El director Pol Rodríguez (codirector junto a Isaki Lacuesta de Segundo Premio) creció entre fogones. Los del restaurante familiar en el que durante 90 años toda su familia trabajó dando de comer a la gente que se acercaba por un sitio que se convirtió en emblema del Raval. Por allí pasaba desde cualquier vecino del barrio hasta círculos intelectuales del entorno barcelonés, como José Luis Guerín o Joaquim Jordà. Lo que pasó a aquella casa de comidas podría haber sido una trama de En construcción, el documental de Guerín que en 2001 mostró el comienzo de la gentrificación en aquel barrio.

Un fondo buitre compró el edificio y logró que la familia de Rodríguez tuviera que dejar aquel lugar en el que habían crecido y pasado toda su vida. Aquella historia, que funciona como ejemplo paradigmático de la turistificación de Barcelona y de otras ciudades y del problema de la vivienda en España, se ha convertido en una serie creada y dirigida por el propio Pol Rodríguez junto a su amigo Isaki Lacuesta. Una serie con la que, además, se cierra un círculo. Fue en esa casa de comidas donde conoció a Jordá, comenzó a trabajar de ayudante de dirección con él, y ahí se encontró con Isaki Lacuesta, con quien ahora firma la serie.

Ravalear, que así se llama la serie, se ha proyectado en el Festival de Berlín, donde ha desvelado sus dos primeros episodios. Dos capítulos que apuntan a que estamos ante una de las series del año. Una ficción donde la realidad se cuela, donde incluso parece que hay partes grabadas con cámara oculta en el Raval, y con un toque de guerrilla que se cuela en este ejercicio de estilo creado a golpe de montaje, banda sonora y unas interpretaciones excelentes de un cast comandado por tres de los mejores actores de su generación: Enric Auquer, María Rodríguez Soto y un Quim Ávila al que le deberían empezar a llover los papeles.

Auquer se convierte, de alguna forma, en un trampantojo del propio Rodríguez en la serie. Un joven que ve cómo el sueño de sus padres de comprar por fin el restaurante que durante décadas han alquilado y han regentado se desvanece por el engaño de un fondo buitre que les deja tirados, y vende el local (y todo el edificio al mejor postor). Ravalear muestra la realidad del mercado inmobiliario, las tretas de las empresas para echar a los inquilinos y las consecuencias en el tejido social y en los barrios de todo ello. Podría, de hecho, ser la secuela espiritual de aquella En construcción que citábamos.

Hasta Berlín ha venido la familia de la ficción y Pol Rodríguez, que se mostraba emocionado y nervioso por compartir una historia que, de alguna forma, es la suya. De hecho, también ha venido su familia real, sus padres, que confesaban que cuando vieron la serie terminada se emocionaron al ver tantos recuerdos allí plasmados. Rodríguez cree que en esta serie hay algo de “venganza”, pero también de “sanación”.

Lo que hay es una clara mirada a un problema que nos atañe a todos y que expulsa a la gente de las ciudades para ponerlas al servicio de fondos buitre y turistas. Aclara también que está “inspirado” en lo que pasó en su familia. “Tuvimos un restaurante en el barrio del Raval durante 90 años, y en el 2021 tuvimos que cerrar con un desahucio y tuvimos ese proceso de lucha contra un fondo de inversión que duró más o menos unos cinco años. Yo estaba ya escribiendo una historia sobre la falta habitacional en la ciudad. De repente me di cuenta de que la realidad estaba entrando ya en la ficción directamente. Entonces fue cuando decidí introducir toda la trama de la familia e, investigando sobre fondos de inversión, me di cuenta de la complejidad y de la profundidad del asunto”, explica desde Berlín. 

La complejidad del asunto le hizo ver que no podía ser una película, sino una serie donde abordar todas las aristas y complejidades de un tema con el que le cuesta ser optimista. “A nivel político, es muy obvio que no hay un interés en regular una problemática que nos afecta a todos, pero también nosotros mismos, como clase media, nos hemos convertido todos en turistas. Al final ahora somos dos tipos de personas: o somos turistas o gente sin casa. Es así de claro. Los que tenemos una casa podemos viajar y viajamos. Entonces, ¿cuánto de culpabilidad tenemos nosotros mismos en todo ello?”, analiza, y espera que la serie abra el debate que haga “ponerse las pilas a los políticos”.

La serie muestra cómo esa lucha que se da en el barrio del Raval, entre mantener su esencia o rendirse a las nuevas modas, también se produce dentro del restaurante, donde uno de los hijos quiere apostar por un menú más caro y pijo mientras que el otro apuesta por mantener la esencia popular del local. En palabras de Rodríguez, “la serie va sobre cuánto necesitamos el progreso y a qué precio”. “Pasa en las ciudades y pasa en la cocina. Me interesa muchísimo esta contradicción de cómo el pasado a veces te ata y qué lastre tienes que dejar para poder avanzar, pero al mismo tiempo, muchas veces arrasas con cosas que no deberías arrasar por ese progreso”, opina.

Con Ravalear quiso que también hubiera una coherencia, que “el Raval entrara a cucharadas en la serie”. Eso se nota en la puesta en escena, con esas tomas lejanas y esos zooms que captan la esencia del barrio, pero también en cómo han trabajado introduciendo a las ONG y asociaciones que trabajan en sus calles. “En este caso, en el que hablábamos de una problemática social, yo quería conocerla de primera mano. No quería hablar desde mi pequeño despacho, mi pequeña oficina, sino trabajar con ellos. Nos abrieron sus puertas. Nos enseñaron sus dinámicas”, recuerda. Entre todos han construido una de las series que, sin duda, va a marcar el 2026 en el audiovisual español.

El cine español ha elegido las mejores películas del siglo XXI. En una votación organizada por elDiario.es, 56 cineastas han escogido a Mulholland Drive, de David Lynch, como la mejor obra de estos últimos 25 años. Un podio que cierran In the mood for love, de Wong Kar-Wai y La ciénaga, de Lucrecia Martel. Esta es la lista de las mejores películas de Isaki Lacuesta.

Segundo Premio, el (no) biopic sobre Los Planetas dirigido por Isaki Lacuesta junto a Pol Rodríguez ha sido la elegida por la Academia de Cine para representar a España en la carrera por el Oscar internacional. Lacuesta y Rodríguez están entre los favoritos en esta temporada de premios del cine español desde que en el pasado Festival de Málaga presentaran esta original propuesta que da la vuelta a los biopics musicales y los trasciende para convertirse en una hermosa historia de amor y amistad llena de arrebatos visuales y oníricos. En Málaga arrasó ganando la Biznaga de Oro a la Mejor película, y las menciones a la Mejor dirección y el mejor montaje. 

