Hace 100 años, justo un siglo, en Alemania se estaba realizando la que es la película animada más antigua de las que se conservan, y además su influencia es evidente en los dibujos animados que se dieron después, sobre todo en la capacidad de adaptar cuentos de hadas al cine, que fue el éxito de Walt Disney en la industria.

Hablamos de “Las aventuras del Príncipe Achmed” (Die Abenteuer des Prinzen Achmed), dirigida y creada por Lotte Reiniger, que utilizó la técnica de animación con siluetas, predecesora del stop motion. En 66 minutos es capaz de adaptar con estos bonitos detalles dos cuentos de Las mil y una noches, en concreto Aladdin y El caballo mágico.

“Las aventuras del Príncipe Achmed” es la película animada más antigua que se conserva entera, aunque no fue la primera, ese honor lo tiene la francesa Fantasmagorie, creada por Émile Cohl en 1908. Aunque el primer largometraje como tal se considera El Apóstol del argentino Quirino Cristiani, que duraba 70 minutos y se estrenó en 1917, que no se conserva debido a un incendio.

En “Las aventuras del Príncipe Achmed”, Lotte Reiniger cuenta la historia de como en un día de celebración por el cumpleaños del Califa, un extraño brujo llega a la ciudad y presenta un caballo que puede volar, un regalo que desea desesperadamente, pero para ello tiene que entregar a su hija Dinarsade en matrimonio, lo que enfurece a su hermano, Achmed, que acaba atraído al caballo y empieza un viaje que lo llevará por distintas pruebas, queriendo volver para liberar a su hermana.

El pionero trabajo de Lotte Reiniger que inspiró a las películas Disney

Lotte Reiniger, nacida como Charlotte Eleonore Elisabeth Reiniger, en 1899 en el barrio Charlottenburg de Berlín, se interesó desde muy joven por el arte chino de los títeres de silueta, y fue en la adolescencia cuando comenzó a unirlo con su amor por el cine tras quedar impresionada por los trabajos de Georges Méliès. Así, en 1919 creó su primera película, El adorno del corazón amante. Siguió con otros trabajos, y en 1922 comenzó a adaptar cuentos de hadas como La Cenicienta o El gato con botas, que más tarde en la década de los 50 desarrollaría con la BBC, con trabajo de siluetas de relatos de los hermanos Grimm, Hans Christian Andersen o Las mil y una noches.

Precisamente esta fue la que le dio mayor fama para crear su primer largometraje, que fue terminado en 1926 tras un trabajo de tres años, en el que escribió el guion, editó los personajes, los fondos y se encargó también de la animación. Considerando que se requieren 24 tomas individuales para un segundo de movimiento, se puede llegar a entender la magnitud de este proyecto, que dio lugar a 250.000 fotogramas individuales, usados 100.000 finalmente en la película, que contó con Wolfgang Zeller como compositor.

La primera proyección “Las aventuras del Príncipe Achmed” tuvo lugar el 2 de mayo de 1926, en una función matinal para directores, productores y otros compañeros de la industria del cine y del teatro en la Volksbühne de la Bülowplatz de Berlín. Su estreno para el público tendría lugar dos meses después, en julio, en la Comédie des Champs-Elysées de París, donde contó con la mediación de Jean Renoir, y se proyectaría en cines en la capital alemana en septiembre de 1926 en el Gloria-Palast.

La complicada conservación de la película

A pesar de su brillante comienzo y estreno, la película sufrió una historia convulsa, porque el negativo se perdió durante la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, con el centenario del nacimiento de Lotte Reiniger en 1999 se realizó una investigación que dio como resultado el descubrir un positivo de nitrocelulosa bien conservado en el Archivo Nacional de Cine y Televisión en Londres que se considera una copia del negativo original.

Gracias a esto se pudo crear de una nueva copia en 35 mm por parte del Museo Alemán de Cine de Fráncfort y las cadenas de televisión alemanas ZDF y Arte. Esta versión restaurada se emitió el mismo 1999 en ambos canales, aunque su primera emisión televisiva como tal fue en 1990 en ZDF de una copia del Museo de cine alemán en 1989.

Me presento: soy una persona comprometida, como todas las demás. Lo que ocurre es que no siempre sabemos con qué causas estamos comprometidas. Yo, en cambio, soy muy consciente de las mías y no las disimulo. Además, soy narradora oral.

En 2026, la narración oral es una profesión a la que una puede dedicarse a tiempo completo y, si se trabaja con constancia, ganar lo suficiente para pagar las facturas de la canasta básica. Es también una profesión desconocida, a menudo confusa y, probablemente, con futuro. O eso quiero creer, aunque resulte difícil afirmarlo con rotundidad en un mundo que se mide —literalmente— por su cercanía al colapso.

El llamado reloj del Apocalipsis o Doomsday Clock marca en 2026 los 85 segundos antes de la medianoche, el punto más cercano a la catástrofe desde su creación en 1947. Una advertencia simbólica que responde a tensiones nucleares entre grandes potencias, al debilitamiento de los acuerdos internacionales de control de armas, a los conflictos armados y riesgos geopolíticos globales, al avance acelerado de tecnologías como la inteligencia artificial, al cambio climático y a las amenazas biológicas.

Nada de esto es ajeno a la narración oral. Nunca lo ha sido. Basta con mirar hacia atrás. Puedo proponer cuentos —muchos de ellos milenarios— que dialogan directamente con estas preocupaciones: En busca del sol, de la tradición china, para hablar de tensiones entre grandes potencias; Las lanzas enterradas, de la cultura shona, sobre pactos frágiles y acuerdos rotos; Un tambor que llamaba a todos, de la tradición mandinga, o Las cuerdas del trineo, del imaginario inuit, sobre la guerra y sus consecuencias; El espejo que obedecía, de la cultura yoruba, para reflexionar sobre tecnología y poder; o El llanto de los pajarillos, de la tradición chippewa, que nos enfrenta al deterioro del equilibrio natural.

En menos de media hora puedo construir una sesión de narración oral para pensar colectivamente sobre lo que se nos viene encima. No por estrategia, sino porque así funciona mi cabeza: cada suceso, cada emoción, convoca un cuento. También porque leo mucho, es cierto.

Una característica fundamental de la narración oral es que nadie cuenta cualquier cosa. Contamos lo que necesitamos contar. Lo que nos importa. Por eso, quien venga a escucharme se encontrará siempre con una fuerte presencia del ecologismo, del feminismo y, en definitiva, de los derechos humanos y de los derechos de los animales.

Habrá quien piense que eso es forzar los relatos. Sin embargo, la experiencia demuestra justo lo contrario: la tradición oral, en la mayoría de los casos, ya gira alrededor de estos pilares. No porque yo los imponga, sino porque han sido vitales para la supervivencia —material y simbólica— de las comunidades humanas.

Solo una vez me vi obligada a cambiar drásticamente un cuento. Ocurrió porque me lo pedían año tras año, pese a que siempre advierto que Los tres cerditos y el lobo feroz no forma parte de mi repertorio. Desde niña rechacé esa historia excesivamente moralizante y aleccionadora. Pero el guion de la vida me empujó a escribir un contracuento igual de moralizante que el original, aunque por motivos muy distintos.

En otra ocasión tuve que enfrentarme al reto de contar un relato sobre violencia vicaria, en un acto en torno al libro Nerea, Martina y el latido de las mariposas, basado en el asesinato de Nerea y Martina en 2018, con su madre presente. Puede parecer que la tradición oral no tiene nada que decir sobre esto. Pero se equivocan. La violencia vicaria está profundamente vinculada al sistema político patriarcal y los cuentos —de múltiples culturas— llevan siglos alertándonos de ello.

La ciencia también ha entrado en el mundo de los cuentos. El sistema de clasificación Aarne-Thompson-Uther (ATU) permite rastrear patrones narrativos comunes. En el tipo ATU 707, Los tres hijos maravillosos o Los niños dorados, encontramos innumerables variantes en las que, para castigar a una mujer, se la acusa falsamente de haber dado a luz a animales o monstruos. Sus hijos son asesinados o apartados para condenarlos a la miseria. Europa medieval, China, culturas inuit o tradiciones del África subsahariana: el abanico es tan amplio como inquietante. Elegir un relato adecuado me llevó varios días.

Usar relatos para sostener causas no es algo nuevo. Todas las religiones lo han hecho —y lo siguen haciendo— para explicar el mundo y llegar al corazón de creyentes y no tan creyentes. Hoy el marketing y la política nos dicen que han descubierto el storytelling, como si el relato emocional fuera una innovación reciente. El relato al servicio de una causa, justa o injusta, parece ser una constante de la condición humana.

Aun así, muchas personas se definen neutrales para protegerse del conflicto que implica ser y estar en el mundo. Nos repiten: “no mezcles la política en esto”, como si la política no fuera algo tan inevitable como el nitrógeno en el aire. Yo, como narradora oral, prefiero asumirlo: contar es tomar partido, incluso cuando fingimos no hacerlo. 

“Mi pequeña Luz, soy mamá”. Con estas palabras comienza una carta de amor que ahora se ha convertido en un libro infantil que atesora un tierno recuerdo, el afecto de Ascen por su hija Luz. Antes de fallecer, hace ahora tres años como consecuencia de un cáncer, Ascen escribió una misiva a su hija -era apenas un bebé- con “todas las cosas que ya no podría decirle”.

El marido de Ascen, Ernesto Morales, maestro de música, guitarrista y ahora escritor, habla sobre la idea de trasladar esta carta a un cuento infantil que surgió de un grupo de duelo del que formó parte. “Al principio cuando falleció mi mujer vi algún que otro cuento de una persona que participaba también en este grupo. Me gustó mucho la idea porque era una manera de sacar un lado positivo a toda esta desgracia. La carta es muy íntima, pero al final es una carta de amor de una madre a su hija, así que es muy universal”, aunque lo más privado ha quedado guardado para él y su hija.

'Mi pequeña Luz', publicado por la editorial Ruiz Morote, está construido como un diálogo entre una madre y una hija. “Como hizo Ascen hizo con la carta, que era hablar con ella de tú a tú”. Existen partes modificadas y adaptadas por el propio Ernesto, pero que mantienen la esencia: “Decirle a su hija cosas que no iba a poder decirle en un futuro”. Asegura que en casa han leído muchas veces la propia carta y que “es básicamente como hablarle a Luz, por lo que el cuento tiene esa misma forma”.

La importancia de romper tabúes en la infancia

Ernesto, como padre y también maestro, considera que en los últimos años “se está hablando con más libertad de ciertos temas en los cuentos” y es algo que valora muy positivamente: “Los niños se enteran de lo que pasa, no son tontos, y además es que tienen derecho de enterarse de las cosas. En algunas librerías especializadas en literatura infantil encuentras de todo, desde el divorcio, los celos, la muerte y me parece muy bien, porque es la mejor manera de hablarlo con los niños, a través del juego o de los cuentos”, explica.

La muerte es extremadamente dolorosa, pero no deja de ser algo natural que va con nuestra propia naturaleza humana, y los niños también tienen que hablar de ello, porque es importante

Se muestra partidario de “hablar las cosas tranquilamente con los niños, adaptándolas a su lenguaje, pero no esquivando temas. Ellos también tienen que aprender de todo y formarse su propia opinión. Para entender el mundo que les rodea tienen que ver que hay cosas maravillosas que nos alegran, pero hay otras que no lo son tanto y que también forman parte de la vida”.

A través de 'Mi pequeña Luz', el autor no solo quería transmitir la idea de lo que ha ocurrido en realidad, sino que también funcionase para su hija “como una manera de decirle que su madre va a estar siempre presente en su vida, pase lo que pase. La muerte es extremadamente dolorosa, pero no deja de ser algo natural que va con nuestra propia naturaleza humana, y los niños también tienen que hablar de ello, porque es importante”.

Luz perdió a su madre Ascen “muy pequeñita”, cuando tenía poco más de dos años de edad. “Ahora va a cumplir seis años y nosotros hablamos de mamá todos los días, porque su recuerdo está ahí. Aunque ella todo lo que sabe de su madre es porque se lo hemos contado desde la familia o amigos cercanos, estamos ayudándole a crear un recuerdo con su madre que no pudo tener”, señala el autor del libro.

Asegura que Luz “está muy contenta”, sobre todo porque leen el cuento muchas noches, pero también “cuando amigos suyos nos envían fotos leyendo el cuento, le hace mucha ilusión porque dice: mira papá, están viendo nuestra historia”.

Una historia que también cuenta con las ilustraciones de Belén Patón, artista y una de las mejores amigas de Ascen. “Ha hecho un trabajo con mucho corazón, muchísimo mejor de lo que jamás podía esperar. Ella también le ha añadido parte de lo que sentía y ha creado un universo para que el cuento se desarrolle en él”, apunta Ernesto.

El autor de 'Mi pequeña Luz' asegura que la primera presentación que tuvo lugar en Ciudad Real fue un absoluto éxito: “No nos esperábamos que tanta gente iba a estar a nuestro lado y le iba a gustar. Entraron las 100 personas que cabían en la sala y fuera se quedaron otras tantas”, explica. La primera edición del cuento se agotó entonces y plantean imprimir más ejemplares en las próximas semanas, pero lo que más destaca Ernesto es la sensación “de respeto y cariño hacia la situación, hacia Luz y hacia mí, que hizo que todo fluyera muy bien”.

