Sigüenza acoge desde el pasado viernes y hasta el próximo 10 de junio una residencia artística europea en la que ocho narradores y narradoras procedentes de Bulgaria, República Checa, Estonia, Finlandia, Letonia, Polonia, Eslovaquia y Eslovenia intercambiarán conocimiento, experiencias y tradición de la narración oral en sus países y trabajarán conjuntamente permitiendo la creación de un espectáculo conjunto de narración oral.

La residencia está coordinada por el narrador francés Pepito Matéo y se enmarca en el proyecto europeo Ancestor, impulsado por el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara, entidad organizadora del Maratón de los Cuentos en cuya presente edición, que se celebrará del 12 al 14 de junio, se estrenará dicha propuesta escénica.

El objetivo de esta iniciativa es “potenciar el patrimonio oral europeo, favorecer el intercambio entre profesionales de distintos países y contribuir al reconocimiento de la narración oral como una forma artística viva, contemporánea y con capacidad para conectar con los públicos actuales”, tal y como señalan desde la organización.

Los participantes de esta residencia creativa son: Mariya R. Slavcheva, de Bulgaria; Bohdan Ulasin, de Eslovaquia; Spela Frlic, de Eslovenia; Piret Päär, de Estonia; Markus Luukkonen, de Finlandia; Dāvis Suharevskis, de Letonia; Kristina Nesvedová, de República Checa, y Magda Gorska, de Polonia y Francia.

Mezclar los imaginarios de Europa del Este

Según explica Pepito Matéo, el trabajo de la residencia parte de “leyendas, cuentos, relatos, cantos y proverbios” de los países participantes, siempre en torno a la naturaleza “en un sentido amplio”. La intención, añade, es que cada historia “hable de su país, de sus imaginarios y de sus personajes”, pero que al mismo tiempo contenga “algo que pueda interesar al público de hoy”.

Durante estos días, los participantes desarrollan un proceso de creación colectiva en el que se combinan distintas lenguas, tradiciones y formas de contar. “Queremos hacer un espectáculo que mezcle todos los imaginarios de los países del Este”, señala Matéo, quien define la propuesta como “un ramo de lenguas”, con presencia del castellano, el inglés y los idiomas propios de cada narrador y narradora.

Uno de los principales retos de la residencia es superar las barreras lingüísticas y lograr que el público pueda seguir el espectáculo sin renunciar a la riqueza sonora y cultural de cada idioma. Para ello, el equipo trabaja con traducciones, resúmenes en castellano y recursos escénicos que permitan comprender el conjunto de la historia.

El espectáculo resultante tendrá una duración aproximada de una hora y se estrenará durante el Maratón de los Cuentos de Guadalajara. Esta creación será una de las primeras acciones visibles del proyecto Ancestor, seleccionado dentro del programa Europa Creativa y elegido por la Agencia Ejecutiva Europea de Educación y Cultura entre más de un millar de proyectos presentados.

Encuentro Lugares de Cuento

El proyecto Ancestor está liderado por el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara en colaboración con entidades culturales y académicas de Italia, Eslovaquia, Letonia y Bulgaria. Entre sus objetivos se encuentra corregir algunas de las desigualdades detectadas en el desarrollo de la narración oral en Europa, especialmente entre los países donde la profesión cuenta con mayor trayectoria y aquellos en los que todavía se asocia más al folclore o a prácticas tradicionales.

En este sentido, Pepito Matéo subraya que uno de los propósitos de la residencia es contribuir a que la narración oral sea reconocida como algo actual, con su historia, pero presente y con un futuro.

La residencia artística de Sigüenza se completará posteriormente con el Encuentro de Lugares de Cuento, que se celebrará del 10 al 12 de junio en el Palacio del Infantado de Guadalajara, con 24 participantes de 16 países europeos. En este encuentro se diseñarán dos Rutas de Cuento que inviten a recorrer Europa a través de espacios vinculados a la narración oral.

¿Quién no ha llegado a casa después de todo un día y lo primero que ha hecho es contarle a alguien lo que ha sucedido? Desde lo más trivial, como aquel conductor que se saltó el paso de cebra por el que ibas a cruzar, hasta la sustanciosa conversación que escuchaste mientras esperabas para pagar en la fila de un supermercado. Eso sí, acentuando ciertos aspectos para captar la atención.

Los cuentos, los relatos o las historias forman parte de nuestra cultura y de nuestra vida, sin importar de dónde vengamos. Eso es lo que busca visibilizar el proyecto europeo ANCESTOR, A Net to Catch European Stories and Tales from the Oral Tradition: unir a las diferentes culturas a través de la oralidad, sin importar el idioma, durante los dos próximos años.

Blanca Calvo forma parte del Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara y dirige la iniciativa. La antigua directora de la biblioteca de Guadalajara que hoy lleva su nombre explica que los seres humanos nos alimentamos de historias: “Por eso nos gustan tanto las películas, por eso somos cotillas y hablamos de nuestros vecinos, porque necesitamos de las historias para vivir. Nos gustan los cuentos porque nos dan un momento de descanso, de concentración, también de compartir”.

Existe una gran complicidad entre el público, porque cada historia cambia según quien la cuenta y quién la escucha. Es muy democrático culturalmente

Tenemos una tendencia a relacionar los cuentos o las historias con el público infantil, quizá por el fenómeno Disney a partir de las adaptaciones de cuentos clásicos de escritores como Perrault o los Hermanos Grimm. Blanca Calvo cree que el origen de los cuentos “no fue en absoluto infantil”, sino que está ligado a los momentos prehistóricos.

“El nacimiento de los cuentos se produjo en torno a una hoguera, cuando los seres humanos se juntaban, se sentían tranquilos y tenían mucho tiempo por delante. Nacieron de la necesidad de compartir y sentirse cómodos, para transmitir conocimientos”, comenta durante la entrevista.

De ahí que esos cuentos que nacieron con “el propósito de advertir, como Caperucita Roja, que seguro que nació de la necesidad de decir a las niñas que tuvieran cuidado cuando fuesen solas y no se fiasen de cualquiera” se han ido azucarando en sus versiones cinematográficas y han cambiado “esos finales crueles que tienen los cuentos tradicionales”.

Desde proyectos como este, Blanca Calvo nos cuenta que hacen “todo lo posible por decirle a la sociedad que el cuento sigue siendo útil y necesario para todos”.

La fuerza de la palabra

Las personas siempre han tenido la necesidad de plasmar esos relatos, también más allá de la escritura. Fue el caso de las pinturas rupestres, auténticas narraciones sobre piedra.

Descubrir el origen de los cuentos todavía se plantea como una incógnita. A través de uno de los proyectos presentados por el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara, en un encuentro celebrado en Sudáfrica, Blanca nos cuenta que un arqueólogo de Ciudad del Cabo les llevó a una región “en la que hay muchos abrigos al aire libre, con inscripciones, dibujos, etcétera, y algunos de los motivos que había dibujados en la piedra coincidían con cuentos bosquimanos, que son Patrimonio de la Humanidad. A veces los temas coincidían”.

Aunque podamos creer que la palabra oral es más frágil que aquello que queda escrito, tenemos que recordar que grandes epopeyas o libros como Las Mil y Una Noches se transmitieron al principio de manera oral. O que los papeles que jugaban figuras como la del juglar en la Edad Media eran muy relevantes, pues no solo contaban los diferentes sucesos que acontecían, sino que también narraban historias que han permanecido hasta nuestros días, algunas en forma de leyenda.

“Imagínate ahora, con los medios de comunicación electrónicos, donde muchas veces todo se encuentra en la nube, que es un espacio que no controlamos del todo. Quizá viene una catástrofe y puede borrarlo todo, sin embargo, la memoria y la transmisión de persona a persona es imposible de destruirlo. Parece débil, pero es muy fuerte. La oralidad es muy potente”, explica Calvo.

Guadalajara es una clara punta de lanza en lo que se refiere a la narración y a los cuentos. Desde principios de la década de 1990 se desarrolla el Maratón de los Cuentos, un encuentro “que nació como un juego”, pero que llegó a salir en el Libro Guinness de los Récords tras estar más de 24 horas leyendo sin parar. “Desde entonces ha seguido el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil empujando para que ese fuego no se apague y yo creo que ya nos sentimos muy identificados con ese rasgo de personalidad de que Guadalajara sea la ciudad de los cuentos”, señala Blanca Calvo.

“La clave para narrar es la empatía”

Narrar una historia no es solo tratar de conectar con el público, sino permitir que también quede un poso en el oyente después de escuchar. “Existe una gran complicidad entre el público, porque cada historia cambia según quien la cuenta y quién la escucha. Es muy democrático culturalmente. No es como el teatro, donde el que se sube al escenario es un poco el amo de la situación, en el cuento la atención y la mirada de quien escucha es tan importante como la voz y la mirada del que cuenta”, expone Blanca Calvo.

Para narrar “la clave es la empatía”, ponerse en el lugar de la persona que está atenta y que escucha. No todas las historias llegan de la misma forma al oyente, pero “los seres humanos somos iguales en todas partes en el fondo. En la superficie podemos variar un poco porque las circunstancias que nos rodean son distintas, pero frente a los grandes temas como la muerte, el amor, la pérdida, o cualquier otro reaccionamos exactamente igual”.

Blanca Calvo vuelve a citar el proyecto de narración que desarrollaron en 2025 en Sudáfrica, donde contaron cuentos relacionados con temas como el nacimiento del mundo, la relación entre hombres y mujeres, los animales o la muerte: “Buscamos un cuento tradicional europeo y otro sudafricano y en el fondo veías que los sentimientos que movían eran los mismos”.

De igual forma ocurrió durante una narración de relatos de misterio en otro proyecto que realizaron: “Los búlgaros contaron un cuento sobre la construcción de un puente sobre un río y para poder concluirlo tuvieron que hacer un sacrificio humano. Bueno, pues en un viaje que hice a Guinea Ecuatorial, me contaron una historia muy parecida a esta. Es sorprendente. Desde luego lo es cómo las historias se entrecruzan a pesar de estar a tantos kilómetros de distancia”.

El porvenir de la narración oral como profesión

Calvo señala que “cualquier persona puede contar un cuento, solo se necesita que alguien escuche para dar vida a esa narración”. Y además aboga por difundir una idea: “Escuchar una historia es un placer que no pertenece solo a la infancia, sino que puede acompañarnos toda la vida”.

Narrar una historia también contribuye al desarrollo del lenguaje, sobre todo en los jóvenes, dice, “porque les ayuda a estructurar un relato, a expresarse y buscar las palabras o el gesto adecuado, sobre todo en una edad donde se es un poco patito feo donde el cuerpo está cambiando, es una técnica maravillosa para ayudarles a comunicarse”.

Sin embargo, advierte: en las últimas generaciones ha habido un cierto “peligro” de que desapareciera la narración de cuentos. En el siglo XX se hacían reuniones en torno al fuego del hogar y en los pueblos grupos de gente se sentaban (hay quien todavía lo hace) a contarse lo que había sucedido en el día. Con la llegada de la televisión “fue una conmoción porque fascinó a muchas personas y surgió ese peligro de que pudiese desaparecer la narración”.

La narración de cuentos, así como la figura del narrador ha empezado “a escasear” pero en los países mediterráneos como España, Portugal, Francia o algunos como Reino Unido ha surgido la profesión del “narrador profesional, que es una persona que está muy bien dotada para contar y a veces poseen formación teatral”. Para Blanca Calvo esas personas son “los guardianes de la palabra”, y a través del proyecto ANCESTOR, buscan también que “ese movimiento a favor del nacimiento de esta profesión continúe”.

El proyecto ANCESTOR va a reunir a narradores de diferentes países europeos, especialmente del este, “donde la profesión de narrador no está tan desarrollada”. Se encontrarán en una residencia creativa en Sigüenza (Guadalajara).

También lo harán a través de cursos sobre la técnica de contar historias que se impartirán en cada país del consorcio como Italia, Bulgaria, Letonia y Eslovaquia, además de en España; de igual manera un encuentro de '20 Lugares de Cuento' en Guadalajara en los días previos al 35 Maratón de los Cuentos. De este encuentro se prevé que salgan dos 'Rutas de Cuento' que inviten a recorrer, con los cuentos como leitmotiv, los países europeos. Se contará para ello con expertos en el terreno del turismo.

Por otro lado, en marzo de 2027 tendrá lugar un gran encuentro con 20 instituciones de 10 países en la Universidad Comenius de Bratislava (Eslovaquia).

Para Blanca Calvo, el proyecto tiene a la vez “la dificultad de unir a gente que tiene distinta lengua, pero donde se va a buscar una fórmula para que el público que escuche a los narradores los entienda y conseguir para esos países que no tienen este arte tan desarrollado un escenario artístico con cuentos de sus países”.

Le preguntamos por aquel cuento recomendaría escuchar a través de una narración oral y se ríe, diciéndonos que es una pregunta muy difícil de responder. “Yo disfruto mucho los cuentos de humor, en eso los narradores de Galicia tienen mucho ganado porque tienen un humor muy socarrón”, explica.

Sin embargo, sí destaca una anécdota vivida en Sudáfrica, cuya moraleja es que los cuentos pueden unir a las diferentes sociedades, sin importar su origen, su cultura e incluso su nivel de conocimientos. Lo vivió personalmente cuando una narradora italiana contaba un cuento de Italo Calvino que hablaba sobre la creación del mundo. Entre el público había gente de muy distintos niveles culturales y algunos no sabían leer. “Había que ir traduciendo para que todos lo entendiesen. Todos se tronchaban de risa. Es sorprendente cómo personas que han tenido una vida tan distinta se ríen de las mismas cosas. Fue un momento precioso y creo que también crucial en mi vida como escuchadora”.

Durante los últimos diez años, los primeros fines de semana de los meses desde octubre hasta junio, casi coincidiendo con el curso escolar, la Senda del Cuento ha roto moldes en Toledo. Con no poco esfuerzo y muchas ganas de ampliar la oferta cultural de la ciudad, desde la Asociación Matadero Lab, nacida sobre las tablas del magnífico teatro que alberga el IES Sefarad del Casco Histórico, y al amparo de un grupo de voluntarios y voluntarias, creó en 2016 esta iniciativa, con la misión de llevar a la ciudad y a los pueblos de la provincia a los mejores narradores y narradoras orales, que cuentan sus historias para adultos y para público familiar.

Este evento cumple una década y con los años ha ido haciéndose con un público muy fiel de todas las edades, llegando incluso a entrar en las aulas. Sus cuentistas también han visitado centros escolares como los IES Universidad Laboral, El Greco, Princesa Galiana y Juanelo Turriano, además de participar en talleres de formación y creación literaria con adolescentes y jóvenes.

Pero ahora, tras diez años de andadura, la Asociación Matadero Lab ha decidido dar un giro a este buque insignia de la cultura toledana. Quiere convertirse en un festival. Sacar los cuentos a las calles y plazas de la ciudad y de los pueblos de la provincia durante siete días.

