Después de años de trabajo y 16 millones de euros de inversión, Europa abre las puertas de su primer parque temático dedicado a Naruto. El anime, uno de los más populares dentro y fuera de Japón, ha inspirado la nueva zona que acaba de inaugurarse en el Parc Spirou, un parque de atracciones ubicado en Monteux, muy cerca de Aviñón. 

En Konoha Land, nombre que le han puesto a esta parte del parque en honor a la aldea principal de la serie, encontramos dos montañas rusas inéditas: Kyūbi Unchained, inspirada en Kurama, el Zorro de Nueve Colas; y Rasengan Chakra Rotation, que con sus brazos giratorios intentará recrear el Rasengan, una de las técnicas que utiliza Naruto en la historia. 

Pero en la enorme área de 1,5 hectáreas que componen Konoha Land, los fans de Naruto también tendrán a su disposición diez estatuas de personajes a tamaño real, varios restaurantes donde probar comida típica japonesa y distintos escenarios emblemáticos que aparecen en la serie, como la puerta de Konoha, la Roca Hokage o la Mansión Hokage. 

“Lo que cuenta para nosotros es la inmersión. Hemos hecho todo lo posible para que los visitantes se sientan plenamente inmersos en la obra y sientan realmente la vitalidad de este universo. Lo mismo ocurre con la música. Está en las estatuas, las atracciones, la música e incluso la comida. Se puede descubrir el ramen y todo el menú del parque”, explica Nabil Allouache, responsable del Parc Spirou.

El parque francés abre del 4 de abril al 11 de noviembre de 2026 y, además de Naruto, tiene otras zonas dedicadas a personajes míticos como Marsupilami o Lucky Luke. Las entradas de esta temporada cuestan alrededor de los 41 euros para adultos y 36 euros para niños (menores de 11 años). 

La tendencia de los parques temáticos

Este tipo de espacios llevan años en expansión. En Estados Unidos, dominan los parques temáticos globales como Disney y Universal Studios, pero esta tendencia también está cogiendo fuerza en Europa. Lo demuestra, entre otros, el caso de Minecraft World, el parque temático inspirado en el popular videojuego que acaba de abrir a solo una hora del centro de Londres. 

Este se suma al caso reciente de Peppa Pig Park, en Günzburg, Alemania, que se estrenó en 2024. Los datos reflejan claramente un auge del sector. El tamaño del mercado mundial de parques temáticos se valoró en 60,75 mil millones de dólares en 2025 y se prevé que crezca de 66,25 mil millones en 2026 a 150,61 mil millones para 2034, según la consultora Fortune Business Insights.

El anime se encuentra en un gran momento. Si bien son las series las que gozan de mayor popularidad, hay películas que también triunfan entre los aficionados a este género. Este hecho lo ha confirmado el reestreno en cines de ‘Your Name’ por su décimo aniversario, que ha sido una de las películas más vistas del fin de semana, en cuarto lugar, con casi 400.000 euros recaudados.

‘Your Name’ sigue a dos chicos cuyas vidas se entrelazan cuando una mañana ambos se despiertan en el cuerpo del otro, a pesar de que su situación es muy diferente, pues mientras Taki es un chico de la capital, Tokio, y Mitsuha, vive en un entorno rural, en un pueblo. Todo ello debido a una tragedia sucedida, que se irá desvelando más adelante en la película.

El origen de la película ‘Your Name’

Dirigida por Makoto Shinkai, fue desarrollada a partir de varias ideas, basándose en la propia historia de Japón, pero también en un relato del Período Heian y que es un origen poco conocido de la película que se ha convertido en poco tiempo, diez años, en un clásico del cine anime.

Exactamente, Shinkai se basó en una de las historias que recoge el libro 'Torikaebaya Monogatari' del Período Heian, que va del 794 al 1185 respectivamente, de autor desconocido. En ella, se habla del intercambio de cuerpos y en su día causó rechazo porque lo consideraron algo desconcertante, pero ha ido influyendo obras posteriores, también siendo uno de los principales orígenes también de ‘Tenkousei’, un largometraje de 1982 en clave comedia en el que dos adolescentes intercambian sus cuerpos al caer por las escaleras.

Pero esta no fue la única influencia que usó Shinkai, que también se basó en la tragedia del terremoto de 2011, de 9 en la escala de Richter y que dejaría un total de 18.000 fallecidos al provocar también un tsunami posterior. El director puntualizó que le influyó también el hecho de que se dieran anteriores tragedias en el país, mencionadas desde textos antiguos.

Los protagonistas hacen un cameo en otra película

El final abierto y ligeramente feliz que deja ‘Your Name’ hizo pensar que se podría dar una continuación, y aunque no hay una secuela como tal, sí que tenemos otra película en la que aparecen los dos protagonistas. Se trata de otra del mismo director, ‘El tiempo contigo’, que se estrenó en 2019 y que también protagonizan dos jóvenes, Hodaka y Hina.

En ‘El tiempo contigo’, Mitsuha aparece como una dependienta, con aspecto similar a su versión adulta en el final de ‘Your Name’, y se confirma que es ella al mostrar su apellido en una tarjeta. Taki tiene un cameo mucho más complicado de detectar, pues aparece junto a su abuela, que es uno de los primeros clientes en la casa de los Tachibana.  

“¿Tiene su dibujo alguna influencia clara?”, le preguntó el entrevistador a Akira Toriyama en Daizenshū 6 (1995), el sexto volumen de una serie de enciclopedias oficiales japonesas dedicadas a Dragon Ball. El mangaka y diseñador japonés, que entonces ya era un icono global, lo tuvo claro. “Creo que son Walt Disney y Osamu Tezuka”, respondió entonces. 

Toriyama ponía sobre la mesa los nombres de dos de los máximos pioneros de la animación moderna. Uno consiguió sorprender con personajes como Mickey Mouse y películas como Blancanieves y los siete enanitos (1937), toda una revolución en la época. El otro se llevó el título de “Dios del manga” y hoy sigue siendo reconocido como padre del manga moderno. 

Pero el creador de Dragon Ball fue más allá, y en esa entrevista de mediados de los años 90, también reveló cuál fue la película que más le marcó en su vida. Hablamos del largometraje que lo inspiró para ponerse a dibujar cuando solo era un niño y sin el que, quién sabe, nunca habría creado personajes tan emblemáticos como Goku, Vegeta, Bulma o Piccolo. 

“Cuando era niño había una escuela para aprender a dibujar, se llamaba Zugaya San. Dibujaba con muchos niños de por ahí, nos divertíamos. Un día gané un premio dibujando a los 101 Dálmatas. Eso me encantó y por eso estoy aquí ahora”, confesó. La película de Disney llegó a cines en 1961, pero no fue hasta 1984 cuando el primer capítulo del manga de Dragon Ball se publicó. Toriyama tuvo tiempo de crear su universo.

Otras influencias de ‘Bola de dragón’

Los dálmatas no fueron la única creación de Disney que el mangaka tuvo en cuenta a la hora de crear su historia. También tomó como referencia Bibidi Babidi Bu, uno de los clásicos que suena en Cenicienta (1959), tema que incluso se llevó la nominación a Mejor canción en los Oscar de la época.

Muchos fans de Bola de dragón reconocerán que el título de esta canción infantil corresponde a los nombres de tres personajes del universo creado por Toriyama: el malvado mago Bibidi, su hijo Babidi, y la poderosa creación de Bibidi, Bu. Una referencia directa al hada madrina que transforma una calabaza en el carruaje que lleva a Cenicienta al baile.

Si nos concentramos en la parte narrativa, la historia que el ilustrador japonés creó para Dragon Ball se inspiró directamente en Viaje al Oeste, novela clásica china que narra la peregrinación del monje Tang Sanzang hacia la India para recuperar textos sagrados budistas. Este viaje lo hace acompañado de tres discípulos inmortales: Sun Wukong (el Rey Mono), Zhu Bajie (el cerdo) y Bonzo Sha (el ogro).

Para muchos niños nacidos entre los 80, 90 e incluso principios de los 2000, ‘Dragon Ball’ ha supuesto más que una serie de anime, sino todo un fenómeno cultural que marcó su infancia e identidad, y que en España llegó de la mano de las cadenas televisivas autonómicas, donde primero se vio esta ficción que sigue a Goku y los guerreros Z.

Así, muchos niños han crecido con ‘Bola de Dragón’ o ‘Bola de Drac’ dependiendo de donde la vieron, ya fuera en la televisión andaluza, gallega, catalana o valenciana. Sin embargo, todo esto pasará a ser historia porque la productora de la serie, Toei Animation, ya no permite las traducciones del título del anime.

Es un hecho que ha desvelado el doblador de Goku en catalán, Marc Zanni en una entrevista en el podcast VozCast. “Se hizo una presentación por todo lo alto en el teatro Victoria, en Barcelona, y en rétulos ponía; 'Dragon Ball', y yo me quedé un poco alucinado, porque si es para TV3, ¿por qué no se podía poner 'Bola de Drac'?”, comentó.

Un hecho que se debe a que Toei Animation ha prohibido explícitamente la traducción del título no solo en España, sino en todo el mundo con el objetivo de unificar la franquicia desde Japón para que todos los aficionados se refieran a la ficción de la misma manera.

Los openings traducidos tampoco se pueden traducir

Una decisión que no solo afecta al título de ‘Dragon Ball’, sino que también lo hace a los openings, que ya no tendrán canciones dobladas, aunque este hecho todavía no se aplica en Estados Unidos, donde todavía se realizan episodios con la versión de los créditos de entrada en inglés. Lo que sí que todavía está permitido es el doblaje, que seguirá pudiendo entretener a niños y adultos de todo el mundo.

A pesar de todo esto, los títulos de ‘Bola de Drac’ o ‘Bola de Dragón’ se pueden ver todavía en algunos productos de merchandising, pero ya no se hará referencia a ella en el anime. Este tiene planes de futuro con un remake de ‘Dragon Ball Super’ y la llegada al streaming de ‘Dragon Ball Super: The Galatic Patrol’, este último sin fecha de estreno, pero con el primero esperandose en otoño de 2026 en la televisión japonesa.

Una serie icónica de la televisión autonómica en España

Canal Sur fue la primera cadena televisiva que decidió apostar por la serie anime emitiéndose por primera vez en 1989, aunque no tuvo el éxito esperado y tras 18 capítulos fue retirada. Sin embargo, con la llegada a las televisiones de Galicia (TVG), Euskadi (EiTB) y Catalunya (TV3) en febrero de 1990 se convirtió en un fenómeno cultural.

Un año después, en 1991, Canal Sur recuperó la serie y se estrenó también en Canal 9. En la cadena televisiva valenciana fue todo un fenómeno social con audiencias del 50 % de share dentro del club ‘A la Babalà’, pero fue la única que no cedió los audios de su doblaje a las ediciones de VHS y DVD.

La efeméride apunta a una década completa, pero no es exactamente así como lo vivimos en España. Your Name. llegó a los cines japoneses en el verano de 2016 y para cuando pudimos verla en nuestro país (bien avanzado el año siguiente) ya tenía a sus espaldas un provechoso recorrido internacional. Los titulares lo proclamaban con estruendo: este largometraje de Makoto Shinkai había desbancado a El viaje de Chihiro como la producción anime más taquillera de todos los tiempos. Your Name. terminaría su andadura con unos 405 millones de dólares, todo un récord en su día que Selecta Visión, su distribuidora, se propone festejar con el reestreno correspondiente.

Your Name. vuelve a cines españoles a partir del 20 de marzo. Y mueve a echar la vista atrás, a las promesas que el paso originario de la película por cines de todo el mundo parecía conjurar. El que Your Name. hubiera logrado destronar a El viaje de Chihiro implicaba grandes cosas. Por ejemplo, que ya no tenías que llamarte Hayao Miyazaki ni venir abanderado por el prestigioso Studio Ghibli para llamar la atención de un público masivo que trascendiera fronteras. En 2001, 15 años antes, El viaje de Chihiro había arrasado con las mejores expectativas de un modelo que —tras el reseñable triunfo de La princesa Mononoke, de los mismos artífices, en el 97— apuntaba a tocar techo. Con un Oso de Oro en Berlín y un Oscar a Mejor película animada de propina.

