El teclista de la banda mexicana de synthpop e indierock Camilo Séptimo, Jonathan Meléndez (conocido como Honas), ha sido asesinado, junto a su esposa embarazada, su hija de tres años y la empleada del hogar, en su casa de Atizapán de Zaragoza (México).

Las autoridades mexicanas detuvieron este miércoles a dos hombres por ser los presuntos responsables del homicidio múltiple. Los cuerpos fueron hallados al interior de su residencia en los primeros minutos del miércoles, después de que vecinos de la torre residencial alertaran a la policía municipal tras escuchar disparos y gritos en el interior del departamento. Según la información difundida por las autoridades, el suceso habría ocurrido entre las 17:30 y las 19:40 horas del martes, mientras que los primeros agentes llegaron al inmueble alrededor de las 23:50 horas.

Al ingresar en la vivienda, los agentes localizaron sin vida a Meléndez, de 38 años; a su esposa embarazada Ana Paola, de 35 años; a la hija de ambos, de tres años, y a la empleada del hogar, de 21 años. Según información publicada por medios mexicanos, Meléndez, su esposa y la niña recibieron disparos en la cabeza, mientras que la trabajadora del hogar presentaba una herida de bala en la espalda. La mascota de la familia también fue encontrada sin vida.

En el lugar de los hechos, los servicios de emergencia localizaron además al otro hijo de la pareja, un menor de seis años, que fue encontrado tras el ataque, se encontraba dentro del domicilio sin signos aparentes de violencia física.

La banda ha publicado en sus redes sociales una despedida, en la que “con profundo dolor” despiden a su “querido hermano”. “Vivirán por siempre en nuestros corazones”, añaden, despidiendo también a su familia asesinada. “Honas, celebramos tu música, tu vida y tu luz”, terminan en el comunicado.

Artistas mexicanos como Enjambre, Caifanes, Motel, Ximena Sariñana o Silvana Estrada se han sumado a las condolencias.

Detenciones

Las detenciones de Diego Sebastián “N”, identificado como socio de Meléndez y señalado por las autoridades como presunto autor del crimen, y de Gerardo “N” se ejecutaron tras un operativo coordinado entre la Fiscalía General de Justicia del Estado de México (FGJEM), la Secretaría de Seguridad y Protección Ciudadana (SSPC) y la policía de la Ciudad de México. El secretario de Seguridad y Protección Ciudadana, Omar García Harfuch, afirmó que la coordinación entre las distintas instituciones permitió localizar y detener a ambos sospechosos en menos de 12 horas.

Fuentes federales confirmaron a EFE que la principal línea de investigación apunta a un robo que terminó en una masacre, facilitado por la relación comercial que unía a las partes; Diego Sebastián “N”, identificado como socio de la víctima de iniciales J.S.M.O., habría aprovechado la confianza mutua para acceder al domicilio con el consentimiento de la familia antes de perpetrar el ataque.

Las autoridades investigan también la relación entre los dos detenidos y su posible participación en los hechos. La Fiscalía de México identifica a Diego Sebastián “N” como el presunto autor material, mientras que por el momento no se ha precisado públicamente qué papel habría desempeñado Gerardo “N” en el homicidio múltiple.

Jonathan Meléndez era teclista, productor y fundador de Camilo Séptimo, una de las bandas mexicanas de indie rock más conocidas en el país. El músico y su familia residían en un apartamento en Grand Viure, en la zona de Bosque Esmeralda, en Atizapán de Zaragoza, al noroeste de Ciudad de México.

Vive Morente leo en un dibujo en una pared frente al bar Provincias donde entro a tomarme dos cañas furtivas y camino del siguiente bar veo el rostro de Lorca sonriente en la bolsa de tela colgada del hombro medio rojo por el sol de una turista que no sonríe y en el tren que me trae a la ciudad y al pasado, pues los trenes que nos llevan a las ciudades donde nacimos emprenden dos viajes, en ese tren veo la silueta de la Alhambra y arriba el Generalife apuntados bajo un sol tímido que estallará a media tarde como una supernova.

Granada ha temblado durante semanas, agitada como está por la muerte y los muertos que no descansan desde el lejano 1936, manchadas las tapias de sangre que nadie ha limpiado. Esa es la sangre que alimenta la ciudad, un río como de óxido debajo del río tapado por el asfalto. Esta es la ciudad de los muertos y el rey de esos espectros es Lorca, al que se va a conjurar esta noche en una ceremonia que otros llaman concierto en la que sobrevolarán fantasmas y presencias y espíritus, el de Leonard Cohen, el de Jesús Arias, el de Enrique Morente. Las canciones salían entonces, éramos niños casi, no éramos hombres, de un cd comprado con el dinero malahorrado de poner copas en el bar donde una noche conozco a Antonio Arias, dos, tres años después de lo que él llama el tsunami o quizá no usa esa palabra y mi memoria la sustituye por la que usó, el tsunami al que sobrevivió y yo lo llamé victoria pírrica y a él le gustó ese término.

Espera la noche en el Generalife donde se cierra la residencia de tres días de la gira aniversario de Omega en la que Kiki Morente toma el lugar de su padre y se pone al frente de una banda de cantaores palmeros guitarristas percusionistas y Lagartija Nick y al girarme para buscar el rostro de mis amigos Alonso y Alba con los que subo siento mi vieja camiseta de Slayer quedarse enganchada, treinta años antes, en un agujero que alguien ha hecho en la verja de Feria de Muestras de Armilla para que nos colemos al Espárrago Rock y nos colamos porque tampoco podríamos haber pagado las entradas y venimos a ver a Morente con los Lagartija que andan paseando el estrenado Omega y allí antes del concierto bebemos, bebíamos, calimocho malo calentorro y aprendimos que la muerte anda siempre cerca, olisqueando y cuando escuchamos a Enrique cantar tú vienes vendiendo flores, tú vienes vendiendo flores, las tuyas son amarillas, las mías de tos colores, alguien dijo aquella tarde de abril, recuerdo el miedo que me recorrió, alguien dijo que el amarillo era la muerte para Lorca. Omega nos enseñó a morir y esta noche y aquella tarde coexisten en el tiempo último con los ojos cerrados por la muerte futura.

Consigo una lata de Alhambra en los camerinos antes de que empiece todo, un abrazo rápido al guitarrista Juan Codorniú, elegante en su traje de rayas, un beso a Isa, siempre sonriente, entreveo al Popo, percusionista alto, pendientes de oro, colgantes, y allí está Estrella, más guapa que nunca y Kiki va imponente de negro y me gustan estos minutos previos, los nervios entre ellos del ratito antes, los abrazos, los golpes cariñosos, las confidencias, esa mezcla de timidez prudencia y amabilidad. Y salen al escenario, cercado por cipreses y nadie se le olvidará esta noche lo cerca que estamos del cementerio. El flamenco es una puerta que se abre desde dentro, decía Antonio, al que ahora no veo entre los demás, andará por ahí calentando, me acuerdo de algunas risas, claro, de la desconfianza, me acuerdo de que Omega es fruto de su empuje y sufrimiento y compromiso y la intuición de Enrique y Aurora, Enrique sonriente aquella otra tarde que es también esta tarde, en Armilla, con un punto guasón como siempre tenía, a la vez intenso y jondo y no se me olvida, cómo podría, que algunos, ellos saben quienes son, torcieron la cara ante el disco y los conciertos. Mirad debajo de las camas, os digo, o en el azogue de los espejos porque os espera algo escondido, fruto del impulso eléctrico que surgió de vuestro desprecio. Cada año crece y un día crece tanto que te devora las tripas y te ves desangrarte tú y tu desprecio de entonces.

Empieza la ceremonia en el Generalife y no sé si el tiempo transcurrido está delante o detrás, si me precede o me sigue, los recuerdos del futuro, adelantarse al pasado, Enrique Morente en Armilla hace treinta años, Kiki Morente aquí.

Salen los rockeros, las máscaras blancas casi mortuorias los protegen de las miradas, los flamencos aparecen a un lado y otro, enlutados elegantes serios concentrados, primero conquistaremos Manhattan, canta Kiki, sigue Antonio, después conquistaremos Berlín. Se verán en la pantalla tras ellos soles ardientes lunas oscuras evocaciones fantasmagóricas de Enrique como interrupciones e interferencias, la aurora de Nueva York gime, cantan Enrique y Kiki, por las inmensas escaleras y luego Antonio, que es flamenco porque canta flamenco, agua que no desemboca y aparece Israel Galván, medias altas y tacones cresta de claveles, en nombre de los heterodoxos y los raros y su baile me recuerda que esta fue la música de los raros y los heterodoxos y un poco de los desposeídos y Kiki toma el centro del escenario, por derecho, los focos rojos, y canta Enrique y canta Kiki, quién te escribirá canciones de amor, aprendimos a querer el flamenco, y sigue el Kyrie Eleison y un Martinete nos lleva a Omega (Poema para los muertos) Enrique hablando a su madre, Kiki hablando a su padre, todos evocando la muerte y todos cantamos, no lo podemos evitar lo de no duerme nadie, por el cielo nadie, Enrique y Kiki cantan a la vez en dos tiempos que son el mismo tiempo, se superponen, Antonio a un lado y otro de los dos y sigue el toque fino elegante de Juan Habichuela Nieto, se escucha el grito de asesinao por el cielo y el Aleluya que evoca a los amores perdidos como si fueran muertos esta vez con los teclados de Jota Jota que adquieren una textura misteriosa, se canta por el desamor como si fuera una derrota final, la tierra por ser la tierra, se comerá mi dolor, se evoca el Alegato contra las Armas de Enrique y Kiki termina cantando aquellos versos que cantaron Lole y Manuel, Señor de los espacios infinitos, tú que tienes la paz entre las manos, derrámala Señor te lo suplico, y enséñales a amar a mis hermanos y el Pequeño vals vienés adquiere una tonalidad melancólica casi dulce, un beso inesperado, los labios calientes que nos recuerdan que seguimos vivos y que podemos bailar.

Omega es un juramento, dice Antonio en el escenario antes de que se despidan, y veo a Popo jalear, alto y alegre en ese canto de vida y muerte, y aparece Aurora y se echa una pataíta y su belleza tiene algo frágil, de la misma fragilidad de esta noche y puedo ver en el rostro de Kiki el rastro de una emoción que le cuesta contener y en Armilla al mismo tiempo treinta años antes Antonio canta una letra de Val del Omar, eléctrico éxtasis, movimiento continuo en alta frecuencia, eternamente en vuelo, suenan las guitarras duras y Enrique entra por tangos, gitana si me quisieras te compraría en Graná la mejor cueva que hubiera, y a un lado está él y al otro, en el Generalife está Estrella que irrumpe en el bis de Manhattan como irrumpía su voz en aquel disco y no nos hemos recuperado aún de haber escuchado su voz y se cierran dos cortinas rojas enormes que llegan hasta el cielo en dos tiempos y veo a Rocío llorando sin parar y qué mejor que derramar lágrimas aquí en la Alhambra, donde tanto se perdió.

