Pocas canciones han conectado con el espíritu de su tiempo y lo han llevado más allá, tanto que han quedado asociada a su narrativa. Uno de esos casos es “Space Oddity”, el primer éxito de David Bowie, una de las canciones más singulares y conmovedoras de finales de la década de los 60, y que ha seguido influyendo en la música, versionada en varias ocasiones, una de ellas incluso desde el espacio.

Y es que pocas canciones pueden decir que han contado con una ‘cover’ hecha desde la mismísima Estacion Espacial Internacional, siendo así el primer videoclip rodado en el espacio. Un hecho que cerró un círculo teniendo en cuenta que el tema había captado el espíritu de la llegada a la luna de ese mismo 1969.

Inspirada en ‘2001: Una odisea del espacio’ de Kubrick

La década de los 60 tuvo varios elementos que la caracterizaron, y uno de ellos fue el de los viajes al espacio, con el hito de la llegada del hombre a la Luna como uno de los acontecimientos principales que hubo para la posteridad. “Space Oddity” fue la canción que mejor capturó este aspecto, aunque la inspiración la tomó de la ficción.

Y es que el que fue el primer gran éxito de David Bowie nació en la cabeza del artista británico después de haber visto “2001: Una odisea del espacio” en los cines, aunque no la escribiría hasta seis meses después de haber visto la película de Stanley Kubrick. Directamente, el personaje del tema fue basado en el Dr. David Bowman, al que dio vida Keir Dullea. Una vez la compuso, el entonces representante de Bowie, contó que la primera vez que la escuchó supo que “había creado algo especial”: “Que se trataba de una canción inusualmente ingeniosa quedó claro desde la primera escucha”, aseguró en su libro Bowie: The Pitt Report.

El tema iba a formar parte en un principio de un cortometraje, pero al cancelarse, Bowie grabó varias versiones demo de la canción para intentar lograr un contrato discográfico, algo que logró y que llevó a grabar la última versión, que fue su primer gran éxito, con Gus Dudgeon, que era entonces productor de Elton John.

La banda sonora de la llegada a la Luna

El sencillo se grabó el 20 de junio de 1969, pero no se publicaría hasta el 11 de julio de ese mismo año, justo cinco días antes del inicio de la misión lunar del Apolo 11, nueve días antes de que se produjera la llegada a la luna. Esto, sin embargo, hizo que las emisoras de radio no quisieran reproducirla hasta que la tripulación, con Neil Armstrong y Buzz Aldrin en cabeza, volviera sana y salva a la Tierra.

Pero la BBC, en su emisión de la cobertura de la llegada del hombre a la Luna sí que usó “Space Oddity”, lo que hizo que se creara una conexión directa entre el acontecimiento y la canción. “Estoy seguro de que no estaban prestando atención a la letra. Por supuesto, me alegró muchísimo que sí lo hicieran”, aseguró Bowie más tarde sobre este hecho.

Más allá del éxito, David Bowie volvió a revivir al personaje de Mayor Tom en trabajos posteriores, como en “Ashes to Ashes”, que fue publicada más de diez años después, en 1980, y que se vio como una secuela, en la que vuelve a contactar con la Tierra. La influencia del tema le ha llevado a ser una de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Tuvo una cover desde la estación espacial

En el 44 aniversario de su lanzamiento, recibió un bonito homenaje desde la propia Estación Espacial Internacional, por parte del astronauta canadiense Chris Hadfield, lo que la convirtió en el primer videoclip filmado en el espacio. Sin embargo, el video tuvo problemas debido a los derechos de la canción.

El propio David Bowie la vio como “la versión más acertada y mejor creada jamás”, y logró ayudar a Hadfield para que el video de “Space Oddity” desde el espacio no fuera retirado de la web.

16 años. Si contamos hacia atrás, 2010. Fue una de las veces que tocó en Madrid una de las bandas de rock más respetadas del género. En aquel entonces, Kings of Leon asaltó el Palacio Vistalegre de la capital; ahora, repite actuación en el Mad Cool frente a decenas de miles de personas. En un rincón del recinto, una de ellas observa emocionada lo que está ocurriendo frente a sus ojos. Está nerviosa, frustrada. Faltan tan solo 10 minutos y la cosa se acaba. Tiene cerca al admirado grupo, que está regalando Manhattan a la multitud, pero tan solo puede ofrecerle sus oídos. Su mirada, en cambio, pertenece a la selección española.

Fue también en 2010 cuando nuestro país ganó su primer Mundial de fútbol. De hecho, la Roja ya tenía su estrella cuando Kings of Leon tocó en el Vistalegre, pues la banda no visitaría la ciudad hasta diciembre y España ganó el torneo tal día como hoy, entrada ya la madrugada del 11 de julio a la hora de escribir estas líneas. El equipo no había alcanzado los cuartos de final del campeonato desde aquella edición, por lo que, 16 años después, hay quien no es capaz de perderse el partido contra Bélgica que decide quién se enfrenta a Francia en semifinales. El Mad Cool, además, lo pone fácil: la enorme pantalla que se cierne en mitad del recinto, utilizada para mostrar los horarios, emite el encuentro.

Los segundos pasan y la selección está a punto de irse a la prórroga. 1-1 al minuto 88, mientras suena Waste a Moment. Sin embargo, aquí nadie parece sentir que esté desperdiciando una entrada. Alrededor de la pantalla, muchísimos aficionados se interesan por el desenlace, tumbados sobre el césped artificial y bebiendo como si el partido fuera lo que les ha traído al festival. La coincidencia del evento con el Mundial hace que el ambiente sea distinto. La ropa, por supuesto, también: fans con la equipación de la Roja —la camiseta blanca parece haber calado bastante— superan en número a aquellos con merchandising de alguno de los artistas del cartel.

Y entonces se desata la locura: Mikel Merino marca el gol que concede la victoria a España, apenas unos minutos antes del tiempo de descuento, y la selección culmina su pase a la siguiente ronda. Cuando el partido acaba, Supersoaker de Kings of Leon pone la banda sonora a la celebración. Pero no es la única. El grupo detiene el concierto, felicita a España por su triunfo en las pantallas y se hace con todo el recinto al cantar su himno Use Somebody. Es un momento de fervor que, aunque suele suceder un poco más al principio de su espectáculo, en este caso se lo reservan justo para el final del España-Bélgica. Incluso Nathan Followill, el baterista, se pone la equipación.

Quizás Kings of Leon alcance a intuir una mínima parte de lo importante que es el fútbol para nuestra sociedad por el hecho de que EEUU esté sirviendo como sede. Aun con todo, lo demuestra sobre el escenario porque parece saber demasiado sobre nuestra cultura. “Una de mis ciudades favoritas del mundo”, dice su líder, Caleb Followill, en alusión a Madrid. Quien sin duda es más discreto es Black Francis, que durante el show no es un hombre de muchas palabras. El pitido inicial del árbitro, precisamente, coincide con su concierto, una fabulosa propuesta de Pixies que devuelve la nostalgia y la sabiduría de la que ya impregnaron el Movistar Arena hace tres años.

Ha habido muchas reuniones musicales recientemente —la jornada del sábado estará protagonizada por Pulp, que se alejó de la industria en 2002—, pero la vuelta de la banda de Boston logra un equilibrio entre pasado y presente que se percibe en su propuesta en el Mad Cool. Casi sin interrupción y confiando en la efectividad de su catálogo, el grupo encadena una veintena de canciones que brillan cada vez que llegan a sus estribillos. Temas como Wave of Mutilation, Vamos o la belleza de Monkey Gone to Heaven evidencian que Pixies no necesita apoyarse en la nostalgia para sonar como una banda vigente sobre las tablas. Aunque qué maravillosa es Isla de Encanta en español... o el clásico Where Is My Mind?.

De una portería a otra

Si te detienes a pensarlo, lo cierto es que un Mundial de fútbol tampoco se diferencia tanto de un festival. Sobre todo, teniendo en cuenta que la FIFA se ha obscecado en la instauración de las pausas de hidratación. Son dos minutos en mitad de cada uno de los dos tiempos que sirve a los jugadores para hablar con el entrenador y beber agua, pero que beneficia todavía más a las televisiones permitiéndoles incorporar segundos publicitarios de oro. Son pausas que observamos constantemente en los macrofestivales: tanto por parte de los artistas durante su concierto, como por los asistentes cuando cambian de un escenario a otro. Hay tantas porterías que, con carteles repletos de nombres que se solapan, uno ya no sabe a cuál mirar.

Una portería dispuesta a no dejar que entre ningún gol es la de Twenty One Pilots. Ya bien entrada la noche en Madrid, el grupo no tiene que hacer frente a ningún partido, pero Tyler Joseph sí que se acuerda: “Felicidades por vuestra victoria”. En su espectáculo no hay lugar para prórrogas o penaltis, tampoco para preocupaciones. La banda se hace con la audiencia al cantar Heathens, un tema que no hay quien no conozca a estas alturas sobre no juzgar a los demás. La versatilidad del dúo de Ohio resulta apabullante: ambos transitan con asombrosa naturalidad entre el hip-hop alternativo, el electropop y el rock.

La puesta en escena no requiere demasiado, pues apuesta por poca iluminación y hace uso de un micrófono fluorescente que sigue la misma atmósfera. No falta su hit Stressed Out para servir como la guinda del pastel, pero por faltar no faltan ni los petardos ni los fuegos artificiales. El concierto deambula de estruendo en estruendo y no permite a nadie quedarse dormido, aunque la música tampoco invita a ello. Más minimalista es el espectáculo de Interpol, que sucede de manera simultánea en el segundo de los escenarios principales. Sumida en un filtro blanco y negro, la banda se anima con canciones nuevas como Wings On Fire.

No obstante, ocurre algo bonito cuando el grupo echa la vista atrás. Una pareja descansa sobre el césped mientras escucha el concierto, que presumiblemente no ve por la infinidad de gente de pie que tiene delante. Sin embargo, en cuanto suena el primer acorde de Evils, la joven no se lo piensa dos veces y se levanta. No contenta con ello, ofrece sus brazos al chico para que se incorpore y no se pierda tampoco el que es uno de los momentos más especiales del show. Ambos disfrutan de la actuación en una escena que genera paz alrededor de tantas personas que utilizan sus móviles para grabar.

Aparte de la presencia de A Perfect Circle, grupo formado por el músico Billy Howerdel y el vocalista de Tool, Maynard James Keenan, que también cuenta en su séquito con James Iha, exguitarrista de The Smashing Pumpkins, la jornada destaca a la revelación Holly Humberstone. Sin apenas música pop en el cartel del viernes, el trabajo de la artista recuerda a la propuesta que ofreció Gracie Abrams hace justo un año, ensalzándola por la sencillez de su actuación, que otorga todo protagonismo a las letras. Más guerrera es Halsey, una “chica en la torre” que puede salvarse ella sola. Tanto, que se encarga de abrir la jornada con un sol que afortunadamente está oculto tras las nubes.

La cantante le echa agallas y hace un concierto reivindicativo que deja una pregunta: ¿por qué la industria se ha olvidado de ella? Halsey grita, domina el escenario y se lo pasa de lujo con el público. “Si estáis cansados ahora, ¿qué coño vais a hacer después?”, bromea refiriéndose a la gente sentada al fondo. “Levanta la mano si eres lesbiana”, dice a continuación para ganarse a su audiencia, que levanta la mano sin pensarlo. Su espectáculo no ignora tácticas cliché, como la que emplea durante la rockera Experiment on Me al invitar a los asistentes a agacharse para levantarse todos juntos durante el último estribillo. Aun así, funciona para abrir un viernes que deja felices a muchos: por lo menos, a los fans de la música y también a los del fútbol.

Este jueves el mundo de la música despide a Bonnie Tyler, que ha fallecido este miércoles 9 de julio en Faro (Portugal) donde residía, al no haber podido recuperarse de una operación de intestino a la que se sometió el pasado mes, que la llevó al coma, y que ha acabado finalmente con su vida, según ha informado su familia.

