Un 21 de abril, pero de hace diez años, en 2016, fallecía el cantante Prince después de una sobredosis accidental de fentanilo en su casa de Minnesota. El artista moría a los 57 años, pero dejó un legado a través de su música en casi cuatro décadas de actividad, y que sigue activo debido a sus fans y canciones, que se han convertido en la mejor manera de recordarlo.

“Little Red Corvette” (1982)

La primera canción con la que llegó al número uno de Billboard y que fue su primer éxito masivo. Fue el segundo sencillo del disco ‘1999’, publicado en octubre de 1982, con el que alcanzó por primera vez el top 10 de Billboard 2000, y al que los críticos han llamado su primera “gran obra maestra”. En este sentido, la revista Rolling Stone llamó a este disco como el “álbum más influyente” del cantante, el primero en el que se escuchó el estilo Minneapolis que tanto le caracterizó. Cabe mencionar que el videoclip de “Little Red Corvette” fue con el que entró en el MTV y le llevó al mainstream.

“When Doves Cry” (1984)

Tras la buena acogida de ‘1999’, el éxito de Prince fue imparable y en el disco ‘Purple Rain’ le auparía a lo más alto. A pesar de que su mítico tema daría nombre al álbum, el primer sencillo fue “When Doves Cry”, publicada el 16 de mayo de 1984. Predijo el gran triunfo del disco, con un número uno de cinco semanas para esta canción, que fue top 10 también en muchos países europeos como Reino Unido, Irlanda, Países Bajos o Bélgica. Fue una de las que volvió a entrar en la lista Billboard tras el fallecimiento del artista en 2016, en el puesto octavo. Una de sus grandes curiosidades es que en ella no suena ningún bajo. Prince prescindió del instrumento musical deliberadamente, lo que dio lugar a un sonido único que encajó perfectamente en el llamado sonido de Minneapolis.

“Purple Rain” (1984)

No sería hasta septiembre de 1984 cuando la mítica “Purple Rain” se lanzó como tercer sencillo del disco homónimo, y que sería uno de los himnos que siguió al cantante estadounidense durante toda su carrera. Declarada una de las grandes baladas del rock por la crítica musical, tiene uno de los solos de guitarra más memorables de la historia de la música.  

Formó parte de la banda sonora de la película del mismo nombre, y ha tenido varias vidas, siendo el último renacimiento al aparecer en la serie ‘Stranger Things’, en su última temporada. Está situada en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos por la revista Rolling Stone.

“Sign ‘O’ the Times” (1987)

En 1987, Prince publicó el que es el primer álbum en solitario tras la ruptura con su banda ‘The Revolution’, y recibió el nombre de ‘Sign “O” the Times’, el mismo título que tuvo el primer sencillo. Este tema había sido pensado para aparecer en los planes anteriores que tuvo y que quedaron archivados como fueron ‘Dream Factory’ y ‘Crystall Ball’. Es una de las canciones más comprometidas socialmente, en las que se retrató los Estados Unidos de la década de los 80, con temas como el ‘crack’, el SIDA, las bandas o los tornados.

“Guitar” (2007)

De su última etapa, este tema demostró que el cantante seguía siendo todo un virtuoso con la guitarra. Se publicó en 2007, un año en el que realizó su recordada actuación en el intermedio de la Super Bowl en 2007, la que es considerada como una de las mejores, además de que reivindicó su vigencia todavía en el siglo XXI.

“Nothing Compares 2 U” (1984)

Aunque la canción se hizo conocida en gran parte por la versión de 1990 de Sinéad O’Connor, es un tema compuesto por Prince, exactamente para el disco de ‘The Family’ de 1984, una banda en la que reclutó a integrantes de anteriores formaciones y que integró dentro de su sello discográfico, en el que tenía planeado dar salida a sus composiciones. El sonido es muy diferente al de la cantante irlandesa, y los medios publicaron que el cantante no estaba contento con que el tema alcanzara éxito con ella, por lo que en 1993 la grabó en directo con Rosie Gaines, aunque sería la de O’Connor la que quedaría en la historia de la música.

“Sometimes It Snows in April” (1986)

La mejor manera de acabar con una selección de temas para recordar a Prince en el décimo aniversario de su fallecimiento es con un tema que grabó un 21 de abril, pero de 1985, 31 años antes de que en esa misma fecha muriera, como una extraña premonición. Esta balada es una de sus composiciones más emotivas y en la que vuelve a demostrar su amplia gama de géneros. En ella habla de Christopher Tracy, el personaje que interpretó en “Under the Cherry Moon”, y cuyo fallecimiento le afectó. Después de morir un 21 de abril, ha tomado un significado diferente, y que él mismo utilizaba normalmente como final de sus conciertos.

Bob Seger, quien por cierto está de aniversario (cincuenta años de su Live Bullet, nada más y nada menos) dijo en cierta ocasión que, yendo un día en su coche, muerto de calor, se cruzó con un tipo que iba “todo de negro”, paseando “con camisa de manga larga y botas vaqueras” a pesar de los treinta y tantos grados que hacía. El tipo en cuestión se sobresaltó cuando Seger detuvo el vehículo y lo llamó a gritos, “pensando quizá que yo era de la CIA” por “las gafas de sol” que llevaba, el “celular del coche y demás”, lo cual no impidió que aceptara su invitación a subir a bordo. Era Tom Waits y, como Seger adoraba su trabajo, se interesó por lo que estaba haciendo en ese momento. “Andar”, contestó Waits literalísimamente y, a partir de ahí, la conversación se hundió del todo en el absurdo por culpa de “las estúpidas preguntas que hice sobre sus canciones”, como reconoció el propio Seger. Al final, este le preguntó si le podía dejar en algún lado. Waits dijo que sí, que donde lo había recogido, de modo que dieron la vuelta y regresaron “exactamente” al punto de partida (Wild Years: The music and myth of Tom Waits, de Jay S. Jacobs).

La última frase que pronunció aquella vez el polifacético artista californiano fue un “seguiré andando” que, en mi opinión, resume bastante bien su vida. Compositor, cantante, poeta, actor y, en suma, magnífico zanni de la commedia dell'arte moderna, admirado por músicos tan diferentes como Keith Richards, Iggy Pop y Bob Dylan —quien lo tenía por uno de sus “héroes secretos”— y admirador por su parte de gente tan distinta como Mose Alison, Kurt Weill, Thelonious Monk y Prince, al que volveré más tarde. Sin embargo, no creo que Waits necesite de presentación alguna a estas alturas; si lo menciono hoy es por dos noticias de estos días, que han corrido una suerte dispar en nuestro país: la primera, el fallecimiento poco mencionado de Augie Meyers, antiguo colaborador de Waits y fundador de los Texas Tornados y Sir Douglas Quintet; la segunda, la ruptura de su silencio musical, que ya duraba quince años, con una feroz canción contra el autoritarismo y el militarismo cuyos beneficios irán a parar a la American Civil Liberties Union y el Immigrant Defense Project de Estados Unidos.

Al parecer, y según el comunicado que ha aparecido en medios como Rolling Stone, Massive Attack le propuso “hace muchos años” que hicieran algo juntos, y él les envió “Boots on the Ground”, que ha estado esperando hasta ahora sin que “el largo retraso” del grupo británico preocupara a Tom Waits. “El hoy, al igual que todos los ayeres de la humanidad, garantiza que ese tipo de canciones no pasen nunca de moda”, dice con sarcasmo y, por si no estuviera claro el porqué, añade sobre su otra contribución al disco: “La locura de los fracasos del hombre es un festín para las moscas. Por eso, la cara B del próximo sencillo de Massive Attack, ‘The Fly’, recoge mi aprecio por esa molesta criatura alada”. Algunos de ustedes ya habrán oído la canción y el poema de Waits cuando se publique este artículo; pero, por si acaso, permítanme que extraiga unas líneas de Boots, para que se hagan una idea de por dónde van los tiros: “Quién coño son esos cabrones del Gobierno federal?/ Escondidos en el Senado como una garrapata hinchada,/ holgazanes de mierda con aire acondicionado,/ sentados en una sala llena de carteles del ejército”.

Guerras, beneficios económicos para un puñado y más muertos de los que se puede contar. Toda una patada a lo que está ocurriendo en el mundo de un tiempo a esta parte –recuérdese que la letra no es de hace unos meses– y, como escribió Gene Santoro en “Waits, ¿heredero de Guthrie?” (The Nation, 1999), con “más de un atisbo de Brecht” en la poética (Innocent When You Dream, de Mac Montandon, publicado en España como Tom Waits. Conversaciones, entrevistas y opiniones). Ahora bien, lo que a mí me llama más la atención, lo que siempre me la llama en su caso, no es su constante y admirable compromiso político, sino su no menos asombrosa capacidad de mantenerse nuevo, al igual que el hombre al que se refirió en “20 preguntas” (Playboy, 1988) cuando Steve Oney le preguntó qué artistas de la época le gustaba escuchar. “Prince”, contestó sin dudarlo; por no pasar “por el aro”, por asumir “riesgos peligrosos”, por ser “un verdadero manantial” y, de paso, básicamente, “vudú”.

Un 21 de abril de hace diez años, aquel genio de Mineápolis que fundó el sonido que lleva el nombre de su localidad natal, fundiendo múltiples géneros y siendo al mismo tiempo un inmenso guitarrista, falleció en Chanhassen por una sobredosis de fentanilo. En apariencia, Waits no se parece nada a él; en la práctica, sus caminos no andan lejos de ese “raro, rarísimo pájaro exótico” del que también habló en su entrevista con Mark Rowland (“Tom Waits está volando bocabajo”. Musician, 1987). Y aunque no es habitual que ese tipo de creadores lleguen rápidamente a mayorías, lo cierto es que el juicio de la Historia depende mucho de lo que Seger entendió tan machadianamente en la anécdota que abre este texto: hay quien se limita a repetir –que es tanto como estar parado– y hay quien no deja de experimentar, es decir, andar. Se entenderán más o se entenderán menos; pero, en el caso de los caminantes, todos sus aniversarios son canciones a la vida.