Veintiocho años atrás salimos en silencio por la puerta principal de la feria de muestras de Armilla, sin que nadie se percate de que nos hemos colado, el agujero en la camiseta de Slayer, las zapatillas viejas siempre rotas llenas de polvo, de regreso al barrio, los bolsillos sin un duro como siempre, con algo de hambre, con sueño, entendemos ahora mejor la ciudad en la que nacimos, la ciudad que nos espera para morir. Giro la cabeza, de vuelta al presente si es que existiera el presente, me protegen los bosques de la Alhambra y volvemos, después de un abrazo rápido con Kiki y un ole y otro con Antonio, que se quita el sombrero. Camino junto a Mafo y Berta, un rato en silencio, con una sonrisa triste. Agradecido a los muertos por vencer.

Un grave problema cardíaco acabó en 2009 con la vida de Lux Interior. 35 años antes, junto a Poison Ivy, había fundado The Cramps, la banda que en pleno apogeo del punk recuperó el rockabilly para transformarlo y pervertirlo más aún de lo que ya lo estaba desde su nacimiento.

The Cramps fueron una gloriosa irregularidad. Reivindicaron las raíces del rock a través de sus clásicos, untándolos bien con influencias como la serie B fantástica, las bandas de garage, el cine de terror y nombres como New York Dolls, T-Rex y, por supuesto, The Stooges. Fueron toda una provocación. Le devolvieron al rock su carácter lascivo, aquel que le imprimieron Elvis y Little Richard, pero también un escuadrón de ilustres olvidados (Charlie Feathers, Kip Taylor...) cuyos nombres reivindicaron a placer a lo largo de su trayectoria.

Cuando la muerte sorprendió a Lux Interior en 2009, el grupo ya se había erigido en una banda mil veces imitada pero irrepetible a base de predicar esas canciones que, como proclamaba el título de su primer e histórico álbum (Songs The Lord Taught Us, 1980), el Señor les enseñó. Un oscuro evangelio cuyo valor aumenta a medida que pasa el tiempo.

Ivy e Interior eran una pareja muy unida, tanto en lo personal como en lo artístico. Sin Lux a su lado, para ella nada relacionado con los Cramps tenía sentido. Se retiró de la vida pública y de la música. Ese es el motivo por el cual, en una época en la que el pasado del pop es constantemente reciclado, reenvasado y puesto de nuevo a la venta, no han aparecido reediciones de los discos del grupo. Problemas contractuales y malas decisiones profesionales persiguieron a la banda prácticamente desde sus inicios.

Hasta la fecha, solamente su primer álbum fue reeditado para su lanzamiento en cedé (en 1990), incluyendo algunas rarezas como temas extra. Paralelamente a eso, el mercado se ha visto invadido por discos con directos y colecciones de maquetas o temas perdidos, publicados sin pasar por los controles de calidad de sus verdaderos responsables. Desde hace unos meses, la situación ha cambiado.

Larry Hardy, director del sello independiente In The Red (cuyo catálogo está repleto de bandas herederas de los Cramps) convenció a Ivy para crear una empresa a través de la cual gestionar el catálogo, la mercancía y los derechos musicales de la banda. The Cramps Inc cuenta también con la participación del cineasta Jimmy Maslon (director de dos videoclips del grupo y de un documental sobre Hershell Gordon Lewis, artífice del gore). A partir de ahora, la música de Cramps, tanto la publicada como la inédita, tendrá la presencia y el respeto que merece.

Gravest Gravy es la primera entrega de este programa de lanzamientos que fans y aficionados en general han aplaudido desde que se anunció hace un par de meses. Publicado por Vengeance el pasado 21 de agosto, la marca que el grupo creó en 1977 para sacarse sus primeros sencillos (y agotadas ya las ediciones en vinilo), rescata las sesiones que registraron en octubre de 1977 en los estudios Ardent de Memphis, Tennessee, de la mano de Alex Chilton. De aquellas sesiones ya se conocían las canciones Surfin’ Bird, The Way I Walk, Human Fly, Domino y Lonesome Town que acabaron dando forma al mini álbum Gravest Hits (1978) y que recopilaba los dos primeros singles de la banda y un tema que no figuraba en ellos.

En 1989, Lux e Ivy mezclaron varios de los temas de Ardent que habían quedado sin estrenar para publicarlos en un álbum. Luego surgieron otras prioridades y el proyecto fue archivado. En 2008 decidieron retomarlo, pero la muerte de Interior impidió nuevamente que viera la luz. Gravest Gravy era un disco ya hecho, con los temas, la portada y el título decididos. Durante una visita a casa de Ivy, Hardy vio una caja con las cintas y preguntó qué era aquello. Así empezó todo. Dos fans devotos, Henry Rollins e Ian McKaye (Fugazi), han supervisado la edición del álbum con doce temas donde el embrión del sonido de The Cramps ya está más que formado.

Cuando se grabaron estas canciones, los Cramps ya empezaban a estar hartos de cómo se les trataba en Nueva York. La escena underground de la ciudad siempre tuvo a gala ser muy diversa, pero por lo visto, esa diversidad tenía unos límites. La crítica local se tomó su estilo como un chiste revivalista y muchos compañeros de escena los miraron por encima del hombro, a pesar de que algunos, como ocurrió con Ramones, les copiaron ideas.

Ivy y Lux habían llegado allí a finales de 1975, atraídos por el aura de una de sus formaciones favoritas, los New York Dolls. Estos acababan de separarse cuando llegaron allí, pero la ciudad les pareció perfecta para desarrollar el grupo que la pareja tenía en la mente. Su planteamiento era hacer música que devolviera el rock & roll a sus raíces más salvajes. Para ganarse la vida y poder poner en marcha la banda, Lux empezó a trabajar en una tienda de discos, mientras que Ivy se ganaba el sueldo como dominatriz.

En la tienda, Lux conoció a un comercial, admirador de Brian Jones, elemento perfecto para acabar de consolidar el grupo. A ambos les unía la pasión por los Stooges y a Ivy le llamó la atención que ella y Gregory cumpliesen años el mismo día. A él, una pitonisa le había dicho que en uno de sus cumpleaños conocería a alguien que le cambiaría la vida.

Lux era el vocalista, Ivy la guitarrista, pero Gregory se negó a tocar el bajo, instrumento fundamental en el rockabilly. Se empecinó en tocar la guitarra y su estilo marcó el sonido primigenio de los Cramps. El sonido de ella era más respetuoso con el del rock & roll clásico, inspirándose en gente como Link Wray, pero también en instrumentistas como The Duchess (alias de Norma Jean Wofford), Peggy Jones, Gloria Jolivet, Cornelia 'Cookie' Redmond o Debbie Hastings. “No sé por qué tocar la guitarra se considera un arte masculino —declaró—, salvo porque los hombres se han apropiado de ello. No requiere una fuerza especial ni un patrón cerebral masculino. De hecho, es algo muy femenino”.

Por su parte, Gregory se inclinaba más por el ruido y la distorsión y eso le dio un toque más contemporáneo a las grabaciones en las que participó. Le gustaba Elvis, pero también modernos como Gang Of Four y PiL. Esto derivaría en una serie de diferencias creativas que culminaron con su abrupta salida del grupo en 1980. Antes de eso, el caos y la violencia de su guitarra colaboraron a que Songs The Lord Taught Us se convirtiera en la obra maestra que es.

Los Cramps que se fueron a Ardent estrenaban nuevo batería. Tras haber probado suerte durante sus primeros dos años con Pam Balam primero y con Miriam Linna después, Nick Knox se había hecho con el puesto. A pesar de que tuvo que aprenderse el repertorio en unos días, su aportación sonora ya es notoria en Gravest Gravy. Su manera de golpear la batería, básica y rudimentaria, abre TV Set, una de las canciones emblemáticas de la formación en la que Interior ejerce como solamente él sabe hacerlo de Elvis poseído por Satanás mientras Gregory cortocircuita la canción con uno de sus característicos solos.

En el blog de Bandcamp, Henry Rollins destacaba que uno de los méritos de este disco es que incluye versiones que formaban parte de los primeros directos y que fueron desapareciendo a medida que iban saliendo las canciones originales. Entre dichas joyas ajenas está Hungry, de Paul Revere & The Raiders, y Problem Child, de Sam Phillips, fundador de Sun Records, cuna discográfica de Elvis, Carl Perkins y otros pioneros del rock & roll.

Los Cramps tuvieron ocasión de conocerlo durante aquella primera estancia en Ardent. “Le contamos que teníamos todos los singles de Sun, y él nos dijo: ”Bueno, ¿sabéis una cosa? Tenéis suerte“. Llevaba unas de esas enormes gafas que le agrandaban los ojos; parecía un monstruo del espacio exterior”. Así relataba Lux aquel encuentro a Dick Porter en el libro Viaje al centro de los Cramps (cuya edición en castellano en Liburuak ya lleva tres ediciones, la última de ellas con traducción revisada).

La idea era grabar solamente los temas necesarios para los singles que querían sacar, pero Chilton, otro personaje musical al margen de modas y fiel a sus gustos, los animó a que registraran todo lo que tenían. Por lo tanto, Gravest Gravy no es una colección de maquetas sino un disco que pudo haber sido el primero de la banda. Contiene versiones más salvajes de I Can’t Find My Mind y The Natives Are Restless, que volverían a hacer en su segundo álbum, Psychedelic Jungle (1981) con Kid Congo Power sustituyendo a Gregory. También están Twist & Shout y Weekend On Mars, ambas firmadas por Interior/Ivy, que nunca aparecieron en sus discos de estudio. En su crítica para Record Collector, Johnnie Johnstone, hablando de su versión de Hungry, dice algo que sirve para definir la esencia de los Cramps: “Es una brillante muestra de su genialidad para degradarlo todo hasta extinguir cualquier atisbo de decencia”.

Sean Seymour, compañero junto al fallecido Tom Verlaine del guitarrista Richard Lloyd en la influyente banda neoyorquina Television, ha impulsado esta semana una campaña solidaria a través de la plataforma GoFundMe para ayudar al artista de 74 años. Lloyd fue diagnosticado el pasado marzo de 2026 de colangiocarcinoma, un tipo de cáncer muy agresivo que afecta al conducto biliar y al hígado por lo que no puede subir a los escenarios.

La imposibilidad de salir de gira ha dejado a su familia sin el principal sustento económico en un país como Estados Unidos, donde la ausencia de cobertura sanitaria pública y universal devasta las economías de los trabajadores culturales. A esto se suma que su esposa, Sheila, ha tenido que dejar su empleo para volcarse por completo en los cuidados continuos que requiere la enfermedad del guitarrista.

El cuadro médico del cofundador de la mítica banda Television se ha complicado en los últimos meses tras ingresar siete veces en cuidados intensivos. Entre los episodios más graves sufridos por el músico hay dos cuadros de sepsis y fallos severos en la función de sus riñones.

Míticas figuras de la escena musical anglosajona, como la cantante Patti Smith o Susan Tweedy, esposa del líder de Wilco, se han sumado a las donaciones, que ya alcanzan casi los 70.000 dólares (60.000 euros) de los 80.000 (68.600 euros) que pretende recaudar. Además de la falta de ingresos por no poder salir de gira, se añaden además varios impagos por derechos de autor que el artista arrastra desde hace dos años.

