Antonio de la Torre siempre encuentra una forma de sorprender al espectador. Un nuevo matiz, un registro que no se le conocía, una apuesta por otro personaje… Lo demostró el año pasado con su sobrecogedora interpretación en Los destellos, de Pilar Palomero, donde daba vida a un enfermo terminal de cáncer; y lo demuestra ahora en Los tigres, una nueva colaboración con su amigo Alberto Rodríguez, con quien ya había trabajado en La isla mínima y Grupo 7. Ambos nos descubren un mundo desconocido, el de los buzos que se juegan la vida arreglando tuberías o barcos por cuatro duros en unas condiciones durísimas.

Rodríguez crea un thriller social y De la Torre le sigue hasta el final en una nueva muestra de su talento. Asegura el actor que no siempre que le llame Rodríguez su 'sí' es automático, pero que es evidente que en esa amistad hay vínculos para encontrarse en proyectos en los que ambos sacan lo mejor del otro. 

En este momento de su carrera, ¿qué busca en un papel? ¿Un reto como actor? ¿Piensa más en el global de la película, en lo que quiere contar?

Buena pregunta. Por un lado, al hacerme mayor, no tengo tanto que demostrar. Me di cuenta de que había algo en los retos siempre, y es que uno se está demostrando algo a sí mismo. Cuando ya vas madurando, tienes menos esa necesidad de demostrarte nada. Pero una de las cosas que distingue al adulto es la contradicción. Cuando digo que 'sí' a un curro, bien por la historia o bien por el director, también, de repente, a veces, dices: “Hostia, esto no lo he hecho antes”. Y eso tiene un reto de alguna manera, por eso te decía que puede ser una respuesta contradictoria. Siempre lo más importante es la película. Pero está bien que el actor aporte otra capa para enriquecer la película. Puedes tener un afán, pero siendo consciente de que siempre eres parte de un equipo.

¿Qué había en Los tigres?

Me interesaba muchísimo el mundo de los buzos. Descubrí que hay como unos mil buzos en España, que son una especie de obreros subacuáticos. Normalmente en esas aguas no se ve nada, lo hacen con unos trajes que pesan 15 kilos y con todo el material llegan a tener 50 kilos sobre su piel. Alberto lo explica muy bien, y es que dicen que es el segundo oficio más peligroso del mundo. Yo hablé con muchos de ellos y me contaron que les pasó como en la película: un buzo bajó a revisar un petrolero, una tubería o alguna cosa y se creó un silencio sepulcral que hizo que todo el mundo estuviera allí pendiente, con respeto, porque puede ser peligroso. Fue como: “Coño, sí es que el trabajo en sí mismo ya era un thriller”. 

Me acuerdo de que José Luis Rebordinos dijo que para él tenía algo de cine social, me pareció muy interesante describirla así. 

Eso me interesaba mucho, también como actor. Me gusta mucho el cine de Ken Loach y me gusta mucho el cine de Alberto Rodríguez, porque le considero un poco un pariente ibérico de Ken Loach, ese cine que retrata gente y en el que creo que Alberto es magistral. Lo demostró en Siete vírgenes y en otras películas. Tiene un pulso para narrar colectivos que están en los márgenes. Es cojonudo. Y esta gente lo está. Es un oficio precario. Son entre currelas y pobres. Supongo que eso me interesa mucho porque vengo de ahí también.

La película es un alegato contra la meritocracia. El sistema no funciona, y al final o roban o no sales adelante.

Efectivamente, yo no creo en la meritocracia. Durante un tiempo, después de mi primer Goya, cuando empecé a trabajar más, cuenta la leyenda que hubo una época que se hacía cine español y no salía Antonio de la Torre (risas), ahí yo creí que había subido en el ascensor social. De repente conocía a gente de gran relevancia social. Pero de repente, pensé: “No te equivoques, estás en el mismo lugar”. A lo mejor cuando la gente lo lea escrito le puede parecer grosero, porque evidentemente vivo bien, sin ningún tipo de dificultad, mis hijos van a un colegio público y vivo bien, pero me di cuenta de que lo del ascensor social es una gran mentira.

Ser coherente es imposible. De hecho, me atrevería a decir que ser adulto es aceptar la contradicción, aceptar que no puedes ser coherente.

Antonio de la Torre — Actor

De hecho, te voy a contar una cosa. Voy a hacer una confesión. Yo me planteé mandar a mi hija a un colegio bilingüe que costaba una pasta. En aquel momento me lo podía permitir y lo pensé. Y luego dije, “si va a ese colegio, se va a relacionar con gente de un estrato social al que yo no pertenezco”. Y hubo un punto de reivindicación de clase en la decisión escolar de dónde mandar a mis hijos. Fue un miniacto político. Ojo, que no quiero que parezca que me doy 80 golpes de pecho por meter a mis hijos en un cole público. 

Pero es que la coherencia es muy difícil.

Ser coherente es imposible. De hecho, me atrevería a decir que ser adulto es aceptar la contradicción, aceptar que no puedes ser coherente. Este es como el primer mandamiento del adulto, o la primera revelación que te haces a ti mismo como adulto. Va a haber un momento que voy a tener que empatar con eso porque me voy a morir sin serlo del todo. Es interesante esa batalla épica.

No puedo no preguntarte después de ver el fichaje de Glenn Close por La bola negra. 

Me sabe mal como periodista que soy también, pero no sé si estoy capacitado para decirte algo. No sé qué puedo decir. Salgo en la película, eso ya se sabe, es un papel pequeño, pero lo que sí te puedo decir es que me ha encantado currar con los Javis. Son tan talentosos que no me extraña que estén teniendo esa carrera. Tienen una sensibilidad, un cariño por los actores y un rollo… Tiene muy buena pinta.

Desde que en 2020, con los cines recién abiertos tras la pandemia, Pilar Palomero sorprendiera a todos con Las niñas, la directora no ha parado. Con su debut consiguió el Goya a la mejor película y a la mejor dirección novel y el impulso para comenzar una carrera que había tardado demasiado en empezar pero que ahora era imposible de detener. Con su segundo filme, La maternal, compitió ya por la Concha de Oro en San Sebastián, y su protagonista, Carla Quílez, logró la Concha de Plata.

Con su tercera obra, Los destellos -que se estrena en cines el 4 de octubre-, vuelve al certamen. Lo hace con su mejor filme hasta el momento. El más maduro y el más conmovedor. Un nuevo paso adelante para la realizadora, que apunta a la Concha de Oro con esta adaptación del relato de Eider Rodríguez Un corazón demasiado grande. Palomero emociona con la historia de una mujer que decide cuidar a su expareja en sus últimos días y acaba construyendo un filme más luminoso que lúgubre. Más sobre la vida que sobre la propia muerte, y donde vuelve a regalar una escena para el recuerdo, la del equipo de paliativos que les explica a todos, el enfermo y sus familiares, cómo enfrentarse a lo que viene.

Una escena donde el equipo de paliativos es real, y donde el trabajo de interpretación alcanza su cima, con una Patricia López Arnaiz brillante, el descubrimiento de Marina Guerola y, sobre todo, un sobresaliente y sorprendente Antonio de la Torre, que más allá del cambio físico logra aquí una de sus mejores actuaciones en un prodigio de contención y naturalidad como el enfermo. Un proyecto que nació casi como un encargo. Fue el productor Fernando Bovaira quien tras el estreno de Las niñas, en diciembre de 2020, le propuso adaptar la novela. El relato le interesó mucho. Nunca había adaptado un libro, y ya tenía el proyecto de La maternal encaminado, pero se colocó en la línea de salida para un tercer filme que planteaba una pregunta a la director: ¿qué hubiera hecho ella?

Luego se dio cuenta de que, además, esta película le daba la oportunidad de hablar de algo que estaba en todos sus cortos aunque no tanto en los largos, como era “el tema del paso del tiempo, la desaparición, la memoria y el olvido”. No era solo eso. También le tocaba de una forma íntima y profunda por su experiencia cuando perdió a su padre. Quizás por ello uno de los cambios en esta adaptación es que Palomero se la ha llevado al pueblo de Horta de Sant Joan, en Tarragona, el pueblo de sus abuelos y donde ella pasó sus veranos.

Palomero se fija de nuevo en aquello que el cine suele obviar. Lo que el cine dirigido por hombres no ha prestado atención. ¿A quién le iba a interesar hace 15 años la educación de unas niñas o las madres adolescentes que no querían serlo? Ahora repite procedimiento al mirar a la muerte sin épica, con naturalidad, sin el peso del catolicismo que también marcaba las historias de sus anteriores filmes. Asegura que esas líneas en común no son deliberadas, pero que quizás responden a su propia “búsqueda”.

A través de una muerte tú también te puedes posicionar de una manera diferente ante tu propia vida

Pilar Palomero — Cineasta

“Siento que en las películas hay mucho de intentar buscar algo. En Los Destellos uno de mis objetivos era intentar también, dentro de lo dolorosísimo que es perder un ser querido, encontrar algo que pueda tener cierta belleza. Es muy difícil decirlo cuando lo acabas de vivir, pero he tenido experiencias parecidas. Cuando falleció mi padre yo estaba en Sarajevo y tuve que venir en un avión. Lo estoy contando ahora en las entrevistas, es una decisión que he tomado, hablar de esto abiertamente. Tuve que cogerme un avión, y en ese viaje hubo muchos desconocidos que me cuidaron”, recuerda.

Ahí se desvela uno de los temas centrales del filme, la necesidad de cuidarnos en un mundo cada vez más individualista. La importancia de la bondad en tiempos de cinismo. Las buenas personas como agentes de un cambio casi revolucionario. “No se trata solo del personaje de Isabel cuidando a su expareja, todos tenemos que cuidar de todos. La muerte es dolorosa, obviamente, pero mientras estemos aquí lo que hay que intentar hacer es cuidarnos. Parece un mensaje buenista o un poco naíf, pero yo quiero defenderlo. Para mí esta película son cuatro personajes que en realidad son buenos y quería hablar de de eso. Tenemos que intentar ser buenas personas. Ya está bien de que el ser bueno parezca ser tonto. No es así, y tampoco eres mojigato por reivindicar la bondad y reivindicar los cuidados”, reivindica.

Algo está ocurriendo porque son varias películas las que quieren cambiar el relato de la muerte. Solo en esta Sección Oficial de San Sebastián se encuentra, además de Los destellos, la última película de Costa-Gavras, Le dernier soufle, sobre los cuidados paliativos. Hace unas semanas era Pedro Almodóvar quien ganaba el León de Oro por su emocionante mirada a la muerte y la eutanasia en La habitación de al lado, y Seminci será inaugurada por Polvo serán, que también abordará el mismo tema desde el musical. 

Para Palomero esto ha sido una sorpresa, pero cree que responde a que hay una voluntad de “querer que algo cambie” dentro de los relatos establecidos y oficiales: “Entiendo que serán propuestas muy distintas, pero lo que yo he querido es hablar de cómo a través de una muerte tú también te puedes posicionar de una manera diferente ante tu propia vida. Es algo que yo viví, que yo experimenté que también los médicos de paliativos, a la hora de documentarme para el proyecto, me repetían constantemente. Ellos me decían que la gente no entiende bien en qué consisten los cuidados paliativos. Siempre pensamos que es un equipo que acompaña a una persona a morir bien, y en realidad lo que ellos es acompañar a vivir bien el tiempo que están aquí. Eso es lo que me parecía interesante y lo que quería que estuviera en la película. Que hay una muerte, pero que sobre todo hay unas vidas”.