Segundo premio ha vencido a la que muchos veían como la favorita, Marco, de Jon Garaño y Aitor Arregi; y a otro personal biopic musical, La estrella azul, de Javier Macipe, y que también revolucionaba las normas de este subgénero para contar la historia de Mauricio Aznar, el líder de la banda zaragozana Más Birras. Una terna en la que no podía estar La habitación de al lado, de Pedro Almodóvar, al estar completamente hablada en inglés. 

Es la primera vez que Isaki Lacuesta, en esta ocasión en la codirección junto a Pol Rodríguez, representará a España en la lucha por el Oscar. La confirmación a nivel académico y de público de uno de los cineastas más importantes del cine español de los últimos años. Ha ganado en dos ocasiones la Concha de Oro en San Sebastián y ha competido en festivales como el de Berlín con su anterior obra, Un año, una noche. En estos momentos trabaja en un documental sobre Antonio Flores en el que participa la hija del cantante, Alba.

A Lacuesta y Rodríguez les tocará intentar repetir el logro que el año pasado consiguió Juan Antonio Bayona con La sociedad de la nieve, que no solo logró la nominación tras varios años de ausencia del cine español en la categoría, sino que también hizo que el maquillaje del filme estuviera entre los finalistas de los premios de la Academia de Hollywood.

Ambos directores entraron por vídeollamada en la Academia de Cine cuando conocieron la noticia, e Isaki Lacuesta mostró su sentido del humor cuando le preguntaron por las fortalezas que podía tener su película. “Yo solo le veo debilidades. Me alegro mucho de que haya gente que lo haya percibido de otra manera. Confío en que con los subtítulos al inglés mejorará muchísimo, dijo el cineasta.

A veces somos acomplejados con lo nuestro. Una banda de Seattle es universal, y con lo nuestro parece que no puede suceder lo mismo, pero todas las historias por definición son universales

Isaki Lacuesta — Cineasta

Su productor, Cristobal García, confesó que nunca pensaron en Segundo Premio como una película local, sino como “un homenaje a la música a través de una historia de amor y amistad que es universal”. “Es una escena musical que ha trascendido Granada y España. Una influencia para Isaki y para la película es Lorca, que llegó a Nueva York y al mundo. Esto no va solo de Los Planetas, sino de la música”. Lacuesta añadió que cree que a veces, en España “somos acomplejados”. “Una banda de Seattle es universal, y con lo nuestro parece que no puede suceder lo mismo, pero todas las historias por definición son universales”, añadió.

Sobre los planes internacionales del filme, Segundo Premio sigue sin tener distribución en EEUU, algo clave de cara a la campaña de los Oscar, aunque Cristobal García adelantó que se encuentran en negociaciones con varias empresas que se habían detenido esperando a ver qué pasaba con este preselección y que ahora retomarán. Además, el filme ha estado ya en 15 festivales internacionales y el primer trimestre del año próximo se estrenará en Francia.

De quienes no han sabido nada todavía es de Los Planetas. La banda se posicionó en contra del filme, y desde su estreno solo se han visto con el equipo de la película en el festival de música Sonorama, donde el productor de la película ha contado que se colaron en su camerino. Eso sí, su líder, Jota, sigue diciendo que no le gusta. “Me lo volvió a decir allí, pero sería raro que dijera lo contrario, porque es fiel a su discurso”, dijo García que también avanzó que hoy esa desconexión se rompería, porque le pensaba llamar.

La actriz Alba Flores protagoniza y produce Flores para Antonio, una película en la que se adentra en los recuerdos, la vida y la obra de su padre, Antonio, figura de la música española y autor de himnos como 'No dudaría' o 'Juan el golosina'. Un largometraje documental original de Movistar Plus+, que está escrito y dirigido por Isaki Lacuesta ('Segundo premio, Un año, una noche) y Elena Molina (Remember my name), y que supondrá un viaje por la memoria del cantante.

“Esta película empezó siendo una ofrenda de amor a Antonio Flores y a su público. Lo que no sabía es cuánto necesitábamos algunas personas del entorno de mi padre algo así. Es una película que estamos haciendo a flor de piel para un artista que también creaba a flor de piel”, explica Alba Flores en la nota que ha anunciado este proyecto.

Para este filme, Lacuesta ha contado con materiales inéditos, entre ellos, vídeos caseros, fotos, grabaciones, dibujos, imágenes de archivo y su propia música para entender, en su totalidad, la figura y la importancia que tuvo Antonio Flores. Según el comunicado, “Alba Flores se adentra en un emocional viaje al explorar las cajas de recuerdos de su padre, escuchar sus cintas de ensayos, aprender sus canciones y participar en el primer concierto en su honor. Todo mientras comprende quién fue su padre y descubre historias aún sin contar junto a su madre, Ana Villa, y sus tías, las célebres Lolita y Rosario Flores”.

Este proyecto -que también cuenta con producción de Caballo Filmes, responsable de los filmes de Rodrigo Sorogoyen- también se estrenará en salas de cine, Movistar Plus+ sigue apostando por la línea editorial de la no ficción, con productos originales que muestran nuestras historias desde otro punto de vista como Esta ambición desmedida, Joaquín Sabina. Sintiéndolo mucho o Bosé Renacido.

La Academia de Cine ha elegido las tres cintas que pugnarán por representar a España en los Premios Oscar 2025 en la categoría de Mejor película internacional. La estrella azul de Javier Macipe, Marco, de Aitor Arregui y Jon Garaño y Segundo Premio, de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, son los tres títulos seleccionados por la Academia. Ahora sus miembros deberán elegir la película que finalmente luchará por la nominación a la estatuilla. La decisión final será anunciada el próximo 18 de septiembre.

El filme resultante tomará el relevo a La sociedad de la nieve, largometraje dirigido por Juan Antonio Bayona, que el año pasado logró estar entre las cuatro candidatas, aunque finalmente no se llevó la estatuilla. La estella azul recuerda el viaje que el músico zaragozano Mauricio Aznar (1964-2000), que lideró en los noventa la banda Más Birras, realizó por América Latina buscando reencontrarse con su vocación dejando atrás el fantasma de la adicción.

La cinta fue aclamada por la crítica y obtuvo dos premios en el festival de San Sebastián 2023: el Premio de la juventud y el Premio Cooperación Española.

Marco, el filme de los realizadores vascos Aitor Arregui y Jon Garaño, todavía no ha sido estrenada pero ya ha podido verse esta semana en el Festival de Venecia, donde ha recogido buenas críticas y es candidata a obtener alguno de los premios, en especial por la inmensa actuación de su protagonista, Eduard Fernández. El filme trata de la vida de Enric Marco, el suplantador que durante años se hizo pasar por un expreso del campo de concentración nazi de Mathausen, y como tal presidió la asociación Amical de Mathausen hasta que fue descubierto.

