Disney+ ha inaugurado este martes Star, su nuevo canal de contenido no familiar. Una marca con más de 40 series y 250 películas dirigidas a un público más adulto y entre las que se ha colado un título que, de primeras, no había sido anunciado oficialmente por La casa del ratón.

Nos referimos, claro está, a Futurama, cuya inesperada llegada al catálogo de Disney+ ha sido acogida con gran alegría entre sus fans, que han hecho de su nombre trending topic en la mañana de hoy. No es para menos, pues a pesar de sus dos décadas de vida y sus múltiples reposiciones en televisión, seguía siendo una de las series más demandadas para estar disponible, al completo y en streaming, dentro de nuestras fronteras.

Con su llegada a Disney+, este deseo pasa a ser una realidad, aunque más de un seguidor se habrá llevado una sorpresa cuando haya visto, nada más acceder a los capítulos, que Futurama tiene 10 temporadas y no en 7, su cifra original, y que el orden de los episodios no se corresponde con su orden “clásico”.

Los capítulos de 'Futurama', “desordenados” en Star

Esto se debe a que, en realidad, hay dos formas de ordenar los capítulos de Futurama. La clásica, y la que infinidad de fans han tomado por buena durante años, se basa en el “orden de producción” de los propios capítulos. Y la otra, la que ha elegido Star en España, se basa en la división que en su día hicieron tanto Fox como Comedy Central, las dos cadenas que emitieron originalmente Futurama.

Esta disparidad de criterios hace, por ejemplo, que las cuatro temporadas que emitió Fox y las tres de Comedy Central pasen a ser, dentro de Star, cinco temporadas de Fox y otras cinco de Comedy Central. Lo que da lugar a las 10 que constan en el catálogo de Disney+.

Este desfase se puede comprobar en los créditos finales de cada episodio. Si vamos, por ejemplo, al capítulo Ladrido Jurásico, veremos que aparece el código #4ACV07, el cual significa que, a ojos de los responsables de la serie, ese episodio es el séptimo de la cuarta temporada, tal y como ha sido considerado siempre por los fans. Sin embargo, en Star figura como el segundo de la quinta temporada, pues fue así como lo trató Fox en su momento.

El origen de este “desorden” se encuentra en el final de la primera temporada, que el “orden de producción” fija en el capítulo 13 y el de Star en el 9. De esta forma, al final del capítulo 13 aparece el código #1ACV13 -equivalente al clásico 1x13-, aunque en la plataforma se encuentre como el cuarto de la segunda temporada.

A este “desorden” propiciado inicialmente por Fox hay que sumar el propiciado después por Comedy Central. Después de ser cancelada por la cadena conservadora en 2003, Comedy Central lanzó entre 2008 y 2009 cuatro películas -El gran golpe de Bender, La bestia con un millón de espaldas, El juego de Bender y Hacia la verde inmensidad-, que después fueron divididas en cuatro parte para dar lugar a una temporada de 16 episodios. La quinta “originalmente”, pero que en Star es la sexta.

Tras el lanzamiento de estas películas, Comedy Central encargó dos temporadas de 26 episodios -la sexta y la séptima- que emitió en dos partes. Ahora, Star ha hecho de esas cuatro partes cuatro temporadas independientes, llegando así a las 10 que constan en su catálogo aunque, según el orden clásico, Futurama solo tenga siete temporadas.

Cinco capítulos para celebrar la llegada de 'Futurama' a Disney+

Pero más allá de su orden, lo verdaderamente importante es que ya se pueden ver todos los capítulos de Futurama en Disney+. Desde la redacción de Vertele hemos aprovechado la ocasión para elegir cinco que, por unos motivos u otros, nos gustan especialmente.

Hay muchos más, evidentemente, pues no dejamos de hablar de una serie icónica que cuenta con multitud de capítulos y momentos brillantes. Sin embargo, creemos que estos cinco resumen, grosso modo, las altas cotas de genialidad, hilaridad y emotividad que alcanzó Futurama a lo largo de sus siete (o 10) temporadas.

Ladrido Jurásico es, probablemente, el capítulo más traumatizante de Futurama para todos aquellos que en alguna ocasión tuvimos mascota. El argumento resulta nostálgico por definición: un descubrimiento arqueológico saca a la luz los restos de la pizzería Panucci en la que trabajaba Fry en el año 1997. Entre los hallazgos se cuenta un perro fosilizado: Seymour, un perro callejero que “fue compañero de la pierna de un saxofonista callejero y olía a perro mojado aún estando seco”, en palabras de Fry. Un animal de cuatro patas que trabó una amistad inquebrantable con un bípedo pelirrojo.

En un ataque de nostalgia, la misma que vehicula todo el episodio, Fry pretende devolver a la vida al perro, hasta que descubre que solo compartieron tres años de la vida del can, pues Seymour vivió otros 12 años sin su amigo. Comprende entonces que debe dejarle ir, que a buen seguro vivió mil aventuras y desventuras sin su compañía. Que está bien siendo eso: un recuerdo.

El golpe emocional está por llegar y los protagonistas son ajenos a él. Solo el espectador comprende la dimensión del drama. Solamente el espectador descubre que Seymour pasó doce años esperando en la puerta de Panucci. Unos 4.380 días con sus noches esperando el retorno de un amigo que nunca volvió., hasta fallecer envejecido y cansado. No, esto no son lagrimas, es que se me ha metido algo en el ojo.

El mejor punto final posible. El profesor Farnsworth inventa un aparato de bolsillo capaz de conseguir que el universo retroceda 10 segundos, algo que Fry no duda en utilizar para agasajar a Leela sin miedo al error. Sin embargo, el dispositivo acaba destruido por accidente y el mundo queda paralizado a excepción de los dos protagonistas, obligados a partir de ese momento a estar solos para siempre. Las cataratas del Niágara están congeladas, los copos de nieve quedan flotando sin poder caer y también los amigos de ambos, que asisten a su boda sin ni siquiera poder pestañear.

Mientras tanto plantea dos formas de valorar el tiempo: la fugacidad de los 10 segundos y la eternidad. Lo frenético frente a lo estático. Y las dos opciones tiene sus problemas: lo primero es insuficiente, y refleja el temor de Fry a acabar solo, pero lo segundo también asusta porque no hay mayor miedo que el de acabar acompañado toda una vida por la persona equivocada. Al final del capítulo, con la pareja ya anciana, aparece Farnsworth para poner solución al bloqueo y volver justo al momento antes de crear su botón temporal. Con una condición: la pareja no recordará nada de lo que pasaron juntos.

“¿Qué dices, quieres repetirlo?”, pregunta Fry a Leela antes de retroceder a cuando no estaban enamorados (o no tanto). Quizá los acontecimientos no sean los mismos, pero el resultado compensa: es una segunda oportunidad para vivir junto a quien aprecias y sin trampas temporales.

Tras viajar accidentalmente al futuro, Philip J. Fry está en disposición de cumplir uno de sus grandes sueños: viajar a la Luna. Sin embargo, la experiencia no resulta tan satisfactoria como piensa, pues los ciudadanos del año 3000 están tan acostumbrados a viajar a la Luna que la han convertido en un parque de atracciones.

Aun así, Fry no ceja en su empeño de conducir entre cráteres y vivir hazañas como las que vivieron en su día los astronautas a los que tanto admiraba en su niñez. Algo que acaba consiguiendo tras insistir una y otra vez a Leela, aunque por el camino se encuentran no pocos peligros para regresar con vida a Nueva Nueva York.

A modo de anécdota, cabe señalar que La serie ha aterrizado, el segundo episodio de Futurama, es el primero, a su vez, que nos presenta a Hermes Conrad, Amy Wong y el doctor Zoidberg. Pero, sobre todo, es el episodio que cuenta con dos de los greatest hits de Futurama: “Pues ahora pienso montar mi propio parque de atracciones, con casinos...¡ Y furcias! Es más, paso del parque”, a cargo de Bender, y la canción “Somos balleneros, llevamos arpones, mas como en la Luna no hay ballenas, cantamos canciones”, que todo fan de Futurama ha cantado en más de una ocasión.

Con el objetivo de poner fin a su mala suerte, Fry se adentra en las ruinas de Vieja Nueva York en busca de su trébol de siete hojas. Ese que tanta suerte le dio cuando era adolescente y que escondió junto a la banda sonora de El Club de los cinco para que Yancy, su hermano mayor y con el que mantenía una gran rivalidad, no lo encontrara.

A través de flashbacks, el capítulo nos cuenta cómo fue la difícil relación entre ambos, marcada por las constantes apropiaciones que Yancy hacía de las ideas y los méritos de Fry. De hecho, cuando nuestro protagonista descubre que Vieja Nueva York levantó una estatua en honor al astronauta Philip J. Fry por ser el primer hombre que pisó Marte, lo primero que piensa es que su hermano le copió hasta el nombre una vez él viajó accidentalmente al futuro.

Sin embargo, La suerte del frylandés nos guarda una emotiva sorpresa para el final, pues ese Philip J. Fry de la estatua es, en realidad, el hijo de Yancy, que entregó el trébol y bautizó a su vástago con el nombre de su hermano pequeño, “a quien añoro todos los días”.

Uno de los mejores exponentes del nivel de la sátira en Futurama sea el desopilante Amazonas con ganas, una aventura espacial en torno a la guerra de sexos que sirve como apertura de la tercera temporada. La trama sigue a Zapp, Leela, Amy y Kif, que acaban extraviados tras una desastrosa doble cita en Amazonia, un planeta dominado por mujeres y ordenado por una inteligencia artificial, la Mujerador.

La cosa se complica cuando entran en escena, al “rescate”, Fry y Bender, que al igual que los otros dos varones del grupo caen prisioneros de las amazonas. El castigo para estos, que insisten en ridiculizar las actitudes femeninas (salvo Kif, que solo trataba de aparentar una imagen de hombría que le había recomendado Zapp) es la ejecución sumarísima. Aunque una muy particular: la “Muerte por kiki”, una idea que no termina de desagradar del todo a los ajusticiados.

Nominado en su día al premio Emmy, ya el título del episodio remite a otras estrategias que beben de conceptos desarrollados por la ciencia ficción estadounidense de los años cincuenta, como la comedia colectiva Amazonas en la luna, si bien el planteamiento puede estar más próximo a la relectura feminista de El ataque de la mujer de 50 pies que planteó Christopher Guest en su remake televisivo de 1993, con Daryl Hannah como protagonista.

Para quien no se haya acercado a Futurama, y dejando de lado otras entregas más sufridas como las comentadas en este artículo, Amazonas con ganas deja, desde luego, con ganas a cualquier espectador de seguir sometiéndose al régimen de risas de la serie: el timing de los chistes es elevadísimo y su puntería, altamente satisfactoria. Sobre el otro régimen, el de los kikis, lo dejamos al gusto de cada cual.

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Stranger Things es la pepita de oro de Netflix. Fue junto a Narcos de las primeras series en convertirse en emblemas de la compañía, esas que arrastraban a miles de suscriptores porque eran sinónimo de una experiencia solo disponible en la plataforma de la gran N roja. Sin embargo, ya va camino de su cuarta temporada y, aunque todavía ofrece exactamente lo que promete, a la fórmula narrativa se le empiezan a ver las costuras.

Las aventuras de Eleven mantienen su espíritu, pero a estas alturas se antojan repetitivas y complacientes. Hay que encontrar nuevos referentes, y por eso Esta mierda me supera se ha situado en el punto de mira de todos aquellos hastiados con serie de los hermanos Duffer. No es que pretenda ser un relevo, ya que los conflictos abordados y la forma de plantearlos distan mucho entre ambas, pero es imposible negar ciertos paralelismos.

De hecho, no es gratuito que los productores de Stranger Things se hayan unido con Jonathan Entwistle, director The End of the F *** ing World, para intentar repetir el éxito de aquella serie basada en un fanzine homónimo creado por Charles Forsman. Ahora intentan repetir la jugada con otra historieta del mismo autor que, además, se centra en el mismo tema: las frustraciones de ser un adolescente incomprendido y aislado por la sociedad.

Sophia Lillis (It) interpreta a Sydney, una joven que empieza a escribir un diario para desfogarse de sus problemas. La reciente muerte de su padre, los problemas para relacionarse en el instituto, las inseguridades sobre su propio cuerpo… La protagonista es el reflejo de una generación que intenta sin éxito encontrar el cauce de la vida. Todo ello, además, subida en la montaña rusa de emociones que es la pubertad.

Sin embargo, a sus conflictos se suma otro: descubre que puede mover y destruir la materia con psicoquinesis. Le ocurre de forma espontánea cuando se siente débil o atacada por los demás, lo que da lugar a una serie de situaciones incómodas e incluso peligrosas. Lejos de ser una virtud, la habilidad supone otra debilidad añadida a la personalidad de Sydney, algo que recuerda en cierta medida a la Carrie de Stephen King.

Se distancia de esta forma del prototipo de superheroína, como puede ser Eleven, que representa la estructura clásica de aprender a utilizar sus habilidades para luchar por el bien. Aquí Sydney no comprende lo que ocurre y a priori tampoco tiene demasiado interés por hacerlo. Lo que al final le preocupa es sentirse integrada en un entorno que continuamente rechaza lo que es.

La música como elemento dinamizador de las escenas, el humor negro y explícito de Sydney similar al de Alyssa, la voz de la protagonista como narradora… El tono de The End of the F *** ing World está presente a lo largo de todos sus capítulos, también presentados en minidosis de 20 minutos. Pero hay diferencias. Aquí no encontramos un homenaje al género road movie, inteligentemente planteado para mostrarnos a James y Alyssa como los Bonnie y Clyde o las Thelma y Louise de una nueva generación.

Esta mierda me supera está más interesada en abordar el tránsito a la adultez de una forma más bien pesimista, como una etapa llena de frustraciones producidas por los cambios físicos y mentales. Podríamos decir que se sitúa a medio camino entre El club de los cinco (1985) y Kids (1995), entre la reproducción de unos roles prototípicos marcados por el cine de adolescente y la desmitificación de temas como las drogas o el sexo.

La naturalidad como norma

Uno de los principales puntos a favor de The End Of The F***ing World era su capacidad para abordar temas contemporáneos, como el ‘no es no’ en las relaciones sexuales o la reivindicación en la naturalidad de la menstruación. Con Sydney sucede algo parecido. Su postura frente a las relaciones amorosas controladoras como la que sufre Dina, su mejor amiga, sirve para llamar la atención sobre actitudes machistas que han sido normalizadas a lo largo de la historia.

En este sentido, y precisamente gracias a la relación con Dina, la serie también hace gala de una buena demostración de sororidad. Al igual que ocurre en series como Carole y Tuesday, las diferencias entre ambas amigas no se convierten en barreras, sino en engranajes que se unen a la perfección para combatir las adversidades del día a día. La compañera de Sydney es igualmente un pilar que le empuja fuera de su zona de confort sin hacerle sentir incómoda. Lo único que pretende es hacerle abandonar sus inseguridades.

A medida que se descubre a sí misma, nosotros descubrimos su lugar en este mundo. Y es importante, porque al principio todo lo que le ocurre, ya sea en el ámbito familiar o el amoroso, está bañado por la impotencia de unas dudas imposibles de verbalizar. Al final, comprendemos el porqué.

Aun así, no solo de tristeza se nutre la serie. Existen algunas diferencias clave con la historieta original de Forsman que, aunque no vamos a comentar para evitar spoilers, sí podemos decir que ayudan a disminuir la carga dramática presente en las viñetas. El resultado es una miniserie que puede ser consumida en poco más de dos horas y que, al igual que ocurría con la primera temporada de The End Of The F***ing World, aporta aire fresco a un género que va más allá de la lucha contra demogorgones

Es casi imposible no comparar Juego de tronos con cualquier serie que aspire a convertirse en el siguiente bombazo. Desde que terminó, las principales plataformas de streaming han iniciado una carrera en busca de la nueva gallina de los huevos de oro. No es gratuito que HBO ya tenga en marcha una precuela ni que Amazon Prime Video vaya a adaptar El señor de los anillos. Tampoco que Netflix haya echado el lazo a otro universo fantástico de características similares: la saga de Geralt de Rivia creada por el escritor polaco Andrzej Sapkowski.

A priori podría parecer otra franquicia de fantasía medieval al uso con los conflictos que estamos acostumbrados a ver en el género: batallas entre reinos, caballeros de armaduras de plata, lúgubres cantinas y demás características de lo épico. Y The Witcher es todo eso, pero también ha conseguido tener identidad propia más allá de los clichés.

Así lo demuestra el amplio abanico derivado de las aventuras de El Brujo: historietas, juegos de cartas, de mesa… No obstante, quizá el más popular sea la adaptación realizada al mundo de los videojuegos realizada por la empresa CD Projekt, en la cual se podía manejar a Geralt a través del vasto mundo imaginado por Sapkowski. Las expectativas de los fans, por tanto, estaban altas. ¿Sería un Juego de tronos con otra apariencia? ¿Es necesario haber leído los libros o haber jugado al título? La respuesta a ambas preguntas: no.

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Geralt de Rivia (Henry Cavill, conocido por interpretar a Superman en El hombre de acero) es un cazador de monstruos que sobrevive aceptando encargos de los aldeanos. No tiene muy buena fama, pero es la persona a quien recurrir cuando hay que eliminar rápidamente una amenaza que, a veces, no suele ser lo que parece.

Uno de los méritos de The Witcher es su capacidad para subvertir el arquetipo clásico del viaje del héroe. Es lo que ocurre en el segundo capítulo (probablemente el mejor de los cinco ofrecidos a la prensa), el cual cuenta con un inesperado giro de guion que nos hace reinterpretar sobre a quién ponemos el apelativo de “monstruo”.

No vamos a entrar en grandes spoilers. Pero en el episodio, Geralt recibe el encargo de acabar con un demonio que estaba devorando campos de trigo. Una vez llega a la zona, se encuentra con el culpable: Torque el silván, una criatura inteligente con aspecto de carnero. Pues bien, finalmente descubrimos que ni es un demonio ni roba comida por placer, sino para ayudar a unos elfos que fueron expulsados de su hogar por los humanos.

Y es que la serie no nos trata especialmente bien a nosotros. Fuimos los responsables de La gran purga que llevó casi a extinguir a los elfos, muchos de ellos ahora ocultos en bosque por negarse a aceptar las exigencias de la especie dominante. Estamos acostumbrados a que los invasores siempre sean otros, ya sean aliens u orcos, pero quizá a lo largo de la historia hemos demostrado que somos los colonizadores por excelencia de todo “lo ajeno” (aspecto también marcado por la xenofobia). Es lo mismo que ocurre en Distrito 9, película que muestra cómo los extraterrestres fuero apresados y metidos en guetos.

Más allá de Geralt de Rivia: Ciri y Yennefer

El Lobo Blanco no es único protagonista de la serie, sino que es solo un pilar más de los tres en los que se sustenta. Los otros son Ciri, la Leoncilla de Cintra, y Yennefer, una poderosa maga que evoluciona de forma increíble (y quizá algo exagerada) en pocos minutos.

Es una pena, porque uno de los factores por los que resulta tan interesante el capítulo dos es precisamente por Yennefer y su progresión. Inicialmente se nos muestra como una persona con el cuerpo deforme que es tratada por su padre como un animal. De hecho, la vende a una hechicera por una cantidad ridícula de dinero. Ese es precisamente el inicio de su progreso: acaba interna en una escuela de aprendices de magia para desarrollar unas habilidades que, como descubrirá con el tiempo, están muy por encima de las de cualquiera.

Quizá sea por no romper la historia trazada por Sapkowski en los libros, pero resulta algo chocante comprobar cómo la única prioridad de Yennefer acaba siendo convertirse en la persona más bella y poderosa del planeta. Es como si Quasimodo no luchara en realidad por hablar con alguien más que con sus gárgolas, sino por parecerse al príncipe y al final lo consiguiera. Por eso al final el mensaje de este clásico de Disney cala tanto: porque explica que conseguir la aceptación social no pasa por tener un rostro bonito.

Aun así, la serie sí que intenta desligarse de la masculinidad tóxica frecuentemente arraigada a este género de fantasía medieval. Es verdad que hay desnudos innecesarios (casi todos femeninos) y que muchas de ellas son hechiceras mientras ellos son caballeros que cazan bestias. Pero también existen mujeres fuertes y poderosas que no están en la trama para ayudar a El Brujo, sino que siguen sus propios instintos.

Además, el guion parece ser consciente del machismo habitual en esta clase de historias, algo que quizá sea gracias a la mano de Lauren Schmidt en cada episodio. “Porque soy una chica y no podemos ser brujos. Es lo más estúpido que he oído”, le dice el personaje de Marilka a El Lobo Blanco en la primera entrega. La reina de Cintra, Calanthe, también es una buena muestra de esta independencia. Es ella la que elige su futuro, la que gobierna e incluso la que elige a su pretendiente, bromeando de paso con que “todo sería mucho más fácil si fuera un hombre”.

