En junio de 2017, los fans de Taylor Swift no hablaban de otra cosa. Después de tres años, la artista había decidido volver a subir todo su catálogo musical a Spotify así que, por fin, iban a poder escuchar su música desde la plataforma. En aquel momento, había pocos cantantes que no hubieran aceptado que la era del streaming había llegado para quedarse.

Sin embargo, la compositora de Nashville llevaba años enfrentada a estas aplicaciones. Todo el lío se desató en 2014, cuando Swift decidió retirar todos sus álbumes de Spotify, una plataforma que entonces estaba en pleno crecimiento y que, para ella, no era más que “un experimento”. 

“Lo único que puedo decir es que la música está cambiando tan rápido, y el panorama de la industria musical en sí también, que todo lo nuevo, como Spotify, me parece un gran experimento. No estoy dispuesta a dedicar el trabajo de toda mi vida a un experimento que, en mi opinión, no compensa justamente a los compositores, productores, artistas y creadores de esta música. Y simplemente no estoy de acuerdo con perpetuar la idea de que la música no tiene valor y debería ser gratuita”, compartió entonces.

Lo que motivó a Swift a retirar su catálogo fue su idea de que estas plataformas no estaban pagando los royalties que los músicos generaban. En ese momento, Spotify no ofrecía a los artistas la opción de decidir si su música estaría disponible solo para los usuarios de pago o también para los que no pagaban, quienes no generaban ingresos para los artistas. Su retirada fue su forma de proteger el valor de su música.

Algo que debemos tener en cuenta que, en 2014, la cantante acababa de lanzar 1989, uno de los álbumes más importantes de su carrera porque acabó consolidándola como una estrella del pop internacional. El disco nunca llegó a subirse en Spotify aquel año, y todo el que quería escuchar las canciones debía comprar el formato físico. El éxito llegó sin necesidad del streaming.

El cambio de opinión llegó tres años después

En 2017, la compositora de temas como Shake If Off o Love Story cambió de opinión. Lo hizo cuando 1989, el álbum que había sacado tres años antes, alcanzó las diez millones de copias vendidas. “Taylor quiere dar las gracias a sus fans haciendo que todo su catálogo esté de nuevo disponible en todos los servicios de streaming a partir de esta medianoche”, compartió su discográfica.

Entonces todo el mundo especuló que la principal razón que la llevó a volver a Spotify fue confirmar que lo que había llamado “experimento” acabó convirtiéndose en una herramienta de éxito de la que no podía prescindir en su carrera. Para 2017, la plataforma de música había alcanzado los 50 millones de suscriptores de pago. Hoy, Taylor Swift es una de las artistas más escuchadas del mundo en esta aplicación.

“Desde este 24 de diciembre la música de los Beatles se puede escuchar en las plataformas de música a través de internet. Y en las primeras 48 horas de estar disponibles, sus canciones fueron reproducidas unas 50 millones de veces”. Así daba la noticia la BBC sobre la llegada del catálogo de la banda de Liverpool a Spotify, Apple Music y compañía a finales de 2015.

Aquello fue todo un hito. Hasta ese momento, los que querían escuchar canciones como Hey Jude, Come Together, Blackbird, In My Life o Let It Be tenían dos opciones: recurrir al formato físico (discos y vinilos) o adquirir los temas mediante descarga digital en plataformas como iTunes; una opción que en la que los ingleses habían debutado en 2010 tras una larga negociación. 

En 2015, ya había muchos grupos y artistas que habían subido sus canciones a las plataformas que permitían la escucha en tiempo real. En el caso de Spotify, por ejemplo, la aplicación ya contaba con unos 30 millones de temas disponibles (hoy ya va por 100 millones). Sin embargo, todavía había algunos que estaban reticentes a aceptar que el streaming había llegado para quedarse.

Uno de los casos más emblemáticos de aquella época era el de Adele. La cantante británica había lanzado su álbum 25, el cual se convirtió en el disco más vendido de 2015 con 17, 4 millones de unidades. Un logro que consiguió sin necesidad de subir el álbum a ninguna plataforma. 

“Yo no utilizo el streaming. Yo descargo [la música] y compro una copia física. Me parece un poco desechable el streaming. Yo creo que la música debe ser un evento”, le explicó la cantante a la revista Time. En aquella época, compañeros de profesión de Adele como Taylor Swift, Drake, Ed Sheeran o Katy Perry ya estaban (o habían estado) presentes en este tipo de plataformas.

El problema estaba en los beneficios

¿Cómo era posible entonces que una de las bandas más populares de todos los tiempos no tuviera sus canciones en Spotify? La respuesta estaba en el dinero. “Los agentes no querían hacer nada que pusiera en riesgo los potenciales beneficios de esas reventas y compilaciones. Es un catálogo muy lucrativo. Han esperado hasta que el mercado llegara a tener una escala que le permita obtener un acuerdo con mayores beneficios”, explicó Mark Mulligan, de la firma de investigación musical Midia, a la BBC hace diez años. 

La banda consiguió así acercarse a las nuevas generaciones que dejaban atrás los discos para ponerse la música en el móvil y el ordenador. Hoy, el grupo formado por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr tiene más de 34 millones de oyentes mensuales en Spotify, donde canciones como Here Comes The Sun superan los 1,7 mil millones de reproducciones. 

Ni para ver una película ni tampoco un documental: el 3 de octubre de 2025, Taylor Swift consiguió movilizar a sus fans para que acudieran a las salas de cine a ver el estreno de su nuevo videoclip, que arrasó hasta convertirse en número 1 en taquilla, también en España. Pero ese mismo día ocurría otra cosa interesante: Swift ofreció una entrevista en el show del británico Graham Norton, donde compartió programa con estrellas de la talla de Cillian Murphy, Greta Lee, Lewis Capaldi, Domhnall Gleeson y Jodie Turner-Smith. Ahora, cinco meses después, y en un momento en el que los vídeos musicales no tienen el impacto de antaño, todos ellos aparecen en el último de la artista estadounidense.

Reclutar a un gran elenco de nombres para que aparezcan en un vídeo musical supone una anomalía en la época actual, sobre todo porque este formato ha perdido repercusión con el paso del tiempo y las discográficas empiezan a verlo como un esfuerzo innecesario. Sin embargo, y justo por ello, los artistas buscan nuevas formas de acaparar la atención del oyente, pero un movimiento inesperado implica dejar a YouTube, que hasta ahora era la principal biblioteca de videoclips del mundo, fuera de esta ecuación. Desde el pasado 17 de enero, las reproducciones y visualizaciones del gigante rojo han dejado de contar para las listas de éxito de Billboard, que mide la popularidad de las canciones en EEUU.

El videoclip que más veces se ha visto en YouTube es Baby Shark Dance de Pinkfong Baby Shark, con más de 15 mil millones de visitas. Le sigue Despacito, de Luis Fonsi y Daddy Yankee, con más de ocho mil millones. Hoy, ninguna de esas visualizaciones contabilizarían para medir el éxito de la canción, como ocurrirá con las visitas que obtengan en el futuro. Esto se debe a que YouTube ha dejado de proporcionar sus datos a Billboard, pues no considera justa la nueva metodología de sus listas, que prioriza el streaming de pago (Spotify Premium, Apple Music) sobre el gratuito con publicidad, argumentando que esta fórmula ignora a los fans que consumen música gratuitamente.

Lo relevante de este asunto radica en el usuario que consume la música. Spotify, pese a incluir una versión gratuita, cuenta con un enorme número de usuarios que pagan una suscripción. Apple Music, de hecho, solo es de pago, pero la mayoría de gente que consume YouTube financia su visionado a través de publicidad. Billboard da mucho más peso a las reproducciones de plataformas de pago, y en la fórmula de 2025/2026 estas reproducciones valen 2,5 veces más que una reproducción gratuita. Su postura se basa en que las escuchas de pago reflejan una intención más genuina de consumo, mientras que las gratuitas pueden ser menos valiosas comercialmente.

La ruptura entre Billboard y YouTube pone de manifiesto que ya no importa la popularidad de la música, sino la economía de quien la consume. El experto musical JotaJota, quien reseña discos en su canal de YouTube y dirige el pódcast Pop Pop Pop!, considera “injusto” el nuevo método de Billboard, puesto que “una reproducción es una reproducción” independientemente de si viene de un usuario gratuito o de alguien que paga una suscripción. Además, afirma que puede acarrear que los artistas no se “curren tanto” los vídeos porque YouTube ha dejado de sumar para aquellos que aspiran a aparecer en las listas de éxitos.

Las consecuencias se empiezan a hacer visibles. Después de que Spotify haya luchado en los últimos meses por implementar los videoclips a la plataforma —Apple Music los incorpora desde 2018—, Taylor Swift ha sido la primera artista en estrenar su nuevo videoclip en ambas aplicaciones, publicándolo en YouTube dos días más tarde. Esto hubiera sido impensable hace años y responde a un “fenómeno de convergencia”, según explica David Selva a elDiario.es, quien es profesor en la Universidad de Cádiz y ha analizado las capacidades de este formato en su obra El videoclip: comunicación comercial en la industria musical.

La caída del videoclip como necesidad

Mientras que hace dos décadas la canción era una cuestión de promoción, ahora también es una cuestión de producto. Es algo que también ha sucedido con los conciertos, pues antes suponían una herramienta de promoción para vender más discos, pero hoy en día es la venta de entradas la que sustenta a los artistas. David Selva apunta que el paradigma ha cambiado: “Todos quieren llegar al mismo punto y todos vienen de un extremo diferente”. YouTube, que tradicionalmente era una plataforma de vídeo, busca posicionarse como una aplicación donde escuchar música —de ahí su apuesta por YouTube Music—, en tanto que Spotify, que ya era un sitio de música, intenta virar hacia una plataforma que también incluye vídeo.

Pese a que las plataformas de streaming hayan dado más relevancia a las canciones como producto individual gracias a las playlists, el propósito de un artista con un single siempre ha sido el de dar a conocer su disco. Pero los videoclips también eran el escaparate hacia sus oyentes. “Ayudan a crear la imagen de un artista como alguien que no solamente canta, sino que tiene una personalidad, visión y valores determinados”, indica Selva. Para Rosalía, por ejemplo, fue clave el mundo visual construido con El Mal Querer y Motomami, pero recientemente ha presentado trabajos más vacíos como el vídeo de La Perla a causa de que no esperaba el éxito del tema. Antes, los cantantes decidían sus singles, pero ahora los escogen en base a la canción que más triunfa en plataformas, por lo que el tiempo es más limitado.

En la actualidad, sin embargo, los artistas pueden construir su identidad visual sin necesidad de focalizarse en este formato. JotaJota destaca que “la pandemia ha marcado muchísimo la diferencia”. Mientras que en 2010 era impensable que la gente pudiera asomarse a los salones de los famosos, el confinamiento de 2020 y el auge de las redes sociales lo hicieron realidad. “Les ha venido muy bien porque, al romperse esa magia y al habernos dado cuenta de manera consciente de que los artistas son personas, tienen menos presión”, alega el streamer. Una presión que sí fue clave en Lady Gaga, quien, a partir de vídeos como Bad Romance, Telephone o Alejandro, y a fuerza de extravagancia y controversia, consiguió romper estándares redefiniendo la estética pop y subvertiendo la mirada masculina.

La popularidad de los vídeos de Lady Gaga a inicios de su carrera fue, precisamente, la que revitalizó la industria del videoclip tras su primera crisis. MTV, la famosa cadena de televisión que cerró a finales de 2025 y retransmitía videoclips las 24 horas, transformó la cultura en los 80 convirtiendo a artistas como Madonna y Michael Jackson en superestrellas mundiales. De hecho, el videoclip de mayor presupuesto de la historia sigue siendo Scream de Michael Jackson y Janet Jackson, estrenado en 1995. No obstante, justo a mediados de los 90, el éxito de MTV empieza a caer en pos de otros contenidos como los reality shows, por lo que no es hasta la llegada de YouTube cuando el videoclip experimenta otro crecimiento.

Aparte de Spotify, TikTok es otra plataforma que juega un papel fundamental en el bajón de consumo de música en YouTube tras más de una década espléndida, cambiando códigos en el plano audiovisual. El más interesante de todos ellos es el del tiempo. El público más joven, que acostumbra a pasar más rato en esta aplicación, lo hace a un ritmo muy rápido, inmerso en vídeos de 10 a 30 segundos. Esto provoca que el videoclip, que llamó la atención por ser dinámico, ágil y ser capaz de transmitir en tres minutos, tenga que afrontar el nacimiento de un formato aún más corto.

Asimismo, el lenguaje que utiliza también muta. “Los videoclips que tenían coreografía eran más secundarios, no estaban pensados para que la gente los replicara, pero ahora mismo es un fenómeno en TikTok y es normal que el videoclip adapte esa cuestión”, explica Selva. Tanto es así que cuando Taylor Swift hizo el vídeo de The Fate of Ophelia, que contiene el gran último baile viral de TikTok, también se grabó en diferentes localizaciones del videoclip haciendo este baile. Son vídeos que la artista grabó al mismo tiempo que hacía el videoclip, por lo que ya estaba en sus planes lograr que se viralizara, como finalmente sucedió.

Se trata de la misma cantante que ostenta el récord del videoclip de Vevo con más visualizaciones en 24 horas, alcanzando con su canción Me! más de 65 millones en su día de lanzamiento. Lo logró gracias al fenómeno popularizado por ella de los easter eggs; es decir, pistas en sus vídeos que hacen referencia al propio universo narrativo que Swift ha construido. El de Me!, entre otras cosas, contenía un letrero gigante que rezaba Lover, que en aquel entonces no se sabía que sería el título del séptimo álbum de la compositora. Ese fue, además, su primer videoclip codirigido. Desde entonces, Taylor Swift ha sido la directora de todos sus videoclips tras aprender de maestros como Joseph Kahn.

“El hecho de que ella dirija muchos de sus videoclips es una forma de presentarse como auténtica”, apunta David Selva. “Es una forma de decir: 'No soy un producto, no soy una especie de anuncio publicitario, solo soy yo expresándome. Soy una artista, una autora y trasmito verdad'”. El videoclip es otra vía que ha empleado Swift para contar historias, algo que ha hecho siempre en sus canciones y que la ha llevado a su éxito. Sin embargo, también es un paso previo antes de debutar como directora de su primer largometraje, cuyo guion se sabe que está escrito desde 2022.

El videoclip como escuela de cineastas no es algo nuevo. Michel Gondry o Spike Jonze vienen de hacerse un nombre en la industria del videoclip, que les permitiría luego dar el salto al largometraje. En el sentido contrario, Ridley Scott dirigió el videoclip Avalon de la banda de rock inglesa Roxy Music en sus comienzos como director, dotando de prestigio el vídeo tras haber ya dirigido películas como Alien. Por otro lado, el videoclip de Bad de Michael Jackson, lanzado en 1987, fue dirigido por el reconocido cineasta Martin Scorsese, e incluso en España, Juan Antonio Bayona inició su carrera dirigiendo vídeos musicales como el de Cuando zarpa el amor de Camela o el de Maldito duende de Raphael.

La industria musical busca mantener con vida un formato que ha sido esencial en la cultural tal y como la conocemos hoy día. La novedosa funcionalidad de Spotify para agregar los videoclips a la plataforma puede ser una manera, pero no debe ser la única. Los artistas y los cineastas deberán seguir buscando nuevas formas de captar la atención del oyente. Bardia Zeinali lo ha hecho en el videoclip de Tears de Sabrina Carpenter, publicado el año pasado con una sorpresa: cada día, el espectador encontraría un final diferente si veía el vídeo en YouTube. Hasta cuatro finales alternativos ha tenido Tears desde su estreno. ¿Cuál será el final del mundo del videoclip?

La ínfima remuneración que reciben los artistas por parte de Spotify y la opacidad de su funcionamiento interno lleva años crispando los ánimos del gremio de creadores, pero la noticia de que su fundador, Daniel Ek, había invertido 600 millones de euros en Helsing, empresa alemana especializada en fabricación de drones de combate, provocó las primeras reacciones serias. Grupos independientes como Deerhoof, King Gizzard & the Lizard Wizard y Xiu Xiu retiraron sus catálogos en verano. Otras más conocidas, como Massive Attack, anunciaron su intención de hacer lo mismo, aunque todavía no lo han logrado. El pasado noviembre, 160 artistas vascos planificaron una fuga coordinada de Spotify y hace una semana 80 artistas catalanes capitanearon una estrategia similar.

