Logroño ya tiene cartel anunciador de la Semana Santa logroñesa. Una obra del pintor jesús Domingo Peña. El alcalde de Logroño, Conrado Escobar, el Hermano Mayor de la Hermandad de Cofradías de la Pasión de la Ciudad de Logroño, Francisco José Marín de Diego, y el pintor Jesús Domingo Peña hsn presentado este miércoles el cartel anunciador de la Semana Santa de Logroño 2026, así como el programa de actividades que la Hermandad y las cofradías han organizado para la Cuaresma.

En el acto, que ha coincidido con la celebración del Miércoles de Ceniza, también han participado los concejales de Promoción de la Ciudad y Cultura, Miguel Sainz y Rosa Fernández, y el secretario de la Hermandad, Luis Ignacio Arruti.

Lienzo, obra de Jesús Domingo Peña

La Hermandad de Cofradías de la Pasión de la ciudad de Logroño propuso al pintor logroñés Jesús Domingo Peña elaborar la imagen del cartel anunciador de la Semana Santa de 2026, en el marco de la iniciativa iniciado el año pasado, que pretende relacionar la Semana Santa con el mundo artístico de La Rioja, para lo que la Hermandad pretende seguir contando con otros artistas riojanos en los próximos años.

Según el Hermano Mayor de la Cofradía, “se trata de una apuesta decidida por la cultura y el talento local, entendiendo el cartel como una inversión cultural de ciudad, siempre en colaboración con el Ayuntamiento de Logroño”.

Nacido en Logroño en 1994, Jesús Domingo cursó Bellas Artes en Bilbao entre 2012 y 2016, especializándose en pintura. Su trabajo se inscribe en el realismo contemporáneo, fruto de una investigación constante sobre la imagen y la mirada, influido por el realismo europeo, el Siglo de Oro español y la tradición fotorrealista americana. Su pintura busca generar una “tercera realidad”, aportando una nueva sensibilidad que trasciende la mera reproducción.

La obra representa al Santo Cristo de las Ánimas, una de las grandes joyas de nuestra imaginería procesional. Talla manierista del siglo XVI atribuida a Arnao de Bruselas, destaca por la elegancia de su anatomía, la calidad de su policromía y la profundidad espiritual de su expresión. El cuerpo describe la característica línea en “S” del manierismo, con los brazos en tensión, las piernas superpuestas y la cabeza inclinada hacia el fiel, estableciendo un diálogo directo y sobrecogedor.

En el cartel, el artista lo sitúa en una composición vertical de gran fuerza, con una iluminación que modela el cuerpo y lo hace emerger sobre un fondo de tonos burdeos y morados propios de la Cuaresma. Sobre ese fondo destacan grandes claveles violáceos, flores tradicionalmente vinculadas a nuestras procesiones y especialmente arraigadas al Cristo de las Ánimas, símbolo de la devoción popular que lo acompaña en la calle.

Cabe recordar que la Semana Santa de Logroño está declarada Fiesta de Interés Turístico Nacional, “un reconocimiento”, a juicio de Escobar, que “avala su valor histórico y artístico, así como su capacidad de proyección exterior y de dinamización cultural y turística para la ciudad”. Esta distinción “nos compromete a seguir trabajando para poner en valor este periodo en la ciudad, que aúna tradición, cultura, espiritualidad, devoción y patrimonio”.

Programa de Cuaresma

El cartel anuncia una Semana Santa que vendrá precedida por una Cuaresma con más de cuarenta actos organizados tanto por la Hermandad como por las once cofradías que la integran.

Entre ellos, cabe destacar los traslados procesionales que se celebrarán el 14 de marzo, en los que las cofradías de la Flagelación y de la Entrada trasladarán sus pasos desde sus actuales ubicaciones hasta la iglesia de Santa Teresita, acompañados por sus respectivas bandas. Este acto no solo tiene carácter organizativo, sino también profundamente devocional, al permitir que las imágenes recorran las calles y se acerquen a los fieles antes de los días centrales de la Semana Santa.

Junto a ello, se conmemorará el 25 aniversario de la banda de la Cofradía del Descendimiento, tendrá lugar la procesión extraordinaria del Cristo de la Reconciliación, se celebrarán conciertos y actos solidarios, y se bendecirá la nueva imagen de María Santísima del Amor.

Además, la Semana Santa logroñesa volverá a proyectarse a nivel nacional con su presentación en Salamanca el 21 de marzo, y culminará con el tradicional pregón, que este año será pronunciado por el obispo de la diócesis, monseñor Santos Montoya.

Escobar anima a los logroñeses a participar en el “nutrido programa”

El primer edil ha animado a “todos los logroñeses y logroñesas, y también a quienes nos visitan, a descubrir y participar en el nutrido programa de actividades que, gracias al esfuerzo de la Hermandad de Cofradías, se desarrolla durante esta Cuaresma”. Unas semanas, además, “que nos preparan para la celebración de la Semana Santa, que cada año reúne a miles de personas en nuestra ciudad”, ha añadido.

El alcalde ha agradecido a quienes forman parte de la Hermandad y de cada cofradía “su esfuerzo y dedicación, no solo en estos días, sino durante todo el año, para preservar nuestras tradiciones y enriquecerlas con propuestas centradas en el arte ligado a nuestra tierra, la solidaridad, el sentimiento religioso o las manifestaciones culturales de muy variada índole”.

Según las palabras de Escobar, “tradición, fe, arte y compromiso con Logroño se unen en un cartel que no solo anuncia la Semana Santa de 2026, sino que refleja la vitalidad de una celebración profundamente arraigada en la identidad de nuestra ciudad”.

Tony Stella, Bill Gold, Stephen Frankfurt, Saul Bass o John Alvin son algunos de los popes del cartelismo cinematográfico y los responsables de que cuando uno piense en Espartaco, Sin Perdón, Alien, Blade runner o El rey león algo en su hipotálamo le conduzca irremediablemente a los pósteres que en su momento anunciaban su lanzamiento. Y es que aunque algunos se empeñen en lo contrario y se tienda a homogeneizar la cultura de arriba abajo y de abajo arriba, los carteles de cine siguen siendo un lienzo en blanco para que artistas de todo el mundo den rienda suelta a su creatividad.

Gabriel Moreno (Baena, Córdoba, 1973) es uno de los escogidos y su obra preside ahora marquesinas y salas de cine por todo el mundo. Todo ello porque su trabajo ha llegado a oídos de los responsables de promocionar Una batalla tras otra, el último film de una auténtica leyenda de la historia moderna del séptimo arte. “Un día recibí un mail de una agencia en el que me decían que Paul Thomas Anderson estaba discutiendo la opción de tener un cartel artístico para su última película. Ya tenían el fotográfico y estaban barajando esa opción”, cuenta Moreno.

El artista se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y más tarde sería seleccionado como uno de los 100 ilustradores más influyentes del mundo por la prestigiosa editorial Taschen. Ha sido portada de Los Angeles Times, The Wall Street Journal o Rolling Stone y ha colaborado con agencias internacionales (McCann, Erickson NY, Wieden + Kennedy Shanghai, BBDO Moscow) en campañas para Nike, Rolex, Coca-Cola o Victoria’s Secret.

“La agencia me dijo que fue él quien me pidió, pero la verdad no sé si fue la agencia la que le presentó varias opciones o si él me nombró por su cuenta. Uno de los primeros trabajos que hice y que me abrió muchas puertas fue para Los Angeles Times cuando nombraron a Gustavo Dudamel director de la Orquesta filarmónica de Los Ángeles, y esa ha sido una de las referencias por las que se me conoce desde entonces. Me dijeron que si me interesaba, firmé un montón de documentos de confidencialidad y me pidieron que armara dos propuestas distintas: una de ilustración y otra de lo que en el sector llamamos, fine art. Esta última es algo más elaborado, más único y yo estaba seguro desde el principio que eso es lo que iba a querer Paul, pero entiendo que la agencia quisiera proponer todas las alternativas posibles”, añade.

Como el andaluz sospechaba, la cosa se inclinó hacia el fine art: “En la primera conversación que tuve con los responsables del proyecto me quedó claro que PTA —acrónimo de Paul Thomas Anderson por el que se le conoce en Hollywood— querría hacer algo único y quería algo más similar a un cuadro que una ilustración, que son cosas muy distintas. Por explicarlo de forma muy genérica: un cuadro es un elemento único de una sola capa y la ilustración te permite más versatilidad. ¿Qué me apetecía más? No tenía que pensar en lo que yo quería, sino en lo que me estaban pidiendo además de tener en cuenta que mi obra iba a convivir con el cartel fotográfico”.

En 2017 Moreno centró su carrera como artista plástico y, desde entonces, su obra ha estado presente en las principales en ferias y galerías de Miami, París, Mónaco, Venecia, Londres, Nueva York y Hong Kong. Influenciado por artistas del Renacimiento y la estética barroca, con un estilo hiperrealista y foco en la figura femenina, su obra moderniza la iconografía tradicional con elementos contemporáneos. “Una de las razones por las que fui escogido por el peso de la figura femenina en mi obra y eso es lo que me pidieron que destacara en el cartel. Querían algo que reflejara el rol de Chase Infinity que posee la ternura, pero también la fortaleza de su personaje”, cuenta.

Sin embargo, a la hora de la verdad, el reto pasó de grande a mayúsculo. “No se podía hacer una foto a la actriz y yo siempre quiero hacer una foto con la modelo con los distintos elementos, telas, poses, conceptos, que usaré más adelante en la composición. Igual te salen 600 imágenes. ¿Cómo podía hacer ese cuadro si no tenía ni una foto? Pues haciendo magia”, dice entre risas. “Me mandaron un montón de fotos de la actriz en distintos posados, monté una sesión con una modelo de cuerpo y a través de un programa encajé el rostro de uno en la cara de la otra para que se integrase. Todos los bocetos que realicé fueron a partir de esa fotografía. Solo me pidieron añadir la chaqueta de cuadros que luce DiCaprio en el filme, yo propuse unas polaroids con escenas de la película y una vez aprobado todo, pues a dibujar. Siempre digo que para mí el proceso creativo es la foto y lo demás es pura técnica”, cuenta.

