Del 6 al 12 de junio, el papa León XIV visita España en el que será el primer viaje de un pontífice en 15 años, después de la última visita de Benedicto XVI y que supone también el primero a un miembro de la Unión Europea desde que comenzara su papado. Uno de los puntos destacados de su agenda es la Santa Misa que ofrecerá en Madrid el domingo 7 de junio en la Plaza de Cibeles, y donde se usará una pieza con una curiosa historia.

Para esa Santa Misa del domingo, se va a usar el llamado Cáliz de la Reina, según ha confirmado la Archidiócesis de Madrid, y que recibió este nombre porque fue un regalo de la reina María de las Mercedes, primera esposa del rey Alfonso XII, a las Religiosas de la Asunción en 1878, porque les tenía mucho cariño, ya que había estudiado con ellas.

Esta pieza se encuentra actualmente en el Museo de la Catedral de la Almudena después de que el cardenal Carlos Osoro la donara al recibirla como regalo por parte de la Congregación de la Asunción en 2022 y la Santa Misa del papa León XIV este domingo 7 de junio será la primera ocasión en la que se use en una gran celebración religiosa.

El cáliz fue elaborado por los artesanos joyeros de la casa Ansorena como encargo de la monarca, y tiene un estilo propio de la segunda mitad del siglo XIX, de estilo neogótico, ornamentado con motivos vegetales, esmaltes y piedras preciosas, llamando la atención también detalles como la base, donde se pueden observar representaciones figurativas como las de Santa Catalina de Siena, Santa Teresa de Jesús, Santa Cecilia Mártir, Santa Rita de Casia y la Inmaculada Concepción, rodeadas por la imagen de un Cristo cruzificado.

Quién fue la reina María de las Mercedes

María de las Mercedes de Orleans y Borbón es una de las reinas consortes más desconocidas y con una historia más breve en la historia de España, que falleció con tan solo 18 años y pocos meses después de su matrimonio con el rey Alfonso XII, siendo la única reina que ha nacido y muerto en el Palacio Real de Madrid.

Si bien no es una de las reinas más conocidas de la monarquía española, su nombre sí que estuvo vinculado a la cultura popular debido a la película ‘¿Dónde vas, Alfonso XII?, donde la consorte fue interpretada por la actriz Paquita Rico.

María de las Mercedes fue la quinta hija del duque de Montpensier, Antonio de Orleans, y la infanta Luisa Fernanda, hermana de la reina Isabel II y segunda hija del rey Fernando VII. Si bien se casó con su primo el rey Alfonso XII, no contaba con la simparía de su suegra y tía, en parte por la relación de su padre con la monarca exiliada, que no asistió a la boda de los jóvenes en la Basílica de Atocha en enero de 1878. La joven fallecería tan solo seis meses después del enlace, el 26 de junio de ese mismo año en el Palacio Real de Madrid.

Promotora de la Catedral de la Almudena

A pesar de su corta existencia y su breve período como reina consorte de España, María de las Mercedes es considerada la impulsora de la Catedral de la Almudena, donde reposan actualmente sus restos mortales a los pies de la Virgen en el altar mayor. Estos fueron trasladados en el año 2000 por parte de Juan Carlos I para cumplir la última voluntad de Alfonso XII.

Diez años antes de su matrimonio, en 1868, se había demolido la iglesia de Santa María la Real de la Almudena y la Virgen no tenía casa, así que una delegación pidió a la joven reina ayuda en un encuentro. Sería a instancias de su esposa que el rey Alfonso XII cedió unos terrenos junto al Palacio Real, a escasos metros de dónde se situó la iglesia primitiva y que daría lugar a la actual Catedral.

En un principio se planteó una sencilla iglesia, pero a la muerte de la reina se decidió convertirla en proyecto de catedral, que fue encargado al Marqués de Cubas, que se encargó también de diseñar un mausoleo para albergar el cuerpo de la joven, que se enterró de forma provisional en el monasterio del Escorial, en el panteón de infantes. Actualmente, el Museo de la Catedral de la Almudena conserva varios retratos y objetos que pertenecieron a la reina como homenaje.

El Mundial 2026 de Estados Unidos, México y Canadá cuenta sus días para el comienzo de la competición, y las selecciones se encaminan hacia sus sedes para la disputa de la primera fase de grupos, entre las que una de las novedades es el regreso de Noruega, liderada por Erling Haaland y Martin Ødegaard.

Esta nueva generación de futbolistas noruegos ha supuesto la vuelta de Noruega a una Copa del Mundo 28 años después en el que será su cuarta participación gracias a la nueva expansión de esta competición, que con 48 equipos ha permitido el regreso de selecciones históricas, debuts sorprendentes, pero tampoco ha evitado ausencias destacadas como la de Italia.

La Noruega de Haaland en el Mundial 2026

La selección noruega, que se ha hecho viral con su foto oficial en la previa del Mundial 2026 al vestirse de vikingos y hacerlo con el espectacular paisaje de un fiordo como fondo, llega como una de las mejores historias de la Copa del Mundo.

Encuadrados en el Grupo I junto a Francia, Senegal e Irak, los noruegos aspiran a obtener el mejor resultado en su cuarta participación en un Mundial, pudiendo aspirar a alcanzar los octavos de final. Debutan el 16 de junio ante Irak, y certificarán el regreso histórico más destacado, propiciado por el entrenador Stale Solbakken, que ya estuvo en la que es, hasta ahora, la mejor hazaña de Noruega: el haber ganado a Brasil en 1998.

El mejor Mundial de Noruega hasta la fecha: Francia 1998

La selección noruega vuelve a un Mundial 28 años después, cuando logró el que es su mayor hito, el haber ganado a Brasil en la fase de grupos de Francia 1998 y consiguieron pasar de ronda por primera vez en tres participaciones, aunque luego acabarían siendo eliminados por Italia, un combinado nacional que se ha cruzado continuamente en su camino.

De hecho, Francia 1998 supuso el segundo Mundial que jugaron de forma consecutiva, y llegaban al partido ante Brasil sin apenas opciones de clasificarse para la siguiente ronda, al empatar con Marruecos (2-2) y Escocia (1-1). Sin embargo, en el Stade Velodrome de Marsella, terminaron por imponerse al conjunto brasileño de estrellas como Rivaldo, Ronaldo o Roberto Carlos, por 1-2 con goles de Tore Andre Flo y Kjetil Rekdal. Gracias a esto, Noruega es la primera selección que no conoce la derrota con los brasileños en sus primeros tres enfrentamientos, récord que siguen teniendo.

La historia de la selección de Noruega en los Mundiales de fútbol comenzó también en Francia, en 1938, pero entonces se disputaban de eliminación directa e Italia les apeó a las primeras de cambio tras una prórroga. No volverían a una Copa del Mundo hasta 1994, cuando regresaron precisamente también en Estados Unidos, al que también llegaron tras haber dejado fuera a una grande como Inglaterra (en este 2026 lo hicieron con Italia). En este no tuvieron tanta opción al haber sido encuadrados en el Grupo de la Muerte ante México, Italia e Irlanda, sin conseguir clasificarse al haber finalizado en último puesto.

Los regresos históricos, ausencias y debutantes en el Mundial 2026

La hazaña de Noruega en el Mundial 2026 no es la única que se han dado en esta Copa del Mundo, que con 48 equipos ha supuesto debutantes llamativos como Uzbekistán, Jordania, Curaçao o Cabo Verde, mientras también ha propiciado regresos históricos como los de Escocia y Austria, que tampoco habían participado desde Francia 1998, y Haití, que vuelve tras 52 años al haber solo disputado el Mundial de Alemania 1974.

Las 48 plazas del Mundial 2026 no han impedido ausencias destacadas de selecciones como Italia, cuya goleada recibida por Noruega fue un golpe relevante, o las de Nigeria, Camerún, Polonia o Dinamarca. Este último país bromeó en redes sociales con la idea de que animarían a España al no tener un equipo al que hacerlo.

Sin casi descanso de lo sucedido en Mugello el pasado fin de semana, el campeonato de MotoGP aterriza en Hungría, en el circuito de Balaton Park, cerca de Budapest, que afronta su segunda cita de la historia tras debutar el pasado año con victoria de Marc Márquez, que es uno de los nombres protagonistas de esta cita.

El circuito de Balaton Park es un trazado que aspira a generar más lucha en el Mundial, con un sus 4.075 metros y 17 curvas a la izquierda, donde Marco Bezzecchi tendrá que defender su liderato con una ventaja de 17 puntos respecto a su compañero de equipo, Jorge Martín, que, sin embargo, prefiere dar como favorito a Márquez:

“He mejorado mucho desde Mugello. Me siento muy bien. Estoy en uno de los mejores momentos de mi carrera en cuanto a condición física. Creo que es importante que todos los pilotos sean fuertes. Marc aquí marcó la diferencia el año pasado, fue dominante de una forma increíble y seguirá siendo el hombre a batir este fin de semana”, declaró ante los medios.

