El estudio Pixar ha regalado a lo largo de su trayectoria con historias que han quedado en la memoria de varias generaciones, que han crecido con sus películas, desde que en 1995 debutaran con ‘Toy Story’ y cambiaran la forma de hacer animación, tanto que han influenciado a Disney, su actual propietaria, desde dentro.

Una de esas historias que ha perdurado en el imaginario colectivo es ‘Cars’, que cumple 20 años desde que se estrenara la primera de sus películas y se arrancara así con una de las sagas más exitosas, no solo por sus más de 462 millones de dólares, sino porque es una de las que más ha conseguido vender en merchandising, generando una facturación de más de 10.000 millones de dólares.

Un homenaje e inspiración de la Ruta 66

‘Cars’ llegaba a los cines españoles un 7 de julio de 2006 para ser uno de los mejores estrenos del verano de hace dos décadas, y abrir la franquicia ambientada en el ficticio pueblo de Radiador Springs, que, si bien no existe del todo en la vida real, tiene una clara inspiración que sí que es realidad. Y es que la película se planteó como un homenaje e inspiración en la Ruta 66, que precisamente, fue la primera idea de título, pero el hecho de que ya existiera una serie de televisión con el mismo nombre hizo que se cambiara y llegara a conocerse con el de ‘Cars’. El objetivo del equipo de Pixar fue reflejar la realidad de los pueblos fantasmas que surgieron en Estados Unidos cuando se construyó la autopista interestatal y que dejó de lado a la mítica ruta.

Debido a la importancia de la zona, diseñadores, animadores y productores estuvieron viajando durante nueve días por la Ruta 66 con el objetivo de documentar imágenes que luego iban a usar para crear lo que serían los escenarios de la película animada. Así, se pueden ver claras referencias reales como Cadillac Ranch, una instalación de arte al aire libre que se ubica en Amarillo, Texas, o el pequeño pueblo de Galena, en Kansas, donde se pueden ver ya figuras de personajes de la saga.

La película animada que respira NASCAR y Fórmula 1

Siendo un largometraje protagonizado por coches, el automovilismo tiene un papel relevante y son muchos los guiños que aparecen a dos de las principales competiciones deportivas como son la NASCAR y la Fórmula 1. Además, los propios personajes están inspirados en modelos reales de coches, como el BMW E9 Coupé, Chevrolet Camaro, Porsche 911, Hudson Hornet o un Fiat 500, algunos de ellos modelos de coleccionista.

Así, además de leyendas del cine como Paul Newman, que dio voz a Doc Hudson en la primera entrega, participaron también grandes nombres del automovilismo como Richard Petty, apoyado ‘el rey’ de la NASCAR y en el que está basado el personaje del mismo nombre y al que dio voz. Otra figura fue el tres veces campeón de la competición, Darrel Walltrip, que se interpreta así mismo con un Chevrolet Monte Carlo de 1977. Pero la NASCAR está también detrás de la inspiración de Mate, el ‘torpe’ compañero de Rayo McQueen, que se basa en un fan de la competición llamado Douglas Mater Keever y al que conoció el director John Lasseter en un viaje mientras investigaba para el filme, de hecho, hace incluso un cameo como voz de una caravana.

Además de la NASCAR, la Fórmula 1 tuvo su papel también dentro de ‘Cars’, siendo uno de los guiños más destacados el que la matrícula de Luigi es 4458, que son a la vez las coordenadas de la fábrica de Ferrari en Maranello, Italia. Así, varios pilotos y expilotos dieron voz a personajes como Nikki Lauda, Michael Schumacher y Sebastian Vettel participaron en la versión alemana, así como Lewis Hamilton en la original. En España coincidió con el momento de mayor popularidad de este deporte, con Fernando Alonso como bicampeón, y que puso voz a Mario Andretti, además de que el locutor Antonio Laboto hizo también de narrador en la cinta, pero participaron también Nani Roma, Marc Gené, Pedro de la Rosa, Emilio de Villota, Dani Sordo o Antonio Albacete, entre otros grandes nombres.

Guiños a Toy Story

No solo dentro de ‘Cars’ encontramos referencias a la Ruta 66 y al automovilismo, sino también al universo Pixar, con guiños como suele ser habitual en las películas tanto de Disney como de la factoría, y es que cabe recordar que detrás de las primeras entregas de la saga esta John Lasseter, que dirigió también las primeras de Toy Story, y es por eso por lo que esta franquicia es la que más guiños esconde.

Podemos ver, por ejemplo, como el número 95 de Rayo McQueen hace referencia directa al año de estreno de ‘Toy Story’, primera película de Pixar, así como la marca de neumáticos es ‘Lightyear’ como el apellido del famoso astronauta juguete Buzz, o también podemos ver la camioneta de Pizza Planet en varias ocasiones.

Si hay otra película de Toy Story, Tom Hanks solo espera que valga la pena. Al actor, que pone la voz al personaje de Woody en la versión original, no le importa si Pixar sigue contando con él en este hipotético proyecto o no. A la estrella de Hollywood lo único que le preocupa es que este largometraje esté a la altura de la franquicia que lleva 30 años en funcionamiento. 

“Más vale que sea genial. Más vale que exploren algún tema y que no sea solo alargarlo porque a la gente le gusta el título. Es cierto que es un negocio corporativo enorme, no lo niego. Pero a menos que sea bueno, nuevo y original, no hay razón para no hacerlo”, compartió el intérprete en una entrevista para Entertainment Weekly, según compartió el medio hace unos días. 

Lo cierto es que no se sabe si Toy Story 5, que llegó a cines el pasado 19 de junio, será la última película de Woody, Buzz Lightyear, Jessie y compañía o si, por el contrario, el gigante del entretenimiento seguirá explotando esta historia. “Probablemente esta sea la última que haré”, dijo Andrew Stanton, director de esta quinta entrega, en otra entrevista con el medio estadounidense. 

Pero el cocreador del filme no se ha mantenido firme a esta opinión. En otra intervención, esta vez para Screen Rant, Stanton sí abrió la puerta a la posibilidad de seguir creando largometrajes ambientados en este universo. “Con suerte, creo que ese es el patrón, si continúa. Siempre supe que existía la posibilidad natural de seguir a Bonnie, seguir su vida y ver qué pasa con los juguetes si la historia continúa”, compartió. 

La posibilidad de continuar la saga

Tras el estreno de Toy Story 3, la trilogía de Pixar parecía haber cerrado su historia. Andy, el niño que durante las tres primeras entregas creció con el grupo de juguetes protagonistas, se iba a la universidad. Ya era mayor pero, lejos de tirar a Woody y los demás a la basura, decidió donarlos a una niña llamada Bonnie. Se abría así una nueva ventana para seguir creando filmografía. 

La saga de películas podría seguir estirando el chicle simplemente cambiando de niño, pero ¿hasta dónde estaría el público dispuesto a aceptar? En la quinta que ha llegado a cines, el universo de Toy Story entró en la era tecnológica. En la película, los juguetes se ven amenazados cuando los padres de Bonnie le compran a Lilypad, una tablet inteligente que empieza a acaparar toda su atención.

La cuestión que se plantea ahora es si hay muchas más historias novedosas posibles que puedan convencer al público de seguir gastando su dinero en ir al cine a ver Toy Story. Por ahora, los datos parecen remar a favor de Pixar. Toy Story 5 superó los 310 millones de dólares en su estreno mundial y rompió el récord de la franquicia, convirtiéndose a la vez en el mayor estreno para una película animada en 2026. 

Hubo una generación que durante años se creyó la protagonista de Toy Story. La saga habría ilustrado su desarrollo vital, como un Boyhood de plástico. Andy era un reflejo de esos chavales que de forma invariable iban a despedirse de su infancia, así que claro que Toy Story 3 plantearía un final devastador, la llegada definitiva de la madurez. El problema es que la saga no terminó ahí, sino que continuó. Con lo que, si resultaba que no iba de nosotros, tocaba preguntarse de qué iba realmente. Así entenderíamos de paso por qué Pixar seguía acumulando secuelas.

Se erigen, por tanto, y ajenas a este adanismo generacional, dos opciones de interpretación. Una, la más bonita, sería que el gran tema de Toy Story es la paternidad. Las películas —cinco en más de 30 años, sin contar cosas como Lightyear o varios mediometrajes de Disney+ empeñados en despojarle de toda la excepcionalidad que pueda quedarle a la saga— habrían vuelto a él una y otra vez. Los juguetes son padres desdichados que ven crecer a sus hijos mientras inevitablemente van alejándose de ellos, reclamados por la complejidad de la adolescencia y la vida adulta. Siendo la suya una angustia tan irresoluble como el mismo paso del tiempo (esto es, una tragedia atemporal), para que Toy Story pueda seguir encadenando secuelas ha sido necesario… ir cambiando de hijos. 

Los protagonistas pasaron de ser los juguetes de Andy (los padres de Andy, que se despidieron de él en Toy Story 3 una vez se fue a la universidad) a establecer una relación equivalente con Bonnie, la niña que centra la trama de Toy Story 4 y esta última Toy Story 5. Y las penas han seguido siendo las mismas. Las dudas existenciales se han mantenido sin mayores cambios, acaso garantizando que el relevo de Andy a Bonnie se traduzca exitosamente de la generación millenial a la Gen Z. Pero claro, lo incombustible del dispositivo, las mínimas variaciones que puede cobijar según la saga se vaya extendiendo, conduciría a la otra opción de interpretación de la que hablábamos. Esta es mucho más cínica y, sin duda, más afín a esos productores que no se cansan de exigir secuelas.

Toy Story llevaría hablando desde 1995 de la obsolescencia programada. Dícese de ese rasgo tan propio del diseño industrial que, en el marco del capitalismo, ampara la manufactura y consumo ingente de líneas sucesivas de productos, con diferencias muchas veces tirando a testimoniales entre ellas. Los juguetes de Andy y Bonnie no son más que eso al final del día y según se fingen inconscientes ante los humanos: productos inanimados que pronto serán superados por otros nuevos, capaces de cumplir su misma función para el disfrute futurible del crío-consumidor.

La teoría de la obsolescencia programada le quita bastante romanticismo al motor creativo de Toy Story, pero es útil en la medida en que no solo explica las neurosis de sus protagonistas, sino las condiciones de producción de toda la saga: hay que seguir produciendo, no pueden dejar de llegar películas nuevas por cuanto la marca no pierde pegada —Toy Story 3 y Toy Story 4 se cuentan entre lo más taquillero producido nunca por Pixar—, y el que las diferencias entre uno y otro filme se vayan diluyendo es lo de menos. Si Toy Story 5 recicla con tanta tranquilidad varios postulados de entregas previas es porque todo integra, lógica y mecánicamente, el mismo proceso.