Con ello, busca recuperar la idea original con la que se fundó esa “senda”. “Queremos mantener a los y las cuentistas sobre las tablas de Matadero, pero también que narren y cuenten sus historias en las plazas y en las calles de la ciudad, hacerlos llegar aun más a la ciudadanía, acercarnos más a la gente”, adelanta a este medio Amadeo Aranda, miembro de Matadero Lab.

Este colectivo sabe que dispone de un auténtico “tesoro” que ha ido fraguando durante una década. Han pasado por el escenario más de 40 narradores y narradoras orales, entre ellos, los más conocidos a nivel nacional como Estrella Ortiz, Pep Bruno o Marta Marco

“Nuestra programación ha sido siempre de una gran calidad, y ahora queremos que llegue a más gente, porque lo merece. Ir a las calles, plazas y rincones de la ciudad y de la provincia”.

¿Cómo convertirse en festival?

Reconocen desde la asociación que la tarea no será fácil. La Senda del Cuento es un evento único que forma parte de la cultura de Toledo. Se sufraga con las aportaciones que realizan sus socios y socias y con un modelo de colaboración público-privado. Convertirlo ahora un festival requiere seguir contando con el apoyo de administraciones como el Ayuntamiento de Toledo y corporaciones locales de la provincia, para lo que ya se han puesto manos a la obra.

El objetivo es que el festival pueda realizarse en 2027. Esto quiere decir que la Senda abandonará el formato de los últimos diez años y no arrancará el primer fin de semana del próximo mes de octubre, como es habitual. Todos los esfuerzos de la organización se centrarán en su “reconversión” en festival.

“Siempre hemos estado en la periferia del circuito cultural de Toledo, pero hemos sabido sacar adelante esta iniciativa con mucha dignidad, con gran calidad y con muchísimo esfuerzo. Han pasado por la Senda del Cuento las personas que han impulsado la narración oral en España. Los ha habido siempre, pero gente como Estrella Ortiz ha hecho un arte del acto de contar y eso en Matadero se ha convertido en un referente”, añade Amadeo Aranda.

En la asociación están muy “ilusionados” con este “relanzamiento” del proyecto. Ya se han puesto en contacto con sus socios y socias y ahora quieren apoyo institucional, el hueco que consideran que les corresponde después de una década apostando por una oferta cultural “única”, que no tiene competencia en la ciudad.

Será una refundación para mejor

“Vamos a enfocar todas nuestras energías para este festival, pero en vez de repartirlas a lo largo de todo el año como hasta ahora, lo vamos a hacer con este festival una vez año. Y además queremos incluir otros espectáculos como los títeres. Seguramente será igual de intenso, pero también nos resultará más llevadero, porque somos los que somos, pero no queremos que esto acabe. Todo lo contrario, creemos que será una refundación para mejor”, apunta Matadero Lab.

El proyecto está en esbozo, pero Amadeo Aranda está convencido de que saldrá adelante. Remarca que la Senda del Cuento ya ha demostrado su cercanía con la ciudadanía acudiendo a los centros escolares o a residencias de personas mayores y ha conseguido congregar a cientos de escolares en los centros educativos. “Es un trabajo que ya tenemos hecho y todo entraría en el futuro festival”.

La idea inicial es que dure una semana entera: de lunes a jueves acudiendo a los pueblos, a los espacios que así lo requieran, como hasta ahora; y el fin de semana, centrando las actividades en diferentes plazas y calles de Toledo. “Así es como lo estamos estudiando, pero el proyecto es flexible y puede transformarse en función de los apoyos que obtengamos”.

La Senda del Cuento bebe de Matadero Lab, una iniciativa sociocultural que reúne a profesorado, gestores culturales, artistas y otros profesionales de la cultura. Su objetivo principal es ofrecer a la ciudad de Toledo y a sus jóvenes en particular un espacio cultural “alternativo y vivo”, vertebrador de sus inquietudes culturales, deportivas, sociales y de ocio.

Responde a una filosofía de participación abierta y colaborativa. Se desarrolla en torno a un modelo de cooperación institucional, público y privado, que promueve la participación de la sociedad en el proyecto. Esto garantiza su pluralidad, independencia y viabilidad.

Este proyecto comenzó a “imaginarse” por obra del narrador Félix Albo, ya que fue en un taller que se programó en la ya extinta Libro-Taberna El Internacional, cuando se fraguó. Alberto Sánchez Ramírez, de Librerías Taiga, y Petri Diaz, de Librería Hojablanca también lo impulsaron. Con la llegada de Matadero Lab, el sueño se hizo realidad y pronto se sumó Natalia Magariños Laguía, de La Madriguera de Papel, y los nuevos integrantes de Librería Hojablanca: Elvira Rivero, Rocío Sánchez y Víctor Manuel Martín Fernández.

Después, siguió creciendo con los pueblos toledanos que decidieron unirse al proyecto, como Torrijos, Villaseca de la Sagra y Sonseca.

Además de la Senda del Cuento, en Matadero Lab mantienen viva otra de sus “joyas”: Escena Lab, un espacio abierto a nuevas propuestas teatrales para público familiar, juvenil y adulto. Una vez al mes pasan por el escenario grandes artistas de este arte, compañías premiadas y con enorme prestigio en los circuitos escénicos. También ha llevado a cabo desde 2021 la iniciativa Versión Poética, con presentaciones, lecturas y charlas con destacadas figuras de este género literario como Olvido García Valdés, Miguel Casado, María Antonia Ricas, Carlos Ávila o Federico de Arce.

De cualquier forma, esta asociación ha decidido echar el resto en la clausura de la Senda del Cuento de la temporada actual. Antes de comenzar a trabajar en ese futuro festival en 2027, celebrará sus diez años reuniendo sobre ese escenario de Matadero Lab en el IES Sefarad a sus cuatro “padrinos”: Estrella Ortiz, Marta Marco, Pablo Albo y Pep Bruno. Será el próximo día 22 de mayo, a las 20.30 horas.

Esta iniciativa quiere compartir así con el público un “evento único” de la narración oral, que también será el cierre de la iniciativa tal y como se ha celebrado hasta ahora. Los cuatro cuentistas narrarán sus historias de manera individual pero también de forma colectiva, reunidos sobre el escenario por primera vez.

Los protagonistas del décimo aniversario

El recorrido de Estrella Ortiz nace entre el teatro, la educación y la curiosidad por la palabra dicha, hasta que el cuento se convirtió en el centro de su oficio. Fue una de las pioneras en el resurgir de la narración oral en España y, desde entonces, no ha dejado de compartir historias.

Durante años ha llevado sus cuentos a bibliotecas, escuelas y espacios culturales dentro y fuera del país, creando encuentros donde la palabra cobra vida y el público forma parte del viaje.

De su estrecha relación con la Biblioteca de Guadalajara nació, entre otros proyectos, el Maratón de los Cuentos, una celebración colectiva de la oralidad. También investiga, escribe y acompaña a otros en el arte de narrar, ampliando los caminos de la palabra. “Una voz que sostiene, inspira y nos recuerda de dónde venimos”.

Pep Bruno cuenta cuentos desde 1994 para públicos de todas las edades, desde los más pequeños hasta los adultos, y ha llevado sus historias por buena parte de España y también a distintos países de América, África y Europa. En cada lugar, la palabra encuentra su sitio y se convierte en encuentro.

Su relación con el cuento va más allá de la escena: escribe, investiga, edita y recoge la tradición oral, ampliando los caminos de la narración. Ha formado parte de proyectos fundamentales como el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara y el Maratón de los Cuentos, y es socio fundador de iniciativas que sostienen y difunden este oficio.También su voz habita otros espacios, como la radio, donde sigue compartiendo historias.

“Un narrador que no solo recorre los caminos del cuento, sino que ayuda a mantenerlos vivos y claro ejemplo de ello somos nosotros, la Senda no existiría sin todas esas llamadas pidiendo consejo, asesoramiento, ayuda”, afirman desde La Senda del Cuento.

Marta Marco y Pablo Albo

Por su parte, Marta Marco, formada en la Real Escuela Superior de Arte Dramático, ha ido recogiendo a lo largo del tiempo distintas formas de expresión (la narración oral, los títeres, las sombras, el canto) hasta tejer un lenguaje escénico personal y vivo.

Ha llevado sus historias a teatros, bibliotecas y festivales dentro y fuera del país, atravesando geografías y culturas donde la palabra se transforma en encuentro. Cada lugar ha ido dejando huella en su manera de contar.

Su trabajo también habita en la formación, acompañando a otras personas en el descubrimiento de sus herramientas expresivas, donde cuerpo, voz e imaginación dialogan. “Una presencia que cuida, impulsa y amplía las formas de narrar”.

Pablo Albo narra cuentos desde 1994 y, desde entonces, ha recorrido escenarios, bibliotecas y festivales dentro y fuera del país, llevando historias a públicos de todas las edades. Porque, como bien sabe, “los cuentos no tienen edad, pero sí escuchas distintas”.

También escribe: más de cincuenta libros viajan por el mundo en distintas lenguas, acompañados de premios y reconocimientos, aunque su verdadera fuerza sigue estando en la palabra dicha. En La Senda del Cuento lo consideran “un guardián de historias que nos recuerda que la magia sucede, siempre, cuando alguien cuenta y alguien escucha”.

Tras este gran acto, la Asociación Matadero Lab se centrará en conseguir que la Senda del Cuento se convierta en ese ansiado festival. “Sin perder nuestra esencia ni nuestras ganas, y llegando a más gente, porque todos estos años de historias y cuentos lo merecen”, concluye.

Sucedió un día de Canarias es la última obra de Emma Rodríguez y Domingo Quintana, dos maestros que han ideado un proyecto literario y musical de educación infantil. El tercero de sus libros, explican a este periódicos, plantea “un relato de carácter mágico ambientado en los barrios históricos de Vegueta y Triana. A través de la historia de un niño extraordinario, la narración invita a reflexionar sobre la importancia de conservar y valorar el patrimonio arquitectónico, al tiempo que construye una mirada sensible hacia el entorno urbano y cultural”.

En este contexto, la obra también pone “el foco en las fortalezas de las personas neurodivergentes, subrayando la necesidad de fomentar actitudes inclusivas y de reconocimiento de la diversidad”.

La publicación mantiene la línea de los anteriores títulos de la colección Cantacuentos, que integra música y literatura como herramientas pedagógicas. Cada volumen combina cuentos y canciones diseñados para su aplicación en el aula y en contextos familiares, favoreciendo la participación activa y el aprendizaje compartido. Este enfoque interdisciplinar busca reforzar la conexión entre educación, creatividad y valores sociales.

El proyecto, impulsado por Emma Rodríguez y Domingo Quintana, se inició en 2023 con la publicación de Un libro es…, que posteriormente fue adaptado a formato de concierto teatralizado y estrenado en el Auditorio Alfredo Kraus. En 2024 vio la luz el segundo volumen, Día de finaos, consolidando una propuesta educativa y artística que continúa creciendo con esta tercera entrega.

Sobre los autores

Emma Rodríguez (Las Palmas de Gran Canaria, 1976) es maestra especialista en educación musical, titulada superior en piano y licenciada en psicopedagogía. Con una amplia trayectoria en distintas etapas educativas, ha desarrollado proyectos centrados en la música y la inclusión, siendo reconocida en varias ocasiones en el Concurso Escolar ONCE. Desde 2003 dirige coros escolares y ha impulsado iniciativas como el encuentro de coros escolares de Gran Canaria. En el ámbito literario, inició su trayectoria en 2023 con el cuento ilustrado Un libro es…, y ha sido galardonada en certámenes de microrrelatos.

Domingo Quintana (Las Palmas de Gran Canaria, 1977) es maestro especialista en educación musical, con formación en canto y psicopedagogía. Su trayectoria combina la docencia con la creación e interpretación musical en diferentes formaciones y proyectos, abarcando desde la música coral hasta el folclore y la canción de autor. Ha compuesto numerosas obras, incluidas canciones infantiles y propuestas escénicas de carácter músico-teatral.

Guadalajara volverá a reunirse alrededor de las palabras y los cuentos del 12 al 14 de junio con la celebración de la 35 edición del Maratón de los Cuentos, que este año tendrá al fuego como hilo conductor de una programación que reunirá más de 46 horas ininterrumpidas de narración oral, actividades culturales y propuestas repartidas por toda la ciudad y la provincia.

La presentación oficial se ha celebrado este martes en la Biblioteca Pública del Estado, en el Palacio de Dávalos, donde la presidenta del Seminario de Literatura Infantil y Juvenil, Concha Carlavilla, y la coordinadora del Maratón, Ana Viñas, han destacado el simbolismo del fuego como origen de las historias contadas alrededor de una hoguera y como metáfora de la transmisión de la palabra “de generación en generación”.

Carlavilla ha subrayado que la “llama” del Maratón permanece encendida gracias a la implicación ciudadana, los voluntarios y los narradores que cada año llenan el escenario principal del Patio de los Leones del Palacio del Infantado. Además, ha resaltado la dimensión internacional del encuentro, que contará con representación de 16 países y con la presencia de una narradora palestina procedente de Cisjordania.

Entre las novedades de esta edición figura el estreno de un nuevo escenario principal “más seguro”, así como la iniciativa 'Escaparates de cuento', que implicará al comercio local decorando establecimientos entre el 1 y el 15 de junio con motivos inspirados en los cuentos y el Maratón.

Pep Bruno y Paula Carballeira, entre los narradores

Ana Viñas ha avanzado una programación que incluirá narradores de renombre como Pep Bruno o Paula Carballeira, espectáculos de música y narración, cuentos tradicionales y eróticos, pasacalles, títeres y un espectáculo de fuego con antorchas previsto para la noche del viernes en la plaza de España.

Además, el Maratón Viajero recorrerá desde el 22 de mayo distintos municipios de la provincia y la actividad 'Palabra Viajera' llevará cuentos a centros y colectivos vulnerables.

Durante el acto, el concejal de Cultura, Javier Toquero, ha reivindicado el papel del Seminario de Literatura Infantil y Juvenil, que cumple 41 años, y ha definido el Maratón como “uno de los festivales de narración oral más importantes del mundo”.

La diputada provincial Sabrina Escribano ha incidido en que el encuentro forma parte de la identidad cultural de la provincia, mientras que el delegado de Educación y Cultura de la Junta, Ángel Fernández-Montes, ha asegurado que el Maratón “ya forma parte de la vida colectiva de Guadalajara” y ha reafirmado el apoyo del Gobierno regional a esta iniciativa cultural. El plazo para inscribirse y participar arranca este miércoles 13 de mayo.