Una presentación que fue conducida por la periodista Celia Naharro, pero en la que también intervino la música. “Ascen era música, hizo la titulación superior de flauta travesera y era muy talentosa. Mi familia también está ligada a la música, como mi hermano que es profesor de violonchelo o mi padre que es cantautor. La música era un pilar fundamental en nuestra relación”, explica. Es por ello, que como la música “siempre ha formado parte de nuestras vidas” tenía que estar presente en la presentación del cuento, donde intervinieron los músicos Nacho, Alba, Mario y Abel Morales, hermano y sobrinos de Ernesto. “En casa con Luz también nos ponemos de vez en cuando a hacer música, es una manera preciosa de expresar lo que no puedes hacer con palabras y llega a rinconcitos que las palabras no llegan”, expresa Ernesto.

Futuras presentaciones del cuento en la región

'Mi pequeña Luz' es un libro infantil que acaba de alzar el vuelo. El próximo 7 de marzo tendrá lugar una presentación en Manzanares: “Estaba prevista antes, pero hemos tenido que retrasarla al quedarnos sin ejemplares. Algunos lugares a los que vamos a ir son Toledo, Porzuna o La Solana, y otros que todavía no están cerrados. Me hace mucha ilusión poder ir a sitios en los que tengo amigos o familia que tienen ganas de vernos por allí con el cuento”, señala Morales.

En definitiva, Ernesto expresa que su idea no es que los lectores se queden con la idea de “un libro lacrimógeno”, ya que considera que han “conseguido darle a todo una pátina de esperanza y de amor puro, que te deja el corazón tranquilo y el alma relajada. Si lo lees sabiendo la historia es posible que te llegue un poco más, pero está basado en el amor”.

A Barbazul le pirran dos cosas, coleccionar esposas y los castillos con muchas habitaciones. Estas inocentes aficiones del personaje de Perrault han dado para multitud de interpretaciones. Cuentos, animaciones y al menos media docena de óperas. Dos de ellas figuran en el programa en curso del Teatro Real: la primera, la de Béla Bartók, la vimos a finales del año pasado; la segunda, compuesta por Paul Dukas, se estrenó anoche en el teatro madrileño.

A diferencia de otras versiones del cuento, la que nos ocupa tiene dos nombres propios en el título: el consabido duque feminicida y Ariadna, verdadera protagonista de esta ópera simbolista y arquetipo salvífico en la batalla de la luz contra la oscuridad. Yendo al librero, bellísimo texto de Maurice Maeterlinck, la historia transcurre tal que así. Ariadna acaba de casarse con Barbazul contra el criterio de los campesinos locales, que la advierten a gritos de las aficiones criminales de su recién adquirido esposo. “No entres al castillo, es la muerte”. La novia no se da por enterada y comenta con su nodriza el regalo nupcial: seis llaves de plata y una de oro. Las primeras abren cámaras repletas de tesoros; la última, una estancia secreta y vedada que Ariadna no duda en abrir. “Voy a buscar la puerta prohibida, lo que está permitido no nos enseñará nada”.

“¿Tú también?”, le reprocha Barbazul. “Yo, sobre todo”. En una cámara subterránea, sumidas en la oscuridad, Ariadna encuentra a las cinco esposas que la antecedieron. Están vivas, pero aterrorizadas. Al interrogarlas, Ariadna descubre que algunas llevan años atrapadas en esas tinieblas y decide —venciendo sus temores y reticencias— ayudarlas a escapar. Tras varias intentonas, nuestra protagonista descubre una abertura que da hacia el exterior, permitiendo que la claridad del día y el rumor de las olas inunden la mazmorra. Las mujeres salen y contemplan la anchura del mar y los campos.

De nuevo en el castillo, Ariadna las anima a engalanarse: van a ser libres y eso es un motivo de alegría. En eso, parece que regresa Barbazul, pero es interceptado y linchado por los aldeanos, que se lo entregan inmovilizado a las mujeres para que completen su venganza. Pero ellas, tras tantos años de sometimiento, no son capaces de librarse de su captor: curan sus heridas, lo besan y lo desatan. Ariadna, viendo el desenlace, las anima a marcharse con ella. Ellas se niegan. Acompañada solamente por su nodriza, la protagonista se marcha.

La versión de Ariadna y Barbazul que vimos anoche trata de subvertir por todos los medios este final decepcionante. A la cabeza de la intentona está Àlex Ollé, de La Fura dels Baus, acompañado de su equipo habitual: Alfons Flores en la escenografía, Josep Abril en el vestuario y Urs Schönebaum en la iluminación. El montaje comienza con un vídeo mareante en el que, desde la luna trasera de un coche, vemos el viaje nupcial de los protagonistas. Lo menciono porque la decisión es una declaración de intenciones: querido espectador, no permitiremos que la música lo aburra, ¡no habrá un segundo de quietud sobre el escenario! ¿Que la orquesta intenta evocar las joyas que se guardan en el castillo? Unas actrices vestidas con camisones tratan de huir de otros actores vestidos de Barbazul. ¿La partitura trata de recrear el movimiento del mar y la anchura de los campos? Gente abrazándose atropelladamente por aquí y por allá. ¿Nos internamos en la caverna prohibida? El decorado se levanta y deja ver el perfil de un laberinto.

Esta propuesta contramusical (más habitual de lo que imaginan en el gremio de directores de escena) produce una serie de patologías en el desarrollo de la función que terminan por arruinar el elegante constructo simbolista que trata de armar Maeterlinck. El descenso a la prisión se nos muestra reconvertido en la boda de Ariadna; los aldeanos que tratan de frenar a Barbazul son los invitados; ¿el camino hacia la libertad?, una torre con mesas que se iluminan (vaya usted a saber por qué), sillas de convite y lámparas de pie. Tampoco parece bastarle a Ollé la violencia que narra la música, porque opta por subrayarla con interferencias espasmódicas de los maltratos pasados (como si un verdugo invisible la emprendiese a golpes con la multitud de rehenes que en esta producción hacen de las cinco esposas) que se suceden sin que sepamos bien por qué. ¿Las campanas del reloj de la iglesia que alguna lleva décadas sin oír? Vale. ¿El recuerdo del cautiverio? También.

Con todo, debemos reconocer que el momento más dramáticamente interesante está causado por la subversión de las pretensiones del libreto. Como les adelantaba, en esta Ariadna las esposas no liberan a su captor. Tras serle entregado por los aldeanos (que aquí son una turba machuna que se pelea a sillazos de manera desordenada y luego tira fichas a las señoras), las mujeres se le arremolinan alrededor de Barbazul, hiriéndolo mientras se lamentan de las heridas que le han causado durante la captura. Este momento finamente sádico (Ariadna llega a apuñalarlo mientras pide que lo traten con delicadeza) me pareció realmente brillante. El remate, sin embargo, vuelve a caer en lo absurdo: las esposas ejemplifican histriónicamente varios conatos homicidas, pero todas frenan (la dirección de actores no es buena en toda la función, pero aquí es disparatada) a pocos centímetros de su objetivo. Ariadna se marcha y ellas, girando al maltratador —cautivo y desarmado—, fijan la mirada en el patio de butacas. ¿Por qué? ¿Para qué? Se hace el silencio y cae el telón.

Yendo a lo musical, la dirección de la orquesta cae en manos de Pinchas Steinberg. Con el guirigay que se monta en el escenario, uno la escucha como puede. La interpretación me pareció atinada y los pasajes orquestales sonaron bellamente. En el capítulo de voces conviene elogiar la Ariadna de Paula Murrihy (sobre quien, prácticamente, recae el peso de toda la función), que logra la difícil tarea de dotar de expresividad a un personaje vocalmente reiterativo. También a la nodriza de Silvia Tro Santafé, contraparte indispensable, que canta con una seguridad admirable. Me gustó breve desempeño de Gianluca Buratto como Barbazul y el coro, que sigue siendo uno de los grandes activos del teatro madrileño.

Hay muchas óperas cuyos “valores” nos resultan problemáticos. La curiosidad femenina no es solo objeto de reproches en otras versiones del cuento de Perruault; también, por ejemplo, en La flauta mágica de Mozart. Pero justo en la interpretación de Maeterlinck y Dukas (que, por cierto, es también autor de El aprendiz de brujo, el que sale en Fantasía), la sumisión de las esposas choca con la audacia de Ariadna, que no solo es un personaje femenino, sino que es el principal. Reducir la trama a una sola de sus capas (ya sea para enfatizarla o para enmendarla) pocas veces resulta enriquecedor. Aquí, desde luego, no lo ha sido.

Todo empezó en séptimo de EGB, cuando un profesor de Lengua propuso a la clase escribir una historia a lo largo de todo el curso. La mayoría abandonó el intento con el paso de las semanas. Víctor M. Jiménez Andrada no. Persistió hasta el final, casi en silencio, sin saber que aquella obstinación era ya una forma temprana de literatura. Aquel cuaderno fue su primer libro, aunque entonces no supiera nombrarlo así. Después llegó la adolescencia y con ella la poesía: los primeros enamoramientos, los versos desgarrados, los cuadernos llenos de palabras escritas desde la herida y el asombro.

Desde ese impulso inicial, la escritura ha sido una constante, aunque no siempre acompañada de certezas. Ganar el Premio García de la Huerta en 2014 con Circo supuso algo más que un reconocimiento: fue un gesto de validación externa, una confirmación necesaria. “Uno nunca sabe si lo que escribe sirve para algo o para alguien”, reconoce. Que personas ajenas a su entorno habitual valoraran su trabajo le permitió seguir adelante con un poco menos de duda y un poco más de alivio.

El insomnio llegó después, o quizá siempre estuvo ahí. Versos del insomnio nació de una noche de verano interrumpida por el ruido estridente del camión de la basura. Incapaz de volver a dormir, se levantó y escribió: “Son las tres de la madrugada y el camión de la basura me ha despertado”. A partir de esa frase comenzó a construir un libro que entiende el desvelo como materia poética. Insomnios inevitables, insomnios buscados, noches que se alargan porque algo merece ser pensado o escrito. El libro recorre ese tránsito, convertido además en realidad gracias a una beca de creación literaria de la Junta de Extremadura.

Aunque uno de sus títulos más conocidos se titule Malos tiempos para ser sinceros, Víctor M. Jiménez Andrada discrepa del diagnóstico real. Cree que el amor —en todas sus formas— es lo único que puede salvarnos en una época turbia. No es la fragilidad humana lo que le incomoda, sino la soberbia de quienes se creen inmortales, casi divinos, y actúan sin límites, pisando la libertad ajena. Basta, dice, con observar el panorama político internacional. Frente a eso, reivindica la poesía y el amor como herramientas de resistencia y de futuro.

Esa mirada crítica se volvió explícita en Malos tiempos para ser sinceros, quizá su poemario más político y reivindicativo. Publicarlo gratuitamente en formato digital forma parte de un proceso profundo de revisión de toda su obra, buena parte de ella inédita, con un objetivo claro: compartirla sin barreras desde su espacio web. El poema central del libro surge de un juego aparentemente inocente —“Para ser sinceros / corren malos tiempos / para ser sinceros”— que quiso cargar de intención. De ahí nació también una canción, en colaboración con el cantautor Manuel Cobos, y un conjunto de poemas que fue creciendo a fuerza de recitales.

En su poesía asoman realidades concretas, también territoriales. Extremadura aparece como una tierra históricamente maltratada, una región que vuelve a quedarse a la cola en financiación mientras nadie parece alzar la voz. No habla desde el nacionalismo, sino desde la justicia.“ Por eso duele especialmente ver cómo se destinan presupuestos escandalosos a grandes eventos culturales como la Bienal Vargas LLosa mientras la cultura local sobrevive de forma precaria, sostenida por iniciativas privadas y ayudas públicas insuficientes”. Esa contradicción, aunque a veces de forma inconsciente, se filtra también en su obra.

La naturaleza es otro de los pilares de su escritura. No como decorado, sino como fuerza viva que nos recuerda nuestro lugar. En El opúsculo del caminante la relación es casi una comunión. La poesía, como todo el arte, es para él un vehículo para reivindicar que el ser humano forma parte de esa naturaleza que debe respetar y proteger. La arrogancia de creernos dueños absolutos del mundo se desmorona con algo tan pequeño como un virus, pero aun así insistimos en pensar que tenemos el control. El panorama, admite, es desalentador.

Más allá de la poesía, su obra se reparte a partes iguales entre narrativa y verso. Tiene en marcha la revisión de una novela escrita hace más de diez años, ya en manos de lectores beta, que verá la luz en 2026 en formato digital y gratuito. A eso se suman tres libros de microrrelatos —Breve catálogo de esencias y venenos, La increíble fuerza de la pulga y Tornillería surtida, el más reciente— y dos volúmenes de cuentos: Comidas para llevar y Morirme para esto. Cuando cierre la etapa de la novela, comenzará a ordenar cuentos inéditos con la idea de darles una nueva forma de conjunto.

Ese compromiso con la literatura como espacio compartido se materializa también en Letras Cascabeleras, una editorial independiente que lleva casi catorce años de vida. Un proyecto autogestionado, sin ayudas públicas, que ha sabido sostenerse y, sobre todo, crear comunidad. “Siempre hablo en plural”, explica, porque Letras Cascabeleras es también María Durán, su presidenta, y Vicente Rodríguez Lázaro, escritor y amigo. En 2027 la editorial iniciará una nueva etapa en manos de otro equipo encabezado por la escritora Cora Ibáñez, mientras sus fundadores preparan ya un nuevo proyecto cultural para la temporada 2026/2027.

