notoria, de convertirse en un referente para la industria y los jugadores. También de adaptarse con éxito a varias plataformas y de reinventarse con el paso de los años: ya van 20. Resident Evil VII: Biohazard se lanzará en EEUU y Europa el próximo martes, pero Koshi Nakanishi y Masachika Kawata (director y productor del videojuego, respectivamente) ya se han dejado caer por España para presentar el primer plato fuerte de 2017.

Es el primer gran juego diseñado para ser usado con las gafas de realidad virtual de Playstation y el primero del género donde nos encontraremos rodeados de zombis de verdad. Sin desmerecer los títulos que han salido hasta la fecha, Resident Evil VII lleva colgado el cartel de “favorito” desde que Capcom anunció que vendría en VR (Virtual Reality). Si bien la tecnología aún tiene un largo camino por delante (se puso a la venta el 13 de octubre), el juego que dirige Nakanishi parece el primero capaz de exprimir un nivel más allá las posibilidades del casco.

“Las claves del survival horror no solo tienen que ver con la atmósfera, sino con explorar el entorno y resolver puzles para progresar en el juego”, explica el director de REVII a eldiario.es. Aunque no han faltado quienes se preguntaban si el juego vendría a ser la continuación de la última entrega de la saga, los creadores confiesan que “no es una continuación más del nombre Resident Evil”, dice Nakanishi. Es inevitable llevar en la espalda la marca, por eso sí que habrá “multitud de referencias a ese universo”. Un ejemplo: las hierbas curativas o los medicamentos para sanar el daño, que seguirán presentes en el nuevo título.

“Tienen que sentir que no hay salida”

Todo buen juego del género que se precie debe alternar pasajes de relativa calma con escenas de acción desmedida y asfixiante. También es importante prestar atención a la dificultad, buscar ese punto que le plantee al jugador un reto contra sí mismo y contra sus miedos sin descuidar la propia resolución de los acertijos. “Intentamos mantener estas claves para potenciar la experiencia. Por eso queremos que al jugador le ocurran muchas cosas: que haya momentos de calma, momentos en los que no ocurra nada, otros en los que haya una tensión creciente y momentos en los que no esté seguro de lo que va a pasar”, continúa Nakanishi.

Más tarde, durante la presentación a los medios, el director del juego confesaba que le había impactado sobremanera su primer contacto con Resident Evil de niño, y que fue ahí cuando decidió hacerse desarrollador de videojuegos. Nakanishi explica que, a la hora de un videojuego tienen que ponerse “en la piel de un jugador” e imaginarse qué situaciones quieren en el juego. “Los jugadores tienen que tener desventaja obviamente. No pueden ser muy fuertes, no pueden tener muchas armas, tienen que ser cuidadosos con lo que usan y tienen que sentirse atrapados”, continúa. “Tienes que asegurarte de que no pueden escapar fácilmente, de que sientan que no hay salida”.

Capcom lleva 20 años dando sustos. Nakanishi y Kawata algo menos al frente de los juegos de la franquicia. Pero la fórmula sigue siendo la de siempre, alternar la calma con la tormenta: “Intentamos buscar los impulsos del juego en los flujos pequeños de movimiento para que el jugador se relaje y resulte una buena experiencia”, dicen los creadores. Nakanishi también comenta que no ha sido hasta hace poco que la compañía decidió implementar la tecnología VR al videojuego. “Fue un proceso interesante para buscar la mejor experiencia de realidad virtual”, dice el director.

Resident Evil nunca es suficiente

Resident Evil es el juego de miedo más vendido de toda la historia en PS4. Aunque sus últimos lanzamientos no tuvieron todo el hype que deberían, se espera que la séptima entrega rompa la tendencia negativa con el aliciente de la realidad virtual. “No queríamos hacer un videojuego que solo diese miedo, en el que escapases y al final encontrases la salida. Los survival horror se caracterizan por el hecho de enfrentarte eventualmente a un desafío y superarlo, junto con tus miedos”, explica Nakanishi.

