En algunas ocasiones es difícil expresar con palabras lo que supone una persona en nuestras vidas, cuando ocurren hechos luctuosos las emociones te impiden expresar verbalmente los sentimientos.

Por este motivo me he decidido a escribir estas líneas en recuerdo, reconocimiento y desahogo de lo que es, ha sido, y será Isidoro Gómez Cavero para mí como alcalde de mi ciudad, pero más en el ámbito de lo personal.

Recuerdo perfectamente los primeros días de octubre del año 2024, como una losa nos caía el anuncio de su enfermedad, el primero en relativizar, asumir y contextualizar su cáncer fue él y quien ‘tiraba del carro’ de su enfermedad valientemente era él.

Afortunadamente siempre acompañado de muchas muestras de cariño de los conquenses, a los que había atendido como médico durante toda su vida. En los enfrentamientos políticos siempre puso por delante a su ciudad, a su Cuenca, para que las cosas cambiasen de verdad.

Su forma de ver la vida política, sus adjetivaciones, sus compromisos para que la ciudad avanzase, a ello nos comprometimos y seguiremos comprometidos, más si cabe desde que nos ha dejado.

Isidoro no nos has dejado, es imposible que nos dejes, tu impronta está y aquí va a seguir.

Compañero, amigo, hermano mayor, Isidoro seguimos el camino trazado que tú conoces, no se puede, ni debe desandar ni un paso y te prometo que no lo vamos hacer, tu recuerdo, trabajo y desvelos seguirán marcando nuestra ruta.

No es fácil expresar lo que siento: rabia, desazón, “que no es justo”, “que es demasiado pronto”. Pero tú mismo me lo dijiste: “No sé cuánto me queda” y yo, en ese momento, ni me atrevía a preguntarte, ahora sé que, como médico, lo sabias.

Te vamos a echar de menos, un abrazo desde el corazón de tu compañero, amigo y hermano menor.

El escritor Josep Vallverdú, padre de 'Rovelló', el clásico de la literatura infantil que ha acompañado a generaciones de lectores catalanes desde finales de los años sesenta, ha muerto este martes con 103 años, según ha podido confirmar la agencia ACN. Referente de la literatura infantil y juvenil en catalán, Vallverdú deja una ingente obra literaria –más de 300 títulos publicados– entre novelas, memorias, viajes, cuentos, traducciones, poesía e incluso teatro. En 2023 se celebró el centenario de su nacimiento, con numerosos actos y actividades por todo el país. Hace un año entregó a la editorial La Galera 'El retorn de Rovelló', la secuela del clásico que le ha hecho un icono de la literatura catalana.

Infancia y formación: entre Lleida y Barcelona

Josep Vallverdú i Aixalà nació en la ciudad de Lleida, el 9 de julio de 1923. La Guerra Civil obligó a la familia Vallverdú a buscar refugio una temporada fuera de la ciudad y trunca su etapa de estudiante. En 1939 regresan y un año más tarde se trasladan a Barcelona, donde su padre tenía una tienda de ropa, y donde él continúa sus estudios de bachillerato.

El joven Vallverdú se matriculó en la Universidad de Barcelona para cursar la carrera de Filosofía y Letras, en la especialidad de Filología clásica. Entabla amistad con personas del catalanismo cultural como Frederic Roda, Antoni Badia i Margarit, Pere de Palol, Joan Triadú, Josep Palau i Fabre e Isabel Arqué, que años más tarde sería su mujer. En 1947 le llaman para trabajar en la Universidad, como becario del doctor Josep Rubió i Balaguer, colaborando en su labor de investigador en el Archivo de la Corona de Aragón.

Sant Feliu de Guíxols

En 1949 le ofrecen trabajar en una academia en Sant Feliu de Guíxols (Baix Empordà). Después de dirigir dos años la academia, trabaja en una empresa de tapones de corcho, y también comienza a dar clases y a intervenir en las actividades culturales de la villa e imparte conferencias.

Formó parte de la primera redacción de la revista 'Àncora', donde entabla amistad con Agustí Calvet i Pascual, 'Gaziel'. En Sant Feliu permanece hasta 1956, “siete años pródigos en acontecimientos vitales, en maduración”, según el escritor. En 2023 el Ayuntamiento le otorga el título de Hijo Adoptivo de Sant Feliu de Guíxols.

Por motivos familiares y laborales Vallverdú volverá a Lleida, donde vivirán diez años, entre 1959 y 1969. Durante esos años, emprende una trayectoria literaria que irá a más.

Resurgir de la literatura infantil y juvenil en catalán

Durante los años sesenta, la literatura juvenil en catalán resurge progresivamente. Vallverdú publica en aquellos años tres novelas juveniles: 'El vendedor de peces' (1960), supone el regreso de la novela de aventuras en unos momentos de una gran sequía en este género. Es una obra que marca un antes y un después en su carrera. 'Trampa bajo las aguas', novela que gana el premio Joaquim Ruyra, 1963 y 'La caravana invisible' (1968) son las otras dos. Durante aquellos años el escritor leridano años también colabora con la revista Cavall Fort, desde su creación, en 1961.

Traductor

De forma paralela, empezó a traducir sobre todo novelas policiacas para Edicions 62, editorial recién creada. Entre 1962 y 1975 traduce al catalán una larga lista de títulos, de autores como Raymond Chandler, Dashiell Hammett, Martin Luther King, Jack London, Piaget, Edgard A. Poe, Gianni Rodari, Walter Scott, James Stevenson, G.K. Chesterton u Oscar Wilde.

En 1966, por encargo de la editorial Vicens, tradujo 'The revolt of the catalans', del historiador británico John H. Elliot. Un meritorio trabajo que no salió publicado bajo el título que el autor había puesto. Y es que el censor franquista decretó que no podía ser la revuelta 'de los catalanes' e impuso el título 'La revolta catalana'.

Rovelló

1968 es un año clave en su larga trayectoria literaria. El verano de ese año, en una choza de cañas en el jardín de su casa de Puiggròs, escribe casi a chorro la historia de un perro rústico llamado Rovelló. La obra gana el premio Josep Maria Folch i Torres (1968) y comienza así una historia de éxito editorial que será imparable. Desde 1968, Edicions de la Galera han publicado 30 ediciones y vendido más de 75.000 ejemplares. 'Rovelló' ha sido traducido al castellano, vasco, francés, italiano y ruso y se ha adaptado en 26 episodios de dibujos animados para la televisión. En febrero del 2026, 56 años después de la primera aparición de este mítico personaje, Vallverdú, con 102 años, presentó la segunda parte de Rovelló, donde el popular perro vive nuevas aventuras en las que aparecen referencias a otras obras del autor.

El último mensaje que David Lucas dejó en redes sociales fue un llamamiento a la confianza en la sanidad pública. El último mensaje que dejó en mi teléfono fue la propuesta de la enésima reunión con los grupos parlamentarios más escépticos con la limitación del precio del alquiler de viviendas.

Puede que estos dos mensajes resuman bien el propósito y el carácter del David político. El compromiso con las políticas públicas y el Estado de Bienestar que aseguran una vida digna a todas las personas, independientemente de sus circunstancias. Y la confianza en el diálogo y la pedagogía para llegar a acuerdos y resolver problemas.

La vida de David, demasiado corta, ha sido la vida de una vocación política formidable. Si hay un político todoterreno, ese es David. Fue concejal en tres municipios distintos, en Getafe, en Móstoles y en Madrid. No creo que haya muchos precedentes de esto. Fue dirigente de la Federación Madrileña de Municipos, de la Federación estatal y del Comité Director del Consejo de Municipios de Europa.

