Mac Miller

Mac Miller

CirclesWarnerRAP-POP8Circles

“Soy demasiado jover para hacerme viejo”, canta Mac Miller en el segundo tema del disco, Complicated. Unas palabras que resuenan como la explosión en una habitación vacía al recordar la muerte por sobredosis del joven rapero de Pittsburgh en 2018. Circles es pues un álbum póstumo que refleja además el trabajo de Miller en su mejor etapa creativa, cada vez más alejado de la ortodoxia del rap y abrazándose a sonidos al ralentí abiertamente pop, con ecos de la música caribeña y el soft-pop setentero.

El productor del disco, Jon Brion, es un hombre con amplio curriculo que le ha llevado a trabajar con artistas tan dispares como Rufus Wainwright o Kanye West. Desde el fallecimiento de Miller se enfrentó al proceso de recuperar las grabaciones originales y terminar de llevarlas hacia el lugar que había acordado con el músico.

Brion recuerda así su encuentro: “Miller llegó y tocó cinco o seis temas. El material era muy orientado al hip hop, muy divertido y a la vez muy personal. La cosa ya iba en dirección correcta. Me dijo también que tenía otras ideas de las cuales no estaba tan seguro”. Unas ideas que finalmente se convertirían en el germen de Circles, la reinvención de una carrera truncada y sobre la que ya solo queda fantasear hasta dónde podía llegar. Especulaciones al margen, Circles es un testamento tan desconcertante como atractivo, en las antípodas del malditismo que se le podría suponer a un disco compuesto y registrado en semejantes circunstancias.

Biznaga

Biznaga

Gran pantallaSlovenlyROCK8Gran pantalla

Biznaga llevan un paso más allá su particular leyenda. El cuarteto asentado en Madrid había publicado hasta la fecha dos largos impecables, Centro Dramático Nacional (2014) y Sentido del espectáculo (2017), con los que habían definido con precisión el espectro estético en el que se mueve el grupo: rock de guitarras afiladas, cuasi punk por su urgencia sonora y también por el estilo vocal de Jorge que, en deuda con Iosu Espósito, mas que pronunciar palabras las escupe. Gran pantalla ha sido grabado y mezclado por Raúl Pérez en los estudios La Mina (Sevilla) y masterizado nuevamente por Tim Warren, fundador del sello punk-rock por excelencia, Crypt Records. Y el resultado de todo ello es un nuevo puñetazo a la mandíbula, doce temas en la línea que ya conocemos —si acaso todavía un poco más fieros y empastados— que rehusan hacer concesiones en busca de potenciales nuevos oyentes.

Donde sí llegan las novedades es en el apartado lírico de un álbum que gira alrededor de esa gran (pequeña) pantalla que sirve para dar título al disco y que convierte a nuestros teléfonos móviles en metáfora del control y la estupidez que dirige nuestras vidas a estas alturas de la Historia. De alguna forma Gran Pantalla viene a ser una representación sonora y a toda pastilla del libro El enemigo conoce el sistema de Marta Peirano: “La democracia es vigilancia y yo soy solo información” expresan en el tema que sirvió de avance del disco, 2K20, definiendo de alguna forma todo el álbum.

Las letras de Jorge Navarro dejan por un momento de lado la poesía urbana que caracterizaba los dos discos anteriores. En cambio las letras de Gran Pantalla ahondan en las heridas que nos condenan a la infelicidad, citando a Adorno, recuperando el mito de Narciso en versión 5G, y apuntando a los mecanismos de autodefensa del poder. Ahí está La pantalla: abusos, una canción sobre la Ley Mordaza y, en general, sobre como la combinanción de los sistemas judicial y policial puede llegar a llevarse por delante la vida de cualquier ciudadano de bien. Un álbum, en definitiva, tan estimulante como incómodo cuando grita con rabia que el Emperador va desnudo.

Los Enemigos

Los Enemigos

SuddenlySatéliteROCK8Suddenly

Seis años después de su reunión, Los Enemigos está de vuelta con cambios en la formación —David Krahe de Los Coronas sustiruye a Manolo Benítez, centrado en Los Porretas— pero intactas las señas de identidad que les han convertido en una de las más grandes bandas de rock en castellano de siempre. Registrado con la ayuda de Carlos Henández (Los Planetas, Triángulo de Amor Bizarro, Carolina Durante,…) Bestieza —título que hace referencia a quien actúa de manera insensata— es, de hecho un álbum que rezuma frescura y que llama la atención precisamente por su empuje, ideal para que cuando se cumplen 35 años de su formación, que se dice pronto, los actuales Enemigos disfruten como chavales sobre el escenario.

“El futuro fue, desapareció. Si es que alguna vez estuvo aquí, conmigo”. A Josele Santiago le ha llevado dos décadas terminar Siete mil canciones, el tema con el que se abre el disco y desde ya uno de los títulos que se suma al puñado de clásicos firmados por la banda emblema de lo que se dio en llamar “sonido Malasaña”. Más allá de lo contradictorio que puede resultar cantar esa líneas en un momento en que Los Enemigos están de vuelta rejuvenecidos y en plena forma, esa declaración de principios se convierte también en la reivindicación de una manera de entender la música popular asociada a otros tiempos. Una manera de entender la música popular que, a tenor de lo que se escucha en Bestieza, todavía resulta plenamente capaz de resultar emocionante y vitalista.

Bernard Parmegiani

Bernard Parmegiani

L'Œuvre MusicaleIna GrmCONTEMPORÁNEA9L'Œuvre Musicale

El sello Ina Grm reedita esta caja compuesta por 12 discos en formato CD y un libro de 92 páginas con la que se rinde homenaje a uno de los grandes nombres de la música electrónica del siglo XX, el francés Bernard Parmegiani. El box set incluye la práctica totalidad de su producción musical en el terreno de la música concreta en el periodo que va de 1964 a 2007 —Parmegiani falleció en París en 2013 cuando tenía 86 años de edad—.

Uno de los grandes referentes de la música acusmática, vertiente de la concreta que renuncia a la escritura musical y se centra en la grabación del audio, Parmegiani entró a formar parte del Grupo de Investigación de Música Concreta como alumno de Pierre Schaeffer. Allí permaneció investigando en las posibilidades de las grabadoras y procesadores de sonido digitales prácticamente toda su carrera, aunque su producción también se extiende a otros campos de ámbito más “comercial”, como la televisión pública francesa, el cine, el teatro o incluso la publicidad.

Los planteamientos musicales de Parmegiani le convierten además en uno de los músicos que durante el siglo pasado conecta dos tradiciones a menudo irreconciliables como son la música académica y la música popular, y su trabajo ha sido reivindicado por artistas como Aphex Twin o Autechre, que plantearon un homenaje a su trabajo en 2003, cuando el festival All Tomorrow’s Parties les encargó programar aquella edición

U.S. Girls

U.S. Girls

Heavy Light4AD / Popstock!POP7Heavy Light

Es interesantísimo el ejercicio de atender a la evolución musical de Meg Remy, una mujer que arrancó su carrera explotando las posibilidades del do it yourself con discos que abiertamente podrían calificarse de experimentales y que, conforme ha ido pasando el tiempo, se ha entregado a formatos mucho más accesibles, desde el pop esplendoroso de Half Free (2015) al soul-funk de In a Poem Unlimited (2018).

Heavy Light sigue un poco en esa línea. Registrado en los estudios Hotel2Tango, regentados por músicos de Godspeed you Black Emperor, Heavy Light retoma allí donde In a Poem Unlimited lo dejó: los dos primeros temas del disco, 4 American Dollars y Overtime explotan el sonido funk, vientos incluidos, de aquel trabajo. A partir de ahí el disco explora otras sonoridades, más intimistas y también en su mayor parte faltas de la potencia emocional que sí tenían los discos precedentes de Remy. Es el caso de And Yet It Moves / Y se mueve, experimento con fraseo en español (“Nos mienten sobre todo / Nos mienten sobre el ayer para que no entendamos el mañana”) a partir de un ritmo de aires cubanos, más curioso que musicalmente relevante.

No son efectivamente las mejores composiciones en la carrera de U.S. Girls, tal vez por la fórmula que Remy ha elegido para vestirlas, pero en cualquier caso se impone siempre su imaginario conceptual, entre reivindicaciones abiertamente feministas -State House (It’s A Man’s World)-, sentencias políticas y un tono sentimental a bocajarro.

Bad Bunny

Bad Bunny

YHLQMDLG

Rimas Entertainment

LATINO

9

“Yo hago lo que me da la gana”. Con esas palabras arranca Hablamos mañana, una de las canciones del disco. Pero esa declaración de principios también se esconde tras el acrónimo que titula lo nuevo de Bad Bunny. Un álbum publicado por sorpresa y -a priori- a espaldas de la industria: Rimas Entertainment es un sello levantado a la medida de Bunny. Es también, y a pesar de lo engañoso de los números, el segundo disco de Bad Bunny en poco más de un año: X 100PRE, su debut largo, se publicó también por sorpresa en los últimos días de 2018.

Hay que añadir un disco colaborativo con J Balvin de por medio publicado el pasado verano, todo ello en medio de una gira mundial que parece no tener fin. Un alucinante ejercicio de productividad que ahora lanza un nuevo órdago con este álbum de veinte canciones, en su mayor parte inéditas: de los temas que ha ido publicando a modo de single durante el último año solo se incluyen Ignorantes y Vete, permitiéndose el lujo de dejar fuera del disco éxitos globales como Callaíta o Estamos arriba.

Desde de luego confianza no le falta a Benito Antonio Martínez Ocasio. Lo demuestra en la recta final del álbum, con un puñado de canciones que se llevan a su terreno el egotrip habitual en el mundo del urban. Pero, a diferencia de lo que ocurre con la mayor parte de estrellas del rap norteamericano, la autoreivindicación de Bad Bunny como rey del trap latino no sólo no olvida sus orígenes callejeros, sino que no parece aspirar al habitual sueño ultracapitalista.

El mejor ejemplo de ello es el tema con el que se cierra el disco, una oda con formas íntimas a aquello en lo que se ha convertido. En ese tema en concreto, el músico puertorriqueño rinde cuentas a su círculo más cercano, aquellos que le han apoyado desde que era un desconocido y que todavía son su principal apoyo.

Y es que por mucho Bad Bunny se haya convertido en un artista masivo cuya música se escucha en cualquier rincón de este país y de otras partes del mundo, sus letras y por momentos también su música no responde a los estándares reggeatoneros, o al menos al tópico que se ha creado de lo que es el reggaetón.

La primera mitad del disco está plagada de canciones que rechazan el amor tóxico, en las que la sexualidad queda en un segundo plano. Son los temas que musicalmente más se ajustan al sonido convencional del género. Pero en un álbum de veinte temas hay espacio de sobra para los experimentos, que curiosamente Bunny reserva para las colaboraciones con invitados tan ilustres como Anuel AA, Arcángel, Duki o Daddy Yankee. El resultado es un disco que cumple la doble función de asaltar las listas y hacer avanzar al género. Como dicen los británicos, a must.

Caribou

Caribou

Suddenly

City Slang / Music As Usual

ELECTRÓNICA

9

En 2010 un disco, Swim, cambió la suerte de Dan Snaith, un productor canadiense que hasta ese momento había funcionado como francotirador, reconocido esencialmente en el mundillo independiente. El éxito de aquel disco, el más orientado a la pista de baile de toda su carrera hasta entonces, provocó a la postre, además de un cambio de estatus en los carteles de festivales, una bicefalia artística: un nuevo alias, Daphni, terminó por aglutinar su faceta dance, mientras que Caribou empezó a concentrarse en las composiciones de corte más pop, más próximas al concepto canción.

Esa deriva es especialmente obvia en su primer disco en seis años. Para empezar en Suddenly llama poderosamente la atención el protagonismo que adquiere la voz de Snaith, que se revela como un magnífico cantante. Su falsete es además el vehículo perfecto para canciones con versos tan emotivos como estos: “Cuando estés sola con tus recuerdos te daré un lugar en el que recostar tu cabeza” (Cloud Song); “Hermana, te prometo que estoy cambiando. Sé que has oído muchas promesas que se han roto” (Sister); o esta otra: “Tú y yo. Estás siempre conmigo como una luz interior” (You and I). El disco se debate entre este tipo de ejercicios confesionales vestidos de electrónica intimista y temas de espectro más variable que no encajan en el formato techno de Daphni, como el sampleado soul de Home, levantado a partir de un clásico de Gloria Barnes, o el uptempo house que es Never Come Back. Ya sea cuando toma una u otra dirección el tratamiento de las producciones es siempre exquisito y el disco se pasa en un suspiro.

Ibrahim Ferrer

Ibrahim Ferrer

Buenos hermanos

World Circuit

LATINO

9

Ry Cooder se refiere a esta reedición de Buenos hermanos, el disco que originalmente produjo en 2003, casi como si se tratara de un nuevo álbum: “Volvimos a las cintas de la sesión y encontramos canciones que, por alguna razón, se habían pasado por alto. Realmente lo hemos pulido, mejorado y expandido, parece casi nuevo. Y hay algo que es seguro: necesitamos algo bueno y hermoso en estos tiempos que estamos viviendo”. Efectivamente, este lanzamiento va más allá de la clásica recuperación de fondo de catálogo de un álbum exitoso en su día -Buenos hermanos ganó un Grammy un año después de su publicación-. No es sólo que Cooder y su equipo hayan vuelto a la grabación original para plantear una nueva mezcla del disco. Es que, como consecuencia de ello, se descubrieron cuatro canciones inéditas de aquellas mismas sesiones (Me voy pa Sibanicú, Ojos malvados, Mujer y Ven conmigo Guajira, que además ha sido elegida como single de adelanto de este relanzamiento) y el disco al completo ha vuelto a ser secuenciado en un orden diferente del original.

Buenos hermanos fue una de las afortunadas consecuencias del éxito mundial de Buenavista Social Club, el álbum que sacó a Ferrer de un retiro musical de cuatro décadas. Siete años más tarde de aquel fenómeno musical y cuatro después de su retorno en solitario, Ferrer se acompañó de un fenomenal elenco de músicos –los cubanos Orlando ‘Cachaíto’ López, Manuel Galbán, Ry Cooder, Chucho Valdés y Miguel ‘Angá’ Díaz, pero también Ry Cooder como guitarrista y el trompetista experimental  Jon Hassell- para terminar firmando su testamento musical, apenas dos antes de fallecer a los 78 años.

Real Estate

Real Estate

The Main Thing

Domino / Music As Usual

POP

7

Los norteamericanos Real Estate pertenecen a una estirpe de bandas (The Feelies, Yo La Tengo, Teenage Fan Club,…) a la que no caracteriza sólo su pasión por el pop de guitarras y los juegos vocales, sino discografías impolutas, incapaces como son de hacer un mal disco. En esa línea, The Main Thing no pasará por el mejor de los cinco largos que han publicado hasta la fecha, pero supone una nueva colección sin tacha que confirma la resistencia de un género, el indie-pop, en tiempos de sonidos urbanos y mestizajes globales.

La entrada en el grupo del guitarrista Julian Lynch en el anterior álbum firmado por la banda, In Mind, consolidó un sonido más maduro y templado, con el que el jangle-pop de los primeros tiempos d dejaba paso a un sonido preciosista y ambiental. La evolución continúa en ese mismo sentido en The Main Thing, que si bien no contiene un tema tan representativo como Darling o Talking Backwards, funciona en conjunto como melancólica representación de la angustia y la paranoia que atenaza al varón cis alrededor de la cuarentena.

VV.AA.

VV.AA.

Les Espaces Électroacoustiques II

Col Legno

EXPERIMENTAL

8

El trabajo del Institute for Computer Music and Sound Technology (ICST), integrado dentro de la Zurich Univertsity of Arts se tradujo en 2016 en un álbum titulado Les Espaces Électroacoustiques. El disco exploraba las posibilidades de las nuevas tecnologías en una serie de reinterpretaciones de clásicos de la música contemporánea adaptados a un formato de escucha 5.1, el estándar que habitualmente se utiliza en los equipos domésticos de vídeo. Ahora aquel afortunado experimento tiene continuación en un doble álbum que contiene obras de Luigi Nono (Omaggio a Emilio Vedova, La fabrica illuminata y A floresta é jovem e cheja de vida), Luciano Berio (Altra voce), Gottfried Michael Koening (Klangfiguren II y Terminus X) y una de las piezas de referencia de Karlheinz Stockhausen que define la vanguardia del siglo XX (Kontatke).

Los sonidos electrónicos y las grabadoras de cinta de cuatro y dos pistas son esenciales en estas obras, pero también la voz humana es protagonista en A floresta é jovem e cheja de vida y Altra voce, cantadas respectivamente por una soprano y una mezzosoprano. En cualquier caso, y frente a lo que ocurre en la música clásica o en la mayor parte de la música pop, la disposición de los elementos en la sala y su interacción con el oyente es esencial para la experiencia auditiva de este último. En algunos casos esa experiencia inmersiva es un elemento que se tuvo en cuenta por parte de los autores, mientras que en otros aún se debate al respecto. Pero en cualquier caso lo que es indudable es que el trabajo de los músicos, matemáticos, informáticos e ingenieros que componen el ICST supone una experiencia sensorial en sí misma.

Grimes

Grimes

Miss Anthropocene

4AD / Popstock!

POP

6

Muchas cosas han ocurrido en la vida de Claire Boucher desde la publicación en 2015 de Art Angels, y la mayor parte de ellas han sido retransmitidas prácticamente en directo por los medios de comunicación. Es curiosa la dimensión que en ese tránsito ha adquirido Grimes, cuando ni las ventas de sus discos ni siquiera la dimensión artística de los mismos diera para semejante despliegue mediático. Y eso por mucho que, tanto el trabajo mencionado como su predecesor Visions (2011), fueran representativos del momento en que fueron publicados, que lo son. Así las cosas, Miss Anthropocene no se publica ni mucho menos en olor de multitud, pero sí con grandes dosis de curiosidad por conocer su respuesta —artística y también dialéctica— de la presión a la que ha sido sometida.

Y esa respuesta llega en forma de disco conceptual con coartada ecológica. Dicho por la propia Grimes: Miss Anthropocene se convierte en una metáfora antropomorfizada de la destrucción a la que estamos llevando a nuestro planeta. Y de esta forma el disco juega constantemente con la doble lectura entre la canción de amor tradicional y el mensaje pro medio ambiente. Para esta historia de amor desgraciadamente parece que no hay vuelta de atrás...

Lástima que a Grimes le haya ocurrido algo parecido a lo que ha venido pasando en los últimos tiempos con otro referente del pop electrónico avant, Björk: que las canciones del disco no están a la altura de las expectativas creadas ni tampoco de tan nobles aspiraciones. Grimes ha calificado públicamente su disco anterior, Art Angels, como “un pedazo de mierda”. Y esas crueles declaraciones sobre su propio trabajo nos hacían albergar la esperanza de que su regreso trajera bajo el brazo una obra maestra. Nada más lejos. Frente a su producción previa, la mayoría de canciones de Miss Anthropocene palidecen por unos ritmos simplones y monocordes, melodías que de tan frágiles resultan imposible de reproducir y ambientes y arreglos más grandilocuentes que grandiosos. Es el primer patinazo considerable de una carrera que por mucho que diga la propia Grimes hasta hoy se mantenía sin tacha.

Bravo Fisher!

Bravo Fisher!

Amor

Musiteca

POP

7

Cuando Bravo Fisher! hizo su aparición en la escena independiente de nuestro país, su creador Guillermo Galguera llamó la atención por su habilidad para componer melodías inmediatas. Ahí radicaba su fuerte y —para cierta parte del público intolerante al pop radiante y emotivo— también su hándicap para ser tomado en serio desde el punto de vista crítico. La carrera del pucelano fue poco a poco virando hacia un sonido tal vez más ambicioso, discos conceptuales incluidos, pero que de alguna forma neutralizaba su principal valor: esa facilidad innata para el estribillo que se adhiere como un chicle.

Amor supone un retorno a aquellos presupuestos iniciales, un disco levantado a partir de duetos con voces mayormente femeninas —La Bien Querida, Rocío Saiz, Ganges, Fatal Tiger y Modelo de Respuesta Solar— que gira sobre el sentimiento que más canciones ha generado a lo largo de la historia de la música popular. Incorpora elementos como el autotune o una producción “on the face” muy de nuestro tiempo. Pero en el corazón de estas canciones, y más allá de la mejorable forma en que han sido vestidas, late el espíritu que ha hecho grandes a The Postal Service, The Magnetic Fields o incluso New Order. Bien por ese retorno a los orígenes pues.

King Krule

King Krule

Man Alive!

XL / Popstock!

POP

7

En nuestro país casi puede pasar por un desconocido, pero King Krule —alias artístico de Archy Marshall— es una de las grandes voces del pop británico de la última década, hasta el punto de encabezar el cartel de festivales que marcan las tendencias del momento como el Primavera Sound. The Ooz (2017), un disco que apenas tuvo repercusión en España, se convirtió en todo un fenómeno de crítica y público en su país, confirmando la importancia de un músico que ya había dado señales de apuntar alto cuando debutó en formato largo con apenas 19 años.

