Cuarenta años después del nacimiento del primer videojuego español, el documental Tribute quiere rendir homenaje a una historia que todavía tiene mucho por descubrir. En esta ocasión, lo hace a través de un formato peculiar, el del mini documental publicitario, y bajo la particular mirada de Nacho Vigalondo (Colossal, Daniela forever), que con la reciente serie Superstar ya había mostrado su capacidad de trasladar a un lenguaje propio inquietudes y vivencias ajenas.

“Es un truco, porque contar en media hora una historia con un valor enciclopédico hubiese dado lugar a un publirreportaje de puro dato”, explica el cineasta. Para él, “la única manera de universalizar el tema y de disfrutar” lo contado era “escoger un punto de vista”, aunque implicase dejar elementos fuera. De ahí que se centre en su vivencia personal, que es muy similar a la de su compañero en guion Rubén Ajaú, pese a la diferencia de edad entre ellos. “Cuéntamelo como si me lo contaras de verdad” fue la primera nota que recibió el autor de la película Cuchillo por parte de Vigalondo. Esa cercanía perseguida se nota desde el inicio.

De hecho, el tono es muy similar al que ambos construyeron en Los Felices Veinte, pues quisieron poner en marcha lo aprendido durante el programa para que “se pareciese más a un encuentro improvisado un domingo por la tarde que a una construcción pseudoacadémica”. Sus puntos fuertes pasan precisamente por la elección de anécdotas valiosas, que adquieren una nueva dimensión gracias a la naturalidad, el ritmo ágil, los recursos originales y la comedia incómoda que impregna todo.

Pablo Ruiz, uno de los hermanos responsables de la desarrolladora Dinamic cuenta cómo fue trabajar en esos primeros años del videojuego nacional en el que crearon obras como Capitán Sevilla —una obra de 8 bits con un llamativo diseño visual y protagonizado por un superhéroe cañí—, mientras que Paco Pastor, cantante de Fórmula V y fundador de Erbe Software, relata su experiencia distribuyendo videojuegos en una época en la que la piratería era la norma. 

Enternecedora es la presencia del director de películas como No habrá paz para los malvados, Enrique Urbizu, encargado de dirigir las secuencias de vídeo de movimiento completo (o full motion video) del western interactivo Los justicieros, pionera precisamente por contar únicamente con imágenes en acción real, rodadas en Almería. Esta entrevista “no estaba prevista”, pero, tras descubrir este detalle durante una cena, Vigalondo le insistió en pasarse por el plató. La espontaneidad se cuela así por un documental que también reivindica los quioscos como epicentro de la cultura del videojuego pre-Internet a través de la directora de la edición impresa de Hobby Consolas Sonia Herranz y el mundo de los blogs, que se explora junto a Pedro Berruezo, creador del extinto Mondo Píxel. 

Resulta refrescante esta mirada, que pone al mismo nivel la creación y la crítica cultural en su intento por desentrañar un fenómeno que, sin embargo, se queda en un análisis del pasado. Herranz confiesa a este diario que trabajar entonces era “el despiporre”. “Se hacían mil cosas y me divertía tanto haciéndolas como pensando en lo que iba a disfrutar el lector después”, explica con una sonrisa.

En la actualidad, la situación es más compleja, porque “si quieres saber cómo es un juego, miras cómo se lo ha jugado alguien de arriba abajo”, lo cual pone en un aprieto a la prensa en papel. “Busqué, pero no hay ninguna imprenta que imprima vídeos”, bromea. Para Vigalondo, que se queda dormido viendo ensayos audiovisuales, “la prensa del videojuego ha adelantado a la del cine de una manera vertiginosa”. “Ahora mismo, si me topo con una película que no conocía, doy por hecho que existen opiniones online, pero no un análisis en profundidad más allá de las cuatro películas de las que se habla mucho”, asegura.

Frente a estos instantes honestos, Tribute se pierde donde menos se aprecia la conexión con Vigalondo, que, por ejemplo, menciona los espacios compartidos del videojuego en línea como experiencia de segunda mano. Al mismo tiempo, la conversación con streamers como IlloJuan parece una imposición externa y, pese a que se abordan temas interesantes como el convertir en trabajo tu afición o los peligros de la IA, se hace de manera demasiado superficial, sin historietas concretas que anclen las entrevistas. Una pena también que la presencia de jugadores profesionales como Skain o Araneae esté desaprovechada.

Existe una narrativa alrededor de cómo el videojuego ha pasado a ser mainstream, pero ellos apenas tienen voz propia. En una entrevista para elDiario.es, el propio Araneae, que fue jugador profesional de League of Legends, comenta que empezó a competir en 2009, cuando “si decías que te dedicabas a esto eras muy raro, y si lo decías en una discoteca te miraban mal”. “Era algo muy de nicho, pero ahora resulta hasta interesante, porque Internet lo ha hecho evolucionar todo a pasos agigantados”, asegura con alegría.

Más allá de ciertas superficialidades lógicas del formato, el mayor problema del documental es cómo cae en narrativas heredadas. El tono al hablar de Dinamic Software adquiere la narrativa épica del neoliberalismo individualista estadounidense de jóvenes hechos a sí mismos, y hay una nostalgia palpable que condiciona lo contado. Aunque, sin duda, lo más incómodo es cómo perpetúa la noción de industria masculinizada por casualidad y no por causalidad, ya que solo hay una mujer entrevistada. Es comprensible que predomine esa mirada subjetiva, cómica y honesta, pero no por ello debe justificarse este vacío. “Dentro de que el documental alardea de su imperfección, ojalá fuese una imperfección distinta”, responde Vigalondo al respecto.

Por todo esto, una pregunta ineludible planea sobre Tribute: ¿a quién se dirige exactamente? El cineasta ofrece una clave en la nota de prensa, donde destaca que funciona “como una desordenada reunión de amigos soñada por el gamer cuarentón más afortunado del mundo”. Esto resulta curioso teniendo en cuenta que, aunque de la producción se encarga Sayaka Producciones (Cinco lobitos, Su majestad) y la pieza se estrena en Prime Video, no deja de ser promoción de Domino’s Pizza, marca que lleva años potenciando una imagen concreta del gaming nacional destinada al público juvenil y centrada en los neones, las competiciones deportivas y el streaming. En 2024, la compañía celebró una década apoyando el sector con un monumento temporal que recorrió España y que se llamaba, precisamente, Tribute. 

Pero este Tribute consigue por momentos librarse del peso de ser branded content para convertirse en una obra con valor en sí mismo, y con una dignidad envidiable pese al corporativismo, incluso cuando es evidente que en los menos de 40 minutos que dura es imposible profundizar en algo tan complejo y fascinante. Como el propio OXO Museo del Videojuego en el que se han grabado algunas secuencias, sirve o bien de puerta de entrada llamativa para gente ajena al medio o bien como caramelito nostálgico para aquellos jugadores que vivieron estos comienzos. Al menos, ambos productos son divertidos y poseen cierta relevancia a pesar del carácter anecdótico. 

Conrad Roset, de Nomada Studio, asegura en el documental que con su exitoso debut Gris querían atraer a jugadores y no jugadores, pero moverse en esa complicada barrera no es sencillo, y en este caso pasa factura. Lo bueno es que el proyecto también pone de manifiesto lo necesario que sería contar con este mismo mimo una versión más profunda, y sin duda más plural, de la historia del videojuego español. Rubén Ajaú asegura que “todas las entrevistas eran cuatro veces la duración final”, y tanto él como Nacho Vigalondo no se cierran la puerta a ampliar el proyecto si se lo encargasen. Por lo que, quién sabe, quizá este tributo sea solo el inicio.

Corría el año 2000, y actuaba en Madrid una escena musical que se había aburrido en el ambiente denso y pardo del indie de los noventa. Había algo petardo en estos jóvenes que no estaba bien visto y que, en cambio, enlazaba mucho mejor con la generación anterior, la de los ochenta. Cuando Tamara emergió como exótico personaje televisivo, vulnerable y sensible, a la par que decidida a ser una superestrella, esta nueva escena sintió que la entendía.

Este idilio, que convivió con el desprecio de otro público y otros artistas que por aquel entonces se tomaban a sí mismos muy en serio, resultó ser un campo magnético que acabó atrayendo a Tamara —pues aún era conocida así— a su terreno. Un terreno muy poco comercial: divertido, desprejuiciado, algo amateur, de bajo presupuesto, gamberro incluso: el underground de los dos miles. “Dios le ha dado una segunda oportunidad a España enviando a Tamara, que viene a liberarnos de la mediocridad conservadora de Alejandro Sanz y Raúl”, dijo Nacho Canut, de Fangoria.

El disco Superestar lo publicó un sello llamado Piérdete, propiedad de Sergio Aguilar, director de la primera discográfica dedicada íntegramente al hip-hop español: Yo Gano. ¿Cómo acaba una artista como Tamara grabando para la casa que publicó a El Club de los Poetas Violentos o Frank T? Bueno, Aguilar también tenía ese lado que antes hemos denominado petardo. “Piérdete era para la música pop, pero con un punto irreverente, retro, ochentas, no sé, huyendo un poco del tipo de música que había por entonces y haciendo algo un poquito más divertido”, recuerda.

Y los mejores aliados para eso no estaban en Madrid, sino en Barcelona. Genís Segarra, teclista del grupo Astrud, estaba creando un sello para editar a los grupos de sus amigos, que se unían y desunían en diferentes formaciones (Les Biscuits Salés, Stardu, Arden…), incluyendo su proyecto paralelo, tan desconocido y recreativo como los demás, Hidrogenesse. Esa estructura, para la que no tenía empresa ni licencia, pero sí mil ideas, se llamó Austrohúngaro, y por ello publicó sus primeros discos en Piérdete, junto a Sergio Aguilar.

“En esas estaba yo cuando Tamara empezó a salir en Crónicas Marcianas”, señala Aguilar. El despacho de abogados que llevaba sus asuntos era el de Juan Canut y Clara Barral. A Juan en la música se le conoce como Johnny, batería de Los Nikis, Los Vegetales e incluso brevemente en Parálisis Permanente, y es hermano de Nacho Canut de Fangoria. Otro de los hermanos también está en la música, Mauro, jurado en Eurovisión e integrante junto a los otros Canut de Los Vegetales, y pareja además de Clara Barral. “Un día, hablando con Clara, empezamos a hablar de esta chica que salía en la tele”, prosigue Aguilar tirando de recuerdos. El diseñador Tori Alimbau, que se ocupaba de la imagen gráfica de sus sellos, recuerda que él y Araceli, cantante en las mencionadas Les Biscuits Salés, le dieron “la tabarra” con insistencia para que publicara a Tamara en Piérdete.

“Dijimos: lo mismo le podemos sacar un disco en este sello que he montado de rollo pop”, prosigue Aguilar. Lo decían “por probar”, porque estaban seguros de que alguien se les habría adelantado, pues “todo el mundo llevaba semanas hablando de ella”. El director llamó a la productora del programa que presentaba Javier Sardá y consiguió el contacto. Clara y Sergio quedaron con ella, “que vino, obviamente, con su madre”. La artista les dijo que, aunque había grabado ya un disco, de poca repercusión, no tenía discográfica. Dijo sí de inmediato y propuso recuperar alguna de esas canciones, junto con otras nuevas. “Y así fue como firmamos un contrato”, dice Aguilar.

“Para Sergio, fichar a Tamara era tirar piedras contra su propio tejado porque los grupos de hip-hop que sacaba eran heteropatriarcado no, lo siguiente. Hacerlo habla mucho de su libertad y de su capacidad de arriesgarse”, afirma Alimbau.

Barral y Aguilar querían sacar algo lo antes posible, aprovechando el pico de popularidad, y por eso decidieron publicar enseguida la canción que más sonaba en televisión, No cambié, escrita por Leonardo Dantés, y después crear nuevos temas con otros compositores, pero de un estilo totalmente diferente. Se les ocurrió que podía ser una buena combinación trabajar con autores que venían de los ochenta, como Carlos Berlanga, Nacho Canut o Luis Miguélez, junto a otros de la escena indie del momento, como Tito Pintado de Penelope Trip, o Ibon Errazkin y Teresa Iturrioz de Le Mans (posteriormente, Single); “eran las personas a las que conocíamos, teníamos amistad o amigos en común”.

A pesar de su fama y de su estribillo extremadamente pegadizo, No cambié se situó como la discreta cara B de este maxisingle, que se abría con A por ti, un tema que venía de ese disco anterior, que era más bien una maqueta autoproducida. Rafa Spunky, músico, dj y colaborador habitual de Fangoria, produjo ese tema, así como una remezcla de diez minutos titulada “sin ropa interior remix”. “Me suena que veníamos de algún concierto de Fangoria en la furgoneta y Nacho Canut me dijo si me apetecía producir a mí el single de Tamara”, recuerda Spunky. “Pues mira, sí, venga”, fue la respuesta. La llama había prendido, por tanto, entre lo mejorcito del tecnopop español, aunque Tamara no los conociera.

