El gobierno catalán, presidido por el socialista Salvador Illa, ha entregado este lunes la Medalla de Oro de la Generalitat al cantautor Joan Manuel Serrat y la actriz Núria Espert. Las medallas ponen en valor sus largas y fructíferas trayectorias artísticas y humanas, consideradas por el govern catalán como “excepcionales que han contribuido de forma decisiva a la proyección de la cultura catalana ya los valores democráticos y humanistas”.

La entrega ha tenido lugar en un acto institucional en el Saló Sant Jordi del Palau de la Generalitat, encabezado por el president Illa. Con la misma, la Generalitat quiere honrar la trayectoria artística excepcional y el profundo compromiso cívico y humanista de Joan Manuel Serrat, “una figura primordial de la cultura catalana y universal”. Y en el caso de Núria Espert, la distinción reconoce “una trayectoria artística excepcional de más de siete décadas que la ha convertido en una de las grandes figuras de las artes escénicas contemporáneas”. 

El acto ha contado la presencia de numerosas personalidades de la política y la cultura catalanas, entre las cuales varios presidentes de la Generalitat, así como representantes del mundo de la canción, el cine y el teatro. La ceremonia de entrega se ha iniciado con la melodía de Cançó de matinada, un clásico de Serrat que ha sido interpretado al piano por Joan Albert Amargós.

También la actriz Àngels Gonyalons ha interpretado una escena de la obra Medea, considerado el papel cumbre en la carrera de Núria Espert. Seguidamente, Mario Gas, compañero en muchos montajes de Espert ha realizado un breve discurso glosando la carrera y la figura de la actriz. Gas ha dicho que es un honor presentar la figura de Espert y ha asegurado que ella y Serrat son dos personas de “quiere y admira profundamente”.

Tras la glosa de Gas, se ha procedido a la entrega de la Medalla de Oro a Espert, que no ha podido estar presente por motivos de salud. El galardón ha sido recogido por su nieta Bárbara Lluch y tras la entrega, se ha emitido un vídeo en el que la actriz agradece la distinción.

Serrat y el orgullo obrero

Tras la entrega de la medalla a Espert, ha sido Raimon Obiols el encargado de hacer la glosa de Joan Manuel Serrat. Obiols, amigo personal del cantautor y secretario general del PSC en los ochenta y los noventa, ha destacado tanto la sensibilidad musical como la poética de Serrat, de quien ha dicho que “con sus canciones ha demostrado la eficacia de la inteligencia y la bondad contra el odio”.

Seguidamente, Serrat ha subido al estrado para recibir la medalla y tras ello ha declarado: “Hoy es un día emotivo al recibir la medalla y además hacerlo al mismo tiempo que Núria Espert”. Ha explicado también que ha dedicado su vida “a escribir canciones y a cantarlas, pero nunca pensé que tantos años después me encontraría en una situación tan gratificante como esta”.

Serrat ha recordado sus orígenes y la decepción que supuso para su familia el que quisiera dedicarse a la música. “Yo era la esperanza de mi familia, el primer hijo en ir a la universidad, y querían ver ese progreso, porque eran gente trabajadora, de clase obrera”.

Es entonces cuando Serrat se ha referido al orgullo que le producen sus orígenes. “Mi familia estaba orgullosa de llamarse trabajadora, pero hoy en día sorprende que haya ese rechazo a que un obrero se llame a sí mismo 'obrero', cuando debería sentirse orgulloso de tener la tarea magnífica de hacer avanzar a su país”, ha dicho.

Finalmente, Serrat ha cerrado el acto reivindicando el actual sistema democrático: “Solo con una democracia con justicia y libertad, solo con un sistema que refuerce nuestra tolerancia, nuestra capacidad de convivir y de acoger al que es diferente, encontraremos un camino hacia el futuro”.

Después de los éxitos de Luces de Bohemia en el Teatro Español y de 1936 en el Centro Dramático Nacional, llegaba la gran apuesta de los Teatros del Canal, Todos Pájaros, una de las obras más esperadas de la temporada con uno de los directores más afamados del panorama patrio, Mario Gas, que estrenaba al gran autor de la intelectualidad teatral, el libanés Wajdi Mouawad. No pudo ser. Al final, y pese a un buen texto, el resultado fue un montaje decepcionante. 

Wajdi Mouawad (1968, Líbano) es actor y director de teatro, pero sobre todo es autor. Emigró a Francia con ocho años en mitad de la Guerra del Líbano, para luego instalarse en la canadiense Quebec con 13 años, ciudad donde estudió y comenzó la carrera teatral. Su teatro es un teatro de la palabra que bebe en la tradición más clásica, como el teatro griego, para poder afrontar aquello que le desgarra: la situación política y humana en Oriente Medio que el libanés aborda desde lo cotidiano, auscultando cómo operan en las vidas de los ciudadanos la injusticia, la ira, el horror y el desarraigo.

Su carrera eclosionó en 2003 con Incendios, obra que a España llegó en 2006 y que Mario Gas montó en 2016 con un potente reparto encabezado por Núria Espert -que luego se convertiría en película de la mano de Denis Villeneuve-. Hoy, sus obras se representan en todo el mundo y desde hace 8 años Mouawad dirige el Teatro Nacional de la Colline, uno de los grandes teatros de Francia situado en el distrito 20 de París. Fue allí donde Mouawad, como carta de presentación, estrenó esta obra, montaje que lleva más 150 funciones en aquel país. 

Todos pájaros cuenta la historia de dos jóvenes (Aleix Peña y Candela Serrat) que se enamoran en Nueva York, él de origen judío, ella de origen árabe. Será en un viaje a Israel donde ambos personajes se enfrentarán a un pasado y sus orígenes. La estructura es la misma que Incendios, la misma de la tragedia griega donde el héroe ha de enfrentarse con la verdad y su destino. Pero el texto, más que ser deudor de Incendios, es la otra cara de la moneda. Si en aquella obra el autor afrontaba la historia de una familia árabe, en este caso Mouawad se centrará en la de una familia judía. 

El autor entrelaza con maestría la historia de esa familia con los acontecimientos históricos que la atraviesan. La obra se desarrolla entre dos franjas temporales, el presente y los años que antecedieron a la Guerra del Líbano que tuvo lugar entre 1975 y 1990. Concretamente, se retrotrae a 1967, año en que Israel desplaza a más de 100.000 palestinos a aquel país desestabilizando el equilibrio de una sociedad donde convivían cristianos, judíos y musulmanes. 

El autor plantea un recorrido de más de cincuenta años de masacre y dolor para profundizar en un conflicto que no parece tener solución. Nos muestra unos personajes que se agarran a supuestas identidades y convicciones que durante la obra irán deshaciéndose. Cada uno se enfrentará, finalmente, a su verdad, la de haber ocultado el horror, la de creer en identidades nacionales o raciales construidas en el odio al otro, o la de una juventud desarraigada que descubre que lleva años rechazando sus raíces para poder encajar en una sociedad de consumo que se autoproclama como la única garante de la libertad. Un proceso coral en el que veremos a Pere Ponce interpretar a un verdadero Edipo que acabará siendo el símbolo trágico de estos dos pueblos tan entrelazados como enfrentados. 

