El Festival Internacional de Cine de Almagro (AIFF) ya tiene fechas definitivas para su novena edición, que se celebrará del 31 de julio al 9 de agosto. El certamen ha presentado además el cartel oficial de este año y ha abierto la venta online de entradas para las diferentes actividades del festival.

Bajo el lema 'Cruza el Umbral', el cartel de esta edición invita a descubrir el cine desde una nueva perspectiva. La imagen refleja el espíritu de un festival que apuesta por acercar al público no solo las películas, sino también todo lo que sucede alrededor de ellas: la creación, el intercambio de ideas y la innovación audiovisual.

Durante nueve días, Almagro volverá a convertirse en un punto de encuentro para espectadores, cineastas y profesionales de la industria audiovisual.

La programación incluirá la proyección inaugural del largometraje Dos días, la Sección Oficial de cortometrajes nacionales e internacionales, el concurso de bandas sonoras Audio-Visual, la primera edición de los Vertical Awards, las jornadas profesionales Mancha Quality y actividades dirigidas a todos los públicos.

Las entradas ya están disponibles a través de Global Entradas y toda la información sobre el festival y el calendario de actividades también puede consultarse en la página web oficial del AIFF.

El festival internacional de cine de Almagro cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura a través del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, Diputación de Ciudad Real y Ayuntamiento de Almagro, además del patrocinicio de distintas empresas privadas.

Almagro andaba inquieto y eléctrico ante uno de los estrenos más esperados desde hace años. La directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Laila Ripoll, dirigía un espectáculo por primera vez desde que fue nombrada hace dos años. Ripoll se la jugaba y lo hacía con todo un reto: El Caballero de Olmedo, una de las obras más conocidas y difíciles de Lope de Vega.

Se abrió la noche en la Plaza de Almagro con un espectáculo producido por el propio festival. La propuesta giró en torno a la baraja de cartas pintada a mano que se encontró en 1950 en una posada de la Plaza de Almagro. Una baraja que dio la pista de que bajo la posada estaba enterrado el que es hoy el centro neurálgico del festival y del teatro áureo, el Corral de Comedias.

Malabares, telas aéreas, acrobacias y contorsiones abrieron esta edición en una invitación al juego que el público supo agradecer y siguió pese a que en esos momentos jugaba España su partido en el Mundial de fútbol. Una 49 edición en que la imagen del festival, creada por Judit Canela, recrea de manera colorida y contemporánea aquella baraja que acabó siendo brújula.

Ya con la noche cerrada todos los ojos se centraron en el Hospital de San Juan, sede al aire libre de la Compañía Nacional en Almagro. Un inmenso telón rojo de tul se dejaba cimbrear por el viento. No quiere ser poética esta frase, sino señalar uno de los vectores principales de esta propuesta, en las que esas inmensas gasas juegan un papel fundamental.

Ripoll presentaba con esa imagen sintética su visión de esta obra escrita en 1620, en la que Lope de Vega se inspiró en una tragedia real que se había convertido en mito popular. Alonso, caballero de Olmedo, visitando la cercana Medina conoce a una mujer, Inés, de la que se enamora. Rodrigo, vecino de Medina y pretendiente de Inés, despechado y humillado por la brillante figura del de Olmedo, acaba matándolo.

Lope une en esta obra la trama amorosa, con cierto grado de enredo y comedia, con la tragedia de este joven agraciado que, aun viéndose correspondido en amores, tiene un final funesto. Una tragicomedia donde se unen muerte y amor, destino y fatalidad, de un modo que se adelanta dos siglos al sentir romántico.

Esa misma ha sido la propuesta de Laila Ripoll: llevar el drama al espíritu romántico del XIX. El espectáculo tiene una estética subyugante. Ese tul rojo será remplazado por otros más vaporosos y negros, que son como la niebla de otro mundo y transportan al espectáculo hacia lo fantástico. El escenario geométrico del artista plástico Arturo Martín Burgos y el vestuario de Almudena R. Huertas acaban de dar ese imaginario que tanto recuerda a la película de Gonzalo Suárez Remando al viento.

La estética del espectáculo, además, se apoya en el trabajo de vídeo de Álvaro Luna, que va enfatizando cómo la obra pasa del juego a la pesadilla, de la vida amorosa al canto fúnebre. Una pintura de un paisaje se proyecta en la escenografía metálica, un horizonte romántico que recuerda a aquel cuadro de Caspar David Friedrich, El caminante sobre el mar de nubes. Ripoll marca mucho la estética para conseguir convertir a ese Cabellero de Olmedo en un Lord Byron castellano.

La obra comienza ligera con su trama amorosa y sus versos limpios a ritmo de juego juvenil y vivo, pero la directora aprovecha cualquier ocasión para anunciar, presagiar, lo que se viene. Ya en el primer encuentro entre Alonso y Fabia (la alcahueta que interpreta una estupenda Arantxa Aranguren), la directora deja caer las primeras gotas góticas acercando todo lo que puede a Fabia hacia la brujería y lo fantástico. Esa Fabia ya no solo bebe de la Celestina de Fernando de Rojas, sino también de los cuentos de terror de E.T.A. Hoffmann.

Del romanticismo al terror

La polimetría de la obra —los narrativos romances, las sentidas décimas y las amorosas redondillas— son acometidos con más que solvencia por todo el elenco. El verso se dice claro, musical y con intención semántica. Se nota la mano de Eva Rufo y el saber de la propia directora. Se nota también la maestría de actores como David Lorente, que se divierte como nadie con los versos de Tello, el criado de Alonso.

Pero Ripoll lleva su apuesta más allá en la segunda parte y quiere pasar del romanticismo al terror, entrar en territorio gótico. La obra lo acepta, y el tercer acto tiene apariciones, fantasmas y es de claro sentir negro. Pero la alquimia teatral es caprichosa y el espectáculo no acaba de eclosionar.

La Compañía Nacional no había producido esta obra desde 1990, cuando Miguel Narros la dirigió. Es curioso que el primer director de la Compañía, Adolfo Marsillach, no decidiera montarla. No es una obra fácil y la dificultad no la dan los versos, que también, sino ese tránsito de la comedia hacia una tragedia de naturaleza moderna. El Caballero de Olmedo es la tragedia de un joven Werther castellano donde el ideal de lo bello se enfrenta a la muerte. Hoy, el recuerdo de los que la vieron el montaje de Narros es dadivoso, dicen que el Alonso que interpretó Carmelo Gómez era magnífico. Leyendo las críticas de la época, uno puede deducir que la memoria es más generosa que el juicio desde el presente.

Se podría argüir que las interpretaciones de los más jóvenes es una de las causas por las que el montaje no acaba de despegar. Pero esa razón es demasiado fácil. Tanto Víctor Saiz como Alonso, Elisabet Altube como Inés y Jorge Varandela como Rodrigo están a la altura. Aunque también es cierto que esta obra gravita sobre Alonso, sobre ese caballero que debe encandilar a los enamoradizos, subyugar a los aprendices de Rilke y hacer suspirar a los mayores.

Es lo que tienen los estrenos, son complicados, engañosos, hay que dejarlos respirar. No está dicho todo en este montaje que tras Almagro llegará a la sede madrileña de la Compañía, el Teatro de la Comedia; y que, si bien en su estreno no voló en emoción trágica, desplegó maneras, sabiduría escénica y potencia estética.

Laila Ripoll es quizá una de las personas del teatro que mejor conoce la obra de Lope de Vega. Su compañía, Micomicón, nació del brazo de este autor. Primero serían Los melindres de Belisa en 1992, luego llegarían El acero de Madrid, Mudarra… Ripoll nació con Lope, siempre anduvo con él y con él posiblemente acabe su carrera. Y este Caballero trastocado, lanzado a esa Inglaterra del XIX de los Shelley y Byron, es una enigmática rareza a paladear.

La Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) cumple en este 2026 cuatro décadas de vida y lo celebrará en la 49ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, que arranca este jueves 2 de julio con el estreno absoluto de ‘El caballero de Olmedo’, de Lope de Vega.

El festival de la localidad de Ciudad Real, su Corral de Comedias y la compañía teatral son un conjunto 'clásico' desde hace casi medio siglo.

Irene Pardo, directora del festival, ha celebrado el “hermanamiento intenso, emocionante y muy cómplice” entre las dos instituciones y ha felicitado compañía teatral por su 40 aniversario y a Laila Ripoll, su actual directora, por “un año intensísimo de trabajo al frente de la compañía”. Pardo ha destacado también que cuatro de las cinco direcciones de los espectáculos de la Compañía en esta edición son de mujeres, “algo que está en sintonía completamente con lo que estamos trabajando desde el Festival”.

La programación conjunta de ambas instituciones la desgranaba Laila Ripoll. Son siete propuestas desde un Lope “tremendo” como es ‘El caballero de Olmedo’, ‘Laurencia’, de Alberto Conejero con dirección de Aitana Galán; ‘Préstame tus palabras’, un trabajo de mediación dirigido a estudiantes de secundaria; ‘La vengadora de las mujeres’, coproducida con Teatro del Temple; ‘El escondido y la tapada’ de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico; y ‘Bruja!’, con dirección y coreografía de Manuela Barrero dlcAos, además de la exposición de los 40 años de la CNTC centrada en la estrecha relación con Lope de Vega, comisariada por Cristina Santolaria.

‘El caballero de Olmedo’ es, en palabras de Laila Ripoll, “un héroe más del siglo XIX que del siglo XVII”, con una obra en la que ha querido incidir especialmente “en la parte de historia sobrenatural, de cuento de miedo, y al mismo tiempo en la parte folclórica”.

Su protagonista es Víctor Sáinz, que ha reconocido que afronta el reto “entre el amor y el miedo, como el propio caballero” aunque asegura sentirse “muy bien acompañado por compañeros y compañeras”. Entre ellos, David Lorente, que interpreta a Tello, y ha destacado que “el proceso de trabajo ha sido muy gustoso en el mejor sentido” lo que les ha permitido “escarbar en un función de este tío que sabía muy bien lo que escribía y sabía muy bien dibujar personajes”, en referencia a Lope de Vega. Del mismo modo, Arantxa Aranguren, que da vida a Fabia, ha hecho hincapié en la “belleza de las imágenes” del montaje y el trabajo exhaustivo del equipo: “Hemos estado rodeadas de asesores para cantar, de asesoría de verso, y un equipo técnico increíble”.

Por su parte, Ana Wagener, que protagoniza ‘Laurencia’, se ha mostrado “muy emocionada y súper nerviosa” en su regreso a Almagro. “El texto me atravesó de lado a lado cuando lo leí”, asegura: “Lo encarno desde el más absoluto corazón, o sea, me abro en canal”. “No es una revisión de ‘Fuenteovejuna’ sino que a partir del personaje de Laurencia hace un repaso del antes, el durante y el después”. Wagener va acompañada a la guitarra por Antonia Jiménez, con la que establece un diálogo en escena.

Beatriz Argüello dirige a la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico en ‘El escondido y la tapada’, con versión de Carolina África. “Es un Calderón ya maduro en su escritura, en su dramaturgia, un Calderón delirante. Siempre se le asocia con los grandes dramas y los autos sacramentales y de pronto aquí nos encontramos a un Calderón guasón en la típica comedia de capa y espada”, explica: “Es un texto idóneo para la Joven Compañía”. “Me encontré con 12 actores y actrices en estado de gracia, con una alegría y un saber hacer que me lo pusieron muy fácil. Para algunos es su primer Almagro y va a ser una experiencia brutal e inolvidable”.

Manuela Barrero dlcAos ha presentado ‘Bruja!’, una coproducción que traslada el verso del Siglo de Oro al lenguaje de la danza. “Son tiempos muy difíciles para la danza en la que se le cierran puertas y este año ha ocurrido la magia que las puertas se nos han abierto”, ha dicho emocionada. “Me interesaba ponerme literalmente la piel de esas mujeres, encontrar una poesía increíble, una rebeldía, un entendimiento de lo que ocurría en el universo femenino en el teatro del Siglo de Oro. Y así lo queremos bailar y contar”.

Finalmente, en coproducción entre la CNTC y Teatro del Temple de Zaragoza llega también a Almagro ‘La vengadora de las mujeres’, de Lope de Vega, con dirección de Carlos Martín. “Lope nos presenta un personaje femenino fuerte e inteligente que se rebela contra una sociedad que impone a los hombres”, ha adelantado al tiempo que ha puesto en valor al elenco encabezado por Silvia de Pé, José Vicente Moirón, Itziar Miranda o Lorena Berdún, entre otros.

María López Insausti, dramaturga del espectáculo junto a Alfonso Plou, ha incidido en que se trata de “un texto muy poco conocido, prácticamente no llevado a escena, que ha sorprendido mucho porque hace un tratamiento de la mujer muy especial: reivindica su papel como ser inteligente, sensible y social, y denuncia todo lo que el hombre le ha estado bloqueando durante siglos”. López ha subrayado que Lope “entiende perfectamente que las mujeres ya eran cultas, inteligentes y formadas, pero no se las veía, se las tapaba”.