Spunky trabajó las bases del A por ti en casa y después las llevó a Blue Box, el estudio de Javier Almendral en la calle Génova. Todos recuerdan que grabaron “cerca de la sede del PP”. Almendral, además de ser ingeniero de sonido, había tocado en míticos grupos oscuros y venerados como Demonios Tus Ojos (junto a Javier Corcobado) y Vírgenes Adolescentes. Eligen, por tanto, el estudio de alguien que sabe apreciar las rarezas. “Para hacer la remezcla, le pedí a Tamara que me susurrara toda la canción: házmelo en plan sexy. El remix funcionó muy bien fuera y alguien nos dijo que sonó en la semana de la moda en Nueva York, estábamos todos emocionadísimos”, recuerda el productor. La versión en vinilo de este maxi está “muy cotizada”. El propio Spunky ha vendido alguna de las copias que tenía por 200 euros.

Las imágenes del disco, realizadas por Leila Méndez, una conocida y prestigiosa fotógrafa de moda de Barcelona, rezumaban cierto aire de boite, un brillo disco y setentero. El perro gigante de porcelana está en la contraportada para recordarnos a qué tipo de universo kitsch pertenece: quizá a la idea de glamur según el manual de Pitita Ridruejo. Tori Alimbau, que conoce muy bien estas coordenadas, se encargó del diseño, con el que sufrió porque no había mucho espacio limpio en la foto para las letras, y colocó una estrella bajo el nombre de Tamara, motivo que recuperaría para el elepé.

Nada más salir a la venta, en noviembre de 2000, el maxisingle se colocó en el número uno de las listas de ventas de Afyve. Y ahí se mantuvo, invariablemente, las ocho semanas que restaron hasta finalizar el año. Por encima de Mónica Naranjo, de Ricky Martin, de Estopa e incluso de Madonna. Esas ventas —unas 35.000 copias— le reportaron un disco de oro. No fue hasta el 29 de enero de 2001 que el single desapareció del top. Habían pasado tres meses e, incomprensiblemente, el disco largo no se publicaba. Estaban perdiendo el momento.

“Fueron meses de un culebrón”, recuerda Sergio Aguilar: “Ella no acudió al estudio de grabación cuando estaba previsto”. La producción ya había comenzado y faltaba la parte vocal, pero Tamara había dejado de dar señales de vida. No contestaba al teléfono y no se sabía dónde estaba. La trama se había comenzado a urdir, a espaldas de todo el mundo, en Navidad.

Según recuerda el director del sello, el gran éxito comercial del maxi de A por ti dio lugar a una serie de pujas por incluir en exclusiva la canción No cambié en los recopilatorios de fin de año, que se anunciaban en televisión y se vendían con alegría como regalo de reyes. Lo consiguió Vale Music, la compañía que dirigían los dj Toni Peret y el recientemente fallecido José María Castells, que incorporó la canción a su cuádruple CD Todo éxitos del año 2000.

“El director de la oficina de Madrid le hizo una oferta por la exclusiva, pero a cambio pidió que Tamara actuara en unas presentaciones del disco por España. Ella accedió, pero esta persona resultó que, además de directivo en esa empresa, era productor musical y le propuso hacer el disco con él”. Tamara se dejó convencer y llegó a grabar, a escondidas, un disco con producción musical de Space Cream (Daniel Heredero). Hubo quien consiguió una copia de ese máster e, inevitablemente, ese disco no oficial pero auténtico, ha circulado de manera pirata en estos años.

“Tamara estuvo semanas sin coger el teléfono, estaba desaparecida grabando ese otro disco, así que tiramos de burofax”, dice. Después de tomar medidas legales, la cantante apareció y dijo que le habían hecho una liada, como contó en una entrevista para el suplemento La Luna de El Mundo: “A veces hay personas que te embaucan, que te confunden en el momento”. Contó la artista que la convencieron de que tenía que estar en una multinacional y viajar al extranjero: “Por eso en un momento dado me quedo trastornada y digo bueno, vale”.

Sobre cómo se resolvió aquello, la artista explicó: “Yo misma caí del árbol. Me dije: ‘Pero Dios mío, qué puñetas estoy haciendo, causándome daño a mí misma y a la compañía que me ha respaldado, a los compositores que me han ayudado’. En ocho días, a todo correr, tuve que aprenderme las canciones”.

En el estudio la esperaba Rafa Spunky quien, preocupado por la pérdida de tiempo, se puso a trabajar en las ocho canciones que tenía que producir. “Estábamos todos diciendo qué divertido es esto, porque estamos produciendo una marcianada, pero ella se pensaba que estaba con Babyface produciendo un disco de maravilla”. De hecho, la primera mezcla de las voces no le gustó nada de nada.

“Juanjo Teen Marcianas y yo produjimos su voz usando vocoder y autotune. Si había algún error, lo amplificábamos y no le gustó nada. Nos hizo remezclar otra vez y hacérselo más normalito, por decirlo de alguna manera. Creo que todo era demasiado moderno para ella, no entendió el concepto ni nada”, recuerda Spunky, citando al dj y músico electrónico Juanjo Fernández. También conocido como Rude Taylor, Fernández, que escribió la canción del disco La pesada, un simpático tema de tecnopop que recuerda a los sonidos del sello Spicnic (casa de Alpino, Intronautas o Los Verdugos), falleció en 2021. Spunky sentía que tenía “toda la libertad del mundo” pero solo hasta que alcanzaba “el último filtro, ella”. Mosqueado por los vetos que Tamara estaba poniendo a su producción, le pidió a Sergio Aguilar que retirara su nombre del disco. Este no hizo caso de aquel pronto, que Spunky lo ve hoy como una “tontería de veinteañero.

Como no podía utilizar los efectos que quería, en algunas ocasiones Spunky dobló la pista de voz de Tamara con una propia, como suele hacer en los discos y directos de Fangoria. Pero ese recurso no siempre funcionaba, por lo que llamó a algunas personas para que cantaran de manera discreta en segundo plano. Fran Loud, que acababa de sacar su primer disco, Upbeat Sadness (Autoreverse, 2001) y había remezclado a La Prohibida, para quien luego compondría canciones como Amor eléctrico. Loud rechazó la oportunidad de componer para Superestar pero estuvo muy cerca durante el proceso de grabación y todo lo que sucedió alrededor del disco. “Cuando Tamara escuchó la primera versión de las voces de Rafa Spunky, le dijo ‘yo no puedo volver con esto a Barakaldo, que me tiran tomates’”, recuerda.

“Se buscaba una manera de producir aquello, pero que su voz quedara natural. Recuerdo grabar muchas capas que se superponían para hacer un colchón de voz”, rememora sobre las cerca de dos horas que pasó en el estudio. “Le pedí a Rafa que me quitase la voz de referencia de ella porque me despistaba mucho, pues la mujer afina lo que puede”, añade. El resultado final le pareció “increíble, ¡un puto discazo!” que “un testimonio de la época”, señala. “No había una intención deliberada de hacer algo provocador. El disco se tomaba muy en serio y captura la escena en la que estábamos, un poco el electroclash español, con toques supermelancólicos y armonías preciosas”, añade.

Superestar cuenta con un tesoro oculto del pop español, tres canciones del tándem compositor de Pegamoides y Dinarama, que son Carlos Berlanga y Nacho Canut: Hablando por hablar, Amor Caníbal y Nada para mí, que bien podrían haber estado en la discografía de Alaska quien dijo, por cierto, que le parecía “estupendo” que llamaran a Tamara “la nueva Alaska”. La aportación indie llegó por Ibon Errazkin y Teresa Iturrioz, que habían estado juntos en Le Mans y luego formaron Single, y Tito Pintado, que fue la voz del grupo Penelope Trip, donde cantaba de manera ininteligible, y posteriormente creó Telefilme. “Para Tamara hice la primera canción que compuse en español”, recuerda.

“Yo estaba recién llegado a Madrid, conocía el fenómeno de Tamara y me encantaba. Me pareció genial que me pidieran una canción. Ella salía en televisión sin parar, el maxi había sido un éxito y para mí era la primera oportunidad, y probablemente la última, de hacer una canción en un disco que iba a ser supuestamente muy escuchado, aunque luego no fue así”, rememora el músico. La canción de Tito Pintado es precisamente Superestar, la que da título al disco. Pero en un principio no se llamó así, venía con una letra menos.

“Yo la titulé Superstar, escrito normal, pero fue a Tori a quien se le ocurrió ponerle una e en medio”, señala Pintado. Tori Alimbau ya ni se acordaba de aquello, pero las preguntas refrescan su memoria y de golpe le viene a la cabeza incluso el lugar en el que sucedió: “Estábamos en La Palmera un día que pinchaba a Tito”. La Palmera era un bar muy pequeño en el centro de Madrid, regentado por el director de una distribuidora discográfica, en el que se amontonaba la gente de esta escena para beber y escuchar a djs improbables que ponían discos en un altillo encima de la barra. Ahí podía pasar cualquier cosa. “Tito me dijo ‘mi canción se va a llamar Superstar’ y yo le dije ‘le tienes que poner una e, como si dijeras super y estar. Un rollo como de David Lynch, como de estar en el ajo, estar en el candelero, pero también algo castizo como de cuarto de estar”, explica. Tori mira la portada en su móvil mientras habla por teléfono y piensa que debería haber puesto la e en cursiva para que se notara más. El diseñador se ríe al enterarse de que la serie que ha rodado Nacho Vigalondo para Netflix también se llama Superestar, con la e en medio. “Fue la mayor gamberrada, sin intención de ser gamberros”. Pero no es verdad, esa no fue la mayor gamberrada que le hizo a Tamara.

“Se pilló un berrinche por una cosa inventada en el interior de la portada del disco”, admite el diseñador. La artista tardó bastante tiempo en darse cuenta y muchos de los que compraron el disco nunca repararon en ello. Justo en el pliegue interior del desplegable de la portada, Alimbau colocó la misma mano de uñas largas y rojas con las que posó la cantante en la sesión que realizó el fotógrafo Ramiro e en un piso del barrio de Malasaña. “Y dibujé con Photoshop un sexto dedo”, revela. Era una broma sutil en referencia al apellido de su madre, Margarita Seisdedos.

“La línea creativa la marcó Tori y la ejecutamos Ramiro y yo”, recuerda la diseñadora de interiores Iria Corredoira Alonso, que realizó el estilismo y buscó la casa de paredes rojas en la que se realizó la sesión: en ella vivían Sofi Clari, amiga y compañera de profesión, que durante años se ocupó de la pasarela de moda que tenía lugar en el Festival de Benicàssim y el estilista y coleccionista de ropa vintage Pablo Torres Weist. Una pared tenía una chimenea de mármol y ese espejo sesentero de madera pintado con pan de oro y forma de sol que enlazaba con la estética del single anterior. La instrucción más importante que le dio el diseñador al fotógrafo fue que le dejara espacio para poner las letras; no como en la foto de Leila Méndez.

El set en el que se hizo la portada acabó siendo tan icónico que definió la imagen de Tamara en ese momento e incluso Netflix lo recreó en la foto promocional que usó para anunciar su serie, con los productores Javier Calvo y Javier Ambrossi posando junto a Vigalondo delante de una pared roja, una chimenea y un espejo similar. Torres, que vivió con pasión aquellos años del tamarismo, recuerda con emoción aquella sesión en su casa: “Margarita Seisdedos se quedó dormida y la tapé con una mantita, luego tomamos café con tostadas en la cocina”, recuerda.

Iria Corredoira estaba “ilusionada” con la oportunidad de hacer el vestir a Tamara. “Yo creo que si alguien la ha defendido desde el principio ha sido el underground de Malasaña”, afirma. La cantante salía en televisión con un estilo que se había forjado ella misma, “más normal”, pero la estilista quiso “sacarla de su contexto” y llevarla a la tendencia de la moda en aquel momento, con un estilo militar y vintage. “Ramiro e propuso algo que recordaba a la película Portero de noche. La ropa que viste Tamara era de Iría y de su hermana, combinado con accesorios prestados por Locking Shocking, la marca de Ana Locking que comenzó primero diseñando joyería. No obstante, en el maquillaje y la peluquería, no pudo intervenir mucho: ”Fui a buscarla a su casa y estuvo como 45 minutos maquillándose las pestañas una por una, no he visto nada igual en mi vida. El maquillador me decía: ‘No sé qué hacerle’, y no pudo hacer mucho“.

“La tratamos con muchísimo cariño”, recuerda Corredoira. “Es una chica supereducada que respeta el trabajo de los demás. Aunque es muy confiada y salieron otros que se aprovecharon de ella. Me da rabia esa gente que pensaba que ella era… peculiar, pero ¿por qué no? Ese era el punk que nosotros queríamos. Tenía todo el derecho a subirse al escenario, como muchísima más gente”. “Ella era musa, quizás no del indie pero sí indie-gay. Algo especial. No la quiero llamar friki porque nadie es friki, todos tenemos nuestro momento”, añade Pablo Torres. “La recuerdo con cariño, pero fue vapuleada y maltratada de manera bestial y nadie se merece eso. Y todos somos un poco responsables porque la vestimos de Chanel, pero luego te dejamos caer”, añade.

