Últimamente a los malditos se les ve con mejor color. Como si alguien les hubiera obligado a pasear al sol o a hacer yoga a las siete de la mañana. La figura del artista atormentado, marginal, autodestructivo, que durante décadas ha fascinado al público, se ha desdibujado en una era obsesionada con el bienestar, en la que la salud emocional y física son prioridad. La gente quiere vivir más y mejor. Y eso, quedándose toda la noche escribiendo poemas en la esquina oscura de un bar, entre roncolas y humo de tabaco, suele ser complicado.

Hasta Lana del Rey se ha pasado al vaper. Pero no es la única. El año pasado, antes de aparecer vestida de monja en la portada de Lux, Rosalía dijo en Omega, su canción con Ralphie Choo: “Ya no bebo, ya no fumo, no consumo y lo presumo”. Se ha terminado fardar de fumar muchos porros o meterse rayas de cocaína “como la M-30”. Los borrachos dan pereza. El orgullo es abstemio. Si alguien quiere alardear de algo mejor hacerlo de los días seguidos sin fallar en el gym o de haber sacado un 90 sobre 100 en la app Sleep Cycle. Incluso Fernando Gálvez, AKA Yung Beef, maldito entre los malditos, ingresó en una clínica de desintoxicación el año pasado para dejar la mala vida. “Acabé conectando con mi niño interior”, dijo quien ha sido el gran pionero del trap en España.

Uno de los síntomas del giro del malditismo hacia la cultura del wellness es cómo ha cambiado el mito del vampiro. El personaje nació con Polidori, médico italiano que acompañó a los Shelley y a Lord Byron en aquel célebre verano narrado por Gonzalo Suárez en Remando al viento (1988). De ese juego literario surgieron Frankenstein y también El vampiro, cuyo protagonista estaba inspirado en el propio Byron: seductor, hedonista, entregado al exceso. Un maldito en toda regla. Más de un siglo después, tras innumerables adaptaciones, el vampiro de nuestra época es Bryan Johnson, el multimillonario que quiere vivir 150 años, cena a las once y media de la mañana y presume de beber la sangre de su hijo.

La industria global del bienestar alcanzó una valoración de 6,32 billones de dólares en 2023, según el Global Wellness Institute. Es un aumento del 26% respecto a 2019. Al mismo tiempo, todo un ecosistema económico, cultural y médico se ha articulado en torno a la promesa de vivir más tiempo. El nuevo estatus socioeconómico es la juventud y la longevidad. En 2024 se publicaron casi 6.000 papers sobre longevidad en PubMed, cinco veces más que hace dos décadas. El Financial Times contaba que, en los centros financieros de Londres y Nueva York, ha dejado de presumirse de agendas imposibles o millas aéreas: ahora el orgullo pasa por las ocho horas de sueño registradas por un anillo Oura o por los minutos resistidos en una sesión de crioterapia.

Los artistas malditos

Esta tendencia va en contra de uno de los rasgos que define a los artistas malditos: la brevedad de sus vidas. El caso más evidente es el célebre Club de los 27, integrado por músicos que murieron de forma prematura —Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain, Amy Winehouse— convertidos con el tiempo en parte imprescindible de la mitología del malditismo. Hay quienes ni siquiera encajan en ese supuesto canon porque se fueron antes, como Ian Curtis, el líder de Joy Division, que murió con 23 años. O Isidore Ducasse, el Conde de Lautréamont, poeta autor de Los cantos de Maldoror (1869), admirado por el grupo de surrealistas de André Breton, que falleció a los 24.

El culto al malditismo viene de lejos. Siempre ha habido personajes dispuestos a autodestruirse, y seguramente siempre se haya encontrado algo fascinante en ellos. El primero en ponerle nombre a esta estirpe de artistas fue el poeta francés Paul Verlaine, en su libro Los poetas malditos (1884). En él, analizaba la figura de varios autores franceses entre los que se encontraban Stephane Mallarmé o Arthur Rimbaud, examante del propio Verlaine, y por entonces ya retirado de la poesía. Franciso Umbral escribió un ensayo —brillante en su atrevimiento— en el que retrataba a Federico García Lorca como un poeta maldito. Ahí da una definición muy precisa de este género de artistas: “Un desarraigado, un desclasado, un ser que sufre complejo de autodestrucción y que hace de ese complejo y esa autodestrucción su obra de arte”.

Al público burgués, todavía con un poso romántico en las venas, le gustan las historias de descarriados: bohemios bebedores, genios rotos por su propio talento. Segundo premio (2024), de Isaki Lacuesta, reconstruye el universo de Los Planetas, un grupo cuya trayectoria real está marcada por adicciones, conflictos internos y autodestrucción. Fernando Navarro, coguionista del filme, explica por teléfono que lo que verdaderamente se romantiza en un personaje maldito son los restos de ternura que aún conserva. “Si es un autodestructivo narcisista que se comporta como un imbécil, el espectador lo percibirá exactamente así”.

Sugiere Navarro que el malditismo, para que exista, siempre ha de venir de fuera. No se puede ser maldito por elección, ni por marketing. “Para buscar al duende no hay mapa ni ejercicio”, decía Lorca. “El malditismo no deja de ser un disfraz bajo el que se oculta alguien con una herida”, añade el guionista. Y sostiene que esa figura hoy vende menos que nunca. “Ahora todos quieren ser su propia empresa. Hay una sensación de que el capitalismo lo ha ocupado todo: la imagen, la autopromoción en redes, la cultura del cuidado y la salud. Hay artistas que hablan como si fueran delegados del Gobierno. Ese autocuidado no sé si es igual de máscara que el malditismo”.

La romantización de la locura

Antes de Los Planetas estuvo Arrebato (1979), la última película de Iván Zulueta, un director convertido en figura maldita en parte por su adicción a la heroína. Es una obra misteriosa, incomprendida en su estreno y que el tiempo ha rescatado hasta el punto de que El País la nombró recientemente la mejor película española de los últimos 50 años. Pero quizá el caso más paradigmático sea el de Leopoldo María Panero, hijo del poeta Leopoldo Panero y uno de los protagonistas de El desencanto (Jaime Chávarri, 1976). Pasó más de treinta años internado en un psiquiátrico. Aunque uno de sus biógrafos, Benito Fernández, aseguró que en realidad estaba cuerdo, el propio Panero escribió en un verso: “La locura fue mi Beatriz”.

Esta romantización de la locura choca de frente con la fuerte sensibilización actual en torno a la salud mental. Durante décadas, el sufrimiento y la autodestrucción se leyeron casi como síntomas de genialidad. Pero en una generación que ha llegado a la adultez acompañada por psicólogos, mediación y un abanico de diagnósticos, ese mito ha ido perdiendo fuerza. Rosana Corbacho, psicóloga especializada en artistas musicales, celebra que en los últimos años se hable con naturalidad de los problemas de salud mental en la música, sin recurrir al morbo. “Hay una conexión natural entre salud mental y artistas porque muchos vienen de un pasado traumático y han utilizado la música para canalizar esos sentimientos”, explica.

El problema, advierte Corbacho, es que un artista no puede depender de sus traumas ni de sus heridas personales para sostener una carrera. Si muchos lo hacen es, en parte, porque persiste el tópico del creador atormentado. “En el proceso creativo puede servirte para un momento puntual de inspiración, pero para desarrollar un trabajo sostenido es mejor estar sereno y en buenas condiciones mentales”. Lo mismo ocurre con el consumo de sustancias: “El problema aparece cuando se asocia la creatividad con los estupefacientes y se construye la falsa idea de ‘yo solo puedo componer si estoy ciego’”.

En los últimos años también ha cambiado la relación entre drogas y creatividad. Durante décadas existió una asociación casi automática entre el consumo de sustancias y la inspiración artística: ahí están los experimentos de la generación Beat —Burroughs, Kerouac, Ginsberg— o, más atrás, la ensoñación opiácea con la que Coleridge escribió Kubla Khan. Esa idea de que la genialidad exigía atravesar zonas oscuras, peligrosas o directamente autodestructivas ha sido sustituida por la era de la microdosis. Inspirados por los gurús y multimillonarios de Silicon Valley, muchos creadores buscan hoy la chispa sin destrozarse el cuerpo: producir el destello sin pagar la resaca. Una inspiración calibrada e higiénica.

Las tendencias cambian. Lo que antes parecía revolucionario hoy suena antiguo. Dante Spinetta, hijo del mítico músico argentino Luis Alberto Spinetta, lo resume en su camerino antes de un concierto: lo más subversivo ahora es no drogarse. “Yo crecí en un ambiente de rock and roll y vi a gente perderlo todo por la droga. Yo ya dije desde chico: ‘En esta mierda no me meto’. No necesitas cosas externas para poder flashear y tener ideas y alcanzar esa psicodelia también”.

Lo inaceptable de lo maldito

En los últimos años se han activado mecanismos muy visibles para denunciar comportamientos inapropiados o inaceptables. Muchas figuras malditas, tan fascinantes desde fuera, resultan moralmente inestables o directamente dañinas para quienes las rodean. Fernando Savater sostenía que, en la vida real, “los malditos suelen ser inaguantables”. Benito Fernández, biógrafo de Panero, coincide. En sus encuentros con el poeta, confiesa, esperaba casi con alivio la hora de devolverlo al manicomio. Ahí está Bukowski —difícil de admirar tras verlo pegar a su mujer en directo— o el caso más reciente de Cecilio G., cuyos vídeos, consumido por la droga y detenido una y otra vez, muestran el reverso menos romántico de lo que antes se leía como rebeldía.

Por mucho que guste ver a estos personajes rehabilitados, lo cierto es que ni ellos mismos terminan de creerse eso de comer verduras y levantarse pronto para ver la luz del día. En una de las entrevistas que Sánchez Dragó le hizo a Joaquín Sabina, el cantante apareció rejuvenecido, con buen color y la mirada despejada. Lo había dejado todo después de un serio percance de salud. El presentador celebró su buen estado, pero Sabina, aun consciente de que es lo que le toca, lo dejó claro: “Lo cambiaría todo por un cigarrillo”.

Un 23 de julio 2011 se apagó la voz de Amy Winehouse. La cantante fallecía a los 27 años en su ciudad natal, Londres, y dejaba su música como legado, con una mezcla de géneros musicales entre el soul, jazz y R&B que la hicieron tener un sonido único que sigue vivo a través canciones como ‘Rehab’ o ‘Back to Black’, que dio título al que sería su gran éxito y que la catapultaría al éxito en 2006.

Pero Amy Winehouse dejó algo más que la música como legado para sus aficionados y el público en general, como fueron los más de 200 libros que formaban parte de su colección personal y que adquirió la Livraria Lello, una de las más conocidas y bonitas del mundo y que se encuentra en Oporto, Portugal.

La librería Lello es una atracción turística más de la ciudad portuguesa y permite visitar la colección de libros de la cantante, expuesta en la Sala Gemma, previa reserva, y que deja conocer de forma más íntima a la interprete británica a través de la literatura que consumió.

El estrecho vínculo de la música de Amy Winehouse y sus lecturas

De hecho, el propio hermano de la artista declaró en un comunicado de prensa cuando se adquirió la colección privada sobre la relación con los libros: “Amy solía avergonzarse un poco de lo inteligente que era. Tenía un montón de novelas de Jackie Collins por toda la casa, pero escondía su colección de Dostoievski en un armario”.

Las novelas de Jackie Collins eran uno de sus libros más populares y de literatura comercial, siendo uno de los ejemplares Hollywood Wives, pero que demuestra que era una joven curiosa, apasionada de la cultura popular y que lo que leía tuvo influencia en su música.

De hecho, las novelas de Jackie Collins conviven con, por ejemplo, A view from the Bridge de Arthur Miller o Howl de Allen Ginsberg, en cuyo ejemplar dejó Amy Winehouse anotadas unas líneas de una canción que nunca llegó a terminar de componer, pero que dan claro detalle de lo estrecho que era el vínculo de su música y lo que leía.

Así era la Amy Winehouse lectora

A través de la biblioteca personal de Amy Winehouse podemos hacer un pequeño recorrido por su perfil como lectora, con el universo de Harry Potter y El Guardián entre el centeno como los títulos y autores que marcaron su juventud y que influenciarían su sensibilidad como artista, que se vería también en su incursión en el teatro que se dio con la obra Little Shop of Horrors a través de la que fue escogida en la escuela teatral.

Entre su colección literaria destacan dos géneros, entre ellos la novela gráfica, que ocupa una cuarta parte de su biblioteca y que demuestra que tenía una afición por los relatos visuales, que condicionaría su estética única y su estilo alternativo a nivel musical. Los hermanos Hernández eran uno de sus favoritos con la serie Amor y cohetes, así como otras como Torpedo, Luba o The Walking Dead.