Man Alive! le da continuidad a un discurso artístico que se mueve a caballo de diferentes influencias para terminar resultando inconfundible: el jazz, por supuesto, pero también el punk, el pop de dormitorio o el spoken word. Con esos elementos Krule se convierte en una de las voces autorizadas del South London. Una suerte de Tom Waits contemporáneo en el que la voz rasposa fuera sustituida por una dicción inequívocamente británica, pero el romanticismo noctámbulo se mantuviera intacto. No es la suya una propuesta fácil de asimilar, y sorprende por ello el éxito indiscutible en su país de origen. Hecho tan indiscutible como que, más allá de dónde se sitúe con Man Alive! —un trabajo un peldaño por debajo de su predecesor— Krule es hoy una de las voces de referencia del pop de nuestro tiempo.

Ranaldo & Refree

Ranaldo & Refree

Names of North End Women

Mute

EXPERIMENTAL

7

No es fácil situarse fuera del área de confort cuando en tu bagaje está haber reinventado el rock de guitarras y se cuenta con una hoja de servicios de cuatro décadas explorando las posibilidades de ese instrumento. Tanto es así que cuando Sonic Youth llegó a su fin, Lee Ranaldo publicó una serie de discos que han sido revolucionarios para su trayectoria precisamente a base de acercarse al canon tradicionalista del folk-rock norteamericano.

La búsqueda de Ranaldo, sin embargo, no tiene fin, y de un tiempo a esta parte ha encontrado en Raül Refree al socio perfecto en su particular misión exploradora. En el caso de este Names of North End Women estaba previsto que el barcelonés repitiera como productor, pero su aportación a esta colección de canciones ha sido tan importante que finalmente la autoría del mismo se acredita como compartida.

Y qué mejor desafío para un guitarrista que quitarle su instrumento. Para componer estas ocho canciones de una belleza extraña y siniestra, el dúo recurre a otros instrumentos como el vibráfono, la marimba, la manipulación de cinta y diferentes tipos de percusiones con apariciones puntuales, casi anecdóticas, de la guitarra. El resultado es un disco cargado de misterio en el que Ranaldo es medio cantante medio recitador. Y en su riesgo por probar nuevos sonidos  —en la canción que da título al disco, sin ir más lejos— por momentos su música se sitúa más cerca de una versión de arte y ensayo del Paul Simon de Graceland que del rockero avant garde que conocemos.

Nuria Graham

Nuria Graham

Marjorie

Primavera Labels / Universal

POP

8

Núria Graham publicó su primer disco, First Tracks, con tan solo 15 años. Ahora, con 21 y después de haberse recorrido medio mundo cantando sus canciones y compuesto temas para artistas masivos como Amaia, se puede considerar a la cantaurora mitad catalana mitad irlandesa toda una “veterana” que ha dejado de lado las inseguridades propias de la juventud para enfilar una carrera con voz propia y reconocible.

Marjorie no deja lugar a dudas en ese sentido. El disco lo componen diez canciones con las que Graham viaja de vuelta a sus orígenes irlandeses: Marjorie es en realidad la abuela de Nuria, a la que nunca llegó a conocer, y entre los títulos de las canciones se cuelan los nombres de otras misteriosas mujeres, Hazel o Shirley, a las que podemos situar en un contexto parecido pero de las que no sabemos a ciencia cierta si alguna vez han llegado a existir o nacen de la imaginación de la artista. En cualquier caso esta travesía por las praderas y las tabernas irlandesas se limita al aspecto lírico del disco.

Musicalmente y de la mano de Jordi Casadesús —que firma los arreglos del disco junto a Núria—, Marjorie supone un ejercicio de madurez que ahonda en esa suerte de soft-pop de tintes clásicos hacia el que poco a poco ha ido apuntando su carrera. Obviamente es difícil que en ese terreno pueda convertirse en artista masiva. Lo que, por otra parte, lejos de restar aporta todavía más valor a un disco tan sincero como este.

Tame Impala

Tame Impala

The Slow RushModular / Music As UsualPSICODELIA8The Slow Rush

Aún en una sociedad tan hiperdirigida y ultracontrolada como la que nos rodea, de cuando en cuando se producen fenómenos que escapan a los planes de quienes diseñan las estrategias de mercado. Es el caso de Tame Impala, un proyecto que ya va por su cuarto disco y que ha sido levantado por la imaginación febril de Kevin Parker. Que un músico como Parker haya terminado cruzando trincheras para terminar combatiendo en la primera línea del mainstream, trabajando codo con codo con superstrellas como Travis Scott, Kanye West o Lady Gaga, tiene algo de dulce venganza, de justicia poética.

La música de Tame Impala además ha ido haciendo a lo largo del tiempo un camino a la inversa, desde el sonido de banda al actual ejercicio de bedroom pop superlativo. The Slow Rush es un disco cocinado desde la soledad, por mucho que lo expansivo de su sonido pudiera llevar a pensar lo contrario. Es un disco también de psicodelia bailable, exploradora, por momentos un poco prog, que sin embargo afronta desde las letras temáticas que a priori poco tienen que ver con esa suerte de universo retrofuturista a lo Moebius (el comiquero) en el que ha ido convirtiéndose la música de Tame Impala.

El fallecimiento reciente de su padre o el carácter de naturaleza introvertido de Parker y su forma de relacionarse con el mundo, están presentes en los textos de un disco más terrenal y menos daliniano de lo que su portada podría dar a entender. El territorio por el que la imaginación de Parker vuela libre aparece cuando llega la hora de arreglar unas canciones que apuestan cada vez más por un sonido sintético, hasta el punto de rayar en algún momento con el house y la música disco. No cabe duda que The Slow Rush, ajeno a las presiones de la industria, es el disco que Parker deseaba hacer. Y es bastante probable también que sea aquel que estés deseando escuchar.

Cerrone

Cerrone

DNABecause / Music As UsualELECTRÓNICA8DNA

2016 marcó el retorno de Cerrone con Lips, el clásico disco de autoreivindicación por el que se asomaban luminarias como Nile Rodgers, Aloe Blacc, Alexis Taylor (Hot Chip) o Tony Allen. Sin tratarse de un mal trabajo, este DNA, su continuación natural, conecta de forma mucho más natural con la carrera de este pionero del sonido disco y space-disco, tal vez el músico más representativo del género tras el dios Moroder.

El propio Cerrone explica en las notas interiores de este trabajo que recuperar su material clásico a lo largo de los últimos años, bien sea como DJ o a la hora de tocarlo en directo le hizo reconectar con la esencia de su música, ese ADN al que hace refrencia el título del disco.

Más allá de la coartada conceptual de un disco que el parisino vincula con el trabajo de preservación de la naturaleza que Jane Goodall ha llevado a cabo durante décadas, DNA, con su ritmo 4x4 propulsado hacia el infinito y su arsenal de sonidos sintetizados, demuestra la validez aún hoy de una propuesta sonora que ha influido a infinidad de artistas, muy especialmente aquellos que se engloban dentro del french touch, de Daft Punk a Justice.

Chromatics

Chromatics

Closer to GreyItalians Do It Better / Music As UsualPOP8Closer to Grey

Han pasado siete años desde el último disco de Chromatics, un periodo que se ha hecho aún más largo si cabe por los constantes anuncios de su publicación: retraso tras retraso, el disco nunca terminaba de llegar… Finalmente lo hizo el pasado mes de octubre, aunque ha habido que esperar hasta ahora para poder disfrutar de copias físicas del mismo, que por cierto y tal como ocurre con todos los lanzamientos de Italians Do It Better, son un tesoro como objeto, especialmente en su versión vinilo.

Han sido siete años de espera, sí, un tiempo durante el que Johnny Jewel se ha consolidado como compositor de bandas sonoras y Chromatics han tenido su momento de gloria al colarse en la banda sonora del retorno de Twin Peaks. Esas son las principales novedades para una formación por la que no pasa el tiempo, aislados como están en su particular burbuja de sonidos synthpop, disco beats al ralentí y una concepción del pop casi gainsbouriana, en buena medida por la carismática voz de Ruth Radelet.

Siempre fieles a sí mismos, aquí repiten hasta la fórmula de llevarse a su terreno clásicos que a priori no tienen demasiado que ver con su sonido. Si en el pasado se enfrentaron a temas de Bruce Springsteen, Hole, The Cure o Neil Young, ahora es el turno de On The Wall de The Jesus & Mary Chain y The Sound of Silence de Simon & Garfunkel. Como dicen los británicos, “no news, good news”.

Squarepusher

Squarepusher

Be Up a HelloWarp / Music As UsualELECTRÓNICA8Be Up a Hello

24 años después que aquel impactante debut con Feed Me Weird Things, las claves musicales de Squarepusher -el alias artístico del británico Thomas Jenkinson- están suficientemente asentadas como para que un nuevo disco de este clásico de Warp nos pille con el pie cambiado.

Squarepusher lleva más de dos décadas combinando en sus álbumes y en diferentes proporciones su pasión por el free jazz, los bajos enloquecidos a lo Jaco Pastorius y una forma de entender la electrónica cercano al de su compañero de sello Ahex Twin: breaks esquizofénicos a velocidad endiablada. El resultado de todo ello es una colección de discos, cercanos a la quincena ya, con un sonido inconfundible, que le han convertido en uno de los clásicos del ya de por sí clásico sello Warp.

Be Up a Hello responde a esa misma descripción, si bien en los matices que sirven para darle sabor a la receta electrónica gana la partida al sonido orgánico del bajo, rememorando algunos de sus mejores y más tempranos trabajos: Hard Normal Daddy (1997) o Go Plastic (2001).

Obviamente, canciones como Nervelevers, que sirvió de avance al disco y representa musicalmente la velocidad y también la tensión de una sociedad hiperconectada cuya enfermedad principal es el estrés, no van a ser del agrado de todo tipo de público. Lo que a estas alturas habla más de la integridad artística de Jenkinson que del encaje que su música tiene hoy por hoy en un mercado saturado de ofertas clónicas.

Green Day

Green Day

Father of AllRepriseROCK6Father of All

I Was a Teenage Teenager, titula Green Day una de las canciones de su nuevo disco. Toda una declaración de principios con la que reconoce que, por mucho que Billie Joe Armstrong podría pasar por una suerte de Dorian Grey contemporáneo, hace ya mucho que la banda es autoconsciente de su condición de paso a la edad adulta. Poco o nada tiene que ver la formación con aquellos chavales descarados que con Kerplunk y (sobre todo) Dookie sorprendieron al mundo, una explosión que era una suerte de versión evolucionada y descarada de los Ramones.

Poco tiene que ver pues Green Day con aquel grupo: American Idiot, publicado en 2004, fue su epitafio en ese sentido. Con el tiempo, el trío califoriano ha evolucionado en otra cosa, una banda parida a base de riffs que conecta de forma mucho más evidente con la concepción de la música de guitarras de QOTSA o Black Keys que con ese pop-punk que un día ellos mismos abanderaron. Father of All se ciñe a los cánones de ese género, con su rock’n’roll de manual (Stab You in the Heart), sus ritmos pesados y pasajes diseñados quirúrgicamente para alimentar los coros del público en conciertos multitudinarios (como el caso de Oh Yeah!) y, en líneas generales, una superproducción que no queda claro si hace mucho favor a la banda. Porque si algo ha demostrado Green Day a lo largo de treinta años de existencia es una solvencia instrumental y vocal que está fuera de toda sospecha.

Gil Scott-Heron & Makaya McCraven

Gil Scott-Heron & Makaya McCraven

We’re New Again: A Reimagining by Makaya McCravenXL / Popstock!RAP / JAZZ9We’re New Again: A Reimagining by Makaya McCraven

Hace una década que Gil Scott-Heron firmó su testamento discográfico. Un año antes de su fallecimiento vio la luz I’m New Here, disco publicado por el prestigioso label XL en el que el talento de este pionero del rap y la spoken word más afilada se veía complementado por las aportaciones del capo del sello Richard Russell (musicalmente más conocido por su alias Everything Is Recorded). El álbum en cuestión, que estos días se reedita en versión extendida con un segundo disco con grabaciones inéditas, incluso tuvo una especie de versión alternativa titulada We’re New Here, que vio la luz un año más tarde y en la que Jamie xx reimaginaba el álbum a partir de remixes que acercaban la obra a los sonidos de club.

Ahora XL vuelve a reinventar I’m New Here, en esta ocasión poniendo la obra en manos de uno de los talentos del nuevo jazz: el músico, productor y compositor de Chicago Makaya McCraven. A diferencia de Jamie xx, que reinventaba el material original llevándoselo a su terreno, McCraven homenajea abiertamente el universo musical de Scott-Heron, tomando las pistas de voz del disco y diseñando nuevas composiciones para ellas, composiciones, claro está, que se mueven a medio camino del soul, el jazz y el hip hop, territorio natural en el que se situó la carrera del autor del disco. De esta forma y sorprendentemente We’re New Again se convierte en el disco que Scott-Heron no llegó a publicar en su día pero que cualquier aficionado a su música habría esperado de él.

Against All Logic

Against All Logic

2017-2019Other People / Popstock!ELECTRÓNICA92017-2019

En apariencia, sólo en apariencia, Nicolas Jaar lleva una temporada de semi retiro en la que poco se ha sabido de su producción discográfica. Pero en realidad los últimos años, desde la publicación de la primera recopilación de temas de Against All Logic, ha sido un periodo especialmente fértil para el músico chileno en el que ha disfrutado de una residencia en el centro artístico Het HEM en Amsterdam, ha firmado la banda sonora de Ema, la película de Pablo Larraín, y producido buena parte de uno de los discos más importantes de los últimos años, Magdalene de FKA Twigs. Por si todo eso fuera poco, Jaar nos sorprende ahora con un torrente de lanzamientos: la semana pasada veía la luz un mix firmado por Against All Logic publicadoen el soundcloud de su sello Other People y casi en paralelo aparecía un single con las colaboraciones de Lydia Lunch y (precisamente) FKA Twigs.

Además, ahora llega el segundo recopilatorio de grabaciones de Against All Logic, que cubre el periodo que va de 2017 a 2019. Un disco sobresaliente que confirma a Jaar como uno de los grandes talentos de la música electrónica de nuestro tiempo y que sorprende por su violencia implícita. Desde la propia portada, con esa fotografía de un militar al que no vemos el rostro, estos nueve temas transmiten un desasosiego que, en un contexto de música de club, tiene su antecedente más evidente en las producciones de Aphex Twin de finales de los noventa. Sin embargo, mientras las piezas del músico irlandés tenían algo de broma pesada, la música de Against All Logic parece autoconsciente de su componente trágico y virulento. Una sensación a la que pone voz Lydia Lunch cuando en If You Can’t Do It, Do It Hard su voz distorsionada clama: “Si no puedes tumbarlos, mátalos. Si no puedes matarlos, jódelos”.

Isobel Campbell

Isobel Campbell

There Is No Other…Cooking Vinyl / Popstock!POP8There Is No Other…

Alejada desde hace años de Belle & Sebastian, el grupo que la descubrió al mundo, Isobel Campbell publica su primer disco en solitario en casi15 años. Los álbumes en los que jugaba con Mark Lanegan a convertirse una suerte de Gainsbourg & Birkin de lo alternativo dan paso ahora a esta versión de la de Glasgow en línea con aquel Amorino que en 2003 sirvió para definir su universo personal. Este retorno tiene además una compleja historia detrás: aunque el disco llevaba grabado desde hace años, el sello que lo iba a publicar echó el cierre empujando a Campbell a tener que batallar por los derechos de estas canciones y comenzar de nuevo el proceso de negociación y publicación con la discográfica que finalmente pone en las tiendas este trabajo: Cooking Vinyl.

Una experiencia frustrante que sin embargo no ha afectado a esta colección de canciones a caballo del soul, la folk music, la bossa y, por supuesto, el pop y que si algo transmite es sosiego y paz interior: “Ghandi y Buda, Martin Luther King, tenían un sueño en que todos los corazones cantaban. Si abres tu corazón qué podríamos encontrar. Somos amor, y vamos a hacerlo bien esta vez”, canta en The Heart of It All, una frase que de alguna forma resume el espíritu de todo el disco.

Nada Surf

Nada Surf

Never Not TogetherErniePOP8Never Not Together

Han pasado25 años del nacimiento de Nada Surf, un tiempo considerable pero casi insignificante para una banda que en apariencia siempre ha estado ahí, esquivando el éxito de sus inicios para desarrollar una carrera sin sobresaltos pero ejemplar, con especial seguimiento en España. Su retiro discográfico durante el último lustro no les ha sentado nada mal para que les echáramos de menos. Porque Never Not Together tal vez no sea más que discos tan rotundos como Let Go o Lucky, pero definitivamente tampoco es menos.

En un tiempo en que las guitarras cotizan a la baja ahí están Nada Surf para recordarnos que pocos artistas como ellos son capaces de condensar un puñado de sentimientos en apenas 3 o 4 minutos de píldora pop. Matthew Caws sigue cantando como un chaval al que en cualquier momento le va a explotar el corazón, y la base rítmica (con Daniel Lorca a los parches) sirve de complemento perfecto para unas canciones en las que las emociones siguen dominando: “So much love in the air” cantan en el single de avance. No son en cualquier caso un grupo limitado para afrontar otras temáticas, como demuestran en Mathilda, un hermoso himno antihomófobo.

María José Llergo

María José Llergo

SanaciónSonyFLAMENCO8Sanación

Al igual que ocurre con el oleaje, que llega en forma de serie, se calma y vuelve otra vez a rugir, la música popular evoluciona a partir de tendencias, sonidos y movimientos que marcan los tiempos. Resulta imposible no vincular la figura de María José Llergo con Rosalía o incluso Silvia Pérez Cruz, no sólo porque todas ellas han compartido maestro -“Chiqui de la Línea”- y hasta escuela –la Superior de Música de Cataluña-. También porque en este primer disco, miniLP si se quiere- existe una vocación idéntica por trascender el cante clásico y caminar hacia una suerte de “nuevo flamenco” que tenga en cuenta las principales tendencias de la música pop contemporánea.

Sabemos que Rosalía eligió a sus acompañantes en ese camino. A propósito del debut de la pequeña-gran artista cordobesa queda la duda de saber qué parte de la decisión de encargar la producción de Sanación a Lost Twin le corresponde a ella y cuánto a los jefes de producto de Sony que están detrás del proyecto.

Créditos y concepción del producto al margen, las siete canciones que componen Sanación aciertan de pleno en su intento por convertir a la Llergo en la nueva gran voz de ese “flamenco para todos los públicos”. La voz precisamente es la gran protagonista de estos temas, cocinados a la medida de una cantante que es todo sentimiento. Carlos Rivera (Lost Twin) renuncia a reivindicarse como geniecillo del estudio para darle brillo a una Maria José Llergo que, bien sea acompañada de la guitarra flamenca, protegida por los sonidos ambientales o hasta cuando protagoniza composiciones sintéticas cercanas al trip hop (El péndulo), se convierte en protagonista de un disco facturado a su medida.

Alice Boman

Alice Boman

Dream on[PIAS]POP8Dream on

Aunque lleva casi una década publicando su música de forma independiente, Alice Boman se ha dado a conocer hace relativamente poco gracias a la inclusión de varias canciones suyas en series como Wanderlust o Transparent. Es por eso que Dream on tiene algo de debut tardío, de esperado estreno dilatado demasiado en el tiempo.

El tiempo le ha dado también a estas canciones un poso del que carecían aquellos primeros temas de juventud. El título del disco y también la etiqueta “dream pop” encajan como un guante en esta colección de canciones al ralentí, lideradas por la voz aniñada de la Boman, tratada entre algodones por la producción de Patrick Berger, habitual de Robyn y que también ha llegado a trabajar con otras divas del pop como Lana Del Rey o Charli XCX. El resultado es una versión contemporánea de aquellos deliciosos ejercicios de narcopop firmados por Julee Cruise para las bandas sonoras de David Lynch.

Destroyer

Destroyer

Have We MetDead Oceans / Popstock!POP7Have We Met

25 años y quince álbumes después de su debut Dan Bejar sigue publicando canciones a buen ritmo, mudando de piel y, sin embargo, resultando totalmente inconfundible. En Have We Met el ex The New Pornographers no puede situarse más en las antípodas de la banda que formó con Neko Case, A.C. Newman y compañía. Si el precedente Ken (2017) se llevó el universo de Destroyer a un pop-rock de corte ochentero, casi “springsteeniano”, su nuevo trabajo apuesta por la economía de recursos y ha sido levantado con la ayuda de las nuevas tecnologías.