Segundo premio es la última entrega hasta la fecha del director catalán Isaki Lacuesta, en este caso codirigida con Pol Rodríguez. Aborda la historia de la banda granadina de pop-rock independiente Los Planetas, la más emblemática de su generación, durante la grabación de su tercer disco, Una semana en el motor de un autobús.

La cinta, muy aclamada por la critica, se hizo con tres premios en el pasado Festival de Málaga: al mejor director para Isaki Lacuesta, a la mejor película y al mejor montaje.

El Festival de Cine de Santander (FCS), organizado por Morena Films y el Centro Botín y que celebrará su octava edición del 13 al 19 de septiembre, ha concedido el premio Faro de Honor Carlos Saura al director, guionista y productor Isaki Lacuesta y a la guionista, directora y productora Isa Campo.

El Faro de Honor Carlos Saura reconoce los valores cinematográficos de profesionales del sector audiovisual a lo largo de su trayectoria. En esta ocasión ha querido distinguir a Lacuesta y Campo, quienes han compartido numerosos proyectos de guion y producción, y cuyo trabajo en común los ha llevado a codirigir la película 'La próxima piel', que recibió el premio San Jordi a mejor película en 2016.

La entrega del galardón tendrá lugar el 14 de septiembre a las 20.30 horas en el Centro Botín. Ese mismo día, se proyectará en CASYC la citada película codirigida por ambos; y en la Filmoteca, Lacuesta presentará su último film, 'Segundo Premio', que concursará en el festival dentro de la sección oficial Cantabria Infinita. Dicho trabajo ya se alzó con la Biznaga de Oro a mejor película en la pasada edición del Festival de Cine de Málaga.

Isaki Lacuesta tiene una dilatada carrera y entre los múltiples galardones que ha recibido están el Goya al mejor guion adaptado por 'Un año, una noche' y dos Conchas de Oro, otorgadas por el Festival Internacional de Cine de San Sebastián por 'Los pasos dobles' y 'Entre dos aguas'.

Isa Campo también obtuvo el Goya al mejor guion adaptado por 'Un año, una noche'. Su trayectoria como guionista incluye numerosos premios más y recientemente ha dado el salto como guionista y directora en televisión, con la serie 'Apagón'.

El FCS mantiene en esta octava edición su objetivo de llevar a la capital cántabra estrenos de películas nacionales e internacionales, principalmente óperas primas, para brindar a los nuevos creadores un espacio único donde mostrar sus trabajos.

“Escribir sobre música es como bailar sobre arquitectura”, afirmaba aquella famosa frase atribuida, entre otros, a Frank Zappa, Elvis Costello y Laurie Anderson. La ingeniosa sentencia, supuestamente ingeniosa, pretendía cuestionar la validez de la reflexión escrita referida a una expresión artística. ¿La música solo se puede disfrutar desde el estricto formato musical? Tremenda idiotez. Algunos textos sobre música han sido tan o más reveladores que la música que los inspiró. Y Segundo premio es la cinematográfica constatación de ello, una película basada en la vida y obra de Los Planetas que, como toda expresión artística que se precie de serlo, impulsa el objeto de su análisis más allá de sus confines.

En una época en que los documentales y biopics musicales se han convertido en herramientas promocionales para relanzar trayectorias o afianzar el relato que más interesa al artista, Segundo premio esquiva toda utilidad en pos de una obra autónoma. Segundo premio no reivindica nada, no glorifica a nadie. Es un logro en sí mismo. En este sentido, la decisión más valiente es conceder al personaje de May, la bajista que saltó del barco antes de grabar el tercer disco de Los Planetas, un rol central en la narración. Desde la barrera, su perspectiva desapegada es la toma de tierra que impide a Segundo premio ser la enésima película de rock y drogas. May es la brújula externa que le permite avanzar el relato con soltura, el contrapeso psicológico que escarba en los remordimientos de grandeza de Jota. Solo por esa decisión, la cinta que firman Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez marca un osado punto y aparte frente a tanto biopic interesado.

En cierto modo, Segundo premio nace de un proceso de creación tan o más dificultoso que el que atravesó la grabación de Una semana en el motor de un autobús. En ese sentido, película y disco parecen alimentarse de una energía similar: la tenacidad. Sí, ambas salen adelante como buenamente pueden. Son obras que disimulan perfectamente sus momentos de flaqueza gracias a un acabado imponente y cautivador. Y, probablemente, sea así porque, del mismo modo que Una semana en el motor de un autobús se alimenta de una tensión entre Los Planetas y su discográfica, Segundo premio se nutre de la colisión entre lo que Los Planetas hubiesen querido y la película que los cineastas deseaban filmar. Como el disco, la película también exhibe una desobediencia deliberada.

El sonido de cristales rompiéndose

Hay una espléndida escena en Segundo premio que resume en su rotundo delirio lo que tantos cronistas musicales han intentado expresar por escrito sobre Los Planetas. El grupo está actuando en una sala de Granada. Esa noche Florent no anda muy fino, pero su forma de tocar la guitarra encarama las canciones por vertiginosas cuestas ruidistas. Jota percibe el seísmo sonoro. El suelo empieza a temblar. La electricidad se les va de las manos y cobra vida propia. Las lámparas de la sala se balancean. Si cayeran podrían aplastar al público. En esa época, el directo de Los Planetas era un accidente tras otro. Y, de repente, todo estalla en pedazos. Eso y nada más es el grupo en 1997: alucinación y catástrofe.

Los más planetólogos del lugar encontrarán detalles puntuales en el guion que le chirrían. En una reunión con la discográfica, por ejemplo, se lamenta que el segundo disco del grupo no cumpliese las expectativas comerciales al tratarse de un disco demasiado experimental o psicodélico, cuando aquella fue su grabación más pop; no en vano, se tituló Pop. En cambio, nadie podrá poner pegas a la labor actoral. Las interpretaciones de El Cantante, El Guitarrista, La Bajista y El Batería son exageradamente creíbles. La dicción, los dejes, el lenguaje corporal y hasta la manera de tocar los instrumentos, especialmente en el caso de Erik y Florent, están entalladas a la perfección. Muchas cintas biográficas tienen ahí su principal talón de Aquiles. En Segundo premio esa es su gran baza.

Más allá de alguna escena de bar y de furgoneta al más puro estilo Casi famosos, el único aspecto que resta veracidad a la trama son las escenas de ensayos de la banda. Y no por culpa de los actores, sino por cómo ecualiza la música. En un local de ensayo es donde peor suena un grupo. Muy a menudo, la voz del cantante es inaudible debido al estruendo de guitarras y la batería. Pero en las escenas de Segundo premio, la voz de Jota suena extrañamente clara y comprensible. Y, por si fuera poco, se subtitulan algunas letras para que el espectador no pierda detalle de lo que canta. Ahí la película traiciona una de las verdades más universales e indiscutibles de Los Planetas: si quieres entender sus canciones, necesitas un buen traductor Jota-Castellano. Segundo premio está dando masticada una información que en su día era escurridiza e inasible.