Pero en el otro lado está precisamente un Marc Márquez, al que todos ven favorito, mientras él prefiere ser prudente con su estado de salud, en plena recuperación de su operación en el hombro: “Se podría optar, sí, pero no toca. No voy a caer en la trampa. Han pasado solo cuatro días. El cuerpo no hace milagros, aunque sí se va adaptando”, afirmó en los micrófonos de DAZN.

Y es que el predominio de curvas a la izquierda encaja con el estilo de pilotaje del de Cervera, siendo así un escenario ideal, pero habrá que ver cómo se encuentra y si puede realmente competir con Bezzecchi o Martín. Otro español en la parrilla de MotoGP, Pedro Acosta, también lo ve como el principal rival: “Es cierto que no esperaba sufrir tanto en Mugello el domingo. También es positivo porque el mayor problema fue que me destrozaban en la recta varias veces, y en teoría eso no debería pasar aquí. Pero nunca se sabe. El año pasado solo había una Aprilia, este año hay cuatro. Marc vuelve, y seguro que pensando en recortar puntos en el campeonato. Será un fin de semana competitivo”.

Con muchas ganas en Hungría llegará otro español, Raúl Fernández, que demostró ser uno de los que tenían más opciones en Italia, donde se llevó la sprint, y sin querer pensar todavía en su futuro, sin renovación todavía firmada. “Lo siento, no hablaré más sobre mi futuro. Prefiero centrarme en lo que estamos haciendo. Tengo un buen equipo a mi alrededor con el que trabajo muy bien, así que estoy tranquilo”, zanjó.

Este fin de semana todavía Johann Zarco y Álex Márquez serán bajas, recuperándose de las lesiones de sus graves accidentes que tuvieron en el Gran Premio de Catalunya. El español y segundo clasificado del Mundial de SBK, Iker Lecuona, sustituirá a Álex Márquez.

Horarios GP Hungría 2026 de MotoGP

Viernes 5 de junio:

Sábado 6 de junio:

Domingo 7 de junio:

Dónde ver el Gran Premio de Hungría de MotoGP por TV

El fin de semana al completo de MotoGP y el devenir de pilotos españoles como Marc Márquez, Pedro Acosta, Jorge Martín o Raúl Fernández se podrá seguir a través de la plataforma DAZN, que tiene los derechos de la competición, así como de las categorías inferiores, de Moto2 y Moto3. Tanto los libres como la sprint y la carrera se podrán ver en directo o diferido.

La Fórmula 1 llega al que es uno de sus circuitos con más historia y más populares del calendario, el Gran Premio de Mónaco, que a sus calles estrechas y muros añade las novedades de las reglas técnicas en la que la aerodinámica activa se desactivará durante todo el fin de semana, algo que todavía no había sucedido este año, a lo que se une también la limitación de velocidad máxima, para proteger la seguridad de los pilotos.

Todas estas novedades y limitaciones en un circuito que es uno de los más complicados para adelantar, pero que en esta ocasión podría tener más opciones con monoplazas diez centímetros más cortos y estrechos, además de más ágiles, lo que dará una de las luchas más abiertas e igualadas.

Charles Leclerc, piloto e ídolo local, quiere ponerle las cosas difíciles a los Merdedes, como dejó caer en la previa: “Si hay un circuito en el que apostaría por nosotros, sería Monaco”, expresó. Actualmente es tercero en el Mundial con 75 puntos, 56 menos que Kimi Antonelli, líder, que le saca 43 a su compañero de equipo e inmediato perseguidor, George Russell.

Una pelea en la que Lewis Hamilton y Max Verstappen también quieren tener su parte de lucha. “No sé cómo se comportará el coche mañana. Mónaco puede deparar algunas sorpresas, pero, siendo realistas, el coche va bien a baja velocidad; sin embargo, aquí hay que rendir bien sobre los baches y los bordillos, y nosotros no lo hacemos...”, comentó el piloto neerlandés sobre sus opciones.

Fernando Alonso más optimista en Mónaco

En cuanto a los pilotos españoles, Fernando Alonso llega más optimista de lo habitual después de haber abandonado en la última carrera en Canadá, pero con mejoras en su coche y manejabilidad. “No lo sé, esto es Mónaco. Intentaremos hacer el mejor fin de semana posible. Hay un par de aspectos del coche que debemos mejorar y aquí será una buena prueba. Prefiero correr aquí que en Monza. Pero, como decía, todo tiene que encajar durante el fin de semana”, señaló en la previa ante los medios.

Carlos Sainz jr por su parte tiene motivos para llegar con más optimismo, al haber vuelto a puntuar, siendo ya tres carreras en las que lo ha conseguido, con 6 de los 7 puntos de su equipo siendo suyos. El madrileño, sin embargo, ha sido más cauto en la previa, y prefiere tener los pies en el suelo, consciente de las limitaciones de su monoplaza, más pesado que otros.

Horarios del Gran Premio de Mónaco de F1

Viernes 5 de junio 2026

Sábado 6 de junio 2026

Domingo 7 de junio 2026

Dónde ver por TV el GP Mónaco 2026 en España

El Gran Premio de Mónaco de Fórmula 1 de la temporada 2026 se podrá seguir en televisión en España a través de la plataforma DAZN, que tiene los derechos de la competición, y que ofrece los entrenamientos libres, la clasificación y la carrera, en directo y diferido.

Ni “Devuélveme a mi chica” ni “Venezia” ni siquiera “Voy a pasármelo bien”, la canción más vendida del grupo Hombres G es “Marta tiene un marcapasos”, que es también uno de sus temas más famosos y el que tiene una de las letras más extrañas y curiosas a la vez.

Es uno de los temas icónicos del pop rock español de la década de 1980, a la vez que una de las más divertidas y surrealistas. Su historia real y el origen de cómo David Summers la compuso es también una extraña mezcla que dio el resultado que todos conocemos y que hace 40 años era número uno en la lista de la radio de los 40 principales.

La canción que nació de la unión de ‘La pasionaria’ y ‘Alien’

“Marta tiene un marcapasos” fue publicada como sencillo del segundo disco de Hombres G, también con un llamativo título: ‘La Cagaste Burt Lancaster’, de 1986. Escrita por el vocalista del grupo madrileño, David Summers, tiene un curioso origen que ya fue extraño y dio vida a una criatura surrealista. De alguna manera se puede decir que es una especie de canción de ‘dark romance’, en la que una chica tiene un marcapasos que incluso cobra vida en algunos momentos y que también tiene sus tintes románticos.

La historia de cómo surgió la contó el propio Summers durante una entrevista en 2021 en el programa ‘El Hormiguero’ en televisión: “En aquella época mi padre hacía chistes sobre La Pasionaria y ella tenía un marcapasos. Por aquellas fechas también se estrenó Alien. Hice una mezcla rara y salió la canción más surrealista que he hecho en mi vida y la tengo que cantar todos los días por cojones”, aseguró con toque de humor incluido, algo de lo que se bebe también en el famoso tema.

Y es que, efectivamente, “Alien, el octavo pasajero” se estrenó en 1979 y por aquel momento fue cuando el vocalista de Hombres G compuso una canción que acabaría formando parte de la historia de la trayectoria del grupo y de la historia del pop español. De ella bebió de ideas, y de Dolores Ibarruri, apodada ‘La pasionaria’, presidente del Partido Comunista de España, se apropió de su marcapasos.

El single más vendido de Hombres G

La historia de “Marta tiene un marcapasos” arrancó mucho antes de 1986, cuando se publicó como sencillo de ‘La Cagaste Burt Lancaster’. Y es que esta canción ya había aparecido como single de la banda en 1983 en Discos Lollipop, pero entonces pasó desapercibida.

Tres años después, en el momento de fama de la banda, le dieron una segunda oportunidad y se convirtió en su canción más vendida, por delante de otros icónicos temas. Ha quedado en la historia de la banda y dio título al musical que se estrenó basado en las canciones del grupo.

Todo ello a pesar de que fue acusada de plagio de la canción de Simon and Garfukel, “At the Zoo”, publicada en 1968, por la parte del estribillo, con la que coincidiría en su ritmo.

Norma Jeane Mortenson nació el 1 de junio de 1926, hace 100 años, pero el mundo la conocería como Marilyn Monroe, un mito que Hollywood creó y moldeó mucho más tarde, pero que quedaría como uno de los símbolos sexuales más populares de los años 50 y una de las actrices más cotizadas durante esa década.

