El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro alcanza este año su 49ª edición consolidado como una de las grandes citas escénicas del país y un referente internacional en la difusión del teatro del Siglo de Oro.

La nueva edición contará con 50 espectáculos y se celebrará del 2 al 26 de julio. En esta ocasión propone un recorrido en torno al juego como metáfora del universo barroco, con una programación que combina tradición y vanguardia.

Durante la jornada inaugural del festival este año distinguirá al actor Pepe Viyuela con el Premio Corral de Comedias y la escenógrafa y figurinista Elisa Sanz recibirá un homenaje.

Intérpretes como Ana Wagener, Secun de la Rosa, Mina El Hammani, Marta Poveda, David Lorente, Itziar Miranda, Lola Baldrich, Joaquín Notario y directores como Juan Mayorga, Rakel Camacho, Alberto Conejero, Rosa León o María Goiricelaya serán algunos de los protagonistas de la edición de este año, con Cervantes como el autor más representado.

Habrá 16 estrenos absolutos en los nueve espacios del certamen

La directora del festival, Irene Pardo, ha presentado este jueves en el Teatro de la Comedia una programación que invita a “jugar para encontrarse en el laberinto del barroco”, con 16 estrenos absolutos y tres en España que se representarán en los nueve espacios que integran el certamen.

El hilo conductor de esta edición se encuentra en el propio “redescubrimiento” del Corral de Comedias en 1952. El hallazgo de una baraja de cartas del siglo XVIII —tal vez abandonada por una compañía teatral en un contexto en el que el juego estaba prohibido— permitió identificar el lugar como espacio escénico.

La visita de Pepe Viyuela no será solo para recoger el premio pues junto a Rosa León protagonizará 'A quién contaré yo mis quejas', un concierto-recital a partir de romances en torno al amor.

Irene Pardo se ha emocionado al anunciar que el Premio Corral de Comedias lo recogerá un “cómico, un payaso entregado a hacernos reír”.

“Es un actor, payaso y poeta es una alegría enorme no sólo por lo muchísimo que ha hecho a lo largo de su trayectoria, sino también por cómo lo ha hecho, por la coherencia, por la honestidad, por esa manera de estar en el escenario y también fuera de él”.

La Compañía Nacional de Teatro Clásico abrirá el festival

La Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) será la encargada de abrir el festival con 'El caballero de Olmedo', que dirigirá por primera vez su directora artística Laila Ripoll.

Cogerá el testigo una nueva promoción de la Joven CNTC con 'El escondido y la tapada', una versión de Carolina África y dirigida por Beatriz Argüello.

Lope de Vega estará presente con 'La vengadora de las mujeres', que Alfonso Plou y María López Insausti acercan a las sufragistas del siglo XIX.

La 'Laurencia' de Alberto Conejero, interpretada por Ana Wagener, se adelanta a Manuela Barrero y su 'Bruja!' a través de la danza, un sentido contemporáneo de los grandes personajes femeninos del Siglo de Oro.

'Lope para todos. Lope de Vega y la CNTC: 40 años de sintonía' es la exposición que conmemora las cuatro décadas de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

El autor estrella de esta edición, Cervantes, llega de la mano de Rakel Camacho con 'Palabra de perro', la reimaginación de ‘El coloquio de los perros' escrito por Juan Mayorga.

Además, se subirán al escenario 'El trujamán entre Cervantes y Shakespeare'; y también 'El compuesto milagroso de Cervantes y Saavedra'; también se apunta 'Cautivas por Cervantes', protagonizado por Mina El Hammani. Y ya recuperadas las sesiones del cine al aire libre se progrma la película 'El cautivo', de Alejandro Amenábar.

La histórica compañía italiana de marionetas Carlo Colla & Figli traerá una versión de 'Don Chisciotte' inédita desde 1879; Julieta Soria se incorpora con las 'Quijotescas'. Y, dentro del certamen Barroco Infantil llega 'Al son de Cervantes'.

Títulos esenciales del Siglo de Oro como 'La dama boba', de Lope de Vega dirigida por Josep María Mestres; 'El lindo don Diego', de Agustín Moreto; 'Entre bobos anda el juego', de Rojas Zorrilla.

'L’Avare', de Molière, en versión del Théâtre de la Tempête, además de 'R&J', una vuelta de tuerca a 'Romeo y Julieta', de Shakespeare con la que María Goiricelaya busca el nuevo paradigma romántico del siglo XXI.

Los versos de Calderón, Lope y Quevedo se convierten en 'El noble arte del engaño', una pieza de Laura Ferrer y Arturo Martínez Vázquez. Ferrer es también una de las tres directoras de 'Fiesta', junto a Marta Poveda y Natalia Llorente.

Las colaboraciones internacionales se concentran en China con 'Written in sound', de la compañía Shanghai Opera Troupe y 'Romances. Entre Oriente y Occidente, con la que regresa Fahmi Alqhai con la Accademia del Piacere.

“Ahora que vivimos inmersos en algoritmos que anticipan lo que pensamos y en una inteligencia artificial que orienta cómo lo pensamos, el Festival propone algo distinto, un lugar donde sentir, jugar y cuestionar libremente como un espíritu más del Corral”, ha concluido su directora.

El segundo año de las residencias artísticas

El consejero de Educación, Cultura y Deportes de Castilla-La Mancha Amador Pastor ha destacado que, a lo largo de sus casi cinco décadas de trayectoria, el festival ha experimentado un crecimiento sostenido que se traduce en una mayor capacidad de atracción de público, un incremento de su impacto económico en el territorio y una consolidación de su proyección nacional e internacional.

Este crecimiento se refleja también en la diversificación de su programación y en la incorporación de nuevas iniciativas como las residencias artísticas, que celebran este año su segunda edición, según ha recordado.

La programación se completa con exposiciones, actividades formativas, cine, espectáculos de calle y proyectos de mediación cultural, así como con una oferta paralela vinculada a la gastronomía, la historia, la arquitectura y el patrimonio, que convierten el festival en “una experiencia cultural integral”.

La Viceconsejería de Cultura y Deportes ha iniciado el expediente para declarar Bien de Interés Cultural (BIC), con la categoría de Monumento, la Iglesia, el Convento y el Colegio de Nuestra Señora del Rosario, de Almagro (Ciudad Real).

Según relata la resolucón de la Consejería de Educación, Cultura y Deportes publicada este martes en el Diario Oficial de Castilla-La Mancha (DOCM), las Órdenes Militares acometieron, a comienzo del siglo XVI, una gran labor reformadora de sus edificios.

En este contexto, la de Calatrava realizaría, bajo el mecenazgo de dos importantes personajes de la Orden, dos trascendentales obras en la Villa de Almagro. El comendador mayor Frei Gutierre de Padilla fundó en el año 1505 el hospital de la Misericordia, y más tarde (1523) el monasterio de la Asunción de monjas calatravas; en 1536, el clavero Frei Fernando Fernández de Córdoba, instaurará en la misma localidad el convento de Nuestra Señora del Rosario de monjes dominicos (obra de Francisco de Luna).

La fundación del convento y colegio de Nuestra Señora del Rosario se configura como una de las obras más importantes en la arquitectura renacentista de Almagro, no solo por su importancia histórica y artística, sino también por la repercusión cultural que ejerció en La Mancha, fundamentalmente en los campos de Calatrava y Montiel.

Junto con el Monasterio de Nuestra Señora de la Asunción de monjas Calatravas, se convirtió en uno de los conjuntos arquitectónicos más interesantes de Almagro y de la provincia de Ciudad Real.

El monasterio fue edificado durante buena parte del siglo XVI, y se convierte en fiel reflejo de la simbiosis estilística que se produce en la arquitectura española durante la primera mitad de siglo. En él se conjugaban las técnicas constructivas mudéjares con las fórmulas tardogóticas y los planteamientos del nuevo lenguaje renacentista, expresado fundamentalmente en su repertorio decorativo de raíz plateresca; postulados que en estos momentos impregnan casi toda la actividad arquitectónica española.

Un edificio “desvirtuado y fragmentado” por las desamortizaciones

En la actualidad, el edificio está “bastante desvirtuado y fragmentado” en sus partes fundamentales, debido a las medidas desamortizadoras del siglo XIX. Fruto de estas disposiciones fue enajenado y vendido en pública subasta, momento a partir del cual sufrió las consecuencias de los nuevos usos.

La adecuación de estos espacios para funciones para las que no fue concebido (molino de aceite y fábrica de muebles), contribuyó decisivamente en la “aceleración del estado de ruina” de la iglesia y la desaparición de casi todas las dependencias conventuales y universitarias, hasta que pasó a ser propiedad municipal en la última década del siglo XX.

De estas dependencias tan solo se conserva la iglesia que todavía se mantiene como un referente en la trama urbana, defendiendo los valores que antaño tuvo y que ahora trata de recuperar, como parte del conjunto de inmuebles en los que se desarrolla el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro recordando ese hito que le permitió ser uno de los edificios más emblemáticos de la localidad.

En este sentido, tanto por su historia, como por su arquitectura conservada, por los restos arqueológicos que conserva y por su uso actual como espacio teatral, el conjunto conventual de Nuestra Señora del Rosario de Almagro es, al mismo tiempo, un bien histórico y artístico y un espacio arqueológico por su historia y evolución.

“Integra valores y bienes culturales históricos y actuales que contribuye a infundir un sentimiento de identidad y continuidad en el municipio y su entorno, con los habitantes actuales y los naturales, creando un vínculo entre el pasado y el futuro a través del presente”, concluye la resolución.

El centro de salud de Almagro (Ciudad Real), ubicado en la calle Conde de Barcelona, ha sido desalojado a las 8.46 horas de este martes tras detectarse humo en una de sus plantas.

Según han informado fuentes del Servicio de Urgencias y Emergencias 112 de Castilla-La Mancha, el aviso del suceso se ha detectado a las 8.46 horas. Han sido entre 15 y 20 pacientes y nueve sanitarios los desalojados, sin que se hayan registrado heridos.

Hasta el lugar han acudido los bomberos del parque de Ciudad Real, la Guardia Civil, la Policía Local y una ambulancia de soporte vital en preventivo. El equipo de bomberos se ha encargado de ventilar el centro de salud y tanto los pacientes como el personal sanitario han vuelto a las instalaciones.

Tal y como ha confirmado la Policía Local al Servicio de Urgencias y Emergencias del 112 de Castilla-La Mancha, la causa del humo se ha debido a un problema eléctrico en una bomba de calor.

Es un regalo para los ojos. Impresiona nada más verlo. Y al contrario que otros grandes monumentos y construcciones que forman parte del patrimonio histórico, sigue teniendo los mismos usos de hace casi cuatro siglos.  En el corazón del Campo de Calatrava de la provincia de Ciudad Real se encuentra el Corral de Comedias de Almagro, erigido en 1628, el único teatro del Siglo de Oro que se conserva intacto y activo en el mundo.

Se trata de auténtico templo del arte escénico que sigue ofreciendo representaciones todo el año y se convierte cada mes julio en el epicentro del teatro clásico con el prestigioso Festival Internacional.

Inaugurado en 1628, el Corral de Comedias se construyó inicialmente como una posada con un pequeño escenario para ofrecer entretenimiento a los viajeros que recorrían la región, un territorio de paso entre el centro y el sur. Ocupaba en su origen 622 metros cuadrados, más del doble de la actualidad. Simultaneó la actividad teatral con la de posada.