Cuando me buscan a mí es que quieren mi estilo, pero nunca olvido que estoy currando para un cliente, sea quien sea

Gabriel Moreno — Artista

Moreno nunca habló directamente con Anderson durante el tiempo que duró el proceso, aunque sus mensajes llegaban diáfanos a la bandeja de entrada del artista: “Me decían, ‘PTA ha dicho tal o PTA ha dicho cuál’, pero siempre a través de la agencia. Ya conozco un poco el negocio, así que sé perfectamente que todas las agencias tienen miedo a sus clientes y si hablamos de Paul Thomas Anderson y de una película con un presupuesto de 150 millones hay que hacerlo todo con calma y precaución”.

Así lo hizo hasta que llegó un mail en que el propio director decía: “Yo me fío de Gabriel y lo vamos a hacer como él diga”. “Desde ese momento y hasta cuando lo envié ya hecho no tocaron ni una sola cosa del resultado final, ni siquiera el tono de un color. Nada”, dice. Aun así, el español aclara que, el nivel de libertad artística es “toda y ninguna”. “Yo tengo libertad cuando hago algo para mí o para mi galería, pero si trabajo para un tercero trabajo para un tercero. Lo bueno es que cuando me buscan a mí es que quieren mi estilo, pero nunca olvido que estoy currando para un cliente, sea quien sea”, explica.

Una batalla tras otra, protagonizada por Leonardo DiCaprio, Benicio del Toro y la mencionada Chase Infinity, nos sumerge en la historia de un exrevolucionario que vuelve a la carga cuando secuestran a su hija. “Paul Thomas Anderson es un mito y estoy muy contento de que me escogieran, de haber podido ejecutarlo tal y como deseaba y de que haya salido de este modo. Hay que ser muy valiente para atreverse a hacer algo así en los tiempos que corren y le estoy muy agradecido”, remata Moreno.

Vuelve la Fiesta del Cine es una de las fechas más esperadas por los que quieren disfrutar de asistir a las salas de cine por un precio más reducido y asequible de lo que es habitual, lo que se presenta una excusa perfecta para planificar una visita, y que suele ser un éxito de asistencia.

Cuando es la Fiesta del Cine 2025 y qué precio tienen las entradas

La Fiesta del Cine 2025 se presenta en una nueva edición, la primera de este año, tras un éxito de asistencia en la pasada que se produjo en noviembre de 2024, con casi 1,4 millones de espectadores que acudieron a las salas de cine.

En esta ocasión, la Fiesta del Cine 2025 se presenta del 2 al 5 de junio, ambos inclusive, en 337 salas adheridas a esta promoción que se pueden consultar en la página web del evento, donde informa de un precio de 3,50 euros para venta habitual, sin más descuentos aplicables, solo con la excepción del Bono Cultural Joven.

Qué películas se pueden ver en la Fiesta del Cine 2025

La primera edición del año de la Fiesta del Cine llega con una taquilla protagonizada por estrenos destacados de cara al verano, como es el caso de Lilo & Stitch en su versión live-action, así como la nueva y última entrega de Misión imposible.

En algunos cines se dará un pase limitado y exclusivo de Ballerina, de la saga John Wick, que tendrá un preesteno dentro de esta promoción, y también se podrá todavía disfrutar de estrenos de hace semanas e incluso un mes como ‘Una película de Minecraft’, ‘Los pecadores’, ‘Thunderbolts’ o la última entrega de la saga de terror ‘Destino Final: Lazos de sangre’.

Para la Fiesta del Cine 2025 llegan también los últimos estrenos de mayo, con títulos destacados como la nueva película de Wes Anderson ‘La trama fenicia’, ‘Blindado’ con Bill Skarsgard y Anthony Hopkins, la argentina ‘El jockey’ o ‘Las cuatro fantásticas’, una comedia con Susan Sarandon y Bette Midler.

El cine español tiene también una parte importante en la cartelera para la Fiesta del cine 2025 con como ‘Hamburgo’ con Jaime Lorente, Roger Casamajor o Ioana Bugarin, ‘Un funeral de locos’, la adaptación de la británica ‘Un funeral de muerte’, ‘La buena letra’, ‘El casoplón’ o  ‘Doñana, donde el agua es sagrada’.

Ya podemos decir que, según una sentencia de un tribunal de justicia, el actor francés Gérard Depardieu es un agresor sexual. Ha sido condenado a 18 meses de cárcel por manosear a dos mujeres en el set de rodaje de una película. Su abogado ha anunciado la apelación, así que que cabe recurso y esta condena se puede revertir. No obstante, esta se ha convertido en la primera materialización judicial del movimiento Me Too francés.

Curiosamente, la lectura de esta sentencia ha coincidido en el tiempo, con un océano de por medio, con la repetición de lo que también fue la primera materialización judicial del Me Too en Estados Unidos, el proceso contra el productor de cine Harvey Weinstein.

Es la tercera vez que el que fuera gran magnate de Miramax pasa por el banquillo. Primero fueron las historias periodísticas, y luego los procesos judiciales. Fueron las periodistas Jodi Kantor y Megan Twohey las que rompieron con esta historia en New York Times en 2017; y Ronan Farrow lo hizo en New Yorker. Tres años después, Weinstein, acusado de agresiones sexuales y depredación, fue juzgado en Nueva York por las denuncias de dos mujeres. Fue condenado a 23 años de cárcel, pero la sentencia fue anulada por un error jurídico de las acusaciones. Posteriormente, en 2022, fue juzgado por el mismo tipo de delitos en Los Ángeles. Ahí fue condenado a 16 años de cárcel, es por eso que la repetición del primer juicio le pilla ya en prisión.

Hay que decir que el juicio contra Weinstein no está despertando gran interés en España. La sentencia contra Depardieu, un poco más (además, ha coincidido con el arranque del Festival de Cannes) pero el impacto no ha sido muy grande, en verdad. El tema no cinematográfico que revolotea sobre Cannes es más bien el genocidio en Gaza (hablamos más abajo de ello). Los abusos sexuales en el mundo del cine, han pasado a un segundo o tercer plano. Aunque la principal asociación de mujeres del audiovisual (CIMA) ha publicado hace unos días este importante informe, que te recomiendo.

Sobre cómo impacta la política en Cannes, así como las películas más relevantes que pasen por allí, te estará hablando mi compañero Javier Zurro, enviado a la marítima ciudad francesa. De entrada, Robert De Niro, que ha recibido la Palma de Oro honorífica, ha abierto fuego rajando sobre Trump: “No podemos quedarnos de brazos cruzados” (por cierto, ¿has oído a Bruce Springsteen?: “Su Administración es corrupta, incompetente y traidora”).

Es una edición histórica en Cannes, con dos películas españolas en sección oficial y una tercera en la Semana de la Crítica, síguenos todos los días.

Tres libros

'Memoria del frío' de Miguel Martínez del Arco (Hoja de Lata). La cuarta edición de esta apasionante novela, que se publicó por primera vez en 2021 viene con postre de regalo: un epílogo a cargo de Manuel Rivas, que complementa el prólogo de Edurne Portela. Entra esta potente compañía se encapsula el gran talento narrativo de Martínez del Arco, que nos hace viajar entre diferentes presentes y a través del tiempo, con la misma suavidad que una ola acaricia una y otra vez la orilla. Y así, tejido con la ficción pero arraigado en la memoria familiar, conocemos a fondo la vida y el carácter de la militante antifranquista Manoli del Arco, su madre, que fue la presa que más años estuvo encarcelada por la dictadura. Qué necesaria esta exploración. Qué carentes estamos del conocimiento (y reconocimiento) de esta parte de nuestra historia, tan poco contada, tan invisibilizada. Cuanto reconocimiento y agradecimiento le debemos a estas mujeres. Ya en librerías.

'Los cuchillos largos' de Irvine Welsh (Anagrama). El autor de Trainspotting, Acid House o Éxtasis, la gran voz contemporánea del suburbio escocés, recupera un personaje de sus novelas Escoria y Crimen, el inspector Ray Lennox, que tiene que entender cómo el cuerpo desnudo y carente de vida de un diputado tory ha terminado en el puerto de Leith. Personajazos, gore y momentos salvajes, para los fans de Welsh, una más. En librerías desde el 14 de mayo.

'La zorra' de Bora Chung (Alpha Decay). Hay mucho interés hacia las novelistas surcoreanas. Bora Chung (Seúl, 1976), es la autora de un libro de relatos que consiguió bastante atención, Conejo maldito (finalista del Booker en 2022), por su estilo entre de realismo mágico inserto en el espacio cotidiano (tendencia al alza). Por ello Alpha Decay recupera la primera novela de la coreana, que ahonda en un estilo simular, aunque más cercano a la fantasía. Parte de una leyenda coreana sobre un zorro que seduce y devora a los hombres. En librerías desde el 12 de mayo.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Estas son mis recomendaciones musicales para la semana. Recuerda que puedes escucharlas en nuestra playlist en Spotify, donde están también las de las semanas anteriores.

'Padiante' de Sen Senra. Es imposible no emocionarse con la belleza sonora y la honestidad compositiva de Padiante, la joya en gallego con la que Sen Senra rinde homenaje a su tierra y en la que lleva pensando desde 2023, cuando confesó en elDiario.es que tenía “alguna idea por ahí guardada”. La idea, por fin, ha dado resultado. “Xa estou aquí. Vin polo vento, xa mirei tras do ceo; eu aquí son feliz [Ya estoy aquí. Vine con el viento, ya miré tras el cielo; yo aquí soy feliz]”, inicia el tema, que reivindica una “gravada en ferro [grabada en hierro]” y “fundida no sangue [fundida en la sangre]”. “Se nos rouban toda a auga do río pois iremos xuntos chorar, que dentro gardamos bastante [Si nos roban toda el agua del río, pues iremos juntos a llorar, que por dentro guardamos bastante]”, reivindica. El tema sirve como adelanto de PO2054AZ VOL III: “El Retorno”, disco que se publica el próximo 6 de junio. Escúchala en Spotify.

'Take A Sexy Picture Of Me' de CMAT. Tomando como inspiración la constante crítica que enfrenta la mujer con respecto a su cuerpo, la cantante irlandesa CMAT denuncia la situación en su irónica y acertada Take A Sexy Picture Of Me. “Oh, nena, presta atención a mi solución y hazme una foto sexy, hazme parecer de dieciséis”, canta la artista, que el año pasado sufrió comentarios negativos por su cuerpo que la BBC tuvo que eliminar: “No sabía que era ilegal tener un culo enorme”. En esta canción, que pertenece a un álbum titulado EURO-COUNTRY que publica el 29 de agosto, la artista lamenta que no se la ha “mirado igual” desde que cumplió 27 años y trata de ser sarcástica: “Ningún médico o papa puede otorgar un diagnóstico, he revisado los foros y no hay cura para las viejas”. Escúchala en Spotify.