Conocida por éxitos como It's a Heartache, Total Eclipse of the Heart y Holding Out for a Hero, la cantante británica deja un legado de más de cuatro décadas de carrera, además de una distintiva voz rasgada que no tuvo desde el principio, sino que fue el efecto secundario de no haberse recuperado de una intervención en las cuerdas vocales.

El origen de la voz rasgada de Bonnie Tyler

Nacida como Gaynor Hopkins en seno de una familia humilde de Skewen, en Gales, su madre le inculcó el amor por la música, siendo ella parte del coro de la iglesia local. Aquella chica que comenzó su carrera en 1976 después de que se le ofreciera un contrato discográfico por parte de RCA Records, nada tenía que ver con la voz que más tarde se convertiría en el sello de Bonnie Tyler.

Después de cambiar su nombre a uno artístico que creó recopilando nombres y apellidos de la Biblia, la joven se encontraba promocionando sus primeros sencillos My my Honeycomb y Lost in France cuando notó que su voz estaba cambiando debido al esfuerzo vocal.

Fue entonces cuando la sometieron a pruebas y le detectaron nódulos, lo que la llevó a operarse. Tras esto, se le pidió reposo, pero ella cuenta que desobedeció de forma involuntaria y que esto provocaría esa voz rasgada que tan característica se convirtió. En su biografía, Straight from the Heart, explicó que se encontraba de camino al hospital para ver a su hermano Lynn, ingresado por una lesión en la pierna, cuando se dio cuenta que se le había olvidado llevar una bolsa de fresas que le había preparado.

“Estaba tan frustrada de tener que conducir de regreso a casa, que solté un grito de '¡Oh, no!'. Cuando fui a una revisión con el especialista, me miró y me dijo: ‘Podrías haberte causado un daño permanente’”, reveló la fallecida artista.

Sin embargo, cuando se curó la herida, junto a su productor David Mackay descubrió su nueva voz ronca y sorprendentemente les gustó el resultado, de hecho, él llegó a decirle que era la “versión femenina de Rod Stewart”. Y es que ambos se dieron cuenta de que al cantar ella adoptó un tono ligeramente más oscuro, melancólico, capaz de aportar una calidez natural e innata que redondearía éxitos como It's a Heartache, donde su comienzo obtiene una crudeza de intensidad emocional que no se conseguiría con arreglos o de otra forma.

El paralelismo entre Tina Turner y Bonnie Tyler

Un hecho también no tan conocido es la curiosidad de que una de las canciones más famosas de Tina Turner, The Best, se trata precisamente de una versión de Bonnie Tyler, que la cantó en 1988 y llegaría a ser top 10 en Noruega, Portugal, así como éxito menor en España y Reino Unido, pero la norteamericana la convertiría en un himno internacional.

Una historia que las conecta directamente, pero también el hecho de que la propia Bonnie Tyler la ha citado como una referente con la que creció escuchándola, y además, en sus comienzos cantó versiones de Ike & Tina Turner como Nutbush City Limits, que haría que fuera descubierta para firmar un contrato discográfico que daría lugar al comienzo de una trayectoria de más de cuatro décadas de una voz que se ha apagado este julio de 2026.

Bonnie Tyler ha fallecido este miércoles en Faro (Portugal) a los 75 años, según ha informado la propia familia de la artista británica. La cantante de éxitos como It's a Heartache, Total Eclipse of the Heart y Holding Out for a Hero, no logró recuperarse de la enfermedad por la que fue hospitalizada el mes pasado.

Tyler, cuyo nombre real era Gaynor Hopkins, nació el 8 de junio de 1951 en la ciudad galesa de Neath, en Reino Unido. El amor por la música se lo infundó su madre, Elsie, que era una gran admiradora de la ópera y cantaba en el coro de una iglesia local.

Janis Joplin y Tina Turner fueron dos de las voces con las que Bonny Tyler se crio; y con diecisiete años logró quedar segunda en un concurso de talentos interpretando Those Were the Days de Mary Hopkins y I Can't Stop Loving You de Ray Charles. Dos años después formó su propia banda, Imagination, con la que tocó en bares y clubes del sur de Gales, bajo el nombre de Sherene Davis.

Roger Bell la descubrió durante una de sus actuaciones, impresionado por su talento. De ahí viajó a Londres para grabar algunas demos y meses después firmó con RCA Records. Allí le recomendaron que se buscara un nombre más potente, y se decidió por Bonnie Tyler. My my Honeycomb y Lost in France fueron sus primeros sencillos. Tras el lanzamiento de ambos, la cantante tuvo que someterse a una operación de nódulos en las cuerdas vocales. Su médico le ordenó que no hablara durante varias semanas, pero Tyler no le hizo caso. Su 'desobediencia' fue la que generó el sonido rasgado e inconfundible de su voz que le acompañó durante el resto de su carrera.

La artista fue galardonada con el premio Brit a Mejor artista revelación británica en 1977, aunque su salto a la fama mundial fue un año después, gracias al éxito de It's a Heartache. Tyler estuvo ligada a RCO hasta el álbum Goodbye to the Island, que publicó en 1981, y grabó principalmente en el Algarve, Portugal. El tema Sitting on the Edge of the Ocean ganó en el Gran Premio del Festival Yamaha Music celebrado en Tokio en 1979. Descontenta con sus anteriores productores, al expirar su contrato fue en busca de nuevos, y acabó proponiéndoselo a Jim Steinman, con quien terminaría alcanzando la cima de su carrera.

Su primera obra juntos fue el hit Total Eclipse of the Heart, al que siguió el disco Faster Than the Speed of Night. Canción y álbum fueron nominados al Grammy.

Su siguiente trabajo discográfico, Secret Dreams and Forbidden Fire incluyó otro de sus grandes éxitos, Holding Out for a Hero. La cantante grabó Hide Your Heart con Columbia Records en 1988 y posteriormente Bitterblue con Hansa Records, tras establecerse en Alemania. Le siguieron Angel Heart (1992) y Silhouette in Red (1993). A finales de los noventa, la artista firmó con una nueva compañía, East West Records, con quienes fusionó pop con música celta en su álbum All in One Voice.

Tyler continuó saliendo de gira, grabó un disco de covers con la orquesta filarmónica de Praga, y en Wings apostó por involucrarse por primera vez activamente en el proceso de composición de su álbum, eminentemente pop. En 2013 sumó un nuevo hito en su trayectoria, representando a Reino Unido en Eurovisión con Believe in Me. Obtuvo el puesto 19. En Malmö, ciudad en la que se celebró el certamen ese año, protagonizó un divertido encuentro con la delegación española. La artista compartió escenario con El sueño de Morfeo en los conciertos previos a la gran final, donde les recibió con ánimos y a grito de: “¡Que viva España!”.

Tyler lanzó otros dos álbumes más, Rocks and Honey en 2013 y Between the Earth and the Stars en 2019, y siguió recorriendo escenarios y actuando en televisión. Hasta su complicación intestinal, seguía a pleno pulmón. Actualmente estaba de gira, de hecho, tenía previsto tocar en Malta el 22 de mayo y en Alemani el día 30.

En 1991, en plena explosión del grunge, el mismo año en que Nirvana lanzaba ‘Nevermind’, tres jóvenes afincados en Los Angeles con aspiraciones artísticas decidieron encerrarse en un garaje, colgarse los instrumentos y hacer ruido. La historia de Dogstar podría confundirse con la de cientos de bandas nacidas al calor de esa nueva subcultura musical y juvenil que abrazaba las guitarras distorsionadas, una estética descuidada y unas letras cargadas de melancolía y desencanto social. Sin embargo, había algo extramusical que diferenciaba a aquella banda del resto. En sus filas, uno de sus miembros estaba destinado a triunfar lejos de los focos del rock alternativo.

Keanu Reeves, bajista de la banda, ya apuntaba maneras en la gran pantalla. Ese mismo año el actor nacido en Líbano y criado en Canadá protagonizó la película de acción ‘Point Break’ (aquí traducida como ‘Le llaman Bodhi’), dirigida por Kathryn Bigelow, en la que encarna a un agente novato del FBI infiltrado en una banda de surfistas, y un drama sobre dos gays que ejercen la prostitución callejera titulado ‘My Own Private Idaho’, de Gus Van Sant, junto al malogrado River Phoenix.

Según la versión más extendida, Reeves y el futuro batería de su banda se conocieron en un supermercado ese mismo año. Robert Mailhouse también era actor, principalmente de televisión. Ya había dado el salto a la pequeña pantalla con un papel en una de las series más populares del momento, ‘Days of Our Lives’. Su rostro era familiar para millones de estadounidenses, pero no tanto como el de Reeves, un ídolo juvenil para la llamada generación X cuya trayectoria cinematográfica apenas estaba despegando. Estaban por llegar papeles como el de Jonathan Harker en ‘Drácula, de Bram Stoker’; Neo en la taquillera ‘Matrix’ o, más recientemente, John Wick en la entretenida saga de acción y mamporros del mismo nombre.

La banda que completa el cantante y guitarra Brett Domrose permaneció siempre a la sombra del icono cultural en el que se ha convertido Keanu Reeves, protagonista de incontables memes (¿recuerdan ‘Sad Keanu’?) y, sobre todo, una de las estrellas de cine en activo más carismáticas y queridas.

El propio actor ha expresado en algunas entrevistas que nunca se tomaron demasiado en serio la banda, que si no triunfaron en la música fue porque, sencillamente, no son buenos. Sea como sea, estamos hablando de Dogstar porque siguen en activo —se reunieron en 2023, después de un largo parón de más de 20 años— y han salido de gira por el mundo para presentar un muy meritorio cuarto elepé, ‘All In Now’, publicado a través de su propio sello discográfico, Dillon Street Records.

Entradas agotadas

Desconozco cómo está funcionando la gira, pero en Barcelona colgaron el cartel de ‘no hay entradas’ en una sala con capacidad para más de un millar de personas. Una hora antes del concierto, la Paral·lel 62 ya estaba medio llena. Encontrar un hueco a menos de treinta metros del escenario era misión imposible. La expectación por ver al bajista era máxima. ¿Habían ido para ver a su actor favorito interpretando a rockero o realmente admiraban a Dogstar? En el ambiente flotaba una excitación mitómana que estalló en cuanto el trío apareció sobre el escenario y empezó a sonar el punteo bañado en eco de ‘Siren’, uno de los cortes de su último disco.

Que buena parte de los presentes había comprado la entrada por el popular actor quedó claro desde el primer momento. Un mar de móviles en vertical emergió del público para seguir cada movimiento del bajista. Todos querían llevarse un pedazo de Keanu a casa, aunque fuera en forma de vídeo pixelado. Su primera y última visita a la capital catalana había sido en junio de 2024, formando parte del cartel del Primavera Sound. Verlos ahora en una sala como la antigua Barts era otra historia.

El mérito de Domrose

Reeves desprendía carisma en cada golpe de cuerda. Sin alardes y con mucha actitud, sudó la camiseta y saludó varias veces a un público que celebraba cualquier gesto, por pequeño que fuera, del protagonista de ‘Speed’ y ‘Matrix’. Sus compañeros, especialmente Domrose, fueron mucho más que actores secundarios en esta función. El cantante y guitarra, inevitablemente a la sombra del ídolo, sostuvo el peso del concierto con mucha profesionalidad y naturalidad, bordando un repertorio de AOR (Adult Oriented Rock) musculoso y melancólico a partes iguales deudor de bandas como U2, Echo & The Bunnymen y Simple Minds.

Con sobriedad y, sobre todo, solidez estos tres amigos de mediana edad interpretaron en su totalidad ‘All In Now’, un disco notable con canciones certeras como ‘Joy’, ‘Wing’, ‘Shards of Rain’, ‘What Is’ y ‘Exale’. Para el bis reservaron la pegada noventera de ‘Punch the Sky’, con ecos a Pearl Jam; un medio tiempo efectista como ‘Shallow Easy’; y la potente ‘Breach’, perteneciente a su anterior disco, ‘Somewhere Between the Power Lines and Palm Trees’ (2023). Próxima parada: el Mad Cool de Madrid, donde este miércoles compartirán cartel con Foo Fighters, Wolf Alice y The War on Drugs.