La verdad está en la ficción

El estreno de Segundo premio coincide estos días con la gira de trigésimo aniversario de Super 8, el debut de Los Planetas. Mientras los conciertos del cuarteto granadino son, básicamente, Los Planetas girando sobre sí mismos en una órbita concéntrica que regurgita canciones de 1994 sin mayor intención que la de rememorar gestas ya conocidas, el psicodélico biopic de Lacuesta y Rodríguez toma la leyenda de Los Planetas como punto de partida para redimensionar el legado del grupo. Ese es el gran mérito de Segundo premio: bailar sobre la arquitectura sonora de Los Planetas. “Yo la hubiese hecho de otra manera”, ha declarado Jota. Ahí hay otro gran mérito: la desobediencia creativa.

En la gira de aniversario de Super 8 solo aparecen Jota y Florent; sobre el escenario no está ni la sección rítmica que grabó aquel disco ni Erik Jiménez, el batería que respaldó sus álbumes y giras desde 1997. Por contra, en la película ni siquiera aparecen Jota o Florent. Y, sin embargo, los falsos Planetas de Segundo premio son más Planetas que Los Planetas de carne y hueso que ahora pasean Super 8 por los escenarios o Los Planetas que en 2013 celebraron el aniversario de Una semana en el motor de un autobús o Los Planetas que en 2018 salieron de gira respaldados nada menos que por una orquesta sinfónica.

Contra todo pronóstico, y distorsionando la realidad en pos de una ficción más expresiva y rotunda, Segundo premio es mucho más fiel que el propio grupo a todo lo que significaron Los Planetas en su día. Es más cercana a su espíritu original. Es épica. Es alucinada. Es vibrante. Es inexacta. Es libre. Es mareante. Es heroica. Es inconstante. Es instintiva. Es obstinada. Y es, incluso, una inspiración para quienes deseen filmar futuras biografías musicales y desmentir el manido tópico de que “escribir sobre música es como...” bla, bla, bla.

La leyenda de Los Planetas que narra la película 'Segundo premio' ha conquistado el palmarés del Festival de Málaga. El jurado de la Sección Oficial de Largometrajes de la vigésimo séptima edición de este certamen ha concedido la Biznaga de Oro a la mejor película Española a la cinta de los directores Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, que también han sido reconocidos con el premio a mejor dirección y mejor montaje.

Así lo han dado a conocer este sábado en el cine Albéniz de Málaga la presidenta del jurado de largometrajes a concurso, Claudia Piñeyro, acompañada del director del certamen, Juan Antonio Vigar, quien ha anunciado que la próxima edición, la 28, será del 14 al 23 de marzo de 2025.

Junto a 'Segundo premio', la película 'Radical' de Cristopher Zalla se ha alzado con la Biznaga de Oro a la Mejor Película Iberoamericana. En esta edición, el Premio Especial del Jurado ha recaído en la película 'Los pequeños amores', de Celia Rico, y el Premio del Público lo ha recibido 'La casa', de Álex Montoya.

La Biznaga de Plata a Mejor Actor se ha otorgado 'ex-aequo' a Luis Zahera por su personaje en 'Pájaros' y a Joaquín Furriel en 'Descansar en paz'; mientras que el reconocimiento a la Mejor Actriz ha ido a parar a Lola Amores por 'La mujer salvaje'.

Palmarés de la Sección Oficial

En la Sección Oficial, estas son las Biznagas del 27 Festival de Málaga:

Los biopics musicales son todos iguales. Infancia, auge, éxito y caída de leyendas del pop o del rock. Las partes oscuras se enseñan un poco, para que nadie les acuse de blanqueamiento, pero tampoco demasiado, porque prefieren que los artistas y sus fans no se enfaden por mostrar una imagen compleja. El ejemplo paradigmático es Bohemian Rhapsody, que reventó la taquilla de forma sorprendente en 2018 en un filme desastroso y en el que se establecía una preocupante causa-efecto entre la aceptación de Freddy Mercury de su homosexualidad y el ocaso del grupo. Un filme tan inofensivo que la droga casi ni aparecía pero que consiguió algo imposible, que la gente cantara al final de las proyecciones en los cines como si estuvieran asistiendo al concierto de Queen que nunca pudieron ir.

Precisamente eso es lo que quiere que ocurra Isaki Lacuesta en los pases de Segundo premio, la película que ha rodado sobre Los Planetas (y que lleva el título de una de sus canciones). Desde su presentación y en los materiales de prensa se asegura que “esto no es una película sobre Los Planetas”. Él lo aclara, es una película sobre “la leyenda de Los Planetas”. Y ahí es donde Isaki Lacuesta toma distancia y le da la vuelta a todos los estereotipos que puede haber en torno a los biopics musicales convirtiendo su filme en el mejor de todos porque no cumple ninguna de sus normas. Eso sí, sueña con que “la gente cante en la sala”. “Ojalá ocurra en algún pase”, dice casi como soñando. 

El proyecto llegó a él después de que lo rechazara Jonás Trueba, que estuvo mucho tiempo trabajando en el filme. Lacuesta lo conocía por Trueba, y lo veía “con endivia sana”. “Cuando Jonás decide abandonarlo me llama un día y me propone hacerlo. Mi primera reacción es decir ‘hostia, qué bien’, pero el guion que existía era un guion muy de Jonás, cosa que yo admiro porque lo que me gusta de su cine es que no se parece en nada al mío, pero yo no puedo hacer una película de Jonás, como es lógico”, dice del comienzo del proyecto.

Aunque le gustaban Los Planetas, no era el fan loco que vivió el auge de aquel grupo que cambió todo y popularizó el indie. ¿Qué había en esa historia para que un cineasta tan alejado de este género dijera que sí? “A mí es que me gusta mucho convivir con músicos. Me parece que tienen problemas y movidas muy parecidas a las nuestras, pero cuando hablas con ellos hay una distancia justa, una distancia adecuada, que diría Christina Rosenvinge. Todas esas conversaciones endogámicas que tenemos entre cineastas son las mismas con músicos, pero un poco más frescas porque se cagan en la puta madre de alguien que no es el mismo en el que tú te cagas siempre”, apunta el cineasta.

Una de las propuestas de Jonás Trueba que se quedó en el proyecto final es que tenían que ser músicos, “no actores que hicieran de músicos”. “Eso me ponía muchísimo”, dice Isaki Lacuesta. Al ver el resultado, uno comprende el motivo. Solo el protagonista, un inmenso Daniel Ibáñez, tenía experiencia en la interpretación, pero su unión con la frescura de Cristalino es uno de los muchos hallazgos de una película personal, emocionante y distinta. Ibáñez y Cristalino son Jota y Florent, y ellos son el centro del filme junto a Stéphanie Magnin, que da vida a May Oliver, el otro vértice –a menudo olvidado– del triángulo original de Los Planetas.