Antonio de la Torre tiene tanta energía que sacude todo. Sus respuestas son como muñecas matrioskas que se van abriendo una tras otra. De una contestación pueden surgir cuatro temas diferentes. Habla de todo, sin tapujos. Con la seguridad que le han dado años de profesión y de estar al pie del cañón. No solo se notan las tablas, sino también ese resquicio de periodista que queda en él y que hace que se adelante a muchas de las preguntas que se le van a hacer.

Ocurre cuando habla de su nueva película, Tratamos demasiado bien a las mujeres. Una comedia negra ambientada en la posguerra española donde da vida a un maqui atrapado en una estafeta que se enfrenta a una franquista que quiere matarles a todos, y tiene el rostro y el cuerpo de Carmen Machi. Un acercamiento diferente y arriesgado a la Guerra Civil, un tema que según la derecha siempre aparece en nuestras películas pero que, como recuerda Antonio de la Torre sin que haga falta preguntarle por ello, solo aparece en apenas un 1% de los títulos que se ruedan.

Tratamos demasiado bien a las mujeres es una adaptación de un texto de Raymond Queneau que originalmente se ambientaba en Irlanda y que la directora Clara Bilbao -que debuta en el largo tras una carrera llena de premios como diseñadora de vestuario- se lo lleva al Valle de Arán. Allí encierra a un reparto donde Antonio de la Torre, Isak Ferriz, Oscar Ladoire y Diego Anido, entre otros, se enfrentan a una Machi con traje ensangrentado de novia -a lo Kill Bill- que encarna lo peor del nacionalcatolicismo español. 

La película tiene algo que mezcla a Berlanga con Tarantino

Me encanta que digas esto. El proyecto me llegó porque coincidí con Clara Bilbao, la directora, en un festival de cortos donde ella competía con el suyo, Prohibido arrojar cadáveres a la basura. Era una maravilla y ya tenía ese universo que se ve en esta película. Me acuerdo que le dije: “Oye, si haces una peli llámame, porque tú tienes un mundo que yo quiero formar parte de él”. Y cuando me mandó el guion y me reuní con ella y con las productoras Mamen Casal y Mamen Quintas justo les dije, “esta película tiene que ser como si la dirige Tarantino”. Que yo ya sabía que ni yo soy Brad Pitt ni ella es Tarantino, pero que íbamos a intentarlo.

Hacer humor negro con la Guerra Civil de fondo no es fácil, ¿cómo se enfrenta uno a eso?

Yo creo que un actor consciente de la comedia no tiene ni puta gracia. O sea, tú tienes que pisar el plátano y caerte y ya veremos si eso tiene gracia o no. Cuando arrancó el proyecto yo dije, “esto hay que defenderlo a muerte”. Si entras a juzgar o a pensar si estás haciendo gracia… Eso es hacerse el gracioso. Creo que para hacer comedia no hay que hacer comedia.

Menuda paradoja.

Sí, pero es que yo creo que si eres consciente es una cagada. Si tú eres consciente de que vas a hacer gracia, no tienes puta gracia.

Esa es un poco la esencia para mí del periodismo y del arte. Es preferible, aunque sea duro, que alguien cometa un error y se exprese, a tener una sociedad amordazada.

Antonio de la Torre — Actor

Volviendo al tema de la Guerra Civil en el cine, ¿es necesario el tiempo para hacer humor sobre un tema como este?

Lo hablé con José Luis Rebordinos, el director del Festival de San Sebastián, y me recordaba que Vaya semanita, un programa de la ETB, hacía bromas sobre ETA y ETA aún seguía en activo. Yo le conocí en 2006, él no era todavía director del festival todavía, y en una cena ya hablamos de Vaya Semanita y me dijo que este país necesitaba que nos riéramos de nosotros mismos. 

¿Nos sigue haciendo falta?

Es muy importante tener la sensibilidad, y esto no tengo ni puta idea de cómo se hace. Esa es la dificultad del arte, tener la sensibilidad para poder hablar de lo que sea. Nunca se está libre de herir alguna sensibilidad. Tienes que tener la sensibilidad para ser respetuoso, pero siempre, en algún momento corres ese peligro. Pero al mismo tiempo creo que arte y censura, igual que periodismo y censura, son términos contrapuestos.

Ha mencionado a la censura, que es otro de los temas que sobrevuelan el contexto cultural actual ¿Cómo está viviendo todo este momento actual?

Pero, ¿por qué lo dices?

Por las obras de teatro que se han censurado en ayuntamientos de PP y Vox. No de autocensura, sino una censura a otro nivel.

Bueno, la peor censura siempre es la autocensura, porque de esa ya no eres ni consciente. La otra, si eres consciente, siempre la puedes sortear. Te puedes buscar la vida. Pero bueno, me parece terrible. Dicen que Voltaire decía: “Estoy en absoluto desacuerdo contigo, pero daría mi vida con tal de que tú tengas la capacidad para poder estar en desacuerdo conmigo”. Yo creo que esa es un poco la esencia del periodismo y del arte. Es preferible, aunque sea duro, que alguien cometa un error y se exprese, a tener una sociedad amordazada.

Uno de los temas que siguen molestando a un sector es, precisamente, el de la película, la Guerra Civil, ¿qué le pasa a España con la Memoria Histórica?

Bueno, pues que la Transición la hicieron los ganadores. Tan sencillo como eso. No quiero ser de estos que se cargan la Transición. Cuando yo nací Franco todavía estaba aquí. Pero claro, yo era un niño. Yo tenía siete años cuando murió Franco. Tengo los recuerdos de la escuela franquista, de que me pegaban, de que la violencia en las aulas era algo aceptado. Y luego, de una manera muy indirecta, la herencia del franquismo donde más dolorosa me ha resultado es en mi madre. Mi madre, una ama de casa porque ese era el modelo. Yo lo he dicho en alguna entrevista y lo repito aquí, si me lo permites. El franquismo, sobre todo, atentó contra mujeres pobres. El nacionalcatolicismo fue un régimen terrible para las mujeres pobres, porque había abortos, las ricas iban a abortar fuera de España. Pero las mujeres pobres… a las mujeres pobres las educaban a su manera, las sacaban del colegio y las educaban para cuidar a los maridos.

Eso todavía sigue de alguna forma.

Sí, hay una reacción. Es evidente que hay una reacción. La gente que dice eso de 'feminazis' no tienen ni idea. No saben lo que es el feminismo. Ni yo tampoco sé lo que es el feminismo.

También hay una reacción respecto a los prejuicios contra el cine español, que parece que vuelven a aflorar. ¿Se nota que esos mantras renacen?

Yo no soy muy consciente. También tengo una edad, me va razonablemente bien y cada vez tengo menos miedo. Esto es una ventaja que tiene cumplir años, que ya tienes menos que perder. Yo me recuerdo con más miedo cuando tenía 20 años, cuando estaba empezando. Recuerdo esa angustia de si podré vivir de esto, o si podré tener una familia. Pero esta angustia ya no la tengo. Yo no tengo miedo. Tengo alguna otra cosa, pero a mí ya me la pela y hay cosas que no digo por educación, porque podría decir barbaridades, pero yo no tengo miedo a a decir ciertas cosas.

¿Hacer esta peli le hubiera dado miedo hace 20 años?

No. Lo que sí que pensé, y esto sé que va a parecer contradictorio, pero como dijo Pepe Mujica, igual que te digo una cosa, te digo la contraria. Esa es una frase que, para mí, define lo que es ser adulto, lidiar con la contradicción. Asumir que eres contradictorio. Pero lo que sí pensé es que si esta película no la dirigiera una mujer, ¿cómo coño se promociona?. Porque ves un lenguaje que puede ser sexista, y la peli es otra cosa, pero tiene ese título, que si la ves se entiende, pero es que eso de Tratamos demasiado bien a las mujeres se presta a que te lo coja un Vito Quiles o un Javier Negre y se hagan un texto y te hagan el lío. A mí me intentaron hacer un lío en la alfombra roja de los Goya preguntándome por Fermín Muguruza.

¿Cómo se vive eso, una provocación en una alfombra roja?

Me preguntaron algo así como que qué me parecería que mataran a tu madre, una de esas preguntas cuya respuesta va en la propia pregunta. Algo tipo, ¿estás a favor de la violencia? Me acuerdo que por suerte no lo pensé demasiado. Yo tengo un defecto, o una virtud, que es que en general yo trato a las personas como si fueran potenciales amigos. Yo a mis 56 años, o mis 40 y 16, como diría Sabina, confío en la gente. He tenido malas experiencias, pero en general yo te diría que todo el mundo es bueno.

El franquismo, sobre todo, atentó contra mujeres pobres. El nacionalcatolicismo fue un régimen terrible para las mujeres pobres

Antonio de la Torre — Actor

Es muy Un tranvía llamado deseo esto. Ese “siempre he confiado en la amabilidad de los extraños”.

Sí, yo tengo un buen concepto de la gente. Me he dado cuenta, y es un consejo que no me has pedido, que si contestas de buena fe, ganas. Si no entras al barro, ganas. A mí luego la gente me felicitó, y lo analicé y es porque en ningún momento yo entré, no me cabreé. No perdí los nervios. Fui tranquilo y sereno y dije lo que pensaba, que no siempre me pasa, desgraciadamente. Ojalá pudiera ser siempre así. En mi experiencia, si estás tranquilo y sereno y contestas de buena fe tu argumentario, ganas.

Creo que la última vez que le entrevisté me contó que es actor gracias a Alberto San Juan y me quedé con las ganas de saber más. 

Pues muy resumido, porque es una historia larguísima. Alberto y yo nos conocimos el primer día de clase en la facultad. Esto sí que es muy peliculero, pero te juro que es tal como te lo cuento. Yo llegué el primer día de clase. Un chaval con 18 años, con mi padre recién fallecido… Yo era una mezcla de soledad, de abandono y al mismo tiempo muy esponja. Toda esta energía que tengo, imagínate multiplicada por la juventud. Y Alberto era como tímido, taimado. Lo hemos hablado un montón de veces, que no teníamos nada que ver pero nos hicimos amigos. Para mí Alberto, es mi hermano. Entonces nos hicimos muy amigos y él me empezó a hablar de ser actor, porque yo ya había estado en una compañía de teatro y había coqueteado ya.

Osea, que el gusanillo estaba ahí antes.

Es que yo tengo una anécdota brutal. Yo estuve en una compañía de teatro infantil y lo dejé porque los niños del barrio me comieron la cabeza. Yo tenía 11 años, era el Año 79. 35 años después, en el año 2012, estaba rodando Caníbal en Granada y un día en un bar me toca alguien por detrás. Me vuelvo y era Antonio Galeote, un hombre de mi edad. Nos dimos un abrazo, me preguntó qué hacía por allí, y me dijo que cómo había triunfado en el cine y me preguntó, ¿te acuerdas de don Joaquín? Don Joaquín era el director de aquella compañía de teatro que se llamaba Teatro Arlequín, que a mí me parecía como la Royal Shakespeare Company. Y me dijo después: “Cuando te marchaste Don Joaquín dijo, qué pena que se haya ido ese niño porque tiene madera de actor y no tenía que haber dejado la compañía”. Se me puso la piel de gallina. Me resultó muy emocionante. De hecho, me emociono ahora al recordarlo porque me sentí como un personaje de una película. Tuve la fantasía, nunca lo sabré porque él ya se murió, de que él me vio y dijo “Ah, mira, ves como yo tenía razón”. Pero esto nunca lo lo sabré. 

¿En qué momento fue cuando pensó que lo había logrado, que ya era actor?

