Sierra Sonora ya tiene horarios para su programación del verano. El festival celebrará su 25ª edición del 5 al 9 de agosto en Viniegra de Abajo y afronta el último tramo de venta de entradas con el 90% del aforo ya vendido, según ha informado la organización.

Durante cinco jornadas, la localidad riojana volverá a convertirse en un escenario cultural en el que convivirán música, arte, cine, gastronomía y artes escénicas. Las actividades se repartirán por distintos espacios del municipio, entre ellos jardines, plazas, patios, la iglesia y el entorno natural junto al río.

El cartel musical de esta edición reúne a artistas y bandas como Iseo & Dodosound, Rufus T. Firefly, Repion, Las Migas, Tu Otra Bonita, Ana Lua Caiano, El Nido, Olatz Salvador, De Fem, Honahlei, ezezez, Casapalma y Paco Pecado. A ellos se sumarán las sesiones de Van Bylen, Bárbara Gartland y Kurlzzz DJs.

La programación arrancará el miércoles 5 de agosto con “Vientos de otros valles” y una nueva edición de “Una sierra de cine”. El programa se completará con propuesta para todos los públicos, como talleres de creación, showcooking, actividades relacionadas con el bienestar y la salud mental, un freetour y una visita guiada a la exposición “Volver”.

El apartado escénico tendrá también su espacio con la representación de “A las mujeres de mi familia”, de Esther Sanz, que pondrá el broche a la programación.

Sierra Sonora nació en 2020 con el objetivo de acercar propuestas culturales de calidad al medio rural y, desde entonces, ha consolidado su apuesta por convertir Viniegra de Abajo en un punto de encuentro entre cultura, paisaje y comunidad.

El festival se presenta así como un proyecto colectivo en el que participan vecinos y vecinas, negocios locales, voluntariado, colaboradores, patrocinadores y el propio equipo de organización. Una implicación que permite que la localidad vuelva a acoger, un año más, una programación cultural que busca ir más allá de la música y dinamizar el entorno cultural.

El Jazzaldia de Donostia ya ha arrancado. Con permiso de ETS, multitudinarios allá por donde pasan, también se han puesto en marcha el resto de escenarios. “Tenía ganas de volver aquí”, afirmó Marco Mezquida, por ejemplo, en su octava vez en la ciudad. La actuación se integró en la programación gratuita, junto a Martín Meléndez, en el violonchelo, y de Aleix Tobías, batería y percusión.

Marco Mezquida Trío eligió Donostia para presentar 'Táctil', su más reciente trabajo discográfico autoproducido y publicado en febrero de este mismo año. El proyecto surge de la intención del artista de recuperar la dimensión física de la música, centrando la creación sonora en el gesto y la vibración de los materiales.

El concierto abrió con Mezquida manipulando directamente las cuerdas internas del piano, una técnica que utiliza para ampliar las capacidades del instrumento más allá de las teclas. Con la interpretación de ‘Carpe diem’, pieza de su álbum Talismán, el músico estableció desde el inicio un estilo que combina la improvisación libre con elementos del folklore y la música clásica. “Celebra la vida y los momentos que vivimos”, así fue como definió el pianista su canción, que recuerda habérsela dedicado a un amigo.

Canciones que exploran la experiencia humana emocional es uno de los diversos temas que el trío exploró. Desde un eje más social, Mezquida presentó ‘World’s hope’, una composición que tiene de referencia la labor activista de Greta Thunberg. En cambio, ‘Constantine’ es una pieza de ritmos rápidos inspirada en una conversación que el pianista mantuvo con una mujer que no dejaba de hablar de su expareja. Según explicó el propio Mezquida, la composición surgió en el momento en que dejó de prestar atención al relato de su interlocutora para empezar a imaginar las notas musicales que la historia le sugería.

La interacción con los asistentes fue clave durante el evento. Aunque se trató de un público muy tranquilo, ese se mostró completamente apreciativo y presente. Destacan las risas cuando el pianista mencionó a su amiga, Jésica, presente entre el público, tras de tocar ‘Cavalcanti’, pieza que le dedicó. Durante ‘Fraternitat’ se vivió un solo de piano que dejó al público boquiabierto, al igual que cuando el trío enlazó la ejecución con ‘Évora’, una pieza escrita en homenaje a la cantante Cesária Évora.

El acompañamiento de Aleix Tobías en la batería y Martín Meléndez en el violonchelo evidenció una conexión técnica consolidada tras diez años de trabajo conjunto. El público respondió con una escucha atenta y participativa, acompañando con palmas el ritmo del violonchelo durante el tema ‘Táctil’. La sincronía entre la percusión, el piano y el violonchelo generó una respuesta de asombro en la audiencia, especialmente en los pasajes donde la música cobraba mayor intensidad rítmica.

El trío concluyó su actuación con ‘Felice’, una composición que el pianista definió con humor como un “merengue malo” menorquín gestado en las calles de Florencia tras disfrutar de unas copas. Tal como se describió, la canción evocaba gracia y vida que no fueron desapercibidas. Con una ovación general mientras Mezquida, Meléndez y Tobías se abrazaban en el escenario, el trío cesó una jornada que enfatizó el valor del directo y la relación física con la música.

Sin embargo, el gran hito del estreno del certamen fue, por la afluencia de público, el concierto de ETS. A medianoche, miles y miles de personas colmaron la playa de la Zurriola. Este grupo alavés, oficialmente En Tol Sarmiento, viene llenando sí o sí grandes recintos en Madrid, Barcelona y, desde luego, también en tierras vascas.

Nunca hubiera imaginado ser ella la que estaría en la cabina del DJ cuando empezaba a escuchar música electrónica en La Zona de su Nájera natal. Todavía menos hacerlo en uno de los festivales de música electrónica más reconocidos, Tomorrowland. Pero hace unos días, los años de trabajo le llevaron a cumplir ese sueño, “otro más”, dice orgullosa MartaLoe, todavía con la adrenalina y la emoción en el cuerpo.

MartaLoe trabaja como DJ desde hace doce años, los últimos diez de manera profesional. Después de estudiar Publicidad y Relaciones Públicas en Madrid, estuvo viviendo en Londres y surgió la oportunidad de realizar un curso de producción musical. “Fui por probar, pero me fue gustando y fui creciendo”. Además, la cultura de música electrónica de su pueblo también deja seña: “A mí Javi Pibe me ha marcado muchísimo mi juventud, su Progressive ha marcado a una generación y vuelve a estar de moda un poco actualizada. En Tomorrowland ha sonado mucha música que pinchaba él”. Estando en Londres, le llamaron para pinchar en el Hard Rock Hotel y empezó a pensar que podía dedicarse a ello. Desde entonces, vive entre Londres e Ibiza, otro gran epicentro de la música eléctrónica, donde también hace un programa en una radio local.

“No es fácil ni un trabajo estable, hay temporadas mejores y peores, pero hay que salir y moverse”, señala esta DJ riojana. Así, “de forma orgánica”, según cuenta, surgió hace diez meses la oportunidad de pinchar en el festival Tomorrowland de Bélgica. Después de todo este tiempo preparándose, que “ha sido como un embarazo”, dice entre risas, por fin llegó el día. “Me había preparado un set muy concreto, muy arriba de energía sobre todo al principio y al final, aunque una cosa es lo que preparas y otra lo que sale y fue mejor de lo que esperábamos”, explica Marta.

La DJ llena de halagos al festival por su profesionalidad, los escenarios y la experiencia consolidada que se nota en la organización. “Ha sido una maravilla, una experiencia increíble”. Su house melódico, enérgico y lleno de voces e instrumentos sono en un escenario lleno de fuentes, lagos y puentes, “una localización impresionante” para firmar un momento memorable. Marta Loe tenía cerca a multitud de amigos y familia que habían llegado de muchos lugares y a cantidad de españoles que la artista había invitado los días previos al set. En definitiva, resume, “uno de los tantos sueños cumplidos que da fuerza y ganas de seguir soñando”.

Un jutjat contenciós administratiu de Palma ha desestimat la suspensió de les autoritzacions municipals concedides per l'Ajuntament de Calvià per a la celebració del Mallorca Live i Es Jardí que havia sol·licitat l'Associació Balear d'Oci i Entreteniment (Abone).

En la seva resolució, el jutjat conclou que el recurrent no ha acreditat l'existència d'uns perjudicis que justifiquin l'adopció d'una mesura cautelar com la suspensió.

És per això que les autoritzacions vigents es mantindran vigents mentre es resol el procediment principal, segons ha informat l'organitzador dels esdeveniments musicals, La Isla & Co, en un comunicat.

D'aquesta manera, la programació de Mallorca Live i Es Jardí Mallorca es continuarà desenvolupant amb total normalitat, oferint seguretat jurídica a l'organització, als artistes, als treballadors, a les empreses col·laboradores, als patrocinadors i al públic assistent.

Els promotors d'ambdós projectes han valorat molt positivament aquesta decisió judicial, que dona suport a la continuïtat d'una programació musical que genera “un important impacte econòmic, turístic i social per a Calvià i per al conjunt de Mallorca”.

Així mateix, l'organització ha reiterat que el seu compromís va “més enllà de l'estricte compliment de la normativa”, ja que continuaran han treballat amb les administracions públiques per garantir el correcte desenvolupament de l'activitat i la seva compatibilitat amb la convivència social.

