El Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón (FICX) afronta del 14 al 22 de noviembre su edición número 63 con un marcado acento en el cine español. El veterano certamen de cine independiente llega en un buen momento, consolidado como un referente del cine de autor y la innovación cinematográfica. El festival busca destacar la calidad y diversidad de las nuevas voces del cine español, incluyendo directores consagrados y talentos emergentes con propuestas arriesgadas. “El cine auténticamente independiente”, promueve en esta edición en la que se combinarán nombres consagrados con jóvenes propuestas, en especial de un cine asturiano que crece cada año.

Alejandro Díaz Castaño es director del Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón desde el año 2017. Charla con elDiario.es Asturias sobre la nueva edición, el momento audiovisual y de consumo que vive el mundo y cómo el cine puede explicarlo, aun con enormes desafíos. Con casi doscientos títulos en exhibición el FICX muestra músculo en esta edición, con estrenos mundiales como 'Emergency Exit' o 'A la cara' y reconocimiento a figuras como Massiel, Vicky Peña o Naomi Kawase. Un festival que busca sorprender a un público amplio e igualmente exigente.

¿Cuál es la necesidad de existencia de festivales como Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón en un mundo de un consumo tan inmediato como tenemos ahora de todo tipo de productos culturales?

Los festivales ahora mismo me parecen muy necesarios, en primer lugar para ordenar y filtrar todo el audiovisual del presente, porque no existe una ninguna fuente a la que consultar cuántas películas se hacen al año, que diría que son más que nunca, por lo menos por la cantidad que nos llega a nosotros de películas para consideración. Obviamente con el digital cada vez se produce más, es más fácil, y además con otras herramientas que se van desarrollando es más fácil tener una película que pueda parecer que cuesta mucho más de lo que ha costado, basándose un poco en los parámetros clásicos. Creo que es importantísimo que los festivales ayuden a ordenar todo ese magma audiovisual en que vivimos.

Luego también creo que los festivales funcionan para continuar con la idea que defendemos que no es lo mismo ver la película en la soledad de la casa que verla en un local público, con otras personas, con esa sinergia, porque las emociones se disparan y se modifican cuando estás con otras personas. Y luego está esa idea de vivir el festival, de comentar las películas, de poder tener oportunidad de ver a los directores y a las directoras después, de poder tener un encuentro con ellos por la noche tomando una cerveza y poder incluso hablar con ellos. Creo que es algo que no se ofrece normalmente en el cine comercial, cuando uno va a disfrutar de cine durante el año, y que los festivales aportamos y me llama mucho la atención como todos los años se llenan las salas cada vez más. Esas salas, algunas de ellas muy grandes que surgieron en la época cuando iba muchísima gente a los estrenos de cine, tenemos salas de cines para 400 personas y que se llenaban cuando se estrenaban con 'El Señor de los Anillos' y que ahora es mucho más complicado llenar. Sin embargo, durante el festival se llenan. Eso quiere decir que si presentas el cine de una determinada manera, en un determinado contexto puedes conseguir llenarlas.

¿Esto es un poco que el ser humano sigue teniendo una necesidad de sociabilización en el consumo de la cultura?

Sí, es un poco lo que por lo menos nosotros preconizamos desde el festival, esa idea de juntarnos, de reunirnos en un lugar para un disfrute de la cultura comunal, en común, en comunidad. Crear comunidad es algo que cada vez nos obsesiona más, aunque empieza a estar un poco manido, pero creo que es importantísimo crear espacios en los cuales podamos disfrutar en comunidad y compartir ideas, y no estar cada uno estancado en su en su idea, que es una cosa que también nos parece que cada vez existe menos, que es el debate. Parece que cada uno suelta su opinión y está todo como más desconectado. No hay esos debates cinéfilos tan apasionantes que teníamos en la juventud. Yo vengo de la crítica cinematográfica y recuerdo debates increíbles que teníamos en grupos de noticias que eran cadenas de emails. Ahora se han sustituido muchas veces por mensajes muy cortos en los que es mucho más complicado llegaral tipo de análisis a los que se llegaba antes. Intentamos que el festival siga ayudando un poco a crear esos espacios para que se produzca un análisis un poco más detallado, no tan rápido, no tan fugaz, no tan de consumo rápido y aunque sí que es verdad que, obviamente, si vas a ver todas las películas del festival, pues puedes no tener tanto tiempo para pensarlo.

Al final es cierto que un festival sin público no tiene ninguna razón de ser, sino hay una aportación al debate público que quizás en los últimos años ha quedado arrinconado...

Estoy de acuerdo, de hecho hay festivales que tienen muy buena programación y, sin embargo, tienen muy poco público. Quizá es porque a lo mejor no se ha cuidado lo suficiente esos equilibrios que se tienen que tener en la programación. Tenemos películas más exigentes, pero tenemos películas también que pueden llegar a un público más amplio. Es importante que la gente pueda encontrar esa variedad porque cuando todo lo que programas van en una línea y esa línea es muy exigente, digamos de línea dura, se puede hacer por un lado repetitivo y por otro lado causar un rechazo en el espectador. El FICX tiene una dimensión en cuanto a público bastante alta, porque son unas 50.000 entradas vendidas, superior a la de festivales que se celebran en ciudades más grandes, y existe esa tradición de que el público vaya a las salas.

A nosotros también nos gusta sorprender, que no sea siempre lo esperado, por eso es importante también que programemos cosas que se salen de lo de lo que la gente puede esperar de nosotros. Este año por ejemplo en la sección 'Generación Mutante', se pueden ver películas que podrían estar perfectamente en el Festival de Sitges, aunque sí que es verdad que tienen un toque siempre autoral. Tampoco ponemos el cine de género puro y duro, intentamos que sean siempre películas que le dan una vuelta a los géneros.

Entrando en la edición de este año del FICX, ¿Qué destacarías de la selección de este año? Un año en que además se estrenan secciones a concurso...

Por un lado está el cambio de la sección FICX Premiere, que pasa de ser no competitiva a ser competitiva entre la sección oficial que además está llena de grandes nombres del cine internacional que van a estar en España su película en Gijón caso de Rita Azevedo, Ben Rivers, Denis Côté, Eugène Green, gente que ha estado compitiendo en la Sección Oficial de Berlín y que estrena su película en España en la sección FICX Premiére

Además 'La Noche del Corto Español' que también pasa a ser competitiva, y además con diez cortometrajes dirigidos por mujeres, algo muy interesante que nos dimos cuenta después de terminar la selección. De hecho este año también tenemos más mujeres que hombres en la programación del festival, también porque los tres focos que hemos elegido hacer son de tres directoras. Obviamente lo hacemos un poco de forma deliberada, pero luego en la selección es todo bastante orgánico. Nos cuesta encontrar directoras que tengan más de tres películas, porque no hay tantas, pero sí que entre la gente que está empezando vemos muchas directoras con propuestas muy interesantes y tenemos que hacernos eco de ello.

Otra cosa que me parece importante este año es que el cine asturiano sigue estando en las secciones competitivas internacionales, que era algo que no pasaba antes. Cuando yo llegué en 2017 a la dirección del FICX nadie se acordaba de la última película asturiana que había estado compitiendo en la sección oficial y ahora tenemos todos los años algún corto o largo en la Sección Oficial. El nivel ha mejorado mucho y creo que el festival, modestamente, también ayuda con el hecho de que de que sepan que si trabajan de una determinada manera pueden estar en la Sección Oficial.

¿Cómo ayuda entonces el FICX a que el cine en Asturias crezca en producción y calidad?

Somos un pilar importante en el sentido que creo que estamos ayudando a que se mejore bastante la calidad y lo digo por mi anterior etapa en el festival, cuando empecé en el año 2010 en programación, ese año nos costó muchísimo poder armar la competición asturiana de cortos, no había material del que prácticamente tirar para hacer la sección. El jurado de ese año hizo un 'statement' diciendo que si no hay calidad suficiente es mejor no hacer la sección. Fue bastante duro, pero sí que es verdad que no lo encontrábamos. Había cosas que se quedaban fuera, eran muy muy amateurs y realmente no estaba como para programarse en un festival internacional.

Y ahora lo que nos pasa es que tenemos dos programas de competición, con mucho nivel y muy buena calidad, y un programa de muestra y se nos quedan fuera cosas que en 2010 habrían entrado. Los cortos de escuela que nos llegan cada vez son mejores y a ello también está ayudando los dos Labs audiovisuales, que surgen de la convocatoria del ICAA para laboratorios e incubadoras de proyectos con fondos Nex Generation UE, están ayudando muchísimo a que los proyectos que nos presentan tienen mucha más calidad, eso se ha mejorado muchísimo. Se está, digamos, profesionalizando y mejorando el sector.

¿Esto significa que el FICX se convierte también en plataforma de lanzamiento para autores locales?

Tenemos una figura que para mí es muy importante que es la de Ramón Lluis Bande, que lleva muchísimos años haciendo un cine que luego se ha visto también en otros en otros festivales y que ha sido premiado. Tenemos a gente como Marcos Medina que también ha tenido sus premios internacionales, que este año presenta 'Plaza Mayor' y hay unas figuras digamos que llevan mucho tiempo trabajando como Teresa Marcos, que también que también ha estado en festividades internacionales, o Diego Llorente, que es una figura más joven pero que ha competido la Sección Oficial de Rotterdam recientemente. Todas esas figuras van tirando del carro de otra gente nueva que va apareciendo, como la cineasta asturiana Alicia Moncholí que ganó la sección oficial internacional el año pasado con su corto. Siempre tenemos savia nueva que va enriqueciendo el panorama y ya no son solo tres o cuatro nombres, ahora estamos hablando de una veintena, treinta, treinta y cinco directores y directoras de aquí que están haciendo películas que perfectamente se pueden exhibir en cualquier otro festival de nuestro país.

¿Cómo afronta un festival como el de Gijón la digitalización de los contenidos? Muchos festivales tienen su parte en plataformas, ¿un camino a explorar o mantener el espíritu de las salas?

En mi primer año llegamos a un acuerdo con Filmin, que creo que es naturalmente la plataforma con la que llegar un acuerdo por el perfil que siempre ha tenido de cine de autor. Cuando llegó la pandemia nos sirvió para poder hacer una edición online, porque la pandemia tuvo su peor pico de hospitalizaciones y su momento más terrible en Asturias en las fechas del festival y pudimos hacerlo online. Mantuvimos durante un par de ediciones más alguna de las películas nuevas en Filmin, después de ponerse en sala siempre, pero esto ha sido cada vez más complicado por varias razones. Una, porque nosotros queremos que la gente vaya a las salas y priorizarlo y no queremos que la gente diga, no voy a ir al estreno en sala porque luego ya lo puedo ver desde casa. Y sobre todo también porque las propias películas en muchos casos no querían exhibirlas en una plataforma, dado que consideraban que eso después iba a perjudicar su posterior circulación comercial, y esto empezó a ser cada vez más problemático. Entonces decidimos usar títulos que ya tienen una distribución comercial, que ya han sido estrenados y que ya tienen un tiempo, con lo cual son películas que han pasado por el festival, que estaban seleccionadas por el festival, pero que no son estrenos y es una oferta interesante. La seleccionamos para que quien no esté ni siquiera en Asturias pueda disfrutar también del cine de autor.

De la pandemia hemos pasado a un momento a nivel mundial, digamos, tensionado. El cine siempre ha sido un termómetro de cada momento, ¿Hay ahora una estética o una temática especial que los nuevos directores estén afrontando al hilo del punto de la historia que nos ha tocado vivir?

Sí, quizás no hay tantas películas que lo estén abordando directamente, porque no es fácil tampoco de analizar y de saber cómo abordarlo, porque es una geopolítica muy compleja la que tenemos ahora. Pero sí que hay algunas que se van haciendo eco de ello, no aunque sea directamente. Lo que sí observamos, por lo menos en nuestro caso, en el cine que nos gusta y en los cineastas, es una idea de ir hacia un cine más narrativo. Antes había cineastas que iban mucho más hacia un cine, digamos, menos narrativo, mucho más despojado de lo que es una trama convencional e incluso de un diseño de personajes convencional. Ahora les vemos haciendo cosas más cercanas a lo que pueda ser una película narrativa más clásica. Me refiero a gente como Albert Serra, por ejemplo. Ahora de repente tenemos una tramas y unos referentes de género. Esto está pasando cada vez más y luego, por otro lado, a nosotros nos interesa cada vez más un cine que sea un cine más que de la deconstrucción, de la reconstrucción. Nos interesa un cine que va más hacia la reconstrucción de las personas, de todo lo que pueda unirnos. Lo digo también por las miradas más frías o cínicas que hacen un retrato más atomista, una especie de alienación, de frialdad. Queremos ir más hacia un cine que muestre esa idea de recuperar la fe en la humanidad, que ya no se resigna.

¿Un cine más comprometido? Que exponga una situación y además de herramientas para llegar a conclusiones...

Sí, pero no me refiero tampoco que tengan que ser películas con finales felices. Me refiero a películas que luego puedan ser útiles en la realidad, no más que simplemente recrearse en algo que parece que no tiene solución. Estamos en un momento en el que la resignación es peligrosa. No sé si estamos en un punto de no retorno en cuanto a la geopolítica, al desaliento, a muchas cosas, pero creo que es importante que no nos resignemos. Porque, si no, todo ese futuro catastrófico que hemos venido anticipando en nuestras ficciones (esa autoprofecía extraña que nos conducimos hacia un sitio que no es el ideal, sobre todo para las generaciones que vienen) es importante que se pueda retardar lo más posible.

La novedad lo va engullendo todo y los festivales de cine tenemos que intentar hacer un poco de pedagogía

El cine como elemento de expresión y de reflejo de la sociedad suele ser objeto de ataque de los movimientos autoritarios, ¿Crees que le va a pasar al cine actual?

Es difícil saber si va a pasar... de momento, por lo menos de momento no parece, porque sí que existen muchas plataformas que se expresan con bastante libertad. Lo que sí pasa es que es difícil para esas plataformas encontrar una difusión, es un poco el problema, no le acaban de llegar al espectador muchas de las cosas más interesantes que se hacen. Y para eso también estamos los festivales. Por eso me resulta difícil de predecir, no tengo una respuesta para esto. Espero que no, que no se vuelva a ir a ese autoritarismo. Es verdad que antes el cine era algo más elitista y tener acceso a poder hacer una película era algo muy complejo y existía una distribución muy férrea y había un cine que no había forma de ver y teníamos que andar rebuscándolo. Ahora tenemos mucha más oferta, el problema es que queda enterrada precisamente en la sobreoferta. Y hay cosas que siguen sin estar. Esto lo decía Godard en el año 94 en una entrevista, que vas a poder ver pedirte una pizza y ver cualquier película en tu casa y es realmente lo que pasa. Pero claro, seguramente si quieres ver una película de Griffith, no hay muchas veces Griffith, o solo hay algo, la novedad lo va engullendo todo y los festivales tenemos que intentar hacer un poco de pedagogía ahí.

Pa finalizar algunas recomendaciones que no hay que perderse de esta 63 edición del Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón.

Las secciones me resulta difícil porque en todas hemos puesto mucho mimo, pero sí que diría que hay varios momentos que me parecen súper especiales. Uno es, dentro de esa apuesta que por el cine español, en la sección Albar, el estreno de 'Emergency Exit', la película de Lluís Miñarro, porque además cuenta con la última interpretación de Marisa Paredes en la gran pantalla. Además tenemos la presencia de un montón de personalidades en el festival como la cineasta Naomi Kawase, que es también una persona a la que le vamos a dedicar otorgar un premio en la inauguración que vamos a vivir en el Teatro Jovellanos.

Luego, hay otro estreno mundial muy importante que es 'A la cara', la película de Javier Marco, que perfectamente podría haber estado en secciones oficiales de San Sebastián o en el Festival de Málaga, pero es una apuesta que han hecho por Gijón, porque les parece que es una película que va en esa línea y lo agradecemos muchísimo.

El encuentro que vamos a tener con Lisandro Alonso y la película 'La Libertad' en el Teatro Jovellanos, que va a estar acompañado de Albert Serra y de Roger Coza, me parece que puede ser un diálogo increíble. Son de esos momentos que realmente creo que no hay que perderse.

Y tengo mucha curiosidad por el estreno de la película 'Plaza Mayor' (Marcos M. Merino, 2025) que es una película rodada íntegramente en la Plaza Mayor de Gijón durante bastante tiempo, durante bastantes meses, para hacer un retrato poliédrico de la ciudad. Tengo mucha curiosidad de ver cómo va a reaccionar el público, porque vemos una película muy abierta, que creo que tiene unas reflexiones muy interesantes sobre los usos del espacio público en el pasado y en el presente y posiblemente en el futuro, sin renunciar a elementos poéticos y tratando de capturar un poco el espíritu de la ciudad actualmente.

Vivimos en un país muy centralizado en grandes lugares culturalmente, ¿Cómo es construir y desarrollar festivales así desde la periferia?