'All I Can Say' de Kali Uchis. Qué melodía tan hipnotizante presenta la estadounidense Kali Uchis en la novena pista de Sincerely, un disco que acaba de llegar al mercado y que merece la pena saborear durante sus 50 minutos. “Un soñador debería soñar, ¿de qué otra forma se harían los sueños realidad?”, alega la cantante en la canción, que reúne lo mejor del disco a través de un sonido melancólico y nostálgico. “No lamento la forma en que amo ni el corazón que tengo”, declara en defensa del amor propio. Eso es todo lo que puede decir en una canción que sirve como excusa perfecta para adentrarse en la discografía de una artista todavía no muy presente en España. Escúchala en Spotify.

Tres películas, por Javier Zurro

'Jane Austen arruinó mi vida'. La verdad es que es una semana bastante floja de estrenos en salas de cine, y entre ellos destaca esta actualización de las películas románticas y de las novelas de Jane Austen que se sitúa en el término medio entre el homenaje y la revisión feminista. Es una película inofensiva que se ve con gusto y que anima una tarde. Vista la cartelera del fin de semana no es poco.

'Almudena'. Azucena Rodríguez rodaba un documental sobre su amiga Almudena Grandes cuando la escritora falleció. Al final, esas imágenes se convirtieron sin saberlo en las últimas registradas. Solo por ello este documental tiene algo emotivo y valioso, pero sobre todo sirve para recordar la personalidad arrolladora que tenía y, en especial, su compromiso político. Cuánto se la echa de menos.

'La jetée'. Si la cartelera tradicional no te congratula (y sería normal), en la Cineteca de Madrid están haciendo un ciclo imprescindible para un autor imprescindible, Chris Marker. Quizás lo más fácil sea empezar por La jetée, su clásico indescriptible de ciencia ficción cuya idea sirvió para que Terry Gilliam hiciera '12 Monos'. Una de las películas que más ha influido a otros directores durante décadas. Y, si no puedes ir, la tienes en Filmin.

Tres planes para el finde, por Laura García Higueras

Eurovisión. Este sábado llega la gran cita de la música europea, con la celebración del Festival de Eurovisión. Día perfecto para reunirse en familia o con amigos para disfrutar de las actuaciones y sufrir en las votaciones. Un poquito de brilli brilli, bailoteo, mamarracheo y ojalá un buen puesto para nuestra 'Diva' Melody. Ojalá también haya espacio para la protesta frente a la doble cara “apolítica” y “diversa” del certamen sobre el que las presentadoras ya ironizaron en la primera semifinal celebrada el martes. El grupo sueco KAJ parten como favoritos.

'Cine y cañas' (Zaragoza). La Academia de Cine y el Audiovisual Aragonés organizan la segunda entrega de esta actividad, titulada Escenarios de Cine, en la que se acercará al público la importancia de nuestro patrimonio natural y cultural para la atracción de rodajes en Aragón, y la experiencia de rodar en localizaciones reales. El ciclo continuará el sábado día 24, bajo el título Abusos y violencia sexual. ¿El sector audiovisual es especial o es un reflejo de esta sociedad?, donde se abordarán temas de igualdad y prevención de abusos en espacios de trabajo audiovisual, recogiendo informes como el presentado por CIMA hace unas semanas, que señaló la “impunidad” del agresor y la “desatención” a las víctimas de violencia sexual en el cine español.

NUMAcircuit (Tenerife). El Espacio La Granja de Santa Cruz de Tenerife acoge este sábado esta jornada dedicada al arte visual en directo y la música electrónica, combinando divulgación, experimentación y performance. Empezará a las 18:30 con un coloquio sobre Nuevas Narrativas, en el que se abrirá un diálogo sobre el presente y el futuro del arte digital. Seguirá con dos espectáculos: Matadero y Momento 0.0.

Tres exposiciones, por Jordi Sabaté

'Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas' (Bilbao). Nacida en la ciudad de Nueva York, Frankenthaler (1928–2011) estudió arte con un enfoque tradicional, pero pronto se pasó a la abstracción y terminó desempeñando un papel esencial en la transición del expresionismo abstracto a la pintura de campos de color. Conocida por haber inventado la técnica de “empapar y manchar”, ha legado un considerable corpus de obras sobre lienzo y papel, además de esculturas, cerámica, tapices y obra gráfica. 

Organizada por la Fondazione Palazzo Strozzi, Florencia y la Helen Frankenthaler Foundation, Nueva York en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao, la muestra podrá verse en Bilbao hasta el 28 de septiembre. La misma plantea un recorrido cronológico que comienza en los años cincuenta y concluye en la primera década del siglo xxi. Cada sección, acompañada de un texto explicativo, representa un capítulo de la prolífica trayectoria de Frankenthaler. 

'¿Adónde irá el pájaro que no vuele?' (Madrid). Se trata de una exposición coral que, además de las salas de La Casa Encendida, se extiende a espacios independientes de Madrid. Los comisarios Ángel Calvo Ulloa y Julia Castelló han reunido a artistas como Pedro G. Romero, Premio Nacional de Artes Plásticas 2024, Santiago Cirugeda o Alberto Peral para mostrar obras que no solo crean sentido, sino también comunidad, ya que el concepto que guía la muestra es la generosidad como actitud creativa: colaborar, devolver, abrir espacios, compartir procesos y cuestionar los límites de lo artístico. Muchas son colaborativas, otras se conciben como herramientas sociales, educativas o políticas. En todas hay una voluntad de devolver algo al mundo.

'Marisa Flórez. Un tiempo para mirar' (1970 – 2020). La Sala Canal de Isabel II presenta la exposición Un tiempo para mirar (1970-2020), dedicada a la fotorreportera Marisa Flórez. Con cinco décadas de oficio, inicia su trayectoria en 1971 en el diario Informaciones y desarrolla una extensa carrera en El País entre 1976-2012 como fotorreportera, redactora jefa y editora gráfica, donde ha sabido combinar con elegancia y sencillez, en perfecto equilibrio, la creación artística y el sentido documental de la fotografía.

Esta exposición, comisariada por Mónica Carabias Álvaro, consta de 148 imágenes de Flores, algunas inéditas, y tiene como principal objetivo descubrir al público una obra fotográfica repleta de momentos sorprendentes y acontecimientos decisivos en nuestra historia reciente.

Tres artículos

La pobreza entra por la puerta. Se cumplen 40 años del primer disco de El Último de la Fila. Tras el anuncio de su retorno, contamos la intrahistoria de la formación del dúo y de ese trabajo low cost que revolucionó la música.

Cannes. El festival de cine más importante de Europa ha comenzado, con Javier Zurro de enviado especial, y muchos pesos pesados presionando para que la industria se posicione contra el genocidio en Gaza.

Más allá del meme. Hablamos con el director Javier Horcajada, que utiliza las grabaciones hechas por los asaltantes de la sede del Congreso el 6 de enero de 2021 en su nuevo documental, Capitolio Vs Capitolio.

A los candidatos, especialmente a los cabezas de lista, les hicieron las fotos para la campaña hace unos días. Bien atildados, pasaron por la sesión de fotos con la mejor de sus sonrisas. No hay problemas con las arrugas o con las imperfecciones en la dentadura. Con Photoshop desaparecen con rapidez las máculas del tiempo y les hacen una ortodoncia en un pispás sin pasar por caja. Hasta si es necesario se tiñen los cabellos para que los más blancos no desluzcan la imagen juvenil que quiere dar, por ejemplo, un cincuentón. Eso sí, hay casos donde solo un sombrero podría disimular la falta de cabello.

Según dicen los manuales hay varios tipos de retrato. En cartelería para pegar, banderolas y otros soportes callejeros no suele emplearse el plano general porque resulta poco cercano porque salen los candidatos de cuerpo entero. Este plano se utiliza más cuando se trata de fotos de grupo. Así se ve que los futuros ediles o diputados tienen piernas.

El plano de tres cuartos o americano es el que, desde por encima de la cabeza, llega casi hasta las rodillas. Tampoco es el mejor plano para un cartel donde solo aparece un candidato. El plano medio se emplea mucho en retratos. Para entendernos es el que va de la cabeza a, más o menos, el ombligo. Si echan un vistazo a la cartelería que se encuentra en muchas calles, esta campaña electoral en Aragón se lleva mucho el plano medio. También es el elegido por algunos candidatos el plano medio corto, que, como su nombre indica, hace que el candidato muestre menos cuerpo y acerque más su imagen al viandante.

Por último, está el primer plano y el primerísimo primer plano. El primer plano viene a ser como la foto que nos piden para el DNI o el pasaporte. El primerísimo primer plano, para explicarlo rápido es el que han elegido, por ejemplo, la candidata de Podemos Maru Díaz y el alcalde de Huesca y candidato a la reelección Luis Felipe.

Lambán y Azcón o sus asesores han preferido un plano medio más corto que largo con una sonrisa sin dientes en el caso de Lambán y una de Azcón enseñando una magnífica dentadura que presiona dando la impresión de que fuerza la sonrisa.

Recomiendan que cuando se pasea por la calle se mire hacia el cielo de vez en cuando para ver que en las calles no solo hay escaparates. Perder unos minutos en alguna ocasión mirando carteles electorales también puede enseñarnos cosas interesantes de los candidatos sin tener que escucharlos.

A Antonio Santos, crítico de cine de la cartelera Turia, le tocó por sorteo escribir para el número 119 de la semana del 2 al 8 de mayo de 1966 sobre la película propagandística Posición avanzada de Pedro Lazaga. Le puso un cero y su crítica no dejaba títere con cabeza: “Posición avanzada es, así, una película destinada, como siempre a los alféreces provisionales, a los exsargentos, a los exsoldados analfabetos que tenían una novia en su pueblo y que lo pasaban bien en las trincheras porque allí conocían la amistad y luchaban por su patria... Y eso hace que uno desee, para la próxima ocasión, ver sobre las carteleras la advertencia «para mayores de 40 años». Porque la verdad es que, a estas alturas, y al menos a los españoles que aún no llegamos a los 30, este tipo de historias nos producen un soberano aburrimiento”.

