'Solo Goya. El arte de ver' es el título de la exposición inaugural del ampliado y renovado Museo Goya de Fundación Ibercaja. La muestra está compuesta por casi medio centenar de obras procedentes de los principales museos y colecciones del mundo, a través de las cuales se recoge la forma que tenía el aragonés más universal de mirar a la sociedad de su tiempo.

El Museo Goya ha permanecido cerrado por obras durante 656 días y reabrirá al público este viernes, 9 de octubre, con unas instalaciones transformadas y adaptadas al siglo XXI en las que los visitantes encontrarán experiencias inmersivas, realidad virtual y múltiples recursos interactivos para descubrir al detalle la obra de Francisco de Goya.

Más allá de la colección permanente, que incluye nuevas incorporaciones, el ampliado espacio expositivo temporal se estrena con 'Solo Goya. El arte de ver', una muestra única que traslada al visitante hasta la mirada de Francisco de Goya, con su crítica, su autenticidad, sus luces y sus sombras presentes a lo largo de todo el recorrido.

Para articular esta muestra se ha conseguido traer al Museo Goya en Zaragoza pinturas del Museo Nacional del Prado, Patrimonio Nacional, la Galería de los Uffizi, el Museo Thyssen-Bornemisza, la National Gallery de Londres, la Hispanic Society of America, el Museo Nacional de Oslo, el Detroit Institute of Arts, el Museum of Fine Arts de Budapest, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando o el Museu de Arte de São Paulo, además de destacadas colecciones particulares españolas y europeas.

El presidente de Fundación Ibercaja, Amado Franco, junto al director general de la entidad, José Luis Rodrigo, y el comisario de la muestra, Luis Fernández-Galiano, ha intervenido este jueves en la reinauguración del Museo Goya y presentación de 'Solo Goya. El arte de ver'.

Amado Franco ha subrayado la “oportunidad” que supone contemplar las obras que conforman 'Solo Goya. El arte de ver': “Goya cambió la manera de mirar de su tiempo y nuestra obligación es conseguir que siga cambiando la nuestra”.

Para José Luis Rodrigo, la “transformación” del Museo Goya “necesitaba una exposición inaugural a su altura”, como 'Solo Goya. El arte de ver', enfatizando en que el recorrido por esta muestra “propone una reflexión sobre la capacidad de observación” del maestro de Fuendetodos“ y ”la extraordinaria modernidad de su mirada“.

Más que un recorrido cronológico por la trayectoria del artista aragonés, la exposición propone una aproximación a su forma de observar la realidad. En este punto, el comisario de la muestra ha explicado que el título 'Solo Goya' alude a que “exclusivamente” está integrada por obras del maestro, mientras que la segunda parte, 'El arte de ver' “es un pequeño homenaje” al que fuera su amigo, Juan Agustín Ceán Bermúdez, que tradujo el libro de milicia al castellano y le puso ese título.

La excepcionalidad de reunir estas obras en el Museo Goya convierte esta exposición en una ocasión difícilmente repetible para contemplar reunidas algunas de las obras más relevantes de Goya conservadas fuera de Zaragoza.

Entre ellas, destacan piezas icónicas como 'La duquesa de Alba', 'La Tirana', 'La marquesa de Villafranca pintando a su marido', 'El quitasol', 'El albañil herido' o el célebre 'Autorretrato en el taller', junto a otras obras fundamentales que permiten recorrer toda la riqueza y complejidad de su producción artística.

Luces, sombras y condición humana

El comisario ha contado que el discurso expositivo responde a “la morfología del edificio” y se articula en torno a tres grandes ámbitos.

La primera parte, 'Las luces y las sombras', contrapone las escenas luminosas de los inicios del pintor con las imágenes más profundas, inquietantes y críticas de su madurez. Este espacio muestra cómo ambas dimensiones convivieron siempre en la obra del artista. En concreto, el visitante se adentrará “en esa doble cara de Goya, el artista luminoso de sus inicios, de los cartones, encantador, pero que también tiene un rasgo oscuro y dramático en la etapa final de su carrera”, ha apuntado Fernández-Galiano, que ha apostillado que el aragonés fue “un hombre de ilustración que no solamente recogió ese testimonio luminoso de las luces, sino también la parte más oscura de esa transformación intelectual e histórica”.

Obras como el tapiz 'El quitasol', procedente de Patrimonio Nacional, el cartón 'El albañil herido', del Museo del Prado, o la obra 'La Merienda, de la National Gallery de Londres dan cuenta de esta idea. En ese tránsito a las sombras, destaca 'Caníbales descuartizando a sus víctimas', del Musée des Beaux Arts et Archéologie de Besançon.

La segunda parte, 'El poder del retrato', reúne una extraordinaria galería de personajes pertenecientes a la aristocracia, el ejército, la Iglesia o la burguesía. Más allá de representar a sus modelos, Goya logró revelar su psicología, sus contradicciones y su lugar en el mundo, convirtiendo cada retrato en un estudio sobre la naturaleza humana.

En esta sección, sobresalen dos de sus obras maestras: 'La Duquesa de Alba' de 1795, procedente de la colección de la Casa de Alba; y 'La Tirana', depositada en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. También se pueden admirar la obra 'María Teresa de Vallabriga a caballo', de la Galería de los Uffizi, además de los dos primeros retratos que Goya realizó a la burguesía: María Vicenta Barruso Valdés y su madre Leonora Valdés de Barruso.

Y desde el Museo de Detroit ha llegado el retrato a 'Amalia Bonells de Costa'. En este área se incluyen piezas protagonizadas por personajes masculinos, como 'Don Antonio Raimundo Ibañez', del Museum of Art de Baltimore; 'El General Nicolas Philippe Guye', del Museum of Fine Arts en Virginia, o 'Don Juan Antonio Llorente', del Museo de Arte de Sao Paulo.

Finalmente, 'Los lazos del afecto' se adentra en el ámbito más personal del artista a través de retratos de familiares, amigos y personas cercanas, generalmente realizadas en pequeño formato.

De modo que en esta zona se encuentra el 'Autorretrato en el taller', de la Real Academia de Bellas Artes San Fernando; 'El tío Paquete', del Museo Thyssen; el 'Retrato de Pedro Mocarte', de la Hispanic Society; así como los retratos de sus consuegros Martín Miguel de Goicoechea y Juana Galarza de Goicoechea, de la Colección Abelló.

Goya, referente en la actualidad

La exposición parte de una reflexión esencial, que la modernidad de Goya no reside únicamente en las obras de sus últimos años, sino en el conjunto de una trayectoria artística atravesada por el espíritu crítico.

Testigo del derrumbe del antiguo régimen y del nacimiento de una nueva época, Goya observó con lucidez los cambios políticos, sociales y culturales que transformaron Europa. Esa capacidad para analizar su tiempo y cuestionar las certezas establecidas ha convertido su obra en referencia para generaciones posteriores de artistas y pensadores.

Goya pintó su tiempo, fue un retratista y fue un cronista de su tiempo, pero su tiempo era muy parecido al nuestro. Eran tiempos convulsos, de transición“, ha contado Fernández-Galiano, para incidir en que ”mirar a Goya es también mirarnos a nosotros mismos“, porque ”no solamente fue un gran pensador, su mirada desborda exclusivamente lo que podemos llamar artístico, es intelectual, es capaz a través de las imágenes de hacernos pensar de otra manera“.

Fundación Ibercaja ha editado un libro catálogo que reúne las obras expuestas y diversos ensayos que profundizan en la figura y legado de Goya. La programación se completa con el ciclo de conferencias se extenderá hasta el mes de diciembre, junto con las visitas guiadas y actividades didácticas.

La Fundación Ibercaja ha impulsado la primera y única creación musical dedicada a Francisco de Goya y Lucientes, 'Sinfonía Goya', una obra de Joan Valent que se inspira en la vida y obra del pintor aragonés, en sus diferentes etapas, tensiones, contrastes y emociones, sin dejar de lado la sordera que padeció en sus últimos años de vida y ha servido de principal hilo argumental para la composición.

Se trata de una obra de 47 minutos de duración, requiere un total de 110 músicos sobre el escenario para su interpretación y el director general de Fundación Ibercaja, José Luis Rodrigo, la ha definido como una composición “espléndida, majestuosa, inspirada en la vida y en la obra del pintor”, con una partitura “que no ilustra a Goya, sino que dialoga con él”.

La presentación de 'Sinfonía Goya' ha tenido lugar este lunes en el Patio de la Infanta, en Zaragoza, donde se ha podido escuchar un breve fragmento de la obra musical. La rueda de prensa ha contado con la participación del director general de Fundación Ibercaja, José Luis Rodrigo; el compositor Joan Valent; el director Grzegorz Nowak; y el presidente de Subterfuge Classics, Carlos Galán.

Francisco de Goya “ha sido pintado, escrito, filmado, estudiado, discutido y admirado en todas las lenguas, pero no tenía sinfonía”, ha expresado José Luis Rodrigo, así que “nos pareció una ausencia que había que reparar y decidimos hacerlo encargando la obra, asumiendo el riesgo y confiándoselo a un compositor de primer nivel”, Joan Valent, una figura “absolutamente consolidada”. La creación de esta propuesta inédita se enmarca en el 150 aniversario de Fundación Ibercaja.

El aragonés más universal “es imagen y necesitábamos un compositor acostumbrado a pensar en imágenes, capaz de traducir a sonido lo que un pintor dejó dicho en un lienzo o en un grabado”, ha precisado José Luis Rodrigo, quien ha reconocido en la música de Valent “una gran belleza melódica, una luminosidad casi mediterránea y una capacidad muy poco común para la sombra, para lo inquietante, para lo que no se dice, luz y sombra”. También “tiene el oficio sinfónico para sostener una obra de esta escala, que exige saber escribir para una gran orquesta y para una voz solista”, ha añadido.

En este punto, José Luis Rodrigo ha rememorado que fue en el invierno de 1792 cuando Francisco de Goya, que tenía 46 años y ya era pintor de Cámara, “viajó a Andalucía, donde cayó gravemente enfermo. Estuvo semanas entre la vida y la muerte. Sobrevivió, pero se levantó de aquella cama completamente sordo”.

“Goya vivió 35 años más” y vieron la luz las pinturas negras, numerosos retratos y sus series de grabados 'Los Desastres de la Guerra' o 'Los caprichos', “lo mejor de su obra”, ha resumido Rodrigo, para agregar: “234 años después de aquel invierno esta Fundación ha encargado una sinfonía para él”, de modo que “el pintor que pasó media vida en silencio va a tener por fin su música. No la escuchará, pero la escucharemos nosotros y la escucharán los que vengan detrás”.

Cuatro movimientos en torno a su mirada

La 'Sinfonía Goya', se adentra en la visión que el artista ofreció en sus diferentes etapas, con las tensiones, contrastes y emociones y supone una relectura contemporánea a este recorrido, más allá de una ilustración o un acompañamiento literal a su obra pictórica.

Está estructurada en cuatro movimientos: I. Tinnitus / Los Caprichos / Saturno, II. Regreso a la Luz / Lo Femenino, III. La Lechera de Burdeos, y IV. Los Desastres de la Guerra. El recorrido musical abarca desde la crítica social presente en sus Grabados hasta la oscuridad más radical de su última etapa, pasando por la intimidad, la belleza y la tragedia histórica que caracterizó a algunas de sus Estampas.

Su interpretación exige 110 músicos sobre el escenario, lo que la convierte en “una gran obra sinfónica en el sentido más pleno, con la escala, la ambición y el despliegue que la figura de Goya merecía”, ha destacado Rodrigo. La obra dura exactamente 47 minutos y su partitura contiene 1.045 compases, 75.861 notas y 15.014 silencios.

Valent ha relatado que la creación de 'Sinfonía Goya' le ha llevado “un año y medio”: “Compré todos los libros que había de Goya en la tienda del Museo del Prado y después de mucho leer, informarme y estudiar su vida y pensamiento, su perfil humano, hubo algo que me atrapó: cómo sonaba el mundo para alguien que lo pintaba de esa manera y no lo podía oír”.