Ejerció de concejal, de alcalde, de senador y de Secretario de Estado. Gestionó áreas tan dispares como los deportes, la seguridad ciudadana, la hacienda y la vivienda. Fue cabeza de cartel, protagonista de escenario y portavoz en tribunas y ruedas de prensa. Pero también fue infantería de otros generales, escribiente para otros tribunos y partícipe esforzado y anónimo en innumerables equipos.

Hay un debe en la sociedad española para con David Lucas, y tiene que ver precisamente con el primero de sus problemas, el acceso a una vivienda digna y asequible para todos y todas. Junto a su ministra Isabel Rodríguez, fue capaz de llevar a término la primera ley de vivienda de nuestra democracia, y el Plan Estatal de Vivienda que más recursos ha aportado al objetivo de dar solución a aquello que angustia a muchas familias vulnerables y a muchos jóvenes en nuestro país.

Y lo hizo así, con la buena política del propósito legítimo y el camino de la negociación. Su escuela era la la escuela de la buena política, la que antepone el rigor al artificio, la argumentación a la imposición, la flexibilidad al inmovilismo, la solución a la teatralidad, el mal acuerdo a la buena pelea. Solo perdía la paciencia cuando alguien le instaba a “perder la votación para ganar el relato”. Los relatos no proporcionan vivienda a quien la necesita, contestaba.

El PSOE tienen que agradecerle también haber entendido que el trabajo orgánico es tan importante como el institucional, que sin una organización fuerte no se ganan los gobiernos que transforman la sociedad y solucionan problemas. Siempre estuvo dispuesto para echar una mano en su agrupación, en su federación, en su partido.

El David político era reflejo del David persona, desde luego. Sus éxitos en el campo de la política eran en buena medida consecuencia de sus firmes valores personales, como la honestidad, la lealtad y la coherencia. Quienes hemos tenido el privilegio de trabajar a su lado, somos fieles testigos de ello.

Otro rasgo definitorio y distintivo de David, con traslación evidente a su faceta pública, fue su querencia por la formación permanente. Se doctoró en derecho y finalizó máster en derecho público y en política territorial. Se diplomó en derecho tributario y en derecho europeo. Recibió y dio clases durante toda su vida. Tengo que saber más de esto, le escuchábamos con frecuencia.

Su esposa y sus hijos le han perdido demasiado pronto. Los demás también le echaremos de menos. Mucho.

Rafael Simancas, es secretario de Estado para las Relaciones con las Cortes y Asuntos Constitucionales

El Ayuntamiento de Cuenca ha lamentado el fallecimiento de Carlos Santacruz Niño, quien fuera concejal por UCD de 1979 a 1983, con Andrés Moya como alcalde.

El alcalde Darío Dolz ha trasladado su pésame a familia y allegados en nombre de todos los grupos políticos con representación en el Consistorio conquense.

Las campanas de la Torre de Mangana doblarán en señal de duelo, tal y como establece la tradición cuando fallece un edil del Ayuntamiento de Cuenca, a las 12:00 horas de este martes 14 de julio.

Luis Goytisolo (Barcelona, 1935), novelista y académico de la RAE, ha muerto este lunes a los 91 años. Ganador del Premio Nacional de las Letras en 2013, fue el autor de la tetralogía Antagonía, compuesta por Recuento, Los verdes de mayo hasta el mar, La cólera de Aquiles y Teoría del conocimiento.

Nacido en Barclona el 17 de marzo de 1935, Luis fue el hermano menor de los también escritores José Agustín y Juan Goytisolo. Colaborador de El País, ABC o Diario16, dirigió y escribió documentales televisivos, como las series Índico y Mediterráneo, emitidas por Televisión Española. Durante la dictadura franquista, Goytisolo formó parte del Partido Comunista, lo que le llevó a pasar, en 1960, casi cuatro años preso en la cárcel de Carabanchel (Madrid).

Goytisolo fue nombrado académico de la Real Academia Española (RAE) en 1994. Había publicado ya los cuatro volúmenes de su obra magna, también Las afueras (1958, Premio Biblioteca Breve), Fábulas (1981), Estela del fuego que se aleja (1984, Premio Crítica) o Estatua con palomas (1992). En su discurso, dedicado al impacto de la imagen en la narrativa española, definió el “honor” de formar parte de la RAE como el “más valioso que cualquier otro recibido”.

“Nunca he buscado con mi escritura otra recompensa que el logro de la palabra justa línea a línea y el que el impulso creador encuentre fiel reflejo en la obra acabada como semilla convertida en árbol”, arrancó su discurso de toma de posesión, el 29 de enero de 1995.

“Antagonía es el epicentro de toda mi obra”, dijo el escritor sobre su monumental obra en noviembe de 2016. Sus cuatro títulos se publicaron entre 1963 y 1981. En ellos se cuenta la vida y obra de Raúl Ferrer Gaminde, un hombre que decide convertirse en escritor. La trayectoria de Gaminde presenta bastantes coincidencias con la de Goytisolo, por lo que, a los largo de toda su vida, el autor ha tenido que dementir que se tratara de un texto autobiográfico.

El actor neozelandés Sam Neill, conocido entre otros muchos por su papel en Jurassic Park, ha muerto este lunes en Sídney, Australia, según ha informado su familia en un comunicado. El intérprete tenía 78 años y durante años estuvo con tratamiento por un cáncer del que informó en abril que estaba libre.

“La pérdida fue repentina e inesperada, pero con el consuelo de que Sam se mantuvo libre de cáncer”, asegura el escrito de la familia, que pide respeto y privacidad ante esa “pérdida inconmensurable”.

El actor tuvo una larga trayectoria tanto en cine como en televisión. Además de la saga Jurassic Park, participó en producciones como Peaky Blinders, El Piano de Jane Campion, por la que fue reconocida con la Palma de Oro en el Festival de Cannes; o Merlín, que le sirvió de nominaciones a los Emmy y los Globos de Oro.

Nigel John Dermot 'Sam' Neil nació en Omagh, dentro del condado de Tyrone, en Irlanda del Norte, donde su padre neozelandés estaba destinado en ese momento, sirviendo en la Guardia Irlandesa. Su familia fue propietaria de la mayor distribuidora de licores de Nueva Zelanda, país al que el posterior actor regresó en 1964. Allí estudió literatura inglesa en la Universidad de Canterbury, donde tuvo su primer contacto con la interpretación. Posteriormente se trasladó a Wellington, donde finalizó sus estudios y se graduó como en Artes y Literatura Inglesa.

Su nombre artístico, Sam, surgió desde el colegio ya que, dado que en su clase había otro niño que se llamaba Nigel, decidieron que para evitar errores él fuera conocido como Sam. Tras trabajar en la compañía de cine de Nueva Zelanda ya como actor y director, fue seleccionado para protagonizar Sleeping Dogs. Después trabajó con Judy Davis en My Brilliant Career y Omen III: The Final Conflict en 1981, secuela de La profecía.

Neil contaba con triple nacionalidad, neozeladesa, británica e irlandesa. En Reino Unido comenzó a destacar en década de los ochenta, especialmente gracias a su papel principal en la miniserie Reilly, Ace of Spies. Durante su carrera le llegarían otros grandes títulos como Calma total (1989), La caza del Octubre Rojo (1990), El piano (1993), En la boca del miedo (1994), El hombre Bicentenario (1999) y La luna en directo (2000).

Eso sí, uno de sus personajes más reconocidos fue el del doctor Alan Grant de Jurassic Park, en 1993, a las órdenes de Steven Spielberg, junto a Laura Dern y Jeff Goldblum. Filme que le catapultó definitivamente a la fama internacional.

Por su implicación en la saga terminaría rechazando participar en otra de las más populares de la historia del cine, El Señor de los Anillos. Peter Jackson le ofreció encarnar a Elrond, pero el intérprete rechazó la oferta porque ya había firmado estar en Jurassic Park III (2001). En 2022 regresó al universo de los dinosaurios con su participación en Jurassic World Dominion en 2022. Tres años antes visitó el Festival de Sitges, en el que recibió el Gran Premio Honorífico por su trayectoria.