De hecho, sus películas habían recaudado más de 200 millones de dólares a su temprana muerte en agosto de 1962 a los 36 años tras una sobredosis de barbitúricos. Su trayectoria cinematográfica le llevó a completar un total de 29 películas en 14 años, pero algunas de ellas son indispensables en su carrera y para conocer a la actriz más allá del mito. Todos estos filmes se encuentran disponibles actualmente en plataformas.

“Con faldas y a lo loco” (1959)

Es considerada para la crítica cinematográfica la mejor comedia de la historia. Obra de Billy Wilder, en ella Marilyn Monroe compartió protagonismo con Jack Lemmon y Tony Curtis, en una película que sigue a dos músicos que son testigos de un asesinato y al ser perseguidos por la mafia, se visten de mujeres para integrarse en un grupo de música femenino, y todo esto dará lugar a una serie de inequívocos que finalmente cerrará con uno de los finales más icónicos del cine.

A pesar de todo esto, en el contexto de la actriz, fue un rodaje muy duro porque estaba embarazada, aunque más tarde sufriría un aborto, además de que llegaba tarde y se bloqueaba en frases sencillas porque se encontraba adicta a los barbitúricos y perseguida por sus inseguridades. Sin embargo, consiguió conseguir que el personaje Sugar Kane fuera adorable y a la vez no ridícula, y en parte porque tomó a Curtis y Lemmon como “dos amigas de verdad” tras seguir el consejo de su mentor de actuación, Lee Strasberg. En ella interpreta el famoso número musical de “I Wanna Be Loved by You”.

“Los caballeros las prefieren rubias” (1953)

Pero si hay una película que consolidó el mito de Marilyn Monroe fue “Los caballeros las prefieren rubias”, que protagonizó junto a Jane Russell y dirigida por Howard Hawks. En ella aparece el destacado número musical con “Diamonds Are a Girl’s Best Friend” e interpreta a Lorelei Lee, el arquetipo de una ‘rubia ingenua’, pero también astuta, un toque que le proporcionó la actriz y que llevó a que fuera una mujer que controlaba la escena. Lo más curioso de este largometraje es que a pesar de ser uno de sus mejores trabajos, se le pagó un salario estándar aun sabiendo que era un imán para la taquilla, mientras su compañera recibió diez veces más porque venía de otro estudio.

“Vidas rebeldes” (1961)

Lamentablemente este título ostenta el hecho de ser la última película que completó la actriz antes de su muerte, un año más tarde, además de ser uno de sus mejores papeles dramáticos. Dirigida por John Huston y escrita por su entonces marido Arthur Miller, esto supuso que fuera uno de sus rodajes más complicados, porque ella consideraba que él usaba los traumas y problemas del matrimonio para el guion y los diálogos de su personaje. A todo esto, fue también la última cinta de Clark Gable, que murió en 1960, antes de que se estrenara, por un infarto. Montgomery Clift fue también compañero de reparto y fallecería apenas cinco años después.

“La tentación vive arriba” (1955)

Si hablamos del mito de Marilyn Monroe no podemos pasar por alto la que es seguramente su escena más famosa y una de las más conocidas de la historia del cine, la de la actriz sobre la rejilla del metro de Nueva York con su vestido blanco. Un momento de la película que tiene su propia leyenda, pues se rodó en la madrugada de la ciudad, rodeada de fans y fotógrafos, un hecho que se dice molestó a su entonces marido Joe DiMaggio, que provocaría una discusión violenta en el hotel más tarde y se asegura que esto marcaría el fin de su matrimonio.

En la película, dirigida por Billy Wilder, Monroe le da una voz al personaje que interpreta, que ni tenía nombre y que era una fantasía puramente sexual en la obra de Broadway, pero ella le pudo dar un toque de espontaneidad y mayor personalidad.

“Niágara” (1953)

Seguramente este sea uno de los títulos más desconocidos de Marilyn Monroe, además de mostrar uno de sus personajes más oscuros, evidenciando la versatilidad de la interprete, brillando en el cine negro y que le dio la confirmación a su estudio, la 20th Century Fox, de que podía tener más que personajes secundarios. En “Niágara”, la actriz da vida a Rose Loomi, una mujer fría y criminal que utiliza su atractivo como un arma narrativa. Una de sus curiosidades es que tiene la caminata más larga grabada de la historia del cine, con ella en un plano de espaldas durante varios metros.

Bonus: “Eva al Desnudo” (1950)

Si bien en esta película dio vida a un personaje secundario, supuso el primer trampolín hacia la fama, todo ello a pesar de ser solo unos minutos en pantalla, pero su impacto fue tal que marcaría su futura carrera como protagonista. De hecho, estaba despedida del estudio, pero finalmente el director Joseph L. Mankiewicz le dio una oportunidad por la insistencia del agente de la actriz Johnny Hyde, y finalmente quedaría fascinado por lo magnética que resultaba.

El papa León XIV visita a España del 6 al 12 de junio de 2026, lo que supone un viaje histórico no solo porque es la primera visita de un pontífice al país en quince años, sino que además también es el primer viaje a un miembro de la Unión Europea tan solo un año después del inicio de su mandato.

Siete días en los que León el Papa pasará por Madrid, Barcelona y Canarias, y con una agenda oficial que incluye recepción oficial en el Palacio Real, una Santa Misa en la Plaza de Cibeles o visita a Montserrat. Uno de los detalles más curiosos que conecta al actual pontífice con España es con las raíces familiares en el país a través de su madre.

Bisnieto de españoles por parte de madre

El papa León XIV, nacido Robert Francis Prevost, visita España en la novena ocasión en la que un pontífice viajará por el país después de las cinco que hizo Juan Pablo II y las tres de Benedicto XVI, la última en agosto de 2011. Una ocasión en la que el estadounidense conectará con las raíces familiares que ostenta a través de su madre.

Mildred Agnes Martínez, madre del actual Papa, era nieta de españoles a través de su línea materna. Nació en Nueva Orleans, pero provenía de una comunidad católica de ascendencia española, y es por ello por lo que fue una influencia para moldear la vocación religiosa de su hijo.

Según una reciente investigación, publicada por The New York Times, el origen español de la línea materna del papa León XIV se encontraría en Cantabria, en concreto en un pueblo perteneciente al ayuntamiento de Arnuero, Isla, donde habrían vivido sus antepasados de undécima generación, y que podrían haber sido hidalgos.

Más allá de todo esto, Mildred Agnes Martínez inculcó un orgullo de sus raíces hispanas en Robert Francis Prevost desde pequeño y fue también su guía espiritual, aunque no pudo ver a su hijo como obispo ni en su carrera más adelante debido a que murió en 1990, cuando este tenía 35 años. El actual pontífice también tiene descendencia europea a través de su padre, que era hijo de inmigrantes franceses.

Otros fuertes vínculos con España: sus anteriores visitas

Antes de ser León XIV, Robert Prevost visitó España en varias ocasiones, lo que mantuvo un fuerte vínculo con el país, facilitado por su gran dominio del España por su larga trayectoria pastoral en Perú, donde llegó como misionero agustino en 1985.

Como Prior General de la Orden de San Agustín, un cargo que ostentó de 2001 a 2013, viajó en varias ocasiones a España. En 2002 fue nombrado por Asociado de Honor de la Asociación de Antiguos Alumnos de los Agustinos de la ciudad de León, además de que en 2005 también acudió a Madrid para el Congreso sobre San Nicolás de Tolentino con motivo del VII centenario de la muerte de este santo agustino.

George Michael falleció a los 53 años un día de Navidad de 2016, pero dejó un legado de una larga trayectoria musical que comenzó con Wham! y que llevaría hacía una etapa más madura y creativa como solista, dejando éxitos como con el que lideraba las listas hace 30 años.

Con ‘Fastlove’, el cantante británico era número uno en la lista española de sencillos, durante varias semanas, como sucedió también en Reino Unido, y volvía así de forma triunfal tras un parón debido a sus problemas con Sony.

Uno de los mejores ‘grooves’ de todos los tiempos

La canción “Fastlove” fue publicada el 18 de abril de 1996, como primer sencillo del álbum ‘Older’, con el que George Michael volvía tras un descanso que se tomó en su carrera debido a disputas con su discográfica y un periodo de controversia. Pero el público confió en él de nuevo y lo devolvió a lo más alto, con un tema que entraría entre uno de sus grandes éxitos.

“Fastlove” se convirtió en número uno en España en 1996, pero también el séptimo número 1 que conseguía en su Reino Unido natal, manteniéndose allí durante tres semanas. Con este tema, el cantante también marcaba el inicio de una etapa más profunda y madura en su música, con letras en las que quedaba reflejado su crecimiento personal.

Por la crítica musical fue calificada como “uno de los mejores ‘grooves’ de todos los tiempos, haciendo referencia a una cualidad rítmica que te da la sensación de querer mover tu cuerpo de forma casi involuntaria, con una complicidad extrema entre la batería y el bajo. Este término nació en la era del jazz y ha sido una de las características de géneros como el funk, el soul, el R&B o la música disco, influencias que se pueden encontrar en este tema.