En 2001, hace 25 años, llegaba a la industria musical el primer álbum en directo de la banda M-Clan. Sin enchufe se convirtió en todo un éxito, sobre todo por una de sus canciones, “Carolina”, que fue número uno en la lista de sencillos, y que consolidaría a la banda dentro del rock español.

El grupo venía de su primer éxito, Usar y tirar, que en el 2000 vendió más de 100.000 copias vendidas en el mercado, y se animó a ofrecer su primer trabajo musical acústico, que se produjo de la mano de Alejo Stivel, ex cantante de Tequila, y grabado en Madrid, en los estudios El Álamo. En este disco, en Sin enchufe, M-Clan repasaba su trayectoria, pero también miraba hacia adelante, con ocho canciones nuevas, seis propias y dos versiones, pero también ofrecía temas con arreglos diferentes.

Así, el grupo rock versionó “Maggie May” de Rod Stewart, adaptándola al español como “Maggie despierta”, que también llegó al número uno de sencillos en España, y también “Paint it black” de The Rolling Stones, que tradujeron al castellano como “Todo Negro”, que a su vez hacía referencia a una adaptación anterior de Los Salvajes en los 60.

El disco acabaría siendo todo un éxito, convirtiendo a la banda en una de las principales del rock español a principios de los 2000, alcanzando a superar las 150.000 copias, con la trascendencia de que se trataba además de un álbum en acústico y directo.

25 años de “Carolina”, el himno de M-Clan

Actualmente, M-Clan no se entiende sin “Carolina”, su canción insignia y todo un himno de la banda rock. El estribillo “Carolina, trátame bien. No te rías de mí, no me arranques la piel. Carolina, trátame bien o al final te tendré que comer” es uno de los más conocidos de la música española a principios de los 2000.

La canción fue el primer sencillo del disco y desde entonces se convirtió en una de las más reconocibles del grupo, que llegó también al número uno de las listas de éxito a finales de marzo y abril, hace 25 años, siendo uno de los temas más destacados de la música en español en estos momentos.

A pesar de su éxito, la letra de la canción no estuvo exenta de polémica, por hacer referencia a la relación con una menor, o incluso se llegó a especular que hablaba de la cocaína, algo que desde el grupo se desmintió.

Sobre el hecho de la relación con una menor, algo que se deja entrever en versos como “La dulce niña Carolina, no tiene edad para hacer el amor. Su madre la estará buscando, eso es lo que pienso yo…”, es una de las polémicas que ha acompañado a este tema durante su historia y sobre lo que desde el grupo argumentan que es ficción.

“Al fin y al cabo es una ficción, como tantas y tantas que hay en la música y en el arte. Es una canción blanca, que refleja un poco, entre comillas, ese símbolo de Lolita, que tantas veces se ha utilizado. Es una canción de tres minutos, no es ninguna declaración de principios. Es una canción más y ya está”, defendía Ricardo Ruiperez en una entrevista en el diario Atlántico.

Sobre lo mismo habló el vocalista y líder Carlos Tarque en Vox Populi: “Cuando tuve el aluvión de críticas por Carolina me pareció alucinante la cantidad de veces que tuve que explicar que era una ficción, una historia con personajes. Lo que cuento es que ella presiona al rockero para tener sexo. No podemos convertir el arte en un espacio aséptico”.

The Strokes vuelven a España para presentar su nuevo disco, Reality Awaits, y repasar los grandes éxitos de su carrera. Ofrecerán solo un concierto en nuestro país, en concreto en el Palau Sant Jordi de Barcelona, el 20 de octubre. Las entradas estarán a la venta este viernes 17 de abril a las 10h, pero habrá dos preventas los días 15 y 16.

Es la primera actuación fuera de un festival que ofrece la banda neoyorquina en España desde 2005, cuando actuó en la madrileña sala El Sol. Antes visitaron la Ciudad Condal cuatro veces, en el Primavera Sound de 2015 y 2022, en el Pavelló de la Vall d’Hebron en 2003 y en la sala Razzmatazz en 2002.

La gira tendrá diez fechas en toda Europa, con inicio en Londres y finalización en Dublín, y se desarrollará durante el próximo octubre.

Su nuevo y séptimo álbum, grabado en Costa Rica junto al productor Rick Rubin y finalizado en distintas partes del mundo, supone el primer material inédito del grupo desde The New Abnormal (2020). Ya puede escucharse el primer single de su nuevo disco, ‘Going Shopping'.

The Strokes, fundado en Nueva York en 1999, está compuesto por el cantante y compositor Julian Casablancas, así como por los guitarristas Nick Valensi y Albert Hammond Jr., el bajista Nikolai Fraiture y el batería Fabrizio Moretti.

Fue una de las bandas más influyentes de su época. Lanzaron su primer trabajo, Is This It, en 2001, del que se vendieron más de ocho millones de copias y fue incluido entre los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

En los cinco años siguientes publicaron los dos siguientes, Room on fire y First Impressions of Earth. Todos ellos tuvieron un gran éxito en Estados Unidos, en Reino Unido y en gran parte de Europa.

El rock de raíces profundas y letras cuidadas está de enhorabuena con el regreso oficial de Forraje, una formación que tras un paréntesis necesario vuelve a la carga con Entre Tanta Mierda. Este nuevo trabajo discográfico, editado por Maldito Records, no solo marca la vuelta de Antonio Suárez , Lülu, a la primera línea tras su etapa en solitario, sino que lo hace estrechando lazos con la escena musical extremeña más ilustre. La conexión con la tierra es especialmente relevante en este álbum, ya que dos de sus cortes principales —que en realidad conforman una ambiciosa pieza conceptual de 15 minutos dividida en dos partes— han contado con la producción técnica y artística de Álvaro Rodríguez, teclista de Robe. Rodríguez no solo se ha encargado de la mezcla de estas canciones, sino que ha aportado su sello personal grabando los pianos y teclados del disco, elevando la sonoridad de la banda hacia esa madurez que el propio grupo buscaba en esta nueva etapa.

La propuesta sonora de Forraje, que históricamente ha sido considerada una de las herederas más aventajadas del estilo de bandas como Extremoduro o Marea, se presenta ahora remozada con una formación que incluye a Juan Folla a la batería y las guitarras de Rodri Arias y Nando Vasco. En Entre Tanta Mierda, el grupo gallego transita desde el rock and roll más directo hasta desarrollos complejos donde tienen cabida el folk, el flamenco y el punk, siempre bajo el paraguas de la poesía eléctrica de su frontman. Este espíritu de “no poder escapar de lo que uno es” se traduce en un repertorio que mezcla trallazos inmediatos con revisiones de clásicos como el Solo Pienso En Ti de Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, demostrando que el rock de autor sigue teniendo plena vigencia en el panorama actual.

La gira de presentación del álbum tendrá un protagonismo especial en tierras extremeñas, donde la banda cuenta con una base de fieles seguidores que siempre han respondido a su propuesta. La primera gran cita en la región será el 2 de mayo en Cáceres, donde Forraje formará parte del cartel de la tercera jornada del festival Extremúsika, una de las plataformas más importantes para el rock nacional. Meses más tarde, el 29 de agosto, el grupo regresará a la provincia para participar en el GrimalRock de Grimaldo, consolidando así su idilio con el público extremeño. El calendario de conciertos se completa con otras paradas confirmadas el 1 de mayo en Villarobledo en el Viña Rock, el 27 de junio en el festival El Último Bus de El Molar y el 4 de julio en el festival Las Noches de la Ermita en Mallén, Zaragoza. Con estas fechas, Forraje certifica que su regreso es una realidad tangible que busca recuperar el tiempo perdido y defender sobre las tablas un legado que ahora se expande con nuevas y potentes canciones.

Se da la circunstancia de que Forraje es uno de los pocos grupos que logró contar con una colaboración de Robe, concretamente en su canción Puñales.

Hace 45 años era la canción más famosa y la que sonaba sin parar. En 1981 se publicó “Bette Davis Eyes” y permaneció un total de nueve semanas en el número 1 de la lista Billboard, siendo una de las más vendidas de ese año y también de la década, llevándose además dos premios Grammy a Canción del Año y Grabación del Año.

La canción se hizo famosa como single de Kim Carnes, de su álbum “Mistaken Identity”, que también fue número uno y vendió más de ocho millones de copias. El tema estaría así hasta 20 semanas en el top 40, conociendo un éxito que se le resistió en sus comienzos y que tendría el beneplácito de la leyenda de Hollywood que la protagoniza.

En 1981 fue cuando se hizo famosa, pero el tema tenía casi diez años ya, pues había sido compuesta en 1974 y grabada por primera vez en 1975, por la propia compositora Jackie DeShannon, dentro de su disco ‘New Arrangement’. Pero esta apareció cuando Kim Carnes buscaba nuevo material, llevada por otra de sus compositoras, Donna Weiss, y aunque no le gustó en un comienzo, uno de los miembros de su banda la arregló y dándole un toque más contemporáneo funcionó. “En cuanto se le ocurrió eso, todo encajó a la perfección”, aseguraba la artista, que venía de tener experiencia en Hollywood.

