El Gobierno de La Rioja y el Ayuntamiento de Logroño han presentado este lunes el 43.º Festival de Marionetas y Teatro Infantil de La Rioja, una de las citas culturales más esperadas de la Navidad, que del 26 al 30 de diciembre volverá a llenar de historias, música y emoción los escenarios de Logroño, Autol, Nájera, Arnedo, Alfaro y Agoncillo. Todas las funciones se celebrarán a las 18:30 horas, con propuestas pensadas para distintos tramos de edad del público infantil y familiar.

En el Teatro Bretón de Logroño

El Teatro Bretón de Logroño volverá a convertirse en uno de los principales escenarios del festival con cinco funciones consecutivas, siempre a las 18:30 horas. La apertura llegará el viernes 26 de diciembre con ‘Chinchulina y el Ruiseñor de la China’, de La Canica Teatro, recomendada a partir de 4 años. A través de títeres, música y narración, la obra propone un viaje lleno de fantasía junto a una niña que busca restituir la alegría a su padre, descubriendo mundos lejanos y personajes entrañables.

La programación continuará el sábado 27 de diciembre con ‘El viaje de Nuru’, de Festuc Teatre, también dirigida a público mayor de 4 años, que cuenta la historia de una pequeña hormiga incapaz de adaptarse al ritmo del hormiguero y decidida a encontrar su propio camino, en una metáfora sencilla y emotiva sobre la diferencia, el crecimiento personal y la valentía.

El domingo 28 de diciembre será el turno de ‘Ábrete sésamo’, de Caleidoscopio Teatro, una propuesta visual recomendada a partir de 4 años que convierte los libros en protagonistas de un universo mágico repleto de objetos, imágenes, música y palabras. Un espectáculo que invita al público infantil a descubrir el placer de la lectura como una puerta abierta a la imaginación.

La tarde del lunes 29 de diciembre llevará al escenario logroñés ‘El escondite de la abuela’, de La Tartana Teatro, aconsejada para mayores de 5 años. Inspirada en una leyenda japonesa, la obra entrelaza títeres y teatro de actores para construir una delicada reflexión sobre la memoria, la vejez y la transmisión de valores entre generaciones, sin renunciar a la aventura ni al humor.

El festival se despedirá de Logroño el martes 30 de diciembre con ‘Pinocho’, de Ultramarinos de Lucas, un montaje premiado y recomendado a partir de 4 años que revisita el célebre cuento del muñeco de madera y su viaje de aprendizaje, combinando narración, manipulación de títeres y música para hablar de responsabilidad, amistad y el deseo de crecer.

La programación en diversos municipios riojanos

De forma paralela, el festival se extenderá a otros municipios riojanos. En Autol, el Auditorio Municipal acogerá el viernes 26 de diciembre ‘Matres’, de Campi Qui Pugui Teatre, recomendada para mayores de 6 años. La obra utiliza máscaras, teatro físico y títeres para abordar, desde la mirada infantil, el proceso del duelo y la resiliencia emocional, y ha sido reconocida con el Premio FETEN 2025 al Mejor Texto, además de ser designada Mejor Espectáculo Familiar por la Crítica y recomendada por la Red Española de Teatros y Auditorios.

El Teatro Doga de Nájera acogerá el sábado 27 de diciembre ‘La tormenta’, de Zero en Conducta, un delicado montaje de títeres sobre mesa dirigido a público a partir de 6 años, galardonado con el Premio FETEN 2025 al Mejor Espectáculo de Títeres, que propone una poética reflexión sobre la gestión de las emociones a través de una historia cargada de sensibilidad y humor.

En Arnedo, el Teatro Cervantes recibirá el domingo 28 de diciembre ‘La bruja rechinadientes’, de Katua&Galea Teatro, especialmente pensada para niños y niñas a partir de 4 años. Inspirada en el universo de los cuentos clásicos, la obra combina títeres, música original y escenografía visual para narrar una aventura llena de misterio y diversión, reconocida como Mejor Espectáculo de Títeres FETEN 2024.

La programación continuará el lunes 29 de diciembre en Alfaro, donde la Sala Florida ofrecerá de nuevo ‘Ábrete sésamo’, de Caleidoscopio Teatro, una propuesta pensada para público familiar que invita a soñar a través de los libros y la magia del teatro de objetos.

El broche final llegará el martes 30 de diciembre en Agoncillo, con la representación en el Salón de Usos Múltiples de ‘Historia de una muñeca abandonada’, de Teatro Silfo, recomendada a partir de 4 años. El espectáculo, construido con títeres creados a partir de materiales reutilizados y música en directo, recibió el Premio Azahar 2025 al Mejor Diseño de Espacio Sonoro y propone una emotiva reflexión en verso sobre el abandono, el cuidado y la importancia de las segundas oportunidades.

En Logroño, las entradas tendrán un precio único de 8 euros, con localidades numeradas y la posibilidad de adquirir cuatro entradas al precio de tres. Estarán disponibles a partir del 17 de diciembre en la taquilla del Teatro Bretón (de 11:00 a 14:00 horas y desde una hora antes del inicio de cada función), por venta telefónica en el 941 20 72 31 en el mismo horario, y a través de la web www.teatrobreton.org. La taquilla permanecerá cerrada del 20 al 25 de diciembre, ambos incluidos.

Las localidades para las funciones de Autol, Nájera, Arnedo, Alfaro y Agoncillo se adquirirán a través de los respectivos ayuntamientos, con tarifas establecidas por cada municipio.

Programación del 43º Festival de Marionetas y Teatro Infantil

Logroño – Teatro Bretón (18:30 h)

26 diciembre – Chinchulina y el Ruiseñor de la China – La Canica Teatro (+4)

27 diciembre – El viaje de Nuru – Festuc Teatre (+4)

28 diciembre – Ábrete sésamo – Caleidoscopio Teatro (+4)

29 diciembre – El escondite de la abuela – La Tartana Teatro (+5)

30 diciembre – Pinocho – Ultramarinos de Lucas (+4)

Otras localidades (18:30 h)

26 diciembre – Autol – Auditorio Municipal – Matres – Campi Qui Pugui Teatre (+6)

27 diciembre – Nájera – Teatro Doga – La tormenta – Zero en Conducta (+6)

28 diciembre – Arnedo – Teatro Cervantes – La bruja rechinadientes – Katua&Galea Teatro (+4)

29 diciembre – Alfaro – Sala Florida – Ábrete sésamo – Caleidoscopio Teatro (público familiar)

30 diciembre – Agoncillo – Salón de Usos Múltiples – Historia de una muñeca abandonada – Teatro Silfo (+4)

A través del programa Cultural Rioja, ambas instituciones renuevan su compromiso por acercar el teatro a la infancia durante las vacaciones navideñas, impulsando la creación de nuevos públicos culturales desde edades tempranas y favoreciendo, al mismo tiempo, la descentralización de una programación de calidad que alcanza a diferentes municipios de la comunidad.

Del 17 de septiembre al 28 de noviembre se han programado un total de 12 propuestas escénicas que contribuirán a hacer más accesible la cultura, fomentando también el encuentro y la participación a través de las artes escénicas. 

El primer espectáculo que nos espera, este miércoles 17 (19h) en la Plaza Romea de Murcia, es ‘Llar' (Cía. Federico Menini), un montaje que combina circo y arquitectura y que, a través de equilibrios y malabares, creará un universo lleno de humor, ritmo y originalidad para reflexionar sobre el hogar como refugio. Con ‘Llar', que llega a Murcia de la mano del Circuito Circo a Escena, se celebrará además el comienzo oficial de la temporada escénica en Murcia. 

En el Parque Fofó, ‘Sfumato' (Cía. Llum de Fideu) nos invitará también esta semana, el sábado 20 (12:30h), a repensar nuestra relación con otras especies. 

El Edificio Moneo será el 27 de septiembre el escenario vertical de ‘Célula' (Subcielo), un espectáculo de acro-danza que nos hablará, a través del movimiento, de la evolución del amor y de las distintas formas de amar en pareja. 

El teatro de títeres llegará el 3 de octubre a la Plaza de los Patos de Vistabella con ‘La Cabra', una obra de la premiada compañía ‘El Espejo Negro'. Además, los ‘Tres Tristes Trolls' de La Nördika llegarán el 11 de octubre a la Plaza Constitución de Cabezo de Torres. 

Con un enfoque ecológico y comprometido, ‘Cateura' (Alas Circo Teatro) nos invitará el 17 de octubre en la Plaza Camilo José Cela a reflexionar sobre nuestro impacto en el planeta. 

Además, la Plaza de la Paja acogerá este año, el próximo 25 de octubre, ‘Home' (Cris Clown), una divertida propuesta de clown que convierte el drama cotidiano en comedia, mientras que el nuevo espectáculo de Yllana y Nacho Vilar Producciones, ‘Olympics', llegará por su parte el próximo 31 de octubre al Paseo Alfonso X de Murcia. 

En la Plaza de la Torrecilla de Murcia, el 8 de noviembre, ‘Gota' (Txema Muñoz) jugará con la magia y la ilusión para transformar las gotas invisibles de lluvia en ritmos y sorpresas que despertarán la fantasía de todos los asistentes.

 Las clásicas peonzas serán las protagonistas del siguiente espectáculo como es ‘Tot Bé!', ya que el 14 de noviembre, en el Paseo del Malecón de Murcia, la compañía Curolles llevará este tradicional juguete a límites insospechados. 

La Plaza de los Apóstoles volverá también a ser escenario de A Pie de Calle con ‘361 Grados' (Proyecto Tránsito), una propuesta de circo y danza que se verá el 22 de noviembre y que transformará el caos en un auténtico poema visual. 

El ciclo A Pie de Calle finalizará el 28 de noviembre con otro juego tradicional como es ‘Ardatzak' (Zirkozaurre), un espectáculo lleno de verdad y emoción que nos servirá para despedir este ciclo con el que el Ayuntamiento de Murcia reafirma una temporada más su compromiso con la cultura accesible y de calidad.

Toda la información sobre el ciclo A Pie de Calle y las propuestas que lo integran está disponible en la página web del Teatro Circo Murcia (teatrocircomurcia.es).

¿Nueva York? ¿París? Quizá basta con Madrid. O ni eso, con no salir de casa... La mayoría de diálogos de Home son casi ininteligibles, una sucesión de divertidas onomatopeyas o desahogos con los que su protagonista (brillante Cristina Solé Freixa) potencia lo absurdo de las situaciones que despliega su personaje en los 40 minutos que dura la obra, tiempo que pasa como un suspiro. Una de las pocas conversaciones con algo de sentido es la que el personaje de Solé mantiene con su marido (José Luis Gallardo Linares) acerca del lugar que van a elegir para sus próximas vacaciones. Finalmente, se acaban decidiendo por el conocido y querido hogar, por destartalado que sea.