Yo creo que cuando gané el Goya por Azuloscurocasinegro. Aparte, luego Pedro Almodóvar me llamó para hacer un pequeño papel en Volver, que era un papel pequeño, pero tenía bastante importancia en la trama. Así que yo creo que fue con esa conjunción de Azuloscurocasinegro, que gané todos los premios interpretación, y Volver. El estar en con Almodóvar era… Me empezaron a llamar para currar aquel verano, y de hecho, para que veas lo que es el síndrome del pobre. En aquel momento yo tenía una cosa en Canal Sur donde me hicieron fijo, y eso era como un paracaídas. Me costó mucho irme, porque dejar Canal Sur tenía un peligro… es que el hambre es muy mala. Una vez se lo leí a Almodóvar y me encantó, que dijo que él aunque tenga mucho dinero no había perdido su conciencia de clase. Y yo, salvando las distancias, y a un nivel más 'marca Hacendado' me pasa algo parecido, aunque me vaya bien y sea un actor con cierto reconocimiento, nunca he perdido mi condición de pobre.

Vídeo de la entrevista completa

Vídeo: Nando Ochando y Javier Cáceres

La energía de Antonio de la Torre es contagiosa. Da igual que lleve una jornada promocional maratoniana, que acabe de comer o que haya perdido 20 kilos para su nueva película (el nuevo filme de Pilar Palomero, Los destellos). Su pasión se demuestra en cada palabra, en cada respuesta y en cada proyecto. Hace escasas 24 horas rodaba uno de los momentos cumbres de su nueva película y a las siete de la mañana ya estaba en Valladolid para empujar y estar en la inauguración del festival Seminci -antes de su estreno el 27 de octubre- con La contadora de películas, el título que protagoniza y que ha dirigido Lone Scherfig.

Un proyecto que tiene la firma de Isabel Coixet (por quien pasó antes la película) y Walter Salles en el guion y que adapta la novela del mismo nombre de Hernán Rivera Letelier sobre una familia obrera en los años 60 en el desierto de Atacama, en Chile. Una familia tan humilde que solo un miembro se puede permitir ir al cine. Será una hija que se revelará como una excelente contadora de historias. A través de su mirada su familia revivirá lo que ella ve; y a través de su mirada el espectador repasará la historia reciente del país; la situación que llevó a la victoria de Allende y también el golpe de estado de Pinochet que acabó con los sueños de tantos.

¿Qué había en esta película que le llamara, parece que hay algo en la historia reciente de Latinoamérica -también interpretó a Mujica en La noche de 12 años- que le llama?

Evidentemente me interesa mucho, y es verdad que el tema de Chile me interesa mucho, pero para ser honesto la razón por la que me enrolé en este proyecto fue porque me llamaron de A Contracorriente y me dijeron que había una película en la que podía hacer de chileno, que la dirigía Lone Scherfig y que estaba Berenice Bejo. Honestamente, me sonaba como un un proyecto muy atractivo, la verdad.

Y luego vino lo demás…

Esa es la respuesta sincera. Lo otro vino después y fue un caramelito. Entrar en ese mundo, investigar… Me puse a ver películas chilenas, el cine de Patricio Guzmán, una persona del equipo me dejó las claves de una plataforma para ver cine chileno… Y ahí ya entré a saco y ahí ya sale un vínculo. Es increíble, y me pasó cuando hice la película de Mujica. Yo cuando hice la película él me sonaba, creo que la entrevista de Évole había salido antes y la había visto, y una vez me metí en la película fui cuatro veces a Uruguay y vi tanto de él que me resulta inconcebible que yo nada más nacer no supiera ya todo sobre los Tupamaros.

Y me pasa algo parecido con la historia chilena. Yo sabía sobre Pinochet, sobre Allende, pero ahora soy consciente y hago otra lectura sobre lo que supuso el neoliberalismo en Chile, lo que hizo la escuela de Chicago. Entré mucho en la historia y me di cuenta de que de una manera inconsciente eso estaba también ahí para haber aceptado la película de una forma instintiva. Esta película me abrió la posibilidad de introducirme a saco en el mundo chileno y esto me lleva, y aquí me vuelve a salir el periodista que llevo dentro, a que a mí ya me aportan más las películas por la experiencia que me dan, que por lo que yo puedo aportar como actor. Mi teoría es que si tienes esa pasión, algo se queda el personaje. No digo que el hecho de que te interese mucho Chile te haga buen actor, pero yo creo que ayuda. 

La realidad es un punto de vista. De lo que yo en el pasado solo queda lo que contamos y el cómo se cuenta. No existe el pasado, solo existe el presente, y el pasado es el que nos contamos

Antonio de la Torre — Actor

Para completar está el timing, la película llega cuando se cumplen 50 años del golpe de estado de Pinochet, ¿cree que la película tiene una lectura en el mundo actual?

La lectura más deprimente del presente no es por esta película, sino por el recrudecimiento de la guerra entre Israel y Hamás. Mujica decía: “Que el ser humano use la violencia como resolución de conflicto, para mi sigue siendo primitivo”, y eso para mí es lo peor, que en el fondo seguimos ahí, volvemos a lo mismo. Mira quién puede ganar el domingo en Argentina... Por alguna razón no aprendemos. Yo veo muy clara la teoría, que es verdad que luego una cosa es lo que crees y otra es la realidad. Eso es algo que estoy aprendiendo de adulto, pero la realidad es que yo creo que, y lo digo por Palestina, por poner un foco ahora mismo, pero igual que en Ucrania, la única solución posible es la paz. La única solución posible es renunciar a la violencia.

Han coincidido en este primer día en Seminci su película, que habla sobre el poder de contar historias, con Green Border, una película que ha demostrado la fuerza de una película para poder cambiar las cosas en su país, Polonia. 

Es que la clave es el relato. EEUU gana la guerra, entiéndeme, la gana militarmente con la bomba en Japón, pero la gana cuando empieza todo el cine de Hollywood de los años 50 y 60, por el impacto que tiene el cine, y más en aquella época, como medio de comunicación de masas. Gana la guerra cuando gana el relato. Sé que estas son frases muy de entrevistas, pero lo decía Álvaro Brechner (director de La noche de 12 años), y es que la realidad es un punto de vista. De lo que yo viví en el pasado ya solo queda lo que contamos y el cómo se cuenta. No existe el pasado, solo existe el presente, y el pasado es el que nos contamos, o el que nos creemos. El que sabemos ahora.

La película habla de esa fascinación por el cine, ¿recuerda esa experiencia fundacional como espectador de cine?

A ver, yo tengo tres recuerdos. El primero, ese recuerdo de sentir que el cine es la hostia, es ir a ver la versión larga de Ben-Hur, un programa doble de Bruce Lee... estas sesiones de cuatro horas en el cine Monumental que estaba cerca del barrio y yo iba con mi madre y había un corte entre peli y peli. Eso es una primera fase, en los 70, siendo yo un niño. Luego hay una segunda fase como adolescente yendo a ver Grease, El exorcista, películas de los 80... haciendo colas a las tres de la tarde para la sesión de las ocho; y la tercera, que para mí es la que de verdad me convirtió al cine y me cambió la manera de ver el cine, y que si yo fuera ministro de Cultura suprimiría el doblaje, fue cuando fui a ver cine en versión original con Alberto San Juan, en los Alphaville y los Renoir. Ahí empecé a ver películas checas, películas japonesas, de Jim Jarmusch…

¿Ya era amigo de Alberto San Juan?

Sí, le conocí el primer día de clase. Yo soy actor por él, que hablamos de ser actores y luego nos apuntamos a la escuela de Cristina Rota cuando acabamos la carrera con 25 años. Pero yo recuerdo esa época de verdad de una pasión por el cine… el cine como viaje. Recuerdo ver La noche de las luces y fascinarme y enamorarme de Maribel Verdú, Terciopelo azul, … Y en versión original, como tienen que estar las pelis.

En la película la protagonista es la única de la familia que puede pagar una entrada, pero una vez entra y empieza la película todos los que se sientan en el patio de butacas son iguales entre sí. No sé si el cine es de las experiencias más democráticas que hay en ese sentido.

Sí, de hecho tengo una anécdota con la duquesa de Alba, que en paz descanse, que es que estábamos en un cine en Sevilla y le sonó el móvil, se levantó y se fue. Es una anécdota pero sí, es cierto. Y luego, parafraseando a Umberto Eco, hay una frase que decía que hay tantos libros como lectores, pues hay tantas películas como espectadores. Cada uno tiene su visión de la película, pero es verdad que sí, que ahí de repente, todos juntos somos iguales.

Mi amigo el cineasta Mariano Barroso, cuando accedió a la presidencia de la Academia de Cine (máxima representación del cine español) para suceder -debido a su fallecimiento- a la hasta entonces presidenta Yvonne Blake, escribió un artículo del que ahora tomo prestado el título. Él, a su vez, lo extrajo de las palabras que le dirigió la propia Yvonne cuando le convenció para que la acompañara en su aventura.

Entonces ella le explicaba a Mariano por qué tenían la responsabilidad de presidir una institución tan en el punto de mira: “¡Es nuestra obligación!”.

Hace unos días, me llamaron de elDiario.es proponiéndome escribir sobre mis argumentos de por qué estoy a favor de la unidad del espacio progresista y transversal que necesita nuestra patria para afrontar los desafíos del siglo XXI,  por qué apoyo lo que supone Sumar, y/o por qué me ha parecido infame la campaña de demolición de Podemos. Para mí estos tres temas son el mismo -y soy consciente de que tiene algo de oxímoron-.

Me pierdo en el marco teórico, no soy un politólogo y, menos, un intelectual. Pero confío en mi intuición, en mis tripas y en la información que devoro desde que empecé periodismo hace casi cuatro décadas. Y también en la certeza de que el único objetivo que realmente (me) importa es: mejorar la vida de la gente. Por eso la obligación (mía/nuestra/vuestra) es converger en un frente amplio que devuelva la ilusión para acudir a las urnas y depositar un voto (¿Yolanda Díaz?) que mantenga la legítima aspiración de una gente (o cuadros si se quiere) que -desde generaciones, pero con la punta del iceberg del 2015- llevan peleando en este país por alcanzar las utopías.

Para mí, esto es posible. Mi palabra preferida del castellano es “voluntad”. Ese léxico que te abona al autoconvencimiento me hizo creer un día que un provinciano hijo de familia humilde podría llegar a ganarse la vida como actor. Es cuestión de fe. Es pensar que si quieres, es posible, aunque nada objetivo te anime a ello. 

En este caso, se nos bifurcan la estrategia aparentemente más pragmática y sistémica de Sumar con la de Podemos, que legitima su derecho, ya no a asaltar los cielos, sino simplemente a no permitir que la/los entierren. Y lo entiendo. Toda mi comprensión a los dos marcos. Pero hay un interés superior (ese en donde ambos actores han reconocido que coinciden “al noventa por ciento”). No me refiero a evitar ese apocalipsis de ascensión de la ultraderecha (la estrategia del miedo a veces es un error), sino en hacer leyes, normas, lenguajes, que hagan un mundo mejor, que ayuden a los que más sufren, que posibiliten una economía sostenible, que atajen el odio, que llenen de esperanza, que hagan posible una sociedad mejor.

Pero lo más importante es generar ilusión.

Tengo 55. Esto me recuerda que mi padre nunca llegó a alcanzar los años, meses y días que cumplo mientras escribo estas líneas. Cuando falleció yo estrenaba mi mayoría de edad. Desde entonces, tengo recuerdos que doy por ciertos, y otros que se me opacan en la memoria. Pero sí mantengo la seguridad en la decisión que tomé entonces: mirar a los ojos de otro ser humano como a un potencial amigo, y confiar. Confiar. Me ha ido bien. Muy bien. Y, créanme, que en la vida y en mi rostro cada vez aumenta la mancha.

Yo cuando era más joven, no lo sabía.