Un juzgado de lo contencioso-administrativo de Palma ha desestimado la suspensión de las autorizaciones municipales concedidas por el Ayuntamiento de Calvià para la celebración del Mallorca Live y Es Jardí que había solicitado la Asociación Balear de Ocio y Entretenimiento (Abone).

En su resolución, el juzgado concluye que el recurrente no ha acreditado la existencia de unos perjuicios que justifiquen la adopción de una medida cautelar como la suspensión.

Es por ello que las autorizaciones vigentes se mantendrán vigentes mientras se resuelve el procedimiento principal, según ha informado el organizador de los eventos musicales, La Isla & Co, en un comunicado.

De este modo, la programación de Mallorca Live y Es Jardí Mallorca se continuará desarrollando con total normalidad, ofreciendo seguridad jurídica a la organización, a los artistas, a los trabajadores, a las empresas colaboradoras, a los patrocinadores y al público asistente.

Los promotores de ambos proyectos han valorado muy positivamente esta decisión judicial, que respalda la continuidad de una programación musical que genera “un importante impacto económico, turístico y social para Calvià y para el conjunto de Mallorca”.

Asimismo, la organización ha reiterado que su compromiso va “más allá del estricto cumplimiento de la normativa”, pues continuarán han trabajado con las administraciones públicas para garantizar el correcto desarrollo de la actividad y su compatibilidad con la convivencia social.

Semana Santa, Feria de Abril e Icónica. Sevilla ya tiene grabadas a fuego sus tres grandes citas en el año. Icónica Santalucía Sevilla Fest se ha convertido en el festival de música en directo más importante de España, dejando un impacto global de 294,9 millones, 369.192 asistentes y siete sold out que llenan un lugar emblemático de la ciudad como la Plaza de España.

En la sede de la Cámara de Comercio, en Torre Sevilla, Icónica ha presentado, con vistas a la Plaza de España, el balance de su sexta edición. El acto, dirigido por Julio Muñoz Rancio, ha contado con la presencia de Javier Esteban, director de Icónica, Pablo Távora, director de proyectos, Adela Algarín, adjunta de dirección y Francisco Herrero, presidente de la Cámara de Comercio de Sevilla, entre otras personalidades.

“Decían que en Sevilla no gustaba la música en directo y que en verano no vendrían grandes estrellas”, comenzaba Esteban su comparecencia, y es que “no hay nadie que venda mejor Sevilla que un sevillano”, como es el caso de Green Cow Music, productora del festival. El liderazgo de Icónica se ha conseguido a base de recuperar la plaza como “ese lugar mitológico de la infancia donde se iba a disfrutar y a jugar”. “Son 30 noches de recuerdos inolvidables”, explica el director.

Aportaciones mutuas

Sevilla, ciudad futbolera donde las haya, puede contar en campos de fútbol los asistentes a Icónica. La capacidad de cuatro estadios Benito Villamarín o seis Sánchez-Pizjuán son los sevillanos que han acudido a los conciertos de Icónica. En números exactos son 259.289 personas, un 70,23% más con respecto al año pasado.

Sin embargo, el impacto no se queda en la provincia, y es que el festival ha contado con 60.999 visitas internacionales. Estados Unidos, Bélgica, Francia o Portugal son algunos de los países de personas que han acudido al festival, pero el caso de Nueva Zelanda es el que más llama la atención, ya que es el país más lejano al nuestro. Eso no ha pasado desapercibido para Rancio que le ha dado un toque de humor al dato, argumentando que “desde Mercurio, de momento, no pueden venir”.

Este impacto de visitantes al festival se refleja en los turistas que acuden a la ciudad y aprovechan para quedarse varios días. “Los artistas se quedan una semana en la ciudad con toda su crew, unas cien personas”, explica Algarín, que ve Icónica como un magnífico escaparate para promocionar la ciudad.

“Compromiso” con la Plaza de España y la ciudad

Para Icónica la conservación de la ciudad, su ciudad, es fundamental, según vienen defendiendo. “Teníamos la ambición y el compromiso de que el festival tenga un impacto cero, pero queremos que se genere un impacto positivo”, ha recalcado Pablo Távora, donde el compromiso que adquieren no solo se queda en la Plaza de España, sino que se extiende a todo el parque de María Luisa.

Con esta finalidad, durante esta edición se ha ampliado la vigilancia especializada en conservación del patrimonio con nuevos técnicos especializados, han obtenido el sello 'S' de Sostenibilidad Turística y del referencial GS-Patrimonio, y han colaborado con consultores acústicos para obtener datos objetivos sobre el impacto sonoro tanto en el monumento como en su entorno. Además, han ofrecido un servicio pionero de seguimiento veterinario de la fauna urbana del Parque de María Luisa.

Las previsiones para el año que viene son optimistas. Y es que de los dos conciertos anunciados para la séptima edición, Hakuna y El Barrio, este último ya ha vendido todas las entradas. Pedidas de matrimonio, un pianista en barca o un Curro, que trabaja como oficinista, desatado en su primera aparición, son anécdotas que han ocurrido este año y que esperan que en 2027 sean más y mejores.

En Madrid los planes nunca se acaban. Por eso, en Hoy Se Sale, tu agenda de ocio y cultura en la ciudad, te traemos como cada siete días las propuestas destacadas que ofrece la capital desde el jueves.

Puedes consultar los planes más sugerentes de Madrid estos días en el siguiente listado, por jornadas, o pinchando en las fotos que se muestran a continuación.

Con puntualidad británica, incluso minutos antes de la hora prevista, a las 22:30 horas, y los compases del clásico entre los clásicos 'Message in a bottle' comenzaba Gordon Matthew Sumner, más conocido por su nombre artístico Sting, el primer concierto de su carrera en Sevilla, acompañado en el escenario de Dominic Miller, guitarrista y colaborador histórico, y de Chris Maas a la batería.

Con un formato menos íntimo y sí más enérgico, y una noche más que agradable para lo que se podría esperar, el cantante inglés, con más de 100 millones de copias vendidas entre álbumes y sencillos, empezaba a encandilar a un auditorio nostálgico, ochentero en su mayoría, concentrado en la Plaza de España para acompañar al exmiembro de The Police. Un concierto que servía para poner, además, punto y final a esta edición del Icónica Sevilla Fest.

Más de cuatro décadas de canciones atesora el músico afincado en Londres desde los años 70. Cuatro décadas de una prolífera trayectoria que forma parte de la memoria colectiva de sus seguidores. En el ambiente, los clásicos de siempre –los temas de aquel mítico grupo que permanecen en el imaginario, los que todo el mundo conoce y con los que disfruta– y aquellos otros éxitos de su carrera en solitario. Todo congregado en esta gira que lleva por nombre 'Sting 3.0 World Tour'.

Un mismo artista y dos conciertos

El tema de 'Wrote your name' daba paso a tres de las canciones más conocidas de su antigua banda, y eso, sin duda, se notaba en un público que ha crecido con ellas y que se sabía las letras de principio a fin. Y es que 'Englishman in New York', 'Every little thing she does is Magic' y 'Never coming home' eran y siguen siendo palabas mayores. Admiración y entrega devueltas por el extraordinario bajista de Newcastle: “Muchas gracias, Sevilla. Estamos muy contentos de estar aquí”, decía en un perfecto español.

Un mismo artista y dos conciertos. Canciones más melódicas, con luces tenues en la Plaza, que pedía más contemplación que otra cosa, y temas más movidos, los de su banda –la nuestra–, en los que era imposible permanecer quietos sin cantar sus pegadizos estribillos, como 'Can't stand', “una sorpresa” en este concierto para el propio Sting, como desvelaba Miller: “Él no sabe lo que vamos a tocar ahora”, se animaba el guitarrista, también en español.

Entre medias, 'Fields of Gold' y 'Mad About You', este último tema en solitario del exvocalista y bajista de la banda, lanzado en marzo de 1991 como el segundo sencillo de su tercer álbum de estudio, 'The Soul Cages' y 'Wrapped Around Your Finger', que vio la luz allá por 1983, 'Driven to Tears' y '1000 years'.

A la hora de concierto, tras dejar el protagonismo a Chris Mass con 'Shape of my heart', era el turno de 'Brand New Day', que daría paso a otro clásico, 'So Lonely', para delicia de sus seguidores, que volvían a demostrar que The Police sigue más presente que nunca.

“La banda sonora de nuestras vidas”

En el amplio repertorio del polifacético artista, muy comprometido con las causas sociales y medioambientales, no podían faltar temas como 'Every Breath you take', posiblemente una de sus canciones más famosas, recibida con locura por parte de sus incondicionales. Eso, con permiso de 'Roxanne'. ¿Alguien que no estuviera móvil en mano y cantando la letra? Absolutamente nadie. Como muchos decían: “Es parte de la banda sonora de nuestras vidas”, de los comentarios más repetidos. Ese, y el de su “envidiable estado de forma”.

Máximo nivel de decibelios antes de que abandonaran el escenario y dieran paso al esperado bis con su primer gran éxito internacional y el que acabaría convirtiendo a la banda en superestrellas. Ese inspirado en 1977 por las prostitutas que vio cerca de su sórdido hotel y un viejo póster de la obra Cyrano de Bergerac, basado en la historia de un hombre que se enamora de una trabajadora sexual.

Sin embargo, aún habría tiempo para otro regalo: 'Fragile'. ¡Quién sabe si pudo contribuir la contundente victoria de Inglaterra a Francia (4-0) en el Mundial, en el partido por el tercer y cuarto puesto, que él mismo se encargaría de anunciar sobre el escenario! “Y mañana, España”, añadió de cara a la gran final con Argentina.