Además de la sesión de portada, Corredoira volvió a vestir a Tamara para una sesión de fotos promocionales que se hicieron en el puente de Eduardo Dato de Madrid, con ropa que la estilista eligió del armario de la cantante, de entre un maravilloso vestuario de Carnaval que le había enviado un amigo canario. Llevaba unas gafas de sol grandes, ropa negra con brillo y un body semitransparente. “Se le ve poco, pero estaba casi desnuda. La tapábamos todo el rato, pero ella tan contenta, paseándose por la calle Serrano y nosotros le hacíamos fotos como robados”.

El fotógrafo Ramiro e contribuyó en gran medida a traer a Tamara a esa escena, que él solía fotografiar, pues además de su trabajo de moda era reconocido por sus fotografías de calle, a personas que no eran modelos, pero que con las cosas que hacían o con su manera de vestir configuraban el underground de ese momento. “Hice las fotos desde un punto de vista de fan, y me presté a formar parte de un equipo”, recuerda. “Me hacía ilusión poder conocerla, quedamos previamente, fuimos a su casa. Fue una experiencia inmersiva, definitiva, me quedé muy impactado. Aunque ya había pasado su momento más mainstream, seguía siendo ella, y seguía siendo muy famosa”. Tal y como recuerda Pablo Torres, había incluso cámaras de televisión en la puerta de su casa mientras hacían la sesión de fotos. “Era un personaje que tú veías que salía en la tele pero, de repente, entrabas en esa casa, que era tan cutre, pequeña y triste, con su ropa metida debajo de la cama porque no había armarios. Y veías que había llegado un punto en que no sabías si eso que veías era real o era un circo. Veías esa historia en la tele, que no te creías, pero luego en la puerta de aquel apartamento había una pintada, firmada por Arlequín, en la que la insultaban”, señala Ramiro e.

Las “gamberradas” del diseñador no terminaron con el disco largo, sino que se extendieron al siguiente single, un promo de Tiembla, Tamara que llegó a tener dos portadas diferentes. Ninguno de los implicados recordaba bien lo ocurrido, pero finalmente hemos podido recomponer la historia. Durante la sesión de fotos en casa de Pablo Torres se hizo un segundo estilismo, en otra parte de la pared roja. De nuevo, ese mismo toque militar pero chic, rematado con una gran flor blanca a la que Iria Corredoira le cosió una bandera francesa, como se puede apreciar en las polaroids de trabajo proporcionadas por Ramiro e para este artículo. “En ese momento estábamos todos muy patrióticos, pero con ironía”, recuerda. Cuando la foto llegó a la mesa de trabajo de Tori Alimbau, este decidió cambiar los colores de la bandera francesa por el rojo y el amarillo de la española. No solo eso, sino que hizo girar todo el diseño de la portada en relación al rojigualda: con un degradado en las letras y una potente ampliación de la bandera en la parte de atrás. Iria señala que no había ninguna intención política, sino que responde a una tendencia de la época y de aquella escena de jugar con lo castizo. La bandera española no era todavía el territorio en disputa que devino después. “Tori tiene este gusto por lo cañí, no me sorprende que propusiera ese diseño tan español”, indica Sergio Aguilar. “Mira qué inocentes éramos, que entonces pensábamos que podíamos resignificarla”, recuerda Alimbau.

“Tamara se enfadó cuando lo vio”, dice Ramiro e. Y los implicados recuerdan que volvió a asomar la misma frase que le dijo a Spunky para rechazar el vocoder de su voz: “Yo no puedo volver con esto a Barakaldo, que me tiran tomates”. Pero el single ya se había distribuido entre la prensa. La consecuencia del enfado de la cantante es que se tuvo que imprimir una segunda portada. Alimbau volvió a abrir el Photoshop y en lugar de revertir los colores a la bandera francesa, convirtió el amarillo en blanco y quedó como la bandera austriaca, “lo cual enlaza con el rollo Austrohúngaro”, recuerda Ramiro, que ya apareció en el principio de esta historia. La versión del disco con la bandera española se vende en Wallapop por casi cien euros.

Superestar se publicó “demasiado tarde”, coinciden todos los entrevistados. Y con un regusto amargo. “Pero, entre pitos y flautas, —admite Sergio Aguilar— habían pasado meses y salió todo muy retrasado. Y como el mundo de la tele va tan rápido, cuando salió el elepé ella ya no suscitaba tanto interés como personaje mediático. Y como propuesta musical, interesó a la gente que apreciaba la calidad de las composiciones y los colaboradores, pero no tanto a los que compraron el maxi”. “Ella no acabó contenta con el disco”, recuerda el fotógrafo Ramiro e. “Mucha gente lo considera un fracaso, pero para mí es un disco de culto, más allá de que me guste o no me guste. Y también representa un poco esa idea de que la mezcla del mainstream con el indie es algo que no acababa de funcionar en España”, analiza.

“Se vendió peor de lo que se podía haber vendido porque salió muy tarde”, apunta el diseño del sello, y recuerda que la obligación del cambio de nombre de Tamara por Yurena, que vino poco después, debido al conflicto con la cantante de boleros, no ayudó. “Ella pensaba que había algún tipo de boicot hacia el disco porque no lo veía en las tiendas”, apunta Sergio Aguilar, en referencia a una presunta rivalidad entre Universal, que comercializaba sus discos y con la distribuidora de los de la bolerista, que era Gran Vía Musical, propiedad del grupo PRISA, que en ese momento era dueña de Canal+. Este diario solicitó una entrevista con Yurena, pero al cierre de este artículo no hubo respuesta. “No digo que no hubiera llamadas o presiones, pero yo no lo percibí así. Tanto yo como Universal éramos los primeros interesados en que se vendiera el disco”, señala Aguilar y recuerda que la volatilidad del mercado era importante cuando había lanzamientos todas las semanas y todas las distribuidoras querían colocar los suyos en las tiendas. “No hubo esa mano negra que ella identificaba”, recalca.

Aunque ella pudiera comunicar en algunos contextos que el disco no acababa de gustarle, a Sergio Aguilar le dijo que estaba “encantada con la acogida en el entorno de Luis Miguélez y la gente de la movida”. Ella había participado en la elección de las canciones en maqueta y todo le pareció bien. No obstante, el disco podría haberse reeditado en todo este tiempo, pues ella es la dueña del máster, y no lo ha hecho. En el documental que Netflix ha estrenado a la vez que la serie, Sigo siendo la misma, Yurena se lamenta de no tener más que alguna copia testimonial y que todo lo que no se vendió, fue destruido. Pero no cuenta qué pasó realmente.

“A raíz de sus quejas sobre la distribución y las ventas, decidimos de mutuo acuerdo resolver el contrato. Ella buscó como abogado a Pedro Zerolo y tuvimos una reunión en su despacho. Acordamos que ella se quedara con el máster, los derechos de las canciones y con las copias sobrantes, para que las distribuyera como quisiera, a cambio de los royalties que había generado el maxi y que aún no había cobrado”, recuerda Aguilar, que conserva el papel que lo atestigua, según el cual se le entregaban unas 3.000 unidades del disco. Si nunca fueron recogidas, eso explicaría que, como afirmó en el documental, se destruyeran pasado el tiempo.

El estreno de la serie y el documental ha coincidido con el anuncio de un concierto de Yurena para el 23 de marzo de 2026 en el Palacio Vistalegre de Madrid, al que ha calificado como el “más importante” de su vida y “el que nunca fue”. Yurena quiere conquistar el culmen de una carrera que a Tamara se le escapó entre los dedos, cuando firmó un disco con un nombre que no pudo volver a usar y que es una de las grandes obras, aunque desconocidas, del pop electrónico español.

Ya está casi todo listo para el Festival de las Ideas y la Cultura que este año celebramos en Las Palmas de Gran Canaria. Una oportunidad única de disfrutar de conciertos, debates, espectáculos y actividades gratuitas para todos los públicos en un enclave único.

El sábado 28 de junio tendrá lugar en el escenario de la plaza de la Música una entrevista muy especial con el director de cine Nacho Vigalondo. El cineasta conversará con el periodista de elDiario.es Javier Zurro de su trayectoria y sus últimos proyectos.

Entre ellos está ‘Superestar’, su nueva serie que próximamente se estrenará en Netflix. Producida por Javier Ambrosi y Javier Calvo, se inspira en la vida de la cantante Yurena y algunos de los personajes que rodearon su salto a la fama a principios de los 2000.

Pregunta a Vigalondo

El público asistente a esta entrevista tendrá la oportunidad de preguntar a Vigalondo aquello que quieran conocer sobre su trabajo. Si no puedes asistir presencialmente, no te preocupes. La entrevista se podrá seguir también en streaming y puedes dejar tu pregunta para el director en este formulario:

Nacho Vigalondo

Vigalondo es un cineasta reconocido por su visión única en la ciencia ficción y el thriller. Su cortometraje 7:35 de la mañana fue nominado al Óscar en 2004, y su primer largometraje, Los cronocrímenes (2007), se convirtió en una obra de culto. Entre sus películas destacan Extraterrestre (2011), Open Windows (2014) y Colossal (2016), protagonizada por Anne Hathaway. En 2024, estrenó Daniela Forever, una distopía romántica protagonizada por Henry Golding y Beatrice Grannò, que explora el duelo y la memoria a través de la ciencia ficción. Su último proyecto de próximo estreno es la serie Superestar para Netflix, una biografía de la cantante Yurena (antes Tamara) y el grupo de personajes que la rodearon en sus primeros años.

Cuándo — Sábado, 28 de junio. 19.25 h (20.25 h peninsular)

---

Dónde — Plaza de la Música

Acceso gratuito

Al FIC, mejor en transporte público o caminando

¿Te vienes al Festival de las Ideas y la Cultura en Las Palmas de Gran Canaria?😏

La mejor forma de llegar: en guagua, bici, patineta o caminando 🚶‍♀️🚌. Te invitamos a elegir el transporte público para llegar a la plaza de la Música.

Porque este festival también imagina una ciudad mejor 🌿

Escúchalo en iVoox, YouTube o tu app de podcast favorita

¿Te vienes con Carne Cruda al “Museo de las desilusiones”? 

Así se llama el último disco de nuestro trovador del tecno, Joe Crepúsculo, una fiesta repleta de sueños, miedos, emociones y remordimientos. Vamos de visita guiada por sus canciones en un programa en el que abrimos una sala especial para el cineasta Nacho Vigalondo, que vuelve a Carne Cruda para hablarnos de su película “Daniela Forever”.

Un programa en el que hablamos del duelo, del dolor y la pérdida, de la madurez y el baile que puede sanarnos. Recorremos los últimos trabajos de estos dos grandes artistas y hablamos de sus proyectos más actuales y lo que tienen en sus cabezas genuinas que no nos dejan nunca indiferentes. 

Puedes ver el programa completo en vídeo aquí:

La mente de Nacho Vigalondo parece viajar dos pasos por delante de la de los demás. Es rápido, ácido y brillante. No solo tiene una respuesta inteligente, sino que principalmente destaca por moverse fuera de los lugares comunes. Haga lo que haga, todo lleva un sello que es tan personal como diferente. Ya sea en forma de late show como Los felices veinte como en forma de un cine que no se parece a nada de lo que se hace en España. 

Lo demostró con Los cronocrímenes, y así hasta llegar a Colossal, película sobre el machismo tóxico enmascarada en forma de kaiju feminista con Anne Hathaway como protagonista. Ahora estrena su nueva película Daniela Forever, una reflexión sobre el duelo que viaja entre el mundo real y el de los sueños, que están rodados en betacam. Es en esa dualidad en la que se mueve su protagonista, un Henry Golding que toma un fármaco para poder superar una pérdida, pero que acaba abrazando la dependencia.

No será lo único suyo que se vea este año. Todavía sin fecha, pero suya es Superstar, la serie producida por Los Javis sobre el mundo de Tamara, Paco Porras y compañía que promete mezclar dos universos tan particulares como el de Vigalondo y el de aquellas personas que la televisión utilizó y desechó para dar espectáculo.

¿Cómo ha sido este lapso de tiempo entre película y película?

He tenido la mínima tentación de decirte que he decidido estar unos años fuera de circulación para reencontrarme conmigo mismo. He estado a punto de mentirte.

Pero no es cierto.

La verdad es que no. De hecho, la primera versión del guion de esta película la tenía ya escrita mientras estaba paseando Colossal por festivales. Yo siempre tengo un proyecto disponible en el menú por si las cosas se tuercen, pero uno nunca sabe cuánto tiempo va a tardar en hacer la siguiente película. Y más asombroso todavía es que tampoco tiene que ver la relevancia o el éxito de la película anterior a la hora de acelerar la siguiente. Yo creo que de todas las películas que he hecho, la más conflictiva o la que más rozó con todos sus públicos fue Open Windows, y, sin embargo, Colossal salió casi inmediatamente después y tuvo un recorrido mucho más fructífero.

¿Ha habido muchos proyectos caídos también?

Yo siempre tengo una película que es la que deseo hacer y la que se acaba haciendo. Por otro lado, he tenido otros dos guiones terminados, uno de ellos era una adaptación de Stephen King que conseguimos los derechos para hacerlo, y que ahí se quedaron.