Have We Met surgió de hecho casi como un homenaje a la forma de entender el pop de artistas como Björk y Massive Attack. Pero conforme el proceso compositivo y de grabación fue avanzando Bejar y John Collins, productor de confianza que ya había firmado el debut de Destroyer, convirtieron estas canciones en un nuevo ejercicio de pop exquisito marca de la casa, que es esencia difiere de anteriores entregas de Destroyer por su armazón sintético. Algo que tampoco debería sorprender en un fan confeso de New Order como el músico hispano-canadiense…

Les Amazones D’Afrique

Les Amazones D’Afrique

Amazones PowerReal World / [PIAS]WORLD MUSIC7Amazones Power

Cuando Mamani Keïta, Oumou Sangaré y Mariam Doumbia formaron Les Amazones D’Afrique en 2014 el colectivo tenía claro cuál era su objetivo: luchar por la visibilidad de las mujeres en general y de las malienses en particular, denunciando su posición de desigualdad en la sociedad de su país y barbaridades del calibre de la ablación genital. Seis años y un impactante disco de debut más tarde su propósito inicial no solo sigue vigente sino que resuena con más fuerza a lo largo de un segundo disco que añade nuevas voces al colectivo.

Una de ellas, la guineana Niariu, es la encargada de abrir el disco con unas palabras que resumen el sentir general del disco: “Debemos permanecer juntas / juntas debemos terminar esto”. Y el resultado de esa conjura es un disco que es folklore futurista. O lo que es lo mismo, un ejercicio de pop electrónico y sonidos urbanos que reconoce la influencia de la música tradicional africana pero se niega a revisitarla. En vez de mirar por el retrovisor esta reivindicación del poder de las amazonas apunta hacia el futuro.

Lina_Raül Refree

Lina_Raül Refree

Lina_Raül RefreeGlitterbeatFADO8Lina_Raül Refree

Es sobrehumana la capacidad del barcelonés Raül Refree para sacar adelante proyectos en los que ejerce de músico, productor y en ocasiones (como esta) hasta autor de las canciones. Cuando ya está a punto de publicarse un disco mano a mano junto al ex Sonic Youth Lee Ranaldo y acaba de ver la luz su trabajo junto al asturiano Rodrigo Cueva,s llega esta colaboración con la portuguesa Lina que acaba de presentar en el festival Eurosonic de Groningen, uno de los mercados de referencia para la música de referencia en el viejo continente.

Refree, productor de entre muchisimos otros artistas Rosalía, Rocío Márquez o Silvia Pérez Cruz, parte del trabajo que llevó a cabo con ellas para, desde otra escuela musical como es el fado, plantear una colección de canciones, otra más, a caballo de la tradición y la modernidad. La tradición corre a cuenta de la hermosa y sentida voz de Lina, que interpreta temas originales de Amalia Rodrigues. La ruptura de parte de un Refree que produce y pulsa las teclas de piano, harmonium, moog y demás sintetizadores para traducir a un lenguaje inquietante este cancionero clásico. Como si Nico hubiese cambiado los lieder por fados…

Pet Shop Boys

Pet Shop Boys

Hotspotx2 / Popstock!TECNOPOP8Hotspot

Como ocurre con el protagonista de Will-o-the-wisp, posiblemente la canción bandera de su décimocuarto disco, pasan los años pero lo esencial permanece intacto en la música de Pet Shop Boys. Aunque los niveles de inspiración lógicamente varían de disco a disco, Neil Tennant y Chris Lowe mantienen un estatus envidiable a medio camino del mainstream y un merecido culto. Pet Shop Boys se han convertido con el paso de los años casi en un género en sí mismos, y han sabido además rejuvenecerse reivindicando como descendientes directos a jóvenes bandas de éxito como Years & Years (que colaboran en un tema, Dreamland) o The Killers.

En la última entrega de esa suerte de trilogía que ha tenido a Stuart Price como productor, Tennant y Lowe se han marchado a los míticos estudios Hansa de Berlín. Y Berlín se convierte también en escenario de un puñado de canciones que, en la línea de siempre, se mueven a medio camino de la fantasía literaria y la ácida crítica social. Evidente en la misma Dreamland, una irónica visión de su país en particular y el nacionalismo en general que imagina un lugar “donde no necesites un visado / en el que puedas venir, volver a irte y todavía formar parte de él”.

Musicalmente la producción de Price se debate entre las baladas electrónicas y el ejercicio dance pop, entre Introspective y Behaviour, los dos discos que al principio de su carrera mejor definieron los márgenes en los que se mueve la música del dúo. De un tiempo a esta parte curiosamente son sus canciones más uptempo y abiertamente bailables las que mejor les sientan, aquí representadas por la ya citada Will-o-the-wisp -casi un autohomenaje, un tema que describe la vida de un fiestero entrado en años-, el sonido abiertamente disco de Monkey Business o el eurodance de Happy People.

The Black Lips

The Black Lips

Sing in a World That’s Falling ApartFire / Popstock!ROCK7Sing in a World That’s Falling Apart

The Black Lips no son excesivamente reconocidos ni cuentan con un núcleo de fans multitudinario que les coloque como cabezas de cartel de grandes festivales. Sin embargo la banda de Atlanta fue en buena medida responsable hace dos décadas de la enésima explosión de un revival garagero que todavía mantiene buena salud gracias a sellos como Burger Records. Mientras miles de bandas de todo el planeta buscan acercarse al lugar del que ellos vienen (musicalmente hablando) The Black Lips se lanzan a nuevas aventuras, siempre claro está en el contexto del rock’n’roll.

Sing in a World…, su noveno largo ya, es en ese sentido un revolcón al sonido con el que les habíamos relacionado, un disco de country rock borrachuzo (hay cosas que nunca cambian) que viene a ser algo así como un trabajo de madurez para Cole Alexander y sus compinches. Mantienen intacto su sentido de la diversión y la irreverencia -llegan a dedicarle una canción a las figuritas de acción G.I. Joe- pero los medios tiempos dominan sobre el frenesí que les había caracterizado en el pasado.

Fuel Fandango

Fuel Fandango

OrigenWarnerFLAMENCO-ELECTRÓNICA7Origen

Fuel Fandango lleva diez años explorando las posibilidades de hibridación entre el flamenco y la electrónica para las masas. Empezaron cuando ni tan siquiera podíamos imaginar un fenómeno como el de Rosalía, y propuestas como la de Califato 3/4, Maria José Llergo y mil más habrían resultado impensables. Merecido tienen pues el calificativo de pioneros, una categoría que se niegan a abandonar. En su cuarto álbum Nita y Ale Acosta se abren a nuevas influencias, especialmente en el aspecto rítmico, cruzando el Estrecho y abrazándose a los sonidos africanos.

Tal y como ha ocurrido en el pasado con otras formaciones nacionales emblemáticas del mestizaje como Ojos de Brujo o Radio Tarifa, cada vez más la música de Fuel Fandango deja atrás los clichés para entregarse a una suerte de sonido global, en su caso siempre marcado por las producciones de corte dance de Ale y, claro, la voz aflamencada de Nita. Las colaboraciones de Vicente Amigo y Rycardo Moreno sirven para recordarnos de dónde vienen Fuel Fandango, pero lo que cada vez resulta más impredecible (y esto es un piropo) es saber hacia dónde van…

Luis Alberto Spinetta

Luis Alberto Spinetta

Ya no mires atrásSonyAUTOR8Ya no mires atrás

Aunque su popularidad en nuestro país nunca estuvo al nivel de su influjo, incluso en España hay consenso de que el argentino Luis Alberto Spinetta es el padre del rock en castellano. Su primer disco con su banda Almendra data de 1969, y solo dos años más tarde Spinetta arrancó una carrera en solitario que terminó en 2012, cuando falleció a los 62 años víctima de un cáncer. Cuenta su hija Caterina que poco después de su fallecimiento entre sus documentos encontró un pendrive con las siete canciones que ahora se publican bajo el título de Ya no mires atrás.

La posterior reconstrucción de los hechos permitió averiguar que ese pendrive sale de unas sesiones registradas cuatro años antes de su muerte, en 2008, en el estudio personal del propio Spinetta, La Diosa Salvaje. Comenzó a partir del momento del descubrimiento un proceso de finalización de esas canciones con la ayuda de una serie de músicos cercanos a Spinetta: el productor Mariano López y los músicos Claudio Cardone, Mono Fontana, Nerona Nicotra, Sergio Verdinelli y Alejandro Franov.

Todos ellos formaron parte de la banda de Spinetta y aparecen como instrumentistas en diferentes discos del bonaerense. El resultado es un pequeño milagro para los fans del músico, su segundo álbum póstumo, publicado en el día del que habría sido su 70 cumpleaños y con una portada obra del propio Spinetta. Otro ejercicio de rock con aires jazzeros, en la línea de su proyecto Spinetta Jade y, como toda su obra, con un altísimo nivel lírico.

Taifa Yallah & Dellafuente

Taifa Yallah & Dellafuente

Ep.01-CausaSanta CatalinaFLAMENCO-ROCK7Ep.01-Causa

Dellafuente sorprende con este nuevo proyecto, acompañado de músicos de confianza como Antonio Narváez y Moneo y en un contexto que lo aleja tanto del sonido urbano como de la metodología que había seguido hasta ahora. El músico granadino, uno de los nombres que ha empujado con fuerza en ese terreno en los últimos años, apuesta ahora por un formato de banda que conecta directamente con la tradición del rock andaluz, en una línea que va de Triana y Smash al Omega de Morente & Lagartija Nick, y que se suma a otras formaciones actuales –de Fuerza Nueva a Derby Motoreta Burrito Cachimba- en la búsqueda, cada cual con sus peculiaridades, de un rock de raíz ajeno a la tradición anglosajona.

Dellafuente consigue con la publicación de estas ocho canciones ocupar un lugar propio dentro de ese “género”. Su particular lírica, uno de los puntos fuertes de su producción urban tal y como ha venido demostrando desde los tiempos de Azulejos de corales (2015), encaja sin problemas con una propuesta que pasa de de lo emotivo a descargas de electricidad cercanas al heavy, utilizando para terminar de ubicar la propuesta recursos propios del flamenco como las palmas o su propia voz, una suerte de versión alternativa del cante.

Queda por comprobar si este ha sido un capricho sin continuidad o el primer paso de una nueva línea creativa que va a ocupar buena parte de su tiempo. Pero lo que resulta innegable es que Taifa Yallah es un primer paso interesante y personal, que desde el minuto uno posiciona el proyecto y lo convierte en referente del “rock andaluz” contemporáneo.

The Innocence Mission

The Innocence Mission

See You TomorrowBella Union / [PIAS]POP8See You Tomorrow

En activo desde 1985 es de suponer que la formación nacida en Pensilvania lo habrá visto durante estos 35 años de todos los colores. De lo que no cabe lugar a dudas es de que vivimos hoy tiempos en que la atención mediática y también la del público van por derroteros muy lejanos del pop melancólico, casi “emo” que practica la banda. Lo que explica la poca atención que está recibiendo un proyecto que está publicando los mejores trabajos de su larga carrera de un camino a esta parte.

Sun on the Square (2018) ya resultaba un disco exquisito, arreglado con cuidado y marcado por la voz de Karin Perin, a veces un lamento casi infantil, siempre al borde de quebrarse y quebrar con ello nuestro corazón. El encantamiento prosigue en See You Tomorrow, un álbum cargado de canciones que parecen salidas del túnel del tiempo, con preciosos arreglos de cuerda y una producción que potencia ese sabor a tiempo pasado que fue mejor.

Décima Víctima, al igual que sus admirados Joy Division, han hecho el camino inverso de lo que es habitual en una banda: pasaron de la indiferencia que generaron entre sus coetáneos a, con los años, lograr un reducido, pero siempre creciente, número de fieles.

Desde la disolución del grupo, en 1984, solo tres años después de su nacimiento con componentes que provenían de otras formaciones como Paraíso, Ella Y Los Neumáticos y Ejecutivos Agresivos, una serie de momentos clave han marcado el redescubrimiento de la banda por parte de las nuevas generaciones. El último de ellos es la difusión del mediometraje Décima Víctima: Detrás de su mirada dirigido por Borja Prieto y realizado por Román Santiago, que, además, puede verse en su canal de YouTube.

Hay que tener en cuenta que cuando Décima Víctima publicaron sus dos largometrajes, su debut homónimo de 1982 y la que está considerada su obra maestra, Un hombre solo (1984), ponían sus discos en las tiendas de la mano de un pequeño sello independiente de nombre GASA (Grabaciones Accidentales Sociedad Anónima). Años después, GASA fue absorbida por Warner, como la mayor parte de sellos independientes que surgieron durante la movida madrileña, lo que durante bastantes años llevó al grupo y a su catálogo a una situación incierta.

El propio Carlos Entrena se explicaba al respecto en una entrevista realizada en Mondo Sonoro hace nueve años: “Los problemas por los que hemos tardado tantos años en reeditar los discos de Décima Víctima los he tenido con la multinacional que posee los derechos. No han querido reeditar y han metido en Spotify todos los temas con los títulos cambiados. Y en iTunes me temo que también… Así que estoy en conversaciones para que lo quiten todo”.

El cantante añadía que no querían ver su trabajo de esta forma en la Red, pero mucho menos dar la imagen de que así era como lo comercializaban. “Pero bueno, esa es nuestra lucha, porque Grabaciones Accidentales fue un sello que se hizo para publicar las grabaciones propias. Y que ahora lo tenga una multinacional cuando nosotros precisamente formamos el grupo huyendo de Hispavox, que era una discográfica de tamaño medio, me parece un poco triste”, lamenta.

Un grupo de corta vida, pero intensa

En 1994, un CD recopilatorio con 17 temas se convirtió en la puerta de entrada a canciones como Tan lejos, El signo de la cruz o Un hombre solo. Lo publicó Warner, que además pidió el diseño de portada a Javier Aramburu (más o menos por aquella época componente de Family y a la postre ilustre portadista de Los Planetas).

La compañía solicitó también un texto interior a cargo de otro fan irredento de la banda: Ibon Errazkin, componente de Le Mans. En ese texto, breve, pero al que muchos nos aferramos para conseguir por primera vez información sobre el grupo, Ibon daba en el clavo.

Una circunstancia que en su día confirmó el propio Carlos Entrena: “La poca difusión que tuvimos le ha añadido interés al tema, ha convertido al grupo en una referencia un poco de vanguardia, en una cosa rara. Y luego el sonido creo que era muy bueno para la época”.

Efectivamente, y a diferencia de la mayor parte de bandas de la misma época, desde un punto de vista puramente musical, Décima Víctima resiste aún hoy la prueba del espejo con aquellos grupos que claramente les sirvieron de influencia: los citados Joy Division, The Cure, Siouxsie & The Banshees, The Associates… Pero la banda no alcanzaría hoy la categoría de grupo de culto si simplemente se hubieran limitado a emular los sonidos del post-punk británico.

La letras de Carlos Entrena rehuían el desfile de tópicos en los que, por ejemplo, sí cayeron grupos amigos como Parálisis Permanente o los primeros Gabinete Caligari, que sacaron a desfilar la imaginería típica del movimiento: del sadomasoquismo y los crucifijos a una militancia nazi cosmética que buscaba la provocación fácil.

Las canciones de Décima Víctima, sin embargo, evocaban imágenes a medio camino del costumbrismo y una apesadumbrada –aunque no por ello menos digna– estética de la derrota: “Vuelvo a estar en el camino / con el polvo y entre el barro / La ciudad pierde el interés / todo su misterio queda atrás /Cada senda una sorpresa / cada instante una enseñanza / Deambular lejos del clamor / poner rumbo a otra población”, cantaba Entrena en Sobre otra ruta.

Una nueva generación de fans tardíos

La publicación en 2010 de una caja en vinilo con todas sus grabaciones a cargo de Munster Records abrió Décima Víctima a una nueva generación de fans. Algunos de ellos aparecen en Detrás de su mirada explicando a cámara las razones por las que, a diferencia de lo que ocurre con otras grabaciones de la época, la música de la banda sigue revalorizándose con el paso de los años: La Plata, Triángulo de Amor Bizarro, Belako, Los Planetas, Dorian... Parte de ellos ni tan siquiera habían nacido cuando el grupo estaba activo.

Tal vez relacionado con este cada vez mayor interés que genera el grupo, en la última década se han multiplicado los lanzamientos relacionados con Décima Víctima. Hace solo unos meses, se publicaba En el garaje, una selección de temas que se registraron a modo de maquetas previas a las definitivas sesiones de Un hombre solo. O incluso la aparición de un EP de La Sala del Silencio, proyecto en paralelo de los hermanos Mertanen en compañía con Áurea Cuní, y cuyas canciones terminaron acabando en el repertorio de Décima Víctima tras una serie de cambios.

Las claves de este renacimiento del grupo en los últimos años vuelve a darlas Carlos Entrena. “Nunca nos planteamos profesionalizarnos. No era el enfoque y creo que eso nos libró de hacer muchas cosas que no queríamos. Si recuperas las críticas que se publicaron en aquellos años sobre nosotros, el mercado no nos miró con mucha simpatía”.

Entrena asegura que ahora ve más comentarios sobre su grupo gracias a Internet, ya que por entonces, en la era de lo analógico, la cosa era bien diferente. “Para muchos éramos pretenciosos, no éramos cercanos al público… Salíamos al escenario y hacíamos unas actuaciones como algunas que están por YouTube. Nos gustaba esa imagen, luego cómo fuéramos con la gente era otra cosa”. Una imagen de rebeldía que, a pesar de los años, parece que no se ha perdido del todo.

Pablo Und Destruktion

Pablo Und Destruktion

Futuros valoresHumoCANCIÓN7Futuros valores

Predación (2017), el último disco de Pablo Und Destruktion lo expuso a una inédita atención en su carrera. El trovador asturiano, siempre en el filo, comprometido con sus causas a la par que kamikaze en la toma de decisiones artísticas, decidió entonces dar un paso atrás que ha rebajado la intensidad de los focos y cuya consecuencia es Futuros valores.

En comparación con la intensidad de obras pretéritas, Futuros valores suena a disco cocinado desde la retaguardia, a partir de retales sonoros y muy especialmente conceptuales que resumen estos dos últimos años de reconfiguración personal y artística. Un tiempo durante el que incluso llegó a anunciar un cambio de nombre del que posteriormente se arrepintió.

También durante ese tiempo la pasión por Jacques Brel le llevó a fantasear con un álbum de versiones del cantautor belga. De aquellos día ha sobrevivido la canción elegida como single en la que el puerto de Amsterdam se convierte en el puerto de Gijón, una cover nada idílica que incluye prostitutas y chaperos en un paisaje urbano acorde con la particular iconografía de Pablo Und Destruktion, que sin embargo reivindica frente a la indignidad capitalista de los tiempos modernos.

Esa imagen idealizada de los valores y las formas de vida del pasado asoman cuando canta aquello de “creo que ya me he hecho mayor”. También, quién puede dudarlo, cierto cansancio que no puedo evitar asociar con sus propias dudas artísticas: ¿es a estas alturas Pablo Und Destruktion un francotirador o un producto más del gran circo del rock?

Él también parece haber reflexionado al respecto y el resultado es un disco en el que no termina de dar el paso que lo sitúa a un lado u otro de la línea, continuista y sin embargo alejado del carácter expansivo y ambicioso de Sangrín (2014), Vigorexia emocional (2015) o el citado Predación. Como un cantautor singular, el que intercambia fuego cruzado en Viva la gente pero renuncia a guerra abierta que planteaban sus trabajos previos.

Bill Fay

Bill Fay

Countless BranchesDead Oceans / Popstock!CANCIÓN9Countless Branches

Aquellos que reconozcan el nombre de Bill Fay conocerán su singular historia: tras publicar un puñado de discos en los años setenta desapareció de la vida pública para definitivamente convertirse en una figura de culto del folk-pop británico. El apasionamiento de David Tibet (Current 93) sacó de su discreto retiro a Fay, que desde entonces, hace ahora diez años, ha desarrollado una carrera ya mas prolífica (cuatro discos largos) y no menos asombrosa por su impacto emocional.

Countless Branches se sitúa a un nivel muy similar al de sus antecesores Life Is People (2012) y Who Is the Sender? (2015). En el aspecto lírico Fay sigue siendo ese hombre que en el otoño de su vida observa asombrado la belleza del mundo que le rodea y responde conmovido con canciones.

Unas canciones que se muestran más desnudas en que anteriores ocasiones, cercanas a la forma en que nacieron: con el propio Fay sentado al piano y arrastrándo su voz, a punto siempre de quebrarse, sobre esas preciosas líneas melódicas, arregladas tan sólo puntualmente por un cello, bajo, alguna guitarra acústica y percusiones prácticamente imperceptibles. Inexplicablemente sigue siendo uno de los secretos mejor guardados de la canción contemporánea.