La compañía Cris Crown saca punta al contexto de precariedad en la vivienda, potenciada por una devastadora crisis en el acceso a ella, con una obra en la que la ruina da paso a la risa. La falta de espacio o las malas condiciones del mobiliario y los electrodomésticos se convierten en herramientas para desplegar un hilarante teatro del absurdo, en el que no falta la interacción con el público (atención al juego que dan la antena de televisión o el improvisado tendedero de la ropa). Todo ello además en una pieza especialmente pensada para los más pequeños, que se deleitarán con el arsenal de trucos, muecas y acrobacias que Solé despliega en los improvisados escenarios.

Para terminar de rizar el rizo de la brillante farsa, Home ha sido programada este sábado como parte de Verano en el Parque, una serie de actividades socioculturales que la Comunidad de Madrid desarrolla en el Parque del Tercer Depósito de Chamberí, también conocido como Parque de Santander. La próxima semana, igualmente de la mano del Ejecutivo autonómico, llegará a otros municipios de la región: Batres (15 de agosto), Buitrago de Lozoya (16 de agosto) y Santorcaz (17 de agosto).

“En una casa miserable, una pareja vive su penosa rutina. Drama al servicio de la comedia”, describe en la presentación de la obra el propio portal de la Comunidad de Madrid. La misma institución cuya presidenta, Isabel Díaz Ayuso, se niega a aplicar diversos aspectos de la Ley de Vivienda con los que regular las zonas tensionados y disminuir con ello el precio de los alquileres. “La clase media en España ha tenido precisamente la vivienda como hucha”, aseguró la dirigente autonómica en una declaraciones el pasado septiembre.

Pese a que su Ejecutivo solo aplica algunos aspectos de la norma de obligada ejecución (la prohibición de cobrar los gastos de gestión inmobiliaria al inquilino o la prórroga extraordinaria de contratos en casos de vulnerabilidad), la presidenta culpa a esa legislación de la subida de los alquileres en Madrid. En paralelo, el equipo de Ayuso ha evitado regular los pisos turísticos en su ley de ordenación del sector.

Sin embargo, desde la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte que lidera Mariano de Paco no tienen reparos en apostar por una obra que expone con brillantez y pedagogía la problemática derivada de esta situación. Puede que Cris Clown no verbalice la crisis de la vivienda (no verbaliza casi nada y de ahí la gracia de la interpretación o la puesta en escena), pero su absurda parodia ilustra a la perfección el panorama que día a día soportan miles de familia en Madrid y en toda España.

Porque Home se abre con la algarabía de una boda, pero pronto la rutina envuelta en cuatro paredes (¿cuatro? ¿paredes?) y un puñado de metros cuadrados transforma esa felicidad en otra cosa. Por suerte Solé y Gallardo (con Leandre Ribera en la coautoría y la dirección) lo exponen sin que el espectador pierda la sonrisa. Al contrario, grandes y pequeños sueltan más de una carcajada cuando el sitio donde se guardan los cubos es indistinguible de ese en el que cuelgan las sillas, o cuando una plancha quema unas lentejas.

Como apunte final, el público disfrutará del maravilloso deje catalán de Solé, que salpimenta su particular y payasística manera de hablar con su marcado acento o con algunas expresiones propias de su otra lengua. Puede que Home sea una comedia sobre no tener casi nada que saca una sonrisa con muy poco, pero lo tiene todo.

Repasar la carrera de Ángel Alonso Tomás (Carenas, Calatayud, 1942) es darse un paseo por la historia de la España de las últimas décadas. Le faltan pocos palos que tocar. Comenzó como programador y productor teatral de la contracultura en el tardofranquismo, gracias a sus actividades en la sala La Villarroel, que él ayudó a profesionalizar. Y más tarde acabó enlazando grandes éxitos comerciales en las tablas como la adaptación de Historias de la puta mili, el cómic de Ivà, que consiguió medio millón de espectadores en cinco años de gira continuada, o su adaptación de La extraña pareja.

Ha sido el director y adaptador de obras nada sencillas –El extranjero, Madame Bovary o Muerte accidental de un anarquista–, aunque muchos le conocerán por ser el realizador de uno de los programas televisivos más icónicos de los 80 (a la altura de clásicos como La bola de cristal). Emblemas para algunas generaciones, como Terra d'escudella o Planeta imaginari –que tras su estreno en catalán fue adaptado al castellano para todo el país como Planeta Imaginario–. Ahora, con más de 80 años y poco que demostrar, nos recibe en su casa del centro de Barcelona, ciudad donde ha vivido toda su vida.

Alto, con ojos oscuros y una cara angulosa, de una potencia impresionante que recuerda al autorretrato que Van Gogh hiciera de sí mismo en 1889, vive a sus 83 años en un piso aledaño a la plaza de Catalunya, rodeado de sus cuadros: desde un Úrculo a obra pictórica de Fernando Arrabal –uno de sus grandes amigos–, o dibujos y acuarelas de Nazario –otro gran compañero de vivencias–, hasta distintos pintores catalanes menos conocidos. También conserva numerosas fotografías de su vida, sobre todo de estrenos teatrales, de sus amigos, de su hijo e incluso de Albert Camus, a quien define como su referencia ética.

Se sigue calificando como un verso suelto, sin atarse a nadie. “En Francia, en los sesenta y setenta, era el partido comunista quien otorgaba los carnets de artista bueno, pero solo si eras del partido o cercano a él”, dice Alonso para reivindicar que él nunca fue cercano a ninguna organización política a pesar de militar la mayor parte de su vida en la contracultura. “Gente como Sartre en París, y Haro Tecglen, desde Triunfo, aquí eran los que dictaban qué era aceptable en la cultura”, añade.

Asegura que él, como muchos otros, nunca fue reconocido por la cultura oficial por esa falta de apego al poder político, y agrega, además, otra causa: “Mis grandes triunfos comerciales y de espectadores han sido comedias, Historias de la puta mili y La extraña pareja, y las comedias en este país de raíces judeocristianas no se aceptan como cultura; aquí hacer reír la gente no es cultura, la cultura debe ser sufrimiento”.

En 1972 se hacen usted y Rafael Gil con la gestión de la sala La Villarroel, ¿tenían experiencia teatral entonces?

Yo tenía experiencia en el teatro aficionado, había actuado en diferentes compañías de teatro dominical, que entonces en Catalunya era algo muy usual. Hay que pensar que aquí, a diferencia del resto de España, ya desde antes de la guerra había varias salas de teatro en cada pueblo: la del casino burgués, la del casal popular obrero y la del ateneo libertario. Esta densidad teatral no tenía parangón solo en España, sino también en el resto del mundo, así que existían muchísimas compañías de teatro. Mientras, el resto del país era un erial en este sentido. De hecho, cultura alternativa en el franquismo solo se hizo en Catalunya y en Andalucía, gracias a la influencia de la base de Morón.

Una de las salas en las que solíamos programar teatro aficionado era La Villarroel, que era la sala teatral de la parroquia de Sant Josep Oriol y estaba gestionada por mosén Llopart, aunque durante la guerra había sido la sala de la CNT. Teníamos cercanía y un día nos propuso llevar la programación de la sala, con total libertad. Ahí empezó todo: nos hacíamos llamar como compañía el Galliner y empezamos a programar todo tipo de teatro alternativo y contracultural. Me viene ahora a la memoria el estreno de Quejío, la obra de Salvador Távora que mostró la cara real de una Andalucía castigada por las injusticias sociales.

Se estrenaron en La Villarroel la mayor parte de compañías de teatro catalán de la época...

¡Todos empezaron en La Villarroel! Els comediants, Els Joglars, Dagoll Dagom... La Villarroel fue en los setenta el motor del teatro no solo catalán, sino también español; éramos la puerta al público para compañías de Madrid y otras ciudades que no podían estrenar por el franquismo asfixiante que se respiraba en ellas. Pero claro, aquello daba pocos espectadores y poco dinero, así que nos financiábamos como podíamos. Como compartíamos el patio con la iglesia de la parroquia, cuando mosén Llopart hacía algún bautizo nosotros preparábamos un catering por 75 pelas [pesetas] para los invitados. Servíamos bocadillo y cerveza y con eso pagábamos la sala [risas].

Cultura alternativa en el franquismo solo se hizo en Catalunya y en Andalucía, gracias a la influencia de la base de Morón

También estrenamos a Fernando Arrabal, que es de largo del dramaturgo español más representado de la historia y además un gran amigo con el que he compartido muchos momentos, buenos y no tan buenos. Es una pena que en España se le recuerde solo por ir borracho a un programa de televisión, pero así somos aquí. Es lo que te comentaba antes de quién reparte los carnets, y como Fernando nunca se ha adscrito a ninguna ideología, está en el olvido para la cultura oficial.

¿Qué pasó con toda esa efervescencia teatral catalana?

Se profesionalizó; se perdieron compañías, pero se ganaron actores. Hoy hay actrices y actores catalanes en todas las series y todas las películas que se ruedan con capital de Madrid, en proporción más que de cualquier otro sitio, y eso se debe a esta gran tradición. Ahora, si me preguntas por el teatro más experimental, aquí es verdad que no queda nada apenas, ya no interesa, no queda tiempo para la reflexión. Ahora mismo he terminado un monólogo que es una adaptación de El extranjero de Camus y me está costando Dios y ayuda poder llevarlo a un escenario.

Pues suena raro, porque usted ha ganado mucho dinero en el teatro...

Y también me he arruinado, por ejemplo con Madame Bovary.

Pero Historias de la puta mili logró estar cinco años en cartel.

Sí, y conseguir alrededor de medio millón de espectadores en esos cinco años, desde 1990, primero de La Villarroel y luego de gira por todo el país. Fue una historia en la que nadie creía y para poder producirla hipotequé el piso, pero fue un gran éxito. A mí siempre me ha gustado el cómic, pero no el de El Víbora, a pesar de ser amigo de Nazario e Ivà; me iba más el rollo Robert Crumb.

Pero es que Ivà era un genio de la concreción de las tensiones ambientales y sociales, sabía como nadie transformarlas en humor, y el tema de la mili en los noventa estaba muy candente, con un creciente número de objetores e insumisos. Ivà sabía resumir en una viñeta la bestialidad y el absurdo que suponía el servicio militar obligatorio y hacía que te murieras de risa, lo exorcizaba.

Claro, los de la cultura oficial te dirán que eso no es cultura porque era cómic, pero Ivà es de los artistas más brillantes que he conocido. Así que me lancé con él a adaptar la obra y aquello fue la hostia; de repente nos llegaban miles de cartas de antiguos reclutas con anécdotas de sus milis que nos servían para tener un fondo bestial para ir renovando la obra. Aquello iba viento en popa hasta que tuvimos el accidente en La Rioja; él se mató y a mí me dejó machacado, dos años tardé en recuperarme. La gira siguió, pero ya no fue lo mismo.

Es una pena que en España se recuerde a Fernando Arrabal solo por ir borracho a un programa de televisión, pero así somos aquí

Su otro, y mayor, gran éxito fue La extraña pareja.