Pero lamentablemente Gas, en este primer montaje en español que se hace de la obra, desaprovecha tanto los juegos dramáticos planteados en el texto como su capacidad poética y trágica. El director soluciona los diferentes tiempos y la sucesión de escenas superpuestas en la obra, verdadera proposición de juego teatral del autor, con convencionales oscuros o cambios de luz evidentes. Tampoco acompaña el uso indiscriminado de la pantalla como adorno que se quiere pasar por ejercicio conceptual o poético y que no aporta gran cosa, más bien acartona. Una conjunción de trabas que hacen que esta propuesta con tintes de “gran producción” se vea lastrada en ritmo y carácter. 

Pero el gran escollo del montaje reside en cómo está dicho e interpretado el texto. La obra iba a estrenarse con Nuria Espert como la abuela de la familia judía, Leah. Por problemas de salud la actriz tuvo que abandonar el proyecto. La interpreta otra reconocidísima actriz, Vicky Peña, compañera de muchas aventuras teatrales del director. Y lo hace con solvencia, ahí no hay problema. Es la dirección de actores la que lastra de organicidad y dramatismo a ciertos textos. Algo que se hace patente en los grandes parlamentos de la obra donde se junta la reflexión política, filosófica y lo poética con una gran carga de emoción que conmociona al personaje que los dice. 

La mayoría de ellos Gas decide que se digan frontalmente, a público. Decírselos al mundo imponiendo así lo discursivo frente a lo teatral. El gran ejemplo de este problema es la escena de la ruptura de la joven pareja. Wahida, la novia de origen árabe interpretada por Candela Serrat, descubre a su pueblo en su viaje a Israel cuando cruza el muro a Cisjordania y encuentra sus raíces. Es un texto de conversión hermoso, lleno de dolor porque ese descubrimiento le lleva al mismo tiempo a separarse de quien ama. 

Esta obra, de manera un tanto simplista, se ha presentado en numerosas ocasiones como un Romeo y Julieta donde los Capuleto y los Montesco son judíos y árabes. Pero sí es cierto que esa temática en una de sus subtramas más relevantes. Por eso es incomprensible que esa escena de ruptura se realice con ambos actores mirando a público, hieráticos y sin que las palabras incidan en el otro.

Cabe destacar, eso sí, el respeto por la palabra de la propuesta, tanto en la gran traducción de Coto Adánez, publicada por La Uña Rota, como en el propio montaje que no corta ni selecciona. El público puede así acercarse al universo de Mouawad. Unas palabras que hoy son inseparables de un presente acuciante en el que Israel lleva más de un año en guerra permanente con Gaza en un conflicto que no para de extenderse y que hoy vive una más que frágil tregua, precisamente, otra vez, con Líbano. Es imposible al ver la obra no pensar en cuántas vidas quedan aún por ser cercenadas en esta espiral de una rabia a la que se alimenta cada día y no para de provocar horror, muerte, injusticia y humillación.

Por eso, poder asistir a las reflexiones de este pensador árabe, a su mirada desesperanzada, que sabe que hoy no hay reconciliación posible, es de una gran valía. La humanidad de su mirada sobre el pueblo judío es ya en sí mismo lo más esperanzador de la propuesta. Otras reflexiones como el necesario cuidado de las palabras y del concepto de verdad son otro. Edipo se arrancó los ojos no por la verdad, sino por la velocidad a la que la recibió, “lo que mata al piloto de Fórmula 1 no es el muro, sino la velocidad a la que se estrella”, dice el personaje de Norah (Anabel Moreno) en la obra. La voluntad de indagar en el pasado para encontrar la verdad es uno de los valores de esta obra, pero la reflexión de qué hacer con esa verdad, si arrojarla sobre el otro o cuidar cada palabra para que con tiempo sea comprendida, es quizá donde reside el corazón de esta pieza. 

Todos pájaros es quizá una de las obras de mayor peso del libanés del último decenio. Es una pena que no se haya podido ver fuera de Cataluña el montaje de esta misma obra que la compañía La Perla 29 de Oriol Broggi ha estrenado este año y que ha suscitado grandes críticas donde se destacaba su propuesta espacial y estética. Aunque no es de extrañar. Los otros cinco montajes que esta compañía ha realizado sobre este autor tampoco han podido verse fuera del circuito catalán.

El dramaturgo Sanchis Sinisterra defendía en este periódico la necesidad de ver con normalidad obras en catalán, euskera o gallego subtituladas en la cartelera madrileña. Si el público asiste sin problemas a una obra de Mouawad subtitulada en francés (algo que se pudo comprobar precisamente en esta última edición del Festival de Otoño en una obra menor del libanés, Journée de noces chez les Cromagnons), parece factible que ocurra lo mismo con un montaje en catalán. La densidad y riqueza de esta obra y su relevancia política y ética en estos complicados momentos bien lo merecen.

Después de Cádiz, Menorca, Bilbao y Valladolid este año le tocó a Tenerife. La gente de las artes escénicas desembarcó en la isla canaria para celebrar los premios organizados por la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE). La gala tuvo lugar en el neo futurista auditorio de Tenerife, del valenciano Santiago Calatrava, que inexplicablemente tenía muchos huecos libres entre sus asientos. Los premios estuvieron repartidos y hubo un sano equilibrio entre figuras veteranas y conocidas, como Núria Espert o Eduard Fernández, y voces que vienen demostrando su valía como Iñaki Rekarte, Fernanda Orazi o Nao Albert y Marcel Borràs.

La gran estrella de la noche fue, sin lugar a dudas, Núria Espert. Su premio, el Max de Honor a toda su carrera, lo presentó Miguel del Arco, director con quien trabajó en La violación de Lucrecia y que destacó la excelencia clásica de la actriz, pero también la fuerza de una mujer que en su época estaba “relegada a la cocina”. “Núria no sabía cocinar, cuando a su hija le increpaban si su madre no sabía hacer un huevo, esta contestaba si la suya sabía hacer Medea”, explicó para luego declarar, emocionado, el amor que esta profesión profesa a una de sus grandes actrices.

El aplauso a Núria Espert duró más de tres minutos, “gracias por la generosidad, la pasión, gracias por tanta belleza, por tanta sinceridad, qué regalo”, comenzó diciendo la actriz catalana antes de un discurso no escrito, corto y emotivo, que terminó con un sencillo: “Os adoro, gracias”. La SGAE también reconoció con el Premio Max Aplauso del público, a la obra protagonizada por José Sacristán y adaptación del libro de Miguel Delibes, Señora de rojo sobre fondo gris, como la mejor entre las más taquilleras.

Eduard Fernández se hizo con el galardón a Mejor actor por Todas las canciones de amor, el actor afirmó estar agradecido por el recibimiento que ha tenido la obra allí donde se ha hecho para luego decir que no había “podido hacerla en Barcelona, ni Lleida, ni Girona, ni Tarragona”, pero que esta noche se encontraba “muy feliz”. Aludía a la dificultad que a veces tienen las obras en castellano para ser programadas en Cataluña. Lógicamente, el actor olvidó el tema con un pequeño gesto y acabó dedicando a su madre el premio que ha recibido por este monólogo en el que Fernández se transforma en una anciana con alzheimer a quien vemos en escena transitar sus últimos días en una casa llena de recuerdos. 