En 1995 escribió y dirigió junto a Juudy Rymer Cinema of Unease: A personal Journey by Sam Neill, en la que contó sus recuerdos personales sobre la historia del cine neozelandés. Otras de las producciones en las que trabajó fueron ficciones como Happy Town (2010), Alcatraz (2012), Rick y Morty (2019) y las dos primeras temporadas de Peaky Blinders, entre 2013 y 2014. Además, Neill fue nominado tres veces al Globo de Oro, por su trabajo en Merlín–por la que también optó al Emmy–, One Against the Wind y Reilly: Ace of Spies.

Neill fue diagnosticado de cáncer de sangre en marzo de 2022, cuando se encontraba en plena promoción de Jurassic World: Dominion. El intérprete lo hizo público un año después, en una entrevista con The Guardian, donde explicó que la enfermedad estaba bastante avanzada. Sin embargo, en abril de este mismo año, informó de que había remitido. “Me acaban de hacer una tomografía y no hay cáncer en mi cuerpo, es algo extraordinario”, anunció en televisión, “ya es hora de que haya otra película”.

El geógrafo, urbanista y político barcelonés Jordi Borja ha muerto a los 85 años en la capital catalana. Borja fue militante del PSUC, diputado en el Parlament de Catalunya durante su primera legislatura y teniente de alcaldía en el Ayuntamiento entre 1983 y 1995, bajo los mandatos de Narcís Serra y Pasqual Maragall. Durante ese periodo, quien también fue articulista para elDiario.es, se erigió como uno de los principales responsables de la organización de la ciudad por distritos, así como de la Carta Municipal de la ciudad.

Posteriormente, se vinculó al espacio de los Comuns, cuya lista electoral cerró en los comicios de 2023. Este gesto fue toda una sorpresa, ya que Borja, que había ayudado a fundar el partido de Colau, se dio de baja de la formación en 2017 debido a “discrepancias” sobre la estrategia respecto al refereéndum.

Nacido en 1941, pronto se vinculó al movimiento ciudadano popular y antifranquista, lo que le llevó a tener que exiliarse en Francia desde 1961 hasta 1968, donde aprovechó para licenciarse en Sociología, Geografía humana y Urbanismo en la universidad de la Sorbona. Posteriormente, ya en Barcelona, continuó sus estudios hasta convertire en doctor en Geografía.

Desde entonces ha ejercido la docencia en diversas universidades como la UB, la UPC o la UOC. Pero también ha sido profesor en cámpus de París, Roma, Nueva York, Ciudad de México y Buenos Aires. Además, trabajó como asesor de planes estratégicos urbanos de ciudades como Río de Janeiro, Bogotá y Medellín. También fue presidente del Observatorio DESC entre 2011 y 2016.

En 2025 recibió la medalla de oro al mérito cívico de Barcelona en reconocimiento a su trayectoria ejemplar en el ámbito del urbanismo, el pensamiento crítico y el compromiso cívico y político con la ciudad.

Diversas personalidades públicas han reaccionado a la noticia de su muerte. Uno de los primeros ha sido el president Salvador Illa, que ha trasladado su pésame a través de una publicación en X en la que ha reconocido la “trayectoria ejemplar de servicio a Barcelona, a Catalunya y a la democracia” de Borja.

El artista británico David Hockney ha fallecido a los 88 años de edad, según ha comunicado su representante y ha publicado la cadena BBC. Hockney era uno de los creadores más influyentes del arte contemporáneo y cultivó varias disciplinas, desde la pintura, la fotografía, el diseño gráfico e incluso la escenografía; y convirtió con sus obras a las piscinas en objeto de culto.

El artista trabajó prácticamente hasta el final de su vida y fue un pilar fundamental del movimiento Pop Art durante los sesenta. De sus creaciones destaca su llamativo uso del color, en el que influyó su sinestesia. “Yo pinto lo que quiero, cuando quiero y como quiero”, fue uno de sus mantras.

Nacido en Bradford en 1937, Hockney asistió a la Bradford School of Arts antes de acceder al Royal College of Art, donde estudió entre 1959 y 1962. Su fama le llegó siendo aún estudiante, ya que su obra se incluyó en la exposición Jóvenes contemporáneos, que marcó el inicio del Arte Pop Británico. Aun así, el artista nunca llegó a identificarse completamente con este estilo.

El hecho de que la RCA le negara en 1962 la posibilidad de graduarse por no entregar dos trabajos finales, presentó el lienzo Pintura al natural a cambio de una protesta. El pintor se había negado a entregar un ensayo alegando que no tenía nada que decir por escrito, y que sus propias obras hablaban por él. La institución británica acabó reconociendo su talento y proyección, y cambió sus normas para permitir su graduación.

David Hockney fue abiertamente homosexual en una época en la que serlo era aún ilegal en Reino Unido. El artista lo reflejó desde sus primeras obras, en las que quiso reflejar relaciones sentimentales y sexuales entre personajes masculinos, como Nosotros, dos chicos juntos y bien pegados, de 1961; o Escena doméstica, Los Ángeles, de 1963, en el que aparece un hombre duchándose mientras otro le acaricia la espalda.

Fue a comienzos de la década de los sesenta cuando viajó a Los Ángeles, donde decidió establecer su residencia. Allí se inspiró para llevar a cabo una serie de cuadros de albercas usando pintura acrílica de gran colorido.

Su obra estuvo influida por la fotografía, tanto en sus creaciones pictóricas como los collages. Estos 'joiniers', collages hechos de fotografías, los comenzó a producir a principios de los ochenta, primero usando impresiones de Polaroid y posteriormente estampados de 35mm procesados comercialmente. Con ellos creaba imágenes compuestas utilizando fotografías hechas con película instantánea o reveladas de un solo sujeto, ordenadas de forma irregular. En uno de sus primeros montajes plasmó a su madre. Al estar las imágenes tomadas desde distintas perspectivas, el trabajo resultante fue similar al cubismo.

Hockney se mudó a Londres en 1968 y entre 1973 y 1975 vivió en París, antes de viajar de nuevo a Los Ángeles. Sus memorables creaciones le convirtieron en uno de los artistas contemporáneos más importantes del mundo, y algunas de ellas llegaron a batir récords en subastas. Durante su carrera diseñó escenografías para el Royal Court Theatre, el Festival de Glyndebourne, La Scala y la Metropolitan Opera House de Nueva York.

El retrato fue uno de los géneros fundamentales desde su carrera. Desde 1968 pintó a amigos, parientes y amantes a partir de fotografías. En ellos quedó implícita su presencia, ya que la forma en la que convergen las líneas de perspectiva sugieren su punto de vista. Sus padres, algunos escritores, diseñadores de moda como Ossie Clark y Celia Birtwell, el marchante de arte Nicholas Wilder y el bailarín Wayne Sleep, repitieron como protagonistas de estas pinturas.

A partir de 2004 se trasladó a Bridlington, dentro del condado de Yorkshire, en Inglaterra. Allí representó los paisajes de la zona a través de acuarelas y óleos, además de películas y su iPad, convirtiéndose en pionero en utilizar las herramientas digitales para el arte. Creó con faxes, fotocopias y polaroids; y se pasó el confinamiento en 2020 dibujando paisajes de primavera en su tableta. Posteriormente continuó esta senda con paisajes en movimiento que registraba con varias cámaras y presentó en tramas enormes de cerca de veinte pantallas.