Su diseño, característico de los teatros al aire libre de la época, cuenta con un patio central rodeado de galerías de madera, donde los espectadores se agrupaban según su rango social. Desde nobles hasta comerciantes, todos se reunían para disfrutar de las populares comedias de Lope de Vega, Tirso de Molina, Miguel de Cervantes, Calderón de la Barca y otros grandes dramaturgos.

Sin embargo, no todo fue esplendor durante sus cuatrocientos años de historia. Con la llegada de nuevos estilos teatrales en el siglo XVIII, el Corral de Comedias cayó en desuso. Y vivió muchas décadas casi en el olvido, hasta que en el siglo XX, gracias a un esfuerzo conjunto de historiadores, arquitectos y amantes del teatro, el corral fue restaurado y declarado Monumento Nacional en 1955. Esta restauración permitió recuperar su esencia original y devolverle un lugar de honor en la historia del teatro.

No siempre se ha conocido su fecha de origen. Fueron varias investigaciones históricas realizadas a finales del siglo XX las que dieron a conocer el año 1628 como la de su construcción, así como multitud de detalles sobre sus orígenes y evolución.

Se erigió como ampliación del conocido hasta entonces como Mesón del Toro tras la adquisición de propiedades vecinas, tarea que realizó Don Leonardo de Oviedo, clérigo presbítero de la desaparecida y cercana parroquia de San Bartolomé el antiguo. Descendiente de una familia de origen judío, para las obras de construcción del teatro llegó a realizar un desembolso de 5.000 ducados, una auténtica fortuna en aquella época.

La primera representación de la que se tiene referencia fue a cargo de la compañía de Juan Martínez en 1629. La temporada comenzaba el domingo de resurrección y terminaba el miércoles de ceniza. De octubre a abril la comedia empezaba a las dos de la tarde, en primavera a las tres, y a las cuatro en verano, para finalizar antes de la puesta de sol. Su duración oscilaba entre cuatro y seis horas.

El precio de la entrada no era un global como hoy lo conocemos. Entonces se pagaban distintas entradas: una a la entrada, otra para la hermandad o beneficiario y otra para sentarse. La compañía raramente llegaba al 20% de lo recaudado.

En Almagro, al existir estudios universitarios, durante época de exámenes estaba prohibido representar entre semana para que los estudiantes no se distrajeran. No se permitía la entrada de niños al Corral de Comedias, ni siquiera acompañados por adultos. Las representaciones estaban reservadas exclusivamente para el público adulto.

Del “mantenedor” del orden a la “cazuela” femenina

Y entre las curiosidades más significativas de su funcionamiento se encuentran dos figuras, que eran muy propias de los corrales de comedias: el “mantenedor del orden” y el “apretador”. El primero solía ser un mozo recio del lugar que, provisto de un buen garrote, templaba los ánimos de todos aquellos que se exaltaban. En cuanto al “apretador”, como su propio nombre indica tenía una misión muy clara: “Apretar al público, ya que cuantas más personas cupieran, mayor era el beneficio económico para el dueño del teatro.

Según las crónicas y documentos de entonces, con humor y cierta insistencia, el apretador caminaba por el patio durante el acceso del público, lanzando frases ingeniosas y cómicas. Se le consideraba casi una figura teatral más, no solo por su función práctica, sino por el ambiente animado que contribuía a crear. Hoy en día, se le recuerda como parte del bullicioso y pintoresco mundo del teatro del Siglo de Oro.

También es destacable que en el Corral de Comedias, hombres y mujeres debían permanecer separados durante las funciones. El patio -conocido como “patio de los mosqueteros”- era ocupado por los hombres, principalmente de pie, aunque también podían sentarse en bancos o en las gradas laterales situadas junto a las paredes del patio.

Las mujeres, en cambio, se ubicaban en “la cazuela”, una grada situada al fondo del primer piso, reservada exclusivamente para ellas. El único espacio compartido por ambos sexos eran los aposentos o corredores, ubicados en las galerías, a izquierda y derecha del primer y segundo piso.

Los historiadores destacan que la “cazuela” de las mujeres era un espacio cerrado, muchas veces con poca ventilación y muy concurrido, lo que hacía que se concentraran olores intensos del calor humano. Por eso, algunos cronistas o estudiosos del teatro del Siglo de Oro sugieren que su nombre podría hacer alusión a que el ambiente “hirviera” como una olla.

Sobre este espacio se ubicaba la “tertulia” o “desván”, un corredor fondo del segundo piso, que ocupaban gratuitamente el clero y autoridades.

En cuanto a otros espacios curiosos del teatro se encuentra también la “alojería”, soportal frente al escenario donde se vendía, además de fruta y frutos secos, la “aloja”, bebida elaborada con agua, miel y especias.

Había igualmente aposentos privados situados en los laterales del escenario y se alquilaban solo a familias nobles, por un periodo determinado de tiempo. Las tupidas celosías permitían ver sin ser vistos. Poseían accesos independientes del resto del edificio para mantener el anonimato de sus ocupantes.

El Corral de Comedias de Almagro también fue objeto de polémica hace tres años. En 2022, el senador de Compromís Carles Mulet pidió la retirada del escudo franquista incorporado a una composición de cerámica, en aplicación de la reciente Ley de Memoria Democrática. Esta composición conmemora el mencionado reconocimiento del espacio como Monumento Histórico-Artístico en 1955, en plena dictadura.

Un equipo técnico del Ayuntamiento fue el encargado de estudiar varias opciones y finalmente se optó por quitar el baldosín y sustituirlo por otro sin el escudo franquista. Esta acción no afectó de ninguna manera al patrimonio histórico propio del Corral de Comedias.

Otras joyas patrimoniales de Almagro

Este espacio de Almagro es el más importante, pero no es el único atractivo patrimonial de la localidad. Es famosa su Plaza Mayor en su origen plaza de armas y posteriormente centro de una feria de comercio, de planta rectangular irregular y dos pisos, inspirada en las flamencas.

Al recorrer el municipio también pueden apreciarse numerosos y bien conservados portales de casas solariegas hidalgas, como la Casa del Mayorazgo de los Molina y la Casa de los Rosales; o las portadas de la Casa de los Wessel (apoderados de los Fugger) y de la Casa de los Xedler.

También existen varios palacios que dan cuenta de la importancia y realce que llegó a tener Almagro, como el Palacio de los Marqueses de Torremejía, en la actualidad escuela-hogar de las Madres Dominicas; o el Palacio de los Condes de Valdeparaíso, propiedad de la Diputación provincial. A ellos se unen el Palacio de los Medrano, el Palacio de los Oviedo, el Palacio de los Fúcares, o el Palacio de los Villareal-Robles.

La Viceconsejería de Cultura y Deportes de Castilla-La Mancha ha iniciado el expediente para declarar Bien de Interés Cultural, con la categoría de Monumento, el Palacio de los Marqueses de Torremejía, localizado en Almagro (Ciudad Real).

Según la resolución publicada en el Diario Oficial de Castilla-La Mancha en su edición de este jueves, se abre un período de información pública, a fin de que todos cuantos tengan interés en el asunto puedan examinar el expediente y alegar lo que consideren oportuno, durante el plazo de un mes a contar desde este viernes, en las dependencias de la Viceconsejería de Cultura y Deportes.

La iniciación de este expediente supone la aplicación provisional del mismo régimen de protección previsto para los bienes declarados de interés cultural, quedando sometido al régimen de autorizaciones y de protección previsto en la legislación de patrimonio cultural.

Una antigua casa, solariega “típicamente manchega”

El Palacio de los Marqueses de Torremejía fue distinguido con una Mención Especial en el marco de las Medallas al Mérito Cultural de Castilla-La Mancha 2024, un reconocimiento que otorga la Consejería de Cultura, en reconocimiento a la labor de personas, entidades y espacios dedicados a la conservación, promoción y defensa del patrimonio cultural de la región.

Su origen parece remontarse al siglo XV, con una gran reforma en el siglo XVI por parte del primer marqués de Torremejía y otra gran modificación en el siglo XVIII tras la anexión del espacio hasta entonces ocupado por el Hospital de las Ánimas, que lo configura espacialmente en una manzana exenta tal y como lo conocemos hoy en día.

Destaca la fachada principal, localizada en la plaza de Santo Domingo, que desplaza su eje hacia la puerta de acceso en la que sobresale su espléndida portada de estilo renacentista de doble altura que se subraya mediante la ruptura de la línea del alero, actualmente pintado en azul añil. Se observa una simetría bilateral en la disposición de los balcones, con tres vanos a cada lado, tanto en el piso inferior como en el superior.

La puerta de acceso, adintelada, presenta pilastras cajeadas a modo de jambas, con sendas columnas estilizadas, que sustentan un dintel, sobreelevado por sendos cimacios cajeados sobre el capitel, decorado con rosetas y elementos heráldicos, bajo alero con gotas de reminiscencias clásicas. El balcón principal, levantado sobre cabezas zoomorfas en sus esquinas, es también adintelado y flanqueado por jambas apilastradas con columnas adosadas abalaustradas en este caso, presenta un despiece de dovelas en su dintel en torno a un jarrón central con flores y en los extremos mascarones con plumas. De piedra blanca, destaca el motivo heráldico que preside, entre flameros sobre plinto, la portada principal; recoge los símbolos heráldicos de todos los linajes que fueron propietarios del palacio: Pisa, Osorio, Villarreal y Zúñiga

La disposición interior del palacio se configura en dos plantas, que giran en torno a un patio principal y un gran segundo espacio abierto o corral, con acceso directo a la plaza por una gran y sencilla puerta de carruajes. La configuración interna del palacio responde a la concepción mudéjar de su primitiva traza. Así, el zaguán, descentrado con respecto al eje central del patio, sigue el patrón en recodo para acceder a las galerías del patio principal, el esquema habitual del momento de su construcción.

El edificio, que ha servido como vivienda de los marqueses de Torremejía hasta la muerte en 1936 del último marqués sin descendencia, ha conservado gran parte de las ricas decoraciones que las modas han ido dictando en cada periodo, pudiendo encontrarse desde los suelos originales de engorronado en las galerías del patio principal, el alfarje polícromo y las decoraciones renacentistas en las columnas del patio porticado hasta las decoraciones murales de los siglos XVIII y XIX.

Restaurado recientemente, se ha restablecido en gran medida la suntuosidad del edificio palacial y su uso como residencia noble, recuperando tanto los espacios originales como sus elementos especiales.

El Palacio de Valdeparaíso de Almagro (Ciudad Real) acogerá el próximo día 22 de octubre la final del Concurso Cocinero del Año Especial Carne de Caza 2025, que enfrentará a seis finalistas, tras la selección que ha hecho el jurado en su última reunión.

Los seleccionados son Jorge Asenjo, jefe de cocina del restaurante BARRO (Ávila), establecimiento que tiene una estrella Michelin y una estrella verde; Paula Gutiérrez, del Restaurante Víctor Gutiérrez (Salamanca), con una estrella Michelin y dos soles Repsol; Beñat Ormaetxea, del Restaurante Jauregibarria (Amorebieta-Etxano, Vizcaya), con un sol Repsol y recomendado en la Guía Michelin; Roger Julián, de Simposio Restaurante (San Antonio de Benagéber, Valencia), también recomendado en la Guía Michelin y en la Guía Repsol; Nacho Rojo, del Restaurante Onírica (Burgos); y Taigoro Suzuki, de i+T Restaurante (Salamanca).