Sin embargo, la narrativa que lideraba el éxito de Your Name. era de lo más suculenta por cuanto surgía mientras la marca Ghibli andaba disolviéndose. Miyazaki e Isao Takahata, principales cineastas de la factoría, se habían despedido con El viento se levanta y El cuento de la princesa Kaguya (ambas estrenadas en 2013), así que Ghibli estaba inmerso en un angustioso dilema por la sucesión al que Shinkai habría respondido con el estruendoso éxito de su cuarto largometraje. Uno que le confirmaba como sucesor natural del sello Ghibli entre otras posibles alternativas que habían surgido dentro del medio en años previos. Mamoru Hosoda y Masaaki Yuasa, fundamentalmente.

A diez años de Your Name., entonces, cabe preguntarse en qué quedó todo. Si Shinkai, siguiendo los pasos del legendario Miyazaki, pudo impulsar un anime de autor con capacidad de arrasar en cines de todo el mundo… o todo se quedó en flor de un día. Diez años después el japonés ha estrenado dos películas posteriores a Your Name. —El tiempo contigo (2019) y Suzume (2022)— culminando la llamada “Trilogía del Desastre”... pero no ha ocurrido mucho más. Antonio Rivera, investigador especializado en cultura popular japonesa, responde con total seguridad al interrogante de si llegó a consolidarse un anime de autor gracias a Your Name. “Definitivamente no”.

Lo que pudo ser y no fue

“Mi sensación es que Your Name. es el último gran taquillazo de anime de autor”, sostiene Rivera. Lo que había postulado Shinkai —en paralelo a los citados Hosoda y Yuasa y sin tanta lejanía con Miyazaki y Takahata, que habrían acaparado la impronta Ghibli— era la posibilidad de un anime de gran presupuesto capaz de ser identificado con un nombre propio que no perteneciera ni a una empresa ni a una franquicia multimedia. “Cuando Ghibli estrenaba películas periódicamente la tendencia iba encabezada por Miyazaki y compañía junto a algunas propiedades intelectuales, pero a partir de Your Name. los animes más taquilleros de cada año pertenecen a grandes sagas”.

No le falta razón. Hubo algún éxito entre medias —como los 192 millones que recaudó El tiempo contigo de Shinkai—, pero llegado 2020 todo cambió. La imagen que nos entregó la pandemia sobre el estado de salud del medio fue que, mientras Earwig y la bruja hundía en el fango el sello de Ghibli —con Goro Miyazaki, hijo del titán, abochornando a todo el mundo con una pobrísima animación 3D—, Guardianes de la noche: El tren infinito se convertía en la nueva película de animación japonesa más taquillera de la historia. Your Name. y El viaje de Chihiro fueron superadas por algo no muy distinto de una OVA: esos largos de “Original Video Animation” que antes complementaban el argumento de las series de anime, y ahora llevaban a la gente a los cines.

Pese a ser parte integral de una serie y lidiar con aforos limitados por el coronavirus, El tren infinito recaudó 486 millones de dólares. Y cuatro años después la cosa fue a más, con Guardianes de la noche: La fortaleza infinita convirtiéndose en el nuevo largometraje de anime más taquillero de todos los tiempos con 741 millones, reclamando su sitio en el top 10 mundial de 2025. Un ránking que, además, estaba encabezado por una producción china, Ne Zha 2, constatando a marchas forzadas un cambio decisivo dentro del mercado de los imaginarios globales. 

Un cambio que, sin duda, apela a Japón. Pero lo hace como industria cultural monolítica: algo perfectamente consumible y accesible desde un catálogo (que identificaríamos como Crunchyroll u otras plataformas de streaming) de opciones variopintas para conversos. “Ni siquiera hablamos de películas que surjan de franquicias, sino de obras que complementan series y no puedes ver sin estar al día de todo lo que ha venido antes”. Aparte de Guardianes de la noche, Rivera cita Jujutsu Kaisen o Chainsaw Man: todas franquicias multimedia que estrenan periódicamente sus películas y atraen mucha más gente a las salas que los pequeños estertores del anime autoral.

Porque los ha seguido habiendo, claro. Eventos como el regreso de Miyazaki con El chico y la garza en 2023, o nuevas películas de Hosoda —si bien Belle no funcionó mal, la Scarlet que estrenó hace poco en España ha pasado sin pena ni gloria— junto al propio Shinkai. Suzume, en 2022, culminaba el proyecto artístico de Your Name., y lo hizo en unas circunstancias tan excepcionales que venían a darle una legitimidad especial a la trilogía. Aceptando que no fue vanguardia de nada, sigue siendo interesante acudir a Your Name. por cómo dialogó con su época inmediata. Y más allá.

La nueva normalidad

“El cine de Shinkai habla de la asimilación psíquica, a un nivel más o menos colectivo, de los desastres. Y sobre todo de una especie de desastre convertido en paradigma”. La idea de Your Name. de que dos jóvenes intercambien los cuerpos tenía una holgada herencia occidental —la secuela de Ponte en mi lugar con Lindsay Lohan llegó el pasado verano, a fin de cuentas—, pero lo auténticamente decisivo era cómo sus destinos se entrelazaban alrededor de la inminencia de la destrucción de Itomori, pueblo natal de Mitsuha, por culpa de la caída de un cometa.

La Trilogía del Desastre que completan El tiempo contigo y Suzume está llena de potenciales catástrofes para enmarcar los romances juveniles que suelen obsesionar al cineasta. Y son catástrofes de inspiración obvia: el triple cataclismo que sufrió Japón en 2011, con el terremoto y el tsunami que condujeron a la explosión de Fukushima. Lo que ha hecho Shinkai desde entonces es escarbar en el trauma de la sociedad japonesa por lo ocurrido. “Más que de desastres concretos, indaga en la idea de que ‘vivimos en el desastre’. Y que no queda otra que convivir con él”.

El tiempo le daría la razón a Shinkai cuando, en 2020, estallara la crisis pandémica, y la experiencia vivida entonces le ayudara poco después a desarrollar Suzume. Algo que, por otra parte, no terminaría de suponer un punto de inflexión en la animación japonesa. La convivencia con el desastre se remonta dentro del anime a 1988, cuando se estrenaron dos clásicos del calibre de Akira y Mi vecino Totoro. Rivera apunta que ambos films, respectivamente, “representan el modo apocalíptico y el modo elegíaco”. La urgencia por sobrevivir en medio de la destrucción, compartimentada por una serenidad que se abre paso con sorprendente celeridad.

Rivera apunta que, desde fines de los 80, ha sido recurrente toparse con escenarios así en el medio (caso de Neon Genesis Evangelion), sin que por ello se desdibuje la lucidez de Shinkai. “El cine de Shinkai es la síntesis del modo apocalíptico y el modo elegíaco. Todas sus películas son Akira + Mi vecino Totoro”. ¿Y qué surge de esta combinación? Pues, desde luego, una estructura de sentimiento que Your Name. ha sabido abanderar mejor que la fallida consolidación de un anime de autor. Entre el covid, el ascenso de los nuevos fascismos y la inestabilidad geopolítica —todo acompañado del cambio climático—, resulta más fácil que nunca conectar con las ficciones de Shinkai.

Sobre todo por el extraño consuelo que facilitan. “Shinkai termina articulando una nostalgia por lo que se pierde tras esos desastres, pero no desde la exhortación a ‘volver atrás’ sino desde la asunción de haber perdido algo, un pasado inalcanzable que ya no existe. Simplemente hay que hacer las paces con esa pérdida”. Shinkai abrazaría así una sensibilidad que nos remite a Yasujiro Ozu, cuyo cine fue registrando los cambios nacionales —del campo a la ciudad, de la posguerra a la posmodernidad capitalista— sin hacer otra cosa que enarbolar un rictus melancólico ante ellos.

“Toca aceptar los ciclos autodestructivos del capitalismo y del sistema Tierra. Toca encontrar formas de vivir en esta nueva normalidad que quizá implique la muerte de toda una cultura… pero es lo que hay”. Itomori, al final de Your Name., sucumbe a la destrucción. No obstante el providencial intercambio de cuerpos de los protagonistas contribuye a una evacuación exitosa, y años después Taki, el protagonista masculino, se pregunta si no debería trabajar como arquitecto para prevenir nuevas catástrofes. Con esa tibia llamada a la resiliencia concluía Your Name. Y, de forma simultánea, buscaba prepararnos para lo que estaba por venir. 

“Nuestro expresidente y director ejecutivo, Tsutomu Shibayama, falleció el 6 de marzo de 2026 a causa de un cáncer de pulmón. Tenía 84 años”, ha compartido el estudio de animación japonés Ajia-do Animation Works. En el obituario, la compañía recordó uno de los mayores logros del director japonés: dirigir la saga Doraemon durante más de 20 años.

Aunque Shibayama anteriormente ya había trabajado como director de animación en series como Dokonjo Gaeru y Ganso Tensai Bakabon, fue su trabajo sobre el gato cósmico y sus amigos el que lo consolidó como un referente en el mundo del anime. Trabajó como director jefe de la serie desde 1984 hasta 2005 y dirigió 22 largometrajes basados en la franquicia.

Basada en el manga escrito e ilustrado por Fujiko F. Fujio, la serie de Doraemon se distribuyó fuera de Japón a partir de 1982, siendo Hong Kong, Taiwán e Italia los primeros países en emitirla. El anime también llegó a España, donde se ha retransmitido casi ininterrumpidamente en las televisiones autonómicas desde entonces, pasando por varios canales abiertos y de pago hasta llegar a Boing en 2011. 

Entre las obras más destacadas de Shibayama encontramos Doraemon: Odisea en el espacio, película de 1999 que sigue a Doraemon y sus amigos en una guerra interestelar en la que un ejército intenta apoderarse de la Tierra, o Doraemon y los dioses del viento (2003), en el que el grupo viaja al “Valle del Viento” para proteger a Fuuko, una pequeña y mágica dragona.

Una comedia romántica y un grupo de ninjas

Sin embargo, más allá de Doraemon, Tsutomu Shibayama dejó su sello en otras producciones audiovisuales un poco menos conocidas pero que también merece la pena tener en cuenta. Hoy recordamos dos de estas series clásicas que también marcaron la infancia de varias generaciones tanto dentro como fuera de Japón.

Ranma Saotome es un chico sufre una peculiar maldición desde que cayó en un estanque maldito durante un entrenamiento de artes marciales en China. Desde aquel día, cuando se moja con agua fría se convierte en una chica pelirroja y no es hasta que entra en contacto con agua caliente cuando vuelve a ser un chico. Esta es la sinopsis de Ranma 1/2, popular anime de comedia romántica en cuya primera temporada Shibayama trabajó como director.

El japonés también fue director de Nintama Rantaro, serie que sigue las aventuras de Rantaro, Kirimaru y Shinbei, tres jóvenes torpes y aprendices de una escuela de ninjas en Japón que se enfrentan a todo tipo de situaciones disparatadas. Emitido desde 1993 hasta la actualidad, el anime tiene más de 2500 episodios.

Desde el estreno el pasado 10 de marzo de su segunda temporada, la serie live-action de ‘One Piece’ se ha convertido en lo más visto de la plataforma Netflix, lo que evidencia las buenas sensaciones entre los aficionados al anime y espectadores, que siguen las aventuras de Monkey D. Luffy y sus amigos.

‘One Piece’ fue una serie creada por Eiichiro Oda en 1997 a través de una serie en la revista Weekly Shonen Jump que creó basándose en su afición a las historias de piratas, en parte gracias a la serie de dibujos animados de ‘Vickie, el Vikingo’. Una narración que tenía su origen en ‘Romance Dawn’, que sentó las bases de lo que sería la aventura de Luffy.

Sin embargo, fue la serie anime de televisión de 1999 la que dio popularidad a los personajes creados por Oda y que quedaron en la infancia y cultura popular para muchos, y que ahora convive con la serie de la plataforma digital.