Una exposición visibiliza la presencia de la mujer en el Siglo de Oro

Al hilo de esta reflexión, Irene Pardo ha recordado que durante todo el Festival se podrá visitar la exposición ‘Hacer realidad lo fingido y verdadero lo aparente’, en la Casa Palacio Juan Jedler, que viene a “desmontar la idea de que las mujeres no estaban” en el Siglo de Oro.

“Somos el fruto de una historiografía absolutamente androcéntrica”, denuncia Pardo, que ha detallado un trabajo de genealogía de mujeres y oficios en el Siglo de Oro: desde nodrizas o amas, pasando por vendedoras, lavanderas y trascendiendo ya a impresoras como María de Quiñones o científicas Olivia Sabuco. La muestra incluye además una capa de mediación con institutos, en la que estudiantes de 16 y 17 años han intervenido figuras de mujeres del Siglo de Oro identificando sus propios referentes femeninos.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro está impulsado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y la Dirección General de Artes Escénicas y Música (DGAEM) del Ministerio de Cultura, la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha (JCCM), la Diputación Provincial de Ciudad Real (DPCR), el Ayuntamiento de Almagro, la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM), la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) y el Museo Nacional de Artes Escénicas (MNAE).

Pepe Viyuela es payaso. Lo es a mucha honra. El actor lleva décadas reivindicando que payaso no es un insulto. Es mucho más que una profesión, es una forma de estar en el mundo. Una que reivindica la inocencia, la duda y hasta la ternura, pero sin perder las ganas de luchar y de cambiar las cosas. Quizás haya sido ese vínculo con el clown lo que ha hecho que logre una coherencia que apabulla. Pepe Viyuela es uno de esos actores en los que lo que dice y lo que hace van de la mano, y no es tan fácil.

Ha reivindicado lo popular desde el arte. Pero sin que eso signifique trivial o inofensivo, sino algo que pueda atravesar a todos de una forma horizontal, porque si en algo no cambia es en su creencia de que el teatro y el arte pueden cambiar el mundo. Él lo ha intentado siempre, desde aquel mítico número de la escalera, desde que creara hace más de 30 años su compañía El vodevil, hasta ahora, donde se mantiene en activo con las mismas ganas de jugar… y de incomodar.

Por todo ello, y por una carrera sin fisuras, el Festival de Teatro Clásico de Almagro le ha reconocido con su premio Corral de Comedias, un galardón que hace referencia al mítico espacio teatral de la localidad que para Viyuela es “un símbolo” y “un espacio de renacimiento del teatro”. Un corral descubierto casi por azar que se convierte en un “ave fénix” que invoca el espíritu del teatro desde que se creó, un teatro que ofrece la posibilidad de conectar unos con otros para buscar soluciones a problemas que, por desgracia, siguen siendo muy parecidos. Poco antes de acudir a recoger su galardón, Pepe Viyuela visitó la redacción de elDiario.es para hablar de su carrera, del compromiso del actor y de lo que es, para él, el éxito.

¿Tiene muchos recuerdos en ese Corral de Comedias?

Tengo recuerdos de espectador y como actor con algunas funciones. Las noches en el corral son inolvidables porque el lugar, esa caja mágica, yo creo que impresiona a todo el mundo, tanto al que va como espectador como al que va como actor a contar la historia. En ese lugar yo diría que siempre es un éxito, incluso si la función no es muy buena, solo con detenerte a mirar los artesonados, a escuchar cómo suena aquel espacio, e incluso a ensoñar y a sumergirte en el pasado y a pensar que el teatro es un ritual que llevamos a cabo los seres humanos desde tiempos inmemoriales. Es algo hermoso y provoca unas sensaciones muy bonitas. Y luego el festival es una fiesta.

Tanto en Almagro como en Mérida se reivindican los clásicos, pero nos hablan del presente. Tengo la sensación de que el teatro nunca ha perdido de vista los clásicos como forma de contar el momento actual, ¿es importante conocer los clásicos?

Sí, porque de algún modo tranquiliza, aunque también desasosiega, pensar que hemos seguido cometiendo los mismos errores. Tranquiliza saber que tenemos a gente que ha escrito antes sobre la condición humana y que aportaron soluciones que yo creo que siguen siendo válidas: la ética, el compromiso, el respeto a los derechos humanos… Todo eso está presente de una u otra manera. Los de las mujeres es verdad que no aparecen hasta mucho después y probablemente todavía no estén en vigencia ni en uso. Pero sí que tenemos que asomarnos constantemente a los clásicos, porque ellos hablaron de lo mismo que nos pasa y probablemente con mayor conocimiento, mayor sosiego y mayor calma de lo que nosotros nos podemos permitir hoy.

Aitana Sánchez-Gijón contaba que el teatro es el arte que seguro va a resistir a amenazas como la Inteligencia Artificial. 

Las personas que nos dedicamos al teatro reflexionamos mucho sobre esto y creo que estamos intentando hacer un coto, cerrar el acceso a estas tecnologías precisamente por el hecho de que podemos permitírnoslo, porque no es cine ni televisión, y nuestra imagen en el teatro permanece durante el tiempo que permanece y después desaparece. Tiene la fugacidad de la propia existencia y, por lo tanto, hasta ahora hemos conseguido mantenernos al margen de esta espiral digital que nos envuelve, nos atrapa, nos enreda y nos complica la vida. 

En el teatro seguimos teniendo la suerte de poder asistir a una ceremonia. Algo ancestral que se remonta a los primeros tiempos de la humanidad. Eso no ha cambiado durante miles de años y hasta ahora, afortunadamente, lo digital no ha entrado demasiado. Y confiemos en el teatro como reducto privilegiado del contacto directo entre las personas y de la huida absoluta de todo lo que tenga que ver con este mundo digital que nos ha complicado la vida en la medida en que se ha convertido en un mundo de control absoluto, de vigilancia permanente, de odio expuesto abiertamente en las redes sociales, de falsedades, de mentiras… Mientras podamos permanecer al margen de esto, yo creo que nos salvaremos el pellejo.

¿Ha cambiado cómo se enfrenta un actor a su trabajo y a una entrevista por las redes sociales?

Sí, inevitablemente piensas que todo lo que digas puede ser y va a ser, en muchos casos, utilizado en tu contra. Pero yo intento, y hablo por mí, preservar mi derecho y mi deseo de mantenerme firme en que es importante opinar. Hacerlo sabiendo que, evidentemente y probablemente, vas a estar equivocado y que tu opinión puede ser corregida o matizada por las opiniones de otros, pero prefiero no censurarme a mí mismo. No pensar en que hay que tener mucho cuidado con lo que dices, porque a lo mejor prefiero no tener cuidado y que se enfangue todo lo que se tenga que enfangar. Este mundo ya está lo suficientemente enfangado con las redes sociales y la desinformación. Yo mantengo mi deseo y mi voluntad de expresar lo que pienso en cada momento. Me parece que si tengo miedo a contar lo que pienso, ya sí que me han derrotado.

También esos ataques en redes sociales muchas veces son para que no se politicen, no hablen… Eso ya lo ha vivido en otros momentos, y pienso directamente en el 'No a la guerra'. Parece que vuelve un poco ese señalamiento cuando uno se posiciona… o quizás nunca se ha ido.

Yo creo que nunca se ha ido. Y creo que siempre hemos estado aconsejados por instancias muy diversas, por la familia, los amigos, los compañeros, que dicen no te compliques la vida. Complicarse la vida es precisamente no opinar, y por eso yo hace tiempo que no tengo redes sociales, ni las uso ni las quiero y te diría que las detesto. Me parece un lugar del que hay que salir. Creo que es una taberna en la que ya todo el mundo está borracho y en la que se respira mal y de la que es mejor irse a pasear, a conversar tranquilamente con alguien con quien te encuentres, o a estar en soledad. Las redes sociales se han convertido en tabernas infames donde lo menos que te puedes encontrar es un navajazo, insultos. Yo prefiero mantenerme al margen y prefiero seguir mi camino fuera de ellas y con quien me encuentre fuera de ellas. Hablar de lo que sea abiertamente. E insisto, sabiendo que puedo y seguramente estaré equivocado, pero que tengo mi opinión sobre las cosas que se pueden matizar y que se pueden contrastar. 

¿Afecta también al teatro que se hace? El teatro siempre ha estado pegado a la urgencia. 

No. El teatro está de algún modo al margen, en el mejor de los sentidos. Al no ser un espacio especialmente interesante para los mercantilistas, los que buscan exclusivamente el dinero en aquello que hacen, y ser un espacio más para la libertad de creación. Evidentemente, existe un teatro que busca fundamentalmente dinero. Pero hay otro tipo de teatro, que es el que a mí me resulta el más interesante, que es en el que se puede pensar, en el que se puede opinar y que se hace con muy poco dinero, con lo cual te encuentras en un espacio artesanal y de alguna manera también muy revolucionario en el sentido de que no está sometido, o al menos no tanto, a las reglas del mercado. Podemos contar las mismas historias que se cuentan en el cine, pero sin la presión de aquellos inversores que te pueden decir no cuentes esto, porque a lo mejor entonces perdemos espectadores.

En el teatro somos más libres y creo que en esa medida merece más la pena vivir ahí, en ese lugar de espacio de libertad. Hablábamos antes de la ceremonia, pero también tiene mucho que ver con el encuentro directo con el público, con ese encontrarse y respirar juntos el mismo espacio que no se vive en el cine ni muchísimo menos en la televisión. El teatro, sin que esto sirva para colocarlo en un lugar elitista, sino todo lo contrario, es un lugar para la reflexión, un lugar tranquilo y un lugar para aquellos que saben degustarlo y que quieren huir del ruido y encontrarse con la reflexión, la emoción directa en un espacio íntimo.

Siempre que se habla de Pepe Viyuela se menciona la palabra payaso, ese término tan denostado y que usted siempre ha defendido mucho.

Hace unos minutos aplicábamos el término revolucionario al teatro y es aplicable al payaso. El payaso es un personaje que va a la contra de la corriente constante en la que vivimos de desear el éxito a cualquier precio. El éxito que nos empuja a ocultar aquello que es más humanamente nuestro, nuestros defectos, nuestras debilidades. Parece que para ser exitoso hay que ser fuerte, hay que ser resistente. El payaso reivindica que puedes triunfar siendo imbécil, siendo estúpido. El payaso es el ser estúpido por excelencia que se equivoca, pero que, en cambio, a través de sus errores y de sus fracasos, consigue provocar momentos de hilaridad y, por lo tanto, de esperanza en el público asistente. Es una recuperación de lo humano en el mejor de los sentidos.

Ser exitoso en esa terminología tan utilizada por muchas universidades, por muchos discursos políticos y económicos, yo creo que nos acerca al cíborg, a ese ser aparentemente perfecto, pero carente de sentimientos. Cuando dejas entrar la emoción en ti, cuando la dejas brotar, te conviertes en un ser vulnerable, en un ser que se equivoca, en un ser que tropieza, en un ser que pide perdón, en un ser que reconoce sus errores. Yo quiero ser un payaso toda la vida porque es lo más cercano que puedo tener a volver a ser niño. Y creo que es un lugar a recuperar. Por eso no me canso de decir cuando me preguntan, '¿te ponemos como actor, te ponemos como payaso?', ponme como quieras, pero lo de payaso no lo consideraré nunca un insulto. Yo lo considero un halago y me parece que mientras viva seguiré buscando en la esencia del payaso mi lugar en el mundo.

En un momento de figuras mesiánicas y autoritarias ser payaso es casi lo opuesto.

Absolutamente. ¿Hay alguien más ridículo que Donald Trump? Creo que no. Creo que es el ser más ridículo de la Tierra. Y él se reivindica como exitoso. Me parece un patán, me parece un torpe, me parece un estúpido. El problema es que ha llegado a un tal grado de confianza en sí mismo y de acumulación de tanto poder que se ha vuelto peligroso. Pero si no fuera por el peligro que conlleva, todos nos estaríamos riendo de sus gilipolleces, de las tonterías que dice, de sus excesos, de esas fanfarronadas, esas bravuconadas que hablábamos antes de la taberna. Si en el bar escuchas hablar a alguien como Donald Trump ni miras para atrás, piensas ‘Ese tío es idiota’.

El mayor fracaso del planeta en estos momentos es estar consintiendo que alguien como él ocupe el lugar que ocupa. Es un gran fracaso, hay que reconocerlo y hay que intentar enmendarlo y evitarlo. Y no sé cómo lo vamos a hacer, pero no pierdo la esperanza de que este hombre desaparezca y deje de estar donde está y deje de tener tanto poder. Y que en algún día toda esta gente que le idolatra se dé cuenta de lo estúpido que es y además lo peligroso que es.

¿El arte tiene alguna responsabilidad?, ¿puede cambiar algo?