Con el accidente quedé bastante fuera de juego, así que me centré en el trabajo de adaptación. Yo había dirigido años antes a Paco Morán en La muerte accidental de un anarquista, un proyecto arriesgado porque Paco venía de la comedia ligera, pero cuajó. Así que cuando me propuse adaptar el texto de Neil Simon, que en Estados Unidos habían llevado al cine Walter Matthau y Jack Lemmon como protagonistas, pensé en Paco y en Joan Pera, que en Catalunya eran muy conocidos por sus dotes cómicas.

La obra la habían intentado llevar antes al cine Pajares y Esteso sin éxito, y también otras tentativas teatrales habían fracasado. Me di cuenta de que precisaba de una severa adaptación al ambiente español del momento; a los protagonistas, en lugar de reporteros de The New York Times los hice de El Mundo Deportivo y, en lugar del amigo policía, que aquí suena muy inusual, coloqué a un segurata simplón. Con estos cambios y otros por el estilo, la obra fue como un tiro durante muchos años, hasta tuvimos que quitar gags porque la gente se reía tanto que perdía el hilo de la historia. Con decirte que la última representación la hicimos en el Palau Sant Jordi y vinieron autobuses de Bilbao para verla...

No hemos hablado de su faceta como realizador televisivo.

Empiezo en los estudios de televisión española en Catalunya a principios de los setenta. Entonces no estaban todavía los estudios de Sant Cugat. Hice diversas actividades hasta que me coloqué de realizador, bajo el mando de Sergi Schaaff. Nos encargábamos de pasar noticias de Catalunya a Madrid para sus noticiarios y también de realizar algunos programas que desde la capital no querían hacer. Como a nadie le importaba demasiado lo que hacíamos en la periferia, y eran programas para horas de bajas audiencias, yo lo hacía todo a mi manera, con un ánimo muy contracultural.

Hicimos 'Planeta imaginario' en catalán con un presupuesto de 500 pesetas, pero cuando Madrid quiso extenderlo al castellano y para todo el país, me lo subieron 20 veces

A Sergi no le gustaba demasiado el enfoque que yo le daba a los programas, él quería cosas más profesionalizadas, así que me daba los encargos menos apetitosos. En estas me cayó el proyecto de un programa infantil de unos 20 minutos con un presupuesto de 500 pesetas por programa, ya en el año 81, creo recordar. Yo partía de la idea que un programa infantil para niños no quiere decir para idiotas, que los niños son personas y tienen curiosidad, intereses. Así que con ese presupuesto, mucha creatividad y tirando de los carpinteros de los estudios, montamos los primeros episodios de Planeta imaginari para Catalunya.

Teníamos el precedente de Terra d'escudella, otro programa infantil mítico en el que participaban Els Joglars, Els Comediantes, etc., pero queríamos ir un poco más allá. Trajimos a Alaska para que hiciera malabarismos, pusimos una apertura de programa con el Arabesque n.º 1 de Debussy en la versión de Isao Tomita, un compositor japonés que mezclaba clásica con sintetizadores; además, dedicamos los programas a Magritte, a Picasso, a Miró, Julio Verne, Lewis Carroll... Aquello enganchó a los niños de cierta edad, menores de diez o doce años, fue un éxito en Catalunya.

¿En Madrid se enteraron?

En Madrid se enteraron, así que me mandaron a un certamen de programas infantiles de la UER en Suiza. El programa no tenía el nivel, sinceramente, en Europa se hacían cosas con mucho dinero y muy potentes; nosotros, como era en catalán, 500 pesetas. Pero tuvimos suerte de conocer al jefe de la UER, que era un tipo peculiar, millonario y comunista, con un búnker nuclear lleno de botellas de vino. Nos llevó al búnker e hicimos amistad, así que nos programó un pase del programa fuera de certamen y triunfó, le dieron una suerte de premio especial por su originalidad.

La mili solo la podría querer instaurar un gobierno de derechas con mayoría absoluta, en el resto de situaciones sería un suicidio electoral

Cuando se enteraron en Madrid, inmediatamente multiplicaron el presupuesto por 20, hasta las 10.000 pesetas por programa, y nos pidieron hacerlo a la par en catalán y castellano. Nos pusimos y resultó un éxito también a nivel estatal, marcó a toda una generación de niños que ahora deben tener unos cincuenta años.

Y entonces usted lo dejó, ¿por qué?

Por diversas razones; en primer lugar, aquello ya exigía mucha estandarización, había dejado de ser contracultural y a mí ya no me interesaba, quise hacer otras cosas. Además, yo seguía con mis producciones teatrales en la Villarroel. De todas formas seguí en televisión unos cuantos años más, hasta que Ivà y yo tuvimos el accidente.

Volviendo al asunto de 'Historias de la puta mili' y el contexto antimilitarista en el que se representó la obra: ahora se habla de recuperar la mili, ¿lo cree sensato?

Eso es cosa de los periodistas, pura especulación, porque ya me contarás qué partido político se arriesga a ir a las elecciones con una propuesta tan impopular, sería un suicidio demoscópico. Ningún chaval va a querer perder un año de su vida en un cuartel rodeado de militares. Eso solo lo podría reinstaurar un gobierno de derechas con mayoría absoluta. Fíjate que, de hecho, fue Aznar en 2001 quien quitó la mili: de derechas y con mayoría absoluta.

Entrañas es un pequeño milagro. Una pieza teatral que se encuentra en ese espacio indeterminado donde la infancia y la edad adulta se encuentran. Una clase de anatomía, de filosofía primigenia donde ciencia y emoción van de la mano y en la que estos dos actores riojanos se preguntan de qué estamos hechos, qué es nuestro cuerpo, qué nos conforma. El tema es de pura profundidad existencialista. El ritmo es pausado, lento; la luz, mínima. Nada hace pensar que sea una pieza para niños y niñas, no hay trucos, luces apabullantes, momentos espectaculares o músicas atractivas. Sin embargo, los más pequeños entran y se sumergen.

Esta semana comienza Teatralia, el festival para niñas y niños que durante el mes de marzo llena salas y teatros de toda la Comunidad de Madrid. Una edición asentada, rica y que cuenta con grandes atractivos. Todo el mundo espera poder ver, por ejemplo, Dimanche, el espectáculo belga que ha recorrido medio mundo y clausurará el certamen. Pero un festival también tiene pequeños rincones luminosos. Y uno de ellos es Entrañas de El Patio Teatro. Una pequeña joya que además esconde la historia de una compañía que decidió quedarse en su tierra y desde allí conquistar el mundo.

Entrañas comienza diciendo: “Estamos compuestos por miles y millones de células y cada célula por 100 millones de átomos. Es que somos mucho. Y apenas nada”. Ahí comienza un viaje a través del cuerpo, de los pulmones, el corazón, el cerebro o las lágrimas, pero también un viaje por las grandes preguntas que todo eso suscita: ¿qué pasa cuando desaparecemos? ¿Por qué lloramos la ausencia de los que hemos querido? ¿Por qué necesitamos ser tocados y tocar?

Pero, ¿esto es para niños?

El universo en el que se introducen es abismal, inacabable, pero El Patio lo hará con calma, agarrándose a la belleza y poesía del objeto y la luz. Y con humildad irá relacionando ese mundo científico con historias personales, acercando la ciencia y la epistemología a un mundo concreto y entendible por los chavales. Es esa unión de ciencia, emoción y poesía la que engancha al espectador de cualquier edad.

Entrañas son Izaskun Fernández y Julián Sáenz López que llevan desde 2010 trabajando juntos. Ya en su primera pieza, A mano, les pasó lo que les ha ocurrido con cada trabajo que han hecho: “Cuando comenzamos una creación nunca pensamos a quién va dirigida, pero luego los programadores nos dicen que lo ven claramente para chavales. Pasó con A mano y ha pasado de nuevo con Entrañas”, explica Izaskun quien confiesa que cuando empezaron a trabajar, querían hacer una obra sobre el amor.

La pieza comenzó a gestarse antes del confinamiento, imaginaron una mesa de disección donde se abriese un cuerpo para indagar qué pasa en las relaciones de amor, pero llegó la pandemia y comenzaron largas lecturas sobre el cuerpo humano que fueron invadiendo la creación. “Hubo un momento que nos perdimos, cada puerta que abríamos era inabarcable”, recuerda Julián, “poco a poco fuimos decantando todo aquello y es cierto que apareció la muerte, Izaskun perdió a alguien cercano y quisimos que el espectáculo arrojase un poco de luz a las despedidas, poder mostrar que también la muerte puede tener un poso bello”.

Desde una nave agrícola en Barea

El Patio Teatro acaba de recoger un premio en FETEN, el festival decano para niñas y niños de Gijón, por su pieza Feriantes, que produjo el Centro Dramático Nacional el año pasado. Ambos están contentos, se sienten privilegiados, giran por toda España y ahora con Entrañas además se ha vuelto a abrir el circuito internacional. Izaskun y Julián han conseguido hacer toda su carrera manteniendo su residencia en Logroño, sin tener que emigrar a las grandes ciudades donde se encuentran los centros de producción teatral.

Cuando ambos comenzaron a interesarse por el teatro, en su ciudad tan solo tenían el gran teatro, el Teatro Bretón, un teatro que lleva años haciendo una buena labor, pero poco más. Tuvieron la suerte de encontrarse con unos talleres que Jorge Padín comenzó a dar en su ciudad. Padín es una de las cabezas de otra compañía fundamental, Ultramarinos de Lucas, de Guadalajara.

Ultramarinos es otra compañía que habita ese espacio indeterminado entre el teatro para niños y el de adultos, capaces de hacer un espectáculo para bebés, Miramira (2001), que bien pudiera ser un acto sin palabras de Samuel Beckett, y al mismo tiempo montar uno de los mejores Esperando a Godot que se hayan visto. “Después de seis años con Padín, con unos talleres formidables, un tanto anarcas, pero donde nos metíamos a fondo en todo, decidimos hacer nosotros; y decidimos hacerlo como un acto político de resistencia, sin movernos de Logroño”, recuerda Izaskun.

Al recordar los comienzos ambos se ríen al pensar que en aquellos talleres fundamentales para toda su generación abordaron todo menos el teatro de objetos, justamente por donde ellos decidieron tirar: “Es paradójico, pero es así, también hay que confesar que somos devotos de La Zaranda, para mí hay un antes y un después de cuando les vi en el Teatro Bretón. La Zaranda es muchas cosas, pero son los reyes del manejo de objetos”, recuerda Izaskun.

Y curiosamente, al igual que La Zaranda no se mueve de su nave de Jerez de la Frontera para crear, El Patio Teatro tiene un pequeño espacio en un pueblo cercano a Logroño, Barea. “Era una nave para guardar un tractor, una nave muy modesta en la que ahora tenemos nuestro pequeño telón y una pequeña varita de luces con unos pocos focos colgados”, explica Izaskun. “Pero la vara es de hace poco, siempre hemos trabajado con pequeños objetos que iluminan, lamparitas, lo que fuese, luces que incorporábamos en la escenografía y que nos permitían ser autónomos cuando comenzábamos a investigar”, explica a su vez Julián.