Más allá de la protesta simbólica, porque la retirada de varios cientos de repertorios afecta la imagen de Spotify pero no sus finanzas, también empiezan a cobrar forma iniciativas cuyo objetivo es imaginar un consumo de música en streaming más ético y responsable que no dependa del capricho de grandes empresarios; llámense Spotify, Amazon, Apple, Tidal, YouTube o Deezer. La semana pasada se presentó en sociedad en Barcelona el colectivo La Instrumental, integrado por activistas, programadores, artistas y personas vinculadas al ámbito cooperativista y de la economía social y solidaria. Llevan medio año reflexionando sobre cómo debería ser una plataforma ética, cooperativa y alternativa a Spotify y en apenas tres meses han ideado un prototipo llamado Fairplayer.

A diferencia de otras alternativas más éticas que Spotify, como Subvert, Mirlo o Qobuz, Fairplayer es una herramienta diseñada con herramientas de código abierto y con la intención de ser replicable más allá del ámbito catalán al que, por ahora, se circunscribe. De hecho, Fairplayer nace a partir del software también libre Faircamp que permite generar catálogos musicales al margen de distribuidoras y otros intermediarios de la industria musical digital. Fairplayer será la plataforma a través de la cual se podrá escuchar en streaming la música almacenada en esos catálogos. Por ahora funciona en fase beta con 900 canciones aportadas por una veintena de artistas catalanes que editan su música desde cooperativas discográficas como Radi Solar y Discos Pinya. Ya se pueden escuchar desde el portal fairplayer.band, aunque por ahora el proceso para que artistas o sellos incorporen su catálogo es algo más complicado y necesita asesoría.

Tras analizar los ejemplos existentes, La Instrumental asume que no tiene sentido crear una alternativa a Spotify con la misma estructura y modelo de gobernanza que Spotify. Ni siquiera Bandcamp, considerada por muchos melómanos y artistas la plataforma más justa, puede existir al margen de procesos de compra-venta que puedan alterar sus objetivos empresariales, sus políticas de servicio y, finalmente, mierdificar sus planteamientos iniciales. La Instrumental está diseñando un ecosistema de escucha digital en el que nadie sea dueño de nada. Fairplayer solo es una plataforma de escucha a la que los artistas y sellos conectarán sus repertorios, pero no habrá un almacén que centralice todos los archivos. Y, en tanto que modelo replicable desde cualquier rincón del planeta, el Fairplayer barcelonés (aun sin nombre) tendrá forma de app, pero solo sería una de muchas plataformas de escucha de una red descentralizada e interconectada.

Para ello, y tras meses de reflexión, La Instrumental ha decidido separar sus dos estructuras clave: el reproductor de música y el gestor de catálogos. Fairplayer solo es el reproductor y a él se enlazarán los catálogos que se sumen a la plataforma. Lo único que tendrá que hacer un sello o artista es vincularse a ese gestor de catálogo. Por ahora, la única forma de hacerlo es a través de la herramienta Faircamp, pero la intención es crear protocolos que permitan a cualquier creador vincular su obra al reproductor desde su servidor. Este sistema implica que el artista no entrega copias a otra plataforma, sino que activa un acceso a las copias que él ya tiene almacenadas. Y ese proceso ni siquiera implica tener que darse de baja de Spotify, Amazon o cualquier otra plataforma. Es solo un primer paso de cara al gran objetivo: reducir la dependencia de las grandes plataformas y atraer al público a un ecosistema digital más democrático y justo.

El objetivo de La Instrumental es articular una alternativa real y antimonopolística a esta forma de acceder a la música que aparentemente solo puede existir según las normas que dicte el oligarca del streaming de turno. Aquí se trabaja en vistas a una plataforma sin ánimo de lucro, de código libre y replicable, con un sistema transparente de algoritmos y una remuneración por escucha muy superior a la que se estila en este sector. Y todo ello, gracias a un planteamiento de base que no entiende este servicio solo como una herramienta para mejorar las condiciones de los artistas en este entorno digital, sino, ante todo, como un proyecto planteado por y para la gente que escucha música en la red.

Una cooperativa de oyentes

Aunque en una primera lectura pudiera parecer un micro lobby de sellos independientes o el enésimo colectivo de artistas insatisfechos con la deriva excluyente del negocio, en la jornada de presentación de La Instrumental, y a la que asistieron unas 70 personas, se utilizó una y otra vez el término cooperativa de oyentes. “Muchos de los que estamos aquí hacemos canciones, pero todo escuchamos mucha más música de la que creamos”, resaltó un cantante para subrayar la vocación primera y última de este proyecto: crear una herramienta para que los oyentes se relacionen con la música de forma más proactiva, ética y horizontal. En el ambiente flotaba la intuición de que, pensando más como oyentes que como artistas, sería más fácil dar forma a una plataforma más sana, realmente democrática y ajustada a las necesidades de los usuarios. Al fin y al cabo, son estos los que la utilizarán la herramienta y la financiarán mediante sus cuotas.

Los más viejos del lugar recordaron el proyecto Círculo de Lectores, un club de lectores que llegó a tener un millón y medio de socios y cuya cuota les permitía recibir un catálogo de novedades y escoger qué libro quería recibir cada mes. Fue un modelo de negocio que funcionó durante décadas en paralelo a las librerías y que situaba en el centro a los consumidores de literatura, no a los autores. Durante la jornada, a modo de contextualización, hubo tiempo para conocer cooperativas de consumo como La Murga, Rocaguinarda, La Ciutat Invisible y Food Coop; proyectos que parten de la base del empoderamiento del público, ya sea como consumidor de cultura, alimentos o energía.

A lo largo de la jornada se planteó la posibilidad de crear un espacio de reflexión sobre la propia escucha musical, una actividad que las plataformas de streaming han convertido en algo pasivo. Y aun comprendiendo el miedo que puedan sentir algunos artistas ante la idea de abandonar Spotify, se incidió en lo tóxico que es asumir esa opinión según la cual si no estás en Spotify no existes. También se denunció lo pernicioso que es caer en esa numerocracia que estructura las carreras de los artistas en función de sus cifras en Spotify. De hecho, uno de los primeros puntos a replantear en la nueva plataforma es si el número de escuchas debería ser visible. Aquí nada viene impuesto. Todo es debatible.

Con la herramienta ya diseñada, el próximo paso será muscular el grupo motor, definir órganos de gobierno y fortalecer la cooperativa con el mayor número de socios-oyentes. De este último aspecto depende la viabilidad económica de una iniciativa que quiere remunerar justamente a los artistas. A partir de aquí, todo está por decidir. ¿Qué calidad de audio tendría la música? La que decidiese cada artista o sello, puesto que la música estaría en sus servidores. ¿Cuántas veces podrá escuchar una canción un usuario que no pague cuota? Tres, cinco, diez o mil: las que cada artista determine. ¿Y el reparto de ingresos corresponderá estrictamente al número de escuchas de cada artista? Por supuesto.

Miles de dudas y posibilidades

Una plataforma de streaming que no centralice la música ni las decisiones abre un horizonte infinito de posibilidades. La intención, a grandes rasgos, es humanizarla al máximo y que el algoritmo tenga la mínima incidencia. “El arte es comunidad y presencialidad”, teorizó alguien, “e internet es solo una herramienta”. La Instrumental, por tanto, trabaja en pos de una herramienta que genere y fortalezca comunidades de oyentes. Un ejemplo: si se organizasen encuestas para que la comunidad votase qué artistas desearía poder escuchar en la nueva plataforma cooperativa, la gestora podría invitarlos a incorporar sus catálogos sabiendo que existe una demanda. Aun así, las decisiones consensuadas en el Fairplayer barcelonés no tendrían por qué ser aceptadas automáticamente por los fairplayers que se articulen en otras ciudades en base a esta tecnología.

Meses atrás nacía en Euskadi el portal musikariak.es con más de 150 artistas y varios miles de canciones ya incorporadas al catálogo. Y decenas de bibliotecas públicas de EEUU ofrecen desde hace años colecciones de discos de artistas locales para que sus usuarios los puedan escuchar e incluso descargar; una estrategia que apunta, de nuevo, a la creación y fortalecimiento de comunidades de oyentes y artistas. El gran sueño sería que todas las comunidades y apps que surjan a través de la plataforma Fairplayer se acaben interconectando, de modo que desde cualquier cooperativa de oyentes se puedan escuchar los catálogos de canciones de cualquier otra cooperativa de la federación.

“El capitalismo ha logrado que vivamos las luchas como una especie de extraescolar”, soltó alguien durante la jornada. Acto seguido, otra voz resaltó que “la lucha contra las big techs es parte de todas las demás luchas”. Tras ocho horas de presentaciones, incertidumbres, asombros, quimeras y enriquecedores turnos de palabra, una última sentencia puso un improvisado broche al acto: “La acción es un antídoto contra la miseria”. Podrían imprimir camisetas con ella.

Más de 70 artistas catalanes han dicho basta a la plataforma Spotify y han presentado esta tarde en el Espai Josep Bota de Sant Andreu (Barcelona) la campaña Boicot Spotify, una iniciativa destinada a convencer a músicos, productores e intérpretes, así como al público consumidor, para que abandonen el servicio de consumo de contenidos musicales más extendido del mundo.

Entre estos artistas destacan especialmente el cantante y compositor portugués afincado en Barcelona Salvador Sobral, ganador para su país del Festival de Eurovisión en 2017, y la pianista y compositora, Premio Nacional de Cultura de Cataluña en 2019, Clara Peya. Ambos han declarado que a partir del 30 de enero retirarán su catálogo de la plataforma.

“En mi caso, ya tengo parte de la discografía retirada, pero ahora ya no dejaré ningún trabajo que tenga mi autoría”, ha explicado Peya, mientras que Sobral ha lamentado no poder retirar las colaboraciones con otros artistas. “De todas formas, mi hermana me ha concedido que si quiero retirar la canción con la que ganamos Eurovisión, Amar pelos dois, ella lo aceptará”, ha dicho el portugués.

Ambos artistas han reconocido que aunque reciben relativamente pocos emolumentos de Spotify, la plataforma sí representa una tarjeta de visita muy importante para programadores de conciertos y festivales, que miden en ella la popularidad de los artistas. “Sentimos cierto vértigo”, ha apuntado Peya. “Y nos quita bastante el sueño, pero estamos comprometidos” ha remachado Sobral.

Anuncios para el ICE e inversiones en drones militares

No son los únicos artistas que se comprometen a retirar sus creaciones de Spotify, les secundan más de setenta creadores y creadoras, principalmente de Catalunya, Baleares y la Comunitat Valenciana que, aunque tienen una producción menor y menos conocida, asumen el riesgo de salir de una plataforma que sirve de promoción a muchos músicos que comienzan o mantienen un perfil mediático más bajo.

Entre los motivos que alegan desde este colectivo, que no son pocos, los representantes de Boicot Spotify han enumerado las inversiones del consejero delegado Daniel Ek en la empresa de tecnología militar y drones Helsing, que alcanza los 600 millones.

También citan los polémicos anuncios de reclutamiento de agentes del ICE, que tuvieron lugar en la plataforma hasta el pasado diciembre. Si bien Spotify aseguró que la campaña había terminado, las tropas de este cuerpo paramilitar de fronteras han adquirido protagonismo estas últimas semanas merced a su actividad en el estado demócrata de Minnesota, donde han asesinado a dos activistas, ciudadanos estadounidenses.

Pésima remuneración y uso indiscriminado de la IA

Virginia Soler, conocida con el nombre artístico de Birch y una de las principales promotoras de Boicot Spotify, ha citado otros motivos para salir de la plataforma. Entre ellos “el mal trato económico que Spotify da a los artistas”. Soler ha asegurado que “el 88% de las pistas de audio subidas a la plataforma no alcanzan las 1000 reproducciones, con lo que sus autores no perciben ni un céntimo”.

Víctor Jiménez, otro de los promotores, ha añadido como motivación el “uso fraudulento de la IA por parte de Spotify,”. Jiménez ha dicho que Spotify utiliza las canciones subidas por los autores para entrenar a su Inteligencia Artificial (IA) generativa, con la que “genera decenas de miles de pistas artificiales por las que no paga derechos a los autores que las han inspirado”. Asegura también, corroborado por el resto de artistas asistentes, que Spotify ha llegado a acuerdos con las grandes discográficas para la creación y promoción de artistas y pistas generadas por IA.

A este respecto, Salvador Sobral advertido que “la IA solo genera entretenimiento, y que el consumo de contenidos de entretenimiento no conseguirá los objetivos del arte, que es romper moldes e innovar, y hacerlo gracias a la creatividad inherente al ser humano”.

También el rapero Levico, de la banda Statu Quoniam, ha intervenido para proclamar que “el abandono de Spotify por parte de un creador es una forma de liberación, porque nos desprendemos de una dependencia muy grande respecto a las métricas, las audiencias y el perfil del artista que realiza el servicio con los datos que te presta y de los que sed sirve para hacer mayor su negocio”.

Levico ha citado a Facebook e Instagram y sus “likes” como un a suerte de droga que condiciona al creador, que sin saber sirve a estas plataformas toda su información privada. Peya, por su parte, ha recordado para terminar que “las artistas no estamos solas en esta lucha, que debe implicar también a los oyentes, por lo que les pedimos que abandonen Spotify y prueben otras plataformas”. Al respecto, el grupo ha recomendado por unanimidad Qobuz, plataforma que, han asegurado, “es la cumple los mayores estándares éticos”.

Finamente, los integrantes de Boicot Spotiy han anunciado que el próximo domingo 1 de febrero revelaran los primeros diseños de entorno gráfico de una propuesta de plataforma musica de código abierto, diseñado por algunos de sus integrantes. “Queremos que a la larga este software sea la base de una cooperativa de oyentes para todo el estado”, ha cerrado Víctor Jiménez.

“Espero que mi música y mis películas alivien parte del estrés y las amenazas injustificadas que estáis sufriendo por parte de nuestro impopular y, esperemos, temporal Gobierno”, ha escrito a los groenlandeses Neil Young en su página web. El cantautor se refiere a las amenazas de anexión de Donald Trump, que ha llegado a asegurar durante las últimas semanas que podría usar la fuerza militar para incorporar el territorio autónomo a Estados Unidos. El archivo de canciones va a estar disponible para todos los habitantes de la isla durante un año entero.

“Es mi deseo sincero que podáis disfrutar de toda mi música en vuestra hermosa Groenlandia, con la máxima calidad. Esta es una oferta de paz y amor. Toda la música que he compuesto durante los últimos 62 años es vuestra para que la escuchéis. Esperamos que otras organizaciones sigan nuestro ejemplo”, escribe el cantante en su página web oficial. Lo único que los groenlandeses necesitan hacer para acceder a todas las composiciones de Young, que tiene ya 80 años, es tener un número de teléfono de Groenlandia y registrarse en un enlace que aparece al final del comunicado.

Además, Young ha reiterado una vez más su oposición a Amazon, plataforma en la que su música no está disponible desde octubre. El canadiense ha criticado en varias ocasiones el apoyo del director ejecutivo de la compañía, Jeff Bezos, al presidente Donald Trump. “Las políticas del presidente y su apoyo a ICE me son imposibles de ignorar”, aseguró hace algunas semanas. Young animaba al público internacional a evitar el uso de Amazon: “Quienes busquen mi música pueden encontrarla en otros sitios”.

No es la primera vez que Young hace un gesto parecido. En 2022, el famoso podcaster estadounidense Joe Rogan difundió bulos negacionistas sobre la transmisión del Covid y las vacunas. Después de eso, el cantante retiró toda su música de Spotify, plataforma en la que Rogan publicaba todos los episodios de su podcast de forma exclusiva. El artista también quiso abrir su gira europea con un concierto gratuito en Ucrania, en lo que quería ser un gesto de solidaridad con el pueblo ucraniano contra la ocupación rusa. El plan de Young era celebrar el concierto en verano de 2025 para abrir su gira Love Earth, aunque finalmente tuvo que cancelarlo por “problemas de seguridad”.

La Unión Europea ha conseguido encallar, de momento, la obsesión de Trump por anexionarse Groenlandia, territorio perteneciente a Dinamarca. La cumbre celebrada en Bruselas la semana pasada mandó un claro aviso al presidente de Estados Unidos de que Europa va en busca de la independencia. “Tuvimos éxito en resistir, en no escalar, pero también en mantenernos firmes. Sabemos que tenemos que trabajar cada vez más por una Europa independiente”, dijo en ese momento la presidenta de la Comisión Europea, Ursula Von der Leyen.

La UE puso sobre la mesa dos golpes directos importantes sobre la economía de EEUU: aranceles por 93.000 millones de euros sobre productos estadounidenses, hasta ahora suspendidos, tras el acuerdo comercial entre ambos bloques que se firmó en julio de 2025, y el instrumento anticoerción, una herramienta que permite castigos comerciales muy duros contra un país, aunque se ha puesto sobre la mesa para que sirva “no tanto como una represalia, sino como una disuasión”.