La gran sorpresa de la noche fue el premio a la Mejor actriz. La impresionante actuación de Vicky Luengo en Prima Facie parecía tener todas las papeletas, pero el galardón se lo llevó la actriz navarra Natalia Huarte, que lleva años, primero desde la Compañía Nacional de Teatro Clásico, y ahora con trabajos con directores como Rekarte, Flotats o Lucía Carballal, demostrando que es una de las actrices más sólidas de nuestro teatro. Llama la atención su especial equilibrio entre técnica y fragilidad, algo bien presente en la pieza por la que ganó este galardón, Psicosis 4.48, “un texto escrito por Sarah Kane que aborda la depresión. Un mes después de escribirla Kane se suicidó”, comenzó diciendo Huarte sobre este montaje que dirigió Luz Arcas.

“Gracias por reconocer que esto es importante, ojalá no tuviésemos que representar estos textos, pero hay que saber dar luz a lo oscuro. Por favor, no dejemos de apoyar la cultura, necesitamos ampliar la mirada, salir de nuestros ombligos, conocer al otro. Había gente que venía a darme las gracias después de la obra, que me decían que pasaron por esto mismo y sus familias no entendían su depresión”, explicó Huarte. 

Si bien no hubo un ganador claro, dos han sido los trabajos más reconocidos por la importancia de los premios obtenidos. Los dos ya no tan jóvenes, Nao Albert y Marcel Borràs, amplían su exitosa trayectoria con dos premios Max. Su obra Falsestuff. La muerte de las musas, se llevó el gordo, Mejor espectáculo de teatro, y también el de Mejor diseño de espacio escénico. El otro ganador de la edición fue el espectáculo Forever, de la compañía vasca Kulunka Teatro, colectivo que llevan tres lustros trabajando con máscaras y dando obras de un realismo lírico que sigue ganando adeptos.

Forever se hizo con dos galardones, Mejor autoría teatral y Mejor dirección. Este último premio reconoce a uno de los directores que en los últimos años está demostrando una gran madurez y un gran talento en sus puestas en escena, Inañi Rekarte. Rekarte viene, por ejemplo, de estrenar uno de los éxitos de esta temporada, El monstruo de los jardines. Al recoger el premio el director vasco quiso recalcar la limitación que supone el modo actual de producción que hace que los espectáculos tengan que montarse en pocas semanas, “no todos los espectáculos pueden hacerse en 45 días”, afirmó para luego hacer un merecido homenaje a uno de los directores de escena de este país recientemente desaparecido, Ángel Gutierrez, “Ángel el ruso”, niño de la guerra emigrado a la URSS en la Guerra Civil y que volvió a una España democrática con toda una formación formidable en aquel país, “nos ha dejado recientemente, una parte de este premio le pertenece”, afirmó. 

Otra de las grandes ganadoras de la gala fue la argentina Fernanda Orazi que se llevó los dos galardones a los que optaba, Mejor Espectáculo revelación y Mejor Adaptación. Su obra Elektra, que se estrenó el año pasado en el Teatro de la Abadía, ha recorrido España y asombrado con una adaptación contemporánea y revitalizadora del clásico griego. Esta argentina, que lleva años demostrando pisar muy bien la escena como actriz, comienza a despegar como directora. Estos dos premios la impulsan y su nueva pieza, La persistencia, recién estrenada en el madrileño Teatro del Barrio, lo corrobora. 

Una solitaria denuncia contra la violencia sexual

Juan José Solana, presidente de la Fundación SGAE, al piano, y Antonio Onetti, presidente de la SGAE, a la palabra, saludaron a los políticos presentes, entre los que se encontraba el ministro de cultura Ernest Urtasun, celebraron los 125 años de la institución y dijeron que no venían a pedir nada, como en otras ocasiones ha pasado en el discurso institucional de la gala que se aprovecha para señalar las necesidades del sector. Tan solo pidieron una cosa, “que nunca jamás en ningún teatro ni ninguna sala de ensayos se dé ningún caso de acoso sexual y los teatros sean un lugar seguro para todas y todos”, haciendo clara mención al caso de acoso sexual y coacciones que ha conmocionado al sector y la sociedad del director de teatro Ramón Paso. Un llamamiento que ningún otro creador abordó en sus intervenciones. 

La danza continuó con la indefinición de otros años con un reparto geográfico de unos premios donde el flamenco, el contemporáneo, el clásico y demás disciplinas quedan en el mismo cajón de sastre. Así, Christine Cloux, coreógrafa suiza afincada en Valencia, ganó el premio a Mejor intérprete femenina por la pieza Corps seul, el coreógrafo catalán Ángel Durán ganó la categoría masculina por Cowards; y Olga Pericet y Daniel Abreu recibieron el premio a la Mejor coreografía por La Materia, segunda pieza de la trilogía que la cordobesa ha dedicado a las guitarras del lutier Antonio Torres. El gran ganador fue la compañía madrileña Kor’sia por su obra de danza contemporánea Mont Ventoux. 

Este año el dramaturgo José Padilla fue el encargado de hilar la presentación. Lo hizo a través de la vida de uno de los grandes escritores canarios, Ángel Guimerá, de quien este año se cumplen cien años de su muerte. La elección tiene dramatúrgicamente su interés: un canario que tuvo que emigrar a Cataluña para salir al mundo y que, además, Padilla abordó dejando entrever la sensibilidad nada heterosexual presente en el autor. Pero la estructura de unos premios televisivos y con 23 galardones a repartir quizá no sean el sitio idóneo para que esa dramaturgia pueda calar y traspasar. La gala este año no pasó de correcta. 

Llega con la voz tocada, preocupada por la función del sábado. Detrás, 75 años de trayectoria. Por delante, las funciones que quedan este mes de su último montaje, La voz del aire, y un nuevo proyecto que anuncia en el encuentro que ha organizado la Fundación SGAE para celebrar que este año se le entregará el premio Max de Honor, que el año pasado recibió Tricicle.

“Dentro de poco podré contar más, pero es una obra de Wajdi Mouawad, el autor de Incendios”, dice la actriz sobre su próximo trabajo. “Vamos a hacer un texto suyo y eso me tiene ya estudiando por la noche y aterrorizada. Siempre que comienzo algo nuevo tengo mucho miedo e inseguridad. Luego ya la cosa va calmándose, si no, sería imposible”, explica.

Con respecto al Max, Espert afirma que “es un premio deseado”. “Me apetece mucho porque es el premio que nos damos a nosotros mismos. Este premio dentro de la profesión tiene un prestigio enorme, no será un premio que acapare portadas, pero la profesión lo valora, lo discute, se alegra, se enfada…”. Espert, Premio Nacional de Teatro en 1985 y Premio Princesa de Asturias de las Artes en 2016 entre una larga lista a lo largo de su vida. Sorprendentemente no había ganado nunca una manzana de los premios del teatro que otorgan los autores aun habiendo estado nominada en cuatro ocasiones: “Pienso que ha tardado tanto porque durante años estuvimos con unas giras tremebundas, sin pisar España en meses, creo que esa es la única explicación”.

