Ignasi Camós, director del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA), ha muerto a los 56 años, tal y como ha informado el Ministerio de Cultura. El máximo responsable del área de cine dentro del Ministerio llevaba meses de baja en su puesto por un cáncer. El Ministerio de Cultura ha agradecido en un comunicado “la gran labor y el compromiso de Ignasi Camós al frente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales que, junto a su vocación de servicio público, dejarán una gran huella en las personas e instituciones con las que trabajó”.

Camós entró en el ICAA en junio de 2023 para sustituir a Beatriz Navas, anterior responsable. No fue una tarea fácil, Navas se había convertido en una figura muy respetada dentro del sector del cine, especialmente por los productores y cineastas independientes, a quienes había defendido en las diferentes negociaciones.

A pesar de ello, Ignasi Camós se ganó el cariño y la confianza del mundo del cine por su actitud conciliadora. De él destacaban que siempre escuchaba y atendía el teléfono para oír las preocupaciones del sector que tenía que defender. Camós se enfrentó en estos tres años con una complicada tarea, una Ley del Cine que el sector pedía a gritos y que todavía no ha podido ser aprobada a pesar de haberse presentado en dos ocasiones ante el Consejo de Ministros. Ese era su principal objetivo y para ello trabajó con la intención de poder desencallar la negociación con el resto de partidos que llevara a su aprobación. 

Camós ha sido testigo, además, de la materialización de las políticas públicas llevadas a cabo desde hace años y que continuaron bajo su dirección. Unas políticas que han provocado que el cine español goce de un momento único que se ha refrendado con tres películas en la Sección Oficial de Cannes. Siempre defendía las ayudas como parte fundamental de la marca España que el cine español representaba fuera.

Antes de llegar al ICAA, desde 2021 y hasta 2023, fue asesor parlamentario en el Gabinete del ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, desde donde coordinó los grupos de trabajo para el desarrollo del Estatuto del Artista. Antes, aunque titulado en derecho, ocupó diferentes puestos de responsabilidad en la Generalitat de Cataluña y fue consejero de Empleo y de Seguridad Social en la Representación Permanente ante la Unión Europea en Bruselas (enero 2011- junio 2012). También trabajó como asesor del área parlamentaria en el gabinete de la ministra de Trabajo, Seguridad Social e Inmigración, Magdalena Valerio, y en el gabinete de la vicepresidenta tercera y ministra para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico, Teresa Ribera.

Un hombre de confianza del PSOE que encontró en el ICAA un lugar donde desarrollar su don de gentes y de conciliación en unos años donde, además, la presencia de los fondos europeos hicieron que la partida para el Instituto del Cine y las ayudas fueran especialmente generosas. 

Siendo la editora más notable, con más carácter, más belleza y más vitalidad de los nuevos editores barceloneses de la muy bien llamada gauche divine, Beatriz de Moura habría podido participar del espectáculo, ser portada de revistas de moda y suplementos de cultura. Y no quiso. Nadie tenía su sonrisa ni sus caderas, su listeza instintiva, su buen ojo editorial. Y sin embargo prefirió estar casi siempre a la sombra, hasta que se nos fue el pasado fin de semana.

Fuimos al Tanatorio de Les Corts apenas un puñado de amigos y parientes, algún antiguo novio, una autora, incluso un crítico literario… Y un nonagenario al que no conocía nadie y que me contó que era el impresor de Grafos, que trabajó con enormes dificultades el oro y la plata de las dos colecciones memorables con las que Beatriz comenzó su carrera de editora, los Cuadernos ínfimos (plata) y la serie Marginales (oro), a partir de 1969. También estaban las dos maravillosas mujeres que cuidaron de ella durante los últimos seis años de su vida, con sus maridos, los únicos de riguroso y elegante negro, excepto por supuesto un bebé, el nieto de una de ella.

Beatriz habría captado y reído con sus poderosas carcajadas toda la ironía, todas las ausencias, de aquel acto en el que solo Cristina Fernández Cubas, a quien Beatriz publicó toda su obra, estaba realmente adolorida, temiendo el momento en el que durante el funeral iba a tener que hablar, y sabiendo que no iba a poder hacerlo, que la voz se le iba a quebrar. No pudo estar Toni López Lamadrid (falleció hace unos años), el hombre con el que Beatriz vivió larguísimos años, con el que tuvo tremendas peloteras (en las que al final ella acababa llamándole negrero, en alusión a la industria exportadora de carne africana hacia las Américas con la que la familia de Toni hizo fortuna). Pero unidos por lazos invisibles y pasión compartida, y colaborando en la tarea común de hacer crecer una editorial que se lanzó a publicar novelas cuando esto estaba muy mal visto por la izquierda. Una editorial que era intuición pura, reflejo de una personalidad a contracorriente, la de Beatriz.

Tusquets editores se llamó así porque Beatriz tuvo un primer matrimonio con Óscar, el hermano de Esther Tusquets (la editora de Lumen: admito que lo de los apellidos y nombres de editoriales es un trabalenguas), que fue el responsable junto con Clotet del diseño de esas colecciones que traía locos a los técnicos de Grafos.

Como los jóvenes no lo saben, aclararé que aquel grupo de hijos de familias con mucho dinero, empresarios que convivieron tranquilamente con el fascismo según contó con su notable sinceridad Esther Tusquets, y empresarios editoriales ellos mismos, eran gente viajada y no dispuesta a vivir con la mojigatería impuesta por el régimen de Franco. Querían el amor libre, la copa llena, la música a todo volumen. Aquella vida miserable y tontuna de sus mayores, donde todo se hacía en secreto (amantes, negocios sucios…) no era para ellos porque preferían copiar las costumbres más liberales y muy visibles que veían en París y Nueva York, en Roma y Frankfurt, ciudades que por ser de familias acomodadas no les estaban vedadas.

Beatriz no se las daba de marxista ni de intelectual, por eso Tusquets fue desde el primer día un sello diferente de Anagrama, que dedicó el primer decenio de su historia casi exclusivamente a disciplinas como el estructuralismo. Tusquets publicó apenas un año y pico tras su nacimiento el primero de sus best sellers, aquel trabajo periodístico de Gabriel García Márquez que era tan bueno como sus novelas, Relato de un náufrago, un acierto que financió la editorial una larga época.

Pero para que se comprenda mejor el mérito editorial de Beatriz de Moura citaré unos pocos autores españoles que marcaron época: Enrique Vila-Matas (que debutó con ella), Leopoldo María Panero (a quien publicó su mejor libro en prosa, En lugar del hijo) y la ya mencionada Cristina Fernández Cubas (con un libro de relatos, Mi hermana Elba, rechazado por varias editoriales). Tres autores que fundaron, sin que los autores y ni la editora se fijaran siquiera en el detalle, una nueva manera de escribir que en España era radicalmente opuesta a las tendencias habituales desde Cela y compañía: mucho acento en el casticismo y la palabrería, poco interés por las historias. Ese trío de autores lo cambió todo. Luego llegó lo que bauticé como Nueva narrativa Española, como colaborador de Anagrama.

Fueron esos los primeros pasos (con permiso del Seix Barral de don Carlos) que acercaron la edición española a la europea, y en la vanguardia de todo aquello estuvo Beatriz, sin jamás echarse faroles. Luego, porque ella era como era, lanzó muchos libros en el área de la acracia, y también en dos campos olvidados por las letras hispanas hasta que ella entró con el brío que la caracterizaba en la edición de obras que trataban sobre los placeres cotidianos (Los cinco sentidos) y la sexualidad prohibida (La sonrisa vertical).

Luego se sumó a todo eso la publicación de El amante de Marguerite Duras, la de La insoportable levedad del ser de Milan Kundera y la obra de Pynchon y todo lo que ustedes quieran. Su mano derecha, Juan Cerezo, continúa esa labor, ahora con la empresa dentro del grupo Planeta.

Otro apunte que define a la persona, y que este domingo me contó uno de sus amigos: Beatriz firmó el primer manifiesto español en favor de la despenalización de la eutanasia. Pero renunció a que se la aplicaran cuando notó los primeros síntomas graves de la enfermedad de Alzheimer. Era demasiado vital para pedir que le quitaran la vida.

El actor y político argentino Luis Brandoni ha muerto a los 86 años. El intérprete, que sufrió una caída doméstica el pasado 11 de abril, según afirma el periódico La Nación, no ha podido recuperarse de un hematoma cerebral tras varios días de asistencia médica. La noticia de su fallecimiento la ha confirmado Multiteatro en redes sociales, empresa argentina dedicada a la gestión de salas teatrales.

“Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable”, ha señalado Multiteatro en su comunicado. “Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario”, ha agregado, sosteniendo que “hoy es un día muy triste para nuestra cultura”.

Luis Brandoni ha estado toda su vida sobre el escenario. Tanto es así que hace tan solo unas semanas estaba protagonizando la obra teatral ¿Quién es quién?, una comedia de Héctor Díaz protagonizada por Soledad Silveyra y el propio Brandoni que se estrenó en enero de 2025 y que tuvo que ser paralizada por motivos médicos. Asimismo, el actor tenía un hueco en su agenda para la grabación de la segunda temporada de Nada, la serie de Disney+ en la que compartió escenas con Robert De Niro y que, dirigida nuevamente por Mariano Cohn y Gastón Duprat, iba a volver a reunir a De Niro con Brandoni.

La trayectoria de Brandoni se consolidó a mediados de los 70, debido a su papel en películas como La Patagonia rebelde, La tregua, Gente en Buenos Aires o Juan que reía. En aquel momento, el contexto y las presiones políticas obligaron al actor a exiliarse a México, lo que inevitablemente paralizó su carrera durante un tiempo.