Anti Flag

Anti Flag

20/20 VisionSpinefarm / Music As UsualPUNK720/20 Vision

Anti-Flag llevan cerca de un cuarto de siglo llevando su mensaje marcadamente politizado basado en máximas antirracistas, antihomófobas, antifascistas y antisexistas desde Pittsburgh (Pensylvannia) al resto del mundo. Profundamente activistas también fuera del escenario, involucrándose en el movimiento Occupy Wall Street y diversas campañas de Amnistía Internacional, entre muchos otros, los últimos presidentes de EEUU nunca han sido, como era de esperar, de su agrado: durante la era de Bush también editaron unos cuantos álbumes criticando su política de manera evidente y formaron parte del recopilatorio Rock Against Bush! junto a NoFX, Pennywise, Hello Biafra, etc.

Sin embargo, con 20/20 Vision han dejado al margen cualquier opción a la libre interpretación colocando una imagen de Donald Trump en la portada. Trump y su gestión están presentes a lo largo todo el disco, abordando temas como el desastre climático, el abandono a los pobres, el incremento del odio racial o haciendo referencias a los “niños en jaulas”.

A nivel musical Anti Flag continúan en su décimosegundo disco de estudio haciendo gala de su habilidad para despachar temas pegadizos. El mejor ejemplo de ello es The Disease, tema en el que despliegan uno de sus puentes fuertes, la combinación de las voces melódicas de Justin Sane (voz, guitarra) con los registros más agresivos y enérgicos del bajista Chris Barker.

En esta misma línea, a lo largo de estos once temas encontramos cortes en los que priman más las melodías (Unbreakable, Christian Nationalist o la acústica Un-American) con otros más directos y contundentes como A Nation Sleeps o Hate Conquers All, canción que abre el disco y en el que hacen una declaración total de intenciones parafraseando algunos de los discursos más incendiarios de Trump.

Bombay Bicycle Club

Bombay Bicycle Club

Everything Else Has Gone WrongMmm… / Music As UsualPOP7Everything Else Has Gone Wrong

Vivimos tiempos oscuros que se reflejan en la música: en su mayor parte angustiada, deprimente, crispada, presa de las fobias y preocupaciones que nos atenazan a diario. Sin embargo, sigue habiendo bandas de pop que hacen grandes canciones de pop desprejuiciado y divertido, saltarín por momentos. Es el caso de Bombay Bicycle Club. Y eso, a pesar de que los textos que firma Jack Steadman distan de ser la alegría de la huerta y reflejan las neuras (sentimentales y de las otras) del urbanita medio.

Sin embargo, hay un método en su forma de componer que hacen comprensibles las comparaciones iniciales con otra de las bandas más vitalistas del pop británico, Two Door Cinema Club, y que convierten a este cuarteto en un rayo de luz en medio de tanto tremendismo musical.

No por faltas de referentes sesudos o avalados por la crítica: en las canciones de Bombay Bicycle Club se cuelan ecos del krautrock, el Brian Eno de los primeros disco, los más sofisticados grupos de technopop de los primeros ochenta o hasta la música clásica. Todo ello integrado en un contexto de brit-pop divertido, bailable e inteligente. Sin descubrir la sopa de ajo, pero completando un disco bien resultón.

Pale Saints

Pale Saints

The Comforts of Madness4AD / Popstock!SHOEGAZE9The Comforts of Madness

Un año antes de Nirvana conquistara el mainstream, “indie” era una etiqueta asociada a valores que poco tenían que ver con aquellos que hoy por hoy la definen. Uno de ellos era riesgo. Y sí, allá por 1990, cuando otra etiqueta que define a todo un género, “shoegazing”, todavía no había comenzado a emplearse, Pale Saints era una banda rabiosamente original. Con sus influencias, obviamente: el garage arty de la Velvet Underground, las atmósferas guitarreras de Pale Saints y hasta cierta aceleración new wave. Pero desarrollando también un estilo reconocible aún hoy, treinta años después.

Antes de perder efectivos con un tercer disco menor, la banda de Leeds aún publicaría otro largo igualmente maravilloso, In Ribbons, ya en un contexto en el que My Bloody Valentine habían publicado el esencial Loveless y se multiplicaban bandas como Lush, Slowdive, Chapterhouse, etc, que tomaban el sonido de Pale Saints como referente.

Pero esa es ya otra historia, una historia que anticipó esta colección de once preciosas canciones, puro fuego y hielo que se debatían entre los muros de sonido y la voz aniñada de Ian Masters. Con motivo de las tres décadas de su publicación 4AD lo recupera con un segundo disco que incluye las demos del disco y el paso del grupo por el programa de John Peel.

Vera Fauna

Vera Fauna

There Is no YearPurple MoonPOP8There Is no Year

Cuatro años después de que publicaran sus primeras canciones y comenzaran a rodar su directo por diferentes puntos de nuestra geografía, los sevillanos Vera Fauna se estrenan en formato largo. Lo hacen con un disco que recoge canciones como Los naranjos o su versión del Colorada de Papa Levante, que han dado a conocer al cuarteto entre un público cada vez menos “alternativo”.

Dudas y flores, lleva unos cuantos pasos más allá lo que Vera Fauna venían prometiendo con sus EPs y singles previos. Esto es, una elegante y soleada psicodelia contemporánea -de Tame Impala a formaciones nacionales como Baywaves, pioneros a la hora de exportar este tipo de sonidos fuera de nuestro país- combinada con un sabor autóctono, remarcado por las voces y también por unas letras que nos sitúan en la Alameda sevillana y campos de naranjos.

Otra banda pues que sumar a la larga relación de artistas nacidos en la capital andaluza, de Silvio o Smash a Pony Bravo, y que en conjunto constituyen una singular escuela del rock en general y la psicodelia en particular.

Bring Me The Horizon

Bring Me The Horizon

Music to listen to~dance to~blaze to~pray to~feed to~sleep to~talk to~grind to~trip to~breathe to~help to~hurt to~scroll to~roll to~love to~hate to~learn Too~plot to~play to~be to~feel to~breed to~sweat to~dream to~hide to~live to~die to~GO TOSonyPOP6Music to listen to~dance to~blaze to~pray to~feed to~sleep to~talk to~grind to~trip to~breathe to~help to~hurt to~scroll to~roll to~love to~hate to~learn Too~plot to~play to~be to~feel to~breed to~sweat to~dream to~hide to~live to~die to~GO TO

Hace tiempo que Bring Me The Horizon dejaron de ser Bring Me The Horizon. Si una máquina del tiempo nos situara de nuevo en 2006 y le pusiéramos al hardcore fan medio del grupo una de las canciones de su impronunciable nuevo disco de nombre eterno, no daría crédito a aquello en lo que se ha transformado el grupo británico.

Music to listen to… [ver el resto arriba] continúa la aventura emprendida hace un tiempo ya, aventura que les ha llevado del punk más aberrante y acelerado a una suerte de pop... ¿experimental? Ha sido este el que curiosamente les ha abierto las puertas de audiencias masivas. No deja de ser sorprendente si tenemos en cuenta que estos ocho temas, esencialmente otros tantos ejercicios de electrónica más o menos pop, más o menos experimental, están muy lejos de la música que dominan los tops.

La canción elegida como avance, titulada con un signo de interrogación y que cuenta con la colaboración vocal de Halsey, es un ejercicio de electrónica a medio camino de la EDM y el dubstep.

A continuación suena Underground Big, una pieza de unos extensos 24 minutos que arranca con formas de pop emo. A medida que avanza se transforma súbitamente en un espasmo de metal extremo que rememora al grupo que una vez fueron, pero desemboca en un interminable loop que termina por convertir el tema en una chaladura solo justificable como incursión en el terreno de la experimentación más dura. Imaginar al grupo interpretando el tema en uno de sus multitudinarios conciertos tiene algo de broma pesada…

Georgia

Georgia

Seeking ThrillsDomino / Music As UsualELECTRÓNICA POP8Seeking Thrills

El segundo álbum de Gerogia Barnes, hija de uno de los componentes de los históricos Letfield, nos acerca a una artista madura y con las ideas mucho más claras de lo que nos mostró aquel disco homónimo con el que se presentó en sociedad en 2015. Seeking Thrills ha sido además un álbum de cocción lenta, que ha venido desarrollándose desde 2017, cuando Georgia empezó a soltar singles hoy contenidos en el disco –Feel It, Mellow, Started Out, About the Dancefloor y Never Let You Go-, canciones con las que la británica ha comenzado su asalto a las listas y que incluso le han valido premios como los AIM Independet Music Awards.

Seeking Thrills nos acerca a una Georgia reconvertida en diva pop, con una inédita facilidad para componer sinfonías dance con grandes melodías –de casta le viene al galgo…- como una suerte de Robyn juvenil entregada a la misión de recuperar para Gran Bretaña la corona del género. Son trece canciones en total en las que la excitación de la pista de baile se confunde con el componente emocional que Georgia imprime a sus letras, herederas de una fórmula que hace dos décadas experimentaron con éxito Everything But The Girl.

Arcángel

Arcángel

Historias de un CapricornioRimas EntertainmentLATINO6Historias de un Capricornio

En la portada de su nuevo disco Austin Agustín Santos rinde homenaje a su madre, Carmen Santos Rosa, quien fuera componente del grupo de merengue La Chicas Del Can y posiblemente la persona más influyente en su vida y en su carrera. No es casual que así sea en este trabajo del músico nacido en Harlem, uno de los artistas más importantes en la actual escena reggaetonera. Arcángel es ese Capricornio al que hace referencia el título de su sexto largo, colección de quince canciones por las que se asoman otros pesos pesados como Ozuna o Bad Bunny a las que el músico de ascendencia dominicana imprime un tono autobiográfico.

Arranca el disco con un canto a sus raíces y también a sus creencias religiosas: “Cargo con mi familia como lo hizo Cristo con la cruz / con él me identifico, le llaman Jesús / Me lo dio todo sin exigirme nada / y cuida muy bien de mí, también de mi manada”. Aquellos que vinculan el género a los ejercicios de sexualidad desatada tal vez se sorprendan ante esta declaración de fe.

Pero, seamos sinceros, Historias de Capricornio dista mucho de ser un álbum de pop cristiano. La imágenes de sexo tórrido se asoman en diferentes momentos a lo largo de un disco en el que el ritmillo característico del género empuja unas composiciones igualmente de corte más íntimo de lo que las estrellas latinas del momento nos tienen acostumbrados.

Field Music

Field Music

Making a New WorldMemphis Industries / Music As UsualPOP7Making a New World

Parece difícil de creer desde un país como el nuestro, en el que la tradición de la música popular atiende a otros sonidos y también otras geografías, pero en Inglaterra un grupo como Field Music es popular hasta el punto de colarse en las listas de los discos más vendidos. Y lo hacen siendo fieles a una tradición que arranca con los inevitables Beatles y The Kinks y que continuaron grandes formaciones de los 70 como Roxy Music o Sparks (tal vez el grupo norteamericano más europeo de la Historia).

Making a New World no solo es un álbum notable en ese sentido, en lo puramente musical. Su génesis remite a los grandes discos conceptuales de aquellos años dorados del pop, y plantea una serie de viñetas relacionadas con las consecuencias sociales de la I Guerra Mundial: el difícil retorno del soldado al hogar, los antecedentes de la actual operación de cambio de sexo, o hasta el uso de toallitas sanitarias en una sociedad en la que la mujer adoptaba un rol secundario. En conjunto, esta colección de canciones es una inteligente alternativa a la tiranía del género urbano.

Jackboys & Travis Scott

Jackboys & Travis Scott

JackboysEpic / Cactus JackURBAN7Jackboys

Lo nuevo de Scott -recordémoslo: una superestrella en su país que es cabeza de cartel en el festival más importante del mundo, Coachella- llegó por sorpresa hace unos días, y viene firmado bajo el nombre de Jackboys & Travis Scott, colectivo que también incluye a Don Toliver, Sheck Wes, Octavian o Chase B.

En cualquier caso, resulta complicado no identificar con el músico de Houston un lanzamiento menor -ocho canciones, categoría de mixtape- que arranca con un remix de un tema propio, Highest in the Room. Y esa canción, elegida también como single, es el principal atractivo de este trabajo, en parte por la inesperada colaboración de Rosalía, que aporta su voz confirmando su estatus, cada vez menos novedoso, estelar en el principal mercado de la música pop en todo el mundo, EEUU. Quien a estas altura todavía tenga dudas al respecto que se lo haga mirar…

Don Toliver tiene su momento de protagonismo en Had Enough -con la colaboración vocal de Quavo y Offset- y What to Do?, aportando el tono más r'n'b de un disco que no renuncia a los sonidos trap de la actualidad, acordes con una carpeta de presentación del disco cuanto menos inquietante. Aunque en la discografía de Scott no pasa de ser una referencia menor, casi una curiosidad, pasará a la Historia como otro escalón más en la ascensión de nuestra Rosalía.

Adele

Adele

Título: ?

Fecha de publicación: ?

Aunque no hay confirmación oficial al respecto se da por hecho que lo nuevo de Adele se publicará en 2020 y que, de mantener la norma de titular sus discos con la edad que tenía cuando los compuso, se llamará “30”. Muchas son las novedades en la carrera y también en la vida personal de Adele que de un modo u otro condicionan este lanzamiento: el abandono del sello XL para recalar en una multinacional, el divorcio de su pareja desde 2011 Simon Konecki… En cualquier caso las escasas pistas que hasta el momento Adele ha aportado en redes sociales –llegó a asegurar en twitter que sus nuevas canciones suenan a drum’n’bass- parecen ahuyentar la posibilidad de que se trate de un disco marcado por la depresión o la melancolía...

Erik Urano

Erik Urano

Título: ?

Fecha de publicación: marzo

No es precisamente un recién llegado el rapero vallisoletano que, como integrante de Urano Players y junto a otros colectivos como Agorazein y Ziontifik, fue en buena medida hace cosa de una década responsable de cambiar las formas del rap ibérico. Y aunque desde entonces sus lanzamientos como Erik Urano o su otro alias Flat Erik no han parado de elevar el nivel, la sensación es que este álbum publicado por Sonido Muchacho (el sello independiente de moda, curiosamente asociado a las guitarras) supondrá un golpe de efecto en su carrera y abre la posibilidad de acceder a audiencias mucho mayores. Por el momento el tema de avance, la oscurísima Vantablack , lleva su ya habitual discurso distópico a territorios inexplorados en la música de este país.

Frank Ocean

Frank Ocean

Título: ?

Fecha de publicación: ?

El niño mimado del urban hipersensible compartió hace unas semanas un tema, In My Room –en octubre había hecho lo propio con DHL-. que además de hacer referencia a su particular universo, da pistas de hacia dónde camina artísticamente el autor de Channel Orange (2012) y Blonde (2016). Más allá de ese rnb/rap cadencioso marca de la casa que sigue definiendo estas dos canciones, en una entrevista reciente Ocean reconocía que en los últimos tiempos había abierto sus orejas a otros sonidos inéditos en su carrera. Concretamente el músico de Long Beach se refería a la música de club y a las escenas de Detroit, Chicago y París como las músicas que le han tenido fascinado de un tiempo a esta parte. En paralelo, en otra entrevista reciente Ocean ha confesado que ha estado colaborando con los unos de los estandartes del french touch, Justice, en un nuevo proyecto.

Lana del Rey

Lana del Rey

Título: White Hot ForeverWhite Hot Forever

Fecha de publicación: ?

En 2019 publicó el que de largo es su mejor disco hasta la fecha, Norman F*****g Rockwell, una colección de canciones románticas de corte autobiográfico contada (cantadas) con filtro vintage. Pero en el preciso instante en que este álbum vio la luz Lana ya anunciaba que empezaba a trabajar en un nuevo disco que vería la luz a lo largo del siguiente año. En una entrevista con The Times allá por el pasado mes de agosto incluso confirmaba el título de ese disco: White Hot Forever. En otra entrevista que la californiana dio el pasado mes de octubre a la revista Q aseguró que ya tenía tres canciones grabadas del nuevo álbum, aunque por el momento no hay pistas sobre si ese trabajo viene a darle continuidad en lo musical y también en la temática a Norman F*****g Rockwell.

Kendrick Lamar

Kendrick Lamar

Título: ?

Fecha de publicación: ?

La presencia de Kendrick Lamar en Europa este verano (concretamente en nuestro país ya se ha anunciado como cabeza de cartel del BBK Live el 9 de julio) ha desatado las elucubraciones sobre la continuación de Damn, uno de los discos que marcó el 2017, que incluso llegó a ser premiado con un Pulitzer. Lo cierto es que a estas alturas no hay confirmación en un sentido u otro, y apenas hay datos al respecto. En cualquier caso Lamar es un artista conocido por estar permanentemente trabajando en su música y 2019 ha sido un año en el que ha permanecido especialmente silencioso, lo que junto a su vuelta a los escenarios da que pensar que posiblemente ese retorno discográfico esté más cerca.

Mala Rodríguez

Mala Rodríguez

Título: ?

Fecha de publicación: ?

La noticia de la concesión del Premio Nacional de Músicas Actuales pilló a Mala Rodríguez en el estudio grabando sus nuevos temas. Así que parece que finalmente y tras varios amagos de publicación de un nuevo álbum, este será el año en el que al fin el magnífico Bruja publicado en 2013 tendrá continuidad. Queda ver cuál es el camino de la jerezana toma para ese disco, si la que ahora ha mostrado en sus discos largos o la cara más frívola que ha mostrado en los últimos tiempos con una serie de singles en busca del asalto de los charts, sus colaboraciones con artistas tan dispares como Lola Indigo, Stylo G, Guaynaa, Cecilia Krull, Dellafuente o Juan Magán.

Rosalía

Rosalía

Título: ?

Fecha de publicación: ?

Rosalía no para. Parecía que el 2019 sería un álbum de transición, en el que se limitaría a recoger los frutos de El mar querer. Sin embargo la catalana ha empujado todavía un poco más su carrera con la publicación de hit singles como Con altura (con J Balvin) o Yo x ti, tú x mí (junto a Ozuna). El año, de hecho, lo ha terminado con una colaboración in extremis ni más ni menos que con Travis Scott. Pero no es sólo el sentido común el que empuja a imaginar que habrá nuevo disco de Rosalía en 2020: ella misma lo confirmó en una entrevista con W Magazine el pasado mes de septiembre.

El disco se habría ido grabando a lo largo de los últimos meses entre Los Angeles y Barcelona y en la misma entrevista señala que el flamenco seguirá siendo una parte importante de su discurso artístico, así que parece que a priori la progresiva “latinización” de su música se va a limitar a esos coqueteos con las listas de éxitos en colaboraciones puntuales. También parece confirmada su colaboración con Arca, autora de algunos de los discos más desafiantes desde el punto de vista artístico de los últimos años, y a día de hoy aún permanecen inéditas sus sesiones con Pharrell. Con todos estos ingredientes la dirección artística que tomará Rosalía en sus inminentes nuevos pasos sigue siendo una incógnita, pero apunta a nuevo hito para el pop nacional.

Tame Impala

Tame Impala

Título: The Slow RushThe Slow Rush

Fecha de publicación: 14 de febrero

Cinco años ha tardado Kevin Parker en componer y grabar la continuación de Currents, que finalmente tiene ya fecha de publicación y hasta cuenta con tres adelantos que pueden escucharse desde hace un tiempo: Borderline, It Might Be Time y Posthumous Frogiveness. Currents definitivamente situó a la formación australia en la división de honor del pop global, convirtiéndoles en cabezas de cartel de los principales festivales del todo el mundo.

La extensa gira de aquel disco unida a la peculiar forma de trabajar de Parker (aunque en directo se presentan como grupo, Tame Impala es un proyecto personal en el que él tiene el control absoluto de la grabación) ha postergado algo más de lo deseado la publicación del disco. Además el estudio en el que se llevó a cabo la grabación se vio afectado por los gravísimos incendios que tuvieron lugar en California en otoño de 2018, y no está del todo claro cómo eso condicionó la recta final del disco.

En cualquier caso los avances de The Slow Rush parecen anunciar un retorno por todo lo alto, que le da continuidad al sonido cada vez más sintético (y psicodélico) que Parker ha ido desarrollando con el paso de los años.

Triángulo de Amor Bizarro

Triángulo de Amor Bizarro

Título: ?

Fecha de publicación: primavera

Con Salve discordia TAB consiguieron al fin el pleno reconocimiento de prensa especializada y arrasaron en los Premios Min que señalan los trabajos más destacados en el sector independiente. Aquel era un disco que en cierto modo ponía a los gallegos contra las cuerdas, al límite de de sus fuerzas y posibilidades, así que hay mucha curiosidad por ver hacia dónde conducen sus nuevas canciones. Su nuevo álbum vuelve a estar pilotado por Carlos Hernández en las labores de Productor, quien ya hizo lo propio en el debut de la banda y en el citado Salve discordia.

Vetusta Morla

Vetusta Morla

Título: MSDL- Canciones dentro de cancionesMSDL- Canciones dentro de canciones

Fecha de publicación: ?