Nunca sabremos realmente qué habría sido de Dogstar sin Keanu. En cambio, sí parece evidente que Keanu necesita a Dogstar: girar por todo el mundo con dos viejos amigos y sentir la energía del público desde el escenario. Tocar el bajo en una banda de rock es, probablemente, su papel favorito.

Wolfgang Amadeus Mozart es una de esas figuras culturales e históricas que han trascendido generaciones y que se han convertido con el paso de los años en parte de la cultura pop, como ha sucedido con icónicos como Frida Kahlo, Leonardo da Vinci o Vincent van Gogh.

El compositor musical, conocido por ser un genio desde edad temprana, vivió un momento de celebridad en la década de los 80, especialmente motivada por la película ‘Amadeus’ de Milos Forman que ganó el premio Oscar y que también motivó un himno rockero con Mozart como protagonista.

“Mozart era un punk” y el número 1 hace 40 años que se cantó en alemán

Era marzo de 1986. Hacía poco más de dos años que se había estrenado la película ‘Amadeus’, que adaptó libremente la vida del famoso compositor Wolfgang Amadeus Mozart y que cautivó al público y a la crítica, lo que le valió el Premio Oscar a Mejor película, pero también una nueva etapa del personaje histórico como icono.

En este contexto se publicó “Rock Me Amadeus” una canción en alemán que conquistó el panorama musical y que se acabó convirtiendo en un fenómeno internacional sin precedentes, que alcanzó el número 1 de la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos, siendo la única en este idioma que lo ha conseguido hasta ahora. En España estuvo en lo más alto a principios de julio de hace cuatro décadas.

En la canción, el músico austriaco Falco, reimaginó la figura de Mozart inspirándose en la película de Milos Forman, que a su vez se basaba en la obra de teatro de Peter Shaffer, como si de la “primera estrella de rock” se tratase, generando una figura con una vida extravagante y deudas infames, de ahí que el cantante declarara que el de Salzburgo “era un punk”.

Así, Falco imaginó a Mozart como una figura que bebía en su tiempo libre porque “estaba endeudado y era un borracho descontrolado”, que era aficionado a las Harley-Davidson y que “todas las mujeres lo adoraban gritaban ‘Vamos hazme vibrar, Amadeus’”.

Todo ello basado en la imaginación del cantante austríaco, ya que no existe evidencia de elementos mencionados como el alcoholismo y las mujeres, siendo su esposa Costanze Weber, con quien tuvo seis hijos, la única conocida. Aunque fuera poco real, la canción fue todo un éxito y llegó a tener una versión más larga, de hasta 8 minutos, que se llamó ‘Salieri Mix’.

Un tema que ha salido en dos episodios de ‘Los Simpson’

La versión extravagante de Mozart de “Rock Me Amadeus” apareció también en su videoclip, que mezcló elementos de la época del compositor junto a lo contemporáneo. Baile de máscaras, carruajes, pero con peinado salvaje, de colores y bajando de una moto en un club de moteros. Dos mundos que se unen.

Debido al fenómeno que fue, la canción ha sido versionada en varias ocasiones, especialmente en alemán, y ha tenido también su momento de popularidad en series como ‘Los Simpson’ y ‘Padre de Familia’. En la primera aparece en dos capítulos, uno llamado ‘Un pez llamado Selma“ y otro ‘Detrás de las risas”, mientras en la segunda serie la canción sale en un episodio en el que Lois Griffin tiene un tumor cerebral que repite “soy un tumor” imitando al coro del famoso tema alemán.

En estos 25 años que dura ya el revival de los 80 se ha dado a reivindicar casi todo lo que hizo algo de ruido en la época. El dominio cultural de Estados Unidos provoca que no hayamos visto reflejadas muchas de las realidades de la chavalada europea. Sin ir más lejos, en los 80 de cualquier adolescente hispano, la música de Europe ocupó un espacio difícil de ignorar.

Su himno The Final Countdown cumple estos días 40 años, convertido en un clásico de esos que llega a empalagar, con más de 400.000 discos vendidos en nuestro país, pósteres en miles de habitaciones y un dominio abrumador de las ondas hertzianas que quizá no veamos en Stranger Things, pero que vivieron millones de chavales.

Operación 'titotirooo'

Liderados por el cantante y compositor Joey Tempest (nacido Joakin Magnus en 1963), la muy joven banda sueca ganó en 1983 un concurso nacional de rock de gran repercusión. Encontraron apoyo en Japón, ficharon por Epic para su segundo disco y se convirtieron en los líderes de la escena heavy local, hasta el punto de encabezar el proyecto Swedish Metal Aid, un We are the world sueco y desfasadísimo que se ha convertido en un pequeño meme rockero.

En 1985, y con su posición asentada en los mercados nórdicos, entraron a grabar su tercer disco en Suiza. Tempest preparó un tema ideal para abrir tanto disco como sus próximos conciertos, comandado por un pegadizo riff de teclados (titotirooo). Algunos de sus miembros mostraron su recelo, pero la gente de marketing de Epic vieron un pelotazo potencial. Dispuestos a abrir mercado en el resto del mundo, centraron la promoción en el atractivo del frontman y lo infeccioso de ese primer corte.

El que se convertiría en el arreglo de teclado más famoso de la historia apareció en la cabeza del cantante unos seis años antes… y ahí se quedó, hasta que John Leven, el bajista, le animó a armar un tema en torno a él, cosa que, una vez manos a la obra, tampoco costó demasiado trabajo a Tempest. La grandilocuente melodía encajó con una letra cósmica, inspirada en la del Space Oddity de Bowie, sobre una misión tripulada a Venus y más allá. El productor estadounidense Kevin Elson, reputado por su trabajo con Journey, se encargó de hacerla sonar, creando además un “radio mix” con aún más teclado, para desesperación del guitarrista John Norum.

Su lanzamiento en mayo de 1986 dio la razón al equipo de Epic: el single con The Final Countdown llegó a número uno en Suecia y Finlandia y top cuatro en Noruega. Tras una gira nórdica, Epic pone toda la maquinaria a funcionar. El asalto internacional comenzó en septiembre, armados con un efectivo videoclip, pasta para untar radiofórmulas y una gira promocional que les llevó por todo el continente.

Entre septiembre y noviembre consiguen llegar al número uno de las listas de poco a poco. Primero, Alemania, Bélgica y Suiza; después, Irlanda, Inglaterra y Francia. Italia se rinde en diciembre… y España, siempre diferente, seguía erre que erre comprando masivamente discos de Modern Talking.

¿Has oído la canción esa de “estofado con salsa”?

La cosa iba a cambiar. Su promo tour recaló en Madrid a finales de octubre e incluyó algunas actuaciones de televisión. Su debut en el programa Entre amigos ha sido motivo de orgullo para José Luis Moreno, que alguna vez ha presumido de “descubridor” del fenómeno. Allí, Joey y los suyos interpretaron 'el Countdown' y la empalagosa balada Carrie tras los divertidos chistes del muñeco Macario y la siempre adrenalínica aparición de Sergio y Estíbaliz.

Coincidiendo con la visita, se contrató la necesaria promoción en Los 40 Principales, que programó la canción durante apenas una semana, algo habitual en lanzamientos a los que se veía poco potencial.

Los playbacks aparecieron en TVE a mediados de noviembre y diciembre y, ahora sí, la canción comenzó a pegar y álbum y single entraron en los tops de ventas. 1987 trae, por fin, el número uno del single en AFYVE (la asociación previa a Promusicae, que elabora las listas de lo más vendido), que conservan ocho semanas consecutivas, colocando también el elepé en la cima. Los 40 claudican y vuelven a incluirla en su lista: ¿cómo no iba a programar el tema más popular entre la juventud europea? Finalmente, a principios de febrero vuelve a programarse en alta rotación, llegando a dominarla el 28 del mismo mes.

Póster gigante de Joey en el interior

Los suecos arrancaron 1987 convertidos en unos ídolos absolutos en el continente, con un público mayoritariamente femenino y/o adolescente, que le granjeó la antipatía de buena parte del sector rockero. Dice la leyenda que en su día podías mover el dial de la radio y escuchar el himno al mismo tiempo en varias emisoras. Sus caras adornaban las páginas de la revista Heavy Rock, también la de la Vale o, claro está, la Súper pop.

Esa revista adolescente se encargó de tener bien surtidas a sus fans, eligiendo a Tempest y el bajista John Leven como rompecorazones oficiales y regalando carpetas, pegatinas y cassettes. El cantante llegó a tener una sección fija, donde entrevistaba a otros artistas (como Vicky Larraz) o daba consejos amorosos. Huelga decir que el vocalista no tenía nada que ver y las preguntas eran respondidas por las redactoras de la publicación.

Esta popularidad juvenil tiene su precio, comenzando por el abandono de John Norum. El guitarrista se marchó a finales de 1986, harto del enfoque teen de la promo y de tanto tecladito. Imaginamos que ver a Tempest en la portada de la revista oficial de Barbie no le hizo mucha gracia. Su sustituto, Kee Marcello, agradece aún hoy el abandono de su antecesor.

Como pasa siempre, otras discográficas buscaron explotar el filón rápidamente. Surgen ejemplos de europexploitation a lo largo de todo el continente: Sharks en Italia, Zinatra en Holanda, Bonfire en Alemania… En España se llevarían la palma Jupiter, impulsados por el locutor Mariano García que buscaba a unos Europe hispanos. La pinta kinki de varios de los chavales se enfrentaba con la estética glam que trataron de imponerles. No convencieron al gran público, a pesar (o debido a) la evidente inspiración de temas como Pagarás mi amor.

Hay que reconocer que ellos tampoco pusieron de su parte: ¡en ocasiones, llegaban a abrir y cerrar el concierto con la misma canción! Tampoco debió de jugar a su favor el plagio de su melodía que se escuchaba en el himno '80s de Alianza Popular (precedente del PP actual). Tras otros dos discos y algún otro éxito de menor alcance, sobrevino la llegada del grunge, su separación y, con el nuevo milenio, la nostalgia ochentera y la consabida reunión.

La cuenta atrás que nunca termina

El tema, tan popular que se llegaba a citar simplemente como “el tiroriro”, consiguió perdurar en el tiempo. Su uso y abuso en cortinillas, spots, bandas sonoras y eventos deportivos la ha mantenido siempre en la memoria. Ha vuelto a las listas internacionales en varias ocasiones y se ha interpretado varias veces en Operación Triunfo. Es un clásico de los partidos de baloncesto de todo el mundo, ha inspirado varios vídeos virales desternillantes (“¡Cuenta regresiva del grupo Europa!”), fue parodiada con acierto por Gigatron, reivindicada por Yurena e incluso interpretada por ellos mismos en la boda entre Pilar Rubio y Sergio Ramos, entre otros hitos.

Tras su comeback en 2004, Europe se ha convertido en un grupo de hard rock clásico que ha dejado lejos el sonido que les hizo famosos. Editan discos y giran con frecuencia. De hecho, acaban de grabar un videoclip del tema The Cult Of Ignorance, donde aparecen un buen montón de celebridades suecas, entre ellas, la actriz Malin Akerman o Howlin Pelle, cantante de The Hives.

En otoño, Europe volverá en una gira conmemorando, precisamente, el 40 aniversario del disco e interpretándolo en su integridad (el 8 de octubre en Barcelona, el 9 en Bilbao y el 10 en Leganés). Muchos buscarán reencontrarse con algo que cambió sus vidas; para otros quizá será solo un divertido concierto nostálgico. Todos cantarán una vez más, a grito pelado “el tiroriro”.

El sábado 20 de junio se presentaba con una tarde más calurosa que la del día anterior y en el ambiente se respiraba una mezcla de ilusión –ante la variada oferta músical que se venía– y cierta nostalgia, sobre todos entre quienes llevaban en el festival desde el jueves o incluso el miércoles; muchos de ellos, público extranjero que suele llegar en la víspera. La buena temperatura ayudó a construir ese ambiente veraniego perfecto para el concierto de Social Distortion.