Días más tarde, algunos de los protagonistas de la película —“cinco individuos con bigote de desfile de hormigas”— se presentaron, a punta de pistola, en el domicilio en el que vivía en la calle del Conde Altea de Valencia, según recuerda el veterano crítico en una conversación telefónica con elDiario.es. “Perdí el empleo, me despidieron por la actuación de los exalféreces provisionales y días después, de madrugada, me detuvo una pareja de policías de la Brigada Político Social”, relata Santos.

Procesado por un juez militar, pasó varias semanas en la Cárcel Modelo: “Fue para mi una especie de pequeña universidad breve porque los libros que eran imposible de adquirir en librerías corrían de preso en preso, que eran todos del Partido Comunista y del sindicato Comisiones Obreras”.

Cuando volvió por casa, descubrió que el manuscrito de su novela La factura del verdugo había desaparecido tras un registro policial. “Me entró una depresión creativa y dejé de escribir”, dice Antonio Santos. La del crítico fue la primera de las cinco multas gubernativas con las que la dictadura franquista amonestó a la Turia, en tiempos de la Ley de Prensa de Manuel Fraga Iribarne, ministro de Información y Turismo. “Estuvo a punto de desaparecer por las multas, la primera fue la mía”, lamenta Santos. El primer editor, Miguel Zamit, por poco no bajó la persiana de un negocio que no daba dinero, sólo problemas.

Es una de las historias que ha recuperado José Vanaclocha (Carlet, 1940) en Cultura y política en la ciudad de Valencia. Memoria del franquismo y de la transición a la democracia, itinerario de la Cartelera Turia (1964-1982), una edición particular de quien fuera crítico, articulista, administrador, editor y director de la mítica publicación de tamaño bolsillo y con llamativas portadas (la editorial Media Vaca publicó las cubiertas ilustradas por Miguel Calatayud).

En sus inicios, la publicación se nutrió de un grupo de jóvenes críticos muy influenciados por la revista francesa Cahiers du Cinéma. “Escribíamos de cine, teatro, música y exposiciones con un discurso político contra Franco lo más sutil posible, a base de indirectas y metáforas”, recuerda José Vanaclocha.

La obra, con prólogo de Juan Miguel Company, repasa la consolidación de la Turia como una referencia cultural en Valencia. Vanaclocha ha analizado unos 3.000 ejemplares conservados en su colección particular. Tras las multas y el encarcelamiento de Antonio Santos, la cartelera sufrió también la violencia de la extrema derecha durante la Transición: “La mayoría militábamos en el Partido Comunista porque nos parecía lo más vivo entonces y la ultraderecha nos hace varias visitas amedrentándonos, nos envían anónimos que publicamos”, dice Vanaclocha.

En julio de 1977 se produce otro llamativo hito en la historia de la Turia: un grupo de críticos gastronómicos, entre los que destaca el escritor Manuel Vázquez Montalbán, asisten como testigos al juicio contra Antonio Vergara, querellado por injurias y calumnias por el restaurante Río Miño tras una reseña nada elogiosa publicada en la cartelera (en el libro recientemente editado del fotoperiodista Josep Vicent Rodríguez, aparecen Vázquez Montalbán y el crítico gastronómico de Cambio 16 Xavier Domingo comiéndose una paella tras la vista oral). “Fue el primer juicio por cuestiones gastronómicas”, apunta con sorna José Vanaclocha.

A partir de la década de 1970 se consolida la publicación decana pero “el esplendor y la gloria de la ganancia de dinero y de las mejoras de las condiciones de salarios, con una sede con aire condicionado, llega en las décadas de 1980 y 1990”, recuerda el autor del libro. “Hubo dos aciertos: el tamaño bolsillo y que fuimos agrandando el interior hasta llegar a tirar 134 páginas y 15.000 ejemplares, llegamos a tener 34 paginas de publicidad, una burrada”, agrega Vanaclocha, quien lamenta la profunda crisis actual de las salas de cine tras el surgimientos de las plataformas online y de la pandemia de la COVID-19. “En cada película somos tres espectadores por sesión, eso no es viable”, apostilla.

El autor, ya jubilado, no esconde su decepción con la deriva de la Turia y con el panorama cultural valenciano, que “se limita al partido gobernante”. El crítico Antonio Santos, encarcelado por amor al buen cine, tilda la cartelera actual de “repelente”.

- Película: Borg McEnroe (2017)

- Director: Janus Metz Pedersen

- Reparto: Sverrir Gudnason, Shia LaBeouf, Stellan Skarsgard, TuvaN ovotny, Marcus Mossberg, Leo Borg, Robert Emms, Ian Blackman, James Sobol Kelly, Jackson Gann.

Un duelo de titanes, sobre esto versa la película Borg McEnroe, la lucha entre el caballero sueco y el villano estadounidense. Un enfrentamiento auténtico entre dos de los más grandes jugadores de tenis de todos los tiempos. Sus vidas, sus enfrentamientos, sus miedos e incongruencias quedan plasmados en esta película del poco conocido director Janus Metz Pedersen.

¿Qué hay detrás de un partido de dos grandes del tenis? Esto es algo muy llamativo para todos nosotros. Saber qué piensan antes de entrar en la pista, qué supersticiones tienen o simplemente conocerlos un poco más como personas hacen que el filme Borj McEnroe sea un buen reclamo para todos los espectadores. Se trata de una cinta con gancho inicial, sobre todo cuando el partido es la final de Wimbledon y Borj se juega ser el primer tenista en ganar cinco copas seguidas con tan solo 24 años.

Pero no nos engañemos, aunque mantiene el ritmo y sobre todo la tensión en el enfrentamiento final, la cinta tiene momentos más flojos en los que la repetición de algunas situaciones hace que se te haga un poco cuesta arriba. Estos momentos no duran mucho. En seguida la película coge el ritmo final para saber qué pasa en ese gran encuentro (mucho mejor si no se acuerdan y mantienen la intriga sin buscarlo en YouTube).

Lo mejor de la cinta sueca son las interpretaciones de los dos personajes principales. Sverrir Gudnason es prácticamente un calco del tenista sueco, pero, aunque su parecido es brutal, la forma de moverse en la pista, sus gestos… también son su vivo retrato.

Con más diferencia física pero con la misma calidad de copia, interpreta Shia LaBeouf al tan odiado y a la vez adorado John McEnroe. Sus gritos, sus broncas con los árbitros y sus raquetas rotas son igualitas que las del tenista americano.

Pero no solo esto ocurre con los dos tenistas: en el resto de personajes es igual, con la novia y el entrenador de Borj, el padre de McEnroe… Todos ellos consiguen imitar e igualar las figuras de sus imitados. Algo más flojos están el resto de tenistas, pero eso ya es menos importante.

Otro factor a resaltar es la historia en sí, la forma de ir narrando en paralelo la infancia y juventud de estos dos grandes deportistas de élite, así como sus manías y miedos, y cómo, en el fondo, al ser tan distintos en carácter y forma de juego, se completaban. De ahí ese partido angustioso a cinco sets interminables. La prensa los enfrenta, los compara, pero ellos dos se respetan y se admiran, y se envidian mutuamente.

Cinta muy recomendable para los amantes del tenis, para rememorar un gran partido. Para los que les guste el buen cine, también es una opción para disfrutar y conocer un poco más a Borj y McEnroe.

- Película: Campeones (2017)

- Director: Javier Fesser

- Reparto: Javier Gutiérrez, Juan Margallo, Luisa Gavasa, Jesús Vidal, Daniel Freire, Athenea Mata, Roberto Chinchilla, Itziar Castro, Gloria Ramos, Alberto Nieto

Marco, interpretado por Javier Gutiérrez y tras ser expulsado como segundo entrenador del Estudiantes, tiene que cumplir tres meses de sanción por conducir borracho entrenando a un equipo de baloncesto formado por discapacitados intelectuales. Como es previsible, intenta escaquearse, los mira como bichos raros, pero, al final, no le queda otra que asumir el cargo y trabajar con ellos… y, evidentemente, su percepción, no solo de ellos sino de la vida en sí, cambia por completo.

Tengo que empezar diciendo que no me gustó el inicio de la película, para qué engañarnos. Que el centro de las risas salga de las reacciones que tiene un grupo de chicos con discapacidad intelectual, la verdad, no me gusta. Me suena a burla, a distanciamiento aún mayor entre los mal llamados normales y ellos. Pero es verdad que eso solo lo sentí al principio de la cinta.

Según van pasando los minutos, te vas dando cuenta de cómo Fesser (El milagro de P. Tinto, Camino) te presenta una realidad clara y cierta, siempre desde ese punto de vista diferente que tiene ese director, lo que hace que ninguna de sus obras te sean indiferentes.

Su objetivo es muy claro: ¿quiénes son los normales?, ¿pero hay gente normal?, ¿por qué los miramos y tratamos como bichos raros, si nosotros también lo somos? Estas cuestiones están latentes a lo largo de toda la película de una manera muy nítida, llenas en todo momento de mucho humor, pero también de gran ternura y respeto.

Para ello, hay momentos con tono de documental, donde te narra el día a día de los miembros del equipo de baloncesto, sobre todo con el propósito, entiendo, de romper esa barrera tan patente que hay entre los dos mundos.

En esa mezcolanza de documental, cine de humor y toque tierno pero sin pasarse, Javier Fesser rueda esta película que está llenando todos los cines de España. Y es normal. Te ríes con ellos, te agobias con ellos y sufres por ellos; es la mezcla perfecta para enganchar al espectador. Y mucho más con temas tan delicados como la discapacidad intelectual y cómo prácticamente todos miramos hacia otro lado si pasan cerca de nosotros.

Por su puesto, hay que destacar la gran labor de los actores noveles y de su director, que ha sabido sacar la esencia de todos ellos y conseguir un gran resultado. Y cómo no, todo vuelve a estar a favor del actor del momento en España, Javier Gutiérrez (El autor, El olivo), que una vez más borda su trabajo, en este caso el de un tipo en principio desagradable y con ganas de bronca constante que luego se va transformado en una persona de gran corazón.