Y quizá ahí esté la clave de todo: en entender la literatura no como un gesto individual, sino como una forma de permanencia compartida. Escribir para no dormirse ante la injusticia, para no callar cuando el ruido del mundo aprieta, para quedarse siendo consciente de que se está. Aunque cambien los nombres, aunque lleguen los relevos, aunque el tiempo avance. Porque mientras haya palabras que se escriban desde la conciencia y se compartan sin miedo, la cultura seguirá encontrando la manera de respirar, de resistir y de disfrutar.

Puede ser que, si decimos que un día como hoy de hace 175 años nació Luis Coloma no sepas a quien nos referimos, pero, sin embargo, es el autor de una de las historias que más han calado en la tradición en España con los más pequeños cada vez que se les cae un diente. Sí, efectivamente hablamos del autor del cuento que creó la figura de El Ratoncito Pérez.

Los inicios del autor de ‘El Ratoncito Pérez’ y el suceso que le cambió la vida

El 9 de enero de 1851 en Jerez de la Frontera, Cádiz, nació Luis Coloma, que desde bien temprano sintió interés por las letras, y a pesar de ingresar a los 12 años en la Academia Naval de San Fernando, la abandonaría para licenciarse en Derecho en la Universidad de Sevilla, para luego también ejercer otra profesión al comenzar a frecuentar ambiente literario.

Esto fue así debido a su amistad con la escritora Cecilia Böhl de Faber y Ruiz de Larrea, que escribía bajo el seudónimo de Fernán Caballero, que lo introdujo en los círculos literarios y de arte cuando Coloma se mudó a Madrid, y a la que él dedicaría en 1910 una biografía titulada “Recuerdos de Fernán Caballero”.

Así, en Madrid y con ayuda de su amiga, comenzó a colaborar en periódicos y publicar sus primeros relatos, pero todo cambiaría en 1872, cuando fue herido de bala. Aunque su pronóstico fue en un principio pesimista, sobrevivió y este lo entendió como un milagro de Dios, por también su rápida recuperación, y fue cuando decidió ser sacerdote e ingresar en la Compañía de Jesús. Para ello se fue a Francia, donde en 1874 fue ordenado.

Más tarde Luis Coloma regresaría a España y se dedicaría a la educación, pero retomaría también su producción literaria. En 1890 publicó ‘Pequeñeces’, una de sus principales obras, en las que describía de forma satírica la alta sociedad madrileña de antes de la Restauración Borbónica, y que tuvo éxito, pero también críticas negativas por la imagen que daba de la sociedad de su tiempo.

El encargo de la reina María Cristina y el nacimiento de ‘El Ratoncito Pérez’

Pero sería una pequeña obra de 1894 la que daría verdadera fama y reconocimiento a Luis Coloma, también conocido como Padre Coloma, cuando la reina María Cristina de Habsburgo, entonces regente por la menoría de edad de su hijo y heredero, le encargó que escribiera un cuento con motivo de la caída del primer diente de Alfonso XIII.

Así fue como el padre Coloma adaptó un antiguo relato de la tradición oral en formato de cuento y le aportó más historia y contenido para el personaje de ‘El Ratoncito Pérez’, un roedor que vivía dentro de una lata de galletas en la confitería Prast de la calle Arenal de Madrid, y que acabaría siendo un mito relacionado con la caída de los dientes de leche de los más pequeños.

En el cuento de Luis Coloma, el pequeño rey Buby, el apodo que recibía Alfonso XIII por parte de su madre en la intimidad, era acompañado por el Ratón Pérez para vivir una aventura en la que conociera cómo vivían sus súbditos infantiles, algunos de ellos en la pobreza más absoluta como el niño Gilito, con el objetivo de que aprenda valores como la valentía, la generosidad o el cuidado.

El padre Coloma moriría en Madrid en junio de 1915, siete años después de haber sido nombrado académico de la Real Academia de la Lengua Española (RAE) en la silla de la letra f en 1908. Su vida y su obra generó interés entre sus contemporáneos, así, por ejemplo, fue recogida por Emilia Pardo Bazán en 1891 bajo el título “El P. Luis Coloma. Biografía y estudio crítico”.

Se suele decir que la Navidad como la conocemos hoy en día se la debemos realmente a Charles Dickens, que él fue quien realmente inventó las fiestas navideñas, aunque a lo que esto se refiere es a la idealización que tenemos en nuestra cabeza y la asociación de ciertos elementos como la nieve o el pavo con estas celebraciones, a pesar de que, por ejemplo, vivamos en un lugar en el que el paisaje nevado parezca algo de lo más lejano.

Y esta afirmación de Charles Dickens como inventor de la Navidad es en gran parte por su descripción de las fiestas y de su espíritu en la famosa novela ‘Cuento de Navidad’, que ha sido objeto de varias adaptaciones en teatro o cine, y que se ha quedado en nuestro imaginario colectivo, desde su publicación en 1843.

La crisis e indignación que motivaron a Dickens para su ‘Cuento de Navidad’

'A Christmas Carol. In Prose. Being a Ghost Story of Christmas', en su título original, no habría sido posible sin el contexto en el que se dio, porque fue un producto de su tiempo, como también podría serlo de la actualidad si se hicieran algunos cambios, al tratarse principalmente de un relato de crítica social y denuncia, en este caso sobre todo contra el trabajo infantil, algo que el escritor británico conocía de primera mano.

Y es que nos situamos en la Inglaterra de mediados del siglo XIX, época victoriana, y es entonces cuando Dickens tiene acceso a un informe del gobierno de entonces sobre el trabajo infantil que lo indignó principalmente, al ser consciente de las condiciones deplorables y los miseros sueldos que estos, además, recibían por ello.

Por eso, su primera reacción fue la de escribir un panfleto en el que denunciar la situación, aunque pronto cambió de idea y optó por otro formato, la novela, y ahí puso el primer grano de lo que sería ‘Cuento de Navidad’, una historia de denuncia del trabajo y maltrato infantil, algo que él había vivido en sus propias carnes.

Se basó en sus propias vivencias y la escribió en tan solo seis semanas

De hecho, Charles Dickens se basó en su propia infancia para escribir ‘Cuento de Navidad’, pues él mismo había dejado de estudiar a los 11 años y se tuvo que poner a trabajar porque su padre fue encarcelado por no pagar unas deudas, algo que era habitual entonces. El escritor conocía la explotación infantil, él la había sufrido en una fábrica de betún siendo pequeño.

Fiel a su estilo de denuncia de la realidad social, algo que también se aprecia en ‘Oliver Twist’ o ‘Grandes Esperanzas’, Dickens usó la literatura como altavoz para los más necesitados, para cambiar la terrible situación que vivían miles de niños, y para ello usó el espíritu navideño en su máxima expresión, retratando la bondad, la empatía y solidaridad como motores de la Navidad, como buen amante de esta época del año que era.

Se cuenta que necesitó tan solo seis semanas para escribir ‘Cuento de Navidad’, en parte por el uso de una literatura y un estilo cercano que le permitió poder llegar así al máximo número de lectores posibles, y con una inspiración que le venía de su propia historia, pero también de largas caminatas por las calles de Londres en busca de imaginar en su mente la novela que quería escribir. Y así fue como el 19 de diciembre de 1843 fue publicada por Chapman & Hall.

En este relato corto, Dickens capta el espíritu navideño y la realidad de su época, marcada por la crisis económica, en el personaje de Ebenezer Scrooge, un anciano avaro y egoísta, que se transforma hacia la generosidad, empatía y solidaridad después de recibir la visita de cuatro fantasmas en la víspera de Navidad que le muestran los errores que ha cometido en su vida a la vez que le enseñan el camino y significado de las fiestas.

Es habitual que muchas obras literarias, desde clásicos a piezas breves desconocidas de grandes autores, vuelvan a las librerías en forma de libro ilustrado. Las ilustraciones no se limitan a decorar el texto, sino que lo complementan, dialogan con él de tal modo que el lector se sumerge en una experiencia distinta al leerlos. Porque cada creador le aporta una mirada subjetiva, única, y el lector ya no solo descubre la del escritor, sino que debe prestar atención también a lo que ha visto el ilustrador en esas mismas palabras.

Ese suele ser el proceso: primero el relato y luego las imágenes; o, si acaso, ambos a la vez, cuando escritor e ilustrador pueden avanzar de forma sincrónica. El dibujante, por bueno que sea su trabajo, queda un tanto relegado, su nombre siempre por debajo en la cubierta, en ocasiones más pequeño que el del escritor, aunque a menudo lo que empuja al público a elegir esa edición en concreto son las ilustraciones, que lo convierten en un ejemplar de lujo, de esos que las librerías no devuelven al distribuidor enseguida porque son idóneos para regalar, y lo seguirán siendo en los años sucesivos.

La noticia es que, a veces, el proceso se invierte. Un ilustrador logra tanto prestigio que deja de ser el subordinado, y son los juntaletras los que quieren escribir para él. Incluso juntaletras con legiones de lectores, que no tienen necesidad (ni económica ni creativa) de sumar esta experiencia a su currículo. Ese es el origen de la nueva edición de Hansel y Gretel (Lumen, 2025, trad. Darío Zárate Figueroa), para la que nada menos que el rey del terror, Stephen King (Portland, Maine, 1947), ha versionado este cuento ex profeso para complementar unas ilustraciones del añorado Maurice Sendak (Brooklyn, Nueva York, 1928-Danbury, Connecticut, 2012), autor de Donde viven los monstruos (1963).

Afinidades electivas

“Cuando me preguntaron si me interesaba escribir una nueva interpretación de Hansel y Gretel adaptada (con libertad) [a los dibujos de Maurice Sendak], claro que me interesó. Nada más ver las imágenes, decidí intentarlo”, explica King en la introducción al álbum. Las ilustraciones formaban parte de la escenografía y el diseño de vestuario que Sendak había creado para la ópera del compositor Engelbert Humperdinck basada en el cuento. Como sucede con más frecuencia de lo que se cree, este libro se debe, antes que a nadie, al equipo editorial que tuvo la idea de rescatar esas imágenes de ese ámbito restringido y pensar en un autor como King para insuflarles una nueva vida.

La sinergia Sendak-King va mucho más allá del reclamo comercial: salta a la vista, por poco que se les conozca, que existe una afinidad artística entre ambos. Sendak, aunque ilustró todo tipo de libros, se hizo célebre por su imaginería oscura del universo infantil, con esas ilustraciones de monstruos y, en el caso de este Hansel y Gretel, con una bruja perversa, un bosque oscuro asfixiante y una casa de caramelo con un rostro demoníaco. En cuanto a King, lleva más de medio siglo ganándose el calificativo de rey del terror; nadie como él para escribir sobre niños que caen en las garras de seres malvados.

El propio autor de Maine lo confirma: “En cierto modo, he pasado gran parte de mi vida escribiendo sobre niños como Hansel y Gretel”. También reconoce la huella de Sendak, tanto en su obra, que lo inspiró para más de un trabajo, como para su propia vida, puesto que eran sus cuentos, populares entre los años sesenta y ochenta, los que el matrimonio de Stephen y Tabitha King leía a sus hijos cuando eran pequeños. “Estoy seguro de que hay por ahí muchos padres boomers […] que se ven reflejados en nosotros y se alegran de poder leerles a sus nietos algo más de Sendak”, añade a propósito de esta edición.

Terror y literatura infantil

Para un adulto, la esencia macabra de los cuentos populares en su versión original no es ninguna sorpresa. En cambio, hace tiempo que se instauró la costumbre de dulcificarlos para los niños, y no solo a través de Disney, aunque su maquinaria comercial tenga más impacto, sino mediante cualquier cuento con dibujos de brujas de mejillas sonrosadas y final feliz sin demasiados contratiempos. El Hansel y Gretel de King y Sendak también llega a buen puerto, pero el camino es tan lúgubre –en lo visual y en lo lingüístico– que conserva en buena medida el espíritu de la versión recogida por los Hermanos Grimm.

“Para mí, esa es la esencia de este cuento y, en realidad, de todos los cuentos de hadas: un exterior luminoso, un centro oscuro y terrible, y unos niños valientes e ingeniosos”, reflexiona King. Tal vez hay adultos que recelan de la idoneidad de este tipo de cuentos para los niños, pero lo cierto es que en la infancia siempre ha existido una fascinación por el terror, por lo desconocido. Ponerlos frente al peligro, en el marco seguro de la ficción, puede contribuir a canalizar el miedo, a prepararlos para afrontar las situaciones duras que les departe el futuro, como la muerte, el desamparo o las malas intenciones.

Para mí, esa es la esencia de este cuento y, en realidad, de todos los cuentos de hadas: un exterior luminoso, un centro oscuro y terrible, y unos niños valientes e ingeniosos

Stephen King — Escritor

King también describe el arte de Sendak como “luminoso por fuera y oscuro por dentro. O viceversa”. ¿No es, acaso, una definición precisa de la vida? Los cuentos, y con ellos las ilustraciones de ese gran artista que fue Sendak, siguen interpelando al lector porque se ocupan, en el fondo, de emociones que todos conocemos, generación tras generación. Se ocupan del abandono, la soledad, la envidia, el miedo, los abusos, el trauma. Con un poco de suerte, de la superación, la solidaridad, el afecto. Hay un aprendizaje, y mucho más complejo e interesante que el condescendiente “No aceptes caramelos de extraños”.