Delirio colectivo y nostalgia a partes iguales. La música de la legendaria banda británica desempolvada por espacio de hora y media y, con ella, recuerdos de toda una generación.

La expectación por ver a Ruben Blades era tal que el cartel de “sold out” colgaba de las taquillas desde hacía una semana. El Polideportivo de Mendizorroza se transformó en pura celebración con la llegada del cantante, acompañado por la potente Roberto Delgado Big Band. Fue una velada de casi tres horas de actuación que conectó la tradición de la salsa con la energía del público, destacando reflexiones políticas y carisma del icónico de salsa.

El ambiente en el pabellón, cargado de una energía colectiva, comenzó a caldearse con la propuesta de Magalí Sare y Manel Fortià, que, con una voz juguetona y un talento innegable en el contrabajo,cautivaron al público. “Kaixo Gasteiz”, saludaron al público los intérpretes de Barcelona y Girona, respectivamente, para abrir su presentación de una hora llena de reinterpretaciones del folklore iberoamericano. El dúo carismático y amable amenizaron la espera de Blades con una versión catalana de ‘Volver’, la emblemática ‘Tonada del cabestrero’, en honor a Venezuela, y la alegre ‘Menorca’, con un estilo ranchero que divirtió a todo el Mendizorroza.

Tras un magnífico preámbulo, un inicio instrumental de la Roberto Delgado Big Band preparó el terreno para la entrada triunfal del ícono. Mientras caminaba hacia el centro, la banda comenzaba a transicionar a la composición de ‘Plástico’, uno de los mayores éxitos de Blades conjunto a Willie Colón. Acabado ese inicio triunfal, fue cuando Blades lanzó una confesión que dotará de sentido a todo el repertorio de la noche: “Tengo más pasado que futuro”.

Esa mirada retrospectiva y llena de nostalgia no estuvo exenta de su característico interés político, dejando clara su intención de transmitir ideales de justicia al público gasteiztarra. Recordó cómo dejó la música durante cinco años para trabajar en la política de Panamá con ‘País portátil’, e insistió en la importancia de solventar “las causas de la migración” con su tema ‘Emigrantes’.

La noche viajó por la vida de Ruben Blades y por sus grandes éxitos, desde ‘Paula C’, escrita en 1978 en Nueva York sobre su primer gran amor, hasta el arreglo jazzístico de ‘Ya no me duele’. El punto de inflexión emocional se alcanzó con ‘Amor y control’, escrita debido al duelo por su madre fallecida, acompañada por ‘Fotografías’ y ‘Todos vuelven’.

El compromiso social de Blades volvió a aflorar con ‘Ligia Elena’, que aprovechó para criticar el racismo y lanzar dardos contra Donald Trump, acusándolo de “estúpido”, “sin ni una onza de espíritu”. Manteniendo esa línea, el cantante rindió homenaje a Venezuela, donde recientemente se vivió un doblete sísmico, con ‘María Lionza’, canción que narra la historia de una mujer de Yaracuy y que cobró especial relevancia en este contexto.

La recta final del concierto, que se extendió por casi tres horas en total, fue una sucesión de himnos como ‘El Cantante’ y ‘Juan Pachanga’. Al llegar a ‘Maestra vida’, Blades reflexionó sobre cómo una canción escrita a los 28 años adquiere una nueva dimensión ahora que tiene 78, generando retrospectiva sobre el paso del tiempo y los aprendizajes. Blades dejó uno de sus grandes éxitos para el final: ‘Pedro Navaja’. “La vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida”, coreaba el público con especial ilusión, mientras el artista panameño se tomó una selfie y grabó vídeos con el público gasteiztarra de fondo.

Al prenderse las luces de Mendizorrotza, quedó en el aire la sensación de haber asistido a mucho más que un concierto de salsa. La propuesta de Blades, con su mezcla de rigor artístico y compromiso social, recordó que la música es un vehículo para la memoria y la ética.

Este viernes se han reunido diferentes Administraciones Públicas (municipal, autonómica y naiconal) e instituciones (Guardia Civil, Tráfico, Confederación Hidrográfica del Duero) para analizar los posibles incumplimientos del festival Motorbeach que se ha celebrado la semana pasada en Vinuesa (Soria), en el que falleció una joven asturiana de 24 años después de resultar herida de extrema gravedad en un siniestro de motocicleta en el interior del recinto. El alcalde de Vinuesa rechaza que el festival se vuelva a celebrar en su municipio el próximo año.

El dispositivo de seguridad estaba previsto para una afluencia de 4.000 personas, aunque la organización calcula que participaron entre 5.000 y 10.000 personas, según informa EFE. “Los datos disponibles apuntarían a una afluencia muy superior”, avanza la Subdelegación del Gobierno en un comunicado. La mayor afluencia de lo esperado supuso un número de acampadas superior al inicialmente previsto, fuera de los espacios delimitados e incluso en zonas del vaso del embalse de la cuerda del Pozo, integradas en el dominio público hidráulico.

La Guardia Civil tramitó 435 denuncias administrativas y 21 diligencias por presuntos delitos contra la seguridad vial, especialmente relacionadas con infracciones de tráfico, motos sin matrícula, permiso de circulación, seguro o ITV. También hubo actuaciones por drogas, armas, desobediencia, acampadas no autorizadas, afecciones a la cubierta vegetal, embarcaciones y motos de agua.

Un solo agente de seguridad privada

La Guardia Civil señala que recibió toda la documentación dos días antes del inicio del festival, un margen “claramente insuficiente” para organizar un dispositivo para una situación que además fue más numerosa de lo previsto. Los agentes de la Benemérita advirtieron de numerosas motocicletas circulando en condiciones irregulares, menores conduciendo vehículos y conductas que suponían un riesgo evidente para las personas y para el medio natural, entre otros comportamientos.

Los agentes de la Guardia Civil advirtieron durante el festival de situaciones “de aparente descontrol y riesgo” y afirman que los medios de seguridad privada pudieron ser insuficientes, puesto que solo se localizó a una persona. Además, las instituciones creen que la organización ni siquiera tenía a un vigilante de seguridad en las proximidades del agua para evitar accidentes y ahogamientos en el embalse.

Se va a estudiar y cuantificar el impacto medioambiental

Durante el festival, las acampadas, la circulación de vehículos y otras actividades podrían haber rebasado los límites señalizados y balizados sobre el terreno, según los inspectores de la CHD, que ha vuelto a visitar el espacio para evaluar los daños causados, cuya afección se va a cuantificar, así como el coste de su reparación.

Tanto la Confederación Hidrográfica del Duero como la Junta de Castilla y León han iniciado actuaciones para ver si hubo incumplimientos normativos evaluar las afecciones al medio natural y establecer las medidas de restauración. Los agentes medioambientales también han iniciado inspecciones y levantado actas que servirán de base para las denuncias y los expedientes sancionadores por afecciones en el terreno, las labores de limpieza y restauración.

La asociación Ecologistas en Acción-ASDEN ha denunciado que en el festival se ha dañado y eliminado la vegetación en 70 hectáreas de terreno forestal en la zona de la playa del Bardo de Vinuesa. “Ha acudido mayoritariamente un público dispuesto a hacer el vándalo con la patente de corso del organizador”, ha protestado a través de un comunicado.

La edición de 2025 del Motorbeach ya dio lugar a un expediente sancionador en materia de medio ambiente, y el daño ambiental de la edición de este año no ha sido evaluado todavía.

La limpieza inicial de la zona ya se ha efectuado y han comenzado algunas actuaciones preliminares de recuperación. Sin embargo, la Junta cree que será necesario un proyecto técnico “que determine las medidas que deben aplicarse, los plazos y su coste, que deberá repercutirse a quien resulte responsable de los daños”. La organización ha publicado un vídeo en sus redes sociales en el que destacan el estado posterior del festival.

El Iberia Eclipse no está autorizado aún

También se ha analizado el próximo evento en la zona, con motivo del eclipse del 12 de agosto. Las administraciones apuestan por la evaluación, restauración y exigencia de responsabilidades derivadas del Motorbeach antes de plantearse un futuro encuentro como el Iberia Eclipse, cuyas entradas ya están a la venta desde hace meses, con precios entre los 240 y 900 euros por persona.

La CHD ha solicitado conocer la identidad jurídica del promotor, una cuestión se no se ha aclarado “suficientemente”, según el comunicado de la Subdelegación del Gobierno, por lo que no puede tramitarse ni concederse la autorización.

Desde el Ejecutivo autonómico, se rechaza la autorización de otro evento en los mismos terrenos mientras no se haya definido y ejecutado correctamente la restauración de los daños causados por el Motorbeach.

María Arnal (Badalona, 1986) atiende la llamada telefónica de elDiario.es en plena vorágine: ensaya, prepara un nuevo single para este viernes y hace las maletas para pasar un mes en Japón, donde el 29 de agosto estrenará en el Teatro Bunkamura de Tokio un espectáculo sobre El pabellón de oro, de Yukio Mishima, dirigido por el coreógrafo Marcos Morau. “Este verano todo es muy intenso, pero muy guay a la vez”, resume.

El sábado, antes de ese salto a Japón, sube al escenario de La Mar de Músicas en Cartagena, festival al que ya vino a tocar en 2021, con Marcel Bagés, y donde ahora presentará canciones de su primer disco en solitario, 'AMA'.

Este sábado toca en Cartagena. ¿Va a interpretar ya el tema que estrena el viernes?