Gijón ahora mismo ofrece un atractivo bastante grande, está un poco de moda dentro de España como destino turístico y creo que el festival está muy arraigado de la ciudad, eso es una cosa que también le da mucha fortaleza. Tenemos la fortaleza de la empresa municipal que lo respalda, de tener personal trabajando todo el año, que me parece importantísimo. Podemos hacer actividades durante el año para reforzar la implantación del festival. Obviamente, lo que más nos cuesta es poder atraer a veces a la prensa por el tema logístico de tener que venir hasta Gijón. Estamos un poco más lejos que otros sitios y aunque las conexiones de tren desde Madrid han mejorado, desde Barcelona son muchísimas horas y son bastante imposible, y hacen que a veces sea difícil que la gente se desplace, y aún así se consigue porque mucha gente quiere acercarse igualmente.

Gijón es un lugar muy interesante para hacerlo. No veo que sea una desventaja y creo que incluso puede ser una ventaja cada vez más el poder hacer cosas que no sean siempre en los mismos sitios. Creo que puede tener un aspecto refrescante.

El director surcoreano Hong Sang-soo ha vuelto a alzarse con el Premio al Mejor Largometraje del Festival de Cine de Xixón, en este caso, con la cinta By The Stream, la historia de dos actores que, en la etapa final de sus vidas, tratan de sobrevivir de la mejor manera posible.

Tras proclamarse ganador en 2015 con Right Now, y en 2018 con Hotel by the river, el jurado de la sección Albar, integrado por Belén Funes, Sergio Oskan y Mark Peranson, le ha concecido el máximo galardón del certamen con una cinta cuya protagonista, Kim Minhee, también ha sido reconocida con el Premio a la Mejor Actriz, mientras que el Premio al Mejor Actor ha sido para Abou Sangare, por su interpretación en la película francesa, L’histoire de Souleymane, del director Boris Lojkine.

El Premio a la Mejor Dirección ha sido para el alemán Matthias Glasner, por Dying, mientras que la coproducción argentina, española y portuguesa, Algo viejo, algo nuevo, algo prestado se ha alzado como mejor película dentro de la sección Retueyos para nuevos creadores.

El Jurado Joven ha elegido River Returns como Mejor Largometraje, por su “sensibilidad y belleza”, en un relato fantástico sobre la vida de un niño en contacto con la naturaleza, del japonés Masakazu Kaneko. Y como Mejor Cortometraje, han reconocido Campolivar, el trabajo de la asturiana Alicia Moncholi.

Por su parte, el Jurado del Cine Español ha reconocido la película As the Tide Comes in, en la que su director, Juan Palacios, aborda las consecuencias del cambio climático.

El Festival Internacional de Cine de Xixón bajará el telón de su 62 edición con una gala de clausura que, presentada por Arantxa Nieto, tendrá lugar en el Teatro Jovellanos, a las siete de la tarde.

Como ya es habitual, el Teatro Jovellanos acogerá mañana domingo, 24 de noviembre, la proyección de dos de las películas premiadas en esta edición. En este caso son, River Returns, de Masakazu Kaneko, que se proyectará a las 17:30 horas, y By the Stream, de Hong Sang-soo, a las 20:00 horas.

Carla Simón volverá el sábado a Gijón para reencontrarse, siete años después, con la ciudad que le dedicó a esta laureada directora catalana, su primera retrospectiva en España. Carla vuelve porque, además, recogerá en la gala de clausura del Festival Internacional de Cine de Xixón el Premio Comadre de Cine, que concede desde 2022 la Tertulia Feminista Les Comadres en reconocimiento a las cineastas que trabajan por la igualdad.

Así que afronta doblemente ilusionada su cita gijonesa. Por lo que supone pasar a engrosar esta, aún pequeña, lista de mujeres que hacen cine y han sido reconocidas con este premio, y porque se lo conceden en un festival al que quiere y respeta.

Para el FICX solo tiene buenas palabras, palabras de reconocimiento por ser un festival al que hay que agradecer que lleve cierto tipo de cine, el cine de autor, a lugares donde en otras circunstancias no llegaría, por ejemplo, las salas gijonesas. Y agradecer también que el Festival Internacional de Cine de Gijón sea un punto de encuentro entre cineastas, donde hablar de cine, reflexionar y poner en común, pero también donde se abre la puerta a un espacio de encuentro entre creadores y creadoras, y el público.

Era el año 2017 y Simón acababa de estrenar Estiu 1993 (Verano 1993) cuando el Festival de Cine de Xixón decidió dedicarle, en su 55º edición, una retrospectiva en la que se proyectaron todos sus cortometrajes y la directora catalana participó, además, en un encuentro con el púbico que recuerda, reconoce, con muchísimo cariño.

Carla Simón se encuentra ahora inmersa en el montaje de su último trabajo, Romería, con el que cierra la trilogía familiar que comenzó con Estiu 1993, en la que narraba sus vivencias de niña, y siguió con Alcarrás, quizás la cinta en la que se evidencia más una de las características de su cine, aprovechar lo íntimo para contar lo político. Ahora con su tercera película, que verá la luz el año que viene, aborda un pasado muy reciente, que aún duele a las familias que han pasado por ello, y es el de la heroína y el sida en la Galicia de la década de los 80.

En este tercer trabajo Simón afronta, por tanto, una memoria histórica a la que no estamos acostumbradas, pues no está relacionada con la Guerra Civil o el franquismo, pero a pesar de ello, para la directora “ también es memoria histórica, al fin y al cabo”. En Romería, Carla Simón cuenta la historia de una generación muy olvidada, que nunca se abordó más allá del cine kinki, y cuando se hizo fue de una manera oscura y avergonzada. Unos años en los que la droga se llevó por delante a toda una generación y en los que no todo el mundo murió de sobredosis, ya que muchas personas ya habían dejado de consumir, cuando aparecía el sida, como le sucedió a su madre.

En una conversación telefónica con elDiario.es Asturias, Carla Simón nos cuenta que la familia es un tema que le interesa mucho pues ella misma procede de una familia muy grande, con muchas ramas muy distintas. Las relaciones familiares son muy complejas, dice, hay mucho pasado y, en muchos casos, también mucho trauma, por eso decidió que quería explorar esas relaciones desde un prisma personal, aunque también explica que no todo lo que cuenta en sus películas sucedió. Así revela que hay cintas en las que solo un par de escenas son reales, y a partir de ellas surge la ficción. Estiu1993 aborda su niñez, en Alcarrás Carla Simón no está presente, y Romería aborda su adolcescencia, “pero con mucha ficción”.

Su primer gran triunfo en la Berlinale de 2017, hizo que Carla Simón se erigiese, sin pretenderlo, en la cineasta española que abría la puerta a toda una nueva generación de directoras y creadoras que en nuestro país venían pisando fuerte y tenían muchas historias que contar. Ella reconoce que fue un mérito colectivo, en ningún caso se considera pionera en nada, y destaca que ese proceso tuvo mucho que ver el aumento de productoras mujeres y la reconfiguración de las ayudas.

“Yo lo que quiero es hablar de mis películas”

Es evidente que las cineastas en España están en un lugar mejor que el ocupaban hace unos años, sí, pero la fragilidad del momento sigue siendo extrema, reconoce Simón, por ello considera imprescindible seguir hablando de ello y recordar la importancia de que el cincuenta por ciento de la población está también ahí.

Por eso, aunque reconoce que el cine está en un momento en el que, por fin, empiezan a abrirse los relatos para contarse desde otra perspectiva, hasta ahora siempre había sido la masculina la que prevalecía, hay una reparación histórica y temática por delante que va a llevar a tiempo y que va a exigir que las mujeres sigan hablando del cine hecho por mujeres en vez de únicamente de sus películas. “Yo lo que quiero es hablar de mis películas, pero sé que aún hay que hablar de esto. El día que solo hablemos de nuestras películas, habremos llegado a la meta del camino”, reivindica. Y la meta de ese camino es la plena igualdad.

El escritor y cineasta asturiano, Ramón Lluís Bande, ha presentado en el Festival Internacional de Cine de Xixón, Retaguardia, el largometraje con el que cierra la trilogía de la memoria en Asturias, que comenzó con Cantares de una revolución (2018) y continuó con Vaca mugiendo entre ruinas (2020). Con esta trilogía de no ficción, en la que el director repasa lo sucedido en Asturias desde que el movimiento obrero se levantara, en octubre de 1934, hasta los dos últimos meses de resistencia republicana ante el fascismo, Bande ha conseguido erigirse como el narrador de la memoria en Asturias.

Al igual que hiciera en sus dos trabajos anteriores, en Retaguardia, el autor vuelve a utilizar el cinematograma para narrar la potencialidad de un cine posible que nunca existió. Y es que Ramón Lluís, quien también es guionista y montador de la cinta, siempre se preguntó por qué nunca se habían dado a conocer las grabaciones que se rodaban en aquella época, desde el bando republicano, y de cuya existencia él asegura tener fundadas evidencias. Por ello, con este tercer trabajo propone dar respuesta, desde la teoría y la praxis, a la pregunta ¿cómo sería el cine de propaganda rodado en la Asturias republicana de 1937?.

A través de las fotografías del fotoperiodista gijonés Constantino Suárez, acompañadas de los textos publicados en el diario Avance, gracias a la pluma de periodistas como Ovidio Gondi, Juan Antonio Cabezas o Juan Manuel Vega, y con los dibujos de Goico Aguirre o las pinturas de Nicanor Piñole, Retaguardia muestra algunos de los momentos que deberían haber protagonizado el metraje de una película, si se hubiese hecho, sobre la Asturias de 1937: el cuartel de Simancas, la destrucción generada por el bombardeo del Cervera, los resquicios de la vida industrial y pesquera de Gijón o los hospitales de sangre.

En esta aventura cinematográfica que ya concluye, Ramón Lluís Bande ha querido acompañar cada uno de sus trabajos audiovisuales con un cuaderno que, escrito por él mismo, iba confeccionando a la par que preparando su largometraje, como un guión expandido del mismo. Así, junto a Cuaderno de la Retaguardia también hubo (y hay) un Cuaderno de la Revolución y un Cuaderno de la Guerra, que fueron presentados antes que sus “hermanos” audiovisuales.

Según cuenta su autor, todos los cuadernos incluyen una parte reflexiva y ensayística en la que se va explicando cómo se construye el dispositivo de la película, que se hace a través de párrafos muy cortos, citas y textos inconexos y, en definitiva, un tipo de lenguaje con el que Bande manifiesta haberse sentido muy cómodo, y que funciona como una red neuronal que genera pensamiento e historia, la historia.

Retaguardia es el primero de los trabajos de Bande que cuenta con una banda sonora compuesta 'ad hoc'. Bande cuenta que, desde el momento inicial tuvo claro que la historia debía partir con una sinfonía urbana del Xixón de los años 30, por eso supo que esta cinta necesitaría su banda sonora. Ahí es donde Sara Muñiz entra en escena. De una manera brillante, la música compuesta por Muñiz lleva al espectador a lugares a los que no podrían llegar solos, tal y como reconoce el director, lo que hace que, en Retaguardia la música sea una de las piezas fundamentales de la narración de la historia. Ramón Lluís es tajante, “Sara es lo mejor que le pasó a la música asturiana en los últimos años”.

La película iba a estar construida con muy pocos elementos, por eso Bande tuvo claro que tenían que ser muy solventes para que funcionaran juntos. El objetivo, “elaborar una geneaología de creadores muy comprometidos con los intereses de las clases populares, pero que no por ello renunciaban a lo que hacían”. De ahí los periodistas del Avance, Constantino Suárez, Nicanor Piñole (el gran pintor de la retaguardia de la guerra en Asturias), Goico Aguirre, pero también Mariano Moré o Evaristo Valle. Se trataba de construir, paralelamente al frente de guerra, un “frente de arte” vinculando entre ellos a todos estos artistas, y con las organizaciones de las clases populares.

La narración de Federico Volpini es otro de los “pesos pesados” de la cinta, condición sine quanum para narrar la historia, porque el movimiento en esta película, que no tiene movimiento, se genera por la relación dialéctica entre la voz y la imagen. Una voz moderna y provocadora, pero también una voz que remite a los noticiarios de los años 30, una voz interpretada. “Está justo en el punto que tiene que estar”, asevera Bande.

Una cuenta pendiente con la historia

Este país tiene una cuenta pendiente con su historia, y ello lo evidencia, según Bande, lo mal que se hicieron las cosas en todo lo que tiene que ver con la memoria, partiendo de un pacto de olvido fundacional, dice, que hace que muchos nos cuestionemos la calidad democrática de lo que resuelven en el 78.

Bande recuerda en su cinta a las 120 000 personas que llenan en España las fosas comunes, sin reconocimiento ni reparación, por eso reivindica la necesidad de exhumar las ideas que llevaron a esos cuerpos a estar donde están. Por un lado, explica, está el trabajo humanista de reconocimiento para todas ellas, pero por otro, “hay que dar un paso más allá, repolitizar esos cuerpos, sacar esas ideas, no están en fosas por casualidad, defendían unas ideas y un modelo de sociedad”. Las connotacines tan particulares que tuvo Asturias en aquella época, con una fuerte organización de la clase obrera que empezó a montarse en el 34 y se consolidó entre el 36 y 37, hicieron el resto.

Hay que dar un paso más allá, repolitizar esos cuerpos, sacar esas ideas, no están en fosas comunes por casualidad, defendían unas ideas y un modelo de sociedad

Reconoce que gracias a este trabajo pasó mucho tiempo revisando y leyendo periódicos de los años 30 del siglo pasado, y que siente miedo con la continuidad que percibe cuando da el salto a la prensa de hoy en día.

Hay una ola reaccionaria que está atacando a todo el mundo, directamente relacionada con la apuesta por la desmemoria y la amnesia general de las clases populares, lamenta, “ la gente no tiene el relato construido de la resistencia de las clases populares, ni de lo que estaba enfrente, pero ellos sí tienen memoria de lo que son y utilizan el capital histórico de lo que fueron sin ninguna vergüenza”.

El buen momento para el cine asturiano

Ramón Lluís Bande considera orgulloso que el cine asturiano vive un buen momento, con unas características comunes que lo identifican y hacen hegemónico: un cine de no ficción, muy político y comprometido, y que busca la recuperación de la memoria. Así destaca la calidad de las propuestas que este año se presentan en el FICX, como Luna, de Pablo Casanueva; Una Lluz, de Diego Flórez; o Territory, de Álex Galán. “En los 90 armar una hora de cine asturiano que se sostuviese era imposible”, cuenta parafraseando al responsable de programación del Festival, Fran Gayo, “nadie pensó que esto fuera posible en 2024”

Reconocido defensor de la llingua asturiana y asturiano parlante, Bande fue uno de los cineastas que el pasado verano firmaron un manifiesto “pola oficialidá” de la llingua asturiana y alertando de los peligros que entraña perder una lengua. Asegura que la sociedad asturiana hace tiempo que lo tiene claro, “hay una mayoría social que está a favor de los derechos llingüísticos de los falantes de asturiano y una minoría extremista que no asume ese reconocimiento de derechos”.

No proteger el patrimonio lingüístico del territorio, sin equiparar derechos de los falantes, es antidemocrático. Estar en contra de la oficialidá te sitúa en un espacio antidemocrático

Asegura que la oficialidá del asturiano y eonaviego no tiene nada malo para nadie y se muestra tajante con quienes ahora boicoteen la oficialidá, “están en una posición fuera del consenso social, que ye muy ampliu”.

En este sentido añade con rotundidad que “en el momento en que sabes que hay un patrimonio lingüístico propio del territorio, no protegerlo y no equiparar derechos de los falantes es antidemocrático, estar en contra de la oficialidá te sitúa en un espacio antidemocrático”.

Lamenta que el actual PP en Asturias se haya dejado arrastrar por Vox, llevándose también a Foro con él, y que toda la derecha se sitúe, por tanto, en un espacio no democrático con respecto al reconocimiento del asturiano. Y es que para Bande, la oficialidá “es la única manera de que los cineastas tengamos libertad de elección lingüística”, .

Actriz, modelo, cantante, artista en definitiva, que es lo que ella dice sentirse. Rosa Elena García Echave, Rossy de Palma para todo el mundo, está estos días en Gijón, donde esta mañana protagonizaba el primero de los encuentros con público y prensa, del 62 Festival Internacional de Cine de Xixón, que además le ha concecido el V Premio Isaac del Rivero en honor a su “brillante” trayectoria artística.

De padre avilesino y madre navarra, pese a haber nacido en Palma de Mallorca por aquello del “boom inmobiliario de los 60”, Rossy de Palma pasó en Asturias todos los veranos de su infancia y sigue manteniendo un fuerte vínculo con el Principado al que vuelve cada vez que tiene oportunidad.

Feliz de estar en Gijón y dispuesta a responder a todas las preguntas que público y prensa tuviesen para ella, la icónica actriz estaba también contenta por el reconocimiento que le ha concecido el FICX, galardón que además lleva el nombre de su creador, fallecido hace cinco años. Sin embargo, entre risas, contaba que para sus padres, que no son nada “pantojiles”, la verdadera ilusión consistía en saberla en Gijón y que les hubiese comprado lotería de navidad de la ciudad.

A pesar de haber protagonizado papeles inolvidables, De Palma se resiste a considerarse actriz, ella es artista, “una artesana” que no entiende la vanidad en su profesión, pues “los artistas somos vehículos del arte, meros transmisores, no somos el arte”. Lo que sí entiende es que los “artistas potentes”, por ejemplo, las directoras y directores se vanaglorien de sus películas, en cuya elaboración llegan a invertir años.