El músico alcanzó la cumbre del rock tras cofundar la banda Television en el Nueva York durante los 70, liderando junto a Tom Verlaine. Su álbum de debut Marquee Moon está considerado por la crítica como una obra maestra y un clásico, con sencillos memorables como la que da nombre al disco o Prove It.

“Por lo general soy optimista, pero la situación se ha vuelto muy difícil y financieramente estamos al límite”, ha explicado el propio Lloyd en un mensaje publicado en la web de la recaudación. La iniciativa pretende ofrecer liquidez inmediata a la pareja mientras el equipo médico determina los siguientes pasos de su tratamiento.

La dramática situación de Lloyd no es un caso aislado dentro de la industria musical independiente estadounidense. Otras figuras de la escena cultural como David Thomas del grupo de rock Pere Ubu o miembros de Bad Brains han recurrido en los últimos años a las plataformas de recaudación para financiar sus tratamientos. Otro de los casos fue el músico Matthew Sweet quien pidió apoyo colectivo para pagar un avión medicalizado y su hospitalización tras sufrir un colapso en Canadá sin cobertura sanitaria.

Este 21 de agosto, a partir de las 22:00 horas regresa a Ribatajada (Cuenca) la 11ª edición del Festival de Rock Marca Propia.

Un encuentro musical gratuito organizado por la Asociación Cultural Paralelo 40 que reunirá a diferentes grupos del panorama nacional.

Primeramente a Miguel Costas, el icónico compositor, guitarrista y cantante, fundador de grupos como Siniestro Total y Aerolíneas Federales, “una pieza fundamental” para conocer la música de los años 80 y 90, según detallan desde la organización. Ha escrito en 2026 el libro autobiográfico ¡Esas Palmas, Coño! , y es el autor de míticas canciones como Bailaré sobre tu tumba, Miña terra galega o No me beses en los labios. Su música llenará el escenario a las 00:30 horas.

Compartiendo cartel estará el grupo Mamá Ladilla, el trío de punk-rock y rock cómico encabezado por Juan Abarca presentará su último trabajo Molestar General, en el que sigue fusionando letras ácidas y satíricas con una “gran técnica” instrumental y una composición musical “extremadamente compleja y elaborada, de enorme calidad”. Tocarán a las 2:30 horas.

Junto a ellos, los enmascarados Gomad & Monster a las 4 de la mañana, pondrán el punto electrónico con base rock y drum and bass que los ha catapultado a la fama. Han conseguido que su música sea parte de la banda sonora del reconocido videojuego Need for Speed y han hecho de teloneros del grupo Prodigy en varios países europeos.

Visibilidad a grupos locales

Completa el cartel dos bandas con componentes con raíces en Ribatajada. Hambruna, grupo de punk-rock y streetpunk formado por experimentados músicos de la escena local, curtidos en La Dama Oscura, Krak o Kuero y que con esta nueva formación han tenido una magnífica acogida en sus directos. Actuarán a las 23:15 horas.

De Ribatajada es también el cantante de Elementos Dinosaurios, grupo de reciente creación que combina canciones propias y versiones rock, con una puesta en escena “muy disfrutona” que abrirá este año el Marca Propia a las diez de la noche.

40 aniversario de Paralelo 40

Por otro lado, durante el fin de semana se celebrará el 40 aniversario de la Asociación Cultural Paralelo 40. El sábado 22 una jornada de charanga a la hora del vermú, así como una sesión de DJ con Jay Leggan y otros invitados a partir de la medianoche.

Desde la asociación explican que este festival nació con la intención de animar la vida sociocultural de Ribatajada y dar a conocer la comarca conquense de El Campichuelo. Señalan que para financiar el coste del mismo, contará con una barra con precios populares y parte de lo recaudado será destinado a obras sociales.

Frank Beard, baterista original del trío texano ZZ Top, falleció el martes a los 77 años en su rancho de Richmond, Texas, tras una larga trayectoria musical de más de medio siglo.

“Hoy, Elwood (Francis) y yo perdimos a un gran amigo y colaborador, y el mundo perdió a uno de los bateristas más innovadores por naturaleza y a un gran y verdadero hijo de Texas”, escribió Billy Gibbons, cantante y guitarrista de la banda, en redes sociales. Francis no es parte del trío original, ya que se unió a la banda como bajista en 2021, tras el fallecimiento de Dusty Hill, el tercer miembro original de esta banda.

Gibbons también destacó el “característico 'backbeat'” (un acento rítmico que se coloca en los tiempos débiles de un compás) de Beard, asegurando que fue clave “para mantener a ZZ Top en la cima”.

La agrupación, formada en 1969 en Houston por Billy Gibbons, Dusty Hill y el propio Beard, se caracterizó por combinar un inconfundible boogie blues rock texano con una imagen visual de barbas largas, gafas oscuras y sombreros.

Beard, cuyo apellido significa “barba” en inglés, era, irónicamente, el único integrante del trío sin barba larga y, en su lugar, usaba bigote, un contraste que la banda explotó con humor en varias ocasiones.

A lo largo de más de cinco décadas junto a ZZ Top, el ritmo de Beard fue la base de algunos de los mayores éxitos del rock texano, como 'La Grange', 'Tush', 'Sharp Dressed Man' o 'Legs', entre otros.

Con él en la batería, la banda vendió más de 50 millones de discos, colocó seis sencillos en el número uno de la lista Mainstream Rock Airplay de Billboard y fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

La Toba es un pueblo de apenas 70 habitantes en la Sierra Norte de Guadalajara. Hace ya casi un mes que un incendio declarado unos 45 kilómetros al sur, en La Mierla, devoró 33.000 hectáreas de esta zona de la provincia, aunque las llamas no llegaron hasta el pequeño municipio.

Dentro de unos días, el próximo 20 de agosto celebrarán la IV edición de La Toba Rock, un evento musical que surgió como proyecto de una treintena de amigos del pueblo. La mayoría vive fuera, pero el festival “se convierte en punto de encuentro cada verano”, explica Carolina Corujo Salazar. Ella forma parte de la Asociación Cultural que lo organiza. “Este tipo de actividades son un punto de encuentro para todos”.

Su marido grabó hace unos días imágenes del rastro del voraz fuego mediante un dron. “Muchos vecinos todavía no lo han visto. Yo tengo familia que no se lo imagina. No se puede hasta que no entras por la carretera de Veguillas y ves que no hay nada”.

Carolina cuenta que el arranque del festival servirá para guardar un minuto de silencio. “No se ha cobrado ninguna vida humana por fortuna, pero sí ha afectado a la flora y a la fauna. Y es que esto es nuestra vida”, comenta emocionada.

“Ha sido una tragedia”. Todavía recuerda aquel día. “Salimos a darnos un baño en el pantano de Alcorlo y pensábamos que iba a llover. Estaba negro. Hasta que vimos el humo y cómo salía de La Mierla. En dos días lo teníamos encima. Subíamos al Mirador a verlo y era como estar en el infierno. Absolutamente sobrecogedor. No llegaron a evacuarnos y el confinamiento en nuestro caso fue voluntario. Nos lo pidió el alcalde”.

Estos días muchos pueblos del entorno han suspendido sus fiestas patronales, pero el festival quiere ayudar a levantar el ánimo. La música puede sanar. De alguna forma. “Nos permite juntarnos, bailar y pensar que se puede”. Carolina Corujo cree que “hay que ir todos a una”. En los últimos días han surgido plataformas ciudadanas. Quieren organizarse para buscar ayudas y soluciones que permitan iniciar la recuperación. “Cuanto más unimos estemos todos, más podremos hacer por salir de esta situación. Quizá no sea como antes, pero hay que ir todos juntos”, insiste.

El festival ya tenía mucho de reivindicativo. La Toba forma parte del colectivo vecinal '¡Ni catas ni minas! Plataforma Río Cañamares-Sierra Norte' que se opone a un proyecto empresarial que quiere buscar oro en esta parte de Guadalajara y que espera permiso para realizar prospecciones en unas 15.000 hectáreas.

“Nosotros no estamos de acuerdo con que se estropee nuestra tierra y bastante hemos sufrido con los fuegos”, comenta Carolina. El incendio de La Mierla no ha sido el primero en la zona. En septiembre de 2025, otro fuego declarado en Peñalba de la Sierra, junto al Pico del Lobo, una de las montañas referentes de esta zona serrana tuvo en jaque a los efectivos de extinción, y también a vecinos y vecinas, durante tres semanas. Aunque este año ha sido mucho peor. Entonces 'solo' ardieron unas 3.000 hectáreas.

Homenaje a Robe Iniesta, líder de Extremoduro

La Toba Rock es un festival gratuito que se celebrará en la campa agrícola del pueblo, donde habitualmente se deposita el trigo de la cosecha. Comenzará a las 20 horas y se prologará al menos hasta las tres de la madrugada.

Este año durante el festival se rendirá homenaje a Extremoduro, cuyo líder Robe Iniesta falleció en diciembre de 2025. “Ha sido a petición popular. Todo el pueblo se sabe sus canciones y de ese tributo se encargará Amor Castúo”.

También estará la banda Presbicia, que encabeza el actor y director de cine Daniel Guzmán, conocido entre otros papeles por su participación en la serie televisiva La que se avecina. Su actuación será un tributo a La Polla Records.

Además, por el festival pasará el grupo de punk Arpaviejas, junto a Shöck, banda bilbaína de punk rock y Sangre Salvaje. “El cantante es del pueblo y es el tercer año que vienen”. Les acompañarán dos bandas locales que se encargarán de abrir el evento.

“Para organizarlo nos ayuda el ayuntamiento, pero también vendemos papeletas, merchandising y hasta productos locales que ponen la carnicería, las personas que elaboran miel…”

La Asociación Cultural ya celebró el pasado abril, coinciendo con la Semana Santa, un evento cultural para calentar motores bajo el lema 'El Santo Arte'. “Dimos a conocer obras de artistas del pueblo. Hicimos un mural en el lavadero que ha quedado muy bonito, recordando cómo se trabajaba en el pueblo en otros tiempos”, explica Carolina . Otro de los murales sirvió para homenajear al sector del cómic, con un guiño a Pedro Pico y Pico Vena, la conocida serie de historietas que el dibujante Carlos Azagra creó para la revista semanal 'El Jueves', allá por 1984.

En un momento en el que los biopics musicales están a la orden del día, con el estreno de ‘Michael’ como una de las películas del año, llega una nueva propuesta basada en una banda real, aunque no es un proyecto al uso como narrativa biográfica.

Este es ‘Nimrods’, una película que es la incursión de la banda Green Day en el cine, y que, aunque se basa en los primeros años del grupo, que llegó a ser fenómeno mundial del punk rock, la trama no es exactamente solo la historia de ellos.

La primera incursión de Green Day en el cine

Producida por Live Nation Studios, la película ‘Nimrods’ es el último proyecto musical en el cine, que llega a las salas de cine de Estados Unidos este 14 de agosto, y que en España se exhibe ya desde el pasado lunes.