Arelis Uribe ha encontrado en la ficción la libertad que no sentía cuando ejercía el periodismo. Licenciada en la materia, firmó muchos artículos y columnas de opinión, pero quiso saber qué había donde acaba la verdad. De ahí salieron historias cortas tituladas Casa de muñecas o Nos quedamos a solas. La autora triunfó con esos cuentos, agrupados bajo el título Quiltras (Tránsito, 2019). Y, a partir de ahí, se dedicó a lidiar con otros asuntos de la vida: “Me fui a dar vueltas por el mundo, tuve duelos, cambié de trabajo, pasaron cantidad de cosas”, explica a elDiario.es en una tarde soleada en Barcelona.

En aquel título no estaba todo el material que la autora había pergeñado, sino que hubo una parte que guardó y olvidó. “En 2024, me pregunté dónde estarían esos cuentos viejos que yo tenía. Fui a buscarlos, me gustaron y empecé a trabajar todo ese material que tenía inédito para una nueva colección”, sostiene. Así se conformó Telepunga, la antología que ahora llega a las librerías de la mano del sello Yegua de Troya (Random House), durante la etapa que actualmente edita Gabriela Wiener.

La escritora chilena se reencontró con la persona que era hace más de una década, cuando los redactó. Además de reconocer las obsesiones que tenía en aquellos momentos, también se llevó sorpresas porque había cuentos o detalles que no recordaba. “Había olvidado, por ejemplo, El muertito, que es un concepto que aparece en el cuento Telepunga. Esa sensación fue exquisita, porque me leí con extrañamiento, como si yo no lo hubiera escrito”, declara. Descubrió que el paso del tiempo le había aportado la capacidad de editar los textos como si los hubiese escrito otra persona.

Ese relato, que es su preferido, trata sobre la vida precaria de unos trabajadores en una cadena de pizzerías. “Me encanta porque tiene una voz chilena a la que ya creo que no podría volver, me fascina esa jerga de principio de los 2000”. Por ejemplo, este relato tenía un principio y un final, pero estaba hueco en el medio, así que tuvo que inventarse personajes y una trama para hilar las tres partes.

Sueldos de hambre

“La palabra punga”, explica su autora sobre el título del libro, “es de la jerga chilena o latinoamericana para nombrar a los pillos ladronzuelos, lo precario, las clases bajas, trabajadoras. Puede significar todo eso a la vez o algo singular. En Argentina se usa mucho para ladrón”. Los protagonistas roban comida porque en la empresa “les pagan sueldos de hambre”. “Creo que hay algo de punga en todos los cuentos”, reconoce, porque la perspectiva de clase siempre está presente.

Esa crítica social es intencionada, aunque no sea “declarativa”, indica. “A mí me interesa hablar de temas que están atravesados por las violencias simbólicas y materiales de la sociedad en la que vivimos sin utilizar etiquetas explícitas de filosofía política o hacer manifiestos”, explica. Por ejemplo, en uno de sus cuentos, La posta, se muestra las dos caras de la moneda de Chile: la de la población privilegiada y la precarizada al extremo. En sus líneas no hay consignas políticas, sino que la propia historia deja ver qué es lo que ocurre en el país. Las situaciones de violencias explícitas que se dan en La escopeta o Cuarto medio están relatadas, aunque palabras como ‘violación’ no aparecen.

Eso es lo que sucede en el último cuento mencionado que, curiosamente, no es suyo sino de su padre. Entre el material que recuperó del pasado estaba este texto, que a ella le fascinaba, así que lo editó y se lo reenvió a él con comentarios. Él hacía lo mismo con los escritos de su hija. “Teníamos una relación de ida y vuelta literaria con mi viejo. Estaba muy bien escrito, yo nunca había leído algo así y [lo que se relata] no estaba en mi registro ni de anécdotas que me han contado, ni de las posibilidades que yo tengo como testigo de presenciar una situación tan violenta”, asegura. Su padre creció en los mismos barrios del extrarradio donde lo hizo ella, así que sintió que dialogaba con lo que ella quiere transmitir con su trabajo.

Qué piensa el abusador

Al igual que la denuncia sobre la desigualdad entre clases sociales, la perspectiva de género inunda las páginas: abusos sexuales, maltrato o pederastia están presentes en sus historias. Sin embargo, los que cometen el crimen no se presentan como supervillanos sin más. “A mí me gusta trabajar con la idea del antagonista y un protagonista más que con la del bueno y el malo, porque yo creo que hay matices y esos matices son aterradores”, dice. “Sabemos que hay múltiples denuncias de mujeres violentadas o abusadas sexualmente o de varones también que denuncian violación y abuso, pero no tenemos acceso a los testimonios de los perpetradores. Yo creo que muchas veces ellos no se reconocen como abusadores”, añade.

Menciona a Virginie Despentes para reforzar su razonamiento: “En Teoría King Kong dice precisamente eso, que nosotras tenemos que llamarlo violación, pero ellos no, ellos hacen otra cosa como decir que estaba pasado. No hay un reconocimiento de parte del perpetrador del abuso y es algo que quería poner sobre la mesa”. Uribe señala uno de sus cuentos, en los que el protagonista va invitado a una comida de la familia de su pareja y resulta ser un pedófilo. “Me interesaba mostrar que puede ser tu novio, la persona que te vende los tomates, tu primo, tu prima, esas presencias están entre nosotros”, reflexiona y añade: “No son monstruos, son sanos hijos del patriarcado que en su discurso utilizan un lenguaje que edulcora las aberraciones que cometen”.

Pese a que Arelis Uribe no hace manifiestos en sus libros, tiene opciones políticas muy marcadas y críticas. Reconoce que tener por primera vez después de Pinochet un presidente de extrema derecha escogido por el pueblo como José Antonio Kast “da miedo y en lo simbólico es diferente tenerlo a él que a otros y escuchar su discurso”, pero el país tiene un problema que no desaparecerá si no cambia el modelo económico.

Corazón rojinegro

“Después de la dictadura de Pinochet hubo gobiernos de centro, izquierda o socialdemócratas y me he dado cuenta de que todo es parecido”, revela. Aunque Piñera con su derecha liberal y Boric con sus ideas progresistas hicieron cosas distintas y tienen morales diferentes, Uribe ve grandes similitudes. “Más que generar grandes reformas, administran el orden, administran el poder, administran el capital del Estado y se enriquecen a costa de eso”, desgrana. “Estudiaron en las mismas escuelas, son todos muy blancos, descendientes de europeos, son amigos entre ellos”, añade.

Ella reconoce que tiene “un corazón bastante rojo y negro” pero que tampoco cree “en la guillotina”. Su propuesta para mejorar las cosas pasa por “estar en contra, en reclamar, en ser la aguafiestas de mis amigos que están conformes y yo decir que no, que no me convencen”. Sobre todo ahora, en el momento de Kast, que organiza comidas de lujo en el Palacio de La Moneda mientras la población se queda sin dinero. “La mitad de la gente en Chile gana menos de 500 euros mensuales. Hay una gran pobreza”, explica.

Ella puede militar, a su manera, a través de la literatura. No va a volver al periodismo porque, esencialmente, le encanta “mentir”. “Ser reportero es difícil. La gente se enoja contigo, porque no le gusta lo que escribes, porque les cambias la voz cuando los transcribes, por ejemplo”. Sin embargo, “en la ficción da lo mismo, son tus personajes. Si alguien se reconoce en ellos, bueno, es su delirio. Y eso me encanta porque puedo mentir tranquila y cambiar nombres”. Ahora mismo tiene nuevos proyectos en marcha, dos novelas y nuevos cuentos. “Será lo que el universo disponga, pero tengo ganas, por supuesto, de seguir publicando”, concluye.

La localidad guadalajareña de Sigüenza acogerá del 29 de mayo al 10 de junio una residencia creativa con profesionales de toda Europa para intercambiar experiencias, conocimientos y narraciones impulsando así la narración oral como tradición.

Esta actuación se enmarca en el proyecto denominado Ancestor, que pretende potenciar el patrimonio oral de la UE y que lidera el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara (SLIJ), organizador del Maratón de los Cuentos, en colaboración con otras cuatro entidades culturales de Italia, Eslovaquia, Letonia y Bulgaria y ha sido seleccionado dentro del programa de Europa Creativa.

“Un espectáculo que ayude a superar barreras lingüísticas”

La Agencia Ejecutiva Europea de Educación y Cultura (EACEA) seleccionó este proyecto de entre los 1029 proyectos, siendo uno de los 88 proyectos que se ejecutarán en esta convocatoria y único en la temática de narración oral.

Blanca Calvo, directora del Proyecto, ha destacado la riqueza de este proyecto que permitirá reunir a destacados profesionales en la Ciudad del Doncel, estableciendo un espacio de creación, “dando como resultado un espectáculo que ayude a superar barreras lingüísticas y facilite el intercambio del patrimonio oral entre los países de la UE y que estrenarán y podremos disfrutar el sábado del Maratón de los Cuentos”.

Calvo ha insistido en que, si bien la tradición de la narración oral es de tiempos inmemoriales, “no deja de estar en un constante proceso de innovación y son estos nuevos narradores de hoy los que trabajarán en este espacio donde intercambiarán experiencias, narraciones y conocimientos para enriquecerse mutuamente”.

En concreto, son ocho los narradores participantes procedentes de Bulgaria, República Checa, Estonia, Finlandia, Letonia, Polonia, Eslovaquia y Eslovenia. “Su trabajo en esta residencia les ayudará tanto a su desarrollo profesional como al crecimiento equitativo de la profesión de narrador en toda la UE”, ha agregado Ana Viñas, gestora del Proyecto Ancestor.

El director de la residencia es Pepito Matéo, “prestigioso narrador francés” que ya ha colaborado anteriormente con el SLIJ en trabajos creativos.

Encuentro 'Lugares de Cuento'

Además, del 10 al 12 de junio, los días previos al Maratón, se celebrará en el Palacio del Infantado un Encuentro de Lugares de Cuento con un total de 24 participantes de 16 países en Guadalajara, y se desarrollará en inglés y español contando con traducción simultánea. “Tenemos previsto hacerlo de miércoles a viernes y ya por la tarde arranca el Maratón para que puedan disfrutar de él”, ha apuntado Calvo. En esta cita se prevé que se diseñen dos Rutas de Cuento que inviten a recorrer, con los cuentos como leimotiv, los países europeos. “Es muy probable que, algunos de los asistentes cuenten cuentos en el Maratón, en sus respectivas lenguas”, ha añadido Calvo.

El Encuentro no es un evento cerrado, han insistido, sino que estará abierto “a narradores y narradoras orales profesionales, alumnas y alumnos de Turismo, bibliotecarias y bibliotecarios, y a cualquier persona interesada por la narración oral”. Por ello, aquellos interesadas en acudir, pueden solicitarlo, dando los datos de nombre y apellido, dirección, teléfono y dirección electrónica, en la web del SLIJ. La cuota de inscripción asciende a 20 euros, para cubrir varios gastos, como la documentación.

Cooperación internacional

Calvo ha subrayado que el proyecto pretende potenciar el patrimonio oral de la UE, tratando de corregir cuatro problemas de la narración oral europea, detectados en proyectos anteriores: la disparidad en el desarrollo de la profesión de narrador entre Europa Oriental y Europa Central/Occidental; la necesidad de ampliar el público de la narración oral; la desconexión entre las instituciones que programan actividades de narración y las que estudian el patrimonio oral desde una perspectiva teórica, y la desconexión entre los lugares de la UE que tienen una fuerte conexión con la narración oral, “lo que hemos dado en llamar Lugares de Cuento”.

El Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara coordina este proyecto, y trabaja con cuatro instituciones europeas: CEMEA del Mezzoggiorno (Italia); Universidad Comenius de Bratislava, CUB (Eslovaquia); Instituto de Literatura, Folclore y Arte de la Universidad de Letonia (ILFA), e Instituto Búlgaro de Etnología y Estudios Folclóricos, IEFSEM.

El proyecto incluye además 25 cursos, cinco para cada país, sobre técnicas de contar y destinados a jóvenes, pero también otros colectivos vulnerables. “En Bulgaria, la entidad que participa que es un Instituto Etnográfico, por ejemplo, trabajan mucho con ciegos mientras que en Italia lo hace más con inmigrantes y ellos pondrán su granito de arena”, ha recordado Calvo.

Hace 100 años, justo un siglo, en Alemania se estaba realizando la que es la película animada más antigua de las que se conservan, y además su influencia es evidente en los dibujos animados que se dieron después, sobre todo en la capacidad de adaptar cuentos de hadas al cine, que fue el éxito de Walt Disney en la industria.

Hablamos de “Las aventuras del Príncipe Achmed” (Die Abenteuer des Prinzen Achmed), dirigida y creada por Lotte Reiniger, que utilizó la técnica de animación con siluetas, predecesora del stop motion. En 66 minutos es capaz de adaptar con estos bonitos detalles dos cuentos de Las mil y una noches, en concreto Aladdin y El caballo mágico.

“Las aventuras del Príncipe Achmed” es la película animada más antigua que se conserva entera, aunque no fue la primera, ese honor lo tiene la francesa Fantasmagorie, creada por Émile Cohl en 1908. Aunque el primer largometraje como tal se considera El Apóstol del argentino Quirino Cristiani, que duraba 70 minutos y se estrenó en 1917, que no se conserva debido a un incendio.

En “Las aventuras del Príncipe Achmed”, Lotte Reiniger cuenta la historia de como en un día de celebración por el cumpleaños del Califa, un extraño brujo llega a la ciudad y presenta un caballo que puede volar, un regalo que desea desesperadamente, pero para ello tiene que entregar a su hija Dinarsade en matrimonio, lo que enfurece a su hermano, Achmed, que acaba atraído al caballo y empieza un viaje que lo llevará por distintas pruebas, queriendo volver para liberar a su hermana.

El pionero trabajo de Lotte Reiniger que inspiró a las películas Disney

Lotte Reiniger, nacida como Charlotte Eleonore Elisabeth Reiniger, en 1899 en el barrio Charlottenburg de Berlín, se interesó desde muy joven por el arte chino de los títeres de silueta, y fue en la adolescencia cuando comenzó a unirlo con su amor por el cine tras quedar impresionada por los trabajos de Georges Méliès. Así, en 1919 creó su primera película, El adorno del corazón amante. Siguió con otros trabajos, y en 1922 comenzó a adaptar cuentos de hadas como La Cenicienta o El gato con botas, que más tarde en la década de los 50 desarrollaría con la BBC, con trabajo de siluetas de relatos de los hermanos Grimm, Hans Christian Andersen o Las mil y una noches.

Precisamente esta fue la que le dio mayor fama para crear su primer largometraje, que fue terminado en 1926 tras un trabajo de tres años, en el que escribió el guion, editó los personajes, los fondos y se encargó también de la animación. Considerando que se requieren 24 tomas individuales para un segundo de movimiento, se puede llegar a entender la magnitud de este proyecto, que dio lugar a 250.000 fotogramas individuales, usados 100.000 finalmente en la película, que contó con Wolfgang Zeller como compositor.