Y es que la canción tiene muchos giros, con un bajo que destaca en su interpretación, todo ello con una voz de George Michael en la que predomina el soul, con marcada elegancia. Con este sencillo, el cantante se distanció del pop y abarcó más R&B. En la letra abordó el hecho de la búsqueda del amor fugaz, a la vez que el desencanto amoroso, con mayor honestidad y sinceridad, que conectó con el público. En el videoclip de “Fastlove” hubo también un guiño a su periodo complicado con Sony, al aparecer unos audífonos con el logo de la marca, pero transformado en ‘Fony’, que significa ‘falso’ en inglés.

“La joya de la corona de un artista brillante”

Los que trabajaron en el proceso de grabación de la canción hablan de ella de forma especial, en la que pudieron presenciar también lo estricto que era George Michael, que quería llevar todo a la perfección y por eso dedicaba largas jornadas hasta tenerla lista. “Fue el único artista con el que trabajamos que se negó rotundamente a que le corrigieran el tono de voz”, aseguró el productor Johnny Douglas para el medio ‘Music Radar’.

Precisamente Douglas fue quien confirmó que uno de los tramos más conocidos del ‘single’ es la sección inspirada en “Forget Me Nots” de Patrice Rushen, que fue añadido posteriormente cuando casi se dio por terminada su grabación. “El resultado de esta atención obsesiva al detalle es la increíble obra que nos deja. ‘Fastlove’ es, para mío, la joya de la corona de un artista brillante”, afirmó el productor.

Esta canción fue significativa en la vida que vivía George Michael, que todavía mantenía su homosexualidad en secreto, y dos años más tarde sería detenido en Los Ángeles, lo que supuso que el punto de inflexión para revelar su identidad sexual, de detalles que ya dejó de forma sutil en “Fastlove”.

Gandía es conocida por su playa, como clásico destino turístico en la costa mediterránea, pero esta localidad valenciana es mucho más que eso, con un importante patrimonio histórico y cultural, entre lo que destaca el monumento de siete siglos de historia y que perteneció a una de las familias más ilustres de la historia de Valencia, los Borgia.

Declarado Bien de Interés Cultural en 1964, el Palau Ducal de los Borja es uno de los edificios civiles más representativos de la historia valenciana, además de ofrecer elementos barrocos en su interior, así como cerámica de Manises del siglo XVI. ¿Qué es lo que lo hace una visita imperdible en Gandía?

Un palacio con siete siglos de historia

Situado en pleno centro histórico de la localidad de Gandía, en el sur de la provincia de Valencia, el Palacio Ducal de los Borja tiene sus orígenes en el siglo XIV, cuando fue mandado edificar por parte de Alfonso El Viejo, el primer duque real de Gandía, por ello hay varios retazos del escudo de la Corona de Aragón en el edificio. Más tarde, la propiedad pasaría a manos de los Borja (también conocidos como Borgia), que obtendrían el ducado de Gandía por parte de los Reyes Católicos en la figura de Pedro Luis de Borja, hijo del papa Alejandro VI.

Pero en el Palau Ducal dels Borja de Gandia el principal personaje es el de San Francisco de Borja, que vino al mundo en 1510. Fue bisnieto del papa Alejandro VI, pero también era nieto de Fernando el Católico como hijo de Alonso de Aragón, y por ello también entró en la corte de Tordesillas con tan solo diez años en tiempos del reinado de la reina Juana I. Más tarde, ingresaría en la Compañía de Jesús y en 1670, 98 años después de su muerte sería canonizado por el papa Clemente X y que lo convertiría finalmente en el patrón de la ciudad que le vio nacer, Gandía.

Los rincones imprescindibles del Palau Ducal de Gandía

Visitar el Palau Ducal es entrar en el reflejo del esplendor valenciano de los siglos XV y XVI, cuando los Borja albergaban un gran poder, del que se puede ver huellas en la que fue su propiedad, más tarde comprada por la Compañía de Jesús debido a que el edificio fue abandonado al caer en manos de los duques de Osuna al morir el XI duque de Gandía sin descendencia.

La visita comienza en el Patio de Armas y sigue por el Salón de Coronas, un lugar en el que se dio audiencia de juicios y que fue remodelada en el siglo XVI. La capilla neogótica es la siguiente estancia en aparecer, una muestra de la parte más moderna, al datar del siglo XIX. Tanto en la sala como en la capilla se encuentran retratados diferentes momentos de San Francisco de Borja.

La primera intervención barroca del Palau Ducal es el Salón de Águilas, aunque el lugar que más llama la atención de todo el edificio es la llamada Galería Dorada, la última gran obra que dejó la familia Borja en el lugar y que alberga fascinantes pinturas en su techo.

A lo largo de la visita, la figura de San Francisco de Borja aparece tanto en las pinturas que decoran el lugar como en objetos y diferentes documentos relevantes de su vida, en varios frescos y pinturas aparece Isabel de Portugal, consorte del rey Carlos I, que tuvo gran amistad con el duque de Gandía y su esposa y cuya muerte supuso un punto de inflexión para él, pues fue al ver su cuerpo desfigurado cuando decidió entrar en la orden de la Compañía de Jesús.

La visita al Palau Ducal de Gandía tendrá afectaciones desde la segunda quincena de junio de 2026 debido a trabajos de restauración que se darán en algunas de sus salas, según se informa en la página web del sitio.

El Mundial de fútbol se disputa en Estados Unidos, Canadá y México, cada uno de estos países aportando diferentes sedes, un hecho que complica todavía más los horarios para los espectadores en España, con múltiples diferencias horarias que se deben tener en cuenta para no perderse los partidos mundialistas.

De hecho, la propia selección española jugará los partidos de la primera fase en tres sedes diferentes y en distintos horarios, lo que hace que sea indispensable informarse previamente para saber los turnos con encuentros de la Copa Mundial de la FIFA.

¿Cuándo hay partidos del Mundial? Los turnos y las sedes

El Mundial 2026 de fútbol está planteado para tener cuatro turnos diferentes en horario local como son las 12 horas, 15 horas, 18 horas y 21 horas, que dependiendo de la sede donde se dispute será un horario para los espectadores desde España, teniendo en cuenta que en las islas Canarias es una hora menos que en la península.

Por eso, conviene saber la diferencia horaria que hay desde España respecto a todas las sedes de la Copa del Mundo, con cuatro casos distintos. Así, con Nueva York, Miami, Boston, Filadelfia, Atlanta y Toronto son 6 horas de diferencia (5 horas en Canarias), con Los Ángeles, Seattle, San Francisco y Vancouver son 9 horas (8 horas en Canarias), Dallas y Kansas City son 7 horas (6 horas en Canarias) y Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey son 8 horas (7 horas en Canarias).

De esta forma, por ejemplo, el partido inaugural que tiene lugar el jueves 11 de junio entre México y Sudáfrica es a las 13 horas local en Ciudad de México, en el estadio Azteca, lo que en España serán las 21 horas (20 horas en Canarias).

Los horarios de los primeros partidos de España

En lo que respecta a los partidos de la selección española en la fase de grupos, en la que está encuadrada en el H. El debut de los de Luis de la Fuente llega el lunes 15 de junio en el que España se enfrenta a Cabo Verde y lo hace a las 12 hora local de Atlanta en el Mercedes-Benz Stadium, que son las 18 horas aquí (las 17 horas en islas Canarias).

El mismo horario se mantiene para el segundo encuentro de España en el Mundial ante Arabia Saudita, que al tener lugar en Miami tiene la misma diferencia horaria también. Así, es a las 12 horas, 18 horas desde el territorio español (17 horas en Canarias) el domingo 21 de junio.

Otra cosa es el tercer partido de España en el Mundial 2026, que es el más complicado en horario de los de la primera fase. Y es que se disputa en Guadalajara, México, con 8 horas de diferencia y además en un turno más tardío. De esta forma, los que quieran verlo tendrán que quedarse despiertos hasta las 2 de la madrugada, al darse a las 18 horas en el horario local, aunque se trata del sábado 27 de junio.

Los fans del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) están contando el tiempo hasta el que será uno de sus grandes estrenos, con una nueva entrega de la saga de ‘Los Vengadores’, ‘Avengers: Doomsday’ que llegará en diciembre de 2026.

Sin embargo, antes de todo ello, de conocer a ‘Los Vengadores’ y otras sagas y franquicias relacionadas, hubo un tiempo en el que Marvel no tenía clara la forma en la que quería que sus personajes aparecieran en el cine y eso dio vida a unos extraños proyectos, entre ellos la que es la bizarra primera película de un superhéroe en el cine: 'Howard, un nuevo héroe' ('Howard the duck'), estrenada hace 40 años.