Uno de los retos del live-action era que los actores fueran capaces de mantener la esencia de los personajes de anime, algo nada sencillo, sobre todo con algunos tan icónicos como los de ‘One Piece’, y un detalle que ayudó fue el hecho de que su creador había dado clara nacionalidad a cada uno de ellos.

De dónde procede cada personaje de ‘One Piece’

Habitualmente, en los volúmenes impresos de ‘One Piece’ aparece una sección que se conoce como SBS, derivado de palabras como ‘Shitsumon’ o ‘Boshuu Suru’ que hacen referencia a un estilo “respondo a tus preguntas”, como un Q&A de los lectores y aficionados al propio escritor de la serie. En el volumen 56 es el que nos da una información valiosa para conocer la nacionalidad y el origen de cada uno de los personajes del anime trasladándolos al mundo real. Así, Eiichiro Oda fue claro sobre lo que tenía en mente como lugar de nacimiento para cada uno, siendo en algunos más concreto, en otros menos.

Por ejemplo, con el protagonista, Monkey D. Luffy, Oda siempre lo situó en Latinoamérica, concretamente en Brasil, un detalle que combina perfectamente con el actor mexicano Iñaki Godoy, que lo interpreta en el live-action de Netflix. En otras situaciones, como en la de Usopp, Eiichiro Oda la referencia que da es un continente entero, al escribir “Africa” como lugar de origen del personaje, que en el live-action es interpretado por Jacob Gibson, de Jamaica.

El más claro y que en la serie de Netflix coincide plenamente es Zoro, con su mítico pelo verde, que es originario de Japón, al igual que su actor, Mackenyu. En el caso de Sanji, por ejemplo, sí que cumple el hecho de ser europeo, pero no en el país, pues mientras Oda lo imaginó francés, el actor Taz Skylar es español, de islas Canarias, con ascendencia británica.

Uno de los personajes principales que tiene origen diferente en el comic respecto a la serie de live action es Nami, que mientras su creador la vio de Suecia, Emily Rudd, quien le da vida, es proveniente de Estados Unidos. Otros orígenes que también fueron desvelados es que Robin proviene de Rusia, Franky de Estados Unidos, Chopper de Canadá o Brook de Austria. Algunos de ellos debutan precisamente en esta segunda temporada.

Pinturas, joyas, esculturas… Christie’s, una de las casas de subastas más prestigiosas y antiguas del mundo, está acostumbrada a vender todo este tipo de objetos de gran valor, pero el mundo está cambiando. Hoy salen a subasta incluso cartas de Pokémon; la última que alcanzó el récord consiguió venderse por 16.492.000 dólares (unos 14 millones de euros). 

Este mes, la casa originaria de Inglaterra saca a la venta una curiosa colección dedicada a obras de arte de anime, manga y tradición japonesa. La subasta, titulada ‘El anime empieza aquí: La subcultura japonesa imagina la tradición’, es la primera celebrada en Nueva York dedicada a este tipo de arte, y estará disponible a partir del 18 de marzo.

La subasta en línea “explora el diálogo visual entre el patrimonio artístico clásico de Japón y los movimientos subculturales que han dado forma a la cultura global contemporánea”, según explica Christie’s en la página web dedicada a la colección. La venta coincidirá con la celebración de la Semana del Arte Asiático en la ciudad estadounidense, que prevé otras exposiciones específicas.

Qué objetos se pondrán a la venta

La subasta presentará más de 40 lotes e incluirá todo tipo de productos asociados al arte popular japonés. Entre ellos, destacan pósteres originales de las películas Nausicaä del Valle del Viento (1984) y Mi vecino Totoro (1988), de Hayao Miyazaki y Studio Ghibli; o una lámina original de La gran ola de Hokusai, cuyo precio se espera que alcance los 60.000 dólares.

La subasta también incluye un póster vintage de Godzilla (1954), que podría venderse por hasta 30.000 dólares, y otro de Akira (1988), valorado entre 600 y 800 dólares. Asimismo, se venderán obras de Yoshitomo Nara, uno de los artistas japoneses más reconocidos de su generación. Uno de sus dibujos podría alcanzar cifras de entre 80.000 y 120.000 dólares. 

“Hoy en día, la gente ve el manga y el anime como arte serio, no solo entretenimiento. Incluso en Japón nunca fueron solo para niños. Desde el principio, estos reflejaron el estado de ánimo de la sociedad”, explicó Takaaki Murakami, especialista del departamento de arte asiático de Christie's, a Observer con motivo de la subasta en Nueva York.

En sus declaraciones con el medio estadounidense, Murakami apuntó que lo más probable es que, en esta ocasión, los pujadores sean más jóvenes que en otras subastas. “Crecieron con el manga y el anime y ahora están empezando a coleccionar más en serio”, señaló. Y añadió: “La reciente venta de la tarjeta ilustrada de Pikachu, por ejemplo, ayudó a visibilizar la categoría”.

Las grandes aventuras por entregas suelen ganar seguidores cuando logran mantener durante años un mundo enorme, personajes que evolucionan y un objetivo final que nunca se explica del todo. One Piece ocupa ese lugar dentro del manga mundial porque ha construido durante décadas un océano de historias de piratas, humor, batallas y viajes que millones de lectores siguen capítulo a capítulo.

El reconocimiento no se apoya solo en su extensión o en su popularidad, también en la forma en que la obra levanta preguntas que permanecen abiertas durante años. Entre todas ellas destaca una que mantiene el viaje de sus protagonistas desde el primer momento. Nadie sabe con certeza qué es realmente el tesoro llamado One Piece, y ese interrogante mantiene la historia en marcha.

Eiichiro Oda escribió la solución al enigma y la hundió en el fondo marino dentro de una cápsula sellada

Eiichiro Oda, el creador, escribió la respuesta definitiva a ese enigma y decidió guardarla en un lugar donde nadie pueda alcanzarla. El autor dejó parte del secreto dentro de un cofre que fue sellado en una esfera de vidrio preparada para resistir presión marina y que terminó en el fondo del océano. El objeto quedó a unos 651 metros bajo la superficie, donde permanecerá hasta que el relato llegue a su desenlace. Un video del proyecto explica que la verdad quedará allí hasta que toda la historia haya sido contada y afirma que “el tesoro One Piece sí existe”.

El propio proceso quedó documentado con bastante detalle. El 8 de febrero, en su estudio de trabajo, Oda escribió en una hoja el contenido del misterio y después rompió el papel en dos partes. Una de esas mitades se guardó dentro de un cofre pequeño, mientras que la otra se mantuvo fuera del recipiente.

Días después el cofre se colocó dentro de una esfera de vidrio diseñada para soportar presión, y la pieza fue transportada en barco mar adentro. Cuando la embarcación alcanzó el punto elegido, la esfera se dejó caer hasta que terminó reposando en el fondo del mar tras cerca de una hora y media de descenso.

Ese gesto se presentó dentro de un video publicado para celebrar la enorme difusión del manga. La grabación recuerda que la obra ha superado los 600 millones de copias en circulación en todo el mundo y también repite una afirmación que el propio Oda había hecho antes. El creador aseguró desde el principio que sabía exactamente qué sería el One Piece, incluso cuando la serie empezó a publicarse en 1997. El documento que quedó en el mar sería la primera vez que esa respuesta se ha escrito físicamente en un papel.

Varios aficionados analizaron las imágenes y situaron la caída en la Bahía de Suruga

El video generó otra consecuencia que, de alguna manera, se podía pronosticar. Algunos seguidores comenzaron a analizar cada detalle de las imágenes con la intención de averiguar el lugar donde cayó la cápsula.

Un usuario citado por unonumero_56 expuso que “no hay tierra visible desde el punto de caída al mirar hacia el suroeste”. Ese análisis añade que el fondo marino mostrado parece formado por sedimentos muy finos y planos, una característica asociada a zonas con corrientes débiles. Con esas pistas, varios aficionados concluyeron que el punto más probable estaría en la Bahía de Suruga, en Shizuoka, cerca de Tokio.

La hipótesis se apoya también en otros detalles observados en la grabación. El barco, la tripulación y el entorno marino sugieren para algunos seguidores que la operación se realizó en aguas japonesas. Además, la zona propuesta está relativamente cerca del lugar donde vive el autor. El mismo análisis añade que “es una ubicación que está cerca del hogar de Oda y se adapta a todas las pistas”. Incluso con esas conjeturas, nadie sabe si el metraje muestra la ubicación real o si algunos elementos han sido modificados.

La historia nació con la promesa de un gran botín lanzada por Gol D. Roger antes de morir

La pregunta sobre el tesoro no es un detalle secundario dentro del relato. En la historia, el rey de los piratas Gol D. Roger anunció antes de morir que había escondido el mayor botín del mundo. Esa declaración provocó una carrera entre piratas para encontrarlo.

Monkey D. Luffy y su tripulación, los Sombrero de Paja, navegan por la ruta conocida como Grand Line con la esperanza de descubrirlo algún día. Sin embargo, el viaje suele detenerse en conflictos políticos, guerras locales y búsquedas personales de redención que se cruzan en su camino.

Ese recorrido prolongado alimentó durante años varias teorías entre los seguidores. Algunos creían que el tesoro podría no existir o que la recompensa final sería solo un mensaje simbólico sobre la amistad entre los personajes. Por eso Oda decidió dejar la respuesta por escrito y enviarla al fondo del mar, como una forma de zanjar el debate. El vídeo remacha esa intención garantizando que el tesoro existe de verdad.

Mientras tanto, la obra continúa creciendo. El manga supera los 1.175 capítulos publicados y la adaptación animada ha emitido más de 1.155 episodios hasta comienzos de marzo. La historia también cuenta con una versión producida por Netflix con actores de carne y hueso. A pesar de esa enorme extensión, todavía no existe una fecha oficial para el final de la serie, lo que significa que el cofre con la respuesta seguirá descansando en el fondo del océano durante bastante tiempo.

Lo que empezó como una historia sobre la supervivencia de la humanidad y la lucha contra los titanes se transformó, a lo largo de cuatro temporadas, en una de las obras más alabadas del anime moderno por su alto contenido de crítica política. La acción y la violencia están más que presentes en Shingeki no Kyojin ('Ataque a los titanes'), pero esta serie tiene un trasfondo mucho más profundo. 

La primera temporada de la adaptación del manga de Hajime Isayama se estrenó en 2013 y no fue hasta una década después que esta llegó a su fin. A lo largo de la serie (y las películas que salieron después para cerrar la historia), seguimos a Eren y sus amigos, los cuales viven en una sociedad recluida tras enormes murallas para protegerse de unos seres gigantes y potencialmente peligrosos llamados titanes.

En un primer momento, el objetivo de estos personajes es defender a su pueblo de estos monstruos que se alimentan de humanos, pero conforme avanza la historia el espectador descubre que hay mucho más. ¿Cuál es el origen de estos titanes? ¿Qué se esconde más allá de las murallas que estos personajes han conocido a lo largo de su vida? 

Más allá de los titanes

Los titanes no llegan a pasar a un segundo plano, pero sí que se transforman a lo de la serie en un engranaje más de todo el sistema que rige el mundo en el que Eren y sus amigos han crecido. Dejan de ser solo una amenaza externa para convertirse en una herramienta ligada al poder, la guerra y la manipulación política que sostiene ese orden.

De esta manera, Ataque a los titanes expone cómo gobiernos e instituciones manipulan la información y construyen narrativas para justificar sus políticas de guerra y control social. Por ejemplo, las versiones sobre quiénes son “los malos” y “las víctimas” cambian radicalmente según el lugar en el que estas se defienden y se reproducen. 

“La serie comienza con los titanes, que representan fuerzas imparables e impredecibles a las que los protagonistas deben sobrevivir. Pero termina con la tesis central de que la guerra y la mayoría de las cosas que pueden matar a los humanos son creaciones humanas. También muestra cómo la retórica extremista y las ideas que deshumanizan a las personas pueden conducir a resultados terribles”, señalaba Mitchell Chapman, columnista de InReview, en una reseña sobre el anime. 