“Este es el argumento de la sinfonía: cómo suena el mundo de Goya, lo que no podía oír él. El mundo de la sordera es algo que me apasionó”, ha comentado Valent, que ha detallado que en la sinfonía “hay un factor que es el 'tinnitus', ese sonido fijo que siempre oye en la gente que no puede oír. La sinfonía empieza así y es algo que se va repitiendo periódicamente”.

Sobre la incorporación de la soprano Sabina Puértolas, Joan Valent se ha referido a 'La lechera de Burdeos', “un cuadro de una luminosidad fantástica” que pintó poco antes de su muerte y que llama la atención porque “no se le ven las manos y Goya era famoso por ser un gran retratista de manos”. “En cierto modo, se adelanta cien años al modernismo y lo que hago es que 'La lechera de Burdeos' le cante a él ese poema de 'Bellas sombras'”, ha especificado.

Por otro lado, 'Sinfonía Goya' alterna “lenguaje contemporáneo con el tonal, a veces cercano al mundo postromántico y otras está en un mundo completamente polirítmico. Va de un mundo a otro, pero va con fluidez”, ha descrito el compositor.

Estreno en Zaragoza y Madrid

'Sinfonía Goya' es una creación artística inédita y la única en el mundo dedicada a Francisco de Goya que se representará por primera vez en exclusiva el día 2 de octubre, a las 19.30 horas, en la Sala Mozart del Auditorio de Zaragoza, interpretada por la Orquesta Clásica Santa Cecilia y bajo las órdenes del director de la Royal Philharmonic Orchestra de Londres, Grzegorz Nowak, con la participación de la soprano Sabina Puértolas, quien canta en el tercer movimiento --titulado 'La Lechera de Burdeos'--.

Tres días después, recalará en Madrid, con la interpretación que se llevará a cabo el 5 de octubre, a las 19.30 horas, en el Auditorio Nacional de la capital española. Tras su interpretación en primicia en Zaragoza y Madrid, la 'Sinfonía Goya' se lanzará el 6 de octubre a través del sello discográfico Subterfuge Classics y podrá escucharse en Spotify, Apple Music, Amazon y YouTube.

Por su parte, Carlos Galán ha reflexionado sobre la “declaración de intenciones” que supone para el sello discográfico que preside publicar esta obra : “Quizás porque vivimos rodeados de ruidos y contenidos que duran unos segundos, que aparezca alguien proponiéndonos 47 minutos para escuchar, mirar hacia adentro y enfrentarnos a Goya, a la sordera, a la belleza y finalmente a la guerra, sin ofrecernos un final tranquilizador, nos recuerda algo tan incómodo como profundamente goyesco, que de la guerra no necesariamente aprendemos nada”.

Dirección de Grzegorz Nowak

Grzegorz Nowak, director permanente asociado de la prestigiosa Royal Philharmonic Orchestra de Londres, se encuentra al frente de la interpretación de este proyecto musical que él mismo ha definido como “un reto”: “Era una cosa muy complicada, desde luego no era fácil y tenía que ser en manos de virtuosos de la música”.

“Cuando vi la partitura, lo primero que pensé es que estaba frente a una obra de arte accesible para todo el mundo y no solo para aficionados específicos de un tipo de música en concreto o unos pocos”, ha afirmado.

El próximo 2 de octubre, en Zaragoza, será “la primera puesta en escena real” de 'Sinfonía Goya', ha contado Grzegorz Nowak, ya que durante los ensayos y las grabaciones no se interpreta la pieza completa, sino que “vamos parte por parte”.

El ciudadrealeño Museo del Quijote ya acoge la exposición “Goya y feminismo. Una relación compleja”, una propuesta de la Asociación Blanco, Negro y Magenta que reúne las obras de 30 artistas que ofrecen una mirada contemporánea y crítica sobre la desigualdad, el poder y la figura de la mujer, reinterpretando los icónicos grabados de Francisco de Goya.

La muestra, que se podrá visitar hasta el 8 de noviembre, se estrenó en 2023 en el museo de Goya, se divide en dos partes, correspondientes a las series de los Caprichos y los Desastres de la Guerra, y todos los lienzos tienen la misma dimensión, 40x100 y comprenden diversas técnicas como el dibujo, el collage, la fotografía o la impresión digital. Ahora hace parada en el museo del Quijote de Ciudad Real, un espacio donde se establece una relación más con Miguel de Cervantes, autor que también habló de feminismo cuando no existía la palabra en célebres pasajes como el de la pastora Marcela. Además, en esta ocasión cuenta con una obra firmada por una artista invitada, la ciudadrealeña Elena Poblete, que firma el dibujo sobre papel titulado No te escaparás.

“Goya vio problemas que ahora están de actualidad”

“La esencia de esta exposición viene de la idea de que Goya abordó el problema feminista antes de que existiera la palabra”, explica Dolo Fernández, una de las autoras de la muestra. “Muchos de los problemas que puso él de manifiesto, sobre todo la violencia en las guerras, nos interesa para rescatar el tema porque efectivamente todo el mundo puedo ver que está de plena actualidad”.

La exposición ha servido para el estreno de Miguel Gómez como nuevo director de museos municipales de Ciudad Real, y ha sido muy bien acogida por el concejal de Cultura, Pedro Lozano, que ha asegurado que “es un proyecto súper interesante, eso de analizar una obra tan importante como ha sido la de Goya en los inicios del siglo XIX y ver la comparación con toda esa reflexión que nos hace a través de los Caprichos y los Desastres de la Guerra es interesantísimo”, por ello ha querido agradecer a la comisaria de la exposición, Concha Mayordomo, “el profundizar en un tema de este tipo partiendo de uno de los grandes de la pintura española y mundial, estamos muy orgullosos de mostrar en el museo del Quijote una exposición de este nivel y de esta calidad”.

Hay pocos pintores tan relacionados con Madrid como Francisco de Goya y Lucientes. Su obra transita de la corte al pueblo, de lo costumbrista a lo tenebrista y de la fiesta a algunos de los momentos más críticos de la historia del país. Goya está en el apartado artístico de todas las guías de viaje y es uno de los platos fuertes del Museo del Prado.

Pero el rastro de Goya en Madrid es extenso y está diseminado por diferentes lugares. También se pueden contemplar cuadros del artista en el Museo Thyssen-Bornemiszal, el Museo Nacional del Romanticismo, el Lázaro Galdiano, el Cerralbo…

La ciudad ofrece, además, la posibilidad de recorrer los espacios centrales de su biografía, como la Quinta del Sordo, la Real Fábrica de Tapices, el Palacio de Liria, el Palacio Real o las calles del viejo Madrid donde puso a la venta sus grabados, entre muchos otros.

Este verano, que no coincide con una efeméride redonda que haga referencia al pintor, ha brotado una pequeña burbuja de Goya que incluye renovaciones, exposiciones temporales e inmersivas. Aprovechamos para reseñarlas y dejamos caer algún consejo para disfrutar del Goya menos frecuentado.

Goya en pequeño y en el Museo de Historia de Madrid

Una pequeña exposición reclama estos días la atención sobre el pintor aragonés en el Museo de Historia de Madrid. Goya y las escuelas italiana y flamenca recoge parte de las colecciones de Carlota de Santamarca y Antonia González, damas filántropas y fundadoras de instituciones caritativas que, además, reunieron una importante colección de arte.

Las obras más interesantes, o al menos las que han merecido ocupar un lugar en el título de la exposición, son las de Francisco de Goya. Concretamente, la muestra incluye una seriede seis óleos sobre lienzo de pequeño formato (30 × 43,5 cm) que el pintor manufacturó hacia 1785–1786. Están dedicados a escenas infantiles y se denominan Juegos de niños: niños jugando a soldados, al toro, a pídola, peleándose por castañas o buscando nidos entre ruinas. Obras que captan, como es habitual en su obra, la vida cotidiana de la España ilustrada.

La colección expuesta en el caserón de la calle Fuencarral abarca más de tres siglos de historia del arte europeo, con especial protagonismo de las escuelas italiana, española y flamenca del Siglo de Oro.

Cabe recordar que el museo cuenta en su colección con la fantástica Alegoría de la Villa de Madrid, donde a la figura de mujer que representa a Madrid está acompañada por el oso, el madroño y un medallón en el que se lee “Dos de mayo”.

Un Goya muy madrileño poco conocido por los madrileños

Un Goya muy clásico de Madrid –tanto, que los restos del pintor descansan allí– es el de San Antonio de la Florida. El pasado mes de junio reabrió la ermita después de haber concluido unas obras destinadas a mejorar la eficiencia energética del edificio y preservar los famosos frescos del pintor aragonés que alberga. El templo había estado cerrado más de un año.

La intervención de Patrimonio Nacional –unos dos millones de euros pagados con fondos europeos– tuvo como principal objetivo asegurar la preservación de las obras de arte, instalando sensores que monitorizan en tiempo real la humedad, la temperatura y las vibraciones que pudieran alas ofectar a las obras. Además, permiten verlas mejor, gracias al nuevo sistema de iluminación LED.

Se trata, por lo tanto, de un reencuentro de la ciudad de Madrid con la obra de su pintor muy poco publicitado, fuera de la mayoría de los circuitos turísticos y virgen para muchos de los vecinos de la ciudad.

Los frescos de la Ermita de San Antonio de la Florida fueron encargados a Francisco de Goya en la primavera de 1798. En la cúpula representó uno de los milagros de san Antonio de Padua, santo al que está erigida la ermita. El tema costumbrista y el reflejo de los tipos madrileños de la época se reconocen en los personajes representados en torno a la barandilla.

Un Goya inmersivo y bien acompañado

Últimamente, no hay fenómeno pictórico que no merezca su propia experiencia inmersiva, una moda más didáctica que artística que explota la imagen en movimiento y los grandes formatos para acercar los autores al gran público.

Nomad Museo tiene ahora mismo en cartel La Tríada Inmortal ,una exposición inmersiva sobre El Greco, Velázquez y, por supuesto, Goya. Proyecciones HD, animación multicanal y sonido envolvente –lo habitual en este tipo de propuestas– son los mimbres con los que sus creadores invitan a sumergirse en la obra de este dream team de la historia española del arte clásico. La experiencia dura unos cuarenta minutos.

Goya en la pinacoteca imprescindible en la que muchos no han estado nunca

La última de las propuestas para disfrutar de Fancisco de Goya además del Museo del Prado no es temporal ni novedosa, pero es poco conocida entre los madrileños a pesar de su dimensión. El Museo de la Academia de San Fernando –la segunda pinacoteca clásica más importante de la ciudad– cuenta con una colección de 13 goyas.

Son especialmente interesantes los retratos que el pintor hizo de amigos personales suyos: Leandro Fernández de Moratín, Juan de Villanueva, José Munárriz y la actriz conocida como La Tirana. Encontraremos también encargos oficiales: el retrato ecuestre de Fernando VII, encargo oficial de la Academia, así como el del favorito Manuel Godoy. Además, dos autoretratos que reflejan tanto la psicología como la técnica del maño.

La colección del museo tiene también cuadros de gabinete, es decir, obritas en tabla en las que el pintor dejaba volar la imaginación sin el encorsetamiento académico y laboral de la parte más conocida de su obra. Son El entierro de la sardina, Pro­cesión de disciplinantes, Corrida de toros, La casa de locos, y El Tribunal de la Inquisición.

Curiosamente, Goya se presentó sin éxito a un par de concursos con beca de la academia, consiguiendo entrar en ella años después como académico de mérito. Para ingresar, pintó Cristo crucificado, que actualmente se expone en el Museo del Prado.

Ocio y tiempo libre en Madrid

La sala del IAACC Pablo Serrano, en Zaragoza, acoge desde este martes la exposición 'Espacios Ocultos. Goya en Silencio', una propuesta del artista José Manuel Ballester que invita al visitante a redescubrir algunas de las obras más conocidas de Francisco de Goya desde una perspectiva inédita. La muestra, que podrá visitarse hasta el próximo 12 de octubre, forma parte de los actos previos al bicentenario de la muerte del pintor de Fuendetodos y ofrece una relexión sobre la importancia del paisaje y los escenarios que el artista aragonés construyó en sus composiciones.