Hace unas semanas la banda más relevante de los últimos años en nuestro país anunció cuáles serían sus pasos cara a este nuevo año: un disco titulado MSDL - Canciones dentro de canciones, que en esencia consistirá en nuevas versiones, reconstrucciones, de las canciones de su último trabajo Mismo sitio, distinto lugar. Este disco ha sido registrado con todos los músicos tocando en directo en el estudio, sin apenas pistas extras, como si de un ensayo de la banda cara al live se tratara.

Más allá del morbo que supone atander hacia dónde reorientan su sonido (una pista al respecto es el primer avance del disco, su autoversión de Palmeras en La Mancha) el proyecto les sirve a los de Tres Cantos para reactivar su directo, una nueva gira que comienza en febrero, sin las exigencias que supone la composición de nuevo material discográfico.

Prince

Prince

1999

Warner

POP-FUNK

9

Allá por 1982, tras la publicación de cuatro álbumes y justo antes de que viera la luz este disco, Prince había dado muestras de que el futuro del pop en buena medida pasaba por sus manos. Sin embargo 1999, un álbum ambicioso en el que Prince jugada a hermanar pasado y futuro de la música, supuso la definitiva confirmación de su talento. Un doble álbum compuesto esencialmente con sintetizadores e interpretado casi en su totalidad por el músico de Minneapolis, en el que el sonido P-Funk y hasta el rap del momento servía de referente tanto como el pop nuevaolero en boga en aquellos años. Y a pesar de que todas esas influencias y aún más estaban ahí, es escuchar Little Red Corvette, Delirious, Lady Cab Driver o el tema que da título al disco y reconocer inmediatamente al único artista capaz de competir con Michael Jackson por el trono del pop mestizo de los 80.

La monumental edición que vio la luz hace unas semanas cuenta, además de con las once canciones que formaron parte del disco remasterizadas para la ocasión, con versiones alternativas de los temas, caras b, y con el concierto de presentación del álbum que tuvo lugar el 30 de noviembre en Detroit.

Autechre

Autechre

Warp Tapes 89-93

Warp

ELECTRÓNICA

8

2019 ha sido un año importante para el sello Warp en el que ha celebrado el 25 aniversario de su nacimiento. Algunas de las referencias asociadas a la efeméride ya han pasado por esta misma sección. Otras, como el caso que nos ocupa o las dos horas de temas favoritos mezcladas por Boards Of Canada, han tenido una distribución ajenas a los canales comerciales y se pueden encontrar de forma gratuita en streaming y descarga en la red.

Warp Tapes 89-93 son dos horas de material inédito a cargo del dúo más misterioso y también representativo del sonido Warp. Sean Booth y Rob Brown se subieron al desván de los recuerdos para recuperar material inédito que habían registrado en los primeros cuatro años de existencia de Autechre. Y el resultado de esa labor arqueológica de convirtió en dos horas de música fascinante, divididas en dos partes y que vio la luz en una sesión a cargo del grupo en la emisora NTS. El resultado aún puede encontrarse en libre descarga en la propia web de Warp. 

Beat Happening

Beat Happening

We Are Beat Happening

Domino / Music As Usual

POP

8

Para muchos aficionados al pop de guitarras Beat Happening todavía representan, por sonido y también por su actitud, la quintaesencia del (verdadero) sonido independiente. Calvin Johnson, que a la postre montaría la discográfica K Records y se convertiría en piedra angular de la explosión alternativa de finales de los 80 y primeros 90, formó el grupo en Olympia, Washington, a partir de la economía de medios y un sonido tan rudimentario como reconocible y encantador .

Desde hace unos años Domino -algo así como el espejo europeo de K Records que apostó en un momento dado por el éxito de la mano de Franz Ferdinand o Arctic Monkeys- lleva unos años recuperando el legado de Beat Happening. Un proceso que llega ahora a su punto culminante con la publicación de esta caja que incluye sus cinco álbumes –Beat Happening (1985), Jamboree (1987), Black Candy (1989), Dreamy (1991) y You Turn Me On (1992)- además del recopilatorio Music To Climb the Apple Tree by (2003).

Don Cherry

Don Cherry

Brown Rice

A&M

JAZZ

9

Es difícil escuchar por primera vez con los oídos de nuestro tiempo obras paridas hace cuatro y cinco décadas y apreciar su poder trasgresor y radicalmente nuevo. Y a pesar de ello Brown Rice (un disco que cuando se publicó originalmente en 1975 se tituló Don Cherry) sigue resultando hoy día desafiante, fresco y hasta radical en su concepción, explorando territorios que apenas Can recorrían en paralelo en aquellos años

Acompañado de Haden al bajo, Billy Higgins en la batería, Frank Lowe en el saxo, la esposa de Don Cherry -Moki Cherry- pulsando las cuerdas de la tambora y la ocasional voz de Verna Gillis, estas cuatro composiciones se debaten entre el free jazz, el africanismo, la vanguardia electrónica, la influencia de la música y la religión hindú. Aún se debate, de hecho, si el título del disco hace referencia al tiempo en que Cherry sólo se alimentaba de arroz a modo de desafío espiritual-religioso o al consumo de heroína. Sorprende que aún tratándose de un clásico en su género no se haya recuperado en demasiadas ocasiones, algo que viene a solventar esta reedición en vinilo

Insides

Insides

Euphoria

Beacon Sound

POSTPOP

9

El periodo del pop británico que va de 1990 a aproximadamente 1995 es fascinante. En paralelo a los grandes éxitos del momento, al fenómeno de las raves y también al estallido del rock alternativo al otro lado del Atlántico, una serie de formaciones reformularon las claves de pop planteando estéticas que en la mayor parte de los casos poco tenían que ver entre sí. Es lo que el crítico Simon Reynolds bautizó como post-rock (la etiqueta años más tarde pasaría a definir otro tipo de sonidos y planteamientos) y que englobaba a formaciones como Disco Inferno, Bark Psychosis, Moonshake o, claro está, Insides.

El dúo formado por J. Serge Tardo (guitarra, samples, programación y piano) y Kirsty Yates (voz y bajo) sólo publicó un álbum bajo ese nombre en el subsello de 4AD Guernica, cuya edición en vinilo cotizaba al alza en el mercado de segunda mano hasta hace bien poco, lo que justifica más que de sobra su recuperación. Nueve canciones en las que los sampleos que sirven de base rítmica fijan al suelo un concepto evanescente de la canción, que se debate entre influencia de Durutti Column en el tratamiento de las guitarras y la voz recitativa de Yates

Mark Hollis

Mark Hollis

Mark Hollis

Polydor

POSTPOP

9

Y si antes hablábamos de la generación post-rock británica, precisamente pocos músicos tuvieron tanta influencia sobre aquellos grupos como Talk Talk, la singular banda post punk londinense que desarrolló su carrera entre 1981 y 1991, y más concretamente su líder, Mark Hollis. Hollis falleció este mismo año, el pasado 25 de febrero, y en ese sentido resulta especialmente oportuna la reedición de su único disco en solitario, un álbum homónimo publicado en 1998 que a la postre se ha convertido en su definitivo testamento musical.

No hay apenas nada en las ocho canciones que forman este disco que no estuviera presente de un modo u otro en los últimos discos de Talk Talk, los históricos Spirit of Eden y Laughing Stock. Si acaso en Mark Hollis su aproximación al pop desde territorios estancos como el jazz, el ambient o el folk británico, resulta aún si cabe más íntima y personal.

The Pop Group

The Pop Group

Y

Mute / [PIAS]

POST-PUNK

9

El más que digno retorno de The Pop Group a los escenarios y la publicación también de varios álbumes –de notable, por cierto- en la última década tal vez le haya quitado cierto halo romanticismo a un disco que durante mucho tiempo se consideró, además de una de las piedras angulares del post-punk, una puerta de entrada al punk-funk y el mestizaje más abrasivo. Bien está en cualquier caso su recuperación para nuevas generaciones. Más aún si, como es el caso, esta reedición viene cargada de extras: un segundo disco con mezclas alternativas y un tercero que recupera a la banda de Bristol en un directo de la época, uno de sus grandes puntos fuertes.

No es de extrañar que años más tarde conciudadanos como Massive Attack citasen a The Pop Group y a este disco en concreto como referente. Producido por Dennis ‘Blackbeard’ Bovell, el músico reggae nacido en Barbados e instalado en Inglaterra, Y traducía en términos musicales la riqueza multicultural de Bristol y también la alarmante tensión social provocada por el desembarco de Margaret Thatcher en el Gobierno. El resultado de todo ello fue un collage sonoro con un Mark Stewart fuera de control en el papel de frontman, un disco de debut impactante.

VV.AA.

VV.AA.

Nigeria 70: No Wahala Highlife Afro Funk & Juju 1973-1987

K7! / Popstock!

WORLD MUSIC

8

Tras un parón de ocho años Nigeria 70, la serie que más ha hecho por la recuperación y difusión del afrofunk que se generó en los años 70 y 80 en Laos, vuelve a la carga con un nuevo recopilatorio. Compilado nuevamente por el DJ y coleccionista Duncan Brooker, el disco vio la luz hace unos meses en CD y vinilo doble y explora las conexiones entre la música popular que se practicaba en la capital de Nigeria y Benín, otro de los principales centros urbanos del país, en los años que siguieron a la declaración de independencia y la Guerra Civil que asoló al país en los 60.

Como en anteriores volúmenes de la serie, encontramos aquí ejercicios de soul y jazz con vientos frenéticos y la rítmica característica africana, en un viaje de ida y vuelta de un lado al otro del Atlántico protagonizado por ilustres como Sir Victor Uwaifo o Prince Nico Mbarga.

Rodrigo Cuevas & Raül Refree

Rodrigo Cuevas & Raül Refree

Manual de cortejoEl CoheteFOLK-ELECTRÓNICA7Manual de cortejo

Reconozco mis prejuicios a priori con este disco. Pero están fundados. Desde su aparición pública hará cosa de dos o tres años, Rodrigo Cuevas casi siempre ha parecido más interesado en epatar que en alcanzar la excelencia musical. El mero concepto folkl-glam-con-coartada-queer parecía un chiste de trazo grueso más en la línea de Nancys Rubias que de Bowie, Felpeyu y Llan De Cubel. Lo que en sí mismo no resultaría un problema si sus performances no hubieran tenido más de astracanada y provocación gratuita que de verdadero arte.

Con esa mochila llego a Manual de cortejo, su cara a cara con el productor tras exitosos discos de Silvia Pérez Cruz, Niño de Elche o Rosalía: Raül Refree. Una referencia, la de Rosalía, que en más de una ocasión se viene a la cabeza escuchando estas quince canciones en las que las tonadas y letras tradicionales asturianas se abrazan a sonidos electrónicos contemporáneos. Y la cosa funciona.

Curiosamente Refree es el responsable de la producción más conservadora de Rosalía, su primer disco, con el que nadie podía prever el fenómeno que se iba a generar a raíz de su conversión en estrella etno-urban. Manual de cortejo casi podría interpretarse en ese sentido como un guiño por parte de Refree: “Yo también podria haber producido El mal querer…”. Los ritmos electrónicos sobre los que se desarrolla Muerte en Motilleja, por ejemplo, son al folklore asturiano lo que el ya famoso tra tra a la tradición flamenca.

De hecho, y más allá de algún autotune que aboga por el exceso y algún que otro amago ravero en la estela de Baiuca (otro que aboga por maridad folklore norteño y electrónica), el tratamiento de estas canciones se acerca a lo exquisito. Cuevas también hace su parte y se revela como un intérprete notable que trae al presente sonidos centenarios aportándoles las dosis exactas de emoción.

Con estos mimbres se desarrolla un disco que temáticamente se construye a partir de ideas complementarias. Este “manual de cortejo” reivindica un lenguaje y unas formas de otros tiempos, nostalgia de un pasado que en lo musical impregna todo el disco. Conectado con esto están unos audios que pertenecen a la memorias de La Tarabica, fallecida en 2013 y que es una institución local en Gijón.

Cuevas resucita a La Tarabica a partir de esos audios con los que rememora desde pasajes de la Guerra Civil hasta anécdotas protagonizadas por iconos gais de otros tiempos. De esta forma, Manual de cortejo nada a favor de la corriente en esa tendencia explotada hasta la saciedad en los últimos tiempos: apelar al cancionero tradicional utilizando herramientas de la vanguardia pop. La buena noticia es que en diferentes momentos del disco el resultado es realmente brillante.

Trent Reznor & Atticus Ross

Trent Reznor & Atticus Ross

Watchmen: Volume 1 & 2The Null CorporationBANDA SONORA7Watchmen: Volume 1 & 2

Desde que hace una década firmaran la banda sonora de The Social Network, el tándem formado por Trent Reznor (Nine Inch Nails) y Atticus Ross ha desarrollado un estilo en la composición de bandas sonoras para largometrajes y series de TV tan reconocible como eficaz. En realidad el suyo es uno de esos raros casos en los que el material audiovisual en cuestión parece adaptarse a su forma de hacer las cosas en vez de, como parece de sentido común, la fórmula contraria.

En ese sentido Watchmen, la producción de HBO que se estrenó el pasado 20 de octubre, tiene todos los ingredientes para el lucimiento de la música del dúo. Ambientada varias década después del esencial cómic de Alan Moore y Dave Gibbons, la serie plantea un presente aún más oscuro del que tenemos delante de nuestras narices, con una guerra racial abierta y una sociedad maniatada por el estado policial y las organizaciones paramilitares.

Un escenario perfecto para los ambientes de corte industrial, la electrónica repetitiva y dramática marca de la casa, y (la principal novedad) algunos ejercicios de estilo de corte jazzístico que inevitablemente traen a la cabeza similares planteamientos del maestro Badalamenti. Esto es, con el piloto automático puesto. Pero bien, muy bien.

Function

Function

ExistenZTresorELECTRÓNICA8ExistenZ

David Sumner lleva cerca de cinco lustros explorando las posibilidades de la música electrónica, casi siempre partiendo del clubbing pero acercándose a territorios más experimentales ya sea bajo el alias de Function o como parte del colectivo Sandwell District. El LP es un formato ideal para esa vocación de probar nuevos sonidos y empaquetarlos con coartada conceptual. ExistenZ, álbum que desde el propio título remarca la experiencia personal, conecta por intenciones y también por resultados con aquel Feed-Forward que hasta hoy se podía considerar la cima de creativa de los diferentes proyectos en los que ha estado involucrado Sumner.

El segundo largo de Function, que llega seis años después de su debut en ese formato –Incubation- puede considerarse un compendio de su propia relación con la música electrónica en el que caben desde piezas de techno retrofuturista hasta los homenajes a los clásicos: Sagitatarius A (Right Ascension), puro Vangelis; o la participación de uno de los grandes del house, Robert Owens, en Growth Cycle.

Si la portada supone un guiño a la estética de 480 líneas con la que relacionamos el mundo audiovisual anterior a la alta definición, el disco también apuesta por un desenfoque similar en su apuesta por una nostalgia de ese futuro de la música que soñaron los pioneros del género y que, llegados a este punto, no tenemos del todo claro si ha llegado a materializarse.

Stormzy

Stormzy

Heavy Is the HeadAtlantic / WarnerGRIME8Heavy Is the Head

En la fotografía de la portada, premonitoria, Stomzy autocoronado rey del grime, observa con lástima la Union Jack tuneada por Banksy. Se convierte en la representación gráfica de esa otra Inglaterra, la que reacciona con tristeza ante (son palabras de Lilly Allen) “un país arraigado en valores racistas y misóginos”. “Que le jodan al Gobierno y que le jodan a Boris” dice en Vossi Bop, el tema que cierra el disco y también el elegido para presentarlo en público como single.

Un disco que, casualidad o no, se publicó el día después de unas decisivas elecciones generales que han acabado de la peor de las formas posibles para las minorías del país, esas que Michael Ebenazer Kwadjo Omari Owuo Jr. de alguna forma representa orgulloso de sus raíces ghanesas.

En cualquier caso, y aunque hoy por hoy la situación político-social en las islas se filtra en prácticamente toda producción musical llegada de Gran Bretaña -también por supuesto en las canciones de Heavy Is the Head-, no sería correcto calificar a esas dieciséis canciones de políticas.

Con permiso de Skepta Stormzy, es muy posiblemente el más versátil de los raperos británicos contemporáneos, un detalle que la mera presencia de Ed Sheeran colaborando en Own It viene a confirmar. Y en sintonía con esa cintura a la hora de disparar ritmos grime y melodías r'n'b y soul, las letras de su segundo largo abundan en el desparrame emocional, sin olvidar nunca el lugar del que procede: la calle.

Throbbing Gristle

Throbbing Gristle

A Souvenir Of Camber Sands / Part Two The Endless Not - Tg NowMute / [PIAS]INDUSTRIAL8A Souvenir Of Camber Sands / Part Two The Endless Not - Tg Now

Mute completa su tanada de reediciones de la discografía de Throbbing Gristle con estos dos títulos. Tal vez el más interesante por su singularidad es A Souvenir Of Camber Sands, un álbum en directo publicado en CDR originalmente la misma noche en que se registró, el 23 de diciembre de 2004, y que nunca antes había vuelto a publicarse (ahora lo hace por partida doble en CD y LP).

El concierto en cuestión, dividido originalmente en dos tracks de 55 y 36 minutos, se llevó a cabo como homenaje a John Balance, compañero sentimental y artístico de Peter Christopherson en Coil. La reedición ofrece una nueva secuenciación y acredita los temas que sonaron esa noche, un repertorio en el que Throbbing combinaron nuevas composiciones con clásicos como Hamburger Lady y Convincing People.

El otro lanzamiento combina el último álbum de estudio de Throbbing -Part Two The Endless Not, publicado en 2007- con un EP previo, TG Now (2004) considerado una rareza dentro de la discografía de la banda: cuatro piezas que en conjunto se van hasta los cuarenta y cinco minutos de duración y en las que cabe su faceta ruidista pero también la mística característica de Christopherson, cuyo fallecimiento en 2010 precipitó el final de la formación.

Burial

Burial

Tunes 2011-2019HyperdubELECTRÓNICA8Tunes 2011-2019

Burial irrumpió a principios del nuevo siglo con la siempre efectiva estrategia del anonimato y el sello de renovador de un género, el dubstep, ya de por sí revolucionario en la escena de clubes británica. Su debut homónimo de 2006 y su segundo álbum, Untrue (2007) sentaron las bases de un sonido inconfundible que aún hoy sigue siendo motivo de imitación entre productores de todo el mundo: sus voces pitcheadas, ambientes noctámbulos y ritmos dubstep al ralentí se convirtieron rápidamente en la banda sonora de ese Londres a caballo de lo futurista y lo decadente que anticipaba el caos económico y moral que se adivina tras el Brexit.

Pero aunque Untrue ha sido hasta la fecha el último álbum de William Emmanuel Bevan –el hombre tras el alias de Burial- la producción discográfica de este misterioso alquimista sonoro ha continuado durante la última década con un buen puñado de maxis y EPs que se recopilan ahora en este disco, lo más parecido a ese largo que llevamos esperando la última década y no ha terminado de llegar.

Obviamente Tunes 2011-2019 carece de la coherencia de aquellos dos álbumes y más bien funciona como catálogo de la evolución de un músico que todo este tiempo ha apuntado en diversas direcciones sin dejar de resultar reconocible. Es el espacio que va del ambient espectral de State Forest al sonido bailable de Claustro, dos temas en las antípodas que sin embargo conformaban su última referencia, un single publicado este mismo 2019. Y entre medias toda una gama de grises, el Pantone que mejor representa la música de Burial.

 A.L.M.A.

Invierno totalitarioGrabaciones PerdidasINDUSTRIAL8Invierno totalitario

La historia de A.L.M.A. y por extensión de este, su primer disco, es la historia de una pasión. Desde su posición de fan fatal Pedro Pablo Bazán, alma de A.L.M.A., es el responsable de que una banda tan incómoda y exigente como los berlineses Einstürzende Neubauten recalaran hace unos años en Gijón para dar unos de sus acongojantes conciertos. De alguna forma el favor se lo devuelve uno de los elementos esenciales de los Neubauten, Alexander Hacke, que firma las mezclas de este disco y sitúa inmediatamente en el mapa el territorio por el que transita Bazán en este capricho devenido en obra mayúscula.

Destinado a situarse al lado de álbumes de culto en la Historia del rock torcido en castellano, como los discos de Mar Otra Vez, 713avo Amor o La Débil, Invierno totalitario está compuesto por ocho piezas más gritadas que recitadas, en las que la caústica poesía de Bazán cabalga ritmos marciales, guitarras con vocación de motosierra y sampleos que perfectamente podrían funcionar como psicofonías.

Lo verdaderamente sorprendente de todo ello es que al mismo tiempo que A.L.M.A. desparrama sus referentes musicales e intelectuales en forma de samples sonoros o literarios -de Manta Ray a Jodorowsky o T.S. Eliot- hay una extraña y primitiva musicalidad que emana de esta colección de elegantes aberraciones y que hace de este disco una de las sorpresas más inesperadas en la cosecha nacional del 2019. Mención especial para la cuidadísima edición en vinilo de 180 gramos, con portada desplegable, póster y CD incluido.