Además de la novela gráfica otro género que cautivó y protagonizó las lecturas de Winehouse fueron las biografías, especialmente de cantantes como fue el caso de Frank Sinatra, Madonna, Jimi Hendrix, Boy George o Alex James, algunos de ellos con los que compartía el haberse enfrentado a desafíos personales y que dejaba claro cuáles eran sus influencias a nivel musical. Estos se unían, además, con otros títulos sobre la vida de personajes destacados del cine y del teatro como Marlon Brando o Bob Fosse.

El 5 de abril de 1994, Kurt Cobain, líder y vocalista de Nirvana, ponía fin a su vida tras pegarse un tiro con una escopeta en su casa de Seattle, donde hasta tres días después no se encontraría su cuerpo. Así finalizaba la historia del grupo que había revolucionado la música década de los 90 al disolverse tras el suicidio del líder de una generación que acabaría siendo una de las figuras más influyentes del siglo XX a los 27 años, algo que le une a otras leyendas musicales que también murieron a la misma edad, creando un curioso grupo.

El hecho de que varias figuras de la música fallecieran a la edad de los 27 años ha dado a la creación de algo que se conoce como “El club de los 27” y que hace referencia a estrellas musicales que perdieron la vida jóvenes y que han dejado una huella imborrable con la influencia de su trabajo en vida.

Los tres años fatídicos de ‘El club de los 27’

Este grupo de iconos musicales fue abierto por Brian Jones, uno de los miembros fundadores de los Rolling Stones, y que falleció el 3 de julio de 1969, menos de un mes después de que dejara de formar parte de la banda debido a haber desarrollado adicción a las drogas. La causa oficial fue ahogamiento por un ataque de asma en su piscina, y dos días después su ex grupo ofreció un concierto gratuito en Hyde Park que se convirtió en homenaje improvisado.

Un año después del ex Rolling Stones llegó el fallecimiento de Jimi Hendrix en septiembre de 1970, cuando murió ahogado en su propio vómito según la autopsia realizada, aunque en 2009 surgió la teoría de que había sido asesinado según su manager en el libro ‘Rock Roady’, aunque se consideró que esta había sido inventada para vender.

Tan solo un mes después sería encontrada sin vida a los 27 años Janis Joplin, considerada la reina del Rock and Roll y del Soul psicodélico y que se encontraba en el punto más alto de su carrera en octubre de 1970 cuando falleció por una sobredosis en un motel de Los Ángeles.

A ellos también Jim Morrison, líder de The Doors, que fallecía también a la edad de 27 y también un 3 de julio, en 1971, en la bañera de su apartamento. No se estableció una causa a través de una autopsia, sino que esta no tuvo lugar y se decantó por establecer el fallo cardiaco como motivo oficial. Esto dio a varias suposiciones, con amigos del cantante asegurando que se trató de una sobredosis.

Kurt Cobain y Amy Winehouse, los últimos de ‘El club de los 27’

Las últimas dos incorporaciones se dieron con varias décadas de separación. La primera fue la de Kurt Cobain en 1994, que falleció a los 27 años también, cuando se encontraba en un buen momento de éxito tras haber lanzado su tercer disco In Utero en 1993 con el que habían encabezado las listas de éxitos. Su viuda, Courtney Love, supervisó junto a compañeros de banda los trabajos póstumos.

‘El club de los 27’ se amplió más de diez años después, en 2011, con el fallecimiento de Amy Winehouse también a esa misma edad y en julio como alguna de sus figuras, debido a un consumo excesivo de alcohol en medio de una exitosa carrera y breve de la que se retiró en 2008 e intentó retomar, pero paró su temprana muerte. Esto, sin embargo, hizo que Back to Black se convirtiera en el disco más vendido del siglo XXI en Reino Unido.

Michael apenas ha terminado de rodarse y todavía no tiene tráiler, pero aún así apunta a ser la película más polémica del año que viene. Universal y Lionsgate planean para el 18 de abril de 2025 un estreno que huele a taquillazo, combinando el aparente atractivo comercial del que hoy goza el biopic musical —subgénero dedicado a recrear la vida de las estrellas pop— con la inabarcable fama de su protagonista, Michael Jackson. El rey del pop, fallecido hace 15 años, tuvo una trayectoria tan fascinante como plena en episodios siniestros, con acusaciones de pedofilia y abuso sexual. Unas acusaciones que Antoine Fuqua al parecer retratará en su película, pero con el fin de refutarlas y apegarse a una versión determinada.

¿Qué versión? Pues inevitablemente la de John Branca y John McCain, abogados y administradores del patrimonio de Jackson que también producen la película —protagonizada por el mismo sobrino del cantante, Jaafar Jackson— y se han encargado, en palabras del periodista Matt Belloni, de que esta “intente convencernos de su inocencia”. Michael se impondría, así, a la polvareda desatada por el documental Leaving Neverland en 2019, dedicado al relato de las presuntas víctimas de Jackson. Perseguiría un control de la narrativa mediática al servicio de quienes hoy continúan percibiendo beneficios de la obra de Jackson, en un caso que llega a recordar a la relación de otro documental, Amy, con el estreno de la película Back to black. Ambas, aproximaciones a la vida de Amy Winehouse.

Asif Kapadia reunió 100 testimonios distintos y múltiples grabaciones caseras para realizar un retrato de la autora de Rehab que matizara los escándalos de sus últimos años, mostrando un lado más humano que le hizo ganar el Oscar pero a la vez le enemistó con Mitch Winehouse: el padre de la cantante, muy incómodo con la visión de él que transmitía el documental. Back to black sí es una película que cuenta con el beneplácito de Mitch, por otra parte: la administración de los derechos de autor de Amy Winehouse ha tenido un rol clave en la película, y el gran propósito apunta a ser que el deseado éxito de Back to black renueve un interés —forzosamente lucrativo— del público por su música. 

Tanto Back to black como Michael ejemplifican en qué consiste realmente el nuevo biopic musical de Hollywood. No obedece para nada a una indagación honesta en el pasado de la celebridad musical de turno, sino que supone una calculada e interesada herramienta del presente para que ciertos millonarios se hagan todavía más millonarios.

El biopic es un gran invento

Hollywood, consciente de los beneficios, se ha lanzado a un frenesí por manufacturar a toda velocidad biopics musicales. Back to black sucede el éxito reciente de Bob Marley: One Love, con 179 millones de dólares recaudados en todo el mundo. No parece una cifra intimidante —continuamente oímos de blockbusters que ganando incluso más son tildados de fracasos—, pero es que una de las claves de esta estrategia es la rentabilidad extrema. Estos biopics musicales no necesitan pagar derechos por las canciones ni requieren grandes estrellas: al venir auspiciadas por patrimonios familiares y contar con que la identidad del artista es suficiente para atraer al público, su presupuesto acostumbra a ser escueto. La inversión es mínima, mientras que los ingresos pueden ser ingentes.

“Las películas venden la música, y la música es una herramienta de márketing para la película”, sintetizaba Wendy Ide en The Guardian. El modelo es tan sólido que si las películas pasan sin pena ni gloria tampoco llega a ser dramático: en los últimos años I wanna dance with somebody (sobre Whitney Houston), Stardust (sobre David Bowie) o The Dirt (sobre Mötley Crüe) han pasado desapercibidas, pero no de un modo lo bastante catastrófico como para verle fisuras a la estrategia. Así ocurre que más allá de Back to black y Michael, la cantidad de biopics musicales que se divisa en el horizonte de Hollywood es absolutamente ridícula: Timothée Chalamet como Bob Dylan en A Complete Unknown, Jeremy Allen White como Bruce Springsteen en Deliver Me from Nowhere, Selena Gómez como Linda Ronstadt, Leonardo DiCaprio como Frank Sinatra, los Bee Gees de Ridley Scott…

La guinda la ha puesto Sam Mendes con su plan de dedicar cuatro películas a contar la historia de los Beatles. Una por cada Beatle. Un proyecto desquiciado que se explica, por supuesto, desde la voracidad de Sony como major involucrada y poseedora de los derechos sobre la obra del cuarteto de Liverpool, y que perfila un escenario por otra parte no tan novedoso para Hollywood. Al fin y al cabo, la tradición del biopic musical tiene cerca de 80 años, pudiendo identificar Yanqui Dandy —con James Cagney interpretando al bailarín George M. Cohan— como su primer gran exponente en 1942. Como cualquier otro tipo de biopic, el musical siempre supo cómo seducir al público desde el nombrerío de sus distintas criaturas ilustres, así como de garantizar la competición por el Oscar de sus intérpretes.

Pero, ciñéndonos a su faceta musical, ocurre que estas películas tenían un andamiaje tan infalible como para que, cuando los espectáculos musicales de gran presupuesto entraran en declive hacia los años 60, las producciones sobre figuras reales siguieran funcionando. Al mismo tiempo que Camelot o El extravagante doctor Dolittle se hundían en el ridículo con sus presupuestos desmedidos y pomposos, Barba Streisand ganaba el Oscar por interpretar a la cantante Fanny Brice en Funny Girl. Como harían más tarde Diana Ross gracias a Billie Holiday en El ocaso de una estrella, o Sissy Spacek con Loretta Lynn en Quiero ser libre.

Entre los años 70 y 80 el biopic musical, sin embargo, no llegaba a ser una industria en sí misma. Todavía era posible alumbrar experimentos que pudieran distanciarse de la escena pop —Lisztomania y Amadeus, por ejemplo, eran deslumbrantes ejercicios de fabulación histórica en torno a compositores clásicos como Franz Liszt y Mozart—, mientras no faltaban las primeras voces críticas alertando del flaco favor que el biopic musical le hacía, propiamente, a la música. “Existe una vulgaridad espantosa en todas estas películas sobre músicos”, señaló Graham Greene para Composers in Movies. “El melodrama humano desprecia la música todo el tiempo, y esta se convierte solo en una ilustración sentimental”.

Estando el subgénero entonces en una fase embrionaria, aún se divisaban dificultades como la licencia de las canciones o la relación con los familiares, obligando a que el flujo de biopics musicales fuera tirando a irregular hasta los primeros 2000. Una vez la cartelera se llenaba de películas abonadas al lucimiento de sus actores —Jamie Foxx como Ray Charles, Kevin Spacey como Bobby Darin, Joaquin Phoenix como Johnny Cash—, la percepción pública pudo llegar a verlas como una moda encorsetada, de tal forma que 2007 alternara los estrenos del I’m not there —ensayo audiovisual sobre Bob Dylan a cargo de un Todd Haynes dinamitando las convenciones del género— y Dewey Cox —parodia de películas como En la cuerda floja o Ray— sin lograr frenar la consolidación del modelo.

Pero fue Bohemian Rhapsody, en 2018, la película que lo cambió todo. La responsable directa del actual frenesí. De hecho, hasta el estreno de Oppenheimer ha sido el biopic más taquillero de la historia (910 millones de dólares). Como mandaban los cánones le dio un Oscar a Rami Malek por imitar a Freddie Mercury, pero es que hizo mucho más: las escuchas de Queen se cuadruplicaron, su música alcanzó públicos nuevos, la moda se revitalizó. Los integrantes supervivientes de la banda y sus socios, que por supuesto habían delimitado cuidadosamente su retrato en Bohemian Rhapsody, descubrieron de pronto una solución para la lacerante crisis de la industria discográfica: ante el caos al que empujaba el streaming y el derrumbe de las ventas físicas, el biopic ofrecía una solución ideal. 

Un modelo del que es difícil escapar

Esta fiebre nos habla de una estrategia ya plenamente engrasada, que ha hallado la complicidad de discográficas y patrimonios afianzando el potencial de una inversión donde se antoja imposible perder. Esto no implica, por otra parte, que no puedan volver a repetirse algunos escenarios de la anterior época de esplendor, matizados según las mutaciones de la actualidad: si en los 2000 tuvimos Dewey Cox sobre un músico ficticio burlándose de la moda, en 2022 llegó Weird: La historia de Al Yancovic con el propio Weird Al Yancovic adaptando su vida… pero convirtiéndola en una parodia del género.

Es la gran diferencia. Los biopics musicales son hoy tan rentables y cómodos a fuerza de tener detrás a los allegados de cada celebridad, o incluso a la celebridad en sí misma: Rocketman fue concebida por entero según los pálpitos de Elton John. Lo cual no evitó que la película correspondiente fuera estupenda, y es que pese al férreo control ejercido sobre estos proyectos sigue pudiendo haber margen para la sorpresa. Ahí están Rocketman o Elvis de Baz Luhrmann, que sacan todo el partido posible de la música de sus protagonistas para construir hermosas fantasías escapistas —caso de Elton John—, o audaces tratados sobre la codificación e influencia cultural de dicha obra —lo que ocurrió con Elvis Presley.