Tampoco debería lamentarme ante la sequía de proyectos, porque en realidad no he parado de rodar. Entiendo que hay una mística en torno al formato largometraje que hace que hasta que no hagas otro largometraje parece que no estás haciendo cine. Y es una mística en la que me dejo empapar. Por supuesto, yo también tengo unas ganas locas de volver a hacer una película y si tardo muchos años en hacer otra, como que noto que algo falta. Pero en realidad el día de rodaje es el día de rodaje y para mí rodar es un placer.

¿Y ofertas?, ¿siempre se habló mucho de una para hacer Supercrooks?

Si ahora te digo las cosas a las que me he presentado a concurso fliparías, pero no puedo decirlo porque entonces empezarían a saltar titulares, titulares muy mezquinos y muy deprimentes, porque son cosas que no han pasado. Pero esta historia te la va a contar cualquiera que haya metido la patita en Los Ángeles, en realidad no es tan especial. Por un lado, todos los directores están constantemente recibiendo ofertas y, por otro lado, Hollywood es un sitio que se define por la cantidad de cine que no hace, porque en proporción son muchas más que las que se hacen, en un número dramático.

¿Le asustó meter la patita y decidió quedarse aquí?

Es un sitio donde la calidad de vida es significativamente peor que aquí. A menos que estés cumpliendo un rol para el cual la ciudad está preparada: o eres mendigo o eres millonario. Se conciben esas dos realidades. Los Ángeles está diseñada para que estés buscando un espacio entre medias, pero ese sitio va a ser conseguir ser millonario o conseguir ser mendigo.

¿Es su película más melancólica, la más triste? Al final es una película sobre el duelo.

Claro. Imagino que sí, porque no es una película que hubiera hecho hace diez años. A mí la melancolía siempre me ha parecido un sentimiento muy atractivo de cara a la narrativa. Siempre he valorado que un texto tenga esa cualidad, porque no es exactamente la tristeza, no es exactamente el drama, es algo más delicado. Pero creo que el duelo no es melancólico. Creo que el duelo es devastador, es destructivo. No sé hasta qué punto uno puede invocar la melancolía a partir de una muerte próxima. Igual tienen que pasar unos años para hacer sonetos con ello.

En la película hay un fármaco que ayuda al protagonista a afrontar la pérdida, ¿es un reflejo de cómo uno se enfrenta al duelo en la vida real?

Sí. Yo no quiero ser moralista ante la gente que se automedica para superar una circunstancia tan trágica como el duelo, porque estás intentando gobernar tu propio cerebro. No eres tú quien decide. Es tu cerebro el que no quiere afrontar el duelo desde una posición madura. Igual tú ya al mes querrías volver a ser una persona funcional, pero es que tu cerebro decide que no, y si no tienes tanta suerte como los que pueden acceder a una consulta psiquiátrica o te puedes pagar un tratamiento a la altura del problema, pues a veces pasa que la gente recurre a soluciones más inmediatas y que desgraciadamente en un momento dado son más accesibles y más baratas que las que deberían estar al alcance de la mano.

La película tiene un juego de formatos, uno de ellos es el betacam.

Esta historia me encanta, no puedo dejar de contarla porque es divertidísima y tiene hasta su tercer acto y su clímax. Cuando escribí el guion, me estaba comiendo el tarro pensando en que la película es un zigzag. Es una ida y vuelta entre dos mundos. Es alguien que en su propia cabeza empieza a resetear una relación. Y en esa ida y vuelta los dos mundos empiezan a mutar. Yo lo que quería era una clave visual que le dijera constantemente al espectador dónde estamos. Yo necesito que esté clarísimo y no quiero que haya ambigüedades, precisamente para que luego pueda haberlas, pero necesito que esté todo claro.

En el guion yo puse blanco y negro y color, que es como la solución más de cajón, pero era lo único que encontraba, y nos dijeron que ni de coña. Los americanos, los socios, nos dijeron que no. No eres los Coen, no eres Eggers, no eres Iñárritu. Para las ventas internacionales el blanco y negro está prohibido. Tienes que ser muy famoso o muy de culto para que te dejen. Nos dieron esa noticia a poco de tener que empezar a rodar y entramos en pánico. Entre las cosas que se nos pasaron por la cabeza y una a la que me aferré, era utilizar una cámara exactamente igual a la que utilizábamos cuando hacíamos cortos antes de ir a la universidad, que es la Betacam SP. La analógica, la grande. Con cintas magnéticas en rigurosa definición estándar.

El duelo es devastador, es destructivo. No sé hasta qué punto uno puede invocar la melancolía a partir de una muerte próxima. Igual tienen que pasar unos años para hacer sonetos con ello

Nacho Vigalondo — Cineasta

Entonces le propusimos a los americanos lo del Betacam y nos dijeron que sí. Yo reconozco que cuando le mandé el email tenía el culo cerrado y decía “esto es imposible, es que estamos ofreciendo algo mucho más loco que el blanco y negro”. Porque claro, el Betacam ya te recorta la ventana. Eso de que la película cuando Nicolás está despierto tenga un formato cuadrado no es porque nos gusten las películas de A24, que ahora está de moda, sino porque esa cámara es lo que da. No hay más.

Hay una cosa del personaje de Henry Golding que me recuerda a Colossal, y es que el personaje en un momento de su evolución acaba siendo posesivo, saca una parte oscura.

En Colossal era más fácil porque era el antagonista, pero aquí es el protagonista.

Es muy interesante que el protagonista, a priori un tipo estupendo, tenga esa parte. Justo en este momento vivimos un debate sobre si todos los hombres tenemos ese comportamiento. ¿Le interesaba hablar de eso?

Bueno, llevamos ya tiempo con ese debate. Hay gente que ha desarrollado como una alergia a que una película pueda hablar del término masculinidad tóxica. Sobre todo hombres que creen que el término masculinidad tóxica es ya meternos en un territorio donde vamos a estar dándole vueltas al mismo tema una y otra vez, cuando en realidad desde géneros antediluvianos como el cine negro se habla de la condición tóxica de los personajes masculinos. Evidentemente, ahora hay como un foco más grande debido a todo lo que hemos vivido en los últimos años. 

Hace unas semanas Marta Nieto me decía que solo preguntamos a las mujeres por el Me Too, y que hay que preguntarle a los directores, así que recojo su guante y le pregunto como cineasta si realmente ha cambiado la industria. 

Si miras todo lo que he hecho desde mis cortos, he estado siempre picando la misma piedra, incluso si revisas mi blog de El País. Yo, por ejemplo, en una película como Her, que es una película excelente y visionaria, siempre me quedo con la sensación de que cuando al personaje protagonista le comen los celos, la película no está del todo cuestionándole. En este tipo de cine con el que me he metido, porque el cuestionamiento del punto de vista no suele estar muy presente. 

¿Y a nivel estructuras ha cambiado algo?, ¿sigue habiendo esas jerarquías que favorecían el abuso? ¿O la llegada de nuevos productores y esa mirada nueva que menciona ha hecho que cambie algo?

Sí que puedo ver cambios a través de los testimonios de la gente que me rodea. Yo, en realidad, mi experiencia personal es tan pequeña… es que yo en realidad tengo como una especie de vida de juguete como director. Yo he estado siempre producido por Nahikari Ipiña, mi socia. Hemos estado juntos siempre. Las películas que he hecho, incluso las que no lo parecen, siempre han sido como muy pequeñitas y entre rodaje y rodaje tampoco tengo una relación muy directa con la industria. No vivo en sociedad, por decirlo así. Los cambios los he percibido más en las conversaciones y en los intercambios entre peli y peli que en el propio rodaje. 

Sí que tengo que decir que a veces, hablando con compañeras actrices, el tema es también lo poco que en realidad han cambiado las cosas y las tensiones que se siguen dando y las frustraciones que se siguen dando. Que ese cambio de un mundo a otro que aparentemente se ha dado, en la práctica no siempre se da. Aquí no puedo hablar de casos concretos, pero hablo de historias novísimas, de antes de ayer. Eso sigue pasando.

¿Cómo podemos favorecer ese cambio para que eso no exista? Desde todos, periodistas, industria, productores…

Pues yo creo que lo fundamental es que en el día a día los valores que defendemos se aprecien segundo a segundo. Que la persona que en un momento dado vende en redes una personalidad, transpire a través de ti segundo a segundo, o incluso que las ideas que transmites en tus películas te representen también como persona. No vale hacer una película sobre el valor de la empatía y el respeto a las mujeres si en cuanto la cámara se apaga tienes una conducta tóxica, no ya con las mujeres, sino con todo el resto del equipo. Entonces, yo creo que lo más importante es que si tienes una filosofía de la que presumes, que se aplique segundo a segundo en tu existencia sin que te parezca un sacrificio de nada. Parece una cosa elemental, pero si presumes de tener unos principios, que se apliquen en todo momento. No estoy diciendo una cosa tan extraña. No tengas dobles, triples o cuádruples caras. No compartimentemos diferentes personalidades…

Eso suena a lo de la persona y el personaje...

Es que no debería ser tan difícil. Creo que no es mucho pedir el que si eres un autor, lo que expresas y lo que eres estén en sincronía. Se puede ser coherente. Yo puedo simpatizar más con la persona que hace películas donde puedes percibir un grado de vileza y que esa persona también sea vil. Con eso no tengo tanto problema. Yo abrazo con más confianza el mal antes que las contradicciones. Las contradicciones me enervan.

Hace años le cerraron su blog en El País por un chiste en Twitter sobre el Holocausto. Justo hace unas semanas hizo el monólogo en los premios Feroz hablando de eso, de las redes sociales, de lo que se permite o no… ¿Cómo valora el momento actual respecto al que vivió entonces?

En ese momento yo sentía que se había decidido no entender el contexto en el que hice algo que era inequívocamente un chiste. No había ambigüedad de ningún tipo. Encima, si veías el tuit anterior, era la segunda mitad de un chiste que venía de antes. En su momento me sentí muy violentado. Tenía que haberme bajado un poco los humos porque aquello tampoco era tan relevante. Me parecía todo muy obvio y me parecía muy injusto, pero a la vez me estaba dando cuenta de que me estaba pegando contra una bola de piedra a lo Indiana Jones. Esto era sobre el último tema, el Holocausto. Algo que no se debería tocar. Debería haber un contrato social. No se pueden hacer chistes. Es como la n-word en Norteamérica y en todo el mundo. Hay una valla electrificada.

Reconozco que por aquel entonces me parecía discutible. Pensaba que si mitificamos algo, lo estamos sacralizando. Además, también había un halo de irreverencia, porque asociábamos todo eso al pasado. Ahora, diez años más tarde, pienso que ojalá esa bola estuviera ahí presente y ojalá esa mistificación y esa verja electrificada estuviera presente más que nunca. Porque los mismos agentes que hace diez años me decían ‘tolerancia cero’ ahora tiene ‘tolerancia cinco’. Todos sabemos que el gesto que ha hecho Elon Musk es real. Todos sabemos que está guiñando a los mismos, para los cuales menos de una semana más tarde hace un mitin en Alemania pidiendo que la gente olvide el pasado y lo supere. En un mitin en Alemania le dijo a los neonazis, porque es lo que son, que lo que hay que hacer es olvidar el pasado y mirar hacia el futuro y soñar con una Alemania libre de multiculturalismo.

¿Está preocupado?

¡Cómo no! Claro que me preocupa. La gente dice que esto es como Alemania en los años 30. No lo sé. No sé si es como Alemania en los años 30. No sé si hay que alarmarse. No sé si estamos siendo víctimas también del periodismo alarmista o de la retórica de redes. Porque tanto en la posición a favor como en contra, las exclamaciones son muy atractivas. Pero hay algo que para mí lo hace más grave, y es que en los años 30 la gente que se dejó seducir por el fascismo no tenía como precedente el Holocausto. No tenía esa historia trágica, definitiva, como referente de hasta qué punto las cosas podían salir mal. Ahora sí. Y eso como punto de partida es peor que el de los años 30. Espero también que la derecha no tan a la derecha vea que es el momento de posicionarse.

Vídeo de la entrevista completa

Vídeo: Javier Cáceres, Nando Ochando y Adrián Torrano

Si el 3 de febrero de 1959 -el nefasto martes en el que Buddy Holly, Ritchie Valens y Big Bopper perdieron la vida en un accidente de avión- está considerado el día en que murió la música, para mucha gente el día en que murió twitter -o, al menos, empezó a hacerlo- no fue el 24 de julio de 2023, la fecha en la que la red social cambió su nombre por el de X, sino cuatro meses después, el 27 de noviembre, cuando falleció Miguel Ángel López, El Hematocrítico. Casi un año después, la legión de amigos y admiradores que dejó el bloguero, escritor, profesor y agitador cultural ha decidido homenajearlo dando su nombre a un nuevo festival que nace con la intención de convertirse en la referencia estatal en el ámbito de la literatura infantil y juvenil, pero que en su primera edición va mucho más allá: será la fiesta “no para despedirlo, sino para celebrar que Miguel formase parte de nuestras vidas. Y una fiesta sin música y sin risas no es una fiesta”.