La primera proyección “Las aventuras del Príncipe Achmed” tuvo lugar el 2 de mayo de 1926, en una función matinal para directores, productores y otros compañeros de la industria del cine y del teatro en la Volksbühne de la Bülowplatz de Berlín. Su estreno para el público tendría lugar dos meses después, en julio, en la Comédie des Champs-Elysées de París, donde contó con la mediación de Jean Renoir, y se proyectaría en cines en la capital alemana en septiembre de 1926 en el Gloria-Palast.

La complicada conservación de la película

A pesar de su brillante comienzo y estreno, la película sufrió una historia convulsa, porque el negativo se perdió durante la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, con el centenario del nacimiento de Lotte Reiniger en 1999 se realizó una investigación que dio como resultado el descubrir un positivo de nitrocelulosa bien conservado en el Archivo Nacional de Cine y Televisión en Londres que se considera una copia del negativo original.

Gracias a esto se pudo crear de una nueva copia en 35 mm por parte del Museo Alemán de Cine de Fráncfort y las cadenas de televisión alemanas ZDF y Arte. Esta versión restaurada se emitió el mismo 1999 en ambos canales, aunque su primera emisión televisiva como tal fue en 1990 en ZDF de una copia del Museo de cine alemán en 1989.

Me presento: soy una persona comprometida, como todas las demás. Lo que ocurre es que no siempre sabemos con qué causas estamos comprometidas. Yo, en cambio, soy muy consciente de las mías y no las disimulo. Además, soy narradora oral.

En 2026, la narración oral es una profesión a la que una puede dedicarse a tiempo completo y, si se trabaja con constancia, ganar lo suficiente para pagar las facturas de la canasta básica. Es también una profesión desconocida, a menudo confusa y, probablemente, con futuro. O eso quiero creer, aunque resulte difícil afirmarlo con rotundidad en un mundo que se mide —literalmente— por su cercanía al colapso.

El llamado reloj del Apocalipsis o Doomsday Clock marca en 2026 los 85 segundos antes de la medianoche, el punto más cercano a la catástrofe desde su creación en 1947. Una advertencia simbólica que responde a tensiones nucleares entre grandes potencias, al debilitamiento de los acuerdos internacionales de control de armas, a los conflictos armados y riesgos geopolíticos globales, al avance acelerado de tecnologías como la inteligencia artificial, al cambio climático y a las amenazas biológicas.

Nada de esto es ajeno a la narración oral. Nunca lo ha sido. Basta con mirar hacia atrás. Puedo proponer cuentos —muchos de ellos milenarios— que dialogan directamente con estas preocupaciones: En busca del sol, de la tradición china, para hablar de tensiones entre grandes potencias; Las lanzas enterradas, de la cultura shona, sobre pactos frágiles y acuerdos rotos; Un tambor que llamaba a todos, de la tradición mandinga, o Las cuerdas del trineo, del imaginario inuit, sobre la guerra y sus consecuencias; El espejo que obedecía, de la cultura yoruba, para reflexionar sobre tecnología y poder; o El llanto de los pajarillos, de la tradición chippewa, que nos enfrenta al deterioro del equilibrio natural.

En menos de media hora puedo construir una sesión de narración oral para pensar colectivamente sobre lo que se nos viene encima. No por estrategia, sino porque así funciona mi cabeza: cada suceso, cada emoción, convoca un cuento. También porque leo mucho, es cierto.

Una característica fundamental de la narración oral es que nadie cuenta cualquier cosa. Contamos lo que necesitamos contar. Lo que nos importa. Por eso, quien venga a escucharme se encontrará siempre con una fuerte presencia del ecologismo, del feminismo y, en definitiva, de los derechos humanos y de los derechos de los animales.

Habrá quien piense que eso es forzar los relatos. Sin embargo, la experiencia demuestra justo lo contrario: la tradición oral, en la mayoría de los casos, ya gira alrededor de estos pilares. No porque yo los imponga, sino porque han sido vitales para la supervivencia —material y simbólica— de las comunidades humanas.

Solo una vez me vi obligada a cambiar drásticamente un cuento. Ocurrió porque me lo pedían año tras año, pese a que siempre advierto que Los tres cerditos y el lobo feroz no forma parte de mi repertorio. Desde niña rechacé esa historia excesivamente moralizante y aleccionadora. Pero el guion de la vida me empujó a escribir un contracuento igual de moralizante que el original, aunque por motivos muy distintos.

En otra ocasión tuve que enfrentarme al reto de contar un relato sobre violencia vicaria, en un acto en torno al libro Nerea, Martina y el latido de las mariposas, basado en el asesinato de Nerea y Martina en 2018, con su madre presente. Puede parecer que la tradición oral no tiene nada que decir sobre esto. Pero se equivocan. La violencia vicaria está profundamente vinculada al sistema político patriarcal y los cuentos —de múltiples culturas— llevan siglos alertándonos de ello.

La ciencia también ha entrado en el mundo de los cuentos. El sistema de clasificación Aarne-Thompson-Uther (ATU) permite rastrear patrones narrativos comunes. En el tipo ATU 707, Los tres hijos maravillosos o Los niños dorados, encontramos innumerables variantes en las que, para castigar a una mujer, se la acusa falsamente de haber dado a luz a animales o monstruos. Sus hijos son asesinados o apartados para condenarlos a la miseria. Europa medieval, China, culturas inuit o tradiciones del África subsahariana: el abanico es tan amplio como inquietante. Elegir un relato adecuado me llevó varios días.

Usar relatos para sostener causas no es algo nuevo. Todas las religiones lo han hecho —y lo siguen haciendo— para explicar el mundo y llegar al corazón de creyentes y no tan creyentes. Hoy el marketing y la política nos dicen que han descubierto el storytelling, como si el relato emocional fuera una innovación reciente. El relato al servicio de una causa, justa o injusta, parece ser una constante de la condición humana.

Aun así, muchas personas se definen neutrales para protegerse del conflicto que implica ser y estar en el mundo. Nos repiten: “no mezcles la política en esto”, como si la política no fuera algo tan inevitable como el nitrógeno en el aire. Yo, como narradora oral, prefiero asumirlo: contar es tomar partido, incluso cuando fingimos no hacerlo. 

“Mi pequeña Luz, soy mamá”. Con estas palabras comienza una carta de amor que ahora se ha convertido en un libro infantil que atesora un tierno recuerdo, el afecto de Ascen por su hija Luz. Antes de fallecer, hace ahora tres años como consecuencia de un cáncer, Ascen escribió una misiva a su hija -era apenas un bebé- con “todas las cosas que ya no podría decirle”.

El marido de Ascen, Ernesto Morales, maestro de música, guitarrista y ahora escritor, habla sobre la idea de trasladar esta carta a un cuento infantil que surgió de un grupo de duelo del que formó parte. “Al principio cuando falleció mi mujer vi algún que otro cuento de una persona que participaba también en este grupo. Me gustó mucho la idea porque era una manera de sacar un lado positivo a toda esta desgracia. La carta es muy íntima, pero al final es una carta de amor de una madre a su hija, así que es muy universal”, aunque lo más privado ha quedado guardado para él y su hija.

'Mi pequeña Luz', publicado por la editorial Ruiz Morote, está construido como un diálogo entre una madre y una hija. “Como hizo Ascen hizo con la carta, que era hablar con ella de tú a tú”. Existen partes modificadas y adaptadas por el propio Ernesto, pero que mantienen la esencia: “Decirle a su hija cosas que no iba a poder decirle en un futuro”. Asegura que en casa han leído muchas veces la propia carta y que “es básicamente como hablarle a Luz, por lo que el cuento tiene esa misma forma”.

La importancia de romper tabúes en la infancia

Ernesto, como padre y también maestro, considera que en los últimos años “se está hablando con más libertad de ciertos temas en los cuentos” y es algo que valora muy positivamente: “Los niños se enteran de lo que pasa, no son tontos, y además es que tienen derecho de enterarse de las cosas. En algunas librerías especializadas en literatura infantil encuentras de todo, desde el divorcio, los celos, la muerte y me parece muy bien, porque es la mejor manera de hablarlo con los niños, a través del juego o de los cuentos”, explica.

La muerte es extremadamente dolorosa, pero no deja de ser algo natural que va con nuestra propia naturaleza humana, y los niños también tienen que hablar de ello, porque es importante

Se muestra partidario de “hablar las cosas tranquilamente con los niños, adaptándolas a su lenguaje, pero no esquivando temas. Ellos también tienen que aprender de todo y formarse su propia opinión. Para entender el mundo que les rodea tienen que ver que hay cosas maravillosas que nos alegran, pero hay otras que no lo son tanto y que también forman parte de la vida”.

A través de 'Mi pequeña Luz', el autor no solo quería transmitir la idea de lo que ha ocurrido en realidad, sino que también funcionase para su hija “como una manera de decirle que su madre va a estar siempre presente en su vida, pase lo que pase. La muerte es extremadamente dolorosa, pero no deja de ser algo natural que va con nuestra propia naturaleza humana, y los niños también tienen que hablar de ello, porque es importante”.

Luz perdió a su madre Ascen “muy pequeñita”, cuando tenía poco más de dos años de edad. “Ahora va a cumplir seis años y nosotros hablamos de mamá todos los días, porque su recuerdo está ahí. Aunque ella todo lo que sabe de su madre es porque se lo hemos contado desde la familia o amigos cercanos, estamos ayudándole a crear un recuerdo con su madre que no pudo tener”, señala el autor del libro.

Asegura que Luz “está muy contenta”, sobre todo porque leen el cuento muchas noches, pero también “cuando amigos suyos nos envían fotos leyendo el cuento, le hace mucha ilusión porque dice: mira papá, están viendo nuestra historia”.

Una historia que también cuenta con las ilustraciones de Belén Patón, artista y una de las mejores amigas de Ascen. “Ha hecho un trabajo con mucho corazón, muchísimo mejor de lo que jamás podía esperar. Ella también le ha añadido parte de lo que sentía y ha creado un universo para que el cuento se desarrolle en él”, apunta Ernesto.

El autor de 'Mi pequeña Luz' asegura que la primera presentación que tuvo lugar en Ciudad Real fue un absoluto éxito: “No nos esperábamos que tanta gente iba a estar a nuestro lado y le iba a gustar. Entraron las 100 personas que cabían en la sala y fuera se quedaron otras tantas”, explica. La primera edición del cuento se agotó entonces y plantean imprimir más ejemplares en las próximas semanas, pero lo que más destaca Ernesto es la sensación “de respeto y cariño hacia la situación, hacia Luz y hacia mí, que hizo que todo fluyera muy bien”.

Una presentación que fue conducida por la periodista Celia Naharro, pero en la que también intervino la música. “Ascen era música, hizo la titulación superior de flauta travesera y era muy talentosa. Mi familia también está ligada a la música, como mi hermano que es profesor de violonchelo o mi padre que es cantautor. La música era un pilar fundamental en nuestra relación”, explica. Es por ello, que como la música “siempre ha formado parte de nuestras vidas” tenía que estar presente en la presentación del cuento, donde intervinieron los músicos Nacho, Alba, Mario y Abel Morales, hermano y sobrinos de Ernesto. “En casa con Luz también nos ponemos de vez en cuando a hacer música, es una manera preciosa de expresar lo que no puedes hacer con palabras y llega a rinconcitos que las palabras no llegan”, expresa Ernesto.

Futuras presentaciones del cuento en la región

'Mi pequeña Luz' es un libro infantil que acaba de alzar el vuelo. El próximo 7 de marzo tendrá lugar una presentación en Manzanares: “Estaba prevista antes, pero hemos tenido que retrasarla al quedarnos sin ejemplares. Algunos lugares a los que vamos a ir son Toledo, Porzuna o La Solana, y otros que todavía no están cerrados. Me hace mucha ilusión poder ir a sitios en los que tengo amigos o familia que tienen ganas de vernos por allí con el cuento”, señala Morales.

En definitiva, Ernesto expresa que su idea no es que los lectores se queden con la idea de “un libro lacrimógeno”, ya que considera que han “conseguido darle a todo una pátina de esperanza y de amor puro, que te deja el corazón tranquilo y el alma relajada. Si lo lees sabiendo la historia es posible que te llegue un poco más, pero está basado en el amor”.

A Barbazul le pirran dos cosas, coleccionar esposas y los castillos con muchas habitaciones. Estas inocentes aficiones del personaje de Perrault han dado para multitud de interpretaciones. Cuentos, animaciones y al menos media docena de óperas. Dos de ellas figuran en el programa en curso del Teatro Real: la primera, la de Béla Bartók, la vimos a finales del año pasado; la segunda, compuesta por Paul Dukas, se estrenó anoche en el teatro madrileño.

A diferencia de otras versiones del cuento, la que nos ocupa tiene dos nombres propios en el título: el consabido duque feminicida y Ariadna, verdadera protagonista de esta ópera simbolista y arquetipo salvífico en la batalla de la luz contra la oscuridad. Yendo al librero, bellísimo texto de Maurice Maeterlinck, la historia transcurre tal que así. Ariadna acaba de casarse con Barbazul contra el criterio de los campesinos locales, que la advierten a gritos de las aficiones criminales de su recién adquirido esposo. “No entres al castillo, es la muerte”. La novia no se da por enterada y comenta con su nodriza el regalo nupcial: seis llaves de plata y una de oro. Las primeras abren cámaras repletas de tesoros; la última, una estancia secreta y vedada que Ariadna no duda en abrir. “Voy a buscar la puerta prohibida, lo que está permitido no nos enseñará nada”.

“¿Tú también?”, le reprocha Barbazul. “Yo, sobre todo”. En una cámara subterránea, sumidas en la oscuridad, Ariadna encuentra a las cinco esposas que la antecedieron. Están vivas, pero aterrorizadas. Al interrogarlas, Ariadna descubre que algunas llevan años atrapadas en esas tinieblas y decide —venciendo sus temores y reticencias— ayudarlas a escapar. Tras varias intentonas, nuestra protagonista descubre una abertura que da hacia el exterior, permitiendo que la claridad del día y el rumor de las olas inunden la mazmorra. Las mujeres salen y contemplan la anchura del mar y los campos.

De nuevo en el castillo, Ariadna las anima a engalanarse: van a ser libres y eso es un motivo de alegría. En eso, parece que regresa Barbazul, pero es interceptado y linchado por los aldeanos, que se lo entregan inmovilizado a las mujeres para que completen su venganza. Pero ellas, tras tantos años de sometimiento, no son capaces de librarse de su captor: curan sus heridas, lo besan y lo desatan. Ariadna, viendo el desenlace, las anima a marcharse con ella. Ellas se niegan. Acompañada solamente por su nodriza, la protagonista se marcha.