“He ido infierno y he regresado”, canta Mikel Ness en la canción ‘Still Alive’ de ‘Hard Times and Nursery Thymes’, disco publicado en 2010 que se percibe como una obra crepuscular por la carga íntima de sus letras y las experiencias personales que condesa. La vida de Mike Ness bien podría formar parte del guion de una película sobre alguien que tocó fondo y logró reinventarse. Hoy se encuentra en una fase más madura, capaz de mirar al pasado sin vergüenza ni dolor.

En la primera mitad de los años ochenta, entre el primer y el segundo disco, Mike Ness deambulaba entre el alcohol y la heroína por la zona de Fullerton, dentro del condado de Orange (Orange Country, California). Fueron años oscuros en los que llegó incluso a pasar por la cárcel por su historial de robos, drogas y problemas con la ley. Como muchos de su generación, estuvo al borde de ser engullido por la espiral, pero su historia acabó tomando un rumbo distinto.

Decidió darse una segunda oportunidad y dejar las drogas. Apostó por la rehabilitación y centró su energía en una nueva etapa de Social Distortion. Desde entonces, no han parado.

Reencuentro con los clásicos atemporales

A las 21:40 en punto, el grupo entró sin preámbulos con ‘Born to Kill’, canción que da título a su último álbum, publicado este mismo año tras 15 años sin material de estudio. El nuevo trabajo supone una evolución natural de ‘Hard Times And Nursery Rhymes’, manteniendo un sonido fresco y moderno, pero fiel a la actitud punk que siempre ha definido a Ness.

Tras ese inicio vertiginoso llegó ‘Untitled’, un medio tiempo clásico punk rock con aroma californiano que la banda ha mantenido desde sus comienzos. También hubo espacio para presentar el nuevo material, como ‘Tonight’, que sonó en esta primera parte del concierto. La respuesta del público fue inmediata y entusiasta. El ambiente del Azkena volvió a brillar con su habitual carácter festivo, pero en esta ocasión con un matiz especial: la gente se abrazaba, bailaba y reía, generando una atmósfera de hermandad difícil de igualar.

Siguiendo esa energía inicial, ‘Sometimes I Do’’ –aplaudida por todos con entusiasmo– aportó más conexión con el público gracias a su ritmo directo y contagioso. Al terminar, Ness se acercó al borde del escenario y preguntó: “¿Cómo estáis?”, antes de continuar con otra pieza del nuevo disco, el garagero ‘No Way Out’.

Sin apenas pausa, llegó un breve guiño a su álbum debut del año 1983, ‘Mommy’s Little Monster’, con ‘The Creeps’ y la canción que da título al disco, recuperando aquella primera etapa en la que Social Distortion emergía de la explosiva escena punk de los suburbios del condado de Orange, uno de los focos que ayudaron a definir el punk rock estadounidense de finales de los setenta.

Resulta llamativo cómo Ness no rehuye aquellos oscuros pasajes de su vida, sino que los integra con naturalidad en su relato artístico. También los inicios de la banda, marcados por una crudeza casi autodestructiva, forman parte de ese imaginario sin filtros.

Si algo diferencia Social Distortion de de otras bandas de su época –e incluso del rock en general– es su autenticidad y su capacidad para mezclar el punk rock con el heartland rock y el country rock, dotando a su música de un aire más melancólico y contemplativo, con claras influencias de artistas como Johnny Cash, Tom Petty o Bruce Springsteen. El ejemplo perfecto llegó con la siguiente canción que interpretó, ‘Far Side of Nowhere’, una pieza luminosa y contenida de ‘Hard Times and Nursery Rhymes’.

Seguían cayendo temas del nuevo trabajo. ‘The Way Things Were’ introdujo esa mirada nostálgica hacia el pasado y la pérdida, tan recurrente en su discografía. ‘Partners in Crime’, por su parte, mostró el lado más callejero de los Social más clásicos. Entre el público, un asistente comentaba: “Qué buenas canciones tiene este hombre”. Y es precisamente ahí donde Ness demuestra su talento: en construir conciertos que funcionan como un recorrido emocional entre pasado y presente.

‘Ball and Chain’ fue otro de los momentos más celebrados de la noche, uno de los grandes himnos de la banda y una de sus primeras rendiciones y confesiones emocionales de Ness en su segunda etapa. Sin descanso, al puro estilo Ramones, ‘Through These Eyes’, del querido ‘White Light, White Heat, White Trash’ volvió a combinar el punk, madurez y reflexión sobre el paso del tiempo, como solo él sabe hacerlo.

La historia de nuestras vidas

El momento más alto de la noche llegó con ‘Story of my life’. Fue entonces cuando la gente se entregó en cuerpo y alma al músico de Massachusetts. Esta canción no es solo una pieza musical, sino una memoria personal de un relato universal sobre el paso del tiempo, las decisiones impulsivas y las vidas que se escapan sin apenas darse cuenta. Fue, sin duda, la canción más coreada de la noche, convertida en un especie de espejo emocional colectivo.

Entrado ya en la recta final, ‘Don’t Keep Me Hanging Out’ y ‘Reach For the Sky’ aportaron un tono más luminoso, marcado por el optimismo y la resiliencia tan presentes en su repertorio. ‘Dear Lover’ devolvió el sonido más setentero y garagero, antes de cerrar el concierto con la misma actitud punk con la que había comenzado: ‘Don’t Drag Me Down’.

Mike Less ha dicho en más de una ocasión que ha vivido dos vidas, separadas por el momento en el que decidió dejar sus malos hábitos y centrarse por completo en la música. Y el concierto en el Azkena Rock Festival es una prueba más de ello: más allá de la biografía, Social Distortion sigue en plena forma, ofreciendo discos sólidos como ‘Born to Kill’ y directos tan consistentes como el del Azkena.

Como decía uno de los asistentes al salir: “Los Social Distortion son muy queridos en el Azkena; ya tocaron en 2022 y volver a verles cuatro años después es un lujo. Ojalá poder reencontrarnos de nuevo con Mike en alguna próxima edición”.

Uno de los templos del rock y la música en general en Madrid se despedirá de la ciudad en diciembre de este mismo año. Gruta 77, referente de la escena en Carabanchel declarada Patrimonio Cultural de la capital, no continuará su actividad en 2027. Una triste noticia para los asiduos de una sala de conciertos y de ensayos de enorme recorrido.

26 años en activo que llegan a su fin, como han comunicado sus responsables a través de un emotivo comunicado difundido a través de Instagram. La clausura llega en un momento en el que agitadores culturales y políticos insisten en el potencial de Carabanchel como movilizador cultural (y de paso inmobiliario).

“Seguiremos organizando conciertos desde la promotora del mismo nombre en diferentes salas de Madrid, pero pondremos fin a esta época tras más de 5100 eventos programados”, indica el escrito. El responsable de Gruta 77 es Juan Luis Nieto “El Indio”, un trabajo que compagina con su actividad en la APLEM, la Asociación Profesional de Locales de Ensayo Musical, de la que es presidente.

“Personalmente me gustaría dirigirme en este momento al público de Gruta, a vosotros, clientes y amigos. Soy consciente de que sois el mejor público de Rock and Roll del planeta. Habéis defendido y sostenido Gruta 77 como si fuese un ideal común. Hemos sentido vuestra fidelidad y disfrutado juntos en los buenos y malos momentos económicos de la sala”, expone.

El texto continúa con una confesión: “Es por eso que con vosotros tengo que sincerarme. Estoy agotado. El esfuerzo mental y físico que requiere un proyecto como Gruta 77 es muy elevado. Jornadas interminables de la mañana a la noche, seis o siete días a la semana durante 11 meses al año durante más de 25 años pasan factura. Pensad que vengo de proyectos anteriores parecidos, que suman 34 años de actividad ininterrumpida en la noche de Madrid”, explica.

“A mis 57 años necesito descansar y ganar calidad de vida. He defendido mi sueño con uñas y dientes, conseguí que fuese un sueño compartido gracias a vuestro amor por el Rock and Roll, pero ahora dejadme ser egoísta y que me dé un respiro. Evidentemente, nos vamos a regalar una buena despedida en estos meses que quedan y después vendrán conciertos programados en otras salas bajo el sello de la promotora Gruta77. Nos vemos dónde haya Rock and Roll”, concluye la publicación.

Gruta 77 empezó su andadura con el nuevo siglo. Desde aquel septiembre del 2000, el espacio del barrio de San Isidro ha organizado miles de actividades con la música por bandera, que suman en torno a un millón de asistentes. Con capacidad para unos 300 espectadores, el recinto del número 6 de la calle Cuclillo ha visto pasar por su escenario a más de 2.000 bandas. Entre ellas algunas tan destacas como Mamá Ladilla, Bad Manners, Siniestro Total, The Damned, Burning, The Pretty Things o The Yardbirds. El punk, el garage, el ska o el rockabilly han sido los estilos que han marcado una guarida de la música en directo que ahora se sumirá por primera vez en la oscuridad.

El Festival de las Ideas y la Cultura (FIC) de elDiario.es es periodismo, es debate y es reflexión compartida, pero,sobre todo, es una gran fiesta ciudadana. La música en directo volverá a ser uno de los pilares fundamentales de la próxima edición, que tomará las calles de Rivas-Vaciamadrid el viernes 26 y el sábado 27 de junio.

La Plaza de la Constitución en Rivas se convertirá en el gran escenario al aire libre del festival, acogiendo una programación musical de primer nivel y de acceso gratuito y sin necesidad de reserva de entrada.

Viernes 26 de junio. Fiesta asegurada con Señora!, Ariel Rot e Inés Hernand 

La banda sonora del FIC arrancará con fuerza la jornada del viernes 26 de junio con el descaro y la frescura de Señora!, ideales para calentar motores con sus .canciones honestas con letras que hablan sobre todo lo que les indigna y atraviesa, y melodías que van del pop al post punk.

El plato fuerte de la jornada llegará con una auténtica leyenda de nuestra música: Ariel Rot. El que fuera fundador de bandas como Tequila y Los Rodríguez llenará el escenario su inconfundible elegancia a la guitarra y un repertorio que es historia del rock en español.

El viernes por la noche también disfrutaremos de una de las sorpresas más esperadas del cartel. La presentadora Inés Hernand se subirá al escenario de Rivas para ponerse a los mandos de la mesa de mezclas. Con un vibrante DJ set, nos mostrará su lado más festivo para asegurarnos una buena dosis de baile y diversión.

Cuándo — Viernes, 26 de junio. A partir de las 20:45 h

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Dónde — Plaza de la Constitución (Rivas-Vaciamadrid)

Acceso gratuito. No hace falta entrada.

Sábado 27 de junio. De los himnos pop de La Bien Querida a los clásicos por Évole y su banda

La jornada del sábado 27 de junio se convertirá en una auténtica maratón de buena música. El escenario de Rivas vibrará primero con el toque gamberro y festivo de Jordi Évole y Los Niños Jesús. En una faceta menos conocida por el gran público, Évole y su grupo traerán a la plaza un repertorio de versiones de clásicos del rock y el pop español. Una propuesta pensada exclusivamente para hacer disfrutar al público y celebrar la música en comunidad.

La música continuará con el concierto de La Bien Querida. Ana Fernández-Villaverde repasará un repertorio cargado de himnos emocionales, melodías inolvidables y esa sensibilidad única que la ha consagrado como una artista imprescindible de la escena independiente de la última década.

Para cerrar la noche por todo lo alto, el escenario recibirá el huracán de Hinds, la banda madrileña que ha conquistado el panorama internacional. Con su actitud arrolladora, su inconfundible sonido,Carlotta Cosials y Ana Perrote coronarán el fin de fiesta en el formato de DJ Set para demostrar por qué son imprescindibles en nuestra escena musical.

Cuándo — Sábado, 27 de junio. A partir de las 21:45 h

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Dónde — Plaza de la Constitución (Rivas-Vaciamadrid)

Acceso gratuito. No hace falta entrada.

