Cuando el impresionista Claude Monet pintó su famosa serie de los Nenúfares en los años veinte, muchos achacaron sus trazos borrosos a una deficiencia ocular. Una supuesta carencia que con el tiempo fue entendida como una elección estética real. Sus óleos, considerados como parangón del arte abstracto, fueron precursores de otros tantos que vendrían después, en los que artistas de todo el mundo rechazaron igualmente la nitidez en sus propuestas. CaixaForum Madrid analiza el recorrido de esta práctica en la exposición Desenfocados, que podrá visitarse en la capital hasta que el próximo mayo viaje a Barcelona.

La muestra, fruto de la colaboración de la Fundación 'la Caixa' con el Musée d'Orsay y el Musée de l'Orangerie de París, cuenta con 72 piezas, entre las que se incluyen pintura, obra gráfica, escultura y fotografías. Alberto Giacometti, Gerhard Ritcher, Mark Rothko, Eva Nielsen, Thomas Ruff, Alfredo Jaar, Soledad Sevilla, Christian Boltanski y Perejaume son algunos de sus protagonistas.

“¿No es a menudo la [figura] difusa justamente lo que necesitamos?”, planteó Ludwig Wittgenstein en sus Investigaciones filosóficas, y esta a su vez una de las preguntas que plantea la propia exposición, consciente de que el desenfoque es un recurso presente en la abstracción. “Más allá de la contemplación e interpretación artística de las piezas expuestas, esta es una invitación a cambiar de perspectiva. Lo difuso e impreciso puede ser en realidad una nueva manera de comprender el mundo”, explicó este martes en la presentación la directora del museo, Isabel Fuentes.

Claire Bernardi, máxima responsable del Musée de l'Orangerie y comisaria, comentó que la idea de la exposición surgió de una constatación que definió como “provocadora”: de que ante determinadas obras como los Nenúfares de Monet “a veces no vemos nada o incluso vemos borroso, desenfocado”. También les llamó la atención comprobar que, pese a que este recurso está “omnipresente” en su trayectoria, nunca se había estudiado ni tanto en sus pinturas ni en las de sus sucesores.

Igualmente, quisieron superar la connotación “negativa” que conlleva esta difusión al contraponerse a lo nítido, que es a lo que el ojo está más acostumbrado a concebir como lo 'bueno'. Y a su vez, cómo este desenfoque está especialmente presente en el mundo actual sin ser algo nuevo, sino que se lleva alimentando desde tiempos de Leonardo da Vinci, a través de su conocida técnica del sfumato.

Representar lo imposible de mirar

“El desenfoque no aparece por arte de magia en el siglo XIX”, recordó Emilia Philippot, conservadora del Institut National du Patrimoine de Francia, “era una manera muy realista de representar lo lejano. Eso sí, a partir de finales del siglo XIX y principios del XX, continuando con las convulsiones intelectuales, científicas, sociales y artísticas con las que creció el impresionismo, la exposición habla de lo borroso que, pese a que fuera definido inicialmente como una pérdida de nitidez, resulta ser un medio privilegiado para plasmar un mundo donde reina la inestabilidad y la visibilidad se enturbia. De esto precisamente versa una de las salas más interesantes –y desgarradoras– de la muestra, la correspondiente a La erosión de las certezas.

En ella se especifica cómo la dimensión política de la estética del desenfoque empezó a desplegarse plenamente en el periodo posterior a la II Guerra Mundial. Un momento en el que artistas como Zoran Music y Alfredo Jaar sumieron la profunda convulsión del orden mundial adoptando lo borroso como estrategia necesaria.

Tras descubrir los campos de concentración, y ante la imposibilidad de representar lo irrepresentable, el desenfoque desdibuja una realidad que la mirada no puede soportar. Y esto nos obliga a su vez a reflexionar, al forzarnos a concentrarnos en la imagen y a mirar esa realidad de frente. Cuestionado el estatus y el valor de la imagen, los artistas proponen una visión poética y desencantada de las tragedias que han marcado la historia desde el siglo XX hasta las crisis más actuales.

“El desenfoque revela su potencia cegadora como un mecanismo de olvido, pero constituye asimismo otra forma de poner de manifiesto las atrocidades de la historia difundidas por la imagen mediática”, describe una de las cartelas de la exhibición. A este apartado pertenecen obras como La escuela de la Grosse Hamburguer Strasse (Los niños escondidos) que Christian Boltanski creó en 2006. Este artista plástico francés nació en 1944 y su padre, judío, logró huir de la deportación.

El autor reflexiona sobre la memoria individual y colectiva explorando la dimensión fúnebre a la fotografía. Para ello, utiliza retratos anónimos y borrosos, a menudo obtenidos mediante la repetición de imágenes. Este procedimiento desdibuja la identidad de los sujetos y proyecta una imagen universal de la humanidad, en la que cada uno puede reconocerse. En sus libros las imágenes de archivo que evocan el Holocausto se presentan sin leyendas y en orden aleatorio, para que resulte imposible distinguir entre víctimas y verdugos. Lo que Primo Levi denominó la 'zona gris', la zona 'indeterminada entre el bien el mal'. En la misma línea se sitúan Francotirador de Luc Tuymans de 2009, Sodoma y Gomorra (1989) de Pedro G. Romero y jpegny01 (2004) de Thomas Ruff.

Identidades desdibujadas, encontradas

Desenfocado continúa con más salas dedicadas al 'Elogio de la indefinición', en el que se reivindica que el mundo es difuso por mucho que intentemos dibujar sus contornos; y se identifica el desenfoque como búsqueda de identidad. En este espacio llama la atención Morfología del sueño n.º 6 de la serie Sama Guent Guii (2022) de Mame-Diarra Niang.

La artista y fotógrafa francesa explora en sus recientes fotografías la identidad del cuerpo negro, alejándose de toda tentativa de definición o narración basada en los siglos de historia de la representación occidental. Busca abstraerlo a través de lo que llama 'formas de no retratos'.

En esta serie, que comenzó durante el confinamiento, fotografía repetidamente su pantalla, de manera que cada nueva toma deforma cada vez más los contornos hasta transformar los cuerpos en manchas de color. El sujeto desaparece así progresivamente, disolviendo el yo en una nebulosa espectral, como enuncian, “un territorio hecho de recuerdos y desapariciones cuidadosamente conservador”.

La exposición culmina con la constatación de los futuros inciertos, que la comisaria Emilia Philippot identificó que resuena “mucho” en la actualidad por cómo habla de la duda: “Es la postura y posición en la que nos encontramos ahora en el mundo. Hay una cuestión sobre nuestra posible reconexión a través del desenfoque, porque no tiene un discurso cerrado y eso se abre a lo imaginario, a nuevas perspectivas para el futuro”.

CaixaForum Madrid ha presentado este miércoles la programación del centro para la temporada 2025-2026, que arrancará este mes de septiembre con 'Desenfocado. Otra visión del arte', una muestra que, a partir de una de las piezas de la serie de los Nenúfares de Monet, ahondará en el papel de lo borroso y lo impreciso como elemento expresivo. Le seguirá una exhibición dedicada a Henri Matisse, titulada 'El legado de una nueva pintura', plato fuerte del programa. Completan el catálogo las exposiciones 'Soy Asurbanipal, rey del mundo, rey de Asiria' y 'Somos Naturaleza', con la que pretenden fomentar la acción positiva y el compromiso con la protección del medioambiente.

Isabel Fuentes, directora de CaixaForum Madrid ha explicado que la programación responde a su defensa de la cultura como “motor de transformación social”, y que ha sido diseñada pensando en la diversidad del público, sin olvidar a quienes no tienen el hábito de participar en la actividad cultural.

'Desenfocado. Otra visión del arte'

CaixaForum abrirá la temporada el próximo 16 de septiembre con esta exploración de la técnica de lo borroso en el arte, en especial el contemporáneo, y que ha sido diseñada en colaboración con el Musée de l'Orangerie de París. La muestra parte de los Nenúfares de Monet y cómo el pintor francés introdujo el concepto del desenfoque y lo impreciso como elementos expresivos. “Algo que durante una época se atribuyó a un problema ocular del artista, y que terminó considerándose como una acción estética deliberada. Una manera de representar que abrió nuevas posibilidades creativas”, ha explicado Isabel Salgado, directora del Área de Exposiciones, Colección y CaixaForum+, de la Fundación la Caixa.

La intención de la propuesta es indagar en cómo el desenfoque ha sido “clave” como recurso para “captar atmósferas y emociones” en pintura y como forma de expresar determinados sentimientos, así como “herramienta política” para afrontar la incertidumbre del siglo XX y XXI. La exhibición, que podrá visitarse hasta el 12 de abril, contará con obras de Alberto Giacometti, Gerhard Richter, Mark Rothko, Eva Nielsen, Thomas Ruff, Alfredo Jaar, Soledad Sevilla, Christian Boltanski, Mame-Diarra Niang y Bill Viola, entre otros.

'Chez Matisse. El legado de una nueva pintura'

La gran apuesta de CaixaForum Madrid será la dedicada a Henri Matisse, que abordará cómo el artista “reinventó el color, la forma y la libertad pictórica”, según ha avanzado Isabel Salgado. Dividida en ocho ámbitos, analizará su evolución desde cómo en su juventud conquistó el color, el fauvismo y la anarquía cromática le situaron en el panorama internacional; hasta un ensayo visual sobre la libertad y su obra como inspiración para una nueva modernidad, arte pop y las formas postcoloniales en la pintura, el vídeo y el cine.

La muestra, que contendrá lienzos procedentes principalmente del Cetntro Pompidou, incluirá títulos de otros artistas como Baya Fatma Haddad, Anna-Eva Bergman, Pierre Bonnard, Zoulikha Bouabdellah, Georges Braque, Daniel Buren, Natalia Gontcharova, Jacques Lipchitz, Le Corbusier, Pablo Picasso y Kees Van Dongen, entre otros.

'Soy Asurbnipal, rey del mundo, rey de Asiria'

“Un rey que destacó por ser guerrero y cruel, pero también eurudito y bibliófilo”. Así ha descrito Isabel Salgadao al rey sirio al que dedicarán otra de las exposiciones de CaixaForum, en este caso en colaboración con el British Museum. Un hombre que entre 669 a.C y 631 a.C., gobernó el mayor imperio del mundo desde la ciudad de Nínive, la actual Mosul, en el norte de Irak.

Con más de 150 objetos, la exhibición descubrirá cuál fue su adiestramiento militar, que incluía conducir carros, montar a caballo y tiro con arco, así como la opulencia de los palacios en los que vivió. También dará detalles sobre la biblioteca de manuscritos de escritura cuneiforme que albergó con la ambición de reunir todo el conocimiento existente, y que permitieron conocer la medicina, la religión y la historia de la época.

'Somos Naturaleza'

Prevista para inaugurar el próximo verano, esta experiencia inmersiva buscará recordar la importancia de conservar los ecosistemas del planeta y reforzar las iniciativas mundiales alineadas con la Agenda 20230 para el Desarrollo Sostenible. Estará compuesta por tres espacios: un tributo a la biodiversidad global, la exploración sobre las redes invisibles de la naturaleza, un mosaico de la resiliencia de la naturaleza y el ingenio humano. Ha sido producida por OASIS Inmersive Studios en colaboración con National Geographic.

Además de los estrenos de la nueva temporada, CaixaForum seguirá acogiendo 'Voces del Pacífico. Innovación y tradición', hasta el 14 de septiembre. En ella se rinde homenaje a la riqueza de las tradiciones artísticas de los habitantes de las islas del Pacífico.

El gobernador del Banco de España, José Luis Escrivá, ha avisado de un contexto “extremadamente” incierto para la economía principalmente por la guerra comercial escalada por el presidente de Estados Unidos, Donald Trump. Desde un punto de vista optimista, Escrivá considera que es una oportunidad para impulsar “la construcción europea”, incluso para promover un “acercamiento a Reino Unido”.

En un discurso en la 'Cátedra de la Fundación La Caixa', el gobernador y exministro ha dicho que la incertidumbre actual es mucho más difusa que nunca, y que “la prescripción es ser cauteloso y reunir información”.

El gobernador ha utilizado el índice de incertidumbre de la política económica mundial, que elabora el grupo de académicos Economic Policy Uncertainty (EPU) y que está en máximos desde que se calcula. Este indicador le ha servido para destacar que las dudas para “los decisores” superan actualmente las que hubo “en la pandemia, o tras el 11-S”. Este índice EPU toma el pulso de la prensa de 21 países, entre ellos España, junto al resto de grandes economías. Es decir, refleja los titulares de dudas y riesgos que se han extendido por los principales periódicos generalistas y económicos de todo el mundo.

Además de la incertidumbre arancelaria, Escrivá ha enumerado otras amenazas, como las que provienen de la política cambiaria —por el efecto de las divisas sobre los propios aranceles, como se explica en esta información—; como las regulatorias —por la patada al tablero comercial y geopolítico de Donald Trump—, y, por último, como las que tienen que ver con la seguridad europea.