Al finalizar el gobierno militar, Brandoni volvió a Argentina y retomó su actividad interpretativa actuando en cintas como Darse cuenta (1984), Esperando la carroza (1985) y Cien veces no debo (1990). En las siguientes décadas, el actor combinaría su trabajo con la política, pues estuvo muy ligado a la Unión Cívica Radical (UCR). Entre 1997 y 2001 ocupó un asiento en la Cámara de Diputados del Congreso representando a ese partido político.

Entre quienes han expresado sus condolencias se encuentra la Asociación Argentina de Actores. “Ante el fallecimiento del actor y exdirigente sindical, Luis Brandoni, acompañamos con respeto a sus familiares y seres queridos en este momento de dolor. Su sólida labor interpretativa en cine, teatro y televisión lo consolidó como una reconocida figura de la escena nacional”, ha declarado en un comunicado.

Afrika Bambaataa, rapero, productor y una de las figuras fundadoras de la cultura hip-hop, que recibió acusaciones de abuso sexual a menores, ha fallecido a los 68 años. El artista murió en Filadelfia debido al cáncer que estaba enfrentando, según ha informado TMZ. La noticia de su muerte la ha confirmado en Instagram la Hip-Hop Alliance, un grupo liderado por el músico Kurtis Blow.

“Hoy reconocemos el fallecimiento de un arquitecto fundamental de la cultura hip-hop, Afrika Bambaataa. Como fundador del Universal Zulu Nation [un colectivo de hip-hop], Afrika Bambaataa ayudó a dar forma a la identidad inicial del hip-hop como un movimiento global arraigado en la paz, la unidad, el amor y la diversión”, ha escrito el grupo en un comunicado.

La Hip-Hp Alliance también ha reconocido las acusaciones de abuso sexual contra el cantante: “Al mismo tiempo, reconocemos que su legado es complejo y ha sido objeto de serios debates dentro de nuestra comunidad. Como organización comprometida con la verdad, la responsabilidad y la preservación de la cultura del hip hop, creemos que es importante dar cabida a todas las voces, al tiempo que seguimos promoviendo lo que empodera y protege a las personas”.

Bambaataa recibió acusaciones de abuso sexual en las décadas de 1980 y 1990. En un comunicado, negó las acusaciones, afirmando que “carecen de fundamento y constituyen un cobarde intento de empañar mi reputación y mi legado en el hip hop en estos momentos”. En 2025, el rapero perdió un caso civil en el que fue acusado de abuso sexual infantil y trata de personas tras no presentarse ante el tribunal, según informó The Guardian.

Por otro lado, el grupo ha destacado la importancia de Bambaataa en la construcción del género hip-hop. “A través de su música, su liderazgo y su influencia, contribuyó a sentar los principios fundamentales del hip-hop, inspirando a generaciones de MCs, DJ, breakers y líderes culturales”, ha destacado, agregando que “su huella en la historia del hip-hop es innegable y formará parte para siempre de la historia de los orígenes de esta cultura”.

Nacido con el nombre de Lance Taylor, creció en los barrios marginales de Bronx River Projects en Nueva York y se inspiró en los activistas de su familia, pues fue hijo de inmigrantes jamaicanos y barbadenses. Además, destacó su participación en Universal Zulu Nation a finales de la década de 1970, inspirado por el “padre del hip-hop”, DJ Kool Herc, así como por el pueblo zulú del sur de África.

El artista desempeñó un papel fundamental en la creación del hip-hop en la década de 1980, especialmente con Planet Rock, un hit de 1982 que publicaría tras haber alcanzado popularidad pinchando en discotecas en los 70. Además, colaboró con una amplia lista de cantantes, entre ellos John Lydon, George Clinton y James Brown.

Leonid Radvinsky, el empresario estadounidense de origen ucraniano propietario de OnlyFans desde 2018, ha fallecido este lunes a los 43 años de edad a causa de un cáncer, según ha confirmado la plataforma.

“Con profunda tristeza anunciamos el fallecimiento de Leo Radvinsky. Leo falleció en paz tras una larga lucha contra el cáncer”, ha explicado una portavoz de la empresa en un comunicado, añadiendo que “su familia solicita privacidad en estos momentos difíciles”.

Conocida por su contenido sexual y con sede en Londres, la plataforma registró en su último ejercicio fiscal ingresos por valor de 7.200 millones de dólares (unos 6.192 millones de euros), procedentes de los pagos de sus usuarios a los creadores.

En 2018 adquirió Fenix International, matriz de OnlyFans, a los británicos Guy Stokely y Tim Stokely, fundadores de la plataforma en 2016, y desde entonces se mantuvo como director y accionista mayoritario.

Además de su actividad en la empresa, fue inversor en diversas compañías y apoyó proyectos filantrópicos a nivel global, indicó OnlyFans en su nota.

La entidad, con sede en el Reino Unido aunque la mayor parte de sus beneficios se generan en EEUU, se ha convertido en uno de los mayores y más controvertidos éxitos tecnológicos del país, impulsada por la demanda de pornografía.

Su modelo permite a los creadores ofrecer contenido directamente a los usuarios, quedándose la plataforma con el 20% de los ingresos y, aunque es particularmente popular por el porno, también tienen cuentas artistas o músicos.

OnlyFans repartió el año pasado dividendos récord por valor de 701 millones de dólares a Radvinsky, uno de los mayores pagos de este tipo entre empresas privadas en el Reino Unido, según Financial Times.

De acuerdo con el periódico, en el último decenio la plataforma ha distribuido más de 25.000 millones de dólares a los creadores de contenido.

Desde 2024, las participaciones de Radvinsky en Fenix International, propietaria y operadora de OnlyFans, estaban controladas a través del fideicomiso LR Fenix Trust, mientras, según el rotativo económcio, el empresario mantenía conversaciones para vender una participación mayoritaria.

Según habían indicado a Bloomberg fuentes conocedoras, el empresario de origen ucraniano sondeaba la venta de una participación del 60% en la compañía, con una valoración empresarial de alrededor de 5.500 millones de dólares (4.750 millones de euros). La firma de inversión Architect Capital, con sede en San Francisco (EEUU), mantuvo conversaciones para liderar una oferta con acciones y aproximadamente 2.000 millones de dólares (1.728 millones de euros) en deuda, aunque las conversaciones aún se encontraban en febrero en su fase inicial.

El patrimonio de Radvinsky ascendía a unos 4.700 millones de dólares (4.062 millones de euros) al momento de su muerte, según estimaciones de la revista 'Forbes', que le situaba en el puesto 869 entre las mayores fortunas del mundo del mundo.

El novelista peruano Alfredo Bryce Echenique ha fallecido este lunes a los 87 años, tal y como informa El Comercio de Perú. Bryce Echenique nació en Lima en 1939 y es el autor de novelas que son historia de la literatura como Un mundo para Julius, La vida exagerada de Martín Romaña y Tantas veces Pedro. Su obra radiografió con humor y mala leche a la élite peruana.

Alfredo Bryce Echenique nació el 19 de febrero de 1939 en Lima (Perú), en una familia aristocrática. El autor hizo Derecho en la Universidad Nacional de San Marcos de su país, donde también cursó Letras, doctorándose así años después por La Sorbona de París en Literatura francesa clásica y contemporánea. En 1964, presentó una tesis sobre Ernest Hemingway, transicionando definitivamente al mundo de las letras.

El autor se convirtió en uno de los escritores más destacados del boom latinoamericano, con obras como No me esperen en abril. Además, es un ejemplo de cómo su generación fue compuesta por escritores que, desde distintas perspectivas, retrataron Perú con ironía y también sensibilidad. De hecho, durante su etapa universitaria se relacionó en un ambiente intelectual que lo conectó con la realidad peruana, en contraste con el mundo aristocrático limeño en el que había crecido.

El novelista fue parte de una explosión literaria de autores y títulos procedentes del continente americano, promovida por la editorial catalana Seix Barral y a través de su legendario Premio Biblioteca Breve, del que surgieron figuras como los premios Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa o Gabriel García Márquez, entre otros.

En su paso por esta editorial Seix Barral, responsable de la llegada de autores latinoamericanos hacia España y Europa, publicó el grueso de sus novelas más famosas, como Un mundo para Julius en 1970. Destaca de este periodo el díptico que el autor bautizó como Cuaderno de navegación en un sillón Voltaire, que comprende las novelas La vida exagerada de Martín Romaña y El hombre que hablaba de Octavia de Cádiz.

Por otro lado, son célebres las obras Reo de nocturnidad (1998), por la que obtuvo el Premio Nacional de Narrativa en España, y La amigdalitis de Tarzán (1999). Posteriormente publicaría en Anagrama, y ya en el siglo XXI, haría lo propio con sus volúmenes de lo que él denominó “antimemorias”, Permiso para vivir y Permiso para sentir, tomos en los que hace una crítica ácida, y no exenta de su característica ironía, de la transformación sufrida por Perú a finales del siglo XX.

Bryce, junto a Vargas Llosa y Julio Ramón Ribeyro, fue uno de los tres grandes exponentes de la literatura peruana de la segunda mitad del siglo XX. Asimismo, fue merecedor en vida del Premio Nacional de Literatura de Perú de 1972 por Un mundo para Julius, así como del Premio Planeta en 2002 por El huerto de mi amada. También recibió en 2002 en Italia el premio Grinzane Cavour por La amigdalitis de Tarzán. No obstante, destacó su rechazo, por convicciones democráticas, de la distinción de la Orden El Sol del Perú que quiso otorgarle el gobierno autocrático de Alberto Fugimori.