Cultura en la calle y entrada gratis 

Todos los conciertos que se celebrarán en la Plaza de la Constitución durante el FIC tienen carácter gratuito y acceso libre.

La propuesta musical convivirá durante todo el fin de semana con un amplio programa de actividades puesto en marcha en colaboración con la iniativa Ágora Rivas. Humor, entrevistas y espectáculos presentados por Marc Giró que contará con personalidades como Silvia Intxaurrondo, Bob Pop, Marta Flich, Andrea Ropero, Lucía Solla Sobral y el director de elDiario.es, Ignacio Escolar, entre otros.

Ya puedes consultar el programa completo y horarios para organizar tu ruta y no perderte nada de la gran fiesta de las ideas y la cultura en Rivas- Vaciamadrid.

El Festival de las Ideas y la Cultura 2026 cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Rivas-Vaciamadrid, España en Libertad 50 años y el Ministerio de Derechos Sociales, Consumo y Agenda 2030.

El Festival de las Ideas y la Cultura (FIC) de elDiario.es es un espacio donde las distintas disciplinas dialogan de forma constante. Y en esta quinta edición, que tomará las calles de Rivas-Vaciamadrid los próximos 26 y 27 de junio, esa mezcla de talentos dará lugar a uno de los formatos más originales y esperados del fin de semana: un showcooking que unirá la alta cocina con la escena musical más vibrante de nuestro país.

Lejos de ser una exhibición gastronómica tradicional, el escenario de la Plaza de la Constitución se transformará en una cocina muy particular donde los platos se prepararán a ritmo de rock. Para ello, el FIC ha reunido a tres talentos indiscutibles que conversarán sobre sus experiencias y algunos de los temas que más preocupan a los jóvenes hoy en día. 

Cocina junto al motor rítmico de Arde Bogotá

Al frente de los fogones estará Sara Peral, una de las figuras más brillantes y disruptivas de la gastronomía actual. La chef, cuyo excepcional trabajo ha sido reconocido con una estrella Michelin y dos soles Repsol, trasladará su maestría culinaria al festival para cocinar en directo.

Sus pinches de excepción serán Pepe Esteban (bajo) y José Ángel Mercader, 'Jota' (batería), la inconfundible y potente base rítmica de Arde Bogotá. Acostumbrados a llenar recintos y hacer saltar a miles de personas en los festivales de toda España, los dos integrantes de la banda cartagenera dejarán a un lado sus instrumentos por un día para ponerse el delantal y poner a prueba su destreza culinaria mientras escuchamos algunos de sus grandes temas.

La participación de Pepe y Jota en el FIC llega, además, en un momento inmejorable para Arde Bogotá. La banda acaba de regresar de una exitosa y multitudinaria gira mundial que ha reunido a más de 32.000 personas. A este triunfo sobre los escenarios se suma el reciente lanzamiento de su nuevo single, Instrucciones, primer adelanto de su próximo disco grabado en Los Ángeles. Esa misma energía incombustible con la que conquistan al público desde la música se desplegará en el escenario de Rivas. 

Como el resto de la programación del FIC, los asistentes podrán disfrutar de este encuentro de manera totalmente gratuita presencialmente y también a través del streaming en elDiario.es. Para esta actividad no es necesario reservar entrada, es de acceso libre.

Cuándo — Sábado, 27 de junio. A partir de las 13:00 h

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Dónde — Plaza de la Constitución (Rivas-Vaciamadrid)

Acceso gratuito. No hace falta entrada.

Los conciertos gratuitos del FIC: Ariel Rot, La Bien Querida, Los Niños Jesús...

La música en directo será uno de los platos fuertes del fin de semana. El viernes 26 de junio por la noche, la plaza se llenará de pura energía rockera con el gran concierto gratuito de apertura a cargo del mítico Ariel Rot. 

A continuación, llegará el turno de la incombustible Inés Hernand. La presentadora nos regalará su vibrante DJ set con el que promete poner a toda la plaza a bailar y cerrar la primera jornada del festival por todo lo alto.

El sábado 27, la fiesta musical continuará de la mano del propio Jordi Évole, que dejará el micrófono de periodista por un momento para subirse al escenario junto a su banda, Los Niños Jesús. 

La música seguirá llenando la plaza el sábado con el concierto de La Bien Querida. Referente indiscutible y una de las voces más aclamadas de la escena indie nacional, llenará el escenario de magia y nos ofrecerá un concierto imprescindible para disfrutar coreando sus grandes himnos.

Para cerrar la noche por todo lo alto, el escenario recibirá el huracán de Hinds, la banda madrileña que ha conquistado el panorama internacional. Con su actitud arrolladora, su inconfundible sonido coronarán el fin de fiesta en el formato de DJ Set para demostrar por qué son imprescindibles en nuestra escena musical.

El Festival de las Ideas y la Cultura 2026 cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Rivas-Vaciamadrid, España en Libertad 50 años y el Ministerio de Derechos Sociales, Consumo y Agenda 2030.

Ni “Devuélveme a mi chica” ni “Venezia” ni siquiera “Voy a pasármelo bien”, la canción más vendida del grupo Hombres G es “Marta tiene un marcapasos”, que es también uno de sus temas más famosos y el que tiene una de las letras más extrañas y curiosas a la vez.

Es uno de los temas icónicos del pop rock español de la década de 1980, a la vez que una de las más divertidas y surrealistas. Su historia real y el origen de cómo David Summers la compuso es también una extraña mezcla que dio el resultado que todos conocemos y que hace 40 años era número uno en la lista de la radio de los 40 principales.

La canción que nació de la unión de ‘La pasionaria’ y ‘Alien’

“Marta tiene un marcapasos” fue publicada como sencillo del segundo disco de Hombres G, también con un llamativo título: ‘La Cagaste Burt Lancaster’, de 1986. Escrita por el vocalista del grupo madrileño, David Summers, tiene un curioso origen que ya fue extraño y dio vida a una criatura surrealista. De alguna manera se puede decir que es una especie de canción de ‘dark romance’, en la que una chica tiene un marcapasos que incluso cobra vida en algunos momentos y que también tiene sus tintes románticos.

La historia de cómo surgió la contó el propio Summers durante una entrevista en 2021 en el programa ‘El Hormiguero’ en televisión: “En aquella época mi padre hacía chistes sobre La Pasionaria y ella tenía un marcapasos. Por aquellas fechas también se estrenó Alien. Hice una mezcla rara y salió la canción más surrealista que he hecho en mi vida y la tengo que cantar todos los días por cojones”, aseguró con toque de humor incluido, algo de lo que se bebe también en el famoso tema.

Y es que, efectivamente, “Alien, el octavo pasajero” se estrenó en 1979 y por aquel momento fue cuando el vocalista de Hombres G compuso una canción que acabaría formando parte de la historia de la trayectoria del grupo y de la historia del pop español. De ella bebió de ideas, y de Dolores Ibarruri, apodada ‘La pasionaria’, presidente del Partido Comunista de España, se apropió de su marcapasos.

El single más vendido de Hombres G

La historia de “Marta tiene un marcapasos” arrancó mucho antes de 1986, cuando se publicó como sencillo de ‘La Cagaste Burt Lancaster’. Y es que esta canción ya había aparecido como single de la banda en 1983 en Discos Lollipop, pero entonces pasó desapercibida.

Tres años después, en el momento de fama de la banda, le dieron una segunda oportunidad y se convirtió en su canción más vendida, por delante de otros icónicos temas. Ha quedado en la historia de la banda y dio título al musical que se estrenó basado en las canciones del grupo.

Todo ello a pesar de que fue acusada de plagio de la canción de Simon and Garfukel, “At the Zoo”, publicada en 1968, por la parte del estribillo, con la que coincidiría en su ritmo.

En la historia de la música pop, grandes temas y canciones que han quedado dentro del imaginario cultural han nacido de la manera más impensable, y son varias las notas escritas en un papel que han pasado de no tener mucha importancia a convertirse en el germen de un gran éxito. Una de ellas es “Joyride”, que abrió el disco más vendido del dúo musical Roxette.

El dúo sueco estaba integrado por Marie Fredriksson y Per Gessle cuando alcanzaron el número uno en las listas españolas hace 35 años, en 1991, estando también en lo más alto de otros países, incluido el primer puesto en Billboard en Estados Unidos o durante ocho semanas en Alemania. Una canción alegre que solo fue el inicio de todo un éxito de ventas que los consolidó en la escena pop.

‘Joyride’, el disco más vendido de Roxette

En 1991, Roxette ya era un grupo reconocido a nivel internacional con éxitos como “The Look”,“Listen to Your Heart” o “It Must Have Been Love”, que apareció en la banda sonora de la película ‘Pretty Woman’ con Julia Robert y Richard Gere. En este contexto, el grupo llegó a su tercer álbum de estudio, ‘Joyride’, que se estrenaría con un single homónimo.

La canción fue lanzada el 25 de febrero de 1991 como primer sencillo y ya anticipó el éxito que sería este disco, al llegar al número uno en Billboard Hot 100 y en varios países, como es el caso de Canadá, Australia, pero también Alemania o España. Todo ello los consolidó como una de las bandas más relevantes del pop internacional en ese momento, porque llegaron a vender 11 millones de copias en todo el mundo de ese álbum y con más de 1,5 millones de espectadores durante la gira de conciertos que se conoció como “Join the Joyride!”.

La curiosa historia detrás del origen de ‘Joyride’

“Joyride” es una de las canciones más famosas de Roxette y una de las que tiene una de las historias más curiosas de cómo se escribió. Fue compuesta por Per Gessle, y la inspiración para ella, como reconoció el propio protagonista en varias entrevistas, surgió por una nota que le dejó su pareja de entonces en la que decía: “Hello, you fool, I love you”, y que después se tornaría como una de las frases más reconocidas de este tema.

Esta canción de alegría y energía pura tomaba el concepto de “Joyride”, que significa “un paseo sin destino fijo” y lo tomó como la base narrativa del tema que tuvo la frase de la nota de su novia en el estribillo, y se diferenciaba de las baladas que hicieron famoso al grupo sueco.

Además de todo esto, dentro de “Joyride” se encuentra también un pequeño homenaje a los Beatles, en concreto a Paul McCartney y John Lennon, y al proceso creativo que compartían en la banda. Y es que el cantante en su día descubrió su momento con su ex compañero de grupo como un “joyride” porque era espontánea a la vez que gratificante. Esto se quedó en la mente de Per Gessle, que lo añadió en su composición.

Todo este amasijo de ideas dio como resultado una de las canciones más exitosas de Roxette, en el que apostó además por un sonido directo y expansivo en el que combinaban guitarras, teclados y una estructura pensada para sonar en las radios, moviéndose entre los géneros del pop y del rock.

Las dos salas que pusieron el nombre de Canciller como referente del rock en Madrid y en todo el mundo las ocupan ahora dos cadenas de supermercados. La primera, en el barrio de El Carmen del distrito de Ciudad Lineal, fue un lugar especialmente importante para una comunidad heavy que en los ochenta disfrutaba de todo un esplendor del género al tiempo que sufría estigmas y prejuicios. Los pelos largos, las cadenas o las chupas con imágenes siniestras trasladaban una imagen que incomodaba a gran parte de la población en un contexto de elevados índices de criminalidad y drogodependencia. Sin embargo, una noche en el Canci bastaba para comprobar que el espacio representaba todo lo contrario: seguridad, libertad, hermanamiento y camaradería.

Es lo que muestra el documental Canciller, el templo del rock (2025). Un largometraje que rinde tributo a la sala y que ha podido verse este jueves 28 de mayo en la Sala Equis de Madrid, mientras que el sábado 30 a las 22.30 recalará en los Cines Zoco de Majadahonda. Todo ello en el marco del GET BACK! Music Doc Fest de la capital.