Buscando la luz llegué a Madrid y conocí a lo más parecido a un padre que tuve en todos esos años. Era Máximo Sanjuán, padre del actor y hermano mío del alma Alberto Sanjuán. En cierta ocasión, él compartió una reflexión con su hijo que se me selló en el alma: “Si crees que un mundo mejor es posible, no esperes a que llegue, actúa como si ya existiera”. 

Ese momento es ahora. Me da igual el nombre, los marcos, el instrumento, lo único que me importa es la vida de la gente, soñar por momentos con la utopía. Hay que unirse y confiar. Por eso, lo que menos importa ahora es si esto se llama Sumar o Sumando Podemos o Podemos Sumar o Frente Amplio o -como dije al voleo en Hoy por Hoy de la SER- Partido del Condemor de la Pradera. 

La vida necesita ilusión y esperanza. O como dijo Atahualpa Yupanqui: yo trabajo de a trueno a sabiendas de que es para otro la llovida. Seguro que ese es el legado que quiso dejar Yvonne: es nuestra obligación.

Los presentadores de la 37 edición de los premios Goya serán Antonio de la Torre y Clara Lago: el actor andaluz y la actriz madrileña conducirán una gala que tendrá lugar el 11 de febrero de 2023 en el Palacio de Congresos y Exposiciones FIBES de Sevilla.

Antonio de la Torre es el actor con mayor número de nominaciones, catorce, a los premios Goya. Y se lo ha llevado en dos ocasiones: por Azuloscurocasinegro como Mejor Interpretación de Reparto y por El reino como Mejor Actor Protagonista.

La intérprete Clara Lago fue protagonista de la película más taquillera de la historia del cine español: Ocho apellidos vascos, y ha participado en más de 20 películas de todos los géneros. Fue nominada al Goya a Mejor Actriz Revelación por su debut cinematográfico, El viaje de Carol.

El evento estará dirigido por Tinet Rubira y Ángel Custodio y tendrá como coordinador de un equipo de guionistas a Fernando Pérez (nominado al Goya a Mejor Guion Adaptado por Kiki, el amor se hace). La gala será retransmitida por RTVE y será la primera bajo la nueva presidencia de la Academia del Cine, a cargo de Fernando Méndez-Leite, elegido como sustituto de Mariano Barroso el pasado mes de junio.

Ya se sabe quién recibirá uno de los premios, el cineasta Carlos Saura ha sido elegido como Goya de Honor 2023.

Durante años una de las bromas recurrentes en las ceremonias de los Goya era que todas las películas españolas tenían a Antonio de la Torre en su reparto. El actor vivió un momento pletórico y encadenaba estreno tras estreno. Pero también supo parar. Coger distancia y aire y pasar un tiempo pensando cuál sería el siguiente paso. Se lo puede permitir uno de los mejores y más versátiles actores que tiene el cine español.

Ahora, tras dos años de distancia, también provocados por la pandemia, regresa al cine con Entre la vida y la muerte, un thriller de Giordano Gederlini que se estrena este jueves. Un filme rodado en Bélgica y que le ha hecho aprender francés y unas coreografías de acción secas y rudas. Un proyecto que le acerca de nuevo al thriller, aunque con nuevos retos para su carrera. También tiene en cartera La contadora de películas, lo nuevo de Lone Scherfig con guion de Walter Salles, y estará en el próximo proyecto de David Martín de los Santos tras enamorar con La vida era eso. El actor ha regresado como siempre, como un torbellino de energía y ganas que se contagia.

¿Cómo llega a una película rodada en francés y en Bélgica?

Básicamente me mandan el guion y me dijeron que era en francés. Vi que era un thriller y había una parte de mí que decía, joder, otro thriller… Yo tenía mis dudas, había cosas que no me convencían, hacer otro thriller otra vez… Yo estaba en San Sebastián rodando La línea invisible y vinieron a verme el productor y el director, Giordano Gederlini, que habla español, porque es de origen chileno, y se sentó conmigo y vi que podía darle la vuelta a la tortilla. Pensé, qué guay hacer una peli en francés sin saber hablar francés.

¿No sabía nada de francés?

¡Qué va! Bonjour, bonsoir…

Y ça va

Yo creo que ça va ni sabía decirlo. Pero les vi un entusiasmo, muchas ganas y me cuidaron mucho en todos los aspectos. Así que me animé. Yo estaba en una fase… iba a decir en un periodo de reflexión, pero parezco Yolanda Díaz (risas), pero estaba en una fase de parar el carro, de pensar qué haces. Pero dije, mira, te vas a Bruselas y la haces en francés. Íbamos a rodar en marzo y abril de 2020, que no sé si te suena que hubo una pandemia, y después se retomó, pero ahí, como toda la humanidad me planteé que lo mismo se acababa el cine.

¿Cómo fue aprender francés?

Pues tuve un coach y me fui allí e hice inmersión total. Me iba a correr oyendo la RFI, me hinché de ver cine francés… que es curioso, pero veo cine cuando curro, en casa solo veo cine infantil. Pero he quedado muy contento.

¿Pesa la etiqueta de actor de thriller?

Todas las etiquetas acaban pesando. Hay una parte que dice, esto es lo que no quiero, pero en este caso pesaron más los elementos nuevos. 

Hemos pasado de verle en cuatro películas al año a estar dos años sin que estrene ninguna película, ¿ha habido un paro voluntario, ha sido la pandemia?

Las dos cosas. Creo que después de El reino tuve una especie de epifanía, que suena a palabras mayores, pero sí que era un momento de fin de ciclo.

Cuando veo a artistas diciendo que se retiran pienso, ¿a quién coño le importa? No somos tan importantes, ni cuando estamos ni cuando nos retiramos

Antonio de la Torre — Actor

¿Estaba saturado?

Una mezcla de todo, me dije que no podía ser esto. Es que entras en una rueda de películas, nominaciones… y esto o lo paraba alguien o lo paraba yo, no sé explicártelo.

¿Cuál era el requisito para volver a rodar?

A ver, el titular no es que decidí retirarme, porque yo nunca me he retirado, me parece imprudente eso. Cuando veo a artistas diciendo que se retiran pienso, ¿a quién coño le importa? No somos tan importantes, ni cuando estamos ni cuando nos retiramos.

¿Da miedo parar?

Da miedo cuando miras la cuenta bancaria. Yo, por suerte, tengo un piso en Sevilla, mis hijos van a un colegio público, no tengo coche… a ver, yo tampoco soy Pepe Mujica, a mí me gusta el chóped como a ti, pero tengo una edad que ya no le tengo tanto miedo… cuando estaba empezando sí pensaba qué sería de mi vida, pero ya no soy tan joven ni tan viejo, y creo que a no ser que el mundo cambie me van a seguir saliendo trabajos.

Este año ha habido un miedo a que el cine independiente, en el que usted suele actuar, desaparezca por la nueva Ley Audiovisual, ¿cómo ha vivido toda esta discusión?

Esto es como todo, todos los debates son poliédricos. Las plataformas están bien mientras no se produzcan explotaciones. A mí más de un técnico me ha dicho 'qué ganas tengo de que se pinche la burbuja de las series'. Yo eso lo he escuchado en el fragor de un rodaje. Pero por otro lado está trabajando mucha gente y bienvenido sea el trabajo. La cara oscura es si esto va a ser el mercado ahora. Yo te diría que, para mí, en un mundo ideal, que haya una eclosión del audiovisual y que mantengamos el cine de autor con políticas de Estado, como hace Francia, y que no cambiemos ese 'un' por ese 'dicho' (en referencia al polémico cambio en la Ley Audiovisual). Apostemos por los Alcarràs, por los Manuel Martín Cuenca, por películas en euskera, en galego…

El otro día apareció en un vídeo en la presentación de Sumar, la plataforma de Yolanda Díaz, nunca le ha dado miedo posicionarse políticamente.

Siempre da miedo, no me voy a dar golpes en el pecho ahora. Es que hay tantas batallas por librar, tantas cosas por decir, que me parecería impúdico que me diera golpes en el pecho. Siempre hay cosas sobre las que no te posicionas. Agradezco que me digas que me posiciono, pero siempre pienso que podría hacer más, pero es verdad que creo que ahora mismo no tengo demasiado miedo.

Antes ha mencionado El reino y justo todo el mundo estos días está hablando de los parecidos de la película con la vida real. ¿Cuando la hizo fue consciente de que todo lo que estaban contando era tan real?

Se da la paradoja de que Ferreras y Ana Pastor nos ayudaron con El reino, así que es un tema delicado para mí pronunciarme, sería más fácil hacerlo sobre los audios de Cospedal. Por un lado les tengo un afecto y un reconocimiento, pero es verdad que creo que el periodismo debe hacer una reflexión. Los medios de suscripción estáis consiguiendo, más o menos, una cierta independencia. Pero en general, todos los medios de comunicación tienen una servidumbre. Los medios audiovisuales, quizás por lo que es la televisión o la radio, han entrado en una dinámica del espectáculo. Y en eso sí que entraría mi crítica a esa dinámica. Eduardo Inda no contrastó la información y es una máquina de dar basura. Juan Torres, que es amigo mío, el economista, se fue de un plató porque Inda estaba provocando y no aguantó más. No digo que haya que irse, ese es otro debate, pero lo que quiero decir, y llevo años pensando en esto, porque soy periodista aunque me dedico a ser actor, y me atrevo a opinar, es que la información entra mucho en el cotilleo. El periodismo de hoy está pendiente de conspiraciones, de luchas de poder, de si Podemos se traga a Izquierda Unida, y no se enteran a veces incluso de una ley que lleva aprobada meses. Es un periodismo shakespeariano en vez de hablar de las cosas que importan a la gente, de leyes que importan. 

Le sale la vena periodística.

Sí. De hecho me ponen las pelis inspiradas en hechos reales

¿No se ha planteado escribir o dirigir?

Es que es una movida montar una peli. Es más fácil ser actor, con el curro que también tiene, que no es solo rodar, es toda la preparación, que yo me preparo meses. Ahora con los niños chicos me resulta impensable, quizás más adelante… está feo decirlo, pero creo que se me daría bien dirigir actores. Quizás para colocar la cámara podría asociarme con alguien, pero necesitaría un tiempo que ahora no tengo.

El exterminio por parte de los nazis de millones de judíos y -en menor número, pero proporcionalmente igual de aterrador- de gitanos, homosexuales y personas con capacidades diversas en campos de concentración permanece como uno de los grandes temas de la literatura, al arte y el pensamiento a día de hoy. No es el único genocidio, ni siquiera el más numeroso, pero sus especiales características lo convierten en paradigma del horror y la inhumanidad.

Antonio de la Torre y uno de sus más habituales colaboradores en cine, el director andaluz Manuel Martín Cuenca, eligen ese tema para el regreso a las tablas del actor nacido en Málaga. Parten de la entrevista que en 1976 Claude Lanzmann hace a Maurice Rossel, delegado de la Cruz Roja Internacional durante la Segunda Guerra Mundial. La conversación no se incluyó el documental que el cineasta preparaba sobre el holocausto, la mítica Shoa, que estrenó en 1985; pero Lanzmann la estrenó como una película independiente en 1996 y también publicó en libro la transcripción de la entrevista. A partir de ellos, Felipe Vega realiza una dramaturgia en la que combina a un personaje ficticio, una periodista italiana, con dos reales: el propio Rossel y Primo Levi, judío superviviente de un campo de concentración y que fue uno de los primeros y más importantes narradores del horror nazi.