Pero dista de ser lo habitual. Back to black, sin ir más lejos, suscribe todos y cada uno de los tópicos del nuevo biopic musical, a la medida de una visión de Amy Winehouse que tristemente no se distancia mucho de los elementos que más interesaban a los tabloides durante los años 2000, y espolearon su acoso mediático. Antes que en un estudio de su música, y tal y como se quejaba Greene, Back to black se centra en lo sentimental, en su trágico romance con Blake Fielder-Civil (Jack O’Connell), y le da la razón a una reciente invectiva de Eulália Iglesias que leíamos en el último número de Caimán Cuadernos de cine.

Todo nos lleva a un “patrón de película-excel configurado desde una sala de ejecutivos y contables, donde el uso de la música y el enfoque de los personajes tiene más que ver con cálculos relacionados con los derechos de autor (...) que con su interés dramático”. Iglesias lanzaba estas impresiones, no obstante, contrastándolas con lo mucho que le habían sorprendido otros dos biopics recientes, ambos producidos en España. La estrella azul, sobre Mauricio Aznar, y Segundo premio, sobre los Planetas. Estas dos películas milagrosas fueron realizadas desde la pasión, la imaginación y, sobre todo, un interés genuino por la música. La música entendida como cultura colectiva y no como índice de reproducciones en Spotify. Estas dos películas milagrosas atisban, en fin, una alternativa a la codicia de Hollywood.

Las listas de los mejores cantantes de la historia, los mejores discos de la década y las canciones más influyentes del siglo XX son muy entretenidas, pero ya están muy vistas. ¿Y los rankings postmortem? El artista más rico del cementerio, el que generó más disputas entre sus herederos, el que redactó más testamentos… ¿Quién se encarga de cuantificar tan jugosa información? A estos escabrosos menesteres se ha dedicado el periodista inglés Eamonn Forde. Y el resultado es un libro explícitamente titulado Royalties de ultratumba (Liburuak, 2024).

Hay bastante consenso en estas listas postmortem. El número uno en el ranking de fiambres más rentables es sin duda Michael Jackson. El testamento más cuidadosamente redactado es el de David Bowie; al parecer, muy inspirado por el de Freddie Mercury, que durante décadas fue el testamento a imitar. Por contra, el más caótico y conflictivo jamás redactado es el de Marc Bolan. Aretha Franklin, en cambio, fue de las que más testamentos dejó (aún no se sabe si tres o cuatro), pero todos ellos con instrucciones contradictorias. Se cuenta que la cantante llevaba tan mal el papeleo que tras morir aparecieron cheques de derechos de autor e imagen no cobrados por un valor superior al millón de euros.

Trabajando para un artículo sobre el legado de Syd Barrett, miembro fundador de Pink Floyd, Forde intuyó que ahí había una mina no explorada: tras su muerte, algunos artistas desarrollaban una trayectoria tan o más interesante que en vida. De hecho, Tupac Shakur y Jeff Buckley han publicado más discos muertos que vivos. De Jimi Hendrix se publicaron tantos discos, de calidad dudosa, completados por músicos que no compartieron estudio con él, que el periodista llega a compararlos con el célebre ecce homo de Borja. Y si a Amy Winehouse no le ha pasado lo mismo que a Hendrix es porque, en una impulsiva maniobra, el presidente de Universal ordenó destruir todo material inédito para que nadie tuviese la tentación de editar canciones inacabadas o restaurables.

Un cuervo sobre la lápida

La imagen que ilustra Royalties de ultratumba no puede ser más incisiva: un cuervo posado sobre una lápida medio enterrada bajo una montaña de billetes. La imagen de contraportada remata la metáfora: la lápida es sustituida por una caja registradora y entre los billetes aparecen algunas calaveras. Como explica Forde en las primera páginas del libro, “un patrimonio como el de Elvis Presley no sigue siendo un éxito de taquilla 40 años después durmiéndose en los laureles”. Dicho de otro modo: el rey del rock sigue siendo el rey del rock porque alguien ha trabajado duro para perpetuar su reinado. Primero, arrebatando a su mánager, el Coronel Parker todo el poder sobre Elvis y después gestionando su legado con habilidad. “Elvis no inventó el rock’n’roll ni los patrimonios musicales, pero los convirtió a ambos en supernovas. Elvis fue el big bang de los patrimonios musicales”, afirma. Según la revista Forbes, en 2023 Elvis volvió a ser el segundo artista fallecido que más dinero generó, solo superado por Michael Jackson. Graceland aún recibe más de 500.000 visitantes anuales.

De la investigación de Forde se deduce, también, que no gestionar adecuadamente el legado de un artista puede deteriorar su popularidad poco a poco. Para cualquier persona nacida en 2004, por ejemplo, resulta inimaginable que Michael Jackson y Prince compitieran por el trono del pop en la década de los 80, ya que la obra del primero está muchísimo más presente en el imaginario colectivo actual que la del segundo. No es casualidad. Prince murió sin redactar testamento y tres multinacionales siguen disputándose su discografía oficial. También dejó 8.000 canciones inéditas, pero comercializarlas pasa por resolver antes mil y un embrollos legales. Por contra, Sony firmó en marzo de 2010 “el mayor contrato discográfico de la historia” para gestionar la obra de Michael Jackson. Todo un hito, puesto que Jacko llevaba ya 10 meses muerto.

Jeff Jampol, fundador de la empresa que gestiona los legados de Johnny Ramone, Charlie Parker, Henri Mancini y Janis Joplin, entre muchos otros, reconoce que el sector está lleno de “buitres que revolotean alrededor de un cuerpo en descomposición en busca de pequeñas áreas de carne aún fresca para consumir”, pero también hay personas que han evitado la sobreexplotación de ciertos catálogos. Phillips, la discográfica de Maria Callas, evitó el lanzamiento de un disco en vivo que insistía en publicar una familiar suya para hacer caja. Lo evitaron porque Callas canta fatal en esa grabación y publicarla desprestigiaría su imagen. En cambio, cuando falleció Roy Orbison, hubo reunión de urgencia en Virgin para adelantar una semana el lanzamiento de su disco póstumo. Y en cuanto murió Whitney Houston, el precio del recopilatorio Ultimate collection en iTunes subió de 4,99 libras a 7,99. Sony culpó del error a iTunes, pero...

Embrollos matrimoniales y paraísos fiscales

El libro insiste varias veces en que no redactar testamento (o fideicomiso) es casi sinónimo de litigios y demandas. Y pueden ser muy costosos. Se estima que para aclarar el destino de la herencia de Bob Marley su familia gastó más de ocho millones de dólares en abogados y notarios. Pero incluso cuando existe un testamento, la cosa se puede complicar. James Brown murió meses antes de que naciese su último hijo y ni siquiera había formalizado su relación sentimental con su última pareja. Movida. Ray Charles tenía doce hijos, pero la mayor parte de su herencia fue a su propia fundación. El pianista había avisado de su intención antes de morir, pero a sus hijos no les gustó. Movida. Cuando falleció Michael Hutchence, líder del grupo australiano INXS, su fortuna apareció repartida en varios paraísos fiscales. Más movida aún. Igual pasó con la herencia de Marc Bolan. Eludir el fisco inglés era una gran idea en 1971, pero todo el dinero que generan sus discos sigue pudriéndose en una cuenta de las islas Caimán.

Infinidad de artistas murieron sin testamentar: J Dilla, Sam Cooke, George Gershwin, Glenn Miller, Elliot Smith, Muddy Waters, Selena, Billie Holiday… Pero si las familias se llevan bien, la gestión del patrimonio puede incluso proporcionar al finado el reconocimiento que no disfrutó en vida. Así pasa con Nick Drake, cuyo legado artístico gestionan sus padres y hermana de forma escrupulosa. Sabedores de la timidez del cantautor inglés, han potenciado su obra al tiempo que preservaban su imagen. Han reeditado discos y han cedido canciones para anuncios, pero jamás han autorizado la filmación de un biopic o la comercialización de su figura. En el extremo opuesto, Dolly Parton ha dejado grabadas infinidad de pistas de voz para que solo haya que añadir arreglos instrumentales y seguir publicando discos a su nombre una vez nos abandone.

Royalties de ultratumba relata infinidad de batallas legales sobre las lápidas de las grandes estrellas. Más cruentas son cuando el legado pertenece a un grupo (los Doors, los Ramones) o cuando el reparto es desigual. Frank Zappa lo dejó todo a su esposa, pero cuando ella murió repartió la herencia con muy mala baba: dejó un 40% a dos hijos y el 60% a otros dos. Pero todavía más complicada suele ser la situación cuando empiezan a aparecer hijos no reconocidos bajo las piedras. Al cantante de soul Johnny Taylor le aparecieron tres y, sorpresa, ninguno de ellos mentía. A Prince, prolífico hasta en estos asuntos, le aparecieron 30; todos falsos. Hubo un tipo, explica Forde, que compró una muela de John Lennon en una subasta para utilizarla en futuras pruebas de ADN. Eso sí, a cambio exigía que si alguien era reconocido como hijo y por lo tanto heredero de la fortuna del ex Beatle, él también recibiría un porcentaje de la herencia.

Películas, musicales, subastas y... mascarillas

De un músico finado se puede vender casi todo. Para empezar, su imagen. Hay dinero a ganar en documentales, películas, musicales, series de animación, sellos, monedas (una con la cara de Bowie está flotando en el espacio), plumas estilográficas (una Montblanc en honor a Miles Davis cuesta 4.500 dólares), muñecas, adornos navideños, ropa de bebé... Puedes calzar unas bambas Converse con caligrafía de Kurt Cobain. Puedes merendar un helado de Ben & Jerry’s en honor al líder de Grateful Dead; un Cherry García con sabor a cereza. Y durante la pandemia podías evitar la COVID con aquellas mascarillas que comercializaron los herederos de Bob Marley y que llevaban impresa la frase: “Don’t worry about a thing” (No te preocupes por nada). Todo lo imaginable se ha vendido. ¡Hasta dos veces se ha subastado el coche donde fue tiroteado Tupac Shakur!

“La publicación de la primera lista Forbes de las celebridades fallecidas mejor pagadas, a principios de 2001, significó un hito, aunque en ese entonces pocos reconocieron la importancia que iba a adquirir”, insiste Forde. Pero claro, en esa época andábamos despistados con el terremoto Napster. Hasta la muerte de Buddy Holly, se asumía que cuando moría un cantante su obra perdía potencia. En las últimas décadas la dinámica se ha revertido hasta el punto de atraer el interés de fondos buitre. “El mundo de las inversiones está detectando el inicio de una fiebre del oro póstumo”, asume Forde. El patrimonio de Elvis ya ha sido recomprado y revendido varias veces. Julian Lennon ya vendió su parte a un fondo holandés. El negocio del momento es comprar catálogos de artistas.

De hecho, en los últimos años han surgido empresas especializadas en la gestión de catálogos discográficos y patrimonios de artistas. Y empresas dedicadas a gestionar las redes sociales de artistas fallecidos. The Spellbound Group, por ejemplo, lleva las cuentas de Instagram de Jim Morrison y Janis Joplin y uno de sus encargos más peliagudos fue mejorar la imagen de Michael Jackson tras la emisión del documental en el que se le acusaba de abusos sexuales a menores. También se han creado empresas especializadas en organizar archivos discográficos y de objetos de artistas vivos o muertos: Bob Dylan, Rory Gallagher, Lady Gaga, Johnny Cash... Paul McCartney tiene dos archiveros contratados a jornada completa. Los ingresos postmortem dan trabajo a mucha gente.

Las casi 800 páginas de Royalties de ultratumba son un pozo de datos y anécdotas. Cuesta creer que fuera necesario dedicar casi 100 páginas a las giras de hologramas. Y que no se haya podido mejorar una traducción que desliza frases tipo: “No se siente muy cálido trabajar con gente que está en la industria de trabajar con gente muerta”. Pero la gran duda que genera el libro se repetirá tras la muerte de cualquier artista. ¿Dejó testamento o en cuanto lo entierren empezará la batalla campal? ¿El testamento de Ryuichi Sakamoto sería tan minucioso como él? ¿Y el de Shane MacGowan, tan caótico como cabe imaginar? ¿Redactaría testamento Sinéad O’Connor? ¿Y María Jiménez? ¿Y…?

Habría cumplido cuarenta años en septiembre pero seguimos recordándola en la fecha más macabra de entre sus efemérides, la de su muerte. Doce años se cumplen de aquella mañana en la que Amy Winehouse, de tan solo 27 años, era encontrada sin vida en su casa de Camden Square en Londres. Una noticia impactante, durísima, que no sorprendió a casi nadie. Era la crónica de una muerte anunciada y, como en la novela de García Márquez, anticipada desde el arranque mismo de su historia. El presagio, alimentado durante años desde el púlpito de los tabloides, había calado en la calle. Ni un comentario aquel día sin la muletilla “se veía venir” transmutados todos en videntes o forenses, a pesar de que no hubo acceso al contenido de su autopsia hasta pasado un mes, momento en que fue revelado por su familia. 