Todos los espectáculos los estrenan en su pequeña nave de Barea. Después de girar mucho, de ir a grandes teatros al igual que a pequeños pueblos, sin desdeñar un bolo, de hacer una economía “de montoncitos”, como ellos la llaman, El Patio cada cierto tiempo se detiene para dedicarse a crear una nueva pieza. Son procesos de largos meses en los que ellos son los escenógrafos, los directores, los actores, los diseñadores de luces… Lo hacen todo. Y eso se nota, sus trabajos son a fuego lento, donde se cuida lo mínimo para que el pequeño hallazgo vaya enhebrando el trabajo.

En Entrañas sobrecogen las luces y cómo estas inciden en los objetos, en una pequeña calavera, en las motas de polvo. Una luz barroca que van creando pequeños Rembrandts y creando una estética muy poética y deudora de esos grandes museos anatómicos como el de Florencia. Sobrecogen también las pequeñas historias personales rescatadas, la de un padre que dice que nunca llora, la de unas caricias que todavía se sienten o la de un amor que se fue.

En la obra los objetos se manipulan con mimo y, más que tender a animarlos, se juega con su movimiento en el espacio, reflexionando sobre la importancia del ángulo y cómo algo puede ser mirado de varios modos. El trabajo es meticuloso y rico y en ciertas ocasiones, mágico. Valga un pequeño espóiler, la compañía ha fabricado una caja expositiva emulando las museísticas donde vemos una barriga y un ombligo. En un momento, la caja se abre y aparece el interior que es un pequeño hogar que emula de manera poética al vientre materno. “El espectáculo tiene esa voluntad, la de acercarse a nuestro interior por pequeñas puertas, el ombligo es la cicatriz universal que todos los humanos compartimos y tenía que estar en el espectáculo”, explica Izaskun.

La obra estará este fin de semana en La Casa Encendida de Madrid y el día 23 en El Soto de Móstoles. Pero la compañía sigue recorriendo toda España: el día 14 estará con Feriantes en Burgos; y quien quiera ver Entrañas podrá hacerlo el 15 en Teatro Rosalía de A Coruña, el 21 y 22 en el Corral de Comedias de Alcalá, el 26 en el pequeño pueblo onubense de Aracena, el 28 en Conil y para finalizar marzo, el 29 y 30 en Marbella.  

El 36º Festival de Invierno de Torrelavega continúa esta semana en el Teatro Municipal Concha Espina con una programación que incluye el monólogo de Alex O'Dogherty y la representación de 'Un delicado equilibrio', con Alicia Borrachero, Ben Temple, Manuela Velasco, Virginia de la Cruz, Cristina de Inza y Joan Bentallé.

Las citas de la semana comenzarán el viernes, 24 de enero, a las 21.00 horas con el espectáculo 'Palabras mayores' de Alex O'Dogherty. En este obra, incluida dentro de la programación de Teatro Joven del festival, O'Dogherty presenta un trabajo muy diferente a todo lo anterior, en el que sigue jugando con las palabras.

Ya el sábado, se representará a las 20.00 horas 'Un delicado equilibrio', de Producciones Teatrales Contemporáneas, que pone bajo la lupa las relaciones familiares y de amistad.

Las entradas para los espectáculos del viernes y el sábado están agotadas, pero el mismo día del espectáculo, a las 8.00 horas, saldrá a la venta el 10% del aforo a través de las webs www.tmce.es y www.giglon.com, y en el teléfono 902 733 797, así como en la taquilla si quedasen entradas.

Para terminar la semana, dentro del 'Teatro Infantil' se ha programado para el domingo, a las 12.00 horas, 'Lullaby', un espectáculo cómico de circo-teatro para todos los públicos a partir de cinco años en el que un dúo de acróbatas y padres primerizos presentan un show de báscula y portés acrobáticos en los que el bebé los acompaña.

La obra ‘Adiós Peter Pan’ abre este jueves 26 de diciembre a las 18:30 horas en el Teatro Bretón de Logroño el 42º Festival de Marionetas y Teatro Infantil. A través del programa Cultural Rioja, el Ayuntamiento de Logroño y el Gobierno de La Rioja impulsan de nuevo esta iniciativa durante las Navidades con el objetivo de acercar la cultura a los más pequeños.

El festival se desarrolla desde mañana, 26 de diciembre, al 30 de diciembre, e incluye diez espectáculos, cinco de ellos en el Teatro Bretón de Logroño y otros cinco en las localidades de Haro, Calahorra, Arnedo, Fuenmayor y Cervera del río Alhama.

 Adiós Peter Pan’, de Festuc Teatro, fue galardonada con el Premio Fetén 2019 al mejor espacio escénico y con el Premio al Mejor Espectáculo Infantil de la 21 feria de Teatro de Castilla y León. Este espectáculo combina títeres y actores en una propuesta sensible y divertida que busca la complicidad de grandes y pequeños, prometiendo una experiencia cautivadora para disfrutar en familia. Se trata de un cuento de ahora y siempre basado en la historia de María, una niña que se pasa las tardes jugando a ser Peter Pan.

También mañana, el salón de actos del Ayuntamiento de Cervera del Río Alhama acogerá la obra ‘Esto es un poema’, fruto de la unión de esfuerzos entre la experimentada compañía Los Titiriteros de Binéfar y la compañía riojana Violeta y Péndula.

 El 27 de diciembre, el Bretón de Logroño presentará ‘La biblioteca imaginaria’, de Teatro Arbolé, un espectáculo diseñado para transmitir a los niños el placer de la lectura. Además, el público podrá disfrutar ese mismo día en el Teatro Cervantes de Arnedo del espectáculo ‘Las Cotton, de Anitta Maravillas & Portal 71.

El sábado 28 de diciembre el festival se repartirá entre Logroño y Calahorra. Así, en la capital riojana se podrá ver la ‘Vía Láctea’ de El Cau de L’unicorn, una cita musical protagonizada por grandes marionetas y actores en luz negra. Por su parte, el Ideal de Calahorra acogerá la obra ‘Scrooge y la Navidad’, de Ñas Teatro. Una historia de la que se podrá disfrutar al día siguiente, el 29 de diciembre, en el Teatro Bretón de Logroño.  

Además, durante esa jornada del 29 de diciembre, el festival llegará al Teatro Gran Coliseo de Fuenmayor con la obra ‘‘La Isla del Tesoro’, de Panduro Producciones (Cesar Marmore), que cerrará al día siguiente, el lunes 30 de diciembre, el festival en el Teatro Bretón de Logroño. Por su parte, el 30 de diciembre, el Teatro Bretón de Haro acogerla la obra ‘Chinchulina y el ruiseñor de la china’, de La Canica Teatro.

Las entradas para los espectáculos del festival, que comienzan a las 18:30 horas, cuentan con un precio único de 8 euros cada uno de ellos con la posibilidad de disfrutar de un descuento de cuatro localidades al precio de tres.

Las entradas para las citas en Cervera del Río Alhama, Arnedo, Calahorra y Fuenmayor se gestionarán a través de los Ayuntamiento de cada localidad. En el caso de las obras del Teatro Bretón, las entradas pueden adquirir en taquilla (día 25 de diciembre, cerrado), en horario de 11:00 a 14:00 horas y desde una hora antes del inicio del espectáculo los días que haya función en el teatro, por venta telefónica en el teléfono 941 207231 en el mismo horario de taquilla, o por Internet en www.teatrobreton.org

El concejal de Promoción de la Ciudad, Miguel Sainz, y el director general de Cultura, Roberto Iturriaga, han presentado el 42º Festival de Marionetas y Teatro Infantil, que este año ofrece una cuidada selección de hasta diez espectáculos que invitan a las familias a disfrutar del teatro y fomentar en los más pequeños la afición por este tipo de arte escénico. A través del programa Cultural Rioja, el Ayuntamiento de Logroño y el Gobierno de La Rioja continúan acercando la cultura a los más pequeños durante la Navidad, con un festival que ha demostrado ser un gran éxito en cada edición y una cita muy esperada en el calendario cultural infantil de La Rioja.

 Este año, el festival “ofrece una cuidada selección de cinco magníficos espectáculos que se representarán del 26 al 30 de diciembre en el Teatro Bretón de Logroño a los que se suman otras cinco citas que llegarán a las localidades de e, en un programa que contará con la participación de la compañía riojana Violeta y Péndula”, ha indicado Iturriaga. Un completo y variado programa teatral con el que, como ha destacado Iturriaga, “el Gobierno de La Rioja y el Ayuntamiento de Logroño quieren seguir impulsando la generación de nuevos públicos y acercando la cultura en general y la creatividad, la fantasía y la emoción del teatro y las marionetas a los más pequeños”.

 Por su parte, Miguel Sainz ha destacado que “este festival se ha consolidado en nuestra ciudad asociado a la Navidad y a la cultura diseñada para nuestro público infantil, tiene un emotivo carácter familiar, que llena nuestro teatro municipal de niños en torno a algo tan mágico como las marionetas”. En su opinión, “en una época plagada de pantallas, impactos audiovisuales e inmediatez, el festival se convierte en una oportunidad, el mejor regalo, para acercar a los niños a la fantasía a través de los títeres, un lugar donde poder disfrutar tranquilamente de una tarde de aventuras”.  

Obras galardonadas en diferentes festivales

El festival comenzará el 26 de diciembre con dos citas diferentes. Por un lado, en el Teatro Bretón de Logroño se representará la obra ‘Adiós Peter Pan’, de Festuc Teatre, “galardonada con el Premio Fetén 2019 al mejor espacio escénico y con el Premio al Mejor Espectáculo Infantil de la 21 feria de Teatro de Castilla y León”, ha indicado Sainz. Este espectáculo combina títeres y actores en una propuesta sensible y divertida que busca la complicidad de grandes y pequeños, prometiendo una experiencia cautivadora para disfrutar en familia. Se trata de un cuento de ahora y siempre basado en la historia de María, una niña que se pasa las tardes jugando a ser Peter Pan.

 Esa misma jornada, el salón de actos del Ayuntamiento de Cervera del Río Alhama acogerá la obra ‘Esto es un poema’, fruto de la unión de esfuerzos entre la experimentada compañía Los Titiriteros de Binéfar y la compañía riojana Violeta y Péndula. Unas verduras que quieren escapar de la nevera y recorrer mundo, junto a dos amigas que compiten por el primer puesto en un concurso de poemas, “protagonizarán una obra que invitará a reflexionar sobre la necesidad de aprender a disfrutar de la vida y ayudar al amigo aceptándolo tal y como es”, ha destacado Iturriaga.