Pocas personas quedan en el mundo que no hayan escuchado The Fate of Ophelia. La canción de apertura de The Life of a Showgirl, el último disco de Taylor Swift, se ha convertido en el mayor hit de este final de año. Sin embargo, contra todo pronóstico para un tema en inglés, ha empezado a acumular más reproducciones en un país como Brasil que en Estados Unidos. Se trata de una hazaña que solo se explica, precisamente, debido al factor del idioma: numerosas versiones creadas con inteligencia artificial han versionado la canción en portugués y se han vuelto virales.

“No puedo creer que la IA sencillamente haya creado una de las mejores canciones que he escuchado en los últimos 10 años”. Así de tajante ha sido el usuario @Lucas11274 en los comentarios de una de las versiones de The Fate of Ophelia publicadas en YouTube, cuyo mensaje ha recibido más de mil likes. Este tema, publicado también en Spotify bajo el título de A Sina de Ofélia, y que imita las voces de las superestrellas brasileñas Luísa Sonza y Dilsinho, no acredita de momento a Taylor Swift, pero acumuló el 29 de diciembre hasta 433.000 reproducciones solo en Spotify Brasil.

No obstante, esa no es la única versión que está triunfando en la plataforma, pues otra grabación hecha con IA y titulada Todo Tempo Sozinha Nessa Torre acumuló ayer 393.000 escuchas en Spotify Brasil. Para ponerlo en perspectiva, la canción original sumó 512.000 reproducciones, lo que la llevó a alcanzar un total de 1,3 millones de escuchas solo ayer en Spotify Brasil si sumamos las 826.000 reproducciones de las versiones creadas por inteligencia artificial. Estas versiones se están empleando en aplicaciones como TikTok para acompañar vídeos que alientan al equipo de Brasil en el próximo Mundial de Fútbol.

En España, The Fate of Ophelia se convirtió en la primera canción de esta década íntegramente en inglés que alcanzaba la primera posición en el país, según se puede consultar en la base de datos de Promusicae. En EEUU, además, se ha mantenido en el número 1 durante ocho semanas y todo apunta a que seguirá en la cima. Sin embargo, en Brasil y Portugal ha sucedido algo diferente: en lugar de que la gente haya dejado de escuchar el tema original para escuchar las versiones creadas con IA, son estas versiones las que han ayudado a que aumenten las reproducciones de la original.

Es evidente que la nueva canción de Taylor Swift ya era un éxito antes de que las versiones brasileñas de IA se volvieran virales, pero es gracias a estas versiones que la canción ha resurgido en países de Latinoamérica. El equipo de Taylor Swift no se ha pronunciado sobre estas versiones brasileñas no oficiales, que solo pueden escucharse en Spotify o YouTube. En Apple Music no están disponibles, por lo que es la canción original la que encabeza la lista de éxitos de Apple Music Brasil. Lo mismo sucede en Apple Music Portugal, donde no hay rastro de A Sina de Ofélia mientras que esa versión ocupa la décima posición en la lista de éxitos de Spotify Portugal.

“La mujer simplemente le puso droga a la música; es completamente adictiva en cualquier idioma o género. Le será imposible detener los miles de millones de versiones que surgirán; esta es, por mucho, la mejor hasta la fecha”, ha comentado el usuario @patrickneves6346 bajo el tema A Sina de Ofélia publicado en YouTube. “La música es una mezcla de Carnaval y el final recuerda al Mundial. Dios mío, IA”, ha escrito @alinemarquitimachado.

Taylor Swift, en contra de la IA

La artista ya se posicionó en el pasado en contra de la inteligencia artificial. Lo hizo para apoyar la candidatura de Kamala Harris en las últimas elecciones presidenciales de Estados Unidos. “Recientemente me enteré de que una IA de 'mí' apoyando falsamente la candidatura presidencial de Donald Trump se publicó en su página web”, escribió Swift en Instagram en septiembre de 2024. “Esto ha despertado mis temores en torno a la IA y los peligros de difundir información errónea. Me llevó a la conclusión de que debo ser muy transparente sobre mis planes para estas elecciones como votante”, afirmó Swift, que agregó que “la forma más sencilla de combatir la información errónea es con la verdad”.

Otro caso de un tema creado por inteligencia artificial que se volvió viral es el de NostalgIA, canción publicada por Flow GPT en noviembre de 2023 en la que cantan las voces de Bad Bunny, Daddy Yankee y Justin Bieber simuladas con IA. Quien reaccionó negativamente fue Bad Bunny, que se pronunció en el canal de WhatsApp que tiene con sus seguidores: “Si a ustedes les gusta esa mierda de canción que está viral en TikTok, sálganse de este grupo ahora mismo. Ustedes no merecen ser mis amigos y por eso mismo hice el nuevo disco, para deshacerme de gente así. Así que fuera”.

Las versiones brasileñas de The Fate of Ophelia no son las únicas que están copando las plataformas de streaming. Recientemente, también se volvió viral The Funk of Ophelia, creada por DJ Nellin y lanzada de manera no oficial. El tema, publicado en Spotify, YouTube y Apple Music, ahora solo puede escucharse en Spotify y YouTube, y sí cuenta con Taylor Swift en los créditos, aunque eso no confirma que Swift haya aprobado el lanzamiento de esta versión.

“Están clonando mi música para conseguir reproducciones, ¡y estoy intentando solucionarlo!”, respondió DJ Nellin a un usuario en Instagram que le avisaba de que había varias versiones de su versión publicadas en internet. “Creo que esto solo pasa en Spotify; ¡YouTube Music todavía tiene mi versión original!”, añadió el músico. Entre los comentarios que recibió Nellin, uno afirmaba que “nunca había estado tan feliz por una canción funk”. El tema ya acumula 5 millones de reproducciones solo en Spotify, en tanto que The Fate of Ophelia ya supera los 760 millones de reproducciones en menos de tres meses.

Lo que sí parece evidente es que The Fate of Ophelia va a cerrar el año como uno de los grandes hits de 2025, y apunta a continuar siéndolo a lo largo de 2026. El tema, tal y como hiciera la compositora con su clásico country Love Story, da la vuelta a otra historia shakesperiana, Hamlet, para celebrar un destino diferente al que tuvo Ofelia en la obra. Su videoclip se estrenó en exclusiva en los cines de todo el planeta, logrando ser número 1 en la taquilla de España el viernes 3 de octubre.

Gaspar Llamazares, portavoz y concejal del grupo municipal de Izquierda Unida (IU)-Convocatoria por Oviedo, ha encontrado una nueva vía para que sus propuestas calen en la ciudadanía. Además de presentar las iniciativas en sesiones plenarias o debatir sobre las principales inquietudes y necesidades de la capital asturiana ha decidido exponer sus posicionamientos con el altavoz del podcast “El Oviedo que seremos”.

Es la forma más directa de trasladar y comunicar cuál es su perspectiva y la de su grupo municipal sobre cuestiones que atañen a los vecinos y vecinas de la capital asturiana y les afecta directamente en la vida cotidiana.

Memoria, debate y proyecto colectivo

El podcast está concebido como un espacio de reflexión, diálogo y participación ciudadana sobre el presente y el futuro de la ciudad.

“Oviedo es memoria, debate y proyecto colectivo. Desde esa idea, el podcast nace con el objetivo de abrir una conversación serena y plural sobre el modelo de ciudad, alejándose del ruido y apostando por el intercambio de ideas y propuestas que ayuden a construir un Oviedo más justo, más sostenible y más habitable”, aseguran desde el grupo municipal.

A continuación reproducimos un avance del nuevo podcast del portavoz de IU.

A lo largo de los distintos episodios de “El Oviedo que seremos” se abordarán aquellas temáticas que consideran fundamentales para la vida municipal y los barrios, la cultura, la sostenibilidad y las decisiones políticas que marcarán los próximos años, incorporando diferentes voces y miradas.

El podcast podrá seguirse en Spotify y YouTube, además de difundirse a través de las redes sociales del propio podcast y de IU Oviedo con el deseo de fomentar la participación activa.

Espacio de reflexión colectiva

Para IU-Convocatoria por Oviedo, el podcast se convertirá en un nuevo espacio de reflexión colectiva, porque sus integrantes están convencidos de que “el futuro de Oviedo no se improvisa: se piensa, se discute y se construye entre todas y todos”.

El podcast puede seguirse en los siguientes enlaces de las redes sociales: en Instagram (https://www.instagram.com/reel/DSmiixeDbIT/?igsh=czRrbHBuNnE5YnFv ); en Facebook: (https://www.facebook.com/share/r/1ZyW4vUSGn/?mibextid=wwXIfr) y en TikTok (https://vm.tiktok.com/ZNR2TyLfk/).

Gaspar Llamazares expone en el avance de este podcast cómo a través del mismo es posible alejarse de los monólogos e introducir elementos de diálogo y escucha que, según comenta, “son muy necesarios”.

Diálogo frente a la polarización política

“Las redes sociales son muy importantes y se han convertido en lugares difíciles de gestionar desde el punto de vista del diálogo; son lugares de confrontación, de polarización y los medios de comunicación tradicionales también tienen sus líneas editoriales que normalmente también beben de la misma polarización”, expone.

En este contexto que dibuja, el podcast es, en su opinión, un espacio de diálogo frente a la polarización política, el ruido y la furia, y también de reflexión en un momento en que parece que “todo tiene que estar sujeto a soluciones inmediatas, drásticas; soluciones de agitación y nosotros -afirma- queremos que haya denuncia en el podcast e incluso discrepancia radical, pero que sea un lugar donde sea posible entenderse, dialogar e introducir elementos de renovación del discurso o de las soluciones políticas”.

El colectivo Anna's Archive, un grupo activista para “preservar el conocimiento y la cultura de la humanidad”, ha asegurado que ha extraído unos 300 TB de datos de la plataforma Spotify, formando un archivo que comprende 86 millones de archivos de audio y 256 millones de metadatos, entre los que se incluyen nombres de artistas y títulos de álbumes. Según este colectivo, la cifra representa el 99,6% de la música consumida de forma habitual por los usuarios del servicio.

Spotify ha confirmado que ha detectado un acceso irregular a sus sistemas. La plataforma se encuentra investigando el suceso y ha comunicado la desactivación de una serie de cuentas de usuario que cree que están implicadas en la extracción de información. “Una investigación sobre acceso no autorizado identificó que un tercero extrajo metadatos públicos y utilizó tácticas ilícitas para eludir la DRM [gestión de derechos digitales] para acceder a algunos de los archivos de audio de la plataforma”, ha declarado la plataforma.

Desde Anna's Archive afirman que ya han publicado a través de torrents (un archivo o enlace que permite descargar contenidos entre usuarios) los metadatos extraídos de Spotify, así como las imágenes de las portadas y los análisis de audio de las canciones.

Aunque el inventario de Spotify supera los 100 millones de canciones, la empresa ha indicado que la filtración no constituye la totalidad de su catálogo. Como respuesta al incidente, la plataforma ha reforzado sus protocolos de seguridad y mantiene la vigilancia sobre comportamientos en su infraestructura para detectar nuevas incursiones.

“El patrimonio musical estará a salvo de la destrucción”

Anna's Archive justifica la publicación de los datos como un proyecto de preservación destinado a proteger el patrimonio cultural ante posibles desastres o conflictos que limiten el acceso a la música. El grupo funciona como un motor de búsqueda que facilita el acceso y descarga de materiales protegidos con derechos de autor. El acceso desde España a su página web se encuentra bloqueado por las operadoras, debido a reclamaciones de copyright.

“Por ahora, se trata de un archivo exclusivo para torrents destinado a la conservación, pero si hay suficiente interés, podríamos añadir la descarga de archivos individuales desde Anna's Archive. Por favor, hágannos saber si les gustaría que lo hiciéramos”, afirma el colectivo en su comunicado, que pide compartir los torrents para “ayudar a conservar los archivos”.

“Con su ayuda, el patrimonio musical de la humanidad estará protegido para siempre de la destrucción causada por desastres naturales, guerras, recortes presupuestarios y otras catástrofes”, inciden. Otros usuarios y especialistas, no obstante, recalcan como este material protegido ahora puede ser accesible no solo para usuarios, sino también para empresas y organizaciones, que pueden utilizarlo para el entrenamiento de la inteligencia artificial.

La filtración coincide con un periodo de tensiones entre la plataforma y los creadores. Recientemente, grupos como Massive Attack retiraron su catálogo del servicio debido a las inversiones de su fundador en tecnología de uso militar. La recolección de volúmenes elevados de datos para su procesamiento posterior es un patrón identificado por especialistas en el análisis de las estructuras de captura de información de las redes sociales actuales.

No falla. Es llegar el último mes del año y cuando aparece el Wrapped de Spotify, las redes sociales se llenan de los resúmenes musicales en la plataforma de streaming, que cada año se renueva con diferentes elementos, aunque siempre se incluyen las canciones, cantantes y discos más escuchados, así como los minutos totales.

Desde su primera aparición en 2016, Spotify Wrapped ha resultado ser todo un éxito, una campaña de marketing que sale barata a la marca porque son los usuarios los que se convierten en el activo, porque como argumenta la revista Forbes: “Construye lo que en psicología se llamaría ego digital: las personas disfrutan ver una versión ‘curada’ de sí mismas, que refleja sus gustos, construye identidad pública y proporciona estatus social”.

Una estrategia de marca que genera competencia y produce lo que se llama el efecto FOMO, o lo que es lo mismo, miedo a perderse algo de la tradición “Fear Of Missing Out” porque si no se comparte “se está fuera de la conversación”, y que ayuda a Spotify a seguir posicionada en un momento de fuerte controversia por las bajas tarifas a los artistas y la inversión de su CEO, Daniel Ek, en armamento. Y es por eso por lo que otras marcas y empresas se han sumado a esta tendencia.

Lo obvio: los competidores musicales también tienen su Wrapped

Para los miles de usuarios que han dejado Spotify como protesta por los problemas que genera su imagen y modelo de negocio, anteriormente mencionados, el que otros servicios de streaming musical también hayan lanzado su propio Wrapped ha sido una gran noticia para los que sufren el llamado FOMO.

Así, este 2025 también han tenido su particular resumen plataformas como Apple Music con “Replay”, Youtube Music con su “Recap”, así como Deezer, Last.fm o Stats.fm, con lo que es posible compartir las estadísticas musicales del año sea cual sea la plataforma que se use.

El que esto se desarrollara entre sus competidores en la industria musical era algo predecible, pero es que el Wrapped ha llegado a otros sectores culturales como el videojuego, con Sony o Nintendo ofreciendo algo similar, o aplicaciones como Letterboxd para los cinéfilos, así como el ‘Reading Challenge’ de Goodreads para lecturas.

El Wrapped de los supermercados: la última tendencia en redes

Pero lo que más ha llamado la atención ha sido la tendencia de crear un Wrapped por parte de otras marcas, como sucedió ya en años anteriores con LinkedIn o Infojobs en el mundo laboral, Heinz en el alimentario, o Civitatis y Ryanair en viajes, y siendo los supermercados una de las que más ha triunfado entre usuarios.

Entre ellos, el Wrapped de Lidl parece haber calado de forma exitosa entre sus usuarios, ofreciendo datos de productos comprados, importe gastado u otros servicios de su app, incluso una puntuación por el uso de cupones, ofertas, rascas o cheque.  

Una tendencia a la que se han sumado otros supermercados como Carrefour, aunque esta solo muestra un resumen de lo que ha sido el año para la marca, siendo una estrategia pura de marketing para atraer la atención, pero sin ofrecer una personalización del cliente.

A pocos días de terminar 2025, toca hacer balance del año. Y Spotify se encarga de pasar revista en el ámbito musical con su ya tradicional Wrapped, un resumen anual de los hábitos de escucha del usuario, una especie de informe en el que recopila los minutos totales escuchados, las mejores canciones, los artistas preferidos, los pódcast favoritos y los géneros que no podemos dejar de escuchar día tras día, en el gimnasio o de camino al trabajo. 

Esos han sido los datos clásicos hasta la fecha. Sin embargo, el Wrapped 2025 viene cargado de novedades y quizás la más llamativa sea que Spotify calcula ahora la Edad de escucha del usuario. Hay de todo: personas de 32 años que, según la plataforma, tienen gustos musicales de gente de 64 y viceversa; y usuarios que respiran aliviados porque la edad que les aparece coincide con la que realmente tienen. 

Pero, ¿cómo recopila y calcula Spotify todos estos gustos musicales? ¿De qué forma determina la Edad de escucha? La plataforma ha detallado en un comunicado las pautas que sigue para recopilar todos estos datos, los filtros que utiliza y cómo da su valoración final en el caso de establecer una edad, quizás el dato más controvertido de todos y que ha generado todo tipo de comentarios en redes sociales. 