Por el momento ya podemos confirmar que The Witcher tendrá una segunda temporada, así que tocará esperar para comprobar por qué clase de derroteros lleva a sus personajes. No es una serie carente de fallos, pero al menos tiene ideas, escenas de lucha bien dirigidas (las coreografías con espadas son brillantes) y nombre propio como para hacer que aquellos huérfanos de Juego de tronos tengan otro nuevo objetivo.

“Ahora somos una familia de verdad. Todo volverá a ser como en la primera temporada, pero más sencillo porque ahora estamos felizmente casados y podemos proscribir la idea de que me daba miedo a que te fueras”, dijo el personaje de Beth a su padre al final de la tercera temporada de Rick y Morty. Se proponía así un regreso a los orígenes de la serie, a “la familia feliz” con la que comenzó todo. Al menos aparentemente, ya que se cerraba con un gran interrogante: ¿es Beth un clon? Todavía no lo sabemos.

Tras un parón de dos años y algún que otro problema legal con Adult Swim, la popular la serie de Justin Roiland y Dan Harmon regresa con una nueva hornada de episodios que esta vez serán publicados semanalmente en HBO. Y el inconveniente es que, a pesar de que estemos en la cuarta temporada, la sensación es que poco o nada ha cambiado con respecto a sus orígenes.

Esto no tiene que ser algo negativo per se, ya que muchas otras series de animación como Los Simpson o South Park también se resisten al paso de los años con episodios autoconclusivos pero adaptándose a discursos contemporáneos. El inconveniente con Rick y Morty es que no parece tener del todo claro si quiere que sus personajes avancen a algún lado o si perpetuar una serie de aventuras intergalácticas aleatorias.

Rick y Morty es una serie que comenzó trazando una línea para sus protagonistas pero que, por el camino, se ha encontrado cómoda siendo lo que es y siendo complaciente con respecto a eso. Así lo demuestran las declaraciones de uno los guionistas: “La verdadera pregunta para la próxima temporada es: cuando toda la familia está feliz y todo va bien, ¿qué historias vamos a contar que haga que la gente se moleste?”.

La preocupación no es tanto por trazar una recorrido evolutivo, sino por perpetuar el status quo del universo creado. Y en esa línea va el primer episodio de esta nueva entrega: es una aventura entretenida e inteligente que, sin embargo, ignora casi por completo el conflicto que se convirtió en el cliffhanger de la anterior.

¿Quién es Rick?

Resulta todavía más confuso cuando la serie, por momentos, parece querer tratar aspectos como la misantropía de Rick, el maltrato psicológico sufrido por Morty o el matrimonio fallido de Beth. Pero, sin embargo, cuando llega la hora de apostar por una trama con consecuencias, la serie da marcha atrás.

El mejor ejemplo de ello es el último episodio de la segunda temporada. Acababa con Rick salvando a su familia y entregándose a una cárcel intergaláctica, consciente de que su presencia es un incordio que lastra la vida de sus seres queridos. Parecía una oportunidad para dar un giro de los acontecimientos, pero se optó por seguir como si nada y, además, alzar al científico a la categoría de dios omnipresente. Las mismas personas a las que fastidió seguían dependiendo de él.

No es el único reseteo que ofrece la serie una vez llegado a un clímax. También se dio en el sexto capítulo de la primera temporada, probablemente uno de los mejores lanzados hasta la fecha. Este terminaba con Morty viajando a otra dimensión, matándose a sí mismo y enterrándose en el jardín de su casa. No solo acabó traumatizado por lo que hizo, también por pensar que quizá las aventuras con su abuelo se estaban yendo de las manos. No obstante, de nuevo, el asunto no pasa más allá de generar una serie de discusiones que tampoco modifican el tono general de los capítulos sucesivos.

Puede que ahora nos descubran que Beth fue un clon, que lo de “la familia feliz” fue una farsa y que realmente las decisiones en este universo aleatorio sí importan, pero el problema no es ese. No se trata de convertir a Rick y Morty en BoJack Horseman y hacer del paso del tiempo el núcleo de sus preocupaciones dramáticas. Funciona bien como píldoras independientes que nos regalan episodios tan locos como el de Pickle Rick, donde el científico se transforma en un pepinillo mientras que sus nietos van a terapia familiar.

El inconveniente sería quedarse a medio camino entre la serie autoconclusiva y la que intenta ofrecernos una evolución sentimental de sus protagonistas. ¿Quieren que, como en South Park, se pueda matar a Kenny en un capítulo y que no importe en el siguiente? ¿O bien que este acto tenga consecuencias en el universo creado? Quedarse en tierra de nadie no es la solución.

Pocas producciones tienen la capacidad de convertirse en un icono pop y de trascender más allá de la pantalla. Por esa razón hoy es habitual ver estanterías plagadas de su merchandising y Get Schwifty o wubba lubba dub dub forman parte del lenguaje de sus fans. Y estaría bien siendo esto, pero entonces tampoco debería haberse preocupado por abordar unos trances internos que en el fondo no tienen peso en la historia.

The End Of The F***ing World fue una de las sorpresas del 2018. La serie de la cadena británica Channel 4 basada en una novela gráfica de Charles Forsman estrenada por Netflix consiguió, sin hacer mucho ruido, convertirse en una de las comedias negras del año. La química entre James (Alex Lawther) y Alyssa (Jessica Barden), los discursos contraculturales a medio camino entre lo salvaje y lo tierno o la reivindicación de la naturalidad en aspectos como la menstruación y las relaciones sin estereotipos, aportó a un relato que debía quedarse como estaba: con 8 dosis de 20 minutos con sus fallos, pero con corazón y cabeza. No fue así.

Netflix ha decidido continuar con la serie más allá de la historia original escrita por Charles Forsman. Algo que, teniendo en cuenta el final de la primera temporada -James recibiendo un disparo de la policía tras matar a un psicópata que pretendía violar a su pareja-, acarreaba evidentes riesgos en cuanto a lo narrativo se refiere. Aun así, no sería la primera vez que un producto aparentemente acabado consigue tener una segunda vida gracias la habilidad de los guionistas. Para esta nueva hornada de capítulos, además, se contaba con el propio autor de la novela gráfica como escritor de cada capítulo. Había que darle una oportunidad.

La clave estaba en explorar qué ocurrió con Alyssa tras los sucesos ocurridos anteriormente, un personaje suficientemente potente para cargar con el peso dramático de la narración. Ella intenta rehacer su vida yéndose con su madre al campo y, forzosamente, acaba dando pasos para convertirse en aquello que nunca deseó pero a lo que la sociedad la empuja: a tener una pareja, casarse y construir una familia. No está conforme del todo con lo que hace y ni siquiera sabe por qué siente la necesidad de ello, pero aun así acaba siendo arrastrada por los protocolos porque, sencillamente, es más fácil eso que remar contra la corriente.

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Centrar el foco por completo en Alyssa habría estado genial. Es de las pocas tramas que mantienen enganchado al espectador y que justifican una continuación, pero los problemas llegan cuando se intenta expandir el universo de The End Of The F***ing World mediante la inclusión forzosa de nuevos personajes y recuperando a otros que habría sido mejor olvidar.

El primer capítulo de esta temporada ya chirría en este aspecto. Nos presenta a Bonnie, una amante del profesor al que los dos protagonistas mataron para salvar sus vidas. Esta acaba obsesionándose tanto con el docente que, una vez que descubre a sus asesinos, decide vengar su muerte. El punto de partida ya es de por sí problemático: se muestra a una mujer coaccionada por un psicópata, creyente del amor romántico y con cierto síndrome de Estocolmo. Es un Kill Bill a la inversa, como si Uma Thurman decidiera vengar la muerte de su pareja en lugar de luchar contra los lazos tóxicos que le ataban a él.

Un innecesario paso atrás

A pesar de que pueda ser spoiler, resulta complicado abordar una crítica de la serie sin hablar de uno de sus principales problemas: la vuelta de James. Su irrupción en la trama se significa como un ancla al pasado, que obliga a repetir conflictos ya abordados en episodios anteriores, en busca de réplica actualizada. Y si bien es cierto que algunos de los conceptos que se abordan son interesantes, no son más una lectura entrelíneas y no conceptos en lo que profundice en realidad.

Llama la atención, en primer término, su aproximación al significado del paso del tiempo. Ahora sus dramas parecen más “adultos” y no son aquellos adolescentes que querían ver el mundo arder. Ellos mismos, anárquicos por naturaleza, intentan encontrar ese sentido inexistente de la vida que supuestamente aparece cuando te haces adulto. Pero que nunca llega. Y eso provoca que se sientan desamparados, sin futuro y, por tanto, nostálgicos de una etapa en la que hacer gamberradas era la única filosofía.

Otro aspecto en el que se centra es en la percepción del amor pasado, aquel que en realidad nunca nos llenó tanto como imaginamos. Los meses y nuestra memoria selectiva son culpables de hacer que ese amante pasajero se convierta en un pilar que nunca fue. Es lo que sienten James y Alyssa. Echan de menos ese abrazo en la playa, insultar a la camarera de un bar o bailar juntos tras colarse en una casa desconocida. Pero todo ha cambiado y ellos no son los mismos que entonces. Ese es el peligro de traer al presente los recuerdos: que no siempre es agradable aceptar que son solo eso, viejos periodos que nunca volverán.

Sin embargo, este aspecto se aborda superficialmente ya que la segunda temporada de The End Of The F***ing World parece pensada esforzadamente para ofrecer un final satisfactorio -propio de la escuela del 'fueron felices y comieron perdices'-. Uno en el que se asegura que, por muy incomprendido que seas, siempre habrá una media naranja que te complete. Algo que otros relatos ya abordaron desde un punto de vista más maduro. La conclusión de La La Land, sin ir más lejos, es efectiva por esto mismo: a veces la vida no te pone donde quieres y hay que renunciar a cosas, por muy bonito que fuera bailar en un planetario entre estrellas.

Un videoclip de los Coen

En la primera parte éramos conscientes de ciertos errores, como su abuso del golpe de efecto y su división en ocho partes impuesta a machete. También del recurrente uso de flashbacks y voces en off que recuerdan constantemente al espectador en qué tiene que fijarse. Sin embargo, esta vez parecen recursos todavía más gratuitos porque pesa la sensación de saber lo suficiente de los protagonistas y lo que piensan como para que, encima, se recalque con el plano formal.

The End Of The F***ing World no deja de subrayar cada matiz de la historia. Y uno agradecería que la ficción también deje espacio para que el espectador rellene esos huecos en blanco por sí mismo. Algo que sus creadores no tienen intención de que ocurra.

No hay prácticamente ningún momento sin música de fondo. A veces es efectivo, pero otras resulta cargante y gratuito. No es algo nuevo: ya en la primera temporada estaba bañada de ese montaje para dar un aire más dinámico y teenager, pero quizá no deberían haber abusado tanto del mismo si lo que se plantea ahora es un cambio de tono.

The End Of The F***ing World tampoco oculta sus claras referencias al cine de los Coen o al de Tarantino (la alusión a la Novia de Kill Bill es más que evidente). Y puede que a veces se acerque, especialmente en el que quizá sea su mejor episodio: el penúltimo, donde se dan una serie de situaciones a medio camino entre el drama y lo ridículo. El inconveniente es que, por lo general, el efecto carece de valor efectista por culpa de unos personajes que nunca nos llegan a importar del todo. Es lo que ocurre cuando se vuelve a una relación que ya ha tocado techo: que no hay mucho más que añadir.

Breaking Bad acabó en septiembre de 2013. Su último episodio ataba todos los cabos necesarios para poner fin a uno de los mayores periplos televisivos del momento: el de la transformación de Walter White, un simple profesor de instituto, en el narcotraficante más buscado del país. No había mucho más que contar. O, al menos, eso parecía hasta ahora, cuando se ha estrenado en Netflix El Camino: una película de Breaking Bad.

Una de las escenas finales de la serie es la de Jesse Pinkman (Aaron Paul) huyendo en coche. Gritando, dando golpes y llorando de felicidad. No era para menos: pasó meses encerrado y siendo maltratado por un grupo de neonazis que le obligaba a cocinar metanfetamina. Si intentaba escapar, amenazaban con matar a su pareja. Y así ocurrió: Todd metió una bala en la cabeza de Andrea Cantillo ante los ojos de su novio.

Por eso, al final solo bastaba contemplar la cara de alegría bañada en lágrimas de Jesse para comprender que, de una vez por todas, podría salir de un entramado que siempre que quiso abandonar pero nunca pudo por culpa de Walter White. Este también fue responsable de arrojarlo al grupo de neonazis, de coaccionarlo, e incluso de dejar morir a su novia, Jane, solo para que continuara en el negocio con él. Pero culminó su catarsis y aquellos fotogramas indicaban que comenzaba una nueva vida. No era necesario rellenar los evidentes huecos que llevaban a esto, o así lo entendieron los espectadores. Pero no Vince Gilligan.

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El showrunner ha creído necesario continuar con los sucesos para aclarar si Jesse Pinkman logra o no rehacerse como persona. El Camino: A Breaking Bad Movie comienza justo donde terminó hace 6 años, con el pupilo de Heisenberg nervioso por la escapada y lleno de cicatrices que nos recuerdan su pasado.

Sin embargo, la intención de Gilligan no es solo contarnos qué ocurre tras la salida de “la jaula”. También reconecta a través de flashbacks con aquellos momentos en los que Pinkman era maltratado por sus captores. Nos percatamos de las oportunidades que no aprovechó para escapar por temor a las amenazas sobre sus allegados, lo cual, conociendo los acontecimientos posteriores, causa todavía más impotencia. De hacerlo o no, el resultado probablemente habría sido el mismo.

Un dejavú nostálgico

Durante toda la narración, inteligentemente montada uniendo escenas del pasado con el presente, Gilligan nos regala algunas de esas escenas que convirtieron a Breaking Bad en una serie admirada. Todos los que disfrutaron con las aventuras de Walter White se sentirán reconfortados al volver a esos mismos lugares comunes en esta película.

Ese aprecio por los pequeños momentos, como preocuparse por si cenar sopa de fideos o estrellitas justo después de enrollar a un cadáver en una alfombra, nos remiten a ese naturalismo bañado de surrealismo propio de otros directores como Quentin Tarantino del que el Gilligan ha demostrado ser fan en más de una ocasión.

Otro apartado donde el showrunner demuestra su valía como guionista es en la capacidad para manejar las escenas de tensión, en hacer que lo evidente no lo parezca tanto a través de diálogos que causan una nebulosa en el espectador. Una misma situación puede cambiar repetidas veces con giros producidos en cuestiones de minutos, como la genial escena con la que arrancaba el capítulo 8 de la segunda temporada.

En ella aparecía tímido drogadicto con la intención de pillar dos gramos. Sabe que su compañero de banco es un camello, pero sospecha que sea un policía encubierto. Ambos se enzarzan en un debate que dura minutos. Se levanta la camiseta para enseñar posibles micros e incluso jura que no es un agente. Acaba convenciéndonos a nosotros mismos, al otro lado de la pantalla. Pero cuando le pasan la metanfetamina revela su identidad: sí, era un policía encubierto.

El Camino recupera parte de esta perspicaz puesta en escena que ni siquiera el spin-off de Better Call Saul consigue replicar (al menos no con tanta eficacia). Sin embargo, aunque el formato funciona, no lo hace tanto su contenido.

Poner palabras en boca de los muertos

Breaking Bad es una serie que desde sus inicios parte de una premisa muy básica: los protagonistas tienen que reunir cierta cantidad de dinero para lograr un objetivo. Es una constante. Y, en la última obra de Gilligan, el creador repite el pretexto. Sin entrar en spoilers, podemos decir que Jesse tiene que conseguir un buen puñado de dólares para organizar su fuga y vuelve a involucrarse en situaciones poco agradables.

En el universo de Heisenberg, incluso cuando este ya no existe, la salvación solo tiene un color: el verde de los dólares. En esta ocasión habría sido interesante comprobar cómo el dinero, causante en gran parte de la bajada a los infiernos de Walter White, se desplaza a un segundo plano para ahondar otro tipo de conflictos humanos. En cambio, retorna a la búsqueda de la olla de oro al final del arcoíris. A veces, hasta mostrando a Jesse como lo que no es: una persona vengativa.

El Camino no debería ser para mostrar venganza, sino la redención de un personaje que curiosamente iba a ser asesinado en la primera temporada pero tuvo otra oportunidad gracias a una huelga de guionistas. El filme consigue tocar la patata, especialmente en los compases finales, pero da algo de pena sentir que este epílogo no aporta nada a lo ya establecido por Breaking Bad. No deja poso en los fans más allá de un leve caramelo con sabor a nostalgia, esa misma que parece sentir Vince Gilligan al negarse a decir adiós a su universo. Quizá él mismo es consciente de ello, y de ahí la elección para los créditos de la canción Static on the radio, de Jim White: Cause I know, it's a sin putting words in the mouths of the dead (“Lo sé, es un pecado poner palabras en boca de los muertos”).

Hubo un momento en el que las familias se reunían cada noche en torno a sus televisores para ver juntos el capítulo de las serie que más les gustara de las ofrecidas en las parrillas de las cadenas. Al día siguiente ese sería el tema de conversación en el ambiente de trabajo de los padres, y en los pasillos de los colegios de los hijos. Las ficciones más afortunadas contaban con los parones más breves de publicidad y terminaban antes de las 12 de la noche.

Hoy día esto parece una leyenda, o incluso una utopía. La irrupción de Netflix (en España en 2015) fue la principal causante de que todo cambiara. Y fue entonces cuando el concepto binge-watching o maratón de series apareció en nuestras vidas. Una práctica hasta entonces solo apta para aquellos que se compraban temporadas en DVD o que optaban por el P2P o la descargas. Por ello, las llegadas de las plataformas lo cambiaron todo. El “un capítulito más” se convirtió de pronto en una posibilidad real. Un lujo, una aventura y, poco a poco, una adicción.

La estrategia seguida por Netflix, no fue adopatada por HBO (en España desde 2016), que se ha mantenido fiel a la costumbre heredada de sus emisiones por cable, lanzando capítulos semana a semana, conservando la incertidumbre y avivando la expectación entre cada uno de ellos. El ámbito de los servicios de streaming se ha convertido cada vez en un mercado mayor, al que se han sumado Movistar, Amazon o Filmin y, a partir de noviembre, Disney+. La batalla es cada vez más feroz, la competitividad también, y entre ellos tratan de repartirse el trozo más grande posible del pastel.

Desde luego, la propuesta de la factoría de Mickey Mouse llega más que dispuesta a hacerse con todo. No en vano, en apenas una década se ha adueñado de Marvel, Pixar, Star Wars y Fox. Y para estos apetecibles contenidos online han anunciado que optarán por la emisión semanal, al igual que HBO, Amazon y Movistar+ con sus principales proyectos.

Es decir, que aquellos que quieran engancharse a sus ficciones tendrán que mantener la misma incertidumbre a la que sobrevivieron los fans de Juego de Tronos o Chernobyl. Un desasosiego que mantuvo el pulso con el miedo a los spoilers como destrezas que desarrollar para poder disfrutar de las producciones. Algo para lo que tener la posibilidad de ver la temporada entera en un sólo día se ofrece como solución. Mejor o peor, allá la opinión de cada uno. Sea cuál sea la vuestra, versión atracón o reducida, esperamos vuestros votos al final de este artículo.

Inmersos en la era de la ansiedad, que el tiempo de ocio sume dosis de estrés no parece la mejor opción para disfrutar de las series -ni de la vida-. Para que las ficciones puedan cumplir su función de embelesarnos, evadirnos, cuestionarnos, cabrearnos, entristecernos y, por qué no, también enamorarnos, hay que tener tiempo para disfrutarlas, y como se merecen. El visionado semana a semana se presenta sin duda como claro candidato a permitírnoslo, además de ofrecer tiempo de reposo, reflexión y debate alrededor de las entregas de forma individual. La conversación sobre cada capítulo, en el que es probable que cientos de personas hayan invertido meses de trabajo, se prolonga así más allá de unos escasos minutos.

El atracón de series tiene como peligrosa consecuencia una especie de bulimia. Llegar al desenlace después de haber invertido horas que terminan por dejarle a uno exhausto, activa automáticamente la necesidad de “vomitar” nuestras opiniones (apenas sopesadas) en redes sociales. Por supuesto, con el hashtag de turno, que a la vez tornará nuestras palabras en amenaza para todos aquellos que no hayan querido optar por su misma forma de visionado.

Es cierto que este efecto ocurre también con la emisión semanal. ¿Cuántos madrugasteis para ver los episodios de Juego de Tronos a las cuatro de la mañana solamente para aseguraros que seríais testigos en primera persona de quién ocuparía el ansiado trono de hierro? ¿De verdad era necesario y las mejores condiciones para despedirse de la ficción que ha marcado la última década? Al menos para su suerte esto afectaba a los episodios, en el caso de títulos como La casa de papel o Stranger Things, los comentarios sobre sus últimas temporadas apenas duraron tres días o incluso una semana para los más insensatos.