La versión que superó a la original

Si bien Kim Carnes la hizo famosa, la canción fue escrita a mediados de 1970 por Jackie DeShannon y Donna Weiss, basado en una mujer intrigante y coqueta a la que se compara con Bette Davis. Jackie se habría inspirado a escribir “Bette Davis Eyes” cuando vio la película “La extraña pasajera” (Now Voyager) de 1942.

Protagonizada por Bette Davis y considerada una de sus mejores interpretaciones, hay una escena que cautivó a DeShannon para escribir el famoso tema. Se trata concretamente de cuando el personaje del actor Paul Henreid se desvive por encenderle un cigarrillo a la actriz al estar prendado de ella.

Contó con la bendición de Bette Davis

Mencionar a una leyenda de Hollywood y alcanzar el éxito en su segunda versión fue ya un paso adelante para la canción, pero si encima contó con la aceptación de la protagonista todavía es mayor el logro. Ella la descubrió a través de sus nietos, pues no consumía ni radio ni MTV, y escribió una carta a las compositoras agradeciendo que esto la hiciera “parte de los tiempos modernos”.

Un hecho que no solo fue contado por DeShannon y Weiss, sino que se relata y confirma también en la I'd Love to Kiss You…Conversations with Bette Davis, biografia de la actriz escrita por Whitney Stine.

Pocos años después, ocho en concreto, moría Bette Davis a los 81 años en 1989. Su última aparición pública fue un mes antes en el Festival de Cine de San Sebastián, donde recibió el prestigioso Premio Donostia, y ya se pudo apreciar su deterioro físico, aunque sin perder ápice de su carisma.

Davis fue una de las actrices más destacadas del Hollywood clásico, siendo un referente en la interpretación y que llegó a trabajar en más de cien películas. En su haber tiene dos premios Óscars, donde fue nominada cinco ediciones consecutivas, de 1938 a 1942. Entre sus títulos destacados figuran “Jezebel”, “Eva al Desnudo” (All About Eve) o “¿Qué fue de Baby Jane?”.

La Audiencia Provincial de Navarra ha confirmado que la promotora Live Nation, un gigante que lleva las giras más importantes a nivel mundial, no tenía derecho a reclamar más de cuatro millones de euros a Robe Iniesta por la cancelación de la gira de despedida de Extremoduro. El fallo supone una victoria judicial póstuma para el cantante, fallecido el pasado 10 de diciembre a los 63 años. Según la sentencia, fue la propia empresa la que decidió dar por terminado el proyecto de forma unilateral, mientras el músico defendía aplazar los conciertos por las circunstancias sanitarias de la pandemia hasta que pudieran celebrarse. Con esta resolución del pasado 11 de marzo, el tribunal respalda la sentencia dictada en noviembre de 2023 por el Juzgado de Primera Instancia número 5 de Pamplona y condena a Live Nation al pago de las costas. Aun así, el fallo no es definitivo y puede ser recurrido.

El conflicto se originó tras la suspensión de la gira de despedida de Extremoduro. La anunciaron en 2019 y tenían previsto subirse a los escenarios a partir de mayo de 2020. Había vendido cerca de 400.000 entradas para 14 conciertos, pero la irrupción de la pandemia obligó a posponer los espectáculos en varias ocasiones, lo que acabó desencadenando desacuerdos entre la promotora y el propio Iniesta.

Live Nation reclamaba 4,2 millones de euros: 1,3 millones como devolución de la fianza ya cobrada por el extremeño y 2,9 millones por supuestos daños y perjuicios. Sin embargo, el auto se pronuncia claramente en contra de la empresa, la cual asegura que “incumplió el pacto”, según especifica el auto. Argumentan que Robe quería llevar a cabo la gira “cuando las condiciones lo permitiesen”, pero se volvió imposible “cuando el 22 de julio de 2021 la parte recurrente, Live Nation, decidió dar por terminadas las negociaciones para celebrar en el futuro la gira de despedida de Extremoduro y procedió a devolver a los compradores el precio de las entradas”.

La Audiencia Provincial de Navarra detalla en su resolución otros aspectos del caso: “El hecho de que el demandado Sr. Iniesta en aquellas fechas estuviera también pensando en su gira en solitario, en absoluto implica que desechara la gira de Extremoduro”, declaran. Este razonamiento coincide con uno de los argumentos defendidos por el músico, que sostenía que, mientras no fuera posible celebrar los conciertos de Extremoduro en grandes recintos, optaría por desarrollar su proyecto en solitario, ya que este sí encajaba dentro de las limitaciones sanitarias al realizarse en espacios de menor tamaño. Las circunstancias de esta gira eran distintas: Podía estar adaptada a espacios más pequeños y permitida en ese momento, por lo que no implica —según la sentencia— que renunciara a la despedida de Extremoduro.

El caso también estuvo marcado por tensiones internas dentro del grupo. Iñaki “Uoho” Antón, guitarrista de la banda, se alineó con la postura de la promotora, aunque esta circunstancia no ha tenido impacto en la decisión judicial final, sino que, más bien, le ha beneficiado. Precisamente, aquellos desacuerdos dieron lugar a comunicados cruzados entre ambos por los que Live Nation acusó a Iniesta de difamación.

“Parece que tienen algún tipo de alergia a la palabra devolución. En el comunicado que sacaron, ni siquiera la mencionaban. Encima, querían que lo firmáramos conjuntamente. ¡Hace falta ser zoquetes! No ganan nada con esto, solo tocar los cojones. Y no creo que sea el mejor momento. Espero no tener que volver a reconvenirles”, denunciaba el cantante. De hecho, FACUA-Consumidores en Acción, denunció a la promotora, a la que acusó de dificultar el reembolso de las entradas de los conciertos tras la cancelación definitiva del evento. Ahora, el tribunal rechaza la acusación de difamación y considera que las palabras de Robe no eran constituyentes de delito.

Si hablamos de himnos que dejó Queen para la historia de la música, los primeros temas que nos vienen a la cabeza son ‘Bohemian Rapsody’, ‘We Will Rock You’, ‘I want to Break Free’ e incluso ‘The Show Must Go On’, pero dentro de ese mismo álbum del que formó parte está última, hay un tema que fue un gran éxito, pero hoy podría entrar dentro del apelativo “joya escondida” del grupo británico.

Esta es ‘Innuendo’, la primera canción del disco del mismo nombre que fue la despedida de Freddie Mercury al morir tan solo diez meses después de su lanzamiento debido a complicaciones por el SIDA. De hecho, su contexto, su situación forman parte de la propia letra que él mismo compuso junto a Roger Taylor, aunque toda la banda aparece acreditada.

Así, podemos leer un comienzo que en el que da pie a entender lo que pasaba en la vida de Mercury: “Mientras el sol brilla en el cielo y el desierto tiene arena, Mientras las olas rompen en el mar y llegan a la tierra, Mientras hay viento, estrellas y el arcoíris, Hasta que las montañas se desmoronan en la llanura” (While the sun hangs in the sky and the desert has sand, While the waves crash in the sea and meet the land, While there's a wind and the stars and the rainbow, Till the mountains crumble into the plain).

Y con un final que evidencia también que hace referencia indirecta a la delicada salud del cantante: “Y lo que tenga que ser, será. Seguiremos intentándolo. Seguiremos intentándolo. Hasta el fin de los tiempos. Hasta el fin de los tiempos. Hasta el fin de los tiempos” (And whatever will be will be, We'll keep on trying, We'll just keep on trying, Till the end of time, Till the end of time, Till the end of time.)

‘Innuendo’ fue lanzada en enero de 1991 como primer sencillo del disco homónimo, aunque en España sería número uno en marzo de ese mismo año, hace 35 años. En Reino Unido debutó directamente en lo más alto y fue el primer tema en hacerlo desde ‘Under Pressure’, la colaboración junto a David Bowie, casi una década antes.

Una canción ‘Bohemian Rapsody’ vol. II

Desde su lanzamiento, ‘Innuendo’ se convirtió para muchos en una especie de secuela que bebía directamente de una de las grandes canciones del grupo, ‘Bohemian Rapsody’. Esto se debe al hecho de que comparten una estructura de una especie de rompecabezas en la que conviven diferentes géneros, y que en este caso también tenía hasta su solo de guitarra flamenca, que ejecutó Steve Howe, amigo de Mercury, y que fue el único que grabó en estudio con Queen sin formar parte de la banda.

Los críticos aseguraban que rememoraba “sus raíces de rock progresivo”, los comienzos de Queen al tocar también ‘hard rock’ y con su interludio operístico. “Todo es completamente exagerado, absolutamente brillante, incluso si está más que ligeramente influenciado por 'Bohemian Rhapsody'”, aseguró Caroline Sullivan en su crítica en Smash Hits. Y todo se coronó con un videoclip en el que se representó de forma animada a la banda en una inquietante animación stop-motion que se conoce como uno de los vídeos más oscuros y emotivos de la banda.

¿De dónde viene lo de ‘Innuendo’?

La canción y nombre del disco, Innuendo’, guarda también una curiosa anécdota. Y es que esta palabra era una de las mejores armas de Freddy Mercury en uno de sus juegos de mesa favorito, el Scrabble. La usaba siempre como una manera de sorprender a sus rivales, de lo que se sentía verdaderamente orgulloso, pues reconocía tener una gran habilidad en el juego.

‘Innuendo’ es una palabra con origen en el latín que significa una especie de presagio, un eufemismo para nombrar algo malo que pudiera ocurrir, y que casaba con el contexto que vivía entonces el propio cantante y el grupo, conscientes del posible final que estaba por llegar.