Por otro lado, tanto Bryce como Vargas Llosa y Ribeyro compartieron experiencias vitales muy similares, ya que nacieron en familias de la burguesía pudiente de Perú y desde su juventud viajaron al extranjero, principalmente a Francia y España, ya fuera por motivos políticos o por formación literaria. Además, a pesar de regresar con asiduidad a su país de origen, los tres vivieron la mayor parte de su vida en el extranjero.

La ironía como obra de arte

Aunque Bryce no ha tenido una carrera de las dimensiones de la de García Márquez o Vargas Llosa, sí ha destacado por la peculiaridad de su estilo, donde la ironía, o los narradores más impensables, han sido sus instrumentos para contar relatos llenos de amarga crítica, e incluso de autocrítica, pero siempre con una autoironía y un sentido del humor que las humanizaba y permitía que los lectores empatizaran con ellos.

Sin embargo, su literatura no utilizó la baza del humor como un artefacto para mejorar su potencial comercial, sino más bien como un lubricante para desarrollar las más descarnadas críticas, en especial para su país. Bryce no posee, así, obras de la entidad crítica de los Cien años de soledad de Márquez o de Conversación en La Catedral de Llosa, pero con Un mundo para Julius, una suerte de autobiografía de infancia narrada desde la perspectiva de un niño, consiguió diseccionar la alta sociedad limeña de su juventud sin ningún tipo de concesiones.

Racismo, clasismo, machismo y violencia sexual afloran a lo largo de esta novela en comportamientos que, se presume, Bryce atribuye a sus padres. Y lo hace de un modo tan cruel como ingenuo, que es como se supone que ve las cosas un niño. En otras de sus obras, como La vida exagerada de Martín Romaña, Reo de nocturnidad o El hombre que hablaba de Octavia de Cádiz, la crítica política se diluye en favor del humor, si bien siempre cargado de cuestionamiento a los modos y convenciones sociales.

El periodista y escritor Raúl del Pozo ha fallecido este martes a los 89 años, según ha adelantado El Mundo. El que fuera director de El Independiente y corresponsal de Pueblo, trabajaba como columnista para El Mundo, tras pasar por Mundo Obrero, La Calle, Interviú y Diario 16. También participó en debates y tertulias televisivas, y dirigió el programa Entre dos luces de TVE.

Su labor periodística fue reconocida con premios como el Pedro Rodríguez, el González-Ruano, el Francisco Cerecedo y el Mariano de Cavia. Su obra literaria está compuesta por numerosas novelas y ensayos, como Los reyes de la ciudad, Los cautivos de la Moncloa y El último pistolero. Su último libro, La primera Manhattan, la publicó en 2024.

Nació el 25 de diciembre de 1936 en Mariana, Cuenca. Su carrera periodística la inició en 1960, en el Diario de Cuenca, antes de forjarse en el diario Pueblo. En los 70 trabajó en Mundo Obrero (militó en el Partido Comunista), fue director de El Independiente y en los 80 llegó a Interviú.

Fue cronista parlamentario y analista de actualidad, tanto en radio como televisión, en formatos desde Día a día junto a María Teresa Campos y Cada día. Además, desde 1991 es columnista de El Mundo, cuya columna recibía el título de Ruido de fondo.

Frederick Wiseman, pionero en el cine documental que analizó y observó las instituciones públicas y sociales a lo largo de su obra, ha muerto a los 96 años. Así lo ha comunicado Zipporah Films, la compañía de distribución que fundó en 1971, en un comunicado. Su trayectoria ha dado luz a un total de 45 películas bajo este sello, desde Titicut Follies (1967) hasta su obra más reciente, El gran menú (2023), que son reconocidas por su complejidad y su mirada humanista.

“Durante casi seis décadas, Frederick Wiseman creó una obra incomparable, un extenso registro cinematográfico de las instituciones sociales contemporáneas y la experiencia humana cotidiana, principalmente en EEUU y Francia”, reza el comunicado de la compañía. Aunque no se ha revelado dónde ha fallecido, Zipporah Films ha destacado que el cineasta “consideraba Cambridge, Massachusetts; Northport, Maine; y París, Francia” como sus hogares.

Nacido en Boston, Massachusetts, en 1930, Frederick Wiseman se graduó en el Williams College y en la Facultad de Derecho de Yale. Comenzó su carrera cinematográfica a mediados de la década de 1960 y rápidamente se consolidó como un artista independiente, dedicado a explorar los matices de la vida institucional, desafiando al público a formar sus propias interpretaciones. Su obra ha sido reconocida con numerosos galardones, incluyendo un León de Oro por su trayectoria en 2014 y un premio Oscar honorífico por su carrera en 2017.

El director estadounidense exploró la vida de las instituciones en casi todos los documentales en los que trabajó, desde High School de 1968 hasta Ley y orden, sobre el Departamento de Policía de Kansas City, Hospital, Public Housing y City Hall de 2020. Las imágenes del documentalista, que escribe, produce y monta sus propios filmes, buscan conectar con la rudimentaria pureza del primer cine y el sueño de los pioneros hermanos Lumière, mostrando cómo son las cosas de forma que el espectador pueda reflexionar acerca de ellas.

“Quiero rodar lo máximo sobre el mayor número posible de temas, hago películas de nuestro tiempo y elegí las instituciones como pretexto”, admitió Frederick Wiseman en el Festival de Cannes, como recoge EFE. “No, yo solo hago cine documental, necesitamos que un gran director de ficción ruede esa película”, señaló el director, agregando que su mayor obligación es siempre hacia la gente que aparece en sus obras y que hacer películas es el único deporte que lo mantiene en forma.

Asimismo, al convertirse en el único documentalista en ser galardonado con el León de Oro en Venecia, destacó que aún hace cine “para aprender”, para huir de una “mirada preconcebida” y contagiar al espectador de su propio proceso de búsqueda: “La idea es que mis películas se parezcan a la experiencia de llevarlas a cabo”. Es por ello que su obra supone un relato colectivo que, “aunque no ideológico”, adquiere una importante dimensión política y pretende hacer una necesaria reivindicación de lo público, desde la escuela hasta los museos.

La esposa de Wiseman, Zipporah Batshaw Wiseman, murió en 2021 a los 65 años. Le sobreviven dos hijos, David y Eric, y tres nietos, además de Karen Konicek, su amiga y colaboradora, que trabajó con él durante 45 años. En lugar de flores, la familia y Zipporah Films apuntan que la mejor manera de honrar su memoria es apoyando a su filial local de PBS o a su librería independiente. Pese a su pérdida, el arte de Frederick Wiseman seguirá resonando si hay quien esté dispuesto a mantenerlo con vida.

El actor Robert Duvall, fallecido el pasado domingo a los 95 años, construyó una de esas carreras graníticas. Sólida, casi sin fallas. Incluso cuando trabajaba en papeles más pequeños o en películas, a priori, más populares, dignificaba cada papel y cada filme. Los elevaba. Su presencia daba clase, entidad. Uno de esos rostros que el público vinculaba con que lo que iba a ver sabía que iba a estar bien porque salía él.

Aun así, en una carrera tan larga, plural e inabarcable, Robert Duvall logró unos cuantos papeles que son, directamente, historia del cine. Interpretaciones cuyas frases se repiten. Escenas que se recuerdan una y otra vez. Son la parte más lustrosa de una filmografía envidiable que cuesta resumir, pero que destacó por papeles como estos:

'El padrino' (1972)

A Francis Ford Coppola le debe Robert Duvall parte de su leyenda. Junto a él rodó dos de las mejores obras del director, y también logró dos de sus papeles más emblemáticos. El primero llegó en 1972 en la que muchos consideran una de las mejores películas de la historia del cine. La adaptación de la novela de Mario Puzo le dio a Duvall uno de sus grandes roles, el de Tom Hagen, el hijo adoptivo de Vito Corleone y consigliere de la familia Corleone. Su enfrentamiento con James Caan diciendo que no hay que mezclar los negocios con lo personal es emblemático. Fue su primera nominación al Oscar (como Mejor actor de reparto).

'Network, un mundo implacable' (1976)

Sidney Lumet logró uno de los retratos más despiadados y, quizás por ello, realistas, de los medios de comunicación en esta película sobre la dictadura de las audiencias y el sensacionalismo en las televisiones. Duvall dio vida a Frank Hackett, el joven vicepresidente ejecutivo de la cadena que aspira a ser alguien importante dentro de su empresa. Un personaje que anticipó lo que años más tarde, y todavía ahora se viviría en muchas cadenas y medios. Quizás no fue su personaje más emblemático, también porque el discurso de Peter Finch opacó el resto, pero su trabajo sigue siendo finísimo.

'Apocalypse Now' (1979)

La segunda nominación al Oscar llegó, de nuevo, por una película de Coppola. Su mirada a la guerra de Vietnam, una particular adaptación de 'El corazón de las tinieblas' de Conrad, es otra de las grandes películas de la historia del cine. Un retrato del horror de la guerra que le dio una de las grandes frases de la historia del cine, ese “Me encanta el olor del Napalm por la mañana” que dice el Coronel Kilgore. Once minutos le valieron al actor, con su gorro y su torso desnudo, para conseguir un personaje que queda en el recuerdo, y su segunda nominación al Oscar, también como Mejor actor de reparto.