Su director, Vicente Martín Terán, atiende a Somos Madrid para recordar una historia que le pilló muy de cerca, ya que vivía a pocos metros. Un viaje que comenzó el 21 de diciembre de 1984 y finalizó el 21 de mayo de 1995, once años en los que por su escenario pasaron Leño, Obús, Barón Rojo o los mismísimos Iron Maiden. Como bien recoge el documental, los de Steve Harris acabaron encantados con su concierto, celebrado en marzo de 1993. Ese mismo mes, Ramones también se subió a sus tablas. Una banda del calibre de Topo, muy asidua al Canciller, le dedicó incluso un tema en 2010 que recoge muy bien su carácter de catedral rockera y punto de encuentro.

“No era asiduo, pero iba de vez en cuando. Un compi de clase que era heavy me dijo que un día a la semana dedicaban un rato a poner música de Pink Floyd o Supertramp, lo que ahora se llama progresivo, que era lo que a mí me gustaba. Fui a bastantes conciertos. Años después, yo veía que en internet que se reivindicaba mucho lo que fue el Canciller, por ejemplo a través de grupos de Facebook”, cuenta Martín Terán sobre el germen del proyecto. Contactó con Sócrates Pérez, uno de los gerentes, y este se mostró encantado de reivindicar el legado del Canci.

Así, Sócrates “tiró de agenda” y es el gran artífice de que por este documental circulen muchos de los grandes rostros de la escena rockera de la época: Hermes Calabria, José Luis Campuzano “Sherpa” y Armando de Castro (Barón Rojo), Eduardo Pinilla y Kacho Casal (Burning), Paco Laguna y Fructuoso Sánchez “Fortu” (Obús), José Martos (Barón Rojo/Topo), José Luis Jiménez y Luis Cruz (Topo), Carlos Pina (Panzer), Julio Castejón (Asfalto), Johan Cheka (Cráneo), Pepe Mary (Bella Bestia), Luis García y José de Benito (Sobredosis), Leonor Marchesi (Santa), Jero Ramiro (Santa/Ñu), José Manuel Cobela y Juan Carlos Díaz (Porretas) o Juanjo Melero (Sangre Azul). Una constelación de metal que llena de recuerdos y conocimiento la película. A ellos se unen los testimonios de clientes habituales, como los heavies de Gran Vía, y trabajadores del Canciller, con sus dos almas a la cabeza: el citado Sócrates y Juan Antonio Rodríguez.

Son algunos de los nombres que convirtieron en mítico un lugar que ahora “se ha olvidado en favor de sitios como el Rock-Ola, en favor de una determinada idea de Movida madrileña”, lamenta Martín Terán. “La imagen que se ha vendido del Madrid de los ochenta es la de esos grupos que se decían modernos, pero en realidad hubo muchas Movidas: la rocker, la mod, la punk o la heavy, que fue quizás la más numerosa. Todavía ocurre que es uno de los géneros que más espectadores mueve. Lo que ocurrió es que desde el Gobierno, de cara al exterior, se vendía mejor una idea muy concreta de lo moderno que no casaba tanto con lo heavy”, asegura el documentalista. “Estaban más cómodos con grupos que hacían letras sin trascendencia. Las de Leño, Barón Rojo o Barricada tenían un componente reivindicativo”, apostilla.

Dicho esto, ni el Canciller ni el rock son elementos monolíticos, como bien explica el director: “Vivió muchos cambios en la música que en estos momentos estaban sacudiendo el rock y el heavy. El heavy metal en su apogeo fue evolucionando a la vez que lo hacían las tendencias. Empezaron a sonar Nirvana, Rammstein, Rage Against the Machine... Había un sector al que le costaba admitir eso. Si no les gustaba un tema, lo silbaban”.

Lo que nunca cambió en el Canciller fue una calidad técnica que reforzó su carácter de puntal de la música en directo durante más de una década. Así, la película dedica un segmento a la calidad e innovación técnica conseguida con su trabajo de luces y sonoro: “A nivel de rock, era el sitio donde más se cuidó el sonido y la iluminación. La primera vez que bajé las escaleras, yendo solo, esa música tan arrolladora te asustaba. El diseño de la sala también era muy particular y adecuado. Había una pantalla de vídeo gigante con los vídeos que estaban sonando, que daba una sensación de mezcla entre discoteca y concierto”, rememora el director.

Todos estos componentes se combinaban con el factor humano. Una música atronadora que muchos bailaban en la pista tirando de air guitar. Unos baños que se convertían en expositorios de enormes botes de laca para conseguir el cardado más grande de la sala. “Nunca he sido parte de la tribu, pero yo veía que la gente compadreaba, había un sentimiento de colegueo y pandilla que no había en otras. La gente que se considera heavy se hermana”, dice Martín Terán.

Para transmitir esa sensación, el documental echa mano de maravillosas imágenes de archivo, recopiladas y aportadas por los antiguos gestores de la propia sala. “Empezaron a grabar a principios de los ochenta con Betacam, luego VHS y finalmente Hi8. Han sobrevivido esas imágenes y sin recurrir a la inteligencia artificial las hemos limpiado y restaurado para que se vean mejor, porque eran copia de una copia”.

Otro gran recurso es una muy curiosa secuencia animada en la que seguimos a diversos personajes acicalándose para una noche en el Canci: “Yo tenía la idea de empezar el documental en el supmercado que hoy ocupa la sala, donde durante mucho tiempo seguía el neón de Cancillero. Mi idea era reconstruir la típica estampa familiar de una compra y al final descubres que eran un matrimonio y un niño heavy, con el neón de fondo. Pero lo habían retirado ya por seguridad. En ese momento, como soy muy aficionado al cómic Heavy 1986 de Miguel Núñez, decidimos crear esta versión que ha quedado fenomenal”.

El Superman que apadrinó el 'heavy metal' y chocó contra un muro

La gran experiencia de Martín Terán en el Canciller fue un concierto de la banda británica Marillion, el primero que dieron en Madrid, allá por junio de 1985 y con Fish como vocalista. En cuanto al gran momento durante la elaboración del documental, se queda con la entrevista a Juan Antonio Rodríguez. “Es muy impactante cuando cuenta su doble vida de ejecutivo de banco y de jefe de Canciller, dos facetas que nunca quiso mezclar. Mucha gente que le conocía por una de ellas no tenía ni idea de la otra. Era una especie de Clark Kent y Superman”.

Un superhéroe que acabó herido cuando la movilización de algunos vecinos, con buenos contactos en el Ayuntamiento que lideraba José María Álvarez del Manzano, acabó cerrando Canciller. No solo eso, sino que su puerta de entrada quedó tapiada con un enorme y grueso muro de ladrillo, su particular Muro de Berlín. “Me impactó que no es que lo precintaron, sino que lo tapiaron”, recuerda Martín Terán.

El conflicto venía de largo, casi de los inicios. “Recuerdo que cuando abrieron la gente mayor no lo recibió bien. Mi madre siempre quería ir por el otro lado de la cera cuando cruzábamos con heavies. También era raro para los jóvenes que no eran heavies, imponían temor a pijos y otros grupos. No eran violentos, era todo cosa de sus pintas. De hecho en el Canci nohubo muchas movidas que sí había en otros lugares en una época de droga y delincuencia. La clausura fue un mal trago para mucha gente y un desanso para otra. Es cierto que nada de lo que pasaba en la sala se oía fuera, el problema para los vecinos era la salida. Como es lógico, cientos de personas jóvenes que salen de pasar una buena noche se ponen a hablar”.

Al conflicto vecinal y juíridico, que los responsables del Canci trataron de atajar abriendo un segundo local en San Blas, se unieron “los cambios en la forma de entender el rock y en general el mundo”. De la entrada del grunge a la explosión de la ruta del bacalao, en los noventa se produce “el eclipse heavy”. Cuenta el director que en un coloquio donde participó Juan Antonio, quien en un pasaje del documental recrimina al público que no le apoyara cuando el negocio entró en su etapa más difícil, uno de los asistentes explicó que una posible explicación parcial es bien sencilla: “Mucha de la gente que iba se hizo mayor. Se casaron, tuvieron hijos y formaron familias. Luego súmale que con el éxito del Canciller comenzaron a abrir otros sitios que a gran parte de los clientes les pillaban más cerca de sus casas”.

Pese a unos difíciles compases finales, el legado del Canciller se mantiene firme, como conluye el director de la película: “Se dio la circunstancia de que fue la representación y lugar de reunión del heavy y el rock de Madrid. A ello se une que mucha de la gente que guarda Canciller en su memoria lo asocia a su juventud. Alguien de 50 o 60 años lo ve como su adolescencia. Lo asocia a los mejores momentos de sus mejores años”.

Actualmente el hip-hop es uno de los géneros más escuchados de la música en todo el mundo, pero su estatus estaba lejos de pensar que podría llegar a esto en sus comienzos en el barrio del Bronx de Nueva York, cuando era casi invisible para la industria musical. Sin embargo, todo empezaría a cambiar en 1981, pero lo más curioso es que no se debió exactamente a una canción del género, sino que vino del pop y ‘new wave’.

Y es que hace 45 años que la primera canción con rap en llegar al número uno de Billboard Hot 100 en Estados Unidos alcanzaba también lo más alto en las listas españolas, justo en el momento cumbre de la Movida Madrileña. Hablamos de “Rapture” de Blondie, un tema clave para el luego desarrollo del hip-hop en la cultura popular.

El rap llega al número uno en Billboard y suena en MTV

Son una de las bandas que forman parte del Salón de la Fama del Rock and Roll, desde hace 20 años, pero más allá de eso han sido un grupo que ha tocado muchos géneros y ha sabido reinventarse en diferentes épocas. La historia de Blondie es la de un grupo que nació dentro del ‘new wave’ neoyorquino en 1974, en el mítico local de CBGB, donde se fraguaron también los Ramones.

En 1981, su contexto era la de un grupo que estaba en la cima de su carrera, con tres sencillos que ya habían alcanzado el número uno de Billboard, aunque comenzaban también sus problemas internos. Entonces estaba formada por Debbie Harry (voz), Chris Stein (guitarra), Clem Burke (batería), Jimmy Destri (teclados), Nigel Harrison (bajo) y Frank Infante (guitarra) y publicaba su quinto álbum de estudio bajo el nombre de ‘Autoamerican’, del que salió también el single “The Tide is High”.

En este sentido, “Rapture” fue el segundo sencillo de este disco y que supuso su cuarto número uno, pero no otro más, sino que con él hicieron historia al ser el primero en lo más alto en incluir rap. Un hecho paradójico si tenemos en cuenta que Blondie era una banda muy conocida en la escena punk y ‘new wave’, pero que decidió en este álbum experimentar con otros géneros, entre ellos también el jazz o el funk.

Ese rap de “Rapture” nació cuando Chris Stein y Debbie Harry acudieron a un club en el Bronx, un hecho que relató la propia protagonista en una entrevista con The Guardian en 2014: “Mi mayor revelación llegó cuando Chris y yo fuimos a un evento en el sur del Bronx, donde había DJs haciendo scratching y gente rapeando en directo. Era algo muy local, de barrio, y simplemente fantástico”, aseguró entonces.

Allí habían sido llevados por Fred Brathwaite, uno de los pioneros del hip-hop, también llamado Fab 5 Freddy, a quién Stein había conocido a través del programa ‘TV Party’, emitido en Nueva York entre 1978 y 1982, en el que el integrante de Blondie fue copresentador. A partir de este momento, tanto Stein como Harry comenzaron a moverse por el ambiente de los grupos de hip-hop en Brooklyn y el Bronx.

El videoclip de “Rapture” también marcó un hito a nivel musical para el hip-hop, siendo el primero en incluir este género en MTV, un hecho que todavía tardaría tres años en repetirse. En él aparecían varios iconos de lo que era el rap entonces, fundiendo esta cultura con la del arte y los clubs nocturnos neoyorquinos.

“Esa fue la primera canción de rap que escucharon”

Esta canción de Blondie supuso que el género del hip-hop captara por primera vez la atención del público general, aunque el grupo estuviera lejos de ser una banda de rap. De hecho, sobre este hito habló también Debbie Harry para Entertainment Weekly: “Fue un homenaje a la forma y a la idea que representa. Pero muchos raperos me han dicho a lo largo de los años que esa fue la primera canción de rap que escucharon, porque al principio el rap no sonaba en la radio. La industria no lo veía con buenos ojos. Que ”Rapture“ llegara al número uno, de alguna manera, lo legitimó. Los chicos del hip-hop y los del punk siempre se sintieron conectados, porque todos estábamos deconstruyendo la cultura de alguna forma”, declaró.