Todo un mes de perverso runrún que no se disipó tras el anuncio. Todavía hay quién desconoce que no se encontró en el cuerpo de la cantante rastro alguno de sustancias ilegales, limpia desde un par de años atrás. Sí de alcohol, droga legal de la que era frecuente consumidora y tan entusiasta que presumió de ello en su tema de mayor éxito, Rehab (Back to Black, 2006), cuya posterior escucha provocaría turbadores escalofríos a más de uno. Excesiva y sin límites, así era ella. Pero se hace necesario puntualizar: no fue la primera ni la última artista en componer bajo los efectos de la bebida o de los estupefacientes, o si no que pregunten cómo lo hacía Brian Wilson, John Lennon, Eric Clapton, Shane McGowan, Noel Gallagher... (y tantos otros que rentaría más enumerar a los abstemios) sin provocar un escándalo de similares dimensiones. La pregunta se contesta sola, eran hombres.

Tristemente, lo de Amy no quedó en anécdota. Intoxicación etílica aguda, concluía el informe forense de aquel 23 de julio de 2011. Una simple borrachera acabó con su maltrecha vida, extremo del que había sido advertida tras ser diagnosticada con un enfisema pulmonar provocado por el consumo de crack y agravado por años de bulimia. Sin embargo, no solo la mataron sus adicciones, también los vicios de una sociedad infecta. El negocio del morbo, el amor romántico, los tentáculos del patriarcado y la codicia capitalista merecen una nota al pie de página en este desafortunado suceso, cuestiones excelentemente retratadas por Asif Kapadia en su galardonado documental, Amy (2015).

El negocio del morbo

Resulta imposible diseccionar la figura de Amy Winehouse sin trazar analogías con otras mujeres que la precedieron. “Por encima de todo, quiero ser tratada como un ser humano”, declaraba su admiradísima Marilyn Monroe en Marie Claire a solo dos años de morir presumiblemente de forma accidental, como Amy. Sobredosis de barbitúricos. 'La tentación rubia' necesitaba empastillarse para dormir. Quizá, de habérsele concedido su disparatado deseo, se habría salvado. Ambas. Porque si algo hizo la prensa sensacionalista con la británica fue distorsionar su imagen pública, reprobar su comportamiento, señalar sus debilidades y vulnerar constantemente su derecho a la intimidad. Deshumanizarla completamente hasta minar su cordura.

Una actitud repulsiva que, lejos de desaparecer, seguimos permitiendo y financiando para saciar nuestra dosis diaria de morbo, ejemplo último de una deficiente educación en empatía. ¿Quién no sufriría de graves problemas mentales ante semejante vigilancia y escrutinio público? Sería necesario edificar una salud mental a prueba de la bomba de Hiroshima para mantenerse estable en situaciones así, lo que no era el caso de la artista londinense cuya fragilidad se ocultaba tras un tremendo postizo, “cuanto más insegura me siento, más grande tiene que ser mi peinado”, decía a menudo Winehouse que, como Monroe, construyó un personaje tras el que proteger su persona.

El amor romántico

Toda esta vulnerabilidad, que contrastaba con su firmeza y seguridad en planos como el artístico, podría achacarse a varios traumas familiares y a uno de los más grandes caballos de Troya en la historia de las mujeres: el venenoso amor romántico del que ya se sirvió Gustave Flaubert para construir su Madame Bovary en 1857. Amy sucumbió a sus peligros. Se dejó seducir por sus falacias. Se claveteó el eslógan “el amor duele” e, imbuida en el desgarro que sigue tras el derrumbe de la idea de su eternidad, acabó componiendo uno de los más grandes álbumes de ruptura de la historia, Back to Black (2006), con una guitarra comprada in extremis en la costa alicantina, a la que huyó para afrontar el duelo.

El amor no debería doler, sí puede matar. No está de más recordarlo en tiempos de acechante oscuridad por la negación de la violencia machista. También resulta difícil desligarlo de los pilares que sustentan el patriarcado, tal y como ha señalado el feminismo en multitud de ocasiones. Kate Millett lo comparaba con la religión: “Ha sido el opio de las mujeres. Mientras nosotras amábamos, ellos gobernaban” y Coral Herrera lo señalaba como eficaz instrumento de control “un dispositivo que nos tiene muy entretenidas y ocupadas”. En definitiva, un concepto que somete a las mujeres a través del hechizo del romanticismo, una adicción más de la que Amy fue víctima a lo largo de toda su vida. 

Los tentáculos del patriarcado

Es esta cultura patriarcal, precisamente, la que resulta clave para entender el viacrucis por el que transitó la cantante, azote también de otras muchas, como Lindsay Lohan o Lily Allen. Algunas de sus herramientas, como la victimización, la infantilización del comportamiento femenino, poner el foco en la vida personal sobre lo profesional, hacer luz de gas o afear aquellas conductas que pudieran considerarse inmorales tienen como objetivo el control, no de una mujer, sino del conjunto de las mismas. Las herejes del buen gusto son señaladas, perseguidas y ridiculizadas para disuadir al resto. Y Amy Winehouse resultó en buen filón para la causa. Es justo anotar que, de haber nacido hombre, sus adicciones, imprudencias y actuaciones erráticas hubieran dado para poco más que un jocoso chascarrillo, unas palmaditas de camaradería y un tratamiento próximo a lo heroico por su insólita supervivencia. Keith Richards, para más señas. 

Pero si hubo un trastorno que destruyó a Amy, generalmente subestimado entre la lista de agravantes de su deterioro físico, fue su constante lucha por controlar su peso, producto de la inquisición mediática a la que era sometida. Dinah Washington, otra figura admirada por la británica, también sufrió la imposición de un restrictivo canon de belleza y murió, con solo 39 años, por una sobredosis de pastillas para adelgazar. La bulimia fue una constante en la vida de Amy Winehouse desde los tiempos de instituto, un desorden alimenticio consecuencia de sus inseguridades, que pudo perjudicar gravemente su estado de salud e, incluso, mediar en su muerte.

La codicia capitalista

Y estas fueron las circunstancias que se interpusieron en el camino del codicioso capitalismo. Amy Winehouse había publicado su segundo álbum, Back to Black (2006), llamado a hacer historia. A disputar plaza entre los grandes. Número uno en una veintena de países. Con el beneplácito unánime de crítica y público. De los que perduran. Una obra maestra del soul del siglo XXI. Y, sin embargo, su continua indisposición impedía rentabilizarlo al máximo. Si durante la promoción del álbum había recalado en más de cien ciudades en un solo año, tras ésta, el ritmo de actuaciones descendió a apenas una quincena en los cuatro años restantes hasta su muerte. Nadie parecía contento. No hacía grandes giras ni había álbum a la vista. Los bienintencionados esfuerzos por estabilizarla mediante terapias de rehabilitación se teñían de oscuras y lucrativas intenciones. Ni siquiera su padre se salvaba de tales sospechas en un inquietante paralelismo con el infierno sufrido por Britney Spears, cuyo progenitor aprovechó la imagen retorcida que la prensa ofrecía de su hija para someterla a una férrea tutela legal durante trece años. 

Lo cierto es que Amy Winehouse lo tenía todo, excepto quizás la voluntad (lo cual debería ser respetable), para continuar con la meteórica carrera que la había convertido en una de las más grandes figuras de la música de nuestro tiempo. Solo dio para dos álbumes de estudio. Ambos geniales. Trascendentales, especialmente el segundo. Su cultura musical y sus habilidades para la composición la llevaron de los coqueteos con el jazz en Frank (2003) a la reinvención del soul en Back to Black (2006). Su manera de expresarse, de tratar el desamor con el lenguaje explícito y grosero del hip hop sobre ese tapiz culto y candoroso del jazz y el soul, la hizo única. Una mujer carismática. Cultísima, aunque lo ocultara tras una aparente frivolidad. Una mujer de carne y hueso, con su dulzura, humanidad y también con sus debilidades. Contradictoria, como cualquiera. De carácter fuerte pero insegura al mismo tiempo. Y con una imagen genuina, inspirada por la gran Ronnie Spector (The Ronettes), rememorable sin esfuerzo: peinado beehive, delineador negro, bailarinas y minivestido vintage años cincuenta. Un estilo indeleble, marcado a fuego en nuestras retinas.

Este refulgente magnetismo, multiplicado por su prematura pérdida, ha logrado la sinrazón de que lejos de atenuarse el interés por su figura, éste continúe intacto. Amy Winehouse sigue siendo noticia. Ya sea porque se rueda su esperado biopic bajo las órdenes de Sam Taylor-Johnson (50 sombras de Grey) o porque las nuevas generaciones la citen entre sus influencias en una retroalimentación cultural sin fin. Si antes fueron Lana del Rey o Florence Welch, ahora son Billie Eilish, Jorja Smith o Nicky Nicole. 

Este refulgente magnetismo, multiplicado por su prematura pérdida, ha logrado la sinrazón de que lejos de atenuarse el interés por su figura, éste continue intacto

Por este motivo, la editorial HarperCollins publicará a finales de agosto, pocos días antes del que hubiera sido el cuarenta cumpleaños de la cantante, el libro In Her Words, un tomo aprobado por la familia Winehouse que recogerá anotaciones inéditas de sus diarios personales, letras manuscritas y fotos personales. La recaudación por derechos de autor de la obra se destinará íntegramente a la Fundación Amy Winehouse, constituida por su padre, Mitch Winehouse, en 2011. 

En el aire queda la pregunta de si gestionar el legado de artistas fallecidos, sin una voluntad expresa en uno u otro sentido, es éticamente aceptable. En el caso de Amy ya resultó polémico el apresurado lanzamiento de Lioness (2011), un álbum póstumo que incluía demos inacabadas y que, según varias de sus amistades -entre ellas su productor Mark Ronson-, habría enfurecido a la británica. No es una cuestión banal. Son tiempos de inteligencia artificial y cualquiera es susceptible de ser resucitado. Amy Winehouse, visto lo visto, podría ser la siguiente. 

Cuando ya se les ha enterrado, su voz vuelve para contarnos algo nuevo. Coincidiendo con momentos señalados, bandas y artistas que llevan años sin pisar la tierra reaparecen con nuevos lanzamientos empaquetados en flamantes cajas. Bajo la categoría de ‘inéditos’ se han incluido algunos de los mejores episodios de la música, como Réquiem de Mozart y Para Elisa de Beethoven o joyas como (Sittin’ on) The dock of the bay, de Otis Redding; pero, en otras ocasiones, no pasan de la mera anécdota. Más allá de la magia y las grandes historias que a veces los rodea, estos lanzamientos plantean dilemas que pueden resumirse en una sola pregunta: ¿qué hubiera querido la persona cuyo nombre aparece en la portada?

Ya sean composiciones terminadas o apenas garabatos, lo inédito causa fascinación. No podemos evitar mirar por la cerradura. “En estas grabaciones, a veces lo que ves es el proceso creativo y de decisión, como si pudieras colarte en la mesa de trabajo del autor. Te conviertes un poco en un voyeur —explica Héctor Fouce, profesor e investigador de la Universidad Complutense, experto en música popular e industrias musicales—. Este tipo de material apela al fan, porque ya se ha dejado de lado radicalmente la idea de que el público normal compre discos. Incluso si no son ventas masivas, como discográfica puedes vender algo tangible que te ha costado relativamente poco y obtener unos márgenes de beneficio amplios”. La rentabilidad de las carreras póstumas cuenta con exponentes como el rapero Tupac o el éxito de Pearl, el segundo disco de Janis Joplin que cumple ahora su 50 aniversario.

Este febrero, Bob Dylan lanzará 1970, una recopilación de 74 canciones que no se habían publicado. 2020 se cerró con una buena dosis de material inédito: la joven promesa del rap Pop Smoke triunfó con su disco debut —y póstumo—, sin poder saborear plenamente su éxito en las listas. Incluso David Bowie, que dejó su legado bien remachado con el álbum Blackstar (2016), publicado días antes de conocerse su muerte, ha firmado nuevos lanzamientos. 

Jimi Hendrix, todo un veterano en la publicación póstuma, ha ampliado su catálogo, una vez más, con su Live in Maui y la promesa de que aún queda material por desvelar. “Se da una gestión de las expectativas. No deja de ser un mercado de futuros”, señala Fouce. También hay quienes prefieren seguir su ejemplo mientras aún siguen en este mundo: Neil Young o The Rolling Stones todavía pueden opinar sobre el lanzamiento de material que llevaba archivado desde los años setenta. 

¿Quién decide?