Camellos

Camellos

Calle para siempreLimbo StarrROCK7Calle para siempre

Madrid es esa ciudad en que independientemente de las tendencias se vive un constante renacer del sonido garage y el punk-pop. Y Camellos son protagonistas de la enésima oleada de grupos de guitarras y estribillos coreables, una generación que a los más viejos del lugar les recordará inevitablemente a sus años mozos: la nota de prensa de hecho se refiere a ellos como herederos de Burning, Siniestro Total y Patrullero Mancuso… palabras mayores.

Camellos y sus coetáneos en realidad se asemejan a esos y tantos otros grupos por la urgencia y excitación características de los veinteañeros. Con los Kaka De Lux que cantaban al metro de Madrid comparten por ejemplo su ironía a la hora de referirse a la capital como una suerte de Arcadia prometida que, a la hora de la verdad, termina por resultar inevitablemente cutre y paródica: “Ya tenía ganas de volver a la ciudad indie, ciudad indigente / Este río, mmm, qué rico, qué limpio / Si el aire está sucio pues no lo respires / El mejor agua del mundo / crece el pelo y vuelves a sonreír / el mejor agua del mundo / mereció la pena venirse a Madrid”.

En su segundo disco Camellos luchan con la etiqueta de “banda graciosa” que a puntito ha estado de transformarles en una suerte de “grupo de broma”. Esa era la deriva que a la que conducían decisiones como la versión del tema de Spandau Ballet, Gold, que el cuarteto convertía en una suerte de himno futbolero: Gol. Calle para siempre sin embargo despeja ese peligro a base de un repertorio contundente y eficaz en lo musical y una demostrada capacidad para plantear viñetas extraídas de la vida en la gran ciudad en las que humor no es sinónimo de humorada.

Califato 3/4

Califato 3/4Puerta de la Cânne by Califato ¾

Puerta de la Cânne by Califato ¾

Puerta de la cânneBreaking Bass RecordsELECTRÓNICA-FLAMENCO8Puerta de la cânne

De entre las múltiples músicas de raíz que existen a lo largo y ancho de la geografía de nuestro país el flamenco ha sido desde siempre la más dispuesta a hibridarse con otros estilos. Del jazz a la música clásica, pasando por supuesto por las músicas populares contemporáneas.

Esto se ha hecho especialmente evidente, hasta el punto de poder considerarlo tendencia, en el terreno del pop, el rock la música urbana y la electrónica: el listado de artistas pop que han sacado petróleo de la flamenquización de su música es inabarcable, con la saga de Los Planetas y sus diferentes proyectos paralelos al frente.

Breaking Bass es un colectivo a caballo de Sevilla y Málaga que componen Broken Lip, Diego94, Esteban Bove, Lorenzo Soria, S Curro, Stay Puft y The Gardener. Independientemente de su actividad al margen de Califato 3/4, estos seis productores procedentes de la electrónica y los sonidos urbanos despertaron la atención de muchos aficionados con la publicación de un miniLP titulado L'ambôccá en el que su afición por los bajos gordos y los ritmos rotos se daba de bruces con la tradición musical flamenca.

L'ambôccá fue un aperitivo de lo que estaba por venir, este Puerta de la cânne en el que la tradición pesa bastante más que el componente dance. Comentaban recientemente los miembros de Califato ¾ en una entrevista para La Marea que “hemos estado estudiando y trabajando para hacer estructuras flamencas-flamencas, investigando más allá del compás 4/4 y el 3/4 para sacar martinetes, alegrías (las jotas de Cádiz), sevillanas, jotas de Jaén (de donde vienen las aragonesas) o bulerías”.

Efectivamente el resultado es un disco muy rico en lo musical, que se ve reforzado por las colaboraciones del estudioso del flamenco Antonio Manuel, el cantante de Derby Motoreta's Burrito Kachimba Miguelito García (otros que recurren a las raíces, en su caso para reivindicar un kinkirock) o el rapero Tremendo. Ahora mismo trabajan en un ambicioso show a la altura del proyecto; si lo consiguen prepárate para verles en los grandes festivales del 2020.

Varios

Varios

Stumm433MuteEXPERIMENTAL0-10Stumm433

Imposible puntuar un disco que, como suele ocurrir en el terreno del arte conceptual, se debate entre la genialidad y la tomadura de pelo. Stumm433, triple álbum en formato CD y box set con cinco discos en vinilo, rinde homenaje tal y como el guiño del título deja entrever a la que posiblemente haya sido la pieza “musical” más importante del siglo XX: 4:33 de John Cage.

Es una pieza que cualquier persona puede interpretar independientemente de sus habilidades musicales. En esencia consiste en pararse a escuchar el sonido ambiente a nuestro alrededor durante esos 4 minutos y 33 segundos de duración. Al margen de que la idea pueda sonar a broma -y efectivamente de esa forma ha sido calificada en numerosas ocasiones- desde su estreno en 1952 4:33 supuso una ruptura radical con el concepto que había dominado lo musical hasta ese preciso instante, abriendo el camino a nuevos planteamientos que derivarían años más tarde en géneros como el ambient, el industrial o buena parte de la electrónica más avanzada.

También, por supuesto, a la aparición de sellos como Mute, que a pesar de su progresiva incursión en otros géneros y sonidos aún vincula su nacimiento en 1978 con el single de The Normal T.V.O.D./Warm Leatherette a premisas musicales que habrían sido imposibles sin la existencia previa de la pieza de Cage.

Es por eso que hoy Mute le rinde un sentido homenaje a en forma de monumental caja con más de cincuenta artistas del sello “versionando” 4:33. El listado de participantes es impresionante: Depeche Mode, Nick Cave, New Order, Einstürzende Neubauten, Laibach, Michael Gira (Swans), Cabaret Voltaire y un largísimo etcétera entre los que por supuesto también se encuentra el propio fundador deMmute, Daniel Miller, con sus dos alias artísticos: The Normal y Silicon Teens.

La broma sale por un ojo de la cara -su edición deluxe, alcanza ya los 700€ en el mercado de segunda mano- pero más allá de lo obviable de su contenido sonoro, cuatro horas de sonido ambiente, no deja de ser reseñable como curiosa y divertida singularidad del mercado discográfico

Miguel Grimaldo

Trip AssAutoeditadoRAP8Trip Ass

El ex Urano Players, uno de los colectivos que hace una década cambió la cara del rap en nuestro país, vuelve a la carga disparando desde el margen. Trip Ass –explícito título, vive dios…- le sitúa en la autoedición. Es tal vez el único detalle que le faltaba a Grimaldo para reforzar el culto alrededor de un músico radicalmente libre en sus decisiones artísticas y poco complaciente en su discurso.

Evolución natural de su discografía en solitario, desde El gato de Schrödinger (2012) hasta el más reciente Entropía (2017), musicalmente Trip Ass combina música de baile, punk electrónico y, por supuesto, ritmos urbanos para crear un escenario noctámbulo y obsesivo, ideal para que el de Valladolid ponga a desfilar sus obsesiones particulares. Precariedad laboral y económica, el uso de drogas como llave para acceder a un estado de percepción alternativo, la opresión del Estado a través de las instituciones (y más concretamente de la policía), la emergencia del fascismo y, por supuesto, la música como refugio de todo ello.

Y, aunque es cierto que Grimaldo no es ni mucho menos el rapero más virtuoso ni con más recursos del Estado, cuenta con una ventaja sobre el resto que hay que tener muy en cuenta: la convicción de sus palabras y de su interpretación. Si su directo es una experiencia visceral, estas trece nuevas canciones consiguen transmitir toda la urgencia, la rabia y también el amor que este singular Juan Palomo ha puesto en ellas encerrado en su estudio doméstico. Es una cuestión moral hacer que poco a poco su voz deje de ser tan solo un referente para iniciados.

Jack Peñate

Jack Peñate

After YouXL / Popstock!POP6After You

Hace diez años Jack Peñate publicó su segundo disco, Everything Is New, salió a girar y, cuando esos conciertos llegaron a su fin, arrancó una nueva etapa de autoexploración personal y profesional.

La consecuencia de todo ello, este disco, se ha hecho esperar más de la cuenta, hasta el punto de que hoy por hoy cuesta trabajo identificarle con aquella vibrante escena del South London formada por Adele, Lily Allen, Jamie T, Kate Nash o él mismo. Cada uno ha hecho su camino, la mayor parte de ellos con notable éxito, y Peñate permanece hoy como una isla, ajeno a aquello u otros nombres, ajeno casi hasta de sí mismo.

Porque After You es un disco que se distancia unos cuantos cuerpos de aquel joven guitarrista con querencia por la new wave. Un trabajo que ahonda en la idea del autodescubrimiento, tal y como dan a entender estas líneas extraídas de Swept to the Sky, canción que relata sus experiencias en la jungla peruana: “Luego una neblina de los amantes del pecado / lentamente se arrastró hasta mi cráneo a través de mi piel / Y mi cuerpo fue elevado en alto / Y me sentí arrastrado hacia el cielo”.

No todas las experiencias reveladas a lo largo del disco cuentan con ese carácter abiertamente psicodélico. En Gemini por ejemplo Peñate recurre a sus ancestros y toma prestadas unas líneas de su abuelo, el poeta Mervyn Peake, recitadas por su tío. El tono general del disco, dominado por el piano, refuerza un componente emocional prácticamente inédito en su discografía. De esta forma revaloriza diez canciones que, a pesar de ello, no son especialmente brillantes ni en lo musical ni como ejercicios de música pop.

Javier Díez Ena

Javier Díez Ena

Theremonial 2Beat GenerationEXÓTICA7Theremonial 2

Segunda entrega de lo que va camino de convertirse en material de coleccionismo y fetiche para los aficionados a las músicas singulares. El incombustible Javier Díez Ena (Dead Capo, Ginferno, Forastero,…) vuelve a la carga con su faceta artística más delirante apenas unos meses después de la publicación de su disco como L´Exotighost. Como el propio nombre del proyecto deja entrever, esta colección de diez canciones han sido interpretadas con la única ayuda de varios theremines, el mágico instrumento inventado hace casi un siglo por Léon Theremin.

A los múltiples discos que a lo largo y ancho del planeta se han publicado por parte de virtuosos del theremin, Díez Ena aporta un conocimiento de la música popular enciclopédico e imaginación desbordante. Por eso el uso del instrumento escapa del canon y plantea usos diferentes de aquellos a los que estamos acostumbrados –sin ir más lejos la posibilidad de utilizarlo como instrumento de percusión-. De esta manera, estos diez temas instrumentales van de la exótica al doo-woop, pasando por la conga o, por supuesto, la sintonía de ciencia ficción. Único en su especie.

Ozuna

Ozuna

NibiruSonyLATINO7Nibiru

Fiel a su hiperactividad Ozuna termina 2019 con un álbum -¡18 canciones!- que viene a completar un año frenético en el que el puertoriqueño ha entregado éxitos globales como Baila, baila, baila o sus colaboraciones junto a Rosalía -Yo x ti, tú x mí- o Jhay Cortez -Easy-. En realidad los LPs son para Ozuna un campo de pruebas que le permite experimentar con incursiones en otros territorios.

Mientras el músculo de su producción se encuentra en singles claramente enfocados a la conquista de las listas, en Nibiru -el nombre de un cuerpo celeste de la mitología babilónica- se abre el campo a colaboraciones como las de Diddy –Puff Daddy- o Snoop Dogg que dan en ritmos y sonidos poco habituales en la carrera de Ozuna. Es el caso del no demasiado afortunado reggae Temporal, junto a Willy, o el electrorap de Eres Top -con DJ Snake y el citado Diddy– y Patek –con Anuel AA y Snoop Dogg-, dos arietes que golpean en la puerta de los States y amenazan con reventar un poco más las murallas antilatinas de Donald Trump.

No son las únicas salidas de guión del disco: Amor genuino y Qué pena, arregladas al piano y con orquestación, desprovistas del característico ritmillo que ha llevado al reggaetón a ser global, permite vislumbrar al compositor romántico que a menudo hemos ninguneado. La inclusión de Baila, baila, baila viene a dar satisfacción a los fans del Ozuna estelar, del hombre cuyas canciones cuentan con mayor número de visualizaciones en YouTube de todo el mundo. Un Ozuna que sigue sin completar ese álbum sobre el que se construyan los cimientos de un nuevo orden musical, como sí han hecho Balvin o Bad Bunny, pero que se encuentra cómodo con los tímidos pasos adelante que se perciben en Nibiru.

Sen Senra

Sen Senra

SensacionesSonido MuchachoPOP9Sensaciones

El que una vez fue calificado como el Mac Demarco español ha decidido convertirse en una suerte de Blood Orange local. El proceso de trasformación ha durado un par de años, no demasiado si tenemos en cuenta que Sensaciones es sin lugar a dudas uno de los lanzamientos nacionales de este año, un disco que tal y como ocurrió hace unos meses con el debut Blanco Palamera -amigos y componentes de la banda de directo de Sen Senra- está llamado a convertirse título bisagra para la generación de aficionados al pop de nuestro país.

En su papel de romántico empedernido, el músico gallego afincado en Madrid se aferra a un sentido falsete para contar historias de abandono y desamor. Nos dará alas, el precioso single publicado el pasado año, era la puerta de entrada a un universo en el el que pop lo-fi de antaño deja paso a una producción en technicolor, canciones compuestas a partir de la guitarra pero que ahora se enriquecen con bajos funk, ritmos electrónicos, cadencias hip hop y sensibilidad cercana al soul.

Sobresaliente es también el trabajo en las mezclas de un disco que explora las posibilidades del estudio como un instrumento más, con faders sorpresa, balanceos de la señal y una sensación de sonido en alta fidelidad que definitivamente deja atrás el carácter indie de su producción anterior. Lo más difícil ya está hecho, ahora sólo falta refrendarlo con unos directos (y un discurso) a la altura de un disco magnífico.

Texxcoco

Texxcoco

Side Effects of Proximity Pt 1.SubterfugeROCK6Side Effects of Proximity Pt 1.

En un momento en que las listas de éxitos están tomadas por los sonidos urbanos y/o latinos a lo largo y ancho del planeta, los sellos que defienden la vigencia y el valor de la música de guitarras se conforma como una suerte de ruidosa resistencia. Es el caso del sello madrileño Subterfuge, que pesar de haber tocado palos bien diferentes durante sus tres décadas de existencia parece empeñado en reivindicar para sí su talante guitarrero y juvenil.

Los canarios Texxcoco forman hoy por hoy junto a Mourn y The Levitants la columna vertebral de un sonido que conecta con los orígenes del sello y con sus años de gloria, Dover mediante. Como estos cuando grabaron el ya legendario Devil Came to Me, Texxcoco no dudan en recurrir al inglés como idioma vehicular del rock global, y fijan sus referentes en formaciones hoy históricas como Pixies, Sugar y, en general, toda la gran camada guitarrera que dio el posthardcore norteamericano allá por la década de los 80 y los primeros 90.

Su tercer disco supone un paso adelante para el grupo, en plena búsqueda de la intensidad y de composiciones más complejas, mayormente de corte instrumental. Registrado en los Estudios Brazil, la alternativa nacional a los Electrical Audio de Albini, con similar filosofía a la hora de permitir a los grupos sonar a ellos mismos con tomas prácticamente en directo y un sonido crudo, sin adulterar, Side Effects of Proximity nos acerca a una banda tal vez no singular en su propuesta, pero convencida de lo que hace y con los colmillos bien afilados.

Coldplay

Coldplay

Everyday LifeParlophone / WarnerPOP6Everyday Life

Coldplay acaban de anunciar que dejarán de girar por el mundo hasta que sus multitudinarios conciertos en estadios sean sostenibles ecológicamente. El mensaje llega precisamente en el momento en que publican un ambicioso álbum doble, este Everyday Life, que surge de sus experiencias a lo largo y ancho del planeta, conociendo a personas de todos los rezos y condiciones gracias precisamente a su condición de superestrellas globales. Es sólo una de las muchas contradicciones de una banda en apariencia bienintencionada, cuyo complejo de Santa Teresa de Calcuta puede levantar tantas sospechas como resultar azucarado hasta la náusea.

Y luego está la música. El propio concepto multicultural al que conceptualmente se abraza el grupo tiene dos efectos evidentes sobre la misma. Sirve por una parte como refresco de un discurso y una manera de hacer canciones archisabida a estas alturas, que solo asoma la patita por momentos en este disco. Lo hace de forma evidente en la canción que sirve para dar título al disco y le pone punto final: Everyday Life es una bonita balada marca de la casa construida a partir del piano y remachada por elegantes arreglos orquestables, con Chris Martin -líder de la banda- apelando a la universalidad de los errores y sentimientos humanos: “Todo el mundo hace daño y todo el mundo llora”, canta en el pico de intensidad.

La otra consecuencia es una obvia dispersión en el sonido del grupo, aún más exagerada al tratarse de un doble álbum de dieciséis canciones. Encontramos aquí ejercicios de gospel -BrokEn-, un arranque que perfectamente podría haber firmado Toumani Diabaté con su kora -Èkó-, soul -Cry Cry Cry-, y hasta dos ejercicios cercanos a la world music para los que Coldplay reclutan a ilustres músicos africanos entre los que encontramos a Femi Kuti o Bashar Murad.

A su vez las ideas también condicionan en buena medida el sonido de cada una de las canciones: la abiertamente política Trouble in Town, habla con un lenguaje poético de tumultos en las calles, sangre sobre el asfalto y opresión policial, para terminar transformándose en una espiral de furia instrumental -más aún teniendo en cuenta el nivel de dulzura al que Coldplay nos tienen acostumbrados-. De todo ello se desprende que Everyday Life es el disco que Coldplay necesitaban publicar para acallar su conciencia de nuevos ricos, su Graceland particular. Lo que no quiere decir, por supuesto, que el resultado de tanto esfuerzo -ecológico o no- sea el álbum que el mundo necesitaba escuchar.

Beck

Beck

HyperspaceCapitolPOP7Hyperspace

Cuaquier periodista musical acostumbrado a charlar con músicos durante sus jornadas promocionales habrá experimentado una divertida situación: el artista que defiende con determinación su recién estrenado trabajo no dudará en calificarlo de “fallido” un par de años más tarde, cuando la rueda promocional haya vuelto a girar para hablar de su siguiente colección de canciones. Sería interesante escuchar hoy la opinión de Beck a propósito de Colors, aquel experimento publicado en 2017 en el que -de la mano de Greg Kurstin- se aproximaba al sonido más mainstream e impersonal de su carrera. Como era de prever la intentona no revalorizó la carrera del californiano, más bien al revés, y el resultado es hoy un retorno a sus orígenes.

Porque a pesar de que la producción de su decimocuarto disco viene firmada mano a mano con Pharrel Williams, hoy por hoy uno de los músicos norteamericanos de mayor éxito, las canciones de Hyperspace encajan a la perfección con el habitat de un Beck al que se nota cómodo con la vuelta a su territorio natural.

Tomemos por ejemplo un tema como Saw Lightning, puesta al día de su universo sonoro: sobre una sencilla y contundente base rítmica electrónica, las armónicas y las guitarras acústicas remiten al Beck de Mellow Gold y Odelay. Es el ejercicio más obvio de este retorno a esa deliciosa “anormalidad” que ha caracterizado la mayor parte de su carrera. Y hasta cuando las canciones se vuelven más electrónicas, a medio camino del synth pop y la herencia de Todd Rungren, la sensación es de vuelta al hogar.

Freedonia

Freedonia

ConcienciaAutoeditadoSOUL7Conciencia

Una de las mejores y más populares bandas nacionales de soul, los madrileños Freedonia, vuelven a la carga con su cuarto largo. La principal novedad en esta ocasión es la incorporación de la cantante de raíces nigerianas Deborah Ayo como solista, en sutitución de Mayka Sitté que había liderado Freedonia en los dos discos previos –Shenobi (2017) y Dignity and Freedom (2014)- y que a su vez había sustituido a Aurora García, que había abandonado la formación para montar Aurora & The Betrayers.

Ayo, con un amplio bagaje a sus espaldas al frente del coro Gospel Factory o poniendo voz a las versiones en castellano de algunos clásicos Disney, parece la elección perfecta para la inmersión de la banda en un sonido setentero, en el que el soul de tintes clásicos se abre a influencias de corte más funk.

El escenario para que la sección de vientos brille como nunca. Cantado íntegramente en inglés –apuesta que siempre ha caracterizado a Freedonia- y nuevamente apostando por la autoedición y el crowdfunding como política. Más que ruptura, Conciencia es el paso natural de una formación a la altura de referentes internacionales del género.

Hannah Diamond

Hannah Diamond

ReflectionsPC MusicPOP ELECTRÓNICO8Reflections

Los aficionados a la electrónica contemporánea más desprejuiciados conocerán bien PC Music, un sello/colectivo/plataforma de productores que ha asomado puntualmente su cabeza en medios de forma esquizofrénica. Por un lado arrimándose a artistas mainstream como Charli XCX, Carly Rae Jepsen o hasta Ed Sheeran, ya sea como productores, compositores o remixers. Por otro por el éxito en los circuitos de música avanzada de Sophie, la cara más reconocible de este peculiar universo.