Como dije al principio, película que no te deja indiferente, con buenos diálogos, aunque con alguna laguna en el guión a la hora de presentar las historias secundarias.

- Título: Ready player one (2018)

- Dirección: Steven Spielberg

- Guión: Ernest Cline y Zak Penn (basado en la novela de Cline)

- Reparto: Tye Sheridan, Olivia Cooke, Lena Waithe, Mark Rylance, Ben Mendelsohn, Simon Pegg, T. J. Miller, Win Morisaki, Philip Zhao

Los seguidores de Steven Spielberg y los aficionados al cine en general estamos de enhorabuena. Los frutos del trabajo del realizador durante 2017 y 2018 no finalizaron con Los archivos del Pentágono, una de las más interesantes historias de este último año, sino que ahora recibimos, con los brazos bien abiertos, la adaptación de esta interesante, nostálgica y divertida adaptación que supone el éxito comercial del libro Ready player one.

Spielberg vuelve al cine familiar, al género aventurero que tanto prestigio le ha dado y tanta devoción levanta entre los espectadores. A sus más de setenta años, el director estadounidense, culpable de clásicos como ET: el extraterrestre (1982) o Parque Jurásico (1993), sigue en una envidiable forma a la hora de defender proyectos de esta envergadura y objetivo. Sobresaliente para él, una vez más, pese a haber firmado en los últimos años historias que no lograron captar del mismo modo ese gusto del público que buscaba, como ocurriera con Mi amigo el gigante, hace tan sólo dos años.

Otro aspecto en el que aprueba con nota el realizador de Encuentros en la Tercera Fase (1977) es la elección de un prometedor reparto que pretende adaptarse a la realidad actual, liderado por Tye Sheridan, a quien ya hemos podido ver en muy buenos títulos como Mud (Jeff Nichols, 2012) o Experimento en la prisión de Stanford (Kyle Patrick Alvarez, 2015), y Olivia Cooke, la genial Rachel de aquella genial comedia dramática adolescente con tintes de cine de Sundance que fuera Me and Earl and the Dying Girl (Alfonso Gomez-Rejon, 2015).

En esta ocasión, Spielberg nos sumerge en Oasis, un plano que sirve de excusa para toda clase de anhelo cultural proveniente de la cultura pop, esa que ha marcado las generaciones de las últimas décadas y que nos ha definido tanto como civilización a este lado del globo.

El despliegue de referencias y guiños es absolutamente abrumador, como la novela adaptada demanda, llegando a provocar un saludable empacho de melancolía. Esto pasa por el cuidado y respeto de esos pequeños homenajes que van protagonizando segundo a segundo el metraje de la cinta. Toda gran película, videojuego o incluso música de los años setenta y ochenta, mayormente, encuentra su hueco en un carrusel que, si bien se esfuerza por el seguir el imparable compás de la narración del libro, acaba siendo comprendido por el espectador con facilidad.

Es el espíritu de Oasis: trasladar a la persona que lee o visiona Ready player one a ese pasado que pudo ser mejor, a los recuerdos y las vivencias con las que crecimos y nos convertimos en quienes somos a través de referencias culturales. No hay nada más propio de la tradición pop que construir al individuo mediante el consumo masivo en el que vive inmerso.

El apartado musical es imprescindible a la hora de encajar el film. Guardianes de la galaxia (James Gunn, 2014) abrió la puerta a esa revisión del pop inyectándole melancolía y creando un efecto vintage, por otra parte necesario y obvio.

Sin embargo, no solo la introducción de canciones es más que acertada sino también lo es el trabajo de la dupla formada por Alan Silvestri (Forrest Gump, Regreso al futuro) y John Williams, quien resurge como uno de los dueños y señores de la composición para cine de aventuras de la última mitad de siglo del siglo veinte que ha sido siempre.

No obstante, pequeños errores y lagunas en el guión construyen el único apartado en el que podemos encontrar puntos muy flacos. Obviedades y estupideces que se dan tanto por hecho en el cine de entretenimiento que no son cuidadas del todo y acaban provocando una pérdida de seriedad y credibilidad en la trama, ya de por sí previsiblemente fantástica.

Junto con los desorbitados giros de enfoque en el primer tramo de la cinta, algo que hace que el metraje casi dé vueltas en la cabeza del espectador por momentos, lo cierto es que Ready player one aspira a ser uno de los nuevos clásicos del cine familiar. Pese a que viene avalada y construida por figuras y estudios de lo más relevante de Hollywood, no deja de ser una propuesta más que agradecida para su momento histórico, teniendo en cuenta los títulos, historias y tendencias con los que tiene que competir.

Siendo una producción destinada a cumplir su papel de taquillazo, acaba creando en nuestras vidas ese Oasis que implanta virtualmente en este cuento. Un lugar para soñar, creer absolutamente todo lo que la mente nos ayude a imaginar y, a su vez, una clase de cine y videojuegos de los años setenta a la actualidad.

Al terminar y al igual que Parzival, el protagonista de esta odisea, habremos vivido algo así como habernos pasado un videojuego alucinante lleno de elementos amados por el imaginario colectivo, algo extraño teniendo en cuenta que en la historia habrían pasado casi ochenta años de esos mismos referentes pero a lo que para nada pondremos objeción alguna. Menos aun cuando podemos disfrutar por una vez de recursos inesperadamente maravillosos como por ejemplo, el cine de Stanley Kubrick, de lo que no contaremos más.

El mensaje de Ready player one, muy confuso y confrontado con el otra homenajeada como es Tron, nos hace tener que elegir entre la reflexión de la cinta dirigida por Lisberger en los ochenta, que resumía la preocupación por el gasto masivo del tiempo de los jóvenes en vivir inmersos en los videojuegos o la de Spielberg, cuyo escrito original nos plantea un mundo paralelo en el que somos bienvenidos a aislarnos y convertirnos en quienes queramos. Ready player one es un homenaje al entretenimiento que nos vio crecer. Una película con la que lo harán los que vienen detrás.

- Título: Bladerunner 2049 (2017)

- Dirección: Denis Villeneuve

- Guión: Hampton Fancher y Michael Green (basado en los personajes creados por Philip K. Dick)

- Reparto: RyanGosling, Ana de Armas, Harrison Ford, Sylvia Hoeks, Jared Leto, Robin Wright

Uno de los mejores directores de la actualidad, Denis Villeneuve (La llegada, Prisioneros), ha desembarcado en los cines con la muy esperada secuela de Bladerunner (Ridley Scott, 1982). Lo hace realizando un ejercicio de respeto absoluto por el filme, lo cual es lo mejor que emana de este largometraje: una fidelidad absoluta por el universo replicante en cuanto a forma y contenido. 

Impresiona por tanto la dirección de todos los departamentos artísticos de esta producción, que pueden sentirse orgullosos por un más que logrado objetivo. De igual forma, esta nueva entrega homenajea el ritmo de su predecesora, muy lento pero seguro, algo que también caracteriza las películas del realizador canadiense. 

Pero claro, he ahí la gran disyuntiva que puede llevar a grandes equívocos a la audiencia. Al hablar de Bladerunner estamos exponiéndonos ante un título que mezcla la ciencia-ficción distópica más interesante combinándola con estructuras del cine negro más clásico. Recursos de esto último enmarcados en aquella estructura narrativa ya tan típica de “lo que empezó como…”.

Como resultado, lo anteriormente manifestado: una historia cuya velocidad puede llegar a aburrir pero que, en el fondo, no estuvo nunca destinada al entretenimiento de la gran masa media sino a ser tratada como una película de culto que con los años tendrá por seguro la valoración de los aficionados al género, sin llegar a la originalidad de la cinta de 1982.

Con las interpretaciones nos llevaremos bastantes alegrías. Los roles protagonistas ofrecen mucho tema de discusión: por qué actúan como actúan siendo lo que son, su credibilidad en una posible realidad…

Sin embargo, lo verdaderamente interesante nos lo ofrecen los papeles secundarios: Jared Leto, Robin Wright, Sylvia Hoecks o una más que sorprendente Ana de Armas, a la que le ha caído del cielo el magnífico papel que desempeña y que sirve para unir el contexto de la ciencia-ficción de entonces con esta era mucho más terrenal y menos filosófica del siglo XXI, que tanto se esfuerza a veces por suplantar las propias carencias afectivas que pueda sufrir.

Sin duda, Bladerunner 2049 es una gran propuesta a la hora de ir al cine, pero dada su exclusividad a la hora de ser aceptada por el gran público no podemos estar hablando de un largometraje destinado a todo tipo de espectador. Es muy complicado que alguien que no sea seguidor de la original disfrute en su totalidad con esta nueva entrega y, a su vez, muchos de los que la consideraron aburrida pueden redimirse y reengancharse con su secuela.

Aisladamente, el guión debe ser tratado con total atención y seguramente varias cosas serán entendibles solo a partir de un segundo visionado, precisamente por la complejidad de la naturaleza de la saga.

Eso sí, quien logre aguantar pegado a la butaca y alcance el último tercio en buena predisposición se encontrará con un desenlace que, si bien no es del todo iluminador, al menos deja sugerentes secuencias para la historia del cine de esta década, además de reflexiones y debates muy interesantes para su discusión, como también pasara –marcando siempre las distancias pertinentes- con aquella historia de los 80 en la que aprendimos que los momentos que vivimos se pierden como lágrimas en la lluvia.

- Título: La guerra del planeta de los simios (2017)

- Dirección: Matt Reeves

- Guión: Mark Bomback y Matt Reeves (basado en la novela de Pierre Boulle)

- Reparto: Andy Serkis, Woody Harrelson, Steve Zahn, Karin Konoval, Amiah Miller, Terry Notary

Por fin tenemos en nuestras salas la continuación del reinicio de una de las sagas más importantes de la ciencia-ficción, la de El planeta de los simios. Serie que, aun constituyéndose siempre como un pelotazo de taquilla, no deja de ser una historia de culto para aquellos que han vivido arraigados al universo del levantamiento de los monos contra los humanos.

La historia de César, de su ejército primate y su estirpe es una delicia que sigue conservando mucha esencia y no pierde calidad en lo que al eje central de su historia se refiere. Pero como toda franquicia parida por las grandes productoras, la mano que mece la cuna de esta épica batalla entre iguales por la supervivencia y la victoria también tiene puntos excesivamente flacos.