Este largometraje, que se basa en los primeros años de Green Day, sigue a tres adolescentes que van en busca de su sueño de triunfar en la música, lo que reflejaría de forma directa como se produjo el ascenso en la vida real de la banda estadounidense de punk rock que alcanzó el éxito masivo con su disco ‘Dookie’ de 1994, en el que sonaron canciones míticas como “Basket Case”, “American Idiot” o “Good Riddance” y que los llevaría a una trayectoria de cuatro premios Grammy.

La película está escrita y dirigida por Lee Kirk y sigue a Tommy, que es interpretado por el actor Mason Thames, que busca ser telonero de Green Day después de haberles entregado una maqueta durante un encuentro de la banda con fans. Después de que los inviten a formar parte del concierto de Nochevieja, Tommy y sus compañeros se embarcan en un viaje por Estados Unidos que irá desde Kansas a Los Ángeles.

Basado en los propios comienzos de la banda

Esta historia de los inicios de un grupo de música como telonero y viajando por todo el país se basa directamente en lo que fue el comienzo de Green Day. “Nuestro primer sueño fue dar un concierto y finalmente tuvimos la oportunidad de hacerlo”, repasó el vocalista Billie Joe Armstrong ante el diario The Independent.

“Nunca sabes, cuando estás viviendo esos momentos de tu vida y estás haciendo cosas geniales, que en ese momento no te das cuenta de que eso se convertirá algún día en una escena memorable de una película”, dijo el baterista Tre Cool en la misma entrevista.

Green Day aseguró que a través de esta película su objetivo es capturar la mentalidad juvenil y la actitud rockera del grupo, a la vez que se inspiraron en películas como ‘Rushmore’ para crear el proyecto. A pesar de que gran parte de la trama gira también sobre la banda real, el grupo no aparece en pantalla y tendrá más protagonismo como mención y también en la banda sonora.

“Rosalía me salvó las Navidades”. Puede parecer una hipérbole, pero esta frase condensa la delicada situación de algunas tiendas de discos independientes. Pepe Dana, propietario de Riff Raff, explica esto mientras levanta la persiana de su parada y saca las cubetas de discos a una mesa plegable que tiene a pie de calle. “Su disco Lux ha sido un fenómeno absoluto. Nunca había vendido tantas copias de un mismo álbum. Salen discos de los Stones, de Madonna, de Foo Fighters... y se venden bien, pero lo de Rosalía fue increíble”, insiste Dana, que despachó unas 50 unidades del último trabajo de la artista catalana más universal.

Con permiso de la cantante de Sant Esteve Sesrovires, la verdadera salvación de Riff Raff llegó antes, con la concesión de un puesto exterior en el Mercat del Centre de L'Hospitalet de Llobregat a finales de 2025. “El negocio sigue vivo porque pago unos 120 euros al mes. No podría permitirme un local comercial convencional en esta misma zona vendiendo únicamente discos”, explica Dana, cuyo negocio ha pasado por otros tres locales desde su inauguración en 2013.

El emplazamiento actual es, con diferencia, el más barato y también el más pequeño. Los clientes más viajeros aseguran que es la tienda de discos más pequeña de Europa. Sea como sea, en sus apenas ocho metros cuadrados se amontonan varios cientos de discos en formato vinilo y CD, también libros, principalmente de temática musical.

Riff Raff no solo es singular por sus dimensiones y su ubicación en un mercado de abastos. También es la única tienda de discos de L'Hospitalet, la segunda ciudad de Catalunya, con casi 300.000 habitantes. Esto, que parece jugar a favor del negocio de Dana, evidencia un cambio de hábitos, una nueva forma de consumir música.

“Antes ibas a tu tienda favorita el día que salía el disco. Ahora puedes comprarlo por internet, a unos grandes almacenes o directamente a la banda, y te lo envían a casa. Hay tantos canales que cada vez cuesta más dedicarse solo a vender música”, asegura Dana, quien considera que no puede competir “ni con precio ni con rapidez” con los gigantes del comercio electrónico.

“Mi única ventaja competitiva es el trato”, defiende el vendedor, de 59 años, que disfruta consiguiendo discos descatalogados o ediciones limitadas y, sobre todo, recomendando discos a su clientela.

“Los vendedores somos algoritmos humanos. Si me viene alguien y me dice que quiere hacer un regalo a una persona que escucha a los Beatles, los Rolling Stones o Tina Turner, proceso toda esa información y le sugiero un disco”, explica Dana, orgulloso de sus estadísticas como prescriptor musical: cero devoluciones e incontables felicitaciones.

Una comunidad musical

Durante la entrevista para la preparación de este artículo, un cliente habitual recogió un recopilatorio de la mítica sala CBGB de Nueva York, otro preguntó por un estuche para guardar sus compactos y otro se interesó por el estado de un pedido. “Lo que más me gusta es conseguirle a alguien un disco que parece imposible –cuenta Dana–; y me pongo muy nervioso cuando veo que no puedo encontrarlo. Eso sí, la satisfacción al conseguirlo es gigante”.

Así, implicándose y ofreciendo un trato cercano, ha conseguido crear una comunidad alrededor de su negocio al por menor.

Su cliente más habitual suele ser un hombre (70%, calcula) de más de 40 años que escucha mayoritariamente punk, rock y heavy. “Entiendo que los más jóvenes no compren tantos discos como nosotros cuando teníamos su edad”, apunta el vendedor. “Ahora tienen toda la música a un clic, y los discos en formato físico no son baratos. Tengo clientes de veinte o treinta años que no compran más porque económicamente no pueden. También quieren salir, ir al cine y comprar entradas para conciertos”.

Todo empieza con Elvis

El primer recuerdo musical de Dana se remonta a los primeros años setenta: “Mi madre me dejó delante de la televisión con un bocadillo de Nocilla mientras ella hacía cosas por casa. Vi a Elvis cantar y bailar y recuerdo perfectamente que aquello me revolvió algo por dentro”.

Unos años más tarde, rememora este melómano nacido y crecido en L'Hospitalet de Llobregat, descubrió con seis o siete años bandas como Supertramp, T-Rex, Deep Purple y Kraftwerk gracias a unas vecinas: “Mis padres trabajaban y algunos días me quedaba con ellas. Tenían un 'comediscos' y me dejaban poner discos”.

Ya de adolescente, cursó estudios de mecánica en el actual Institut Escola del Treball y descubrió el heavy metal de la mano de uno de sus mejores amigos entonces. “Él era un fanático de Kiss y, gracias a él, fui a mi primer concierto”.

Durante años, trabajó en la fábrica de Seat en Martorell y aprovechó esos primeros sueldos para empezar su colección de vinilos. En los ochenta, recorría las calles de Tallers i Riera Baixa, el paraíso en la tierra para los melómanos por la gran cantidad de negocios dedicados a la música que allí se concentraban.

Un día, cansado de la rutina en la cadena de montaje, vio un anuncio: Gong Discos busca un vendedor para la campaña de Navidad. “Cobraba bastante menos que en la fábrica, pero me gustaba muchísimo. Iba al trabajo feliz”, rememora Dana, que trabajó por cuenta ajena en esa tienda durante unos cinco o seis años.

Momento decisivo

La cadena Gong Discos cerró en 2013 y Dana solo vio una opción: capitalizó el paro y montó su propio negocio. Así nace, empujado por las circunstancias, la primera encarnación de Riff Raff.

“El primer local era enorme y pagaba un dineral. Pensaba que funcionaría como Gong Discos, pero me pegué un buen trompazo”, recuerda. El nombre, aclara, viene por la canción de AC/DC y por la película de Ken Loach, uno de sus cineastas favoritos, pero también por su significado: el marginado, el outsider: “Pensé que si me gustaba por la música, por el cine y además significaba eso, era perfecto. Somos cuatro gatos y muy de barrio”.

La concesión del puesto que ocupa Riff Raff expira en 2045, por lo que Dana confía en poder jubilarse allí: “Veremos cómo evoluciona el mercado, porque todo dependerá de si la gente sigue valorando el formato físico”. Pero, apostilla, también de que artistas y bandas como Rosalía, Rolling Stones y Foo Fighters sigan publicando discos capaces de conectar con el público.

Está entre las canciones favoritas de Barack Obama y fue una de las que interpretó Dua Lipa durante el paso por España de su última gira, un tema universal que repetía hasta 27 veces su título durante su ritmo pegadizo. Hablamos de ‘Me gustas tú’ de Manu Chao, que hace 25 años era número uno en España.

Y es que fue una de las canciones que sonaron durante el verano de 2001 e hizo mundialmente reconocido a su artista, que destaca por su capacidad de fusionar géneros tan distintos como el reggae, punk, rock, ska o alternativo y que más de dos décadas sigue en activo, aunque sin conceder entrevistas a medios y con giras lejos de lo multitudinario.

25 años de ‘Me gustas tú’, de Manu Chao

‘Me gustas tú’ de Manu Chao fue lanzada el 14 de mayo de 2001 como primer sencillo del disco ‘Próxima estación: Esperanza’ y que fue un éxito mundial, número uno en varios países, entre ellos España, donde llegó a lo más alto ese mismo verano.

Parte de su éxito se debió a la repetición de la frase ‘Me gustas tú’, que se escucha hasta 27 veces durante la canción y que incorpora una referencia a la emisora cubana Radio Reloj en la parte que se puede escuchar y dice: “Doce de la noche en La Habana, Cuba. Once de la noche en San Salvador, El Salvador.”

Manu Chao es un artista que se ha caracterizado por ser muy comprometido socialmente. Creció en un ambiente intelectual, en parte por su padre, el escritor español Ramón Chao, y desde joven se sintió atraído por la creación artística, formando su primera banda con tan solo 14 años en París. La fama, sin embargo, le llegaría en 1987, con 26 años, con el grupo Mano Negra que integró junto a su hermano y su primo.

El grupo, que se mantuvo activo hasta 1994, se caracterizó por mezclar rock, salsa, ska o hip-hop, además de por sus letras políticas y sociales, al mismo tiempo que activistas. Tras la disolución, Manu Chao se animó a seguir en solitario, pero mantuvo el carácter de la banda con la que se hizo un nombre en la música, todo ello a pesar de que su canción ‘Me gustas tú’ sonara en todo el mundo.

Él continuó haciendo giras modestas, tocando en pueblos remotos, en plazas de pueblo o incluso tocando gratis, pues considera que la cultura debe ser libre y accesible, a la vez que cercana, para todos. Ese perfil bajo lo ha mantenido también al no conceder entrevistas desde 2010, aunque sigue activo en la música.

Sampleada por Myke Towers y versionada por Dua Lipa en España

Con más de 400 millones de visualizaciones, ‘Me gustas tú’ de Manu Chao es un éxito que ha traspasado generaciones, siendo un ejemplo el hecho de que fuera sampleada por Myke Towers en su canción ‘Girl’ o que Dua Lipa la escogiera para interpretar en directo en su segundo concierto en Madrid durante su gira ‘Radical Optimism’.

La joven artista entonces explicó porque la escogió: “Es muy especial para mí porque cuando yo era más joven yo viví en Prístina (Kosovo) y allí no teníamos muchos artistas que vienen para cantar. Pero hay un artista de España que vino. Desde ese momento, esa canción es una de mis favoritas”, un hecho que también es una prueba más del activismo de un cantante que dejó huella con su ‘Me gustas tú.