La exposición ha sido inaugurada por el director general de Cultura y Patrimonio Cultural del Gobierno de Aragón, Pedro Olloqui, acompañado por el propio Ballester y por la comisaria de la muestra, Lola Durán. La propuesta reúne una serie de intervenciones digitales sobre algunas de las obras más emblemáticas de Goya, desde los cartones para tapices hasta los Desastres de la Guerra, las Pinturas Negras o el célebre El tres de mayo de 1808.

La singularidad del proyecto reside en que Ballester elimina de las imágenes a todos los personajes y acciones que tradicionalmente han centrado la atención de espectadores e historiadores. Lo que permanece son los paisajes, los fondos, los cielos, los caminos y los espacios donde se desarrollan las escenas. El resultado es una visión completamente diferente de unas obras que forman parte del imaginario colectivo. Allí donde antes la mirada se dirigía hacia los protagonistas humanos, ahora el visitante descubre escenarios cargados de significado, capaces de transmitir emociones, tensiones y relatos incluso en ausencia de figuras.

La muestra incluye trece grabados originales de Goya procedentes del Museo de Zaragoza, una colaboración que permite contextualizar el trabajo de Ballester y profundizar en la comprensión del universo creativo del pintor aragonés.

Mirar a Goya desde otro lugar

La comisaria de la muestra, Lola Durán, ha explicado que el proyecto nace de una pregunta aparentemente sencilla: qué habría sucedido si los cuadros de Goya se hubieran contemplado antes de incorporar a sus personajes. A partir de esa idea, Ballester se adentra en las composiciones del artista para estudiar su técnica, sus estructuras visuales y la forma en que construía cada imagen. Mediante un complejo proceso digital, el artista elimina las figuras sin alterar el resto de la obra. El objetivo no es vaciar los cuadros, sino desplazar la atención hacia elementos que siempre estuvieron presentes, aunque relegados a un segundo plano.

“Ballester no inventa nada. Lo que hace es poner en primer término algo que ya estaba allí”, ha señalado Durán durante la presentación. Ese cambio de jerarquía transforma la experiencia del espectador y modifica radicalmente la forma de aproximarse a las obras.

Uno de los ejemplos más impactantes es el del 3 de mayo. Al desaparecer los fusilados y el pelotón de soldados, permanecen el suelo ensangrentado, la luz del candil y las colinas del fondo. La violencia sigue presente pese a la ausencia de personajes. Según la comisaria, el paisaje conserva la memoria de la tragedia. La escena pierde su narrativa inmediata, pero mantiene intacta su carga emocional, demostrando que el entorno diseñado por Goya también formaba parte del mensaje.

Goya y los conflictos actuales

La exposición también establece conexiones entre la obra de Goya y los conflictos actuales. En algunos de los grabados de los Desastres de la Guerra, Ballester incorpora referencias a lugares como Siria, Afganistán, Irak o Gaza, evidenciando que las reflexiones del pintor sobre la violencia y la condición humana mantienen plena vigencia más de dos siglos después.

José Manuel Ballester ha defendido que Goya sigue siendo un artista abierto a nuevas interpretaciones. A su juicio, pese a ocupar un lugar fundamental en la historia del arte occidental, todavía existen aspectos de su obra que continúan ofreciendo lecturas novedosas.

El artista ha destacado especialmente la capacidad del aragonés para representar las consecuencias de la guerra desde una perspectiva inédita para su época. Frente a las tradicionales escenas heroicas, Goya mostró el sufrimiento, la barbarie y las miserias humanas derivadas de los conflictos. “Fue el primero que dio la vuelta completamente a la representación de la guerra”, ha afirmado Ballester, quien considera que los Desastres de la Guerra constituyen una denuncia universal de la violencia que sigue interpelando al espectador contemporáneo.

La exposición distingue además dos etapas fundamentales en la trayectoria del pintor. Por un lado, el Goya costumbrista de los cartones para tapices y las escenas populares; por otro, el creador de las Pinturas Negras y de las imágenes más inquietantes de la historia del arte, una faceta que, según Ballester, convirtió al artista en una figura universal.

El paisaje como memoria

Durante la inauguración, Pedro Olloqui ha subrayado la importancia de esta propuesta dentro de la estrategia cultural del Gobierno de Aragón y del trabajo de preparación del bicentenario de Goya. El director general ha defendido que la exposición permite comprender aspectos poco explorados de la obra del pintor y reivindicar la importancia del paisaje dentro de sus composiciones. A su juicio, los escenarios que aparecen en los cuadros no son simples fondos decorativos, sino elementos esenciales para interpretar el tiempo histórico y la psicología de los personajes.

Ballester comparte esa visión. El artista ha insistido en que en Goya no existe ningún detalle gratuito y que todo los elementos presentes en sus obras tienen una función concreta dentro del relato visual. Para el creador madrileño, los paisajes de Goya poseen una enorme fuerza porque nacen de la observación directa de la realidad. “No hay nada de relleno”, ha señalado. “Todo tiene una razón de ser”.

Con 'Espacios ocultos. Goya en Silencio, el IAACC Pablo Serrano propone así una experiencia que invita a mirar de nuevo algunas de las obras más conocidas de la historia del arte español. Una exposición de transforma al espectador en protagonista y demuestra que, incluso después de dos siglos, Goya sigue teniendo mucho que contar a través de sus silencios y de sus paisajes.

Más de dos siglos después de la muerte de Francisco de Goya, su obra sigue generando nuevas lecturas y despertando el interés de creadores contemporáneos que encuentran en ella una extraordinaria capacidad para dialogar con los problemas, inquietudes y sensibilidades del presente. Precisamente esa idea constituye el eje central de 'Goya al natural. Sonidos y movimiento', un ciclo artístico que propone una aproximación innovadora al universo goyesco a través de la lírica, la performance y la danza contemporánea.

Lejos de presentar a Goya como una figura histórica encerrada en los museos, el proyecto lo reivindica como un creador vivo cuya mirada sigue interpelando al espectador actual. El programa parte de una premisa clara: la obra del pintor aragonés trasciende los límites de la pintura y puede inspirar nuevas formas de expresión artística capaces de conectar con públicos contemporáneos. Para ello, el ciclo que llega a su segunda edición y se desarrollará entre el 4 y el 17 de junio de 2026, transforma diferentes espacios del Palacio de la Aljafería en escenarios donde patrimonio, historia y creación actual se entrelazan en una experiencia inmersiva.

La relación entre Goya y la música constituye uno de los primeros ejes del programa. El concierto inaugural del 4 de junio, titulado 'El sueño del amor produce monstruos', propone un recorrido por la lírica de la época a través de obras de Mozart, Boccherini, Barbieri y Enrique Granados. La selección musical permite reconstruir el ambiente cultural que rodeó al artista y explorar las conexiones entre la pintura, la música y la sociedad de finales del siglo XVIII y comienzos del XIX. Especial relevancia adquieren las tonadillas de Granados inspiradas en las majas goyescas, personajes que simbolizan una parte esencial del imaginario popular reflejado por el pintor. La propuesta pone de manifiesto cómo la música puede convertirse en una herramienta privilegiada para comprender la sensibilidad de una época marcada por profundas transformaciones políticas y culturales.

La presencia de Ensemble Katharsis refuerza además la voluntad del ciclo de apostar por formatos innovadores. Desde su creación, esta formación aragonesa se ha caracterizado por combinar excelencia musical y propuestas escénicas capaces de acercar la música clásica a nuevos públicos. Su participación en el festival demuestra cómo el legado cultural asociado a Goya puede reinterpretarse desde perspectivas contemporáneas sin perder el vínculo con la tradición.

Uno de los momentos más singulares del programa llega el 10 de junio con 'Goya intramuro', una propuesta performativa concebida por el artista Samuel Hereza junto al músico Jorge Casasnovas. La acción convierte la Aljafería en un espacio de tránsito y reflexión donde el público acompaña a un Goya reinterpretado desde la sensibilidad del siglo XXI. El recorrido no busca reconstruir episodios biográficos del pintor, sino activar su pensamiento crítico y proyectarlo sobre los debates actuales. La experiencia culmina ante un gran muro concebido como superficie simbólica donde confluyen memoria, representación, conflicto y resistencia. En esta propuesta, la obra de Goya aparece vinculada a cuestiones plenamente contemporáneas como la violencia, la construcción de los relatos históricos o el papel del arte frente a las tensiones sociales y políticas de nuestro tiempo.

La dimensión sonora de esta performance resulta igualmente significativa. Las improvisaciones de Jorge Casasnovas utilizan la guitarra española como puente entre tradición y modernidad. A partir de referencias al romanticismo español, el músico desarrolla un lenguaje que incorpora elementos minimalistas y contemporáneos, creando una atmósfera que acompaña la experiencia visual y corporal. El resultado es un diálogo entre pasado y presente que refleja perfectamente el espíritu general del ciclo.

La guitarra ocupa también un lugar protagonista en el recital de Ana Carpintero, una de las intérpretes e investigadoras más destacadas en el estudio de la música de la época de Goya. Su programa recupera obras de compositores fundamentales para comprender el repertorio guitarrístico de finales del siglo XVIII y principios del XIX. A través de autores como Fernando Sor, Federico Moretti o Isidro Laporta, el concierto del 11 de junio reconstruye el paisaje sonoro que acompañó la vida del pintor y permite al espectador aproximarse a los gustos musicales de una sociedad que comenzaba a definirse por nuevas formas de sensibilidad artística y cultural.

El ciclo culmina el 17 de junio con una de las propuestas más ambiciosas desde el punto de vista conceptual: 'Foreshortened' / 'Escorzos del cuerpo', de la compañía de danza LaMov. La pieza toma como punto de partida el escorzo, una técnica pictórica utilizada por Goya para generar profundidad y dinamismo en sus composiciones, y la transforma en lenguaje coreográfico. Los cuerpos de los bailarines se expanden, se contraen y se deforman en el espacio para traducir físicamente la intensidad visual presente en la obra del artista aragonés.

La propuesta no pretende ilustrar la pintura de Goya, sino hacerla sentir. A través del movimiento emergen temas recurrentes en su producción artística, como la guerra, la condición humana, la crítica social, lo grotesco, la espiritualidad o los conflictos del poder. La danza se convierte así en una herramienta para explorar las tensiones que atraviesan toda la obra goyesca y demostrar que muchas de sus preocupaciones continúan siendo plenamente actuales. El escenario se transforma en un lienzo vivo donde la belleza surge precisamente de la deformación, de la ruptura de los límites convencionales de la representación y de la búsqueda de nuevas perspectivas sobre la realidad.

El ciclo escénico coincide con la exposición 'Goya. Del Museo al Palacio' que puede visitarse en la Aljafería desde diciembre de 2024, una gran muestra que reúne 62 obras procedentes del Museo de Zaragoza mientras este permanece cerrado por obras de remodelación.

Ambas iniciativas forman parte de una estrategia más amplia destinada a reforzar la presencia de Goya en el espacio público y a convertir Zaragoza en uno de los grandes centros internacionales de estudio, difusión y reinterpretación de su legado. De hecho, las administraciones e instituciones culturales ya trabajan en los preparativos del bicentenario de 2028, concebido como un gran proyecto de Estado que contará con exposiciones, publicaciones, proyectos audiovisuales, actividades educativas y nuevas infraestructuras culturales dedicadas al pintor aragonés.

Todas las actuaciones del ciclo comienzan a las 19.30 horas. El precio de la entrada general es de doce euros, mientras que las entradas reducidas, destinadas a menores de dieciocho años, titulares de carné joven, mayores de 65 años, personas con carné de familia numerosa y monoparental, demandantes de empleo y personas con discapacidad, tendrán un coste de siete euros.

Solo Goya y el recogimiento de la Cartuja de Aula Dei podían propiciar, aunque fuera por algo más de una hora, una tregua institucional en Aragón en medio de la crispación política y judicial.

En ese escenario simbólico, el Gobierno de Aragón y el Ministerio de Cultura dieron este jueves el pistoletazo de salida al programa del bicentenario de la muerte del pintor de Fuendetodos, que se cumple en 2028. Una conmemoración que aspira a convertirse en un gran proyecto de Estado bajo el paraguas de la Comisión Nacional.