Gestionar el legado secreto de artistas ausentes puede no ser tan fácil. Cuando Chopin pidió en su lecho de muerte que destruyeran su obra no publicada, ¿hizo bien su familia en rescatar algunas de esas partituras que, aún hoy, siguen interpretándose? Las críticas de fans y de la familia de la artista de R'n'B Aaliyah hicieron que la publicación de uno de sus discos póstumos se viera frustrada. En el caso del brasileño Renato Russo, del grupo Legião Urbana, la policía registró a finales de octubre dos estudios de grabación tras la denuncia de que un productor podría haber ocultado composiciones hasta ahora desconocidas. 

Antes de grabarse, cuando apenas son un esbozo, las canciones ya están protegidas. “Cuando se genera una obra, una canción, no hace falta registrarla para que genere derechos de autor. El Convenio de Berna dejó muy claro que esos derechos se generan por el mero hecho de la creación”, explica Noemí Brito Izquierdo, especialista en derecho digital en Ceca Magán Abogados.  

Cuando desaparece la persona que firma la obra, los derechos pasan a los herederos o a quien se haya designado. Hay dos tipos: los derechos patrimoniales, más relacionados con la gestión económica de lo publicado, y los morales, que protegen la integridad de la obra. Pasados setenta años desde la muerte del creador, la obra pasa al dominio público. “Los derechos morales incluyen decidir si una obra va a ser divulgada y de qué forma, así como el reconocimiento de condición de obra del autor, exigir el respeto a la integridad de la obra o impedir cualquier modificación o deformación”, apunta Brito. 

Hijos, parejas o quien tenga legalmente la capacidad de hacerlo ponen en orden archivos, cajones y discos duros valorando qué debe ver la luz y en qué forma. El manager de Michael Jackson, Frank DiLeo, aseguró tras morir su cliente, en 2009, que calculaba que había al menos cien canciones inéditas. Más delicado es el asunto de la correspondencia, diarios y material personal. “Habría que analizar cada situación concreta, ya que son elementos íntimos, entra en juego el secreto de las comunicaciones y otros derechos elementales”, señala la experta Brito.

Instagram cambia las reglas

Ahora que los artistas se ven obligados a subir material de todo tipo a las redes de forma constante, quizá cueste entender la excitación que producía poder acceder a material no oficial. “Ha habido un cambio de paradigma brutal. Antes había una gestión de la escasez, los grupos sacaban disco cada cierto tiempo. Ahora es al revés, es la gestión de la abundancia, ya que es más sencillo grabar y distribuir”, señala Fouce. 

Los fans de Rosalía pueden acceder desde su teléfono, y gratis, a una cantidad de información sobre la artista —y su lado más humano— que ya hubieran querido los biógrafos de Robert Johnson. Precisamente la nonagenaria hermana del pionero del blues ha publicado un libro en el que ve la luz la tercera foto que se conserva de él. Con tan poca información, hay quien prefiere dar por buena la leyenda y creer que el autor de Crossroads o Sweet Home Chicago efectivamente hizo un pacto con el diablo. 

Tesoros y bocetos 

Las historias que acompañan a estos lanzamientos son a veces tan importantes como la música. El rastreo de las grabaciones perdidas de Tino Casal pasó por Italia y llegó hasta a un trastero de São Paulo (Brasil). Casi medio siglo después de que el músico español grabara esos temas han visto la luz con el título Origen.

Los títulos dan pistas, no siempre honestas, de lo que se puede esperar. Desde la humildad de Sketches for My Sweetheart the Drunk, de Jeff Buckley, que apuesta por la idea de “boceto” para presentar el primero de los discos póstumos del cantautor, hasta llegar a las grandes expectativas del “Lioness: Hidden Treasures”, de Amy Winehouse. Entre medias, quedan los homenajes y la sensación de epílogo de Thanks for the Dance (2019), de Leonard Cohen. También la promesa de poder conocer a nuestros ídolos sin filtros: Michael, de Michael Jackson o TIM, del Dj Avicii, juegan con el minimalismo de un nombre propio al igual que el sobrio Piano & a Microphone 1983 de Prince. 

Aunque si hay un título ineludible entre los póstumos es Life after Death (1997), del rapero The Notorious B.I.G. Apenas dos semanas después de morir en un tiroteo, el lanzamiento del estadounidense conquistó las listas.

¿Hasta qué punto se puede seguir rebuscando en los cajones? Fouce cree que hay legados bien administrados, entre los que incluye a Hendrix, y mal administrados, como fue el caso, por un tiempo, de Elvis Presley. Decidir qué se publica tal cual o qué requiere trabajo adicional no es una decisión fácil. En 1994, los tres Beatles supervivientes se reunieron para tratar de insuflar vida a unas grabaciones de canciones inacabadas de John Lennon. Una de ellas, Free as a Bird, acompañó al lanzamiento del primer volumen de Anthology. Otra, Now and Then, fue imposible de adecentar. Los intentos por incluirla en el tercer volumen de la antología de la banda finalmente no llegaron a puerto. No se puede descartar que, en el futuro, la canción vea su nacimiento oficial. 

A veces, tras los inéditos hay experimentos fallidos cuyas mejores bazas han visto la luz en formatos menos rompedores pero mucho más disfrutables. Posiblemente gran parte de los fans agradecen que bandas como Pink Floyd abandonaran su proyecto de grabar todo un disco usando únicamente instrumentos fabricados con objetos caseros. Con la idea de evitar un fracaso, Joe Strummer discutió con sus compañeros de The Clash para lograr que moderaran sus excursiones fuera del punk y centraran sus esfuerzos en publicar Combat Rock. También la ambiciosa ópera rock de ciencia ficción Lifehouse, de The Who, acabó desechándose para alimentar el imprescindible Who’s next (1971). 

Pero hay quienes han rogado por escuchar, sin ningún tipo de recorte o alteración, estos proyectos inacabados. Para dar continuidad al histórico Pet sounds (1996), Brian Wilson agotó la paciencia del resto de los Beach Boys. Nunca satisfecho, Wilson pedía cosas como que los músicos de sesión tocaran con sombreros de bombero y colocaba madera ardiendo en el estudio, todo para que la interpretación hiciera justicia a la pieza Fire. Aquellas grabaciones, que su autor quería convertir en “sinfonía adolescente dedicada a Dios”, se convirtieron en El Dorado de los álbumes inéditos sobre el que se lleva décadas elucubrando. Finalmente, comenzando las grabaciones desde cero, Wilson dio su bendición al lanzamiento oficial, en 2004, con el nombre de SMiLE. 

“Habrá algunas que puedan tener valor antropológico, como curiosidad, pero ¿merece la pena escuchar esto en un momento en el que tienes superabundancia de música? Intentando sacar lo que alguien no ha sacado antes, al final vas acabar sacando la lista de la compra como obra literaria maestra”, plantea Fouce. No todo este material ve la luz. El responsable de Universal Music, David Joseph, explicó que le movían “razones morales” al declarar que había destruido las pistas que conformaban el disco inacabado de Amy Winehouse. Nadie ha convencido tampoco a Jeff Beck para que su colaboración con músicos de la Motown en 1970 vea la luz. 

Despedidas a medio hacer

El poder emotivo de las canciones póstumas no puede ser pasado por alto. Especialmente cuando se habla de artistas que han trascendido su papel y se han convertido en iconos populares, modelos a seguir o, simplemente, compañeros de viaje a los que cuesta decir adiós. 

Un caso podría ser Tom Petty, fallecido en 2016. Su familia ha reeditado Wildflowers y ha desvelado material nunca antes visto. En Something Could Happen, el video que acompaña a este tema inédito, muestra cómo una mujer trata de superar una pérdida dolorosa tirando trastos viejos al cubo de la basura. Pero las antiguallas cobran vida y se unen para crear un ser animado con una forma de andar y moverse inconfundible: no es Tom Petty, pero casi. Esos trastos evocan sus canciones rescatadas del olvido. Finalmente, los objetos se desmoronan y en el cielo se dibuja un símbolo que pone punto final a una despedida que se quedó a medio hacer. 

Tenemos este tipo de artistas, tres o cuatro, con los que sentimos que volvemos a casa o revivimos nuestra juventud, ese momento mítico que añoramos donde descubres la persona que eres en base a lo que lees y lo que escuchas. Cuando suenan, piensas: ‘Ese era yo cuando aún no me había echado a perder’. Quizá por eso nos fascinan —y se siguen vendiendo— esos momentos íntimos e inacabados de genios a los que, casi a escondidas, tenemos la esperanza de volver a escuchar en su forma más humana.

Atrevida, sincera y con estilo propio, Amy Winehouse conquistó al público con su potente voz, su personalidad y con sus looks, pero su estela se alarga también a compañeros y compañeras de profesión y al gran legado que dejó en la industria de la música, reviviendo géneros que habían sido olvidados como el soul y el blues y llegando a ser comparada con artistas como Sarah Vaughan, Macy Gray, Billie Holiday o Mary J. Blige, tanto por su tono y potencia de voz como por su forma de interpretar canciones llenas de sentimiento. Con un estilo ecléctico, Amy era capaz de fusionar sus influencias musicales que bebían del soul, el jazz y el blues con otras como el ska o el R&B, cosa de la que pocos artistas han sido capaces.

Cuando en el 2008 se alzó como ganadora de cinco premios Grammy por su segundo disco, Back to black, se consagró no sólo como uno de los mayores talentos de la época a nivel internacional sino que marcó una evolución como artista y abrió el camino a otros artistas ingleses así como llegó a influir a importantes músicos y cantantes de todo el mundo. Una influencia que muchos le reconocen y además agradecen públicamente y de la que recopilamos algunos ejemplos.

Adele aprovechó su concierto en Boston del pasado 14 de septiembre para rendir un tributo especial a su compatriota en el día en el que hubiera cumplido 33 años. “Siento que le debo un 90% de mi carrera a ella. Fue por ella que cogí una guitarra y fue por ella que comencé a escribir mis propias canciones”, dijo en el escenario la intérprete británica. “Las canciones que firmé fueron canciones que escribí completamente por mí misma, si no hubiera existido ella, no lo hubiera hecho. Su primer álbum, Frank, cambió realmente mi vida”. Y es que sin duda Adele ha sido la gran heredera de la desaparecida Winehouse, “Amy hizo que mucha gente se volviera a entusiasmar con la música británica”, declaró Adele.

“De alguna manera, Amy era la gripe para la música pop”-dijo Lady Gaga en 2011- “Y todo el mundo tiene un poco de gripe…. Por eso, nos enamoramos de ella”.

Florence Welch se ha inspirado muchas veces en las primeras actuaciones de Amy Winehouse. En su opinión, la cantante logró que se tuviera más en cuenta a las mujeres en los festivales: “Antes de que llegara, el Glastonbury era un festival de artistas masculinos y bandas”.

“La música de Amy me sigue inspirando tanto como la primera vez que la escuché”, confesaba en su cuenta de Twitter el oscarizado Sam Smith.

Pese a tener estilos muy dispares, Ellie Goulding sabe ver y agradecer la puerta que Amy Winehouse abrió a los artistas británicos: “Ella allanó el terreno para las mujeres como yo en América”.

La cantante y compositora Emeli Sandé ha admitido que se inspiró en el LP Back To Black para crear su álbum Our Version Of Events (2012), que con el tiempo ha conseguido siete platinos. “Amy hizo que pusiera mi corazón en el álbum, que no tratara de ocultar nada”, confesó la artista.

A la neoyorkina Lana Del Rey la han acusado de intentar copiar a Amy Winehouse y quizá su forma de vestir y sus peinados tengan algo que ver, pero la realidad es que Lana siempre admiró a la británica: “Ella era quien era y consiguió gustar así”, dijo sobre Amy.

Y es que tal y como comentamos al inicio de este artículo, la estela de Amy Winehouse es muy amplia y es más que probable que perdure eternamente.

Adele

Ningún fenómeno musical que vino luego se escapa a la influencia del éxito mundial que Amy Winehouse cosechó con apenas un par de discos. De hecho, es bastante improbable que la música asequible de artistas como Adele hubiera alcanzado tanto eco. “Amy allanó el camino para artistas como yo y consiguió que el público se entusiasmara con la música otra vez. Creo que ella nunca se dio cuenta de lo brillante que era y lo importante que es”.

Lady Gaga

En el mundo de la música pop, tan proclive a la estridencia y la frivolidad, la apariencia es una de las bazas de cualquier artista. Fue así hasta que Amy Winehouse apareció con su aspecto desaliñado. Como la estudiante del piso vecino. Y su cetro recayó luego en Lady Gaga, quien con justicia ha llegado a reconocer la influencia de la londinense. “De alguna forma, Amy Winehouse fue una fiebre para la música pop. La gente se enamoró de ella”.

Sam Smith

Otra de las nuevas voces de esta generación de artistas pop es Sam Smith, británico de Londres como Amy Winehouse. Intérprete de canciones románticas habitualmente con aires de melancolía, Smith reconoce la experiencia de Amy Winehouse como uno de los faros de su exitosa carrera. “La echo mucho de menos, jodidamente mucho”, escribió en Twitter. “Su música todavía me inspira tanto como lo hizo el primer día que la escuché”.