Respecto a los planes de aumento de la inversión planteados desde Alemania y el conjunto de la Unión Europea (UE) para responder a este riesgo, el gobernador considera que implica una nueva era para la política fiscal, que va a ser más expansiva. Por ejemplo, según ha proyectado, podría disparar la ratio de deuda frente al PIB de Alemania del 60% al 100%.

Ante esta nueva realidad, Escrivá ha asegurado que se va a producir “un replanteamiento de las reglas fiscales de la UE ante los retos de inversión futuros”, junto a “una simplificación regulatoria” comunitaria y una aceleración del proyecto del euro digital.

En este escenario, el gobernador del Banco de España ha resaltado la posición privilegiada de nuestro país, y del diferencial de crecimiento económico de los últimos años y que se mantiene para este ejercicio. Eso sí, ha recordado que las previsiones actualmente están totalmente sujetas a la incertidumbre que ha comentado en el arranque de su discurso.

Entre las fortalezas de España, Escrivá ha incidido en el positivo comportamiento del mercado laboral. Además, en un contexto de intensificación de los flujos migratorios, “se aprecia un mayor aumento del nivel educativo medio de los inmigrantes en España”, ha comentado.

Otro factor clave, según el gobernador, es que España tiene “menores precios energéticos”, gracias a las inversiones en energías renovables. También ha insistido en uno de los grandes cambios estructurales de nuestra economía, el crecimiento de las exportaciones de servicios no turísticos, por el auge de las ramas de información y comunicaciones, actividades profesionales, científicas y técnicas o la educación.

Por supuesto, el 'boom' del turismo tras la pandemia ha sido y es otra de las grandes ventajas económicas de España. “Las preferencias del consumo parece haberse orientado hacia servicios más que a bienes, lo que ha redundado en un aumento del turismo en países mediterráneos”, ha observado.

Por último, “la economía española estaría menos expuesta a los riesgos arancelarios, por su menor exposición a Estados Unidos, y una balanza comercial cerca del equilibrio”. Entre los retos que hay que “corregir”, el problema de la vivienda es uno de los más urgentes, porque puede suponer “un cuello de botella para el mercado laboral”, según ha concluido.

Lagarde advierte del riesgo de estancamiento de la eurozona

La semana pasada, la presidenta del Banco Central Europeo (BCE), Christine Lagarde, avisó de que los aranceles de Estados Unidos arrastrarán a la economía de la eurozona al estancamiento.

Ante la Comisión de Asuntos Económicos y Monetarios del Parlamento Europeo, Lagarde señaló que la guerra comercial “está en evolución, y cualquier estimación está sujeta a una considerable incertidumbre”. Aunque se atrevió a afirmar que “el análisis del BCE sugiere que un arancel estadounidense del 25% sobre las importaciones procedentes de la UE reduciría el crecimiento [del PIB] de la eurozona en aproximadamente 0,3 puntos porcentuales durante el primer año”.

Además, según añadió, “una respuesta europea consistente en aumentar los aranceles sobre las importaciones estadounidenses incrementaría aún más esta cifra, hasta aproximadamente medio punto porcentual”. La previsión de avance del PIB (Producto Interior Bruto) del conjunto de los socios del euro es actualmente de un exiguo 0,9%, tras el recorte de dos décimas a principios de marzo desde la expectativa anterior del 1,1%.

“La mayor parte del impacto sobre el crecimiento económico se concentraría alrededor del primer año tras la subida de los aranceles; posteriormente, disminuiría con el tiempo, dejando, no obstante, un efecto negativo persistente sobre el nivel de producción”, explicó la presidenta del BCE.

“Permítanme recalcar nuevamente que estas estimaciones están sujetas a una incertidumbre muy alta, dado que el impacto de los aumentos arancelarios puede ser no lineal, por ejemplo, debido a una reconfiguración significativa de las cadenas de suministro globales. Por supuesto, el alto nivel de incertidumbre política nos obliga a mantenernos alerta y preparados para actuar y proteger la estabilidad de precios”, prosiguió.

La Fundación La Caixa ha alcanzado un presupuesto de 655 millones de euros para 2025, lo que supone un 9% más que el año anterior y el mayor de su historia, según ha informado la entidad. “Incrementamos el presupuesto para seguir impulsando el progreso social, la cultura y la ciencia, la educación, y la investigación y la salud”, ha señalado el presidente de la Fundación, Isidro Fainé.

Cerca del 60% de la inversión, más de 370 millones, se destinará al desarrollo de programas sociales, entre ellos la lucha contra la pobreza infantil, el empleo para personas vulnerables, el envejecimiento activo y la atención a personas con enfermedades avanzadas, ha señalado la entidad en un comunicado. La entidad lleva desde 2008 destinando más de 500 millones de euros anuales a acción social e incrementando esta cifra progresivamente desde el año 2017. 

Otro 20%, unos 130 millones, se destinará a iniciativas de divulgación de la cultura y la ciencia a través de la red de centros CaixaForum, el Museo de la Ciencia CosmoCaixa, exposiciones, conciertos y conferencias.

El área de investigación y salud contará con una dotación de 105 millones, un 16% del presupuesto total, que se dedicarán, entre otros proyectos, a la investigación médica y el desarrollo del CaixaResearch Institute, centro de referencia en el ámbito de la inmunología.

El 7% restante de la inversión en la entidad, unos 49 millones de euros, se destinará al área de educación y becas, que otorga becas de grado, posgrado, doctorado y posdoctorado, así como al programa EduCaixa, que promueve la transformación para garantizar una educación de calidad a través del desarrollo de competencias tanto en del alumnado como de los docentes.

En la última década, la entidad ha destinado un total de más de 5.000 millones de euros a iniciativas sociales, científicas, educativas y culturales. 

En el balance de 2024, la entidad destaca que sus intervenciones sociales han llegado a más de 235.000 beneficiarios. El programa CaixaProInfancia, por ejemplo, dirigido a hogares con niños y adolescentes en riesgo o en situación de exclusión, atendió el año pasado a 65.845 personas y 41.849 familias.

El programa Incorpora, centrado en promover la integración laboral de colectivos en situación de vulnerabilidad, facilitó por su parte cerca de 40.000 puestos de trabajo en España, en colaboración con más de 15.000 empresas.

La atención al final de la vida, a través del programa para la Atención Integral a Personas con Enfermedades Avanzadas, atendió a 36.587 pacientes y 41.682 familiares.

“En una tarde dorada / se deslizan pausadamente...”. Con estos versos comienza una de las novelas más fascinantes de la literatura de los últimos tres siglos: Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas, la primera de una serie de obras escritas por el matemático, fotógrafo, dibujante y escritor Charles Lutwidge Dodgson bajo el alias de Lewis Carroll.

El origen del argumento de las mismas se sitúa en los cuentos que Carroll le relataba a una menor, de nombre Alice Liddell, y a sus hermanas durante sus paseos vespertinos en barca por el Támesis a la altura de Oxford, allá por 1862. En ellas, la protagonista es una niña que realiza un viaje iniciático por una serie de mundos que desafían la lógica y los sentidos de la proporción, a la vez que va entablando relación con diversos seres imposibles y fantásticos, al menos a la luz de la lógica adulta y sobre todo cartesiana.

Precisamente este desafío de las lógicas cartesiana y kantiana que supone Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas –publicada en 1865 y a la que luego seguiría A través del espejo– es uno de los aspectos que hacen la obra fascinante, pero no el único. Para desvelar el amplio impacto que la obra de Lewis Carroll ha tenido en la cultura popular desde que se publicara hace casi 160 años, CaixaForum trae al España la exposición Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas.

De los prerrafaelitas a Annie Leibovitz

La exposición ha viajado desde Londres, donde ha podido verse hasta recientes fechas en el Victoria & Albert Museum. Estará en Barcelona hasta el 16 de febrero y a partir del 3 de abril podrá verse en el centro CaixaForum de Madrid. Se compone de 312 objetos que constatan el alcance del fenómeno Alicia en el país de las maravillas a nivel cultural en los tres siglos por los que ha transitado la obra desde su creación.

Pero también explican que, como toda obra maestra, Alicia surge de múltiples influencias, tanto de su tiempo –un tiempo de profundos cambios sociales, económicos e industriales en Inglaterra– como del pasado. Así, la muestra permite observar grabados renacentistas y barrocos junto a los propios que los hermanos Dalziel realizaron en base a las famosas ilustraciones que el dibujante John Tenniel ejecutara para la primera edición de la novela, siempre poniendo el énfasis en la influencia que aquellas obras del pasado tuvieron en los dibujos de Tenniel.

También exhibe cuadros prerrafaelitas –dado que Carroll fue amigo de pintores de este movimiento estilístico como Dante Gabriel Rossetti y John Everett Millais, del cual se expone el cuadro Mi segundo sermón– sin olvidar, sin embargo, otros surrealistas, especialmente de Max Ernst y Salvador Dalí, dos pintores muy obsesionados con tratar de evocar o ilustrar lo que relata el libro. De hecho, Dalí colaboró con Aldous Huxley en la elaboración de una adaptación para Disney de la obra en los años 40.

Las 'Alicias negras' del calendario Pirelli

Otra disciplina con gran peso en la exposición es la fotografía, dado que Carroll también fue pionero en ella. Pueden así apreciarse los primeros retratos que realizara en los años 60 (¡del siglo XIX!) con su cámara oscura, y que explicarían muchos de los juegos ópticos que nos desconciertan en la novela, pero también las Alicias negras que en pleno siglo XXI realizó el fotógrafo Tim Walker para el calendario Pirelli de 2018. Por cierto: la cámara oscura de Carroll es otro de los objetos que han viajado desde Londres.

Entre estos dos extremos, separados por siglo y medio, hay espacio para muchos otros objetos. Como las primeras ediciones de Alicia, tanto originales como traducidas a las distintas lenguas del Estado español, o numerosos afiches sobre el personaje que nos muestran cómo se ha ido viendo la obra con el paso de los siglos, desde una estética victoriana, sin duda tenebrosa, a la más infantil, pero rica en color e innovación, de las producciones de Walt Disney.

Y sin olvidar los carteles de estética lisérgica de los años 60 (del siglo XX) que rememoran a Alicia, ya que el mundo que describe Carroll en sus novelas fue una gran inspiración para los artistas psicodélicos, tanto plásticos como musicales. La razón estriba en que el movimiento psicodélico emuló con frecuencia los ambientes neogóticos de la época victoriana y encontró en las flores con cara y ojos que hablan a Alicia en el relato, o en la oruga azul que fuma una pipa de agua encima de una seta, una similitud con sus experiencias con el LSD.

En el apartado de la influencia sobre la psicodelia cabe destacar la carátula del disco de Genesis, de 1970, Nursery Cryme, donde puede verse una ilustración de inspiración victoriana de Alicia jugando a croquet con cabezas humanas, pero también un vídeo del grupo de rock ácido californiano Jefferson Airplane interpretando White Rabbit en el programa de la CBS The Smokers Brothers Comedy Hour.

Alicia en el cine

A buen seguro la disciplina artística que más vuelo ha dado a Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas ha sido el cine. La primera filmación sobre la novela se produjo en 1903, solo cinco años después de la muerte de Carroll, y consistió en una película de diez minutos con numerosos trucos, hoy primitivos pero entonces innovadores, que resultó la primera producción “larga” de la historia en Inglaterra.

Tras esta, ha habido infinidad de propuestas, algunas definitivas, como la de Walt Disney de 1951, ilustrada por la legendaria Mary Blair y considerada la versión cinematográfica más completa y respetuosa con el original, y otras arriesgadas y actualizadoras, como la de Tim Burton de 2020.

Entre ellas, el cine ha hecho de Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas una madre muy prolífera, con decenas de aventuras de mayor o menor calidad y algunas de ellas francamente experimentales como la de Jordi Feliu de 1978 titulada Alicia en la España de las maravillas. Feliu lleva en su filme a Alicia a la España de los años 40 para mostrar lo que fue la represión franquista en Catalunya.

Experimentando con lo inmersivo

Son muchos más los objetos que nos ayudan a comprender el alcance de la novela de Carroll, como las cuidadas fotografías de las Alicias negras del calendario Pirelli 2018 o los vestidos expuestos de diferentes diseñadoras y estilistas, que se inspiraron en la popular niña para el atrezzo de obras de teatro o bien para la alta costura. Destacan entre otros el vestido de Alicia creado por Viktor & Rolf para la sesión de Annie Leibovitz para Vogue en 2003.

Pero más allá de las piezas expuestas, Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas nos propone un escenario inmersivo muy logrado de la mano del coreógrafo Ignasi Cristià, no solo basado en proyecciones sobre los muros y los objetos –como las que se dan en la zona dedicada a la psicodelia– sino también en juegos de espejos, pasillos y objetos que rompen la proporción natural, como mesas y sillas gigantes. De este modo, la exposición consigue descolocarnos durante todo su recorrido y nos ayuda a experimentar lo mismo que Alicia debió sentir en la novela.