En apenas unos años, un grupo de amigos de la infancia pasó de tocar juntos en bares de Colombia a alcanzar las listas de éxitos de varios países, tener un premio Latin Grammy tras varias nominaciones y convertirse en una de las bandas latinoamericanas más importantes del panorama musical en español. Y gran parte de ello sucedió gracias al que fue su primer sencillo en solitario, que hace diez años se colocó en lo más alto en España.

Hablamos de la banda colombiana Morat, y de la canción “Cómo te atreves”, que fue número uno hace diez años en España y que les abrió las puertas de la fama en nuestro país, que sirvió como primer paso hacia un éxito que no ha parado de crecer desde entonces.

“Cómo te atreves”: la canción de Morat que habla del desamor y se usa en fiestas

Un 6 de agosto de 2016, “Cómo te atreves” conseguía su primer número uno en los 40 principales en solitario, lo que marcaba el comienzo de su éxito en España y que abría la puerta a su primer disco, “Sobre el amor y sus efectos secundarios”, que confirmaría el inicio de una carrera que ha llegado hasta cosechar un premio Latin Grammy el pasado noviembre de 2025. Pero la banda Morat no era totalmente desconocida antes de llegar a ese número uno, pues ya había saboreado las mieles del éxito con la colaboración junto a Paulina Rubio con “Mi nuevo vicio”, un tema que ellos mismos habían compuesto y que fue producida junto a Mauricio Reginfo, uno de los integrantes del dúo ‘Cali & El Dandee’, en 2015.

Aquella colaboración dio fruto de Disco de Platino y les abrió un contrato discográfico que daría lugar a su primer álbum de estudio, que consolidó su éxito, en parte gracias a “Cómo te atreves” y les valió su primera nominación a un Grammy Latino a Mejor artista nuevo. En varias entrevistas, Morat ha recordado como fueron aquellos momentos tras la salida de la canción:

“Para nosotros fue una locura. Cuando salió ‘Cómo te atreves ya vivíamos en España y esa canción nos cambió la vida por completo, lo que pasó con ella fue completamente imprevisible para nosotros”, recordaba Juan Pablo Isaza, uno de sus vocalistas en una entrevista en Cadena 100, en la que rememoraban su primer gran éxito.

Una canción que, debido a su ritmo y su pegadizo estribillo, y aunque habla del desamor y de cómo esa persona que pensabas olvidada vuelve, el tema ha derivado con los años en un tema que suena en celebraciones: “Se ha vuelto como una canción de fiesta que nosotros tampoco entendemos muy bien. Porque nosotros nunca hicimos ‘Cómo te atreves’ con la intención de que se bailara o con la intención de que fuera una canción de fiesta” comentaban desde el grupo en esa misma entrevista. El éxito de “Cómo te atreves” les abrió las puertas de la industria musical y desde entonces han llegado a colaborar con figuras de la talla de Juanes, Sebastián Yatra o Aitana, que ha ido enriqueciendo su estilo y conectar con nuevos públicos.

La historia de Morat: de tocar en un bar casi sin público a ganar un Grammy

La banda colombiana tiene sus orígenes en Bogotá, donde siendo niños se conocieron y comenzaron a tocar juntos, aunque el momento clave fue 2014. Fue cuando adoptaron el estilo que les ha caracterizado, aunque entonces tenían poca idea de lo que querían, solo tenían claro que querían “sonar distinto y explorar cosas”, como ellos mismos reconocieron en una entrevista en The New York Times en 2021.

Fue entonces cuando Juan Pablo Villamil, el otro vocalista principal, tomó un banjo, un instrumento que no sabía exactamente cómo tocar, pero lo hizo, y de ahí el sonido característico. Aprendió a tocarlo por Youtube, y desde entonces no se ha separado de él. Así, junto a influencias de varios géneros musicales que incluyen desde rock, pop, country, metal o folk-rock y con referentes como Coldplay, Joaquín Sabina o la banda Ekhymosis fueron encontrando su propio sonido.

Y ahí arrancaron tocando en bares de Bogotá, siendo regulares en el local ‘La Tea’, donde se presentaban bajo el nombre de Malta, pues lo de Morat llegaría más tarde, cuando un conflicto de derechos hizo que al firmar con Universal Music tuvieran que cambiar. Optaron por rendir homenaje a la finca a las afueras de la capital de Colombia donde ensayaban y pasaban la mayor parte de sus ratos de juventud.

Luego llegó su primera gran oportunidad cuando llamaron la atención de Paulina Rubio con la canción que estaban componiendo, “Mi nuevo vicio”, y la grabaron juntos. El resto ya es conocido, fue todo un éxito en España, América Latina y Estados Unidos, y el camino lo consolidaron con la salida de “Cómo te atreves”, que fue el primero de sus números uno.

El bajista original de Tequila Felipe Gutiérrez, conocido como Felipe Lipe, ha fallecido a los 68 años. La noticia la ha confirmado su compañero de banda, Ariel Rot, mediante un mensaje en sus redes sociales: “Acabo de recibir la noticia de que Felipe Lipe, miembro esencial y fundador de Tequila ha fallecido”, ha expresado el guitarrista.

Como bajista de la banda, participó en todos los álbumes que convirtieron al grupo en un icono de la música española entre finales de los años setenta y comienzos de los ochenta. En su discografía destacan títulos como Matrícula de honor, Rock and Roll, Viva! Tequila! y Confidencial.

El artista de origen toledano y hermano de Rafa Muñoz (guitarrista de Hombres G) cofundó el grupo en 1976. Formó la banda original junto a Alejo Stivel en la voz, Ariel Rot y Julián Infante a las guitarras, y Manolo Iglesias en la batería. Cuando abandonó el grupo fue sustituido por Álex de la Nuez (Zombies, Álex y Cristina).

El propio Ariel Rot ha recordado con emoción los inicios del grupo al comunicar la pérdida. “Justo estoy grabando en unos estudios en el barrio de la Concepción donde pasamos años ensayando y buscándonos la vida. Felipe, Julián, Manolo… qué tristeza”, lamentaba el músico en sus redes.

La banda de la que formó parte se convirtió en el gran fenómeno juvenil de los primeros años de la Transición, tras el fin del franquismo y antes del estallido de la Movida Madrileña. Su propuesta musical siempre se recordará como un respiro pionero para la libertad de toda una generación.

Han pasado ocho meses desde el fallecimiento de Jorge Martínez, más conocido como 'Jorge Ilegal', y los músicos de su banda apenas han tenido tiempo para asimilar su muerte, buscar las mejores opciones para rendirle el homenaje que se merece y reorganizar el trabajo que estaban preparando para compartir su legado con los numerosos e incondicionales seguidores que han escuchado sus canciones y han acudido a sus conciertos a lo largo de toda su trayectoria profesional.

Ahora ha llegado el momento de completar la obra en la que estaban inmersos y lo hacen “desde el cariño y el respeto” retomando su idea inicial de reeditar su discografía.

Un proyecto aplazado

Jorge llevaba trabajando en este proyecto desde 2022. El grupo tenía previsto publicar la reedición de Todos están muertos “a finales de 2025 o principios de 2026”, pero la muerte de su líder, a los 70 años, apenas dos meses después de anunciar que suspendía sus conciertos para someterse a tratamiento tras haberle sido diagnosticado un cáncer, impidió que pudiera completarse.

Lejos de desterrar esta idea, sus compañeros decidieron esperar, recomponerse y tirar para adelante. Y es lo que han hecho.

La preventa

La preventa de la reedición de Todos están muertos (Deluxe) arranca este miércoles, día 5, y llegará a las tiendas el 30 de octubre en formatos doble CD, vinilo y vinilo especial en color blanco marfil (edición limitada).

A continuación reproducimos el post con el que el grupo de rock ha anunciado esta reedición en su perfil oficial de X y donde, bajo su nombre, se puede leer el subtítulo: “Reaparece el álbum más crudo del grupo”.

Siguiendo las decisiones de Jorge

El pasado 31 de julio los miembros del grupo explicaban que se habían tomado el tiempo necesario para actuar “con la debida serenidad” y habían decidido retomar aquel trabajo “con cariño y respeto, siguiendo las decisiones que Jorge había tomado”.

Ante las numerosas peticiones que habían recibido de sus seguidores para que la colección de reediciones tuviera continuidad decidieron dar un paso adelante y retomar este proyecto hasta entonces inacabado: “Retomarla significa respetar el trabajo ya realizado y seguir cuidando un legado musical fundamental para la historia del rock español”.

El legado de Jorge 'Ilegal'

Apenas dos días antes agradecían las numerosas muestras de cariño que estaban recibiendo, a través de mensajes, reacciones y vídeos que les llegaban desde ambos lados del Atlántico y se venían a sumar a los actos de homenaje y reconocimiento que se preparaban.

En aquel momento, ellos mismos expresaban cómo se sentían: “El legado de Jorge está en manos de su familia y hemos necesitado tiempo para ordenar las emociones. Como habría dicho él, 'abatidos, pero erguidos', sentimos que es el momento de cuidar este espacio con el respeto que merece y seguir compartiendo su legado como creemos que él lo habría hecho”.

Y dicho y hecho. La reedición de Todos están muertos es la muestra de que la música de Ilegales sigue viva.

La familia de Robe Iniesta ha actualizado sobre la situación de su batalla legal contra la promotora Live Nation, una de las empresas más importantes del mundo en cuanto a giras de música. Si bien en marzo la Audiencia Provincial de Navarra confirmó que la promotora no tenía derecho a reclamar más de cuatro millones de euros al exlíder de Extremoduro por la cancelación de la gira de despedida del grupo, ahora su círculo más cercano ha alegado a través de una publicación de Instagram que “esta pesadilla va encaminada a llegar pronto a su final”.

“Para abrir este comunicado, ante todo, queremos agradecer el apoyo, el cariño y el trabajo de muchísima gente: abogada, asesores, discográfica, compañeros, amigos y familia, en la lucha contra Live Nation para que se haga justicia y se llegue al fin que se merece”, ha comenzado declarando su entorno, que señala que, cuando esta guerra finalice, “se cumplirá lo que Robe más necesitaba y deseaba, poner fin por completo a su relación con Live Nation e Iñaki Antón (Uoho)”. “Ese era su mayor deseo y luchó mucho por conseguirlo”, destaca la familia.

La disputa se remonta a la cancelación de la gira de despedida de Extremoduro. El tour fue anunciado en 2019 y su inicio estaba previsto para mayo de 2020. Con cerca de 400.000 entradas vendidas para 14 conciertos, la pandemia obligó a aplazar las actuaciones en varias ocasiones. Esa situación terminó provocando un enfrentamiento entre la promotora y Robe Iniesta sobre cómo y cuándo debía retomarse la gira.

En el procedimiento judicial, Live Nation reclamó un total de 4,2 millones de euros: 1,3 millones correspondientes a la devolución del anticipo abonado al artista y otros 2,9 millones por los presuntos daños y perjuicios derivados de la cancelación. Sin embargo, el auto desestimó en marzo las pretensiones de la promotora y concluyó que fue esta la que incumplió el acuerdo.