Algo que también dificulta la labor de los medios de comunicación, obligados igualmente a “vomitar” críticas, entrevistas y más anécdotas o información recopiladas sobre los, en ese momento, convertidos en fenómenos sociales. Es cierto que en estos casos la expectación se genera entre tandas de episodios y no sobre cada uno de ellos en concreto, pero en parte es una pena la rapidez con la que una vez todos hemos dado nuestro punto de vista nos olvidamos de lo que realmente ha podido significar para cada uno de nosotros. Y su posible trasfondo.

Permitir a los suscriptores la opción de que se den un atracón con tus productos obliga a necesitar más. Y en este sentido se corre el peligro de que la cantidad prime sobre la calidad. Una estrategia que, sin duda, traiciona en mayor medida a los espectadores que, ávidos de nuevos contenidos al vertiginoso ritmo al que se les ha acostumbrado, acaben viendo morralla que no va a aportarles nada. Y las plataformas, como generadoras de ficción, también tienen la responsabilidad -lo quieran o no- de educar a quienes pagan sus suscripciones. Retarles, sorprenderles e infundir en ellos un espíritu crítico que les haga valorar verdaderamente aquella producción en la que decidan invertir su tiempo, aunque tengan que esperar más para verlo. Como dice el refrán: “Quien bien come y mejor digiere, solo de viejo se muere”.

Es curioso que para algunos lo mejor sea ponerse a merced de lo que dicte la plataforma de emisión. ¿Por qué ver como positivo lo que realmente es una barrera? Somos nosotros, los espectadores, quienes debemos tener el poder para controlar cuándo y cómo es el mejor momento para presionar el botón para ver el siguiente episodio.

Puede que a HBO o a Disney+ les venga genial escapar del binge-watching, ya que así se toman la licencia de bombardearnos cada semana con publicidad. Todas las semanas generan lo que en marketing se conoce como el método AIDA: atención, interés, deseo y acción. Esto es algo que afecta incluso al montaje de los capítulos. Cuando la cadena sabe que la audiencia tendrá que esperar para obtener una nueva dosis abusan de lo que popularmente es llamado como cliffhanger, un recurso de guion que consiste en cortar el capítulo justo en el momento de más acción. Es lo que muchos criticaban de Lost, la reina por antonomasia de esta técnica.

La ansiedad que puede provocar en algunos el no saber si Jon Snow vivirá o no es algo tan gratuito como innecesario. No es vital que Juego de tronos se convierta en la conversación de todos los lunes como si fuera el partido que se emite el domingo. Netflix ha demostrado con Stranger Things o Narcos que la sensación de evento social se puede generar igualmente. Además, de esta forma se consigue reducir la alarma colectiva de uno de los mayores dramas de nuestro tiempo: los spoilers. Que seguirán existiendo, por supuesto, pero no es lo mismo hablar de un capítulo que de una temporada al completo. Al concretar el foco, el riesgo de “ese detalle que no debemos conocer” aumenta.

El espectador también gana con el binge-watching si lo miramos desde el punto de vista de las suscripciones. Puede que un mes nos interese suscribirnos a Netflix para ver un producto concreto y posteriormente cortar el pago. Sin embargo, si queremos seguir The Mandalorian desde el comienzo tendremos que pagar Disney+ de forma obligatoria durante dos meses. Y eso solo si tenemos en cuenta una serie con 8 episodios. En Juego de tronos, por ejemplo, el tiempo aumentaría hasta los tres meses.

Qué mejor que darnos el mando de lo que consumimos. Se le pueden criticar muchas cosas a Netflix, pero no una fórmula que precisamente lo que hace es otorgarnos libertad para hacer lo que queramos con el producto. Nos podemos organizar para ver los episodios en una semana, en dos o en un mes. No necesariamente hay que darse el “atracón”. Nosotros decidimos, y no la factoría de Mickey Mouse.

No es gratuito que la segunda temporada de Mindhunter llegue en mitad de agosto. Han querido aprovechar el impulso del estreno de la película de Tarantino, Érase una vez en... Hollywood, para arrastrar a la pequeña pantalla a quienes se quedaron con ganas de conocer más sobre Charles Manson y la brutal matanza de Cielo Drive. Pero quienes acudan a la serie en busca de sangre, tiroteos y acción van a llevarse una decepción: en esta no se recrean los hechos. Como su propio nombre indica, lo que hace es explorar en las tenebrosas mentes de quienes, entre otras cosas, fueron capaces de acuchillar 16 veces a Sharon Tate, embarazada de ocho meses.

Mindhunter Mindhunterirrumpió en Netflix con una primera temporada sobresaliente que demostró que para tomar el pulso al espectador no se necesitaba más que un buen guion y unos actores a la altura. Presentaba cómo la psicología, a pesar de ser infravalorada por la mayoría, se empezó a abrir caminos en cuerpos como FBI. Los criminales no podían ser simplemente etiquetados como “locos” y encerrados en una celda. Había que comprender las razones tras sus actos, por muy irracionales y sádicos que estos fueran, para analizar estos comportamientos y así evitar potenciales asesinos en serie. Como era de esperar, la investigación no salió exactamente tal como se esperaba.

Es ahí donde arranca esta nueva hornada de episodios, con un Holden Ford (Jonathan Groff) recuperándose de un brote de pánico. ¿La razón? Un abrazo fortuito con Ed Kemper, también conocido como “El asesino de las colegialas”. Ese abrazo, aparentemente inocente, significaba que el joven psicólogo había traspasado la línea entre lo profesional y lo profesional: no podía ser que un psicópata le viera como uno de sus mejores amigos.

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La línea entre la locura y la cordura es tan fina que a veces se confunde, y por eso nada mejor que un director tan habituado a plasmar esto como David Fincher. Se encarga de los tres primeros episodios y sirve para marcar la identidad de los siguientes. De hecho, en esta producción se puede ver gran parte del del clima y el poso narrativo que aparecen en filmes como Seven o Zodiac (especialmente de este último).

Esa es la razón por la que Mindhunter es un rara avis dentro un catálogo de Netflix. En una era dominada por el poder del algoritmo y por el producto creado “a la carta” del espectador, la serie dirigida por Fincher propone largas escenas que solo hacen gala de su guion para mantenernos pegados a la pantalla. No hay disparos, solo planos y contraplanos de preguntas y respuestas.

En esta nueva entrega quizá se haya perdido algo de la tónica a la que estábamos acostumbrados: un asesino, una entrevista y unas declaraciones sobrecogedoras. No significa que no las haya, pero difícilmente se igualan a esas escenas de Ed Kemper charlando con Holden mientras le contaba qué barbaridades hacía a sus víctimas. Puede que Charles Manson (interpretado por Damon Herriman, mismo actor que en la película de Tarantino) consiga recordarnos algo de esa tensión, pero esta vez serán otros los traumas que nos harán mordernos las uñas. Y cambiar el foco es justo uno de sus aciertos.

Un aspecto curioso es que en esta ocasión los agentes del FBI parecen haberse convertido en una especie de estrellas del rock, capaces de atraer la atención de otros interesados en los detalles escabrosos de sus entrevistas. Al igual que nosotros, los espectadores, las personas que rodean a los psicólogos demandan más y más historias perturbadoras sin escrúpulos a revolcarse por el morbo. Se tiene en cuenta a quien está al otro lado de la pantalla, como si nosotros fuéramos en esta ocasión los que están en una mesa frente a una grabadora siendo cuestionados por los guionistas.

Los asesinatos de Atlanta

Esta vez los protagonistas abandonan el oscuro sótano de la comisaría para dirigirse a Atlanta, donde se están desarrollando una serie de crímenes a los que la policía no parece prestar atención. Entre 1979 y 1981 fueron hallados 28 cuerpos de jóvenes negros, haciendo que la ciudad sucumbiera a un estado de pánico. Jugar en el parque o ir al colegio se convirtió en una actividad de riesgo para niños que desaparecían y días después eran encontrados flotando en el río.

El caso de los ATKID (Atlanta Child Murders), sigla que el FBI utilizó para definir a las víctimas, es uno tan controvertido que todavía hoy continúa despertando interrogantes: el pasado mes de marzo empezaron a analizar de nuevo las pruebas y el culpable, entrevistado en abril por The New York Times, niega rotundamente la autoría de los hechos. Es más, actualmente la mayoría de los casos siguen sin procesar más allá de los dos asesinatos atribuidos al principal sospechoso.

Se trata de un escenario perfecto para dar rienda suelta a un thriller policial propio como el de Mindhunter. La paranoia se desata a niveles insospechados teorías, conspiraciones y pistas aparentemente verdaderas que luego resultan ser falsas por completo. A todo ello hay que sumarle el relato íntimo de cada personaje que se mezcla con el desarrollo del caso.

Lo importante es descubrir quién se encuentra detrás de las desapariciones, pero la serie no olvida el factor humano tras las investigaciones. El policía que no puede aguantar un turno de noche por echar más horas de la cuenta o el viejo sargento que se niega a salir de su zona de confort son solo algunos ejemplos. Pero, si hay un drama que tinta de negro esta temporada, ese es el que atraviesa Bill Tench (Holt McCallany) en su núcleo familiar. No entraremos en detalles, pero este conflicto le lleva a situarse a medio camino entre Atlanta y su hogar sin realmente estar en ninguno de los dos. En su mirada se aprecia el cansancio, pero también la impotencia de no poder resolver dos situaciones que le superan.

Este esfuerzo por dotar a los protagonistas de una intrahistoria parece flaquear un poco con Wendy Carr (Anna Torv), la científica y académica que dirige la investigación. No porque los hechos que se narran no sean curiosos, sino porque su trama parece más complementaria que un núcleo para la historia. Existen algunas escenas curiosas e inteligentes que sirven para dar un repaso al machismo del FBI y retratar las consecuencias de vivir en un mundo masculinizado y heterosexual, pero no incide lo suficiente como para que el espectador logre olvidar lo que realmente le interesa: los niños que mueren sin parar en Atlanta.

Mindhunter no habla solo de psicología. También lo hace de hipocresía y de hasta dónde se es capaz de llegar por tener la razón. Es una lucha de egos: el de Holden por verificar su teoría y el del asesino por conseguir su cometido. Porque, al final, los comportamientos psicopáticos no son exclusivos de quienes están entre rejas.

Black Mirror apareció por primera vez en 2011 sin hacer mucho ruido. Su fenómeno se fue trasladando boca a boca cuando todavía ni siquiera había estallado el fenómeno Netflix. Casi todas las definiciones solían coincidir en lo mismo: tenía historias independientes, era innovadora y hacía que el espectador se replanteara hacia dónde llevaban las nuevas tecnologías.

Tiene mérito que Charlie Brooker haya sabido captar el inconformismo y la preocupación de una generación antes de la llegada de Her (2013) y de la fascinación por la distopía fatalista provocada por los algoritmos. Pero actualmente no nos preocupa lo mismo que hace 8 años. De hecho, lo que nos inquieta a nivel digital se modifica casi de forma tan vertiginosa como lo hacen los ordenadores o los smartphones. Los riders de Glovo, el tratamiento de los datos tras el escándalo de Camdbrigde Analytica, o la guerra entre EEUU y China por el 5G son solo algunos de los conflictos que no estaban presentes cuando Black Mirror empezó a dar sus primeros pasos. Pero ¿ha logrado adaptarse a los nuevos tiempos?

No es casualidad que muchos lleguen a la temporada 5 con más escepticismo que expectación, a la espera de encontrar esa chispa que despierte otra vez el interés. Y el resultado es, cuanto menos, irregular. Tanto, que cada episodio podría ser como uno de los protagonistas del famoso western de Sergio Leone, El bueno, el feo y el malo. Con algoritmo y pistola en mano, pasamos a valorar qué nos ha parecido cada uno de ellos. A partir de aquí comienzan los spoilers.

En 2016, Charlie Brooker dejó descolocados a propios y extraños con un episodio de la tercera temporada de su serie. Uno que reinterpretaba el discurso agorero, pesimista y por momentos tecnófobo de Black Mirror para ofrecer una pequeña luz de esperanza. Hablamos, cómo no, de San Junipero: la historia de amor trágico pero naif entre dos mujeres interpretadas por Mackenzie Davis y Gugu Mbatha-Raw.

Más tarde, Brooker intentó repetir la jugada con Hang the Dj en la cuarta temporada, pero el resultado pasó de cálido a tibio. San Junipero había funcionado especialmente bien por dos factores: ofrecía lo contrario a lo que se esperaba de Black Mirror -la tecnología, en un uso adecuado, puede llevar al ser humano a lugares insospechadamente bellos-, y basaba su desarrollo construyéndose más sobre la emoción que sobre el discurso.

Striking Vipers no es el nuevo San Junipero, pero sí funciona como interesante relectura del mismo tres años después. Si en esta temporada la metáfora del miedo a la tecnología está muy clara en los demás episodios -las redes sociales enganchan, no mires el móvil mientras conduces, las grandes corporaciones musicales son malas-, aquí Brooker plantea un interesante juego de grises que genera tanta confusión como sienten sus protagonistas.

Dos amigos de la universidad se reencuentran años más tarde gracias a un juego de lucha uno contra uno. Pero resulta que el juego funciona mediante un dispositivo de realidad virtual que les permite sentir todas y cada una de las sensaciones del juego como si fuesen reales. Y eso complica las partidas de forma inesperada.

El primer episodio de la quinta temporada de Black Mirror es una exploración de la relación del hombre contemporáneo con la cultura del porno. Del afecto en pareja y el compromiso en una era en la que no se sabe muy bien hasta dónde llega este. También es el capítulo más pausado y el que mejor explora el drama narrado. Si acaso, como pasaba con San Junipero, se le ven las costuras de una escritura masculina y heterosexual que, cuando habla de diversidad afectiva, cae en el cliché y la brocha gorda.

Pero ante todo, es un eficaz relato de sabor amargo: quién nos iba a decir que veríamos en esta serie un relato sobre homosexualidad reprimida, masculinidad tóxica y cobardía como signo generacional. Y, además, narrado desde la emoción, algo que está visto que brillaba por su ausencia en Black Mirror.

En 2006, todas las niñas (y posiblemente muchos niños) del mundo querían ser Hannah Montana excepto Hannah Montana. Si los seguidores de la serie hubiesen conformado un país, habría sido el quinto más poblado del planeta por delante de Brasil. En cuanto Disney estuvo al tanto, encerró a incubar a su gallina de los huevos de oro convirtiéndola en muñeca, en línea de ropa, en perfume, en estuche, en cantimplora y en sacapuntas hasta dejarla exhausta.

De aquella explotación surgió la Miley Cyrus que conocemos hoy. La que lame martillos, fuma porros en directo, clama que “el aborto es asistencia sanitaria” y que su cuerpo es solo suyo para desnudarlo, taparlo o subirlo a una bola de demolición si así lo quiere. Una vez roto el contrato con el mayor exprimidor de las estrellas adolescentes, Miley mató a Hannah y por fin fue libre.

El cuento de Hannah Montana es una pesadilla que no ha cesado quince años después, sino que ha ido a peor. Y Charlie Brooker ha convertido ese terror futurista en un nuevo capítulo de la quinta temporada de Black Mirror: Rachel, Jack and Ashley Too. No es el más brillante ni el más aterrador por la simple razón de que ya ocurre. Se acabaron las realidades distópicas en un mundo donde una Inteligencia Artificial compone canciones pegadizas para Eurovisión y en el que planean resucitar a Whitney Houston para llevarla de gira en forma de holograma.

Lo mismo ocurre con Ashley O, estrella del pop con una estética diseñada para vender. Es guapa, canta bien y baila mejor. Pero ni siquiera eso es suficiente para sobrevivir en la época del streaming. Antes de caer en la bancarrota, la representante de Ashley, una especie de madrastra de Cenicienta disfrazada de su tía, anuncia un asistente virtual inspirado en la imagen y personalidad de su sobrina. Una barbie Alexa que escucha los dramas de instituto de sus acólitos y les consuela con coreografías y canciones de radiofórmula.

Como cabe esperar, el adorable robot se vende como churros y sirve de consuelo a sus fans ante el repentino envenenamiento de Ashley O, que la deja en coma irreversible. Aunque Rachel, Jack y Ashley Too es un episodio entretenido que copia la estrategia de Toy Story y Pequeños Guerreros, se echa en falta el toque oscuro que tenía el final de Nosedive. La dictadura de las major musicales esconde prácticas nada éticas que, retorciéndolas un poco como Brooker sabe hacer, pueden conformar un perfecto delirio aterrador.

Sobran muchos personajes secundarios y subtramas -como la de la madre de las dos niñas- que presionan fallidamente la tecla sentimentalista. La que nunca sobra es Miley Cyrus, que se compromete hasta el final con ese mini álter ego que le ha regalado Black Mirror para lanzar su propio alegato. Tanto en el papel de estrella frívola, como en el de juguete roto o en el de deslenguado pequeño robot, Cyrus demuestra que es capaz de volver a hacer gala de esa personalidad camaleónica. Al fin y al cabo, como a Ashley O, es la que le salvó la vida.

Se supone que la serie es una crítica de hasta qué punto las nuevas tecnologías pueden pervertirnos como sociedad al fomentar aspectos como el individualismo, el narcicismo o el consumismo. Es en este campo cuando la producción de Charlie Brooker brilla con más fuerza: cuando su onda expansiva hace que el espectador se replantee su propia existencia. Pero algunos capítulos de Black Mirror tienen un problema de base, y Añicos es uno de ellos.

El replanteamiento existencialista de nuestro mundo se pierde cuando, en lugar de señalarnos hábitos comunes y nocivos de la era digital, se centran en lunáticos con los que nadie se va a sentir representado. Lo interesante es ver cómo Instagram puede llevarnos a tal obsesión colectiva que se termine estableciendo un crédito social como el que ya existe en China, algo que comprobamos en el capítulo Nosedive de la tercera temporada. Pero en Playtesting o Shut Up and Dance, lo único que vimos fue a un grupo de maníacos y el calvario de un pedófilo, respectivamente.

Añicos peca de lo mismo. Esta vez se narra cómo un conductor de VTC provoca una crisis internacional cuando secuestra a un empleado de una red social similar a Facebook. Solo pide una cosa para liberar al rehén: hablar con el máximo dirigente de esta empresa, una especie de Steve Jobs confinado en un retiro espiritual. No sabemos por qué, pero esa es su única motivación y su razón de existir durante los últimos meses.

Todo se termina desarrollando de una forma con tintes de comedia negra con matices críticos, tanto a la recopilación de datos de las redes sociales como a los absurdos tiempos de espera telefónicos para llamar a una empresa y hablar con un humano. Sin embargo, las motivaciones tras los actos del protagonista no responden a nada más que a la locura.

El mensaje de este episodio está claro: las redes sociales son adictivas como la peor de las drogas, y por eso nos puede más la curiosidad por ver quién ha dado 'me gusta' a una foto que prestar atención al volante. El capitulo ni profundiza lo suficiente ni nos hace replantearnos lo más mínimo nuestra relación con las redes tras la resolución de este conflicto con el gurú tecnológico. Puede que funcione como un anuncio de la DGT para concienciar sobre la seguridad vial, pero no tanto como capítulo de Black Mirror.

Ya avisamos. Mientras todos miraban Juego de tronos, HBO emitía otra serie que tenía todas las papeletas para convertirse en la mejor del año: Chernobyl, que narra de forma majestuosa el desastre nuclear en Ucrania que paralizó medio mundo en 1986. Ya ha llegado a su fin, y aunque cinco episodios pueden saber a poco, en realidad no necesita más. Han sido suficientes para crear un producto redondo en el que no sobra ni un minuto en pantalla.

Chernobyl es hoy día lo que en su momento fueron otros productos como Hermanos de sangre o la primera temporada de True Detective: grandes producciones llevadas a la pequeña pantalla con valor por sí solas, independientemente de que luego exista o no continuación. Lo que prevalece en este caso no es la lógica habitual del showrunner de turno donde los hilos narrativos se confeccionan cada temporada con vistas a la siguiente. Aquí lo que prima es una historia con un punto final claro. Y esto no es garante de que el producto vaya a ser mejor (hay ejemplos fatídicos, como la segunda hornada de la mencionada True Detective), pero cuando acaba siendo sobresaliente la sensación es inigualable. En este caso, es justo lo que ha ocurrido.

La serie Chernobyl funciona como una campana de Gauss invertida: plantea las bases en los dos primeros episodios, alcanza el clímax en los siguientes y aterriza en el último. De hecho, la clausura es básicamente el juicio celebrado por la Unión Soviética en julio de 1987 para poner nombre y apellidos a los responsables de la catástrofe. Todo es más fácil cuando hay un villano al que señalar. En este caso era el ingeniero jefe Anatoli Diátlov, pero como acabaremos descubriendo este no es el único culpable de lanzar a la atmósfera el equivalente a 500 bombas de Hiroshima.