El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, y el presidente de Aragón, Jorge Azcón, escenificaron su voluntad de colaboración en un acto que sirvió también para presentar a los comisarios encargados de diseñar la programación cultural del bicentenario. Entre ellos figuran la historiadora del arte Concha Lomba; el director adjunto del Museo del Prado, Alfonso Palacio; la directora del Museo de Zaragoza, Eva Alquézar, y la historiadora del arte Rocío Gracia.

La sintonía institucional permitió no tensionar la reivindicación aragonesa en torno al reparto de poder dentro de la futura Comisión Nacional. Aragón reclama ocupar la vicepresidencia primera del organismo al considerar que la comunidad no puede ser “un actor más” en la conmemoración del artista y Azcón pidió reconsiderar el esquema planteado por el Gobierno central que reserva las vicepresidencias para los ministerios de Cultura, Asuntos Exteriores y Política Territorial y Memoria Democrática, lo que anticipa una negociación sobre el peso institucional de Aragón en el proyecto.

Avance de actividades

La conmemoración tendrá como principales ejes Zaragoza y Madrid, aunque se extenderá al conjunto del país y contará con proyección internacional.

Uno de los principales actores del bicentenario será el Museo Nacional del Prado, que conserva más de mil obras de Goya. Entre las iniciativas avanzadas por el director adjunto de Conservación e Investigación de la pinacoteca, Alfonso Palacio, destaca una gran exposición dedicada a la relación entre Goya y la religión. Según explicó, el museo ha descartado tanto una muestra antológica como una exposición temática convencional para abordar una de las cuestiones “más complejas y, a veces, problemáticas” de la trayectoria del artista.

El Prado también prepara un proyecto vinculado a la inteligencia artificial y la digitalización de los fondos de Goya, con el objetivo de explorar nuevas formas de interacción entre el público y la obra del pintor mediante videocreaciones y videoinstalaciones. La iniciativa contará con un proyecto expositivo de la artista española afincada en Canadá Sandra Rodríguez, en colaboración con el Gobierno canadiense y la prefectura de Quebec.

Otra de las líneas de trabajo del museo pasa por impulsar un bicentenario de carácter nacional, implicando a todas las comunidades autónomas mediante préstamos de obras significativas conectadas con los intereses culturales de cada territorio.

Además, el Prado desarrollará el proyecto ‘Argos’ (Análisis de la Red de Goya y su Sociabilidad), destinado a crear una gran base de datos sobre las relaciones personales e institucionales que el pintor mantuvo a lo largo de su vida, con el objetivo de profundizar en el conocimiento de su pensamiento, su obra y su contexto vital.

En 2026 se celebrará también un primer congreso con jóvenes investigadores para analizar cómo las nuevas generaciones interpretan y reflexionan sobre la figura de Goya. El resto de proyectos dependerá en buena medida de la política de préstamos y abordará cuestiones como la influencia del pintor en la pintura europea y el arte contemporáneo, así como su presencia en el imaginario colectivo y su dimensión más popular y reconocible.

Por su parte, Zaragoza acogerá un amplio programa expositivo ya iniciado con la muestra ‘Goya. Del museo al palacio’, que actualmente puede visitarse en el Palacio de la Aljafería. La programación contempla además exposiciones en espacios como el Museo Pablo Serrano, la Casa de los Morlanes, la Lonja de Zaragoza y el Palacio de Montemuzo, junto a diversas muestras itinerantes que recorrerán el territorio aragonés. La Lonja acogerá una exposición inmersiva titulada 'El Prado de Goya', que se podrá ver en 2028. Un año antes habrá otra muestra también en colaboración también con el Prado.

El Gobierno de Aragón impulsa además la construcción del Centro Goya en la Plaza del Pilar, un espacio destinado a reivindicar la vinculación del artista con Aragón y ofrecer una nueva perspectiva sobre su obra y legado.

 La programación del bicentenario incluirá asimismo publicaciones especializadas, talleres creativos, producciones audiovisuales, simposios y congresos destinados a profundizar en la figura de Goya y acercarla a públicos de todas las edades.

Ernest Urtasun: Goya como símbolo universal y espacio de encuentro

El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, presentó el bicentenario de Francisco de Goya como “un proyecto de Estado” y “un emblema de la cultura española” capaz de trascender diferencias políticas e ideológicas. Durante su intervención en la Cartuja de Aula Dei defendió la cultura como “el verdadero pegamento social” y reivindicó el arte como un espacio de entendimiento y conversación pública en un momento marcado por la polarización.

Urtasun subrayó además la vigencia contemporánea de Goya, al que definió como un artista adelantado a su tiempo, con una mirada profundamente moderna sobre la sociedad, la política y la condición humana. Destacó el carácter “premonitorio” de obras como ‘Los Caprichos’ o las Pinturas negras y aseguró que el pintor sigue interpelando al presente por su libertad creativa, su capacidad crítica y la profundidad psicológica de su obra.

El ministro insistió en que la fascinación por Goya permanece intacta porque su obra desborda cualquier época concreta y continúa dialogando con el presente. En esa línea, defendió que el bicentenario debe servir no solo para homenajear al artista, sino también para “repensarlo” desde una perspectiva actual y convertir la conmemoración en un acontecimiento cultural de alcance nacional e internacional.

Jorge Azcón: Aragón reivindica su papel central en el legado de Goya

El presidente de Aragón, Jorge Azcón, definió el arranque del bicentenario como el inicio de “un proyecto de Estado” basado en la cooperación entre administraciones e instituciones culturales. Azcón destacó el clima de colaboración escenificado junto al Ministerio de Cultura y defendió que una conmemoración de esta dimensión solo puede salir adelante mediante el trabajo conjunto de instituciones públicas y privadas.

No obstante, el dirigente aragonés aprovechó también su intervención para reivindicar un papel protagonista de Aragón dentro de la futura Comisión Nacional del Bicentenario. Azcón sostuvo que la comunidad “no es un actor más”, sino “el origen” que explica la personalidad y la singularidad artística de Goya, y defendió que el Ejecutivo autonómico ocupe una de las vicepresidencias del organismo encargado de coordinar la conmemoración.

El presidente autonómico vinculó además la figura de Goya con el carácter aragonés, al que atribuyó rasgos como la mirada crítica, la libertad creativa y la capacidad de reflejar épocas de crisis y transformación. Azcón insistió en que el bicentenario representa una oportunidad para “saldar la deuda” histórica con el pintor reivindicándolo como aragonés y proyectando el patrimonio cultural de la comunidad en el ámbito internacional.

Comisión Nacional del Bicentenario

El primer paso para esta celebración fue la creación de la Comisión Nacional para la conmemoración del Bicentenario del fallecimiento de Francisco de Goya (Fuendetodos, 1746 - Burdeos,1828), aprobada por el Consejo de Ministros el pasado 3 de febrero, a propuesta del ministro de Cultura. El objetivo de esta Comisión Nacional es impulsar y coordinar todas las actividades del bicentenario mediante la colaboración entre las administraciones públicas nacionales e internacionales, así como con entidades públicas y privadas especialistas en la vida y obra de Francisco de Goya.

La Comisión tendrá una presidencia de honor a cargo de Los Reyes; y estará presidida por el presidente del Gobierno. Formarán parte, además, representantes de otras entidades del sector público, de órganos o instituciones de reconocido prestigio en el ámbito cultural y artístico, o que desarrollen actividades vinculadas a la actividad o al legado artístico de Francisco de Goya.

El Pleno contará con representantes de instituciones privadas de prestigio, relacionadas con el estudio de la vida y la obra del artista, o dedicadas al impulso y promoción de la cultura, tanto a nivel nacional como internacional, con una atención especial a las instituciones y entidades de Aragón.

Este órgano colegiado será el encargado de integrar todas las iniciativas y propuestas en torno a la conmemoración de la efeméride, ofreciendo un proyecto cohesionado y coordinado.

Próximamente será convocada su reunión constitutiva, en la que se establecerá su funcionamiento y se propondrá una hoja de ruta en la que trabajarán las instituciones implicadas en la conmemoración.

El programa de este bicentenario incluirá publicaciones especializadas, talleres creativos, trabajos audiovisuales, simposios y congresos que permitirán profundizar en la figura de Goya y acercarla a todo tipo de públicos.

La música va a ser la gran protagonista esta semana en el Teatro Bretón con una nueva cita de ‘Mayo Jazzea’ el jueves 21 de mayo, y un espectáculo musical dedicado a Francisco de Goya.

El jueves 21 de mayo, a las 20:30 horas, regresa el jazz al Teatro Bretón con el espectáculo de Baldo Martínez Sexteto, enmarcado en el programa ‘Mayo Jazzea 2026’.

Baldo Martínez es uno de los músicos más representativos del jazz contemporáneo hecho en España, en la línea del Jazz europeo actual, con más de 30 discos en su haber y colaboraciones en medio centenar. En esta ocasión, el artista presenta su nuevo proyecto bajo el título ‘Música Imaginaria’.

Aprovechando su paso por la ciudad, el artista ofrecerá una charla coloquio para jóvenes y público en general en La Gota de Leche el miércoles 20 de mayo a las 20:00 horas. El acceso es gratuito hasta completar aforo.

La música continúa con un espectáculo el sábado 23 de mayo a las 20:00 horas, con ‘Goya, la melodía de una leyenda’. La obra explora la vida y obra del pintor Francisco de Goya, desde sus luchas personales hasta su papel como testigo y protagonista de una de las épocas más convulsas de la historia de España. Un viaje artístico lleno de pasión, drama y reflexión.

Sobre el escenario siete actores musicales y una banda que ofrecen al público 24 cancones originales interpretadas en directo. La obra tiene una duración estimada de 2 horas y media aproximadamente incluyendo descanso. El precio de las butacas varía entre los 12 y los 27 euros.

Las entradas de ambos eventos se pueden adquirir a través de la web del Teatro Bretón, en la propia taquilla de las instalaciones municipales así como llamando por teléfono al 941 207 231.

¿Qué tienen en común Goya, la situación política y social actual y la moda? África Rello lo vio claro y, gracias a esa visión, ha ganado un premio. Esta joven logroñesa, estudiante de segundo curso de moda en la Escuela Superior de Diseño de La Rioja (ESDIR), acaba de ganar en Zaragoza la Aguja Goyesca en la categoría de estudiante con su colección 'El sueño de la razón (todavía) produce monstruos', una alegoría a la obra de Goya a camino entre lo onírico, lo artístico y la denuncia social.

Esta historia comienza con una llamada de teléfono de su tía Marimar y un mensaje de su abuela. Ambas viven en Zaragoza y, al ver anunciado el certamen, tuvieron claro que África tenía que presentarse. A ella siempre le gustó la moda, pero esta no entraba en sus planes. Estudió Bachillerato de Ciencias Sociales porque no tenía claro lo que quería hacer y acabó matriculándose en la ESDIR sin haber tocado nunca una máquina de coser. “Cuando mi familia me animó a presentarme a este certamen, justo había terminado los exámenes del primer cuatrimestre y tenía una semana de vacaciones así que la dediqué a estudiar la obra de Goya, a pensar y a hacer los bocetos”, explica la joven, “cuando me dijeron que había sido seleccionada, empezó una maratón contrarreloj para hacer realidad todo eso que tenía en la cabeza”.

Lo que África tenía en la cabeza eran mucho más que cuatro vestidos. En menos de dos meses, esta estudiante riojana ha creado una colección que rinde homenaje a una de las series que Goya pintó para los duques de Osuna; cuatro alegorías que representan a cuatro cuadros del artista aragonés y que nacen de la frustración de esta estudiante riojana al descubrir que los problemas sociales de principios del siglo XIX se siguen reproduciendo en la España actual; que en 200 años han cambiado los actores pero no las dinámicas de opresión.