El eterno adiós de los juguetes

La obsolescencia programada es una consecuencia del avance tecnológico mediando las leyes del mercado. Pende, en consecuencia, sobre cualquier industria, y es lo que Woody —su condición de vaquero siempre ha sido adecuada para ilustrar la eterna neurosis de la saga, a caballo del pasado y una despiadada modernidad— ya empezó a sufrir allá por 1995, cuando a Andy le dio por los juguetes espaciales. Buzz Lightyear era un juguete más avanzado tecnológicamente, así que los juguetes viejos debían temer por su existencia, sintiéndose desfasados mientras el interés de Andy (tan imprevisible como el IBEX 35) seguía fluctuando a partir de ahí. Alrededor de Woody, entonces, Toy Story se dedicaría a ir probando nuevas formas de racionalizar esta condena al olvido.

Toy Story 2 presentó a una vaquera, Jessie, como una posible salida. También como un reflejo trágico de Woody. Inspirado por ella y su traumática biografía, Woody debía decidir entre convertirse en una reliquia de museo o que siguieran jugando con él, durante el tiempo que fuera, porque valdría la pena. Así que Jessie se sentía a su vez inspirada por él para unirse a la pandilla: Bonnie ya es la tercera dueña que tiene sin que, por supuesto, esto haya paliado su miedo al abandono. Es el miedo que vuelve a retratar Toy Story 5, erigiendo a Jessie como protagonista tras el epílogo que ensayó con Woody en la cuarta parte —lo cual no ha evitado, obvio, la reaparición de Woody en este último filme—, para ampliar el alcance de su reflexión. 

Los ominosos cambios en las preferencias de Bonnie remiten entonces a la moda noventera de los juguetes espaciales, sustituida hoy por el ocio electrónico y las redes sociales que representaría una simpática tablet. Lilypad sucede la amenaza de Buzz Lightyear frente a una Jessie que se sitúa en el lugar de Woody, en una suerte de actualización de la primera Toy Story combinada con el recuerdo de la segunda parte a través de la vaquera y la subtrama de un grupo de muñecos Buzz. Esta supone, por su parte, uno de los aspectos más débiles de la secuela que dirige el veterano Andrew Stanton —responsable de Wall.e y ocasional guionista de la saga de Toy Story— junto a Kenna Harris: un añadido narrativo sin demasiado ingenio, que viene a ofrecer la mayor evidencia de la carestía de ideas que sufre Toy Story tras años y años dándole vueltas a los mismos asuntos.

Esta evidencia se fortalece en otros rincones de Toy Story 5 como la alarmante escasez de sentido del humor —formando un ingrato contraste con la reciente Hoppers, que no solo vino a recordarnos la necesidad de historias originales en Pixar, sino también la urgencia de utilizar la animación de forma más imaginativa— o de nuevos personajes auténticamente carismáticos. El aire crepuscular que reclama la película, y que enfatizan las voces originales de los juguetes —todos suenan bastante ancianos a estas alturas, como debe ser—, depara entonces una sensación de solemnidad fácilmente transmutada en sosería y aburrimiento, en la línea de los problemas que ya arrastraba Toy Story 4.

Porque la saga está agotando sus estrategias para recordarnos que merece seguir viva o reclamar nuestro tiempo (como ansían recordarle los juguetes a Bonnie), si bien ocurre que Toy Story 5 es una propuesta considerablemente superior a Toy Story 4. Y por una razón muy sencilla. La sustitución del juguete espacial por la tablet no es meramente cosmética porque su llegada a la habitación de Bonnie entraña condicionantes inéditos en la saga. Alude a la presión de Bonnie por integrarse, por hacer amigas, y a los significados cambiantes de lo que entendemos por “jugar”.

¿Es la tablet un juguete, o es otra cosa distinta? Dentro de que Pixar sigue siendo Pixar y esto implica que sus ficciones son incapaces de transmitir nada parecido a una opinión —por supuesto que Lilypad no es la villana, solo un recordatorio de que hay que aprender a convivir con la tecnología—, sí resulta bastante interesante cómo Toy Story 5 acepta el desafío de contextualizarse acorde a los cambios de la crianza contemporánea y la socialización infantil. Es algo que hace con mayor responsabilidad, por ejemplo, que la tan celebrada Del revés 2 —donde las emociones desempeñaban un rol similar al de los juguetes—, al plantearse desde una dialéctica que necesita evolucionar e ir acompañando orgánicamente cada paso y cada cambio de Bonnie.

Los juguetes de Toy Story 5 se lamentan continuamente de que ha llegado “la era de las pantallas” y esta traerá su muerte definitiva. Se acepta la obsolescencia programada como en el western se acepta la llegada de la civilización junto al ferrocarril, y, sin embargo, Toy Story 5 defiende que en este proceso no debería perderse absolutamente todo, que no debería haber un reemplazo completo por cuanto esos juguetes analógicos tienen su importancia. A través de ellos, así las cosas, se puede conectar tan bien como con cualquier red social —Toy Story 5 propone algo refrescante y es que por primera vez el objetivo de los juguetes-padres no es solo sobrevivir: también quieren que su dueña-hija tenga amigas—, con un potencial que se traduce asimismo en algo tan central como que, sin la mediación de los críos, no son más que objetos inanimados. Mercancías desechables.

La trama de Toy Story 5 está atravesada por segmentos de animación 2D, de cariz pictórico, que obedecen a visualizar cada vez que alguien juega con estos juguetes y se deja llevar por la fantasía. Es una idea estupenda que aclara los términos del debate y establece que eso es justo lo que distingue a los juguetes de las pantallas, que eso es lo que realmente significa jugar: la imaginación, la imaginación lúdica de la que estos juguetes se han erigido como guardianes durante todo el tiempo que sean capaces de mantener la inocencia de sus hijos. Llegados a este punto es una pena que imaginación sea justo lo que falta en esta saga desde hace tiempo, pero algo es algo. 

Cuando se estrenó la primera película de Toy Story en 1995, los teléfonos fijos eran el centro de la comunicación en la mayoría de hogares en España e incluso todavía existían los de disco, aquellos en los que había que girar la rueda número a número para marcar. Las cabinas formaban parte del paisaje urbano y empezaban a llegar los primeros ordenadores de sobremesa. Era un mundo repleto de cables y aparatos grandes que, si bien alcanzaba a dar un indicio de hacia dónde nos dirigía la tecnología, dista mucho del mundo de hoy: 31 años más tarde, los smartphones y las tablets han alterado de forma radical la manera en la que nos relacionamos con los demás.

Hay cosas que nunca cambian y, a pesar del paso de las décadas, hay niños que esta semana acudirán a las salas de cine a ver una película de Toy Story, cuya quinta entrega irrumpe este miércoles en cartelera. Sin embargo, la realidad de estos niños poco se asemeja a la de quienes acudieron al estreno de la que se acabaría convirtiendo en la franquicia estrella de Disney y Pixar. Mientras que en los 90 la única forma de demostrar fervor por Woody, Buzz y el resto de juguetes de la saga era comprándolos y jugando con ellos, hoy muchos jóvenes transmiten su pasión hacia estos personajes convirtiéndolos en su fondo de pantalla del móvil o usándolos como avatar en el juego online del momento.

Tomando conciencia de la realidad de las nuevas generaciones, la película de animación más esperada del año apuesta por mirar de frente al auge de las nuevas tecnologías en la infancia e invita a una reflexión conjunta que no solo alude a los niños, también a los adultos. Pete Docter, director creativo de Pixar y productor ejecutivo de Toy Story 5, explica a elDiario.es que “aunque hay más formas que nunca de estar en contacto unos con otros y estamos constantemente conectados, la ironía es que nos sentimos muy aislados”. Se trata de una situación que afecta tanto a los más jóvenes como a sus padres, cuya relación con las pantallas puede llegar a ser “intimidante y complicada”.

El filme explora cómo ha cambiado la realidad de los niños desde que estos dispositivos se han vuelto esenciales en cualquier casa, y la trama arranca con la pequeña Bonnie recibiendo como regalo a Lilypad, una tablet educativa con forma de rana. Lindsey Collins, productora de Toy Story 5, indica que en la época de Andy, el personaje principal de la primera película de la saga, “la infancia era más sencilla y tenía menos amenazas entrando en la habitación”. “No sé si era más fácil, pero sin duda me parece más sencilla, sobre todo desde el punto de vista de los juguetes. La tecnología ha introducido un nivel extra de complicación y de matices en el mundo. Eso es complicado de manejar”, comenta la cineasta a este periódico.

El foco, en los jóvenes... y en los adultos

Sin embargo, estos problemas ocasionados por cómo gestionamos las pantallas no solo recaen sobre los niños, a los que se les tiende a culpar con frecuencia cuando algo se escapa de control. De hecho, Pete Docter indica que es una “queja” que “viene de lejos”: “Encontré una cita que decía que los niños de hoy en día están malcriados, que no respetan a sus mayores y se escapan al bosque todo el tiempo... ¡Y es de la antigua Grecia!”. Por ello, Lindsey Collins considera que es fundamental reconducir la manera en que se encara este tema. “Los niños no conocen otra cosa, esta es una generación que ha crecido con tecnología. Así que se trata más bien de preguntarse: '¿Qué hacemos nosotros? ¿Cómo nos adaptamos a ello y qué significa de cara al futuro?'”, declara.

Aun así, la cineasta incide en que con esta cinta no pretenden “emitir un juicio en un sentido u otro” o valorar a qué edad deberían permitirse o no las tecnologías, sino simplemente “abordar la realidad”. “Miramos a nuestro alrededor e intentamos representar lo que realmente está pasando, que es que la tecnología está llegando a manos de niños cada vez más jóvenes. La historia trata de reflejar eso y de decir algo así como: 'Vale, si es así, ¿qué significaría eso para los juguetes? ¿Cómo lo afrontarían?'. A los niños y a los mayores nos cuesta definir cuál es nuestra relación con eso”, confiesa Collins, que agrega que “no hay ningún padre que no esté alerta sobre este tema”, pues está “muy presente” en sus vidas. “Ninguno de nosotros está aquí sentado en Pixar pensando: 'Lo tenemos resuelto'”, reconoce.