Según la organización del concurso, se trata de seis cocineros de gran nivel que representan el talento y la creatividad de la cocina cinegética española y que demostrarán su maestría con la carne de caza en la final del certamen.

La primera edición del Concurso Cocinero del Año Edición Especial Carne de Caza 2025, organizado por VENARI, la primera escuela gastronómica del mundo especializada en cocina cinegética, y Grupo Caterdata, empresa responsable del Concurso Cocinero del Año pondrá en valor la excelencia, creatividad y potencial de la carne de caza, un producto con gran tradición y proyección dentro de la gastronomía contemporánea.

Seis cocineros competirán en directo durante seis horas para elaborar tres platos: un aperitivo, un plato libre y un plato principal de caza mayor elaborado exclusivamente con ciervo o jabalí. El ganador del concurso se llevará un premio de 3.000 euros. El evento, que cuenta con la colaboración de la Diputación de Ciudad Real y de la Asociación Interprofesional de la Carne de Caza (ASICCAZA), nace con el objetivo de destacar el papel que puede jugar la carne de caza en la alta cocina actual, desde la sostenibilidad y el respeto por el producto hasta su reinterpretación creativa en manos de grandes cocineros del país.

El director de VENARI, Florencio Rodríguez, subrayó que “el nivel de los seis concursantes seleccionados es sobresaliente. El jurado no lo ha tenido nada fácil ya que se han presentado unas 40 candidaturas. Cada uno de los chefs aporta su visión de la cocina de caza, aunque todos coinciden en el talento, la pasión y el respeto por el producto. Estoy convencido de que presentarán creaciones originales, con técnica y sentimiento, que pondrán de relieve la diversidad y la riqueza de la gastronomía cinegética española”.

El jurado está compuesto por referentes del panorama culinario nacional, con amplia experiencia en gastronomía de caza como los cocineros Iván Cerdeño del restaurante del mismo nombre, Fran Martínez  de Maralba, José Antonio Medina del Coto de Quevedo, Juan Carlos García  de Vandelvira, Miguel Carretero  de Santerra, Lucía Gutiérrez  de Lur y Belén García Castro de Mesón Octavio,  entre otros, además de los periodistas gastronómicos José Carlos Capel y Julia Pérez. El presidente del jurado es Luis Alberto Lera, el gran embajador de la cocina de caza en España. El chef zamorano ya fue premiado por su trayectoria y su defensa del mundo rural en el I Congreso Internacional de Gastronomía Cinegética que se celebró en Almagro en noviembre de 2024.

Programa de actividades

Durante el certamen, conducido por las periodistas Cristina Medina y Marta López, se desarrollará un completo programa de actividades paralelas en torno a la gastronomía cinegética. La jornada arrancará con un coloquio dedicado a analizar la situación actual de la cocina de caza, en el que intervendrán representantes de Venari y ASICCAZA, junto a chefs como Luis Alberto Lera, Iván Cerdeño y José Antonio Medina, entre otras voces destacadas. El presidente de ASICCAZA, José María Gallardo, se encargará de la conducción del coloquio.

Seguidamente, se celebrará la mesa redonda ‘Las mujeres en la gastronomía de caza’, moderada por la periodista Julia Pérez, con la participación de Belén García (Mesón Octavio) y su madre, la cocinera Santiaga Castro, de 88 años, quien estuvo tras los fogones de su restaurante durante décadas. También intervendrán en la charla la chef Lucía Gutiérrez (Retaurante Lur) y la profesora, investigadora y escritora gastronómica Inés Butrón.

Al mediodía, los invitados al concurso podrán disfrutar de un catering elaborado con carne de caza, maridado con una cata de vinos dirigida por Óscar Riaguas, sumiller de La Clandestina.

El programa de charlas continuará a primera hora de la tarde con la intervención del prestigioso médico cordobés Antonio Escribano, especialista en endocrinología y nutrición, quien ofrecerá una charla sobre los beneficios del consumo de carne de caza.

La entrega de premios tendrá lugar a las 17.00h, momento en el que se dará a conocer quién es el mejor cocinero de caza de España. También se otorgarán galardones al mejor aperitivo, el mejor primero y el mejor segundo plato.

El concurso Cocinero del Año Especial Carne de Caza se podrá ver en directo a través streaming en los canales de Youtube.

El Palacio de los Condes de Valdeparaíso, en Almagro (Ciudad Real), acogerá el 22 de octubre la primera edición del Concurso Cocinero del Año Edición Especial Carne de Caza 2025, organizado por VENARI, la primera escuela gastronómica del mundo especializada en cocina cinegética, y Grupo Caterdata, empresa responsable del Concurso Cocinero del Año.

Esta cita pondrá en valor “la excelencia, creatividad y potencial de la carne de caza, un producto con gran tradición y proyección dentro de la gastronomía contemporánea”, según ha señalado la organización.

Seis cocineros competirán en directo durante seis horas para elaborar tres platos: un aperitivo, un plato libre y un plato principal de caza mayor elaborado exclusivamente con ciervo o jabalí. El ganador del concurso se llevará un premio de 3.000 euros.

El jurado está compuesto por grandes nombres del panorama culinario nacional, con amplia experiencia en gastronomía de caza como los cocineros Iván Cerdeño , José Antonio Medina (Coto de Quevedo), Juan Carlos García (Vandelvira ), Miguel Carretero (Santerra ), Lucía Gutiérrez (Lur) y Belén García Castro (Mesón Octavio), entre otros, además de los periodistas gastronómicos José Carlos Capel y Julia Pérez.

El presidente del jurado es Luis Alberto Lera (Lera), embajador de la cocina de caza en España. El chef zamorano ya fue premiado por su trayectoria y su defensa del mundo rural en el I Congreso Internacional de Gastronomía Cinegética, impulsado por Venari, que se celebró en Almagro en noviembre de 2024.

Este certamen nace con vocación de destacar el papel que puede jugar la carne de caza en la alta cocina actual, desde la sostenibilidad y el respeto por el producto hasta su reinterpretación creativa en manos de grandes cocineros del país.

“Acoger en Almagro esta edición especial del Concurso Cocinero del Año dedicada a la carne de caza es un auténtico privilegio, ya que supone una oportunidad para mostrar el trabajo que realizamos desde Venari en favor de una cocina cinegética creativa, comprometida con el territorio y avalada por un jurado de máximo nivel, compuesto por algunos de los chefs más prestigiosos del país”, ha señalado Florencio Rodríguez, director de Venari.

Por su parte, el presidente de la Diputación de Ciudad Real, Miguel Ángel Valverde, ha calificado de “gran acierto” que se haya vinculado el Centro Venari con un certamen de la relevancia del Concurso Cocinero del Año, “porque reunirá a los mejores chefs del panorama nacional convirtiendo a nuestra provincia en epicentro de la alta gastronomía”.

Ha asegurado que este evento contribuye a reforzar los objetivos con los que nació Venari “poner en valor la carne de caza como producto singular en un territorio eminentemente cinegético, impulsar el turismo gastronómico y fortalecer la economía provincial y la hostelería a través de la innovación culinaria”.

Valverde ha indicado, además, que la cita que acogerá el Centro Internacional de Gastronomía Cinegética, impulsado por la Diputación de Ciudad Real, supone un paso más en la proyección nacional de la oferta gastronómica y turística de la provincia, “lo que confirma que la creación y la promoción del Centro Venari está dando sus frutos”.

Para participar en el Concurso Cocinero del Año Edición Especial Carne de Caza 2025, los cocineros deben ser profesionales en activo, con al menos 21 años y en ejercicio en España.

El director y actor Daniel Guzmán acudió al Festival Internacional de Cine de Almagro (AIFF) para presentar en persona su nuevo largometraje, La deuda, en una proyección especial y gratuita que tuvo lugar a las 22:30 horas en el Teatro Auditorio Adolfo Marsillach – Hospital de San Juan.

El pase supuso el preestreno de la película, que llegará a las salas de cine en octubre. 'La deuda' es un drama social con tintes de thriller que aborda cuestiones actuales como la gentrificación, el cuidado de mayores y las crisis económicas. El reparto está encabezado por Itziar Ituño, Susana Abaitua, Luis Tosar, Francesc Garrido, la debutante Rosario García y el propio Daniel Guzmán.

Durante la presentación, Guzmán compartió con el público las claves de una historia que gira en torno a Lucas (interpretado por él mismo), un hombre de 47 años, y Antonia (Rosario García), una anciana con la que convive en un piso céntrico de la ciudad. Su rutina diaria se ve alterada cuando el proceso de gentrificación les obliga a abandonar su vivienda. Ante esta situación, Lucas recurre a medidas desesperadas —algunas fuera de la legalidad— para saldar la deuda del piso y proteger a Antonia.

“¿Hasta dónde estaríamos dispuestos a llegar por la persona que queremos? ¿Podríamos convivir con la culpa si provocásemos la muerte de una persona? ¿Seríamos capaces de entender a alguien que comete un delito por necesidad?”, reflexionó el director durante el coloquio posterior a la proyección. “Espero que el espectador haya disfrutado de esta historia emocional, que se haya divertido y que, en la medida de lo posible, le haya invitado a reflexionar”.

La sesión forma parte de las tres proyecciones gratuitas incluidas en la programación oficial de este año del festival. Las invitaciones estuvieron disponibles hasta completar aforo a través del las web del Festival Internacional de Cine de Almagro.

El actor Juan Echanove ha defendido la necesidad de mantener el actual Gobierno de Pedro Sánchez para impedir la llegada de la ultraderecha y un posible futuro gobierno de PP y Vox.

En una rueda de prensa celebrada este jueves 24 de julio en el marco del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, horas antes de recibir el Premio 'Lorenzo Luzuriaga' que otorga el sindicato UGT, ha afirmado que el Gobierno “está en una situación muy endeble” y que “la amenaza de la extrema derecha es lo único que mantiene vivo este gobierno”.

A preguntas de los periodistas, el actor ha asegurado que, “mientras el riesgo sea ese”, considera “importantísimo mantener este gobierno”, y ha advertido del “retroceso de derechos” que se está produciendo en “comunidades autónomas donde gobiernan la derecha y la ultraderecha”.

Echanove ha reivindicado su ideología sin matices. “Me considero progresista, de izquierdas, nunca lo he ocultado, no me duelen prendas”, ha señalado.

“Consternación por Gaza”

Durante su intervención, el actor ha ampliado su mirada al contexto internacional y ha expresado su consternación ante la situación en Gaza.

“Cómo va a permanecer uno inmóvil ante la imagen de un niño que muere de hambre o que lo disparan cuando va a por comida”, ha dicho, para añadir con tono crítico que “estamos rodeados de melones”.

Echanove ha calificado de “genocidio” lo que está ocurriendo en Palestina y ha cargado contra el silencio de los organismos internacionales.

“Vamos muy mal, muy mal, si la comunidad internacional cierra los ojos ante el genocidio que está ocurriendo en Gaza. Y más como se planteen darle el premio Nobel de la paz a Trump”, ha sentenciado.

“La cultura hay que defenderla con uñas y dientes”

Durante la entrega del premio, en un acto celebrado en el claustro del Museo Nacional de Teatro de Almagro, el actor hizo un alegato a favor de la cultura. “La cultura hay que defenderla con uñas y dientes. Es molesta, pero es invencible”.