El exdirector de la RAE y académico José Manuel Blecua ha muerto a los 86 años en Madrid. Nacido en Zaragoza el 21 de junio de 1939, fue elegido director de la RAE en diciembre de 2010, un puesto que ocupó entre 2011 y finales de 2014. Antes de aquello, fue elegido académico de número el 19 de junio de 2003 y tomó posesión el 25 de junio de 2006 con el discurso titulado Principios del Diccionario de Autoridades. A esto le continuaría su función como secretario de la RAE, de 2007 a 2009.

Blecua era hijo de José Manuel Blecua Teijeiro (1913-2003), catedrático de Literatura Española de la Universidad de Barcelona y académico de honor de la Real Academia Española. Asimismo, era hermano del también filólogo Alberto Blecua (1941-2020). Por otro lado, como doctor en Filología Románica, fue el responsable del volumen Fonética y fonología de las dos ediciones de la Nueva gramática de la lengua española, de 2011 y 2025.

Durante su trayectoria, José Manuel Blecua fue profesor de la Universidad de Barcelona y de la Autónoma de Barcelona, de la que fue vicerrector, director del Servicio de Publicaciones y fundador y director del primer Seminario de Filología e Informática. Su labor como docente también la ejerció fuera de España, pues trabajó en centros como la Ohio State University en 1971. Además, desde 1976 fue colaborador docente de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP).

El exdirector de la RAE fue también doctor honoris causa por la Universidad Carlos III de Madrid en 2014, así como secretario ejecutivo de la Comisión Científica del Congreso de la Lengua Española, que se celebró en Sevilla, en 1992. A esto le continuó su puesto como secretario del Comité Académico del I Congreso Internacional de la Lengua Española (CILE), en Zacatecas (México), en 1997.

José Manuel Blecua ha sido honrado con numerosas distinciones a lo largo de su carrera. En 2011 recibió el reconocimiento de la Associació d’Amics de la UAB, en un acto en el que se presentó el libro Al otro lado del espejo, un homenaje a sus años de docencia. Además, recibió el Premio Aragón de Investigación (2005) por su labor en los campos de la gramática y la lexicografía, la Medalla de Oro de la ciudad de Zaragoza (2011) y el Premio de las Letras Aragonesas (2012).

Sonny Rollins, uno de los saxofonistas de jazz más influyentes de todos los tiempos y conocido como el 'coloso del saxofón', ha muerto a los 95 años. La noticia se ha comunicado “con profunda tristeza y gran cariño” en la página web del músico y ha sido confirmada por su publicista, Terri Hinte. No se ha especificado la causa de la muerte.

Rollins ha sido considerado una voz de jazz tan innovadora como la de su amigo y contemporáneo John Coltrane, con quien protagonizó el disco Tenor Madness en 1956. Desde entonces, el artista ha escrito temas que hoy son clásicos del género como Airegin, Doxy y Oleo. También es esencial en su repertorio St. Thomas, una interpretación que reflejaba los orígenes caribeños de su familia.

En total, Sonny Rollins ha publicado más de 60 álbumes desde finales de la década de 1940 en adelante, incluyendo colaboraciones con Miles Davis y Thelonious Monk. Este transformó el jazz, hasta entonces predominantemente bailable o en su totalidad de balada, a un territorio completamente único. Uno de sus discos más célebres, Way Out West (1957), se basó en sus interpretaciones de canciones vaqueras.

El artista ha recibido dos premios Grammy a lo largo de su trayectoria. En 2004, fue honrado con un gramófono a la trayectoria artística. Tras realizar giras y actuaciones durante toda su vida, se retiró en 2014 al ser diagnosticado con fibrosis pulmonar. La web de Rollins muestra ahora una reflexión del músico sobre la muerte: “Creo que cuando la persona creativa termina su existencia, continúa en la siguiente. Soy una persona que cree que esta vida no lo es todo. Una persona espiritual no piensa así”.

La vedete Tania Doris, una de las reinas del Paral·lel barcelonés durante varias décadas, ha muerto a los 74 años de edad, según han informado fuentes próximas a la artista, diva del Teatro Apolo, donde protagonizó numerosas revistas como '¡Esta noche...sí' o 'Yo soy la tentación'.

Nacida en València en 1952 en el seno de una familia andaluza, bautizada como Dolores Cano Barón, estudió baile clásico español en una academia y, posteriormente, se hizo bailarina profesional, iniciándose en el mundo de la revista, donde pasó a ser, con apenas 17 años, una de las 'Chicas alegres de Colsada', descubierta por el empresario Matías Colsada.

Fue Colsada, con quien acabó conviviendo durante más de veinte años, quien le puso el nombre artístico de Tania Doris, y quien le abrió las puertas del Teatro Apolo. Se dedicó a la revista porque, por su altura -medía casi 1,80 metros-, no pudo ser bailarina, iniciando su carrera en el Paral·lel barcelonés hacia 1970.

Retirada desde hace más de un cuarto de siglo, protagonizó a lo largo de su trayectoria obras de revista como 'Seductora', que también presentó en Madrid, 'La Dulce Viuda', 'Acaríciame', 'Venus de fuego', 'Deseada' o 'Quiere ser mi amante'. En muchas de estos espectáculos estuvo acompañada por los galanes cómicos Luis Cuenca y Pedro Peña.

En el año 1983, presentó en Madrid la revista 'Un reino para Tania', una obra con la que viajó después a México, tras una invitación de Mario Moreno 'Cantinflas', y también presentó su película 'Historia de la Revista'.

Asimismo, en aquella época fue homenajeada por el entonces alcalde de Madrid, Enrique Tierno Galván, en el Club Internacional de Prensa. En el año 1984 protagonizó la película musical 'Las alegres chicas de Colsada', dirigida por Rafael Gil, y en 1988 estrenó en Madrid la comedia musical 'Bésame, Johnny'. Entre las últimas obras en las que participó destaca 'Taxi, al Apolo', en el año 1993.

Por otra parte, en 2006 su nombre volvió a los medios de comunicación después de presentar una demanda para que se determinara qué parte de la herencia del empresario Matías Colsada le correspondía a ella, después de que la Audiencia de Barcelona la reconociera beneficiaria de la misma, tras haber convivido con él durante años, aunque nunca se casaron. La herencia de Colsada, que murió en el año 2000, sin dejar testamento, fue objeto de disputa entre la viuda legal, sus dos hijas extra-matrimoniales y Tania Doris.

En declaraciones a EFE, el gestor cultural y amigo de Tania Doris, Joan Estrada, ha lamentado este miércoles la muerte de la artista, de quien ha dicho que fue “la auténtica vedete del Paral·lel, una mujer muy alta, muy guapa, muy esbelta, una persona muy honesta, que en los últimos años llevó una vida muy discreta, totalmente retirada del mundo del espectáculo”.

Asimismo, ha recordado su participación en numerosas obras en el Apolo junto a Luis Cuenca y Pedro Peña, los tres “auténticas estrellas del Paral·lel”. El velatorio tendrá lugar en el Tanatorio de Les Corts mañana jueves, mientras que la ceremonia de despedida se celebrará en el mismo lugar el viernes a las 9:00 horas.

Pudo ser la primera directora de El País en 1988, sustituyendo a Juan Luis Cebrián, y dijo no. En ese momento le interesó más seguir manejando la redacción como directora adjunta, le apasionaba. En 2018, 30 años después, no tardó un segundo en aceptar la propuesta para convertirse, esta vez sí, en la primera mujer al mando del diario de Prisa, que atravesaba uno de los momentos más delicados de su historia.

Soledad Gallego-Díaz, nacida en Madrid, en 1951, hija de un matemático comunista y de una cubana que llegó a España en 1936, poco antes de la Guerra Civil, quiso desde muy joven ser periodista. En su familia no había precedentes, pero sí se vivía, en plena dictadura y con la discreción que requería el caso, un gran ambiente de debate político. Y se leía mucha prensa, la de la época, el ABC, el Ya, Informaciones, Pueblo, pero de manera crítica, aseguraba siempre.