La guerra del planeta de los simios es la entrega que más puede pecar de contrariedad de cara al espectador. Queda aprobado su trasfondo, la curiosidad que despierta y no se extingue, la esperanza que impulsa hacia la convivencia de ambas comunidades protagonistas y la empatía por una raza -la simia- que demuestra que ciertas supuestas bestias pueden ser más humanas que el propio hombre.

En el reverso, encontramos la simpleza con la que se caracteriza en esta ocasión la vileza humana, otrora buenamente equilibrada y que ahora se resume en una resistencia inútil y meramente representada en los que conservan la inocencia.

Un sí pero no, un suspenso a medias. Porque los aspectos técnicos, siendo esperadamente impresionantes, no dejan de sorprender y ser absolutamente creíbles al ojo del espectador. No solo por la gestualización de Andy Serkis, dueño y señor absoluto de la interpretación por captura de movimiento, sino, claro está, por el despliegue de sus efectos visuales, pese a que en ciertos momentos pequen de falta de continuidad. Nada de qué preocuparse, no se trata de algo notorio.

Lo que sí es lamentable es que La guerra del planeta de los simios se enmarque en una penosa contextualización de la visión más estadounidense del mundo, que mira por encima del hombro problemas tan complejos y en boga como el conflicto entre seres coexistentes, señalándolos por su raza o facción. Un enfoque que a la hora de la verdad incluye a todo ser ajeno a la propia cultura en el mismo saco, prejuicio en el que aparecen insurgentes y moderados, muros y amurallados.

Y por encima de todo ello el humano, o el animal humanizado, cuyo destino parece ser el matar o ser muerto a manos de otro y que intenta dominar el mundo tratando a los diferentes como simples monos de feria, creyéndose, como en la triste realidad, emperadores del mundo habitado.

- Título: Un don excepcional (Gifted), 2017

- Dirección: Marc Webb

- Guión: Tom Flynn

- Reparto: Chris Evans, Jenny Slate, Octavia Spencer, Lindsay Duncan, Mckenna Grace

Siempre es de agradecer que entre tanta adaptación de cómic, libro e incluso entre reinicios la industria se tome un respiro para dejar espacio a esas películas de guión propio, para que vivan en el mundo exterior y se las tome más en serio a la hora de ser vistas en la cartelera. Parece mentira que estemos hablando de esto.

La pasada semana tuvo lugar el estreno de Un don excepcional, la historia de un padre coraje que quiere lo mejor para su sobrina -ahora hija a la fuerza-. Pese al alegato anterior a favor de las historias originales, es cierto que, hasta ahora, el argumento de Gifted (mejor en inglés que en español) es el entramado perfecto de una película de sobremesa. Sin embargo, ahí entraríamos a hablar de la figura del director, de sus personajes y actores, del guión…

El director Marc Webb vuelve al cine firmando otra película en la que puede desarrollar su enfoque dramático, pero optimista, adulto queriendo ser ingenuo. Comportamiento que ha quedado reflejado en anteriores proyectos. No hace falta más que recurrir a su The Amazing Spider-man o a la siempre recomendable (500) Días juntos. Simplemente la firma de este director merece una oportunidad del público.

Para terminar de convencer, la actriz revelación de esta historia: la pequeña Mary (McKenna Grace), quien sorprendentemente cae genial pese a la complicada personalidad infantil que debe representar. Es el personaje mejor elaborado y no se podría aceptar de otra forma. Los diálogos están hechos para que destaque, pero de manera no muy obvia, y la convierten en lo más creíble de un escrito que peca de inconsistente, de una ocasional y excesiva ingenuidad y quizá de la poca posibilidad de extrapolación de la misma historia a otros lugares, situaciones, contextos, en definitiva.

Es en esos defectos de la historia en los que se quedan atrapados dos personajes que podrían ser más creíbles, pese a que no están nada mal interpretados, ni mucho menos, como son los de Chris Evans y Octavia Spencer (Figuras ocultas, Criadas y señoras). Personajes que por su notoriedad habrían merecido un mejor reparto del tiempo para su evolución en el metraje y así el espectador poder llegar a empatizar del todo.

Largometraje de tantos y tan marcados puntos fuertes como débiles, Un don excepcional es un respiro entre tanta saturación monotemática. Una interesante propuesta con un personaje muy entrañable. Un drama visto desde los ingenuos ojos de un niño crecido.

- Película: Entre los dos (You're ugly too), 2015

- Director y guionista: Mark Noonan

- Reparto: Aidan Gillen, Lauren Kinsella, Erika Sainte, George Pistereanu, Jesse Morris

El primer largometraje del director irlandés Mark Noonan, Entre los dos, consigue un aprobado con nota, aunque son mejorables algunos aspectos de la cinta. La sensación de normalidad, de película que cuenta una historia de andar por casa, de esas que te llegan por su exquisita sencillez, la percibes desde los títulos de crédito, algo que se debe valorar.

La historia es bien sencilla: la relación entre un hombre y su sobrina. Él es un exconvicto al que le permitieron cumplir su condena con unos meses menos para hacerse cargo de la hija de su hermana fallecida. Se trata de una relación de lo más humana, con dolor y desconfianza, con cariño y pocas palabras, y con muchas menos muestras de afecto, pero el amor entre esas dos figuras solitarias se palpa desde el primer segundo.

Noonan, también guionista de esta cinta, consigue que la historia te llegue, te interese, pero no que te atrape. Puede que este sea el fallo más grande del largometraje. No te sumerges en sus vidas, sino las ves desde fuera, con interés pero sin que te afecte. El desarrollo, la situación en sí, es correcta, y la resolución de los hechos, adecuada. No hay sobreactuaciones, no hay escenas lacrimógenas, no hay soluciones facilonas; no, no hay nada de eso. Hay un desarrollo coherente pero mal narrado. Mal expresado.

Los dos actores principales tienen una actuación de lo más correcta y crean entre ellos una complicidad impecable que es clave para poder entrar en la historia. Por un lado, está una muy poco conocida Lauren Kinsella, que representa a la perfección a esa adolescente mal hablada que ha vivido y visto demasiadas cosas, a la que no le gusta expresar su dolor y que, para colmo, padece de narcolepsia. Por otro, se halla el veterano actor inglés Aidan Gillen (Juego de Tronos, Sing Street), en un papel contenido y lleno de contradicciones que realiza a la perfección.

En definitiva, se trata de una cinta interesante, con una ambientación y una historia muy atrayentes, pero en la que el guión no ayuda a que la película llegue al corazón del espectador como esta relación entre tío y sobrina se merece.

Es un hecho. La cartelera de mayo no ha sido estímulo suficiente para la XII Fiesta del Cine. El derbi no hizo mella ayer en el cierre del evento, que registró la mayor afluencia de espectadores de sus tres jornadas. Aún así, las 1.510.428 personas que han acudido a las salas los días 8, 9 y 10 de mayo quedan lejos del récord absoluto de octubre, cuando la cita cerró con 2,6 millones de público.

La conclusión es que la Fiesta del Cine funciona e incluso respeta el objetivo de un millón y medio de personas que fijaron sus organizadores hace algunos años. Las salas agradecen ver sus butacas un 156% más llenas, pero, ¿es suficiente? Está demostrado que las ediciones primaverales funcionan peor que las otoñales por pura metereología y propuesta de cartelera.

Siendo justos, deberíamos comparar esta edición con las anteriores celebradas en la misma época del año. Lo que ocurre es que el balance no es mucho más esperanzador. En mayo de 2016, la Fiesta del Cine recibió a más de 1,7 millones de personas en las salas españolas, y en 2015 fueron 1,6 millones, según datos de Comscore. No es una pérdida descomunal, pero corre el riesgo de marcar una línea de descenso si no se renueva la estrategia o cambian algunas decisiones.

Las rebajas en temporada baja

La cartelera, por ejemplo, ha sido el argumento más disuasorio según las redes. La Federación de Cines de España admitió en una entrevista con este diario que no es la temporada más atractiva para el espectador, pero que la cita de mayo sirve para dar un chute a películas con menos recorrido promocional.

Esta iniciativa tiene una función ambivalente: por un lado, sirve para animar a bucear por la cartelera, no ir al taquillazo fácil y ayudar a las películas independientes. Por el otro, sin embargo, se aleja de la intención primigenia de ofrecer una propuesta cinematográfica notable a quienes no pueden permitirse el precio de la entrada normal.

Guardianes de la Galaxia, Bebé jefazo y Fast & Furious han salvado los muebles en esta última edición, pero no forman parte de las películas más esperadas del año. Aún así, los organizadores de la Fiesta del Cine confían en su cita otoñal para remontar las cifras y ofrecer una cartelera más potente.

Después del verano, dominado por los blockbusters y las películas de consumo rápido e indoloro, caen las perlas de festivales como Cannes o San Sebastian. Incluso puede que aparezca la primera tanda de títulos de la temporada de premios -Globos de Oro, Goya y Oscar-. Habrá que esperar hasta entonces para ver si los datos de la XII edición han sido fruto de catastróficas desdichas o es que los españoles están cansados de acudir a las rebajas en temporada baja.

*En una primera versión publicada, la cifra total de asistentes era de 1.479.463 en base a los datos públicos de Comscore. La Nota de Prensa de la Fiesta del Cine -entregada esta tarde a los medios- hace referencia a 1.510.428 personas según la misma fuente, que aún no ha rectificado públicamente esta variación.

Ha llegado la Fiesta del Cine a la ciudad, puntual a su cita con los bolsillos resentidos y las salas olvidadas. Echamos un vistazo a la cartelera, arriba y abajo, y suspiramos sin encontrar una buena película en la que invertir los 2,90 euros de la entrada. Si le ha ocurrido, no está solo y tiene una explicación.

Las reglas no escritas del mercado cinematográfico establecen el segundo semestre del año como el de mayor concentración de grandes cintas. El verano, dominado por los blockbusters y las películas de consumo rápido e indoloro, deja paso a las perlas que caen de festivales como Cannes o San Sebastian. Incluso puede que aparezca la primera tanda de títulos de la temporada de premios. Pero mayo está en tierra de nadie.

Guardianes de la Galaxia, El círculo o Bebé jefazo han llegado este año para animar un poco una cartelera anodina. Según datos de Comscore, la última Fiesta de Cine ha registrado este lunes 414.336 espectadores en toda España, lo que supone menos de la mitad de asistentes que el pasado octubre. Aún quedan dos días para que los datos remonten, pero parece improbable que esta edición pueda competir con la anterior.

