El exdirector de la RAE y académico José Manuel Blecua ha muerto a los 86 años en Madrid. Nacido en Zaragoza el 21 de junio de 1939, fue elegido director de la RAE en diciembre de 2010, un puesto que ocupó entre 2011 y finales de 2014. Antes de aquello, fue elegido académico de número el 19 de junio de 2003 y tomó posesión el 25 de junio de 2006 con el discurso titulado Principios del Diccionario de Autoridades. A esto le continuaría su función como secretario de la RAE, de 2007 a 2009.

Blecua era hijo de José Manuel Blecua Teijeiro (1913-2003), catedrático de Literatura Española de la Universidad de Barcelona y académico de honor de la Real Academia Española. Asimismo, era hermano del también filólogo Alberto Blecua (1941-2020). Por otro lado, como doctor en Filología Románica, fue el responsable del volumen Fonética y fonología de las dos ediciones de la Nueva gramática de la lengua española, de 2011 y 2025.

Durante su trayectoria, José Manuel Blecua fue profesor de la Universidad de Barcelona y de la Autónoma de Barcelona, de la que fue vicerrector, director del Servicio de Publicaciones y fundador y director del primer Seminario de Filología e Informática. Su labor como docente también la ejerció fuera de España, pues trabajó en centros como la Ohio State University en 1971. Además, desde 1976 fue colaborador docente de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP).

El exdirector de la RAE fue también doctor honoris causa por la Universidad Carlos III de Madrid en 2014, así como secretario ejecutivo de la Comisión Científica del Congreso de la Lengua Española, que se celebró en Sevilla, en 1992. A esto le continuó su puesto como secretario del Comité Académico del I Congreso Internacional de la Lengua Española (CILE), en Zacatecas (México), en 1997.

José Manuel Blecua ha sido honrado con numerosas distinciones a lo largo de su carrera. En 2011 recibió el reconocimiento de la Associació d’Amics de la UAB, en un acto en el que se presentó el libro Al otro lado del espejo, un homenaje a sus años de docencia. Además, recibió el Premio Aragón de Investigación (2005) por su labor en los campos de la gramática y la lexicografía, la Medalla de Oro de la ciudad de Zaragoza (2011) y el Premio de las Letras Aragonesas (2012).

Sonny Rollins, uno de los saxofonistas de jazz más influyentes de todos los tiempos y conocido como el 'coloso del saxofón', ha muerto a los 95 años. La noticia se ha comunicado “con profunda tristeza y gran cariño” en la página web del músico y ha sido confirmada por su publicista, Terri Hinte. No se ha especificado la causa de la muerte.

Rollins ha sido considerado una voz de jazz tan innovadora como la de su amigo y contemporáneo John Coltrane, con quien protagonizó el disco Tenor Madness en 1956. Desde entonces, el artista ha escrito temas que hoy son clásicos del género como Airegin, Doxy y Oleo. También es esencial en su repertorio St. Thomas, una interpretación que reflejaba los orígenes caribeños de su familia.

En total, Sonny Rollins ha publicado más de 60 álbumes desde finales de la década de 1940 en adelante, incluyendo colaboraciones con Miles Davis y Thelonious Monk. Este transformó el jazz, hasta entonces predominantemente bailable o en su totalidad de balada, a un territorio completamente único. Uno de sus discos más célebres, Way Out West (1957), se basó en sus interpretaciones de canciones vaqueras.

El artista ha recibido dos premios Grammy a lo largo de su trayectoria. En 2004, fue honrado con un gramófono a la trayectoria artística. Tras realizar giras y actuaciones durante toda su vida, se retiró en 2014 al ser diagnosticado con fibrosis pulmonar. La web de Rollins muestra ahora una reflexión del músico sobre la muerte: “Creo que cuando la persona creativa termina su existencia, continúa en la siguiente. Soy una persona que cree que esta vida no lo es todo. Una persona espiritual no piensa así”.

La vedete Tania Doris, una de las reinas del Paral·lel barcelonés durante varias décadas, ha muerto a los 74 años de edad, según han informado fuentes próximas a la artista, diva del Teatro Apolo, donde protagonizó numerosas revistas como '¡Esta noche...sí' o 'Yo soy la tentación'.

Nacida en València en 1952 en el seno de una familia andaluza, bautizada como Dolores Cano Barón, estudió baile clásico español en una academia y, posteriormente, se hizo bailarina profesional, iniciándose en el mundo de la revista, donde pasó a ser, con apenas 17 años, una de las 'Chicas alegres de Colsada', descubierta por el empresario Matías Colsada.

Fue Colsada, con quien acabó conviviendo durante más de veinte años, quien le puso el nombre artístico de Tania Doris, y quien le abrió las puertas del Teatro Apolo. Se dedicó a la revista porque, por su altura -medía casi 1,80 metros-, no pudo ser bailarina, iniciando su carrera en el Paral·lel barcelonés hacia 1970.

Retirada desde hace más de un cuarto de siglo, protagonizó a lo largo de su trayectoria obras de revista como 'Seductora', que también presentó en Madrid, 'La Dulce Viuda', 'Acaríciame', 'Venus de fuego', 'Deseada' o 'Quiere ser mi amante'. En muchas de estos espectáculos estuvo acompañada por los galanes cómicos Luis Cuenca y Pedro Peña.

En el año 1983, presentó en Madrid la revista 'Un reino para Tania', una obra con la que viajó después a México, tras una invitación de Mario Moreno 'Cantinflas', y también presentó su película 'Historia de la Revista'.

Asimismo, en aquella época fue homenajeada por el entonces alcalde de Madrid, Enrique Tierno Galván, en el Club Internacional de Prensa. En el año 1984 protagonizó la película musical 'Las alegres chicas de Colsada', dirigida por Rafael Gil, y en 1988 estrenó en Madrid la comedia musical 'Bésame, Johnny'. Entre las últimas obras en las que participó destaca 'Taxi, al Apolo', en el año 1993.

Por otra parte, en 2006 su nombre volvió a los medios de comunicación después de presentar una demanda para que se determinara qué parte de la herencia del empresario Matías Colsada le correspondía a ella, después de que la Audiencia de Barcelona la reconociera beneficiaria de la misma, tras haber convivido con él durante años, aunque nunca se casaron. La herencia de Colsada, que murió en el año 2000, sin dejar testamento, fue objeto de disputa entre la viuda legal, sus dos hijas extra-matrimoniales y Tania Doris.

En declaraciones a EFE, el gestor cultural y amigo de Tania Doris, Joan Estrada, ha lamentado este miércoles la muerte de la artista, de quien ha dicho que fue “la auténtica vedete del Paral·lel, una mujer muy alta, muy guapa, muy esbelta, una persona muy honesta, que en los últimos años llevó una vida muy discreta, totalmente retirada del mundo del espectáculo”.

Asimismo, ha recordado su participación en numerosas obras en el Apolo junto a Luis Cuenca y Pedro Peña, los tres “auténticas estrellas del Paral·lel”. El velatorio tendrá lugar en el Tanatorio de Les Corts mañana jueves, mientras que la ceremonia de despedida se celebrará en el mismo lugar el viernes a las 9:00 horas.

Pudo ser la primera directora de El País en 1988, sustituyendo a Juan Luis Cebrián, y dijo no. En ese momento le interesó más seguir manejando la redacción como directora adjunta, le apasionaba. En 2018, 30 años después, no tardó un segundo en aceptar la propuesta para convertirse, esta vez sí, en la primera mujer al mando del diario de Prisa, que atravesaba uno de los momentos más delicados de su historia.

Soledad Gallego-Díaz, nacida en Madrid, en 1951, hija de un matemático comunista y de una cubana que llegó a España en 1936, poco antes de la Guerra Civil, quiso desde muy joven ser periodista. En su familia no había precedentes, pero sí se vivía, en plena dictadura y con la discreción que requería el caso, un gran ambiente de debate político. Y se leía mucha prensa, la de la época, el ABC, el Ya, Informaciones, Pueblo, pero de manera crítica, aseguraba siempre.

De niña vivió un tiempo en Estados Unidos, donde su padre fue llamado para dar clase. Pronto regresó a seguir sus estudios en Madrid. Al terminar el primer curso en la Escuela de Periodismo (aún los estudios del oficio no tenían rango universitario, algo que a ella nunca le importó demasiado), hizo prácticas en Pyresa, la agencia de los periódicos del Movimiento. Y allí se quedó unos años. “Casi todo lo que sé de periodismo lo aprendí en la agencia”, solía decir.