Así calcula Spotify tu Wrapped 2025 

Wrapped captura tu experiencia auditiva de 2025 tomando de referencia el periodo que va desde enero hasta mediados de noviembre, coincidiendo casi con el estreno de uno de los fenómenos del año, el lanzamiento de Lux de Rosalía. La información está disponible desde el pasado 3 de diciembre. 

Para obtener el Wrapped 2025 deben cumplirse una serie de requisitos, como haber reproducido al menos treinta canciones durante más de treinta segundos cada una y haber escuchado al menos a cinco artistas diferentes durante el año. La plataforma ofrece este resumen a todos los usuarios, tanto si tienen la versión gratuita como si disfrutan de la premium. 

En el caso del total de minutos escuchados, se incluye todo, tanto las sesiones en modo privado, como el contenido marcado como Excluir del Perfil de gusto e incluso pistas filtradas de las historias basadas en gustos de Wrapped como ruido blanco. Al final, la plataforma muestra el tiempo real de escucha, no la duración del contenido. Por ejemplo, si se escucha un pódcast al doble de velocidad, solo contabiliza los minutos reales que se emplean. 

La Edad de escucha de Spotify 

Algo más subjetivo es la Edad de escucha, que no tiene que coincidir con la que realmente tiene el usuario, que puede tener 30 años pero tener gustos musicales de una persona mucho mayor. Spotify se basa en la idea del “golpe de reminiscencia”, la tendencia a sentirte más conectado con la música de los años más jóvenes. 

Pero, ¿cómo se obtiene esta cifra? Primero, se fijan en las fechas de lanzamiento de las canciones escuchadas. Después, se identifica el período de cinco años de música con el que el usuario interactuó más que otros oyentes de la misma edad. “Nuestra hipótesis es que este lapso de cinco años coincide con tu ‘incremento de la reminiscencia’, asumiendo que tenías entre 16 y 21 años cuando se lanzaron esas pistas”, señala la plataforma.

Eso explica por qué las personas jóvenes obtienen edades de escucha elevadas. Por ejemplo, si se escucha mucha música de los 70, seguramente tenga 63 años, en cuanto a gustos musicales. Spotify lo define como un ejercicio “lúdico” y así se lo han tomado algunos usuarios. 

En cuanto a las canciones favoritas, no hay misterio: las clasifica según la frecuencia. Respecto a los géneros musicales, toma de referencia los que aparecen en las canciones y muestra, al menos, tres tipos. En el caso de los artistas, hay varias opciones y una de ellas es la carrera a lo largo del año, en el que muestra la progresión de los más escuchados según los meses y el podio final. 

Al final, con estos y otros muchos datos, el usuario obtiene su particular resumen musical, que no calificación. Un balance de canciones, artistas, géneros y pódcast que han marcado su 2025. 

Es curioso que siendo la música la seguramente más fiel y mejor compañera de paseos, de jornadas laborales, de citas, de 'lloraditas', de fiestas, de sesiones de fregada de platos y barridas de suelo, y de un eterno etcétera de situaciones cotidianas, nos dé vergüenza compartir qué canciones y qué artistas son los que han copado las bandas sonoras de nuestro día a día. Las que los han hecho mejores. Pero aquí está la redacción de elDiario.es, un año más, compartiendo cuáles han sido sus Wrapped, aunque esta vez hemos dejado elegir entre entregarse a los recopilatorios de Spotify y Apple Music Replay, pero también a las selecciones libres y personales que cada uno quisiera elaborar.

El resultado, más allá de mantener a Taylor Swift como una de las predilectas de la redacción, es la prominencia de un Bad Bunny que nos ha ganado con su DeBÍ TiRAR MáS FOToS. Aquí tenéis las listas de los y las valientes trabajadores de elDiario.es que se han animado a compartir qué es lo que ha sonado en sus dispositivos. Para evitar reproches, están ordenados por riguroso orden alfabético.

Gabriel Arias Romero (Vertele)

Pues sí, Lady Gaga es una de mis artistas favoritas y la cantante a la que le he entregado buena parte de mi vida durante este año. La obsesión llega al punto de que canto Abracadabra como si supiera algo de inglés. Y no me sorprende que Baiuca esté en segunda posición: desde que lo vi en un reportaje de 'Informe Semanal', no he dejado de escuchar a este pontevedrés que reivindica el folk gallego a través de la música electrónica. Caso parecido el de Blackpanda, otro grupo minoritario que me ha dado muchas alegrías en 2025 con Al otro lado, un temazo muy infravalorado.

Marta Barandela (Política)

A quienes les guste el rock les recomiendo que se pongan Periferia, son un soplo de aire fresco y tienen un directo muy guay. Sanguijuelas del Guadiana y Periferia están mi top 5 gracias a Alberto Pozas, gran periodista de tribunales y mejor recomendador de música. Por lo demás, sabía que en el Wrapped saldrían The Rapants y Hard GZ antes de darle al play, mi temor como deportivista era que se me colase Voltarei entre las cinco canciones, afortunadamente no ha sucedido. Mi artista más escuchado ha sido Benson Boone porque perdí la cabeza por completo con Beautiful Things. No me arrepiento de ese delirio pero me ha sobresaltado el dato de que me la he puesto más de 100 veces.

Lluna Bartual (Vídeo)

Y, como vida y cultura van de la mano, este es mi año en cinco canciones. Un año en el que las despedidas de mis grupos y cantantes favoritos se han traducido, no solo en un gasto inesperado en conciertos, sino también en el descubrimiento de muchos artistas. Un año de reivindicación de la memoria y la diversidad lingüística (como deberían serlo todos), con Pau Alabajos como voz y El Blues de Aranjuez como banda sonora. Un año de nostalgia de mi pueblo en una ciudad no tan calmada como Padiante de Sen Senra, que me comprende a la perfección. Y, como siempre, un homenaje a un clásico como el Pena, penita de Lola Flores, gracias a María José Llergo.

Elena Cabrera (Cultura)

En un viaje que hice este año descubrí la vibrante escena darkwave colombiana, con Antiflvx como la banda que más me ha cautivado. En julio sacaron esta canción, Plegaria, que he escuchado y bailado hasta en el pequeño cuarto de baño del avión. Un grupo que he descubierto este año y que he quemado bastante es Matte Blvck, con unos ramalazos depecheros que me sublevan y esta canción para darlo todo en la pista de baile, Vows. 

En mi top se cuela una canción de 2019 pero que para mí ha estado absolutamente presente este año, La poussière del proyecto quebequés Automelodi, a quien he vuelto a ver en directo hace poco, reenamorándome una vez más; hay algo en la reverberación de la voz de Xavier Paradis que me lleva ahí donde su apellido indica. Bruja embrujada aparece en mi top cinco porque me río muchísimo con ella y porque se puede hacer una defensa feminista de las brujas con synthpop. Por último, uno de mis grupos favoritos, Lebanon Hanover, ha sacado disco este año y por eso cierra el top My Love, una canción menos oscura y áspera que el resto de Asylum Lullabies, encantadoramente tecnopop.

Álex Corral (Vídeo)

Este año he ido a Puerto Rico a ver a Bad Bunny, he visto a Rita Payés, a Ralphie, a Ruso y he descubierto y triturado a Otis Redding. Me he tirado meses dando la turra con que Delaossa había sacado un disco y, pese a tener el vinilo de Rosalía en casa, aún no lo he escuchado. Supongo que todo es tan raro que al final el resultado es un Barry B omnipresente en mi lista y, paradojas de la vida, es el único al que no he conseguido ver este año (ni una entrada para 3 conciertos a 1km de mi casa. Triste fin de año).

Salvador Fenoll (Vídeo)

¿Sabías que con Tierra de Xoel López se puede dormir a un bebé? Pues ahora ya sí. Corroborado por Iván Ferreiro. Porque al final a un bebé no le cantas las canciones que pensabas, sino las pocas que tienes grabadas en la cabeza aunque hayan pasado años sin escucharlas.

Generalmente escucho discos completos, muy pocas listas, por eso mismo Por cesárea tiene tanto peso en este wrapped. Ha sido un álbum con el que he sido muy pesado, que me hartado de recomendar y que pasa por todos los estilos y todos los estados de ánimo. 

Continentales (Gracias hemmano) es otra canción para cantar a un bebé, aunque seguro que no fue escrita para eso. Aún así me acompañó este año. No todo han sido canciones, también ha habido discos que he quemado como Imaginal Disk de Magadalena Bay, The Passionate Ones de Nourished by time o Heaven or las Vegas de Cocteau Twins el último disco antes de empezar a cantar para un bebé. 

María Francés (Mesa)

Como podréis observar, un poco de desquicie con Taylor Swift tengo. Este año he escuchado menos minutos de música, pero me suele salir más o menos algo del estilo. Una chica de pop internacional.

Francisco Gámiz (Cultura)

Taylor Swift ha vuelto a reinar entre mis artistas más escuchados del año. Desde que recuperara en mayo los derechos de su música he vuelto a conectar con las versiones originales de sus discos; antes solo escuchaba las regrabaciones, ¡pero ahora todos los álbumes son Taylor's Version! También he tenido en bucle The Life of a Showgirl, con canciones que me han tenido obsesionado como The Fate of Ophelia y Opalite. Además, lo último de Sabrina Carpenter, Man's Best Friend, ha ayudado a hacer más llevadero el final del verano. Por otro lado, Amaia me ha acompañado durante todo el 2025 con Si abro los ojos no es real, y Guitarricadelafuente ha hecho lo propio con Spanish Leather. La vuelta de Amaia Montero a La Oreja de Van Gogh ha hecho que el grupo repita, por segundo año consecutivo, entre lo más escuchado.

Laura García Higueras (Cultura)

Lo siento Taylor, este 2025 te he desbancado por primera vez en tres años de mi TOP1 de artistas más escuchadas aunque, eso sí, tu Love Story vuelve a colarse entre mis cinco canciones más escuchadas. Pero bueno, ha sido en favor de la reinísima Aitana. Por lo demás, mucha coherencia popera porque una sigue entregada a lo mainstream por mucho gospel que cantara en su momento y mucha banda sonora que me ponga de fondo para trabajar. A bailar con Karol G y sobre todo ELYELLA y su buenrollismo con Nadie lo podrá cambiar. Qué ilusión que este tema que apareció en mi momento más duro del año, y que tanto me ayudó a sentirme arropada, haya terminado siendo el que cuente con más reproducciones. Si algo tengo claro ahora que queda poquito para que acabe este 2025 es que, como reza su estribillo: “No vale mirar atrás, es tiempo de decirnos te quiero”. A los nuestros, a las nuestras, a los que llegaron, se quedaron, y sostuvieron.

Marcos García Santonja (Pódcast)

Además de cosas que son equiparables a otros años (viejunismo en general y Sabina en particular), me gustan dos cosas que sí salen reflejadas este año. La primera es ABBA y Gimme a man, por la alegría que esa canción implica. Eso quizás quiere decir que he sabido buscar esa alegría. Que haya escuchado tanto a Linda Ronstadt y Long Long Time solo tiene una explicación: The Last of us. La serie y el juego, adentrarme en esa historia, ha sido clave este año. Esa canción (preciosa, que sale en el tercer episodio de la primera temporada) en bucle, me ha conectado con ella y con querer saber más y más.

María González (Socios)

2025 ha sido un año de muchos retos, por lo que el metal ha sido el rey indiscutible: un boost de energía en toda regla.

Icíar Gutiérrez (Internacional)

Marcos Méndez (Vertele)

Este año, por lo que sea, me ha salido una lista muy autobiográfica y de mi momento. Además ordenada correctamente: empezando por recordarme lo que soy, y evolucionando para acabar en lo que debo priorizar.

Beatriz Muñoz (Galicia)

Supongo que mi progresivo abandono de la plataforma este año la ha desconcertado y por eso dice a la vez que he escuchado música de los 60 y que me he puesto muy insistente con el sludge metal. Acierta en lo de los álbumes completos. En 2025, en concreto, Cometh the Storm, de High on Fire, una obsesión desde 2024. Ahí está la primera canción que marcó estos últimos meses, la poco previsible Karanlik Yol. Para cualquier cosa, pero sobre todo para los viajes en coche, han sonado Entonces duerme (la versión de Los Enemigos, mi banda más escuchada, otro año más, según Spotify); Touch me, de The Doors; y Agitar, de Bala. Y en las reuniones festivas, Demolición, de Los Saicos. Ni una de mis canciones de 2025 se lanzó en 2025.

Alberto Ortiz

Escucho lo mismo todos los años, me doy pereza.

Izaskun Pérez (Pódcast)

Mira, qué año más raro. No contaba yo con tener que cancelar a Radiohead, pero a veces hasta tus bandas políticas de cabecera te decepcionan. Tampoco había previsto que Tiktok se convirtiera en mi lugar favorito para descubrir música y me ha dado exquisitos bucles como home with you, de FKA twigs; That's My Bitch, de Planta Industrial, aka the darknight y Saso o malibU, de rusowsky. A partir de ahí, la dosis habitual de melancolía bien mezcladita con baile y rabia. Se quedan fuera del top cinco Anari, Lia Kali o Bon Iver, a ver el año que viene. 

María del Peso (Tendencias y Estilo de Vida)

La banda sonora de mi 2025 ha destacado por una gran variedad, pero sin duda el hilo conductor ha sido la guitarra y voz de Glen Campbell, mi descubrimiento más especial y personal del año, que me ha cautivado con lo que ahora considero casi un emblema: Wichita Lineman. Como siempre, mi inseparable Fleetwood Mac ha estado presente con una canción, Save Me, que, fiel a su título, ha sido un verdadero refugio. Con una melodía cercana a la anterior, The Something Specials me ha llevado a reproducir incansablemente sus atemporales Love y Two Fools. La más apoteósica y reciente, Agnus Dei de The Last Dinner Party, ha sido un magnífico broche de oro para un año que lo ha significado todo a través de la musica.

Marcos Pinheiro (Sociedad)

Un año más fiel a don Eladio, ahí no hay sorpresa ninguna, tampoco en esa aparición de Bad Bunny. Fue de hecho este último quien le lanzó a la fama hace cinco años con Kemba Walker, un auténtico temazo. Por lo demás, mención especial a Carlos Viola, capaz de convertir la música de semana santa en banda sonora de un videojuego, y a SFDK, que siempre están por ahí y este año han llegado al top 5.

Luis Pinheiro (Desarrollo)

Claramente, he tenido un año de boleros, pincelado con indie, nu jazz, cantautores y mi siempre presente Tom Waits.

Alberto Pozas (Política)

El grupo que tanto me gustaba con 13 años (Blind Guardian), la canción que me hubiera gustado con 13 años (vampire diaries), los que innovan en el género (Nerve Agent, Rodol VX) y las que dan una caña brutal y demuestran que lo de siempre se puede hacer mucho mejor y menos machunamente (Pubic Enemy). Absolutamente nadie al volante.

Alba Precedo (Mesa)

Pocas sorpresas me deja Spotify este año y hasta mis vecinos seguro que también lo tenían bastante claro. Ed Sheeran se ha colado un año más como lo más escuchado. En esta ocasión, haciendo dúo en el top uno con Billie Eilish y su Birds of a Feather. No sé muy bien que significa esta mezcla, pero lo que me deja bastante claro Spotify es que, en un año de cambio, he buscado refugio en canciones de melodía ligera (la letra, no tanto... pero al ser en inglés no le presto la atención que debería el 95% de las veces).

También me deja claro que el efecto “ser amiga de una swiftie” se nota: sin restarle méritos a mi amiga Andrea, es cierto que escuchar en bucle Exile y recientemente The Fate of Ophelia ayuda a colarla en mi top tres. Gracie Abrams también entraba en mis quinielas porque ha sido una de mis fijas cuando me sumergía en el universo de Taylor Swift. Y con respecto a Love of Lesbian y Viva Suecia han venido a rellenar el hueco que ha dejado este año Vetusta Morla en mis listas de reproducción.

Con lo que no estoy nada de acuerdo es con ese cuarto puesto de Carry You Home de Alex Warren porque literalmente (y no exagero) la detesto. Empezó persiguiéndome en Instagram y ahora lo hace en Spotify... Además, para más castigo, acabo de descubrir que otra de sus canciones, Ordinary, también está en mi top diez y hasta hace diez minutos pensaba que eran la misma. Señor, suélteme el brazo. Y tampoco estoy nada de acuerdo con la ausencia de Samuraï en mis dos tops. Llevo enganchada todo el año a su último disco, sobre todo a Palabra Prohibida, aunque visto lo visto no lo suficiente. Pero sabrá más el algoritmo de Spotify que yo...