Es una de las melodías más reconocibles del pop de los 2000 en España y uno de los temas más reconocibles de la discografía de El canto del loco, y era número uno en las listas de éxitos hace 20 años exactamente. Sucedieron a ‘Rutinas’ de Chenoa el 11 de marzo y no abandonaron lo más alto hasta abril, cuando Madonna llegó con su mítico ‘Sorry’.

Hablamos de ‘Volverá’, segundo sencillo de ‘Zapatillas’, el disco más exitoso del grupo que dejó algunas de las canciones más conocidas del pop de los 2000. De hecho, es la canción que tiene récord de permanencia con cinco semanas no consecutivas en el número uno de los 40 principales y hasta 21 semanas en total entre la lista de singles.

'Zapatillas' es el disco de El canto del Loco más vendido

Es principios de 2006 y el grupo integrado por Dani Martín como vocalista, David Otero como guitarrista, Chema Ruíz como bajista y Jandro Velázquez como batería, lanza su segundo sencillo de ‘Zapatillas’. Un canto a la nostalgia, al anhelo de ese amor perdido, de una persona especial que vuelve a menudo al pensamiento, que se convirtió en uno de los grandes éxitos de la banda.

Envuelta dentro de disco en el que se basaron en historias de hechos reales, experiencias personales o no, como bien comentó el propio Dani Martín tras el lanzamiento de la canción: “Lo más importante de todo es que las canciones sean buenas. Con cada una todo el mundo se va a sentir identificado... son muy de que te levantas a las 8 de la mañana hasta que te acuestas a las 10 de la noche. Son cosas que nos pasan a todos... y cuando digo a todos digo a mi abuela, a mi padre, a mi prima pequeña y a mi hermana mayor”.

‘Zapatillas’ surgió de la convivencia entre giras: “Ha sido lo que nos ha salido. Enchufa el ampli, cógete un cuaderno y vamos a empezar a tocar. Así se ha compuesto y así se ha plasmado en el CD”, y de ahí su enfoque en el directo, y el resultado fue una gira de más de 800.000 asistentes a los cientos de conciertos que se ofrecieron, con hasta tres llenos en Las Ventas en julio de 2006 de forma consecutiva. El disco fue todo un éxito, el mayor de El canto del Loco, con más de 420.000 copias vendidas, el segundo álbum con más ventas ese año tan solo por detrás de ‘Pájaros en la cabeza’ de Amaral.

Una canción que plagió una banda nazi

Además de todo el éxito, ‘Volverá’ tiene un curioso hecho relacionado. Y es que una banda de ideología nazi llamada Hauptkampflinie plagió la canción con la misma música, aunque le varió la letra a su antojo y haciendo referencia al mensaje que querían dar.

La titularon ‘Vorwärts über Leichen’ (‘Adelante sobre cadáveres') y la colgaron en redes sociales, pero no contaban con permiso por parte de ‘El canto del Loco’ y es por ello por lo que a través de sus managers emprendieron acciones legales al utilizarla “sin ningún tipo de permiso”.

El municipio ciudadrealeño de Pozuelo de Calatrava da la bienvenida a su nueva edición del Laguna Fest, un festival de música rock que tendrá lugar el próximo 21 de marzo en la localidad.

Este festival de música y cultura alternativa se celebrará en el Salón Multiusos del municipio y combina conciertos, actividades culturales, gastronomía y propuestas para toda la familia en los días previos.

Programación del Laguna Fest

El jueves 19 de marzo comenzará a las 20:00 horas con la exposición 'Rock Local: Las bandas de rock de Pozuelo de Calatrava', una muestra dedicada a repasar la historia de las bandas de rock del municipio.

Seguidamente, el viernes 20 de marzo tendrá lugar el concierto acústico de David Trece a las 20:00 horas.

El sábado 21 de marzo a las 10:30 horas está planificada una visita guiada a la Laguna de la Inesperada. Las actividades continuarán a las 12:00 horas con el taller de graffiti dirigido por el artista Rufo Milfuegos. A las 14:00 horas se realizará la comida popular de migas, así como paella y dulces tradicionales.

Por la tarde, el festival de música comenzará con la actuación del grupo Moby Dick a las 19:30 horas, seguido de Gurú Pendejo (20:30 horas), Hora Zulú (21:30 horas), Lépoka (23:15 horas), Kaos Etíliko (01:00 horas), Bicho Papao (02:30 horas) y Luka Doktor (03.30 horas).

El Laguna Fest aspira a consolidarse como “una cita cultural de referencia en la provincia de Ciudad Real, combinando música en directo, participación ciudadana y promoción del patrimonio natural, cultural y gastronómico del Campo de Calatrava”.

Las entradas pueden adquirirse de manera anticipada por un precio de 15 euros, mientras que en taquilla costarán 18 euros.

El rock vuelve a Pozuelo de Calatrava

El festival está organizado por la Asociación Laguna Rock con la colaboración del Ayuntamiento de Pozuelo de Calatrava y el apoyo de distintas instituciones, así como con el patrocinio de la AD Campo de Calatrava. El representante de la asociación, José Adrián Chacón, ha recordado que los orígenes del festival se remontan a los años 2007 y 2009: “En aquellos años empezamos con grupos locales y siempre con la colaboración del Ayuntamiento. En 2009 dimos un salto importante apostando por un formato diferente, incluso con dos fechas, algo que fue bastante novedoso en la provincia”, explicaba en el acto de presentación.

Tras varios años de interrupción, la iniciativa ha sido recuperada: “Hace unos meses decidimos retomar el festival y se creó la asociación, que es quien organiza el evento, siempre con el patrocinio y el apoyo del Ayuntamiento y de iniciativas como Calatrava Sabor de la AD Campo de Calatrava”, ha indicado.

Chacón ha destacado que el objetivo ha sido diseñar un festival diferente dentro del panorama alternativo nacional. “Desde el principio queríamos hacer un festival alternativo, distinto, con un cartel amplio dentro de la escena nacional”, explicaba. Además, ha subrayado que el proyecto pretende ir más allá de los conciertos y convertirse en un punto de encuentro cultural para el municipio y la comarca. “Queremos que quien venga al festival no solo asista al concierto, sino que pueda conocer el pueblo, pasear por él, disfrutar de la gastronomía y participar en las actividades”, ha señalado Chacón.

“La mayor parte del mundo al que llega mi música está en crisis”, así de contundente se mostraba en 1986 Lionel Richie en una entrevista a The New York Times, en pleno éxito de una de sus canciones más reconocibles, “Say You, Say Me”.

Un carácter reivindicativo que no extraña teniendo en cuenta que fue coautor de “We are the World”, pero que lo decía en pleno momento álgido de un tema que lo mantenía en lo alto, compitiendo con dos “monstruos” en la era MTV como eran Michael Jackson, Madonna y Prince.

Y es que “Say You, Say Me” alcanzó el número 1 de Billboard Hot 100 y de varios países, entre ellos España, donde estaba en lo más alto de las listas de radio a principios de marzo de 1986, hace 40 años. Un mes en el que además el tema se hizo con el premio Oscar a Mejor canción original, pues aparecía en la película White Nights.

Una canción de película sin aparecer en su banda sonora

Fue el propio director de esta película, Taylor Hackford, el que le propuso a Lionel Richie que compusiera un tema para que formara parte de la banda sonora, con la que quería seguir manteniendo el éxito logrado en anteriores cintas, como fue el caso de “Up Where We Belong” de Oficial y Caballero o “Against All Odds” de Phil Collins de Contra todo pronóstico.

Una idea que tenía sentido, pues en esos momentos, Lionel Richie estaba en racha. En 1983 había encontrado el éxito con el disco “Can’t Slow Down”, ganador del Premio Grammy, y venía de escribir junto a Michael Jackson el tema benéfico “We Are the World”, que unió a varias de las estrellas musicales más grandes de entonces.

A Richie, sin embargo, le costó encontrar una composición con el título de White Nights, no acababa de dar con la tecla, y a cambió le entregó la maqueta de una canción que ya tenía escrita: “Say You, Say Me”, en el que la fuerza de su significado estaba en la valía de la amistad, lo que enlazaba con la trama de la película, protagonizada por Mikhail Baryshnikov y Gregory Hines, en la que un desertor de la Unión Soviética es encontrado por un agente de la KGB después de un accidente en Siberia, y al ser encarcelado encuentra fuerza en un estadounidense, con el que desaparecerán las diferencias para preparar un plan de escape.

La gran curiosidad es que, a pesar de formar parte de la banda sonora, “Say You, Say Me” no está disponible en el disco de la película debido a que la discográfica Motown no quería que el primer single de Lionel Richie tras firmar con ellos se diera con otra compañía, la que firmaba el álbum, con lo que la canción entrarái dentro Dancing on the Ceiling, lanzado en 1986.

“Toques de rareza” y un homenaje oculto a los Beatles

Actualmente “Say You, Say Me” es una de las canciones más reconocibles de Lionel Richie junto a “Hello”, y si es así es debido a sus “rarezas”, como han descrito varios críticos musicales, que no dudan en afirmar que la clave de su éxito está en su puente, que rompe por completo con el estilo de balada.

“El puente eléctrico acelerado por sí solo debería ser suficiente para convertirla en un clásico”, aseguraba Whitney Pastorek de Entertainment Weekly en una retrospectiva de 2007. Tan solo un año después, en 2008, apareció entre una de las mejores canciones de todos los tiempos en la posición 74 por parte de Billboard Hot 100 en el 50 aniversario de la lista.

Entre todo ello, uno de los hechos más desconocidos de la canción es que está directamente inspirada en “Hey Jude” de los Beatles, donde Lionel Richie tomó la voluntad de Paul McCartney para hablar de la “camaradería”, pero usando sintetizadores fluidos, un signo de la década de los 80. Además, el tema fue grabado por los músicos que también habían tocado en Thriller de Michael Jackson.