Con 89 años, la barcelonesa Núria Espert está de enhorabuena por partida doble. El 18 de marzo recogerá en la Embajada de España en Londres el título de haber sido nombrada doctora honoris causa por el Royal Center School of Speech and Drama, la gran casa de la actuación en Inglaterra por donde han pasado nombres como sir Laurence Oliver, Harold Pinter, Julie Christie o Martin Freeman. “Figuraos cómo está mi interior de agradecido y emocionado. Es la escuela por donde han pasado todos los grandes actores ingleses de los que yo estoy enamorada, no encuentro palabras para expresar la admiración que tengo por esos actores. Iré a buscarlo con mis hijas, con mis nietas, con mis amigos… Todos a Londres, a emocionarse y a coger fuerzas para el montaje de Mouawad”, afirma.

Censura y feminismo

La Espert no ha perdido humor y saber estar, frente a preguntas como qué papel se ha quedado con ganas de hacer, responde rápida y con guasa: “Estoy pensando en Cleopatra, creo que ahora es el momento ideal para hacerlo, siempre quise y nunca pude”. Cuando le preguntan qué es lo que la diferencia de otros actores y actrices espeta: “Suerte”, para luego rematar, “bueno, suerte y mucho trabajo”. Y cuando le preguntan si le preocupan las censuras a obras de teatro que han ocurrido en los últimos meses en España zanja el tema con un sólido: “No, no me preocupa. No se atreverán, no les dejaremos”.

La actriz catalana vive un momento dulce, sobre todo porque sigue en escena. “Con La voz del aire ha aparecido la gran sorpresa. Cuando tenía 18 años hice Medea en Barcelona, fue un trabajo que me marcó muchísimo, desde ese momento yo misma me sentía una trágica. Mi repertorio todo él es dramático, pero con esta obra he tenido la oportunidad de ser divertida, de ser malvada y de reírme de mi sombra. Mi público había ido con el pañuelo preparado para llorar, pero desde el minuto uno lo ha tirado y ha habido grandes carcajadas. Desde el primer día me dijo que sí, y ese calor me hace sentir muy querida”, explica.

Núria Espert creó en 1958, en una España netamente machista, la Compañía Núria Espert con su marido, Armando Moreno. Fueron años donde comenzaron a llegar los éxitos con obras de Eugene O’Neill o Alejandro Casona. Pero también de dificultades como el Hamlet que estrenó en 1960 en el que ella interpretaba al príncipe de Dinamarca y donde la crítica no le perdonó la transgresión.

O cuando ya en 1969 comenzó a trabajar con uno de sus grandes directores, el argentino Víctor García. Iban a estrenar en Madrid un programa doble con Las criadas de Jean Genet y Los dos verdugos de Fernando Arrabal. El estreno que iba a realizarse el 7 de febrero en el Teatro Reina Victoria de Madrid nunca llegó a realizarse. La censura lo prohibió debido a la obra de Arrabal. Un mes más tarde, Las criadas se pudo entrenar en el Teatre Poliorama de Barcelona. La crítica abjuró de la propuesta. Y no fue hasta que el montaje fue invitado al Festival Internacional de Teatro de Belgrado, consigue un sonorísimo éxito y se lleva el premio al mejor espectáculo, que la obra puede regresar a España donde, curiosamente, se convierte en el éxito de la temporada y en uno de los hitos del teatro español del siglo XX.

Años de pico y pala que, al recordarlos, ahora Espert comenta que “fueron tiempos difíciles que compartí con la mayor parte de los españoles, tiempos de sufrimiento, de frustración, pero de apretar los puños y tirar para adelante. Los que siguieron con los puños abiertos y lamentándose, desaparecieron”. Cuando se le pregunta si se siente pionera del feminismo, contesta rotundamente “sí, incluso antes de que se inventase la palabra”.

Ahondando en el papel de la mujer en esos tiempos Espert razona que no es tan difícil como pudiera parecer: “Mi profesión es una de las más avanzadas en cuanto a darle a la mujer su sitio. Si el libro dice ”entra Rosaura“, tiene que entrar Rosaura, no puede entrar Pedro o Romeo, tiene que entrar esa mujer. Y si el papel es largo no podrán discutirle el salario como en todas las fábricas, como le pasó a mi madre cuando trabajaba en una fábrica de tejidos. En el teatro no tenía otra que optar por mujeres que se acercaban a la cultura y luchaban por ella”, razona.

Además, confiesa que eran “desvergonzadas”. “Recuerdo lo terrible que fue cuando las actrices firmamos un documento diciendo que todas habíamos abortado por propia voluntad. No nos encerraron en la cárcel. Nos regañaron mucho, mi marido estaba furioso, se asustó, pensó que era una provocación. Y lo era. Pero no trajo consecuencias y es una de las veces de las que me siento más orgullosa”, recuerda Espert de la declaración de la Agrupación Feminista en 1979 que firmó un centenar de artistas ante el juicio a 11 mujeres en Bilbao y las detenciones que se habían producido en Cerdanyola. Un manifiesto que también firmaron personas como Cristina Alberdi, Rosa Regàs, Cristina Almeida, Anna Maria Moix, Lola Gaos, María del Mar Bonet, Esperanza Roy o Enma Cohen.

Medea de Eurípides, Yerma de Federico García Lorca (con las que llegó a las 2.000 representaciones), La buena persona de Sezuán de Bertold Bretch, ¿Quién teme a Virginia Woolf? de Edward Albee, El rey Lear de William Shakespeare, la dirección en Londres de La casa de Bernarda Alba, interpretada por Glenda Jackson, su dirección de óperas de quien ahora su nieta, Bárbara Lluch, ha cogido el relevo… La carrera de Núria Espert da vértigo. El día 1 de julio la actriz recogerá el premio en el Auditorio Adán Martin de Tenerife, donde se celebrará los premios este año. Se augura uno de los aplausos más entregados y largos de estos premios que llegan a su 27º edición.

La actriz Nuria Espert cerrará esta semana la temporada del Palacio de Festivales con la representación de 'La isla del aire', de Alejandro Palomas y con la dirección de Mario Gas, los días 9 y 10 de junio, a las 19.30 horas en la Sala Argenta.

Las dos representaciones de esta obra en Cantabria forman parte de la gira con la que la actriz tiene previsto dejar los escenarios, tras una gran trayectoria y carrera profesional, y en la que está acompañada de Vicky Peña, Miranda Gas, Candela Serrat y Teresa Vallicrosa, ha indicado el Palacio de Festivales en nota de prensa.

Se trata de una producción de Teatre Romea, de 100 minutos de duración sin descanso, que se desarrolla en Menorca, donde una familia de cinco mujeres, guiadas por la vieja Mencía (la matriarca de la familia), se adentran en un viaje en barca a la Isla del Aire.

La muerte de Helena, la nieta mayor de Mencía, está muy presente en la mente de la familia y, durante esta excursión, Mencía obligará a sus hijas y nietas a enfrentarse a la verdad y a los secretos que ocultan.

'Jueves clásicos'

Antes, el 8 de junio a las 19.30 horas, se cerrará el ciclo de los 'Jueves clásicos', dedicado a la música clásica, con la propuesta titulada 'Piano contrats' que protagonizan los pianistas Kristina Socanski y Hugo Selles.

Ambos interpretarán sobre el escenario de la sala Pereda un programa compuesto por piezas de compositores como Glass, Chopin, Rachmaninov, Supertramp o Bernstein, entre otros.

'Piano contrasts' nace de la necesidad de innovar sobre la manera en que la música clásica es presentada a nuevos públicos.