En una época de niños que crecen sobreprotegidos y la censura sobrevuela la industria de la literatura, con especial saña cuando se trata de libros dirigidos al público infantil, esta nueva versión de Hansel y Gretel es una declaración de intenciones. Es la apuesta por dos creadores únicos, subversivos, con un imaginario nada sospechoso de sumisión o ínfulas de adoctrinamiento. Las licencias que se toma King en la adaptación resultan bienvenidas porque funcionan en su concepción del relato. Solo queda que los adultos estén a la altura de la propuesta y traten a los niños con la inteligencia, el respeto y el cariño que destilan las páginas de este tándem sensacional.

Nota: Hansel y Gretel (Lumen, 2025) se recomienda para lectores a partir de 5 años.

El cuento de ‘La Bella y la Bestia’ es uno de los clásicos que han llegado a nuestros días con gran popularidad, en parte desde que fuera adaptado por Disney en los 90, durante la época conocida como de su renacimiento, y que se basa a su vez en el folclore popular que recogió Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve en 1740.

Pero la historia parece no haberse quedado en una mera ficción y tener su propia inspiración real, siendo una de las más populares la que protagonizó un español durante el siglo XVI y de la que nos han llegado retratos a nuestros días por el papel que tuvo en las cortes europeas.

Petrus Gonsalvus, el español que fue la ‘Bestia’ real

‘La bella y la Bestia’ se asegura que pudo tener una cierta inspiración en historias reales, y una de ellas es la que protagonizó Pedro González, más conocido como Petrus Gonsalvus, nombre en latín que recibió en la corte francesa, donde fue trasladado a la edad de diez años.

Petrus Gonsalvus había nacido en la isla de Tenerife en 1537 con una enfermedad congénita, que ahora se sabe que es el llamado ‘síndrome del hombre lobo’ o hipertricosis, y que causaba el crecimiento exagerado de vello por una parte o toda en el cuerpo, como podría ser en este caso según los retratos que nos han llegado.

Una de las versiones más extendidas es que sus padres pudieron ser jefes guanches que lo abandonaron al nacer debido a su aspecto físico y que este fue acogido siendo un bebe por monjes, que lo tuvieron bajo su tutela en la infancia hasta que a los diez años llegó a la corte francesa.

Hay varias versiones también de cómo llegó a Francia, en algunos casos se comenta que fueron los corsarios quienes lo capturaron como ofrenda al rey Enrique II de Francia, otros que los mismos españoles lo querían enviar a la zona de Bélgica, que entonces formaba parte de la misma corona, la de Carlos I de España y V de Alemania.

La real ‘La Bella y la Bestia’ y su triste realidad

Sea como fuere, Pedro González entró a la corte francesa y se le rebautizó su nombre en latín como Petrus Gonsalvus, donde el rey Enrique II se preocupó de formación, siendo un niño muy inteligente, para “alejarlo de lo salvaje de su condición”.

Con la muerte temprana de Enrique II en 1559 debido a ser herido en una justa, Petrus Gonsalvus quedó a cargo de su viuda, Catalina de Médici, que le buscó esposa entre sus damas de compañía, siendo seleccionada una joven llamada Catherine que era la más bella de todas ellas según los relatos de la época y la de carácter más fuerte “para soportar la conmoción”.

La pareja se casó y su matrimonio duró más de 40 años, además de que tuvieron siete hijos, cinco de los cuales heredaron la condición de su padre, por lo que pasaron a ser objetos de entretenimiento en las diferentes cortes europeas, como se puede apreciar en los retratos que encargaron de ellos algunas como la de Viena o Múnich.

Algunos de ellos fueron Madeleine, Henri, que posó en un retrato en una cueva que era un guiño al origen canario de su padre, o Antonietta, que aparece en uno con una carta que era un supuesto documento que comprobaba que era propiedad de su padre y que compartían la misma singularidad.

El Ministerio de Cultura ha aceptado la propuesta del Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara -la asociación que organiza el Maratón de los Cuentos que tanta fama da a esta ciudad- para bautizar a la Biblioteca Pública de la capital alcarreña con el nombre de Blanca Calvo. La propuesta seminarista ha conseguido el respaldo de multitud de personalidades e instituciones culturales, sociales y políticas de la ciudad, la provincia, la región y más allá. Lógico, dado el enorme peso que la figura de Blanca ha tenido -y tiene- en la vida cultural y social de Guadalajara.

Alcaldesa de Guadalajara durante algo más de un año a principios de los noventa, consejera de Cultura de Castilla-La Mancha durante casi dos años a principios de los dosmil y, sobre todo, directora de la Biblioteca Pública de Guadalajara durante más de 30 años (1981-2013), la huella de esta mujer menuda, sonriente, infatigable, rebelde y combativa (la lista de adjetivos que se le puede aplicar es interminable, pero me paro aquí) en la biblioteca que dirigió y en la ciudad de la que hizo su hogar es muy, muy profunda.

Blanca Calvo siempre creyó -lo sigue haciendo- en la revolución. Una revolución a fuego lento, silenciosa pero imparable, cordial, hecha de sonrisas, empatía y cultura. Desde la biblioteca que dirigía, ella siempre aspiró a transformar la ciudad -y la sociedad- en que vivía. La ciudad tal vez no ha alcanzado el grado de desarrollo humano que a ella le gustaría, pero, sin duda, la vida de miles de ciudadanos y ciudadanas de Guadalajara no sería la misma sin Blanca.

Algunos de ustedes pensarán que exagero. Les voy a intentar convencer de que no es así y de que dar el nombre de Blanca Calvo a la Biblioteca Pública de Guadalajara (BPG) no es sino el reconocimiento oficial de una realidad, pues para cualquiera que haya conocido la biblioteca entre los años ochenta y los dosmil, ambos nombres están inseparablemente unidos.

Calvo llegó a Guadalajara desde Mahón, Menorca, para hacerse cargo de la dirección de su biblioteca pública en 1981. No mucho antes, a comienzos de los setenta, se había convertido, con tan solo 24 años, en la persona más joven en entrar en el Cuerpo Facultativo de Bibliotecarios, lo que fue motivo de mucho orgullo para su madre, bibliotecaria de la Universidad de Valladolid.

Como alguien dijo en su homenaje, Blanca trajo aires mediterráneos –“cargados de ilusión y nuevas propuestas”- a la biblioteca de la austera y provinciana Guadalajara y la convirtió en un lugar acogedor, cálido y luminoso. Les brindo un único, pero muy significativo, ejemplo.

Cuando ella llegó, los usuarios y usuarias de la biblioteca no teníamos acceso a los libros más que a través de oscuros archivadores. Tras localizar en ellos la referencia del libro, había que acudir a un mostrador de préstamo situado en un diminuto y sofocante cuarto de tamaño apenas mayor que un retrete. Allí, entregábamos una ficha al funcionario de turno, que desaparecía durante interminables minutos para explorar el laberinto de estanterías en que los libros se custodiaban, lejos de las manos de posibles lectores u ojeadores, como si fuesen un maná prohibido o un arcano al alcance únicamente de unos pocos elegidos. Los aspirantes a lectores y lectoras nos sentíamos un poco como familiares de un reo pidiendo clemencia al señor feudal.

Blanca acabó con todo eso. Trasladó los libros de los oscuros anaqueles a una amplia y luminosa sala del Palacio del Infantado, entonces sede de la BPG. En ella -iluminados por la cálida luz que entraba por amplios ventanales que se abrían a una hermosa galería gótico isabelina que a su vez se asomaba a los apacibles jardines del palacio, protegidos de cualquier intemperie por un bello artesonado renacentista y perfectamente ordenados en decenas de estanterías alineadas en pasillos que semejaban avenidas que llevaban hacia el conocimiento y el gozo- se podían contemplar, tocar, curiosear, oler, ¡y hasta leer! miles de libros de los más diversos formatos, materias y autores. Habíamos pasado de las tinieblas a la luz, de la escasez a la abundancia, de la dieta de verduritas al festín de Babette.

Blanca Calvo había abierto las puertas del palacio de invierno para que pasase el pueblo. Y no uso la palabra pueblo al azar: para ella, las palabras libro, cultura y democracia son inseparables. El libro y la cultura no son un fin en sí mismos, sino una puerta de entrada hacia -o tal vez un pilar o una viga sobre los que sostener- un mundo en el que personas conscientes, sensibles y empáticas puedan caminar juntas hacia una sociedad mejor y más humana, en la que sea posible un buen vivir para todas en lugar de una buena vida para unas pocas y distintos grados de agonía y miseria para las más.

Blanca Calvo había abierto las puertas del palacio de invierno para que pasase el pueblo. Y no uso la palabra pueblo al azar: para ella, las palabras libro, cultura y democracia son inseparables

Pero Blanca no se quedó contenta con ello y salió, como las misioneras laicas de las Misiones Pedagógicas de la II República que ella tanto admira, a llamar a todas las gentes para que viniesen a disfrutar de los frutos del árbol de la vida. Para ello, se alió con un grupo de jóvenes profesores y profesoras (José Antonio Camacho y los muy añorados Vicente Paniagua y Fernando Yela eran solo algunos de ellos), con los funcionarios y -sobre todo- funcionarias más animosas de la biblioteca, con los teatreros que intentaron hacer de la Guadalajara de los primeros años de vida democrática un lugar lleno precisamente de vida y con cualquiera que se dejase contagiar de su ardor evangélico -no se olviden: evangelio quiere decir buena nueva y Blanca y su gente estaban convencidos de que los libros y la cultura eran el camino hacia la buena nueva de una sociedad mejor.

La biblioteca se transformó en un hermoso centro conspiratorio y un laboratorio alquímico de la que salieron multitud de iniciativas que se expandían hacia el resto de la ciudad, la región, el país… el planeta: clubs de lectura para los más diversos grupos -no solo en la biblioteca, sino en muchos otros lugares entonces insospechados como el Centro de Atención al Minusválido Físico (CAMF) o la Prisión Provincial-, encuentros con autores, nombramientos de socios de honor, elaboración de libros gigantes y álbumes de poesía en los colegios, expedición automática del carnet de socio a todos los recién nacidos de la ciudad, talleres de escritura, encuentros nacionales de animación a la lectura, la revista Atiza…

Muchas de esas actividades llevaban el sello de la Biblioteca Pública, muchas otras el del Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara (SLIJ), entidad que luego sería clave también en el nacimiento y la consolidación del Maratón de los Cuentos de Guadalajara.

Ay, el Maratón de los Cuentos, ¡esa sí que es una historia de las buenas!

Resulta que Blanca Calvo se implicó tanto en la vida de la ciudad que fue durante muchos años concejala de Izquierda Unida. Y resulta que, contra toda lógica e incluso contra las amenazas de expulsión del mismísimo Julio Anguita, en 1991 Blanca Calvo resultó elegida, en un supercalifragilesticohuespialidoso pleno de constitución del Ayuntamiento de Guadalajara, alcaldesa de la ciudad. No vamos a entrar a fondo en esa historia, porque este artículo se convertiría en La Historia Interminable.

El caso es que, en 1992 -año de grandes fastos-, en ejercicio de sus funciones de alcaldesa, Blanca Calvo decidió que el Ayuntamiento de Guadalajara organizase la primera feria del libro de la ciudad y, echando toda campana posible al vuelo, organizar una actividad que inscribiese a la ciudad en el Libro Guiness de los Récords como la ciudad que más horas había permanecido contando -y escuchando- cuentos. Ese primer Maratón de los Cuentos, en el que participaron personalidades tan destacadas de la cultura como el escritor José Luis Sampedro, el dramaturgo e hijo de Guadalajara Antonio Buero Vallejo o el cineasta Miguel Picazo, duró 24 horas y fue la plasmación de un sueño que, 33 años después, aún pervive.

Uno de los poderes mágicos de Blanca Calvo es su capacidad para crear símbolos que conecten con el inconsciente colectivo de la gente. Una muestra de ello es lo que sucedió en la ciudad el 12 de julio de 2004. Tras años de rumores, conversaciones, planes, anuncios, convenios, dolores de cabeza y retrasos, estaba lista la apertura de la nueva sede de la BPG, un edificio del siglo XVI que las tristezas de la historia habían relegado a carpintería y luego a ruina y que había sido cuidadosamente restaurado: el palacio de los Dávalos-Sotomayor. Blanca aprovechó la ocasión para crear una imagen única: la biblioteca pidió a la gente que eligiera los libros que más les gustaban y elaboró una lista de los 1.001 más votados. Esos títulos no serían trasladados a la nueva sede de la biblioteca por una empresa de transportes, sino por los ciudadanos y ciudadanas. El día elegido era sábado. Había nerviosismo (¿vendría la gente? ¿acudiría a la llamada de esta bibliotecaria soñadora y su amor a los libros y las palabras?). La gente acudió, ¡vaya si acudió! Una cadena humana de centenares de personas hizo que los 1.001 libros cruzaran la explanada de la entonces Plaza de los Caídos, subieran por la Calle de Miguel Fluiters, bajaran por la Calle del Doctor Román Atienza, doblaran hacia la Plaza de Dávalos y entraran triunfalmente en la nueva sede de la biblioteca.

Ese día, la ciudad fue una fiesta. Los libros volaban entre sonrisas o se detenían en las manos de una persona que de repente se encontraban en sus manos a su autor favorito o reconocían el libro que llevaban años queriendo leer y no podrían reprimir la tentación de abrirlo para leer sus primeras frases o la contraportada que cantaba las virtudes del texto. La gente estaba verdaderamente emocionada, porque se reconocía en los rostros y las manos de los demás, revivía el placer de acometer juntos un esfuerzo en favor del bien común y podía saborear en sus bocas y cerebros la belleza de la palabra comunidad.