Quien así habla es la pareja de Miguel, la escritora Ledicia Costas, madre de personajes como Escarlatina, a cociñeira defunta, A señorita Bubble o Os Minimortos -todos con versión en castellano- en una carrera que acumula dos docenas de premios, entre ellos el Nacional de Literatura Infantil y Juvenil, el Premio da Cultura Galega o la Medalla Castelao. Ella es una de las impulsoras del HematoFesti junto al director de animación, ilustrador y dibujante de comics Alberto Vázquez, ganador de cuatro Premios Goya por cintas como Birdboy, Psiconautas o Unicorn Wars. La cosa arranca con el listón alto.

El HematoFesti, que se celebrará en Vigo entre el 6 y el 10 de noviembre, está inspirado en uno de tantos proyectos que la prematura muerte de López dejó pendiente. En octubre del año pasado, Hemato, Costas, Vázquez y la pareja de este acudieron a Cagliari (Italia) al festival Tuttestorie. Les gustó tanto que el cineasta lanzó una propuesta a sus amigos. “¿Por qué no hacéis vosotros, con toda la gente que conocéis, un festival de literatura infantil? En España no hay muchos y, en Galicia, ninguno...”. La respuesta de Miguel fue que tendrían que ponerse a ello “cuando tengamos tiempo”. Pero nunca lo tuvieron. Un mes después, Hematocrítico fallecía repentinamente de un infarto. Tenía 47 años.

Aquel proyecto inconcluso fue el germen del HematoFesti. “Queríamos hacerle un homenaje, una fiesta con amigos y pensamos que lo mejor sería algo con su nombre, donde se hable de su figura, se mantenga vivo su legado...”. Pero se les fue de las manos. Lo que pretendía ser “una cosa pequeña, íntima” los desbordó. “Empezó a correrse la voz y la gente quiso sumarse, porque la red de Miguel era verdaderamente grande”. Y así, en “un tiempo récord”, apenas cuatro meses de trabajo “intenso”, han reunido un “cartelazo” con nombres de primera línea de la literatura, la ilustración o el humor.

No solo eso: además del equipo humano que se ha lanzado a la aventura, han conseguido el apoyo de patrocinadores privados -como Nintendo- pero también públicos “de todos los colores”: la Dirección General del Libro, dependiente de un ministro de Sumar; la Xunta y la Deputación de Pontevedra -del PP- y el ayuntamiento socialista de Vigo. “La figura de Hematocrítico concilia”, sonríe Costas. ¿Su nombre es un salvoconducto? “¡Y una marca de calidad!”.

No es un festival tróspido (aún)

El trailer del festival, obra del realizador Manu Viqueira, remite a la imaginería de los Monty Python al transformar al dios de La creación de Adán en un Hematocrítico rodeado de algunas de sus múltiples criaturas. Entre sus aportaciones a la cultura popular, una de las más conocidas es el término tróspido, con el que adjetivó allá por 2012 a concursantes, madres y situaciones del programa ¿Quién quiere casarse con mi hijo?, uno de esos fenómenos que comenzaron a seguirse, de forma simultánea, por la televisión y por twitter al mismo tiempo.

¿Este será entonces un festival tróspido? “Pensamos en llamarlo así, pero nos gustaba que estuviese Hemato en el nombre. Creo que tenemos que crear un premio relacionado con eso”. Uno más: HematoFesti llega con un certamen para álbumes ilustrados, en colaboración con Triqueta Editora, que concederá al ganador un premio de 5.000 euros y la publicación en todas las lenguas del Estado. Además, se crea el premio de honor Leyenda del recreo -como aquellos comics infantiles que Hemato guionizaba y dibujaba Albert Monteys- que, en su primera edición, reconocerá la trayectoria de Manuel Bragado, “el gran editor de la literatura galega”, en palabras de Costas. Tanto a ella como a López los publicó por primera vez en esa lengua.

“Tiene una cualidad que no todo el mundo posee: siempre sabe cuál es su lugar”, subraya la escritora antes de señalar que Bragado, al igual que Hemato, también era docente. “Tanto Manolo como Miguel eran dos leyendas del recreo, así que empezar dándoselo a él era algo redondo”.

¿que ha dicho QUÉ?

Teníamos pendiente aquello de la música y la risa, que se va a sustanciar en dos grandes eventos. El primero, La HematoGala, el jueves 7. Será justo después de la charla de otro Premio Nacional, este de Comic: Paco Roca, el autor de Arrugas, El abismo del olvido o Los surcos del azar. La gala estará conducida por el cineasta Nacho Vigalondo y la poeta y cantante Lucía Aldao. Por el escenario pasarán Nus Cuevas, Amaral, Noel Ceballos, Laura Márquez, Joe Crepúsculo, PAVA y el podcast de La Ruina, con su flamante Premio Ondas bajo el brazo.

Al día siguiente, llegará al Teatro Salesianos Queremos Humor para repasar todas las facetas divulgadoras y humorísticas de El Hematocrítico. Allí se podrá ver una edición especial de Los Hermanos Podcast, el programa que Hemato realizaba con el periodista Noel Ceballos, y que esta vez tendrá como invitados a Nus Cuevas -que repite-, Berto Romero y Arturo González Campos.

Manuel Bartual será el encargado de hablar de la faceta que dio el apodo a López. El dibujante y podcaster -Biotopía, Santuario, Titania-, otro de los artistas que más exprimieron las posibilidades creativas de twitter, fue el primer editor de los libros de El Hematocrítico de Arte a través de su sello ¡Caramba!

Y, cuando acabe Bartual, será el turno de uno de los momentos más esperados: la aparición de Masa Enfurecida. La cuenta anónima emergió como uno de los grandes agitadores de la que podríamos considerar la edad dorada de twitter. Llegó a convertirse en un fenómeno pop. Bajo el lema “¿que ha dicho QUÉ?” la cuenta, quizá la mejor definición posible del concepto troll, jugaba constantemente desde la parodia con los límites del humor. Las teorías sobre quién estaba detrás se multiplicaron y Masa era la primera en fomentar los rumores. Uno de los más bizarros llegó incluso a señalar Ignacio Escolar, el director de elDiario.es -donde tuvimos a Hemato con una sección como infiltrado en internet-, quien admitía en un tuit que le hubiese gustado que fuese verdad...

Sólo tras el fallecimiento de López se extendió el convencimiento de que Hemato era la persona -o una de las personas- que estaban tras Masa. Sin embargo, en 2016, él mismo se lo había negado a El Español: “Pero sabe quiénes son. No lo dirá por respetar su confidencialidad. No seguía la cuenta: 'Me cargaba tanta política'- explica. 'No es mi estilo de humor'”.

“Nunca se dijo públicamente que él fuera Masa enfurecida”, incide Costas con una sonrisa antes de anunciar que en esa sesión “igual se revelan cositas”. Los maestros de ceremonias, de nuevo Ceballos, Vigalondo y, como tercer cómplice, John Tones. “Va a haber una gran sorpresa”, continúa igual de enigmática la escritora. Como sorpresas anuncia también el broche de la sesión, con dos clásicos de la escena musical viguesa como Amaro Ferreiro y Nico Pastoriza. ¿Qué hacen ellos en una gala de humor? Quizá haya que quedarse hasta el final para comprobarlo...

Libros vs videojuegos: la batalla que nunca existió

Los más pequeños siempre estuvieron presentes en la vida y la obra de Hemato, por eso se multiplican los talleres y las sesiones de cuentacuentos. Pero, pasados los dos eventos centrales, los niños se quedan con todo el protagonismo. El sábado 9 estará protagonizado por la jornada Queremos literatura infantil, que convivirá con el espacio Gaming abierto desde el primer día. Una metáfora perfecta de la adolescencia de Costas: un libro en una mano, un joystick en la otra.

“Queremos quitarle peso a los videojuegos, que están demonizados y sobre los que hay cierto malditismo”. Por eso, junto a otro nombre ilustre de la literatura infantil, Pedro Mañas -Anna Kadabra- ofrecerá una charla dirigida a familias bajo el título Reír y crear: con una Nintendo en las manos desde 1990.

Costas recuerda cómo escuchaba una y otra vez que el libro acabaría desapareciendo por culpa de los videojuegos mientras ella, lectora incansable, “jugaba todo lo que podía”. “Claro que pueden convivir; los videojuegos son cultura y tienen su parte lúdica, de emoción, diversión, entretenimiento... pero como también la tienen la literatura o la música”.

Toda una declaración de intenciones para una cita que tanto Costas como Vázquez esperan que llegue a ser “el punto de encuentro de la literatura infantil en España”, un lugar con invitados internacionales “donde escritores, ilustradores y editoras puedan reunirse y hacer cosas para niños... pero también sus cosas de trabajo”.

Con tantos frentes abiertos, parece que solo falta el cine, así que la pelota queda en el tejado de Vázquez, que no se cierra a nada: “En un futuro, tal vez se podrá abrir un poquito... porque, al final, todo es contar historias”. Y de eso, como de tantas otras cosas, El Hematocrítico sabía mucho. Todo un mundo.

Hoy te traemos el primer episodio de ‘La Noria’, un podcast en el que Elizabeth Duval charla con sus invitados sobre cómo ha cambiado la sociedad. En este episodio habla con el director de cine Nacho Vigalondo sobre cultura pop.

También lo tendrás disponible cada mañana en el resto de plataformas.

¿Esto qué es?

elDiario.es ha estrenado este podcast diario para explicarte la actualidad. Conducido por Juanlu Sánchez y con ayuda de los periodistas de la redacción de elDiario.es y otros invitados, nos detendremos de lunes a viernes en un asunto: puede ser una noticia compleja, un debate de fondo o una historia sencilla que merezca la pena. Una píldora de sonido para acompañarte en el desayuno, de camino al trabajo, en la pausa de la comida o antes de dormir.

¿Cómo escuchar 'Un tema Al día'?

▶ Si eres socio/a, podrás escuchar las nuevas entregas del podcast cada noche en elDiario.es con unas horas de antelación respecto al resto de lectores. Recibirás el enlace en tu correo electrónico en el boletín del Adelanto de noticias.

▶ También lo puedes escuchar en Podimo, la app de podcast y audiolibros que apoya ‘Un tema Al Día’. Si te abres una cuenta en Podimo desde este enlace, tienes 60 días de acceso gratuito a todo su contenido exclusivo

▶ Si no eres socio/a, el episodio está disponible a primera hora de la mañana en cualquier aplicación que uses habitualmente. 

▶ Acuérdate de suscribirte al podcast 'Un tema al día' en tu app para que te lleguen automáticamente los nuevos capítulos. Es gratis.

▶ Tendrás disponibles también todas las entregas de 'Un tema Al día' en elDiario.es/aldia

La denominada como “antesala de los Goya” está a punto de arrancar. Este sábado se celebra la novena edición de los Premios Feroz, ceremonia organizada por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España en la que se reconoce el mérito de la producción nacional, tanto de series como de películas. El acto, que tendrá lugar en el auditorio de Zaragoza a partir de las 22:00 horas, se podrá seguir también en directo a través de su canal oficial de YouTube. De esta forma, compartirá espectadores con otra gala que ese mismo día se celebra a algo más de 400 kilómetros de allí, en la costa alicantina: el Benidorm Fest, que también es otra antesala, la de Eurovisión. Ya se prefiera la música o el cine, la noche promete satisfacer las demandas de todo tipo de públicos.

El acto estará presentado por el director de cine Nacho Vigalondo y la cómica Paula Púa, quienes han reconocido que “habrán cosas nuevas” sin dar muchos detalles al respecto para “no hacer spoiler”. Lo único que han adelantado es que la gala estará marcada por “su idiotismo” y que en ella se reunirán grandes figuras del panorama cinematográfico español como Javier Bardem, Luis Tosar, Javier Cámara, Marta Nieto, Leticia Dolera o Anna Castillo. Teniendo en cuenta que la guionista de la gala de entrega es Pilar de Francisco, que ahora escribe en Late Motiv y La Resistencia (Movistar+), cabe esperar un evento bien cargado de humor.

La actriz Elena Rivera y el actor Brays Efe fueron los encargados de comunicar los candidatos el pasado mes de noviembre. Al igual que en los Goya, donde El buen patrón parte como favorita con el récord de 20 nominaciones, la cinta de Fernando León de Aranoa lidera la tabla en los Feroz al aparecer en nueve de las 11 categorías que se premian para largometrajes. Le sigue Madres paralelas de Pedro Almodóvar y Maixabel de Icíar Bollaín, ambas con ocho nominaciones. En cuanto a series, tal y como informó verTele, las dos grandes predilectas son Reyes de la noche y Venga Juan, cada una con cuatro nominaciones. Le sigue La Fortuna de Alejandro Amenábar, que cuenta con tres nominaciones

No obstante, a pesar de los números, aún no hay un claro ganador. Se debe tener en cuenta que no es la primera vez que un filme con numerosas candidaturas acaba sin cumplir las expectativas o, bien, termina siendo reconocido solo en apartados técnicos. Es justo lo que ocurrió con Mientras dure la guerra de Alejandro Amenábar, que partía con 17 opciones en los premios Goya y finalmente consiguió cinco galardones técnicos. De ahí que estos Feroz sean una buena prueba para comprobar qué ocurre con la cinta de Aranoa.