Florence and The Machine

La carrera triunfal de Amy Winehouse marcó camino para el millar de grupos que tratan de encontrar una oportunidad en la escena musical de Londres. De pronto, una novata crecida en pequeños clubes de jazz saltó al gran escenario. En el festival de Glastonbury la vio cantar Florence Welch. “Antes de eso Glastonbury era más de artistas consagrados, ya estrellas, pero ver a Amy allí me hizo pensar: ¡wow!, hay un lugar para las cantantes”.

Lana del Rey

Otra de las admiradoras de Amy Winehouse es la cantante neoyorkina Lana del Rey, también artista de éxito global siguiendo la senda de la desaparecida artista de Londres. Según Lana del Rey, la calidad de la voz de Amy no ofrecía margen a la duda y también agradece la “autenticidad” con que llevó su corta carrera. “Creo en Amy Winehouse, ya sé que no está con nosotros, pero creo en su música y en la forma en la que nos la regaló”.

Otis Redding “Sittin' on the dock of the bay”“Sittin' on the dock of the bay”

Hija de su tiempo, Amy Winehouse reconoció las influencias de grandes músicos en su carrera artística. En una entrevista inédita realizada en 2006 y que el canal de televisión BBC emitió justo al cumplirse un año de su muerte, la cantante subrayó la importancia del cantante norteamericano Otis Redding. “Cuando tenía catorce o quince años me gustaba mucho, en esa época escuchaba jazz, soul y discos de la Motown. Luego vino el hip hop”.

Aretha Franklin 'I say a little prayer'I say a little prayer'

También la música gospel entraba en las preferencias de Amy Winehouse. Cantantes fundamentales del género como Aretha Franklin y Mahalia Jackson eran algunas de sus voces predilectas. “Me encanta el gospel, aunque no soy para nada religiosa, pero el gospel es música verdadera. No hay nada tan verdadero que el amor del gospel por la música”, aseguraba Amy, que consideraba este estilo como una de sus inspiraciones.

Sarah Vaughan 'Shadow of your smile''Shadow of your smile'

Los grandes nombres de la canción americana siempre contaron con el aprecio de Amy Winehouse. Desde su infancia, cuando escuchaba música en la casa familiar, la joven se enamoró de las grandes mujeres del jazz estadounidense. Cantantes como Ella Fitzgerald y Dinah Washington, pero por encima de todas Sarah Vaughan. “Es una de mis cantantes favoritas de todos los tiempos. Su voz era un instrumento, un zumbido que suena como un clarinete”.

Ray Charles 'Unchain my heart' 'Unchain my heart'

Amy Winehouse tenía catorce años cuando su hermano mayor escuchaba jazz en la habitación de al lado. De pronto comenzó a sonar Around midnight, de Thelonious Monk. Y luego Ray Charles. “Recuerdo la primera vez que escuché su voz. Fue Unchain my heart y recuerdo entrar sin tocar en la habitación de mi hermano. ¿Quién es este? Era Ray Charles y después estuve tres meses escuchando solo canciones de Ray Charles”.

The Shangri-Las 'I can never go home anymore'I can never go home anymore'

Cuando rompió con su novio, Amy Winehouse solía refugiarse en su cocina y, sentada en el suelo, escuchar esta canción cien veces seguidas mientras bebía Jack Daniels. Allí solo comía bolsas de pollo frito que le llevaba su compañero de piso y se quedaba dormida, Pero cuando despertaba volvía a sonar este clásico de The Shangri-Las. “Es la canción más triste del mundo”, aseguraba Amy, “pero me gusta el drama, me gusta su atmósfera”.

Considerado como uno de los acontecimientos musicales de todo el año, Amy Lives (la banda de músicos de Amy Winehouse) ofrecerá dos sesiones en Canarias, el 18 de noviembre en el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria y el 19 en la plaza del Cristo de La Laguna. En el caso de La Laguna, lo hará con nuevas promesas y estrellas canarias del soul y funk como Ricca, Ni Funk Ni Fank, Twinyi, además del dj Esteban Pérez, que hará de maestro de ceremonia en una noche de sábado inolvidable.

Las entradas a ambos espectáculos ya están a la venta en www.entradas.com, en el Teatro Galdós de 20 a 45 euros y en la plaza del Cristo de La Laguna a 15 euros.

Amy Lives Project

La banda integrada por la práctica totalidad de los  músicos de Amy Winehouse, creadora de un estilo único e impulsora internacional del neo soul, tras haber despertado el interés de las nuevas generaciones en el soul propiciando así el renacer del mismo como podemos comprobar en los altos índices de popularidad de las nuevas estrellas emergentes del género.

Xantoné Blacq, teclista y vocalista de la banda original de la artista, es quien lidera este proyecto, único en su género, que tiene su razón de ser en la evolución de la música de Amy Winehouse, y en el que se desarrollan y amplían sus composiciones, manteniendo la esencia de las canciones originales, que son interpretadas por algunos de los miembros originales de su banda.

La Laguna Soul Funk

Además de este proyecto internacional, la intervención de Amy Lives en La Laguna estará acompañada de propuestas locales como la de Esther Ovejero bajo su denominación de Ricca, en su vertiente más soul y R&B; la banda grancanaria Ni Funk Ni Fank, ya toda una institución en la escena regional; y la DJ canaria Twinyi, que cuenta con un reconocido prestigio a nivel nacional e internacional, y la incorporación del popular DJ tinerfeño Esteban Pérez, que se encargaría de amenizar la apertura de puertas y los tiempos de cambio de backline entre artista y artista.

Maestro de ceremonias: Esteban Pérez

El dj y promotor de eventos Esteban Pérez es el responsable de las fiestas temáticas We love disco y Bembé. Ha actuado tanto en los principales clubes locales de Tenerife y Gran Canaria como para miles de personas en numerosos festivales (SunBlast 2013 y 2015, Boreal 2010, 2012 y 2016, Aguere Reggae 2012, Puesta de Soul 2012) teloneando a Mucho Muchacho y Cookin' Soul, Minimal Summer 2014 y 2015, Travesía a Nado Mar de las Calmas 2014...

Jazz & Más 2016

Amante de la cultura de club y del diggin, sus sesiones se caracterizan por su gran eclecticismo musical, gran técnica y versatilidad, por los sonidos añejos y frescos, de raíz y electrónicos, encontrando muchos estilos de la música negra como: funk, soul, disco, afro, jazz, latin, brasil, jamaica, hip hop y house.

Ha compartido cartel con grandes de la escena local e internacional como Andy C, Dubfire, Steve Bug, Mucho Muchacho, Booka Shade, Dogg Master, Gorillaz, Real El Canario, Jamie Jones, Mala Rodríguez, Dave Watts, Earl Sixteen.

La reconversión de Ricca

Ricca es el sugerente nombre del nuevo proyecto personal de Esther Ovejero. La cantante canaria nos muestra su faceta más rebelde y desenfadada en Gerunds, un completo trabajo discográfico que presenta acertadamente un mestizaje sonoro, fusionando el soul, el blues y el jazz con un R&B más clásico.

La combinación que consigue uniendo sonidos clásicos y modernos queda engrandecida con la sensual y potente voz de su vocalista.

Esta nueva andadura ideada o por el guitarrista Pablo Cebrián comenzó en el año 2014 y continúa girando por escenarios de toda España e incluso de Europa.

Ricca irrumpe con galones en el soul nacional y lo hace para quedarse y marcar nueva tendencia. La grabación ha sonado en programas de radio de importancia a nivel nacional, y ha participado en diferentes programas de televisión nacionales, siendo relevante su actuación en el programa cultural del canal 24 horas. La acogida del proyecto ha sido espectacular y entre el año 2014 y 2015 ha sido llamada a participar en importantes festivales tanto en España como fuera.

Huracán Twinyi

Yess Milan, de nombre artístico Twinyi, es una cantante canaria que compagina a la perfección su faceta musical como dj y compositora, lo que le aporta a su vez una inconfundible y original forma de pinchar y entregarse al público.

Versátil y con unas sesiones realmente divertidas, es capaz de adaptarse a diferentes estilos musicales. Su potencial reside en la incorporación de remixes, bootlegs y originales mash-ups muy personales y pegadizos que ella misma produce. Desde 1997 a 2000 formó parte del grupo Unión Lírica, con Thor y El rey del micrófono. Twinyi anima y levanta la pista con una genuina forma de rapear, siendo dj residente en distintas salas de Madrid, Valencia y el sur de Gran Canaria como Panorama en su conocida sesión de los sábados Yo soy bohemia. También ha trabajado en el prestigioso club beach party chinawhite originario de Londres y en la terraza Beach Club Amadores.

Actualmente trabaja en la sesión de Club A Madrid y pincha en distintas ferias como Momad y Madrid Game Week en Ifema de Madrid. La galería de arte del conocido escultor Mario de Pascual ha contado con la artista para amenizar diferentes eventos: MTV, Samsung... Twinyi ha realizado varias giras con su música y estilo con los 40 Principales World Dance Music, además de actuaciones en Francia, Alemania e Inglaterra. Durante años trabajó para Niko Noki, actuando con artistas como Backstreet Boys, David de María o Marta Sanchez. Algunos de sus temas aparecen en Disco Estrella Vol. 16, Caribe Mix 2013 o Zumba Miami GH edition.

Ni Funk Ni Fank

Ni Funk Ni Fank nace en el año 2010. Músicos en activo, miembros de distintas bandas de las escenas musicales canarias y provenientes de estilos muy diferentes han intentado unir sus gustos e influencias en un mismo proyecto.

El repertorio abarca desde el funk, pasando por la electrónica, música disco... Repertorio reinterpretado siempre bajo un punto de vista personal, haciendo adaptaciones en lugar de copiar las versiones originales, emulando los sintetizadores, teclados y elementos electrónicos con instrumentos como el bajo, la guitarra y la batería y añadiendo bases electrónicas, y el uso de loop station.

Las grandes almas del jazz han dejado legados intangibles con su música, pero también otros con un efecto social inmediato. La fundación Nat King Cole habilitó su programa La generación de la esperanza para que el espíritu de la música no estuviese atado a la dictadura del bolsillo. Los herederos del maestro del piano ofrecen cursos, conciertos y convenios con importantes universidades como Harvard para grandes talentos con pocos recursos. La organización del saxofonista John Coltrane, por su parte, sigue los pasos de su coetáneo y vela por la educación básica de niños con riesgo de exclusión social. 

Además, la fundación Amy Winehouse ha anunciado en el quinto aniversario de su muerte que crearán un centro de rehabilitación para mujeres en Londres. Desde su creación, los proyectos han estado siempre ligados a prevenir la adicción a las drogas y el alcohol, por el fatal efecto que provocaron en la cantante. Primero organizaron una serie de charlas de ex consumidores en colegios para concienciar a los más pequeños de sus peligros y ahora dan un paso adelante para ayudar en la reintegración social y laboral de las adictas. 

El espacio, que se llamará Amy's Place, estará situado en East London y comenzará a funcionar el 22 de agosto. Estará conformado por doce habitaciones y tendrá capacidad para 16 mujeres, un avance primario ante la escasez de centros específicos en Reino Unido. “Solo hay seis centros exclusivos para mujeres y, además hay muy pocas plazas en cada uno de ellos”, explicó Dominic Ruffy, director de proyectos especiales de la fundación, a The Guardian.

Las mujeres trabajarán en un modelo de co-producción, en el que se ayudarán mediante actividades organizadas y elegidas por ellas mismas. Para el director eso es primordial ya que, mientras en las clínicas se suelen centrar en un efecto choque psicológico, en el centro se potenciarán sus aptitudes para una rápida recuperación de su vida laboral y cotidiana.

Ruffy también piensa que el cuidado centrado en las mujeres es beneficioso porque “muchas llegan con antecedentes de abusos físicos y psicológicos, por lo que se encuentran más seguras en un entorno donde no se tienen que preocupar por aspectos de su pasado”. Los programas del centro se alargarán durante tres meses en los que las recién llegadas contarán con atención personalizada, grupos de prevención de recaídas y apoyo para el desarrollo de sus habilidades potenciales.

La gerente de la fundación, Jane Winehouse, cree que la trayectoria de Amy podría inspirar a quienes estén pasando por un momento delicado. La intérprete de Valerie falleció a causa de una intoxicación accidental por alcohol en 2011 a los 27 años. “Los comienzos desde cero son difíciles y llenos de retos, pero en Amy's Place intentaremos dar a esas mujeres jóvenes las herramientas  y el apoyo para que se conviertan en realidad”.