La actriz Nuria Espert, las cantantes Estrella Morente o Cristina del Valle, Producciones Yllana y Paco Mir (componente de Tricicle) son algunos de los artistas que pasarán por Ciudad Real a lo largo del mes de marzo. El concejal de Promoción Económica, Cultural y Turística, José Luis Herrera, ha dado a conocer la programación cultural diseñada por el Ayuntamiento para este mes “una programación muy completa, con una calidad y variedad fuera de toda duda y que entendemos que es muy digna para una ciudad como la nuestra, con espectáculos que triunfaron en Madrid y otras capitales, y ahora vamos a ver aquí a un precio inferior, a un precio más popular para facilitar el acceso a todo el mundo a estos espectáculos”.

La programación arranca este viernes 3, con la ópera 'Turandot' “a cargo de la Orquesta y Coro de la Opera Nacional de Kiskinau. Será en el Teatro Municipal Quijano a las 20:30 horas.

El sábado 4 el espectáculo “Ellas dan la nota” a cargo de: Cristina del Valle, Mercedes Verrer, Estela de Mª y Esmeralda Grago, organizado por Ganemos de Ciudad Real. Será a las 20:30 horas con entrada gratuita hasta completar aforo. Ya el martes 7 de marzo, el antiguo casino acogerá la entrega del Premio 'Empoderamiento y Liderazgo' con motivo del Día Internacional de la Mujer a las 19:30 horas. La entrada gratuita hasta completar aforo.

La música de los tambores gigantes japoneses 'Wadaiko' resonarán en el Teatro Municipal Quijano el miércoles 8 de marzo con 'Tao, Samurai of the drums' desde las 20:30 horas . TAO se creó en 1993 en la prefectura de Aichi. En 1995, con la intención de perseguir un ambiente creativo más profundo, se traslado a la zona Kuju de la ciudad de Ooketa, prefectura de Oita, en la isla de Kyushu – el sitio del legendario Parque Nacional Aso Kuju. Allí comenzó la creación de un mundo distinto propio, a través de originales artes teatrales, disfraces, etc.

El viernes 10 de marzo Nuria Espert vuelve a subirse a las tablas del Quijano con 'Incendios', acompañada de Ramón Barea, Alex García, Carlota Olcina, Alberto Iglesias, Laia Marull, German Torres y Lucia Barrado. La cita, desde las 20:30 horas.

Teatro con Paco Mir, de Tricicle

De la mano de la Concejalía de Igualdad de Género, los escolares podrán disfrutar el miércoles 15 de marzo de la obra de teatro 'Hay algo más aburrido que ser una princesa rosa' de Raquel Díaz con dirección de Paco Mir, (componente de Tricicle) Las funciones son a las 10 y 12 de la mañana.

El viernes 17 de marzo será la voz de Estrella Morente la que brille en el Quijano. La Cantaora Estrella Morente Carbonell nació en 1980 en el Sacromonte (Granada), es hija del maestro Enrique Morente y la bailaora Aurora Carbonel. Es sobrina de Antonio y José Carbonell, cantaor y guitarrista respectivamente y nieta meta del guitarrista Montoyita. Estas circunstancias marcan el ambiente flamenco en el cuál ha crecido y ha madurado como persona y como artista. El concierto comenzará a las 20:30 horas.

El Magno Pregón de la Semana Santa de Ciudad Real de la Asociación de Cofradías de Semana Santa de Ciudad Real también tendrá lugar en el Teatro Municipal Quijano a las 20:30 horas del viernes 24 con entrada gratuita hasta completar aforo. El sábado 25 de marzo llega al Quijano 'Chefs' a cargo de: Producciones Yllana. 'Chefs' es una mirada divertida sobre el fascinante mundo de la Gastronomía, la historia se centra en un Chef de gran prestigio que ha perdido la inspiración y tiene que confiar en un disparato equipo de cocineros. Será a las 20:30 horas.

El jueves 30 de marzo volverá el teatro con 'La flauta mágica', un espectáculo de teatro negro a cargo de National Black Light Theatre. El Teatro Negro de Praga es una compañía que cautiva a su audiencia con todos los elementos posibles del teatro: sonido, luz, música, baile, mimo y coloridos accesorios. Los actores están en el escenario completamente negro iluminado por luz ultravioleta. Se ha enriquecido la técnica del Teatro Negro con un nuevo y exclusivo sistema de “vuelo” y también con el uso de películas animadas proyectados sobre el escenario de diferentes formatos.

Los lunes musicales de marzo traerán al Salón del Antiguo Casino a 'Manchelos' con su 'Cello Rock' el 6 de marzo, al Dúo de Flauta y Piano Marta Femenía y Karla Martínez y Bivalvo con 'Alabega' el 20 de marzo. Todos estos conciertos desde las 20:30 horas con entrada gratuita hasta completar aforo.

Además en el Museo Manuel López-Villaseñor del 20 de marzo al 15 de abril habrá una exposición de la 'Sabana Santa' organizada por la Hermandad del Santo Sepulcro de Ciudad Real, y una exposición fotográfica de Semana Santa a cargo de la Revista Ayer y Hoy. También del 1 al 26 de marzo se podrá ver una exposición de Pintura de Eusebio Loro. Y en el Museo del Quijote del 15 de marzo al 15 de mayo, el público podrá contemplar la exposición “Duelos y Quebrantos”, organizada por la Escuela de Arte Pedro Almodóvar.

Incendios, uno de los textos más aclamados del teatro internacional en lo que llevamos de este siglo, cuenta la historia de una familia: dos generaciones y dos países que se entrelazan para recorrer la investigación de un hermano y una hermana gemelos a quienes el testamento de su madre obliga a sumergirse en el pasado. Así, desde Canadá, los hermanos, por separado, emprenderán un viaje para encontrar a su padre y a su otro hermano. En paralelo a su peripecia, se reconstruye la vida de la fallecida madre de ambos, Nawal, en ese país nunca nombrado pero claramente el Líbano natal del autor, asolado por la miseria y la guerra civil.

Decía Tolstoi que todas las familias felices se parecen, pero que las infelices lo son cada cual a su manera. Mouwad nos dice que todas las familias son, sucesivamente, felices e infelices: “¿Dónde comienza vuestra historia? ¿Con el nacimiento de vuestro padre? Entonces es una gran historia de amor. Pero remontando más allá, quizá descubriremos que esta historia de amor tiene su fuente en la sangre, la violación, y que, a su vez, el sanguinario y el violador tienen su origen en el amor”! Y también que el horror y la venganza no tienen principio ni fin: “¿Por qué violaron esos dos tipos a la chica? Porque los milicianos habían lapidado a una familia de refugiados. ¿Por qué los habían lapidado los milicianos? Porque los refugiados habían quemado una casa (…) La historia puede proseguirse aún mucho tiempo, de hilo en hilo, de cólera en cólera, de pena en tristeza, de violación en asesinato, hasta el comienzo del mundo”. Esa lucidez atraviesa el texto que resplandece en quemaduras de pura poesía que recuerdan al mejor teatro de Lorca: “La infancia es un cuchillo que se clava en la garganta”.    

A la misma altura de la belleza y la hondura del texto están los retos que plantea su puesta en escena: saltos temporales y espaciales continuos que van imbricando los dos tiempos en uno solo, situaciones extremas de guerra y horror que han de ser creíbles para que el artefacto narrativo funcione y un crescendo dramático sostenido hasta la revelación final.