En todo caso, y como contrapunto a las excelencias de la exposición, que sin duda se antoja completa y bien planteada, las personas que la visiten con conocimiento de la biografía de Carroll echarán en falta alguna alusión, siquiera puntual, a las supuestas tendencias pedófilas del escritor, como las que aparecen señaladas en el documental de la BBC de 2015, El mundo secreto de Lewis Carroll. Según se cree, podrían haber sido el detonante en la ruptura de relaciones entre el padre de Alicia y el escritor en 1863.

Incluso los pobres de espíritu se vuelven más inteligentes después de un gran dolor, decía Fiódor Dostoyevski. Se puede explicar así que la Alemania derrotada en la Primera Guerra Mundial, con la hiperinflación más alta de su historia, con peleas callejeras entre bandos ultras que terminaban en muertes y con varios intentos de golpes de Estado, sea la misma de la Bauhaus, del cine expresionista, de Thomas Mann o de Bertolt Brecht. En este periodo de oscuridad e incertidumbre, la República de Weimar (1918 - 1933), pero también de desbordante creatividad y cuna del pensamiento, se centra la exposición multimedia Tiempos inciertos. Alemania entre guerras de CaixaForum, disponible desde el jueves 17 de octubre y hasta el 16 de febrero de 2025.

“Por su riqueza cultural, este periodo es comparado con la Atenas de Pericles (siglo V a. C.) o con la Florencia del Renacimiento”, recuerda Pau Pedragosa, comisario, junto a Chus Martínez, de la muestra. La exhibición reúne alrededor de 90 piezas, entre fotografías, pinturas, películas y esculturas, que se van alternando con información histórica que da cuenta de una era marcada por la contradicción entre barbarie y sofisticación cultural. El inicio de esa época es el fin de otra: el de la Europa imperialista —la exposición comienza con una recreación de un salón burgués de la belle époque— y el de la Gran Guerra. El resultado del conflicto no solo dejó desmoralizado al país germano, sino con una enorme deuda e inestabilidad.

Con la esperanza de un mejor porvenir, se fundó en 1918 una república basada en la razón, la democracia y la convivencia. La firma de la constitución erigida con esos principios se hizo en Weimar, ciudad natal de Goethe y del filósofo e historiador Friedrich Schiller, como símbolo de la construcción de un país humanista e ilustrado. “Al incluir el sufragio universal, Alemania tenía el estatuto más avanzado de su tiempo. Solo Finlandia y Noruega habían permitido este tipo de voto”, apunta Pedragosa.

Obras destruidas por los nazis

Este ejercicio de la ciudadanía por primera vez de las mujeres inspiró a creadoras a las que la muestra recuerda. Entre ellas están las escultoras Marg Moll, cuya obra fue destruida por los nazis, y Käthe Kollwitz, con la pieza Madre con dos niños (1932), en la que representa la angustia que le dejó la muerte de su hijo en la Primera Guerra Mundial. Aparecen también los trabajos de las fotógrafas Jeanne Mammen, quien reflejó el ambiente lésbico y andrógino en la subcultura de Berlín, y Marianne Breslauer, interesada en captar el movimiento, un objetivo perseguido por la Bauhaus.

El levantamiento de una Alemania democrática se vio truncado por la polarización y radicalización política en disputa sobre hacia dónde debía dirigirse la incipiente república. Eran constantes las trifulcas entre los extremistas y paramilitares de izquierda (la KPD) y los de derecha, con su grupo de exmilitares, Freikorps. Estos últimos fueron los responsables del asesinato del ministro Walther Rathenau y de los líderes de izquierda Rosa Luxemburgo y Karl Liebknecht; además, intentaron un golpe de Estado en 1920. Los atentados demostraban una sociedad fragmentada y desigual que fue motivo de preocupación para varios creadores, entre ellos August Sander, de quien la muestra recoge parte de su proyecto Hombres del siglo XX (1920).

Sander, perseguido posteriormente por el Tercer Reich, retrataba a cuerpo completo a quienes encontraba en las calles, desde campesinos hasta aristócratas, todos representados con la misma dignidad. Junto a sus instantáneas se proyecta en el CaixaForum Metrópolis (1927) de Fritz Lang, mítica película del expresionismo alemán que evidenciaba lo voluble que podría llegar a ser las masas. “En este contexto político convulso, muchos artistas se posicionan abiertamente y entienden el ejercicio del arte como una herramienta más para la lucha. La mayoría de los vanguardistas se movilizan en defensa de la izquierda revolucionaria con obras de crítica social y política”, detalla el cocomisario.

Los pintores fueron quienes más enarbolaron su compromiso ideológico con la creación del movimiento Nueva Objetividad. La tendencia involucraba forma y fondo con la representación de una realidad directa, sin embellecimientos ni idealizaciones. Tuvo como principales exponentes a George Grosz, Otto Dix y Christian Schad; los tres con representación en la muestra. Del primero, mordaz y agitador caricaturista que dejó una crónica fidedigna del Berlín de Weimar, se exhibe su serie litográfica Los bandidos (1922), en la que dibuja a ricos con monóculos exhibiendo sus trajes de pieles sin prestar atención a mendigos o mutilados por la guerra que viven en la calle.

Una de las salas de Tiempos inciertos hace coincidir los varios estilos pictóricos que convivieron en la República de Weimar. La Nueva Objetividad fue justamente una respuesta a la distorsión y subjetivismo del expresionismo —representado por Lovis Corinth y Karl Schmidt-Rottluff (del grupo Die Brücke)—, la rigidez estructural del constructivismo (El Lissitzky) y el anarquismo del dadaísmo (Raoul Hausmann y Kurt Schwitters). Al lado de todos ellos, los manifiestos y percepciones de la Bauhaus que perseguía un “arte útil”.

No todo fue incertidumbre y caos en la República de Weimar. Una reforma del sistema económico permitió al país recuperar el equilibrio social y político, con la creación de un nuevo banco, el Rentenbank, en 1923, y una nueva moneda, el rentenmark. Pero la época de bonanza terminó abruptamente con la caída de la bolsa en 1929, que afectó en gran medida a Alemania porque recibía apoyo económico de Estados Unidos y negociaba su deuda.

El ascenso del nazismo

El malestar social volvió a crecer y la crisis económica fue un argumento más para el discurso incendiario del Partido Nacionalsocialista, fundado en 1920. Su programa incluía la derogación del Tratado de Versalles, la retirada de la ciudadanía alemana a los judíos y el fortalecimiento de la “comunidad nacional”. La agrupación fue liderada por Hitler desde 1921 y culpaba a los políticos republicanos de haber traicionado y humillado a Alemania al aceptar las cláusulas de redención; prometía restaurar la grandeza del país germano poniendo fin a la inestabilidad. La quema de libros, proyectada en una de las paredes del CaixaForum, representa el fin del proyecto ilustrado y democrático.

La muestra propone relacionar los desafíos de Weimar con el presente en una última sala. En ella se reproduce un vídeo en el que diferentes sociólogos, periodistas y filósofos como Begoña Román, Patricia Simón o Miquel Missé ofrecen su visión desde el presente de las oportunidades y malestares del mundo actual. Argumenta Pedragosa: “Los tiempos inciertos despiertan monstruos y ahora estamos en transición hacia el mundo de mañana, desconocido, y las enseñanzas de Weimar pueden ayudar a conseguir un mundo mejor. Es curioso porque hace 100 años se fundaba la organización ultraderechista La Liga del Orden en Weimar y ahora es la ciudad donde más triunfa Alternativa para Alemania (AfD)”.

Un total de 154 piezas cedidas por el Museo Británico forman la exposición Veneradas y temidas, que desde este jueves se puede ver en el espacio Caixaforum de Sevilla, para exhibir “las múltiples caras del poder femenino a lo largo de la historia”.

Se trata de una muestra que pone de relieve cómo la mujer ha estado representada en distintas formas de arte de cara a la sociedad, ya sea en forma de diosas, espíritus, demonios o santas, “figuras que han sido veneradas y temidas hasta hoy y que han influido y siguen influyendo en la vida de las personas”, indica la web oficial de la muestra.

La exposición se ha planteado como un viaje a través de 5.000 años del poder espiritual, desde la divinidad hinduista Shakti hasta Oshun, el orisha de la fertilidad en la cultura Yoruba de Nigeria.

Con esculturas, objetos sagrados y obras de arte de varios continentes y desde el mundo antiguo hasta la actualidad, esta exposición muestra cómo diosas, demonios, santas y otros seres espirituales han tenido un rol relevante para nuestra comprensión del mundo.

Varios ejemplos

Desde la sabiduría, la pasión y el deseo hasta la guerra, la justicia y la misericordia, se hace un recorrido transcultural por diferentes expresiones de los poderes espirituales femeninos en todo el mundo.

La selección de 154 piezas del British Museum, en diálogo con una selección de artistas contemporáneos de renombre, invita a reflexionar alrededor del poder femenino y de la feminidad en la actualidad, en una exposición que se podrá visitar hasta el próximo 27 de octubre.

La exposición Veneradas y temidas, que llega a CaixaForum Barcelona tras su paso por Madrid, reúne una amplia colección de piezas arqueológicas e imágenes de deidades más o menos actuales, algunas encargadas para la muestra, que describen la concepción que el mundo religioso y espiritual tiene del poder femenino y, por tanto, refleja los rasgos que las distintas culturas han atribuido a la mujer como divinidad. Dichos atributos van desde la fertilidad hasta la protección maternal y caritativa, pero también pasan por el poder destructor (y regenerador) y la ira o la venganza y la justicia.

La muestra parte de un proyecto anterior del Museo Británico con muestras de numerosas épocas y prestamos de otros museos. Pero la versión CaixaForum ha ampliado y mejorado significativamente este aspecto de la exposición gracias a la inclusión de muchas perspectivas más contemporáneas.

A este respecto, Rosa Martínez ―primera directora mujer de la Bienal de Venecia, en 2005― propuso en su día a Isabel Salgado, directora del Área de Exposiciones i Colección de la Fundación “La Caixa”, incluir en cada sección temática una serie de obras de artistas contemporáneas femeninas ―salvo Las obras de Leiva, del maltés Austin Camilleri― que expresaran esta perspectiva.

Así nació esta exposición sobre los conceptos que tradicionalmente la humanidad ha tenido acerca del poder femenino, bajo la visión de Martínez y de su comisaria original, Belinda Crerar, responsable de desarrollo de contenido de exposiciones internacionales del Museo Británico. La muestra permanecerá en Barcelona hasta el 16 de junio y, posteriormente viajará a Sevilla, Valencia y Zaragoza.

¿Cómo surge la idea de esta exposición?

Belinda Crerar: Todo empezó con el deseo de hacer una exposición que analizase la experiencia femenina en la historia y en la cultura. El Museo Británico, como tantas otras instituciones, ha tendido a hacer exposiciones mayoritariamente sobre artistas masculinos a lo largo de su historia. Sin embargo, ahora muchos de estos museos tradicionales están comenzando a despertar: empiezan a darse cuenta de que tiene que haber mucha más aportación en las exposiciones del papel de las mujeres en la historia y la cultura. 

Fue así como decidimos crear una exposición que alimentase este punto de vista. Y empezamos a buscar una temática para ella, pero pronto vimos que las imágenes y esculturas que tenemos en el Museo Británico de sexo femenino están predominantemente relacionadas con lo espiritual y religioso. Así que decidimos que, en lugar de hacer una exposición de corte histórico, sería más interesante realizar una muestra de las distintas percepciones que las diferentes culturas tienen sobre la feminidad desde el punto de vista religioso.

También de cómo esta visión varía no solo en el espacio, sino también a lo largo de los siglos. Tenemos materiales de diversas civilizaciones que se extienden en el tiempo y el espacio, sobre todo el globo, así que pensamos en fundirlas en una sola muestra que diera idea de la transversalidad de la percepción de lo femenino. 

Rosa, ¿cómo aterriza usted en la exposición de Belinda para enriquecerla con los aportes del arte contemporáneo? 

Rosa Martínez: Yo he trabajado con mucha frecuencia a lo largo de mi carrera con la Fundación “la Caixa”, tanto comisariando exposiciones como en el papel de asesora, de modo que conozco largamente a Isabel Salgado [directora de CaixaForum Barcelona]. Cuando me llegó la información de que estaban preparando la llegada de la exposición a España, la llamé e iniciamos unas conversaciones informales que desembocaron en la propuesta de seleccionar una serie de obras de arte contemporáneo que pudieran complementar cada una de las salas temáticas que componen la exposición de Belinda.

Así que empezamos a buscar a diferentes artistas actuales que pudieran dar esa visión de lo femenino en el tercer milenio, no ya tanto desde lo religioso como desde lo artístico. Una vez tuvimos una amplia propuesta de artistas, dejamos que Belinda escogiera las que creía que mejor representaban desde el arte contemporáneo esta espiritualidad femenina que expone Veneradas y temidas. 

¿Qué criterios han seguido para seleccionar las piezas que participan?