Edward Snowden, Julian Assange o Kit DotcomJulian AssangeKit Dotcom están inmortalizados en un muro, en los tonos que separan el blanco y el negro, con retazos de rojo sangre. Te has topado con ellos cientos de veces en internet, el lugar en el que se han convertido en iconos.

Su creador ha dibujado los rasgos de otros individuos que forman parte, para bien o para mal, de la historia reciente, de Karl Marx a Angela Merkel, de Mahatma Gandhi a Pablo Iglesias, de Albert Einstein a Steve Jobs, de Muamar el Gadafi al papa Francisco, de Frida Kahlo a Amy Winehouse.

Las decenas de pintadas reposan en una galería virtual: una cuenta de Flickrcuenta de Flickr. Medios y blogs de todo el mundo las descargan cada día, aprovechando la licencia Creative Commons. Sin embargo, fuera de la Red, también puedes contemplar gratuitamente esos semblantes. Solo tienes que viajar a un museo de arte contemporáneo apocalíptico, anárquico y con un toque de terror gótico situado en Saint-Romain-au-Mont-d'Or. En este pequeño municipio francés, situado cerca de Lyon, se alza la siniestra Morada del Caos.

Un “'Indignez-vous!” gigante pide al visitante que se enfade mientras recorre esta enorme finca al aire libre. En sus muros, decenas de retratos conviven con calaveras de 3,3 metros de altura que nos recuerdan la brevedad de la vida, con los cadáveres de un helicóptero y varios coches estrellados, con una fuente que emana agua teñida de púrpura o con bidones radiactivos en desuso. Grabados masónicos, quince pasos de un extraño Vía Crucis de metal y el '999', la cifra invertida de la marca de la Bestia, escritos por todas partes, son algunos de los símbolos de esta tétrica residencia.

Así que Mark Zuckerberg, Rafael Correa, Raúl Castro, el dálai lama y Elon Musk habitan en un oscuro templo que se ha convertido en un “monstruo devorador e insaciable”, según Thierry Ehrmann, el creador de la Morada del Caos y propietario de esa popular cuenta de Flickr. Hijo, nieto y bisnieto de coleccionistas de arte, este cincuentón se define como artista por vocación, coleccionista por herencia y emprendedor por naturaleza.

EL COLECCIONISTA DE ARTE QUE DECIDIÓ VIVIR EN EL CAOS

Thierry Ehrmann es el fundador de Artprice, un inmenso banco de datos sobre la cotización y los índices del arte asociado con más de 4.500 casas de subasta de todo el globo. La empresa ha recogido información sobre más de medio millón de artistas, además de conservar catálogos y manuscritos del siglo XVIII que este artista ha ido recopilando desde que fundara la compañía en los años 80.

Historiadores, sociólogos, economistas o periodistas forman la plantilla de Artprice. El medio centenar de trabajadores desarrolla su labor en la propia Morada del Caos. Bajo el improvisado helipuerto, se sitúan los enormes servidores que almacenan más de 100 millones de imágenes y litografías de artistas. Las oficinas donde los empleados trabajan están instaladas en el centro de un complejo presidido por un inmenso grafiti que grita “No nos pararán” en castellano.

Demeure du Chaos es la sede de una empresa valorada en 87 millones de euros, un museo los fines de semana y la residencia del propio artista que decidió transformarla en su mayor proyecto y en el hogar de su “clan”. Una obra que encierra a su vez miles de obras, reales y digitales. “El verdadero arte es el de hacer de la vida y su ser entero una obra de arte. Al principio vivía en la Morada del Caos. Finalmente, ella vive en mí ”, asegura Thierry Ehrmann a HojaDeRouter.com.

En 1999, se le ocurrió transformar su mansión del siglo XVIII, erigida sobre lo que fuera un templo protestantetemplo protestante, en un “agujero negro, un pasaje en un pasillo que ya no obedece a las leyes de la física cuántica”. Comenzó colocando una salamandra de acero, uno de los símbolos de los alquimistas por su supuesta resistencia al fuego. Desde entonces, ha creado 5.400 esculturas y 1.200 retratos5.400 esculturas y 1.200 retratos.

Ochenta nuevas obras de arte se suman cada año al provocador desorden generado por un artista tachado de masón por algunos medios y de seguidor de varias religiones y corrientes, desde el catolicismo a la alquimia, por otros.

No realiza personalmente todas las obras. Él las idea, otros ejecutan. “Soy el único autor de todas las obras, como artista visual y escultor”, defiende. “Como describe la tradición de la historia del arte, tengo efectivamente un número de empleados que, a partir de mis bocetos, dibujos, 'collages', con la descripción de la forma, el objetivo y el medio, llevan a cabo el plan de trabajo”.

Ahora bien, ¿cómo elige a los personajes que va a retratar en sus muros? ¿Qué une a Nelson Mandela, Ai Wei o Bachar el Asad? “Tienen en común la matriz de lectura onírica salida de mi mundo mental, donde yo percibo el mundo de acuerdo a mi propia sensibilidad como artista plástico”, defiende Ehrmann.

Los ataques del 11 de septiembre le hicieron pensar que las imágenes que circulaban desde los atentados habían destruido el concepto lineal de la historia. La supremacía de Occidente llegaba a su fin. Así que decidió permanecer alerta sobre el presente y retratar las grandes tragedias mundiales y a sus culpables, como Anders Breivik, además de a sus víctimas, como el pequeño Aylan.

A lo largo de los años, Ehrmann ha “codificado” los retratos de las figuras que, según sus suposiciones, pasarían a la historia en los medios. Sus ayudantes han pintado los atemporales retratos de esos líderes, sin título ni leyenda, que después los medios de comunicación han utilizado para ilustrar diferentes noticias a lo largo de los años.

Según este artista, los medios están inconscientemente reviviendo con ello la tradición del retrato que no solo expone al personaje y su contexto, sino que posee un “alma adicional que el objetivo de la cámara no puede reproducir”.

Al fin y al cabo, no es lo mismo ver una foto de Benjamin Netanyahu que contemplar un retrato monocromo de su colérica expresión enterrada en pintura roja. Eso sí, por mucho que sus paredes estén dedicadas a los líderes contemporáneos, Ehrmann dice creer en el poder del arte, “infinitamente superior a la mediocridad de los políticos”.

INTERNET, METÁFORA DE LO DIVINO

Ahora bien, ¿por qué ha decidido Thierry Ehrmann compartir esas pintadas por internet en lugar de hacer caja con ellas beneficiándose de su éxito en la Red? “Como exmagnate de prensa de una de las mayores agencias de noticias fotográficas europeas [poseía el 25% de las acciones de la desaparecida Editing], sólo quería ofrecer a los periódicos de todo el mundo, los medios impresos y audiovisuales, la gratuidad absoluta, que es la filosofía que he edificado en la Morada del Caos”, explica el empresario.

Apostó porque su compañía tuviera presencia en internet desde sus comienzos y ha decidido trasladar su pensamiento combativo al resto del mundo a través de la Red. No en vano, uno de sus padres fundadores, Vint Cerf, también está retratada en esta Morada. “Estoy convencido de que internet es una metáfora de lo divino, sino del mismo Él/Ella/Ello”.

Aunque los internautas disfrutemos del museo virtual de Ehrmann, los que no están tan contentos con su proyecto son sus propios vecinos, que se han quejado de tener que vivir al lado de una residencia que debe de poner los pelos de punta al más valiente cuando cae la noche.

En 2009, el Tribunal de Casación de Francia ratificó una sentencia de un tribunal de Grenoble que instaba a Ehrmann a restaurar la mansión a su estado original por incumplir el código de urbanismo, fijando una multa de 75 euros al día si Ehrmann no destruía su gran obra. Cuatro años después, decidieron multiplicar esa sanción diaria por diez, aunque el artista ha conseguido finalmente que el Tribunal de Casación anule ese aumento, ya que padece una enfermedad maníaco-depresivaenfermedad maníaco-depresiva que requería la presencia de un médico en las audiencias.

Además de la pasión por el arte, Ehrmann heredó de sus antepasados un trastorno bipolar. Asegura que sus centenares de obras son “la historia personal de la enfermedad mental” que padece, y dice haber escuchado al mismísimo Van Gogh en su mente gritando que el arte era el mejor pararrayos para su locura.

Ehrmann todavía tiene once procesos pendientes con la justicia, y ha presentado su lucha por mantener en pie su Morada del Caos como un combate por la libertad de expresión. Señala que 120.000 visitantes acuden cada año para contemplar sus obras y 180.000 personas han firmado su petición para conservar el museo.

“En la noche más oscura, después de que los humanos se hayan ido, nosotros vemos, a lo lejos, en el oscuro camino de la locura, una luz divina.... Y ahí es donde el principio de la Obra comienza”. Esté en lo cierto o no, este artista emprendedor ha conseguido atraer las miradas de los moradores de la Red hasta la lóbrega residencia en la que vive, trabaja y plasma los rostros de los grandes personajes de nuestro tiempo. Así que, cuando te encuentres con ellos en tu viaje por los desastres del mundo a golpe de clic, ya sabes que son obras de la caótica mente de un artista que contempla el presente desde su propia perspectiva.

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Las imágenes que aparecen en este artículo son propiedad de Thierry Ehrmann (1, 2, 3, 4,5, 6, 7, 8 y 9)123456789

Con un baño de memoria y realidad. Así comienza la 47ª edición del Festival de Documentales de Cádiz Alcances, que cumple su primera década dedicado exclusivamente a este género cinematográfico. Lo hace este sábado con un pase gratuito a La Mirada del Silencio de Joshua Oppenheimer, la premiada cinta que sigue la estela del genocidio indonesio iniciada con la escalofriante The Act of Killing.

El broche lo pondrá el día 12 de septiembre Mago, la impresionante vida de Orson Welles, pero hasta entonces se proyectarán 82 películas, de las que la mitad han tenido a una mujer detrás del objetivo. En la sección oficial 31 películas pugnarán por la Caracola, de las que siete son largometrajes como Game Over, sobre un joven de clase media obsesionado con la guerra, o Next, sobre las niñas y adolescentes que llegan Los Ángeles en busca de “ese sueño americano dulce y pringoso”: conseguir ser actrices famosas.

La muestra tiene en cuenta tanto el cine verité más comprometido (varias obras relacionadas con la inmigración así lo atestiguan), como el más experimental o artístico. Ese es el caso de la sección dedicada a la “saqueadora de iconos” María Cañas, que también forma parte del jurado. “Hemos descubierto que la gente que es más inquieta con el lenguaje cinematográfico, también es la más inquieta con la temática”, subraya el director del festival, Javier Miranda.

Como afirma Miranda, el paso de la ficción al documental de la muestra “desconcertó a mucha gente, pero a partir de 2009 se recuperó mucho público. El fenómeno Michael Moore terminó creando una eclosión del documental. Fue como una explosión”.

Alcances también echa la vista atrás a su primera década para recuperar “auténticas joyas” en la sección 10 años no es nada. 18 películas de la talla de Cuchillo de Palo, sobre la persecución de la homosexualidadCuchillo de Palo durante la dictadura paraguaya de Stroessner, o Victorias y derrotas, del periodista y cineasta andaluz Manu Trillo.

El festival también pondrá el foco en los directores y directoras locales con la sección Cádiz Produce, mientras que la sección musical dará cabida a uno de los grandes triunfadores de Cannes: Amy, sobre la cantante Amy Winehouse, que murió hace 4 años a consecuencia de sus problemas con el alcoholAmy. The Clash y Nick Cave se sumarán al recital de esta sección con partitura propia. José Luis Guerin recibirá asimismo un particular homenaje con una sección dedicada exclusivamente a este realizador catalán.

Los espectadores tendrán la oportunidad de intercambiar impresiones con los propios autores durante los desayunos de la sección oficial, mientras que la cooperativa Se Buscan Periodistas y la Asociación de la Prensa de Cádiz organizarán una mesa redonda tras la proyección de la oscarizada CitizenfourCitizenfou, de Laura Poitras, centrado en la figura de Edward Snowden. Como indica Miranda, el festival “aparte de ser un dinamizador cultural, permite proyectar un cine al margen de la gran industria, que es imposible de ver en Cádiz”.

Por último, Cádiz se convertirá en plató de rodaje con DocuExprés, un concurso que premiará con 1.000 euros al mejor corto documental. El Premio CIMA galardonará a la mejor realizadora entre las obras presentadas en la Sección Oficial.

Los años anteriores a su muerte estuvieron plagados por mofas hacia sus adicciones y su aspecto físico. Nadie llegaba realmente al fondo de la situación, realmente nuestra sociedad, incluso en su inconsciente que se suele manifestar en el humor, no está preparada para asumir que un adicto es un enfermo y que no se merece lo que le sucede. Pero mientras hubo chiste fresco nadie se iba a boicotear la fiesta. Estaba tan de moda reírse de Winehouse, que no hacerlo era poco snob.