Los episodios de Ataque a los titanes están disponibles en diferentes plataformas de streaming como Netflix, Prime Video y Crunchyroll. En total, el anime cuenta con 94 episodios y varios OVAs, que son capítulos especiales que amplían la historia. 

El anime está de moda y el éxito de Chainsaw Man – La Película: El arco de Reze solo es la última muestra de ello. La película de animación ha superado las expectativas con su estreno en cines fuera de Japón, Corea del Sur y otros países de Asia. En Estados Unidos, el largometraje ha debutado en el número uno de la taquilla, alcanzando los 17,2 millones de dólares. 

La película de animación ocupa el primer puesto de las más vistas en los cines estadounidenses, superando así a títulos como A pesar de ti, el nuevo romance basado en el best-seller de Colleen Hoover; Black Phone 2, la nueva de terror sobrenatural; y Springsteen: Deliver Me From Nowhere, el biopic musical protagonizado por Jeremy Allen White. En total, la cinta ya supera los 108 millones de dólares a nivel mundial.

Chainsaw Man es un manga japonés creado por Tatsuki Fujimoto que destaca por la brutalidad de su narrativa, combinando la violencia explícita con el humor negro. En 2022, el manga se convirtió en anime con el estreno de una primera temporada basada en la historia de fantasía y terror creada por Fujimoto. Tres años más tarde, su historia se ha adaptado a la gran pantalla, aunque llegar hasta aquí no ha sido un camino de rosas.

Del anime a la película

Mappa fue el estudio de animación japonés que se encargó del desarrollo de los episodios de la primera temporada del anime. En un primer momento, pensaron que la apuesta era segura: el manga tenía millones de fans y la serie de animación podía ser un éxito rotundo. Así que el estudio decidió encargarse del 100% de la producción, el marketing y el merchandising de la serie. Sin embargo, los resultados no fueron los esperados. 

Manabu Otsuka, el CEO de Mappa, quedó decepcionado por la rentabilidad de la primera temporada porque apenas vendieron formatos físicos de la serie, una de las principales fuentes de ingresos para los estudios de animación. “En términos financieros, definitivamente podemos decir que ha sido un éxito rotundo. Sin embargo, cuando se trata de conseguir el mismo nivel de impacto que nuestro trabajo reciente con Jujutsu Kaisen, todavía no estamos satisfechos por completo”, señaló entonces.

Sin embargo, el arco de Reze, uno de los más populares del manga, lo ha cambiado todo. Su éxito en cines parece despejar las dudas sobre la continuación del anime, que probablemente seguirá desarrollándose en una segunda temporada. 

El manga de Chainsaw Man sigue la historia de Denji, un joven que trabaja como cazador de demonios para pagar las deudas que heredó de su padre. Su única compañía es Pochita, un pequeño demonio con forma de perro y una motosierra en la cabeza. Tras ser traicionado y asesinado, Denji se fusiona con Pochita y renace como Chainsaw Man, un híbrido humano-demonio. Por su parte, la película recién estrenada se centra en el personaje de Reze, una misteriosa chica que parece interesarse románticamente por Denji, pero que esconde un secreto relacionado con los demonios.

Amaia se pregunta en Yamaguchi (2022) si, como ella, las niñas de Japón también lloran a su primer amor. Les separan dos océanos y 16.000 kilómetros de distancia, pero la artista española canta a un vínculo entre la prefectura nipona y su Pamplona natal, que ha dado su nombre a un famoso parque en la ciudad. En realidad, la cultura japonesa lleva años arraigando en España y otros países europeos pese a las abismales diferencias lingüísticas o sociales. La apuesta por el anime en televisiones autonómicas como TV3, EITB, TVG o Canal Sur y el auge de las traducciones de mangas clásicos en los ochenta o noventa popularizaron el mundo otaku en buena parte de Europa. Y en los próximos días, Madrid volverá a acoger una de sus citas más esperadas del año.

Noelia, que no se pierde una Japan Weekend, este año irá como “reportera” y no como artista. Se trata de una de las mayores ferias en toda España dedicadas a la cultura japonesa, el manga y el anime o los videojuegos; así que atrae a un sinfín de aficionados que pasan el día entre puestos de ramen, cosplays, caracterizaciones o tiendas de camisetas con estampados de sus series favoritas. Como no superó el casting para tener estand propio, ha decidido darle una vuelta de tuerca a la situación: documentará el día de quienes sí lograron su expositor.

Ella es diseñadora gráfica e ilustradora; hace años que vende láminas o merchandising en eventos frikis por toda España. Conoce “la Japan” desde que se hacía en el Palacio de Cristal en Casa de Campo y entrar apenas costaba seis euros. Ahora, cada día son entre 20 y 40. “Nosotros somos minoristas, así que la subida de precios ha sido un duro golpe para muchos”, admite Noelia, que cree que “buena parte del dinero que pagas de diferencia se invertía antes en comprar cinco o seis prints [láminas] en la zona de artistas”. Pero el evento cada vez atrae a más gente.

En la última década, todo lo relacionado con el manga o el anime ha pasado de ser un asunto de nicho a estar en las televisiones o entre grandes plataformas como Netflix, que ya emiten clásicos como Naruto, Monster o Berserk. España es cada vez más otaku –amantes de la cultura japonesa– y eso sitúa a los festivales manga como la Japan Weeked en el punto de mira de muchos artesanos, que encuentran en ellas una oportunidad para exponer sus obras y vender stock con temática de anime.

La contrapartida de todo esto, no obstante, es que los artistas lo tienen más difícil que ayer para conseguir tener un expositor en el recinto. Desde hace años, la Japan Weekend de Madrid (el festival se reproduce en otras ciudades como Valencia o Bilbao) se celebra en Ifema, un espacio seleccionado con el boom nipón ya que permitía albergar a más personas. En la última edición de febrero se rozaron los 170.000 asistentes. Sin embargo, la demanda por un hueco en la mejor zona de venta no para de crecer.

“Se forma una Tercera Guerra Mundial solo para entrar lo más rápido posible”, confiesa Raquel, otra joven de Huelva que vive en Aluche y se gana la vida como artista en este u otros eventos. Para la próxima Japan Weekend ha conseguido tener un puesto en la zona de más visibilidad, por la que ha tenido que adelantar 375 euros, 100 de ellos en concepto de seguro por la tienda. Si todo va bien, esta última cantidad se reembolsa después del fin de semana. Para exponer en mesas grandes como ella y disponer de más espacio para tus productos hace falta pasar un filtro de calidad, cuyos requisitos decide la propia organización, a cargo de la empresa Jointos Enternainment S.L.

Como la Japan Weekend de Madrid es uno de los principales eventos del mundillo, Raquel calcula que en cada edición pueden aplicar entre 1.000 y 2.000 aspirantes. No todos acaban teniendo el mismo espacio: la mayoría solo pueden entrar si son los primeros en rellenar un formulario de Google que, un día y a una hora concreta, publica el festival en sus redes y página web. “Si tardas 60 segundos más, estás fuera”, sentencia esta ilustradora, que narra cómo muchos pierden la plaza si se les cae Internet en el momento justo o han salido de viaje para esas fechas.

Sara, otra de las artistas gráficas que han logrado plaza después de rellenar un formulario de acceso y presentar un porfolio con sus trabajos más destacados, también ultima estos días el material de venta. No es la primera vez que logra entrar ni la única feria manga a la que asiste como artesana, pero reconoce la ventaja de vivir en Madrid a la hora de ahorrar gastos de desplazamiento, manutención o alojamiento en una ciudada al alza como la capital. “Al final, la Japan Weekend de Madrid o el Salón Manga de Barcelona son los grandes eventos para muchos fans de esta cultura y es donde más asistencia prevés, por lo que la gente que traiga sus trabajos desde otras comunidades suma un gasto extra del que otros, por ahora, podemos prescindir”, detalla.

Cuando empezó a ir como visitante, siendo más pequeña, casi todo lo que se vendía eran fanzines y apenas había artistas al nivel que hay ahora. Ahora llegan desde Portugal, Alemania o Países Bajos solo para exponer en la Japan“, resalta Sara, que se dedica plenamente a su trabajo como ilustradora, recorriendo los recintos más conocidos entre aficionados al manga y el universo japonés. Sin embargo, hace poco que estos eventos empezaron a recrudecer sus filtros de acceso.

Para quienes montan un estand en Ifema existen dos categorías: el Artist Alley, donde presentan aquellos con un porfolio “más potente”; y el área No Comercial, en la que acceder solo es posible si se está entre los primeros candidatos en rellenar el formulario. Esto es algo que para Sara o Noelia genera contratiempos, más en los tiempos que corren. “Muchas veces se cuela alguno que notas que ha usado IA [Inteligencia Artificial] para generar sus dibujos. Eso es una movida, porque ocupa el lugar que debería estar usando un artesano con producción propia”, considera la primera de ellas.

En ese sentido, la mayoría de estas ferias han aumentado sus filtros para detectar cuándo un aspirante calca o está elaborando imágenes con Inteligencia Artificial para venderlas en un salón manga. “El nivel ha bajado y es cierto que intentan cuidar más quién entra y quién no, pero es complicado”, añade Noelia, que también sugiere una dosis de “amiguismo” en el proceso de selección final: “Enviamos muchas solicitides y la convocatoria se hace pública a través de X, así que todo es muy rápido. Los artistas tienen menos de un minuto para aplicar si quieren tener opciones de vender allí”.

Al final, poder vender en la Japan Weekend es algo al alcance de unos pocos y lograrlo llega a convertirse en unos auténticos “juegos del hambre” para quienes aplican. Los pequeños artesanos madrileños han visto en la fiebre por Japón un espacio de maniobras con los que lanzar su marca y aumentar ventas. La popularización de la cultura nipona en España y buena parte del mundo sorprende si se tienen en cuenta las diferencias sociales y geográficas que existen; sin embargo, incluso desde entidades especializadas asumen que el manga y el anime se han consagrado más allá del país del sol naciente.

“Es una de las principales motivaciones de los estudiantes jóvenes para iniciarse en el idioma japonés, aprender la cultura y viajar algún día a Japón”, exponen desde la Fundación Japón en Madrid, una institución con sede en la capital dedicada a promover el intercambio cultural internacional y el entendimiento mutuo entre Japón y otras zonas del mundo. “En los últimos años hemos visto un aumento del número de personas por la calle con camisetas relacionadas con el manga o el anime, más tiendas especializadas adquisición de colecciones completas en las bibliotecas públicas madrileñas”, añaden desde la fundación.

Reciben casi a diario nuevas solicitudes de centros, instituciones o particulares que buscan “colaborar” con ellos y organizar actividades culturales relacionadas con esta cultura. Haciendo un balance de los últimos años, desde el organismo entienden que la popularidad de eventos como la Japan Weekend o el Madrid Otaku, otra conocida feria manga, suponen ya un “reflejo del interés por el género, cada vez más cerca de considerarse un material público de interés cultural”.

Se esperaba que la taquilla veraniega de 2025 le diera un respiro a las salas de cine y los pronósticos fueron demasiado optimistas. La prometida resurrección del cine de superhéroes no se consumó —Superman y Los 4 Fantásticos: Primeros pasos tuvieron cifras tirando a discretas—, mientras que el “renacer” de una franquicia sobradamente asentada como Jurassic World compartió su triunfo con el de F1: La película, sin que ninguna de ellas superara los 1.000 millones de dólares. En 2025 eso solo lo ha podido hacer el remake de Lilo y Stitch y un título ajeno al dominio atlántico: Ne Zha 2, producción china que ya es la película animada más taquillera de la historia y, de largo, la más taquillera del año. Así que no, no ha terminado de ser un buen verano.

Pero, alcanzando su final, la cosa ha empezado a remontar. Gracias a Expediente Warren: El último rito y, sobre todo, a otra producción de animación asiática cuyo triunfo (como el de Ne Zha 2) ha sido toda una sorpresa. Y eso que no es la primera película adscrita a la franquicia japonesa Guardianes de la noche (originalmente Kimetsu no Yaiba) que llega a cines. Antes de Guardianes de la noche: La fortaleza infinita hubo otros tres largometrajes. Tren infinito (2021), Rumbo a la aldea de los herreros (2023) y Rumbo al entrenamiento de los pilares (2024) también coronaron la taquilla a su ritmo, con un triunfo del que España ha sido plenamente partícipe. Guardianes de la noche: La fortaleza infinita llegó a nuestros cines simultáneamente a EEUU, el pasado 12 de septiembre. En ambos mercados se ha colocado a la cabeza de la taquilla del fin de semana.