El dispositivo es el mismo del original: la periodista ha citado a Rosell años más tarde para preguntarle sobre sus informes, en especial, el que hizo tras visitar el campo de Theresienstadt. La diferencia es que ha querido que Primo Levi esté presente en la entrevista. La propuesta escénica respeta el original y sitúa la entrevista en la cafetería del Hotel Roma (lugar en que se suicidó Cesare Pavese). Un único espacio, un tiempo que transcurre sin elipsis, y se concentra en el combate verbal de los tres reputados intérpretes. Esa es la apuesta de la pieza: no hay grandes efectos ni giros dramáticos espectaculares, sino tres personas tratando de entenderse entre ellos y a sí mismas. Un sutil espacio sonoro, una iluminación tenue y que juega con el claroscuro, y una escenografía hermosa y funcional (mesas y sillas de café centroeuropeo, un neón en el que se lee Hotel Roma, un tocadiscos y espejos que, quizá, son metáfora de la dualidad ilusión-realidad).

Tres miradas

Cada uno de los personajes representa una postura ante lo ocurrido: la periodista que no vivió el holocausto, pero que tiene claro todo lo que ocurrió gracias al minucioso estudio de la información histórica que maneja y, por tanto, desde el rigor, posee una verdad a la que quiere llegar; Primo Levi es la víctima que sobrevive de milagro al horror, lo cuenta y anda entre la desesperanza que le ha dejado ese horror y cavilaciones sobre qué es la memoria; y Rosell, el hombre neutral que tenía que dar informes en el momento y que, a toro pasado, se enfrenta a la acusación de tibieza y hasta benevolencia con el régimen nazi. Sin llegar a los extremos de lo que Hanna Harendt bautizó como la banalidad del mal en referencia al juicio de Eichmann (algunos individuos actúan dentro de las reglas del sistema al que pertenecen sin reflexionar sobre sus actos), Rosell se muestra como un hombre que sigue defendiendo el contenido de sus informes, lo que nos hace reflexionar sobre la actitud que adoptamos ante el horror cuando no nos toca directamente y lanza la pregunta de hasta qué punto la neutralidad o cierta ceguera (voluntaria o involuntaria) son cómplices de ese horror.

Los tres intérpretes resuelven con solvencia sus roles. María Morales dota de emoción la búsqueda de la verdad de su personaje, Juan Carlos Villanueva encarna con solemnidad a Primo Levi y Antonio de la Torre propone un Rosell simpático y, sin embargo, hermético. El director de la pieza, a lo Hitchcock, se reserva un cameo como hombre de paso en los primeros minutos de la función, sin que ello tenga incidencia sobre la acción. Primo, en el rato que se ausenta de la conversación, permanece en la escena como símbolo de la conciencia imborrable del horror. La obra solo rompe la cuarta pared en los minutos finales, los intérpretes se dirigen al público para darnos un mensaje que, creo, ya estaba contenido en la propia pieza.

Seguí la función con interés. La sutil amplificación con micros de las voces de los intérpretes les permitía una dicción natural sin necesidad de esfuerzos. El diálogo fluye y evita el peligro de sonar “a escrito más que hablado” al jugar sabiamente los intérpretes, en especial de la Torre, con intencionadas interrupciones y sutiles balbuceos que se parecen más al hablar coloquial que la emisión del texto impoluto. Sentí una leve desilusión en el clímax por estar, desde mi punto de vista, atenuado: no hay enfrentamiento directo entre las dos fuerzas centrales de la obra, los dos testigos directos. Quizá esa atenuación es intencionada y pretende decirnos que no hay respuesta clara al asunto del que se trata.  

Un hombre de paso ha contado con la colaboración en la producción del teatro Lope de Vega de Sevilla, que ha acogido su estreno absoluto, agotando las localidades en todas sus representaciones.

Más acostumbrados a ver a Antonio de la Torre en la gran pantalla, los espectadores tendrán la oportunidad de ver al actor malagueño del 27 al 30 de este mes de enero en su faceta teatral, sobre las tablas del Lope de Vega. Lo hará de la mano de otro hombre de cine y también andaluz, el almeriense Manuel Martín Cuenca, quien asume la dirección de Un hombre de paso, obra original de Felipe Vega cuyo estreno absoluto acoge el coliseo sevillano.

¿Qué podemos recordar y por qué lo hacemos? ¿Qué somos capaces de negar e imaginar? ¿Qué queremos recordar y para qué? Son algunas de las preguntas que, a partir de la memoria del Holocausto judío, plantea este montaje cuyo reparto se completa con María Morales – nominada a los Goya en 2014 por Todas las mujeres– y Juan Carlos Villanueva –La Isla Mínima, El Niño–, también andaluces y que ya han trabajado con anterioridad en películas de Martín Cuenca.  

“Antonio y yo habíamos hablado mucho de hacer algo juntos en teatro”, recuerda el director, quien se reconoce ilusionado y aterrado a partes iguales ante el reto del estreno. “Felipe, un viejo maestro mío al que admiro muchísimo, estaba escribiendo un texto basado en un documental de Claude Lanzmann sobre un tema que a los dos nos interesa mucho, y le apetecía que lo dirigiera yo. Tras una primera reunión durante la pandemia, en el momento en que estábamos encerrados, trabajamos en un proyecto sobre la presencialidad”.

Un testigo sospechoso

Ambientada en 1984, la historia de Un hombre de paso se desarrolla en el bar del hotel Roma, en la ciudad de Turín. Claude, de 30 años, habla por teléfono. Por su conversación, nerviosa, irritada incluso, nos enteramos de que se trata de un periodista francés. Nada más colgar el teléfono, de entre las sombras surge un hombre menudo. Es Primo Levi, escritor, químico de profesión, y superviviente del Campo de Exterminio de Auschwitz. Levi acude como testigo a una entrevista que Claude va a mantener con Maurice Rosell, de nacionalidad suiza, antiguo miembro de la Cruz Roja Internacional durante los años en los que transcurrió la Segunda Guerra Mundial. Por puro azar, Rossel logró colarse en Auschwitz y hablar con el comandante del Campo.

La experiencia de ambos hombres es diametralmente opuesta. Uno tuvo el privilegio de poder moverse con cierta libertad; Levi, en cambio, vivió todo lo contrario: una de las situaciones más extremas y destructoras del ser humano que hayan existido jamás en nuestra Historia. La situación va cambiando poco a poco. Las preguntas de Claude comienzan a tener un cierto tono acusatorio. El periodista francés está perfectamente informado de todos los movimientos de Rossel en el Campo de Exterminio. Y el suizo da la impresión de banalizar una experiencia única. Claude irá acorralando con sus minuciosas preguntas y aclaraciones al colaborador de La Cruz Roja, quien parece no haberse enterado de mucho en sus visitas, bien intencionadas pero vacías de resultados y contenido. Ambos hombres entran en un epílogo sorpresa en el cual Levi, con su lucidez habitual, sienta las bases de una decencia moral ausente de nuestra conducta habitual.

“Sin querer destripar lo que es la función, diré que Rosell es uno de los nuestros, que Rosell soy yo”, afirma Antonio de la Torre, que ya trabajara con Martín Cuenca en El autor, Caníbal o La mitad de Óscar. “Ojalá quien vea la función entienda que las cosas horribles que sucedieron entonces pasaron porque millones de personas miraron para otro lado. Yo llevaba diez años sin hacer teatro, y una de las razones por las que he vuelto es por esto: creo que se actúa con el alma, no con la cabeza, y esto se aplica en la televisión y en el cine también. Yo se lo digo mucho a Martín Cuenca: no hay que comerse la cabeza, Manolo, no pensar solo en algo técnico, sino trabajar desde algo primario, de lo que sientes y de lo que te pasa. Este es el tipo de creación artística en la que creo. Pasión, carne, alma, incluso si me lo permites, deseo y sexo sobre el escenario”, agrega con una sonrisa.  

“Igual te va a decepcionar, pero no tengo ni la más repajolera idea”, prosigue el actor cuando se le pregunta por el método que ha seguido para meterse en la piel del personaje. “He hecho poco teatro, de modo que es un proceso que iré viviendo día a día. Pero si me oyes hablar de la palabra resultado, será que se me ha escapado”. Y concluye: “Rosell es suizo, pero te puedo dar la primicia de que no lo voy a hacer en suizo ni en alemán [risas]. Se trata, como digo, de vivir el momento. Es algo inaprensible, como el agua que se te escapa de las manos. Cada función va a ser un salto al vacío, pero es lo que queríamos, y lo que podemos garantizar”.  

Limitarse a no ver

Para Martín Cuenca, el personaje de Rossel abre “un sinfín de preguntas al espectador porque, a pesar de que él dice no haber visto nada, no podemos saber si es que realmente no vio, no quiso ver o, quizás, se limitó a no ver”. De este modo, añade, “Vega ha logrado acercarnos al terror del Holocausto desde una óptica tremendamente contemporánea en una atmósfera desnuda, tensa y sofocante, con decorado casi inexistente donde solo interviene la luz”.

El alcalde de Sevilla, Antonio Muñoz, no quiso perderse la rueda de prensa, y antes de marcharse a atender otros asuntos de la ciudad subrayó que un estreno como el de Un hombre de paso es reflejo de “la nueva filosofía del que es el gran teatro de Sevilla y referente en todo el país”. Asimismo, manifestó su satisfacción por el hecho de que “el público sevillano y quienes nos visiten tendrán la oportunidad de ver por primera vez sobre las tablas esta magnífica propuesta que es estreno absoluto y que seguirá a partir de aquí una importante gira nacional”.

Cabe recordar que, tras su estreno en el Lope de Vega, la obra emprenderá su gira nacional con una primera parada en Madrid, donde podrá verse en las Naves del Teatro Español en Matadero entre los días 3 y 20 de febrero.

Imagina que no hay países. No es difícil hacerlo. Nada por lo que matar o morir. Tampoco ninguna religión. Imagina a toda la gente viviendo la vida en paz. Quizás digas que soy un soñador, pero no soy el único. Espero que algún día te unas a nosotros. Y el mundo será uno solo.

Tal vez porque se acostumbró a mirar tanto al Mediterráneo que el esperanzador azul del mar se proyecta en sus ojos: “Tengo un sueño: unos Estados Unidos de la humanidad sin fronteras''.

Quizás porque piensa que la igualdad pasa por ''la revolución educativa, formativa e informativa: me considero una persona de izquierda internacionalista, en mi ideario no cabe que ningún ser humano tenga menos derechos que otro''.

Acaso porque cree que ''el gran desarrollo intelectual, moral y emocional es superar la confrontación y el odio''.

Probablemente porque pertenece a la estirpe de quienes sueñan un mundo mejor, lo proclaman y en su vida cotidiana trabajan para convertirlo en realidad: ''Las únicas revoluciones que han perdurado son las que comenzaron de un modo pacífico''.

Sin haber interpretado nunca a John Lennon ni haber tenido la oportunidad de estrechar su mano, si se hubieran visto sin conocerse, se hubieran reconocido. Como el de Liverpool, el malagueño, para imaginar y ver claro, sabe cambiar la dirección de la mirada: ''Todo tiene un porqué, una causalidad y creo que ahondar en las raíces de eso nos permitiría tener un mundo con más paz, aunque sea una utopía, pero la humanidad ha avanzado gracias a esos locos que creían en esa utopía''.

Desde crío, Antonio de la Torre trabajó tanto la suya que, de auténtico realista, pasó a ser visionario. Huérfano, con poco más que lo puesto y ''el síndrome del pobre'' proclive a aceptar cualquier trabajo, se vino a Madrid, estudió, se duchó en la Pensión García por 75 céntimos diarios y bombardeó a sus amigos para que fueran al cine y lograr así que aguantaran más en cartelera las películas en las que salía. Mientras, se convirtió en periodista deportivo. Y con sobrada inteligencia emocional, aprendió ''mucho más del fracaso que del éxito''. Un día se hizo la magia trabajada con esfuerzo y alcanzó ''la oportunidad genial para ser otro''. El éxito no le confundió. Escalando la cima se sacudió los prejuicios y comenzó ''a juzgar menos y a entender más a las personas''.