'Gracias y favores' (1983)

Bruce Beresford tenía un don para emocionar a la gente. Lo demostró cuando con Paseando a Miss Daisy dio la campanada y ganó el Oscar a la Mejor película y el de Mejor actriz para Jessica Tandy. Pero ya años antes había mostrado sus cartas en esta película con la que Robert Duvall ganó su Oscar al Mejor actor protagonista. Es cierto que no suele citarse entre los trabajos más emblemáticos del actor, pero el guion de Horton Foote (responsable de la adaptación de Matar a un ruiseñor con la que Duvall debutó) le dio un papel que era un caramelo, el del cantante de country Mac Sledge, que busca recuperarse de su alcoholismo. Los rumores apuntaron a una relación conflictiva entre al cineasta y el actor, pero lo cierto es que le dio su único Oscar.

'Una acción civil' (1998)

La penúltima nominación al Oscar de Robert Duvall (la última fue por El juez en 2015) fue por este drama judicial escrito y dirigido por Steven Zaillian, autor del libreto de La lista de Schindler y de otros títulos emblemáticos como Gangs of New York o El irlandés, ambos para Scorsese. Aquí se puso detrás de las cámaras para contar un drama judicial cuyo caso central abordaba la responsabilidad de una gran empresa en la enfermedad de varias personas por contaminar el agua de un pueblo. Un caso real en el que Duvall interpretaba a Jerome Fatcher, uno de los abogados que se enfrentaron al sistema para mostrar que las grandes corporaciones estaban envenenando a los ciudadanos. 

El pasado 15 de enero en la ciudad de Génova falleció Orlando Leva. Durante cincuenta años fue recepcionista en un hotel que trata de mantener el esplendor de siglos pasados frente al mar. En sus últimos paseos por las calles y cafés del barrio de Pegli camareros, comerciantes y policías saludaban con respeto a ese anciano que, de alguna manera, se despedía de sus vidas con honestidad y sin alharacas. Quien vivió modesta y dignamente sus días sabía decir adiós sin llamar innecesariamente la atención.

Orlando nació en el seno de una humilde familia piamontesa, en el que los alimentos se valoran por su estrecha relación con el medio del que proceden y el trabajo que conlleva su recogida y conserva se reconoce y respeta. En los hogares por los que pasó Orlando, como en tantos otros de mujeres y hombres de pueblos de todo el mundo, cada objeto arrastra una historia material y personal que explica su ubicación definitiva. Si de joven emigraste a otro país y descubriste el té de los descansos en jornadas maratonianas, la tetera ocupará su sitio en la estantería principal, como la colección de sellos que durante décadas se recogía de clientes extranjeros hasta componer un mapamundi que daría para manual de historia geopolítica del siglo XX. 

Orlando nació en el seno de una humilde familia piamontesa, en el que los alimentos se valoran por su estrecha relación con el medio del que proceden y el trabajo que conlleva su recogida y conserva se reconoce y respeta

En estos tiempos en los que se fabrican muebles de quita y pon y hay plantas de plástico para no regar, el salón en el que cenaba Orlando acumulaba historias de vidas familiares ya caducas, en un empeño obrero por resguardar también la memoria de las vidas propias, dignas de recuerdo. Como las recetas de la abuela, o los platos conocidos y admirados en los viajes que la vida pudo regalar. En su mesa, cada especia o tipo de cocción de un alimento se narraba con delicadeza y respeto por la persona que, años atrás, se la había trasladado a él. Memoria oral, vindicación de lo concreto, placer sin estipendio.

Orlando era antifascista de manera coherente con quien nació en la casa y el momento en que lo hizo, rodeado de referencias partisanas y forzado a la emigración urbana para no morirse de hambre. Orlando era comunista a la italiana, nostálgico de un momento en el que se supo mayoría y rozó el gobierno de su país junto a millones de hombres y mujeres que amaban a Enrico Berlinguer. Vivía con Pilar de su discreta pensión en un apartamento de alquiler y apreciaba el hecho de que el único hijo hubiese podido hipotecarse para tener un piso en propiedad.

En sus últimos años comentaba con tristeza la dificultad compartida por reconocer “dirigentes de izquierdas que hablaran y vivieran como personas de izquierdas”

En sus últimos años comentaba con tristeza la dificultad compartida por reconocer “dirigentes de izquierdas que hablaran y vivieran como personas de izquierdas”, y soportaba a duras penas el avance de extremas derechas reconocibles fuera cual fuera la lengua en la que hablaran. Orlando era un hombre bueno, sin matices. Quizás, a estas alturas del desconcierto en el que vivimos, esa debiera ser la primera etapa de nuestra próxima victoria. Empezar por reconocer entre nosotros qué valores primarios (solidaridad, humildad, honestidad, austeridad) quisimos que caracterizaran nuestro relato de clase. Yo lo tengo claro: con hombres y mujeres como Orlando, ninguna diferencia de partida aguanta un pase y ninguna apuesta que no sea la de unidad se sostiene. Unidad.

Orlando Leva era mi tío. Mis hijas rallan la nuez moscada sobre la salsa de almendras como él les enseñó una noche de verano, y mi hijo conserva parte de su colección de sellos históricos en su dormitorio, bajo una bandera republicana. Nuestra memoria será, en buena medida, la que un día fue suya. Hagamos el resto.   

El ex director de TV3 y RAC1, Eugeni Sallent (Sabadell, 1962), una de las figuras clave en los medios audiovisuales catalanes de las dos primeras décadas del siglo XXI, ha fallecido esta tarde víctima de un cáncer contra el que había luchado en los últimos meses.

Licenciado en Informática por la Universidad Autónoma de Barcelona y máster en Dirección de Empresas por EADA, Sallent ocupó diversas posiciones de relevancia en el sector de la comunicación al frente de la televisión y la radio pública, y también en la radio privada de Cataluña.

En concreto, fue el primer director gerente de Radiocat, la empresa que engloba a RAC1 y RAC105 y formó parte del equipo fundacional de la radio desde 1999, construyendo el equipo que el 1 de mayo de 2000 puso en marcha oficialmente las emisiones.

Para lograr irrumpir en una audiencia acostumbrada a la hegemonía de Catalunya Ràdio, puso al frente de la nueva emisora voces tan potentes como la de Albert Om, Toni Soler o Joan Maria Pou. Sallent quería que la nueva emisora fuera divertida, rompedora y que tuviera un tono propio y reconocible, pero que estuviera, sin embargo, marcada por la actualidad. Este modelo no tardó en hacer que se empezaran a cosechar éxitos.

En 2010, Eugeni Sallent recibió el Premio Quim Regàs de Periodismo, en reconocimiento a su trayectoria profesional. Y como director de RAC1 recibió el Premio Nacional de Comunicación, concedido a la emisora en 2007. Pero tras su etapa en RAC1, en 2012 decidió asumir el reto de dirigir de nuevo una empresa pública.

Sallent fue nombrado director de la televisión pública catalana TV3. En plena crisis económica, el gasto público en la Corporación Catalana de Medios Audiovisuales descendió radicalmente y desde su nuevo cargo tuvo que hacer un gran esfuerzo para que la calidad de la cadena no se viera afectada.

Estuvo cuatro años al frente de Televisió de Catalunya y cumplió con el objetivo de mantenerla como líder de audiencia, gracias a series de éxito como Merlí o al seguimiento de las manifestaciones multitudinarias del 11 de septiembre durante la etapa conocida como el “procés independentista”. Sin embargo, en el 2016 pasó el relevo a Jaume Peral y empezó a dirigir delegaciones de Mediapro en Colombia e Italia.

Cuando la dictadura franquista empezó a abrirse al mundo —esto es, al capitalismo global y a las seducciones de EEUU—, el cine español imaginó una suerte de contrapeso en la figura veterana de Paco Martínez Soria. Sus personajes no terminaban de verlo claro, y la resistencia a diversos cambios socioculturales devenía el centro de comedias como El turismo es un gran invento o La ciudad no es para mí. Enfatizando, claro, su carácter de “hombre de pueblo”, suspicaz ante las sucesivas mutaciones de esa ciudad a la que le empujaba el éxodo rural. Lo curioso es que, paralelamente, la industria ya había descubierto a otro zaragozano castizo sin tantos reparos con la modernidad.

Fernando Esteso, maño como él, desfiló en los años 70 por los platós televisivos portando igualmente una boina, un garrote y un marcado acento. Pero, a diferencia de Martínez Soria, lo hizo con una alegría contagiosa. Y es que, por mucho apego que mantuviera al terruño —o a una idea especialmente caricaturesca de él—, el personaje mediático de Esteso había descubierto una gran oportunidad en esta nueva España a cuyo dictador le quedaba poco tiempo de vida. Porque lo que más le importaba era el hedonismo, las mujeres, las oportunidades de ligue, y tan pronto como podía convertir esta pulsión en discurso cómico —canciones como El Bellotero Pop o, por supuesto, La Ramona—, sería capaz de mutar en un ciudadano perfectamente integrado y pícaro.

Porque Esteso representó, en similar medida a José Sacristán y Alfredo Landa —de quien devino indiscutible sucesor a finales de los 70—, una cierta idea de España. Una historia paralela que acaba de terminar con el fallecimiento de Esteso a los 80 años de edad, y que merece la pena revisar en busca de claves idiosincráticas. Más o menos trasnochadas, escasamente reivindicables, aunque desde luego vitales en la constitución de ese españolito que sigue acechando como un espectro, entre Berlanga y Santiago Segura, lo que entendemos como comedia nacional.