Aitor Riveiro (Política)

Un año más sin saber muy bien qué decir, pero aquí estamos, bastante satisfecho con mi yo musical.

David Romero (Mesa)

No estoy orgulloso, el algoritmo me ha ganado. Soy generación Z, qué decir. Este año me he abonado al DJ de Spotify, a los Daily Mix y a la lista automática 'En bucle'. El ocio tiene que ser fácil para ser ocio, supongo —no me juzguéis—. Por eso, más que compartir mi 'Wrapped', prefiero recomendar los cinco artistas o grupos que más he buscado activa y conscientemente en 2025. Y, como no puedo hablar de música ni de prácticamente nada sin hablar de mi barrio (Alcorcón), tengo que recomendar fervientemente el grupo WildHärd, con su álbum debut Love N' Lies, y al artista Bon Calso, cada cual con su universo musical. También las melodías profundas y eternas de Rita Payés. Y, al otro lado del Atlántico, al jovencísimo Milo J o a la estrambótica pareja que forman Ca7riel y Paco Amoroso. O, si preferís, dejaos guiar por el algoritmo, allá cada cual con sus errores.

Virginia Sarabia (Mesa)

Este 2025 se celebraba el 50 aniversario de la muerte del dictador Francisco Franco y el cuarto desde que nos dejó Franco Battiato, el Franco bueno. Siempre me ha apenado no verle nunca en directo y este año me he puesto en modo hiperfoco con él, tanto por escucharle como por leer sobre su vida, de la que curiosamente se sabe muy poco. Aunque solo oyendo su música me apuesto lo que sea a que era un tío majísimo.

Battiato era un artista absolutamente excepcional que se mudó desde su Sicilia natal a Milán para perseguir su sueño de dedicarse a la música, y vaya si lo logró. En sus composiciones recurre al pop, a la electrónica, al violín de su querido Giusto Pio, a los toques arabescos (incluso aprendió algo de árabe por su amor a esa cultura)… Sus letras, totalmente únicas, van desde el surrealismo a la cultura pop, pasando por la nostalgia y las alusiones a otras culturas. Me sorprende que en mi top 5 no esté la preciosísima I Treni di Tozeur (quedó solo quinta en Eurovisión en 1984, menudo robo). Sí que está, menos mal, la maravillosa Voglio Vederti Danzare (merece la pena ver el videoclip), alegría pura que aparecía en El sol del futuro de Nanni Moretti. Quiero muchísimo a Battiato, por si no se ha notado.

En mi top 5 de artistas no hay novedades con respecto a otros años, pues como siempre ahí están mis favoritos. Pero en las canciones se ha colado (sorpresa cero) la fantástica y bailable Veridis Quo de Daft Punk, que descubrí gracias a un capítulo bestial de la serie Mozart in the Jungle, que también recomiendo.

Oriol Solé (Barcelona)

Solo clásicos entre mis artistas predilectos. Cuatro grandes compositores (con Wagner a la cabeza, al que rindo devoción por Spotify a la espera de poder disfrutar del Tristán e Isolda en directo en el Liceu en enero, y nuestra valquiria de Sant Esteve Sesrovires, Rosalía Vila i Tobella, cerrando la lista de los cinco (algo habrá tenido que ver esa obra magna que es Lux). Y de canciones sueltas, pues otros clásicos más contemporáneos a los que suelo volver, como The XX (que vienen a Barcelona para el Primavera), y una cumbia muy divertida que me enganchó y que nos regalaron Mushkaa y Guillem Gisbert.

Sergio Soriano (Vertele)

Sorprendido, pero tampoco tanto. ¿Esperaba que los festivales musicales por excelencia de nuestra televisión estuviesen en mi ranking? Sí. Lo que no me esperaba es que Eurovisión y el Benidorm Fest ocupasen las cinco primeras posiciones. Soy amante de la televisión, y por tanto de estos dos grandes formatos. La canción Esa Diva está presente por partida doble, con su primera versión y con el ¿himno? que terminó representado a España.

¿Cómo no iba a estar presente en mi wrapped con la enorme polémica suscitada? No había trayecto en coche sin escuchar a Melody, al más puro estilo años 2000 con ‘El baile del gorila’. Son los suecos KAJ, abanderados de Suecia en Eurovisión, quienes lideran mi clasificación en Spotify. ¿Ganaron el Festival? No, quedaron cuartos. Pero como diría Belén Esteban, se llevaron “el cariño de toda esta gente”.

Adrián Torrano (Vídeo)

Este año he vuelto a escuchar reiteradamente a Michael Jackson, uno de mis máximos referentes musicales. Con frecuencia acudo a discos como Invincible y Thriller, por lo que siempre acaban formando parte de mi banda sonora anual. Pero no ha sido lo único: canciones recientes como Jealous Type de Doja Cat y Stars de PinkPantheress también las he tenido en bucle. Y ojo porque Marioneta de Andy (sin Lucas) ha estado muy presente estas últimas semanas, no me escondo.

Val Torres (Mesa)

Como podéis observar, mi disco del año es el último de Bad Bunny. Siempre le he escuchado, fue la banda sonora de mi época del instituto y conseguir entradas para su concierto en la 'foto finish' con mis mejores amigos es uno de mis momentos favoritos de este año. Ha sido mi primer año viviendo fuera de casa, estuve 9 meses de prácticas en París, y realmente la música ha sido mi mayor compañía. En los momentos buenos y malos, he disfrutado infinitamente álbumes tan icónicos como Daisy de Rusowsky (mi bso del verano), Si abro los ojos no es real de Amaia, PO2054AZ de Sen Senra o, aunque no aparezca todavía en el top, la gran Rosalía con Lux.

En fin, perdón por la chapa. Estoy enfadada de que no estén en el top otras muchas canciones que he quemado este año, como Deslocado de Eurovisión, ExtraL de Jennie y Doechii o Tu et moi de Judeline. *Mención especial a la versión de Latin girl de Claudia Arenas en OT! Amamos*

Antonio Vélez (Economía)

Baxter Dury, siempre en mi equipo.

Javier Zurro (Cultura)

No podía ser otro que Benito Antonio Martínez Ocasio. Mi año lo ha definido Bad Bunny. Me quité de prejuicios y me dejé arrasar por Debí tirar más fotos, un disco para bailar, para gritar y para protestar. Igual que Biznaga. El entusiasmo es una canción para pensar que un futuro mejor es posible y que el optimismo es revolucionario. Y por lo demás... Rescatar a Pastora siempre es pertinente y el Festival de Cannes sigue colando un par de canciones, además de la maravillosa versión de Zaho de Sagazan del Modern Love de David Bowie entra Little bit of love, cuyo uso en Eddington de Ari Aster, me hizo casi aplaudir en la sala.

Con la llegada del mes de diciembre, llegan las recapitulaciones anuales. Una de ellas, enfocada especialmente a los melómanos, es el Spotify Wrapped, que ofrece a cada usuario de la plataforma de audio estadísticas de su música y programas de podcast más escucuchados. Esta experiencia interactiva anual no solo ofrece una mirada personalizada a los hábitos de escucha de cadacual, sino que también se ha convertido en un fenómeno global que conecta a millones de personas que comparten las capturas con sus datos a través de sus redes.

Desde su creación en el año 2016, este informe anual ha evolucionado desde el mero repaso a canciones y artistas a ofrecer una visión más amplia del viaje musical del año. Si tienes dudas sobre cómo acceder a él o cuándo estará disponible, a continuación te explicamos todo lo que necesitas saber.

¿Qué es el Spotify Wrapped?

Spotify Wrapped es una función anual de la app con el mismo nombre que proporciona a los usuarios un informe detallado sobre sus hábitos musicales del año. Cada diciembre, la plataforma presenta un resumen completo basado en las tendencias de reproducción, mostrando los temas y artistas más escuchados, los minutos totales de música reproducida y otros datos interesantes. Además, en los últimos años, la herramienta ha añadido elementos visuales y características fáciles de compartir en redes sociales.

¿Cómo revisar el Spotify Wrapped 2025?

Acceder es sencillo y puede hacerse directamente desde la aplicación móvil de la plataforma. Para ver Spotify Wrapped 2025, cuyo lanzamiento ha llegado este 3 de diciembre, sigue estos pasos:

Esta función está disponible únicamente en la app móvil, por lo que no se puede acceder a través de la versión web (si usas el reproductor en tu portátil u ordenador, por ejemplo).

¿Dónde lo puedo encontrar?

El acceso se habilita directamente dentro de la aplicación. Una vez lanzado, aparecerá como una tarjeta destacada con gráficos llamativos en la pantalla principal. Si no ves esta opción, puedes buscar “Wrapped” en la barra de búsqueda.

Ten en cuenta que este informe solo está disponible para los usuarios activos que hayan utilizado la plataforma durante el año. Aquellos con poco historial de reproducción pueden recibir un mensaje indicando que no hay suficientes datos para generar el informe.

Además de las estadísticas personales, Spotify también publica listas globales con los artistas, álbumes y canciones más populares, lo que permite a los usuarios comparar sus hábitos con las tendencias a nivel mundial.

¿Qué incluye el Wrapped 2025?

Para ver el desglose completo de las preferencias musicales, basta con seguir los pasos descritos anteriormente. La experiencia Wrapped incluye información sobre:

Introduce métricas, como un análisis del estado de ánimo general de tus elecciones musicales y comparativas con tus hábitos de años anteriores, si ya usaste la herramienta en ediciones previas. Una vez explorado, se podrá compartir dichos resultados en redes sociales como Instagram, Facebook, Twitter y TikTok mediante gráficos optimizados para cada una que ofrece la propia plataforma.

¿Cuándo estará disponible?

Desde este miércoles, 3 de diciembre, puedes ver tu Spotify Wrapped. La fecha de salida, cada año, es una incógnita: generalmente se lanza a principios de diciembre, pero nunca se sabe con precisión el momento. En ediciones anteriores, la función ha estado disponible entre el 29 de noviembre y el 6 de diciembre. Aunque Spotify no anuncia oficialmente la fecha exacta con anticipación, los usuarios suelen recibir notificaciones por correo electrónico o directamente en la aplicación cuando la herramienta está lista.

La fecha puede variar ligeramente, pero el Wrapped siempre está disponible durante los primeros días del mes. A partir de ese momento, los usuarios tendrán varias semanas para explorar y compartir su informe antes de que se deshabilite, lo cual suele ocurrir hacia finales de enero.

Para no perderse el lanzamiento en tiempo real, se pueden activar las notificaciones de la app. Si no ves tu Wrapped de inmediato, intenta reiniciar la aplicación o verificar que tienes la última versión del software.

Wrapped no solo refleja tus hábitos musicales, sino que también celebra el año a través de la música. Además de los resúmenes personalizados, Spotify organiza campañas globales que destacan los artistas y géneros más relevantes. Por ejemplo, se lanzan playlists especiales con las canciones más reproducidas a nivel mundial, así como resúmenes regionales que muestran las preferencias musicales en diferentes países.

A tan solo tres días del lanzamiento de Lux, el cuarto álbum de estudio de Rosalía, la artista ha sorprendido con un nuevo adelanto de su próximo disco: Reliquia. Lo publicó por error únicamente en Spotify, eliminándolo de la plataforma de streaming después de que sucediera una hora de su publicación, y se trata de la segunda pista de su inminente proyecto, en la que la artista dibuja un mapa a través de todos los lugares en los que ha muerto y ha resucitado como una persona completamente renovada.

Aunque el tema ha sido descubierto en Spotify por los fans, puesto que la intérprete no lo había anunciado en redes sociales, Reliquia ha acabado borrándose de la plataforma. Pese a que su publicación había sido atribuida inicialmente a un error de la discográfica matriz de Estados Unidos, según la Agencia EFE, este miércoles la discográfica no ha podido precisar ese extremo. “Vi que estaba Reliquia de Rosalía ya disponible en Spotify y en lo que me puse los audifonos desapareció”, ha escrito un usuario en X, antes Twitter. “El concepto de Reliquia es que fue para los que estuvieron en el momento, si no llegaste morirás con la duda”, ha bromeado otro usuario en la aplicación.

“Afortunado de ser crónicamente online. Primeras 10 escuchas a Reliquia… ahora a esperar al viernes”, ha expresado un fan de la artista en X, que sí ha podido descubrir por sí mismo cómo sonaba. Otro seguidor de la intérprete ha lamentado estar “en clase” durante el lanzamiento del tema y no haber tenido “tiempo” de escucharlo: “Se cancelan todas las clases hasta nuevo aviso”. Y hay quien hasta considera que se trata de algo estratégicamente planificado: “Dudo que lo de Reliquia haya sido un error cuando la letra versa sobre llevar su recuerdo. Nada en esta promo es accidental”.

La canción, que ha podido escuchar elDiario.es antes de su eliminación de la plataforma, es un homenaje a todos los lugares que han cambiado personalmente a Rosalía. “Yo que perdí mis manos en Jerez y mis ojos en Roma / Crecí y el descaro lo aprendí por ahí por Barcelona / Perdí mi lengua en París, mi tiempo en LA / Los heels en Milán, la sonrisa en UK”, narra la intérprete al inicio de este tema. “Pero mi corazón nunca ha sido mío, yo siempre lo doy / Coge un trozo de mí, quédatelo pa' cuando no esté / Seré tu reliquia / Soy tu reliquia / Seré tu reliquia”, sigue cantando Rosalía hasta llegar al estribillo.

De manera similar a Berghain, hacia el final de la canción se puede volver a escuchar un sonido celestial o incluso espiritual. Aunque este tema no sigue la estela disruptiva del primer adelanto de su nuevo trabajo, sí que mantiene cohesión sonora, pues a lo largo de sus cuatro minutos de duración se arropa en la Orquesta Sinfónica de Londres. Sin embargo, su instrumental es mucho más lento e incluso llega a escucharse el piano, rememorando así a las canciones más tranquilas de Motomami (2022) como G3 N15 o Como un G. Entre los compositores destaca el estadounidense Ryan Tedder, miembro de OneRepublic.

En Reliquia hay alusiones a “un mal amor en Madrid”, la “mala hostia en Berlín” y “el arte en Graná'”. “En Japón lloré y mis pestañas deshilé / Y en la ciudad de Cristal fue que me trasquilé / Pero el pelo vuelve a crecer, la pureza también”, canta la artista catalana en referencia a cuando en A Coruña, ciudad que es conocida como la ciudad de Cristal, se cortó su propio pelo durante el Motomami Tour. Los últimos segundos del tema llegan con un cambio total de la producción. Y, por supuesto, no falta la imaginería cristiana: “No soy una santa pero estoy blessed”.

Cuenta atrás para la salida de Lux

Este adelanto continúa a Berghain, publicado la semana pasada. Con fragmentos en español, inglés y alemán, la autora de El Mal Querer (2018) inició su nueva era cantando lírico a un amor que va más allá de lo humano. Lo hizo jugando con Berghain como escenario, un club berlinés de música electrónica que para muchos es considerado el mayor templo de tecno del mundo. Los porteros de esta discoteca son impredecibles y se los conoce por tener una de las políticas de puertas más duras de Berlín, por lo que Rosalía convirtió esa dinámica en una metáfora de la duda sobre quién es digno de ir al cielo tras la muerte.

El álbum ya está disponible para comprar en preventa desde su página web y saldrá en plataformas digitales este viernes 7 de noviembre. Los temas que lo componen se titulan Sexo, Violencia y Llantas, la recién publicada Reliquia, Divinize, Porcelana, Mio Cristo Piange Diamante, la ya escuchada Berghain, La Perla, Mundo Nuevo, De Madrugá, Dios Es Un Stalker, La Yugular, Sauvignon Blanc, La Rumba Del Perdón, Memória y Magnolias. Ha sido grabado con la Orquesta Sinfónica de Londres, dirigida por Daníel Bjarnason, y, además de Björk e Yves Tumor, cuenta con voces femeninas como Carminho, Estrella Morente, Silvia Pérez Cruz, la Escolania de Montserrat, el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana y Yahritza.

En la carátula del cedé, la artista cita “Ninguna mujer pretendió nunca ser Dios” de la santa musulmana y mística Rabia al Adawiyya y “El amor no es consuelo, es luz” de la filósofa y política activista francesa Simone Weil. De esta forma, Rosalía, que también es la productora ejecutiva de Lux, pretende trazar un “amplio arco emocional de mística femenina, transformación y trascendencia, moviéndose entre la intimidad y la escala operística para crear un mundo radiante en el que el sonido, el lenguaje y la cultura se fusionan en uno”. Todas las dudas se disiparán de forma inminente tras el esperado lanzamiento.