En un primer momento el Partido Comunista de la URSS se negó a reconocer el incidente y, como consecuencia, a evacuar a todos los ciudadanos cercanos a Chernóbil que después murieron por altas dosis de radiación. ¿El motivo? Un periodo como la Guerra Fría en el que demostrar el poderío del bloque soviético era incluso más fundamental que las vidas humanas.

Pero la falta de responsabilidades políticas no solo estuvo presente a posteriori, con la ocultación y tardía reacción, también a priori. Valeri Legásov (Jared Harris en la serie) reveló ante la comunidad de científicos la causa clave de este incidente: un fallo de diseño en los reactores, causado simplemente por utilizar materiales de baja calidad para abaratar costes, provocaba que el botón de emergencia para apagar las turbinas fuera inútil. Todo lo contrario: al presionarlo y pararse acabó convirtiéndose en una bomba nuclear.

A pesar de todo, la KGB coaccionó a Legásov para que no difundiera el problema. Incluso después de reconocer las consecuencias la prioridad fue seguir aparentando que la URSS no había provocado el mayor desastre medioambiental de la historia por haberse ahorrado dinero en protocolos, en materiales y en formar a profesionales a la altura.

No es gratuito que el recuento oficial de víctimas, sin modificar desde 1987, sea de 31 personas. Nunca conoceremos el verdadero coste humanitario de Chernóbil, pero la horquilla es bastante amplia: entre 4.000 y 93.000 muertes. Mikhail Gorvachov, que presidió la Unión Soviética hasta su disolución en 1991, no lo reconoció levemente hasta años después. “Puede que el desastre nuclear de Chernóbil fuera la auténtica caída de la Unión Soviética”, escribió en 2006.

¿Cuál es el precio de las mentiras?

Chernobyl es una serie centrada en denunciar las irregularidades de los soviéticos, pero no lo hace camuflada de propaganda norteamericana. No cae en “el peligro son los rusos”, básicamente porque quienes sufrieron y se sacrificaron fueron camaradas de dentro del partido. Sin los mineros que evitaron la fusión del núcleo, sin los 'biorobots' [trabajadores de carne y hueso] que limpiaron el tejado de grafito y sin las presiones al poder desde dentro del poder el desastre habría sido mucho mayor.

Las últimas palabras del discurso de Legásov durante el juicio son una buena muestra de ello. “Cada mentira que contamos es una deuda con la verdad. Más tarde o más temprano hay que pagarla. Y así explota el núcleo de un reactor RBMK: por las mentiras”, dijo el científico antes de que la KGB le condenara a tener una vida en las sombras. Como comprobamos al comienzo de la miniserie, este terminó ahorcándose en su domicilio el 27 de abril de 1988, justo dos años después del incidente.

Lo que hace Chernobyl es poner el dedo en la llaga de las falacias políticas, un mensaje que trasciende toda frontera. Es Donald Trump poniendo en duda el calentamiento global por la presencia de una ola de frío, es Abascal vinculando la violencia machista con los inmigrantes o Pablo Casado diciendo que la solución para financiar las pensiones es pensar “en cómo tener más niños y no en cómo los abortamos”.

Esta miniserie es una llamada de atención hacia todos esos líderes que mienten sin pudor y que anteponen el poder a la ciudadanía. Obviamente Chernóbil es un caso extremo, pero sirve de advertencia en dos direcciones: a los políticos y a nosotros mismos, que somos los encargados de elegir a nuestros representantes. Las mentiras tienen consecuencias, al igual que los votos.

“A la verdad le da igual lo que queramos. Le da igual nuestro gobierno, nuestra ideología y nuestra religión. Esperará eternamente. Y este, al final, es el regalo de Chernóbil. Antes temía el precio de la verdad, ahora solo pregunto: ¿cuál es el precio de las mentiras”, se cuestiona Legásov en el epílogo. El precio, probablemente, todavía lo estemos pagando.

Es la noche del 26 de abril de 1986. Una pareja que vive en un pequeño piso cerca de Prípiat, una ciudad al norte de Ucrania cercana a Chernóbil, entonces parte de la URSS, está a punto de irse a dormir. De repente, algo les sorprende desde la ventana. A lo lejos se ve una llamarada. Pocos segundos después, una explosión hace retumbar el edificio. Él, que es bombero, se viste rápidamente para desplazarse hasta el lugar. “¿Y si hay sustancias químicas?”, le pregunta su acompañante preocupada. La respuesta es una sonrisa. Y así comenzó el horror: con un sabor a metal impregnado en el aire mezclado con la ignorancia de quienes lo respiraban.

El reactor número cuatro de la central nuclear Vladímir Ilich Lenin estalló por los aires a pesar de la incredulidad de los ingenieros. No era posible, y menos durante una prueba de corte eléctrico donde se suponía que todo estaba controlado. Pero ocurrió. Y nosotros hoy conocemos las consecuencias. Sabemos el peligro de tocar el grafito desprendido del núcleo, que no hay agua que valga contra la fusión nuclear o que la estimación inicial del nivel de radiación se quedaba muy corta. No eran 3,6 roentgens por hora, el límite de los dosímetros que tenían disponibles, sino 20.000.

Chernobyl es una serie que asfixia al espectador. Tiene la estremecedora virtud de convertir momentos aparentemente agradables en escalofriantes. Los ciudadanos observando el incendio de la central como si fuera un espectáculo de fuegos artificiales, los abrazos de reencuentro con personas infectadas por radiación, mujeres embarazadas que nueve meses después darán a luz a niños deformes… Parece una distopía. Una pesadilla de ciencia ficción digna de Orwell. Pero luego caemos en que aquello ocurrió de verdad y la sensación no solo empeora. Nos arroja a lo más profundo de la rabia, la impotencia y el miedo.

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El considerado como uno de los mayores desastres medioambientales de la historia llegó a HBO cuando todos miraban hacia Juego de tronos. Y lo hizo sin hacer demasiado ruido, a la sombra del espectáculo con dragones y caminantes blancos, pero ganándose más de una alabanza entre quienes había sintonizado con el desastre ruso a través de sus pantallas.

Solo consta de cinco episodios y lleva tres emitidos hasta la fecha de este artículo, pero son suficientes para catalogarla como uno de los mejores productos televisivos del año. El guionista y director Craig Mazin (que curiosamente se ha encargado de dos entregas de Scary Movie) ha construido un relato que maneja con maestría las claves dramáticas e históricas, combinándolas entre sí para confeccionar lo que va camino de convertirse en una serie redonda.

A pesar de que el tercer capítulo baja un poco el ritmo narrativo para centrarse en las consecuencias de los afectados por radiación, es complicado seleccionar una escena que no nos haga resoplar de agobio. Ocurre en aquellas con simples diálogos donde se enumeran son las posibles consecuencias humanas del desastre. Y en otras, en las que directamente se bucea hacia el terror, la angustia se dispara hasta límites insospechados.

Es complicado analizar sin entrar en el detalle de esta ficción histórica, pero destaca un momento en el que tres personas se adentran hasta el cuello en agua radiactiva. Lo único que aparece en pantalla son las tímidas luces de sus linternas, que tintinean sin parar, y el agua agitándose con sus pasos cada vez más nerviosos. Pero lo peor no es lo que vemos, es el sonido de un dosímetro que se incrementa hasta volverse ensordecedor. Y es que Chernobyl es a las series lo que un réquiem a la música: una hermosa composición sobre la muerte cuya belleza contrasta con su significado.

Las caras del horror

La serie comienza con el científico soviético Valeri Legásov, un miembro clave para minimizar las consecuencias del accidente y hacer consciente al resto de políticos de la magnitud del problema al que se enfrentaban. Porque, si hubiera sido por ellos, ni siquiera se habría evacuado la ciudad de Prípiat para evitar la alerta sobre la Unión Soviética en una era tan dependiente de las demostraciones de poder como la Guerra Fría.

La historia de este desastre nuclear es también la de un intento de ocultación a niveles estratosféricos. En un primer momento, los responsables de alertar y evacuar a la ciudadanía consideraron que no tenían divulgar el accidente por considerarlo un riesgo para la URSS, que debía demostrar el poderío del bloque soviético frente al norteamericano. Ni a los jefes de la central ni a los dirigentes políticos les importó retrasar lo evidente cuando existían vidas en juego. Lo que prevaleció fue la negación, guardar las apariencias y esperar a ver si por algún casual todo ocurría sin que la noticia pasara más allá de la frontera. Al final ocurrió. Entre otras cosas, porque las partículas radioactivas se desplazaron en el aire hasta países como Suecia. Los soviéticos finalmente reconocieron los hechos el 28 de abril, dos días después de la explosión.

Por ello, Legásov fue alguien sometido a la presión de conocer la verdad que el resto de representantes del régimen se empeñaba en meter debajo de la alfombra. Nadie mejor para interpretarle entonces que el actor Jared Harris, una especie de camaleón que ya demostró su valía en series como Mad Men. De hecho, el registro de su actuación en Chernobyl en cierto modo se parece algo al que adopta durante la historia de Don Draper: en ambas es alguien que no puede abandonar sus fantasmas internos.

La otra cara de la moneda de Chernobyl, todavía menos simpática, se muestra a través del bombero inicialmente mencionado. Es uno de los 28 héroes que dieron su vida por sofocar el incendio en Chernóbil. Y lo hicieron sin ningún tipo de protección contra la radiación, una tan brutal que todavía hoy causa trastornos en la naturaleza y en los humanos que se expusieron a ella.

Quien traspasaba la zona de exclusión de 30 kilómetros alrededor de Chernóbil automáticamente ponía un contador sobre su cabeza que le restaba minutos de vida. Aun así, era necesario hacerlo para superar los efectos y evitar un mal mayor. Militares, mineros, médicos, físicos…. Y así hasta 600.000 personas apodadas como los “liquidadores” de Chernóbil. Todos ellos, en mayor o menor medida, sufrieron las consecuencias.

El regusto amargo de Chernobyl se complementa también desde un plano auditivo con la violonchelista Hildur Guðnadóttir, colaboradora del fallecido compositor Jóhann Jóhannsson en filmes como Prisioneros (2013), Sicario (2015) o La Llegada (2016). Esta última, por cierto, es una película que a pesar de tratar sobre alienígenas parece tener ciertos puntos en común con el tono de esta miniserie histórica. En las dos la especie humana se enfrenta a lo desconocido, a la desolación de plantearse ecuaciones que ni siquiera las mejores mentes del planeta logran resolver. Por eso, el chelo de Guðnadóttir convierte notas musicales en gritos de auxilio.

Probablemente Chernobyl sea una serie que nos deje con ganas de más. Solo quedan dos episodios y, aunque los capítulos no son precisamente agradables, sí que suponen un deleite narrativo al nivel de los mejores thrillers. La diferencia es que en esta ocasión no podemos resguardarnos bajo el paraguas de la ficción. Y, aunque lo abramos, este quedaría desintegrado por una lluvia radiactiva 400 veces superior a la liberada en el bombardeo sobre Hiroshima.

Ocho años, un mes y dos días después del estreno del episodio piloto, 'Juego de Tronos' se despide entre sentimientos encontrados. No es tanto una división ocasionada por el último capítulo como por la octava temporada al completo, que cuenta con su propia petición masiva en change.org para que los showrunners vuelvan a escribirla. Este es el nivel de exigencia al que se van a enfrentar las ficciones de masas a partir de ahora en la era de Internet, y la de HBO no ha salido demasiado bien parada.

Las redes sociales han sido la peor pesadilla de los creadores y a su vez un caldo de cultivo brillante para el ingenio y la puesta a prueba definitiva de los espectadores. No hay frapuccino, botella de agua ni traducción peregrina que haya pasado desapercibida. Sin embargo, es ahí también donde se da un preocupante -y distorsionador- efecto espejo.

Es mucho más fácil odiar en Twitter que lo contrario. Uno puede ver el episodio y quedar medio satisfecho, que bastará con un breve 'scroll' por la red para encontrar argumentos de sobra que le convenzan de su equivocación. Por eso es importante plasmar las reacciones cuanto antes y de la forma más virgen posible: he ahí el dilema. No nos decidimos.

¿Ha sido un colofón meritorio para una serie que ha reescrito la historia de la televisión? Tenemos razones tanto a favor como en contra, pero ninguna es absoluta. Ni siquiera al final hay piedad porque, “en el juego de tronos, o ganas o mueres”. Sea cual sea tu bando, no dudes en compartirlo en los comentarios y en votar en la encuesta final.

No estamos aquí para valorar el desarrollo de la atropellada octava temporada, a todas luces cuestionable, sino del último episodio. Y, teniendo en cuenta el difícil panorama al que se enfrentaba tras la masacre de 'Las campanas', está resuelto con bastante sentido. No le correspondía a 'El trono de hierro' enmendar los errores de los episodios pasados, sino cerrar sus locos giros de guion de la forma más digna posible y dejar espacio para una sorpresa agridulce. Y todo ello en poco más de una hora y veinte. Misión cumplida: toca quitarse el sombrero.

Por supuesto que hay saltos temporales y elipsis confusas. Una serie no tiene la misma libertad que un libro y, desde que existen recursos como el flashforward -ejem, Harry Potter-, este no debería ser motivo de crítica. Nadie discute que podrían haber dedicado dos capítulos a cerrar un final histórico en lugar de malgastarlos con los excesos previos a la Gran Guerra. Pero ya es tarde para eso y, de nuevo, el sexto episodio no tiene la culpa.

Después de que Daenerys enloqueciese y decidiese achicharrar vivo al censo completo de Desembarco del Rey, restaba ver cómo le impedían sentarse en su ansiado Trono de Hierro. Hubiese sido interesante ver ese giro macabro en el que cualquier autarquía significa una forma terrorífica de Gobierno, incluso cuando viene de la mano de la que rompía cadenas y liberaba a los inocentes del mal durante siete temporadas.

Lo que hicieron los guionistas con su personaje para alzar a Jon Snow como el legítimo heredero de los Siete Reinos fue injustificado. Sin embargo, esa imagen con las alas de Drogon emergiendo de su espalda a lo alto de una Fortaleza Roja en ruinas bien ha merecido tal decisión. Si no es la más bella, la escena del discurso apocalíptico de la Targaryen frente a sus huestes y su posterior entrada a un salón del trono cubierto de cenizas es, como poco, de las más sobrecogedoras de la serie.

La locura de la Khaleesi no entiende de matices, por eso confía en la lealtad y el amor de Jon aunque todos los demás le hayan apuñalado por la espalda. Error. La estocada de su sobrino llegará de frente y precedida por un beso de Judas previsible pero no por ello menos efectivo. Su cadáver solo será llorado por Drogon, que, en lugar de calcinar a su asesino, derrite el sillón forjado que ha enloquecido a su madre y le ha provocado la muerte. Un momento simbólicamente bello que contrasta con una temporada burda por lo obvia que ha resultado en muchos momentos.

La elección de Bran como rey de Poniente supone un soplo de aire fresco por lo mismo. No hay trono, no hay fortaleza, no hay pueblo al sur y, por lo tanto, no se necesita un rey heroico. Solo uno humilde y sin ansias de poder que permita un cambio radical en el sistema político del continente. Ya no dependerá del linaje, sino de la elección del Consejo (un pequeño paso para la democracia -no tan participativa como Sam querría- y un gran paso para la humanidad).

Fundir el Trono de Hierro también es una declaración potentísima de los que saben cómo funcionan las pasiones de los espectadores. El sillón formado por espadas ha sido el símbolo indiscutible de la serie, pero su destino solo depende de los creadores. En una línea de guion pueden cargarse a los personajes más queridos o destruirlo todo, y no hay petición en change.org que pueda cambiar eso. Pero en un acto de benevolencia, también han tomado las típicas decisiones populistas que contentan a todos.

Tyrion carga con el peso dramático del episodio en la segunda mejor escena del mismo, cuando desentierra a sus hermanos de la avalancha de ladrillos, recupera su elocuencia en el monólogo de la celda y retoma el puesto de verdadero mandamás como Mano del Rey. Así ha funcionado siempre la política. Bran El Tullido podrá irse de viaje astral cada vez que quiera porque los que tomarán las decisiones importantes son los que le rodean.

Al resto de los Stark, que han sobrevivido a la octava temporada en manada, ahora les toca volar solos y tomando un rumbo coherente. Arya embarcándose en aventuras más allá de Poniente, Sansa siendo mucho más que lady Stark y la señora de Invernalia y Jon volviendo a sus orígenes. Un final duro para los que dieron su trono por supuesto y una defenestración al nivel de la que sufrió Dany por su culpa. Quizá no sea un final perfecto, pero sí uno justo con las expectativas y con los personajes supervivientes. Y, aunque habrá quien lo critique, eso le acerca mucho más al bando de 'Breaking Bad' que al de 'Perdidos'.

Es imposible hacer un final a gusto de todos los espectadores, pero es todavía más complicado crear uno tan carente de lógica narrativa como el de 'Juego de tronos'. Ya sabemos que es un mundo de ficción, con dragones y caminantes blancos, pero esto no sirve de excusa para justificar los vacíos argumentales que llevamos padeciendo prácticamente desde que los libros de George R. R. Martin dejaron de ser una referencia para los guionistas.

El problema no es tanto lo que se cuenta sino el cómo se cuenta. Puede ser lógico que Daenerys se volviera loca o que Bran haya sido el elegido para ocupar el Trono, pero no lo es tanto el camino que han seguido para que acaben de esta forma.

Mientras que en otras series como Breaking Bad vemos una lenta bajada a los infiernos del antagonista, el cual se enfrenta a una serie de circunstancias que le hacen abandonar su lado más humano, en 'Juego de tronos' era muy complicado ver como villana a Daenerys hasta 'Las campanas'. Y vale que ya nos dejaron pistas de que su populismo iba a acabar mal, pero si cuando ese cambio llega los espectadores lo ven abrupto, entonces es que algo no se ha hecho de forma adecuada.

Los compases finales de la serie están tan llenos de lagunas que ni siquiera tirando de imaginación es posible evitarlas. La muerte de la Targaryen, al igual que otras tantas escenas clave, se siente muy forzada y carente de sustancia. No puede ser que lo que preceda a este asesinato sea un debate entre Tyrion y Jon sobre si La que no arde de verdad merece vivir.

Es imposible que el exbastardo dude de ese aspecto después de contemplar a niños calcinados con cara de horror. ¿De verdad no fue suficiente todo lo que ocurrió en Desembarco del rey? De hecho, cuando este se pone a enumerar las razones que pueden “justificar” el genocidio de Dany resulta cuanto menos poco creíble. O eso, o que Kit Harrington no está a la altura de su actuación.

Por el contrario, no se detienen en aspectos que sí podrían haber sido interesantes, como es el reinado del terror instaurado por Daenerys o los compases posteriores a su muerte. Lo que tenemos es una elipsis temporal mostrada a través del nivel de la barba de Tyrion encarcelado por traición. ¿No importa la reacción de Gusano gris al asesinato de su líder? Al menos, era algo que sobre la mesa parecía tener más relevancia que Jon y la Khaleesi aprovechando para besarse frente a unas cascadas heladas.

Solo basta ver errores como el del vaso de café o la reciente botella de agua para comprobar el nivel de atención por los detalles que se está teniendo en una producción con un presupuesto de 15 millones de dólares por episodio. Y podríamos perdonarlos si el resto del espectáculo estuviera a la altura, pero, a juzgar por los hechos, está claro que los descuidos están más presentes de lo que nos gustaría.

Llegó un momento del show en el que las cosas simplemente pasaban porque tenían que pasar, para ir de un punto A a un punto B de la historia. Pero es imposible que haya terminado y ni sepamos quién era ni a qué se dedicaba el Rey de la noche. Un gran villano construido a lo largo de 8 temporadas a base de “the Winter is coming” para que finalmente su arco acabe resolviéndose en una batalla.

Merecíamos más. Y merecer más pasa por justificar lo que vemos en pantalla, como dando razones lógicas para que Bran haya permanecido impasible todo este tiempo a pesar de que sabía qué iba a ocurrir. “Voy a buscar a Drogon”, dice tras ser coronado. Pero cuando estaba arrasando una ciudad entera no importaba.

A pesar de todo, y visto el nivel de guion de las últimas temporadas, no es un final desastroso. Hay ideas destacables, como Jon devuelto al punto inicial en el que se encontraba, en la Guardia de la Noche, o bien más allá del muro viviendo con los salvajes. Habría sido muy fácil caer en la venganza de Drogon, pero esta escena, en cambio, supone el peor castigo posible para el personaje. Si hay algo peor que morir eso es estar muerto en vida. Sin embargo, teniendo en cuenta las enormes proporciones de lo que ha significado Juego de tronos, resulta decepcionante que acabe con un sabor tan artificial y descafeinado como el de un Frappuccino.