En Pyresa pasaron cosas que ya iban dibujando la personalidad de Soledad. Hizo huelga (cuando hasta esa palabra estaba prohibida en los medios), fue despedida. Reclamó en los tribunales y ganó. Le hicieron lo que hoy se llama “mobbing”, reclamó y volvió a ganar. Al final tuvo suerte, la revista Cuadernos para el Diálogo, dirigida por Pedro Altares, de mensual pasó a semanal y necesitaban periodistas. Allí, Soledad se hizo cargo de la información política, ya en plena Transición. Junto a Federico Abascal y José Luis Martínez logró una de las grandes exclusivas del momento, desvelar el borrador de la nueva Constitución. Ya colaboraba en El País, periódico en el que empezó a trabajar casi desde el principio.

Sol, Soledad, estaba convencida de que esa nave periodística tenía que ser distinta a todo lo que había. Un diario europeo, abierto al debate político, cuyo objetivo principal era consolidar la democracia, tras la larga y siniestra dictadura.

Cuando pensó que esa tarea estaba hecha, pidió ser corresponsal, donde tocara, y la mandaron a Bruselas. De nuevo disfrutó, en sus palabras, de ser “testigo de la construcción de una nueva Europa”. Tras Bruselas, estuvo en Londres y París. Todo iba muy rápido y en Madrid estaban pasando cosas. El periódico crecía, la empresa editora, también, y necesitaban a Sol. Fue nombrada subdirectora de la edición dominical (allí tuve la fortuna de tenerla de jefa directa), y muy pronto directora adjunta, para sustituir a uno de los pilares de la redacción, Augusto Delkáder, que marchó a la Cadena SER.

Sol, Soledad, era muy trabajadora. También exigente, alguno puede que pensase que demasiado estricta. En esos momentos tenía mucho poder. En la redacción algunos la llamaban “la seño”. Quizá con miedo, o con ironía o con un tufillo de machismo, mejor no entrar en detalles. El caso es que Sol, que si hubiera querido habría sido directora, eligió quedarse en la redacción y compartir el mando de la nave con Joaquín Estefanía, gran periodista y unos de sus mejores amigos. Joaquín fue nombrado director en 1988, asumiendo un reto muy complicado, tomar el relevo de Cebrián.

En esos años El País tenía una enorme influencia, y era un gran negocio. 450.000 ejemplares diarios, el triple los domingos. Pero Sol nunca perdió su norte. Amaba el periodismo, para ella algo muy diferente a la comunicación. “Comunicación no es periodismo”, decía. “Para ser periodista hay que tomarse en serio el oficio”, remachaba. Y tenía otra virtud que quizá se está perdiendo o no valoramos suficiente: era muy austera. Una vez me contó que, a pesar de los cargos y las subidas de sueldo, siempre había vivido gastando lo que ganaba un redactor, no necesitaba más. Eso, para ella, garantizaba su independencia.

A finales de 1993, Jesús Ceberio es nombrado director de El País y Sol inició una nueva etapa como Defensora del Lector, la primera mujer que ostentó el cargo. Y quería dejar su huella, hacer de ese puesto algo más amable, buscando más complicidad con los lectores y tratando de, con respeto e ironía, no importunar demasiado a los compañeros a los que tenía que reprender por alguna torpeza profesional. “Solo estuve un año y medio, pero me lo pasé muy bien”.

Quizá echaba de menos la redacción, el debate, la tensión del cierre y decidió volver. En pocos años saltó de ser responsable de la edición de Andalucía, a Nueva York y de nuevo a la dirección adjunta del periódico en Madrid.

“Los periodistas y los lectores saben que en todas la épocas los periódicos han tenido que sortear adversidades, eso no es una novedad de ahora, siempre ha sido así. Los periódicos, los periodistas viven en medio de poderes establecidos, hablan de ellos, los critican, tratan de preservar su máxima independencia…. Pero lograr la credibilidad depende exclusivamente de nosotros mismos, de los periodistas. Forma parte de nuestro oficio, ser creíbles es nuestra obligación, no podemos delegar en nadie, si no lo conseguimos no es culpa de nadie más que de nosotros mismos. Los lectores saben qué nos pueden pedir y qué no, y lo que nos piden, fundamentalmente, es que no faltemos a la verdad”. Así hablaba a la redacción Sol en la toma de posesión como directora de El País en junio 2018. Había aceptado el cargo en una situación extremadamente delicada.

La empresa, PRISA, llevaba años arrastrando una deuda impagable, lo que había debilitado su independencia y diluido su accionariado. El País, dirigido por Antonio Caño y presidido por Juan Luis Cebrián, atravesaba una dramática crisis de credibilidad. Sus lectores más fieles estaban desconcertados y Sol fue la solución para salvar el barco del naufragio. Aceptó, pero con una condición, solo estaría dos años, no quería llegar a los 70 como directora.

Y fueron dos años vertiginosos. Sol sabía que contaba con el apoyo casi unánime de la redacción (en la consulta no vinculante que se celebró obtuvo el 97,2 % de los votos). Trabajaba todos los días, no había fiestas ni domingos. Y no le tembló el pulso. En apenas tres meses cambió de puesto a más de 80 redactores. Y despidió a unos cuantos responsables de la redacción. Y casi sin aliento se desató la pandemia.

Esa fue su última batalla antes de dejar la dirección del periódico en junio de 2020. Siguió escribiendo, colaborando en la SER y recibiendo premios, los tiene casi todos. El último, el pasado 9 de abril, el I Premio de Ética periodística Aurelio Martín, otorgado por la FAPE.

“El oficio de periodista no es tan complicado, pero sí que exige un compromiso que nunca se debe perder”, dijo al recoger el galardón en su última aparición pública y en la que lanzó el reto de luchar contra la desinformación: “Hoy en día existe un periodismo que está entregado a grupos tecnológicos y mediáticos que disponen de medios increíbles, capaces de intoxicar como nunca”, por eso es imprescindible “trabajar para conocer el origen de la información que se difunde, es lo básico de nuestra profesión”.

Podcast. Maestros del Periodismo: Soledad Gallego Díaz (APM)

Nedra Talley Ross, la última integrante que quedaba viva de las Ronettes, ha fallecido a los 80 años. La artista fue una de las fundadoras, junto a sus compañeras y también primas Estelle Bennett y Ronnie Spector, del icónico grupo de pop que alcanzó el estrellato en los años 60. Según ha publicado su hija Nedra K. Ross en redes sociales, “falleció tranquilamente en su propia cama, en casa, rodeada de su familia y sabiendo que era querida”.

La cuenta oficial de las Ronettes en Facebook ha anunciado la muerte en Facebook: “Con gran pesar comunicamos el fallecimiento de Nedra Talley Ross. Fue una luz para quienes la conocieron y la quisieron”. “Como miembro fundadora de las Ronettes, junto a sus queridas primas Ronnie y Estelle, la voz, el estilo y el espíritu de Nedra contribuyeron a definir un sonido que cambiaría la música. Su aportación a la historia del grupo y su influencia determinante perdurarán para siempre”, ha añadido.

La artista fue creadora de éxitos como Be My Baby, Baby I Love You, Walking in the Rain y I Can Hear Music. Aunque su fama no se alargó demasiado en el tiempo y solo publicaron un disco durante su trayectoria, estos hits ejercieron una gran influencia en el sonido de los años 60 y llegarían a alabarlas artistas como los New York Dolls, Bruce Springsteen o Billy Joel.

Nacida en Manhattan en 1946, Talley Ross comenzó a actuar con sus primas cuando eran adolescentes, hasta que formaron las Ronettes en 1957. Consiguieron una residencia en un club local y un contrato discográfico, pero sus primeros singles no lograron entrar en las listas de éxitos. Fue más adelante cuando, de la mano del productor Phil Spector, quien recientemente había cosechado una serie de hits, empezaron a dominar en las radios.

La portavoz de la Alianza Contra la Pobreza Energética (APE) y miembro de la entidad Ingeniería Sin Fronteras, Maria Campuzano, ha fallecido este domingo a la edad de 44 años. Lo han anunciado ambas organizaciones en un comunicado conjunto, y fuentes de Ingeniería Sin Fronteras han explicado a la agencia ACN que Campuzano llevaba tiempo sufriendo una enfermedad que, finalmente, no ha podido superar. Ambas entidades reivindican su legado como “activista imprescindible en la defensa de los derechos básicos” y estudian realizarle un acto de homenaje.