El carisma de Nuria Espert

La propuesta de Mario Gas los afronta a partir de una escenografía sobria y contundente: una pared central de la que sale una pasarela hacia el público bajo la cual hay un suelo de piedras y unas proyecciones sobre esa pared combinando texturas con algunas imágenes concretas; un trabajo actoral en clave realista, que pide a casi todos los intérpretes hacer más de un personaje y a todos una entrega generosa a sus respectivos viajes; un tráfico escénico sencillo que trata de suavizar los pasos de una escena a otra para hacerse cómplice de la imbricación entre espacios y tiempos diversos que, ya decía, plantea el propio texto y la baza del carisma escénico y la sabiduría de Nuria Espert.

El espectáculo conecta desde el primer momento con el público y no lo suelta hasta el final. Destaca la escena del juicio en la que Nuria Espert consigue transmitir todo el dolor y la rabia más extremos casi sin un gesto. Yo disfruté mucho también con el trabajo de Carlota Olcina por su mezcla de fragilidad y obstinación y la complicidad de Laila Marrull y Lucía Barrondo. También agradecí la humanidad de que dota Ramón Barea al entrañable notario y amigo de Nawal. 

En cambio, no terminaron de funcionarme algunas de las escenas en Líbano: la caracterización y el vestuario de algunos personajes “orientales” me pareció convencional y me costaba creérmelos. Yo habría preferido una resolución de sus caracterizaciones más metafórica. Del mismo modo, eché de menos una aceleración del ritmo escénico en la parte final (quizá porque ya conocía la historia). Creo entender que se propone un ritmo que va conectando con el ritual y que se ensancha para dejar que aflore la emoción y mostrar “la voz de los siglos antiguos”. Esa intención pareció llegar nítida al  resto del patio de butacas, pero no a mí.

Paradójicamente, algunas reacciones de la parte final me parecieron precipitadas: pienso especialmente en el reconocimiento “de manual” que tiene Jean explicándole a su hermano la hipótesis matemática de que uno y uno pueden sumar uno. Tampoco terminó de funcionarme la propuesta del personaje del Nihad francotirador. Me acordaba del aserto atribuido a Brecht: “es difícil hacer al público creer que una escoba es una escopeta, pero es más difícil hacerle creer que una escopeta es una escopeta”.

En cualquier caso, tras el final de todos los personajes resguardados de la lluvia bajo el plástico, me quedó un temblor de primera vez, un recuerdo inventado que se remonta a través de generaciones hasta llegar al primer hombre o la primera mujer que miró a un semejante y le contó el primer cuento. Y ese recuerdo fantasma me ayudó a entender o, al menos, intuir esa necesidad estrictamente humana: el relato,  hijo ilegítimo de la realidad que, sin embargo, nos ayuda a entenderla y a perdonarla. Ese temblor de “primer relato” recorre y alienta Incendios de Wajda Mouwad y lo emparenta con el mito, porque el destino trágico de la familia Marwan contiene lo mejor de las grandes tragedias griegas: ese “temor reverencial” ante lo que nos excede y, al tiempo, nos constituye.

Porque, parece, todos venimos de un puñado de hombres y mujeres que salieron de África hace miles de años. Así que toda guerra es civil, todo asesinato un parricidio y sí, los refugiados que mueren de frío en Grecia, nuestros hermanos. 

La actriz Núria Espert, una de las figuras más destacadas del teatro español contemporáneo y que recientemente ha recibido el Premio Princesa de Asturias de las Artes, recala este viernes 16 de diciembre en el Palacio de Festivales de Santander, con la primera versión en español de la obra teatral 'Incendios', del canadiense de origen libanés Wajdi Mouawad. “Ahora que llevamos más de 60 representaciones sigo sintiendo la misma emoción del primer día, es un texto único, uno de los mejores que he representado en mi vida”, asegura la actriz sobre esta obra. 

Comenzó muy joven en el teatro, ¿cómo entró en este mundo?

Un poco por casualidad. Mis padres eran muy aficionados al teatro, se conocieron trabajando juntos como aficionados, se casaron y me enseñaron a recitar poesías. Alguien me oyó para el Teatro Romea de Barcelona, me contrataron y hasta hoy. 

A lo largo de su amplia trayectoria, ¿qué momentos destacaría como los más especiales, los más brillantes?

Yo creo que los momentos más especiales son los de cambio; cuando hay un gran cambio en la persona y en la actriz. Cuando sustituí a Elvira Noriega con 19 años, cuando mi esposo creó nuestra compañía en 1959, cuando entró Victor García en ella e hicimos 'Las Criadas' y 'Yermas' por el mundo entero, cuando dirigí en Londres por primera vez en inglés a Glenda Jackson en 'La Casa de Bernarda Alba', cuando dirigí ópera… Todos ellos son grandes cambios en mi vida.

Imagino que también habrá pasado momento difíciles... ¿Alguna vez se replanteó su continuidad en la profesión?

No, ha habido momentos difíciles, de estar harta alguna vez; momentos malos en los que las cosas se tuercen, pero nunca he pensado en tener una vida diferente haciendo otra cosa.

¿Cómo ha visto la evolución del teatro en España a lo largo de todos estos años?

Ha sido un cambio enorme, igual que el de nuestra sociedad. El teatro siempre va ligado a la sociedad: cuando el país está frenético, el teatro se pone frenético, y cuando el país está aburrido, el teatro lucha contra ello, pero también se resiente. La crisis ha hecho daño al teatro igual que se lo ha hecho a… iba a decir a toda la sociedad, pero no a toda... (ríe). Como se lo ha hecho a tantísimos millones de españoles.

A su juicio, ¿la cultura representa un papel importante en nuestro país?

No el papel que debería tener, por supuesto. Creo que la cultura está muy condicionada por los gobernantes y en algunos lugares florece como una rosa y en otros, como en nuestro país, no se le hace ningún caso, no cuenta, no les preocupa. La educación les preocupa más porque hay unos baremos europeos en los que casi siempre fracasamos y no saben cómo hacer para arreglarlo. Sin embargo, el mundo de la cultura no les interesa para nada, no da un voto. 

No obstante, suena paradójico puesto que la educación y la cultura están muy ligadas, ¿no es así?

Sí, y más que deberían estarlo, deberían estar empastadas, deberían ser una sola cosa, pero no lo son.

Esa flor que anteriormente mencionaba, ¿vislumbra expectativas de que en España vaya a florecer en el futuro?

No parece, será el esfuerzo individual de cada uno de los profesionales, será el público llenando las salas cuando tienes la suerte de acertar, y lo demás... a la deriva.

¿Es más difícil entrar y triunfar ahora en el mundo del teatro que cuando comenzó usted?

Siempre es muy difícil y siempre la casualidad juega un papel importantísimo. Era muy difícil entonces y lo es ahora. Son muchos los llamados y pocos los elegidos. 

¿Qué le diría a alguien que quiere dar el paso pero por miedo al fracaso o a no conseguir esa vida que le gustaría, no lo hace?

Que ese miedo lo tendrá en cualquier profesión que elija, es decir, si quiere ser médico necesitará tener talento y suerte, para ser astronauta también talento y suerte, y lo mismo para ser actriz o actor.