Segundo premio se centra en un momento muy concreto, en la creación de Una semana en el motor de un autobús, disco que supuso su consagración, pero que estuvo a punto de no materializarse nunca por la adicción a la heroína de Florent y que llegaba tras el abandono de May. El acierto de Lacuesta es que lo que ha quedado es una película sobre la amistad, y el amor entre todos ellos. Afirma con ironía que le ha salido “una película de autoayuda”. “Es una película muy gay, porque es una película en la que la amistad y el amor se confunden”, algo que también le ha ocurrido en sus películas: “Creo que es una cosa que compartimos con Los Planetas. Nuestro equipo ha sido nuestra familia y nuestros amigos, y entablas dinámicas con sus pros y sus contras. A mí me ha encantado trabajar así, pero a veces te planteas si no es lo más profesional y si no sería más sencillo sin esta implicación de fraternidad, de amistad y de amor”.

Tenía la impresión de estar haciendo una película muy autobiográfica. En los últimos años mi equipo, mi familia, se ha desmontado y estoy montando una familia de rodaje nueva

Isaki Lacuesta — Cineasta

Lacuesta consigue que Los Planetas y su sombra no fagociten su película –de sus protagonistas nunca se escuchan sus nombres–, y que sea una película eminentemente suya, como se ve en esa forma de contarla, con diferentes puntos de vista que se cruzan y que se contradicen. El recuerdo de May no es el mismo que el de Jota, y son sus miradas distintas lo que construye la imagen final. El choque entre la verdad y los recuerdos es un tema constante en su filmografía, y cuando empezó a investigar para el filme se dio cuenta de que cada testimonio contaba cosas opuestas del mismo suceso, lo que encaja muy bien con su forma de narrar. “Nos viene bien para hacer una película en la que cada personaje tenga una perspectiva distinta y en la que no haya una posición de verdad, sino que cada personaje es un narrador sospechoso de ser subjetivo”.

Conoció a Los Planetas con la película en marcha, a la salida de un concierto, en una noche que define como “bastante memorable”. Aquella camaradería no hizo que se achantara para defender su visión del filme: “Durante el proceso yo les decía que, a pesar de todo el amor y la admiración que les tengo, no podíamos hacer una película en la que les consultábamos todo el rato. Para empezar, porque son una banda que ya entre sí tienen opiniones distintas, y segundo porque les dije que lo que hacíamos era contar una leyenda. Les dije que haríamos una película de vaqueros gais, que me imaginaba que habría mucho ensayo musical y momentos fantásticos que me parecían imprescindibles”. 

En alguna duda les llamaron, por ejemplo cuando se dieron cuenta de que poner un póster de Marvel les iba a costar mucho dinero y le preguntaron a Jota si habría otro cómic que le gustara y pudieran permitirse. “Él siempre ha estado muy dispuesto a hablar, y lo mismo con la música –que interpreta Daniel Ibáñez para evitar un playback que resultaría imposible–. Yo creo que eso ha sido importante que haya estado Jaime Beltrán, de Pájaro Jack, y que trabaja mucho con ellos, un poco como productor musical”.

Aunque dé la vuelta a todas las normas del biopic musical, asegura que nunca trabaja “en contra de algo”, y más en este caso porque ni ha visto esas películas. La que sí vio y le sirvió de referencia es el documental Get Back. “Es de los mejores trabajos que he visto, ya no sobre la música, sino sobre el trabajo en equipo”, opina y da otra de las claves, su Segundo premio acaba siendo una radiografía de las fricciones de la creación colectiva y, por tanto, una metáfora del propio cine. “Casi siempre que trabajo con alguien o sobre alguien busco cuál es la intersección entre estas personas y sus experiencias con las mías. Aquí tenía la impresión todo el rato de estar haciendo una película muy autobiográfica. Al principio me pasaba en relación al trabajo con mi equipo. En los últimos años mi equipo, mi familia, se ha desmontado por distintos motivos y estoy montando una familia de rodaje nueva. Cuando entra Pol a codirigir conmigo me dice ‘joder, es que la peli se parece a nosotros. Tú y yo somos el cantante y el guitarrista’”.

Se refiere a Pol Rodríguez, con quien ha dirigido la película, algo que “vino dado por la necesidad”. “El día antes de empezar a rodar salió el diagnóstico de Luna [su hija, que estaba enferma] y me tuve que ir. En ese momento no sabíamos qué hacer y por el camino pensé en que podía intentar hacer la película por Zoom en vez de abandonarla. No sé si fue al día siguiente o al cabo de unas horas, pero pensé que la forma de hacerlo era con Pol, porque me conoce mejor que nadie, porque había hecho de ayudante de dirección en Un año, una noche y porque tiene una capacidad brutal de ponerse al día en el curro en muy poco tiempo”, explica.

Uno estaba en el set y el otro fuera, pero Isaki Lacuesta cree –y el resultado lo confirma– que no ha afectado: “Es imposible saber qué hubiera cambiado si yo hubiera estado allí, pero la sensación es que ha salido la película que queríamos hacer, que no la ha perjudicado. La película ya se había retrasado por varios motivos y eso hizo que tuviéramos muchos ensayos, de localización, de preparación técnica… y lo que no se había podido preparar tan bien, como lo de Nueva York, tuvo la capacidad de Pol y del equipo para trabajar en un registro que nos gusta mucho que es el de la improvisación a partir de cosas escritas”. Entre ambos han creado una película lisérgica sobre la creación de un disco lisérgico, y una hermosa historia de amor y amistad atravesada por Los Planetas y por Lorca, porque, como dice Lacuesta, “Lorca siempre es la clave y de lo más importante que le ha ocurrido a este país”.

Cuando Isaki Lacuesta recibe un premio, cuando lo mencionan en una crítica o le hacen un halago, de alguna forma el piropo o el galardón se divide entre dos personas. Aunque todos lo llamen así, Isaki, y aunque se haya extendido de tal forma que hasta sus amigos de toda la vida se refieran al director como tal, su nombre real es Iñaki. El apodo tiene más que ver con un acrónimo, y es ahí donde entra la segunda parte de esta ecuación: Isa Campo, la guionista de casi todas sus películas, también de la que han estrenado este fin de semana, la excelente Un año, una noche.

Isaki no es más que la unión de Isa e Iñaki, un dúo creativo y sentimental que ha creado algunas de las películas más premiadas del cine español reciente. El director decidió ponerse el nombre de Isa incluso antes de dirigir películas, por lo que niega que sea un nombre artístico. “Mi nombre real es Iñaki y, cuando empecé a trabajar de periodista, de chavalillo, me puse lo de Isaki. Ahí empecé a meter a Isa en el nombre”, cuenta Lacuesta junto a Isa Campo, que bromea ante la historia diciendo que era “por amor total”.