La película, que en esta ocasión sigue de cerca a la juguete vaquera Jessie, muestra el intento de estos personajes por conectar a Bonnie con otros niños de la forma correcta, ya sea online o en persona. “Puede darse una situación híbrida, que obviamente es hacia donde nos dirigimos”, dice Docter. Toy Story 5, además, pone en el foco la repercusión que pueden tener los comentarios dañinos en redes sociales. Collins asevera que “el acoso, por desgracia, ha existido en todas sus formas desde siempre”: “La tecnología representa otra oportunidad más fácil y rápida para que los niños se hagan daño unos a otros, y esperemos que sin intención, sin comprender las consecuencias. Abordarlo era importante porque es un efecto secundario muy, muy real de pasar tiempo frente a la pantalla sin supervisión”.

Las consecuencias de la IA

Esta quinta entrega de Toy Story pone sobre la mesa el peligro de las nuevas tecnologías, por lo que es imposible no poner la vista en el futuro y pensar sobre las consecuencias que dejará —y que ya está dejando— la inteligencia artificial o plataformas como ChatGPT en las jóvenes generaciones. Lindsey Collins cuenta cómo la gestionan desde Pixar: “Aún no ha llegado a ese punto que nos haga decir: 'Vaya, esto es increíble'. Así que lo que estamos haciendo es intentar tener una visión más amplia al respecto, que sea totalmente coherente con la forma en que siempre hemos concebido la tecnología en Pixar, que es una empresa tecnológica. Se basa en preguntarnos: '¿Qué podemos hacer con ella?'”.

Aunque Collins indica que han reflexionado sobre si la IA “va a ayudar a hacer mejores películas y que los artistas puedan subir su material más rápido, o si el artista puede realmente hacer algo más con ella”, apunta que “nada de esto pasa por alto al artista”. “Lo que más nos gusta de Pixar es el hecho de que somos el único estudio que sigue siendo un lugar donde todos trabajamos juntos cada día, y por eso creamos con artistas. No hay ningún cambio en esa filosofía y es muy coherente con la forma en que siempre lo hemos abordado”, detalla. Pete Docter, por su lado, declara que “hay algo inherente al acto de crear”: “Cuando creas algo, buscas en tu interior y piensas: 'Vaya, no sabía que tenía eso que decir'. Pero, si simplemente te limitas a hacer una película, no consigues eso. Si usas [la IA] de esa manera, te estás robando a ti mismo y al público”.

“Queremos conectar con la gente y estas películas las hacemos para conectar con otras personas. Aunque se hagan con ordenadores, están hechas a mano, y así ha sido desde la primera de Toy Story”, señala Docter. Asimismo, Collins cuenta que “hay una parte genial en lanzar una película al mundo”, pero no es lo que más les motiva. “Lo que ves son cuatro o cinco años en los que hemos estado creando algo juntos en el mismo edificio, día tras día, intentando dar con la idea. Es como un astronauta que dice que solo lo hace para estar en el espacio... Tienes que amar todo el proceso, todo lo que conlleva, porque solo estás en el espacio durante una pequeña porción de tiempo, si tienes suerte. Para nosotros es más o menos lo mismo”, argumenta.

El estreno de Toy Story 5 se dirige a alcanzar cifras de récord. Las estimaciones de recaudación para el primer fin de semana de la película codirigida por Andrew Stanton y Kenna Harris ascienden hasta los 150 millones de dólares en EEUU, lo que, de mantenerse, supondría el mejor estreno para la franquicia, superando los 120,9 millones de dólares que hizo Toy Story 4 en 2019, y el más grande de lo que va de 2026. Asimismo, la película también cuenta con el impulso que conlleva tener una canción de Taylor Swift durante los créditos finales. La preciosa I Knew It, I Knew You apunta ya a los Oscar y ha alcanzado el número 1 en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en la séptima canción de la historia vinculada a una cinta de animación que logra dicha hazaña.

Más de cinco años después de la cuarta entrega, llega a los cines este junio ‘Toy Story 5’, la nueva película de la saga de Pixar, que dirige Andrew Stanton, que ya estuvo detrás del guion de la segunda y tercera, además de haber participado en otros éxitos del estudio de Disney como ‘Wall-e’, ‘Buscando a Nemo’ o ‘Bichos’, además de también en ‘Stranger Things’.

En la película, que se estrena en los cines españoles este 19 de junio, reflexiona en su historia de la llegada de la tecnología a la vida de los niños, y en ella se espera que Jessie tome el protagonismo frente a Woody y Buzz Lightyear. Un personaje que no apareció en la primera entrega y que conocimos en su secuela, un largometraje que superó todas las expectativas con una recaudación de casi 500 millones de dólares y que además hizo historia al ganar el Globo de Oro a Mejor Película de Comedia o Musical en 2000, cuando todavía no había sección para la animación, como sucedía también en los Oscars.

Sin embargo, ‘Toy Story 2’ enfrentó varios problemas antes de estrenarse a finales de 1999, porque en principio se planteó para estrenarse directamente en vídeo al no convencer a los productores, pero lograron realizar cambios a contrarreloj que acabaron por darle forma y decidir qué pasaría por las salas de cine. Un hecho que estuvo a punto de no pasar porque a meses de su estreno se perdió el 90 % del material.

El comando que estuvo a punto de borrar por completo ‘Toy Story 2’

150 personas trabajaban en la animación y montaje de la secuela de ‘Toy Story’ en 1998. Quedaba poco menos de un año para su estreno cuando se ejecutó un comando de Linux/Unix, rm-rf que eliminaba un archivo, pero que llevó a que se dieran una serie de acciones que casi se llevan por delante toda la película, y es que con ello se había ordenado la eliminación de todo el sistema compartido de archivos del proyecto.

La ‘pesadilla’ se desarrolló entonces en los estudios de Pixar. Y es que entonces todos los trabajadores tenían acceso al material debido a la política de empresa de trabajar todos por igual como equipo, teniendo acceso a los mismos permisos, que además ahorraba tiempo al avanzar ciertos aspectos de la producción, sin jerarquía. Esto trajo, sin embargo, una catástrofe que casi impide el estreno de la secuela.

El problema de que se habían eliminado el 90 % de los archivos de la película se descubrió cuando uno de los directores técnicos asociados, ‘Toy Story 2’, estaba buscando una escena concreta de Woody y se encontró con una secuencia de errores al intentar visualizarlo, y que esto se estaba traspasando a otros archivos, como bien declaró en una entrevista en TNW.

Ante un estreno que se esperaba en noviembre de 1999, optaron por desenchufar todo para que no se perdieran más archivos y buscaron restaurar la última copia de seguridad, pero ahí se dieron cuenta de otro problema. Y es que faltaba gran parte de la película en ella, solo tenían 4GB porque es lo que pensaban que usarían, pero finalmente habían acumulado más de 10GB y esto provocó que al llegar al límite, la copia de seguridad comenzó a reescribir.

El problema se solucionó de la forma más inesperada gracias a una empleada que trabajaba en casa porque había dado a luz hace pocos meses. Galyn Susman tenía un equipo de trabajo completo para seguir trabajando en remoto en la película, e iba recibiendo actualizaciones de los archivos de forma periódica. De esta forma, recuperaron gran parte del largometraje, pudiendo no recuperar tan solo las dos últimas semanas y no todo lo que llevaban adelantado.

La escena “más placentera” de ‘Toy Story’

Además de ser la carta de presentación de Jessie, ‘Toy Story 2’ también tiene para muchos la que es la escena “más placentera” de la saga, siendo popular en redes sociales compararla con un vídeo de ASMR, es decir, un formato audiovisual diseñado para provocar relajación profunda mediante estímulos auditivos y visuales. Se trata de la escena en la que restauran a Woody, que se conecta con uno de los cortos más famosos de Pixar. Y es que el personaje que lo realiza es para muchos Geri de ‘El juego de Geri’, en la que un anciano juega consigo mismo al ajedrez.

“¡Hasta el infinito y más allá!” dice con frecuencia el personaje de Buzz Lightyear en las películas de Toy Story. Este astronauta es junto al vaquero Woody una de las grandes creaciones de los largometrajes de Disney-Pixar que, el próximo viernes 19 de junio, darán la bienvenida a una nueva entrega. Toy Story 5 llegará a cines cargada de sorpresas y novedades siete años después de la cuarta película. 

Lo que muchos no saben es que detrás de este muñeco de acción que llega a la vida de Andy en la primera película hay una persona real. Un astronauta de carne y hueso que hace ya casi 60 años viajó hasta la Luna en uno de los viajes espaciales más memorables de todos los tiempos y sin el que el personaje de Lightyear probablemente no existiría tal y como lo conocemos. 

De Aldrin a Lightyear

Toy Story 1 aterrizó en las salas de cine en 1995 como el primer largometraje totalmente animado por ordenador, un trabajo que había necesitado de años de preparación. La creación del personaje de Lightyear, como el resto del reparto, también llevó su tiempo, llegando a barajarse incluso otros nombres para él, como Tempus of Morph y Lunar Larry.

Sin embargo, Jeffrey Katzenberg, quien en aquella época trabajaba para Disney aunque más tarde fue reconocido por fundar DreamWorks, propuso utilizar a este muñeco para rendir un homenaje al astronauta Buzz Aldrin, integrante de la misión Apolo 11. Hablamos de la misión de la NASA que llevó a cabo el primer aterrizaje lunar tripulado de la historia en el año 1969. 

Aldrin fue el segundo hombre que caminó sobre la Luna, después de que lo hiciera su compañero y comandante de la misión Neil Armstrong. El módulo lunar, conocido como Eagle, descendió en el Mar de la Tranquilidad para que ambos astronautas pudieran bajar y caminar por nuestro satélite.

Durante el tiempo que estuvieron dando vueltas por ahí, dejaron algunos objetos simbólicos como una placa firmada por el presidente Richard Nixon, una bandera estadounidense, varias medallas en honor a astronautas fallecidos y un disco con mensajes de líderes mundiales. También se tomaron algunas de las fotografías y grabaciones en vídeo más icónicas de la historia de la exploración espacial.

El homenaje a Buzz Aldrin no se limitó solo al nombre del personaje de la película de Disney-Pixar. A lo largo de los años y durante la promoción de la saga, el propio Aldrin ha participado en distintos eventos y campañas relacionadas con este astronauta de juguete que marcó la infancia de millones de niños y niñas alrededor de todo el mundo. 

¿Es 2026 el año de Bad Bunny? El puertorriqueño, ganador de 6 premios Grammy y protagonista del show de medio tiempo de la Super Bowl, no para de anotarse tantos. DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour, que hizo parada en Barcelona y ahora está en mitad de sus diez espectáculos programados en Madrid, promete convertirse en una de las grandes giras de conciertos de este año. 