Yo creo que sí y que no es una ingenuidad. Pienso que el teatro es ahora mismo un elemento revolucionario y es un elemento potente de cambio. Si conseguimos sencillamente llevar adelante funciones que hablen en contra de todo lo que nos molesta, estamos consiguiendo grandes victorias. Depende de cómo midamos, del baremo que apliquemos a los logros. Pero yo prefiero ser utópico y pensar que no estoy equivocado. Sí creo que el mundo todavía se puede cambiar. Yo no soy un general a cuyas órdenes obedezcan ejércitos. No tengo millones y millones de euros que me hagan ser considerado como alguien respetable. Pero sin tener todo eso también se puede ejercer influencia, se pueden ejercer movimientos que cambien el pensamiento. Y creo que las grandes obras y las grandes conquistas han empezado por algo pequeño. Yo ahora mismo no considero naíf el hecho de pensar que una función de teatro pueda estar cambiando la forma de pensar y de ver las cosas de un número reducido de personas. Creo que hay que ser infatigable. Creo que hay que luchar, creo que hay que trabajar y no dejarse abrumar por los números.

Ha mencionado varias veces la palabra éxito, ¿qué es para usted el éxito?

Nos han escrito también que ser exitoso es tener mucho dinero, es tener poder, es tener influencia en otros. Yo creo que el éxito, a lo mejor resulta muy ingenuo, es mantenerte firme en aquello que piensas. Actuar conforme a tus principios, no dejarse corromper y tener amigos que te duren y a los que no hayas traicionado y que tampoco te hayan traicionado. Tener un entorno social en el que moverte, que confíe en ti y en quien confiar. Creo que esos son elementos de éxito. El hecho de tener mucho dinero o tener un gran coche o no sé, saber moverse en bolsa, a mí no me parece un éxito. A mí me parece que eso es saber jugar determinadas cartas que yo no sé jugar, pero que dentro de mi fracaso con respecto a estas cosas, yo sí me considero una persona con éxito. Me he equivocado muchas veces, pero ahora mismo estoy tranquilo y eso, la tranquilidad y la calma, creo que es un éxito.

¿En una carrera tan larga es difícil mantener la coherencia?

Yo creo que no, siempre y cuando tengas a lo que agarrarte. Si tú tienes unas convicciones y unos principios… siempre pueden moverte la silla y siempre puedes arrepentirte de no haber hecho esto o aquello, o de no haberte puesto de rodillas en algún momento. Puede ocurrir, pero yo es que tampoco creo que haya sido un referente. Para nada. Creo que simplemente he vivido conforme a lo que en cada momento me parecía que debía hacer, equivocándome y a veces arrepintiéndome. Quizás como nunca he estado en el ojo del huracán, pues a lo mejor ha sido fácil para mí mantenerme en una cierta coherencia. Por eso digo que no ha sido difícil. A lo mejor si ocupas un puesto de poder enorme resulta más difícil ser coherente, porque los vaivenes, los empujones y las tormentas te pueden afectar más.

¿Ha cambiado mucho el Pepe Viyuela del número de la silla o la escalera, el que montó El vodevil hace 30 años o sigue siendo en esencia ese mismo actor que salía a jugar al escenario?

Yo creo que ese es uno de los elementos que más firmemente he mantenido. La idea de que lo que hacía en mi trabajo tenía que divertirme. Y ha habido momentos en los que me he equivocado y no me divertía y he tenido la suerte de poder dejarlo y poder reconducir. Y he encontrado siempre o casi siempre en el teatro esa posibilidad. Me he hecho más viejo y probablemente en muchas cosas no tenga nada que ver con aquel jovencito que fui cuando empecé a hacer los números de la silla y la escalera, pero la silla y la escalera me siguen acompañando. Sigo aprendiendo de ellas, me siguen divirtiendo. La gente se sigue riendo con ello. Entonces hay espacios que no he abandonado nunca y otros en los que entré y decidí marcharme. Creo que estoy donde quería estar aquel estudiante de arte dramático que estaba estudiando para ser actor.

Entrevista completa

La Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM) participará en la organización de la XXVIII edición del Festival Internacional de Teatro Escolar en Español, que se celebrará en 2027 en Almagro (Ciudad Real). La iniciativa contribuirá al fortalecer la proyección internacional de la institución y su estrategia de atracción de estudiantes procedentes de las Secciones Bilingües españolas en Europa.

El anuncio se realizó durante la clausura de la XXVII edición del certamen, celebrada en Madrid, con la participación del rector, Julián Garde, y del vicerrector de Política Internacional y Alianzas Globales, Raúl Martín. La próxima edición será fruto de la colaboración entre el Ministerio de Educación, Formación Profesional y Deportes, la UCLM, el Ayuntamiento de Almagro y la Diputación Provincial de Ciudad Real.

El rector destacó la relevancia de que Almagro acoja este encuentro internacional. “La elección de Almagro supone una oportunidad extraordinaria para conectar el talento joven europeo con uno de los escenarios más emblemáticos de la historia del teatro español. El Corral de Comedias ofrecerá un entorno único donde patrimonio, educación e internacionalización convivirán para fortalecer el papel de Castilla-La Mancha como punto de encuentro de la cultura en español”, señaló.

La elección de Almagro supone una oportunidad extraordinaria para conectar el talento joven europeo con uno de los escenarios más emblemáticos de la historia del teatro español

Julián Garde — Rector de la UCLM

Por su parte, el vicerrector Raúl Martín subrayó el valor estratégico que tienen las Secciones Bilingües para la UCLM. “La internacionalización comienza mucho antes de que un estudiante llegue a la universidad. Las Secciones Bilingües representan desde hace más de treinta años una de las iniciativas más importantes de la acción educativa en el exterior. Sus estudiantes, objetivo prioritario, disponen de un excelente dominio del español y un enorme potencial académico”, afirmó.

Martín recordó que la UCLM puso en marcha en 2022 el programa ADRIT (Atracción, Desarrollo y Retención Internacional del Talento), orientado a atraer, acompañar y favorecer el desarrollo académico y profesional de estudiantes internacionales. Asimismo, destacó que este curso se gradúa la primera promoción de estudiantes internacionales incorporados a través de este programa y que seis nuevos estudiantes procedentes de las Secciones Bilingües comenzarán sus estudios de grado en la UCLM el próximo curso.

La designación de Almagro como sede del certamen permitirá vincular uno de los principales referentes mundiales del patrimonio teatral con un programa educativo europeo que promueve el aprendizaje del español, el intercambio cultural y la movilidad académica.

En este contexto, la UCLM consolida su colaboración con el Ministerio de Educación en una iniciativa que combina cultura, educación e internacionalización y que contribuye a reforzar la proyección exterior de Castilla-La Mancha.

Durante la edición celebrada este año en Madrid participaron doce grupos teatrales procedentes de Bulgaria, Rumanía, Polonia, Hungría, República Checa y Eslovaquia, integrados por cerca de un centenar de estudiantes y docentes del programa de Secciones Bilingües del Ministerio de Educación, Formación Profesional y Deportes.

La ministra de Vivienda y Agenda Urbana, Isabel Rodríguez, y la directora de la Fundación del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Irene Pardo Molina, han firmado un protocolo de colaboración.

A través de este acuerdo, ambas entidades se comprometen a actuar en la promoción y la difusión del patrimonio arquitectónico nacional y la divulgación del teatro, la literatura y la cultura del Siglo de Oro español, planteándose así un punto de encuentro entre la arquitectura y las artes escénicas.

Este acto ha coincidido con el debate y la convalidación en el Congreso de la declaración como acontecimiento de excepcional interés público de la 50 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro.

La declaración reconoce el carácter “singular e irreemplazable” del festival, principal evento cultural de Castilla- La Mancha y uno de los más destacados del país y del mundo en su especialidad.

El Gobierno de Castilla-La Mancha llevará a cabo una auditoría para conocer el estado de las infraestructuras que conectan la Tubería de la Llanura Manchega con los municipios del Campo de Calatrava, Ciudad Real y Damiel. El presidente Emiliano García-Page ha visitado este lunes las obras en Daimiel, donde ya se ha terminado ese ramal. Desde hoy se comienza con el segundo, el que conecta con Almagro.

Desde allí, el vicepresidente segundo, José Manuel Caballero, ha referido que la inversión para estas obras es de 95 millones de euros, pero que el montante final será de unos 120 millones.

Ha explicado que una vez que el agua llegue hasta los depósitos reguladores, después hay que conectarla con los depósitos de cada uno de los municipios. Ese es el motivo por que el Gobierno regional va a elaborar la mencionada auditoría: quiere conocer el estado en el que se encuentran las canalizaciones e infraestructuras para la distribución de esta agua hasta llegar a cada uno de los municipios y desde los municipios a cada uno de los domicilios.

En la visita a las obras, también con la presencia de la consejera de Desarrollo Sostenible, Mercedes Gómez, y varios alcaldes de los municipios que van a tener el agua garantizada en condiciones “de calidad y cantidad” gracias a esta infraestructura, José Manuel Caballero ha manifestado que el abastecerse de la Tubería de la Llanura Manchega en el campo de Calatrava, en Daimiel y, por supuesto, si fuera necesario en Ciudad Real, tiene también un impacto medioambiental. “Es una infraestructura estratégica que va a beneficiar directamente a más de 150.000 habitantes”, ha recordado.

“Se dejará de detraer, en el caso de Daimiel, un hectómetro cúbico que ahora mismo se obtiene del acuífero; y en el caso de los municipios del Campo de Calatrava y lo que ha sido el sistema de la Vega del Jabalón, que cuando no tenía agua ha tenido que tirar de pozos de emergencia, hablamos de entre dos y tres hectómetros cúbicos de ahorro para el acuífero”, ha explicado.

De manera que, la puesta en funcionamiento de este sistema, tal y como ha señalado Caballero, “además de agua en cantidad y en calidad para estos 150.000 vecinos, puede suponer también un ahorro al acuífero de hasta cuatro hectómetros cúbicos que es también una buena noticia”.

Caballero ha destacado que se da respuesta a una demanda histórica de la provincia, impulsando una infraestructura que aporta “certidumbre, estabilidad y oportunidades de futuro a los municipios beneficiarios”. “Estamos cumpliendo con hechos los compromisos adquiridos por el presidente García-Page con la ciudadanía, garantizando un recurso esencial como es el agua en cantidad y de calidad para la mejora de vida y el bienestar de los ciudadanos”, ha afirmado.

Además, se ha avanzado que ya se ha adjudicado, por 5,2 millones de euros, a la empresa Aqualia el contrato de operación, mantenimiento y conservación de todos los ramales que están en funcionamiento en la zona nororiental. Una labor que hasta ahora venía realizando Tragsa mediante una encomienda de gestión.

Este sistema abastece a un total de 13 municipios: Belmonte, El Pedernoso, El Provencio, Las Mesas, Las Pedroñeras, Los Hinojosos, Mota del Cuervo, Minaya, Pedro Muñoz, San Clemente, Socuéllamos, Villamayor de Santiago y Villarrobledo, dando servicio a aproximadamente 76.375 habitantes.

Petición de cuatro ramales

Por su parte, la consejera de Desarrollo Sostenible, Mercedes Gómez, ha informado que han solicitado al Gobierno de España que en el cuarto Ciclo de Planificación Hidrológica incorporé el resto de los ramales establecidos en la Llanura Manchega “a través de los proyectos correspondientes, bien de la Confederación Hidrográfica del Guadiana, bien de la propia Aquaes”.

Al respecto, ha subrayado que son “infraestructuras necesarias que deben ser acometidas en estos próximos años”, detallando que, se trata de “cuatro ramales que darían servicio y desarrollo a más de 100.000 nuevos habitantes, fundamentalmente de las provincias de Cuenca, Ciudad Real y Albacete”.

Ha continuado la consejera apuntando que precisamente garantizar el abastecimiento de agua y depuración de las aguas residuales a los municipios “requiere de un ambicioso programa e inversiones reales en infraestructuras hidráulicas como las que estamos desarrollando en estos momentos en Castilla-La Mancha a través de la entidad de derechos público Infraestructuras del Agua de Castilla-La Mancha, con un presupuesto de 90,9 millones de euros de presupuesto este año”.

“Este tipo de inversiones aseguran algo tan básico como el agua potable, en municipios que llevan años dependiendo de infraestructuras con muchas dificultades”, ha recordado la consejera, que ha añadido que “nuestro objetivo es que ningún municipio tenga esas dificultades para asegurar el suministro de agua potable, especialmente en los periodos de mayor demanda y en un contexto como el que vivimos de cambio climático”.

Es por ello que, según ha remarcado Gómez, el Gobierno regional está realizando un importante esfuerzo inversor para hacer realidad esta infraestructura al Campo de Calatrava, que tiene un plazo de ejecución de dos años y cuya finalización está programada para junio de 2028, gracias al convenio de 95 millones de euros suscrito por la Sociedad Mercantil Estatal Aguas de las Cuencas de España (ACUAES) y la entidad de derecho público Infraestructuras del Agua de Castilla-La Mancha, con un presupuesto cofinanciado con fondos FEDER 2021-2027, dentro del Programa Plurirregional de España.