No les gusta mucho hablar de lo personal, y recuerdan que cuando Iñaki estrenó su primer filme, Cravan Vs Cravan, y ya con el Isaki como nombre asimilado, lo contó de forma distendida en la primera entrevista que dio, pero pidió que no se publicara porque “era una cosa privada. Me dijeron que tranquilo y lo publicaron al día siguiente”. A pesar de que se desvelara el misterio del nombre artístico, no muchos conocen el origen ni que viene desde antes incluso del cine. “No tiene relación con un dúo artístico, era un acto de amor previo”, revela con ironía Lacuesta, que afina y explica que hay cosas en las que Isa Campo no ha participado pero que también han estado firmadas como ‘Isaki Lacuesta’, y que la confusión se instauró en los grupos de amigos, donde “había colegas desde niño que ahora dicen Isaki”. “Es un caos y me gusta… El artista antes conocido como Iñaki”, bromea.

En los últimos años, Isa Campo también se ha ‘independizado’ de Iñaki. Aclara que siempre ha escrito con otra gente pero que, el entrar en un proyecto como Maixabel, le ha dado “otra visibilidad”. Todo el mundo destacó el guion, que fue nominado al Goya, y eso la colocó “en un sitio muy visible que hasta ahora no había tenido”. Este año no solo estrenan Un año, una noche, sino que ambos dirigen un episodio de la serie Apagón. Isa Campo escribe el de Isaki, pero además debuta en la realización con uno de los capítulos. Una tarea que llevaba tiempo queriendo hacer, pero que siempre le ha dado pudor. “La tuve que obligar a que dijera que sí”, apunta Lacuesta, mientras ella asiente.

“Yo siempre he querido dirigir en solitario, pero pensaba que con un proyecto propio quizás me protegía más. En el reparto de capítulos, Fran Araújo (productor de la serie y también guionista de Un año, una noche) le lanzó la propuesta. ”Dije que no inmediatamente, le puse alguna excusa. Me asusté porque estaban Raúl Arévalo, Isaki, Alberto Rodríguez, Rodrigo Sorogoyen…Y yo pensé, qué hago yo ahí, me van a machacar. Me sentía una impostora si me metía, y a Isaki no le comenté nada de esto, ni que me había propuesto Fran el episodio ni nada“, añade. Lo que no sabía es que su pareja también le había propuesto a Fran Araújo que ella dirigiera un episodio. Araújo llamó a Isa Campo y le preguntó por qué no quería, tuvieron una conversación y ella dio un salto en ”un buen momento para probar cosas“. El salto ya es inevitable y su idea es ponerse a escribir a principios de año algo para dirigirlo también. Juntos también tienen la adaptación del libro El hijo del chófer, y un proyecto basado en la infancia y juventud de Lacuesta.

Un periodista y una ingeniera

Aunque se han convertido en dos de los cineastas más importantes de nuestro país, ninguno llegó al cine directamente. Él comenzó como periodista, y ella… como ingeniera. “Yo ni me había planteado escribir, yo era ingeniera y estudiaba filosofía”, recuerda Isa Campo. La primera película que escribieron juntos fue La próxima piel, pero el proyecto tardó mucho en materializarse. Lacuesta tuvo claro que para ese proyecto necesitaba una mujer junto a él en el guion, y fue el paso al frente de su pareja para introducirse en el equipo creativo. “A mí me enganchó muchísimo”, cuenta Campo que ya tuvo claro que era un punto de no retorno.

Isa siempre dice que rechacemos el proyecto y yo acabo diciendo que sí, a mí me cuesta decir que no

Isaki Lacuesta — Director de cine

Los retrasos en el rodaje hicieron que, finalmente, la primera que rodaran juntos fuera Los condenados. La forma de trabajar de Isaki Lacuesta, con un guion que se reescribe durante el propio rodaje, hizo que Isa Campo estuviera no solo en el proceso de escritura, sino también allí, pendiente del de reescritura.

Su último proyecto nació de una propuesta de Ramón Campos, productor de Bambú que, en su salto al cine, quiere apostar por un cine de autor con presupuestos más amplios que lo que acostumbran. Les habló de la adaptación del libro de Ramón González Paz, amor y death metal, donde contaba su experiencia como superviviente del atentado en la sala parisina de Bataclán. Ocurrió lo que, según ellos, les pasa siempre al inicio de cada proyecto. “Isa siempre dice que lo rechacemos y yo acabo diciendo que sí, así que imagino que algo así debió pasar, a mí me cuesta decir que no”, comienza Lacuesta para que su compañera remate: “Es fácil que diga que sí, que lo va a convertir en otra cosa. Habló Ramón contigo y luego conmigo”. Cuando decidieron abordarlo, ya entró el tercer vértice: Fran Araújo. Lo que tuvieron claro desde el principio es que no les interesaba el atentado, sino los recuerdos posteriores. Hablaron con ellos y se dieron cuenta de que aquellas vivencias “se contradecían, tenían recuerdos transfigurados que eran contrapuestos y ahí estaba la posible película”.

Uno de los grandes aciertos de la película es la decisión sobre cómo mostrar (o no) la violencia. Una discusión que siempre estuvo presente en el proceso de creación de Un año, una noche. “Es uno de los grandes dilemas de la historia del cine y parte de la estructura de la película nace de ahí. Esta idea de la imagen tabú que va emergiendo y rompiendo la coraza, pues es una forma de dar respuesta también a cómo representar la violencia. Y luego hay cosas que vas aprendiendo a medida que ruedas. Hay ideas que vienen de guion, como no mostrar a los terroristas y no mostrar impactos de bala. Porque el libro de Ramón empieza describiendo a los terroristas cómo le están disparando, que es la imagen que lleva dentro. Con sus caras. Y ahí sí que el guion ya dijimos que eso no iba a estar”, analiza Isaki Lacuesta.

“Decidimos que serían los ojos del propio Ramón. Tenemos que reconocer a los terroristas sin verlos a ellos”, continúa y cuenta un dato clave para entender la decisión estética y ética sobre qué mostrar. Su directora de fotografía, Irina Lubtchansky es la hija de William Lubtchansky, uno de los directores de fotografía de Shoah, el documental de Claude Lanzmann, obra maestra sobre el holocausto y que plantea el dilema sobre cómo contar el genocidio de los judíos a manos de los nazis. “Son temas que ella lleva muy incorporados y hablábamos de El hijo de Saúl, que a los dos nos parece que en realidad la película tiene mucho de artefacto estético y que acaba enseñando más de lo que dice que enseña y, en cambio, es muy convincente y persuasiva en que no lo hace, pero en realidad lo está haciendo”, asegura.