“A veces no hay una opción feliz, solo una menos grave que las otras”. La frase de Jon Snow podría resumir lo que hemos vivido a lo largo de ocho temporadas especulando sobre Juego de tronos. Intentar adivinar el futuro de ciertas tramas se ha convertido en una tendencia que prolonga su vida más allá de la pantalla para llegar a redes sociales, a grupos de amigos e incluso a oficinas de trabajo. Y ahora, a las puertas del punto final definitivo, las teorías sobre quién gobernará los Siete Reinos están más desatadas que nunca.

Aun así, no está nada claro. Solo queda un capítulo para que pongamos el broche de oro y, aunque Las Campanas puede dar algunas pistas de hacia dónde nos quiere llevar la trama, no sería la primera vez que miramos en una dirección y aprovechan precisamente para mostrarnos lo contrario. Ya nos ocurrió con Ned Stark, con Theon Greyjoy, con ciertos encuentros nupciales (uno púrpura y otro rojo)…. Nos hemos sentido como ratones del laboratorio de D.B. Weiss y David Benioff, los guionistas.

No es de extrañar que ahora enfrentemos la última ración de Juego de tronos casi con tanta emoción como cautela, cada cual elaborando su propio mapa mental de hechos y consecuencias. Es entonces cuando, si se acierta, llega esa popular sentencia cargada de razón: “yo ya lo sabía”.

Por ello, hemos contactado con una docena de conocidos fans de Juego de tronos de los más variopintos, que van desde el mundo de la política hasta el del teatro, para conocer qué balance hacen de la temporada y cuál su previsión de cara al desenlace. A partir de aquí, hablan ellos y ellas.

¿Qué balance hace de la temporada?

“Soy muy seguidor de Juego de tronos cuando lo leí desde hace un porrón de años. Siempre digo que mis volúmenes de Canción de hielo y fuego están ya muy desgastados. Me acuerdo de cuando fui a una feria del libro a que firmara el ejemplar George R. R. Martin y estábamos tres o cuatro personas en la cola. ¿Imaginas si viniera ahora? A parte de esto yo me lo estoy pasando como un chino. Para mí el momento de ver cada capítulo es muy especial. Nos lo ponemos mi mujer y yo en casa, a oscuras, hacemos nuestro propio cine”.

¿Quién ocupará el Trono?

“No lo sé… Después de lo que está ocurriendo, podría ser cualquiera. Pero sabiendo lo que sabemos a día de hoy, si tengo que apostar por alguien, apuesto por Jon Snow. Pero me da a mí que los guionistas nos la pueden liar en cualquier momento…”.

Por Chicote, cocinero y presentador.

¿Quién ocupará el Trono?

“Cuando comenzó a proyectarse la primera temporada de Juego de tronos vimos como los hijos de Catelyn y Eddard Stark eran muy jóvenes. De hecho, todos recordamos como Sansa y Arya Stark son enviadas a Desembarco del Rey, junto a su padre, para que ambas aprendieran a ser damas y a relacionarse en la Corte. Ya, desde ese primer momento, pudimos comprobar como Arya se rebelaba contra la opinión de su padre, al considerar que ese no era su destino. Ella no quería ser una dama. Quería ser guerrera. Luchaba, por tanto, contra los estereotipos impuestos.

Arya encarna la supervivencia, la tenacidad, la valentía, la lealtad y la lucha contra la injusticia.

Arya encarna la supervivencia, la tenacidad, la valentía, la lealtad y la lucha contra la injusticia. Es el personaje que más ha evolucionado (junto con su hermana, Sansa) durante todas estas temporadas. Tuvo que renunciar a su apellido para poder sobrevivir y viajó a Braavos ante la creencia de que toda su familia estaba muerta. Ahí se convirtió en una “asesina sin rostro”. Es una guerrera, como ella quería. Y eso le permitió volver a su casa, a Invernalia, como el personaje implacable que es. Gracias a ello derrotó al Rey de la Noche salvando a todo Poniente de la mismísima muerte. Pero, ante todo, ha llegado para proteger a su familia. Incluso para recordarle a su “hermano” Jon que ésta es lo más importante.

Ella es, sin dudarlo, el personaje que debería sentarse en el trono de hierro. No sabemos todavía el desenlace ni sabemos cómo reaccionará ante lo sucedido en Desembarco del Rey. Pero es posible que vuelva a actuar frente a la injusticia (como hizo frente a Joffrey cuando maltrataba al hijo del carnicero). Si debemos destacar una sola cosa de ella en toda la Canción de hielo y fuego es que su personaje ha servido como ejemplo, como modelo para muchas mujeres. Despertando en el interior de todas la pequeña Arya que llevan dentro. Mujeres combativas y empoderadas“.

Por Adriana Lastra, vicesecretaria general del PSOE

¿Qué balance hace de la temporada?

“Me parece que el guion se ha precipitado demasiado y eso ha hecho que haya demasiadas cosas made in Hollywood, todo está pasado por un filtro como más comercial. Es un show muy acelerado con mucha contradicción. Por ejemplo, lo de que Jaime se haya ido con Cersei es algo que no lo veo. También se ha precipitado de forma muy forzada lo de que Daenerys sea una loca, y lo que estaba siendo una lucha con mujeres al mando ahora gira de nuevo hacia el poder del heteropatriarcado”.

¿Quién ocupará el Trono?

“Jon parece que va a ser el rey, pero yo creo que lo que va a ocurrir es que va a dejar de existir un gobernador de los Siete Reinos como tal y que vamos a ver diferentes por Poniente. Porque, como Jon sea el rey de los siete, a mí de verdad que me da un infarto. Que después de todo sea tan convencional y tenga un final tan feliz… No me convence. Además, él muy listo tampoco parece [risas]”.

Por Natalia Álvarez, Directora de Teatros del Canal.

¿Qué balance hace de la temporada?

“La última temporada me está pareciendo bien, con sus momentos que se alargan y aburren un poco y con sus momentos chulos, como siempre. Juego de tronos tiene ese encanto, que tan pronto te chupas un episodio somnoliento como que te deja tieso en el sofá al borde de una taquicardia. Me parece interesante también la idea pionera de incluir un episodio casi en la oscuridad total, como si fuera una propuesta experimental de arte y ensayo. Había momentos del capítulo tan oscuros que podrían haber subido a lomos del dragón a Yola Berrocal y no hubiese pasado ni media”.

¿Quién ocupará el Trono?

“Era de esperar que los guionistas situaran a Daenerys Targaryen en el lado oscuro de la historia, para que al final todos aplaudamos a Jon Nieve sentándose en el trono, que es el verdadero heredero. Lo que pasa es que Jon no quiere trono, él es más de estar para arriba y para abajo del mapa en una eterna adolescencia pajillera. Así que el trono de hierro lo va a querer Sansa, que es bastante culo veo culo quiero. Pero se lo va a quedar Arya Stark, eso sí, después de cargarse a la madre de dragones con 'la aguja'. Y a su lado se quedará el fantástico Tyrion Lannister, cumpliendo el papel de mano de la reina”.

Por Aníbal Gómez, actor en Justo antes de Cristo y miembro del grupo musical Ojete Calor

¿Qué balance hace de la temporada?

“La estoy disfrutando mucho, pero me cuesta llevarla al día porque me ha pillado en plena campaña electoral y cuando no estoy trabajando me quedo dormido a la mitad del capítulo. Sin ir más lejos, el último todavía no lo he visto y me tocó ir por la pradera de San Isidro con orejeras para que no me spoilearan. Mi favorito hasta ahora es el segundo capítulo [Un caballero en los Siete Reinos]. Sé que suele gustar más el tercero [La larga noche], la emoción de la gran batalla, la violencia...pero a mí me cautivó el momento anterior, la calma antes de la tormenta, la preparación psicológica para lo que se viene, como una especie de sábado de reflexión antes de unos comicios electorales”.

Mujeres armando una estrategia militar, mujeres que matan a reyes, mujeres que la lían parda... Es una pasada que las generaciones jóvenes crezcan con estos referentes

¿Quién se sentará en el Trono?

“Respecto a mi teoría de lo que va a suceder. Yo no conozco otra serie con tanto empoderamiento femenino. Arya, Sansa, Brienne, Yara, Daenerys, Cersei... Mujeres armando una estrategia militar, mujeres que matan a reyes, mujeres que la lían parda... Es una pasada que las generaciones jóvenes crezcan con estos referentes, que no son casuales: los ha generado el feminismo y su victoria cultural de los últimos años. Partiendo de esta base, me parece de justicia que sea una mujer la que se siente en el Trono y me decepcionaría mucho si es un hombre. Creo que no puedo ser más claro”.

Por Íñigo Errejón, candidato de Más Madrid a la Comunidad de Madrid.

¿Quién ocupará el Trono?

“Hay varios personajes que me enamoraron desde el principio: Arya Stark, Brienne de Tarth o Tyrion Lannister son algunos de ellos. Pero si tuviera que elegir solo uno para darle papel protagonista o decisivo en el último capítulo creo que escogería a Samwell Tarly. Al margen de su lealtad hacia Jon Snow y lo que representa, me fascina la evolución que ha tenido este personaje tan tierno y a la vez tan valiente. Un hombre culto que llora y abraza pero que es capaz de acabar con un caminante blanco sin mucho ruido.

Quizá Snow pida consejo a Tarly en la decisión más importante que tenga que tomar en el último capítulo sobre Daenerys. Sobre quién reinará, apuesto por Sansa. A Khaleesi no le han dado mucho margen esta semana. Veremos...“.

Por Ana Pastor, presentadora y directora de Newtral.

¿Qué balance hace de la temporada?

“La pena de esta última temporada, a falta de ver el último episodio, es que no es un libro de aquellos de 'elige tu propia aventura' personalizado para cada fan. Porque me parece que si no es así, no iban a dejar a todos conformes. Y el problema, como siempre, es confundir las expectativas de cada uno con la obligación de los creadores. ¿Qué si me ha gustado todo a mí? No, claro que no. La batalla de Invernalia no se veía ni con las luces apagadas y el brillo de la tele a nivel nuclear. Y no divisar los barcos de la flota del Hierro cuando te acercas en dragon airlines tiene delito.

Dicho lo cual, me lo estoy pasando en grande. Arya, mi personaje favorito, tiene algunos de sus mejores momentos. Los diálogos en Un caballero de los Siete Reinos pasarán a la historia entre los mejores de la serie. Y la escena final de Cersei y Jaime es el remate perfecto para su romance“.

Cuando termine, con los meses y el poso, y con suerte con los blu-rays, va a ser como los vinos añejos, y hasta los haters más recalcitrantes reconocerán que ha sido grande

¿Quién ocupará el Trono?

“Tanto daría empezar a tirar dardos borracha y con los ojos vendados. A estas alturas todas las posibilidades están abiertas. No creo que Arya se cargue a la otra Gran Villana de la serie (y siento decirlo, pero... ¡os lo dije!, hace años que llevo diciendo que la rubia es un mal bicho). No creo que se cumplan todas las profecías. Y no creo que haya un final feliz-Disney-feliz. Así que mi pronóstico sobre la serie, y estoy segura de que voy a acertar es: cuando termine, con los meses y el poso, y con suerte con los blu-rays, va a ser como los vinos añejos, y hasta los haters más recalcitrantes reconocerán que ha sido grande.

La pregunta es, ¿de verdad creéis que todavía hay un trono? Si hay que quemarse poniendo una mano en el fuego (que me voy a quemar porque no tengo ni gota de sangre Targaryen), Jon Snow será el presidente de la nueva Federación de Estados Anteriormente Conocidos Como Siete Reinos. La FEACCSR no tendrá una historia muy larga por lo impronunciable de su nombre. Venga, va. Jon Snow. Estamos tan preparados para que la solución no sea la obvia que la menos obvia ahora mismo es la obvia. No sé si me explico“.

Por Cristina Macía, traductora de la saga de libros Canción de hielo y fuego.

¿Qué balance hace de la temporada?

“Para mí las dos últimas temporadas son a Juego de tronos lo que el Load y el Reload fueron para Metallica: decepcionantes porque pierden lo que era su sello característico pero al mismo tiempo son obras hechas por por gente tan buena que, pese a todo, siguen estando por encima de la media.

Es bastante sintomático la tranquilidad con la que vi el ataque de los caminantes blancos -bichos que al final no eran para tanto- porque sabía perfectamente que ningún personaje de primera división iba a caer ahí. Juego de tronos se caracterizaba por no tener piedad y por romper los clichés a los que estamos acostumbrados en este tipo de ficción. Si un personaje, por protagonista que sea, se metía en una situación de la que era difícil salir con vida, simplemente no lo haría. Puede que parezca una locura, pero esta serie se habría quedado para siempre en mi corazón si los caminantes blancos hubieran matado a absolutamente todos los que estaban en Invernalia. Simplemente porque si has llevado la trama hasta ese punto, es lo que tiene que pasar. Pero no solo no pasó eso, sino que no se atrevieron a tocar ni un pelo a ninguno de los protagonistas esenciales, cuando era literalmente imposible -y nos lo llevan advirtiendo ocho temporadas- salir de allí con vida. Jaime Lannister, manco y todo, al final de la batalla acabó un poco despeinado y con algún churrete.

Ahora bien, soy un defensor de lo que han terminado haciendo con el personaje de Daenerys. Es verdad que se ha sentido abrupto, que habría sido mejor una degradación de su salud mental más paulatina y que encaja mal esa explosión de demencia con las demasiado sutiles pistas en las temporadas anteriores sobre su posible locura. Siempre me pareció que ni siquiera Juego de tronos, la serie donde ningún protagonista está a salvo, se atrevería a matar a Daenerys. Sin embargo, ha hecho algo peor y en ese sentido mucho más valiente: acabar con todo lo que ella significaba para nosotros. Convertirla en la villana. No me lo esperaba y es coherente, no ya con el hecho de que los Targaryen están en general regular de la cabeza, sino también con lo fácil que es perder la perspectiva en la lucha por el poder“.

Esta serie se habría quedado para siempre en mi corazón si los caminantes blancos hubieran matado a absolutamente todos los que estaban en Invernalia

¿Quién ocupará el Trono?

“Insisto en que para mí todos los que estaban en Invernalia en coalición con esa sopa de siglas deberían haber muerto, como sabemos que lamentablemente sucede en la vida real cada cuatro años más o menos. Ahora bien, dado que eso no ha pasado, creo y espero que en el trono se sentará Sansa Stark con Tyrion como su mano”.

Por David Bravo, abogado especializado en propiedad intelectual.

¿Qué balance hace de la temporada?

“Cualquier pronóstico que se hiciera (o que se haga aún ahora) sobre Juego de tronos estaba condenado al fracaso. Como espectadora, podría formular deseos, pero no intentar adivinar el final. Los guionistas han demostrado ser unos magníficos manipuladores, el autor disfruta cuando gana el juego de inteligencia que entabla con el lector, y, además, les gusta causar dolor. Y ahora están disfrutando. Muerte, destrucción, locura, profundo desprecio por las leyes de la justicia que asumimos en la ficción, y por las expectativas de amor, justicia y paz de los espectadores. Bien. En el fondo, eso es lo que busco en esta serie”.

¿Quién ocupará el Trono?

“Yo dije en su momento que me sentiría íntimamente defraudada si Cersei no conseguía ese trono. Aceptaba por adelantado ese sufrimiento (es el que he pactado cuando comencé a ver la serie y me enganché a ella) pero ahora ya me he mentalizado de que he apostado por un bando perdedor. Al menos, espero que me concedan mi otro deseo; que acaben cuanto antes con Jon Snow, que no lo coronen, que no se salga con la suya. Pero ya ¿qué más da? Sangre, fuego, una nueva generación que se alza con el poder: nada de lo que la historia real no nos haya mostrado antes”.

Por Espido Freire, escritora.

¿Qué balance hace de la temporada?

“La podemos sintetizar de una manera muy sencilla: lo que mal empieza mal acaba. Ya se veía desde la temporada anterior que esto no podía acabar bien de ninguna forma. El guion se había precipitado, se habían cerrado abruptamente tramas con personajes interesantísimos desde la Reina de las espinas hasta el reino de Dorne, los viajes con teletransporte de los dragones… Y luego todo tiempo que hemos perdido en esta temporada durante los primeros capítulos, con diálogos y escenas insustanciales que ni siquiera hacían avanzar la trama.

Y lo que yo creo que es el pecado último de la serie: cerrar lo menor más tarde que lo mayor. Es decir: el gran asunto era la pelea con el Rey de la noche y por lo tanto una lucha entre la supervivencia de la humanidad y estos seres que nadie sabe bien de dónde vienen, y resulta que esto lo solucionan a mitad de la temporada y dejan la pelea por el trono de hierro en último lugar. En síntesis, esta serie ha terminado priorizando el sorprender antes que la propia coherencia interna de la historia, y es lo que está haciendo que hayan estos giros de guion que dejan sin aliento pero hacen que no tenga ningún tipo de consistencia“.

¿Quién se va a sentar en el Trono?

“Si sabemos que los guionistas están buscando más sorprender que el que tenga un sentido y una consistencia interna, yo creo que han dejado las piezas tan bien alineadas para que termine siendo Arya la que mate a Daenerys, y por tanto que Jon se haga con el trono, que eso es algo que no puede pasar. No pueden dejarle un desenlace tan obvio. Si fuera así sería ridículo, y el enésimo giro de guion lo que hará será colocar a esta serie con una tesitura no tan diferente a la que vimos en Los Serrano o en Lost.

Darán ese giro en el último minuto y todos nos quedaremos sin aliento, pero la verdad que es una lástima. Una cosa es lo que yo quiero y otra lo que yo creo que va a terminar pasando: si yo tuviera que pedir a alguien para el Trono yo pediría a Sansa Stark. Claramente de las que quedan vivas, y asumiendo que Cersei ya está fuera de juego, yo apostaría por ella. Ahora, ¿quién va a terminar de verdad? Pues vete tú a saber. Pero desde luego, como termine Jon Nieve siendo rey, es para tirarse de un campanario“.

Por Pablo Simón, politólogo.

¿Qué balance hace de la temporada?

“En las primeras temporadas estaba enamorada de los guionistas: condensaban los libros a la perfección. Si en las novelas teníamos que ir deduciendo qué opinaba un personaje de otro a partir de comentarios, en la serie podían añadir un diálogo que transmitiera la idea, y quedaba natural. También me gustaba que se distanciaran de los libros; por buenos que sean (que lo son), a veces es mejor llevarse una sorpresa, excepto si se pertenece a la secta de la Representación Fidedigna, que no es mi caso. Precisamente una de las claves del éxito inicial era la subversión de las expectativas, que enfurecía a los lectores o espectadores, pero bien que los enganchaba: las cosas que se hacen por amor, la Boda Roja, la ejecución de Ned...

Lamentablemente, cuando los guionistas dejaron de tener libros en los que basarse, se acabaron las sorpresas y dejé de adorarlos, aunque tampoco les he cogido manía. Las dos últimas temporadas siguen siendo entretenidas y espectaculares, y lo mejor de todo, la última nos regala incoherencias y conductas inexplicables que dan mucho juego en las redes. Tampoco es plan de pedir más. Estoy deseando ver el sexto capítulo y leer después todos los peros que le sacan“.

Dany ya ha llevado la calefacción central a Desembarco del Rey y ha cubierto la cuota de genocidios. La pararán por los pelos cuando esté a punto de hacer lo propio en Invernalia.

¿Quién ocupará el Trono?

“Hay que tener en cuenta repeticiones que equivaldrían a cargar demasiado las tintas: 1) Arya ya mató al Rey de la noche y ha cubierto la cuota de asesinatos épicos. Puede que a Dany la mate Jon, que luego se regodeará un buen rato en lo mal que se siente por ello, y hasta puede que huya para seguir liándola en otros parajes y amenace con volver. 2) Dany ya ha llevado la calefacción central a Desembarco del Rey y ha cubierto la cuota de genocidios. La pararán por los pelos cuando esté a punto de hacer lo propio en Invernalia.

¿Reinará alguien en los Siete Reinos o volverán a ser siete reinos independientes? Si reina alguien, me temo que será Jon Nieve; hasta puede que se atrevan a plantarnos un plano final tipo Conan o Riddick, con el rey rezongón —este más que ningún otro— sentado en el trono, en una demostración perfecta del principio de Peter. A fin de cuentas, Varys quema una carta que no tiene por qué ser la que escribió anteriormente. A mí me haría gracia que reinara Daenerys y dejara a su padre en mantillas, aunque sea porque eso sí que no se lo espera nadie, pero supongo que sería pedir demasiado.

Aunque también existe la posibilidad que vaticiné hace tres años...“.

Por Natalia Cervera, correctora de gran parte de la narrativa relacionada con Canción de hielo y fuego.

¿Qué balance hace de la temporada?