Además, la resolución señaló que la intención de Robe era celebrar la gira “cuando las condiciones lo permitiesen”, pero que esa posibilidad quedó definitivamente descartada cuando, el 22 de julio de 2021, Live Nation decidió dar por finalizadas las negociaciones y procedió a reembolsar el importe de las entradas a los compradores.

Se trata de un caso que también estuvo marcado por las discrepancias dentro de la banda. Iñaki “Uoho” Antón, guitarrista de Extremoduro, respaldó la posición de la promotora. No obstante, este hecho no influyó en el sentido de la resolución judicial, sino que terminó favoreciéndole. De hecho, esas discrepancias desembocaron en un intercambio de comunicados entre ambas partes, en el que Live Nation llegó a acusar a Iniesta de difamación.

Asimismo, la familia ha aprovechado el comunicado para agradecer, “con el corazón en mano”, la “paciencia, apoyo y comprensión” que ha mostrado el público “en unos momentos tan duros y difíciles para Robe. ”Estamos en camino de lograrlo… Os mantendremos informados. Gracias a todos“, ha concluido el texto. De acabar ganando finalmente esta batalla contra Live Nation, supondrá una victoria judicial póstuma para el cantante, fallecido el pasado 10 de diciembre a los 63 años.

Junto a Bruce Springsteen en su último concierto en el escenario del Madison Square Garden, donde han realizado una residencia que ha sido el regreso de Bon Jovi, después de que Jon Bon Jovi sufriera problemas vocales, que le llevaron a pasar por el quirófano en 2022.

La banda estará de gira y pasará por Europa en ciudades como Dublín o Londres, la oportunidad perfecta para celebrar el 40 aniversario de su primer éxito, que fue escrito en un “desván en el lugar más tóxico del planeta”, usó un ‘sample’ de un tema de Bonnie Tyler y la letra iba dedicada a una famosa actriz. Hablamos de ‘You Give Love a Bad Name’.

La historia detrás del primer gran éxito de Bon Jovi

Hace cuatro décadas cuando la banda Bon Jovi alcanzaba el éxito a finales de 1986 con una canción que se había publicado el 23 de julio como single del álbum ‘Slippery When Wet’, del que salió también uno de sus temas más famosos, ‘Livin’ on a Prayer’.

Así fue como ‘You Give Love a Bad Name’ llegó al gran público, pero la historia de como se escribió y vio la luz es de lo más interesante y nos lleva hasta los orígenes de la banda. La canción fue compuesta por Jon Bon Jovi y Richie Sambora junto a Desmond Child, en el sótano de la casa de los padres de Sambora. Un lugar que, descrito por el propio Child en una entrevista con la Asociación Internacional de Compositores de Nashville, estaba junto a un “pantano marrón de aspecto mortal. Parecía la Ciudad Esmeralda, como el lugar más tóxico del planeta”, como sacado de ‘El silencio de los Corderos’.

Pero allí fue donde el compositor Desmond Child se reunió con ellos ya con el propósito de escribir un éxito, y la química fue tan instantánea que el proceso fue rápido y en poco tiempo la tenían. Según el escritor, él ya llevaba un título en mente: ‘Le das mala fama al amor’ que se unió a lo que tenía Jon Bon Jovi que era ‘Disparo al corazón y tú tienes la culpa.

“Una de las cosas maravillosas que pueden pasar es entrar en una habitación y conectar al instante con gente que no conoces. Es algo instantáneo. Con Jon Bon Jovi, Richie Sambora y yo, la conexión fue instantánea”, recordaba Child en la mencionada entrevista. Tan buena fue la sintonía que de esa reunión salió otro de los grandes temas de la banda como es ‘Livin’ on a Prayer’, que les llevó varios días de composición.

Con música de Bonnie Tyler y dedicada a Diane Lane

‘You Give Love a Bad Name’ fue lanzada en julio de 1986 fue el 29 de noviembre de 1986 cuando alcanzó el número 1 de la lista Billboard Hot 100 en Estados Unidos, siendo así el primer número uno de la banda, que también logró llegar a la cima en otros países. En 2007, más de veinte años después, volvería a entrar, en el número 29 después de que fuera interpretada en American Idol por Blake Lewis.

Una de las grandes curiosidades de la canción ‘You Give Love a Bad Name’ es que tomó un ‘sample’ de un sencillo de Bonnie Tyler, que la grabó con ‘If You Were a Woman (And I Was a Man)’ con una letra diferente y con Jim Steinman como productor. Pero insatisfechos con el movimiento que se le dio al tema por parte de la discográfica hizo que Desmond Child la reescribiera con otra historia junto a Jon Bon Jovi y Richie Sambora. No fue la única ocasión, pues en 2020 se volvió a usar el ‘sample’ por parte de Ava Max en su ‘Kings & Queens’, por ello Desmond Child aparece como acreditado.

La canción en la versión de Bon Jovi habla de una mujer que ha abandonado a su amante con frases tan dramáticas como “Me has herido profundamente, y tú tienes la culpa, cariño, le das mala fama al amor” o “Me vendes la sonrisa de un ángel, me prometes el cielo, me haces pasar un infierno”, y parece que tenían un nombre al que se dirigían: la actriz Diane Lane.

La historia circuló con rumores durante varios años después de que en el libro del exmánager de giras Rich Bozzett ‘Sex, Drugs and Bon Jovi’ escribiera que la actriz y Jon Bon Jovi salieron durante unos meses en 1985 y lo dejaron cuando la vio de fiesta con Richie Sambora, el guitarrista y compañero de banda. La propia Lane confirmó que salieron cinco meses cuando ella tenía 20 años. El compositor Desmond Child aseguró que ‘You Give Love a Bad Name’ no sería solo para Diane Lane, sino que fue “una amalgama de diferentes personas”.

MURCIA ON recobraba, en la noche de este jueves, los ambientes de rock y blues que aglutinan a un público muy adicto a estos géneros. Se vieron peñas moteras, público de mediana edad, pero, sobre todo, aficionados y seguidores que pasaban de los 60 tacos. La razón principal eran los protagonistas de esa llamada urgente y con garra cuyo nombre es ZZ TOP. Uno de los grupos más longevos de esta música, que se formaron en Houston, Texas, en 1969 pero que comenzaron a despuntar con la nueva década de los años 70 del pasado siglo XX. Desde entonces, ZZ TOP han conformado toda una vida alrededor del rock tejano que mezclan con el blues con un estilo muy personal y que, durante todas estas décadas, ha hecho crecer esas legiones de seguidores en todo el mundo.

Para calentar el ambiente antes de su concierto, la organización contó con el concurso de uno de los grupos murcianos con más prestigio dentro de este campo, como son Los Marañones. Miguel Bañón y sus compañeros de viaje dejaron sobre el recinto de la plaza de toros, uno de sus ya míticos conciertos que supo ganarse, una vez más, el reconocimiento de sus seguidores. Pero vayamos por partes.

Aún con la luz solar, Los Marañones aparecieron en el escenario del MURCIA ON para regalarnos una actuación que para mí fue mucho más que un concierto al uso de teloneros. La formación murciana tiene, igualmente, muchos seguidores a los que han conquistado desde que comenzaron a caminar por la música allá por 1987. Desde aquellos primeros momentos, el grupo estuvo conformado por Miguel Bañón, voz y guitarras; Ricardo Perpén, guitarra: Román García, bajo y Pedro Sánchez “Pedrín”, batería (que también lo fue de otra destacada formación murciana en estos apartados musicales, como es ACEQUIA, entre otras). Durante los primeros meses también participaron Fredy Valera, teclista y guitarrista y la voz de Tere Luengo. Estos dos últimos solamente estuvieron en 1987 y dejaron el grupo. Otros que llegaron después y tampoco están actualmente son Joaquín Talismán, guitarrista, miembro entre 1996 y 2000; Javi Toral, bajista y técnico de sonido, activo en 1989. También dejó el grupo Ricardo Perpén, en 1989. En la actualidad, Los Marañones siguen con Miguel Bañón, voz principal y guitarras; Carlos Campoy, teclados (desde 1992); el bajista original Román García, así como el también fundador en la batería, Pedrín Sánchez.

Durante una hora, Los Marañones nos volvieron a atrapar con una selección muy acertada (es muy cercana a la que tienen siempre dispuesta, para conciertos cortos y con intención de captar desde el minuto uno), en la que hubo piezas de su primera etapa -tal vez, la más cañera-, con temas como ‘Boogie Blue’, ‘El baile’ o ‘Sexy Dream’. Lejos de que los presentes anduvieran despistados, Marañones había logrado captar la atención de una mayoría ya presente en la arena del recinto taurino.

Con esa atención centrada, el grupo murciano echó mano de piezas conformadas entre el 92 y 1999 (etapa en la que entró el teclista de Ferroblues, Carlos Campoy), que impregnó las composiciones de más brillo y riqueza musical derivando hacia un pop con temas más tranquilos, pero sin perder energía. Piezas como ‘A miles de años luz’ o ‘Mi gato se llama Persona’. Entre 2000 y 2007, Los Marañones consolidaron su sonido y estilo pasando a ser más profesionales y cuidando mucho más las letras de sus canciones. Ejemplos como ‘Atrapado’ o ‘Fuera de límite’. Sobre todo, escogieron temas de sus primeros discos, pero ahora ya con su sonido limpio e identificado donde Bañón mantenía su personalidad interpretativa que sus compañeros arropaban como un guante encaja en la mano. Magníficos los murcianos de Los Marañones, que finalizaron sus 60 minutos de concierto con ‘Voy loco, mamá’.

Estábamos a 15 minutos de las diez de la noche, pero mientras se retiraban los amplis e instrumentos de los murcianos y se recolocaba el backline de los norteamericanos pasaron 30 minutos. Mientras tanto, el ruedo de la plaza murciana se había llenado de tal manera, que no cabía ni una cabeza de alfiler. El calor reinante en la capital del Segura era enorme e incluso, desde mi posición tras las mesas de sonido y luces, pude presenciar la asistencia de los Servicios Sanitarios de Urgencia -presentes en cada concierto-, cómo atendían a un aficionado de, seguramente, un golpe de calor. Bueno, pues el momento esperado llegó. Los tres músicos que están ofreciendo esta gira por España de ZZ TOP aparecieron en el escenario y el estruendo vocal se debió escuchar hasta cerca del hospital ‘Reina Sofía’. Allí estaban Billy Gibbons, voz y guitarra (y el único fundador de la formación en esta gira); Elwood Francis, bajo desde la muerte del fundador del grupo, Dusty Hill; y John Douglas, en la batería (sustituyendo temporalmente a Frank Beard por enfermedad). Los brazos se elevaron, las voces aclamaron y la música de ZZ TOP comenzó a sonar con ‘Got Me Under Pressure’, publicado en 1983. Los temas se iban sucediendo, sin mediar apenas palabras o tan sólo un grito no muy elevado, una especie de aullido fino. En esta primera pieza, Elwood Francis exhibió un bajo eléctrico de 15 cuerdas que parecía más un laboratorio experimental de los sonidos, que una guitarra de bajo al uso y de color gris, lo cual ya nos puede dar una idea, como apreciarán en la foto de Goio Villanuea.