El fracaso con el que Marvel debutó en los cines

Dos décadas antes aproximadamente antes de que arrancara el UCM tal y como lo conocemos actualmente, Marvel vivía un momento diferente en sus adaptaciones al cine. Si bien ya se habían realizado algunas películas para televisión o series durante los anteriores años, como la serie ‘Capitán América’, en los cines todavía no se habían visto largometrajes que adaptaran personajes de los famosos cómics.

Sin embargo, son pocos los que se acuerdan o quieren hacerlo de una película que fue la que abrió la veda, pero que también es una de las más incómodas y extrañas de las que adaptaron personajes de Marvel. Hablamos de ‘Howard, un nuevo héroe’ (‘Howard the duck’ en original), que se estrenó en 1986 y que este año cumple 40 años.

Esta se trató del primer largometraje en imagen real para cines, con un enfoque alejado de lo que fueron los cómics de este personaje y cuyo resultado fue una extraña mezcla de géneros que la ha acabado haciendo una película de culto, que actualmente no se puede ver en plataformas, solo disponible en alquiler, compra y formato físico.

De hecho, ‘Howard the duck’ no conto ni con el beneplácito de la crítica especializada ni con el del público, recaudando una cifra similar a lo que costó, aproximadamente 37 millones de dólares, al que cabe sumar también lo que costó su promoción. Es por ello que se paró una secuela que ya estaba planeada. Las malas críticas le valieron hasta siete nominaciones a los Razzie, haciéndose finalmente con cuatro de ellos, entre los que estaba el de Peor Película.

George Lucas fue productor de la película

A pesar de todo ello, ‘Howard, un nuevo héroe’ tiene en su haber ser la primera película de un superhéroe de Marvel en llegar a los cines, y tuvo un elenco de primera con la popular actriz Lea Thompson, Tim Robbins o Jeffrey Jones, además de que entre sus productores estaba George Lucas.

Estuvo dirigida, sin embargo, por Williard Huyck, que también participó en el guion junto a Gloria Katz. Ambos habían formado una dupla creativa en ‘Indiana Jones y el templo maldito’ o ‘American Graffiti’, en esta última también con George Lucas.

La película adaptaba el personaje que había sido creado por Steve Gerber y Val Mayerik en 1973, en la que Howard es un pato que proviene de un lejano planeta y que llega a la Tierra debido a un error en un laboratorio espacial, siendo acogido por Beberly, una joven que toca en un grupo de rock. El problema ocurre cuando el doctor Jenin intenta devolverle a su planeta y acaba convirtiéndole en el ‘Señor de las Tinieblas’ debido al haber sido atrapado por la energía diabólica del experimento de origen, por lo que Howard tendrá que pararlo por la amenaza que supone.

Actualmente en el mundo del deporte, la tecnología se ha integrado para ayudar en el arbitraje, al ofrecer imágenes más detalladas y precisas que pueden ofrecer decisiones más justas, o al menos esa es la intención. El tenis fue pionero en este sentido cuando hace más de 20 años ya se introdujo el ojo de halcón, que ya se ha convertido en habitual en la gran parte de torneos.

Sin embargo, esto no es así en Roland Garros, siendo uno de los últimos torneos del tenis que se ha resistido a introducir esta tecnología, y aunque ya han pasado más de dos décadas, y se está convirtiendo en una rareza dentro del circuito de ATP y WTA, pero también en una seña de identidad.

¿Por qué Roland Garros no tiene ojo de halcón?

El tenis fue uno de los pioneros en introducir la tecnología en el deporte junto con otras disciplinas como el fútbol americano o el cricket, y el Ojo de Halcón fue una de sus introducciones después de que en los cuartos de final del US Open 2004, Serena Williams sufriera un llamativo error arbitral lo que llevó a que se debatiera sobre la necesidad de innovación en las decisiones de los jueces.

Así fue como el Ojo de Halcón se introdujo oficialmente en el tenis en 2006 en el torneo de Miami y luego en el US Open, así de forma progresiva hasta llegar a casi la totalidad de los torneos. Sin embargo, algunos se han resistido mucho más, Wimbledon no eliminó los jueces de línea hasta la temporada pasada, pero Roland Garros todavía canta las bolas buenas o malas por parte del juez de línea, sin tecnología de por medio.

En el Grand Slam de tierra batida es todavía habitual ver como los jueces de línea bajan de su silla para ver si una bola fue buena o mala, dando lugar también a polémicas y decisiones que pueden generar controversia en los jugadores, pero el campeonato francés tiene clara su decisión, queriendo mantenerse tradicional en este aspecto. Al ser cuestionado sobre ello, desde la organización aseguraron que en esta temporada todavía querían seguir: “honrando la excelencia del arbitraje francés, reconocida en todo el mundo, y que aporta plena satisfacción a la organización del torneo”.

La tecnología detrás del Ojo de Halcón y la alternativa española

El Ojo de Halcón se comenzó a implementar en el tenis profesional en 2005 tras haber sido inventado por el británico Paul Hawkins, que se basó en la tecnología de seguimiento de misiles a principios de los 2000. Las dos principales innovaciones que proporciona es el seguimiento, pero también la repetición de videos desde diferentes ángulos sincronizados, que recibe el nombre de SMART por sus siglas en inglés.

Una alternativa a esta tecnología es el Foxtenn, que se apoda el Zorro, y que es de origen español. Fue un invento creado por el ingeniero Javier Simón junto con un equipo de investigación en Barcelona, que surgió como respuesta a los márgenes de error y simulaciones virtuales del sistema tradicional.

La NBA comienza el momento más emocionante de la temporada, la disputa de las finales y lo hace con una de las eliminatorias más igualadas de los últimos años, entre los Spurs y los Knicks, dos franquicias históricas que quieren volver a la senda de la victoria tras décadas sin conquistar el anillo.

Los San Antonio Spurs de Victor Wembanyama ante los New York Knicks de Jalen Brunson es la final NBA en este 2026, en la que los Oklahoma City Thunder defendían título, pero se quedaron a las puertas. ¿Quién conquistará el anillo NBA esta temporada: el ‘verdugo’ de los campeones o los históricos Knicks que esperan uno más de 50 años después?

Finales NBA 2026: San Antonio Spurs vs New York Knicks

Seguramente pocos al comienzo de la temporada 2026 de la NBA daban por finalistas a los Spurs o a los Knicks, pero se han ganado un puesto en la final tras ser los mejores equipos de los playoffs, sobre todo en el caso de los neoyorkinos, que no saben lo que es perder desde el pasado abril y son ya el mejor equipo del tramo final de la campaña.

San Antonio Spurs parte como favorito en las finales NBA por el hecho de tener factor cancha a favor, además de contar con una de las grandes estrellas de la liga como es Victor Wembanyama, que se confirma como el líder que la franquicia esperaba desde el Draft, además de que también se deshicieron de los máximos candidatos al título, los actuales campeones, Oklahoma City Thunder.

Esta final NBA repite la de 1999, y en aquel momento, los Spurs se hicieron con el anillo, el primero de su palmarés. En esta ocasión, en eliminatoria de siete partidos, los texanos querrán volver a ser campeones más de diez años después de su último título, en 2014, y conseguir el sexto de su historia.

Wembanyama liderará a los suyos en una final a la que han llegado tras remontar 4-3 a los Oklahoma City Thunder, al vencer los dos últimos encuentros por 118-91 y 103-111, en ambos dando un recital ofensivo que necesitarán al competir con el que es el mejor ataque de los playoffs. Antes, se cruzaron en el camino para vencer a Portland Trail Blazers en primera ronda y a Minnesota Timberwolves en semifinales de conferencia.

Enfrente para impedir el que sería el primer anillo de Victor Wembanyama estará una franquicia histórica de la NBA como son New York Knicks, que fundados en 1946 esperan su tercer anillo desde 1973. Más de 50 años tienen oportunidad de conseguirlo, y para ello deberán mantener el exitoso rendimiento que han demostrado en los playoffs para ser considerada la mejor franquicia en ellos.

De hecho, una de sus ventajas es que llegan más descansados tras vencer 4-0 en el final de conferencia a los Cleveland Cavaliers, algo similar a lo que hicieron con los Philadelphia 76ers en semifinales y con Atlanta Hawks en primera ronda. Precisamente desde los dos encuentros que perdieron entonces, desde el pasado 23 de abril, son el equipo más dominante, el mejor de playoffs, y quieren acabar en lo más alto, con lo que sería una temporada histórica.