B.C: Creo que esta fue la parte más difícil del proceso. Teníamos mucho interés en tener una representación a nivel global, lo cual fue todo un desafío por la potencia que tiene la colección del Museo Británico; tenemos una gran colección de imágenes y figuras del mundo clásico y, de hecho, yo soy conservadora especializada en las culturas clásicas. Pero tenemos menos de otras culturas de Asia y el Pacífico y no queríamos solo ceñirnos al ámbito clásico sino evolucionar hacia otras latitudes y otras épocas que quizás estuvieron menos representadas en Occidente.

De alguna manera tuvimos que ir reduciendo la lista de imágenes clásicas para incluir otras menos familiares para el mundo occidental, como puede ser la diosa-volcán Pele de las islas Hawái. Deidades que completan la visión del mundo que tenemos desde Occidente. Eso nos obligó a pensar más allá de los paradigmas occidentales. Hay que tener en cuenta que existen tradiciones religiosas que no utilizan objetos para expresar su veneración, por ejemplo la diosa del agua de algunas culturas, lo que ha dificultado la manera de mostrarlas en la exposición.

Veneradas y temidas es una dualidad muy recurrente en muchas deidades ¿Por qué tenemos esa percepción de lo femenino que viaja de lo maternal y protector a una volatilidad iracunda que puede ser destructora y genera temor?

B.C: No sé si deberíamos calificar los enfados de las diosas femeninas como algo negativo, hablando en global, ya que muchas veces en muchas culturas se invoca a su ira y su enfado para que luchen contra las fuerzas negativas del universo que provocan el caos. En este sentido, a la diosa Kali se la venera precisamente por su poder destructor y asesino, pero porque se percibe como protector frente al mal, no como un peligro.

En muchas ocasiones esta dualidad no debe ser interpretada como contraposición de lo que nos puede hacer bien o nos puede dañar, sino que se trata de diferentes atributos de una misma deidad que se complementan. No es un “esta diosa, por ejemplo Venus, es bella pero también puede ser agresiva”, sino que es más bien: “Venus es bella y además también es violenta o guerrera en determinadas situaciones”. Son atributos que se suman, no que se contraponen. 

Pero en la tradición cristiana sí que esta dualidad se puede interpretar como antagónica… 

B.C: Es cierto que hay un manera particular en que el cristianismo patriarcal encarna la imagen femenina que es bastante negativa y, de hecho, tocamos en la exposición la cuestión de las enseñanzas espirituales cristianas que nos hablan de Eva como la tentadora que provocó nuestra salida del paraíso y nuestra perdición. Por el contrario, nos relatan a la virgen María como el modelo correcto de mujer. También personalidades como las brujas sirven para encarnar atributos que se consideran negativos en la mujer. 

Pero esta visión no se da en todas las culturas, donde la percepción de lo que es femenino es totalmente distinta. Existen muchas maneras de entender y percibir la feminidad de las diosas y otras potencias femeninas. Por ejemplo, desde el punto de vista occidental podemos pensar que Kali es una potencia muy negativa y destructora, pero en cambio para el hinduismo estas connotaciones son completamente diferentes… Y de hecho para la exposición hemos hablado con las comunidades hindús de Inglaterra para que nos asesorasen. No podemos aplicar la misma lectura en todas las culturas, no existe una sola percepción sobre las divinidades femeninas que sea de bueno versus malo, al menos fuera de la tradición judeocristiana. 

R.M: Pero en la tradición occidental lamentablemente esta oposición sí existe. Es cierto, como dice Belinda, que en el global de las culturas esto no es así y que incluso dentro del cristianismo han existido mujeres que han desarrollado una elevada espiritualidad como Teresa de Jesús o las beguinas en la Edad Media [mujeres seglares que vivían en comunidades religiosas sin control masculino], pero no podemos obviar que fueron perseguidas por la religión oficial, de corte totalmente masculino y patriarcal. 

No podemos aplicar la misma lectura en todas las culturas, no existe una sola percepción sobre las divinidades femeninas que sea de bueno versus malo

En Occidente la visión artístico-religiosa de la mujer la ha comunicado la sociedad patriarcal simplificando el discurso y eliminando matices y complejidades que vemos en muchas otras culturas; es decir reduciendo esta visión de lo femenino a que si la mujer era obediente aparecía como buena y si se revelaba contra el patriarcado era maligna como las brujas, que terminaban ardiendo en la hoguera. 

Otro aspecto que se destaca en la exposición es la ambigüedad de muchas deidades, que no se terminan de definir como masculino o femenino. Incluso algunas como Bodhisattva transitan, a lo largo del peregrinaje del budismo de la India hasta China, entre la masculinidad y la feminidad, apareciendo en el Tibet como Avalokiteshvara (deidad masculina) y rebautizada como Guanyin en China (deidad femenina) ¿Podríamos sacar una conclusión queer de la exposición? 

B.C: La teoría queer es una manera válida de acercarse a la muestra. Lo no binario está muy presente en muchas de las espiritualidades y muchos de los dioses que se definen como masculinos tienen, en cambio, numerosos y muy pronunciados rasgos que tradicionalmente consideramos como femeninos en Occidente.

Por ejemplo, en el budismo los seres iluminados trascienden de género. En el Sutra del loto, el bodhisattva Guanyin puede aparecer en la tierra como una mujer o un hombre y de hecho se le ha mostrado en todas las identidades. Y del mismo modo ocurre con muchas otras deidades, donde la definición de su género es una convención artística y según con quien hablas tiene un género u otro, es decir que viene condicionado por el entorno. En este sentido es válido aplicar una visión queer sobre las deidades, aunque seguramente no todo el mundo estará de acuerdo. 

R.M: Estoy de acuerdo y, de hecho, lo no binario ha estado desde siempre en el plano de la imaginería religiosa, mucho antes de que la teoría queer fuera elaborada. Al fin y al cabo las creencias, los atributos que individualmente podamos darle a una determinada deidad, están condicionados por nuestro entorno social, que es quien obliga a definirlo. Especialmente en el cristianismo, que ha forzado la simplificación de la identidad de género en dos únicos estereotipos.

A este respecto quisiera añadir que en la exposición, de hecho, hay varias artistas, como la catalana Tania Berta Judith, que se definen a sí mismas como no binarias y defensoras de los derechos LGTBI. 

Si algo nos enseña esta exposición es que la masculinidad es una construcción entre las deidades

¿Sería posible también aplicar una visión desde el feminismo actual a esta dualidad de manera global?

B.C: Poder se puede, hay diferentes movimientos feministas en todo el mundo. El feminismo occidental está condicionado por la situación de la mujer y la lucha por la igualdad en Occidente, pero esto es diferente en otras culturas. De todos modos, desde la arqueología y la antropología, algunas expertas, como Marija Gimbutas, han dado una lectura feminista de las distintas representaciones de deidades femeninas, mientras que otras personalidades académicas se han opuesto a esta visión aplicada a nivel global. Yo creo que el que quiera hacer esa lectura puede hacerla, pero también que realmente es complicado extender nuestra visión occidental a otras civilizaciones. Diría que a este respecto la cuestión está abierta. 

El jardín vertical de Caixaforum se ha transformado esta semana en una gran pantalla sobre la que se proyecta Nexos, un espectacular videomapping inspirado en la labor científica de Ramón y Cajal. Esta acción tiene que ver con el Madrid Design Festival, la cita más señalada para el mundo del diseño en la capital, que celebra su séptima edición desde el pasado 8 de febrero y hasta el 17 de marzo con diferentes acciones artísticas en la ciudad.

Un año más, el festival ocupará uno de los espacios públicos más representativos de Madrid, esta vez con una instalación que rinde homenaje a la figura de Santiago Ramón y Cajal, como parte de las actividades del Año Cajal. Este espectáculo de luces y sonido, obra de MIL111, el dúo artístico formado por Iria del Bosque y Borja Bernárdez, se trata de una obra audiovisual que se adentra en el legado científico del premio Nobel.

A través del uso de la luz, el espacio y el sonido, Nexos busca resaltar la interconexión entre la mente humana y el universo, desafiando percepciones convencionales y ofreciendo una nueva perspectiva sobre la influencia trascendental de Ramón y Cajal en la ciencia contemporánea.

Una exploración sobre cómo las contribuciones del científico, pioneras en el ámbito de la neurociencia y la histología, han dejado una huella perdurable en diversos campos científicos como la computación, la astrofísica y la física cuántica, trascendiendo así los límites tradicionales de la investigación científica. Ámbitos que han inspirado a que MIL111 desarrolle una reflexión visual dividida en tres actos que transita las diversas redes neuronales actuales: biológicas, artificiales y cósmicas.

El videomapping se puede disfrutar de forma gratuita a diario y en varios pases continuos entre las 19.00 y las 22.00 horas. La duración aproximada de la proyección es de siete minutos y estará disponible hasta el domingo 25 de febrero.

Tras la muestra de 'Faraón. Rey de Egipto' en 2022, donde se exploraban los ideales, el simbolismo y la ideología de los faraones, y que alcanzó cerca de los 200.000 visitantes, el Caixaforum de València vuelve a colaborar con el British Museum en una nueva exposición: 'Momias de Egipto: Redescubriendo seis vidas', que podrá visitarse del 5 de octubre de 2023 hasta el 21 de enero de 2024 para todos los públicos.

En esta edición, se pone el foco en la vida de seis momias egipcias y en la visión de cómo vivía y moría la gente en el valle del Nilo entre el 800 a.C y el 100 d.C. Los personajes representan a un funcionario, dos sacerdotes, una mujer casada, un niño y un joven grecorromano en los que se profundiza en su historia y se exponen los procesos de investigación usados para conseguir datos precisos como las enfermedades que padecieron, edad, creencias y el tipo de alimentación.

A la presentación de la muestra acudió el director corporativo del Área de Cultura y Ciencia de la fundación La Caixa, Igansi Miró; el director de CaixaForum, Álvaro Borrás; y dos miembros destacados del British Museum, Daniel Antoine y Marie Vandenbeusch, encargados del área de Sudán y del antiguo Egipto. Los representantes del museo incidieron en el contexto de la ética a la hora de representar estas historias íntimas y provenientes de personas difuntas.

La momificación fue un procedimiento que comportaba unos costes muy elevados, y cuyo privilegio recalaba sobre las personas con un estatus reconocido en la sociedad. “El porcentaje de ciudadanía que podían permitírselo era de un 2% o 3%, por tanto, nos muestra una imagen sesgada de cómo era la civilización del antiguo Egipto”, explicó Vandenbeusch.

En base a la tecnología puntera no invasiva y a técnicas de tomografía computarizada, los investigadores han logrado extraer el vendaje que cubre a una momia de forma virtual y sin manipularla, con el fin de reconstruir aspectos importantes de su vida y que plasman algunos hallazgos en la forma de sociedad del antiguo Egipto.

Un recorrido inaudito

La exhibición, que entremezcla elementos propios de la cultura con la ciencia, se ramifica en ocho salas en las que cada una expone el sarcófago de la momia y sus características. Las pantallas incorporadas permiten visionar una interpretación de imágenes 3D de los cadáveres, así como de los objetos con los que fueron enterrados.

La historia de Ameniryirt es la primera en aparecer en el inicio de las ocho piezas. Su momificación es el ejemplo de cómo se realizaba esta práctica: se usaban varias capas de lino que podían alcanzar los 12cm de grosor, con diferentes colores y características. En esta zona se dedica una cristalera a los vasos canópicos, recipientes donde los embalsamadores conservaban los órganos internos de los difuntos, a excepción del cerebro.

A diferencia de la anterior, el cuerpo de Nesperennub se colocó en una caja de cartón y en un ataúd de madera en el que se podía leer el nombre y títulos que poseía la momia. Esta sección en concreto se basa en la simbología de los amuletos y las imágenes de los dioses que se colocaban sobre el cuerpo o en su interior, y en la creencia que se tenía sobre la resurrección.

La tercera sala está dedicada a las enfermedades más comunes en el antiguo Egipto, cuya detección es un proceso complejo. Junto a esta muestra, se reserva una parte para exhibir los restos de comida encontrados en los yacimientos arqueológicos y que aportan datos para relacionar el tipo de dieta con la clase social de cada individuo estudiado.

La cuarta zona está dedicada a Takhenemet, una ama de casa que fue momificada con el pelo recogido en un moño –peinado inusual en esa cultura-, y con un sistro (instrumento parecido a un sonajero) que evidencia la importancia de la música en esa civilización. Junto a estos elementos, también se enterraban cosméticos, pelucas y joyas, que pueden verse colocados en una vitrina.

El sarcófago de la momia del niño es la única que aparece con un retrato de la persona. Este hecho solo se ha podido comprobar en las momias propias del cementerio de Hawara. Según la tesis de Flinders Petrie, uno de los primeros arqueólogos que estudiaron el pasado antiguo, los egipcios valoraban más este estilo que las máscaras doradas.

Després de la mostra de ‘Faraó. Rei d’Egipte’ el 2022, en què s’exploraven els ideals, el simbolisme i la ideologia dels faraons, i que va arribar gairebé a 200.000 visitants, el CaixaForum de València torna a col·laborar amb el British Museum en una nova exposició: ‘Mòmies d’Egipte: Redescobrint sis vides’, que podrà visitar-se des del 5 d’octubre de 2023 fins al 21 de gener de 2024 per a tots els públics.

