Uno de los eventos musicales gratuitos más populares de la capital está de vuelta. La Radio Encendida regresa este domingo 22 de marzo con más de una veintena de artistas y bandas que llevarán a La Casa Encendida once horas de música ininterrumpida.

La Plazuela, Ginebras, El Kanka, Repion, Maria Rodés, Los Vinagres, Cora Yako o Teo Planell acercarán al público sus mejores y más recientes trabajos en este maratón musical organizado por Radio 3 y La Casa Encendida en el espacio de Fundación Montemadrid (Ronda de Valencia, 2). Esta es la vigesimosegunda edición del evento, que vuelve como cada primavera para reunir a bandas consagradas y emergentes de la escena nacional.

Diferentes estilos y propuestas musicales se unen en el cartel de La Radio Encendida, que acogerá entre las 12.00 y las 23.00 horas más de una veintena de conciertos en el Patio y el Auditorio de La Casa Encendida. Además, habrá conciertos sorpresa en pequeño formato y de acceso libre que tendrán lugar a lo largo de toda la jornada y en el momento más inesperado.

La programación se completa con Biodramina Mood, Boyanka Kostova, CERVATANA, Cristian de Moret, De Ninghures, Dora Band, el diablo de shanghai, Estrogenuinas, Júlia Colom, Mujeres, Niños Luchando, Tito Ramírez y Veintiuno. Además, los DJs de Radio 3 estarán pinchando sus temas favoritos en la Sala A de La Casa Encendida desde las 19.00 horas, en un espacio gratuito y abierto al público.

El cartel de esta edición refuerza el compromiso de Radio 3 y La Casa Encendida con la diversidad de género, de estéticas, de estilos y de generaciones. Ambas instituciones reafirman así su voluntad compartida de impulsar la creatividad contemporánea, apoyar el talento en todas sus expresiones y favorecer un espacio de encuentro abierto, plural e intergeneracional al servicio de la cultura.

Este es el programa completo de Radio Encendida 2026 por horarios y espacios:

Patio de La Casa Encendida

Auditorio de La Casa Encendida

Sesiones de DJ's de Radio 3 en la Sala A

Cómo conseguir entradas para La Radio Encendida 2026

Las entradas son gratuitas y se ajustan a cada bloque de conciertos. Puedes consultar dichos bloques y adquirir las localidades en este enlace. Se puede acceder a la compra través del botón “Entradas” de cada grupo de conciertos (máximo dos invitaciones por persona y bloque).

El viernes 13 de marzo a partir de las 9.00 horas se podrán retirar las de los conciertos del Auditorio: Cristian de Moret, De Ninghures, Niños Luchando, Monstruo Laberinto, Maria Rodés, Júlia Colom, Biodramina Mood, Teo Planell, Cora Yako y Boyanka Kostova.

El viernes 20 de marzo desde la misma hora estarán disponibles las de los conciertos del Patio: Dora Band, 1111, CERVATANA, Tito Ramírez, Estrogenuinas, Mujeres, El Kanka, Los Vinagres, Veintiuno, el diablo de shanghai, Repion y Ginebras.

Es necesario tener entrada para acceder a los conciertos en el Patio y el Auditorio, pero la entrada es libre hasta completar aforo en el resto de espacios de La Casa Encendida. Los menores de 16 años pueden acceder siempre que estén acompañados de su tutor legal. Los menores de 18 años pueden acceder, pero no consumir bebidas alcohólicas. Además, existen cascos adaptados para el público infantil.

Mirar nunca es un acto pasivo: hacia dónde dirigimos la atención y qué dejamos deliberadamente en la penumbra es un reflejo de nuestros prejuicios y de nuestra posición de privilegio. Precisamente por ello, la fotógrafa Hoda Afshar (Irán, 1983) ha dejado a un lado el objeto o la persona observada y ha decidido centrarse en aquel que mira. Su exposición The Fold, que se encuentra en La Casa Encendida de Madrid hasta el 26 de abril, es una reflexión sobre cómo percibimos las realidades ajenas y de qué manera decidimos afrontarlas.

El trabajo de Afshar toma todavía mayor importancia en un momento en el que Irán está aislado del mundo después de que las autoridades cortaran la conexión a internet a inicios de enero, en medio de las protestas antigubernamentales que se han extendido por todo el país desde finales de diciembre. Se trata de un problema al que Occidente está decidiendo no mirar. “He intentado, de diversas maneras a lo largo de mis años de práctica, fomentar un modo diferente de ver las cosas que otorgue a todos el derecho a la dignidad y la humanidad”, explica la fotógrafa a elDiario.es. “Pero la escalada de violencia que hemos experimentado recientemente nos ha afectado a todos en todos los rincones del mundo”, añade.

Interesada en la fotografía, la mirada y la representación, los proyectos de Afshar siempre han jugado con la idea del ocultamiento como una forma de revelar o poner algo en el foco. La artista, que nació y se crio en Irán después de la revolución islámica, estuvo sometida a las leyes obligatorias del hiyab y vivió el islam politizado, que describe como una “herramienta de opresión”. Esto la hizo interesarse por el concepto de las mujeres como sujetos, cuyos cuerpos son controlados, ocupados o liberados: “La mirada occidental, al ver los cuerpos de las mujeres de mi región y quiénes somos, a menudo nos ha reducido a este trozo de tela [el hiyab], ya sea un símbolo de atraso, de resistencia u ocupación”.

Podría decirse que esto impulsó la exposición que presenta la artista ahora en España, pero en realidad fue motivada por un archivo que encontró en el Museo del muelle Branly de París. Allí hay una lista muy larga de fotógrafos que se pueden consultar, y la mayoría de ellos obligaba a las mujeres a posar semidesnudas, como si fueran la imagen fantaseada de las mujeres del harén o de las mujeres argelinas y marroquíes del norte de África. Sin embargo, un archivo en particular no mostraba desnudos, sino que se centraba en los pliegues y los tejidos.

Este archivo era el del psiquiatra y fotógrafo francés Gaëtan Gatian de Clérambault (1872–1934), que Hoda Afshar ha utilizado para interrogar la herencia de las prácticas fotográficas orientalistas y colonialistas. “Con estas imágenes, que pretenden ser etnográficas y enseñarnos sobre las personas, no aprendemos nada sobre ellas”, afirma la artista. “No nos aportan nada sobre esos sujetos, pero aprendemos sobre la persona que las mira. Son un espejo que refleja la imagen de la mentalidad colonial”, añade, agregando que “quería invertir la dinámica y estudiar al psiquiatra, entrando en su cabeza y tratando de profundizar más a fondo, volviendo la lente hacia él como creador de imágenes”.

De esta forma, el nuevo proyecto de Hoda Afshar observa las imágenes desde la mirada externa, como si analizara a Francia mirando a Marruecos, algo que ayuda a reflexionar sobre cómo nosotros miramos a Irán. “Cuando se produce la invisibilidad y el silenciamiento, se pierde el acceso a la complejidad de la situación en Irán y, de nuevo, el poder externo llega a tergiversar el momento”, señala la fotógrafa, que explica que “es muy importante escuchar las voces desde dentro”. “Si nos importan la dignidad y las vidas humanas, no debería haber ninguna jerarquía que nos haga preocuparnos por un pueblo y no por otro. Así que eso es lo que he intentado hacer en todas las situaciones: escuchar las voces de la gente”, indica.

La falta de escucha es, además, otro de los motivos por los que hay tanto desconocimiento con respecto al islam. “Para entender hoy en día la lucha de las mujeres iraníes no basta con mirar las imágenes de las redes sociales de mujeres quemando pañuelos y tachándolo de islamofobia”, apunta la artista. “Tenemos que entender que estamos hablando de una geografía realmente vasta, en la que cada uno ha tenido una experiencia muy diferente de la religión en sí y de cómo se aplicaba. Es lo mismo que ocurre con el cristianismo y con el judaísmo, que están en todas partes, pero [lo del islam] se ha generalizado históricamente debido a la deshumanización del pueblo islámico”, dice.

“Dentro de esa lucha, incluso nos cuesta entender los matices y las complejidades de la región islámica en sí misma. Por eso, me gustaría animar a la gente a que, cuando vean la lucha de las mujeres iraníes, entiendan que no se trata solo de mujeres quemando cigarrillos con imágenes de clérigos, mulás o ayatolás”, explica Afshar. “Tenemos una situación muy grave sobre el terreno en este momento, y la realidad es mucho más violenta. No es nada sexy y no alimenta la fantasía de Occidente ni lo que las mujeres iraníes necesitan. Va mucho más allá del hiyab”, agrega.

La fotógrafa considera que la base es que estamos ante “un país que niega los derechos humanos más básicos a su propio pueblo, ya sean hombres o mujeres, y cuyas mujeres luchan por sus derechos porque el país se ha dado cuenta de que no habrá libertad hasta que las mujeres sean libres”. “Es un símbolo de una idea mucho más grande, la liberación”, afirma, y señala que, aunque “las mujeres han logrado mucho en las últimas cinco décadas”, siguen “sobre el terreno luchando con la gente”.

Nadie apoya a los iraníes porque los ven como aliados del poder imperialista israelí y estadounidense

Hoda Afshar — Artista y fotógrafa

“Le dieron al régimen el permiso y el derecho a matar a tantas personas como quisieran, porque el régimen los tildó inmediatamente de espías, de enemigos del Estado, de colaboradores de Israel y EEUU. Pero no lo eran, eran civiles inocentes hartos de la situación económica y de la opresión del régimen”, detalla Hoda Afshar. “Han estado luchando contra este régimen durante décadas, y luego EEUU e Israel utilizaron a la diáspora iraní, a los iraníes que están fuera, para tergiversar el movimiento ante los medios de comunicación”, lamenta, alegando que “han traicionado al pueblo iraní hasta tal punto que ahora nadie apoya a los iraníes porque los ven como aliados del poder imperialista israelí y estadounidense”.

En mitad del caos generado por “agendas falsas al servicio del poder”, la artista ejemplifica que “todos hemos dependido mucho de medios de comunicación de izquierdas para obtener información sobre Gaza”: “Yo solo veía Democracy Now!, Al Jazeera, Novara Media y muchas otras plataformas que daban voz a los periodistas y defensores palestinos”. Ante estos problemas, Afshar ha llegado a reflexionar sobre la fortaleza del arte. “La pregunta existencial que me planteo en este momento es qué significa seguir haciendo el trabajo que hemos estado haciendo”, confiesa.

“Cuando luchas por los derechos de las personas que se encuentran en un limbo como refugiados o haces un trabajo sobre aquellos que están sometidos a encarcelamiento por decir la verdad al poder, el objetivo es reducir la violencia, esperar un mundo que ya no trate a las personas así. Pero entonces, de repente, no se reduce la violencia y te preguntas: ¿qué significa crear arte ante este momento?”, comenta la fotógrafa, que agrega que nunca le convenció que “hacer arte fuera a cambiar el mundo o detener la violencia y las guerras”.

“En el mejor de los casos, el arte es una parte muy pequeña de un movimiento mucho más grande, una documentación de lo que pensábamos en ese momento y de lo que nos importaba. Porque, como dice Nina Simon, el papel del artista es responder a su época”, cuenta Hoda Afshar. “Así que esto es como una crisis existencial: te sientes muy impotente ante todo ello, pero al mismo tiempo no hay nada más que puedas hacer que seguir creando lo que creas”, reconoce.

Mirar al otro también denota la posición de privilegio de la persona que lo hace. “El privilegio nos da ciertas formas de interpretar estos acontecimientos e historias, como si fuera un algoritmo el que determina dónde estás y qué has visto, o cómo ves la lucha de las mujeres iraníes”, apunta Afshar, que insiste en que “si la violencia está aumentando es porque quieren paralizarte, quieren que dejes de pensar en los derechos humanos individuales, quieren hacerte sentir que no puedes hacer nada ante ello”. No obstante, asegura que “la forma de resistir es centrarse en ello, reconocer a esas personas, reconocer la humanidad, reconocer la dignidad humana y no rendirse nunca”.