Campuzano ha sido la cara visible de la APE, fundada en el 2014, durante buena parte de su historia, marcada por el impacto de la crisis inmobiliaria o la pandemia de covid.

“María nos ha enseñado a todas y todos nosotros a no dar ningún paso atrás, a poner la vida en el centro ya señalar siempre las vulneraciones flagrantes de derechos aquí y en todas partes”, sostiene el comunicado conjunto.

La APE e Ingeniería Sin Fronteras recuerdan que Campuzano estaba “hermanada” con otros movimientos reivindicativos y que, “desde la solidaridad internacional”, tejió alianzas “clave” para “la organización colectiva por el derecho a la energía y la soberanía energética”.

“Nos deja su fuerza para persistir en esta defensa del derecho al agua y la energía en la que nos jugamos la dignidad, la casa, la salud y el futuro”, concluyen.

Ignasi Camós, director del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA), ha muerto a los 56 años, tal y como ha informado el Ministerio de Cultura. El máximo responsable del área de cine dentro del Ministerio llevaba meses de baja en su puesto por un cáncer. El Ministerio de Cultura ha agradecido en un comunicado “la gran labor y el compromiso de Ignasi Camós al frente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales que, junto a su vocación de servicio público, dejarán una gran huella en las personas e instituciones con las que trabajó”.

Camós entró en el ICAA en junio de 2023 para sustituir a Beatriz Navas, anterior responsable. No fue una tarea fácil, Navas se había convertido en una figura muy respetada dentro del sector del cine, especialmente por los productores y cineastas independientes, a quienes había defendido en las diferentes negociaciones.

A pesar de ello, Ignasi Camós se ganó el cariño y la confianza del mundo del cine por su actitud conciliadora. De él destacaban que siempre escuchaba y atendía el teléfono para oír las preocupaciones del sector que tenía que defender. Camós se enfrentó en estos tres años con una complicada tarea, una Ley del Cine que el sector pedía a gritos y que todavía no ha podido ser aprobada a pesar de haberse presentado en dos ocasiones ante el Consejo de Ministros. Ese era su principal objetivo y para ello trabajó con la intención de poder desencallar la negociación con el resto de partidos que llevara a su aprobación. 

Camós ha sido testigo, además, de la materialización de las políticas públicas llevadas a cabo desde hace años y que continuaron bajo su dirección. Unas políticas que han provocado que el cine español goce de un momento único que se ha refrendado con tres películas en la Sección Oficial de Cannes. Siempre defendía las ayudas como parte fundamental de la marca España que el cine español representaba fuera.

Antes de llegar al ICAA, desde 2021 y hasta 2023, fue asesor parlamentario en el Gabinete del ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, desde donde coordinó los grupos de trabajo para el desarrollo del Estatuto del Artista. Antes, aunque titulado en derecho, ocupó diferentes puestos de responsabilidad en la Generalitat de Cataluña y fue consejero de Empleo y de Seguridad Social en la Representación Permanente ante la Unión Europea en Bruselas (enero 2011- junio 2012). También trabajó como asesor del área parlamentaria en el gabinete de la ministra de Trabajo, Seguridad Social e Inmigración, Magdalena Valerio, y en el gabinete de la vicepresidenta tercera y ministra para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico, Teresa Ribera.

Un hombre de confianza del PSOE que encontró en el ICAA un lugar donde desarrollar su don de gentes y de conciliación en unos años donde, además, la presencia de los fondos europeos hicieron que la partida para el Instituto del Cine y las ayudas fueran especialmente generosas. 

Siendo la editora más notable, con más carácter, más belleza y más vitalidad de los nuevos editores barceloneses de la muy bien llamada gauche divine, Beatriz de Moura habría podido participar del espectáculo, ser portada de revistas de moda y suplementos de cultura. Y no quiso. Nadie tenía su sonrisa ni sus caderas, su listeza instintiva, su buen ojo editorial. Y sin embargo prefirió estar casi siempre a la sombra, hasta que se nos fue el pasado fin de semana.

Fuimos al Tanatorio de Les Corts apenas un puñado de amigos y parientes, algún antiguo novio, una autora, incluso un crítico literario… Y un nonagenario al que no conocía nadie y que me contó que era el impresor de Grafos, que trabajó con enormes dificultades el oro y la plata de las dos colecciones memorables con las que Beatriz comenzó su carrera de editora, los Cuadernos ínfimos (plata) y la serie Marginales (oro), a partir de 1969. También estaban las dos maravillosas mujeres que cuidaron de ella durante los últimos seis años de su vida, con sus maridos, los únicos de riguroso y elegante negro, excepto por supuesto un bebé, el nieto de una de ella.

Beatriz habría captado y reído con sus poderosas carcajadas toda la ironía, todas las ausencias, de aquel acto en el que solo Cristina Fernández Cubas, a quien Beatriz publicó toda su obra, estaba realmente adolorida, temiendo el momento en el que durante el funeral iba a tener que hablar, y sabiendo que no iba a poder hacerlo, que la voz se le iba a quebrar. No pudo estar Toni López Lamadrid (falleció hace unos años), el hombre con el que Beatriz vivió larguísimos años, con el que tuvo tremendas peloteras (en las que al final ella acababa llamándole negrero, en alusión a la industria exportadora de carne africana hacia las Américas con la que la familia de Toni hizo fortuna). Pero unidos por lazos invisibles y pasión compartida, y colaborando en la tarea común de hacer crecer una editorial que se lanzó a publicar novelas cuando esto estaba muy mal visto por la izquierda. Una editorial que era intuición pura, reflejo de una personalidad a contracorriente, la de Beatriz.

Tusquets editores se llamó así porque Beatriz tuvo un primer matrimonio con Óscar, el hermano de Esther Tusquets (la editora de Lumen: admito que lo de los apellidos y nombres de editoriales es un trabalenguas), que fue el responsable junto con Clotet del diseño de esas colecciones que traía locos a los técnicos de Grafos.

Como los jóvenes no lo saben, aclararé que aquel grupo de hijos de familias con mucho dinero, empresarios que convivieron tranquilamente con el fascismo según contó con su notable sinceridad Esther Tusquets, y empresarios editoriales ellos mismos, eran gente viajada y no dispuesta a vivir con la mojigatería impuesta por el régimen de Franco. Querían el amor libre, la copa llena, la música a todo volumen. Aquella vida miserable y tontuna de sus mayores, donde todo se hacía en secreto (amantes, negocios sucios…) no era para ellos porque preferían copiar las costumbres más liberales y muy visibles que veían en París y Nueva York, en Roma y Frankfurt, ciudades que por ser de familias acomodadas no les estaban vedadas.

Beatriz no se las daba de marxista ni de intelectual, por eso Tusquets fue desde el primer día un sello diferente de Anagrama, que dedicó el primer decenio de su historia casi exclusivamente a disciplinas como el estructuralismo. Tusquets publicó apenas un año y pico tras su nacimiento el primero de sus best sellers, aquel trabajo periodístico de Gabriel García Márquez que era tan bueno como sus novelas, Relato de un náufrago, un acierto que financió la editorial una larga época.

Pero para que se comprenda mejor el mérito editorial de Beatriz de Moura citaré unos pocos autores españoles que marcaron época: Enrique Vila-Matas (que debutó con ella), Leopoldo María Panero (a quien publicó su mejor libro en prosa, En lugar del hijo) y la ya mencionada Cristina Fernández Cubas (con un libro de relatos, Mi hermana Elba, rechazado por varias editoriales). Tres autores que fundaron, sin que los autores y ni la editora se fijaran siquiera en el detalle, una nueva manera de escribir que en España era radicalmente opuesta a las tendencias habituales desde Cela y compañía: mucho acento en el casticismo y la palabrería, poco interés por las historias. Ese trío de autores lo cambió todo. Luego llegó lo que bauticé como Nueva narrativa Española, como colaborador de Anagrama.

Fueron esos los primeros pasos (con permiso del Seix Barral de don Carlos) que acercaron la edición española a la europea, y en la vanguardia de todo aquello estuvo Beatriz, sin jamás echarse faroles. Luego, porque ella era como era, lanzó muchos libros en el área de la acracia, y también en dos campos olvidados por las letras hispanas hasta que ella entró con el brío que la caracterizaba en la edición de obras que trataban sobre los placeres cotidianos (Los cinco sentidos) y la sexualidad prohibida (La sonrisa vertical).