Tres días después de Biohazard, la saga llevará al cine su enésima película. Como no podía ser de otra forma, Mila Jovovich repite en el papel de heroína. Según Masachika Kawata, el productor del videojuego, “los derechos para hacer las películas pertenecen a las productoras y van por su lado, aunque creo que a veces se produce una sinergia muy buena entre ambos”. En una entrevista de 2013 él mismo se quejaba de que hubiera demasiados videojuegos Resident Evil: desde 1996, año en el que se estrenó el primero, hay nada menos que 29 juegos y uno más en camino (el remake de Resident Evil 2).

Kawata, que defiende que “en 20 años solo hemos sacado siete juegos principales”, también reconoce el gran número de spin-offs y títulos paralelos “que expanden el universo Resident Evil y permiten jugar a diferentes estilos. No creo que estemos haciendo demasiados”, sentencia.

Sin Silent Hills pero con Resident Evil VII

Silent HillsResident Evil VIILos creadores del videojuego mencionaron varias veces a todos aquellos que les han acusado de fijarse en Silent Hills: PT, sobre todo en lo que tiene que ver con la primera persona. “Los videojuegos se vinieron desarrollando a la vez para bien o para mal”, contestaba Nakanishi.

Respecto a la polémica de abril de 2014, cuando el PT (Playable Teaser) fue retirado de la PlayStore de Sony aparentemente sin motivo (más tarde conoceríamos que Hideo Kojima, el desarrollador de la saga Silent Hills dejaba Konami, su empresa de toda la vida, pero ese es otro tema), el director de Resident Evil contestaba a eldiario.es que “jugué los Silent Hill anteriores y me gustaron, así que hablando como fan, me sentí decepcionado cuando supe que no saldría Silent Hills. Pero no me impactó mucho si hablo desde la perspectiva de un desarrollador en Capcom”.

Sony Interactive Entertainment España (SIE España) ha alcanzado un acuerdo de colaboración con Lanzadera, la aceleradora perteneciente a Marina de Empresas e impulsada por el empresario Juan Roig con capital privado, para poner en marcha en Valencia una nueva sede de PlayStation Games Camp, el programa de PlayStation, cuyo objetivo es “impulsar el talento de la Comunitat Valenciana en el sector de los videojuegos”. Los estudios que quieran optar a formar parte de PlayStation Games Camp Valencia pueden presentar sus proyectos en la web playstationtalents.es hasta el 15 de enero de 2017, según ha informado Lanzadera.

El programa, con el que se quiere fomentar la creación de nuevas empresas, está abierto a pequeños estudios, personas universitarias y jóvenes desarrolladores, así como empresas que hayan facturado menos de 100.000 euros en el último año. Un máximo de tres estudios podrán trabajar gratuitamente en el espacio de Marina de Empresas a partir de febrero del año que viene para ver sus juegos publicados en PlayStation 4 (PS4).

Durante diez meses, los estudios contarán con el asesoramiento de expertos de SIE tanto españoles como figuras internacionales de renombre, tendrán acceso a kits de desarrollo de PS4 y tendrán apoyo en materias de comunicación y marketing para promocionar el título de cara a su lanzamiento, con una campaña en medios propios valorada en más de 100.000 euros. Games Camp Valencia se suma así a las sedes que la compañía tiene en otras ciudades como Madrid, Sevilla y Bilbao.

El responsable de Desarrollo Local de SIE Iberian, Roberto Yeste, ha destacado que “la iniciativa Games Camp va tomando fuerza y con esta nueva sede en Valencia cubrimos gran parte del territorio nacional para que los estudios independientes tengan la oportunidad y el apoyo necesarios para sacar sus proyectos a la luz”. Yeste ha añadido: “Estamos seguros de que la alianza con una aceleradora como Lanzadera va a crear unas sinergias muy productivas y veremos pronto grandes resultados”.

Por su parte, el director general de Lanzadera, Javier Jiménez, ha destacado que están “orgullosos” de poder anunciar esta colaboración “con una empresa como SIE España y su programa pionero PlayStation Talents”.