Hace poco, fue el Museo de Cera el que dio la noticia: el artista tenía su propia figura de cera en la capital española. Y ahora es turno del mundo de la animación. El cantante no solo se ha dedicado a componer canciones y dar conciertos, sino que también ha tenido tiempo de ponerse en el papel de actor de doblaje, y queda muy poco para que sus fans puedan ver el resultado.

Será el próximo 19 de junio cuando los cines de España acojan el estreno de la quinta entrega de Toy Story, una de las sagas de películas más queridas de la franquicia Disney-Pixar, en la que Woody, Buzz Lightyear y compañía volverán a la carga. Los seguidores de Bad Bunny tendrán la oportunidad de escuchar la voz de su ídolo en uno de los nuevos personajes.

La noticia de su fichaje se hizo oficial con un brevísimo vídeo publicado por Pixar y Disney en sus redes sociales. En este no se escucha la voz del artista, pero sí la risa que tanto lo caracteriza y que permite reconocerlo casi al instante. “¡Vamos! Bad Bunny es Pizza Gafas de Sol!”, anunciaron desde la compañía.

Se espera que Pizza Gafas de Sol, el peculiar juguete de goma con forma de porción de pizza pepperoni al que conoceremos en pocos días, no aparezca demasiado en el largometraje. Así que la participación del de Puerto Rico será más un cameo que otra cosa, aunque podremos disfrutarlo tanto en la versión original en inglés como en el doblaje en español de la película.

Qué esperar de ‘Toy Story 5’

Con Toy Story 4, parecía que nunca más volveríamos a ver a Woody y Buzz Lightyear en una nueva película. El filme acaba con el muñeco del sheriff diciendo adiós de sus amigos para empezar una nueva etapa como “juguete perdido” y encontrar a otros niños a los que divertir. Los espectadores estábamos equivocados porque Disney y Pixar tenían otros planes.

La quinta película vuelve a repetir la misma trama de siempre. Los juguetes tienen miedo de ser reemplazados, pero esta vez el “enemigo” no es otro peluche nuevo, ni tampoco el crecimiento de sus dueños. En esta ocasión, el peligro para los muñecos que un día pertenecieron a Andy está en los dispositivos electrónicos. ¿Qué pasa con los juguetes cuando los niños solo pasan tiempo delante de una tablet?

Después de Flow, que ganó el Oscar a mejor película de animación hace un año, y de Robot salvaje, Pixar parece que lo tenía claro: su película número 30 podía volver a convertir a los animales en protagonistas sin ningún problema. El resultado lo tenemos en Hoppers, la última película del estudio de animación que llegó a los cines de España el pasado 6 de marzo.

El largometraje dirigido por Daniel Chong, creador de la serie animada Somos osos, sigue la historia de Mabel, una estudiante amante de los animales que vive en un mundo en el que la ciencia ha desarrollado una tecnología capaz de traspasar la conciencia humana a cuerpos de animales robóticos. Mabel utilizará este avance tecnológico para intentar ayudar a un grupo de castores y proteger su hábitat ante una importante amenaza humana.

Solo hace falta leer la sinopsis para ver las primeras referencias cinematográficas que ha utilizado Chong para el proyecto. “Somos muy directos con la referencia a Avatar”, explicó entre risas el cineasta en una entrevista para Games Radar. Otras influencias, sin embargo, no son tan evidentes, y el director ha ido explicándolas en sus diferentes encuentros con los medios. 

De documentales a Mad Max

“La verdadera inspiración vino de estos documentales sobre la naturaleza, donde ponen animales robot en la naturaleza con cámaras en sus ojos, y básicamente intentan darnos una mirada al interior de cómo se comportan los animales (...). [La película] juega con lo gracioso que es cómo los humanos intentan infiltrarse en el mundo animal”, apuntó el director al medio especializado en cine y videojuegos.

En otros encuentros con la prensa, el estadounidense de origen asiático también ha compartido que la cultura japonesa siempre ha sido una inspiración para él. En este caso, señaló, Hoppers probablemente no existiría si no fuera por Pompoko (1994), una película de estudio Ghibli en el que un grupo de mapaches se organiza para salvar un bosque en el que los humanos quieren construir una urbanización. 

Aunque el último proyecto de Pixar es una película familiar, eso no impidió que otros títulos más adultos, llenos de acción y escenas violentas, también sirvieran como base para crear Hoppers. Así lo confirmó el propio director en Discussing Film, que nombró a Mad Max como una de las fuertes inspiraciones del equipo a la hora de desarrollar el filme.

“Tenemos algunas secuencias de acción verdaderamente locas, y definitivamente observamos con detenimiento Mad Max: Furia en el camino. La película no se ve así, pero diré que capturar la adrenalina y la locura de la acción con grandes peligros fue lo más divertido de esta película para mí”, reveló a la prensa.

Pixar Animation Studios vuelve a recurrir al reino animal con Hoppers, su nueva película. El estudio vuelve a recurrir a una de las estrategias que mejor le han funcionado: contar historias a través de animales o criaturas inspiradas en ellos. Y no es una casualidad, desde finales de los años noventa, los personajes animales han sido una constante en la filmografía de Pixar y han cautivado a pequeños y mayores.

Hoppers explica la historia de una joven científica que consigue transferir su mente al cuerpo de un castor robótico para poder infiltrarse entre los animales y comprender mejor su mundo. Con esa mezcla de tecnología y mundo animal, la película explora la relación entre humanos y naturaleza, combinando aventura, humor y una reflexión sobre el impacto del hombre en los ecosistemas.

El reino animal, un recurso habitual

La elección del reino animal como escenario narrativo no es nueva para Pixar. En 1998, tres años después de Toy Story, primera película de Pixar, estrenó Bichos: una aventura en miniatura. Aquella película trasladaba al espectador al mundo de las hormigas y los insectos para contar una historia sobre cooperación y resistencia frente a la opresión, con su particular toque de humor. Esta fue la primera vez que el estudio construyó una historia completa protagonizada por criaturas no humanas.

Cinco años más tarde llegó uno de los mayores éxitos de la compañía: Buscando a Nemo. La aventura del pequeño pez payaso que se pierde en el océano permitió a Pixar recrear un universo submarino lleno de especies marinas. La película tuvo muchísimo éxito, ganó el Oscar a la mejor película de animación, el primero que consiguió el estudio, y quedó en el imaginario colectivo para siempre. La historia continuó más de una década después con el spin-off Buscando a Dory, centrada en el personaje de la olvidadiza pez cirujano azul.

Pixar también ha utilizado animales para explorar metáforas sociales y personales. En Ratatouille, un ratón con talento para la cocina desafía los prejuicios de los humanos al intentar convertirse en chef en París. La película, que ganó el Oscar en 2007, convirtió a un animal tradicionalmente asociado a enfermedades y suciedad en el protagonista de una historia sobre talento, creatividad y superación.

En otras ocasiones, los animales han servido como acompañantes clave dentro de historias más amplias. Por ejemplo, en Up, que también ganó el Oscar en 2009, el perro Dug y el ave tropical Kevin se convierten en personajes clave de la aventura que viven Carl y Russell en Sudamérica. Aunque no son los protagonistas principales, su presencia es clave para reforzar el tono humorístico y emocional del relato.

Por otro lado, Pixar también ha jugado con la idea de invertir la relación tradicional entre humanos y animales. En El Viaje de Arlo, los dinosaurios evolucionan hasta desarrollar una sociedad compleja mientras los humanos son los que ocupal el lugar de animales salvajes. El resultado es una historia sobre crecimiento personal y amistad contada desde un punto de vista muy diferente a lo que se había visto hasta entonces.

Más recientemente, el estudio ha seguido explorando criaturas vinculadas a la naturaleza. En Luca los protagonistas eran dos jóvenes monstruos marinos capaces de adoptar forma humana para descubrir el mundo de la superficie, y en Red, utilizan a un panda rojo gigante como metáfora de los cambios emocionales que sufre la protagonista durante su adolescencia. Transformaciones en animales también hay en Brave (Indomable), ganadora del Oscar en 2012. Mérida, la protagonista intenta cambiar la mentalidad de su madre mediante magia, y acaba convirtiéndola a ella y a sus hermanos en osos.

Con Hoppers, Pixar vuelve a viajar al universo animal para contar esta vez una historia mucho más actual. La nueva película combina ciencia ficción y naturaleza, pero sigue una línea exitosa que el estudio ha cultivado durante casi tres décadas: utilizar animales, reales o imaginarios, como espejo para hablar de los miedos, deseos y conflictos humanos.

Los problemas de Pixar con su imagen pública llevan tiempo siendo constantes. Ha calado la idea de que la directiva de este estudio de animación, subsidiario directo de Disney desde 2006, coarta sistemáticamente la voluntad de los artistas por incluir diversidad en sus historias. Y esto pasaba incluso antes de que Trump regresara al poder y pusiera en jaque a la industria. Han trascendido conductas de este estilo alrededor de Red, Lightyear —con ese beso lésbico que primero eliminó y luego recuperó desatando la ira fascista—, Del revés 2 y Elio, su último estreno hasta la fecha, cuyo protagonista había sido ideado como queer, de forma que la supresión de este elemento motivara la salida del director Adrián Molina.

A finales de 2024 también habíamos sabido que Pixar obligó a eliminar una trama trans en su serie En la victoria o en la derrota, paralelamente a que otro futuro estreno se sumergiera en la controversia. Un extrabajador de Pixar aseguró que durante el desarrollo de Hoppers había habido presiones para “aligerar” su mensaje ecologista. Algo que parecía contradecir la misma premisa: una joven activista que trata de salvar la fauna de un lago sobre el que el alcalde de su pueblo ha decidido construir una circunvalación.

Este amasijo de polémicas nos habla de un estudio que no pasa por su mejor momento, expuesto a todas las contradicciones del “neoliberalismo progresista” donde se había incrustado por tradición —es decir, esa fórmula que busca aliviar la tensión sociopolítica desde calculadas lógicas de representación, que la Administración Trump hoy se propone destruir— mientras su salud financiera deja igualmente que desear. Tan solo Del revés 2 ha tenido últimamente una gran taquilla, mientras la citada Elio ha sido el mayor fracaso de la historia de Pixar, con lo que la conclusión está clara: hay que producir más secuelas. Por eso, después de Hoppers, llega en junio Toy Story 5. 

Daniel Chong es el director de Hoppers y es consciente de la complicada situación de su estudio. Entrevistado por elDiario.es, señala que no es tan grave que tras Toy Story 5 se hable de Coco 2 y Los increíbles 3. “También hemos anunciado Gatto”, destaca en referencia a un filme original que llegaría en marzo del año que viene y dirige el Enrico Casarosa de Luca. “Creo que Pixar está haciendo las cosas bien. Obviamente, debe existir un mundo donde hacemos más películas originales y menos secuelas, pero no estamos en ese mundo. Para que un estudio pueda sobrevivir, ha de haber un equilibrio”. Justamente de equilibrio habla Hoppers.