 El 27 de diciembre, el Bretón de Logroño presentará ‘La biblioteca imaginaria’, de Teatro Arbolé, un espectáculo diseñado para transmitir a los niños el placer de la lectura y mostrar las bibliotecas como lugares mágicos, donde cada libro es un pequeño tesoro lleno de maravillas. En esta ocasión, Leocadia, una bibliotecaria, y Laura, pequeña e incansable lectora, viajarán a través de los libros y correrán grandes aventuras que las llevarán a diferentes mundos. Además, el público riojano podrá disfrutar ese mismo día del espectáculo ‘Las Cotton, de Anitta Maravillas & Portal 71, premio FETEN 2021 al Mejor espectáculo de títeres. La cita, recomendada para niños a partir de 5 años, será en el Teatro Cervantes de Arnedo en el que los espectadores podrán sumergirse en una historia inspirada en las luchas obreras de las mujeres en la industria textil de principios de siglo, buscando transmitir al público más pequeños conceptos adultos a través de los teatros de los títeres.

El sábado 28 de diciembre el festival se repartirá entre Logroño y Calahorra. Así, en la capital riojana se podrá ver la ‘Vía Láctea’ de El Cau de L’unicorn, una cita musical protagonizada por grandes marionetas y actores en luz negra, que destaca por su belleza visual y su música envolvente. Este espectáculo, ha apuntado Sainz, que “ha recibido numerosos premios y nominaciones y emociona tanto a los pequeños como a adultos, aborda temas como la diversidad, la autoestima y los miedos”. Argos es un planeta ubicado en el centro de la Vía Láctea, cuyos habitantes tienen una característica muy curiosa, cuanto más aprenden, más les crece la cabeza. A todos menos a uno, un niño llamado Karim.

Por su parte, el Ideal de Calahorra acogerá ese mismo 28 de diciembre la obra ‘Scrooge y la Navidad’, de Ñas Teatro, una adaptación teatral del clásico cuento de Charles Dickens será interpretada por tres actores que sumergen al público en el mundo onírico del personaje Scrooge, acompañado por los tres espíritus que le ayudarán a reflexionar sobre su avaricia. Una historia de la que se podrá disfrutar al día siguiente, el 29 de diciembre, en el Teatro Bretón de Logroño.

Además, durante esa jornada, el 29 de diciembre, el festival llegará al Teatro Gran Coliseo de Fuenmayor con la obra ‘‘La Isla del Tesoro’, de Panduro Producciones (Cesar Marmore), que cerrará al día siguiente, el lunes 30 de diciembre, el festival en el Teatro Bretón de Logroño. En este caso, los peques podrán acercarse al teatro con una adaptación con títeres que respeta tanto la trama como el espíritu original de la célebre novela. El joven Jim Hawkins trabaja con su padre en una humilde taberna del puerto de Bristol, donde conoce a un viejo marinero que le revela un secreto que le conducirá a vivir una maravillosa aventura de piratas.  Por su parte, el 30 de diciembre, el Teatro Bretón de Haro acogerla la obra ‘Chinchulina y el ruiseñor de la china’, de La Canica Teatro.  

Las entradas para los espectáculos del festival, que comienzan a las 18:30 horas, estarán disponibles a partir del miércoles 11 de diciembre, al precio único de 8 euros cada uno de ellos con la posibilidad de disfrutar de un descuento de cuatro localidades al precio de tres.

Las entradas para las citas en Cervera del Río Alhama, Arnedo, Calahorra y Fuenmayor se gestionarán a través de los Ayuntamiento de cada localidad. En el caso de las obras del Teatro Bretón, las entradas pueden adquirir en taquilla, en horario de 11:00 a 14:00 horas y desde una hora antes del inicio del espectáculo los días que haya función en el teatro, por venta telefónica en el teléfono 941 207231 en el mismo horario de taquilla, o por Internet en www.teatrobreton.org Del 20 al 25 de diciembre (ambos incluidos), la taquilla permanecerá cerrada.

Alcalá de Guadaíra se convertirá en el escenario del Festival de Artes Escénicas Transmutaciones 2024, que celebrará su tercera edición del 30 de septiembre al 4 de octubre. Bajo el lema “Encuentro, Arte, Territorio”, el evento, organizado por el Área de Cultura de la Diputación de Sevilla y el Ayuntamiento de Alcalá de Guadaíra, contará con la participación de artistas locales y nacionales en una programación diversa que incluye danza contemporánea, teatro clown, performances y talleres comunitarios.

El delegado municipal de Cultura, Christopher Rivas, ha subrayado la importancia de este festival como una plataforma para acercar las artes escénicas a la comunidad local. Los espectáculos y actividades se desarrollarán en varios espacios de la ciudad, como La Harinera, el Parque Centro, el Centro San Miguel y el IES Cristóbal de Monroy.

La primera actividad del festival será un taller titulado “Limit”, dirigido por la artista Mireia Miracle, directora, actriz, bailarina y clown, que se llevará a cabo del 30 de septiembre al 3 de octubre en La Harinera. La participación está abierta a todas las edades, con inscripción previa a través del correo oficial del festival, disponible en la página web del Consistorio.

Danza contemporánea y 'performances' de impacto

El 3 de octubre, el festival continuará con la presentación de “Latente”, un solo de danza contemporánea a cargo de la artista alcalareña Ana F. Melero. El espectáculo, que tendrá lugar a las 19.30 en La Harinera del Guadaíra, propone un viaje emocional en el que Melero explora los extremos del control y la pérdida, transformando la sutileza en energía explosiva.

Al día siguiente, el 4 de octubre, el público podrá disfrutar de “Rojo”, una pieza cargada de humor y poesía visual presentada por Mireia Miracle a las 19.00 en el Parque Centro. La obra narra la historia de una payasa que, tras salir de una maleta, invita a los espectadores a formar parte de su “familia” mientras enfrenta una frontera simbólica que le impide continuar su viaje. A través de un juego de improvisación y teatro gestual, “Rojo”, la obra aborda temas universales como las barreras emocionales y los límites físicos, utilizando el lenguaje del clown y la danza.

La jornada del 4 de octubre cerrará con la representación de “Solo queda caer”, de la compañía La Periférica, en el Centro San Miguel a las 20.30 h. Esta obra, una comedia oscura ambientada en un pueblo desolado, ofrece una ácida crítica social sobre las ambiciones políticas y la cultura del poder.

El festival también apuesta por la educación y la sensibilización de los más jóvenes hacia las artes escénicas. En esta línea, el coreógrafo David Vento presentará su obra “Indala” el 4 de octubre en el patio del IES Cristóbal de Monroy, en una función exclusiva para los estudiantes de este centro. Con esta iniciativa, el Consistorio busca fomentar el interés por las artes entre los adolescentes.

Una programación accesible y colaborativa

El cartel de esta edición de Transmutaciones 2024 ha sido diseñado por el estudio local Carmina, dirigido por María y Raúl, expertos en diseño gráfico y marketing, y Serafín Ordóñez de la imprenta SB Printer.

Rivas ha destacado que desde el municipio están muy satisfechos de sumarse a esta iniciativa, “que nos permite poner en valor la riqueza cultural de nuestra ciudad y facilitar el acceso a propuestas artísticas de gran calidad”. Además, alentó a los vecinos a participar activamente en los eventos y talleres programados.

Las muestras de los talleres serán de acceso libre, y las entradas para el resto de los espectáculos en Alcalá de Guadaíra estarán disponibles en la web oficial del ayuntamiento. Otras localidades de la provincia, como El Viso del Alcor y La Rinconada, también se sumarán al festival con actividades complementarias, ampliando así el alcance territorial del evento.

El musical El rey león se estrenó en la Gran Vía de Madrid en octubre de 2011. Doce temporadas en las que la representación de la mítica película de Disney ha juntado a más de cinco millones de personas en el teatro y se ha convertido en el musical más taquillero de la historia. Ahora, un promotor español con antecedentes por estafa ha sido condenado a casi seis años de prisión por representar una veintena de obras de teatro infantil muy similares a El rey león o Mary Poppins por escenarios de todo el país sin permiso de Disney. El regreso de Simba o Supercalifragilístico, dicen los jueces de Tribunal Supremo, se parecían lo suficiente a las obras originales como para considerar que cometió un delito contra la propiedad intelectual y la propiedad industrial. Aunque salieran gatos en vez de leones.

Los espectáculos sospechosamente parecidos al éxito de Disney empezaron a proliferar por teatros de toda España a lo largo de la primera mitad de 2014. El rey león, el musical infantil en el Teatro Musical de València y el Teatre Municipal Xesc Forteza de Palma. El Rey León, vuelve la leyenda en el Buesa Arena de Vitoria. Así hasta 21 representaciones también en Pamplona, Santiago de Compostela, Albacete, Aranjuez, Haro, El Sauzal, Aranda de Duero, Palencia, Arroyo de la Encomienda, Castelló e incluso el Gran Teatro de Cáceres.

Los espectáculos, todos con títulos, escenografías y promociones que recordaban directamente a El rey león o Mary Poppins, vendieron miles de entradas y las empresas promotoras recaudaron, al menos, un total de 270.000 euros en taquilla entre todas las funciones. A veces, buscaba establecer una mínima diferencia para evitar problemas: los personajes eran gatos en vez de leones y el protagonista, en lugar de Simba, se llamaba Kimba. Una de sus empresas se denominaba Simba Producciones

Todas las promotoras, entre ellas IMC Producciones y Simba, pertenecían al acusado e incluso pagaban a la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), pero no tenían permiso de Disney para sacar a escena a los protagonistas de sus películas. Ni para eso ni para usar canciones de El rey león y Mary Poppins, pero también de otras películas como Pocahontas o El jorobado de Notre Dame. Llegó, incluso, a registrar una de las obras aunque era una copia clamorosa.

Para entonces, este promotor ya tenía seis condenas a sus espaldas por estafa, apropiación indebida y falsedad documental que, entre otras, superaban los cinco años de presidio. Y según dijeron varios de sus antiguos colaboradores, estaba “obsesionado” con que sus espectáculos se parecieran lo máximo posible a uno de Disney. “Quítame los gatos, que yo quiero un rey león”, decía, según testigos, mientras presumía de haber ganado un juicio a la empresa estadounidense. No era cierto.

La compañía fundada por Walt Disney hace 100 años decidió llevarle a los tribunales después de comprobar que todas estas obras se habían estado representando entre 2014 y 2016 poniendo encima del escenario y en los carteles de publicidad toda clase de marcas registradas sin pagar ni un euro. El caso llegó a ser archivado en un primer momento, pero finalmente el juicio se celebró y el Tribunal Supremo, el pasado verano, confirmó lo que dijeron los jueces de la Comunitat Valenciana: que el promotor debe ser condenado a un total de cinco años y nueve meses de cárcel además de multas y la prohibición de trabajar en el mundo del teatro durante tres años y medio más.

Los “sucedáneos” de El Rey León

Ninguno de los jueces que ha estudiado el caso, desde la Audiencia Provincial de València hasta el Tribunal Supremo, dudan de que el acusado estuvo copiando durante años obras protegidas de Disney para tener éxito por teatros de todo el país, contratado por empresas privadas y por administraciones públicas. En un proceso judicial paralelo al penal, un juzgado de lo mercantil tuvo que exigirle que dejara de representar “sucedáneos” de El rey león y le condenó a indemnizar a Disney con casi 81.000 euros por infringir la propiedad intelectual de la empresa.