Junto a esta inversión, el Gobierno regional también trabaja en mejorar el abastecimiento de agua potable a los municipios de Castilla-La Mancha con otras muchas actuaciones que, este año, ascienden a 12,6 millones de euros en 16 actuaciones en todas las provincias. En el caso concreto de Ciudad Real, se está licitando las obras del nuevo abastecimiento de Torrenueva y Castellar de Santiago, mejoras abastecimiento Campos Montiel, la conducción Quejigo Gordo-Sondeo Chillón y el Sistema de Abastecimiento Bullaque.

Las obras avanzan desde el pasado mes de abril

Construcciones S.A.-Martín Casilla S.L.U. está trabajando en el ramal 8A-B de Llanura Manchega, en el término municipal de Daimiel. Han incorporado tuberías de fundición con diámetro 800 mm, lo que ha permitido, tras la excavación de zanja, iniciar su instalación en el ramal, cercano al punto de conexión con el ramal existente Casa Bolote-Ciudad Real.

Los trabajos en el resto de los ramales están condicionados en estos momentos por las limitaciones ambientales establecidas durante los periodos de nidificación de aves esteparias (meses de febrero a agosto ambos inclusive), la protección de elementos etnográficos detallados en el proyecto y la realización de sondeos arqueológicos en diferentes puntos de la traza.

Esta infraestructura está formada por ocho nuevos ramales de abastecimiento de 67 kilómetros, configurando una red moderna, eficiente y preparada para responder a las necesidades presentes y futuras de los municipios.

Gómez ha recordado que, una vez finalizadas las obras, Infraestructuras del Agua de Castilla-La Mancha asumirá la explotación y gestión del sistema, tal y como ya ocurre con el ramal nororiental de la Tubería de la Llanura Manchega, puesto en marcha en 2023 y que actualmente abastece a más de 76.000 habitantes de las provincias de Ciudad Real, Cuenca y Albacete.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro alcanza este año su 49ª edición consolidado como una de las grandes citas escénicas del país y un referente internacional en la difusión del teatro del Siglo de Oro.

La nueva edición contará con 50 espectáculos y se celebrará del 2 al 26 de julio. En esta ocasión propone un recorrido en torno al juego como metáfora del universo barroco, con una programación que combina tradición y vanguardia.

Durante la jornada inaugural del festival este año distinguirá al actor Pepe Viyuela con el Premio Corral de Comedias y la escenógrafa y figurinista Elisa Sanz recibirá un homenaje.

Intérpretes como Ana Wagener, Secun de la Rosa, Mina El Hammani, Marta Poveda, David Lorente, Itziar Miranda, Lola Baldrich, Joaquín Notario y directores como Juan Mayorga, Rakel Camacho, Alberto Conejero, Rosa León o María Goiricelaya serán algunos de los protagonistas de la edición de este año, con Cervantes como el autor más representado.

Habrá 16 estrenos absolutos en los nueve espacios del certamen

La directora del festival, Irene Pardo, ha presentado este jueves en el Teatro de la Comedia una programación que invita a “jugar para encontrarse en el laberinto del barroco”, con 16 estrenos absolutos y tres en España que se representarán en los nueve espacios que integran el certamen.

El hilo conductor de esta edición se encuentra en el propio “redescubrimiento” del Corral de Comedias en 1952. El hallazgo de una baraja de cartas del siglo XVIII —tal vez abandonada por una compañía teatral en un contexto en el que el juego estaba prohibido— permitió identificar el lugar como espacio escénico.

La visita de Pepe Viyuela no será solo para recoger el premio pues junto a Rosa León protagonizará 'A quién contaré yo mis quejas', un concierto-recital a partir de romances en torno al amor.

Irene Pardo se ha emocionado al anunciar que el Premio Corral de Comedias lo recogerá un “cómico, un payaso entregado a hacernos reír”.

“Es un actor, payaso y poeta es una alegría enorme no sólo por lo muchísimo que ha hecho a lo largo de su trayectoria, sino también por cómo lo ha hecho, por la coherencia, por la honestidad, por esa manera de estar en el escenario y también fuera de él”.

La Compañía Nacional de Teatro Clásico abrirá el festival

La Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) será la encargada de abrir el festival con 'El caballero de Olmedo', que dirigirá por primera vez su directora artística Laila Ripoll.

Cogerá el testigo una nueva promoción de la Joven CNTC con 'El escondido y la tapada', una versión de Carolina África y dirigida por Beatriz Argüello.

Lope de Vega estará presente con 'La vengadora de las mujeres', que Alfonso Plou y María López Insausti acercan a las sufragistas del siglo XIX.

La 'Laurencia' de Alberto Conejero, interpretada por Ana Wagener, se adelanta a Manuela Barrero y su 'Bruja!' a través de la danza, un sentido contemporáneo de los grandes personajes femeninos del Siglo de Oro.

'Lope para todos. Lope de Vega y la CNTC: 40 años de sintonía' es la exposición que conmemora las cuatro décadas de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

El autor estrella de esta edición, Cervantes, llega de la mano de Rakel Camacho con 'Palabra de perro', la reimaginación de ‘El coloquio de los perros' escrito por Juan Mayorga.

Además, se subirán al escenario 'El trujamán entre Cervantes y Shakespeare'; y también 'El compuesto milagroso de Cervantes y Saavedra'; también se apunta 'Cautivas por Cervantes', protagonizado por Mina El Hammani. Y ya recuperadas las sesiones del cine al aire libre se progrma la película 'El cautivo', de Alejandro Amenábar.

La histórica compañía italiana de marionetas Carlo Colla & Figli traerá una versión de 'Don Chisciotte' inédita desde 1879; Julieta Soria se incorpora con las 'Quijotescas'. Y, dentro del certamen Barroco Infantil llega 'Al son de Cervantes'.

Títulos esenciales del Siglo de Oro como 'La dama boba', de Lope de Vega dirigida por Josep María Mestres; 'El lindo don Diego', de Agustín Moreto; 'Entre bobos anda el juego', de Rojas Zorrilla.

'L’Avare', de Molière, en versión del Théâtre de la Tempête, además de 'R&J', una vuelta de tuerca a 'Romeo y Julieta', de Shakespeare con la que María Goiricelaya busca el nuevo paradigma romántico del siglo XXI.

Los versos de Calderón, Lope y Quevedo se convierten en 'El noble arte del engaño', una pieza de Laura Ferrer y Arturo Martínez Vázquez. Ferrer es también una de las tres directoras de 'Fiesta', junto a Marta Poveda y Natalia Llorente.

Las colaboraciones internacionales se concentran en China con 'Written in sound', de la compañía Shanghai Opera Troupe y 'Romances. Entre Oriente y Occidente, con la que regresa Fahmi Alqhai con la Accademia del Piacere.

“Ahora que vivimos inmersos en algoritmos que anticipan lo que pensamos y en una inteligencia artificial que orienta cómo lo pensamos, el Festival propone algo distinto, un lugar donde sentir, jugar y cuestionar libremente como un espíritu más del Corral”, ha concluido su directora.

El segundo año de las residencias artísticas

El consejero de Educación, Cultura y Deportes de Castilla-La Mancha Amador Pastor ha destacado que, a lo largo de sus casi cinco décadas de trayectoria, el festival ha experimentado un crecimiento sostenido que se traduce en una mayor capacidad de atracción de público, un incremento de su impacto económico en el territorio y una consolidación de su proyección nacional e internacional.

Este crecimiento se refleja también en la diversificación de su programación y en la incorporación de nuevas iniciativas como las residencias artísticas, que celebran este año su segunda edición, según ha recordado.

La programación se completa con exposiciones, actividades formativas, cine, espectáculos de calle y proyectos de mediación cultural, así como con una oferta paralela vinculada a la gastronomía, la historia, la arquitectura y el patrimonio, que convierten el festival en “una experiencia cultural integral”.

La Viceconsejería de Cultura y Deportes ha iniciado el expediente para declarar Bien de Interés Cultural (BIC), con la categoría de Monumento, la Iglesia, el Convento y el Colegio de Nuestra Señora del Rosario, de Almagro (Ciudad Real).

Según relata la resolucón de la Consejería de Educación, Cultura y Deportes publicada este martes en el Diario Oficial de Castilla-La Mancha (DOCM), las Órdenes Militares acometieron, a comienzo del siglo XVI, una gran labor reformadora de sus edificios.

En este contexto, la de Calatrava realizaría, bajo el mecenazgo de dos importantes personajes de la Orden, dos trascendentales obras en la Villa de Almagro. El comendador mayor Frei Gutierre de Padilla fundó en el año 1505 el hospital de la Misericordia, y más tarde (1523) el monasterio de la Asunción de monjas calatravas; en 1536, el clavero Frei Fernando Fernández de Córdoba, instaurará en la misma localidad el convento de Nuestra Señora del Rosario de monjes dominicos (obra de Francisco de Luna).

La fundación del convento y colegio de Nuestra Señora del Rosario se configura como una de las obras más importantes en la arquitectura renacentista de Almagro, no solo por su importancia histórica y artística, sino también por la repercusión cultural que ejerció en La Mancha, fundamentalmente en los campos de Calatrava y Montiel.

Junto con el Monasterio de Nuestra Señora de la Asunción de monjas Calatravas, se convirtió en uno de los conjuntos arquitectónicos más interesantes de Almagro y de la provincia de Ciudad Real.

El monasterio fue edificado durante buena parte del siglo XVI, y se convierte en fiel reflejo de la simbiosis estilística que se produce en la arquitectura española durante la primera mitad de siglo. En él se conjugaban las técnicas constructivas mudéjares con las fórmulas tardogóticas y los planteamientos del nuevo lenguaje renacentista, expresado fundamentalmente en su repertorio decorativo de raíz plateresca; postulados que en estos momentos impregnan casi toda la actividad arquitectónica española.

Un edificio “desvirtuado y fragmentado” por las desamortizaciones

En la actualidad, el edificio está “bastante desvirtuado y fragmentado” en sus partes fundamentales, debido a las medidas desamortizadoras del siglo XIX. Fruto de estas disposiciones fue enajenado y vendido en pública subasta, momento a partir del cual sufrió las consecuencias de los nuevos usos.

La adecuación de estos espacios para funciones para las que no fue concebido (molino de aceite y fábrica de muebles), contribuyó decisivamente en la “aceleración del estado de ruina” de la iglesia y la desaparición de casi todas las dependencias conventuales y universitarias, hasta que pasó a ser propiedad municipal en la última década del siglo XX.

De estas dependencias tan solo se conserva la iglesia que todavía se mantiene como un referente en la trama urbana, defendiendo los valores que antaño tuvo y que ahora trata de recuperar, como parte del conjunto de inmuebles en los que se desarrolla el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro recordando ese hito que le permitió ser uno de los edificios más emblemáticos de la localidad.

En este sentido, tanto por su historia, como por su arquitectura conservada, por los restos arqueológicos que conserva y por su uso actual como espacio teatral, el conjunto conventual de Nuestra Señora del Rosario de Almagro es, al mismo tiempo, un bien histórico y artístico y un espacio arqueológico por su historia y evolución.

“Integra valores y bienes culturales históricos y actuales que contribuye a infundir un sentimiento de identidad y continuidad en el municipio y su entorno, con los habitantes actuales y los naturales, creando un vínculo entre el pasado y el futuro a través del presente”, concluye la resolución.

El centro de salud de Almagro (Ciudad Real), ubicado en la calle Conde de Barcelona, ha sido desalojado a las 8.46 horas de este martes tras detectarse humo en una de sus plantas.

Según han informado fuentes del Servicio de Urgencias y Emergencias 112 de Castilla-La Mancha, el aviso del suceso se ha detectado a las 8.46 horas. Han sido entre 15 y 20 pacientes y nueve sanitarios los desalojados, sin que se hayan registrado heridos.

Hasta el lugar han acudido los bomberos del parque de Ciudad Real, la Guardia Civil, la Policía Local y una ambulancia de soporte vital en preventivo. El equipo de bomberos se ha encargado de ventilar el centro de salud y tanto los pacientes como el personal sanitario han vuelto a las instalaciones.

Tal y como ha confirmado la Policía Local al Servicio de Urgencias y Emergencias del 112 de Castilla-La Mancha, la causa del humo se ha debido a un problema eléctrico en una bomba de calor.

Es un regalo para los ojos. Impresiona nada más verlo. Y al contrario que otros grandes monumentos y construcciones que forman parte del patrimonio histórico, sigue teniendo los mismos usos de hace casi cuatro siglos.  En el corazón del Campo de Calatrava de la provincia de Ciudad Real se encuentra el Corral de Comedias de Almagro, erigido en 1628, el único teatro del Siglo de Oro que se conserva intacto y activo en el mundo.

Se trata de auténtico templo del arte escénico que sigue ofreciendo representaciones todo el año y se convierte cada mes julio en el epicentro del teatro clásico con el prestigioso Festival Internacional.

Inaugurado en 1628, el Corral de Comedias se construyó inicialmente como una posada con un pequeño escenario para ofrecer entretenimiento a los viajeros que recorrían la región, un territorio de paso entre el centro y el sur. Ocupaba en su origen 622 metros cuadrados, más del doble de la actualidad. Simultaneó la actividad teatral con la de posada.