“Juntos vamos a ofrecer soporte, apoyo y formación para el desarrollo de la industria de videojuegos”, ha manifestado Jiménez, quien ha señalado que “Valencia ya ha demostrado ser cantera de proyectos muy innovadores en el sector, como Codigames, participada por Angels, o MadPlay Games, acelerada en el Programa Lanzadera de esta presente edición”. “Nos hace una ilusión especial poder formar parte de esta iniciativa y poder seguir afianzando de forma conjunta, con la trayectoria y el liderazgo de una empresa como PlayStation, el crecimiento de una industria que cada vez es más fuerte y tiene mayor proyección internacional”, ha resaltado.

2016 estaba marcado en rojo por todos los desarrolladores de tecnologías de realidad virtual desde hacía tiempo. Tenía que ser este año o ninguno, así que diciembre terminará con cinco dispositivos en el mercado. VR (del inglés, Virtual Reality) por doquier aunque aún en pañales y la sensación en el cuerpo de que lo mejor está por venir.

PlayStation VR se lanzó a principios de octubre. Junto al Oculus Rift y al HTC Vive, completa el trío de los dispositivos de realidad virtual que llevábamos años esperando. Todos se caracterizan por ofrecer una experiencia de juego inmersiva usando la tecnología de imagen 3D estereoscópica, acelerómetros, giroscopios, magnetómetros u otros sensores.

El casco de Sony acerca al gran público ese -todavía- desconocido concepto de la realidad virtual. Si bien el Oculus Rift y el HTC Vive también tienen juegos, es PlayStation VR el primero en declararse abiertamente “para los jugadores”, como todo lo que lleva la marca Sony PlayStation delante.

Decimos que PlayStation acerca la VR a la mayoría del público porque uno, la penetración de la consola en los hogares españoles es total respecto a la competencia -en 2015, Sony vendía nueve PS4 por cada consola que colocaba el resto de fabricantes- y dos, ese terreno abonado le permite a Sony presentar al usuario un casco de 399 euros sin que el precio sea un inconveniente para la compra.

Probando el futuro de los videojuegos

Y es que si comparamos el precio de PlayStation VR al de la competencia, salen ganando los de Sony. Está muy lejos de los 699 euros del Oculus Rift y más distante aún de los 899 euros del HTC Vive. Sin embargo, sí es necesario añadir que requiere de una PlayStation Camera para funcionar -que cuesta 54,95 euros- y, obviamente, de una consola PS4 -249 euros la más barata-.

En eldiario.es hemos probado el casco de realidad virtual de Sony. Y la experiencia no tiene que ver con nada que hubiéramos experimentado hasta la fecha. Después de cerca de 20 minutos conectando cables y siguiendo las instrucciones al pie de la letra, entramos en lo que muchos ya aciertan a definir como “la nueva era de los videojuegos”.

El casco pesa más que el de HTC o el Oculus Rift, pero es más bonito. Se adapta perfectamente a la cabeza gracias a dos botones, uno en la diadema trasera y otro en el visor, que regula directamente la distancia hasta los ojos. Cuando está encendido, cinco luces azules frontales reconocen la posición del casco ante la cámara, indicando el movimiento de nuestra cabeza.

La técnica

En el apartado visual, PlayStation VR utiliza una pantalla RGB OLED de 5,7 pulgadas con una resolución full HD de 1920 x 1080 píxeles. Aunque sus competidores usan dos, una para cada ojo (1080 x 1200 p) y cuentan con una resolución total algo mayor (2160 x 1200 p), el casco de Sony tiene mejores colores que HTC y el Oculus gracias a la pantalla.

Otro aspecto técnicamente superior de la pantalla del PlayStation VR es que su capacidad de refresco pueda llegar hasta los 120 Hz -lo que quiere decir que se puede llegar a actualizar hasta 120 veces en un segundo-, dependiendo del juego. Es un concepto llamado “reproyección asíncrona” y que consiste en incluir cuadros (frames) intercalados dentro del juego para cuando este no sea capaz de funcionar siempre al mismo ratio de frames.

En otras palabras, sería algo así como crear frames de la nada, falseándolos gracias a los movimientos del usuario. A esto ayuda la unidad de procesamiento externa que viene incluida con el casco y que lo conecta, junto a la PS4, con la televisión.

Mientras tanto, el Vive como el Oculus se quedan en los 90 Hz.