De niña vivió un tiempo en Estados Unidos, donde su padre fue llamado para dar clase. Pronto regresó a seguir sus estudios en Madrid. Al terminar el primer curso en la Escuela de Periodismo (aún los estudios del oficio no tenían rango universitario, algo que a ella nunca le importó demasiado), hizo prácticas en Pyresa, la agencia de los periódicos del Movimiento. Y allí se quedó unos años. “Casi todo lo que sé de periodismo lo aprendí en la agencia”, solía decir.

En Pyresa pasaron cosas que ya iban dibujando la personalidad de Soledad. Hizo huelga (cuando hasta esa palabra estaba prohibida en los medios), fue despedida. Reclamó en los tribunales y ganó. Le hicieron lo que hoy se llama “mobbing”, reclamó y volvió a ganar. Al final tuvo suerte, la revista Cuadernos para el Diálogo, dirigida por Pedro Altares, de mensual pasó a semanal y necesitaban periodistas. Allí, Soledad se hizo cargo de la información política, ya en plena Transición. Junto a Federico Abascal y José Luis Martínez logró una de las grandes exclusivas del momento, desvelar el borrador de la nueva Constitución. Ya colaboraba en El País, periódico en el que empezó a trabajar casi desde el principio.

Sol, Soledad, estaba convencida de que esa nave periodística tenía que ser distinta a todo lo que había. Un diario europeo, abierto al debate político, cuyo objetivo principal era consolidar la democracia, tras la larga y siniestra dictadura.

Cuando pensó que esa tarea estaba hecha, pidió ser corresponsal, donde tocara, y la mandaron a Bruselas. De nuevo disfrutó, en sus palabras, de ser “testigo de la construcción de una nueva Europa”. Tras Bruselas, estuvo en Londres y París. Todo iba muy rápido y en Madrid estaban pasando cosas. El periódico crecía, la empresa editora, también, y necesitaban a Sol. Fue nombrada subdirectora de la edición dominical (allí tuve la fortuna de tenerla de jefa directa), y muy pronto directora adjunta, para sustituir a uno de los pilares de la redacción, Augusto Delkáder, que marchó a la Cadena SER.

Sol, Soledad, era muy trabajadora. También exigente, alguno puede que pensase que demasiado estricta. En esos momentos tenía mucho poder. En la redacción algunos la llamaban “la seño”. Quizá con miedo, o con ironía o con un tufillo de machismo, mejor no entrar en detalles. El caso es que Sol, que si hubiera querido habría sido directora, eligió quedarse en la redacción y compartir el mando de la nave con Joaquín Estefanía, gran periodista y unos de sus mejores amigos. Joaquín fue nombrado director en 1988, asumiendo un reto muy complicado, tomar el relevo de Cebrián.

En esos años El País tenía una enorme influencia, y era un gran negocio. 450.000 ejemplares diarios, el triple los domingos. Pero Sol nunca perdió su norte. Amaba el periodismo, para ella algo muy diferente a la comunicación. “Comunicación no es periodismo”, decía. “Para ser periodista hay que tomarse en serio el oficio”, remachaba. Y tenía otra virtud que quizá se está perdiendo o no valoramos suficiente: era muy austera. Una vez me contó que, a pesar de los cargos y las subidas de sueldo, siempre había vivido gastando lo que ganaba un redactor, no necesitaba más. Eso, para ella, garantizaba su independencia.

A finales de 1993, Jesús Ceberio es nombrado director de El País y Sol inició una nueva etapa como Defensora del Lector, la primera mujer que ostentó el cargo. Y quería dejar su huella, hacer de ese puesto algo más amable, buscando más complicidad con los lectores y tratando de, con respeto e ironía, no importunar demasiado a los compañeros a los que tenía que reprender por alguna torpeza profesional. “Solo estuve un año y medio, pero me lo pasé muy bien”.

Quizá echaba de menos la redacción, el debate, la tensión del cierre y decidió volver. En pocos años saltó de ser responsable de la edición de Andalucía, a Nueva York y de nuevo a la dirección adjunta del periódico en Madrid.

“Los periodistas y los lectores saben que en todas la épocas los periódicos han tenido que sortear adversidades, eso no es una novedad de ahora, siempre ha sido así. Los periódicos, los periodistas viven en medio de poderes establecidos, hablan de ellos, los critican, tratan de preservar su máxima independencia…. Pero lograr la credibilidad depende exclusivamente de nosotros mismos, de los periodistas. Forma parte de nuestro oficio, ser creíbles es nuestra obligación, no podemos delegar en nadie, si no lo conseguimos no es culpa de nadie más que de nosotros mismos. Los lectores saben qué nos pueden pedir y qué no, y lo que nos piden, fundamentalmente, es que no faltemos a la verdad”. Así hablaba a la redacción Sol en la toma de posesión como directora de El País en junio 2018. Había aceptado el cargo en una situación extremadamente delicada.

La empresa, PRISA, llevaba años arrastrando una deuda impagable, lo que había debilitado su independencia y diluido su accionariado. El País, dirigido por Antonio Caño y presidido por Juan Luis Cebrián, atravesaba una dramática crisis de credibilidad. Sus lectores más fieles estaban desconcertados y Sol fue la solución para salvar el barco del naufragio. Aceptó, pero con una condición, solo estaría dos años, no quería llegar a los 70 como directora.

Y fueron dos años vertiginosos. Sol sabía que contaba con el apoyo casi unánime de la redacción (en la consulta no vinculante que se celebró obtuvo el 97,2 % de los votos). Trabajaba todos los días, no había fiestas ni domingos. Y no le tembló el pulso. En apenas tres meses cambió de puesto a más de 80 redactores. Y despidió a unos cuantos responsables de la redacción. Y casi sin aliento se desató la pandemia.

Esa fue su última batalla antes de dejar la dirección del periódico en junio de 2020. Siguió escribiendo, colaborando en la SER y recibiendo premios, los tiene casi todos. El último, el pasado 9 de abril, el I Premio de Ética periodística Aurelio Martín, otorgado por la FAPE.

“El oficio de periodista no es tan complicado, pero sí que exige un compromiso que nunca se debe perder”, dijo al recoger el galardón en su última aparición pública y en la que lanzó el reto de luchar contra la desinformación: “Hoy en día existe un periodismo que está entregado a grupos tecnológicos y mediáticos que disponen de medios increíbles, capaces de intoxicar como nunca”, por eso es imprescindible “trabajar para conocer el origen de la información que se difunde, es lo básico de nuestra profesión”.

Podcast. Maestros del Periodismo: Soledad Gallego Díaz (APM)

Nedra Talley Ross, la última integrante que quedaba viva de las Ronettes, ha fallecido a los 80 años. La artista fue una de las fundadoras, junto a sus compañeras y también primas Estelle Bennett y Ronnie Spector, del icónico grupo de pop que alcanzó el estrellato en los años 60. Según ha publicado su hija Nedra K. Ross en redes sociales, “falleció tranquilamente en su propia cama, en casa, rodeada de su familia y sabiendo que era querida”.

La cuenta oficial de las Ronettes en Facebook ha anunciado la muerte en Facebook: “Con gran pesar comunicamos el fallecimiento de Nedra Talley Ross. Fue una luz para quienes la conocieron y la quisieron”. “Como miembro fundadora de las Ronettes, junto a sus queridas primas Ronnie y Estelle, la voz, el estilo y el espíritu de Nedra contribuyeron a definir un sonido que cambiaría la música. Su aportación a la historia del grupo y su influencia determinante perdurarán para siempre”, ha añadido.