La industria musical independiente ha tratado durante décadas de encontrar el equilibrio entre la distribución masiva y la viabilidad económica de los artistas. Impulsada inicialmente por las descargas y luego dominada por el streaming, la transformación digital ha dado exposición global a los creadores, pero ha generado un sistema de retribución mínimo. Los modelos de grandes compañías como Spotify o Apple Music han sido criticados por ofrecer ínfimas regalías que no permiten la sostenibilidad financiera, un contexto que aprovechó la plataforma Bandcamp, fundada en 2008, para consolidarse como una excepción en el sector musical underground.

Bandcamp emergió como un pilar fundamental de la economía Direct-to-Fan (D2F), tomando una comisión relativamente baja (entre el 10% y el 15% de la venta). Esto ha provocado que la compañía fuera, hasta a día de hoy, la principal herramienta financiera para miles de sellos y artistas, permitiendo a los oyentes acceder a música tanto en formato físico como digital y demostrando que el modelo de descargas y venta directa no solo funciona, sino que también es beneficioso para el creador. Sin embargo, cuando en 2022 se anunció que Bandcamp sería adquirido por Epic Games, la corporación detrás del fenómeno de los videojuegos Fortnite, la reacción de numerosos artistas fue de decepción pese a que el CEO de Bandcamp, Ethan Diamond, enmarcó el acuerdo como positivo para los músicos.

Tras poseerla únicamente seis meses, la empresa propietaria Epic Games vendió Bandcamp a Songtradr, un suceso que ha acabado impulsando el nacimiento de Subvert. Esta plataforma ha sido creada bajo la comprensión de que, si bien Bandcamp había demostrado la viabilidad de un modelo D2F justo en términos de funcionalidad y comisiones, su estructura de propiedad tradicional, sujeta a inversores, la hacía vulnerable a una venta extractiva. Por el contrario, Subvert, que cuenta ya con 10.000 miembros de la cooperativa de todo el mundo, ha sido ideada para ser una alternativa que evite el riesgo de futuras adquisiciones que terminen desvirtuando su objetivo prioritario.

Los artistas, quienes mandan

La figura central detrás de Subvert es Austin Robey, quien se describe como el arquitecto del movimiento para construir el “internet que sea propiedad de los artistas”. Este cuenta a elDiario.es que “las ventas consecutivas de Bandcamp a Epic Games y luego a Songtradr, que dieron lugar a despidos masivos, incluidos miembros del sindicato, demostraron exactamente por qué es importante la propiedad”. Robey denuncia que “no hubo debates en la comunidad ni aportaciones de los artistas”, lo que provocó que Bandcamp pudiera venderse “porque los músicos no tenían voz en las decisiones que afectaban a su sustento”. “Esto puso de relieve la inseguridad fundamental que supone depender de la benevolencia de las empresas”, indica.

La misión central de Subvert es construir una plataforma musical que sea “propiedad” de “todos” los artistas. “La copropiedad lo cambia radicalmente todo”, explica Austin Robey. “Cuando los músicos son propietarios reales con derecho a voto, en lugar de usuarios sujetos a las decisiones corporativas, tienen un control real sobre el futuro de su plataforma. Además, no cobramos comisiones por transacción, ofrecemos funciones mejoradas basadas en las opiniones de los miembros y protegemos contra la venta externa sin el consentimiento de la comunidad”, añade, afirmando que, aunque “cambiar de plataforma nunca es fácil”, están notando un “impulso significativo” de personas que han cambiado de Bandcamp a Subvert.

La compañía, que ha contado con la adhesión de más de 1.000 sellos discográficos desde antes siquiera de su lanzamiento oficial, está diseñada para facilitar la venta directa de varios formatos, incluyendo descargas digitales (canciones y álbumes), medios físicos (como vinilos, cedés y casetes) y merchandising (camisetas, pósters, etc.). Sin embargo, al igual que Bandcamp, Subvert no busca parecerse a Spotify, evitando intencionalmente un modelo de suscripción insostenible para muchísimos artistas y enfocándose en vías de mayor ganancia. “Los artistas ganan fracciones de céntimos mientras que las plataformas obtienen un valor enorme de su trabajo”, dice Robey, agregando que están creando un “mercado basado en las ventas directas porque es el modelo que mejor apoya a los artistas y su trabajo”.

El compromiso de las aplicaciones musicales con el arte es algo a lo que cada vez dan mayor importancia los propios creadores, sobre todo después de que Spotify haya perdido a artistas críticos con la inversión en armas de su propietario, Daniel Ek, que es fundador de Prima Materia, una empresa que ha inyectado capital al fabricante de drones Helsing. “Los artistas están frustrados, y con razón. La mayoría solo quiere utilizar una plataforma sin sentirse cómplice de la explotación o de la especulación con la guerra. El listón está bajo. Pero creemos que no basta con luchar contra el suelo, tenemos que levantar el techo”, enfatiza Austin Robey.

Estamos construyendo una comunidad activa de amantes de la música. Gente que entiende que, si te gusta el trabajo de un artista, debes pagarle directamente por ello.

Austin Robey — Músico y creador de Subvert

“En lugar de intentar reformar sistemas que no funcionan, estamos construyendo algo completamente nuevo que está controlado por su comunidad”, señala Robey. Es por ello que Subvert tampoco permite canciones o discos generados con inteligencia artificial, pues sus miembros se niegan a que “se llene de basura de baja calidad como otras plataformas”. “Esta política está recogida en nuestros acuerdos cooperativos. Los infractores no solo son eliminados de la plataforma, sino que pierden por completo su condición de miembros de la cooperativa”, explica el músico.

Parece difícil que la gente esté dispuesta a comprar álbumes digitales cuando pueden escucharlos gratis en streaming, y la caída de iTunes, aplicación que tenía justo este propósito, así lo ha demostrado. Sin embargo, según comenta Robey, no es la finalidad de Subvert. “No intentamos convencer a los oyentes pasivos para que cambien su comportamiento. Estamos construyendo una comunidad activa de amantes de la música. Gente que entiende que, si te gusta el trabajo de un artista, debes pagarle directamente por ello”, afirma. “Este cambio ya se está produciendo entre los fans que buscan formas más significativas de apoyar a los artistas”, añade.

Subvert cuenta con miembros de 75 países, incluidos 200 miembros de España. Este otoño lanzará la versión beta, mientras que el lanzamiento oficial se prevé para finales de año. Sus creadores han visitado Mondragón, centro del movimiento cooperativo vasco y uno de los principales centros industriales de la comunidad autónoma, y Austin Robey reconoce que ha servido de inspiración: “Nuestro objetivo inmediato es eclipsar a Bandcamp como sucesor de la comunidad, pero estamos pensando en algo mucho más grande. Queremos crear un 'Mondragón de la música', una red de empresas cooperativas que abarque plataformas, locales, viviendas, estudios, todo lo que satisfaga las necesidades de nuestros miembros. Suena ambicioso, pero la rica herencia e historia cooperativa de España demuestra que es posible”.

Reflexiona sobre todas las canciones que has podido enviar a alguien a lo largo del tiempo: ese tema que dedicaste por WhatsApp a tu ex cuando empezasteis a salir, ese single del grupo que tanto te gusta que recomendaste a tu amigo por Instagram o esa playlist que compartiste con tu antiguo compañero de trabajo. Ahora, además, imagina que Spotify haya tenido acceso a toda esa información y que estas canciones salieran a la luz varios años después. Lo que puede parecer una alucinación es la realidad que trae consigo la nueva función de la plataforma de streaming, que acaba de incorporar los chats a su interfaz.

Spotify ha implementado desde este septiembre algunos cambios que buscan mantener y atraer a nuevos usuarios, algo que se produce tras unos últimos meses en los que varios artistas han decidido abandonar la plataforma. “No queremos que nuestra música mate a la gente”, llegó a declarar la banda australiana King Gizzard & the Lizard Wizard, influyente dentro del rock psicodélico, luego de que se diera a conocer que el CEO y creador de Spotify, Daniel Ek, estaba llevando a cabo una inversión de 600 millones de euros en el fabricante alemán de drones Helsing por mediación de Prima Materia, una empresa fundada en 2020 por él y por el principal inversor en Spotify, Shakil Khan.

Ahora, el gigante de streaming verde ha presentado cambios que incluyen una mejora en el plan gratuito de la aplicación móvil, que pasa a permitir a todos los usuarios elegir qué canción escuchar sin necesidad de pagar la suscripción. Sin embargo, la incorporación más llamativa es la de mensajería, con la que Spotify se aproxima a la idea de red social y posibilita intercambiar mensajes con otros usuarios. Estos chats se pueden iniciar al compartir una canción, podcast o audiolibro con el nuevo botón que la app ofrece al copiar el enlace, y puedes acceder a todos los chats presionando sobre tu foto de perfil en la esquina superior izquierda.

Pero estos chats traen una sorpresa: cuando inicias la conversación con un usuario, existe la posibilidad de que esa pantalla ya contenga mensajes que daten de años de antigüedad. Estos mensajes son todas las canciones o playlists que has enviado a esa persona a través de otras aplicaciones, independientemente de la fecha en que lo hicieras. Esto significa que si, por ejemplo, enviaste a alguien el tema que tu artista favorito acababa de publicar en 2021, quedará constancia de ello en el chat que tengas con ese usuario en Spotify. Da igual que se lo compartieras por Telegram, WhatsApp, Twitter, Discord o Instagram: la aplicación lo dejó registrado y ahora queda patente en sus chats recién habilitados.

Esta no es la única sorpresa que trae la nueva funcionalidad de la plataforma, ya que muchos suscriptores han notado que hay gente desconocida entre las personas que Spotify les sugiere para iniciar conversación, dejando una pregunta en el aire: ¿cómo es posible que la plataforma supiera qué canciones se enviaron a alguien en particular antes de que la función de chat siquiera existiera? La clave de ello reside en el link de las canciones. Cuando se comparte un tema o un disco de la aplicación, el enlace que se genera es diferente para cada usuario, por lo que este link es capaz de identificar a la persona que lo creó por primera vez y a su destinatario, así como cuándo y desde dónde fue compartido.

Lo que guardan los enlaces

El proceso se basa en un elemento técnico en el parámetro de consulta. Cada vez que una persona envía un enlace de Spotify desde la plataforma, la URL generada no es una simple dirección estática. En cambio, incluye un identificador único. Por ejemplo, la URL de una canción tiene un formato como el siguiente: https://open.spotify.com/track/XXXXXXXXX?si=YYYYYYYYYYYYYY. El ?si= y el código de 16 caracteres que le sigue son los “parámetros de consulta” o “identificadores de seguimiento”. Este código es una huella digital que vincula directamente el enlace a la cuenta del usuario que lo generó.  

De esta manera, cuando un amigo o incluso desconocido con un perfil en Spotify pulsa o hace clic en el enlace, el sistema de la aplicación registra dos puntos de datos cruciales: el identificador de seguimiento único (?si=...) y la cuenta del receptor. Es así cómo la plataforma establece una conexión entre el remitente y el receptor a través de la interacción, almacenando la información en el historial de las dos cuentas. La acumulación de estos datos ha permitido a Spotify construir una red de relaciones basada en el intercambio de contenido, y la nueva función de mensajería simplemente hace visible este historial de interacciones, utilizando los datos recopilados durante años para llenar todos los chats.

La visualización de este historial de enlaces compartidos ha provocado preocupación entre distintos suscriptores, sobre todo en lo relativo a la privacidad y el anonimato. El principal riesgo que han identificado los usuarios es la exposición de la identidad. En plataformas como Discord, muchas personas operan con seudónimos para mantener su anonimato. Sin embargo, al compartir un enlace de Spotify y luego ver su perfil en la sección de sugerencias de la nueva función de chat, se exponen a la posibilidad de que sus identidades seudónimas sean vinculadas a sus perfiles de Spotify, que pueden contener sus nombres reales y fotos.

Siempre pensé que esa parte de la URL era innecesaria, pero ahora me doy cuenta de que en realidad es dañina.

Este es el caso de un miembro de Reddit, que explica que, aunque reconoció a la mayoría de personas que la aplicación le recomendaba, no supo ubicar a todas: “Me di cuenta de que eran conocidos de Discord. No revelo mi verdadera identidad en Discord, pero a veces comparto música en servidores mientras juego. Siempre me he mantenido anónimo en Discord, y Spotify nunca ha sido una aplicación 'social' para mí. Pero ahora parece que cualquiera a quien le haya enviado un enlace, si también tiene cuenta, podría encontrarme”. Otro usuario le responde que “sabía que eliminar esa mierda al final de la URL era lo correcto”, motivando la respuesta de otra persona: “Siempre pensé que esa parte de la URL era innecesaria, pero ahora me doy cuenta de que en realidad es dañina”.

Spotify no es la única plataforma que utiliza sistemas de seguimiento, pues es algo que sucede igualmente en YouTube cuando alguien copia el enlace de un vídeo para compartirlo, permitiendo así a los creadores saber exactamente de dónde proviene el tráfico. Cada vez que compartes un vídeo, el enlace le dice a la plataforma que ese clic vino de Facebook, Twitter o cualquier otro sitio de terceros, además de información derivada del usuario. Una de las consecuencias más peligrosas de ello es el doxing, conocido como la práctica de publicar datos personales como direcciones y teléfonos, seguido de acoso, en el mundo real.

Por su parte, fuentes de Spotify afirman que las sugerencias de usuarios con los que puedes enviar mensajes atienden a diferentes parámetros, como “si ya has compartido contenido de Spotify, si te has unido a Jams, Blends o listas de reproducción colaborativas, o si compartes un plan Familiar o Dúo”. Asimismo, asegura que “con Mensajes en Spotify, los usuarios siempre tienen el control”, señalando que “pueden aceptar o rechazar las solicitudes de mensajes de amigos y familiares” y que “los términos de uso y las normas de la plataforma de Spotify contra el contenido ilegal y perjudicial siguen aplicándose a Mensajes”. La aplicación también declara que los chats “abren nuevas oportunidades para artistas, autores y creadores”, pues la función “ayuda a impulsar el descubrimiento”.

Una década después de su debut, Sabrina Carpenter se ha convertido en una de las figuras más importantes de la escena pop internacional. La artista estadounidense, nacida en 1999, había logrado hacerse un hueco en la industria musical debido a su presencia como actriz en el mundo Disney. Sin embargo, el enorme alcance del que goza en 2025 posiblemente era inimaginable para ella durante el lanzamiento de sus cuatro primeros discos. Tanto es así que incluso ella parece considerarlos como parte de una carrera diferente.

“Quienes adoráis esos primeros discos y los escucháis, os quiero por eso, pero personalmente siento una sensación de distanciamiento con respecto a ellos, en gran parte debido al cambio que he experimentado como persona y como artista, antes y después de la pandemia”, reconoció la artista en una entrevista al medio especializado Variety en 2024. Lo que llegó tras la pandemia cambió para siempre su trayectoria, sobre todo por el interés mediático de su relación con el también actor Joshua Bassett, quien a su vez estaba protagonizando las canciones de ruptura de Olivia Rodrigo, que acababa de irrumpir en el sector.

Su respuesta a todo aquello fue su álbum Emails I Can't Send (2022), en el que alude a su ruptura con Bassett y a los temas dedicados por Rodrigo, como Deja Vu (2021). No obstante, si bien la acogida del disco fue discreta en el momento de su lanzamiento, en 2023 se volvió uno de los trabajos femeninos más reproducidos del año. La causa fue la gira The Eras Tour de Taylor Swift, donde Carpenter actuó como telonera y alcanzó el foco más grande de su carrera. Desde entonces, el álbum comenzó a ser todo un éxito en plataformas de streaming, algo que también le sucedió a la artista Gracie Abrams, y su base de fans comenzó a aumentar hasta niveles enormes.

Tras este ascenso, Sabrina Carpenter publicó Short n' Sweet en el verano del año pasado, que le valió sus dos primeros premios Grammy y le dejó éxitos como Espresso y Please, Please, Please. Su gira por arenas y festivales la ha llevado a ser parte del cartel de este año del Primavera Sound de Barcelona. Pero su buen momento lo ha catapultado con el anuncio de su nuevo disco, Man's Best Friend, que presentó con la canción Manchild. En acompañamiento del tema publicó un divertido e inteligente videoclip, en el que usa el mito de Circe para metaforizar cada una de sus relaciones con la corta duración de un trayecto en coche, convirtiendo en animales a cada uno de los hombres con los que no termina encajando.