Un año después de eso, Blanca Calvo fue nombrada consejera de Cultura de Castilla-La Mancha, cargo desde el que siguió luchando por hacer de los libros, las bibliotecas y la cultura una barricada contra la barbarie y semilla de mundos mejores y más vivibles, y esa es también otra historia de las buenas. Les dejo solo un apunte de esos dos años que habla de la capacidad de trabajo, fortaleza, tenacidad y compromiso con la cultura de Blanca Calvo.

El caso es que cuando el presidente José María Barreda la llamó para incorporarla a su consejo de gobierno, ella estaba terminando de preparar para la Biblioteca Nacional, junto a otro gran defensor de las bibliotecas públicas, Ramón Salaberria, la exposición Biblioteca en Guerra, una gran muestra que documentaba “el papel jugado por un grupo de bibliotecarios en la difusión de la cultura y los libros entre los sectores populares, y su esfuerzo en conservar y proteger los fondos de la Biblioteca Nacional durante la Guerra Civil”.

Una de las condiciones que Blanca le puso a Barreda para aceptar el cargo -el caso ha prescrito y se puede contar- fue compatibilizar durante algunos meses la labor de consejera con la de comisaria de la exposición. A veces para desesperación y la mayor parte de las veces para orgullo de su equipo, fueron unas semanas de trabajo intenso y de muy, muy poco sueño. Blanca casi doblaba jornada para sacar adelante sus dos trabajos que, para ella, eran uno solo, pues ambos estaban destinados al mismo fin: reivindicar y promover el papel de los libros, la biblioteca y la cultura en la construcción de una sociedad del buen vivir para la mayoría de las personas.

Blanca Calvo ha vivido muchas vidas. No nos da para hablar aquí de sus múltiples activismos y colaboraciones con las más diversas causas y movimientos sociales -desde el Movimiento 0,7% y Más a las protestas contra el genocidio en Palestina, pasando por el derecho a morir dignamente. Pero, por encima de todo, siempre ha sido bibliotecaria. Como cuenta en broma pero en serio su gran amiga, la narradora Estrella Ortiz, cuando nació Blanca la comadrona le dijo a su madre: “ha tenido usted una bibliotecaria”.

En el homenaje que le hizo hace algunos días el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil en la Biblioteca Pública de Guadalajara -¿dónde, si no?-, una emocionada Blanca Calvo afirmaba sentirse una persona afortunada. Creo que, sin lugar a dudas, lo es. Creo, también sin lugar a dudas, que la BPG y la ciudad de Guadalajara han sido y son muy afortunadas por haber tenido a Blanca como su directora, su alcaldesa y su ciudadana. De lo que estoy definitivamente seguro -permítanme una nota personal-, es de lo afortunadas que somos las personas que, de una u otra forma, gozamos de su amistad.

Ese sentimiento se traslucía claramente en la cena que tuvo lugar después del acto de homenaje -esto es España, y un homenaje sin cena es un homenaje interruptus, y a fe que el de Blanca no lo fue-. En esa cena, sus amigas del Coro Poético y Peripatético -otra de las muchas plantas que han crecido a la sombra inspiradora del Maratón de los Cuentos, la recitaron un poema del escritor norteamericano Jack Kerouac que dice:

Brindemos por las locas, por las inadaptadas, por las rebeldes, por las alborotadoras, / por las que no encajan, / por las que ven las cosas de una manera diferente… / Porque cambian las cosas. / Empujan adelante la raza humana… / Porque las mujeres que se creen tan locas / como para pensar que pueden cambiar el mundo / son las que lo hacen.

No se me ocurre un epitafio mejor -dentro de muchos años, por favor- para Blanca Calvo, esa mujer que cambió una biblioteca y una ciudad -y, con ello, el mundo.

Un viernes de cada mes hasta el próximo mayo de 2026, el Teatro Moderno de Guadalajara acogerá a las 20:00 horas los 'Viernes de los cuentos', una actividad “para adultos” organizada por el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara. Para esta edición el hilo conductor radica en la mitología. La entrada es libre hasta completar el aforo.

Estos cuentos y espectáculos “han sido seleccionados con todo el cariño, intentando que se mezclen diversos estilos y buscando esa sonrisa placentera que nos gusta ver en la cara de los espectadores y espectadora cuando salen del teatro”, explican desde la organización.

Programa de la temporada de 'Viernes de los Cuentos' 2025/2026

El 17 de octubre, los narradores Ana Griott y Renzo Ruggiero ofrecerán el espectáculo 'Mujeres de agua'. Se trata de una obra de narración oral y musical. Una narradora y un músico “nos llevarán a los paisajes sonoros del Mediterráneo, a la memoria del agua, donde por primera vez escuchamos el mundo y adonde regresamos. Allí nos encontraremos con los seres que viven en las aguas que fluyen, los seres que transmiten la vida: las mujeres de agua”, explican desde el Teatro Moderno.

El siguiente viernes, 14 de noviembre, la actriz Alicia Merino narrará 'Más que palabras'. En este caso son versiones de mitos y leyendas recogidos por la pluma de autores contemporáneos universales como Bernardo Atxaga, Manuel Rivas, Marguerite Yourcenar, Gioconda Belli o Magdalena Lasala (entre otros), y de relatos de tradición oral. Tratarán los temas universales (vida, muerte, libertad, amor, destino, dignidad, identidad) en un ejercicio escénico que “desea ser un modesto y teatral homenaje a todos los narradores y narradoras de cuentos”.

El 12 de diciembre, la obra 'Cuentos de un viajero' correrá a cargo del narrador Nelson Calderón. “Sí señoras y señores, me considero un viajero, alguien que amplió la casa, sí, porque es que yo antes era como si tuviera un salón, un comedor, un patio…pero me hacía falta una terraza para mirar mejor el mundo, y eso es España para mí…” Así comienza este monólogo que promete no dejar indiferente a nadie, donde entran en juego los mitos, el amor, el humor y la fantasía.

El 23 de enero de 2026, la narradora madrileña Aurora Maroto contará 'No todos los diablos tienen cuernos'. “Tres relatos nos llevan al filo de lo humano y lo sobrenatural: historias donde la suerte se tuerce en desgracia, donde el deseo puede tornarse en violencia y donde hasta los diablos pueden ser burlados”, explican desde el Teatro Moderno.

Para el 6 de febrero de 2026, el periodista y actor Carlos Alba, narrará 'El Pola: memorias de un quinqui'. El Pola -personaje propio de Alba- es “un quinqui reconvertido en educador social”. Criado en una 'colomina' de la Asturias industrial, cuenta leyendas urbanas y crónicas de barrio. Gran rockero, el Pola se ha juntado con auténticos cracks del rock and roll como Rafa Kas o Maxi Campán (de Fe de Ratas), y “siempre acompaña sus historias con una banda sonora de época”.

El 13 de marzo de 2026 el cuentista profesional Diego Magdaleno, “con más de veinte años de experiencia” narrará 'El Coso'. La sinopsis de este cuento es la siguiente: En Encinar de la Sierra, un pueblecito de Sierra Morena, ocurrió un hecho insólito. Anarquistas y demócratas, monárquicos y republicanos, católicos y ateos… se pusieron de acuerdo en algo. ¡El pueblo necesitaba una feria del ganado! Y se celebraría en la plaza El Coso. Fue una decisión que acarreó numerosos relatos y chascarrillos, así como un cambio en la historia del lugar.

El próximo 17 de abril de 2026 la narradora Ane Gebara ofrecerá el espectáculo 'Lo que las piedras me contaron'. “Leyendas de cascadas, miedos de aquellos que no conocían bien a sus vecinos, gigantes que ayudaban con los tejados y las parcelarias, casas destruidas y pueblos desaparecidos. Gente valiente y voces que callan”, describen desde el Teatro Moderno.

Este ciclo de cuentos finaliza el 15 de mayo con el espectáculo 'Tengamos un cuento en Paz', narrado por la actriz Yoana Siri. “Será una sesión de cuentos para orejas adultas donde la palabra se convierte en refugio y en espejo del que aprendemos. Pongamos el foco en la Paz, reflexionemos sobre la misma, practiquémosla, elijámosla. Si la Paz está en nuestras manos, pongámosla en el centro del cuento”, explican.

Para ampliar la información sobre los espectáculos en concreto se recomienda consultar la web de El Maratón de los Cuentos. Los 'Viernes de los cuentos' cuentan con el patrocinio del Ayuntamiento de Guadalajara.

La Biblioteca Pública del Estado en Guadalajara llevará el nombre de ‘Blanca Calvo’, en homenaje a quien fue su directora durante 32 años y una de las grandes impulsoras de la vida cultural de la ciudad.

El cambio de denominación se materializará tras la aprobación del Ministerio de Cultura, titular del recurso, a propuesta del Gobierno de Castilla-La Mancha, que recogió y elevó la iniciativa promovida por el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara (SLIJ).

El acto de homenaje y presentación de la placa con la nueva denominación se ha celebrado este viernes, 10 de octubre, en la propia sede de la Biblioteca, ubicada en el Palacio de Dávalos, con la participación de responsables institucionales y culturales, así como de la propia homenajeada, Blanca Calvo, que ha recibido un sentido reconocimiento a su trayectoria y al legado que deja en la historia cultural de Guadalajara.

La consejera de Igualdad, Sara Simón, en representación del Gobierno regional, ha destacado el trabajo constante de Blanca Calvo para convertir a Guadalajara en la “ciudad de los cuentos” y en un importante referente en narración oral a nivel internacional, destacando proyectos como el Maratón de los Cuentos o la Casa del Cuento, puesto en marcha durante el anterior mandato con el impulso y la financiación del Gobierno de Castilla-La Mancha.

“Aún recuerdo con emoción el día en que se firmó, en el despacho del alcalde Alberto Rojo, la adhesión de Guadalajara a la Red Europea de Lugares y Ciudades de Cuento lo que significaba que Guadalajara y el conjunto de la región iban a ser el epicentro de los cuentos, no solo en nuestro país sino a nivel europeo”, ha evocado.

La primera mujer alcaldesa de Guadalajara

Además, junto a toda la labor al frente de la Biblioteca de Guadalajara y a todo el dinamismo generado en torno a los clubes de lectura, Simón ha recordado su etapa como consejera de Cultura, bajo la Presidencia de José María Barreda, o haber sido la primera mujer alcaldesa de la capital alcarreña, “dando pasos certeros para que otras los hayamos podido dar, y no arrugándose nunca en momentos que no fueros sencillos”.

Junto a la consejera de Igualdad han intervenido en el acto el presidente de las Cortes de Castilla-La Mancha, Pablo Bellido; Ignacio Castillo Grau, subdirector general de Coordinación Bibliotecaria del Ministerio de Cultura y Margarita Morera, diputada provincial.

Entre los cerca de 300 asistentes al homenaje al que no han faltado representantes de todos los ámbitos culturales de la provincia, se encontraban autoridades como la delegada de la Junta en Guadalajara, Rosa María García, las delegadas de Igualdad, Laura Gil, y de Economía, Empresas y Empleo, Susana Blas, el diputado y ex alcalde de Guadalajara, Alberto Rojo, la senadora, Araceli Martínez, la subdelegada del Gobierno, Susana Cabellos , el ex alcalde de la capital, José María Bris, el alcalde de Cabanillas del Campo, José García Salinas, localidad de residencia de Blanca Calvo, el primer edil de Chiloeches, Marcos Cascajero, así como concejales y concejalas del ayuntamiento de la capital.

Una propuesta con todos los apoyos

La decisión de proponer al Ministerio el cambio de nombre fue anunciada por el Gobierno regional el pasado 18 de septiembre, tras una reunión entre el consejero de Educación, Cultura y Deportes, Amador Pastor, la consejera de Igualdad, Sara Simón, la delegada de la Junta en Guadalajara, Rosa María García, y representantes del Seminario de Literatura Infantil y Juvenil, donde se trasladó formalmente la iniciativa.

Desde que se planteó la propuesta hasta el acto celebrado en el día de hoy, ha recibido el respaldo de distintas entidades, clubes de lectura y asociaciones culturales, además de escritores, poetas, bibliotecarios, alcaldes y alcaldesas.

El Ejecutivo autonómico subrayó entonces la relevancia de la figura de Blanca Calvo, quien dirigió la Biblioteca entre 1981 y 2013, lideró su traslado desde el Palacio del Infantado al actual Palacio de Dávalos en 2004, y promovió proyectos tan emblemáticos como el Maratón de los Cuentos, un festival de narración oral de referencia internacional, o la creación del propio Seminario de Literatura Infantil y Juvenil.

En este tiempo, el Gobierno regional inició el expediente para el cambio de nombre y el Ministerio de Cultura dio su aprobación.

Un espacio con historia y memoria colectiva

La Biblioteca Pública Provincial de Guadalajara se creó en 1837 y abrió sus puertas al público en 1841, siendo una de las más antiguas del país. A lo largo de su historia ha tenido varias sedes: desde el Palacio del Infantado, donde se trasladó en 1972 junto a otros espacios culturales, hasta su actual emplazamiento en el Palacio de los Dávalos, al que se mudó en 2004 en una jornada simbólica con una cadena humana que transportó los últimos 1.001 libros de un edificio a otro, de la que también fue artífice Blanca Calvo, quien, por entonces, era la directora de la Biblioteca.