A lo largo del proceso, el acusado reconoció que no había adquirido los derechos y licencias necesarios para representar obras relacionadas con películas históricas de Disney, pero también que algunas de sus representaciones no era una copia. “El rey de la sabana”, una de ellas, “no tiene que ver con la de Disney”, defendió ante los tribunales sin éxito. Una vez el caso llegó a juicio, con Disney pidiendo hasta ocho años de cárcel para él, se encontró con otro problema: toda la gente que había trabajado con él en estas obras dejó claro que el objetivo era copiar a El rey león lo máximo posible.

“La puesta en escena de estas dos obras se parecía a los originales en cuanto a la vestimenta y diálogos, en un 100%; que los personajes eran los mismos que los de Disney; todo igual”, dijo uno de los testigos sobre dos de las representaciones que Disney llevó a los tribunales.

La Audiencia de València, la primera que sentenció el caso, entendió que su actitud fue “pertinaz y duradera” a la hora de representar obras muy similares a El rey león y Mary Poppins. Le consideró culpable, por un lado, de un delito contra la propiedad intelectual: cuatro años de cárcel y una multa de 8.400 euros. Por otro lado, de un delito contra la propiedad industrial: un año y nueve meses de cárcel más.

A su condena de cárcel, que tendrá que cumplir en prisión, se suma la condena económica. Tendrá que indemnizar a Disney con 40.000 euros y tiene prohibido ejercer durante tres años y medio en cualquier profesión relacionada con “la promoción y representación de obras teatrales”. El Tribunal Superior de Justicia de la Comunidad Valenciana rechazó su primer recurso y ahora ha sido el Tribunal Supremo el que ha confirmado su condena, dando luz verde a su entrada en prisión. “La intención del acusado era que la obra a representar se pareciera, lo máximo posible, a la original de Disney”, zanjan los jueces.

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El Teatro Circo Price de Madrid presenta Circo Price en Navidad, una producción única llena de magia y diversión cuyas entradas están a la venta desde el pasado 20 de octubre. El espectáculo se estrenará el próximo 25 de noviembre y estará en cartel hasta el 7 de enero.

La dirección de este montaje corre a cargo de Lola González y Bob Niko. González, coreógrafa y directora artística, es muy conocida en el ámbito televisivo. Entre 2008 y 2011, fue directora de escuela en el programa ¡Fama a bailar! de Cuatro. Ha colaborado con múltiples artistas y realizado la coreografía de distintos espectáculos en vivo y en televisión. En 2019, crea el proyecto Next Level con Bob Niko, especializado en últimas tecnologías para escenografía, sonido e iluminación. Junto a ellos, un fabuloso equipo de diseñadores y creadores se reúne para dar vida a una Navidad más brillante y divertida que nunca.

El cartel de este año ha sido creado por la ilustradora María Simavilla, con un diseño que refleja a los personajes principales del espectáculo. En palabras de la propia artista: “El cartel tiene algo muy Disney que no es que haya buscado conscientemente, pero ahí está. Pertenezco a una de las muchas generaciones que crecieron viendo estas películas de animación tradicional en las que la magia, la ilusión y el ‘todo es posible’ estaban siempre presentes”.        

Circo Price en Navidad lleva representándose desde 2006 y cada año sorprende con una nueva producción inspirada en el circo y las artes escénicas más actuales, siempre creada en exclusiva para esta época del año. Ha conseguido convertirse en una cita ineludible en la capital como lo demuestran los más de 60.000 espectadores que cada año visitan el espectáculo.

Una visita a diferentes mundos

Cuenta la leyenda que hace muchos años, en un lugar lejano entre las montañas gigantes, vivían cinco amigos. Lo que no sabían es que su mundo estaba a punto de cambiar; la luz, el color, la vida podían desaparecer. Los cinco amigos salieron a buscar el por qué, a explorar y reencontrarse con sus distintos lugares de origen. Allí conocerán a gentes muy diferentes que les irán guiando hacia la verdadera razón de su búsqueda. Visitarán el Mundo de la Música, el de la Risa, el Mundo Candy, el de los Espejos y el Mundo Skyline. Por el camino también encontrarán al Hombre Rueda que nunca para de girar...

El Ajuntament de Palma y el festival Atlàntida Mallorca Film Fest aproximarán la semana que viene la poesía a las bibliotecas de Pere Garau y de Nou Llevant y al Teatre Mar i Terra.

Según ha informado el Ajuntament de Palma este sábado en una nota de prensa, el área de Cultura de Cort, en colaboración con el festival Atlàntida Mallorca Film Fest, ha programado la semana que viene la actividad para niños de entre cuatro y diez años 'Petits Móns de Poesia'.

Esta actividad consiste en una proyección de unos 60 minutos hecha por jóvenes graduados de escuelas de animación francesas y se adentra a través de los poemas de reconocidos de autores como Guillaume Apollinaire, Jackes Prevert o Andrée Chedid en mundos fantásticos y llenos de color e imaginación. La actriz Aina Zuazaga será la encargada de doblar los poemas en vivo, que se recitarán junto con imágenes, en una sesión dinamizada por 'Viatge al món de n'Aina'.

El regidor de Cultura y Bienestar Social, Antoni Noguera, ha recordado que esta colaboración con Atlàntida Mallorca Film Fest permite dinamizar la red de bibliotecas municipales. “Acercamos la cultura a los más pequeños con actividades que contribuyen a que las bibliotecas sean espacios de encuentro en los barrios y antenas culturales de las barriadas”, ha dicho Noguera.

'Petits Móns de Poesia' se llevará a cabo el próximo lunes, 25 de julio, en el Teatre Mar i Terra; el martes, día 26, en la biblioteca de Pere Garau, y el jueves 28 en la biblioteca Nou Llevant. Todas las sesiones de 'Petits Móns de Poesia' tendrán lugar a las 11.00 horas.

En el marco del programa 'Niños' también se llevará a cabo el sábado 30 de julio, en el Teatre Mar i Terra, la actividad 'Jasmine y Jambo' con la participación de la Orquesta Sinfónica de Baleares.

La noche más dramática del año llega a la capital con toda una programación repleta de actividades que llenarán los escenarios a finales de marzo. Desde el viernes 25 al domingo 27, diferentes centros y salas de teatros acogerán obras, con propuestas que pasan desde una mayor cotidianidad desde la voz de Lope de Vega, pasando por reflexiones de política y llegando a obras mucho más contemporáneas.

Dando pistoletazo de salida a la agenda de obras de este fin de semana, En palabras de Lope llega el viernes con 35 minutos donde, por medio del testamento y cartas del autor, para acercar la memoria del célebre a sus espectadores de la Casa Museo Lope de Vega (C/ Cervantes). Cabe destacar, el mismo viernes, una pieza con danza y música en directo, una creación musical original que utiliza la voz como textura poética sobre una ciudad imaginaria que interpreta la compañía Colectivo Milímetro en Arquitecturas en movimiento desde el Círculo de Bellas Artes.

Y dando vida a las propuestas para el sábado, el Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte (Av. de la Cabrera) trae La Política como símbolo de un mandato y su pueblo que se agolpa para pedir explicaciones sobre la economía y sus guerras. La XXIII Noche de Max Estrella, por su parte, también aterriza en el Círculo de Bellas Artes para recuperar la noche histórica y dramática en su formato más virtual, recuperando poco a poco su programación en tiempos de pandemia.

El Centro Cultural Paco Rabal de la calle de Diego, por su parte, ofrece Territorio de Delirio 2022: 75 minutos donde la compañía de Emilia y Pablo traen un semillero de sal o un desierto de cuerpos entre los escenarios de un delirio musical, por medio del sonido de la voz y la guitarra que reflejan una “exasperación y rito” en su fórmula más poética durante el domingo 27, mismo día que El hombre que plantaba árboles acogerá a los visitantes del Real Coliseo Carlos III (calle de Floridablanca, 20) en un espectáculo de teatro musical de la compañía vasca Gorakada. Basado en la obra homónima de Jean Giono, abarcarán una propuesta ética para cambiar el mundo con toda una parábola.

Para todos los públicos, La Máquina Mística llega a Teatros del Canal en toda una experiencia sensorial e intelectual que analiza el estatus actual de la tecnología y sus vínculos con la espiritualidad y los nuevos rituales oraculares humanos una variedad de piezas que van desde la instalación a las proyecciones audiovisuales, de la mano de artistas como Filipe Vilas-Boas, Véronique Béland o Thierry Fournier. De cara a los más pequeños, Alas Teatralia sumerge a sus visitantes del domingo 27, también, en una obra de títeres e intérpretes sobre la amistad, guiados por un personaje humano con alas, Ángel, interpretado por un actor con discapacidad intelectual, que rompe el patrón desde el Centro Cultural Pilar Miró (Pza. de Antonio María Segovia) y pone uno de los broches de oro a todo un fin de semana de espectáculos para los más dramaturgos de la comunidad.

Suzanne Lebeau es una mujer mayor a la que miran ya más de setenta primaveras. Una vida dedicada al teatro para la infancia y la adolescencia. Hace treinta años esta mujer decide escribir una nueva obra para niños. Y decide hacerlo porque está harta de que se hable a los niños como “si fueran idiotas”. De ahí, nacerá Una luna entre dos casas, la primera pieza en el mundo creada para niños de tres años y que ha inaugurado el festival Teatralia en la sala Cuarta Pared de Madrid. Al igual que Peter Brook detectó otra manera de hacer teatro, Lebeau, con esta obra, dignificó un teatro en el que todo pasaba por válido y el niño era tratado como alguien que solo había que hablarle de ciertas cosas, de manera muy simple. La dramaturgia de esta canadiense, apoyada en la dirección de su compañero de vida, Gervais Gaudreault, funda el “teatro sagrado” para la infancia y la adolescenica, un teatro que mira al niño como ente pensante, no como alguien a quien educar, donde no hay temas tabú como la violencia o el suicidio, el miedo a crecer, la monstruosidad, la imperfección, la oscuridad, un teatro que se posiciona a la altura del niño y le habla de tú a tú.

Ambos canadienses, Lebeau y Gadreault, fundarían la compañía Le Carrousel y desde allí comenzarían a labrar obras que influirían en el teatro de todo el mundo y, especialmente, en España. Así, llegaría Gil en el 87, una obra para mayores de ocho años sobre un niño internado en un psiquiátrico; Cuentos de niños reales en el 90, una obra estructurada poéticamente como las dramaturgias más innovadoras del teatro europeo al modo de Heiner Müller, que habla al niño con un lenguaje culto y claro de problemas tales como el rechazo al que no sigue la norma y de niños torturan animales y siguen sin comprender qué significa el sufrimiento. Obras que rodarán por todo el mundo y cambiarán la forma de afrontar temáticas, lenguajes y condescendencias. Otros montajes vitales de esta canadiense fueron El ogrito (1997), Petite Pierre (2001), o El ruido de los huesos que crujen (2006), obra que aborda el tema de los niños soldados. Su impacto en el teatro en España ha sido decisivo. La obra que ahora llega a España, Una luna entre dos casas, ya tuvo aquí tres montajes diferentes. Uno iniciático en el año 1993 que hiciera el recientemente desaparecido Miguel Nieto, un montaje de títeres de la compañía Marionetas de la Esquina en 2006 y un tercero dirigido por Antonio Sarrió en 2008. Sarrio y su compañía Teatro Cambaleo introdujeron su teatro en España. Sus montajes de obras como Salvador o el El ruido de los huesos que crujen, hace cuatro años, han posibilitado que en España se pudiera conocer la potencia del teatro de esta quebequense.