Luego se sumó a todo eso la publicación de El amante de Marguerite Duras, la de La insoportable levedad del ser de Milan Kundera y la obra de Pynchon y todo lo que ustedes quieran. Su mano derecha, Juan Cerezo, continúa esa labor, ahora con la empresa dentro del grupo Planeta.

Otro apunte que define a la persona, y que este domingo me contó uno de sus amigos: Beatriz firmó el primer manifiesto español en favor de la despenalización de la eutanasia. Pero renunció a que se la aplicaran cuando notó los primeros síntomas graves de la enfermedad de Alzheimer. Era demasiado vital para pedir que le quitaran la vida.

El actor y político argentino Luis Brandoni ha muerto a los 86 años. El intérprete, que sufrió una caída doméstica el pasado 11 de abril, según afirma el periódico La Nación, no ha podido recuperarse de un hematoma cerebral tras varios días de asistencia médica. La noticia de su fallecimiento la ha confirmado Multiteatro en redes sociales, empresa argentina dedicada a la gestión de salas teatrales.

“Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable”, ha señalado Multiteatro en su comunicado. “Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario”, ha agregado, sosteniendo que “hoy es un día muy triste para nuestra cultura”.

Luis Brandoni ha estado toda su vida sobre el escenario. Tanto es así que hace tan solo unas semanas estaba protagonizando la obra teatral ¿Quién es quién?, una comedia de Héctor Díaz protagonizada por Soledad Silveyra y el propio Brandoni que se estrenó en enero de 2025 y que tuvo que ser paralizada por motivos médicos. Asimismo, el actor tenía un hueco en su agenda para la grabación de la segunda temporada de Nada, la serie de Disney+ en la que compartió escenas con Robert De Niro y que, dirigida nuevamente por Mariano Cohn y Gastón Duprat, iba a volver a reunir a De Niro con Brandoni.

La trayectoria de Brandoni se consolidó a mediados de los 70, debido a su papel en películas como La Patagonia rebelde, La tregua, Gente en Buenos Aires o Juan que reía. En aquel momento, el contexto y las presiones políticas obligaron al actor a exiliarse a México, lo que inevitablemente paralizó su carrera durante un tiempo.

Al finalizar el gobierno militar, Brandoni volvió a Argentina y retomó su actividad interpretativa actuando en cintas como Darse cuenta (1984), Esperando la carroza (1985) y Cien veces no debo (1990). En las siguientes décadas, el actor combinaría su trabajo con la política, pues estuvo muy ligado a la Unión Cívica Radical (UCR). Entre 1997 y 2001 ocupó un asiento en la Cámara de Diputados del Congreso representando a ese partido político.

Entre quienes han expresado sus condolencias se encuentra la Asociación Argentina de Actores. “Ante el fallecimiento del actor y exdirigente sindical, Luis Brandoni, acompañamos con respeto a sus familiares y seres queridos en este momento de dolor. Su sólida labor interpretativa en cine, teatro y televisión lo consolidó como una reconocida figura de la escena nacional”, ha declarado en un comunicado.

Afrika Bambaataa, rapero, productor y una de las figuras fundadoras de la cultura hip-hop, que recibió acusaciones de abuso sexual a menores, ha fallecido a los 68 años. El artista murió en Filadelfia debido al cáncer que estaba enfrentando, según ha informado TMZ. La noticia de su muerte la ha confirmado en Instagram la Hip-Hop Alliance, un grupo liderado por el músico Kurtis Blow.

“Hoy reconocemos el fallecimiento de un arquitecto fundamental de la cultura hip-hop, Afrika Bambaataa. Como fundador del Universal Zulu Nation [un colectivo de hip-hop], Afrika Bambaataa ayudó a dar forma a la identidad inicial del hip-hop como un movimiento global arraigado en la paz, la unidad, el amor y la diversión”, ha escrito el grupo en un comunicado.

La Hip-Hp Alliance también ha reconocido las acusaciones de abuso sexual contra el cantante: “Al mismo tiempo, reconocemos que su legado es complejo y ha sido objeto de serios debates dentro de nuestra comunidad. Como organización comprometida con la verdad, la responsabilidad y la preservación de la cultura del hip hop, creemos que es importante dar cabida a todas las voces, al tiempo que seguimos promoviendo lo que empodera y protege a las personas”.

Bambaataa recibió acusaciones de abuso sexual en las décadas de 1980 y 1990. En un comunicado, negó las acusaciones, afirmando que “carecen de fundamento y constituyen un cobarde intento de empañar mi reputación y mi legado en el hip hop en estos momentos”. En 2025, el rapero perdió un caso civil en el que fue acusado de abuso sexual infantil y trata de personas tras no presentarse ante el tribunal, según informó The Guardian.

Por otro lado, el grupo ha destacado la importancia de Bambaataa en la construcción del género hip-hop. “A través de su música, su liderazgo y su influencia, contribuyó a sentar los principios fundamentales del hip-hop, inspirando a generaciones de MCs, DJ, breakers y líderes culturales”, ha destacado, agregando que “su huella en la historia del hip-hop es innegable y formará parte para siempre de la historia de los orígenes de esta cultura”.

Nacido con el nombre de Lance Taylor, creció en los barrios marginales de Bronx River Projects en Nueva York y se inspiró en los activistas de su familia, pues fue hijo de inmigrantes jamaicanos y barbadenses. Además, destacó su participación en Universal Zulu Nation a finales de la década de 1970, inspirado por el “padre del hip-hop”, DJ Kool Herc, así como por el pueblo zulú del sur de África.

El artista desempeñó un papel fundamental en la creación del hip-hop en la década de 1980, especialmente con Planet Rock, un hit de 1982 que publicaría tras haber alcanzado popularidad pinchando en discotecas en los 70. Además, colaboró con una amplia lista de cantantes, entre ellos John Lydon, George Clinton y James Brown.

Leonid Radvinsky, el empresario estadounidense de origen ucraniano propietario de OnlyFans desde 2018, ha fallecido este lunes a los 43 años de edad a causa de un cáncer, según ha confirmado la plataforma.

“Con profunda tristeza anunciamos el fallecimiento de Leo Radvinsky. Leo falleció en paz tras una larga lucha contra el cáncer”, ha explicado una portavoz de la empresa en un comunicado, añadiendo que “su familia solicita privacidad en estos momentos difíciles”.

Conocida por su contenido sexual y con sede en Londres, la plataforma registró en su último ejercicio fiscal ingresos por valor de 7.200 millones de dólares (unos 6.192 millones de euros), procedentes de los pagos de sus usuarios a los creadores.

En 2018 adquirió Fenix International, matriz de OnlyFans, a los británicos Guy Stokely y Tim Stokely, fundadores de la plataforma en 2016, y desde entonces se mantuvo como director y accionista mayoritario.

Además de su actividad en la empresa, fue inversor en diversas compañías y apoyó proyectos filantrópicos a nivel global, indicó OnlyFans en su nota.

La entidad, con sede en el Reino Unido aunque la mayor parte de sus beneficios se generan en EEUU, se ha convertido en uno de los mayores y más controvertidos éxitos tecnológicos del país, impulsada por la demanda de pornografía.

Su modelo permite a los creadores ofrecer contenido directamente a los usuarios, quedándose la plataforma con el 20% de los ingresos y, aunque es particularmente popular por el porno, también tienen cuentas artistas o músicos.

OnlyFans repartió el año pasado dividendos récord por valor de 701 millones de dólares a Radvinsky, uno de los mayores pagos de este tipo entre empresas privadas en el Reino Unido, según Financial Times.

De acuerdo con el periódico, en el último decenio la plataforma ha distribuido más de 25.000 millones de dólares a los creadores de contenido.

Desde 2024, las participaciones de Radvinsky en Fenix International, propietaria y operadora de OnlyFans, estaban controladas a través del fideicomiso LR Fenix Trust, mientras, según el rotativo económcio, el empresario mantenía conversaciones para vender una participación mayoritaria.

Según habían indicado a Bloomberg fuentes conocedoras, el empresario de origen ucraniano sondeaba la venta de una participación del 60% en la compañía, con una valoración empresarial de alrededor de 5.500 millones de dólares (4.750 millones de euros). La firma de inversión Architect Capital, con sede en San Francisco (EEUU), mantuvo conversaciones para liderar una oferta con acciones y aproximadamente 2.000 millones de dólares (1.728 millones de euros) en deuda, aunque las conversaciones aún se encontraban en febrero en su fase inicial.