También hará acto de presencia la cineasta Cecilia Bartolomé, que recoge el Premio Feroz de Honor 2022. Es considerada, junto a Josefina Molina y Pilar Miró, una de las pioneras del llamado Nuevo Cine Español, al ser de las pocas mujeres que logró graduarse en la Escuela Oficial de Cinematografía. De ahí que, para otorgarle este reconocimiento, el comité organizador resaltara “su compromiso de vanguardia con el cine, innovando en sus películas y subvirtiendo los roles femeninos”.

El año pasado este mismo galardón de honor recayó en Victoria Abril, que en ese momento estaba en el punto de mira por decir en varias ruedas de prensa de los Feroz que “estamos siendo usados como cobayas”, en referencia a las vacunas contra el coronavirus. No obstante, en el momento de subir al estrado, se disculpó por ello: “Pido disculpas si hablando sin filtro de los vivos he ofendido a los que han perdido a sus seres queridos”.

A la gala asistirán igualmente personalidades del mundo político, como Yolanda Díaz, y el ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, o el alcalde de Zaragoza, Jorge Azcón. Por esto también es un buen momento para que los premiados lancen sus reivindicaciones con discursos como el de Asaari Bibang, que en la gala anterior hizo referencia a la precariedad de la profesión: “Solo unos pocos actores y actrices pueden vivir de su trabajo, eso significa que los otros estamos en un proyecto maravilloso del que ahora no te puedo hablar”. La intérprete también señaló otro problema: qué significa hacerse mayor siendo mujer en la industria cinematográfica. “Cuando una cumple 50, el teléfono deja de sonar; a ellos se les dice que están más atractivos”, criticó.

Este sábado, por tanto, se descubrirá todo: si El buen patrón allana el camino hacia los Goya, si hay algún monólogo a la altura del de Asaari Bibang o qué son esas sorpresas a las que hacía referencia Vigalondo. Lo que sí parece seguro, al menos, es que las galas de cines presenciales están de vuelta.

Entrevistamos a Pilar Orenes, directora adjunta de Oxfam en España, cuando la organización investiga 26 nuevos casos de conducta sexual inapropiada de su personal, como el uso de prostitutas en Haití, según confirmó este martes su director general en el Parlamento británico.

Nuevo programa especial sobre cine. De la mano de nuestro colaborador David Martos entrevistamos a Gustavo Salmerón, director de “Muchos hijos, un mono y un castillo” película ganadora del Goya al mejor documental 2018.

El programa se completa con las colaboraciones de Isa Calderón y Nacho Vigalondo que nos traen su particular visión del séptimo arte. Y aquí puedes verlo en vídeo:

Recuerda que este programa es solo posible gracias a ti. Difúndelo y, si puedes, hazte Productor o Productora de #CarneCruda.

.

Bárbara Lennie vuelve a la carnicería para hablar de su última película: Una especie de familia, un angustioso y extraordinario drama sobre la maternidad, la adopción y la desigualdad.

En este nuevo monográfico de cine coordinado por David Martos quien estuvo en el rodaje de Star Wars y habló con Los últimos Jedi. Hacemos un repaso los mejores estrenos y repasa la obra del compositor Alberto Iglesias, como banda sonora del mes.

Isa Calderón viene fuertecita para revisar El Gran Lebowski en la sección de películas que le obsesionan (para mal). Y Nacho Vigalondo ha visto cosas que jamás creeríais y viene a contarlo.

Recuerda que este programa es solo posible gracias a ti. Difúndelo y, si puedes, hazte Productor o Productora de #CarneCruda.

.

Bárbara Lennie vuelve a la carnicería para hablar de su última película: Una especie de familia, un angustioso y extraordinario drama sobre la maternidad, la adopción y la desigualdad.

En este nuevo monográfico de cine coordinado por David Martos quien estuvo en el rodaje de Star Wars y habló con Los últimos Jedi. Hacemos un repaso los mejores estrenos y repasa la obra del compositor Alberto Iglesias, como banda sonora del mes.

Isa Calderón viene fuertecita para revisar El Gran Lebowski en la sección de películas que le obsesionan (para mal). Y Nacho Vigalondo ha visto cosas que jamás creeríais y viene a contarlo.

Recuerda que este programa es solo posible gracias a ti. Difúndelo y, si puedes, hazte Productor o Productora de #CarneCruda.

.

Un total de 100 proyecciones de cine y 9 estrenos nacionales, numerosos invitados, música, actividades culturales y la segunda edición del Mercado Audiovisual de Cine Independiente Abycine Lanza integran la programación de la 19ª edición del Festival Internacional de Cine de Albacete (Abycine), que se celebra del 20 al 28 de octubre y que se inauguraba anoche en una gala. 

La actriz Macarena García recibió el Premio Trayectoria Joven Abycine 2017. 

El certamen ha querido reconocer el talento de esta actriz que el gran público conoció en 2012 gracias a su papel protagonista en “Blancanieves” de Pablo Berger. Papel con el que ganó la Concha de Oro a Mejor Actriz en el Festival de San Sebastián y el Goya a la Mejor Actriz Revelación. A partir de ahí, su carrera fue imparable. “El Internado”, “Hospital Central”, “B&B”, “Niños robados”, “Todos están muertos”, “Palmeras en la nieve” o “Paquita Salas” son algunos de los títulos televisivos y cinematográficos en los que hemos podido verla.

Es una de las protagonistas de “La Llamada”, película que podremos ver en Abycine basada en el musical homónimo creado por Javier Calvo y Javier Ambrossi, uno de los éxitos teatrales de los últimos años. Gracias a esta obra, Macarena se hizo con el Premio a Mejor actriz principal en los BroadwayWorld Spain Awards y en Japón también acaba de recibir la semana pasada el premio a la Mejor Actriz en el Latin Beat Film Festival de Tokio 2017, premio exaequo para todo el elenco femenino de la película. Abycine sumó el nombre de Macarena García a la lista de nombres que hacen de este Premio una apuesta por el riesgo, el potencial y la proyección de nuestros jóvenes talentos. 

100 sesiones para todos los públicos

Abycine tendrá 100 sesiones (55 dirigidas a público adulto y 44 en las secciones de mi primer Abycine y abicinitos); tendrá 25 estrenos de ámbito regional, con el objetivo de consolidar el Festival, seguir formando al espectador, y aumentar la dimensión nacional que tiene Abycine.

El Festival contiene en esta nueva edición un total de 15 secciones: Abycine Presenta, Premio película Joven, Abycine Indie, Abycine Cortos, Hecho en CLM, Videocreación AB, Talentos de Abycine Lanza, Vídeopoesía-Maldito, Abycine en la UCLM, Abycine & Amnistía Internacional, Ciclo 'Contra el Muro', Sesiones Especiales, Abycinitos & Mi Primer Abycine, Abycine Off y Cortos y Discapacidad 2017.

A sus espacios escénicos habituales como son el Teatro Circo, el Cine Capital, el Cine Vialia, la Casa de la Cultura 'José Saramago' y la Casa Perona, sede de la Delegación de la Junta en Albacete, se suma la Sala de Liberbank de la Plaza Gabriel Lodares.

Además, Abycine celebrará el II Mercado del Audiovisual Independiente (Abycine Lanza), alzándose como punto de encuentro para los profesionales del sector, en el que poder establecer sinergias e intercambiar información, ha informado la Junta en un comunicado.

La Casa Perona acogerá durante la celebración de Abycine una exposición de diseño de carteles de películas de los últimos 15 años (USER T38), como 'Alatriste', 'El Laberinto del Fauno', 'El Camino de los Ingleses', 'Ágora', 'Che', 'Celda 211', 'Hierro', 'Agnosia', 'Primos', 'Tengo ganas de ti', 'Promoción Fantasma', 'Fin', 'Zipi y Zape y el club de la canica', 'La gran familia española', 'Caníbal', 'Autómata', 'Requisitos para ser una persona normal', 'Regresión', 'Palmeras en la Nieve', 'Zipi y Zape y la isla del capitán' y 'Gernika'.

Abycine Presenta este sábado

Dos títulos se suman este sábado a la sección Abycine Presenta. El  primero es 'Colossal', de Nacho Vigalondo, que se proyecta a las 17 horas  en la Sala 1 de los cines Yelmo de Vialia con la presencia de su  director.

'Colossal' es la nueva película del siempre original y sorprendente  Nacho Vigalondo. Una particular propuesta protagonizada por una de las  reinas de Hollywood, Anne Hathaway, quien aquí es Gloria, una chica  que decide dejar Nueva York y regresar a su ciudad natal tras haber  perdido su trabajo y su novio. Al otro lado del mundo, un monstruo  gigante surgido de la nada empieza a destruir Seúl. Lo más extraño  de todo es que, sorprendentemente, Gloria comprueba que está  conectada con estos extraordinarios acontecimientos.

Vigalondo mantendrá un coloquio con el público tras la proyección.  Después, a las 22 horas en la misma sala se proyecta el primer pase de  “Los Mutantes”, dirigida por Gabriel Azorín, un joven cineasta y realizador de publicidad  natural de Hellín (Albacete). Entre sus trabajos se encuentran los  cortometrajes: “Los galgos” y “Mañana vendrá la bala”.

Es miembro  del colectivo artístico “lacasinegra” y “Los mutantes” supone su  debut en el largometraje. La cámara de Azorín se adentra en la  intimidad de las instalaciones de la Escuela de Cinematografía y del  Audiovisual de Madrid (ECAM), en donde somos testigos de las  sinergias, procesos creativos y alumbramiento de ideas que allí  tienen lugar. Lejos del típico ejercicio de meta-lenguaje al que  estamos acostumbrados, y con una inteligente economía de medios, el  director arma un documental sobre el por qué de hacer películas.

Gabriel Azorín mantendrá un encuentro con el público después de la proyección.

La sesión también incluye el cortometraje “La comunión de la Nena”,  realizado por Juan Vicente Castillejo, otro director albaceteño  (Barrax) que nos trae su último trabajo.

Vuelve Sesión Continúa, nuestro especial monográfico sobre cine. Estrenamos colaborador, el periodista David Martos, autor del podcast Kinótico nos visitará cada mes para traernos las novedades del séptimo arte.

Entrevistamos a Carla Simón, directora de “Verano 1993”, la película seleccionada para representar a España en la próxima gala de los Oscars. Película que narra la propia infancia de la directora, cómo una niña de 6 años va a vivir al campo tras la muerte de sus padres.

El programa cinematográfico se completa con las colaboraciones de la guionista Isa Calderón, que nos presenta su nueva sección Obsesión Continúa, los comentarios más ácidos de los estrenos en la pantalla.

El director de cine Nacho Vigalondo nos trae otra nueva sección He visto cosas, un recorrido por las rarezas más insólitas del celuloide.

Recuerda que este programa es solo posible gracias a ti. Difúndelo y, si puedes, hazte Productor o Productora de #CarneCruda.

Desde Tron hasta Los Simpsons pasando por Matrix, Star Wars e incluso algún que otro videoclip de Aerosmith: fantasear con la existencia de realidades paralelas es un pensamiento común entre humanos. La técnica, como el futuro, cada vez se perfecciona más. Algunos estudios ya anticipan que 2018 será el año del boom para la realidad virtual, con unos ingresos que superarán los 4.800 millones de dólares.

No faltan visionarios ni profetas a lo Nostradamus. Pero la mayoría de expertos coinciden en que es muy difícil anticipar cómo se desarrollará esta tecnología. Con aplicaciones que van desde el turismo a la industria del porno o a las atracciones (recientemente, el Parque de Atracciones de Madrid abrió su primera montaña rusa VR), la realidad virtual ha creado un nuevo paradigma tan interesante como en su momento lo fue el cine o la irrupción de la televisión en los hogares, allá por los años 50.

Por eso, el pasado viernes se celebró en el Espacio Telefónica de Madrid, Thinking Party: realidad virtual. Además de servir como carta de presentación de los diferentes campos sobre los que ya se trabaja con esta tecnología (creación audiovisual, turismo, videojuegos, educación, medicina, compromiso social, etcétera), el evento también despertó dudas e interrogantes, esa clase de preguntas que de momento nadie sabe responder. ¿Y si estuviéramos ante la oferta de ocio definitiva del futuro?

¿Cambiar cine por VR?

Aunque la idea más extendida sitúa a la VR como parte indispensable de los videojuegos (sobre todo últimamente), lo cierto es que solo el 29% del dinero que se invierte en realidad virtual se destina a su desarrollo. “Las aplicaciones de la VR son muchas. La más llamativa siempre ha sido el videojuego, quizá el videojuego doméstico. Aunque en esto tengo poca confianza porque siempre existirá la limitación del espacio físico...”, explica a eldiario.es Alberto Marcos, director de desarrollo de 7Fun. Su empresa ha creado el primer centro de ocio de realidad virtual, Zero Latency. En seis meses ya han pasado más de 10.000 personas por el número 54 de la calle de Pradillo, en Madrid.

Marcos está convencido de que la VR es el futuro. No solo a nivel tecnológico, sino también a nivel familiar: “Estamos abriendo una categoría nueva de ocio. Queremos que el debate en casa sea: '¿Hoy vamos al cine, a cenar o a Zero Latency, a evadirnos de la realidad?' Hasta ahora, esa opción no existía”, dice. El espacio tiene 200 metros cuadrados y en él, ocho jugadores cooperan para salir airosos de la misión, que por regla general será la de matar zombis.