Ahora, Lebeau sigue escribiendo. Su pareja, Gaudreault, ha dejado la dirección de la compañía para que entre sabia nueva. Marie-Eve Huot es la nueva directora de Le Carrousel y es quien firma el montaje que llega a España. El tiempo pasa y hay que reacomodar y centrar.

¿En que momento se encuentra de su carrera profesional, escribiendo mucho o en un periodo más reflexivo?

Me siento embarcada en un crucero nada confortable. No por haber dejado el Carrousel, esa ya lo hice hace unos años para liberar dinero y contratar a una joven directora artística. Además, Gervais acababa su mandato ese año como artista asociado de la compañía y es lo que tocaba. Pero ahora, las circunstancias son bastante difíciles. Sobre todo, a causa de la pandemia, que golpeó a los artistas quebequenses todavía más fuerte que a los canadienses o europeos. El 11 de marzo de 2020, vi, de un día al otro, morir mi vida activa: todos los proyectos se cancelaron. Y tenía muchos proyectos. Me quedé tan solo con la escritura y justamente cuando tenía tanto tiempo para escribir no tenía nada que decir. Veía como una rabia se iba apoderando de mí y no quería dejarla salir. Gervais, por su lado, nunca pudo completar sus proyectos de creación como artista asociado. Frontière nord, un texto corto, uno de mis favoritos, estaba en vía de volverse en un oratorio contemporáneo con nueve actores y coros de niños... Imagina las dificultades en tiempos de pandemia. Lo que estaba previsto hacer en dos años lleva más de cuatro y seguimos embarazados, no hay modo de parir. Y sigo así, cada día me muero de angustia de no poder escribir, de sentirme asfixiada por la manera que estamos tratando al arte en tiempos de pandemia. El silencio cansa mucho más que el trabajo. Así que no podría decir donde estamos... ¿en los limbos?

Cada día me muero de angustia de no poder escribir, de sentirme asfixiada por la manera que estamos tratando al arte en tiempos de pandemia

Su teatro nace del contacto con los niños, de trabajar con ellos para encontrar lenguajes y códigos que ellos acepten. En la pieza que se ha presentado en Madrid comenzó esa manera de trabajar la dramaturgia desde las escuelas, en talleres con los chavales. ¿Podría explicarnos cómo es esa manera de afrontar la creación de una pieza?

La obra Una luna entre dos casas marcó un cambio definitivo en mi manera de pensar y acercarme a la escritura. Antes, escribía desde el punto de vista del adulto que quiere compartir un saber con los niños... Con mucha benevolencia, pero siguiendo la vía tradicional que considera las relaciones entre niños y adultos como principalmente didácticas y de un único sentido, un sentido donde el niño es el que aprende y el adulto el que sabe. Durante aquel proceso tuve un hijo que me acompañaba a todos los espectáculos que iba a ver. Observaba sus reacciones y las de los pequeños. También trabajé con pequeños de 3 a 5 años en talleres de creación libre cuatro días a la semana. Releí a los pedagogos y psicólogos que estudiaron el desarrollo cognitivo de los pequeños y escribí la obra según lo que había observado y aprendido. La experiencia fue decisiva: me di cuenta de que escribir para los niños no es mirarlos desde arriba con un saber que no tiene nada que ver con el arte, sino arrodillarse y ver el mundo desde la misma altura que ellos lo ven. Después de haber escrito ese texto nunca escribí otro sin haber hecho talleres con los niños para acercarme a sus intereses, a su manera de hablar de un tema, a su posibilidad de identificarse con los personajes.

Entre las muchas cosas que destacan en su teatro por renovadoras está el tratamiento de la identidad y especialmente del género. En Una luna entre dos casas no se identifica el sexo de los personajes, en Gretel y Hansel, otra de sus obras más recientes, hay una inversión en quien cuenta y desde donde se mira. ¿Podría explicar cómo aborda su teatro este tema?

Cuando presentamos el texto en 1980, ya las actrices actuaban personajes que hablaban con el “il ” francés, es decir el masculino... O utilizaban el neutro pues no había entonces el famoso “iel” (nuestro “les”) que nunca podré utilizar. Esa decisión no tenía nada que ver con las cuestiones de género sino con la identificación. Yo quería permitir a los niños identificarse con el personaje por su comportamiento, por su manera de estar al mundo y no por su género. La diferencia entre niños de 3 y de 5 es tan importante, tan grande en sus aprendizajes. Pensé que no hablar de género permitiría a los niños identificarse con el personaje de una manera más cercana. El espectáculo ha funcionado tan bien con los pequeños que algo hizo clic ahí, nunca oí un comentario sobre género entre quienes vieron la obra y ya son más de treinta años haciendo la función. Pero en mi escritura si hubo un cambio determinante en un momento dado, una decisión irrevocable. Al principio casi todos mis protagonistas eran varones: Ti-Jean, Salvador, El Ogrito, Petit Pierre. Pensaba, lo pienso todavía, que los niños varones no tienen la misma disponibilidad al teatro que las chicas, entonces de manera bastante inconsciente siempre elegía protagonistas masculinos. Después me di cuenta que hay más actrices que actores y menos papeles para mujeres en el teatro para niños. Y tomé la decisión de siempre escribir protagonistas femeninas tan fuertes que aun los chicos pudieran identificarse. Así en mis últimos textos desde El ruido de los huesos que crujen, todas las protagonistas son femeninas. Y por eso cambié la historia de Hansel y Gretel en Gretel y Hansel, en donde Gretel es el personaje que tiene el papel decisivo en la acción dramática.

Los niños saben todo de la vida, nacen llorando para exigir cuidados, conociendo una gama de emociones agradables y desagradables, la envidia, la rabia, el miedo... Estoy segura de que todos los niños de cinco años saben que hay guerra en Ucrania

El otro día pude asistir a un montaje magnífico de la compañía española Teatro Paraíso junto a mi hija de cinco años. Justo en el mismo teatro en el que se va a dar su obra en estos días. En la obra, Único, un niño no acepta nada bien tener una hermanita pequeña. El niño acaba por deprimirse, no quiere levantarse, y llega a decir que no tiene más ganas de vivir. En ese momento, en tanto que padre, tuve miedo de la dureza de lo que estaba oyendo mi hija, si podía comprender lo que estaba pasando. Quieres protegerla. ¿Qué le diría a los padres que atraviesan por esas fases de querer proteger y, en cierto modo, censurar?

La tentación de proteger a los niños de la vida misma es natural... Pero es una causa perdida. Los niños saben todo de la vida, nacen gritando, llorando para exigir cuidados, conociendo una gama tan extendida de emociones agradables y desagradables, conocen la envidia, la rabia, el miedo... Y además saben todo de lo que pasa al otro lado del mundo, más allá de su casa y su barrio. Estoy segura de que todos los niños de cinco años saben que hay guerra en Ucrania... Se habla en la radio, la televisión, los papeles, está por todos lados con títulos en grandes letras que uno puede ignorar. Alguien, no me acuerdo quién, decía: detrás de cada puerta cerrada hay un niño escondido que escucha.

Su relación con España ha sido intensa. ¿Qué ha significado esta relación en su carrera? ¿Cómo ve que ha cambiado el teatro para niños en los último años en España?

El encuentro con España fue un golpe de corazón. Era yo la única extranjera en la primera edición de Teatralia organizada por Carlos Laredo cuando todavía el teatro para niños no tenía la fuerza y la vitalidad de hoy. Di un taller de escritura dos o tres años después donde encontré a Antonio Sarrio con el cual tengo todavía un apego que nunca cesará, el que decidió montar Cadena de montaje, único texto escrito para adultos después de haber presentado a su público El ruido de los huesos que crujen. Fui invitada a dar una ponencia con Itziar Pascual... quién escribió Las huellas de la esperanza... Ese libro me permitió aprender mucho sobre mi propia escritura. Fui tantas veces a Teatralia, invitada con o sin espectáculo, por su directora Lola Lara, que pude ver los cambios en la escritura tan rápidos, en las formas, en los estilos varios, que se estaba produciendo en la dramaturgia española. Pude constatar el papel determinante de los talleres y conferencias que organizaba Teatralia… Siempre digo que para mí, ir a España es como tomar un gran vaso de sangre caliente para un vampiro. El teatro para niños en España se ha convertido en modelo para el mundo. Es uno de los más diversos y de los más interesantes. Sigo leyendo textos de jóvenes autores españoles con inmenso un placer.

El teatro para niños en España se ha convertido en modelo para el mundo. Es uno de los más diversos y de los más interesantes. Sigo leyendo textos de jóvenes autores españoles con inmenso un placer

Cuando se tiene la suerte de poder asistir a una buena representación teatral para niños, uno se da cuenta de la fuerza de este teatro donde el encuentro entre la escena y el público es tan peculiar. ¿Podría intentar explicar qué pasa en ese momento de verdadero encuentro? ¿Qué tiene el niño espectador que su mirada es capaz de elevar tanto en hecho teatral?

La relación del niño con el teatro es una relación natural. El niño juega como el actor lo hace, los dos lo hacen seriamente. Jugando, el niño está aprendiendo el mundo al igual que el teatro intenta descifrar ese mundo. Niños y actores habitan un presente, fluyen en un tiempo que nunca más se repetirá ni será igual. El teatro para mi es un momento sagrado. Y los niños, cuando sienten que están siendo considerados como seres humanos capaces de descifrar las contradicciones de este mundo donde las emociones y las situaciones nunca son sencillas, donde las preguntas son mucho más interesantes que las respuestas, cuando el teatro le ofrece contenidos existenciales que le hablan de la vida... Ahí, lo niños son captados con una intensidad que rara vez los adultos logramos alcanzar. Los adultos siempre oscilamos entre el análisis de lo que estamos viendo y la tentación de estar totalmente atrapados por la emoción. Es verdad, frente a un espectáculo para niños fuerte y bueno hay un fenómeno único que se produce. Un tiempo suspendido como solo los niños saben hacerlo.

¿Qué es lo que nunca se le puede decir a un niño en un teatro?

Una sola palabra: nada. Lo único importante es adoptar la mirada del niño al que queremos hablar, tocar.

El Ayuntamiento de Caravaca de la Cruz organiza el ciclo ‘Teatro menudo en pedanías’, compuesto por espectáculos y representaciones destinadas al público infantil y juvenil que se pondrán en escena en los distintos salones sociales. La nueva programación, que se prolongará durante todo el año con acceso gratuito, comienza este sábado, 19 de febrero, con dos propuestas distintas en Benablón y Singla.