Virilidad a la española

Esteso se subió a un escenario con apenas seis años, empujado por la profesión de sus padres. Venía de una familia de artistas y de una amplia educación en las variedades, que le permitiría hacer de todo una vez se trasladara a Madrid a mediados de los 60. Las obras de teatro dieron paso rápidamente a la televisión, donde Esteso ya tenía pulido su personaje de maño y no quería limitarse a las canciones bufonescas: también protagonizó sketches icónicos de la época —como el del Coñac La Parra, “el que lo bebe la agarra”— y resultó ser un imitador bastante intuitivo, llegando a parodiar en adelante los modismos de Raphael, Bertín Osborne o Luis Aguilé.

Con Aguilé colaboró de hecho en una interpretación conjunta muy celebrada de Es una lata el trabajar, asentando al mismo tiempo la evolución lógica de su maño trasplantado: esto es, el “galán fallido”, el hombre bajito y salido que contrastaba burlonamente con la impronta latin lover. Un protagonista cercano a este galán fallido, más en la senda de Alfredo Landa que de Arturo Fernández. Películas como Onofre (1974) o Pepito Piscinas (1978) no dejan de militar en la escuela del landismo, una vez Landa ya se permitía juguetear críticamente con esta imagen en El puente de Juan Antonio Bardem (1977). Aunque a Esteso no le interesaban demasiado esta clase de ejercicios, y todo condujo de forma orgánica a que capitaneara el destape junto al actor Antonio Ozores, a su hermano el hiperactivo director Mariano Ozores (fallecido en 2025) y, por supuesto, Andrés Pajares.

Los vientos liberales que recorrían el Estado español, definitivamente asentados con la muerte de Francisco Franco y el desarrollo de la Transición, tuvieron su cara más comercialmente provecta en este puñado de comedias ozorianas, que Esteso y Pajares protagonizaron juntos o por separado. Su providencial unión en Los bingueros (1979) había sido la explosión definitiva, y el cuño de una lograda química con Pajares que maridaba con guiños a la actualidad política del momento, un ritmo rapidísimo de producción y la abundancia de chicas ligeras de ropa. 

Fue la fórmula a seguir en sucesivos éxitos como Los energéticos (1979), Yo hice a Roque III (1980) —cuya llegada a salas motivó el retraso del estreno de El imperio contraataca en España para no competir con una dupla tan intimidante—, Los liantes, Los chulos (1981) o Padre no hay más que dos (1982), el curioso acercamiento del cine de Mariano Ozores al público infantil. La gracia de estas películas era situar a la pareja en escenarios variopintos sin que, curiosamente, se mantuviera una dinámica concreta o unos caracteres determinados. Esteso podía ser alternativamente el ingenuo o manipulador —el payaso tonto o el listo—, del mismo modo que podía serlo Pajares.

Lo importante era verlos juntos, si bien a Esteso tampoco le iba mal en solitario con trabajos que compartían fórmula. Tanto él como Pajares protagonizaron una comedia sobre la legalización del divorcio en España —Esteso hizo Caray con el divorcio, Pajares ¡Qué gozada de divorcio!—, y el ocasional interés de Esteso por la parodia desencadenó títulos tan estimables como Al este del Oeste (1983) y ¡Qué tía la CIA! (1985). Fijándose respectivamente en el western y el cine de espías, Esteso reafirmaba al mismo tiempo algo muy propio del españolito: su asumida inferioridad frente a los sofisticados moldes del cine estadounidense, ya practicada con Roque III reflejándose en Rocky.

Decadencia y resurgir

Las películas de Esteso y Pajares arrasaron comercialmente rodeadas, por lo general, del desprecio de la crítica. “La crítica hacía lo suyo y nosotros lo nuestro: hacer reír y llenar los cines”, declararía Esteso años más tarde. La fórmula, sin embargo, mostró síntomas de agotamiento avanzados los 80, coincidiendo con las florecientes inquietudes creativas de Pajares. Pese a que el dúo había vivido una cumbre de tantas al representar La extraña pareja en el madrileño Teatro Calderón, entrados los 90 nos topamos con que, mientras Pajares ganaba un Goya por trabajar con Carlos Saura en ¡Ay, Carmela!, Esteso se empeñaba en mantener vivo el destape con El amor sí tiene cura (1991). 

Así que, de forma inevitable, empezó a parecer una figura trasnochada. Ahora sí, incapaz de adaptarse a esta nueva contemporaneidad —como le pasaba de forma simultánea a Mariano Ozores, con la polémica golpeando su sitcom El sexólogo—, y sin nuevas inquietudes más allá de la comedia en la que llevaba dos décadas embarcado. Fue entonces, hacia 1993, cuando creyó ver una gran oportunidad en un contrato con Telecinco que contemplaba la producción de una sitcom y un especial de Fin de Año, además de ejercer de presentador en La ruleta de la fortuna. Todo parecía abonado para mantener su relevancia mediática, pero fue justo lo que precipitó su declive.

Esteso no estuvo ni un año presentando La ruleta de la fortuna cuando Telecinco le despidió sin previo aviso, alegando su “estado de deterioro físico y mental”. El cómico se pasaría el resto de los 90 batallando con la cadena en los tribunales, hasta que en 2001 obtuvo una indemnización de un millón de euros… sin que esto enderezara su situación. Esteso había sido condenado al ostracismo, retirándose a Torrevieja y asaltando esporádicamente la actualidad con noticias como la preparación de película de Esteso y Pajares a la vieja usanza parodiando un éxito de la época: en 2006, frente a El código Da Vinci, se anunció el regreso de la pareja en El código Aparinci. No cuajó.

Afortunadamente, Esteso sí pudo disfrutar de un resurgir tardío. Fue alrededor de 2011. En paralelo a grabar un remix de La Ramona con King África que sería la canción del verano, Esteso apareció abrazado a Pajares en el tradicional spot de Campofrío: uno titulado Cómicos que reunía a las grandes estrellas del humor patrio para homenajear a Gila por su reciente muerte. Fue también cuando Santiago Segura le dio un pequeño papel en Torrente 4: Lethal Crisis, y Esteso pudo volver a dedicarse a la comedia: Segura aumentó su papel en la siguiente Torrente 5: Operación Eurovegas mientras José Mota empezaba a reclutarle para algunos de sus especiales de Nochevieja. 

Lo más curioso de estos últimos años es cómo Esteso —al margen de las colaboraciones con cómicos de otra generación, muy conscientes de su legado— alternó el cine de bajísimo presupuesto con propuestas de autor… y sin que la comedia fuera un requisito indispensable. Porque sí, en 2016 protagonizó Re-emigrantes —filme con presupuesto de guerrilla que, a su modo, abordaba las consecuencias de la crisis económica a través de una familia que tenía que volverse al pueblo— y más tarde tuvo un papel en la serie de Movistar Plus+ Justo antes de Cristo, aunque también se vio atado a dos cineastas antagónicos: Agustí Villaronga y el más desconocido Alfredo Contreras.

Con Villaronga pudo emular a Pajares al obtener un papel en una aplaudida película sobre la Guerra Civil (Incierta gloria, en 2017), además repetir en su último filme antes de morir (Loli Tormenta, de 2023). Con Contreras, por otra parte, Esteso brilló como único actor de renombre en proyectos extremadamente humildes que se adentraban en la fantasía y la ciencia ficción sin salir del perímetro de Murcia. Fue en Luces, Burga y en su última película como actor, Laberinto de sombras (2024). 

Un epílogo estrafalario, inclasificable, que bien puede representar una crisis de identidad nacional o, simplemente, el contradictorio testamento de un afable payaso que en cierto momento dejó de intuir de qué quería reírse su país. 

David de la Chica, compositor de Los Delinqüentes y Tomasito, ha fallecido a los 50 años, a causa de un infarto. El artista, que llevaba semanas ingresado en el Hospital Puerta del Mar de Cádiz, sufrió problemas cardiovasculares durante el ingreso, y terminó falleciendo en el centro mientras esperaba para ser intervenido en un pie. El cantante de Palocortao y músico de la Banda del Ratón, escribió letras de temas como Tabanquero, Amor Plutónico y Pirata del Estrecho.

Sus compañeros de Los Delinqüentes han publicado un texto de despedida en sus redes sociales, donde han asegurado que “siempre”estará en su recuerdo y corazones: “David ha peleado hasta el último momento, siempre haciendo gala de su particular sentido de humor, en su lucha contra una larga enfermedad. La pasada madrugada, en el hospital, a sus 50 años, descansó en paz”.

Davile, como era conocido, nació en Jerez de la Frontera, y estuvo ligado al sonido garrapatero, con su fusión de flamenco, poesía popular, rock y rumba. Fue en los 90 cuando arrancó su carrera con la banda Pelocortao, y posteriormente acabaría colaborando con Los Delinqüentes como letrista.

El diseñador Valentino Garavani ha muerto a los 93 años de edad en Roma, según ha confirmado su fundación en una publicación de Instagram. El genio de la costura, que estaba retirado desde 2008, se había convertido en una de las grandes figuras del mundo de la moda desde que se iniciara en el oficio a mediados del siglo pasado.

“Valentino Garavani ha fallecido hoy en su residencia romana, rodeado de sus seres queridos”, ha informado la fundación a través de redes sociales. “El velatorio se celebrará en PM23, en Piazza Mignanelli 23, el miércoles 21 de enero y el jueves 22 de enero, de 11:00 a 18:00 horas. El funeral tendrá lugar el viernes 23 de enero en la Basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires, en Piazza della Repubblica 8, en Roma, a las 11:00 horas”, ha añadido.