La Fundación Rock and Roll Hall of Fame anunció en la última semana de febrero la lista de los nominados a entrar en el Salón de la Fama del Rock en la clase de 2026, con nombres destacados como Shakira, Oasis o Mariah Carey, que lideran una generación que refleja también el cambio de criterio en la entidad, permitiendo la inclusión de artistas de diferentes géneros y trayectorias.

Así, el futuro del Salón de la Fama del Rock va hacia una selección más amplia y diversa, con una lista de nominados que se amplía a nombres ilustres como Lauryn Hill, Phil Collins o Pink. Será en abril cuando se informe de los elegidos para entrar en este selecto grupo, junto a los que sean premiados a la Influencia Musical, Excelencia Musical y el Ahmet Ertegun Non-Performer Award. Para entrar en la lista de nominados, la condición es que el primer single o álbum del artista haya sido publicado en 2001 o antes, es decir, han pasado más de 25 años desde su debut musical.

La cada vez más amplia selección en la lista de nominados para entrar en el Salón de la Fama del Rock & Roll ha generado amplia controversia, sobre todo entre leyendas del rock, como fue el caso de Bruce Dickinson, líder de Iron Maiden, que en 2018 declaró que consideraba esta entidad “una absoluta y completa tontería”, a la vez que aseguraba que eran “un grupo estadounidense de santurrones que no sabrían reconocer el rock & roll aunque los golpeara en la cara”.

Una crítica a la que se ha unido en varias ocasiones Liam Gallagher, nominado en esta clase de 2026 con Oasis, que en su día afirmó en el Sunday Times: “Por mucho que me guste Mariah Carey y todo eso, quiero decir: hazme el favor y lárgate, es como meterme en el Salón de la Fama del rap”, aunque luego en redes sociales ha reconocido que si fuera admitido “iría y diría que es lo mejor que ha pasado en la historia”.

Qué es el Salón de la Fama del Rock & Roll

Dentro del Salón de la Fama del Rock & Roll se encuentran artistas como Elvis Presley, James Brown, Los Beatles, Queen, Kiss, The Beach Boys o Bruce Springsteen, pero también cantantes que habían renegado antes de esta institución como es el caso de Cher, Rush o Def Leppard. Esta compañía se dedica a preservar y difundir la historia, así como el legado del rock y géneros afines.

La Fundación Rock and Roll Hall of Fame se creó en abril de 1983 por parte del empresario discográfico Ahmet Ertegun, que contó con la colaboración del entonces editor de la revista Rolling Stone, Allen Grubman, así como de los empresarios Seymour Stein, Bob Krasnow y Noreen Woods, de la industria musical.

Aunque se barajaron diferentes ubicaciones para la sede de este proyecto, finalmente fue elegida la ciudad de Cleveland, en Ohio, debido a que había sido el lugar donde se acuñó el término rock and roll por parte del disc-jockey Alan Freed, a principios de los años 1950. Fue en 1986 cuando se incluyeron los primeros artistas, en un museo que abriría sus puertas en 1995,

El Salón de la Fama del Rock & Roll está albergado en un edificio de 14.000 metros cuadrados coronado por una pirámide de cristal de 49 metros, obra del arquitecto estadounidense de origen chino I. M. Pei, inaugurado en septiembre de 1995, que permitió que se pudiera visitar las colecciones que alberga de leyendas de la música, así como la exposición sobre el origen de géneros como el rock and roll, góspel, blues, rhythm & blues, folk, country y bluegrass.

James Irsay fue un empresario multimillonario estadounidense conocido por ser propietario del equipo Indianapolis Colts de la NFL y por su labor filantrópica, pero su faceta más personal fue la música, de la que da ejemplo su colección de guitarras míticas que salen a subasta.

Fallecido el 21 de mayo de 2025, sus hijos han decidido poner a la venta la colección de guitarras de leyendas de la música de Irsay. Con piezas de George Harrison, Eric Clapton o Kurt Cobain, la llamada The James Irsay Collection serán subastadas por Christie’s en los próximos meses.

Guitarras de Kurt Cobain y Pink Floyd: las piezas millonarias a subasta

De entre todas las piezas que se subastan de la colección personal de James Irsay, hay una que destaca por encima del resto por su participación en la historia de la música: una guitarra Fender Mustang azul que perteneció a Kurt Cobain, y que se valora entre 2,1 y 4,1 millones de euros.

La guitarra tiene un valor millonario que va más allá de la pieza, sino por su historia detrás, y es que es la pieza con la que el líder de Nirvana grabó el videoclip de “Smells Like Teen Spirit” en 1991, todo un himno no solo de la banda, sino de la música de la década de los 90 y en general.

La otra pieza millonaria y de gran valor y atractivo es una guitarra que perteneció a David Gilmour, de Pink Floyd, que se estima entre 1,7 y 3,4 millones de euros. Se trata de una Fender Stratocaster con el apelativo de The Black Strat, que Irsay adquirió en 2019 a través de una subasta benéfica, y Amelia Walker, responsable de colecciones privadas e icónicas en Christie’s, asegura que esta guitarra marcó “auténtico punto de inflexión” en el valor de la colección.

Otras guitarras de valor que pertenecieron a John Lennon y Prince

La colección subastada también incluye una guitarra Rickenbacker 1996 de modelo Rose-Morris que John Lennon utilizó en los conciertos de Navidad de los Beatles en Londres entre diciembre 1964 y enero 1965, que se ha cifrado en un valor entre 675.000 y un millón de euros.

Otra de las piezas destacadas es una guitarra amarilla que Prince usó durante la gira Act II y que formó parte de la improvisación de cierre de gira en Londres el 8 de septiembre de 1993. Se ha valorado entre 85.000 y 120.000 euros, siendo parte de una época en la que se identificó como The Artist Formerly Known as Prince, y en la que presentó su álbum de caras B con clásicos como Peach o la grabación en primera persona de Nothing compares 2 U.

Más de una década después de su último concierto en sala en Madrid, The Black Keys ofrecerá un único concierto en España este 2026 en el marco de su gira internacional. El dúo compuesto por Dan Auerbach (voz y guitarra) y Patrick Carney (batería) actuará el próximo 13 de septiembre en el Movistar Arena de Madrid para presentar Peaches!, su nuevo disco, que supone su decimocuarto álbum de estudio y cuya salida tendrá lugar el 1 de mayo.

Descrito como una colección visceral y cruda de 10 canciones, y destacado por el cantante Dan Auerbach como el “disco más natural” de la banda desde su debut en 2002, The Big Come Up, el disco ya cuenta con la publicación de su adelanto You Got To Lose, donde se aprecia el sonido de rock sucio que siempre ha caracterizado al dúo. Se podrá escuchar en el concierto, así como algunos de sus grandes éxitos como Lonely Boy o Tighten Up.

Las canciones de Peaches! reflejan la obsesión de Dan y Patrick por coleccionar discos, que en los últimos años se ha convertido en una serie continua de fiestas de baile con sesiones de DJ en Record Hang. Estas quedadas impulsaron un período más profundo de arqueología musical para ambos. “Buscaba discos de 45 rpm específicamente para tocar en las quedadas de discos”, dice Dan, “pero a veces encontraba una canción y pensaba: ‘Podría ser divertido que Pat y yo tocáramos esto en vivo’”.

Cómo comprar las entradas

Para comprar entradas para el concierto en Madrid de The Black Keys, es necesario registrarse en Live Nation o a través de MovistarArena.es. Las entradas están a la venta desde las 10 horas de este viernes, 13 de febrero, a través de la web oficial de la tiquetera y de sus distribuidores asociados.

Asimismo, ha habido preventas disponibles desde el 12 de febrero a las 10 horas para usuarios de Live Nation y Live Nation–S.SMusic. El concierto también ofrecerá la actuación del telonero Robert Finley, autor de discos producidos por Dan Auerbach, como el reciente Hallelujah! Don’t Let The Devil Fool Ya.

Fechas y precios del concierto

El precio para el concierto de The Black Keys en España es de 73,5 euros, con un precio general que se aplica tanto a los asientos en grada como a los tickets para la pista. Es decir, este es el precio de todas las entradas del concierto, aunque se le deberá sumar los gastos de gestión.

Por otro lado, es posible adquirir entradas VIP por un precio aproximado de 300 euros. Estas entradas incluyen acceso temprano al recinto para asegurar tu lugar antes que acceda el público general, un tour exclusivo por el backstage guiado por un miembro del equipo de la gira de The Black Keys antes del show, además de una foto grupal frente al escenario, tomada por un fotógrafo profesional para conmemorar la noche.

Toda la información sobre los tickets VIP está en la web First Golden Ticket. Aunque la banda tocó en el festival Mad Cool de 2023, hacía 14 años que no lo hacían con su espectáculo propio completo en un espacio como el Movistar Arena, que fue precisamente el recinto en el que recalaron en 2012, entonces con otro nombre y un lleno total en su momento de mayor apogeo.

La banda estadounidense The Black Keys ha anunciado un único concierto en España dentro de su próxima gira mundial que tendrá lugar el 13 de septiembre en el Movistar Arena de Madrid.

Según ha informado su promotora, será una oportunidad para el dúo formado por Dan Auerbach y Patrick Carney de presentar su inminente nuevo álbum, 'Peaches!', que verá la luz el 1 de mayo, y de tocar para el público sus grandes éxitos.

Las entradas se pondrán a la venta a partir de las 10 horas de este viernes, 13 de febrero, a través de la web oficial de Live Nation y de sus distribuidores asociados.