En un contexto en el que la visibilidad del cuerpo femenino sigue siendo un terreno político, Hoda Afshar presenta una exposición que aporta perspectivas diferentes que contrastan entre sí, pero que pueden ser todas ciertas al mismo tiempo. “Estoy tratando de fomentar una lectura más multidimensional de los acontecimientos”, dice sobre su último trabajo, que ayuda a explorar más versiones y expandir nuestra forma de mirar. La artista concluye que “es muy agotador luchar contra estos sistemas, pero, al mismo tiempo, es muy, muy importante que sigamos luchando”.

Madrid vuelve a convertirse en el epicentro del cine independiente con la 15ª edición del Festival Márgenes, que se celebrará del 23 al 30 de noviembre en diversas sedes de la ciudad: Cineteca Madrid, Sala Equis, el Museo Reina Sofía, el Círculo de Bellas Artes y La Casa Encendida. Fiel a su espíritu de descubrimiento, el certamen presenta este año una Sección Oficial de once títulos internacionales, todos ellos estreno en Madrid, que trazan un mapa vibrante del cine contemporáneo en su vertiente más exploratoria. Parte de la programación será de acceso gratuito y la información detallada de horarios y precios está disponible en la página oficial del festival, donde también pueden adquirirse las entradas.

El programa reúne nombres consagrados del cine de autor junto a algunas de las voces más estimulantes del panorama audiovisual actual. La canadiense Sophy Romvari inaugura la sección con Blue Heron, un retrato íntimo de una familia inmigrante en Vancouver marcado por tensiones invisibles y la persistencia de la memoria. Le sigue la argentina Lucrecia Martel, que en Nuestra tierra transita hacia el documental creativo para indagar en la relación entre crimen, identidad y territorio.

El rumano Radu Jude presenta Kontinental ’25, una ácida reflexión sobre vivienda, responsabilidad social y capitalismo contemporáneo, mientras que el cineasta chino Bi Gan regresa con Resurrection, una obra hipnótica que continúa su exploración del sueño, el tiempo y el deseo a través de una puesta en escena sensorial y onírica.

La sección también acoge propuestas que expanden los límites entre realismo y leyenda, como Testa o croce?, de Matteo Zoppis y Alessio Rigo de Righi, así como trabajos centrados en lo material y lo corporal, como Frío Metal, del mexicano Clemente Castor. Desde Portugal, Pedro Pinho aporta O riso e a faca, una indagación lúdica y fragmentaria sobre género, trabajo y representación.

Entre las apuestas más singulares figuran Loynes, del belga Dorian Jespers, que se adentra en una luminosidad inquietante para capturar el desconcierto contemporáneo, y When the Geese Flew, del neozelandés Arthur Gray, que explora una lejanía de resonancias espectrales. Por su parte, Control Anatomy, del cineasta gazatí Mahmoud Alhaj, examina la vulnerabilidad del cuerpo y las dinámicas de violencia desde la experiencia personal del autor, quien asistirá a presentar la película.

Los once filmes configuran una cartografía del cine como espacio de experimentación, donde documental y ficción se entrecruzan para pensar un mundo en permanente conflicto y transformación. Una edición que reafirma a Márgenes como un punto de encuentro imprescindible para el cine de autor desde 2012.

Premios, homenajes y focos especiales

El Festival Márgenes celebra este año a destacadas voces del cine y el audiovisual internacional con reconocimientos y programas especiales. La cineasta alemana Ángela Schanelec, una de las autoras más relevantes del cine europeo contemporáneo, recibirá el Premio Especial Márgenes 2025 en reconocimiento a su trayectoria singular y a su contribución a la renovación del lenguaje cinematográfico.

Actriz de formación y vinculada a la Escuela de Berlín, Schanelec ha desarrollado una filmografía marcada por un estilo austero, poético y profundamente emocional, abordando con delicadeza temas como el duelo, la maternidad y la incomunicación. Su obra, comparada por la crítica con la de Robert Bresson, Michelangelo Antonioni o Chantal Akerman, ha participado en festivales como Cannes, Locarno o Berlín, donde obtuvo el Oso de Plata a la Mejor Dirección por Estaba en casa, pero… (2019) y el Oso de Plata al Mejor Guion por Música (2023). Durante el festival, la cineasta participará en un encuentro con el público y será protagonista de un foco retrospectivo que repasará parte de su obra.

Por su parte, Jaime Puertas Castillo, una de las voces más originales y prometedoras del audiovisual español, recibirá el Premio Márgenes Futura. Su obra fusiona tradición rural, fantasía y ciencia ficción en relatos de gran carga simbólica, creando un territorio cinematográfico propio donde el paisaje rural se transforma en mito, memoria y posibilidad futura. Como parte del homenaje, el festival presenta la instalación performativa El cuarto de los tres escritorios y la proyección de su ópera prima Historias de pastores, acompañada del cortometraje Anunciación a los pastores.

Además, el Festival Márgenes y el Museo Reina Sofía dedicarán un foco al colectivo artístico holandés Metahaven, formado por Vinca Kruk y Daniel van der Velden. Su trabajo, situado en la intersección del arte, el cine y el pensamiento crítico, explora cómo la tecnología, la política y los sistemas mediáticos condicionan la percepción de la realidad, la identidad y la verdad. El programa incluye obras como The Sprawl (Propaganda About Propaganda) (2016), Chaos Theory (2021) y The Feeling Sonnets (Transitional Object) (2024), además de una clase magistral impartida por el dúo.

El festival también continúa apostando por la formación, la innovación tecnológica y la profesionalización a través de actividades paralelas, charlas, programas de alfabetización audiovisual y espectáculos AV. La edición de 2025 está organizada por la Asociación Cultural Cine en Ruta con el apoyo del ICAA, el Ayuntamiento de Madrid, Acción Cultural Española, La Casa Encendida y diversas instituciones culturales y educativas.

Algunas de las sesiones de las gratuitas, el resto oscilan entre los cuatro y los cinco euros. Puedes acceder a la venta de entradas pinchando en este enlace.

El futuro del planeta no espera, y este sábado 15 de noviembre, La Casa Encendida invita a imaginarlo como nunca antes. El espacio social y cultural de Fundación Montemadrid celebra la V edición de Compromiso con el Clima, un foro que reúne a activistas, poetas, educadores, técnicos municipales, niños, científicas y ciudadanos para compartir soluciones a la crisis climática.

Bajo el lema “Lo impensable”, la convocatoria invita a toda la ciudadanía a explorar ideas inéditas. Desde un río con personalidad jurídica, hasta ladrillos de algas, pasando por bacterias arquitectas y muchas otras propuestas que muestran cómo repensar la vida urbana, los ecosistemas y la relación con nuestro planeta.

El programa propone realidades únicas como aprender a vivir sin cubo de basura, descubrir la ciencia detrás de los avisos de la AEMET, conocer restaurantes activistas por el clima o explorar refugios creados frente a emergencias. Todo ello con un objetivo común: pensar colectivamente un futuro mejor, intercambiando conocimientos, experiencias y creencias sobre los que reconstruir cuando parece que todo se tambalea.

La jornada comenzará por la mañana, de 10.30 a 15.00, con intervenciones que mostrarán cómo los restaurantes pueden convertirse en epicentros de cambio climático, cómo vivir sin cubo de basura, la ciencia detrás de los avisos de la AEMET, la prevención de megaincendios o la construcción de refugios frente a emergencias. Entre los ponentes se encuentran Andrea González de Vega, que hablará de restaurantes activistas por el clima, Indy Johar, arquitecto londinense y fundador de Dark Matter Labs, que explicará cómo su organización ha aplicado ideas impensables en planificación urbana y sistemas alimentarios públicos, y Fernando Valladares, que mostrará cómo el teatro puede convertirse en herramienta de concienciación frente a la crisis climática.

Por la tarde, en horario de 16.00 a 20.30, se abordarán iniciativas como la conexión con la COP30 de IABS con Alejandro Muñoz, el proyecto TEMIS sobre agentes de cambio presentado por Alexys Layedra, Ashly Amaya Parada e Isabella Villay, o la exploración de derechos ambientales con Carmen Haro, que presentará un manifiesto para que el río Manzanares logre personalidad jurídica. También se hablará de salud y crisis climática con Héctor Tejero, de la inteligencia artificial aplicada a la descarbonización con Iago Romero, de resiliencia comunitaria con José Luis Rodríguez Casadevante “Kois”, y se cerrará con intervenciones artísticas como Clímax, el Musical, un proyecto colaborativo que combina las visiones climáticas de niños y niñas en canciones interpretadas por un coro y una orquesta infantiles.

Durante todo el día, el público tendrá la oportunidad de vivir los llamados “Momentos ajá”, inspirados en la escritora Rebecca Solnit, donde los participantes compartirán instantes en los que tomaron conciencia de la crisis climática. Además, habrá música, arte, baile, micrófono abierto y encuentros con los ponentes, ofreciendo un espacio para intercambiar experiencias y aprender colectivamente a imaginar un futuro más sostenible.

El acceso al evento es gratuito, aunque requiere reserva previa. Quienes quieran asistir podrán elegir entre acudir únicamente por la mañana, de 10.30 a 15.00, por la tarde, de 16.00 a 20.30, o durante todo el día, de 10.30 a 20.30. Un número limitado de pases estará disponible en la puerta a partir de 15 minutos antes de comenzar, asignados por orden de llegada.

El evento está organizado por la Subdirección General de Energía y Cambio Climático del Ayuntamiento de Madrid, itdUPM, Atelier itd y La Casa Encendida de Fundación Montemadrid, con la colaboración de Porticus, Democratic Society y citiES2030, y cuenta con el apoyo del programa de ayudas a la creación y la movilidad del Ayuntamiento de Madrid. El comisariado correrá a cargo de Antonella Broglia y Manuel Pascual, del colectivo Zuloark.

A continuación, puedes consultar el programa completo de Compromiso por el Clima 2025:

Mañana (de 10.30 a 15.00)

Tarde (de 16.00 a 20.30)

Alcindo Bernardo Fortes Monteiro murió asesinado un 10 de junio de 1995. Era el día de la raza en Portugal y un grupo de skinheads decidió salir a la calle a dar palizas por el barrio alto lisboeta. Dejaron 10 víctimas tiradas por la calle, todas de raza negra. Alcindo, sin embargo, no pudo superar un cuadro médico irreversible: hemorragia subpleural y subendocárdicas, edema pulmonar, lesiones craneoencefálicas traumáticas graves, lesión del tronco encefálico, edema cerebral muy marcado y fractura de la bóveda craneal. Murió a las doce del día siguiente. 

No sería hasta el año 2020 que se conmemoraría a Alcindo con una pequeña placa en el Chiado. Desde mucho antes su figura fue un símbolo en Portugal del movimiento antirracista. Alcindo es el caso paralelo al asesinato en España en 1992 de la inmigrante de origen dominicano Lucrecia Pérez Matos. Aquí la estatua de Lucrecia no llegó hasta 2023. Historias paralelas, como tantas, entre España y Portugal. 

Gabriel Chaile, nacido hace 40 años en la provincia del norte argentino de Tucumán, llegó a Buenos Aires a buscarse la vida como artista hace 15 años. “Acabé viviendo en el barrio de La Boca, un barrio intenso, con mucha presencia boliviana y peruana, con gente ocupando en la calle, era un barrio en el que me sentía cómodo”, recuerda a este periódico desde Nueva York donde acaba de inaugurar exposición en la galería Marianne Boesky. Chaile es ahora el artista argentino más requerido por bienales y ferias de todo el mundo. 