La versión de Ariadna y Barbazul que vimos anoche trata de subvertir por todos los medios este final decepcionante. A la cabeza de la intentona está Àlex Ollé, de La Fura dels Baus, acompañado de su equipo habitual: Alfons Flores en la escenografía, Josep Abril en el vestuario y Urs Schönebaum en la iluminación. El montaje comienza con un vídeo mareante en el que, desde la luna trasera de un coche, vemos el viaje nupcial de los protagonistas. Lo menciono porque la decisión es una declaración de intenciones: querido espectador, no permitiremos que la música lo aburra, ¡no habrá un segundo de quietud sobre el escenario! ¿Que la orquesta intenta evocar las joyas que se guardan en el castillo? Unas actrices vestidas con camisones tratan de huir de otros actores vestidos de Barbazul. ¿La partitura trata de recrear el movimiento del mar y la anchura de los campos? Gente abrazándose atropelladamente por aquí y por allá. ¿Nos internamos en la caverna prohibida? El decorado se levanta y deja ver el perfil de un laberinto.

Esta propuesta contramusical (más habitual de lo que imaginan en el gremio de directores de escena) produce una serie de patologías en el desarrollo de la función que terminan por arruinar el elegante constructo simbolista que trata de armar Maeterlinck. El descenso a la prisión se nos muestra reconvertido en la boda de Ariadna; los aldeanos que tratan de frenar a Barbazul son los invitados; ¿el camino hacia la libertad?, una torre con mesas que se iluminan (vaya usted a saber por qué), sillas de convite y lámparas de pie. Tampoco parece bastarle a Ollé la violencia que narra la música, porque opta por subrayarla con interferencias espasmódicas de los maltratos pasados (como si un verdugo invisible la emprendiese a golpes con la multitud de rehenes que en esta producción hacen de las cinco esposas) que se suceden sin que sepamos bien por qué. ¿Las campanas del reloj de la iglesia que alguna lleva décadas sin oír? Vale. ¿El recuerdo del cautiverio? También.

Con todo, debemos reconocer que el momento más dramáticamente interesante está causado por la subversión de las pretensiones del libreto. Como les adelantaba, en esta Ariadna las esposas no liberan a su captor. Tras serle entregado por los aldeanos (que aquí son una turba machuna que se pelea a sillazos de manera desordenada y luego tira fichas a las señoras), las mujeres se le arremolinan alrededor de Barbazul, hiriéndolo mientras se lamentan de las heridas que le han causado durante la captura. Este momento finamente sádico (Ariadna llega a apuñalarlo mientras pide que lo traten con delicadeza) me pareció realmente brillante. El remate, sin embargo, vuelve a caer en lo absurdo: las esposas ejemplifican histriónicamente varios conatos homicidas, pero todas frenan (la dirección de actores no es buena en toda la función, pero aquí es disparatada) a pocos centímetros de su objetivo. Ariadna se marcha y ellas, girando al maltratador —cautivo y desarmado—, fijan la mirada en el patio de butacas. ¿Por qué? ¿Para qué? Se hace el silencio y cae el telón.

Yendo a lo musical, la dirección de la orquesta cae en manos de Pinchas Steinberg. Con el guirigay que se monta en el escenario, uno la escucha como puede. La interpretación me pareció atinada y los pasajes orquestales sonaron bellamente. En el capítulo de voces conviene elogiar la Ariadna de Paula Murrihy (sobre quien, prácticamente, recae el peso de toda la función), que logra la difícil tarea de dotar de expresividad a un personaje vocalmente reiterativo. También a la nodriza de Silvia Tro Santafé, contraparte indispensable, que canta con una seguridad admirable. Me gustó breve desempeño de Gianluca Buratto como Barbazul y el coro, que sigue siendo uno de los grandes activos del teatro madrileño.

Hay muchas óperas cuyos “valores” nos resultan problemáticos. La curiosidad femenina no es solo objeto de reproches en otras versiones del cuento de Perruault; también, por ejemplo, en La flauta mágica de Mozart. Pero justo en la interpretación de Maeterlinck y Dukas (que, por cierto, es también autor de El aprendiz de brujo, el que sale en Fantasía), la sumisión de las esposas choca con la audacia de Ariadna, que no solo es un personaje femenino, sino que es el principal. Reducir la trama a una sola de sus capas (ya sea para enfatizarla o para enmendarla) pocas veces resulta enriquecedor. Aquí, desde luego, no lo ha sido.

Todo empezó en séptimo de EGB, cuando un profesor de Lengua propuso a la clase escribir una historia a lo largo de todo el curso. La mayoría abandonó el intento con el paso de las semanas. Víctor M. Jiménez Andrada no. Persistió hasta el final, casi en silencio, sin saber que aquella obstinación era ya una forma temprana de literatura. Aquel cuaderno fue su primer libro, aunque entonces no supiera nombrarlo así. Después llegó la adolescencia y con ella la poesía: los primeros enamoramientos, los versos desgarrados, los cuadernos llenos de palabras escritas desde la herida y el asombro.

Desde ese impulso inicial, la escritura ha sido una constante, aunque no siempre acompañada de certezas. Ganar el Premio García de la Huerta en 2014 con Circo supuso algo más que un reconocimiento: fue un gesto de validación externa, una confirmación necesaria. “Uno nunca sabe si lo que escribe sirve para algo o para alguien”, reconoce. Que personas ajenas a su entorno habitual valoraran su trabajo le permitió seguir adelante con un poco menos de duda y un poco más de alivio.

El insomnio llegó después, o quizá siempre estuvo ahí. Versos del insomnio nació de una noche de verano interrumpida por el ruido estridente del camión de la basura. Incapaz de volver a dormir, se levantó y escribió: “Son las tres de la madrugada y el camión de la basura me ha despertado”. A partir de esa frase comenzó a construir un libro que entiende el desvelo como materia poética. Insomnios inevitables, insomnios buscados, noches que se alargan porque algo merece ser pensado o escrito. El libro recorre ese tránsito, convertido además en realidad gracias a una beca de creación literaria de la Junta de Extremadura.

Aunque uno de sus títulos más conocidos se titule Malos tiempos para ser sinceros, Víctor M. Jiménez Andrada discrepa del diagnóstico real. Cree que el amor —en todas sus formas— es lo único que puede salvarnos en una época turbia. No es la fragilidad humana lo que le incomoda, sino la soberbia de quienes se creen inmortales, casi divinos, y actúan sin límites, pisando la libertad ajena. Basta, dice, con observar el panorama político internacional. Frente a eso, reivindica la poesía y el amor como herramientas de resistencia y de futuro.

Esa mirada crítica se volvió explícita en Malos tiempos para ser sinceros, quizá su poemario más político y reivindicativo. Publicarlo gratuitamente en formato digital forma parte de un proceso profundo de revisión de toda su obra, buena parte de ella inédita, con un objetivo claro: compartirla sin barreras desde su espacio web. El poema central del libro surge de un juego aparentemente inocente —“Para ser sinceros / corren malos tiempos / para ser sinceros”— que quiso cargar de intención. De ahí nació también una canción, en colaboración con el cantautor Manuel Cobos, y un conjunto de poemas que fue creciendo a fuerza de recitales.

En su poesía asoman realidades concretas, también territoriales. Extremadura aparece como una tierra históricamente maltratada, una región que vuelve a quedarse a la cola en financiación mientras nadie parece alzar la voz. No habla desde el nacionalismo, sino desde la justicia.“ Por eso duele especialmente ver cómo se destinan presupuestos escandalosos a grandes eventos culturales como la Bienal Vargas LLosa mientras la cultura local sobrevive de forma precaria, sostenida por iniciativas privadas y ayudas públicas insuficientes”. Esa contradicción, aunque a veces de forma inconsciente, se filtra también en su obra.

La naturaleza es otro de los pilares de su escritura. No como decorado, sino como fuerza viva que nos recuerda nuestro lugar. En El opúsculo del caminante la relación es casi una comunión. La poesía, como todo el arte, es para él un vehículo para reivindicar que el ser humano forma parte de esa naturaleza que debe respetar y proteger. La arrogancia de creernos dueños absolutos del mundo se desmorona con algo tan pequeño como un virus, pero aun así insistimos en pensar que tenemos el control. El panorama, admite, es desalentador.

Más allá de la poesía, su obra se reparte a partes iguales entre narrativa y verso. Tiene en marcha la revisión de una novela escrita hace más de diez años, ya en manos de lectores beta, que verá la luz en 2026 en formato digital y gratuito. A eso se suman tres libros de microrrelatos —Breve catálogo de esencias y venenos, La increíble fuerza de la pulga y Tornillería surtida, el más reciente— y dos volúmenes de cuentos: Comidas para llevar y Morirme para esto. Cuando cierre la etapa de la novela, comenzará a ordenar cuentos inéditos con la idea de darles una nueva forma de conjunto.

Ese compromiso con la literatura como espacio compartido se materializa también en Letras Cascabeleras, una editorial independiente que lleva casi catorce años de vida. Un proyecto autogestionado, sin ayudas públicas, que ha sabido sostenerse y, sobre todo, crear comunidad. “Siempre hablo en plural”, explica, porque Letras Cascabeleras es también María Durán, su presidenta, y Vicente Rodríguez Lázaro, escritor y amigo. En 2027 la editorial iniciará una nueva etapa en manos de otro equipo encabezado por la escritora Cora Ibáñez, mientras sus fundadores preparan ya un nuevo proyecto cultural para la temporada 2026/2027.

Y quizá ahí esté la clave de todo: en entender la literatura no como un gesto individual, sino como una forma de permanencia compartida. Escribir para no dormirse ante la injusticia, para no callar cuando el ruido del mundo aprieta, para quedarse siendo consciente de que se está. Aunque cambien los nombres, aunque lleguen los relevos, aunque el tiempo avance. Porque mientras haya palabras que se escriban desde la conciencia y se compartan sin miedo, la cultura seguirá encontrando la manera de respirar, de resistir y de disfrutar.

Puede ser que, si decimos que un día como hoy de hace 175 años nació Luis Coloma no sepas a quien nos referimos, pero, sin embargo, es el autor de una de las historias que más han calado en la tradición en España con los más pequeños cada vez que se les cae un diente. Sí, efectivamente hablamos del autor del cuento que creó la figura de El Ratoncito Pérez.

Los inicios del autor de ‘El Ratoncito Pérez’ y el suceso que le cambió la vida

El 9 de enero de 1851 en Jerez de la Frontera, Cádiz, nació Luis Coloma, que desde bien temprano sintió interés por las letras, y a pesar de ingresar a los 12 años en la Academia Naval de San Fernando, la abandonaría para licenciarse en Derecho en la Universidad de Sevilla, para luego también ejercer otra profesión al comenzar a frecuentar ambiente literario.

Esto fue así debido a su amistad con la escritora Cecilia Böhl de Faber y Ruiz de Larrea, que escribía bajo el seudónimo de Fernán Caballero, que lo introdujo en los círculos literarios y de arte cuando Coloma se mudó a Madrid, y a la que él dedicaría en 1910 una biografía titulada “Recuerdos de Fernán Caballero”.

Así, en Madrid y con ayuda de su amiga, comenzó a colaborar en periódicos y publicar sus primeros relatos, pero todo cambiaría en 1872, cuando fue herido de bala. Aunque su pronóstico fue en un principio pesimista, sobrevivió y este lo entendió como un milagro de Dios, por también su rápida recuperación, y fue cuando decidió ser sacerdote e ingresar en la Compañía de Jesús. Para ello se fue a Francia, donde en 1874 fue ordenado.

Más tarde Luis Coloma regresaría a España y se dedicaría a la educación, pero retomaría también su producción literaria. En 1890 publicó ‘Pequeñeces’, una de sus principales obras, en las que describía de forma satírica la alta sociedad madrileña de antes de la Restauración Borbónica, y que tuvo éxito, pero también críticas negativas por la imagen que daba de la sociedad de su tiempo.

El encargo de la reina María Cristina y el nacimiento de ‘El Ratoncito Pérez’

Pero sería una pequeña obra de 1894 la que daría verdadera fama y reconocimiento a Luis Coloma, también conocido como Padre Coloma, cuando la reina María Cristina de Habsburgo, entonces regente por la menoría de edad de su hijo y heredero, le encargó que escribiera un cuento con motivo de la caída del primer diente de Alfonso XIII.

Así fue como el padre Coloma adaptó un antiguo relato de la tradición oral en formato de cuento y le aportó más historia y contenido para el personaje de ‘El Ratoncito Pérez’, un roedor que vivía dentro de una lata de galletas en la confitería Prast de la calle Arenal de Madrid, y que acabaría siendo un mito relacionado con la caída de los dientes de leche de los más pequeños.

En el cuento de Luis Coloma, el pequeño rey Buby, el apodo que recibía Alfonso XIII por parte de su madre en la intimidad, era acompañado por el Ratón Pérez para vivir una aventura en la que conociera cómo vivían sus súbditos infantiles, algunos de ellos en la pobreza más absoluta como el niño Gilito, con el objetivo de que aprenda valores como la valentía, la generosidad o el cuidado.

El padre Coloma moriría en Madrid en junio de 1915, siete años después de haber sido nombrado académico de la Real Academia de la Lengua Española (RAE) en la silla de la letra f en 1908. Su vida y su obra generó interés entre sus contemporáneos, así, por ejemplo, fue recogida por Emilia Pardo Bazán en 1891 bajo el título “El P. Luis Coloma. Biografía y estudio crítico”.

Se suele decir que la Navidad como la conocemos hoy en día se la debemos realmente a Charles Dickens, que él fue quien realmente inventó las fiestas navideñas, aunque a lo que esto se refiere es a la idealización que tenemos en nuestra cabeza y la asociación de ciertos elementos como la nieve o el pavo con estas celebraciones, a pesar de que, por ejemplo, vivamos en un lugar en el que el paisaje nevado parezca algo de lo más lejano.

Y esta afirmación de Charles Dickens como inventor de la Navidad es en gran parte por su descripción de las fiestas y de su espíritu en la famosa novela ‘Cuento de Navidad’, que ha sido objeto de varias adaptaciones en teatro o cine, y que se ha quedado en nuestro imaginario colectivo, desde su publicación en 1843.

La crisis e indignación que motivaron a Dickens para su ‘Cuento de Navidad’

'A Christmas Carol. In Prose. Being a Ghost Story of Christmas', en su título original, no habría sido posible sin el contexto en el que se dio, porque fue un producto de su tiempo, como también podría serlo de la actualidad si se hicieran algunos cambios, al tratarse principalmente de un relato de crítica social y denuncia, en este caso sobre todo contra el trabajo infantil, algo que el escritor británico conocía de primera mano.

Y es que nos situamos en la Inglaterra de mediados del siglo XIX, época victoriana, y es entonces cuando Dickens tiene acceso a un informe del gobierno de entonces sobre el trabajo infantil que lo indignó principalmente, al ser consciente de las condiciones deplorables y los miseros sueldos que estos, además, recibían por ello.