Zero Latency considera que la “experiencia de combate con jugadores del futuro” será suya. Valoran, incluso, la creación de una liga que llevaría a los equipos a enfrentarse unos contra otros en diferentes países. El de Madrid es el undécimo centro con el que cuenta la compañía. “Estamos desarrollando una experiencia face to face, donde compite un equipo contra otro. En 2018 será una realidad”, continúa Marcos.

Grabar en VR, como “volver a empezar”

Mientras tanto, el director de cine Nacho Vigalondo se niega a creer en un mundo del futuro donde ir al cine haya sido sustituido por ir al centro de realidad virtual. “Hay algo que prevalece y que hace que, a día de hoy, el cine tradicional y las salas sigan existiendo. La experiencia comunal, compartir algo con varias personas es insustituible”, explica a eldiario.es.

Su última experiencia con realidad virtual en la producción ha tenido que ver con un pequeño corto que Samsung le pidió hace meses. “Al final es una excusa para un cuento de cuchilladas. Muere gente, hay violencia...”, decía Vigalondo de Ceremony, su nueva criatura. En el clip, varias personas usan dispositivos de VR mientras una voz en off anticipa la llegada de unos extraños que empiezan a acuchillarlos.

Vigalondo asegura haberse “enfrentado a una nueva generación de oportunidades y de problemas” al grabar en 360 grados. “Es como volver a empezar”, dice de la técnica. “Tienes que tener muy claro cómo manipular la atención del espectador en todo momento para que esté mirando al punto correcto cuando sucede algo. Eso es algo que tiene que premeditarse ya desde el guion”, continúa. Durante la presentación corroboraba esta idea asegurando que “es imposible adaptar un guion de 2D a VR”.

No descarta grabar algún día una película para VR, aunque se la tendrían que “ofrecer”. Sitúa al cine y a la realidad virtual en un punto próximo aunque perfectamente delimitado: “Hay un tipo de placer en sentirte inmerso en una narración, algo que te ofrecen las gafas. Pero también hay un placer muy específico, que es el que te ofrece el cine, de no sentirte inmerso”, dice. Una cuestión de perspectivas, porque según sus palabras “el cine siempre ha tendido a narrar en tercera persona”, exactamente lo contrario que la VR, “una relación con el espacio”.

Ni Marcos ni Vigalondo se atreven a hacer cábalas sobre el futuro. “Se nos puede ir la cabeza pensándolo”, dice el primero. “Las condiciones técnicas tienen que mejorar”, opina el director de cine. Marcos, sin embargo, ya piensa en las regulaciones que tendrán que adoptar los gobiernos del mañana. “Pero la tecnología va mucho más rápido que las normas”, recuerda. Vigalondo es más partidario de que “nos implantemos mini USBs en el cerebro y les metamos directamente la información. Una pena que de momento no se pueda”, bromea. ¿Y qué si la gente prefiere Matrix al mundo real?

Después de ganar el premio a la Mejor Película en el Festival de Austin, Colossal llega a Sitges con su director, Nacho Vigalondo, encantado del recibimiento y las buenas críticas que está cosechando en los festivales donde se ha visto: Toronto, Austin, San Sebastián y ahora en el festival de cine fantástico. Después de la agónica postproducción que exigió Open Windows, y de realizar películas como Los cronocrímenes o Extraterrestre, que siempre funcionan por el boca-oreja y a un nivel de cine de culto, las sensaciones que está despertando Colossal le tienen entre extrañado y aliviado.

Colossal cuenta cómo una chica con graves problemas con el consumo de alcohol (Anne Hathaway) huye de la gran ciudad para refugiarse en el pueblo donde creció. Allí se reencuentra con un viejo amigo (Jason Sudeikis) y descubre algo asombroso: desde un parque cercano a su casa puede controlar a un monstruo gigante que está arrasando Seúl. Una mezcla de comedia enloquecida y drama romántico que pone sobre la mesa percepciones muy personales de Nacho Vigalondo sobre las relaciones íntimas y cómo estas impactan en quienes nos rodean. Nos sentamos con él para que nos explique la génesis de una idea tan singular y potente.

Me da la impresión de que, por primera vez, ha vivido un rodaje más tranquilo y sosegado que otras veces.

Ha sido un camino de rosas. En las entrevistas siempre te gustaría contar historias a lo Herzog acerca de cómo se consiguió levantar esta epopeya, pero lo cierto es que cuando conseguí la complicidad de Jason Sudeikis y Anne Hathaway, la película se puso en marcha sola. Los tiempos se han respetado bien, y ya estoy dispuesto a asumir que no volveré a pasar por una experiencia tan bonita como la que he pasado con esta película.

¿Desde las primeras etapas de la escritura del guion, la original idea de la que parte el argumento era la misma?

La primera versión del guion se titulaba Santander, y básicamente era una translación geográfica a España de lo que se ha acabado viendo en Colossal. En vez de la dialéctica entre Nueva York y un pueblo de las afueras, era entre Madrid y Cabezón de la Sal. Básicamente los temas y los mecanismos eran los mismos.

¿Y el único cambio que ha tenido que afrontar ha sido el geográfico a la hora de rodar en Estados Unidos?

Lo que ha hecho que la película sea tan fiel al planteamiento original, te lo digo muy claro, fue la complicidad de Anne Hathaway, que lo leyó y lo quiso rodar tal cual. A partir de que ella se involucra y que ya no es la idea de un tío que hay en España, sino que es una película de Anne Hathaway, las productoras que hay detrás no quieren contradecirla. Si la película se ha mantenido tan pura hasta el final ha sido en gran medida gracias a ella.

¿Entonces siempre fue ella la primera opción de casting?

Las primeras opciones que me llegaron para Oscar y Gloria fueron Anne Hathaway y Jason Sudeikis. En un momento dado puedes querer certificar que eres director de cine abriendo otras opciones, o quieres demostrarte a ti mismo que tienes el control de la situación sopesando alternativas... ¡pero es que esa pareja protagonista era perfecta!

Cuando me llegaron esos dos primeros nombres lo vi clarísimo, no se me ocurrían mejores propuestas. No solo por el talento en cámara o por la inteligencia que emanan al ser humoristas los dos, sino por el hecho de que ambos aluden a un tipo de cine al que esta película, en cierta manera, ataca. Incluso ayudan a darle a la película un toque metalingüístico, a que esta parezca también en ese aspecto algo que no es.

Da la impresión de que Colossal tiene un componente más personal que otras películas suyas.

En todas mis películas hay siempre un elemento autobiográfico, hasta en las más chifladas, pero en esta más que en ninguna. Y creo que es saludable. No pienso que mi vida sea algo que deba ser contado, pero creo que toda película y todo director hacen bien en nutrirse de la verdad. Porque la verdad le da un color incomparable a las narraciones. Es un ejercicio que en la literatura no se cuestiona: vemos lógico que Philip Roth o Stephen King tiren de su vida para construir ficciones, y yo creo que en las películas también se aplica.

Pero las cosas que cuenta son muy delicadas...

Hay una mezcla de cosas que he vivido y cosas que no quiero vivir. El personaje de Anne Hathaway soy yo, pero él es el tipo de persona que yo creo que sería si mi vida fuera ligeramente distinta. Si en vez de tener la suerte que he tenido trabajando en el cine fuera de mi pueblo me hubiera quedado allí con un trabajo que no me satisfaciera, me habría convertido en el personaje de Sudeikis.

Aún así, y dramas aparte, la película no deja de ser una aventura de monstruos gigantes.

Sí, por encima de cualquier otra cosa, el combustible de la película ha sido la excitación por ver un monstruo gigante destruyendo una ciudad mientras alguien borracho se cae en un parque.

Hay más o menos entusiasmo, pero la práctica unanimidad de las publicaciones norteamericanas de prestigio presentes en el Festival de Toronto han criticado muy positivamente Un monstruo viene a verme, la nueva película de Juan Antonio Bayona, que se ha estrenado en el seno del festival.  Por ejemplo, dice 'The Verge' en su titular que “es tan buena que no te importará llorar mientras la ves”. Según 'The Hollywood News', “es muy probable que se haya puesto a la cabeza en la carrera por los Oscar”. Dice el Hollywood Reporter que es una “lección de sensibilidad sobre los límites y el poder de contar historias”.

La cinta, que tendrá su premiere oficial este sábado en la ciudad canadiense, es la adaptación de una novela corta de Patrick Ness, que también se ha hecho cargo del guión. Cuenta la historia de un niño que se enfrenta a un problema familiar, y que regularmente recibe la visita de un monstruo... con la voz de Liam Neeson. Su madre es Felicity Jones y su abuela es la gran Sigourney Weaver. 'Un monstruo viene a verme' mezcla acción real y animación. En España se estrenará el próximo 7 de octubre; en Estados Unidos, el estreno se ha retrasado hasta el 23 de diciembre, en pleno fin de semana de Navidad.

Vigalondo estrena Colossal en Toronto

Otro director español que estrena película en el Festival de Toronto -y también película con monstruo gigante de por medio- es Nacho Vigalondo. En Colossal, protagonizada por Anne Hathaway, asistimos a la historia de Gloria, una chica norteamericana que descubre que mantiene una extraña conexión con un monstruo que arrasa periódicamente la ciudad de Seúl. Completa el dúo protagonista Jason Sudeikis, al que recordamos de Cómo acabar con tu jefe o Saturday Night Live. En el caso de Vigalondo las críticas son mixtas: ha cosechado desde las alabanzas de 'The Playlist' hasta los reproches de 'The Guardian', que esperaba que una película con esta sinopsis fuese mucho más atrevida.

Comparten muchos recursos. Para empezar, obviamente, las imágenes en movimiento. También están la música, los efectos especiales o los trepidantes desplazamientos de cámara. Videojuegos y cine llevan muchos años caminando de la mano, y no lo decimos precisamente por las adaptaciones que se han hecho de los primeros a la gran pantalla (‘Tomb Raider’, ‘Super Mario Bros’...) o por los videojuegos que se han producido como ‘merchandising’ de las películas.

Hablamos de lenguaje, de trasvases e influencias entre unos y otros. El bloguero José María Villalobos acaba de publicar 'Cine y videojuegos. Un diálogo transversal', un libro que recoge muchos de sus artículos sobre el tema y en los que aborda la relación entre ambas artes.

“Los videojuegos con fuerte influencia cinematográfica son perfectos para que las personas ajenas a este medio puedan acercarse a él. El cine hace las veces de mano amiga que nos adentra en lo desconocido”, comenta Villalobos a HojaDeRouter.com. Son muchos los directores que han dejado en el celuloide el poso que antes les habían imprimido los videojuegos.

Villalobos cita a George Lucas o Steven Spielberg (“posiblemente los primeros que se dieron cuenta del potencial expresivo e industrial del medio interactivo”) y en el libro también recoge a Peter Jackson, en cuya cinta 'The Lovely Bones', nominada al Óscar a la mejor película, Villalobos ve la influencia de muchos videojuegos, como 'Heavy Rain' o 'The Legend of Zelda: Majora's Mask'. Es más, Jackson fue muy puntilloso con las adaptaciones a videojuego de otras de sus cintas, la trilogía de 'El señor de los anillos' y 'King Kong'.

Si observas detenidamente ciertas películas, te darás cuenta de quiénes jugaron o juegan a videojuegos. Por ejemplo, 'Oldboy', del director surcoreano Chan-Wook Park, muestra una pelea que es digna heredera de aquel 'Street Fighter' que devoró tus horas muertas en los recreativos durante la infancia.

“Es fiel reflejo de aquellos viejos 'arcade' en los que el protagonista luchaba, contra enemigos a derecha e izquierda, con un desplazamiento lateral”, describe Villalobos. La escena está rodada en plano secuencia, el clásico en los juegos de plataformas o de aquellos donde adoptamos la perspectiva del personaje protagonista, como 'Call of Duty', y que también podemos experimentar cuando 'acompañamos' a Sandra Bullock en 'Gravity'.

Si tenemos que pensar en un director español que llegue a esos niveles de influencia, para el experto sería Nacho Vigalondo: “Pertenece a esa generación de directores que ha crecido jugando a videojuegos y, como él mismo cuenta, en sus películas puede notarse esa influencia. Sin ir más lejos, 'Open Windows' podría verse como ese jugador que se ve inmerso en la aventura gráfica que se está ejecutando en su PC”. A él se pueden sumar Jaume Balagueró y Paco Plaza, creadores de la saga '[REC]', en cuyas dos primeras películas se usaba la cámara subjetiva como si de un juego de disparos se tratara.