Sí, exacto. En el directo nuevo hay un montón de temas inéditos, la única manera de escucharlos es viniendo a los conciertos. El disco tiene una dimensión muy digital, así que para mí era importante que hubiera también una parte de cuerpo a cuerpo, de recordar cómo es escuchar la música por primera vez junto a la gente. Por eso he ido sacando muchas de estas canciones antes que el disco, para vivir esa primera escucha frente a frente con el público.

La última vez que actuó en La Mar de Músicas fue hace cinco años. ¿Cómo ha cambiado su manera de subirse a un escenario desde entonces?

Paré del ciclo disco-gira unos tres años buenos, porque me dediqué sobre todo a hacer música para danza, cine, instalaciones e investigación. Fue el fin del proyecto con Marcel [Bagés], que ya estaba en un momento poco creativo. Me di el permiso de salir de ese ciclo y hacer solo lo que me apeteciera, sin urgencia ni vértigo. De ahí salieron cosas que me han alimentado muchísimo: gané la beca de la Comisión Europea, trabajé con el Barcelona Supercomputing Center, hice instalaciones con recorrido internacional. Este disco es la confluencia de todas esas facetas.

Se le nota el poso escénico en el directo.

Claramente, hay algo indudable: mi corazón es folk. Nunca me he ido del folk, lo que pasa es que ya no voy con guitarras. Me acompaño de mis propias voces, de mis voces clonadas, de instrumentos antiguos como órganos, de sonidos de la realidad, como puertas. Es como abrir una puerta y encontrarte con hectáreas de posibilidad.

No empezó a tomarse la música en serio hasta que sufrió un accidente, se rompió el fémur y descubrió el archivo de Alan Lomax. Antes pensaba que la música no era para usted.

Como mis padres son profesores, tenía metida la idea de que si desde muy pequeña no seguías el camino que tocaba —conservatorio, superior— esa posibilidad ya no era para ti. Era un pensamiento súperlimitante. Cuando me rompí la pierna volví a casa de mi madre y recuperé la guitarra de mi adolescencia. Cantar me sentaba mejor que el Nolotil, y pensé que eso tenía que ser más central en mi vida. No tenía más ambición que dedicarle más tiempo, y de ahí, poco a poco, empecé a crear mi equipo, hasta que se convirtió en mi camino.

Esa historia me recuerda a la de Mari Trini, que también sufrió una enfermedad y descubrió la guitarra en la cama.

No la conocía, ¡qué fuerte! Hay bastantes artistas a los que les pasó algo parecido, Frida Kahlo por ejemplo, gracias a tener tanto tiempo de rehabilitación. Es una manera de salirse del cuerpo. Cuando haces hiperfoco en algo tienes la sensación de que el cuerpo ya no pesa. Te juro que en ese momento sentía que la música me sentaba mejor que cualquier medicación.

En 'AMA' ha clonado su voz con modelos de inteligencia artificial desarrollados en el Barcelona Supercomputing Center. ¿Qué ha aprendido de su propia voz al escucharla reproducida por una máquina?

Que lo precioso es justo todo lo que no es reproducible: el error, el detalle único. Hoy podemos clonar dimensiones de la voz —tímbrica, rítmica, melódica, fonética—, pero todas a la vez, de forma perfecta y humana, no se consigue. Clonar persigue una idea de ideal que en realidad te devuelve el error, la rugosidad, el fallo, y me parece precioso como aprendizaje. Mi manera de usar las voces digitales es extremadamente artesanal: modelos que hay que editar y mimar mucho, entrenados solo con datos de mi propio cuerpo.

En directo, esa voz sintética cobra cuerpo a través de las bailarinas.

Llevan unos brazaletes que desarrollamos con el Intelligent Instruments Lab, un laboratorio de instrumentos digitales de Islandia donde hice una residencia. Con ellos accionan mis voces sintéticas con sus coreografías: en realidad son un coro de baile que suena con mi voz. El directo es para mí un lugar de experimentación; creo que me viene de mi madre, profesora de ciencias, que siempre me transmitió esa curiosidad, esa idea de que todo en la realidad puede intervenirse con otra cosa.

El tema 'Que me quiten' recorre siglos de castigo y violencia hacia las mujeres. ¿Cómo se construye una canción a partir de una genealogía tan larga sin caer en la denuncia panfletaria?

Era importante que interpelase, pero mantuviera un tono poético, no panfletario: cuando las palabras están tan manidas ya no puedes vivir en ellas, las rechazas y dejan de decir nada. Empecé buscando imágenes muy literales, pero muy poéticas a la vez, casi como una enumeración, y luego fui viendo qué versos eran más musicales, jugando con recursos fonéticos como la repetición de consonantes.

La necesitaba escribir por lo que ha vivido mi cuerpo: por mucho que me clone, siempre habrá algo que mi cuerpo tiene y esas voces sintéticas no tendrán. Me interesaba hablar del feminismo desde esa consciencia corporal. Es una canción que solo podía escribir ahora, no hace diez años ni cinco: tenía que vivir todo lo que he vivido para poder escribirla. Ahora soy millones de veces más feminista que a los veinte años, cada vez más consciente de lo injusto de este sistema, de lo aprendido que está el patriarcado. Y esta canción me reafirma, me pone en un lugar de fuerza: no es tanto rabia como la voluntad de seguir estando aquí, diciendo estas cosas.

El disco nace también como una carta a su prima, fallecida tras perder a sus padres por el sida, en un contexto marcado por el silencio.

Sí, toda la familia murió de sida. Ella falleció cuando yo tenía trece años y ese secreto estuvo guardado mucho tiempo. 'AMA' son sus iniciales, pero también quería que mi primer disco en solitario, el primero en el que hablo desde mí misma y no en representación de nadie más, naciera de la fuerza de amor más grande que he sentido, de la primera herida real de mi corazón. Los trece años fueron además un momento clave en mi desarrollo, en el cambio de mi voz y de mi cuerpo. Por eso este disco ha sido también el ejercicio de aprender a ser el ama de mi propio proyecto, de mi voz y de todas mis voces sintéticas.

Y esa historia está muy teñida de patriarcado: la voz femenina es una extensión del cuerpo femenino, y la voluntad de imitarla fuera del cuerpo es antiquísima. El órgano imita la voz humana, pero como voz de Dios, no de un cuerpo femenino; por eso está en el disco. A finales del siglo XIX hubo un boom de máquinas parlantes que reproducían la mecánica de la laringe y los pulmones y luego les ponían una máscara de mujer, inventada por señores. Es la misma idea que hay detrás de Siri. Yo, en cambio, soy el ama de mi propia voz sintética, y no he usado más datos que los de mi propio cuerpo. Además, la A y la M son los dos primeros fonemas que aprende a reproducir la voz humana, algo fisiológico y no cultural: por eso la palabra madre lleva la M y la A en casi todos los idiomas, ya que la M la entrenamos mamando del pecho de nuestra madre.

Es un disco compuesto a partir de improvisaciones vocales, y la letra llega al final. ¿Cómo cambia el proceso creativo cuando la palabra llega la última?

Ha sido muy divertido porque normalmente lo hacía al revés. Aquí la letra llega cuando la música ya está clarísima, y eso ha liberado mucho la composición: las canciones no están tan cuadriculadas ni limitadas por la rima, y son muy distintas entre sí porque nacen de la voz cantada y no de la voz escrita.

El disco incluye un madrigal en pleno álbum digital.

Musicalmente, la polifonía es algo muy central porque estoy yo con todas mis voces. A nivel compositivo me encanta el Renacimiento, ese momento en que la polifonía deja de hablar de Dios y empieza a hablar del estado interno de quien canta. Como el disco tiene esa mirada interior, me parecía interesante dialogar con ese tipo de composición.

¿Y después de Cartagena, hacia dónde va su voz? ¿Japón marcará también el sonido?

La música que estoy haciendo para Japón es lo más folk que he hecho en muchos años: cuerdas mediterráneas y japonesas, shamisen, tambores, laúd, bandurria, viola de rueda, todo menos guitarras, y taiko, los tambores japoneses. No va a ser un disco, sino un espectáculo: habrá que ir a Tokio a escucharlo.

Curiosamente, empecé estudiando traducción de japonés y lo dejé a los dos años porque me pareció un mundo demasiado difícil; me pasé a las lenguas románicas —italiano, francés, portugués, catalán, castellano—. Ahora vuelvo a Japón, esta vez a trabajar por primera vez. Estoy tan hiperfocalizada en la música que casi todo lo que leo tiene que ver con ella: ando con El pabellón de oro, de Mishima, entre manos, para entender bien lo que ha hecho Marcos Morau con el espectáculo.

El programa musical conmemorativo para el VIII Centenario de la Catedral de Toledo contará, de cara al próximo otoño, con dos batallas de órganos, así como interpretaciones de arias y motetes del siglo XVIII y piezas maestras de compositores como Haydn y Cherubini.

Las famosas batallas de órganos de la Catedral de Toledo son conciertos monumentales en los que los siete de estos instrumentos del templo se utilizan de forma conjunta para crear una “experiencia sonora y espiritual única”.

Los órganos se convierten en las “propias voces del edificio”, narrando su grandeza y transformando espacios como las bóvedas en “montañas de sonido”. La música representa una “lucha entre la luz y la sombra”, donde cada resonancia busca “desencadenar la épica escondida en la arquitectura de la catedral”.