¿Qué personaje u obra le llena más, le emociona más representar?

Generalmente se suele decir 'el que estoy haciendo ahora' pero, en este caso, sí es el que estoy interpretando ahora. Antes de 'Incendios' hice 'El rey Lear', dirigida por Lluís Pasqual, y me pareció que sería muy difícil continuar con esa temperatura, con la carrera a ese nivel y sintiendo lo que se siente cuando estás metido en semejante proyecto. Sin embargo, de nuevo el azar me pone en las manos el texto de 'Incendios', una obra que ya había visto cuando se representó en el Teatro Español y que me deslumbró y me gustó muchísimo, pero cuando tuve el texto entre mis manos, pensé que no había otro como ese y que no caería otro igual en ellas.

Aun teniendo la idea de descansar un poco después de 'El rey Lear', que me dejó muy agotada, inmediatamente me puse a estudiar con toda la fe. Ahora que llevamos más de 60 representaciones sigo sintiendo la misma emoción del primer día. Es un texto único, es uno de los mejores que he representado en mi vida, y he hecho a muchos de los grandes autores de la historia del teatro. Ese texto violento y tierno, poético y estremecedor, es teatro contemporáneo, demasiado contemporáneo. Sería estupendo poder decir que eso que cuenta esta obra ya pasó, poder decir 'mira cómo eran las cosas en aquel momento', pero desgraciadamente el texto es de lo que ocurre esta misma mañana en el mundo.

Ha recibido recientemente el Premio Princesa de Asturias de las Artes, ¿qué supone para usted este galardón a título personal?

Me agradó muchísmo porque cuando puedo soy espectadora de estos premios y me gusta la trascendencia que les dan, con toda la ciudad de Oviedo en la calle saludando y felicitando a los premiados. Generalmente los galardonados son gente de un nivel absolutamente de primerísima fila. A España le había tocado a sus futbolistas, a sus cantantes de ópera, a sus arquitectos... pero no al teatro. Me ha tocado a mí como podía haberle tocado a otra persona. Me alegré y me gustó mucho.

Llegado a este punto, cuando echa la vista a atrás, ¿qué siente?

No echo la vista a atrás, no soy nada melancólica, echo la vista hacia adelante. Estoy haciendo una gira y el miércoles arrancamos y nos vamos. Lo hecho, hecho está.Hay que mirar hacia adelante.

María Martín López tenía 81 años cuando se sentó ante el juez instructor del Tribunal Supremo, Luciano Varela. Debía declarar sobre la desaparición de su madre el 21 de septiembre de 1936 en Buenaventura, provincia de Toledo. Tan sólo tenía seis años cuando la vio por última vez, pero en aquella sala recordó cómo se la habían llevado junto a otros 27 hombres y tres mujeres “por no tener mil pesetas que le habían pedido”. María creció y la buscó incansablemente. Hasta el final de sus días.

María ya no vive, pero su testimonio, ese que tuvo que dar entre el 31 de enero y el 8 de febrero de 2012 en la causa que se había abierto contra el juez Baltasar Garzón por investigar las desapariciones durante la Guerra Civil, permanece. Es más, ahora, gracias al texto teatral El pan y la sal, de Raúl Quirós, estrenado en el Teatro del Barrio, sus palabras vuelven a ser escuchadas en la voz de la actriz Núria Espert, que casi de forma inaudible responde al interrogatorio un tanto vergonzante al que le sometió el abogado de la acusación popular impulsada por el grupo ultraconservador Manos Limpias. Sin apenas voz, pero con el orgullo de defender una causa justa.

Durante aquellos días de enero y febrero de hace ya tres años no sólo pasó por el tribunal María Martín. También lo hicieron Emilio Silva (Pepe Viyuela), al frente de la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica y nieto de desaparecido; Ángel Rodríguez -interpretado por Víctor Clavijo-, historiador que trabaja para la Asociación de la Memoria Histórica del 36, de Ponteareas, en Pontevedra; Josefina Masulén (Natalia Díaz), de la Asociación por la Recuperación de la Memoria Histórica de Aragón, y cuya abuela, entonces embarazada, también “desapareció”; Fausto (José Sacristán), de Pajares de Agaja (Ávila), quien se quedó sin padre a los dos años de edad; María del Pino Sosa (Gloria Muñoz), de la Asociación de la Memoria Histórica de Araucas, en Gran Canaria, y que también perdió a su padre; y así otros tantos familiares de personas que aún quedan en las cunetas. Todos ellos tuvieron que explicar por qué les buscaban y por qué habían acudido al juez Garzón para denunciar las desapariciones.

“Un juicio infame”

“Aquello fue un juicio infame porque, aunque el encausado era Garzón, a quienes se juzgó fue a las víctimas. Se convirtieron en los acusados”, explica el autor del texto Raúl Quirós, que vive en Londres y trabaja para el movimiento internacional Teatro por la Identidad, que también ha elaborado textos sobre las desapariciones durante la dictadura argentina.

Precisamente, esa infamia fue la razón que le llevó a recopilar los testimonios, darles una forma teatralizada y enviar el resultado final a Alberto San Juan, “que lo aceptó enseguida” y quien a su vez lo reenvío al director Andrés Lima. El resultado es una lectura dramatizada intensa y a ratos desgarradora en la que Baltasar Garzón (Gonzalo de Castro), el abogado defensor (Tristán Ullóa) y el fiscal (San Juan), los otros protagonistas, casi se convierten en actores secundarios mientras se escuchan de fondo los audios con los relatos reales de los familiares.   

“Lo que queríamos es que se escuchara a las víctimas porque no han sido escuchadas en España. Ellos llevan años desgañitándose por buscar a sus seres queridos, llorándoles. Esta lectura de urgencia había que hacerla, no sólo por el teatro, sino por la causa, ya que esa fue la primera vez y la última que se les pudo escuchar”, admite Lima minutos después de acabar el ensayo general y abrazar a la verdadera Josefina Masulén, que se ha acercado casi con lágrimas en los ojos para ver esta propuesta teatral. A su lado, Núria Espert también se emociona. El escenario, cubierto con fotografías reales de los desaparecidos donadas por las asociaciones de la memoria histórica, hace el resto para generar un clima catárquico y muy emotivo.

Una obra por la reconciliación

El actor Pepe Viyuela apenas necesita artificio teatral para saber lo que pudieron sentir las víctimas en aquel juicio. Su propio tío abuelo desapareció en 1937. “Se lo llevaron y murió en un sitio terrible como es el fuerte de San Cristóbal, a las afueras de Pamplona. Durante años no se supo qué había pasado hasta que le encontramos tras una exhumación en Berriozar”, cuenta. En esta lectura interpreta a Emilio Silva. Lo hace con el nerviosismo de quien nunca se ha sentado en un tribunal y menos por una causa así. “Esto es lo que tiene que hacer el teatro, recuperar debates que están apagados”, admite el actor.

Viyuela, además, se niega a caer en el discurso manido de la memoria histórica como una forma de revancha. “Al contrario, esto no es revanchismo, sino que juega con la conciliación. Entrar en ese discurso es una carencia de nuestra democracia. Mientras esto no esté resuelto no habremos cerrado la Transición. Hay que tener un respeto por todos los que murieron. No se les puede devolver la vida, pero sí se puede hacer algo”.