Un trabajo milimétrico que demuestra que cada decisión visual requiere de una reflexión moral. Isaki Lacuesta e Isa Campo las tienen siempre, y eso se nota en un guion preciso que aborda el tema de las secuelas del terrorismo desde lo íntimo, con una apuesta formal que fragmenta los recuerdos gracias a un excelente uso del montaje y el sonido. Una película adulta e inteligente que confirma que el dúo creativo funciona a pleno rendimiento.

Si pensamos en realizadores y realizadoras españoles a los que se les dediquen exposiciones y retrospectivas fuera de nuestras fronteras, lo primero que nos vendrá a la mente serán nombres históricos de nuestro cine: Berlanga, Saura, Bollaín, Cuerda, Coixet, Almodóvar, Bardem...

En cambio, difícilmente nos vendría a la cabeza el nombre de un realizador catalán de 45 años curtido principalmente en el terreno del documental, alejado siempre del mainstream y de los focos mediáticos, que compagina el cine con la docencia y que no tiene ningún Goya. Mientras, en París, el centro Pompidou acaba inaugurar una retrospectiva de Isaki Lacuesta en la que proyectarán todas sus películas, publicarán un libro, exhibirán una videoinstalación, realizarán un episodio de la serie documental Où en êtes-vous en torno a su figura y le dedicarán una exposición.

Toda una celebración de talento patrio fuera de nuestras fronteras que llega justo después de que Lacuesta hiciese historia ganando su segunda Concha de Oro en el festival de San Sebastián con Entre dos aguas, film que llega ahora a nuestras salas. Secuela de la película La leyenda del tiempo con los mismos actores. Componiendo con ella un bello pero duro retrato de la vida en el barrio de La Casería en San Fernando (Cádiz). La falta de oportunidades, el peso de la familia y la imposibilidad de redención, la religión como refugio y el amor fraternal se funden en manos de un realizador que vive su mejor momento.

De Cádiz a París con dos hermanos gitanos

“Es extraño porque nunca me ha gustado mucho ver mis obras. Siento que cambiaría cosas de ellas todo el rato”, confiesa Isaki Lacuesta a eldiario.es. La retrospectiva que le dedican en París no le incomoda, le halaga. Pero ver su cine y no poder manipularlo, corregirlo y pulirlo sí le inquieta un poco. Sin embargo, el cineasta catalán intenta distanciarse, con esfuerzo, para ver su filmografía con otros ojos. “En este proceso de verla con cierta perspectiva he descubierto cosas sorprendentes. De repente uno se encuentra con que hay temas, relaciones de imágenes y fórmulas recurrentes de abordar el cine que han ido apareciendo y reapareciendo. Y que nunca pensaste que estaban ahí. O no te diste cuenta”, explica.

“Ayer, por ejemplo, presentaron un libro sobre mi trayectoria y me quedé de piedra con los autores, que han hecho una investigación que les ha llevado a asociaciones impensables”, describe el director de Entre dos aguas. “Han recuperado artículos que yo escribía cuando era periodista. ¡A los diecinueve años! Y son artículos en los que ya se puede ver la tesis que muchos años después vertebraría Los pasos dobles. Todo muy loco”, dice sorprendido.

“Ahora me doy cuenta, con el paso del tiempo, de que las imágenes nunca significan algo literal mucho tiempo: van cambiando de significado”, explica sobre su obra. “Y es algo que tiene mucho que ver con intentar abordar los mismos temas desde puntos de vista diferentes. Algunas de mis películas van volviendo sobre temas recurrentes, como la legitimidad o no de la lucha armada, que reaparecen constantemente pero desde distintos géneros y lugares”, reflexiona. Algo que, en el fondo, se puede significar como un debate interno jamás resuelto: “es como una forma de discutir conmigo mismo y con el espectador”.

Lacuesta debutó en el cine con el documental Cravan vs. Cravan el año 2002. Una película que ya apuntaba a determinada exploración sobre los límites de la ficción y el lenguaje del reportaje. Sin embargo, fue en 2006 cuando decidió no definir nunca más la frontera entre ambos mundos. Lo hizo con La leyenda del tiempo, la historia de Isra y Cheíto -Israel y Francisco José Gómez Romero-, dos hermanos que, tras la muerte de su padre, ya nunca vuelven a cantar pese a pertenecer a una familia de cantaores. Ambos sueñan con una vida mejor, y acaban de cumplir los trece años.

Doce años después, el cineasta ha vuelto a reunirse con los hermanos que grabaron a fuego el carácter de su cine. Lo ha hecho con Entre dos aguas, situándose en el particularísimo olimpo de realizadores que han ganado dos veces la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. Uno que ocupan Imanol Uribe, Francis Ford Coppola, Arturo Ripstein y Bahman Gohbadi.

Doce años después, las mismas aguas

En 2006, Isaki Lacuesta quiso perseguir el fantasma de Camarón. Aficionado al cante, quería rodar una película sobre una infancia marcada por el flamenco. Tenía un guion sobre un joven con una voz única que, a los trece años, le cambiaba y se veía obligado a dejar de cantar. Pero cuando viajó hasta San Fernando -en Cádiz-, para buscar actores, conoció a los hermanos Gómez Romero. Habían cantado desde que eran niños pero ya no podían hacerlo más. Estaban de luto por un padre muerto. Así que aquella película trataría sobre ellos y se llamaría como una célebre canción de Camarón. Doce años más tarde, llega una secuela que titulada como otra célebre canción, esta vez de Paco de Lucía.

“Cuando hicimos la primera ya existía la fantasía de volver a rodar”, cuenta Lacuesta. “Me inspiraba mucho lo que había hecho Truffaut con Jean-Pierre Léaud. Esa idea de que el cine es un arte increíble para filmar algo a lo largo del tiempo y ver cómo cambia el mundo y su gente”.

El referente de la Nouvelle vague filmó por primera vez a Léaud en Los 400 golpes, dónde el joven interpretaba a Antoine Doinel. Sin embargo realizador, actor y personaje volverían a repetir en Antoine y Colette, Besos robados, Domicilio conyugal y El amor en fuga. Veinte años de vida en cine.

“Esa idea ya estaba presente en La leyenda del tiempo. En ella veías a niños que crecían y cambiaban. Y parte de la fantasía era que eso siguiera ocurriendo en otras películas a lo largo del tiempo”, cuenta el director catalán. “Pero a la vez no sabíamos qué iba a pasar. ¿Nos seguiría apeteciendo? ¿Nos seguiríamos cayendo bien? Isra y Cheíto habían cambiado mucho. Pero seguíamos queriendo hacer algo. Llegó un momento en el que vimos la oportunidad: Cheíto volvió de una misión en África y comprendimos que era el momento de volver. Intentamos levantar la continuación que deseábamos”.

Ahora Entre dos aguas nos plantea una situación muy distinta. Cheíto trabaja en el ejército y vive una vida apacible. Isra, en cambio, ya no es el niño de mirada inocente pero triste que conocíamos. Acaba de salir de prisión y su mujer no le quiere en casa. Vive en una cabaña y, de tanto en cuanto, puede ver a sus tres hijas.