En su discurso, Juan Echanove aseguró que aceptó el galardón “más como un apoyo que como un reconocimiento”, y se reafirmó como miembro de la gran familia de los trabajadores de la cultura.

“Ser actor no es un lujo, es una responsabilidad”, afirmó, reivindicando la cultura como un bien de primera necesidad. Echanove aprovechó su intervención para reivindicar el papel transformador de la cultura y su defensa de lo público, lo popular y lo colectivo.

El artista recordó sus años en la Unión de Actores, la ayuda prestada por UGT y CCOO en sus inicios, y las enseñanzas de referentes como Juan Diego, Pilar Bardem o Pablo Milanés. El

“El teatro tiene que levantar cada noche el telón sin pretensiones, solo para que el público se sienta reflejado”. Y concluyó con una declaración de principios, ante los “momentos convulsos” que vive el mundo de la cultura.

La exsecretaria de Enseñanza de UGT, Maribel Loranca, aseguró que el actor “podría haber hecho él mismo la intervención sindical”, destacando su trayectoria como trabajador incansable del sector cultural, comprometido con los derechos laborales y las libertades. Loranca recordó también la figura de Lorenzo Luzuriaga, natural de Valdepeñas, uno de los impulsores de la reforma educativa durante la Segunda República, cuya obra se vio truncada por la Guerra Civil y el exilio.

“Luzuriaga defendió una escuela pública, única y laica, y la difusión de la cultura a través de las misiones pedagógicas”, recordó, conectando su legado con el compromiso social de Echanove, quien se sumó así a una “familia” de referentes del mundo de la escena galardonados con este premio.

La escritora Ana Cristina Herreros pronunció la laudatio, definiendo al actor como “familiar” y cercano al público, presente durante más de 40 años en los hogares españoles a través del teatro, el cine y la televisión.

Las Jornadas del Teatro Clásico de Almagro otorgan este año el protagonismo a los personajes considerados “marginales” dentro de las obras de autores del Siglo de Oro como Lope de Vega, Tirso de Molina o Calderón de la Barca. Esta 48ª edición, nombrada Marginalidad, disidencia y transgresión en el teatro del Siglo de Oro: Personajes en los márgenes, y dirigida por el profesor de la UCLM Rafael González Cañal y con un total de setenta y cuatro personas inscritas, la iniciativa propone una relectura de los textos dramáticos del Siglo de Oro desde una perspectiva inclusiva y contemporánea, conectando con debates de tanta actualidad como la identidad, la exclusión y la representación. De ahí que se centre en figuras como el pícaro, el morisco, el esclavo, la bruja, la prostituta o el hereje; personajes discordantes con el orden establecido, desobedientes, subversivos. “Se trata de ampliar la mirada más allá de lo ortodoxo y normativo, para otear un horizonte donde caben lo mestizo, lo irreverente, lo periférico y lo heterogéneo”, ha señalado González Cañal.

El programa se ha presentado hoy en un acto celebrado en el Palacio de Valdeparaíso de Almagro que ha contado con la participación del vicerrector de Cultura, Deporte y Compromiso Social de la UCLM, César Sánchez; la directora del Festival de Almagro, Irene Pardo; y el alcalde de la localidad ciudadrealeña, Francisco Ureña; además del propio González Cañal.

El curso incluye ponencias de investigadores/as nacionales e internacionales, presentaciones de proyectos, coloquios, y dos representaciones teatrales: una lectura dramatizada de 'La gatomaquia', de Lope de Vega; y el ensayo general de 'Don Gil de las calzas verdes', de Tirso de Molina, a cargo de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico.

La actividad, organizada por el Instituto Almagro de Teatro Clásico, centro de investigación perteneciente a la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM), está dirigida a estudiantes, profesionales del teatro, docentes e investigadores/as. Las jornadas están coordinadas por un equipo académico integrado por Almudena García González, Alberto Gutiérrez Gil, Óscar García Fernández, José Vicente Salido López, Irene G. Escudero y Sergio Rodríguez Nicolás.

En Pelayos de la Presa, en este monasterio del siglo XII de la Orden Cisterciense, ha tenido lugar la nueva aventura de la compañía segoviana Nao d’amores, dirigida por Ana Zamora, Premio Nacional de Teatro en 2023. Una propuesta, producida por los Teatros del Canal, que tuvo lugar en los restos que quedan de la iglesia, en sus ábsides, en el claustro y sus pandas y en la nave de este gran ejemplo del románico medieval madrileño. Un verdadero ritual a través de los sonidos encontrados y recreados de una época donde la fe cristiana volvía a sus orígenes.

Entre las ruinas imponentes de uno de los faros de la fe cristiana del medievo, el elenco de la compañía fue representando varias escenas con textos de Gonzalo de Berceo, cantos recobrados de la época y música de percusiones, chirimías, cromornos, regales, fídulas, salterios y otros instrumentos de la época. Escenas de un cristianismo luminoso que recreaban pasajes en torno a la Virgen María, la eucaristía, la muerte de Cristo y su resurrección.

El público fue transitando con los actores el espacio, parándose para cada escena en un rincón diferente, llevados por un ritmo lento, ritual de percusiones realizadas en maderas y tambores. Un público que pudo sentirse chocado ante la religiosidad de la pieza. No es habitual ver una propuesta teatral de pura investigación con una entrega tan clara a la fe cristiana. Tan evidente como la defensa del pueblito de vallas blancas donde reside Dios frente al páramo de la moral urbana en el tema God is in the house de Nick Cave, lo fue la apuesta de Nao d’amores por un teatro y una concepción del mundo donde quepa la trascendencia y la fe. En Hacia ecos de lo sagrado, las escenas no se representan como rescate de un teatro o tiempo histórico pasado, sino que se viven y se comparten.

Es importante el acercamiento de Nao d’amores a este cristianismo primero que bebe en las fuentes del Císter, orden instaurada en el siglo XI, pero que se remonta los principios de la orden benedictina del siglo VI que promulga el voto de pobreza y el trabajo como fuente de subsistencia. Y lo es más en un momento donde hay, en teatro y otras artes, una proliferación de trabajos sobre la mística, sobre todo la española del siglo XVI. Una corriente que no está exenta de amor a lo florido y reacción de una sociedad posindustrial donde el individuo, cada vez en más soledad, ve en movimientos tántricos y ansias de trascendencia una respuesta.

El montaje de Nao d’amores es luminoso y en él destaca la alegría de todos los intérpretes, una alegría de vivir en comunidad, de compartir el deleite de la creación y el estar vivos. Para esa alegría es fundamental la musicalidad de los textos de Berceo, como los de El duelo de la Virgen, por ejemplo, que son el culmen del mester de clerecía y donde la palabra está llena de gozo y dolor. Los actores, especialmente Elena Rayos, Carlos Seguí, Rafa Ortiz y Alejandro Pau, imprimen una vitalidad y carnalidad a estos poemas medievales que consiguen resucitarlos, valga la palabra.

Pero esta obra recoge, no solo la intención de Zamora en indagar la fe cristiana antes de tantos sínodos, encíclicas, guerras, inquisiciones, divisiones y dogmatismos; sino también la de volver a los inicios, al nacimiento del teatro en España. Ya estrenó esta compañía un impresionante Auto de los Reyes Magos, que es la primera obra teatral en castellano. Aquí vuelve a sobrevolar el intento de trasponerse a ese momento inicial para indagar el sentido del hecho escénico y el actuar.

El viaje es de total inmersión, se recobran cantos como el Códex del siglo XII de las monjas de clausura de Las Huelgas, se tocan instrumentos ya casi desaparecidos y se intenta estar, sentir y decir en escena de una manera primigenia, esencial, encontrada. No hay remembranza de algo que tampoco se sabe cómo se hizo, sino inspiración renovadora.

Dice Ana Zamora que para este proyecto también ha indagado en el teatro pobre del polaco Jerzy Grotowski, que buscaba al actor esencial, la “santidad del actor” que tiene una entrega total y autenticidad, pero no en un sentido religioso sino a través de la exploración personal y física. No se parece en nada la forma de actuar en esta obra a aquella de Grotowskiy, más corporal, expresionista y oscura. La actuación en Hacia ecos de lo sagrado surge más desde la musicalidad y versificación del texto, pero se entiende esa búsqueda.

Destaca en la obra la figura del padre espiritual de la Orden del Císter, el francés Bernardo de Claraval, que es interpretado por el bilbaíno Juan Diaz de Corcuera Herrador. Él, junto a la Virgen María, Elena Rayos, guiará como Virgilio en la Divina Comedia de Dante, pero en vez hacia los nueve círculos del infierno, hacia la iluminación. Lo hará a través del canto, con voz quieta y agraciada y ayudado de un cayado.

La resurrección

Tras una escena díscola tratada con humor sobre el apocalipsis, la obra alcanza su culmen cuando se llega a la nave central de la iglesia. Allí ya el público arrastra el sonido del rito y el ritmo ceremonial de la pieza. Está, en cierto modo, acompasado, dispuesto. Preparado para abordar el núcleo de la creencia cristiana: la resurrección.

Cuando Pablo de Tarso llegó a Atenas por primera vez, al Areópago, fue bien recibido. Allí pudo contar quien era el “dios desconocido” y sus enseñanzas. Estoicos y epicúreos lo escucharon con atención, incluso verdadero interés, hasta que Pablo habló de la resurrección de Cristo. En ese momento tacharon de hechicero nigromántico y lo medio echaron. En la resurrección de Cristo, posiblemente, radica la mayor radicalidad, incluso hoy, de la fe cristiana. La capacidad de salvar a la muerte.

En este trance, Zamora, arropada por la impresionante nave de Santa María la Real, una nave sin techado, con tan solo los arcos en pie y donde se podían ver las estrellas en una noche de luna llena, acometió una de las escenas más bellas de la obra, pero también de las más disruptivas con la tradición cristiana.

Se escenifica el embalsamiento de Cristo y como Pedro, Santiago y Juan se quedan dormidos velándolo. Pero Jesús no resucita en su cuerpo, sino que se convierte en un recién nacido en brazos de María. No vemos el cuerpo de Cristo resucitado, sino a Cristo resucitado en una nueva vida. El mensaje de la resurrección se modifica, pasando de la literalidad a lo metafórico donde la muerte no es el final, sino que es, a su vez, generador de vida. Potente mensaje que quizá incluso los estoicos del siglo I hubieran aceptado y que seguro hoy tiene una mayor aceptación en la sociedad actual, también la laica.

A partir de ahí, el final es maravilloso. El nuevo Cristo resucitado, ese recién nacido que María mece en sus brazos, se transforma en una pequeña esfera de la que se desprende un hilo que llega hasta la boca de Bernardo de Claraval, quien lo acoge como los apóstoles acogieron el Espíritu Santo en forma de lengua de fuego. Sigue irradiando hilos esa esfera, que queda como un ojo que todo lo ve prendido al cayado de Claraval, hilos que el elenco utiliza para formar un baile folklórico y comunal. El pueblo unido bajo un Dios no antropomórfico, más próximo a ese cristianismo primitivo, originario, a quien quiere acercarse la obra. Más cerca del logos que rige y da vida que del Dios temido del Pentateuco.

Así acaba el experimento de esta Nick Cave de las tablas, Ana Zamora, y su troupe. Experimento que estará en función hasta el domingo y que el día 18 tendrá otras tres representaciones en un nuevo emplazamiento: el Monasterio de Santa María de la Sierra, en Collado Hermoso, Segovia. Una obra que se aleja de liturgias constreñidas, de parafernalia y aparataje para entregarnos una pieza que se enfrenta a lo que hay de divino en el hombre y la Tierra. Nao d’amores es la otra cara de la luna de esa otra gran compañía del teatro creyente de este país, La Zaranda.