Sin disfrazarse nunca delante ni detrás de las cámaras, como el hombre leal a sus principios que nunca baja la mirada y siempre la mantiene con humildad, ha vivido tantas vidas como personajes ha interpretado. Con la sabiduría del malacitano que sabe que el viento puede cambiar de rumbo y que hay muchos fracasos que llegan por no darse cuenta de lo cerca que está el éxito, celebrando su carrera se ha comido la pantalla y todo lo que se pusiera por delante como Caníbal. Ha cogido 33 kilos para convertirse en uno de los Gordos y ha adelgazado 17 para meterse en la piel del ex presidente de Uruguay. Ha transformado su natural campechanía en una venganza aterradora cuando era Tarde para la ira. Ha entonado la Balada triste de trompeta, ha desvelado que él y Raúl Arévalo eran unos particulares Primos que podían convertirse en Amantes pasajeros, en La gran familia española y hasta llevarnos a una Isla Mínima, para que Dios nos perdone diciendo Abracadabra y nos descubra El autor, El invasor y al Grupo 7. 

Con su nombre metido ya de lleno en el firmamento del AzulOscuroCasiNegro y en El Reino de los Goyas, el hombre de las mil caras, y de la cabeza siempre bien situada, solo acapara el histórico récord de haber sido nominado 14 veces a los Goya y llevarse a casa dos cabezones. También el máximo reconocimiento del Sindicato de Actores en cinco ocasiones, seis premios de los Escritores Cinematográficos, la Medalla de Andalucía y otra ristra infinita de honores. Sin embargo, la vanidad ni le roza: ''La clave es aprender a vivir con poco porque, como apunta José Mújica, 'cuando tú pagas algo, no lo pagas con dinero sino con el tiempo que invertiste en ganar ese dinero'''. Y eso es irrecuperable.

La vida en manos del trabajo, nunca del destino

La curiosidad, el riesgo y la sinceridad son las señas de identidad de quien encuentra lo importante en la mirada, no en lo que mira. En veintiocho años de oficio Antonio ha visto mucho. En cincuenta y tres, asomándose a la vida, más.

En un tercer piso del barrio obrero de Ciudad Jardín conoció los primeros planos nada impostados de los afectos, de aquellos que aprendió que ''se educa viviendo'', aunque ellos solo tuvieran tiempo para matarse a trabajar. De un padre, administrativo de profesión, que se dejó la vida, demasiado corta, ganándose un jornal desde los 12 años hasta los 56; entonces, la muerte, disfrazada de enfermedad, tocó a su puerta y con ella se fue sin haber alcanzado más lujo que su sentida pasión por el Málaga CF. También de una madre, ''ama de casa casi analfabeta'', que sabía tan poco de los libros como de vivir sin los miedos de una infancia que le secuestró la posguerra; seis años después de fallecer su marido, la misma dolencia le obligó a seguirle los pasos y al menor de sus hijos ya nadie volvió a llamarle ''Antonio Jesús'' desde la ventana de la cocina para que subiera a comer. De dos hermanos mayores, a los que dio sus primeros pases con el balón, y de otras dos abuelas viudas, también narradoras de calamidades. ''Historias de hambre'' que le hacen ser ''antifranquista porque vi en ellos una generación perdida: mi padre se quedó huérfano con tres años y siendo un niño tuvo que empezar a trabajar. ¿Quieres cargarte la ideología de la gente? Oblígala a sobrevivir y se acabó la ideología''.

De su familia, en aquella pequeña vivienda de protección oficial malagueña, también aprendió a creer más en el trabajo duro que en el destino: ''La vida se anda, no es ningún camino que te pongan ahí''. Con paso fuerte, porque ir de puntillas no garantizaba la supervivencia, antes de soñar con ser actor ya había comenzado a actuar. Primero vaticinó su obsesión ''por contar historias'' retando a su propia credibilidad con quien le meció la cuna: ''En el cole me hice muy amigo de un niño de un curso superior y yo, que estaba en primero, le conté una trola a mi madre diciéndole que podía pasar a segundo. Ella fue a hablar con la profesora y esta le dijo que sí, que yo era muy listo y que estaba preparado. Entonces, fui toda mi infancia un año adelantado, aunque no sé muy bien para qué sirvió''. Después, con 12 años, volvió a dar muestra de sus dotes para la interpretación, esta vez pisando un escenario: ''En el colegio apareció la compañía Arlequín que hacía actividades con niños. Recuerdo ensayar la obra La historia de Pituchín y Pituchina. No lo podré olvidar. Tuve muy claro qué era lo que me gustaba''. Sin embargo, el peso casi ineludible de las opiniones de los amigos, en plena pubertad, pudieron más que la vocación y se apartó del teatro.

Camufló su vacío con las películas que alquilaba, sin descanso, en el vídeo club de la Sra. Bárbara, enfrente de su casa. Con algunas, Alfredo Landa se convirtió en su ídolo, ''el actor que siempre quise ser''. Con otras, también adquirió cultura cinematográfica, y descubrió cintas que vería una y otra vez: ''El Exorcista, que me aterró cuando era un adolescente y que no ha envejecido en absoluto, y El Padrino por las interpretaciones, por el tiempo, por el cine en estado puro''. Al llegar el estío, año tras año, sustituía esos maratones por campeonatos de fútbol, en La Cala del Moral, en los que se dejaba el aliento y la voluntad sin pasar desapercibido: ''Tengo recuerdos muy bonitos con todo lo que supone ese deporte. Es difícil explicarlo, pero la pasión que sentimos, la solidaridad, la diversión, el sentimiento de pertenencia a un grupo que gana, que pierde, es muy flipante''. Por encima de la distorsión que genera el tiempo y la memoria que idealiza los recuerdos, guarda en el corazón ''tardes gloriosas en La Rosaleda''. También ''el olor de las moragas que hacíamos en verano en La Cala, en ese lugar y en ese tiempo en el que fui feliz''.

El fútbol, el viaje al periodismo y el poder de la vocación

Cuando echa una ojeada al niño que fue, recuerda varios trenes hasta que pudo subirse al suyo. El primero tuvo como destino Madrid, como fecha 1986, y como asunto estudiar periodismo.

En la literatura privada de los recuerdos de Antonio hay muchos ligados al deporte que han sobrevivido precisos al tiempo porque en ellos está su padre: su primer partido juntos en el primer estadio de la ciudad, ''un Málaga-Burgos en el que ganamos por un gol que no vi porque en ese momento miraba a la grada'', las caras de emoción y los abrazos sentidos celebrando victorias como ''cuando el Málaga le ganó al Sporting y se clasificó para Champions''. Nunca ha podido abstraerse de aquellos momentos que envolvieron en papel de regalo su infancia. Mucho menos cuando, poco antes de acabar el instituto, un cáncer en el estómago paterno acabó con la posibilidad de volver a repetirlos.

Del mismo modo que su padre le había acercado al fútbol, el balón lo hizo a los programas de deportes. Escuchando en la radio, noche tras noche, Supergarcía, había soñado ''ser de mayor periodista deportivo como Butanito''. Con entrevistar y narrar ''historias bonitas'' como la de su admirado coterráneo Juanito, ''el chaval de barrio que triunfa luego en un gran equipo. Me encantaría hacer una película, un 'biopic', sobre él''.

Con una beca de 20.000 pesetas, la mitad de lo que le costaba dormir cada mes en un piso compartido del madrileño barrio de Argüelles, y ''un curro en negro por el que cobraba 30.000'', sobrevivió en la capital los cinco años de carrera universitaria ''trabajando por la mañana y estudiando por la tarde''. También leyendo con una avidez que no había tenido nunca. La pluma de Gabo escribiendo los Cien años de Soledad de los Buendía fue la culpable: ''Recuerdo que lo leí en la facultad y estaba deseando llegar a casa, como un novio enamorado, para reencontrarme con el libro y devorarlo''. 

Su primer empleo profesional llegó, en 1990, en Canal Sur, como productor de un programa de radio. Dos años más tarde, enfermó su madre, mientras él ''tiraba de cualquier conocido para que ella estuviera mejor'', pero nada la salvó. Era 1992. Alberto San Juan, uno de los mejores amigos de Antonio en la facultad, se fue a Madrid a estudiar interpretación en la Escuela de Cristina Rota. Sin nadie ya que le esperara en casa, y sin saber por dónde tirar, de la Torre se preguntó: ''¿Cuándo tenga cuarenta40 años le voy a perdonar al de 24 no haberlo intentado?'' Un billete de ida a Madrid fue su respuesta inmediata.

El Reino de los Goyas

''Si alguien me hubiera dicho que años después ganaría algún Goya y me llamaría Almodóvar, me hubiera ahorrado una depresión, pero es verdad que aquello que no hagas, nunca más lo vas a hacer''.

Él se arriesgó y lo hizo. Durante cinco años, hasta casi cumplir los 30, interpretó papeles ''en los que casi no se me veía. Aspiraba a algo más y no tenía cuajo para aguantar eso''. La necesidad le llevó a una prueba de presentadores, de nuevo en Canal Sur, y la casualidad y su desparpajo hicieron que comenzara a trabajar como periodista deportivo en Sevilla. Con las lentejas ya cubiertas, retomó su carrera: ''Mis compañeros me ayudaron mucho para poder cambiar turnos e ir a castings''.

Sin rendirse y extrayendo todo lo bueno, incluso aquello que a otros ojos pasaría desapercibido, hizo su primera aparición en una película, en 1994. Interpretando el papel de ''periodista 3'', Los peores años de nuestra vida marcó el inicio de los mejores tiempos en su carrera: ''Siempre quedará en mi recuerdo como el primer beso, por esa sensación virginal de verte en un rodaje, es inolvidable''. Ocho años después se sintió plenamente actor trabajando en Poniente de Chus Gutiérrez. Pero la cinta que cambió su devenir, ''la que hace que deje el periodismo definitivamente'', llegó en 2006 con título en colores presagiando el triunfo, AzulOscuroCasiNegro. También con la promesa cumplida de su director, Daniel Sánchez Arévalo, con el que ya había trabajado en varios cortos: ''Nadie te ha escrito un papel a la altura de tu talento y lo voy a hacer''. En su primer largometraje, el cineasta puso el guion en manos de Antonio. El actor, que nunca repite una escena porque su autoexigencia hace que cada toma sea diferente, acabó levantando su primer Goya en 2007. Tenía cerca de 40 años.  

Sumergiéndose de nuevo en la complejidad del ser humano, el reconocimiento como mejor actor protagonista lo celebró en 2019 entrando en El Reino de nuestro cine. En esta ocasión se guio por la dirección de Rodrigo Sorogoyen, pero también por sus conversaciones con Rubalcaba, con Eduardo Madina y con varios políticos en activo, con imputados, con el Bigotes, con Francisco Correa y con Cristina Cifuentes, con jueces e incluso asistiendo al juicio de la Gürtel. Escuchándolos abrió oídos y mente. Sin dejar que nada humano le fuera ajeno, se metió en el impecable traje de un político de provincias envuelto en una trama de corrupción casi tan real como el triunfo que dedicó ''a los que se levantan cada mañana queriendo cambiar el mundo'' y al orgullo de sus raíces: ''Este Goya se queda en esta tierra de pasión y talento que se llama Andalucía, pueblo multicultural que abraza siempre al que viene de fuera. Si ha sido así, seguirá siendo así''.