Este edificio, de origen medieval y remodelado en el siglo XVI por el arquitecto renacentista Lorenzo Vázquez de Segovia, constituye hoy uno de los centros culturales más emblemáticos de Guadalajara. Su fondo bibliográfico, que combina colecciones históricas, literatura infantil y juvenil, estudios locales y recursos contemporáneos, continúa siendo un punto de encuentro para lectores, investigadores y amantes de la cultura.

Este mismo mes de octubre, los días 21, 22 y 24, la Biblioteca Pública, ahora ya bajo el nombre de ‘Blanca Calvo’, propone, dentro de su agenda cultural, unas visitas guiadas gratuitas para descubrir el edificio que la acoge desde hace 20 años y los tesoros que alberga.

Una vida dedicada a la cultura

El nombre de Blanca Calvo está indisolublemente unido a la historia de esta biblioteca. Bajo su dirección, el espacio se abrió a la ciudad y a todas las edades, convirtiéndose en un lugar vivo, participativo y plural. Su impulso fue decisivo para crear y consolidar el Maratón de los Cuentos, que desde 1992 convierte a Guadalajara en capital de la narración oral, y para expandir la red de clubes de lectura que hoy es ejemplo de dinamización cultural, siendo la biblioteca pública con mayor número de clubes de lectores por habitante.

Con el acto de hoy se ha rendido tributo a su labor profesional y a una trayectoria personal comprometida con la lectura, la palabra y la cultura compartida, valores que han marcado la identidad de Guadalajara durante las últimas décadas.

Érase una vez un escritor que quería escribir cien cuentos. A su muerte, había publicado noventa y cinco, los que figuran en sus Cuentos reunidos (Alfaguara, 2024). Quién sabe cuántos se quedaron en el cajón o fueron a parar a la papelera; seguro que no pocos, por la exigencia que se imponía a sí mismo (en las fotografías de los manuscritos originales se ven numerosos tachones), pero, como lo que no se publica no existe, más o menos, al final el autor murió a solo cinco piezas de cumplir su objetivo. Ese narrador se llamaba Julio Ramón Ribeyro (Lima, 1929-1994) y es el cuentista más importante de Perú.

Y no solo en Perú destaca: no es exagerado decir que comparte el olimpo de los grandes nombres del boom, aunque ni antes ni después gozara de la popularidad de los Cortázar, García Márquez o Vargas Llosa, con los que por cierto él mismo, en su diario, se compara: a su lado, se siente acomplejado por no ser capaz de escribir lo que llama la “gran novela”, esa obra extensa y de alto voltaje que consagra para siempre a un autor, que por fuerza tenía que ser una novela, el género más apreciado. Los cuentos, como ahora, pasaban más desapercibidos, el público no les prestaba tanta atención.

Él lo intentó, publicó tres novelas –Crónica de San Gabriel (1960; Premio Nacional de Novela), Los geniecillos dominicales (1965) y Cambio de guardia (1976)–, pero donde mejor se desplegaba su genio era en la distancia corta. También en la no ficción, tanto en sus mencionados diarios, La tentación del fracaso (1992-1995), como en un singular volumen de textos entre el aforismo, el ensayo y el apunte personal, Prosas apátridas (1975), que complementa de algún modo el diario. En 2019, coincidiendo con el 90 aniversario de su nacimiento, Seix Barral los publicó en nuevas ediciones.

El tiempo y la mayor apertura a otros géneros han reevaluado la importancia de su obra; hoy, el hecho de carecer de una novela de amplio alcance no le resta méritos, porque su gran libro es el conjunto de sus narraciones breves, mil páginas de inventiva, denuncia social, humor, realismo, fantasía, existencialismo. Ribeyro no se encasilló en un género; se dedicó a experimentar, nutriéndose de influencias que van desde Edgar Allan Poe o Kafka a latinoamericanos contemporáneos como Borges, Cortázar, Onetti y Rulfo. En lo que sí se mantuvo fiel fue en su perspectiva de clase: siempre miró desde abajo, a los más desfavorecidos, y se servía de metáforas creativas para señalar la discriminación.

Casi cuarenta años de carrera desde que debutó con Los gallinazos sin plumas (1955), un libro de cuentos que se ha convertido en un clásico en Perú, hasta sus últimos textos, los Relatos santacrucinos (1992), que aparecieron ya dentro de la primera compilación de su narrativa. En total, 95 piezas (o 97, pero dos se consideran esbozos de novelas que no llegó a desarrollar), más la no ficción, las novelas y el teatro. Se quedó a solo cinco de ese número redondo con el que soñaba. Y cinco son, nada menos, las que encontró su biógrafo casi treinta años después, al trastear entre sus papeles de París.

Historia de un hallazgo

Este libro póstumo, Invitación al viaje (Alfaguara, 2024), los reúne por primera vez en el 30 aniversario de su muerte, acompañado de un prólogo de Santiago Gamboa que se lee casi como un relato del propio Ribeyro, sobre lo que le ocurrió cuando se conocieron en París. En esta ciudad, como tantos intelectuales y artistas de su tiempo, Ribeyro pasó buena parte de sus años dorados. Desde 1952, cuando abandonó el Perú para estudiar en Europa, hasta unos meses antes de su fallecimiento, cuando fijó su residencia en Lima, vivió a caballo entre dos culturas, una condición de apátrida que se refleja en su obra, de la que siempre aseguró que tenía una base autobiográfica, aunque no fuera explícita.

En los años sesenta, trabajó como periodista para la Agencia France Press y compartió piso con Mario Vargas Llosa y Alfredo Bryce Echenique. Los tres se admiraban entre ellos, aunque por aquel entonces el futuro premio Nobel ya sobresalía más. A él lo unió una amistad que tuvo sus altibajos por discrepancias políticas sobre Perú. Para muchos lectores, Ribeyro, su perspectiva, representa de manera más genuina la voz del pueblo; era un escritor disruptivo no solo por su narrativa nada complaciente ni por su carácter, poco amigo del exhibicionismo, sino por el compromiso ético que expresó con su obra.

Los cinco relatos inéditos se escribieron en París en los años setenta, la que se considera su etapa de madurez literaria. Su biógrafo oficial, Jorge Coaguila, los encontró mientras ordenaba sus papeles para otra investigación; pura serendipia. Después de todo, el autor sí que llegó a los cien, solo que, por alguna razón, cinco no vieron la luz en su día. Los libros póstumos suelen estar rodeados de recelo, con polémicas como las de Harper Lee o García Márquez, en las que se sospecha que no habrían autorizado que esos textos, sin duda inferiores a sus obras más apreciadas, llegaran a los lectores. No es, sin embargo, el caso de Ribeyro: estos cuentos fueron escritos en su plenitud. Si dudan léanlos.

Los cinco cuentos

Iniciación al viaje, el relato más extenso, narra la peripecia de dos muchachos que se escapan de casa con el propósito de vivir una aventura, de dar emoción a sus vidas anodinas. En realidad, ese deseo, que responde a un ideal engañoso, lo tiene más uno que el otro, y al final se queda solo en su salida. La narración recrea su descenso a los confines de la noche, que lo enmaraña en un mundo de sombras que no consigue desentrañar, del que se siente ajeno. “Lucho tuvo la certeza de tocar uno de esos límites nocturnos donde empieza lo irreal”, se dice, en un cuento perturbador que no tiene nada que envidiar a sus mejores creaciones.

La celada narra el regreso de un peruano a Lima después de haber estado en Europa, con el consiguiente extrañamiento del retornado que ya no se siente de ninguna parte, que ya no pisa la misma tierra de la que partió. Sus encuentros con una mujer a la que había conocido en París, ligados a un confuso juego de puertas, encarnan ese sentimiento de que ciertos acontecimientos solo son posibles en un momento y un lugar, y no pueden postergarse bajo el riesgo de perder su oportunidad para siempre, porque la vida es flujo, movimiento, transformación constante: “No había duda, era el mismo departamento, pero no la misma persona”.

Monerías adopta un revestimiento fantástico con humor absurdo para denunciar la colonización y el racismo. Un empresario peruano se dirige al presidente de la nación para exponerle su caso: ha invertido en unos monos, quería trasladarlos a Estados Unidos, pero le han denegado el acceso, se ha arruinado y, como le era imposible retener a los animales en las jaulas por más tiempo, estos han invadido la ciudad. Leído hoy, es imposible no relacionarlo con las políticas antinmigración de Donald Trump y con ciertas jaulas de las que no es tan sencillo fugarse.

Las laceraciones de Pierluca revive el espíritu de los bohemios afincados en París en la primera mitad del siglo XX que disfrutan de unas semanas de asueto en la playa de Cadaqués, en la Costa Brava. Entre ellos, el protagonista, Pierluca: “Quisiera encontrar algo raro, precioso. Pero todo se repite”. Un ambiente aletargado, de jornadas monótonas, con los proyectos de futuras exposiciones a la vista, que se trunca con un giro final, un tanto apresurado, que desencadena una catástrofe.

Por último, en Espíritus un grupo de intelectuales latinoamericanos reunidos en París organizan una sesión de espiritismo en la que, se supone, consiguen conectar con el abuelo de uno de ellos. Un cuento juguetón, con ese toque de misterio característico de Ribeyro, un autor hábil como pocos a la hora de imbuir la realidad de elementos que se escapan de lo tangible, a menudo con una nota de comicidad. Muchas de las escritoras latinoamericanas que hoy gozan de tanto éxito deben mucho de su imaginario a los caminos que abrieron escritores como él.

La lectura de los cinco cuentos de Invitación al viaje confirma que su recuperación no responde al oportunismo, sino que de veras completa el universo ribeyriano con unas composiciones en plena sintonía con sus mejores escritos que no desentonarían en el volumen de sus obras completas. Leer a Riberyo es sorprenderse, como se sorprende uno cada vez que posa los ojos sobre un gran libro: siempre inagotable, siempre con algo que decir. Entre sus entusiastas hay escritores como Enrique Vila-Matas, Juan José Millás o Sara Mesa (esta última lo describe como “el escritor de los mudos, de los marginados”). No es casualidad: los irreverentes se reconocen entre ellos.

Las tradicionales casas de colores y madera, con ventanas cuadradas, habituales en el casco antiguo de gran parte de ciudades y pueblos a lo largo de Alemania a menudo lo vinculamos con los cuentos de hadas que recogieron los hermanos Grimm y que han sobrevivido en la cultura popular en parte por las adaptaciones que han tenido en el cine o televisión.

Uno de los cuentos famosos que adaptaron los hermanos Grimm fue El Flautista de Hamelín, una historia que hace referencia directa al lugar donde se sitúa y tuvo lugar, la ciudad de Hameln (Hamelín en español) en el estado de Baja Sajonia, con una población de 57.000 habitantes entre las colinas de Weserbergland que permite excursiones, paseos a pie o en bicicleta, a aproximadamente 50 kilómetros de Hannover.

La leyenda de 'El flautista de Hamelín'

La versión más conocida de El flautista de Hamelín es la que los hermanos Grimm añadieron a su colección en 1816, y se basa en la leyenda de la desaparición de 130 niños sin dejar rastro en una tragedia que pudo ser la deuda que la ciudad contrajo con un flautista que había acabado con su plaga de ratas.

De hecho, hay incluso una fecha de la desaparición de esos niños por parte del flautista, el 26 de junio de 1284, después de que Hamelín no pagara al joven por sus servicios tras llevarse consigo a las ratas de la ciudad con su melodía, que repetiría con el futuro de la localidad como eran los niños, a los que supuestamente se llevó al bosque, en la colina cerca de la ciudad, y nunca más se vieron.

A pesar de que la versión de los hermanos Grimm es la más conocida, hay muchas más que recogieron la leyenda de la localidad, como las de Robert Browning, Bertolt Brecht o el poema de Johann Wolfgang von Goethe, que data de 1802, anterior a la del cuento.

La ruta de 'El Flautista de Hamelín' en Alemania

Uno de los viajes más especiales por Alemania es la ruta de los cuentos de hadas, entre los que se sitúa Hameln, donde tuvo lugar la leyenda del siglo XIII y de la que hay miles de huellas. De hecho, en ella incluso tenemos la Casa del Flautista de Hamelín, una de las más bonitas de la ciudad, que data del Renacimiento, y que se sitúa en la Osterstrasse.

Otro de los puntos de interés en Hamelín es la Casa de Bodas, donde tiene lugar un espectáculo con marionetas, que aparecen diariamente a las 13:05, 15:35 y 17:35 con una ronda del flautista y las ratas en figuras, así como a las 9:35 tiene lugar con la Canción del Weser y a las 11:35 con la Canción del Flautista.

La ruta por las huellas del Flautista de Hamelín se pueden seguir gracias a las piedras de las ratas, un sendero que marca los lugares de interés de esta leyenda, entre las que hay varias esculturas, retratos o fuentes.

Otros puntos de interés que visitar en Hamelín

Además de los lugares que relacionan a la ciudad con el Flautista de Hamelín, hay también otros sitios turísticos relevantes como el Ministerio de San Bonifacio, que data del siglo IX y que la hace la iglesia más antigua de la ciudad, así como la iglesia de la Guarnición, de estilo barroco. Otro de los puntos más destacados es la isla de Weser que ofrece una hermosa vista del río de la ciudad.

Este verano se ha publicado en España una nueva edición del libro que recoge los cuentos completos de Roald Dahl. Cuentos completos... pero no del todo. Faltan tres: In The Ruins, Smoked Cheese y The Sword. Tres relatos que sus herederos no han permitido incluir en ninguna antología existente en cualquier idioma, según se indica en las notas de la edición. Aunque no se da explicación alguna que justifique la ausencia de estos títulos, esta ausencia en una obra que pretende reunir la totalidad de ellos resulta llamativa.