Horarios y partidos de las Finales NBA 2026

*si son necesarios

**todos corresponden a horario español peninsular

Dónde ver las Finales de la NBA por TV en España

Las Finales NBA 2026 entre San Antonio Spurs y New York Knicks se podrá ver en televisión en España en directo a través de la plataforma Prime Video con comentarios en castellano. En DAZN se ofrecerán estos encuentros en diferido a partir de las 12 horas del día del partido, también con comentarios en castellano. En NBA League Pass también se podrán seguir.

La conocimos en la serie ‘Juego de Tronos’ por dar vida a uno de los personajes más icónicos de la ficción de HBO, Daenerys Targaryen, pero Emilia Clarke no tuvo la misma suerte con su participación en otras franquicias de éxito como Marvel, Star Wars o Terminator, algo que ha reconocido la propia actriz en una reciente entrevista.

La interprete británica, actualmente promocionando la película independiente ‘Next Life’, ha repasado con sinceridad su trayectoria profesional, no solo los fracasos que tuvo en grandes sagas, sino también los problemas que atravesó en ‘Juego de Tronos’ y cómo esto le cambió la vida.

 ‘Taquillazos’ y fracasos su paso por Marvel o Star Wars

El participar en franquicias de éxito en el cine no siempre ha significado un paso hacia adelante en la carrera de algunos intérpretes, y en eso Emilia Clarke es un ejemplo. Después de que ‘Juego de Tronos’ la lanzara al estrellato, la actriz británica no tuvo un camino de rosas, y sobre ello reflexionó en una entrevista reciente con Variety.

En ella, la intérprete confirmó lo que piensa sobre su participación en el Universo Marvel: “No creo que a nadie le gustara Invasión Secreta, chicos. ¡Lo siento!”, aseguró sobre su papel en la serie sobre Nick Furia en la que interpretaba a G'iah, hija de Talos, que lucha contra los alienígenas que quieren conquistar la Tierra, y que no tuvo buena acogida a pesar de su elenco formado también por Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Olivia Colman y Kingsley Ben-Adir.

Una experiencia similar fue lo que tuvo en su incursión en las franquicias de cine como ‘Star Wars’ o ‘Terminator’, que no acabaron siendo dos proyectos que calaran dentro de las sagas reconocidas y que tuvieran buenas críticas, todo ello, aunque siguen siendo los dos mayores éxitos de taquilla de la actriz británica, con 275 millones y 440 millones de dólares recaudados respectivamente. “¿Star Wars? No les gustó. ¿Terminator? Eso nunca debería haber pasado”, señaló al respecto.

Sin embargo, Emilia Clarke fue más allá y fue sincera al expresar su opinión y papel en proyectos complejos cuando tienen tantas expectativas e historia detrás: “Entré en franquicias ya existentes, así que cuando no funcionan, no es personal. Mi conexión con un proyecto termina cuando dicen 'fin de rodaje' porque no me corresponde decidir qué pensará la gente de él”, explicó a Variety.

Dos hemorragias cerebrales cambiaron su criterio

La actriz que dio vida a Daenerys, también conocida por su participación en las comedias románticas ‘Antes de ti’ (Me Before You) y ‘Last Christmas’, aseguró en la misma entrevista que su criterio ha cambiado con el paso del tiempo y eso se debe a que prioriza otros proyectos que le aportan más satisfacción personal y mejor impacto positivo en la recuperación de sus lesiones cerebrales.

Y es que Emilia Clarke sufrió dos hemorragias cerebrales durante el rodaje de ‘Juego de Tronos’ y esto la marcó. De hecho, fundó la organización ‘SameYou’ junto a su madre en 2019 en la que ayuda a las recuperaciones de personas afectadas por daños cerebrales, a las que se acompaña en el proceso, además de colaborar con médicos y académicos para desarrollar nuevas terapias.

Lo que le sucedió le hizo también reflexionar sobre el valor de la fama, de lo verdaderamente relevante para el éxito profesional: “Me daba vergüenza admitir que no ganar un Emmy fue algo realmente importante. Ahora me siento muy afortunada de poder ser una productora real y de intervenir en conversaciones importantes”, concluyó anunciando un nuevo camino que podría explorar en su trayectoria.

Aspiraba a ser uno de los títulos del año en cines y ha conseguido serlo. Después de haber triunfado con su estreno a principios de abril en gran parte de los cines mundiales, como Estados Unidos, este 29 de mayo ‘The Drama’, con Zendaya y Robert Pattinson, llegaba a la gran pantalla en España, donde ha sido la tercera opción escogida en el fin de semana, solo por detrás de ‘The Mandalorian and Grogu’ y ‘Michael’.

Dirigida por el noruego Kristoffer Borgli, que en su corta trayectoria no ha pasado desapercibido, ha superado una recaudación superior a los 125 millones de dólares, un éxito para un presupuesto de tan solo 28 millones, con una pareja protagonista estrella y con una premisa y tono que ha parecido enganchar entre el público. La mezcla de comedia negra, sátira social y tensión incomoda que propone la conecta con otros títulos que puedes ver antes o después.

‘Sick of Myself’ (2022)

El cine de Kristoffer Borgli no deja indiferente y ‘The Drama’ ha sido el último ejemplo de ello. Muchos lo conocieron con ‘Sick of Myself’, una película en la que ya se puede ver el gusto del noruego por desarrollar historias de parejas tóxicas, con ese tono de comedia negra. En ella, Signe y Thomas tienen una relación complicada y competitiva que cambia después de que uno de ellos se convierte en un artista de renombre, como respuesta, su pareja busca llamar la atención de forma desesperada.

‘Materialistas’ (2025)

Si en ‘The Drama’ se nos muestra la cara más oscura y retorcida de las parejas, la productora A24 presentó en el verano de 2025 la visión capitalista, más elegante, pero también satírica, dirigida por Celine Song. Hablamos de ‘Materialistas’, que, si bien no tuvo tan buena acogida por la crítica, coincide en que nos hace reflexionar sobre el amor en nuestra sociedad actual y el mito de la pareja ‘ideal’, además de contar ambas con Zoe Winters en su elenco y contar con unos protagonistas estrellas que buscan atraer a la audiencia, en este caso con Dakota Johnson, Chris Evans y Pedro Pascal.

‘Rivales’ (Challengers) (2024)

Si rescatamos una película de la filmografía de Zendaya que nos conecte con ‘The Drama’ esa podría ser ‘Rivales’, que también contó con un reparto que atrajo al público que se completó con Josh O’Connor y Mike Faist. En ella, aunque en el ámbito deportivo, se encuentran algunas similitudes como la reflexión sobre el “matrimonio perfecto”, las apariencias y lo complicado que puede ser borrar el pasado. Todo ello bajo la dirección estelar de Luca Guadagnino, que aporta elegancia, dinamismo y con un sonido y música que fue de lo mejor de su año.

‘Die My Love’ (2025)

De Zendaya a Robert Pattinson. Hay una clara recomendación si nos fijamos en su filmografía reciente como es ‘Die My Love’, estrenada el pasado otoño y en la que en esta ocasión compartió pantalla con Jennifer Lawrence. En ella, también se trata el colapso mental de una pareja, aunque en esta ocasión el conflicto no estalla antes de la boda, sino después de tener a su primer hijo. Ambas abordan el amor desde una perspectiva asfixiante, visceral y cargada de delirio, aunque esta desde un punto de vista más dramático.

‘Perdida’ (Gone Girl) (2014)

Si nos adentramos en el thriller psicológico puro en el que se nos muestra a una pareja aparentemente perfecta que se desmorona por esconder secretos y por dinámicas tóxicas, un clásico reciente es ‘Perdida’, protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike, y dirigida por David Fincher. En ella, el matrimonio es también una zona de guerra, aunque también explora tintes más dramáticos.

Bonus track: ‘La proposición’ (2009)

Un punto interesante para un visionado relacionado con ‘The Drama’ puede ser ‘La proposición’, que ofrece un punto de vista totalmente distinto a la previa de una boda que nos conecta más con el tono que ofrecían las comedias románticas de los años 2000, más alegres y superficiales. Si pesa el drama de una, la otra nos llena de risas, en la que también los protagonistas se desvelan secretos antes de casarse, aunque en este caso es obligado debido a que van a realizar un matrimonio de conveniencia. De esta forma, tenemos un contraste interesante de cómo ha envejecido el género, con otra pareja estrella de su momento como Sandra Bullock y Ryan Reynolds.

Entrar en plataformas ha hecho que esta película de animación haya pasado del olvido a ser una de las más vistas y de que la descubran nuevas generaciones más de 20 años después de su estreno, que tuvo lugar en 2004 y que pese a ser un éxito de recaudación, se hundiría por malas críticas hasta quedarse en uno de sus títulos de nicho.