El programa de otoño de 2026 incluye la XXXI Batalla dedicada a San Ildefonso y el Milagro de la Virgen, y la XXXII Batalla centrada en la propia Catedral de Santa María de Toledo. Estos eventos forman parte del Festival de Música 'El Greco' de Toledo y están diseñados para resaltar el valor histórico y el funcionamiento de los órganos de la Catedral Primada.

Programación

Con carácter general, el programa musical de otoño de 2026 para la conmemoración del VIII Centenario de la Catedral de Toledo se divide en grandes conciertos, un ciclo dedicado a músicos locales y un programa educativo.

Los conciertos principales serán en la propia catedral, a las 20.00 horas, los siguientes días:

Además, habá un ‘Ciclo Músicos Toledanos’, con entrada libre hasta completar aforo, y que pone en valor el talento local y la historia musical de la ciudad:

Finalmente, también se llevará a cabo el programa educativo ‘Catedral Musical Toledo 800’: a partir de septiembre se realizarán visitas didácticas diseñadas para centros escolares. El objetivo es explicar de forma amena la importancia de la música catedralicia y el valor histórico y técnico de los órganos de la Catedral Primada a los estudiantes.

Octubre Corto, el Festival de Cine de Arnedo, ha desvelado este martes, 14 de julio, el cartel oficial de su vigesimoctava edición. En una rueda de prensa celebrada en el Teatro Cervantes de Arnedo, la organización ha dado a conocer las claves de la imagen de este año y el listado de cortometrajes seleccionados para la cita que se celebrará del 15 al 24 de octubre de 2026.

El cartel de esta edición rinde homenaje a Belle Époque, una de las películas más luminosas y recordadas del cine español, cuyo guion lleva la firma del maestro Rafael Azcona. La elección de esta temática responde a una doble efeméride: el centenario del nacimiento del escritor y guionista riojano, y el vigésimo aniversario de su visita a Arnedo.

A través de esta imagen coral, Octubre Corto busca recuperar la alegría, la paz y la luz en tiempos convulsos, al tiempo que celebra el legado de quien está considerado el guionista más importante de la historia del cine español.

Como ha destacado la organización: “Reivindicar a Azcona desde la luminosidad de Belle Époque es el mejor regalo que Octubre Corto puede hacer a su memoria”

Lily Allen ha hecho una parada especial en Kobetamendi durante su gira ‘West End Girl’, después de pasar siete años fuera del escenario. Cerrando el vigésimo aniversario del Bilbao BBK Live, la artista británica ha tomado la tarima no solo para cantar sino para montar toda una obra de teatro.

Durante la hora y cuarto que Lily Allen ha amenizado la madrugada final del festival bilbaíno, ha sonado únicamente –y en orden– su último proyecto, ‘West End Girl’. Compuesto durante diez días de encierro en el estudio, la artista se enfrentó a un bloqueo creativo del que pudo salir haciendo una catarsis sobre el fracasado matrimonio que tuvo con David Harbour, estrella de ‘Stranger Things’. El resultado, un álbum de estudio con una clara inclinación al pop y cuyas letras destacan por una mezcla entre honestidad, ficción e ironía.

La escena se ha abierto con luces fucsia que aumentan y suben su intensidad hasta llegar al máximo y encender el título del álbum. Después de que se abriera un telón turquesa, se ha revelado una habitación de hotel recreada sobre las tablas. Lily Allen se mueve con timidez inicial mientras suenan los primeros compases de la canción que da nombre al proyecto.

En la pantalla del escenario, se apreciaban unos subtítulos en español, permitiendo que el público de Kobetamendi se sumergiera de inmediato en el relato de la artista. La atmósfera se ha vuelto eléctrica cuando ha llegado ‘Ruminating’, y el grito unánime de la multitud coreando “what a fucking line” rompe el aire. La segunda canción ha marcado el fin de la timidez de Allen y el comienzo de la comunión con el público.

El espectáculo ha avanzado con una carga dramática y visual creciente. Durante ‘Sleepwalking’, el vestido dorado de Allen cae al suelo para revelar su lencería, un gesto que acompaña la confesión lírica sobre las demandas de su expareja y la infidelidad. La ironía del álbum estalla en ‘Tennis’, donde el ritmo alegre contrasta con la crudeza del descubrimiento de la traición, que ha provocado que los asistentes pregunten con ella: “¿quién es Madeline?” con cierto furor.

El clímax interpretativo de Allen ha llegado con ‘Relapse’. Mientras deambulaba por su habitación entre botellas de vino y pastillas, la cantante parecía sufrir un ataque de ansiedad a medida que seguía cantando. Su simulación ha culminado en un sollozo –real o no– que le impide alcanzar la nota final, dejando al público en un silencio de incredulidad y emoción.

Con un cambio a un conjunto turquesa y rodeada de juguetes sexuales en el nuevo set denominado “Pussypalace”, la artista ha descargado su frustración en un ambiente que el público abrazaba con un tono juguetón pero catártico. Ese momento se ha roto entre risas por la valentía que se ha apreciado en ‘Nonmonogamummy’, donde Allen ha aparecido con un delantal que dice 'Cock', pene en inglés. Sin embargo, se ha vuelto a bajar de tono con vulnerable lírica de ‘Just Enough’ donde se ha sentido el respeto absoluto del recinto. Con una puesta en escena simple, la voz de Allen ha sido la protagonista ante miles de personas que han parecido comprender la dificultad de su confesión.

Aunque la decisión de tocar el álbum íntegro y en orden ha disminuido el ritmo al final con temas más pausados como ‘Beg For Me’, la energía se mantuvo estable durante ‘Dallas Major’. El cierre con ‘Fruityloop’ ha dejado una imagen de resiliencia: los aplausos no han sido solo para la artista que regresaba, sino para la evolución personal de una mujer que celebraba su recuperación emocional. Al final, a pesar de la ausencia de clásicos como ‘Smile’ o ‘Not Fair’, el público se ha despedido de una Lily Allen que ha transformado su regreso en un ejercicio de honestidad radical.

Robbie Williams se ha subido este viernes al escenario del Bilbao BBK Live vestido con su mejor traje del showman que es. Desde el primer momento ha dejado claro que venía a divertirse y el público se ha dejado hacer y querer. Imposible resistirse a un huracán que ha interactuado en todo momento con los miles de personas que han llenado las campas de Kobetamedi entregadas al mandato del mejor maestro de ceremonias para bailar y corear los grandes éxitos del que fue el chico malo del pop británico. El concierto ha arrancado con ‘Let me Entertain You’, y con este clásico de su discografía ha hecho ya toda una declaración de intenciones de lo que quería hacer. Y Bilbao se ha dejado entretener.

Él mismo se ha reivindicado en más de una ocasión como “el mejor artista de pop del mundo” y en el BBK Live ha demostrado que, sin duda, es uno de los grandes. Vestido de rojo para arrancar el show, y precedido en su entrada al escenario por unos acordes de la 'Cabalgata de las valkirias' de Wagner, ha cantado, bailado, y reído con el público, durante la más de hora y media que ha durado un concierto en el que ha intercalado cortes de su último disco, ‘Britpop’, editado este mismo año, con los grandes éxitos que han marcado su carrera, consciente de que muchos de los presentes entre el público eran fans nostálgicos de aquel chico que en 1995 dejó Take That en el momento más álgido del éxito de la boy band, para emprender una carrera en solitario que ha dejado ya para la historia auténticos himnos del pop.

El concierto ha sido mucho más que una sucesión de temas, sostenidos por una excelente banda y un gran equipo de bailarinas y coros que han arropado al solista en todo momento. Robbie Williams se ha mostrado cómodo y cercano con el público al que ha convertido en una pieza imprescindible del show y no ha dejado de hablar entre tema y tema, incluso chapurreando algo de castellano. Ha celebrado el triunfo de la selección española de fútbol sobre Bélgica -el partido ha acabado con el concierto ya empezado- ha hablado de su familia, de sus cuatro hijos, de su padre. Ha ironizado con su edad -52-, con su paso -y salida- de Take That, con que tiene cuatro hijos “con la misma mujer”. Ha bailado por todo el escenario, y bien, y también ha bajado a pie del público poniendo a prueba a algunos de los asistentes de las primeras filas sobre si se sabían sus canciones cantando con él. Ha promocionado la película sobre su vida, 'Better Man': “¿Alguien la ha visto?” ha preguntado, “es muy buena”. Ha repartido sonrisas y lanzado besos, y, sobre todo, ha transmitido energía positiva como si quisiera dejar claro en cada uno de sus movimientos lo bien que se lo está pasando sobre el escenario. Y eso es de agradecer.

A ‘Rocket’, el primer tema de su nuevo disco, porque no todo va a ser nostalgia, le ha seguido uno de esos clásicos que se han convertido en himnos, ‘Rock DJ’. Los acordes de este tema trasladan inmediatamente a las imágenes del vídeo que acompañaba ese tema en el que Robbie Williams se despojaba hasta de sus músculos entre la indiferencia de los que tenía alrededor. Sobre el escenario de Kobetas, Williams no ha pasado desapercibido como en el vídeo. El cantante se ha empleado a fondo en un baile en el que ha estado acompañado por un excelente elenco de bailarinas.

Amante de hacer versiones de otros artistas, ha aprovechado la presentación de su banda para cantar con cada uno de ellos el inicio de temas tan conocidos como 'Personal Jesus', 'Another One Bites the Dust', 'Tainted Love' 'o 'Hey Jude' de The Beatles, aunque el punto álgido de las versiones ha sido el 'New York, New York' que hiciera famoso Frank Sinatra -para el que ha vestido un traje rosa- o 'My Way', que ha dedicado a su padre “que tiene Parkinson y es mi héroe”, y que se ha acompañado con fotografías de distintas etapas de su vida y de su familia en la pantalla gigante detrás del escenario.