Por eso, su primera reacción fue la de escribir un panfleto en el que denunciar la situación, aunque pronto cambió de idea y optó por otro formato, la novela, y ahí puso el primer grano de lo que sería ‘Cuento de Navidad’, una historia de denuncia del trabajo y maltrato infantil, algo que él había vivido en sus propias carnes.

Se basó en sus propias vivencias y la escribió en tan solo seis semanas

De hecho, Charles Dickens se basó en su propia infancia para escribir ‘Cuento de Navidad’, pues él mismo había dejado de estudiar a los 11 años y se tuvo que poner a trabajar porque su padre fue encarcelado por no pagar unas deudas, algo que era habitual entonces. El escritor conocía la explotación infantil, él la había sufrido en una fábrica de betún siendo pequeño.

Fiel a su estilo de denuncia de la realidad social, algo que también se aprecia en ‘Oliver Twist’ o ‘Grandes Esperanzas’, Dickens usó la literatura como altavoz para los más necesitados, para cambiar la terrible situación que vivían miles de niños, y para ello usó el espíritu navideño en su máxima expresión, retratando la bondad, la empatía y solidaridad como motores de la Navidad, como buen amante de esta época del año que era.

Se cuenta que necesitó tan solo seis semanas para escribir ‘Cuento de Navidad’, en parte por el uso de una literatura y un estilo cercano que le permitió poder llegar así al máximo número de lectores posibles, y con una inspiración que le venía de su propia historia, pero también de largas caminatas por las calles de Londres en busca de imaginar en su mente la novela que quería escribir. Y así fue como el 19 de diciembre de 1843 fue publicada por Chapman & Hall.

En este relato corto, Dickens capta el espíritu navideño y la realidad de su época, marcada por la crisis económica, en el personaje de Ebenezer Scrooge, un anciano avaro y egoísta, que se transforma hacia la generosidad, empatía y solidaridad después de recibir la visita de cuatro fantasmas en la víspera de Navidad que le muestran los errores que ha cometido en su vida a la vez que le enseñan el camino y significado de las fiestas.

Es habitual que muchas obras literarias, desde clásicos a piezas breves desconocidas de grandes autores, vuelvan a las librerías en forma de libro ilustrado. Las ilustraciones no se limitan a decorar el texto, sino que lo complementan, dialogan con él de tal modo que el lector se sumerge en una experiencia distinta al leerlos. Porque cada creador le aporta una mirada subjetiva, única, y el lector ya no solo descubre la del escritor, sino que debe prestar atención también a lo que ha visto el ilustrador en esas mismas palabras.

Ese suele ser el proceso: primero el relato y luego las imágenes; o, si acaso, ambos a la vez, cuando escritor e ilustrador pueden avanzar de forma sincrónica. El dibujante, por bueno que sea su trabajo, queda un tanto relegado, su nombre siempre por debajo en la cubierta, en ocasiones más pequeño que el del escritor, aunque a menudo lo que empuja al público a elegir esa edición en concreto son las ilustraciones, que lo convierten en un ejemplar de lujo, de esos que las librerías no devuelven al distribuidor enseguida porque son idóneos para regalar, y lo seguirán siendo en los años sucesivos.

La noticia es que, a veces, el proceso se invierte. Un ilustrador logra tanto prestigio que deja de ser el subordinado, y son los juntaletras los que quieren escribir para él. Incluso juntaletras con legiones de lectores, que no tienen necesidad (ni económica ni creativa) de sumar esta experiencia a su currículo. Ese es el origen de la nueva edición de Hansel y Gretel (Lumen, 2025, trad. Darío Zárate Figueroa), para la que nada menos que el rey del terror, Stephen King (Portland, Maine, 1947), ha versionado este cuento ex profeso para complementar unas ilustraciones del añorado Maurice Sendak (Brooklyn, Nueva York, 1928-Danbury, Connecticut, 2012), autor de Donde viven los monstruos (1963).

Afinidades electivas

“Cuando me preguntaron si me interesaba escribir una nueva interpretación de Hansel y Gretel adaptada (con libertad) [a los dibujos de Maurice Sendak], claro que me interesó. Nada más ver las imágenes, decidí intentarlo”, explica King en la introducción al álbum. Las ilustraciones formaban parte de la escenografía y el diseño de vestuario que Sendak había creado para la ópera del compositor Engelbert Humperdinck basada en el cuento. Como sucede con más frecuencia de lo que se cree, este libro se debe, antes que a nadie, al equipo editorial que tuvo la idea de rescatar esas imágenes de ese ámbito restringido y pensar en un autor como King para insuflarles una nueva vida.

La sinergia Sendak-King va mucho más allá del reclamo comercial: salta a la vista, por poco que se les conozca, que existe una afinidad artística entre ambos. Sendak, aunque ilustró todo tipo de libros, se hizo célebre por su imaginería oscura del universo infantil, con esas ilustraciones de monstruos y, en el caso de este Hansel y Gretel, con una bruja perversa, un bosque oscuro asfixiante y una casa de caramelo con un rostro demoníaco. En cuanto a King, lleva más de medio siglo ganándose el calificativo de rey del terror; nadie como él para escribir sobre niños que caen en las garras de seres malvados.

El propio autor de Maine lo confirma: “En cierto modo, he pasado gran parte de mi vida escribiendo sobre niños como Hansel y Gretel”. También reconoce la huella de Sendak, tanto en su obra, que lo inspiró para más de un trabajo, como para su propia vida, puesto que eran sus cuentos, populares entre los años sesenta y ochenta, los que el matrimonio de Stephen y Tabitha King leía a sus hijos cuando eran pequeños. “Estoy seguro de que hay por ahí muchos padres boomers […] que se ven reflejados en nosotros y se alegran de poder leerles a sus nietos algo más de Sendak”, añade a propósito de esta edición.

Terror y literatura infantil

Para un adulto, la esencia macabra de los cuentos populares en su versión original no es ninguna sorpresa. En cambio, hace tiempo que se instauró la costumbre de dulcificarlos para los niños, y no solo a través de Disney, aunque su maquinaria comercial tenga más impacto, sino mediante cualquier cuento con dibujos de brujas de mejillas sonrosadas y final feliz sin demasiados contratiempos. El Hansel y Gretel de King y Sendak también llega a buen puerto, pero el camino es tan lúgubre –en lo visual y en lo lingüístico– que conserva en buena medida el espíritu de la versión recogida por los Hermanos Grimm.

“Para mí, esa es la esencia de este cuento y, en realidad, de todos los cuentos de hadas: un exterior luminoso, un centro oscuro y terrible, y unos niños valientes e ingeniosos”, reflexiona King. Tal vez hay adultos que recelan de la idoneidad de este tipo de cuentos para los niños, pero lo cierto es que en la infancia siempre ha existido una fascinación por el terror, por lo desconocido. Ponerlos frente al peligro, en el marco seguro de la ficción, puede contribuir a canalizar el miedo, a prepararlos para afrontar las situaciones duras que les departe el futuro, como la muerte, el desamparo o las malas intenciones.

Para mí, esa es la esencia de este cuento y, en realidad, de todos los cuentos de hadas: un exterior luminoso, un centro oscuro y terrible, y unos niños valientes e ingeniosos

Stephen King — Escritor

King también describe el arte de Sendak como “luminoso por fuera y oscuro por dentro. O viceversa”. ¿No es, acaso, una definición precisa de la vida? Los cuentos, y con ellos las ilustraciones de ese gran artista que fue Sendak, siguen interpelando al lector porque se ocupan, en el fondo, de emociones que todos conocemos, generación tras generación. Se ocupan del abandono, la soledad, la envidia, el miedo, los abusos, el trauma. Con un poco de suerte, de la superación, la solidaridad, el afecto. Hay un aprendizaje, y mucho más complejo e interesante que el condescendiente “No aceptes caramelos de extraños”.

En una época de niños que crecen sobreprotegidos y la censura sobrevuela la industria de la literatura, con especial saña cuando se trata de libros dirigidos al público infantil, esta nueva versión de Hansel y Gretel es una declaración de intenciones. Es la apuesta por dos creadores únicos, subversivos, con un imaginario nada sospechoso de sumisión o ínfulas de adoctrinamiento. Las licencias que se toma King en la adaptación resultan bienvenidas porque funcionan en su concepción del relato. Solo queda que los adultos estén a la altura de la propuesta y traten a los niños con la inteligencia, el respeto y el cariño que destilan las páginas de este tándem sensacional.

Nota: Hansel y Gretel (Lumen, 2025) se recomienda para lectores a partir de 5 años.

El cuento de ‘La Bella y la Bestia’ es uno de los clásicos que han llegado a nuestros días con gran popularidad, en parte desde que fuera adaptado por Disney en los 90, durante la época conocida como de su renacimiento, y que se basa a su vez en el folclore popular que recogió Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve en 1740.

Pero la historia parece no haberse quedado en una mera ficción y tener su propia inspiración real, siendo una de las más populares la que protagonizó un español durante el siglo XVI y de la que nos han llegado retratos a nuestros días por el papel que tuvo en las cortes europeas.

Petrus Gonsalvus, el español que fue la ‘Bestia’ real

‘La bella y la Bestia’ se asegura que pudo tener una cierta inspiración en historias reales, y una de ellas es la que protagonizó Pedro González, más conocido como Petrus Gonsalvus, nombre en latín que recibió en la corte francesa, donde fue trasladado a la edad de diez años.

Petrus Gonsalvus había nacido en la isla de Tenerife en 1537 con una enfermedad congénita, que ahora se sabe que es el llamado ‘síndrome del hombre lobo’ o hipertricosis, y que causaba el crecimiento exagerado de vello por una parte o toda en el cuerpo, como podría ser en este caso según los retratos que nos han llegado.

Una de las versiones más extendidas es que sus padres pudieron ser jefes guanches que lo abandonaron al nacer debido a su aspecto físico y que este fue acogido siendo un bebe por monjes, que lo tuvieron bajo su tutela en la infancia hasta que a los diez años llegó a la corte francesa.

Hay varias versiones también de cómo llegó a Francia, en algunos casos se comenta que fueron los corsarios quienes lo capturaron como ofrenda al rey Enrique II de Francia, otros que los mismos españoles lo querían enviar a la zona de Bélgica, que entonces formaba parte de la misma corona, la de Carlos I de España y V de Alemania.

La real ‘La Bella y la Bestia’ y su triste realidad

Sea como fuere, Pedro González entró a la corte francesa y se le rebautizó su nombre en latín como Petrus Gonsalvus, donde el rey Enrique II se preocupó de formación, siendo un niño muy inteligente, para “alejarlo de lo salvaje de su condición”.

Con la muerte temprana de Enrique II en 1559 debido a ser herido en una justa, Petrus Gonsalvus quedó a cargo de su viuda, Catalina de Médici, que le buscó esposa entre sus damas de compañía, siendo seleccionada una joven llamada Catherine que era la más bella de todas ellas según los relatos de la época y la de carácter más fuerte “para soportar la conmoción”.

La pareja se casó y su matrimonio duró más de 40 años, además de que tuvieron siete hijos, cinco de los cuales heredaron la condición de su padre, por lo que pasaron a ser objetos de entretenimiento en las diferentes cortes europeas, como se puede apreciar en los retratos que encargaron de ellos algunas como la de Viena o Múnich.

Algunos de ellos fueron Madeleine, Henri, que posó en un retrato en una cueva que era un guiño al origen canario de su padre, o Antonietta, que aparece en uno con una carta que era un supuesto documento que comprobaba que era propiedad de su padre y que compartían la misma singularidad.

El Ministerio de Cultura ha aceptado la propuesta del Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara -la asociación que organiza el Maratón de los Cuentos que tanta fama da a esta ciudad- para bautizar a la Biblioteca Pública de la capital alcarreña con el nombre de Blanca Calvo. La propuesta seminarista ha conseguido el respaldo de multitud de personalidades e instituciones culturales, sociales y políticas de la ciudad, la provincia, la región y más allá. Lógico, dado el enorme peso que la figura de Blanca ha tenido -y tiene- en la vida cultural y social de Guadalajara.

Alcaldesa de Guadalajara durante algo más de un año a principios de los noventa, consejera de Cultura de Castilla-La Mancha durante casi dos años a principios de los dosmil y, sobre todo, directora de la Biblioteca Pública de Guadalajara durante más de 30 años (1981-2013), la huella de esta mujer menuda, sonriente, infatigable, rebelde y combativa (la lista de adjetivos que se le puede aplicar es interminable, pero me paro aquí) en la biblioteca que dirigió y en la ciudad de la que hizo su hogar es muy, muy profunda.

Blanca Calvo siempre creyó -lo sigue haciendo- en la revolución. Una revolución a fuego lento, silenciosa pero imparable, cordial, hecha de sonrisas, empatía y cultura. Desde la biblioteca que dirigía, ella siempre aspiró a transformar la ciudad -y la sociedad- en que vivía. La ciudad tal vez no ha alcanzado el grado de desarrollo humano que a ella le gustaría, pero, sin duda, la vida de miles de ciudadanos y ciudadanas de Guadalajara no sería la misma sin Blanca.

Algunos de ustedes pensarán que exagero. Les voy a intentar convencer de que no es así y de que dar el nombre de Blanca Calvo a la Biblioteca Pública de Guadalajara (BPG) no es sino el reconocimiento oficial de una realidad, pues para cualquiera que haya conocido la biblioteca entre los años ochenta y los dosmil, ambos nombres están inseparablemente unidos.

Calvo llegó a Guadalajara desde Mahón, Menorca, para hacerse cargo de la dirección de su biblioteca pública en 1981. No mucho antes, a comienzos de los setenta, se había convertido, con tan solo 24 años, en la persona más joven en entrar en el Cuerpo Facultativo de Bibliotecarios, lo que fue motivo de mucho orgullo para su madre, bibliotecaria de la Universidad de Valladolid.

Como alguien dijo en su homenaje, Blanca trajo aires mediterráneos –“cargados de ilusión y nuevas propuestas”- a la biblioteca de la austera y provinciana Guadalajara y la convirtió en un lugar acogedor, cálido y luminoso. Les brindo un único, pero muy significativo, ejemplo.

Cuando ella llegó, los usuarios y usuarias de la biblioteca no teníamos acceso a los libros más que a través de oscuros archivadores. Tras localizar en ellos la referencia del libro, había que acudir a un mostrador de préstamo situado en un diminuto y sofocante cuarto de tamaño apenas mayor que un retrete. Allí, entregábamos una ficha al funcionario de turno, que desaparecía durante interminables minutos para explorar el laberinto de estanterías en que los libros se custodiaban, lejos de las manos de posibles lectores u ojeadores, como si fuesen un maná prohibido o un arcano al alcance únicamente de unos pocos elegidos. Los aspirantes a lectores y lectoras nos sentíamos un poco como familiares de un reo pidiendo clemencia al señor feudal.