La constancia, la obsesión, la voluntad de que algo suceda “sí son motivo de orgullo”. Aunque reconoce que nunca podría ser directora porque dirigir es la historia de una obsesión y ella es una “picaflor” a la que le gusta ir de un lado a otro. Eso sí, si en algún momento llegase a dirigir una película, sería una cinta con base social, sobre violencia de género, por ejemplo, que ella sufrió, según contó.

Cuando era pequeña su padre le dijo “yes mundial”, cuenta con su desparpajo tan característico, y ella se lo creyó, así que no entiende ninguna frontera, salvo las gastronómicas, asegura entre risas.

Desde que Trump ganó las elecciones estamos en una hiperrealidad donde los héroes han desaparecido y solo hay villanos

La hiperrealidad en la que dice se ha instalado el mundo tras la victoria de Trump le preocupa, es como las películas de héroes y villanos, dice, solo que ahora solamente hay villanos, “¿dónde están los héroes?”, se pregunta. El arte es la única tabla de salvación para el mundo tan complejo en el que vivimos actualmente, por eso no debemos olvidar, dice, que las mentes inteligentes son elásticas, llenas de dudas y están en personas bondadosas, frente a las mentes no inteligentes que son rígidas y están llenas de certezas equivocadas.

Durante su distendida charla con el público, Rossy de Palma, que ignoró el “timing” del festival, a pesar del nerviosismo de la organización del que ella, entre risas, era consciente, pero es que estaba “muy a gusto”, echó la vista atrás para recordar la década de los 80, su llegada a Madrid “con una mano delante y otra detrás”, las noches en La Vía Láctea y el Rockola o el momento en que conoció, siendo ya ambos artistas, a Pedro Almodovar. Fueron buenos tiempos, relataba, “éramos fideos de la misma sopa”.

Una anécdota del rodaje de Mujeres al borde un ataque de nervios, en el que ella se aburrió soberanamente, según dijo, hasta que tras quejarse de manera reiterada consiguió la escena del orgasmo, puso punto y final a 40 minutos de confesiones, historias y recuerdos que no decepcionaron a nadie.

La 62 edición de Festival Internacional de Cine de Xixón (FICX) está a punto de comenzar y, a pesar de las ocho ediciones que Alejandro Díaz Castaño cumple este año al frente del certamen (fue elegido en 2017), reconoce que siente “cierto vértigo”, aunque no sabe si es producto de la edad -sonríe- o del incipiente arranque de ocho días “de locura”.

Aparantemente tranquilo, solo aparentemente, el director del FICX habla de una programación “muy equilibrada”, de una sección oficial que nada tiene que envidiar a las de otros festivales, de hecho, reconoce que no cambiaría el buque insignia de la edición de este año por la de ningún otro certamen, y acompaña sus palabras con un verdadero reconocimiento al equipo del FICX, y es que Díaz Castaño asegura que en esta 62 edición ha trabajado con “el mejor equipo con el que he trabajado nunca”, aunque la mayoría de las personas que lo integran son las de siempre, explica.

Gijón albergará, a partir del viernes 15, ocho días de cine independiente para todos los gustos, con 169 proyecciones, y actividades complementarias que en esta edición han superado en número las organizadas otros años: coloquios, mesas redondas, exposiciones, presentaciones de libros, talleres y música, compañera inseparable del certamen desde hace muchos años.

En total, se pasarán por el FICX casi 200 cineastas entre los que se encuentran, por ejemplo, Rossy de Palma, Carla Simón, Pilar Palomero, Celia Rico Clavellino, Athina Rachel Tsangari, Marguerita Vicario, Antón Álvarez (conocido por su faceta musical como C.Tangana), Ramón Barea, Assumpta Serna, Guillaume Brac y un largo etcétera.

Díaz Castaño se reconoce a sí mismo como una persona obsesionada por romper la tendencia al individualismo que cada vez impera más en la sociedad actual, por eso insiste en la necesidad de trabajar en la creación de comunidad, pues “cuanto más trabajemos por hacer comunidad, haremos del mundo un lugar mejor”. Por eso tejer redes, internas y externas, pero también locales, regionales, nacionales e internacionales, es una de las características principales en este equipo.

Crear espacios para el encuentro y el disfrute en común nos humaniza, en un momento geopolítico muy complicado y peligroso que está dando lugar a que una parte de la ciudadanía no se sienta partícipe

“Crear espacios para el encuentro y el disfrute en común nos humaniza”, asegura, en un momento geopolítico muy complicado y peligroso que está dando lugar a que una parte de la ciudadanía no se sienta partícipe, viéndose sometida a normas muy lejanas, explica el director del FICX.

Al igual que en la vida de todo el mundo, la pandemia supuso un punto de inflexión muy importante para el Festival de Cine de Xixón, pues hubo que recuperar una larga y consolidada trayectoria que durante años arrojaba cifras escandalosamente buenas. Eso, por suerte, reconoce su director, ya sucedió en la pasada edición, pero costó trabajo.

El objetivo en esta etapa de la pospandemia para Alejandro Díaz Castaño y su equipo es darle una vuelta al modo que el festival está llegando a su público más joven para incrementar su presencia en las salas. Es algo en lo que trabajan desde hace tiempo y por lo que, por ejemplo, este año decidieron emancipar 'Géneros Mutantes' de la sección 'Esbilla', constituyéndola como una sección en sí misma y respondiendo de esta forma a una petición del público joven.

El Festival Internacional de Cine de Xixón ha trabajado durante estos últimos años, con Díaz Castaño al frente, por acercar a la ciudadanía un tipo de cine que, quizás, no era fácil para el común de los mortales, y hacerlo sin que el certamen perdiese su esencia independiente, transgresora, fresca y diferente.

Lo han logrado “rompiendo barreras” entre el público y los y las cineastas, sin elitismos y con una organización muy horizontal. Lo explica su director, quien también remarca el profundo trabajo didáctico que hace el FICX a lo largo de todo el año “para que la gente no tenga miedo a acercarse a cierto tipo de cine”.

Entre las medidas que, en aras de esta pedagogía, se han puesto en marcha, está, por ejemplo, la desaparición de 'Llendes' como sección dentro del Festival y el reparto de las cintas que la integraban en otros espacios del certamen, precisamente porque se dieron cuenta, tal y como cuenta Castaño, de que era un cine demasiado “experimental”.

Si tuviese una bola de cristal para ver el futuro, a Alejandro Díaz Castaño le gustaría comprobar que el FICX sigue en pie porque los festivales son un tesoro cultural que no debemos perder. Sin embargo, no piensa en ver un festival que aumente sus cifras en lo cuantitativo, sí en el nivel de repercusión de los estrenos e invitados. Importante, por encima de todo, reconoce, que el FICX nunca pierda su carácer gamberro.

¡Gloria!, una declaración de intenciones

La película elegida para inaugurar el festival este año es “la mejor que nos encajaba para inaugurar”, a pesar de que el hecho de que sea género musical pueda llamar la atención por arriesgado en un certamen como el de Xixón. Es claro, “no pienses en un musical tipo Gene Kelly”, dice, ¡Gloria! es un chute de energía, con un punto de transgresión clásica y sin excesos en lo experimental.

La actriz y cantautora italiana Marguerita Vicario, que estará presente en la inauguración, debuta en la dirección con esta película en la que homenajea la memoria de las mujeres compositoras a lo largo de la historia. “Toda una declaración de intenciones”, reconoce Díaz Castaño para quien esta es, sin duda, la película europea del año, que además llega a Gijón tras ser aclamada en la Berlinale.

Un “imperdible”

Difícil es elegir lo imprescindible del FICX, más aún para su director, pero si algo ha querido recomendar Díaz Castaño, entendiendo lo complicado de llegar a todo en un programa cinematográfico cada vez más extenso, es el foco dedicado este año al director Ado Arrieta, quien además recibirá uno de los premios de honor del festival. Del cine de Arrieta destaca un “increíble ejercicio de libertad” en la elaboración de películas con una “frescura irrepetible”.

Por ello el director del FICX anima al público a no perderse, al menos, una de las seis películas de Arrieta que se proyectarán en esta edición, un heróico de nuestro cine, dice, “historia viva del cine español”.

Alejandro Díaz Castaño reconoce la “melancolía post FICX” como un nuevo estado emocional que aparece cuando termina el festival, “el día después”, y que deriva de la atmósfera de cercanía y ausencia de barreras que el certamen ha conseguido generar en la ciudad y que se respira en todas sus calles. Pero para eso aún quedan muchos días de disfrute y emoción con la 62 edición de un festival que muchas y muchos esperan ya con los brazos abiertos. La cuenta atrás ha comenzado.

Gijón vuelve a convertirse un año más, y ya van 62 ediciones, en capital del cine independiente durante ocho días, los que dura su certamen más internacional, el FICX. El Festival Internacional de Cine levantará el telón en el teatro Jovellanos el próximo viernes 15 de noviembre, con una gala inaugural conducida por el actor Julián López, quien recientemente ha sido reconocido por la crítica gracias su interpretación en el último trabajo de Pilar Palomero, programado dentro de los pases especiales del certamen, 'Los Destellos'.

Del 15 al 23 de noviembre el FICX proyectará 169 títulos, 111 largometrajes y 58 cortos, seleccionados entre un total de 2400, según contaba durante la presentación de este viernes, el programador del certamen, Tito Rodríguez. Un certamen del que su director, Alejandro Díaz Castaño, destaca, sobre todo, el trabajo que cada año desarrolla el equipo al completo con el objetivo de construir comunidad.

Esta edición arrancará con un cortometraje de producción canadiense. Dirigido por Lope Serrano y con un cartel de cameos de lujo entre los que encontraremos a los cineastas J.A. Bayona o Albert Serra, y un elenco compuesto por Bárbara Lennie, Berta Prieto y Omar Ayuso, La causa del accidente que provocó el incendio será la cinta que precederá a ¡Gloria!, un musical italiano aclamado en la Berlinale y que homenajea la memoria de las mujeres compositoras a lo largo de la historia.

Durante la gala inaugural, además, el precursor del cine underground español y francés, Aldo Arrieta, recibirá el Premio de Honor FICX 2024, mientras que la icónica actriz mallorquina , Rossy de Palma, verá reconocida su trayectoria con el V Premio Isaac del Rivero, que lleva el nombre del creador del festival.

Ya en el acto de clausura será el momento de entregar el Premio Especial Generación Mutante a la actriz danesa Lone Fleming, en reconocimiento a su extensa trayectoria, y el Premio Comadre de Cine 2024 a la directora y guionista catalana Carla Simón, laureada por sus trabajos Estíu 1993 y Alcarrás. Por su parte, la directora griega Athina Rachel Tsangari recibirá el Premio de Honor FICX 2024.

Una oda al cine mudo será la cinta elegida para clausurar el festival, Silent Trilogy, del finlandés Juho Kuosmanen.

Casi 200 cineastas pasarán por la ciudad durante el FICX, que completa su programación con los seis títulos que integran sus Pases Especiales. Athina Tsangari presenta Harvest, una oscura fábula estrenada en el Festival de Venecia y la española Pilar Palomero, reconocida por la crítica como “una de las cineastas más interesantes de nuestro país”, vuelve a Gijón con Los destellos.

En la alcoba del sultán, de Javier Rebollo; Generación Xixón Sound del realizador asturiano Aure Roces; La Gran Manzada, de David de la Cruz; y Rolling Thunder, del estadounidense John Flynn son los títulos que completan los pases de esta 62 edición.

Actividades complementarias

El FICX duplica en esta edición la oferta de actividades complementarias que acompañarán a las proyecciones durante los ocho días de certamen, perfilándose, según sus organizadores, como una de las más destacadas en la historia del festival.

Habrá cinco exposiciones, entre ellas, una de Jean-Luc Godard, otra de carteles de cine, de la colección del Muséu del Pueblu D'Asturies, o una muestra sobre mujeres en el cine.

La directora Carla Simón impartirá una Masterclass, y la actriz Assumpta Serna y el actor Scott Cleverdon presentarán sus libros. Habrá mesas redondas, proyecciones y conciertos, además, como novedad este año, se presentará la primera edición del Altafulla International Film Festival. Talleres, charlas y encuentros con el público completarán esta 62 edición que está a punto de comenzar.

‘De Facto’, de la cineasta bosnia, Selma Doborac, ha recibido esta mañana el premio al mejor largometraje del Jurado Internacional de la Competición Retueyos, de la 61 edición del Festival Internacional de Cine de Xixón.

Representantes de los diferentes jurados que han formado parte de esta edición del FICX han dado a conocer esta mañana el palmarés del certamen, que completa sus principales galardones con ‘No esperes demasiado del fin del mundo’, cinta dirigida por Radu Jude, que competía en Albar, y ‘Los restos del pasar’, de Luis Soto Muñoz y Alfredo Picazo, mejor largometraje de Tierres en Trance, según ha decidido el jurado FIPRESCI.

Selma Doborac regresa al FICX, tras su visita en 2017, y lo hace con una película “muy radical” que ha fascinado al jurado, por su valentía y los riesgos que asume en el tratamiento de los temas de actualidad, tal y como ha explicado esta mañana uno de sus integrantes, el actor francés, Ugo Broussot.

‘De Facto’ es una cinta en la que se aborda la mediación entre víctimas y victimarios sin caer en la ambigüedad. La cinta, galardonada también en la Berlinale, habla de los traumas de la guerra, del horror que esconde el ser humano, y lo hace eludiendo la exposición gráfica de atrocidades.

El Jurado Internacional de Retueyos otorgó también el Premio a la Distribución para ‘Blackbird Blackbird Blackberry’, de Elena Naveriani, cinta que también recibió los premios a la mejor actriz y mejor actor, para Eka Chavleishvili y Temiko Chinchinadze.

El Jurado de la Competición Albar ha destacado de la cinta rumana ‘No esperes demasiado del fin del mundo’ el riesgo asumido por Radu Jude al combinar dos películas en una misma, así como su forma de tratar un tema político tan complejo, con humor, y la presencia de su protagonista. La actriz y directora española, Elena Martín Gimeno, miembro del jurado, asegura que fue una decisión “muy consensuada” desde el principio.

Asimismo, otorgaron el Premio a la Distribución para ‘Eureka’, de Lisandro Alonso, y el Premio Especial del Jurado para ‘El último verano’ de Catherine Breilllat.

El director del FICX, Alejandro Díaz Castaño, fue el encargado de hacer público fallo del Jurado FIPRESCI, que ha recaído en el debut de dos cineastas andaluces. Navegando entre realidad y ficción, ‘Los restos del pasar’ se retrotrae a los recuerdos de un hombre que vive sus últimos días de existencia.

El Jurado FIPRESCI ha concedido también el Premio de la Asociación ¡Acción! a la Mejor Dirección, a la directora argentina, María Aparicio, por ‘Las cosas indefinidas’.

El palmarés de la 61 edición del FICX se completa con el Premio Principado de Asturias al Mejor Cortometraje para ‘Blow’, de Neus Ballús, con Mención Especial para ‘Gregoria’, de Celia Viada Caso; Premio Jurado Joven para ‘Matronas’, de Léa Fehner, con Mención Especial para ‘Locals’, de Mans Nyman; el Premio CIMA  al Mejor Largometraje Dirigido por una Mujer para ‘Las cosas indefinidas’ de María Aparicio; y el Premio Enfants Terribles para ‘Katak, la pequeña ballena’, de Christine Dallaire-Dupont y Nicola Lemay.

Por su parte, el Gran Premio del Público ha recaído en ‘El amigo de todos’, de José Antonio Quirós; el Premio del Público de Tierres en Trance a ‘La prisión de mi padre’, de Iván Simonovis; y el Premio Europa Film Festivals-Europa Joven para ‘El cine,5’, de la directora asturiana, Elisa Cepedal.

El Premio RTPA al Mejor Largometraje Asturiano ha sido para ‘Los últimos pastores’, de Samu Fuentes, con Mención Especial para ‘Il Mulín’, de Álex Galán. Premiu RTPA al Meyor Curtiumetraxe para ‘Les Praeres’, de Iván Menéndez, que también recibió el premio de distribución de Laboral Cinemateca; y Mención Especial para ‘Los trazos que quedan de ti’, de Lía Lugilde.

Por último, el Jurado de Cine Español ha concedido el Premio a la Mejor Película Española para ‘On the go’, de María Giséle Royo y Julia Castro, que también ha recibido el Premio RCSERVICE a las mejores directoras de la mejor película española; la Mención Especial es para ‘Los restos del pasar’ y el Premio ‘Dama’ al mejor guion es para Ariadna Fortuny y Clàudia García de Dios, por ‘Un sol radiant’.

Sobre el palmarés se ha pronunciado el director del FICX para quien cualquier película es buena ganadora ya que “las hemos elegido nosotros”. Alejandro Díaz Castaño ha destacado, no obstante, que las cintas premiadas son películas muy diferentes que cubren un amplio espectro de lo que es el cine de autor. Así resalta que ‘De Facto’ es un reto para el espectador, mientras que ‘No esperes demasiado del fin del mundo’ y ‘Los retos del pasar’ son películas que fueron recibidas con sonrisas en sus diferentes pases, algo que demuestra que el de Gijón no es un certamen elitista. Castaño ha manifestado su satisfacción por la respuesta “masiva” que ha tenido esta edición del FICX, que ha calificado como “histórica” por haber conseguido volver al número de salas que había antes de la pandemia.