Cómo Pixar entiende el ecologismo

Chong es consciente, por otra parte, de las acusaciones que aquel extrabajador lanzó contra Hoppers. “Sí, nos enteramos de lo que se publicó”, reconoce. “Y la persona que dijo eso había estado mirando el proyecto desde lejos. Porque no, no fuimos censurados en absoluto”. Chong niega entonces que hubiera presiones desde arriba para frenar la vocación ambientalista de su película en un momento muy delicado en EEUU, donde el movimiento MAGA siempre busca excusas para arremeter contra Disney (cuya línea editorial se identifica habitualmente con el Partido Demócrata).

¿Cuál es la excusa de Chong? Que el proyecto simplemente siguió su curso. “Lo que pasa es que las historias suelen evolucionar y cambiar mucho, y, a veces, desde ciertas perspectivas, puede dar la sensación de que está habiendo censura. Cuando lo que pasa, simplemente, es que la historia cambia porque lo necesita”, asegura Chong. “No hubo ninguna censura, solo un reajuste en la forma de contar la historia, y cuando la gente vea la película, descubrirá que las cosas que queríamos decir sobre nuestra relación con la naturaleza están intactas”.

Las historias suelen cambiar mucho, y a veces desde ciertas perspectivas puede dar la sensación de que está habiendo censura, pero lo que pasa simplemente es que la historia cambia porque lo necesita

Daniel Chong — Cineasta

Es cierto que la narración de Hoppers es lo bastante orgánica como para dudar que hubiera desvíos estrepitosos en el desarrollo: quizá la historia sí evolucionó como debía evolucionar. Otra cosa es lo que comunique esta historia, claro. Hoppers hace referencia a un experimento científico en el que la protagonista, Mabel, ve la oportunidad de salvar el lago. Consiste en introducirse en un robot-castor y, dentro de ese disfraz, comunicarse con animales que la reconocerán como uno de los suyos. La película hace chistes de inmediato con lo mucho que recuerda este planteamiento a Avatar.

Al mismo tiempo, deja caer muy rápido que Mabel no estaría obrando del todo bien. Camuflada como un castor, tratando de convencer a los animales de que luchen por su lago, Mabel estaría alterando los ritmos intrínsecos de la naturaleza mediante la ciencia y el sentimiento de superioridad humano, de una forma no tan distinta a lo que el pérfido alcalde Jerry busca hacer con su carretera. Tal es el dilema que maneja Hoppers. Uno que sin duda encaja con presupuestos ecológicos —atendiendo a la necesidad de un equilibrio de fuerzas y de identificar al humano como un ser vivo más— pero que, a la vez, permite a Chong dar declaraciones rigurosamente despolitizadas.

Es lo que hizo en una clase magistral antes de su entrevista, repasando la gestación de Hoppers. “Buscaba algo relevante para el futuro y me encontraba como todos los demás: con una sensación de desconexión, de sentirme rodeado de gente que lucha entre sí, con la tecnología siendo parte de eso también”, recordaba. “Buscaba algo que nos uniera, que no fuera necesariamente político, y pensé en el medio ambiente. Nuestra relación con la naturaleza no tiene por qué ser política, ha de importarnos a todos. Porque todos amamos a los animales (o deberíamos) y eso no es algo político”. 

Puesto que la política simplemente se ocupa de gestionar una convivencia, Chong no debería negarle a Hoppers este valor. Pero no deja de encajar con el talante final del filme, que aboga por los buenos sentimientos y la persecución de un equilibrio al margen de posiciones extremistas, proclive a que animales y humanos puedan compartir espacio. “Todos somos parte de un mismo ecosistema”, insiste Chong, “y Hoppers quiere ayudarnos a entendernos mejor, a ser más amables con los demás, a sentirnos menos desconectados… Aunque tampoco quisiera bombardear con mensajes a nadie”.

Cómo Pixar entiende (ahora) la animación

La equidistancia de Hoppers, su extremocentrismo, es del todo comprensible. Ni están las cosas en EEUU para decir una palabra más alta que otra, ni Pixar ha sido nunca un dechado de convicciones izquierdistas. En su génesis, de hecho, ha sido más determinante la herencia de Silicon Valley a través de su fundador Steve Jobs —estableciendo una brújula de avance tecnológico en lugar de estético— que una tradición animada como tal, así que cuesta enfadarse con Hoppers o verla como una traición. En el mejor de los casos puede parecer una obra ingenua o, en el peor, irresponsable, por acercar las posturas de activistas y políticos-empresarios en los tiempos que corren.

Nada de esto evita, en cualquier caso, que Hoppers sea la mejor película producida por Pixar en mucho tiempo. Porque su narración sabe eludir sus limitaciones de forma que las pegas lleguen después —cuando se piensa un poco lo que ha planteado, o se escucha hablar al director—, y porque esta está admirablemente ejecutada desde el apartado cómico y formal. La designación de Chong como director ha sido clave en este ámbito, porque no es un artista de Pixar de toda la vida sino que viene de fuera. “Sí, mi experiencia en Cartoon Network fue decisiva”, reconoce.

Chong es el creador de una serie de animación en 2D titulada Somos osos, que tuvo su propia película en 2020. De esta serie Hoppers ha heredado un saludable desinterés en que los animales sean realistas: desde sus formas redondeadas hasta el juego con sus ojos —que pierden o ganan pupila según Mabel pueda dialogar con ellos o no—, pasando por el color luminoso y la variedad de los diseños, la fauna que retrata la película de Chong es de lo más atractiva y descarta cualquier influjo de registro documental, queriendo integrarse ni más ni menos que por dibujos animados.

Así que se puede rastrear fácilmente la huella de las series infantiles de Cartoon Network, en particular su ritmo veloz y su sentido del humor constante. “Estuve tanto tiempo en Somos osos que desarrollé un gusto claro por las cosas que me interesaban y aprendí a producir muy rápidamente. Esta habilidad, cuando llegué a Pixar, nos ayudó a agilizar el proceso”, explica Chong. “Los fans de Somos osos verán que he llevado su humor a esta película, aunque uno de los desafíos de Hoppers fue emplear un formato distinto. Ahora hablábamos de CGI y queríamos reforzar las dimensiones, la textura, el detalle, y que la gente sintiera que podía agarrar y abrazar a estos personajes”.

La enloquecida energía cartoon de Hoppers no pierde aplomo pese al volumen de las tres dimensiones, y Chong y su equipo se las apañan para dispensar un entretenimiento rotundo. Incluso sazonado por escenas de acción muy originales e intensas —todo lo que sucede en cuanto los animales deciden ir a la guerra contra los humanos—, que marcan distancia con cualquier gravedad discursiva para que simplemente fluya la diversión. “Para mí la comedia era lo primero”, concluye Chong. “En cada decisión que tomamos para la película, primó la comedia”.

Y es algo que se nota, sin entorpecer ciertos apuntes emotivos —la amistad que Mabel entabla con el rey de los castores— que al cabo redondean las virtudes de Hoppers. Una película que bordea la excelencia y cuya falta de mordiente política no desentona, a fin de cuentas, con lo que ha sido Pixar o debería haber sido siempre: un estudio que hace películas creativas y divertidas. 

Parecía que nunca más volveríamos a ver a Woody y Buzz Lightyear en una nueva película. Toy Story 4 acabó con una despedida por todo lo alto, con el muñeco del sheriff despidiéndose de sus amigos, míticos personajes de la saga de largometrajes de animación, para empezar una nueva etapa como “juguete perdido” y encontrar a otros niños. Nos equivocábamos.

El próximo 19 de junio, llegará a los cines de España la quinta entrega de Toy Story con una nueva historia que, en la práctica, es la misma de todas las películas anteriores: los juguetes vuelven a enfrentarse al temor de ser reemplazados. Pero esta vez el enemigo no es otro juguete ni el paso del tiempo. En esta ocasión, el peligro está en la tecnología.

El nuevo largometraje de Disney y Pixar vuelve a reencontrar a Woody con Buzz, Jessie y el resto de la pandilla, y juntos tendrán que ver cómo lidiar con Lilypad, la nueva tablet que le regalan a Bonnie y que pondrá patas arriba todo el mundo de la niña. “¿Volverá a ser lo mismo la hora de jugar?”, puede leerse en la sinopsis oficial. 

El lanzamiento de Toy Story 5 ha generado un amplio debate en redes sociales. ¿Tiene sentido hacer una nueva película sobre estos juguetes después de la icónica despedida que protagonizaron en la cuarta entrega? ¿Está la franquicia de Mickey Mouse estirando el chicle de uno de sus mayores éxitos de animación? 

Y lo más importante: ¿la historia conseguirá sorprender al público? En el caso de España, el consenso de la audiencia va por otro lado. Antes del lanzamiento de la película, lo que todo el mundo está comentando es el doblaje en español y el importante cambio que este sufrirá, con Buzz Lightyear como protagonista. 

Los fans echarán de menos a José Luis Gil

“Me he venido abajo pensando que José Luis Gil no va a poder doblar a Buzz Lightyear”, escribe un usuario en X. “Lo triste que me ha puesto pensar que Buzz no tendrá la voz de José Luis Gil”, escribe otro. ¿Sabéis lo que me va a doler de esta peli? No escuchar a José Luis Gil“, compartió otro.

El actor de Aquí no hay quien viva y La que se avecina sufrió un ictus en 2021, algo que desde entonces, debido a la gravedad y a cómo le ha afectado, lo ha mantenido apartado de la vida pública y de su trabajo. De esta manera, en la nueva película de Pixar, el astronauta de juguete tendrá la voz de Pablo del Hoyo. 

Los intérpretes no siempre miden las consecuencias de sus decisiones, y algunas elecciones pueden marcar su trayectoria durante años. La búsqueda de control creativo, la inseguridad ante nuevos proyectos o el simple instinto de prudencia han llevado a muchos a dejar pasar papeles que después se convertirían en hitos del cine.

A veces, una negativa surge de un detalle mínimo o de una duda sobre el rumbo artístico del director. En otras, se trata de un exceso de confianza o de una lectura equivocada del momento. Los actores pueden mostrarse exigentes cuando sienten que algo no encaja del todo, aunque el tiempo demuestre que esa resistencia era innecesaria. Con ello, no siempre logran modificar un personaje, pero sí cambian para siempre la historia de su propia carrera.