La taquilla española logró en particular el mejor viernes de todo 2025 vendiendo 330.000 entradas. Una de ellas fue la de la periodista cultural Marta Trivi. “El cine estaba llenísimo y todas las sesiones en versión original subtitulada estaban completas. Fue difícil conseguir entrada y vi mucha expectación, muchas camisetas. El público lo dio todo”, recuerda. Guardianes de la noche: La fortaleza infinita se colocó sin problemas por delante de la citada Expediente Warren y de El cautivo de Alejandro Amenábar mientras que en EEUU llegaba a hacer 70 millones de dólares a lo largo del fin de semana. Logros que han terminado de ponerle el broche al mayor de todos, y es que La fortaleza infinita es la segunda película japonesa más taquillera de todos los tiempos.

Todo resulta aún más vertiginoso teniendo en cuenta que la primera es la citada Guardianes de la noche: Tren infinito, con 486 millones de dólares recaudados globalmente que bien podrían ser superados de un momento a otro. La fortaleza infinita lleva 353 millones en un único fin de semana, con lo que asistimos a un fenómeno capaz de dejar atrás los memorables triunfos de Your Name. (2016) o El viaje de Chihiro (2001). Una fiebre masiva para cuyo entendimiento puede resultar tentador pensar en ignotos públicos juveniles, dentro de las inmediaciones de la Gen Z. La experiencia de la que hablaba Trivi, ¿podría recordar a la histeria desatada en las proyecciones de Una película de Minecraft cada vez que aparecía la escena del chicken jockey?

Pues no del todo. “Si parece que Guardianes de la noche tiene más fans entre la Gen Z es porque es un shonen y el shonen está dirigido al público young adult”, dictamina Trivi en referencia a ese género de manga y anime destinado a un público masculino adolescente. “Quienes más consumen young adult son, propiamente, jóvenes adultos”. El mismo público objetivo de otras franquicias como Dragon Ball, Naruto o One Piece. Francesc Miró, periodista cultural especializado en animación japonesa, atribuye el éxito particular de Guardianes de la noche a “una progresiva democratización y conquista de lo mainstream por parte del anime”. Una que “supera con creces cualquier barrera generacional”. Aunque algo de especial debe de tener esta saga concreta.

El nacimiento del fenómeno

Miró tiene claro que parte del éxito “viene de la distribución híbrida de plataformas y cines”. Llega a compararlo con Marvel, que “serializa el argumento para fidelizar la compra de entradas”. De forma similar, de Guardianes de la noche “se distribuyen y estrenan temporadas de varios episodios para que su historia continúe en el cine”. La trama de Tren infinito sucedía en octubre de 2020 a la primera temporada de Guardianes de la noche, estrenada el año anterior. Aquel largometraje, dirigido al igual que toda la serie por Haro Sotozaki (también firmante de los tres filmes posteriores), llegó en un contexto tan delicado como el pandémico. Por eso sorprendió tanto su histórica taquilla.

Las películas de Guardianes de la noche adaptan arcos completos del manga original que Koyoharu Gotouge empezó a publicar en febrero de 2016 dentro de las páginas de la Weekly Shonen Jump, mítica publicación especializada en shonen, y responsable desde los años 80 de los exponentes más conocidos del género. El metraje de las películas, asimismo, se ha ido “reensamblando” en forma de temporadas a lo largo del desarrollo de la serie, hasta culminar con La fortaleza infinita, y todo ha sido seguido puntualmente por un público con muchas más facilidades para acceder al anime de las que se disponía en los años 90 o primeros 2000.

Tanto Trivi como Miró apuntan al nacimiento de Crunchyroll en 2006 como cambio de paradigma. “Ahora puedes acceder a las series al mismo ritmo que se estrenan en Japón”, recuerda Trivi. “No sé si hay otro medio que tenga una plataforma única y exclusivamente para él”, tercia Miró, ya que en efecto Crunchyroll es un servicio de streaming consagrado a la exhibición de anime. Solo que, además de Crunchyroll, hay otras plataformas donde Guardianes de la noche está disponible, como Netflix y Amazon Prime Video. La disponibilidad es absoluta y ha sido clave para que Kimetsu no yaiba sea un fenómeno seguido masivamente a lo largo del mundo.

La sucesión de películas—que además ha distribuido Sony, otorgándole un músculo en la distribución en cines— ha blindado este impacto, aunque Trivi destaca en ese sentido que su desarrollo obedece a algo más que la expansión a otras áreas de mercado. Sobre todo cuando hablamos de La fortaleza infinita, que ha sido concebida como la primera parte de una trilogía que cerraría la historia. Un gran final dentro de un género tan dado al estiramiento indiscriminado como es el shonen —a los cerca de 1.1000 capítulos sin final a la vista de One Piece nos remitimos— y dentro del que Guardianes de la noche es una historia bastante breve. Gotouge apenas ha necesitado de 23 tomos de manga , publicados entre 2016 y 2020, para contarla completamente.

También es una historia de lo más sencilla. Tanjiro, el joven protagonista, ha perdido a su familia a manos de los demonios, y cuando su hermana Nezuko está a punto de convertirse en uno decide unirse a un grupo encargado de cazar a estos seres. A partir de ahí, Guardianes de la noche se articula como una serie de combates con demonios progresivamente más poderosos, hasta alcanzar el arco final. Que es justamente el de La fortaleza infinita y es uno… no demasiado apreciado por los fans. Trivi describe este final como “abrupto”. “En lugar de seguir subiendo de rango, la historia se introdujo en la Fortaleza Infinita para que todos lucharan a la vez, en lugar de enemigo a enemigo. Es como si en Juego de tronos hubieran metido al final a todos los personajes en un castillo para que lucharan entre sí, y el que saliera ganador se hubiera convertido en el rey”.

Se desconocen las razones por las que Gotouge quiso cerrar tan apresuradamente ese manga que hasta ahora ha venido adaptando el audiovisual. Lo que está claro es que Gotouge —de cuya identidad apenas se sabe nada, y la única imagen que los fans tienen de ella es la de un adorable cocodrilo con gafas que suele emplear como firma— decidió retirarse en 2020 arguyendo “problemas familiares”, y que el estudio de animación Ufotable ha optado por una estrategia alternativa para adaptar los compases finales de la historia. Una estrategia que aumentará la escala de la experiencia y, como ha venido quedando claro, los ingresos.

Pero, ¿por qué Guardianes de la noche?

Sin duda, el fenómeno de Guardianes de la noche tiene grandes particularidades que lo alejan de la producción estandarizada de otros shonen, pero nada de esto explica por sí solo la conexión que ha entablado con la audiencia. Trivi y Miró coinciden en destacar que la animación tiene mucho que ver: “Ha sido un gran cambio para el anime convencional. Antes había mucha diferencia entre la calidad del anime que hacía un director famoso (caso de Masaaki Yuasa con Devilman Crybaby) y la adaptación de un shonen promedio. Pero es que la animación de Guardianes es excelente”.

Trivi destaca la combinación de dibujos tradicionales con 3D, “que antes había sido muy criticada en series como Ataque a los titanes”. “Pero hay mucho digital en Guardianes de la noche y está muy bien implementado”. La periodista cultural incide sobre todo en el diseño de los personajes, “alejado de la rigidez o el realismo que cundió durante un tiempo en el shonen”, y muy bien representado por el favorito de los fans, Inosuke: un MataDemonios que porta una máscara de jabalí. “Son diseños memorables y expresivos, reflejan instintivamente la personalidad de cada uno”.

Otro elemento central es la ambientación. “Guardianes de la noche no se ambienta en la actualidad, es una serie de época, y aúna elementos de folclore tradicional nipón”, explica Miró. Concretamente, la historia de Guardianes de la noche tiene lugar en la era Taisho (1912-1926), caracterizada por la apertura de Japón al mundo. Desde este contexto —que el manganime se ha obstinado en documentar con rigor—, Guardianes de la noche alterna la magia con la tecnología, como ejemplifica la locomotora que centra parte del argumento de Tren infinito.

“Es un Japón que se está abriendo a la cultura occidental, la gente va en kimono a la vez que hay trenes y el folclore aparece como algo que está a punto de morir”, continúa Trivi. Este “folclore” apela, claro está, a los demonios de la serie, que Guardianes de la noche se preocupa por caracterizar al milímetro. Contando cuál es su historia, e imponiendo que su combate inevitable con Tanjiro y sus compañeros esté muy cargado dramáticamente. Es lo que, por fin, podría darnos la auténtica clave de por qué Guardianes de la noche ha calado como lo ha hecho.

“La estructura de Kimetsu no yaiba no se diferencia de otros shonen. Cada arco es un demonio a derrotar, y simplemente hay que entrenar más fuerte y comprender los puntos débiles del enemigo”, explica Miró. Pero hay una diferencia fundamental. “En Dragon Ball o Naruto los protagonistas entrenan porque quieren demostrar su valía y ser los más fuertes solo por el hecho de serlo. Pero Tanjiro no quiere ser más fuerte, solo quiere salvar a su hermana, y hacerse más fuerte es la consecuencia de eso”. Uniendo este aspecto a la empatía que la serie va mostrando por los demonios, Trivi deduce que lo que hace especial a Guardianes de la noche es que pone en el centro la amabilidad. “Tanjiro se compadece de todos los demonios a los que se enfrenta”. 

“Es alguien tan bueno que los demonios dudan de su propia maldad”. Y esto es importante en la medida que el shonen de la última década ha querido ser “más adulto y oscuro”, según Trivi. Ella acude a los ejemplos de Tokyo Revengers o Chainsaw Man —que pretenden acicalarse con una mayor complejidad— y los contrapone a Tanjiro. “Los buenos son muy buenos y los malos son malos, pero en realidad también son buenos”, insiste. “Tanjiro no quiere luchar, solo quiere proteger a sus amigos y hacer un mundo más justo, y eso se percibe como algo muy calentito”. Un buen lugar donde estar, vaya, en una época donde la bondad apunta a erigirse como una forma de heroísmo.

Toledo acoge los próximos días 5 y 6 de abril una nueva edición de la feria especializada en cultura japonesa Toledo Matsuri. Por tercer año consecutivo tendrá lugar este evento cultural que aglutina tradición, modernidad y mucha diversión. Se ubicará en las instalaciones deportivas del Salto del Caballo.

Una carpa de 350 metros cuadrados albergará su ya clásica zona de juegos de mesa con las editoriales “más punteras y las últimas novedades”, según detallan desde la organización del evento. La zona de talleres, con cinco zonas repletas de actividad. La zona de videojuegos, con 12 estudios independientes, algunos como el castellanomanchego Infinite Thread Games, con su título “Hidalgo”, el toledano Dos Estrellas, con una propuesta de videojuego interesantísima, o los exitosos Altered Alma (2Awesome Studio) y Among Ashes (Rat Cliff Games).

Volverán a celebrarse las finales para las paradas de Circuito Tormenta en Toledo para los videojuegos Valorant y League of Legends. La zona de tatami contará con la presencia un año más del luchador MMA Colombo, recién llegado de su combate estelar en la velada de Ilia Topuria en Madrid. En la zona de artistas participarán más de ochenta representantes elegidos entre más de quinientas solicitudes. La zona de comercios, zona de restauración y zona familiar y de descanso, refuerzan sus contenidos para cerrar esta oferta dedicada al manga y al anime. 