Blanca acabó con todo eso. Trasladó los libros de los oscuros anaqueles a una amplia y luminosa sala del Palacio del Infantado, entonces sede de la BPG. En ella -iluminados por la cálida luz que entraba por amplios ventanales que se abrían a una hermosa galería gótico isabelina que a su vez se asomaba a los apacibles jardines del palacio, protegidos de cualquier intemperie por un bello artesonado renacentista y perfectamente ordenados en decenas de estanterías alineadas en pasillos que semejaban avenidas que llevaban hacia el conocimiento y el gozo- se podían contemplar, tocar, curiosear, oler, ¡y hasta leer! miles de libros de los más diversos formatos, materias y autores. Habíamos pasado de las tinieblas a la luz, de la escasez a la abundancia, de la dieta de verduritas al festín de Babette.

Blanca Calvo había abierto las puertas del palacio de invierno para que pasase el pueblo. Y no uso la palabra pueblo al azar: para ella, las palabras libro, cultura y democracia son inseparables. El libro y la cultura no son un fin en sí mismos, sino una puerta de entrada hacia -o tal vez un pilar o una viga sobre los que sostener- un mundo en el que personas conscientes, sensibles y empáticas puedan caminar juntas hacia una sociedad mejor y más humana, en la que sea posible un buen vivir para todas en lugar de una buena vida para unas pocas y distintos grados de agonía y miseria para las más.

Blanca Calvo había abierto las puertas del palacio de invierno para que pasase el pueblo. Y no uso la palabra pueblo al azar: para ella, las palabras libro, cultura y democracia son inseparables

Pero Blanca no se quedó contenta con ello y salió, como las misioneras laicas de las Misiones Pedagógicas de la II República que ella tanto admira, a llamar a todas las gentes para que viniesen a disfrutar de los frutos del árbol de la vida. Para ello, se alió con un grupo de jóvenes profesores y profesoras (José Antonio Camacho y los muy añorados Vicente Paniagua y Fernando Yela eran solo algunos de ellos), con los funcionarios y -sobre todo- funcionarias más animosas de la biblioteca, con los teatreros que intentaron hacer de la Guadalajara de los primeros años de vida democrática un lugar lleno precisamente de vida y con cualquiera que se dejase contagiar de su ardor evangélico -no se olviden: evangelio quiere decir buena nueva y Blanca y su gente estaban convencidos de que los libros y la cultura eran el camino hacia la buena nueva de una sociedad mejor.

La biblioteca se transformó en un hermoso centro conspiratorio y un laboratorio alquímico de la que salieron multitud de iniciativas que se expandían hacia el resto de la ciudad, la región, el país… el planeta: clubs de lectura para los más diversos grupos -no solo en la biblioteca, sino en muchos otros lugares entonces insospechados como el Centro de Atención al Minusválido Físico (CAMF) o la Prisión Provincial-, encuentros con autores, nombramientos de socios de honor, elaboración de libros gigantes y álbumes de poesía en los colegios, expedición automática del carnet de socio a todos los recién nacidos de la ciudad, talleres de escritura, encuentros nacionales de animación a la lectura, la revista Atiza…

Muchas de esas actividades llevaban el sello de la Biblioteca Pública, muchas otras el del Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara (SLIJ), entidad que luego sería clave también en el nacimiento y la consolidación del Maratón de los Cuentos de Guadalajara.

Ay, el Maratón de los Cuentos, ¡esa sí que es una historia de las buenas!

Resulta que Blanca Calvo se implicó tanto en la vida de la ciudad que fue durante muchos años concejala de Izquierda Unida. Y resulta que, contra toda lógica e incluso contra las amenazas de expulsión del mismísimo Julio Anguita, en 1991 Blanca Calvo resultó elegida, en un supercalifragilesticohuespialidoso pleno de constitución del Ayuntamiento de Guadalajara, alcaldesa de la ciudad. No vamos a entrar a fondo en esa historia, porque este artículo se convertiría en La Historia Interminable.

El caso es que, en 1992 -año de grandes fastos-, en ejercicio de sus funciones de alcaldesa, Blanca Calvo decidió que el Ayuntamiento de Guadalajara organizase la primera feria del libro de la ciudad y, echando toda campana posible al vuelo, organizar una actividad que inscribiese a la ciudad en el Libro Guiness de los Récords como la ciudad que más horas había permanecido contando -y escuchando- cuentos. Ese primer Maratón de los Cuentos, en el que participaron personalidades tan destacadas de la cultura como el escritor José Luis Sampedro, el dramaturgo e hijo de Guadalajara Antonio Buero Vallejo o el cineasta Miguel Picazo, duró 24 horas y fue la plasmación de un sueño que, 33 años después, aún pervive.

Uno de los poderes mágicos de Blanca Calvo es su capacidad para crear símbolos que conecten con el inconsciente colectivo de la gente. Una muestra de ello es lo que sucedió en la ciudad el 12 de julio de 2004. Tras años de rumores, conversaciones, planes, anuncios, convenios, dolores de cabeza y retrasos, estaba lista la apertura de la nueva sede de la BPG, un edificio del siglo XVI que las tristezas de la historia habían relegado a carpintería y luego a ruina y que había sido cuidadosamente restaurado: el palacio de los Dávalos-Sotomayor. Blanca aprovechó la ocasión para crear una imagen única: la biblioteca pidió a la gente que eligiera los libros que más les gustaban y elaboró una lista de los 1.001 más votados. Esos títulos no serían trasladados a la nueva sede de la biblioteca por una empresa de transportes, sino por los ciudadanos y ciudadanas. El día elegido era sábado. Había nerviosismo (¿vendría la gente? ¿acudiría a la llamada de esta bibliotecaria soñadora y su amor a los libros y las palabras?). La gente acudió, ¡vaya si acudió! Una cadena humana de centenares de personas hizo que los 1.001 libros cruzaran la explanada de la entonces Plaza de los Caídos, subieran por la Calle de Miguel Fluiters, bajaran por la Calle del Doctor Román Atienza, doblaran hacia la Plaza de Dávalos y entraran triunfalmente en la nueva sede de la biblioteca.

Ese día, la ciudad fue una fiesta. Los libros volaban entre sonrisas o se detenían en las manos de una persona que de repente se encontraban en sus manos a su autor favorito o reconocían el libro que llevaban años queriendo leer y no podrían reprimir la tentación de abrirlo para leer sus primeras frases o la contraportada que cantaba las virtudes del texto. La gente estaba verdaderamente emocionada, porque se reconocía en los rostros y las manos de los demás, revivía el placer de acometer juntos un esfuerzo en favor del bien común y podía saborear en sus bocas y cerebros la belleza de la palabra comunidad.

Un año después de eso, Blanca Calvo fue nombrada consejera de Cultura de Castilla-La Mancha, cargo desde el que siguió luchando por hacer de los libros, las bibliotecas y la cultura una barricada contra la barbarie y semilla de mundos mejores y más vivibles, y esa es también otra historia de las buenas. Les dejo solo un apunte de esos dos años que habla de la capacidad de trabajo, fortaleza, tenacidad y compromiso con la cultura de Blanca Calvo.

El caso es que cuando el presidente José María Barreda la llamó para incorporarla a su consejo de gobierno, ella estaba terminando de preparar para la Biblioteca Nacional, junto a otro gran defensor de las bibliotecas públicas, Ramón Salaberria, la exposición Biblioteca en Guerra, una gran muestra que documentaba “el papel jugado por un grupo de bibliotecarios en la difusión de la cultura y los libros entre los sectores populares, y su esfuerzo en conservar y proteger los fondos de la Biblioteca Nacional durante la Guerra Civil”.

Una de las condiciones que Blanca le puso a Barreda para aceptar el cargo -el caso ha prescrito y se puede contar- fue compatibilizar durante algunos meses la labor de consejera con la de comisaria de la exposición. A veces para desesperación y la mayor parte de las veces para orgullo de su equipo, fueron unas semanas de trabajo intenso y de muy, muy poco sueño. Blanca casi doblaba jornada para sacar adelante sus dos trabajos que, para ella, eran uno solo, pues ambos estaban destinados al mismo fin: reivindicar y promover el papel de los libros, la biblioteca y la cultura en la construcción de una sociedad del buen vivir para la mayoría de las personas.

Blanca Calvo ha vivido muchas vidas. No nos da para hablar aquí de sus múltiples activismos y colaboraciones con las más diversas causas y movimientos sociales -desde el Movimiento 0,7% y Más a las protestas contra el genocidio en Palestina, pasando por el derecho a morir dignamente. Pero, por encima de todo, siempre ha sido bibliotecaria. Como cuenta en broma pero en serio su gran amiga, la narradora Estrella Ortiz, cuando nació Blanca la comadrona le dijo a su madre: “ha tenido usted una bibliotecaria”.

En el homenaje que le hizo hace algunos días el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil en la Biblioteca Pública de Guadalajara -¿dónde, si no?-, una emocionada Blanca Calvo afirmaba sentirse una persona afortunada. Creo que, sin lugar a dudas, lo es. Creo, también sin lugar a dudas, que la BPG y la ciudad de Guadalajara han sido y son muy afortunadas por haber tenido a Blanca como su directora, su alcaldesa y su ciudadana. De lo que estoy definitivamente seguro -permítanme una nota personal-, es de lo afortunadas que somos las personas que, de una u otra forma, gozamos de su amistad.

Ese sentimiento se traslucía claramente en la cena que tuvo lugar después del acto de homenaje -esto es España, y un homenaje sin cena es un homenaje interruptus, y a fe que el de Blanca no lo fue-. En esa cena, sus amigas del Coro Poético y Peripatético -otra de las muchas plantas que han crecido a la sombra inspiradora del Maratón de los Cuentos, la recitaron un poema del escritor norteamericano Jack Kerouac que dice:

Brindemos por las locas, por las inadaptadas, por las rebeldes, por las alborotadoras, / por las que no encajan, / por las que ven las cosas de una manera diferente… / Porque cambian las cosas. / Empujan adelante la raza humana… / Porque las mujeres que se creen tan locas / como para pensar que pueden cambiar el mundo / son las que lo hacen.

No se me ocurre un epitafio mejor -dentro de muchos años, por favor- para Blanca Calvo, esa mujer que cambió una biblioteca y una ciudad -y, con ello, el mundo.

Un viernes de cada mes hasta el próximo mayo de 2026, el Teatro Moderno de Guadalajara acogerá a las 20:00 horas los 'Viernes de los cuentos', una actividad “para adultos” organizada por el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara. Para esta edición el hilo conductor radica en la mitología. La entrada es libre hasta completar el aforo.

Estos cuentos y espectáculos “han sido seleccionados con todo el cariño, intentando que se mezclen diversos estilos y buscando esa sonrisa placentera que nos gusta ver en la cara de los espectadores y espectadora cuando salen del teatro”, explican desde la organización.

Programa de la temporada de 'Viernes de los Cuentos' 2025/2026

El 17 de octubre, los narradores Ana Griott y Renzo Ruggiero ofrecerán el espectáculo 'Mujeres de agua'. Se trata de una obra de narración oral y musical. Una narradora y un músico “nos llevarán a los paisajes sonoros del Mediterráneo, a la memoria del agua, donde por primera vez escuchamos el mundo y adonde regresamos. Allí nos encontraremos con los seres que viven en las aguas que fluyen, los seres que transmiten la vida: las mujeres de agua”, explican desde el Teatro Moderno.

El siguiente viernes, 14 de noviembre, la actriz Alicia Merino narrará 'Más que palabras'. En este caso son versiones de mitos y leyendas recogidos por la pluma de autores contemporáneos universales como Bernardo Atxaga, Manuel Rivas, Marguerite Yourcenar, Gioconda Belli o Magdalena Lasala (entre otros), y de relatos de tradición oral. Tratarán los temas universales (vida, muerte, libertad, amor, destino, dignidad, identidad) en un ejercicio escénico que “desea ser un modesto y teatral homenaje a todos los narradores y narradoras de cuentos”.

El 12 de diciembre, la obra 'Cuentos de un viajero' correrá a cargo del narrador Nelson Calderón. “Sí señoras y señores, me considero un viajero, alguien que amplió la casa, sí, porque es que yo antes era como si tuviera un salón, un comedor, un patio…pero me hacía falta una terraza para mirar mejor el mundo, y eso es España para mí…” Así comienza este monólogo que promete no dejar indiferente a nadie, donde entran en juego los mitos, el amor, el humor y la fantasía.

El 23 de enero de 2026, la narradora madrileña Aurora Maroto contará 'No todos los diablos tienen cuernos'. “Tres relatos nos llevan al filo de lo humano y lo sobrenatural: historias donde la suerte se tuerce en desgracia, donde el deseo puede tornarse en violencia y donde hasta los diablos pueden ser burlados”, explican desde el Teatro Moderno.

Para el 6 de febrero de 2026, el periodista y actor Carlos Alba, narrará 'El Pola: memorias de un quinqui'. El Pola -personaje propio de Alba- es “un quinqui reconvertido en educador social”. Criado en una 'colomina' de la Asturias industrial, cuenta leyendas urbanas y crónicas de barrio. Gran rockero, el Pola se ha juntado con auténticos cracks del rock and roll como Rafa Kas o Maxi Campán (de Fe de Ratas), y “siempre acompaña sus historias con una banda sonora de época”.

El 13 de marzo de 2026 el cuentista profesional Diego Magdaleno, “con más de veinte años de experiencia” narrará 'El Coso'. La sinopsis de este cuento es la siguiente: En Encinar de la Sierra, un pueblecito de Sierra Morena, ocurrió un hecho insólito. Anarquistas y demócratas, monárquicos y republicanos, católicos y ateos… se pusieron de acuerdo en algo. ¡El pueblo necesitaba una feria del ganado! Y se celebraría en la plaza El Coso. Fue una decisión que acarreó numerosos relatos y chascarrillos, así como un cambio en la historia del lugar.

El próximo 17 de abril de 2026 la narradora Ane Gebara ofrecerá el espectáculo 'Lo que las piedras me contaron'. “Leyendas de cascadas, miedos de aquellos que no conocían bien a sus vecinos, gigantes que ayudaban con los tejados y las parcelarias, casas destruidas y pueblos desaparecidos. Gente valiente y voces que callan”, describen desde el Teatro Moderno.

Este ciclo de cuentos finaliza el 15 de mayo con el espectáculo 'Tengamos un cuento en Paz', narrado por la actriz Yoana Siri. “Será una sesión de cuentos para orejas adultas donde la palabra se convierte en refugio y en espejo del que aprendemos. Pongamos el foco en la Paz, reflexionemos sobre la misma, practiquémosla, elijámosla. Si la Paz está en nuestras manos, pongámosla en el centro del cuento”, explican.

Para ampliar la información sobre los espectáculos en concreto se recomienda consultar la web de El Maratón de los Cuentos. Los 'Viernes de los cuentos' cuentan con el patrocinio del Ayuntamiento de Guadalajara.