La lectura termina con el inapelable “visto para sentencia” del juez instructor. Después hay breves alegatos por parte de las víctimas. El más demoledor es el que recita Núria Espert: “España es el segundo país, después de Camboya, en número de desaparecidos”. De hecho, sólo por la Guerra Civil, la cifra asciende a los 140.000. Entonces, el volumen de las voces grabadas de los familiares se eleva hasta volverse casi ensordecedor, y acaba la función.  

Nuria Espert no necesita introducción porque es historia viva del teatro de este país. Basta verla para comprobar (y sentir) qué es eso del ejercicio del teatro con todo su peso. Eso es lo que vuelve a demostrarnos estos días en el Teatro de la Abadía con La violación de Lucrecia, una obra ambiciosa y compleja que ya se estrenó en 2010.

El La violación, ella sola da vida al poliédrico, íntimo, desgarrador y violento universo creado por Shakespeare bajo las órdenes de otro de los grandes de la escena del momento, Miguel del Arco. Es un tándem que no debe perderse nadie porque es de los que hacen historia. Y por el regalo de ver, de nuevo, en todo su esplendo a la actriz catalana en una de sus cimas interpretativas.

Hablamos con Nuria Espert sobre por qué retomar esta obra y elegir a Miguel del Arco para dirigirla –“en nuestro primer encuentro, después de leer La violación de Lucrecia su comentario fue: ”¡Oh, es genial, trepidante, como un guión de Tarantino!“, y yo pensé ”¡Es mi hombre!“, cuenta–, el panorama teatral actual con sus paradojas creativas y económicas, y la crisis. Siempre esa crisis que hoy oscurece aún más la cultura. Y avanza que tiene nuevo proyecto a la vista. Pero asegura que no puede decir nada más que se verá en noviembre en Barcelona.

¿Por qué decide volver con La violación de Lucrecia, una obra tan emocional que le exige tanto esfuerzo?La violación de Lucrecia

Por puro placer. Antes de aparcarla de un modo definitivo para embarcarme en otros proyectos, pensé que estaba bien cerrar lo que fue una experiencia absolutamente fantástica en Madrid y con una gira que hicimos por toda España y dar estas breves funciones cerrando la obra. Es un texto muy violento y a la vez muy tierno. El secreto del éxito de este acontecimiento es que Shakespeare explica tan bien los personajes, con cuatro estrofas los presenta tan profundamente, que se tiene la impresión de ver una obra con muchos actores. La clave del éxito es de Shakespeare, no mía.

¿Ha sido un reto enfrentarse a un monólogo tan intenso como este?

No por la soledad porque monólogos se hacen continuamente pero el reto, como todas las obras de Shakespeare, es tratar dar todo lo que él ha escrito. Uno sabe antes de empezar que es imposible pero lo intenta una y otra vez. Es el un reto, mucho más que el monólogo en sí mismo. Es su escritura, su profundidad, la belleza de su lenguaje... hacer que llegue todo eso al espectador.

Cuando decide embarcarse en este texto de Shakespeare, ¿por qué, de entre todos los directores que beberían los vientos por trabajar con usted, elige a Miguel del Arco para que la dirija?

Me fijé en Miguel del Arco por lo que sus actores decían de él, porque realmente no había visto nada suyo. Pero sabía lo que los actores comentaban de su trabajo, lo que era importante para él en sus ensayos y pensé que todo lo que decían era lo que andaba buscando. Le llamamos y descubrí que era eso y más. Es un grandísimo director y un ser humano excepcional.

¿Han variado algo respecto al estreno de hace años?

Cuando hemos vuelto a ensayar hemos pulido aquí o allí, a marcar cosas o hacer más ligeras otras. Son cosas que siempre se matizan con unos ensayos de refresco. Cuando llegas fresco de nuevo a un espectáculo, aparte de que lo disfrutas muchísimo, eres capaz de pulir esas pequeñas cosas.

Lleva toda su vida sobre los escenarios, ¿qué piensa de la situación de la cultura en la actualidad?

Creo que participa de un modo muy destacado de toda la negrura que se está viviendo. Todos los grandes escritores han dicho que el teatro es el espejo de una sociedad y cosas similares. Yo creo que es cierto y que el momento es oscuro y el momento de la cultura, más oscuro todavía porque los dirigentes actuales no tienen el menor respeto por ella. Si le tuvieran mucho respeto tampoco serían momentos de gloria y brillantísimos porque no lo son para los ciudadanos, para el público, para la gente para la quien trabajamos así que difícilmente podría estar disociado el momento cultural de las preocupaciones de la sociedad.

Pero no sé si cree es un tópico o una necesidad real. En los momentos de crisis la gente llena los teatros.

La gente busca reencontrarse de nuevo, salir de toda esta sociedad triste y acomplejada en la que vivimos ahora pero se le ha dado un mazazo tremendo al teatro con un IVA que lo compara a los yates de lujo y a los diamantes. La gente va al teatro pero haciendo un esfuerzo sobrehumano y eso lo notamos.

¿Volver al IVA reducido sería la solución o son necesarias más respuestas?

No es la única respuesta. Pero el IVA ha sido la demostración de la consideración que tienen nuestros políticos por la cultura. Han escrito negro sobre blanco lo que piensan de la cultura dándole ese papel de objeto de lujo y diversión. Lo necesario y primordial sería que la sociedad recuperase el tono muscular que ha perdido.

¿Es optimista sobre ello?

Yo siempre he sido la optimista de mi familia (ríe). Es difícil ser optimista, la verdad, si estas al día de cómo vive la gente, es imposible no pensar en toda la gente desdichada que hay en el país en este momento pero claro que saldremos, como hemos salido de cosas peores.

Eso pasa un poco en el panorama escénico. Se multiplican las salas pequeñas, las nuevas propuestas, ese off alternativo. ¿Lo ve como la respuesta creativa del sector a la situación o como la única salida para su supervivencia?off

Creo que es muy gratificante. Es savia nueva. Es un fenómeno que ya ha ocurrido en otros países y aquí ha llegado muy tarde. Es espléndido que, liberándose de los problemas económicos que tiene un gran espectáculo o un gran teatro de 800 localidades, los montajes, las estrellas y los grandes sueldos, puedan llevarse a cabo ensayos, propuestas nuevas y vanguardias pequeñas pero ambiciosas. Me parece refrescante. Lo sigo con muchísima atención y estoy convencida de que es muy bueno para la profesión. De ahí va a salir mucha gente nueva y diferente, y también es una oportunidad para que actores consagrados puedan experimentar sobre ideas y textos. Son como talleres de prueba que me fascinan y parecen muy interesantes.

Si lo trasladamos a los 'grandes', también estamos viviendo este año una temporada con montajes de un altísimo nivel (Misántropo, Los Mácbez o Continuidad de los parques por citar tres ejemplos) y muy buena respuesta del público.MisántropoLos MácbezContinuidad de los parques

Al mal tiempo, buena cara (ríe). Ha sido una temporada espléndida en la que hemos visto muy buenos espectáculos. El teatro se renueva constante y permanentemente. Es un lugar de lucha intelectual, de esfuerzos personales, de generosidades, de bizarría, como dirían nuestros clásicos, pese a todo.