Aunque la banda tocó en el festival Mad Cool de 2023, hacía 14 años que no lo hacían con su espectáculo propio completo en un espacio como el Movistar Arena, que fue precisamente el recinto en el que recalaron en 2012, entonces con otro nombre y un lleno total en su momento de mayor apogeo.

'Lonely Boy' o 'Howlin' for You' son algunos de los temas más conocidos de The Black Keys, proyecto que nació en 2001 en Akron, en el estado de Ohio, y en su larga carrera alumbraron canciones entre el “garage rock”, el “blues” y el rock alternativo.

Especialmente importantes por su acogida por el público se mostraron sus discos 'Brothers' (2010), el sexto ya, más aún el que le tomó el relevo, 'El Camino' (2011), este con influencias de otros géneros como el “surf rock” o el “soul”, y 'Turn Blue' (2014), tras el que se tomaron un descanso para ocuparse de proyectos propios.

Tras su retorno con 'Let's Rock' (2019) han mantenido un alto ritmo de trabajo publicando otros cuatro discos, incluido el último hasta el momento, 'No Rain, No Flowers' (2025), al que tomará relevo el citado 'Peaches!', calificado por ellos mismos como su “disco más natural”, grabado en vivo para que sonara “crudo y sucio”.

Medio siglo sobre los escenarios y 17 elepés en estudio los contemplan: los jefes del rock chicano, una banda como una orquesta de la Gran Música Americana. Su debut lo titularon en 1978 Apenas otro grupo del Este de Los Ángeles; en esa ciudad se formaron en 1973 y allí residen, todos de sangre mexicana, Los Lobos. Ningún sonido del continente les es ajeno: blues, soul, cumbia, zydeco, tex-mex, corridos, rancheras, rhythm and blues, son jarocho. “Country music no, porque es republicana”, asegura entre risas su cantante y guitarrista, el carismático César Rosas (Hermosilla, México, 1954). Rosas habla con elDiario.es en un bar de la zona vieja de Santiago de Compostela, en cuya Sala Capitol Los Lobos ofrecieron este miércoles el primero de los cuatro conciertos que darán en el Estado. Barcelona (5 de febrero), Madrid (6 de febrero) y Torremolinos (Málaga, 7 de febrero) serán las siguientes fechas de la gira, que después viajará a Italia. “Todavía tocamos unas 15 noches al mes”, dice, “no sabemos hacer otra cosa”.

Interesado por el pulpo á feira -algo compartido por los demás miembros del grupo- y por dónde adquirir una guitarra flamenca -“quizás en Granada, pero pregunta cuando estéis en Málaga”, le recomienda Fran Villasenín, promotor de la actuación en Galicia-, Rosas se enorgullece de haber incorporado la tradición musical del norte de México al rock & roll. “Es muy importante continuar la tradición, que no se nos olvide a nosotros y llegue a las generaciones de los chiquillos”, considera. Esa fue la idea inicial y esa sigue siendo la idea a difundir. Cuatro de los cinco miembros de Los Lobos lo son desde que se juntaron por primera vez en 1973: el propio Rosas, David Hidalgo (voces, guitarra y acordeón), Louie Pérez (batería y voces) y Conrad Lozano (bajo y guitarrón). Steve Berlin (teclados y saxofón) se incorporó en 1982, justo a tiempo de registrar How the wolf will survive (1984), el disco con el que trascendieron la escena angelina y preludiaron su éxito comercial más intenso, el de la banda sonora de La bamba (Luis Valdez, 1987).

Tras el paso por Italia, la banda regresará a Estados Unidos. La situación “es gacha, que decimos en México, una nightmare [pesadilla]”. El Gobierno persigue migrantes y disidentes políticos; ataca aquello que simbolizan Los Lobos, explica Rosas, la música como crisol de culturas subalternas. “Trump es un nazi”, expresa sin medias tintas, “racista, de los peores. No anda bien ese cabrón”. Su segundo concierto en suelo estadounidense será el 11 de marzo en Minneapolis, donde la Policía Migratoria del ICE asesinó el pasado meses a dos ciudadanos que protestaban contra las políticas trumpistas. “Hay veces en que me levanto y como que no puedo creer lo que está pasando en estos tiempos”, afirma, “mucha gente está resistiendo, tratando de resistir”.

Aunque ya habían grabado un disco de música tradicional mexicana, el despegue discográfico de Los Lobos fue asociado a eso que se llamó Nuevo Rock Americano (Blasters, Green On Red, Jason & The Scorchers, Violent Femmes...). Muchas de esas bandas no siguen activas, ustedes sí, más de cuarenta años después. ¿Cuál es el secreto de su longevidad?

Somos ya una familia, una tradición antigua, somos casi hermanos, pero además también nos gusta bastante la música. Todavía no se nos ha quitado eso, el amor a la música. Así es. No sabemos hacer nada más, no más tocar música, y eso es lo que hacemos.

Su último disco, Native Sons (New West, 2021), es un homenaje a la música anglófona de Los Ángeles, con versiones de Beach Boys, Buffalo Springfield, War, Willie Bobo o Jackson Browne. ¿Por qué ese reconocimiento a la escena regional tras medio sigo de carrera?

Pues fíjate que yo creo que fue la idea de la compañía. Ellos querían hacer un disco con nosotros y nuevo material y le dijimos: “Bueno, ahorita no estamos listos con nuevo material”. Pero les salimos con la idea de hacer un disco de la música que han grabado en la región de la que somos, Los Ángeles. Y les gustó la idea. No estábamos listos para otra cosa, francamente. Y salió muy bien el disco. Yo quisiera hacer otro, el número dos.

¿También en inglés?

Sí. Grupos que andaron ya por Los Ángeles.

La revalorización de la música mexicana fue clave en los comienzos de la banda, que después evolucionó y electrificó su mensaje, pero nunca dejaron de incluir sonidos latinos en sus discos: cumbia, rancheras, corridos, son jarocho...

Yo probablemente soy el único integrante del grupo que tiene esa influencia. Para mí personalmente es muy importante que nosotros continuemos grabando música latina, mexicana. Para mí, la cultura latina es muy importante.

¿Por qué?

Yo soy mexicano y esa fue la idea de Los Lobos cuando nos juntamos: dedicarnos a tocar la música tradicional mexicana, conservar esa tradición, por ejemplo la música de Veracruz. Todo lo que sea música mexicana. Sobre esas ideas fundamos Los Lobos, aunque nosotros éramos ya rockeros de jóvenes. Porque todos nosotros somos de sangre mexicana, aunque yo soy el único integrante que nació en México. Los demás son de Los Ángeles. Es muy importante que la tradición no se nos olvide a nosotros y llegue a las generaciones de los chiquillos que viven allí en Los Ángeles. Que se sientan orgullosos de su tradición.

¿Y todavía se sienten orgullosos?

Sí. Continuar eso yo creo que es muy importante para que no se les olvide. Porque allá en Los Ángeles hay mucha gente joven que tiene la sangre mexicana. No más que especialmente estas nuevas generaciones, los chiquillos, están muy americanizados, ya piensan así. Por eso es muy importante que mantengan la tradición. Pero es muy difícil, no es como en España, donde ya tienen su tradición y es muy bonito y no tienen que cambiar nada. En los Estados Unidos es diferente, porque nuestra raza vive allí y tenemos que vérnoslas con las tradiciones que son más americanas y potentes.

Su música, en cualquier caso, es una celebración de la diversidad que conforma la música estadounidense, de la aportación migrante y subalterna: soul, blues, country, el elemento mexicano y latino...

Exactamente. Músicas no necesariamente de Los Ángeles, sino de los Estados Unidos en general. Soul music, blues, mucho blues, rock & roll, todo eso. Country music no, porque es republicana [ríe].

¿Y qué implica su defensa de lo latino como un elemento de ese crisol de músicas en un momento en que el propio Gobierno persigue a los migrantes?

Esa situación es muy fea, muy gacha, como decimos los mexicanos. Es pura mierda. Eso no está bien. Es terrorista. No anda bien ese cabrón, el presidente que tenemos. Es mierda. Es nazi, pues. Racista, de los peores. Mucha gente está resistiendo, tratando de resistir, pero es, como se dice, un nightmare.

Una pesadilla.

Una pesadilla, sí. Hay veces en que me levanto y como que no puedo creer lo que está pasando en estos tiempos.

De alguna manera es lo contrario de la música de Los Lobos.

Él quiere destruir todo eso. No es bueno, es muy malo y ojalá con el favor de Dios que a ese cabrón le pase algo. Que Dios nos ayude, porque es muy feo. Muy gacho.

Hace unos días Bad Bunny, en la entrega de los Premios Grammy, exigía la retirada de la Policía Migratoria, la tristemente famosa ICE...

Sí, le doy bastante crédito a él. Y qué bueno que le dé a ese cabrón.

…y Bruce Springsteen ha publicado una canción sobre los asesinatos gubernamentales en Minneapolis. ¿Sirve la música en esta situación?

Pues la música es como el amor, muy poderosa. La música viene con mucha inspiración. Es amor, pues, algo muy especial y que puede ayudar bastante contra estas situaciones. Tenemos que inyectar el amor en todo lo que está pasando. La música ha ayudado a mucha gente y nos ayuda. Es algo que viene de Dios y, con el amor, ojalá nos ayude.

Hablando de Bad Bunny, la música latina ocupa ya un espacio importante en la escena estadounidense, aunque quizás menos en la esfera del rock.

Sí, pues por eso digo que para nosotros es muy importante continuar a inyectar las tradiciones de la música mexicana.