Su diseño, característico de los teatros al aire libre de la época, cuenta con un patio central rodeado de galerías de madera, donde los espectadores se agrupaban según su rango social. Desde nobles hasta comerciantes, todos se reunían para disfrutar de las populares comedias de Lope de Vega, Tirso de Molina, Miguel de Cervantes, Calderón de la Barca y otros grandes dramaturgos.

Sin embargo, no todo fue esplendor durante sus cuatrocientos años de historia. Con la llegada de nuevos estilos teatrales en el siglo XVIII, el Corral de Comedias cayó en desuso. Y vivió muchas décadas casi en el olvido, hasta que en el siglo XX, gracias a un esfuerzo conjunto de historiadores, arquitectos y amantes del teatro, el corral fue restaurado y declarado Monumento Nacional en 1955. Esta restauración permitió recuperar su esencia original y devolverle un lugar de honor en la historia del teatro.

No siempre se ha conocido su fecha de origen. Fueron varias investigaciones históricas realizadas a finales del siglo XX las que dieron a conocer el año 1628 como la de su construcción, así como multitud de detalles sobre sus orígenes y evolución.

Se erigió como ampliación del conocido hasta entonces como Mesón del Toro tras la adquisición de propiedades vecinas, tarea que realizó Don Leonardo de Oviedo, clérigo presbítero de la desaparecida y cercana parroquia de San Bartolomé el antiguo. Descendiente de una familia de origen judío, para las obras de construcción del teatro llegó a realizar un desembolso de 5.000 ducados, una auténtica fortuna en aquella época.

La primera representación de la que se tiene referencia fue a cargo de la compañía de Juan Martínez en 1629. La temporada comenzaba el domingo de resurrección y terminaba el miércoles de ceniza. De octubre a abril la comedia empezaba a las dos de la tarde, en primavera a las tres, y a las cuatro en verano, para finalizar antes de la puesta de sol. Su duración oscilaba entre cuatro y seis horas.

El precio de la entrada no era un global como hoy lo conocemos. Entonces se pagaban distintas entradas: una a la entrada, otra para la hermandad o beneficiario y otra para sentarse. La compañía raramente llegaba al 20% de lo recaudado.

En Almagro, al existir estudios universitarios, durante época de exámenes estaba prohibido representar entre semana para que los estudiantes no se distrajeran. No se permitía la entrada de niños al Corral de Comedias, ni siquiera acompañados por adultos. Las representaciones estaban reservadas exclusivamente para el público adulto.

Del “mantenedor” del orden a la “cazuela” femenina

Y entre las curiosidades más significativas de su funcionamiento se encuentran dos figuras, que eran muy propias de los corrales de comedias: el “mantenedor del orden” y el “apretador”. El primero solía ser un mozo recio del lugar que, provisto de un buen garrote, templaba los ánimos de todos aquellos que se exaltaban. En cuanto al “apretador”, como su propio nombre indica tenía una misión muy clara: “Apretar al público, ya que cuantas más personas cupieran, mayor era el beneficio económico para el dueño del teatro.

Según las crónicas y documentos de entonces, con humor y cierta insistencia, el apretador caminaba por el patio durante el acceso del público, lanzando frases ingeniosas y cómicas. Se le consideraba casi una figura teatral más, no solo por su función práctica, sino por el ambiente animado que contribuía a crear. Hoy en día, se le recuerda como parte del bullicioso y pintoresco mundo del teatro del Siglo de Oro.

También es destacable que en el Corral de Comedias, hombres y mujeres debían permanecer separados durante las funciones. El patio -conocido como “patio de los mosqueteros”- era ocupado por los hombres, principalmente de pie, aunque también podían sentarse en bancos o en las gradas laterales situadas junto a las paredes del patio.

Las mujeres, en cambio, se ubicaban en “la cazuela”, una grada situada al fondo del primer piso, reservada exclusivamente para ellas. El único espacio compartido por ambos sexos eran los aposentos o corredores, ubicados en las galerías, a izquierda y derecha del primer y segundo piso.

Los historiadores destacan que la “cazuela” de las mujeres era un espacio cerrado, muchas veces con poca ventilación y muy concurrido, lo que hacía que se concentraran olores intensos del calor humano. Por eso, algunos cronistas o estudiosos del teatro del Siglo de Oro sugieren que su nombre podría hacer alusión a que el ambiente “hirviera” como una olla.

Sobre este espacio se ubicaba la “tertulia” o “desván”, un corredor fondo del segundo piso, que ocupaban gratuitamente el clero y autoridades.

En cuanto a otros espacios curiosos del teatro se encuentra también la “alojería”, soportal frente al escenario donde se vendía, además de fruta y frutos secos, la “aloja”, bebida elaborada con agua, miel y especias.

Había igualmente aposentos privados situados en los laterales del escenario y se alquilaban solo a familias nobles, por un periodo determinado de tiempo. Las tupidas celosías permitían ver sin ser vistos. Poseían accesos independientes del resto del edificio para mantener el anonimato de sus ocupantes.

El Corral de Comedias de Almagro también fue objeto de polémica hace tres años. En 2022, el senador de Compromís Carles Mulet pidió la retirada del escudo franquista incorporado a una composición de cerámica, en aplicación de la reciente Ley de Memoria Democrática. Esta composición conmemora el mencionado reconocimiento del espacio como Monumento Histórico-Artístico en 1955, en plena dictadura.

Un equipo técnico del Ayuntamiento fue el encargado de estudiar varias opciones y finalmente se optó por quitar el baldosín y sustituirlo por otro sin el escudo franquista. Esta acción no afectó de ninguna manera al patrimonio histórico propio del Corral de Comedias.

Otras joyas patrimoniales de Almagro

Este espacio de Almagro es el más importante, pero no es el único atractivo patrimonial de la localidad. Es famosa su Plaza Mayor en su origen plaza de armas y posteriormente centro de una feria de comercio, de planta rectangular irregular y dos pisos, inspirada en las flamencas.

Al recorrer el municipio también pueden apreciarse numerosos y bien conservados portales de casas solariegas hidalgas, como la Casa del Mayorazgo de los Molina y la Casa de los Rosales; o las portadas de la Casa de los Wessel (apoderados de los Fugger) y de la Casa de los Xedler.

También existen varios palacios que dan cuenta de la importancia y realce que llegó a tener Almagro, como el Palacio de los Marqueses de Torremejía, en la actualidad escuela-hogar de las Madres Dominicas; o el Palacio de los Condes de Valdeparaíso, propiedad de la Diputación provincial. A ellos se unen el Palacio de los Medrano, el Palacio de los Oviedo, el Palacio de los Fúcares, o el Palacio de los Villareal-Robles.

La Viceconsejería de Cultura y Deportes de Castilla-La Mancha ha iniciado el expediente para declarar Bien de Interés Cultural, con la categoría de Monumento, el Palacio de los Marqueses de Torremejía, localizado en Almagro (Ciudad Real).

Según la resolución publicada en el Diario Oficial de Castilla-La Mancha en su edición de este jueves, se abre un período de información pública, a fin de que todos cuantos tengan interés en el asunto puedan examinar el expediente y alegar lo que consideren oportuno, durante el plazo de un mes a contar desde este viernes, en las dependencias de la Viceconsejería de Cultura y Deportes.

La iniciación de este expediente supone la aplicación provisional del mismo régimen de protección previsto para los bienes declarados de interés cultural, quedando sometido al régimen de autorizaciones y de protección previsto en la legislación de patrimonio cultural.

Una antigua casa, solariega “típicamente manchega”

El Palacio de los Marqueses de Torremejía fue distinguido con una Mención Especial en el marco de las Medallas al Mérito Cultural de Castilla-La Mancha 2024, un reconocimiento que otorga la Consejería de Cultura, en reconocimiento a la labor de personas, entidades y espacios dedicados a la conservación, promoción y defensa del patrimonio cultural de la región.

Su origen parece remontarse al siglo XV, con una gran reforma en el siglo XVI por parte del primer marqués de Torremejía y otra gran modificación en el siglo XVIII tras la anexión del espacio hasta entonces ocupado por el Hospital de las Ánimas, que lo configura espacialmente en una manzana exenta tal y como lo conocemos hoy en día.

Destaca la fachada principal, localizada en la plaza de Santo Domingo, que desplaza su eje hacia la puerta de acceso en la que sobresale su espléndida portada de estilo renacentista de doble altura que se subraya mediante la ruptura de la línea del alero, actualmente pintado en azul añil. Se observa una simetría bilateral en la disposición de los balcones, con tres vanos a cada lado, tanto en el piso inferior como en el superior.

La puerta de acceso, adintelada, presenta pilastras cajeadas a modo de jambas, con sendas columnas estilizadas, que sustentan un dintel, sobreelevado por sendos cimacios cajeados sobre el capitel, decorado con rosetas y elementos heráldicos, bajo alero con gotas de reminiscencias clásicas. El balcón principal, levantado sobre cabezas zoomorfas en sus esquinas, es también adintelado y flanqueado por jambas apilastradas con columnas adosadas abalaustradas en este caso, presenta un despiece de dovelas en su dintel en torno a un jarrón central con flores y en los extremos mascarones con plumas. De piedra blanca, destaca el motivo heráldico que preside, entre flameros sobre plinto, la portada principal; recoge los símbolos heráldicos de todos los linajes que fueron propietarios del palacio: Pisa, Osorio, Villarreal y Zúñiga

La disposición interior del palacio se configura en dos plantas, que giran en torno a un patio principal y un gran segundo espacio abierto o corral, con acceso directo a la plaza por una gran y sencilla puerta de carruajes. La configuración interna del palacio responde a la concepción mudéjar de su primitiva traza. Así, el zaguán, descentrado con respecto al eje central del patio, sigue el patrón en recodo para acceder a las galerías del patio principal, el esquema habitual del momento de su construcción.

El edificio, que ha servido como vivienda de los marqueses de Torremejía hasta la muerte en 1936 del último marqués sin descendencia, ha conservado gran parte de las ricas decoraciones que las modas han ido dictando en cada periodo, pudiendo encontrarse desde los suelos originales de engorronado en las galerías del patio principal, el alfarje polícromo y las decoraciones renacentistas en las columnas del patio porticado hasta las decoraciones murales de los siglos XVIII y XIX.

Restaurado recientemente, se ha restablecido en gran medida la suntuosidad del edificio palacial y su uso como residencia noble, recuperando tanto los espacios originales como sus elementos especiales.

El Palacio de Valdeparaíso de Almagro (Ciudad Real) acogerá el próximo día 22 de octubre la final del Concurso Cocinero del Año Especial Carne de Caza 2025, que enfrentará a seis finalistas, tras la selección que ha hecho el jurado en su última reunión.

Los seleccionados son Jorge Asenjo, jefe de cocina del restaurante BARRO (Ávila), establecimiento que tiene una estrella Michelin y una estrella verde; Paula Gutiérrez, del Restaurante Víctor Gutiérrez (Salamanca), con una estrella Michelin y dos soles Repsol; Beñat Ormaetxea, del Restaurante Jauregibarria (Amorebieta-Etxano, Vizcaya), con un sol Repsol y recomendado en la Guía Michelin; Roger Julián, de Simposio Restaurante (San Antonio de Benagéber, Valencia), también recomendado en la Guía Michelin y en la Guía Repsol; Nacho Rojo, del Restaurante Onírica (Burgos); y Taigoro Suzuki, de i+T Restaurante (Salamanca).

Según la organización del concurso, se trata de seis cocineros de gran nivel que representan el talento y la creatividad de la cocina cinegética española y que demostrarán su maestría con la carne de caza en la final del certamen.

La primera edición del Concurso Cocinero del Año Edición Especial Carne de Caza 2025, organizado por VENARI, la primera escuela gastronómica del mundo especializada en cocina cinegética, y Grupo Caterdata, empresa responsable del Concurso Cocinero del Año pondrá en valor la excelencia, creatividad y potencial de la carne de caza, un producto con gran tradición y proyección dentro de la gastronomía contemporánea.

Seis cocineros competirán en directo durante seis horas para elaborar tres platos: un aperitivo, un plato libre y un plato principal de caza mayor elaborado exclusivamente con ciervo o jabalí. El ganador del concurso se llevará un premio de 3.000 euros. El evento, que cuenta con la colaboración de la Diputación de Ciudad Real y de la Asociación Interprofesional de la Carne de Caza (ASICCAZA), nace con el objetivo de destacar el papel que puede jugar la carne de caza en la alta cocina actual, desde la sostenibilidad y el respeto por el producto hasta su reinterpretación creativa en manos de grandes cocineros del país.

El director de VENARI, Florencio Rodríguez, subrayó que “el nivel de los seis concursantes seleccionados es sobresaliente. El jurado no lo ha tenido nada fácil ya que se han presentado unas 40 candidaturas. Cada uno de los chefs aporta su visión de la cocina de caza, aunque todos coinciden en el talento, la pasión y el respeto por el producto. Estoy convencido de que presentarán creaciones originales, con técnica y sentimiento, que pondrán de relieve la diversidad y la riqueza de la gastronomía cinegética española”.