La artista fue creadora de éxitos como Be My Baby, Baby I Love You, Walking in the Rain y I Can Hear Music. Aunque su fama no se alargó demasiado en el tiempo y solo publicaron un disco durante su trayectoria, estos hits ejercieron una gran influencia en el sonido de los años 60 y llegarían a alabarlas artistas como los New York Dolls, Bruce Springsteen o Billy Joel.

Nacida en Manhattan en 1946, Talley Ross comenzó a actuar con sus primas cuando eran adolescentes, hasta que formaron las Ronettes en 1957. Consiguieron una residencia en un club local y un contrato discográfico, pero sus primeros singles no lograron entrar en las listas de éxitos. Fue más adelante cuando, de la mano del productor Phil Spector, quien recientemente había cosechado una serie de hits, empezaron a dominar en las radios.

La portavoz de la Alianza Contra la Pobreza Energética (APE) y miembro de la entidad Ingeniería Sin Fronteras, Maria Campuzano, ha fallecido este domingo a la edad de 44 años. Lo han anunciado ambas organizaciones en un comunicado conjunto, y fuentes de Ingeniería Sin Fronteras han explicado a la agencia ACN que Campuzano llevaba tiempo sufriendo una enfermedad que, finalmente, no ha podido superar. Ambas entidades reivindican su legado como “activista imprescindible en la defensa de los derechos básicos” y estudian realizarle un acto de homenaje.

Campuzano ha sido la cara visible de la APE, fundada en el 2014, durante buena parte de su historia, marcada por el impacto de la crisis inmobiliaria o la pandemia de covid.

“María nos ha enseñado a todas y todos nosotros a no dar ningún paso atrás, a poner la vida en el centro ya señalar siempre las vulneraciones flagrantes de derechos aquí y en todas partes”, sostiene el comunicado conjunto.

La APE e Ingeniería Sin Fronteras recuerdan que Campuzano estaba “hermanada” con otros movimientos reivindicativos y que, “desde la solidaridad internacional”, tejió alianzas “clave” para “la organización colectiva por el derecho a la energía y la soberanía energética”.

“Nos deja su fuerza para persistir en esta defensa del derecho al agua y la energía en la que nos jugamos la dignidad, la casa, la salud y el futuro”, concluyen.

Ignasi Camós, director del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA), ha muerto a los 56 años, tal y como ha informado el Ministerio de Cultura. El máximo responsable del área de cine dentro del Ministerio llevaba meses de baja en su puesto por un cáncer. El Ministerio de Cultura ha agradecido en un comunicado “la gran labor y el compromiso de Ignasi Camós al frente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales que, junto a su vocación de servicio público, dejarán una gran huella en las personas e instituciones con las que trabajó”.

Camós entró en el ICAA en junio de 2023 para sustituir a Beatriz Navas, anterior responsable. No fue una tarea fácil, Navas se había convertido en una figura muy respetada dentro del sector del cine, especialmente por los productores y cineastas independientes, a quienes había defendido en las diferentes negociaciones.

A pesar de ello, Ignasi Camós se ganó el cariño y la confianza del mundo del cine por su actitud conciliadora. De él destacaban que siempre escuchaba y atendía el teléfono para oír las preocupaciones del sector que tenía que defender. Camós se enfrentó en estos tres años con una complicada tarea, una Ley del Cine que el sector pedía a gritos y que todavía no ha podido ser aprobada a pesar de haberse presentado en dos ocasiones ante el Consejo de Ministros. Ese era su principal objetivo y para ello trabajó con la intención de poder desencallar la negociación con el resto de partidos que llevara a su aprobación. 

Camós ha sido testigo, además, de la materialización de las políticas públicas llevadas a cabo desde hace años y que continuaron bajo su dirección. Unas políticas que han provocado que el cine español goce de un momento único que se ha refrendado con tres películas en la Sección Oficial de Cannes. Siempre defendía las ayudas como parte fundamental de la marca España que el cine español representaba fuera.

Antes de llegar al ICAA, desde 2021 y hasta 2023, fue asesor parlamentario en el Gabinete del ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, desde donde coordinó los grupos de trabajo para el desarrollo del Estatuto del Artista. Antes, aunque titulado en derecho, ocupó diferentes puestos de responsabilidad en la Generalitat de Cataluña y fue consejero de Empleo y de Seguridad Social en la Representación Permanente ante la Unión Europea en Bruselas (enero 2011- junio 2012). También trabajó como asesor del área parlamentaria en el gabinete de la ministra de Trabajo, Seguridad Social e Inmigración, Magdalena Valerio, y en el gabinete de la vicepresidenta tercera y ministra para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico, Teresa Ribera.

Un hombre de confianza del PSOE que encontró en el ICAA un lugar donde desarrollar su don de gentes y de conciliación en unos años donde, además, la presencia de los fondos europeos hicieron que la partida para el Instituto del Cine y las ayudas fueran especialmente generosas. 

Siendo la editora más notable, con más carácter, más belleza y más vitalidad de los nuevos editores barceloneses de la muy bien llamada gauche divine, Beatriz de Moura habría podido participar del espectáculo, ser portada de revistas de moda y suplementos de cultura. Y no quiso. Nadie tenía su sonrisa ni sus caderas, su listeza instintiva, su buen ojo editorial. Y sin embargo prefirió estar casi siempre a la sombra, hasta que se nos fue el pasado fin de semana.

Fuimos al Tanatorio de Les Corts apenas un puñado de amigos y parientes, algún antiguo novio, una autora, incluso un crítico literario… Y un nonagenario al que no conocía nadie y que me contó que era el impresor de Grafos, que trabajó con enormes dificultades el oro y la plata de las dos colecciones memorables con las que Beatriz comenzó su carrera de editora, los Cuadernos ínfimos (plata) y la serie Marginales (oro), a partir de 1969. También estaban las dos maravillosas mujeres que cuidaron de ella durante los últimos seis años de su vida, con sus maridos, los únicos de riguroso y elegante negro, excepto por supuesto un bebé, el nieto de una de ella.

Beatriz habría captado y reído con sus poderosas carcajadas toda la ironía, todas las ausencias, de aquel acto en el que solo Cristina Fernández Cubas, a quien Beatriz publicó toda su obra, estaba realmente adolorida, temiendo el momento en el que durante el funeral iba a tener que hablar, y sabiendo que no iba a poder hacerlo, que la voz se le iba a quebrar. No pudo estar Toni López Lamadrid (falleció hace unos años), el hombre con el que Beatriz vivió larguísimos años, con el que tuvo tremendas peloteras (en las que al final ella acababa llamándole negrero, en alusión a la industria exportadora de carne africana hacia las Américas con la que la familia de Toni hizo fortuna). Pero unidos por lazos invisibles y pasión compartida, y colaborando en la tarea común de hacer crecer una editorial que se lanzó a publicar novelas cuando esto estaba muy mal visto por la izquierda. Una editorial que era intuición pura, reflejo de una personalidad a contracorriente, la de Beatriz.

Tusquets editores se llamó así porque Beatriz tuvo un primer matrimonio con Óscar, el hermano de Esther Tusquets (la editora de Lumen: admito que lo de los apellidos y nombres de editoriales es un trabalenguas), que fue el responsable junto con Clotet del diseño de esas colecciones que traía locos a los técnicos de Grafos.

Como los jóvenes no lo saben, aclararé que aquel grupo de hijos de familias con mucho dinero, empresarios que convivieron tranquilamente con el fascismo según contó con su notable sinceridad Esther Tusquets, y empresarios editoriales ellos mismos, eran gente viajada y no dispuesta a vivir con la mojigatería impuesta por el régimen de Franco. Querían el amor libre, la copa llena, la música a todo volumen. Aquella vida miserable y tontuna de sus mayores, donde todo se hacía en secreto (amantes, negocios sucios…) no era para ellos porque preferían copiar las costumbres más liberales y muy visibles que veían en París y Nueva York, en Roma y Frankfurt, ciudades que por ser de familias acomodadas no les estaban vedadas.