El patrimonio de Radvinsky ascendía a unos 4.700 millones de dólares (4.062 millones de euros) al momento de su muerte, según estimaciones de la revista 'Forbes', que le situaba en el puesto 869 entre las mayores fortunas del mundo del mundo.

El novelista peruano Alfredo Bryce Echenique ha fallecido este lunes a los 87 años, tal y como informa El Comercio de Perú. Bryce Echenique nació en Lima en 1939 y es el autor de novelas que son historia de la literatura como Un mundo para Julius, La vida exagerada de Martín Romaña y Tantas veces Pedro. Su obra radiografió con humor y mala leche a la élite peruana.

Alfredo Bryce Echenique nació el 19 de febrero de 1939 en Lima (Perú), en una familia aristocrática. El autor hizo Derecho en la Universidad Nacional de San Marcos de su país, donde también cursó Letras, doctorándose así años después por La Sorbona de París en Literatura francesa clásica y contemporánea. En 1964, presentó una tesis sobre Ernest Hemingway, transicionando definitivamente al mundo de las letras.

El autor se convirtió en uno de los escritores más destacados del boom latinoamericano, con obras como No me esperen en abril. Además, es un ejemplo de cómo su generación fue compuesta por escritores que, desde distintas perspectivas, retrataron Perú con ironía y también sensibilidad. De hecho, durante su etapa universitaria se relacionó en un ambiente intelectual que lo conectó con la realidad peruana, en contraste con el mundo aristocrático limeño en el que había crecido.

El novelista fue parte de una explosión literaria de autores y títulos procedentes del continente americano, promovida por la editorial catalana Seix Barral y a través de su legendario Premio Biblioteca Breve, del que surgieron figuras como los premios Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa o Gabriel García Márquez, entre otros.

En su paso por esta editorial Seix Barral, responsable de la llegada de autores latinoamericanos hacia España y Europa, publicó el grueso de sus novelas más famosas, como Un mundo para Julius en 1970. Destaca de este periodo el díptico que el autor bautizó como Cuaderno de navegación en un sillón Voltaire, que comprende las novelas La vida exagerada de Martín Romaña y El hombre que hablaba de Octavia de Cádiz.

Por otro lado, son célebres las obras Reo de nocturnidad (1998), por la que obtuvo el Premio Nacional de Narrativa en España, y La amigdalitis de Tarzán (1999). Posteriormente publicaría en Anagrama, y ya en el siglo XXI, haría lo propio con sus volúmenes de lo que él denominó “antimemorias”, Permiso para vivir y Permiso para sentir, tomos en los que hace una crítica ácida, y no exenta de su característica ironía, de la transformación sufrida por Perú a finales del siglo XX.

Bryce, junto a Vargas Llosa y Julio Ramón Ribeyro, fue uno de los tres grandes exponentes de la literatura peruana de la segunda mitad del siglo XX. Asimismo, fue merecedor en vida del Premio Nacional de Literatura de Perú de 1972 por Un mundo para Julius, así como del Premio Planeta en 2002 por El huerto de mi amada. También recibió en 2002 en Italia el premio Grinzane Cavour por La amigdalitis de Tarzán. No obstante, destacó su rechazo, por convicciones democráticas, de la distinción de la Orden El Sol del Perú que quiso otorgarle el gobierno autocrático de Alberto Fugimori.

Por otro lado, tanto Bryce como Vargas Llosa y Ribeyro compartieron experiencias vitales muy similares, ya que nacieron en familias de la burguesía pudiente de Perú y desde su juventud viajaron al extranjero, principalmente a Francia y España, ya fuera por motivos políticos o por formación literaria. Además, a pesar de regresar con asiduidad a su país de origen, los tres vivieron la mayor parte de su vida en el extranjero.

La ironía como obra de arte

Aunque Bryce no ha tenido una carrera de las dimensiones de la de García Márquez o Vargas Llosa, sí ha destacado por la peculiaridad de su estilo, donde la ironía, o los narradores más impensables, han sido sus instrumentos para contar relatos llenos de amarga crítica, e incluso de autocrítica, pero siempre con una autoironía y un sentido del humor que las humanizaba y permitía que los lectores empatizaran con ellos.

Sin embargo, su literatura no utilizó la baza del humor como un artefacto para mejorar su potencial comercial, sino más bien como un lubricante para desarrollar las más descarnadas críticas, en especial para su país. Bryce no posee, así, obras de la entidad crítica de los Cien años de soledad de Márquez o de Conversación en La Catedral de Llosa, pero con Un mundo para Julius, una suerte de autobiografía de infancia narrada desde la perspectiva de un niño, consiguió diseccionar la alta sociedad limeña de su juventud sin ningún tipo de concesiones.

Racismo, clasismo, machismo y violencia sexual afloran a lo largo de esta novela en comportamientos que, se presume, Bryce atribuye a sus padres. Y lo hace de un modo tan cruel como ingenuo, que es como se supone que ve las cosas un niño. En otras de sus obras, como La vida exagerada de Martín Romaña, Reo de nocturnidad o El hombre que hablaba de Octavia de Cádiz, la crítica política se diluye en favor del humor, si bien siempre cargado de cuestionamiento a los modos y convenciones sociales.

El periodista y escritor Raúl del Pozo ha fallecido este martes a los 89 años, según ha adelantado El Mundo. El que fuera director de El Independiente y corresponsal de Pueblo, trabajaba como columnista para El Mundo, tras pasar por Mundo Obrero, La Calle, Interviú y Diario 16. También participó en debates y tertulias televisivas, y dirigió el programa Entre dos luces de TVE.

Su labor periodística fue reconocida con premios como el Pedro Rodríguez, el González-Ruano, el Francisco Cerecedo y el Mariano de Cavia. Su obra literaria está compuesta por numerosas novelas y ensayos, como Los reyes de la ciudad, Los cautivos de la Moncloa y El último pistolero. Su último libro, La primera Manhattan, la publicó en 2024.

Nació el 25 de diciembre de 1936 en Mariana, Cuenca. Su carrera periodística la inició en 1960, en el Diario de Cuenca, antes de forjarse en el diario Pueblo. En los 70 trabajó en Mundo Obrero (militó en el Partido Comunista), fue director de El Independiente y en los 80 llegó a Interviú.

Fue cronista parlamentario y analista de actualidad, tanto en radio como televisión, en formatos desde Día a día junto a María Teresa Campos y Cada día. Además, desde 1991 es columnista de El Mundo, cuya columna recibía el título de Ruido de fondo.

Frederick Wiseman, pionero en el cine documental que analizó y observó las instituciones públicas y sociales a lo largo de su obra, ha muerto a los 96 años. Así lo ha comunicado Zipporah Films, la compañía de distribución que fundó en 1971, en un comunicado. Su trayectoria ha dado luz a un total de 45 películas bajo este sello, desde Titicut Follies (1967) hasta su obra más reciente, El gran menú (2023), que son reconocidas por su complejidad y su mirada humanista.

“Durante casi seis décadas, Frederick Wiseman creó una obra incomparable, un extenso registro cinematográfico de las instituciones sociales contemporáneas y la experiencia humana cotidiana, principalmente en EEUU y Francia”, reza el comunicado de la compañía. Aunque no se ha revelado dónde ha fallecido, Zipporah Films ha destacado que el cineasta “consideraba Cambridge, Massachusetts; Northport, Maine; y París, Francia” como sus hogares.

Nacido en Boston, Massachusetts, en 1930, Frederick Wiseman se graduó en el Williams College y en la Facultad de Derecho de Yale. Comenzó su carrera cinematográfica a mediados de la década de 1960 y rápidamente se consolidó como un artista independiente, dedicado a explorar los matices de la vida institucional, desafiando al público a formar sus propias interpretaciones. Su obra ha sido reconocida con numerosos galardones, incluyendo un León de Oro por su trayectoria en 2014 y un premio Oscar honorífico por su carrera en 2017.

El director estadounidense exploró la vida de las instituciones en casi todos los documentales en los que trabajó, desde High School de 1968 hasta Ley y orden, sobre el Departamento de Policía de Kansas City, Hospital, Public Housing y City Hall de 2020. Las imágenes del documentalista, que escribe, produce y monta sus propios filmes, buscan conectar con la rudimentaria pureza del primer cine y el sueño de los pioneros hermanos Lumière, mostrando cómo son las cosas de forma que el espectador pueda reflexionar acerca de ellas.