El jurado está compuesto por referentes del panorama culinario nacional, con amplia experiencia en gastronomía de caza como los cocineros Iván Cerdeño del restaurante del mismo nombre, Fran Martínez  de Maralba, José Antonio Medina del Coto de Quevedo, Juan Carlos García  de Vandelvira, Miguel Carretero  de Santerra, Lucía Gutiérrez  de Lur y Belén García Castro de Mesón Octavio,  entre otros, además de los periodistas gastronómicos José Carlos Capel y Julia Pérez. El presidente del jurado es Luis Alberto Lera, el gran embajador de la cocina de caza en España. El chef zamorano ya fue premiado por su trayectoria y su defensa del mundo rural en el I Congreso Internacional de Gastronomía Cinegética que se celebró en Almagro en noviembre de 2024.

Programa de actividades

Durante el certamen, conducido por las periodistas Cristina Medina y Marta López, se desarrollará un completo programa de actividades paralelas en torno a la gastronomía cinegética. La jornada arrancará con un coloquio dedicado a analizar la situación actual de la cocina de caza, en el que intervendrán representantes de Venari y ASICCAZA, junto a chefs como Luis Alberto Lera, Iván Cerdeño y José Antonio Medina, entre otras voces destacadas. El presidente de ASICCAZA, José María Gallardo, se encargará de la conducción del coloquio.

Seguidamente, se celebrará la mesa redonda ‘Las mujeres en la gastronomía de caza’, moderada por la periodista Julia Pérez, con la participación de Belén García (Mesón Octavio) y su madre, la cocinera Santiaga Castro, de 88 años, quien estuvo tras los fogones de su restaurante durante décadas. También intervendrán en la charla la chef Lucía Gutiérrez (Retaurante Lur) y la profesora, investigadora y escritora gastronómica Inés Butrón.

Al mediodía, los invitados al concurso podrán disfrutar de un catering elaborado con carne de caza, maridado con una cata de vinos dirigida por Óscar Riaguas, sumiller de La Clandestina.

El programa de charlas continuará a primera hora de la tarde con la intervención del prestigioso médico cordobés Antonio Escribano, especialista en endocrinología y nutrición, quien ofrecerá una charla sobre los beneficios del consumo de carne de caza.

La entrega de premios tendrá lugar a las 17.00h, momento en el que se dará a conocer quién es el mejor cocinero de caza de España. También se otorgarán galardones al mejor aperitivo, el mejor primero y el mejor segundo plato.

El concurso Cocinero del Año Especial Carne de Caza se podrá ver en directo a través streaming en los canales de Youtube.

El Palacio de los Condes de Valdeparaíso, en Almagro (Ciudad Real), acogerá el 22 de octubre la primera edición del Concurso Cocinero del Año Edición Especial Carne de Caza 2025, organizado por VENARI, la primera escuela gastronómica del mundo especializada en cocina cinegética, y Grupo Caterdata, empresa responsable del Concurso Cocinero del Año.

Esta cita pondrá en valor “la excelencia, creatividad y potencial de la carne de caza, un producto con gran tradición y proyección dentro de la gastronomía contemporánea”, según ha señalado la organización.

Seis cocineros competirán en directo durante seis horas para elaborar tres platos: un aperitivo, un plato libre y un plato principal de caza mayor elaborado exclusivamente con ciervo o jabalí. El ganador del concurso se llevará un premio de 3.000 euros.

El jurado está compuesto por grandes nombres del panorama culinario nacional, con amplia experiencia en gastronomía de caza como los cocineros Iván Cerdeño , José Antonio Medina (Coto de Quevedo), Juan Carlos García (Vandelvira ), Miguel Carretero (Santerra ), Lucía Gutiérrez (Lur) y Belén García Castro (Mesón Octavio), entre otros, además de los periodistas gastronómicos José Carlos Capel y Julia Pérez.

El presidente del jurado es Luis Alberto Lera (Lera), embajador de la cocina de caza en España. El chef zamorano ya fue premiado por su trayectoria y su defensa del mundo rural en el I Congreso Internacional de Gastronomía Cinegética, impulsado por Venari, que se celebró en Almagro en noviembre de 2024.

Este certamen nace con vocación de destacar el papel que puede jugar la carne de caza en la alta cocina actual, desde la sostenibilidad y el respeto por el producto hasta su reinterpretación creativa en manos de grandes cocineros del país.

“Acoger en Almagro esta edición especial del Concurso Cocinero del Año dedicada a la carne de caza es un auténtico privilegio, ya que supone una oportunidad para mostrar el trabajo que realizamos desde Venari en favor de una cocina cinegética creativa, comprometida con el territorio y avalada por un jurado de máximo nivel, compuesto por algunos de los chefs más prestigiosos del país”, ha señalado Florencio Rodríguez, director de Venari.

Por su parte, el presidente de la Diputación de Ciudad Real, Miguel Ángel Valverde, ha calificado de “gran acierto” que se haya vinculado el Centro Venari con un certamen de la relevancia del Concurso Cocinero del Año, “porque reunirá a los mejores chefs del panorama nacional convirtiendo a nuestra provincia en epicentro de la alta gastronomía”.

Ha asegurado que este evento contribuye a reforzar los objetivos con los que nació Venari “poner en valor la carne de caza como producto singular en un territorio eminentemente cinegético, impulsar el turismo gastronómico y fortalecer la economía provincial y la hostelería a través de la innovación culinaria”.

Valverde ha indicado, además, que la cita que acogerá el Centro Internacional de Gastronomía Cinegética, impulsado por la Diputación de Ciudad Real, supone un paso más en la proyección nacional de la oferta gastronómica y turística de la provincia, “lo que confirma que la creación y la promoción del Centro Venari está dando sus frutos”.

Para participar en el Concurso Cocinero del Año Edición Especial Carne de Caza 2025, los cocineros deben ser profesionales en activo, con al menos 21 años y en ejercicio en España.

El director y actor Daniel Guzmán acudió al Festival Internacional de Cine de Almagro (AIFF) para presentar en persona su nuevo largometraje, La deuda, en una proyección especial y gratuita que tuvo lugar a las 22:30 horas en el Teatro Auditorio Adolfo Marsillach – Hospital de San Juan.

El pase supuso el preestreno de la película, que llegará a las salas de cine en octubre. 'La deuda' es un drama social con tintes de thriller que aborda cuestiones actuales como la gentrificación, el cuidado de mayores y las crisis económicas. El reparto está encabezado por Itziar Ituño, Susana Abaitua, Luis Tosar, Francesc Garrido, la debutante Rosario García y el propio Daniel Guzmán.

Durante la presentación, Guzmán compartió con el público las claves de una historia que gira en torno a Lucas (interpretado por él mismo), un hombre de 47 años, y Antonia (Rosario García), una anciana con la que convive en un piso céntrico de la ciudad. Su rutina diaria se ve alterada cuando el proceso de gentrificación les obliga a abandonar su vivienda. Ante esta situación, Lucas recurre a medidas desesperadas —algunas fuera de la legalidad— para saldar la deuda del piso y proteger a Antonia.

“¿Hasta dónde estaríamos dispuestos a llegar por la persona que queremos? ¿Podríamos convivir con la culpa si provocásemos la muerte de una persona? ¿Seríamos capaces de entender a alguien que comete un delito por necesidad?”, reflexionó el director durante el coloquio posterior a la proyección. “Espero que el espectador haya disfrutado de esta historia emocional, que se haya divertido y que, en la medida de lo posible, le haya invitado a reflexionar”.

La sesión forma parte de las tres proyecciones gratuitas incluidas en la programación oficial de este año del festival. Las invitaciones estuvieron disponibles hasta completar aforo a través del las web del Festival Internacional de Cine de Almagro.

El actor Juan Echanove ha defendido la necesidad de mantener el actual Gobierno de Pedro Sánchez para impedir la llegada de la ultraderecha y un posible futuro gobierno de PP y Vox.

En una rueda de prensa celebrada este jueves 24 de julio en el marco del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, horas antes de recibir el Premio 'Lorenzo Luzuriaga' que otorga el sindicato UGT, ha afirmado que el Gobierno “está en una situación muy endeble” y que “la amenaza de la extrema derecha es lo único que mantiene vivo este gobierno”.

A preguntas de los periodistas, el actor ha asegurado que, “mientras el riesgo sea ese”, considera “importantísimo mantener este gobierno”, y ha advertido del “retroceso de derechos” que se está produciendo en “comunidades autónomas donde gobiernan la derecha y la ultraderecha”.

Echanove ha reivindicado su ideología sin matices. “Me considero progresista, de izquierdas, nunca lo he ocultado, no me duelen prendas”, ha señalado.

“Consternación por Gaza”

Durante su intervención, el actor ha ampliado su mirada al contexto internacional y ha expresado su consternación ante la situación en Gaza.

“Cómo va a permanecer uno inmóvil ante la imagen de un niño que muere de hambre o que lo disparan cuando va a por comida”, ha dicho, para añadir con tono crítico que “estamos rodeados de melones”.

Echanove ha calificado de “genocidio” lo que está ocurriendo en Palestina y ha cargado contra el silencio de los organismos internacionales.

“Vamos muy mal, muy mal, si la comunidad internacional cierra los ojos ante el genocidio que está ocurriendo en Gaza. Y más como se planteen darle el premio Nobel de la paz a Trump”, ha sentenciado.

“La cultura hay que defenderla con uñas y dientes”

Durante la entrega del premio, en un acto celebrado en el claustro del Museo Nacional de Teatro de Almagro, el actor hizo un alegato a favor de la cultura. “La cultura hay que defenderla con uñas y dientes. Es molesta, pero es invencible”.

En su discurso, Juan Echanove aseguró que aceptó el galardón “más como un apoyo que como un reconocimiento”, y se reafirmó como miembro de la gran familia de los trabajadores de la cultura.

“Ser actor no es un lujo, es una responsabilidad”, afirmó, reivindicando la cultura como un bien de primera necesidad. Echanove aprovechó su intervención para reivindicar el papel transformador de la cultura y su defensa de lo público, lo popular y lo colectivo.

El artista recordó sus años en la Unión de Actores, la ayuda prestada por UGT y CCOO en sus inicios, y las enseñanzas de referentes como Juan Diego, Pilar Bardem o Pablo Milanés. El

“El teatro tiene que levantar cada noche el telón sin pretensiones, solo para que el público se sienta reflejado”. Y concluyó con una declaración de principios, ante los “momentos convulsos” que vive el mundo de la cultura.

La exsecretaria de Enseñanza de UGT, Maribel Loranca, aseguró que el actor “podría haber hecho él mismo la intervención sindical”, destacando su trayectoria como trabajador incansable del sector cultural, comprometido con los derechos laborales y las libertades. Loranca recordó también la figura de Lorenzo Luzuriaga, natural de Valdepeñas, uno de los impulsores de la reforma educativa durante la Segunda República, cuya obra se vio truncada por la Guerra Civil y el exilio.

“Luzuriaga defendió una escuela pública, única y laica, y la difusión de la cultura a través de las misiones pedagógicas”, recordó, conectando su legado con el compromiso social de Echanove, quien se sumó así a una “familia” de referentes del mundo de la escena galardonados con este premio.

La escritora Ana Cristina Herreros pronunció la laudatio, definiendo al actor como “familiar” y cercano al público, presente durante más de 40 años en los hogares españoles a través del teatro, el cine y la televisión.

Las Jornadas del Teatro Clásico de Almagro otorgan este año el protagonismo a los personajes considerados “marginales” dentro de las obras de autores del Siglo de Oro como Lope de Vega, Tirso de Molina o Calderón de la Barca. Esta 48ª edición, nombrada Marginalidad, disidencia y transgresión en el teatro del Siglo de Oro: Personajes en los márgenes, y dirigida por el profesor de la UCLM Rafael González Cañal y con un total de setenta y cuatro personas inscritas, la iniciativa propone una relectura de los textos dramáticos del Siglo de Oro desde una perspectiva inclusiva y contemporánea, conectando con debates de tanta actualidad como la identidad, la exclusión y la representación. De ahí que se centre en figuras como el pícaro, el morisco, el esclavo, la bruja, la prostituta o el hereje; personajes discordantes con el orden establecido, desobedientes, subversivos. “Se trata de ampliar la mirada más allá de lo ortodoxo y normativo, para otear un horizonte donde caben lo mestizo, lo irreverente, lo periférico y lo heterogéneo”, ha señalado González Cañal.

El programa se ha presentado hoy en un acto celebrado en el Palacio de Valdeparaíso de Almagro que ha contado con la participación del vicerrector de Cultura, Deporte y Compromiso Social de la UCLM, César Sánchez; la directora del Festival de Almagro, Irene Pardo; y el alcalde de la localidad ciudadrealeña, Francisco Ureña; además del propio González Cañal.

El curso incluye ponencias de investigadores/as nacionales e internacionales, presentaciones de proyectos, coloquios, y dos representaciones teatrales: una lectura dramatizada de 'La gatomaquia', de Lope de Vega; y el ensayo general de 'Don Gil de las calzas verdes', de Tirso de Molina, a cargo de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico.