Como en ediciones anteriores, el Teatro Jovellanos acogerá mañana domingo, las proyecciones de algunas de las películas premiadas. A las 17:30 horas se proyectará ‘Los últimos pastores’, de Samu Fuentes, Premio RTPA al Mejor Largometraje, y a las 19:30 horas, ‘’No esperes demasiado del fin del mundo’, Premio al Mejor Largometraje Sección Oficial Albar. Las entradas ya están a la venta en la taquilla del Teatro o en ficx.tv. 

El director argentino, Lisandro Alonso, vuelve al Festival Internacional de Cine de Gijón para estrenar en España su último trabajo, ‘Eureka’, que llega directamente del Festival de Cannes. La cinta es una singular experiencia que busca el paralelismo entre los mundos indígenas de Estados Unidos y Sudamérica, cuya idea surgió de la experiencia norteamericana de su director, tras cursar una beca en Boston.

‘Eureka’ narra las condiciones de vida en la reserva india de Pine Ridge, uno de los lugares más pobres de América del Norte, a través de las patrullas de una policía. Con un alcoholismo que afecta al 80% de la población, una esperanza de vida de 50 años y una tasa de paro que roza el 90%, Pine Ridge, en Dakota del Sur, el espejo en el que Estados Unidos no quiere mirarse, ha sido el lugar elegido por Lisandro Alonso para colocar su cámara.

El realizador bonaerense, de 48 años, es un viejo conocido del FICX, certamen que ganó 2008 con la película ‘Liverpool’ y al que no había vuelto para estrenar trabajo hasta ahora. En este caso, presenta Una cinta repleta de giros sorprendentes, al más puro estilo de los hermanos Coen o David Lynch, cuyos primeros veinte minutos, rodados en blanco y negro, están protagonizados por Vigo Mortensen y Chiara Mastroianni, acompañados por Rafi Pitts.

Tras ellos, dos mujeres indias copan el protagonismo de la cinta, viven en la reserva, una es policía, aparenta ser más dura, menos emotiva, más resignada. La otra es la más joven, entrenadora de baloncesto, es quien lleva sobre sus hombros la intensidad de la vida en la reserva, la situación le pesa. Por ello, cuando no resiste más, a través de una suerte de reencarnación, huye. Sadie es el verdadero hilo conductor de la película, el nexo de unión entre las comunidades indígenas al norte y al sur de México.

Cuando descubrió Pine Ridge, Lisandro Alonso comprobó con sorpresa cómo las condiciones de vida en la reserva se asemejaban a las de un campo de concentración, de donde nadie quiere salir ni entrar, a pesar de que, en este caso, lo pueden hacer, y donde las personas se mueren por desatención.

La reserva de Pine Ridge debería ser intervenida federalmente. El derecho a la vida es un derecho que nos hemos ganado todas las personas

Lisandro Alonso — director de 'Eureka'

Siendo argentino y viviendo en Sudamérica, el director quiso establecer una conexión entre el modo de vivir de las comunidades indígenas de Norteamérica y de Sudamérica, y en ese momento fue cuando comprobó que en Sudamérica, al menos, las personas indígenas están incluidas “en esto que se hace llamar democracia”, y tienen herramientas para vivir más años, afirma. “La reserva de Pine Ridge debería ser intervenida federalmente,” asegura, “el derecho a la vida es un derecho que nos hemos ganado todas las personas”.

Preocupado y cansado por la situación que vive su país, tras la victoria electoral del ultraderechista, Javier Milei, augura la llegada de una crisis social a Argentina, al margen de las crisis políticas y económicas a las que están tan acostumbrados. “No pinta bien, pero si esto es lo que votó la mayoría más uno…”, dice con resignación.

Aún así reconoce que la situación política en su país es difícil desde hace muchos años, con unos niveles de corrupción insostenibles que han hecho que la gente vote en contra del “más de lo mismo”, y así pasó lo que pasó.

No se considera un cineasta político, tampoco social, sencillamente, un cineasta que elige en qué parte del mundo coloca su cámara, en qué invierte su tiempo y su energía. “Me siento más pleno estando ahí, junto a la gente que está fuera de los semáforos, que rodando en Buenos Aires”, con esa contundencia se manifiesta quien no reniega del cine comercial, aunque no le salga hacerlo porque no tiene sensibilidad para ello.

De hecho, le encantaría que sus trabajos llegasen a la mayor cantidad de gente posible, eso soñaba cuando empezó a estudiar cine, pero es consciente de que es una utopía, las características del cine que hace no empatizan con los códigos de la industria de hoy en día. “Me salen cosas raras”, dice.

Desde que ganó el FICX con ‘Liverpool’ han pasado ya 15 años y han cambiado muchas cosas, entre ellas, su forma de rodar. Empezó a trabajar en películas más elaboradas, con personas y equipos que no conocía (ni le conocían a él), filmó en otros países y en otros idiomas. Películas, en definitiva, más difíciles de hacer y también de disfrutar, que estaban conformadas por tantas piezas que él, acostumbrado a lo contrario, ya no controlaba todo el trabajo directamente.

Ahora, cuando ya ha vivido esta experiencia, quiere volver a casa, junto a los suyos. Por eso, al término de la promoción de ‘Eureka’, es lo que hará, volver a Argentina para filmar allí, “tristemente en Argentina habrá mucho material para filmar a partir de ahora”, dice con cierto pesar.

‘Eureka’ se rodó en tres países distintos y con tres equipos técnicos diferentes, lo que para el director hizo que fuese un trabajo harto complicado que, además, tuvo que hacer frente a la pandemia, con lo cual seis semanas de rodaje se prolongaron durante tres años.

Lisandro Alonso es además guionista y productor. Dirigió su primera película en 2001 y, desde entonces, cuenta con seis trabajos en su filmografía: ‘La Libertad’ (2001), ‘Los muertos’ (2004), ‘Fantasma’ (2006), ‘Liverpool’ (2008), ‘Jauja’ (2014) y ‘Eureka’ (2023).

En una edición del FICX marcada por el desembarco de películas españolas, como su propio director, Alejandro Díaz Castaño, reconocía en la entrevista concedida a elDiario.es Asturias, la presencia de cine asturiano es otro de los componentes a destacar en el 61 Festival Internacional de Cine de Xixón. Si bien visibilizar este cine siempre ha sido una apuesta clara del certamen, ahora se consolida con la proyección de 30 películas, entre cortometrajes y largometrajes, y la inclusión de tres títulos asturianos en la Sección Oficial.

‘Literato’, dirigida por Carlos Navarro y guion de Maxi Rodríguez; ‘Gregoria’, de Celia Viada; ‘El cine, 5’, de Elisa Cepedal; o ‘Flores del cemento’, primer trabajo de Luismi Pantiga, son algunos de esos títulos que se han podido ver estos días en las salas gijonesas. Todos ellos tienen en común que son asturianos, pero también que les gusta hacer cine en Asturias, contar historias de Asturias y rodar aquí, aunque eso, tal y como algunos reconocen, sea tan difícil porque “hacer ficción en Asturias es un milagro”.

De milagros y valentía algo saben Carlos Navarro, director, y Maxi Rodríguez, guionista y protagonista de ‘Literato’. Rodada en doce días, con un equipo íntegramente asturiano y tan solo 80.000 euros de presupuesto. “Una película española, normalita, tiene un presupuesto que ronda el millón y medio de euros, compara”, dice Navarro.

El problema es que hay políticos que siguen pensando que dentro de 50 años Asturias seguirá viviendo del sector industrial, y no es así. La industria del entretenimiento es la segundo que más economía genera y asegura que tiene un gran potencial

Carlos Navarro — director de 'Literato'

Maxi prefiere ser más optimista y recuerda cuando, cada vez que le enseñaba el guion a Carlos, cortaba y recortaba porque había que ajustarse a los días de grabación. Después de todos los reajustes tuvimos que decidir si la hacíamos así o esperábamos a que llegase un momento que nunca llegaría, dice Rodríguez, “por eso este trabajo tiene un punto de valentía”.

“El problema en esta región”, sigue Navarro, “es que hay políticos que siguen pensando que dentro de 50 años Asturias seguirá viviendo del sector industrial, y no es así”. Reivindica que la industria del entretenimiento es la segundo que más economía genera y asegura que Asturias tiene un gran potencial dentro de esta industria porque “por la mañana puedes rodar en la montaña y por la tarde en la playa. Hay muy pocos sitios en los que puedas hacer algo así”.

Maxi reconoce las dificultades, y las comparte, pero dice que prefiere ser de los que ve el vaso medio lleno, porque lo verdaderamente importante es que las salas de cine proyecten la película y la gente vaya a verla. Asegura que está muy orgulloso del trabajo que han hecho y reconoce que le gustaría que ‘Literato’ tuviese recorrido. “Si conseguimos interesar a la gente, irán a ver la película y se podrá hacer más ficción”. Por eso, tras su paso por el FICX, ‘Literato’ ya tiene una cita pendiente, el jueves a las ocho de la tarde en los multicines Odeón de ParqueAstur.

Ambos saben que la financiación es fundamental y por eso reclaman más implicación con el cine asturiano, aunque también aseguran que no todo es reclamar, también hay que reconocer, y es que “sin el apoyo de la Radio Televisión del Principado de Asturias (RTPA) ‘Literato’ no habría podido hacerse”, concluye el director.

Sus reivindicaciones también las comparte otra cineasta asturiana, la realizadora y directora, Celia Viada Caso, que compite en Sección Oficial con su corto ‘Gregoria’, quien asegura que éste ha sido el segundo año que ha habido en Asturias una línea directa de ayudas para hacer cine, aunque 100.000 euros “es un pastel muy pequeño para repartir”. Sin embargo, pide no mirar solo hacia arriba y también hacer autocrítica porque “en Asturias no creemos en lo nuestro como lo hacen en otros sitios”.

Así reconoce que, si bien el Festival Internacional de Cine es un foco“ increíble” para el cine asturiano, “en cuanto pasan estos ocho días se acabó, no existe ninguna continuidad y volvemos a desaparecer de la escena cultural”, afirma. Y es que, para Viada, no revindicar lo nuestro es un mal generalizado de los asturianos quienes, por un lado, están muy orgullosos de ser asturianos, pero por otro, “pecamos de alabar lo de fuera y rechazar lo de dentro, algo que, en Galicia o País Vasco, por ejemplo, no sucede”.

La directora cinematográfica se convirtió en la gran triunfadora del FICX de 2020, la edición más anómala del certamen debido a la pandemia, con ‘La calle del agua’, su primer trabajo y también primer largometraje, en el que recupera la figura de Benjamina Miyar, una fotógrafa pionera que destacó por su lucha en favor de la república.

Ahora ha vuelto al FICX con un corto de 30 minutos que cuenta la historia de Gregoria, una mujer de 97 años (falleció en 2021), agricultora, que vende sus productos en la Plaza del Fontán, en Oviedo. Es un trabajo que, tal y como ella explica, había rodado antes de ‘La calle del agua’, pero en el que no había visto nada, hasta que, con el paso del tiempo, tomó distancia de las imágenes y decidió hacer el corto. De Gregoria dice que era una mujer fuerte, poderosa y muy libre, de quien al principio sintió lástima, por sus condiciones de vida, pero a quien pronto empezó a ver como lo que era, una mujer que había sido capaz de vivir en los márgenes del sistema y como ella siempre quiso.

Otra de las autoras crecida al calor del Festival de Cine de Xixón es Elisa Cepedal. Llega en esta edición con ‘El cine 5’, que narra la historia de Barredos, un pequeño pueblo minero de la cuenca del Nalón, su pueblo. Lo hace a través del archivo de un fotógrafo local, gracias al que va reconstruyendo la memoria colectiva de la comunidad, que además, era su abuelo.

Elisa Cepedal vive fuera desde hace muchos años, pero siempre regresa a Asturias para rodar y para contar historias de aquí, “a mí me sigue interesando contar la historia de Asturias, sobre todo, de la cuenca minera, que es de donde yo soy”, reivindica orgullosa. Por su parte destaca el compromiso político de gran parte de los cineastas asturianos, con la historia y la memoria de Asturias.

En su caso asegura que siempre ha tenido que compaginar la dirección de cine con otras actividades, así ha sido montadora muchos años y ahora es profesora universitaria. Lejos de verlo como algo negativo asegura que es precisamente eso lo que le permite dedicarse a los proyectos que le gustan y quiere hacer, que son, en muchos casos, “demasiado experimentales” para que generen dinero.

'Flores del cemento' es la ópera prima del gijonés Luismi Piñera, un largometraje de 165 minutos que se ha proyectado en Esbilla Premiere, rodado íntegramente en Gijón, y financiado con ahorros y ayuda de la familia, según cuenta su director. Este fan del cine de Scorsese está fascinado por haber podido estrenar su primer trabajo en el FICX, cuyo guion comenzó en septiembre de 2021 y el rodaje finalizó en agosto de 2023.

Es joven y está empezando, pero reconoce que, pese a haber mucho talento, en Asturias hacer cine es muy complicado y “acabaré teniendo que irme a Madrid”, lamenta. Hecha en falta una escuela de cine, que se fomenten más rodajes y financiación. Para quienes están pensando dedicarse al mundo cinematográfico tiene un consejo, que no se cierren miras y vean todas las formas que hay de contar historias.

A sus 75 años, la directora francesa Catherine Breillat atiende paciente, y sin perder la sonrisa, a todos los periodistas interesados en charlar con ella. Lo hace sentada en una silla de ruedas en la que se desplaza debido a sus problemas de movilidad, pero con la mirada inquieta y estimulante de quien lleva casi 50 años brillando detrás de una cámara.

Breillat ha estrenado en el Festival Internacional de Cine de Gijón ‘El último verano’, un thriller con tintes eróticos, adaptación de la película danesa ‘Queen of Hearts’, en la que una madrastra cae rendida a los encantos de su hijastro, rompiendo con ello todos los tabúes y convenciones sociales. Con esta cinta vuelve la Breillat más provocativa y casi escandalosa, sacudiendo sentimientos y rebeldías, y arrasando con los principios más moralistas de algunos.

Cuentan de ella que es una directora controvertida por su forma de presentar la sexualidad, pero ella lo niega. Se califica a sí misma como subversiva porque, lejos de presentar el deseo como algo trivial, como suele ser habitual, según ella misma explica, Breillat reflexiona sobre él, sobre su belleza, “desear está en nuestro ADN, sin deseo no hay vida”.

Y de eso va su último trabajo, de la belleza del deseo recíproco. Porque lejos de presentar una pareja aburrida, cuya relación está muerta, ‘El último verano’ habla de la importancia de la familia y de cómo hay que hacer concesiones si se quiere que ésta sobreviva. Anne (Lea Drucker) está felizmente casada con Pierre (Olivier Rabourdin), pero siente una atracción irrefrenable por Theo (Samuel Kircher) fruto de un matrimonio anterior de su marido, e inicia una relación con él que le permite saldar una cuenta pendiente con ella misma respecto a su juventud no vivida.

'El último verano' habla de la incandescencia de una nueva pasión, inconveniente, sí, pero incontrolable. Habla de un hijastro que seduce claramente a su madrastra y la debilidad de ella la avoca a ceder. La cinta cuenta la historia de una mujer de éxito que lo ha conseguido todo en la vida, pero tiene una herida que debe curar, una adolescencia no experimentada que vivirá ahora a través de la relación con su hijastro.

Ésta es la primera vez que directora y protagonista trabajan juntas y, a pesar de que la segunda reconoce la tiranía de Breillat a la hora de dirigir y la dureza del rodaje, entre otras cosas, por la intimidad de algunas de las escenas. Ambas aseguran que ha sido una experiencia apasionante. Sobre su forma de dirigir Breillat sonríe, “claro que soy tirana dirigiendo”, porque el cine no es un espectáculo improvisado, todo tiene que estar encuadrado dentro del marco y eso me exige ser inflexible, apunta.

Con 'El último verano' vuelve a dirigir después de diez años apartada de este oficio que le apasiona, “es como ir a los Juegos Olímpicos sin haber entrenado”, nos cuenta respecto a lo que sintió cuando volvió a ponerse al frente de un rodaje. Sin embargo, asegura estar hecha para hacer cine, en seguida la invadió la energía y las ideas brotaban sin parar. “El cine es mi vida, voy a morir haciendo cine, como Molière”, dice.

Rehúye hablar del cine de hombres y el de mujeres. Asegura que ella hace cine, no cine de mujeres. Sin embargo, aplaude que cada vez haya más mujeres haciendo cine, “es importante”. “Para mí fue muy difícil, cuando yo empecé hace ya muchos años no se me permitió estudiar dirección, pero al final lo logré, conseguí hacer cine”, cuenta.

“Ahora las cosas han cambiado, por suerte, y me alegra haber abierto un camino para las demás, pero a mí lo que me interesa es seguir haciendo mis películas”, añade. Recuerda con satisfacción cómo en los diferentes festivales de cine en los que participa, siempre se le acercan directoras de cine para decirle lo importante que fueron sus películas para ellas, en su aprendizaje y a la hora de decidir dedicarse a hacer cine. En esos momentos asegura sentirse muy orgullosa, “para mí es muy importante sentir que mis películas ayudaron a otras mujeres a hacer cine”.