Como indicaba, los temas se fueron sucediendo uno tras otro sin mediar muchas palabras o ninguna. Así, fueron sonando piezas de su amplia discografía como ‘I Thank You’, ‘Waitin’ for the Bus’ y ‘Jesus Just Left Chicago’, ambas de su álbum de 1973 titulado Tres hombres. Después llegaron ‘Gimme All Your Lovin’, ‘Pearl Necklace’ y‘I’m Bad’, ‘I’m Nationwide’, que dibujaban un trazado en zigzag, de los 70 a los 80, donde concentraron buena parte de su producción discográfica y en la que sus éxitos más sonados se lograron por aquellos años.

Sí cambiaron de guitarras, tanto Gibbons como Francis, según las piezas como ‘I Gotsta Get Paid’ y continuaron con ‘My Head’s in Mississippi’ y ‘Brown Sugar’. El público se lo pasaba bien con los tres músicos tejanos y eran absolutamente conocedores de su repertorio, pero personalmente su concierto me resultó falto de movimiento escénico que, en otros tiempos, fue más movido. Ya sabemos que los años no perdonan y tampoco los excesos. Algunas piezas tuvieron una especie de danza acompasada de Francis y Gibbons, pero poco más. Al batería John Douglas apenas se le veía, porque estaba casi sepultado por un set de platos y toms que casi no te dejaban ver su rostro.

Pero como sus fans se mostraban tan entusiasmados, ZZ TOP continuó desarrollando su música y temas escogidos para esta gira por España, como ‘Cheap Sunglasses’, ‘Just Got Paid’, ‘Sharp Dressed Man’ y finalizar el concierto oficial con ‘Legs’. A su término, saludaron los tres y se retiraron. El respetable no se movía y reclamaba con sonoridad muy apreciable un rato más de rock y blues al estilo tejano, al estilo de ZZ TOP. Y lo hicieron. Cambio de chaquetas por unas rojas y brillantes, en lugar de las negras anteriores, y una primera canción que continuó efervescendo a los miles de fans que se agrupaban, muy juntos, en el ruedo de la plaza: ‘Tube Snake Boogie’. Tras ella, de nuevo se alinearon en batería en el frontal del escenario como para despedirse, mientras los aficionados silbaban y pedían más. Entonces, Francis señaló con su dedo índice una más y dejaron sonar ‘Thunderbird’. Y vuelta a empezar, como si ya se marcharan. Pero no. Todavía quedaba el gran himno del trío de Houston, que fue el que les catapultó en 1973 y formaba parte de su tercer disco en Estudio: Tres Hombres. La pieza, ese himno, no es otro que ‘La Grange’ en un riff que está claramente influido por el estilo de John Lee Hooker, e inspirado en el famoso burdel The Chicken Ranch, en Texas.

En suma, una noche de mucho rock y blues con una primera parte a cargo de los murcianos Los Marañones que supieron recoger la atención de todos los presentes (es una de las formaciones locales más prestigiosas y profesionales de estas fronteras), preparando lo que iba a determinar el reventón (vocablo muy de actualidad estos días en lo meteorológico) de rock y blues tejano a cargo de los ZZ TOP de Houston, Texas. Y el calor que no mitigaba, con termómetros marcando 30º centígrados, a las 23:35 horas. Un auténtico disparate.

Pocas canciones han conectado con el espíritu de su tiempo y lo han llevado más allá, tanto que han quedado asociada a su narrativa. Uno de esos casos es “Space Oddity”, el primer éxito de David Bowie, una de las canciones más singulares y conmovedoras de finales de la década de los 60, y que ha seguido influyendo en la música, versionada en varias ocasiones, una de ellas incluso desde el espacio.

Y es que pocas canciones pueden decir que han contado con una ‘cover’ hecha desde la mismísima Estacion Espacial Internacional, siendo así el primer videoclip rodado en el espacio. Un hecho que cerró un círculo teniendo en cuenta que el tema había captado el espíritu de la llegada a la luna de ese mismo 1969.

Inspirada en ‘2001: Una odisea del espacio’ de Kubrick

La década de los 60 tuvo varios elementos que la caracterizaron, y uno de ellos fue el de los viajes al espacio, con el hito de la llegada del hombre a la Luna como uno de los acontecimientos principales que hubo para la posteridad. “Space Oddity” fue la canción que mejor capturó este aspecto, aunque la inspiración la tomó de la ficción.

Y es que el que fue el primer gran éxito de David Bowie nació en la cabeza del artista británico después de haber visto “2001: Una odisea del espacio” en los cines, aunque no la escribiría hasta seis meses después de haber visto la película de Stanley Kubrick. Directamente, el personaje del tema fue basado en el Dr. David Bowman, al que dio vida Keir Dullea. Una vez la compuso, el entonces representante de Bowie, contó que la primera vez que la escuchó supo que “había creado algo especial”: “Que se trataba de una canción inusualmente ingeniosa quedó claro desde la primera escucha”, aseguró en su libro Bowie: The Pitt Report.

El tema iba a formar parte en un principio de un cortometraje, pero al cancelarse, Bowie grabó varias versiones demo de la canción para intentar lograr un contrato discográfico, algo que logró y que llevó a grabar la última versión, que fue su primer gran éxito, con Gus Dudgeon, que era entonces productor de Elton John.

La banda sonora de la llegada a la Luna

El sencillo se grabó el 20 de junio de 1969, pero no se publicaría hasta el 11 de julio de ese mismo año, justo cinco días antes del inicio de la misión lunar del Apolo 11, nueve días antes de que se produjera la llegada a la luna. Esto, sin embargo, hizo que las emisoras de radio no quisieran reproducirla hasta que la tripulación, con Neil Armstrong y Buzz Aldrin en cabeza, volviera sana y salva a la Tierra.

Pero la BBC, en su emisión de la cobertura de la llegada del hombre a la Luna sí que usó “Space Oddity”, lo que hizo que se creara una conexión directa entre el acontecimiento y la canción. “Estoy seguro de que no estaban prestando atención a la letra. Por supuesto, me alegró muchísimo que sí lo hicieran”, aseguró Bowie más tarde sobre este hecho.

Más allá del éxito, David Bowie volvió a revivir al personaje de Mayor Tom en trabajos posteriores, como en “Ashes to Ashes”, que fue publicada más de diez años después, en 1980, y que se vio como una secuela, en la que vuelve a contactar con la Tierra. La influencia del tema le ha llevado a ser una de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Tuvo una cover desde la estación espacial

En el 44 aniversario de su lanzamiento, recibió un bonito homenaje desde la propia Estación Espacial Internacional, por parte del astronauta canadiense Chris Hadfield, lo que la convirtió en el primer videoclip filmado en el espacio. Sin embargo, el video tuvo problemas debido a los derechos de la canción.

El propio David Bowie la vio como “la versión más acertada y mejor creada jamás”, y logró ayudar a Hadfield para que el video de “Space Oddity” desde el espacio no fuera retirado de la web.

16 años. Si contamos hacia atrás, 2010. Fue una de las veces que tocó en Madrid una de las bandas de rock más respetadas del género. En aquel entonces, Kings of Leon asaltó el Palacio Vistalegre de la capital; ahora, repite actuación en el Mad Cool frente a decenas de miles de personas. En un rincón del recinto, una de ellas observa emocionada lo que está ocurriendo frente a sus ojos. Está nerviosa, frustrada. Faltan tan solo 10 minutos y la cosa se acaba. Tiene cerca al admirado grupo, que está regalando Manhattan a la multitud, pero tan solo puede ofrecerle sus oídos. Su mirada, en cambio, pertenece a la selección española.

Fue también en 2010 cuando nuestro país ganó su primer Mundial de fútbol. De hecho, la Roja ya tenía su estrella cuando Kings of Leon tocó en el Vistalegre, pues la banda no visitaría la ciudad hasta diciembre y España ganó el torneo tal día como hoy, entrada ya la madrugada del 11 de julio a la hora de escribir estas líneas. El equipo no había alcanzado los cuartos de final del campeonato desde aquella edición, por lo que, 16 años después, hay quien no es capaz de perderse el partido contra Bélgica que decide quién se enfrenta a Francia en semifinales. El Mad Cool, además, lo pone fácil: la enorme pantalla que se cierne en mitad del recinto, utilizada para mostrar los horarios, emite el encuentro.

Los segundos pasan y la selección está a punto de irse a la prórroga. 1-1 al minuto 88, mientras suena Waste a Moment. Sin embargo, aquí nadie parece sentir que esté desperdiciando una entrada. Alrededor de la pantalla, muchísimos aficionados se interesan por el desenlace, tumbados sobre el césped artificial y bebiendo como si el partido fuera lo que les ha traído al festival. La coincidencia del evento con el Mundial hace que el ambiente sea distinto. La ropa, por supuesto, también: fans con la equipación de la Roja —la camiseta blanca parece haber calado bastante— superan en número a aquellos con merchandising de alguno de los artistas del cartel.

Y entonces se desata la locura: Mikel Merino marca el gol que concede la victoria a España, apenas unos minutos antes del tiempo de descuento, y la selección culmina su pase a la siguiente ronda. Cuando el partido acaba, Supersoaker de Kings of Leon pone la banda sonora a la celebración. Pero no es la única. El grupo detiene el concierto, felicita a España por su triunfo en las pantallas y se hace con todo el recinto al cantar su himno Use Somebody. Es un momento de fervor que, aunque suele suceder un poco más al principio de su espectáculo, en este caso se lo reservan justo para el final del España-Bélgica. Incluso Nathan Followill, el baterista, se pone la equipación.

Quizás Kings of Leon alcance a intuir una mínima parte de lo importante que es el fútbol para nuestra sociedad por el hecho de que EEUU esté sirviendo como sede. Aun con todo, lo demuestra sobre el escenario porque parece saber demasiado sobre nuestra cultura. “Una de mis ciudades favoritas del mundo”, dice su líder, Caleb Followill, en alusión a Madrid. Quien sin duda es más discreto es Black Francis, que durante el show no es un hombre de muchas palabras. El pitido inicial del árbitro, precisamente, coincide con su concierto, una fabulosa propuesta de Pixies que devuelve la nostalgia y la sabiduría de la que ya impregnaron el Movistar Arena hace tres años.

Ha habido muchas reuniones musicales recientemente —la jornada del sábado estará protagonizada por Pulp, que se alejó de la industria en 2002—, pero la vuelta de la banda de Boston logra un equilibrio entre pasado y presente que se percibe en su propuesta en el Mad Cool. Casi sin interrupción y confiando en la efectividad de su catálogo, el grupo encadena una veintena de canciones que brillan cada vez que llegan a sus estribillos. Temas como Wave of Mutilation, Vamos o la belleza de Monkey Gone to Heaven evidencian que Pixies no necesita apoyarse en la nostalgia para sonar como una banda vigente sobre las tablas. Aunque qué maravillosa es Isla de Encanta en español... o el clásico Where Is My Mind?.