Su lado más tierno ha salido con canciones como ‘Love my Life’, ‘Pretty Face’ o ‘She’s the One’. También ha sonado ‘Come Undone’ o la elegante ‘Millenium’, entre otras. Pero el clímax en el alto de Kobetas ha llegado con ‘Feel’, y la aclamada ‘Angels’, que ha cerrado el concierto con la hija mayor de Robbie Willams, Teddy, uniéndose a su padre en el escenario en un emotivo broche para la segunda jornada del BBK Live.

‘My head speaks a language I don't understand’ dice uno de los versos de ‘Feel’. Bilbao sí te ha entendido, Robbie.

El jefe de gabinete de la Conselleria de Servicios Sociales, José Francisco Pérez, ha dimitido y ha sido cesado a petición propia tras destaparse su intervención para facilitar la celebración del festival de música electrónica Blackworks Open Air Valencia, que debía celebrarse los días 11 y 12 de julio en la localidad valenciana de Sagunto y que fue cancelado este miércoles por la organización. Los terrenos donde debía celebrarse, según la organización, se sitúan en el entorno de la Nave de Talleres, propiedad de la Generalitat Valenciana; el Alto Horno, declarado Bien de Interés Cultural; y los accesos al Puerto Marítimo.

Los hechos se precipitaron el pasado martes, cuando la Policía Local de Sagunt paralizó el montaje del festival al constatar que la promotora carecía de licencia municipal y de la autorización de la dirección general de Patrimonio Cultural de la Generalitat Valenciana, propietaria de los terrenos. Ese mismo día, según ha podido confirmar elDiario.es, Pérez remitió una instancia al Ayuntamiento de Sagunto en la que aseguraba actuar “en nombre de la Generalitat Valenciana” y adjuntaba la documentación del evento. En el cartel promocional del festival figuraba el logotipo de la Conselleria de Servicios Sociales bajo la fórmula “promovido por”.

El departamento que dirige la consellera Elena Albalat se desvinculó de cualquier implicación en la organización del evento, mientras que la Conselleria de Educación, Cultura y Universidades denegó formalmente la ocupación de este espacio el pasado 4 de mayo.

La empresa promotora, La Productiva Eventos S.L., registró la solicitud para ocupar temporalmente la explanada de la Nave de Talleres, en el Puerto de Sagunto, el 29 de abril. Y apenas cinco días después, el 4 de mayo, el Servicio de Gestión Administrativa del Patrimonio Cultural de la Generalitat notificó la denegación de la petición.

Por su parte, el Ayuntamiento de Sagunto ya había advertido por escrito a la promotora en marzo y en mayo que carecía de competencias para autorizar el uso de dicho espacio. El consistorio recordó que la parcela está sujeta a la protección del Alto Horno n.º 2 y que la Nau es un Bien de Relevancia Local, ambos de titularidad exclusiva de la Generalitat.

Tras la intervención de la Policía Local, que detuvo los trabajos de infraestructura, la organización del Blackworks Open Air anunció la cancelación del festival y la devolución del importe de las entradas. La promotora justificó la suspensión del evento —en cuyo cartel figuraban artistas internacionales como BIIA, Daria Kolosova, Dexphase o SNTS— alegando motivos meteorológicos; concretamente, las altas temperaturas.

José Francisco Pérez entró en abril de 2024 a la Generalitat Valenciana como asesor de gabinete en la vicepresidencia Susana Camarero y, tras el nombramiento de Elena Albalat como consellera de Servicios Sociales, se convirtió en su jefe de gabinete. Licenciado en Derecho por la Universidad de Murcia, Pérez fue alcalde-presidente de la junta municipal de Era Alta (Murcia), coordinador técnico adscrito a la delegación de Urbanismo e Infraestructuras del Ayuntamiento de Murcia y, más recientemente, coordinador de atención a la ciudadanía en el Ayuntamiento de Majadahonda (Madrid).

Jugamos en casa“ y ”Cruïlla es casa“. Bajo estos lemas, que reivindican su arraigo en el territorio y su apuesta por el talento local, el Cruïlla celebra estos días su decimosexta edición con el eclecticismo musical por bandera. Del pop en mayúsculas al rock más guitarrero, pasando por la electrónica más bailable, este cruce de sonidos arrancó el pasado miércoles en el Parc del Fòrum de Barcelona con una programación orientada al público más joven, encabezada por Renée Rapp, Halsey, Sen Senra y Greta. La programación del jueves, en cambio, ofreció un viaje de ida y vuelta a los primeros noventa pensado para quienes vivieron aquella maravillosa década en primera persona.

The Pixies, Garbage y Suede, el tridente que encabezaba el cartel del jueves, fueron los principales reclamos de una noche impregnada de nostalgia noventera. Más de tres décadas después de sus años de mayor esplendor, las tres bandas demostraron que su legado permanece intacto y que sus canciones han conseguido conectar con varias generaciones.

Guitarras rabiosas y sensibilidad pop

Con la banda sonora de ‘Twin Peaks’ y el pulpo de la portada de su último disco en la pantalla, los miembros de Garbage subieron al escenario principal de riguroso negro. ‘There’s no Future in optimism’, el tema que sintetiza el mensaje general de su flamante octavo álbum, ‘Let all that we imagine be the light’, publicado en 2025, fue la canción escogida para abrir un concierto en el que repasaron prácticamente toda su discografía con su elegancia habitual.

Desde sus inicios, la banda liderada por la carismática Shirley Manson, que sigue manteniendo esa hipnótica mezcla de vulnerabilidad y agresividad, supo conjugar como pocos guitarras eléctricas, la sensibilidad pop y la electrónica más accesible sin renunciar a la oscuridad. Fueron unos adelantados a su tiempo y, quizá por eso, clásicos tan celebrados como ‘I think I’m Paranoid’, ‘Cherry Lips (Go Baby Go), ’Vow’ y ‘Only Happy When It Rain’, sonaron sin rastro de envejecimiento. “Empezamos en 1994 y ya entonces éramos viejos, por eso nunca nos hemos hecho viejos. Ya lo éramos”, ironizó Manson poco antes de atacar “When I Grow Up”, una canción que dedicó a sus seguidores más acérrimos. “Tenemos el enorme privilegio de conocer a nuestros fans, a los que hemos visto crecer”, agradeció una cantante que también dijo estar enamorada del templo de la Sagrada Família, un prodigio arquitectónico que ella entiende como representación de las cosas maravillosas que puede hacer el ser humano con “paciencia, tenacidad y creatividad”.

En la presentación de ‘Push It’, la cantante de la banda afincada en Los Angeles cargó primero contra una industria musical cada vez más alejada de la gente, con “entradas carísimas”, lamentó. Después cambió por completo el tono. Visiblemente emocionada, recordó que la vida tiene sus momentos buenos y malos y que la única opción es de seguir adelante, “empujando”, con optimismo. Inevitable pensar en el largo historial de lesiones y problemas de salud de la cantante, que tuvo que grabar el último disco desde casa, alejada del resto, mientras se recuperaba de una intervención quirúrgica.

La formación que completan Butch Vig, Duke Erikson y Steve Turner —con Nicole Fiorentino como bajista en los directos— se mostró especialmente ilusionada por compartir cartel con The Pixies, “nuestros héroes desde hace mucho tiempo”, subrayó Manson hasta en dos ocasiones. Pero antes, era el turno de Suede.

Sudor, abrazos y post-punk

Los británicos Suede, supervivientes del llamado britpop en plena segunda juventud creativa, regresaron a la ciudad de Barcelona apenas cuatro meses después de su última visita. Entonces recorrieron la península de sala en sala presentando su aclamado décimo trabajo de estudio ‘Antidepressants’ (2025). En el Cruïlla, en cambio, la banda liderada por el cantante Brett Anderson apostó, al igual que Garbage, por un repertorio dominado por sus clásicos pensando en sus seguidores de toda la vida pero también en el público ocasional del festival.

Anderson, que no paró de moverse durante toda la actuación, desplegó desde el primer minuto ese dramatismo tan suyo. Bajó al foso y se mezcló con los asistentes para cantar ‘The Drowners’ de su aclamado disco debut de 1993 nada más empezar y volvió a las primeras filas unos pocos minutos después para interpretar entre abrazos una muy emotiva ‘June Rain’, incluida en un último disco cuyo irónico título habla precisamente del amor del público como antidepresivo, del poder catártico de la música. Aquello no era un concierto, era algo más. Las barreras entre el escenario y el público, de alguna manera, desaparecieron durante esa hora de rock’n’roll y post punk sudoroso y casi teatral —lo del britpop nunca fue un género— en la que no faltaron clásicos contemporáneos que cimentaron su leyenda como ‘So Young’, ‘Personal Disorder’, ’The 2 of Us’, ’Trash’, ‘Beautiful Ones’ y ‘Can’t Get Enough’.

Un legado glorioso

Los encargados de clausurar la jornada fueron The Pixies, una de las bandas más peculiares e influyentes de la historia del rock independiente y referencia directa para bandas exitosas como Nirvana y Radiohead. La última vez que pasaron por Barcelona tocaron más de treinta canciones entrelazando sus clásicos con el entonces último largo, ‘Doggerel’. Esta vez, en el Parc del Fòrum, exprimieron al máximo sus 90 minutos de actuación para repasar las canciones más célebres con la excusa de su 40 aniversario como banda.