“Quiero rodar lo máximo sobre el mayor número posible de temas, hago películas de nuestro tiempo y elegí las instituciones como pretexto”, admitió Frederick Wiseman en el Festival de Cannes, como recoge EFE. “No, yo solo hago cine documental, necesitamos que un gran director de ficción ruede esa película”, señaló el director, agregando que su mayor obligación es siempre hacia la gente que aparece en sus obras y que hacer películas es el único deporte que lo mantiene en forma.

Asimismo, al convertirse en el único documentalista en ser galardonado con el León de Oro en Venecia, destacó que aún hace cine “para aprender”, para huir de una “mirada preconcebida” y contagiar al espectador de su propio proceso de búsqueda: “La idea es que mis películas se parezcan a la experiencia de llevarlas a cabo”. Es por ello que su obra supone un relato colectivo que, “aunque no ideológico”, adquiere una importante dimensión política y pretende hacer una necesaria reivindicación de lo público, desde la escuela hasta los museos.

La esposa de Wiseman, Zipporah Batshaw Wiseman, murió en 2021 a los 65 años. Le sobreviven dos hijos, David y Eric, y tres nietos, además de Karen Konicek, su amiga y colaboradora, que trabajó con él durante 45 años. En lugar de flores, la familia y Zipporah Films apuntan que la mejor manera de honrar su memoria es apoyando a su filial local de PBS o a su librería independiente. Pese a su pérdida, el arte de Frederick Wiseman seguirá resonando si hay quien esté dispuesto a mantenerlo con vida.

El actor Robert Duvall, fallecido el pasado domingo a los 95 años, construyó una de esas carreras graníticas. Sólida, casi sin fallas. Incluso cuando trabajaba en papeles más pequeños o en películas, a priori, más populares, dignificaba cada papel y cada filme. Los elevaba. Su presencia daba clase, entidad. Uno de esos rostros que el público vinculaba con que lo que iba a ver sabía que iba a estar bien porque salía él.

Aun así, en una carrera tan larga, plural e inabarcable, Robert Duvall logró unos cuantos papeles que son, directamente, historia del cine. Interpretaciones cuyas frases se repiten. Escenas que se recuerdan una y otra vez. Son la parte más lustrosa de una filmografía envidiable que cuesta resumir, pero que destacó por papeles como estos:

'El padrino' (1972)

A Francis Ford Coppola le debe Robert Duvall parte de su leyenda. Junto a él rodó dos de las mejores obras del director, y también logró dos de sus papeles más emblemáticos. El primero llegó en 1972 en la que muchos consideran una de las mejores películas de la historia del cine. La adaptación de la novela de Mario Puzo le dio a Duvall uno de sus grandes roles, el de Tom Hagen, el hijo adoptivo de Vito Corleone y consigliere de la familia Corleone. Su enfrentamiento con James Caan diciendo que no hay que mezclar los negocios con lo personal es emblemático. Fue su primera nominación al Oscar (como Mejor actor de reparto).

'Network, un mundo implacable' (1976)

Sidney Lumet logró uno de los retratos más despiadados y, quizás por ello, realistas, de los medios de comunicación en esta película sobre la dictadura de las audiencias y el sensacionalismo en las televisiones. Duvall dio vida a Frank Hackett, el joven vicepresidente ejecutivo de la cadena que aspira a ser alguien importante dentro de su empresa. Un personaje que anticipó lo que años más tarde, y todavía ahora se viviría en muchas cadenas y medios. Quizás no fue su personaje más emblemático, también porque el discurso de Peter Finch opacó el resto, pero su trabajo sigue siendo finísimo.

'Apocalypse Now' (1979)

La segunda nominación al Oscar llegó, de nuevo, por una película de Coppola. Su mirada a la guerra de Vietnam, una particular adaptación de 'El corazón de las tinieblas' de Conrad, es otra de las grandes películas de la historia del cine. Un retrato del horror de la guerra que le dio una de las grandes frases de la historia del cine, ese “Me encanta el olor del Napalm por la mañana” que dice el Coronel Kilgore. Once minutos le valieron al actor, con su gorro y su torso desnudo, para conseguir un personaje que queda en el recuerdo, y su segunda nominación al Oscar, también como Mejor actor de reparto.

'Gracias y favores' (1983)

Bruce Beresford tenía un don para emocionar a la gente. Lo demostró cuando con Paseando a Miss Daisy dio la campanada y ganó el Oscar a la Mejor película y el de Mejor actriz para Jessica Tandy. Pero ya años antes había mostrado sus cartas en esta película con la que Robert Duvall ganó su Oscar al Mejor actor protagonista. Es cierto que no suele citarse entre los trabajos más emblemáticos del actor, pero el guion de Horton Foote (responsable de la adaptación de Matar a un ruiseñor con la que Duvall debutó) le dio un papel que era un caramelo, el del cantante de country Mac Sledge, que busca recuperarse de su alcoholismo. Los rumores apuntaron a una relación conflictiva entre al cineasta y el actor, pero lo cierto es que le dio su único Oscar.

'Una acción civil' (1998)

La penúltima nominación al Oscar de Robert Duvall (la última fue por El juez en 2015) fue por este drama judicial escrito y dirigido por Steven Zaillian, autor del libreto de La lista de Schindler y de otros títulos emblemáticos como Gangs of New York o El irlandés, ambos para Scorsese. Aquí se puso detrás de las cámaras para contar un drama judicial cuyo caso central abordaba la responsabilidad de una gran empresa en la enfermedad de varias personas por contaminar el agua de un pueblo. Un caso real en el que Duvall interpretaba a Jerome Fatcher, uno de los abogados que se enfrentaron al sistema para mostrar que las grandes corporaciones estaban envenenando a los ciudadanos. 

El pasado 15 de enero en la ciudad de Génova falleció Orlando Leva. Durante cincuenta años fue recepcionista en un hotel que trata de mantener el esplendor de siglos pasados frente al mar. En sus últimos paseos por las calles y cafés del barrio de Pegli camareros, comerciantes y policías saludaban con respeto a ese anciano que, de alguna manera, se despedía de sus vidas con honestidad y sin alharacas. Quien vivió modesta y dignamente sus días sabía decir adiós sin llamar innecesariamente la atención.

Orlando nació en el seno de una humilde familia piamontesa, en el que los alimentos se valoran por su estrecha relación con el medio del que proceden y el trabajo que conlleva su recogida y conserva se reconoce y respeta. En los hogares por los que pasó Orlando, como en tantos otros de mujeres y hombres de pueblos de todo el mundo, cada objeto arrastra una historia material y personal que explica su ubicación definitiva. Si de joven emigraste a otro país y descubriste el té de los descansos en jornadas maratonianas, la tetera ocupará su sitio en la estantería principal, como la colección de sellos que durante décadas se recogía de clientes extranjeros hasta componer un mapamundi que daría para manual de historia geopolítica del siglo XX. 

Orlando nació en el seno de una humilde familia piamontesa, en el que los alimentos se valoran por su estrecha relación con el medio del que proceden y el trabajo que conlleva su recogida y conserva se reconoce y respeta

En estos tiempos en los que se fabrican muebles de quita y pon y hay plantas de plástico para no regar, el salón en el que cenaba Orlando acumulaba historias de vidas familiares ya caducas, en un empeño obrero por resguardar también la memoria de las vidas propias, dignas de recuerdo. Como las recetas de la abuela, o los platos conocidos y admirados en los viajes que la vida pudo regalar. En su mesa, cada especia o tipo de cocción de un alimento se narraba con delicadeza y respeto por la persona que, años atrás, se la había trasladado a él. Memoria oral, vindicación de lo concreto, placer sin estipendio.

Orlando era antifascista de manera coherente con quien nació en la casa y el momento en que lo hizo, rodeado de referencias partisanas y forzado a la emigración urbana para no morirse de hambre. Orlando era comunista a la italiana, nostálgico de un momento en el que se supo mayoría y rozó el gobierno de su país junto a millones de hombres y mujeres que amaban a Enrico Berlinguer. Vivía con Pilar de su discreta pensión en un apartamento de alquiler y apreciaba el hecho de que el único hijo hubiese podido hipotecarse para tener un piso en propiedad.

En sus últimos años comentaba con tristeza la dificultad compartida por reconocer “dirigentes de izquierdas que hablaran y vivieran como personas de izquierdas”

En sus últimos años comentaba con tristeza la dificultad compartida por reconocer “dirigentes de izquierdas que hablaran y vivieran como personas de izquierdas”, y soportaba a duras penas el avance de extremas derechas reconocibles fuera cual fuera la lengua en la que hablaran. Orlando era un hombre bueno, sin matices. Quizás, a estas alturas del desconcierto en el que vivimos, esa debiera ser la primera etapa de nuestra próxima victoria. Empezar por reconocer entre nosotros qué valores primarios (solidaridad, humildad, honestidad, austeridad) quisimos que caracterizaran nuestro relato de clase. Yo lo tengo claro: con hombres y mujeres como Orlando, ninguna diferencia de partida aguanta un pase y ninguna apuesta que no sea la de unidad se sostiene. Unidad.