Puso condiciones que el estudio no aceptó

Jack Black reconoció en una entrevista que rechazó el papel de Syndrome en Los Increíbles tras exigir cambios en el guion, una decisión que más tarde lamentó. El actor explicó que Pixar le había ofrecido doblar al villano principal del filme dirigido por Brad Bird, pero pidió que el personaje tuviera más matices y no se limitara al arquetipo de antagonista.

La negativa del estudio fue tajante, y el papel acabó en manos de Jason Lee, mientras la película se convertía en uno de los mayores éxitos de la animación contemporánea.

Con el paso de los años, Black consolidó una carrera destacada en el cine de animación. Su voz dio vida a Po, el protagonista de la saga Kung Fu Panda de DreamWorks, y a Bowser en Super Mario Bros.: La película, que superó los 1.000 millones de dólares en taquilla. También regresará a ese universo como parte de la secuela Super Mario Galaxy: La película, cuyo estreno está previsto para el 3 de abril.

El rechazo se convirtió con los años en una lección personal

En declaraciones a la emisora británica Capital FM, Black relató cómo se produjo aquel desencuentro. Dijo que desconocía a Brad Bird, que en ese momento solo había dirigido El gigante de hierro, y que su petición de reescribir el papel fue interpretada como un rechazo.

Según recordó, el director, del que “nunca había oído hablar de él” le respondió que si no confiaba en el guion, no debía seguir adelante con el proyecto. Black admitió que subestimó al realizador y que su falta de confianza le costó uno de los papeles más recordados del estudio.

Syndrome es el antagonista principal de Los Increíbles y una de las figuras más recordadas del cine de animación moderno. Su historia parte de una frustración personal: fue un admirador de los superhéroes que, tras sentirse rechazado por su ídolo, decide volverse contra ellos.

El personaje combina arrogancia, ingenio y un resentimiento profundo que lo lleva a enfrentarse él solo a toda una familia de héroes. Esa mezcla de vanidad y herida emocional convirtió a Syndrome en un villano carismático y complejo, muy distinto de los arquetipos clásicos del género.

El intérprete calificó esa experiencia como una lección. Aseguró que comprendió la importancia de arriesgarse incluso cuando los proyectos no parecen seguros. Reconoció que, al ver el resultado final, comprendió su error. “Cuando esa película se estrenó, fue una de las mejores jamás hechas”, afirmó. Desde entonces, dijo haber aprendido a confiar más en el instinto creativo de los directores con los que trabaja.

Los Increíbles se estrenó en 2004, obtuvo el Óscar a mejor largometraje de animación y recaudó más de 630 millones de dólares en todo el mundo. La secuela, lanzada en 2018, superó los 1.200 millones y confirmó el peso de la saga dentro del catálogo de Pixar. El estudio prepara ya una tercera entrega, mientras Jack Black, todavía arrepentido por ser demasiado ambicioso, sigue recordando la oportunidad que dejó pasar.

Lo que podía haber supuesto un largo y costoso litigio judicial termina con un apretón de manos y un cheque de 1.000 millones. Disney ha formalizado este jueves su entrada en el accionariado de OpenAI con una inversión de ese calibre, una operación marca un hito en la relación entre los grandes estudios de Hollywood y las empresas desarrolladoras de inteligencia artificial generativa: incluye una licencia especial para que OpenAI use el material protegido con derechos de autor de Disney.

El contrato, con una duración inicial de tres años y que incluye la posibilidad de comprar más acciones en el futuro, convierte a Disney en el primer gran socio de contenidos de OpenAI. La clave del pacto reside en que la compañía de entretenimiento permitirá que los usuarios de Sora —la red social de generación de vídeo sintético de OpenAI— utilicen legalmente más de 200 personajes de sus franquicias, incluyendo los de la propia Disney, Pixar, Marvel y Star Wars.

La irrupción de Sora en octubre generó el enésimo conflicto para OpenAI, ya que la herramienta no contaba con ningún control para impedir que los usuarios crearan contenidos con personajes protegidos con derechos de autor. Los miembros, a través de órdenes de texto, pueden generar vídeos cortos con cualquier figura pública o de ficción sin permiso de las personas que son representadas o de los propietarios de los derechos.

Los actores humanos, excluidos

Según los términos del acuerdo revelados por Disney, los usuarios de Sora podrán generar vídeos cortos con figuras icónicas como Mickey Mouse, Iron Man o Darth Vader. No obstante, el contrato excluye explícitamente el uso de voces y la imagen de actores reales. Solo se permite el uso de personajes animados, enmascarados o criaturas digitales.

Como parte del trato, la empresa de Sam Altman se ha comprometido con Disney a implementar “controles robustos” y filtros de seguridad específicos, una exigencia impuesta por la multinacional tras los incidentes donde los usuarios han utilizado la IA de Sora para generar “contenido inapropiado” con sus personajes infantiles.

Además de la inversión, el contrato convierte a Disney en un socio preferente de OpenAI. La multinacional desplegará herramientas como ChatGPT y la propia Sora entre sus empleados para el desarrollo de procesos internos y nuevas “experiencias”, y distribuirá una selección de vídeos generados por IA en su plataforma de streaming Disney+.

El movimiento de Disney establece una hoja de ruta para la industria de la IA en la que el uso de los contenidos protegidos deberá contar con un permiso expreso, al menos en los contenidos audiovisuales. La multinacional mantiene litigios abiertos con los desarrolladores del generador de imágenes Midjourney y la empresa china Minimax, a las que acusa de piratería. También ha revelado que ha enviado cartas de advertencia a la startup Character.AI, que permite diseñar chatbots en los que la IA puede actuar en base a las características e imagen de personajes de ficción.

El acuerdo llega cuando tanto OpenAI como otras empresas del sector de la IA mantienen juicios abiertos con escritores y guionistas, que los acusan de haber entrenado estos sistemas con sus obras sin su permiso y sin compensación.

Este noviembre de 2025 ha llegado el primer tráiler de ‘Toy Story 5’, la nueva entrega de una de las sagas por excelencia de Pixar que se estrenará en cines el próximo 19 de junio de 2026 a nivel mundial, y que supondrá el primer largometraje sin John Lasseter involucrado.

En el tráiler de ‘Toy Story 5’ se confirma una trama que gira en torno a la tecnología en los niños como una amenaza a los juguetes tradicionales, al llegar una Tablet en las manos de Bonnie, ‘Lilypad’, que amenaza la vida de los demás y ponerle las cosas muy difíciles.

Cómo la tecnología supuso que ‘Toy Story’ sea parte de la historia del cine

Justo el tráiler de esta última entrega llega cuando se cumplen 30 años del estreno del que fue el primer largometraje de la saga de ‘Toy Story’ y el primero de Pixar, que entonces era una pequeña empresa formada por un grupo de jóvenes a los que no les importaba experimentar y que así cambiaron la historia del cine, sobre todo de la animación, a la que ha influenciado en estas tres décadas.

De hecho, se suele comparar a este ‘Toy Story’ con lo que supuso ‘Blancanieves y los siete enanitos’ para Walt Disney en 1937 al ser un “salto adelante radical tanto en la tecnología como en la manera de contar historias de animación”, como reconoció en un congreso el dibujante y director Bill Kroyer.

‘Toy Story’ se estrenó en 1995 después de que Pixar se desgajara de Lucasfilms y fuera comprada por Steve Jobs, proyectándose a fuego lento y aupada tras los cortos que habían tenido éxito, con el Premio Oscar de ‘Tin Toy’. Al conseguir colaborar con Walt Disney a nivel de distribución, tuvieron que superar las dudas que había desde el estudio por no seguir normas clásicas como que no hubiera números musicales como tal o un villano claro.

Así, se convirtió en el primer largometraje de animación completamente por ordenador (CGI) con un estreno en Estados Unidos el 22 de noviembre de 1995, en España el 14 de marzo de 1996, tras un presupuesto de 30 millones de dólares que fue superado por creces tras recaudar 400 millones de dólares, todo un éxito en crítica y taquilla con una historia simple sobre la llegada de un nuevo líder en un grupo contada con juguetes como personajes principales.

‘Toy Story’ supuso un antes y un después en el cine de animación, al marcar una pauta que se ha seguido durante estos 30 años, no solo por Pixar, sino también por el propio Disney y otros estudios como Dreamworks o Sony Animation.

La última película abre un debate sobre la tecnología en los niños

Es curioso que justo la tecnología que fue una aliada para la propia saga de ‘Toy Story’ sea el objeto de discusión de la quinta película, en el que una Tablet llega para amenazar la vida de los juguetes, ahora con Bonnie, y en la que será la primera sin uno de sus creadores, John Lasseter, que dejó Pixar en 2018.

Este tema interesó a Andrew Stanton y Kenna Harris, directores de la película, que reconocieron la razón por la que querían indagar en esto: “Ha sido un viaje bonito ver cómo el equipo favorito de juguetes podría responder al mundo tecnológico actual. Ha sido increíble contar con la extraordinaria Greta Lee para dar vida a Lilypad, equilibrando un tono juguetón y antagónico con humor y corazón”.

Hace 30 años, Pixar hizo historia con el estreno de Toy Story. La película sobre los entrañables muñecos de Andy fue la primera en la historia cuya animación se creó íntegramente por ordenador. El largometraje llegó a cines en noviembre de 1995 y fue todo un éxito, convirtiéndose en la película más taquillera de ese año a nivel global.

Lo que nadie sabía es que antes de la película que hoy conocemos existió otra que acabó en la basura. Tom Hanks, quien le pone la voz al Sheriff Woody en la versión original del filme, ha compartido ahora que la historia de Toy Story tiene más de 30 años porque él y Tim Allen (quien le pone voz a Buzz Lightyear) grabaron diálogos para una versión anterior.

“En realidad, fueron más de 30 años, porque Allen, yo y todos los involucrados grabamos una película de Toy Story, unos 80 minutos, que fue completamente descartada”, señaló el actor de Hollywood durante su paso por el programa estadounidense The Late Show with Stephen Colbert. La culpa la tuvo el estudio detrás de la película, que tenía en mente un tipo de proyecto muy diferente al que había concebido Pixar entonces. 

“La gente que dirigía el estudio —no Pixar, la gente de Pixar es genial— nos dijeron: es una caricatura. Hagámoslos bromistas, que improvisen, que se insulten entre sí y que inventen cosas tontas. Lo hicimos por un tiempo, pero francamente no funcionó. No era Toy Story. No era lo que Pixar buscaba”, añadió el actor conocido por sus papeles en Forrest Gump, La Terminal y Salvar al soldado Ryan.