En aquesta edició, es posa el focus en la vida de sis mòmies egípcies i en la visió de com vivia i moria la gent a la vall del Nil entre el 800 aC i el 100 dC. Els personatges representen un funcionari, dos sacerdots, una dona casada, un xiquet i un jove grecoromà en què s’aprofundeix en la seua història i s’exposen els processos d’investigació usats per a aconseguir dades precises com les malalties que van patir, l’edat, les creences i el tipus d’alimentació.

A la presentació de la mostra va acudir el director corporatiu de l’Àrea de Cultura i Ciència de la fundació La Caixa, Igansi Miró; el director de CaixaForum, Álvaro Borrás; i dos membres destacats del British Museum, Daniel Antoine i Marie Vandenbeusch, encarregats de l’àrea del Sudan i de l’antic Egipte. Els representants del museu van incidir en el context de l’ètica a l’hora de representar aquestes històries íntimes i provinents de persones difuntes.

La momificació va ser un procediment que comportava uns costos molt elevats, i el privilegi de la qual recalava sobre les persones amb un estatus reconegut en la societat. “El percentatge de ciutadania que podien permetre-s’ho era d’un 2% o 3%, per tant, ens mostra una imatge esbiaixada de com era la civilització de l’antic Egipte”, va explicar Vandenbeusch.

Sobre la base de la tecnologia capdavantera no invasiva i de tècniques de tomografia computada, els investigadors han aconseguit extraure l’embenatge que cobreix una mòmia de manera virtual i sense manipular-la, amb la finalitat de reconstruir aspectes importants de la seua vida i que plasmen algunes troballes en la forma de la societat de l’antic Egipte.

Un recorregut inaudit

L’exhibició, que entremescla elements propis de la cultura amb la ciència, es ramifica en huit sales en què cadascuna exposa el sarcòfag de la mòmia i les seues característiques. Les pantalles incorporades permeten veure una interpretació d’imatges en 3D dels cadàvers, així com dels objectes amb què van ser enterrats.

La història d’Ameniryirt és la primera a aparéixer en l’inici de les huit peces. La seua momificació és l’exemple de com es duia a terme aquesta pràctica: s’usaven diverses capes de lli que podien arribar a 12 cm de gruix, amb diferents colors i característiques. En aquesta zona es dedica una vidriera als vasos canòpics, recipients en què els embalsamadors conservaven els òrgans interns dels difunts, llevat del cervell.

A diferència de l’anterior, el cos de Nesperennub es va col·locar en una caixa de cartó i en un taüt de fusta en què es podia llegir el nom i els títols que posseïa la mòmia. Aquesta secció en concret es basa en la simbologia dels amulets i les imatges dels déus que es col·locaven sobre el cos o al seu interior, i en la creença que es tenia sobre la resurrecció.

La tercera sala està dedicada a les malalties més comunes en l’antic Egipte, la detecció de les quals és un procés complex. Al costat d’aquesta mostra, es reserva una part per a exhibir les restes de menjar trobades en els jaciments arqueològics i que aporten dades per a relacionar el tipus de dieta amb la classe social de cada individu estudiat.

La quarta zona està dedicada a Takhenemet, una mestressa de casa que va ser momificada amb els cabells recollits en una trossa –pentinat inusual en aquesta cultura–, i amb un sistre (instrument semblant a un sonall) que evidencia la importància de la música en aquesta civilització. Juntament amb aquests elements, també s’enterraven cosmètics, perruques i joies, que poden veure’s col·locats en una vitrina.

El sarcòfag de la mòmia del xiquet és l’única que apareix amb un retrat de la persona. Aquest fet només s’ha pogut comprovar en les mòmies pròpies del cementeri de Hawara. Segons la tesi de Flinders Petrie, un dels primers arqueòlegs que van estudiar el passat antic, els egipcis valoraven més aquest estil que les màscares daurades.

La red de museos de la Fundación “la Caixa” ha anunciado esta mañana en el CaixaForum de Barcelona la nueva programación 2023-2024, bajo el lema “Crecemos en cultura”. El programa incluirá un total 34 exposiciones que viajaran a lo largo de los nueve CaixaForum repartidos por el territorio. Entre ellas, se han querido destacar las centradas en la representación espiritual de la mujer en el arte, la figura del cineasta José Luis Berlanga y los dinosaurios.

“El objetivo es garantizar la democratización y accesibilidad de la cultura y el conocimiento, así como promover el espíritu crítico del espectador hacia nuestra contemporaneidad”, ha compartido Elisa Durán, directora general adjunta de la Fundación “la Caixa”, en la misma línea que años anteriores. Durante este ciclo, CaixaForum Barcelona acogerá 11 títulos, mientras que el Museo de la Ciencia CosmoCaixa ofrecerá 3.

Una de las muestras más esperadas es 'Veneradas y temidas. El poder femenino en el arte y las creencias' que aterrizará en el CaixaForum Barcelona en febrero del 2024. Se trata de un periplo por 5.000 años que propone al público adentrarse en prácticas y creencias espirituales relacionadas con la figura de la mujer y la feminidad en diversas épocas y culturas, a través de obras procedentes del British Museum de Londres.

Otra de las perlas de la temporada es la producción propia 'Interior Berlanga'. Es una exhibición que desembarcará en el CaixaForum Barcelona en julio del 2024, para sacar a la luz documentación exclusiva sobre la faceta más íntima del cineasta Luis García Berlanga. “Habrá desde los cuadernos de su niñez hasta guiones jamás publicados, pasando por archivos sobre la escenografía de su estudio y su correspondencia más intima”, ha detallado José Luis García Berlanga, hijo del director y también cineasta. “No trata únicamente sobre mi padre, es también la historia de la España de posguerra”, ha añadido.

'Dinosaurios de Patagonia' es una de las más aclamadas por la expectación y fascinación que pretende generar sobre el público. Esta exposición surge en colaboración con el Museo Paleontológico Egidio Feruglio y llegará en octubre de 2023 al CosmoCaixa Barcelona. Una réplica del Patagotitan mayorum, el mayor dinosaurio registrado hasta la época, será el gran protagonista de la sala.

Los visitantes podrán caminar bajo este esqueleto de más de 40 metros de largo. “Los fósiles de los dinosaurios de la Patagonia son de los más primitivos, nos muestran cómo eran ellos y su ecosistema hace 150 millones de años, cuando eran la especie dominante de nuestro planeta”, ha declarado Florencia Gigena, directora de Comunicación del Museo Paleontológico Egidio Feruglio de la Patagonia.

Durante la rueda de prensa, Durán también ha querido remarcar la filosofía que caracteriza a la Fundación “la Caixa” en su misión por aunar ciencia, arte y sostenibilidad ambiental. 'Arte y naturaleza. Un siglo de biomorfismo', en alianza con el Centro Pompidou de París, es una de sus muestras más paradigmáticas para reflejar dichos valores.

La exposición lleva disponible desde este mes de septiembre en el CaixaForum Barcelona y se focaliza en la intersección entre arte y naturaleza a través de 100 años de historia, remontándose desde el diálogo pictórico iniciado por los surrealistas con el entorno, para después llegar hasta los vínculos que establece el ser humano con su ambiente actual y sus contextos de crisis. “El gran reto aquí, es desplegar nuevas narrativas en el arte que incursionen desde el lenguaje de la naturaleza y la complejidad de las nuevas tecnologías”, ha recalcado Durán.

La directora general de la Fundación “la Caixa” también ha celebrado el fin de las restricciones por la pandemia en el sector cultural y la recuperación de la actividad habitual en la red de museos de la Fundación. “En lo que llevamos de 2023, hemos recibido 3,5 millones de visitantes en el conjunto de nuestras sedes museísticas, y para finales de año, esperamos alcanzar los 4,5 millones”, ha comentado, por lo que calcula que se podrán igualar los datos de asistencia a los de tiempos prepademia.

Durante su primer año en funcionamiento, el CaixaForum València ha recibido un millón de visitas, unas cifras similares a las de los centros museísticos CaixaForum y CosmoCaixa de Barcelona. De cara a 2026, se prevé la apertura de un CaixaForum Málaga. Así, sumarán un total de 10 alrededor de territorio español.  

“Queremos manos abiertas al abrazo”. En tiempos marcados por un panorama nacional tan convulso, crispado y con la extrema derecha tan cerca –e incluso dentro– del poder en España, escuchar a una figura como Federico Mayor Zaragoza abogar por el entendimiento, el conocimiento, y una esperanza fundada, funciona como un halo de luz. Y no en forma de relámpago fugaz de los que iluminan el cielo durante milésimas de segundo para en seguida desparecer y llevarse consigo ese brillo; sino como un faro paciente y consciente de su pertinente, necesaria y relevante misión. Esta premisa es el corazón del documental Recuerdos del porvenir que la directora iraní Sholeh Hejazi ha armado en torno a sus generosas palabras.

Con ellas recorre la historia reciente desde una perspectiva más relacionada con pensar en qué puede aportar en el hoy y el mañana, que con quedarse anclada en un pasado que no importa si fue mejor o peor. La clave está en extraer de él aquello que pueda ser útil para encarar el futuro, entenderlo y tomar la responsabilidad de cambiarlo. Porque se puede. En ello confía y lo argumenta Mayor Zaragoza, un hombre que nació en Barcelona durante la Guerra Civil en el seno de una familia humilde. Durante la dictadura fue catedrático de bioquímica de la Universidad de Granada, en 1968 se convirtió en el rector más joven de la historia del centro, fue vicepresidente del CSIC, y subsecretario de Educación y Ciencia en 1974.

También tuvo un papel relevante durante la Transición, como diputado de UCD, consejero de Adolfo Suárez, Ministro de Educación y Ciencia en 1981 y eurodiputado años más tarde por el Centro Democrático y Social. Su biografía no acaba ahí, ni tampoco las fronteras que atravesó. Fue director general de la UNESCO entre 1987 y 1999 y creó la Fundación Cultura de Paz haciendo gala de su confianza y convencimiento de la capacidad de la sociedad civil de generar cambios. Por ello sus argumentos son tan inspiradores.

La película, que se ha presentado este jueves en CaixaForum Madrid con la presencia del protagonista y la directora, llegará a la plataforma audiovisual CaixaForum+ el próximo 29 de junio; y se articula en torno a una entrevista realizada en 2019 al político. La charla sucede en distintas localizaciones intercaladas con imágenes de archivo y otras de paisajes. En ella se muestra al profesor defendiendo que hay que “sustituir la cultura tradicional que desde el origen de los tiempos ha estado basada en la imposición, el dominio, la violencia y la guerra” por una de “conciliación, conversación, alianza y de paz”.

En el acto, Mayor Zaragoza dijo que Sholeh Hejazi había sido una “excelente receptora” de sus puntos de vista, y la felicitó públicamente por su trabajo: “Es usted una artistaza, muchas gracias”. “De manera muy normal hay que decirnos ahora que sí que son posibles muchas de las cosas que nos dijeron que no lo eran”, señaló desde el escenario en una presentación en la que también se reivindicó la desconocida faceta como poeta del protagonista. “La voz debe anteceder al hecho, prevenirlo. Después, no sirve para nada. Es aire estremecido”, son algunos de sus versos.

Cultura de la paz

Mayor Zaragoza lamenta, tachando de “vergüenza”, que vivamos sometidos a “la espada de Damocles de la bomba nuclear”. Frente a esta “amenaza terrible”, el profesor apoya “una inflexión histórica” que pase por una transición de entendimiento y paz, así como generar una cultura en la que “la gente no muera de hambre todos los días”.

Mayor Zaragoza no se limita a apuntar las metas a alcanzar, sino que se detiene en explicar los motivos que demuestran que son posibles. El primero: “Somos ciudadanos del mundo. Hace muy pocos años, éramos invisibles, anónimos y estábamos atemorizados. Hoy somos visibles, podemos expresarnos y conocer lo que pasa más allá de 50 kilómetros cuadrados”.

Las tecnologías digitales me llenan de esperanza. Tienen sus riesgos, pero podemos manifestarnos. Se ha acabado la mordaza

Federico Mayor Zaragoza — Político y profesor

El político toma las tecnologías digitales como aliadas para esta transformación. “Me llenan de esperanza. Tienen sus riesgos, pero podemos manifestarnos. Se ha acabado la mordaza. No somos ni silenciados ni silenciosos. Podemos decir lo que queramos”, expone. El tercer pilar en el que sustenta su mirada optimista y responsable hacia el mañana es en “la mujer”: “Hasta hace bien poco, no pintaba nada. No tomaban decisiones más que a lo sumo un 5% del total. Es una pieza absolutamente angular para este otro mundo que anhelamos”.

“Gracias a que podemos unirnos, podemos dar un gran grito diciendo que no. Y no solo con protestas, sino dando propuestas”. Nombrar las soluciones las convierte en posibles, factibles, y no en utopías. “El futuro debe inventarse. El pasado ya está escrito y debe describirse fidedignamente, pero el porvenir está por hacer”, llega a concluir.