Y allí, en el barrio popular de La Boca, Chaile no dejaba de ver la cara de un joven. Preguntó y le contaron la historia de Diego Nuñez que en el año 2012 fue asesinado por la policía, un caso de “gatillo fácil” como lo llama la crónica de sucesos porteña: cinco tiros por la espalda y dos en la cabeza. En ese momento, Gabriel decidió hacer una gran escultura de barro en honor a Diego Núñez, una escultura, pero una escultura funcional, una escultura horno donde luego poder cocinar empanadas y reunir a la gente. “Mis esculturas, si no se las enciende y no se las usa, básicamente son piezas muertas, inertes. Solamente adquieren una dimensión multisensorial cuando se las activa”, explica Chaile. 

Chaile llego a Lisboa en marzo de 2020, venía invitado por un coleccionista, su carrera comenzaba a despegar. Pero llegó la pandemia y no pudo volver a su país, se quedó encerrado. “Se enamoró de Lisboa, se dedicó a vivir en sus calles, a encontrar a otros migrantes, a escuchar sus historias, hoy el grupo de gente que trabaja en su estudio con él surgen de esos encuentros”, explica John Romão, director artístico de la Bienal Boca y que ya programó hace un año en el MAAT Museo de Arte, Arquitectura y Tecnología de Lisboa la pieza que ahora podrá verse en la Casa Encendida hasta el 13 de octubre. 

“Cuando John me invitó a BOCA tuve claro que quería trabajar sobre Alcindo Monteiro. Su historia me impresionó mucho. Me la contó una amiga militante y me quedé pensando mucho en el país, en Portugal, además lo mataron el día que yo nací, un 10 de junio, y yo también soy de piel marrón y vengo de una zona en Argentina donde esas mismas historias, sobre todo por parte de la policía, también ocurren”, recuerda Chaile. “Cuando lo tuvimos pactado decidí hablar con la familia de Alcindo y pedirles permiso para poder hacer este trabajo que básicamente era hacer como un retrato, pero en forma de horno, de estas esculturas de horno que yo hago”, explica este artista sobre sus trabajos escultóricos, piezas con una estética del arte originario del noroeste argentino con las que el artista ha ido engarzando su trabajo donde se une la comunidad, lo ancestral, la identidad y lo social. 

Unas esculturas que tienen su origen en la celebración del Bicentenario de la Independencia de Argentina en 2016. “Me habían invitado a una muestra donde me habían dado un texto que hablaba de los 200 años de historia argentina”, recuerda. A Chaile siempre le gustó mucho la arqueología, pero nunca la había relacionado con sus investigaciones artísticas. “Era como un universo aparte, pero con lo del bicentenario conecté mi interés por la arqueología y la historia del país con mis historias familiares. Mi abuela era indígena y artesana, ceramista y tejedora. No la conocí, pero mi familia dice que yo heredé su relación con el arte”, explica.

De ese cruce surgirían sus primeras esculturas, retratos de él mismo, de su hermana, de casi todos los miembros de su familia. Recordó cómo su familia, de extracción muy humilde, se ganó durante muchos años la vida con hornos artesanos para hacer pan. Chaile fue introduciendo su saber de la cerámica arqueológica. “De esas piezas llenas de polvo en los museos a las que nadie hace ni caso y con las que yo sentía una familiaridad directa. Todo ese trabajo viene evolucionando desde 2016, la escultura de Alcindo que ahora presento en Madrid no tiene un origen indígena, pero él también es de una parte de la sociedad nada hegemónica”, explica.

Portugal deja de ser la excepción

El 18 de mayo de este año Portugal vivió sus últimas elecciones. La espectacular subida de extrema derecha, Chega, convulsionó el mapa político. Chega superó incluso al partido socialista y hoy es la segunda fuerza del país. Un mes más tarde, el 11 de junio, una treintena de neonazis atacaron, de nuevo en el Día de la Raza de Portugal, al actor Adérito Lopes, que se dirigía a hacer una función en Teatro A Barraca de Lisboa. “No es fortuito, una de las personas que agredió a este actor también estaba hace 30 años en la agresión a Alcindo Monteiro”, explica John Romão, que señala que “el líder del asesinato de Alcindo, Mario Machado, sigue siendo una persona con mucha actividad racista y extremista en Portugal”. “Es un tema muy complicado, ahora más con el discurso de Chega tan presente, pero tampoco hay que obviar la impunidad de los grupos de extrema derecha en Portugal, cómo la policía los protege e incluso la infiltración de los grupos de extrema derecha en la policía, que es algo sabido”, contextualiza el director de BOCA. 

El líder del asesinato de Alcindo sigue siendo una persona con mucha actividad racista y extremista. Es un tema muy complicado, ahora más con el discurso de Chega tan presente

John Romão — Director de la Bienal BOCA

Romão, que lleva ya diez años dirigiendo la bienal, destaca de las esculturas de Chaile su capacidad de ser medios para el diálogo, la inclusión y la representatividad. “Además, me interesa mucho cómo cruza su historia, personal, familiar y de identidad propia, indígena, con otras historias como la de Alcindo o, como va a pasar en Madrid, en el que se cruzará con la de Mame Mbaye”, explica sobre las intervenciones que se harán en la instalación de Chaile. El sábado 13 de septiembre, la instalación será activada por la batucada caboverdiana Batuko Tabanka en colaboración con Espacio Afro y el Sindicato de Manteros, un acto comunitario que tiene como objetivo mantener viva la memoria de Mbaye. 

El 20 de septiembre la artista de origen camerunés Agnes Essonti y el artista DJ Megane Mercury activarán la instalación con comida y un dispositivo sonoro donde estarán presentes los sonidos clubs y las diásporas latina y africana. El 11 de octubre será la artista argentina Estefanía Santiago quien activará el dispositivo también buscando encontrar puntos de encuentro y un lenguaje común a través de las comidas y recetas de algunas de las comunidades migrantes que habitan el barrio de Lavapiés. 

El trabajo de Chaile llega en un momento especialmente activo en Madrid para la performance y las artes escénicas expandidas. Además de toda la programación de la Bienal de BOCA en Madrid con figuras tan prominentes como Rodrigo García, Angélica Liddell o Tiago Rodrigues, en estos días también tienen lugar otros dos festivales dedicados a estas disciplinas que cada vez tienen menor encaje en los teatros públicos de la capital, más dedicados al teatro tradicional y de repertorio. 

Uno es IDEM el festival organizado por La Casa Encendida que tiene lugar hasta el 20 de este mes, festival que este año dirige el colombiano Rolf Abderhalden, de la compañía Mapa Teatro. El otro, también en marcha actualmente, es un festival independiente y hecho a pulmón, el Free Tour, festival de inspiración fluxus que esta semana ya ha parido una muy potente performance de Orquestina de Pigmeos: Aida. Parada 1948, recorrido perfomance por el barrio de Usera en el que, a través de la película del mismo nombre del alemán Till Roeskens, se abordó la opresión que sufre desde hace decenios la población palestina. El Free Tour concluirá este domingo con Opus nigrum, de Ben Attia, artista de origen magrebí que convulsionó la escena madrileña la temporada pasada con el montaje de Opus Cero. 

Un mes lleno de performances, instalaciones y acciones artísticas que demuestran cómo estas disciplinas híbridas saben buscar las rendijas por las que conectar con los problemas sociales que atraviesan las sociedades modernas, desde Palestina, la migración o la diversidad hasta el poscolianismo o la identidad. 

La importancia de tender una mano amiga y crear redes de vecinos en una ciudad, la de Madrid, con cada día más zonas gentrificadas. Compartir recursos o ideas para consolidar un barrio donde imperen los cuidados comunes. Estas y otras premisas son las que tratarán de arraigar La Casa Encendida de Lavapiés y la Fundación Montemadrid, que llaman especialmente a los residentes proximos espacio o los más vulnerables a acudir un pionero festival, que se celebrará en el centro cultural de la Ronda de Valencia este fin de semana, los días 10 y 11 de mayo.

A lo largo de ambas jornadas, todo girará en torno a una misma premisa: cuán frágiles somos viviendo de forma aislada y lo importante que resulta tejer lazos entre vecinos. Más aún en una ciudad donde la vida pasa a toda velocidad. En colaboración con Equipo Andecha, la programación apela a todos los públicos y pasa por distintas actividades: talleres de autocuidado, un mapa colaborativo de recursos comunitarios, cocina familiar sostenible, teatro, música, danza o comida popular.

Varios encuentros abordarán la necesidad de impulsar redes de apoyo, visibilizar desigualdades y promover el bienestar colectivo en un momento de transformación social. “Queremos inspirar una ciudadanía que participe en su propio desarrollo y en el de su entorno, fomentando un modelo de convivencia solidario e integrador que considere los cuidados como el eje de las relaciones humanas”, explica la directora de Centros y Programas Educativos, Sociales y Asistenciales de la Fundación Montemadrid, Isabel Rey. La actividad que dará el pistoletazo de salida es el “mapa de los cuidados”, una práctica colaborativa para que los asistentes aprendan a reubicar su entorno de forma autoorganizada, y en el que se podrá contribuir a lo largo de todo el fin de semana.

También habrá un taller llamado Historias del territorio, también centrado en la creación de una cartografía experiencial de los barrios a través de la memoria y el juego: se coserá un mapa textil con fragmentos de tejidos. Más allá de las acciones destinadas a crear comunidad encontrado a los vecinos entre sí y haciéndoles participar de un mismo concepto habrá espacio para la teoría. Por ejemplo, en la mesa redonda Cuidados desde las trincheras, que busca “mostrar que otras formas de quererse son posibles y que sin cuidados ni relaciones sociales que la sustenten no hay vida ni tienen sentido los barrios”, tal y como lo han descrito los organizados del evento.

La soledad no deseada, situaciones de desempleo, desahucios, pobreza, procesos migratorios difíciles o enfermedad crónica con bajo presupuesto; o también las necesidades más cotidianas y que pasan desapercibidas serán el principal tema de debate. Uno de los asuntos en los que más pretende focalizarse el festival es en el papel de las mujeres cuidadoras. La mesa redonda Cuerpos que cuidan. Resistencias y desigualdades se centra en reunir voces de esas mujeres que cuidan y tienen una propuesta concreta para una política de cuidados basada en la interdependencia o la ruptura de las desigualdades sociales.

Temas parecidos se tratarán antes y después de la emisión del pódcast Una sobremesa de cuidado, al que se puede asistir en directo y en el que conversarán en abierto la activista anticapacitista Itxi Guerra, el presidente de la Fundación 26 de Diciembre, impulsora de la primera residencia pública de mayores LGTBIQ+, y la activista del colectivo Territorio Doméstico y secretaria de Organización del Sindicato de Trabajadoras del Hogar y los Cuidados, Rafaela Pimentel Lara. Por otro lado, se exhibirán obras de teatro como Se fue el país y quedamos nosotras, que narra trece historias en las que intervienen nueve nacionalidades latinoamericanas y en las que se relata qué supone ser mujer, migrante y trabajadora del hogar en España.

Se enseñarán muestras de danza en la obra Ser, en cuerpo. Habitantes del umbral o se hablará de bienestar individual de diferentes maneras. La instalación Espacio Selva: Entra y Siente, que permanecerá durante todo el fin de semana en el Torreón II, servirá para aprender a explorar emociones a través de los sentidos. Como extensión de esta iniciativa se plantea el taller El refugio de los sentidos, que ofrece una experiencia diseñada para explorar los beneficios de la conexión con la naturaleza y cómo mantenerla en la vida diaria.

“El objetivo es concienciar sobre el impacto del entorno en nuestro bienestar, reflexionar sobre el poder terapéutico de la naturaleza y fomentar la conexión con ella en la vida cotidiana”, puntualizan sus promotores. Se mostrará cómo cuidarse a uno mismo, pero también a su entorno. La programación la completan talleres como el de autocuidado a través del movimiento, centrado en el estiramiento, la relajación y la movilidad articular; o La siembra del autocuidado: cómo cuidar plantas mejora tu bienestar, que explora los beneficios de cuidar plantas y se realizarán actividades con semillero.