Tiempo después, el director de la película, John Lasseter, les informó que habían revisado el contenido y que no funcionaba. “Nos dijo: nos gustaría empezar de cero. Así que comenzamos el proceso de nuevo”, confesó Hanks. El cambio les salió bien, teniendo en cuenta que tras la primera llegó Toy Story 2 (1999), Toy Story 3 (2010) y Toy Story 4 (2019).

Lo que sabemos de ‘Toy Story 5’

Los fans pensaron que se habían despedido de los muñecos de Andy para siempre cuando en 2019 se estrenó la cuarta película de Toy Story. El final de la película también parecía ser un final para la saga de Pixar que empezó hace ya 30 años. Sin embargo, ya está confirmado que habrá una quinta película, cuyo estreno se prevé para junio del año que viene.

Apenas hay información confirmada sobre el largometraje, pero sabemos que Woody, Buzz y Jessie volverán a la gran pantalla y que, en este caso, los juguetes se enfrentarán a las nuevas tecnologías que tanto han conquistado el interés de los niños de las nuevas generaciones.

Hoy en día estamos acostumbrados a ver películas de Pixar con humanos como protagonistas como lo han sido éxitos como ‘Coco’, ‘Del revés’ o ‘Up’, pero hubo una etapa en la que esto fue un importante reto dentro del estudio, con sus primeros largometrajes dedicados a juguetes en ‘Toy Story’, insectos en ‘Bichos’ o a peces en ‘Buscando a Nemo’.

Si bien aparecían humanos en los primeros largometrajes de Pixar, estos no eran protagonistas y como se ha apreciado en algunas como en ‘Toy Story’, carecían de cierta expresividad y movimiento natural, por lo que con la llegada de ‘Los Increíbles’ en noviembre de 2004, hace 21 años, se marcó un antes y un después en la compañía.

La idea de ‘Los increíbles’ fue un proyecto personal de su director

‘Los increíbles’ es una película que Brad Bird, su director, llevaba teniendo en su cabeza desde la década de los 90, cuando se le ocurrió la idea de parodiar el cine de superhéroes que había disfrutado desde niño, a la vez que quería inculcar en ella la dificultad de compaginar su trabajo con la vida familiar.

Esto daría resultado al largometraje que se estrenó en noviembre de 2004 en gran parte de cines de todo el mundo, siendo la película hasta la fecha más larga de Pixar (que superaría solo dos años después Cars) con 115 minutos de duración y la última que se lanzó en el formato VHS de la factoría.

La película sobre la familia de superhéroes, que recordaba a ‘Los cuatro fantásticos’ y a los que se adelantó un año a su estreno, fue todo un éxito con más de 613 millones de dólares recaudados, además de unir a una buena acogida de crítica que le valió dos premios Oscar a Mejor largometraje de animación y Mejores efectos de sonido.

Un éxito que se logró mantener durante el paso de las décadas y que derivó en una secuela que llegaría casi 15 años después, en 2018, tras haber sido pedida ampliamente por los espectadores que habían disfrutado con la primera entrega en 2004.

El reto que supuso crear humanos para Pixar

Tuvieron que pasar varias películas antes como ‘Toy Story’, ‘Bichos’, ‘Monstruos S.A’ y ‘Buscando a Nemo’, incluida la secuela del largometraje protagonizado por juguetes, para que llegará la primera protagonizada por humanos, y esto tuvo una cierta explicación técnica.

Y es que Pixar tuvo que desarrollar una tecnología especial y nueva para simular el sistema muscular lo mejor posible y crear humanos que pudieran expresar emociones y movimientos de manera adecuados, sobre todo tratándose de un film de superhéroes.

En ella hay algunas curiosidades como suele añadir la compañía como que cuando Bob ve su GPS están representadas las calles reales que rodean los estudios de Pixar en California, o la manera en la que decidieron mostrar cuando estaba ambientada, en 1962 al ver el periódico que está leyendo Mr. Increíble al principio de la película.

En octubre de 2023 Disney cumplió cien años. Una fecha muy especial que quiso celebrar por todo lo alto. La compañía, organizó una serie de evento con motivo de su centenario por ciudades de todo el mundo. También llegó a Madrid con un espacio interactivo, una exposición al aire libre y el alumbrado navideño de ese año. Ahora, aunque han pasado casi dos años del señalado aniversario, la magia de Disney regresa a la capital con una muestra interactiva.

La Fundación Canal acogerá desde este miércoles Disney. The Exhibition - 100 Años de Magia, el homenaje al centenario de la compañía de entretenimiento. La muestra cuenta con más de 250 piezas, obras de arte y documentos junto a 9 galerías de exposición inmersivas y 14 instalaciones interactivas, entre las que se encuentran el zapato de cristal de la acción en vivo de Cenicienta o e casco de Iron Man.

La exposición, que celebra “un siglo de historias, personajes, música y experiencias” creadas por The Walt Disney Company, ofrece a fans de todas las generaciones la oportunidad de “sumergirse y redescubrir” algunas de sus historias preferidas de Disney. Después de su paso por ciudades como Filadelfia, Múnich, Londres, Chicago, Kansas City, Seúl y París, llega ahora a la capital para mostrar las piezas más reseñables de los Archivos Walt Disney.

Los visitantes también pueden conocer la historia detrás de la creación de algunos de los personajes, las películas y los espectáculos, así como participar de las experiencias de la compañía alrededor del mundo, desde Disneyland París hasta Walt Disney World.

Un archivo de más de medio siglo

Desde hace más de 55 años, Walt Disney Archives, los archivos oficiales de la compañía, preservan algunas de las “joyas de la corona”. Se han necesitado cuatro años para planificar y reunir los objetos que se exhiben en Disney: The Exhibition - 100 Años de Magia.

En Madrid se exponen ahora obras de arte, esculturas utilizadas para la animación, así como vestuarios y accesorios de las películas de acción real. Entre otros, esto incluye tanto el caballo del tiovivo de Mary Poppins (1964) --utilizado por la leyenda de Disney Dick Van Dyke--, como el vestido rojo de Cruella (2021), llevado por la actriz Emma Stone.

También otros objetos y accesorios emblemáticos adicionales, como los libros del atrezzo original de Cenicienta (1950) y Merlín el Encantador (1963), la zapatilla de cristal de la versión de acción real de Cenicienta (2015), el casco de Iron Man de la película Vengadores: Infinity War (2018), o también el conjunto de Indiana Jones en Indiana Jones y el Dial del destino (2023).

Las galerías temáticas incluyen una “experiencia inmersiva”, e incluyen un paseo por una réplica de los parques Disney, así como oportunidades fotográficas que permiten a los visitantes posar junto a esculturas e impresiones de algunos de lo personajes como Mickey Mouse, del que también se exponen sus primeros bocetos, la familia Parr de Los Increíbles (2004), Goofy o el Hada Madrina de Cenicienta (1950).

La exposición incorpora además un componente. Los visitantes podrán encontrar cuentacuentos en algunas galerías, destacando objetos relevantes y compartiendo historias. Con esta propuesta, la exposición trata de combinar lo educativo con lo experiencial.

Esta muestra es posible gracias a las contribuciones creativas combinadas de Walt Disney Archives, Walt Disney Animation Research Library, Walt Disney Imagineering, Disney Theatrical Group, Lucasfilm, Marvel Studios, Pixar Animation Studios, Walt Disney Music y The Walt Disney Family Museum. “Nos emociona traer esta fantástica exposición a Madrid”, ha dicho la directora de Walt Disney Archives, Becky Cline, quien ha deseado que “los visitantes disfruten algunas de sus historias, personajes y atracciones favoritas de Disney de una forma nueva y envolvente”.

El pasado julio llegaba a los cines de España ‘Elio’, el que fue el último estreno de Pixar, uno de los fracasos más sonados de este verano y que contrastó con el éxito del live action de Disney, Lilo & Stitch, o el de ‘Cómo entrenar a tu dragón’.

Tras esto, Pixar no ha cambiado una hoja de ruta para 2026 y los siguientes años, en los que la nueva entrega de varias de sus sagas de mayor éxito como ‘Toy Story’ o ‘Del revés’, así como la segunda parte de ‘Coco’.

‘Hoppers’: la próxima historia original de Pixar

Antes de comenzar con su calendario de secuelas, Pixar tiene como próximo estreno esperado el de ‘Hoppers’, su nueva historia original que llegará a los cines el 6 de marzo de 2026. La historia habla de Mabel, una joven que transfiere su mente a un castor robot y se infiltra como un animal más en el bosque, donde se hace amiga del rey Jorge, un castor regio, y se une en la lucha ante una inmobiliaria.

‘Toy Story 5’: gran estreno de Pixar para 2026

Los juguetes más famosos del cine vuelven a la pantalla grande con la que será la quinta entrega de ‘Toy Story’, confirmado ya por Bob Iger, director ejecutivo de Disney, y de lo poco que se conoce es su fecha de estreno prevista para el 19 de junio del próximo año, y que la historia podría girar entorno a la lucha ante las pantallas.

Las terceras partes de ‘Los increíbles’ y ‘Del revés’

Otros estrenos confirmados en los planes de Pixar son las terceras entregas de ‘Los increíbles’ y ‘Del revés’, dos sagas que han sido protagonistas de dos de los últimos éxitos de la compañía. La familia de superhéroes estaría previsto que volviera en 2027, sin todavía haber trascendido su sinopsis.

Por su parte, ‘Del revés 3’ llegaría en torno al 2028 con una nueva aventura para Riley y las emociones en su interior, siendo todavía desconocido hacia donde irá esta tercera película tras haber pasado por el crecimiento de la joven en la primera y en su adolescencia en la segunda.

‘Coco 2’: una de las películas más esperadas de Pixar

Pero si hablamos de los próximos proyectos de Pixar, uno de los más esperados es la secuela de ‘Coco’, que ha sido uno de los éxitos de historia original que ha tenido la empresa en los últimos años, y ganador de dos Premios Oscar a mejor película de animación y mejor canción original.

Para ‘Coco 2’, Pixar reúne al director ganador del Oscar Lee Unkrich y al codirector Adrian Molina, todo ello a pesar de las diferencias que se dieron con ‘Elio’. Su estreno se espera para 2029.

Este 9 de julio llega a las salas de cine de España, Elio, la última película de Disney Pixar, y que viene tras un sonado fracaso en la taquilla de los Estados Unidos, que se estrenó a mediados de mayo coincidiendo con dos éxitos como han sido las live action de Cómo entrenar a tu dragón o Lilo & Stitch.