Hace más de cinco décadas del debut de Bruce Springsteen, pero ‘The Boss’ sigue de actualidad con su canción “Streets of Minneapolis”, un tema con el que protesta contra Donald Trump y las acciones del ICE y con el que ha liderado un concierto benéfico contra lo que está sucediendo en su país.

Con “Streets of Minneapolis”, Springsteen vuelve a ser número uno de ventas digitales, el primero de su carrera en este sentido, aunque en su longeva trayectoria tiene muchas canciones que han alcanzado lo más alto de las listas, y, además, tiene una historia peculiar con una de sus joyas más desconocidas, que solo fue número 1 en España.

¿Cómo fue posible esto? Bueno, pues sencillo, porque esa canción solo se lanzó como sencillo en nuestro país, saliendo solo a la luz de forma oficial a mediados de los 90, cuando presentó una caja con caras B y temas inéditos llamada Tracks, en la que aparecía el tema del que hablamos: “Janey, don’t you lose heart”.

Y es que esa canción en su momento formó parte del sexto sencillo del mítico trabajo de ‘The Boss’ Born in the USA, “I’m going down”, del que fue su cara B en 1985. Eso a nivel mundial, porque en España su discográfica optó por otra estrategia, la de lanzarla como sencillo principal y cara A promocional debido a su buena pegada de ritmo pop, y el resultado les dio la razón.

Es así fue como una canción apenas conocida de Bruce Springsteen y que no fue lanzada como single en otro país llegó a estar una semana como número 1 de los 40 principales, en concreto hace 40 años, del 1 al 7 de febrero.

Dos versiones y un rechazo para “Janey, don’t you lose heart”

“Janey, don’t you lose heart” fue una de las canciones que fueron grabadas en el momento de mayor creatividad de Bruce Springsteen, en 1983, durante las sesiones de “Born in the USA”, pero formó parte de los descartes. Es por eso por lo que ‘The Boss’ le propuso el tema a Stevie Nicks de Fleetwood Mac, quien llegaría a grabar una maqueta, pero que, al cambiar “Janey” por “Baby” el cantante se negó a que ella la publicara.

Al volver a Springsteen, este la escogió como la cara B del lanzamiento del sencillo “I’m going down” en 1985, cuando realizó una segunda versión junto a Nils Lofgren para regrabar las voces que se habían grabado en 1983 y algunas partes de guitarra para un sonido más acorde a lo que era la gira actual. En la primera versión en las sesiones de “Born in the USA” los coros los realizaba Steve Van Zandt.

El Ayuntamiento de Oviedo quiere homenajear a Jorge Martínez, conocido como Jorge Ilegal, uno de los referentes más influyentes del rock español de las últimas décadas. Figura inseparable de la escena musical urbana y admirado por su independencia, inconformismo y creatividad, su legado sigue resonando entre varias generaciones y más en su ciudad, Oviedo, donde residía durante largas temporadas. Ahora, el PSOE ha propuesto dedicarle un espacio público que reconozca la contribución cultural y el estrecho vínculo con la ciudad que tenía el vocalista de Ilegales.

El Grupo Municipal Socialista ha registrado un ruego en el Pleno para que se dedique un espacio público de Oviedo a la memoria de Martínez, fallecido el 9 de diciembre de 2025. “Aunque nació en Avilés y se proclamaba ‘Enamorado de Varsovia’, fue un ovetense de adopción a temporadas y su trayectoria está estrechamente ligada a la ciudad”, señala el concejal Javier Ballina.

Ballina subraya que su independencia, inconformismo y pensamiento crítico representan valores que conectan con una ciudad que aspira a ser creativa, abierta y referente cultural. Además, dedicarle un espacio público significaría reconocer la relevancia de la música urbana y popular como parte esencial del patrimonio cultural de Oviedo, incorporando el legado de Jorge Martínez a la memoria colectiva de la ciudad.

Hace más de tres décadas, el 24 de enero de 1994, Mariah Carey lanzaba el tercer sencillo de su disco ‘Music Box’. Precedido por el gran éxito que fue “Hero”, que es también una de las canciones más reconocibles de la carrera de la cantante, la versión de un clásico le daría a la interprete pop el ‘espaldarazo’ definitivo en el continente europeo, donde en algunos países lograría su primer número uno.

Hablamos de “Without You”, una canción que era una versión de la versión de Harry Nilsson, fallecido justo una semana antes del lanzamiento, el 15 de enero de 1994, debido a un infarto a los 52 años. Era uno de los pocos artistas del pop rock que había logrado el éxito comercial sin haber realizado giras de conciertos importantes y numerosas, y que décadas antes había versionado una composición del grupo de culto Badfinger.

La versión que Mariah Carey quiso hacer tras escucharla en un restaurante

En 1993, Mariah Carey alcanzó la fama internacional con la publicación de ‘Music Box’, un disco que se convertiría en el más vendido de su carrera con 28 millones de copias y del que saldrían algunos de sus mayores éxitos como “Hero” o “Without You”, una canción que pocos saben que es una versión de una versión. La cantante había escuchado el tema por parte de Harry Nilsson cuando era niña, pero la decisión de versionarla surgió de forma inesperada mientras grababa ‘Music Box’ y que ella misma relató a la revista Rolling Stone en su momento: “Escuché esa canción en un restaurante y supe que sería un éxito internacional”.  Su premonición se cumplió, alcanzando su versión el número 3 en la lista Billboard Hot 100 durante seis semanas, estando un total de 21 entre el top 40.

Pero fue realmente a nivel internacional donde “Without You” daría un salto mayor para Mariah Carey, siendo su primer éxito número uno en países como el Reino Unido, permaneciendo un total de cuatro semanas, y siendo uno de los más vendidos de todo 1994 en el país. Un hito que todavía es mayor si tenemos en cuenta que solo tiene dos números uno más en la lista británica en toda su carrera: “All I Want for Christmas Is You” y “Against All Odds”, la versión del tema de Phil Collins que hizo junto al grupo irlandés Westlife. En el continente europeo en general fue uno de sus grandes éxitos, y el tema tiene el récord de ser uno de los más populares en los programas de talentos.

La triste historia de los compositores originales de “Without You”

El éxito que logró Mariah Carey con la canción, sin embargo, no lo vivieron sus compositores originales, la banda de rock galesa Badfinger, que es considerada una de las principales exponentes del power pop en contraposición al rock sinfónico de la época, y que ha ido evolucionando hacia banda de culto.

En 1970, el tema fue escrita por los integrantes Peter Ham y Tom Evan, siendo este último al que se le ocurrió el mítico “I can’t live if living is without you”. Badfinger grabó la canción, pero no tuvo repercusión hasta que en 1971 Harry Nilsson decidiera versionarla con su voz, con la que lograría su primer tramo de éxito y ganaría un Grammy a la mejor interpretación masculina en 1973.

Pero gracias a la versión de Nilsson, la banda creció en popularidad y éxitos como “No Matter What” o “Day after Day” llegarían a las listas. Sin embargo, esto produjo tensiones y peleas dentro del grupo, que también se trasladaron a sus representantes, y uno de ellos se escapó con el dinero recaudado con la discográfica Warner Bros. Todas las situaciones llevarían al suicidio de Peter Ham con tan solo 28 años, y en 1983, cuando las discusiones volvieron, Tom Evan, se quitaría la vida en el jardín de su casa.

Harry Nilsson: el primero que llevó al éxito “Without You”

Lo trágico de esta canción, que ha hecho que circule una especie de leyenda urbana de que lleva una “maldición” con ella, no se queda con sus compositores originales, pues toca también a Harry Nilsson, que moriría una semana antes de que Mariah Carey lanzara de forma oficial la versión de su versión, aunque este llegó a escucharla tras haber sido grabada. Y es que él era el dueño del apartamento de Londres en el que se dio la fatídica coincidencia del fallecimiento de Cass Elliot, del grupo ‘The Mamas and The Papas’ en julio de 1974, y de Keith Moon, de ‘The Who’ en septiembre de 1978. De hecho, esto hizo que lo vendiera a un compañero de banda de Moon, Pete Townshend.

El cantante tuvo su mayor éxito en el álbum en el que se versionó “Without You”, ‘Nilsson Schmilsson’, con la que alcanzó el número uno en Estados Unidos, y que fue el que para los nacidos y crecidos durante la década de los 70 y 80 fue la voz de la balada romántica que sería luego una de las insignias de Carey para la generación milenial.

El ‘cover’ de Mariah Carey y sus derechos de autor, que generaron solo en su primer año más de medio millón de dólares, enfrentó a las familias de sus compositores originales, Ham y Evan, en una batalla judicial por los porcentajes que corresponden y que todavía continúa en la actualidad, en parte porque en su día no se repartió lo que generó la versión de Nilsson.

“A veces soy motor y otras veces ancla”. Aunque a Joaquín Pascual no le gustan los alegatos o los dogmas, esta frase de una de sus últimas canciones resume a la perfección el viaje, entre la luz y la oscuridad, una “rara felicidad”, de uno de los músicos y compositores españoles más prolíficos del panorama alternativo español.

Valenciano de nacimiento, se considera de Albacete porque allí se mudó desde muy pequeño con sus padres profesores. Y en esa ciudad sigue residiendo. Desde allí se convirtió en pionero en el desarrollo del rock alternativo en España desde los años 80 del siglo pasado, con una trayectoria que ha dejado una firme huella en generaciones de artistas posteriores, incluyendo a bandas como Los Planetas.