Frank Black, Joey Santiago, David Lovering y Emma Richardson —en las filas de la ilustre formación desde 2024— fueron directos al grano y dejaron que sus mejores canciones hablaran por ellos. Sin apenas pausas entre tema y tema, enlazaron un clásico tras otro con una ejecución compacta y sorprendentemente enérgica, como si los años no pasaran por el cuarteto de Boston. Sonaron con fuerza, muy metidos en su papel de cabezas de cartel, y cayeron, más o menos por este orden, ‘Cactus’, ‘Vamos’, ‘Bone Machine’, ‘I Bleed’, ‘Crackity jones’, ‘Isla de Encanta’, ‘Gouge Away’, ‘Hey’, ‘Mr Grieves’, ‘Velouria’, ‘Caribou’, ‘Monkey gone to heaven’… En total, una veintena de canciones, en su gran mayoría pertenecientes a sus cuatro primeros discos, todos ellos imprescindibles en cualquier discoteca ‘alternativa’ que se precie. A saber: ‘Surfer Rosa’ (1988), ‘Doolittle’ (1989), ‘Bossanova’ (1990) y ‘Trompe Le Monde’ (1991).

Con mayor o menor acierto, la formación comandada por Frank Black siempre ha preferido mirar hacia adelante. Desde su regreso en 2014 con el irregular ‘Indie Cindy’, la banda no ha parado de publicar nuevos trabajos demostrando que no quieren vivir exclusivamente de las rentas de su legado. De hecho, resulta llamativo que en esta segunda etapa, los ‘duendecillos’ ya acumulen cinco álbumes de estudio, uno más que en su primera y mitificada encarnación.

Antes, el público del Cruïlla tuvo que afrontar algunos solapes de programación. Por un lado, entre Standstill, que repasaron de pe a pa un disco crucial en su carrera como ‘Vivalaguerra’ con motivo de su 20 aniversario, y Periferia, una de las últimas sensaciones del punk rock afilado tras la publicación del EP ‘Lo que queda por sentir’ a principios de año. Por otro, entre los barceloneses Mishima, uno de los pocos pesos pesados de la escena catalana que todavía no había pasado por el festival, y Maika Makovski, que puso en el Fòrum el broche a la presentación de su ambicioso ‘Bunker Rococo’ ante un sol de justicia y un mar de sombreros de paja y abanicos.

El Cruïlla afronta este viernes otra jornada con propuestas para todos los gustos. Del rock sureño de The Black Crowes al pop rock electrónico de Alizzz; de la electrónica festiva de Zahara al espectáculo total de David Byrne. Sin olvidar el rock de Bigger Splash, el nombre tras el que se escondían en el cartel Arde Bogotá (en realidad, es el título de su nuevo sencillo). Y el sábado, el menú sonoro mantiene el equilibrio entre generaciones y géneros, con el explosivo rock’n’roll de The Hives, los grandes éxitos de Els Pets, la elegancia de Two Door Cinema Club, la diversión con mensaje de Rigoberta Bandini y la electrónica con raíces andaluzas de Judeline, entre otras propuestas.

El público está acostumbrado a ver a Adam Richard Wiles (Dumfried, Escocia, 1984), más conocido como Calvin Harris, actuando entre rascacielos y edificios gigantes como en el Ultra Music Festival de Miami o al lado del mar como en su residencia de verano en Ushuaïa, Ibiza. Sin embargo, la de este viernes será una madrugada difícil de olvidar tanto para los asistentes al primer concierto del DJ en el BBK Live, como para él, por conseguir hacer vibrar una montaña y convertirla en una discoteca gigante sobre la ciudad de Bilbao.

“Hello Bilbao, it's a pleasure to be here. My name is Calvin Harris”, se ha presentado el escocés con una sonrisa de oreja a oreja mientras se colocaba los auriculares y comenzaba a mezclar sus primeros temas de la noche en su mesa de mezclas. Con Kobetamendi como escenario, el escocés ha conseguido emocionar a las miles de personas con sus hits como “Outside” (con Ellie Goulding) o “We Found Love” (junto a Rihanna) primero y a medida que iba adentrándose en el show, “Feel So Close” o “This Is What You Came For” (con Rihanna), esa última escrita bajo un pseudónimo por la que fuera su novia entre 2015 y 2016, Taylor Swift. Todo ello acompañado con vapor, fuego y pirotecnia en los momentos clave de cada canción y con cámaras de vídeo que retrataban a los asistentes y mostraban sus imágenes en directo junto a la del DJ.

No muchos saben que antes de ser uno de los DJ y productores más famosos del mundo, Harris trabajó en un supermercado y en una fábrica de conservas de pescado. Su éxito llegó después de que, siendo un joven de 23 años, lograra su primer trabajo profesional al producir el single de Kylie Minogue 'In my arms', allá por 2007. La diva que en la edición del año pasado fue la encargada de cerrar el festival que este viernes ha abierto Harris, debido a que el concierto ha comenzado ya de madrugada aunque su actuación fuera cabeza de cartel del jueves.

A lo largo de las casi dos horas de actuación, que ha comenzado a las 01.40 horas en punto, como se le esperaba, y ha finalizado pasadas las 03.00 horas, Harris no ha interactuado mucho con el público ni ha realizado ningún discurso sobre algún tema en concreto ni sobre él mismo. Tampoco ha hecho ningún guiño ni con el país, la ciudad (más allá de decir Bilbao) o el festival. En tres ocasiones ha cogido el micrófono para animar a los asistentes con las frases “Everybody put your hands up in the air”, “Bilbao, I wanna see you jump” y “How is feeling?”, esta última para presentar su canción “Feel So Close”. Aunque es cierto que ha habido un momento en el que se ha sentido con la confianza de gastar una “broma” al público. “¿Alguien del público ha nacido en 2014?”, ha preguntado entre risas, y muchos de los asistentes han contestado que sí sin saber exactamente por qué. Ha sido entonces cuando ha llegado el momento más álgido de la noche, cuando los primeros acordes de su mítico tema “Summer” han comenzado a sonar, canción que lanzó justo aquel año.

Así, Harris ha viajado entre las distintas fases de su música electrónica, primero con los 'break' o parones en los que la tensión bajaba y la melodía se volvía más tranquila, algo que hacía que por momentos el público se distrajera y se pusiera hablar, aunque durante poco tiempo hasta que llegaba la subida y, después, el tan esperado 'drop' de cada canción, cuando “rompe” y alcanza el clímax que en el show del escocés ha ido en todo momento acompañado de pirotecnia y luces eléctricas desatando la locura en la pista de baile. “Quiero absolutamente a todos cantando ahora mismo”, ha lanzado para motivar a los espectadores en sus últimas canciones. Hasta que ha llegado el final del concierto. “Hey, soy Calvin Harris. Muchas gracias. Tened un fantástico fin de semana y cuidaos mucho”, han sido las palabras que ha utilizado para despedirse de su público.

“Su actuación ha condensado el espíritu expansivo de una edición de aniversario: grandes canciones, energía compartida y una conexión inmediata con miles de personas”, han explicado desde la organización del BBK Live tras la actuación del cierre del primer día en el que también han actuado artistas como David Byrne, FKA twigs, Dani Fernández, Belén Aguilera, además del concierto sorpresa de Alcalá Norte y muchos otros más. “La primera jornada ha dejado claro que el 20 aniversario de Bilbao BBK Live es mucho más que una efeméride. Dos décadas después de su nacimiento, el festival ha vuelto a reunir a miles de personas en Kobetamendi para celebrar una forma de entender la música, la ciudad y la comunidad que sigue evolucionando sin perder su esencia”, han subrayado desde el festival, que continúa este viernes con la estrella británica Robbie Williams como cabeza de cartel y mucha música más.

“Estamos aquí para levantar la voz por Sevilla, por su patrimonio monumental y natural, por los sevillanos y sevillanas y, muy especialmente, por quienes no tienen voz para defenderse: los miles de animales que habitan en este entorno declarado Bien de Interés Cultural”. Con estas palabras comenzaba en la tarde de este jueves su alocución la portavoz de Pacma en Sevilla, Clara Márquez.

Lo hacía ante uno de los monumentos más visitados de España, la Plaza de España, ante unas 150 personas que se concentraron para denunciar el impacto que, a juicio de la formación política, provoca la celebración del festival Icónica Santalucía Sevilla Fest en uno de los espacios patrimoniales y ambientales más importantes de la ciudad.

Bajo el lema Con la música, ¡a otra parte!, a la protesta se han unido integrantes de entidades como Hispania Nostra, la Asociación de vecinos Puerto de Sevilla, la Federación de Asociaciones contra el Ruido, vecinos de la barriada de Los Remedios, Sevilla Se Muere y el recién creado partido político Sevilla se Levanta, reclamando que este tipo de espectáculos se trasladen a recintos específicamente preparados para grandes conciertos y donde no se produzcan afecciones al patrimonio natural o la biodiversidad.

“Ejemplares de aves muertos”

Los participantes denuncian que la celebración del festival en este lugar genera contaminación acústica y lumínica, “además de contribuir a la privatización temporal del espacio público”, y Márquez sostiene que llevan años documentando “las consecuencias directas que este evento ha tenido sobre la fauna urbana, especialmente las aves que habitan el Parque de María Luisa (habiendo encontrado ejemplares muertos en años anteriores), así como sobre la vegetación y el propio conjunto monumental de la plaza de España”.