La naturaleza del cine imprevisto

Si en películas como Los pasos dobles veíamos a un realizador que reinterpretaba la vida de un artista real para jugar con las expectativas del espectador, y en La próxima piel le descubríamos coqueteando con el thriller para abordar un drama familiar, esta vez Isaki Lacuesta desaparece de forma absoluta. El trabajo del director se invisibiliza en pos de la naturalidad de un cine que se siente grabado in situ y sin guion. Y algo de esto hay.

“Hay mucho trabajo pensado para que no se vea”, explica el realizador. “Le pedí a mi director de foto que hiciese un trabajo sofisticado pero invisible, igual que el guion, que intentamos que no pareciese escrito”, cuenta sobre la labor de Diego Dussuel, su habitual operador de cámara y el de Isa Campo, mano derecha en los libretos de la mayoría de sus películas y codirectora de La próxima piel.

“Llevo muchos años trabajando este tipo de registros y sé que no es fácil. Pero hemos estado cómodos a pesar de haber rodado menos tiempo que en el anterior film. Todo el mundo se ha implicado mucho porque sentíamos que el resto de películas que habíamos hecho había sido para aprender a hacer esta”, cuenta.

En ese sentido, el lenguaje del documental omnipresente en La leyenda del tiempo, ha ido dando paso a otro tipo de recursos narrativos y visuales, más cercanos a la ficción naturalista. “Es curioso porque en realidad trabajamos de forma muy parecida en ambos títulos. Pero me doy cuenta de que se percibe así. En realidad, más que plantearlo en términos de ficción o de documental, yo lo planteaba en términos de retrato. Es decir, lo que me interesaba era retratar a Isra y a Cheíto, sus emociones y la vida de un barrio como La Casería”.

“Sé que las palabras crean desconcierto. Todo esto de qué es documental y qué es ficción. Cuando trabajo con mis alumnos, para evitar ese tipo de confusiones les hablo mucho de cine preparado, de cine previsto: el cine en el que sabes lo que vas a hacer y lo que va a ocurrir”, explica. El suyo, sin embargo, está lejos de caber dentro de esa definición. “Es un cine en el que tienes una cámara y un guion que propone algo, pero en el que nunca sabes lo que va a ocurrir”, describe. Está vivo en rodaje, cambia constantemente y se nutre de lo que ocurre a su alrededor. El suyo es cine imprevisto. Y Entre dos aguas, posiblemente, la mejor película imprevista de los últimos tiempos.

“Seguramente este no sea el único país esperpéntico y de manicomio, pero este lo es con creces”, reflexiona el cineasta Isaki Lacuesta tras presentar en San Sebastián su última y esperada película, “Murieron por encima de sus posibilidades”.

La película, que llega fuera de concurso a la Sección Oficial del Festival de San Sebastián, cuenta con un elenco de lujo, que pocas veces ha podido reunir el cine español. Ninguno de ellos, ni tampoco el equipo técnico, ha cobrado nada.

“Pensé que si se hacía de forma convencional no la haría nunca; eso tiene un punto de incertidumbre, pero todo lo demás es para bien”, ha considerado el director de “Los pasos dobles”, con la que ganó en 2011 la Concha de Oro del festival.

“Es muy difícil visualizar las catástrofes que genera la crisis económicas, en seguida se trasladan a frases hechas, falsas, vacuas -como 'vivir por encima de sus posibilidades'- que no transmiten el dolor ni las personas y me di cuenta que esto pasaba por la comedia, el melodrama y el gore”, reflexiona Lacuesta.

Sergi López, Ariadna Gil, Emma Suárez, Raúl Arévalo, Eduard Fernández, José Coronado, Iván Telefunken, Pepín Tre, Carmen Machi y Julián Villagran, además de los padres de Isaki que han sido figurantes, participan en este divertido disparate, donde se leen tantas metáforas que el espectador acaba tan desequilibrado como sus protagonistas.

Porque “Murieron por encima de sus posibilidades” cuenta la historia de cinco víctimas de la crisis, cinco personas de clase media que pierden la razón y encuentran su motivación cuando se conocen en el psiquiátrico en el que todos ellos acaban internados.

“Quería hacer una película que retratara este país desde el esperpento, que nos riéramos de nosotros mismos, a diestro y siniestro”, ha resumido Lacuesta.

El guion se quedaba obsoleto cada día que pasaba, “o más que obsoleto, pequeño”, apunta Machi. Aparte de la crisis y el drama, él quería enfocarlo desde el punto de vista de lo payaso que es lo que nos pasa y hasta dónde puede llegar uno, a matar o ser matado, la desesperación de un ser humano“. Y para los actores, asegura Machi, ”todo eran garantías“. ”Te sientes muy afortunado de que pensara en ti, él no quería caras conocidas -aclara Machi-, quería contar con una mezcla de generaciones y de estilos de actores españoles, gente de caminos diferentes que llegase a un mismo resultado“.

Machi es una de los políticos que niegan serlo: “Me enseñó el guion y pensé: madre de mi vida, qué maravilla. Aunque luego me reía pensando en mi papel con Imanol Arias y Luis Tosar, que son dos auténticos clowns. Solo pensaba: por favor, que pueda hacerlo”.

“Nadie ha hecho un proyecto así nunca, no es la primera película que hago capitalizando mi sueldo (...) pero esta es grande, está hecha con una honestidad brutal y es muy arriesgada, eso es lo que más mola”, ha resumido la actriz.

Y con todo, considera la madrileña, “con ser una película muy gore, nunca creo que llegue a los niveles de lo que nos está pasando de verdad”.

Esa es la idea también de Julián Villagrán y de Iván Telefunken, un músico metido a actor por cariño a Lacuesta, para quien la risa forma parte del modo en que “los mamíferos escapan al miedo”.

“Yo creo que Isaki oyó en los bares lo que la gente hablaba, y dio forma a una fantasía de reaccionar violentamente contra lo que está ocurriendo en las cúpulas del país, y la mejor manera de fantasear era llevar esa realidad a la ficción”, apunta Villagrán.

Como adición, resalta la actriz, el proyecto tenía el atractivo de salirse por completo de las normas de Lacuesta, pero el cineasta niega la mayor.

“Todas mis películas son muy distintas, sobre todo me gusta hacer cosas que no haya hecho antes, y creo que en las cosas nuevas siempre hay otra intensidad que se puede trasladar al espectador, pero en cada película nueva me han preguntado lo mismo. Me gustaría ser varios directores a la vez”, resume.

La película se rodó durante algo más de dos años, aprovechando cada momento disponible de los actores, y aún no tiene distribución: “No se atreven, aunque yo pienso que podría tener buen encaje”, ha dicho el director.