Nacido el 11 de mayo de 1932 en la localidad italiana de Voghera, en Lombardía, recibió su nombre en honor al actor de cine mudo Rodolfo Valentino. El modisto siempre había sentido un interés enorme por la industria de la moda. Tanto es así que, a los 17 años, sorprendió a sus padres al mudarse a París para estudiar en École des Beaux-Arts y en la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. Fue entonces cuando comenzó como aprendiz de Cristóbal Balenciaga, Jean Dèsses y Guy Laroche. Más adelante, en 1959, regresaría a Roma para abrir su propio estudio con ayuda de sus padres.

Nombres reconocidos como Elizabeth Taylor, la princesa Diana de Gales o Audrey Hepburn llegarían a pasar por las manos de Valentino Garavani a lo largo de su aclamada trayectoria. Sin embargo, no es la única figura que quedaría asocieda a él. En 1960, Valentino conocería a Giancarlo Giammetti, quien acabaría siendo tanto su socio como su pareja. Junto a él fundó la Maison Valentino ese mismo año.

Con tan solo 26 años, el diseñador lanzaría su primera colección, que se estrenó el 28 de febrero de 1959 en sus salones de la Via Condotti de Roma. Asimismo, en julio de 1962, Valentino fue uno de los diseñadores que desfilaron en la Sala Bianca del Palacio Pitti, una plataforma que contribuyó al lanzamiento internacional de la marca, que Giancarlo Giammetti contribuiría a expandir hasta llegar a transformarla en un imperio global.

Desde aquel momento, el modisto se haría cargo de una de las marcas más respetadas de la moda, que redefinió por completo el arte contemporáneo. Fue apodado el “último emperador” en un documental sobre su vida dirigido por Matt Tyrnauer y estrenado en 2008, donde aparecen los muchos jets privados, vestidos y galas que acabarían dando forma al reconocimiento de Valentino en todo el mundo.

Italia siempre ha considerado a Valentino como una de las figuras más importantes del país. “En Italia, está el Papa y está Valentino”, llegaría a afirmar Walter Veltroni, entonces alcalde de Roma, en un perfil del modista publicado en 2005 en The New Yorker. Unos años después, el modisto confesaría el secreto de su éxito al periódico estadounidense The New York Times: “Es muy, muy sencillo. Intento que mis chicas luzcan sensacionales”.

Robe Iniesta, fundador de Extremoduro y figura central de la música en España en especial en los últimos 30 años, falleció en la madrugada de ayer sin que por el momento se conozcan apenas detalles del deceso: ni el lugar ni las causas exactas. Lo poco que se sabe lo ha publicado su agencia de comunicación: “Hoy día 10 de diciembre de 2025, nos toca escribir la nota de prensa más triste de nuestra vida. Hoy despedimos al último gran filósofo, al último gran humanista y literato contemporáneo de lengua hispana, y al cantante cuyas melodías han conseguido estremecer a generaciones y generaciones”.

La última noticia pública sobre su salud fue la suspensión de la gira que debía iniciarse en 2024 a causa del diagnóstico de un tromboembolismo pulmonar. Se trata de un tipo de accidente cardiovascular en el que un coágulo tapona la arteria pulmonar impidiendo que esta distribuya correctamente la sangre. Pero deshaciendo el coágulo con medicamentos anticoagulantes, en teoría este desaparece y la persona puede recuperar una vida más o menos normal.

Más allá de las causas de su deceso, Robe Iniesta deja una larga carrera musical de casi 40 años a sus espaldas que ha dejado 11 álbumes de estudio, con canciones para el recuerdo gracias a sus letras peculiares y ventas millonarias, a pesar de siempre haber actuado con total libertad creativa, con cimas para la crítica como Agila (1996) o La ley innata (2008).

Y tras el fin de Extremoduro, entre 2015 y 2019, Iniesta supo comenzar una andadura discográfica consistente, con trabajos como Lo que aletea en nuestras cabezas en 2015, muy valorado de nuevo por la crítica, al que siguió una etapa muy fructífera con un directo (Bienvenidos al temporal, en 2018) y tres discos de estudio más: Destrozares, canciones para el final de los tiempos (2016), Mayéutica (2021) y finalmente Se nos lleva el aire (2023). 

Una carrera de casi 40 años a base de letras entre lo excelso y lo sicalíptico

Durante esta larga carrera, sus temas se han distinguido tanto por su apuesta decidida por el rock más duro y añejo, sin concesiones al pop o a los sonidos de corte digital, como por unas letras que mezclaban con gran maestría la lírica más delicada, a veces casi enfermiza, con el exabrupto, la palabra malsonante o la descripción sexual explícita de personas y situaciones. Esta capacidad de polarizar sus textos entre lo sublime y lo callejero, entre lo espiritual y lo sexual o incluso escatológico, ha tenido una gran influencia posterior en distintas generaciones de músicos y cantautores españoles que crecieron entre los discos de Extremoduro. Jesús Casañas, periodista musical de profesión y guitarrista de formación, es el autor de Extremoduro. Talento innato (Alianza, 2023), una biografía no autorizada de la banda, que en el fondo es lo mismo que decir un repaso al recorrido vital de Robe Iniesta en los años de Extremoduro.

Es Casañas, investigador incansable de todos los acontecimientos y documentos que atañen a la banda, quien fija la influencia de las letras y la música de Iniesta: “Desde Estopa hasta La Cabra Mecánica, bandas que nacen cuando Extremoduro ya está consagrado, se alimentan de esa manera de componer tan personal de Robe, donde caben todo tipo de temas y de lenguajes mezclados con una poesía de gran sensibilidad literaria”. También explica que músicos como Enrique Bunbury, Dani Martín o la cantautora extremeña Bebe han confesado su admiración e incluso en alguna ocasión han cantado temas de Extremoduro.

Si se escuchan los temas de los primeros discos de Estopa, se puede captar esa poesía urbana entre lo excelso y lo sicalíptico, conducida musicalmente por unos ritmos que tanto se aceleran como se ralentizan en una misma canción, algo muy propio de la manera de componer de Iniesta. Temas como Como Camarón tienen esa estructura que es patente en canciones de Extremoduro como So payaso. De hecho, a raíz de la publicación de los textos que escribieron juntos Robe Iniesta y Manolo Chinato, hace casi tres décadas, los hermanos Muñoz, escribieron en sus redes sociales: “Dicen que es de bien nacidos ser agradecidos. Así que queremos dar las gracias al gran Roberto Iniesta porque sin él no seríamos los mismos. Larga vida a Extremoduro”.

Un ácrata intratable

Pero Casañas reconoce también influencias en artistas posteriores, de la generación del trap, como C. Tangana: “Las letras que maneja el trap combinan muchas veces bases delicadas con letras líricas en las que se cuela un lenguaje muchas veces descarnado, de la calle, de manera que una parte ayuda a la otra a hacer más completa la composición, que es lo que Robe siempre hizo en sus canciones”. También es reconocida en este sentido la admiración del autor de El madrileño por Iniesta, hasta el punto de invitarle a participar en uno de los de los temas del álbum.

“Le dije que le admiraba muchísimo”, confesaba C. Tangana en una entrevista con Jordi Évole, en la que añadió: “Me parece que la búsqueda de la canción española, que era lo que yo estaba intentando, pasaba por Robe Iniesta y su manera de componer sin duda”. Al parecer, al final Iniesta declinó la invitación de un modo muy propio de su manera de ser. Cuenta el trapero que le propuso participar en Un pisito en la M-30, que según Tangana “está inspirada claramente en como Robe compone las imágenes en sus temas”. Se la mostró y el rockero le contestó que estaba bien, pero que el estribillo era un poquito cursi.

También Casañas atesora una anécdota similar en su trato con Iniesta. “Para el libro no pudimos acceder a él con el fin de entrevistarle porque era el momento en que Extremoduro estaba en descomposición y Robe no estaba abierto a participar, así que tuve que esperar a la rueda de prensa en que presentó su último trabajo en solitario, Se nos lleva el aire, para acercarme y presentarme como el autor de la biografía de Extremoduro”.

“Me dijo 'pues muy bien, pero no lo he leído', y me quedé parado”, desvela entre risas Casañas, que explica que de todos modos le confirmó que el libro le había llegado y por el momento no le había prestado atención. De todas formas, Iniesta accedió a hacerse una foto junto al biógrafo de la banda pero, como explica este, “no volvía a tener más contacto con él”.

Quien escribe estas líneas también puede rememorar una rueda de prensa en Madrid en 2001 para presentar el proyecto paralelo a Extremoduro Extrechinato y tú, en el que Iniesta pone música a los textos del pastor y poeta salmantino Manolo Chinato. En aquella ocasión, y como era lógico, la mayor parte de los medios querían fijar la atención en Iniesta por delante de Chinato, entonces un desconocido para el gran público.

Al padre de Extremoduro aquella actitud le molestó en sobremanera hasta el punto de, entre exabruptos, levantarse y querer suspender la rueda de prensa, que afortunadamente se retomó gracias a los esfuerzos conciliadores del personal de su discográfica de entonces, DRO. “Creo recordar que llegó a rasgar en público un ejemplar de El País porque en él se decía 'Robe Iniesta saca nuevo disco' sin nombrar a Chinato”, rememora Casañas.

“Así era él, directo, protestón, antisistema y nada diplomático”, remacha el biógrafo. Otra anécdota que abona la leyenda del eterno rebelde es la frase con la que comenzó su discurso de aceptación el día que recogió la Medalla de Extremadura, en una gala en Teatro Romano de Mérida rodeado de la élite política de su comunidad: “Hoy me han coronado como rey de Extremadura”.