Una infancia en la posguerra

El título arranca con el farmacéutico hablando sobre su infancia, y la Guerra Civil. “Recuerdo los bombardeos y aquella visión terrible de la gente corriendo asustada. Estábamos siendo espacio para las pruebas técnicas de la aviación alemana e italiana”, expresa. De la etapa formativa, recuerda que en la entrada del despacho del capellán de su colegio estaba escrito: “La puerta está abierta, pero más el corazón. Un mensaje para darte cuenta de que hay que abrir también la mente a la gente. Ser solidarios, personas de manos tendidas y no alzadas, armadas o cerradas”.

Recuerdo los bombardeos y aquella visión terrible de la gente corriendo asustada. Estábamos siendo espacio para las pruebas técnicas de la aviación alemana e italiana

Feerico Mayor Zaragoza — Profesor y político

Mayor Zaragoza incide en el valor de la ciencia para construir un mundo mejor. “No hay ciencia aplicada sino hay ciencia que aplicar. En la medida en la que conozcamos la realidad en profundidad, podremos modificarla en profundidad”, asegura al tiempo que afirma que los científicos deben estar cerca del poder para “anticiparse” y que “toda la gente perciba que el conocimiento siempre es positivo”.

Visión, generosidad y democracia

En su recorrido por la historia de España, Mayor Zaragoza mira hacia la Transición para destacar “la generosidad y la visión que tuvieron muchos de los políticos de aquel momento, que entendieron que la prioridad era pasar de un sistema dictatorial a uno de pluralismo y democracia”. En este mapa destaca, a su vez, la visión de Adolfo Suárez.

En cuanto al contexto internacional, reflexiona sobre cómo a finales de los 80 “eran años en los que todo clamaba paz”. Nelson Mandela “había sido capaz de manera extraordinaria de terminar con el racismo, que era una de las cosas más aborrecibles”, el imperio soviético “se había desmoronado”, se acabó la guerra en Mozambique, se firmó la paz en Salvador y se “inició el proceso de paz en Guatemala”, enumera.

El analista considera que es “imperdonable” que se impusieran las directrices de Ronald Reagan y Margaret Thatcher. Ambos decidieron que “fuera la ONU” serían los ocho o 20 países más ricos del mundo los que mandarían sobre los 196 países que componen las Naciones Unidas. “El neoliberalismo globalizador fue una trampa inmensa en la que cayeron los que aceptaron confundir valor y precio”, advierte en la entrevista.

Mayor Zaragoza afirma que su etapa en la UNESCO le sirvió para “saber que hay soluciones” y cómo estas “tienen que plantearse haciendo uso de la autoridad que le da a uno haber sido elegido para un cargo determinado”. Y añade: “No se puede jugar a medias tintas”. Recuerda que el futuro no está escrito aún y está abierto a “la capacidad creadora de la especie humana” ya que “cada ser humano capaz de crear es nuestra esperanza”.

La relación de los mamuts con los elefantes no se limita a su parentesco. La historia de estos gigantes nos deja lecciones que podemos aplicar hoy para evitar que sus hermanos pequeños sigan el mismo camino fatal que sufrieron los Mammuthus, según muestra CaixForum con una exposición dedicada a estos animales, extinguidos hace unos cuatro milenios. 

La pieza central de la exposición, que podrá verse hasta agosto de 2023 en su sede de Madrid, es el esqueleto fosilizado real de un mamut siberiano, que transportará a los visitantes a la Edad de Hielo para conocer cómo vivían estos animales, su relación con los humanos y las posibles causas de su extinción. ¿Se debió su desaparición al cambio climático o fueron exterminados por los seres humanos?

Según indica Ignasi Miró, director corporativo del Área de Cultura y Ciencia de la Fundación la Caixa, ambas respuestas son correctas. Los mamuts desaparecieron por dos factores: la variación de condiciones climáticas que tuvieron impacto en el paisaje y la caza del hombre. Dos elementos que encontramos también en la actualidad amenazando a los elefantes, afectados por el cambio climático, la pérdida de hábitat y la acción del hombre.

Para Miró las conexiones entre mamuts y elefantes son evidentes. “No se puede tropezar con la misma piedra. Hay que pensar en qué medida somos conscientes de que esto está ocurriendo”, afirma.

El origen de los mamuts se remonta a África hace unos cinco millones de años, aunque no fue hasta hace algo más de 3,5 millones de años cuando salieron de este territorio y continuaron su evolución en otras partes del mundo, en un viaje que retratan varios mapas de la exposición, entre ejemplares y reconstrucciones de las distintas especies de este animal.

Además, cuentan con muestras de molares procedentes del Museo Nacional de Ciencias Naturales-CSIC y del Instituto Catalán de Paleontología Miquel Crusafont, que muestran cómo fue evolucionando la dentición de los diferentes géneros del orden de los proboscidios, incluidas varias especies de mamuts.

¿'Desextinción' de los mamuts?

La exposición reflexiona acerca de la extinción de los mamuts, que sigue enfrentando a aquellos que piensan que fue debida a la acción humana y quienes creen que un cambio climático propició su desaparición. Como explicaba Miró, el aumento de la temperatura global favoreció la extensión de los bosques, eliminando grandes zonas de praderas y mermando así las poblaciones de mamuts, que también sufrían el acoso de la caza.

Esta evolución se asemeja, con todas las diferencias que imponen miles de años de distancia, a la que sufren sus parientes vivos, los elefantes, que se enfrentan a idénticas amenazas. Solo depende de la acción humana, explican los científicos, que no tengan el mismo final.

En paralelo se da la paradoja de que en algún momento cercano sea posible volver a ver un mamut en directo. Los avances en el campo de la genética están dando lugar a varias investigaciones que pretenden revivir a los mamuts a partir del ADN obtenido de ejemplares bien conservados, unas intenciones que han generado un debate ético sobre si debería hacerse o no y con qué objetivo, más allá del avance científico.

Según indica Javier Hidalgo, responsable de exposiciones de Ciencia de la Fundación La Caixa, “el pariente más cercano es el elefante asiático, y se podría modificar genéticamente para parecerse a un mamut. Sería un híbrido entre elefante y mamut”.

Actividades complementarias a la exposición

Además de la pieza protagonista, un ejemplar de más de tres metros de altura encontrado en el desierto de Siberia, la exposición muestra fósiles procedentes de museos españoles y reconstrucciones de piezas de estos animales traídas de otros museos de Europa.

En el marco de la muestra, CaixaForum Madrid ha programado diferentes actividades que complementan la experiencia del visitante y que permiten conocer más sobre estos seres históricos. Por ejemplo, del 17 al 31 de mayo se impartirá el seminario De cuando mamuts y homínidos compartimos el mundo, que se dividirá en tres ponencias para hacer un recorrido en la historia de los mamuts.  

El alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, y el presidente de la Fundación 'La Caixa', Isidro Fainé, han firmado este jueves un acuerdo para establecer un nuevo centro cultural CaixaForum a partir del año 2026 en la ciudad de Málaga.

Durante una presentación en la capital malagueña han señalado que, de esta forma, la Fundación 'La Caixa' refuerza su compromiso con un territorio en que lleva décadas de implicación activa a través de inversiones en el ámbito social, cultural, científico y educativo, una gran parte de ellas en complicidad con el Ayuntamiento de Málaga.

Ambas instituciones suman años de colaboración, incluyendo una apuesta decidida por la cultura como motor de crecimiento individual y de transformación social.

Quinta ciudad

El futuro centro cultural CaixaForum Málaga se ubicará en la plaza Manuel Azaña, en una de las entradas más visibles de la ciudad, que conecta con la Avenida de Andalucía, arteria clave.

Desde la Fundación destacan que Málaga es la sexta capital de España por población, y la quinta sumando el área metropolitana, con más de un millón de habitantes. Con la futura inauguración, la Fundación 'La Caixa' contará con su buque insignia cultural en las seis principales capitales del territorio español: Madrid, Barcelona, Valencia, Sevilla, Zaragoza y Málaga.

Una red de equipamientos que tienen en común la experiencia CaixaForum, un modelo cultural y de divulgación científica que pretende llegar a todos los públicos --al más especializado y al público general y familiar--, con una oferta educativa y de actividades amplia y global.

Ésta va mucho más allá de las exposiciones, e incluye música, conferencias y debates, además de jornadas sociales, talleres educativos y familiares. Todo ello, con el objetivo de ser un espacio vivo, al servicio de las personas, en el que la cultura se manifieste como una herramienta eficaz para la cohesión y la integración social.

“Implicación con la ciudad”

El modelo de los centros culturales CaixaForum cuenta con dos salas de exposiciones, un auditorio, aulas polivalentes, espacios educativos y otros, como un bar-restaurante y una tienda-librería.

Según ha destacado el presidente de la Fundación, Isidro Fainé, “con la firma de este acuerdo hacemos patente nuestra implicación con la ciudad de Málaga, cuya decidida apuesta por la cultura entronca con los valores de la Fundación 'La Caixa': trabajar para mejorar el bienestar y el progreso de las personas. La cultura es una potente herramienta que contribuye a la cohesión y la integración social y nuestro objetivo es facilitar el acceso a la misma a los ciudadanos de hoy y a los del futuro”.

Por su parte, el alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, ha valorado la decisión de la Fundación 'La Caixa' como “un gran paso adelante que nos sitúa al nivel de Madrid, Barcelona y otras grandes ciudades españolas, una potente iniciativa que refuerza, diversifica y completa nuestra oferta cultural. El CaixaForum de Málaga era uno de nuestros anhelos y agradezco profundamente a Isidro Fainé su decisión e impulso para que se construya en una parcela tan estratégica y sea una realidad en 2026”.

Amplia oferta cultural

La Fundación 'La Caixa' ha programado esta temporada 30 exposiciones que se podrán visitar en los centros CaixaForum y en el Museo de la Ciencia CosmoCaixa, así como 4.000 actividades y ocho muestras que viajarán por más de 80 ciudades de España y Portugal durante el curso 2023-2024.

Las alianzas con museos y centros culturales de primer nivel nacional e internacional, como el British Museum, el Museum of Science de Boston, el Centre Pompidou, La Cinémathèque française y el Museo Nacional del Prado, entre otros, permiten a la red de centros CaixaForum proyectar exposiciones de primer orden.

Entre la programación actual destacan, por ejemplo, las muestras dedicadas a las Momias de Egipto; a Nikola Tesla; al cómic; El Siglo del Retrato, con el Museo del Prado; y Visiones expandidas. Fotografía y experimentación, en colaboración con el Centre Pompidou.

30 años de vínculos con Málaga

En el ámbito cultural, la Fundación 'La Caixa' está presente en Málaga desde hace 30 años, con la programación, en 1993, de la denominada Carpa de la Ciencia.

Desde entonces la entidad ha organizado en la ciudad más de una cincuentena de exposiciones. También se han promovido diversos proyectos expositivos dentro del programa de muestras itinerantes, con ejemplos como Sebastião Salgado; Leonardo da Vinci, Tierra de Sueños, de Cristina García Rodero; De Polo a Polo, de la mano de National Geographic; y la experiencia musical inmersiva Symphony bajo la batuta de Gustavo Dudamel.

La implicación en materia cultural se suma, además, a la labor continuada de la Fundación con la ciudad de Málaga en materia social, científica y educativa.

La entidad lleva a cabo numerosos programas, entre los que destacan aquellos destinados a la lucha contra la pobreza infantil, el fomento del empleo de personas en situación de vulnerabilidad, la promoción del envejecimiento activo y saludable y la atención a personas con enfermedades avanzadas.

La Fundación 'la Caixa' es la primera fundación privada de España, y una de las más relevantes a nivel mundial, y cuenta con un presupuesto de 538 millones de euros para este año, cifra que supone un récord histórico.

Marineros, presos y militares fueron los primeros occidentales en marcar con tinta sus pieles entre finales del siglo XIX y principios del XX. Desde entonces, la práctica del tatuaje ha evolucionado y se ha extendido de manera significativa. Se calcula que un 12% de la población europea tiene, al menos, un tatuaje. Entre la población española, el porcentaje asciende a entre un 15 y un 20% y, si solo se tiene en cuenta a los ciudadanos de entre 16 y 35 años, el porcentaje alcanza el 40%. “Es curioso que una práctica dolorosa, permanente y que supone una inversión económica considerable, como es el tatuaje, haya llegado a estar tan de moda dejando atrás los estigmas”, señala Ignasi Miró, director corporativo de Cultura y Ciencia de la Fundación La Caixa en la presentación de la exposición ‘Tattoo. Arte bajo la piel’.  

La muestra explora desde un enfoque antropológico los diferentes usos del tatuaje a lo largo de la historia, el papel social que ejerce esta práctica ancestral en las culturas del mundo y cómo han evolucionado las técnicas. En la exposición, que ya estuvo en Madrid y ahora puede visitarse en el CaixaForum de Barcelona hasta el 28 de agosto, se exhiben más de 240 piezas históricas y contemporáneas que permiten sumergirse en el universo del tatuaje.