El primer vestido es 'El Diablo', una figura que Goya representaba con el macho cabrío, una figura que emanaba respeto e intimidación, un “monstruo” creado por la sociedad para dar respuesta a lo desconocido. África, a través de telas oscuras que recuerdan a las pinturas negras y las escenas de brujería del pintor, ha creado una silueta de estructuras rígidas y volúmenes marcados, con los cuernos como elemento central. “Con este diseño trato de explicar que el miedo a lo desconocido, también hoy, sigue moldeando nuestra percepción de la realidad”, explica.

El segundo modelo es 'La Bruja', una figura juzgada y “condenada por una sociedad necesitada de culpables”. Rello ha creado para representarla una figura pesada, oculta tras muchas capas de tela, más de nueve metros, con mucho peso. “He querido mostrar cómo se siente alguien a quien tachan de culpable y se ve obligada a cargar con un peso que no le pertenece”, argumenta la joven diseñadora, “representa el señalamiento y la violencia simbólica, mostrando cómo la sociedad crea monstruos no sólo a través del miedo, sino también a través de la culpa”.

El tercer look, 'La razón dormida', representa la ceguera voluntaria, “el momento en el que la razón se apaga y deja paso a la fantasía, la superstición y los monstruos creados por la mente colectiva”. Para materializar esa idea, África Rello utiliza una silueta rígida y ajustada, que representa lo que está bien, la verdad, y le superpone capas de tul y transparencia que envuelven el cuerpo en una especie de ilusión. “Ese velo deforma la realidad, la difumina y la oculta en capas de miedo y autoengaño”, explica, “transmite la idea de que, cuando dejamos de cuestionar, permitimos que los monstruos tomen forma”.

Por último, 'El Despertar', el instante en el que la oscuridad comienza a disiparse, el proceso en el que nada es nítido todavía, pero se va tomando conciencia. El top se va deshaciendo hacia la falda con un volumen fluido que aporta movimiento y ligereza y que evoca la liberación progresiva. Los búhos bordaos que se van deshilachando desde la cintura representan los monstruos que se van descomponiendo cuando la oscuridad desaparece. “Despertar no significa olvidar la oscuridad, sino aprender a mirarla con claridad”, explica la autora.

África Rello entiende la moda como un arte, y como tal, más allá de mostrar belleza, debe expresar, despertar sentimientos. “Al estudiar estas obras sentí mucha rabia al comprobar que aquello que sucedía hace dos siglos, sigue sucediendo”, señala, “porque Goya no quería retratar a las brujas como algo que produce miedo sino como aquello que se usa para tapar los problemas reales de la sociedad, por aquel entonces las epidemias que mataban a los niños y a miles de personas. Ahora, se sigue culpando a las minorías para tapar los problemas reales de la sociedad”.

Con esta colección y este importante reconocimiento, queda claro que el talento va mucho más allá de la aguja y la máquina de coser. “Ha sido un trabajo muy duro porque quería profundizar en el argumento”, cuenta, “también fue difícil encontrar las telas porque era una gama de color complicada y como estudiantes no tenemos acceso a las gamas más altas. Pero sobre todo, fue un trabajo enorme de confección por el que tengo que dar las gracias a mi madre que me estuvo ayudando, con las pocas nociones que tiene de costura, a rematar y coser bajos; tuvo una paciencia infinita conmigo y no puedo estar más agradecida. Le debo todo”.

Todo el esfuerzo ha tenido, en este caso, su recompensa. No solo por el premio sino por lo que supone para una estudiante de moda poder mostrar sus ideas y sus obras en un desfile cuyo coste, de otro modo, sería inabordable. “Para mí esto ha sido un impulso enorme”, asegura la joven logroñesa, “me ha hecho ver que hay muchísimas opciones, que quiero empezar a hacer más cosas, que lejos de la idea de que la moda no tiene salidas, hay un mundo de posibilidades que debemos explorar”. No sabe cuál será su camino y prefiere centrarse de momento en los dos años de estudio que le quedan, pero tiene claro que su ilusión siempre estará en la alta costura, en la creación y en las cosas hechas a mano y con mucho sentido.

La exposición 'Primada. VIII Centenario Catedral de Toledo' mostrará desde el 25 de mayo hasta el 14 de octubre piezas y espacios “únicos y exclusivos” de la Catedral Primada a un precio de 12 euros. Destacan entre ellos la Biblia de San Luis, El Balcón de la Reina, la parte de atrás de las vidrieras o “gigantones”, el Ochavo de la Catedral con “infinidad de relicarios”, la capilla de la Virgen del Sagrario o las tablas del Retablo de San Eugenio tras su restauración.

Así lo han desgranado en rueda de prensa el consejero de Educación, Cultura y Deportes, Amador Pastor, acompañado del deán de la Catedral, José Pedro González; y la viceconsejera de Cultura y Deportes, Carmen Teresa Olmedo, que han señalado que el valor de estas piezas es “incalculable”.

Para poder acceder a esta muestra se podrá adquirir una entrada concreta, que engloba un recorrido libre a un precio de 12 euros, y si se requiere se podrá contratar una visita guiada. Este pase es independiente de la visita habitual al templo, que también cuesta 12 euros.

Las entradas ya están a la venta desde hace varios meses, y desde la Consejería de Cultura se espera superar la cifra de medio millón de visitantes, tal y como ha señalado la viceconsejera del ramo.

Custodia de Arfe sin interrupciones

La Custodia de Arfe será de las últimas piezas de la muestra, que se ha diseñado de tal forma que puedan verla “los que van a la exposición y los que están haciendo la visita turística, sin interrupciones de ningún tipo”.

A los cuatro días de inaugurar la muestra, se tendrá que trasladar la Custodia de nuevo para la procesión del Corpus Christi, por lo se está viendo la posibilidad de cómo hacerlo, “de cómo subirla a la carroza, para esos días de la procesión”. Posteriormente, volvería otra vez a su lugar, ha aclarado el deán.

La primera de las obras de esta muestra es un cuadro de Francisco Rizi, donde se refleja como el arzobispo Rodrigo Jiménez de Rada y Fernando III colocan la primera piedra de la Catedral de Toledo. La última de las piezas se va a colocar el 22 de mayo y será la obra 'El prendimiento de Cristo' de Francisco de Goya.

Más de 300 obras diferentes

La exposición cuenta con un presupuesto de más de 2,2 millones de euros, reunirá alrededor de 330 obras de muy diversa naturaleza, en cuanto a épocas, estilos, técnicas y formatos, de las cuales aproximadamente la mitad nunca se han mostrado antes al público.

El conjunto incluye piezas de destacados maestros españoles como Diego Velázquez, El Greco, Francisco de Zurbarán o Alonso Cano, junto a una relevante representación de artistas extranjeros, especialmente italianos, entre los que sobresalen Giovanni Bellini y Luca Giordano. Aunque el 85% de las piezas pertenecen a la propia Catedral, la muestra cuenta además con la colaboración de más de una treintena de prestadores externos.

Se quiere ahondar en la relevancia histórica y artística del templo desde el siglo XIII hasta el XVIII y el discurso expositivo se articula en dos grandes etapas. La primera abarca desde el inicio de la construcción hasta su finalización a finales del siglo XV, destacando la estrecha relación entre la grandeza artística del templo y el papel de sus arzobispos como primados, impulsores de programas artísticos concebidos como modelo para otras iglesias de España.

La segunda parte se centra en la Edad Moderna, poniendo en valor el mecenazgo de los arzobispos toledanos y su voluntad de proyectar el esplendor de la Catedral como referente del mundo católico. Asimismo, se subraya el papel de las reliquias, la devoción a los santos toledanos y el culto a la Virgen del Sagrario como ejes fundamentales para reforzar el prestigio, la espiritualidad y la función pastoral de la sede primada.

Un catálogo

Pastor ha comentado que entre los principales legados de la exposición destacan la restauración de más de un centenar de obras, llevada a cabo por un equipo de alrededor de 15 profesionales, y la elaboración de un catálogo de gran envergadura.

Esta publicación, en dos volúmenes y con un total de 1.300 páginas, reúne 31 artículos y las fichas de todas las piezas expuestas, fruto del trabajo de cerca de un centenar de profesores e investigadores de prestigiosas universidades europeas y americanas, así como especialistas y conservadores de museos, entre ellos seis del Museo del Prado. El catálogo estará disponible a un precio de 60 euros.

La exposición está comisariada por Javier Martínez de Aguirre Aldaz, responsable de la primera parte y especialista en arte medieval, y Benito Navarrete Prieto, encargado de la segunda y experto en pintura española de la Edad Moderna y el Barroco. El proyecto museográfico ha sido diseñado por Francisco Bocanegra, cuya propuesta aporta una visión contemporánea e integradora del espacio expositivo.

Amador Pastor ha comentado que la muestra es el resultado de un esfuerzo colectivo que ha implicado a cerca de 300 personas entre comisarios, investigadores, restauradores, técnicos y profesionales de distintos ámbitos, reflejando la suma de voluntades que ha hecho posible una de las exposiciones más relevantes celebradas en Castilla-La Mancha en torno a su patrimonio histórico y artístico.

De su lado, el deán se ha mostrado “muy contento” porque se pueda “conocer lo que ha significado la Catedral en Toledo, en España y en el mundo” para que “todos fuésemos conscientes de esta grandeza”, con un trabajo que se lleva realizando desde el año 2023.

El Ministerio de Cultura ha anunciado este viernes que los retratos de Carlos IV y su esposa María Luisa de Parma pintados por Goya en 1789 han sido asignados a la colección permanente del Bellas Artes de Sevilla, museo de titularidad estatal y gestión transferida a la Junta de Andalucía.

Así se lo ha comunicado el Ministerio a la Consejería de Cultura y Deporte de esta comunidad autónoma. La decisión, tomada después de que el Tribunal Supremo reconociera que la propiedad de los retratos del pintor zaragozano siempre ha sido del Estado, permitirá que las pinturas permanezcan definitivamente en Sevilla, ciudad para la que fueron creadas desde su encargo por la Real Fábrica de Tabacos, informa el Ministerio en una nota de prensa.

Actualmente, una de las obras forma parte de la exposición temporal 'El arte de preservar la memoria' en el Archivo General de Indias (Sevilla), institución que custodia ambos lienzos. Una vez la exposición finalice, el 15 de junio, las dos obras serán trasladadas al Museo de Bellas Artes, en coordinación con el museo.

Tras su encargo para la Real Fábrica de Tabacos de Sevilla, los cuadros cambiaron de ubicación, entre Sevilla y Madrid, a lo largo de su historia, de acuerdo con las transformaciones que experimentó la gestión y comercialización del monopolio público del tabaco en España desde el siglo XVIII hasta convertirse en la empresa pública Tabacalera. en el siglo XX. En 2017, Altadis, empresa privada sucesora de aquella, reclamó la propiedad de las dos pinturas de Goya.

A partir de ese momento comenzó un largo litigio contra el Estado que se resolvió finalmente el pasado mes de marzo con la publicación de la sentencia del Tribunal Supremo (TS) que reconoce que los retratos siempre han sido de titularidad pública. Tras la resolución quedaba pendiente el destino definitivo de los bienes que queda ahora definido con la decisión adoptada por Cultura, que asigna los dos retratos al Museo de Bellas Artes de Sevilla.

Una historia unida a Sevilla

Francisco de Goya y Lucientes pintó los retratos del rey Carlos IV y su esposa, la reina María Luisa de Parma, en 1789 por encargo de los trabajadores de la Real Fábrica de Tabacos de Sevilla con motivo de las fiestas que se realizaron en la ciudad para celebrar la jura de los monarcas. Los cuadros fueron concebidos para ser expuestos en un monumento efímero como parte de las galas con las que la ciudad de Sevilla festejaba el comienzo del nuevo reinado.

La estructura resultante, conocida como 'Templo de la Fama', se ubicó en la plaza de la Fama, donde tuvieron lugar algunas de las celebraciones y donde se encontraba el edificio de la Fábrica de Tabacos. Tras los festejos, los cuadros pasaron a adornar las dependencias interiores del edificio.

Ahora, la adscripción de estos dos retratos a las colecciones públicas ofrecerá al Bellas Artes la oportunidad de completar su discurso expositivo y la posibilidad de su disfrute por el público acompañados de otras pinturas que permitan su contextualización histórica y artística.