Hablamos de ‘El espantatiburones’, que está viviendo una segunda juventud desde su entrada en Netflix y que ya en su día llamó la atención por su reparto de lujo en el doblaje, con un elenco conformado por Will Smith, Robert De Niro, Renée Zellweger, Angelina Jolie, Jack Black o Martin Scorsese, que se hizo viral al recordar lo que le sorprende que le pidan autógrafos por su trabajo en esta cinta. Las voces en español tampoco se quedaron atrás y es otro de los detalles que se recuerdan, aunque en este caso no destacó por las alabanzas.

Éxito de taquilla, nominada al Oscar, pero ‘masacrada’ por la crítica

Si bien ‘El espantatiburones’ (‘Shark Tale’ en original) fue relegada al olvido con el paso del tiempo, no fue un producto que fracasara ante el público, ni mucho menos. Fue, de hecho, una de las películas más taquilleras de 2004 y recaudó más de 400 millones de dólares, además de que tuvo una nominación al Oscar como Mejor película animada.

El filme, dirigido por Bibo Bergeron, Vicky Jenson y Rob Letterman, fue un proyecto del estudio Dreamworks, que había surgido a mediados de los años 90 como respuesta al despido de Jeffrey Katzenberg de Disney. La historia del largometraje sigue a Oscar, un pez pequeño que tiene grandes sueños y que sin quererlo se convierte en un héroe por una mentira, que tendrá que mantener su fama, pasando por diferentes problemas y retos.

A pesar de su éxito en taquilla y de obtener una nominación al Premio Oscar, ‘El espantatiburones’ no triunfó entre la crítica, que la tildó de “superficial”, “no demasiado interesante” o con algunas que vieron en ella solo una película para obtener dinero: “Con el símbolo del dólar en sus ojos y nada en su corazón”, llegó a escribir Scott Tobias en el medio AV Club.

La mala crítica afectaría finalmente a su legado, complicado también dentro de un Dreamworks con pesos pesados como ‘Shrek’, ‘Ice Age’ (La Edad de Hielo) o ‘Madagascar’, esta última estrenada tan solo un año después. Y es que, algunas de las críticas incidieron precisamente en que ofrecía una experiencia más ligera y sin tanto drama, solo con algunos temas que invitaban a reflexión como el peligro de idealizar a los ídolos o el valor de lo que nos rodea.

En España, sin embargo, las malas críticas se cebaron también con el doblaje, que fue realizado en su mayoría por actores de la serie ‘Aquí no hay quien viva’, entonces en uno de sus picos de popularidad. Fernando Tejero, María Adánez o Santiago Ramos dieron sus voces a personajes de la película, un hecho que fue objeto de desaprobación.

¿Fue una copia de ‘Buscando a Nemo’?

Además de la competencia dentro del mundo Dreamworks, un detalle que también podría haber jugado en contra del ‘El espantatiburones’ a largo plazo es que muchos la vieron como una copia de ‘Buscando a Nemo’, que se había estrenado un año antes y que ha tenido una mejor supervivencia a lo largo del tiempo. Las similitudes de estar en un contexto de fondo del mar y de que los tiburones tuvieran un papel importante cuando fueron de lo que más gustó del éxito de Pixar y Disney.

Sin embargo, como ya marcó el estudio con cintas como ‘Shrek’, su tono fue mucho más desenfadado, enfocado a un público más allá del infantil, con guiños a la cultura urbana como con sus referencias al hip hop, no en vano Will Smith fue quien puso la voz al protagonista Oscar.

Jonas Vingegaard ya tiene en sus manos el primer gran objetivo de la temporada del ciclismo al conquistar la ‘maglia rosa’ en el Giro de Italia 2026 en Roma, casi sin rivales, al dejar a más de cinco minutos al segundo clasificado, Felix Gall, y a seis al tercero, Jai Hindley, que completó el podio en la capital italiana.

De esta forma, el danés llegará al Tour de Francia, que se disputará del 4 al 26 de julio y comenzará en Catalunya, con su mayor número de victorias en este momento de la temporada, con el Giro, pero también la París-Niza o la Volta a Catalunya. ¿Le irá mejor esta estrategia para vencer a Tadej Pogacar?

El Giro de Italia de Vingegaard: el récord y dinero conseguido

La victoria en el Giro de Italia 2026 ha supuesto para Vingegaard entrar en el selecto club de ganadores de las tres grandes carreras del ciclismo, un récord que ostentan leyendas como Eddy Merckx, Bernard Hinault o Jacques Anquetil, pero también corredores más recientes como el español Alberto Contador o Chris Froome y Vicenzo Nibali.

Además de este gran hito, el ciclista danés se ha llevado una ganancia a nivel dinero, con 265.668 euros garantizados como vencedor de la edición, a lo que también sumará 115.668 euros como ganador de la clasificación general, el bonus de 150.000 euros de la organización, además de la cifra resultante de etapas conseguidas, días con la ‘maglia rosa’ y clasificaciones secundarias. Cabe mencionar que cada victoria de etapa son 11.010 euros y cada jornada de líder supone 2.000 euros.

A por el récord de Pogacar en el Tour de Francia

Con el Giro de Italia 2026 bajo el brazo, Jonas Vingegaard tiene en sus manos el que puede ser otro gran récord para conseguir esta temporada y también dentro de sus objetivos: el de conquistar el Giro y el Tour enla misma temporada, un hito que tiene su máximo rival, Tadej Pogacar.

El haber conseguido Giro de Italia y Tour de Francia en el mismo año es también una selecta lista en la que además de Pogacar hay nombres de la talla del español Miguel Induráin, Fausto Coppi, Jacques Anquetil, Eddy Merckx, Bernard Hinault, Stephen Roche y Marco Pantani.

Considera llegar mejor al Tour tras ganar el Giro de Italia

Y todo esto está dentro del plan que Vingegaard tiene en la temporada 2026 del ciclismo, en el que el danés ha considerado que correr el Giro le hará llegar mejor al Tour de Francia, un hecho en lo que le apoyan desde la escuadra del Jumbo Visma. “Para poder competir de tú a tú con Pogacar necesitas estar al máximo nivel. Este año he cambiado el plan de preparación, pero haber hecho el Giro era el paso justo que necesitaba”, aseguró ante los medios en Italia.

Él mismo ha reconocido que la idea nació de cuando corrió la Vuelta a España, donde se encontró en mejor estado de forma, y también se basa en la experiencia que tuvo su equipo con Tom Dumoulin en 2018, cuando fue segundo en el Giro y Tour. “Es básicamente todo el plan que teníamos. Es algo que ya me había pasado cuando hice la Vuelta después del Tour. Mi potencia total era más alta. Creemos que estamos en el buen camino para el Tour”, sentenció el ciclista danés.

Después del final de la liga regular en la ACB, llega la hora de la verdad para la máxima categoría del baloncesto español, en el que los ocho mejores equipos se juegan el título en el playoff en el que Real Madrid, Valencia Basket, Kosner Baskonia y UCAM Murcia llegan como cabezas de serie.

El Playoff Liga Endesa 25-26 comienza con los cuartos de final, que se disputarán en eliminatorias al mejor de tres partidos que arrancará este mismo martes 2 de junio y que podría finalizar el próximo 28 de junio si se llega a los máximos encuentros posibles hasta la final. ¿Quién tomará el relevo del Real Madrid como campeón ACB? ¿O defenderán título los blancos?

Cuadro del playoff Liga Endesa 25-26

Debido al haber terminado en las primeras cuatro posiciones, Real Madrid, Valencia Basket, Kosner Baskonia y UCAM Murcia llegan a los playoffs de ACB de baloncesto con la ventaja de tener factor de cancha, es decir, que comienzan el duelo en su pabellón y en caso de necesitar un decisivo partido en cuartos de final se disputaría también en su casa.

El Real Madrid de baloncesto, después de disputar la final de la Euroliga, es el gran favorito para hacerse con el título de Liga Endesa, además de ser el actual defensor y haber terminado la fase regular como campeón. En cuartos de final se verán las caras con La Laguna Tenerife, octavo clasificado, y en caso de pasar a semifinales, se enfrentarán con el ganador del UCAM Murcia vs Barça.

Y es que debido a su derrota ante Valencia Basket en el encuentro que puso fin a la temporada regular, Barça Basket no pudo tomar la plaza de cabeza de serie y se enfrentará a UCAM Murcia con factor campo en contra, en uno de los que promete ser uno de los duelos más igualados, con unos murcianos que están realizando buenas actuaciones en las últimas campañas y unos blaugranas que ya saben que Xavi Pascual no seguirá en el banquillo el próximo año al marcharse a Dubai.

En el otro cuadro del playoff Liga Endesa se quedan las eliminatorias entre Valencia Basket vs Surne Bilbao Basket y Kosner Baskonia vs Asisa Joventut. En el primero de los duelos, el gran favorito es un equipo ‘taronja’ que aspira a cerrar de la mejor manera una temporada histórica en la que han conseguido llegar a la Final Four de Euroliga, aunque delante estará un Bilbao Basket que también tiene un hito como ha sido conquistar la FIBA Europe Cup.