Estos relatos, sin embargo, sí han llegado a ver la luz con la autorización del propio Roald Dahl, ya que fueron publicados mientras él estaba con vida. El célebre autor, considerado una de las voces más importantes de la literatura infantil, cuenta con una exitosa trayectoria hasta su fallecimiento en Oxford en 1990, a los 74 años. Durante su amplia carrera, el autor publicó en diarios, revistas y recopilatorios muchos de sus cuentos, entre los que se incluyen los tres que sus herederos han decidido no publicar. Este periódico se ha puesto en contacto con ellos para solicitar comentarios al respecto, pero no han accedido a responder ninguna de las preguntas.

Para tratar de comprender cuáles pueden ser los motivos que han provocado la ausencia de In The Ruins, Smoked Cheese y The Sword en cualquier antología, elDiario.es ha leído los tres relatos y ha consultado sobre los mismos a Jelena Danilović Jeremić, experta en el área de la lingüística. La especialista es docente en la Universidad de Kragujevac de Serbia y ha estudiado al autor en su trabajo de investigación La obra de Roald Dahl a través del espejo de los análisis lingüísticos: perspectivas e implicaciones (2024).

La lectura de estos cuentos lleva a considerar la posibilidad de que, como ya sucediera hace dos años, se esté intentando proteger la reputación del escritor evitando la lectura de su obra original. En 2023 se alertó de que las nuevas ediciones en inglés de los libros de Dahl estaban plagadas de cambios que consistían tanto en la eliminación de frases y palabras tachadas de discriminatorias, como en la alteración de expresiones y la modificación del género de algunos personajes secundarios.

En el relato In The Ruins (En las ruinas), uno de los más difíciles de encontrar y publicado por primera vez en junio de 1964, el narrador camina por las ruinas de lo que parece ser una aldea devastada por la guerra. Se encuentra con un hombre que resulta ser médico y que, con una aguja hipodérmica que contiene algún anestésico, se está arrancando una pierna. Este médico le ofrece “un poco” y, muerto de hambre, el narrador acepta con la condición de ser quien prepare “la próxima comida”. Atraída por el olor, una niña se acerca y el médico también le ofrece carne, pero le dice que tendrá que “devolverla más tarde”. “Los tres aquí deberíamos poder sobrevivir bastante tiempo”, dice el médico antes de que la niña empiece a llorar.

Esta historia acabaría siendo adaptada al dibujo por el ilustrador estadounidense Wren McDonald, reconocido en el país norteamericano por su saga de cómics Peow. El tinte macabro que caracteriza In The Ruins probablemente sea, según Jelena Danilović Jeremić, la razón principal por la que se ha decidido omitir el cuento. “Dado que el público lector actual se considera sensible, como ha demostrado la reescritura de los libros infantiles de Roald Dahl en Gran Bretaña, quizás los herederos de Roald Dahl hayan considerado que algunos de sus relatos también tratan temas delicados”, razona la experta.

Historias sensibles en cuanto a la raza y la colonización

Otro de estos cuentos, The Sword (La espada), se puede leer en inglés en The Atlantic, revista literaria estadounidense donde se publicó en agosto de 1943. Narrado en primera persona por Dahl, cuenta cómo compró una espada en uno de los numerosos barcos que llegaban a África occidental cada septiembre con mercancía para vender. Cuando llegó a casa, le enseñó a su criado Salimu cómo limpiarla y cuidarla. Dahl tuvo que partir en una misión cuando Gran Bretaña estaba a punto de declarar la guerra a Alemania, y explicó a Salimu que pronto entrarían en guerra con los alemanes, quienes intentarían matarlos a todos.

Sin embargo, en su regreso, descubrió que tanto Salimu como la espada habían desaparecido. Blandiendo la espada ensangrentada, el criado llegó esa misma noche declarando que quería ayudar a ganar la guerra contra los alemanes. Su idea, sin consultarla previamente con nadie, fue ir a la casa de un alemán rico que vivía más allá de las colinas al que, cuando lo encontró sentado en su escritorio en pijama, le cortó la cabeza. Orgulloso, volvió a casa para comunicar su gesta, siendo esta la conclusión de un relato sensible en cuanto a la raza y el colonialismo. En una versión posterior de la historia, el sirviente cambia de nombre, de Salimu a Mdisho.

En la tercera de las narraciones, Smoked Cheese (Queso ahumado), el autor escribe sobre un piloto que vivía solo en una casa infestada de ratones. Pegó trampas al techo cebándolos con queso ahumado, pero no funcionó. Entonces, Bipou pegó todos los muebles en el techo, de forma que colgaran boca abajo, lo que provocó que los ratones acabaran muriendo por una “subida de sangre al cerebro”. “¡Sabía que irían por queso ahumado!”, celebró Bipou.

Aunque Dahl ha sido acusado de antisemitismo y la familia se disculpó en un comunicado hace cinco años, ninguno de estos tres relatos excluidos parecen apuntar en ese sentido.

Hoy en día hay cosas peores, como la terrible situación de los niños y residentes de Palestina, pero no parece que a la gente le preocupen. ¿Por qué entonces una escena perturbadora de una obra literaria debe considerarse inapropiada y ofensiva para los ojos sensibles?

Jelena Danilović Jeremić — Docente y experta en lingüística

La editorial Alfaguara informa a elDiario.es que está “publicando los Cuentos Completos tal y como ya lo hizo en el año 2013, sin adaptar ni cambiar el texto original”. La ausencia de estos tres relatos se indica en las notas de la edición. “Para ser totalmente sincera, creo que cualquier obra literaria es un reflejo de su época. Por lo tanto, no debería modificarse”, dice Jelena Danilović Jeremić a este periódico. Para ella, es una parte esencial del arte: “Los escritores expresan sus propios pensamientos y sentimientos, y la forma en que decidimos interpretarlos es un reflejo de nuestras propias creencias”.

“Hoy en día, hay cosas mucho peores: la terrible situación de los niños y los residentes de Palestina, el régimen autocrático de Corea del Norte (por no mencionar el régimen represivo del presidente Aleksandar Vucic en Serbia, bajo el cual la comunidad académica lleva siete meses luchando), el hambre en África, la guerra en Ucrania, la desaparición de la fauna silvestre, la destrucción del hábitat natural, etc.”, comenta la experta, “pero la gente no parece preocuparse por ellas. ¿Por qué entonces una escena particularmente perturbadora de una obra literaria, como el serrado de una pierna en In The Ruins o el uso de una espada por un sirviente africano en The Sword, debe considerarse inapropiada y ofensiva para los ojos sensibles?”, plantea.

“Aquellos que quieren hacer la vista gorda ante las atrocidades que nos rodean también pueden hacer la vista gorda ante una obra literaria”, sentencia la investigadora, que afirma que “vivimos en un mundo de verdades distorsionadas y la gente necesita enfrentarse a la realidad”. Pero la omisión de estas historias no ayuda en absoluto a reforzar el pensamiento crítico, como apunta Jelena Danilović Jeremić: “El pasado colonial es el pasado desagradable de muchos países; no debemos fingir que nunca existió porque a la gente le resulte perturbador hoy en día. Más bien, se debe concienciar a los niños sobre este lado vergonzoso de la humanidad, para que puedan esforzarse por crear un mundo mejor”.

El 28 de julio de 1951 se estrenaba el que es considerado el clásico número 13 de Disney, ‘Alicia en el país de las maravillas’, una película que, sin embargo, en España tardaría en llegar y no se vería en cines hasta abril de 1954. La cinta obtuvo una nominación a los premios Oscar a mejor banda sonora y tuvo el reconocimiento por haber arriesgado en el Festival de Venecia al ser candidata al León de Oro.

No pasó igual con la crítica, sobre todo la británica, donde argumentaron y se quejaron de que Walt Disney había “americanizado” el cuento que escribió Lewis Carroll, y también fueron muchos los que expresaron que al personaje principal de Alicia le faltaba calidez.

Fue la primera película que Walt Disney quiso hacer

Esta se considera que fue una de las razones por las que la audiencia no conectó y fue un fracaso en la taquilla con tan solo una recaudación de 2,4 millones de dólares y que llegaba después del éxito masivo que había tenido Cenicienta y que luego tendría también un filme del que es predecesor como es Peter Pan.

Sin embargo, el estreno de ‘Alicia en el país de las maravillas’ cumplía un sueño de Walt Disney, que llevaba desde sus inicios queriendo firmar una adaptación del personaje, algo que ya realizó en sus primeros cortos en 1923 cuando firmó 41 historias llamadas ‘Comedias de Alicia’ que combinaba animación con acción real y que duró hasta 1927.

Su primer gran éxito se produciría en 1928 con Mickey Mouse y de ahí se llegó a la década de los 30, en el que el gran proyecto de Disney era la producción de un largometraje, y para el que había pensado de nuevo en ‘Alicia en el país de las maravillas’. Un proyecto que se cayó porque quedaba muy reciente, en 1933 en concreto, una película de Joseph L. Mankiewicz con Gary Cooper y Cary Grant basado en las novelas de Carroll.

El ambicioso proyecto que derivó en el éxito de ‘Peter Pan’

La escogida fue ‘Blancanieves y los siete enanitos’ en 1937, aunque ‘Alicia en el país de las maravillas’ sí fue pionera en algo, en ser la primera película de Disney que se estrenó en televisión, en el canal ABC el 3 de noviembre de 1954, algo que no era habitual entonces, y en los 60 tuvo un renacer gracias a la psicodelia que inspiraba.

El tiempo daría reconocimiento a la que es considerada la película más surrealista y arriesgada de la factoría, que fue producto de un ambicioso proyecto que luego daría sus frutos con su influencia en una de las siguientes adaptaciones como fue ‘Peter Pan’.

Y es que en ‘Alicia en el país de las maravillas’ llegarían a participar un total de 3 directores, 13 guionistas y 750 artistas, entre ellos Mary Blair, pionera de la animación que fue la encargada del diseño, y que también recrearía el País de Nunca Jamás, al igual que había creado el mundo de Cenicienta.

Las conexiones con ‘Peter Pan’ van más allá de esto. La adaptación de Lewis Carroll de Disney contó con hasta 30 composiciones musicales, siendo la que más acumuló de todos los largometrajes de la factoría, de las que solo 14 formarían parte de la película, y una de ellas, “Beyond the Laughing Sky” se convertiría en “The Second Star to the Right” para participar en la cinta basada en el relato de J.M Barrie. Otra conexión hace referencia al doblaje, donde la actriz Kathryn Beaumont, quien puso la que puso voz a Alicia, luego la daría también a Wendy.

La chispa surgió durante los primeros días de la pandemia, cuando cancelaron el viaje a México en el que iban a embarcarse una amiga y su pareja. “¡Qué faena!”, exclamó Nahir Gutiérrez al oírlo. Y siguió lamentándose: “Qué pena, era la primera vez que ibais…”, pero pronto, su amiga le cortó: “No te preocupes: ya lo he echado al cajón de las cosas que no duelen”. 

A Gutiérrez, directora de comunicación de la editorial Planeta, aquella frase se le quedó grabada. “Se merece un cuento”, pensó. Y es ahora, cinco años después, cuando ve la luz El cajón de las cosas que no duelen (Destino Infantil & Juvenil, 2025), su tercer libro infantil, que será presentado este domingo por la tarde en la Feria del Libro de Madrid. “Como sociedad, creo que aún estamos aprendiendo que hay cosas que hay que dejar caer. Y ese es el objetivo del cuento, enseñar a los críos a dejar caer las cosas que ya no tienen arreglo por lo que sea: porque hace mucho que pasaron, porque no está en su mano arreglarlas…”. 

El mensaje, no obstante, también va dirigido a los adultos: “Hay padres que no dejan soltar. En el libro, por ejemplo, el protagonista va a 'por chuches' y le roban la bici. Pues bien, si el padre le está recordando todo el rato el tema (‘Cuidado, a ver si van a volver a hacer con esta bici como con la que se la llevaron, etcétera'), el niño no va a poder dejar eso en el cajón de las cosas que no duelen. De hecho, yo suelo decir que esta historia es para niños pequeños y para adultos con síndrome de Diógenes emocional. Nos cuesta mucho dejar las cosas atrás, y son cosas que al final se te enquistan y acaban en una contractura muscular, o haciendo que no respires bien…”, explica la autora. 

La mochila emocional

Entre tantos libros en torno a las emociones, para Gutiérrez, la lección que proclama el suyo tiene una especial importancia en la sociedad actual: “Somos unos cuantos los que llevamos una mochila emocional pesada. Y lo corroboran las cifras acerca de la cantidad de gente que tiene ansiedad, que tiene trastornos... En España somos el país más medicado para dormir, por ejemplo. Seguramente, hay un porcentaje de cosas que no estamos soltando y podríamos soltar”.

Yo tengo una teoría, y es que no les estamos preparando para el mundo real. Los críos tienen que saber que hay gente mala en el mundo

Nahir Gutiérrez — Escritora

En la literatura infantil actual, pese a que se trata el tema de la muerte, por ejemplo (lo hace la propia Gutiérrez en su libro ¿Dónde está güelita Queta?), muchas de las historias parecen estar cada vez más vacías de la complejidad de la verdad, de la vida real. De hecho, ver en ellas un villano es ya rara avis, y si lo hay, siempre tiende a tener una gran excusa para justificar sus fechorías.