Los festivales a veces tienen sorpresas. Y en la primera semana del Festival de Almagro la sorpresa ha saltado por donde menos se esperaba. Mientras Fuenteovejuna, de la Compañía Nacional de Teatro Clásico dejaba atónitos a los miles de espectadores que han ido a verlo, mientras el gran Declan Donnellan seguía con su exitoso Shakespeare, Los dos hidalgos de Verona, o los visitantes de este festival podían asistir a la premiada Casting Lear, en una función matinal se estrenaba Errantes, una pequeña maravilla, burlesca y juguetona, y un homenaje a los cómicos de la legua que elevó el espíritu de los espectadores que llenaron el Corral de Comedias de la localidad manchega.

Sus hacedores tienen menos de treinta años, andan recién salidos de escuelas y de primeras giras y gracias a un proyecto del festival, Plataforma Corral, han podido dar a luz una obra que recoge el amor de toda una profesión al juego teatral propio del teatro del Siglo de Oro. La historia es sencilla. Una compañía a mediados del siglo XVII, bajo el reinado de Enrique IV, tiene que representar una comedia en el propio Corral de Comedias de Almagro. Son cuatro, lo que por entonces se llamaba Gandarilla. Son Costanillo, el gracioso (Luis Retana); Catalina, que hace las segundas damas y las criadas (Julia Rubio); Dinardo, el galán (Arturo Martínez Vázquez); y la autora y poeta, Mariana Toro (Laura Ferrer).

El público asiste a un ensayo, la función es a la tarde, los actores les dicen que se vayan que no deben estar ahí, que además lo de ver ensayos lo prohíbe la Iglesia. En el escenario vemos ropaje tendido, textos tirados y todo a medio hacer, “la comedia es esta tarde / Y es menester que comamos / Y han de secarse las vestimentas / Y hemos de echar la siesta”, dicen al respetable instándoles a abandonar el Corral. Ahí comienza el disparate.

Mariana tiene un sueño, hay que ir a la Corte, a Madrid, actuar en los grandes corrales, en el de la Cruz, en el del Príncipe. Para triunfar deben cambiar. Deben cambiar todo si quieren entrar en la Corte, deben hacer una comedia de capa y espada o una comedia mitológica como las de Calderón y no una comedia burlesca de tan poco fuste. Una situación que sirve a este espectáculo para la chanza y la bizarría, pero también para ir adentrando al público en la vida de las gentes del teatro en aquella época.

Uno va desternillándose con las situaciones, como cuando la compañía cambia un texto socarrón y malsonante y al intentar darle vuelo les sale el famoso parlamento de La vida es sueño, que el público acaba también recitando porque se lo sabe –“¿Qué es la vida? Un frenesí, una sombra, una ficción, y el mayor bien es pequeño; que toda la vida es sueño, y los sueños, sueños son”-. Cuando acaba, la autora sentencia: “Esto no vale un real”.

También Mariana intentará pasar por propio un texto de El castigo sin venganza, de Lope de Vega, y montar una escena al modo de El mayor encanto, amor, comedia mitológica que se estrenó en el estanque de El Retiro. Recrea la compañía una tempestad en la mar mientras todo el público colabora para simular la tormenta. Incluso se pide a parte de él que suba a escena, porque para ir a la corte, para ser una de las doce compañías reales, no vale con un elenco de cuatro, hay que ser más de doce.

Los disparates van cruzándose muy hábilmente con la realidad de las condiciones de las gentes del teatro de la época. Así vemos que las actrices para poder formar parte de una compañía debían estar casadas con un miembro de la misma, vemos como debían dormir fuera de las ciudades y pueblos donde actuaban. “Burdel de la vergüenza pública, escuela de la torpeza, sagrario de Venus y consistorio de la deshonestidad, cátedra de pestilencia y fuente de todos los males, eso dicen de nosotros”, dice en un momento Dinardo.

Es especialmente emotivo cuando Mariana se reivindica como mujer autora cuando le dicen que es imposible que una compañía con mujer autora entre en la Corte: “¿No dirigen compañías Luisa de Aranda o Inés de Lara? ¿No fueron autoras Luisa Pinto o María Candado?”, se defiende la poeta, “Ahí tienes a Ana Caro de Mallén, o a María de Zayas”, concluye.

El texto está creado por otros dos enamorados del clásico, Laura Garmo y Nacho León, que inauguraron el año pasado la Plataforma Corral, programa que ha impulsado la directora del Festival, Irene Pardo, por el cual se ofrece a una compañía emergente una producción ex profeso para el Corral de Comedias. Los únicos requisitos es que versen sobre el Siglo de Oro, hablen sobre los comediantes de la legua y que sean interactivas con el público. A partir de ahí el Festival produce y va cuidando el proceso de creación.

Garmo y León, dentro de esta misma plataforma, escribieron y subieron a escena el año pasado El arte de ser comediante. Este año, además, estrenarán un Tirso de Molina en la última semana del Festival, Antona García. Y ellos han sido quienes han dado el testigo a la compañía Scándere, una compañía naciente que van sumando adeptos, pero que crearon dos jóvenes, Laura Ferrer y Arturo Martínez Vázquez, hace siete años.

En 2021 ya dieron pistas de su hacer con una loca función que ganó el Premio de Almagro Off, Caer para levantar, un musical un tanto punk que adaptó Arturo Martínez de dos obras poco conocidas, El esclavo del demonio de Antonio Mira de Amescua (1612) y la refundición que hicieron Agustín Moreto, Matos Fragoso y Cáncer y Velasco cincuenta años después, Comedia famosa caer para levantar.

Los autores han escrito este bello texto lleno de juego, didáctico sin serlo, y se lo han ofrecido a esta joven compañía, Scándere. La obra la dirige Laura Ferrer y se nota la irrenunciable influencia de Álvaro Tato y Yayo Cáceres de Ron Lalá: amor por el verso, la música y el juego. No es de extrañar, Ferrer se ha pasado dos años de gira y temporada en Madrid con Vive Molière. El ritmo es frenético, la música omnipresente y los actores se entregan a un juego teatral continuo donde gozan cada mamarrachada y cada dislate.

Todavía le quedan seis funciones matinales en fin de semana a este Errantes. La acaban de estrenar, todavía no hay gira, pero todo huele a que esta función que fue capaz de levantar la risa y el espíritu de todo el Corral debería recorrer toda España. En estos momentos, donde las compañías tienden a desaparecer en un mundo, el de las artes escénicas, en precario y que tras la crisis del 2008 ha sido incapaz de reinstaurar circuitos y redes para poder girar, Errantes es un pequeño grito de esperanza.

En estos momentos, donde las compañías tienden a desaparecer del mundo, 'Errantes' es un pequeño grito de esperanza

Esta función, que ni es familiar, ni infantil, ni para adolescentes, y lo es todo al mismo tiempo, podría recorrer teatros, hacer campañas escolares y entrar, como se dice en la función, en la Corte. Ahora no es como antes, no hay solo doce compañías reales habilitadas, no hay gran medalla a la gran compañía que las fiestas del Corpus, ni comisarios del Consejo de Castilla que tengan que habilitarte. Pero sí hay programadores, modas o corrientes. No hay hambre, ni se persigue la homosexualidad, ni se niega a la mujer como antes. Pero sí hay precariedad y estamos todavía bien lejos de la paridad.

Pero lo que sí es lo mismo, y ahí es donde gana la función, es en las ganas de aquellos comediantes de la legua y la de esta joven compañía llena de energía y entrega. Cuando se les ve actuar se nota su disfrute, un gozo que se contagia al público y que convierte la función en un acto de comunión un poco mágico, tan solo 50 minutos de divertimento de chanzas y retruécanos que esconden mucha vida, pasada y presente.

Tras la función, este diario habló con ellos y les preguntó si querían instaurarse como compañía, dijeron que ese era su sueño, que ya habían cogido una persona para la distribución, que a ver qué pasaba, que tenían cierto miedo antes del estreno, sobre todo de las partes donde involucran al público, pero que después de estrenar estaban en un limbo, que solo querían hacer otra función, gozar de nuevo. No podían estar más contentos. Cuando salieron a la calle, la gente los detenía y no paraba de felicitarlos.

Comienza fuerte la nueva época de la Compañía Nacional de Teatro Clásico liderada por Laila Ripoll con este Fuenteovejuna netamente político, de una violencia frontal que quiere remover conciencias. La responsable, Rakel Camacho, ha trasladado toda su estética para ofrecer un aquelarre en contra de la violencia de la guerra donde hay una clara protagonista: la mujer, la gran víctima de estas situaciones. Testosterona, poder, alcohol y buenas dosis de sangre para reflejar, no aquel pueblo del siglo XV que intentaba sobrevivir a la injusticia de una sociedad feudal, sino esta sociedad bajo bombas y genocidios.

Fuenteovejuna es una de las obras del Siglo de Oro más versionadas y a la que más se le ha metido mano. Hemos visto de todo. Compañías japonesas o de Costa de Marfil en este mismo Festival. Montajes trasladados al presente como el reciente Fuenteovejuna, historia de un maltrato de la uruguaya Marianella Morena que ocurría en un supermercado. Montajes en el propio pueblo cordobés de Fuente Obejuna, que suelen darse cada tres años y donde destaca el que dirigiera María Paz Ballesteros en 1994 que sugirió, por primera vez, que todo el elenco estuviera compuesto por ciudadanos de la localidad. O aquella inolvidable versión en danza española compuesta por Antonio Gades para el Ballet Nacional a principios de siglo.

Pero el estreno en el Festival de Almagro era Fuenteovejuna puro. El montaje es respetuoso con el texto y el verso. Como tiene que ser en un montaje de la CNTC. Además, en esta ocasión, se ofrece una versión, de la dramaturga María Folguera, que limpia anacronismos y acerca sentidos. Pero a partir de ahí, la obra va por otros derroteros. Camacho desde el primer acto lo tiene claro y comienza a desplegar un teatro de una fisicidad extrema que busca revolver los estómagos y las conciencias mostrando toda la crudeza de numerosas acciones violentas que recorren la obra.

Un hiperrealismo que además se arropa en la especial capacidad visual de esta creadora. Las acciones se dan en un universo cargado de símbolos fálicos, en un mundo donde no hay idealización de un pueblo gentil e irreal como en otros montajes. Nada se esconde, ni la violencia a las mujeres, ni las humillaciones a los hombres, ni el oportunismo del pueblo, ni el machismo más exacerbado del Comendador, ni la sed de sangre de unos Reyes Católicos que, ya en su primera escena, salen vestidos un tanto fashion y blandiendo espadas bañadas en sangre.

El estreno fue en el Hospital de San Juan, espacio al aire libre creado por Adolfo Marsillach que se inauguró en 1993 precisamente con el estreno de esta misma obra. No es un espacio fácil. La escenografía de Mónica Borromello, dada a las estructuras (aquí manda una pasarela en el fondo de la escena que se extiende hasta las patas laterales), alejaba un tanto la acción y el verso. Las redondillas del primer acto no corrían, una tendencia a la pausa en un verso que no lo necesita hicieron que el montaje no volase. A eso se sumaron problemas de ajuste de microfonado que alejaban aún más el verso de Lope. Son detalles que se irán ajustando. Todo hace prever que cuando el montaje llegue a la otra sede de la CNTC, el Teatro de la Comedia de Madrid, donde la acción estará más pegada a platea, no habrá micrófonos y se habrán llevado a cabo los ajustes necesarios, la obra explotará en toda la fuerza centrípeta, que la tiene, y mucha.