Películas mudas y cine negro en los bits

Cambiamos de tercio y nos vamos a los videojuegos. Empezamos a jugar y nos parece estar dentro de una sala de cine. ¿Por qué? Porque los desarrolladores se han servido de recursos del séptimo arte, desde el cambio de plano hasta la textura de las viejas películas mudas: las plataformas y puzles de 'Limbo' (2010) calcan el grano y esa pantalla oscurecida por los bordes, por no hablar del extraordinario uso de la luz, que poco tiene que envidiar al expresionismo alemán:

Muchos desarrolladores no dudan en confesar el homenaje al celuloide que hay en sus creaciones. Es el caso de 'Heavy Rain', un juego para PlayStation con más de 2.000 páginas de guion'Heavy Rain'. Su diseñador, David Cage, no ha escondido su inspiración en películas de los 90 como 'El silencio de los corderos' o 'Seven' y el uso de recursos como la profundidad de campo o el montaje fragmentado. Hay hasta gotas de agua en la ficticia lente de cámara de los títulos de crédito. El tráiler dice bastante:

Hasta el cine de género conoce una nueva vida entre los píxeles. Si 'L.A. Confidential' traía a mediados de los 90 el cine policíaco clásico, su sosias entre los videojuegos sería 'L.A. Noire''L.A. Confidential''L.A. Noire', que en 2011 recuperó la estética de las películas del género negro de los años 40 en una historia llena de corrupción y jazz, en la que 32 cámaras registraron cualquier mínima expresión de los actores para que los personajes fueran más verosímiles.

En esta relación entre ambas artes, ¿hay alguna carencia que achacar a los nuevos videojuegos? “Echo de menos, aunque cada vez menos, una buena escritura de personajes, de situaciones, de diálogos”, admite José María. “'The Last of Us' me parece sublime en esos aspectos. No falta ni sobra una sola coma, y cada palabra refuerza lo que está sucediendo, tanto fuera como dentro de los personajes”.

Este juego para PlayStation es una vuelta de tuerca a las historias de zombis que, paradójicamente, se está preparando para adaptarse al cine. Villalobos resalta el prólogo de esta aventura, que “tumba por su calidad cualquier película moderna de zombies. Son menos de quince minutos que se agarran a las entrañas, a la memoria, al corazón”. En el libro lo califica como el mejor juego “de toda una generación”.

Quien quiera ver cine en los videojuegos, que se apunte estas recomendaciones: “'El taxidermista', demo de 'Heavy Rain', encandilará a los amantes del suspense, que podrán probar en más de una ocasión cómo cambia el desenlace según interactúen con su entorno”, mientras que “el comienzo de 'Enslaved', con sus brillantes colores y su facilidad de manejo, les meterá de lleno en un futuro de ciudades abandonadas por el hombre y tomadas por la naturaleza”.

---

La imagen es propiedad de The Conmunity

Algunos lo llamarían refrito. Nosotros lo llamamos regalo: las entrevistas completas a Rodrigo Cortés, Nacho Vigalondo y José Luis Cuerda. Séptimo arte en estado puro. Pero sí, admitimos que es más regalo para nosotros, que con este refrito nos podemos coger la semana de vacaciones.

Analizamos grandes cuestiones fundamentales del cine mundial como cuál es la mejor hostia de la historia durante lo de la entrevista con el director de cine Nacho Vigalondo. También se comentó algo de su película Open Windows, de trabajar con Sasha Grey y del resto de su filmografía

El programa que Pilu Rubio, Facu Díaz y Dani Alés resumieron en pista, papito y Guille porque no sabían cómo estaban funcionando los micros. Si lo hubieran sabido, habrían sido otras. Menos bonitas.

El desafío de los manuales clásicos de producción ya le ha valido el reconocimiento como 'relevo generacional de Hitchcock'. Con aquel romántico y kamikaze corto nominado al Oscar, 7:35 de la mañana, Nacho Vigalondo aterrizaba para remodelar la ciencia ficción española. Una década y tres largometrajes más tarde, el cineasta cuenta con su propia cuadrilla de idólatras y disfruta siendo una presencia clave en festivales internacionales.

Después de la oscura máquina del tiempo de Los Cronocrímenes, y la divertida y carismática Extraterrestre, nos ofrece desde este viernes todo un reto en mayúsculas. Con un plantel horneado en Hollywood y un único plano principal que simula la pantalla de un ordenador, Open Windows se postula como el proyecto más ambicioso y experimental de su carrera.

En una frase, ¿qué le diría a los espectadores para animarles a ver hoy Open Windows?Open Windows

Les diría que van a ver una película llena de sorpresas, llena de explosiones, llena de giros aterradores, llena de coches que saltan por los aires y todo contado a través de la pantalla de un ordenador, algo excepcional.

¿Cómo nace la idea de un guión en la mente de Nacho Vigalondo? ¿De situaciones cotidianas o de la ciencia ficción?

Tengo muy claro que las películas deben volar muy por encima de lo que el espectador puede prever. También sé que no quiero que mi filmografía esté formada por esas cintas que se contienen y se pliegan sobre sí mismas.

En el caso de esta última, iba a estar inevitablemente enfrentado a las limitaciones del formato, por eso intenté que cada 20 minutos la película creciese y creciese hasta límites insospechados. Pero nació desde el primer momento abrazada a la ciencia ficción -o tecnología que nos hemos sacado de la manga, por decirlo así-.

En cuanto al resto de mis películas, nunca me ha interesado hacer por separado una película hiperrealista u otra de ciencia ficción plana. Precisamente por eso, el punto de partida siempre lo llevo desde dos perspectivas: la de que sea reconocible y casi local, y la de que sea algo cósmico. En ese choque están mis intereses. Para muestra, el guión que acabo de entregar se mueve en ese plano al 200%.

¿Cuál fue el germen de Open Windows?Open Windows

Sin duda, el tratamiento formal, que fue lo que me indicaron los productores: una película que transcurriese en la ventana de un ordenador. También es cierto que ellos no tenían una visión tan radical del guión como la que yo he acabado dando en la película. Pedí que todo el metraje sucediese ahí, no sólo en fragmentos, que fuese en tiempo real y que fuese un film desmelenado. En ese sentido, no puedo estar más feliz por que me hayan dejado hacerlo.

¿Qué retos se presentan al desarrollar este formato inédito y desmelenado?

La película entera es un reto. Todo lo que he hecho, desde la preproducción al montaje, está empañado por esa decisión. Para empezar, el guión literario ya describía los planos, y el describir la posición de la cámara es algo que nunca se debe hacer en esa fase. Pero hay que tener en cuenta que también son elementos narrativos.

Y el montaje también fue muy diferente a todo lo que haya hecho previamente, porque no hay ningún corte entre los planos.

Dijo una vez que su meta era hacer ciencia ficción sin efectos especiales, ¿no es Open Windows la antítesis de esto?Open Windows

En efecto, la película es la antítesis de todo lo que yo pensaba en mis anteriores proyectos, es un desafío a mí mismo. Pero pensemos también que Extraterrestre, mi segunda película, en realidad es una respuesta a esta, porque yo rodé Extraterrestre en un parón de la preproducción de Open Windows. En cierta manera, el viaje de vuelta al realismo ya lo he dado.

¿Y en qué género se siente más cómodo? ¿En ese realismo artificioso o en la ciencia ficción futurista y tecnológica?

Se puede decir que Los Cronocrímenes y Open Windows son las que más se parecen. Puede ser por la condición oscura del guión, por tener forma de puzzle, por su triángulo 'chica en apuros-supuesto héroe-supuesto psicópata' o por sus giros sorpresa. Es Extraterrestre la que queda un poco descolgada, por su naturalismo y el foco alejado de la trama y centrado en los personajes.

Me gustaría poder desarrollar estos dos tipos de película durante toda mi vida, pero si tengo que escoger creo que me quedo con Extraterrestre. Las razones son muy íntimas, es como una pulsión que cuesta un poco explicar; sólo puedo decir que tiene que ver con el tipo de amor que profeso a los proyectos antes de empezarlos.

¿Qué opina de las comparaciones con Carles Marquet-Marcet (10.000 km) y Jaime Rosales (Hermosa Juventud) y este club experimental en el que la crítica les engloba?10.000 kmHermosa Juventud

Hay que distinguir las películas que hablan sobre la tecnología, de las películas que incluyen esta tecnología para hablar de otra cosa. En mi cinta hablo claramente de la interacción con Internet y con la multiplicidad de ventanas a las que nos enfrentamos al abrir un ordenador. En cambio, Rosales se mueve en el terreno realista y retrata la comunicación del día a día.

En mi siguiente guión hay un componente muy importante de redes sociales, como Skype, pero ya no es una estrategia personal; sino que, quieras o no, al contar la realidad fidedigna debes introducir todos estos avances tecnológicos.

También dijo que la parte que más disfrutaba de la producción era el rodaje, ¿no se le queda corta Open Windows en este sentido?Open Windows

No he podido rodar como una película normal, pero sí que he tenido libertad para manejar la cámara virtual, la que flota por delante del portátil. Me he enfrentado a una serie de limitaciones nuevas, pero también a unas cuantas libertades originales. Nunca había tenido la suerte de recomponer con una cámara virtual todo lo que había rodado previamente. En ese sentido, he podido también encuadrar todo lo que he querido dentro de la película.

Pero la continuidad no es una virtud en una carrera como la mía. Esto ha sido una experimentación interesante, pero creo que voy a volver al redil.

Le han comparado con Cronenberg, De Palma, Carpenter y Hitchcock, ¿pero de quién ha bebido para idear el guión técnico?

Curiosamente, me he fijado más en películas clásicas que aparentemente se alejan de la propuesta, que no en películas sobre hackers, por poner un ejemplo. Cuando encuadro varias ventanas de golpe en el fotograma, bebo directamente de la pantalla partida del cine de los años 60. Es un recurso que siempre me ha dado mucha envidia, pero nunca había tenido la oportunidad de utilizarlo sin que resultase nostálgico o referencial. Me he recreado en juguetes muy clásicos como Carrie, de Brian de Palma, que ya contaba con un clímax que son dos pantallas de golpe.

Tanto en esta película, como en el corto 7:35 de la mañana, aparece Eugenio Mira, ¿es su cameo favorito? 7:35 de la mañana

Debería sacarle más (risas). Tengo la suerte de rodearme de gente que me gusta y Eugenio es alguien que si está rondando por el set, me apetece verle en pantalla.

La última cinta de Mira, Grand Piano, camina en ciertos aspectos paralela a Open Windows. Rodaje fuera de España, en inglés y con Elijah Wood como cabeza de cartel, ¿a qué se debe esta fuga de cerebros?Grand PianoOpen Windows

Yo pondría entre comillas lo de fuga de cerebros, porque casi nadie se marcha definitivamente. Eugenio Mira acaba de rodar aquí un videoclip para Vetusta Morla y yo acabo de terminar una película de terror en castellano para una antología americana. Lo que ocurre es que las comunicaciones son mejores y la flexibilidad para moverse en ambientes de producción internacionales, también. Ya no es como antes, que si eras un director español estabas condenado a vivir por y para España.

También hay directores que tienen a Hollywood como punto de fuga soñado, por supuesto. Pero no es mi caso, yo me muevo donde haga falta según me enamore de los proyectos.

En relación a las últimas declaraciones de J.A. Bayona, ¿está cerrando España las puertas a grandes oportunidades por su sistema fiscal?declaraciones de J.A. Bayonapor su sistema fiscal

El caso de Bayona es bastante peculiar, evidentemente las ayudas fiscales son imprescindibles. Pero, al contrario, me preocupan más las dificultades que tienen los pequeños proyectos, que no consiguen encontrar apoyo económico. Me preocupa que Internet sea poco rentable para este tipo de cine independiente. Y me preocupa el 21% de IVA.

¿Cómo fue la acogida extranjera -en Austin- y la española -en Sitges-?

El ambiente que me he encontrado hasta ahora con Open Windows es muy excitante, pero reconozco que es un ambiente de festival y de premiere bastante alejado de la realidad. Es muy cinéfilo y lo agradezco mucho, pero la acogida real se empezará a ver a partir de hoy.

¿Por qué cree que el público comulga con el humor negro, y lo solicita en la ficción, pero fuera de ella le cuesta asimilarlo?

Es muy sencillo, en el cine de ficción esa clave satírica sirve de colchón para toda la estructura narrativa, de alguna manera ayuda a la interpretación. Y muchas veces, en redes sociales o en medios de comunicación, el uso de la sátira se confunde con la no ficción. El cine de humor negro lo tiene más fácil que otros formatos porque no es inmediato, siempre llega con retraso. En cambio, la sátira aplicada a un hecho de actualidad, a través de una red social, juega con fuego.

¿Qué opina sobre el último escándalo de José Frade Producciones? ¿Podría contemplar esa trampa en un momento de desesperación?escándalo de José Frade Producciones

En absoluto, me parece algo nocivo y que empaña la producción en España. Son este tipo de prácticas las que echan por tierra la imagen que tiene la sociedad del gremio en conjunto.

¿Cómo se plantea el futuro después de la vorágine de Open Windows?Open Windows

No me dejan decir nada por el momento, pero los proyectos aparecerán dentro de poco, en algún festival de cine fantástico como Sitges o en la semana del terror en Donosti. Es una pena, pero no hay nada que esté suficientemente cerrado o definido como para hablar de ello en público. No quiero caer en la trampa de Tarantino -yo soy fanático y lo paso fatal-, cuando anuncia las películas que quiere hacer a bombo y platillo, pone los dientes largos y después nada.

Como presencia habitual en festivales, ¿qué película recomendaría para no dejarla escapar?

Estoy muy enganchado a la filmografía de Ben Wheatley, y de todas ellas la última de A Field in England me ha parecido una obra maestra. Es un ejemplo de cine minimalista pero de un alcance infinito.