Durante la presentación de este ciclo, el concejal de Cultura, Juan Manuel de León, ha señalado que “desde el Ayuntamiento continuamos apostando por descentralizar las actividades del casco urbano para acercarlas a los vecinos de pedanías”. “Además, pensamos que la recuperación de este ciclo -que llevaba años sin celebrarse- dentro de la programación cultural municipal era un aspecto importante para fomentar desde edades tempranas la afición al arte del teatro”, ha señalado.

El ‘Teatro menudo en pedanías’ se inicia con la puesta en escena del cuenta cuentos teatralizado ‘La ovejita que vino a cenar’, este sábado, 19 de febrero, a las 12.00 horas, en el Salón Social de Benablón. Este mismo día, a las 18.00 horas, el ciclo se trasladará hasta el Salón Social de Singla con la obra ‘Los tres cerditos’.

El ciclo continuará con los siguientes espectáculos: ‘Cantacuentos. Instrumentos, cuentos e imaginación’ (13 de marzo, 18.00 horas, en Pinilla), ‘La ratita presumida’ (9 de abril, 18.00 horas, en Archivel), ‘La ovejita que vino a cenar’ (14 de mayo, 18.00 horas, en Caneja), ¿Magia o ciencia? (26 de junio, a las 19.00 horas, en Los Prados), ‘Cantacuentos. Instrumentos, cuentos e imaginación’ (30 de julio, a las 19.00 horas, en El Moralejo), ¿Magia o ciencia? (6 de agosto, a las 19.00 horas, en el Moral), ‘Cantacuentos. Instrumentos, cuentos e imaginación’ (13 de agosto, a las 19.00 horas, en Los Royos), ‘Caperucita Roja’ (17 de septiembre, a las 19.00 horas, en Barranda), ‘Canta, juega y baila’ (8 de octubre, a las 18.00 horas, en Navares), ¿Magia o ciencia (12 de noviembre, a las 18.00 horas, en La Almudema) y ‘La cigarra divertida’ (10 de diciembre, a las 18.00 horas, en La Encarnación).

Continúa la programación en Teatro Thuillier

Además de anunciar la nueva programación cultural infantil para las pedanías del municipio, el concejal de Cultura ha recordado que “la colaboración establecida entre el Ayuntamiento de Caravaca de la Cruz y el Instituto de Industrias Culturales de la Región de Murcia (ICA) ha permitido que el Teatro Thuillier de la localidad quede integrando este año en el Circuito Profesional de Artes Escénicas para ofrecer programaciones semestrales de calidad y continuadas durante todo el año.

La próxima representación en el Teatro Thuillier será este sábado, 19 de febrero, a las 19.30 horas, de la mano de la reconocida actriz Pepa Rus, que llegará a Caravaca de la Cruz para representar la comedia ‘Viva la Pepa’. Las entradas están disponibles para su compra anticipada online en la página web www.teatrocaravaca.es y las localidades libres se podrán adquirir en taquilla dos horas antes del inicio de la función.

El edil Juan Manuel de León ha dicho que, “tras dos años condicionados por las restricciones de la pandemia, todos hemos recapacitado sobre el papel esencial que juega la cultura en la sociedad, por lo que ahora más que nunca debemos apoyar con nuestra presencia a un sector que, para proteger la salud de todos, ha atravesado una etapa muy difícil”.

El Ayuntamiento de Calasparra presenta dentro de su programación extraordinaria de Navidad el próximo lunes 4 de Enero , a las 17,30 horas, la obra ‘Nube, Nube’, de la compañía Periferia Teatro (galardonada con el Premio Feten 2020 al Mejor Espectáculo de Títeres y Objetos). La pieza teatral se representará en el Auditorio Municipal.

‘Nube Nube’ es un espectáculo sin palabras, de actrices y marionetas (para público familiar y escolar a partir de 4 años); es un juego poético donde, con humor y amor, se habla a través del gesto, el movimiento, la luz y la música de lo que somos capaces de dar para ayudar a los demás, explican desde el Consistorio de Calasparra.

Luz es un pequeño ángel que vive feliz en su cielo y pasa el tiempo creando diferentes formas con las nubes que luego lanza al aire. Un día cae un aviador en su avión averiado y Luz se enamora de él. El aviador está triste, quiere volver a su casa y no sabe cómo hacerlo, su avión está estropeado. Luz al verlo tan triste le da sus alas para que él pueda regresar. Luz queda sola, triste y apagada porque el aviador se ha marchado. Ya no puede volar de nube en nube y en un salto cae hacia la tierra.

El espectáculo se desarrollará con todas las medidas requeridas por las autoridades sanitarias. Es obligatorio el uso de la mascarilla, habrá gel hidroalcohólico en las entradas al recinto, que contará con un aforo reducido. La sala estará abierta 45 minutos antes del inicio del espectáculo. Y el precio de las localidades es de 2 euros.

La Diputación de Guadalajara llevará este verano, a través del programa Dipuactiva, proyecciones de cine, representaciones de teatro clásico y espectáculos culturales de animación infantil, juvenil y familiar a un total de 88 pueblos de la provincia, de forma totalmente gratuita para sus ayuntamientos.

Las actividades son: 30 proyecciones cinematográficas, 18 representaciones de teatro clásico y 40 sesiones del espectáculo cultural de animación infantil, juvenil y familiar. La designación de los pueblos a los que pueden llegar estos espectáculos se ha realizado por sorteo entre los municipios solicitantes.

Para distribuir la actividad concreta y la fecha en que llega a cada pueblo, durante los meses de agosto y septiembre, el Servicio de Cultura de la Diputación está confeccionando el calendario completo atendiendo a las preferencias de cada uno de los alcaldes y alcaldesas. En próximos días podrá consultarse el calendario definitivo por pueblos, fechas y espectáculos en la página web de la Diputación Provincial.

El desarrollo de todas las actividades de Dipuactiva se ajustará a las condiciones de prevención y seguridad frente a la pandemia del COVID-19 exigidas en la actualidad por las autoridades sanitarias. Todas ellas pueden celebrarse al aire libre o en sala cubierta, a voluntad de los ayuntamientos. En este enlace puede consultarse toda la programación.

Escena Miriñaque presentará la obra 'Iglú' este martes y el miércoles, 28 y 29 de noviembre, en la campaña escolar del Palacio de Festivales, con doble función a las 10 y 12 horas en la Sala Pereda.

Con Iria Angulo y Patricia Cercas, 'Iglú' es una obra de Blanca del Barrio recomendada a partir de cinco años.

Todo ha cambiado tanto. Ni el mar ni el cielo ni las montañas están tal y como siempre habían estado. Nuka y Malik sentían esa mañana que todo estaba desapareciendo, que deberían abandonar la vida que había sido hasta ahora la de su tribu: los inuits.

No encontraban la pista de los renos, las costas se hundían y los animales del mar ya no se acercan a sus limadas playas, cada vez hay menos hielo y más mar.

No habíamos hecho caso. Estos cambios se habían insinuado lentamente hacía mucho tiempo, la mayoría de las gentes nos habíamos acostumbrado a ver cómo todo se rompe. Esto es así: el Ártico desaparece.

Entre los deshechos que arriban a la banquisa, rescatamos a Akku, híbrido personaje reciclado de materiales inútiles, que nos devolverá la esperanza y la importancia de cuidar nuestra Tierra.

Empieza la primavera infantil en el Palau de la Música, con el debut de “Los Titiriteros de Binéfar”, Premio Nacional Artes Escénicas de Infancia y Juventud. Una Compañía de reconocido prestigio que presentará el sábado 25 (17.00 y 19.00 horas) y el domingo 26 (12.00 y 17.00 horas), su último espectáculo “Canciones de los titiriteros”.

Se trata de una gran fiesta dentro del Palau destinada a las familias, con música popular y tradicional de todas las infancias, combinada con títeres y otros elementos plásticos. Esta propuesta de ocio familiar está dirigida por Paco Paricio, con los titiriteros-músicos Eva Paricio, Faustino Cortés, Quiri Aquilué, Pablo Borderías y Marta Paricio.

Para la puesta en escena contarán con canciones tan conocidas y entrañables como “La Despelona”, “Un elefante se columpiaba”, “La portera de mí casa”, “Sardinas”, “El mundo al revés”, “Sobre las ruinas”, y otros temas de la cultura popular como “Periquituli”, “A jugar!”, “Una, dole...”, “Antón pirulero”, que estos juglares de la infancia conservan y transmiten desde hace 30 años por toda España, Europa, América y Asia. Todo ello con la participación del público que creará una conexión directa con los artistas.

Esta Compañía ha recibido premios internacionales en el Certamen Villa de Madrid, Festival de la Vall d'Albaida, Festival Internacional de Pécs (Hungría) y mejor espectáculo en el Festival Internacional de Títeres de Praga (República Checa), entre otros, y han participado en el Festival Jim Henson de Nueva York.

Jugar a realizar versiones de los clásicos es una costumbre en el teatro. Las obras que han marcado un antes y después siempre se adaptan, sea su trama o alguno de sus personajes más relevantes. Esta vez, y de la mano de Chema Cardeña y de Redola Teatre, se hace una adaptación muy particular de Shakespeare.

Así, los espectadores de la Sala Russafa serán testigos de un salto temporal inédito del mítico personaje denominado 'Hamlet-Jaipur'. Y que consiste en trasladar a Shakspeare desde la corte monárquica de la Dinamarca anterior al cristianismo a la convulsa India del 1946. Eso sí, encarnado en Harjinder, un joven indio que pelea por la independencia frente al imperio del Reino Unido. Todo, mientras se enfrenta al drama personal de asumir la muerte de su padre y sus efectos desoladores.

El director y dramaturgo ha creado un nuevo personaje, encargado de introducir la trama histórica. También ha adaptado el argumento original a la filosofía, religión y orografía hindús. Con ello, se eliminan conceptos como el monoteísmo y los fantasmas, y aparecen otros más propios de la cultura del país asiático. Un ejemplo de ello es la conexión astral mediante la que se encuentran Hamlet/Harjinder y su difunto padre.

Los jóvenes intérpretes Miguel De Aguilar, Pepe Mira, María Muñoz, Cristina Oliva, Raúl Pont, Miguel Serrano, Belén Tejedor, Omar Sánchez, José Ramón Torres y José Zamit serán los actores que darán vida a una historia original. Y que encierra, a su vez, su lado más atrevido y descarado con el cuerpo humano como protagonista. Desnudos en escena y una apuesta destacada por la expresión corporal -característica de las artes escénicas indias- son sus rasgos principales.

La pieza no es lo único que ofrece este fin de semana la Sala Russafa. En su apuesta por combinar teatro para un público adulto y para niños llega a la sala la obra 'Aventura en Entelequia'. Se trata de un espectáculo del grupo valenciano de improvisación 'Què farem?'. Diez actores recrean en esta historia un mundo fascinante de los relatos infantiles para incentivar la curiosidad lectora entre los más pequeños. Qué les pique la curiosidad de las letras es el objetivo.