Muchos nombres de importante calado profesional, como actores de voz, destacan en la edición de este año: Iván Priego Posada, voz reconocida de Lucas de Stranger Things; Rafael de Azcárraga, voz actual del personaje Kratos de God of War en español o del Emperador Palpatine de Star Wars; Ana de Castro, con trabajos referentes en Marvel o videojuegos y, en la ficción sonora, dentro del podcast ficcionado ganador con un Ondas 2023 Titania. Entrando en el terreno anime, Alicia Bueno y Joel Gómez, responsables de poner voz a algunos de los protagonistas más destacados del anime actual y Claudio Serrano, que ha prestado su voz a Batman en la trilogía del Caballero Oscuro, Lego Batman, o la saga de videojuegos Arkham. 

Además, dentro del ámbito cosplayer, Toledo Matsuri contará con Luzbel, Nekroquantum, Mina e Ittara, presentadora del escenario principal; en el ámbito de artistas contarán con la presencia del japonés Mitsuru Nagata, Jennifer Giner y Daniel Azconegui, responsable del cartel oficial de Toledo Matsuri 2025, en el ámbito de la creación de contenidos en videojuegos, los creadores de contenidos Noni Gamer, Mr.keroro y Protocolo Ralux.

Por último, en el escenario de videojuegos, se realizará la Primera Gala del Videojuego Toledo Matsuri, repasando algunos de los estrenos más importante del panorama nacional y conoceremos a 4 de los nombres más destacados del videojuego actual como son David Canela, Game Designer de Rime, Gylt y Game Director del videojuego Son of Nunu, Maikel Ortega, Game Designer de Blasphemous 1 y 2 y Game Director de Stone of Madness y los creadores del videojuego Neon Blood, Alex Chipelo y Daniel Pérez.

Toledo Matsuri, un festival distinto y singular, con una oferta de ocio diversa y sugerente para que todo el mundo encuentre su mejor momento para el esparcimiento y el disfrute.

Para la gestión de venta de entradas y más información en https://toledomatsuri.com/

Toledo Matsuri 2025 reunirá a cien artistas entre los que destacan actores de doblaje reconocidos a nivel internacional y ofrecerá una amplia oferta de actividades en relación al manga, anime, ocio alternativo y videojuegos que se llevará a cabo en el polideportivo Salto del Caballo los días 5 y 6 de abril y que contará con la participación de más 9.000 personas.

El objetivo de este evento es promover y divulgar tanto la cultura japonesa como la propia toledana, valiéndose y poniendo en valor el hermanamiento de la capital regional con la ciudad de Nara (Japón), además de potenciar la candidatura para que Toledo sea Capital Europea de la Cultura en 2031, a través de conciertos, talleres, ponencias, debates, espectáculos, torneos de videojuegos, firmas de artistas e invitados, mesas redondas, partidas de rol, juegos de mesa, exhibiciones de artes marciales y baile k-pop.

El director de Toledo Matsuri, Emilio Gómez, ha presentado la III edición de esta iniciativa junto al diputado delegado de Cultura y Educación de la Diputación Provincial de Toledo, Tomás Arribas; la concejala de Cultura, Ana Pérez, y la viceconsejera de Cultura de la Junta, Carmen Teresa Olmedo, durante una rueda de prensa en el Ayuntamiento de la capital regional.

Emilio Gómez ha revelado que dentro de las novedades de esta edición se contará con cien artistas aproximadamente y con la ampliación de su oferta de talleres llegando hasta cinco en horarios de mañana y de tarde, además de que los visitantes podrán optar a veinte actividades que se estarán realizando de forma simultánea.

Toledo Matsuri ha apostado por actores de doblaje de “primer nivel” de grandes producciones estadounidenses como Iván Priego, que ha puesto voces en 'Stranger Things', 'Avatar' y 'Gladiator'; la voz de Palpatine de 'Star Wars' y de Kratos en videojuegos, Rafael de Azcárraga; la actriz de doblaje referente de Marvel y de la ficción sonora, Ana de Castro; y dentro de la categoría de anime, Alicia Bueno y a Joel Gómez. Además ha asegurado que este próximo jueves se presentará a un “reconocido” actor de doblaje profesional.

Daniel Azconegui, dibujante que ha trabajado para Marvel

En el ámbito de dibujo, uno de los invitados es el autor del cartel de este año, Daniel Azconegui, un dibujante profesional que “trabaja para grandes marcas de cómic y para Marvel” y que ha hecho una “maravilla”; un calígrafo japonés con una agenda “bastante complicada”, Mitsuru Nagata; la artista Jennifer Giner, que ha ilustrado juegos de mesa para editoriales como The Beard, que es la editorial “más importante”; y, por último, la autora de juegos de mesa Carmen García, que no pudo asistir el año pasado, ha añadido.

Asimismo, dentro del sector de los videojuegos se apuesta por 12 editoriales que tienen juegos de “éxito”, como Altered Alma, y se incluirá el 'Circuito Tormenta' donde se jugarán las finales de los juegos de Tier 2 de League of Legends y de Valorant, cuyos clasificatorios online comenzarán esta semana, de manera que los dos finalistas de League of Legends y los dos finalistas de Valorant disputarán la batalla final en el evento, ha explicado.

Como sorpresa especial, Emilio Gómez ha adelantado que participará el youtuber 'Nonigamer' que cuenta con 1.700.000 suscriptores en YouTube, más de 1.000.000 en Twitch y más de 400.000 en Instagram y que se encargará de hacer un meet and greet en una charla.

En la parte de tatami, consistirá en diferentes exhibiciones de artes marciales que se llevarán a cabo los dos días por la mañana y por la tarde, donde participarán los campeones de Castilla-La Mancha tanto de boxeo como de kata, de karate o de kung fu junto al “cabeza de cartel de la velada de MMA que organiza Topuria”, Colombo.

Por su parte, las editoriales “más importantes de España” como Devir, Asmodee, Falomir, PIF Games, BrainPicnic, Cayro, Zacatrús, vendrán con sus profesionales a exhibir y enseñar sus juegos, ha añadido.

Entradas a la venta

El festival cuenta con un presupuesto de 200.000 euros, aproximadamente, y las entradas ya están a la venta con un precio de 14 euros la entrada de día y 26 euros la entrada de fin de semana. Si se adquieren en la taquilla el día del evento, pasarán a valer 15 euros las de un día y no habrá entrada de fin de semana, por lo tanto, ha recomendado que la compra se realice a través de la web. De este modo, se espera que el evento atraiga a más de 9.000 visitantes.

Por su parte, la viceconsejera ha argumentado que el evento “es una manera de hacer llegar la cultura japonesa a todo el mundo”, como se hizo a través del Quijote o la literatura del Siglo de Oro asegurando que de alguna manera esta expresión artística, tanto la anime como el manga, que “viene a acercar al resto del mundo la cultura milenaria, aparentemente lejana, pero que gracias también a las nuevas tecnologías ha acercado día a día”.

De su lado, el diputado de Cultura ha dado la enhorabuena a la organización del evento por el cartel, que ha calificado como “preciosísimo” y que aglutina la cultura castellana con la cultura japonesa en un evento que, a su juicio, se va a convertir en un “referente nacional”.

Finalmente, la concejala de Cultura, Ana Pérez, ha subrayado la importancia que tiene este evento y la colaboración de administraciones como la Junta de Comunidades y la Diputación, que realmente favorecen a proyectos de “tanta calidad”, y ha invitado a los ciudadanos a asistir a esta III edición de Toledo Matsuri.

El primer fin de semana de diciembre, los personajes de series y videojuegos más populares del momento saltan de la pantalla y se cuelan en los metros de Barcelona, convertidos en personas de carne y hueso. Centenares de fans de la cultura japonesa se caracterizan como sus ídolos, imitando la vestimenta y los accesorios, y se lucen en el Saló del Manga, una convención insignia de la cultura del cómic y el anime, que cumple 30 años.

Pero no son simples disfraces. A esta práctica se la conoce como cosplay y es una moda en auge entre las generaciones más jóvenes, que se vuelve especialmente visible durante los tres días que dura esta cita. El evento, además de ser una oportunidad para hacerse con las últimas novedades del mercado, también es un punto de encuentro entre aficionados y acoge, entre otras muchas actividades, competiciones, charlas y actuaciones dedicadas al cosplay.

En el Saló del Manga, los pasillos quedan recurrentemente bloqueados por grupos de cosplayers a quienes les piden fotos y que, orgullosos de su trabajo, posan para la camera. “No me daba tiempo a acabarlo y he dormido 4 horas”, explicaba Sara, de 22 años, luciendo su traje hecho a mano de la protagonista de la serie Akatsuki no Yona.

Algunos han decidido tomar este arte como algo profesional, como es el caso de Ayuru, cosplayer e ilustradora. Esta artista con más de 28.000 seguidores en las redes sociales lleva más de una década confeccionando y vistiendo trajes. “Es un homenaje a las cosas que te han gustado y te han hecho ser como eres”, afirma la joven.

Ayuru fue, juntamente con su compañero Galefic, representante española de la competición internacional Clara Cow's Cosplay Cup en 2018. Además de competiciones, recibe invitaciones a eventos que la han llevado a lugares como México, Suecia o Kazajistán, y patrocinios con marcas que le permiten generar ingresos. “He colaborado con Bernina, que es una marca de máquinas de coser, además de RIOT, la empresa del videojuego League of Legends, así como con tiendas de cosplay y pelucas”, cuenta.  

Una vuelta de tuerca a la costura tradicional

Este hobbie en auge, que muchas veces se hace de forma amateur, puede llegar a consumir muchas de horas de trabajo y materiales.Tanto que estos jóvenes están dando una bocanada de aire fresco a sectores en crisis como las mercerías o tiendas de costura. Lo sabe bien Dani P., responsable de la sastería La Pimpinela en Barcelona. Después de casi cuatro décadas sirviendo principalmente a producciones teatrales, su local empezó a recibir las primeras peticiones de cosplay hará diez años.

Los precios de estos encargos pueden oscilar desde los 50 euros para las piezas más simples a los 1.500 o 2.000 para las vestimentas más complejas. “Buscan la calidad, el trato con la persona que lo confecciona, que sea lo más fiable posible y que se valore su personalidad”, explica la sastra.

La responsable de La Pimpinela, que inicialmente se formó en escenografía y vestuario de ópera, añade que los cosplayers suelen ser bastante jóvenes, entre los 20 y los 30 años. Explica que invierten sus primeros ahorros en trajes complejos e incluso llegan a pedirlos pieza a pieza a medida que pueden, para poder completarlos. “Los clientes nos han abierto las puertas de un mercado nuevo y hay que aceptar su evolución”, afirma.

En su tienda no solo han recibido peticiones para eventos o convenciones como el Saló del Manga: también han adaptado vestidos de boda a los personajes ficticios favoritos de la pareja. Dani recuerda especialmente el caso de un novio que decidió casarse con un traje inspirado en el personaje de Squall Leonhart del videojuego Final Fantasy VIII. “Te abren una pequeña mirada a su personalidad -asegura- y esa relación es algo que en el negocio echábamos mucho de menos”.

Un hobbie que crea comunidad

Mientras que algunos cosplayers optan por comprar o encargar sus trajes, sobre todo al inicio, tanto la comunidad como las competiciones valoran más los trajes hechos a mano, lo que anima a muchos a probar la costura por primera vez. Es el caso de Bea Muñoz, de 23 años, más conocida en redes y entre sus amigos como Trixxi.

Ella empezó comprando sus cosplays pero, después de varias competiciones y conociendo a otros cosplayers, se animó a intentar su primer traje, para lo que recibió ayuda de otros miembros de la comunidad para aprender a personalizar su peluca y accesorios. “Si los conoces, los cosplayers son bastante amistosos. Son de tu mundo y te comprenden”, afirma Muñoz.

Como ella, muchos cosplayers encuentran en la comunidad un lugar de refugio, donde poder representar un personaje sin juicios. Hay practicantes que incluso deciden vestirse del género opuesto simplemente porque se sienten interpelados por el personaje que representan. Los cosplayers aseguran que no hay requerimientos a la hora de optar por un personaje y que todos los cuerpos y géneros son bienvenidos.