Además, la fuerza de este Fuenteovejuna se halla en su fe y convicción de ruptura. Rompe este montaje con las lecturas tradicionales que de la obra se han hecho. Fuenteovejuna, en su momento, no triunfó, no fue hasta principios de siglo XX que se empezó a montar con regularidad. No es extraño. Es la primera obra que recoge el movimiento social. Lope se adelanta dos siglos a su tiempo y, sin que él pudiera así expresarlo, crea un drama donde, ante la injusticia, el pueblo reacciona colectivamente y con conciencia de clase.

La obra avanza el primer tramo del siglo XX sumida en lecturas ideológicas. Unos apoyaban la liberación de un pueblo oprimido, otros la defensa de la monarquía. Todos esgrimieron sus razones. Algo que acabó en los años 40. Es irresistible no poner aquí las palabras del crítico del ABC, Diez Crespo, ante el estreno que dirigió Cayetano Luca de Tena en 1944: “Drama en el que ya se canta el amanecer de España, en el que el Yugo y el Haz tienen en su aurora el sentido unitario, y en el que, por fin, el reflejo popular clama amparado en el caudillaje imperial simbolizado en la tierra por los Reyes Católicos y en el cielo por Dios Todopoderoso”.

Después de los años duros y prietas las filas del franquismo, Fuenteovejuna recupera la visión del pueblo oprimido y se abre a otro de los grandes temas de la obra: el amor. Frente a la injusticia, Lope contrapone el ideal barroco del amor. Las hermosas pláticas entre Laurencia y Frondoso son buen ejemplo de ello. Ahí, los montajes de Narros y Marsillach son fundamentales. Pero ¿qué hace Rakel Camacho en este montaje?

Camacho pierde cosas por el camino como no podía ser de otro modo. Quizá no sea este el Fuenteovejuna con el verso más elevado. Quizá quede diluido el tema amoroso. Pero en este montaje, Camacho es capaz de que aflore todo el terror de la violencia que ya Lope allí puso y que hoy, en unos momentos donde se blanden los sables, se extermina ante el silencio de todos y suenan las trompetas de regresión en las sociedades más occidentales, resuena con especial fuerza, con especial pertinencia.

Para ello Camacho utiliza todo lo que tiene el teatro. Las palabras de Lope, el cuerpo de los actores, el desborde de la acción, la investigación musical, la luz, el espacio y la potencia del signo. Unos pequeños ejemplos. El signo es aquello que excede el significado. En escena hay un gran cuerno de res. No tiene utilidad, los actores lo mueven, se gira, se levanta, nunca desaparece, permanece como puro signo de este país católico y brutal.

Por otro lado, la voluntad de no esconder. Lo que ocurre en el texto fuera de escena, como el asesinato del Comendador, aquí se resuelve con una impresionante escena en la que el pueblo lo desmiembra a golpes de cencerro. Todos, mujeres y hombres, aplastan y cercenan un cuerpo para luego crucificarlo en una gran cruz de Calatrava. La imagen es brutal, recuerda finales de nuestra historia contemporánea como el de Mussolini o el de Ceausescu.

Otro ejemplo, el célebre monólogo de Laurencia que lleva al pueblo a la acción se desarrolla con toda la tragedia de un cuerpo magullado, ensangrentado y desnudo que acaba de ser vejado. Es el clamor de las mujeres bajo las guerras y tiene una fuerza infernal en el cuerpo y la garganta de Cristina Marín Miró. Esta joven actriz acaba de terminar andadura con la compañía joven de la CNTC y, si ya iba avisando en otros montajes, ahora, después de este Fuenteovejuna, sí se puede afirmar, sin género de dudas, que estamos ante el nacimiento de una gran intérprete.

Porque no hay grandes montajes sin grandes actores. Y este los tiene. Chani Martín en el papel del Comendador, todo presencia pestilente del peor machismo violento, de ese que hiede a whisky y animalidad reprimida y represora. Jorge Kent, que interpreta a Esteban, alcalde y padre de Laurencia, está tremendo tanto en los momentos de ternura paternal, como en aquellos que es humillado o en los que alza la voz y es todo contundencia. Ambos actores son de los bregados, ya estuvieron con Camacho en Coronada y el toro.

Pero también hay otro actor joven, que también ha salido de La Joven, que llena el espacio de fuerza vital y energía desbordante. Se llama Pascual Laborda y está imponente en el papel de Frondoso. Destacar también a Alberto Velasco en un sorprendente Mengo, el personaje encargado de la respuesta mordaz, del humor del pueblo llano. Velasco compone un personaje de una manera más tradicional, incluso psicológica, algo que Camacho permite, aunque difiera del resto. Y funciona.

Por último, es de rigor señalar el gran trabajo de Raquel Molano en la dirección musical. La obra de Lope se cimenta en el contraste entre el mundo bélico y el universo comunitario del pueblo. El montaje está atravesado por una música que divide y eleva cada mundo. Algo para lo que Molano se ha apoyado en dos de las cabezas de la música experimental de este país, Pablo Peña y Darío del Moral, del grupo Pony Bravo. Un ejemplo, como intersticio de esos dos mundos durante la obra suena un canto difónico, armónico, de garganta, que sobrecoge y dota al montaje de una sonoridad muy contemporánea. El canto está tratado, pero lo encontraron estos dos buceadores del sonido en los archivos del gran etnomusicólogo americano Alan Lomax. Su origen: cantos tradicionales mallorquines.

En el final de la obra una mujer del pueblo tapa la boca de Isabel II y no le deja decir el final de esta frase: “Y la villa es bien se quede en nos, pues de nos se vale, hasta ver si acaso sale Comendador que la herede”. Una mujer con gesto irreverente tapa la voz del poderoso y le dice que basta ya de que todo cambie para que todo siga igual. Imagen de gran fuerza contra un patriarcado que lleva siglos perpetuándose en el poder. La intención es clara, aquí se acabó que si un rey u otro, que si feudalismo, monarquía, que si progreso o tradición. En esta obra el tema es claro: es un grito frente al horror. El horror de la guerra, de cómo cuando caen las balas se liberan las peores bajezas del hombre.

Ahí los actores comienzan a cantar una canción de Víctor Jara. Hasta eso se permite Camacho, la remembranza hoy prohibida de los movimientos revolucionarios de los años setenta. Ya saben, cuando uno se pone político enseguida hay otro que lo acusa de panfletario y facilón. Camacho no se amedrenta y se apoya en la tradición revolucionaria latinoamericana, sin ambages ni camuflajes. Canta todo el elenco entregado: “Como el yugo de apretado tengo el puño, esperanzado porque todo cambiará”. Quien quiera entender que entienda.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro ha prendido la mecha de su edición número 48 con su tradicional acto de apertura en el Corral de Comedias, punto de partida de un mes de teatro en la localidad ciudadrealeña que ha arrancado con la entrega del Premio Corral, este año merecido por la bailaora Cristina Hoyos, primera representante de esta disciplina merecedora de la icónica distinción.

Hoyos, desde las tablas centearias del Corral, ha recibido el galardón emocionada, y ha parado el tiempo en el Corral para bailarse un poema en memoria de Carmen Amaya.

“Callarse los cantaores, que enmudezcan las guitarras, que se queden las bailaroas convertidas en estatuas, y suenen las castañuelas como cajas destempladas”, entonaba para emocionar a todo el auditorio por la memoria de la bailaora.

Un poema precedido de toda una reivindicación del baile como valor teatral. “Yo siempre he interpretado con el cuerpo. Es mi medio de expresión. He compuesto personajes desde el baile, y mi corazón rebosa agradecimiento”, ha señalado.

Irene Pardo y las contradicciones del Siglo de Oro

En la apertura, Irene Pardo, directora del festival, ha dado la bienvenida al auditorio y lo ha hecho mostrando su alegría por la presencia de la premiada, “un privilegio” para el festival. Una presencia que para Pardo es hilo conductor de una tradición teatral que va “de Cervantes a Falla, de Falla a Calderón, de Calderón a Lorca y a la Generación del 27 que ama al Siglo de Oro por Góngora, y de Góngora a Cristina Hoyos”.

“Volvemos a mirar al Siglo de Oro en una edición que se hace preguntas para volver a una época llena de contradicciones, con mucho oro, pero con mucha sombra”, ha indicado.

En su alocución, ha querido dejar claro que el teatro “pregunta dese hace siglos”, pero el Festival no viene “a dar respuestas”, y solo quiere ofrecer “un encuentro para convivir, emocionar, pensar”.

Aunque el Siglo de Oro tuvo “sus sombras”, en su opinión “conserva una conciencia profunda de la complejidad del mundo”, una complejidad donde la cita “quiere habitar” con “riqueza y diversidad”.

José Carlos Plaza y cómo decir 'ole'

El director teatral José Carlos Plaza ha sido el encargado de presentar a Cristina Hoyos y lo ha hecho rememorando un encuentro con la distinguida en su oficina del barrio sevillano de Triana. “Nunca más diré olé, diré ole. Es una de las cosas que he aprendido de Cristina”.

Una bailaroa de “disciplina, de constancia”, de muchas horas. “Es, como su arte, generosa, progresista, y comprometida con la sociedad. Ha llenado el mundo de emoción. Ha conmovido al mundo”, ha aseverado.

“La he visto tirar de la tierra, hacer llover, ser la Soledad Montoya de Lorca. En una mesa del Café de Chinitas con tanta sensualidad que ya quisiera Marilyn Monroe”, añadía desde el escenario.

Mercedes Hoyos, sobrina de Cristina, también ha querido dirigirse al público: “Cristina se crió en un corral donde el hambre agudizaba el ingenio de una familia sin antecedentes artísticos. Ahí nacio la bailaora y la actriz”, ha afirmado.

Urtasun y el “manantial de milagros”

Ernest Urtasun, ministro de Cultura, ha considerado que la cita es “un manantial de milagros”: “No siempre lo que vemos nos gusta, no siempre en el relato salimos bien parados”, ha arrancado.

El teatro clásico y la cultura representan “la posibilidad de que algo nuevo ocurra”, según el ministro, que ha dicho que Almagro y el Corral “son un laboratorio de experimentación” que radica a un legado “inmortal” como es el Siglo de Oro.

De la premiada, Cristina Hoyos, ha alabado cómo ata a España “a su tradición”, y también su fusión y diversidad propia del flamenco. “Todo en ella es arte, belleza, sabiduría, elegancia natural, la vida misma encarnada en sus movimientos. Es un orgullo participar en la entrega de este premio”, ha abundado.

La cultura para “construir escenarios de diálogo y humanidad”

Durante la inauguración de la 48ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, el Gobierno regional reivindicaba el papel de la cultura “para la construcción de escenarios de diálogo y humanidad en un mundo convulso”.

El presidente Emiliano García-Page ha estado presente en la inauguración de esta 48ª edición y ha felicitado a Cristina Hoyos por su Premio Corral de Comedias.

El vicepresidente segundo, José Manuel Caballero, que ha intervenido en el acto, ha señalado que “el teatro no es solo divertimento, sino también reflexión”. Por este motivo, ha incidido en que “es imprescindible repensar este mundo, cada vez más vertiginoso y más deshumanizado, y podemos hacerlo a través de la cultura, como se hace en este festival”.