Considera “muy bueno” el cine español y se declara fan de Almodóvar, de hecho, una de sus películas de culto es ‘Todo sobre mi madre’. Incluso cuando vio ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’, a pesar de no ser su tipo de cine, “me deslumbró”. Lo que hace de una persona un buen director o directora de cine es que sus películas no envejezcan. Por eso Almodóvar es un maestro, porque tú ves sus primeras películas hoy en día y son mucho más frescas y jóvenes que algunas las que se hacen ahora.

La veterana directora francesa, que fue también actriz, es además guionista y escritora. Debutó como actriz en 1972 en ‘El último tango en Paris’, de Bernardo Bertolucci, en el papel de la modista Mouchette, y como directora ha rodado más de una quincena de largometrajes, entre ellos ‘Romance’, protagonizado por el actor porno Rocco Siffredi, que está considerado como uno de los primeros filmes con escenas de sexo real para el circuito de cine comercial.

Entre sus películas más reconocidas están también ‘Una vieja amante’, nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2007, o ‘À ma soeur’, que en 2001 estuvo entre las candidatas para alzarse con el Oso de Oro del Festival de Cine de Berlín y ganó el gran premio del Festival de Chicago. El recorrido de Breillat en festivales de cine no concluye ahí, pues sus películas se han visto también en los festivales de Londres y Varsovia. 

Con su última película, Catherine Breillat compite en la Sección Oficial dentro de Albar, la sección competitiva internacional dedicada a los grandes nombres del cine contemporáneo en el FICX. habrá que esperar al 25 de noviembre para ver si sale con alguno de los galardones del palmarés de esta 61 edición.

Son los habitantes de las montañas asturianas desde hace siglos, protagonistas de la reciella, el traslado del ganado desde las majadas a las invernales y viceversa, y ven cómo el mundo que hasta ahora han conocido cada vez se aleja más de sus costumbres. Desde hace dos años tienen que enfrentarse, además, a los ataques del lobo, protegido por ley desde 2021. Son los pastores de los Picos de Europa.

De la Majada de Tordín a las invernales de Vierru, en el concejo de Cabrales, así transcurre la vida, desde hace más de 60 años, de Fernando y Manolo Mier, dos pastores que protagonizan, junto a un paisaje que quita el aliento, el último trabajo del director asturiano, Samu Fuentes.

Los últimos pastores narra con un tino exquisito la vida de estos dos hermanos, únicos pastores que quedan ya en esa zona y únicos también en Asturias que dedican su vida por entero al pastoreo y al ganado. Comenzaron a los 13 años, ahora ya tienen 73 y 74, y vieron las majadas llenas de críos que subían a la montaña en cuanto acababa el colegio y allí se quedaban, con el ganado, hasta que en septiembre volvían a comenzar las clases.

“Aquello estaba lleno de niños y de vida”, recuerda el director del documental, pero hoy ya no queda nada, hasta el ganado ha cambiado. Fernando y Manolo tenían vacas, ovejas y cabras, pero hace tres años tuvieron que vender las 150 ovejas que les quedaban, ovejas de sexta generación, autóctonas, cansados de los ataques del lobo y de tener que demostrar a la administración que el cánido era el responsable de los ejemplares perdidos, porque no siempre es fácil, debido a la intervención de los buitres.

Se quedaron entonces con su vacas y cabras, pero hace dos semanas que decidieron vender también las vacas debido a la nueva normativa que prohíbe tener cuadras con vacas en núcleos urbanos.

Conviven a diario con su perro Sol, el burro Curro y el gato Linda, sí, gato, cuando decidieron el nombre pensaban que era una hembra, pero lo mantuvieron aún al descubrir que era macho. Manolo, el más joven de los hermanos, es quien pasa en la montaña 11 meses al año, la rodilla de Fernando limita sus estancias a seis meses.

Profesan verdadero amor por los animales, algo que llama la atención en el conflicto abierto entre defensores y detractores del lobo. Sin beligerancia, pero con pena, asumen la situación, si la protección del lobo no se modifica se acabará el pastoreo porque “criar una cabra para que te la mate el lobo…” Y con el fin del pastoreo sufrirán los parques naturales porque ellos son sus verdaderos conservadores, según señala Samu Fuentes, son los que tallan los caminos, cuidan de los árboles y saben cómo tallarlos para que crezcan más fuertes.

El director asturiano lo tiene claro y, pese a reconocer que es un amante de los lobos porque le parecen animales increíbles, “si tengo que elegir entre el lobo o Fernando y Manuel, lo tengo claro”. Durante 15 días de grabación con una inmersión absoluta, según nos cuenta, la admiración por estos dos hermanos se evidencia en su mirada, no solo la de él, sino la de todo el equipo, formado por el director de fotografía, Alejo Sabugo; Paloma Peñarrubia, creadora de la banda sonora; y Maialen Sarasua, en el montaje.

No se trata de matar, añade, estamos hablando de asustar, el lobo es un animal muy astuto y si hay seres humanos no se acerca, huye de los ruidos, pero es que no pueden ni pegar un tiro al aire para asustarle

Samu Fuentes — director de 'Los últimos pastores'

Todos convivieron con los protagonistas durante las largas jornadas de grabación en las que la premisa era que la cámara estuviera lo suficientemente lejos como para que los hermanos no se sintieran invadidos y fueran ellos mismos, y lo suficientemente cerca para no perder detalle de nada.

“No se trata de matar, añade, estamos hablando de asustar, el lobo es un animal muy astuto y si hay seres humanos no se acerca, huye de los ruidos, pero es que no pueden ni pegar un tiro al aire para asustarle”, lamenta. Explica que Manolo y Fernando no consiguen entender por qué la protección del lobo se vota en toda España, incluyendo comunidades autónomas en las que jamás han visto ni un solo ejemplar y, por tanto, no los padecen.

La caza del lobo está prohibida en toda España desde el 22 de septiembre de 2021, día siguiente a que el Boletín Oficial del Estado publicara la inclusión de este cánido en el Listado de Especies Silvestres en Régimen de Protección Especial. La Comisión para el Patrimonio Natural votó a favor de esta prohibición, a pesar de la negativa de Galicia, Asturias, Cantabria y Castilla y León, que anunciaron, en aquel momento, que recurrirían debido al perjuicio que esta decisión ocasionaba a pastores y ganaderos de esas autonomías, donde se concentra el mayor número de ejemplares.

La Estrategia para la Conservación y Gestión del Lobo y su Convivencia con las Actividades del Medio Rural fue aprobada el 28 de julio de 2022 en la Conferencia Sectorial de Medio Ambiente, celebrada por el Ministerio de Transición Ecológica, y en la que estaban representados gobierno y comunidades autónomas.

En febrero de 2020 los expertos que revisaron la situación del lobo ibérico dictaminaron que, si bien no era una especie que pudiese considerarse vulnerable, era recomendable no hacer distinciones entre el tratamiento del lobo al norte y sur del Duero. Así, la Asociación para la Conservación y Estudio del Lobo Ibérico (ASCEL), de quien partió esta nueva catalogación, apoyada por científicos del Ministerio de Medio Ambiente, ganó la batalla.

Hay un elemento vertebrador, la radio, que rompe de manera acompasada y medida el silencio de la montaña y permite a los hermanos, no solo estar absolutamente informados sino tener una compañía inestimable que les sirva de nexo de unión con “el mundo”.

Siguiendo con la historia que narra Los últimos pastores, hay un elemento vertebrador y no son sus protagonistas, tampoco los animales o el paisaje asturiano, es la radio, que rompe de manera acompasada y medida el silencio de la montaña y permite a los hermanos, no solo estar absolutamente informados de todo lo que sucede “allá abajo”, sino tener una compañía inestimable que les sirva de nexo de unión con “el mundo”.

Desde la pandemia hasta la guerra de Ucrania o el ataque mortal sufrido por el pony de la presidenta de la Comisión Europea, Úrsula Von der Leyen, por parte de un lobo, algo que, paradójicamente, quizás provoque que la Unión Europea revise la política de conservación. Sonríen.

Con un guion absolutamente abierto y unas conversaciones libres entre Manolo y Fernando, y también con su entorno, Los últimos pastores es una oda a la Asturias que fue y está dejando de ser, y sin caer en ñoñerías lacrimógenas, sí abre una ventana a la emoción que despierta la vida de estos dos hermanos, dedicada por entero al pastoreo, que se han quedado solos en un mundo para el que ni tienen ni quieren reemplazo.

Solamente la aparición de Illán, un joven pastor de 13 años, los mismos que ellos tenían cuando empezaron, despierta en ellos un halo de esperanza, pues ven en él la misma ilusión, las mismas ganas y la misma pasión, la de la juventud, que ellos tenía.

“Estamos haciendo que desaparezcan de nuestras montañas sin darnos cuenta de que si ellos se van no encontraremos el camino porque se habrá cerrado”. Esta frase, mientras se escucha el grito de uno de los pastores y el aullido del lobo, es el punto y final de esta historia.

Este cineasta asturiano, nacido en Noreña en 1962, tiene tras de sí una extensa trayectoria como ayudante de dirección, hasta que hace cinco años dio el salto y dirigió su primera película, de cuyo guion también es responsable, la ficción ‘Bajo la piel del lobo’, presentado en 2018 en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, y protagonizada por el actor Mario Casas.

Como él mismo reconoce, no puede elegir entre ficción y no ficción, pues ambas proporcionan muchas satisfacciones a la hora de rodar, si bien, la no ficción te permite un rodaje más libre con un guion más abierto en el que ir incorporando cosas que puedan ir surgiendo. Aún así, su próximo trabajo ya le ronda la cabeza y será ficción “porque me apetece mucho volver a ella”.

Albar, Retueyos o Tierres en Trance, de la Sección Oficial; Crossroads, Esbilla, Enfants Terribles o los pases especiales, de otras secciones, en total son 155 las proyecciones que podrán verse en la 61 edición del Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón, que desde el viernes 17 de noviembre y hasta el sábado 25 llena las salas y calles de la ciudad. Si a eso sumamos las presentaciones, charlas, exposiciones o podcasts, lo que resulta es que es imposible llegar a todo, por eso es importante tener claros los ‘imprescindibles’ de esta edición, que nos darán las claves de aquello que no deberíamos perdernos.

Dentro de ‘Retrospectivas’ encontramos a Christine Molloy y Joe Lawlor. El cine de este matrimonio de cineastas dublineses, afincado en Londres desde finales de los años 80, gira en torno a los conceptos de identidad, y lo hace en todas sus formas, ya sea a través de la ficción o del ensayo fílmico. Se desenvuelven con maestría en la heterogeneidad del género y de la estructura sin perder nunca de vista esos ejes centrales sobre los que construye su obra.

Su proyección internacional es incuestionable, pero su trabajo no es demasiado conocido aquí en España, de ahí la apuesta del FICX por su trabajo. No te pierdas su última película, ‘Baltimore’, sobre la heredera británica que renunció a su clase social para militar en el IRA después de los acontecimientos del Bloody Sunday. Imprescindible también, dentro de este espacio, la directora de fotografía, Agnès Godard, (Premio de Honor FICX 2023) con películas como un `Sol interior’, de Claire Denis Entre los títulos destacados de esta edición, destacamos ‘Shoshana’, de Michael

Winterbottom y ‘Fallen Leaves’, de Aki Kaurismäki, en Esbilla Premier; y de secciones oficiales: en Albar, El último verano, de Catherine Breillat y Eureka, de Lisandro Alonso; en Tierres en Trance, Las cosas indefinidas, de María Aparicio y Muertes y maravillas, de Diego Soto; Blackbird Blackbird Blackberry, de Elene Naveriani y El cine, 5 de Elisa Cepedal, dentro de Retueyos; y en Sección Cortometrajes, As filhas do fogo, el nuevo cortometraje de Pedro Costa, Gregoria, de Celia Viada Caso y El silencio de los niños, de la costarricense Sofía Quirós Ubeda.

El FICX también ofrece joyas ocultas provenientes de otros festivales, como Anatomía de una caída, de Justine Triet, Palma de Oro de Cannes o El cielo rojo, de Christian Petzlod, comedia de enredos que se alzó con el Premio del Jurado en la Berlinale. Destacable es también el debut como director de Giacomo Abbruzzese, Disco Boy, que se alzó con el Oso de Plata en la Berlinale, por su contribución artística.

Una de las claves más importantes a tener en cuenta en esta edición del FICX es que casi la mitad de las películas que se proyectarán tienen (co)producción española como Alicia fai cousas, cortometraje del cineasta gallego Ángel Santos Touza, el largometraje La estafa del amor, de Virginia García del Pino; o Mamántula, de Ion de Sosa.

Por último, como novedades de este año destacamos el nacimiento de un nuevo apartado dentro de la sección Esbilla, como es Esbilla Premier, que contempla únicamente estrenos absolutos en el país, donde destacamos dos largometrajes asturianos como Literato, de Carlos Navarro, que escribe y protagoniza, Maxi Rodríguez, y Flores del cemento, de Luismi Pantiga, un thriller de cine neoquinqui filmado en Gijón.

Si alguien tenía alguna duda sobre el encaje de Santiago Segura como maestro de ceremonias del Festival Internacional de Cine de Xixón, fue el propio actor y director quien las zanjó en cuanto subió al escenario del Teatro Jovellanos reconociendo que el cine independiente es un cine aburrido y plasta, pero goza del favor de la crítica, y reivindicando con orgullo el cine comercial que hace.

Arrancaba así las primeras carcajadas en el patio de butacas, siguiendo el guion escrito por Diego Taboada, y así comenzaba también la gala de inauguración de la 61 edición del FICX, una gala dinámica y ajustada en tiempo, con mucho humor y también emoción. Bajo el lema ‘Déjate deslumbrar por el mejor cine de autor’, Gijón se vuelve a convertir, un año más, en el enclave donde disfrutar del mejor cine independiente, nacional e internacional, durante los próximos ocho días.

Tras hacer un repaso por la mala relación que mantiene con gran parte de la crítica cinematográfica asegurando “a mí la crítica me odia, pero me da igual”, Santiago Segura no quiso pasar por alto la próxima llegada de la alta velocidad y con un bien traído juego de palabras sobre Pajares aprovechó para comparar “una cosa que tenéis aquí que se llama Variante de Pajares o algo así” con la Sagrada Familia de Barcelona.

La primera parada de la gala, amenizada por una banda de cuatro músicos que se unieron ex profeso para esta cita, fue el homenaje a la actriz y cantante asturiana, Lilián de Celis, quien recogía el IV Premio Isaac del Rivero a la trayectoria artística. Galardón que lleva el nombre del fundador del Festival y del que hicieron entrega sus hijos.

Fue el momento más emotivo de la gala cuando De Celis recibió la ovación del Teatro Jovellanos y aseguró que éste no era un premio, sino una satisfacción. La cupletista, nacida en una aldea de Parres, reconoció, con lágrimas en los ojos, el orgullo que supone para ella recibir un premio “cuando aún puedo permitirme el lujo de subir a un escenario a hacer lo que me gusta”. Feliz y positiva, según ella misma explicó, se despidió del público asegurando que no tenía pensado jubilarse nunca porque no tenía que rendirle cuentas a nadie.

En representación del jurado habló la actriz Ingrid García-Jonsson, quien destacó el “altísimo” nivel del Festival de Gijón, tanto en España como en Europa, por ello “merece la pena verlo”.

Otro de los momentos de humor de la gala llegó cuando Santiago Segura bajó al patio de butacas y puso en algún que otro aprieto al público, intentando medir sus conocimientos cinematográficos, para acabar en una simpática charla con los actores asturianos Maxi Rodríguez y Eduardo Antuña, que mañana por la tarde presentan la película 'Literato', de Carlos Navarro, en el Teatro de la Laboral.

La alcaldesa de Gijón, Carmen Moriyón, erigida en salvadora del certamen tras romper el pacto de gobierno que ella misma había rubricado con VOX para ser regidora, por el intento de injerencia de una de las concejalas de la formación ultra en la programación del festival, fue la encargada de presentar al director portugués Miguel Gómes, galardonado con el Premio de Honor del FICX por toda su filmografía.

En “portuñol”, como él afirmó hablar, se mostró muy contento porque ésta era su primera vez en el Festival de Gijón del que siempre escuchó que era un festival “muy lindo” porque ponía en el centro de sus objetivos la idea de compartir cine con la gente, algo que parece obvio, según dijo, pero en el fondo no lo es.

El director de 'Lobo', película que se proyectaba en estreno mundial y fuera de concurso, al término de la gala, Alfonso Cortés-Cabanillas, y dos de sus protagonistas, Marian Álvarez y Nora Navas, subieron a las tablas del Jovellanos para poner punto y final a la ceremonia de inauguración. 'Lobo' es una cinta que aborda la violencia machista, pero también es una cinta que habla de amistad, de supervivencia y de amor verdadero, que destaca el vínculo de los seres humanos con los animales.

Marian Álvarez, protagonista, coguionista y de quien surgió la idea, explica que es una película hecha en familia y con amigos “porque tengo los amigos más talentosos del mundo”. De hecho, Lobo, el perro que sale en la cinta era Lolo su propio perro, que ya falleció.