La actividad, organizada por el Instituto Almagro de Teatro Clásico, centro de investigación perteneciente a la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM), está dirigida a estudiantes, profesionales del teatro, docentes e investigadores/as. Las jornadas están coordinadas por un equipo académico integrado por Almudena García González, Alberto Gutiérrez Gil, Óscar García Fernández, José Vicente Salido López, Irene G. Escudero y Sergio Rodríguez Nicolás.

En Pelayos de la Presa, en este monasterio del siglo XII de la Orden Cisterciense, ha tenido lugar la nueva aventura de la compañía segoviana Nao d’amores, dirigida por Ana Zamora, Premio Nacional de Teatro en 2023. Una propuesta, producida por los Teatros del Canal, que tuvo lugar en los restos que quedan de la iglesia, en sus ábsides, en el claustro y sus pandas y en la nave de este gran ejemplo del románico medieval madrileño. Un verdadero ritual a través de los sonidos encontrados y recreados de una época donde la fe cristiana volvía a sus orígenes.

Entre las ruinas imponentes de uno de los faros de la fe cristiana del medievo, el elenco de la compañía fue representando varias escenas con textos de Gonzalo de Berceo, cantos recobrados de la época y música de percusiones, chirimías, cromornos, regales, fídulas, salterios y otros instrumentos de la época. Escenas de un cristianismo luminoso que recreaban pasajes en torno a la Virgen María, la eucaristía, la muerte de Cristo y su resurrección.

El público fue transitando con los actores el espacio, parándose para cada escena en un rincón diferente, llevados por un ritmo lento, ritual de percusiones realizadas en maderas y tambores. Un público que pudo sentirse chocado ante la religiosidad de la pieza. No es habitual ver una propuesta teatral de pura investigación con una entrega tan clara a la fe cristiana. Tan evidente como la defensa del pueblito de vallas blancas donde reside Dios frente al páramo de la moral urbana en el tema God is in the house de Nick Cave, lo fue la apuesta de Nao d’amores por un teatro y una concepción del mundo donde quepa la trascendencia y la fe. En Hacia ecos de lo sagrado, las escenas no se representan como rescate de un teatro o tiempo histórico pasado, sino que se viven y se comparten.

Es importante el acercamiento de Nao d’amores a este cristianismo primero que bebe en las fuentes del Císter, orden instaurada en el siglo XI, pero que se remonta los principios de la orden benedictina del siglo VI que promulga el voto de pobreza y el trabajo como fuente de subsistencia. Y lo es más en un momento donde hay, en teatro y otras artes, una proliferación de trabajos sobre la mística, sobre todo la española del siglo XVI. Una corriente que no está exenta de amor a lo florido y reacción de una sociedad posindustrial donde el individuo, cada vez en más soledad, ve en movimientos tántricos y ansias de trascendencia una respuesta.

El montaje de Nao d’amores es luminoso y en él destaca la alegría de todos los intérpretes, una alegría de vivir en comunidad, de compartir el deleite de la creación y el estar vivos. Para esa alegría es fundamental la musicalidad de los textos de Berceo, como los de El duelo de la Virgen, por ejemplo, que son el culmen del mester de clerecía y donde la palabra está llena de gozo y dolor. Los actores, especialmente Elena Rayos, Carlos Seguí, Rafa Ortiz y Alejandro Pau, imprimen una vitalidad y carnalidad a estos poemas medievales que consiguen resucitarlos, valga la palabra.

Pero esta obra recoge, no solo la intención de Zamora en indagar la fe cristiana antes de tantos sínodos, encíclicas, guerras, inquisiciones, divisiones y dogmatismos; sino también la de volver a los inicios, al nacimiento del teatro en España. Ya estrenó esta compañía un impresionante Auto de los Reyes Magos, que es la primera obra teatral en castellano. Aquí vuelve a sobrevolar el intento de trasponerse a ese momento inicial para indagar el sentido del hecho escénico y el actuar.

El viaje es de total inmersión, se recobran cantos como el Códex del siglo XII de las monjas de clausura de Las Huelgas, se tocan instrumentos ya casi desaparecidos y se intenta estar, sentir y decir en escena de una manera primigenia, esencial, encontrada. No hay remembranza de algo que tampoco se sabe cómo se hizo, sino inspiración renovadora.

Dice Ana Zamora que para este proyecto también ha indagado en el teatro pobre del polaco Jerzy Grotowski, que buscaba al actor esencial, la “santidad del actor” que tiene una entrega total y autenticidad, pero no en un sentido religioso sino a través de la exploración personal y física. No se parece en nada la forma de actuar en esta obra a aquella de Grotowskiy, más corporal, expresionista y oscura. La actuación en Hacia ecos de lo sagrado surge más desde la musicalidad y versificación del texto, pero se entiende esa búsqueda.

Destaca en la obra la figura del padre espiritual de la Orden del Císter, el francés Bernardo de Claraval, que es interpretado por el bilbaíno Juan Diaz de Corcuera Herrador. Él, junto a la Virgen María, Elena Rayos, guiará como Virgilio en la Divina Comedia de Dante, pero en vez hacia los nueve círculos del infierno, hacia la iluminación. Lo hará a través del canto, con voz quieta y agraciada y ayudado de un cayado.

La resurrección

Tras una escena díscola tratada con humor sobre el apocalipsis, la obra alcanza su culmen cuando se llega a la nave central de la iglesia. Allí ya el público arrastra el sonido del rito y el ritmo ceremonial de la pieza. Está, en cierto modo, acompasado, dispuesto. Preparado para abordar el núcleo de la creencia cristiana: la resurrección.

Cuando Pablo de Tarso llegó a Atenas por primera vez, al Areópago, fue bien recibido. Allí pudo contar quien era el “dios desconocido” y sus enseñanzas. Estoicos y epicúreos lo escucharon con atención, incluso verdadero interés, hasta que Pablo habló de la resurrección de Cristo. En ese momento tacharon de hechicero nigromántico y lo medio echaron. En la resurrección de Cristo, posiblemente, radica la mayor radicalidad, incluso hoy, de la fe cristiana. La capacidad de salvar a la muerte.

En este trance, Zamora, arropada por la impresionante nave de Santa María la Real, una nave sin techado, con tan solo los arcos en pie y donde se podían ver las estrellas en una noche de luna llena, acometió una de las escenas más bellas de la obra, pero también de las más disruptivas con la tradición cristiana.

Se escenifica el embalsamiento de Cristo y como Pedro, Santiago y Juan se quedan dormidos velándolo. Pero Jesús no resucita en su cuerpo, sino que se convierte en un recién nacido en brazos de María. No vemos el cuerpo de Cristo resucitado, sino a Cristo resucitado en una nueva vida. El mensaje de la resurrección se modifica, pasando de la literalidad a lo metafórico donde la muerte no es el final, sino que es, a su vez, generador de vida. Potente mensaje que quizá incluso los estoicos del siglo I hubieran aceptado y que seguro hoy tiene una mayor aceptación en la sociedad actual, también la laica.

A partir de ahí, el final es maravilloso. El nuevo Cristo resucitado, ese recién nacido que María mece en sus brazos, se transforma en una pequeña esfera de la que se desprende un hilo que llega hasta la boca de Bernardo de Claraval, quien lo acoge como los apóstoles acogieron el Espíritu Santo en forma de lengua de fuego. Sigue irradiando hilos esa esfera, que queda como un ojo que todo lo ve prendido al cayado de Claraval, hilos que el elenco utiliza para formar un baile folklórico y comunal. El pueblo unido bajo un Dios no antropomórfico, más próximo a ese cristianismo primitivo, originario, a quien quiere acercarse la obra. Más cerca del logos que rige y da vida que del Dios temido del Pentateuco.

Así acaba el experimento de esta Nick Cave de las tablas, Ana Zamora, y su troupe. Experimento que estará en función hasta el domingo y que el día 18 tendrá otras tres representaciones en un nuevo emplazamiento: el Monasterio de Santa María de la Sierra, en Collado Hermoso, Segovia. Una obra que se aleja de liturgias constreñidas, de parafernalia y aparataje para entregarnos una pieza que se enfrenta a lo que hay de divino en el hombre y la Tierra. Nao d’amores es la otra cara de la luna de esa otra gran compañía del teatro creyente de este país, La Zaranda.

Los festivales a veces tienen sorpresas. Y en la primera semana del Festival de Almagro la sorpresa ha saltado por donde menos se esperaba. Mientras Fuenteovejuna, de la Compañía Nacional de Teatro Clásico dejaba atónitos a los miles de espectadores que han ido a verlo, mientras el gran Declan Donnellan seguía con su exitoso Shakespeare, Los dos hidalgos de Verona, o los visitantes de este festival podían asistir a la premiada Casting Lear, en una función matinal se estrenaba Errantes, una pequeña maravilla, burlesca y juguetona, y un homenaje a los cómicos de la legua que elevó el espíritu de los espectadores que llenaron el Corral de Comedias de la localidad manchega.

Sus hacedores tienen menos de treinta años, andan recién salidos de escuelas y de primeras giras y gracias a un proyecto del festival, Plataforma Corral, han podido dar a luz una obra que recoge el amor de toda una profesión al juego teatral propio del teatro del Siglo de Oro. La historia es sencilla. Una compañía a mediados del siglo XVII, bajo el reinado de Enrique IV, tiene que representar una comedia en el propio Corral de Comedias de Almagro. Son cuatro, lo que por entonces se llamaba Gandarilla. Son Costanillo, el gracioso (Luis Retana); Catalina, que hace las segundas damas y las criadas (Julia Rubio); Dinardo, el galán (Arturo Martínez Vázquez); y la autora y poeta, Mariana Toro (Laura Ferrer).

El público asiste a un ensayo, la función es a la tarde, los actores les dicen que se vayan que no deben estar ahí, que además lo de ver ensayos lo prohíbe la Iglesia. En el escenario vemos ropaje tendido, textos tirados y todo a medio hacer, “la comedia es esta tarde / Y es menester que comamos / Y han de secarse las vestimentas / Y hemos de echar la siesta”, dicen al respetable instándoles a abandonar el Corral. Ahí comienza el disparate.

Mariana tiene un sueño, hay que ir a la Corte, a Madrid, actuar en los grandes corrales, en el de la Cruz, en el del Príncipe. Para triunfar deben cambiar. Deben cambiar todo si quieren entrar en la Corte, deben hacer una comedia de capa y espada o una comedia mitológica como las de Calderón y no una comedia burlesca de tan poco fuste. Una situación que sirve a este espectáculo para la chanza y la bizarría, pero también para ir adentrando al público en la vida de las gentes del teatro en aquella época.

Uno va desternillándose con las situaciones, como cuando la compañía cambia un texto socarrón y malsonante y al intentar darle vuelo les sale el famoso parlamento de La vida es sueño, que el público acaba también recitando porque se lo sabe –“¿Qué es la vida? Un frenesí, una sombra, una ficción, y el mayor bien es pequeño; que toda la vida es sueño, y los sueños, sueños son”-. Cuando acaba, la autora sentencia: “Esto no vale un real”.

También Mariana intentará pasar por propio un texto de El castigo sin venganza, de Lope de Vega, y montar una escena al modo de El mayor encanto, amor, comedia mitológica que se estrenó en el estanque de El Retiro. Recrea la compañía una tempestad en la mar mientras todo el público colabora para simular la tormenta. Incluso se pide a parte de él que suba a escena, porque para ir a la corte, para ser una de las doce compañías reales, no vale con un elenco de cuatro, hay que ser más de doce.

Los disparates van cruzándose muy hábilmente con la realidad de las condiciones de las gentes del teatro de la época. Así vemos que las actrices para poder formar parte de una compañía debían estar casadas con un miembro de la misma, vemos como debían dormir fuera de las ciudades y pueblos donde actuaban. “Burdel de la vergüenza pública, escuela de la torpeza, sagrario de Venus y consistorio de la deshonestidad, cátedra de pestilencia y fuente de todos los males, eso dicen de nosotros”, dice en un momento Dinardo.

Es especialmente emotivo cuando Mariana se reivindica como mujer autora cuando le dicen que es imposible que una compañía con mujer autora entre en la Corte: “¿No dirigen compañías Luisa de Aranda o Inés de Lara? ¿No fueron autoras Luisa Pinto o María Candado?”, se defiende la poeta, “Ahí tienes a Ana Caro de Mallén, o a María de Zayas”, concluye.

El texto está creado por otros dos enamorados del clásico, Laura Garmo y Nacho León, que inauguraron el año pasado la Plataforma Corral, programa que ha impulsado la directora del Festival, Irene Pardo, por el cual se ofrece a una compañía emergente una producción ex profeso para el Corral de Comedias. Los únicos requisitos es que versen sobre el Siglo de Oro, hablen sobre los comediantes de la legua y que sean interactivas con el público. A partir de ahí el Festival produce y va cuidando el proceso de creación.

Garmo y León, dentro de esta misma plataforma, escribieron y subieron a escena el año pasado El arte de ser comediante. Este año, además, estrenarán un Tirso de Molina en la última semana del Festival, Antona García. Y ellos han sido quienes han dado el testigo a la compañía Scándere, una compañía naciente que van sumando adeptos, pero que crearon dos jóvenes, Laura Ferrer y Arturo Martínez Vázquez, hace siete años.