Por otro lado, la portada del álbum avivó una de las mayores polémicas en la cultura pop de este 2025, pues la cantante aparece de rodillas, con tacones negros y siendo agarrada del pelo por un hombre. Además, en la fotografía de acompañamiento al anuncio, aparece un perro con un collar que toma el título del álbum. “Tirar del pelo fue una de las primeras formas de misoginia violenta que yo y muchas otras mujeres enfrentamos cuando éramos niñas”, expuso una mujer en relación a la portada, que la tildaba de “profundamente irresponsable”. “¿Una mujer usando con libertad sátiras, juegos y su sexualidad en su arte es un retroceso para el feminismo? Deberían de revisar su definición de feminismo”, alegó otro usuario.

'Manchild'

La pista de apertura de Man's Best Friend ha sido también su carta de presentación. Dejándose aupar por los sintetizadores más característicos de Jack Antonoff, la artista ha creado todo un himno contra aquellos hombres inmaduros que no saben cuidar una relación amorosa. La primera estrofa deja una de las citas más memorables de todo el trabajo: “¿Acabas de decir que has terminado? Ni sabía que habíamos empezado”. Como acostumbra a hacer desde su disco Emails I Can't Send (2022), Carpenter muestra su lado más mordaz con alusiones sexuales que juegan al doble sentido. La cantante, que parece hacer alusión a que su pareja llegaba al clímax demasiado rápido, también apunta a que fue él quien la dejó sin ella saber siquiera que estaban saliendo.

'Tears'

El segundo tema del álbum es, a su vez, el segundo single. No es de extrañar: cuenta con uno de los estribillos más adictivos de todo el disco, aunque queda por ver si eso es suficiente para que se convierta en un éxito. Con una melodía inicial que podría pertenecer a una escena de misterio, Sabrina Carpenter pone de lleno toda su sensualidad en una canción con constantes referencias al sexo. Lo hace, por supuesto, a su manera. “Me mojo al pensar en ti siendo un chico responsable”, confiesa la estadounidense. “Tratándome como se supone que deberías de hacerlo, las lágrimas corren por debajo de mis piernas”, añade, insinuando que está tan mojada que empieza a 'llorar'. “Que consideres que tengo sentimientos me hace pensar: '¿Por qué sigo con la ropa puesta?'”, satiriza con respecto a lo poco que se le exige a un hombre.

'My Man on Willpower'

Una de los sonidos más mágicos de Man's Best Friend se lo adjudica la tercera pista. En esta ocasión, la artista opta por hacer un retrato muy perspicaz de la fuerza de voluntad de los hombres, contando cómo un antiguo amante ha perdido el interés en ella y ahora ni siquiera la busca en un sentido sexual. “Está ocupado, está trabajando, no tiene tiempo para mí. Mi pijama sensual no lo tienta en lo más mínimo”, canta Carpenter, que se pregunta “qué demonios es esta comedia oscura y romántica últimamente”. Todo lo que caracteriza a la estrella se encuentra reunido en esta canción, mezclando la ironía y la burla que deriva de su situación con el pop más divertido.

'Sugar Talking'

El proyecto de Sabrina Carpenter encuentra su cauce más tranquilo a partir del cuarto tema. En este, la cantante reflexiona acerca de cómo las acciones siempre dicen más que las palabras y la importancia de que los hombres demuestren su amor más allá de los mensajes de texto. “Dices que me extrañas. Hombre, ¿quieres un premio?”, manifiesta con impotencia la artista. “Estás teniendo esas epifanías, una palabra muy grande para una mente tan pequeña. ¿No estás cansado de decir un montón de nada?”, se cuestiona. Carpenter incluso le pide a este hombre que guarde todo su dinero y deje de hacerla llorar, denunciando el materialismo.

'We Almost Broke Up Again Last Night'

Cogiendo el relevo a Sugar Talking, la estadounidense mantiene la lenta línea melódica en una de las canciones que muestran mayor sensibilidad. Es lo más cerca que está el álbum de tener una balada con permiso de Don't Worry I'll Make You Worry, siendo una pista en la que Sabrina Carpenter lamenta el uso del sexo como recurso para continuar adelante una relación que está a punto de terminar. “Tuvimos sexo y después hicimos las paces”, señala la cantante. “Lo llamamos 'falsa alarma' para todos nuestros amigos, luego casi rompemos otra vez anoche”, constata.

'Nobody's Son'

La narrativa que Sabrina Carpenter ha construido en la primera mitad de Man's Best Friend se percibe en la sexta canción. Tras varias rupturas, lágrimas, falsas promesas y pérdida de fuerza de voluntad, la cantante llega a la conclusión de que, en efecto, todos los hombres son iguales. “Creí que él cedería y me llamaría, pero no, señor, descubrió el autocontrol”, admite Carpenter en la segunda estrofa. El tema recupera el sonido más divertido del inicio, siguiendo así con un sonido que abraza principalmente los sintetizadores. “Ese chico está dañado. ¿Podrías criarlo para que me ame, tal vez?”, insiste la artista.

'Never Getting Laid'

Tras haber cortado con su pareja, la cantante estadounidense hace una crítica a la forma en que los hombres con los que ella se ha relacionado han podido pasar página tan fácilmente, deseando a su ex que algún día le de “agorafobia” y que tenga una “vida llena de felicidad y una eternidad sin tener sexo”. “Nosotras, las chicas, somos divertidas pero estresantes, ¿verdad?”, declara con orgullo Sabrina Carpenter. Es en esa frase, un pensamiento que los chicos suelen tener sobre las chicas, donde reside la magia del disco y desde la cual nace la sátira que desarrolla la artista.

'When Did You Get Hot?'

Devin, el aparente chico sobre el que gira este tema, se ha vuelto más atractivo desde la última vez que Carpenter y él se conocieron. “¿Cuándo te volviste tan sexy de repente? Podría mirarte de arriba a abajo todo el día”, reconoce la cantante en el estribillo de la canción. “Eras un niño feo, pero ahora eres un hombre atractivo”, confiesa sin ningún tapujo, una habitual a lo largo de todo el trabajo. La cantante, que llevaba un tiempo sin intentarlo con nadie, manifiesta la ilusión habitual de quien vuelve a pillarse por una persona: “Ya era hora de que volviera en mi caballo al rodeo”.

'Go Go Juice'

El ambiente vuelve a tornarse divertido de la mano del jugo, que la cantante bebe para tener energía hasta tarde y poder trabajar en esos momentos. Ya en Espresso (2024), Carpenter alude a trabajar “hasta tarde” porque es una “cantante”. “Supongo que a un corazón roto no le importa que me acabe de despertar, tengo una debilidad por la bebida y por un chico que es gay”, reflexiona la artista en una de las estrofas más graciosas de la canción. Este es, sin duda, otro de los temas más pegadizos del disco, que además cuenta con una composición bastante completa.

'Don't Worry I'll Make You Worry'

La artista califica de “lotería emocional” sus relaciones con los hombres en uno de los temas más bellos del álbum y con una narración de lo más curiosa. El ritmo apuesta por la calma y lleva a Sabrina Carpenter a apoderarse de la imagen de psicópata que los hombres han dibujado de ella. “Crees que voy a joderte la mente”, comenta. “Bueno, tienes toda la razón”, añade. La artista sabe lo mucho que puede ofrecer a su pareja. Sin embargo, también es consciente del daño que puede hacerle si se va. “Nunca te devolveré la llamada, pero, cuando lo haga, te haré reír. Luego te criticaré cuando se me antoje. Aun así, creo que me amas”, indica.

'House Tour'

Acercándose al final del álbum, Sabrina Carpenter vuelve a tirar de los sonidos más animados que tantas alegrías le han brindado en el último, con Espresso o Taste entre ellos. “¿Quieres un tour de mi casa? Puedo llevarte a la primera, segunda o tercera planta, y juro que nada de esto es una metáfora”, canta la artista. Por supuesto que se trata de una metáfora: Carpenter recurre a las metáforas del béisbol para el sexo, donde cada base, en este caso representadas como pisos de una casa, significa avanzar gradualmente en el acto sexual. “Solo quiero que entres. Cariño, lo que es mío ahora es tuyo”, apunta jugando, una vez más, con el doble sentido.

'Goodbye'

Sabrina Carpenter cierra el disco con una de las canciones más movidas de su nuevo trabajo, pues en los ritmos más potentes radica su gran fortaleza. De hecho, logra dejar un buen sabor de boca. “Aún estás enamorado de mi culo”, dice la estadounidense. “No cariño, no lo volverás a ver”, sentencia. La canción cierra toda la narrativa que ha ido elaborando Carpenter, regresando al principio para volver a despedir una relación que no ha funcionado. “Bueno, sayonara, adiós”, dice en español. “No eres bilingüe, pero deberías saberlo”, declara. Al español vuelve a recurrir posteriormente: “Por siempre, te amo”. Es una pista que funciona a la perfección como conclusión, poniendo así punto final a la historia y reuniendo las melodías con las que ella se siente más cómoda.

El sector independiente de la música está mostrando su extrema preocupación por la intención de Universal Music Group (UMG), uno de los gigantes del sector que publica los discos de Rolling Stones, Sabrina Carpenter o ABBA, de comprar Downtown Music, una empresa que, aunque menos conocida por el público general, desempeña un papel crucial en la gestión de los servicios y los derechos de autor de artistas y sellos independientes. Un movimiento valorado en 775 millones de dólares que está bajo el escrutinio de la Comisión Europa y que podría consolidar aún más el poder de Universal.

Downtown Music opera entre bastidores brindando servicios esenciales para el sector independiente, encargándose de la distribución digital a plataformas de streaming como Spotify o Apple Music, la gestión de derechos de autor y licencias, y la recaudación de regalías. La intención de Universal, anunciada a finales de 2024, es clara: integrar todas estas capacidades para fortalecer todavía más su posición en la distribución y los servicios ofrecidos a artistas y discográficas. En un ecosistema musical altamente concentrado, fuentes de UFi (Unión Fonográfica Independiente, organización que aglutina a las empresas discográficas independientes en España) explican a elDiario.es que “el acuerdo UMG/Downtown reduciría significativamente el acceso al mercado para artistas y sellos independientes, otorgando a la mayor compañía musical del mundo un control sin precedentes sobre las rutas de entrada al mercado, los servicios digitales y el acceso a los datos de la competencia”.

La compra plantea interrogantes a la Comisión Europea sobre la diversidad musical. Si una enorme entidad como Universal controla también una parte significativa de los servicios de distribución y gestión de derechos, los artistas independientes pueden encontrarse con dificultades para llegar a una audiencia amplia. Universal Music Group es el hogar del catálogo de infinidad de artistas y sellos millonarios, contando con un dominio de distribución global. Esto podría empujar al panorama musical hacia una mayor homogeneización, donde lo comercial prime sobre propuestas más pequeñas. Aunque las empresas independientes del sector musical generan más del 80% de todos los lanzamientos, las tres multinacionales (Universal, Warner y Sony) controlan conjuntamente el 70-75% del mercado en Europa.

Asimismo, la cuestión de la protección de datos es especialmente relevante para la Comisión Europea, puesto que Downtown Music maneja información comercial confidencial de innumerables sellos y artistas independientes. La integración de estos datos dentro de Universal Music Group preocupa a la Comisión con respecto a la equidad del mercado, pues “UMG probablemente tendría la capacidad y el incentivo de utilizar datos de sellos discográficos para sus propias actividades comerciales, en particular las relacionadas con la música grabada”, provocando así el “efecto de fortalecer aún más a UMG, que ya es líder en el mercado de distribución mayorista de música grabada en el Espacio Económico Europeo”.

Por otro lado, la adquisición impacta sobre la posición de los artistas. Con menos opciones de proveedores de servicios y una competencia reducida en el mercado de la gestión de derechos, su poder de negociación frente a las grandes corporaciones disminuiría. Esto podría traducirse en acuerdos menos favorables y en un menor apoyo para el desarrollo de sus carreras. Así lo constata Amelia Fletcher, cantante del grupo británico Heavenly, execonomista jefa de la autoridad de competencia de Reino Unido y cofundadora de un sello independiente, en una carta abierta a Ribera instando a la Comisión Europea a realizar una investigación en profundidad.

“Muchos artistas exitosos prefieren grabar para sellos independientes, ya que mantienen un mayor control sobre su desarrollo musical”, indica Fletcher en la carta publicada hace unas semanas, apuntando que “probablemente no serían contratados por los sellos principales, pero que colectivamente generan un valor sustancial para los consumidores, la cultura y la economía”. “Es vital que se detenga este proceso anticompetitivo. El sector independiente es esencial para la competencia, la creatividad, la cultura y el crecimiento en la industria musical”, sostiene.

Consecuencias como la concentración de mercado

La concentración de mercado es una preocupación constante en la industria musical, de ahí que la Comisión Europea esté investigando la operación. Con solo un puñado de empresas controlando la mayor parte del mercado, cada adquisición importante refuerza esa concentración y genera inquietud sobre la capacidad de estas multinacionales para influir en cada aspecto de la música, desde cómo se produce hasta cómo se monetiza y consume. Cuando Universal se hizo en 2012 con el sello EMI, uno de los más relevantes de Reino Unido, la Comisión Europea impuso una serie de condiciones para aprobar la operación. Entre ellas, la prohibición de diez años (hasta 2022) para que UMG adquiriera ciertos activos y sellos discográficos en el Espacio Económico Europeo, con el fin de evitar una concentración excesiva de capital.

Tras el paso de esta década, la compañía musical adquirió PIAS en septiembre de 2024, que se trataba de uno de los sellos independientes más grandes de Europa con artistas como Pixies, Editors, Texas, Soulwax, Dinosaur Jr., Eels y Agnes Obel. A ese movimiento comercial se le suma ahora su acuerdo de compra de Downtown Music, empresa que a su vez es propietaria de servicios independientes fundamentales como FUGA, una de las plataformas de distribución más antiguas y conocidas a nivel mundial, y CD Baby, agrupación de tecnología y servicios que trabaja con discográficas independientes. “Al observar cómo ha evolucionado el mercado, es evidente que las majors se están repartiendo el mundo entre ellas”, explica un portavoz de UFi. “Estas adquisiciones se suman a una larga lista de acuerdos estratégicos en mercados clave a nivel mundial, y deben detenerse”, añade.

La investigación formal que está llevando a cabo la Comisión Europea se extenderá hasta finales de 2025 y puede llevar a UMG a ofrecer concesiones para que el acuerdo sea aprobado. La industria musical independiente, a través de voces como la organización IMPALA, ya ha expresado su preocupación, haciendo un llamado a la Unión Europea para que tome la iniciativa y frene esta estrategia de “apisonadora” de UMG, solicitando que bloquee directamente la operación. “Esta adquisición forma parte de la estrategia del líder del mercado para consolidar activos estratégicos, controlar rutas clave hacia el mercado y moldear el futuro del ecosistema del streaming”, resaltan fuentes de la Unión Fonográfica Independiente. Según Fletcher, UMG busca a través de la adquisición un “mayor control sobre algunos de los actores más importantes, innovadores y disruptivos de la industria musical”.

Una decisión que recae también sobre España

La responsabilidad sobre la decisión del caso UMG/Downtown recae también en España, ya que la Vicepresidenta Ejecutiva de la Comisión Europea responsable de competencia es Teresa Ribera, quien, según expresa un portavoz de UFi, “comprende la importancia de la competencia y la diversidad para un mercado musical sano”. Como ya decidió la Comisión Europea en 2012 con la fusión UMG/EMI, hay un límite en el tamaño que puede alcanzar una empresa dominante. Atendiendo a las estadísticas de mercado en España para 2023 (último año completo disponible, tal y como proporciona UFi con datos de Music and Copyright), UMG ya controlaba casi la mitad de la música que se consumía en el país, con una cuota de mercado del 44,8%.

La magnitud de ese 44,8% se percibe comparándolo con datos de 2012, última vez que la Comisión Europea evaluó el mercado musical, cuando la cuota de UMG era del 34,1%. Además, la diferencia entre UMG y su competidor más cercano es de 17,8 puntos, un aumento de 11,6 puntos porcentuales respecto a 2012. Esta brecha es ahora tres veces mayor que cuando la Comisión Europea evaluó el caso UMG/EMI. “El líder del mercado no debería poder imponer condiciones a los servicios digitales en detrimento de sus competidores, ni absorber a las mayores empresas de distribución musical del mundo y otros servicios esenciales, junto a negocios musicales estratégicos en distintos países, sin una fiscalización adecuada”, señalan fuentes de UFi.

El caso ya había captado la atención de la presidenta del comité de Asuntos Económicos y Monetarios del Parlamento Europeo, la economista y eurodiputada francesa Aurore Lalucq, quien formuló una pregunta escrita formal a la Vicepresidenta Ejecutiva Teresa Ribera en la que enfatizaba que “el mercado musical es un sector vital para la UE” y recalcaba que se necesita un “mercado abierto y próspero para innovar y dar visibilidad a los artistas europeos”. Asimismo, Amelia Fletcher ha señalado que la adquisición representa “otro paso en la estrategia de UMG de socavar la vitalidad y viabilidad del sector independiente”.