“En cada función, una vez sentados y apagadas las luces, podemos recuperar la calma y llegar a emocionarnos al comprobar que nuestras cuitas, nuestros anhelos y nuestras esperanzas son similares a las que reflejan esos personajes imaginados hace cuatro siglos, que aspiraban a vivir en paz y en libertad, desde el convencimiento de que todos somos rabiosamente iguales”, ha afirmado.

Por eso, ha apelado “a la magia del Corral de Comedias, ya que desde estas tablas que han oído tantas soluciones a los males de cada época, quizá podemos recuperar esa sociedad civilizada, razonable, moderada, solidaria y compasiva que muchos soñamos con conseguir”.

El vicepresidente segundo ha transmitido la enhorabuena por el Premio Corral de Comedias a Cristina Hoyos en representación del Gobierno regional. “Cierto es que, en este mundo de contrastes, encontramos referentes como Cristina que nos sirven de estímulo para levantarnos cada día con unas ganas infinitas de cumplir la tarea lo mejor que sabemos”, ha expresado Caballero, que también ha recordado que “está muy bien premiar a los mejores para que sirvan de referentes a quienes aspiran a lograr la excelencia en cualquier disciplina y, además, Cristina, es un claro ejemplo de que al éxito se llega con esfuerzo y dedicación”.

Valverde avanza más presupuesto

El presidente de la Diputación de Ciudad Real, Miguel Ángel Valverde, ha dicho en su turno de palabra durante el acto inaugural que el Festival es “todo encuentro”, es “encontrar sofoco al calor”, con un frescor verbalizado en el disfrute de la cultura.

Con la tradición de “salirse al fresco” arraigada en la Mancha, ha reivindicado los encuentros de los pueblos de la zona para equiparar a la cita teatral con ellos, ya que es un espacio que invita a “reflexionar”.

Ha felicitado a la premiada y ha considerado que su mención es “merecida” por ser un “monstruo del flamenco”; una persona que “ha representado a la cultura española, una cultura que sentimos dentro”.

“Una mujer valiente que ha pasado por momentos difíciles. Eres ejemplo para tantos...”, ha dicho Valverde antes de mostrar su compromiso y el de la institución que preside por el Festival.

Una cita que “ha ido caminando y poniendo pasos” para no solo ser teatro, “sino cultura con mayúsculas”, y que sea, además, “poder disfrutar de raíces y de identidad”.

“El compromiso de la Diputación ha crecido y seguirá creciendo en aportaciones y en recursos. Habéis sido muy justos a la hora de realizar estudios económicos que hacen ver que cada euro que se pone, se multiplica”, ha celebrado.

El alcalde defiende la cultura frente a la “manipulación”

El alcalde de Almagro, Francisco Ureña, ha sido la primera autoridad en hablar en el acto para dar la bienvenida a la apertura de esta edición, mostrando su alegría por el hecho de que Cristina Hoyos se alce con este premio.

“Quienes creemos que la palabra es esencial en la comprensión del mundo y que el arte la recrea con veracidad, encontramos alivio en tiempos donde la cultura en general se usa desvergonzadamente para tergiversar y manipular”, ha indicado.

Desde el atril, ha reflexionado que el Festival tiene “la misma edad que la democracia” en España, que nació en unos años “peores que estos”, donde había “voluntad de acuerdo y certeza de que el arte contribuiría al logro de una España mejor”.

El agua de la tubería manchega comenzará a llegar al Campo de Calatrava en el verano de 2028. Una docena de municipios y unos 37.000 habitantes a largo plazo, en el horizonte de 2042, se beneficiarán de agua llegada desde la cabecera del Tajo, entre las provincias de Cuenca y Guadalajara, “en cantidad y calidad”.

La fecha la ha puesto Jerónimo Moreno, director técnico de ACUAES, la Sociedad Mercantil Estatal Aguas de las Cuencas de España, durante la presentación de un proyecto global que también abastecerá a Daimiel, Ciudad Real o a la Mancomunidad de Gasset, en total a más de 150.000 habitantes, con una inversión de 95 millones de euros financiados con fondos europeos.

La tubería manchega suministra ya a más de 76.000 habitantes de la provincia de Ciudad Real. Ahora se ha presentado este nuevo ramal que saldrá de la tubería principal ubicada en Campomojado y que llegará a una conducción en la zona de Puerto Lápice-Casa Bolote, para prolongarse hasta Daimiel. En total son 67 kilómetro de tubo.

Corral de Calatrava, Moral de Calatrava, Ballesteros de Calatrava, Almagro, Pozuelo de Calatrava o Valenzuela de Calatrava son los municipios beneficiarios del agua potable en alta. Además, 18.000 habitantes en Daimiel también podrán verse beneficiados, así como de la Mancomunidad del Gasset, que está formado por 100.000 habitantes, con Ciudad Real capital y municipios colindantes, como son Miguelturra, Carrión de Calatrava, Torralba de Calatrava, Poblete, Alcolea de Calatrava y Picón.

Un segundo objetivo, que también recoge el proyecto, es “regenerar hídricamente Las Tablas de Daimiel”.

La consejera de Desarrollo Sostenible Mercedes Gómez ha recordado el largo periodo desde que en el año 2000 se firmase el primer protocolo de la infraestructura para la llanura manchega que en 2009 se quedó “en tierra de nadie”, hasta llegar al año 2023, cuando se puso en marcha el ramal principal.

En la actualidad se suministran 60 hectómetros cúbicos de agua al año para abastecer a 720.693 habitantes de 238 municipios, a los que se integrarán los del Campo de Calatrava, Daimiel y Ciudad Real con la nueva tubería del sistema de abastecimiento de Llanura Manchega, que “va a permitir recuperar algo importante que perdimos en el camino”.

“Estamos haciendo pruebas para los municipios pegados al acueducto Tajo-Segura, que no pueden beber del agua que viene de Entrepeñas y Buendía, la ven pasar pero no la pueden usar”, ha dicho, para dar las gracias al Ministerio para la Transición Ecológica, la Confederación de Guadiana que ha diseñado el proyecto hoy presentado y la empresa pública ACUAES .

“El cambio climático está aquí para quedarse y tenemos que ganarle la batalla, sin dañar el entorno, pero dotándonos de sistemas de abastecimiento flexibles. Es la finalidad de la infraestructura”, decía la consejera. Una canalización cuya gestión está en manos de la Junta de Castilla-La Mancha desde 2023 y durante 25 años. Ha recordado “que los vecinos de Campo de Calatrava no van a tener que pagar la infraestructura”, ya que de ello se encarga el Gobierno de Castilla-La Mancha.

El proyecto ya ha sido licitado y el próximo 18 de julio se recibirán las ofertas para ser valoradas. La obra se adjudicará en octubre de este año 2025. La tubería atravesará más de 850 fincas a lo largo de 67 kilómetros de una obra que se ejecutará en 30 meses. Está previsto que arranque su construcción en enero de 2026 y que termine en el verano de 2028.

“Es una obra de justicia histórica”, que ha llegado gracias al Estado autonómico, ha dicho el presidente castellanomanchego Emiliano García-Page. La definía como “la principal obra hidráulica de toda la andadura autonómica”, mediante la que, decía, “traemos agua del Tajo, no me gusta decir que traemos agua del trasvase. Es el Tajo”.

Y sobre el Tajo ha dejado un mensaje. “Que nadie vuelva a usar el término guerra del agua. Es traicionero. Se ha usado pero no ha habido guerra nunca. Ha habido una lucha política, legítima y democrática”.

Ubicada en el centro de la provincia de Ciudad Real, en Castilla-La Mancha, Almagro mantiene una configuración urbana vinculada a su desarrollo en los siglos XVI y XVII. El núcleo histórico, declarado Conjunto Histórico-Artístico en 1972, conserva edificios civiles, religiosos y espacios públicos que permiten comprender la evolución de una villa castellana vinculada a la Orden de Calatrava y posteriormente a redes mercantiles europeas.

El origen de Almagro está relacionado con la repoblación cristiana tras la conquista del territorio por la Orden de Calatrava en el siglo XIII. Durante los siglos XVI y XVII, el municipio experimentó un crecimiento notable, en parte por la concesión de derechos mineros a familias extranjeras. Este contexto permitió la consolidación de infraestructuras administrativas, religiosas y mercantiles que todavía hoy forman parte del tejido urbano. La estructura de sus calles, la disposición de los edificios principales y la organización en torno a la Plaza Mayor reflejan esa etapa de consolidación.

La Plaza Mayor constituye el centro neurálgico del casco histórico. De planta rectangular irregular, destaca por sus soportales laterales y galerías acristaladas en las alturas, incorporadas entre los siglos XVI y XVII. Este espacio continúa funcionando como punto de encuentro, espacio de paso y lugar desde el que se articulan los accesos a los principales elementos patrimoniales de la localidad. Desde ahí se puede acceder a museos, iglesias, edificios históricos y servicios de atención turística que permiten una visita ordenada por el conjunto urbano.

Un teatro del siglo XVII que sigue en uso

El Corral de Comedias de Almagro, situado en la Plaza Mayor, es el único teatro del siglo XVII que ha mantenido intacta su estructura original. Fue construido en 1628 sobre un antiguo mesón y desde sus orígenes combinó las funciones de hospedería y espacio escénico. La configuración del edificio responde al modelo de corral de comedias típico del Siglo de Oro, con elementos arquitectónicos que se conservan en su estado original, sin reconstrucciones posteriores de gran calado.

El recinto cuenta con un patio empedrado, escenario elevado en dos niveles, galería de soportales de madera, palcos laterales y cazuela con acceso independiente. También mantiene el zaguán de entrada, el pozo, los camerinos tras la escena y una alojería, espacio destinado a la venta de refrescos. Las celosías de los aposentos superiores permiten observar el espectáculo sin ser visto, como era habitual entre los sectores sociales más privilegiados de la época.

El edificio fue declarado Monumento Nacional en 1955. Desde entonces ha sido objeto de actuaciones de mantenimiento que han respetado su tipología original. No ha sido transformado en museo ni adaptado de forma irreversible para usos distintos al escénico. En la actualidad, el Corral puede visitarse durante todo el año mediante recorridos guiados. Además, se organizan visitas teatralizadas que explican el uso histórico del espacio sin alterar su configuración.

El Corral continúa acogiendo representaciones teatrales, especialmente de obras escritas entre los siglos XVI y XVII, que se ajustan a las dimensiones y características del recinto. La disposición del escenario, la acústica y la proximidad entre actores y público condicionan el formato de las puestas en escena, que mantienen una relación directa con la tradición escénica barroca. Esta continuidad funcional es uno de los factores que distingue al Corral de otros teatros históricos conservados en Europa.

La Plaza Mayor como corazón histórico

La Plaza Mayor de Almagro presenta una planta rectangular irregular y está delimitada por dos lados con soportales sostenidos por columnas de piedra de orden toscano. Sobre estos soportales se elevan dos galerías corridas, que en su origen eran abiertas al exterior y de uso público. Actualmente, estas galerías están cerradas con acristalamientos de estilo centroeuropeo, una característica que la hace única en España. Los soportales descansan sobre 81 columnas, muchas con zapatas y capiteles ajustados con cuñas para corregir desniveles en el arquitrabe.