El museo, con los dos retratos de Goya, podrá completar un episodio destacado de la historia de la ciudad, sumándose a los ocho cuadros de Domingo Martínez que ya posee, que reflejan el desfile de carrozas con los obreros de la Real Fábrica de Tabacos pintados para la celebración de la coronación de Fernando VI y Bárbara de Braganza, y que también fueron utilizados en los festejos de la llegada al trono del Carlos IV.

Los retratos de Carlos IV y María Luisa de Parma fueron pintados por Goya el mismo año de la Revolución Francesa, de ahí la imagen tan medida que proyecta de los monarcas, presentándolos como personas cercanas y tolerantes. Carlos IV es mostrado con una expresión afable, alejada de la pomposidad de los retratos regios pero sin olvidar los símbolos distintivos de la realeza, como la corona y la capa de armiño en color púrpura que aparecen en el lado derecho del cuadro.

El óleo sobre lienzo de 128 x 95.5 cm. representa al monarca vestido de rojo, con el Toisón de Oro y la insignia de la orden de San Jenaro. Por su parte, el 'Retrato de María Luisa de Parma' es un óleo sobre lienzo 126 x 94 cm. en el que la reina aparece retratada a la edad de 37 años con un vestido de seda azul. Está representada con un tocado, brazos desnudos y sosteniendo un abanico con la mano derecha, mientras que en el pecho luce la Orden Imperial de la Cruz Estrellada.

En el mueble de la izquierda aparecen los mismos atributos que se observan en el retrato de Carlos IV, la corona y el manto de armiño. Ambas pinturas tuvieron un coste de 4.000 reales de vellón, tal y como se recoge en el recibo firmado por Goya el 11 de mayo de 1789, y en el que se refleja el acuerdo aceptado por el pintor de realizar las obras sin la participación de sus ayudantes.

La directora del Museo Goya, May Forcén, ha avanzado que el Museo Goya de Fundación Ibercaja afronta la fase “casi final” de su reforma y reabrirá en otoño, tras casi dos años de cierre, con “alguna incorporación sorpresa en sus salas que puede ser muy importante para la lectura general” del espacio expositivo.

“Estamos muy contentos porque va todo sobre calendario, las obras empezaron bien y en esta fase media, casi final, están evolucionando estupendamente. No ha habido ningún retraso ni en la parte de arquitectura ni de contenido”, ha indicado May Forcén.

En el espacio que ocupará el reformado Museo Goya, cuyo acceso principal se traslada hasta la calle Santiago, junto a la plaza del Pilar –anteriormente se hacía por la calle Espoz y Mina–, ya puede verse la fachada, obra del estudio zaragozano Sebastián Arquitectos. Destaca los bloques de piedra de hasta tres metros de altura con fragmentos de grabados de algunas de las series del artista de Fuendetodos, realizados mediante la digitalización de las planchas de cobre originales. En el lateral y verticalmente se dispondrá una gran pantalla que proyectará contenidos e imágenes dinámicas.

“La fachada siempre ha sido algo que ha llamado mucho la atención, que ha gustado, que se ha visto como algo que hacía referencia al alma del Museo”, ha comentado Forcén, quien ha hecho referencia a la “expectativa” generada durante el proceso.

En una ocasión, ha manifestado, escuchó “a un visitante que estaba sacando una fotografía de esta fachada y dijo algo así como que esta fachada construye ciudad”. Forcén ha añadido que “es casi un símbolo, una arquitectura, una parte más artística dentro de todo lo que es la reforma del Museo”.

Espacio interior

Además del visible cambio exterior del Museo Goya, debido a la “reforma estructural” que se lleva a cabo, su interior se verá “ampliado, reformulado y con gran protagonismo de la tecnología”. En total, serán 4.661 metros cuadrados –frente a los 3.700 previos– en los que se reorganizarán las colecciones y, en concreto, “hemos querido dar una vuelta” a la permanente.

“Hemos aprovechado para restaurar, limpiar y buscar en almacenes para recuperar alguna obra que nos parecía también interesante que formase parte de la colección”, ha contado la directora del Museo Goya, adelantando que el visitante “volverá a encontrar la obra de Goya y el resto de la colección desde un punto de vista diferente” al cronológico anterior.

Uno de los principales atractivos en el ya antiguo Museo Goya era en la sala dedicada a los grabados. En este caso, “el equipo de Fundación Ibercaja llegamos a la conclusión de que era una de las salas que más gustaba, una de las más queridas y en las que la gente pasaba más tiempo, por lo tanto, cuando algo funciona y gusta somos partidarios de que tampoco hay que cambiarlo”, ha expresado.

No obstante, sí que se renovarán las vitrinas que contienen la obra gráfica del artista de Fuendetodos y se modificará la disposición de alguna de las series, pero “respetaremos esa intimidad, esa sensación de oscuridad que gustaba y queremos mantener”.

En cuanto a esa implementación de la tecnología, ha explicado May Forcén, “nos gusta pero es verdad que no queríamos que eclipsase lo más importante, que es la obra de arte y la colección, pero nos está viniendo muy bien para trabajar un acompañamiento y un contexto. Son propuestas tecnológicas que enriquecen la visita de cualquier persona que se acerque al Museo”.

El camino tecnológico se recorre de la mano de Empty, una empresa de museografía de Madrid que ha trabajado en la Galería de las Colecciones Reales o el Arqueológico Nacional.

“Sorpresa” en la reapertura

Aunque la colección permanente no presentará “cambios drásticos”, May Forcén sí que ha confirmado que “habrá alguna incorporación sorpresa que puede ser muy importante para la lectura general” del espacio expositivo.

En cuanto a la muestra temporal inaugural, 'Solo Goya. El arte de ver', se conoce que estará comisariada por Estrella de Diego y Luis Fernández-Galiano, pero no han trascendido más detalles sobre el contenido.

Articular esta exposición “es un gran reto y una gran alegría”, ha apuntado May Forcén, y “lo que queremos es 'solo Goya' –como señala el título– para lo que vendrán obras muy potentes del artista aragonés de todas las partes del mundo, como Estados Unidos y diferentes puntos de Europa, así como de las mejores instituciones españolas, tanto privadas como públicas”. Entre ellas, ya están confirmadas el Museo del Prado, la Hispanic Society o la National Gallery de Londres.

“Estamos convencidos de que esta reforma no es solo arquitectónica, ni de contenidos ni de colecciones, sino que es estructural, por lo que pretendemos que si –el Museo Goya– ya era un centro de referencia en el conocimiento de la figura de Goya, todavía lo va a ser más”, ha comentado Forcén.

En este sentido, ha argumentado que el nuevo espacio museístico incluirá un centro de estudios, nuevos espacios para actividades educativas y culturales, además de que se establecerán alianzas con diferentes instituciones y universidades, tanto nacionales como internacionales.

'Interludio'

'Goya. Interludio' es el título de la exposición que desde el 27 de enero de 2025 se puede visitar en el Patio de la Infanta de Ibercaja con motivo de las obras de ampliación de “su casa”, el Museo Goya, que incluye las 32 obras del pintor aragonés.

El público “ha respondido muy bien”, sobre todo los grupos de visitantes franceses e italianos que buscaban visitar el Museo Goya y a los que se ha remitido durante este tiempo al Patio de la Infanta. “Ha sido estupendo”, ha apostillado Forcén.

En 'Interludio', el visitante recorre diferentes momentos artísticos de la vida del pintor, como su etapa en Zaragoza, cuando pintó el boceto para la decoración al fresco de la bóveda del Coreto de la Virgen, en la basílica del Pilar de Zaragoza, o su posterior etapa en Madrid, con grandes retratos como el realizado a Félix de Azara o la Reina María Luisa de Parma.

También hay un espacio dedicado a la pintura religiosa y a obras más críticas con la sociedad y política de la época, como en Baile de máscaras y el boceto de 'El dos de mayo de 1808', también conocido como 'La carga de los mamelucos'.

Sumado a los diferentes cuadros, se exponen también las tres maquetas realizadas por Bayeu para las cúpulas de la Basílica del Pilar. Este viaje a través de más de 30 obras de Goya finaliza con una de las últimas incorporaciones que llevó a cabo el museo: la única serie completa y conservada de escenas de 'Juegos de niños'.

Recuperamos un episodio que está (por desgracia) vigente. Hace tres años se cumplía el 20 aniversario de la gala de los Goya que reivindicó el ‘No a la guerra’ contra la guerra de Irak. Hoy, en 2026, ese grito sigue teniendo mucha actualidad en torno a la guerra de Irán. 

Escuchamos a los actores Alberto San Juan y Juan Diego Botto, dos voces que vivieron aquella gala del ‘No a la guerra’ en primera persona. Y hablamos con Javier Zurro, periodista experto en cine de elDiario.es.

 *** Este episodio se emitió por primera vez el 9 de febrero de 2023 ***

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El Tribunal Supremo ha resuelto este viernes que dos cuadros de Francisco de Goya que había reclamado la multinacional tabaquera Altadis pertenecen al Estado. Se trata de los retratos del rey Carlos IV y su esposa la reina María Luisa de Parma, pintados en 1789 por encargo de la Real Fábrica de Tabacos de Sevilla para ser expuestos en un monumento que iba a ser colocado en su fachada.

Con esta sentencia, a la que ha tenido acceso elDiario.es, finaliza el litigio entre la empresa y el Ministerio de Cultura –entonces también de Deporte– sobre la propiedad de los lienzos. En ella se recoge que ambos pertenecían al patrimonio de la corona en 1789 y después pasaron al Estado, además de enunciar las diferentes entidades que se sucedieron en la posesión de los retratos hasta la actual, Altadis S.A.

Tras analizar los documentos y comunicaciones habidas entre ambas partes, el Tribunal Supremo ha concluido que el Ministerio “consintió que la Compañía Arrendataria de Tabaco a la que se arrendó este monopolio en 1887, poseyera los retratos con una función de ornato en sus edificios, pero no renunció en momento alguno a su propiedad”. La parte demandante, por su parte, no ha acreditado que la posición originaria se tornara a título de dueña, la “única idónea para adquirir la propiedad por usucapión, prescripción adquisitiva”.

La sentencia contempla igualmente que la Ley de Patrimonio Artístico Español declara en su apartado 2 que “los bienes muebles que forman parte del Patrimonio Histórico Español no podrán ser enajenados por las Administraciones Públicas”; y que en su apartado 3 se declara expresamente que “los bienes a que se refiere este artículo serán imprescriptibles. En ningún momento se aplicará a estos lo dispuesto en el artículo 1955 del Código Civil”.

Por todo ello, pese a que reconoce que el contrato de comodato –de préstamo gratuito– que firmaron el Ministerio y Tabacalera en 1999, se reconoce que la segunda era la titular dominical de los dos retratos, esto “no constituye un título suficiente para que el Estado pierda la propiedad de estas dos obras”.

Observar un cuadro no es lo mismo que entender todo lo que el artista nos quiere transmitir a través de él. Ese es el principal argumento que ha guiado a varios expertos en arte a intentar desentrañar esa simbología, a veces algo escondida, otras no tanto, que siempre ha acompañado a los creadores a la hora de comunicar un mensaje. El búho como ruina, los naipes como pereza, los cuernos como algo positivo primero y negativo después, la llave como conocimiento, la calavera como muerte, el cabello ligado a la sensualidad, al igual que la columna como firmeza y solidez, son apenas algunos ejemplos de los más de 80 símbolos que cuatro especialistas han abordado en una nueva publicación.

Ahondar en el infinito mundo de los símbolos pudiera parecer una tarea harto complicada. Sin embargo, Lorenzo de la Plaza, Adoración Morales, José María Martínez y José Ignacio Vaquero han logrado hacerlo sencillo en su Guía para identificar los símbolos en el arte (Cátedra, 2026). A lo largo de poco más de 350 páginas de pequeño formato, los especialistas analizan aquello escondido, oculto, a unos ojos no educados en una simbología tan presente en el campo cultural del arte.