Completan el catálogo otras propuestas de carácter más familiar, como el concierto Nanas originales y canciones tradicionales que hacen comunidad o el taller Música y danza en familia, focalizado en los bebés; además, un cuentacuentos musicado titulado Historias increíbles de mujeres que hacen ciencia promete un viaje a mundos lejanos para conocer a verdaderas heroínas que cambiaron el mundo. Por último, Superchefs: cocina en familia mostrará algunas nociones básicas de alimentación sana y sostenible mientras elaboran preparaciones sencillas y nutritivas, aptas para los más pequeños.

El sábado a las 13.30 tendrá lugar en el Patio de La Casa Encendida la comida Sabores del barrio, servida a “precios populares” por Lakook, empresa social promovida por la Comisión Española de Ayuda al Refugiado (CEAR), con un equipo diverso de más de 100 personas de 30 nacionalidades diferentes, el 80% de las cuales han pasado por programas de integración de CEAR. Durante dos días, encuentros, talleres, mesas de experiencias, teatro, danza y actividades familiares centradas en cómo queremos cuidar y ser cuidados, cómo promover redes de apoyo cotidianas y compatibilizarlas con la vida de hoy, “en un contexto de transformación social que pone en evidencia la soledad y la fragilidad individual”, concluyen los organizadores del evento.

PROGRAMACIÓN

Sábado, 10 mayo

Domingo, 11 mayo

Como cada mes de abril, la feria de proyectos editoriales independientes y de arte Libros Mutantes volverá a llenar este fin de semana de publicaciones, conversaciones y gráfica experimental los espacios de La Casa Encendida. Del 25 al 27 de abril se celebra la duodécima edición de este encuentro ya imprescindible, que reúne a más de 80 proyectos editoriales internacionales seleccionados por convocatoria abierta, con participantes llegados desde lugares tan diversos como Indonesia, Estados Unidos, Ucrania o Taiwán.

Este año, la propuesta gira en torno a un lema claro: pasar a la acción frente al scroll infinito de la pantalla. Lo tangible y lo táctil, lo sólido y lo intelectual, lo sensual y lo perceptible son los protagonistas de una feria que reivindica el poder del papel, el diseño y la edición como medios de pensamiento y resistencia cultural.

Entre las novedades de esta edición destaca la ampliación de espacios dentro del edificio y la vuelta de Atlas, la sección que cada año se dedica a una escena editorial concreta. En esta ocasión, el foco se pone en Asia con Atlas: Taipéi, una propuesta comisariada por Taipei Art Book Fair y TPadd assoc., en colaboración con Acción Cultural Española. A través de una exposición de obra gráfica centrada en el cartel como herramienta de experimentación visual, una selección de publicaciones y una charla dentro del ciclo Perspectivas Mutantes, se explorarán los códigos estéticos y el contexto cultural de una ciudad clave en la edición independiente asiática.

El programa de charlas y actividades Perspectivas Mutantes sigue siendo uno de los pilares fundamentales del encuentro. En él se dan cita creadores y colectivos que redefinen las posibilidades del diseño gráfico, la autoedición y la cultura visual. Entre los invitados de este año destacan el colectivo neerlandés Fabulous Future, que cuestiona la noción de ruina y reconstrucción a través del diseño y la arquitectura; la diseñadora sueca Johanna Burai, que propone un acercamiento emocional e intuitivo al proceso creativo; o los ucranianos Bogdan Kuzmich y Vlad Boyko, que funden tipografía, tecnología y juego en sus proyectos colaborativos.

Además, desde Taiwán, los equipos de Taipei Art Book Fair y TPadd assoc. compartirán su análisis sobre el papel de las subculturas en la cultura de masas, mientras que el colectivo Hispanic Wave, liderado por Dano y Fran Nigra (Casa Unu), explorará el legado estético y político de la identidad hispana en el panorama visual contemporáneo.

A lo largo del fin de semana, la feria se completará con sesiones de música y actividades abiertas al público, convirtiendo cada rincón del espacio en un territorio de descubrimiento, diálogo y celebración de las múltiples formas que puede tomar la edición hoy. Como en ediciones anteriores, la entrada a la feria es gratuita hasta completar aforo.

Este es el programa completo de Libros Mutantes 2025:

Viernes, 25 de abril

Sábado, 26 de abril

Domingo, 27 de abril

Regresa uno de los eventos musicales gratuitos más esperados de la capital: La Radio Encendida. Este domingo 23 de marzo, más de una veintena de artistas y bandas llevarán a La Casa Encendida once horas de música ininterrumpida.

Amaral, La Bien Querida, El Nido, Cristalino, Joe Crepúsculo, Parquesvr o Dollar Selmouni acercarán al público sus mejores y más recientes trabajos en este maratón musical organizado por Radio 3 y La Casa Encendida en el espacio de Fundación Montemadrid (Ronda de Valencia, 2).

Diferentes estilos y propuestas musicales se unen en el cartel de la 21ª edición del certamen, que acogerá entre las 12.00 y las 23.00 horas 25 conciertos en el Patio y el Auditorio de La Casa Encendida. También habrá sorpresas en la terraza, el bar y otras ubicaciones del reciento donde podrán surgir actuaciones o intervenciones inesperadas en cualquier momento.

La fiesta arrancará con Jaguayano y Teo Lucadamo, que ofrecerán las primeras actuaciones de la mañana a partir de las 12.00. Les seguirán Janire, La Bien Querida, Dollar Selmouni y Hens, entre otros, hasta llegar al punto más álgido de la noche con Amaral, Vera Fauna, Colectivo da Silva y Parquesvr, que pondrán el broche de oro al festival.

Las entradas son gratuitas y se ajustan a cada bloque de conciertos. Puedes consultar dichos bloques y adquirir las localidades en este enlace. Se puede acceder a la compra través del botón “Entradas” de cada grupo de conciertos (máximo dos invitaciones por persona y bloque).

La próxima venta se abre este viernes 21 de marzo a las 9.00 horas para Jaguayano, Teo Lucadamo, Dollar Selmouni, Hens, Mohama Saz, Victorias, Melifluo, Anabel Lee, Merina Gris, Joe Crepúsculo, Vera Fauna, Colectivo da Silva y Parquesvr. Para Janire, La Bien Querida, El Nido, Cristalino, El Niño Lord, Cah, La Tania, Yeli Yeli, Meritxell Neddermann y Amaral se pueden comprar desde el pasado viernes 14 de marzo y todavía quedan entradas para algunas actuaciones.

Es necesario presentar las entradas para acceder a los conciertos en el Patio y el Auditorio, pero la entrada es libre hasta completar aforo en el resto de espacios de La Casa Encendida. Los menores de 16 años pueden acceder acompañados de su madre, padre o tutor legal. Además, existen cascos adaptados para el público infantil. Los menores de 18 años pueden acceder, pero no consumir bebidas alcohólicas. Además, existen cascos adaptados para el público infantil.

Este es el programa completo de Radio Encendida 2024 por horarios y espacios:

Patio de La Casa Encendida

Auditorio de La Casa Encendida

Florece en los momentos de tragedia, incertidumbre, crisis. Cuando el mundo tal y como uno lo conoce se tambalea, resurge el deseo de buscar explicaciones y consuelo fuera del pensamiento racional. En Francia, tras la revolución industrial se alzó el simbolismo. Este fue uno de los movimientos literarios más importantes de fines del siglo XIX y que el poeta griego Jean Moréas definió como “un estilo enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y el pensamiento objetivo”. ¿Y qué hay más irracional que una tirada de cartas para aventurar tu futuro?

“Vivimos en un momento de crisis mundial y están apareciendo, de nuevo, las ideas sobre la psicomagia que subvierten el pensamiento más normativo”, explica en declaraciones a este periódico Pilar Soler Montes, comisaria de la exposición La torre invertida. El tarot como forma y símbolo. “Es el caldo de cultivo perfecto para volver a mirar al tarot y sus miles de aplicaciones”, continúa Soler mientas recorre las estancias silentes de La Casa Encendida de Madrid, que acoge la muestra hasta el próximo 5 de enero.

La exhibición pretende acercarse ―desde el punto de vista artístico y con un total de 12 artistas― al extenso y renovado interés del arte contemporáneo y la contracultura por las cartas del tarot. Desde las escenas de Cleo de 5 a 7 (Agnès Varda, 1962) hasta la grabación que un Andy Warhol con más sustancia que sangre en las venas hizo de los miembros de The Velvet Underground una noche de farra mientras una jovencísima tarotista les leía el porvenir.

Todo ello pasando por el Black Power Tarot (2014, de King Khan y supervisado por Alejandro Jodorowsky) que reivindica la negritud que ilustra con figuras históricas afroamericanas los 22 arcanos mayores del juego, dando así una nueva dimensión a la baraja y a la propia historia de las luchas antirracistas; una figura que se parece mucho a Tina Turner abre las fauces de un león en la carta La force. O por las esculturas del mexicano Raúl de Nieves (1983), cuya obra bebe de la inagotable imaginería de la artesanía mexicana, el catolicismo, el tarot, el drag y el punk. Sin olvidar la pintura de una jovencísima Johanna Dumet o las cartas con imágenes de sexo explícito de Dorothy Iannone (1933 - 2022), una ama de casa que descubrió el placer y el arte al dejar a su marido tras enrollarse con el artista suizo Dieter Roth, quien le abrirá las puertas para que ella sea quien dibuje ―literalmente― su vida.

El pasatiempo de las élites

La primera aparición de los mazos ordinarios del tarot en la Europa Cristiana podrían establecerse en 1310 en los reinos de la península ibérica. En aquel año, el Consejo de Ciento prohibía los juegos de cartas en la actual Barcelona. No obstante, las principales referencias al tarot son del siglo XV y provienen del norte de Italia. La baraja más antigua le perteneció a Filippo María Visconti, duque de Milán. Era, entonces, un juego de las élites.

“Ha sido algo que siempre se ha ligado al arte, nace casi con los artistas del renacimiento italiano y es poco antes de la Segunda Guerra Mundial, en el siglo XIX, cuando se le dota de todo el componente místico y esotérico, y comienzan a trabajar con él los artistas de las vanguardias, apropiándose de los símbolos y subvirtiendo la baraja tradicional”, comenta Soler. Es entonces, tras la guerra, cuando se convierte en un elemento popular. Pasa de las élites culturales a un estrato más popular.

La pregunta es, entonces, cuándo el juego comienza a pensarse como creencia. Según Soler esto ocurre en el siglo XVIII, cuando se asocia a la masonería. “Todo el simbolismo que hoy conocemos coincide con el comienzo de los descubrimientos de Egipto. Ahí empiezan a inventarse una serie de relatos místicos en torno a la cartomancia y a la baraja”, continúa. Y, finalmente, en el XIX con todo el esoterismo que aparece en Europa además de asociarse a los artistas de vanguardia también se acerca a pensamientos cada vez más mágicos.

“Mi abuela era un poco bruja. Yo la recuerdo leyendo las cartas desde que era una cría”, afirma la artista Johanna Dumet que acaba de aparecer en escena. Dumet, de 33 años, es la artista más joven que participa en la muestra y, en el instante en el que se produce la conversación, ha regresado a retocar los últimos detalles de su obra. Es francesa y se crio en un pequeño pueblo “en el medio de la nada”. “Casi no teníamos vecinos. Solo cabras y bosques y yo era una niña muy creativa”, recuerda. Y se entretenía viendo cómo su abuela tiraba los naipes. “Nunca dejaba a nadie que tocara sus cartas, eran algo muy íntimo, muy propio. Yo solo he visto su tirada una vez”, explica. Le fascinaban. Místicas, casi al alcance de su mano, siempre guardadas en sus fundas de terciopelo rojo.

Poco a poco fue aprendiendo a tirarlas. Al principio como un juego, después como una forma de componer imágenes, relatos cautivadores. Y ella leyó mucho. Quería saber qué significaban, aprehender sus misterios. Pero un día se dio cuenta de que lo que deseaba hacer no era jugarlas. Ella quería pintar. Y pintar es lo que hace.