“No me ha gustado el giro genocida que le han dado los guionistas a Daenerys. No me parece coherente con el personaje, que ha mutado demasiado rápido de rompedora de cadenas a tirana. En general, me están gustando mucho menos las últimas dos temporadas que todas las anteriores. Soy lector de los libros y creo que si George R. R. Martin hubiera terminado su Canción de hielo y fuego antes de que se la terminaran los guionistas de la serie, no habríamos tenido esta montaña rusa final, llena de fuegos artificiales innecesarios. Creo que Juego de tronos era mejor cuando se construía sobre los libros, aunque tuviera menos presupuesto por capítulo. Como espectáculo de acción, el penúltimo capítulo me pareció impresionante, pero de esta serie esperaba algo mejor”.

¿Quién ocupará el Trono?

“La serie ha dado tantos giros inesperados que lo lógico es esperar otra sorpresa final. Ya no me sorprendería ni que el trono de hierro acabará siendo para Sansa, Arya o Tyrion, en vez de para Daenerys o Jon Snow”.

Por Ignacio Escolar, director de eldiario.es.

Lo queramos o no, ya solo queda un siguiente capítulo de poco más de una hora para que demos por cerrada una de las series con más repercusión de la historia. Juego de tronos se prepara para poner un punto final que, a juzgar por las divisiones causadas en los anteriores episodios, es complicado que deje satisfecho a todos sus seguidores. Han sido muchos bandos, muchas guerras internas y muchos matices que cada persona ha administrado de forma diferente. Y ahora, cuando todo va a acabar, resulta cuanto menos complicado señalar quién será el nuevo rey o reina de Poniente.

Por desgracia, ya tenemos muchas pistas para creer que en el Trono de Hierro se sentará un hombre. Y es que, si algo nos dejó claro el anterior capítulo, El último de los Starks, es que todavía continúa un muro en los Siete Reinos. No es el de hielo. Tampoco son los de Desembarco del rey. Es el del patriarcado.

Aun así, Las campanas era la entrega destinada a calentar los motores (nunca mejor dicho) para el gran epílogo de la serie y poner las piezas sobre el tablero de cara a la última partida. Algunas de estas piezas consumarán su jugada maestra. Otras, en cambio, caerán derribadas intentando un jaque mate convertido en estrategia suicida. Sin más, que comiencen las llamaradas (y los spoilers). Si todavía no has visto el episodio, entonces huye como dracarys que lleva el diablo.

“No lo hagas Anakin, la altura me da ventaja”, le dijo Obi-Wan Kenobi a Anakin en el tercer episodio de Star Wars, justo antes de darle el espadazo que le acabaría tirando a la lava y convirtiendo en Darth Vader. Sin embargo, la joven promesa de la República Galáctica estaba tan dominada por el odio que hizo caso omiso a toda advertencia. La rabia se consumía en su mirada y no había hueco para la benevolencia. Ni para Padmé, su esposa embarazada, ni para niños que se iban a convertir en futuros Jedi y mató sin pudor. Abrazó el lado oscuro, tal y como ha hecho Daenerys Targaryen.

El episodio comienza con La que no arde recluida en la penumbra de Rocadragón. No come, no quiere ver a nadie y, al igual que Robespierre con su régimen del terror, ejecuta sin pensárselo a cualquiera susceptible de ser un contrarrevolucionario. El primero que sufre las consecuencias es Varys (en una escena mucho mejor rodada que la de Theon Greyjoy), pero Jon y Tyrion también se encuentran bajo sospecha por una simple razón: divulgar sin permiso de la reina que el “bastardo” es realmente el legítimo heredero al trono.

Y puede que no estemos muy de acuerdo con cómo Jon ha conseguido ser aceptado como un líder válido, pero no deberíamos tener muchas dudas cuando se trata de tachar a Daenerys como una de las villanas de la historia. Ya lo comprobamos cuando quemó vivos a los Tarly por no hincar la rodilla o la crucifixión de los esclavistas de Meereen (injustificable por muy tiranos que estos fueran). Ni siquiera ha ayudado algo a priori positivo, como la liberación de prisoneros en Essos, ya que ese es el problema del populismo y de prometer la libertad cuando la siguiente opción es condenarlos en la batalla.

“Sé lo que Cersei os ha dicho. Que he venido a destruir sus ciudades, a quemar sus hogares, a asesinarlos y dejar huérfanos a sus hijos. Esa es Cersei Lannister, no yo”, dijo en la anterior temporada. Nadie debería sorprenderse ahora de que esas palabras no fueran ciertas. Como comprobamos, hace tiempo que los guionistas dejaron pistas de hacia dónde avanzaría ese personaje. El problema, quizá, es que no lo hemos querido ver hasta ahora.

Al igual que ocurría en La larga noche, hay cierto encanto en las escenas previas a la gran batalla. En ellas podemos ver a los tripulantes de la Flota de Hierro preparando las enormes ballestas, a la Compañía Dorada cargando los arcos y a los ciudadanos de Desembarco del rey corriendo de un lado para otro buscando dónde refugiarse. Es el clímax del miedo. Y, todo ello, con una inquietante banda sonora repleta de graves que acompaña a otros sonidos: el de los pasos, el del hierro y el de los gritos. Muchos gritos.

No está del todo mal que de vez en cuando Juego de tronos deje de lado los conflictos por las líneas sucesorias y por las coronas para mostrarnos quiénes son los que sufren todo este vaivén de egos: los ciudadanos. Es cierto que también se cae en la lágrima gratuita, como esa madre con su hija que Arya al principio ignora y luego intenta salvar, pero también era necesario comprobar las consecuencias humanas del desastre para no caer en la acción por la acción. Los actos tienen resultados.

La eterna inconformidad de los finales

Este es un capítulo en el que se cierran varios arcos de personajes importantes y, por ende, del posterior cuestionamiento de los fans a la habilidad de los guionistas. Es el caso de Varys, de El Perro y La Montaña, que se arrojan al vacío desde La Fortaleza Roja, o de Cersei y Jamie sepultados por las rocas. Y, aunque es triste cómo cerraron la historia del Matarreyes con Brienne, este podría ser un final bastante digno para los dos leones dorados sin caer en la tragedia shakesperiana de matanzas entre hermanos.

Se cumple así la teoría de la bruja Maggy la Rana que vimos en el primer episodio de la quinta temporada. “Una más joven y bella le quitó todo lo que le es querido (Daenerys). Y cuando las lágrimas la ahoguen (ella llorando pidiendo a Jaime protección para ella y su hijo), el valonqar rodeará tu cuello y cerrarás los ojos (Jaime la toma por el cuello, y cae la muerte)”, apuntó un usuario de Twitter.

Dar muertes dignas a personajes queridos por los fans es un problema constante en la ficción. Podríamos hablar de los errores estratégicos en las batallas (resulta que ahora hay un manual para combatir dragones y caminantes blancos), de ideas locas como utilizar a Bran como cebo o de por qué Jon Snow es capaz de sujetarse a lomos de un dragón. Si lo hiciéramos, seguramente saldría una larga lista con problemas de verosimilitud que nos sacan de este mundo de fantasía, parecido a cuando rompen la cuarta pared en el teatro.

Sin embargo, Las campanas es un capítulo que, aún heredando errores narrativos, se esfuerza por justificar mínimamente la acción que vemos ante nuestros ojos. Solo hay que recordar el surrealista maratón a lo Forrest Gump de Gendry al final de la anterior temporada para saber qué clase de guiones acostumbrábamos a ver en la serie. Y no es que sea injusto demandar una mayor dedicación a ciertos giros de guion para que estos resulten creíbles, pero sí es extraño que estas réplicas lleguen precisamente en un episodio que le pone algo de empeño.

Todavía quedan cosas por comprobar. El papel de Sansa, la reacción contra Daenerys o si finalmente será Jon quien se siente en el trono. Es una pena que el Rey de la Noche haya quedado reducido a una batalla (y a una estocada) y que, según parece, no vayamos a recuperarle en los minutos que quedan. Sin embargo, resulta que al final el peligro no era que cayeran copos de nieve, sino cenizas.

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La eterna amenaza que nunca parecía llegar es, de una vez por todas, un mal inevitable. Los ojos azules ya miran de cerca a a los Siete Reinos e Invernalia es el primer punto que debería servir para frenar el avance de un ejército que no parece detenerse ante nada. El Rey de la Noche ha dejado de ser una visión a lo lejos.

¿Habrá dracarys que valga contra los caminantes blancos? Tras dos primeros episodios preparando el terreno para la tragedia, era imposible estirar más el chicle de la agonía. Ya habían bebido suficiente vino, compartido demasiados reencuentros amorosos e intercambiado numerosas miradas furtivas. Ahora lo que toca es armarse de vidriagon, apretar los dientes y rezar para que pase la ventisca de la mejor forma posible. O, al menos, que pase sin arrasar con todo.

Las expectativas eran altas con este tercer episodio, y no solo por el evidente espectáculo, sino por la persona encargada de su dirección. A los mandos se encontraba Miguel Sapochnik, que previamente había manejado los hilos para tejer capítulos tan importantes como Casa Austera o la Batalla de los bastardos. Los ingredientes que estaban sobre la mesa eran perfectos para hacer un cóctel explosivo a la altura de lo que merece un desenlace como Juego de tronos. Pero ¿lo han conseguido? Solo tres consejos previos: cerremos las cortinas, elevemos el volumen y subamos el brillo de la pantalla. Porque la noche, como comprobaremos, es muy oscura. Quizá demasiado.

La larga noche comienza como lo hacen todas las tormentas: con un silencio previo al estruendo. El arranque ya de por sí es revelador y angustiante. No es gratuito que lo primero que veamos sean las manos temblorosas de Sam recibiendo una hoja de vidriagón para enfrentar al enemigo. Él representa la aprensión y el miedo que van a sentir los espectadores durante los primeros minutos de esta entrega. Porque, como decía H.P. Lovecraft, “la emoción más fuerte y antigua de la humanidad es el miedo, y el más fuerte y antiguo tipo de miedo es el miedo a lo desconocido”.

Es precisamente en estos primeros compases donde brilla la mano de Sapochnik para crear una atmósfera apropiada para el terror. Los largos planos, las imágenes suspendidas en la oscuridad y las miradas que, esta vez sí, sirven para subrayar la tensión y no para recalcar lo evidente. Lo único que se escucha es el metal, los alaridos de los dragones y los pasos sobre la nieve de los miles de Inmaculados. También el de una banda sonora magistral que, a golpe de tambores y graves sostenidos, invoca a la ansiedad en todas sus formas.

Las 55 noches que fueron necesarias para grabar esta batalla han merecido la pena a muchos niveles. Sin embargo, es evidente que el juego visual no ha salido tan bien como esperaría el director de fotografía Fabian Wagner, que quería que “la luz evolucionara con los personajes”. No solo por la penumbra en la que aparece bañado cada plano, que a veces son indistinguibles, sino por la escasa calidad que ofrecen los servicios de streaming para que ese contraste entre luces y sombras pueda realizarse sin ver un enorme pastiche negro y pixelado en pantalla. De hecho, cuando aparece Melisandre para invocar al Señor de la Luz y traer el fuego no solo hace un favor a las espadas de los Dothraki, también a los espectadores.

Es una pena, porque algunos planos son realmente bellos y deberían ser admirados en todo su esplendor. Uno de ellos es el de Jon y Daenerys contemplando desde una colina cómo ciento de puntos luminosos, que son los Dothraki cabalgando, se adentran en una neblina tras la que se esconden los caminantes blancos. Esas luces, sin embargo, duran muy poco tiempo encendidas.

Destaca la habilidad del director para intercalar cuatro líneas de conflicto: la de Daenerys y Jon en busca del Rey de la noche a lomos de los dragones, la del campo de batalla, la de la cripta de Invernalia en la que se encuentran personajes como Sansa o Tyrion, y la de Theon utilizando a Bran como rehén para atraer al líder de los caminantes. Esta última, por cierto, una idea carente de lógica narrativa. Ni tiene sentido el “plan” ni tiene sentido que solo decidieran llevar varios arqueros para defender el lugar al que supuestamente llegaría el máximo comandante del terror.

No solo lloran los débiles

Otro punto interesante de La larga noche es que se encargan de recalcar que el miedo y las lágrimas no solo es cosa de los más débiles. El único que tiembla no es Sam, como nos tienen acostumbrados. El Perro, Arya o incluso la propia Daenerys tienen el terror impregnado en sus miradas porque, en realidad, no hay nada más democrático que temer por la vida.

Se podrían destacar muchas escenas de acción, pero quizá una de las más reseñables sea aquella en la que Jon intenta alcanzar al Rey de la Noche mientras este levanta todos los cadáveres a su alrededor. El momento culmen de la impotencia. Con solo un gesto, hizo que todas las cicatrices (y mordidas) sufridas hasta entonces fueran en vano. Y no solo de acción bebe el episodio. Incluso los momentos más “calmados”, como el de Arya intentando escapar de una habitación repleta de espectros, consiguen mantener la atención sin que el ritmo decaiga.

Al contrario de lo que podríamos esperar no es una entrega con muertes sorprendentes (o al menos que no pudiéramos prever). Theon Greyjoy, Beric, Jorah Mormont… Quizá sí que es inesperado, y no porque no vaticináramos su caída, la temprana muerte del Rey de la Noche. Se rompe en pedazos cuando ni siquiera sabemos nada de él ni de su verdadero propósito, algo que no parece un epílogo digno para una pieza de este calibre. Otro de los personajes de los que nos despedimos es Melisandre, que acaba desvaneciéndose en la nieve bajo su forma natural después de que se cumpliera su profecía de encontrar el Azor Ahai, que en teoría es el salvador de los caminantes blancos. Como algunos vaticinaban, esta no era otra que Arya.

La pequeña de los Stark es la encargada de dar estocada (¿final?) al Rey de la Noche después de una escena a cámara lenta en la que ni él ni Bran intercambian siquiera media palabra. Resultaría extraño que la trama central de Juego de tronos acabara de forma tan sencilla y que el ejército de la noche no volviera a levantarse de nuevo. Es más: sería decepcionante que ahora las luchas se centren de nuevo en Cersei y en quién se sentará en el Trono de hierro. Pero habrá que esperar para comprobarlo, porque, si algo hemos aprendido, es que no se puede matar a lo que ya está muerto.

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Han pasado casi dos años desde que terminó la séptima temporada de Juego de tronos. La espera ha sido larga, pero el gran colofón, el que se supone que nos tiene que dejar temblando y sin aliento, como mandan los cánones con la llegada del invierno, ya está aquí. Todos los ojos estaban puestos en el pistoletazo de salida del gran desenlace. De hecho, fueron tantos que comenzaron con un primer muerto: los servidores de HBO España, que colapsaron ante la alta demanda.

La atención masiva estaba justificada. Después de ocho años asistiendo a intrigas, muertes y alianzas, el peligro contra los Caminantes Blancos está más cerca que nunca y el conflicto entre las casas, en teoría, queda relegado a un segundo plano para afrontar un enemigo mayor. Además, esta nueva temporada viene de forma condensada: serán solo seis episodios, aunque algunos de ellos incluso sobrepasan la hora de duración.

“Es un espectáculo. Los chicos han hecho seis películas”, dijo Richard Plepler, director ejecutivo de HBO, en una entrevista a Variety realizada a principios de 2019. Pero ¿de verdad se cumplen las expectativas? Repasamos qué nos ha dejado Invernalia, nombre que recibe el episodio, qué puertas se abren y qué misterios se resuelven. Por eso, si todavía no lo has visto, os aconsejamos que huyáis del artículo como fuego valiryo que trae el diablo porque, como no podría ser de otra forma, se avecinan SPOILERS.

Hay una buena noticia para todos aquellos preocupados en exceso por los spoilers: en este capítulo no hay casi ninguno. No ocurre nada que no supiéramos ya con anterioridad o que, al menos, se pudiera intuir. Las sorpresas brillan por su ausencia, algo destacable cuando no solo se trata de la primera entrega de una temporada, sino de la primera del ultimátum. Es cierto que el ritmo habitual de la serie es dejar los grandes acontecimientos para el final, pero, teniendo en cuenta que Pleper hablaba de “seis películas”, cabría esperar un poco más de la catalogada como una de las series más caras de la historia.

El arranque era esperanzador. Vemos a un niño escurrirse entre la multitud de Invernalia, saltando entre carretas y edificios en lo que parece un guiño al parkour de Bran al primer capítulo de la serie. Finalmente, se encarama a un árbol y desde allí contempla una enorme masa de puntos negros sobre la nieve blanca. Es, en cierto modo, aquello que estaban esperando los espectadores: la llegada de Jon Snow, Daenerys y todo su ejército al norte.

Es también lo que ya sabíamos, el reencuentro del “bastardo” con el resto de los Stark, el de El Perro con Arya, el de Tyrion con Sansa y el de casas tradicionalmente enfrentadas, como los Lannister y los lobos. La tensión se respira en cada mirada, algo que se remarca con un juego de planos muy poco sutil entre personajes enemistados. Era obvio que iban a darse este tipo de situaciones, lo que no sabíamos es que iban a ocupar casi todos los minutos y con diálogos tan faltos de sustancia.

Asimismo, los “nuevos” conflictos también tienen cierto sabor a añejo. Ya vimos cómo Jon Snow se enfrentó a la Guardia de la Noche por buscar ayuda en los salvajes más allá del muro, lo cual provocó que fuera apuñalado por los suyos. Ahora se repite la situación, pero siendo cuestionado por aliarse con Daenerys y su ejército. Podíamos imaginar que las luchas internas no iban a terminar con la unión de las casas, pero volver a narrativas ya exploradas no parece un alarde de originalidad.

Una de las escenas estrellas es en la que Jon intenta cabalgar al “hijo” de Daenerys a lo Cómo entrenar a tu dragón. Es el momento en el que más minutos se detienen y, curiosamente, uno de los que menos aportan más allá de contemplar a dónde van los 15 millones de dólares que cuesta cada episodio de esta hornada. En cambio, es una pena que el rescate de Asha Greyjoy, una de las premisas más interesantes con la que nos dejó la anterior temporada, acabe solucionándose en tan pocos minutos y con escasas complicaciones, como si fuera una línea narrativa descartada por los guionistas.

Aegon Targaryen, el heredero al Trono

Hay un claro cambio de tercio cuando aparece Samwell Tarly. Una situación aparentemente inocente, como es la de Daenerys dándole las gracias por haber curado la extraña enfermedad de Jorah Mormont, acaba con una brutal confesión: la del asesinato del padre y el hermano de Sam a golpe de dracarys. ¿El motivo? No arrodillarse ante la nueva reina. Después de mostrarnos a la Targaryen riendo, besando y cabalgando a lomos de Drogon, nos vuelven a asaltar cuestiones que ya creíamos abandonadas. ¿Es realmente válida para el trono? ¿Basta con ser “mejor” que Cersei? ¿Sería una líder tan nefasta como su padre, El Rey Loco?

Por su fuera poco, Sam es también responsable de decirle a Jon lo que ya conocíamos gracias a las revelaciones de Bran Stark: que es hijo de Rhaegar Targaryen y Lyanna Stark, siendo así el legítimo heredero al Trono de Hierro. “Renunciaste a la corona por salvar a tu pueblo. ¿Haría ella lo mismo?”, le pregunta el Tarly refiriéndose a La que no arde. Quizá, la línea de diálogo más importante de todos los 50 minutos. Es la que nos abre los ojos y, al mismo tiempo, nos hace sentir culpables por haber disfrutado sin habernos dado cuenta del autoritarismo de Daenerys. Ahora la responsabilidad recae en Jon. Tiene dos opciones: o revelar la incógnita y abrir una nueva disputa o callar y asegurarse la confianza de la Khaleesi. Ninguna será fácil.

En Desembarco del Rey, aunque no se profundiza demasiado, sí que se abren vías interesantes. Es difícil imaginar que Cersei, normalmente orgullosa y sin escrúpulos, acabe complaciendo a Euron Greyjoy sin tener un as debajo de la manga. Quizá sea la impotencia de verse con un ejército menos efectivo del que creía, pero la leona no acostumbra a actuar sin tener un objetivo en mente. De momento, ya sabemos uno de ellos: matar a su hermano con la misma ballesta que este utilizó para acabar con su padre.

El cierre es otro homenaje a los inicios. Si el piloto cerraba con Bran Stark siendo arrojado de una torre por Jaime Lannister, Invernalia acaba con esos mismos personajes intercambiando miradas después de años. Y, a juzgar por la expresión estoica de El Cuervo de Tres ojos (que ya ha dado lugar a memes), no parece que el recibimiento vaya a ser agradable. Habrá esperar para comprobar si en los próximos episodios terminan de cuajar los diálogos, las tramas y los copos de nieve que, de una vez por todas, traigan consigo el temido invierno.

Las cifras aseguran que en 67 episodios de Juego de tronos hemos asistido a 174.373 muertes, aproximadamente. Inmaculado arriba, inmaculado abajo. Siendo así, cualquiera que haya llegado a la octava temporada con la cabeza sobre los hombros, los ojos dentro de las cuencas y las extremidades libres de quemaduras de fuego valyrio es susceptible de sentarse en el Trono de Hierro.