Ambas facetas comparten en realidad presupuestos estéticos y hasta un sonido que resulta tan reconocible como intercambiable entre los artistas del sello. Partiendo de conceptos que causan furor en el sudeste asiático como la creación de artistas pop virtuales, PC Music ha construido un universo no apto para diabéticos. Se trata de ejercicios dance pop empalagosos en su perfección, con voces que no se sabe a ciencia cierta si han sido generadas a partir de herramientas digitales o han sido concebidas en una factoría de hits ubicada en Estocolmo.

El resultado es una fantasía que hasta ahora había dado para un puñado de singles con repercusión desigual a cargo de A.G. Cook o Danny L. Harle y algún que otro recopilatorio. Momento ahora para publicar uno de los primeros largos del colectivo, solo en formato digital. Como en otras ocasiones no está del todo claro hasta qué punto Hannah Diamond es una realidad o una ficción asociada a una cara bonita, con los ghost producers de turno en la trastienda. Sea lo que fuere, hay altas dosis de ironía en este ejercicio de lo que debería ser una estrella del pop de nuestro tiempo. Eurodisco -bakalao por momentos-, autotune pasadísimo de vueltas, melodías vibrantes… El mero hecho de que su escucha ponga nervioso al noventa y nueve por ciento de puristas del pop y el rock es motivo suficiente para recomendarlo efusivamente.

Leonard Cohen

Leonard Cohen

Thanks for the DanceSonyCANCIÓN9Thanks for the Dance

Adam Cohen -hijo de Leonard, productor del disco y mano derecha del músico y poeta en la recta final de su carrera- se esfuerza en dejar claro que Thanks for the Dance no es un disco compuesto por canciones rescatadas del olvido o un ejercicio de necrofilia musical. En el momento en que Leonard Cohen empezó a ser consciente de que el final estaba cerca no solo empezó a despedirse de su público sino que aceleró su productividad artística.

El resultado de ello fueron unas sesiones más o menos coincidentes con las de su último disco, You Want It Darker, publicado tan sólo dieciséis días antes de su fallecimiento. De esta forma Leonard hacía a su hijo Adam depositario de su herencia musical. Un disco concebido por ambos que las circunstancias no les iban a permitir terminar.

Tres años ha sido el tiempo que Adam se ha tomado para completar estas nueve canciones, de las que puede decirse que no solo son respetuosas con el gigantesco legado de Cohen, sino que están también a la altura de sus últimos discos: solemne, hermoso, impecable desde el punto de vista poético -durísimo ese alegato antinazi, el de entonces y el actual, que es Puppets- y brillante en lo musical. Para ellos Adam ha recurrido a los músicos de confianza de su padre, como el guitarrista español Javier Mas, protagonista en diferentes pasajes del álbum y muy especialmente en The Night of Santiago, en la que una vez más Cohen hace evidente su conexión con la historia y la tradición de nuestro país.

La aparición de personalidades como Beck, Daniel Lanois o Bryce Dessner tiene más de anecdótica reverencia al maestro que de aportación real al disco. Igualmente la urgencia de las circunstancias en las que se grabó se hacen evidentes en el spoken word de canciones que posiblemente fueran esqueletos pendientes de melodía en el momento de grabar la voz. Pero, con todo y con ello, más que ejercicio de necrofilia cabe hablar aquí de milagro: ¡resucitó!

The Good Ones

The Good Ones

Rwanda, You Should Be LovedAnti / [PIAS]WORLD MUSIC7Rwanda, You Should Be Loved

En 2010 los ruandeses The Good Ones publicaron su primer álbum, Kigali Y Izahabu, un disco que despertó la atención internacional y que también supuso el primer trabajo de un artista o formación que cantaba en la lengua de Kinyarwanda y conseguía exportar sus canciones fuera de su país. Casi una década y dos discos más tarde el trío formado por Javan Mahoro, Adrien Kazigira y Janvier Navugimona publica su primer álbum en el prestigioso sello norteamericano, casa de Tom Waits, Wilco, una oportunidad de que su música acceda a un público todavía mayor.

Para ello el productor Ian Brennan -quien también ha trabajado con Tinariwen- se ha marchado a la granja de Adrien Kazigira, donde registra sus canciones, en la que ejerce de agricultor, el lugar en el que nació y también el lugar en que su esposa fue asesinada en 1994 en el contexto del genocidio que tuvo lugar en Ruanda. En el disco se aprecia la singular belleza de sus grabaciones, brillante ejercicio de melodías tradicionales a tres voces, acompañadas de guitarras acústicas y percusiones primitivas.

En algunos caso los artistas invitados –Nels Clin de Wilco, Corin Tucker de Sleater Kinney, Joe Lally de Fugazi o Kevin Shields de My Bloody Valentine- hacen sencillas aportaciones, suerte de rendición al arte de los músicos ruandeses más que una verdadera vuelta de tuerca al sonido original. Lo más singular, el inquietante drone de guitarra que Shields aporta a A Long, Sad Journey You Die, en las antípodas del sonido crudo y desnudo del trío.

Varios artistas

Varios artistas

WXAXRXP Box SetWarp / Music As UsualELECTRÓNICA8WXAXRXP Box Set

Warp, el sello que cambió el rumbo de la música electrónica, cumple 30 años. Oportunidad que han aprovechado para echar la vista atrás con una serie de conciertos y sesiones especiales que incluyen desde la plana mayor de artistas del sello original de Sheffield hasta referentes propios e iconos de la música electrónica como Ryuichi Sakamoto. Al conjunto de actividades relacionadas con ese aniversario se las ha bautizado WXAXRXP, título que ahora también da nombre a una enciclopédica box set con diez 12“ que recorren la historia de Warp desde el presente hasta los orígenes del sello: la primera de las grabaciones es una Peel Session registrada por LFO en 1990, cuando Warp apenas contaba con un año de edad.

La forma que han elegido para ello son una serie de sesiones, que se registraron en los estudios de la BBC y otras emisoras de radio en unos casos y se plantearon específicamente para este aniversario en el caso de Bibio, Kelly Moran y Mount Kimbie. De esta forma la colección de diez maxis sirve como escaparate de la variedad de los sonidos contenidos dentro del sello, y al mismo tiempo se convierte en muestrario de las habilidades en directo de esos artistas, en sesiones registradas siempre en un entorno controlado y sin público.

Junto a los ya citados encontramos aquí grabaciones a cargo de Aphex Twin, Boards Of Canada, Flying Lotus, Oneohtrix Point Never, Plaid y Seefeel, o lo que es lo mismo, la auténtica aristocracia de esa electrónica que un día se definió como Intelligent Dance Music y hoy por, dinamitada ya aquella etiqueta, sigue soñando con el futuro a base de enhebrar diferentes estilos. El lanzamiento se pone a la venta como box set de vinilo, con un precioso diseño de Michael Oswell, edición limitada y venta exclusiva en la web del sello. También es posible adquirir cada uno de los maxis por separado.

Arthur Russell

Arthur Russell

Iowa DreamAurikaART POP8Iowa Dream

Poco menos que un desconocido a lo largo de su vida, la figura de Arthur Russell comenzó a adquirir tintes de mito cuando, aproximadamente una década después de su fallecimiento víctima del SIDA, su obra empezó a recuperarse y reivindicarse con una serie de discos recopilatorios.

Detrás de aquellos lanzamientos se encontraba su pareja Tom Lee y Steve Knutson, capo de un pequeño sello llamado Audika Records que desde entonces ha vinculado su razón de ser a la reivindicación del inabarcable legado de Russell. Porque hay muchas caras diferentes de Artur Russell, casi tantas como álbumes suyos se han publicado desde entonces: el compositor avantgarde, el productor de singulares canciones de disco music, el cantante pop, el cantautor cuasi-country y tantos otros…

Iowa Dream, producto de un largo trabajo de recuperación y restauración de una serie de cintas personales de Russell, se centra en su faceta más sentimental y personal. A medio camino de la torch song, la cancioncilla popular, el standard jazzístico y la tradición musical de su Iowa natal, a lo largo de estas diecinueve canciones nos encontramos a un Russell que dibuja (y canta) viñetas en añil que van de sus recuerdos de infancia a imágenes costumbristas de la vida americana de los años setenta, el momento en el que fueron registradas la mayoría de ellas.

La labor de restauración corre a cargo de Peter Broderick, un lujo de artista además de unos de los jóvenes músicos cuyo trabajo muestra conexiones más evidentes con el universo de Russell. Y entre los músicos que se asoman a estas canciones encontramos a una amplia representación del avantgarde neoyorquino de aquellos años: Ernie Brooks, Rhys Chatham, Henry Flynt, Jon Gibson, Peter Gordon, Steven Hall, Jackson Mac Low, Larry Saltzman o David Van Tieghem.

DJ Shadow

DJ Shadow

Our Pathetic AgeMass Appeal / Music As UsualHIP HOP7Our Pathetic Age

Lo nuevo de DJ Shadow, el hombre que hace dos décadas expandió el lenguaje del hip hop con Endtroducing…, son en realidad dos discos en uno. Un doble álbum cuyo primer plástico busca expandir el lenguaje que Josh Davis ha ido desarrollando a lo largo de todo ese tiempo. El sonido de aquellos míticos primeros discos partía de su virtuosismo a los platos para conseguir un emotivo y vigoroso ejercicio de corta y pega.

Pero, conforme ha ido pasando el tiempo, la música de DJ Shadow ha virado hacia sonidos cada vez más electrónicos, que partiendo del ritmillo característico del hip hop emplean técnicas de producción convencionales y han conducido sus canciones a terrenos más abstractos y oscuros. En esencia en eso consiste el CD1 de Our Pathetic Age.

El tema Drone Warfare con el que arranca el disco 2, muestra intenciones bien distintas. Es una colaboración con Nas y Pharoahe Monch que a partir de breaks y scratches criminales reivindica el rap clásico más intimidante y expansivo. El disco cuenta con colaboraciones que van desde Run The Jewels a Pusha T o el cantante de Future Islands Sam T. Herring (un verdadero fanático del rap, a pesar de que el sonido de su banda vaya por otros derroteros). Pero posiblemente la colaboración y también el tema que mejor defina el espíritu de este segundo disco sea Rocket Fuel, en el que DJ Shadow se mide ni más ni menos que con De La Soul para completar una pieza tan intimidante como bailonga y divertida.

Megansito el Guapo

Megansito el Guapo

MEGGround ControlURBAN7MEG

Artistas y también medios tenemos la mala costumbre de buscar paralelismos entre proyectos que dan sus ilusionantes primeros pasos en nuestro país y artistas internacionales de primer nivel. Es un error que se se ha acrecentado con el auge de la música urbana y que Megansito el Guapo, con apenas un puñado de canciones publicadas desde primavera, ya ha vivido en sus carnes.

Lejos de esas comparaciones con los primeras espadas del r'n'b y el urban norteamericano, Megansito busca su propio espacio en una escena: la de la música en castellano, que vive un momento de efervescencia necesitada de nuevos nombres que alimenten la abundante demanda.

De la mano del también productor DJ Hater y desde Madrid, Megansito se maneja a la perfección en ese resbaladizo terreno limitado por la electrónica de baile, la actual fiebre latina y un marcado interés por el r'n'b, que se hace explícito en su forma de cantar y tiene su mejor número en el tema que ha funcionado como single de avance de esta mixtape: Mentiroso. Como punto de partida MEG es notable.

Nocturnal Sunshine

Nocturnal Sunshine

Full CircleBMGELECTRÓNICA8Full Circle

Maya Jane Coles lleva una década apostando por el disco largo en un género como el de la música de baile que tiene en el track su medida de unidad esencial. Sin embargo, en el caso de la productora japo-británica la apuesta por el disco le ha permitido, además de convertirse en uno de los nombres de referencia a nivel global -busca su nombre en trabajos y remixes de pesos pesados que van desde Depeche Mode a Dua Lipa-, evolucionar y crecer como artista. Desde aquellos inicios abiertamente house, Maya Jane Coles ha ido explorando nuevos territorios sirviéndose de su alias Nocturnal Sunshine.

El doble álbum Full Circle, segundo largo de Nocturnal Sunshine, es en ese sentido un paso de gigante con el que conquista sonidos más contemporáneos. Permanece el groove que ha caracterizado toda su producción, pero los ritmos bailables cuatro por cuatro se ven ahora intoxicados por versos rapeados de inspiración grime, urgencia urbanita y hasta algunos elementos prestados del trap. Para ello se sirve de las colaboraciones vocales de CA$EY JON£S, Gangsta Boo, Peaches o RY X, que le ayudan a demostrar su desacomplejada versatilidad como productora

Tindersticks

Tindersticks

No Treasure But HopeCity Slang / Music As UsualCANCIÓN7No Treasure But Hope

Doce discos y 25 años más tarde nadie espera de Tindersticks un drástico golpe de timón. Tampoco que las circunstancias vuelvan a convertir a la banda comandada por Stuart Staples en sensación del momento, una posición que sí ocuparon cuando daban sus primeros pasos. Unas premisas que no les han impedido ser fieles a sí mismos, completando una discografía que ha mutado a partir de los pequeños matices, condicionada a menudo por sus incursiones en el terreno de las bandas sonoras.

La grabación del disco en París parece haber surtido efecto, y No Treasure But Hope nos devuelve a los Tindersticks más románticos. No hay nuevos elementos a lo largo de estas 10 canciones, pero sí un retorno a los elegantes pasajes orquestales de los primeros discos, explícito en una “cara A” especialmente inspirada. También en las letras de Stuart, ejercicios las más de las veces de miradas al pasado a propósito de relaciones que permanecen en la memoria como fantasmas o miembros amputados de un cuerpo cubierto de heridas.

FKA Twigs

FKA Twigs

MAGDALENEYoung Turks / Popstock!POP9MAGDALENE

No puede calificarse de otro modo que de pornografía emocional a un disco que arranca con una declaración como “Si salgo por la puerta, comienza nuestra despedida / si no me empujas lejos, mil ojos estarán mirando” y termina con esta otra “Ellos quieren vernos solos, ellos quieren vernos separados”.

Entre 2015 y 2017, el momento en que decidió poner punto final a la relación, Tahliah Debrett Barnett vivió al mismo tiempo en el cielo y el infierno como consecuencia de su noviazgo con uno de los actores más admirados de su generación, Robert Pattinson. La historia de amor fue inevitablemente difícil: además de que su día a día era registrado por una nube de paparazzis que perseguían a la pareja allá donde fuera, el nutrido grupo de fans de Pattinson nunca aceptó con agrado a Tahliah como pareja y la sometió a una importante presión que llegó al punto de la vejación moral con insultos racistas.

El paralelismo con María Magdalena, la “prostituta” que sobrellevó como buenamente pudo su relación con Jesucristo, el elegido, es evidente. Por si todo eso no fuera por sí suficientemente traumático, Tahliah luchó más o menos al mismo tiempo contra una grave enfermedad

De esas experiencias y todo ese dolor surge un disco muy hermoso, que lleva unos cuantos pasos más allá lo que ya se podía intuir en el debut de FKA Twigs hace un lustro. Su música podría calificarse de mil maneras. Un puñado de referentes que van de -palabras mayores- Kate Bush a David Bowie pasando por Björk sirven para ubicar vagamente un universo musical que cuenta con la ambición y la capacidad de trascender de los grandes. Posiblemente porque FKA Twigs está ya a estas alturas convirtiéndose en uno de ellos.

Fenella

Fenella

FenellaFire / Popstock!BANDA SONORA7Fenella

Con el debut discográfico de Fenella el sello Fire da continuidad a una curiosa iniciativa: una serie de discos compuestos como bandas sonoras alternativas de películas de corte experimental. En el caso que nos ocupa el título elegido es Fehérlófia, producción húngara animada de 1981 dirigida por Marcell Jankovics que llevaba a la gran pantalla su particular reinterpretación de los mitos de diferentes culturas de la antigüedad como los ávaros, los hunos o los escitas.

Bajo el nombre de Fenella se esconde en realidad Jane Weaver, una artista que recientemente ha aparecido en este mismo periódico con motivo de la publicación del disco Loops in the Secret Society. En esta ocasión se deja acompañar por dos habituales suyos como son Peter Philipson y Raz Ullah para crear 17 piezas centradas en los sintetizadores y que renuncian a las percusiones. De esta forma completa el trabajo más ambiental y -obviamente- cinematográfico de su carrera. Aunque la mayor parte del tiempo Weaver no renuncia a utilizar su voz, tratada con filtros que la convierten en otro elemento volátil y etéreo más, y que sitúa a estas composiciones a medio camino del pop impresionista de Jenny Hval, los discos de This Mortal Coil y las bandas sonoras de Badalamenti para David Lynch.

Las Ligas Menores / Bestia Bebé

Las Ligas Menores / Bestia Bebé

Las ligas menores / Bestia BebéSonido MuchachoPOP7Las ligas menores / Bestia Bebé

Una de las ventajas -que también las hay- de este mundo globalizado que vivimos es que en la música las distancias se achican también para aquellas bandas que no son superventas. El Atlántico, un escollo que parecía insalvable hace no tanto para muchos artistas, ha dejado de serlo y cada vez es más común que las giras de músicos de aquí y de allí lo crucen de forma regular. Es el caso de Las Ligas Menores, una de las bandas que mejor define el nuevo pop de guitarras que se practica en Argentina y que en el último año ya nos ha visitado en un par de ocasiones con los madrileños Carolina Durante ejerciendo de padrinos.

El sello de ambos, Sonido Muchacho, publicó su último disco, el notable Fuego artificial (2018). Y ahora, con la base de fans de la banda creciendo con cada visita del quinteto liderado por Anabella Cartolano, Sonido Muchacho recupera ahora en vinilo su debut homónimo que data de 2014, tres años después de su nacimiento como banda. Un disco mejorable en cuestiones como la producción pero que ya dejaba bien a las claras las razones de su éxito en canciones como A 1200 km o El baile de Elvis, que aún hoy son momentos álgidos en sus directos.

Paralelamente Sonido Muchacho publica también el primer disco de Bestia Bebé. Menos habituales de nuestros escenarios, la banda de Boedo liderada por Tom Quintans mostraba ya en este debut homónimo de 2013 el secreto de su éxito: pop de guitarras con melodías certeras, riffs a la yugular ya sea en formato eléctrico o acústico y la ascendencia de los ya clásicos Él Mató A Un Policía Motorizado y el college rock de bandas como Nada Surf o Guided By Voices.

Martirio & Chano Domínguez

Martirio & Chano Domínguez

A Bola de nieveUniversalJAZZ8A Bola de nieve

Veintidós años después de que sus carreras se cruzaran por primera vez en Coplas de qué madrugá, Martirio y Chano Domínguez vuelven a unir fuerzas en un disco que en realidad es un sentido homenaje al músico cubano Bola de Nieve. Con producción a cargo de Raúl Rodríguez, la voz de Martirio y el piano de Chano se debaten entre el respeto máximo a las grabaciones de Bola de Nieve y su propio bagage musical: el jazz, por supuesto, pero también la copla y el flamenco, enraizados en la interpretación vocal de Martirio y en el feeling que transmite Dominguez al piano.

Tal y como da a entender la portada del álbum, A Bola de nieve es un álbum grabado en directo -en los Infinity Estudios de Madrid- y concebido para ser llevado igualmente en directo por las salas de medio mundo. No hay por ello otros arreglos o instrumentos arropando al dúo, que afronta la interpretación de temas icónicos como Tú no sospechas, No quiero que me olvides o La vie en rose buscando la emoción en cada giro vocal y cada nota sostenida en el aire.

Mikal Cronin

Mikal Cronin

SeekerMerge / Popstock!ROCK7Seeker

Durante mucho tiempo Mikal Cronin ha permanecido a la sombra de Ty Segall ejerciendo de componente de su banda. Pero, paso a paso, el multinstrumentista californiano va levantando una carrera en solitario con la que demuestra su conocimiento del rock clásico, planteando una variante más estilizada y romántica que la escena garage de la que procede. Sólo hay que prestar atención a los diferentes arreglos que conducen las canciones de Seeker hacia terrenos más cercanos a la psicodelia californiana que a la furia garage-punk: vientos, cuerdas, y un piano casi omnipresente a lo largo del disco

Curiosamente Seeker es un disco registrado prácticamente en directo y para el que Cronin ha tenido que echar mano de sus amigos de la Freedom Band. Un disco que surge de un momento complicado en lo personal y también en el aspecto creativo, tras una etapa de bloqueo compositivo que llevó a Cronin a buscar nuevos estímulos. Los encontró de la mano de esos músicos que hacen crecer sus canciones y hasta enmascaran la evidencia de que el californiano es un gran músico y notable compositor, pero también un intérprete tirando a discreto.