“Soy una artista visual. Eso es lo que hago, y por eso me puse a trabajar en estas series”, continúa señalando su interpretación de los arcanos mayor que penden, en orden, de la pared de la sala. Para ella son figuras mágicas, no representan un dibujo cualquiera. “Tienen una energía, hay algo en estos símbolos para que los artistas nos veamos atraídos por ellos una y otra y otra vez”, asegura.

Cómo funciona el pensamiento mágico

Ser Piscis, Acuario, tener la luna en mercurio retrógrado. El horóscopo y el tarot están de moda en las redes sociales. Muchas veces con un deje de ironía. Otras, casi como una promesa. A la pregunta de por qué en 2024, Chus Martínez, directora del Art Gender Nature de la Academia de Artes y Diseño FHNW en Basilea, cree tener la respuesta. Tal y como escribe en el artículo publicado en el catálogo de la exposición.

Para ella, la magia de todo tipo ―como la tecnología de todo tipo― ha invertido generosamente en la visualización. “Los mundos digitales virtuales visualizan escenarios para la especulación y también para el consumo. Se nos invita a ver el interior de esos mundos y también a habitarlos, a movernos y actuar en ellos. Son seguros”, escribe. Y el pensamiento mágico funciona de forma parecida.

“Si eres piscis, por ejemplo, el horóscopo define tus rasgos y un cierto espacio que es el tuyo; pertenece a tu carácter de piscis. También dispone de ciertas puertas que permiten que tu personalidad no se sienta confinada, que puedas expandirte hasta cierto punto”, continúa la estudiosa para señalar que parece lógico que nos encontremos con el horóscopo en muchos lugares cada día. Suele tratarse de un breve texto colocado junto a un símbolo. Un símbolo que podría parecer banal, pero que, a su juicio, “no hemos sido capaces de crear símbolos similares para los derechos sociales, por ejemplo, invitando a la gente a que visualice cuáles son sus posibilidades”.

El festival She Makes Noise cumple diez años como evento de referencia la visibilización del trabajo de mujeres y personas no binarias de la escena musical y audiovisual. Este enfoque ha contribuido a equilibrar la representación de género en la industria cultural y ha tenido un impacto transformador sobre el terreno y en el mundo de la organización de festivales y eventos culturales. También ha servido como escenario para presentar los proyectos audiovisuales experimentales más atrevidos y como plataforma para artistas emergentes.

Después de una década como referente en el ámbito, She Makes Noise regresa del 17 al 20 de octubre con una décima edición marcada por la diversidad de estilos y latitudes de los artistas invitados, con raíces en Túnez, Perú, China y Corea del Sur. El hilo conductor de esta nueva entrega es el amor por la música electrónica y el sincero agradecimiento a quienes han hecho posible el festival durante todos estos años. Por ello, contará con la presencia de compositoras, productoras y cineastas que ya han honrado con su presencia en She Makes Noise en otras ocasiones y que regresan con nuevos proyectos.

La décima edición del festival ofrecerá al público la posibilidad de descubrir nombres internacionales como Xexa , bela o el dúo formado por Laura Robles & Ale Hop , que actúan por primera vez en Madrid. Además, acogerá la única actuación en España de la compositora, intérprete y cantante británica Gazelle Twin con su espectáculo Black Dog . El festival cerrará con el visionario concierto audiovisual de 33EMYBW  acompañados por el VJ y artista digital Joey Holder .

Dos talleres y el programa familiar con los sonidos tropicales de Chica Acosta y La Niña Jacarandá completan las actividades, junto con el ya tradicional ciclo de cine contemporáneo, que este año contará con historias internacionales que, comprometidas con la actualidad y aventureras en su forma, canalizan una nueva genealogía feminista y trans.

Puedes consultar a continuación las fechas, horarios y precios de cada una de las actividades programadas para She Makes Noise 2024:

Martes, 15 de octubre

Miércoles, 16 de octubre

Jueves, 17 de octubre

Viernes, 18 de octubre

Sábado, 19 de octubre

Domingo, 20 de octubre

El Festival Conciencia Afro regresa a Madrid este 2024 con un objetivo claro: celebrar la riqueza y la diversidad cultural de la comunidad afrodescendiente en España. Bajo el lema “Lo afro está en la diáspora”, la nueva edición acercará al patio de La Casa Encendida la cultura afro una propuesta repleta de actividades para todos los públicos.

El festival, organizado por la asociación homónima Conciencia Afro, tendrá lugar los próximos 5 y 6 de octubre y contará, un año más, con el Mercado Afro. Allí, el público asistente tendrá la oportunidad de conocer los productos y servicios de negocios gestionados por la comunidad negra, africana y afrodescenciente, que van desde artículos de moda a libros, pasando por ilustraciones y artesanía, entre otros muchos. 

El primer fin de semana de octubre también tendrá hueco para los más pequeños en el patio de La Casa Encendida donde se encontrará el espacio infantil ‘Umudioka’, un lugar en el que podrán participar en talleres y disfrutar de cuentacuentos y otras actividades en familia. Es la primera vez que el centro cultural madrileño acoge este espacio en el que los más pequeños podrán jugar y hacer diferentes actividades a cargo de Bokobokids.

Los amantes de la gastronomía también están de enhorabuena, en esta edición se podrá disfrutar de la cultura gastronómica africana en el Bar Supakanja, ubicado en la azotea de La Casa Encendida. Supakanja contará con menús, bebidas, tapas y cócteles con raíces africanas. El fin de semana, el bar acogerá cada día una comida en comunidad, en la que se podrá degustar un menú creado por Mayra Adam Chalé, de Mi Cocina Africana y otro por Madalena Augusto y Fátima Domingos.

Sin duda, las charlas y performances serán el punto fuerte de esta nueva edición de Conciencia Afro, activistas como Assa Traoré, Olivette Otele, Lucía Mbomío o Esther Mayoko charlarán sobre las identidades y memoria de la diáspora negra en Europa o sobre la lucha antirracista en Francia y España. Los visitantes también podrán visitar la exposición Madrid Negro o asistir al pódcast en directo 'África en 1 click'. Por otro lado, se podrá disfrutar de un concierto de Lúa Santana y un monólogo de Yunez Chaib el sábado por la noche, que en este caso sí requieren entrada, y tienen un coste de 10€. Cabe puntualizar que la entrada para el resto del festival es completamente gratuita.

Tras el éxito de los años anteriores, con ediciones que giraron en torno a las ideas de 'Negritud', 'Comunidad', 'Historia', 'Pensamiento', 'Reencuentro y futuro' y 'Diálogos descentralizados', la edición de 2024 tiene como eje vertebrador la idea de “lo afro está en la diáspora” que pretende reconocer la actividad y la riqueza cultural que aporta la población negra en España y hacerlo llegar al mayor público posible. 

A continuación, detallamos los horarios y las fechas de cada una de las actividades del festival Conciencia Afro 2024:

Sábado, 5 de octubre

Domingo, 6 de octubre

La Casa Encendida acoge un año más el festival para jóvenes Puwerty. El evento cultural diseñado por y para menores de 26 años, se celebrará entre los días 26 y 28 de septiembre. Durante estas tres jornadas, los asistentes podrán disfrutar de algunas de las voces más innovadoras en el mundo de la creación contemporánea, musical y escénica joven, con conciertos, proyecciones cinematográficas y talleres.

La programación arrancará el jueves 26 con el ciclo de cine De bueno, punk que explora “la bondad” como un acto político y de rebelión, inspirado en el concepto literario hopepunk de Alexandra Rowland. El viernes, Ela Rea y Aroa Ay combinarán electrónica, pop oscuro y beats urbanos en sus conciertos, mientras que Isa Tofu invitará a los asistentes a componer a partir de las notas de sus móviles en la actividad interactiva ‘Leche, huevos, pan’, y Héctor Fuentes presentará su primera pieza en solitario, Tips para sabotear el mundo.

El sábado, los talleres El barrio no es sólo el barrio, de la compañía 7 Minutos de Gloria, explorarán el arraigo y el sentimiento de pertenencia en Madrid, mientras que Caigo, con Shojo Collective, convierte el Patio de La Casa Encendida en una skate jam para celebrar el proceso de aprendizaje y caída. Xabier Fernán ofrecerá una clase sobre el valor de la antología en la literatura independiente, y, como colofón del festival, Azuleja, Ouineta y LaFrancesssa cerrarán con tres actuaciones en las que fusionarán electrónica experimental con otras influencias sonoras.

Por su parte, la convocatoria Bandeja de Entrada 2024 ha seleccionado dos propuestas: Niño monaguillo y sus pecados, del cineasta y performer Pablo Agma, que se presentará el jueves 26 tras la sesión de cine, y el taller de Shaman Garage sobre la co-formación de narrativas físicas y digitales, para el sábado.

La propuesta de Pablo Agma se presentará es la única actividad gratuita del festival, aunque requieren registro previo. El precio del resto oscila entre los cuatro y los cinco euros. Puedes acceder a la venta de entradas pinchando en este enlace.

A continuación, detallamos los horarios y fechas de cada una de las actividades de Puwerty 2024:

Jueves, 26 de septiembre

Viernes, 27 de septiembre

Sábado, 28 de septiembre

Escuchar los dos discos publicados hasta la fecha por Sofia (sin acento, tal como se escribe en catalán) puede resultar una experiencia novedosa y, a la vez, extrañamente familiar si se tiene un pasado de largo recorrido y una banda sonora que le haya hecho el relleno. Para los que estén cerca de la sesentena y hayan sido un poco alternativos de jóvenes, sus temas les sonarán muy familiares. El motivo es que están plagados de reminiscencias y ritmos del tecno-pop –tanto el de culto como el más comercial– de finales de los 70 y los primeros 80.

Es lo que se vino a llamar new wave, post-punk, after-punk, synth-pop o propiamente tecno-pop, y que se encarnó en algunos grandes éxitos de bandas como Orchestral Manoeuvres in the Dark (OMD) o Ultravox, pero también en otras más de culto como Joy Division, Devo, Cabaret Voltaire, Kraftwerk o Autechre. Y en casa sin duda en el Aviador Dro de Servando Carballar y Marta Cervera.

Todo un mundo que a partir de 2005 fue compendiado en un único término, “minimal wave”, que obedecía al afán recopilatorio y reivindicativo de la discográfica del mismo nombre, creada por la fotógrafa y DJ neoyorkina Veronica Vasicka, una gran apasionada de esta música.

Todos estos aromas están presentes en la música que Sofia Ramis Massutí, nacida en Palma hace 27 años y actualmente residenten en València, construye gracias a su teclado MIDI –su único instrumento junto a la aplicación Ableton Live, además de pedales y sintetizadores– y que podrá escucharse en la Terraza Magnética de la Casa Encendida de Madrid el próximo sábado dentro del ciclo La Terraza Magnética 2024. En el Limbo.

'El ayre del Almena' con sabor añejo

En conversación con este medio, Sofia señala influencias de los trabajos lanzados a principios de siglo por el sello Minimal Wave, pero también de los clásicos de la new wave más oscura. “Aunque ya no escucho música, he perdido el gusto”, asegura, reconoce que “todas esas bandas me gustan, antes las escuchaba mucho”.

Y es que dichas influencias se sienten especialmente en su celebrado disco de debut El ayre del Almena de 2021, que luego sería ampliado con el larga duración Primeras grabaciones (Humo Internacional, 2023), donde el parco y frío compás rítmico nos retrotrae a los dos discos que Martin Hannett produjo para Joy División: Unknown Pleasures y Closer. Sus ecos pueden sentirse en El cielo blanco, Una ola que da miedo o No me quieres.