El hombre que cuando hace un papel aspira ''a ser otro'' y siempre lo consigue, que no reconocemos de una a otra de sus películas, obras de teatro y series de televisión, arropado solo por la curiosidad y el talento, honra la memoria de sus padres y de sus semejantes: ''El miedo mata la vida. La verdadera revolución es cuando no necesitas el poder para relacionarte con los demás. La manera en que Europa ha tratado la crisis de los refugiados ha reflejado nuestro fracaso como modelo de civilización. Una sola vida es infinitamente más valiosa que cualquier frontera, nación o bandera. Y una vida con todos los recursos básicos que una vida decente requiere y precisa''.  

Como el niño curioso que lleva dentro y la tenacidad de quien siempre encuentra una forma y evita excusas si quiere algo, Antonio Jesús de la Torre Martín, a ritmo de El trato que tiene con Mala Rodríguez, despide su Playlist poniendo música a su convencimiento de que, ''cuando crezcamos como seres humanos, de una manera más universal y generosa, más nos acercaremos a un tiempo nuevo''.  Persuadido por un sueño ''que es posible'', vuelve a imaginar y sonríe esperanzado como el 'beatle' más rebelde.

Imagina que no hay posesiones. Deseo que puedas hacerlo. Que no hay necesidad de codicia ni hambre. Una hermandad humana. Imagina a toda la gente compartiendo todo el mundo. Quizás digas que soy un soñador, pero no soy el único. Espero que algún día te unas a nosotros y el mundo será uno solo.

La serie de Mariano Barroso ha cruzado las trincheras de la pandemia a base de armas invisibles. La línea invisible, laproducción de Movistar+ se iba a presentar, por todo lo alto, en el Festival de Málaga, pero el certamen de cine español recibió el tsunami del coronavirus justo la semana que arrancó la cuarentena.

La línea invisible ha llegado a nuestras casas con una premiere online, con Movistar ofreciendo su plataforma de manera gratuita durante un mes y mediante entrevistas que, en vez de la azotea de un hotel malagueño con vistas al Mediterráneo, se han celebrado por teléfono o videollamada.

Al otro lado del teléfono nos atiende Antonio de la Torre. En La línea invisible interpreta al comisario Melitón Manzanas, un implacable jefe de policía franquista que quiere atajar de raíz y con las artes propias de una dictadura, el germen de un movimiento independentista y marxista: el nacimiento de ETA. El actor malagueño se mimetiza con un policía del régimen, que cree que hace lo correcto y no tiene reparos en emplear la violencia para conseguirlo.

Morir y matar, víctima y verdugo: ¿cuál es esa línea invisible?

La línea invisible es matar, solucionar los problemas matando. El régimen era violento, no vamos a blanquear ahora una dictadura sanguinaria. Me he acercado al personaje de una manera humana. Un hombre que hace lo que tiene que hacer, que cumple con su deber. No quería hacer una figura maniquea.

¿Cómo se prepara un villano?

Primero no preparándose un villano, porque si no, empiezas equivocado. Es una persona que tiene unas circunstancias, una época, una mentalidad y a partir de ahí lo haces. Él hace lo que tiene que hacer, no piensa que esté haciendo el mal, cumple con su obligación, que es mantener el orden.

¿En qué se ha basado la investigación de tu personaje?

Hablé con la familia de Melitón Manzanas. Nos dieron una visión de cómo era él, cómo era en familia y qué le gustaba. También hay un informe del gobierno vasco sobre las torturas. Hay documentadas como 3.500 personas torturadas, que todavía siguen vivas. Pude hablar con unas cuantas, que aseguran que fueron torturadas por él. Me hablaron de su personalidad.

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En la radio, en el cine, en la televisión. En todas partes. La trinchera infinita del dictador Francisco Franco perdura más allá de su muerte. Pervive en nuestra memoria y nuestras palabras, sin importar que lo idolatremos, lo odiemos, tratemos de ignorarlo o de recordarlo a toda costa. Está ahí y se filtra en la actualidad con la exhumación de los huesos del dictador o en la cartelera de nuestros cines.

Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga regresan con la película La trinchera infinita (Moriarti Films, La Claqueta), que se estrena el próximo 31 de octubre, a uno de sus temas favoritos: la memoria. Como ellos mismos recuerdan, ya tocaron el tema en Loreak, pero de una manera, quizás, más intimista. Ahora lo hacen abordando uno de los temas más dolorosos de la Guerra Civil: los topos de la guerra. Esas personas que permanecieron ocultas en sus casas durante décadas, por miedo a que las ejecutaran.

Esa es la historia que cuentan en película: la vida de Higinio, un trasunto de todas esas personas enterradas en vida y cuya historia se va articulando con dosis de acción, profundidad narrativa, actuaciones de Belén Cuesta y Antonio de la Torre y unos rótulos que, a modo de definición, van marcando y enlazando la historia.

Desenterrar a Franco, el inesperado juego de palabras

Como la realidad es tozuda y sorprendente, dos de esos rótulos han terminado enredándose con la actualidad a una semana del estreno de la película: 'Desenterrar' y 'Franco'. La realidad ha superado a la ficción cuando los restos de Franco abandonan, por fin, el Valle de los Caídos. ¿Pura casualidad? Al otro lado del teléfono se encuentran los tres directores vascos, que responden ordenadamente y con pasión a un tema que sigue generando una enorme polémica.

Afirma el politólogo Dominique Moïsi (Geopolítica de las series. O el triunfo global del miedo (Errata Naturae)) que los guionistas de las series de ficción actuales tienen una sensibilidad especial para transmitir los miedos y los sentimientos que subyacen en una sociedad. Es lo que le ocurre en La trinchera infinita, la obra de ficción que se inspiró en el documental andaluz 30 años de oscuridad (Manuel H. Martín) y toda la literatura creada por autores como Manu Leguineche.

Jose Mari Goenaga asegura que cuando introdujeron el rótulo Desenterrar en la película “el tema de desenterrar a Franco ni siquiera estaba en el debate público. Sí es cierto que se hablaba mucho de abrir las fosas comunes. Vemos que la película deja filtrar elementos que están en el debate público, pero nosotros los ordenamos de otra manera. En la película no se desentierra a Franco, pero sí a otra persona. Lo hacemos así para hacer reflexionar al espectador y colocarlo en otra posición”.

Goenaga abunda en que son dos las acepciones que se dan en la película de 'Desenterrar': exhumar y traer a la memoria lo olvidado. Cree que, precisamente es en ese segundo sentido donde está la clave de la polémica que genera la exhumación de Franco: “Levanta ampollas porque trae a la memoria lo olvidado. Según el conflicto que se nos presente, todos tenemos cosas que queremos olvidar o recordar”.

Tanto en Loreak, como en La trinchera infinita, sus protagonistas se tropiezan siempre con la misma piedra: “aunque impongas el olvido o el recuerdo, la memoria sigue su cauce, se convierte en algo colectivo. Aunque algún colectivo trate de obligarnos a olvidar, termina teniendo vida propia”.

Una sociedad atrincherada

La polémica en la que ha quedado envuelta el desentierro de Franco en un lugar honorífico construido por presos de guerra como el Valle de los Caídos, nos lleva a preguntarnos si la sociedad española sigue inmersa en esa “trinchera infinita” que da título a esta película multipremiada en la última edición del Festival de San Sebastián.

Aitor Arregi considera que “nos escuchamos muy poco. Hay algo de atrincheramiento ahí, aunque no sé si más o menos que en otros países. Creo que ese atrincheramiento existe y que toca techo cuando hablamos de la Guerra Civil”. Goenaga abunda en que, efectivamente, conflictos como la Guerra Civil o la dictadura franquista “no acaban, sino que se transforman. Son conflictos que no están cerrados, pero que algunos prefieren ignorar”. Por su parte, Jon Garaño subraya que la Guerra Civil termina para unos en el 39 y, para otros, en el 75.

“Franco parece una señora mayor disfrazada”

Así, Franco representa en la película la amenaza invisible que, poco a poco, va calando en la cotidianidad de ese matrimonio deshecho por su golpe de estado. Su figura les llega a través de la prensa y radio, luego a través del cine y, finalmente, irrumpe con toda su violencia en el salón familiar... a través de la televisión. Es, además, uno de los momentos más cómicos de la película, uno de los rellanos en los que sus directores se apoyan para dejar respirar la historia con humor: “Parece una señora mayor disfrazada... no tiene cuerpo de jefe (de Estado)”, espeta Rosa (Belén Cuesta) tras verlo en el informativo cinematográfico del NODO, en uno de los momentos más celebrados por los espectadores.

“En algún momento, queríamos hablar de Franco, pero de una forma desmitificadora. No había un afán de ridiculizarlo, pero sí de acercarnos a él desde el punto de vista de un matrimonio de pueblo, en un momento en el que tienes la sensación de que nadie más te oye”. La escena permite, además, reflejar la “evolución psicológica y ideológica de Higinio. Es un personaje que arranca con unos ideales y un espíritu militante. Critica que una de las mayores victorias del franquismo es que la gente no se preocupe de la política, pero él, con el tiempo, termina sucumbiendo a esa despreocupación”.

Una dictadura infinita

Es decir, Higinio representa a esa mayoría de españoles que terminaron aceptando que la dictadura sería eterna. O infinita. “Lo vemos escuchando el discurso de Franco con interés, mientras su familia protesta. De ese modo, Higinio hace el mismo recorrido que muchos españoles, que no estaban enterrados en su habitación, pero sí sufrían otro tipo de encierro: no podían decir lo que querían y se tenían que esconder. Seguramente, porque estaban igual de incomunicados que Higinio”, apunta Goenaga.

Para el trío de directores vascos es muy importante defender que no se trata de 'otra película de la Guerra Civil', un subgénero que ha terminado creando un cierto prejuicio entre los que argumentan que “desde la Transición, la guerra y el franquismo siempre se ha retratado el conflicto desde una determinada posición ideológica. Nuestra intención es otra: la de aportar una reflexión a un nivel más humano, ya que es una alegoría sobre el miedo. Sin olvidar el contexto, nos gustaría que el público se acercase a ella sin olvidar el contexto, para que más allá de ideologías, te puedas sentir identificado”.

La 67ª edición del Festival de San Sebastián está mostrando cómo la Guerra Civil española continúa siendo material ideal para hablar del presente e intentar comprender un pasado reciente que no ha sabido restañar la política.

Si el sábado fue Alejandro Amenábar con la paradoja de Unamuno en Mientras dure la guerra, el domingo reinó en el festival la coproducción vasco-andaluza La trinchera infinita, que llegará a los cines el 31 de octubre. Una compleja historia que ha impactado en la crítica y el público del festival donostiarra construida con los retazos de la vida de varios topos que vivieron tres décadas recluidos en sus casas para evadir el franquismo.

Aitor Arregi, Jose Mari Goenaga y Jon Garaño, la cooperativa vasca Moriarty que logró sumar 10 Goyas con Handia hace dos años, dirige su primera película fuera de Euskadi mirando hacia el sur con la cooperación de la productora andaluza La Claqueta.

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Dinámica, divertida y andaluza. Al menos, en lo que a entregadores de premios se refiere. Ahí arriba han estado directores como Alberto Rodríguez, Manuel Martín Cuenca o Benito Zambrano, actrices de la talla María León, Belén Cuesta, Cuca Escribano o Belén López, y actores como Manolo Solo.

A pesar de que había más de una veintena de nominaciones para producciones artistas andaluces, la cosecha ha quedado reducida al Goya obtenido por Quién te cantará (actriz revelación para Eva Llorach) y el mejor cortometraje de animación ha recaído en el almeriense José Herrera por Cazatalentos (aquí la entrevista que le hicimos en FilmAnd). Pero, sobre todo, para el segundo Goya del actor malagueño Antonio de la Torre.