Con antepasados asturianos (su madre estaba en el patio de butacas) aseguró que cuando le planteó esta película a Alfonso Cortés, con quien ya había colaborado en otras tres ocasiones, ambos pensaron en hacerla para el Festival de Cine de Gijón, al que consideran uno de los mejores festivales de España y Europa.Estrenar la película en Asturias, donde están sus raíces, tiene para ella un componente emocional muy importante que no existiría en cualquier otra parte.

El Festival Internacional de Cine de Xixón acogerá la proyección de 155 películas, más de 40 están dirigidas por mujeres. Un total de 28 largometrajes, con dos estrenos mundiales, uno europeo y el resto en España competirán en los tres apartados que conforman la Sección Oficial, Albar, Retueyos y Tierres en Trance.

El palmarés se dará a conocer en el mediodía del sábado 25 de noviembre, y la gala de clausura tendrá lugar esa tarde, de nuevo con el Teatro Jovellanos como escenario.

Este viernes arranca la 61 edición del FICX que vuelve a llenar Gijón de cine durante ocho días, con la proyección de 155 películas. En la gala de apertura, que se celebrará en el Teatro Jovellanos y será presentada por el actor Santiago Segura, se estrena, fuera de concurso, el largometraje 'Lobo', un relato que aborda la violencia machista, del director español Alfonso Cortés-Cabanillas.

El último trabajo de Cortés-Cabanillas (Madrid 1973), narra las vivencias de una esposa maltratada que huye de su marido y vive en una furgoneta acompañada de su perro llamado Lobo, una historia de supervivencia que destaca el vínculo de los humanos con los animales.

Durante la gala también se entregarán uno de los premios de Honor al director portugués Miguel Gomes y el Premio Isaac del Rivero a la trayectoria artística, instaurado en homenaje al fundador del Festival de Gijón, a la actriz asturiana y diva del cuplé Lilián Ángeles de Celis Collía, conocida como Lilián de Celis.

Un total de 28 largometrajes, con dos estrenos mundiales, uno europeo y el resto en España competirán en los tres apartados de la Sección oficial: Albar, para las últimas obras realizadas por directores de prestigio internacional, Retueyos, para nuevos realizadores, y Tierres en Trance, dedicada al cine español, portugués e iberoamericano.

Directores de prestigio

La directora francesa Catherine Breillat, competirá en Albar con 'El último verano', un thriller con tintes eróticos que cuestiona lo políticamente correcto en las relaciones de familia, que significa el retorno de la realizadora gala a la dirección después de 10 años.

El argentino Lisandro Alonso protagonizará en Gijón el estreno para España de 'Eureka', un relato sobre la identidad, el territorio, lo mágico y mitológico del continente americano, protagonizado por Viggo Mortensen y Chiara Mastroianni, que obtuvo el Premio Especial de la Crítica en el Festival de Lima, Perú.

También en Albar, la realizadora belga Frien Troch, competirá con 'Holly', una historia sobre la frontera entre la realidad y la superstición a partir de las premoniciones de una adolescente que advierte sobre una desgracia en su colegio y se salva de la muerte.

El coreano Hong Sangsoo, un habitual del FICX, presentará 'In Water', una historia de deseos y sentimientos encontrados entre un director de cortometrajes, el operador y de cámara y la actriz principal, narrado con una estética de singular poesía visual.

La mirada crítica sobre la realidad social del búlgaro Stephan Komandarev vuelve al certamen gijonés con 'La lección de Blaga', una película que pone al descubierto los efectos de la caída del Muro de Berlín y el auge del libre mercado en los jubilados, que fue seleccionada para representar a Bulgaria en los Premios Oscar.

'Le Grand Charriot', la película sobre una familia de titiriteros con la que Philippe Garrel obtuvo el Oso de Plata al Mejor Director en la Berlinale, y 'Le Retour', el relato del retorno de una madre y sus dos hijas a Córcega tras años fuera, de Catherine Corsini, completan la representación del cine francés.

Cine Iberoamericano

El apartado Tierres en Trance dedicado a las producciones de Iberoamérica se abre con 'La procura da estrella', la historia de un sonidista que intenta grabar audios en la sierra Da Estrella, Portugal, de Carlos Martínez-Peñalver, galardonada con el Premio a la mejor Película en el Festival de Belfort.

La historia del excomisario Simonovis, el preso político más famoso de Venezuela con una condena de 30 años narrada por su propio hijo, el director de cine Ivan Simonovis Pertiñez, en 'La prisión de mi padre' representará al cine venezolano.

La argentina María Aparicio compite con 'Las cosas indefinidas', una aproximación a la manipulación de imágenes en una mesa de montaje, que ha rodado tras el éxito conseguido con 'Sobre las nubes', y la chilena Alexandra Hyland presentará 'Las demás', sobre el aborto en la juventud de su país.

Los cineastas Filipa Reis y Joao Miller Guerra han firmado 'Légua', una coproducción entre Portugal, Italia y Francia que aborda la frontera entre lo rural y lo urbano en la mirada de una joven que regresa a su pueblo natal, también ha sido incorporada a la competición.

El cine cubano estará representado por 'Llamadas desde Moscú', un descarnado retrato de la emigración desde la perspectiva de un grupo de cubanos instalados en la capital rusa en tiempos de la guerra con Ucrania, del director Luis Alejandro Yero.

El apartado de la Sección oficial para películas de Iberoamérica se cierra con 'Muertes y maravillas', un relato de Diego Soto sobre lo cotidiano y el destino con un grupo de jóvenes que se enfrentan por primera vez a la pérdida y al duelo.

Fuera de concurso se proyectará en estreno mundial 'Los restos del pasar', que relata los recuerdos de un hombre que al final de su existencia añora la semana santa de su infancia, de los cineastas andaluces Luis Soto Muñoz y Alfredo Picazo.

Nuevos talentos

En el apartado para las primeras películas de noveles cineastas competirán 'Áma Gloria', la primera película en solitario de Marie Amachoukeli después de recibir la Cámara de oro en Cannes por 'Party Girl'; “Blackbird Blackbird Blackberry”, de Elene Naveriani; “Concrete Valley”, de Antoine Bourges, y “Days of the tiger”, de Andrei Tánase.

También han sido incorporadas a esta competición los largometrajes “De facto”, de la cineasta bosnia Selma Doborac; “El cine, 5”, de la asturiana Elisa Cepedal; “Linda quiere pollo”, un filme de animación de Chiara Malta y Sebastien Laudenbach; “Locals”, de Mans Nyman; “Los últimos pastores”, de Samu Fuentes; “Matronas”, de Léa Fehner, y “O auto das ánimas”, de Pablo Lago Dantas.

Con la misma ilusión de todos los años, los nervios propios del instante en el que el telón está a punto de subirse y con muchas ganas de tirarse a la piscina, así afronta Alejandro Díaz Castaño la inminente inauguración del Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón.

Díaz lleva al frente del FICX desde 2017, y en la que es su 61 edición se proyectarán 200 películas. Arranca el viernes 17 de noviembre con una gala de inauguración presentada por el actor y director, Santiago Segura.

Santiago Segura presentando la gala de un festival de cine independiente. ¿Cuénteme, a qué se debe esa elección?

En las galas de inauguración buscamos perfiles que muchas veces, a lo mejor, no tienen nada que ver con el tipo de cine que programamos, pero creemos que nos dan una visibilidad mediática y, sobre todo, que van a conducir bien la gala. Por ejemplo, en el caso del año pasado el Gran Wyoming fue un perfil que nos funcionó muy bien, y tampoco tiene nada que ver con el cine independiente, así que decidimos repetir esa fórmula. Luego ya cada uno sabrá la importancia que le quiere dar a los actos inaugurales o de clausura, eso ya depende de cada persona.

El FICX vuelve a contar con un estreno mundial para su inauguración y además, en este caso, la elección de Lobo permitirá tener sentado en el patio de butacas a su elenco o, al menos, a parte de él algo que puntúa doble.

Para nosotros era muy importante, sí, porque llevábamos dos ediciones en las que habíamos inaugurado con películas que no tenían invitados. Por eso, en este caso, tener a Marian Álvarez, que es la protagonista absoluta de la película y coguionista y además ganadora del Goya, a Nora Navas, también galardonada con un Goya, entre las personas ya confirmadas, pues nos da ese plus de no tener solamente una muy buena película inaugural, sino también el tener parte del elenco que nos va a dar una visibilidad al día siguiente. Además, van a tener un encuentro con el público y esto aumenta aún más su valor. En mi opinión, Lobo es una de las películas españolas más importantes del año.

¿Qué destacaría de la película, sin hacer spoiler, claro?

Bueno, es una historia muy comprometida, sin destripar nada. Creo que tiene un punto muy interesante de complejidad, que por un lado da el guion, y por otro lado la realización y la prestación actoral de Marian Álvarez. Y me parece una historia que también nos habla de la búsqueda de la identidad, de cómo escapar de un pasado en el que la persona no puede desarrollarse de forma óptima.

Y creo que es algo que se repite en otras películas, el cómo definir la personalidad en el contexto actual, en el que las estructuras tradicionales sociales están en decadencia o, al menos, ya no tienen el peso que tenían.

Volvamos a la gala del viernes, las protagonistas de Lobo no serán las únicas estrellas que veremos en el Teatro Jovellanos, ¿verdad?

Claro que no. Tendremos algunas apariciones especiales en el transcurso de la propia gala, por ejemplo, de la propia Nora Navas y también de Ingrid García-Jonsson o Maxi Rodríguez, que también tendrán su papel en todo lo que hemos preparado. Por supuesto, también estarán los premiados, la cupletista y actriz asturiana Lilian de Celis, Premio Issac del Rivero, que nos hace mucha ilusión porque ya habíamos intentando traerla en alguna otra ocasión, su prolija carrera bien lo merece.

El Premio de Honor para la fotógrafa francesa Àgnes Godard, que no podrá estar, y para el portugués Miguel Gomes, que en estos momentos es uno de los directores más reputados del cine internacional y uno de los grandes del cine portugués actual. Además de entregarle el premio podremos ver con él en la sala Tabú, una de sus mejores películas. Después tenemos, ya en la clausura, el galardón a Alicia Luna, que concede la Tertulia Feminista Les Comadres o el premio póstumo a Agustín Villaronga, concedido por Xega.

Tengo la sensación de que esta 61 edición apuesta claramente o, mejor dicho, refuerza su apuesta por el cine español, el cine dirigido por mujeres y el cine asturiano. ¿Es así?

Sí, así es. Respecto al cine español no es solo por nuestro acuerdo con el Ministerio de Cultura, sino porque nos está funcionando muy bien el cine de aquí, es cierto que, en general, hablamos de un cine español más autofinanciado y autodistribuído, pero cine español, en cualquier caso.

El FICX se ha convertido en un lugar muy atractivo para quienes se dedican a la creación cinematográfica porque creo que la gente sabe que cuidamos mucho las películas, que no las acumulamos en muchas secciones, sino que hay una sección oficial con diez u once títulos, y eso les da mucha visibilidad. No se sienten apartados del programa y eso está ayudando a traer a Gijón ciertos perfiles de películas independientes que a otros festivales, por ejemplo, no van.

El cine dirigido por mujeres es una apuesta que ya viene de atrás. Es una realidad que el nivel de proyección del cine hecho por mujeres ha llegado prácticamente al mismo nivel de proyección que el hecho por hombres, por suerte

Por último, respecto al cine español, este año ha habido un problema en el Festival Europeo de Sevilla que, por cuestiones administrativas previas a la llegada de la actual dirección, no ha podido tener una edición como las anteriores y por eso otros certámenes hemos absorbido más cine español.

Respecto al cine dirigido por mujeres es una apuesta que ya viene de atrás. Es una realidad a la que no podemos ni queremos dar la espalda y es que el nivel de proyección del cine hecho por mujeres ha llegado prácticamente al mismo nivel de proyección que el hecho por hombres, por suerte. De hecho, dos de las tres últimas Palmas de Oro de Cannes son mujeres, premios recientes en Venecia, también para mujeres

¿Y el cine asturiano? Solo digo una cosa, cuando yo llegué en 2017 nadie recordaba la última película asturiana que se había proyectado en el festival. Aun así, es cierto que, quizás este año, la apuesta sea más fuerte con los últimos trabajos de Samu Fuentes y Elisa Cepedal en sección oficial, dos grandísimas películas, o el corto de Celia Viada Caso, la gran triunfadora del FICX 2020. Lo que consiguió Celia en aquella edición fue “histórico”.

¿Goza de buena salud el cine asturiano, entonces?

De buenísima, diría yo. El cine asturiano en estos momentos tiene un nivel muy alto. Nos estamos encontrando con bastantes películas de ficción, que es algo que siempre ha costado más ver en el cine asturiano, donde ruedan con medios no muy holgados. Es difícil hacer cine de ficción así que tiene mucho mérito. Diego Llorente, Carlos Navarro o Luismi Pantiga, un chico que está empezando y cuya película, Flores del cemento, se estrena en el Teatro de la Laboral. Será un acontecimiento.

Y sigue teniendo también su espacio el ciclo de cortos asturianos.

Por supuesto. De hecho, he de decir que veo una evolución muy clara, a mejor, por supuesto, en los cortos que nos llegan y de hecho nos están llegando bastantes. Recuerdo cuando empecé en el festival en 2009, era complicadísimo llegar a armar la competición asturiana porque no había demasiadas piezas. Ahora las cosas han cambiado mucho, la gente joven tiene muy claro lo que quiere hacer y presenta unos proyectos de mucha calidad, bien presentados, bien enfocados, se nota que se está apostando por la formación desde diferentes ámbitos.

También se renueva y se refuerza la colaboración con otros certámenes cinematográficos del panorama español.

La colaboración con el Festival de Cine de San Sebastián nos ha permitido tener la que creo que es la selección más potente en Crossroads que hemos tenido nunca, con películas que son candidatas de sus países a los Oscar. También colaboramos con ZINEBI, el Festival de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao, con quien hemos organizado estrenos conjuntos, y también proyectamos una película en colaboración con el REC de Tarragona, un festival de cine independiente. Siempre se sale ganando cuando se comparte y se colabora, cuando se compite se pierde, la idea de competir creo que está un poco anticuada. Nosotros somos más del win win situation.

Si hablamos de Donosti, de Sitges, de Valladolid, de Málaga, de Sevilla, ¿qué lugar ocupa el FICX en ese mapa?

Yo creo que estamos un poco en esa liga. Situaría en otro lugar a Málaga y Sitges por su especialización, y dejaría a parte a San Sebastián porque presupuestariamente hablamos de una diferencia abismal, aún así, por muchas cosas, es el espejo en el que debemos mirarnos, fijándonos en cómo hacer las cosas, por el tipo de ciudad, gastronomía, etc. Pero respecto al resto, diría que estamos en la misma liga, Valladolid, Sevilla (antes de su problema), el ZINEBI de Bilbao.

Volvemos a la programación de esta 61 edición, los focos del FICX este año son Christine Molloy y Joe Lawlor, Elena Martín Gimeno...

En el caso de Molloy y Lawlor ambos cubren la parte que siempre dedicamos a los descubrimientos, a pesar de que ya tienen una trayectoria, sobre todo en festivales internacionales, aquí en España no son cineastas que estén en la boca de la crítica ni del público en general, o sea, no están en el radar, queremos que suceda con ellos lo que sucedió el año pasado con Patricia Mazuy, que entró en el radar tras su pase por el FICX. Aspiramos a que también pase lo mismo con esta pareja de cineastas que además trabajan en un punto muy interesante entre el documental y la ficción, tienen ficciones muy potentes que yo creo que podrían llegar a un público amplio.

Respecto a Elena Martín Gimeno, pertenece al grupo de cineastas catalanas jóvenes como Carla Simón, Clara Roquet o Meritxell Colell, que ya han pasado por el FICX y que además de ser amigas, suelen colaborar entre ellas. Elena está despuntando este año con una de las películas más interesantes de 2023, Creatura. Es una cinta que avanza atrás y adelante en el tiempo, me fascina cómo están hechas las transiciones, la película fluye de una manera muy orgánica.  

Lisandro Alonso vuelve al FICX con su película más sorprendente y narrativa que a veces puede recordar al cine de los hermanos Cohen, ahí lo dejo

Siguen cuidando con mimo la sección dedicada al público joven, no por ello menos importante o con menor contenido.

Es la sección que ejemplifica que quienes nos acusan de ser elitistas en nuestra programación están equivocados. Enfants Terribles ofrece películas para todo tipo de públicos, la mayoría de ellas pueden ser perfectamente para un público familiar. También intentamos llegar a esa franja de edad de la preadolescencia, presentándoles las pelis y los temas de una forma que, narrativamente, se salga un poco de lo habitual, no yéndonos, lógicamente a extremos, pero sí huyendo de lo comercial. Algunas veces nos llegan películas que sabemos que funcionarían y que pueden consumir en cualquier plataforma, pero preferimos elegir otro tipo de cintas que transmiten los valores en los que creemos.

La sección Albar ofrece este año los trabajos de tres pesos pesados como Radu Jude, Catherine Breillat y Lisandro Alonso, ganador del FICX 2008…

Cierto, pero son tres de nuestros pesos pesados, tres de ellos. Tenemos a algunos otros, desde Pedro Costa en la sección oficial de cortos, por ejemplo, que es un lujo, a Michael Winterbottom, uno de los directores que queríamos traer desde hace muchos años. Digamos que ha marcado el cine independiente desde finales de los 90 y todavía no había pasado por Gijón. Es un lujo.