“En el cosplay se trata de adaptar el personaje original al cuerpo de la persona que lo quiere llevar”, afirma Virgine Verrier, escultora y modista de 53 años que regenta el taller Muchafibra en el centro de Barcelona. En su coworking y escuela hace ya 8 años que recibe a cosplayers que quieren adquirir habilidades para confeccionar sus trajes. “Vienen con una referencia del personaje y les enseñamos a hacer el patrón a su medida, luego el prototipo y después la prenda final. Los acompañamos en todo el trayecto”, explica Verrier.

Según apunta la modista, notó el inicio de esta tendencia con la llegada de las grandes sagas de superhéroes de Marvel y luego, a medida que el anime y el manga fueron popularizándose más, también aparecieron personajes de la ficción nipona. Pero el gran boom vino después de la pandemia. “No había mucha ropa para comprar, no llegaban productos de fuera y las tiendas no estaban abiertas, así que la gente empezó a hacerse su ropa a mano”, cuenta la regente de Muchafibra.

Verrier afirma que la costura “engancha” y que cosplayers que inican su trayecto en el patronaje y confección para representar un personaje pueden acabar descubriendo una nueva pasión. Ese fue el caso de Prune Colin, de 21 años, una estudiante de Muchafibra que dedicó un año a aprender a hacer trajes de cosplay.

Después de desarrollar trajes de animes como One Piece o Kimetsu no Yaiba, tanto para ella como para sus amigos y familiares, decidió agrandar sus horizontes. Estudió cursos de marroquinería, origami textil y patronajes varios y ahora quiere iniciar un emprendimiento en el mundo textil en su tierra natal, Francia.  

Aunque hay muchos hombres cosplayers, la mayoría son mujeres. Verrier asegura que la costura pertenece al “linaje femenino” y que muchas mujeres buscan esa conexión con sus abuelas y madres en la confección de ropa. “Vienen a buscar ese momento de transmisión e intercambio”, afirma.

Esta relación también se da en el cosplay, donde muchos principiantes empiezan pidiendo ayuda a sus seres queridos, sobretodo a abuelas. “Enganché a mi yaya a que me hiciera mi primer traje de Kagome de Inuyahsa cuando tenia 10 años”, explica Marina, más conocida como Azania. “A partir de los 15 le pedí si me podía enseñar”.

Ahora esta joven ya lleva más de 18 años haciendo sus propios cosplays a mano. Pero todo este tiempo después y tras haber ganado habilidades y conocimientos, sigue reutilizando un traje de Katara, de la serie Avatar el último maestro del aire, que hizo junto a su abuela. 

30 años del Saló del Manga

Hace ya años que el Saló del Manga acumula éxitos en venta de entradas, con existencias agotadas casi cada día del certamen. La participación de la comunidad aficionada al anime y el manga es tanta que incluso los servicios de tren de la Generalitat de Catalunya han reforzado este año durante los días del evento su servicio en las líneas Llobregat-Anoia, que llevan al recinto de Fira Gran vía donde se celebra.

También este aumento se puede apreciar en las ventas de mangas, que según un informe de FNAC aumentaron un 184% entre los años 2020 y 2021 y que ahora se han unido a la llegada de los manhwa y manhua (cómics de origen coreano y chino). Según datos publicados por el especialista Marc Bernabé, solo durante el año 2023 llegaron al mercado español un total de 1698 nuevos títulos contando traducciones en castellano, catalán y euskera.

Pelucas de todos los colores, trajes extravagantes, espadas, artes marciales, té bobba y ramen. La cultura japonesa inundó el pabellón Javier Lozano durante este fin de semana con la segunda edición de Toledo Matsuri, la feria especializada que ha atraído a miles de personas en los dos días de su celebración para compartir charlas, talleres, bailes al ritmo del k-pop y deportes en un tatami.

El público era principalmente jóvenes entusiastas del anime y el manga, que tuvieron la posibilidad de visitar las decenas de puestos de creadores y artesanos que llenaron el evento con sus creaciones, muchas de ellas en impresión 3D, ropa, joyas, y láminas que abarcaban todo tipo de imágenes de la cultura pop.

Juanjo López era uno de los artistas gráficos, que instaló en su puesto varias tabletas gráficas de dibujo, en colaboración con la marca XP Pen. “Han venido más personas interesadas en aprender a trabajar con la tableta que a comprar”, bromeaba en la tarde del sábado. 

El evento ofrecía todo tipo de actividades para todo el público y fueron muchas las familias que acudieron a disfrutar de las charlas relacionadas con e-sports, ilustración, origami o kokedamas. Varios creadores de contenido, como El Quinto Emperador o Djoseppe10, fueron parte de la variada programación que inundó los dos días de actividades.

No faltaron los guiños a una cultura más tradicional, como un bastidor en el que se podían dejar los deseos. Muchas personas escribieron mensajes referentes a la visibilización de la salud mental, con reivindicaciones como #AutismAwareness.

Tampoco faltaron los bailes al ritmo de las bandas sonoras más animadas de las series japonesas del momento o del k-pop, que causa furor entre los simpatizantes de la cultura. En el escenario principal tampoco faltaron personas con las banderas LGTBI o bisexual, marcando el elemento de diversidad tan propio de este tipo de eventos. 

Desde la Junta de Comunidades han destacado a Toledo Matsuri como un “ejemplo de colaboración” entre instituciones, así como de inclusividad, ya que ha contado con voluntarios intérpretes de lengua de signos. 

Nombres como One Piece, Sailor Moon, Naruto o Dragon Ball resuenan con fuerza en nuestra cultura popular, pero, ¿cómo fueron sus orígenes y cómo se ha tejido la historia del manga? La exposición que acaba de aterrizar en la capital lo explica. The Art of Manga, recién inaugurada en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM), explora a través de más de 200 piezas y diez salas la historia de este género originario de Japón. 

Esta muestra única, vertebrada por sugerentes escenografías, ofrece a los visitantes la oportunidad de adentrarse en la rica historia del manga y el anime, y permite conocer su entrada en España y su influencia a nivel mundial, una perspectiva que nunca se había abordado. La exposición incluye obras de gran valor provenientes de colecciones privadas que van desde libros y pergaminos ilustrados o xilografías japonesas de los siglos XVIII y XIX, a pinturas y manuscritos de manga, carteles originales, fotogramas, revistas y cómics raros, así como esculturas de edición limitada. 

A través de este recorrido, repartido en 10 ámbitos temáticos, The Art of Manga explora los diversos aspectos y etapas en el desarrollo de este arte. Curiosidades como los primeros pergaminos ilustrados Choju-jinbutsu-giga del siglo XII, que muchos expertos consideran como el primer manga, así como los legendarios e influyentes libros Hokusai Manga, del siglo XIX.

Los pioneros del género también cuentan con un espacio reservado en la muestra. Osamu Tezuka, conocido como “el Dios del Manga” por su enorme aportación a la viñeta japonesa, cuenta con una sala específica en la exposición que celebra su legado e influencia global y de quien se exhibe un inmenso mural con una colección que incluye 400 de sus obras, creadas entre 1947 y 1982, entre las que se encuentra un autorretrato inédito. Junto a él, también se reconoce el trabajo de otros artistas esenciales como Katsushika Hokusai, Shigeru Mizuki y Kitagawa Utamaro.

En The Art of Manga también hay lugar para conocer la influencia y la popularidad del manga y el anime en el panorama cultural de nuestro país. Una pasión que abarca ya tres generaciones de otakus españoles. Desde la publicación y emisión en TVE, en las televisiones autonómicas y en las privadas de series de animación como Heidi, Marco, Mazinger Z, Dragon Ball, Sailor Moon u Oliver y Benji, hasta la explosión de títulos más modernos como One Piece o Naruto. También se puede ver el primer manga publicado en España, en 1968, en la revista infantil Cavall Fort, así como la primera portada manga a nivel estatal, en la revista El Víbora, en 1980.  

Además, la muestra está vertebrada por una serie de sugerentes escenografías, entre las que se incluyen la reproducción de un Torii (puerta tradicional) y de un templo japonés, un deslumbrante pasillo de linternas y hasta un jardín zen. También habrá lugar para proyecciones como Ana de las tejas verdes, Vicky el Vikingo o D'Artacán y los tres mosqueperros, entre muchas otras.

Diez piezas imprescindibles 

Entre las más de 200 obras expuestas, hay diez que resultan imprescindibles durante la visita por su valor histórico y artístico. Este es el caso de los primeros pergaminos ilustrados Choju-jinbutsu-giga, al que muchos expertos los consideran como el primer manga. Cada una de las dos piezas expuestas en la exposición tiene más de 11 metros de longitud y se tratan de reproducciones exactas, ya que los originales están considerados Tesoros Nacionales de Japón.

Lo mismo ocurre con los Libros Hokusai Manga del siglo XIX, considerados las raíces del manga actual. La monumental colección abarca quince volúmenes y ofrece cerca de 4.000 bocetos. Estos dibujos captan vívidamente una amplia gama de motivos, desde personas y animales hasta plantas y paisajes, pasando por edificios y objetos cotidianos. El archivo de periódicos con cómics occidentales traducidos al japonés de los años 20 como Happy Hooligan de Frederick Burr Opper también son de especial importante, ya que ilustran el intercambio mundial de este arte.

También son piezas destacadas los pergaminos ilustrados de la Asociación Manga de Tokio y el manga Norakuro, de Suihō Tagawa. Aunque, sin duda, la obra más especial es la de Osamu Tezuka, un tributo a su aportación a la viñeta japonesa que cuenta con una sala específica para el artista en la que se encuentran tesoros como un manuscrito de Dororo o un autorretrato.

El primer manga de la historia en España, publicado en 1968 en la revista infantil catalana Cavall Fort, es otro imprescindible, al igual que la cómica de 1928 creada por Rakuten Kitazawa, considerado el primer mangaka profesional de Japón o el primer manga en castellano, titulado La vida de Mao Tse Tung, un manga firmado por el dueto Fujiko Fujio, los creadores del popular Doraemon. Y por último, una pieza histórica como es la primera portada manga de una revista en España, El Víbora. Un recorrido repartido en diez ámbitos temáticos para explorar los diversos aspectos y etapas en el desarrollo de este arte excepcional

Ya seas de la generación de Heidi y Mazinger, de la de Kaneda y Son Goku, de la de Luffy y Usagi o de la de Tanjiro y Yona, esta exposición pretende convertirse en todo un referente para el público otaku. La muestra se podrá visitar hasta el próximo 21 de julio en el COAM. Las entradas tienen un precio de 14,90 euros. Puedes acceder a la compra a través de este enlace. 

La Feria Albanime vuelve un año más como “un evento consolidado de ocio heterogéneo y saludable”, donde se espera superar los 10.000 visitantes. Se celebrará los días 6 y 7 de abril en el Recinto Ferial de la IFAB. Es una de las “ferias más importantes” que se celebran en la ciudad, y que espera repetir el “gran éxito” de la pasada edición y superar los diez mil visitantes.

Las entradas para esta feria tendrán un coste de 8 euros el sábado, 7 euros el domingo, y 11 euros para los dos días, y pueden comprarse online en la página oficial de Albanime y también en varias librerías de Albacete. El horario será: el sábado de 10:00 a 21:00, y el domingo de 10:00 a 20:00 horas.

La concejala de Juventud, Gala de la Calzada, ha destacado que “es un punto de encuentro ya habitual para todos los fans de la cultura japonesa, el cosplay, el k-pop, los videojuegos, los juegos de mesa y deportes alternativos, donde también encontraremos stands, artistas y grandes invitados”.

La concejala ha recordado que Albanime es “un evento consolidado con miles de visitantes de nuestra ciudad, provincia y región, además de atraer también a interesados de otras comunidades como Madrid, Murcia o la Comunidad Valenciana, ya que es un referente a nivel nacional. Desde el Ayuntamiento seguimos apostando de forma clara y decidida por este tipo de ocio alternativo, como una oferta de disfrute para los jóvenes y mayores de Albacete, con una variedad de actividades y pasatiempos distintos a los convencionales”.

La feria “más consolidada”

Por su parte, la diputada, Raquel Ruiz ha puesto de relieve el apoyo de la Diputación Provincial a este gran evento que busca seguir batiendo los registros de visitantes, tras las más de 10.000 personas que disfrutaron del evento el año pasado y que hacen de ella, ha subrayado, “la feria más consolidada” de las que ofrece la Institución ferial durante su calendario del año.