En estos nueve años, la serie de HBO nos ha enseñado a no encariñarnos demasiado con los personajes, empezando por el rey de Invernalia y patriarca de los Stark. La muerte de Ned fue la primera que trastocó el plan mental de los espectadores, pero después llegaron otras muchas y mucho más traumáticas. Los supervivientes son pocos, y casi todos ellos han protagonizado un cartel sentados en el trono más ansiado. ¿Quién gobernará los Siete Reinos finalmente?

Aunque los favoritos se esconden tras los emblemas del lobo, el dragón y el león, hemos encontrado razones para doce de los aspirantes principales, no siempre los más previsibles. Pero ¿desde cuándo esa ha sido una de las características de la serie?

1. Daenerys

Si enumerásemos los títulos de Daenerys acabaríamos de una sentada con el espacio de su defensa, y la Madre de Dragones tiene muchas más características que la legitiman para ocupar el Trono de Hierro. Que es el personaje más poderoso de los que aspiran a gobernar los Siete Reinos no entra ni a debate. La hija menor del Rey Loco ha conseguido imponerse aún cuando empezó siendo el juguete intercambiable de su hermano Viserys para alcanzar el trono. Temporada tras temporada, la frágil Targaryen se ha repuesto sola de sus pérdidas hasta resurgir de las cenizas como una khaleesi temida por sus enemigos y respetada por sus aliados.

El único problema es que todos estos atributos -incluidos dos dragones- la convierten en la candidata más previsible, y Juego de tronos es una serie que gusta de hacer saltar todo por los aires. Su otro problema tiene nombre y se llama Jon Snow. El “bastardo” de los Stark es el único que le adelanta en la línea de sucesión, pero Daenerys no es de las que se deja intimidar por etiquetas. Se ha demostrado como una líder comprometida con su pueblo sin perder por ello la firmeza que requiere la corona. Sus rivales tienen dos opciones: hincar la rodilla o Dracarys. Ellos eligen, y Jon Snow no va a ser menos.

2. Jon Snow

Nos hemos pasado gran parte de la temporada llamándole bastardo, pero Jon Snow no era el único “que no sabía nada”. Nosotros también desconocíamos que en realidad es hijo del príncipe Rhaegar Targaryen y Lyanna Stark. Lo que parecía un aparente “secuestro”, como comprobamos en el capítulo en el que Gilly aprende a leer, en realidad fue una boda secreta orquestada con el consentimiento de ambos. ¿Qué quiere decir esto? Pues que tras el rey Loco, el último en sentarse en el Trono de Hierro tras la Rebelión de Robert, Jon Snow sería el legítimo heredero.

Además, su nombre es Aegon Targaryen y Daenerys, con quien ha flirteado en la última temporada, es su tía. Eso explica, entre otras cosas, que los dragones de La que no arde reciban cordialmente al lobo. Él encarna la esencia de esta historia: es de hielo y fuego, de los Stark y de los Targaryen. Ha demostrado ser un estratega como líder de Guardia de la Noche y una de las personas más cabales de la serie, fiel y sin miedo al peligro cuando se trata de enfrentar un mal mayor como son los Caminantes blancos.

3. Cersei

La leona es un tipo antagónico de reina al de Daenerys. Mientras que una se ha granjeado el respeto de sus acólitos desde cero, la Lannister ha heredado un poderoso ejército y un bastión infranqueable en Desembarco del Rey que mantiene a través de una dictadura del terror.

Pese a todo, Cersei se maneja mejor en el papel de reina madre que en el de poseedora del Trono de Hierro. Lo ha demostrado con sus hijos Geoffrey -asesinado por envenenamiento- y Tommen -tan infeliz que acabó arrojándose por la ventana ante la cruel venganza de su madre en el Gran Septo de Baelor contra los gorriones, Margaery y su hermano Loras-. Es excepcional manejando los hilos desde las sombras, pero en primera fila carece de un muro de contención.

Aunque se ha ganado el desprecio de la audiencia por jugar sus cartas con ambición y frialdad (y por su desprecio a Tyrion, uno de los favoritos), tiene un cerebro de superviviente. No se hundió cuando el Consejo Privado le dio la espalda porque no soportaban responder ante una mujer, cuando lloró sobre el cadáver de sus tres hijos, cuando la única persona a la que ha amado la traicionó o incluso cuando le lanzaron excrementos durante el “paseo de la vergüenza”. No será la más popular, pero Cersei le ha sabido dar la vuelta al marcador en los peores momentos y ahora, sin sus hijos, no tiene nada que perder. Y la falta de miedo es sinónimo de peligro: seguro la leona no se levantará tan fácilmente del Trono de Hierro.

4. Jamie

Sería curioso que el apodado como Matarreyes por acabar con Aerys Targaryen, al final, acabara ocupando el mismo puesto que este arrebató. Es uno de los personajes que más ha evolucionado a lo largo de la serie: ha pasado de príncipe de Disney a honrado antihéroe. Es inevitable que al comienzo fuera complicado no odiarle, sobre todo por una de las primeras escenas en la que nos lo presentan: tirando a Bran desde la torre.

No obstante, el camino de Jamie ha sido largo. Unos mercenarios le cortaron la mano derecha, ha comprobado ante sus ojos la muerte de su hija, Myrcella Baratheon, y ha visto con impotencia cómo Cersei le ridiculiza por querer marchar al Norte para luchar contra el enemigo común. El Matarreyes nunca ha sido ambicioso con el Trono, no es como Ned Stark o Jon Snow, pero precisamente por eso quizá pueda ser un líder con parte de bondad, como ya ha demostrado salvando a su hermano Tyrion o dejando escapar a Brienne de Aguasdulces.

5. Tyrion

“Bebo y sé cosas”, es la mejor descripción de Tyrion en sus propias palabras. El más pequeño de los Lannister es también uno de los personajes más queridos gracias a tener la mente más brillante de Poniente y la lengua más rápida de la televisión actual. “Dicen que soy un medio-hombre, ¿en qué os convierte eso a vosotros?”, espeta a los soldados justo antes de tomar el control en la espectacular batalla de Aguasnegras. Sus monólogos y sus consejos siempre sabios han ayudado a otros a acercarse al Trono de Hierro, ¿por qué no iban a servir con él mismo?

Por si eso fuera poco, una de las teorías más repetidas en los últimos tiempos es que Tyrion es también un Targaryen. Independientemente de apellidos y de casas, el enano cuenta con la audacia, la empatía y la inteligencia necesarias para ser el rey que querrían más de Siete Reinos.

6. Arya

Valar Morghulis (“Todos los hombres deben morir”) puede ser el refrán que defina la marca de Arya Stark. La pequeña de la casa de los lobos es también la más directa con sus intenciones: viajar por los siete reinos de Poniente tachando los nombres de su lista negra. Por el camino la hemos visto forjarse una nueva personalidad, servir a los Hombres sin Rostro y sufrir con el aprendizaje de Jaqen H'ghar.

También vengarse brutalmente de villanos como Walder Frey, responsable de la matanza de la Boda roja, y de Petyr Baelish, que acaba desollado ante los ojos de todos en Invernalia poniendo así fin al conflicto entre las hermanas Stark. Si tenemos en cuenta la filosofía de Arya, alejada de lo ornamental y de grandes ambiciones, resulta complicado imaginársela en el Trono de Hierro. Aun así, nunca se sabe qué giros nos pueden deparar en esta última temporada. O, más bien, bajo qué máscara se ocultará esta vez.

7. Sansa

Los personajes femeninos de Juego de tronos se han cocinado a fuego lento durante ocho años y el fenómeno bautizado como girl power escogió a la mayor de los Stark para ponerle cara a esa revolución. Sansa lo tenía todo para encabezar la quiniela de las muertes, pero ha sido una de las supervivientes más dignas de la última temporada y una buena candidata para acceder al Trono de Hierro.

Empezó siendo una niña arrogante cuya única aspiración era ser la mujer florero de algún rubio Lannister y terminó salvando el pellejo del mismísimo rey del Norte. Pero la pelirroja ha tenido que pasar las doce pruebas de Hércules para hacernos olvidar sus inicios. La han violado, ultrajado y casado con todo tipo de villanos a lo largo de ocho temporadas. Pero cuando al final decidió rebelarse, lo hizo por todo lo alto: observando cómo el último de sus maridos y agresores, el abyecto Ramsay Bolton, era devorado por sus propios perros. Solo por eso, y porque es la única que conoce desde dentro cómo funcionan las casas rivales, no sería descabellado pensar que Sansa tiene habilidades para reinar desde la Fortaleza Roja.

8. Bran

Es uno de los personajes más misteriosos de todo Juego de tronos. No se sabe con exactitud qué papel jugará en el tablero de Poniente, pero lo único seguro es que Bran, convertido en el Cuervo de los Tres Ojos, probablemente sea una de las claves entre la batalla entre las Casas y el ejército de los Caminantes Blancos. De hecho, hay que destacar su extraña relación con El Rey de la Noche, el cual llega a tocar al joven Stark en una de sus visiones.

“Nunca volverás a caminar, sino que volarás”, le dijo el anterior Cuervo a Bran. Y es que, a través de sus viajes en el tiempo, el Stark es capaz de modificar eventos ocurridos en el pasado que afectan al presente de la historia. Es lo que ocurrió con Hodor, que consiguió salvar a sus colegas de los Otros a cambio de tener las órdenes de Bran toda la vida retumbando en su cabeza: hold the door (aguanta el portón). Toda su existencia quedó reducida a una acción, una que ni siquiera fue voluntad propia. Por eso, también se sospecha que el chico minusválido pueda no ser tan bondadoso o inocente como al principio parecía, una razón que, conociendo los antecedentes de la serie, puede ser apropiada para acabar ocupando el Trono.

9. Melisandre

“Volveré, querida 'Araña', una última vez. Tengo que morir en este país extraño, igual que tú”. La sacerdotiza roja se despidió así de Varys en la séptima temporada dejando claro que todavía le falta una aparición más por Poniente para cumplir con el cometido del Señor de Luz. Es difícil pensar que Melisandre, un personaje bastante breve en la serie, se imponga en los Siete Reinos, pero si los carteles promocionales la sientan ahí es porque en Juego de tronos nunca se puede dar nada por sentado.

Además, no podemos desdeñar el inmenso poder de quien revivió a Jon Snow y cuyo control del fuego podría ser determinante para derrotar a los Caminantes Blancos. Según sus palabras y coordenadas, Melisandre va camino de Volantis para reunir a los sacerdotes rojos de cara a la batalla final. Una mano amiga que, si todo falla, podría terminar sentándose en el Trono de Hierro.

10. Sam

De acuerdo, imaginarse un mundo gobernado por el bueno Samwell Tarly resulta complicado, especialmente después de comprobar cómo es casi imposible pasar por el Trono sin tener un ápice de tiranía en el interior. Pero quién sabe. Sam, al igual que Jon Snow, llegó a la Guardia de la Noche como novato y acabó viajando hasta la Ciudadela para formarse como maestre. Suyo es el valor del saber, del conocimiento, atributos necesarios para vencer al Rey de la Noche.

Hay que recordar que Sam es el primero en descubrir cómo se mata a un Caminante Blanco. Lo hizo mientras escapaba de Craster con Gilly, su actual pareja, y su hijo recién nacido, los cuales fueron amenazados por la criatura de más allá del Muro. En ese momento, el por entonces asustadizo personaje aprovechó para clavarle la punta de una lanza hecha de vidriagón, material clave para derrotarlos. Otro de ellos es el acero valyrio, del que curiosamente está compuesta la espada ancestral (Veneno de Corazón) que Sam toma de su propia familia antes de abandonar la Ciudadela. No sería extraño que esta, al final, acabara siendo decisiva.

11. Theon Greyjoy

El que una vez fuera pupilo de Ned Stark y gozase de simpatía en la casa de los lobos, acabó traicionándolos. Desde ese momento, en el que prendió fuego a Invernalia e incluso mató por placer a dos niños, dejó de ser Theon y pasó a ser Hediondo. Al principio fue una lección de karma a la altura, pero hace falta tener el corazón de hierro forjado para no sentir lástima de las barbaridades cometidas por Ramsay Bolton.

En la última temporada, sin embargo, decide tomar las riendas de su vida y de su casa y acude a salvar a su hermana Yara, que se encuentra a merced del nuevo gran villano: Euron Greyjoy. Puede que Theon sea una de las primeras muertes de la octava temporada o que, por el contrario, consiga arrojar algo de luz a los nubarrones que le han estado acompañando desde que intentó demostrar a su padre que podía hacerse con Invernalia.

12. El rey de la Noche

Sería el final más trágico (o uno de ellos): que la amenaza de la que llevan avisandonos todos estos años no solo terminara llegando y atravesando el Muro, sino dominando los 7 reinos de Poniente. Imaginar un tablero con el Rey de la Noche como el jefe de la partida resultaría cuanto menos desolador, pero no sería la primera vez que la serie deja un sabor agridulce a los espectadores.

A su ejército no paran de incorporarse adeptos a cada cuál más temerario. El último de ellos es Viserion, uno de los dragones de Daenerys. Cayó derribado por una lanza mientras intentaba salvar a Jon y los suyos de una emboscada de espectros, pero el rey de la Noche acabó sumándolo a sus filas reconvertido en un dragón blanco. Todavía desconocemos si el hielo apagará el fuego o si, por el contrario, acabará derretido a base de llamaradas.

La espera parecía eterna, pero Juego de tronos vuelve el próximo 15 de abril. El invierno por fin se ha extendido sobre los Siete Reinos de Poniente y ahora, a las puertas del desenlace, toca repasar qué ha ocurrido durante las anteriores temporadas. Mucho ha llovido desde que vimos a Jon Snow recogiendo al que por entonces era su pequeño lobo huargo. Ahora todo es diferente.

Como nos avisaban, las bajas temperaturas no traían consigo nada bueno. Los caminantes blancos ya han llegado a un muro de hielo que ha resultado ser menos mágico de como nos lo pintaban. Y la guerra por sentarse en el Trono de hierro ha quedado relegada a un segundo plano, al menos momentáneamente. Lo que importa es unirse contra un enemigo común que, como ya ha demostrado, es capaz de arrasar con todo lo que se interponga en su paso.

Pero retrocedamos al pasado. ¿Cómo hemos llegado aquí? A través de siete temporadas hemos asistido a brutales spoilers que, en cierto modo, pueden servir como claves preparatorias para el colofón. La muerte de Ned Stark, la boda roja, el “dile a Cersei que fui yo”... Son muchos los momentos, a veces convertidos en memes, que nos han hecho taparnos los oídos, poner filtros a Twitter y enfadarnos con nuestros amigos. Pero ya basta de evitarlos. Repasamos los spoilers más importantes de Juego de tronos que nunca quisimos leer.

1. Ned Stark, sin trono y sin cabeza

El spoiler por excelencia. Fue el pistoletazo de salida al destripe de tramas y al consecuente cabreo de quienes no habían llegado a ese punto de la historia. Quienes desconocían que la cabeza de Ned Stark iba a acabar clavada en una pica, comprobaron enervados cómo la decapitación del honorable señor de Invernalia llegaba a aparecer incluso en los anuncios promocionales de algunas cadenas de televisión.

La muerte del bueno de Eddard no solo significaba el fin del personaje, sino el inicio de un conflicto que sería vital de cara los acontecimientos posteriores. Que Joffrey Baratheon decidiera acabar con él no es gratuito: Ned descubrió que el heredero del trono era realmente producto del incesto entre Cersei, que por entonces era esposa del rey Robert Baratheon, y su hermano, Jaime Lannister. El legítimo sucesor era entonces Stannis Baratheon, pero antes de que Stark lo hiciera público fue apresado y acusado de traición. El resto es historia.

2. Un romance pasado por llamas

Parece que ha pasado toda una vida, pero antes de ser Madre de Dragones, Daenerys iba a ser la madre del Semental que Monta el Mundo, fruto de su unión con Khal Drogo y líder según una leyenda Dothraki. El suyo fue un romance inesperadamente feliz y por eso la muerte de Drogo y del hijo que esperaban fue una de las más tristes del cómputo de la serie. También de las más relevantes: del fuego en el que incineró a su marido, sacrificó a la hechicera que les traicionó y en el que ella misma quiso arder, nacieron sus tres dragones.

Daenerys emerge ilesa de las llamas y es llamada La que no arde y Madre de Dragones. Bautiza a sus criaturas como Viserion, Rhaegal y Drogon, en memoria de sus dos hermanos muertos y de su esposo, y se convierte así en la primera mujer líder Dothraki y una khaleesi por derecho propio. El final de la primera temporada es clave para entender el carácter de la Daenerys actual cuya gran obsesión en la season finale será sentarse en el Trono de Hierro.

3. La marca de la traición

Tyrion es uno de los personajes que más ha evolucionado. Está a medio camino entre el bien y el mal, entre los Lannister y los Stark, entre Jon Snow y Daenerys. De repente, quienes no habían llegado al final de la segunda temporada, se encontraron en redes sociales una imagen del enano un tanto peculiar: con una cicatriz que le atravesaba toda la cara. ¿Cómo y por qué se produjo?

Para encontrar su origen hay que ir hasta la Batalla del Aguasnegras, contienda con la que Stannis Baratheon buscaba derrocar a Joffrey por considerar que no era el sucesor de la corona. Stannis les pilló por sorpresa: llegó a Desembarco del Rey con 200 naves y con el ejército de su contrincante desplegado en el norte. Solo quedaba el ingenio de Tyrion, Mano del Rey en funciones, y su habilidad para acabar con la ofensiva gracias al fuego valyrio.

Sin embargo, en mitad de la batalla, un guerrero llamado Mandon Moore que debía protegerlo intentó matarle. De no ser por su escudero, Podrick Payne, la cicatriz en la cara hubiera sido el menor de sus problemas. Pero ¿quién ordenó su muerte? “Solo dos personas pueden dar órdenes a la Guardia Real: el rey y el regente”, dijo Tyrion. Es decir, Joffrey y quien de verdad manejaba sus hilos: Cersei.

4. Hay un poco de rojo en mi sopa

Quizá la decapitación de Ned Stark precipitase los acontecimientos, pero si hay un spoiler que le quitó el sueño a los fans de la serie y a gran parte del equipo fue este. Lord Walder Frey tendió una trampa a los Stark después de que Robb rechazase desposar a una de sus descendientes eligiendo en su lugar a una plebeya. Sin embargo, fingiendo que todo estaba bien, organizó una nueva boda entre el hermano de Catelyn y otra de sus hijas que terminó en muerte para el Rey en el Norte, su mujer Talisa, su madre, su lobo y la mayoría de sus 3.500 vasallos.

Antes de cometer la masacre y convertir la celebración en “la boda roja”, los mercenarios disfrazados de músicos tocaron Las lluvias de Castamere, el himno de victoria de los Lannister. Aunque este acto de venganza fue ejecutado por Frey, el verdadero cerebro de la operación era Tywin Lannister. De esa forma, el patriarca de los leones sofocó la rebelión norteña y forjó una alianza con la que los Frey salieron bastante beneficiados, aunque les costó el honor por haber violado una de las tradiciones más antiguas y sagradas de la región: la de la hospitalidad.

5. Salchicha a la parrilla

Hay que poner en contexto lo ocurrido con Theon Greyjoy, que una vez fue pupilo de Ned y gozó de simpatía en la casa de los lobos. En un principio fue mandado como mensajero a Invernalia para aliarse con los Stark, pero decidió aprovechar la ocasión para conquistar el Norte y autoproclamarse príncipe del lugar. Entre otras cosas, para demostrar a su padre que era un guerrero válido y ambicioso. La jugada le salió mal. Para resistir el contraataque de los Stark pidió ayuda a la Casa Bolton, a quienes permitió pasar tras los muros con todo su ejército. Fue entonces cuando Ramsay Snow, el hijo bastardo de Roose Bolton, decidió arrasar con el lugar y tomar como rehén a Theon. Ahí comenzó su pesadilla.

En Fuerte Terror es ridiculizado, torturado y castrado por Ramsay (tal y como se bromea al final de la tercera temporada con escena de la salchicha), y además le obliga a usar el nombre de Hediondo. Lo trata como un animal apaleado para que se convierta en un fiel escudero con síndrome de Estocolmo. Sin embargo, se produce un giro de los acontecimientos. En la quinta temporada, Theon mata a Myranda, la amante de Ramsay, para ayudar a escapar a Sansa Stark de Invernalia, ya que después de ser obligada a casarse con Bolton estaba siendo maltratada de casi todas las formas posibles. Finalmente, Ramsay acaba siendo devorado por sus propios perros después de ser vencido en la Batalla de los Bastardos por Jon Snow.

6. El león se atraganta

En lo que a muertes disfrutables se refiere, la de Joffrey Lannister estaría al nivel de la del bastardo Bolton. Es más, antes de conocer a este último, el hijo de Jamie y Cersei pujaba por ser el personaje más despreciable y vil de la serie debido a sus burlas hacia Tyrion, sus abusos hacia Sansa y su brutal maltrato hacia todo ser vivo sobre el que tuviese potestad (que al ser el Rey de los Siete Reinos, eran bastantes).