Pero en el documental “Amy” (2015), vemos a la joven que hay tras el mito, que tuvo que enfrentarse a una fama que la desbordaba al tiempo que combatía sus propias sombras personales. Sombras plasmadas en sus letras que eran mejores cuanto más ácidas, hirientes y autodestructivas.

Desde la adolescencia hasta su muerte

La cinta comienza con una adolecente Amy dedicando una impresionante canción de cumpleaños a su mejor amiga. Desde el primer fotograma comprobamos que su voz no pasa desapercibida a nadie a su alrededor. Años después comprobaríamos que tampoco pasaría inadvertida para el resto del mundo. Y es que Amy hacía con su voz lo que quería y sobre todo quería hacer jazz, soul, R&B y Ska. Quería experimentar con la música de Frank Sinatra que escuchaba en su casa desde niña, (de hecho su primer álbum “Frank” rinde homenaje a este grande de la historia del jazz).

Back to black

Grabó “Back to black” en 2006 es un juego de palabras en inglés y significa “de vuelta a la oscuridad” y a nivel personal para Amy así fue a pesar de que sería el disco que le proporcionara los mayores éxitos de su carrera: con él, la cantante consiguió seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco, entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista nuevo. Estos premios convirtieron a Winehouse en la primera mujer en ganar la mayor cantidad de reconocimientos en una sola noche y en la primera artista británica ganadora de cinco Grammys.

Adiós al vibrato insolente

Contrariada por el acoso de la prensa, aturdida por el consumo de drogas, la adicción al alcohol y mientras sufría por el deterioro físico provocado por su bulimia, Amy, era una marioneta dirigida por quienes más debieron quererla. Rentabilizar su voz a toda costa fue el objetivo de su padre, de su marido, de sus productores y ante esta obligación de tener que agradar a cambio de afecto Amy se dejó caer a lo más profundo y oscuro de sí misma.  

Murió el 23 de abril de 2011. En un principio su muerte se atribuyó a una sobredosis pero meses más tarde se supo que había sufrido un colapso provocado por el síndrome d abstinencia.Tal vez, Amy nunca fue de este planeta. Fuimos demasiado crueles con su alma y no lo pudo soportar. En este film vemos lo peor de ella, y aún así nos sigue fascinando. ¿De cuántas personas se puede decir eso? ¿De cuántas de nosotros? Una recomendación muy apta para todo aquel que esté dispuesto a sorprenderse con el derribo de sus propios prejuicios.

Próximamente se cumplirán cuatro años de la muerte de Amy Winehouse. La cantante del norte de Londres fue hallada sin vida la tarde del 23 de julio en su apartamento de Camden. Las pruebas forenses determinaron una cantidad de alcohol en sangre intolerable para su cuerpo (416 mg por decilitro de sangre, cuando el máximo para conducir en Gran Bretaña es de 80 mg/dl). Una de las estrellas más fugaces y brillantes del nuevo milenio que se marchaba a la constelación musical, a la usanza de otros inquilinos instalados ahí desde finales de los 60 y principios de los 70.

La suya fue la crónica en vivo de una muerte anunciada, pero no por ello el varapalo de la noticia resultó menor para una generación no acostumbrada al “vive deprisa, muere joven y deja un bonito cadáver”. Una filosofía, que en el caso de la de Rehab, no se adscribía tanto al carpe diem propio de la década de los 60, sino más como el (d)efecto de encajar en un estatus de estrella de impacto global no esperado.

Al menos esa es la idea que subyace en Amy, documental sobre la artista dirigido por Asif Kapadia (Senna, The Return...) que llega este viernes a la cartelera española precedido por su éxito en la taquilla británica, donde se ha convertido en el documental inglés de mayor recaudación en el primer fin de semana.

Kapadia penetra con éste en la esfera privada de la londinense a través de material de archivo, vídeos domésticos, cortes de entrevistas, conciertos y voces en off que se suman hasta completar el retrato íntimo de la persona que sostenía una de las voces más mágicas, profundas y admiradas de las últimas décadas. Un talento vocal que, lamentablemente, se apagó de forma demasiado prematura.

¿Cómo se involucró en el proyecto?

Alguien de Universal Music, que era fan entusiasta de Senna -mi anterior documental-, me preguntó si estaría interesado en dirigir un documental sobre la cantante. No lo dudé. Dije que sí porque soy un gran fan de la música, vivo cerca de donde ella vivía, y tenía un montón de preguntas sobre por qué terminó como terminó.

¿Cómo logró acceder a todo ese material videográfico íntimo de la cantante?

Pasé mucho tiempo con las entrevistas, hablando con mucha gente. Me llevó casi tres años de trabajo. La clave consistió en ganarme su confianza, una vez me la ganaba en las entrevistas, ellos se mostraban muy dispuestos a entregarme las fotografías y los vídeos domésticos que se pueden ver en la película.

¿Recuerda qué sintió cuando observó por primera vez ese material prácticamente virgen de la cantante?

Me di cuenta de que ella era muy divertida, muy inteligente y encantadora. Ya se apreciaba un gran carácter ahí. Puedes darte cuenta de lo brillante que era con esas grabaciones de vídeo doméstico. Fue un poco el momento en que la gente involucrada en este trabajo nos convertimos en fans de ella, la empezamos a amar.

¿Hubo alguien de su entorno que declinara aparecer en el documental? Estoy pensando en su madre por ejemplo, quien apenas tiene presencia en éste.

No, hice una larga entrevista con su madre pero ella no está bien de salud, sufre esclerosis múltiple. Me pareció una buena persona, pero entiendo que es una persona silenciosa, que prefiere estar alejada de las televisiones, la prensa y los focos. Además creo que tiene un poco de trauma de todo aquel período. Pero la considero una mujer muy dulce y buena.

Viendo el documental, parece que no le haya temblado el pulso a la hora de adentrarse en las horas más bajas de la cantante, mostrando incluso material de Amy y su novio y marido por entonces, Blake Fielder-Civil, consumiendo droga. ¿En algún punto tuvo dudas sobre si debía mostrar este material al espectador?

No, creo que no. Como cineasta tienes que intentar ser lo más honesto posible, y este tema no era un secreto, todo el mundo lo sabía. Lo que no implica que sea una parte del trabajo triste, no es glamourosa, no es 'cool', no es divertida, no hay nada positivo en ello. Era importante enseñar que no hay nada glamouroso en la heroína, en la cocaína o en el crack. La historia es muy desagradable, pero creo que tenía que ser lo más fiel posible a ésta.

Parece que su principal objetivo con el documental es destripar el mito para dar con la persona humana que lo sostenía, cuando en muchos casos es más bien lo contrario.

Sí, quería centrarme en su faceta humana. Amy era una persona muy sencilla. Tenía la clase de problemas que todos tenemos antes de que cayera en el mundo de las drogas. Y con el documental quería desvelar ese lado que la mayoría desconoce, porque así es como era, era una chica hermosa.

Viendo el documental tienes la sensación de que Amy era un ser brillante e intenso del que todo el mundo intentaba llevarse una parte: el padre, los responsables del sello discográfico, los promotores de conciertos, el novio, o incluso los tabloides. ¿Fue así?, ¿cree que esa fue la principal razón por la que ella cayó en el mundo de las drogas?

Es complicado. Es una pregunta muy difícil de contestar. El principal objetivo era explicar qué sucedió en la vida de Amy. Lidió con una situación muy complicada. No hay respuestas simples. Puedes ver el documental pero a la vez no ser capaz de dar con la respuesta correcta de porqué todo eso está pasando.

El padre de Amy, Mitch Winehouse, se ha mostrado disgustado sobre la manera en que es retratado. ¿Qué tiene que decir al respecto?

Mi intención no es la de hacer que todo el mundo parezca 'cool', mi objetivo era hacer un documental sobre ella. Pero no siembro nada contra nadie. Todo se centró en lo que pasaba en su historia. Al fin y al cabo ella es el principal personaje del relato, y he intentado ser lo más honesto posible sobre lo que le sucedía a ella y a su alrededor. Eso fue todo.

Uno abandona la proyección de Amy tocado, impactado por su historia, pero a la vez sintiéndose un poco responsable de lo sucedido. Sintiendo que se podía haber hecho algo para evitar su trágico desenlace. ¿Cree que lo podíamos haber evitado?Amy

Creo que sí. La historia oscura de Amy Winehouse duró lo suficiente como para que todo el mundo la supiera, pero nadie hizo nada para evitarla. A la gente le encantaba ver cómo los cómicos gastaban bromas sobre ella. La gente seguía comprando entradas aún sabiendo que ella probablemente no iba a estar bien. Gente que la buscaba en las discos o visitaba webs solo para verla mal. Creo que en definitiva es también una historia sobre su audiencia. Y de lo cómplice que eres como audiencia, al igual que lo es el periodista, el promotor de la gira o todos los que estuvieran implicados en esta historia.

De seguir Amy viva, ¿cuán lejos cree que hubiera llegado en su carrera musical?

Creo que hubiera sido interesante y grande verla hacer un álbum de hip-hop o uno de jazz, algo diferente. No creo que hubiera querido ser una estrella del pop, creo que no era feliz en ese papel. Y si no en eso, quizás hubiera querido dedicarse solo a la escritura, o escribir para otros. Era brillante. De ese modo se hubiera sacado toda la presión que soportaba.

Diana Vreeland, la icónica directora del Vogue, dijo una vez que la piel de Eddie Sedgwick era perfecta, no por su rutina de belleza sino por sus debilidades. Nunca he conocido a un yonqui que no tuviese una piel maravillosa. De Amy Winehouse, que compartía con Eddie más debilidades además de las drogas (alcohol, depresión, bulimia y afición por los novios violentos) es imposible saberlo porque, como Eddie y como Marilyn antes que ella, la joven cantante escondía su pequeña cara con ríos de maquillaje, laca y pestañas postizas como la única barrera de protección entre su persona y la curiosidad ajena e insaciable.

El cineasta británico Asif Kapadia ha intentado atravesar las capas con un documental que, al final, romantiza la tragedia de una mujer introvertida y frágil cuya fama y talento superan rápidamente los recursos de su carácter. “No creo que me vaya a hacer realmente famosa -dice Amy ya desde el trailer. - No creo que pudiera soportarlo, me volvería loca”. Este es un tono que el cineasta británico ya sugería en su retrato de Ayrton Senna (Senna, 2010), el campeón de Fórmula uno que se mató en el San Marino Grand Prix de 1994, por el que ganó varios premios importantes.

Amy, el documental, repasa la historia de Winehouse desde su infancia en Southgate, al norte de Londres, hasta su muerte por intoxicación el verano de 2011, a los 27 años. Está hecha con imagen de archivo, mucha entrevista televisiva y las declaraciones de más de cien entrevistados, incluyendo sus amigos de la infancia, a su ex-marido Blake Fielder-Civil y a su familia. Los padres de Amy contribuyeron gran parte del material, incluyendo dos canciones inéditas. Lamentablemente, el resultado ha resultado decepcionante para la familia, que ha retirado su apoyo públicamente.

“Una oportunidad perdida”

“Quisieran desvincularse de la película que se va a estrenar acerca de nuestra muy añorada y querida Amy -ha dicho un portavoz de la familia en un comunicado oficial. - Sienten que la película es una oportunidad perdida para celebrar su vida y el talento y que es engañoso y contiene cosas que no son verdad”. Principalmente, “hay acusaciones específicas contra la familia y el manager [de Amy] que son infundados y desequilibrados.

El cineasta se ha defendido de las acusaciones diciendo que “Cuando nos llamaron para hacer esta película, nos pusimos en marcha con el apoyo de la familia Winehouse y hemos trabajado en el proyecto con total objetividad, como hicimos con Senna”.

“Durante el proceso de producción, hicimos cerca de un centenar de entrevistas a la gente que conocía a Amy Winehouse: amigos, familia, antiguas parejas y miembros de la indistria musical que trabajaron con ella. La historia que cuenta la película refleja lo que encontramos en esas entrevistas”.

Amy no es la primera película que se ocupa de la malograda cantante. Inmediatamente después de su muerte, se extendió el rumor de que su novio el productor Regg Travis planeaba un biopic con Lady Gaga como protagonista. Mitch Winehouse, el padre de la cantante, se apresuró a condenar el proyecto, acusando a los supuestos responsables de capitalizar la desgracia de su familia y advirtiendo que jamás cedería los derechos de su música, de la que son dueños, para semejante proyecto.

Meses más tarde se estrenaba Amy Winehouse, Fallen Star, de Jason Boritz, un biopic barato y oportunista que el patriarca de los Winehouse calificó de basura despreciable y sensacionalista.

Amy es la primera película oficial que se produce sobre la joven diva del soul. Se estrenará en Cannes el mes que viene en las Sesiones de Medianoche. Su estreno comercial está programado en EEUU para el 3 de julio.