En 2021 ya dieron pistas de su hacer con una loca función que ganó el Premio de Almagro Off, Caer para levantar, un musical un tanto punk que adaptó Arturo Martínez de dos obras poco conocidas, El esclavo del demonio de Antonio Mira de Amescua (1612) y la refundición que hicieron Agustín Moreto, Matos Fragoso y Cáncer y Velasco cincuenta años después, Comedia famosa caer para levantar.

Los autores han escrito este bello texto lleno de juego, didáctico sin serlo, y se lo han ofrecido a esta joven compañía, Scándere. La obra la dirige Laura Ferrer y se nota la irrenunciable influencia de Álvaro Tato y Yayo Cáceres de Ron Lalá: amor por el verso, la música y el juego. No es de extrañar, Ferrer se ha pasado dos años de gira y temporada en Madrid con Vive Molière. El ritmo es frenético, la música omnipresente y los actores se entregan a un juego teatral continuo donde gozan cada mamarrachada y cada dislate.

Todavía le quedan seis funciones matinales en fin de semana a este Errantes. La acaban de estrenar, todavía no hay gira, pero todo huele a que esta función que fue capaz de levantar la risa y el espíritu de todo el Corral debería recorrer toda España. En estos momentos, donde las compañías tienden a desaparecer en un mundo, el de las artes escénicas, en precario y que tras la crisis del 2008 ha sido incapaz de reinstaurar circuitos y redes para poder girar, Errantes es un pequeño grito de esperanza.

En estos momentos, donde las compañías tienden a desaparecer del mundo, 'Errantes' es un pequeño grito de esperanza

Esta función, que ni es familiar, ni infantil, ni para adolescentes, y lo es todo al mismo tiempo, podría recorrer teatros, hacer campañas escolares y entrar, como se dice en la función, en la Corte. Ahora no es como antes, no hay solo doce compañías reales habilitadas, no hay gran medalla a la gran compañía que las fiestas del Corpus, ni comisarios del Consejo de Castilla que tengan que habilitarte. Pero sí hay programadores, modas o corrientes. No hay hambre, ni se persigue la homosexualidad, ni se niega a la mujer como antes. Pero sí hay precariedad y estamos todavía bien lejos de la paridad.

Pero lo que sí es lo mismo, y ahí es donde gana la función, es en las ganas de aquellos comediantes de la legua y la de esta joven compañía llena de energía y entrega. Cuando se les ve actuar se nota su disfrute, un gozo que se contagia al público y que convierte la función en un acto de comunión un poco mágico, tan solo 50 minutos de divertimento de chanzas y retruécanos que esconden mucha vida, pasada y presente.

Tras la función, este diario habló con ellos y les preguntó si querían instaurarse como compañía, dijeron que ese era su sueño, que ya habían cogido una persona para la distribución, que a ver qué pasaba, que tenían cierto miedo antes del estreno, sobre todo de las partes donde involucran al público, pero que después de estrenar estaban en un limbo, que solo querían hacer otra función, gozar de nuevo. No podían estar más contentos. Cuando salieron a la calle, la gente los detenía y no paraba de felicitarlos.

Comienza fuerte la nueva época de la Compañía Nacional de Teatro Clásico liderada por Laila Ripoll con este Fuenteovejuna netamente político, de una violencia frontal que quiere remover conciencias. La responsable, Rakel Camacho, ha trasladado toda su estética para ofrecer un aquelarre en contra de la violencia de la guerra donde hay una clara protagonista: la mujer, la gran víctima de estas situaciones. Testosterona, poder, alcohol y buenas dosis de sangre para reflejar, no aquel pueblo del siglo XV que intentaba sobrevivir a la injusticia de una sociedad feudal, sino esta sociedad bajo bombas y genocidios.

Fuenteovejuna es una de las obras del Siglo de Oro más versionadas y a la que más se le ha metido mano. Hemos visto de todo. Compañías japonesas o de Costa de Marfil en este mismo Festival. Montajes trasladados al presente como el reciente Fuenteovejuna, historia de un maltrato de la uruguaya Marianella Morena que ocurría en un supermercado. Montajes en el propio pueblo cordobés de Fuente Obejuna, que suelen darse cada tres años y donde destaca el que dirigiera María Paz Ballesteros en 1994 que sugirió, por primera vez, que todo el elenco estuviera compuesto por ciudadanos de la localidad. O aquella inolvidable versión en danza española compuesta por Antonio Gades para el Ballet Nacional a principios de siglo.

Pero el estreno en el Festival de Almagro era Fuenteovejuna puro. El montaje es respetuoso con el texto y el verso. Como tiene que ser en un montaje de la CNTC. Además, en esta ocasión, se ofrece una versión, de la dramaturga María Folguera, que limpia anacronismos y acerca sentidos. Pero a partir de ahí, la obra va por otros derroteros. Camacho desde el primer acto lo tiene claro y comienza a desplegar un teatro de una fisicidad extrema que busca revolver los estómagos y las conciencias mostrando toda la crudeza de numerosas acciones violentas que recorren la obra.

Un hiperrealismo que además se arropa en la especial capacidad visual de esta creadora. Las acciones se dan en un universo cargado de símbolos fálicos, en un mundo donde no hay idealización de un pueblo gentil e irreal como en otros montajes. Nada se esconde, ni la violencia a las mujeres, ni las humillaciones a los hombres, ni el oportunismo del pueblo, ni el machismo más exacerbado del Comendador, ni la sed de sangre de unos Reyes Católicos que, ya en su primera escena, salen vestidos un tanto fashion y blandiendo espadas bañadas en sangre.

El estreno fue en el Hospital de San Juan, espacio al aire libre creado por Adolfo Marsillach que se inauguró en 1993 precisamente con el estreno de esta misma obra. No es un espacio fácil. La escenografía de Mónica Borromello, dada a las estructuras (aquí manda una pasarela en el fondo de la escena que se extiende hasta las patas laterales), alejaba un tanto la acción y el verso. Las redondillas del primer acto no corrían, una tendencia a la pausa en un verso que no lo necesita hicieron que el montaje no volase. A eso se sumaron problemas de ajuste de microfonado que alejaban aún más el verso de Lope. Son detalles que se irán ajustando. Todo hace prever que cuando el montaje llegue a la otra sede de la CNTC, el Teatro de la Comedia de Madrid, donde la acción estará más pegada a platea, no habrá micrófonos y se habrán llevado a cabo los ajustes necesarios, la obra explotará en toda la fuerza centrípeta, que la tiene, y mucha.

Además, la fuerza de este Fuenteovejuna se halla en su fe y convicción de ruptura. Rompe este montaje con las lecturas tradicionales que de la obra se han hecho. Fuenteovejuna, en su momento, no triunfó, no fue hasta principios de siglo XX que se empezó a montar con regularidad. No es extraño. Es la primera obra que recoge el movimiento social. Lope se adelanta dos siglos a su tiempo y, sin que él pudiera así expresarlo, crea un drama donde, ante la injusticia, el pueblo reacciona colectivamente y con conciencia de clase.

La obra avanza el primer tramo del siglo XX sumida en lecturas ideológicas. Unos apoyaban la liberación de un pueblo oprimido, otros la defensa de la monarquía. Todos esgrimieron sus razones. Algo que acabó en los años 40. Es irresistible no poner aquí las palabras del crítico del ABC, Diez Crespo, ante el estreno que dirigió Cayetano Luca de Tena en 1944: “Drama en el que ya se canta el amanecer de España, en el que el Yugo y el Haz tienen en su aurora el sentido unitario, y en el que, por fin, el reflejo popular clama amparado en el caudillaje imperial simbolizado en la tierra por los Reyes Católicos y en el cielo por Dios Todopoderoso”.

Después de los años duros y prietas las filas del franquismo, Fuenteovejuna recupera la visión del pueblo oprimido y se abre a otro de los grandes temas de la obra: el amor. Frente a la injusticia, Lope contrapone el ideal barroco del amor. Las hermosas pláticas entre Laurencia y Frondoso son buen ejemplo de ello. Ahí, los montajes de Narros y Marsillach son fundamentales. Pero ¿qué hace Rakel Camacho en este montaje?

Camacho pierde cosas por el camino como no podía ser de otro modo. Quizá no sea este el Fuenteovejuna con el verso más elevado. Quizá quede diluido el tema amoroso. Pero en este montaje, Camacho es capaz de que aflore todo el terror de la violencia que ya Lope allí puso y que hoy, en unos momentos donde se blanden los sables, se extermina ante el silencio de todos y suenan las trompetas de regresión en las sociedades más occidentales, resuena con especial fuerza, con especial pertinencia.

Para ello Camacho utiliza todo lo que tiene el teatro. Las palabras de Lope, el cuerpo de los actores, el desborde de la acción, la investigación musical, la luz, el espacio y la potencia del signo. Unos pequeños ejemplos. El signo es aquello que excede el significado. En escena hay un gran cuerno de res. No tiene utilidad, los actores lo mueven, se gira, se levanta, nunca desaparece, permanece como puro signo de este país católico y brutal.

Por otro lado, la voluntad de no esconder. Lo que ocurre en el texto fuera de escena, como el asesinato del Comendador, aquí se resuelve con una impresionante escena en la que el pueblo lo desmiembra a golpes de cencerro. Todos, mujeres y hombres, aplastan y cercenan un cuerpo para luego crucificarlo en una gran cruz de Calatrava. La imagen es brutal, recuerda finales de nuestra historia contemporánea como el de Mussolini o el de Ceausescu.

Otro ejemplo, el célebre monólogo de Laurencia que lleva al pueblo a la acción se desarrolla con toda la tragedia de un cuerpo magullado, ensangrentado y desnudo que acaba de ser vejado. Es el clamor de las mujeres bajo las guerras y tiene una fuerza infernal en el cuerpo y la garganta de Cristina Marín Miró. Esta joven actriz acaba de terminar andadura con la compañía joven de la CNTC y, si ya iba avisando en otros montajes, ahora, después de este Fuenteovejuna, sí se puede afirmar, sin género de dudas, que estamos ante el nacimiento de una gran intérprete.

Porque no hay grandes montajes sin grandes actores. Y este los tiene. Chani Martín en el papel del Comendador, todo presencia pestilente del peor machismo violento, de ese que hiede a whisky y animalidad reprimida y represora. Jorge Kent, que interpreta a Esteban, alcalde y padre de Laurencia, está tremendo tanto en los momentos de ternura paternal, como en aquellos que es humillado o en los que alza la voz y es todo contundencia. Ambos actores son de los bregados, ya estuvieron con Camacho en Coronada y el toro.

Pero también hay otro actor joven, que también ha salido de La Joven, que llena el espacio de fuerza vital y energía desbordante. Se llama Pascual Laborda y está imponente en el papel de Frondoso. Destacar también a Alberto Velasco en un sorprendente Mengo, el personaje encargado de la respuesta mordaz, del humor del pueblo llano. Velasco compone un personaje de una manera más tradicional, incluso psicológica, algo que Camacho permite, aunque difiera del resto. Y funciona.

Por último, es de rigor señalar el gran trabajo de Raquel Molano en la dirección musical. La obra de Lope se cimenta en el contraste entre el mundo bélico y el universo comunitario del pueblo. El montaje está atravesado por una música que divide y eleva cada mundo. Algo para lo que Molano se ha apoyado en dos de las cabezas de la música experimental de este país, Pablo Peña y Darío del Moral, del grupo Pony Bravo. Un ejemplo, como intersticio de esos dos mundos durante la obra suena un canto difónico, armónico, de garganta, que sobrecoge y dota al montaje de una sonoridad muy contemporánea. El canto está tratado, pero lo encontraron estos dos buceadores del sonido en los archivos del gran etnomusicólogo americano Alan Lomax. Su origen: cantos tradicionales mallorquines.

En el final de la obra una mujer del pueblo tapa la boca de Isabel II y no le deja decir el final de esta frase: “Y la villa es bien se quede en nos, pues de nos se vale, hasta ver si acaso sale Comendador que la herede”. Una mujer con gesto irreverente tapa la voz del poderoso y le dice que basta ya de que todo cambie para que todo siga igual. Imagen de gran fuerza contra un patriarcado que lleva siglos perpetuándose en el poder. La intención es clara, aquí se acabó que si un rey u otro, que si feudalismo, monarquía, que si progreso o tradición. En esta obra el tema es claro: es un grito frente al horror. El horror de la guerra, de cómo cuando caen las balas se liberan las peores bajezas del hombre.

Ahí los actores comienzan a cantar una canción de Víctor Jara. Hasta eso se permite Camacho, la remembranza hoy prohibida de los movimientos revolucionarios de los años setenta. Ya saben, cuando uno se pone político enseguida hay otro que lo acusa de panfletario y facilón. Camacho no se amedrenta y se apoya en la tradición revolucionaria latinoamericana, sin ambages ni camuflajes. Canta todo el elenco entregado: “Como el yugo de apretado tengo el puño, esperanzado porque todo cambiará”. Quien quiera entender que entienda.