De una portería a otra

Si te detienes a pensarlo, lo cierto es que un Mundial de fútbol tampoco se diferencia tanto de un festival. Sobre todo, teniendo en cuenta que la FIFA se ha obscecado en la instauración de las pausas de hidratación. Son dos minutos en mitad de cada uno de los dos tiempos que sirve a los jugadores para hablar con el entrenador y beber agua, pero que beneficia todavía más a las televisiones permitiéndoles incorporar segundos publicitarios de oro. Son pausas que observamos constantemente en los macrofestivales: tanto por parte de los artistas durante su concierto, como por los asistentes cuando cambian de un escenario a otro. Hay tantas porterías que, con carteles repletos de nombres que se solapan, uno ya no sabe a cuál mirar.

Una portería dispuesta a no dejar que entre ningún gol es la de Twenty One Pilots. Ya bien entrada la noche en Madrid, el grupo no tiene que hacer frente a ningún partido, pero Tyler Joseph sí que se acuerda: “Felicidades por vuestra victoria”. En su espectáculo no hay lugar para prórrogas o penaltis, tampoco para preocupaciones. La banda se hace con la audiencia al cantar Heathens, un tema que no hay quien no conozca a estas alturas sobre no juzgar a los demás. La versatilidad del dúo de Ohio resulta apabullante: ambos transitan con asombrosa naturalidad entre el hip-hop alternativo, el electropop y el rock.

La puesta en escena no requiere demasiado, pues apuesta por poca iluminación y hace uso de un micrófono fluorescente que sigue la misma atmósfera. No falta su hit Stressed Out para servir como la guinda del pastel, pero por faltar no faltan ni los petardos ni los fuegos artificiales. El concierto deambula de estruendo en estruendo y no permite a nadie quedarse dormido, aunque la música tampoco invita a ello. Más minimalista es el espectáculo de Interpol, que sucede de manera simultánea en el segundo de los escenarios principales. Sumida en un filtro blanco y negro, la banda se anima con canciones nuevas como Wings On Fire.

No obstante, ocurre algo bonito cuando el grupo echa la vista atrás. Una pareja descansa sobre el césped mientras escucha el concierto, que presumiblemente no ve por la infinidad de gente de pie que tiene delante. Sin embargo, en cuanto suena el primer acorde de Evils, la joven no se lo piensa dos veces y se levanta. No contenta con ello, ofrece sus brazos al chico para que se incorpore y no se pierda tampoco el que es uno de los momentos más especiales del show. Ambos disfrutan de la actuación en una escena que genera paz alrededor de tantas personas que utilizan sus móviles para grabar.

Aparte de la presencia de A Perfect Circle, grupo formado por el músico Billy Howerdel y el vocalista de Tool, Maynard James Keenan, que también cuenta en su séquito con James Iha, exguitarrista de The Smashing Pumpkins, la jornada destaca a la revelación Holly Humberstone. Sin apenas música pop en el cartel del viernes, el trabajo de la artista recuerda a la propuesta que ofreció Gracie Abrams hace justo un año, ensalzándola por la sencillez de su actuación, que otorga todo protagonismo a las letras. Más guerrera es Halsey, una “chica en la torre” que puede salvarse ella sola. Tanto, que se encarga de abrir la jornada con un sol que afortunadamente está oculto tras las nubes.

La cantante le echa agallas y hace un concierto reivindicativo que deja una pregunta: ¿por qué la industria se ha olvidado de ella? Halsey grita, domina el escenario y se lo pasa de lujo con el público. “Si estáis cansados ahora, ¿qué coño vais a hacer después?”, bromea refiriéndose a la gente sentada al fondo. “Levanta la mano si eres lesbiana”, dice a continuación para ganarse a su audiencia, que levanta la mano sin pensarlo. Su espectáculo no ignora tácticas cliché, como la que emplea durante la rockera Experiment on Me al invitar a los asistentes a agacharse para levantarse todos juntos durante el último estribillo. Aun así, funciona para abrir un viernes que deja felices a muchos: por lo menos, a los fans de la música y también a los del fútbol.

Este jueves el mundo de la música despide a Bonnie Tyler, que ha fallecido este miércoles 9 de julio en Faro (Portugal) donde residía, al no haber podido recuperarse de una operación de intestino a la que se sometió el pasado mes, que la llevó al coma, y que ha acabado finalmente con su vida, según ha informado su familia.

Conocida por éxitos como It's a Heartache, Total Eclipse of the Heart y Holding Out for a Hero, la cantante británica deja un legado de más de cuatro décadas de carrera, además de una distintiva voz rasgada que no tuvo desde el principio, sino que fue el efecto secundario de no haberse recuperado de una intervención en las cuerdas vocales.

El origen de la voz rasgada de Bonnie Tyler

Nacida como Gaynor Hopkins en seno de una familia humilde de Skewen, en Gales, su madre le inculcó el amor por la música, siendo ella parte del coro de la iglesia local. Aquella chica que comenzó su carrera en 1976 después de que se le ofreciera un contrato discográfico por parte de RCA Records, nada tenía que ver con la voz que más tarde se convertiría en el sello de Bonnie Tyler.

Después de cambiar su nombre a uno artístico que creó recopilando nombres y apellidos de la Biblia, la joven se encontraba promocionando sus primeros sencillos My my Honeycomb y Lost in France cuando notó que su voz estaba cambiando debido al esfuerzo vocal.

Fue entonces cuando la sometieron a pruebas y le detectaron nódulos, lo que la llevó a operarse. Tras esto, se le pidió reposo, pero ella cuenta que desobedeció de forma involuntaria y que esto provocaría esa voz rasgada que tan característica se convirtió. En su biografía, Straight from the Heart, explicó que se encontraba de camino al hospital para ver a su hermano Lynn, ingresado por una lesión en la pierna, cuando se dio cuenta que se le había olvidado llevar una bolsa de fresas que le había preparado.

“Estaba tan frustrada de tener que conducir de regreso a casa, que solté un grito de '¡Oh, no!'. Cuando fui a una revisión con el especialista, me miró y me dijo: ‘Podrías haberte causado un daño permanente’”, reveló la fallecida artista.

Sin embargo, cuando se curó la herida, junto a su productor David Mackay descubrió su nueva voz ronca y sorprendentemente les gustó el resultado, de hecho, él llegó a decirle que era la “versión femenina de Rod Stewart”. Y es que ambos se dieron cuenta de que al cantar ella adoptó un tono ligeramente más oscuro, melancólico, capaz de aportar una calidez natural e innata que redondearía éxitos como It's a Heartache, donde su comienzo obtiene una crudeza de intensidad emocional que no se conseguiría con arreglos o de otra forma.

El paralelismo entre Tina Turner y Bonnie Tyler

Un hecho también no tan conocido es la curiosidad de que una de las canciones más famosas de Tina Turner, The Best, se trata precisamente de una versión de Bonnie Tyler, que la cantó en 1988 y llegaría a ser top 10 en Noruega, Portugal, así como éxito menor en España y Reino Unido, pero la norteamericana la convertiría en un himno internacional.

Una historia que las conecta directamente, pero también el hecho de que la propia Bonnie Tyler la ha citado como una referente con la que creció escuchándola, y además, en sus comienzos cantó versiones de Ike & Tina Turner como Nutbush City Limits, que haría que fuera descubierta para firmar un contrato discográfico que daría lugar al comienzo de una trayectoria de más de cuatro décadas de una voz que se ha apagado este julio de 2026.

Bonnie Tyler ha fallecido este miércoles en Faro (Portugal) a los 75 años, según ha informado la propia familia de la artista británica. La cantante de éxitos como It's a Heartache, Total Eclipse of the Heart y Holding Out for a Hero, no logró recuperarse de la enfermedad por la que fue hospitalizada el mes pasado.

Tyler, cuyo nombre real era Gaynor Hopkins, nació el 8 de junio de 1951 en la ciudad galesa de Neath, en Reino Unido. El amor por la música se lo infundó su madre, Elsie, que era una gran admiradora de la ópera y cantaba en el coro de una iglesia local.

Janis Joplin y Tina Turner fueron dos de las voces con las que Bonny Tyler se crio; y con diecisiete años logró quedar segunda en un concurso de talentos interpretando Those Were the Days de Mary Hopkins y I Can't Stop Loving You de Ray Charles. Dos años después formó su propia banda, Imagination, con la que tocó en bares y clubes del sur de Gales, bajo el nombre de Sherene Davis.

Roger Bell la descubrió durante una de sus actuaciones, impresionado por su talento. De ahí viajó a Londres para grabar algunas demos y meses después firmó con RCA Records. Allí le recomendaron que se buscara un nombre más potente, y se decidió por Bonnie Tyler. My my Honeycomb y Lost in France fueron sus primeros sencillos. Tras el lanzamiento de ambos, la cantante tuvo que someterse a una operación de nódulos en las cuerdas vocales. Su médico le ordenó que no hablara durante varias semanas, pero Tyler no le hizo caso. Su 'desobediencia' fue la que generó el sonido rasgado e inconfundible de su voz que le acompañó durante el resto de su carrera.

La artista fue galardonada con el premio Brit a Mejor artista revelación británica en 1977, aunque su salto a la fama mundial fue un año después, gracias al éxito de It's a Heartache. Tyler estuvo ligada a RCO hasta el álbum Goodbye to the Island, que publicó en 1981, y grabó principalmente en el Algarve, Portugal. El tema Sitting on the Edge of the Ocean ganó en el Gran Premio del Festival Yamaha Music celebrado en Tokio en 1979. Descontenta con sus anteriores productores, al expirar su contrato fue en busca de nuevos, y acabó proponiéndoselo a Jim Steinman, con quien terminaría alcanzando la cima de su carrera.

Su primera obra juntos fue el hit Total Eclipse of the Heart, al que siguió el disco Faster Than the Speed of Night. Canción y álbum fueron nominados al Grammy.

Su siguiente trabajo discográfico, Secret Dreams and Forbidden Fire incluyó otro de sus grandes éxitos, Holding Out for a Hero. La cantante grabó Hide Your Heart con Columbia Records en 1988 y posteriormente Bitterblue con Hansa Records, tras establecerse en Alemania. Le siguieron Angel Heart (1992) y Silhouette in Red (1993). A finales de los noventa, la artista firmó con una nueva compañía, East West Records, con quienes fusionó pop con música celta en su álbum All in One Voice.

Tyler continuó saliendo de gira, grabó un disco de covers con la orquesta filarmónica de Praga, y en Wings apostó por involucrarse por primera vez activamente en el proceso de composición de su álbum, eminentemente pop. En 2013 sumó un nuevo hito en su trayectoria, representando a Reino Unido en Eurovisión con Believe in Me. Obtuvo el puesto 19. En Malmö, ciudad en la que se celebró el certamen ese año, protagonizó un divertido encuentro con la delegación española. La artista compartió escenario con El sueño de Morfeo en los conciertos previos a la gran final, donde les recibió con ánimos y a grito de: “¡Que viva España!”.

Tyler lanzó otros dos álbumes más, Rocks and Honey en 2013 y Between the Earth and the Stars en 2019, y siguió recorriendo escenarios y actuando en televisión. Hasta su complicación intestinal, seguía a pleno pulmón. Actualmente estaba de gira, de hecho, tenía previsto tocar en Malta el 22 de mayo y en Alemani el día 30.