Pero también se dejan notar en el electro-clash con más sabor a Giorgio Moroder (en Decir adiós) o incluso cuando suena a los Doors más psicodélicos en Dragones en mi portal. Y en ocasiones da cabida a bases que bien podrían firmar los primeros Devo o Kraftwerk (como sucede en el tema Me da igual) o bien a los OMD más intimistas, como pasa en Ella se fue.

Ahora bien, reivindica también a Aviador Dro y apunta que son influencias que la han llevado a “proyectar un estilo mucho más naíf” de lo que le gustaría, al tiempo que se muestra crítica con su manera de impostar la voz: “Un poco apática quizá, como un montón de niños que le gritan al unísono, con los ojos desorbitados, a sus padres, que están en el público”. “Estoy yendo a clases de canto”, apostilla para hacer patente su deseo de corregirse.

Formada en el hardcore balear

Del panorama actual, Sofia destaca al músico y productor francés DJ Startup: “Solo puedes escuchar sus canciones en Soundcloud; va con dos torres de controladores MIDI y hace unas mezclas muy de enanos y cambiantes, monísimas, y es un genio”. Agrega que tiene también muy buena relación con Andrea Latorre, vocalista del dúo electro-pop SDH, y con los integrantes de la banda barcelonesa de música ambient experimental Wind Atlas. “Hablamos mucho sobre música y nos ayudamos, aunque en estilo no tenemos nada que ver”, matiza.

Respecto a sus orígenes en Palma, destaca su querencia por los ambientes más alternativos, que en parte explicarían tanto algunas características de sus crípticas letras como de sus bases rítmicas. “Hay muchísimo hardcore y la escena es bastante oscura”, explica. Cita a bandas punk como Dismotosierra, Trau, Usura, Orden Mundial o Puñal, y también a “bandas de postpunk como Desenterradas o Presión, o de punkrock con Trance”. “¡Había de todo, antes!”, concluye.

En lo que refiere a su trayectoria musical, explica que se inició cantando en un coro local. “Después me apunté a clases de piano y guitarra clásica, pero lo dejé hace muchos años”, añade para después agregar: “También toqué la batería en dos grupos de hardcore punk (Pou y Barrera) y el bajo en una banda llamada Escorpio”.

Con estos mimbres, en 2019 da el salto a la composición en solitario. “Decidí comprarme un teclado MIDI y bajarme el Ableton en 2019”, asegura para seguidamente reconocer que llevaba años pensando que tenía que “hacer algo de música” por su cuenta. El esfuerzo se ve recompensado cuando en 2020 gana el Concurso de Pop Rock de Palma 2020.

Gracias a ello establece contacto con la que es su actual discográfica, la asturiana Humo Internacional: “Áfrico [voz de la banda punk La URSS] le pasó Decir Adiós a Pablo Humo”, señala. Aquella canción convenció al responsable del sello, para sorpresa de la propia Sofia, que explica que la compuso “medio en broma”, aunque desvela que es la canción que le ha dado “más proyección, con diferencia”. Y remacha: “No sé si me atrevería o si sabría hacer algo tan pop otra vez”.

'Canciones para saltarse por encima'

Respecto a su segundo trabajo, Canciones para saltarse por encima (Humo Internacional, 2023), se nota una evolución personal, un alejamiento claro de las influencias, mucho más difusas aquí, y un aumento de la complejidad. Es un álbum que seguramente marcará más la identidad futura de Sofia, donde ahonda en la experimentación sonora, siempre en búsqueda de una atmósfera psicodélica y con unas letras más trabajadas.

“En Primeras grabaciones me encontraba muy bien, dispuesta a lanzarme a hacer música, sin rollos, quería tocar y tener buenos temas”, explica la artista. “En Canciones para saltarse por encima se me complicó más el asunto, empecé a tener más dudas, más complejos...”, agrega. Y de hecho es más difícil de escuchar que Primeras grabaciones.

Es un trabajo que tiene muchas menos concesiones y en algunos temas navega las aguas sonoras del krautrock de Neu!, mientras que en otros se acerca a Kraftwerk, siempre desde las limitaciones que comporta trabajar solo con un teclado MIDI. También aparecen desarrollos que recuerdan al Hammond de Ray Manzarek en los temas más introspectivos de los Doors o los teclados que tocaba Bernard Sumner tanto para Joy División como después para New Order.

Tal como aclara la propia Sofía: “Primeras grabaciones estaba pensado para ser publicado; Canciones para saltarse por encima, no”. Pero a pesar de todo reconoce: “Canciones para saltarse por encima me gusta más”. El futuro está, en consecuencia, abierto para esta artista a la que no le falta talento pero cuya carrera parece tender más por la senda de la indagación artística y personal que por la comercial.

En todo caso, aunque señala que uno de sus sueños sería tocar en alguna de las próximas ediciones del Sónar, se guarda las espaldas tras haberse graduado en Filosofía: “Este año he estudiado para ser profesora, aunque lo que realmente me gustaría es poder hacer música para anuncios y películas”.

La undécima edición de Fiebre Photobook Fest, la gran cita de los fotolibros en Madrid, sirve de excusa y escenario para impulsar el apoyo a los afectados por el cierre de la histórica escuela de fotografía EFTI. El certamen, que tendrá lugar del 21 al 23 de junio en La Casa Encendida, acoge la iniciativa solidaria ERROR 503 con el objetivo de recaudar fondos destinados a apoyar al alumnado y el profesorado de un centro que cerró sus puertas de la noche a la mañana el pasado 31 de mayo.

En concreto, la recaudación se dirigirá a la asistencia jurídica del estudiantado de EFTI - Centro Internacional de Fotografía y Cine. Cientos de personas que han perdido sumas significativas de dinero invertidas en unos estudios que han finalizado sin reconocimiento oficial o que ni siquiera han llegado a empezar, y que ahora deben afrontar los costos de su defensa legal para reclamar indemnizaciones.

Exalumnos, docentes y estudiantes actuales, todos ellos parte de la comunicad creativa de la escuela durante años, venderán copias originales de sus fotografías para recaudar dinero para esta causa. ERROR 503 es el texto que aparece desde el viernes 31 mayo en lo que antes era la página web de la escuela.

Todas las copias serán impresas a 13×18 e irán enfundadas en plásticos protectores. El nombre del fotógrafo/a estará oculto, de tal manera que hasta después de completar la compra no se podrá saber la autoría de la obra que se ha adquirido. El precio de cada fotografía será 20€ y la recaudación se destinará en su totalidad a cubrir los costes jurídicos de las demandas.

Entre los más de 100 participantes se encuentran el artista visual y cineasta Rubén H. Bermúdez, la fotógrafa Elisa Miralles, la creadora multidisciplinar Rocío Bueno o el impresor José Quintanilla, de Taller Digigráfico, que es precisamente quien se ha encargado de la elaboración de las copias.

Candela Capitán (1996) mostró en el Festival Domingo el germen de lo que será su nueva pieza que estrenará la temporada que viene y que aborda el tema de las granjas de influencers. “Comenzaron a funcionar en Asia, pero ahora están llegando aquí”, afirma Capitán a este periódico sobre las fábricas donde centenares de niños son alojados en cubículos donde se les dan juegos y productos para que los prueben y luego los viralicen en redes. 

En Domingo presentó una primera aproximación, Celda Sonora, una performance donde todo es metáfora. Dos mujeres vestidas de vacas pulularon con ritmo lento por el patio de la Casa Encendida. Un cencerro atado al cuello y un móvil en la mano. Crítica furibunda a la supuesta libertad del presente digital donde todos estamos geolocalizados. 

Pero algo ha cambiado en esta artista adorada por un público joven y catapultada a la escena internacional que un día hace un video con Billie Eilish, otro le llama Gucci como coreógrafa para promocionar mocasines, y otros presenta trabajo en la afamada Documenta de Kassel, 19762. Solos y conectados. Su trabajo se ha vuelto más minimalista, no hay subidones ni extenuación del cuerpo en The death at the club una de sus trabajos más señeros.

La pieza se alargó durante dos horas en el patio de la Casa Encendida. Dos horas de tiempo lento, en el que esas vacas humanas se trasladaban por el espacio, llegaban a una pared donde se daban pequeños cabezazos. Unas vacas que nunca miraban hacia delante, con los ojos fijos en el suelo, sin horizonte. El público joven fue lentamente abandonando la pieza al ver que ese era el desarrollo, que los movimientos se repetían, que la propuesta era frontal y sin concesiones. 

“Creo que es mi pieza más madura en Intelectual, el público joven que viene a verme está más acostumbrado a otra velocidad y se produjo un choque interesante”, explica Capitán sobre esta pieza que se podía seguir en directo en Instagram a través de las imágenes captadas por los móviles que portaban las bailarinas. La pieza se estrenó en la Fundación Tapies, allí la gente seguía a la artista moviéndose por el espacio y se mezclaban los sonidos que emitían los móviles del propio público que seguían la pieza por streaming.

Sin embargo en La Casa Encendida el público estaba sentado, inmóvil, y reinaba un total silencio, “nos salió más oscuro todo, es una pena que no se oyeran los móviles del público, algo no funcionó y la gente no lo sabía, cuando esto pasa se crea como un sonido de rebaño formado por nuestros cencerros y los sonidos de los teléfonos”, explica, “pero fue bien interesante lo que pasó, la gente se acostumbra a ver una cosa tuya y ya quiere eso, pues esta pieza es más de pensar y no de darle al público lo que quiere”. 

Falsas promesas del New Age

Al igual que Dispositivo de saturación sexual fue el campo de experimentación para una pieza más grande, Solas, en esta ocasión Celda Sonora es la antesala de la pieza que estrenará la próxima temporada en Conde Duque. “Quería ponerle de título Granjas Humanas, pero ya hay un trabajo con ese nombre, así que estoy pensando en uno nuevo”, explica sobre este trabajo en el que se comparan las granjas de animales con las nuevas granjas de influencers.

“Tratará sobe la falta de libertad en la sociedad actual. Estoy trabajando el dispositivo escénico, cómo llevar esos miles de cubículos diminutos donde meten a niños a vender productos en redes con millones de seguidores. Quiero relacionar esto con las propias granjas de animales, con las vacas geolocalizadas con el cencerro y sujetas a dispositivos de ordeño”, cuenta Capitán, que ha creado una vestimenta futurista y folk al mismo tiempo donde el cuerpo de mujer se transforma en el de vaca.

“La pieza y el vestuario está entre lo rústico, el bondage y lo futurista, trabajamos con bodies buscando asemejar el cuerpo al de una vaca, pero dejando que se vea y sexualizándolo”, describe sobre el diseño de los vestidos que acaban en bota de plataforma de cuero, que en el caso de Capitán, que también baila, son sus botas fetiche que lleva en todos sus trabajos. Las otras dos bailarinas, Virginia Martín y Mariona Moranta, forman parte del núcleo duro de la compañía y Martín además ejerce de ayudante de dirección. 

Nos sentimos libres, pero en realidad estamos metidos en celdas, incluso religiosas. Hay una crítica también al falso New Age que te lleva a meditar, pero en realidad no te lleva a nada

Candela Capitán — Performer

Capitán afirma que este trabajo es una respuesta al mundo rápido que estamos viviendo donde ahora mismo “nos sentimos libres, pero en realidad estamos metidos en celdas, incluso religiosas”. “Hay una crítica también al falso New Age que te lleva a meditar, pero en realidad no te lleva a nada. Hay un trabajo de repetición y de meditación en la pieza, pero todo es una crítica, irónica, a toda esa corriente actual que hay en plataformas de nuevos movimientos que creen que van a salvar el mundo”, añade. 

La otra pata de este trabajo se asienta en la colaboración con uno de los artistas plásticos veteranos de la performance, el mallorquín Jan Morey, creador inclasificable que ha tocado y resquebrajado la visión sobre temas como la moda, el lujo y el sexo. “La primera oferta de trabajo que me llegó fue un correo electrónico de un hombre muy simpático que me preguntaba si me quería meter en una limusina vestida de sado y hacer una improvisación a través de las contorsiones, y claro, le dije que sí”, recuerda Capitán que afirma que después de ocho años trabajando juntos (ella también es performer en los trabajos de Morey) “comienza a ser difícil descifrar qué es de uno y qué del otro”. 