La de este 2 de febrero en Sevilla ha sido, sin lugar a dudas, la noche de El reino. O al menos, eso parecía durante toda la noche... estaba nominada en 13 categorías y ha terminado guardándose, no sabemos si en un maletín o una caja fuerte, cinco premios Goya.

Campeones triunfa en el último minuto

CampeonesLo que nadie se esperaba es que Campeones (Javier Fesser), agazapado toda la velada, iba a meter su triple final sobre la la bocina y en la categoría reina, mejor película, tras haberse llevado 'tan sólo' los premios a mejor canción, recogida por Coque Malla, y el de actor revelación, Jesús Vidal, quien, sin duda, ha dado el discurso más emocionante y emocionado de la noche.

Vidal ha recordado que Campeones, un film sobre un entrenador de baloncesto profesional (Javier Gutiérrez) al que obligan a llevar un equipo de barrio formado por personas con diferentes discapacidades, es una película sobre “la inclusión, la diversidad y la visibilidad”.

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Fue la noche de El reino. Y sobre todo ellos gobernó un (ausente) Antonio de la Torre, que continúa en una racha imparable con su papelón en la película dirigida por Rodrigo Sorogoyen que le ha valido el premio a mejor actor de los Premios Feroz.

Hasta cinco premios se llevó la acelerada caricatura de la corrupción de Sorogoyen, incluidos el de mejor película, director, guion, actor protagonista (Antonio de la Torre, que ya se llevó el Forqué y apunta a los Asecan y los Goya), actor de reparto (qué momentazo nos da ese Luis Zahera desde el balcón de ‘su’ partido).

Los premios de la crítica cinematográfica tuvieron la noche del sábado un sabor muy andaluz. Y eso que se celebraban en Bilbao, con más de 3.000 disfrutando de la gala desde las gradas. Empezando por la presentadora, la actriz sevillana Ingrid García-Jonsson.

y siguiendo por el primer premio que se otorgó. A la catalana Anna Castillo, por su papel como secundaria en la producción andaluza Viaje al cuarto de una madre (Pecado Films), dirigida por la sevillana Celia Rico.

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Por segundo año consecutivo, los Premios Forqué se han entregado en Zaragoza. La 24 edición de estos galardones ha reunido a un buen número de estrellas del cine español en el Palacio de Congresos de la capital aragonesa. A diferencia de lo sucedido en 2018, esta vez solo hubo una película ganadora, fue Campeones, de Javier Fesser. Eva Llorach se llevó el premio a la mejor actriz y Antonio de la Torre el de mejor interpretación masculina.

La gala, conducida de nuevo por Elena Sánchez y Edu Soto, contó con las actuaciones de Ana Guerra, las chicas y chicos de Operación Triunfo, Blas Cantó y Carlos Baute junto a Marta Sánchez. La traca final corrió a cargo de los tambores de Calanda.

La gran triunfadora fue Campeones, que se llevó el premio a mejor largometraje de ficción. Su director, Javier Fesser, rodeado de algunos de los actores y actrices, le dedicó el premio a todas las películas que le han inspirado y le “han hecho mejor persona”.

La mejor actriz fue Eva Llorach, por su espectacular interpretación en Quién te cantará. La murciana no se podía creer ser la elegida entre tan increíble elenco de nominadas. En el escenario se acordó de “todos los actores y actrices desconocidos porque vuestra voz merece ser oída y vuestros trabajos vistos”.

El galardón a la mejor interpretación masculina fue para Antonio de la Torre, por su papel en El Reino. El actor malagueño, tan nominado y tan poco premiado, reconoció estar emocionado y le dedicó el galardón a todas las directoras que le dieron “los papeles más importantes” de su carrera, a los periodistas “que se levantan cada mañana para intentar cambiar el mundo” y a los “miles de políticos decentes que quieren hacer las cosas mejor”.

El resto de premios se repartieron así: mejor cortometraje, Cerdita, de Carlota Pereda; mejor largometraje documental, El Silencio de otros, de Robert Bahar y Almudena Carracedo; mejor película latinoamericana, Roma, de Alfonso Cuarón; premio al cine y educación en valores, Campeones. Además, el productor José Frade, fue galardonado con la Medalla de Oro de EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales).

Más de una veintena de nominaciones a los premios Goya 2018 han recibido las producciones, los directores, directoras y los intérpretes andaluces. La ceremonia, que se celebrará el próximo mes de febrero, tendrá así un importante sabor andaluz, no sólo por la larga lista de nominaciones andaluzas, sino por la celebración de la 33ª edición en Sevilla.

La coproducción andaluza que más nominaciones acumula es Quién te cantará, de Carlos Vermut: maquillaje y peluquería, vestuario, sonido, fotografía, actriz revelación (Eva Llorach), actriz de reparto (Natalia de Molina) y actriz protagonista (Najwa Nimri).

Le sigue la película de la directora sevillana Celia Rico, Viaje al cuarto de una madre, nominada como directora novel (Celia Rico), actriz protagonista (Lola Dueñas), actriz de reparto (Anna Castillo) y montaje.

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José Mujica estuvo preso 12 años. Junto con sus compañeros del Frente de Liberación Tupamara fue rehén de los militares golpistas que tomaron Uruguay entre el 1973 y 1985.  Lo cuenta con crudeza, poesía y humanidad el director Álvaro Brechner que vió en Antonio de la Torre a Jose Mujica. Ambos nos cuentan cómo fue el rodaje de La noche de 12 años.

En nuestro especial de cine a manos de Manu Piñon también hablamos de Hotel Explotación: las Kellys“ el documental en el que Georgina Cisquella hace visible la lucha de las que las limpian los hoteles, las trabajadoras que dejaron de ser invisibles.

Carne Cruda cumple 10 años gracias a sus oyentes Ayúdanos una temporada más. ¡A por la décima!

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Antonio de la Torre es el actor con más películas en la edición 66 del festival de San Sebastián, en donde no ha parado de ir a galas, coloquios y hacer entrevistas desde el pasado sábado con un aroma exultante que no se le va de la cara. Y es que el malagueño no está aquí con cualquier papel, sino con enormes personajes, dos de ellos protagonistas y otro parte de un reparto coral, de los que huelen tanto a premios como a resistencia en la memoria de los espectadores.

Para empezar, se mete en la piel de Pepe Mujica en La noche de 12 años, de Álvaro Brechner, centrada en el tiempo de cautividad que el después presidente uruguayo vivió junto al ex ministro de defensa Eleuterio Fernández Huidobro, y el periodista y escritor Mauricio Rosencof. Tres protagonistas en un filme duro, sobre las condiciones penosas y las torturas a las que fueron sometidos tres hombres que prometieron ser diferentes al régimen que los maltrató, y que lo lograron.

Un emocionado pase el pasado domingo en el K2 de la ciudad donostiarra acabó con media platea entre lágrimas y al actor diciendo esa frase tan peliculera de que el día que se retire esta película habrá dado sentido a su carrera.

El malagueño también protagoniza El reino, la electrizante tercera película de Rodrigo Sorogoyen donde encarna a un político corrupto en uno de los pocos filmes que miran cara a cara a las cloacas de la política española actual. La película, muy bien acogida en San Sebastián y con estreno a la vista el próximo viernes 28, da sentido a la famosa frase de Giulio Andreotti sobre que existen los amigos, los enemigos y después están los compañeros de partido.

Por último, De la Torre también forma parte de Tiempo después, la secuela de Amanece que no es poco, dirigida por José Luis Cuerda, una coproducción con parte andaluza. Dentro de su reparto coral con Roberto Álamo y Blanca Suárez, la almeriense Nerea Camacho y los sevillanos Manolo Solo y Estefanía de los Santos, además de cómicos como Raúl Cimas, Joaquín Reyes o Andreu Buenafuente, Antonio hace de cura surrealista, etiqueta ajustable a cualquier personaje de la trama.

Sentado en el cuartel general del festival, el hotel María Cristina, el actor habla, ríe y se emociona ante este momentazo en su carrera.

¿La noche de 12 años te ha hecho ver a Pepe Mujica aún con mejores ojos?

¿Sabes qué pasa? Cuando me ofrecieron este papel hace dos años y medio en una cafetería en Madrid con Álvaro [Brechner, el director], por increíble que parezca, yo no sabía mucho ni de este movimiento [los tupamaros] ni de Mujica. Después dio sus dos grandes conferencias, en el G5 y en la ONU en Río, que le dispararon como el gran líder global de la izquierda que será hasta el día que se muera, que ojalá sea dentro de muchos años. Entonces, Álvaro me explicó quiénes eran los tupamaros, lo que pasaron, qué tipo de acciones hacían... Supo transmitirme una idea bastante romántica de esta gente. Y yo le dije, hay que hacer una película de esta gente, si no, para qué hemos quedado hoy aquí. Él sonrió porque pensó que había logrado que me subiera al barco en solo diez minutos.

A partir de ahí, viajé cuatro veces al Uruguay, trabajé el acento, tuve un coach en rodaje que me estuvo ayudando, vi muchos vídeos de Mujica y me empapé de todo. Descubrí a una persona carente de vanidad. Cuando Álvaro le dijo al ex presidente que yo iba a hacer de él, dijo [pone acento uruguayo]: “bueno, alguien lo tendrá que hacer” (risas). Nos ayudó mucho y siempre nos decía que notaba que le poníamos alma. Aunque también decía que no quería darle mucha pelota porque ya le escribieron un libro y le pasaron por lo alto. Ese hombre es la persona más coherente que yo he conocido, ese verbo tan difícilmente conjugable para el ser humano que yo no lo logro conjugar del todo. Yo solo a veces soy coherente.

Apoyó la película por la causa para enseñar cómo el ser humano puede enfrentarse a momentos de dificultad. Hay una frase que él hace suya de una canción de Atahualpa Yupanqui que dice más o menos: “Yo trabajo de a trueno a sabiendas que para otros es la llovida”. Ese es Pepe Mujica. Su casa parece Lourdes, allí ha ido hasta el rey a quien le dijo: “A ti te cagaron porque te hicieron rey” [de nuevo con acento uruguayo].

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En La trinchera infinita, las interpretaciones de Antonio de la Torre y Belén Cuesta nos transportan a la posguerra española. Él interpreta a Higinio, un topo de la Guerra Civil, y ella a Rosa, la esposa que lo oculta, durante 33 años, de la represión franquista.

La película está dirigida por los creadores de Handia, ganadora de 10 premios Goya, Aitor Arregi, Jose Mari Goenaga y Jon Garaño. Goenaga explica que el reto de la película es transmitirle al espectador “la claustrofobia, incomunicación, suspense y ese miedo que te llega a paralizar” de Higinio.

Durante un mes han rodado en localizaciones de Huelva, como Higuera de la Sierra o Paymogo, y Carboneras (Almería). Las calles de Higuera de la Sierra han retrocedido 80 años en el tiempo: las paredes de las casas han envejecido con pintura ocre, se han ocultado los cables eléctricos y el asfalto ha quedado cubierto con esa tierra rojiza que recuerda a la que se encuentra a orillas del Río Tinto.

Higuera se ha transformado así en esa Andalucía rural que vivió las inclemencias de la posguerra y en la que algunos hombres permanecieron ocultos durante décadas, por miedo a represalias del régimen.

La historia de Higinio se inspira en la de esos hombre, que Jesús Torbado y Manu Leguineche documentaron en el libro Los topos, y que años después Manuel H. Martín contó en su documental de animación 30 años de oscuridad.

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