Por su parte, el ganador de esos cuartos de final se verá las caras con el que lo haga del cuarto de final restante entre dos históricos de ACB como son Baskonia y Joventut Badalona. Los de Vitoria llegan tras haber ganado la Copa del rey y poniendo así fin a una sequía y dispuestos a hacer una mejor imagen en la parte final de la temporada en esta ocasión respecto a años anteriores, una situación similar a la Penya, que podría redondear una campaña que ha sido ilusionante con el regreso de Ricky Rubio a sus filas.

Horarios de los playoffs ACB de baloncesto

Cuartos de final

Martes 2 de junio

Miércoles 3 de junio

Jueves 4 de junio

Viernes 5 de junio

Sábado 6 de junio (3º partido si fuera necesario)

*Si solo hubiera un partido, se disputaría a las 19h

Domingo 7 de junio (3º partido si fuera necesario)

*Si solo hubiera un partido, se disputaría a las 19h.

Dónde ver el playoff Liga Endesa 25-26 por TV

Los playoffs ACB se podrán seguir por televisión en España a través de la plataforma DAZN, que es la que tiene los derechos de emisión de la competición. A su vez, algunos encuentros se podrán ver por Movistar plus, como es el caso de las eliminatorias entre Real Madrid y La Laguna Tenerife y Asisa Joventut y Kosner Baskonia, que se emitirán en los canales M+ y #Vamos.

En la historia de la música pop, grandes temas y canciones que han quedado dentro del imaginario cultural han nacido de la manera más impensable, y son varias las notas escritas en un papel que han pasado de no tener mucha importancia a convertirse en el germen de un gran éxito. Una de ellas es “Joyride”, que abrió el disco más vendido del dúo musical Roxette.

El dúo sueco estaba integrado por Marie Fredriksson y Per Gessle cuando alcanzaron el número uno en las listas españolas hace 35 años, en 1991, estando también en lo más alto de otros países, incluido el primer puesto en Billboard en Estados Unidos o durante ocho semanas en Alemania. Una canción alegre que solo fue el inicio de todo un éxito de ventas que los consolidó en la escena pop.

‘Joyride’, el disco más vendido de Roxette

En 1991, Roxette ya era un grupo reconocido a nivel internacional con éxitos como “The Look”,“Listen to Your Heart” o “It Must Have Been Love”, que apareció en la banda sonora de la película ‘Pretty Woman’ con Julia Robert y Richard Gere. En este contexto, el grupo llegó a su tercer álbum de estudio, ‘Joyride’, que se estrenaría con un single homónimo.

La canción fue lanzada el 25 de febrero de 1991 como primer sencillo y ya anticipó el éxito que sería este disco, al llegar al número uno en Billboard Hot 100 y en varios países, como es el caso de Canadá, Australia, pero también Alemania o España. Todo ello los consolidó como una de las bandas más relevantes del pop internacional en ese momento, porque llegaron a vender 11 millones de copias en todo el mundo de ese álbum y con más de 1,5 millones de espectadores durante la gira de conciertos que se conoció como “Join the Joyride!”.

La curiosa historia detrás del origen de ‘Joyride’

“Joyride” es una de las canciones más famosas de Roxette y una de las que tiene una de las historias más curiosas de cómo se escribió. Fue compuesta por Per Gessle, y la inspiración para ella, como reconoció el propio protagonista en varias entrevistas, surgió por una nota que le dejó su pareja de entonces en la que decía: “Hello, you fool, I love you”, y que después se tornaría como una de las frases más reconocidas de este tema.

Esta canción de alegría y energía pura tomaba el concepto de “Joyride”, que significa “un paseo sin destino fijo” y lo tomó como la base narrativa del tema que tuvo la frase de la nota de su novia en el estribillo, y se diferenciaba de las baladas que hicieron famoso al grupo sueco.

Además de todo esto, dentro de “Joyride” se encuentra también un pequeño homenaje a los Beatles, en concreto a Paul McCartney y John Lennon, y al proceso creativo que compartían en la banda. Y es que el cantante en su día descubrió su momento con su ex compañero de grupo como un “joyride” porque era espontánea a la vez que gratificante. Esto se quedó en la mente de Per Gessle, que lo añadió en su composición.

Todo este amasijo de ideas dio como resultado una de las canciones más exitosas de Roxette, en el que apostó además por un sonido directo y expansivo en el que combinaban guitarras, teclados y una estructura pensada para sonar en las radios, moviéndose entre los géneros del pop y del rock.

La empresa de ropa sostenible para el aire libre Patagonia ha presentado una demanda por infracción de marca a la ‘drag queen’ Pattie Gonia, a la que reclaman una cifra ‘simbólica’ de un dólar según lo presentado ante el tribunal federal de Los Ángeles.

La ecologista y ‘drag queen’ Pattie Gonia se ha hecho famosa debido a su activismo en redes sociales, en las que ha acumulado millones de seguidores, lo que le ha llevado a diversificar su marca, y decidir vender ropa y promover así el cuidado del medio ambiente con una solicitud que inició en septiembre, pero que para la empresa Patagonia sería “un daño irreparable” porque se podrían confundir.

Pattie Gonia ve un ataque a su identidad con esta denuncia

La marca Patagonia ha defendido su denuncia a la drag queen Pattie Gonia asegurando que no era algo que deseaban y que mantuvieron “un diálogo activo durante varios años para evitarlo, pero que se ha vuelto necesario para proteger la marca” y su legado de 50 años. Sin embargo, la protagonista ha negado que hayan mantenido conversaciones y que la primera vez que supo de ellos fue cuando le llegó un correo electrónico de su abogado.

“Queremos que Pattie tenga una carrera larga y exitosa y que progrese en temas importantes, pero de una manera que respete la propiedad intelectual de Patagonia y su capacidad para usar nuestra marca para vender productos y abogar por el medio ambiente. Este asunto no se trata de obtener beneficios económicos, ni de cuestionar la identidad de nadie ni su derecho a la defensa, la protesta o la expresión creativa. Lo último que deseábamos era una batalla legal con alguien que comparte nuestros valores, pero debemos proteger nuestro negocio y a nuestros empleados”, afirmó su CEO, Ryan Gellert al respecto.

Un hecho al que Pattie Gonia ha respondido a través de sus redes sociales y ha afirmado que, si esas declaraciones son ciertas, está dispuesta a retirar su marca para que ellos hagan lo propio con la demanda, a la vez que apunta que su trámite ha pasado las primeras fases al no haberse encontrado posible confusión con otras marcas existentes. Si esto no sucede así, entiende que es un ataque hacia su identidad y a la comunidad.

La ‘drag queen’ ha contado que ha buscado “utilizar todos los canales” a su alcance “para resolver esto sin tener que ir a juicio”, pero que solo le han dado dos opciones: “borrar mi nombre, mi activismo, mi comunidad y a todos mis empleados, o luchar por mí misma y luchar por todos nosotros”, un vídeo que ya ha recibido apoyo por parte de sus seguidores, que instan a Patagonia a retirar la demanda contra la activista.

“Esto no es un conflicto de marcas. Se trata de una corporación que intenta silenciar a un activista. Así es como las corporaciones intimidan a las personas que no pueden igualar sus recursos”, denunció a la vez que expresó que su nombre tiene ‘parodia juguetona’ de la marca, pero que esto va intrínseco en lo que se basa el drag, que es “la parodia, los juegos de palabras y las bromas”.

¿Quién es Pattie Gonia?

Wyn Wiley, más conocido artísticamente como Pattie Gonia, es una drag queen estadounidense activista ambiental y también por los derechos LGBTQ+, que actualmente acumula 1,8 millones de seguidores en Instagram o 885.000 en TikTok, y que ha recaudado durante su trayectoria casi 4 millones de dólares para organizaciones sin ánimo de lucho.

Se hizo especialmente conocida cuando publicó sus espectaculares rutas por parques naturales, montañas y espacios protegidos a la vez que divulgaba mensajes a favor del medio ambiente, pero también de la comunidad LGTBIQ+, y se basó también la región geográfica de Argentina y Chile para su nombre artístico, que nació durante un viaje como mochilera en el que se decantó por rendir homenaje en forma de humor a la marca, pero también a los pueblos originarios asociados a este territorio americano.

La marca Patagonia comenzó su historia en 1973 como ‘Chouinard Equipment’, aunque más tarde cambió su nombre después de un viaje a esta región sudamericana que realizó su fundado junto a su amigo Doug Tompkins, que crearía a la empresa rival ‘The North Face’. En 2022, su fundador Yvon Chouinard cedió la totalidad a una organización sin ánimo de lucro para destinar todos sus beneficios a la protección del planeta.