Las primeras demos

En el Reino Unido, las tiendas GAME están cobrando 15 libras por probar durante 30 minutos el casco de Sony. Son los mismos juegos que vienen con el kit de PlayStation VR en forma de CD con varias demos. Battlezone VR, Driveclub VR, EVE: Valkyrie, RIGS: Mechanized Combat League, Headmaster, Tumble VR, PlayStation VR Worlds y Wayward Sky.

Hemos probado todas y hay juegos para todos los gustos.

Battlezone nos presenta una batalla de tanques con una estética muy Tron en la que los enemigos saltan por los aires en mil pedazos y contamos con una ametralladora y misiles.

Driveclub VR es una experiencia total de inmersión al volante, donde pilotamos un Ferrari desde el salpicadero, pudiendo ajustar tanto la altura del volante como la distancia hasta este. Los efectos de luz son espectaculares, y con una más que lograda sensación de estar dentro de una carrera de verdad.

EVE: Valkyrie marea un poco. Aunque la demo es corta -muy corta-, estamos dentro de una nave, en mitad del espacio. Tras unos instantes de reconocimiento, los enemigos nos sorprenden y habrá que derribarlos como buenamente podamos.

RIGS: Mechanized Combat League puede llegar a recordar a los últimos Advanced Warfare de la saga Call of Duty pero, tras unos minutos, la sensación desaparece y comprobamos que somos un humano dentro de un robot gigante compitiendo por equipos en un deporte del futuro. Es uno de los que mejor pinta tiene.

Headmaster solo tiene balones y porterías. Y una voz hablando a gritos desde un altavoz mientras tú, jugador, te hallas en mitad de un campo de fútbol y esperas a que una máquina te cuelgue balones para rematarlos... de cabeza. La experiencia es entretenida cinco minutos, pero un rato después se hace un tanto agotadora.

PlayStation VR Worlds son cinco minihistorias ambientadas en diferentes escenarios: una descenso a las profundidades del océano, una historia de gángsters, un Pong del futuro o un deporte entre skeleton y bobsleigh por las calles de una ciudad. Más que un juego, Worlds es una carta de presentación para los recién iniciados en el mundo PlayStation.

Wayward Sky nos presenta una conmovedora historia entre un padre y su hijo, separados el uno del otro por un accidente. De aspecto más infantil, controlaremos el personaje del niño, que tendrá que ir resolviendo puzles y juegos de lógica a medida que avance la historia.

Tumble VR es uno de nuestros favoritos. No tiene nada que ver con Tetris, aunque utiliza algunos de sus bloques. Y no se parece en nada a Minecraft, pero tiene ciertas reminiscencias. Cuentas con una base, unos cuantos ladrillos y una prueba a superar: construye la torre más alta, mételos todos en la base, ingéniatelas para crear una figura imposible...

Los otros

En marzo de este año se lanzó Oculus Rift y en abril, HTC Vive. El último en llegar ha sido el casco de Sony. Para entonces, Samsung Gear VR y Google Cardboard ya llevaban en el mercado desde 2015, aunque estos dos últimos no juegan en la liga del resto.

Y no lo hacen porque necesitan de un teléfono móvil para funcionar, por lo tanto, sus prestaciones son mucho menores. En el caso de las Cardboard de Google, la experiencia de realidad virtual disminuye un poco en comparación con los tres gigantes arriba citados. Por su parte, el Samsung Gear VR solo funciona con teléfonos Galaxy y su tope de renderizado se sitúa en los 60 Hz.

Oculus Rift y HTC Vive no se conectan a ninguna consola. Sin embargo, estamos a la espera de que se confirmen los rumores para que la primera pueda utilizarse con Xbox One -un río que lleva agua desde que se anunció la consola de Microsoft-. Siete meses después del lanzamiento del primer casco de VR, el catálogo de PlayStation VR ya es más variado que el de sus competidores. Al de Sony tan solo le falta que aparezca el título definitivo que encienda la chispa para incendiar el mercado. Pero aún es pronto.