Orlando Leva era mi tío. Mis hijas rallan la nuez moscada sobre la salsa de almendras como él les enseñó una noche de verano, y mi hijo conserva parte de su colección de sellos históricos en su dormitorio, bajo una bandera republicana. Nuestra memoria será, en buena medida, la que un día fue suya. Hagamos el resto.   

El ex director de TV3 y RAC1, Eugeni Sallent (Sabadell, 1962), una de las figuras clave en los medios audiovisuales catalanes de las dos primeras décadas del siglo XXI, ha fallecido esta tarde víctima de un cáncer contra el que había luchado en los últimos meses.

Licenciado en Informática por la Universidad Autónoma de Barcelona y máster en Dirección de Empresas por EADA, Sallent ocupó diversas posiciones de relevancia en el sector de la comunicación al frente de la televisión y la radio pública, y también en la radio privada de Cataluña.

En concreto, fue el primer director gerente de Radiocat, la empresa que engloba a RAC1 y RAC105 y formó parte del equipo fundacional de la radio desde 1999, construyendo el equipo que el 1 de mayo de 2000 puso en marcha oficialmente las emisiones.

Para lograr irrumpir en una audiencia acostumbrada a la hegemonía de Catalunya Ràdio, puso al frente de la nueva emisora voces tan potentes como la de Albert Om, Toni Soler o Joan Maria Pou. Sallent quería que la nueva emisora fuera divertida, rompedora y que tuviera un tono propio y reconocible, pero que estuviera, sin embargo, marcada por la actualidad. Este modelo no tardó en hacer que se empezaran a cosechar éxitos.

En 2010, Eugeni Sallent recibió el Premio Quim Regàs de Periodismo, en reconocimiento a su trayectoria profesional. Y como director de RAC1 recibió el Premio Nacional de Comunicación, concedido a la emisora en 2007. Pero tras su etapa en RAC1, en 2012 decidió asumir el reto de dirigir de nuevo una empresa pública.

Sallent fue nombrado director de la televisión pública catalana TV3. En plena crisis económica, el gasto público en la Corporación Catalana de Medios Audiovisuales descendió radicalmente y desde su nuevo cargo tuvo que hacer un gran esfuerzo para que la calidad de la cadena no se viera afectada.

Estuvo cuatro años al frente de Televisió de Catalunya y cumplió con el objetivo de mantenerla como líder de audiencia, gracias a series de éxito como Merlí o al seguimiento de las manifestaciones multitudinarias del 11 de septiembre durante la etapa conocida como el “procés independentista”. Sin embargo, en el 2016 pasó el relevo a Jaume Peral y empezó a dirigir delegaciones de Mediapro en Colombia e Italia.

Cuando la dictadura franquista empezó a abrirse al mundo —esto es, al capitalismo global y a las seducciones de EEUU—, el cine español imaginó una suerte de contrapeso en la figura veterana de Paco Martínez Soria. Sus personajes no terminaban de verlo claro, y la resistencia a diversos cambios socioculturales devenía el centro de comedias como El turismo es un gran invento o La ciudad no es para mí. Enfatizando, claro, su carácter de “hombre de pueblo”, suspicaz ante las sucesivas mutaciones de esa ciudad a la que le empujaba el éxodo rural. Lo curioso es que, paralelamente, la industria ya había descubierto a otro zaragozano castizo sin tantos reparos con la modernidad.

Fernando Esteso, maño como él, desfiló en los años 70 por los platós televisivos portando igualmente una boina, un garrote y un marcado acento. Pero, a diferencia de Martínez Soria, lo hizo con una alegría contagiosa. Y es que, por mucho apego que mantuviera al terruño —o a una idea especialmente caricaturesca de él—, el personaje mediático de Esteso había descubierto una gran oportunidad en esta nueva España a cuyo dictador le quedaba poco tiempo de vida. Porque lo que más le importaba era el hedonismo, las mujeres, las oportunidades de ligue, y tan pronto como podía convertir esta pulsión en discurso cómico —canciones como El Bellotero Pop o, por supuesto, La Ramona—, sería capaz de mutar en un ciudadano perfectamente integrado y pícaro.

Porque Esteso representó, en similar medida a José Sacristán y Alfredo Landa —de quien devino indiscutible sucesor a finales de los 70—, una cierta idea de España. Una historia paralela que acaba de terminar con el fallecimiento de Esteso a los 80 años de edad, y que merece la pena revisar en busca de claves idiosincráticas. Más o menos trasnochadas, escasamente reivindicables, aunque desde luego vitales en la constitución de ese españolito que sigue acechando como un espectro, entre Berlanga y Santiago Segura, lo que entendemos como comedia nacional.

Virilidad a la española

Esteso se subió a un escenario con apenas seis años, empujado por la profesión de sus padres. Venía de una familia de artistas y de una amplia educación en las variedades, que le permitiría hacer de todo una vez se trasladara a Madrid a mediados de los 60. Las obras de teatro dieron paso rápidamente a la televisión, donde Esteso ya tenía pulido su personaje de maño y no quería limitarse a las canciones bufonescas: también protagonizó sketches icónicos de la época —como el del Coñac La Parra, “el que lo bebe la agarra”— y resultó ser un imitador bastante intuitivo, llegando a parodiar en adelante los modismos de Raphael, Bertín Osborne o Luis Aguilé.

Con Aguilé colaboró de hecho en una interpretación conjunta muy celebrada de Es una lata el trabajar, asentando al mismo tiempo la evolución lógica de su maño trasplantado: esto es, el “galán fallido”, el hombre bajito y salido que contrastaba burlonamente con la impronta latin lover. Un protagonista cercano a este galán fallido, más en la senda de Alfredo Landa que de Arturo Fernández. Películas como Onofre (1974) o Pepito Piscinas (1978) no dejan de militar en la escuela del landismo, una vez Landa ya se permitía juguetear críticamente con esta imagen en El puente de Juan Antonio Bardem (1977). Aunque a Esteso no le interesaban demasiado esta clase de ejercicios, y todo condujo de forma orgánica a que capitaneara el destape junto al actor Antonio Ozores, a su hermano el hiperactivo director Mariano Ozores (fallecido en 2025) y, por supuesto, Andrés Pajares.

Los vientos liberales que recorrían el Estado español, definitivamente asentados con la muerte de Francisco Franco y el desarrollo de la Transición, tuvieron su cara más comercialmente provecta en este puñado de comedias ozorianas, que Esteso y Pajares protagonizaron juntos o por separado. Su providencial unión en Los bingueros (1979) había sido la explosión definitiva, y el cuño de una lograda química con Pajares que maridaba con guiños a la actualidad política del momento, un ritmo rapidísimo de producción y la abundancia de chicas ligeras de ropa. 

Fue la fórmula a seguir en sucesivos éxitos como Los energéticos (1979), Yo hice a Roque III (1980) —cuya llegada a salas motivó el retraso del estreno de El imperio contraataca en España para no competir con una dupla tan intimidante—, Los liantes, Los chulos (1981) o Padre no hay más que dos (1982), el curioso acercamiento del cine de Mariano Ozores al público infantil. La gracia de estas películas era situar a la pareja en escenarios variopintos sin que, curiosamente, se mantuviera una dinámica concreta o unos caracteres determinados. Esteso podía ser alternativamente el ingenuo o manipulador —el payaso tonto o el listo—, del mismo modo que podía serlo Pajares.

Lo importante era verlos juntos, si bien a Esteso tampoco le iba mal en solitario con trabajos que compartían fórmula. Tanto él como Pajares protagonizaron una comedia sobre la legalización del divorcio en España —Esteso hizo Caray con el divorcio, Pajares ¡Qué gozada de divorcio!—, y el ocasional interés de Esteso por la parodia desencadenó títulos tan estimables como Al este del Oeste (1983) y ¡Qué tía la CIA! (1985). Fijándose respectivamente en el western y el cine de espías, Esteso reafirmaba al mismo tiempo algo muy propio del españolito: su asumida inferioridad frente a los sofisticados moldes del cine estadounidense, ya practicada con Roque III reflejándose en Rocky.