Después de varios ensayos, los organizadores decidieron hacer fijas estas dos fechas para crear una rutina colectiva alrededor del evento. “Es muy importante que la gente lo relacione siempre con los mismos meses: mayo y octubre. Y debe existir un espacio razonable entre los dos”, cuenta la asociación FECE de exhibidores a eldiario.es.

Ellos, la Federación de Cines de España, están al frente de la cita junto a la Confederación de productores audiovisuales españoles (FAPAE), la Federación de Distribuidores de Cine (FEDICINE), y el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) desde 2009, cuando tuvo lugar el pistoletazo de salida. Desde ese momento han intentado institucionalizar la Fiesta del Cine en marzo, abril y septiembre, de forma que tienen flexibilidad a la hora de reservar el calendario.

¿Por qué no encajan esos tres días en una temporada más atractiva para el espectador? “No tiene sentido mover la Fiesta del Cine en función de los estrenos, porque entonces la haríamos en agosto o en diciembre”, responden desde FECE. Los exhibidores reconocen que mayo no es el momento más goloso para un cinéfilo, pero de esta forma favorecen a películas que tienen una menor promoción o atractivo para el público.

El monopolio del taquillazo

La Fiesta del Cine ayuda a que las cintas de distribuidoras más pequeñas puedan competir con las majors. Gracias al embotellamiento en los blockbusters, o porque el precio económico de la entrada invita a bucear por la cartelera, a veces encontramos joyas escondidas. Aunque, en otras muchas oscasiones, los taquillazos monopolizan la venta también durante estos tres días. “Obviamente, se llevan el mayor trozo del pastel, como en un día normal. Lo que pasa con la Fiesta del Cine es que favorece un incremento de espectadores no habituales”, defienden en FECE.

Las salas se llenan sin importar el producto que oferten, “pero siempre se mantiene el top 10 del fin de semana anterior”. Por eso, las mayores beneficiadas en esta última Fiesta serán de nuevo Guardianes de la Galaxia, Bebé jefazo y Fast & Furious. Una cartelera que se conforma a la espera de Piratas del Caribe, Alien o Personal Shopper.

Los organizadores no eligen las fechas del evento en función de la cartelera más potente. Pero, ¿pueden las distribuidoras pujar por esta semana de rebajas? Al fin y al cabo, son ellas quienes deben pelear por el hueco del calendario que mejor se adapte a su target. La FEDICINE afirma a este diario que la Fiesta no se ha convertido en objeto de disputa entre los distribuidores, porque “no hay ninguna regla general aplicable a todas las películas”.

Sin embargo, la distribuidora Vértice 360 confesó en una entrevista con Cinemanía que detrás de la fecha del estreno hay una estrategia muy estudiada. “Se basa en analizar la competencia, las épocas del año en relación a la recaudación, la carrera de la película por festivales que puedan servir como promoción a la misma o el estreno de la película en otros países o territorios similares”, contaron a la revista de cine.

También hay veces que, simplemente, la magia ocurre. En 2014, una comedia de tópicos regionales llegaba a nuestras salas a finales de marzo. La primera semana tuvo una recogida humilde, pero a partir de la segunda se convirtió en la película española más taquillera de la historia. A los organizadores les gusta pensar en Ocho apellidos vascos como un bonito efecto de la Fiesta del Cine. “Nadie esperaba que esa película llegase a donde llegó, y tomó impulso justo durante esos días”, confiesan desde FECE.

El recuerdo de esa época les reafirma en su decisión de mantener la cita en estas fechas. Las últimas respuestas -de 1.7 y 1.6 millones de personas-, también. Quién sabe si la magia se puede conjurar también en un triste mes de mayo.

- Título: Toni Erdmann (2016)

- Dirección: Maren Ade

- Guión: Maren Ade

- Reparto: Peter Simonischek, Sandra Hüller, Lucy Russell, TrystanPütter, Thomas Loibl

La película de la que hoy hablamos no es la típica cinta que acudiríamos a ver en masa al cine. Debemos ser sinceros. Tenemos que advertir al espectador de que sí, hay vida y cine más allá de Hollywood, de las franquicias, de los esperadísimos trailers y de las estrellas que nos acompañan año tras año en las carátulas de los blu-rays y pósteres. Sin embargo, Toni Erdmann es una de las mejores cintas europeas de este año. Aclamada por la crítica, llegó a nuestras carteleras el pasado fin de semana avalada por la innumerable cantidad de premios recibidos e importantes nominaciones en los principales festivales y ceremonias.

La cinta escrita y dirigida por Maren Ade (Entre nosotros, Los árboles no dejan ver el bosque) muestra la relación entre un padre y su hija, de estrecha conexión y fuerte vínculo deteriorados con el paso de los años, que los han llevado a tomar diferentes y lejanos caminos. Es cuando él decide adoptar la personalidad de un personaje al que hace llamar Toni Erdmann.

Esa es la premisa de la que partimos para convertirnos en testigos de cómo dos personajes tan bien construidos, como lo son el de Sandra Hüller y Peter Simonischek (hija y padre, respectivamente), exponen ante la cámara los puntos flacos de las decisiones que han ido tomando.

Ella, alta ejecutiva residente en Bucarest, tramita un importante negocio para una compañía germana llevando un camino de ambición irremediable, de altos estándares que le han hecho perder el sentido y el valor de lo mundano. Su padre, por el contrario, vive preocupado por la felicidad de ella, ajeno incluso a la propia. Es ese miedo de Winfried (el padre) el que desata la evolución de todo en esta producción.

De excesiva duración y espeso transcurrir, significa lo radicalmente contrario al cine de industria. Maren Ade premia el contenido casi despreciando la forma de esta búsqueda de la felicidad tosca pero realista. De ahí que se pueda justificar sus casi tres horas de duración: el director y escritor enseña relaciones, escenarios y transformaciones que requieren de tiempo sin llegar a provocar falsamente un exagerado final.

Ese desenlace, que si bien se comprende por su contexto, no deja de provocar una sonrisa en los labios del espectador, por culpa, claramente, de la especial ternura que aporta una de las dos mitades del dúo protagonista, encarada con la frialdad que puede representar la otra, que ha abandonado prácticamente su personalidad a favor de los intereses más corruptos que se pueden encontrar en la sociedad actual.

La película plantea debates sobre el verdadero y esencial significado de la felicidad, cuestionando el mismo concepto y los medios sin superficialidad alguna, y si en ocasiones puede parecerlo, se debe al propio conflicto que evoluciona a lo largo del filme, algo que le aporta -como decíamos- realismo.

Toni Erdmann nos lleva a reflexionar sobre qué nos hace felices y sentirnos vivos, sobre cómo podemos llegar a ello, por qué quizá no es así y qué habríamos hecho mal cuando hemos perdido algo en la vida, cuando hemos tenido que saltar algún obstáculo o simplemente al elegir una senda u otra del camino. O si le damos valor a lo vivido o si tratamos con cariño los buenos recuerdos sin caer en la facilidad de aferrarse al pasado.

Historia creíble, de acertadísimos personajes interpretados por unos sobresalientes actores, más que curtidos en el cine alemán, pero, insistimos, nada recomendable para aquellos espectadores que solo disfruten con los mercados cinematográficos modernos. En resumen: café para los muy cafeteros.

- Snowden (2016)

- Dirección: Oliver Stone

- Guión: Oliver Stone y Kieran Fitzgerald

- Reparto: Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Zachary Quinto, Tom Wilkinson, Rhys Ifans, Nicolas Cage, Timothy Olyphant, Scott Eastwood, Joely Richardson, Jaymes Butler, Ben Schnetzer.

Oliver Stone es un director que en su larga filmografía siempre ha destacado por su interés por las cuestiones políticas de cierta actualidad. Esto lo vemos en cintas como Nixon, Nacido el cuatro de julio, JFK, o en sus últimos documentales, como los realizados sobre Fidel Castro (Fidel Castro en invierno) o Hugo Chávez (Mi amigo Hugo), entre otros.

En su actual trabajo en cartelera, el cineasta norteamericano se pone tras las cámaras para contar otro hecho real que conmovió al mundo no hace mucho. Se trata de la historia de Edward Snowden, miembro de la Agencia Nacional de Seguridad (NSA), que filtró en 2013 todos los informes que desvelaban la red de espionaje que Estados Unidos tiene en todos los países…, todos. Hablando claro, que todos podemos estar siendo espiados por ellos: correos electrónicos, mensajes de WhatsApp, llamadas…, algo que, por lo menos a mí, me pone los pelos de punta.

Hay que decir que el filme, de más de dos horas de metraje, engancha, pero no por su factura ni ritmo ni elenco de actores, sino que engancha porque está basada no solo en un hecho real, sino en algo que nos afecta directamente a todos los que estamos en la sala y que muchos recordamos haberlo visto en la prensa, en los medios. Por eso te atrapa y no quieres perderte ni un detalle, porque quieres enterarte con más claridad de lo que ha sucedido. Si no fuera así, Snowden pasaría con más pena que gloria por la cartelera; sería una peli más de espías que se nos hizo un poco larga en algunos partes de la proyección.

Eso no quita para decir que su principal protagonista, Joseph Gordon-Levitt, realiza una gran labor interpretativa al ponerse en la piel de Snowden, un joven que con 29 años decide romper con todo lo que quiere: su vida, su familia, su novia…; con todo, para así dar a conocer al mundo una información que considera que todos debemos tener. Gordon-Levitt encarna bien su papel, que destaca, sobre todo, porque el hecho de que el espía no llama la atención por nada, salvo por su mente privilegiada. Es una persona que pasa totalmente inadvertida, y eso, esa sencillez, no es fácil de interpretar.

A su lado hay una lista de grandes secundarios, entre los que destacan los tres periodistas a los que se filtra la información: Melissa Leo, Zachary Quinto y Tom Wilkinson. Con ellos se consigue uno de los momentos más tensos e interesantes de la película.

A estos nombres se une el de la joven Shailene Woodlel, actriz emergente y archiconocida por cintas como la saga Divergente o Bajo la misma estrella. Hace el papel de novia de Snowden. También está Scott Eastwood, hijo del director de cine Clint Eastwood, que va con paso firme en su camino hacia la fama, o incluso veteranos como Nicolas Cage, Ben Chaplin o Rhys Ifans, este último en un papel muy distinto del que le dio a conocer en la comedia romántica Notting Hill.