Solo recaudó 20,8 millones de dólares en su primer fin de semana, una cifra que se queda por debajo de los 30 que esperaban desde Pixar que superara para poder tener un mejor resultado que el que fue ‘Elemental’, el último estreno original del estudio, que el pasado verano arrasó con Del Revés 2.

Desde Coco en 2017, Pixar no acumula éxito en las taquillas tras haber encadenado varios estrenos directamente en la plataforma Disney + como fueron Soul o Luca, y Elio tiene oportunidad de intentar mejorar su desempeño con su desembarco en la gran parte de los cines europeos.

Los cambios que explican el fracaso de Elio en los cines

El fracaso de Elio, sin embargo, parece ser ya un hecho en Pixar, siendo ya el que peor recaudación ha proporcionado al estudio, y cuyo presupuesto se antoja estuvo por encima de los 150 millones de dólares, y muchos ven en los grandes cambios que tuvo el personaje y la película como algunas de las causas de esto.

Según informa el medio The Hollywood Reporter, la primera proyección de prueba en Arizona en el verano de 2023 fue un punto de inflexión, pues, aunque gustó a los asistentes, no entusiasmó para que dijeran que irían a los cines y Pixar se puso manos a la obra para cambiar el proyecto.

El más relevante fue el cambio de director, después de que Adrian Molina, co director de Coco, dejara Elio para, según la empresa, dedicarse a otros proyectos, y este pasó a manos de Madeline Sharafian y Domee Shi. Pero no fue el único, otro nombre relevante en la película, como era la actriz America Ferrera, alegó “problemas de agenda” para retirarse como voz de la madre del protagonista, y esta sería sustituida por Zoe Saldaña, aunque en el papel de tía.

El abandono de Molina y Ferrera también se ha visto como una respuesta al cambio del protagonista Elio, al que se le quitaron algunas características y se reelaboró la idea del personaje, que en el primer proyecto era un niño de 11 años, con rasgos ‘queer’ y apasionado del ecologismo y la moda.

“De repente, eliminas esta pieza clave, que gira en torno a la identidad, y Elio se convierte en nada. El Elio que está en cines ahora mismo es mucho peor que la mejor versión original de Adrian [Molina]. Elio era tan adorable, tan divertido y tenía tanta personalidad, que ahora me parece mucho más genérico”, declaran ex artistas de Pixar en palabras recogidas en un reportaje de The Hollywood Reporter.

Este rumbo habría afectado también a los próximos proyectos de Pixar, entre los que se encuentra la quinta entrega de Toy Story, y se habría bajado la intensidad en temas ambientalistas en Hoppers, el largometraje que se espera para la primavera de 2026, o evitar el tema del divorcio en una película en marcha de la que no ha trascendido más detalle.

“Ser único a veces significa sentirse solo”, dice un personaje de Elio en una de las escenas de la nueva película de Pixar. La frase, que es la premisa bajo la que gira la última apuesta del estudio de animación de Disney, cobra más importancia que nunca en tiempos de redes sociales. A través de stories de Instagram, querer parecerse a los demás se ha vuelto una constante peligrosa en una época dominada por las nuevas tecnologías. Esos influencers que tantos seguidores acumulan en Internet, con sus vidas y cuerpos perfectos, se han convertido en los máximos referentes de los adolescentes.

Sin embargo, ser como estos influencers es una misión imposible: nada de lo que muestran en redes sociales se asemeja a la realidad. Ni a la realidad de sus vidas, ni a la realidad de quienes las consumen frente a la pantalla. Las consecuencias ya se están percibiendo, propagando un sentimiento de incertidumbre cada vez más abudante entre los más jóvenes debido a esas aspiraciones que irremediablemente acaban viéndose frustradas. Elio, la película de animación que llega a los cines de España este 9 de julio, pone el foco en esta problemática, presentando a un protagonista que desea escapar del mundo que lo rodea porque se siente incomprendido y piensa que no encaja.

Para Elio, un niño de 11 años, su mayor sueño es viajar al espacio y conocer a los extraterrestres que lo habitan. Después de haber desistido a seguir intentándolo con la gente de su entorno, el muchacho ansía ahora comenzar de nuevo en un planeta diferente, buscando allí a amigos y gente con los que pueda ser él mismo. Esta exploración, que hace de la historia toda una cinta de ciencia ficción, sirve para poner sobre la mesa temas como la identidad, la pertenencia y, como apunta la productora Mary Alice Drumm a elDiario.es, la soledad, un “verdadero punto de referencia” para todos aquellos que trabajaron en la película.

“Las redes sociales a veces pueden hacernos sentir menos conectados”, dice Mary Alice Drumm, “así que, cuando surgió la cuestión de la soledad, tuvimos la oportunidad de hablar con Vivek H. Murthy, el entonces cirujano general de los Estados Unidos (la máxima autoridad en salud pública del país”. Murthy había publicado el alarmante informe Nuestra epidemia de soledad y aislamiento, algo que preocupaba al equipo de la película “no únicamente como padres, sino también como individuos”. “Esperamos que el público se identifique [con Elio], porque todos nos sentimos solos, pero se trata de tender la mano y establecer conexiones”, añade la productora.

La relevancia de la amistad se percibe en la trama cuando Elio conoce a Gordon, el entrañable extraterrestre con el que el joven termina entablando una fuerte relación como amigos. Ambos se confiesan tanto sus vulnerabilidades como sus miedos, algo que, pese a ser fundamental a la hora de crear cualquier vínculo, no siempre es frecuente. La directora estadounidense Madeline Sharafian señala que, “cuando conoces a Elio por primera vez, él piensa que nunca lo entenderán, siente que es el único en la Tierra y que nunca podrá conectar con nadie”. Sin embargo, agrega que lo bonito de la conexión que surge entre Elio y Gordon es que el extraterrestre lo ayuda a darse cuenta de que “hay alguien más como él”.

“Es Gordon, aunque sea un extraterrestre y esté separado de Elio por quién sabe cuántos años luz, quien le enseña que siempre hay alguien que tiene el mismo núcleo que tú”, sostiene la cineasta, que pretende que el público pueda “aprender a ver la Tierra de la misma manera”. “Cuando fui por primera vez a una escuela de animación, al fin conocí a gente que vivía al otro lado del mundo”, explica Sharafian. “Muchos de mis amigos eran de Corea del Sur. Nunca había encontrado a gente con la que conectara hasta entonces. Y, de repente, aquí estoy, hablando con personas con las que nunca habría tenido la oportunidad de hablar si no hubiera perseguido quien era y seguido mis propias pasiones”, reflexiona.

Con esta nueva producción, sus creadoras, como cuenta Madeline Sharafian, tienen la “esperanza” de que “la gente no pierda la fe en que hay alguien ahí fuera”: “El mundo es enorme. Habrá alguien con quien puedas conectar si sigues intentándolo y no te rindes”. No obstante, quienes lo tienen más difícil son los niños, pues la infancia es una etapa marcada por las inseguridades. Muchos de ellos luchan por el ímpetu de ser ellos mismos pese a que ello conlleve no seguir la norma, algo de lo que es consciente Domee Shi, directora canadiense de Elio que ya trabajó para el estudio en Red, quien afirma que lo hacen “tratando de descubrir quiénes son en un mundo que quizá no los acepte”.

El protagonista, como razona Domee Shi, “sabe que no es aceptado en la Tierra, así que se esfuerza al máximo por ser aceptado en otro lugar”, algo que, aunque la cineasta describe como “imperfecto y un poco excéntrico”, también hace que “no puedas evitar admirarle por hacerlo”. “En su viaje, aprende que la verdadera pertenencia viene de dentro, y creo que eso es lo que todos nos damos cuenta al crecer”, indica Shi. “Cuando somos niños, es muy fácil pensar: ‘Voy a huir y me iré a un lugar mágico donde todos me acepten’, pero luego te das cuenta de que tienes que crear ese mundo a tu alrededor. Tienes que ser tú quien se acerque a los demás, quien establezca esas conexiones. Tienes que esforzarte por encontrar tu lugar”, comenta en alusión a uno de los principales mensajes del filme.

“Eso incluye, sí, ayudar a alguien. Pero también incluye abrirte, mostrarte vulnerable ante alguien, compartir una parte de ti mismo con otra persona y esperar que te acepte”, alega Domee Shi. “Todas esas cosas las tocamos en la película y mi esperanza es que la gente se lleve algo positivo cuando termine de verla”, añade, confesando que tanto ella como Madeline Sharafian se basaron, para la elaboración de la película, en sus “propias experiencias como las chicas raras” de sus respectivos pueblos “que soñaban con llegar a un lugar donde todo el mundo las entendiera y las aceptara”.

Una pobre acogida en taquilla

Pese a no ser un remake, o quizás precisamente por ello, Elio ha sido un fracaso en las salas de cine de Estados Unidos. La cinta, con un presupuesto de 150 millones de dólares, tuvo en el país norteamericano el peor fin de semana de estreno para una película de Pixar en la historia, recaudando solo 21 millones de dólares en la taquilla nacional. En comparación, la otra gran apuesta de Disney para el verano, la versión de acción real de Lilo y Stitch, acumuló 146 millones de dólares en su primer fin de semana, ascendiendo hasta los 182 millones si se tiene en cuenta también el lunes, que fue festivo por el Día de los Caídos. El remake de acción real roza los 1.000 millones en todo el mundo.

Los números son sorprendentes, puesto que, desde el estreno del remake de Blancanieves, el público ha estado pidiendo más historias originales por parte de las grandes productoras. Madeline Sharafian cuenta a este periódico que se sienten “muy orgullosos de que Elio sea la única película original que se estrena este verano” y que “es una locura que hayamos llegado a este punto”. “Lo que me encanta de las originales es que te pueden sorprender de verdad”, dice Sharafian. “Por ejemplo, Pixar ya ha hecho dos películas de ciencia ficción, Wall-E y Lightyear, pero queríamos crear una de ciencia ficción que no hubiéramos visto antes. Así que nos sentimos muy afortunados de tener total libertad para crear algo completamente nuevo”, zanja.

Siempre quedará la duda de si la cinta hubiera funcionado mejor comercialmente si no se hubieran llevado a cabo los cambios que sufrió la trama durante el proceso de producción. Según una investigación del portal especializado The Hollywood Reporter, el personaje de Elio iba a ser inicialmente retratado como queer, reflejando la identidad de Adrián Molina como cineasta abiertamente gay, que también se encuentra en la dirección del largometraje. El medio informa de que se eliminó por completo la pasión del protagonista por el ecologismo y la moda, así como una escena en su dormitorio con fotos que sugerían un enamoramiento masculino, lo que vuelve a poner el foco en la urgencia de seguir reclamando un arte inclusivo y honesto.