Respecto a los nombres que mencionas, Radu Jude llega a Gijón con una de las mejores películas del año, sin duda, y no lo digo yo, es que ya viene de ganar el Oso de Oro en Berlín. Lisandro Alonso vuelve al FICX con su película más sorprendente y narrativa, que a veces puede recordar al cine de los hermanos Cohen, ahí lo dejo.

Además cuenta con intérpretes como Viggo Mortensen o Kiara Mastroianni, que le dan una altura increíble a la cinta. Yo creo que es uno de los grandes títulos del año. Catherine Breillat, por último, nos trae la que creo que es la mejor película francesa que he visto este año y es otra directora que teníamos como una cuenta pendiente en el FICX.

Cerrando el apartado de programación, no podemos irnos sin hablar de Esbilla, que también en esta edición se ha visto potenciada

Fíjate si la hemos potenciado que la hemos llamado Esbilla Premier. Solo diré que en Esbilla encontraremos platos fuertes al mismo nivel que las cintas de la Sección Oficial.

Me preocupa que el festival siga siendo utilizado como arma política, que es una de las cosas pendientes que veo que no he sido capaz de hacer. Espero conseguirlo algún día. Creo que el FICX no debe pertenecer a ningún partido político

Alejandro Díaz Castaño lleva desde 2017 al frente del FICX, en estos años ¿cómo ha evolucionado el certamen con Alejandro y cómo ha evolucionado Alejandro como director del certamen?

Uff (risas). El FICX ha evolucionado de manera tangible en todos estos años. Por ejemplo, en 2017 obtuvimos de financiación estatal 53.000 euros, este año hemos tenido 120.000. No teníamos el apoyo de Europa Creativa, ahora lo tenemos para los próximos dos años. No existía tampoco una red de contactos, al año siguiente ya empezamos a colaborar con San Sebastián o con la red europea. Tuvimos muchos problemas con las salas aquel año, ese problema ya ha desaparecido, incluso hemos se han incorporado nuevas salas de cine en la ciudad de las que también disfrutamos. También alcanzamos el acuerdo con Cinemateca de Laboral Ciudad de la Cultura, para que sea el FICX quien se ocupe de su programación.

Respecto a mí, es muy difícil hablar de uno mismo, pero si tuviese que decir algo diría que ahora soy más asertivo y estoy más centrado en buscar soluciones a los problemas que surgen, en vez de perderme en otro tipo de consideraciones.

No podemos acabar esta entrevista sin preguntar por el lío con Vox, ya me entiende, y la ruptura del pacto de gobierno en Gijón. ¿Cómo vivieron aquello?

El intento de injerencia en la programación del Festival, por parte de Vox, me pareció muy preocupante. Sí que es verdad que la respuesta fue rápida por parte de la alcaldesa de Gijón y, por tanto, bueno, el asunto no llegó realmente a tener una incidencia grande. Pero bueno, sí que me preocupa que el festival siga siendo utilizado como arma política, que es una de las cosas pendientes que veo que no he sido capaz de hacer. Espero conseguirlo algún día o que quien me suceda sea capaz de que el festival no esté sometido a estos vaivenes políticos. Creo que el Festival de Cine no debe pertenecer a ningún partido político.

¿Podemos decir que el gobierno municipal se rompió por el FICX?

Bueno, eso no sé si es mucho decir, pero que fue el detonante, sí. Creo que el Festival de Cine es algo importante para la ciudad, para la gente, no es un tema baladí que pueda dejarse pasar y en ese momento se demostró.

Sin embargo, el presidente de Divertia, Oliver Suárez, sigue siendo el mismo. Sí, que antes era de Vox, ahora es concejal no adscrito, pero bueno, sigue siendo el presidente de Divertia. ¿Qué relación tenía con él antes de la ruptura y cuál es su relación ahora?

Es que, particularmente con él, siempre tuve una relación de respeto mutuo y cordialidad y así sigue siendo, exactamente igual. No ha habido ningún cambio.

En el pasado Festival de San Sebastián todos los focos se concentraron en Ulrich Seidl y su película Sparta. Seidl no es ajeno a la polémica. Sus películas siempre son provocadores bofetones a una Europa que muestra decadente y agonizante. Mostró a las mujeres ricas alemanas que iban a África en busca de sexo de pago, el fanatismo religioso, y hasta los sótanos austriacos donde se guardaban símbolos nazis con total impunidad. Un retrato pesimista y desolador que se completa con su nuevo díptico formado por Rimini y Sparta. 

Esta última, la historia de un pedófilo que huye a un pueblo de Rumanía y monta un campamento de judo y toques militares con niños, fue la que hizo explotar todo. Semanas antes del certamen, Der Spiegel publicó un reportaje asegurando que explotó a los actores infantiles al violar las normas laborales de Rumanía. También que los padres nunca supieron el tema que trataba el filme, y que al ver que iba sobre un pedófilo se sintieron engañados ya que, de haberlo sabido, no hubieran dado el permiso necesario para que rodaran ciertas escenas. Seidl negó la mayor, y mientras festivales como Toronto cancelaban la proyección de su filme, San Sebastián lo mantenía. Aunque Seidl no viajó para defender su obra y hablar del tema, sí que negó las acusaciones mediante un comunicado oficial.

El segundo capote viene de otro festival español, el de Gijón, donde se ha podido ver la segunda parte del díptico que completa Sparta y que ya se pudo ver en el pasado Festival de Berlín, dos películas que en España distribuirá Filmin y que llegarán a los cines entre marzo y abril de 2023. Rimini es otra muestra de su gusto por lo sórdido y la decadencia, aquí manifestada en un personaje que fue una antigua estrella de la canción melódica y que ahora malvive acostándose con señoras por dinero y cantando en hoteles de verano… en pleno invierno en la ciudad italiana que da título a la película. De fondo, los refugiados como parte del mobiliario urbano, sin que nadie les mire a la cara ni haga nada. 

A Gijón si ha acudido Seidel con la polémica ya sosegada. Rimini no es tan provocadora como Sparta, cuya concepción nació a la vez y que incluso se financiaron y montaron como una sola película en un corte que confiesa que estrenará y verá la luz. Aun así, su mirada de una Europa decadente, desolada, en la que los inmigrantes son simples objetos sigue metiendo el dedo en el ojo. Seidl afronta las preguntas sobre las acusaciones de Der Spiegel con calma y convencido de que el tiempo ha demostrado que no eran más que acusaciones vacías que no han solidificado en nada.

Asegura que “habría mucho que decir sobre eso”, pero le basta con que “de momento parece que se ha adormecido el asunto, ya no se ha alimentado con nada nuevo”. “Creo que se ha cristalizado que aquellos reproches y acusaciones, que fueron multiplicados por los medios, no tenían ninguna evidencia verdadera. Ni una. La mejor evidencia de que aquello era falso es que los padres y los hijos de la película nunca han sacado ninguna acusación contra mí”, cuenta para zanjar el asunto.

Lo que sí le preocupa son las consecuencias que puedan tener estas acusaciones en la creación artística, y cree que va a ocurrir que haya una autocensura a la hora de tratar temas espinosos, como en su caso fue la pedofilia: “Va a ocurrir, y también va a pasar que la financiación de las películas va a ser cada vez más complicadas. Van a tejer leyes más complicadas. Va a haber intentos de que ciertas temáticas no se puedan mostrar o va a ser difícil coger ciertas temáticas. Va a estar cada vez más limitado en ese sentido”, apunta y acusa a “ese periodismo manipulador que quiere limitar al arte, y eso no es un comportamiento democrático, porque no están intentando conocer la verdad, sino que se han cogido unas acusaciones muy concretas para iniciar un escándalo”.

Hay un periodismo manipulador que quiere limitar al arte, y eso no es un comportamiento democrático, porque no están intentando conocer la verdad

Ulrich Seidl — Director de cine

Si no es optimista con el futuro del cine, tampoco es que el presente le parezca mucho más halagüeño, y considera que “actualmente hay poco cine que añada realmente algo a la cultura, a la historia del cine, poco va a quedar”. Considera que los directores “están mirando demasiado de reojo al entretenimiento del espectador y demasiado poco a cómo puedo traducir al lenguaje cinematográfico una idea de forma correcta”. Define el cine como “cada vez más un simple transporte para dramas del día que interesan a la gente, como las historias de relaciones”.

Su cine, seco, ambiguo, jugando con lo moralmente aceptable, se encuentra en las antípodas, y niega que las películas estén hechas para trasladar ideas concretas: “El cine no está para transportar mensajes. Eso es lo que hacen muchas películas, sobre todo hoy en día, donde hay una especie de intención de transportar un mensaje, pero las películas están para contar algo a través del lenguaje cinematográfico, sobre todo hablar de las cosas propias del ser humano, pero, ¿cuántos cineastas hay actualmente que realmente tengan una forma inconfundible de contar historias en el lenguaje del cine?”

Aunque todos le coloquen la etiqueta de provocador, Seidl la niega por completo. “Yo no hago películas provocadoras”, dice de forma tajante y lo explica. “Yo cuento un tema sobre algo humano, pero muchos espectadores ven eso como algo provocador, pero yo no pienso en qué podría provocar a la gente, esa no es mi intención, aunque algunos sacan esa conclusión”.

En este díptico vuelve a aparecer la sombra del nazismo, aquí como un padre que en su demencia recuerda de forma nostálgica su pasado nazi. Seidl subraya que no quiere que la gente piense que de alguna forma que el padre sea nazi haya provocado que su hijo sea pedófilo, sino que simplemente quería mostrar que “la generación de esa gente que viene del tiempo de los nazis pasaron su adolescencia en ese tiempo, y ese sigue siendo un tema de nuestro tiempo”.

Una idea que ya estaba en su perturbador documental En el sótano, donde indagaba en los almacenes de las casas de familias austriacas donde había personas que guardaban elementos nazis, como esperando poder volver a sacarlos en algún momento, algo que conecta con el actual momento de auge de la extrema derecha, unas imágenes que Seidl recuerda que “son reales, ese sótano existe”, y enfatiza que seguramente no solo en Austria, sino en otros muchos “países similares”.

El 13 de septiembre de este año el cine se quedó huérfano. Jean-Luc Godard, uno de los directores más importantes de la historia del cine, fallecía en su casa de Rolle, Suiza. Lo hacía mediante suicidio asistido. Hasta en sus últimos días, Godard decidió desafiar el orden establecido como lo hizo mediante sus películas durante décadas. Sus obras rompieron las normas, dinamitaron el cine académico tal como se entendía y hasta llegaron a crear un lenguaje propio lejos de cualquier canon o definición.

Cine en donde lo artístico, lo provocador y lo iconoclasta iban de la mano de lo político. Eran indivisibles. Una forma de hacer cine que parece casi imposible en una industria donde se produce, con escuadra y cartabón, productos manufacturados. Pero hay algo de esperanza, y esa esperanza llega también de las reflexiones que Godard deja en A vendredi, Robinson, un documental que significa una especie de testamento cinematográfico del autor de la Nouvelle Vague. Lo dirige su colaboradora Mitra Farahani y se presenta en el Festival de Cine de Gijón, donde su autora ha acudido a defenderlo.

Aclara que Godard tenía varias cosas en proceso que cree que verán la luz, por lo que su película no es la última creación del director, pero sí la última vez que le vemos de forma física. Una película que capta el intercambio de correo (electrónico) entre el director de Al final de la escapada y Ebrahim Golestan, escritor y director iraní. Durante un tiempo, cada viernes se citaron enviándose mensajes que para Godard eran una posibilidad de desplegar sus reflexiones sobre el cine, la vida o el paso del tiempo. En su casa austera, con su botella de vino, con su puro en su sillón… en su vida cotidiana le vemos moverse en un duelo dialéctico que es pura inspiración para las próximas generaciones.

Farahani cree que la muerte de Godard “no ha cambiado absolutamente nada”, y explica su afirmación. “Lo que sí ha cambiado es nuestro sentimiento de pena por saber que su mirada, esa mirada cinematográfica, ya no nos va a acompañar. Es muy bonito, porque creo que los jóvenes de hoy en día siguen teniendo esa conciencia política y tanto como Golestan como él, los dos nos han dejado esta herencia, una herencia de pensamiento”. 

Por eso cree que no es “tan necesario pensar en si tenía herederos, sino pensar en la conciencia, en seguir pensando en algo desde dentro, pensar en lo que nos está pasando desde el intelectualismo”. “Aunque él ya no está, lo que sigue estando es su mirada. Es algo que jamás perderemos. Ahora mismo no tenemos a Godard, pero lo que sí podemos hacer es mirar desde su punto de vista”, afirma la directora, que pone el ejemplo de lo que está ocurriendo en Irán, país donde nació y de donde tuvo que huir hace años: “Podemos mirar el conflicto de Irán desde su punto de vista, no solo desde la idea de libertad, sino también, y eso es muy importante, desde la idea de revuelta”.

La directora cree que “no existe ningún iraní que no sea optimista con lo que está pasando” en su país. Una revolución que califica como “triste”, porque “es una revolución con sangre”. “Ahora mismo hay sangre mientras usted y yo estamos hablando. Entonces, me atrevería a decir que se trata de un triste optimismo, pero a la vez es un milagro lo que está sucediendo. Gracias, sobre todo, a una juventud despierta. Esto me recuerda una de las frases que dice a lo largo de la película: no hay nada que pueda ocurrir que la generación siguiente no pueda arreglar. Y esto es lo que está sucediendo ahora, la generación actual está arreglando todo lo que las generaciones pasadas han hecho fatal”, zanja.

Un encuentro con retraso

Mitra Farahani cree que este encuentro debería haber tenido lugar hace mucho tiempo, y cuanto más piensa en su película más cree que “es un milagro que Godard aceptara”. Lo califica como poeta, y explica que este diálogo “se tendría que haber hecho en los años 60, de hecho Golestan estaba en contacto con uno de los críticos de Cahiers du Cinema y podrían haber tenido este debate con la Nouvelle Vague en su momento, pero nunca se produjo. Fue ahí cuando pensó que podría recuperarlo. Le preguntó a Golestan con quién le gustaría mantener ese intercambio y lo tuvo claro, con Godard. La directora se lo propuso a su amigo y aceptó pronto.

Aunque él ya no está, lo que sigue estando es su mirada. Es algo que jamás perderemos. Ahora mismo no tenemos a Godard, pero lo que sí podemos hacer es mirar desde su punto de vista

Mitra Farahani — Directora de cine

De esa proposición nació un compromiso, el de escribirse el uno al otro cada viernes, “y se impuso casi como un juego, el juego de los viernes”. Un juego que “se ha respetado hasta el final”. En esa partida son importantes los tableros, que aquí son las casas de ambos, radicalmente diferentes. El palacete de Golestan contrasta con la casa de campo de Godard. Ese marco lo aprovecha la realizadora para entender a ambos. “Me interesaba pensar cómo puede vivir un pensador. Es decir, qué significado hay en todo el entorno que rodea a la persona”, asegura. Todo ello hace que el encuentro, aunque haya tenido lugar seis décadas más tarde, tenga un resultado que no hubiera sido así “si se hubiera producido en otra época o hace unos años. Todo ha coincidido para que el proyecto final sea el que es, con la edad de los personajes y su propio entorno”.

Godard “utiliza, de alguna forma, la figura de Golestan para hablar al público”. Ambos escriben a la oscuridad, nunca se ven los rostros, y por tanto la directora cree que Godard realmente habla a una audiencia, “a quien le quiera escuchar de una forma inteligente”. Una película que mezcla lenguajes y formas de expresión, dando rienda suelta a ese Adiós al lenguaje que promulgaba Godard. “El material que aparece en la película no es mi material, sino que es el material de Godard, y Godard decide destruir el lenguaje. Él decide cargárselo completamente. Y Golestan lo tiene que percibir de la manera que él considera. De esta forma, Godard no solo mata el lenguaje, sino que consigue crear uno nuevo propio a partir de esa destrucción”, explica la autora sobre este juego.

Reflexiones que espeta mediante aforismos, juegos de palabras y en los que incide en “preocupaciones que repite una y otra vez, como ya lo hacía desde su cine y que ahora vuelve a repetir”. Frases como “Nunca somos lo suficientemente tristes para hacer del mundo un lugar mejor”, que se escuchan en esta película y que ahora adquieren, con el paso del tiempo, un nuevo significado.

Lágrimas en los ojos, aplausos al final de las proyecciones… Argentina, 1985, la película sobre el juicio a la dictadura argentina, se ha convertido por sorpresa en uno de los fenómenos cinematográficos del año desde que se presentó en el pasado Festival de Venecia. Desde entonces, el filme logró la segunda nota más alta de toda la historia en el premio del público del Zinemaldia y ha arrasado en la taquilla de su país y en la española antes de llegar a Amazon, la plataforma que produjo una obra que ahora apunta al Oscar.

Los nombres detrás de semejante éxito no son los que todo el mundo esperaría. Para un filme tan importante, histórico y basado en un acontecimiento real y tan doloroso, la elección más obvia hubiera sido un director y un guionista académicos. Que conocieran los mimbres de la industria para entregar una película popular y hasta didáctica. Sin embargo, los elegidos fueron Santiago Mitre en la dirección y su habitual colaborador, Mariano Llinás, como guionista. Ambos, especialmente Llinás, son más que conocidos en el circuito cinéfilo por títulos que poco o nada tienen que ver con Argentina, 1985.