Además de dibujos, pinturas, libros, vídeos, fotografías, utensilios y máquinas para realizar tatuajes se exponen una veintena de figuras humanas hiperrealistas de silicona, realizadas a partir de modelos de personas reales, que han sido tatuadas para la exhibición por famosos tatuadores de todo el mundo. Entre ellos destacan nombres como Horiyoshi III, Filip Leu, Mark Kopua o la madrileña Laura Juan, que reflexiona sobre el aislamiento social durante la pandemia.  

La comisaria de la muestra, Anne Richard, afirma que presentar los más de 5.000 años de historia del tatuaje (palabra de origen polinesio que significa ‘herida abierta’) en una sola exposición ha sido “un desafío enorme”, pero se muestra satisfecha con el resultado por haber conseguido concentrar “todo el conocimiento sobre el tema”. La mayor parte de las piezas que pueden verse ahora en Barcelona salieron a la luz por primera vez en 2014 en el Musée Du Quai Branly - Jacques Chirac y, más tarde, se expusieron en otras nueve ciudades del mundo, en una muestra que ya han visto unos 2,7 millones de personas. Cuando la exposición cierre sus puertas en la capital catalana seguirá su gira por otras ciudades españolas como Zaragoza o Gijón.  

La primera parte de la exhibición trata sobre la vinculación del tatuaje con la marginalidad y el mundo callejero. Se exponen diversos ejemplos de cómo los tatuajes se utilizaron como elemento discriminatorio, marca de sometimiento, deshonra o pérdida de identidad. La comisaria pone como ejemplo a los soldados y presos franceses que en el siglo XIX eran destinados a los territorios coloniales franceses y que eran tatuados por las autoridades para facilitar su identificación y categorización. Prácticas similares se llevaron a cabo durante mucho tiempo en las cárceles y campos de trabajos forzados de Rusia con la intención de estigmatizar a las personas que eran tatuadas.  

A partir de 1840, año de la Exposición Universal de Chicago, las personas tatuadas se convirtieron en un reclamo para ciertos espectáculos, ferias y circos ambulantes junto a otros personajes considerados singulares como las mujeres barbudas o los tragasables. Durante esta época, algunas personas que buscaban viajar por todo el mundo se tatuaron de los pies a la cabeza para ganar dinero mostrando sus tatuajes. De manera paralela, proliferaron los tatuadores itinerantes que viajaban de un lugar a otro con sus baúles o maletines llenos con los materiales e instrumentos necesarios para dibujar en la piel. La muestra incluye varios ejemplos de este tipo de equipajes.

La primera máquina eléctrica para hacer tatuajes la creó Samuel O’Reilly en 1891 y, desde aquel momento, diversos tatuadores de Europa, América y Japón comenzaron a enviarse cartas para compartir e intercambiar sus trucos (cómo conseguir un determinado color, cómo funcionaba una nueva máquina que habían probado, cómo hacer líneas más finas, etc.). Toda esa colaboración desembocó en la creación de los clubs de tatuadores. El primero de ellos fue el de Bristol (Reino Unido) que nació en 1953, a pesar de que el arte del tatuaje evolucionó más deprisa en Estados Unidos.  

Anne Richard subrayó en la presentación de la exposición que los tatuadores son artistas y que lo que distingue a uno bueno de uno mediocre es que “el maestro tatuador se dedica en cuerpo y alma a ello, como un pintor que trabaja cada día para perfeccionar su arte”. Como ejemplo, Richard mencionaba a Filip Leu, quien tatúa, dibuja, hace sus propios colores y crea sus propias máquinas. Entre la veintena de figuras humanas hiperrealistas de silicona se encuentra una tatuada por Filip Leu en 2013 (véase más arriba) que Richard calificó de “obra maestra”.

Otra parte fundamental de la exposición está dedicada al tatuaje tradicional y ritual de diversos países de Oceanía y del Sudeste Asiático. Se exponen, entre otros, muestras del moko, un tatuaje de curvas y espirales originario de Nueva Zelanda que identifica a los jefes y guerreros; pero también los tatuajes tailandeses relacionados con las prácticas mágicas o los tatuajes tribales de Filipinas e Indonesia. En la exposición del CaixaForum hay también una sección dedicada a los tatuajes que se hacían las personas que peregrinaban a la Tierra Santa. La comisaria afirma que hoy en día sigue habiendo puestos en las calles donde realizarse este tipo de tatuajes como si fueran un souvenir más.  

En la década de los setenta del siglo XX, el tatuaje entró con fuerza en la cultura latinoamericana a través de las pandillas criminales conocidas como 'maras'. Anne Richard asegura que los tatuajes que utilizan las maras tienen una “estética muy precisa y reconocible, ya que utilizan líneas finas y se hacen con una sola aguja, algo que pocos tatuadores europeos saben hacer”. El color gris es el predominante en este tipo de tatuajes que muchas veces incorporan elementos de la iconografía religiosa católica. En China, el tatuaje es una práctica ancestral, en especial, en aquellas zonas alejadas de los gobiernos y poderes hegemónicos. Marcarse la piel con dibujos hechos con tinta estuvo prohibido durante la Revolución Cultural de Mao Tse Tung al considerarse una manifestación de la impureza y la deshonestidad. Este arte, sin embargo, resurgió en el 2000 con la inspiración y los motivos de la cultura pop como el manga, los videojuegos y el cine; pero también se recuperaron elementos tradicionales de la iconografía china.  

En la última parte de la exposición se presentan distintos ejemplos de cómo el tatuaje sirve para reflejar la identidad del individuo y cómo las generaciones de tatuadores más jóvenes están divididas en dos corrientes principales: los que se basan en la reinterpretación de los géneros históricos (el irezumi japonés, la vieja escuela americana, el tatuaje de los reclusos rusos, etc.) y los que apuestan por explorar estéticas alejadas de los códigos clásicos y que pueden llegar a ser composiciones abstractas (como el brazo tatuado por Yann Black que puede verse más arriba). 

Los organizadores de ‘Tattoo. Arte bajo la piel’ destacaban en su presentación que las figuras con formas humanas hiperrealistas que pueden verse con distintos tatuajes han requerido toda una serie de estudios acerca la evolución de la tinta en la silicona para conseguir su perdurabilidad. Y, también, que a lo largo de los meses de mayo y junio se llevarán a cabo diversas actividades en torno a esta exposición. Entre ellas, diversas conferencias y una noche del tatuaje el 17 de junio en el que se harán demostraciones de tatuajes y grafitis en vivo y donde, además, habrá música en directo de la mano del Trío Mejunje.

“Probablemente hay tantas maneras de representar lo que es una ciudad como ciudades hay”, dijo el sociológo norteamericano Richard Sennett. Es esa la razón por la que en 1916 el fotógrafo Paul Strand decidió recorrer las calles de Nueva York para retratar a personas hasta entonces desplazadas a un segundo plano. Eran mendigos o vendedores callejeros a la sombra de los grandes rascacielos derivados de la modernidad de los años veinte.

Como explican en la página del Museo Metropolitano de Arte, Strand equipó su cámara con una falsa lente que le permitía apuntar en una dirección mientras tomaba la foto en otra. El objetivo era que las personas retratadas no se dieran por aludidas para así capturarles de la forma más natural posible, una técnica sencilla pero eficaz que le sirvió para conseguir una de las capturas más importantes del siglo XX: la de una comerciante callejera que llevaba colgado en el cuello un cartel que ella misma no podía leer con la palabra blind (ciega). 

La imagen de Strand es justo la responsable de abrir la exposición Cámara y ciudad, disponible en CaixaForum Madrid hasta el próximo 12 de octubre. Se trata de un recorrido histórico a través de 259 obras, entre las que se encuentran fotografías, películas o carteles, que reflejan la evolución de la ciudad contemporánea desde finales de la década de 1910 hasta 2010.

La muestra comienza con la euforia por la modernidad de los años 20. Tras los duros hechos vividos durante Primera Guerra Mundial la fe en la tecnología se convirtió en un sinónimo de progreso que no pasaría inadvertido en la vida urbana. Y lo hizo a través de dos elementos en una dirección: el acero y el metal en vertical. Cuanto más alto, más imponente. La nueva cultura urbana había llegado para quedarse. Por ese motivo la fotógrafa Germaine Krull dedicó todo un portfolio (Mètal) a las nuevas arquitecturas, las grúas del puerto de Róterdam y a la Torre Eiffel, por aquel entonces todavía concebida como una extraña figura con la que los parisinos habían comenzado a convivir a partir de 1889.

Pero la fascinación por la modernidad escondía una cara no tan amable. La siguiente fase de la exposición nos lleva por la crisis económica de 1920, década de los sueños rotos, las quiebras y de la aparición de nuevos actores en ese escenario que es la metrópoli. El reverso de la gran ciudad era el de habitantes perdidos bajo carteles de neones, tal y como se puede ver en las capturas del fotógrafo húngaro Brassaï, conocido por sus imágenes sobre la vida en París y las personas que deambulaban sin rumbo fijo o simplemente esperaban sentadas en las calles.

Otras veces las urbes eran ejemplo de militancia. Es lo que ocurrió con la España de los años 30, tema al que la muestra dedica un buen espacio a través de los trabajos de escritores, pintores o fotógrafos de izquierdas que viajaron a España para contar los hechos desarrollados en las elecciones previas a la Guerra Civil y durante la contienda. Las imágenes dejan de ser simplemente testimonios para convertirse en armas que ayudaban a defender causas políticas. Brotaron instantáneas de fotoperiodistas experimentados como Pérez de Rozas, que el 23 de agosto de 1936 inmortalizó una marcha de mujeres con el puño en alto que habían organizado una colecta para las víctimas del fascismo.

La muestra también recoge cómo la prensa internacional se empezó a hacer eco del conflicto español. Por ejemplo, mediante un reportaje de diciembre de 1936 de la revista francesa Regards donde se narra la vida subterránea de los refugiados republicanos en el metro de Madrid, por entonces convertido en uno de los pocos lugares seguros ante las amenazas de los bombardeos. 

Una flor como arma

Tras 1945 se desarrolló en París la llamada fotografía humanista, que trataba de sacar el lado más personal de los sujetos retratados después de las experiencias vividas durante la guerra. Se buscaba la reconciliación a través de escenas que anunciaban la vuelta a lo cotidiano, como la del beso frente al Hotel de Ville captada por un Robert Doisneau que años después confesó que aquel instante distaba mucho de ser espontáneo: eran dos actores contratados por el fotógrafo. 

Sin embargo, la posguerra no trajo la paz del todo. La Guerra Fría y los regímenes coloniales fueron el gran detonante de finales de los setenta: el de las protestas contra de guerra de Vietnam. No solo fue un movimiento antibélico, también se oponía al antiguo orden social establecido por los gobiernos y que había desembocado en los mayores conflictos humanos vividos en la historia. 

Grandes responsables de capturar esta iconografía de las revueltas fueron los fotógrafos de la mítica agencia Magnum, fundada en 1947 por reporteros que habían vivido las guerras y el Holocausto como Robert Capa o Cartier-Bresson. Uno de sus integrantes, Mac Riboud, capturó el que probablemente sea uno de los mayores iconos del pacifismo y la lucha contra la autoridad: La joven con la flor (1967), que abre este artículo.

Como cuentan en la propia página de Magnum, la protagonista de la imagen es una joven de 17 años llamada Jan Rose Kasmir que participó en una manifestación contra la guerra de Vietnam en Washington. Los soldados de la Guardia Nacional estaban armados con rifles y bayonetas, pero ella decidió plantarles cara con otra “arma”: una flor.

Las miradas sobre las ciudades están en continuo proceso de reescritura, como refleja el derribo violento de monumentos a esclavistas o colonizadores surgidos a raíz de las protestas tras el asesinato de George Floyd a manos de un policía. “Esas estatuas son una forma de ocupar espacio público y de decir que esos valores son perfectamente legítimos hoy en día, y realmente no lo son”, dijo a elDiario.es Alfredo González Ruibal, investigador del Patrimonio y divulgador histórico. Y, si caen, siempre habrá una cámara para inmortalizar el momento.

La Caixa ha anunciado que las obras de construcción de CaixaForum València empezarán la primera semana de marzo. La intervención se pondrá en marcha una vez han culminado los trabajos previos en el edificio del Ágora, así como los trámites administrativos coordinados con la Ciutat de les Arts i les Ciències y la Generalitat Valenciana, propietaria del edificio.

Para la consecución del proyecto se ha calculado un tiempo de dos años de ejecución de las obras desde su inicio. El proyecto supone una inversión que superará los 19 millones de euros, además de un presupuesto anual de unos 5 millones de euros para el mantenimiento, la programación y el funcionamiento del centro.

El proyecto presentado por el arquitecto Enric Ruiz-Geli (Figueres, 1968) y su estudio Cloud 9 fue el escogido para construir un nuevo CaixaForum en el interior del edificio Àgora de la Ciutat de les Arts i les Ciències, obra de Santiago Calatrava.