Peter Ivers

Peter Ivers

Becoming Peter IversRVNG IntlAVANT8Becoming Peter Ivers

Más que un recopilatorio la historia de Peter Ivers pide a gritos un documental que profundice en una figura sorprendente, que a lo largo de dos décadas conecta referentes de la cultura pop norteamericana tan distintos entre sí como Van Dyke Parks, David Lynch, Dead Kennedys, Swans o The New York Dolls, y que para colmo terminó siendo brutalmente asesinado en misteriosas circunstancias sin aclarar.

Uno de sus discos, Terminal Love (1974), ha sido reivindicado en los últimos años como una de esas joyas malditas y olvidadas, y una de las canciones más extrañamente hermosas que ha dado la Historia del cine, In Heaven (The Lady in the Radiator Song) que aparecía en la primera película de David Lynch Cabeza borradora, lleva su firma.

Son las breves pinceladas de un músico que tuvo en la armónica su instrumento distintivo y que ha dejado para la posteridad una producción misteriosa por su extraña belleza, situándose en algún lugar desconocido a caballo del prog, el blues, el pop y el avantgarde. Becoming Peter Ivers es una fantástica introducción a su universo compuesta por grabaciones domésticas de sus canciones, en ocasiones a la altura o incluso por encima de las versiones de estudio que terminaron viendo la luz en los años setenta.

Kanye West

Kanye West

Jesus Is KingDef Jam / UniversalR'N'B6Jesus Is King

Parece tan irrebatible que Kanye West cambió para siempre la estética rap con sus primeros discos como que hace tiempo ya que sus pupilos aventajados le han dejado atrás en esa permanente carrera por abrazar el pop del futuro. Jesus Is King, mil veces anunciado y otras tantas pospuesto, no va a cambiar esa tendencia. En la línea de Ye (2018) y colaboración con Kid Cudi bajo el nombre de Kids See Ghost, es un álbum de corta duración, casi un miniLP que no alcanza la media hora de duración.

Lo que llegados a este punto, lejos de resultar un problema se convierte en su mejor baza teniendo en cuenta que Jesus Is King no va sobrado de nuevas ideas, un grave problema para alguien que lleva dos décadas presentándose ante el mundo como renovador del pop.

Conceptualmente el disco se presenta como una suerte de álbum gospel, una idea remarcada por el coro femenino que abre el disco entre loas a Dios. Ese mismo recurso vuelve a utilizarse a continuación para enfatizar Selah entre aleluyas y agradecimientos por haberse reencontrado con la religión.

Teniendo en cuenta que Kanye es un tipo cuyo ego le ha llevado presentarse como una suerte de Jesucristo del showbusiness es bastante lógico dudar de las verdaderas intenciones de esta suerte de reencarnación artística, que no creativa. A falta de nuevas ideas en lo puramente musical Kanye apuesta una vez más por aquella máxima infalible: “Que hablen de mí… aunque sea para bien”.

Underworld

Underworld

DRIFT Series 1Autoeditado / Music As UsualELECTRÓNICA8DRIFT Series 1

Pocos artistas, ya sean electrónicos o no, han demostrado una ética de trabajo como Underworld a lo largo de las últimas tres décadas. Lo verdaderamente fascinante en el caso de Rick Smith y Karl Hyde es cómo todo ese tiempo después de haber definido nítidamente su sonido y de alcanzar el reconocimiento con la inclusión de su música en Trainspotting (la película), Underworld han seguido encontrando nuevos matices y vías de expresión sin perder su identidad.

DRIFT Series es el ejemplo perfecto para comprender cómo lo han conseguido. A lo largo del último año, Smith & Hyde se han forzado a producir y publicar un tema de forma ininterrumpida todas las semanas. Este calendario, claramente excesivo y a priori con pocas posibilidades de éxito, les ha empujado a registrar y producir canciones en contextos bien distintos: en diferentes estudios a lo largo y ancho del mundo, en sus propias casas o en la de amigos, tirando de las herramientas tecnológicas que hoy por hoy permiten producir música electrónica con apenas la ayuda de un portátil.

También, a modo de empujón creativo, Underworld han llevado un poco más allá su de sobra conocida disposición a colaborar con otros músicos: aquí el productor británico Ø [Phase] y la formación de jazz experimental australiana The Necks. El resultado de todo ello son siete “episodios” que serán publicados en una monumental caja (también incluye un DVD que documenta el proceso creativo a lo largo de ese tiempo) y en una versión reducida de un solo disco que recoge los mejores momentos de esas sesiones.

Obviamente, no todo ese material se encuentra a la misma altura ni apunta en la misma dirección: hay ejercicios de electrónica de club marca de la casa, pasajes ambient, coqueteos con la música étnica o ejercicios cinematográficos diseñados para películas de corte experimental. Pero, a día de hoy, y más allá de los beneficios que este experimento haya podido tener para la banda, lo que resulta admirable y no deja de sorprender es la inspiración de buena parte de estos temas y que todavía hoy, tantos años después, Underworld siga siendo sinónimo de “excitante”, “urgente”, “futurista”.

Acid Arab

Acid Arab

JdidCrammedELECTRÓNICA7Jdid

Tras la notable sorpresa que supuso Musique de France (2016), el dúo formado por Guido Minisky y Hervé Carvalho vuelve a la carga con un disco que se mueve en parámetros similares a los de su debut. Esto es, la infalible conjunción de música tradicional del Magreb y Oriente Medio con electrónica de club.

Más allá de que, como ocurrió en aquel primer disco, Jdid nos dé la oportunidad de descubrir a una serie de estrellas pop de aquellas latitudes. Algunos, como Ammar 808 o Les Filles de Illiaghadad que hemos tenido oportunidad de ver en directo en nuestro país recientemente, y otros como los argelinos Radia Menel, Sofiane Saidi, Amel Wahby y Cheikha Hadjla aportando vocales o el turco Cem Yildiz o el sirio Rizan Said aportando pasajes instrumentales.

El resultado de todo ello, un escalón por debajo de aquel excitante primer disco, se aleja de la etiqueta world music por mucho que beba abiertamente de ella, y funciona como escaparate de los aspectos más psicodélicos y festivos de la tradición musical de aquellos países.

Aitor Etxebarria

Aitor Etxebarria

Nihilism Part IMute / El SegellNEOCLÁSICA7Nihilism Part I

Hasta su colaboración con Hannot Mintegia componiendo la banda sonora de Gernika.Markak -documental sobre el bombardeo de Gernika, que es también el lugar de su nacimiento- Aitor Etxebarria era esencialmente conocido por su alias artístico de El_Txef_A.

Como el El_Txef_A Aitor publicó una serie de discos de electrónica de club en los que ya se intuía su gusto por los pasajes ambientales y los sonidos meditabundos. Sin embargo, fue aquel trabajo el que sacó a la luz esa otra faceta como músico en la que los beats dejan paso a largos desarrollos instrumentales a medio camino del neoclasicismo y las progresiones pos-rock.

Nihilism –en propias palabras del músico, “un viaje inquietante hacia el art-rock”- recopila cinco años de esos trabajos, piezas que posiblemente no hayan sido concebidas de forma unitaria para formar parte de un LP, pero que comparten un tono, una tensión casi siempre a punto de quebrarse, independientemente de que el protagonismo de cada tema recaiga en el piano, las cuerdas o las texturas electrónicas. No es de extrañar que el material haya llamado la atención de Daniel Miller, descubridor de entre muchos otros Depeche Mode o Nick Cave, y que fuera de nuestro país el disco lo edite su discográfica Mute Records.

Alessandro Cortini

Alessandro Cortini

Volume MassimoMute / [PIAS]ELECTRÓNICA8Volume Massimo

Hablar hoy por hoy de la música de Alessandro Cortini es tanto como hacerlo del sintetizador Buchla, un instrumento del que Cortini se enamoró hace unos años, cuando todavía rasgaba las seis cuerdas como componente de Nine Inch Nails y que le ha empujado a dar un vuelco a su carrera como músico. Un instrumento asociado a pioneros de la música electrónica como Morton Subotnick, Wendy Carlos o Suzanne Ciani, y que en los últimos años casi se ha convertido en un género en sí mismo al convertirse en el elemento central de la música de jóvenes artistas experimentales como Caterina Barbieri, Kaitlyn Aurelia Smith o el propio Cortini.

En ese contexto, Volume massimo es el disco más ambicioso del músico italiano hasta la fecha, tanto por su vocación de hacer música majestuosa para (casi) todos los públicos como por ver la luz al amparo de un gran sello como es Mute Records.

A medio camino de la banda sonora imaginaria, la estética de los correos cósmicos alemanes de los 70 y el wall of sound que Spector habría planteado de haber utilizado sintetizadores en vez de cuerdas y guitarras, este disco que el propio Cortini recomiendo escuchar “a gran volumen” supone una singular y hermosa aproximación al mundo de la electrónica totalmente ajeno a la música de club.

Gary Numan

Gary Numan

Replicas The First Recordings / Pleasure Principle The First RecordingsBeggars Banquet / Popstock!ELECTRO-POP8Replicas The First Recordings / Pleasure Principle The First Recordings

Hay diferentes momentos en la historia del pop en el que los músicos encuentran su mayor inspiración en vislumbrar un futuro tecnológico más o menos ilusionante. Una de esas etapas tuvo lugar a finales de los 70, cuando artistas con orígenes diferentes –el krautrock, el glam o el punk- abrazaron el uso de instrumentos electrónicos para tratar temáticas como la del hombre-máquina, la presencia extraterrestre en nuestro planeta o simplemente imaginar un futuro utópico/distópico.

Gary Numan fue uno de los que se lanzaron con mayor fervor a convertir en canciones pop las ideas que autores como Phillip H Kirk ya habían plasmado en sus novelas. Ese fue el punto de partida de Replicas (1979) un álbum acreditado a Gary Numan + Tubeway Army y de Pleasure Principle (1979), publicado sólo unos meses más tarde y que ya aparecía firmado con su nombre en solitario.

Ambos han quedado para la posteridad como dos ejemplares muestras de un incipiente sonido synth pop (o tal vez en este caso habría que habría que hablar de synth-punk), clásicos del género y también referentes de una forma de entender el mundo.

Esos dos discos, que ya en los últimos años gozaron de diferentes reediciones, vuelven de alguna forma a la vida con estos dos lanzamientos (independientes entre sí) que rebuscan en el archivo sonoro del artista para recuperar las maquetas previas, tomas alternativas y sesiones radiofónicas de la época. No se trata pues de una reedición propiamente dicha, sino de un lanzamiento complementario a los discos originales que muestra el proceso de maduración de ambos trabajos.

Gene Clark

Gene Clark

No Other4AD / Popstock!POP-ROCK-FUNK9No Other

La historia de No Other es la de otras tantas obras geniales incomprendidas en el momento de su publicación y que adquieren la relevancia merecida muchos años más tarde. Unos meses después de la reunión de los Byrds, Gene Clark vuelve meterse en el estudio en compañía del productor Thomas Jefferson Kaye para registrar la que él consideraría su gran obra.

Un disco en el que las influencias country-rock se ven enriquecidas por amagos de soul y funk, hard rock setentero y una complejísima producción que llevaría a disparar los costes de producción hasta convertir a este trabajo en poco menos que una producción maldita. Para colmo de males, No Other tuvo una penosa recepción por parte de crítica y público, hundiendo en la depresión a un Gene Clark que en paralelo vivía una etapa turbulenta por sus problemas con las drogas.

No sería hasta varias décadas más tarde que que artistas como This Mortal Coil o Beach House reivindicarían este disco: los primeros ya registraron una versión de Strength of Strings en 1986, mientras que los segundos montarían toda una superbanda de estrellas alternativas -con componentes de Fleet Foxes, Grizzly Bear, Lower Dens o The Walkmen, entre otros- para interpretar íntegramente este álbum en directo y demostrar así su admiración por él.

Por eso cobra especial sentido la recuperación de un disco que hasta hace no demasiados años dormía el sueño de los justos y que ahora volverá a ver la luz en cuatro versiones diferentes: desde la sencilla en CD hasta un boxset que incluye abundante material inédito, un libro o un documental.

Cigarettes After Sex

Cigarettes After Sex

CryPartisan / [PIAS]INDIE-POP8Cry

Cigarettes After Sex es una formación singular, con referentes sonoros muy claros y que vienen de bastante atrás, como la saga que conforman The Field Mice, Trembling Blue Stars y Lightning In A Twilight Hour y, más en general, el sonido del sello Sarah Records. Formaciones todas ellas a las que desde siempre se ha profesado un fervoroso culto pero que apenas consiguieron en todos estos años escapar de la categoría de delicatessen para iniciados.

No ha ocurrido así con la música de Greg González, que desde aquellos singles iniciales conectó de forma inmediata con un amplio y jovencísimo público fiel a su propuesta, convirtiéndose en una suerte de apóstol del angst juvenil.

Es una propuesta que el músico texano ha definido y defiende con pasión en todos sus aspectos: desde la imagen gráfica en riguroso blanco y negro, fiel al tono tristón y por momentos atormentado de su música, hasta decisiones como las escasas explicaciones promocionales o la elección de un único single para este esperado segundo álbum. Todo ello enfocado a preservar el misterio alrededor de un proyecto que aspira a explicarse enteramente a través de su música. Y esta no deja lugar a la duda: ritmos al ralentí, propios del slow-core, guitarras cristalinas y voces casi susurradas para unas canciones que son melancolía en estado puro.

Desert Sessions

Desert Sessions

The Desert Sessions Vols. 11 & 12Matador / Popstock!ROCK7The Desert Sessions Vols. 11 & 12

Casi en paralelo al nacimiento de Queens Of The Stone Age, entre 1998 y 2003 Josh Homme desarrolló una serie de discos-proyecto que bautizó con el nombre de Desert Sessions. A priori la idea era tan sencilla como atractiva: llevarse a los estudios Rancho De La Luna, en el desierto del Joshua Tree en California, a una serie de ilustres amigos para plantear una colaboración sin excesivas pretensiones y resultados las más de las veces entre el notable y el sobresaliente.

El proyecto pasó a dormir el sueño de los justos, más que nada por la repercusión que estaba alcanzando QOTSA, aunque oficialmente las Desert Sessions nunca pasaron a mejor vida. Y de esta forma, con la misma naturalidad con la que dejaron de llevarse a cabo, Homme las resucita 16 años más tarde.

La reunión de amigos en esta ocasión la conforman el comediante y músico británico Matt Berry, el líder de ZZ Top Billy Gibbons, el cantante de Scissor Sisters Jake Shears, el Royal Blood Mike Kerr y Les Claypool, obviamente con Josh Homme ejerciendo el papel de maestro de ceremonias.

La alineación da en un disco menos correoso que anteriores entregas –porque, no nos engañemos, los años no pasan en balde ni siquiera para Josh Homme- pero que igualmente hará las delicias de los aficionados al rock’n’roll hi-energy que caracteriza a esta tropa, con momentos para el lucimiento personal de cada uno de los presentes a lo largo de estas ocho canciones.

El Hijo

El Hijo

Capital desiertoIntromúsicaPOP ELECTRÓNICO8Capital desierto

Dice Abel Hernández (ex Migala y Emak Bakia) que a la hora de producir estas canciones se ha fijado en “el hiper-pop de los últimos 30 años. Canciones súperconocidas, de las consideradas poco auténticas y sin músculo”. Pero en realidad, como ha ocurrido a lo largo de toda su producción discográfica tanto en solitario como cuando ha estado acompañado de otros músicos, nada es tan evidente en su universo como parece dar a entender con esas palabras.

Hace tiempo que El Hijo dejó de ser un proyecto de folk acústico que rayaba con el mundo de los cantautores, para entregarse de lleno a la electrónica lo-fi. Y de esta forma, desde la publicación en 2015 de Fragmento, Abel explora territorios que van desde el ambient a los sonidos industriales o una personal reinterpretción del dance, casi siempre encajado en el formato canción.

Otorga además una importancia nada desdeñable al aspecto lírico: la voz, valiente, en primer plano, propone imágenes de alienación urbanita. El resultado es reconocible y personal, a pesar del constante reenfoque de su propuesta. Efectivamente el latido pop existe dentro de Capital Desierto, convirtiendo esta colección de canciones en la más certera de cuantas El Hijo ha firmado hasta la fecha, filtrándose entre ritmos maquinales, melodías torcidas de sintes y efectos sonoros de todo tipo. Dejémoslo en pop del siglo XXI pues…

Ortiga

Ortiga

Chicho & sus chichasErnieVERBENA7Chicho & sus chichas

Esteban y Manuel se colaron en el panorama de la música “alternativa” aprovechando el constante reenfoque de la música popular con una propuesta que no podía ser más regresiva: una adaptación del sonido de organillo de las verbenas populares, especialmente exitosas en el norte de España, combinado con el latineo que causa furor a lo largo y ancho de la Península. Liquidada aquella aventura por las diferencias entre sus dos componentes, Manuel González se lo monta en solitario con Ortiga, que lleva aquella propuesta todavía un paso más allá.

Aviso para navegantes: si para muchos amantes del pop el autotune es el gran mal y el enemigo a batir de la música del siglo XXI… Ortiga les da dos tazas. Si el merengue, la bachata y por supuesto la cumbia han tomado ya el espacio público y nos rodean en nuestro día a día, Ortiga está por la labor de asaltar también el territorio festivalero hasta ahora propiedad exclusiva del indie. Cero prejuicios.

Sería un error interpretar las canciones de Chicho & sus chichas desde la ironía, a pesar de que no es fácil defender estar canciones -menos aún sus frívolas letras- en según qué entorno y contexto. Su valor lo encuentro cuando atiendo a su carácter festivo y lúdico, al desenfreno instrumental y también el que provocan entre quienes las disfrutan sin complejos; y, por último, en su desacomplejada fusión de lo popular a ambos lados del Atlántico.

Swans

Swans

Leaving MeaningYoung God / Mute/ [PIAS]ROCK EXPERIMENTAL8Leaving Meaning

Hace un tiempo, con motivo de la publicación de su anterior álbum The Glowing Man y del tour de presentación del disco, Michael Gira anunció un cambio de tercio. Algunos componentes de la formación que firmó esa imponente trilogía que va de The Seer al citado The Glowing Man dejaba la disciplina de Swans y, en consecuencia, el modus operandi y también la música de la mítica banda neoyorquina iba a verse inevitablemente afectada por ello.

Llega pues Leaving Meaning bajo la promesa de un giro de guión que a la postre tampoco lo ha sido tanto. Por un lado porque ahí sigue pulsando las seis cuerdas Norman Westberg, el único componente de Swans que podría discutirle mínimamente a Michael Gira su ascendencia en el sonido de la banda. También Thor Harris, Christopher Pravdica y Phil Puleo, componentes todos ellos de la banda en el periodo que definitivamente elevó a Swans a los altares del rock experimental. Además, amigos y cómplices como Baby Dee, Ben Frost, A Hawk and a Hacksaw, The Necks y Anna y Maria von Hausswolff pasaron por el estudio para dejar su impronta en algunas de estas doce canciones.

Musicalmente es cierto que en Leaving Meaning se aprecia cierta relajación con respecto a esa etapa previa. Y a pesar de ello los Swans de 2019 siguen siendo una de las bandas más tenebrosas e intensas sobre la faz de la tierra. Haciendo una analogía con sus primeros años, Leaving Meaning representa algo similar al giro artístico que supusieron en los primeros noventa los “discos de los conejitos”: cierto abandono del extremismo eléctrico en pos de un sonido en apariencia más limpio, pero igualmente poderoso y amenazante.

Floating Points

Floating Points

CrushNinja Tune / [PIAS]ELECTRÓNICA8Crush

La penúltima (siempre penúltima) generación de grandes productores de música electrónica salida de Gran Bretaña -los Jon Hopkins, James Holden, Daniel Avery y, por supuesto, Sam Shepherd (Floating Points)- tiene en común los contextos diferentes en los que han crecido artísticamente y también presentado su música en directo.

Desde los grandes templos del techno en todo el mundo hasta festivales y giras en espacios para grandes audiencias, estos artistas han visto cómo el riesgo en sus decisiones artísticas no suponía un handicap para llegar a un público casi masivo, trabajar para la industria del cine o tener aseada la cuenta bancaria ejerciendo de DJs en olor de multitud. Algo de todo esto hay en el segundo largo del londinense Sam Shepherd, un álbum compuesto y grabado en tan sólo cinco semanas y que surge de la experiencia de telonear a The XX en grandes espacios enfrentándose a ese público con la única ayuda de una caja de ritmos Roland y un sinte modular.

Shepherd, que venía de registrar un miniLP cercano al jazz con banda de músicos incluida, vuelve de esta forma a sus orígenes electrónicos con un disco en el que encontramos un poco de todo: por supuesto esa escena dubstep con la que ha crecido musicalmente y que él se lleva a su terreno, pero también pasajes cinemáticos, algo de electrónica abstracta y hasta amagos de música religiosa contemporánea. Infalible.