De la Plaza, doctor en Historia, define una pintura como “una ventana al universo de la que te puedes perder mucho si no llegas a entenderla al completo”. Él sabe bien que durante siglos el arte no solo fue decoración, sino una especie de lenguaje cifrado mediante el que los artistas podían comunicar ideas, incluso algunas perseguidas. Un sol, una vaca, un cordero, un huevo, una manzana y una torre pueden ser mucho más que un sol, una vaca, un cordero, un huevo, una manzana y una torre. Así lo explican en esta obra que profundiza en unos símbolos entre los que se incluyen algunos que todavía perviven en la verborrea más popular.

No siempre se ha dado ni la misma simbología ni la misma cantidad de símbolos en las obras. “Una época brutal para esto es el manierismo. Si ves alguna de sus obras, todo son símbolos”, asegura De la Plaza, quien lo ejemplifica con el San Juan de El Greco. “Aparece el santo con una copa en la mano en la que aparece un dragón. ¿Qué es esto realmente? El dragón es el veneno y el mal, la serpiente, porque cuenta la historia que intentaron envenenar a San Juan con una copa”. En este sentido, la monografía que ahora presentan se cierra con un diccionario inverso de símbolos que facilita la búsqueda de los significados.

Del cambio de significado de los cuernos a las llaves

A día de hoy, el común de los mortales afirmaría que los cuernos son un símbolo negativo, pero no siempre fue así. El doctor en Historia recuerda que Miguel Ángel pintó a su Moisés con unos cuernecillos. “Cuando se escribió el Éxodo, donde aparece Moisés, significaban poder y fuerza, también fertilidad, sobre todo en el ámbito de Mesopotamia y Oriente”, ilustra. 

Llegó la traducción de la Biblia al latín por parte de San Jerónimo, quien escribió que cuando Moisés bajó de hablar con Dios, volvió con cuernos en la cabeza. Parece que se trata de una traducción inexacta. Sea como fuere, en torno al año 1400 tener cuernos ya estaba muy mal visto. “De ahí que aparezca el diablo con cuernos”, apuntilla el especialista. Para evitar comentarios incómodos en un momento que ya se había extendido la expresión “poner los cuernos” a alguien a quien engañas sexualmente, Santo Tomás indicó que eran rayos luminosos y no cuernos lo de Moisés. 

De la Plaza también remarca la llave como uno de los mayores símbolos que han acompañado a las grandes obras de arte. En este caso, su significado depende del contexto. Fluctúa entre autoridad, fidelidad, muerte, poder, prestigio, prosperidad y sabiduría, entre otros. “Demuestra poder, porque con ella eres capaz de abrir y cerrar puertas a tu paso. Por eso, los escudos de los papas tienen llaves, al igual que el de San Pedro”, comenta. Sin ir más lejos, en La Rendición de Breda, de Diego Velázquez, el gobernador holandés le entrega las llaves de la ciudad a Ambrosio de Spinola.

Por el contrario, la llave también posee un significado algo más negativo. Asociada a la posesión, ésta muchas veces conduce a la avaricia. Así la utiliza El Bosco en El Jardín de las Maravillas, en el infierno, donde una persona cuelga de una llave como castigo por su avaricia.

La serpiente, entre el bien y el mal

La serpiente es para De la Plaza uno de los símbolos más complicados debido a su ambivalencia, “y no existe cultura en la que no se le haya adorado o temido”, apuntan en la publicación. Su significado se construye a través de binomios contra puestos, pues representa el mal y el bien, la vida y la muerte, la luz y la oscuridad, lo masculino y lo femenino, así como la curación y la enfermedad. No es baladí que el símbolo de los farmacéuticos sea la Copa de Higía, donde aparece un cáliz con una serpiente enroscada, representando a la diosa griega de la salud, Higía, hija de Asclepio, dios de la medicina.

“Aquí te tienes que fijar en el contexto para entenderlo del todo”, asegura el autor. Un ejemplo sencillo de uso negativo de la serpiente se dio durante el Renacimiento, cuando el cabello de Medusa aparece retratado por Caravaggio con este animal. También existen numerosos cuadros de vírgenes inmaculadas que aparecen pisando la serpiente, que simboliza el mal.

Y todavía uno más: “En el cuadro de ‘Lilith’, cuando se quiere representar a una mujer que es mala en un siglo XIX en el que hay cierta misoginia puritanista, sobre todo en Inglaterra, qué mejor que representar a una mujer desnuda con una serpiente”, comenta De la Plaza en referencia a la obra de John Collier de 1892.

Los naipes, un símbolo de símbolos

Por su parte, Adoración Morales se detiene en las cartas, los naipes, como uno de los símbolos más complejos, ya que la propia carta esconde un significado pero, a su vez, otros tantos según la combinación de figuras, números y colores que presentan. “Las cartas del tarot, la cartomancia, es de las pocas cosas que siguen albergando un alto nivel de simbolismo, por eso me llaman la atención”, explica la también filóloga.

En sí misma, la baraja y las cartas son un símbolo de pereza y vicio en un ambiente de ocio, lo que da pie incluso al engaño. Es lo que sucede en el cuadro Los jugadores de cartas, de Caravaggio, donde un personaje parece que hace un gesto a uno de los jugadores dándole pistas de las cartas que tiene el otro, ilustra Morales.

La baraja española y la francesa, más allá del tarot, no se quedan atrás. Los oros, por ejemplo, representan a los agricultores, lo que en la francesa viene dado por los tréboles. Las copas y los corazones son el clero; las espadas y las picas, los militares y el ejército; mientras que los bastos y los diamantes aluden a los comerciantes. “Hay una simbología muy clara incluso por el color o la figura. Nos pasa cuando decimos que alguien se cree la reina de corazones o que una persona es un as practicando un deporte”, añade la autora.

Ambivalente también es el búho y la lechuza, tantas veces representados en la pintura. En el caso del primero, animal nocturno, suele asociarse con la soledad, la tristeza y el poder de lo oculto; en Egipto lo relacionaban con la muerte. En definitiva, un ave de mal agüero. Oscurantista también. Es lo que sucede con uno de Los Caprichos de Goya, quizá el más conocido, aquel que dice que “el sueño de la razón produce monstruos”. El personaje que aparece dormido se encuentra rodeado de búhos, “como si fueran esos monstruos que generan los sueños”, apuntilla Morales. Sin embargo, si es una lechuza las cosas cambian, pues puede simbolizar conocimiento.

Por otro lado, la imagen de portada de esta Guía para identificar los símbolos en el arte no está escogida al azar. En ella aparece una parte del Juicio Final de la Capilla Sixtina, en el Vaticano, realizada por Miguel Ángel en el siglo XV. Ahí aparece la columna como símbolo de la Pasión de Cristo, algo ampliamente extendido en numerosas imágenes lucidas por las calles en Semana Santa. “Aquí tenemos la unión del cielo con la tierra, la solidez, pero también los límites de la parte humana y la divina”, comenta la filóloga antes de sintetizar el significado de la columna en estabilidad, fuerza, poder y seguridad.

“Esta imagen de la Capilla Sixtina nos da mucho juego, pues aparecen muchas personas intentando sostener la columna con unos esfuerzos brutales, lo que puede ser casi un mensaje de soporte del conocimiento, algo parecido a lo que nosotros queremos hacer con este libro”, concluye la misma Morales.

Este sábado el cine español vivió su gran noche anual con la gala de los Goya. Los grandes ganadores de los Premios Goya 2026 han sido dos películas: 'Los domingos', de Alauda Ruiz de Azúa, la gran triunfadora, y 'Sirat', de Oliver Laxe. También han recibido premio la revelación del curso pasado, Sorda, de Eva Libertad; y Maspalomas, de Josemari Goenaga y Aitor Arregi.

Las películas de los Goya 2026 están en las diferentes plataformas y algunas en las salas de cine. Aquí va una guía para no perderse.

Dónde ver 'Sirat'

Es la película española más importante de 2025. Tanto, que el filme de Oliver Laxe va a representar al país en los Oscar, habiendo logrado dos nominaciones por la Academia de Hollywood: Mejor Película Extranjera y Mejor Sonido. El largometraje ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y, desde entonces, su éxito ha sido irrefutable. No solo ha tenido éxito en la taquilla española, sino que ha conquistado a cinéfilos de todo el mundo. Actualmente se exhibe en más de 80 cines del país, como en los Cinesa Proyecciones y Renoir en Madrid, en los Parque Principado en Asturias, en los Renoir Floridablanca en Barcelona o en los Serrallo en Granada. Además, está disponible en Movistar Plus+ para disfrutrar en streaming.

Dónde ver 'Los domingos'

La película de Alauda Ruiz de Azúa ha sido la gran ganadora para los Goya. Fue un éxito en taquilla y se trata de una cinta que no da soluciones y plantea muchas preguntas. La decisión de una joven menor, que debería elegir carrera para ir a la universidad y elige un convento de clausura, enfrenta las posiciones de su padre, que deja que haga lo que quiera, y la de su tía, una sobresaliente Patricia López Arnaiz, que se da contra la pared constantemente en su intento de convencerles de que esa decisión no es libre, sino un proceso de gota china hecho durante años en un colegio religioso. Actualmente se exhibe en la mayoría de cines del país, y también puede verse en streaming a través de Movistar Plus+.

Dónde ver 'Sorda'

La ópera prima de Eva Libertad que lleva al largo el corto por el que estuvo nominada al Goya, en el que contaba los miedos y barreras que se encuentra una mujer sorda que decide ser madre, es una de las películas revelación del año. La cinta fue desarrollada de la mano de su hermana, Miriam Garlo, sorda desde los siete años y protagonista del filme. Asimismo, el estreno de Sorda hizo posible que esta comunidad pudiera asistir a los cines a ver una película española con completa normalidad, pues todas sus sesiones tuvieron subtítulos en español. Aunque ya no está en cartelera, la película se puede ver por suscripción en Movistar Plus+ y por alquiler en Filmin, Apple TV y Prime Video.

Dónde ver 'Maspalomas'

aspalomas visibiliza con sensibilidad la vejez queer, retratando cómo ancianos LGTB a menudo se ven obligados a volver al “armario” en residencias de mayores. La película aborda la lucha por la identidad, el deseo en la tercera edad y la presión social. Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga son los que dirigen este filme que cuenta la historia de Vicente, que abandonó a su hija para poder vivir su homosexualidad sin tapujos en la localidad canaria. Allí ha ido a sitios de cruising, a locales donde se practica sexo de forma abierta y ha conocido una forma de vida que termina de bruces cuando le da un ictus y tiene que volver a Euskadi para entrar en una residencia. Se puede ver en streaming a través de Movistar Plus+ y Filmin.

Dónde ver 'La cena'

La cena en honor a Franco es la última oportunidad para huir de unos prisioneros republicanos. Manuel Gómez Pereira adapta la obra de teatro del mismo nombre y consigue en La cena una estupenda comedia sobre la posguerra con un hilarante Alberto San Juan. Gómez Pereira y sus guionistas de siempre montan una comedia actual, divertida, que no tiene miedo a mojarse y que tiene en el duelo (con tinte homoerótico) de Alberto San Juan y Mario Casas su mejor baza. Afortunadamente, la película todavía puede verse en algunos cines del país, como en los Cinesa Principe Pío en Madrid, en los Diagonal de Barcelona o los Camas de Sevilla. De igual forma puede verse en streaming a través de Movistar Plus+.

Dónder ver 'Tardes de soledad'

El Festival de Cine de San Sebastián otorgó la Concha de Oro el documental que el cineasta catalán Albert Serra había rodado sobre la tauromaquia. No existe un Zinemaldia sin su polémica, y en aquella ocasión los toros mostraron que el debate estaba abierto convirtiéndose en el tema de un festival de cine, donde un elemento como la tauromaquia no suele aparecer ni de lejos. Tardes de soledad suponía acercar el ojo a una mirilla para observar lo que nadie quiere ver. Por mucho que se niegue, la tortura animal sigue existiendo en una plaza pública delante de miles de personas, y su película intentaba mostrar lo que ocurría dentro —y fuera, en las bambalinas de la cuadrilla—, para que esa tradición siguiera manteniéndose. Se puede ver por streaming en Movistar Plus+ y está para alquilar en Filmin, Rakuten TV o Apple TV.