Desde que el periódico británico Financial Times hiciera unas revelaciones sobre las actividades empresariales de Daniel Ek, fundador y director general de Spotify, algunos músicos han decidido abandonar la plataforma. Este periódico desveló que Ek estaba llevando a cabo una inversión de 600 millones de euros en el fabricante alemán de drones Helsing por mediación de Prima Materia, una empresa fundada por él y por el principal inversor en Spotify, Shakil Khan, en 2020.

En ese movimiento financiero, la empresa de inversión del fundador de Spotify ha valorado al grupo tecnológico de defensa alemán en 12.000 millones de euros, convirtiéndola en una de las empresas emergentes más valiosas de Europa. Con sede en Múnich, Helsing lleva tiempo desarrollando software de inteligencia artificial para producir sus propios drones, aviones y submarinos de guerra, beneficiándose del creciente flujo de inversiones hacia las empresas de defensa. El tenso escenario geopolítico está impulsando a los países de todo el mundo a incrementar su gasto militar y replantear soluciones tecnológicas en el campo de batalla.

Prima Materia ya había realizado una primera inversión significativa en Helsing en 2021, meses antes de la invasión de Rusia a Ucrania. Ahora, Ek redobla la apuesta y valora a Financial Times que la aceleración de su inversión se debe al uso de tecnologías de guerra mejoradas con inteligencia artificial y de drones: “No podemos subestimar las implicaciones que esto tiene para este conflicto [en Ucrania] o, en realidad, para cualquier conflicto futuro”.

Entre los grupos que se han posicionado en contra, el trío musical Xiu Xiu, que ha construido una sólida reputación por su honestidad lírica y su trabajo experimental en la escena posindustrial desde los 2000. La banda anunció hace unos días que estaba trabajando en eliminar toda su música de la plataforma debido a la “inversión en drones de guerra con inteligencia artificial”. Junto con el titular “Spotify usa el dinero de la música para invertir en drones de guerra”, Xiu Xiu publicó en Instagram un comunicado en el que afirmaba estar en proceso de sacar todo su catálogo del “agujero de basura violento y apocalíptico de Spotify”: “Por favor, cancela tu suscripción”.

Según el portal especializado Consequence, la banda ha recibido “apoyo total” de sus tres sellos principales, Polyvinyl, Kill Rock Stars y Graveface. Sus pasos los ha continuado recientemente el grupo australiano King Gizzard & the Lizard Wizard, influyente dentro del rock psicodélico, que difunde el siguiente lema: “A la mierda Spotify”. Una decisión que llegó poco tiempo después de que el grupo californiano Deerhoof, con más de 20 años de trayectoria y reconocido por sus discos rock, se retirara de la plataforma por la misma razón. “No queremos que nuestra música mate a la gente. No queremos que nuestro éxito esté ligado a la tecnología de combate de IA”, declaró en un comunicado.

“Con el tiempo, los artistas querrán abandonar esta estafa de minería de datos, ya ampliamente odiada, que se hace pasar por una 'compañía musical'. Es espeluznante para los usuarios y horrible para los artistas. La creación musical perdura para siempre, pero este o cualquier otro plan digital para hacerse rico rápidamente acabará quedando obsoleto”, agregó Deerhoof a través de Instagram.

Las consecuencias de abandonar Spotify

“Una de las afirmaciones que se suelen hacer sobre Spotify es que, en teoría, permite que cualquiera que se registre pueda descubrir tu música, por muy lejos que esté de los autoproclamados centros de la modernidad. Pero el hecho de que alguien esté lejos de los guardianes occidentales no significa que carezca de cultura o que necesite escuchar a nuestra banda”, escribió la banda en su comunicado. “No somos capitalistas y no queremos conquistar el mundo. Especialmente si el precio de 'ser descubierto' es permitir que los oligarcas llenen el mundo de armamento informatizado”, añadió, agradeciendo a su discográfica el apoyo. “Sabemos que les estamos pidiendo un sacrificio, y eso significa mucho para nosotros”, confesó la banda.

El mensaje de Deerhoof hace hincapié en un detalle importante: las graves consecuencias a las que se enfrentan los artistas si quitan su música de Spotify, una plataforma que ya de por sí les genera poco dinero. “Tenemos el privilegio de que fuera una decisión bastante fácil para nosotros, pues paga una miseria y ganamos mucho más con las giras. Pero entendemos que otros artistas y sellos dependen de Spotify para una mayor parte de sus ingresos, y no juzgamos a aquellos que no pueden hacer lo mismo a corto plazo”, declaró el grupo.

Joyful Noise Recordings, el sello discográfico de varios de los lanzamientos de Deerhoof, apoyó la decisión de la banda de abandonar Spotify. “Desde los inicios del streaming, los artistas y sellos independientes se han visto obligados a colaborar con diversas entidades digitales para sobrevivir. Entidades que a menudo se financian con fuentes que no se alinean con nuestros valores”, escribió Joyful Noise. Según el portal Music Business Worldwide, Daniel Ek habría ganado 800 millones de dólares solo con acciones en Spotify desde mediados de 2023. Ahora, los artistas reclaman que ese dinero, logrado principalmente por los suscriptores, se destine a causas inmorales para muchos de ellos.

Spotify es una vergüenza. No crea nada, falta al respeto a los artistas y no es más que un cártel aliado con las grandes discográficas, un puñado de megaestrellas y ahora también trata de aliarse con la IA y la maquinaria bélica.

James Kennedy — Artista, músico y escritor

El músico Morris Mills ha declarado en Instagram haber alertado a su distribuidor de eliminar todo su perfil de la plataforma de streaming y pide a la industria actuar en consecuencia: “Los actores y guionistas se unieron: meses de huelga luchando contra la explotación de la IA y por salarios justos. Y lograron un cambio real. ¿Por qué los músicos no podemos hacer lo mismo?”. Mills ha enfatizado que “es hora de que los artistas, los productores, los sellos independientes y los fans se unan y digan: ‘Basta’”. “Esto no es solo una falta de respeto. Es una injusticia económica. He eliminado mi música de Spotify, no porque me haya rendido, sino porque estoy plantando cara”, ha publicado.

Asimismo, el músico y productor James Kennedy, que reside en Gales, Reino Unido, y que tiene décadas de experiencia en la industria musical, lleva tiempo exponiendo la cara oculta del sector a través de publicaciones y apariciones en artículos de portales de música especializados como NME y Guitar Magazine, donde ha abordado las preocupaciones de los artistas con la salud mental, la política y las discográficas. Esto también lo ha hecho en convenciones musicales y en su reciente obra Loud Medicine, convirtiéndose en una de las voces más reivindicativas del panorama internacional y abogando por los derechos de los músicos y los cantantes.

En conversación con elDiario.es, Kennedy valora que “Spotify es una vergüenza”: “Representa todo lo malo de la industria musical. No crea nada, no invierte nada en las artes, no respeta a los artistas y no es más que un cártel aliado con las grandes discográficas, un puñado de megaestrellas, y ahora también intenta aliarse con la inteligencia artificial y la maquinaria de guerra”.

Artistas comprometidos como la banda de postrock canadiense Godspeed You Black Emperor! utilizaron sus propios discos para llamar la atención sobre las vinculaciones de la industria musical con la armamentística hace más de dos décadas. La portada del disco de 2002 Yanqui U.X.O. mostraba un análisis que vinculaba empresas como AOL Time Warner (ahora Warner Media, propietaria de sellos como Elektra o EMI) con la empresa de armamento Raytheon (ahora RTX Corporation).

La banda canadiense, un referente para grupos actuales como los citados Deerhoof, siempre se ha mostrado muy concienciada sobre el contexto político y, aunque aún no se ha pronunciado sobre el boicot de numerosos artistas a Spotify por las inversiones de su creador, ha tratado de ser reivindicativa con su arte. En 2024, su octavo álbum de estudio tomó por nombre No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead (Sin título a fecha de 13 de febrero de 2024 28.340 muertos). El título es el número de personas que habían sido asesinadas en Gaza a día 13 de febrero del año pasado, que fue cuando terminaron de grabar el disco.

Ahora, las inversiones de Daniel Ek en Helsing a través de su empresa Prima Materia no solo pone en alerta a los artistas cuya música está en Spotify y consideran inmoral continuar en la plataforma, sino a muchos usuarios que no saben a qué causas y empresas se destina el dinero con el que pagan su suscripción. “Por favor, no escuches mi música ahí. No escuches ninguna música ahí”, reclama James Kennedy. “Boicotea, evita, condena y dile a los demás que hagan lo mismo, en voz alta”, concluye. Este periódico trató sin éxito de ponerse en contacto con Prima Materia para obtener información adicional.

Imaginar un mundo sin redes sociales se ha convertido en una tarea imposible. El planeta digital ha acabado absorbiendo por completo cualquier tipo de vínculo entre personas, teniendo un papel clave tanto en la comunicación como en las actividades individuales y colectivas. Sin embargo, todavía más descabellado sería imaginar un mundo sin música. Las canciones llevan desde épocas inmemoriales forjando conexiones entre individuos, lo que deja una realidad que no debería ser sorprendente: las redes sociales necesitan de la música tanto como sus propios usuarios.

Saber qué es lo que escuchan tus amigos jamás ha sido tan fácil como lo es en la era de internet. No hace falta que vayan a conciertos, lleven la camiseta de su artista favorito o te sorprendan con un álbum en su tocadiscos de casa. Ahora, basta con hacer scroll en Twitter, Bluesky o Instagram para descubrir ese tema que tu compañero de trabajo no para de reproducir en bucle. O bien porque él mismo lo comparte con orgullo, o bien porque la red social cada vez implementa más funciones que incitan a hacerlo. Es el caso de Instagram, que ha habilitado una función para que la gente publique en tiempo real lo que está escuchando en cada momento.

A partir de este mes, Instagram permite que todos sus usuarios dejen constancia de la canción que están reproduciendo en directo. Se trata de una herramienta que, de momento, solo se encuentra disponible para quienes usan Spotify, pues solo los clientes de esta plataforma de streaming tendrán la posibilidad de vincular su cuenta a la de Instagram. Podrán hacerlo yendo a los ajustes de la aplicación y conectando su perfil al de Spotify. Una vez hecho, cada tema que escuchen aparecerá en el apartado de Notas, justo encima de los chats privados. Hasta ahora solo se podía publicar una canción diaria que se mantenía durante 24 horas.

El éxito de esta función, que utilizan muchísimos usuarios con frecuencia, pone de manifiesto la necesidad constante de mostrar cuáles son nuestras canciones favoritas y conocer qué es lo que suena en los auriculares de la persona de al lado. Es la demostración de que “en las redes sociales, aislados en el plano físico, y quizás en el mental, buscamos la cercanía que proporciona la música”. Así lo afirma a este periódico Elisa Victoria Iruzubieta-Pickman, musicóloga y psicóloga que acaba de publicar Kama muta y lullaby, una obra sobre el papel de la mujer y la función de las artes y el lenguaje no verbal en la formación de los primeros lazos sociales y culturales.

“La música que nos atrae, que nos conmueve, que sentimos familiar y cercana, nos ofrece oportunidades para sentirnos tocados por un sentimiento de pertenencia y humanidad común”, comenta Iruzubieta-Pickman, que añade que “desde hace unos años, las redes sociales reemplazan el ritual tradicional como lugar de conocimiento y de alivio de la incertidumbre”. Aunque esto pueda incomodar a la gente, debido al grave impacto que tiene para la salud mental el desapego y la experiencia aislada, la psicóloga observa que “las redes sociales han pasado a ser ese ritual comunicativo donde compartir música favorece el retorno a alguna forma de estructura social”, potenciando la conexión con tus círculos.

De hecho, obsesionarse con un álbum o abrazar la discografía de un artista es una seña ideológica e identitaria, como apunta el grupo de Educación Musical desde una Perspectiva Social y Psicológica de la Universidad Complutense de Madrid. “Vivimos en una sociedad en la que tenemos que compartir todo en cualquier momento del día y la música es uno de los elementos más importantes para el ser humano”, alega este grupo de investigación, que afirma que “la música tiene una función social, de autoafirmación y búsqueda identitaria”. “Lo que en realidad estás compartiendo son preferencias, patrones, hábitos, estilos. Estás afirmando esa identidad grupal”, sostiene.

Una puerta abierta a la intimidad

Nuestros gustos, aquellas cosas que adoramos, hacen de nosotros las personas que somos. Del mismo modo, mostrar con los demás las canciones que no sacamos de nuestra cabeza supone mostrarles una parte muy personal de nuestras vidas. Pero sucede algo curioso: confesar lo que suena en nuestros cascos apenas nos avergüenza. Iruzubieta-Pickman declara que, mientras que “compartir nuestros sentimientos con los otros en las redes sociales puede resultarnos amenazador”, particularmente a las personas más jóvenes, “la música es un poderoso instrumento de cohesión social”: “Nos conecta porque escucharla nos ayuda a ‘oír’ lo que canta, tararea o baila el resto del mundo, y nos permite unirnos con nuestra voz”.

Hacer pública una playlist no solo enseña a los demás cuáles son los temas preferidos de alguien, sino que desvela el mood en el que se encuentra esa persona, ya sea porque esté reproduciendo una lista de canciones tristes o porque la temática sea animada. No obstante, el grupo de Educación Musical desde una Perspectiva Social y Psicológica señala que “no hay ningún problema” cuando la gente comparte “lo que se está escuchando en el top 50 de Spotify o en la lista de Los 40 Principales”, puesto que “está haciendo lo que hace el 99,9% de la población y está perteneciendo a un grupo estándar”.

Sin embargo, todo cambia cuando alguien escucha algo que se sale de lo más mainstream. “Imagínate que tienes también una lista de música clásica o de jotas navarras. ¿Tú crees que el efecto sería el mismo? Claro que no”, dice el grupo, “porque cuando compartes algo, seleccionas lo que compartes”. “Aunque es verdad que nos da mucha menos vergüenza compartir nuestra música que otro tipo de cosas, existe una doble cara de aceptación social. ¿Serías la misma persona si compartes que cuando sales de la ducha estás escuchando jotas del pueblo de tu madre?”, añade, recalcando el filtro que a menudo se torna fundamental en las redes sociales.

Al compartir nuestras playlists podemos tener la sensación de cantar y bailar ‘junto’ con el resto del mundo, como en aquellas ocasiones en las que nos sentimos identificados con la letra o el ritmo de una canción de amor.

Elisa Victoria Iruzubieta Pickman — Musicóloga y psicóloga

El grupo de investigación de la Universidad Complutense de Madrid indica que, como las personas prefieren seleccionar qué es lo que comparten y lo que muestran al resto, es probable que la nueva función de Instagram, que posibilita compartir en tiempo real todo lo que alguien reproduce sin filtros, no la use demasiada gente: “Las personas se mueven en distintos círculos y seleccionan qué compartir con cada uno de ellos, porque la identidad grupal de esos círculos no es la misma en costumbres, cuestiones sociales o valores”. Pese a ello, reflexiona que quizás sí guste a los adolescentes porque “tienen una capacidad temeraria de inmortalidad”.

Entre quienes publican lo que escuchan en Instagram están Emilio y Bea, ambos nacidos en Granada en 2003. Después de hacer lo propio con el tema Hasta el amanecer de Nicky Jam, Emilio explica a elDiario.es que suele subir a Instagram la primera canción que le aparece en TikTok o Spotify que le llama la atención: “Dependiendo del día y de cómo me encuentre, subo una u otra, para que la gente vea mis gustos musicales”. Además, reconoce que no tendría problemas en que vieran en tiempo real lo que consume en Spotify. Bea, por su parte, no utilizaría esta función: “No por vergüenza ni por orgullo de guardarme lo que escucho. Para mí es algo más puntual, algo de sentirlo. Si una canción me ha tocado el ‘cora’, pues la subo”. La última que compartió fue Puerta del Sol de Guitarricadelafuente.

Al final, es el sentimiento el que impulsa a la gente a abrazarse mediante la música. “Al compartir nuestras playlists podemos tener la sensación de cantar y bailar ‘junto’ con el resto del mundo”, dice Iruzubieta-Pickman, “como en aquellas ocasiones en las que nos sentimos especialmente identificados con la letra o el ritmo de una canción que relata la experiencia de una persona que se asemeja a la nuestra, como en las canciones de amor”. Para la musicóloga y psicóloga, es similar a “cuando sentimos que el resto del mundo ‘debería’ alzar su voz, gesto y movimiento con nosotros, como en las canciones protesta, donde los valores y sentimientos se potencian en la interacción grupal”.