Icono maldito juvenil

No obstante, por este mismo carácter tormentoso y en ocasiones intratable, tanto Iniesta como personaje como Extremoduro como banda, marcaron a varias generaciones de adolescentes a partir de los 90, incluso antes de que la banda obtuviera el reconocimiento masivo con Agila a partir de 1996, cuando Iñaki Antón se hace con el control de las producciones y pule las composiciones de Iniesta. El periodista cultural Ignacio Pato Lorente escribió un sentido homenaje cuando se enteró en 2019 de la separación definitiva de Extremoduro. “Me sé el Deltoya creo que entero como la tabla de multiplicar y algunas partes de Dónde están mis amigos y Agila”, comenzaba la columna de Pato en La Marea.

“Para los chavales que a mediados de los 90 teníamos 15 años, Deltoya fue uno de los primeros discos de rock que nos marcaron, por sus letras crudas, por hablar de conflictos amorosos y por la actitud de Robe, que nos parecía de una persona al límite, algo que cuando eres adolescente siempre te atrae”, comenta Pato. Recuerda que era una época “totalmente analógica, en la que no había internet, ni Spotify, así que los discos y la información de los grupos te llegaba por el boca a boca, las cintas de casete y las pocas revistas musicales a las que teníamos acceso”.

Pato revela que en aquellos primeros noventa “Extremoduro era el mínimo común denominador entre todos los jóvenes, lo que todos escuchábamos más allá de los gustos generales de cada uno”. Casañas rubrica esta coincidencia señalando que “el fenómeno Extremoduro consistió en llegar a toda la juventud más allá de clases sociales, territorios y estatus socioeconómicos; allí donde fueras, la gente les conocía y se sabía sus canciones”.

Pato compara esta afinidad con otra banda icónica como los Estopa, influenciada como se ha dicho por Iniesta y cuyo conocimiento también trasciende clases sociales, territorios y edades. E insiste en la imagen que entonces tenía de Iniesta como “alguien oscuro y temerario, muy atractivo, aunque con la edad cambias la perspectiva”. Recuerda que en su clase cada dos por tres “saltaba la falsa noticia de que Robe acababa de morir de sobredosis”.

También cita Casañas otros bulos como el que aseguraba que Iniesta era un profesor de primaria que lo había dejado todo, familia incluida, para dedicarse a la música. Robe Iniesta trascendió a todos esas fake news de la era analógica, que bien podrían haberse extendido hoy en día, hasta que la muerte, la única verdad absoluta que atañe a los humanos, se lo llevó en la madrugada del pasado martes.

La música de Extremoduro define casi al 100% la personalidad de Robe Iniesta. En parte porque las letras siempre fueron su coto privado dentro de la banda, donde desarrolló todo su potencial tanto lírico como irónico y combativo: poesía urbana del extrarradio que llegó a influir hasta en grupos rumberos como Estopa, que siempre han reconocido el peso de las letras de Robe sobre sus creaciones.

Y también porque la base musical, aunque pueda recordar a numerosas bandas, como Sex Pistols, AC/DC, Iron Maiden o, en casa, a los Leño de Rosendo Mercado o el rock radical vasco, es un resumen la experiencia vital y la educación sentimental del fundador de la banda, que nunca hizo demasiadas concesiones a aventuras musicales por sendas comerciales.

De este modo, las canciones más icónicas de la banda son las que mejor explican la trayectoria de Iniesta, que no obstante tuvo en sus últimos años una fructífera carrera en solitario, que se entremezclaron siempre con rumores del renacimiento de la banda, que dejo de funcionar a partir de 2015 y fue declarada oficialmente disuelta en 2019.

'La vereda de la puerta de atrás'

Integrada en el disco de 2002 Yo, minoría absoluta, marca un punto de madurez tanto musical como lírica de Iniesta. Con acordes más comedidos, acariciando el clímax melódico y un tempo medio poco acelerado, la letra siempre libertaria de su autor se desliza con claridad marcando un himno perfecto para recitar en los directos.

'So payaso'

Tema de su primer trabajo de éxito, Agila, es uno de los más escuchados de la banda y seguramente el tema que mejor apuntaló el éxito posterior de Extremoduro, llegando a sonar en emisoras nacionales y además con un vídeo musical que llegó a aparecer en televisión.

'Si te Vas'

La canción aparece en su décimo álbum de estudio, Material defectuoso, lanzado en 2011. El disco debutó directamente en el número 1 de la lista de ventas española y se mantuvo cuatro semanas consecutivas en lo más alto de la lista. Se trata de una canción de tempo lento que va aumentando progresivamente, aunque siempre manteniendo un tono melancólico y romántico, no exento de la contundencia verbal de las letras de Iniesta.

'Stand by'

Una preciosa canción lírica que trata sobre el duelo, la nostalgia y la añoranza de los seres queridos y perdidos. Fue incluida en 'Yo minoría absoluta', de 2002. Musicalmente contiene todas las claves del universo compositivo de Iniesta, alternando riffs largos y poderosos, filigranas metaleras y momentos pausados de gran hermosura poética.

'Salir'

Del disco Canciones prohibidas, de 1998, Salir fue el primer himno generacional que el gran público coreó en los conciertos de Extremoduro. Una canción llena de rabia y hastío vital que explica las primeras etapas de Iniesta en el mundo del rock. Sus primeras estrofas, ya legendarias, lo dicen todo: “Salir, beber, el rollo de siempre / Meterme mil rayas, hablar con la gente”.

Los festivales de cine se parecen a la persona que tienen detrás dirigiéndolos. Se nota en Cannes, donde la verborrea incontenida de Thierry Frémaux marca el tono desde hace años. O en San Sebastián, donde la honestidad de José Luis Rebordinos afecta a cómo se enfrenta de forma frontal cada vez que hay una polémica. Eso se ha notado siempre por cualquier certamen que dirigiera José Luis Cienfuegos, el director de Seminci que fallecía este martes por un aneurisma. Gijón, Sevilla, y ahora Valladolid, habían quedado marcados por el ‘sello Cienfuegos’. 

Un sello que muchos quisieron imitar sin éxito. Era su marca. Un estilo propio que hizo que revolucionara cualquier festival que tocaba con su varita desde hace casi tres décadas. Primero fue Gijón. Cienfuegos convirtió aquel pequeño festival de la ciudad asturiana en un sitio al que había que ir. Donde se descubrían nuevos cineastas. Donde se apostaba por nuevas miradas y que era un lugar de encuentro entre directores, prensa, espectadores y cinéfilos. Fueron 16 años que colocaron al FICX en referencia.

Su marcha a Sevilla fue un chute de energía para la ciudad andaluza, que de repente se encontró con un certamen moderno, divertido, fresco y donde, de nuevo, todos querían ir. Allí estuvo otros 11 años, sacando adelante una programación donde se dejaba la piel y donde no siempre tuvo todo a favor. La huella de Cienfuegos en Sevilla se notó más que nunca cuando en 2022 anunció su marcha. El terremoto provocado todavía se nota en aquel festival.

Ese sello se lo llevó a Seminci, uno de los festivales más importantes de España que desde hacía años vivía en el estancamiento. Costaba que fueran los cineastas, que la prensa pusiera el ojo, y Cienfuegos volvió a demostrar que festival donde ponía su saber hacer, festival que vivía una revolución. Lo hizo, además, en el peor contexto político posible, con la llegada de Vox a la cartera de Cultura, y el polémico cambio por el que Seminci pasó a depender de Turismo para evitar el choque. Aun así, logró esquivar la tormenta política.

Cienfuegos creía en el poder revolucionario del cine, y creía que un festival podía transformar la ciudad. Que no era una cuestión de ir a las salas una semana al año, sino que hubiera una simbiosis constante, que el certamen fuera parte de la identidad de la ciudad. En Seminci se encontró un público que eso siempre ha tenido el festival presente, y simplemente les dio lo que les faltaba: modernizó su imagen, incluso el mítico logo de los labios que con su llegada se convirtieron en unos modernos, de líneas finas.

La clave de su éxito era que entendía el ADN de cada festival, y mantenía su esencia. No los traicionaba, pero traía un aire nuevo. Los festivales se convertían con él en lugares amables, divertidos, donde los semanistas, esos que homenajeó en su última inauguración de Seminci; donde las señoras de la sesión Vermut del Calderón, convivían con un público joven que él lograba atraer a las salas. En sus festivales había películas, pero también había fiesta, música y diversión. La charla cinéfila se alargaba hasta por la noche. Era una fiesta democrática, sin élites. La gente de la ciudad podía acudir a los locales donde sabía que podía encontrarse con los responsables de las películas que acababan de ver. 

Y él siempre presente. Con su sonrisa y su risa contagiosa. Sus ganas de hablar a pesar de las prisas. Los polos de Fred Perry, seña de vestuario tan característica de un director que, por encima de todo, era un cinéfilo empedernido. Porque no era una cuestión simplemente de hacerse el moderno. De nada valía eso si en la base de todo no había una apuesta por el cine. Un cine que ensanchaba los límites, que era político y poético. Artístico, arriesgado, pero contándolo desde la diversión, desde el disfrute, nunca desde una atalaya de superioridad moral. Solo hay que ver las últimas ediciones que programó de Seminci, donde cabía Lav Díaz y el estreno de Hamnet. Donde el cine español más radical dejó de estar condenado a las secciones paralelas para entrar a competir por los premios más importantes. 