En la parte central de la planta baja se ubicarán las dos salas de exposiciones, que crearán una gradería que actuará como verdadera ágora del proyecto. En uno de los extremos del edificio se situará el auditorio con capacidad para unas 300 personas, y en el otro, la recepción, la librería y las oficinas. Por su parte, el espacio para el restaurante ocupará un lugar de los laterales del edificio, de forma que podrá tener entrada y salida independiente. Encima de las salas de exposiciones se situará el espacio familiar y educativo CaixaForum Familia. En total, serán 6.500 metros cuadrados útiles.

“Punto de inflexión en la estrategia cultural”

Por su parte el president de la Generalitat, Ximo Puig, ha destacado que la puesta en marcha del nuevo CaixaForum València “marca un punto de inflexión en la estrategia cultural de la Comunitat Valenciana”.

Así, el titular del Consell ha incidido en la importancia de esta instalación, en primer lugar “por la trascendencia y magnitud de un contenedor polivalente que se incardina en otros hitos históricos para nuestra tierra como lo fueron el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, en los años setenta, el IVAM, a finales de los ochenta, o el MuVIM y el Museu de les Ciències en el cambio de siglo”.

Además, en palabras del president, “la ubicación del CaixaForum dentro del Àgora es todo un símbolo” que, según ha afirmado, “ejemplifica la puesta en valor de unas infraestructuras que se construyeron con un gran esfuerzo económico por parte de la Generalitat pero que estaban vacías de contenido”.

A falta de tener datos globales del ejercicio cerrado hace escasos días, se sabe que el Museo del Prado había recibido hasta octubre un total de 2,6 millones de visitantes. Eso antes de inaugurar las celebradísimas exposiciones de Goya. Dibujos e Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana.Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana También que los museos de ciudades como Barcelona han recibido 4,8 millones de visitantes en 2019, un 4,3% más que el año anterior. No pinta mal: son buenas cifras que nos hacen albergar la esperanza de que en 2019 el interés por el arte no haya decaído, sino todo lo contrario.

En 2018, los museos nacionales y los estatales recibieron a 12 millones de visitantes. El Prado lideraba el ranking anual del Ministerio de Cultura y Deporte, con 3,6 millones de visitas, seguido del Reina Sofía, el Guggenheim de Bilbao, el CaixaForum Madrid y el Thyssen.

Para que no decaiga el ritmo ni el interés, hemos recorrido el mapa y seleccionado algunas de las exposiciones más interesantes con las que inaugurar la temporada y, por qué no, empezar el año con arte.

Que puedes visitar ahora mismo

Obras maestras de la Kunsthalle Bremen: de Delacroix a Beckmann

Obras maestras de la Kunsthalle Bremen: de Delacroix a Beckmann¿Qué voy a ver? La Kunsthalle Bremen, inaugurada en 1849, está considerada una de las pinacotecas más importantes de Alemania. Esta exposición recorre su historia: la de un museo caracterizado por su sólido compromiso cívico y su temprana labor de investigación profesional del arte moderno, que influiría de forma decisiva a que el germano fuese el primer país en adoptar el Impresionismo y el Posimpresionismo.

¿Dónde? En el Museo Guggenheim de Bilbao.

¿Hasta cuándo puedo verla? Hasta el 16 de febrero de este año recién estrenado.

Goya. Dibujos. “Solo la voluntad me sobra”

Goya. Dibujos. “Solo la voluntad me sobra”¿Qué voy a ver? La exposición reúne por primera vez más de trescientos de los dibujos de Goya, procedentes de las propias colecciones del Prado y de colecciones públicas y privadas de todo el mundo. Y justo dos plantas más arriba, en el Claustro de los Jerónimos, se encuentra El Roto. No se puede mirar, colección de ilustraciones realizadas por Andrés Rábago e inspiradas por la obra de Goya.

¿Dónde? En el Museo del Prado en Madrid.

¿Hasta cuándo puedo verla? También hasta el 16 de febrero de este año.

Gameplay: Cultura del videojuego

Gameplay: Cultura del videojuego¿Qué voy a ver? Gameplay es, más que un ejercicio expositivo, un viaje turístico guiado. Lo que ocurre es que el destino no es un lugar, sino un estado de la cuestión del mundo de los videojuegos. Una exposición que rastrea sus orígenes para analizar su lenguaje y poner en valor el impacto que han tenido en la cultura popular. Como ocurre con Game On, la exposición de Fundación Canal (Madrid) visitable hasta el 31 de mayo, se trata de una exposición pensada desde el diálogo con el espectador: las obras aquí se jueguan, no se admiran.

¿Dónde? En el CCCB: Centre de Cultura Contemporània de Barcelona.

¿Hasta cuándo puedo verla? Será jugable hasta el 3 de mayo.

Takis

Takis¿Qué voy a ver? A Takis uno acude por la curiosidad y se queda por la energía que imprime en el espectador. Panagiotis Vassilakis, conocido como Takis, fue un artista griego pionero en la creación de nuevas formas artísticas utilizando energías no visibles, como el magnetismo o la electricidad. Esta exposición es la primera muestra individual del artista en país y se organiza junto a la Tate Modern de Londres y el Museum of Cycladic Art de Atenas.

¿Dónde? En el MACBA: Museu d'Art Contemporani de Barcelona.

¿Hasta cuándo puedo verla? Hasta el 19 de abril.

Que tendrás que marcar en el calendario

Vampiros. La evolución del mito.

Vampiros. La evolución del mito.¿Qué voy a ver? Un repaso extenso a la par que minucioso de la promiscua relación que el mito vampírico ha mantenido con el séptimo arte. La exposición reunirá una selección de películas inspiradas por el mito, desde proyectos de vanguardia hasta blockbusters, además de obras literarias, collages surrealistas de Max Ernst, grabados de Los Caprichos de Goya, pinturas del artista contemporáneo Wes Lang o la icónica imagen de Drácula interpretado por Bela Lugosi usada por Andy Warhol en su litografía titulada The kiss.

¿Dónde? En el CaixaForum de Madrid.

¿Cuándo podré visitarla? Del 14 de febrero al 7 de junio de 2020

Contracultura en València

Contracultura en València¿Qué voy a ver? Así como en 2018 el Reina Sofía acogió en sus muros muestras de la contracultura española en los años 70, y el año pasado La Casa Encendida recogía el testigo a través de un homenaje a la figura de Ceesepe, ahora es el IVAM quien se encarga de integrarla en un discurso museístico. Esta exposición propone un recorrido por algunas propuestas contraculturales valencianas entre los años sesenta y ochenta.

¿Dónde? En Valencia, en el IVAM: Institut Valencià d'Art Modern.

¿Cuándo podré visitarla? Del 13 de febrero al 17 de mayo.

Rembrandt y el retrato en Ámsterdam 1590-1670

Rembrandt y el retrato en Ámsterdam 1590-1670¿Qué voy a ver? Se trata de la primera exposición en España dedicada a la faceta como retratista de Rembrandt, un género en el que el pintor más importante del siglo XVII holandés abundó y con el que experimentó a placer. Compuesta esencialmente de una veintena de sus retratos, completarán la exposición obras artistas coetáneos al pintor neerlandés, sumando un total de 80 pinturas y 16 grabados, algunos nunca antes vistos en Europa.

¿Dónde? En Madrid, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

¿Cuándo podré visitarla? Del 18 de febrero al 24 de mayo de 2020

Genealogías del arte, o la historia del arte como arte visual

Genealogías del arte, o la historia del arte como arte visual¿Qué voy a ver? “Si la historia del arte se compone de objetos destinados a ser vistos, ¿no debería ser también muy visual el modo de contarla?”. Esta es la cuestión fundamental que aborda esta exposición del Museo Picasso Málaga y la Fundación Juan March. Una colección que reúne obras de Pablo Picasso, Paul Cézanne, Vasily Kandinsky, Fernand Léger o Paul Klee, para generar una reflexión en torno a  los modos de narrar visualmente.

¿Dónde? En el Museo Picasso de Málaga.

¿Cuándo podré visitarla? Del 27 de febrero al 31 de mayo de 2020

Mondrian y De Stijl

Mondrian y De Stijl¿Qué voy a ver? De Stijl, aquel movimiento que buscaba el arte total en los Países Bajos del primer cuarto del siglo XX, tuvo exponentes influyentes tales como Antony Kok, Bart van der Leck, Gerrit Rietveld, Jacobus Johannes Pieter Oud. Pero ninguno fue tan radical y tan impresionante como Piet Mondrian. Ahora, el Reina Sofía recreará sus exposiciones más importantes  -concebidas por el propio Mondrian-, en una muestra que incidirá en su figura y la evolución constante de su concepción artística en diálogo y enfrentamiento con lo que supuso el movimiento De Stijl. 

¿Dónde? En Madrid, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

¿Cuándo podré visitarla? Del 12 de mayo al 14 de septiembre de 2020.

Las invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931)

Las invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931)¿Qué voy a ver? Una aproximación al papel de la mujer en el sistema español de arte a caballo entre siglos XIX y XX. Una exposición que pretende abordar la imagen de la mujer que el Estado legitimó mediante exposiciones y museos, por una parte, y el lugar que ocupaba en sociedad por otra. Un diálogo entre el arte y su tiempo con perspectiva de género y realizado casi exclusivamente de los fondos del Prado.

¿Dónde? En Madrid, en el Museo Nacional del Prado.

¿Cuándo podré visitarla? Del 31de marzo 6 de septiembre.

El pintor tinerfeño afincado en Madrid Cristino de Vera, al que algunos consideran un anacoreta de la pintura, dice que el arte “es una forma de rezar y de expresar un sentimiento de religiosidad indefinido, sin un dios con nombre declarado”, y esa mística es la que irradia su exposición Al silencio, que este martes se inauguró en CaixaForum.

A sus 87 años, Cristino de Vera, que nació en Santa Cruz de Tenerife y está afincado en Madrid desde hace decenios, ha logrado que en el centro de Madrid, donde está la sede de CaixaForum, en medio del ruido, se pueda encontrar el visitante con una sala llena de luz, quietud y belleza que invitan al recogimiento con las casi 50 obras del artista, entre pinturas y dibujos a tinta, creadas en los últimos años.

Unas obras repletas de silencio y desnudez, con grandes espacios vacíos o con tan solo algún elemento, como una calavera, unas tazas, unos cirios, cruces, nubes o ventanas con el Teide detrás, que sirven al pintor para meditar sobre el infinito del tiempo y sobre la inexorabilidad de la muerte, pero también sobre el poder de la belleza y la luz.

“El arte es el escudo más bello que posee el hombre para escudarse del dolor; y el motor del arte, de la belleza, es arrancar el miedo, perder ese miedo que siempre persigue al hombre”, dijo en otra ocasión este pintor al que cuesta encasillar en alguna tendencia y que siempre ha estado fuera de etiquetas, circuitos, grupos, movimientos o ismos.

Como dice el programa de la muestra en Madrid, “para unos, es continuidad de la tradición a las puertas del siglo XXI, mientras que, para otros, es la renovación de un lenguaje basado en la figura, en la imagen”.

Toda una obra que posee un sello de identidad que lo “encumbra como uno de los grandes creadores” contemporáneos. Y unas pinturas construidas con un puntillismo sosegado en colores claros y armónicos que se alternan con las tintas de trazos limpios y puros, plagadas de meditación.

“Nací, pues, en un lugar donde la naturaleza, las cosas, la vida misma, era una ecuación de luz y sombras, de vida y muerte, de paz y terror, de alegría y melancolía”, dice este creador en el catálogo.

Cristino de Vera nació en Santa Cruz de Tenerife en 1931. Inició su formación artística en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos en 1946, donde tuvo a Mariano de Cossío como su primer maestro.

Establecido en Madrid en 1951, frecuentó los estudios de Vázquez Díaz y las academias libres del Casón y el Círculo de Bellas Artes, y la Escuela de Bellas Artes.

Su reconocimiento artístico se produjo en 1993, cuando el Museo Nacional-Centro de Arte Reina Sofía de Madrid le dedicó una exposición en solitario, a la que sucedería una muestra sobre sus dibujos en el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria.

En 1997 cedió gran parte de su obra al Gobierno de Canarias, a condición de que esta fuera expuesta para disfrute y conocimiento de todos los canarios.

A esta exposición le acompaña un catálogo en el que escriben María José Salazar, Juan Manuel Bonet y Juan Cruz, quien considera a Vera un maestro para él, y con quien establece un amplio diálogo a modo de entrevista.

Y en ella dice el artista, a sus 87 años: “Creí que había aprendido muchas cosas, he sido un modesto discípulo. He aprendido mucho de Zurbarán. Y he aprendido que a las artes hay que quitarles el ramalazo de bobería, de maldad, de estupidez y de éxito, el yo y el ego. Ahora es todo de una complejidad tan grande, que ya no sabemos lo que hay, se abre la puerta del misterio total”.

Vera es un creador que ama la paz, la austeridad y el silencio y que detesta los falsos brillos.

En paralelo a la exposición, el 25 de octubre, el pintor dialogará sobre su trabajo en la sede de CaixaForum con el exdirector del Instituto Cervantes, crítico de arte e historiador Juan Manuel Bonet y con el poeta, ensayista y traductor Andrés Sánchez-Robayna.