Estas galerías se usaban tradicionalmente como tribunas para eventos públicos, religiosos y festivos, incluyendo corridas de toros hasta su prohibición en 1785. El acceso se realiza mediante escaleras situadas en la Calle del Toril y el Callejón del Villar, además de pequeñas puertas desde los soportales. La plaza está cerrada por el Ayuntamiento y un pequeño jardín dedicado al conquistador Diego de Almagro, que completan este espacio central de la localidad.

La bailaora Cristina Hoyos, la primera artista ajena al ámbito teatral en recibir el premio Corral de Comedias en sus dos décadas de existencia, ha dicho que recibir este galardón sobre las tablas del emblemático escenario de Almagro, santuario del teatro clásico en España, es algo para ella “muy bonito y entrañable”.

En un encuentro con los medios de comunicación este jueves, en el que ha estado acompañada por la directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Irene Pardo, Hoyos ha recordado visiblemente emocionada cómo su relación con la danza nació apenas cuando tenía 10 años y, desde entonces, no ha parado de llevar su arte por todo el mundo.

Hoyos ha recordado su procedencia humilde y cómo aprendió a bailar siguiendo los pasos de las grandes figuras de su tiempo, entre las que ha citado a Lola Flores.

La bailaora y coreógrafa ha recordado su relación con el Corral Trompero en Sevilla, que se encontraba en un barrio humilde donde creció escuchando la radio y soñando con bailar.

“Mi familia era pobre, pero siempre tuve la ilusión y la pasión por el arte”, ha rememorado, asegurando que a pesar de su edad continúa vinculada al flamenco a través de su compañía y del Museo del Baile Flamenco en Sevilla.

Ha explicado cómo toda la ilusión que ha tenido por el flamenco y la danza le viene “de dentro”, de su forma de “sentir el baile”.

Lo importante en el baile “está de la cintura para arriba”

“Yo siempre he dicho que para mí lo importante está de la cintura para arriba: los brazos, las manos, los hombros, la mirada, eso es lo que de verdad transmite. Cuando era joven zapateaba, claro que sí, pero nunca he tenido un zapateado varonil como el que hacen ahora muchas bailaoras. Lo mío siempre ha sido darle vuelo al aire, moverme entera, girar, dejar que el cuerpo hable”, ha explicado.

Hoyos ha recordado cómo empezó cantando con Adelita Domingo, que le preguntó un día si prefería cantar o bailar, y ha reconocido que ella lo tuvo claro: “Lo mío era bailar”.

“Desde entonces no he parado y ha tenido palabras de recuerdo para su primer maestro Enrique el Cojo, un hombre que, a pesar de sus limitaciones físicas, ”tenía un arte inmenso y una generosidad enorme. De él aprendí que todo se puede si hay entrega“.

También ha recordado cómo ha tenido la suerte de bailar en escenarios de todo el mundo, de Madrid a Moscú, pero si se tuviera que quedar con uno, no ha dudado en asegurar que sería la ópera Garnier de París.

“Fui la primera bailaora en subirme a ese escenario tan clásico, gracias a que su director me vio bailar en un teatro de París y me dijo tienes que estar aquí”, ha afirmado.

Aquella semana, ha dicho, fue inolvidable y ha recordado cómo el telón se cerraba y abría una y otra vez mientras el público y hasta los técnicos la aplaudían sin parar.

Cristina Hoyos ha tenido también palabras para los jóvenes que empiezan en el mundo del baile, a los que le ha animado a que “se atrevan y ensayen sin descanso, que no tengan miedo de buscar su forma propia”.

Y ha asegurado que “hoy hay muchas maneras de bailar flamenco”, pero lo más importante es que “quien esté sentado en la butaca sienta algo de verdad”.

La 48 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, que arranca este jueves y se celebra hasta el 27 de julio, ofrecerá veinte estrenos absolutos y cinco nacionales, y además del premio Corral de Comedias a Cristina Hoyos, Juan Echanove recibirá el Premio Lorenzo Luzuriaga y se homenajeará a la compañía Morbaria.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro generó un impacto económico de 4,2 millones de euros en su edición de 2024, según el primer estudio realizado por la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM) en sus 47 años de historia para medir con rigor su efecto económico, turístico y social.

El avance del informe ha sido presentado este jueves por la directora del festival, Irene Pardo; por el rector de la UCLM, Julián Garde, y por el catedrático y coordinador del estudio, Juan Antonio Mondéjar. Según ha explicado el coordinador del estudio, el trabajo ha combinado una metodología estándar de análisis económico con una parte sociológica basada en más de 600 entrevistas realizadas durante la pasada edición del festival, de las que 555 han sido consideradas como “válidas”.

El estudio arroja una radiografía detallada del perfil del público, así como una estimación precisa del retorno económico que genera el festival en la ciudad y su entorno. Según los datos presentados, el impacto directo del evento --que incluye sueldos, programación y derechos de autor-- se sitúa en 2,8 millones de euros, mientras que el impacto indirecto alcanza los 124.000 euros, procedentes principalmente del gasto en restauración y hostelería.

Público fiel

A ello se suma un impacto inducido de 1,7 millones de euros, que beneficia a sectores como el audiovisual, las artes gráficas, el diseño y, nuevamente, la hostelería. En cuanto al perfil del asistente, el informe revela que se trata mayoritariamente de mujeres con alto nivel educativo y un poder adquisitivo medio-alto.

Además, el 66% del público es asiduo al festival, lo que demuestra una elevada fidelización, mientras que del 33% que lo visita por primera vez, una gran mayoría manifiesta un grado de satisfacción muy alto.

El estudio también ha analizado los motivos de asistencia y la experiencia global del público. Así, un 55% de los encuestados considera que el teatro es una vía de escape a la rutina, y un 44% lo ve como una herramienta para el desarrollo personal o una fuente de inspiración para otras actividades.

En cuanto a la forma en la que los asistentes conocen el festival, las recomendaciones de familiares y amigos siguen siendo determinantes, aunque internet y las redes sociales ganan cada vez más peso como canales de información.

Mondéjar ha subrayado que este análisis no pretende ser únicamente una rendición de cuentas, sino una herramienta útil para identificar áreas de mejora y reforzar el impacto del festival en futuros años. En este sentido, ha avanzado que la edición número 48 contará con una nueva oleada del estudio, que permitirá comparar resultados y tomar decisiones con base científica.

Datos “reveladores” que piden más inversión para el festival

La directora del festival, Irene Pardo, ha valorado los resultados del estudio como “muy reveladores”, subrayando que los datos no solo confirman que el Festival de Almagro funciona, sino que generan una demanda clara de más inversión.

Según ha expresado, el informe pone de manifiesto que el evento tiene impacto no solo en lo económico, sino también en el ámbito emocional, en la salud y en el bienestar colectivo de la ciudad.

Pardo ha señalado que el festival no puede entenderse como una simple sucesión de espectáculos, sino como un motor cultural con múltiples dimensiones, y ha hecho un llamamiento tanto a las administraciones públicas como al sector privado para que la apuesta por el festival sea firme y sostenida en el tiempo.

“Invito a las instituciones, pero también a las empresas, a que los beneficios que obtienen reviertan en este proyecto común”, ha concluido.

Este viernes se ha hecho público el acuerdo de gobierno alcanzado entre los grupos municipales en el Ayuntamiento de Almagro del PSOE y Por Almagro, suscrito el pasado 5 de mayo.

Este acuerdo fue el instrumento político que permitió la presentación de la moción de censura contra el anterior alcalde, Francisco Javier Núñez, del PP, y que culminó con la elección de Francisco Ureña Prieto, del PSOE, como nuevo alcalde en el pleno Extraordinario celebrado el 19 de mayo de 2025.

El documento recoge los compromisos de ambas formaciones para formar un equipo de Gobierno “sólido y coordinado”, así como una hoja de ruta de trabajo conjunta que tiene como objetivo principal impulsar el desarrollo del municipio en áreas clave como el patrimonio histórico, la cultura, la educación, los servicios públicos, las infraestructuras y la planificación urbana.

Entre los puntos más relevantes del acuerdo se contempla la participación del grupo Por Almagro en la Junta de Gobierno, la celebración de reuniones periódicas de seguimiento, la distribución de responsabilidades y la planificación de actuaciones concretas para los próximos años.

Ambos grupos han acordado también “garantizar la transparencia y el respeto institucional mutuo” como pilares fundamentales de la nueva etapa política.

En la radio municipal, los portavoces de PSOE y Por Almagro han manifestado que “el punto en común entre ambos partidos para firmar este acuerdo no ha sido otro que trabajar por y para Almagro” y que ambas formaciones “se comprometen a trabajar con responsabilidad, diálogo y cooperación para construir un Almagro con más oportunidades y mayor calidad de vida para todos y todas”.

El nuevo equipo de Gobierno asume este compromiso como una oportunidad para promover políticas públicas centradas en el bienestar de la ciudadanía, atendiendo a las necesidades del municipio con una gestión eficiente, participativa y orientada a resultados.

El socialista Francisco Ureña se ha convertido este lunes en el nuevo alcalde de Almagro tras la moción de censura presentada por los seis concejales con los que cuenta el PSOE en el Ayuntamiento de la localidad y respaldada por el concejal de la formación independiente 'Por Almagro', Genaro Galán.

De esta manera, los seis votos socialistas más el voto del concejal independiente han servido para desbancar al 'popular' Francisco Javier Núñez de la Alcaldía de Almagro, a la cual accedió en junio de 2023 tras el pacto entre el PP y la formación que ha hecho ahora alcalde a Ureña.

La ruptura de ese acuerdo el pasado mes de abril, cuando Núñez expulsó del equipo de Gobierno al portavoz de 'Por Almagro' y primer teniente de alcalde, ha sido el detonante del cambio de gobierno en el municipio.

Durante el debate de la moción de censura, Francisco Ureña ha defendido la legitimidad de la iniciativa, subrayando que tanto la investidura de hace dos años como la votación celebrada hoy responden a la voluntad democrática de los representantes municipales.

Ureña ha acusado al anterior alcalde de haber perdido su legitimidad de ejercicio tras quedarse sin mayoría por decisión propia, y ha lamentado que no dimitiera tras romper unilateralmente el pacto de gobierno.

El nuevo alcalde ha asegurado que en los próximos días se hará público el programa conjunto que desarrollará con 'Por Almagro', y ha defendido que este nuevo Ejecutivo local se basará en “el diálogo, la ilusión y el trabajo” al servicio de todos los vecinos.

El PSOE ganó las elecciones municipales

El escenario político que ahora cambia comenzó a configurarse tras las elecciones municipales de mayo de 2023, en las que el PSOE fue la fuerza más votada, con 2.006 votos y seis concejales, frente a los 1.961 votos y cinco ediles del Partido Popular.

A pesar de la victoria socialista, el pacto de alcaldía entre el PP y 'Por Almagro', que obtuvo dos concejales con 661 votos, permitió al popular Francisco Javier Núñez hacerse con el bastón de mando. Esa alianza, sin embargo, ha saltado por los aires menos de dos años después.

La ruptura con Galán, cabeza de lista de 'Por Almagro' y figura clave en la gobernabilidad del Ayuntamiento, ha sido el punto de inflexión que ahora allana el camino para un cambio de gobierno.

Galán, con experiencia previa en distintos equipos municipales, ha pasado de socio del PP a convertirse en el apoyo del PSOE en la moción de censura que se ha debatido este lunes.