La línea artística de Capitán, artista joven que no llega a la treintena, entronca con artistas de la llamada danza conceptual o la “no danza” de los años noventa como Boris Charmatz o Jérome Bel, pero el referente de Capitán lo tiene claro: “Es evidentemente La Ribot, incluso una de mis piezas, esto no lo sabe nadie, se llama 19762, Solos y conectados porque es la fecha de nacimientos de La Ribot”. 

Pero esta artista gaditana dice tener su propio camino. “Lo que hago es darle una vuelta de hoja a la danza postmoderna. En su momento se dijo que no a un montón de cuestiones que eran bien importantes y creo que ahora algunos de esos 'noes' pueden ser 'síes'. Creo que se puede volver al teatro como espacio, trabajar con luces y dar cabida a la espectacularidad”, explica Capitán. “Voy a ser un poco burra, en el arte y en la ópera hay mucho dinero. La danza está precarizada y yo tengo esa lucha, quiero crear en ese nivel, con en la ópera… Toda esa corriente de la danza posmoderna que rechaza la espectacularidad, pues yo digo ¿por qué no?”. 

La próxima parada de Capitán será en el Festival Grec de Barcelona, donde en el Museo Nacional d’Art de Catalunya presentará Moloko Vellocet, donde la sala oval del museo se convertirá en una sala de baile para recrear el club que regentaban los personajes de La Naranja Mecánica en la película de Stanley Kubrick. 

En el Festival Domingo, donde estará hasta el 8 de junio, también ha podido verse ya el trabajo de la bailarina colombiana Luisa Fernanda Alfonso, Masterpiece, una producción del HTZ Berlín, foco y nido de la creación actual europea más joven. La pieza es una potente investigación a través del sonido y el cuerpo de los arquetipos del heteropatriarcado y supone también el descubrimiento de una potente creadora y bailarina.

Lo que hago es darle una vuelta de hoja a la danza postmoderna. En su momento se dijo que no a un montón de cuestiones importantes, y creo que ahora algunos de esos 'noes' pueden ser 'síes'

Candela Capitán — Performer

Domingo es un festival que invita a acercarse a la creación escénica de otro modo y en el que esta edición podrán verse, por ejemplo, el trabajo de la artista visual Marta Azparren en colaboración con el artista sonoro Óscar G. Villegas, Soy el cuerpo extraño que mira, una sesión de spoken cinema en la que se cruzan los universos de Roberto Rossellini, el pensamiento de Simone Weil y el Infierno de Dante. El festival cerrará este año con un la artista sonora italiana y DJ, Sara Pérsico, que estrenará Fuje, una sesión que combinará la canción antigua napolitana con la música industrial dura. 

Además, se presentó en el festival el nuevo proyecto de la Casa Encendida para las artes escénicas, Foco, un programa que se centrará en figuras de gran trayectoria a las que dedicará tiempo y lugar. Este año le tocará a uno de los grandes de la danza conceptual, Juan Dominguez, que además presentará nueva pieza en el próximo Festival de Otoño, publicará un libro y volverá a reponer una de sus obras que es ya un clásico, Todos los espías buenos tienen mi edad (2002).

Dominguez, además, estará presente en Domingo con un comisariado de películas, Tramas, que está compuesto por sesiones matinales de películas de Silvia Zayas, Alejandra Pombo, la propia La Ribot y María Jerez con Juan Domínguez, artistas relacionados con las artes escénicas. Cine independiente y de narrativas disonantes para comenzar el día.

Este fin de semana llega a la Casa Encendida la nueva edición de la feria de proyectos editoriales independientes y de arte Libros Mutantes. La cita regresa por undécimo año consecutivo con más de 100 expositores, distribuidos entre el patio y la cuarta planta de este contenedor cultural y durante los días 26, 27 y 28 de abril.

Este año, Libros Mutantes se sumergirá en los archivos que conforman y explican nuestro mundo como temática principal. Además, la nueva organización de la feria, con la apertura de nuevos espacios, permitirá dar cabida este año a más participantes que nunca.

Con una selección de más de 100 proyectos editoriales internacionales elegidos a partir de una convocatoria abierta, la feria ofrece una panorámica y un contacto directo con iniciativas innovadoras que incluye fanzines, libros de arte, publicaciones experimentales, revistas, fotolibros y, en general, cualquier tipo de producto cultural construido a partir de la idea de edición.

El programa de charlas Perspectivas Mutantes, uno de los puntos fuertes de la programación, da muestra de esa pluralidad gracias a invitados internacionales que profundizan en la idea del archivo, una categoría fundamental en la cultura y el arte contemporáneo. Catalogar, describir, archivar, mutar: el almanaque de la feria Sprint de Milán permite explicar la cultura visual y social de todo un país a través de sus fanzines, mientras que la recopilación de exposiciones de arte queer de Bas Hendrikx deja constancia de la larga y esforzada conquista de derechos de los creadores LGTBIQ+.

Ampliar el repertorio del lenguaje para ir más allá de lo humano es el propósito de la sesión de escucha del Institute for Postnatural Studies, una de las iniciativas más rompedoras e influyentes del pensamiento contemporáneo, con ramificaciones en la filosofía, la ecología o la semiótica. Si el estudio berlinés de Manuel Bürger ha expandido la definición de lo que es una consultoría de diseño, comunicación y creación de marca, la iniciativa Club Graphics encapsula y conserva remanentes de una cultura casi imposible de encapsular: la vibrante historia de la escena electrónica y de club en España.

A todas estas interesantes actividades se suman sesiones matinales de música y aperitivo que completan una programación ecléctica, participativa y pluriforme que, fiel al espíritu de Libros Mutantes, convertirá un año más La Casa Encendida en un foro de debate propicio a las aventuras estéticas, las odiseas conceptuales y el descubrimiento de nuevos mundos. La entrada a la feria es gratuita hasta completar aforo.

Este es el programa completo de Libros Mutantes 2024:

Viernes, 26 de abril

Sábado, 27 de abril

Domingo, 28 de abril

Este mes regresa uno de los eventos musicales gratuitos más aclamados de la capital: La Radio Encendida. El próximo domingo 21 de abril, una veintena de artistas y bandas llevarán a La Casa Encendida más de once horas de música ininterrumpida.

Califato 3/4, Rozalén, Judeline, Vicente Navarro, Christina Rosenvinge, Grande Amore, Juancho Marqués o Viva Belgrado acercarán al público sus mejores y más recientes trabajos en este maratón musical organizado por Radio 3 y La Casa Encendida en el espacio de Fundación Montemadrid (Ronda de Valencia, 2).

Diferentes estilos y propuestas musicales se unen en el cartel de la 20ª edición del certamen, que acogerá entre las 12.00 y las 23.00 horas 22 conciertos en el Patio y el Auditorio de La Casa Encendida. También habrá sorpresas en la terraza, el bar y otras ubicaciones del reciento donde podrán surgir actuaciones o intervenciones inesperadas en cualquier momento.

La fiesta arrancará con Stivijoes y Ghouljaboy, que ofrecerán las primeras actuaciones de la mañana a partir de las 12.00. Les seguirán Rozalén, Vicente Navarro, Jordana B., Grande Amore y Viva Belgrado, entre otros, hasta llegar al punto más álgido de la noche con Judeline, Juancho Marqués y Carlangas y los Cubatas que pondrán el broche de oro al festival.

Las entradas son gratuitas y se ajustan a cada bloque de conciertos. Puedes consultar dichos bloques y adquirir las localidades en este enlace. La venta se abre el viernes 12 de abril a partir de las 10.00 y el viernes 19 de abril a la misma hora, a través del botón “Entradas” de cada grupo de conciertos (máximo dos invitaciones por persona y bloque).

Es necesario presentar las entradas para acceder a los conciertos en el Patio y el Auditorio, pero la entrada es libre hasta completar aforo en el resto de espacios de La Casa Encendida. Los menores de 16 años pueden acceder acompañados de su madre, padre o tutor legal. Además, existen cascos adaptados para el público infantil.

Este es el programa completo de Radio Encendida 2024 por horarios y espacios:

Patio de La Casa Encendida

Auditorio de La Casa Encendida

La artista Mari Katayama tenía nueve años cuando decidió que le amputaran las dos piernas. La japonesa nació con hemimelia peronea, una deficiencia que provoca la ausencia del hueso del peroné. “Era una elección entre estar atada a una silla de ruedas el resto de mi vida o perder mis piernas pero poder caminar. Yo elegí caminar”, explicó al respecto. Cerca de tres décadas después, la también modelo y cantante ha desarrollado una carrera en la que su cuerpo y obra están íntimamente relacionados. En sus autorretratos explora la identidad –individual y colectiva–, y desafía a quien los contempla, mirándole a los ojos, como si fuera un espejo capaz de generar reflejos en el gesto del otro.

La otredad, el 'yo' y 'los otros' son precisamente los pilares en los que se sustenta Loving the Alien, la nueva exposición de La Casa Encendida de Fundación Montemadrid que toma prestado su título de la canción homónima de David Bowie. En ella se explora la idea del 'alien', pero desde su acepción anglosajona. Ya que, a diferencia del castellano, más allá de la noción de extraterrestre, abarca la de foráneo, extraño, desconocido, ajeno y outsider. En la exhibición, que podrá visitarse gratis hasta el próximo 28 de abril, Kayatama comparte protagonismo con Sandra Mujinga, Ann Duke Hee Jordan y Ovartaci.

“Hay una parte muy privada en mis creaciones. Refleja los acontecimientos importantes de la vida y voy aprendiendo de todo ello. Muchos de ellos han llegado después de haber terminado algunas obras en concreto”, explica a elDiario.es la artista sobre cómo ha cambiado su relación con su cuerpo desde que empezara su carrera. Y es que el centro de las obras de la japonesa lo ocupa ella misma, y se basta de una cámara, hilo, aguja y sus piernas prostéticas para armarlas.

La experiencia física es para ella fundamental. De ahí a que tenga tanto peso en sus imágenes, en las que los tejidos se entrelazan añadiendo incluso más extremidades a su tronco, en posturas y emplazamientos diversos, que incluyen desde habitaciones a paisajes como una playa sobre la que yace tumbada de lado, mimetizada con la arena, con su expresión firme, impertérrita, vulnerable, fuerte y directa. Cargada de dignidad. Con ellas interpela intrínsecamente a quienes asisten a observarla, sumidos en cuestionamientos como qué es la identidad, si hay 'otros' entre nosotros, si no somos la suma y simbiosis de múltiples organismos y si no existimos, también, gracias –que no a pesar– a la mirada de los demás.

“El enfrentamiento de espejos y la eternidad que existe entre los objetos reflejados es uno de mis grandes temas. Está el destino de esa mirada dirigida, que puede ser desde la sociedad a algo incluso más grande, como el mundo. O más cercano, como la persona que en cada momento está delante de mí”, reflexiona la artista, “y así, enfrentando dos seres, dos espejos, en ese reflejo puede existir el amor y el sufrimiento”. “Podemos estar reflejando muchas cosas que serían parte de lo que es nuestra vida diaria. Y lo que es nuestra vida en sí”, añade. En efecto, sus fotografías contienen un influjo que atrapa y ya no es que logre detener el tiempo, sino que, al situarse delante, ancla. Transfiere un peso que ya no es que invite a examinarlas, sino a asistir a ellas. Algo se mueve dentro cuando se contemplan. Y eso es muy poderoso.

Fotografiarse a una misma

Las telas y prendas que aparecen en todas las imágenes han sido cosidas a mano, como parte de la importancia a la fisicidad y corporalidad que vertebran la personalidad de sus títulos. “Utilizo estos objetos y mi cuerpo como maniquí, los coloco y me hago el autorretrato. Soy yo quien dispara [de hecho, en muchas de las imágenes se ve el cable]. Tengo que ser yo quien lo haga, por la relación que hay entre yo misma y las demás personas”, argumenta.