El hip-hop fue a más, con una época dorada a mediados de los 80 y principios de los 90, que luego acabaría con su conquista mundial con artistas como Jay-Z, Eminem o Kanye West, para luego ser incluso el más escuchado del planeta en la década de los 2010, y con una omnipresencia evidente en plataformas a día de hoy. Para Blondie, sin embargo, “Rapture” fue casi el principio del fin, pues comenzaron a romperse internamente y con el fracaso de su álbum ‘The Hunter’ marcó la disolución junto a la enfermedad de Chris Stein. Sin embargo, ante todo pronóstico, regresaron a finales de la década de los 90 con éxitos como “Maria” en 1999 y que se mantienen todavía activos con Debbie Harry, Chris Stein, Leigh Foxx, Tommy Kesler y Matt Katz-Bohen como formación, sacando nueva música y giras.

La mujer lleva un taco de entradas en la mano. Ha subido acompañada de miembros del staff de producción y seguridad a la grada más alta del Palacio de los Deportes de Ciudad de México. Es un gigantesco domo con asientos de plástico rojo, naranja y amarillo y estrechos bancales de hormigón, construido para los Juegos Olímpicos de 1968. El concierto todavía no ha comenzado y, desde allí arriba, el escenario se ve bien: un ring redondo en mitad del estadio, pero cuando salga el grupo, serán miniaturas, figuritas que cobrarán personalidad solo en las pantallas. La mujer elige a dos chicas de apenas veinte años, arranca un par de los papeles que lleva entre las manos y les dice: “De Caifanes con amor, dos boletos para pista”.

Las muchachas, incrédulas, miran el papelito en sus manos, devuelven la mirada a la mujer, que les dirige una sonrisa encantadora, y abren la boca todo lo grande que pueden. Son todo boca, son todo ojos gigantes. “¿De verdad? ¡No mames!”, dicen. “¿Es una broma?”. No, no es ninguna broma, van a poder ver los rostros del grupo que adoran sin tener que imaginarlos, sin contentarse con la pantalla. Y ahora sí, ahora que ya se lo creen, chillan, se levantan de un salto y bajan corriendo las escaleras de la grada, tomadas de la mano.

Las chicas no saben que Marusa Reyes, la manager de la banda, las ha elegido a ellas con un pálpito. Se va fijando en los fans, casi todos visten camiseta de Caifanes, así que ese no es el requisito. Es algo que solo sabe ella. Dos chicos la persiguen y le piden entradas. “No, esto no funciona así”, dice, mientras prosigue su equilibrio por el estrecho pasillo de esta fila de gallinero. 

Marusa ha repartido hoy unos 150 tickets para reubicar a estos fans afortunados. “Esta es la mejor parte de mi trabajo”, explica, mientras familias, parejas, amigos, niños y niñas acaifanados, de todas las edades, con camisetas, bandanas o cualquier otro símbolo de pertenencia a esta comunidad, reciben el regalo, se levantan de un salto y se miran envueltos en risas y también en lágrimas. Armando, del staff de producción, no suelta a Marusa, pasearse entre las gradas no es fácil. “Una vez nos pilló aquí arriba un temblor”, recuerda. Y no era una metáfora.

Caifanes es uno de los grandes grupos del rock mexicano. Aquí no es solo una banda: para su público, es sangre que arde en las venas; para los músicos, el concierto es un ritual en el que entregan un corazón ensangrentado. Los músicos y su equipo ponen mucho de su parte para que esto sea así, no es una locura de un público fanático ni palabras de marketing vacías de contenido.

Por ejemplo, topan los precios de las entradas para que se lo pueda permitir un público general, no permiten zonas vips y su líder y cantante, Saúl Hernández, habla en singular a cada persona del público. Les dice cosas como esto es por ti, tú puedes cambiar tu vida, recuerdas esto. Saúl mira a los ojos a las 23.000 personas que agotaron las localidades del Palacio para un concierto muy especial en 360 grados el pasado 16 de mayo. Y le canta a cada uno de ellos: “Préstame tu peine y péiname el alma”.

El 360 es un formato en el que un escenario redondo, situado en mitad de la pista, gira lentamente y sin parar a lo largo de todo el concierto. Por encima de las cabezas de los músicos, tres grandes pantallas forman los lados de un triángulo. Y estas están coronadas, por encima, con otra gran pantalla circular. No es la primera vez que Caifanes hace este formato, pero sí es el único grupo que lo hace en este país.

Dos horas antes, con Saúl Hernández, Alfonso André, Diego Herrera, Rodrigo Baills y Marco Rentería ya instalados en los camerinos, los técnicos se preparan para la prueba de sonido. Ya está casi todo listo. Zulema Loera, la jefa de producción, parece relajada. Explica que esta vez el mayor reto ha sido montar semejante despliegue en menos de 24 horas, obligados por el concierto previo de J Balvin. Normalmente, lo hacen en dos días. Suerte que la maquinaria está afinada, han montado este escenario, en el mismo sitio, cinco veces en diciembre, y no surge ningún inconveniente. El equipo de producción se conoce y se quiere, entre ellos se respira un aire serio y algo tenso: hacerlo perfecto no es suficiente, no quieren que ningún imprevisto les desbarate la función. En el backstage, el personal auxiliar, ataviado con chalecos rojos, recibe las últimas instrucciones sobre los accesos de entrada, y esperan pacientemente el momento de la apertura de puertas a las ocho de la tarde, una hora antes del show. Afuera, miles de personas hacen cola, y empieza a llover.

“¿En España la música es como aquí?”, pregunta Ana, una joven estudiante de Comunicación, sobrina de Marusa, mientras me acompaña en una incursión fuera del recinto para ver los puestos de merchandising pirata que literalmente forran todas las vías de acceso al Palacio. No se trata de una manta en el suelo con cinco o seis camisetas mal estampadas. Son decenas y decenas y decenas de tenderetes con tazas, sudaderas, vasos, gorras, camisas y camisetas que representan todos los discos, todos los componentes, todos los looks de la banda —del cantante con el pelo cardado de 1989, al cantante con el pelo largo y rizado de 1992, al cantante con media melena de 2011—, Caifanes escrito en mil colores con letras de estilo azteca, Caifanes por todas partes, incluida su música, cuyas canciones desde pequeños altavoces se van enlazando en el caminar por este foco ilegal pero irremediable. En el pequeño puesto de merchan oficial que hay dentro del recinto, la camiseta vale 500 pesos, fuera se puede comprar por cien. “No, Ana, esto en España no lo hemos visto jamás”.

Faltan unos minutos para las nueve de la noche, la hora anunciada para dar inicio a un concierto sin teloneros.

Las diferencias no son solo de mercado, de bulto, de número, de camisetas. Basta una sola noche, como esta noche, para entender que aquí en México la música no significa lo mismo que en España. Caifanes tocó en Madrid y Barcelona durante tres noches en el mes de abril, para un público mucho más reducido (y en su amplia mayoría de origen latinoamericano). Todavía no han despegado en Europa, aunque es algo que esperan cambiar en el futuro, ampliando aforos y dando acogida a público local que los descubra ahora, casi 40 años después de su primer disco. No es tarde; el grupo, aunque con algún cambio en su formación —una historia dolorosa en la que ahora no conviene entrar— está en plena forma y no vive de la nostalgia.

Pero aunque Caifanes triunfe algún día en España, la música en general nunca significará para un europeo lo mismo que para un mexicano, eso hay que admitirlo. El europeo disfruta la música, la colecciona, llena su ocio con ella. Para un fan mexicano, es la mera sangre que recorre sus venas, se asoma a los ojos con lágrimas y a la cara con una explosión de amor. Suena cursi, pero cualquier grupo español que haya triunfado aquí, como en su momento Héroes del Silencio o ahora Depresión Sonora, sabe que no es una exageración.

Los músicos salen de sus camerinos, tan solo unos minutos después de la hora anunciada, se abrazan antes de traspasar la cortina y se zambullen en ese abismo —Negro cósmico, como la primera canción que tocarán— salpicado por flashes de los móviles, el público grita, aún no se han encendido las luces y suena Paint It, Black de Rolling Stones mientras avanzan por el pasillo que les lleva a la plataforma circular, abrazan las manos que les tienden desde la primera fila, esos primeros cuerpos agolpados contra las vallas que quieren beberse el concierto lo más cerca posible y que también serán protagonistas del show, cuando las cámaras les enfoquen y aparezcan sus rostros agigantados en las pantallas. También, al día siguiente, aparecen sus gestos en las conmovedoras fotos de Zeus López, el fotógrafo oficial, que dará prioridad a estas imágenes por delante de las del grupo. Otro detalle más de la estricta política de ‘primero el fan’ que tiene Caifanes.

Saúl es un frontman comunicativo consciente de la responsabilidad de su micrófono, su impacto, su palabra. El concierto no había cumplido su primer tercio cuando sacó un papelito que había escondido entre los monitores. No quería equivocarse con el nombre, quería que quedara bien claro, a pesar de que cualquier mexicano hubiera entendido a quien se refería si hubiera dicho “esa señora de Madrid”, como mucha otra gente se refiere a ella por aquí estos días. “Isabel Díaz Ayuso”, comenzó a decir alto y claro Saúl. Los pocos españoles que estábamos allí nos pusimos en guardia. Solo unos días antes, la presidenta de la Comunidad de Madrid realizó un viaje difícil de justificar, salpimentado con ofensivas declaraciones neocoloniales y que contó con la crítica frontal de la propia presidenta del país, Claudia Sheinbaum.

Si un madrileño viaja estos días a Ciudad de México, sabe que tarde o temprano tendrá que explicar quién es Isabel Díaz Ayuso. “La presidenta de la Comunidad de Madrid, estuvo recientemente aquí, visitó nuestro país”, prosiguió Saúl. “Hizo unas declaraciones extrañas, pendejas, pero sobre todo muy ignorantes, que hasta el mismo Hernán Cortés se va a sentir ofendido”. En ese momento, gran parte del público corea “¡culera, culera!”, un insulto local que quizá no haga falta traducir. Saúl se crece, da un paso adelante, no le tiembla la voz. “Le vamos a decir, doña Isabel, que México está trabajando para dejar de ser lo que somos y regresar a lo que fuimos. Señora Isabel, ¡ante sus estupideces, nuestra indiferencia!”. Y el abismo negro estalló en aullidos y aplausos. Un mapa de México y luego las pirámides de Teotihuacán aparecieron en las pantallas y sonaron los primeros acordes de Aquí no es así.

Las pantallas son una vía de expresión paralela en los conciertos de Caifanes. Y nunca cuentan la misma historia. En los shows en España, hubo un homenaje a los represaliados por el franquismo con imágenes y versos de Lorca o Miguel Hernández, y una especial atención al exilio mexicano, verdadero mestizaje en el que se enriquecieron ambas culturas. Fruto de ese exilio, sin ir más lejos, es el Colegio Madrid, fundado en 1941 para los hijos de españoles republicanos exiliados, en el que estudiaron miembros de Caifanes como Alfonso André y otros artistas implicados en la prehistoria de Caifanes, como el hermano del exmiembro de la banda Alejandro Marcovich, quien propiciaría el surgimiento de Las Insólitas Imágenes de Aurora, o el oscarizado director de fotografía Emmanuel Lubezki, a quien aquí apodan El chivo.

En España, Caifanes supo tocar la fibra aludiendo a las grandes pérdidas humanas de la dictadura y en México, de una manera similar, recogiendo la indignación de las Madres Buscadoras, y las grandes pérdidas humanas a causa de la violencia en este país. En México se cuentan ya más de 130.000 desaparecidos. “Su lucha es triste, desgarradora”, dijo Hernández. “Lo que no hace el Estado, lo hacen ellas”.