Beatriz no se las daba de marxista ni de intelectual, por eso Tusquets fue desde el primer día un sello diferente de Anagrama, que dedicó el primer decenio de su historia casi exclusivamente a disciplinas como el estructuralismo. Tusquets publicó apenas un año y pico tras su nacimiento el primero de sus best sellers, aquel trabajo periodístico de Gabriel García Márquez que era tan bueno como sus novelas, Relato de un náufrago, un acierto que financió la editorial una larga época.

Pero para que se comprenda mejor el mérito editorial de Beatriz de Moura citaré unos pocos autores españoles que marcaron época: Enrique Vila-Matas (que debutó con ella), Leopoldo María Panero (a quien publicó su mejor libro en prosa, En lugar del hijo) y la ya mencionada Cristina Fernández Cubas (con un libro de relatos, Mi hermana Elba, rechazado por varias editoriales). Tres autores que fundaron, sin que los autores y ni la editora se fijaran siquiera en el detalle, una nueva manera de escribir que en España era radicalmente opuesta a las tendencias habituales desde Cela y compañía: mucho acento en el casticismo y la palabrería, poco interés por las historias. Ese trío de autores lo cambió todo. Luego llegó lo que bauticé como Nueva narrativa Española, como colaborador de Anagrama.

Fueron esos los primeros pasos (con permiso del Seix Barral de don Carlos) que acercaron la edición española a la europea, y en la vanguardia de todo aquello estuvo Beatriz, sin jamás echarse faroles. Luego, porque ella era como era, lanzó muchos libros en el área de la acracia, y también en dos campos olvidados por las letras hispanas hasta que ella entró con el brío que la caracterizaba en la edición de obras que trataban sobre los placeres cotidianos (Los cinco sentidos) y la sexualidad prohibida (La sonrisa vertical).

Luego se sumó a todo eso la publicación de El amante de Marguerite Duras, la de La insoportable levedad del ser de Milan Kundera y la obra de Pynchon y todo lo que ustedes quieran. Su mano derecha, Juan Cerezo, continúa esa labor, ahora con la empresa dentro del grupo Planeta.

Otro apunte que define a la persona, y que este domingo me contó uno de sus amigos: Beatriz firmó el primer manifiesto español en favor de la despenalización de la eutanasia. Pero renunció a que se la aplicaran cuando notó los primeros síntomas graves de la enfermedad de Alzheimer. Era demasiado vital para pedir que le quitaran la vida.

El actor y político argentino Luis Brandoni ha muerto a los 86 años. El intérprete, que sufrió una caída doméstica el pasado 11 de abril, según afirma el periódico La Nación, no ha podido recuperarse de un hematoma cerebral tras varios días de asistencia médica. La noticia de su fallecimiento la ha confirmado Multiteatro en redes sociales, empresa argentina dedicada a la gestión de salas teatrales.

“Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable”, ha señalado Multiteatro en su comunicado. “Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario”, ha agregado, sosteniendo que “hoy es un día muy triste para nuestra cultura”.

Luis Brandoni ha estado toda su vida sobre el escenario. Tanto es así que hace tan solo unas semanas estaba protagonizando la obra teatral ¿Quién es quién?, una comedia de Héctor Díaz protagonizada por Soledad Silveyra y el propio Brandoni que se estrenó en enero de 2025 y que tuvo que ser paralizada por motivos médicos. Asimismo, el actor tenía un hueco en su agenda para la grabación de la segunda temporada de Nada, la serie de Disney+ en la que compartió escenas con Robert De Niro y que, dirigida nuevamente por Mariano Cohn y Gastón Duprat, iba a volver a reunir a De Niro con Brandoni.

La trayectoria de Brandoni se consolidó a mediados de los 70, debido a su papel en películas como La Patagonia rebelde, La tregua, Gente en Buenos Aires o Juan que reía. En aquel momento, el contexto y las presiones políticas obligaron al actor a exiliarse a México, lo que inevitablemente paralizó su carrera durante un tiempo.

Al finalizar el gobierno militar, Brandoni volvió a Argentina y retomó su actividad interpretativa actuando en cintas como Darse cuenta (1984), Esperando la carroza (1985) y Cien veces no debo (1990). En las siguientes décadas, el actor combinaría su trabajo con la política, pues estuvo muy ligado a la Unión Cívica Radical (UCR). Entre 1997 y 2001 ocupó un asiento en la Cámara de Diputados del Congreso representando a ese partido político.

Entre quienes han expresado sus condolencias se encuentra la Asociación Argentina de Actores. “Ante el fallecimiento del actor y exdirigente sindical, Luis Brandoni, acompañamos con respeto a sus familiares y seres queridos en este momento de dolor. Su sólida labor interpretativa en cine, teatro y televisión lo consolidó como una reconocida figura de la escena nacional”, ha declarado en un comunicado.

Afrika Bambaataa, rapero, productor y una de las figuras fundadoras de la cultura hip-hop, que recibió acusaciones de abuso sexual a menores, ha fallecido a los 68 años. El artista murió en Filadelfia debido al cáncer que estaba enfrentando, según ha informado TMZ. La noticia de su muerte la ha confirmado en Instagram la Hip-Hop Alliance, un grupo liderado por el músico Kurtis Blow.

“Hoy reconocemos el fallecimiento de un arquitecto fundamental de la cultura hip-hop, Afrika Bambaataa. Como fundador del Universal Zulu Nation [un colectivo de hip-hop], Afrika Bambaataa ayudó a dar forma a la identidad inicial del hip-hop como un movimiento global arraigado en la paz, la unidad, el amor y la diversión”, ha escrito el grupo en un comunicado.

La Hip-Hp Alliance también ha reconocido las acusaciones de abuso sexual contra el cantante: “Al mismo tiempo, reconocemos que su legado es complejo y ha sido objeto de serios debates dentro de nuestra comunidad. Como organización comprometida con la verdad, la responsabilidad y la preservación de la cultura del hip hop, creemos que es importante dar cabida a todas las voces, al tiempo que seguimos promoviendo lo que empodera y protege a las personas”.

Bambaataa recibió acusaciones de abuso sexual en las décadas de 1980 y 1990. En un comunicado, negó las acusaciones, afirmando que “carecen de fundamento y constituyen un cobarde intento de empañar mi reputación y mi legado en el hip hop en estos momentos”. En 2025, el rapero perdió un caso civil en el que fue acusado de abuso sexual infantil y trata de personas tras no presentarse ante el tribunal, según informó The Guardian.

Por otro lado, el grupo ha destacado la importancia de Bambaataa en la construcción del género hip-hop. “A través de su música, su liderazgo y su influencia, contribuyó a sentar los principios fundamentales del hip-hop, inspirando a generaciones de MCs, DJ, breakers y líderes culturales”, ha destacado, agregando que “su huella en la historia del hip-hop es innegable y formará parte para siempre de la historia de los orígenes de esta cultura”.

Nacido con el nombre de Lance Taylor, creció en los barrios marginales de Bronx River Projects en Nueva York y se inspiró en los activistas de su familia, pues fue hijo de inmigrantes jamaicanos y barbadenses. Además, destacó su participación en Universal Zulu Nation a finales de la década de 1970, inspirado por el “padre del hip-hop”, DJ Kool Herc, así como por el pueblo zulú del sur de África.

El artista desempeñó un papel fundamental en la creación del hip-hop en la década de 1980, especialmente con Planet Rock, un hit de 1982 que publicaría tras haber alcanzado popularidad pinchando en discotecas en los 70. Además, colaboró con una amplia lista de cantantes, entre ellos John Lydon, George Clinton y James Brown.