Álvaro Garrido era un niño y ya estaba desarmando y modificando las piezas de sus videoconsolas. Con ocho años tuvo su primer PC, un Amstrad PC1512, que compartió espacio con una Master System o la Megadrive. Sin embargo, cuando a su casa llegó una videoconsola que había nacido dispuesta a marcar un nuevo hito en la historia de esta forma de ocio, todo cambió.

A mediados de los 90, una PlayStation fue el germen de una pasión que crecía a la vez que internet se asentaba en la sociedad. Sin aquella consola y la pasión de Álvaro por los videojuegos y la informática quizá no hubiera nacido ElOtroLado.net (EOL), una de las webs españolas de videojuegos más veteranas, con 17 años a sus espaldas. Nacía en 1999, con el cambio de siglo, y en la actualidad recibe 6 millones de visitas al mes, según su creador. En la clasificación de Alexa ocupa el puesto 216 de las webs más visitadas de España.

El fundador de EOL es este valenciano que tiene hoy 35 años; por tanto, ha pasado prácticamente media vida gestionando la página. Con estudios de ingeniería informática y comercio internacional, en todo este tiempo ha compaginado su trabajo en la web con otros proyectos empresariales por cuenta propia e incluso ha formado una familia: tiene dos niños de 2 y 4 años. No está solo: desde el principio ha tenido a su alrededor a la comunidad de usuarios de la propia web, que ha contribuido a mantenerla. “EOL no sería lo que es hoy en día (probablemente ni siquiera existiría ya) sin todos ellos”, explica Álvaro a HojaDeRouter.com.

El también conocido como jiXo cuenta que el nombre de la web viene de ‘El otro lado de la PlayStation’, “en referencia a todo lo que se podía hacer con la consola de Sony más allá de jugar”. Estaba la llamada ‘demoscene’, grupos de personas que querían poner a prueba el ‘hardware’ de la consola o modificaban los juegos con trucos o parches. “Para poder aprovechar todo esto era necesario instalar un pequeño chip dentro de la PlayStation (soldado en determinados puntos de la placa base que variaban según el modelo), que también permitía ejecutar juegos de importación (muchos juegos japoneses no llegaban a España o tardaban en hacerlo) y copias de seguridad (los juegos en formato CD se rayaban con facilidad)”, explica Álvaro.

Como la picaresca siempre encuentra sus mañas y a los españoles pasar por caja nos gusta más bien poco, esas copias de seguridad también podían ser, sencillamente, juegos descargados de internet.

Por aquel entonces existía mucha información para llevar a cabo estos trucos, pero sobre todo en páginas extranjeras. Álvaro decidió recopilar esos consejos, durante todo un verano, en una web en español. Ese fue el germen de EOL, que se inauguró el 14 de septiembre de 1999. “Por esos tiempos internet en España estaba aún en pañales, pero empezaba a despegar. Cada vez más gente contrataba tarifas planas en casa (a 33 o 56 Kbps, el ADSL llegó después), pero no había redes sociales, blogs ni conocíamos a Google”, recuerda ahora. El que la PlayStation fuera toda una revolución contribuyó al crecimiento de EOL. Pronto se le sumaría otra revolución: la Dreamcast y su conexión a internet.

Enseguida, Álvaro varió los contenidos para dar cabida al resto de consolas y también a temas como internet o nuevas tecnologías. Los foros, que han llegado hasta nuestros días, son una de las partes con más peso, y tratan también temas como manga, música y cine. “Aunque continuamente he tratado de limitarlo para no perder el rumbo, todo eso siempre ha tenido mucho peso: hay usuarios que solo usan EOL para los foros ‘off topic’”.

Ahora mismo la web cuenta con tres administradores. Además de Álvaro/jiXo está también Erick, “un moderador que destacó por sus dotes de liderazgo y su empeño por mejorar los foros en todos los aspectos posibles”, y Melado, que se encarga de la parte técnica. Junto a ellos hay tres redactores de noticias; uno de ellos, Benzo, lleva casi 15 años escribiendo en EOL. Más de 50 colaboradores y moderadores se encargan del funcionamiento de los foros. No es para menos, ya que según Álvaro se publican 10.000 mensajes diarios.