El presidente de la Asociación Nexus Outsiders, Javier Avilés, ha recordado que hay “más de 80 personas dentro de la organización” que, durante 24 años vienen trabajando en este proyecto en torno a ‘un mundo’ que, como ha comentado, antes le era “totalmente desconocido” a mucha gente en la provincia. “Hemos pasado a tener un pequeño certamen a una feria importante, con cada vez más aficionados. El mundo ha evolucionado y, evidentemente, los gustos también, y algo que antes era súper raro, ahora lo vemos tan habitual y es de agradecer, sobre todo para los que llevamos mucho tiempo en esto”, ha explicado.

Varios sectores

Entre las diversas zonas, destaca el Escenario, con los concursos de cosplay, dance y karaoke, además de encuentros con los actores de doblaje invitados y un concierto de Ruki. En el Auditorio, por su parte, habrá un espacio para el aprendizaje con charlas de los invitados. La Zona Gamer contará con más de 40 puestos de juego tanto de última generación en una zona exclusiva de PlayStation 5, como una zona dedicada a los juegos retro.

Otra novedad es que este año se va a ampliar el número de talleres hasta 50, con más de 900 plazas, incluyendo una nueva zona de talleres culturales de temática japonesa.

En cuanto a juegos de mesa, va a haber más de 400 metros cuadrados donde pasar un buen rato con los amigos o en familia, con cualquiera de los más de cien títulos disponibles en la ludoteca.

Otras zonas a destacar son Matsuri, con actividades inspiradas en los festivales japoneses, y la zona deportiva con tres pistas para practicar beisbol, vóley o baloncesto, junto a exhibiciones de Combate Medieval del Club Deportivo “Caballeros de los Llanos” o Esgrima Deportiva con la “Sala de Armas de Albacete”.

El escenario 'Saiko' se dedicará a actividades musicales, sobre todo el K-Pop “para bailar sin complejos”.

Por último, habrá una zona comercial para adquirir el merchandising de las series, películas o videojuegos, y también se instalarán puestos de comida y un gran Artist Alley donde conseguir preciosas ilustraciones.

La muerte del creador japonés Akira Toriyama ha entristecido estos días a millones de sus seguidores en todo el mundo. Creador del mítico manga Dragon Ball y de Dr. Slump, sus obras también tuvieron una enorme influencia en numerosos niños y jóvenes de Galicia. Dragón Ball se tituló en Galicia “As Bolas Máxicas”, aunque todo el mundo lo conocía popularmente como Son Goku, el nombre de su protagonista, de igual modo que Dr. Slump era conocido por su personaje Arale.

Los niños pudieron acceder a las aventuras de Son Goku en gallego en TVG, unos días antes que en ninguna otra lengua, y su emisión fue fundamental para asentar la normalización lingüística desde finales de los 80. Las series manga, principalmente Dragon Ball, fueron un gran reactivador laboral en el sector del doblaje, que se vio en la tesitura de enfrontarse a una versión original marcada por los rasgos abiertamente machistas de algunos personajes, generando controversia en lugares como Valencia, donde su emisión llegaría a debatirse en el Parlamento. Sin pretenderlo, Son Goku también acabaría siendo protagonista involuntario de la accidentada inauguración del sistema dual de TVG, realizada por el entonces presidente de la Xunta, Manuel Fraga.

“He sentido mucha pena por la muerte de Akira Toriyama, porque he pensado que le quedarían todavía muchos proyectos por hacer”, confiesa Suso Iglesias, el que fue director del emblemático programa Xabarín Club de TVG. El canal gallego figura en numerosos textos como la primera cadena autonómica que emitió, en 1988, los primeros capítulos en España de Dragon Ball, traducido en gallego como “As Bolas Máxicas”, algo que Iglesias matiza porque le consta que “un poco antes, Canal Sur ya había emitido algunos capítulos, aunque los habían retirado en poco tiempo”.

Tras TVG, la serie se estrenó en catalán y valenciano, con el título de Bola de Drac o en vasco como Dragoia Bola y comenzó a ser un gran éxito en todas las televisiones autonómicas agrupadas en la FORTA (Federación de Organismos de Radio y Televisión Autonómicos). El manga que cuenta las aventuras del guerrero Goku procede de unas esferas mágicas que al ser reunidas apelan al dragón que concede deseos.

“Los japoneses tenían mucho oficio y eran unos dibujos muy buenos, creados como un culebrón e ideales para fidelizar al público, con ingredientes como aventura, fantasía y acción, que despertaban muchas emociones”, desgrana Iglesias sobre las claves del éxito de Son Goku, en el que destaca también el buen olfato como programadores del equipo de TV3: “Los catalanes tenían experiencia y buen criterio y fueron los que influyeron para que lo comprase la FORTA”.

Aunque “As Bolas Máxicas” ya había funcionado bien en Galicia antes de la creación del emblemático Xabarín Club, con el inicio de la emisión del programa en 1994, la TVG volvió a reponerlo en un nuevo contexto. “Funcionó tan bien que se decidió recuperar también Dr. Slump, la otra serie de Akira Toriyama”, recuerda el primer director que estuvo al frente del Xabarín Club y que años después acabaría siendo también director de la propia TVG. La popularidad de la serie fue también un gran escaparate para visibilizar la lengua gallega y dar impulso a la Ley de Normalización Lingüística, que se había aprobado en el Parlamento por unanimidad solo unos pocos años antes, en 1983.

“Eran casi los primeros dibujos a los que un gran número de chavales accedían en lengua gallega y se convirtieron en un símbolo para el idioma entre jóvenes y no tan jóvenes”, rememora Suso Iglesias sobre lo que en aquel momento era una gran novedad, puesto que la generación anterior había accedido en castellano a la anterior remesa de series históricas japonesas, entre las que estaban Heidi, Marco o Mazinger Z.

Incluso las versiones de las canciones en gallego de series como “As Bolas máxicas” o “Doraemon” se convertirían en hits, de cuya letra y música fueron autores los hermanos Dolores y Arturo Sabugueiro, este último conocido por ser el cantante de una orquesta histórica como la Sintonía de Vigo.

Las series de animación estaban en unos enormes índices de audiencia en TVG a mediados de los 90, “con picos alrededor del 30%” recuerda Iglesias, en un contexto con menos fragmentación de canales. En esa época, el entonces presidente de la Xunta Manuel Fraga se marcó el propósito político de aumentar y modernizar la cobertura del canal autonómico, al que todavía no podía accederse con normalidad en muchas zonas rurales. En esta línea estaba la implantación del sistema dual, en aquel momento una gran novedad, que permitía elegir la opción de seguir series o películas en gallego o en su versión original, para quien lo desease.

En el día de la inauguración, Son Goku acabó colándose como protagonista involuntario. “En la parrilla primero se programaban Los Picapiedra y como plato fuerte posterior Son Goku, que arrasaba”, rememora Suso Iglesias. Pero poco antes de proceder a inaugurar el nuevo flamante sistema, a alguien se le ocurrió que si Fraga probaba forma dual en el capítulo de Son Goku, solo se escucharía la versión original en japonés, un idioma que no entendería. Pensando que se podría enfadar, como así había sucedido en situaciones precedentes, llegó una orden para invertir la parrilla y cambiar Son Goku por Los Picapiedra. Esta serie estaba en versión original en inglés y Fraga podría apreciar mejor las virtudes del sistema dual, debido al dominio de esta lengua. “Se montó un gran lío. En aquella época había un teléfono de centralita de TVG y en cuanto la audiencia se enfadaba llamaba sin parar. El teléfono ardía para pedir explicaciones de por qué se había cambiado de repente Son Goku de horario sin anuncio previo”, rememora Iglesias, al que en una ocasión Fraga le confesó que a veces veía estos dibujos con alguno de sus nietos.

Esta anécdota la cuenta también Iglesias en el prólogo del fanzine Onda Vital, que promueve David Calviño, responsable de la editorial Baixo Terra. Calviño es un ejemplo de la influencia que las series de Akira Toriyama han tenido en generaciones sucesivas. El promotor de este fanzine nació en 1994, justo cuando comenzaba la emisión del Xabarín Club, y bautizó su publicación como “Onda Vital”, recordando el mítico grito de guerra de Son Goku. “Nos pareció que este nombre era el mejor homenaje al anime que descubrimos cuando la TVG marcaba una tendencia y sobre todo a Son Goku, que nos marcó”, dice el también responsable de la tienda Sindicato del Comic, de Ourense. “A mí la primera ola de ”songokumanía“, me pasó por encima, pero su eco siguió resonando después. Yo me enganché más tarde con Dragon Ball GT”, explica David Calviño, ejemplo del relevo generacional que tuvo la serie en sus sucesivas secuelas posteriores, como Dragon Ball Z o Dragon Ball GT.

“Posiblemente haya otra clave importante en todo esto y es que el doblaje era muy bueno, con buenos actores, y sigue siendo muy recordado”, comenta Suso Iglesias. El doblaje de “As Bolas Máxicas” al gallego se hacía en un estudio de Vigo. La voz de Son Goku era Tonia Fuentes y en el resto del elenco estaban muchos actores de esa ciudad que después harían carrera en numerosas series de TVG y en el mundo del cine, como Alfonso Agra o Antonio Durán “Morris”, que doblaba al Maestro Mutenroi. “Todavía hay una generación en torno a los 40 años que a mí me reconoce por mi papel en la serie ”Pratos Combinados“ y sorprendentemente por la voz del Maestro Mutenroi”, confiesa Morris, uno de los grandes actores gallegos.

Poco podía imaginar Akira Toriyama la importante inyección económica que sus dibujos supondrían para decenas de actores de doblaje de todo el Estado. “Eran muchísimos capítulos, no había comenzando el boom de la ficción y de las series y el doblaje era una tabla de salvación que nos mantenía económicamente”, recuerda Morris. A pesar de la carga de trabajo que suponía, el doblaje no era sencillo: “Había partes difíciles de doblar porque casi quedabas sin aire. Congelaban las imágenes y las ralentizaban cuando había batallas. Eran saltos larguísimos a cámara lenta y precisabas alargar las frases hasta que llegaban al suelo”.

El entonces doblador cuenta numerosas anécdotas del doblaje y cómo los diálogos se “suavizaban” para asear un original a veces con un sesgo violento y de claras connotaciones machistas. “Había secuencias que eran muy fuertes, sin ningún tipo de filtro, y se cambiaban para que no tuviesen que ver con el original”, confiesa Morris. “En una secuencia de las originales salía el Maestro Mutenroi y decía 'si me muestras las tetitas, te lanzo las bolas mágicas', haciendo gestos con las manos como si redondease unos senos”, explica. La decisión fue aprovechar el gesto de Mutenroi con las manos, como si estuviese saludando, “y se hacía un doblaje naif que decía simplemente, 'Hola, chicas ¿cómo estáis?'”, rememora Morris. “A mí había partes que hasta me parecían porno, con secuencias donde Mutenroi se refería a las bragas de las chicas o en un capítulo en el que se esconde para ver cómo orinaban”, confiesa Morris sobre el personaje al que tantas veces dio voz.

La interpretación de los contenidos de la serie ha llevado a controversias como la que se vivió en 2021 en el Parlamento de Valencia. Recogiendo el sentir de grupos de fans que reclamaban la vuelta al canal autonómico de “Bola de Drac”, Compromís solicitó su regreso. El director del canal autonómico À Punt lo descartó alegando velar por “la legislación de género y los códigos de valores de contenidos infantiles”.

Controversias aparte, la obra de Akira Toriyama, estos días llorado en todo el mundo, ha alcanzado el status de perdurar en el tiempo que solo consiguen los clásicos. “Desde luego, Son Goku se convirtió en un fenómeno planetario. De vez en cuando me llaman para congresos alrededor de Bola de Dragón, pero nunca me ha coincidido estar”, indica Morris, para unos actor conocido por su trabajo en series y películas, para otros, todavía la voz del Maestro Mutenroi.