Leonid Radvinsky, el empresario estadounidense de origen ucraniano propietario de OnlyFans desde 2018, ha fallecido este lunes a los 43 años de edad a causa de un cáncer, según ha confirmado la plataforma.

“Con profunda tristeza anunciamos el fallecimiento de Leo Radvinsky. Leo falleció en paz tras una larga lucha contra el cáncer”, ha explicado una portavoz de la empresa en un comunicado, añadiendo que “su familia solicita privacidad en estos momentos difíciles”.

Conocida por su contenido sexual y con sede en Londres, la plataforma registró en su último ejercicio fiscal ingresos por valor de 7.200 millones de dólares (unos 6.192 millones de euros), procedentes de los pagos de sus usuarios a los creadores.

En 2018 adquirió Fenix International, matriz de OnlyFans, a los británicos Guy Stokely y Tim Stokely, fundadores de la plataforma en 2016, y desde entonces se mantuvo como director y accionista mayoritario.

Además de su actividad en la empresa, fue inversor en diversas compañías y apoyó proyectos filantrópicos a nivel global, indicó OnlyFans en su nota.

La entidad, con sede en el Reino Unido aunque la mayor parte de sus beneficios se generan en EEUU, se ha convertido en uno de los mayores y más controvertidos éxitos tecnológicos del país, impulsada por la demanda de pornografía.

Su modelo permite a los creadores ofrecer contenido directamente a los usuarios, quedándose la plataforma con el 20% de los ingresos y, aunque es particularmente popular por el porno, también tienen cuentas artistas o músicos.

OnlyFans repartió el año pasado dividendos récord por valor de 701 millones de dólares a Radvinsky, uno de los mayores pagos de este tipo entre empresas privadas en el Reino Unido, según Financial Times.

De acuerdo con el periódico, en el último decenio la plataforma ha distribuido más de 25.000 millones de dólares a los creadores de contenido.

Desde 2024, las participaciones de Radvinsky en Fenix International, propietaria y operadora de OnlyFans, estaban controladas a través del fideicomiso LR Fenix Trust, mientras, según el rotativo económcio, el empresario mantenía conversaciones para vender una participación mayoritaria.

Según habían indicado a Bloomberg fuentes conocedoras, el empresario de origen ucraniano sondeaba la venta de una participación del 60% en la compañía, con una valoración empresarial de alrededor de 5.500 millones de dólares (4.750 millones de euros). La firma de inversión Architect Capital, con sede en San Francisco (EEUU), mantuvo conversaciones para liderar una oferta con acciones y aproximadamente 2.000 millones de dólares (1.728 millones de euros) en deuda, aunque las conversaciones aún se encontraban en febrero en su fase inicial.

El patrimonio de Radvinsky ascendía a unos 4.700 millones de dólares (4.062 millones de euros) al momento de su muerte, según estimaciones de la revista 'Forbes', que le situaba en el puesto 869 entre las mayores fortunas del mundo del mundo.

El novelista peruano Alfredo Bryce Echenique ha fallecido este lunes a los 87 años, tal y como informa El Comercio de Perú. Bryce Echenique nació en Lima en 1939 y es el autor de novelas que son historia de la literatura como Un mundo para Julius, La vida exagerada de Martín Romaña y Tantas veces Pedro. Su obra radiografió con humor y mala leche a la élite peruana.

Alfredo Bryce Echenique nació el 19 de febrero de 1939 en Lima (Perú), en una familia aristocrática. El autor hizo Derecho en la Universidad Nacional de San Marcos de su país, donde también cursó Letras, doctorándose así años después por La Sorbona de París en Literatura francesa clásica y contemporánea. En 1964, presentó una tesis sobre Ernest Hemingway, transicionando definitivamente al mundo de las letras.

El autor se convirtió en uno de los escritores más destacados del boom latinoamericano, con obras como No me esperen en abril. Además, es un ejemplo de cómo su generación fue compuesta por escritores que, desde distintas perspectivas, retrataron Perú con ironía y también sensibilidad. De hecho, durante su etapa universitaria se relacionó en un ambiente intelectual que lo conectó con la realidad peruana, en contraste con el mundo aristocrático limeño en el que había crecido.

El novelista fue parte de una explosión literaria de autores y títulos procedentes del continente americano, promovida por la editorial catalana Seix Barral y a través de su legendario Premio Biblioteca Breve, del que surgieron figuras como los premios Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa o Gabriel García Márquez, entre otros.

En su paso por esta editorial Seix Barral, responsable de la llegada de autores latinoamericanos hacia España y Europa, publicó el grueso de sus novelas más famosas, como Un mundo para Julius en 1970. Destaca de este periodo el díptico que el autor bautizó como Cuaderno de navegación en un sillón Voltaire, que comprende las novelas La vida exagerada de Martín Romaña y El hombre que hablaba de Octavia de Cádiz.

Por otro lado, son célebres las obras Reo de nocturnidad (1998), por la que obtuvo el Premio Nacional de Narrativa en España, y La amigdalitis de Tarzán (1999). Posteriormente publicaría en Anagrama, y ya en el siglo XXI, haría lo propio con sus volúmenes de lo que él denominó “antimemorias”, Permiso para vivir y Permiso para sentir, tomos en los que hace una crítica ácida, y no exenta de su característica ironía, de la transformación sufrida por Perú a finales del siglo XX.

Bryce, junto a Vargas Llosa y Julio Ramón Ribeyro, fue uno de los tres grandes exponentes de la literatura peruana de la segunda mitad del siglo XX. Asimismo, fue merecedor en vida del Premio Nacional de Literatura de Perú de 1972 por Un mundo para Julius, así como del Premio Planeta en 2002 por El huerto de mi amada. También recibió en 2002 en Italia el premio Grinzane Cavour por La amigdalitis de Tarzán. No obstante, destacó su rechazo, por convicciones democráticas, de la distinción de la Orden El Sol del Perú que quiso otorgarle el gobierno autocrático de Alberto Fugimori.

Por otro lado, tanto Bryce como Vargas Llosa y Ribeyro compartieron experiencias vitales muy similares, ya que nacieron en familias de la burguesía pudiente de Perú y desde su juventud viajaron al extranjero, principalmente a Francia y España, ya fuera por motivos políticos o por formación literaria. Además, a pesar de regresar con asiduidad a su país de origen, los tres vivieron la mayor parte de su vida en el extranjero.

La ironía como obra de arte

Aunque Bryce no ha tenido una carrera de las dimensiones de la de García Márquez o Vargas Llosa, sí ha destacado por la peculiaridad de su estilo, donde la ironía, o los narradores más impensables, han sido sus instrumentos para contar relatos llenos de amarga crítica, e incluso de autocrítica, pero siempre con una autoironía y un sentido del humor que las humanizaba y permitía que los lectores empatizaran con ellos.

Sin embargo, su literatura no utilizó la baza del humor como un artefacto para mejorar su potencial comercial, sino más bien como un lubricante para desarrollar las más descarnadas críticas, en especial para su país. Bryce no posee, así, obras de la entidad crítica de los Cien años de soledad de Márquez o de Conversación en La Catedral de Llosa, pero con Un mundo para Julius, una suerte de autobiografía de infancia narrada desde la perspectiva de un niño, consiguió diseccionar la alta sociedad limeña de su juventud sin ningún tipo de concesiones.

Racismo, clasismo, machismo y violencia sexual afloran a lo largo de esta novela en comportamientos que, se presume, Bryce atribuye a sus padres. Y lo hace de un modo tan cruel como ingenuo, que es como se supone que ve las cosas un niño. En otras de sus obras, como La vida exagerada de Martín Romaña, Reo de nocturnidad o El hombre que hablaba de Octavia de Cádiz, la crítica política se diluye en favor del humor, si bien siempre cargado de cuestionamiento a los modos y convenciones sociales.