La Biblioteca Pública del Estado en Guadalajara llevará el nombre de ‘Blanca Calvo’, en homenaje a quien fue su directora durante 32 años y una de las grandes impulsoras de la vida cultural de la ciudad.

El cambio de denominación se materializará tras la aprobación del Ministerio de Cultura, titular del recurso, a propuesta del Gobierno de Castilla-La Mancha, que recogió y elevó la iniciativa promovida por el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara (SLIJ).

El acto de homenaje y presentación de la placa con la nueva denominación se ha celebrado este viernes, 10 de octubre, en la propia sede de la Biblioteca, ubicada en el Palacio de Dávalos, con la participación de responsables institucionales y culturales, así como de la propia homenajeada, Blanca Calvo, que ha recibido un sentido reconocimiento a su trayectoria y al legado que deja en la historia cultural de Guadalajara.

La consejera de Igualdad, Sara Simón, en representación del Gobierno regional, ha destacado el trabajo constante de Blanca Calvo para convertir a Guadalajara en la “ciudad de los cuentos” y en un importante referente en narración oral a nivel internacional, destacando proyectos como el Maratón de los Cuentos o la Casa del Cuento, puesto en marcha durante el anterior mandato con el impulso y la financiación del Gobierno de Castilla-La Mancha.

“Aún recuerdo con emoción el día en que se firmó, en el despacho del alcalde Alberto Rojo, la adhesión de Guadalajara a la Red Europea de Lugares y Ciudades de Cuento lo que significaba que Guadalajara y el conjunto de la región iban a ser el epicentro de los cuentos, no solo en nuestro país sino a nivel europeo”, ha evocado.

La primera mujer alcaldesa de Guadalajara

Además, junto a toda la labor al frente de la Biblioteca de Guadalajara y a todo el dinamismo generado en torno a los clubes de lectura, Simón ha recordado su etapa como consejera de Cultura, bajo la Presidencia de José María Barreda, o haber sido la primera mujer alcaldesa de la capital alcarreña, “dando pasos certeros para que otras los hayamos podido dar, y no arrugándose nunca en momentos que no fueros sencillos”.

Junto a la consejera de Igualdad han intervenido en el acto el presidente de las Cortes de Castilla-La Mancha, Pablo Bellido; Ignacio Castillo Grau, subdirector general de Coordinación Bibliotecaria del Ministerio de Cultura y Margarita Morera, diputada provincial.

Entre los cerca de 300 asistentes al homenaje al que no han faltado representantes de todos los ámbitos culturales de la provincia, se encontraban autoridades como la delegada de la Junta en Guadalajara, Rosa María García, las delegadas de Igualdad, Laura Gil, y de Economía, Empresas y Empleo, Susana Blas, el diputado y ex alcalde de Guadalajara, Alberto Rojo, la senadora, Araceli Martínez, la subdelegada del Gobierno, Susana Cabellos , el ex alcalde de la capital, José María Bris, el alcalde de Cabanillas del Campo, José García Salinas, localidad de residencia de Blanca Calvo, el primer edil de Chiloeches, Marcos Cascajero, así como concejales y concejalas del ayuntamiento de la capital.

Una propuesta con todos los apoyos

La decisión de proponer al Ministerio el cambio de nombre fue anunciada por el Gobierno regional el pasado 18 de septiembre, tras una reunión entre el consejero de Educación, Cultura y Deportes, Amador Pastor, la consejera de Igualdad, Sara Simón, la delegada de la Junta en Guadalajara, Rosa María García, y representantes del Seminario de Literatura Infantil y Juvenil, donde se trasladó formalmente la iniciativa.

Desde que se planteó la propuesta hasta el acto celebrado en el día de hoy, ha recibido el respaldo de distintas entidades, clubes de lectura y asociaciones culturales, además de escritores, poetas, bibliotecarios, alcaldes y alcaldesas.

El Ejecutivo autonómico subrayó entonces la relevancia de la figura de Blanca Calvo, quien dirigió la Biblioteca entre 1981 y 2013, lideró su traslado desde el Palacio del Infantado al actual Palacio de Dávalos en 2004, y promovió proyectos tan emblemáticos como el Maratón de los Cuentos, un festival de narración oral de referencia internacional, o la creación del propio Seminario de Literatura Infantil y Juvenil.

En este tiempo, el Gobierno regional inició el expediente para el cambio de nombre y el Ministerio de Cultura dio su aprobación.

Un espacio con historia y memoria colectiva

La Biblioteca Pública Provincial de Guadalajara se creó en 1837 y abrió sus puertas al público en 1841, siendo una de las más antiguas del país. A lo largo de su historia ha tenido varias sedes: desde el Palacio del Infantado, donde se trasladó en 1972 junto a otros espacios culturales, hasta su actual emplazamiento en el Palacio de los Dávalos, al que se mudó en 2004 en una jornada simbólica con una cadena humana que transportó los últimos 1.001 libros de un edificio a otro, de la que también fue artífice Blanca Calvo, quien, por entonces, era la directora de la Biblioteca.

Este edificio, de origen medieval y remodelado en el siglo XVI por el arquitecto renacentista Lorenzo Vázquez de Segovia, constituye hoy uno de los centros culturales más emblemáticos de Guadalajara. Su fondo bibliográfico, que combina colecciones históricas, literatura infantil y juvenil, estudios locales y recursos contemporáneos, continúa siendo un punto de encuentro para lectores, investigadores y amantes de la cultura.

Este mismo mes de octubre, los días 21, 22 y 24, la Biblioteca Pública, ahora ya bajo el nombre de ‘Blanca Calvo’, propone, dentro de su agenda cultural, unas visitas guiadas gratuitas para descubrir el edificio que la acoge desde hace 20 años y los tesoros que alberga.

Una vida dedicada a la cultura

El nombre de Blanca Calvo está indisolublemente unido a la historia de esta biblioteca. Bajo su dirección, el espacio se abrió a la ciudad y a todas las edades, convirtiéndose en un lugar vivo, participativo y plural. Su impulso fue decisivo para crear y consolidar el Maratón de los Cuentos, que desde 1992 convierte a Guadalajara en capital de la narración oral, y para expandir la red de clubes de lectura que hoy es ejemplo de dinamización cultural, siendo la biblioteca pública con mayor número de clubes de lectores por habitante.

Con el acto de hoy se ha rendido tributo a su labor profesional y a una trayectoria personal comprometida con la lectura, la palabra y la cultura compartida, valores que han marcado la identidad de Guadalajara durante las últimas décadas.

Érase una vez un escritor que quería escribir cien cuentos. A su muerte, había publicado noventa y cinco, los que figuran en sus Cuentos reunidos (Alfaguara, 2024). Quién sabe cuántos se quedaron en el cajón o fueron a parar a la papelera; seguro que no pocos, por la exigencia que se imponía a sí mismo (en las fotografías de los manuscritos originales se ven numerosos tachones), pero, como lo que no se publica no existe, más o menos, al final el autor murió a solo cinco piezas de cumplir su objetivo. Ese narrador se llamaba Julio Ramón Ribeyro (Lima, 1929-1994) y es el cuentista más importante de Perú.

Y no solo en Perú destaca: no es exagerado decir que comparte el olimpo de los grandes nombres del boom, aunque ni antes ni después gozara de la popularidad de los Cortázar, García Márquez o Vargas Llosa, con los que por cierto él mismo, en su diario, se compara: a su lado, se siente acomplejado por no ser capaz de escribir lo que llama la “gran novela”, esa obra extensa y de alto voltaje que consagra para siempre a un autor, que por fuerza tenía que ser una novela, el género más apreciado. Los cuentos, como ahora, pasaban más desapercibidos, el público no les prestaba tanta atención.

Él lo intentó, publicó tres novelas –Crónica de San Gabriel (1960; Premio Nacional de Novela), Los geniecillos dominicales (1965) y Cambio de guardia (1976)–, pero donde mejor se desplegaba su genio era en la distancia corta. También en la no ficción, tanto en sus mencionados diarios, La tentación del fracaso (1992-1995), como en un singular volumen de textos entre el aforismo, el ensayo y el apunte personal, Prosas apátridas (1975), que complementa de algún modo el diario. En 2019, coincidiendo con el 90 aniversario de su nacimiento, Seix Barral los publicó en nuevas ediciones.

El tiempo y la mayor apertura a otros géneros han reevaluado la importancia de su obra; hoy, el hecho de carecer de una novela de amplio alcance no le resta méritos, porque su gran libro es el conjunto de sus narraciones breves, mil páginas de inventiva, denuncia social, humor, realismo, fantasía, existencialismo. Ribeyro no se encasilló en un género; se dedicó a experimentar, nutriéndose de influencias que van desde Edgar Allan Poe o Kafka a latinoamericanos contemporáneos como Borges, Cortázar, Onetti y Rulfo. En lo que sí se mantuvo fiel fue en su perspectiva de clase: siempre miró desde abajo, a los más desfavorecidos, y se servía de metáforas creativas para señalar la discriminación.

Casi cuarenta años de carrera desde que debutó con Los gallinazos sin plumas (1955), un libro de cuentos que se ha convertido en un clásico en Perú, hasta sus últimos textos, los Relatos santacrucinos (1992), que aparecieron ya dentro de la primera compilación de su narrativa. En total, 95 piezas (o 97, pero dos se consideran esbozos de novelas que no llegó a desarrollar), más la no ficción, las novelas y el teatro. Se quedó a solo cinco de ese número redondo con el que soñaba. Y cinco son, nada menos, las que encontró su biógrafo casi treinta años después, al trastear entre sus papeles de París.

Historia de un hallazgo

Este libro póstumo, Invitación al viaje (Alfaguara, 2024), los reúne por primera vez en el 30 aniversario de su muerte, acompañado de un prólogo de Santiago Gamboa que se lee casi como un relato del propio Ribeyro, sobre lo que le ocurrió cuando se conocieron en París. En esta ciudad, como tantos intelectuales y artistas de su tiempo, Ribeyro pasó buena parte de sus años dorados. Desde 1952, cuando abandonó el Perú para estudiar en Europa, hasta unos meses antes de su fallecimiento, cuando fijó su residencia en Lima, vivió a caballo entre dos culturas, una condición de apátrida que se refleja en su obra, de la que siempre aseguró que tenía una base autobiográfica, aunque no fuera explícita.

En los años sesenta, trabajó como periodista para la Agencia France Press y compartió piso con Mario Vargas Llosa y Alfredo Bryce Echenique. Los tres se admiraban entre ellos, aunque por aquel entonces el futuro premio Nobel ya sobresalía más. A él lo unió una amistad que tuvo sus altibajos por discrepancias políticas sobre Perú. Para muchos lectores, Ribeyro, su perspectiva, representa de manera más genuina la voz del pueblo; era un escritor disruptivo no solo por su narrativa nada complaciente ni por su carácter, poco amigo del exhibicionismo, sino por el compromiso ético que expresó con su obra.

Los cinco relatos inéditos se escribieron en París en los años setenta, la que se considera su etapa de madurez literaria. Su biógrafo oficial, Jorge Coaguila, los encontró mientras ordenaba sus papeles para otra investigación; pura serendipia. Después de todo, el autor sí que llegó a los cien, solo que, por alguna razón, cinco no vieron la luz en su día. Los libros póstumos suelen estar rodeados de recelo, con polémicas como las de Harper Lee o García Márquez, en las que se sospecha que no habrían autorizado que esos textos, sin duda inferiores a sus obras más apreciadas, llegaran a los lectores. No es, sin embargo, el caso de Ribeyro: estos cuentos fueron escritos en su plenitud. Si dudan léanlos.

Los cinco cuentos

Iniciación al viaje, el relato más extenso, narra la peripecia de dos muchachos que se escapan de casa con el propósito de vivir una aventura, de dar emoción a sus vidas anodinas. En realidad, ese deseo, que responde a un ideal engañoso, lo tiene más uno que el otro, y al final se queda solo en su salida. La narración recrea su descenso a los confines de la noche, que lo enmaraña en un mundo de sombras que no consigue desentrañar, del que se siente ajeno. “Lucho tuvo la certeza de tocar uno de esos límites nocturnos donde empieza lo irreal”, se dice, en un cuento perturbador que no tiene nada que envidiar a sus mejores creaciones.

La celada narra el regreso de un peruano a Lima después de haber estado en Europa, con el consiguiente extrañamiento del retornado que ya no se siente de ninguna parte, que ya no pisa la misma tierra de la que partió. Sus encuentros con una mujer a la que había conocido en París, ligados a un confuso juego de puertas, encarnan ese sentimiento de que ciertos acontecimientos solo son posibles en un momento y un lugar, y no pueden postergarse bajo el riesgo de perder su oportunidad para siempre, porque la vida es flujo, movimiento, transformación constante: “No había duda, era el mismo departamento, pero no la misma persona”.

Monerías adopta un revestimiento fantástico con humor absurdo para denunciar la colonización y el racismo. Un empresario peruano se dirige al presidente de la nación para exponerle su caso: ha invertido en unos monos, quería trasladarlos a Estados Unidos, pero le han denegado el acceso, se ha arruinado y, como le era imposible retener a los animales en las jaulas por más tiempo, estos han invadido la ciudad. Leído hoy, es imposible no relacionarlo con las políticas antinmigración de Donald Trump y con ciertas jaulas de las que no es tan sencillo fugarse.

Las laceraciones de Pierluca revive el espíritu de los bohemios afincados en París en la primera mitad del siglo XX que disfrutan de unas semanas de asueto en la playa de Cadaqués, en la Costa Brava. Entre ellos, el protagonista, Pierluca: “Quisiera encontrar algo raro, precioso. Pero todo se repite”. Un ambiente aletargado, de jornadas monótonas, con los proyectos de futuras exposiciones a la vista, que se trunca con un giro final, un tanto apresurado, que desencadena una catástrofe.

Por último, en Espíritus un grupo de intelectuales latinoamericanos reunidos en París organizan una sesión de espiritismo en la que, se supone, consiguen conectar con el abuelo de uno de ellos. Un cuento juguetón, con ese toque de misterio característico de Ribeyro, un autor hábil como pocos a la hora de imbuir la realidad de elementos que se escapan de lo tangible, a menudo con una nota de comicidad. Muchas de las escritoras latinoamericanas que hoy gozan de tanto éxito deben mucho de su imaginario a los caminos que abrieron escritores como él.

La lectura de los cinco cuentos de Invitación al viaje confirma que su recuperación no responde al oportunismo, sino que de veras completa el universo ribeyriano con unas composiciones en plena sintonía con sus mejores escritos que no desentonarían en el volumen de sus obras completas. Leer a Riberyo es sorprenderse, como se sorprende uno cada vez que posa los ojos sobre un gran libro: siempre inagotable, siempre con algo que decir. Entre sus entusiastas hay escritores como Enrique Vila-Matas, Juan José Millás o Sara Mesa (esta última lo describe como “el escritor de los mudos, de los marginados”). No es casualidad: los irreverentes se reconocen entre ellos.