En el episodio El león y la rosa se celebra la boda entre Joffrey y Margaery Tyrell, con quien decide casarse después de rechazar a Sansa para aliarse con el Dominio tras la masacre de casi todos los Stark. En el banquete hay una tarta de la que emergen palomas muertas y mucho vino. Margaery le da a comer de la primera, mientras que Tyrion rellena su copa en diversas ocasiones. Por eso, cuando el monarca empieza a adquirir un color púrpura (que le da el título a la boda) por culpa del veneno y muere ahogado, ellos dos se convierten en los principales sospechosos del asesinato. A Cersei, sin embargo, no le cabe duda y manda apresar a su hermano y a Sansa.

7. Qué bonitos ojos tienes

Oberyn Martell, también conocido como la Víbora roja, se nos presentó en la cuarta temporada como un invitado más de la boda de Joffrey con Margaery. Sin embargo, los planes de este al llegar a Desembarco del Rey iban más allá: quería formar parte del Consejo privado del rey para así vengar la muerte de su hermana Elia. Esta fue asesinada por los Lannister durante la Rebelión de Robert, conflicto mediante el que los Baratheon y sus aliados expulsaron a los Targaryen del Trono de Hierro.

Pero primero tenía que investigar quién se encontraba tras su asesinato. Como Tyrion estaba preso tras ser acusado del asesinato de Joffrey, Oberyn le propuso luchar por él en el juicio por combate si a cambio le decía quiénes fueron los verdugos de su familia. Y, precisamente, en la arena se enfrentaría a uno de ellos: Ser Gregor Clegane. O, como otros le llaman, La Montaña. De nada sirvieron las rápidas acrobacias de Oberyn. Una vez que el gigante le agarró con sus manos, le apretó la cabeza contra el suelo y le sacó los ojos con sus pulgares dando lugar a una de las muertes más virales y viscerales de la serie.

8. No estaba muerto, estaba de parranda

Fue uno de los grandes shocks de la serie. El querido Jon Snow terminaba la quinta temporada siendo acuchillado por sus propios compañeros de la Guardia de la Noche, los cuales no veían con muy buenos ojos que intentara unirse con los salvajes para enfrentarse a los caminantes blancos. Además, el autor de la estocada en el corazón sorprendió a muchos. Fue Olly, rescatado por los defensores del Muro después de que el Pueblo Libre asesinara a sus padres. Se convirtió en el protegido de Jon, pero este respondió de dos formas: matando durante la batalla del castillo negro a Ygritte, la salvaje de la que se enamoró el bastardo, y transformándose en su verdugo.

Sin embargo, tras un año conteniendo el aliento llegó la sexta temporada. Melisandre, totalmente abatida tras la muerte de Stannis, decidió utilizar su magia para intentar levantar el cuerpo del bastardo. Curiosamente la decisión estuvo apoyada por un personaje tan empirista como Davos, reacio a creer en todo fenómeno paranormal. Pero la situación lo requería: no tenían aliados y, para colmo, quienes traicionaron a Jon eran personas consumidas por el odio hacia los salvajes. El viejo caballero de la cebolla sabía que solo podía enfrentar lo que llegaba desde más allá del muro con un milagro. Y, al final, sus plegarias fueron escuchadas.

9. “Hodor”, -Hodor.

Justo cuando empezábamos a entender mejor la relación entre Bran y el Cuervo de los Tres Ojos, eliminaron de un plumazo a uno de los personajes más queridos de la serie: Hodor. Lo bueno fue que gracias a eso conocimos la misteriosa naturaleza del grandullón silencioso. Todo comienza con Bran accediendo sin permiso del Cuervo a los recuerdos del pasado y perdiendo el control hasta desvelar su paradero al líder de los Caminantes Blancos. Minutos antes, el joven había asistido a su origen: los Hijos del Bosque atravesaron a un hombre con una espada de vidriagón para defenderse y, sin quererlo, crearon al primer caminante.

Pero antes de dejarle huir, el Cuervo decide enseñarle a Bran un último recuerdo. Ambos se trasladan a Invernalia, cuando Ned Stark era un niño y era amigo de un mozo de cuadras llamado Wyllis. Mientras Bran transita el pasado, los Otros entran en la cueva y, usando su habilidad de cambiapieles, se mete en el cuerpo del Hodor adulto. En ese momento se obra la conexión entre Wyllis y Hodor, que consigue salvar a sus colegas sujetando el portón de la cueva y, con las órdenes del futuro retumbando en su cabeza (“hold the door”), Willys comienza a convulsionar mientras se repite esta frase hasta que solo es capaz de pronunciar una única palabra que deriva de ella: Hodor.

10. La venganza es un plato que se sirve bien verde

Cersei confió en el Gorrión Supremo y en su comunidad de fanáticos religiosos para desmontar a la Casa Tyrell. El plan parecía sencillo. Solo bastaba con darles poder político y dejar que ganaran influencia sobre el pueblo para más tarde revelarle la homosexualidad de Loras Tyrell, hermano de la reina Margaery. Pero Lancel Lannister, con quien Cersei mantuvo relaciones en el pasado, confesó al Gorrión las relaciones extramatrimoniales que mantuvo con su familiar. Como consecuencia, fue condenada por incesto y obligada a pasear desnuda por Desembarco del Rey bajo insultos y pedradas.

Aun así, su venganza hizo que, literalmente, todo estallara por los aires. Mientras Loras Tyrell comparecía por “sus pecados”, Cersei lo planeó todo para que el Gran Septo de Baelor ardiera con el mismo fuego valyrio que Tyrion usó durante la batalla de Blackwater. Margaery, Lancel y el resto de los gorriones fueron reducidos a cenizas. Se cumplió su plan, pero al mismo tiempo también se acercó a la profecía de Maggy la Rana que le ha estado persiguiendo toda su vida: “Reina serás… hasta que llegue otra más joven y más bella para derribarte y apoderarse de todo lo que te es querido”, le dijo la bruja en el pasado.

11. Me voy, pero te dejo este premio

¿Recordáis la Boda Púrpura? Cersei pensó que Sansa y Tyrion habían envenenado a Joffrey con el vino, pero tuvimos que esperar tres temporadas más para conocer la verdad. “Odiaría morir como tu hijo. Agarrándome del cuello, echando espumarajos y bilis por la boca, con los ojos inyectados en sangre y la piel morada”, le dice Olenna Tyrell a Jaime Lannister mientras ingiere una copa de vino envenenada. La anciana le da el último golpe a Cersei confesando que fue ella quien pergeñó el asesinato del Rey de los Siete Reinos y recién estrenado marido de su nieta Margaery. Quizá la leona hubiese conseguido asediar Altojardín y acabar con toda la línea Tyrell, pero Olenna muere dándole una estocada en su único talón de Aquiles: la muerte de sus hijos.

12. 'Blue is the new black'

Todo comenzó con un magnífico plan: capturar a un caminante blanco para llevarlo hasta Desembarco del rey. Según Jon y compañía, era la única forma de que Cersei creyera en el inminente peligro más allá del Muro, aunque (sorprendentemente) acaban atrapados en mitad del hielo por una horda de espectros. En el último momento aparece Daenerys junto a sus dragones a golpe de dracarys, pero el Rey de la Noche, ante la atenta mirada de La que no arde, arroja una lanza que impacta en Viserion y hunde su cuerpo en las profundidades del lago helado.

Pero lo que parecía una víctima caída realmente se transformó en un arma de guerra para el ejército de la noche. Los espectros utilizaron unas enormes cadenas, cuya procedencia se desconoce, para arrastrar a Viserion fuera del agua y convertirlo en uno más dentro de sus filas. De hecho, es quien reduce el Muro a añicos con una simple llamarada gélida.

13. Hincar la rodilla o 'dracarys', tú eliges

Hizo falta que muriese uno de los hijos de la Targaryen para que Jon hincase la rodilla. Hasta entonces, ni la conexión vivida en la cueva de Vidriagón ni la venganza común hacia los Lannister había sido suficiente para que el Rey en el Norte reconociese a Khalessi como la legítima candidata al Trono de Hierro. Sin embargo, cuando ella le rescata del lago y de los caminantes a lomos de Drogon, al bastardo no le queda más remedio que asumir lo evidente: ante los muertos, más vale ceñir los lazos entre los vivos.

Y hablando del apelativo de “bastardo”, llegamos al gran quebradero de cabeza. ¿Son Jon y Daenerys tía y sobrino? Justo cuando empiezan a intimar, un extraño flashback nos muestra que la hermana de Ned Stark y el hermano mayor de Daenerys, Rhaegar Targaryen, se casaron en secreto y de su unión nació un niño bautizado como Aegon Targaryen. Pero antes de morir tras el parto, la Stark le encomendó a Ned el cuidado del bebé, que desde ese momento empezó a llamarse Jon Snow. Una noticia que complica la línea de sucesión del Trono de Hierro pues, antes que Daenerys, Rhaegar y su prole tendrían la prioridad. ¿Se levantará del suelo Jon ante la noticia obligando a la Khalessi a hincar la rodilla ante él?

Y con esto y un bizcocho, preparados para los spoilers de la temporada ocho.

360

Netflix se ha convertido también en un canal para rarezas que, de otra forma, jamás llegarían a ser descubiertas. El modelo de exhibición tradicional, aunque se resiste, está tornando a uno nuevo en el que no importa tanto la exclusividad ni el número de espectadores, sino las ideas. En algunos casos son brillantes y, en otros, como ocurre con Recuerdos de la Alhambra son completas idas de olla.

A priori, el Reino nazarí de Granada, Corea del Sur y videojuegos de realidad aumentada son tres conceptos separados. Incluso contradictorios. Sin embargo, todos han acabado mezclados entre sí dando lugar al surrealista thriller que esta semana llega a Netflix y que, curiosamente, se titula igual que la canción de guitarra clásica compuesta por Francisco Tárrega en 1896. De momento solo están disponibles los dos primeros episodios, pero irán llegando semanalmente a medida que sean emitidos por la cadena surcoreana TVN.

Recuerdos de la Alhambra cuenta la historia de Yoo Jin-woo, un importante empresario que visita la ciudad de García Lorca después de recibir la extraña llamada telefónica de un joven de 17 años. Su misión es encontrarle en el Hostal Bonita y hablar de un proyecto que podría cambiar el mundo. “La mayoría de la gente viene a Granada a ver la Alhambra, pero yo he venido a ver otra cosa. Algo más mágico que la Alhambra”, afirma con rotundidad su protagonista mientras camina por el barrio del Albaicín.

La serie deja clara su rareza desde los primeros compases. El Hostal Bonita está en pleno centro y se encuentra regentado por una familia de surcoreanos, dando lugar a una curiosa mezcla asiática y andaluza propia de una reunión de intercambio de idiomas. De hecho, es en estos instantes donde el capítulo parece más un proyecto de clase que una serie publicada por Netflix. Yoo Jin-woo molesto por subir con la maleta hasta el sexto piso, Yoo Jin-woo quejándose de que no tiene un enchufe en la habitación, Yoo Jin-woo sin poder comer unos fideos a las dos de la mañana porque una joven se pone a bailar a esa hora en la cocina… etc.

En ningún momento sabemos por qué está tan fastidiado, y probablemente ni siquiera nos importe, pero el capítulo no tiene reparo en tomarse suficientes minutos para dejar claro que un gran empresario coreano ha llegado a Granada para hacer algo ultrasecreto.

“Magia, he venido hasta aquí para ver esta magia”, vuelve a recalcar el empresario una vez que sale del hotel y se lanza a la calle. De repente, una especie de misil sale de la Alhambra y destroza un edificio en pedazos levantando una gran neblina. Es entonces cuando comienza la fantasía de la serie. Aparece un jinete terrorífico, a lo Nazgûl del Señor de los Anillos, que en realidad resulta ser un soldado de la Corona de Castilla con flechas clavadas en la espalda. Pero ahí no acaba la cosa.

La estatua de un guerrero del Reino nazarí cobra vida y desciende hacia el protagonista dando un agresivo espadazo contra el suelo. Lo que sucede son planos detalles sostenidos durante 30 segundos viendo la sangre gotear. “Análisis del objetivo: golpe crítico -100, cerrando sesión”, se lee en la pantalla. La batalla no tiene ninguna coordinación y carece de tensión, pero todavía resulta más inverosímil que la acción se esté desarrollando en una pequeña plaza de Granada.

“Bienvenido al año 1492 en Granada”

Es entonces cuando se descubre todo el secreto de la trama, si es que había alguno. Yoo Jin-woo llegó a Granada para probar un revolucionario videojuego de realidad aumentada creado por el joven del que recibió la llamada. Solo le basta una lentilla y un pinganillo para adentrarse en la Granada de 1492, en plena guerra entre los nazaríes y las Coronas de Castilla y Aragón. Y, como si se tratara de una mala imitación de Assassin's Creed, el protagonista recibe instrucciones en la pantalla: “no hay aliados ni enemigos, debes sobrevivir. Consigue oro completando misiones, hay misiones ocultas en el poblado. No tienes armas, consigue una”.

El camino, además, está indicado por unas flechas que llevan al empresario entre las estrechas calles de Granada hasta llegar al cuarto baño de un bar. Allí es donde encuentra una espada de hierro oxidado con ataque de nivel 50 que desciende desde el techo, como si fuera una parodia de bajo presupuesto de Ready Player One.

Lo curioso es que, mientras Yoo Jin-woo blande su arma, el resto no puede ver qué sostiene entre sus manos. Lo único que aprecian es a un surcoreano agitando los brazos con violencia mientras camina por la capital andaluza. Su objetivo es acabar con el guerrero nazarí que previamente le había matado, tarea que acaba siendo más complicada de lo que parece: el empresario lo intenta una y otra vez mientras el soldado rompe su espada y le hace volver a la taberna para recuperarla.

“En lugar de la Alhambra, la principal atracción de Granada, la ciudad será conocida por su magia. La ciudad será la meca de los usuarios, igual que la primera tienda de una franquicia es la más famosa”, dice el empresario después de pasar toda la noche peleando ante la curiosa mirada de los granadinos.

El primer capítulo de Recuerdos de la Alhambra da lo que promete: planos de Granada, luchas de espadas y realidad virtual en primera persona con música maquinera, como un videoclip de Prodigy. Un vistazo al tráiler es suficiente para comprobar qué se puede esperar de una hora de un producto a medio camino entre la telenovela surcoreana y la fantasía de unos estudiantes de audiovisuales. Pero, por extraño que parezca, como ocurre con aquellos videojuegos en los que gastamos más horas de las que nos gustaría reconocer, tiene algo que engancha. Veremos si Yoo Jin-woo consigue llegar al máximo nivel.

La transformación de Jimmy McGill está a punto de completarse. Better Call Saul llega al final de una cuarta temporada que, de una vez por todas, parece abrir la puerta al abogado sin escrúpulos que colaborará con Walter White para “lavar” dinero. Llegan los trajes de colores, los anuncios televisivos cutres y los engaños por doquier. Porque, al igual que ocurre en Breaking Bad, su spin-off es la historia de alguien que baja al infierno tras una serie de catastróficas desdichas. Algunas de ellas, como se ha podido comprobar, bien merecidas.

Jimmy ha emprendido un viaje oscuro sin retorno. El camino no es recto, sino que hace zigzag entre el bien y el mal, entre “la verdad y nada más que la verdad” y “el dinero y nada más que el dinero”. Saul Goodman aparece del mismo modo que lo hizo Heissenberg: arrastrando a todos sus amigos y familiares hacia un pozo sin fondo. Son ellos las verdaderas víctimas del que en realidad es el antagonista.

El paso del yin al yang ha estado, de nuevo, meticulosamente orquestado por Vince Gilligan. Better Call Saul es una serie pausada, con largos monólogos y escenas sostenidas a base de miradas incómodas. Pero los detalles suministrados con cuentagotas a veces son los peores: cuando el espectador se da cuenta el recipiente ya está rebosando. Le ocurrió a Walter, y también a Jimmy. Por ello, hacemos un repaso por los puntos más importantes de esta temporada para recordar cómo, casi sin darnos cuenta, hemos acompañado al ilustre abogado hacia la perdición. A partir de aquí, comienzan los SPOILERS.

1. Crónica de una ruptura anunciada

“No creo que ninguno de nosotros entendiera lo importante que es Kim Wexler para el programa y para Jimmy cuando empezamos”, explica el guionista Peter Gould en The Hollywood Reporter. Ella es la verdadera salvadora, la única que tiene valor para continuar ascendiendo a pesar de estar acompañada por una nube gris llamada Saul Goodman. Consiguió salvar a Huell Babineaux tras golpear a un policía e incluso quizá, y esto es una hipótesis, modificara la carta que Chuck dejó póstumamente a Jimmy para convertirla en una emotiva despedida. Lo único seguro es que trató de minimizar un supuesto problema, el de leer el testimonio de un hermano fallecido, que luego su pareja enfrentó impasible mientras desayunaba cereales.

La discusión en la azotea del penúltimo episodio fue clave: “Jimmy, tú siempre estás abatido”, le recriminó Wexler para frenar un enésimo intento de convertir la charlatanería en victimismo. “La pesadilla no es que ella rompa con Jimmy. La pesadilla es que ella no lo hace”, aclara Gould en la entrevista de THR. Las jugarretas de Saul casi siempre terminan salpicándola de una forma u otra, ya sea implicándola en la defensa de un criminal o haciéndole cómplice de sus mentiras (como en el capítulo final). No obstante, su paciencia tiene un límite. Uno que, por lo visto, está a punto de alcanzar.

2. La muerte de Chuck

Este punto está relacionado con el anterior, pero merece un apartado por sí solo. Finalmente Jimmy recuperó su licencia de abogado tras recurrir a una junta de apelaciones y engañar a todos, incluyendo Kim Wexler. Les hizo creer que de verdad estaba afectado por la muerte de su hermano, que le marcó como persona y como abogado, y que intentaría rendir homenaje al apellido McGill a toda costa. Nada de eso. Solo bastó un minuto para que Jimmy decidiera abandonar su nombre original para ejercer como Saul Goodman.

“Creo que él realmente interiorizó cómo Chuck pensó de él. En el fondo cree que es un mal tipo y que es indigno”, explica Gennifer Hutchison, otra guionista de la serie, en The Hollywood Reporter. Jimmy se resiste a aceptar que su hermano, a pesar de todo, ha terminado condicionado su forma de ser. Como se recuerda constantemente a través de flashbacks, juntos vivieron una serie de encuentros de amor fraternal en los que la frustración también tenía cabida: Jimmy se ha sentido inferior y ridiculizado. La forma de canalizarlo ha sido a través de la indiferencia, tanto hacia Chuck como hacia todo lo que representa.

3. Las ansias de poder

Es rara la iniciativa de Jimmy que no acaba siendo una coartada para algo. De esta manera, buscar trabajo se convierte a la vez en una estratagema para ganar más dinero valiéndose de los métodos menos apropiados. Su posición no es estar detrás de un mostrador esperando para atender, algo que demuestra robando estatuas valiosas o vendiendo teléfonos “irrastreables” (o rompibles).

Saul prefiere tomar los “atajos” de un sistema que no considera justo, tal y como demuestra la charla que da a la adolescente que perdió la oportunidad de ser becada por Hamlin, Hamlin & McGill: “Ellos nunca te van a dar la ayuda. Tu error te acompañará durante el resto de tus días, así que no juegues limpio”. De nuevo, vuelve la sombra del Jimmy discriminado con ansias de venganza.

4. Las malas compañías

La manida frase de “dime con quién anda y te diré quién eres” se puede aplicar al pie de la letra con Jimmy McGill. No es que lleve una doble vida, lleva muchas: cuando está con Kim, cuando intenta conseguir trabajo, cuando de repente se convierte en el consejero de Howard Hamlin... etc.

El abogado no duda en rodearse de personas como Huell Babineaux, Mike Ehrmantraut (que esta vez le ignora) y demás nombres vinculados con actividades delictivas. Es, curiosamente, la faceta en la que parece sentirse más cómodo: especulando con la venta de móviles por el día y volviendo a su casa por la noche para dormir con Kim. Juntos en la misma cama, pero separados por una línea que cada vez tiene menos de imaginaria.

5. Cada vez más Breaking Bad

Como se nos recuerda con cada inicio de temporada, las cosas no acaban bien para el abogado. Vive con otra identidad, convertido en pastelero y con la continua sospecha de que puede ser asesinado en cualquier momento. Sin saberlo, Jimmy está dando pasos hacia el universo de Breaking Bad y la metanfetamina azul.

Mientras lucha por volver a ejercer como abogado, se está construyendo una fábrica subterránea que acabará siendo el epicentro de la droga exportada a Nuevo México. Como si de un efecto dominó se tratase, todas las piezas van cayendo hasta llegar a Saul Goodman y, por ende, hacia su fracaso. No solo como abogado, también como persona.