Decadencia y resurgir

Las películas de Esteso y Pajares arrasaron comercialmente rodeadas, por lo general, del desprecio de la crítica. “La crítica hacía lo suyo y nosotros lo nuestro: hacer reír y llenar los cines”, declararía Esteso años más tarde. La fórmula, sin embargo, mostró síntomas de agotamiento avanzados los 80, coincidiendo con las florecientes inquietudes creativas de Pajares. Pese a que el dúo había vivido una cumbre de tantas al representar La extraña pareja en el madrileño Teatro Calderón, entrados los 90 nos topamos con que, mientras Pajares ganaba un Goya por trabajar con Carlos Saura en ¡Ay, Carmela!, Esteso se empeñaba en mantener vivo el destape con El amor sí tiene cura (1991). 

Así que, de forma inevitable, empezó a parecer una figura trasnochada. Ahora sí, incapaz de adaptarse a esta nueva contemporaneidad —como le pasaba de forma simultánea a Mariano Ozores, con la polémica golpeando su sitcom El sexólogo—, y sin nuevas inquietudes más allá de la comedia en la que llevaba dos décadas embarcado. Fue entonces, hacia 1993, cuando creyó ver una gran oportunidad en un contrato con Telecinco que contemplaba la producción de una sitcom y un especial de Fin de Año, además de ejercer de presentador en La ruleta de la fortuna. Todo parecía abonado para mantener su relevancia mediática, pero fue justo lo que precipitó su declive.

Esteso no estuvo ni un año presentando La ruleta de la fortuna cuando Telecinco le despidió sin previo aviso, alegando su “estado de deterioro físico y mental”. El cómico se pasaría el resto de los 90 batallando con la cadena en los tribunales, hasta que en 2001 obtuvo una indemnización de un millón de euros… sin que esto enderezara su situación. Esteso había sido condenado al ostracismo, retirándose a Torrevieja y asaltando esporádicamente la actualidad con noticias como la preparación de película de Esteso y Pajares a la vieja usanza parodiando un éxito de la época: en 2006, frente a El código Da Vinci, se anunció el regreso de la pareja en El código Aparinci. No cuajó.

Afortunadamente, Esteso sí pudo disfrutar de un resurgir tardío. Fue alrededor de 2011. En paralelo a grabar un remix de La Ramona con King África que sería la canción del verano, Esteso apareció abrazado a Pajares en el tradicional spot de Campofrío: uno titulado Cómicos que reunía a las grandes estrellas del humor patrio para homenajear a Gila por su reciente muerte. Fue también cuando Santiago Segura le dio un pequeño papel en Torrente 4: Lethal Crisis, y Esteso pudo volver a dedicarse a la comedia: Segura aumentó su papel en la siguiente Torrente 5: Operación Eurovegas mientras José Mota empezaba a reclutarle para algunos de sus especiales de Nochevieja. 

Lo más curioso de estos últimos años es cómo Esteso —al margen de las colaboraciones con cómicos de otra generación, muy conscientes de su legado— alternó el cine de bajísimo presupuesto con propuestas de autor… y sin que la comedia fuera un requisito indispensable. Porque sí, en 2016 protagonizó Re-emigrantes —filme con presupuesto de guerrilla que, a su modo, abordaba las consecuencias de la crisis económica a través de una familia que tenía que volverse al pueblo— y más tarde tuvo un papel en la serie de Movistar Plus+ Justo antes de Cristo, aunque también se vio atado a dos cineastas antagónicos: Agustí Villaronga y el más desconocido Alfredo Contreras.

Con Villaronga pudo emular a Pajares al obtener un papel en una aplaudida película sobre la Guerra Civil (Incierta gloria, en 2017), además repetir en su último filme antes de morir (Loli Tormenta, de 2023). Con Contreras, por otra parte, Esteso brilló como único actor de renombre en proyectos extremadamente humildes que se adentraban en la fantasía y la ciencia ficción sin salir del perímetro de Murcia. Fue en Luces, Burga y en su última película como actor, Laberinto de sombras (2024). 

Un epílogo estrafalario, inclasificable, que bien puede representar una crisis de identidad nacional o, simplemente, el contradictorio testamento de un afable payaso que en cierto momento dejó de intuir de qué quería reírse su país. 

David de la Chica, compositor de Los Delinqüentes y Tomasito, ha fallecido a los 50 años, a causa de un infarto. El artista, que llevaba semanas ingresado en el Hospital Puerta del Mar de Cádiz, sufrió problemas cardiovasculares durante el ingreso, y terminó falleciendo en el centro mientras esperaba para ser intervenido en un pie. El cantante de Palocortao y músico de la Banda del Ratón, escribió letras de temas como Tabanquero, Amor Plutónico y Pirata del Estrecho.

Sus compañeros de Los Delinqüentes han publicado un texto de despedida en sus redes sociales, donde han asegurado que “siempre”estará en su recuerdo y corazones: “David ha peleado hasta el último momento, siempre haciendo gala de su particular sentido de humor, en su lucha contra una larga enfermedad. La pasada madrugada, en el hospital, a sus 50 años, descansó en paz”.

Davile, como era conocido, nació en Jerez de la Frontera, y estuvo ligado al sonido garrapatero, con su fusión de flamenco, poesía popular, rock y rumba. Fue en los 90 cuando arrancó su carrera con la banda Pelocortao, y posteriormente acabaría colaborando con Los Delinqüentes como letrista.

El diseñador Valentino Garavani ha muerto a los 93 años de edad en Roma, según ha confirmado su fundación en una publicación de Instagram. El genio de la costura, que estaba retirado desde 2008, se había convertido en una de las grandes figuras del mundo de la moda desde que se iniciara en el oficio a mediados del siglo pasado.

“Valentino Garavani ha fallecido hoy en su residencia romana, rodeado de sus seres queridos”, ha informado la fundación a través de redes sociales. “El velatorio se celebrará en PM23, en Piazza Mignanelli 23, el miércoles 21 de enero y el jueves 22 de enero, de 11:00 a 18:00 horas. El funeral tendrá lugar el viernes 23 de enero en la Basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires, en Piazza della Repubblica 8, en Roma, a las 11:00 horas”, ha añadido.

Nacido el 11 de mayo de 1932 en la localidad italiana de Voghera, en Lombardía, recibió su nombre en honor al actor de cine mudo Rodolfo Valentino. El modisto siempre había sentido un interés enorme por la industria de la moda. Tanto es así que, a los 17 años, sorprendió a sus padres al mudarse a París para estudiar en École des Beaux-Arts y en la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. Fue entonces cuando comenzó como aprendiz de Cristóbal Balenciaga, Jean Dèsses y Guy Laroche. Más adelante, en 1959, regresaría a Roma para abrir su propio estudio con ayuda de sus padres.

Nombres reconocidos como Elizabeth Taylor, la princesa Diana de Gales o Audrey Hepburn llegarían a pasar por las manos de Valentino Garavani a lo largo de su aclamada trayectoria. Sin embargo, no es la única figura que quedaría asocieda a él. En 1960, Valentino conocería a Giancarlo Giammetti, quien acabaría siendo tanto su socio como su pareja. Junto a él fundó la Maison Valentino ese mismo año.

Con tan solo 26 años, el diseñador lanzaría su primera colección, que se estrenó el 28 de febrero de 1959 en sus salones de la Via Condotti de Roma. Asimismo, en julio de 1962, Valentino fue uno de los diseñadores que desfilaron en la Sala Bianca del Palacio Pitti, una plataforma que contribuyó al lanzamiento internacional de la marca, que Giancarlo Giammetti contribuiría a expandir hasta llegar a transformarla en un imperio global.

Desde aquel momento, el modisto se haría cargo de una de las marcas más respetadas de la moda, que redefinió por completo el arte contemporáneo. Fue apodado el “último emperador” en un documental sobre su vida dirigido por Matt Tyrnauer y estrenado en 2008, donde aparecen los muchos jets privados, vestidos y galas que acabarían dando forma al reconocimiento de Valentino en todo el mundo.

Italia siempre ha considerado a Valentino como una de las figuras más importantes del país. “En Italia, está el Papa y está Valentino”, llegaría a afirmar Walter Veltroni, entonces alcalde de Roma, en un perfil del modista publicado en 2005 en The New Yorker. Unos años después, el modisto confesaría el secreto de su éxito al periódico estadounidense The New York Times: “Es muy, muy sencillo. Intento que mis chicas luzcan sensacionales”.