“Yo tengo una teoría, y es que no les estamos preparando para el mundo real. Los críos tienen que saber que hay gente mala en el mundo. Y que hay cosas que no queremos que pasen y pasan, como la guerra. Esa realidad no se la puedes escamotear a los niños”, opina Gutiérrez. “Considerar a los niños ciudadanos de segunda, seres menos inteligentes, es un error de base. Es como la costumbre de pedir el menú infantil: tu hijo es una persona como otra cualquiera. Si le acostumbras a comer nuggets de pollo y macarrones, no le vas a educar el paladar. Pasa lo mismo en la literatura, no hay que dárselo todo hecho. Como autora, debes confiar y dejar que ellos mismos lleguen a una conclusión”. 

Un armario parlante en el que guardar las emociones

Es Robusto Ropero Picaporte, ‘armario de alta gama’, quien se encarga de poner a disposición de Simón, el niño protagonista, ‘el cajón de las cosas que no duelen’. Lo hace de una forma tan atildada que termina siendo cómica, una sensación en la que tienen mucho que ver las divertidas ilustraciones de Iván Harón.  

“El reto era conseguir que Robusto fuese un armario que resultase creíble, pero al que, a la vez, se le cogiese cariño”. El armario ‘vivo’ de La Bella y la Bestia fue su primera inspiración, aunque al final, Robusto acabó pareciéndose más a los forzudos de circo de los años 40. 

Su interior, sin embargo, es el de un armario al uso. Solo que lo que guarda dentro Robusto son pequeños universos emocionales: “Reflejar las emociones es complejísimo, porque intentas no caer en cosas manidas. La alegría está representada como un cajón que realmente es un auto de choque de cristal porque, muchas veces, los niños tienen esa particularidad de que, cuando están muy contentos, cogen muchísima velocidad y luego, al final, acaban llorando. Es muy transparente. Es imposible no demostrar que está alegre, pero, por otra parte, también es muy frágil. Quería utilizar esa pequeña dualidad”, explica Harón. 

El texto dice que el colgador de la ira hay que ventilarlo, y yo lo asemejé con ese olor así como un poco profundo y desagradable que tiene el pescado

Iván Harón — Ilustrador

En el miedo, por ejemplo, el ilustrador no plasma un fantasma, sino una videoconsola rota (¿qué puede ser más terrorífico para un niño?), y la ira está simbolizada por un personaje con forma de raspa de pescado: “Representa a estas personas que se nos cruzan a todos por la vida y están amargadísimas. El texto dice que el colgador de la ira hay que ventilarlo, y yo lo asemejé con ese olor así como un poco profundo y desagradable que tiene el pescado”.

Los cuentos ‘para’

En un panorama saturado de títulos bienintencionados destinados a gestionar las emociones, los autores de este libro consideran que se diferencian en algo clave: ellos no tienen solo vocación didáctica; tienen, sobre todo, una historia. “Queríamos hablar de un niño que no sabe cómo gestionar lo que le pasa, algo que le sucede muchas veces también a los adultos. Tanto Robusto como Simón van creciendo y van evolucionando a lo largo del cuento, porque Robusto realmente cree que es un tipo superpreparado, que es el mejor de los mejores, y no entiende lo que le está pasando a Simón, porque él está acostumbrado a gestionar las emociones de los adultos. Nos gustaba plantear esa especie de contraste entre un personaje y otro, pero sin poner el foco en hablar de una emoción concreta y cómo gestionarla: queríamos contar una historia”, resume Harón.

Queríamos hablar de un niño que no sabe cómo gestionar lo que le pasa, algo que le sucede muchas veces también a los adultos

I. Harón — Ilustrador

“Leí un artículo de prensa que me llamó mucho la atención, que hablaba de los cuentos infantiles ‘para’. Son cuentos a los que se les ven las costuras, y ahora te hablo como madre: más que nada, son libros de instrucciones, que están muy bien para los microondas, pero no para los niños. De hecho, ellos son los primeros que les ven las costuras, y ya les dejan de hacer gracia. Los niños no tienen un pelo de tontos”, reflexiona, por su parte, Gutiérrez. “Lo importante es que los niños se lo pasen bien con un cuento, que se rían”.

Y con el suyo se ríen, tal y como ha experimentado Gutiérrez en las presentaciones. Y, también, encuentran el contexto perfecto para expresar lo que sienten: “Hicimos un taller en la Feria del Libro en el que invitábamos a los niños a decir las cosas que querían dejar atrás, y en un momento dado, les preguntábamos por la emoción del miedo. ‘¿A qué tenéis miedo?’, les dije, y, de pronto, se levantó una niña muy pequeña y dijo: ‘Yo tengo miedo a la muerte’. Su madre se quedó tiesa, era una cosa que nunca había dicho en casa”.

Para la autora, es en ese tipo de confesiones donde radica la importancia del cuento nocturno. Pero hay que estar a la altura del momento, pues, en su opinión, los niños exigen de nosotros la verdad, no respuestas edulcoradas.

Guadalajara y su Palacio del Infantado volverán a convertirse entre los días 13, 14 y 15 de junio en el corazón del Maratón de Cuentos, en la fiesta de la palabra, con 46 horas ininterrumpidas de narraciones orales, que en esta edición tienen en la mitología su hilo conductor.

Organizado por el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil y con la misma ilusión con la que comenzaron este trayecto, regresa el evento cultural por excelencia de la capital, que arrancará el viernes 13, como viene siendo habitual, a las 17 horas, con el primer cuento a cargo de la alcaldesa, Ana Guarinos, y que finalizará el domingo 15, a las 15 horas, con la Banda de Música Provincial como broche final.

Son cientos de personas las que participan cada año en un maratón que ha sido presentado este martes 13 de mayo en la Biblioteca Pública de Dávalos de Guadalajara y que este miércoles abrirá el periodo para que los cuentistas que lo deseen puedan participar reservando hora, bien llamando o enviando un whatsApp al teléfono 650785721, o bien remitiendo un mensaje al correo electrónico: inscripcionescuentos@gmail.com.

Además de las cientos de personas anónimas que participan cada año en la fiesta de la palabra, en esta edición estarán, además, más de 50 narradores y narradoras profesionales, algunos de ellos habituales, y más de 150 artistas de distintos colectivos y diferentes disciplinas, que actuarán en distintos puntos de la ciudad.

Entre las novedades de esta edición cabe reseñar el encuentro internacional de coros poéticos el sábado 14, a partir de las 20.00 horas, en el Liceo Caracense, dirigido por Estrella Ortíz; conversaciones sobre mitología y la exposición 'Aquí estuvo el fin del mundo. Espacios, monstruos y héroes míticos al sur de la península ibérica', en la Sala de Exposiciones Antonio Buero Vallejo, del 25 de mayo al 30 de junio.

El cartel titulado 'Atenea, protege a Medusa', de la artista Paula Moscuzza, será la imagen del XXXIV Maratón de los Cuentos, una fiesta que se complementa con el Maratón Viajero, que llevará la palabra a 16 municipios de la provincia y al barrio de Manantiales en la capital.

Para la responsable del Seminario de Literatura Infantil y Juvenil, Concha Carlavilla, este año es especial porque el Seminario celebra su 40 aniversario, y ha querido recordar también el papel en la celebración de este evento de Blanca Calvo, destacando igualmente el “impacto cultural, económico y turístico” que conlleva el maratón.

Cita “imprescindible”

Una presentación que contó también con la presencia del concejal de Cultura en el Ayuntamiento de la capital, Javier Toquero; la delegada de la Junta de Comunidades en Castilla-La Mancha, Rosa García, y Sabrina Escribano, diputada de Cultura en la Corporación Provincial, entidades colaboradoras en este proyecto.

Para Toquero, este maratón conforma ya una “cita imprescindible” en el calendario cultural de Guadalajara, que vas allá del Palacio del Infantado ya que también ocupa otros espacios singulares como el Salón Chino, la Cripta de San Francisco o la Capilla de Luis de Lucena y que se expande también por los municipios de la provincia, demostrando que “Guadalajara ama la lectura”.

Desde la Delegación de la Junta, su delegada, Rosa María García, considera que se trata de un maratón con un “impresionante programa”, que no es solo un festival cultural sino que “llena los espacios públicos en comunidad, dinamiza la vida cultura e impulsa el turismo, la economía local y la proyección de Guadalajara en el resto del mundo”.

Desde la Diputación Provincial, Sabrina Escribano ha resaltado la importancia de esta iniciativa cultural para fomentar el amor por la lectura, convirtiéndose “en un referente a nivel internacional” en el que participan tanto profesionales de la narrativa oral como aficionados, contando con una “altísima” participación de la sociedad de Guadalajara y de sus municipios.

El Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara (SLIJ), con motivo de la celebración de la 34 edición del Maratón de los Cuentos, ha abierto la convocatoria para la actividad conocida como 'Narradores Inauditos'.

Con esta actividad se quiere dar la oportunidad a los narradores que nunca han participado en las actividades programadas por dicho seminario de presentar su trabajo al público en una sesión que tendrá lugar en la tarde del viernes 13 de junio, a partir de las 18.30 horas.

Los narradores profesionales que quieran participar podrán presentar su candidatura hasta el día 23 de marzo y las bases de esta convocatoria establecen que los narradores que opten a esta convocatoria nunca hayan sido contratados en actividades programadas por el SLIJ.

Además, los participantes incluirán en su solicitud una breve descripción de la trayectoria profesional y de manera imprescindible alguna información audiovisual como enlaces web o de YouTube en la que se vea al narrador contando al menos una historia completa.

El SLIJ seleccionará entre todas las candidaturas presentadas a seis narradores que formarán parte de esta sesión en la que tendrán la oportunidad de contar sus cuentos durante un tiempo máximo de 20 minutos.

El día 4 de abril, una vez evaluadas todas las candidaturas, el SLIJ comunicará los nombres de los narradores seleccionados.

Debido a la duración de la sesión y al deseo de programar en ella la mayor cantidad posible de espectáculos, los seleccionados deberán ceñirse exactamente al tiempo asignado de veinte minutos como máximo.

De este modo, la actuación de los narradores inauditos seleccionados en el escenario principal del Maratón contarán su cuento por un tiempo de cinco minutos, en la noche del viernes o del sábado del maratón.

La 34 edición del Maratón de los Cuentos de Guadalajara se celebrará del 13 al 15 de junio con el tema 'La Mitología'.

Los cuentos infantiles que se conocen hoy han pasado por una transformación sorprendente. Detrás de las historias dulces que llenan las estanterías de las librerías, se esconden versiones originales que no eran precisamente aptas para dormir tranquilos.

Antes de que los relatos fueran suavizados por escritores como Perrault, estos cuentos tenían un propósito claro: advertir sobre los peligros del mundo sin endulzar la realidad. Nada de hadas madrinas salvando el día, más bien advertencias directas sobre lo que podía pasar si uno no era lo suficientemente listo o precavido.

Uno de los ejemplos más claros es el de Caperucita Roja. Hoy en día, es la historia de una niña que desafía las advertencias de su madre y acaba cruzándose con un lobo malintencionado. Pero en sus primeras versiones, este cuento tenía un desenlace mucho menos optimista.

En la versión oral que circulaba en Francia en el siglo X, la niña no tenía la menor oportunidad: el lobo no solo la engañaba, sino que lograba su cometido sin que nadie llegara a tiempo para salvarla.

Entre las variantes más inquietantes está La Falsa Abuela, un cuento italiano en el que la protagonista no solo cae en la trampa del lobo - o, en este caso, un ogro - , sino que antes de ser devorada es engañada para que coma carne y beba sangre de su propia abuela. Nada de cazadores salvadores ni de finales felices: la moraleja era una advertencia directa sobre los riesgos de la ingenuidad.

Los grandes autores edulcoraron el cuento

Cuando Perrault decidió poner por escrito la historia, suavizó algunos detalles pero mantuvo la lección de fondo. Su versión es mucho más moralista y, a diferencia de la que se popularizaría más tarde, deja a la protagonista sin escapatoria. “Algunos lobos son encantadores, discretos, serviciales y amables, pero detrás de esa apariencia ocultan su verdadera naturaleza peligrosa”, escribió el autor, dejando claro que la historia era una advertencia, especialmente para las jóvenes.

El cambio más grande llegó con los hermanos Grimm, que aunque tienen relatos muy traumáticos como Blancanieves, en el siglo XIX adaptaron el cuento para que encajara en su colección de relatos populares. Fueron ellos quienes introdujeron el personaje del cazador, quien rescata a Caperucita y a su abuela, añadiendo un mensaje de redención y aprendizaje. Además, incluyeron una segunda parte en la que la niña, ya más astuta, logra vencer a otro lobo, reforzando la idea de que la experiencia enseña a protegerse de los peligros.

Pero Caperucita Roja no es exclusiva de Europa. En otras partes del mundo, existen versiones similares con variaciones según la cultura. En China, por ejemplo, se cuenta la historia de La Abuela Tigresa, en la que el papel del lobo lo ocupa un tigre que intenta engañar a los niños. Aunque los detalles cambian, el mensaje de precaución y supervivencia se mantiene intacto.

A lo largo de los siglos, este cuento ha cambiado tantas veces que hoy en día casi nadie recuerda sus versiones originales. Lo que empezó como un relato sombrío sobre los peligros del mundo real se ha transformado en una historia de valentía, astucia y redención. Sin embargo, su esencia sigue siendo la misma: una advertencia sobre confiar en extraños y una lección sobre las consecuencias de no estar atento a los peligros que acechan.