En el caso de Llinás es más evidente. Su anterior obra como director, La flor, es un fresco apabullante de 14 horas donde el director y guionista juega con los géneros, con las normas establecidas y donde despliega su peculiar humor y su forma de hablar de su propio país a través de propuestas autorales, juguetonas y, siempre, muy divertidas. Son características que tiene su nueva película, Clorindo Testa, un documental sobre la figura de un arquitecto popular en Argentina que acaba revelándose como una obra sobre la paternidad, el acto creativo y hasta la historia de su país. Un filme cuyo estreno mundial tendrá lugar en el festival de Gijón esta semana.

La película juega constantemente a desdibujar los límites de realidad y representación. Según lo que se dice en ella, todo nace de un encargo, ¿hasta qué punto es cierto y cuánto hay de verdad en todo lo que vemos?

Luego mi novia dice en la película: “hiciste lo imposible para que te lo encargaran”. Quiero pensar que, en general, todo lo que aparece es cierto, todo está sostenido sobre cosas que pasaron. Aunque en algunos casos, tal vez sí están un poco empujadas por el narrador.

Desde la primera escena se muestra el artefacto cinematográfico, todo el rodaje, y se deja muy claro el tono de comedia de la película, ¿quería dejar claras las normas del juego desde el primer momento?

Sí, desde luego. De todas formas, no sé todavía cómo funciona la película [en Gijón se estrena mundialmente]. Por ejemplo, al principio dice que esto no va a ser una película sobre un padre en donde uno saca fotos de una caja de fotos viejas… Pero yo quiero que en ese momento el espectador ya sepa que tres escenas después va a venir una escena con una caja de fotos viejas, pero no sé si todavía lo sabe. Me preguntaba cómo de claro estaba para el espectador que todo son artificios, casi podríamos decir que hasta baratos, que se están utilizando como mecanismos de comedia. Temo que sea una película para mí, y que yo ya sea muy consciente de mis trucos. Por eso espero que el espectador también sea benévolo con eso. Creo que es también una película que está un poco hecha para quienes ya han visto películas mías, lo que significa un número muy pequeño de espectadores. Está hecha para una rara avis.

La palabra humor, que desde siempre para mí fue casi como una especie de cosa sagrada. Lo cual es paradójico porque el humor trata de que no haya nada sagrado

Mariano Llinás — Director y guionista de cine

Se dice en la película que una de las características de Clorindo era el humor, no sé si por eso la película tiene claro que es una comedia.

Creo que la película da muchos rodeos, muchísimos rodeos para justo al final mostrar lo que quiere proponer, que es casi una especie de modelo ético. Es, en el fondo, una película ética en el sentido de que postula un bien y un mal. Y eso se distingue precisamente por el humor o por la falta de humor. Casi como si la película dijese 'el bien es el humor y el mal es la falta de humor'. Creo que la película da, sobre el final, ese golpe, pero mientras hace un montón de cosas y te lleva por un montón de sitios hasta que, finalmente, en algún momento dice que lo que distingue a mi padre y a Clorindo es la posesión del humor. De alguna manera creo que eso es casi como una especie de código que no solamente rige esta película sino toda la vida de mi padre, toda la vida de Clorindo y todas las películas que he hecho. Eso tiene que ver con la palabra humor, que desde siempre para mí fue casi como una especie de cosa sagrada. Lo cual es paradójico porque el humor precisamente trata de que no haya nada sagrado. Ahí está la paradoja.

La película comienza diciendo que no trata sobre un director hablando de su padre, pero acaba haciéndolo, y de alguna forma también hablando de usted como padre, ya que también aparece su hijo en pantalla.

Creo que en todo momento es una película sobre mí siendo padre. Hay otra cosa interesante, a las películas sobre padres se las puede ver como duelos, pero no un duelo en el sentido inglés de hacer el duelo cuando muere, cosa que también, sino como un duelo del Oeste. En mi caso, creo que es un duelo contra mi padre. Si te fijas, el cartel de la película es la tapa del libro de mi viejo [su padre escribió un libro sobre Clorindo Testa] en la cual yo he reemplazado parte. Es una pequeña batalla entre padre e hijo. Es una película sobre yo siendo padre y sobre él siendo padre conmigo. Yo hago cosas que, muy íntimamente, son como las cosas que yo hacía con mi padre.

También, gracias a ese artículo de La Nación que se menciona, el filme acaba vinculando la historia personal con la Historia con mayúsculas, la de Argentina.

Eso es lo que proponía el imbécil que escribió el artículo.

Pero de alguna forma usted acaba comprando esa teoría.

Sí, pero no por los motivos que él señala, pero de alguna forma tenía razón.

En todas sus películas la historia de Argentina atraviesa todo. Aquí, aunque sea sobre la paternidad, también aparece.

Es interesante la pregunta. Creo que no hay manera de hacer una película en Argentina en la que la historia no la atraviese. Sobre todo cuando uno habla de los padres, ¿qué es la historia sino el padre de uno? La tragedia de vivir en la historia de un país es una cosa que está ahí, como fondo, como un paisaje, y cuando uno filma un paisaje no dice ‘aquí hay un árbol, aquí hay un horizonte…’. Con la historia pasa lo mismo, uno no dice ‘ahí ha estado la dictadora, aquí la falta de dictadura, la democracia’. Es algo que está ahí al fondo, más o menos desplegado. Es interesante cómo funciona la historia en ese sentido. Eso me parece muy bonito, la manera en que el cine refleja la historia, y por eso es tan difícil. En Argentina, por ejemplo, se volvió muy frecuente acusar a las películas de no reflejar la historia, de no tener una relación con la historia. Y es mentira. No se puede no tener una relación con la historia. Se puede ser más o menos consciente de la relación que uno está construyendo y hay que ver si ser más o menos conscientes es mejor o peor. Tal vez cuanto menos consciente sea uno de cómo refleja la historia, la historia se refleja mejor. Es como cuando uno se mira al espejo. Si uno pone una cara más decidida, de pronto queda más como uno quiere, pero no está reflejando necesariamente mejor a uno. Tal vez el espejo nos refleja mejor cuando no sabemos que nos está reflejando.

No hay manera de hacer una película en Argentina en la que la historia no la atraviese. Sobre todo cuando uno habla de los padres. ¿Qué es la historia sino el padre de uno?

Mariano Llinás — Director y guionista de cine

El viernes se estrena en España también Pequeña flor, que ha escrito usted y también ha dirigido Santiago Mitre, como Argentina, 1985 que ha sido un fenómeno de taquilla en su país y aquí. Antes decía que sus seguidores son muy pocos, pero de repente vive un fenómeno de masas como este, ¿cómo ha vivido esto?

Lo he vivido como una rareza, una particularidad. Como un viaje a la Antártida. Tintín en América, Tintín en el Congo y Tintín en el mundo de las películas que hacen un millón de espectadores en Argentina. Lo viví de manera muy intensa porque hice un poco de embajador de la película y la película generó muchas discusiones de tipo político, y como se me dan bien las entrevistas pues me mandaban a mí a hablar y a discutir con los políticos. Ha sido una aventura más para mí, ver cómo funcionan las cosas en el mundo del cine.

Los hermanos Russo, directores de Los Vengadores, han dicho que su película es maravillosa. Nunca pensé que vería el universo Marvel vinculado al universo de Llinás.

Eso no me sorprende porque puedo imaginar por dónde ha venido [la productora de Argentina, 1985] es una de las grandes productoras del Universo Marvel, Victoria Alonso) Supongo que hay cosas que me divierten. El otro día me invitaron al estreno de Wakanda Forever, y como yo soy fan y mi hijo también, allí fuimos. Eso son pequeñas ventajas. Victoria Alonso nos mandó algunos regalos de Marvel… El aspecto Marvel del asunto es lo que más disfruto… Es muy extraño. Veremos a dónde va. Puede ser más extraño todavía. Puede alcanzar niveles de sorpresa físicos todavía más grandes. 

¿Le interesan los Oscar?

¡Por supuesto!, ¿cómo no me va a interesar? Desde luego, sería uno de los chistes más graciosos de mi vida. Si piensas las cosas que a mí me han guiado desde siempre son el humor y la aventura. No hay mayor conjunción de esos elementos que nosotros recibiendo el Oscar. Sería muy divertido. Veremos. Creo que no le doy el valor que pueden darle otros, pero el valor que le doy está bien.

Fue muy interesante el artículo que escribió cuando se le acusó de no ser fidedigno a la realidad con la película.

Esa es mi tarea oficial como diplomático de la película, discutir con los grandes pensadores. Eso es muy interesante, porque fíjate que el cine no le importa a nadie. Eso es lo que yo comprendí. Porque ese artículo que yo escribí les pareció bien a todas las personas a las cuales les interesa el cine, pero a la gran mayoría le pareció una tontería completa. El cine dejó de importar. Tal vez nunca le importó a nadie el cine. Quieren utilizar una película para sus discusiones y las pequeñas reglas que rigen el cine no le interesan a nadie.

Toda la vida he luchado no solo para no hacer cine nacional, sino para ir contra el cine nacional. Y ahora, de pronto, tenía que hacer cine nacional. Fue muy difícil

Mariano Llinás — Director y guionista de cine

Algunos seguidores del cine que ustedes hacen les acusaron de hacer una película demasiado convencional, sin embargo han encontrado otros públicos, ¿cómo han vivido esta posición en el medio, nueva para ustedes?

Yo creo que escribimos un guion que nos dejó satisfechos. Era muy difícil escribir un guion que nos dejara satisfechos a nosotros en ese terreno, porque era un guion que significaba meterse en un territorio inhóspito, que es lo que en Argentina se llama 'cine nacional'. El productor nos dijo que la película tenía que ser cine nacional. En un momento dado nosotros nos aproximamos a este tema y yo inmediatamente empecé a pensar en una aproximación fantástica, y el productor, con mucho sentido e inteligencia, dijo, 'déjense de joder, hagan una película sobre el Juicio de las Juntas'. Y eso fue muy duro porque nos estaba diciendo 'tienen que hacer cine nacional', y yo toda la vida he luchado no solo para no hacer cine nacional, sino para ir contra el cine nacional. Y ahora, de pronto, tenía que hacer cine nacional. Fue muy difícil. La duda era cómo hacer cine nacional que de alguna manera tenga que ver conmigo. Pues precisamente escribiendo una película que se pareciera más a una película de los años 30 en Hollywood que a una película argentina de los años 80. Yo creo que es así, aunque está disfrazada y se parece superficialmente a las películas de los años 80, pero creo que se parece más a una película clásica de Hollywood que podría haber hecho uno de esos directores como Fritz Lang o Capra. Algo parecido a Los verdugos también mueren, y con pasos de comedia necesarios. Utilizamos los trucos de Hollywood más que nunca. La película triunfó, y al final quien triunfó fue Hollywood sobre el cine nacional, más que nosotros. Pero bueno, parte del triunfo de Hollywood es que no se note, que su medicina sea secreta. Y en ese sentido es una película a la antigua disfrazada de cine nacional.

Fue un desafío grande hacer una película que se pareciera a las películas que no nos gustan. No creo que sea simplemente una película convencional argentina como las de Campanella. No estoy de acuerdo. Puede tener algunos momentos demagógicos, pero en líneas generales, creo que no lo es. Puede tener algunos momentos románticos, pero el objeto en sí mismo no creo que sea nada romántico. Había que hacer un objeto que fuera inmensamente popular. Y aquí hay una cosa, uno no puede hacerlo de manera cínica. O al menos nosotros no podemos. No podríamos dirigir de manera cínica un objeto popular. Nos tiene que satisfacer a nosotros, porque si no, no funciona. No por una cuestión de ética, sino por una cuestión estética. Si uno no escribe con alguna convicción, el público lo nota. No se pueden hacer películas populares de manera cínica, es un error y no tiene nada que ver con nosotros.

La mayor parte de las películas que introducen a un personaje trans centran su trama en su proceso de transición, en sus problemas para ser aceptados en la sociedad, en su sufrimiento diario. Un pesimismo que las coloca siempre en una posición de víctimas sin mostrarlas también en sus momentos de felicidad, de plenitud. Sin mostrarlas, de alguna forma, como mujeres que ya no están definidas por esa etiqueta, sino que son mujeres de pleno derecho. Una normalización hacia la que avanza la ficción, y que es la que convierte a Mónica, de Andrea Pallaoro, en uno de los retratos más importantes y luminosos en ese sentido.

No porque la película del director italiano sea una comedia, sino porque su protagonista, marcada por un trauma del pasado, no está definida por ser una mujer trans. A ojos de todos es, simple y llanamente, una mujer. No hay referencias concretas hacia ello, e incluso muchos podrían perder las pocas claves que lo indican. Una historia sobre el perdón y el coraje de alguien que su director define como “una heroína moderna”.

El cine de Pallaoro es un cine de cocción lenta, un retrato de personajes que se definen más por sus actividades cotidianas que por lo que dicen o por actos extraordinarios. Este es el retrato de Mónica y su regreso a casa para perdonar y poder avanzar. Una película que nace del deseo del director “de explorar el tema del abandono, pero entendido no solo como el acto de ser abandonado, sino también como la experiencia de no ser reconocido o de no ser aceptado”. Temas que ya trató en su anterior filme Hannah, y que también aborda mirando “cómo interfiere en los traumas, en las relaciones con el mundo y en la identidad”. Al dar el protagonismo a una mujer trans, el tema de la identidad abordaba una nueva capa.

Nunca dudó de que la actriz elegida (Trace Lysette, famosa por series como Transparent) debía ser una mujer trans, “no necesariamente una actriz”, porque vieron a mujeres trans que no eran actrices. Una búsqueda que fue larga y costosa. Duró más de un año y probaron “a más de 30 candidatas para el papel”. “Tengo que decir que desde el primer momento en el que encontré Trace fue un amor a primera vista, porque entendí que ella sería la persona adecuada para emprender este viaje juntos, pero también para incorporar cosas y encarnar el estado emocional y psicológico que quería explorar con la película. Además ella había vivido en primera persona todo, porque su historia es muy parecida a la de Mónica”, cuenta Andrea Pallaoro desde el Festival de Gijón, donde se ha presentado la película.

Otra de las apuestas “fundamentales desde el comienzo del proyecto” era no definir al personaje por ser trans. “Era una cosa importantísima, pero no sólo para mí, sino también para mis colaboradores. Sobre todo para la protagonista, porque vemos a Mónica como una mujer. Sin especificar nada más y sin hablar demasiado sobre su transición, ni sobre el hecho de que sea trans. Ella es una mujer trans, pero no está subrayado. De hecho, hay pocos elementos en la película que se refieren a esta cuestión, pero para mí era fundamental que una mujer trans fuera reconocida como mujer a todos los efectos. Así que este fue el punto de vista”, explica y cuenta que hay espectadores que han visto la película y que incluso no se han dado cuenta de que es transexual, algo que le agrada y que no ha visto que ocurra en otras películas donde no se trata lo trans de esa forma.

Vemos a Mónica como una mujer. Sin especificar nada más y sin hablar demasiado sobre su transición. Para mí era fundamental que fuera reconocida como mujer a todos los efectos

Andrea Pallaoro — Director de cine

En un mundo lleno de cinismo, Mónica se presenta como una persona capaz de perdonar, de una bondad contagiosa, algo que hace que Pallaoro la defina como “una heroína moderna”. “Es un personaje muy valiente. Porque es un personaje que consigue asumir su pasado y sus dramas a través del perdón, pero lo hace con valentía y con gracia. Y esto es un paradigma fascinante para mí. Es un personaje que admiro mucho”. Un personaje que se define, como el cine del director italiano, a través de su intimidad y sus hechos cotidianos, porque “a través de ellos es cuando nos vemos y nos mostramos a nosotros mismos más y mejor”. La cotidianeidad como “método de revelación y de expresión”.

Una obra austera, que pega su cámara al cuerpo de su protagonista y la encierra en un formato cuadrado que subraya la intención del director de “explorar un estado psicológico y emotivo específico”. “El cine tiene un poder inmenso cuando nos da la posibilidad de penetrar en el mundo interior de un personaje, cuando nos da la pausa, la posibilidad de fotografiar sus sentimientos, sus pensamientos, sus emociones. Ese era mi objetivo principal. También porque esto da la posibilidad al espectador de proyectarse en el personaje y en la historia de manera mucho más individual e independiente, hacia una catarsis personal”. De ahí ese formato que recuerda “a un retrato fotográfico y que resalta el cuerpo en vez del paisaje evidenciando un sentimiento de claustrofobia y de codependencia entre los personajes que están dentro del cuadro, creando también un paralelismo entre lo psicológico y lo físico”.

En Mónica también tiene un papel esencial la música, que no es una banda sonora externa, sino “exclusivamente diegética”. El espectador escucha lo que la protagonista, las mismas canciones y se emociona con ellas de la misma forma. Una música “inherente al mundo del personaje” que consta de “11 canciones elegidas para que el espectador entre en el personaje de Mónica a través de la música que ella elige y que muchas veces están en contradicción con lo que ella está sintiendo, como si la música fuera algo que Mónica busca para sentirse de una manera diferente, para cambiar su estado de ánimo”.