'El verdugo' es probablemente la mejor comedia española de todos los tiempos. 'Torrente, el brazo tonto de la ley' es un éxito desmedido y digno de estudio, imperfecta pero eficaz, muy bien dirigida. 'Amores perros', del ahora oscarizado Alejandro González Iñárritu, es una ópera prima compleja, formidable, magistral.

Las opiniones no son nuestras, sino de Pablo Kurt. Y Pablo sabe de lo que habla: a partir de una base de datos 'amateur', fundó la web de referencia en español para los amantes del cine. Con un catálogo de 125.000 películas y series de televisión, que cuentan con más de 556.000 críticas, FilmAffinity es la referencia para muchos internautas que buscan formarse una opinión acerca de las obras o aportar la suya propia. También, para consultar la cartelera o los próximos estrenos.

“Soy muy aficionado al cine desde jovencito”, explica Pablo a HojaDeRouter.com. “Escribía críticas en medios locales, en el periódico que teníamos en Miranda [de Ebro, en la provincia de Burgos]”. Cuando descubrió las posibilidades de internet, a mediados de los 90, enseguida se llenó de ideas. “Ya había tenido una base de datos de películas muy amplia. Ya calculaba mi propia afinidad con los críticos de cine, que daban puntuaciones o estrellas. Se me ocurre algo que en teoría es sencillo, como es poder comparar no solo con críticos de cine sino con todo tipo de usuarios qué afinidad tienes, mucha o poca, en función de tus opiniones sobre las películas. Veo que no hay ninguna web que haga eso, así que decido hacerlo yo”.

Para ello, en el año 2000, Kurt dejó su trabajo en España en la sección de ‘marketing’ de una empresa de periódicos gratuitos. En aquella empresa, y por amor al arte, también se ocupaba de las críticas de cine o de los nuevos DVD cuando sus compañeros redactores se lo pedían. “Era un sueño poder trabajar de crítico de cine”, asegura. “Nunca he sido crítico de cine pagado”.

Tras ello se marchó a Canadá, donde estuvo un año aprendiendo a crear páginas web (“porque no tenía ni idea”) y 'marketing'. En el verano de 2001 Kurt volvió a casa, dos meses antes de que cayeran las Torres Gemelas y con la firme idea de montar una web. Entonces, asegura, había varias incubadoras de negocio interesadas en financiar FilmAffinity, pero la situación mundial hizo que los planes se torcieran, así que decidió montarlo por su cuenta, buscando un socio.

El elegido fue Daniel Nicolás, un programador que casi 15 años después sigue en el negocio. “Sin él hubiera sido completamente imposible”, admite Pablo. De hecho, Nicolás se encarga de todos los aspectos técnicos de la web, con la ayuda de otros programadores, mientras Kurt gestiona los contenidos. Ahora mismo son seis trabajadores en una oficina de Madrid.

FilmAffinnity se lanza en mayo de 2002, cuando IMDB ya había despegado (nació en 1990 y fue comprada por Amazon en 1998) y Yahoo tenía una base de datos de películas bastante grande. “En principio era una cosa muy sencilla”, recuerda Kurt. “Una página web en la que tú votabas películas. Simplemente calculaba lo que ya llamábamos almas gemelas, que eran las personas más afines en función de las puntuaciones que habías dado a tus películas, para poder darte recomendaciones”.

Según datos del burgalés, en la actualidad hay más de 562.000 personas registradas, aunque no todas escriben críticas. Según Comscore, el pasado julio tuvieron 2,8 millones de usuarios únicos, aunque muchos meses alcanzan los 3. De acuerdo con Alexa, la web está entre las 70 más visitadas de España, por encima de InfoJobs.

El éxito de las críticas

Al poco de lanzar la web, el equipo se puso a trabajar a fondo con las críticas, que se estrenaron en 2005. Un año antes, en 2004, la revista estadounidense 'PC Magazine' habló de FilmAffinity como una de las 100 mejores web del año aún por descubrir.

“Pensábamos que había un hueco enorme en español. Me interesaba sobre todo que fuera un foro”, explica Pablo. Aquel formato ha ido perdiendo adeptos con el auge de las redes sociales, pero en aquel momento “muchísimas, cientos de miles de personas ya opinaban”. No quería que hubiera insultos. Lo veía como “un foro amable” de críticas en el que se hablara principalmente sobre cine.

Tampoco habría 'spoilers' en su página, aunque lograrlo no iba a ser sencillo. “No quedó más remedio, ya desde el primer día, que pasar un filtro. Que las críticas fueran validadas por gente de FilmAffinity, o bien nosotros o bien simpatizantes de la página”. Estos moderadores externos son voluntarios: aportan el tiempo que quieren o pueden para comprobar aspectos como la ortografía o si se destripan detalles de las obras. Como parte del equipo de la web, hay dos gestores de contenido que controlan todo ese flujo.

Con los años, FilmAffinity se iría convirtiendo en esa especie de red social que es ahora, donde los usuarios interactúan a través de las listas que crean y suben sus propias críticas, que se han convertido en uno de los elementos más valorados (y por qué no decirlo, en ocasiones divertidos) de la web. Kurt también cuelga sus valoraciones, muchas todavía de la época en que trabajaba como crítico 'amateur'.

FilmAffinity se expandió y ya cuenta con versiones para México, Argentina, Chile y Estados UnidosArgentinaChileEstados Unidos. Las hispanas se han lanzado recientemente y se diferencian de la española en que los títulos de las películas son los del estreno nacional, pero también en que cuentan con propia cartelera y críticos.

FilmAffinity recibió más de una oferta de compra, sobre todo antes de la crisis. “Siempre ha habido muchos contactos de grandes grupos, sobre todo españoles y alguno europeo”, cuenta Kurt. “Miran los 'rankings' de Comscore o de Alexa y ven qué webs no están gestionadas por grandes grupos, sino por personas particulares”.

Entonces intentan adquirirlas, pero con la web de cine no han tenido suerte. Sus fundadores preferían la independencia: “IMDB es una web fantástica, pero es de Amazon. Aunque es una web buena, el máximo interés es probablemente que tenga utilidad para Amazon, que se dedica a vender DVD y otras cosas”, sugiere Pablo.

Ahora le encantaría que FilmAffinity se convirtiera en una referencia mundial, “en todos los idiomas”, como red social de cine y lugar para buscar recomendaciones. Las versiones hispanas y la adaptación a los dispositivos móviles son pasos en esa dirección. Si sigue habiendo críticas de todo tipo, razones no les faltarán para seguir creciendo.

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Las imágenes pertenecen, por orden de aparición, a Thomas Canet e Internet Archive (1, 2)

La primera aventura en solitario de los divertidos y entrañables esbirros amarillos, Los Minions, ha conquistado este fin de semana la taquilla española y han superado a Frozen como mejor estreno de animación de los últimos seis años.

Los Minions lideran la taquilla con 5,4 millones de euros de recaudación y se han convertido en el mejor estreno de animación de los últimos seis años, acumulando más de 830.000 espectadores, según datos de Rentrak.

En segundo lugar se ha situado la película Jurassic World, con un millón de euros, cinta que llevaba liderando esta clasificación desde el pasado 12 de junio, coincidiendo con su estreno en salas.

Por otra parte, la cinta española Ahora o nunca, dirigida por María Ripoll y protagonizada por Dani Rovira y María Valverde, se coloca en tercera posición con 600.000 euros, después de haberse convertido en el mejor estreno español del año con 220.000 espectadores.

En cuarta posición, la película San Andres, dirigida por Brad Peyton, un filme de acción protagonizado por Dwayne Johnson, ha logrado recaudar medio millón de euros en su segunda semana en la cartelera española. Espías, con Melissa McCarthy, Jason Statham y Rose Byrne, cierra esta clasificación (300.000 euros).

Una vez más, los espectadores podrán enfrentarse a largas colas en los cines. Esta semana sus organizadores nos brindan la oportunidad de volver a las salas por 2'90€ la entrada sin promociones (no incluye 3D, eventos especiales o butacas VIP a decisión de la sala).

Este primer encuentro del año presenta una novedad: ya no serán tres sino cuatro los días que los espectadores disfrutarán la rebaja. Desde el lunes 11 hasta el 14 de mayo las salas ofrecerán su descuento, de modo que los madrileños partirán con la ventaja de disfrutar al máximo el próximo jueves al tratarse de la víspera del festivo de San Isidro.

Si queremos evitar las largas colas frente a la taquilla, la organización también nos permite la posibilidad de realizar la compra mediante la web de cada cine, eso sí, recuerda llevar tu acreditación impresa para presentar en taquilla y poder entrar a la proyección.

Para los más despistados que hayan estado desconectados estos días y no tengan ni idea de la cartelera, ¿qué ver en la fiesta del cine? Las primeras recomendaciones se remontan a los últimos estrenos. La principal de ellas A cambio de nada, del novel Daniel Guzmán y gran triunfadora en el Festival de Cine Español de Málaga, la cual cuenta la historia Darío, un joven con una vida algo alterada que le hará rebelarse contra su propia realidad y descubrir otros aspectos de su vida. Otra esperada es la nominada al Goya al mejor guion adaptado de la novela de Blanco Amor A Esmorga (Ignacio Villar), un relato sobre las intensas 24 horas de tres amigos que se van de juerga que les conducirá al camino de la perdición.

Para los más románticos El viaje más largo (George Tillman Jr.) cuenta la historia del encuentro amoroso entre Luke y Sophia, un campeón de rodeo y una estudiante de artes. O para los más old-school y amantes de las películas bélicas o de la ocupación nazi tenemos Suite française sobre un romance entre una campesina francesa y un oficial alemán.

Y si no te convence ninguna de estas propuestas, seguro que todavía quedarán algunos restos de los estrenos ya pasados todavía en cartel tales como Vengadores: La era de Ultron, Walking on Sunshine, Sexo fácil, películas tristes, o taquillazos como A todo gas 7, Cenicienta, Focus o Insurgente. Pero como siempre, la elección corre por cuenta de cada sala y recomendamos que le echéis un ojo antes a su propuesta de cartel.