Un generoso setlist de 24 canciones calma el amor de su público, que no dejará de agotar entradas en los próximos conciertos, ya con escenarios frontales. Dos semanas después, dos días seguidos, en un recinto de capacidad menor (10.000 personas) pero emblemático, el Auditorio Nacional, donde El Chivo Lubezki les grabó un concierto en 1989. Y en julio seguro llenarán los 70.000 asientos del monumental Foro Sol. Podrán tocar mil veces, y seguirán con una exigente gira lo que queda de año, y no dejarán de reventar los aforos. Caifanes no es un grupo cualquiera, forma parte de la identidad mexicana, de la educación sentimental, de la poética ante la vida y de la política ante uno mismo.

En la tercera semana de mayo de 1986, hace cuatro décadas, en las listas españolas de canciones, los Rolling Stones estaban en lo más alto con uno de esos temas que en su día tuvieron éxito, pero que con el amplio repertorio de la banda británica ha ido quedando relegada a un segundo (o tercer) plano.

Hablamos de ‘Harlem Shuffle’, una versión del grupo de rock que “costó cinco años y dos tomas grabarlo” y que nació de una obsesión personal de Keith Richards, que no paró hasta que consiguió que Mick Jagger aceptara cantarla.

La versión del primer éxito de Barry White

‘Harlem Shuffle’ fue una canción que originalmente fue escrita y grabada por el dúo musical de R&B Bob & Earl a principios de la década de 1960, cuando ya cosechó éxito, aunque no llegó a lo más alto de las islas. Sin embargo, fue el primer triunfo de un joven Barry White, que arregló el tema junto a Gene Page.

Se basó en los llamados ‘bailes en línea’ que se originaron en los salones durante el Renacimiento de Harlem en los años 20 y 30. Y aunque podemos pensar que sus primeros pasos fueron en la ciudad de Nueva York, nacieron en Los Ángeles.

Una obsesión personal de Keith Richards

La idea de versionar esta canción surgió a finales de la década de los 70 y principios de los 80 en la mente de Keith Richards, que tenía una especie de ‘obsesión secreta’ por ella. Pero le costó convencer a Mick Jagger, que pasaba de las señales que le enviaba su compañero de banda, que colocaba el tema original en cada cinta de demos que le entregaba.

De hecho, él mismo lo reconoció en su día: “Llevo cinco o seis años intentando colar 'Harlem Shuffle' en un álbum sin decírselo a Mick. Le he estado dando casetes con la canción metida en medio, pero nunca tuve respuesta real”. Hasta que ese día finalmente llegó.

Fue finalmente en 1985 cuando los Rolling Stones grabaron la versión de ‘Harlem Shuffle’. Jagger entró al estudio directamente al micrófono e interrumpió una jam que estaban realizando el propio Richards con Ronnie Wood, y dos tomas después, ya tenían la toma lista. Keith Richards resumió la anécdota en “costó cinco años y dos tomas grabarlo”. En la grabación contaron con unos invitados de lujo como fueron Chuck Leavell e Ivan Neville, con coros que fueron obra de Bobby Womack, Don Covay, Tom Waits y Patti Scialfa, que años después se casaría con el cantante Bruce Springsteen.

Un videoclip pionero y otro éxito más de Rolling Stones

El videoclip de ‘Harlem Shuffle’ fue pionero, al ser el de los primeros que combinó acción real con animación, y en el que contaron con la colaboración de Ralph Bakshi y John Kricfalusi. Se abría con una secuencia de dibujos animados protagonizados por unos gatos que iban a un club donde tocaban con la banda.

Así, la cover de los Rolling Stones se lanzó como primer sencillo del disco ‘Dirty Work’ de 1986, y llegó a alcanzar el puesto número 5 en la lista Billboard Hot 100 y el 13 en el Reino Unido, en España fue número uno desde el 17 de mayo de 1986 en los 40 principales. Se convirtió en una versión más dentro de todas las que realizó la banda, que precisamente nació como grupo de covers de blues y rhythm & blues, así que fue una conexión con sus orígenes.

Fue una canción más en su amplio repertorio, que, si bien fue tocado en directo durante las giras de 1989 y 1990, luego se dejó de hacerlo y no fue hasta 30 años después, en el MetLife Stadium de Nueva Jersey en 2019, donde Jagger bromeó con el público: “¿Alguien de Queens? ¿De Staten Island? ¿De Harlem?”.

Caifanes, uno de los grandes grupos del rock mexicano, actuó en la noche del sábado ante 23.000 personas en el Palacio de Deportes de Ciudad de México, y lo hizo aún en la resaca de la polémica visita de la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, a ese país. Al poco de comenzar el concierto, el cantante de la banda, Saúl Hernández, lanzó un mensaje que tenía preparado para la política madrileña: “Hizo unas declaraciones extrañas, pendejas, pero sobre todo muy ignorantes”.

El público no solo aplaudió y silbó con entusiasmo cuando escuchó las críticas a Ayuso por parte de uno de los cantantes más queridos y respetados de la escena musical latinoamericana, sino que coreó insultos como “culera”, un término coloquial mexicano para una persona a la que se considera mala o despreciable.

En el breve descanso entre una canción y otra, Hernández se aproximó al micrófono y, con calma pero de manera alta y clara, dijo: “Isabel Díaz Ayuso, la presidenta de la Comunidad de Madrid, estuvo recientemente aquí, visitó nuestro país. Hizo unas declaraciones extrañas, pendejas, pero sobre todo muy ignorantes, que hasta el mismo Hernán Cortés se va a sentir ofendido”.

Ayuso, que ha calificado a México de “narcoestado”, aseguro que el “amor profundo” de Isabel la Católica “por España y por la hispanidad cambió la historia de Occidente” y en referencia al conquistador Hernán Cortés dijo que “solo se entendería desde el amor” que “cinco siglos más tarde” el español sea la “lengua materna más universal que existe”. Después de cancelar la parte final de su viaje, en la que tendría que haber acudido a la gala de los premios Platino, una vez en Madrid, Ayuso aseguro que “México no existió hasta que llegaron los españoles”.

El líder de Caifanes, un grupo que inició su exitosa carrera en 1986, prosiguió su alegato de respuesta: “Le vamos a decir, doña Isabel, que México está trabajando para dejar de ser lo que somos y regresar a lo que fuimos. Señora Isabel, ¡ante sus estupideces, nuestra indiferencia!”.

Tras estas palabras, refrendadas por los aplausos de miles de asistentes, un mapa de México apareció en las pantallas.

En los años 80, el rock and roll convivía con lo romántico, con la balada, generando potentes ‘power ballads’ que se han instalado en la cultura pop y en la historia de la música, y entre ellas una de las más reconocibles es “Broken Wings” de Mr. Mister, que hace 40 años estaba en lo más alto de las listas de radio españolas.

Entre otoño de 1985 y la primera mitad del 1986, “Broken Wings” fue una de las canciones de rock más escuchadas a nivel mundial. Un tema que, por su melodía, por ser una balada, se ha considerado que es romántico, que habla del amor, de una pareja en crisis, pero su origen y su significado van mucho más allá de eso.

El significado de “Broken Wings” de Mr. Mister

La canción “Broken Wings” de Mr. Mister forma parte de ese grupo de temas que consideramos románticos por su melodía, por su ritmo, pero que poco tienen que ver con ello, aunque en algunas ocasiones hasta la letra nos lleva a pensar que se refieren al amor. Y en este caso sabemos que la canción de la banda de rock no habla de amor porque lo ha desmentido el cantante Richard Page en una entrevista con motivo del 40 aniversario de uno de los mayores éxitos que tuvo con el grupo, que precisamente reflexionaba sobre la complicada situación que atravesaron por culpa de las drogas.

“Nos metimos en lo que todo el mundo hacía en aquel momento, que era consumir muchísimas drogas, irnos de fiesta en el estudio. Quiero decir, entrabas a una sesión y los chicos tenían esos frascos de tres gramos de cocaína sobre su sintetizador y la gente la estaba troceando. Era como si Freud la hubiera usado, no es adictiva y es cosa de gente creativa”, reflexionó al respecto el vocalista.

Un hecho que cambió con el paso del tiempo, y que llevó a que escribieran “Broken Wings”: “Vimos el daño que causó. Y la verdad es que me desestabilizó bastante durante unos años. Salir de esa situación y decidir que ya no iba a formar parte de nuestras vidas fue de lo que trató la canción”, explicó. La banda se separó en 1990 y solo se han reunido en una ocasión, en 2023 precisamente para interpretar “Broken Wings” en un vídeo de YouTube con motivo del 70 cumpleaños de Richard Page, su primera actuación conjunta desde 1989.

No se basaron en una canción de los Beatles

En su día, más allá de que era un tema romántico, había otra mentira relacionada con el éxito de Mr. Mister y era que se basó en “Blackbird” de los Beatles, por aquello de “toma estas alas rotas y aprende a volar de nuevo”, pero ya Page también se ha ocupado de desmentirlo, aunque esto fue en 2010 para el medio Smashing Interviews:

“Para ser sincero, John [Lang] lo sacó del libro de Khalil Gibran titulado El ala rota. De hecho, fue a los herederos del escritor a los que pidió permiso para usarlo, lo que me hizo preguntarme si Paul McCartney también lo sacó de ahí, pero ¿quién sabe?”, reflexionó al respecto.

A su vez, el que fuera integrante de Mr. Mister admite que hay parecido entre ambas canciones por su letra: “Aunque parezca mentira, ni siquiera me había dado cuenta hasta que se convirtió en un éxito. Alguien me lo hizo notar y me llevé un buen susto. Pensé: 'Vaya, no deberíamos haber hecho eso'. Pero no fue para tanto, porque legalmente no es una infracción de derechos de autor, así que todo bien”, sobre todo porque el cantante ha tenido relación con los dos integrantes vivos, Paul McCartney y Ringo Starr.

Los Rolling Stones confirmaron este sábado el título de su próximo proyecto discográfico, 'Foreign Tongues', tras meses de pistas y mensajes enigmáticos en redes sociales que habían alimentado las especulaciones sobre un nuevo álbum.

Los miembros del grupo fundado en 1962, Mick Jagger, Ronnie Wood y Keith Richards, compartieron en Instagram distintos elementos de la portada del disco, que al unirse parecen formar una única imagen.

Jagger mostró la parte inferior con una ilustración de su boca y mentón; Wood la zona central, con ojos y nariz; y Richards la superior, con el cabello despeinado y su típico pañuelo multicolor.

El viernes, la banda difundió un breve adelanto de un tema aún sin título en un vídeo de 13 segundos publicado para sus más de 4,2 millones de seguidores, en el que aparecía su icónico logotipo de la boca y la lengua sobre un fondo en movimiento.

El mensaje que acompañaba la publicación incluía dos emojis, uno de ellos un CD, lo que llevó a los seguidores a interpretar que se integraría en un nuevo disco.

Según la agencia británica de noticias PA, el primer álbum del grupo desde 2023 saldrá a la venta el 10 de julio, mientras que aún se desconoce si habrá una nueva gira.

La promoción incluyó también el uso del alias The Cockroaches, una identidad con la que la banda ha jugado en otras ocasiones para lanzamientos sorpresa.

Bajo ese nombre se publicó en abril un vinilo limitado con el tema 'Rough And Twisted', distribuido en tiendas independientes y agotado en pocas horas.

El nuevo álbum será el primero desde 'Hackney Diamonds' (2023), con el que ganaron un Grammy, y el número 25 de su carrera de estudio.

Formados en Londres en 1962, The Rolling Stones mantienen una de las trayectorias más exitosas del rock, con clásicos como '(I Can’t Get No) Satisfaction', 'Paint It Black' o 'Start Me Up', además de 14 álbumes número uno y ocho sencillos en lo más alto de las listas en el Reino Unido.

Tras la muerte en 2021 del batería Charlie Watts, a los 80 años, Steve Jordan se incorporó al grupo, que figura en el Salón de la Fama del Rock and Roll desde 1989.