EOL no tiene una oficina o centro de operaciones. Álvaro tiene un despacho en su casa, pero se ha ocupado de la web desde cualquier ordenador “e incluso muchas veces desde el propio ‘smartphone’”. El resto del equipo está diseminado por toda España.

Para muchos usuarios, EOL fue la página donde aprendieron a modificar consolas (“nunca me ha gustado la expresión ‘piratear consolas’, la RAE define piratear como ‘cometer acciones delictivas contra la propiedad’, y que yo sepa la propiedad de una videoconsola es de su comprador). De hecho, Álvaro asegura que ese asunto nunca ha dado problemas: ”Creo que siempre hemos tenido cuidado en cumplir la ley, nunca hemos dado soporte al uso de copias ilegales y, aunque sé que a las tres grandes (Sony, Nintendo y Microsoft) no les hacía mucha gracia algunos de nuestros contenidos, nunca nos han pedido la retirada de nada“.

Solo en una ocasión tuvieron que eliminar una noticia embargada de Microsoft hasta que se levantó la restricción horas más tarde. Por otro lado, lo que sí llegan “cada dos por tres” son burofaxes de personas y empresas que exigen retirar hilos por supuestas calumnias. “Algunas peticiones son legítimas, pero otras simplemente pretenden acallar críticas”.

Otra de las características que hizo famosa a EOL fue el ‘homebrew’, ‘software’ no oficial para videoconsolas. Sin embargo, aquella época, como la del 'tuneo' de consolas, “ya pasó”. Hay varias razones: “Por un lado con la explosión de los dispositivos Android y similares que permiten hacer todas estas cosas que hacíamos con una Xbox modificada, y por el otro con el actual apoyo oficial al desarrollo de juegos ‘indie’”.

Los ingresos proceden de la publicidad, sobre todo de los ‘banners’ tradicionales. Ellos también han sufrido durante todos estos años a los bloqueadores de anuncios; de hecho, ahora muestran muy poca publicidad a los usuarios que están registrados o escriben en los foros. También tienen patrocinios (hay hilos promocionales, marcados como tal para que los usuarios los distingan), la marca de gafas de sol Hawkers patrocina toda la web y además hay enlaces de afiliados que les proporcionan una pequeña comisión.

Tanto tiempo de foros, noticias, consolas modificadas y ‘software’ casero han dado para un puñado de anécdotas. Por ejemplo, a lo largo de los años, Álvaro se ha encontrado por casualidad con numerosos usuarios de la web. “Me pasó hace muy poco en el gimnasio cuando repasaba EOL desde el móvil. Un compañero lo vio y dijo algo así como ‘ElOtroLado, un clásico’. Cuando le comenté que era mi web flipó en colores y empezamos a buscar sus mensajes en el foro de hace más de 10 años. El tío estaba superemocionado”, recuerda.

Además, como el roce hace el cariño, algunos usuarios se han conocido, han forjado grandes amistades e incluso se han casado. “Es sorprendente cómo a partir de una web de videojuegos y tecnología pueden crearse este tipo de vínculos y relaciones que a algunas personas les ha cambiado la vida”.

Sobrevivir a burbujas y crisis

Poco después de que EOL naciera, Álvaro vio cómo estallaba la primera burbuja de las puntocom. Ahora, en estos años de crisis, varios son los servicios y revistas especializadas en videojuegos que también han desaparecido, mientras crecían las webs de nicho y las ‘reviews’ y partidas poblaban YouTube. Sin embargo, EOL ha sobrevivido a todo ello. Para él, el truco está en que ha preferido avanzar “paso a paso, con cimientos sólidos y nunca gastando más de lo ingresado”. Pero, además, “sin la gran tripulación que tenemos habríamos naufragado como tantas otras webs”

Para el futuro solo contempla una cosa: seguir contando todas las novedades que se produzcan en los sectores del videojuego y la tecnología. “Y si el efecto Lindy [ese que dice que cuanto más tiempo vive una tecnología, más posibilidades tiene de seguir durando] se cumple, estaremos al menos otros 17 años al pie del cañón”.

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Las imágenes son propiedad, por orden de aparición, de Álvaro Garrido, Becky Lai y Pixabay