Era él quien lograba que todos quisieran acompañarle en cada aventura que emprendía. Su trato cercano, el cómo cuidaba cada título y a cada director hizo que los productores y los exhibidores quisieran ir a los festivales que el dirigía. Daba igual que fuera el Giraldillo de Oro que la Espiga de Oro, la idea era ir al festival de Cienfuegos. Igual que la prensa sabía que allí donde estuviera él la programación iba a estar cuidada con mimo.

La revolución que le metió a Seminci se notó en esta última edición. La 70. Una edición que homenajeaba al pasado mirando al futuro. Que era consciente de sus señas identitarias, pero que no se resignaba a poder ser moderna. Así era cómo él veía los festivales y ese es el legado que ha dejado en Valladolid y en todos los certámenes que le tuvieron detrás. Muchos intentarán imitar el sello de Cienfuegos, y ojalá esa alma que él instauraba se mantenga en forma de legado que honre al hombre que revolucionó el panorama de los festivales de cine en España.

Pablo Junquera Martínez, propietario de San Telesforo de Toledo, ha fallecido en esta ciudad a los 77 años de edad. Esta empresa emblemática tiene el obrador de mazapán más antiguo del mundo, ubicado en Olías del Rey, y su dueño ahora fallecido formaba parte de la quinta generación de esta empresa familiar.

Su funeral se celebra este miércoles a las 15.00 horas en la capilla del tanatorio de Toledo y después será enterrado en el cementerio municipal.

“Se ha ido en paz”, comentan quienes le conocían, y aseguran que era un hombre “risueño, entrañable y bonachón”, capaz de liderar sin traumas la continuidad de una de las empresas familiares más reconocidas en Toledo. Su legado lo continúan sus hijos María Ángeles, Patricia y Pablo, con la incorporación a la dirección de Juan Manuel Albelda, su yerno y, de forma más reciente, la de su nieto Pablo Albelda Junquera.

El fallecimiento de Pablo Junquera Martínez ha coincidido con la rueda de prensa del balance anual de San Telesforo. Allí, su hija María Ángeles leyó una carta de su padre en la que lamentaba no poder asistir. En la misiva hablaba de los medios de comunicación como sus “amigos” y destacaba que lo esencial de San Telésforo son “sus clientes, únicamente superados por nuestro producto estrella, el mazapán de Toledo”.

“Os dejo con mis hijos a vuestras órdenes y curiosidades, teniendo muy presente que este acto no es uno más de puertas abiertas, sino de brazos abiertos donde podáis sentir el cariño, la dedicación en una palabra, la vocación de nuestra empresa familiar”, concluía.

Más de dos siglos de una empresa familiar

San Telesforo se fundó en el año 1806 cuando Juan Sánchez Aguilera adquirió, según consta en escritura pública caligrafiada, una casa en la Plaza de Zocodover que constaba de sótano envovedado, tienda, cuarto principal, segundo y tercero; azotea y, en ella, el obrador de confitería“.

Tuvieron que pasar tres generaciones por el negocio hasta que Telesforo de la Fuente, en 1907, lo reformara íntegramente, ubicando el obrador en la parte trasera de la tienda, la cual ocupó toda la fachada de la casa que da a Zocodover y, con la visión comercial que le caracterizó, dio su nombre a la empresa, Casa Telesforo.

En 1939, nada más terminar la Guerra Civil Española, y aún en vida de Telesforo, sus herederos Pablo Junquera y Julio Sánchez transformaronn en sociedad limitada la empresa existente. En 1958, Joaquín Sánchez sustituyó a su padre Julio, y en 1974 Pablo Junquera Martínez tomó igualmente el relevo de su padre Pablo Junquera.

En 2006, fecha del bicentenario de Telesforo, surgió la oportunidad de ampliar la empresa y trasladarla para ocupar un edificio completo, en el que además de su planta baja con terraza en Zocodover, se habilitaron dos plantas más para la atención al público y, al igual que hace más de dos siglos, parte de los hornos se sitúan en la última planta.

Coincidiendo con el 210 aniversario de la empresa, se estrenó una nueva tienda, San Telesforo, en el comienzo de la cuesta del Alcázar, esquina a Zocodover.

La necesidad de una mayor producción como consecuencia de esta nueva pastelería y la demanda de otras tiendas delicatessen que sus clientes tienen repartidas por toda España, ha hecho seguir creciendo a esta empresa familiar, gracias al empuje de la sexta generación de la familia, Mª Ángeles, Patricia y Pablo.

Pablo Junquera Martínez siempre decía que en San Telesforo “todo el año es Navidad”. Llegó incluso a escribir el que tituló como ‘Cuento de Navidad de San Telesforo’, en 2019.

Jimmy Cliff, una de las grandes figuras del reggae, ha fallecido a los 81 años por complicaciones de una neumonía, según anunció este lunes su mujer, Latifa Chambers, en redes sociales. “Con profunda tristeza les comparto que mi esposo, Jimmy Cliff, falleció debido a una convulsión a consecuencia de una neumonía”, señaló Chambers, que quiso recordar a todos los que “han compartido camino con él”. “A todos sus fans de todo el mundo, sepan que su apoyo fue su fortaleza durante toda su carrera. Él agradeció de verdad el cariño de cada uno de ellos”, agregó.

Nacido el 30 de julio de 1944 en Saint James (Jamaica), James Chambers comenzó a participar en concursos musicales desde muy joven. Su carrera despegó a los 17 años con Hurricane Hattie tras convencer al productor de origen chino Leslie Kong de que le grabara sus primeros temas. Su consagración llegó en 1969 con su disco homónimo, que contiene clásicos como Many Rivers to Cross, Vietnam y Wonderful World, Beautiful People.

Se mudó a Reino Unido y se convirtió en una estrella del reggae y del ska. Tanto que es uno de los dos miembros jamaicanos del Salón de la Fama del Rock and Roll, junto a Bob Marley. También fue actor de cine y protagonizó una película esencial del cine de Jamaica, The Harder They Come (Caiga quien caiga, 1972), en la que también se encargó de la banda sonora y a la que se le atribuye haber introducido el reggae en Estados Unidos.

Cliff contribuyó a difundir el sonido de Jamaica a nivel mundial con éxitos como The Harder They Come -tema principal del filme-, I Can See Clearly Now y You Can Get It If You Really Want. En 2012 ganó un Grammy al mejor álbum de reggae por Rebirth y en los últimos años trabajó con el productor ghanés Kwame Yeboah, con el que regresó al reggae más puro.

La influencia de Cliff ha sido reconocida por artistas como Rolling Stones, Elvis Costello, Annie Lennox o Paul Simon, con los que colaboró. Otros como Bruce Springsteen, Willie Nelson, Cher, New Order o Fiona Apple han grabado versiones de sus canciones. Bob Dylan proclamó Vietnam como “la mejor canción de protesta jamás escrita”, según destaca la web oficial de Cliff. En una entrevista con EFE en 2015 aseguró que “la música es como el oxígeno. Todos la necesitamos para seguir vivos y es lo que nos une a todos”. Tras una carrera de más de 60 años, continuaba buscando su mejor canción: “Estoy persiguiéndola todo el tiempo. Si mi música puede inspirar a alguien y hacer que quiera vivir una vida mejor y no rendirse, para mí es un gran éxito”.

Gary 'Mani' Mounfield, pieza clave en el llamado “sonido Manchester” de las décadas de los 80 y los 90 del siglo pasado, bajista de bandas como The Stone Roses y Primal Scream, ha fallecido a los 63 años. En una publicación en Facebook, su hermano Greg lo ha comunicado con el siguiente escrito: “Con el corazón destrozado, anuncio el triste fallecimiento de mi hermano Gary 'Mani' Mounfield. Descansa en paz, RKID”. La causa de la muerte no ha sido revelada.

Desde entonces, el mundo de la música se ha volcado en homenajes tras el anuncio de su fallecimiento el jueves 20 de noviembre. Y la cantante de Happy Mondays, Rowetta, ha publicado en X: “Te voy a extrañar muchísimo. Todo mi amor para los chicos, la familia y todos los que lo conocieron y amaron”. Su compañero de banda en The Roses, Ian Brown, publicó en X: “Descansa en paz, Mani X”. Tim Burgess, de The Charlatans, lo describió como “uno de los mejores en todos los sentidos; un amigo entrañable”. Por su parte el cantante de Oasis, Liam Gallagher, ha escrito en esta misma red: «Estoy totalmente conmocionado y absolutamente devastado al enterarme de la noticia sobre Mani, mi héroe».

Mani había anunciado recientemente una extensa gira de conferencias por el Reino Unido, que abarcaría desde septiembre de 2026 hasta junio de 2027, en la que prometió repasar momentos clave de su carrera, como el concierto de los Stone Roses en Spike Island en 1990 y su gira de regreso en 2011.

El músico británico de rock, originario de Crumpsall, Manchester, saltó a la fama tras unirse a The Stone Roses en la década de 1980. Participó en los dos álbumes de la banda y permaneció en The Stone Roses hasta su disolución en 1996, para luego unirse a Primal Scream, el proyecto del ex The Jesus and Mary Chain Bobby Gillespie. En 2011, anunció su salida de Primal Scream para reformar The Stone Roses.

En una entrevista en 2006 la revista Uncut, Mounfied reflexionaba sobre su vida y su éxito. A pesar de que le había dolido la separación de los Stone Roses, dijo: “Nunca lo veré como una misión fallida; joder, soy del norte de Manchester, no de la mejor zona, y he dado la vuelta al mundo dos o tres veces tocando música. Sigo viviendo cómodamente, tengo casa. Podría haber acabado traficando con crack, robando coches o asaltando casas, como muchos de mis amigos. O muerto”.