Dónder ver 'La furia'

La furia, con Ángela Cervantes como protagonista y Gemma Blasco en la dirección novel, aborda el trauma de una agresión sexual sufrida por Alex tras una fiesta de Nochevieja, explorando así la soledad de la víctima, la culpa y la venganza, mientras ella canaliza su dolor interpretando a Medea en el teatro. Pese a que ya no puede verse en los cines, hay muchas opciones para ver la película en streaming: HBO Max, Movistar Plus+ y Filmin.

Dónder ver 'Los tortuga'

Otra de las películas más comentadas del año es Los tortuga, un largometraje que muestra su sensibilidad, su inteligencia para hablar de temas importantes sin subrayar y para hacer un cine social sin recurrir a lo melodramático. En su corazón, Los tortuga esconde una historia sobre el duelo, sobre cómo superar una muerte. Pero lo que en el cine se cuenta como un proceso casi interno, sin más condicionantes, en la película de Belén Funes encuentra un acercamiento radicalmente honesto, político y social: el duelo, como todo, está atravesado por una cuestión de clase. Puede verse por suscripción en Movistar Plus+ y por alquiler en Apple TV, Filmin, Prime Video y Rakuten TV.

Dónde ver 'Un fantasma en la batalla'

Juan Antonio Bayona, Belén Atienza y Sandra Hermida se asociaron con Netflix para producir un guion que Agustín Díaz Yanes tenía desde hace años en un cajón. ¿El argumento? Una infiltrada —esta vez de la Guardia Civil— en ETA. La misma historia que se contaba en La infiltrada regresaba un año después y se presentaba en el Festival de Cine de San Sebastián fuera de concurso con Un fantasma en la batalla. La cinta supuso no solo la vuelta de Agustín Díaz Yanes tras ocho años de ausencia, sino que fue su regreso a su mejor cine. Está disponible para ver por streaming a través de Netflix.

“Sin comunicación somos muebles, sin comunicación no hay respeto, sin comunicación somos un fracaso cultural como sociedad”, ha expresado de forma contundente Miriam Garlo en los Goya, donde ha recogido el galardón a la Mejor actriz revelación por su película Sorda. Garlo ha aprovechado para reivindicar la lengua de signos y compartir el premio “con todas las personas con discapacidad, especialmente con la comunidad sorda”.

“Para todas las mujeres sordas, las que han sido madres y las que no, porque a la violencia obstétrica hay que añadirle la violencia de la no comunicación o la violencia de la invisibilidad”, ha declarado la actriz sobre el escenario. “Aprendamos lenguaje de signos si podemos y, si no podemos, usemos nuestros cuerpos. Nuestra inteligencia y nuestro arte para comunicarnos, sin límites, sin fronteras, sin miedo y sin vergüenza”, ha agregado.

Asimismo, Miriam Garlo ha señalado que “ningún ser humano es invisible y ninguna persona sorda es muda”: “Somos personas sordas, tenemos identidas propia y tenemos una voz propia, pero no siempre es oral. No al genocidio, no al feminicidio y sí al arte, a la conexión, a la ternura y a la empatía. Viva la lengua de signos y viva el cine accesible”.

Su discurso no ha sido el único reivindicativo de la noche. Dolores Fonzi ha recogido el Goya a la Mejor Película Iberoamericana y ha alertado de los tiempos en los que vivimos. “No caigan en la trampa, la ultraderecha vino a destruirlo todo”, expresó la cineasta. “Somos las películas que hacemos y en este momento el mundo se convirtió en una película de terror”, sentenció la directora y actriz argentina.

Sirat, de Oliver Laxe, y Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, partían como las películas favoritas de la noche. Mientras que Los domingos dejó alguna categoría técnica libre y acabó sumando 13 nominaciones, Sirat le siguía en la cuenta con 11. La cinta de Ruiz de Azúa fue la gran victoriosa de los premios Feroz, pero Sirat llegaba a la gala tras haber triunfado en Cannes y haber logrado llevar a España a los Oscar. Completando el quinteto de nominados se encuentraba la revelación del curso pasado, Sorda, de Eva Libertad —que logró siete nominaciones—; Maspalomas, de Josemari Goenaga y Aitor Arregi —que amasó nueve— y La cena, de Manuel Gómez Pereira, que terminó con ocho.

Público, presentadores y nominados han asistado a los premios Goya este 28 de febrero para celebrar todo el año del cine español. La gala, un año más, ha vuelto a tener discursos con gran carga social y casi una decena de actuaciones musicales.

Rigoberta Bandini y Luis Tosar abren la ceremonia con una actuación

Susan Sarandon recoge el Goya Internacional y alaba de nuevo a Pedro Sánchez

Dolores Fonzi alerta de la ultraderecha al recoger el Goya a la Mejor Película Iberoamericana

Gonzalo Suárez recoge el Goya de Honor

Ana Mena emociona con su actuación

La actriz Susan Sarandon ha vuelto a condenar la violencia en su discurso al recoger el Goya Internacional. Después de haber protestado contra la represión que sufren los cineastas por pronunciarse acerca de temas como el genocidio en Gaza, la actriz ha vuelto a hacer hincapié en la necesidad de ser reivindicativo y hablar acerca de lo que sucede a nuestro alrededor, alabando a Pedro Sánchez y a todos aquellos que alzan la voz. “Estos días en los que el mundo está tan dominado por la violencia, por la crueldad, miro a mi alrededor y veo a vuestro presidente y a muchos artistas de este país que hablan con tanta lucidez moral”, ha expresado Sarandon.

“Tanta lucidez moral me ayuda, donde yo estoy, en medio del caos y de la represión, a sentirme menos sola y a sentir que formo parte de una comunidad mayor”, ha señalado la actriz. Asimismo, ha referenciado al historiador y filósofo estadounidense Howard Zinn: “Tener esperanza en tiempos difíciles no es solo una actitud romántica ni ingenua, sostiene una verdad esencial. La historia de la humanidad no es solo de crueldad, sino de valentía, compasión y bondad. Si elegimos centrarnos solamente en lo peor, paralizamos nuestra capacidad de actuar. Pero si recordamos los momentos en los que alguien obró con grandeza, da energía para actuar y cambiar el mundo, que gira como una peonza”.

“El futuro es una sucesión infinita de presentes y vivir hoy en este presente es una maravillosa victoria”, ha concluido Susan Sarandon. La actriz no es solo una leyenda del cine reciente, ganadora del Oscar por Pena de muerte, sino también una de las voces más comprometidas y políticas del Hollywood actual. 24 horas antes de recoger su galardón, y desde el Museu de Historia de Barcelona, en el Born, la actriz atendió ayer a la prensa, que abarrotaba la sala para escuchar y preguntar a una de esas intérpretes que siempre hablan claro. 

“Cuando vienes de un sitio donde hay represión y censura, ver a España, al presidente, lo que dice y el apoyo que brinda a Gaza, y ver a actores como Javier Bardem alzar la voz con tanta fuerza, es fundamental para nosotros. En EEUU nos sentimos menos solos, sentimos que hay esperanza gracias a todos ustedes, algo que no se escucha en la televisión allí. Cuando alguien se alza con tanta fuerza, cuando una nación se alza, como también lo ha hecho Irlanda, es indescriptible lo importante que es para quienes lo estamos intentando en un ambiente muy difícil. Ver esa fuerza y claridad moral significa mucho para nosotros”, dijo levantando la ovación de la prensa.

Sirat, de Oliver Laxe, y Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, partían como las películas favoritas de la noche. Mientras que Los domingos dejó alguna categoría técnica libre y acabó sumando 13 nominaciones, Sirat le siguía en la cuenta con 11. La cinta de Ruiz de Azúa fue la gran victoriosa de los premios Feroz, pero Sirat llegaba a la gala tras haber triunfado en Cannes y haber logrado llevar a España a los Oscar. Completando el quinteto de nominados se encuentraba la revelación del curso pasado, Sorda, de Eva Libertad —que logró siete nominaciones—; Maspalomas, de Josemari Goenaga y Aitor Arregi —que amasó nueve— y La cena, de Manuel Gómez Pereira, que terminó con ocho.

“El mundo es muy convulso y hay algunos que se dedican todavía a convulsionarlo más”. Así de contundente se ha mostrado Luis Tosar en la alfombra roja de los Goya. El presentador de la ceremonia junto a Rigoberta Bandini solo ha sido uno de los muchos actores que han aprovechado su altavoz para lanzar un mensaje social. Como ha manifestado el director Hernán Zin, es importante reivindicar “desde la verdad”, y el cine español ha vuelto a utilizar su plataforma para poner el foco en el genocidio en Gaza, zanjar el debate en torno a las subvenciones y apelar contra un machismo que todavía no ha sido erradicado.

En palabras de Dolores Fonzi, nominada a Mejor película iberoamericana por Belén, “hay que hablar de la realidad”: “Sí, es una fiesta del cine, pero hay que aprovechar la oportunidad para relacionar el cine con lo que está pasando”. La también actriz ha declarado que “es un momento de responsabilidad donde un artista con visibilidad debería aprovecharlo para expresar lo que realmente pasa y no decir cualquier cosa”.

Asimismo, el actor Carlos Cuevas ha señalado que “no hay que dejar de hablar de Palestina” y que “la cultura no debe ser neutral”: “No pido que todo el mundo tenga la misma opinión que yo, pero sí que creo que es importante que todo el mundo exprese su opinión”.

En la misma línea se ha mostrado Carla Simón, nominada por su película Romería, expresando que “el cine es político” y que “estos espacios son una oportunidad para decir en voz alta ciertas cosas que a veces son incómodas”. Por otro lado, Irene Escolar se ha pronunciado sobre la polémica de las subvenciones, coincidiendo justo unos días después de las mentiras contadas por Juanma Bajo Ulloa a Iker Jiménez con respecto al cine español. “Financiar una película es algo complejísimo. Reducirlo simplemente a las subvenciones es un discurso que se queda anticuado. Hay que pasar página y valorar mucho todo el talento que hay en este país”, ha explicado en la alfombra roja.

El director Hernán Zin ha vuelto a pronunciarse sobre Gaza: “Primero es Gaza, pero después podemos ser todos nosotros porque hemos creado un mundo en el que el capital vale más que las personas. Es un mundo que con la IA, con los fondos de inversión que compran todos los pisos, con toda la corrupción que hay, tenemos que pensar que no solo son los de Gaza, también somos nosotros. Por eso todos somos Gaza”. De hecho, Zin ha confesado ser “pesimista con el mundo que viene”. “Israel, que quiere ser el poder hegemónico de la región, no hace más que matar niños. Lo hizo en 2006, cuando llegó por primera vez, lo hizo en 2008, 2014... Es un infanticidio”, ha protestado.

“Esta gente no tiene moral. Y tiene poder financiero a nivel de capital, de medios de comunicación que nos restriegan un genocidio en la cara durante dos años. Y no podemos hacer nada aunque salgamos a las calles, aunque protestemos”, ha continuado diciendo en la alfombra roja. “Son los dueños de los bancos. Los fondos de inversión de las grandes inmobiliarias se están quedando con el mundo. ¿Cuándo vamos a reaccionar?”, ha agregado, enfatizando que “ojalá este tipo de películas sirvan para que la gente despierte, se manifieste y rompa cosas si quiere”. “Yo los aliento a quemar cosas si tienen ganas”, ha concluido.

En alusión a las declaraciones de Susan Sarandon, que atendió a la prensa en la jornada previa a recoger el Goya Internacional, Dolores Fonzi ha expresado que el “único camino” es exponerse a represalias y ha prometido un “discurso incendiario” en caso de recoger el galardón. Por su parte, Belén Funes se ha pronunciado acerca del verdadero poder de los cineastas: “Nosotros podemos levantar la voz, ponernos un pin, dejar de comprar determinadas marcas, pero en el fondo no puede caer sobre nuestros hombros. La responsabilidad de acabar con este genocidio, con esta violencia, es una cuestión política también”.

Vídeos: Adrián Torrano, Álex Corral