La artista explica el porqué echando la vista al pasado: “Antiguamente se creía que cuando a alguien se le sacaba una fotografía, se le robaba el alma. Por lo tanto, cuando se toma una, a quien hace el retrato le recae la responsabilidad de ese acto. De modo que yo, como artista, para asumir esa responsabilidad, tengo que dispararme a mí misma, sacar mi propia fotografía”, justifica.

Una de las instantáneas expuestas es shell (concha). Laura López Paniagua, comisaria de Loving the Alien, apuntó en la presentación de la exhibición sus claves. El título de la obra hace alusión al caparazón que tiene la parte externa y un interior “blandito”. “Ella se presenta a sí misma de una manera totalmente vulnerable, exponiéndose en el centro mostrándonos su cuerpo”, describió sobre la fotografía en la que, en efecto, ella, en ropa interior, ocupa el núcleo de la imagen, mirando directamente a su 'observador'. “A la vez que es vulnerable y delicada, está llena de fuerza y dignidad. En este juego de espejos enfrentados, lanzamos el acto agresivo de poseerla con nuestra mirada. Hacemos ese acto de toma sobre ella”, valoró.

Sin embargo, al detenerse en los detalles, se comprueba que sobre la cabeza de la japonesa hay otro espejo en el que se puede ver su cámara. “Creemos que la estamos mirando pero en realidad es ella la que controla la mirada”, señaló la comisaria abriendo las miras sobre la interpretación del título.

Poseer los reflejos

El cuerpo no es un ente independiente de lo que ocurre alrededor, y acaba siendo la expresión última de cómo el contexto social y político sacude a cada ser humano. Así lo defiende Katayama, que sostiene que son “inseparables”. “Todos los sucesos que vemos en televisión o internet los reflejamos como si fueran algo nuestro. Los tomamos en nuestro interior”, indica sobre las coyunturas que determinan las posturas que cada cual adopta para sobrellevar el día a día. Ya sea encogidos, agarrotados, estirados, abiertos al abrazo, a la defensiva y el amplísimo abanico de poses adoptables.

Posiciones que se pueden comprobar en los espejos y ayudan a entenderse. “Todos queremos conocernos. Cuando nos miramos, en realidad lo que muchas veces hacemos es investigarnos. Lo hacemos a diario y deberíamos trasladarlo a lo que hacemos cuando vemos a los otros. Interesarnos y pensarlos como si fuese algo nuestro, para ir más allá”, plantea la artista japonesa.

La instantánea comparte título con el cómic –y posterior película– del que se ha extraído la cita que funciona como presentación de su sala, Ghost in the Shell: “Mi mente es humana. Mi cuerpo es una construcción. Soy la primera de mi linaje, pero no seré la última. Lo que hacemos nos define. Mi fantasma sobrevivió para recordar a todos que la humanidad es nuestra virtud. Sé quién soy y qué es lo que he venido a hacer”.

Más allá de la muestra recién inaugurada en Madrid, Katayama dirige el proyecto High Heel, con el que pretende crear piernas prostéticas que le permitan usar tacones altos, caminar y actuar en el escenario.

Las fotografías de la artista japonesa se exponen junto a las obras de otras tres creadoras en Loving the Alien: Sandra Mujinga, Ann Duke Hee Jordan y Ovartaci. En la misma línea que la japonesa, sus propuestas parten de la ciencia ficción y temas como la relación entre el ser humano y la naturaleza. Así como la amnesia colonial. “Todas convergen en la idea del alien a través de sus distintas acepciones, colocándonos frente a él como ante un otro propio con el que convivimos”, justificó la comisaria responsable de la exposición.

Vuelve un acontecimiento anual imprescindible en Madrid para quienes adoran el arte en todas sus formas. El festival She Makes Noise, que reúne las creaciones más desafiantes elaboradas por mujeres y personas no binarias, celebra su novena edición con una programación donde la experimentación vocal es una de las características fundamentales de las protagonistas del cartel. La otra gran apuesta para esta importante cita cultural en La Casa Encendida son obras de una cuidadosa puesta en escena con resultados muy ligados a la performance, a la creación en vivo desde la cercanía o la interacción con el el espectador.

Una invitación a descubrir sin prejuicios el trabajo de artistas mujeres e identidades no binarias en la música electrónica y experimental, así como en el audiovisual contemporáneo. La programación, que se desarrollará entre el 19 y el 22 de octubre, continúa atravesada por un enfoque ecofeminista a partir del cual abordar otras formas de pensamiento, escucha, aprendizaje e incluso baile. Este 2023, She Makes Noise pone también el foco en artistas que traen su magia al Patio de La Casa Encendida desde América Latina, además de otras con origen en Nigeria, Grecia, España y Reino Unido.

Además, con motivo del 20º aniversario de La Casa Encendida, este año se publica el álbum She Makes Noise en formato vinilo. El disco compila obras de muchas de las artistas que han actuado en el festival desde su creación en 2015 y podrá adquirirse en la tienda online del centro cultural, en el punto de información y en tiendas de discos seleccionadas. Funciona como objeto artístico donde se reúnen algunas de las artistas e ideas que desde hace ocho ediciones han tenido su lugar en este espacio de encuentro. Dos caras en el álbum y dos conceptos diferentes para la escucha y el baile atentos.

El ciclo de cine contemporáneo hecho por mujeres, un taller audiovisual y el programa matinal En Familia completan el cartel. El festival está comisariado por Playtime Audiovisuales: Natalia Piñuel Martín (música y actividades) y Enrique Piñuel Martín (cine). A continuación, destacamos lo más destacado de la programación:

Jueves 19

16.30 - Taller Secuencia Sonora (Doo-doo-doo-doo, doo-doo-doo-doo, doo-doo-doo), con la cineasta Valentina Alvarado Matos y la productora electrónica Dania (50€, precio conjunto con la segunda sesión)

19.00 - Proyección de Losing Faith, de Martha Mechow (4€)

21.00 - Concierto de Nwando Ebizie (8€)

Viernes 20

16.30 - Taller Secuencia Sonora (Doo-doo-doo-doo, doo-doo-doo-doo, doo-doo-doo), con la cineasta Valentina Alvarado Matos y la productora electrónica Dania (50€, precio conjunto con la primera sesión)

19.00 - Proyección de Perpetrator, de Jennifer Reeder (4€)

21.00 - Concierto de Lila Tirando a Violeta + Bitter Babe (12€)

Sábado 21

12.00 - Concierto En Familia: Adelaida (5€)

19.00 - Sesión de cortos Encuentros en la tercera fase (4€)

21.00 - Concierto de Sarahsson + Evita Manji (12€)

Domingo 22

12.00 - Helena Gallardo y Magmovies presentan Forbidden Zone- _Knowledge_, electrónica En Familia a partir de la película El planeta salvaje (5€)

Unos amigos invitaron a Asma Maroof a pinchar música en un parque. Es un lugar cuadrado y grande en Los Ángeles, el MacArthur, con un gran lago, pero la gente lo conoce porque tiene un puente en el centro del que habla la famosa canción de Red Hot Chilli Peppers Under the Bridge. Asma tenía 23 años y, a partir de ese día, su vida cambió y se convirtió en Asmara.

Desde entonces, no ha parado de mezclar ritmos, estilos y corrientes artísticas. Su atmósfera musical envuelve del techno más ruidoso a los ritmos indios heredados por sus raíces paternas, pasando por el jazz o el dancehall. Ha sido una artista local referente en las fiestas queer de California. Ahora vive en Zúrich (Suiza) desde 2019 componiendo bandas sonoras para el teatro, películas e incluso anuncios para productoras como Torso o marcas de la moda de lujo, pero continúa con su actividad como DJ. El viernes 25 de agosto tocará en Madrid en la clausura de La Terraza Magnética de La Casa Encendida.

Sus padres emigraron a Estados Unidos desde India para trabajar en la NASA. En entrevista por videollamada con elDiario.es, Asmara explica que le interesa “explorar” sus orígenes e “intentar crear nuevas perspectivas musicales”. De vivir en Europa destaca positivamente “tener la mente más abierta para escuchar nuevos estilos”. Según ella, en Estados Unidos “parece que la gente tiene que sentirse identificada de primeras con lo que escucha. Aquí la gente está más predispuesta a conocer nuevos estilos y experimentar, lo cual abre muchas puertas”. “Me encanta encontrar el hilo conductor entre todos los diferentes tipos de ritmos y melodías del mundo”, afirma. “Al combinar estilos, ocurren cosas maravillosas y se exploran nuevos mundos”, asegura. Maroof acostumbra a mezclar en una misma canción ritmos típicos del R’n’B con el techno más oscuro. “Algo sucede siempre en esas conversaciones musicales”, defiende y destaca en su evolución musical la formación de NGUZUNGUZU, colectivo de DJ junto a Dani Pineda. Además, ha producido también para artistas como M.I.A, Venus X o Keelela, destacando junto a esta última su álbum Take Me Apart, prevaleciendo aquí los sonidos melódicos y claros.

En el año 2018, Asmara pinchó en la ceremonia de entrega de los Video Music Awards de MTV. “De aquellas, Donald Trump era aún presidente”, recuerda Asmara de esa gala. “Allí estaba el rapero YG y puse su canción Fuck Donald Trump durante los premios. La verdad es que fue genial y muy divertido”, asegura.

Además de haber ayudado a crear colectivos de DJs en Los Ángeles, Asmara destaca por ser residente habitual en las Mustache Mondays, unas fiestas queer y LGTBIQ+ en la ciudad. La idea de este evento reside en la necesidad de tener espacios y generar comunidades seguras para estas personas. “Han sido geniales para generar una comunidad, sobre todo en la escena queer underground”, valora. “Sirve mucho para que la gente se empodere y se sienta parte de algo. A veces pueden sentirse desplazados o fuera del statu quo. Es muy importante tener esos lugares donde la gente pueda sentirse libre y conectarse”, explica. Eso sí, también demanda que los clubes clásicos los acojan: “Tienen que entender que las cosas están cambiando en la música popular”.

“La música tiene un poder político y social. Puede desde dar visibilidad a un problema hasta a conectar personas”

Preguntada por la inspiración de la época punk y el DIY (Do It Yourself [Hazlo tú mismo]) en los movimientos de las escenas musicales de electrónica underground, que acostumbran a estar autogestionada por los participantes, asegura que el clubbing bebe de este estilo “totalmente”. También destaca la autogestión de los artistas: “Hay mucha autopromoción. A veces uno no necesita ni un agente y puede hacer las cosas por sí mismo sin que nadie se lucre por detrás”. En esta línea, augura que gracias a internet la gente pueda seguir aprendiendo a componer música.

La música, al igual que el arte, puede servir para que la gente se sienta identificada. Para entendernos mejor a nosotros mismos. Para Asmara, “la música tiene un poder político y social. Puede desde dar visibilidad a un problema hasta conectar personas”. En este sentido, destaca la importancia de tener referencias: “Bad Bunny puede rapear en español y ponerse un vestido siendo uno de los artistas más mainstream. Creo que estamos en un momento en el que se están rompiendo barreras gracias a la música, también la más comercial”. “A través de la música se puede empoderar a la gente que se siente oprimida”, enfatiza.

Preguntada por la dirección general que cree que puede tomar la música en los próximos años, teniendo también en cuenta el contexto de la Inteligencia Artificial en la música, destaca la aparición de “muchísimos nichos”. Valora de forma positiva que “la gente sea cada vez más abierta de mente en términos musicales”. “Hay muchas maneras de vivir y de sentir y casi todas son lícitas. Es genial que haya raperos rompiendo barreras, que haya fusión de estilos musicales. En la música popular se están generando cosas nuevas”, afirma.