Tras su paso por Surfin’ Bichos, de la mano de su paisano Fernando Alfaro, Joaquín Pascual se consolidó después como líder de Mercromina, uno de los grupos fundamentales del indi nacional de los 90 y principios de los 2000. Desde 2005 firma sus discos en solitario. Una prolífica carrera llena de sensibilidad, compases lentos, pianos intimistas y universos emocionales que luchan por sobrevivir: ‘El ritmo de los acontecimientos' (2010), ‘La Frontera’ (2012), ‘La Frontera Scores’ (2013), ‘Una Nueva Psicodelia’ (2015), ‘EXJP’ (2019), ‘Valencia 2019’ (2021), ‘La Frontera Scores. Vol.2’ (2021) y ‘Baladas para un atraco’ (2022). Su último trabajo lleva el título ‘No hay nada que hacer por el romanticismo’.

¿Qué pasa con el romanticismo, por qué no hay nada que hacer?

El título del disco no deja de ser una opinión personal, una consecuencia de un proceso, no es tampoco un alegato ni nada de eso. Todo el disco gira en torno a un protagonista, un personaje, que se encuentra en un momento de su vida en el que su corazón se ha enfriado. Su perspectiva de la vida y de su interior se ha quedado un poco congelada. Ha vivido, no hace mucho, momentos sublimes a nivel emocional, muy profundos, y de repente ve que no siente nada, en medio de este mundo que le resulta un poco absurdo. Entonces, cree que ha perdido su espíritu romántico y ya no hay nada que hacer para recuperarlo.

Es un triste punto de partida, pero ¿también es un proceso vital?

Sí, todo el disco es un proceso en que esa persona, de forma no premeditada, va utilizando esa frustración y desencanto como arma para volver a ilusionarse y engancharse a la vida.

Porque sí que hay en las letras del disco tablas de salvación, asideros para salvarse.

Eso es justo lo que sucedió cuanto estaba componiendo la historia de este personaje. Las propias canciones son un arma para avivar la llama que estaba buscando. Y luego se da cuenta de que la mayoría de su desencanto no reside en él, sino que está a su alrededor. Si se fija un poco mejor, si centra su atención en aquellas cosas que merecen la pena, puede recuperar esa ilusión. Está en la propia construcción de las canciones y fue de forma inconsciente.

¿Es, por tanto, un disco conceptual, como sus anteriores trabajos?

Es así, pero luego es difícil de conceptualizar, porque empiezas con una historia, pero luego se va por otros derroteros. A mí me ayuda mucho, antes de empezar a escribir, poner el foco en algo, como si fuera el título de un libro, que crees que te va a llevar a un sitio, pero luego te lleva a otro. Por ejemplo, ‘Palabras para un atraco’ también empezó con una idea muy clara de lo que quería, pero llega un momento en que cambia. Normalmente, siempre me sucede lo mismo.

La referencia al fuego está en nuestro interior, como reflejo de la destrucción, del mundo en llamas en el que estamos viviendo

Ha mencionado la búsqueda de “la llama”. Hay muchas referencias a lo incendiario y al fuego. ¿A qué responde?

La visión del fuego es constante. Cuando estoy escribiendo las canciones, intento siempre que, a pesar de todos mis desvaríos con los textos o de la 'poesía de lo insignificante', haya ciertas referencias e imágenes que todos podamos entender. Y la llama es algo que todos entendemos. Cuando dices que has nacido en un incendio, todo el mundo sabe que me refiero a que la vida no es sencilla, que todo es fuego y vas caminando por ahí intentando no mirar, pero ahí está. Son intentos de concretar y de llevar a la gente al sitio donde estás. La llama o el fuego es lo que este personaje está buscando, pero que también está en su interior, como reflejo de la destrucción, del mundo en llamas en el que estamos viviendo.

Habla del personaje del disco en tercera persona. ¿No es usted?

(Risas) Me cuesta decir que soy yo. Tiene mucho de mí y tiene mucho de ficción. La mayoría de las cosas que cuenta, a lo mejor las compartimos, pero hay otras que no tanto.

La canción ‘Medio desnudo’ es una balada muy intrigante y muy romántica. ¿Puede ser la más alegórica del disco?  

Pues precisamente el disco al principio iba a llamarse así, pero luego cambié de opinión. La canción está justo en el centro del álbum y el título condiciona mucho, como lo que decía de los títulos de los libros. Esta canción nace como una especie de guiño a 'Mistery Girl', de Roy Orbison, y que tiene también un inicio de percusión. Esa canción es muy romántica y yo intenté que la canción caminara en ese nivel del crooner que canta sobre el misterio del amor. Alguien se ha escapado y se ha alejado de ti sin saber muy bien por qué y en ese proceso, has perdido un poco el corazón, te has quedado en tierra de nadie. Tiene ese punto entre homenaje a la canción modelo del pop-rock romántico y el resumen de todo el álbum.  

Es muy característico de sus discos los compases lentos y su estrecha relación con el piano, pero en sus trabajos anteriores también ha trabajado con sintetizadores. ¿Lo ha hecho también en este nuevo álbum?

No, en este no lo he hecho. Son ciclos como consecuencia de mi formación musical y de haber estudiado piano y de tocar la guitarra. Pero también me gustan los sintetizadores. No es algo demasiado reflexivo. Yo toco todos los días y utilizo unas cosas u otras dependiendo de cómo se construye. Por ejemplo, cuando hice los discos de piano, había piezas instrumentales que luego recuperé para el disco 'EXJP'. Depende del momento en el que te encuentras y del instrumento hacia el que sientes más empatía en ese momento, pero es algo que va surgiendo.

¿Cómo considera que ha sido su evolución desde su experiencia en solitario en los últimos 20 años?

Diría que por inercia, aunque la palabra sea muy vacía, muy fría. Es más como dejarme llevar por la situación, el ímpetu que tenga a la hora de componer. A veces estoy enfrascado haciendo producciones de otros músicos, de amigos, de compositores y compositoras, como ahora con Triángulo de Amor Bizarro. Voy caminando. Me gusta mucho la música y todos los días le dedico tiempo. Saco material cuando lo tengo. No me preocupan los periodos entre disco y disco, los hago conforme van viniendo. Es todo muy vital, no me lo programo. Hago música porque lo disfruto.

¿Se puede seguir hablando hoy en día de pop-rock indi o ‘alternativo’? Porque la línea es muy difusa...

(Risas) Eso no lo sabe nadie. Yo estoy completamente al margen del negocio de la música. Pero no porque quiera, porque sea más cool. Mi situación es la que es porque yo me la habré buscado, o porque el negocio ha pasado de mí o yo he pasado de él… No lo sé. Hay compositores y compositoras muy buenos a los que nadie hace caso, pero también otros que hacen muy buena música y están triunfando a lo bestia. Todo eso ahora es más abierto, más enorme que nunca. Tanto lo más comercial como lo más underground. Ahí cada uno tenemos nuestro espacio. Lo que sí sé es que todo esto no tiene que ver con lo que yo recuerdo de los 90. Ahora es otra historia. Esto todo inmenso, inabarcable.

¿Cree que es necesario que haya cierto compromiso social en la música, aunque sea desde el intimismo, desde el escudo frente a la realidad, como ocurre en su nuevo disco?

Creo que el discurso de un compositor, la creación de música, del tipo que sea, ya es un compromiso social en sí mismo. Estás compartiendo situaciones, deseos, sentimientos. Estás intentando hacer reaccionar al oyente, quieres hacerle sentir algo. Eso ya es una postura activa, comprometida. Luego está ya el discurso político, que yo no lo he contemplado nunca, no por nada, sino porque siempre me he centrado en los sentimientos, en esa llama de la que hablábamos antes, más interior. Ese ha sido mi camino. Aunque en este último disco sí que hay más miradas al exterior, mi compromiso es con las emociones.

El regreso discográfico de Surfin’ Bichos fue con 'Más allá' en 2023, el primer trabajo de estudio de la banda en 30 años ¿Cómo fue esa experiencia?

Fue un momento muy interrogante, casi inquietante. Fernando (Alfaro) nos propuso hacerlo, tenía canciones. Veíamos el legado que habían dejado los Surfin, lo bien que se había hablado de nuestra discografía y había miedo de que fuera contraproducente, pero al final, las canciones nos parecieron buenísimas y por qué no íbamos a hacerlo. No esperábamos una gran respuesta, pero sí hubo un público muy fiel, muy entregado, que sigue ahí, después de tantos años. Lo importante es que ese disco hace un poco de epílogo de nuestra discografía y lo disfrutamos un montón. De hecho, seguimos tocando, tanto el primero disco ('La luz en tus entrañas') como otros de la primera época. No buscamos conciertos intensamente, simplemente nos dejamos llevar. Y luego cada uno seguimos con nuestras historias individuales.

Eso significa que ese espíritu de finales de los 80 y principios de los 90 sigue ahí palpitando.

Sí, vamos tirando. Tocar con los Surfin es una válvula de escape, pero yo sigo haciendo conciertos pequeñitos y mantengo un poco el tipo. Voy viviendo esas dos historias, la mía personal como compositor y luego la de la banda, que es un poco más para disfrutar.

¿Y la química con Fernando Alfaro sigue inalterable?

Claro. Lo que más nos está llenando como compositores son nuestros discos en solitario y lo de la banda es una forma de disfrutar. Incluso llenamos algunas salas (Risas). Eso nos da energía y nos permite mantener nuestra inercia de compositores y seguir hacia delante. Es una forma de ver que todavía tiene sentido continuar.

*Los próximos conciertos de Joaquín Pascual para presentar su nuevo disco serán el 15 de febrero en Serial Parc de València; el 14 de marzo en el ciclo 'Microsonidos' de Murcia; el 20 de marzo en el Café La Palma de Madrid; y el 27 de marzo en Heliogàbal de Barcelona.