“Desde hace más de seis años, la plaza de España y el parque de María Luisa se transforman. Pero no se transforman para el disfrute de la ciudadanía. Se transforman en un negocio privado. Se blindan con vallas, se invaden con toneladas de hierro y se someten a muy altos niveles de ruido, insoportables sobre todo para las personas que viven en los barrios residenciales colindantes y para los animales que habitan en el parque. Todo bajo el nombre de un festival que, de 'icónico', solo tiene el destrozo que deja a su paso”, ha dicho Márquez.

Y es que, los convocantes entienden que es un festival que incide “en el derecho al descanso de vecinos y vecinas de la zona”. “Son muchas las personas afectadas, por los ruidos durante el concierto y, también, por la suciedad y gentío en las horas previas y posteriores. Hay muchos barrios residenciales pegados a la zona, como El Porvenir, Los Remedios y el Barrio de Santa Cruz e incluso Bermejales que se ven afectados”, ha subrayado.

“No estamos en contra del festival, sino de su ubicación, eso creo que todo el mundo lo tiene claro”, ha enfatizado.

“Se han reforzado las medidas preventivas”

Desde el festival no ha habido pronunciamiento oficial sobre esta protesta, aunque el pasado junio, antes de comenzar la edición de este año, señaló en un comunicado que ha reforzado las medidas preventivas destinadas a garantizar la conservación y protección de la plaza de España y del parque de María Luisa mediante la incorporación de profesionales especializados en la conservación patrimonial, la ingeniería acústica, así como en la vigilancia y control veterinario de la fauna urbana, además de que documentará fotográficamente los procesos de montaje y desmontaje.

El evento, según sus organizadores, se ha dotado en su dimensión patrimonial de un “riguroso modelo de implantación”, sustentado en medidas de conservación preventiva, que ha combinado una auditoría externa especializada y un “estricto protocolo técnico” en el entorno BIC que ha sido desarrollado por la organización y ha incorporado todas las indicaciones de las instituciones competentes.

De esta manera, la compañía sostiene que ha incorporado medidas como la documentación fotográfica de todo el proceso cada edición, tanto antes como después del montaje, archivo que “se pone a disposición de las administraciones implicadas en su autorización” para permitir la recopilación de datos técnicos y científicos sobre la huella del festival, y se ha incrementado el equipo encargado de la supervisión y protección patrimonial del recinto, incorporando a personal interno titulado en conservación y restauración de bienes culturales, con el objetivo de “garantizar un sistema de supervisión” reforzado durante las fases de actividad de los proveedores responsables del montaje y desmontaje de las infraestructuras.

Hace unas cuantas semanas que arrancaron las fiestas u otros eventos, y nos encontramos con los llamados vasos “reutilizables”. Y hemos oído la misma cantinela de siempre: “Por cada uno de estos vasos reutilizables se evitará el consumo de más de cinco vasos de plástico de un solo uso. El medio ambiente gana”. ¿Pero es así?

Conforme se comenzó con el uso de vasos de plástico reutilizables en diversos eventos, muchas personas pensamos que era una buena medida para reducir la ingente generación de residuos, especialmente de plástico. La idea original era que hubiera una reutilización real de estos vasos, y que ésta fuera de la mano de las entidades organizadoras de los eventos. Pero la realidad ha sido otra: lo que ha ocurrido es que esta responsabilidad ha pasado una vez más a la persona usuaria final. Lo que debía ser una medida de prevención de residuos en la mayoría de los casos se ha convertido en un sistema de financiación de los eventos, sin posibilidad de devolución.

Antes que nada, conviene tener en cuenta algunas definiciones, como se hace en un informe de la Fundación The Best Wordl, publicado en febrero de 2026. El vaso reutilizable se define como un envase diseñado para múltiples ciclos de uso mediante sistemas de recogida, lavado y redistribución; el retorno efectivo es la devolución del vaso al sistema tras su uso para permitir su reutilización posterior; el circuito cerrado de reutilización es el modelo en el que los envases se recuperan, limpian y vuelven a utilizarse dentro de un mismo sistema operativo; la tasa de retorno es el porcentaje de envases recuperados respecto al total de distribuidos en un evento; y reutilización efectiva es el uso repetido del mismo envase en múltiples ciclos, garantizando su retorno y acondicionamiento para un nuevo uso.

La introducción del uso de estos vasos ha permitido a muchos eventos colgarse la medalla de “evento sostenible” y ha creado en el público una falsa sensación de sostenibilidad, tal y como señala en un artículo Míriam Galindo Fernández, de la consultora y fundación ENT, titulado “El fracaso de los vasos reutilizables. ¿Qué ha fallado?” y publicado en la revista 'Residuos profesional'. En la mayoría de los casos no existe una logística real de reutilización, y esta carencia comienza ya con el diseño del vaso, en el que se incorpora la edición del festival o de la fiesta y los patrocinadores, haciendo inviable su reutilización en ediciones posteriores. Y la falta de un sistema de devolución imposibilita su reutilización. Hay que tener presente que, si no se da un número mínimo de reutilizaciones, el impacto ambiental de un vaso de plástico reutilizable puede ser mayor que el de un vaso de plástico de un solo uso, debido a la mayor necesidad de material y recursos para su fabricación.

La Ley estatal 7/2022, de residuos y suelos contaminados para una economía circular, quiso avanzar en la buena dirección. Estableció la jerarquía de residuos como principio rector: Primero prevenir, después preparar para la reutilización y, solo después, reciclar o valorizar.

Hay que tener presente que, si no se da un número mínimo de reutilizaciones, el impacto ambiental de un vaso de plástico reutilizable puede ser mayor que el de un vaso de plástico de un solo uso, debido a la mayor necesidad de material y recursos para su fabricación

El Real Decreto 1055/2022, de envases y residuos de envases, concretó esta orientación para los eventos festivos, culturales y deportivos: desde el 1 de julio de 2023, los promotores tienen que implantar alternativas a la venta y distribución de bebidas en envases y vasos desechables. Y solo cuando se opte por vasos reutilizables con depósito, hay que habilitar mecanismos para devolver este importe cuando la persona consumidora devuelva el vaso.

Sobre el papel, era una medida necesaria, razonable y ampliamente compartida. Pero una buena intención normativa no siempre garantiza una buena política pública. El vacío legal permite hacer lavado de imagen verde con la reutilización.

El problema es que la norma no ha sido lo suficientemente clara. Para que un vaso sea reutilizado, hay que habilitar sistemas efectivos de recogida y lavado. Demasiado a menudo, el vaso reutilizable se ha convertido en un producto que se vende, no en un envase que circula. Se presenta como una medida ambiental, pero no siempre dispone de un sistema efectivo de retorno, recogida, lavado y reutilización.

En el Bando San Fermín 2026 se viene a decir lo siguiente: “Con el fin de prevenir la generación de residuos, especialmente los plásticos de un solo uso, y de mitigar los aspectos adversos sobre la salud humana y el medio ambiente asociados a su generación y gestión, es obligatorio el uso del vaso reutilizable con Sistema de Depósito, Devolución y Retorno (SDDR) frente al uso del vaso desechable, para todos los establecimientos del ramo de la hostelería. Para ello, el Ayuntamiento pondrá todas las medidas a su alcance para garantizar esa reducción de residuos a través de un servicio de gestión de los vasos reutilizables, a disposición de todos los establecimientos de hostelería y otros espacios festivos públicos”.

Pero cabe preguntarse: ¿están funcionando los sistemas de recogida efectivos? ¿Existen mecanismos de lavado y reutilización para que vuelvan a circular? ¿Hay supervisión y sanciones para los que incumplen? Las fotos que nos llegan de Iruña nos muestran una gran cantidad de vasos retornables desparramados por el suelo. Habrá que esperar al balance que se haga cuando finalicen los Sanfermines.

En el caso del BBK Live que se celebra del 9 al 11 de julio, en su web se puede leer que existen vasos reutilizables, pero que debes tener en cuenta, que, al comprar tu primera bebida, pagarás un depósito de 2,5 euros además del precio de la consumición. (Normativa Vasos Reutilizables En Eventos – Encore). Sí se pueden devolver en las barras habilitadas para ello y recuperar tu depósito. Sería muy importante que se hiciera público con la máxima transparencia, el porcentaje de envases que se recuperan, limpian y vuelven a utilizarse.

Tenemos también el caso de Vitoria-Gasteiz, donde la Fundación Vital y el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz lanzan desde hace años una campaña para sustituir los vasos de un solo uso en fiestas La Blanca u otras por otros reutilizables y evitar residuos. El sistema funciona mediante un depósito de 1 € que el ciudadano recupera íntegramente al devolver el recipiente en cualquiera de los puntos oficiales o locales adheridos. Sin embargo, aparte de que se diga que la campaña “Plástico 0” del Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz y Fundación Vital suele ser es un éxito rotundo, evitando millones de envases de un solo uso, no hay datos que justifiquen esa afirmación.

En este contexto, la Alianza Residuo Cero que la componen diferentes entidades ecologistas a nivel estatal, ha planteado una serie de medidas, entre las que figuran la definición legal de un sistema efectivo de reutilización, la obligación de disponer de puntos de devolución accesibles durante todo el evento, la información clara sobre el carácter retornable de los depósitos cobrados a la ciudadanía y la implantación de sistemas de trazabilidad que permitan conocer cuántos vasos se ponen en circulación, cuántos se recuperan y cuántos vuelven a utilizarse.